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III. HISTORIA DEL ARTE BARROCO


INTRODUCCIÓN: EL CONCEPTO DE BARROCO
Con el siglo XVI, Europa se adentra en una nueva etapa de grandes cambios
económicos, políticos, religiosos, y como no artísticos: la Europa del
Barroco. Una etapa en el que rompe definitivamente con el clasicismo del
arte renacentista – iniciado ya en el siglo XVI con el manierismo- y en el que
se apuesta por un nuevo modelo de arte, un nuevo concepto de arte que
será la muestra de los acontecimientos que tuvieron lugar entre los siglos
XVII y XVIII. Es por ello que puede definirse el Barroco como “el conjunto de
manifestaciones artísticas desarrolladas en Europa durante los siglos XVII y
XVIII”. Un estilo italocéntrico – al igual que el Renacimiento- que se difundió
por Europa a lo largo de los siglos XVII y XVIII, convirtiendo a Francia en el
segundo de los grandes países donde el Barroco tuvo una fuerte presencia.
El arte barroco ocupa el siglo XVII y la primera mitad del XVIII. El siglo XVII
es el barroco puro, mientras que la primera mitad del siglo XVIII es el
llamado barroco tardío o rococó. La palabra Barroco deriva del portugués
"barrueco", cuyo significado es “artificioso, anormal, recargado,
extravagante”. Un concepto peyorativo acuñado en el siglo XIX para hacer
referencia al arte desarrollado en Europa entre los siglos XVII y XVIII ya que
consideraban una antítesis del arte renacentista. No será hasta el siglo XIX,
cuando el Barroco sea considerado un estilo particular, con sus propias
características, y con ello se pierda su concepción peyorativa. En el siglo XX
experimenta una notable revalorización gracias a diversos tratadistas y ya
no se considera un arte decadente, sino exuberante, lleno de creatividad.
Es el arte de la exaltación de la forma, de gran fantasía, con tendencia a la
exageración. España será uno de sus principales focos y hará aportaciones
únicas al arte universal. El arte barroco es un reflejo de los cambios que se
desarrollan en esta época. ES UN ARTE DE CRISIS. La Europa del Barroco es
una etapa de crisis e inestabilidad política y económica. Un periodo de
guerras, hambres, epidemias, cambios políticos – aparición de las
monarquías absolutas-, división del cristianismo con la Reforma
protestante…. Acontecimientos negativos que contrastan con la riqueza del
arte Barroco. Y es que, como muchos especialistas señalan son
precisamente en las etapas convulsas y de crisis donde siempre ha habido
mayor producción artística, quizás debido a que el ingenio de los artistas se
agudiza. Es por ello que podemos diferenciar tres tipos de barroco a partir
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Este es uno de los periodos más importantes de la historia occidental ya que


contribuyó en la construcción de la identidad europea que buscaba una
forma de escapar del clasicismo proveniente del Renacimiento. Además,
jugó un papel importante en los conflictos religiosos que se daban en la
época pues se enfrentó a los protestantes quienes construían edificios
sencillos y humildes para los cultos con construcciones elegantes,
majestuosas y complejas, se podría decir que el arte barroco actuó como la
expresión estética de la Contrarreforma.

IV. CARACTERISTICAS DEL ARTE BARROCO

 Representación de sentimientos y emociones más que por la mera


imitación de la realidad que rodeaba a los artistas de la época.
 Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían
sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan representarlas de
manera altamente expresiva.
 Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.
 Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos
escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras
arquitectónicas.
 Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las
escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
 La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y
escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los
pintores pretendieron siempre en sus obras la representación
correcta del espacio y la perspectiva.
 El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las
figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos
sino de manera individualizada, con su personalidad propia.
 Los artistas buscaban la representación de los sentimientos
interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente
reflejados en los rostros de sus personajes.
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 La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte


barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte
occidental.
 Los edificios solían construirse con materiales pobres, pero resaltando la
majestuosidad y la monumentalidad de la obra

VI.ESCULTURA BARROCA EN EUROPA


ITALIA:
 Gian Lorenzo Bernini
Quien fue capaz de plasmar los conceptos manieristas de forma
espectacular. De hecho, ha sido alabado por su habilidad para expresar en
la piedra momentos de absoluta tensión corporal. (Ver Anexo N°1)
Tema: esta escultura es de temática mitológica, ya que representa a Apolo,
una de las principales divinidades olímpicas greco-romanas, persiguiendo a
la ninfa Dafne, que intenta escapar y, tras invocar a su padre, se transforma
en laurel para que el Dios no la pueda tomar como esposa.
Material: el material utilizado en esta talla es el mármol típicamente
clásico, con una superficie muy pulida en los rostros o la piel, aportando así
un gran realismo a las anatomías, y más rugosa en otras, especialmente en
los pies de Dafne, que están enraizando en el suelo o en las manos, que se
convierten en laurel. El autor utiliza el mármol con un gran virtuosismo,
destacando especialmente su tratamiento en las hojas, que parecen casi
translúcidas.

EL ÉXTASIS DE SANTA TERES (1645-52). Mármol. 350 cm. altura. Capilla Cornaro, Iglesia de
Santa María de la Victoria de Roma. Barroco italiano. (Ver Anexo N°2)

Tema: RELIGIOSO, recoge una de los acontecimientos que Santa Teresa de


Jesús describe en su biografía, según el cual en una de sus éxtasis se le
aparece un ángel que le clava un dardo en el corazón como símbolo del
amor de Dios. Se representa a la santa en un espacio irreal, flotando sobre
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una nube, de forma que el espectador cree que es el mismo el que está
teniendo una visión. El cuerpo de Santa Teresa aparece completamente
inerte, abandonado en su visión, que se convierte casi en una experiencia
sensual por la expresión del rostro. Esta actitud contrasta con el dinamismo
y la actitud del ángel que se dispone a clavar el dardo.

Material: Escultura en mármol y motivos en bronce.


FRANCIA:
 Pierre Puget
Constituye uno de los máximos exponentes de este movimiento. Es más, su
prolífica carrera le condujo a trabajar incluso en la elaboración decorativa
del Palacio de Versalles. Una de sus obras más populares es el 'Milón de
Crotona', en la que el escultor representa al atleta griego siendo devorado
por un león.
La expresión del rostro del individuo manifiesta con total claridad la tortura
a la que está siendo sometida, así como el miedo ante la apremiante
muerte. El conjunto estructural resulta trágico, pero de una belleza
extrema. Se encuentra expuesto en el Museo Louvre de París.(VER ANEXO
N°3)

TEMA: Según la leyenda, Milón de Crotona, ya envejecido, prueba su


fuerza abriendo el tronco de un árbol que se encontraba fracturado en
forma de cuña, de tal manera que su mano queda encajada en el tronco, el
protagonista, atrapado, termina siendo devorado por las bestias.

Material: La escultura es una obra exenta elaborada en mármol, mide:


2,70 metros de Alto x 1,40 metros de Largo x 0,80 metros de Ancho.

ESPAÑA:
 Gregorio Fernández
La mayor parte de las creaciones españolas tuvieron un carácter católico.
Los trabajos se definen por la policromía y la riqueza en lo que a testimonio
de dolor se refiere. Un ejemplo de ello es la copiosidad de sangre. Dentro
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del arquetipo del artista español de la época, podemos aludir a Gregorio


Fernández. (Ver Anexo N°4)
Tema: Entre sus trabajos sobresale la figura de 'Cristo yacente'. Se
encuentra en la iglesia de San Miguel y San Julián en Valladolid. Esta imagen
es el perfecto reflejo del patetismo icónico. La exposición de Cristo ya sea
moribunda o sufriendo tortura es común en los escultores nacionales.
Material: Madera tallada y policromada

VII.PINTURA BARROCA EN EUROPA


- Uno de los rasgos esenciales de este amplio período artístico es que
durante su apogeo las artes plásticas lograron una integración total: la
arquitectura es monumental, con fachadas pletóricas de mármoles y
estucos, caracterizadas por la proyección tridimensional de planos
cóncavos y convexos, que sirvieron de marco teatral ideal a las apoteósicas
pinturas y a las dramáticas esculturas de mármol blanco que decoraban sus
exteriores e interiores, llegando a ser excesiva la decoración.
- En síntesis, el Barroco es el estilo de la grandilocuencia y la exageración.
- El porqué de estas peculiaridades lo encontramos en el hecho de que el
Barroco fue una especie de expresión propagandística, el absolutismo
monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma lo utilizaron como
manifestación de su grandeza, mostrando mediante el arte que en ellos
está la "Verdad" y el "Poder".

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA BARROCA


- Las obras pictóricas barrocas, liberadas de la geometría de los cuadros del
renacimiento, se caracterizaron por la composición radial, en la que
personajes y objetos parecían salir disparados desde el punto central hacia
las diagonales, que se cruzan indefinidamente en planos diferentes,
creando la sensación de que los personajes se escaparán del cuadro.
- Las formas son voluptuosas y exageradas y las figuras cobran expresividad
y, envueltas en mórbidas telas, se abrazan las unas a las otras en actitudes
patéticas y dramáticas, a veces, incluso imposibles.
- Se busca representar la realidad mediante un acentuado naturalismo,
recurriendo para ello incluso a lo feo o viejo.
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- El color se convierte en el principal protagonista de la pintura, dejando


definitivamente al dibujo en un segundo plano. Los contornos se esfuman
en rápidas pinceladas.
- Hegemonía de la luz en las composiciones, creándose el espacio mediante
el extremo contraste del claroscuro, el tenebrismo.
- El dominio de la tercera dimensión, del volumen y la profundidad, es
absoluto.
- Durante el Barroco la técnica protagonista es la pintura al óleo sobre
lienzo.
- Los temas favoritos deben buscarse en la Biblia o en la mitología
grecorromana; también es el momento de esplendor del retrato; además
se desarrollan otros temas nuevos, como el paisaje, ahora como género
completamente independiente, las marinas, los bodegones y naturalezas
muertas.
- El Barroco, en suma, dio grandes maestros, que si bien trabajaron según
distintas fórmulas y a la búsqueda de diferentes efectos, coincidieron en un
punto: liberarse de la simetría y las composiciones
geométricas precedentes, en favor de la expresividad y el movimiento.

ITALIA

Características de la pintura barroca en Italia


 Naturalismo, que desemboca en el realismo.
 Se representan todo tipo de realidades (lo bello, lo feo, lo agradable,
lo desagradable...).
 Protagonismo del movimiento (línea abierta).
 Importancia del color. El color predomina sobre el dibujo, sobre la
línea. Es un elemento fundamental, sobre todo a partir de los años
20 del siglo XVII. Al contactar con la luz, resultan las formas. En este
tratamiento del color existe una evolución:
o Al principio se representan masas homogéneas y compactas.
o Más adelante: pincelada más suelta y técnica de la veladura.
 Relevancia de la luz. Pueden existir grandes contrastes que llevarán
al tenebrismo. La luz es utilizada para resolver el problema de la
representación del aire que corre entre las figuras, entre los
diferentes planos. Se pretende plantear la perspectiva aérea. Para
ello, se usa la luz y la sombra, que dibujan el contorno y los planos.
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 Profundidad continúa. Muy natural y realista: las figuras se funden


con el ambiente.
 Composiciones asimétricas, sin orden (antecedentes en el
manierismo: Tintoretto). Se prefiere la línea diagonal.

TEMAS TRATADOS DE LA PINTURA BARROCA EN ITALIA


 Hechos religiosos, especialmente místicos (visiones, milagros, etc.) y
martirios de santos.
 En estas pinturas religiosas suelen aparecer elementos que realzan el
dramatismo sagrado como nubes, ángeles, fuertes fuentes de luz,
etc.
 Pasajes mitológicos. Aparecen frecuentes desnudos.
Paisajes. No aparecen figuras, como único tema.
 Pueden ser paisajes urbanos o rurales.
 Bodegones o naturalezas muertas.
 Retratos, donde se capta no sólo el aspecto físico del retratado sino
lo psicológico.
 Temas de género o de costumbre. Escenas de la vida cotidiana.
 Sucesos históricos.

Tendencias dentro de la Pintura Barroca en Italia

Tenebrismo
El principal artista de la pintura barroca tenebrista es, sin
duda, Caravaggio y debido a su relevancia, hemos dedicado una página
exclusiva para introducirnos en su obra (Ver Anexo N° 5).

Clasicismo
El Clasicismo dentro del barroco italiano triunfa en Bolonia, donde se crea
la primera Escuela de Bellas Artes.
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El principal representante del clasicismo es:

 Annibale Carracci

La familia Carracci tiene mucha importancia porque supone la transición del


último manierismo al primer barroco.

Las obras más importantes son: Huida a Egipto. (Ver Anexo N° 6)

La pintura muestra cierto idealismo con escasos contrastes lumínicos y luz


casi uniforme. La perspectiva empleada es amplia y la composición
simétrica.

Frescos que decoran el salón del Palacio Farnesio en Roma.


Representa el tema mitológico y pagano de los amores de los dioses, donde
se enmarcan los temas (al estilo de la Capilla Sixtina) que se representan
con mucho movimiento.

 Guido Reni

Su obra más conocida es: La matanza de los inocentes. (Ver Anexo N°7)

Esta pintura es una síntesis de todo lo anterior. Es un cuadro dinámico


gracias a las líneas diagonales. La luz todavía no es muy relevante.

Susana y los viejos. Los viejos representan el realismo más buscado. La luz
está tratada de forma dramática pero lo fundamental es que no se pierde
la línea, el contorno.

Pintura decorativa
Se trata de obras que se realizan para decorar las cubiertas de las grandes
iglesias y palacios del barroco. Utilizan pinturas que amplían ilusoriamente
el espacio.

Lucas Jordán es uno de sus representantes y es el autor de la decoración de


los techos del casón del Buen Retiro, del Palacio Medici- Ricardi y de la
sacristía de la Catedral de Toledo.

Tiépolo, por su parte, decoró la bóveda del Salón del Trono del Palacio Real
con pinturas dirigidas a ensalzar el poder de la monarquía española de los
Borbones.
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Pintura Paisajística
Existió un grupo de pintores que trabajaron en la primera mitad del siglo
XVIII, que representaban paisajes venecianos. Se trata de Canaletto y
Guardi.

En sus obras se dará gran importancia a la profundidad y a la representación


de los edificios.

La Escuela de Nápoles:
 Luca Giordano
- Pintor napolitano muy influenciado por la iluminación tenebrista de su
amigo José de Ribera y por la coloración de los grandes maestros
venecianos, pero empleando composiciones totalmente barrocas, con
abundancia de diagonales, espacios infinitos, grandes y contrastes
lumínicos, como podemos ver en sus Frescos del Palacio Medici-Riccardi.

LA Escuela Veneciana:
 Giambattista Tiépolo
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- Pintor de temas sensuales y profanos, principalmente mitológicos y


costumbristas, y del lujo, la monumentalidad y el movimiento. Destaca por
sus cielos con apoteosis de nubes y plagados de carros y caballos que los
atraviesan al galope, influenciado por los decoradores de bóvedas romanos.
Ejemplo: Frescos de la Villa Valmarana de Vicenza.

 Giovanni Antonio Canal, Canaletto


En él apreciamos la concepción barroca del paisaje, dominada por la
profundidad y los efectos de luces. Sus paisajes son vistas de los canales de
la ciudad de Venecia, vedutte, como en La Plaza de San Marcos del
Museo Thyssen.

 Guardi
Continuador de Canaletto caracterizado por el empleo de la luz en sus
paisajes como elemento expresivo y por el ambiente melancólico y tierno,
ya Rococó, de sus composiciones. Ejemplo: Concierto en la Sala de los
Filarmónicos.
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La Escuela Flamenca de pintura


- Durante la Edad Media y buena parte del Renacimiento, los llamados
Países Bajos tuvieron una vida política y cultura comunes, pero tras la
reforma religiosa y los movimientos independentistas de algunas provincias
del norte se produjo una división en dos zonas: una católica (Flandes) y otra
protestante (Holanda).
- En Flandes se multiplicaron por aquel entonces los grandes lienzos de
altar, cuya temática insistía mucho en la vida de los santos y en las
representaciones de los Sacramentos, que rechazaba el protestantismo; es
buen ejemplo de esta pintura religiosa parte de la obra de Rubens. Otros
temas encargados por los clientes de los artistas flamencos, además del
religioso, fueron los de carácter mitológico, los retratos y los bodegones y
la pintura de animales.
 Rubens
- De imaginación desbordante, sus composiciones destacan por su
barroquismo vital y sin freno, el movimiento y dinamismo extraordinario, el
dominio de los colores cálidos, las formas gruesas, redondas y la pincelada
suelta, etc.
Ejemplo: El descendimiento de la Cruz.

Adoración de los Reyes Magos


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Las Tres Gracias

El jardín del Amor:

Retrato de Elena Fourment:

María de Medici, reina de Francia:


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Retrato ecuestre del duque de Lerma:

Pintura Barroca en España: El siglo de oro


Sin duda el XVII el siglo de oro de las artes en España como consecuencia
de un momento dulce cultural.

En el campo de la pintura, este siglo va a dar algunas de las más importantes


artistas de todos los tiempos, no sólo de España, sino del arte occidental.

CARACTERISTICAS DE LA ESCULTURA BARROCA -ESPAÑOLA


 Predominan los temas religiosos porque es el momento de la
Contrarreforma.
 Los pintores españoles reciben la influencia del tenebrismo de
Caravaggio en el tratamiento de la luz, aunque luego lo abandonan.
 Existe una deliberada ausencia de sensualidad en la pintura como
consecuencia del periodo histórico que se vive, muy influido por el
miedo a la Inquisición.
 El principal cliente de los pintores es la poderosa Iglesia de la época.
(Excepto en el caso de Diego Velázquez y otros pocos pintores de la
Corte).
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Escuela Valenciana

 Ribalta
Las características más acusadas de Ribalta son el tenebrismo, la sobriedad
del gesto de los personajes y representación de los valores táctiles
(diferencia en las telas, en los colores., Etc.).

Sus principales obras son:

El abrazo de Cristo a San Bernardo. En este cuadro se aprecia un fuerte


tenebrismo. Ribalta emplea aquí una composición diagonal y logra reforzar
los valores plásticos (los personajes parecen esculturas).

La Santa Cena. La composición se establece en una mesa circular. Se trata


de una obra colorista con gran peso en las arquitecturas que rodean la
escena.

 José de Ribera
Ribera sintió predilección por pintar cuadros que mostraban las gentes
sencillas de la época. Ribera destacó por su impecable y realista tratamiento
de la piel y de las arrugas.

Escuela Andaluza (Sevilla)

 Zurbarán
Zurbarán es el llamado "pintor de frailes", porque recurrió mucho a las
representaciones de frailes y de temas religiosos. También realizó
bodegones.

Sus principales obra son la Serie de la Sacristía del Monasterio de


Guadalupe, Misa del Padre Cabañuelas, La visión del Padre Salmerón,
Tentación de San Jerónimo, San Hugo en el refectorio Fray Pedro
Machado, Inmaculada.

 Murillo
Murillo se centró también en la temática prácticamente religiosa. Se
produce una evolución en su trayectoria como pintor, ya que al principio se
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adhiere al tenebrismo y pinta escenas de cámara, cuyos protagonistas son


los niños. Sin embargo, en sus últimos años su pintura se hace más colorista.

Otras obras importantes de Murillo son Niños comiendo fruta,Niño


mirando por la ventana, El Niño Jesús del cordero, El Buen Pastor, La
Anunciación, etc.

Otra de las obras maestras de Murillo es su Inmaculada Concepción. (Ver


Anexo N° 8) Es una pintura colorista con una escena idealizada donde la
Virgen tiene una mirada de éxtasis místico.

 Valdés Leal
Valdés Leal fue un pintor que se recreó en reflejar la parte más cruda de la
vida.

En la obra El fin de la Gloria del mundo. (Finis gloriae mundi). Valdes Leal
hace todo un alarde de crudo realismo, incluyendo la figura del esqueleto
de un cadáver. En esta célebre pintura expresó que la muerte es igual para
todos.

De similar temática e intención es otra de sus obras más duras. In ictu oculi
(En este lugar).

Escuela de Madrid

 Carreño y Claudio Coello


En la Escuela de Madrid de la Pintura Barroca española destacan dos
artistas: Claudio Coello y Carreño, ambos pintores de cámara de Carlos II.
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 Diego Velázquez
Velázquez es el pintor barroco español más importante y una de las
máximas figuras de la pintura universal porque aplica su genio con fortuna
en todos los temas: religiosos, mitológicos, retratos, históricos, paisajes,
bodegones, etc.

Tiene características muy peculiares, pero las más representativas son:

 Perspectiva aérea.
 Profundidad.
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VIII.ARQUITECTURA BARROCA
La arquitectura barroca es resumen y paradigma del espíritu de la
"civilización del barroco".

En ella se adoptan las líneas curvas frente a las rectas por generar aquéllas
mayor dinamismo y expresividad.

CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA BARROCA

Arranca de los logros técnicos y visuales del Renacimiento y el


Manierismo (Miguel Ángel, Vignola).
Los elementos constructivos son los conocidos, pero con una libertad
creativa singular: la curva, la elipse, el orden gigante, introduce el
“movimiento” en el muro y en el espacio interior.
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Las plantas de iglesia son de una nave, pero con múltiples capillas
laterales.
Las fachadas se tratan como un escenario teatral.
Los elementos decorativos son excesivos y rompen la uniformidad
del muro y la linealidad. En interiores se utilizan dorados, contrastes
lumínicos y en exteriores contrastes de color con los materiales
constructivos.
El urbanismo barroco no sigue al renacentista de “ciudad ideal” sino
a las necesidades de manifestación del poder: la plaza, donde se
exhibe el poder.
Las monarquías actúan en la ciudad-capital con el palacio
monumental y exponente de su poder.
La Iglesia reafirma su lugar en el orden social ubicándose en las plazas
menores de la ciudad.
Lo mismo harán nobleza y burguesía (donde ésta es la clase social
dominante: Países Bajos…) levantando viviendas en “la corte” o en
los lugares de su linaje como palacios que demuestran su papel social
y político.
Por último, también las corporaciones se suman ubicándose en las
plazas frente a otros poderes.

ARQUITECTURA
Junto a la planta rectangular aparecen las plantas elípticas, circulares
y mixtas.
Dominio de la línea curva: elipses, parábolas, hipérboles, cicloides,
sinusoides, hélices, sustituyen al perfecto equilibrio del medio punto
romano.
Arcos y cúpulas con formas variadas.
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Carácter escenográfico y monumental

Soportes dinámicos: columna salomónica, órdenes clásicos, atlantes,

cariátides los muros pierden el sentido plano y se curvan dejando de

cruzarse en ángulo recto buscando todo tipo de perspectivas y

efectos luminosos.

Contrastes lumínicos

Fachadas dinámicas. Los entablamentos


se quiebran y producen un fuerte
claroscuro.
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Abundancia de elementos decorativos:


Los frontones (tanto triangulares como semicirculares), se parten y
adquieren formas curvas o mixtilíneas, abundancia de hornacinas,
ventanales con forma ovoide (oculi), empleo de orejeras, espejos,
carteleras, ménsulas y esculturas.

ARQUITECTURA ESTÍPITE:
Tipo de soporte que genera, por su forma especial, sensación de
inestabilidad al ser extremadamente estrecho en su parte inferior.
Algunos tienen forma de cariátide.
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Se emplea, con frecuencia, el trampantojo, un recurso que, a través


de la pintura, simula un espacio arquitectónico que se abre sobre el
muro.

Materiales:
Piedra, mármol, ladrillo, estuco, bronce.
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URBANISMO Y ARQUITECTURA
Nueva concepción del espacio, consecuencia de la influencia contra
reformista: se va a exigir de la arquitectura su vinculación al
espectador mediante la persuasión y la participación.
Surge un concepto de ciudad como símbolo religioso que debe
también persuadir al fiel de la supremacía indiscutible de la Iglesia,
además el ordenamiento urbano refleja la estructura social del
absolutismo.
Las perspectivas monumentales dan una amplitud indefinida a la
imagen del poder, y permiten los desfiles militares y civiles y las
masivas manifestaciones rituales religiosas.
Las plazas se convierten en centros de referencia urbana, dominadas
por un edificio principal (una iglesia, un palacio), serán decoradas con
fuentes, obeliscos, estatuas y planificadas urbanísticamente para
crear perspectivas impresionantes.
Desaparece así la individualidad plástica de los edificios en favor de
un conjunto superior: la ciudad como espectáculo; espectáculo
religioso (Roma), político (París) o ambas cosas a la vez.
Las plazas se convierten en centros de referencia urbana
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La ciudad como espectáculo: permite las masivas manifestaciones


rituales religiosas. Es la imagen del poder religioso y político.

El Barroco, tal como lo ha definido Giulio Carlo ARGAN, es el arte de


la retórica; la obra de arte es un medio de acción destinado a
impresionar al hombre y estimular su actividad.
Es un arte creado para ejercer un importante efecto sobre los
hombres, ilustrándolos, cautivándolos y convenciéndolos.
Es un arte efectista y teatral, que habla más que al entendimiento a
la sensibilidad, y, por ello, a lo más íntimo humano, siendo a la vez
popular y refinado, naturalista y subjetivo.
La arquitectura adquiere efectos escenográficos, se convierte en un
gran teatro, y, por ello, el espíritu que rige todo el arte barroco ya
no es el meramente tectónico, ni son sólo los recursos plástico-
arquitectónicos sino todos los recursos posibles tanto plásticos
como pictóricos los que se aúnan para la formación del espacio
arquitectónico barroco.
La urbanística toma cuerpo independiente de la arquitectura, e
incluso llega a invadirla como ocurre en Versalles o en la columnata
vaticana de Bernini.
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El espacio urbanístico tiene múltiples perspectivas. Con distintos


puntos de fuga, direccional y perfectamente ordenado, e incluso
trazado geométricamente, confluyente en núcleos de atracción,
plazas o edificios monumentales que sirven a su vez de focos de
irradiación.

El edificio se hace fachada y se diseña en orden a conseguir o


acentuar la belleza de la calle o plaza.
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ARQUITECTURA BARROCA EN ITALIA

BERNINI, desarrolló su carrera casi por completo en Roma,


aunque había nacido en Nápoles en 1598. Su padre, Pietro
Bernini, un escultor de talento, del manierismo tardío, fue
su primer maestro. De carácter expansivo, brillante y
hombre de mundo.

Considerado el Miguel Ángel del Barroco. Como él fue artista integral pues
cultivó todas las artes: poeta, pintor, arquitecto, urbanista y, sobre todo,
escultor. En su adolescencia es ya un artista reconocido.

CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA ARQUITECTÓNICA


 Tratamiento de las superficies arquitectónicas como esculturas,
logrando una perfecta relación entre ambas.
 Preferencia por las plantas centralizadas, especialmente la elipse.
 Uso del orden gigante, alternancia de frontones (curvos y rectos)
en los vanos, utilización de elementos oblicuos.
 Fusión del espacio natural y el espacio urbano, convirtiendo las
fuentes en elemento de ordenación urbana.
 Es un arquitecto clásico dentro del Barroco, pues utilizó los
elementos de la arquitectura clásica respetando las proporciones
de los órdenes y las reglas generales de la composición.
 Su barroquismo se basa en el efecto de movimiento y en el
ilusionismo espacial.
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BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO

La basílica es la obra de varios siglos. Comenzó por ser un monumento


conmemorativo, en el lugar donde San Pedro fue martirizado.
A partir de 324 el emperador Constantino hizo construir una basílica.
En el siglo XV la basílica paleocristiana amenazaba con derrumbarse
por lo que los Papas deciden demolerla.
La construcción del edifico actual se inicia el 18 de abril de 1506,
durante el papado de Julio II, siendo terminada en 1626, durante el
papado de Pablo V.
Numerosos arquitectos y artistas participaron de esta obra:
Bramante, Rafael, Sangallo , Miguel Ángel y Maderna. Gian Lorenzo
Bernini proyectó la plaza y su columnata.
La basílica de S. Pedro del Vaticano, iniciada por Bramante y
continuada por Miguel Ángel fue concluida por CARLO MADERNA que
añadió tres naves al primitivo proyecto de planta de cruz griega y
construyó la actual fachada ya barroca pero de un barroquismo
atenuado (ordenes gigantes, frontones).
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El último arquitecto en intervenir en su construcción fue GIAN


LORENZO BERNINI, que acometió la tarea de añadir dos torres
laterales a la fachada. En 1656, el Papa Alejandro VII encargó a
Bernini, que ya había realizado el baldaquino en el interior, la
construcción de la plaza, con el fin de crear un sitio capaz de acoger
grandes congregaciones de fieles.
Significado simbólico: lugar de concentración de todas las gentes del
mundo, Plaza de las Naciones.
Proyectó la plaza ovalada y las columnatas perimetrales.

PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO (1656-1667)

CIUDAD DEL VATICANO ALZADO PLANTA


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PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO (1656-1667

Dos plazas tangentes, una de forma trapezoidal y otra elíptica. La


plaza trapezoidal se cierra hacia nuestro frente reduciendo
ópticamente la fachada de Maderna y logrando que los espectadores
situados en la plaza elíptica perciban la concepción original de la
cúpula de Miguel Ángel.

Bernini es un arquitecto clásico dentro del Barroco, pues utilizó los


elementos de la arquitectura clásica respetando las proporciones de
los órdenes y las reglas generales de la composición.

Preocupación por el urbanismo, propia del barroco:


Bernini realiza una columnata exenta, es el rasgo más ingenioso, más
revolucionario y al mismo tiempo más influyente. Hasta ahora, la
columnata es empleada delante de un muro, dando la sensación de
una pared horadada. En cambio Bernini, al ser exenta, la convierte en
un elemento escultórico en donde actúa la luz, produciendo efectos
de claroscuro, dando sensación de luminosidad cambiante.
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La basílica de San Pedro del Vaticano se integra en la ciudad. El papa

Alejandro VII dará un gran impulso a la ordenación urbanística de

Roma. En esta imagen se puede observar la conexión de la basílica con

la ciudad a través del puente sobre el Tíber.

BALDAQUINO DE SAN PEDRO DEL VATICANO (1624-1633)

El Baldaquino de San Pedro, encargado a Bernini en 1624 por el Papa


Urbano VIII de la familia Barberini. Representa el concepto de
exaltación papal. Fue realizado por Bernini con su padre Pietro como
primer oficial y con la colaboración de Borromini a partir de 1629,
finalizándose en 1633. El baldaquino se encuentra realizado
completamente en bronce fundido a la “cera pérdida” y dorado,
combinando elementos escultóricos y arquitectónicos.
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El baldaquino es una especie de templete formado por cuatro


columnas que sostienen una cúpula o dos y destinado a cobijar el
altar cuando tiene posición aislada.
De sus columnas y arquitrabes pendían en la Edad Media cortinas
preciosas que en momentos dados (por lo menos, durante la
consagración) ocultaban por completo el altar y los celebrantes de la
vista del pueblo, práctica seguida en las iglesias de Oriente por medio
del iconóstasis cuyas puertas se cierran en el acto más solemne de la
celebración.
Se empezó a usar el baldaquino en el siglo XV y se ha seguido
utilizando en las basílicas que imitan el estilo de las de Roma y en las
bizantinas como la de San Marcos de Venecia.

SAN ANDRE S DE L QUIRINAL (1659-1670)

La planta es de forma oval, con la puerta situada en el eje menor y precedida


por una composición de forma encurvada, rompiendo el sentido
longitudinal de este tipo de planta.
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LOS PALACIOS BARROCOS

Versalles era la residencia real de Francia, desde 1682 hasta 1789,


cuando la revolución francesa comenzó. Luis XIII construyó una casa
de campo para cacería en una aldea fuera de París en 1624.
Esta estructura pequeña se convirtió en la base en la cual fue
construido uno de los edificios más costosos y más extravagantes del
mundo. Fue el hogar de Luis XIV, el Rey del Sol.
Los hombres a cargo del proyecto eran LOUIS LE VAU, arquitecto;
CHARLES LE BRUN, pintor y decorador; y ANDRE LE NOTRE,
arquitecto de paisaje.
Cerca de 37.000 acres de tierra fueron despejados para hacerle el
sitio a las terrazas y los caminos de árboles alineados y millares de
plantas florecientes. Había 1.400 fuentes y 400 esculturas.
En 1676 otro arquitecto, JULIO HARDOUIN-MANSART, se encargó de
reajustar y de agrandar el edificio.
Arte a l servicio de la exaltación de las monarquías
El conjunto del palacio y parque de Versalles, incluyendo el Gran
Trianón y el Pequeño Trianón, fue declarado PATRIMONIO DE LA
HUMANIDAD POR LA UNESCO EN 1979 .
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El palacio está formado por un cuerpo alargado y dos alas hacia el


jardín, formando escuadra. Las fachadas no miran a la calle, sino
hacia el jardín. Las techumbres son típicamente francesas, formando
cuerpos prismáticos de gran altura. En ellas se abren buhardillas.

Las grandes perspectivas dominan la arquitectura y muestran el


carácter escenográfico del barroco. Simbolizan el poder de los grupos
dominantes.

HARDOUIN MANSART cerró la terraza central creando en el espacio


interior la GALERÍA DE LOS ESPEJOS. El interior de la Galería
decorado con espejos, pilastras de mármol rojo con capiteles y basas
de bronce dorado y motivos decorativos barrocos, se cubre con una
bóveda de cañón, decorada con estucos dorados y pinturas.
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Uno de los recursos efectistas que utiliza el arte barroco es el espejo


por su capacidad para crear ilusiones ópticas de gran carácter
escenográfico.

GRAN TRIANON

1687: Gran Trianón o & quot; Trianón de mármol & quot; conforme
a los planos de JULES HARDOUIN MANSART . Éste siguió las órdenes
del rey que controlaba la obra.

El emperador NAPOLEÓN ocupó y redecoró el Trianón.


Actualmente es utilizado para las recepciones oficiales de la
República.
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EL URBANISMO BARROCO EN ESPAÑA

LAS PLAZAS MAYORES:


La realización urbanística más importante del barroco español es la
Plaza Mayor.
Con ella surge un nuevo concepto de espacio urbano, el concepto
que GIULIO CARLO ARGAN define como “una creación histórica
adaptada a su función”.
En este nuevo espacio se integran los edificios en un todo unitario
que rodea e integra también a las personas. Se consigue que los
accesos formen parte también del conjunto.

FUNCION Y FINALIDAD DE LAS PLAZAS MAYORES:


Es un espacio cívico dedicado exclusivamente a la vida cotidiana. Es
diferente a las francesas, destinadas a la glorificación del poder real
y a ser conjunto de residencias de lujo, o a las inglesas, destinadas al
uso privado de las clases altas. Su originalidad radica en que desde
un principio tuvo sentido popular, acorde con la mentalidad de la
época. En ella se celebraban los espectáculos más importantes de la
ciudad: justas poéticas, entradas triunfales, autos de fe, autos
sacramentales, recepciones reales, procesiones, predicaciones, etc.
Pero el uso cotidiano de la plaza era el de servir de marco para el
único mercado que se celebraba en la ciudad. En los soportales se
situaba un mercado especializado, sobre todo gremial; en el centro,
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al aire libre, toda la animación del mercado con puestos de


vendedores muy variados: frutas, verduras, aguadores, etc. que fue
objeto de abundante literatura de la época.

PLAZA MAYOR DE MADRID

JUAN GÓMEZ DE LA MORA (1617):


Estructura cerrada, rodeada de pórticos y de balcones. De estilo
herreriano con forma austera, sobria y geométrica.
Los paramentos rectangulares vacían sus espacios macizos por los
balcones también rectangulares, los pórticos con arcos y arquitrabes
vuelven a remarcar el rectángulo definidor del ritmo arquitectónico.
Los pórticos reforzados por gruesos pilares vacían su contenido para
albergar a las gentes y establecen el contraste forma cerrada-forma
abierta, definidora de la estética barroca, ejemplo de contraste entre
la superficial y lo profundo. Estos rasgos dinamizan el estatismo del
conjunto.
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Las plazas se convierten en centros de referencia urbana, dominadas


por un edificio principal, serán decoradas con fuentes, obeliscos,
estatuas y planificadas urbanísticamente para crear grandes
perspectivas.

PLAZA MAYOR DE SALAMANCA

Inspirada en la Plaza Mayor de Madrid pero de planta cuadrada,


Churriguera traza un conjunto unitario, de grandes perspectivas,
creado para ser vivido y contemplado desde distancias y puntos de
vista diversos.
En el confluyen las calles principales de la ciudad que conducen a
los diferentes puntos de la
misma.

Su construcción se acordó en el año 1710, cuando se encontraba en


la ciudad el rey Felipe V, que quiso premiar así la fidelidad de
Salamanca a su causa durante la Guerra de Sucesión.
La construcción se inició en 1729. El proyecto fue trazado por
ALBERTO CHURRIGUERA.
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El hombre del Barroco asume en sus proyectos la herencia de las


antiguas ágoras griegas y también la función de los antiguos foros, las
necesidades de las viejas ciudades medievales cuya economía se

fundamentaba en el mercado.

PALACIO REAL DE MADRID

Los Borbones patrocinarán la construcción de edificios para su propia


residencia, rasgos arquitectónicos inspirados en las ideas imperantes
en las cortes europeas, sobre todo en Italia y Francia.
El proyecto fue encargado al arquitecto italiano Sachetti (1738).
La planta del inmenso edificio conserva la forma tradicional española
de patio central rectangular, con fuertes salientes en los ángulos.
Las fachadas están inspiradas en las del Museo del Louvre (Bernini).
El alzado de las fachadas consta de dos cuerpos: un zócalo
almohadillado y un cuerpo superior de orden jónico con gigantescas
pilastras y columnas rematado por cornisa y balaustrada, ante la
fachada principal una explanada conforma la plaza de armas.

Las obras se realizaron entre 1738 y 1755, estableciendo Carlos III su


residencia en él en 1764.
El alzado de las fachadas consta de dos cuerpos: un zócalo
almohadillado y un cuerpo superior de orden jónico con gigantescas
pilastras, rematados por cornisa y balaustrada, ante la fachada
principal una explanada conforma la plaza de armas.
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DATO IMPORTANTE:

El barroco es liberación espacial, es liberación mental de las normas


de los tratadistas, de las convenciones, de la geometría elemental y
de todo lo estático, es también liberación de la simetría y de la
antítesis entre espacio interno y espacio externo. Por esta su
voluntad de liberación, el barroco alcanza un significado psicológico,
que trasciende hasta la arquitectura de los siglos XVII y XVIII, logrando
un estado de libertad, una actitud creadora liberada de prejuicios
intelectuales y formales.” (Bruno Zevi)
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HISTORIA DEL ARTE BARROCO EN EL PERÚ

Definición
Muchos especialistas en la Historia del Arte consideran, dentro de la
Arquitectura, el término de Barroco Mestizo como inadecuado por no
coincidir con los lineamientos del desarrollo del estilo en nuestro medio, sin
embargo, el esplendor y brillo del Barroco en los territorios del Virreinato
del Perú se debió finalmente a la participación del mestizo que fungió de
alarife, constructor, aparejador y diseñador de las obras, luego de apreciar
a los artistas españoles que trajeron esta nueva modalidad de construir.
Otros especialistas le llaman Barroco Indígena, pero es muy posible que la
mayoría de estos artistas hayan sido producto del mestizaje producido
desde la primera mitad del S. XVI, habiendo transcurrido más de 150 años
hasta el comienzo del estilo y casi 300 hasta sus finales. Recordemos que el
término de Barroco le fue dado a esta modalidad de diseño mucho después
que se extinguiera.

Conveniente hacer notar que una buena cantidad de especialistas en el


estudio del arte en América consideran que el Barroco Mestizo superó
largamente a su originario europeo llegando a expresiones plásticas de
insospechada producción tanto en el esbozo del planteamiento básico
como en el desarrollo del pormenorizado detalle.

Nacimiento y Evolución
Con la llegada de los españoles al Perú desde el inicio de la Conquista, en
los afanes de construir el Nuevo Mundo comenzaron a arribar
sucesivamente una serie de estilos arquitectónicos expandiéndose por todo
el territorio del Virreinato, este traslado de modalidades estéticas o
corrientes artísticas se dieron en el territorio americano casi cien años
después de aparecer en Europa, debido en principio a la lentitud de las
comunicaciones entre los dos continentes, plasmándose cada uno de ellos
según la manera en que eran recibidos y aceptados por las sociedades de
cada ciudad de entonces.
El primer estilo fue el gótico. Durante la segunda mitad del S. XVI se
empezaron a trabajar las cubiertas de los templos y conventos con juegos
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de lacerías nervadas y techados mudéjares, los que fueron abandonados


debido a la acción de los sismos que no dejó mucho en pie, impidiendo que
el estilo comenzara a tomar una expresión particular muy suya, propia de
la región. De ese estilo queda en Lima como muestra de una producción
tardía el artesonado de la Antesacristía de la Iglesia de San Agustín (Foto 1.-
) el artesonado del Principal del Convento de Santo Domingo. Al gótico que
duró poco más de 50 años le sucedió el Renacimiento a fines del S. XVI.
La expresión regional de este estilo en nuestro medio duró poco menos de
cien años y no llegó a cristalizarse porque a pesar de las precauciones
estructurales los constructores aún no podían protegerse de la acción de
los sismos, a lo que se sumó el arribo de nuevos aires de libertad estilística
presentada por el Manierismo que abría inesperados panoramas de
producción arquitectónica, escultórica, musical y pictórica.
Al Renacimiento siguió el Barroco en el último tercio del S. XVII, el que
comenzó muy discretamente como una consecuencia del Manierismo que
a su vez constituía un modo muy particular de trabajar el Renacimiento del
que se apartó de sus cánones rígidos de estilo para otorgar a las obras un
toque muy especial de expresión marcando una indudable evolución
plástica como lo evidencian Juan Bautista Vásquez y Jerónimo Hernández
en escultura, Angelino Medoro y Fray Bernardo Bitti en pintura y muy
especialmente Juan Martínez de Arrona y Pedro Noguera en la arquitectura,
autores de la portada de la Catedral de Lima donde dieron luces hacia la
libertad del trazado de los diseños de una manera tal que sirvió de modelo
a las producciones de arquitectura que se difundieron por todo el territorio.
El Barroco comienza así su expansión, dándose muy buenos ejemplos de la
producción del nuevo orden arquitectónico logrando lo que ningún estilo
precedente había conseguido hasta ese momento: adentrarse en la
idiosincrasia y sentimiento del alarife mestizo. El indígena que trabajaba en
estas obras, cualquiera que sea su nivel de participación en ellas, respiraba,
comía, vivía y soñaba Barroco. En esa época su radio de desplazamiento era
muy corto, lo que le daba sus pies; no había micros ni trasporte a distancia,
no había televisión ni radio, su comunicación era simplemente hablada y
muy poco leída, sin embargo elaboró grandes maravillas artísticas que le
tomaban todo su tiempo, posiblemente toda su vida, tiempo que le sobraba
mientras produjera obra. Es posible que contribuyera a esta calidad de
resultado el carácter silencioso, introvertido y poco comunicativo del
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indígena que lo conducía a generar todo este increíblemente enorme y


vasto mundo de creación artística.

Características del Barroco


Es poco adecuado catalogar las características del estilo, pero su
enumeración puede conducir al lector a extender su apreciación en otras
obras que se presenten a sus ojos en los lugares que pueda visitar.
1.- Lo primero que hace el estilo es fracturar el tímpano y cornisa
tradicionales renacentistas y los rompe en diversas fracciones que se
reparten por toda la fachada decorando puertas, hornacinas y ventanas,
variando tanto en altura como en profundidad, pero si uno aprecia con una
mirada unificadora podrá seguir la continuidad de la cornisa por toda la
fachada dado que su sección transversal no se altera.
2.- Otro cambio lo constituye el desaparecer las espadañas que son unos
decorados muros altos que tienen ventanas donde cuelgan las campanas,
creando en su vez dos torres de planta cuadrada con cuatro ventanas en
donde se ubican las campanas.
3.- El Renacimiento tenía columnas planas adosadas a los muros llamadas
pilastras, el Barroco las separa del muro, las redondea, las vuelve exentas
presentadas por una pilastra que queda en el muro y conforme pasa el
tiempo en obras sucesivas las va decorando primero muy tímidamente para
después volverlas salomónicas profusamente recargadas con motivos
autóctonos y naturales.
4.- Los espacios vacíos de las portadas se llenan con decoración bastante
diversificada con elementos lineales y motivos que son proporcionados
tanto por la naturaleza de nuestro territorio como por la simbología
religiosa secular.
5.- Las fachadas que en el Renacimiento eran básicamente planas con muy
poca profundidad, en el barroco toman mayor desenvolvimiento
desdoblándose en varios planos que se van desplazando en profundidad
con gran movimiento hacia adelante y hacia atrás, manejando de esta
manera un volumen considerable de edificación.
6.- Con gran habilidad se retoma el tema de las balaustradas de madera
manejándolo como una filigrana que adorna con gran acierto las masas
edificadas dándoles gracia y encanto.
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7.- Cabe remarcarse que el esplendor del Barroco coincide con un


maravilloso desenvolvimiento del ancestral caudal místico indígena donde
sus apus son mostrados como una fuerte expresión de profunda vivencia
religiosa. Esto lo podemos apreciar por ejemplo en la foto 11 que nos
demuestra una vasta y singular imaginería vernacular.

Las épocas del Barroco


En este punto es conveniente distinguir las dos épocas que el Barroco
produjo en el Perú. La primera maneja los lineamientos iniciales del estilo
que deviene del Manierismo, mostrando de manera cuidadosa y casi
discreta la nueva expresión artística.
Se inicia con la portada exterior de la Catedral de Lima (Foto 2.-) la que
ocasiona un desdoblamiento en múltiples producciones posteriores como
se aprecia en sus similares Catedrales de Cusco ( Foto 3.-) y Ayacucho (Foto
4.-), también en las iglesias de Los Huérfanos( Foto 5.-), y de San Pedro en
Lima( Foto 6.-), en la Iglesia de la Compañía de Pisco ( Foto 7.- ) y muchas
más, todas las cuales se desenvuelven en el desarrollo del barroco dentro
del encuadre inicial del Renacimiento, haciéndolo despertar a la nueva
corriente artística. A esta época no podemos llamarla propia del Barroco
Mestizo, es más bien un Barroco Clásico correspondiente a las nuevas
normas de diseño.
En la segunda época que es mucho más extensa en cantidad de producción
como en el transcurso del tiempo, el trabajador mestizo se vuelca en una
desenvuelta producción para llenar el espacio de las portadas con la
información proporcionada por los grabados sevillanos y también con
elementos provenientes de sus vivencias y formaciones tenidas en su tierra.
Ocurre un tremendo despertar estético, así como un enorme
desdoblamiento plástico en el que ya no hay modelos o inspiración
europea, sino una auto-generación de ideas y de formas que hasta ese
momento no se había dado. Se puede hablar de la plástica típica de
determinadas regiones de la costa, de otras producciones diferentes de
distintos lugares del territorio del Virreinato totalmente identificables como
características de determinada región.
La decoración barroca se derrama no solo en portadas de templos, también
en sus interiores, en los retablos que hay en cada hornacina, en los
recargados marcos de los cuadros con temas religiosos, en púlpitos y sus
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escaleras, en relicarios y en todo objeto dedicado al culto religioso que


pudiera haber en templos, conventos y monasterios. Y se recurre a la
madera tallada, entizada y dorada, a la piedra tallada, a las pinturas al óleo
y a la música que por siglos permaneció oculta y desconocida, música
recientemente descubierta y puesta la luz y a nuestros oídos por el músico
e investigador José Quezada, música que hasta ahora no se sabía que existía
(“El Legado Musical del Cusco Barroco”) y ha de haberle sucedido lo que a
mí, encontrarse con fuentes de información no estudiadas escondidas a
ojos vista, esperando por muchos años ser evaluadas y expuestas a la
apreciación de quien desee tomarlas, comprenderlas y aquilatarlas.

ESCULTURA BARROCA EN EL PERU

Características de la escultura Barroca; La retablística de lo que fue el


virreinato del Perú es una de las mejores del mundo junto con la mexicana
y la española.

Destacan sus magníficos azulejos sevillanos que recreen el triunfo del


cristianismo sobre las idolatrías paganas.

En buena forma definió el estilo de la escuela retablistica limeña


y sudamericana, tomando como referencia varios aspectos, sobre todo la
prevalencia del panel tallado sobre la pintura a diferencia de lo que
comúnmente se hacía
en otras partes del mundo.
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Nuestra Señora de la Evangelización, Catedral de Lima

La imagen de Nuestra Señora de la Evangelización fue obsequiada a la recién creada


diócesis de Lima por el Emperador Carlos V de España, alrededor del año 1540.

RETABLO PERUANO DE CUZCO

El retablo peruano a travesó por varias etapas, su época cumbre fue


durante mediados y finales del siglo XVII con sus grandes columnas
salomónicas, el máximo exponente en su tipo de este periodo
conservado hasta nuestros días es el retablo mayor de la compañía
del cusco.
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VIRGEN DOLOROSA DE PEDRO MENA


Pedro de Mena: Pedro de Mena (Granada, agosto de 1628 - Málaga, 13
de octubre de 1688), fue un escultor del barroco español.
En sus obras destacan: los rostros y rasgos alargados de sus figuras, las
ropas trabajadas con unos perfiles extremadamente finos y la policromía
empleada (colores en fuerte contraste) y el realismo en las encarnaduras,
que se muestra claramente y, sobre todo, en su Magadalenta Penitente,
«Dolorosas» y «Ecce Homo»

Descripción:
A este grupo pertenece la Dolorosa del Museo Nacional Colegio de San
Gregorio. En todos ellos se sigue la misma tipología: figura envuelta por
manto azul y velo, que deja al descubierto una pequeña parte de la melena,
con raya al medio, y la parte superior de la túnica carmesí. Cuello alto y
cabeza pequeña, levemente levantada. Los ojos de cristal, las pestañas de
pelo natural y las lágrimas resbalando por las mejillas, son recursos
obligados utilizados para realzar el naturalismo y el valor dramático de la
escultura. Aunque no se tiene constancia de la procedencia concreta de
esta pieza, su inclusión en una fotografía, realizada en el Museo
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Arqueológico Nacional en 1938, del depósito de obras de arte incautadas


durante la guerra civil de diversos conventos e iglesias madrileñas, permite
suponer que debió pertenecer a algunas institución religiosa de dichas
ciudad.

Dimensiones:
Altura = 37,50 cm; Anchura = 36,50 cm; Profundidad = 21,50 cm Peana:
Altura = 2 cm; Anchura = 36,50 cm; Profundidad = 21,50 cm.

CONTEXTO CULTURAL/ESTILO:
Barroco español. Andalucía.

TÉCNICA:
 Tallado
 Policromado
 Postizos

Fecha De Creación:
 1651=1700.

PINTURA BARROCA PERUANA

Etapa barroca
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Escuela de Zurbarán en Lima


Zurbarán es la figura más influyente en el Barroco Hispanoamericano y Lima
es la ciudad con mayor número de obras relacionadas con su taller. Se
pueden hablar hasta de seis series enviadas a Lima pero de ellas, cuatro son
las que han sido mayor objeto de estudio: Serie del Apostolado de San
Francisco el Grande (1638-1640) Esta serie fue inventariada en 1758 por el
padre Marimón (1758) y está directamente vinculada con Zurbarán pues se
considera que era él quien daba el toque final a los lienzos. En 1940, llega a
Lima el marqués de Losoya, quien certifica la autenticidad de los cuadros y
da fe de ello en su libro Arte en Hispanoamérica. La serie compuesta por
trece cuadros podemos observar a los doce apóstoles quienes llevan un
atributo que los identifica, correspondiendo el último lienzo de la serie
a Cristo Redentor.
Serie de Santos Fundadores de Órdenes Esta serie sale de Cádiz en 1752
rumbo a Lima. Según el marqués de Lozoya, fue un obsequio de doña
Gertrudis de Vargas al padre Francisco Laguna, prior del Convento de la
Buena Muerte. Originalmente estaba compuesta por 30 lienzos de los
cuales hoy tan solo podemos apreciar trece. Según el historiador Paul
Guinard, sólo San Bernardo es del pincel de Zurbarán, mientras que según
el historiador Antonio Gaya Nuño, Zurbarán es responsable únicamente de
los rostros y de las manos, el resto es obra del taller. Se encuentra en el
convento de la Buena Muerte.
Serie de Arcángeles del Monasterio de La Concepción La serie de los Siete
Arcángeles de la Concepción se atribuye a Bernabé de Ayala, discípulo de
Zurbarán, y están inspirados en grabados flamencos, principalmente en los
de Pieter de Jode I. Si bien esta serie no es reconocida en los catálogos de
Soria y Gudiol, las semejanzas con otras series del taller del maestro indican
su cercanía.
Serie de los hijos de Jacob Serie atribuida a la pintora limeña del siglo XVII
Juana de Valera, pues en el inventario de su taller se encontró una serie
titulada las Doce tribus de Israel que presenta similitudes con la existente
en Londres y firmada por Zurbaran la cual está inspirada en grabados como
los de Durero.
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Escuela Cusqueña

Artículo principal: Escuela cuzqueña de pintura Durante la primera mitad


del siglo XVII la pintura cuzqueña recibe la influencia del maestro italiano
Bernardo Bitti quien dejó allí varios discípulos como Pedro de Vargas y
Gregorio Gamarra. Éstos fueron continuadores del estilo manierista. Sin
embargo, la segunda mitad de este siglo presenta características
totalmente diferentes debido en parte a la influencia de los dibujos y
grabados flamencos como los de Martín de Vos y Halbeck respectivamente,
así como de la pintura de Zurbarán. Igualmente, durante este periodo a
algunos de los pintores eran de origen indio y mestizo. Entre estos artistas
podemos destacar a Juan de Calderón, Martín de Loayza, Marcos Rivera,
Juan Espinoza de los Monteros, Basilio Santa Cruz Puma Callao y Diego
Quispe Tito.
La célebre escuela de pintura cuzqueña o pintura colonial cusqueña, quizá
la más importante de la América colonial española, se caracteriza por su
originalidad y su gran valor artístico, los que pueden ser vistos como
resultado de la confluencia de dos corrientes poderosas: la tradición
artística occidental, por un lado, y el afán de los pintores indios y mestizos
de expresar su realidad y su visión del mundo, por el otro. El aporte español
y, en general europeo, a la Escuela cuzqueña de pintura, se da desde época
muy temprana, cuando se inicia la construcción de la gran catedral de
Cusco. Es la llegada del pintor italiano Bernardo Bitti en 1583, sin embargo,
la que marca un primer momento del desarrollo del arte cusqueño. Este
jesuita introduce en el Cusco una de las corrientes en boga en Europa de
entonces, el manierismo, cuyas principales características eran el
tratamiento de las figuras de manera un tanto alargada, con la luz focalizada
en ellas y un acento en los primeros planos en desmedro del paisaje y, en
general, los detalles.
La creciente actividad de pintores indios y mestizos hacia fines del siglo XVII,
hace que el término de Escuela Cuzqueña se ajuste más estrictamente a
esta producción artística. Esta pintura es "cuzqueña", por lo demás, no solo
porque sale de manos de artistas locales, sino sobre todo porque se aleja
de la influencia de las corrientes predominantes en el arte europeo y sigue
su propio camino.
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Escuela Limeña (siglo XVII)

La pintura de caballete en Lima estaba fuertemente influenciada por la


pintura flamenca, más cerca hacia lo académico y con intencionalidad
dinámica, motivo por el cual no tuvo mucha acogida el claroscurismo. De
esta etapa destacan cuatro pintores Francisco Escobar, Diego de Aguilera,
Andrés de Liebana y Pedro Fernández de Noriega. Estos artistas recibieron
el encargo de realizar la denominada Serie de la vida de San Francisco
compuesta por 12 pinturas que se encuentran en el claustro mayor del
convento limeño.

AEQUITECTURA BARROCA EN PERÚ


Se distinguió y caracterizo por su recargada ornamentación, de líneas
predominantes curvas, que daban un aspecto de libre movimiento.
Predominaron los elementos decorativos, en las columnas, pilastras
(columnas embebidas), cornisas.
Es el almohadillado que aparece en los muros de la Basilica y
convento de San Francisco en Lima.
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Este estilo predomino desde mediados del siglo XVII hasta fines del
siglo XVIII.
Dio origen al churrigueresco y rococó (El Palacio de Torre Tagle, las
Iglesias de San Francisco y San Marcelo).

IGLESIA DE SAN FRANCISCO Y SAN MARCELO (LIMA)

PALACIO DE TORRE TAGLE (LIMA)

En Cusco, la Catedral del Cusco (barroco mestizo)


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Las Iglesias de Santo Domingo y San Sebastián.


En Arequipa la Iglesia de la Compañía
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ANEXOS
ANEXO N°1

APOLO Y DAFNE. 1622-25. Mármol. 2,43 m. de altura. Galería Borghese, Roma. Barroco
italiano. TEMA: Mitológico.

ANEXO N°2
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ANEXO N°3

ANEXO N°4

Madera policromada, 46 x 74 x 191 cm (en dep. en el Museo Nacional de Escultura de


Valladolid) [E576].
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ANEXO N° 5

ANEXO N° 6
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ANEXO N° 7

ANEXO N° 8
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