Está en la página 1de 14

Trabajo práctico

Grecia. Periodos clásico y helenístico


Periodo Clásico (SV y IV)
Contexto Político y cultural:
En el s. V todas las polis griegas se sublevaron contra el Imperio Persa que las oprimía con
tributos. La victoria de los griegos contra los persas en las Guerras Médicas convirtió a Atenas
en la polis hegemónica del mundo griego .En este periodo se realiza el Partenón.
En escultura se alcanza gran equilibrio y perfección: Periodo clásico sublime: Mirón
Policleto y Fidias.
En el s IV, desaparecida la amenaza persa, reaparecieron rivalidades entre las polis encabezadas
por Esparta y Atenas y se enfrentaron entre ellas en las Guerras del Peloponeso. La escultura es
continuación del periodo anterior: Periodo clásico tardío: Praxíteles Escopas y Lisipo.

1- Período clásico sublime(s V) :


A- Características:
 Hay interés por representar la figura humana.
 La búsqueda de la perfección y el equilibrio con la creación de “Cánones de la belleza
ideal, basados en la concepción del cuerpo humano como un conjunto proporcionado.
( proporción matemática entre las diferentes partes del cuerpo) .
 La escultura trata de reflejar la belleza física y espiritual, con cierto idealismo.
Representación del cuerpo humano con gran naturalismo buscando el modelo ideal de
belleza humana. Se representaron diferentes dioses y héroes de la mitología clásica, y
atletas cuya representación fue considerada un modelo de belleza física y espiritual.
Influencia de la filosofía y pensamiento platónico: ideal de belleza, forma.-
 Gran dominio de la técnica escultórica ya que se busca modelar la musculatura y se
buscan posturas naturales con cierto movimiento contenido.
 La cabeza pierde la frontalidad del periodo preclásico y mira hacia los lados, los brazos
son redondeados y se despegan del cuerpo.
 La mayoría de las obras son copias romanas . Estas obras fueron fuente de inspiración
en el Renacimiento. (S. XV y XVI)
B-Artistas y obras paradigmáticas:
 Mirón (S.V) :
Su mayor preocupación es captar el movimiento. Conocedor de la anatomía humana es escultor
de atletas. Su obra más importante es El Discóbolo. En ella vemos como La acción corresponde
al momento de máxima tensión inmediatamente anterior al lanzamiento del disco. Desde el
punto de vista compositivo hay un equilibrio entre la curva que describen los brazos y la pierna

1
izquierda y el ángulo que forman cabeza, tronco y mano derecha. Muestra algunas
características del periodo arcaico con la frontalidad del torso y las piernas de perfil. El rostro
no refleja la tensión del momento.

Figure 1 Discóbolo de Mirón

 Policleto(S:V) :
Busca la perfección ideal a través de la proporción y armonía. Escribió un canon sobre las
proporciones de la figura humana según el cual el cuerpo contiene siete veces la cabeza. El
objetivo era lograr la representación perfecta del cuerpo humano. Hay una excesiva acentuación
anatómica en sus figuras
Realizó estatuas en bronce, sobre todo atletas, de las que nos han quedado copias romanas:
El Doríforo: Representa a un Joven atleta en posición de marcha, portando la lanza en la mano
izquierda, apoyándosela en el hombro. Aplica el canon de 7 veces el tamaño de la cabeza.
Destaca la alternancia de partes del cuerpo tensas y en reposo conocido como el “contraposto”:
apoya el peso del cuerpo en pierna derecha y flexiona la izquierda, hombro izquierdo en tensión
y el derecho cae más relajado. La cabeza mira hacia la derecha. Con el contraposto se consigue
el equilibrio dinámico de la figura.
Hay una acentuación anatómica del cuerpo en los pliegues inguinales y el tórax y en el rostro
podemos ver la serenidad en plenitud juvenil. La Cabeza esférica y el peinado se adapta a ello.

2
Figure 2-Doríforo de Policleto

Diadúmenos: Representa un atleta que ciñe su frente con la cinta de la victoria tras vencer la
carrera. Consigue una expresión más dulce y un cuerpo más sensual que el Doríforo. Las formas
son más sueltas y naturales. Calculado estudio de las proporciones. Presenta una mayor libertad
compositiva con el movimiento alzado de los brazos y la mayor inclinación de la cabeza.
Resume el ideal estético griego: la belleza ideal del hombre en plenitud juvenil en un equilibrio
de vigor físico e inteligencia.
La influencia de Policleto influencia se dejó sentir en escultores del Renacimiento como el
David de Miguel Ángel

Figure 3-Diadúmeno de Policleto

 Fidias (SV)
Fue el supervisor de las obres del Partenón donde dirigió el programa iconográfico y realizó
grandes obras.

Características:
Máximo representante de la escultura griega: “escultor de los dioses”

3
Busca el equilibrio físico y espiritual, la expresión serena, idealizada que separa a los dioses del
resto de los mortales. Sus composiciones son equilibradas. Emplea la técnica de los “paños
mojados” El tratamiento de los pliegues los hace parecer mojados, pegados al cuerpo dejando
entrever la silueta del mismo. Su obra desprende sensualidad y se acentúa el juego de luces y
sombras.
Fue autor de tres estatuas monumentales de la diosa Atenea que no han llegado hasta nuestros
días: la Atenea Promacos delante del Partenón de 15 metros de altura que fue realizada para
que la vieran los navegantes al acercarse a Atenas. Estatua crisoelefantina en oro marfil.
De la estatua de Zeus en Olimpia se conservan dibujos.
Atenea Lemnia: rasgos clásicos en su rostro: frente alta, barbilla marcada, labios menudos,
mejillas lisas, que le dan una expresión serena idealizada.

Figure 4-Grabado Zeus Olimpico Figure 5 Atenea Lemnia

La obra fundamental de Fidias está en el Partenón donde por encargo de Pericles realiza los dos
frontones, parte de las metopas y el friso de las Panateneas en el interior del templo.
Los frontones
El Partenón estaba dedicado a Atenea, diosa de la sabiduría, hija de Zeus, nacida de su cabeza y
Con atributos guerreros como escudo y casco.
En el frontón oriental se representa el nacimiento de la diosa del cabeza de Zeus y en presencia
de los dioses, y en el frontón occidental la competición entre Poseidón, dios del mar y Atenea
por el patronazgo de Atenas. Sólo se conservan algunas figuras descabezadas. Según disminuye
la altura del frontón hacia los lados, las figuras aparecen sentadas recostadas y se amoldan al
marco triangular con su posición.
Las figuras tiene actitudes naturales, la ropa cae con soltura, los entrantes y salientes provocan
efectos de luz y sombras que dotan a la obra se realismo y fuerza expresiva. Las Parcas y Koré y
Démeter son parte de este frontón

Figure 6-Friso Partenón-Reconstrucción

4
Las Metopas
Son obras de diferentes artistas lo que explica las diferencias de calidad existente entre ellas. El
programa iconográfico y dirección se debe a Fidias.
*El friso (relieve) :Se trata de un friso jónico continuo que está en el interior de la cella o
santuario Tiene 160metros de largo por un metro de altura y uno cinco cm de fondo.
El tema son las fiestas en honor de Atenea que se celebraban cada cuatro años en las que el
pueblo tras diversas competiciones atléticas y musicales llevaba a su diosa ofrendas, animales
para el sacrificio, y se revestía a la diosa con un nuevo velo (peplo) que tejían las doncellas de la
aristocracia: las Panateneas.
El friso presenta distintas partes:
- grupos de doncellas que avanzan con solemnidad y elegancia
- Jinetes a caballo y carros
- Cortejos a pie de músicos, portadores de vasijas de agua, animales que van a ser sacrificados.
- Los dioses del Olimpo conversan entre ellos. Son de tamaño algo mayor
Hay un modelado plástico insuperable en la anatomía de las figuras y en la flexibilidad de los
ropajes. ( paños mojados) Hay movimiento pero siempre son serenidad y elegancia. Hay
momento para mostrar lo cotidiano como la joven atándose la sandalia.

Figure 7-Metopas del Partenón

2- Período clásico tardío (S IV) :


A-Características:
 Rechazo de la rigidez de las esculturas anteriores.
 Mayor suavidad y armonía del cuerpo.
 Formas curvilíneas suaves.
 Atención mayor a los sentimientos y emociones que son antecedente de algunas obras
de la época helenística
B-Representantes y obras paradigmáticas:

5
 Praxíteles: Fue el más famoso escultor del siglo IV. Crea formas más redondeadas,
flexibles, llenas de suavidad, escultor de la feminidad. Las formas suaves siguen una
línea curva sinuosa: la curva praxiteliana y forma una S invertida que establece un
equilibrio entre el movimiento y el reposo. El cuerpo se desplaza del eje vertical. Los
temas son agradables, llenos de encanto. Suavidad de la piel en sus obras .Los rostros
tienen una sonrisa idealizada y una expresión vaga y soñadora (distinto a la escultura
atlética anterior).
Fue el precursor de los cambios que tendrán lugar en el periodo helenístico.
Obras:
Apolo Sauróctono donde se aprecian sus características y la curva praxiteliana.

Figure 8-Apolo Sauróctono-Praxiteles

Afrodita o Venus de Cnido : Es el primer desnudo femenino griego. La diosa acaba de


salir
del baño y recoge las ropas de un ánfora para cubrirse. La curva praxiteliana da un ritmo
suave a la composición. Se apoya en la pierna izquierda y gira el rostro. Gracia y
serenidad.
Será muy repetida en copias hasta la Venus de Milo (época Helenística)

Figure 9- Venus de Cnido-Praxiteles

 Escopas: Entre las piezas escultóricas cuya paternidad se atribuye a Escopas,


conservadas en copias del período helenístico, se encuentran el grupo de las Nióbides,
que representa el sacrificio de las hijas de Níobe, y Meleagro y el jabalí de Calidón.

6
Constituye una magnífica síntesis de su estilo la famosísima Ménade, una danzante que
encarna el movimiento y la gracia.
Más interesado por mostrar el estado anímico que el físico, Escopas creó unas figuras
agitadas, representadas en un movimiento convulso, y puso en los rostros una
expresión
de gran patetismo acentuada por los ojos profundamente hundidos y la boca
entreabierta En sus obras se advierte un estilo de gran originalidad, caracterizado por
el
trazo nervioso, la fastuosidad de los drapeados y una considerable intensidad
dramática.
Con este innovador tratamiento, Escopas abandona la idealización característica del
clasicismo y anticipa la carga emocional propia de la escultura helenística.

Figure 10 -Meleagro y el Jabalí-Escopas

 Lisipo: Su obra más famosa es el Apoxiómeno, un atleta que se limpia el cuerpo con el
estrígilo, y que ejemplifica uno de sus rasgos estilísticos más característicos: una mayor
profundidad espacial, conseguida en este caso mediante la proyección de los brazos
hacia adelante. El acentuado realismo de sus estatuas, otra de sus singularidades, se
advierte en el Hércules Farnesio, considerado una copia del Hércules de Sición.
Las figuras de Lisipo son siempre altas y esbeltas, lo que corrobora la tradición según la
cual sustituyó el canon de Policleto por uno nuevo, en el que la cabeza representa una
octava parte de la altura del cuerpo.

7
Figure 11-Detalle del Apoxiómenos-Lisipo

Período Helenístico
1- Contexto Político y cultural:
Se extiende este periodo desde la muerte de Alejandro hasta la incorporación de Grecia al
imperio romano (año 30 a C).
A diferencia del arte clásico podemos ver las siguientes características:
 Significa la universalización del arte griego. La cultura sale de Grecia por 1ª vez y se
extiende por todo el imperio de Alejandro Magno El concepto de imperio sustituye al
concepto de polis.
 Desaparecen las ideas de armonía, equilibrio y proporción y son sustituidas por nuevos
valores
 El centro económico, político y artístico serán las grandes ciudades como Rodas,
Alejandría y Pérgamo.
 La arquitectura muestra un nuevo concepto de majestuosidad en edificios de carácter
público o religioso: grandes palacios, mercados, mausoleos, bibliotecas donde se olvida
la escala humana.
 Los edificios presentan varias plantas donde se superponen los órdenes: jónico en el
primer piso y corintio en el segundo. Las ciudades portuarias tendrán monumentos
colosales a su entrada como el Coloso de Rodas o el Faro de Alejandría. Se busca la
ornamentación exterior como El Templo de Zeus en Olimpia y el gran Altar de
Pérgamo.)
2- Características:
A-La escultura: Presenta un contraste con los valores del arte clásico:
 Frente al idealismo clásico, el realismo
 Frente a la proporción, el gigantismo
 Frente al el equilibrio clásico, el desequilibrio compositivo, el movimiento exagerado
 Frente a la expresión serena clásica , una gran fuerza expresiva en rostros y cuerpos que
reflejan sufrimiento tanto físico como espiritual.

8
 Los temas pueden ser: cotidianos y anecdóticos : las edades de la vida, mitológicos y
anecdóticos.
 Las esculturas pierden el punto de vista más frontal a favor de la visibilidad desde todos
los ángulos.
 Estas esculturas serán fuente de inspiración para el Barroco.
 Distinguimos cuatro escuelas con características diferenciadas: Escuela
Neoática ,Escuela de Rodas , Escuela de Pérgamo y la Escuela de Alejandría
3- Escuelas
A- Escuela Neonática:
Significa la supervivencia de los modelos clásicos de Atenas de los s. V y IV. Así tenemos a la
Venus de Milo, semidesnuda e inspirada en la Venus de Cnido de Praxíteles, una de las obras
más copiadas.
El niño de la espina (s III al II) es una obra realista que presenta un tema cotidiano. La
escultura se llena de aire por todo su interior y se observa desde varios puntos de vista.

Figure 12 -Venus de Milo

B-Escuela de Rodas (isla del Mar Egeo).


Presenta un afán por lo gigantesco, la expresión del dolor y movimientos contorsionados.
El Coloso de Rodas (desaparecido): Figura gigantesca a la entrada de la ciudad de Rodas.
La Victoria de Samotracia: Es una alegoría de la victoria de una batalla que se conserva en el
Louvre. No conserva la cabeza y estaba destinada a la proa de un barco. Tiene las alas
desplegadas y la fuerza del viento ciñe sus vestiduras dejando entrever las formas. Se inspira en
Fidias en la técnica de los paños mojados de época clásica. El dinamismo de la composición se
acentúa por el claroscuro y la gran sensación de movimiento que dan los pliegues movidos por
el viento.
Laoconte y sus hijos :Grupo escultórico en mármol (SIII al II) Originalmente hecha en bronce
Se conserva copia en mármol del s.I. Obra de Agesandro , Atenodoro y Polidoro de Rodas.
Fue descubierta en el siglo XVI en Roma y tuvo una gran influencia en escultores como Miguel
Ángel (Renacimiento) y la escultura barroca. La composición se define como una pirámide que

9
une las tres cabezas y una diagonal que atraviesa todo el grupo escultórico dándole movimiento.
El movimiento se ve acrecentado por las dos serpientes y la gran tensión de los cuerpos.
Los rostros con las órbitas hundidas y el pelo alborotado expresan dolor. Los hijos son de
proporción menor que el padre. Uno de ellos vuelve el rostro al padre pidiendo ayuda mientras
que el otro, envuelto por la serpiente, está a punto de morir.
Presenta dramatismo, desequilibrio, movimiento, dolor y sufrimiento. Laoconte en un
movimiento muy contorsionado es la expresión vivísima del dolor físico por la mordedura y
moral por la inminente muerte de sus hijos.

Figure 13-Laaconte y sus hijos-

C- Escuela de Pérgamo :
Presenta un triunfo de lo dramático y lo grandioso.
Galo moribundo : donde un galo muere tendido en el suelo con gran dignidad y Galo
suicidándose obra mucho más dramática en la que un galo mata a su mujer para liberarla de la
esclavitud y después se suicida con la espada en el pecho.
Altar de Pérgamo :Se halla en Berlín. Es un pequeño edificio que se alza sobre un podio (7m).
Encima hay una galería de columnas jónicas en forma de U. Destaca un friso de 2m de ancho y
120 de largo donde se relatan las luchas de dioses contra gigantes (gigantomaquia). Forman un
conjunto de figuras en alto-relieve que se retuercen dramáticamente. El ritmo es violento,
acentuado por la musculatura en tensión, el dolor en los cuerpos, la expresión de dolor en los

10
rostros y los ojos de terror. La talla deja ver distintas texturas y claroscuros provocados por
entrantes y salientes.

Figure 14-Altar de Pérgamo

D-Escuela de Alejandría:
Presenta temas alegóricos y cotidianos.
La alegoría del Nilo: es un anciano recostado. Lleva el cuerno de la abundancia (la riqueza que
el Nilo representa para Egipto) y niños que representan las crecidas.

Figure 15-Alegoria del Nilo

Características del templo de Atenea Niké


1- Estilo arquitectónico
El Templo de Atenea Niké, cuyo arquitecto fue Calícrates (autor también de El Partenón),
está construido con mármol pentélico, al ser de orden jónico las columnas tienen una base
de molduras circulares, que es el elemento intermedio entre el fuste o cuerpo de la columna
y el primer escalón o estilóbato. Si en el orden dórico los fustes de las columnas son
gruesos, en el jónico son más estrechos y de una sola pieza. Las estrías de estas columnas
(que presentan 24 acanaladuras) no tienen aristas vivas, son semicirculares en vez de
elípticas y acaban en una franja abombada decorada con óvalos.
Los lados de los capiteles no son todos iguales, pues las caras paralelas a las fachadas del
templo tienen forma de voluta (espiral, que se suelen decorar con perlas o cuentas) sobre
collarín y cojinete (decorados con ovas y flechas). El arquitrabe tiene tres bandas lisas
sobresalientes que se denominan platabandas y el friso se decora con relieve continuo, en

11
vez de con la metopa y el triglifo habituales en los templos dóricos. La base de la cornisa es
denticulada (decorada con taquitos prismáticos muy próximos).
2- Se trata de un edificio donde el entablamento consta de un arquitrabe de tres bandas, un
friso corrido que tuvo una decoración mitológica alusiva a las Guerras Médicas y una
cornisa, sobre ella los frontones dedicados a Atenea. Construido con mármol del Pentélico.
Se trata de un templo anfipróstilo (un pórtico de columnas en dos de sus fachadas) y
tetrástilo (cuatro columnas en su fachada principal). Debido a las irregularidades del
terreno y el poco espacio disponible, para su construcción fue necesario construir una base
en piedra caliza.
3- Desde el siglo VIII acá, los edificios dedicados a las divinidades tenían una estructura y
distribución características similares, si bien los distintos órdenes marcaban unas pautas u
otras. El recinto sagrado tenía esta distribución: unas naos o cella en la que estaba la imagen
del dios con dos pórticos en los extremos (pronaos y opistodomo) con cuatro columnas cada
uno, que eran el resultado de la prolongación de las paredes laterales de la naos. La
cubierta se
sustentaba en columnas interiores. Además había una columnata perimetral, una plataforma
de
tres gradas (crepidoma o krepis, con peldaños más bajos en el Templo de Atenea Niké por
ser
de estilo jónico) y un altar enfrente. Alrededor se extendía un espacio amplio y varias salas
anexas. Siempre que se observa un templo griego se suele reparar en las reducidas
dimensiones
de aquel, pero se entiende al comprender que no se trata de lugares de culto para el público
en
general, sino únicamente la “casa” de la representación de la divinidad.-

Figure 16-Templo de Atenea Nike

12
Figure 17-Fachada Templo Atenea Nike Figure 18 -Planta templo Atenea Nike

13
Bibliografía Utilizada:
-Dukelsky, C. Análisis simbólico del Partenón, 2004. Disponible en
https://uba.academia.edu/CoraDukelsky.
-Onians, J. Arte y pensamiento en la época helenística, Madrid, 1996.
-Pollit, J.J. El arte helenístico, Madrid, 1990.
-Robertson, M. El arte griego, Alianza, Madrid, 1985.
-Arte griego disponible en https://historiadelarteen.com/2012/02/23/arte-griego-caracteristicas-
generales/

14

También podría gustarte