Capitulo I

Autor:Oswaldo Carrion
Titulo: Lo mejor del siglo XX: Musica Ecuatoriana. Ciudad, Pais:Ecuador
Año: 2017

RESUMEN CONTENIDO:
Biografia de creadores, historia de las canciones, letra canciones, instrumentos partituras, ritmos.

-Autor:Ketty Wong
Titulo:La musica nacional: Identidad, mestizaje y migración del Ecuador.
Año: 2010
Resumen de contenido
Relata el camino que ha tomado la música ecuatoriana en el siglo XX y a comienzos del siglo XXI,
los procesos en los cuales se fue desarrollando para las personas la música ecuatoriana y como
ciertas modas influenciaron en la música de Ecuador

Autor:Pablo Guerrero Gutierrez

Titulo: Enciclopedia de la musica Ecuatoriana. Ciudad, Pais:Ecuador
Año:

RESUMEN CONTENIDO:
Historia, biografia, significados compositores, musicólogos, instrumentos musicales, teatros,
agrupaciones etc.

Autor:
Titulo: Composiciones musicales en manuscritos originales de Alfonso Aráuz e interpretaciones
editadas:

estudio comparativo para una definición de las manifestaciones rítmicas de la “mishquilla”
Ciudad, Pais: Ecuador
Año:

RESUMEN CONTENIDO:
La musiquilla, teoria sobre la escala ecuatoriana.

Autor:Mario Godoy Aguirre

Titulo: Historia de la música del Ecuador. Ciudad, Pais:Ecuador
Año: 2012
Resumen de contenido
Autores y compositores ecuatorianos, historia del Ecuador, music y fiestas ecuatorianas, generis de
la música del Ecuador.
Autor:Juan Pablo González R.
Titulo:Musicología popular en América Latina

Ciudad, Pais:Chile
Año:2001

La musica popular en america latina, aborda la musica popular urbana como una musica
mediatizada masiva y modernizante. Mediatizada en las relaciones musica/publico, a través de la
industria y tecnología la cual la hace mas mediatica y de fácil acceso. es masiva porque llega a
millones de personas en forma simultánea, globalizando sensibilidades locales y creando alianzas
suprasociales y supranacionales. es moderna por su relación simbiótica con la industria cultural, la
tecnología y las comunicaciones.

El campo de la musica popular esta continuamente definido por diferentes practicas de

representación que lo habitan, lo administran y lo usan. de este modo intereses comerciales,
políticos y académicos de disputan un campo de permanente movilidad.
En la musica popular de ahora se da la vulgarización, simplificación y estandarización producida
por la media, pero esto a ayudado a la aparición de nuevos géneros si no que también a la
construcción de nuevas identidades y ampliando la transmisión de la tradición.
La musicologia popular es aquella que estudia una música masiva, mediatizada y modernizaste en
base a un enfoque interdisciplinario, unitario e interpretativo. La música popular mediatizada
produce una confluencia de intereses disciplinarios mayor que ninguna otra.

Autor: Coriún Aharonián

Titulo:Carlos Vega y la teoría de la música popular. Un enfoque latinoamericano en un ensayo
pionero.

Ciudad, Pais:
Año:

La mesomusica según Vega, es el conjunto de creaciones funcionalmente consagradas al

esparcimiento, a la danza de salón, a los espectáculos, a las ceremonias, actos, clases, juegos, etc.
adoptadas o aceptadas por los oyentes de las naciones culturalmente modernas.
Tambien Vega dice que la mesomusica convive con los espíritus de os grupos urbanos al lado de la
música culta y participa en la vida de los grupos rurales al lado de la música folclórica.
En este articulo habla sobre las diferencias de criterio que existe entre Vega y Ayestaran.
Ayestaran es mas cuidadoso en dar definiciones sobre mesomusica y musica culta ya que para el se
sobreentiende que la música culta, es el estrato superior de la música, superior en terminologia
sociologica, no en términos de mejor que todas. Ayestaran aborda un termino de folclore mas
aceptado para la mayoría de musicólogos para él, folclore es la ciencia que estudia las
supervivencias culturales, espirituales y materiales de patrimonios desintegrados que conviven con
los patrimonios existentes o vigentes. Para Ayestaran la nota básica del folclore es el hecho de la
supervivencia.
Vega en su ensayo da un buen punto de partida para un estudio sistemático de la mesomusica. Ha
organizado sus capítulos en caracterización, historia y conclusiones.
Capitulo II

AUTOR: GIOIA, Ted

TITULO:Historia del Jazz
Año de publicación: 1997(english version)
Ciudad: España
Editorial:Turner publicaciones.
El jazz es un genero musical híbrido que nació por mediados del siglo XLX en Estados Unidos.
Comienza en zonas del sur de estados unidos en con personas esclavas, en Nueva Orleáns, los
esclavos tenían la libertad para reunirse cantar y bailar pero no solo ellos aportaron al desarrollo del
Jazz también el minstrel aporto con sus elementos los cuales se basaban en cantos de las
plantaciones, el minstrel era una pequeña opereta en las cuales blancos se pintaban de negros y
negros de blancos y cantaban e imitaban la vida de los esclavos negros y sus canciones.

Cuando los esclavos fueron declarados libres por 1865, se dio lugar a la aparición de un nuevos
estilos como es el Ragtime, los cuales fueron los antecedentes del jazz.

El dixieland que era interpretado por agrupaciones con instrumentos como la tuba, la corneta y el
saxofón más la batería, el bajo, el clarinete y el trombón que se encargaban de la base rítmica; y
más tarde el ragtime, cuyo máximo exponente fue Scott Joplin. Este último género se basaba en una
mezcla particular de acentos y síncopas, siendo habitualmente interpretado por un pianista.

Las bandas se volvieron poco a poco populares En Saint Louis la banda acompañaba en los
funerales mientras que la gente bailaba tras ellos su popularidad fue creciendo y las bandas eran
contratadas para tocar su música en burdeles, estas bandas emigración a Chicago y New York donde
tocaban en clubes en su mayoría pertenecientes a las mafias, el jazz de esta década se caracteriza
por la pulsación rítmica en los tiempos débiles, se desplazan los acentos rítmicos hacia el segundo y
cuarto tiempo, sobre todo en la batería.

Y así poco a poco el jazz se fue expandiendo aparecen grandes solistas los cuales improvisan de
acuerdo a la armonía de cada canción, el Swing, las Big Bands populares en estas épocas, el jazz se
había blanqueado es decir lo interpretaban la gente blanca que se interpretaba en los grandes y
pequeños salones.

Tras la era del swing, el jazz era conocido y apreciado en todo el mundo, reconocido incluso por
compositores clásicos de la talla de Stravinsky. Sin embargo, el término swing gozaba de mala
reputación entre los músicos: se consideraba que sólo los profesionales de menor talento se
dedicaban a este tipo de música comercial, de modo que los músicos más serios como Duke
Ellington se estaban alejando del estilo. El declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo
tipo de música radicalmente diferente, cuyos únicos rasgos en común consistían en una
instrumentación similar y en el interés por la improvisación, el Be Bop. El nacimiento del estilo
tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious Monk y Kenny
Clarke se reunieron en el Minton’s Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos.

Autor: Freddy Russo(Musicologo Ecuatoriano) Editorial:El telégrafo.

Titulo:Un siglo de Jazz II Ciudad: Quito
Año:30 diciembre de 2013
El jazz en Ecuador llego por la década de los años veinte, al ser un estilo nuevo tuvo pocos
seguidores pero a pesar de eso hasta la fecha tiene gran acogida.
La primera banda de jazz en Ecuador se dio en Guayaquil en la Sociedad Filarmónica del Guayas,
llamada Jazz Band la cual fue dirigida por Nicolás Mestanza(1893-1942) y sus integrantes fueron
Fermín Silva de la Torre(Primo del poeta Medardo Angel Silva), Pepín Avilés, Humberto Cueva,
León Benigno Palacios, Nicasio Safadi, y el trombonista afroecuatoriano Sandiford. Su repertorio
se componía del jazz de New Orleands.

Años más tarde en 1930, viaja a Nueva York uno de los integrantes de la Jazz Band, Nicasio Safadi,
integrando el Dúo Ecuador con Enrique Ibáñez, acompañados del empresario J. D. Feraud Guzmán
a realizar la primera grabación de pasillos ecuatorianos. Nicasio Safadi un músico importante para
conocer el desarrollo de la música ecuatoriana trae consigo discos de jazz, partituras, métodos e
instrumentos musicales. Al tener contacto con otro ambiente musical como es el jazz y sus
orquestas de swing se dio cuenta del negocio que representaba la musica y trajo consigo métodos
musicales, instrumentos, partituras, etc, los cuales vendía en sus almacenes de música llamados J.D.
Feraud Guzmán. después de unos años la jazz Band se presenta en el bar Wonder del teatro Bolivar,
su presentación todo un éxito despertó aun mas la curiosidad por el jazz, una de las personas
influenciadas fue Humberto Jácome Maldonado quien formo su propia agrupación, que inspiró a su
vez a Luis Aníbal Granja, Rafael Ramos Albuja y otros. Pocos años después aparecen Cabo Frío del
pianista Raymond Robir y la agrupación más importante de jazz de los años sesenta y setenta: los
hermanos Salgado. Cuando la Jazz Band volvió a Guayaquil se encontró con la sorpresa de que
Felipe Cueva Johnes, un músico muy conocedor del jazz, había entrado en la competencia,
formando la agrupación Tropical Boys junto al baterista Gustavo Tola Carbo, los hermanos
González y Leonidas Carrasco. Esta agrupación afirma el investigador Fabián Corral B fue
considerada como de jazz moderno, es decir dominaban los estilos de la época como el Be-bop.
figuras representativas como el saxofonista Luis Silva Parra (hijo del violinista Fermín Silva de La
Torre), el guitarrista Roberto Vieira y los hermanos Bolaños sobresalieron en este genero y se
convirtieron en figuras del jazz ecuatoriano.

Ecuador ha dado un gran paso en el desarrollo del jazz en la primera década del siglo XXI. En la
actualidad hay varios centros de educación donde se puede estudiar este género tan versátil: en el
Instituto de Música de la Universidad San Francisco de Quito; en la Facultad de Artes de la
Universidad de Cuenca y en la Universidad Santiago de Guayaquil, existen materias teóricas y
prácticas para la formación de músicos de jazz. También en las principales ciudades del país existen
sitios donde el público puede asistir y escuchar en vivo a diversas agrupaciones: El Pobre Diablo y
La Liebre, en Quito. En Guayaquil está Diva Nicotina en el cerro Santa Ana y en la capital azuaya,
Néctar, Tertulia y el Cuenca Jazz Café. Entre los grupos más destacados del país tenemos: en Quito
están Pies en la Tierra, el grupo Sustancia Oxidada, Andrés Noboa y la Orquesta Interbarrial, Jazz
The Roots y Ensamble de Jazz UDLA. En Guayaquil: Jazzero, dirigida por Roberto Bolaños Jr.,
Vam Jazz Quartet, liderada por Jenny Villafuerte, Jazz Fusión de Carlos Prado y su Banda de Latin
Jazz y Guayabera Band. En Cuenca: Trío Abad Jazz, Mainstream Jazz, de Miguel Jiménez y Ebano.
Para finalizar, quiero señalar que el jazz del siglo XXI exige a los músicos mucho trabajo,
abundante práctica y sobre todo estar abiertos a experiencias que ayuden a crecer como artistas y
como músicos -y digo esto último- porque vivimos en un mundo con exceso de información pero
con poca pasión. El jazzman necesita apasionarse en lo que hace, necesita conocer y practicar
cientos de temas que forman parte del repertorio básico de la historia del jazz. En otras palabras, el
jazzman del siglo XXI tiene que ser una suerte de demiurgo que domina el conocimiento y la
improvisación hasta hacer de su arte, una especie de magia musical contemporánea.

Autor:Lluis Verges Editorial: Editorial de la Musica Boileau

Titulo: El lenguaje de la armonía de los inicios a la actualidad. Ciudad, Pais: Barcelona, España.
Año:1979
La armonia del Jazz:
La escala blues suele ser la primera escala, después de la escala mayor, que se enseña a
principiantes en la improvisación, y en algunos casos es la única que aprenden. Esta escala tiene
supuestamente su origen en la música afroamericana de los tiempos de la esclavitud, pero el origen
exacto de su aparición moderna se desconoce. La escala blues en C consta de "C, Eb, F, F#, G, Bb".
El segundo grado de esta escala, que es la tercera disminuida de la escala menor, es lo que se llama
una nota blue. En la música vocal es un sonido entre un Eb y un E. En la música instrumental se
emplean distintas técnicas para conseguir el mismo efecto, como, por ejemplo, hacer un
estiramiento de la cuerda mientras se toca un Eb en un instrumento de cuerda, hacer un lipping
down12 en E en un instrumento de viento o pulsando simultáneamente el Eb y el E en un
instrumento de teclado. También se suelen llamar notas blue a una quinta o séptima disminuidas y
no siempre se cantan o se tocan en el tono exacto en que está escrito. También pueden usarse
variaciones de la escala blues tocando la tercera, quinta o séptima naturales. Además, si se omite la
quinta disminuida, la escala resultante es la pentatónica menor. La escala pentatónica menor, por lo
tanto, puede ser usada como sustituta de la escala blues y viceversa.
La escala bebop mayor es una escala mayor a la que se añade una quinta aumentada o una sexta
disminuida. La escala bebop mayor en C es "C, D, E, F, G, G#, A, B". Se puede usar esta escala
sobre acordes de séptima mayor o aumentados de séptima mayor. La escala bebop mayor en C
también puede utilizársela como un puente entre acordes en una progresión como | Cmaj7 | Bm7b5
E7 | Am |; es decir, se puede tocar la misma escala 60 sobre una progresión entera. Otra forma de
considerar esto es decir que se está tocando la misma escala bebop mayor en C sobre el acorde de
Cmaj7, el modo octavo sobre el acorde de Bm7b5, el tercer modo sobre el acorde de E7 y el
séptimo modo sobre el acorde de Am. Todos estos modos se parecen mucho a las escalas mayor,
locria, alterada y menor respectivamente. Se ha de tener en cuenta que se usa la escala bebop mayor
en C sobre una progresión ii-V-i en A menor. En términos generales, se puede usar la escala bebop
mayor en un tono determinado sobre una progresión ii-V-i en el modo menor relativo de dicho tono.
Otras escalas bebop son, por un lado, la escala bebop dominante, que es parecida al modo mixolidio
pero con una séptima mayor adicional. Por lo tanto, la escala bebop dominante en C es "C, D, E, F,
G, A, Bb, B". Se puede usar esta escala sobre acordes de séptima dominante. La séptima mayor no
es, en realidad, una nota a evitar si se usa como un tono de paso entre el C y el Bb. También hace la
función de cuarta aumentada en el acorde de Fmaj7 que, posiblemente, es el que siga al acorde de
C7. Existe otra escala bebop menor que es una escala dórica a la que se le ha añadido una tercera
aumentada. La escala bebop menor en C es, por lo tanto, "C, D, Eb, E, F, G, A, Bb". Se puede usar
esta escala sobre acordes de séptima menor y, a menudo, se usa en progresiones blues en tono
menor para darle un mayor sentido de séptima dominante a los acordes.
Autor: Joe Pass and Herb Ellis
Titulo: Partituras para 2 guitarras en estilo jazz.

Ciudad, Pais:
Año:

Capitulo III

Autor: Gardner Read Editorial:Crescendo Taplinger

Titulo:Music Notation A manual of modern Practice. Ciudad, Pais:USA, New York
Año:1979

RESUMEN CONTENIDO:
Brief Story of music notation, The elements of notation, Idiomatic Notation, Manuscript
Techniques, Preparation of score and parts.

Autor: Rodriguez Arenas Editorial:ricordi

Titulo:La escuela de la guitarra Ciudad, Pais:
Año:1979

RESUMEN CONTENIDO:
Técnicas, guitarra, ejercicios, arpegios, cadencias, posiciones.

Autor: Emilio Pujol Editorial: Ricordi Americana

Titulo:Escuela Razonada de la Guitarra.Libro I,II,III. Ciudad, Pais: Buenos Aires,
Argentina
Año:1954

RESUMEN CONTENIDO:
Técnicas de ejecución de la guitarra, tipos de obras, abordaje de la obra, análisis interpretativo de la
obra.
El sanjuan o Sanjuanito.
es un genero de musica ecuatoriana la cual acompaña el baile de los sanjuanes en la festividad del
inti raymi en la provincia de imbabura, este genero contiene una melodía pentafonica en un compas
binario los investigadores lo dividen en sanjuanito indígena y mestizo.
El sanjuanito indigena es generalmente una pieza instrumental que se toca con 2 flautas un tambor,
sus melodías se repinten con pequeñas variaciones los sanjuanes lo bailan en círculos alrededor de
los músicos en la víspera del día de San Juan.
el sanjuanito mestizo esta estructurado en una forma binaria y tiene instrumentación mas elaborada
que incluye guitarra acordeón violin flautas esto depende de el lugar y las personas que lo
interpreten.
El danzante su termino hace referencia a una danza de origen preincaico y a los bailarines de la
fiesta del corpus Christi.
El danzante tiene dos versiones infligen y urbana las cuales difieren mucho.
El danzante indigne se caracteriza por una melodía pentafonica y un patrón rítmico formado por una
nota larga seguidas de una corta que contiene motivos melódicos breves que se repiten con peleas
variaciones.
Su version urbana se caracteriza por su estructura musical binaria con acompañamiento de guitarra
y letra en español.

Autor:Juan Martín Álvarez

Titulo: Introducción al jazz en la guitarra

Ciudad, Pais:
Año:2009
resumen
RECURSOS ARMÓNICOS 1. Funciones tonales13 Al enlazarse unos con otros, los acordes
tienden al movimiento o al reposo, que deriva de la jerarquización existente entre las notas de la
escala. Por ejemplo, el acorde del V grado, ejerce una importante fuerza de transición que obliga a
ubicar otro acorde sucediéndolo; generalmente un acorde de función tónica, como el I grado; el cual
es percibido como punto final armónico y se revela como el único acorde totalmente estático dentro
de la tonalidad. El oído musical, percibe lo transitivo y lo emergente de los enlaces de acordes,
pudiéndose individualizar tres sensaciones armónicas o efectos tonales bien diferenciados, que se
pueden alternar en segmentos de diferente duración. Estas sensaciones, hacen referencia a las
funciones tonales. A continuación, las describimos en relación a los acordes principales:
Entonces, los acordes formados sobre los grados: I, IV y V; cumplen (al relacionarse entre sí) las
funciones tonales de tónica, subdominante y dominante respectivamente. Aquellos acordes
formados sobre los grados II, III, VI y VII; también pueden ser encuadrados en el ámbito de las
funciones tonales de tónica, subdominante y dominante; debido a ello se los puede utilizar para
enriquecer armónicamente una obra, ya sea como acordes agregados a los principales o como
reemplazo de alguno de ellos, ya que poseen dos sonidos en común. • El II grado reemplaza al IV
en función subdominante. • El III grado se lo utiliza para algún tipo de efecto. En principio no
reemplaza a ningún acorde principal ya que su sonoridad es ambigua, dependiendo de su entorno
puede relacionarse con las distintas funciones tonales. • El VI grado reemplaza al I en función
tónica, aunque al final generalmente es necesaria una clara conclusión. • Y el VII grado
teóricamente puede reemplazar al V en función dominante, pero dentro de esta monografía no
utilizaremos este acorde disminuido.

Autor:Juan Pablo González R.

Titulo:Musicología popular en América Latina

Ciudad, Pais:Chile
Año:2001

La musica popular en america latina, aborda la musica popular urbana como una musica
mediatizada masiva y modernizante. Mediatizada en las relaciones musica/publico, a través de la
industria y tecnología la cual la hace mas mediatica y de fácil acceso. es masiva porque llega a
millones de personas en forma simultánea, globalizando sensibilidades locales y creando alianzas
suprasociales y supranacionales. es moderna por su relación simbiótica con la industria cultural, la
tecnología y las comunicaciones.

El campo de la musica popular esta continuamente definido por diferentes practicas de

representación que lo habitan, lo administran y lo usan. de este modo intereses comerciales,
políticos y académicos de disputan un campo de permanente movilidad.
En la musica popular de ahora se da la vulgarización, simplificación y estandarización producida
por la media, pero esto a ayudado a la aparición de nuevos géneros si no que también a la
construcción de nuevas identidades y ampliando la transmisión de la tradición.
La musicologia popular es aquella que estudia una música masiva, mediatizada y modernizaste en
base a un enfoque interdisciplinario, unitario e interpretativo. La música popular mediatizada
produce una confluencia de intereses disciplinarios mayor que ninguna otra.

Autor: Coriún Aharonián

Titulo:Carlos Vega y la teoría de la música popular. Un enfoque latinoamericano en un ensayo
pionero.

Ciudad, Pais:
Año:

La mesomusica según Vega, es el conjunto de creaciones funcionalmente consagradas al

esparcimiento, a la danza de salón, a los espectáculos, a las ceremonias, actos, clases, juegos, etc.
adoptadas o aceptadas por los oyentes de las naciones culturalmente modernas.
Tambien Vega dice que la mesomusica convive con los espíritus de os grupos urbanos al lado de la
música culta y participa en la vida de los grupos rurales al lado de la música folclórica.
En este articulo habla sobre las diferencias de criterio que existe entre Vega y Ayestaran.
Ayestaran es mas cuidadoso en dar definiciones sobre mesomusica y musica culta ya que para el se
sobreentiende que la música culta, es el estrato superior de la música, superior en terminologia
sociologica, no en términos de mejor que todas. Ayestaran aborda un termino de folclore mas
aceptado para la mayoría de musicólogos para él, folclore es la ciencia que estudia las
supervivencias culturales, espirituales y materiales de patrimonios desintegrados que conviven con
los patrimonios existentes o vigentes. Para Ayestaran la nota básica del folclore es el hecho de la
supervivencia.
Vega en su ensayo da un buen punto de partida para un estudio sistemático de la mesomusica. Ha
organizado sus capítulos en caracterización, historia y conclusiones.