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La torre eiffel simbolizaba el progreso de la humanidad, como símbolo de una sociedad brillante.

En comparación con las torres gemelas, símbolo de la propia gratificación de una sociedad contenta
consigo misma e inexpugnable. Se puede ver en ellas el inicio de la etapa moderna y su final
respectivamente. Su final refleja los horrores del siglo XX. Porque los artistas pocas veces
representaron dicha miseria moderna? El arte decía algo del mundo y sus acontecimientos. El
guernica de 1937 fue la ultima pintura que se inspiró en un tema político para cambiar la opinión
del publico acerca del poder. Se dispuso en las Naciones Unidas. En 2003, Collin Powell hablo de la
guerra en Irak, el guernica fue cubierto sutilmente con un manto azul. El arte mas controvertido de
hoy relata no los horrores del mundo, sino las fobias personales de los artistas. Todo es demasiado
pretencioso, buscan impactar y demarcar su originalidad. Se busca un resultado inmediato y
comprable. El revival no deja espacio a algo nuevo.

El modelo principal del arte era la moda a partir de Warhol. La sensación de saturación y anestesia
de los medios masivos, de la cultura vacía. De la producción en masa y novedades en serie. Artistas
posteriores se han desenvuelto en esta misma idea de banalidad y masificacion. La publicidad hecha
iconografía. [Lo vacío de su obra se concreta con la totalidad del discurso que Koons debe hacer
para explicar, por ejemplo, el enorme souvenir de Michael Jackson, que por si mismo es carente de
un contenido estético que explique su contenido, y solo el discurso que lanza palabras como
“eternidad, mono, evolución, Michael, tragedia, famosos” da idea de que diablos quiere decir la
obra. Es claro que la obra no dice nada, y al ser muda, es Koons quien hable por ella.] Nadie
cuestiona la obra de Koons porque es de solido valor en el mercado. En los últimos 25 años, el
precio del arte y su volumen mercantil ha aumentado considerablemente. El alto precio de un
Picasso retira la obra de la vista publica, es una ocultación al observador común, y un privilegio al
millonario, constituye una obscenidad cultural. El deseo de poseer es el motor del coleccionista.
Poseer objetos que otros perciben como valioso confiere cierto valor a la persona que los posee.

El arte no necesita causar un impacto inmediato para poseer valor. Paula Rego narra su experiencia
psíquica. Ella sostiene que la pintura para ser tal debe contar historias. Estas dan una explicación del
mundo, un sentido. Para ella la violencia queda plasmada en el folklore, de manera que pueda ser
asimilada. Lo publico y lo privado se entrecruza en el ámbito familiar, es una fuente de conflicto.
Con los cuadros se pueden hacer cosas que no son posibles en la realidad. Nunca ha considerado su
arte como un discurso social, el poder que intimida. Las imágenes de Rego no son sensacionalista y
demuestra que para ser contemporánea no necesita agradar a los medios y puede tener algo que
decir, aunque no sea agradable.

Anselm Kiefel trato de comprender el atractivo y corrosivo naturaleza del poder, a través de
fotografías con el saludo nazi. Un vasto sistema de referencias culturales y técnicas victorias,
cargándolo de tragedia y redención, que el arte reciente trivializa. El uso de materiales da fuerza al
contenido y a la idea, por ejemplo, el uso de números, ropa y otros soportes para representar el
holocausto. Que debo recordar? Esta pregunta recorre la obra de Keifel. Distinta de la ironia esteril
y la búsqueda trivial, promueve la imaginacion moral.

Es difícil recordar la historia y al mismo tiempo procesar todas las imagenes que nos atiborran dia a
día. Rodeados de deseos y caos basura. Debemos limpiar nuestra percepción y valorar lo que
realmente merece ser recordado. Las imágenes que importan son las que retendremos.
David Hockney fue la respuesta inglesa a Warhol, buscaba la belleza a traves de lineas ásperas y
pesadas. La estilisacion mostró que la belleza puede ser radical. Su trabajo fotográfico es
fragmentación y reconstruyendo un cuadro semicubista con imágenes cambiantes, devolviendo a la
fotografía el ojo certero del pintor. Posteriormente regresó a la pintura, dando imágenes sencillas y
comedidas. [Su técnica de pintura directa sin dibujo previo le da muchísima naturalidad y claridad a
sus acuarelas.] La fotografía limita lo que puede expresarse en la realidad. Hay mas cosas que
suceden que el lente no puede mostrar la forma en que lo ves. La emoción, las superficies y la
memoria, de curiosidad y ojo despierto.

En los últimos años, ha existido una depreciación por las técnicas tradicionales de pintura y dibujo.
Provocado por la asunción de que el cine, la fotografía y la televisión cuentan la verdad de lo visual.
La cámara con suerte puede contar una verdad distinta de la pintura, pero no una mas cierta. La
pintura y el dibujo nos llevan a una relacion mas profunda con el objeto. Necesitamos un arte
tranquilo y lento, que crezca de la perfección y que su técnica nos haga pensar y sentir. Que no sea
sensacionalista y falsamente icónico, que se desvanezca, un arte opuesto a los medios de
comunicación de masas.

La pintura de Lucian Freud es compacta y densa, y desde picasso, ha estado haciendo del estudio
del cuerpo humano un tema inquietante. Construye la forma en un orden de expresión que resulta
muy diferente de la expresión fotográfica o impresa. Despierta la curiosidad, exigiendo un
compromiso activo del espectador. Nada de esto ocurre con Warhol u otros carroñeros de la imagen,
posmodernos. Hay un contraste de formas que resultan tensas, y personajes sinuosos que se
adentran en la inconsciencia. Pinturas como la de Freud desmienten a los críticos que proclaman la
muerte de la pintura, reivindicando el triunfante vigor y su derecho a exigir.

Pintura es lo que no son los medios de comunicación masiva. Un modo especifico de compromiso.
El mundo se reforma una y otra vez bajo el ojo subjetivo del pintor. Existe la belleza en lo abstracto
también. Una belleza que es sutil y accesible a lo abstracto. La experiencia urbana compartida. Sean
Scully, Sus colores y su estilo es reflexivo, evocando las cuadriculas de Manhattan. El arte es un
santuario que guarde un espíritu potente. Un arte interactivo es de masas, pierde su alma. EL arte
distinto debe ser meditativa, dando la claridad de un cuerpo a sus obras. Sus imágenes son opacas,
concretas, sin horizonte libre, grave, atrapante. Un cuadro actúa de una forma lenta y subliminal en
la cultura. La pintura abstracta tiene que ver con la representación de lugares donde el tiempo ya no
sirve, mas cerca quizás de la música, buscando la armonía como belleza.

Se suponia que el arte era revolucionario, hoy el arte busca ser bello, y que manifieste la belleza. La
gente lo necesita, se pide y se busca la contemplación, las sensaciones libres. Los museos son
catedrales de experimentacion del arte, un mundo lejos de los medios, capaz de invocar la belleza.
Buscamos valor, significado, mas alla de lo cotidiano.

La idea que la experiencia estética proporciona una comprensión trascendente resume el concepto
del arte. Cumple una necesidad humana, y a pesar de la decadencia y el desorden, el deseo de
experimentarlo, vivir con ello y aprender de ello, sigue siendo inmortal.