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1. Michelangelo Buonarroti, David.

1504, mármol blanco, 517 cm.


Descripción: Esta escultura es la representación de una figura masculina
desnuda en posición pedestre. En su brazo izquierdo luce una honda.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una escultura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista idealista. Las líneas reales
se evidencian en el contorno y los ejes de torsión del cuerpo.
Contexto: En 1500, loe miembros de la Opera del Duomo, deciden encargar la
realización de doce grandes esculturas de personajes del antiguo testamento.
Bajo esta empresa se encarga un bloque de mármol a diversos artistas que
fracasan en el intento de esculpir. Finalmente la obra del David es encargada a
Miguel Ángel, quien debido a la rivalidad con Leonardo da Vinci, se enfrasca en
el estudio y trabajo para que su obra sea perfecta.
Significado: La escultura es una representación del personaje bíblico: David,
quien vence al gigante Goliath sólo con el uso de unas cuantas piedras y su
inteligencia.
Juicio: Esta escultura es una obra que conmueve y enorgullece, la mirada
profunda del rostro despierta sentimientos de fortaleza. Considero una
magnífica obra.

2. Michelangelo Buonaoroti, La creación.


1511, fresco, 280 cm x 570 cm.
Descripción: La presente pintura muestra dos figuras masculinas con los brazos
extendidos y los dedos a punto de tocarse. La primera figura permanece
recostada y desnuda; mientras la segunda, vestida, flota sostenida por un grupo
de distintas figuras humanas.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista idealista. Presenta
profundidad visual compuesta por tres planos. Las líneas usadas son reales en
los contornos e implícitas en la composición. El punto de interés está distribuido
por el equilibrio de pesos visuales. El color está resuelto mediante el uso de
matices complementarios, rojo y verde neutralizados. Las figuras principales
tienen un mayor contraste entre valor tonal. La composición es asimétrica.
Contexto: Italia, 1508. El país presenta un gran desarrollo en la época. El
pensamiento religioso dominante se ve drásticamente reemplazado por la
corriente renacentista.
Significado: La obra representa el instante en el que Dios comparte la chispa de
la vida con su creación: Adán.
Juicio: Es una de las obras más atractivas de todos los tiempos. El simbolismo
despierta atracción al ojo. Considero que es una excelente obra.

3. Pablo Picasso, El Guernica.


1937, óleo sobre lienzo, 776 cm x 349 cm.
Descripción: La presente obra pictórica muestra un conjunto de figuras
geométricas con formas humanoides y zoomórficas.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución abstracta. Las líneas usadas son reales
para los contornos: rectos y sinuosos; e implícitas en la distribución de la
composición. Las líneas tienen una calidad normal. La obra presenta
profundidad visual a través de superposición. La cromática está resuelta en
grises de diferente valor tonal y saturación. La composición es asimétrica y halla
equilibrio entre escala y proporción.

Contexto: En 1937, durante la Guerra Civil de España, la ciudad de Guernica fue


bombardeada por la “Legión Cóndor Alemana” y la “Aviación Legionaria
Italiana”, que estaban a favor del bando insurgente contra el gobierno de la
República Española.
Significado: La obra hace alegoría de los horrores vividos durante la guerra. Los
gritos desesperados, las manos mutiladas.
Juicio: Esta obra despierta sensaciones viscerales en el espectador, y es
precisamente por ello que su aspecto lúdico la eleva a un estado de obra
maestra. En mi opinión es una excelente obra por defender y concientizar sobre
las consecuencias de la lucha armada.

4. Pablo Picasso, Tres músicos.


1921, óleo sobre lienzo, 200 cm x 222 cm.
Descripción: Esta pintura muestra un conjunto se figuras geométricas dispuestas
en formas humanoides. Algunas figuras representan instrumentos musicales,
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución abstracta. Presenta profundidad visual
compuesta por tres planos y perspectiva lineal a un punto de fuga. Las líneas
usadas son reales: rectas, diagonales y sinuosas; mayoritariamente de calidad
normal. El color está resuelto a través de un contraste entre matices cálidos
predominantes y un azul frío. La profundidad es conseguida gracias a la
saturación de los colores. La composición es asimétrica.
Contexto: 1921, Francia. Pablo Picasso hace una estancia en Fontainebleau y
decide pintar dos versiones de esta obra, las mismas que son denominadas
obras maestras del arte universal por inscribir las bases del “cubismo sintético”
Significado: La obra representa a un arlequín, un monje y un pierrot. A través
de estos personajes Picasso pretende representar los arquetipos de la comedia
tocando instrumentos.
Juicio: El nivel de abstracción en el que se halla hace que sea muy difícil leerla
para un espectador profano. No me gustó pues no transmite ningún
sentimiento, es una obra estática y aburrida.

5. Renoire, Bal du moulin de la Galette.


1876, óleo sobre lienzo, 131 cm x 175 cm.
Descripción: Esta pintura muestra un grupo de figuras humanas vestidas con
atuendos formales. Están dispuestas sobre un fondo al aire libre.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista realista. Presenta
profundidad visual compuesta por cinco planos, y trabajada en perspectiva
aérea. Las líneas usadas son reales sinuosas y rectas, e implícitas sinuosas en los
ejes de las figuras y la perspectiva. El color está resuelto por el uso de matices de
alto valor tonal y bajo valor, creando un contraste armonioso. Los últimos planos
presentan colores neutralizados, reservándose los matices saturados para los
primeros planos. La composición es asimétrica y resuelve el punto de interés por
ubicación de las figuras, por peso visual y valor tonal.
Contexto: El Moulin de la Galette, era un salón de baile frecuentado por gente
humilde y artistas que buscaban distraerse delas obligaciones cotidianas
bailando y pasándola bien entre amigos. Renoir vivía cerca del Moulin por lo que
frecuentaba el lugar, y en 1876 decidió pintar un lienzo del lugar.
Significado: La obra hace alegoría al goce y deleite de los habitantes del lugar,
que, entregados al descanso, pueden disfrutar de la compañía de otros
comensales.
Juicio: La obra despierta una clara admiración por el uso de los colores y el
ambiente de vitalidad que emana el cuadro.

6. Rene Magritte, El hijo del hombre.


1964, óleo sobre lienzo, 116 cm x 89 cm.
Descripción: La obra pictórica muestra una figura masculina en posición
pedestre, ataviada con un traje formal. Su rostro permanece cubierto por una
manzana con hojas.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista realista. Presenta
profundidad visual compuesta por cuatro planos trabajados en perspectiva
aérea. Las líneas usadas son reales en los contornos externos e internos. La
cromática está resuelta por el uso de matices fríos y grises que contrastan con el
matiz más saturado y brillante de la manzana. La composición es simétrica.
Contexto: 1964, la época en que se creó esta obra estuvo influenciada por
sendos acontecimiendos de liberación históricos, el surgimiento de nuevas
tendencias, al mismo tiempo una forma más liberal de ver conceptos que en los
años cincuenta eran impropios.
Significado: La obra hace alegoría de los secretos intrínsecos de todo lo que
vemos. Una crítica a la necesidad humana de querer mirar todo en su completa
extensión, cuando esto es imposible.
Juicio: Considero a esta obra un paradigma para el manejo de lo simbólico. Es
una obra que atrae por todo lo que no dice, o se priva de mostrar.

7. Rodín, Le penseur.
1903, bronce, 180 cm x 98 cm
Descripción: Esta escultura muestra una figura masculina desnuda, sentada
sobre una roca con el brazo y la mano flexionados sobre la barbilla.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una escultura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista realista. Las líneas usadas
son reales para los contornos e implícitas en el eje de la postura anatómica. Es
una obra monocromática. La composición es asimétrica.
Contexto: 1870, Tercera República Francesa. La burguesía que se había opuesto
al despotismo del Segundo Imperio asume el poder. Enriquecida gracias a la
Revolución Industrial, esta burguesía buscaba nuevas formas en las que sentar
sus bases estéticas. La tradición academicista estaba fuera de sus predilecciones.
Se buscaba un juicio estético que reflejara los valores de independencia, e
individualismo.
Significado: La obra está basada en la “Divina Comedia”, y representa al poeta
Dante mientras contempla el infierno.
Juicio: La obra despierta una sana introspección en el espectador. Considero
que es una buena obra por los ideales que buscaba representar.

8. Salvador Dalí, La persistencia de la memoria.


1931, óleo sobre lienzo, 24 cm x 33 cm.
Descripción: La presente pintura muestra un paisaje desértico con relojes
derritiéndose sobre distintos objetos.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución realista idealista. Presenta profundidad
visual compuesta por cuatro planos y trabajada por perspectiva aérea y lineal.
Las líneas usadas son reales para los contornos externos e internos. Líneas
implícitas en la perspectiva y la composición. La cromática está resuelta por el
uso de matices cálidos contrastados por matices fríos en el cielo. El suelo del
primer plano tiene una neutralización mayor, y un valor tonal más bajo. El punto
de interés recae sobre los relojes que tienen un valor tonal más alto. La
composición es asimétrica.
Contexto: 1931, el mundo se ve sacudido por nuevas teorías y descubrimientos
hechos por las mentes más brillantes de la época. Influenciado por los
descubrimientos en cuanto a la relatividad del tiempo y el espacio de Einstein.La
imagen es la conclusión del “Gran masturbador”, otra obra de Salvador Dalí.
Significado: La obra hace alegoría al tiempo que transita y se come todo.
Juicio: El ambiente onírico en el que se mueven los cuadros de Salvador Dalí
atrae mucho al espectador. Me gusta el concepto de blandura que da al tiempo.
Considero que es una obra muy bien pensada y ejecutada.

9. George Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte.

1884, óleo sobre lienzo, 207,6 cm x 308 cm


Descripción: Esta pintura muestra una vista al aire libre con una gran cantidad
de figuras humanas dispuestas en diferentes posiciones, y con distintos
atuendos. A un costado se aprecian sendos árboles; y en su contraparte una río
son veleros.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista idealista. Presenta
profundidad visual compuesta por seis planos y perspectiva lineal hacia un punto
de fuga. Se prescinde del uso de líneas. La obra está compuesta exclusivamente
por puntos colocados muy cerca para dar diferentes matices. La cromática está
resuelta mediante el uso de matices complementarios dispuestos muy cerca
para dar la ilusión óptica de colores neutralizados. Los puntos tienen matices
saturados. La composición es asimétrica, y el punto de interés se resuelve por la
aparente diferencia de valores tonales, y distribución de pesos visuales.
Contexto: 1884, París. El artista pasó cerca de dos años pintando el cuadro. Hizo
docenas de estudios preliminares, bocetos y apuntes. Basado en sus estudios de
la teoría del color y la óptica, el artista buscaba conseguir una gama de colores a
través de la yuxtaposición de puntos saturados.
Significado: Es una representación de una escena cotidiana donde distintas
familias de diversas clases sociales pasean una tarde de domingo.
Juicio: Me atrae mucho el uso de puntos para determinar distintos matices en la
obra. Es un cuadro que atrae por sus colores tibios y su composición equilibrada.

10. Vincent van Gogh, Terraza de café.

1888, pintura al óleo, 81cm x 65,5cm.


Descripción: La presente pintura es una vista externa de un edificio, con sendas
mesas y sillas dispuestas en la calle. El fondo está compuesto por más
edificaciones en vista externa, y un cielo estrellado.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista idealista. Presenta
profundidad visual compuesta por tres planos trabajados con perspectiva lineal
a un punto de fuga. Las líneas utilizadas son reales en los contornos internos y
externos, así como en el punto de fugo. Líneas implícitas en las pinceladas. La
cromática está resuelta por el uso de matices contrastantes en temperatura:
cálidos y fríos. El punto de interés se logra por saturación de color y por un valor
más alto. La composición es asimétrica.
Contexto: 1888, París. Vincent van Gogh, escaso de dinero viaja hacia París,
donde se concentran los más grandes pensadores, poetas y artistas. Allí entabla
amistad con otros pintores que lo tratan como a un hermano. Era común para
estos bohemios encontrarse en los cafés parisinos.
Significado: Es una alegoría de la vida bohemia que se desarrollaba en la época
y a la que el artista pertenecía.
Juicio: Me gusta el manejo y utilización de los colores para crear un contraste
por temperatura. La obra es muy nostálgica e inspira cierta felicidad.

11. Rembrandt, La ronda nocturna.

1642, óleo sobre lienzo, 359 cm X 438 cm.


Descripción: Esta obra pictórica muestra un grupo de figuras humanas ataviadas
con ropajes antiguos. Frente al espectador dos figuras masculinas blanden
sendas espadas mientras conversan, a sus espaldas el resto de figuras masculinas
adoptan distintas posiciones. Entre estas figuras, destaca una fémina arrodillado
a un costado.
Análisis: La obra analizada pertenece a la categoría Bellas Artes, es una pintura
de estilo individual. Tiene una resolución naturalista realista. Presenta
profundidad visual compuesta por tres planos. Las líneas usadas son reales en
los contornos internos y externos: rectas, diagonales y sinuosas. Líneas implícitas
en la distribución compositiva. La cromática está resuelta por matices cálidos. El
punto de interés está dado por la diferencia de valores tonales, teniendo a los
personajes principales en un valor más alto. La composición es asimétrica.
Contexto: Esta obra fue encargada por la Corporación de Arcabuceros de
Ámsterdam para decorar el salón sede de la milicia. Es, probablemente bajo éste
hecho que el artista haya usado unas dimensiones colosales en el lienzo.
Significado: Es la representación de la milicia del capitán Frans Banninck Cocqk
mientras dicta órdenes de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. A sus
espaldas aparecen los dieciocho integrantes de la compañía.
Juicio: Me atrae mucho el uso del claro oscuro en esta obra. El trabajo de
valoración es minuciosos y despierta un aura buscada.

12. Vasily Kandinski, Composición 8.


1923, Óleo sobre lienzo, 140x201 cm.

Descripción: En esta pintura se observan diversas formas geométricas y líneas


dispuestas en distintas direcciones.
Análisis: Es una obra que pertenece a la categoría de Bellas Artes, pintura. Tiene
un estilo individual, con resolución abstracta. Presenta mayoritariamente líneas
reales de calidad normal: rectas y sinuosas. Así mismo unas cuantas líneas
caligráficas sinuosas.
En el color existe una paleta limitada de matices. Existe diferencia entre el valor
de éstos, y unos cuantos se hallan saturados. La temperatura general del cuadro
es cálida, y tiene una profundidad visual con tres planos dispuestos por
superposición de contornos.
La composición se halla resuelta en un equilibrio asimétrico logrado mediante la
variación de escala y proporción de las figuras geométricas.
Contexto: 1923. El artista prescinde es su obra de toda relación que exista con el
mundo tangible, y dedica sus esfuerzos a la pintura no objetual. Entre 1915, y
debido a su estancia en Rusia, Kandinsky se influenció con algunos conceptos
constructivistas. Su gran reto era encontrar unidad interna en la imagen sobre
bases de acordes formales y cromáticos.
Significado: Esta obra carece de significado, y a la vez puede ser interpretado de
cualquier manera. El autor buscaba que el espectador se apropie de su obra para
interpretarla como mejor le parezca.
Juicio: La composición es muy armónica y permite contemplarla por mucho
tiempo, sin embargo, el hecho de que sea subjetivo me desagrada ya que no se
aclaran con exactitud las intenciones del autor.