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4/29/2018 Música del Barroco - Wikipedia, la enciclopedia libre

Música del Barroco
La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo,
relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente Historia de la música
desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann
Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada Música en la Historia antigua
(hace 50 000 años-500 d. C.)
música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y
seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la Música en la Prehistoria
tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se Música en la Antigüedad
crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los
Música antigua
músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich (500-1600)
Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann,
Música de la Edad Media
Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi.
Música del Renacimiento

El término barroco se tomó de la arquitectura, donde designaba algo Período de la práctica común
«retorcido», una construcción «pesada, elaborada, envuelta» (siendo el (1600-1910)
término original, «barrueco» o «berrueco», un lusismo que describía una Música del Barroco
perla  deformada o joya  falsa). En el siglo XVIII se usó en sentido Música del Clasicismo
peyorativo para describir las características del estilo musical del siglo Música del Romanticismo
anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».1 Música del impresionismo

Período moderno y contemporáneo


(1910-presente)

Índice Música modernista


Jazz
Características generales y estilísticas Música popular
Estética y función de la música en el Barroco Música académica contemporánea
La diversificación de estilos
Periodización y evolución Este artículo forma parte de la categoría:
El Barroco temprano (1580-1630) Historia de la música
El Barroco medio (1630-1680)
El Barroco tardío (1680-1730) Véase también: Portal:Música
La transición al Clasicismo (1730-1750)
Los géneros y las formas
La música vocal
La ópera Música barroca
El oratorio
La cantata Orígenes Música renacentista tardía (1550-
El motete musicales 1620)
La música instrumental Orígenes Barroco europeo
Formas solísticas: preludios, tocatas, fantasías y fugas
culturales
La sonata
El concerto grosso
Instrumentos Clave, órgano, violín, viola, viola
La suite comunes da gamba, laúd, fagot,
violonchelo, flauta, oboe
Principales compositores
Italia Popularidad siglo XVII y primera mitad del
Alemania XVIII
Inglaterra Fusiones
Francia Neoclasicismo europeo del siglo XX
España
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Obras representativas del Barroco [editar datos en Wikidata]

Intérpretes contemporáneos de música barroca


Referencias
Bibliografía
Véase también
Enlaces externos

Características generales y estilísticas
Las principales características de la música de la época barroca son:

La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a
cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo,
abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de
monodía acompañada.
La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras
que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o
varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que
improvisaba los acordes (clave, archilaúd, órgano positivo, guitarra barroca, arpa, tiorba...).
El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la
progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio
frecuente de acorde).
El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso
mecánico.
El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a
cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de
instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el
concierto, la sonata y la suite entre las segundas.
El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta),
materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres
habitual en el Renacimiento.
El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de
ornamentación.

Estética y función de la música en el Barroco


Estilo surgido en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma
católica, la música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda
por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones
(junto a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de
músicos profesionales. La música se vuelve indispensable para cualquier
actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que
acompañaban a los nobles. Producto de estos fines es, como en otras artes Teatro Argentina (Pannini, 1747,
de la época, una estética expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la Musée du Louvre)
ornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa y esplendor en
los espectáculos públicos, fuertes contrastes sonoros...

La transmisión de emociones se organizaba a través de la teoría de los afectos y la retórica, que transfiere conceptos de
la oratoria tradicional a la composición del discurso musical. En los géneros vocales la música queda supeditada a la
poesía, pues su propósito es el refuerzo en la transmisión del sentido y los sentimientos ligados a la palabra; el
espectáculo de mayor éxito, y que mejor resume el gusto y la estética de la época, será la ópera, fusión de poesía,
música y teatro. La claridad en la dicción de los textos es por ello condición fundamental, impuesta tanto en la música
religiosa como en la teatral (aparición del estilo recitativo).
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La diversificación de estilos
En la época barroca se rompió la unidad de estilo musical de la Europa renacentista: convivieron diversos estilos,
utilizados con plena consciencia por los compositores según el lugar en el que trabajasen y el género musical
practicado.

Una primera diferenciación se daba entre el stile  antico (stylus  gravis), consistente en la permanencia de la vieja
polifonía renacentista (marginal pero vigente por ejemplo durante todo el siglo XVII en parte de la música religiosa
italiana y española), contra el stile moderno (stylus  luxurians), ya plenamente barroco y generalizado en la música
teatral y de cámara. Así, Monteverdi escribió su Messa da capella como ejemplo del stile antico, y Bach denominaba
música concertada a sus cantatas de iglesia por contraposición a motetes o corales más sencillos.

Dos estilos nacionales completamente diferenciados dominaron claramente la música europea del Barroco medio y
tardío:

El estilo francés. Con la corte de Luis XIV en Versalles como centro de irradiación y Jean-Baptiste Lully como
referente, es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza: piezas breves (unidas en la suite) de
forma fija bipartita, estructuradas en frases cerradas y simétricas, con armonías muy restringidas (aunque usadas
con sutil imaginación) y una compleja ornamentación, estandarizada en figuras escritas.

El estilo italiano. Gracias a la constante innovación estilística generada en las ciudades italianas (Venecia,
Nápoles, Roma y, sobre todo, Bolonia), las invenciones de la música italiana fueron imitadas en todos los centros
musicales europeos, incluidos los franceses, hasta el punto de que el estilo italiano se impuso en el siglo XVIII en
todo el continente: desembarco masivo de discípulos de Corelli en Londres, querella de los bufones en Francia,
italianización de la corte de Madrid tras la llegada de los borbones, etc. El estilo italiano, ejemplificado en Vivaldi,
se caracterizaba por una tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía
al servicio de la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de frases
asimétricas) y el uso libre de la improvisación.
El resto de naciones imitaba uno u otro de estos estilos: así, en Alemania los compositores se adaptaban
alternativamente a uno u otro, aplicando al tiempo la fuerte tradición polifónica local: por ejemplo Telemann escribió
cientos de oberturas y conciertos, mientras Bach ejemplificó sus versiones de uno y otro estilo en su primera
publicación, que incluía el Concierto italiano, BWV 971 y la Obertura francesa, BWV 831.

Periodización y evolución

El Barroco temprano (1580-1630)


Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico renacentista, caracterizado
por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las novedades principales:

La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni Gabrieli), consistente en la


alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales situados en diversas ubicaciones (cori spezzati,
típicos de la Basílica de San Marcos). Una evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que
se contrastan instrumentos contra voces (como en los concerti ecclesiastici), o solistas contra el conjunto general.

La monodía acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical. Su acompañamiento
instrumental se escribía de forma taquigráfica como bajo continuo. La Camerata Florentina (llamada Camerata
Bardi en honor a su promotor, el conde Giovanni de Bardi) fue decisiva en la difusión de esta monodía
acompañada, cuyo objetivo, poner a la música como sierva de la palabra, finalmente cristalizó en la ópera; por
ello les interesaba imitar la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara: Vincenzo Galilei, padre del
astrónomo Galileo, escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título
Dialogo della Musica Antica e della Moderna. Sus nuevos géneros musicales recitativo, espressivo y
representativo utilizaban además nuevas libertades en disonancias y modulaciones (Seconda pratica).
En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi. Maestro del stile  antico (aplicado al
polifónico género madrigal) y del stile moderno (la monodia acompañada), daría forma a esa recién creada ópera. En
paralelo a ella se desarrolló el oratorio, religioso, gracias a la influencia de Felipe Neri.

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El Barroco medio (1630-1680)


El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania,
Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodía y del estilo concertante. Mientras tanto, en Italia autores
como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi Rossi suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera
belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo
aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros
napolitanos y venecianos. La ópera francesa (bajo diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en
el mismo tiempo y lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos (oboe,
fagot, flautas travesera y de pico...) y en que se fijaba la suite instrumental francesa.

En el norte de Italia (Módena, Venecia y, sobre todo, la escuela boloñesa) la música instrumental sienta las bases de la
tonalidad y de las formas del Barroco tardío. Autores como Legrenzi, Cazzati, Alessandro Stradella o Vitali convierten
la vieja canzona en la nueva sonata en trío, de acusado carácter virtuoso y contrapuntístico.

El Barroco tardío (1680-1730)


El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país que marcó las tendencias
innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están:

La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli) y más tarde Corelli: cadencias
frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos,
acordes paralelos de sexta...

La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos, contrastes
entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo...
La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó incluso a la fortísima
tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias (hasta la tardía querella de los bufones), y en
Inglaterra fueron directamente sus discípulos, como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores
alemanes de primer nivel como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano.

Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la generación nacida en torno a
1685: Antonio Vivaldi en Italia, Georg Friedrich Händel, Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann en
Alemania, Jean Philippe Rameau en Francia y Domenico Scarlatti, español de adopción.

La transición al Clasicismo (1730-1750)


A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la
ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental (Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de
preclasicismo. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre
de la sonata clásica.

Los géneros y las formas
La emancipación de la música instrumental respecto de la vocal conduce a una clara separación entre géneros
instrumentales y géneros vocales. La música instrumental alcanzó pronto su madurez con la creación de formas como
la sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior.

Los géneros vocales eran divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los primeros se cuenta la gran
creación del Barroco musical, la ópera, mientras a los religiosos se adscriben formas nuevas como el oratorio y la
cantata, junto a antiguas como el motete y la misa.

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La música vocal

La ópera
Las corrientes humanistas, en particular la [Camerata Florentina], buscaban ya a finales del XVI una puesta al día del
antiguo teatro griego, basándose sin embargo en formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama
pastoral, las comedias madrigalescas con figuras de la commedia  dell'arte y los intermezzi teatrales. Los sucesivos
experimentos en los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron finalmente un
espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas habladas eran sustituidas por recitativos: había nacido la
ópera. Entre las primeras se cuentan la Dafne de Jacopo Peri, de cuya música solo se conservan algunos fragmentos y
cuyo tema fue significativamente tomado de Las metamorfosis de Ovidio, y Eurídice, también de Jacopo Peri, esta sí
conservada completa en su edición de 1600. Pero fue Monteverdi con su Orfeo (1607) quien consolidó la forma.

La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca en una
representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden números de cuatro tipos:

Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico
apenas acompañado por el bajo continuo.

Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy elaborados, a menudo
virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite musical (aun a costa del decurso teatral, aquí
suspendido). Hacia el final del periodo se impuso la forma A-B-A, llamada aria da capo.

Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo, las
danzas bailadas en escena.

Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.
La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda Europa: además de en toda Italia, se representaron
regularmente en lugares como Viena, Londres, Hamburgo, Dresde, Hannover, Múnich y París. Con la notable
excepción de Francia, el italiano siguió siendo el idioma de los libretos, y la temática casi siempre mitológica: era la
llamada opera seria, arena del triunfo de los compositores con pretensiones de éxito del Barroco.

Paralelamente aparecieron géneros músico-teatrales más populares, en lengua vernácula, con personajes
contemporáneos (a menudo de clase baja), tramas a veces humorísticas y pasajes hablados en lugar de recitativos.
Estos espectáculos se introducían bien a modo de intermedio entre los actos de la ópera seria o bien como obras
independientes; recibieron diversos nombres en cada país: singspiel (Alemania), zarzuela (España), opera  buffa e
intermezzi (Italia), opéra­comique (Francia), etc.

El oratorio
Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y no era
escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi
siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías de Händel.

Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era la Pasión, obra de larga
duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión de Jesucristo, con arias y corales insertados. La
Pasión según San Mateo de Bach es su más ilustre ejemplo.

La cantata
La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma
musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. La
composición y ejecución de nuevas cantatas religiosas en lengua vernácula era parte de las obligaciones cotidianas de
los músicos de los países luteranos, caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de doscientas.

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Se escribieron también cantatas profanas, especie de minióperas de cámara habitualmente formadas por la secuencia
Recitativo­Aria­Recitativo­Aria. Con frecuencia tienen un carácter vanguardista por estar dirigidas a una audiencia
selecta y culta. Aunque Alessandro Scarlatti fue el más prolífico autor del género,2 son sin embargo más conocidas la
Cantata del café de Bach o las compuestas por Händel, en italiano, durante su estancia en Roma.

El motete
El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones
religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta
vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo
concertante.

La música instrumental
Véase también: Instrumentos musicales del Barroco
El Barroco conoció la transformación de los instrumentos
renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles y vio
aparecer la orquesta en el sentido moderno del término. Nacida
durante el siglo XVI en ambientes populares, la familia del violín
(violines, violas, violonchelos) alcanzó su grado máximo de perfección
constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces quedaron
fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos
durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias
de artesanos como los Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella
sobrevivió a pleno rendimiento la fabricación de violas da gamba, Evaristo Baschenis, Instrumentos
musicales, Siglo XVII.
extinguidas sin embargo hacia el final del periodo. Los instrumentos
de madera fueron radicalmente transformados por la familia
Hotteterre en la corte francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca. Por
otra parte, se siguen utilizando instrumentos de otras épocas como el sacabuche, la trompeta y la trompa, ambos sin
pistones.

La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tuvo un auge sin
precedentes en los siglos XVII y XVIII; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental estaban en plena
igualdad. Hubo un gran florecimiento en formas musicales, técnicas, intérpretes y compositores, que poseían ya un
profundo conocimiento de la técnica de los instrumentos, al servicio de una fuerte expresión emocional: son típicos
testimonios como el de François Raguenet sobre el violinista Arcangelo Corelli quien, cuando tocaba en público,
"perdía el dominio de sí mismo".

Formas solísticas: preludios, tocatas, fantasías y fugas


Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de teclado) de carácter
improvisatorio; como tales, suelen ser rapsódicas, cargadas de ornamentación, de forma y compás poco definidos y de
textura variable.3 Esas piezas improvisatorias solían ir seguidas de una fuga (a 2, 3, 4 ó 5 voces): forma derivada del
antiguo ricercare, en ella una breve melodía llamada sujeto es presentada inicialmente en cada una de las voces y
desarrollada después en contrapunto imitativo.

La sonata
Al igual que la palabra cantata designa una composición para canto solista y bajo continuo, la palabra sonata designa
en el Barroco una composición para ser "sonada", esto es, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío,
respectivamente) más el habitual bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe
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para la o las voces superiores, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd...) para el
continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. Derivada de la canzona del Barroco temprano,
la sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes: típica es la secuencia Largo­
Allegro­Adagio­Allegro.4

La sonatas destinadas a la iglesia (sonate da chiesa) solían consistir en movimientos de forma libre, que incluían algún
fugado entre los rápidos. Las destinadas a las salas civiles ((sonate  da  camera) incluían movimientos de danza
bipartitos, al modo de la suite. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach. A mediados del
siglo XVIII la palabra sonata designó también obras para tecla, tales como las más de quinientas sonatas para clave de
Domenico Scarlatti.

El concerto grosso
Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta, como conjunto en el que varios instrumentos
de cuerda interpretan al unísono una misma línea melódica, de suerte que una música escrita a tres o cuatro voces
(esto es, en partitura de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte
músicos. Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto  grosso) con
otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos violines y un violoncello). A las obras
así escritas se les llamó concerti grossi.

Tras su primera aparición en la escuela de Bolonia, los concerti grossi fueron difundidos por toda Europa gracias a las
publicaciones de Arcangelo Corelli; consistentes inicialmente en meras sonatas en trío en las que cada pasaje era
repetido por el tutti tras ser tocado por el concertino, las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad técnica
hasta diferenciarse temática y musicalmente de las partes orquestales: nació así el concierto solista virtuoso en tres
movimientos (típicamente Allegro-Adagio-Presto), fijado por Vivaldi y que traspasó épocas musicales al punto de estar
aún vigente como forma musical. Importantes centros del género instrumental concertante fueron Módena, Bolonia y
Venecia.

La suite
Una suite es una sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas (en francés, suite). Su
secuencia mínima clásica incluía:

Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.


Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario y frecuentes
hemiolias.
Sarabande: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen
español.
Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
A las que se podía añadir una obertura inicial más otras danzas tras la giga, elegidas libremente, como por ejemplo:

Minueto: de compás ternario parecido al del vals. La suite suele contener dos minués emparejados.
Rondó: pequeña pieza basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones (B, C, D, etc.).
De carácter aristocrático, vigoroso rítmicamente y muy sofisticado en lo melódico, la suite se derivó de los ballets de
cour de la corte francesa de Versalles y acabó infiltrándose en toda la música instrumental francesa, alemana e incluso
italiana, tanto para instrumentos solistas (clavicémbalo, laúd, tiorba) como para grupos de cámara o conjunto
orquestal. Su transformación en música camerística estilizó sus pìezas a costa de su original carácter danzable.5

Principales compositores

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La inmensa mayoría de los compositores de la época barroca trabajaban al servicio de mecenas pertenecientes a la alta
aristocracia o al alto clero: reyes, príncipes alemanes, cardenales, arzobispos o instituciones religiosas de posibles
(como catedrales o conventos notables). Solían completar sus ingresos con la edición y venta de sus propias obras
impresas. En todos los casos eran intérpretes que tocaban y dirigían sus propias obras, compuestas en general para las
funciones indicadas por su patrón: liturgia, música de cámara, música ceremonial, etc.

Italia
Giovanni Gabrieli (c. 1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano: su música contiene ya los estilos
esenciales de la nueva época estética. Claudio Monteverdi (1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco;
inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el
desarrollo de la música para teclado, en particular por sus toccate para clave y sus canzone para órgano. A mediados de
siglo sobresale Giovanni Legrenzi (1626-1690).

Arcangelo Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) dominan la escena nacional de la
segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi
(1678-1741), Tomaso Albinoni (1671-1751), Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) representan
la cumbre y el ocaso barroco en su país.

Alemania
El nuevo estilo barroco fue aprendido en Venecia por un joven Heinrich Schütz
(1585-1672), el más influyente músico en la primera mitad del siglo XVII
alemán. De notable importancia son también Johann Hermann Schein (1586-
1630), Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-1621), autor del
tratado Syntagma Musicum.

En la segunda mitad del siglo XVII el organista Dietrich Buxtehude (1637-


1707), visitado en Lübeck en 1705 por un joven Bach, es junto al violinista de la
corte imperial vienesa Heinrich Ignaz Franz von Biber el más sobresaliente
autor. Destacan asimismo los teclistas Johann Pachelbel (1653-1706) y Johann
Jakob Froberger (1616-67), junto a Georg Muffat (1653-1704), privilegiado
testigo de los diversos estilos musicales del momento. A caballo entre los siglos
XVII y XVIII, Johann Kuhnau (1660-1722), predecesor de Bach como Kantor
en Leipzig, Johann Joseph Fux (1660-1741), Johann Caspar Ferdinand Fischer
(c. 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733) son los más prominentes La obra de Bach está
compositores. considerada la cumbre de la
música barroca, y su "Pasión
El Barroco musical llegó a su máxima madurez y esplendor en la primera según San Mateo" y el "Clave
mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la bien temperado" son cimas de la
música universal, Johann Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las música occidental.

posibilidades de la música barroca. Su fallecimiento marca tradicionalmente el


fin del periodo.

Entre los restantes autores del Barroco alemán tardío cabe destacar al compositor operístico Reinhard Keiser (1674-
1739), al tratadista Johann Mattheson (1681-1764), a Johann Adolph Hasse (1699-1783), Carl Heinrich Graun (1703-
59) y un joven Händel (1685-1759) -hasta que en 1712 se fue a Inglaterra- y, sobre todo, a Georg Philipp Telemann
(1681-1767), que marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca hacia la música clásica de la segunda
mitad del siglo XVIII en su país.

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Inglaterra
Las peculiares condiciones históricas de la Inglaterra del XVII resultaron en una peculiar persistencia del estilo
polifónico hasta bien entrado el siglo. Tras la restauración de 1660, John Blow (1649-1708) y su alumno Henry Purcell
(1659-95) fueron los más destacados e influyentes autores.

En la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich Händel (1685-1759), desde su llegada en 1712 al país, es el más
destacado e influyente autor y es considerado aún, junto con su paisano y coetáneo Bach, el más importante
compositor del Barroco tardío. Después de Händel, la música inglesa vive un periodo de ocaso, aunque a mediados del
siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79).

Francia
El estilo se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87), un italiano de nacimiento que introduce la ópera en Francia,
siendo el verdadero dictador musical del siglo XVII en ese país gracias a su talento y a su posición de influencia sobre
Luis XIV. También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703), máximo rival de Lully.

En torno al cambio de siglo François Couperin (1668-1733) es el más importante autor. Louis Marchand (1669-1732) es
hoy especialmente conocido por su duelo musical con Bach de 1717. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es, junto con
Couperin, la cumbre barroca nacional y el cénit de la ópera barroca francesa en la primera mitad del siglo XVIII, siendo
en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país.

España
Véase también: Anexo:Compositores del Barroco de España
En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, Antonio Soler, Juan Hidalgo, Sebastián
Durón, José Marín, José de Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco, Joaquín García de Antonio y
Tomás de Torrejón y Velasco. Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus obras, los
italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini. Fue muy importante la actividad musical durante el reinado de
Fernando VI, un gran amante de este arte. Por otro lado, la ópera no fue asimilada sino hasta el siglo XVIII. En su lugar
se llevaron a cabo las zarzuelas.

En las colonias españolas en América también hubo actividad musical, principalmente en México, Perú y Bolivia, con
compositores, como el milanés Roque Ceruti, Juan de Araujo, José de Orejón y Aparicio, Juan Gutiérrez de Padilla,
Ignacio Jerusalem, Domenico Zipoli, Manuel de Sumaya, José de Torres, Antonio Durán de la Motta y Manuel de Mesa
y Carrizo, cantantes e instrumentistas. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta.

Obras representativas del Barroco

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Barroco 9/11
4/29/2018 Música del Barroco - Wikipedia, la enciclopedia libre

Obras representativas del Barroco


Año Obra Compositor
1607 Orfeo (ópera) Claudio Monteverdi
1630 Fiori musicali Girolamo Frescobaldi
1640 Selva morale e spirituale Claudio Monteverdi
1676 Atys (ópera) Jean-Baptiste Lully
1689 Dido y Eneas Henry Purcell
1700 Sonatas para violín y bajo continuo op. 5 Arcangelo Corelli
1717 Música acuática Georg Friedrich Händel
1722 Conciertos de Brandeburgo Johann Sebastian Bach
1722-44 El clave bien temperado Johann Sebastian Bach
1724 Giulio Cesare Georg Friedrich Händel
1725 Las cuatro estaciones Antonio Vivaldi
1727 Pasión según San Mateo Johann Sebastian Bach
1713-30 4 libros de órdenes François Couperin
1733 Tafelmusik Georg Philipp Telemann
1738 Ejercicios para clavicémbalo Domenico Scarlatti
1742 El Mesías Georg Friedrich Händel
1749-50 El arte de la fuga Johann Sebastian Bach
1728-1750 Misa en si menor Johann Sebastian Bach

Intérpretes contemporáneos de música barroca
En la actualidad la música barroca es interpretada por un gran número de conjuntos musicales en todo el mundo,
incluyendo aquellas que ejecutan una amplia variedad de música clásica; existen, sin embargo, conjuntos que se han
especializado en música de este periodo.

Una de las principales características de estos grupos es que buscan rescatar estilos de interpretación e instrumentos
propios de la época barroca. Utilizan afinaciones distintas a las empleadas por las orquestas sinfónicas actuales, así
como tempos y ritmos poco ortodoxos respecto al canon que ha imperado desde finales del siglo XIX en Occidente.

Referencias
1. Aullón de Haro, Pedro: Barroco. Verbum, 2013, p. 60 (http://books.google.es/books?id=vZL1AQAAQBAJ&pg=PA6
0).
2. Bukofzer, pp. 255 y ss.
3. Grout I, pp. 451
4. Grout I, pp. 463-464
5. Grout I, pp. 458

Bibliografía
Bianconi, Lorenzo (1986). Historia de la Música, 5. El siglo XVII. (Original en italiano ed. por E.D.T. Edizioni,
1982). Madrid: Turner Música. ISBN 84-7506-182-6.
Bukofzer, Manfred F. (1986). La Música en la época Barroca: De Monteverdi a Bach. (Original en inglés ed. por
W.W. Norton, 1947). Madrid: Alianza Música. ISBN 84-206-8530-5.

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Barroco 10/11
4/29/2018 Música del Barroco - Wikipedia, la enciclopedia libre

Grout, D.J. et al. (1993). Historia de la música occidental. (Dos tomos). Madrid: Alianza Música. ISBN 978-84-206-
6491-0 - ISBN 978-84-206-6492-7.
Hill, John W. (2008). La música barroca. Música en Europa occidental, 1580-1750. (http://books.google.es/books?
id=hqtG10rjQsEC - Google Libros). Madrid: Akal. ISBN 978-84-460-2515-3.
Michels, Ulrich (1982). Atlas de Música. (Dos tomos). Madrid: Alianza Atlas. ISBN 84-206-6999-7.

Véase también
Véanse también: Arquitectura barroca, Escultura barroca, Literatura barroca y Pintura barroca.
Véanse también: Johann Sebastian Bach y Compositores del Barroco.

Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Música del Barroco.
Portal de Música Antigua en castellano (http://www.MusicaAntigua.com)

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