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Listas,  listas,  listas…  

por  Rubén  García  López  
 
       Hace   unos   meses,   en   Facebook,   José   Luis   Torrelavega   me   nominó   a   participar   en  
una  de  esas  habituales  cadenas  dedicada  en  este  caso  a  exponer  mis  10  películas  
favoritas,   o   consideradas   mejores   de   la   historia,   o   algo   así.   Como   Facebook   es   la  
única  cárcel  del  mundo  donde  los  prisioneros  están  fuera  de  las  rejas,  y  como  me  
da   mucha   pena   ver   tantos   blogs   abandonados   por   la   entrega   de   sus   autores/as   a  
escribir  en  un  medio  que  solo  permite  la  lectura  a  sus  afiliados,  comparto  aquí,  con  
las  pertinentes  correcciones,  lo  que  salió  de  allí.  
       Quien  me  conoce  sabe  que  soy  malo  para  las  listas,  así  que  en  principio  debiera  
haber  evitado  aceptar  el  envite  de  José  Luis,  pero  por  lo  que  fuera  decidí  meterme  
en   ello.   Siempre   que   he   intentado   hacer   una   lista   de   “las   10   mejores   películas   de   la  
historia”   he   fracasado   en   el   intento   y   la   tensión   me   ha   dejado,   además,   exhausto.  
Por   ello,   en   este   caso   me   relajé   y   para   conseguir   10   títulos   sin   demasiados  
remordimientos,  decidí  combinar  criterios  distintos:  películas  capitales  en  mi  vida  
(criterio   autobiográfico),   capitales   sin   más   (criterio   estético/histórico)   y  
simplemente   muy,   muy   queridas   (criterio   amatorio).   No   había   que   hacer  
comentarios  pero  por  supuesto  yo  me  compliqué  la  cosa  lanzándome  a  ellos.  Como  
se   verá,   empiezo   suave   pero   luego   me   caliento   (y   luego   me   arrepiento   de   haberme  
calentado).  El  resultado  fue  el  que  sigue:  
 

 
1:  Phantom  of  the  Paradise,  Brian  de  Palma,  1974.  Durante  media  adolescencia  fue  
mi   película   favorita,   y   a   día   de   hoy   me   sigue   pareciendo   la   mejor   de   su   director.  
También   la   considero   la   mejor   rock   opera   ever,   ya   sea   en   película   o   en   disco,   es  
decir   que   también   hay   aquí   otro   tipo   que   tocó   el   cielo:   Paul   Williams.   Bueno,   y   mis  
adorados  William  Finley  y  Jessica  Harper...  Me  callo  mejor...  
 

 
2:  2001.  Odisea  del  espacio,  Stanley  Kubrick,  1968.  Diría  que  el  mejor  Kubrick  es  Dr.  
Strangelove,  pero  ahí  al  lado  anda  2001,  que  escojo  aquí  tanto  por  mi  gusto  por  la  
ciencia-­‐ficción   como   por   las   películas   lentas   y   largas   como   por   el   hecho   de   que  
verla  (en  algún  momento  entre  los  11  y  los  13  años)  marcó  un  antes  y  un  después  
en  mi  vida,  por  razones  que  serían  muy  largas  y  lastimosas  de  exponer  aquí…  
 

 
3:  El  bueno,  el  feo  y  el  malo,  Sergio  Leone,  1966.  Entre  esta  y  Once  upon  a  time  in  the  
west  me  es  imposible  elegir,  ambas  son  centrales  en  mi  infancia  más  remota,  son  
las  primeras  películas  de  las  que  tengo  recuerdo,  y  las  revisiones  posteriores  nunca  
me   han   decepcionado.   Si   elijo   esta   es   porque   tengo   recuerdos   de   ella   que   se  
remontan  a  los  3-­‐4  años,  y  la  imagen  de  Eli  Wallach  atravesando  un  cristal  en  su  
presentación  se  me  quedó  tan  grabada  que  yo  creo  que  fue  aquel  un  personaje  que  
en   algo   debió   influir   en   mi   desarrollo   o   involución   posterior.   Después,   los  
espagueti   western   en   vídeo   y   los   westerns   clásicos   en   la   televisión   fueron  
capitales,  y  así  hasta  hoy.  Una  buena  formación,  no  lo  duden.    
 
 
4:   Fort   Apache,   John   Ford,   1948.   Siento   ser   tópico   aquí,   pero   en   una   lista   de   10  
películas   grandes   no   puede   faltar   John   Ford.   Escoger   una   es   complicado,   por  
supuesto.   El   orgullo   me   pide   ser   original,   pero   esta   es   la   película   que   me   viene   a   la  
cabeza  constantemente  y  no  vamos  a  luchar  contra  esos  impulsos  a  estas  alturas.  
Fort   Apache   muestra   a   Ford   en   absoluta   plenitud   y   con   toda   su   retorcida  
complejidad.  Como  pongo  esta  podría  poner  My  darling  Clementine,  Dos  cabalgan  
juntos,   Gideon´s   day,   Tobacco   road,   Rio   Grande,   The   long   gray   line   o   The   wings   of  
eagles,   pero   siempre   he   tenido   la   impresión   de   que   esta   película   resume   a   Ford  
entero,   su   talento   como   cineasta,   como   cronista   de   la   historia   de   su   país,   como  
amante  del  detalle  y  el  secreto.        
 

 
5:   Madregilda,   Francisco   Regueiro,   1993.   Igualmente,   en   una   lista   de   10   películas  
grandes   tampoco   puede   faltar   una   película   española.   ¿Por   qué?   Porque,   si   no  
ponemos  nosotros  una,  nadie  lo  hará.  En  mi  prólogo  al  libro  Paulino  Viota.  El  orden  
del   laberinto,   expreso   cómo   hacer   historia,   crítica   o   teoría   cinematográfica   en  
castellano   es   hacerlo   en   el   silencio,   porque   los   centros   culturales   son   anglosajones  
y   franceses,   y   nada   fuera   de   allá   será   considerado   a   no   ser   que   pertenezca   a  
centros   de   poder   económicos   (Alemania,   Japón,   China)   o   le   toque   momento   de  
fama  motivado  generalmente  por  simple  turno.  Nada  de  lo  que  digamos  importa  en  
los  cálculos  generales  de  nuestras  materias.  Hablamos  solo  para  nosotros.  
       Así   pues,   Madregilda.   ¿Por   qué?   No   la   considero   ni   la   mejor   película   hecha   en  
España  ni  la  mejor  de  Regueiro  (ahí  hay  varias  para  elegir:  Padre  nuestro,  Duerme,  
duerme  mi  amor…  es  triste  que  la  más  famosa  sea  la  única  mala,  Carta  de  amor  de  
un  asesino),  pero  a  este  sí  le  tengo  por  el  más  importante  cineasta  español,  por  su  
puro   arte   en   la   puesta   en   escena   (sus   elipsis,   sus   sinécdoques,   su   arte   para   no  
imponer   las   metáforas   sino   configurar   un   mundo   completo   estructurado   mediante  
ellas)   pero,   también,   porque   ha   sido   el   único   en   trabajar   a   fondo   la   idea   de   que,   en  
este  país,  todos  somos  hijos  de  Franco,  en  diagnosticar  ese  pecado  original  que  una  
dictadura   instaura   siempre   en   un   país,   o   cuando   menos   en   el   nuestro.   Es   el  
cineasta  que  mejor  ha  sabido  dirigir  su  luz  hacia  nuestra  noche  ("nuestra  música",  
por   recordar   el   memorable   dictum   de   Godard   en   el   filme   del   mismo   nombre),  
nuestra   oscuridad,   sin   la   cual   una   aproximación   crítica   es   siempre   (y   así   lo  
demuestran   las   obras   de   Picazo,   Saura,   Camus   y   tantos   otros)   incompleta,  
autoindulgente,  incompleta  en  último  término.  
         Es  una  pena  que  Madregilda  fuese  su  última  película,  pero  realmente  es  un  justo  
y  coherente  punto  final:  dirigirse  al  protagonista  larvado  de  toda  su  obra,  el  Origen  
con  mayúsculas  de  todo  su  mundo,  un  mundo  de  padres  terribles,  criminales  pero  
también  cobardes,  emperadores  caídos  incluso  en  el  momento  de  su  triunfo,  que  es  
aquí  también  el  de  la  cinefilia,  sempiternamente  obsesionada  por  el  lugar  paterno  
(baste  leer  a  Daney,  exponiendo  el  subconsciente  de  toda  una  tradición  cinéfila  en  
la   primera   parte   de   Perseverancia,   o   a   Erice   en   cualquier   lugar),   y   dirigirse   al   fin  
hacia  una  mujer,  esa  Gilda  que  ganó  la  Guerra  Civil  y  que  al  son  nada  menos  que  de  
"Suspiros   de   España”   (Regueiro   es   malo   para   la   música,   pero   usando   este  
pasodoble  toca  siempre  el  cielo)  emerge  de  entre  los  muertos  para  hacer  que  los  
hijos  se  vuelvan  contra  sus  padres.  Nada,  por  supuesto,  cambiará:  la  pugna  entre  
madres,   padres   e   hijos   es   una   perdida   desde   el   principio,   por   emponzoñamiento  
esencial  de  los  términos.  Regueiro  es  el  gran  poeta  del  infierno  español,  y  quizás  el  
único  capaz  de  mirarlo  a  los  ojos  hasta  el  final.    
 
 
6:   Memories   within   Miss   Aggie,   Gerard   Damiano,   1974.   Por   idénticas   razones,   en  
una   lista   como   esta   tampoco   puede   faltar   una   película   pornográfica.   Hace   años   a  
muchos   se   les   llenaba   la   boca   tildando   de   "cine   invisible"   a   películas   que   no   se  
estrenaban  en  salas  comerciales  pero  recorrían  festivales  del  mundo  entero,  eran  
reseñadas   por   todas   las   revistas   de   prestigio   y   hasta   ganaban   Palmas   de   Oro   en  
Cannes.  No  hay  cine  que  merezca  más  el  título  que  el  pornográfico,  ese  que  nadie  
ve   (al   menos,   entero)   pero   del   que   todos   hablan   (y   hablan,   por   supuesto,  
estupideces,   casi   sin   excepción).   Me   tentaba   escoger   Face   dance   de   Stagliano,    
ejemplo   de   película   que   cambia   el   mundo   sin   que   nadie   la   conozca,   pero   nada  
iguala   ni   el   amor   que   le   tengo   a   Damiano   ni,   sobre   todo,   la   grandeza   de   la   más  
terrible   de   todas   sus   películas   y   el   mejor   filme   pornográfico   que   he   visto.   Damiano  
hizo  las  clásicas  películas  porno  felices,  pero  también  supo  ahondar  en  los  horrores  
de   la   soledad   y   el   sexo   como   yo   diría   que   nadie   ha   hecho,   extraer   los   afectos  
propios   del   contacto   entre   dos   cuerpos,   pero   también   de   su   separación,   o   de   un  
cuerpo  solo  que  anhela  otro.  Hizo  películas  terroríficas  como  esta,  que  pude  ver  en  
pantalla   grande   hace   muchos   años,   una   experiencia   escalofriante   e   inolvidable,  
obra  suprema  de  un  cineasta  imprescindible  sin  el  cual  toda  historia  del  cine  está  
incompleta.    
 
 
7:   El   dinero,   Robert   Bresson,   1983.   El   descubrimiento   de   Bresson,   en   2002   en   la  
casi   recién   estrenada   nueva   sala   de   la   Filmoteca   de   Santander   (y   al   mismo   tiempo,  
por   cierto,   que   realizaba   mis   primeros   cortometrajes),   es   una   de   esas   cosas   que  
marcan   la   vida   de   cualquiera,   porque,   y   creo   que   no   me   equivoco   en   esto,   pocos  
cineastas  marcan  como  este.  Bresson  es  casi  una  enfermedad  de  la  que  uno  no  sale  
igual  que  estaba,  al  menos  yo  no  lo  hice.  De  todas  las  suyas  considero  esta  la  mejor,  
culminación  de  esa  etapa  en  la  que  introduce  el  color  y  sobre  todo  logra  eliminar  la  
música   de   su   cine   y,   con   ello,   a   Dios   y   todo   sentimiento   de   trascendencia,   que  
siempre  afeó  un  poquito  lo  anterior,  aunque  aviso  para  que  no  nos  confundamos  
que  otra  que  podría  ir  aquí  tranquilamente  es  El  proceso  de  Juana  de  Arco,  una  de  
esas  películas  a  las  que  rezar  antes  de  acostarse.   El  dinero  es  uno  de  los  filmes  más  
terribles  y  crueles  jamás  filmados,  me  parece  simplemente  perfecto  y  tristemente  
supone  el  final  de  una  manera  de  entender  la  puesta  en  escena  que,  aunque  tenga  
sus   herederos   (mi   favorito:   Kaurismäki),   es   una   voz   que   nunca   más   se   dejará  
sentir,   y   eso   a   veces   me   da   mucha   pena.   No   tener   a   Bresson   cantándonos   las  
cuarenta,   en   tanto   personas   y   en   tanto   cineastas,   es   triste.   Aunque   verdad   que   el  
tipo   era   tan   gruñón   y   tan   preciso   que   todo   lo   que   dijo   desde   su   primera   película   se  
escucha  todavía  hoy,  alto  y  claro.  Viva  Bresson.      
 
 
8:   Tres   vidas   y   una   sola   muerte,   Raúl   Ruiz,   1995.   También   en   la   Filmoteca   de  
Santander,   cuando   estaba   en   la   sala   Pereda   del   Palacio   de   Festivales   eso   sí,  
descubrí   a   Raúl   Ruiz,   con   esta   película   que   lo   cambió   no   pocas   cosas   en   su   carrera,  
y  que  sigue  siendo  la  que  más  quiero,  aunque  quizá,  como  obra  cumbre,  escogería  
Cofralandes,  Días  de  campo,  Mémoire  des  apparences,  Diálogo  de  exiliados…  en  fin,  
no   faltan.   Lloré   casi   cuando   murió   Ruiz,   y   realmente   me   duele   que   no   esté.   No  
puedo  decir  mucho:  no  hay  cineasta  más  difícil  que  él  y  esta  es  una  película  única  
en  mi  vida,  en  tanto  me  parece  genial  pero,  después  de  verla  no  sé  cuántas  decenas  
de  veces,  estoy  seguro  de  no  haber  alcanzado  su  centro,  su  sentido,  posiblemente  
porque   tiene   muchos,   aparentemente   hilvanados   por   un   eje   engañoso   que   en   el  
fondo   no   ayuda   a   resolver   mucho.   Quiero   con   ello   decir   que   podemos   quedarnos  
con   esa   "sola   muerte"   del/los   protagonista/s,   pero   con   ello   no   resolveremos   mil  
problemas   que   plantea   el   filme,   tanto   de   lo   que   muestra   como   del   modo  
singularísimo   en   que   lo   hace.   Ningún   cineasta   evita   el   cierre   como   Ruiz,   ninguno  
renovó  la  narración  (ese  arte  invisible)  como  él,  ninguno  es  tan  emocionante,  tan  
divertido,  tan  sugerente.  Creo  que  no  somos  todavía  conscientes  de  lo  gigante  que  
es  Ruiz.  El  intento  de  reducirlo  vendrá  mediante  el  de  convertirlo  a  él  en  personaje  
y  a  sus  ensayos  en  eje  de  lectura  de  los  filmes,  pero  esa  reducción  fracasará  cada  
vez   que   se   enfrente   a   estos   de   manera   exhaustiva,   la   misión   clave   en   este  
momento.  
       En   fin:   veo   esta   película   casi   todos   los   años   desde   que   se   estrenó,   y   aún   me  
maravilla,   me   sorprende,   me   fascina,   me   emociona,   me   intriga,   me   obsesiona.   No  
me  pasa  con  muchas.  
 
 
9:   Oki´s   movie,   Hong   Sang-­‐soo,   2010.   No   me   es   tan   difícil   escoger   una   película   de  
Hong  Sang-­‐soo  porque  me  encantan  sus  estructuras  y  hay  sobre  todo  dos  que  son  
para  enmarcarlas:  esta  y  Nobody´s  daughter  Haewon.  Oki´s  movie  llega  a  tal  nivel  de  
abstracción   que   quintaesencia   este   cine   donde   todo   puede   transformarse   y   ser  
impugnado   por   el   rincón   más   inesperado,   y   donde   acaba   prevaleciendo   un   clima  
de  vulnerabilidad,  de  necesidad  de  verdad  en  las  palabras  y  los  cuerpos,  de  miedo  
y  miseria,  y  un  gusto  por  el  detalle,  la  delicadeza  y  el  lirismo  que  me  hace  pensar  en  
Ford   y   que   se   diría   esconde   en   los   planos   generales   más   apasionantes   del   cine  
actual,   con   unos   actores   y   actrices   que   a   veces   cuesta   creerse   de   lo  
sobrenaturalmente  buenos  que  son  (mis  favoritos,  además,  están  todos  aquí).    
 

 
10.   Dog   Star   Man,   Stan   Brakhage,   1961-­‐1964.   De   todas   las   aquí   listadas,   si   hay   una  
que  mereciera  ser  tildada  de  MEJOR  PELÍCULA  DE  LA  HISTORIA  DEL  CINE,  es  esta.  
Primero,   porque   es   la   única   que   solo   se   puede   ver   en   cine.   La   he   visto   varias   veces  
pero  solo  una  de  verdad,  en  la  sala  2  del  cine  Doré,  hace  ya  demasiado  tiempo.  El  
resto,   en   televisiones   y   pantallas   de   ordenador,   acabaron   con   toda   evidencia   como  
repasos   informativos,   recordatorios   de   cómo   esta   o   aquella   imagen   se   sentían   en  
una  pantalla  grande,  con  la  luz  filtrada  a  través  de  ese  celuloide  trabajado  de  todas  
las   maneras   concebibles.   Así   que   poco   puedo   decir,   y   además   no   tengo   tiempo,  
había   que   acabar   esta   lista   y   se   me   escapa   el   autobús.   Eso   sí,   añadiré   10   más,  
porque  esto  no  se  puede  quedar  así.  Ya  veremos.  
 
       En   efecto,   como   era   previsible,   la   tensión   que   me   generó   escoger   10   películas  
entre  todas  las  que  admiro,  amo  o  considero  geniales,  me  obligó  a  añadir  10  títulos  
más,   aunque   el   juego   (y   la   tensión)   acabó   matándome   (y   aburriéndome)   y   solo  
llegué  a  añadir  8.  En  esta  ocasión  el  criterio  debía  ser  el  de  escoger  películas  que  de  
verdad   pudieran   ser   consideradas,   sin   ambages,   obras   maestras   absolutas   y,   si  
poseían  además  una  importancia  histórica  decisiva,  mejor  que  mejor.  Salió  lo  que  
sigue:  
 

 
11:   Henry   Geldzahler,   Andy   Warhol,   1964.   Warhol   fue   un   cineasta   gigantesco   y  
único  y  esta,  cuando  la  vi  en  pantalla  grande  en  La  Casa  Encendida,  me  pareció  la  
cumbre:   más   de   90   minutos   del   hombre   que   da   título   a   la   película,   sentado   en   el  
sofá   de   la   Factory,   posando   ante   la   cámara.   Como   siempre   en   el   Warhol   mudo,   a  
16fps.   Contra   la   descripción   que   hacía   Callie   Angel   (no   he   leído   la   de   Pagán),   la  
película   no   muestra   una   medida   postura   que   se   deshace   bajo   el   peso   del   largo  
tiempo  de  rodaje,  sino  una  que  se  deshace  y  recompone  constantemente,  gracias  al  
talento  juguetón  de  Geldzahler,  que  en  efecto  pierde  la  postura  y  el  aplomo  con  el  
tiempo,   pero   de   repente   reconvierte   con   gracia   en   nuevas   y   estilosas   poses   las  
casuales   posiciones   en   que   acaba,   mediante   un   leve   gesto   o,   muy   a   menudo,   una  
mirada  a  cámara.  Gran  arte  asimismo  en  el  manejo  del  puro,  el  mejor  yo  diría  que  
se   haya   fumado   nunca   ante   una   pantalla.   De   cuando   en   cuando   algún/a   cineasta  
redescubre  el  tiempo.  De  todos  ellos,  Warhol  fue  el  más  grande  y,  yo  diría,  el  más  
trascendental.      
 

 
12:   Je   tu   il   elle,   Chantal   Akerman,   1974.   Akerman   lo   dio   todo   aquí   e   hizo   una  
película   perfecta,   modélica   en   su   articulación   de   las   relaciones   entre   un   cuerpo   y  
un  pequeño  espacio,  de  dos  cuerpos  en  una  mesa  de  restaurante  (me  tienta  decir  
que   el   plano   en   que   la   chica   y   el   camionero   beben   cerveza   a   velocidades  
radicalmente  diferentes  es  el  mejor  de  la  película),  en  mostrar  la  curiosidad  de  un  
mundo   por   otro   (Akerman   filmándose   mirar   al   hombre   mientras   se   afeita,   o  
mientras   conduce   y   hace   sus   confesiones),   en   mostrar   el   reencuentro   de   dos  
amantes,   los   distintos   momentos   de   una   relación   sexual,   en   crear   un   personaje   del  
que   no   nos   separamos   y   que   nunca   conseguimos   conocer   (pero   que   me   cae  
enormemente   simpático).   Es   una   película   que   siempre   me   hace   sentir   asomarme   a  
algo  muy  distinto,  pese  a  que  sea  tan  reconocible  en  tantos  momentos.  Me  falta  por  
ver  casi  todo  de  Akerman,  pero  solo  por  esta  y  News  from  home  merece  sitio  en  el  
panteón.    
 
 
13:   Octubre,   S.   M.   Eisenstein,   1928.   Falta   mucho   cine   mudo   en   mi   lista.   Como  
mínimo   faltan   Keaton,   Chaplin,   Lubitsch,   Murnau,   Lang,   Richter…   Pero   qué   le  
vamos  a  hacer.  De  Keaton  y  Chaplin  soy  incapaz  de  escoger  una.  De  Eisenstein  me  
resulta   fácil:   El   acorazado   Potemkin   y   Octubre   abrieron   caminos   muy   difíciles   de  
seguir   y   su   perfección   y   dificultad   dejan   mudos.   Prefiero   Octubre   porque   aquí   la  
invención  es  más  radical  y  es  una  película  que  sigue  retando  a  mucho  cine-­‐ensayo  
y  filme  político  posterior.  Si  se  busca  unión  entre  cine  y  pensamiento  no  me  parece  
que  haya  que  rebuscar  mucho,  pero  esta  se  hallará  entre  los  casos  más  logrados.    
       Eisenstein,   también,   fue   el   mejor   pensador   que   tuvo   el   cine.   Que   no   se   hayan  
editado   todos   sus   escritos   y   que   los   que   haya   en   castellano   no   sean,   salvo   en   un  
solo  e  inencontrable  caso,  traducciones  del  ruso,  es  una  pura  vergüenza.  No  tiene  
nada  que  ver  con  el  tema,  pero  si  facebook  no  sirve  para  quejarse  ante  nadie,  ¿para  
qué  si  no?  
 

 
14:   Vertigo,   Alfred   Hitchcock,   1958.   Otra   clásica.   Ahora   que   se   supone   que   es   la  
mejor  película  de  la  historia  del  cine,  a  algunos  nos  empezará  a  dar  lata  hablar  de  
Vertigo,   tal   como   hay   quien   te   dice   que   Ciudadano   Kane   no   es   tan   buena,   pero   esta  
es  una  de  las  películas  de  mi  vida  desde  el  día  1,  y  además  tuve  la  suerte  de  que  en  
los   90   en   Santander   pude   verla   tropecientas   mil   veces   en   pantalla   de   cine.   A   mi  
Hitchcock  no  siempre  me  gusta,  pero  en  esta  dio  de  pleno.  Su  primera  mitad  está  
detrás  de  buena  parte  de  la  obsesión  por  los  paseos  urbanos  del  cine  posterior  y  su  
misterio,   su   amor   mórbido,   el   aura   fantástica,   son   poderosísimos.   Su   giro  
argumental,  además,  le  hace  alcanzar  la  grandeza,  al  ampliar  la  historia  no  solo  a  la  
fascinación  del  hombre  torturado  sino  al  sufrimiento  de  esa  mujer  que,  criminal  y  
enamorada,   se   ve   metida   en   una   de   las   historias   de   amor   más   retorcidas   jamás  
contadas.   James   Stewart,   quizás   mi   actor   favorito   del   mundo   mundial,   también  
alcanzó  aquí  su  cumbre,  otro  punto  a  favor.    
 

 
15.   Alemania,   año   cero,   Roberto   Rossellini,   1948.   Esta   es   otra   de   esas   películas   que  
se  ven  con  la  sensación  de  que  lo  empiezan  todo,  de  que  algo  nuevo  se  abre  en  ella.  
Un  nuevo  cine  del  espacio,  del  cuerpo,  de  la  relación  entre  ambos,  y  de  ambos  con  
la   historia   (y   más   concretamente,   yo   diría   con   la   guerra:   Rossellini   encontró   un  
modo  de  pensar  la  guerra  acudiendo  a  las  heridas  abiertas  dejadas  a  su  paso).  Si  
creyera  en  la  existencia  del  cine  moderno,  yo  diría  que  empieza  aquí,  pero  no:  es  el  
cine  de  siempre,  pegando  un  estirón.  
 

 
16:  Shoah,  Claude  Lanzmann,  1985.  Hablando  de  cine  del  espacio,  o  cine  del  lugar,  
Shoah   ocupa   una   posición   clave   y   es   desde   su   estreno   un   "game   changer",   como   se  
dice   ahora,   de   los   que   realmente   transforman   todo   a   su   paso.   En   este   sentido,   el  
tema   no   importa   tanto   como   la   estrategia   que   encontró   Lanzmann   para   aunar  
presencia,   ausencia,   memoria,   investigación,   imagen,   testimonio,   y   sortear   ese  
fetichismo  tanto  de  este  último  como  del  lugar  que  haría  estragos  desde  entonces.  
Pero   no   me   parece   que   podamos   culpar   a   Lanzmann   de   eso,   y   al   respecto   me  
remito  a  la  magnífica  entrevista  que  concedió  a  Cahiers  du  Cinéma  con  motivo  del  
estreno.  Uno  de  los  mejores  documentales  jamás  filmados,  sin  más.  De  los  que  se  
hacen  pajas  con  las  memorias  del  holocausto  podemos  hablar  otro  día.    
 

 
17:  Plácido,  Luis  García  Berlanga,  1961.  Reitero  lo  dicho  sobre  el  cine  español  en  la  
parte  primera  de  la  lista  (he  tenido  que  mirar  para  recordar  cuál  puse,  ¡esto  no  es  
serio!).  Primero,  para  mi  Berlanga  es  el  mejor  cineasta  español  junto  con  Regueiro.  
Punto.  (A  partir  de  aquí  ya  no  sé  quién  seguiría,  pero  estos  dos  son  claros).  Aunque  
siempre   se   cita   El   verdugo,   detesto   tanto   el   célebre   picado   de   la   ejecución,   que  
queda   automáticamente   eliminada   (antes   pondría   otras   como   Novio   a   la   vista   o   La  
escopeta   nacional),   pero   aunque   tampoco   me   agrada   mucho   el   picado   final   con  
villancico,   Plácido   me   parece   su   obra   maestra,   y   aunque   ya   Ferreri   estaba  
destacando  en  ello  (véase  El  cochecito),  el  manejo  de  grandes  grupos  de  gente  en  
desplazamiento   con   múltiples   líneas   de   diálogo   y   un   considerable   caos   sonoro  
alcanza  aquí  una  cumbre  mundial.  En  todo  caso  es  este  un  arte  que  parece  propio  
de   países   latinos.   Lo   que   también   me   hace   pensar   en   que   faltan   aquí   comedias  
italianas.  Lanzo  pues  un  accésit  a  la  última  de  ellas  que  me  maravilló:  ¿qué  impide  
decir  que  E´  primavera,  de  Renato  Castellani,  es  una  obra  maestra  del  cine,  y  que  
solo   prejuicios   surgidos   por   el   imperialismo   cultural   (que   no   es   solo  
norteamericano,   sino   francés,   nunca   lo   olvidemos)   nos   hacen   sentir   exagerado   el  
ponerla  por  encima  de  comedias  de  Hawks,  Wilder,  Sturges  e  tanti  e  altri?    
 

 
18:   Histoire(s)   du   cinema,   Jean-­‐Luc   Godard,   1988-­‐1998.   Es   obvio   lo   difícil   que  
resulta  escoger  un  Godard,  pero  diría  que  este  es  como  el  resumen  de  todos,  y  su  
obra   tal   vez   más   esencial   y   depurada,   más   entregada   a   ese   arte   del   contacto   y   la  
transmutación   que   tan   bien   nos   supo   hacer   ver   Paulino   Viota   en   un   inolvidable  
curso   en   que   nos   limitamos   (¡y   cuánta   falta   hace   limitarse   a   eso!)   a   mirar   cada  
capítulo,  describirlo,  esclarecer  las  referencias  y  pensar  su  sentido  inmediato,  con  
el   vuelo   justo   para   que   nos   diera   tiempo   a   terminar   la   serie   entera.   Bien   mirado,  
mis   películas   19   y   20   debieran   ser   este   curso   y   el   otro   que   Paulino   dedicó   a   Rio  
Grande  de  Ford.  Así  también  puedo  dar  por  finalizado  este  juego  absurdo  que  me  
tiene  ya  chato.  Salud.  
 
       Hasta   aquí   llegué.   Me   quedaron   dos   películas   por   incluir,   que   iban   a   ser   Playtime  
de  Tati  y  Gertrud  de  Dreyer.  Pero  ya  estaba  harto  y  en  el  fondo  dudaba  si  incluirlas.  
Juntando   y   corrigiendo   todo,   me   doy   cuenta   de   que   me   olvidé   de   una  
imprescindible  en  todos  mis  intentos  de  lista,  la  gran  Objetivo  40  de  Javier  Aguirre,  
sobre  la  que  ya  escribí  hace  tiempo  en  este  blog.  Pero  también  de  otra  que  se  me  
hace  criminal  no  nombrar,  así  que  no  me  quedo  sin  incluirla:    
 
19:   Angel,   Ernst   Lubitsch,   1937.   Cumbre   absoluta   de   Lubitsch   para   quien   esto  
escribe,   Angel   es   un   modelo   de   depuración,   concreción   y   abstracción.   Sus  
fueracampos,   sus   elipsis,   sus   divisiones   espaciales,   miradas   y   gestos…   Es   su  
película   más   estilizada,   y   una   de   esas   que   te   hacen   sentir   el   cómo   atravesar   una  
puerta  determinada  puede  cambiar  una  vida  entera.  Es  también  un  canto  al  amor  
hecho  por  una  persona  inteligente.  Nada  de  todo  esto  es  habitual.    Y  encima,  si  uno  
mira   bien,   se   da   cuenta   de   que   Marlene   Dietrich   es   responsable   indirecta   del  
estallido  de  la  Segunda  Guerra  Mundial.  ¿Quién  da  más?  
 
       En   secreto,   pensando   estas   listas,   pensaba   una   definitiva.   Las   10   de   verdad.   Y  
esta  vez  conseguí  hacer  una.  10  obras  maestras  absolutas:  
 
Memories  within  Miss  Aggie,  Gerard  Damiano,  1974  
Fort  Apache,  John  Ford,  1948  
El  dinero,  Robert  Bresson,  1983  
Dog  Star  Man,  Stan  Brakhage,  1961-­‐1964  
Vertigo,  Alfred  Hitchcock,  1958  
Je  tu  il  elle,  Chantal  Akerman,  1974  
Octubre,  S.  M.  Eisenstein,  1928  
Plácido,  Luis  García  Berlanga,  1961  
Henry  Geldzahler,  Andy  Warhol,  1964  
Angel,  Ernst  Lubitsch,  1937  
 
       ¿Las   10   mejores   películas   de   la   historia   del   cine?   Difícilmente.   Hay   3   casos   de  
discriminación   positiva:   considero   obligatorio   incluir,   en   toda   lista   de   películas,  
una  española  (dado  que  soy  español;  si  eres  filipino,  debieras  incluir  una  filipina,  
etc.),   una   de   una   mujer   y   una   pornográfica.   Las   tres   que   incluyo   son   obras  
maestras,   pero   sin   este   criterio   no   estoy   seguro   de   que   estuviesen   aquí.  
Igualmente,   no   me   creo   una   lista   sin   Eric   Rohmer,   sin   Chaplin,   sin   Ozu,   sin  
Cofralandes…  La  importancia  histórica  de  Octubre  me  hace  dudar  si  me  parece  tan  
grande   por   sus   propios   méritos   (sobre   los   que   no   albergo   la   menor   duda),   y   El  
dinero  de  pronto  me  parece  una  presencia  demasiado  extraña,  aunque  para  mi  es  
la   cumbre   de   quien   pudiera   ser   el   mejor   cineasta   de   todos   los   tiempos.   Me   da  
vergüenza   que   apenas   haya   cine   anterior   a   los   40   y   que   todas   las   películas   sean  
europeas  o  americanas.  Me  da  vergüenza,  en  el  fondo,  no  saber  tanto  de  cine  como  
creo.  Hacer  listas  es  un  puto  infierno.    
 
Publicado  en  Marginalia,  7-­‐X-­‐18  
https://marginaliafragmentos.blogspot.com/2018/10/listas-­‐listas-­‐listas.html  

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