VISITA A LA

INFORME:

ESCUELA DE
BELLAS ARTES
 ALUMNA: Melissa
Colquicocha
Carrascal

 PROFESOR: Ernesto
Álvarez

 ESPECIALIDAD: Canto

 CICLO: VII

2018
La Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú es una Institución
Pública de Educación Superior, con autonomía académica, económica y administrativa. El
dominio de una disciplina artística responde al firme deseo de encontrar el camino de una
realización personal, así como una decisión sostenida en una vocación muy clara y
persistente.

La Escuela de Bellas Artes es patrimonio de la cultura nacional. Por ella han transitado,
dirigiendo la institución, insignes maestros y artistas, como Daniel Hernández, José
Sabogal, Guzmán Suárez Vértiz, Ricardo Grau, Gonzáles Gamarra, Juan Manuel Ugarte
Elespuru, Teodoro Núñez Ureta, José Bracamonte Vera, Alberto Dávila, Carlos Aitor
Castillo, Miguel Baca Rossi, Alberto Tello Montalvo, Leslie Lee Crosby, quienes
cumplieron y cumplen con el cometido de formar profesores y artistas en las
especialidades de Pintura, Escultura, Grabado, Conservación – Restauración y Docencia,
sustentadas colateralmente con el dominio del dibujo artístico.

La Escuela forma profesionales artistas y docentes en artes plásticas y visuales,

sustentada en el desarrollo de las capacidades y actitudes, la sensibilidad y la expresión
creativa, los saberes artísticos y educacionales vigentes y la innovación permanente, así
como en el respeto de la identidad personal de los estudiantes en su respectivo entorno.
La nueva visión educativa define al artista con un perfil intelectual sólido que
complementa sus facultades artísticas y técnicas; busca situarlo en el contexto de una
realidad dinámica, actualizando constantemente los procesos académicos de enseñanza,
a través de las nuevas áreas científicas, estéticas y tecnológicas, ampliando
conocimientos teóricos de análisis social, proyectos e investigaciones vinculados al
quehacer artístico, para hacer de los egresados agentes activos que contribuyan con la
paz social, la equidad y el orden democrático en una comunidad con múltiples
condiciones favorables para el desarrollo cultural y social.
 OBRAS DEL ARTE GRIEGO Y ROMANO

DEMETER:

La diosa Deméter es la divinidad protectora de las cosechas y la fertilidad de los campos,

la responsable del nacimiento y la regeneración de las plantas. Junto a su hija Perséfone,
Deméter fue una de las divinidades más antiguas e importantes de toda la Hélade,
recibiendo culto en numerosas localidades, de las cuales la más destacada fue sin duda
la de Eleusis, sede de los misterios eleusinos. Deméter forma parte del grupo principal de
los dioses olímpicos, los hijos de Rea y Cronos que, tras ser devorados por su padre,
fueron liderados por Zeus y conducidos por éste en la guerra contra los titanes. Tras la
victoria de los olímpicos, Deméter quedó consagrada a sus funciones de protectora de las
cosechas y la fertilidad de los campos. Es fácil confundir a Deméter con Gea, su abuela, y
con Rea, su madre, o Cibiles. Los epítelos de la diosa revelan lo amplio de sus funciones
en la vida griega. Deméter y Core (‘la doncella’) solían ser invocadas como to theo (‘las
dos diosas’) en tiempos pre helenicos. Es bastante probable que existiese una relación
con los cultos a diosas de la Creta minóica.

LA NOCHE Y LA AURORA

La noche es una escultura echa de

mármol que mide 185 cm de alto y 194
cnm de anchura, es la figura más
exquisita realizado por Miguel Angel.
Parece una giganta triste que adopta la
misma postura que presenta
tradicionalmente la figura de Leda, de la
que Miguel Ángel realizó un cartón. La
noche apoya su cabeza sobre su mano
derecha y cierra los ojos para dormir, mientras abre su torso, de musculosos y turgentes
pechos, y dobla y cierra sus piernas porque
durante el sueño estamos más expuestos y somos
más vulnerables. De todas las figuras alegóricas es
la más acabada y son la calidad táctil de su
modelado y la belleza ideal de su rostro los que la
han convertido en las esculturas más alabadas.
Asimismo, es la que presenta mayor número de
emblemas: la lechuza que se esconde detrás de su
pierna, la máscara de ojos vacíos y la diadema
decorada con la media luna y la estrella son
símbolos de la oscuridad y la muerte. La Aurora, la
más terminada y la más hermosa pero la más torturada, abre los ojos al nuevo día con
expresión de desencanto, personifica la pesadumbre.

ESCLAVO MORIBUNDO
Escultura de mármol blanco creada hacia 1513 por el escultor renacentista Miguel Ángel.
Junto con otra del mismo autor llamada Esclavo Rebelde, se encuentra en el Museo del
Louvre en París. Mide 229 centímetros de altura. Miguel Ángel comenzó a hacerla
después de la realización de la pintura para la bóveda de la Capilla Sixtina. Estaba
destinada para formar parte del grupo escultórico de la tumba del papa Julio II, que había
de colocarse en la parte inferior del monumento. Es de una belleza formal y espiritual,
presenta un claro contrapossto, se expresa en un abandonamiento como de cansancio
total comparada con esculturas helenísticas del último periodo y con una clara influencia
del Laocoonte y sus hijos. Vasari interpreta las esculturas de los esclavos con
una iconografía de las provincias sometidas por Julio II al poder de la iglesia y Ascanio
Condivi con un significado de las artes liberales, dándole al Esclavo
Moribundo la alegoría de la pintura por la mona que tiene a sus pies.
LAS RONDAS ANIMADAS
Escultura realizada por los alumnos o súbditos de Donatello, alrededor de la primera
mitad del siglo XV d. c. (principios del renacimiento). La obra fue inicialmente encargada a
Donatello pero este último se los encargo a sus discípulos, a eso se debe la técnica aún
no muy bien depurada y las imperfecciones.

MOISES DE MIGUEL ANGEL

EL Moisés es una escultura de mármol blanco y fue realizada en 1509 por Miguel Ángel,
centrada en la figura bíblica de Moisés. Originariamente concebida para la tumba del
papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en
la iglesia menor de San Pietro
in Vincoli, en la zona
del Esquilino, tras la muerte
del papa. La familia della
Rovere, de la que el papa
procedía, fueron los mecenas
de esta iglesia, y el mismo
papa había sido cardenal
titular antes de su
nombramiento como
representante del Vaticano. La
estatua se representa con
cuernos en su cabeza. Se
cree que esta característica
procede de un error en la
traducción por parte de San
Jerónimo del capítulo
del Éxodo,. En este texto,
Moisés se caracteriza por tener “ un rostro del que emanaban rayos de luz” y lo que San
Jerónimo en la Vulgata tradujo por “su rostro era cornudo". Cuando Miguel Ángel esculpió
el Moisés el error de traducción había sido advertido, y los artistas de la época había
sustituido, en la representación de Moisés, los cuernos por dos rayos de luz. No obstante
Miguel Ángel prefirió mantener la iconografía anterior.
CORTEJO PANATENAICO

Relieve en honor a la diosa Atenea

Partenos, ubicado en el friso del
Partenón.

SINFONÍA DE PLIEGUES

Este relieve forma parte del Partenón (Atenas – Grecia) y se le llama así por tener
numerosos pliegues. Se representan escenas donde figuran Poseidón, Dionisio bebiendo
y la diosa Artemisa. Fechado posiblemente entre los años 440 y 432 a. c. Se encuentra
ubicado en el friso del Partenón Oriental griego. Relieve hecho por Fidias.

LAS CABALGATAS DEL PARTENÓN

Relieve hecho por Fidias

TORSO DE ILISO O CEFISO

El río Cefiso era un río en

donde solían bañarse las tres
gracias: Aglaya (belleza),
Eufrósine (eufória) y Talía
(festividad). Una doncella
llamada Leiríope que también
se bañaba ahí, sufría el acoso
de los hombres y Cefiso terminó
violándola.

TRONO DE LUDOVISI

Relieve que representa el nacimiento de Afrodita (diosa del amor y la belleza), la cual
nace adulta y es asistida por las Horas (diosas del orden, de la naturaleza y de la justicia).
Es considerado como arte severo (que precede al periodo sublime de Fidias)

Este relieve realizado en torno al segundo cuarto del a.siglo V antes de Cristo en la
actualidad se puede contemplar en las salas del Museo de las Termas de Roma. Esta
ubicado en un museo romano, se debe a que fue hallada en la capital italiana pero por su
estilo los historiadores del arte la han catalogado como una obra escultórica de origen
griego e incluso piensan que se trataría de una obra hecha en la Grecia peninsular.
Estamos ante una obra de un momento previo a las figuras más clásicas y emblemáticas
de ese arte, ya que el Trono Ludovisi es un magnífico ejemplo de lo que se ha
denominado estilo severo de la estatuaria y escultura de la Antigua Grecia
En la superficie central, la escena nos muestra el nacimiento de Afrodita surgiendo del
mar desnuda y asistidas por las Horas (diosas del horden, la naturaleza y la justicia).
Mientras que en los laterales se esculpen dos adorados. Por un lado una matrona cubierta
por velo y que está quemando incienso, y por el otro una hetaira (una especie de
prostituta de la época) tocando una flauta doble. Esta última figura es muy interesante, ya
que se trata de uno de los primeros ejemplos de desnudo femenino en la escultura griega.
La belleza y el valor de la obra son indudables, pero todavía quedan muchos enigmas
para resolver en cuanto a su datación, su finalidad y su significado. Pertenece al periodo
severo.

TORSO DE BELVEDERE

Es un desnudo masculino firmado por el

escultor ateniense Apolonio de Atenas. Fue
descubierta en su estado actual en el
Campo de las flores (Roma) durante el
papado de Julio II (1503-1513). Se creía que
se trataba de un original del siglo I a. C. pero
en la actualidad se estima que se trata de
una copia de una estatua más antigua,
probablemente datada en el siglo II a. C. La
estatua completa representaría a esta figura
humana sobre un animal, aunque a qué
personaje corresponde exactamente todavía
se discute: es posible que sea Hércules,
Polifemo o Marsias, entre otros. La retorcida
pose del torso y su extraordinariamente bien
representada musculatura tuvo una gran influencia en posteriores artistas (incluidos
Miguel Ángel y Rafael Sanzio) del Renacimiento, y otros artistas del Manierismo y
Barroco. En la actualidad la estatua forma parte de la colección del Museo Pío-Clementino
de los Museos Vaticanos. El nombre de "Belvedere" deriva del Cortile del Belvedere (patio
de Belvedere) donde la estatua fue inicialmente expuesta. El torso no debe ser confundido
con el también famoso Apolo de Belvedere
de la misma colección.
TAMBOR DEL TEMPLO DE ARTEMISA
DE ESCOPAS
Este templo fue una de las siete maravillas
del mundo antiguo. Escopas refleja un
carácter pasionista en sus obras, como en
este relieve, en el que representa a
personajes con ojos hundidos, el ceño
fruncido y los labios entreabiertos (como si
estuvieran respirando). Esto es parte del estilo escopástico.

SAN JORGE DE DONATELLO

Se trata de una escultura realizada en mármol

por un joven Donatello entre los años 1416 y
1417. Fue una escultura encargada por el
gremio de los fabricantes de armas y
concebida para ocupar una de las hornacinas
de Orsanmichele en la ciudad de Florencia,
pero que en la actualidad se conserva y
expone en el museo del Bargellode esa misma
ciudad italiana. Es una escultura en la que aún
se ven características herederas del estilo
gótico como son su equilibrio y la leve torsión
de la figura. Sin embargo, también se ven
rasgos de lo que va a ser la escultura
renacentista. Para empezar por ser una de las
primeras obras en las que una figura de un
héroe joven se convierte en héroe de toda una
ciudad. Algo que también repetirá con otro
personaje emblemático para los florentinos,
David, del cual realizó dos esculturas de las
cuales la más famosa es la que hizo hacia
1440. Y algo que, casi un siglo después,
retomará Miguel Ángel con su famoso David.
Con su San Jorge, Donatello estaba evolucionando en su arte escultórico. Él quería
sustituir la delicadeza y los refinamientos de obras precedentes por una nueva y vigorosa
observación del natural, algo que en este caso se manifiesta en numerosos detalles de la
figura, especialmente en cómo están talladas las manos e incluso las cejas. Pero, como
algo propio del Renacimiento, se trata de observar el natural para representar un ideal.
Aquí el ideal del hombre caballeresco y también religioso, un joven fuerte, valiente y
seguro de sí, con el que se habría de identificar la ciudadanía florentina.

DIONISIO DE FIDIAS

Escultura hecha por Fidias. Se

considera que es Dionisio ya que
siempre es representado de forma
contemplativa y con su vaso de vino en
la mano. Siglo V a.C. (siglo de Oro de
Fidias)
LOS HIDRÓFOROS

“Portadores de agua”). Relieve de Fidias en el que un hidróforo descansa de cargar el

cántaro, lo que le da dinamismo o un carácter vivo a la obra. Está ubicado en el friso del
Partenón.

LA PIEDAD

La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizado por Miguel
Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la
Basílica de San Pedro del Vaticano. Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se
puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal. La Virgen
María, joven, bella y piadosa cuyas
vestiduras se expanden con
numerosos pliegues, sostiene a
Cristo muerto y que,
intencionadamente, aparenta
mayor edad que la madre, en una
composición triangular sosegada y
llena de ternura. La juventud de la
Virgen María es muestra del
idealismo renacentista: se trata de
representar el ideal de belleza y
juventud, una madre eternamente
joven y bella. El contrato entre el
artista y el cliente se firmó el 26 de
agosto de 1498, y en el que se
estipulaba, además del pago de
450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días
antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal
había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia
tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada
en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro.
 RELIEVE DE ELEUSIS
En este relieve se ve a Triptólemo recibiendo el grano de
trigo de Deméter, quien le enseña la agricultura como
muestra de agradecimiento por recibir la ayuda de su
padre, el rey Keleos, para encontrar a su hija Perséfone.
Perséfone (hija de Zeus y Deméter) había sido raptada
por su tío Hades o Plutón (dios de los infiernos) y
trasladada al averno. A esta obra se le considera de
estilo severo por los pliegues arcaicos en los peinados.

LAS RONDAS ANIMADAS DE LUCA DE LA ROBBIA

También llamada Los Cantoriles de Luca de la Robbia,

contiene a los cantoríles, los tamboríles, las auritas, los trompetíles. Luca de la Robbia fue
el único que reflejó la redondez de la cara de los niños y sobre todo la gracia de estos.

ATENEA LEMNIA

Atenea Lemnia o Palas Atenea (1450 a. c.).

Escultura hecha en bronce por Fidias. Plinio el
Viejo la llamaba “la pequeña” y la consideraba
como “la más bella de todas”. Es una escultura
crisoelefantina por estar compuesta por oro y
marfil.
HERMES CON DIONISO NIÑO EN BRAZOS

Es una escultura griega de marmol con una altura de 213 centímetros que se encuentra
en el Museo Arqueológico de Olimpia. Su autoría se atribuye al escultor Praxíteles del
período clásico final o bien, según otros autores, se trataría de una copia del siglo I de un
original del mismo artista del 350 - 330 a.c. Se encontró en el año 1877 entre las ruinas
del templo dedicado a Hera donde servía como ornamentación. Se trata de una obra
escultórica exenta, inspirada en la mitología griega. Los conceptos de perfil griego, nariz
griega y curva praxitélica han pasado a ser un modelo de belleza clásica dentro del arte
de la escultura.

LAUCOONTE

Es uno de los conjuntos escultóricos más impresionantes de toda la Historia del Arte
universal. A pesar de las diferentes hipótesis que se han barajado, lo más probable es
que fuera realizado en el siglo I d. C. para un mecenas romano, por los artistas
ALesandro, Polidoro y Atanadoro, de la Escuela de Rodas. Pertenece, por tanto, a la
última etapa de la escultura clásica griega, el llamado período helenístico. Se sabía de su
existencia gracias a una antigua descripción de Plinio el Viejo, pero estuvo oculta bajo
tierra hasta que fue descubierto en el año 1506, en la ciudad de Roma. El Papa Julio II
envió a Giuliano da Sangallo y a Miguel Ángel para que identificaran la estatua, y desde
entonces se conserva en los Museos Vaticanos.
La escultura representa
a Laocoonte, sacerdote
troyano de Apolo, en el
momento de ser
devorado por dos
grandes serpientes
marinas. Laocoonte
había prevenido en
vano a sus compatriotas
contra el caballo de
madera que los griegos
les habían regalado,
haciéndolo pasar como
una ofrenda a la diosa
Atenea, cuando en
realidad era un ardid
para ocultar a los
soldados que luego
abrirían las puertas de
la ciudad. Mientras los
troyanos decidían si
debían arriesgarse a
introducir el caballo en la ciudad, Poseidón, enemigo de Troya, envió a las serpientes para
que castigasen a los hijos de Laocoonte. Las serpientes se enroscaron en el cuerpo de
los niños y Laocoonte luchó por soltarlas, pero ellas le estrangularon a él y a los niños.
Los troyanos se convencieron de que aquello era una señal de los dioses para ignorar las
advertencias del sacerdote y finalmente llevaron el caballo dentro de las murallas de la
ciudad. De esta forma provocaron inconscientemente su propia destrucción. Destaca la S
praxíteliana.

VICTORIA DE SAMOTRACIA

La Victoria alada de Samotracia data del

período helenístico (Escuela Rodis), y fue
creada entre el 220 y 185 a.C. Mide 5,57
cm de altura. Fue realizada por un artista
desconocido que probablemente colaboró
en la confección del bellísimo Altar de Zeus
en Pérgamo. Representa a Niké, Diosa
griega de la Victoria que se muestra
espléndida sobre un pedestal que
simboliza la proa de un navío. La sensual escultura femenina de bulto redondo, de la que
lamentablemente no se han encontrado los brazos, la cabeza y el ala derecha, que ha
sido añadida íntegramente por los administradores del Museo del Louvre, ha sido
sometida a diversas restauraciones a lo largo del tiempo, ya que sus restos fueron
encontrados por piezas en distintas expediciones llevadas a cabo en la isla de
Samotracia, Grecia, donde fue descubierta y enviada posteriormente a París. Sin duda,
gracias al gran esfuerzo llevado a cabo por el Museo del Louvre durante más de un siglo y
medio mediante distintas restauraciones, recreaciones y adiciones en yeso, además de la
ayuda incondicional de numerosas donaciones de todo el mundo, el bello monumento ha
podido ser reconstruido tal y como lo conocemos a día de hoy, pasando a formar parte de
la historia del arte como una de las piezas clave de la estatuaria griega

LA VENUS DE MEDECI

Es una escultura helenística en mármol a escala real que representa a la diosa griega del
amor Afrodita. Se trata de una copia en mármol del siglo I a. C., hecha quizás en Atenas,
de un original griego en bronce, habría sido realizada por un escultor en la inmediata
tradición de Praxíteles, quizá a finales del siglo. Se ha convertido en uno de los puntos
cruciales del progreso de la tradición clásica occidental, cuyas referencias resumen los
cambios de gusto y el proceso de investigación clásica. Se exhibe en la Galería Uffizi, en
Florencia (Italia). La diosa se representa en
una pose fugitiva y momentánea, como si
hubiese sido sorprendida en el momento de
emerger del mar, a lo que alude el delfín a sus
pies, que no habría sido un apoyo necesario
para el bronce original.

Lleva la inscripción griega Cleómenes hijo de

Apolodoro de Atenas” en su base. La
inscripción no es original, pero en el siglo XVIII
el nombre «Cleómenes» se grababa sobre
esculturas de modesta calidad para aumentar
su valor, mientras se dudaba de la inscripción
en la Venus de Médici para poder atribuir la
obra a uno de los diversos nombres de mayor
consideración: aparte de Praxíteles.
ANTINOO COMO APOLO

(Siglo II d.C.) Antinoo fue un joven de Vitinia, de

una belleza extraordinaria, pareja del emperador
Adriano. Cuano Antinoo murió en el río Nilo,
Adriano mandó a representar su imagen en
distintas esculturas (tales como esta o como
Antinoo como Osiris). Cuando quiso acuñar
monedas con la imagen de él mismo y Antinoo, al
Imperio Romano le pareció muy exagerado y no lo
aceptó

JULIA LA HIJA DE
TITO

Dama de la
Permanente (Museo Capitolino, Roma). El peinado es
sumamente útil para fechar los retratos de los ciudadanos
anónimos, más interesantes a veces que los retratos áulicos
de los soberanos. Esta dama, erróneamente identificada
como Julia, hija de Tito, es de época de Domiciano, puesto
que los crínales estuvieron de moda a principios del siglo II.

CARIÁTIDE
Una cariátide es una escultura
de forma femenina que se
utiliza no solo para adornar,
sino que cumple la función de
columna y sostener el techo de una estructura con su
cabeza. Las más conocidas son las de la Acrópolis de
Atenas. Su origen no es muy claro, pero se cree que
proviene de las Guerras Médicas, cuando la ciudad de Caria
(que traicionó a los griegos para aliarse a los persas) fue
vencida y sus habitantes masacrados, y sus mujeres
convertidas en esclavas. El sacrificio de trabajar y tener que
llevar cargas pesadas dio origen a las Cariátides
condenadas a llevar el peso del templo en sus cabezas. De
cualquier manera ya existían desde antes de las guerras
con Persia la costumbre de que figuras femeninas sirvieran
como columnas, con lo cual no puede asegurarse con total certitud que ese sea su origen.
Sin embargo, siempre fue ligado al concepto de la esclavitud incluso hasta llegado el
renacimiento. Esta escultura tiene una pierna flexionada para otorgarle la sensación de
movimiento

LA VENUS DEL MILO

Venus de Milo o Afrodita de Milo, es una de las estatuas más representativas del periodo
helenístico de la cultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia.
Fue creada en algún momento entre los años 130 – 100 a. C. y se cree que representa a
Afrodita (denominada Venus en la mitología romana), diosa del amor y la belleza; mide,
aproximadamente, 211 cm de alto. Esta estatua fue encontrada en Milo (Islas Cicládas),
desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820. El precio que el
campesino pedía por la escultura era
demasiado alto, y Dumont d'Urville (viajero que
realizó una parada en este lugar) no llevaba el
dinero suficiente como para comprarlo, por lo
que recurrió a un embajador francés en
Constantinopla, quien accedió a comprarla. Sin
embargo, anteriormente el campesino había
acordado venderla a los turcos, lo que inició un
conflicto por la posesión de la estatua. La
escultura fue hecha en mármol blanco, en
varios bloques cuyas uniones no son visibles,
en un tamaño ligeramente superior al natural;
se desconoce su autor pero se cree que
pudiera ser obra de Alejandro de Antioquía.
Esta escultura posee un estilo característico del
final de la época helenística, que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los
renueva. El aspecto clasicista de sus formas hacen suponer que su autor, desconocido
pese que en su base aparecía la firma de un escultor, se inspiró en la estatua del siglo IV
a. C. de Lisípo

LUCHADOR DE BORGHESE
(100 a.C.). De Agasio de Efesio
DEMÓSTENES

Demóstenes de Polieucto (280 ?.): Político y orador ateniense, considerado el

mejor de la antigua Grecia. Concebida geométricamente dentro de un hexágono.
Trabaja físicamente la senectud del personaje.

BIBLIOGRAFÍA:

_La Historia del Arte Contada por E. H. Gombrich

_Historia Universal del Arte (Editorial SUSAETA)

ENLACES:

http://ensabap.edu.pe/ensabap/
http://es.wahooart.com/@@/8XY572-Giovanni-Battista-Piranesi-Luchador-Borghese
http://www.archivoshistoria.com/breve-historia-del-arte-griego-i/
http://ceisdeseno.blogspot.pe/2012/05/arte-griego-normal-0-21-false-false.html
https://www.getyourguide.es/
https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_de_la_Antigua_Grecia