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Referencias

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 “Steve Reich”. Steve Reich.com (2018)
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 Vasquez,Pablo.”Nuevas tendencias: El Minimalismo”.filomusica.com. (2012)
http://filomusica.com/filo25/grana.html
Introducción

En la historia siempre sucede que un grupo de creadores (ya sea artísticos, filosóficos,
o científicos) rechazan la forma predominante de crear. En la música podemos observar
como ejemplo claro cómo en la época de Bach se trataba de evitar a toda costa
cualquier linea melódica que recordase al antiguo canto gregoriano; en el romanticismo
el sistema tonal empezó a ser empujarse a sus límites; y en el modernismo, la tonalidad
se declara muerta.

Así, cada nueva corriente artística, que en nuestro caso es la música la que nos
concierne, tiende a aborrecer las prácticas novedosas que le rodean e imponer su
propia y original forma característica.

Durante el siglo XX las guerras mundiales dejaron una resaca depresiva en la población
mundial, empeorándose con los conflictos políticos nazis, la guerra fría y la depresión
económica. El serialismo, el cual nació a partir del dodecafonismo, representó toda esta
depresión general del mundo, pero pocos entendían (y mucho menos apreciaban) esta
música. Es entonces cuando el minimalismo musical empieza a nacer.

Los principales compositores minimalistas notaron que la época estaba rodeada de


descontento social y malestar político. En medio de todo el embrollo, la música serialista
no era comprendida por un público tan abrumado. Así, decidieron volver a la música
pura, expresada en frases simples de escuchar, temas sencillos, ambientes sonoros
hipnóticos.

En las siguientes páginas se pretende dar una idea de los acontecimientos históricos
que rodearon el minimalismo; definir cómo las ideas de la música de John Cage e
incluso la influencia de Erik Satié sobre éste, dieron forma a la música que luego
compositores como La Monte Young o Steve Reich presentarían al público; dar a
conocer las características básicas de las obras minimalistas que el musicólogo Gann
considera en sus artículos científicos (los cuales fueron los primeros en hacer historia y
musicología respecto al tema del minimalismo); y finalmente, se dará un esbozo general
de los principales personajes del minimalismo así como una descripción de algunas de
sus obras.
Marco Histórico
El minimalismo tiene su origen en Estados Unidos a finales de la década de los 50´s y
se desarrolla en la década de los 60´s en New York; Durante esas décadas la
humanidad vivió importantes acontecimientos, descubrimientos y sobre todo avances
tecnológicos que de una u otra forma afectaron la manera de componer música y la
forma de verla.
Estados Unidos durante los años 50´s se encontraba en la denominada “guerra fría” con
la Unión Soviética y las tensiones de una guerra nuclear aumentaban cada vez más;
Los constantes enfrentamientos verbales de ambos bandos y la continua lucha por
Cuba dieron como resultado diferentes movimientos artísticos que eran un reflejo de las
constantes tensiones entre estas dos súper potencias.
Debemos recordar que, finalizada la segunda guerra mundial tanto Estados Unidos
como La Unión Soviética poseían un gran arsenal armamentista, ambas potencias
tenían muchas flotas de tanques, aviones, submarinos y por supuesta la tecnología
nuclear que ambos poseían.
En medio de esta carrera armamentista se desarrollan tecnologías como el transistor de
alta frecuencia (que sería importante posteriormente para dar paso a la carrera espacial
y para el desarrollo de instrumentos electrónicos), el radio en los automóviles, Los
primeros dos computadores de uso comercial, el “Univac I” y el “Ferranti Mark 1”
costando alrededor de mil millones de dólares cada uno, se empieza a ver la televisión
a color, Se mejora considerablemente la calidad de las fotografías.
También hubo importantes avances en la medicina; James Watson y Francis Crick
desentrañan la estructura de la molécula del ADN, se lleva a cabo el primer trasplante
de riñón en 1957 y también se coloca con éxito la primera válvula artificial cardiaca.
El tema de armas era lo más importante para ambas potencias ya que se pensaba que,
quien tuviese mejores armas y mejores tecnologías militares estaría un paso adelante
del rival.
Pero el 4 de octubre de 1957 con el lanzamiento del primer satélite, el “Sputnik I” la
Unión Soviética le da un giro a la guerra fría, iniciando así la carrera espacial.
Este punto de inflexión que tomaron ambas Naciones sirvió para potenciar las
tecnologías electrónicas, y para hacer volar la imaginación y la creatividad de los
artistas que empezaban a conocer el universo que los rodeaba, dando origen a
deferentes movimientos artísticos.
En la literatura, la ciencia ficción y la fantasía se posiciono como lo más vendido y
buscado por las personas; libros como “El señor de los anillos” de J.R.R Tolkien, “Las
crónicas de Narnia” de C.S. Lewis, “Las crónicas marcianas” de Ray Bradbury, Novelas
con personajes como James Bond, entre otros. La ciencia ficción y la fantasía en la
literatura nunca habían tenido tanto auge.
En la pintura, surgen movimientos como el Pop art que buscaba usar imágenes
populares, reinterpretarlas para darle un sentido artístico con el fin de reflejar la
actualidad que se vivía.
El Cine vivía su gran esplendor de la mano con Hollywood lanzando cada vez más,
films del creciente movimiento de ciencia ficción.
La música por su parte estaba en una transición a las masas, se estaba viviendo la
época dorada del Rock “n” Roll, género en el cual los jóvenes y adolescentes buscan
ese sonido rebelde que iba en contra de lo que culturalmente era “correcto”, se iba
viendo como poco a poco surgía la música hecha para las masas en donde lo más
simple era lo que más gustaba al público.
Se inicia la exploración de la música con instrumentos electrónicos, hecha por los
primitivos sintetizadores impulsados con la joven tecnología de transistores, y algunos
otros instrumentos eléctricos de la época; los compositores experimentan con estos
nuevos sonidos dando paso a las primeras producciones en donde los sintetizadores
juegan un papel importante.
Durante los 60´s la carrera espacial y armamentista entre Estados Unidos y La Unión
Soviética continua, las tensiones se incrementan por la famosa “Crisis de los misiles de
cuba” cuando la unión soviética fue sorprendida construyendo 40 bases nucleares en la
Isla y llevando grandes cantidades de ojivas nucleares a Cuba, que era entonces la
gran aleada del comunismo en general; este movimiento fue la respuesta del arribo de
los misiles Jupiter II por parte de Estados Unidos en Turquía en un territorio cercano al
Sudoeste Soviético.
La carrera espacial continuaba con La URSS a la cabeza, cuando el 12 de abril de 1961
se realiza el primer vuelo espacial tripulado, la nave Vostok piloteada por el Teniente
Yuri Alexéyevich llega al espacio en donde se enfrenta a muchos problemas técnicos y
sobre todo tecnológicos, es importante mencionar que no se sabía si el hombre podría
soportar el vuelo espacial.
Pero Estados Unidos finalmente ganaría esta carrera; el 16 de Julio de 1969 fue
lanzada la misión del apolo 11 y el 21 de julio Neil Armstrong finalmente pisaría la Luna,
dejando a La Unión Soviética como perdedora.
La carrera armamentista por su parte tiene dos importantes factores, la llegada del
avión supersónico, y el desarrollo del Arpanet, una red de computadoras militar
estadounidense que serviría posteriormente para darle vida a lo que hoy es Internet.
Los descubrimientos y avances tecnológicos no paraban de sorprender a la humanidad,
en 1962 se empieza a desarrollar la tecnología de las famosas luces LED; la creación
de la pantalla LCD por George H. Heilmeier en 1964 provoco gran revuelo y un cambio
abrupto en la forma de hacer pantallas para televisores o computadoras. En 1963 es
inventada la cinta de casete por la empresa Phillips y empezarían poco a poco a
sustituir los discos de vinilo.
También es inventado el código de barras en 1966 impulsando así el comercio y
marcando toda una revolución en la manera de vender productos.
En el campo de la medicina se aprueba la píldora anticonceptiva en 1960; se consigue
el primer trasplante de corazón en 1967.
La década de los 60´s tiene también un increíble impacto en la manera de ver el arte y
de hacer música, el incremento en las tensiones entre las dos potencias provoca varias
respuestas artísticas y movimientos pacifistas, el principal de ellos, el movimiento Hippie
quienes bajo el eslogan “amor y paz” lograron marcar una época no solo en Estados
Unidos sino también en todo el mundo.
En la pintura tenemos el Hiperrealismo, que buscaba exponer la realidad con más
fidelidad y objetividad que la fotografía. Este movimiento se le llego a considerar radical,
ya que mostraba todo de una manera muy cruda y pretendía hacer ver justo lo que el
artista estaba observando, por ello los trabajos hiperrealistas no tienen huellas de
pinceladas.
Todos los acontecimientos antes mencionados, provocaron en las personas jóvenes
una cierta rebeldía al ir en contra de lo establecido, cada vez la música se volvía más
para las masas, cada vez gustaba más lo simple, lo repetitivo, lo estable rítmicamente y
con la llegada de The Beatles, este tipo de música se vuelve muy popular y hasta
cultura general, con lo cual los compositores empiezan a componer de una forma más
simple.
La música en New York ya estaba teniendo un sentido de simpleza, Pero ¿Dónde
exactamente tiene su origen el minimalismo?
Vamos a remontar su origen a la arquitectura; el prestigioso arquitecto Ludwig Mies Van
Der Rohe quien a finales de los años 50 en New York integra a sus diseños una
arquitectura visualmente agradable y muy simple, su peculiar forma de hacer arte con
cosas mínimas inspiraron a muchos a seguir esta tendencia; su frase “Less is more”
(Menos es más) se convierto en el lema de muchos otros artistas.
En la música la palabra minimalista no fue empleada hasta 1968 en relación al álbum
The Great Digest de Michael Nyman y se consideró al minimalismo como un género
experimental.
La música minimalista tiene raíces en la música dodecafónica, ya que ésta en sus
inicios empleaba técnicas dodecafónicas, pero las notas se extienden inmensamente a
lo largo de la obra.
De hecho la primera obra que se considera minimalista es la composición “Trio For
Strings” de La Monte Young en donde emplea el dodecafonismo y se inspira en la idea
de simplicidad y de repetición que estaba tomando mucha popularidad cuando la creo
en 1958.
Marco Metodológico

Definición del término ‘minimalismo’.


El origen del término ‘minimalismo’ es constantemente refutado. Algunos le atribuyen su
denominación a Michael Nyman, quien consideró como música minimalista las composiciones
de Cage en su libro Música Experimental: de John Cage en adelante; otros, al arquitecto
Ludwing van Der Rohe quien con su frase célebre ‘menos es más’ inauguró el minimalismo
arquitectónico; y otros, al filósofo de arte Richard Wollheim, quien definió el arte minimalista
pictórico.
Dado que en música Michael Nyman fue uno de los primeros en aplicarlo, se le atribuirá a
él la denominación en lo que nos concierne. Sin embargo, es interesante recalcar cómo desde
distintas disciplinas se llegó a adoptar el término minimalismo a toda actividad que se simplifica
a sus conceptos más básicos o esenciales, en búsqueda de un retorno a lo simple y puro.

El Minimalismo musical
Para definir qué puede ser considerado minimalismo musical, es importante conocer el
origen de este movimiento.
En el siglo XX fue predominante la corriente modernista musical del dodecafonismo y el
serialismo. Schoenberg anunció la muerte del sistema tonal y la necesidad de explorar nuevas
formas compositivas; en su tratado de armonía explica por qué el sistema tonal no es sino una
síntesis de estilo de una época; también introduce la idea de que cada una de las 12 notas son
importantes equitativamente y con ello conforma el sistema dodecafónico.
Más adelante, a partir de lo que Schoenberg ha establecido, compositores como Pierre
Boulez explotan un sistema llamado Serialismo, con el cual el movimiento de vanguardia rompe
completamente con el antiguo sistema tonal.
Guerras mundiales, la discriminación racial en los Estados Unidos, la guerra fría, la
globalización, la expansión de la música popular a las masas y muchos otros acontecimientos
políticos, sociales y culturales (Ya mencionados en el marco histórico), hicieron que músicos
como Philp Glass, Steve Reich, La Monte Young y Terry Riley, buscaran una forma de expresión
más sencilla que liberara su sentir de ese entorno social tan embrollado. Ellos se inspiraron en
Jonh Cage quien es el padre indirecto de la música minimalista e incluso otros consideran
también como pionero del movimientos a Erick Sitie por la impresión que sus obras daban.
Su música se convirtió en un respiro para el público que padecía gravemente las vicisitudes
del mundo y no abría su mente para entender las expresiones musicales como las de Boulez.
Los minimalistas tomaron una postura ‘romántica’ al momento de componer. Optaron por
volver a un modo de composición más puro, sencillo y más inteligible para el público (cosa que
luego la música pop explotó como recurso propio).
La música minimalista puede entonces definirse como aquella en que la repetición de
pequeñas células rítmicas como base de su composición, así como la repetición de frases
musicales cortas o la emisión de pocos sonidos durante periodos prolongados de tiempo. Dentro
de este aspecto temporal, cabe destacar que a John Cage se le considera el minimalista por
excelencia, ya que explotó hasta el máximo el sentido de simplicidad musical en su obra 4’33’’,
en la cual la única indicación en la partitura de los intérpretes es ‘no hacer nada’ durante el
tiempo establecido.

Características compositivas
Kyle Gann menciona en su artículo Minimalism Defined respecto a la definición del
minimalismo musical, que se trata de toda composición que posea todas o algunas de las
siguientes características:
1. Armonía Estática: las composiciones minimalistas suelen basarse en un movimiento
armónico muy básico y repetitivo, o en el uso de una sola escala o modo.
2. Repetición: aunque la repetición suele asociarse a la música minimalista, no es el caso
de todas las piezas minimalistas. Las notas prolongadas en la música de Young, o los
zumbidos en la de Phill Niblock no se repiten (en sentido práctico).
3. Proceso Aditivo: los patrones a repetirse suelen agregarse en una forma estructurada
previamente por el compositor. Es por esto que el minimalismo suele asociarse como una
música de ‘proceso’.
4. Cruce de fases: es una técnica que se encuentra específicamente en la música de Reich.
Aunque no se considera como elemental de la música minimalista, quedó como arquetipo
para el postminimalismo.
5. Permutaciones: algunos compositores como Jon Gibsony Tom Johnson utilizaron un
sistema de permutaciones de tonos. Esto para evitar progresiones melódicas obvias.
6. Estabilidad de pulso: la mayoría de composiciones suelen tener un pulso estable de una
sola figura rítmica, usualmente de corcheas. Algunos compositores preferían usar sonidos sin
pulso, constantes (zumbidos). Se podría entonces dividir la música minimalista en dos tipos
según su ritmo: música con pulso, y música sin pulso (zumbidos).
7. Instrumentación estática: el minimalismo es característico por darle importancia a todos
los instrumentos que conforman un ensamble (ya sea trío, cuarteto o hasta uno sinfónico).
Todos tocan al mismo tiempo. Esto refuerza la idea del minimalismo de crear una atmósfera
de música ritual.
8. Afinación pura: algunos compositores como Young, Tony Conrad, Terry Riley y Phill
Niblock utilizaron una afinación pura (la cual sobrepasa la longitud de octava de un piano)
pero Glass y Reich preservaron el uso del temperamento igual. Por lo tanto, esta característica
del minimalismo es dispensable.
9. Estructura audible: la mayoría de música minimalista presenta al oyente una estructura
obvia que le permite conocer con los primeros compases de escucha cuál fue el proceso de
estructuración de la obra.
Estas características dieron vida al posterior género musical conocido como Pop, usando la
esencia del Minimalismo para sus propios fines.

Gann asegura que el minimalismo se desarrolló desde 1960 a 1980. De ahí en adelante el
post minimalismo habría surgido, ya que Glass, Reich y Riley (aunque fueron pioneros del
minimalismo original) habían perdido interés en las estructuras básicas y se ocuparon en
desarrollos melódicos dejando al fondo las estructuras minimalistas.

Compositores principales
La Monte Young, Philip Glass, Terry Riley y Steve Reich fueron los 4 primeros
compositores minimalistas. Su música suele siempre ser reconocida con este movimiento
musical.
Philip Glass (1937) no se consideraba a sí mismo como un compositor minimalista. En
cambio, prefería hacerse llamar un compositor de ‘música con estructuras repetitivas’. Estudió en
la Universidad de Chicago, en Juilliard y en Aspen. Su insatisfacción por lo que ocurría en la
música moderna lo hizo salir a estudiar a Europa. Al volver, conforma el Philip Glass ensemble
(1967). Algunas obras representativas son: Music in changing parts, Einstein on the Beach y
Music in Fifths.

Marco Conceptual
Cada compositor minimalista tenía diferentes formas de aplicar todos los conceptos y
técnicas. Los compositores principales con sus respectivas obras son:

John Cage

John Cage nació en Los Ángeles, California el 5 de Septiembre de 1912. Fue un músico,
filósofo, poeta y teórico musical.
Durante una época estudió en Europa las distintas corrientes artísticas, principalmente
arquitectura. La educación en las universidades estadounidenses no le satisfacían por lo que
decidió explorar la educación en el mundo europeo.
Al volver a los Estados Unidos estudio con Henry Cowell y Arnold Schoenberg. Éste
último le dio clases gratis luego de que Cage decidiera dedicar su vida entera a la música.
Estas cátedras influenciaron a Cage en el ámbito modernista de la música. Además, la
inventiva de este compositor nace a partir de la herencia de su padre inventor por la curiosidad
creativa.
De sus obras más importantes resaltan:

4’33’’
En tres movimientos, la obra indica al intérprete una sola cosa: no hacer nada durante el
tiempo establecido. Esta obra es de las más importantes influencias en la corriente minimalista,
pues la búsqueda de lo más simple fue extremada en esta pieza.
La obra puede ser interpretada tanto por un solista como por una orquesta y está orientada a
hacer conciencia en el público del relativo silencio de los teatros. Relativo porque lo que en
realidad desea Cage con esta obra es que el público aprecie los sonidos ambiente de las
presentaciones musicales, los cuales según él, forman parte de la música.

El piano preparado
Las obras que Cage compuso para el piano preparado están relacionadas principalmente con
la danza, aunque algunas para concierto. El piano preparado surgió de la necesidad de hacer
variar los timbres del piano y así sustituir un conjunto de percusión muy grande.

John Cage fue una influencia importante en el pensamiento que mas tarde conformaría el
minimalismo. Su forma compositiva en base al uso del azar, repeticiones, y procedimientos
matemáticos dio origen en el minimalismo a las estructuras repetitivas tanto rítmicas como
melódicas que Reich, Young, y otros compositores minimalistas explotaron en el sentido de
simplicidad y efectos sonoros.

La monte Young
La monte Young, conocido también como el compositor de la música eterna, es considerado por
Porter como el primer músico minimalista. Young nació en Suiza el 14 octubre de 1935; Desde
pequeño se interesó por los sonidos perpetuos, zumbidos de motor, el viento que fluía por los tejados, el
zumbido de un transformador eléctrico, etc. Años después toda su familia se mudó a Los
Ángeles California buscando el sueño americano; comenzó sus estudios musicales en
Los Angeles City College en donde estudió Saxofón y los estilos que más le
apasionaban, el Jazz y el estilo Indú.
En Los Angeles City College también aprendería Serialismo Integral con Leonard Stein
(Asistente de Arnold Shoenberg Cuando éste fue maestro En la misma Universidad)
Su paso por la universidad de California es muy importante ya que allí crea su propio
concepto de composición basado en el dodecafonismo. Posteriormente realizó estudios
en Berkeley College of Music en donde ampliaría sus conceptos jazzísticos.
Las influencias de Young no solo eran músicos de Jazz sino también sentía una gran
admiración por Pandit Pran Nath quien seria su mentor de canto Hindú.
A finales de los cincuentas Young se muda a Mew York y en base a los movimientos
artísticos que se estaban dando y al Lema “menos es más” (Ya popularizado para
entonces) del Arquitecto Ludwing Van Der Rohe y los efectos del Cannabis desarrolló la
primer obra considerada minimalista “Trio For Strings”.
Young ya había compuesto varias obras antes de esta, pero los conceptos y maneras
de composición usados eran muy diferentes a los que emplearía en Trio for Strings.
En 1960 Young estudiaría música electrónica con Richard Maxfield,
Es importante mencionar que para Young las drogas eran muy importantes para el fluir
de sus ideas a la hora de componer, él las consideraba como herramientas que puedes
utilizar si lo sabes hacer.
Estas herramientas pueden utilizarse con provecho si eres un maestro de ellas, Si son usadas sabiamente; la
herramienta correcta para el trabajo correcto, pueden desempeñar un papel importante. Te permite adentrarte
en ti mismo y centrarte en ciertas relaciones de frecuencia y las relaciones de memoria en una manera muy
interesante. (La Monte Young)

El cannabis y el LCD tuvo un papel muy importante en la vida de Young, él consideraba


que la experiencia de las drogas le abría el entendimiento y le expandía la conciencia.
Sin embargo, considera que a la hora de ejecutar su instrumento los efectos de la droga
significaban una desventaja, por esa razón a la hora de tocar el saxofón intentaba no
drogarse previamente.
Sus obras principales son
 The Four dreams of China.
 Inside the Dream Syndicate
 The Well Tuned Piano: Es una gran improvisación en piano compuesta en 1964 y terminada y
lanzada en 1974 es un álbum con una duración de casi seis horas, A lo largo de la obra el día
no sea fina en diferentes tonos y se modifica el Pitch de las octavas para crear unos sonidos
muy exóticos. Young hace uso de la teoría de la afinación por Cents para afinar el piano.

Fue fundador Proyectos como:


 The teather of eternal music.

Philp Glass
Philip Glass (nació en 1937, Baltimore, Maryland) no se consideraba a sí mismo como un
compositor minimalista. En cambio, prefería hacerse llamar un compositor de ‘música con
estructuras repetitivas’. Estudió en la Universidad de Chicago, en Juilliard y en Aspen. Su
insatisfacción por lo que ocurría en la música moderna lo hizo salir a estudiar a Europa. Tuvo
contacto con el serialismo de Boulez, el cual no le produjo ninguna emoción.
Durante un tiempo estuvo en la India, por razones religiosas; allí se influenció por los
ritmos del lugar, característica que veríamos mas adelante reflejada en su música con estructura
repetitiva.
Al volver a Estados Unidos, Nueva York, conforma el Philip Glass Ensemble (1967), con el
que interpreta varias de sus obras.
Algunas obras representativas son:
1. Music in changing parts: Esta obra es considerada como una de las principales del
movimiento minimalista. En ella, Glass da cierta libertades de improvisación al intérprete. Consta
de 4 grupos distintos (movimientos) que dirigen la obra. Su duración suele ser de 2 horas. Su
minimalismo se ve expresado en la estructura repetitiva de la pieza.
2. Einstein on the Beach: Es una ópera basada en la vida del científico Einstein. Glass
compuso esta obra en conjunto con el productor teatral Robert Wilson. Está dividida en 4 actos.
El propio compositor la define como una composición en ‘4 actos para conjunto, coro y solistas’.
3. Music in Fifths: Es una obra de estructura repetitiva, como las demás del compositor. Se
basa en la repetición de estructuras hasta agotar las posibilidades descritas por el compositor.
Armónicamente está escrita en lo que los teóricos de música tonal consideran un grave error:
quintas paralelas.

Terry Riley
Terry Riley nació el 24 de Junio de 1935, curiosamente el mismo año que Young. Estudio
en el Conservatorio de San Francisco durante muchos años pero se sentiría atraído por las
composiciones de John Cage, los experimentos de Young Y la música académica de la india.
Riley Haría varios viajes a la india en donde estudiaría las complejas frases rítmicas de esta
cultura y donde también aprendería varios instrumentos musicales de la India.
Tambien tomaría clases con Pandit Pran Nath el mismo mentor de canto Hindú de Young.
Sus obras minimalistas
principales son:
 In C: Es de las más
famosas por la
simplicidad de su
notación y la enorme
variabilidad de su
interpretación. Su idea
minimalista está asentada
en el uso repetitivo de
frases. Escrita en 1964 la
obra consiste en 53
frases cortas musicales,
cada músico repite la
frase que quiera cuantas
veces quiera y sólo hasta
que todos hayan llegado
al final se considera que
la obra ha terminado.
 A Rainbow In Curved Air: compuesta en 1969 Es una obra ejecutada solo con sintetizadores
y frases virtuosas de Riley. Para grabar la obra Riley Utilizo técnicas especiales que hoy en
dia son muy utilizadas, como el “tocar con secuencia” es cuando se graba un frase y sobre
esta se graba otra y así sucesivamente. Está basada en armonía modal y utiliza la estructura
del Jazz para desarrollarse.
 Tread on the trail
 Olson III.
 You’re no good.
 I can’t stop no.

Todas estas piezas tienen un sentido hipnótico y una base repetitiva constante.
Es importante resaltar que Riley y Young se conocieron en Nueva York y éste último influenció a
Riley con sus corrientes no occidentales.
Steve Reich
Nació el 3 de octubre de 1936 en New York. Su padre lo inició en la música inscribiéndolo
en clases de piano a los 5 años, se desarrollaría en este instrumento durante su infancia. La
música académica toma un papel importante en su vida desde ese momento hasta la fecha.

A los 14 años adquieren sus primeros discos de Jazz de nada más y nada menos que Miles
Davis y Charlie Parker, lo cual le influenció a tocar jazz y a aprender a tocar la batería. Reich
participaría en varias bandas de Jazz durante su adolescencia y su paso por high School.
Continuaría sus estudios universitarios en filosofía e historia de la música.
Posteriormente realizaría sus estudios musicales en Juillard School of music; durante el tiempo
que estuvo estudiando allí justamente coincidió con Philip Glass y se harían buenos amigos
Luego de sus estudios se dedicó a componer mientras trabajaba de taxista.
Reich en sus composiciones emplean técnicas propias que posteriormente muchos otros artistas
emplearía tales como el uso del loops en cinta, el efecto de fase invertida en las grabaciones y el
uso del feedback con micrófonos para generar sonidos.
Posteriormente se uniría a The San Francisco Tape of Music Center, donde conoció entre varios
músicos a Terry Riley con quién encontró similitud de intereses musicales.

Sus obras minimalistas más importantes son:


 Pitch Charts: Esta obra sólo mostraba las notas a ejecutar y no el ritmo con que se ejecutarían.
 Plastic Haircut: Es un collage auditivo obtenido por la manipulación de cintas pregrabadas.
 Pendulum Music: Es justamente en esta obra en donde Steve Reich usa el sonido del feedback
que provoca un micrófono al estar cerca de una bocina. La obra consiste en cuatro bocinas y
cuatro micrófonos colgados como péndulo; los micrófonos pasarán una y otra vez cerca de las
bocinas creando no solo melodía sino también ritmo.La gracia de la obra es calcular en qué
frecuencia va a sonar el feedback y hacer que las cuatro bocinas provoquen respuestas en
rangos de frecuencias (Hercios) diferentes.
 Music For 18 Musicians: Obra compuesta entre 1974 y 1976, es una obra con muchos efectos
generados por los propios intérpretes, entre ellos encontramos: cierto efecto de “Delay”; este
se crea al momento de repetir la misma frase pero en diferente posición; el efecto de sonidos
“generados por computadora” pero que, en realidad es generado por el Clarinete Bajo; y las
texturas que los violines hacen, todos combinados crean un ambiente en el cual se desarrolla
la composición; su estructurada son 11 acordes en donde cada uno se desarrolla
melódicamente durante un periodo largo de tiempo, la obra dura aproximadamente 1 hora.
 Diferent Trains: obra escrita en 1988 y ganadora del Grammy a la mejor composición clásica
contemporánea en 1989, es una obra de 3 movimientos para un cuarteto de cuerdas; está
inspirada en la segunda guerra mundial y en el holocausto. Reich expresa que como judío, si
hubiese estado en Europa pudo haber sido víctima del holocausto.
La obra consta de 3 movimientos: América antes de la guerra (Primer movimientos), América
durante de la guerra (Segundo movimiento), Después de la Guerra (Tercer Movimiento).
en esta obra utiliza sus influencias y conocimientos baterísticos empleando los “Paradiddles”
(Técnica bateristica que conciste en la combinación de golpes simples y golpes dobles).
 Six Pianos.
 Desert Music.
Otros compositores Minimalistas destacados:
 Jonh Adams
 Michael Nyman
 Gabin Briars.
Conclusión
El minimalismo fue un movimiento musical fugaz. Dada su naturaleza simplista, su
desarrollo no permitió que perdurase por muchos años. Sin embargo su existencia no fue banal,
luego del minimalismo surgieron el postminimalismo y el totalismo.
La música minimalista, a pesar de ser simple, de gusto humilde y composición básica, sólo
vivió en la mente del público por muy poco. Su estructura repetitiva y cíclica (o incluso eterna
como la de Young) hizo que el público la fuera aborreciendo poco a poco.
En pocas palabras, el minimalismo es interesante para todo aquel que quiera apreciar una
atmósfera ordenada de sonidos repetitivos, un ambiente hipnótico, pero no para aquel que busca
en la música un sentido más profundo.
Sin embargo, si John Cage no hubiera compuesto en base a estructuras matemáticas y
creado el arquetipo minimalista, los compositores Glass, Reich, Young y Riley (principalmente)
no hubieran dado a luz esta música.
Finalmente, dentro de los compositores minimalistas principales del movimiento, Steve
Reich se considera que es el exponente más representativo del minimalismo musical por haber
llevado al límite la composición en este estilo.