Historia tercer trimestre

1. Renacimiento y Barroco en las artes de la música.

Los músicos italianos del 1600, ante el nuevo cambio del que eran conscientes,
inventaron nuevas formas de expresión musical como el basso continuo, la
monodia y el recitativo, las disonancias no preparadas… La gran aparición del
momento fue la ópera.

El término Barroco se acuña en el silgo XIX y comprende las fechas 1600-1750.

Hace referencia a una piedra de forma irregular en portugués, lo que describe
la música estrambótica del Barroco. La característica más destacable del
barroco respecto a su motivación es la necesidad de mover los afectos
(sentimientos más fuertes) y el dramatismo.

2. Monteverdi y la seconda práctica.

Monteverdi: es un compositor de obras vocales y dramáticas (entre ellas piezas

sacras, madrigales y óperas). Su música se adapta al texto y aplica técnicas
expresivas combinando estilos capaces de expresar sentimientos acordes a la
música.

Servía al duque de Mantua como uno de los intérpretes de viola y viola da

gamba más consumados del momento. Tras su primer matrimonio publicó sus
primeros madrigales en cinco libros. Después de ello publicó sus primeras
óperas, L´orfeo y L´Arianna, entre las cuales su mujer falleció quedando a cargo
de tres hijos. Tras un ataque de crisis nerviosa recibió un aumento de sueldo.
Tras su despido en 1612 fue contratado en la capilla de San Marcos.

Siempre tuvo interés por la música profana. Murió a los 76 años.

Segunda práctica: para transmitir con exactitud lo que el texto quería expresar
se frecuentaba el quebrantamiento de las normas musicales. A causa de un
madrigal con estas características de Monteverdi, varios músicos de la época
criticaron su falta de compromiso con las normas contrapuntísticas, a lo que el
compositor, junto con su hermano, escribieron una breve respuesta en la que
expresaban que para ellos existían dos tipos de prácticas. La primera se basa en
la escuela de Zarlino (deben seguir sus propias normas), la segunda en los
italianos modernos (al conocer las normas pueden ir por encima de ellas).

3. Temperamento mesotónico.

La unión de varios instrumentos para realizar música trajo consigo el problema

de la afinación. Varios sistemas de afinación se derivaban de siglos anteriores.
Las voces e instrumentos similares al violín podían variar su afinación a lo largo
de la interpretación, pero los instrumentos como la tecla debían permanecer
 con la misma afinación desde el comienzo de la obra. Con el temperamento
mesotónico aseguraban la afinación correcta para tocar en estas agrupaciones
con las tríadas diatónicas. Los instrumentos de trastes debían usar el
temperamento igual para ajustar las octavas.

4. Los inicios de la ópera y la camerata florentina.

La ópera: es un drama con presencia continua, dividida en actos y con música

de forma continua, actuaciones, decorado y vestuario. El texto de la ópera se
denomina libreto (con o sin rima).

Los precursores de la ópera son los discursos litúrgicos griegos y los dramas
litúrgicos medievales. También influenciaron las obras teatrales renacentistas.

Una de las fuentes fue el drama pastoral (música y texto intercalado). En ellos
se mezcla mitología, amor juvenil, doncellas, etc.

Otra fue el madrigal, dramas en miniatura. Se suelen agrupar de forma que las
escenas continuadas de distintos madrigales se suceden, a esto se lo conoce
como comedia madrigal o ciclo de madrigales.

La más influyente de todas fue el intermedio que se interpretaba en las obras

teatrales, interludio musical sobre asuntos personales, alegóricos o
mitológicos.

Camerata florentina: Mei (editor de dramas griegos y estudioso sobre los

mismos) comunicó a sus compañeros Bardi y Galilei (padre de Galileo) sus
inquietudes musicales. El grupo se reunía en la casa de Bardi para tratar dichos
temas. Se hacían llamar camerata (grupo o asociación). Galilei defendía que
solamente una línea melódica era capaz de expresar el verso poético
(monodia), contrario al argumento de Mei.

Caccini, parte de la camerata, decidió componer ciertas obras de carácter

monódico tituladas Arias. Añadió distintos ornamentos fundamentados por las
opiniones de sus compañeros.

5. La ópera en Roma, Venecia y fuera de Italia.

Bardi se trasladó a Roma con un nuevo patrocinador para seguir investigando.

En 1600 presentó su obra teatral musical más extensa hasta el momento.

A su vez, en el mismo año, Peri presentó su obra L´euridice, donde Orfeo, con
su canto, pudo llegar hasta las profundidades del infierno para rescatar a su
difunta esposa Eurídice. Para los diálogos de la obra inventó lo que ahora
conocemos como recitativo (a medio camino de discurso y canción). Mantuvo
 el bajo continuo mientras desplazaba la voz con disonancias libres. Cuando una
sílaba debía acentuarse usaba la consonancia con el bajo.

En su obra identificamos tres monodias: prólogo, estribillo (ritornello) y

sinfonía.

·Florencia à Tras L´euridice sólo se escribieron unas pocas óperas más, como
Dafne. Francesca Caccini fue quien mejor ejemplificaba los géneros de la
época. Fue cantante, maestra y compositora (de los músicos mejor pagados de
su momento).

·Roma à en la década de 1620 fue donde proliferó más la ópera, siendo el

centro cultural de la misma. Los temas eran diversificados, pero entre ellos
encontramos pastoriles y mitológicos, poemas épicos, vidas de santos y
primeras óperas cómicas. El canto se dividió claramente en recitativo (similar al
de Monteverdi) y aria (más melodiosa y estrófica). Normalmente, en la
representación se incluía conjunto vocal (con canto coral y danza) extraído de
los madrigales, siguiendo el modelo de las obras de teatro clásico. Las mujeres
tenían prohibido el acceso al escenario, por lo que era frecuente recurrir al
castratti.

·Venecia à en 1637 se inaugura en Venecia el primer teatro de ópera, el teatro

San Cassiano. Esto favorecía al púnlico para ver las actuaciones, ya que antes
solo podían disponer de ello los aristócratas. Aprovechando el movimiento
cultural, se instalaron cerca mercaderes y se frecuentaba el uso de carnavales.
Las óperas de temática mitológica cobraron importancia, desde Homero hasta
Virgilio. La separación de aria y recitativo propio de roma se continuó, con la
diferencia de que esta última tenía más números por acto, propias del compás
ternario, armonía simple y melodías suaves y fluidas. Las cantantes y castratti
eran muy solicitados y bien pagados.

·Fuera de Italia à los demás países, viendo el éxito generado en Italia y la gran
cantidad de demanda del público, decidió imitar el proyecto en base a la ópera.
Sabemos que hubo en encargo sobre una ópera de Cavalli en Inglaterra, pero
sin saber si se llegó a representar. Tirol poseía un teatro de estilo veneciano
para la representación de las óperas construido en 1654. La ópera italiana reinó
en toda Europa, menos en Francia, quienes desarrollaban su propio estilo
operístico.

6. Música de cámara en la primera mitad del siglo XVII.

Los músicos de la época dividían en distintos grupos la música: música sacra,

música de cámara y música para el teatro. Con la aparición de la ópera se
desarrolla también en el mundo de la música de cámara un estilo similar de
influencia directa entre 1600 y 1650.
 La música de cámara vocal para las élites combinó elementos del madrigal, la
monodia, canciones de danza, recitativo dramático y aria. Fue muy frecuente el
uso de ritornelos (esquemas de bajo que se repetían). Los 3 desarrollos más
famosos de Italia fueron: estilo concertato, basso ostinato y cantata.

·Concertato à las obras profanas de estilo concertato se componían para una,

dos o tres voces y a menudo estaban acompañadas por instrumentos. Las
formas se basaban en recitativos, arias, madrigales, canzonettas, etc. Es el
proceso del concerto madrigal, tratado por Monteverdi desde el 8.

·Basso ostinato à son obras que usan un bajo que se repite mientras cambia la
melodía por encima. La mayoría está en un ¾ o compuesto con extensión de
dos, cuatro u ocho compases. En España había un bajo muy conocido,
Guárdame las vacas. Otro esquema distinto es el que usa un bajo que
desciende continuamente. También conocemos la chacona, una danza
española vivaz importada desde América latina.

·Cantata à nace en Italia como un género musical para ser cantado. A

mediados de siglo el significado cambia a composición profana con continuo,
generalmente para voz y solista sobre un texto lírico o casi dramático. Rossi y
Cesti destacan.

·Fuera de Italia à el estilo italiano de la monodia se desplazó a Alemania e

Inglaterra. El género que más destacó en Francia fue el air de cour, homofónica
y acompañada con laúd.

7. Música sacra y católica en la primera mitad del siglo XVII.

Conciertos sacros sobre textos religiosos con bajo continuo, procedimiento de

concertato, monodia y recitativo y aria. Sin abandonar el estilo antiguo
impuesto por Palestrina como el stile antico y con la invención de nuevos
modelos, como el stile moderno.

·Concierto sacro a gran escala: se escribían salmos, vísperas, movimientos de

misa y otras obras. Gabrieli y Benevoli destacan.

·Pequeño concierto sacro: con uno o más solistas acompañados por un órgano
en el continuo, uno o dos violines se podía realizar en cualquier iglesia.

·Música en los conventos: era la que menos escuchaba el público. Se hacía todo
lo posible porque las mujeres no pudiesen cantar ni tener relación directa con
músicos de renombre. Vizzana es una de las mujeres que más destacó a pesar
de las trabas por parte de Roma, publicando libros en 1623.

·Oratorio: obra que combina narración, diálogos y comentarios (ajena a los

oficios). Sus libretos están en latín o italiano. Carissimi destaca.
 ·Música de la Iglesia luterana: adoptaron el concertato y las técnicas
monódicas. Continuaron con la rama del motete.

8. Henry Schutz, características y obras.

Conocido por su música sacra. Estudio composición con Gabrielli. Compuso

para todas las ceremonias importantes de la corte, sacras y profanas. Visito la
ciudad donde se encontraba Monteverdi y regresó a Alemania con el puesto de
maestro de capilla. Es particularmente conocido por reflejar el mensaje del
texto con la música.

Publicó sus obras en distintas colecciones con notable variedad. Combina el

cuidado por el texto propio de los alemanes y el concierto veneciano a gran
esacala. Con la aparición de la guerra de los treinta años publicó una serie de
pequeños conciertos sacros. Tras la guerra presenta una obra a gran escala con
todos los recursos a su alcance, Saul, was verfolgst du mich. En esta obra
encontramos una gran figuración musical para transmitir el significado de las
palabras.
Otras obras son Las siete últimas palabras de Cristo y Su historia de navidad,
más relacionadas con la historia.

9. Música instrumental de la primera mitad del siglo XVII.

Buscando la innovación y respetando la tradición va a la par con la música

vocal. Tomaron inspiración de distintos lenguajes incorporados con el tiempo,
como el bajo continuo, el interés por mover los afectos, la concentración en el
solista y la ornamentación virtuosa, composición idiomática, contraste
estilístico y estilos específicos como el recitativo y el aria. El violín emuló la voz
humana y asimiló numerosas técnicas vocales.

Tipos de música instrumental:

·Obras para laúd o tecla de carácter improvisado à tocata, fantasia o

preludio.
·Piezas fugadas en contrapunto imitativo permanente à ricercare,
fantasia, fancy, capriccio o fuga.
·Obras con contrastes en secciones (a menudo con contrapunto imitativo)
à canzona o sonata.
·Composiciones con melodías ya existentes à verso de órgano o preludio
coral.
·Oras que modifican la melodía dada à Variaciones, partita, chacona,
pasacaglia…
·Danzas o piezas con ritmo de danza à Suite.
 Tal como en el resto de artes musicales que se desarrollaban en ese
momento, la música instrumental tuvo un fuerte arraigo por la tradición ,
pero sin dejar de desarrollar nuevas técnicas y estilos.

10. Música sacra en la corte de Luis XIV.

La música francesa se centro sobre todo en la danza y el papel de las artes

monárquicas.

Luis ascendió al poder con 5 años tras la muerte de su padre, pero el reino fue
regentado por su madre y su amante. Sin embargo, la gente sentía cierto
desprecio por este gobierno ya que estaba comandado por dos extranjeros
(siendo su madre una Austria). Al considerarse a sí mismo como el rey sol, se
familiarizó con la figura de apolo y contribuyó a la expansión de las artes
propias como la música, la danza y la ciencia.

Uno de los principales centros culturales establecidos fue el del callet de la

corte, drama musical con vestuario y escenografía. Poseía varios actos, cada
uno con canciones para solistas, coros y danzas instrumentales.

La música de la corte estaba organizada por el Estado. La música de cámara

estaba interpretada en el interior del palacio. La música de la Gran Caballeriza
estaba interpretada al aire libre con instrumentos de viento metal y timbales
para mayor potencia sonora.

El violín fue el instrumento insignia de la época, tal fue el impacto del mismo,
que hasta el propio Luis XIV estableció los veinticuatro violines del rey.

11. Lully y Charpentier.

La música de Lluly (ballet y oficios religiosos) fue la más solicitada por el rey
Luis XIV. Escribió música francesa que estableció las bases de la ópera francesa.
Mazarino intentó establecer la ópera italiana con Orfeo, pero con la situación
política y artística de la época la gente la acabó por rechazar.

Con la presentación de su Ballet de la nuit el rey Luis quedó tan impresionado

que le contrató como su compositor de corte. Además, estuvo al frente de los
petit violons y los veinticuatro violines del rey. Su estilo de ornamentación
ligado a su conocimiento del instrumento del violín suscitó una gran admiración
por parte del mundo artístico sobre la orquestación y dirección de la orquesta.
Murio al golpearse con un bastón con el que dirigía al gangrenarse.

La forma francesa de la ópera que mas desarrolló fue la tragédie lyrique. Cada
ópera comenzaba con una overture que señalaba la entrada del rey y le daba la
bienvendia al auditorio. Incorporaba divertissement al final de cada acto. En un
intento del acercamiento del recitativo italiano al francés, gran parte del
 esfuerzo de Lluly se ve reflejado en la técnica de los actores a los cuales imitaba
para la solución de los acentos. Había dos tipos de recitativos.

-Récitatif simple: contorno general del francés hablado.

·Recitatif mesuré: más pausado en el acompañamiento.

Incorporaba las notes inégales (alternancia de notas largas en acentos de

compás) y el puntillo alargado (la nota con puntillo se alargaba más de lo que
estaba escrito).
Los intérpretes debían utilizar los agréments (ornamentos breves escritos o no
que debía realizar).

Charpentier fue uno de los compositores más conocidos en la canción y la

cantata. Adaptó estilo italiano y francés en sus obras. También es conocido por
su música sacra, concretamente en el petit motet y el grand motet, sobretodo
en este último. Introdujo el oratorio en latín.

12. Música para teclado de la primera mitad del siglo XVII.

Floreció en Francia en la primera mitad del siglo XVII y dejó huella indeleble en
el estilo francés. El clavecín reemplazó al laúd como el instrumento solista, pero
añadió parte de su estilo al mismo. Couperin destacó en este instrumento. Los
agréments fueron los ornamentos más reconocibles de la música francesa y,
por ello, en el clavecín tomó una gran releavancia. El style luthé (style brisé) fue
imitado por los clavecinistas, que consiste en dar a entender que cierta línea
melódica sigue sonando con la esperanza de que el oyente pueda seguirlo.

La mayor parte de la música para este instrumento se da en el ballet, más

concretamente en forma binaria. Obras como la Allemande, la courante, la
sarabande, a guige, el rondeau, la gavotte o el minueto se ven envueltos en
este instrumento de forma directa.

13. Barroco inglés, español y del nuevo mundo.

·Barroco inglés à recoge inspiración de Francia e Italia. El mecenazgo seguía

siendo importante, pero la música para el público se empezó a expandir. El rey
de Inglaterra compartía gobierno junto al parlamento.

Una de las reuniones más importantes artísticas es la masque, un encuentro

donde se reúnen la danza, la música, canciones, coros, vestuarios, escenografía
y tramoya.

Entre los compositores más destacados se encuentra Henry Purcell. Este

compositor sigue una rama similar a la de Lully, con influencia italiana en
ciertas arias dadas con el bajo ostinato, usano en tetracordo descendente
 como lamento. En sus recitativos se basa en otros ingleses como Locke y Blow,
melodías de moda adaptadas al texto inglés… Su obra más famosa es Dido y
Aeneas, compuesta el mismo año de la boda de los reyes de Inglaterra. Escribió
también ópera dramática o semi-ópera (obertura y 4 o más masque).

La música inglesa destaca por obras vocales para coro, solistas y orquesta,
tanto como en obras denominadas catch o round, de texto humorístico. El
anthem se mantuvo vigente. Se publicaron distintas recopilaciones de melodías
centradas en el baile.

·España y el nuevo mundo à España se convirtió en el imperio más grande de

la tierra, lo que conllevó también un aumento abismal de su riqueza. Al perder
Portugal y Brasil (ambas se independizaron) tras la guerra de los Treinta Años
contra Francia no volvió a tener un poder militar igual al de aquella época. Con
la gran cantidad de territorios hubo emigración hacia los mismos,
compartiendo culturas, músicas y danzas que se distribuyeron por todos ellos.

Se desarrollaron óperas nacionales denominadas zarzuelas, obras escénicas

ligeras de asunto mitológico, en ambiente pastoral y con alternancia entre
diálogos cantados y hablados. Hidalgo fue el mayor representante del estilo y
quien asentó las bases de la zarzuela. Las síncopas son clave en la canción
española.

La música vocal destaca en el romance, compuesto de dos a cuatro voces o

para solista con acompañamiento de guitarra o arpa. La tonada es una canción
solista. No hay mucha música impresa a falta de imprenta en España.

Respecto a la música sacra triunfa la misa con polifonía imitativa. Pero el

género más importante fue el villancico, compuesto para un coro, solista con
coro o voz solista con continuo, además de incorporar la lengua vernácula. Se
basa en un estribillo y varias coplas.

En música instrumental destacan el órgano, arpa y guitarra. Se usa el tiento

como pieza propia de órgano, en cambio, para la danza destaca más el uso de
la guitarra y arpa, con bassi ostinato o esquemas armónicos definidos.

14. El violín y Corelli.

Los géneros más destacables de la música italiana para cuerda son la sonata y
el concierto instrumental. La evolución de la sonata se da en su estructura,
desde un esquema pequeño y modesto a una obra cada vez más grande y
extensa con movimientos contrastantes.

Sonata: sonata de cámara, serie de danzas estilizadas con preludio y sonata da

Chiesa, movimientos abstractos a menudo con movimientos que utilizaban
 ritmos de danza o formas binarias. Si se interpreta una sonata con violín y
continuo se le denomina sonata de trío.

Corelli: representa la música de cámara italiana y es conocido como violinista,

profesor, composición y fue influencia directa a compositores posteriores. Puso
énfasis en el virtuosismo, sobre todo en las sonatas de trío, las cuales constan
de 4 movimientos emparejados en orden 1.lento-2.rápido-3.lento-4.rápido. No
se conserva música vocal por su parte.

1. Lento: contrapuntístico, majestuoso y solemne.

2. Rápido: allegro fugado con importancia del bajo.
3. Lento: dúo lírico y operístico.
4. Rápido: ritmo de danza y binario.

Las sonatas de cámara suelen basarse de un preludio y dos o tres danzas a lo

suite francesa. Elabora mucho las candezas. Las sonatas de trío, sonata de
violín solo y concerti Grossi son las que más trabaja.

15. Órgano en Alemania y Buxtehude.

La edad dorada del órgano se aproxima entre el 1650 y 1750, en Alemania.

Destaca Buxtehude en el norte del país y Pachelbel. Los constructores
alemanes del instrumento se basaron en los modelos franceses y holandeses, al
igual que las composiciones mezclan el estilo italiano, francés y propio alemán.
Los tubos del órgano estaban divididos en dos grupos, el principal y el
secundario. El principal estaba situado por encima del intérprete, mientras que
los otros grupos secundarios podían distribuirse por delante de él, por encima
del grande principal y, algunos órganos situados en la galería de coro se
denominaban órganos corales, ya que algunas obras para órgano servían como
preludio para las obras vocales que se tocaban a continuación.

Buxtehude es un compositor y organista aclamado en su época, el cual

incorpora una cantidad de obras representativas de tocatas. Debido a las
características fundamentales de la base del órgano y el tipo de instrumento
del que se trata da pie a una gran cantidad de carácter virtuoso. Tocó en la
iglesia de Santa María hasta el fin de sus días, donde alcanzó una gran fama por
unos conciertos públicos que daba en dicha iglesia.

Sobre la obra más interpretada en el órgano (tocata, preludio o praludium)

conocemos que contenía secciones fugadas. Al componer dicha obra de estilo
algo más libre pero contrapuntístico, se interpretaba después otra obra fugada,
donde imitando al ricercare las voces iban entrado sucesivamente. Al grupo de
todas las entradas se le conoce como exposición, donde la primera melodía
entra en tónica y la que le sigue entra en dominante. Tras las presentaciones y
alguna extensión más se da pie a los episodios.
16. Vivaldi y su influencia.

Fue uno de los músicos más importantes de su época. De origen veneciano es

el mayor de nueve hermanos. Es conocido como el sacerdote rojo debido a su
color de pelo. Su primer empleo fue en un hogar para niños y huérfanos
pobres. Luego fue contratado como concertino, una posición con más
responsabilidad. Dependiendo de quien fuera el que le proveyese dinero
compuso música de distinto tipo y género.

Las clases que impartía solo podían ser impartidas a hombres, pero si una
mujer daba clases debía prometer no tocar nunca en público, pues el fin era
hacerlas atractivas al matrimonio. Escribió oratorios y música para misas y
óperas, así como conciertos.

Los conciertos de Vivaldi son muy reconocidos por su frescura melódica, el

ritmo con brío, un hábil tratamiento del color por parte del solista y la orquesta
y una gran claridad de la forma que los ha convertido en eternos favoritos
entre sus obras. Su orquesta de la Pietra contaba con diversos instrumentistas,
de entre los cuales 20 o 25 eran de cuerda acompañado por clave u órgano.
Aplicó el pizzicato y la sordina como elementos a destacar. Seguía un esquema
introducido por Albinoni de tres movimientos (inicial rápido, segundo lento con
misma tonalidad o relacionada y uno final en tónica).

El uso del ritornello es muy importante en su música, pues:

·Alternan con episodios solistas y orquesta.

·El inicial está compuesto por pequeñas unidades.
·Los episodios solistas se basan en el virtuosismo.

A pesar de todas las fórmulas usadas la música de Vivaldi exalta un aire de

frescura e innovación únicos en su época.

Influencia: Sus sonatas en trío y a solo marcan unos cambios estilísticos en la

primera mitad del siglo. Establece la sinfonía clásica a través de distintas obras.
El mismo Bach fue uno de los influenciados por su música.

17. Couperin y Rameau.

Couperin à fue uno de los compositores que más solicitaban una unión entre
los estilos francés e italiano. Fue compositor, pero también maestro de gran
parte de la aristocracia. Los títulos de sus obras son evocativos. Respecto al
barroco francés marcó la diferencia en el arte de tocar el clave, un libro que
publicó como enseñanza para el instrumento. Plasmó la necesidad de unión de
estilos en su música de cámara, además de destacar en las sonatas en trío.
También escribió 12 suites que llamó concerts para clave (con un preludio y
varios movimientos de danza).
Rameau à su vida fue muy interesante desde el punto de vista de su oficio, ya
que se pasó gran parte de su vida en la interpretación (edad temprana), luego
como teórico durante diez años reconocido en toda Europa (de 40 a 50) y como
compositor en el resto de su vida. Es el sucesor de Lully respecto a las óperas.
Inspirado por las mentes racionales de su tiempo desarrolló una teoría
armónica explicada sobre principios demostrables y defendidos. Basa su teoría
en la fundamental de cada acorde, a partir de ahí desarrolla según su
importancia tensional las distintas funciones que hoy en día conocemos, la
tónica, dominante y subdominante. Además, reconoció los cambios que puede
tener una pieza al salirse de su centro tonal, llamándose a dicho proceso
modulación. También compuso gran cantidad de óperas, las cuales crearon
controversia por ser demasiado intelectuales, separando en dos bandos al
público francés. Aprovechó las progresiones y los cromatismos de manera muy
concisa y pensada. También destacó su intento por no diferenciar en gran
medida en air del recitativo. Su reputación era de renombre por sus
composiciones y su arduo trabajo como analista.