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Historia de la música… Renacimiento

La polifonía renacentista

En los siglos XV y XVI la música va a cambiar mucho en Europa. Aunque aún se mantienen el estilo
melódico del canto gregoriano medieval, hay importantes novedades como la polifonía y el
contrapunto. La técnica musical llamada CONTRAPUNTO consiste en escribir melodías que suenan
a la vez, pero que avanzan independientemente, y aun así se combinan de forma armónica y
agradable. La técnica contrapuntística se perfeccionará durante estos dos siglos, hasta la llegada
del Barroco. Tanta importancia tuvieron estas técnicas en esta época que la música del
Renacimiento se conoce en general como polifonía renacentista.

Las formas musicales religiosas más utilizadas son la misa y el motete, ambas herederas de la Edad
Media aunque en esta época ya se cantan a varias voces. Las formas vocales profanas más
comunes son el madrigal, el villancico y la chanson, y entre las formas instrumentales destacan
todo tipo de danzas. Los compositores más destacados de este periodo son los flamencos Josquin
Desprez y Orlando di Lasso, los italianos Palestrina y Monteverdi y el español Tomás Luis de
Victoria.

Josquin Desprez

Compositor francoflamenco. Considerado por sus contemporáneos


como el más grande autor de su época, destacó gracias a una obra en la que los más osados y
complejos procedimientos contrapuntísticos se unen en una síntesis perfecta con el texto cantado,
siempre en busca de la expresión.

A pesar de la fama que le acompañó en vida, y que le valió el sobrenombre de princeps


musicorum, poco es lo que se sabe de su existencia: discípulo de Okeghem, entre 1459 y 1479 fue
cantor en la catedral de Milán. Pasó más tarde al servicio de la capilla papal en Roma, entre 1486 y
1494, y de allí a Florencia, Módena y Ferrara. En 1509 regresó a su tierra natal borgoñona, donde,
desde 1515 hasta su muerte, fue preboste de la colegiata de Nuestra Señora de Condé-sur-Escaut.

Su extensa producción incluye misas (como las que llevan por título L'homme armé y La sol fa re
mi, ambas publicadas en 1502), motetes y chansons, entre las que destaca la titulada Mille regretz,
la canción favorita del emperador Carlos I.
Orlando di Lasso

Compositor franco-flamenco. Conocido también como Roland de


Lassus o Roland de Lattre, su nombre viene a completar la gran tríada de la música polifónica del
siglo XVI, de la que también forman parte Palestrina y Tomás Luis de Victoria. Autor prolífico y
versátil, dejó una producción que supera las dos mil composiciones y que incluye todos los
géneros de su época, tanto profanos como sacros, desde la misa hasta la chanson profana en
varios idiomas, pasando por el motete latino, himnos, madrigales y villanescas. Cultivó con
especial dedicación la música sacra al final de su vida, cuando ocupaba el puesto de maestro de
capilla de la corte de Munich.

Sus primeros pasos en el mundo de la música los dio como niño cantor en su localidad natal. En
1544, con sólo doce años, entró al servicio de Ferdinando Gonzaga, al que siguió en sus viajes por
Italia y Francia. En Italia, a través de animadas relaciones con la cultura renacentista, pudo ampliar
y profundizar sus experiencias artísticas, así como también madurar su formación humanística
mediante el estudio de los poetas latinos y romances, entre quienes prefirió a Petrarca. Vivió en
Mantua, Palermo, Milán y Nápoles, de donde pasó a Roma; en esta ciudad fue nombrado en 1553
maestro de la capilla lateranense. El año siguiente volvió a la patria para visitar a sus padres, que,
gravemente enfermos, fallecieron antes de su llegada.

Marchó entonces, según parece, a Inglaterra y Francia, y luego se estableció durante algún tiempo
en Amberes, donde publicó en 1555 el primer libro de Madrigales y las piezas de Villanescas,
Canciones francesas y Motetes a cuatro voces. Esta última obra, de la que el mismo año
aparecieron otras dos ediciones, lleva ya los indicios de un arte maduro; sus características más
admirables son el vigor lozano y la riqueza de la expresión, siempre regida y dominada por una
lógica necesidad poética que da lugar a un armónico desarrollo del conjunto.

La excelente acogida de sus obras propició que un año más tarde fuera aceptado en la corte del
duque Alberto V de Munich, primero, hasta 1563, como tenor, y después como maestro de capilla.
Gracias a la ilustre protección de este príncipe, Munich se había convertido en el mayor centro
cultural y político de Baviera; allí proseguiría su fecunda actividad de compositor hasta su
fallecimiento.

La obra de Orlando di Lasso, que, junto con la de Palestrina, señala el pleno y esplendoroso
refinamiento de la tradición polifónica del siglo XVI, es una de las más amplias y conocidas: las
composiciones que dejó este autor, muchas de las cuales se conservan manuscritas en la
Biblioteca de Munich, superan la cifra de dos mil: los Motetes son unos ochocientos, cuatrocientas
veintinueve las Sacrae cantiones, ciento ochenta los Magnificat, doscientos treinta y tres los
Madrigales y cincuenta y una las Misas.

En la producción de los últimos años prevalecen, sobre el fondo de exuberancia renacentista


propio de las páginas juveniles, una religiosidad recogida y austera y un matiz de reflexiva tristeza,
quizá debido a la influencia del dogmatismo de la Contrarreforma difundido entonces en Baviera;
pero también, esencialmente, demostración de un progreso íntimo y de una labor fervorosa y
espiritualmente profunda.

Giovanni Pierluigi de Palestrina

Compositor italiano. Existe una leyenda de atribución incierta


según la cual Palestrina salvó a la música polifónica, y a la música en general, del peligro de
prohibición que pesaba sobre ella por parte de las autoridades eclesiásticas. En plena
Contrarreforma, cuando muchas composiciones sacras no eran sino un pretexto para que los
compositores levantaran los más complejos edificios contrapuntísticos -con el consiguiente
descuido de la comprensión de las palabras de los textos cantados-, este compositor, con su Misa
del papa Marcelo, devolvió a la música toda su pureza y todo su sentido.

Junto al español Tomás Luis de Victoria, el inglés William Byrd y el flamenco Orlando di Lasso,
Palestrina marca la culminación del estilo polifónico. Su música, prácticamente toda ella de
carácter sacro y a cappella, sin acompañamiento instrumental de ningún tipo, se distingue por su
belleza desnuda, su profunda y serena espiritualidad y su severidad constructiva. No fue un autor
innovador como su contemporáneo Lasso, sino más bien un tradicionalista que, a patir de los
procedimientos y las técnicas usados antes que él, llevó a su culminación más perfecta y ortodoxa
un arte que tenía sus raíces en la Edad Media, de tal manera que su obra representa el paradigma
de tal proceder.

Nacido en un pequeño pueblo cercano a Roma, del cual tomó el nombre, la existencia de
Palestrina se desarrolló prácticamente en la Ciudad Eterna. En 1537, a los doce años, era ya
miembro del coro en la basílica de Santa María la Mayor, donde tuvo la oportunidad de
familiarizarse con la obra de compositores de la escuela francoflamenca como Josquin Desprez y
Jean Mouton.

Dados los progresos en su formación, en 1544 fue nombrado organista de la catedral de San
Agapito de su localidad natal, Palestrina. Allí permaneció hasta que el cardenal-obispo del que
dependía, Giovanni Maria Ciocchi del Monte, accedió en 1551 al solio papal con el nombre de Julio
III y lo nombró maestro de la Cappella Giulia y miembro de la Capilla Sixtina. Fue la época en que
dio a la imprenta su primer libro de misas, dedicado a su protector.

Esta situación duró hasta que en 1555 el nuevo papa, Paulo IV, lo apartó de sus cargos por su
condición de hombre casado. Palestrina pasó entonces al servicio de la iglesia de San Juan de
Letrán y, en 1561, a la de Santa María la Mayor. Compuso en esta época la más célebre de sus
misas, la ya mencionada Misa del papa Marcelo, en la que consiguió plasmar los criterios de
inteligibilidad en la música sacra requeridos por el Concilio de Trento. Tras unos años al servicio
del cardenal Ippolito de Este, en 1571, reconocido ya como uno de los compositores vivos más
importantes, fue readmitido en el Vaticano en su antiguo puesto de maestro de la Cappella Giulia.
El fallecimiento de su esposa en 1580 le hizo pensar en tomar los hábitos, posibilidad que frustró
su matrimonio al año siguiente con Virginia Dormoli, la acaudalada viuda de un comerciante
romano.

Palestrina fue un compositor prolífico en el que cantidad y calidad no están reñidas. Su catálogo
integra 104 misas de cuatro a ocho voces, cerca de 400 motetes, 66 ofertorios, 35 magníficats y 65
himnos, además de madrigales sacros y profanos, salmos y lamentaciones. De toda esta ingente
producción, las misas son las obras en que más se evidencia el magisterio del músico. Unas veces
construidas sobre un cantus firmus de procedencia gregoriana, otras basadas en temas
procedentes de motetes o madrigales, tanto propios como de otros autores contemporáneos o,
incluso, de canciones populares, obras todas ellas de una belleza imperecedera.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi

fue un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición


entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la
ópera en el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del
Renacimiento y del Barroco.

Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de
Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y 1638 publicó ocho colecciones
de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista. Combina las escrituras
homofónica y contrapuntística, donde utiliza libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó
con Claudia de Cataneis, que murió en 1607 y en ese mismo año se estrenó Orfeo, favola in
musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, como la
entendemos hoy día. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el
famoso "Lamento", consolidó su fama.

En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que
compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso
más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos, que iban desde la polifonía de
su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales
antifonales de sus Vísperas de la beata Virgen, también de 1610. La obra Selva morale e spirituale,
publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637 compuso una nueva serie
de óperas, de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) y L'incoronazione di
Poppea (1642).

Tomás Luis de Victoria

Compositor y organista español. La música de Tomás Luis de


Victoria traspasa las fronteras del Renacimiento polifónico, su equilibrio y pureza, para anunciar ya
la expresividad barroca. Formado en su ciudad natal como niño de coro, en 1565 fue a Roma para
perfeccionar sus conocimientos musicales y prepararse para el sacerdocio.

En la capital pontificia ingresó en el Collegium Germanicum, fundado por los jesuitas, donde pudo
recibir algunas lecciones de Palestrina, músico cuya influencia se dejará sentir en sus primeras
composiciones. En 1575 recibió la ordenación sacerdotal, y tres años más tarde ingresó en la
Congregación del Oratorio fundada por san Felipe Neri, donde tuvo como compañero al cantante y
también compositor español Francisco Soto de Langa.

En 1587 regresó a España, donde, bajo la protección de Felipe II, fue nombrado capellán y maestro
de capilla del convento de las Descalzas Reales, al servicio de la emperatriz María, hermana del
monarca. Durante los años que ocupó este cargo, Victoria compuso pocas obras: sólo dos nuevas
ediciones de misas y el Officium defunctorum a seis voces, escrito en 1603 para los funerales de su
regia protectora.

Comparada con la de sus contemporáneos Orlando di Lasso y Palestrina, la producción de Victoria


es reducida. Por otra parte, y al contrario que estos dos autores, sólo compuso música sacra:
misas, motetes, himnos, salmos y magníficats. Sus profundas y sinceras convicciones religiosas
otorgan un carácter especial a sus obras, de una gran pureza técnica, una intensa calidad
dramática y una expresión apasionada que algunos autores no han dudado en comparar con la
que transmiten los poemas de sus contemporáneos santa Teresa de Jesús y san Juan de la Cruz.
Además del citado Officium defunctorum, de entre sus composiciones deben destacarse las misas
Ave maris stella (1576), O magnum mysterium (1592) y Laetatus sum (1600), los motetes O vos
omnes y Vidi speciosam, ambos publicados en 1572, y el monumental Officium hebdomadae
sanctae (1585), destinado a la Semana Santa.

La música renacentista se caracteriza por su suave sonoridad, a diferencia de las duras polifonías
medievales. También irán aumentando poco a poco el número de voces o melodías que suenan
simultáneamente. Estas voces, todas de igual importancia, se rigen por las reglas del contrapunto
que son:

Independencia de las voces.

Perfeccionamiento de la polifonía.

Sonoridad más suave que en la Edad Media.

Uso habitual de 4 voces o melodías.

Técnica imitativa, que consistía en que cada voz repetía o imitaba las melodías que ya habían
sonado.

Ninguna de las melodías destaca sobre las otras.

Una pieza musical renacentista suele tener, por tanto, una textura polifónica imitativa y estar
escrita para entre tres y seis voces (sean éstas vocales o instrumentales), de la misma importancia.
En esta época se utilizan ya voces más agudas o graves para crear polifonía. ¿Qué tipos de voces
existen y a quiénes corresponden? Realiza un cuadro con todas ellas.

Al final de esta época la polifonía empezó a modernizarse, abandonando el estilo melódico


gregoriano y avanzando hacia las escalas actuales. También, como ya veremos, tuvieron que
simplificar las complicaciones del contrapunto imitativo, que hacía que muchas veces no se
entendiera bien el texto que se cantaba. Todas estas novedades darán paso a la música barroca.

Polifonía viene del griego polyphonía que significa muchas voces. En música es cuando muchas
voces cantan simultáneamente a diferentes tiempos de manera que logran una especie de
armonía. La polifonía existe desde la edad media, pero en el renacimiento alcanzó su esplendor,
debido a que se distinguían distintos tonos de voz y era posible integrar las distintas voces de
manera más armoniosa. En el renacimiento se crearon obras para 4 o 6 voces por lo general. A
menudo las obras polifónicas eran de carácter religioso.
Las principales formas vocales del renacimiento fueron:

Religiosas: motete, misa y villancico religioso.

Profanas: villancico, canción, romance, madrigal.

Al principio del renacimiento, la polifonía se desarrolló en Francia, Bélgica y Holanda, donde se


creó la escuela flamenca. Los mayores autores de polifonías de esta escuela fueron Guillaume
Dufay, Jan van Ockeghem, Jacob Obrecht y Josquin des Prés. El problema es que llegó un
momento en el que se crearon composiciones tan grandes como para 30 voces que era casi
imposible apreciarlas.

Posteriormente, el movimiento se extendió hasta Italia donde surgieron grandes compositores


como Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da Palestrina y a finales del siglo XVI surgió Claudio
Monteverdi.

También, dentro del género de la polifonía surgió la policoralidad, que es lo mismo que la
polifonía, pero en vez de voces separadas, las obras son interpretadas por varios coros.

En conclusión, el género de la polifonía fue cultivado principalmente en la época renacentista


empezando en Francia, Bélgica y Holanda, y posteriormente se trasladó a España e Italia. La
polifonía era principalmente de carácter religioso, pero también fue cultivado por los nobles con
carácter profano.

Con el comienzo del siglo XVI, en la música del renacimiento europea se generaron una serie de
cambios trascendentales en 1501, el impresor veneciano llamado Ottaviano Petrucci publicó la
primera compilación esencial de la música polifónica, el Harmonice Musices Odhecaton A. El éxito
de Petrucci condujo por último a la música.

IMPRESIÓN DE LA MUSICA INSTRUMENTAL EN EL RENACIMIENTO

En Francia, Alemania, Inglaterra, y en otros países. Ya antes de 1501, toda la música en el


renacimiento debía ser copiada a mano o bien aprendido de oído; libros de música eran propiedad
exclusiva de los establecimientos religiosos o bien cortes exageradamente ricas y los hogares. Tras
Petrucci, al tiempo que estos libros no eran económicos, se hizo posible para un número
considerablemente mayor de personas que tienen que aprender a leer música.

Prácticamente al tiempo, la tecnología de instrumentos condujo al desarrollo de la viola da gamba.


Una con trastes, se inclinó instrumento de cuerda. Músicos europeos apasionados de medios
acometió la flauta, como el laúd, la grabadora, el clave, el órgano barroco y otros instrumentos. La
viola de gamba y la grabadora se jugaron juntos en consortes o bien conjuntos, y para facilitar esto
frecuentemente se genera en las familias o bien en conjuntos, con diferentes tamaños que juegan
las distintas líneas. Publicaciones de Petrucci y otros proveen estos jugadores por vez primera con
la música anotada (en contraposición a la música improvisada que desempeñan los
instrumentistas profesionales). El siglo XVI fue testigo del desarrollo de la música instrumental del
renacimiento como la canzona, ricercare, fantasia, alteraciones, y las composiciones de danza
inspirado en contrapunto, tanto para solistas y conjuntos, como un género realmente diferente y
también independiente con sus modismos separado de formas vocales y práctica
acompañamiento al baile.

Los instrumentos representados en el estudio del duque Federico da Montefeltro de Urbino


(1479-1482) representan tanto su interés personal en la música y el papel de la música en la vida
intelectual de un hombre del Renacimiento educado. Los instrumentos se ponen al lado de
múltiples instrumentos científicos, libros y armas, y que incluyen un órgano portátil, laúdes, violín,
cornetti, un cuerno de caza, una flauta, tambor, un anillo de harpa, tintineo, un rabel y una lis.

Desde 1520 hasta finales del siglo XVI, los músicos de toda Europa emplean el lenguaje polifónico
de la generación de Josquin en la exploración de la expresión musical mediante la canción
francesa, el madrigal italiano, el tenorlieder alemán, el villancico de España, y la canción Inglés,
como en la música sagrada.

La Reforma y contrarreforma afectó de manera directa a la polifonía sagrada de estos países. Las
revoluciones protestantes (sobre todo en el norte de Europa) cambiaron en sus actitudes cara la
música sagrada, con lo que dichos cambios arte como la introducción de himnos parcialmente
simples en idioma alemán (o bien corales) cantadas por la congregación de los servicios luteranas.
Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525/26-1594), profesor de capilla en la Cappella Giulia al lado de
San Pedro, en la ciudad de Roma, es visto por muchos como el icónico músico alto renacimiento
de la Contrarreforma música sagrada, que cuenta con líneas claras, una pluralidad de texturas, y
una reverencia musicalmente expresiva de sus textos sagrados. El inglés (y católico) músico
William Byrd (1540-1623) a horcajadas sobre los 2 mundos, componiendo obras-mandado
mensajes de texto latino para la Iglesia Católica.c

LA MUSICA EN EL RENACIMIENTO Y LOS HUMANISTAS DEL SIGLO XVI ESTUDIADOS

Viejos tratados helenos sobre la música que discute la angosta relación entre la música y poesía,
de qué manera la música podría agitar las emociones del oyente. Inspirado por el planeta
tradicional, renacentista músicos palabras de ajuste y la música juntos de una forma poco a poco
más trágica, como se ve en el desarrollo del madrigal italiano y después de las obras de ópera de
Claudio Monteverdi (1577-1643). La adaptación del renacimiento de un músico cantando y
acompañándose con un instrumento de cuerda, una alteración sobre el tema de Orfeo, aparece en
obras de arte del Renacimiento como Caravaggio, y Tiziano’s Venus y el jugador del laúd.

El periodo del Renacimiento musical comprende los siglos XV y XVI, dentro de este podemos
destacar 3 etapas importantes:

PRIMER RENACIMIENTO

Inicia en la primera mitad del siglo XV. También es nombrado como el periodo franco-flamenco,
gracias a que los duques de Borgoña actuaron como mecenas de un grupo de grandes personajes,
que se convertirán en los artistas más importantes de aquella época. Entre los más destacados
compositores podemos nombrar a Dufay, Ockeghem. Después la gran mayoría de música de estos
grandes autores será religiosa (motetes y misas). Durante este Primer periodo del Renacimiento
será muy popular la técnica compositiva llamada contrapunto imitativo, que lo que hace es tratar
de proyectar un tema ó motivo repetidamente entre las voces distintas.

ALTO RENACIMIENTO

Comprende entre la segunda mitad del siglo XV, y la primera mitad del siglo XVI. Músicos franco-
flamencos repartidos por toda Europa, cada país dan la bienvenida la nueva música y se adapta a
su estilo de composición. Por lo tanto, se crean los llamados estilos nacionales. En Italia, el genero
mas cautivador fue el madrigal, en Francia centra el desarrollo mas popular en el chanson y en
Alemania el lied fue elque mas auge tuvo.

BAJO RENACIMIENTO

Se desarrolla en la segunda mitad del siglo XVI. Italia es el país más importante de la música en el
renacimiento, las innovaciones más interesantes entran en la música profana; Sin embargo, los
dos personajes más notables de la música son Giovanni Pierluigi de Palestrina y Tomás Luis de
Victoria (español). Los géneros más importantes son la misa y el motete. En este tiempo, también
debemos destacar al italiano Claudio Monte Madrigal (escribió 8 tratados) y es crucial para el
nacimiento de la ópera Orfeo en 1607.

INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO MUSICAL

Muchos instrumentos se originaron desde el periodo del Renacimiento; otros eran cambios o
mejoras, instrumentos que existían antes. Algunos han llegado hasta nuestros días; otros han
desaparecido y han sido re-creados para realizar la música de esa época en las carpetas públicas.
Al igual que en los tiempos modernos, los instrumentos del renacimiento musical pueden
clasificarse como latón, cuerdas, percusión y de viento de madera.

INSTRUMENTOS DE VIENTOS:

Chirimía. Formado con un tubo de madera y una lengüeta doble (muy parecido a los oboes pero
de un tamaño mayor). Los tubos fueron también más comúnmente hechos de madera y muchos
de ellos tenían tallas y decoraciones . Fue el más popular de instrumentos de lengüeta doble del
período de renacimiento.

Flauta dulce o flauta de pico. Actualmente se utiliza el mayoría de los casos con fines educativos;
fue de los instrumentos del renacimiento más populares.

Cromorno. Este instrumento es de madera, de una lengüeta doble (como la dulzaina) que termina
con la forma de U.

Gaita. Se cree que fue inventado por los pastores que pensaban utilizar una bolsa hecha de oveja o
de cabra piel y proporcionaría la presión de aire de modo que cuando su jugador toma una
respiración, el jugador sólo tiene que apretar la bolsa escondido debajo de su brazo para continuar
con el tono. El tubo de la boca tiene una sencilla pieza redonda de cuero giraba en torno al
extremo de la bolsa de la tubería y actúa como una válvula de retención. La caña está situado
dentro de la boquilla de metal largo, conocido como un bocal.
Grabadora. El registrador es un instrumento común que todavía se utiliza hoy en día, a menudo se
enseña a los niños de las escuelas primarias. En lugar de una caña que utiliza una pieza de boca
silbato, que es una pieza de la boca en forma de pico, ya que su fuente principal de producción de
sonido. Se hace generalmente con siete agujeros para los dedos y un agujero para el pulgar.

PERCUSIÓN

Pandereta. Fue originalmente un tambor de marco sin los jingles unidos al lado. Este instrumento
se desarrolló pronto y tomó el nombre de pandereta durante las cruzadas medievales, momento
en el que adquirió los jingles. Se encuentra a menudo con una sola piel, ya que seo hizo fácil para
un bailarín para que lo pueda tocar.

Arpa de judio. Un instrumento prohibido debido a su construcción de la plata, y debido a la gran


demanda de plata del siglo XIX en Austria esto era otra razón para su ilegalización. Un instrumento
de acero que produce sonido usando formas de la boca y de intentar pronunciar las vocales
diferentes con los labios.

LATON

Diapositiva trompeta. Similar al trombón de hoy, excepto que en lugar de una sección del cuerpo
deslizante sólo una pequeña parte del cuerpo cerca de la boquilla y la propia boquilla, es
estacionaria.

Corneta. Hecha de madera y jugó como la grabadora pero soplado como una trompeta. Se hace
comúnmente en varios tamaños; el mayor se llamaba la serpiente. La serpiente se convirtió en
prácticamente la única corneta utilizada en los principios del siglo XVII, mientras que otros rangos
fueron reemplazados por el violín. Se dice que es el instrumento del renacimiento más cercano a
la voz humana con la capacidad de utilizar la expresión y dinamica.

Trompeta.

Las primeras no tenían válvulas y se limitaron a los tonos presentes en la serie de armónicos.
También se hicieron de tamaños diferentes. Aunque comúnmente se muestran siendo utilizado
por los ángeles, su uso en las iglesias era muy limitado, una excepción destacable es la música de
la escuela veneciana.

INSTRUMENTOS DE CUERDA

Violin. Este instrumento, desarrollado en el siglo XV, comúnmente tiene 6 cuerdas. Se toca por lo
regular con un arco. Tiene cualidades estructurales similares a la vihuela española; su principal
característica de separación es su tamaño más grande.

Laúd. Se puede referir generalmente a cualquier instrumento de cuerda que tiene las cuerdas que
se ejecutan en un plano paralelo a la mesa de sonido, más específicamente a cualquier
instrumento de cuerda pulsada con un cuello (ya sea trastes o sin trastes) y una profunda,
redonda, o más específicamente a un instrumento de la familia de los laúdes europeos.

Lira. Su construcción es muy parecida a una arpa pequeña, pero se tocaba con una púa. Sus
cuerdas variaban dependiendo de la epoca 4, 7 o 10. Se tocaba con la mano derecha, mientras que
la mano izquierda silenciada las notas que no se deseara. liras nuevas fueron modificados para ser
tocadas con un arco.

Violín de rueda o Zanfona. En la que las cadenas se sonaban por una rueda pasan sobre de ella. Su
funcionalidad se puede comparar con la de un violín mecánico, en el que su proa (la rueda) es
girado por una manivela.

Arpa irlandesa o Cláirseach. Durante la Edad Media fue el instrumento más popular de Irlanda y
Escocia. Debido a su importancia en la historia de Irlanda se ve incluso en la etiqueta de Guinness,
y es el símbolo nacional de Irlanda hasta el dia de hoy.

La música en el renacimiento es parte importante de la historia ya que sido una gran epoca donde
se han inventado nuevos instrumento y descubierto nuevos sonidos que han aportado muchos
beneficios a la música, es por esto que este periodo es muy importante.