Año 2 No.
4 Noviembre 2012 - Abril 2013
modernidad
y posmodernidad
en la historia
del arte
Modernity and postmodernity in art history
RESUMEN
El siguiente artículo es una breve explicación de las
teorías modernas y posmodernas que han influido en la
historia del arte en general, en México y en Nuevo León, es
un referente para ubicar el contexto artístico en el que se
desarrolla la producción visual local. Se pudo comprobar
que las corrientes artísticas de alguna manera siguen es-
tando presentes en el arte contemporáneo. Las influencias
artísticas, el impacto del contexto e ideologías es un fenó-
meno común que se puede encontrar en una obra de arte.
Palabras clave: modernidad, posmodernidad, contexto
cultural, arte contemporáneo, filosofía del arte y estética.
Imaginario Visual Investigación • Arte • Cultura
Adriana Garza Padilla
ABSTRACT
The following article is a brief explanation of the mo-
dern and postmodern theories that have influenced the
history of art in general, in Mexico and Nuevo Leon, it is
a reference to locate the artistic context in which local
visual production develops. It was found that the artistic
movements in some way still present in contemporary art.
The artistic influences, the impact of the context and ide-
ologies is a common phenomenon that can be found in a
work of art.
Key words: modernity, postmodernism, cultural context,
contemporary art, philosophy of art and aesthetics.
56 ISSN: 2007-3860 / pp. 56-69
 Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013

MATTRES
Malí África a Marruecos
África, 2007. Subsahariano
viaja escondido dentro
de un colchón para llegar
a la frontera de Marruecos
y posteriormente cruzar
a Europa.
Actualmente
sigue intentándolo.

57 Investigación • Arte • Cultura Imaginario Visual

Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013

E
sta investigación es un acercamiento a
la producción de la Plástica Local, un
referente de apreciación artística y es-
tética para generar nuevos conocimien- Las características del
tos sobre el proceso de lectura de una
obra en la identificación del contenido
icónico y plástico, en la producción arte actual, aunque
material, de composición y sobre todo
en la interpretación de su mensaje.[1]
Parte de la investigación fue hacer un breve recorrido a las
tienen sus orígenes en
teorías sobre el arte moderno y posmoderno que se han
entrelazado en la historia del arte. Además de una síntesis la modernidad, han
del contexto artístico en México y en Nuevo León donde
se inserta la vida y obra de los artistas locales.
sufrido transformaciones
Para la lectura de la obra de Adrián Procel se utilizó
El Modelo de Descodificación de un Mensaje Poético,
de Umberto Eco (2006), adaptándolo al sistema de co- a través de los años
municación de una obra de arte. Parte primordial de este
modelo es conocer el contexto en el que está insertada
la obra –código–; las influencias, relaciones de intertex-
y las vanguardias por
to, recursos filológicos, el estilo propio del autor, etcétera.
–subcódigos–; y la historia de la cultura, el contexto de
conocimientos a los que se refieren los códigos y subcódi-
las cuales han pasado,
gos, es la ideología del artista y puede abarcar lo socioló-
gico, político, existencial y filosófico –ideólogas–. De igual dándose una revolución
manera estos sistemas forman parte del receptor. Para
armar todo lo anterior es vital conocer la historia del arte,
claro está, si se quiere hacer un análisis metodológico. de conceptos que han
Modernidad y vanguardias
Los cambios que se han dado en la historia del arte a cambiado la manera
través de los siglos han estado estrechamente ligados al
cambio de pensamiento que ha tenido la humanidad, a los
cambios de la sociedad, de las teorías filosóficas y cientí- de ver el arte
ficas. La sensibilidad estética para disfrutar del arte nació
de la necesidad de explorar y conocer el proceso creativo
y la expresión que tiene la producción artística. Las ca-
racterísticas del arte actual, aunque tienen sus orígenes

[1]Estainvestigaciónformapartedelatesis:“ReflexionesEstéticaseInfluenciasdelaObra:‘Esquemademaniobra’2006,deAdriánProcel”.

Imaginario Visual Investigación • Arte • Cultura 58


en la modernidad, han sufrido transformaciones a través
de los años y las vanguardias por las cuales han pasado,
dándose una revolución de conceptos que han cambiado
la manera de ver el arte.
La mayoría de los teóricos consultados han catalogado
el arte en tres grandes segmentos: la vanguardia, la pos-
guerra y el arte del ‘900. El período de las vanguardias se
sustentó en la modernidad y abarcó básicamente las pri-
meras décadas del siglo XX, este período sentó sus bases
desde siglos anteriores.[2] Schiller (1963) vio la moderni-
dad como la época en que se dio un estado de pérdida del
ser –por la alineación– y a la vez un esfuerzo de reapropia-
ción, con la consigna de restituir a la persona la armonía
sensorial cuando explicó los dos tipos de poesía –ingenua
y sentimental–. Schiller (1963) refirió que la poesía senti-
mental mostró la pérdida de la ingenuidad y de la relación
del ser con la naturaleza. Sin embargo, en la modernidad
esta pérdida fue recuperada, después de todo para él no
existió una visión trágica de la modernidad pues lo advirtió
como una oportunidad de reapropiación, de estar cons-
cientes de la pérdida por la enajenación.
Los avances de la técnica que sucedieron del siglo
XIX al XX dieron paso al progreso como el gran proyecto
que pretendía resolver los problemas de la humanidad. Al
mismo tiempo, en el arte se da la necesidad de romper
con el academicismo para dar paso a nuevas formas de
expresión. Hegel (1947) mencionó que el artista comenzó
a situarse más allá de las formas y configuraciones consa-
gradas, se sintió libre de las ideas que tenía de lo sagrado
y eterno. La muerte del arte para Hegel significó una trans-
formación, lo que murió en realidad fue la manera de gozar
el arte. El artista no pudo sustraerse al mundo reflexivo
pues producía obras que, además de un goce inmedia-
to, requerían de un juicio para meditar su contenido, los
medios que utilizaba para manifestarlo y la conveniencia
entre ellos.
Para Habermas (1989) la modernidad ha sido un pro-
yecto inconcluso que comenzó a partir de la revolución
francesa y la Ilustración, y que ha continuado. En el arte,
el término modernidad se sustentó a mediados del siglo
XIX por la auto-comprensión estética del arte de vanguar-
dia. Para este filósofo, la modernidad representó la exalta-
ción del presente, dándose una discontinuidad en la vida
cotidiana y una aceleración en la historia. La modernidad
estética del surrealismo y dadaísmo, por ejemplo, significó
[2]Marchán(1997)comentóqueRousseaufueelprimeroenutilizarlapalabramodernista,enelsentidoenqueseutilizaríaenlossiglosXIXyXXyhasidofuentedelas
tradiciones modernas, desde la ensoñación romántica hasta la introspección psicoanalítica y la democracia.
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Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013
para él la preferencia de lo efímero sobre lo permanente y
la ruptura con la estética establecida.
El modernismo ha estado marcado por el progreso en
el nivel de conciencia, así lo expresó Danto (1999) quien
manifiesta un cambio importante en la pintura, donde la
representación mimética ha perdido importancia para dar
paso a las reflexiones de los sentidos y los métodos de
representación. El modernismo se ha caracterizado por
tener dos líneas; una utopista que intenta cambiar el mun-
do donde el arte registra tanto en su contenido como en
su forma la manera de vivir, es un arte de protesta ligado
a la sociedad y que pretende hacer pensar. La otra línea
es autorreflexiva, el artista se aparta de la sociedad para
elevar su arte a un nivel expresivo surgiendo así el arte por
el arte, el contenido no es algo importante que resolver
pues debe incluirse como parte de la forma de la obra. Se
acentuó la experimentación en cada corriente, los artistas
encontraron nuevas maneras de sustentar sus propuestas
y cada movimiento escribía su manifiesto o si no los críti-
cos los escribían por ellos.
Entre las corrientes vanguardistas más importantes
en la historia del arte, en las que se dieron estos juicios
de meditación está el cubismo; su característica analítica
de ver el objeto lo ha hecho uno de los movimientos más
importantes que han marcado a estilos posteriores, entre
sus representantes destacan Georges Braque y Pablo Pi-
casso. Gombrich (1999) afirmó que el arte moderno nació
de los sentimientos de insatisfacción de artistas como Cé-
zanne que guiaron finalmente al cubismo surgido en Fran-
cia; la solución de Van Gogh condujo al expresionismo en
Alemania y, por último la pintura de Gauguin lo hizo hacia
las formas de primitivismo. Danto (1999) ha coincidido con
Gombrich al mencionar a estos artistas como modernistas
aludiendo a que el término no solamente significa lo más
reciente sino una estrategia, un nuevo nivel de conciencia.
Las contradicciones de la realidad y las relaciones en-
tre las personas son tan abstractas como el arte nuevo,
así lo manifestó Adorno (1980) justificando en el arte abs-
tracto la exclusión del sujeto y su capacidad de reaccio-
nar, la obra misma se une a la exclusión como manera de
oposición o reproche. Artistas como Paul Klee y Vassily
Kandinsky abordaron en sus obras abstractas el lado es-
piritual, místico y filosófico del arte. En las obras no se re-
presentaba ninguna forma de la naturaleza pues utilizaban
figuras geométricas que pretendían tener un significado
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Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013
como tranquilidad, energía, alegría, tristeza, etcétera. Este
rechazo a las apariencias naturales es lo que ha distingui-
do al arte moderno del siglo XX. Los críticos estaban con-
vencidos de que el progreso sólo sería realizable mediante
los movimientos más radicales respecto a la tradición.
Vattimo (1997) refirió como características de moderni-
dad el abandono de la visión sacra de la existencia, la afir-
mación de lo profano y la fe en el progreso como valor en
sí. El movimiento dadaísta cuestionó la fe en el progreso
mediante una aversión ante el mundo. Los dadaístas co-
menzaron a celebrar el triunfo de lo absurdo en manifes-
taciones artísticas donde lo principal era lo infantil, lo pri-
mitivo, el azar, además de lo ilógico, con afán de diversión
y de crítica a la cultura oficial. Para Ruhrberg, Schnecken-
burger, Fricke, Honnef y Walther (2001) el dadaísmo no era
un estilo ni un programa filosófico o estético, era una serie
de actos anárquicos individuales.
Danto (1999) consideró que el movimiento dadaísta de
Berlín proclamó la muerte del arte porque no estaba en
contra del arte del pasado, pues no tenía sentido que fue-
[3]“ElmodernismollegóasufincuandoeldilemareconocidoporGreenbergentreobrasdearteymerosobjetosrealesyanopudoserarticuladopormástiempoentérminos
visuales, y cuando fue imperativo sustituir una estética materialista en favor de una estética del significado”. Danto (1999, p.99).
Imaginario Visual Investigación • Arte • Cultura
ra algo de lo cual hubiera que liberarse. Marcel Duchamp
ha sido el máximo representante del dadaísmo, sus obras
como La fontaine y Portabotellas han sido parte de la rup-
tura desafiante del arte contemporáneo.[3] Para Danto, fue
de esta manera como llegó a su fin el modernismo y, cuan-
do apareció el arte pop, terminó por concretarse este final.
Antes de la Segunda Guerra Mundial muchas de las
vanguardias europeas como el surrealismo, constructi-
vismo, realismo, entre otras, habían influenciado todo el
arte occidental. Al terminar la guerra devino una profunda
transformación cultural ante la destrucción y a pesar del
camino recorrido en el arte, hubo que empezar de cero.
Después de la guerra, Estados Unidos comenzó a ser un
importante centro de las artes. Fue en este país donde na-
ció el expresionismo abstracto el cual tomó del surrealismo
la fluidez no consciente de la expresión y la fuerza agresiva
del trazo del expresionismo. Entre sus principales expo-
nentes estaban Jackson Pollock, Kenneth Nowlad, Willem
de Kooning y Mark Rothko. Danto (1999, p. 124) expresó
que “Greenberg continuó considerando al expresionismo
abstracto como la principal fuente de la historia del arte
60

modernista”. Según Danto (1999) después del expresionis-
mo abstracto, alrededor de 1962, vendrían muchos estilos,
entre ellos el pop, op, minimalismo, arte povera, etcétera.
Posmodernidad
Lyotard (1993) llamó posmoderna a la incredulidad con
respecto a los metarrelatos y al supuesto progreso de las
ciencias que buscaban lo verdadero. En el aspecto estético
Huyssen (1988, p. 233) citó a Lyotard como “un pensador
político” que, en su ensayo ¿Qué es la posmodernidad?,
definió lo posmoderno como un estadío recurrente dentro
de lo moderno.
Está claro que en el ensayo de Lyotard lo posmoderno,
como fenómeno estético, no se considera distinto al
modernismo (Huyssen, 1988, p. 234).
A contraste de Lyotard que en las cuestiones estéticas
no advirtió diferencia entre lo moderno y posmoderno, el
posmodernismo para Vattimo (1997) indicó la despedida
de la modernidad por querer quedar fuera de la lógica del
progreso o la idea de superación. Fue quitarse la etiqueta
de lo nuevo como novedad, lo posmoderno no se ha deja-
do reducir a una moda.
Para Vattimo (1997) se trató de abrirse a una concep-
ción no metafísica –Dios y el ser– de la verdad que partió
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Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013
de la experiencia del arte y del modelo de la retórica; lo
comparó, como lo proclamó Heidegger, con el modo en
que se dio el arte en el fin de la era metafísica. Para Hei-
degger (1959) la historia de la metafísica fue la historia del
nihilismo, el olvido del ser, éste se sustrajo en su verdad y
quedó sólo el mundo como imagen. La técnica se ha ba-
sado en la manipulación del ente de parte de un sujeto, al
final el objeto se ha desvanecido y quedado como imagen
manipulable por el sujeto.
Danto (1999) también relacionó el fin de los relatos del
modernismo en la pintura y cuestionó el empleo del tér-
mino posmoderno por identificar sólo a un sector del arte
contemporáneo, posmoderno podría designar únicamen-
te a ciertos estilos reconocibles.
Por ello es que prefiero llamarlo simplemente arte
posthistórico. Cualquier cosa que se hubiera hecho
antes, se podría hacer ahora y ser un ejemplo de arte
posthistórico (Danto, 1999, p.34).
Entre las contribuciones artísticas relevantes que Dan-
to ha destacado del arte contemporáneo a partir de los
años sesenta y setenta han sido el relativismo, lo multicul-
tural y la imagen apropiada de un período o estilo anterior
para otorgarle una nueva significación, ya que no se pue-
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Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013
de vivir el sistema de significados de la obra concebida
en su forma de vida original. Ahora, ningún arte es más
verdadero que otro, es decir no hay nada prefijado.
Muchas de las características que se mencionaron
anteriormente sobre el arte contemporáneo se ven re-
flejadas en el pop art.[4] Una de las bases del pop fue
la apropiación de los objetos más comunes de la cultura
urbana, existió una asociación a la cultura de masas y de
reproducción técnica que se dio en el siglo pasado con la
incorporación de los medios de comunicación y la tecno-
logía. Marchán (1997) comentó que esta nueva experien-
cia tecnológica y de propaganda de los objetos culturales
y de consumo fue apropiada por los artistas a partir de
mediados de los años cincuenta y sesenta.
El arte pop, en especial Andy Warhol con su Brillo box
(1964), dio un giro al problema filosófico del arte que ne-
cesitó explicar el porqué son obras de arte y cuál es la
diferencia entre éstas y el objeto real. Danto (1999) advirtió
el fin del arte con el pop, ahora la obra no debe ser de una
manera en especial sino que todos los estilos tienen igual
mérito, asunto contrario a los manifiestos vanguardistas.
El arte no es estructurado por ningún relato legitimador.
Paralelamente, los ready mades eran imposibles de
describir en términos estéticos, Duchamp demostró que
estos objetos –La fontaine y Portabotellas– sí eran arte
pero no bellos, la belleza no podía formar parte de nin-
gún atributo definitorio del arte. Danto (1999) señala que
gracias al principio de que cualquier cosa puede ser arte,
se pudo pensar en el arte filosóficamente. Ahora sólo es
cuestión de identificar el sentido y el modo de represen-
tación en las obras. En general, los años sesenta fueron
semillero de propuestas como el minimalismo, que logra
desprenderse de toda la carga decorativa; el happening
que es efímero, valoriza la acción y el evento; además de
las instalaciones y el fotorrealismo; éste último apoyado
en la técnica fotográfica. Finalmente se dio el arte concep-
[4] La expresión inglesa popular art fue propuesta por Leslie Fieldrer y Reyner Banham en 1955.
Imaginario Visual Investigación • Arte • Cultura
tual, demostrando que no necesariamente debe haber un
objeto concreto como centro de la obra o del discurso. Por
tanto, la tesis del arte contemporáneo en Danto fue que los
artistas fueron libres para hacer arte en cualquier sentido y
propósito que desearan, liberándose de la carga histórica.
En resumen, el posmodernismo se ha caracterizado
por el optimismo tecnológico, el entusiasmo por los me-
dios de comunicación, la revalidación de la cultura popular
y, sobre todo, por la autoafirmación de las culturas minori-
tarias. Éste se apropió del modernismo, sus estrategias y
técnicas estéticas, por lo cual no lo dejó al olvido. Lo que
sí quedó obsoleto fueron las codificaciones del discurso
crítico del modernismo que se basaban en la visión teoló-
gica de progreso. Entre los aspectos que han sobresalido
de la cultura posmoderna se pueden señalar el movimien-
to feminista, que ha aportado cambios importantes a la
estructura social; la cuestión ecológica, como crítica de
la modernización; y también la conciencia de que existen
otras culturas, que no son europeas ni occidentales y que
deben ser conocidas, no a distancia sino cambiando la
manera intelectual de trabajar, de universalista a local.
Panorama general de la historia
del arte en México
A finales del siglo XIX y XX las principales manifesta-
ciones artísticas en México fueron la pintura religiosa, los
grabados, la litografía y el paisaje. Después vino un acade-
micismo agotado, los artistas buscaron nuevas formas de
aprender el arte. Como ejemplo, en 1913, el pintor Alfredo
Ramos Martínez, director de la escuela Nacional de Bellas
Artes estableció la escuela de pintura al aire libre. Otro he-
cho importante en la pintura mexicana fue la desaparición
de Saturnino Herrán (1887-1918) ya que marcó el fin de un
período de transición, su obra fue precursora de la pintura
contemporánea mexicana, así lo refirió Fernández (1937).
Posteriormente en la época de las vanguardias se da
la pintura mural en México, muchos artistas tuvieron la
62

oportunidad de viajar o estudiar en el extranjero y conocer
las propuestas que había en otros países; incluso López
(2005) indicó que algunos murales tienen influencia cu-
bista. El proceso de búsqueda de la identidad nacional se
representó a través de elementos de la cultura indígena y
revolucionaria del país. El muralismo se concentró en di-
fundir esta identidad pintando sobre los muros de edificios
públicos e insertó el espíritu de estas obras en la vida coti-
diana. El muralismo ha sido rico en tema y forma, además
su monumentalidad resulta impactante.
Diego Rivera, José Clemente Orozco, David Alfaro Si-
queiros, Juan O’Gorman y Enrique González Camarena,
han sido algunos de los más destacados muralistas que
han influenciado a otros artistas extranjeros. Por ejemplo,
Danto (1999) mencionó que Pollock trabajó, en cierto pe-
ríodo de su carrera, bajo la influencia del arte mexicano
especialmente de José Clemente Orozco. En desacuerdo
con el muralismo, la escuela de pintura mexicana poco a
poco asumió las nuevas influencias de las vanguardias en
cuanto a la idea de libertad temática e ideológica y algunos
no estaban de acuerdo en trabajar para el Estado. Entre
ellos estaban Rufino Tamayo y Carlos Mérida.
López (2005) destacó en la figura humana que pintaba
Tamayo una semejanza con el hombre que pintaba Klee o
Dubufett; eran abstracciones universales que no resalta-
ban ninguna raza en especial. Este autor también señala
que, después de la Segunda Guerra Mundial, entre las dé-
cadas de los años cuarenta y cincuenta todo fue cuestio-
nado y se dio una pérdida de fe en el progreso. Rodríguez
(1964) relató que durante los años 1952 y 1953 se cons-
truyó en México un Museo Experimental, El Eco, donde se
reunieron todas las artes, era el primero de esa clase de
experimentos en el país.
El escultor, pintor y arquitecto Mathias Goeritz fue
quien realizó la idea de este museo, la cual fue definida
en un manifiesto sobre Arquitectura emocional, basado
La esencia del ensamblado en los movimientos artísticos
del Futurismo y Dada que usaban la ciudad como tema con los objetos
y materiales en desuso, también se vio en los collages
del artista mexicano Álvar Carrillo Gil
63
Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013
en la integración de todas las artes bajo un mismo techo.
Goeritz, en colaboración con el arquitecto Luis Barragán,
realizó las Torres de Ciudad Satélite en las afueras de la
ciudad de México, que formaron parte de esta misma vi-
sión emocional, concepto que viene de la escuela de la
Bauhaus y del grupo De Stijl.
La era de los manifiestos también se vivió en México y
un ejemplo de ello fue el movimiento mexicano Los Hartos
iniciado por Goeritz, cuyos conceptos intentaron señalar
el fin de la desesperada situación del artista y su voluntad
por encontrar una base ética. Entre los hartistas que se
sumaron a este movimiento están: José Luis Cuevas, Pe-
dro Friedeberg y Jesús Reyes Ferreira. Algunas ideas del
manifiesto de 1961 eran:
Estamos hartos de la pretenciosa imposición de la ló-
gica y de la razón, del funcionalismo, del cálculo de-
corativo y, desde luego, de toda la pornografía caótica
del individualismo, de la gloria del día, de la moda del
momento, de la vanidad y de la ambición, del bluff y
de la broma artística, del consciente y subconsciente
egocentrismo, de los conceptos fatuos, de la aburri-
dísima propaganda de los ismos y de los istas, figura-
tivos o abstractos (...) Reconocemos, cada vez más,
la importancia del servicio, o sea, de cualquier acto
abnegado basado en una ética natural, fuera de toda
lógica, el cultivo de una hortaliza, el cumplimiento de
un deber profesional o la educación de un niño (Rodrí-
guez, 1964, pp. 176, 177).
La esencia del ensamblado en los movimientos artís-
ticos del Futurismo y Dada que usaban la ciudad como
tema con los objetos y materiales en desuso, también se
vio en los collages del artista mexicano Álvar Carrillo Gil,
sus obras eran compuestas por materiales encontrados
en el mar de Yucatán, como las composiciones caóticas
de Robert Rauschenberg o Bruce Conner, resultado de la
existencia caótica en la que se vivía. Al mismo tiempo Ca-
Investigación • Arte • Cultura Imaginario Visual
Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
Año 2 No. 4 Noviembre 2012 - Abril 2013
rrillo Gil adquirió obras pictóricas de maestros mexicanos
que ahora forman una de las colecciones más grandes del
país y que ha nutrido a exposiciones internacionales del
Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).
En general, en los años sesenta se vivió en México el
período de la Ruptura. Surgió la necesidad de los artistas
de abrirse a nuevas tendencias internacionales que ter-
minaron por imponerse en la pintura mexicana. Los artis-
tas exploraron las tendencias de abstracción geométrica,
pintura fantástica, libre figuración de tipo expresionista,
introspección, pintura social, etcétera. Entre los precurso-
res de la Ruptura estaban Pedro Coronel y Gunther Gerzo
–arte abstracto–. Desde los años sesenta, hasta la actua-
lidad, la principal característica de la producción artística
en México ha sido la multiplicidad de opciones y la pos-
tura individualista. A pesar del individualismo, en algunos
casos los artistas no dejaban de tender a lo mexicano,
como Frida Kahlo o María Izquierdo, quienes mezclaban
elementos de la vida popular con su mundo interior.
Para que se diera este rompimiento con la pintura tra-
dicional influyó la llegada de extranjeros europeos al país,
por la Guerra Civil Española u otros acontecimientos, pero
sobre todo por el interés que les despertaba el país y que
servía para que se quedaran temporal o definitivamente.
Entre algunos artistas que así lo hicieron fueron: Leonora
Carrington, Remedios Varo y Wolfgang Paalen.
Otra causa de rompimiento con la tradición pictóri-
ca a principios de los años cincuenta, fue la apertura de
galerías representadas por el gusto de las nuevas clases
medias, su presencia fue decisiva como hacedora de en-
cargos, aparte del aparato oficial. Y finalmente la reacción
que tuvieron los artistas de la nueva pintura mexicana ante
los hechos del movimiento estudiantil de 1968. El posmo-
dernismo apareció en México a mediados de los años
ochenta como una variante de la modernidad, así lo refirió
Debroise (1987) en especial el pop y el arte conceptual.
[5]“Setratamásbiendeunaampliamodificacióndelcaráctermismodelaproducciónartística”,Debroise(1987,p.6).
Imaginario Visual Investigación • Arte • Cultura
La crisis económica de esta década repercutió en varios
aspectos como el de la ruptura de diferentes canales que
alimentaban a los artistas: difusión en el extranjero, pérdi-
da de confianza en la modernidad y en las revoluciones de
izquierda, pérdida de credibilidad en las instituciones –en
especial desde los sismos de 1985–; reducida movilidad
social –reducciones presupuestales–, la competencia en
cuanto a la producción de obras de calidad y, como con-
secuencia a todo lo anterior, una nostalgia hacia el pasado.
Aunque en México ha existido influencia del posmo-
dernismo norteamericano, Debroise (1987) advirtió funda-
mentos substancialmente distintos ya que en México no
se dio un movimiento que se fundamentara en ideas pre-
concebidas.[5] No surgió como un movimiento organizado
sino de convergencia espontánea de intereses. La obra de
arte tendió a ser profunda, casi íntima y en unos casos
paródica, se dio una crisis de valores que repercutió en la
necesidad de revalorar lo propio como método de identifi-
cación. Por ejemplo Carla Rippey y Esteban Azamar bus-
caron en las fotografías de álbumes de familia, en el pasa-
do inmediato, elementos que les brindaron una identidad
inaprensible. Artistas como Julio Galán, Nahum B. Zenil y
Enrique Guzmán en algún momento se identificaron con
la iconografía de los santos. También era típico el arte de
parodia que borraba las fronteras de la alta cultura y cul-
tura cotidiana, se alimentaba de la iconografía más banal,
de la fotografía de los calendarios, imágenes de prensa,
cromos, etcétera. Además remitió a lugares comunes y a
las imágenes de artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera.
Debroise (1987) la llamó una nueva estética mexicana de
los años ochenta. Huyssen (1988) aclaró que, de no ser
por la nueva visión aportada por la crítica feminista a nivel
global en la posmodernidad, artistas como Frida Kahlo no
serían conocidas mundialmente.
Panorama general del arte en Nuevo León
Este apartado brinda una visión general del desarrollo
de las artes plásticas a partir de la década de los años
64

setenta hasta la primera década del siglo XXI en el Estado
de Nuevo León, tratando de mencionar los sucesos más
significativos que han marcado la historia de las artes en
el Estado y que sirve para el acercamiento del contexto
artístico contemporáneo. Para dicha tarea se recurrió a va-
rias investigaciones, en especial al libro de Artes Plásticas
en Nuevo León, 100 años de historia siglo XX (Moyssén,
2000), que es un documento de gran valor en muchas in-
vestigaciones.
En la década de los años setenta se comenzaron a in-
troducir en la Escuela de Artes Plásticas de la UANL las
corrientes abstractas y ciertas experimentaciones que die-
ron como resultado otro tipo de obras. Años más tarde, en
1977, la Universidad de Bellas Artes de la Universidad de
Montemorelos, ofreció cursos de pintura, dibujo y escultu-
ra. Sumado a esto se dio la transformación del artista que
se volvió multifacético y competitivo en ambientes interna-
cionales, además el trabajo de los diseñadores gráficos e
ilustradores iba en aumento.
En esta década comenzó el desarrollo cultural, de pro-
ducción y difusión del arte en Monterrey gracias a la difu-
sión de la prensa, la apertura de galerías, centros cultura-
les, museos, etcétera. La escuela Arte, A.C., la galería del
Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la galería Rojo,
Miró –hoy Arte Actual Mexicano–, la Cosmos, Arte y Libros
y los pasillos del Colegio Civil, fueron de las primeras ins-
tituciones en difundir las artes plásticas en Monterrey. Los
museos se preocuparon por traer y mostrar arte de primer
nivel, convirtiéndose así en los centros de la vida intelec-
tual y cultural de la ciudad.
Entre los eventos más destacados que permitieron
conocer las inquietudes de los artistas locales estaba el
organizado por los Artistas Plásticos Regiomontanos Aso-
ciados (APRA), fue en 1972 cuando se dio la primera con-
frontación colectiva en donde se expuso pintura, dibujo y
escultura, teniendo como público una sociedad nueva que
no se conformaba con un arte solamente decorativo. Por
otro lado, hubo interés de los artistas locales en estudiar
en la ciudad de México o fuera del país en busca de nue-
vos modelos de trabajo y además pensaban que la única
manera de tener éxito en Monterrey era triunfando fuera.
Más aún, en ese tiempo la ciudad de Monterrey empezó a
importar muchas ideas progresistas y desinhibidas de los
Estados Unidos que contribuyeron en gran manera a los
cambios de visión.
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Modernidad y posmodernidad en la historia del arte
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En las décadas de los setenta y ochenta se dieron
varios cambios trascendentes, entre ellos se abrieron
espacios dentro de los museos privados al arte contem-
poráneo, como el Salón de Arte Vitro, y se brindó apo-
yo importante a los artistas locales. Al mismo tiempo los
artistas buscaron legitimación de sus obras mediante la
opinión de críticos locales y nacionales que llegaron a la
ciudad para valorar las obras en concursos y exhibicio-
nes, se podría mencionar por ejemplo a Raquel Tibol, Te-
resa del Conde, Juan Acha y Jorge Bribiesca. Se empezó
a dar un crecimiento en eventos culturales por la apertura
de nuevos espacios que estimulaban el quehacer artístico
y la sensibilización del nuevo público.
Uno de los hechos más significativos de este tiempo
y que ha contribuido al proceso de enseñanza y difusión
artística en Monterrey, ha sido la transformación de la Es-
cuela de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de
Nuevo León. A partir de 1982 y con un nuevo Plan de Es-
tudios de la Licenciatura, la escuela se convirtió en la Fa-
cultad de Artes Visuales –FAV–. A lo largo de este tiempo
han egresado de la FAV destacados artistas de la locali-
dad, entre ellos, Javier Mendiola, Benjamín Sierra, Pilar de
la Fuente, Marcela Quiroga, Georgina Arizpe, Daniel Lara,
Adrián Procel, Mayra Silva, Jesica López, Adriana Váz-
quez y Samuel Cepeda, entre otros que han destacado en
el ámbito de las artes. La facultad ha crecido mostrando
interés en la diversificación tecnológica, la reflexión teóri-
ca, la formación crítica e investigación.
En esta época existió el interés de los artistas por
probar nuevos materiales o técnicas en sus trabajos, es
así como se pasó gradualmente del arte académico al
conceptual. Una muestra de esto se vivió en 1984 en el
Octavo Resumen de la Plástica Nuevoleonesa, en el cual
participaron más de cien artistas. Moyssén (2000) en su
compilación citó la opinión de J. O’Keeffe en el catálogo
de dicha exposición, donde mencionó que en este Resu-
men de la Plástica se encontró una diversidad de trabajos,
desde lo figurativo, lo conceptual, matérico, abstracto,
óptico, geométrico hasta lo imaginativo.
J. O’Keeffe, percibió un afán de búsqueda por parte
de los artistas de presentar otras alternativas y, lo más
importante, la inquietud por encontrar la técnica, medio y
motivo adecuado para lograr expresar lo que se deseaba.
La experimentación y movimiento constante en las artes
plásticas impidió que prevaleciera una corriente o estilo
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en especial. Ya para mediados de esta década la produc-

ción plástica innovadora y experimental tomó en cuenta
materiales perecederos y técnicas poco convencionales
en sus producciones. Esto se entendía como arte alter-
nativo por romper con las formas tradicionales de repre-
sentación, se volvió más flexible, añadiéndose así el arte
a la vida cotidiana como parte del desarrollo industrial y
económico de la ciudad.

A partir de los años noventa se abrieron otros espacios

culturales, la Pinacoteca de Nuevo León abrió sus puertas
en 1990 y el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO), en
1991. Este año fue muy importante para la ciudad ya que
también se inauguró el Museo del Vidrio y la Universidad
de Monterrey abrió su Licenciatura en Artes. En 1994, se
creó el Museo de Historia Mexicana y al año siguiente el
Museo de Historia de Nuevo León –antiguo palacio muni-
cipal– pasó a ser el Museo de Historia Metropolitana. Se
fundaron algunas galerías como: Drexel, creada en 1992,
Emma Molina en 1997 y Alternativa Once en 1999. Es im-
portante destacar que en 1998 se puso en marcha el pro-
yecto de Maestría en Artes en la UANL.

En cuanto a concursos, además del Encuentro Nacio-

nal de Arte Joven que convoca el INBA, se encuentra la
Bienal Regional de la Plástica Joven, creada en 1994 y or-
ganizada por el Consejo para la Cultura y las Artes de Nue-
vo León (CONARTE), donde se ofrece el premio de adqui-
sición y con ello se ha ido formando una colección de arte
contemporáneo en el Estado. Las exposiciones se llevan a
cabo actualmente en la Casa de la Cultura –Reseña de la
Plástica Nuevoleonesa–. En el mismo año también se creó
el programa Financiarte que apoya cada año la creación
artística a través de proyectos y becas. En general, entre
concursos y bienales suman más de veinticinco.

Franco (2005) menciona en su artículo que a nivel mun-

dial un ejemplo de proyección para los artistas en la ac-
tualidad es la Feria Internacional de Arte Contemporáneo
(ARCO) en Madrid, que en el 2005 tuvo de país invitado
a México, en esta feria participaron varias galerías como
Emma Molina, Arte Actual Mexicano, Ramis Barquet y Al-
ternativa Once, obviamente incluyeron obras de artistas
locales, entre ellos: Martha Pacheco, Pilar de la Fuente,
Daniel Lara, Adrián Procel, Damián Ontiveros, Mayra Silva,
Rubén Gutiérrez, entre otros. Otros espacios que fueron
abiertos en este siglo XXI son el Centro de las Artes en
el 2002, donde se encuentra la Pinacoteca y la Cineteca.

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Con instalaciones, pinturas, fotografías y objetos tridimen-

sionales se inauguró la primera Bienal de la Asociación de
la Plástica de Garza García en la Casa de la Cultura Nuevo
León. En el 2007 abre sus puertas el Museo del Nores-
te (MUNE) que es una extensión del Museo de Historia
Mexicana donde se comparte la cultura de Nuevo León,
Coahuila, Tamaulipas y Texas. Sumado a esto vinieron una
serie de acontecimientos culturales significativos para el
Estado, sobre todo por motivo del Fórum Universal de las Las influencias artísticas
Culturas Monterrey 2007. Se exhibieron casi tres mil 600
piezas procedentes de 27 museos nacionales y 36 inter- y el impacto del contexto
nacionales.

En conclusión, los avances en materia de cultura ar-

e ideologías es un fenómeno
tística contribuyen a sensibilizar al público para acercarse
a las producciones locales con otra visión. La investiga- común que se puede
dora de la ciudad de México, Sylvia Navarrete, citada por
Moyssén (2000), indicó que la escena nuevoleonesa vive encontrar en una producción
un gran dinamismo, identificado con las tendencias con-
temporáneas que se derivan de la plástica internacional
de hace veinte o treinta años. Asimismo advirtió una pre- visual y lo podemos
ferencia por el hiperrealismo –como el lenguaje de moda
entre los jóvenes– el arte conceptual, pop, el cómic y el comprender mejor a la luz
video, como una influencia de la cultura urbana. Además
observó que esta tendencia continúa, la mayoría de los
artistas actuales mantienen una preocupación por integrar
de estas palabras
sus trabajos dentro de la estética actual, irónica, multifacé-
tica y conceptual. Por tanto, se despierta cada vez más el de Gombrich:
interés por conocer e investigar las propuestas artísticas y
los nuevos lenguajes que surgen de los ambientes urbanos “Pues ese extraño recinto
del Estado de Nuevo León.

Finalmente podemos decir que esta breve explicación que llamamos arte
de las teorías modernas y posmodernas que han influido
en la historia del arte en general, en México y en Nuevo es como una sala de espejos
León, nos ayudan a ubicar el contexto artístico en el que
se desarrolla la producción visual. También pretende ser-
vir como base en las interpretaciones estéticas actuales,
o una galería de ecos”
pues considero que las corrientes artísticas de alguna ma-
nera siguen estando presentes en el arte contemporáneo.

Las influencias artísticas y el impacto del contexto e

ideologías es un fenómeno común que se puede encontrar
en una producción visual y lo podemos comprender mejor
a la luz de estas palabras de Gombrich: “Pues ese extraño
recinto que llamamos ‘arte’ es como una sala de espejos o
una galería de ecos” (1968, p.11).

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Adriana Garza
Padilla
Es Licenciada en Artes Visuales y egresada de la Maestría
en Artes de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad
Autónoma de Nuevo León. Cursó la Maestría en Artes
con especialidad en Educación. Desde 1996 se ha desarrollado
en el campo de las Artes Gráficas como especialista
en diseño gráfico, pre-prensa e impresión. Trabajó
en la División Comercial de Editora El Sol (Grupo Reforma).
Su gusto por el arte la ha llevado a tomar diferentes cursos
y diplomados con maestros como Eduardo Ramírez, Rocío
Castelo y el Dr. Carlos Jiménez. Ha colaborado con textos,
presentaciones y diseño de catálogo con artistas como
Armando Fausti, Guillermo Osorio, Luz Ríos, Anamaría Galindo
y la Expo-Venta 50 artistas, UN Impulso de Andares A.B.P.
en sus tres ediciones. Desde el año 2000 a la fecha brinda
servicios de diseño gráfico de manera independiente.

Recibido: Enero 2013

Aceptado: Abril 2013

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