Instituto Evangélico Bilingüe

Menonita

Asignatura:
Lenguaje artístico

Maestro:
Juan Carlo Turcios Andrade

Alumna:
Jennifer Lisser

Sección:
Única

Fecha:
 Introducción
El arte es la expresión de alma que desea ser escuchada. Es sabido por todos que el Arte es
cualquier actividad o producto creado con una finalidad estética y comunicativa; desde el
principio de los tiempos, nuestros antepasados han utilizado diversas formas de arte para
expresar su cultura y porque no hasta su poder.

En este trabajo trataremos acerca de los 3 pintores más influyentes del Renacimiento, sus
biografías y obras más representativas.

La pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la antigüedad clásica, el
impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de
nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.

Entre 1500 y 1520 la pintura renacentista alcanzó su período de mayor equilibrio y armonía,
de la mano de Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel.
 Leonardo da Vinci
Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista versado en todos los
ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos
tan variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la
escultura y la arquitectura, entre otros. Sus investigaciones científicas fueron, en gran
medida, olvidadas y minusvaloradas por sus contemporáneos; su producción pictórica, en
cambio, fue de inmediato reconocida como la de un maestro capaz de materializar el ideal de
belleza en obras de turbadora sugestión y delicada poesía.
En el plano artístico, Leonardo conforma, junto con Miguel Ángel y Rafael, la tríada de los
grandes maestros del Cinquecento, y, pese a la parquedad de su obra, la historia de la pintura
lo cuenta entre sus mayores genios. Por los demás, es posible que de la poderosa fascinación
que suscitan sus obras maestras (con La Gioconda a la cabeza) proceda aquella otra
fascinación en torno a su figura que no ha cesado de crecer con los siglos, alimentada por los
múltiples enigmas que envuelven su biografía, algunos de ellos triviales, como la escritura
de derecha a izquierda, y otros ciertamente inquietantes, como aquellas visionarias
invenciones cinco siglos adelantadas a su tiempo.
 La Gioconda
El Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco
del Giocondo, más conocido como La Gioconda (La
Joconde en francés), también conocida como La
Mona Lisa, es una obra pictórica del
pintor renacentista italianoLeonardo da Vinci. Fue
adquirida por el rey Francisco I de Francia a
principios del siglo XVI y desde entonces es
propiedad del Estado Francés. Se exhibe en
el Museo del Louvre de París.
Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano),
deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad
de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de
Giocondo, que realmente se llamaba Lisa
Gherardini, de donde viene su otro
nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm,
pintado entre 1503 y 1519, y retocado varias veces
por el autor. Se considera el ejemplo más logrado
de sfumato, técnica muy característica de Leonardo,
si bien actualmente su colorido original es menos
perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El
cuadro está protegido por múltiples sistemas de
seguridad y ambientado a temperatura estable para
su preservación óptima.3 Es revisado constantemente
para verificar y prevenir su deterioro.
Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de
Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado
embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes
en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad
entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino
también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las
reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las
parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del
mundo, visitado por millones de personas anualmente.
 La última cena
La última cena (en italiano: Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural original
de Leonardo da Vinciejecutada entre 1495 y 1497. Se encuentra en la pared sobre la que se
pintó originariamente, en el refectoriodel convento dominico de Santa Maria delle Grazie,
en Milán (Italia), declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980. La pintura
fue elaborada para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un frescotradicional,
sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas
sobre enlucido. Mide 460 cm de alto por 880 cm de ancho. Muchos expertos
e historiadores del arte consideran La última cena como una de las mejores obras pictóricas
del mundo.
 Hombre de Vitruvio
El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un
famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor
del año 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos
posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado
('Ad quadratum'). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a
partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el
dibujo toma su nombre.
Perteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte
acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y
posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde
1822, aunque se exhibe al público tan sólo una vez cada diez años por motivos de
conservación.
 La Virgen de las Rocas
La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da
Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. La versión del Museo del
Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en
la National Gallery aún permanece sobre tabla.
En el 2005 fue descubierta una tercera versión atribuida a Leonardo, siendo expuesta en la
muestra Leonardo: Genio e visione in terra marchigiana.
 San Juan Bautista
San Juan Bautista (en italiano, San4 Giovanni Battista)
es uno de los últimos cuadros
del pintor renacentistaitaliano Leonardo da Vinci,
datado hacia 1508-1513, época en que el Alto
Renacimiento estaba metamorfoseándose en
el Manierismo. Está pintado al óleo sobre tabla que
mide 69 cm de alto y 57 cm de ancho. Se conserva en
el Museo del Louvre de París (Francia).
Fue una de las últimas pinturas del autor y, sin duda,
una de las más debatidas. Hay mucha polémica sobre
el significado de la mano del santo apuntando hacia
arriba, y su sonrisa enigmática ha provocado
discusiones semejantes a las de la Mona Lisa.
El cuadro puede considerarse enteramente autógrafo.
Es uno de los que Leonardo mostró al cardenal de
Aragón, Antonio de Beatis, y de su séquito el 10 de
octubre de 1517 en el Castillo de Clos-Lucé. A la
muerte de Leonardo, fue heredado por Salai, cuyos
herederos la vendieron; en 1666 pasó de la colección
Jabach a Luis XIV, de donde pasó al Louvre.
Representa a Juan el Bautista en la soledad del desierto. Está representado de medio cuerpo,
una variación sobre el tema de la figura construida clásica y monumentalmente en el espacio
en directa sugestión de los modelos de la estatuaria antigua.
San Juan viste pieles, tiene largo pelo rizado. Sostiene una cruz de junco en su mano
izquierda mientras que la derecha apunta hacia el cielo. Se cree que la cruz y las pieles se
añadieron más adelante por otro pintor. La figura está envuelta en una mórbida sombra.
Mientras que el tronco tiene una cierta solidez y fuerza, el rostro y la expresión tienen una
delicadeza y misteriosa suavidad que parecen contradecir la personalidad de Juan, el
intransigente y abstemio predicador en el desierto, como lo describe la Biblia. Puede ser que
haya escogido retratar al santo en el momento de bautizar a Jesucristo, el momento en el que
el Espíritu Santo desciende sobre Jesús en forma de paloma. La expresión del rostro,
lánguida y ambigua, es típica de las últimas obras de Leonardo. La mirada es estrábica, pues
muestra la embriaguez de amor (Baco); el índice señala hacia el cielo, pues el Amor solo se
completa en Dios, según enseña Platón.
Algunos han indicado, igualmente, que la apariencia de san Juan es andrógina
o hermafrodita, una teoría apoyada por un esbozo de Leonardo conocido como "El ángel
encarnado", y el Salvator Mundi.
El gesto de señalar al cielo sugiere la importancia de la salvación a través del bautismo que
san Juan representa. La obra es a menudo repetida por otros pintores posteriores,
especialmente aquellos de las escuelas del renacimiento tardío y el manierismo. La inclusión
de un gesto similar al de Juan incrementaría la importancia de una obra con un sentido
religioso.
 Miguel Ángel
(Miguel Ángel Buonarroti, en italiano
Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 -
Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto
italiano. Habitualmente se reconoce a
Miguel Ángel como la gran figura del
Renacimiento italiano, un hombre cuya
excepcional personalidad artística dominó
el panorama creativo del siglo XVI y cuya
figura está en la base de la concepción del
artista como un ser excepcional, que rebasa
ampliamente las convenciones ordinarias.

Durante los cerca de setenta años que duró

su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual
la pintura, la escultura y la arquitectura, con
resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las
realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse
la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad
emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que
les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus
obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Domenico Ghirlandaio y escultura en el
jardín de los Médici, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio
sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giottoo de Masaccio que le sirvieron para
definir su estilo.
En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama:
el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es
una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica. Al
cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David,
el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los
valores del humanismo renacentista.
 Bóveda de la Capilla Sixtina
La bóveda de la Capilla Sixtina es un conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar
la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada
entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas de toda
la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel
momento a base de un fondo azul con estrellas doradas, que había sido realizada por Piero
Matteo d'Amelia, según la tradición de los templos paleocristianos.
En la bóveda de cañón rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada
donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta
la puerta de entrada de la capilla en más de 500 m2 de espacio. Desde 1508 hasta el otoño de
1512 Miguel Ángel trabajó solo en su realización, sin ayudantes. El 1 de
noviembre de 1512 se celebró la primera misa en la capilla, después de acabada la pintura de
la bóveda.
 Piedad del Vaticano
La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizado por Miguel
Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 1,74 por 1,95 m. Se encuentra en la basílica
de San Pedro de la Ciudad del Vaticano.
 David
El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5572 kilogramos de
masa, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del
Duomo de la catedral de Santa María del Fiore de Florencia. La escultura representa al rey
David bíblico en el momento previo a enfrentarse con Goliat, y fue acogida como un símbolo
de la República de Florencia frente a la hegemonía de sus derrocados dirigentes, los Médici,
y la amenaza de los estados adyacentes, especialmente los Estados Pontificios.
El David es una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los
historiadores, y una de las esculturas más famosas del mundo. Actualmente se encuentra
expuesta en la Galería de la Academia de Florencia, aunque hasta 1873 estuvo ubicada en
la plaza de la Señoría de la capital toscana; desde entonces en su lugar se erige una copia de
la obra a tamaño real realizada también en mármol.
 Moisés de Miguel Ángel
El Moisés ('Mosè' [moˈzɛ]) es una escultura de mármol blanco encargada en 1505, realizada
en 1513-1515, y retocada en 1542, obra de Miguel Ángel (1475-1564), centrada en la
figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en
la basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor
de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La familia della
Rovere, de la que el papa procedía, fueron los mecenas de esta iglesia, y el mismo papa había
sido cardenal titular antes de su nombramiento al frente de la Santa Sede.
 Baco
Baco (Bacco) es una escultura en mármol realizada entre 1496 y 1497 por Miguel Ángel, la
obra de una altura de 203 cm se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
La obra fue realizada por Miguel Ángel en su primer viaje el año 1496 a Roma, el encuentro
en esta ciudad con la escultura antigua debió de inspirarle para la ejecución del Bacus que
muestra una clara tendencia, a una interpretación de las obras, que en aquel momento, se
estaban descubriendo por medio de las excavaciones en Roma.
Esta obra es claramente la primera gran obra maestra de Miguel Ángel, donde se muestra la
característica constante de la sexualidad en su escultura, simboliza el espíritu
del hedonismo clásico que Savonarola y sus seguidores estaban dispuestos a suprimir
de Florencia.
Muestra también esta escultura la característica constante en la obra del artista, de evocar
la sexualidad, de forma andrógina, como la misma naturaleza del dios en la antigüedad que
era ambigua y misteriosa, muestra el sátiro como referencia a Sileno, sátiro que había sido
maestro de Bacus y la piel desollada y llena de uvas simboliza la vida sobre la muerte.
La escultura fue un encargo del cardenal Riario, rechazada por éste, fue comprada y se
conservó en los jardines del banquero Jacopo Galli, donde fue dibujada por Martín
Heemskerck hacia 1532 dónde se aprecia la falta de su mano derecha. Más tarde fue
adquirida por Francisco I de Médici en 1572 hasta su paso al Bargello en 1873.
 Rafael Sanzio
(Raffaello Santi, también llamado Rafael Sanzio o Rafael de Urbino; Urbino, actual Italia,
1483 - Roma, 1520) Pintor y arquitecto italiano. Por su clasicismo equilibrado y sereno
basado en la perfección de la luz, la armonía en la composición y el dominio de la perspectiva,
la obra de Rafael Sanzio constituye, junto con la de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel
Buonarrotti, una de las más excelsas realizaciones de los ideales estéticos del Renacimiento.

Su padre, que fue el pintor y humanista Giovanni Santi, lo introdujo pronto en las ideas
filosóficas de la época y en el arte de la pintura, pero falleció cuando Rafael contaba once
años; para ganarse la vida, a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. No
se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo
consideran discípulo y otros socio o colaborador. Sea como fuere, lo cierto es que superó
rápidamente a Perugino, como se desprende de la comparación de sus Desposorios de la
Virgen con los de este último. Desde 1504 hasta 1508 trabajó fundamentalmente en
Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel.
De entre sus obras de este período (El sueño del caballero, Las tres Gracias), las más
celebradas son sus variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los
personajes sagrados, dotados de cautivadores toques de gracia, nobleza y ternura, están
situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos, intemporales. En estas telas, Rafael
da muestras de su inigualable talento para traducir a un lenguaje sencillo y asequible los
temas religiosos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad
de su arte se despliegan ya en plenitud en la Madona del gran duque, La bella jardinera o La
Madona del jilguero, entre otras obras.
 Retrato de Cardenal
Retrato duro y descarnado, consecuente con la siniestra reputación del retratado, el cardenal
Francesco Alidosi, figura temida y despiadada que acabaría asesinado el mismo año en que
este retrato fue concluido. En un perfil de tres cuartos, la figura del joven cardenal se destaca
sobremanera sobre el fondo oscuro merced al uso del claroscuro. El rostro adquiere así una
importancia y una preponderancia excepcional a pesar del pequeño tamaño en relación al
lienzo.
 Madonna del Gran Duque
En 1504, poco después de llegar a Florencia, Rafael pintaba esta hermosa Madonna del Gran
Duque, para este personaje de la familia Médici, siendo una de las más sencillas pero a la vez
más acertadas de las Vírgenes con Niño elaboradas por Sanzio en la capital toscana. Resulta
sobrecogedora la belleza del lienzo, diestramente trazado por el artista equilibrando la
composición con la ligera rotación de ambos cuerpos que se contraponen de manera acertada.
A la perfecta construcción de la imagen se añade esa cualidad de Rafael para dotar de
apariencia divina a sus personajes. El sfumato y la dulzura en el modelado - elementos
tomados de Leonardo - hacen que esta Virgen con Niño se convierta en la imagen eterna de
la maternidad. Obviamente el cuadro ha tenido honda repercusión en la obra de artistas
posteriores; quizás el que mejor supo recoger la intención de Rafael fue el francés Ingres,
quien realizó sus cuadros siguiendo este estilo dulce y correcto del pintor renacentista. La
obra fue adquirida en 1799 por Fernando III de Habsburgo Lorena, quien sentía especial
admiración por la tabla hasta no querer separarse de ella ni en sus viajes.
 Virgen del jilguero
La Virgen del jilguero (en italiano Madonna del cardellino) es una pintura del
artista renacentista italiano Rafael Sanzio, datada hacia 1506. Es una pintura al óleo sobre
tabla con unas dimensiones de 107 centímetros de alto por 77 cm de ancho. Se conserva en
la Galería Uffizi de Florencia, Italia.
 Madonna Colonna
Enlazando con la Madonna de Orleans encontramos una de las imágenes más bellas y
gráciles protagonizadas por María y el Niño. El pequeño Jesús llama nuestra atención
jugando con el escote de su madre mientras ésta detiene momentáneamente su lectura para
dirigirle una dulce y cariñosa mirada. La escena se desarrolla al aire libre, apreciándose los
árboles de la región de Umbria que también aparecen en las obras de Piero della Francesca.
Las figuras se sitúan en primer plano, proyectándose las piernas de la Virgen hacia el
espectador para acentuar el escorzo, creando un entramado de líneas onduladas que anticipan
el Manierismo. La humanización que interpreta Sanzio en la mayor parte de sus trabajos
alcanza en esta tabla un punto determinante al suprimir cualquier referencia sacra para
presentarnos a la madre y al hijo de la manera más natural posible, no exentos de un elevado
grado de idealización. Las brillantes tonalidades empleadas crean un atractivo contraste con
las sombras, cercanas a Leonardo, de quien también toma el efecto atmosférico que se crea
en el ambiente.
 La escuela de Atenas
La escuela de Atenas es una de las pinturas más destacadas del artista Rafael Sanzio. Fue
hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión
para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de
Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano. La Stanza della
Segnatura fue la primera en ser decorada, y La escuela de Atenas la segunda pintura en ser
finalizada, tras La disputa del Sacramento.
 Conclusiones

 El Renacimiento, es la consecuencia de un interés por el pasado grecorromano, con el

cual se buscaba volver a dar vida a los ideales que habían inspirado a aquellos pueblos. De
este movimiento surgieron las grandes figuras como Leonardo da Vinci , Rafael y Miguel
Ángel, que son los que mantienen viva nuestra admiración a través de los tiempos.

 Italia es donde surge el Renacimiento en los siglos XIV, XV y logra su mayor apogeo a
principios del siglo XVI. Este se extiende por Europa lentamente gracias a la creación de
universidades y escuelas.