GUÍA DE APRENDIZAJE

CORRIENTES DRAMÁTICAS DEL SIGLO XX

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Curso: 4º Medio _____ Fecha:________________________________________

Objetivo:
- Investigar y conocer las corrientes dramáticas del siglo XX.

El siglo XX europeo viene marcado por dos fechas fundamentales en su primera mitad; estas
fechas son las correspondientes al inicio y fin de las dos grandes guerras mundiales que en ese
medio siglo se producen. La primera Guerra Mundial comienza en 1914 y termina en 1918,
con un acontecimiento histórico capital en 1917, la Revolución Rusa. La segunda Guerra
Mundial comienza en 1939, justamente al finalizar la Guerra Civil española, y termina en
1945. Son las dos guerras más destructivas y dañinas que ha sufrido la humanidad; su
influencia en el arte que se produce en los períodos de preguerras, entreguerras y posguerras
es indiscutible, y naturalmente también en el teatro, que es un reflejo de la sociedad en que se
desarrolla.

Ya vimos cómo a partir del siglo XIX el arte escénico experimenta un enorme avance en
varios aspectos; esto no va a cambiar en el siglo XX, sino que más bien se acentúan esos
avances, se matizan y se presentan otras innovaciones y perfeccionamientos. Estos aspectos
son los siguientes:

1. Avances en la técnica y en la profesionalización de los actores y de los directores de

escena.
2. Escenografías y vestuario preciso, en el caso del teatro realista, y un despliegue enorme
de creatividad en este aspecto en el teatro no realista.
3. Avances técnicos en maquinaria, arquitectura teatral e iluminación.
4. Conciencia del teatro como vehículo de transmisión de ideas.
5. Gran desarrollo de la teoría teatral, que se estudia bajo los principios de la semiótica.
6. Concepción del teatro como un espectáculo total, que requiere la implicación de las
diferentes artes visuales, espaciales y auditivas, así como las disciplinas físicas y
psicológicas en la preparación del actor.

7. Al anterior desarrollo del teatro como totalidad se opone una corriente que busca en el
teatro su raíz esencial, la esencia de lo teatral, en la que se prescinde de cualquier
elemento no teatral.
INSTRUCCIONES: A continuación deberá llevar a cabo un trabajo investigativo de las
siguientes corrientes dramáticas representativas del siglo XX.

TEATRO DEL ABSURDO

 Contexto cultural y
político

 Características de
personajes

 Recursos escénicos

 Temas abordados

 Interpretación actoral

 Dramaturgos
representativos

Escena de “Esperando a Godot”

 TEATRO ÉPICO

 Contexto cultural y
político

 Características de
personajes

 Recursos escénicos

 Temas abordados

 Interpretación actoral

 Dramaturgos
representativos

Madre Coraje y sus hijos, de Bertolt Brecht, en el Teatro Valle-Inclán (España)

REALISMO NORTEAMERICANO
 Contexto cultural y
político

 Características de
personajes

 Recursos escénicos

 Temas abordados

 Interpretación actoral

 Dramaturgos
representativos

'La isla del tesoro' Eugene O'Neill

SOLUCIONARIO
INSTRUCCIONES: A continuación deberá llevar a cabo un trabajo investigativo de las
siguientes corrientes dramáticas representativas del siglo XX.

TEATRO DEL ABSURDO

El Teatro del Absurdo es un término empleado por el

 Contexto cultural y crítico Martin Esslin en 1962 para clasificar a ciertos
político dramaturgos que escribían durante la década de 1950,
principalmente franceses, cuyo trabajo se considera
como una reacción contra los conceptos tradicionales
del teatro occidental.

Muchas de las preocupaciones de este teatro encuentran

su motivación teórica en los escritos de Antonin Artaud
en “El Teatro y su doble” (1938) y, de alguna manera, en
la noción brechtiana de Verfremdungseffekt (efecto
alienante), mientras que la comicidad bufonesca tiene
sus raíces en las películas de Charles Chaplin, Stan
Laurel y Oliver Hardy, los Hermanos Marx y Buster
Keaton.

Los personajes tienen un gran obstáculo para expresarse

 Características de y comunicarse entre ellos mismos constantemente.
personajes
Se percibe a través de sus personajes la desorganización
que existía hasta en la manera de comunicarse unos a
otros, donde muchas veces no había un punto de
acuerdo entre todas las partes, pero si un abuso de poder,
donde los ricos y poderosos atropellaban a los más
débiles y a los que menos posibilidades tenían para
sobrevivir ante tanto caos y confusión.

En las obras, definitivamente el decorado y las

 Recursos escénicos
escenografías (al igual con los objetos y los accesorios
utilizados) juegan un papel muy importante como
contraste con el contenido de las mismas, porque
presentan imaginariamente la realidad de los mensajes
que se pretenden llevar. Se presenta todo en un marco de
un mundo vacío y con objetos muy pesados que
terminan dominando a los personajes.

Se caracteriza por tramas que parecen carecer de

 Temas abordados
significado, diálogos repetitivos y falta de secuencia
dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. El
teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y
cuestiona la sociedad y al hombre. A través del humor y
la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia
su arte. La incoherencia, el disparate y lo ilógico son
también rasgos muy representativos de estas obras
comunes.

Toca temas muy importantes, relacionados, por ejemplo,

con cuán susceptible se encontraba la civilización
después de una gran batalla como lo fue la segunda
guerra mundial.

 Interpretación actoral
Para los dramaturgos del teatro del absurdo el lenguaje
está anquilosado y hay que destrozarlo. Para los actores
desaparece la veneración por el texto y se incorporan a
la acción elementos extraliterarios e incluso
antiliterarios. Más que un teatro de ideas y palabras, es
un teatro de imágenes y gestualidad.

Los cuatro escritores que definieron el movimiento:

Samuel Beckett, Arthur Adamov, Eugène Ionesco, y
 Dramaturgos Jean Genet.
representativos

TEATRO ÉPICO

La Guerra Civil española y la Segunda Guerra Mundial

 Contexto cultural y plantean a los dramaturgos una problemática y unos
político temas directamente relacionados con las corrientes
políticas e ideológicas enfrentadas en los brutales
acontecimientos de estos dos conflictos bélicos.

El autor que mejor representa esta conmoción ideológica

es Bertolt Brecht, que levantó el teatro como bandera
ideológica.

Brecht llamó a su teatro “épico”. Este teatro surge en

1928 con las dos piezas teatrales “El soldado Schweick”
y “La ópera de tres centavos”, pero sus antecedentes
inmediatos hay que buscarlos en el Teatro Proletario
Épico de Piscator (1923) y en ciertos experimentos
escénicos revolucionarios, emprendidos por autores
como Wedekind o Döblin. La aportación de Brecht fue
la capacidad genial de amalgamar todas aquellas
experiencias con el pensamiento marxista y su propia
creatividad dramática.

El teatro épico se distingue claramente del convencional

o dramático, pues se siente en la obligación de cambiar
el mundo y mejorarlo, por lo que combate las formas
convencionales teatrales y se rebela contra el efecto de
ilusión y empatía que siempre ha dominado el teatro
occidental de corte burgués.

Los críticos que han analizado y condenado la

 Características de conducta de Brecht con las mujeres, parecen no
personajes advertir la idealización de varias de sus figuras
femeninas, como Joana Dark en "Santa Juana de los
Mataderos", Grusha en "El círculo de tiza
caucasiano", Kattrin, la hija muda de "Madre
Coraje", "La madre", en la adaptación de la obra de
Gorki, Simone Machard en "Las visiones de Simone
Machard" y aún Sen Te en "El alma buena de
Sechuan", que muestran una absoluta falta de
 egoísmo y, lo que es muy curioso porque también es
un rasgo personal del mismo Brecht, un muy escaso
o nulo interés y hasta preocupación por ellas mismas.

Eran técnicas ambiguas de producción comunes en el

teatro épico la inclusión de escenarios irreales por su
 Recursos escénicos simplificación, anuncios o carteles que interrumpen y
resumen la acción, y música que entra, de manera
irónica, en conflicto con el efecto emocional esperado.
Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de
los hechos emocionales o serios y se vio muy
influenciado por los musicales y los intérpretes de feria,
por lo que incorporaba música y canciones en sus obras.

Brecht precisaba de recursos especiales y muy variados

para la creación de su teatro épico; por ello recurrió a las
antiguas convenciones del teatro desde sus orígenes: el
coro griego, el teatro barroco, formas del teatro oriental
y elementos tomados del circo, del cabaret y del payaso.
A todo ello incorpora adelantos de la técnica del siglo
XX, como las proyecciones de diapositivas, las voces
grabadas, las películas, que conviven con las canciones,
la danza y la pantomima.

Con frecuencia Brecht utiliza temas históricos (políticos

y sociales) , pues un público que presta atención a
 Temas abordados sucesos del pasado y reflexiona sobre ellos aprende
importantes lecciones sobre su presente. En lugar de
sentir, el público tiene que pensar, lo que tampoco
descarta inicialmente los movimientos emocionales, los
cuales hay que sobrepasar con la ruptura de la ilusión
para adoptar una actitud indagadora y crítica. En esta
línea histórica tenemos obras como “Galileo Galilei”,
sobre la biografía del célebre astrónomo y sus conflictos
intelectuales con la Iglesia, o “Madre Coraje”, que
transcurre en Polonia y Alemania durante la Guerra de
los Treinta Años.

En otras obras, el origen es una parábola, un cuento

moral, como en “La persona buena de Setzuan”, que
muestra la dificultad de ser civilizado y honrado en un
mundo que no lo es, o “El círculo de tiza caucasiano”,
donde se defiende una idea de la justicia, con la cual los
bienes deben ser de quienes saben utilizarlos.

La actuación en el teatro épico necesita que los actores

interpreten sus personajes de manera convincente sin,
 Interpretación actoral por el contrario, convencer ni a la audiencia ni a ellos
mismos de que son en realidad los personajes que
interpretan. Los actores a menudo interpelan
directamente al público sin estar interpretando su
personaje —«romper la cuarta pared»— e interpretan
múltiples papeles. Brecht pensaba que era importante
que las opciones de los personajes fueran evidentes e
intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era
evidente que los personajes elegían una opción en lugar
 de otra. Por ejemplo, un personaje puede decir: «Podría
haberme quedado en casa, pero en su lugar fui de
compras».

También es característico del teatro brechtiano el

«gestus» (intención gestual), que reúne un conjunto de
rasgos y ademanes que conforman una catadura o
actitud del personaje, en la cual subyacen la época y los
conflictos sociales a los que debe hacer frente.1 Brecht
se basó en el teatro chino: notó que el actor Mei Lan
Fang interpretó una escena que requería que su
personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un
mechón de su pelo en su boca, y todo el mundo en la
audiencia supo que el personaje estaba asustado, aunque
el actor permaneció completamente calmado durante
toda la obra. Con un gestus que claramente defina la
actitud del personaje, el actor se distancia de la obra y
por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva

Konstantin Stanislavski fue pionero en el teatro épico,

pero quien lo llevó a su máxima expresión fue el alemán
 Dramaturgos Bertolt Brecht.
representativos

REALISMO NORTEAMERICANO

En la breve historia literaria de los Estados Unidos de

 Contexto cultural y América, el teatro es el género más tardío en lograr su
político autonomía respecto a la literatura europea y en alcanzar
verdaderas cumbres de calidad. Esto ocurre en la
primera mitad del siglo XX con tres dramaturgos
realistas, cuando en los escenarios europeos se
presentaban las vanguardias teatrales del absurdo, el
existencialismo y el anti-teatro ritualista, y en tanto en
los márgenes artísticos se iniciaban la alternativas
teatrales más radicales, incluso en las mismas ciudades
americanas en cuyos teatros se representaban los dramas
y tragedias del realismo.
Aunque el teatro en América del Norte era tan antiguo
como la misma colonización que lo importó, la
aparición de una dramaturgia propiamente autóctona se
sitúa en torno a la Guerra de Secesión. La Guerra Civil
proporcionó multitud de relatos que, contados sobre las
tablas, no disimulaban un halo romántico algo
trasnochado. Por otro lado, la infraestructura teatral a
principio del siglo XX. era considerable. Echando mano
del propio estilo de los cómputos americanos,
ofrecemos estas cifras dadas por los historiadores: cinco
mil salas de teatro en todo el país, con una capacidad
superior a los cinco millones de localidades. El tren
hacía posible los necesarios desplazamientos de los
actores para cubrir tan extensa geografí a. En las
ciudades más importantes había de quince a veinte
locales de teatro. Por su parte, las universidades
 empiezan a tomarse en serio este arte.

Personajes que viven en los márgenes de la sociedad y

 Características de que luchan por mantener sus esperanzas y aspiraciones,
personajes aunque suelen acabar desilusionados y cayendo en la
desesperación. Explora las partes más sórdidas de la
condición humana.

O’Neill escribió basándose ya en las posibilidades

escénicas del siglo XX; los escenarios dobles y laterales
 Recursos escénicos y los importantes avances en luminotecnia. Sin estas
condiciones su obra dramática sería inconcebible.

O’Neill su máximo representante, fue un autor

obsesionado por la muerte, pero dio vida a la realidad
 Temas abordados norteamericana de un modo muy intenso. Su evolución
fue desde el melodrama inicial y las obras dramáticas de
ambiente marino, que le proporcionaron soltura en el
campo realista, hasta el expresionismo, para desembocar
en extensas obras de dimensión épica. A la época
expresionista, entre 1920 y 1924, corresponden sus
audaces incursiones en los problemas raciales, con “El
Emperador Jones”, los conflictos de clases, la esclavitud
sexual y la tragedia americana sobre el modelo griego,
con obras como “El mono peludo”, “Todos los
hijos de Dios tienen alas” y “Deseo bajo los olmos”.
 Los actores desarrollaron su arte según el modelo de
Stanislavski, quien comenzó la búsqueda de un sistema
 Interpretación actoral de actuación para ayudar a los actores a ser dueños de su
arte plenamente. Y la influencia de su método ha
arrasado en el teatro, llegando hasta el cine. Una de sus
aportaciones, fue la creación del “studio” o taller de
actores que consistía en que tanto los novatos, como los
profesionales, podían experimentar, improvisar y
resolver juntos los problemas que el teatro les
presentaba.

Stanislavski, llevó a cabo una reforma escénica que no

se limitó únicamente al arte dramático, sino que sus
efectos también llegaron a la ópera y al ballet. En 1922,
en su apartamento de la calle Leontiev en Moscú – hoy
calle Stanislavski - mostró bajo una luz totalmente
nueva la ópera de Tchaikovsky “Eugene Oneguin”,
modificando todas las ideas tradicionales sobre este
género. Stanislavski repartió su tiempo entre la ópera y
el drama hasta su muerte.

Stanislavski quiso adentrarse en los misterios del arte

del actor y conocer las leyes que lo regían basándose en
su propia experiencia y en la de otros artistas
contemporáneos y antecesores. Llegó al perfeccionismo
de su método de formación del actor después de muchos
años de esfuerzo y de búsquedas, método en que la
técnica y las bases de la teoría del realismo escénico
están sutilmente conjugadas.
Eugene Gladstone O'Neill

 Dramaturgos TENNESSEE WILLIAMS Y ARTHUR MILLER

representativos