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La Música
La Música
I. E. M. MARÍA GORETTI
11-4
PASTO, NARIÑO
2018
LA MÚSICA
PROFESORA
ROCÍO PAREDES
I. E. M. MARÍA GORETTI
11-4
PASTO, NARIÑO
2018
CONTENIDO
pág
1. INTRODUCCIÓN………………………………………………………………………….. 4
6. CONCLUSIONES………………………………………………………………………….25
7. CIBERGRAFIA……………………………………………………………………………..26
1. INTRODUCCIÓN
La música está presente en el diario vivir de las persona, para algunas personas es
considerada como un simple sonido de fondo o un complemento para ciertas
ocasiones, para otras es un medio para alzar la voz y dar a conocer opiniones de
impacto social que en ocasiones este impacto es tan grande como para mover masas y
provocar movimientos sociales, para otras es una escapatoria de la realidad para
sumergirse en un mundo donde todos los problemas desaparecen, como una especie
de droga que aunque da placer, éste es momentáneo y no influye en reparar o
solucionar los problemas. Como se puede ver, la música tiene muchos usos,
perspectivas y géneros para todo tipo de personas, ocasiones, épocas y modas, por
este motivo si se es un amante de la música es necesario conocer sus orígenes y su
diversidad de géneros. Y si no se es un amante a la música, es bueno conocer y
aprender el impacto social que la música tiene en la sociedad de hoy en día si se quiere
estar al día con lo que a las personas les agrada y lo que no les agrada hoy en día para
llevar el mismo rito del mundo actual y no estancarse en el pasado.
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2. CAPITULO I
¿QUE ES LA MUSICA?
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es,
según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente
una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios
fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de
complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde
su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y
la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la
definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el
marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien
podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.La
música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es
suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, emociones,
circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo
perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones
(entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.). Las definiciones parten
desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve
afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma,
surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de
expresar qué se entienden por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada
como perfecta o absoluta. Una definición bastante amplia determina que música es
sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa).
Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede
denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función
de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos
(hay incluso quienes consideran que también por los animales).
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Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos
esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial)
y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros
elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la
función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle"
publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender
una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de
la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al
funcionamiento de la sociedad,
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onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que
alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un
sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene
representada en la onda por los segundos que esta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la
energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o
voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e
intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el
resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y
armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El
timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un
sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina
espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro,
como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda
sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales
puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de
un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides
correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la cantidad que aporta
cada una al sonido resultante.
Elementos de la música
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exhibe ya un ordenamiento que la predestina para ser el vehículo de la intención
intelectual. Con el fin de un entendimiento general previo, dentro del material acústico
para la organización de la música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las
cuales la más habitual en ambientes académicos es la que divide la música en melodía,
armonía y ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de
una cultura a otra (también hay variaciones temporales).
Por otro lado, la idea intelectual convierte el material acústico en arte, y así la música
adquiere historia, vinculándose con el tiempo y haciéndose atemporal. La incorporación
de un material acústico ampliado en el siglo XX, produjo a veces dificultades de
información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y es por eso que
otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el fenómeno de la
música, como son la forma, la instrumentación, la textura, etc.
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3. CAPITULO II
HISTORIA DE LA MUSICA
Música en la Prehistoria
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y
muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta
doble clave. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de
la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte.El
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hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También
aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos, cañas, troncos, conchas...) para
producir sonidos.
Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que
podían producir sonidos. Estos instrumentos podemos clasificarlos en:
Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que
están construidos. Son instrumentos de percusión; por ejemplo, hueso contra
piedra.
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Música en el Mundo Antiguo
La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los
sacerdotes. En el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo
contó con un instrumentario rico y variado; algunos de los más representativos son el
arpa como instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En
Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio; acompañaban
al monarca no solo en los actos de culto, sino también en las suntuosas ceremonias de
palacio y en las guerras. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en
Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la
cultura musical occidental.
Antigua Grecia
En la Antigua Grecia, la música se vio influida por todas las civilizaciones que la
rodeaban, dada su importante posición estratégica. Culturas como
la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante
influencia tanto en sus músicas como en sus instrumentos musicales. Los griegos
daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música. Por ello está muy
relacionada con el poema épico. Aparecen los bardos o aedos que, acompañados de
una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la
historia de Grecia y sus leyendas. Fue entonces cuando se relacionó la música
estrechamente con la filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la
música. Pitágoras la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la utiliza para
llegar a la catarsis emocional. Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos
dirigidos a Dionisos, acompañados de danzas, y el aulós, un instrumento parecido a la
flauta. Surgen asimismo dramas, tragedias y comedias de una manera combinada pero
sin perder la danza, la música y la poesía. Los principales instrumentos utilizados en
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Grecia fueron la lira, la cítara, el aulós, la siringa (también llamada flauta de Pan, por su
creación mitológica que involucra a Pan y Siringa), varios tipos de tambores como por
ejemplo el tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro y
las castañuelas.
Antigua Roma
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante y, aunque ambas
culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la
manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la
música en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos,
añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos
vivían de una manera bohemia, rodeados siempre de fiestas. En los teatros romanos o
anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los autores más famosos fueron
entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia siendo su máximo
cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas obras teatrales. A
partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Estos eran unos
actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de la tibia (una especie de aulós). Los
romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos
nuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. Ninguna
música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una
comedia de Terencio. Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que
enriquece considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de
Siria, Egipto y las que provenían de la Península Ibérica, actual España. Vuelven a
aparecer antiguos estilos como la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola
virtuosa). Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina
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La música en la China Antigua
Desde los tiempos más antiguos, en China la música era tenida en máxima
consideración. Todas las dinastías le dedican un apartado especial. Aún hoy la música
China está impregnada de la tradición secular, legendaria y misteriosa de una de las
filosofías más antiguas del mundo.En el siglo IV a. C. los teóricos chinos trataron de
archivar las quintas para alcanzar la octava, es decir, intentaron el temperamento igual,
pero solo en el año 1596 el príncipe Tsai-Yu propone afinar los tubos según un principio
equivalente al temperamento igual. Cada vez que un tubo masculino produce uno
femenino, el masculino, es esposo y el femenino esposa. Cada vez que un tubo
femenino produce uno masculino, el tubo femenino es la madre y el masculino el hijo.
Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica,
pentatónica anhemitonal (sin semitonos).
Música en el Romanticismo
La palabra Romántico comenzó a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los últimos
años del siglo XVII, comienza como una reacción contra el clasicismo. Dentro de los
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conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente acepta si no alienta la
sobreposición de extremos opuestos: amor a la soledad del individuo y a la vez amor al
prójimo; un disfrute de lo exótico junto a una nostalgia por lo familiar; una afición a lo
novedoso y al desarrollo junto con ansia por el pasado. El romanticismo es claramente
universal y de todo los tiempos y no puede limitarse a solo un período de la historia. Por
una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija de las ideas de la revolución francesa,
desea liberarse del pasado y, así, conseguir un arte que exprese el comportamiento y
las ideas de su tiempo. A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que
va creciendo, cada vez más, de la literatura en la música: en Alemania los poemas de
Wolfgang Von Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert,
Schumann, Brahms, etc., para producir una de las manifestaciones musicales-poéticas
más importantes de todos los tiempos, el Lied Alemán. Asimismo escritores franceses y
británicos fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y
otros. El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la
acentuación de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llega a
venerarse a la canción popular como expresión espontanea del alma nacional. También
aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del “colorido” sonoro, lo
que permite enriquecer el vocabulario musical con los medios que transforman y
amplían el arte sinfónico de los tiempos modernos. El siglo XIX será el siglo del Piano,
gracias a sus posibilidades polifónicas, sonoras y de virtuosismo extraordinario.
Posromanticismo
Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las últimas
etapas del romanticismo, y de la transformación del lenguaje romántico en el nuevo
lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente en Alemania. Sin embargo
dos fuerzas desafiaban la posición musical en Alemania. Una era el nacionalismo, y la
otra era el surgimiento de una nueva escuela de composición en Francia. Los últimos
30 años del siglo XIX fueron relativamente pacíficos en Europa, el comienzo del siglo
XX se caracterizó por un creciente desasosiego social y un aumento de la tensión
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Internacional (La Primera Guerra Mundial). En el reino de la música hubo tensiones e
inquietudes similares, y durante estos años, concluyó el período clásico-romántico. Uno
de los rasgos característicos de este período en Alemania fue una resurrección del
interés por la Opera sobre el cuento de hadas.
La música en el Siglo XX
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siglos de ceñirse a una tonalidad. Primero se rompe con la armonía, luego con la
melodía, el ritmo y con todo lo establecido.
Mientras tanto en Italia aparecen una serie de músicos que incorporan a su música,
nuevos objetos sonoros: la incorporación de ruidos. Esta corriente se llamó Futurismo y
afecto tanto a la música como a la literatura y al arte. El futurismo pone como punto de
partida el ruido, no el sonido. En Francia mientras tanto, surgió paralelamente el
Bruitismo (del francés Bruit, ruido), que parte de ese mismo punto.
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4. CAPITULO III
INFLUENCIA DE LA MUSICA
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madre la preferida debido a que su agudeza señala felicidad y afecto. Es importante
educar tanto la expresión de la voz como el canto. Éste, en concreto, es uno de los
medios de expresión más completo y máximo.
En la segunda mitad del siglo XIX, la psicología se estableció como una disciplina
científica. Comenzó a desarrollarse una psicología empírica, pues algunos
investigadores argumentaron en contra del racionalismo en la música, y se sostuvo que
esta debía ser considerada como una ciencia empírica. Por tanto, la psicología debía
analizar las experiencias. Esta idea se abandona cuando surge una nueva corriente de
la psicología moderna en Europa a principios del siglo XX.
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el desarrollo cognitivo y la representación del tono, ritmo y las propiedades de la
armonía y la melodía
el desarrollo de la competencia y la habilidad musical
los procesos subyacentes a la ejecución e interpretación musical
los procesos afectivos asociados con escuchar música.
En esta época, los oyentes elijen la música que escuchan y no sienten la necesidad de
investigar el porqué de su disfrute.
El tono y su aprendizaje
Dentro de una obra musical, un oyente puede escuchar varios sonidos con diferentes
tonos, que juntos conforman una única textura. Las formas de educar nuestro oído son
varias: La forma conductual es la más practicada, se basa en la repetición y es
prácticamente subconsciente. Por otro lado tenemos la forma constructiva que consiste
en procesos mentales complejos y requiere una atención y un esfuerzo de síntesis por
parte del oyente. Un aprendizaje constructivo nos permitirá establecer relaciones entre
los sonidos y finalmente conocerlos y manipularlos.
Ritmo
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Beats: es la forma de organización del ritmo, y se basa en la regularidad temporal.
Esta percepción del tiempo y sensación de regularidad, se enmarca en lo que
llamamos “tempo”.
El acento: es donde recae la atención del evento, esta vez hablando de toda la
pieza musical y no de simples patrones rítmicos. Lo que nos ayuda a distinguir el
acento, será la distancia entre “los intervalos de inicio”.
Timbre
Es el atributo por el que se distinguen dos sonidos que se presentan en forma similar y
con idéntico tono, gravedad y duración. La definición presenta tal cantidad de
posibilidades que no permitió la experimentación científica hasta finales del siglo XX.
Desde la psicología, la importancia del timbre se basa en sus rasgos auditivos. Permite
la categorización del sonido y condiciona la percepción de sonidos conjuntos emitidos
por un grupo de instrumentos.
Memoria
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4.3 Reacciones e Interpretaciones
Se han realizado diferentes estudios acerca de la importancia del control del tempo, la
coordinación e independencia entre las dos manos y la coordinación entre dos músicos
en un dueto a la hora de convertir un concepto musical abstracto (una obra musical) en
la interpretación de una obra. De esta forma, los intérpretes más experimentados
mantienen mayor estabilidad y precisión en el tiempo y además son capaces de
interpretar una obra junto con otro músico sin haberla ensayado antes juntos
basándose en el hecho de que ambos comparten la misma visión de la estructura de
dicha obra.
Esta visión que cada uno tiene sobre la obra que interpreta es lo que le confiere
expresión a la interpretación, es decir, dependiendo de cómo el intérprete entienda la
estructura de la obra el resultado final variará. Pero es posible modificar la expresividad
conscientemente mediante la práctica, aunque en ella influyen también el estado de
ánimo.
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4.4 Habilidad musical
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5. CAPITULO IV
CULTURA Y MÚSICA
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humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal
cuando en realidad es exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o,
peor aún, se ha creído que la armonía es privativa de la cultura occidental porque
representa un estado más "avanzado" o "superior" de la "evolución" de la música. Otro
de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas)
es la compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por
ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro
tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona
distinta de quien la ejecuta, así como la idea de que quien escucha la música no está
presente en el mismo espacio físico en donde se produce es solamente posible en la
sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo más "universal")
es que creador e intérprete sean la misma persona.
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6. CONCLUSIONES
Es difícil establecer el origen de la música, no hay datos que digan en qué año,
lugar o época fue creada la música, solo se tienen datos de las características de
esta en las diferentes culturas y la evolución que ha tenido.
La música cambia bastante de características dependiendo de la cultura y la
época de la que se está hablando, demostrando que junto con el hombre, la
música ha evolucionado dando paso a nuevas modas y tendencias musicales,
las cuales pueden llegar a ser lo suficientemente importantes como para
caracterizar una época.
Debido a que el comportamiento y la forma de ver las cosas para muchas
personas está influenciado por las tendencias, la música forma parte de una
importante pieza del comportamiento humanos, ya que la música refleja los
gustos de las personas y por ende su pensamiento respecto a diversos temas,
por este motivo nos encontramos con la diferencia de comportamiento y
pensamiento por ejemplo entre una persona amante del Hard Metal y una
persona amante de la música lírica, podemos notar que el estilo de música que
escuchan es muy diferente y esto muchas veces es reflejado inclusive en su
apariencia, permitiendo muchas veces diferenciar y clasificar a las personas de
acuerdo a sus gustos. Cabe resaltar que esto no aplica necesariamente a todas
las personas pero esto es algo muy frecuente.
Como se mencionó anteriormente, la actitud de una persona está muchas veces
influenciada fuertemente por tendencias musicales, de aquí podemos mencionar
los diversos casos que han habido de personas que cambian su actitud y estilo
de vida a causa de la música, ya sea en ámbitos simples como la apariencia,
como en ámbitos más complejos como los valores que una persona aplica en su
vida, esto es debido a que mucha música a pesar de ser muy popular tiene una
influencia negativa para quien la escucha debido a su contenido.
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7. CIBERGRAFÍA
LA MÚSICA
HISTORIA DE LA MÚSICA
HISTORIA DE LA MÚSICA
PSICOLOGÍA DE LA MÚSICA
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