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Composición Fotográfica

Por Martín Núñez.

Les voy a arrancar mostrando las partes que todas las cámaras reflex tienen sin importar
la marca

y un par de cosas claves que tenemos que aprender que son y para que sirven:

obturación: El obturador es una parte interna del cuerpo que tiene como función
administrar durante cuanto tiempo va a entrar luz a la fotografía. Funciona como
dos compuertas que se abren y cierran cada vez que disparas.
La velocidad de obturación te da fotos mas obscuras cuanto mas rápido se abra y cierre
el obturador y mas clara cuanto mas tiempo quede abierto, y a la vez cuanto mas rápido
vaya el obturador mas definida se va ver la foto y cuanto mas lento mas borrosa.
Diafragma: El diafragma es una parte interna de objetivo que tiene como función
administrar cuanta luz va a pasar por el objetivo hasta el obturador. Se asemeja a
la función del iris en el ojo humano. La apertura del diafragma te da la profundidad de
campo (es la zona limitada del espacio que se extiende por delante y por detrás del
punto en que enfocamos. Los motivos situados en este área, se reproducirán con nitidez.
Resulta obvio decir, que el saber controlar el valor de la profundidad de campo es
importantísimo en fotografía), cuanto mas abierto este el diafragma menor va a ser la
profundidad de campo.

También entendamos que la profundidad de campo es clave para darle protagonismo a


un elemento de la fotografía

ISO: El ISO es en fotografía un recurso para ganar luz perdiendo calidad en la foto
creando un efecto que se denomina ruido. Cuanto mas ISO tenga la foto, va a ganar mas
luz pero va a perder calidad.

Tengan por ultimo en cuenta la relación entre estas tres herramientas (Velocidad de
obturación, Apertura de diafragma e ISO) a la hora de buscar ganar luz en una situación
de baja luz o viceversa.
A continuación les voy a mostrar como es la manera correcta de sujetar la cámara:

Codos pegados al cuerpo, mano debajo del objetivo para lograr estabilidad, ambos ojos
abiertos para una vista periférica, rostro en diagonal al cuerpo de cámara (la nariz no
debe chocar con el mismo) ambos pies rectos y uno mas adelante que el otro para
mantener estabilidad, piernas sin flexionar, espalda recta y muy importante mantener la
respiración al disparar

y ahora si, vamos a lo importante...


Composición de
fotografía
Índice
1. protagonismo
2. Encuadre
3. Líneas
4. Flujo
5. Colores
6. las cantidades en la foto
7. Regla de los tercios
8. Espacio Negativo
9. Curvas en "S"
10. Contraluz
11. Contraste (blanco y negro)
1. Protagonismo

Cada fotografía debe tener un punto de interés, pero esto no quiere decir que sea un
único lugar o personaje en la fotografía, puede ser también una situación que sobresalga
de todo un entorno, la foto debe tener algo (elemento o situación) que se distinga de su
entorno.
Esta es la regla mas importante, por que nos dice que la foto debe ser pensada antes de
disparar y saber que es lo que estamos fotografiando.

2. Encuadre

Si queremos contar algo con una foto hay que ocupar la mayor parte de la foto
con ese "algo". Uno de los errores mas grandes es querer llenar de elementos una
fotografía, esto sobrecarga de información y puede confundir a nuestro espectador que
es lo que le queremos mostrar.
Si dudas de que algo debiera estar o no en la foto seguramente no debiera estar.

3. Líneas
Las líneas nos dan formas y contornos, y sirven sobre todo para dirigir la mirada del
observador y también para dar distintas sensaciones al observador. vamos a ver dos
tipos de líneas: Las Líneas Convergentes y la Línea de Horizonte

3.a Línea de horizonte


La línea de horizonte es una línea horizontal que atraviesa la fotografía, y que
genera una sensación visual de calma y estabilidad.

Comúnmente la línea de horizonte divide la imagen en dos secciones. y se recomienda


que esta no parta la fotografía en dos secciones iguales. En lugar de eso, es preferible
dar al cielo un tercio o dos tercios de la foto, en función de la zona que
consideremos más importante de la imagen.

Si tenemos un cielo espectacular pondremos la línea del horizonte en la primera recta


imaginaria (comenzando por abajo) de nuestra fotografía, para que el cielo ocupe los
dos tercios restantes.
Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el
horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida
a la composición en dos espacios significativamente diferenciados.

Por último, cuando hagas la foto asegúrate de que las líneas horizontales y los
ángulos rectos que aparecen en la fotografía son eso mismo, líneas horizontales y
ángulos rectos. No hay nada más frustrante cuando se mira una fotografía que
comprobar que el horizonte no está recto. Si te ha ocurrido, no te asustes, tiene solución.
Pero en el futuro, procura que el horizonte salga recto en tu foto.

vean en este ejemplo que la línea de horizonte es imaginaria y pasa por detrás de la
montaña

3.b Líneas Convergentes


Para que entiendan el concepto de líneas convergentes utilizaré el que probablemente
sea ejemplo más recurrente para esta técnica: las vías del tren.

Si se colocas sobre las vías del tren (comprobando antes que no venga ningún tren en
ninguna dirección) y miran en la dirección de las vías, comprobarán como las dos vías
tienden a juntarse según se alejan en el horizonte, hasta perderse en el infinito, donde se
unen en un punto.

Realmente sabemos que las vías trascurren paralelas, pero el efecto óptico que se
produce es que las líneas convergen en un punto. Acaban de entender el significado
de líneas convergentes.

Si hacen una foto a las vías del tren y se la enseñan a alguien, la reacción natural de
cualquiera que vea la foto será siempre la misma: seguir con la vista las vías en la
dirección que convergen.
Este efecto se va a producir siempre con cualquier ejemplo de líneas que transcurran
paralelas hasta converger en un punto en la lejanía.

Una posibilidad es, sobre el ejemplo de las vías del tren, situarse en el centro de las
líneas convergentes, haciendo que el punto de unión de las líneas se pierda en el
infinito, hacia el centro de la fotografía.

Otra opción es situarse a un lado de las líneas convergentes, de modo que éstas crucen
la fotografía. Un buen recorrido sería que partieran de una de las esquinas inferiores y
fueran a converger en la esquina superior opuesta, cruzando toda la foto. Esta
disposición diagonal de las líneas genera una imagen más dinámica.

Tanto la ubicación simétrica como la diagonal crea un impacto bastante fuerte en la


imagen, aunque las líneas diagonales están más asociadas a la idea de movimiento.
Cuando hablamos de líneas convergentes el ejemplo mas fácil es el de las vías del tren
o líneas rectas, pero miren la convergencia que crea este espiral

Uno de los elementos a tener en cuenta cuando trabajen con líneas convergentes es que,
como ya les explique, dirigen la atención de la vista hacia el punto en el que convergen.
Por lo tanto, ese punto será, salvo excepciones, el centro de interés de la foto.

Cuando estén haciendo la foto, párense a pensar cual es la mejor posición de ese punto
en el encuadre de su foto.
Como el ojo se va a dirigir a la convergencia, es un buen recurso para situar ahí el
elemento central de la fotografía. Las líneas conducirán la mirada a ese punto
irremediablemente.

Si además sitúan el punto aplicando la regla de los tercios, tienes captado el centro de
atención con un efecto magnético que hará que no puedas retirar la mirada de ese
objeto.

4. El flujo
El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de
la fotografía a otra. Vamos a ver como las líneas, la mirada y el movimiento ayudan a
recorrer la toma.
Las líneas horizontales transmiten sensaciones de estabilidad, de calma, de descanso.
Son líneas que “no pueden moverse” porque están “caídas”, apoyadas sobre alguna
superficie, son inalterables. La línea horizontal más fácil de encontrar en fotografía es,
precisamente, el horizonte

Al contrario que las líneas horizontales, las verticales transmiten fuerza, poder,
tensión y crecimiento.

Por norma general, la vista empieza leyéndolas desde arriba, así que pueden llegar a
dotar las imágenes de un gran dinamismo, pues los ojos “caerán” por ellas hasta llegar
al borde inferior de la imagen.

Por supuesto, gracias a la composición, podemos alterar esto y podemos llegar a


colocarlas de manera que los ojos tengan que empezar a leerlas por abajo, produciendo,
así, una sensación de “cuesta arriba” que dotará a la imagen de la fuerza y el poder que
acabamos de mencionar.

Las líneas diagonales son las aliadas perfectas para conseguir una fotografía
dinámica. Si antes hemos dicho que las líneas horizontales se empezaban a leer por la
izquierda y que las verticales se solían leer de arriba hacia abajo; los ojos tendrán
comportamientos parecidos con las líneas diagonales. En función de la composición de
la fotografía, habrá dos opciones para la lectura de las líneas diagonales de nuestra
fotografía:
 Dirección ascendente. Se dará cuando las líneas estén colocadas de manera que
el ojo empiece a leerlas desde la esquina inferior-izquierda y se dirija hacia la
esquina superior-derecha. Al tratarse de una dirección (metafóricamente)
ascendente, dará más sensación de esfuerzo, de lentitud, de poder.

 Dirección descendente. Cuando las líneas estén colocadas de forma que el ojo
empiece a leerlas por la esquina superior-izquierda y las siga hasta la esquina
inferior-derecha conseguiremos una dirección de lectura de la fotografía
descendente (de nuevo, metafóricamente, claro). Así, este tipo de líneas nos
darán más sensación de velocidad, de movimiento suave y continuo.

los elementos en movimiento deben “entrar” en la fotografía, es decir, deben estar a


uno de los lados de la fotografía, dejando mayor espacio en la dirección del
movimiento.
Pero a su vez y dependiendo que queramos inspirar en la foto también tiene otra
connotación el caso contrario a lo que explicamos antes sobre el movimiento.

en este ejemplo podemos ver que los chicos parecieran escapar de la foto.

En lo que respecta a la dirección de las miradas consiste básicamente en el sujeto que


mira debe estar situada en la foto de tal modo que el espacio libre que queda en el
sentido de la mirada sea superior al que queda detrás.

Se consigue darle fuerza expresiva al personaje que aparece en nuestra imagen.


Respetando su mirada conseguiremos dotar de interés la acción que hace el
protagonista, la acción de mirar. Si respetamos esta básica regla de composición,
llamaremos la atención de todo aquel que vea la imagen sobre qué es lo que el sujeto
está mirando y, si la composición de nuestra fotografía está bien realizada,
conseguiremos que el espectador de la imagen siga ese espacio, en busca de lo que
está mirando el personaje de la imagen, aunque esto no aparezca en la fotografía.
5. Colores

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo,
los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más
temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo
simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la
composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se


define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de
nuestra foto.

Los colores cálidos tienen más peso visual que los colores fríos. Los colores saturados
pesan más que los desaturados. Y los colores oscuros pesarán más que los colores
claros.

6. Las Cantidades en la Foto

Ya sabemos que cualquier cosa que añadamos a nuestra imagen contribuirá a que la
fotografía final signifique una cosa u otra. El número de elementos que protagonicen la
fotografía no será menos. En función de lo que queramos transmitir con nuestra imagen,
nos serviremos de más o menos elementos, siempre teniendo en cuenta algunas cosas:

 Un único elemento. Se convertirá en el protagonista indiscutible de nuestro


cuadro. Puede transmitir sensaciones de soledad o angustia. O recogimiento o
seguridad. Todo en función de cómo construyamos la composición de nuestra
imagen.

 Dos elementos. Nuestro protagonista ya no estará solo. Tendrá compañía. Una


pareja puede transmitir confianza, cariño, amor. También sentimientos de
ayuda o de comprensión.
 Tres elementos. Como dice aquel refrán, tres son multitud. Tres elementos se
convierten, automáticamente, en un grupo. De hecho, el usar tres elementos es
más común de lo que pensamos dentro de la cultura popular. Por ejemplo, en los
cuentos: los tres cerditos, los tres mosqueteros. Cuando hay tres elementos en
nuestra imagen, los sentimientos que se generan son los mismos que en el caso
de que haya sólo dos, pero llevado a otro nivel: el nivel de la amistad. Tres son
amigos, tres se hacen compañía, tres son cómplices de fechorías.

 Más de tres elementos. Se trata de un grupo ya grande. Cuantos más elementos


haya en el cuadro, menos importancia tendrá el sujeto individual. El ojo verá
muchos elementos pero, si no hay nada que haga destacar uno por encima del
resto, no los distinguirá. Por poner un ejemplo: se verá el bosque, pero no los
árboles. Utilizar más de tres elementos en una fotografía implica darle
protagonismo al grupo en sí mismo, más que a los sujetos que lo conforman.
Si transformamos el número de elementos en figuras geométricas, entenderemos que los
números impares son mucho más dinámicos que los pares. Mientras que un elemento se
corresponde con un único punto, dos elementos lo hacen con una línea. La primera
forma geométrica que aparece siguiendo este método es el triángulo, formado por tres
elementos. Si pasamos a tratar con cuatro elementos, conseguiremos un cuadrado. Con
cinco, un pentágono. Y así, hasta el infinito.

Si analizamos estas figuras, vemos que el punto es inmóvil (no se mueve, no tiene
dirección). La línea es completamente estática y estable. El triángulo, en cambio, es
más dinámico. Puede tener dirección en función de como lo coloquemos e, incluso,
puede tener una posición nada estable. El cuadrado vuelve a ser una figura
completamente estática. Pero con el pentágono sucede lo mismo que con el triángulo.
7. Regla de los Tercios

La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios


horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los
puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del
centro de la fotografía.

Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando
estemos haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo
en uno de los cuatro puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo
directamente en el centro de la foto.

Esto suele generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta
en el mismo centro de la fotografía.
ejemplo de "línea fuerte"

Ejemplo "punto fuerte"


8. El Espacio Negativo

Cuando miramos una fotografía, en términos generales estamos viendo tres elementos
distintos:

 El marco. Se trata del límite de la fotografía. Y no se trata sólo de la línea en la


que se “acaba” la imagen, también se incluye dentro de este concepto aquella
zona cercana a esa línea. Es decir, la zona que rodea toda la imagen.
 El espacio positivo. Es aquello que hemos fotografiado, nuestro sujeto
principal. El elemento más importante de la imagen.
 El espacio negativo. Es todo lo demás. Es el espacio que queda entre el marco
y el espacio positivo. Es un espacio sin rellenar, que está porque debe estar y
que está “vacío”, sin información relevante para la fotografía. En el momento en
el que lo que pensábamos que era un espacio negativo tiene algún detalle
importante para la lectura de la imagen, deja de ser espacio negativo para pasar a
ser espacio positivo (espacio con información).

El espacio negativo, aunque no tenga “información relevante”, también es un elemento


de la composición y, por lo tanto, debemos saber usarlo para dotar de más interés y
belleza a nuestras imágenes.

el espacio negativo, también tiene peso visual. Esto significa que, por lo tanto,
debemos ser muy conscientes de dónde lo colocamos dentro de la composición, pues en
función del espacio que ocupe, significará una cosa u otra.
si colocamos el espacio negativo por encima del sujeto, puede parecer que “aplasta” al
elemento principal de la imagen o que le da el espacio suficiente para volar, con lo que
el sujeto recibe cierta “libertad”. Si se encuentra, por el contrario, por debajo, el
protagonista de nuestra foto puede parecer que “flota” y, por lo tanto, el espacio
negativo dará una sensación de ligereza.

El color del espacio negativo también es importante. Por norma general, un espacio
negativo de color claro nos llevará a la cabeza imágenes de ligereza y paz, mientras que
un espacio de color oscuro, será más fácil que lo relacionemos con un gran peso o
angustia

el espacio negativo tiene dos grandes funciones respecto al sujeto principal de


nuestra imagen:
 Definir el sujeto. El espacio negativo puede ayudarte a definir el espacio
positivo y, por lo tanto, al sujeto principal de tu fotografía. Ya hemos visto que
el espacio negativo tiene mucho significado en función de cómo sea, si
conseguimos relacionar el sujeto con el espacio negativo adecuado, éste nos
ayudará a reforzar la “personalidad” del primero.
 Darle más importancia. Un elemento rodeado de vacío siempre nos llamará
más la atención que un elemento rodeado de otros elementos. Por eso el espacio
negativo nos puede ayudar a darle más visibilidad a un sujeto en concreto.
9. Curvas en "S"

Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con
la sensualidad. También transmiten movimiento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en
“S” en nuestras fotos. Una ruta, un río, por ejemplo, son elementos visuales muy
potentes que dan interés a la fotografía

Miren este ejemplo, es una fotografía muy sensual y a la vez contiene muy poca
información sobre el personaje, solamente se vale de las curvas y la luz.
10. Contraluz
Sobre el tema no tengo mucho que explicarle, solo que un contraluz es una imagen en la
que la fuente de luz o las luces más fuertes se encuentran en el fondo de la imagen y no
en el sujeto que se encuentre en un primer plano.

Este es un buen ejemplo de contraluz, y algo muy importante a tener en cuenta es que si
la luz que viene por detrás del sujeto a fotografía es mucho mayor a la que se genere de
frente, va a provocar esta especie de contorneo al sujeto de la foto y que pierda
información como por ejemplo en este caso las facciones del rostro.

miren que combinación hermosa de colores calidos y negro que genera este contraluz.
11. Contraste (fotografía en blanco y negro)

En ausencia de color, el contraste tonal se limita a un contraste entre luces y sombras,


entre zonas más claras y más oscuras en las fotos.

Al igual que las líneas, los elementos más claros y más oscuros en una fotografía
cuentan a la hora de dirigir la atención.

Y las fotografías con más contraste tonal entre sus elementos suelen tender a llamar más
la atención en su conjunto global.

Presten atención en como la foto tiene partes de un blanco pleno (por ejemplo la que va
por la nariz, que son zonas donde hay mas luz, y negros plenos ( la comisura de la boca
y sobre los ojos) que es zonas mucha sombra y profundidad en el rostro, pasando por
una gama de grises que le dan textura y relieve al rostro llenándolo de información.
un exceso de iluminación en el rostro, causado por ejemplo por un flash directo puede
generar la perdida de información sobre lo que fotografiemos (esto también hay que
tenerlo en cuenta en la fotografía a color)

El contraste no solo se aplica en blanco y negro, miren como la luz y la sombra le dan
fuerza a esta fotografía color.
Bueno, eso es un vistazo general y súper resumido de las que yo considero las
herramientas principales que hay que tener en cuenta a la hora de componer, pero quiero
que entiendan sobre todas las cosas que estas "reglas" tanto en la fotografía como que
cualquier otro tipo de expresión visual están hechas para romperse, pero siempre a
conciencia.

La cámara de por si no les va a dar fotografías atractivas, sino lo que compongan


cuando miren por el visor. la experimentación y el juego son fundamentales a la hora de
descubrir que cuales son los limites de la fotografía, que son los que permite la
imaginación.

Espero que les sea de utilidad y referencia estas paginas que les regalo.

Martín.