REPUBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACION

U.E.COLEGIO “MADRE EMILIA”
2 AÑO “A”

ARTE
BARROCO

Alumna: Profesora:
Shantal Castillo # 2 Libia Gómez

Los Dos Camino, Enero del 2019

 Índice
Contenido Pág.
Introducción………................................................... 1
Historia del arte barroco ……………………………. 2
Definición del arte barroco………………………….. 3
¿Que es el arte barroco?......................................... 4
Origen del arte barroco……………………………… 5
Características del arte barroco…………………… 7
Tipos de arte barroco……………………………….. 9
La escultura barroca……………………………... 12
La pintura barroca……………………………………. 13
 Arte de caballete
 Artistas más destacados del arte barroco
La arquitectura barroca……………………………… 15
 La arquitectura barroca en latino américa
La música barroca……………………………………. 18
 ¿Cual es la filosofía de la música en el barroco?
 ¿Cuales son las características de la música del barroco?
 El impacto de la música barroca
 La danza y el teatro
Anexos…………………………………………………. 27
Conclusión…………………………………………….. 30
Bibliografía…………………………………………….. 31

1
 Introducción
El presente trabajo tiene la finalidad de dar a conocer un poco más sobre
el arte barroco, su historia, definición, ¿Qué es?, origen, características y
los tipos de arte que representa. También se le hará referencia a la
escultura, pintura, arquitectura y la música que esta representa en nuestra
cultura y lo que ha representado en la historia de la humanidad.

1
 Historia del arte barroco

Siguiendo los pronunciamientos del Concilio de Trento sobre cómo el

arte baroco puede servir a la religión, junto con el aumento de la
confianza en la Iglesia Católica Romana, se hizo evidente que era
necesario un nuevo estilo de arte bíblico para apoyar la Contrarreforma
católica y totalmente transmitir los milagros y sufrimientos de los Santos a
la congregación de Europa. Este estilo tenía que ser más enérgico, más
emocional e imbuido de un mayor realismo. Fuertemente influenciado por
los puntos de vista de los jesuitas (el Barroco a veces se conoce como “el
Estilo Jesuita”), la arquitectura, la pintura y la escultura debían trabajar
juntas para crear un efecto unificado. El ímpetu inicial vino de la llegada a
Roma durante la década de 1590 de Annibale Carracci y Carravaggio
(1571-1610). Su presencia despertó un nuevo interés en el realismo, así
como en las formas antiguas, ambas asumidas y desarrolladas (en
escultura) por Alessandro Algardi (en escultura) y Bernini (en escultura y
arquitectura). Peter Paul Rubens, que permaneció en Roma hasta 1608,
fue el único gran pintor católico en el idioma barroco, aunque Rembrandt
y otros artistas holandeses fueron influenciados por ambos Caravaggismy
Bernini. Francia tenía su propia relación (más secular) con el Barroco, que
era el más cercano en arquitectura, en particular el Palacio de
Versalles. La figura clave en el arte barroco francés del siglo XVII fue
Charles Le Brun (1619-1690), quien ejerció una influencia mucho más allá
de su propio métier. Véase, por ejemplo, la fábrica de tapices Gobelins,
de la que fue director. España y Portugal lo adoptaron con más
entusiasmo, al igual que las áreas católicas de Alemania, Austria, Hungría
y los Países Bajos españoles. La culminación del movimiento fue el Alto
Barroco (c.1625-75), mientras que el apogeo de la grandiosidad del
movimiento estuvo marcado por la cuadratura fenomenal conocida como
Apoteosis de San Ignacio (1688-94, S. Ignazio, Roma), por el pintor de
techos ilusionista Andrea Pozzo (1642-1709 ) Seguramente una de las
mejores pinturas barrocas del siglo XVII.

1
Nápoles, en 1600, la segunda ciudad más grande de Europa después de
París, fue un importante centro de arte barroco de la contrarreforma. La
escuela napolitana fue desarrollada por Caravaggio, Ribera, Artemesia
Gentileschi, Mattia Preti (1613-99) Luca Giordano (1634-1705), Francesco
Solimena (1657-1747) y otros.

Nota: Llevó más tiempo para que el estilo barroco llegara a Rusia.
De hecho, no fue hasta el período del arte petrino en San
Petersburgo bajo Pedro el Grande (1686-1725), que arquitectos
como Rastrelli, Gottfried Schadel, Domenico Trezzini, Andreas
Schluter, Michetti, Matarnovi y Leblond comenzaron a diseñar en el
estilo del barroco ruso .
A finales del siglo XVII, el gran estilo barroco estaba en declive, al
igual que su principal patrocinador, Italia. La próxima potencia
europea era Francia, donde estaba comenzando a surgir un nuevo y
contrastante estilo de arte decorativo. Este estilo desenfadado pronto
envolvió la arquitectura, todas las formas de decoración de interiores,
mobiliario, pintura, escultura y diseño de porcelana. Era conocido
como Rococó.

Definición del Arte Barroco

En las Bellas Artes, el término Barroco se deriva del Portugués

‘barroco’ que significa, perla o piedra irregular y describe un idioma
bastante complejo, originario de Roma, que floreció durante el período
entre los años 1590 y 1720, que incluye la pintura y escultura, así como
la arquitectura. Después del idealismo del renacimiento (1400-1530) y la
naturaleza del manierismo (1530-1600), el arte barroco refleja sobre todo
las tensiones religiosas de la época. En particular el deseo de la iglesia
católica en Roma (ya anunciada en el Consejo de Trento, 1545-63), de
reafirmarse en la raíz de la reforma protestante. Por lo tanto es casi
sinónimo del arte católico de la Contrarreforma de la época.
Muchos católicos emperadores y Reyes en Europa tuvieron una
participación importante en el éxito de la iglesia católica, por lo tanto un
gran número de diseños arquitectónicos, pinturas y esculturas fueron
encargadas por los tribunales reales de España, Francia y otros lugares,
en paralelo a la campaña global del arte cristiano católico, perseguido por

1
El Vaticano, con el fin de glorificar su propia grandeza divina, en el
proceso de fortalecer su posición política. En comparación, el arte
Barroco en las áreas protestantes como Holanda tenía contenido mucho
menos religioso y en el lugar del otro, fue diseñado esencialmente para
atraer a las aspiraciones crecientes de los comerciantes y clases medias.
Para cumplir con su papel de propagandista, el arte barroco de inspiración
católica solía ser de grandes obras de arte público, tales como pinturas
murales monumentales y enormes frescos en los techos y bóvedas de
iglesias y palacios. Así, la pintura barroca ilustra los elementos
fundamentales del dogma católico, ya sea directamente en obras bíblicas,
o indirectamente en composiciones mitológicas o alegóricas. Junto con
este enfoque monumental, magnánimo, los pintores retratan típicamente
un fuerte sentido del movimiento, usando remolinos espirales y
diagonales ascendentes y fuertes colores suntuosos, para deslumbrar y
sorprender.
Igualmente, se desarrollaron nuevas técnicas del tenebrismo y el
claroscuro para mejorar el ambiente. La pincelada cremosa y amplia, a
menudo resulta en gruesos empastes. Sin embargo, la teatralidad y el
melodrama de la pintura barroca no fue bien recibido por críticos
posteriores, como el influyente John Ruskin (1819-1900), quien los
considera falsos. En la escultura barroca, el tamaño fue típicamente más
grande, se caracterizó por un sentimiento similar de movimiento dinámico,
junto con un uso activo del espacio

¿Qué es el Arte Barroco?

El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un

fenómeno complejo de índole social, político y religioso. El barroco es la
continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera
mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones
clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la
serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de
los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la

1
ostentación. En la actualidad, el arte barroco se considera una de las
mayores declaraciones artísticas que abarcaba diversos movimientos,
tanto el político y religioso como el social. Como la gran mayoría sabrá,
El arte barroco es una continuación de un movimiento artístico
denominado manierismo italiano que abarca hasta la mitad del siglo XVI.
El barroco como movimiento artístico, es reconocido como uno de los
estilos artísticos más complejos que abandona toda aquella serenidad
clásica, que por otro lado caracterizaba al manierismo, y comienza a
manifestar en sus obras la agitación y el movimiento de todos los
sentidos. Por esta simple razón, al arte barroco se le considerará una
tendencia de ostentación y exageración.
Se creó en la época del renacimiento y anterior al neoclasicismo.
Comenzó a popularizarse en Italia y luego se extendió hacia el resto
de Europa.
El Barroco es un movimiento cultural, un estilo artístico desarrollado
entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando diversas
disciplinas como la arquitectura, la pintura, la música y la literatura y la
característica que más de define es por la ornamentación excesiva.

Origen del arte Barroco

El arte Barroco surgió como un estilo promovido principalmente por la

Iglesia Católica, ya que las ideas reformistas y racionalistas intentaban
dejar de lado la religión no sólo en los espacios artísticos si no también en
el vivir cotidiano de los individuos.
Para hablar del origen del arte barroco tenemos que diferenciar dos
cosas: las causas políticas y religiosas y las causas psicológicas y
sociales.
 Las causas políticas y religiosas: Se suele decir que el Arte Barroco
es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad
e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la
edificación de templos con profusión de escultura.

1
 También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que
tanta aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los
desnudos y las escenas escandalosas.
Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la
Iglesia sobre los artistas iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción
mediante estímulos psicológicos. Estas normas aparentemente
conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso y
recargado que llamamos Barroco. Posiblemente en la actualidad todas las
personas conozcan al arte barroco como un arte de contrarreforma. La
iglesia Católica para actuar en contra del protestantismo, mandó la
edificación de diversos templos con un exceso de escultura. Además no
solo eso sino que exigió a los artistas que se alejaran de crear obras con
temas paganos y por ello tuvieron que evitar los desnudos o escenas
alborotadoras. Con unas normas estrictas y conservadoras se desarrolló
lo que llamamos Barroco
 Las causas psicológicas y sociales: El siglo XVII fue una época de
guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La
vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por
eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida
agitada e intensa para el hombre barroco.
En ese contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de
la vida así como el movimiento y el color, como si de una magna
representación teatral se tratase. De hecho, se ha indicado con acierto
que en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y
vistosidad de la representación teatral.
Al igual que una representación dramática se apoya en un decorado
vistoso y efímero, la arquitectura barroca se subordina a la decoración,
que ha de ser espectacular. Otra de las características del barroco que se
manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es el juego de las
sombras. En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes
claroscuritos violentos. Esto es apreciable fácilmente en la pintura (por
ejemplo el Tenebrismo) pero también en la arquitectura, donde el

1
arquitecto barroco juega con los volúmenes de manera abrupta con
numerosos salientes para provocar acusados juegos de luces y sombras,
como se puede
Apreciar, por ejemplo, en la Basílica del Pilar de Zaragoza en el
siglo XVII la vida estaba repleta de dolor y muerte por la aparición de la
guerra. Con esta nueva necesidad, el artista Barroco intenta experimentar
con el arte hasta dar lugar al movimiento y el color, es por ello por lo que
las obras de ese siglo intentan transmitir una agitación y un amor por la
vida representada de forma dramática. Con esta nueva necesidad de
experimentar el arte barroco comienza a caracterizarse por el uso del
“juego de las sombras” y de la decoración magnífica y espectacular.

Características del arte barroco

 Representación de sentimientos y emociones más que por la mera

imitación de la realidad que rodeaba a los artistas de la época.
 Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que
habían sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan
representarlas de manera altamente expresiva.
 Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.
 Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos
escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras
arquitectónicas.
 Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las
escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
 La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y
escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco,
los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación
correcta del espacio y la perspectiva.
 El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las
figuras no se representan en los cuadros como simples

1
 estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad
propia.
 Los artistas buscaban la representación de los sentimientos
interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente
reflejados en los rostros de sus personajes
 La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte
barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte
occidental.
 Los edificios solían construirse con materiales pobres pero
resaltando la majestuosidad y la monumentalidad de la obra.
El periodo del arte barroco comprende 4 características principales que
son el tenebrismo, realismo, líneas y hora.

Tenebrismo

Usualmente hay una fuente de luz, conocida como tenebrismo, en el

arte barroco. La luz y la oscuridad contrastantes, como en las sombras,
dan dramatismo a las obras. Ambos tienen un efecto en las emociones y
la intensidad de la pieza.

Realismo y naturalismo

El realismo es un aspecto importante del arte barroco. Rubens abrazó

la realidad en su arte. En “San Jorge y el dragón”, San Jorge es
musculoso con una armadura que aparece como lo hacía en la vida
cotidiana. Su caballo es representado como luchador y fuerte. El
naturalismo también se vio en el arte barroco a través del uso de detalles
normales únicos en la vida cotidiana. Caravaggio empleó esta técnica en
su trabajo al mostrar lugares locales como tabernas y campesinos. Coloca
al espectador en la pintura aplicando cosas como parte del primer plano y
del espacio central. Las expresiones faciales resaltan los estados de

1
ánimo o las emociones de los sujetos. Los artistas a veces se ponen en la
pintura como parte de las sombras.

Líneas

Las líneas ayudan a transmitir el movimiento y a menudo se

presentaron en piezas barrocas. El acortamiento de las alas, al reducir la
longitud de las líneas en el dibujo para dar una ilusión de extensión en el
espacio – contribuye a la sensación de movimiento. Ya sea asimétrica,
vertical u horizontal, esta técnica puede engañar al ojo y darle espacio a
la pieza. Los trabajos siguen una forma de “S” en la composición. Por
ejemplo, en “La conversión de San Pablo” de Caravaggio, las líneas
diagonales muestran el drama. Las líneas también pasan por la difusión
en el arte barroco con figuras curvas y capas horizontales.

Hora

Muchos artistas que usaban el estilo barroco conocían el tiempo y lo

usaban para transmitir la fuerza de la naturaleza y también cómo el
tiempo era parte del proceso de la vida. Se incluyó a un hombre mayor
que simbolizaba el tiempo en una gran cantidad de piezas para ilustrar
que el tiempo llega para todos. El posicionamiento de las personas en
cada trabajo da la sensación de que el tiempo avanza y retrocede.

Tipos de arte barroco

Para cumplir su papel de propagandista, el arte barroco de inspiración

católica tendía a ser una obra de arte público a gran escala, como
pinturas murales monumentales y enormes frescos para techos y bóvedas
de palacios e iglesias. La pintura barroca ilustra elementos clave del
dogma católico, ya sea directamente en obras bíblicas o indirectamente
en composiciones mitológicas o alegóricas. Junto con este acercamiento

1
monumental y elevado, los pintores típicamente retrataban una fuerte
sensación de movimiento, utilizando espirales giratorias y diagonales
ascendentes, y esquemas de colores suntuosos y fuertes, para
deslumbrar y sorprender. Nuevas técnicas de tenebrismo y claroscuro
fueron desarrollados para mejorar la atmósfera. El pincel es cremoso y
amplio, a menudo dando como resultado un empaste grueso. Sin
embargo, la teatralidad y el melodrama de la pintura barroca no fueron
bien recibidos por críticos posteriores, como el influyente John Ruskin
(1819-1900), que lo consideró insincero. La escultura barroca, típicamente
de tamaño mayor que el real, está marcada por un sentido similar de
movimiento dinámico, junto con un uso activo del espacio.
La arquitectura barroca fue diseñada para crear espectáculo e ilusión.
Así, las líneas rectas del Renacimiento fueron reemplazadas por curvas
fluidas, mientras que las cúpulas y techos se ampliaron, y los interiores se
construyeron cuidadosamente para producir efectos espectaculares de luz
y sombra. Fue un estilo emocional, que, siempre que fue posible, explotó
el potencial teatral del paisaje urbano, como lo ilustra la Plaza de San
Pedro (1656-67) en Roma, que conduce a la Basílica de San Pedro. Su
diseñador, Bernini, uno de los mejores arquitectos barrocos, rodearon la
plaza con columnatas, para transmitir la impresión a los visitantes de que
están siendo abrazados por los brazos de la Iglesia Católica.
Como es evidente, aunque la mayor parte del arte barroco de la
arquitectura, pintura y escultura producida durante el siglo XVII es
conocida como barroca, de ninguna manera es un estilo monolítico. Hay
al menos tres líneas diferentes de Barroco, de la siguiente manera:

1. Grandeza religiosa
Un estilo melodramático triunfal, extravagante, casi
teatral melodramático de arte religioso, encargado por la Contrarreforma
Católica y las cortes de las monarquías absolutas de Europa. Este tipo de
arte barroco está ejemplificado por la audaz escultura y arquitectura
visionaria de Bernini (1598-1680), por los frescos trompe l’oeil ilusionistas

1
del techo de Pietro da Cortona (1596-1669) – ver su obra maestra
Alegoría de la Divina Providencia (1633 -39) – y por las grandiosas
pinturas del maestro flamenco Rubens (1577-1640).

2. Gran realismo
Un nuevo estilo naturalista o de composición figurativa. Este nuevo
enfoque fue defendido por Michelangelo Caravaggio y sus obras(1571-
1610), Francisco Ribalta (1565-1628), Velázquez (1599-1660) y Annibale
Carracci (1560-1609). La audacia y la presencia física de las figuras de
Caravaggio, el enfoque realista de la pintura religiosa adoptado por
Velázquez, una nueva forma de movimiento y exuberancia iniciada
por Annibale Carracci, y una forma realista de pintura rústica del género
bíblico, completa con animales, desarrollada por Castiglione (1609-64) –
todos estos elementos fueron parte del nuevo y dinámico estilo conocido
como Barroco. Ver también: clasicismo y naturalismo en la pintura italiana
del siglo XVII.

La escultura barroca

En el arte barroco los temas tienden a ser más profanos, mitológicos,

en donde el desnudo adquiere particular importancia, la escultura se
vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la
arquitectura. La escultura en el periodo barroco toma una gran
importancia decorativa, esa importancia se da al gran dinamismo y
movimiento que sufre. Las obras de arte representan pasiones lentas,
violentas y exaltadas, con estas representaciones se da gran importancia
a los temas heroicos y además se introduce nuevos temas como los
temas morales y religiosos. Se caracteriza por su fuerza y su
monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado
hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su
tratamiento de la ropa. Su principal material para escultura será la madera
policromada y además se caracterizarán por un gran realismo, aunque los

1
principales clientes de los artistas serán las Iglesias y es por eso por lo
que predominarán los temas religiosos.
La escultura es otra de las características del barroco que se distinguía
por la tendencia al movimiento y naturalidad distinguiéndose del arte
escultórica renacentista, donde se buscan poses idealizadas en las
esculturas durante el Barroco las esculturas evidencian la expresividad
que el escultor plasma en ellas exponiendo diversas emociones como
alegría tristeza enojo o amor, de manera que quede patente la acción qué
representa el personaje esculpido ya sea imaginario o real como las
ninfas y seres mitológicos que se empleaban durante ese período, así
como las esculturas religiosas que fueron influidas por la época barroca
siendo como ejemplo las obras de Bernini en Italia.

La pintura barroca

Los artistas del barroco plasma la realidad tal y como la ven, con sus
límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer
plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las
composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Los temas
más usados eran los religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato,
tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el
bodegón.
En el arte barroco hay dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el
eclecticismo.
 El tenebroso que consiste en el choque violento de la luz contra la
sombra, quedando el fondo en penumbra, mientras que la escena
queda en primer plano.
 El eclecticismo que se trata de salvar el gusto clásico dentro de la
nueva norma, siendo una estética decorativa efectista y teatral.
La pintura barroca se caracterizará por una gran expresividad en
cuanto a las figuras mostradas y por la intensa diferencia claroscuro.
Recurrirá a la intensidad de los colores y al uso de las sombras y luces
que genera una distinción potente en los espacios, a las figuras complejas

1
y hasta caóticas, a la intensa expresión de las miradas. La pintura tomó
un papel importante y homogéneo que se fue desplazando a diferentes
países y con esta extensión se dio lugar a la manifestación de dos ideas
contrarias. Con esas ideas contrarias encontramos al barroco cortesano,
teatral, lujoso y católico y la segunda idea sería el barroco burgués que en
sus obras manifestaría una vida normal y real.
La pintura destacó por los efectos luminosos como contrastes de luz y
Sombras llegando como extremo crear pinturas llenas de luz y otras
donde resalta el claro oscuro llegando al límite opuesto a este último se le
denominó tenebrismo. Un aspecto más de la pintura barroca es el
dinamismo en los personajes qué representa a los que se daba una
expresión de movimiento donde el drama se captaba al instante teniendo
expresiones como alegría Euforia y tristeza.
Asimismo se sucedió el detrimento de la simetría clasista haciendo un
favor a la idealización en los personajes pintados y una mayor
expresividad de las emociones de los de los mismos y también la
acumulación de motivos ornamentales junto a ellos.
La pintura barroca se destacó por tener un realismo al que se le llama
naturalismo pudiendo llegar al feísmo cómo se muestra en unas obras
como las pinturas de Goya.

Arte de caballete

A diferencia de las obras públicas, religiosas a gran escala de los

principales artistas del barroco y sus obras en países católicos, el arte
barroco en la Holanda protestante (a menudo referido como el Siglo de
oro holandés) fue ejemplificado por un nuevo tipo de arte de caballete: un
brillante forma de pintura de género – dirigida al próspero jefe de familia
burgués. Esta nueva escuela holandesa de pintura de género realista
también condujo a un realismo realzado en el retrato y la pintura de
paisajes, cuadros de flores, composiciones de animales y, en particular, a
nuevas formas de pintura de bodegones, incluido el género de inspiración

1
protestante conocido como pinturias vanitas (1620-1650). Diferentes
ciudades y áreas tenían sus propias “escuelas” o estilos, como
Amsterdam, Utrecht, Delft, Leiden, Haarlem, Dordrecht y Delft.
Además, para complicar aún más las cosas, Roma, el centro mismo
del movimiento, también albergaba un estilo “clásico”, como se ejemplifica
en las pinturas del pintor de historia Nicolas Poussin (1594-1665) y el
paisajista arcadiano Claude Lorrain. (1600-82).

Artistas más destacados en la pintura barroca

José de Ribera: nacido en el 1591. Sus temas preferidos son las

escenas de martirio y penitentes con un estilo tenebroso muy dramático
con un gran realismo, sus obras toman un gran realismo con un dominio
del dibujo y el color extraordinario, como ejemplo tenemos la Piedad. Más
tarde tendrá un estilo iluminista, como ejemplo tenemos la Inmaculada.

Diego Velázquez: nació en el 1599. Su primera etapa fue tenebrista y

realizó bodegones de gran realismo como la Vieja friendo huevo, El
aguador. Felipe IV le nombra pintor de cámara y se dedica a pintar
retratos, temas mitológicos, cuadros históricos y paisajes. Tiene un
dominio magistral de la perspectiva aérea, de la luz, del dibujo y el
colorido brillante con pinceladas sueltas. Como ejemplo tenemos Los
borrachos, La Venus del Espejo, Las hilanderías, pero su obra maestra
fue Las Meninas.

Francisco de Zurbarán: nacido en el 1598. Su estilo es tenebrista y

pinta temas religiosos de composición simple y estática, usa un dibujo
firme con un gran estudio del volumen y con un rico colorido. También
pinta bodegones ascéticos, místicos y retratos a lo divino de
santas, como ejemplo tenemos la Santa Casilda y Santa Margarita.

1
 Bartolomé E. Murillo: nació en el 1617. Tuvo una primera fase
juvenil tenebrosa, con un estilo luminoso. Tiene gran éxito como pintor
de temas religiosos llenos de gracia, delicados y dulces, de rico colorido y
factura suelta y vaporosa. Tenemos como ejemplo obras destacadas
como sus Inmaculadas, Los Niños de la Concha, Niños comiendo fruta.

La arquitectura barroca

En el arte barroco la arquitectura va frecuentemente unida al

urbanismo. Hay diferentes construcciones muy destacadas como el
palacio, un típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas;
el hotel que era un tipo de vivienda unifamiliar libre y burguesa, rodeada
de jardines; el templo que era un lugar del sermón y la eucaristía.
El arte barroco desarrollará un estilo claramente recargado y
detallista, opuesto en gran modo a la simpleza del estilo renacentista. La
característica principal de la arquitectura de este periodo son las líneas
curvas que crean un efecto de expresividad y de dinamismo, buscando la
utilización de todo el espacio disponible con elementos como la curva y la
contra curva, además de las increíbles decoraciones escultóricas que no
dejaban espacio sin rellenar. Con esta nueva característica en esta etapa
las fachadas toman el papel principal en la arquitectura y con ello
aparecen numerosas columnas y cornisas. De forma que en esta etapa la
arquitectura se podría considerar un estilo de decoración arquitectural.
Por ello, en este periodo la arquitectura destaca por sus superficies de
forma ondulada, sus conexiones interrumpidas y sus plantas ovaladas.
En el barroco sobresale la arquitectura con donde se encuentra el
dinamismo y La Búsqueda del movimiento concesiva ornamentación en
las fachadas ventanas y puertas así como el uso de columnas
salomónicas y ofídicas.
Mediante ese tipo de elementos arquitectónicos se busca dar a la
impresión de movimientos en la construcción e imprimirles mucha vida,
contrastando en el clasicismo renacentista. Llevándose a cabo por medio
de líneas curvas, convexas, cóncavas y rectas alabeadas en las fachadas

1
ventanales logrando con esto el efecto de un aparente movimiento.
Además detener elementos contrastantes de curvas y rectas, dándole
perspectivas a los edificios así también como a la utilización de bajos
relieves y relieves, con lo cual se hace énfasis el claro oscuro.
También se utilizaron elementos clásicos pero con propias
modificaciones del barroco, como el uso de óvalos en las cúpulas a
diferencia del clasicismo que se empleaba más el círculo. Durante el
barroco también existió una excesiva ornamentación de paredes
columnas fachadas techos ventanas puertas de interiores, buscando
aprovechar con ello cada pequeño espacio o Rincón procurando no tener
espacios vacíos. Utilizándose para esas ornamentaciones, pinturas y
algunos elementos decorativos destacando con ellos los motivos
geométricos y botánicos, excepto en al acciones en las que se pretendía
dar una mayor ilusión de amplitud mediante grandes ventanales y espejos
así como bóvedas en el Palacio de Versalles.
Está exuberancia en la ornamentación se despliega a la construcción
de jardines geométricos con Fuentes en la que se demuestra una
exuberante ornamentación.

La Arquitectura Barroca en América Latina

La mezcla de las formas renacentistas con la cultura indígena, dio

lugar a las primeras construcciones en América recogía formas híbridas
españolas e indígenas y que dieron origen a una arquitectura
característica del lugar.
El estilo barroco tuvo una importante acogida en la arquitectura
hispanoamericana. Ya que, durante esta época, la aceptación pacífica de
los españoles en los pueblos indígenas menos guerreros, produce el ultra
barroco, debido a la exageración de las formas y la manera muy sui
generis de realizar las decoraciones. Igualmente, el uso del color es un
elemento importante del barroco colonial, puesto en evidencia, a través
de la piedra, el ladrillo revocado en blanco, la tintura de almagre con tono

1
de óxido rojo, el yeso policromado y los azulejos. Como ejemplo
característico se encuentra la fachada de la iglesia de San Francisco de
Acatepec, donde se observa claramente el interior con ladrillos rojizos
alternados con azulejos.
En el Perú, desde el punto de vista arquitectónico se ve reflejado el
arte barroco en las fachadas de menor tamaño al igual que en los
enmarcados de las torres. Sin embargo, la bóveda es poco utilizada. De
igual manera, son muy usadas las columnas salomónicas, inclusive en las
fachadas. Entre las construcciones más resaltantes, se encuentran los
conventos con claustros de dos pisos, notándose que en el piso más alto,
se dobla el número de arcos. Siendo una de las obras más resaltantes, la
iglesia de San Francisco de Quito, donde se trata de repetir la
exuberancia de su interior en el exterior, así como los conventos de la
Merced, Santo Domingo, en Lima, el de San Agustín o San Francisco y la
iglesia de San Ignacio, en Quito.
En las viviendas coloniales en América Latina, destacan aun hoy en
día, las tendencias e influencias del arte barroco, por sus fachadas, que
poseen grandes ventanas enrejadas sobre repisas en voladas, con muros
muy largos y simples, y entre las ventanas hay pilares, que son solo para
decoración.
Las puertas llaman la atención por el detalle decorativo, de diferentes
formas, colocando inclusive el escudo familiar de quienes habitan la
vivienda, rodeado de elementos vegetales, pilares y capiteles decorativos.
Igualmente, en las ventanas también hay rejas que sobresalen sobre
repisas rematadas por un quitapolvo con postigo de madera, persianas y
celosías. Las rejas pueden ser de madera o hierro. En las viviendas de
dos pisos, los balcones representan decorativos de gran importancia,
destacándose en las fachadas.

1
 La música barroca

Una de las características del barroco más importantes fue la

música ya que este periodo destacó por ser en el que hubo grandes
cambios en este arte. y seguido la música barroca se clasifica en 3 fases
barroco primitivo medio y tardío teniendo las propias matices en cada
periodo. La música barroca se representó por géneros como las sonatas
óperas y sinfonías.
Es durante este periodo dónde surgen diferentes géneros musicales
que en la actualidad se les conoce como clásicos; las cantatas, sonatas,
óperas, suits y oratorias.
Durante el Barroco aparece la orquesta en donde se predominan los
instrumentos de cuerda como el violín, viola y violonchelo, a los cuales se
fueron añadiendo otros instrumentos de Viento y percusión.
Es de esa época el manejo del bajo continuo, siendo interpretado
mayormente por uno o más instrumentos Melódicos graves como la viola
el fagot y violonchelo añadiendo instrumento armónico para las acordes
cómo el arpa, laúd, clave un órgano.
Durante el barroco se dio el desarrollo de la armonía tonal en la cual
queda subordinada a los acordes y el ritmo de la armonía es rápido
cambiando muy frecuentemente de acordes. Sobresaliendo por los
fuertes constantes sonoros entre instrumentos de Cuerda viento
percusión coro o un solista y orquesta.

¿Cuál es la filosofía de la música en el barroco?

Aunque una sola filosofía no puede describir 150 años de música de

toda Europa, varios conceptos son importantes en el período barroco.
Una creencia en la música como un potente instrumento de
comunicación.
Una de las principales corrientes filosóficas de la música barroca
proviene del interés del renacimiento en las ideas de la antigua Grecia y

1
Roma. Los griegos y romanos creían que la música era una herramienta
poderosa de comunicación y podría despertar alguna emoción en sus
oyentes. Como resultado de la reactivación de estas ideas, los
compositores se hicieron cada vez más conscientes de la energía
potencial de la música, y la creencia de que cultivan sus propias
composiciones podría tener efectos similares si bien emulados música
antigua. Como Francés erudito humanista Artus Thomas describió una
actuación a finales del siglo XVI, a menudo he oído decir de Sieur Claudín
Le Jeune (que tiene, sin ánimo de leve a nadie, superó con creces los
músicos de edades más allá de su comprensión de estos asuntos) que
había cantado el aire (que él había compuesto en partes) … y que cuando
este aire se ensayó en un concierto privado que causó un caballero hay
que poner la mano a las armas y comenzar jurando en voz alta, por lo que
parecía imposible para evitar que él de atacar a alguien: después de lo
cual comenzó a cantar otra Claudín aire … que dictó el caballero tan
tranquilo como antes. Esto ha sido confirmado para mí ya por varios de
los que estaban allí. Tal es el poder y la fuerza de la melodía, el ritmo y la
armonía de la mente.
En 1605, el compositor italiano Claudio Antonio Monteverdi definido en
realidad una “primera” y “segunda” la práctica: en la primera, la armonía y
el contrapunto prevalecen sobre el texto; en el segundo, la necesidad de
expresar el significado de las palabras superó cualquier otra
preocupación. En el barroco, que es el espíritu de la práctica, utilizando el
poder de la música para comunicar, que llegó a dominar la era segundo.

¿Cuáles son las características de la música del barroco?

El nuevo interés en las posibilidades dramáticas y retóricas de la

música dio lugar a una gran cantidad de nuevos ideales de sonido en el
período barroco.

1
 Monodia y el advenimiento del bajo continuo

En épocas musicales anteriores, una pieza de música tienden a

consistir en una sola melodía, tal vez con un acompañamiento
improvisado, o varias melodías que se tocan simultáneamente. No fue
hasta la época barroca hizo el concepto de “melodía” y “armonía”
realmente comenzar a articularse. Como parte del esfuerzo para imitar la
música antigua, los compositores comenzaron a centrarse menos en la
polifonía compleja que dominó los siglos XV y XVI, y más en una sola voz
con un acompañamiento simplificado, o monodia. Si la música es una
forma de retórica, como los escritos de los griegos y romanos indican, un
poderoso orador es necesario, y quién mejor para el trabajo de un solista
vocal? La nueva fusión entre la expresión de los sentimientos y el
cantante solista vienen con fuerza y claridad en Monteverdi prefacio ‘s de
la Combattimento di Tancredi e Clorinda de su Octavo Libro de
Madrigales (1638), en el que escribe: “Se me ha parecido lo que los
principales pasiones o afectos de nuestra mente son en número de tres, a
saber, la ira, la ecuanimidad y la humildad. Los mejores filósofos están de
acuerdo, y la naturaleza misma de nuestra voz, con sus gamas altas,
bajas y medias, indicarían como mucho. “Las primeras óperas son una
excelente ilustración de esta nueva estética.
Junto con el énfasis en una sola línea de la melodía y el bajo llegó la
práctica del bajo continuo, un método de notación musical en la que la
melodía y la línea de bajo se escriben y el relleno armónico indica en un
tipo de taquigrafía. A medida que el músico italiano Agostino Agazzari
explicó en 1607: Desde el verdadero estilo de expresar las palabras, por
fin se ha encontrado, a saber, mediante la reproducción de su sentido de
la mejor manera posible, lo que tiene más éxito con una sola voz (o no
más de unos pocos ), como en los aires modernos por varios hombres
capaces, y, como es la práctica constante en Roma en la música
concertada, digo que no es necesario hacer una puntuación … un Bass,
con sus indicaciones para las armonías, es suficiente. Pero si alguien me

1
dijera que, para la reproducción de las obras antiguas, llenas de fuga y
contrapunto, un Bass no es suficiente, mi respuesta es que las obras
vocales de este tipo ya no están en uso.
Debido a que el bajo continuo, o bajo continuo, seguido siendo una
práctica habitual hasta el final del período barroco, la época se conoce a
veces como la “edad del bajo continuo.”

Diferentes sonidos instrumentales

Después de ser ignorada por décadas, la música del barroco se ha

convertido cada vez más popular en los últimos 50 años. Como parte de
este nuevo interés, estudiosos y músicos han pasado horas y horas
tratando de averiguar cómo la música podría haber sonado a las
audiencias siglo XVII y XVIII. A pesar de que nunca seremos capaces de
recrear una actuación precisa, su trabajo ha descubierto varias diferencias
importantes entre el barroco y conjuntos modernos:

Terreno de juego: En 1939, orquestas modernas acordó sintonizar un

a’ = 440 Hz (la nota A lanzó a 440 ciclos por segundo), que sustituyó a un
terreno de juego con anterioridad inferior (a’ = 435Hz), aprobada en 1859.
Antes de 1859, sin embargo, no había hay un estándar de tono. La nota a
la que los conjuntos barrocos sintonizados, por lo tanto, varía
ampliamente en diferentes momentos y en diferentes lugares. Como
resultado, la música escrita en una puntuación podría haber sonado tanto
como un medio tono más bajo que la forma en que tradicionalmente se
lleva a cabo hoy en día. En un esfuerzo para permitir de esta
discrepancia, muchos conjuntos barrocos ajustan su sintonía con el
repertorio que se realiza: a ‘= 415Hz para la música del barroco tardío, a’
= 392Hz para la música francesa, a ‘= 440Hz para la música italiana
temprana y A’ = 430Hz para el repertorio clásico.

1
 Timbre: Si bien la mayoría de los instrumentos en un conjunto barroco
están familiarizados, hay varios miembros prominentes ya no aparecen en
los conjuntos modernos. La clave era el principal instrumento de teclado
(y un importante miembro del grupo continuo), y los instrumentos
importantes en los siglos 16 y 17, como el laúd y la viola, todavía se siguió
utilizando. Las variaciones en los instrumentos todavía populares hoy en
día también dieron la Baroque Ensemble un sonido diferente.
Instrumentos de cuerda como el violín, viola y cello utilizan cuerdas de
tripa en lugar de las cuerdas envueltas en metal con el que se encadenan
hoy, por ejemplo, dándoles un tono más suave, más dulce.
Técnica de ejecución: Una puntuación barroca contiene poca (o
ninguna) información sobre elementos como la articulación, la
ornamentación o la dinámica y conjuntos tan modernos necesitan para
tomar sus propias decisiones informadas antes de cada
función. Diferencias mecánicas entre barroca y los instrumentos
modernos también sugieren que los instrumentos más antiguos habrían
sonado diferente, así como conjuntos de música del barroco a menudo
ajustar su técnica para permitir esto. Debido a que los arcos barrocos y
modernos son estructuralmente diferentes, por ejemplo, jugadores de la
secuencia utilizando arcos modernos a menudo usan un ataque más
suave en la cadena y crescendos y di minuendos en notas más largas. 17
y tratados rendimiento del siglo 18 también implican que Bend (una
técnica en la que un jugador de la secuencia mece su dedo sobre la
cuerda para enriquecer el tono) fue utilizado con moderación para
momentos expresivos, mientras que el vibrato arco (un movimiento
ondulante de la proa) generalmente se prefiere.
Como puedes ver la música barroca ha sido y será una de las mejores
cosas surgidas en el periodo barroco.

El Impacto de la Música Barroca

El término que barroco también se utiliza para designar el estilo de

música compuesta durante un período que coincide con el arte

1
barroco, que generalmente abarca un período más último. J.S. Bach y
G.F. Handel se consideran sus figuras culminantes. Es una cuestión
todavía debatida en cuanto a qué grado de música barroca comparte
principios estéticos con las artes visuales y literarias de la época barroca.
Un elemento bastante claro y compartido es el amor por la
ornamentación, y es quizás significativa la disminución importante del
papel del ornamento en la música y la arquitectura que permitió el el paso
del barroco al período clásico.
Cabe señalar que la aplicación del término “Barroco” a la música es un
desarrollo relativamente reciente. El primer uso de la palabra “Barroco” en
la música fue solamente en 1919, por Curt Sachs, y no fue hasta sino
hasta 1940 que primero fue utilizado en inglés (en un artículo publicado
por Manfred Bukofzer). Incluso tan tarde como en 1960 hubo diferencias
considerables en los círculos académicos sobre si la música tan diversa
como la de Jacopo Peri y François Couperin, Johann Sebastian Bach
podría ser agrupada bajo un solo término estilístico.

Muchos estilos musicales nacieron en esa época, como el concierto y

la sinfonía. Igualmente, florecieron los estilos como sonata, cantata y
oratoria. También, la opera nace de la experimentación de la Camerata
Florentina, los creadores de la monodia, que trató de recrear las artes
teatrales de los antiguos griegos. De hecho, es exactamente ese
desarrollo el que se utiliza a menudo para denotar el principio del barroco
musical, alrededor del 1600.
Está generalmente aceptado que el movimiento barroco comenzó a
principios del siglo XVII y terminó en el siglo XVIII, pero ha sido clasificado
como “Barroco” o al menos considerado como un precursor del
movimiento de este arte desde el siglo XVI. Así mismo, como con casi
todos los movimientos artísticos, las influencias barrocas continuaron más
allá del siglo XVIII.

La Danza y el Teatro Barroco

La danza durante el barroco fue adquiriendo una reglamentación

diferenciándose de las danzas renacentistas y medievales, en las cuales
perdurará un cierto desorden en los movimientos llegaron a surgir varias
danzas distintivas de este periodo cómo la chacona, la tarantela, el minué,
el ballet, la giga, la alemanda y el cuorante.

1
 Haciéndose reglas para cada tipo diferente de danza coordinando los
tiempos en los cuales se defiende hacer algunos movimientos mediante
ritmos lentos, rápido, ternarios como binarios, con diferentes compases
danza característica del barroco es el ballet la cual surgió en los bailes de
la corte francesa transformándose para luego ser un baile que poco a
poco para ser a ser interpretado profesionales bailarines. Señalar qué
diferentes movimientos actuales del ballet fueron creados por Luis XIV
quién era un asiduo bailarín.
El teatro es una de las características del barroco que experimento un
período de Gran esplendor comenzando a escribir y actuar gran variedad
de obras sobre diferentes temas más llegando a ser Los favoritos entre el
público los temas como el honor tradiciones caballerescas pastoriles
históricas y míticas así como la religión. Destacando por el uso común de
alegóricos personajes como el vicio la fortuna La traición el pecado entre
otros.
Otra de las distinciones que tenía el teatro barroco es la duración de
las obras los cuales podían prolongarse durante varias horas siendo esta
razón por la cual se comenzaron a introducir piezas mucho menores
como él entrenes, las jácaras, las mojigangas y las loas y algunos
pequeños descansos para que los actores pudieron descansar y cambiar
el vestuario dando origen a los intermedios.
Se da un gran auge de las óperas, obras teatrales de tinte cómico y
trágico en donde se utiliza música y canto para expresar los monólogos y
diálogos, popularizando se entre las diferentes clases sociales.
En el teatro, los conceptos elaborados, la multiplicidad de giros de la
trama y la variedad de situaciones son características del manierismo
(tragedias de Shakespeare, por ejemplo), reemplazados por la ópera, que
unió a todas las artes en un todo.
El Teatro en la época barroca se desarrolla y se convierte en una
experiencia multimedia, comenzando con el espacio arquitectónico real.
Es durante esta época del barroco que la mayoría de las tecnologías que
actualmente se ven en el Broadway actual o las actuaciones comerciales,

1
fueron inventadas y desarrolladas. El escenario cambia de un jardín
romántico, al interior de un palacio en cuestión de segundos. Todo el
espacio se convierte en un área seleccionada enmarcada que sólo
permite a los usuarios ver una acción específica, ocultando toda la
maquinaria y tecnología, sobre todo cuerdas y poleas.
Estas nuevas habilidades condujeron a ricos espectáculos que
cuentan con su opulencia, particularmente elaborada, tal es el caso de las
óperas, que permanecían fiel al movimiento barroco invertido
emocionalmente mediante el pesado simbolismo y la grandeza para
evocar emoción, manteniendo la narrativa y la historia relativamente
simple.
La verosimilitud fue el objetivo, poco iba a dejar a la imaginación de la
audiencia. Esta tecnología afecta el contenido de las piezas narradas y
realizadas, practicando en su mejor momento, la solución de dioses y
maquinas. Así, los dioses fueron finalmente capaces de bajar literalmente
de los cielos y rescatar el héroe en la más extrema y peligrosa, incluso
absurda situación. En el término Theatrum Mundi, el mundo es un
escenario también creado. El reino social y político en el mundo real se
manipula exactamente del mismo modo que el actor y las máquinas,
limitando lo que se presenta en el escenario, ocultando selectivamente
toda la maquinaria que hace que las acciones ocurran.
Hay un maravilloso documental alemán llamado Theatrum Mundi que
retrata claramente los alcances políticos del barroco y su representante
principal, Louis XIV.
En este sentido, el teatro es una vista acompasada del barroco debido
a su capacidad de juntar a muchos de sus elementos. Desde la
arquitectura y las estructuras creadas para la producción, el uso de las
estatuas, pinturas y otras obras de arte como parte de las producciones,
hasta el uso de la música barroca en las óperas, todas las piezas encajan
y encarnan la mentalidad barroca.
Ver la película de la biografía de Vatel (2000), Farinelli (1994) y la
maravillosa puesta en escena de Orfeo de Monteverdi en el Gran Teatro

1
del Liceu en Barcelona, es ver algunas maravillosas recreaciones de este
período de tiempo. El director americano William Christie y Les Arts
Florissants han realizado extensas investigaciones en toda la ópera del
barroco francés, realizando piezas de Marc-Antoine Charpentier y Jean-
Baptiste Lully, entre otros, que son extremadamente fieles a las
creaciones originales del siglo XVII.

1
 Anexos
Arte barroco

1
 Conclusión

Sin duda el arte barroco es un estilo singular que marco un antes y un

después dentro del arte, ya que a día de hoy es muy admirado y
obras de grandes personajes todavía se preservan y admiran.

1
 Bibliografía

https://www.arteguias.com/barroco.htm
Autor: Andrés Pérez
Fecha: 15 enero, 2017
https://tiposdearte.com/que-es-el-arte-barroco/
Autor: tipos de arte
Fecha: 23 octubre, 2017
https://musica-barroca.com/
Autor: Victoria castro
Fecha: 29 noviembre, 2016