Subsecretaría de Planeamiento | Programa Taller de Bandas

CLINICA de Guitarra Eléctrica,

“la guitarra de rock”
Mauro David Capponi

Introducción
La presente clínica, como se ha planteado, tiene como intención estandarizar los
conocimientos mínimos que la figura del Coordinador de Banda debe tener, para
poder instruir a los alumnos que participen del programa como guitarristas.
Aunque su origen tiene lugar entre los músicos de Jazz, abordamos específicamente la
clínica con el enfoque de Guitarra eléctrica como Guitarra de Rock, haciendo también
referencia a muchos otros géneros e incluyendo algunas de las técnicas más populares,
consejos para la ejecución y datos sobre la puesta a punto del instrumento.
Se recomienda atender el material presente por partes, y paso a paso. Trabajar en un
ambiente bien iluminado y lejos de ruidos periféricos que nos molesten. Tomar
periodos de descanso de ser necesario. No forzar ejercicios o técnicas para evitar
lesiones indeseables. Corregir los errores antes de avanzar con otro ejercicio, de esta
manera evitamos los “vicios”. Escuchar discografía de los artistas y estilos
mencionados en el presente material. Compartir experiencias y técnicas con otros
guitarristas. Conseguir bibliografía y métodos de estudios reconocidos. Tomarse el
tiempo para la práctica necesaria.

1
 Comencemos…

Qué tenemos aquí:

Una guitarra eléctrica es una guitarra que utiliza
el principio de inducción electromagnética para
convertir las vibraciones de sus cuerdas de metal
en señales eléctricas. Dado que la señal generada
es relativamente débil, esta se amplifica antes de
enviarla a un altavoz. Esta señal de salida de la
guitarra eléctrica puede ser fácilmente alterada
mediante circuitos electrónicos para modificar
algunos aspectos del sonido. A menudo, la señal
se modifica con efectos como reverberación y la
distorsión. Podría decirse que ningún otro
instrumento musical ha tenido mayor impacto en
la evolución de la música del siglo XX.

Mientras que una guitarra acústica produce sonido por el efecto de la vibración que
provocan las cuerdas en el cuerpo y el aire dentro de este. El sonido de una guitarra
eléctrica es una señal producida por un campo electromagnético inducido, generado
por la vibración de cuerda metálicas cercanas a la pastilla unos receptores sensibles
("pickup" en inglés). La señal es entonces moldeada de su camino a el amplificador
usando una variedad de dispositivos o componentes que modifican el tono y otras
características de la señal.

Breve reseña
Concebida en 1931, la guitarra eléctrica surgió de una necesidad de los músicos de
jazz, tratado de amplificar su sonido. Desde entonces, se ha convertido en un
instrumento musical de cuerdas, capaz de una multitud de sonidos y estilos. Sirve
como un componente importante en el desarrollo del rock and roll y un sinnúmero de
otros géneros de la música.

La guitarra eléctrica se inventó en Estados Unidos a mediados del siglo XX, como
consecuencia de la aparición del amplificador en 1920, aparato que brinda un mayor
poder de sonido. De ahí en adelante fueron muchos los instrumentos que sufrieron
alteraciones en su diseño acústico tradicional y evolucionaron al diseño eléctrico. La

2
guitarra fue uno de los primeros instrumentos en adaptarse y, aunque fueron varios
los pioneros que aportaron a esto, la primera guitarra inventada y fabricada se le
puede atribuir a la marca Rickenbacker. Los primeros guitarristas de jazz veían que no
tenían suficiente volumen para competir con el resto de instrumentos de la banda, por
lo que fueron quienes adoptaron estos instrumentos.
Leo Fender diseñó la primera guitarra eléctrica sólida desmontable y con pocas piezas,
para que los músicos no tuvieran problemas al tener que cambiar piezas del
instrumento gastadas o rotas por el uso. Era el nacimiento de la Fender Telecaster.
Luego vendrían otros modelos como la clásica Stratocaster y también otras marcas
como Gibson, ESP Guitars o las japonesas Ibanez, Jackson guitars y Yamaha.

Hoy día es enorme la variedad de guitarras eléctricas, fabricaciones y diferencias entre

si. Este instrumento parece resistir en algunas versiones al paso del tiempo, mientras
que otros modelos incorporan las más recientes innovaciones tecnológicas.
Por citar un ejemplo, en el 2007, la compañía Gibson lanzó una nueva guitarra llamada
Gibson Robot Guitar que se afina a través de un complejo sistema electrónico, sin
intervención del guitarrista. Esta guitarra promete revolucionar al medio por la
comodidad ofrecida a los guitarristas: por ejemplo, no se necesitará distintas guitarras
afinadas en diferentes tonos durante un concierto, sino tan solo una.

Estructura
La Guitarra Eléctrica está formada por las siguientes partes:

1. Clavijero.
2. Ceja (también “cejuela” o “puente superior”).
3. Clavija.
4. Trastes.
5. Tensor del mástil o "Alma".
6. Marcadores de posición.
7. Diapasón.
8. Cuello.
9. Cuerpo.
10. Pick Ups o Pastillas.
11. Perillas o controles de volumen y tono.
12. Puente.
13. Protector o golpeador.

(Proyectar imagen con las referencias)

3
Ampliamos sobre alguna de sus partes
El cuerpo: normalmente de madera (encina, aliso, caoba, tilo, fresno, etc.), aunque a
veces de materiales sintéticos que incluyen materiales plásticos (como el
policarbonato) y aleaciones de aluminio. Aloja en la parte interior los componentes
electrónicos y puede ser semisólido con una pequeña caja de resonancia. La densidad
de la madera incide en el lapso que una nota permanece sostenida después de pulsar
la cuerda (a mayor densidad fijan a él por medio del puente.
Hay diversos tipos de puente, cada uno con características especiales que inciden en el
sonido final del instrumento e incluso algunos puentes incluyen pastillas
piezoeléctricas para captar la vibración de las cuerdas o palancas de vibrato (también
denominadas de whammy utilizado para distosionar el sonido e incorrectamente de
trémolo) para variar la tensión de las cuerdas y causar un efecto vaivén en la
entonación. Un modelo típico de whammy bar es el llamado Floyd Rose.

El mástil: también hecho de una o varias piezas de madera (arce, caoba, palorrosa,
etc.), tiene en su interior una barra de acero u otro material muy resistente, llamada
alma, para contrarrestar la tensión de las cuerdas sobre él y que no pierda linealidad.
Suele ir atornillado al cuerpo (como en la Fender Stratocaster) o bien pegado (en la
Gibson Les Paul). Sobre él se encuentra el diapasón (donde se apoyan los dedos al
tocar) de la misma madera que el mástil u otra (palorrosa, palisandro africano, ébano,
arce, etc.) encolada a él.
Sobre el diapasón y en perpendicular a las cuerdas se encuentran los trastes; pequeñas
barras metálicas (de acero normalmente) que entran en contacto con la cuerda al
apoyar los dedos en el espacio entre ellos y sobre el diapasón.

El clavijero o pala del clavijero: extremo del mástil donde las cuerdas van enrolladas a
unas piezas metálicas cilíndricas con un tornillo sin fin que regula la tensión de la
cuerda y por tanto su afinación.
(Demo e ilustración con instrumento en mano)

“En guitarras modernas, puede observarse un clavijero autoafinador como el

que ya mencionamos, el cual opera dependiendo la afinación deseada, que se
selecciona con una especie de potenciómetro con diferentes opciones”.

Afinación
Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba (desde las más agudas a
las más graves) con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda
cuerda, tercera cuerda, etc.
También se las conoce con el nombre de su nota de afinación, como se hace también
en los violines, violas, violonchelos y contrabajos.

1º) la cuerda mi, afinada en el mi3, siendo el do3 la nota central de un piano.
2º) la cuerda si, afinada en el si2.
3º) la cuerda sol, afinada en el sol2.
4º) la cuerda re, afinada en el re2.
5º) la cuerda la, afinada en el la1.
6º) la cuerda mi, afinada en el mi1.

4
Esta afinación es la normal, pero muchas veces se usan otras.
Algunas de las más comunes son:
Todas las cuerdas bajadas un semitono.
Todas las cuerdas bajadas un tono.
Todas las cuerdas bajadas dos tonos.
D Dropped: afinación común, pero con la 6ª cuerda bajada un tono.
C Dropped: afinación bajada un tono, y con la 6ª cuerda bajada dos tonos.
Más adelante veremos otras afinaciones para la técnica del Slide.

En las partituras las cuerdas se nombran con números romanos: I, II, III, IV, V y VI y las
obras para guitarra se escriben en clave de sol.
A las tres cuerdas más graves, cuarta, quinta y sexta, se las llama “bordones”, debido a
que “bordonear” es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de música.
También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un
traste más alto por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca
una cejilla en el primer traste la afinación sería la siguiente:
fa1, sib1, mib2, lab2, do3 y fa3.
La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y
un contrabajo afinado normalmente: sol1, re1, la(0) y mi(0).

Calibración
La calibración de una guitarra consta de dos partes básicas, el puente y el mástil.
En el puente se gradúan la altura y el largo de la cuerda y en el mástil se gradúa la
torsión del mismo el cual aunque muchos recomiendan que sea recto, debe tener una
curvatura específica en base a cada modelo de guitarra.

Breve ilustración sobre calibre

Basado en el modelo estándar de tipo Stratocaster:

Ajuste del tensor

Todas las guitarras eléctricas y acústicas tienen un tensor o alma que está dentro del
mango. y que es el que lo mantiene recto, aunque en realidad el
mango debe tener una pequeña curva. El tensor se ajusta con
una llave tipo Allen que viene como accesorio básico con toda
guitarra. Esta operación debe
hacerse muy despacio, para no
dañar irreparablemente el
diapasón.
El movimiento tiene que hacerse
de a medias vueltas y esperar a que
el mango reaccione al ajuste que le estamos haciendo.

Altura de cuerdas
Una vez que ajustamos el tensor, ajustaremos ahora la
altura de las cuerdas. Esta altura la regularemos subiendo
o bajando los puentes individualmente con una pequeña
llave Allen. Las cuerdas del medio irán subiendo

5
gradualmente en altura para lograr un copiado en la curvatura de los trastes.
A modo de consejo, las llaves tipo Allen, deben ser bien colocadas sobre los “tornillos”
asegurándonos que entren hasta el fondo, antes de girar los mismos.

Entonación
Es bastante común que cuando por ejemplo tocamos un
Mi al aire y uno en el traste 12, las notas no son
exactamente iguales. Esto se soluciona regulando hacia
atrás o hacia adelante los patines individuales de la
guitarra. Es preciso utilizar para esto un afinador y
chequear constantemente la afinación.

Altura de Pick Ups

La altura de los pick ups, o mics puede afectar la ganancia en la salida
de la guitarra eléctrica. Si están demasiado lejos de las cuerdas, la
cosa va a sonar con poca presencia, pero si están demasiado cerca
puede haber problemas con el campo magnético que rodea a los pick
ups. La distancia en la 6º cuerda debe ser mayor que en la 1º,
aproximadamente un par de milímetros.

Vamos a tocar!
La técnica tradicional para la guitarra eléctrica, se basa en la púa y digitación. Esta es la
técnica con la que aproximadamente el 90% de los guitarristas trabajan. Existen
muchas otras variantes. Podemos mencionar 2 ejemplos de variaciones muy
conocidos: Mark Knopfler, que ejecuta la guitarra sin púa, lo que le otorga su sonido
tan característico. Adny Mc Kee, quien también toca la guitarra sin púa, pero además
utiliza una técnica de taping combinado con cierta percusión sobre las cuerdas con
ambas manos, muy cercano a la técnica de la guitarra Stik.
(Proyectamos un solo de cada ejemplo)

Cómo agarrar la púa:

La púa debe tomarse entre los dedos índice y pulgar, con una leve rotación sobre la
yema del dedo índice.

(Demo – cómo agarrar la púa, cómo no agarrar la púa, vicios).

6
Diferentes ataques de la púa

Up – Down
Paradójicamente al nombre de la técnica, el ataque de la púa, será casi siempre
primero hacia abajo (down) y luego hacia arriba (up). De esta forma, si tomamos por
caso la escala pentatónica de “la menor” (Am), la primer nota de la escala, “la” cuerda
Nº 6 traste Nº 5, se ejecutará con la púa atacando hacia abajo, la segunda nota, “do”
cuerda Nº 6 traste Nº 8, se ejecutará con la púa atacando hacia arriba y así
sucesivamente. Cabe mencionar, que de realizar correctamente esta técnica, al
finalizar la escala “de regreso” a la nota inicial, “la” cuerda Nº 6 traste Nº 5, ésta será
ejecutada con el ataque de la púa hacia abajo, igual que al inicio de la escala.

Sweep Picking (púa deslizante)

Se basa en tocar con un solo movimiento de púa hacia arriba o hacia abajo desde dos
hasta seis notas a la vez. Ciertos arpegios es donde mejor se adapta esta técnica.
Recomendamos escuchar en este punto a Franck Gambale.

Finger Picking
Es la conjunción de la púa y dedos de la misma mano simultáneamente. Los primeros
ejercicios los haremos con la púa y el dedo medio tocando en octavas. La mano
izquierda, colocará el dedo Nº 1 en cualquier nota sobre la cuerda Nº 6, y el dedo Nº 3
dos trastes más arriba sobre la cuerda Nº 4. Con la púa ejecutaremos la cuerda Nº 6 y
al mismo tiempo con el dedo medio ejecutamos la cuerda Nº 4.
Si es necesario repetimos hasta lograr un sonido claro y limpio.
La práctica puede hacerse en cualquier figura: Redonda, blanca, negra o corchea en
principio.
El diseño de la púa posee una punta con la que se sugiere que las cuerdas deben hacer
contacto. No obstante, las pequeñas variaciones que hagamos al desviar sutilmente la
orientación de la púa nos otorgarán diferentes respuestas sonoras.
Existen púas de diferentes fabricantes, y en consecuencia fabricadas en distintas
calidades de plásticos. Quizás los dos modelos de púas más conocidos en el mercado
son las clásicas púas Fender pulidas, que poseen una larga duración, y las fabricadas
por la empresa Dunlop, que se presentan en 2 versiones: Pulidas en varios colores, con
diseño anti deslizante, lo que nos otorga un mayor agarre en momentos de conciertos
cuando el sudor de la mano nos puede jugar en contra, y arenadas, otra versión anti
deslizante.

(Demo diferentes ataques y sonidos con la púa – proyección modelos de púa)

7
Ejercicios recomendados a base de la escala pentatónica simple

La disposición de los dedos en la ejecución de la escala será la siguiente;

Ejecutar la misma escala, pero esta vez, salteando una cuerda. De esta manera la
escala se realiza siguiendo el siguiente orden de cuerdas: 6º, 4º, 5º, 3º, 4º, 2º, 3º, 1º. El
regreso de la escala debe ejercitarse con el siguiente orden de cuerdas: 1º, 3º, 2º, 4º,
3º, 5º, 4º, 6º.

Hacemos el mismo ejercicio anterior pero esta vez, con repeticiones, es decir, tocando
dos veces cada nota en forma de corcheas dispuestas de la siguiente manera:

Ejercitar la escala por fragmentos. Comenzamos tocando la escala pentatónica

solamente en las cuerdas 6º, 5º y 4º para luego volver a la nota inicial en cuerda 6º.
Tenemos entonces las siguientes figuras:

Repetimos el fragmento hasta lograr algo de velocidad en la digitación.

Luego ejecutamos un segundo fragmento, respetando siempre la disposición de las

notas en la escala pentatónica, pero ejecutando solo las cuerdas 5º, 4º y 3º para luego
volver a la nota inicial en cuerda 5º.
Repetimos el fragmento hasta lograr algo de velocidad en la digitación.
Hacemos lo mismo con las cuerdas 4º, 3º y 2º. Luego con las cuerdas 3º, 2º y 1º.

8
Una vez practicados los fragmentos de la escala, unimos todos los ejercicios,
quedándonos la siguiente disposición:

Una vez dominado esto, intentamos con el “regreso” de la escala, ejercitando por
fragmentos de la misma manera que antes, hasta llegar a unir todos los ejercicios y
conseguir esta disposición de notas:

Con estos ejercicios simples podemos, luego de un poco de práctica, crear “frases”
sobre una base de Blues, Rock, y muchos otros estilos, ya que la escala pentatónica es
aplicable a casi todos los géneros.
Hablando un poco del Blues, En su forma convencional, es un género que no requiere
de grandes recursos. En este estilo tiene que ver fundamentalmente la forma en que
tocamos, y no tanto la cantidad o variedad de notas y acordes. Mencionamos por
ejemplo al legendario B.B. King.
Por supuesto que las notas y acordes que toquemos, deberán estar bien ejecutadas.
(Aquí puede ir una breve demo Rock o Blues)

Otros recursos fundamentales:

Estirar la cuerda:
Para estirar la cuerda lo vamos a hacer primero con el dedo Nº 3 posicionado en la
nota que queremos estirar, y los dedos Nº 2 y 1 ayudando a ejercer la fuerza necesaria
para evitar lesiones en las falanges durante las primeras adaptaciones al instrumento.
En la medida que ganemos fuerza y precisión, podremos ir prescindiendo de los dedos
adicionales.

Vibrato:
Con dedo Nº 1 en la nota a la cual vamos a implementar el vibrato, y ejecutando el
mismo con intención hacia abajo. Luego Realizamos lo mismo con dedo Nº 2, y luego
con dedo Nº 3. Practicamos lo mismo con intención de Vibrato hacia arriba.
Es válido repasar en esta instancia, la escala pentatónica, ejecutando el vibrato en cada
nota de la misma.

Bendding:
Primer ejemplo.
Con dedo Nº 3 (en principio) en cualquier nota dispuesta
sobre la cuerda Nº 3, y dedo Nº 1 ubicado dos trastes
hacia abajo en la cuerda Nº 2. Sólo se tocan las cuerdas
involucradas. EL dedo Nº 3 debe estirar la cuerda hasta
igualar la nota que ejecuta el dedo Nº 1, siendo que éste
último no estira.
Segundo ejemplo.
Con dedo Nº 4 en cualquier nota dispuesta sobre la
cuerda Nº 2, y dedo Nº 1 ubicado 3 trastes hacia
abajo en la cuerda Nº 1. Sólo se tocan las cuerdas

9
involucradas. EL dedo Nº 4 debe estirar la cuerda con apoyo de los dedos Nº 2 y 3,
hasta igualar la nota que ejecuta el dedo Nº 1, siendo que éste último no estira.

En este caso, comenzamos este ejercicio con dedos Nº 4 y 1 para no forzar la apertura
de la mano, evitar lesiones y de paso, ejercitar fuerza en el dedo Nº 4. Conforme al
progreso en la técnica, reemplazamos el dedo Nº 4 por dedo Nº 3, siempre respetando
las posiciones en el diapasón.

Tercer ejemplo.
Con dedo Nº 3 dispuesto en cualquier nota sobre la cuerda
Nº 3, y dedos Nº 1 y 2 en los trastes anteriores para ayudar
a ejercer la fuerza necesaria para estirar. Al mismo tiempo
el dedo Nº 4 se posiciona un traste más arriba en la cuerda
Nº 2. Tocamos las cuerdas involucradas, pero sólo
estiramos la cuerda Nº 3 para generar disonancias o hasta
alcanzar una nota armónica en relación a la nota de la
cuerda Nº 2.
(Demo de Bendding)
(Demo de Bendding aplicado a la escala pentatónica)

Retomamos aquí el estiramiento de la cuerda.

Otros guitarristas famosos como Joe Satriani, generan efectos exóticos, estirando las
cuerdas desde otras posiciones. Por ejemplo, si tomamos la escala pentatónica,
podemos estirar una cuerda desde una posición, en una nota ajena a la escala, pero
estirando lo suficiente nos aproximarnos a la nota buscada, que sí forma parte de la
escala. Este es una técnica en la que el oído es muy importante, ya que la precisión del
estiramiento, está en buscar los sonidos deseados a medida que los vamos oyendo y
en función de eso, aumentar o disminuir la tensión de la cuerda.
(Demo de la técnica)
(Tocamos un Blues implementando las técnicas mencionadas)

“Siempre la pauta la va a marcar lo que uno sienta o como uno se identifique

con la base musical que está sonando. Si el estilo es demasiado convencional,
quizás no nos otorgue muchas visiones de inspiración y buscar otros tipos de
sonidos, pero he aquí el enfoque que cada guitarrista quiera darle a la obra.”

Ligados:
En general los ligados son sonidos en los que la mano derecha actúa bastante menos
que la mano izquierda. Es una técnica muy utilizada en la guitarra eléctrica ya que las
cuerdas de acero, las características del diapasón y la altura de las cuerdas facilitan
este recurso. Para acercarnos a la intención del ligado, pensemos un momento en lo
que hacen los instrumentos de Bronce o también la voz, en dónde no hay “ataque”, no
existe el contacto de la Púa con la cuerda.
(Demo, diferencia entre acción de púa nota por nota y ligado con diferentes dedos)
Volvemos aquí a la escala Pentatónica para implementar como práctica los ligados
mencionados. Ejecutamos con púa, sólo la primer nota de cada cuerda y ligando las
restantes. Comenzamos desde la cuerda Nº 6. Para el “regreso” de la escala,

10
invertimos esta intención: Ejecutamos con púa solamente la nota más alta de la escala
en la cuerda Nº 1 y luego retrocedemos con ligado. Luego con púa la nota más alta de
la cuerda Nº 2 y retrocedemos con ligado. Así hasta llegar de nuevo a la nota inicial de
la escala, en cuerda Nº 6.

Taping:
Utilizamos el taping, también para ligar notas,
pero en esta técnica podemos involucrar la mano
derecha. Esta técnica requiere de práctica y
velocidad.
Tomamos por caso la cuerda Nº 1. Ejecutamos con
púa y dedo Nº 1 la nota “mi” en traste Nº 12,
ligamos (sin púa) con dedo Nº 4 la nota “sol” tres
trastes más arriba, rápidamente con el dedo índice
o dedo Nº 1 de la mano derecha presionamos con
fuerza a modo de golpecito en el traste 17 para
que suene la nota “la”.

La técnica del “golpecito” se denomina “Hummer”.

A continuación vamos a quitar el dedo índice de la mano derecha, haciendo una muy
leve presión en sentido hacia el suelo, girando la muñeca hacia la derecha. Esto nos
proporciona una liberación repentina de la cuerda, en consecuencia volverá a sonar la
nota “sol” correspondiente al dedo Nº 4. Ahora, vamos de levantar el dedo Nº 4
haciendo una leve fuerza hacia abajo. Es la misma intención de “enganchar” la cuerda
para que suene la nota. Así quedamos entonces con la nota inicial “mi” sonando, por lo
que sólo nos resta repetir el ciclo.
Reiteramos que es una técnica que requiere práctica, paciencia y velocidad.
(Demo, Taping según ejercicio)
(Demo, Variación de Taping – citamos “The Razors Edge” de AC/DC)

Hummer:
Es la técnica mediante la cual hacemos sonar las
notas sin intervención de la mano derecha. Debe
realizarse una pequeña percusión con los dedos
firmes sobre las notas del diapasón que deseamos
ejecutar. Este método suele utilizarse en
combinación con los ligados y el taping,
proporcionando una mayor velocidad para la
ejecución rápida de notas. Es importante no exagerar
la presión de los dedos, ya que podríamos doblar las
falanges de manera brusca y generar una lesión
innecesaria.

11
 Pal Mute:
El pal mute, es una técnica muy
utilizada en el Hard Rock, el
Heavy Metal e innumerables
riff de otros géneros, con la que
sordinamos las cuerdas con la
mano derecha. Se realiza
ejerciendo una leve presión con
borde de la palma de la mano
sobre las cuerdas, justo donde
éstas se despegan del puente
de la guitarra. Puede ejecutarse
con distintas presiones y en
diferentes cuerdas generando
así diferentes efectos. Podemos sordinar sólo algunas cuerdas o todas.

Esto nos permite ejecutar varias notas seguidas con gran ataque, pero “apagarlas” en
determinado momento para detener el Sustain. Proporciona un efecto duro y agresivo
típico de los géneros mencionados.
(Demo de pal mute – citamos por ejemplo “Smoke on the Water” de Deep Purple)

En muchos formatos de jazz, como así también por ejemplo en el estilo de Jimmy
Hendrix, es común que la guitarra tenga varios pasajes al unísono con el bajo. En
consecuencia se genera una octava entre estos dos instrumentos, más el incremento
de los golpes del bombo de la batería en la misma sincronía, que “carga” muchísimo la
base musical como así también algunas partes melódicas, otorgando un gran peso y
mucha presencia en las obras musicales.
(Tocamos una base de Rock empleando el Pal Mute y también al unísono con el bajo)

Slide
En esta técnica debemos considerar dos pautas importantes:
a) El Slide puede ser de vidrio o metálico y de diferentes tamaños. Se recomienda el de
vidrio para guitarras acústicas y el metálico para eléctricas. Según el dedo con el que
utilizaremos el Slide, buscaremos la longitud y circunferencia del mismo. El espesor del
Slide metálico dependerá del calibre y separación de las cuerdas.
b) El Slide puede utilizarse según la comodidad en los dedos mayor, anular o meñique.
Se recomienda usarlo en el meñique, ya que podemos de esa forma, tocar
normalmente con los otros dedos, haciendo punteos o acordes y combinarlos con el
Slide. En base a eso, elegiremos el Slide que mejor se ajuste a nuestro dedo.

Datos importantes para el Slide

No deben presionarse las cuerdas. Las notas se tocan sobre las “barritas metálicas” del
diapasón. Practicar cuerda por cuerda, deslizando el Slide de arriba hacia abajo para
acostumbrarse al sonido y a cambiar de cuerdas limpiamente, sin que suenen por
simpatía las demás. Para esto debemos hacer uso del Pal Mute. Un buen Vibrato
dependerá de la relajación de la muñeca, por eso se recomienda trabajar distintas
dinámicas, incluyendo la escala en práctica.

12
Además de la afinación estándar de una guitarra eléctrica, existen otras afinaciones
para la técnica de Slide. El truco afinar las cuerdas de manera que formen un acorde
cuando son tocadas al aire. La alternativa más común es la "española o hawaiana" Sol
menor, Re mayor, Mi Mayor y do mayor.
Otra de las ventajas de la afinación alternativa, es que podemos poner un acorde a lo
largo del diapasón con tan solo poner una cejilla.
La parte complicada es que con la afinación variada, las posiciones de los acordes
varían. En el caso del slide, y dado que se trata de un tubo recto (tipo cejilla), resulta
muy conveniente y atractivo el hecho de afinar de esta forma.

Afinaciones alternativas.

Pick Ups y sonidos

Los Pick Ups o “mics” de la guitarra eléctrica
son los responsables de capturar el sonido de
las cuerdas. Estos dispositivos se distribuyen
en diferentes posiciones según el modelo y la
confección del instrumento. Los Pick Ups que
estén más cerca del puente de la guitarra,
capturarán un sonido rico en agudos, debido a
la cercanía del puente metálico y el apoyo de
las cuerdas sobre él. Por otro lado, a medida
que los mics se aproximan al diapasón, captan
un sonido mucho más dulce, con más
presencia de grabes y menos agresivo.
Los Pick Ups se activan por medio de una
perilla selectora y podemos alternar entre las
posiciones que ésta nos ofrece. La cantidad de
sonidos o posiciones, será en base a la
disposición de los mics y su circuito.
Esquema estándar del tipo Fender Stratocaster Custom, como genérico de referencia.
(Demo de diferentes sonidos)

Hasta no hace mucho, se relacionaba a cada variedad de estos sonidos con algún tipo
de género específico. Por ejemplo, un sonido medioso y súper agudo, correspondiente
al pick up más cercano al puente de la guitarra, era característico del Rock, Punk, Hard
Rock, etc... Mientras que los sonidos dulces y suaves, se implementaban con el Blues,
el Jazz y hasta en el Pop. Hoy existen tendencias nuevas. Fusiones musicales y estilos
que se cruzan generando nuevos sonidos y nuevas mezclas, por lo que ya no es tan
certero indicar que mic se debe usar para que género, y mucho menos recurrir al Pick
Up agudo para los solos. Géneros relativamente nuevos como el Smooth Jazz y el Chill

13
Out, mezclan el Jazz con el Pop y el Tecno, siendo las innumerables las variedades
sonoras. Finalmente, y sin entrar en el inmenso universo de efectos externos
disponibles para las guitarras eléctricas, convenimos que no hay una regla sobre
“cuándo usar cada sonido” sino que es más una cuestión de estilo personal de cada
guitarrista.

Armónicos
La ejecución de armónicos hace que las notas suenen más expresivas. Existen tres
tipos de armónicos: los armónicos naturales, los armónicos artificiales y los armónicos
de pulgar. Los dos primeros tipos son bastante fáciles de realizar, pero no es así el caso
del tercer tipo, el cual requiere unas cuantas horas de práctica para poder ejecutarlo
correctamente.

Armónicos Naturales
Para realizar este tipo de armónico simplemente hemos de
tocar muy ligeramente, prácticamente acariciando, con la
yema del dedo índice la cuerda sobre el traste deseado y
tocar la cuerda con la púa. Es importante tocar muy poco la
cuerda con la mano izquierda. La yema del dedo debe
acariciar suavemente, y retirarse luego de tocar con la púa. Si
la nota no suena es que estas apretando demasiado.

Armónicos Artificiales
Primero hacemos sonar la nota deseada y
rápidamente con un dedo de tu mano derecha, o
la que lleva la púa, acaricias la cuerda doce trastes
más arriba (una octava más aguda). Esto también
se puede lograr a través del Taping.

Armónicos de Pulgar y púa

Este es el armónico más difícil de realizar, pero también
es el que nos da una sonoridad increíblemente
espectacular. Como su nombre indica el armónico es
producido gracias a la participación de nuestro dedo
pulgar. Para realizarlo correctamente debemos hacer
que el dedo pulgar de la mano derecha toque la cuerda
justo después de hacer sonar la nota, y retirarlo
inmediatamente.
Es normal que al principio notemos que cada vez que el pulgar toca la cuerda, la nota
simplemente no suene. Otra técnica que requiere paciencia y práctica.

Bien parados, postura general

A diferencia de la guitarra clásica, vimos innumerables
íconos del Rock tomando posturas características de cada
artista. Recordamos a Slash con su guitarra cerca de las
rodillas. Otra vez el gran B.B. King con su Gibson Lucile por

14
encima del ombligo. Vimos a Hendrix tocar con la guitarra sobre los hombros y detrás
de su cabeza. Lo cierto es que la guitarra eléctrica como guitarra de rock, nos deja las
puertas abiertas a la imaginación y a lo que uno sienta que deba expresar con ella. Por
eso tampoco existe una regla general en cuanto a la posición en la que se deba
ejecutar una guitarra eléctrica. Mencionado esto y a modo de sugerencia, algunos
consejos para facilitarnos la ejecución primaria del instrumento.
Suponemos una posición normal de ejecución de la guitarra eléctrica. De pié, erguidos y
con una separación de pies similar al ancho de hombros.

Altura de la Guitarra
Al colgarse la guitarra, ésta no debe quedar ni muy baja ni muy alta, debemos poder
llegar sin esfuerzo a cualquier parte del diapasón con la mano izquierda y sentirnos
cómodos con el instrumento.

Inclinación de la Guitarra
La guitarra debe ejecutarse nivelada horizontalmente o con una leve inclinación hacia
arriba, pero nunca con el diapasón apuntando hacia abajo.
La guitarra debería quedar perfectamente balanceada si la soltamos con ambas manos
y solo la dejamos “colgar” de la correa. Es ésta la inclinación ideal para tocar, ya que
nuestro esfuerzo debe centrarse en ejecutar el instrumento y no en sostenerlo.

Los dedos
La guitarra eléctrica no requiere de mucho esfuerzo en cuanto a la presión necesaria
sobre las cuerdas, por lo que debemos poner especial cuidado en no “doblar” las
falanges cuando ejecutamos notas o acordes. Esto además de ser un potencial riesgo
de lesión, entorpece la precisión en la digitación y perjudica la posibilidad de adquirir
velocidad.

“Suficiente por ahora. Es momento de ponerse a tocar y dedicarle todo el tiempo que
sea necesario para explorar los sonidos, mejorar en las técnicas y por que no, crear
nuevas formas de tocar este instrumento. Recuerden que no hay una regla de oro. La
guitarra eléctrica como guitarra de Rock está ahí, esperando por ustedes, como
vehículo de su expresión, de su sentir y de sus emociones. Ella siempre está
aguardando el momento, sólo basta mirarla para escuchar lo que sus curvas nos
susurran… - Ven y tócame si puedes.”

Mauro David Capponi

15
 Apéndice

Diagrama de notas en el diapasón.

Mapa de armónicos naturales.

Acordes básicos de guitarra

16
Bibliografía sugerida:
Seis Cuerdas, Método de guitarra, Gustavo Gregorio y Miguel “Botafogo” Vilanova, M.A. Bermejo 1997.
Método de guitarra eléctrica, Terry Burrows, Parramon Espanha, 2006.
Manual para tocar la guitarra Rock & Blues, Marc Schonburn, Ediciones Robinbook, 2005.
Guitarra Para Pricipiantes, Carlos Milán, Editorial Planeta Mexicana Sa De cv, 1992.

17