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Cronología

-Antigüedad

-Edad Media (siglos V-XV)


-Temprana (siglos V-X)
-Alta (siglos X-XII)
-Baja (siglos XII-XV)

-Renacimiento (siglos XV-XVI)


Artistas:
-Masaccio, (La Trinidad).
-Miguel Ángel, (El David),

-Barroco (finales del siglo XVI-XVIII)


Artistas:
-Caravaggio, (La vocación de San Mateo).
-Bernini, (Éxtasis de Santa Teresa).

-Rococó (siglo XVIII)


Artistas:
-Fragonard, (El Columpio),
-Watteaw, (Embarque a la Isla Citera).

-Neoclasicismo (siglo XVIII)


Artistas:
-David, (El juramento de los Horacios).
-David, (La muerte de Marat),
Georges Duby: En una sociedad muy jerarquizada, la imagen (obras de arte), cumplía tres funciones
principales:
1. Las obras de arte eran presentes que se ofrecían a Dios en alabanza y acción de gracias. Podían
ser también ofrendas a los santos protectores, a los difuntos. Se creía que las iglesias debían estar
excelentemente decoradas porque albergaban al cuerpo de Dios.
2. La imagen cumplía una función pedagógica, la de mostrar a los iletrados lo que debían creer.
3. Estos objetos, estas imágenes, eran una afirmación de la autoridad. Celebraba el poder de Dios, la
nobleza y la justificaba. Es por eso que la creación artística se desarrolló en los lugares donde se
concentraba el poder.
Siglos V-X: EL propio Occidente estaba dividido en dos partes, la romanizada y aquellas donde la cultura
romana no se profundizó, aquellas con sus costumbres autóctonas.
La peste hizo estragos y continuó rebrotando hasta el siglo XVII. Con ella y las conquistas árabes, las
ciudades fueron despoblándose. Modelarían lo que sería el futuro de Europa.
La cultura romana conservaba su atractivo, fascinaba a sus invasores que deseaban integrarse,
Las religiones monoteístas solían ser iconófobicas, pero el Dios de los cristianos se convirtió en hombre, por
ende, se lo pudo representar. El cristianismo había penetrado fuerte en otras regiones, con lo que se buscó
enseñar a los recién convertidos y para ello, llevaron sus códices, Esos mismos libros serían copiados una y
otra vez, imitando los dibujos de figuras humanas pero a su manera, con su propia arte autóctono.
Los reyes se sentirían compañeros de los obispos. Tenían la conciencia de pertenecer a la Iglesia lo cual les
obligaba poner toda su fuerza al servicio de Dios.
Los libros eran tratados como un tesoro, pues encerraba un vínculo entre lo sagrado y y el mundo presente.
Estos objetos estaban reservados para el uso de los sacerdotes, resguardados en las bibliotecas
monásticas (lejos de la mirada de la gente del pueblo), por lo cual eran muy pocos quienes tuvieran acceso
a los mismos.
Con la llegada de Carlomagno, se conquistan más tierras y con ello se promulga la construcción de
monasterios. Busca unificar los escritos e impone la minúsculo carolingia, también se le puede atribuir la
salvación de escritos antiguos.
Siglos X-XV: Se define el sistema cristiano feudal, o sea que la sociedad se dividía en quienes oran, los
que combaten y los que trabajan. Los campesinos mantienen con su trabajo a los guerreros y a los reyes
quienes los defendían, el clero oraba por la salvación de éstos y el pueblo.
Los focos de desarrollo de la creación artística sufrieron durante este tiempo ya que los señores feudales
tuvieron que dirigir sus riquezas hacia las guerras.
Con la Cruzadas, se logra reagrupar Europa y abrir las rutas de comercio. Fue un factor importante para el
surgimiento de una clase: la burguesía, los campesinos, buscando una mejor calidad de ida, se vuelven
emprendedores y comerciantes
Jean Vezin: Con la revolución del códice, la verificación de referencias se volvió mucha más sencilla, algo
que con el rollo se tornaba difícil de realizar (aunque éste se siguió empleando por toda la Edad Media).
Soportes: En ese entonces, se utilizaba el papiro y el pergamino para la fabricación de un códice. El papiro
se trataba de hojas formadas por láminas delgadas de la pulpa de una caña, dispuestas en dos capas
perpendiculares una a la otra y pegadas. Cabe destacar que este material era muy frágil lo que explica la
desaparición de libros escritos en ese soporte.
El uso del pergamino se generalizó a partir del siglo IV. El pergamino era fabricado a partir de pieles de
animales (carnero, cabra, o ternero). Primero se lavaban las pieles, se las trataba con cal para quitarles los
pelos y luego se lo extendía tirante sobre un cuadrado o círculo de madera. Se las trabajaba con una
cuchilla para remover las impurezas y se las dejaba secar sobre ese cuadro. Por último, se le pasaba una
piedra pómez y polvo de tiza para dejarlas aptas para la escritura.
Sin embargo, la utilización de pergaminos planteaba un problema económico. Era necesario que los
escribas dispusieran de un número suficiente de pieles para su labor. En los casos donde la materia prima
faltaba, se lavaban pergaminos ya escritos de poco importancia para poder utilizarlas de nuevo. A estas
pieles reutilizadas se las llamaba palimpsestos.
Ley de Gregory: Para un aspecto presentable del libro, se tenía el cuidado de pegar el lado de la carne
contra la cara de la carne y la cara del pelo contra la cara del pelo.
Formatos: Los formatos empleados en esta época eran in-folio: in-quarto, in-octavo
Trazo de renglones: Una vez armados los cuadernos, se procedía a trazar líneas horizontales y verticales
que delimitaban el espacio reservado a la escritura. En algunos casos se producían algunos pequeños
orificios para guiar el trabajo del rayador.
Tintas: En cuanto a las tintas, lo usual era encontrarse con tintas negras, rojas y azules, siendo estas dos
últimas comunes para trazar las iniciales importantes. La rúbrica (roja) se utilizaba para indicar títulos o
incluso referencias. En ediciones de lujo, sin embargo, se pueden apreciar tintas doradas o plateadas,
Caligrafías:
 Capitular romana, letras capitulares. Uncial, letras redondeadas y módulo grueso (utilizado hasta la
época carolingia). Junto a ellos, también se utilizaba la semiuncial.
 Surge la minúscula carolingia, elegante y que otorga mayor legibilidad a los textos. Su evolución,
quiebra las curvas y surge la gótica.
Puesta en página: Generalmente la caja tipográfica estaba muy marcada. Una página podía disponer de
una o dos columnas de texto. Se emplean las iniciales ornamentadas para indicar las divisiones del texto.
Las subdivisiones del texto comienzan generalmente por un título, en tinta roja. A su vez, la decoración
jugaba un rol para señalar las divisiones de texto. Para que el texto quedara perfectamente justificado, y
rellenar los espacios vacíos, los escribas recurrían a diferentes métodos para llenarlo. Siendo una de los
ejemplos repitiendo la última palabra del texto entre dos palabras “va….cat”, al mismo tiempo indicándole al
lector que ignorase esta parte del texto.
Referencias: En esta época, los libros no siempre tenían el nombre del autor o incluso el título de la obra.
Los textos eran precedidos por la palabras incipit (aquí comienza) y la fórmula para indicar el fin de la obra,
finit o explicit.
Signaturas: Son las cifras que indican el orden en el cual el encuadernador debe disponer los diferentes
cuadernos antes de coserlos.
Reclamo: Consiste en inscribir en la base del último folio de cada cuaderno las primeras palabras del
cuaderno siguiente.
Encuadernación: Las tapas son eran dos planchas de madera recubiertas por cuero, a veces decoradas con
piedras preciosas. O en algunos casos más modestos, cubiertos por un simple folio de pergamino o cuero,
siendo estos materiales muy frágiles, no era común utilizarlos.
Michel Melot y Helene Toubert: Se adopta el papyrus style en la confección de las puestas en página. El
pergamino permitía el uso de pinturas espesas, siendo algo que el papiro no permitía debido a su fragilidad
y que el rollo resquebrajaba la pintura al enrollarse y desenrollarse.
Con esta nueva posibilidad de experimentación en cuanto al terreno de la iluminación, se buscan maneras
de integrar el texto con la imagen. Así surgen las iniciales ornamentadas (con dibujos abstractos, formas
orgánicas), las iniciales historiadas (las cuales cuentan una escena, generalmente relacionada al texto) y las
iniciales figuradas (conocidas por imitar la figura humana),
Drolleries: Ornamentaciones que decoran los márgenes, los motivos pueden ser varios,
Calderón: Era un signo, una marca que representaba punto y aparte.
Cavallo y Chartier:-Período monástico:
 Producción: Durante este período, la producción se realiza exclusivamente en monasterios, donde
los monjes se repartían las tareas de escribas (iluminación, encuadernación, etc). El lugar donde se
desarrollaba esta actividad era el scriptorium o scriptoria. Los monjes trabajaban, sentados, en
escritorios con las herramientas a usar a mano.
 Distribución: Eran pocos quienes tenían acceso a los libros. Éstos, considerados como un
instrumento de salvación y un bien patrimonial, un símbolo sagrado, eran guardados la biblioteca
monástica y sólo el clero podía leerlos.
 Consumo: Lectura silenciosa o murmurada. Los libros se leían sobre todo para conocimiento de
Dios y para la salvación del alma, debían ser entonces entendidos, pensados y hasta memorizados.
En parte también se debía a la falta de ejercicio que impedía una recitación segura y rápida.
-Período escolástico:
 Producción: De las escuelas del monasterio, surgen las universidades y con ellas nacen los talleres
laicos, apartados del monasterio.
 Distribución: El desarrollo de universidades, trajo un problema: ¿cómo podrían multiplicar
simultáneamente los ejemplares de una misma obra? Se creó un sistema de alquiler denominado
pecia. El que que deseaba copiar el libro, llevaba consigo el primer ejemplar, abonaba al
estacionario el precio fijado para su locación, copiaba el cuaderno. Una vez terminado, lo devolvía y
copiaba el siguiente. El libro se convierte en un instrumento de labor intelectual. Surgen las
bibliotecas señoriales donde los señores feudales coleccionan códices.
 Consumo: Modelo de lectura reflexiva, buscando el mejor entendimiento de los textos.
Ernst Gombrich: La idea de Renacimiento gana terreno cuando los italianos se dieron cuenta que, en el
pasado, Italia había sido el centro del mundo civilizado, y que su poder y gloria había decaído cuando las
tribus germánicas y vándalos invadieron el territorio. La idea de renacer estaba ligada al deseo de recuperar
la grandeza de Roma.
Los italianos reprochaban a los godos del hundimiento del Imperio Romano, comenzaron a denominar el
arte de esa época gótico (lo que quiere decir bárbaro),
Brunelleschi no fue sólo el iniciador de la arquitectura del Renacimiento, sino fue quien descubrió la
perspectiva. Previamente no se llegaba a dar a la ilusión de profundidad, pero con Brunelleschi buscó la
forma de solucionar esta problemática y se desarrollaron las leyes matemáticas por las cuales los objetos
disminuyen de tamaño a medida que retroceden hasta el fondo. El nuevo arte de la perspectiva aumentó
aún más la sensación de realidad.
Para un renacer del arte, los artistas se volvieron a la naturaleza, la ciencia y las reliquias del antigüedad
para conseguir sus nuevos propósitos. Para lo cual también se desarrolló un método para representar la
naturaleza con científica exactitud. El arte italiano se guió por buscar una anatomía más correcta respecto a
la perspectiva mientras el arte del Norte buscaba el realismo con un detallismo quisquilloso.
José Luis Romero: Hay un proceso de aburguesamiento de Europa que consiste en la constitución y en la
difusión del espíritu burgués a través de diversos grupos sociales no específicamente burgueses,
El primer avatar de lo que será el espíritu burgués consiste en un conjunto de reacciones que aparecen en
plena alta Edad Media, el espíritu disidente. Éste se manifiesta tan sólo en vagas tendencias que restringen
el alcancen o niegan ciertos aspectos del espíritu cristianofeudal, es decir se insinúan ciertos gestos de
disidencia o rechazo o simplemente la afirmación de otras actitudes, contradictorios a los que se obran en el
seno del espíritu cristianofeudal.
Junto a aquella transformación de ideas, se activó una vida económica la cual desencadenó el florecimiento
de las ciudades, de la manufactura y el comercio (tanto interno como externo). El crecimiento de las
riquezas y el impulso que cobró la economía monetaria favorecieron el desarrollo de la naciente burguesía.
Quienes querían buscar otra calidad de vida, debían desprenderse del sistema de ideas que le era habitual,
debían superar el temor a lo desconocido, supersticiones y creencias que lo ataban a las situaciones
establecidas. El mundo adquirió a sus ojos un valor más alto que el trasmundo.
El hombre en sí pasa a tener otra clase de protagonismo, no como el héroe en guerras o el que reza en
abadías, sino que puede seguir su libre iniciativa.
Dos cosas que el cristianismo, de entonces, condenaba fueron consideradas estimables por el espíritu
burgués: el goce terrenal y el trabajo. El goce se consideraba pecado por ser un apego al mundo temporal,
un apego quizá a las cosas materiales, El trabajo, la actividad lucrativa, era considerada oficio innoble,
porque representaba cierta adhesión a las cosas terrenales,
Baxandall, “El ojo…”: Un objeto reproduce una distribución de luz en el ojo. El cerebro a su vez debe
procesar la información sobre la luz y color que recibe y lo hace por medio de mecanismos natos y de otros
que son resultado de la experiencia. Este proceso brinda una estructura y un significado.
Para la interpretación de una obra se requieren tres cosas:
Depósito de patterns (categorías y métodos de inferencia): reconoce una convención representativa.
Entrenamiento: la habilidad interpretativa, la capacidad para distinguir formas es fundamental para la
atención que se le va a prestar.
Experiencia: propia del contexto y fundamental de la cultura en la que está formado.
El estilo cognoscitivo es un conjuntos de normas de representaciones de un momento determinado. Se
debe estudiar el momento, el estilo cognoscitivo, para entender. Entrar en el espíritu del juego. Al mirar una
obra del siglo XV, se espera habilidad del pintor. También cambia en relación a donde esté el cuadro. Como
habíamos dicho el contexto cultural es fundamental, el equipamiento mental es variable.
Con la imagen se buscó emocionar, mostrar como si se estuviera en el propio momento.
John Rupert Martin: (Siglo XVI) Martín Lutero emprende el movimiento llamado Reforma Protestante,
básicamente era un movimiento contra la Iglesia Católica, no contra el Dios en sí, sino la Iglesia como
institución. Esto hace que la Iglesia Católica pierda mucho fieles y en el siglo XVII emprende una campaña
para buscar a esa feligresía, Una campaña que busca atraer y persuadir a esos fieles cristianos. El poder
papal y monárquico emplea los medios visuales para expresar su poder. (Origen de la propaganda política).
Una de las características esenciales del arte barroco es el naturalismo. La verosimilitud es un principio que
todo artista barroco se adhiere. Los grandes temas tradicionales (mitología, el retrato y el arte sacro) fueron
transformados y dotados de una nuevo contenido por la visión naturalista del Barroco. La nueva insistencia
en el realismo visual está relacionada de forma inequívoca con la secularización del conocimiento y la
expansión de la ciencia en el siglo XVII. Si bien naturalismo barroco era poderoso, estaba condicionado por
una visión metafísica del mundo, Junto al creciente interés científico, persistía la antigua mentalidad
emblemática y alegórica.
La revolución copernicana atrajo un interés por el espacio, el tiempo y la luz. Cuando se descubre que los
planetas orbitan en una elipsis, se reemplazan las figuras geométricamente perfectas (cuadrado, círculo) por
la elipsis (por eso la elipsis en la basílica de San Pedro), Se tiene más conciencia del tiempo y cómo lo
corrompe todo, se es más consciente de la muerte,
El principio de espacio coextenso es sumamente importante en el arte barroco, y es apreciable tanto en la
arquitectura como en la pintura y la escultura. Es un recurso empleado por los artistas para borrar la barrera
impuesta por el plano pictórico entre el espacio real y el espacio fingido de la pintura, como se lo puede
apreciar en las grandes composiciones ilusionistas que cubren los techos de la época. Como resultado de la
integración del espacio real y el espacio ficticio, el observador se siente en partícipe activo del ámbito
espacial-psicológico creado por la obra de arte. Este ilusionismo tiene una finalidad persuasiva: la de
trasladar la atención del espectador de las cosas materiales a las cosas eternas.
El naturalismo y la preocupación del espacio son los factores principales que determinan el paisaje barroco.
La sugestión de movimiento busca evocar la sensación de temporalidad tanto de espacialidad. La mirada
fugitiva, el gesto momentáneo, los aspectos cambiantes de la naturaleza hablan de transitoriedad, de
mutabilidad, del paso fugaz del tiempo. El ciclo del día y la noche, la sucesión de estaciones brindaba a los
artistas otro medio de abordar la infinitud del tiempo.
La luz es uno de los principales medios de expresión del artista barroco. Se entiende como un elemento
necesario del vocabulario naturalista; el dominio realista de los efectos luminosos es de vital importancia. En
la decoración de las iglesias la luz real se introduce frecuentemente como alusión a la intervención divina.
Mediante contrastes de luces y sombras, los pintores hacen referencia a otros múltiples significados
simbólicos.
José Antonio Maravall: El arte de la época está animado por un espíritu de propaganda y para lograr su
objetivos, utiliza el recurso eficaz de la imagen. Se intenta dar el concepto hecho imagen, es decir,
proporcionarle fuerza.
No solamente se sirve de estos recursos la Iglesia, sino que, en la sociedad civil la emplean políticos y
quienes deseen atraer a una masa a sus posiciones ideológicas.
La fuerza de la pintura está en su posibilidad de captar la vida. Para poder operar entre los hombres es
necesario acceder a su realidad, llena de dramatismos, cargada de pasiones, movida, por resortes
psicológicos que hay que conocer para dominarlos y conducirlos. Se abre paso a un tratamiento de temas
nuevos y nueva manera de afrontarlos que no busca embellecerlos ni tampoco imitarlos. Por eso se busca
parte de lo real en lo feo, lo contrahecho, lo deforme. La intervención del artista era activa, introduce un
objeto nuevo utilizando de modelo lo que tiene frente a su observación personal. Es necesario que el pintor
transforme el objeto para darle entrada en el mundo del arte.
Las nuevas estrategias visuales emplea gestos emotivos que a su vez causan emociones en el que los
observa. No se busca la idealización, se emplea la distorsión para evocar a lo real. Se utiliza personas de
estratos sociales más bajos para retratar en las pinturas para buscar la inmersión de éstos.
Henri-Jean Martin/Philip Gaskell: ¿Cuáles eran las situaciones económicas, sociales para el surgimiento
de la prensa de Gutenberg? La peregrinación hizo posible las migraciones temporales y se iniciaron las
Cruzadas religiosas. Con estas se logró reconquistar tierras “sagradas”, lo que abrió las rutas del comercio
que habían permanecido cerradas durante mucho tiempo. Con la creciente actividad del comercio, hubo un
resurgimiento de la escritura (necesidad de tratados, documentos comerciales, etc). Con la existencia de
universidades, hubo una mayor parte de la población alfabetizada.
A principios del siglo XV, tuvo lugar en Alemania un despegue económico con la explotación de minas de
plata, a lo que se sumó el nacimiento de la industria metalúrgica.
El humanismo busca no sólo la unificación de la tipografía, pero también pretende la legibilidad de los
textos, creando reglas de puntuación,
¿Cómo era el procedimiento técnico de la imprenta manual? El papel en ese papel se vuelve más común
que el pergamino.
Para realizar los tipos móviles se requería del punzón, el original de los tipos móviles. Generalmente
tallados, en negativo, por orfebres. Se lo empleaba para dejar un hueco en otra barra y de ahí se fundía una
aleación (resistente para no se desgaste el tipo). Se puede observar que las letras estaban invertidas
porque se trabajaba tipo espejo.
Los cajistas se encargaban de la puesta en página, ordenaba los tipos en la herramienta llamada
componedor. Tenía a su alcance los tipos móviles más usados y el resto de los tipos se encontraban en
cajas. Los espacio en blanco se realizaban con piezas metálicas más bajas que los tipos (así no manchaban
la hoja, justificaba los textos. Una vez terminadas todas las líneas del componedor, el cajista trasladaba su
contenido a una plancha llamada galera que podía contener toda una página tipográfica y seguía con las
próximas hojas.
Los tipos móviles eran entintados con una herramienta llamado tampón entintado, usando oleo.
Los libros ya no se imprimen hoja por hoja, sino en grandes pliegos de papel con su respectiva numeración,
El pliego era colocado entre el tímpano y el frisket (siendo este el que impedía que se ensuciara la hoja),
Los dos pies de la prensa soportaban una viga transversal a través de la cual pasaba la tuerca, Esta tuerca
se giraba para bajar la platina que presionaba la hoja contra la galera que contenía los tipos. Además de
este movimiento vertical, también una acción horizontal que permitía mover el molde hacia la platina o
retirarlo. Cuando se retiraba un pliego, se entintaban de nuevo los tipos y se proseguía a imprimir los
próximos pliegos. El guardalmacén ordenaba las pilas de pliegos hasta obtener un ejemplar completo del
libro. A continuación se entregaban los libros al encuadernador, que doblaba los pliegos de cada libro, lo
cosía y los juntaba en un volumen.
Las iniciales ornamentadas y demás ilustraciones eran realizadas a mano al principio, lo cual fue
reemplazado por la xilografía (grabado en positivo en madera) para agilizar la producción.
Los cajistas eran conocidos como “monos” debido a sus rápido movimientos con las manos. Éstos al
principio trabajaban sentados, pero para una mayor rapidez de producción, empiezan a trabajar parados.
Los prensistas eran conocidos como “osos” debido a la fuerza necesaria para manejar la prensa.
Hobsbawn: La Revolución Francesa y la Revolución Industrial desencadenaron la mayor transformación en
la historia humana. Se produce un profunda cambio del individuo, es recordada como el triunfo de la
burguesía por sobre la nobleza.
Época de crisis para la monarquía francesa y sus sistema económico (gastos de guerra, derroches,
hambruna, población en crecimiento, etc). Hasta entonces los nobles poseían el privilegio de exención de
impuestos pero esto cambia con la última crisis. La nobleza entonces abusa de su poder por sobre el resto,
dejando ambas clases descontentas por la decisión de la monarquía.
En un intento de la aristocracia para retomar el mando del Estado fue convocar los Estados Generales. Aún
sin el consentimiento del Rey, se aprueba el voto individual (buscada por la burguesía, muy inteligentemente
dado que entre el campesinado y ellos eran la mayoría).
A partir de este siglo, XVIII (Siglo de las Luces), un grupo de filósofos se propone a utilizar el razonamiento
que se conoce con la experimentación. Lo que se prueba, existe. En revolución contra lo antes impuesto, lo
incuestionable, como la elección del rey como un ser divino.
Se propone un contrato con la persona elegida para gobernar. Ya sin diferencias “divinas”, todos los
hombres son iguales. Los filósofos crean la enciclopedia que encierra todo el saber, es como la nueva Biblia
de esta generación.
Hugh Honour: El neoclasicismo es el resultado del estallido de lo conocido como la Ilustración. El
neoclasicismo era otro espíritu de reforma que buscaba una pureza y sencillez primitivas, un mundo regido
por las leyes de la razón y la equidad.
El neoclasicismo buscaba volver a la antigüedad pero claramente, sus ideales actuales no podían convivir
con las convicciones retratadas del pasado.
Se puede atribuir el interés por el pasado con el descubrimiento arqueológico de dos ciudades antiguas,
Herculano y Pompeya.
Una de las cosas que los protagonistas neoclásicos aborrecían del Rococó es su fijación por la moda, lo
novedoso. El rechazo del Rococó en las artes se debía a un rechazo de la petulancia, el cinismo y lo infame.
Hubo un profundo recelo hacia los recursos ilusionistas de la pintura barroca y rococó que generaban
efectos de atmósfera y textura al servicio de un lujo privado y decadente. Esta ideología elevaría el status
del artista por sobre el artesano quien buscaba sólo complacer a su patrono. Su obra no sólo sería para su
patrono sino para todo el público.
Los temas serán de índole diferentes a los retratados anteriormente: lecciones de virtudes domésticas,
nobles sacrificios, gestos de estoicismo y heroico patriotismo. El arte sería propaganda de ideales de
patriotismo, hermandad y libertad en vez de alabar a un ser divino o una figura monárquica. Esto exigía un
estilo severo y disciplinado, un estilo honesto y anti-ilusionista, de claridad pura.
Los tonos pasteles fueron reemplazados por colores nítidos que tendían a los primarios pero que a veces
llegarían a su total eliminación en favor a técnicas lineales más rudimentarias. El engaño visual era
imposible con un contorno puro y sin sombras.
En cuanto a la arquitectura. Se busco crear efectos de solidez y solemnidad, se aspiraba a una arquitectura
de pureza primitiva, de ornamentos y molduras.
La pintura histórica iba a reasumir su primacía, con lo cual los artistas recibirían honorarios más altos en
estas piezas por sobre el resto. Esto provoca que surjan las academias enseñen, no ya sólo a la teoría de la
pintura, sino también una formación en historia. Estas academias exhibirían las obras primero para unos
cuantos y luego, se abriría ante el público. Así surgen los museos.
Febvre y Martin: Los primeros incunables tienen exactamente el mismo aspecto que los manuscritos. No
hubo una rápida evolución del libro a penas se inventó la imprenta.
-Caracteres: Letra de suma, la gótica usada en textos escolásticos. La letra de misal, otra gótica más grande
pero menos redondeada utilizada en los libros eclesiásticos. La gótica bastarda. Por último, la más reciente
sería la humanística, la que después se llamaría romana, inspirada en la minúscula carolingia. A la romana
se le puede agregar la cancilleresca, una cursiva.
Debido a que la fundición de tipos móviles de diferentes tamaños, representaba gastar una fortuna, esto
junto a la necesidad de comercializar los ejemplares de una edición en ciudades e incluso países,
ocasionaron la unificación de los tipos regionales.
La humanística gana popularidad, en parte su éxito puede venir que la casa de impresión de Aldo Manuzio
estaba ubicada en Venecia, Italia, ésta además de ser un punto cultural, era también un centro comercial. Si
bien se siguió utilizando la gótica, siendo que las casas de impresión muy pobres usaban el alfabeto anterior
hasta su desgaste total y les compraban los tipos a otros impresores más acomodados cuando éstos ya no
los querían.
-Estado civil: Para buscar mayor información del libro, en el colofón se declaraba el lugar de la impresión, el
nombre del tipógrafo, el título exacto de la obra y el nombre de su autor. A esto se le agrega la marca
tipográfica, que terminó siendo una ilustración publicitaria destinada a indicar el origen del libro y también
para indicar su calidad. (El de Aldo era un ancla con un delfín enlazado).
-Portadas: Al principio nacieron como el anverso de la primer hoja siempre se manchaba, indican el nombre
de la obra. Con el correr de los tiempos, hay países donde se la decora profusamente mientras Aldo decidió
simplificarla, Se adquiriría la costumbre de poner el título entre orlas (grabado en cobre). Frontispicio,
portadas exuberantes arquitectónicas, inspirada en el arte Barroco.
-Textos: Aldo empezó a utilizar la paginación en los libros. Utilizó los caracteres romanos, más grandes que
las góticas y por ende, más legibles. Se comenzó a imprimir los textos no en dos columnas sino en línea
tirada (un bloque) y los títulos de los capítulos se destacaron mejor en espacio en blanco. Menos uso de
abreviaturas.
-Formatos: Aldo saca una edición portátil, el texto impreso en cursiva para buscar un mayor ahorro de
espacio, con lo cual lo hizo económicamente accesible e introdujo un nuevo círculo de lectores. Contraste
entre los libros científicos destinado a la lectura en biblioteca, y el portátil, ligero y transportable, virtualmente
podía ser leído en cualquier lugar.
-Ilustración: Por mucho tiempo se mantuvo la costumbre de las iluminaciones a mano, en los primeros
incunables. Pero debido al tiempo que llevaba, se lo reemplazó con la xilografía (el taco de madera podía
imprimirse junto a la caja tipográfica, ambos estaban en relieve), aunque la imagen solía ser bien tosca. Se
encuentra otro método, el grabado en cobre, con la cual, la imagen puede ser más delicada, puede tener
contraste para generar sombras, líneas más ligeras… su inconveniente reside en que se imprimía separado
del texto, retrasando la producción (el grabado en cobre estaba en negativo, mientras la caja tipográfica en
positivo). Con estas dos últimas invenciones el color pierde protagonismo en la imagen, siendo a veces
coloreada por un iluminador algunas veces. El humanismo, desprecio el papel explicativo de la ilustración,
así pues en los libros que vendrían no se utilizarían imágenes en absoluto.
-Encuadernación: Previamente hecho con tapas de madera, a veces revestidos con cuero y piedras
preciosas (con la idea que el libro es un tesoro patrimonial). Con el correr del tiempo, los encuadernadores
debían encontrar una solución para poder hacer su función más rápido, con igual calidad y con menos
costos para poder satisfacer la demande de una clientela creciente e incluir quienes tenían menos recursos.
Se reemplazó la madera por tapas de cartón, hecho a partir de papeles viejos pegados uno a otro. Se buscó
imprimir la tapa de una sola vez con una place que abarcaba toda la superficie
Sandra Szir: Fue quien difunde el libro como mercancía.
El humanismo era un movimiento que apoya el estudio del hombre, sus prácticas científicas y de
conocimiento (filosofía, medicina, astrología, etc). Aldo tenía la aspiración de hacer nacer la civilización
griega y romana a través del rescate de su lengua y literatura. También creía que todos los textos habían
sido manipulados o mal traducidos y en vez de obtener el texto propio del autor, era más bien una
interpretación del editor. Para ello conformó la academia aldina, él junto a otros eruditos debatían los textos
para escribir lo más aproximado a la edición original, reduciendo las glosas, referencias e interpretaciones
de los lectores.
La edición humanista pone en circulación un programa innovador que consistía en un corpus de textos
clásicos revisados. Rechazaban los grandes folios escritos a dos columnas, como también el grueso cerco
de comentarios escritos en letra chica, que para los humanistas era una distorsión intelectual y visual,
La innovación de la itálica conduce a retomar la otra innovación, la del libro de bolsillo. Aprovechó la
familiaridad de los lectores con la itálica, la utilizó para ganar espacios en la línea y en la página estrecha, le
permitió poner al alcance de un público más amplio los escritos de los clásicos grecolatinos.
Cabe destacar el cuidado que tenía Aldo al elegir los soportes. Acostumbraba a proveerse de un papel de
calidad, el Fabriano, Cambió las duras tapas de madera por tapas de cartón, inventó el lomo plano,
implementó la piel de cabra fina, que sustituyó a la piel gruesa y pergaminos que antes se utilizaban,
llamada tafilete. Manuzio le aplicaba los hierros y dorados al fuego.
Manuzio prefirió los libros sin ilustraciones ni ornamentos, prácticamente todos los componentes formales
de la página aldinas están basados en la tipografía.