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CAPÍTULO 1.

-LAS ARTES ESCÉNICAS

Bloque 1. Las artes escénicas. Su contexto histórico

C APÍ TULO 1.-L AS ARTES ESCÉNIC AS

-Concepto de “arte escénica”


El término "Artes Escénicas se usa para referirse a aquellas manifestaciones socioculturales y
artísticas que utilizan para su expresión y comunicación técnicas teatrales sobre un escenario,
integrando otras expresiones artísticas literarias (pensamiento, lenguaje, texto dramático etc.),
plásticas (iluminación, escenografía, vestuario, caracterización…) y usicales.
Las Artes Escénicas encuentran su primera característica en que resultan de la conjunción de lo
visual y de lo auditivo, en un espacio tridimensional y con sus elementos en movimiento. Son artes
temporales y espaciales a la vez, visuales y auditivas al mismo tiempo. Su finalidad es la exhibición
pública, generalmente ante una colectividad de espectadores, aunque sus fines artísticos son, como
en todas las artes, la creación de belleza mediante la armonización de determinados elementos en
una estructura concreta, la expresión artística de un individuo o grupo de individuos, la creación
de formas culturales propias de un colectivo o grupo humano, y la celebración lúdica.
Por tanto, una definición de “artes escénicas sería la siguiente:
Las artes escénicas comprenden el estudio y la práctica de formas expresivas que se inscriben en el universo
de la interpretación, como el teatro, la danza y la música, así como otras formas de espectáculo, como el
circo, la performance, etc., que utilizan a la vez todos estos recursos y tengan como fin la exhibición pública.
Los elementos fundamentales comunes a todas las Artes Escénicas son los siguientes:
a) El espacio y el tiempo utilizados en estrecha relación como elementos estructurales y de
expresión. Lo que es propio de las Artes Escénicas en este aspecto es la presencia inmediata de la
interpretación, lo que se llama el “aquí y ahora”.
b) La acción (física o verbal). La representación escénica nunca es estática, ni en lo físico, ni en
lo expresivo ni en lo emocional: el movimiento en todos estos sentidos es lo que les da fundamento.
c) La estructura y sus componentes (texto, personaje, conflicto, situación). De la ordenación
de los elementos en una estructura nace la belleza y la expresión.

-Clases de artes escénicas


Las Artes Escénicas incluyen a la Danza, la Ópera, el Teatro y las Artes Circenses. A los artistas
que participan en estas artes los llamamos intérpretes o ejecutantes, incluidos los actores,
comediantes, bailarines, músicos y cantantes. Las Artes Escénicas también están apoyadas por
trabajadores en ámbitos conexos, como escritores, compositores, escenógrafos, iluminadores,
vestuaristas, maquilladores, tramoya, productores. Existe, además, una forma especializada de arte
escénico en el que las y los artistas realizan su trabajo de cara al espectador como si se tratara de
una obra plástica viva, a la que se le llama Performance y a la que, por lo mismo, junto con la
Danza Moderna o Contemporánea, suele considerársele como más cercana a la Plástica.

Elementos comunes a las artes escénicas

Dramaticidad: poseen el rasgo básico que caracteriza al drama (representación de una acción
llevada a cabo por unos personajes en un espacio determinado). Es decir, presentan una
determinada situación o hecho. La obra dramática es sólo literatura, es decir, es una creación
de lenguaje concebida por un autor llamado dramaturgo, quien inventa y desarrolla, a partir
de un conflicto, una o más acciones en un espacio y tiempo determinado. La obra dramática

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es todo aquel mundo creado por un autor y susceptible de ser representado escénicamente
ante un público, por tanto, posee una virtualidad teatral, es decir, la posibilidad de ser
representada. El objetivo de su creación es su representación, aunque muchas de ellas no logran
este propósito. Para la creación de una obra dramática, el dramaturgo puede hacer uso de algunos
elementos técnicos, como: acto, cuadro, escena, acotación, aparte y mutis.
Teatralidad: Poseen características específicamente teatrales (unos intérpretes, unas escenas, un
público, una adaptación a unos espacios…). La teatralidad es la concreción, o representación, de
la obra dramática; mediante la puesta en escena se muestra de manera directa –audible y visible–
el texto, para que los espectadores participen, se interesen y se conmuevan. En una representación
teatral intervienen una serie de elementos que contribuyen a su realización, como actores,
maquillaje, vestuario, iluminación, escenografía, música, ambientación, interpretación, dicción.

Diferencias con otras artes

Las Artes Escénicas difieren de las Artes Plásticas en la medida en que aquellas usan el propio
cuerpo del artista, la cara y la presencia como medio de expresión estética, mientras ésta utiliza
materiales como la arcilla, el metal o la pintura que pueden ser moldeados o transformados para
crear arte objeto físico.
Elementos específicos y diferentes en las diferentes artes escénicas
a.- La danza o el baile es la ejecución de movimientos acompasados con el cuerpo, los brazos y
las piernas. La danza, por tanto, es movimiento. Y un movimiento muy especial ya que requiere
de cinco elementos fundamentales, los cuales se interrelacionan para transmitir un mensaje
artístico: ritmo; expresión corporal; movimiento; espacio y color.
b.- El teatro musical. La ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde
aproximadamente el año 1350, un género de música teatral en el que una acción escénica es,
cantada armoniosamente por los actores-cantantes y tiene acompañamiento instrumental y
musical. Otros géneros de teatro musical, que están estrechamente relacionados con la ópera, son
la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el
musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus
características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que
las fronteras entre tales géneros no sean claras.
c.- Un circo es un espectáculo artístico, normalmente itinerante, que incluye a acróbatas,
payasos, magos, adiestradores de animales y otros artistas.
d.- La performance y otras formas escénicas de vanguardia. Una performance es una muestra
escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el
asombro, así como cierto sentido especial de la estética juegan un rol principal. Una performance,
por lo tanto, intenta sorprender al público ya sea por su temática o por su estética. Este tipo de
acciones están vinculadas a la improvisación, el arte conceptual y los happenings (manifestaciones
artísticas que contemplan la participación del público).
La historia del “performance art” empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de
artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al dadaísmo y al
surrealismo realizaban exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. El arte de la
performance es aquel en el que el trabajo escénico lo constituyen las acciones de un individuo o
un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto siempre y cuando se involucre
cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre éste y el
público.

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CAPÍTULO 1.-LAS ARTES ESCÉNICAS
C APÍ TULO 2.- L AS ARTES ESCÉNIC AS C OMO OBR AS DRAM ÁTIC AS

Texto principal
Una obra dramática es un texto escrito –o de transmisión oral- que recoge un material lingüístico
(parlamentos de un unos personajes o parlamentos y acotaciones) destinado a una representación
y, por tanto, ajustado a las convenciones propias del teatro, lo que le otorga un carácter diferente
al de los otros textos literarios, independientemente del proceso de comunicación en que entrará
este texto.
En el lenguaje dramático predomina una estructura dialógica, que implica tener siempre un “tú” al
cual constantemente se interpela. El interlocutor se identifica mediante expresiones calificadas
como vocativos, ubicadas en el texto entre comas. El mundo se “representa” directamente ante el
lector o el espectador (en el caso de que esté representada), a través de las diversas formas del
discurso de los personajes: diálogo,
monólogo, soliloquio y aparte:
a) Diálogo: intercambio de mensajes
entre dos o más personajes, alternando los
papeles de emisor y receptor. Se presenta a
través de los parlamentos de los personajes, o
voces dramáticas.
b) Monólogo Es la forma de discurso que
permite que un personaje solo en escena
pueda expresar sus ideas sin dirigirse a nadie,
sino como revelación de su pensamiento más
íntimo.
Hoy en día el término monólogo se ha puesto
de moda gracias a las intervenciones que
ciertos humoristas realizan sobre un
escenario ante el público.
c) Soliloquio: Es también una forma de
discurso para un personaje que está solo en
escena, pero la ligera diferencia que tiene con
respecto al monólogo es que el personaje
dirige sus palabras a alguien.
Muchos autores no advierten diferencias
entre monólogo y soliloquio, ocupándolos
como sinónimos.
d) Aparte: forma discursiva en donde un
personaje habla en voz alta, suponiendo que
los otros personajes presentes en la escena, no lo escuchan, estableciendo, además, una cierta
complicidad con otro personaje o con el público. Muchas veces, en estos apartes se manifiestan
sentimientos o pensamientos personales.
e) Mutis: se conceptualiza como el silencio de un personaje que señala su retiro de la escena.
f) Voz en off: Cuando se habla fuera de escena.
g) Coro: se daba en el teatro grecolatino, en ciertos momentos de la representación; era la voz
de la conciencia del personaje, el narrador o una comunidad de personas. Este personaje colectivo

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solía poner el punto final a cada uno de los episodios en los que estaban divididas las obras
dramáticas.

El texto secundario
1. No se ve ni oye durante la representación. Llega al espectador solo si aparece en el programa
de mano que se entrega junto con la entrada, o si lee una versión impresa de toda la obra.
2. Forman parte de ese texto secundario:
• Título de la obra.
• Drammatis personnae. Relación inicial de todos los personajes que intervienen. Aportan
al lector información sobre edad, parentesco, nombre, relaciones entre ellos. Suelen
aparecer por orden de importancia. En realidad, se trata de una acotación.
• Acotaciones (didascalias). Son orientaciones que intentan clarificar la comprensión de la
obra, por lo cual, aunque aparezcan ante nuestros ojos cuando leemos una obra dramática
(normalmente entre paréntesis o con letra cursiva), no pueden ser pronunciadas durante
una representación, sino que el autor las incluye, bien para el lector, bien para el director
de la puesta en escena.
3. Las acotaciones pueden ser de varios tipos:
1. Hacen referencia a la acción. Indican el lugar, la iluminación, el decorado, los sonidos o
ruidos, pero también, la presencia de materiales expresivos diferentes del contenido y la
forma de los parlamentos y elementos técnicos como sonidos, música, iluminación,
objetos, cambios, etc. o cuestiones relacionadas con el espectáculo, por ejemplo,
proyección de un audiovisual, audición de música antes de levantarse el telón, etc.
2. Las referidas a los personajes. Informan sobre el vestuario, gestos, tono de voz, por dónde
entran y salen los personajes, qué hacen, etc. Se trata de aclaraciones que el autor de la
obra dramática realiza sobre cómo debe ser el decorado, cómo se tienen que mover los
personajes, qué gestos deben hacer...
3. La Información sobre la ficción. Acotaciones, con frecuencia, dirigidas más a un lector
que no propias de un texto para ser representado: desde la localización espacial y temporal
(macroespacio, siglo, año…) hasta acotaciones sobre la interioridad de los personajes.
Ofrecen instrucciones sobre los aspectos no verbales de la puesta en escena.

Características del género dramático


La palabra dramático deriva de “drama” y este término procede de la palabra griega que significa
'hacer', por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. El adjetivo dramático es el
nombre genérico de toda creación literaria en la que un artista llamado dramaturgo concibe y
desarrolla un acontecimiento dentro de un espacio y tiempos determinados. Los hechos se refieren
a personas o caracteres que simbolizan en forma concreta y directa un conflicto humano.
El mundo dramático se construye a partir de un doble eje organizador capaz de lograr su unidad
específica. Este doble eje sobre el cual estructura el mundo dramático está compuesto por la
ACCIÓN y el CONFLICTO, que constituyen los dos núcleos temáticos de toda obra dramática.
Las obras dramáticas tienen como eje central el desarrollo de un conflicto, es decir, una lucha
entre dos fuerzas opuestas que luchan por alcanzar su objetivo. El conflicto adquiere el carácter de
dramático al interior de la obra y puede referirse a diversos temas: amor, guerra, venganza, etc.
Además, el conflicto puede ser consigo mismo (conflicto interno) o en relación con otra persona,
la sociedad, el universo o la naturaleza.

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El desarrollo del conflicto supone la realización de actos por parte de quienes encarnan las fuerzas
que luchan (los personajes). Así, la acción dramática es la forma estructurada que supone la
interacción entre los personajes y asegura el desarrollo y solución del conflicto.

Los géneros dramáticos.


El teatro occidental adoptó ya en sus orígenes en Grecia dos formas diferenciadas: la tragedia y
la comedia. A estos dos géneros teatrales mayores vendría a sumársele en el s. XIX el drama,
cuyo antecedentes hay que buscar en la Tragicomedia renacentista y la mezcla de géneros que se
dio en el teatro español del Siglo de Oro o en el teatro Isabelino inglés.

Géneros dramáticos mayores

TRAGEDIA: La gran época de la tragedia corresponde a la Grecia y la Roma clásicas con Esquilo,
Sófocles, Eurípides y Séneca. Shakespeare y otros autores ingleses y franceses como Corneille y
Racine la renovaron en los siglos XVI y XVII. A partir del s. XIX, la tragedia adopta la forma de
drama y, en lugar de enfrentar a los personajes con una fuerza ciega contra la que no pueden luchar,
los enfrenta con conflictos morales, consigo mismos, con sus pasiones, temores y fracasos o con
el sinsentido de la existencia humana.
Los elementos que la caracterizan son los siguientes
(según la Poética de Aristóteles):
a) Superioridad social y jerárquica de los personajes:
dioses, reyes, héroes mitológicos.
b) La acción del héroe trágico, que pone en
movimiento el proceso que lo conducirá a su
perdición, suelen estar causadas por un “error
trágico” (hamartía) o por verse arrastrado por una
pasión incontenible.
c) El orgullo y obstinación del héroe que persevera a
pesar de las advertencias y que se niega a claudicar
(hibris).
d) El sufrimiento del héroe que la tragedia comunica al público (pathos).
e) El sufrimiento del héroe trágico debe producir en los espectadores la purgación de las pasiones
del temor y la compasión (catarsis).
COMEDIA.- En las comedias los personajes protagonistas suelen ser hombres y mujeres
comunes, a menudo ridiculizados o caricaturizados, que son puestos en situaciones absurdas o
irrisorias para diversión de los espectadores. El desenlace de las comedias suele ser feliz y
optimista. Su fin es conseguir la risa del público y el reconocimiento de ciertos vicios, defectos y
lacras sociales cuando no la crítica a determinadas personas e instituciones; el enredo y equívoco
de las situaciones, son característicos de este género teatral cómico. El autor griego Aristófanes
llevó este género a su plenitud en el s. V a. de C. Plauto y Terencio lo desarrollaron en Roma.
Shakespeare, Lope de Vega, Molière… lo hicieron entre los siglos XVI y XVII. Desde el siglo
XIX es, junto con el drama, el género teatral con más vitalidad.
DRAMA.- Es el subgénero dramático intermedio entre la tragedia y la comedia. Las pasiones en
el drama no alcanzan la intensidad que poseen en la tragedia. A veces, se intercalan elementos
cómicos (de ahí que se le denomine también con el nombre de tragicomedia). El final suele ser
desgraciado, pudiendo llegarse, incluso, a la muerte de alguno de sus personajes.
Los dramas son muy frecuentes en el teatro isabelino inglés y en el teatro español del siglo de
oro (Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca), con nombres, entre otros, de

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“comedia nueva” o “comedia famosa”. En el siglo XIX autores como Chejov o Ibsen confirieron
al drama una gran profundidad simbólica y ética.

Los géneros dramáticos menores

PASO.- Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico. El paso,
denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del
entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.
ENTREMÉS.- En un solo acto y de trama cómica y jocosa; surgió en España, en el siglo XVI; los entremeses
eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra.
SAINETE.- Pieza jocosa de breve duración de carácter y argumento popular, en la que se ridiculizan los
vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con o sin canciones. Es propio del
siglo XVIII y su principal cultivador fue Ramón de la Cruz
FARSA.- Pieza cómica destinada a hacer reír. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el
asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser
convincente o cercano a la realidad.
AUTO Obra dramática en un solo acto y escrita en verso. Trata temas profundos mediante
SACRAMENTAL personajes alegóricos. El gran teatro del mundo de Calderón de la Barca. Muy frecuente en
el siglo de oro español.
MONÓLOGO.- Pieza dramática interpretada por un solo actor, aun cuando en ella puedan intervenir varios
personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos, pronunciado
en solitario o en presencia de otros personajes.
VODEVIL.- Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de
asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y
XIX.

Los géneros dramáticos musicales


Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos personajes; en ella la
acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y otros
elementos. Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica
ÓPERA
romántica, legendaria, etc. El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI,
cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni, estrenan las primeras piezas
de este género.
Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como género
específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios
y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina, estrenada en
ZARZUELA
1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de que muchas
piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que
la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre.
OPERETA Especie de ópera, de asunto frívolo y carácter alegre, en el que predomina la sátira.
REVISTA o Espectáculo teatral de carácter frívolo en el que alternan elementos dialogados y números
MUSICAL musicales.

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Los códigos de significación escénica


En las artes escénicas el signo se manifiesta con la mayor riqueza, variedad y densidad. En un espectáculo
escénico todo se convierte en signo, todo adquiere significado. La escena se sirve tanto de la palabra como
de códigos no lingüísticos. Utiliza signos procedentes de cualquier actividad o campo: de la naturaleza, de
la vida social, de las profesiones, y también de todos los demás dominios artísticos.

T ABL A DE LOS TRECE SIGNOS DEL ESPECTÁCU LO (T ADEUSZ K OWZ AN )

Para un análisis del significado de un espectáculo teatral, se proponen trece sistemas de signos.

1. Palabra Texto Signos Tiempo Signos


2. Tono Oral auditivos auditivos
(actor)

3. Mímica Expresión Signos Espacio y Signos


4. Gesto corporal Actor visuales tiempo visuales
5. Movimiento (actor)

6. Maquillaje Apariencia externa Espacio


7. Peinado del actor
8. Vestuario

9. Accesorios Características del Espacio y Signos


10. Decorado espacio escénico tiempo visuales
11. Iluminación (externos al
Externos actor)
al actor
12. Música Efectos sonoros no Signos Tiempo Signos
13. Efectos sonoros articulados auditivos auditivos
(externos al
actor)

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(Este texto es resumen y adaptación del articulo de Tadeusz Kowzan “El signo en el teatro”, en el
libro “Teoría del Teatro”, Edit. Arcolibros S.L.)

En el comentario de estos signos escénicos, que señaló por Kowzan, en un espectáculo escénico
concreto podemos considerar lo siguiente:

LA PALABRA O TEXTO.

La palabra o texto está presente en casi todas las manifestaciones teatrales, excepto en el ballet y
en la pantomima. Su papel y sus cargas significativas, en relación con los demás sistemas,
dependerá de los géneros dramáticos, de las modas literarias, de los estilos de puesta en escena,
etc. Puede ocurrir que haya ruptura intencional entre la fuente de la voz y el sujeto hablante, como
en el caso de las marionetas o en el uso de voces pregrabadas, y en ese caso también ese hecho
adquiere un valor significativo.

EL TONO.

La entonación, el ritmo, la velocidad, la intensidad y la dicción modulan y matizan el signo


lingüístico. Las variaciones en este aspecto pueden tener valor estético, pero también significativo.

LA MÍMICA DEL ROSTRO.

Se trata del sistema de signos más próximo a la expresión verbal. Existe toda una serie de signos
mímicos afines a formas de comunicación no lingüística, a las emociones y a las sensaciones
corporales de agrado y desagrado.

LOS GESTOS.

Un gesto es cualquier movimiento o actitud de las manos, los brazos, las piernas, la cabeza o el
cuerpo entero, con el fin de comunicar signos.

LOS MOVIMIENTOS ESCÉNICOS DEL ACTOR.

Son los desplazamientos del actor en el espacio y pueden ser:


▪ Espacios sucesivos ocupados en relación a otros actores, a los accesorios, a la escenografía
y a los espectadores.
▪ Modos de desplazamiento (velocidad, ritmo, etc.)
▪ Entradas y salidas.
▪ Movimientos colectivos.

EL MAQUILLAJE O LA MÁSCARA.

Destaca el rostro del actor bajo determinadas condiciones de luz. Si es una máscara tipifica y fija
el personaje. El maquillaje, junto con la mímica, crea la fisonomía del personaje.

El PEINADO.

Viene asociado al vestuario y al maquillaje, pero en realidad es un elemento independiente que


puede proporcionar significados importantes, como tiempo, edad, momento histórico, estado de
ánimo, etc.

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EL VESTUARIO.

Es, como en la vida, vehículo de signos artificiales de gran variedad. En teatro es el medio más
externo y convencional de definir al personaje.

LOS ACCESORIOS.

Constituyen un sistema autónomo de signos. Pueden tener un significado identificador de lugares


y situaciones, pero a veces adquieren una función teatral, cuando su presencia o ausencia puede
modificar comportamientos o cobran un valor significativo dentro de la representación. Si
representan simplemente objetos presentes en la vida con signos de esos objetos en primer grado.

EL DECORADO O ESCENOGRAFÍA.

Su finalidad es representar un lugar, geográfico, social, o ambas cosas a la vez. Puede expresar
tiempo, estación del año, parte del día, pero también puede transmitir atmósferas, ambientes,
conceptos y situaciones. No se limita a los elementos que contenga, sino que también influye su
colocación, sus cambios, etc. Puede incluso no existir y esto también tiene un valor significativo.

LA ILUMINACIÓN

La luz sobre el escenario es un elemento introducido recientemente, pues su primera aparición se


produce a finales del siglo XVII. Se aprovecha para destacar otros medios de expresión, pero en
sí misma puede tener valor significativo. La luz teatral tiene un uso cada vez más amplio y rico
desde el punto de vista del significado, tanto en espectáculo cubierto como al aire libre. Permite
limitar el campo escénico; las luces, polarizadas sobre una parte del escenario, expresan un lugar
determinado de la acción, y el foco del proyector aíslan un actor o un accesorio del resto de la
escenografía. Intensifica o atenúa el valor de un gesto, de un movimiento.
Dentro de la iluminación entraría también la proyección, aunque su función significativa puede
sobrepasar el aspecto de iluminación. Puede haberlas fijas o móviles, pudiendo incluso sustituir al
decorado. Actualmente, la proyección tiene formas muy variadas y se ha convertido en un medio
de aportar signos de otros sistemas o incluso más allá de ellos.

LA MÚSICA.

El valor significativo de la música aplicada al espectáculo es indudable. Su papel consiste en


subrayar, ampliar, desarrollar, o a veces contradecir, signos de otros sistemas, o incluso
reemplazarlos. Las asociaciones rítmicas o melódicas unidas a cierto tipo de música pueden evocar
tiempos, ambientes, situaciones, lugar o época de la acción. El tema musical que acompaña las
entradas y salidas de cada personaje se convierte en signo de cada uno de ellos, así como los
motivos musicales para escenas retrospectivas. El caso más extremo es el del teatro musical, donde
la música tiene el valor de la entonación y la dicción en la palabra.

LOS EFECTOS SONOROS.

No pertenecen ni a la palabra ni a la música; son los ruidos. Hay signos naturales propios del
mismo movimiento de la representación, pero los que interesan a efectos de lo significativo son
los producidos con intencionalidad, pues siendo ruidos naturales o artificiales en la vida son
reproducidos artificialmente para los fines del espectáculo y forman el sistema de los efectos
sonoros.

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