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¿QUÉ ES EL POSTIMPRESIONISMO?

Es un término aplicado a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, posteriores al
impresionismo. Su nombre es gracias a un crítico inglés, Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas
de Paul Cézane, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh, celebrada en Londres en 1910. La mayoría de los autores
impresionistas, seguirán su obra en el Postimpresionismo. El Postimpresionismo es en realidad un conjunto de
estilos como pueden ser el neoimpresionismo, el simbolismo, el puntillismo, el divisionismo. Aunque a menudo
exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre
sí, van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix – en – Provence.
EL POR QUÉ DEL POSTIMPRESIONISMO…
El Postimpresionismo fue un movimiento de contestación a la obra de los pintores impresionistas. Aunque los
post-impresionistas continuaron usando el color como los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de
reflejar lo fugaz, proponiendo como alternativa el análisis de lo perenne. Presentaron una visión más subjetiva
del mundo. Continúan la estela de los impresionistas, rechazando alguna de sus limitaciones.
IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO
Los postimpresionistas continúan, al igual que los impresionistas, utilizando colores vivos, una aplicación
compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real. Pero, por el contrario, intentaron llevar
más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color
experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y
presentaron una visión más subjetiva del mundo.
CARACTERÍSTICAS COMUNES DE LOS POSTIMPRESIONISTAS
Como ya hemos dicho, el postimpresionismo es un conjunto de estilos diferentes. Sin embargo, todos los
pintores postimpresionistas, tienen una serie de características comunes: Todos están marcados e influidos por
el impresionismo. De hecho, muchos de ellos participaron de este movimiento. Sé sitúan en un periodo muy
breve de tiempo (26 años), desde 1886 hasta principios del siglo XX. Sus formas más exageradas y el uso del
color, estructura y líneas prepararon el terreno para los estilos que seguirían más adelante del siglo XX, como
por ejemplo el cubismo.
ANTECEDENTES DEL POSTIMPRESIONISMO
Los artistas postimpresionistas conocieron y practicaron en algún momento las tendencias impresionistas.
El impresionismo fue un movimiento pictórico que se desarrolló con fuerza en la segunda mitad del siglo XIX y
que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. En su momento, supuso una
revolución y sus obras recibieron fuertes críticos. Al ser rechazados en los círculos oficiales, el grupo de los
pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que,
décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento
nació el Postimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura. El impresionismo supuso una
ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura ya que hasta entonces primaban el estudio
racional de la obra, la composición sobre dibujos previos y la claridad de las líneas, los impresionistas
abandonaron ese suelo para tratar de captar en sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus
sentidos. No les importaba tanto el objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz,
efímera, difícilmente perceptible y reproducible.
EL IMPRESIONISMO
Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior. Sus modelos fueron la calle, el
edificio, el paisaje, la persona, el hecho, pero no en su concepción estática y permanente sino percibidos en
ese momento casi único. El pintor impresionista pintaba in situ y terminaba la obra con rapidez. Utilizaba trazos
sueltos, cortos y vigorosos. Los objetos y el propio espacio no se delimitaban con líneas, sino que se formaban
en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos. La pintura impresionista descubrió el valor
cambiante de la luz y su movimiento, utilizando una rica paleta cromática de la que excluyeron el negro porque
el color negro, según decían, no existía en la naturaleza.
ANTECEDENTES DEL POSTIMPRESIONISMO ¿CÓMO ES EL ARTISTA POSTIMPRESIONISTA?
Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista. El artista se convierte en un genio individual que
vive de su arte. Tiene una personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo
singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras. Utiliza el color de manera
representativa y subjetiva, no objetiva. Representa el color con que se ve el alma de las cosas. Interpreta la
realidad se según la visión personal del genio creador. Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del
arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del arte mundial. Estos postimpresionistas tienen una visión
particular de su pintura, que les aleja del impresionismo clásico. Casi todos estos autores fueron, durante un
tiempo impresionistas, pero lo superarán dando soluciones personales. Muchos de ellos están en el origen de
las vanguardias (cubismo, surrealismo,)
POSTIMPRESIONISTAS MÁS REPRESENTATIVOS
PAUL CÉZANNE, PAUL GAUGUIN, VINCENT VAN GOGH, HENRI DE TOULOUSE – LAUTREC
PAUL GAUGUIN 1848 - 19023 Gauguin está impulsado por la necesidad de superar el impresionismo. Quiere
sustituir la improvisación impresionista por la armonía de las líneas y colores. Su obra podría decirse que
pertenece al simbolismo. Según los simbolistas la pintura debe aspirar a crear una magia musical con sus líneas
y colores. La obra de Paul Gauguin se caracteriza por grandes y decorativos planos de color arbitrario separados
por líneas, que plasman su mundo interior, y su gusto por lo primitivo y exótico. Durante una primera etapa en
Bretaña inició el Sintetismo al plasmar en el cuadro sus emociones mediante el color (Cristo amarillo. Visión
después del sermón). También se interesó por el Cloisonismo, de colores chillones. Más tarde vivió en Tahití
instalándose definitivamente en una de las islas Marquesas donde murió. De esta época son sus óleos más
conocidos como “Areaea”, El mercado, Tres figuras tahitianas .
CRISTO AMARILLO VISIÓN DESPUÉS DEL SERMÓN AREAREA EL MERCADO
PAUL CÉZANNE 1839 - 1906 Es uno de los artistas postimpresionistas más destacado. Es un pintor de formación
tradicional, por lo que tuvo una etapa impresionista, pero lo más decisivo de su obra lo realiza en esta etapa.
En sus obras se preocupa por la construcción, la estructura y el armazón intelectual que transmite, lo que le
lleva a ser precursor de las formas geométricas del cubismo y la abstracción. Se interesó por resaltar las
cualidades materiales de la pintura, representando personas, bodegones o paisajes. Al igual que los
impresionistas, el tema de la obra no tenía importancia. Quería penetrar en la esencia de las cosas más allá de
las percepciones del hombre, a través de las formas geométricas de la esfera, el cilindro y el cono. Utiliza, para
definir sus figuras, las formas puras: el cono, el cilindro, las esferas, etc., pero trazados sin compás ni
regla. Algunas de sus obras más representativas son: Los jugadores de naipes, Grandes bañistas, El muchacho
del chaleco rojo, La montaña de Santa Victoria, Naturaleza muerta con melocotones, Bañistas, JUGADORES DE
NAIPES LAS GRANDES BAÑISTAS EL MUCHACHO CON CHALECO ROJO LA MONTAÑA DE SANTA VICTORIA
NATURALEZA MUERTA CON MELOCOTONES
HENRI MARIE DE TOULOUSE – LAUTREC 1864 – 1901, Toulouse-Lautrec prefirió captar el ambiente de los
cabarets parisinos, como el Moulin Rouge, dibujando el movimiento de las bailarinas. Está fuertemente influido
por los grabados japoneses, sus litografías se caracterizaban por los intensos contornos y los colores vigorosos
y planos, con tonos como el azul y el violeta. Es un gran caricaturista que plasma lo que es concretamente
visible, la realidad, con la ayuda de cuatro trazos. Tiene muchos encargos de carteles para espectáculos y utiliza
el cartel como modo de expresión artística, lo que le acerca al modernismo. Sus carteles en colores fueron un
precedente del Modernismo y del diseño gráfico actual (La Goulue ) Sus obras más representativas son: El baño,
Jane Abril con guantes, El salón de la calle de los molinos, Baile en el Molino Rojo, Retrato de Van Gogh, La
danza mora, Retrato de Oscar Wilde .
CARTELES DE TOULOUSE – LAUTREC, EL BAÑO JANE AVRIL BAILANDO EL SALON EN LA CALLE DE LOS MOLINOS
BAILE EN EL MOULIN ROUGE RETRATO DE VAN GOGH LA DANZA MORA
VINCENT VAN GOGH 1853 - 1890 Nació en los Países Bajos en el año 1853 y murió en Auvers (Francia) en 1890.
Su vida y su obra están estrechamente unidas. Es el mayor representante del postimpresionismo. Pintó 900
cuadros (27 de ellos autorretratos) y 1600 dibujos. Su principal apoyo a lo largo de su carrera fue su hermano
Théo, quien desinteresadamente le dio prestó apoyo financiero. Entre ellos había una gran amistad, lo cual
quedó plasmado en las numerosas cartas que se escribieron entre ellos. Desde muy joven sintió inclinación y
pasión por el dibujo, pero su primer trabajo fue en una galería de arte, para después ser pastor. En 1879 se
marchó como misionero a Bélgica, donde comenzó a dibujar. Su primera gran obra que pintó allí fue Los
comedores de patatas
LOS COMEDORES DE PATATAS En este momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra, la gran
luz de colores vivos por el que es más conocido, fueron obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia
consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida
después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en
el arte del siglo XX.
Desde muy joven mostró un carácter muy difícil, además de un temperamento muy fuerte. Tras abandonar los
estudios Van Gogh empezó a trabajar en 1866 como aprendiz en una importante compañía internacional de
comercio de arte. Empezó a pintar en serio a los 27 años, y murió a los 37, por lo que solo dedicó 10 años de
su vida a su verdadera pasión. Vincent Van Gogh es un mito de la pintura, y su vida ha sido llevada al cine en
numerosas ocasiones. En 1866 tuvo una vida triste y tortuosa. En 1888, después de una pelea con Gauguin se
cortó una oreja y se volvió loco y el 27 de julio de 1890 se suicidó con un disparó en el corazón, aunque nuevos
datos apuntan a que su muerte no fue un suicidio, sino un asesinato involuntario.
Su obra está dividida en una serie de etapas que coinciden con las etapas de su vida. Son las siguientes:
1. Etapa de Holanda: Aún no conoce París, pero ya ha visto varias obras flamencas. Ha oído hablar de los
impresionistas. De esta época es la obra Los comedores de patatas. Esta obra representa a una familia de
campesinos entorno a una mesa. Los colores son oscuros, ocres, verdes y grises. Su pintor favorito en esa época
es Millet. En esta época ya comenzó a deformar la realidad (deformación de las extremidades de las personas,
deformación de los rasgos faciales,)
2. Etapa de París: Van Gogh llega a París y conoce a los impresionistas, de los cuales adquiere rasgos pictóricos,
pero se siente decepcionado con ellos como personas, ya que no se preocupan por el tema social. Conoce la
obra de su gran ídolo, Millet, y también se siente decepcionado por ella. En esta etapa Van Gogh va a cambiar
su paleta de color. Ahora va a emplear colores más brillantes y claros, es decir, empela la paleta de color
impresionista.
Algunas obras de esta etapa son 14 de Julio. Esta obra nos recuerda a la obra de Monet de La Rue de
Montergueil engalanda. Ambas representan la fiesta nacional francesa. La pincelada de Van Gogh es más suelta
y gruesa, a lo loco, en un estado de excitación mental. Las obras de la etapa parisina de Van Gogh son
totalmente diferentes a las de sus obras holandesas. Son pinturas mucho más alejadas de la realidad objetiva.
3. Etapa de Arlés: A Van Gogh no le gusta demasiado vivir en París y decide irse al sur de Francia. Se va a La
Provence, a la ciudad de Arlés. En esta etapa pinta gran parte de su obra. Se siente muy atraído por esta zona
de Francia por el sol y los vergeles de los árboles en primavera. Era un lugar excepcional para representar en
sus pinturas. Vivirá durante una temporada con Gauguin, hasta que acaban la amistad brutalmente.
Una de las obras de esta época es Le Père Tanguy. Era un amigo de Van Gogh, muy aficionado a la pintura. Era
el que le vendía los tubos de color para sus obras. Van Gogh está muy influido, al igual que los impresionistas
por las estampas japonesas, las cuales representa al fondo de esta pintura. Tiene presente la paleta de color
impresionista.
Su obra en esta etapa está caracterizada por la línea curva que hace que su obra esté lejos de ser una
representación realista. En Arlés pinta a un ritmo frenético. Abandonaba la ciudad al alba con sus útiles de
pintura y volvía a casa muy entrada la noche. En la noche frecuentaba los cafés de la ciudad, que pintó en alguna
ocasión, como por ejemplo Café nocturno en Arlés, donde predomina el color rojo intenso, la agitación de la
luz, la sombra del billar magnificada,… Pone de manifiesto la importancia del color. Otras obras de esta época
son: La calle de los cipreses. En todas sus obras abundan los cipreses. Ésta es una composición abierta. En el
cielo hay dos soles. Todas sus obras parecen estar en constante movimiento. Los árboles están retorcidos para
dar esta impresión.
La noche estrellada es una de sus grandes obras y pertenece a esta época. Al fondo se ven los Alpes, donde se
sitúa Arles y Saint – Remi. Es una composición desenfrenada, frenética, con el cielo agitado, con astros que se
revuelven formando espirales, se retuercen, montañas ondulantes, Es decir, representa la naturaleza revuelta.
Es un cuadro pintado en un momento de locura y excitación de Van Gogh.
El sembrador, es otra de sus obras importantes. El disco solar es enorme. Está desplazado a la izquierda. Es de
un amarillo intenso y muy pastoso. Está en un cielo verde, irreal, que nunca vemos en la realidad. Van Gogh
hace uso libre del color, lo cual veremos en los pintores modernos. El árbol ý el sembrador están en la sombra.
En esta obra pinta otras obras muy importantes, coloristas, frenéticas y retorcidas como, por ejemplo: Trigal
con cipreses, El dormitorio de Van Gogh, La serie del huerto de los Olivos en Provenza, El campesino, Retrato
de Patience Escalier, La silla de Gauguin, La Berceuse (la mecedora), Terraza de Arlés, y por supuesto, su obra
estrella Los girasoles
TRIGAL CON CIPRESES HUERTOS DE OLIVOS EN PROVENCE EL CAMPESINO, PATIENCE ESCALIER. LA SILLA DE
GAUGUIN LA MECEDORA CAFÉ NOCTURNO EN ARLÉS, L O S G I R A S O L E S, HABITACIÓN DE VAN GOGH EN
ARLÉS
4. Etapa en Auvers – Sur – Oise: es su última etapa de pintura. Se fue a este pueblo de las afueras de Paris. La
obra más importante de esta etapa es La iglesia de Auvers. Es una de iglesia gótica. En esta obra se ven muy
marcadas las características de Van Gogh. Se da el estado de agitación, perfiles ondulantes, las curvas
imprecisas, que se tambalean, inestable, También es de esta época Campo de Trigo con cuervos. En esta etapa
de la pintura de Van Gogh estamos de nuevo ante una pintura más oscura y tétrica.
IGLESIA DE AUVERS – SUR – OISE, Van Gogh murió en 1890 y fue enterrado en Auvers – Sur – Oise, junto a su
hermano y gran amigo Théo.
GEORGE SEURAT (1859 – 1891) Participó en la fundación del Salón de los artistas independientes, donde se
agruparon una seria de pintores (Paul Signac, Cross, Van Rysselberghe, Luce, Petitjean, Dubois-Pillet) que
recibirán la influencia del artista, y a los que se denominaría “divisionistas”, “neoimpresionistas” o “puntillistas”.
Después de un período de experimentación acerca de las posibles técnicas pictóricas, Seurat se adhirió a las
leyes del “contraste simultáneo”, descubiertas por Chevreul, que postulaban la exaltación de la luz mediante la
utilización de las sombras, así como el contraste mutuo entre los valores contrarios. De este modo, llevando a
sus límites extremos la experiencia impresionista, Seurat pintó mediante toques aislados, y, en lugar de
reproducir los efectos de luz, se limitó a plasmar las formas reducidas a sus características Los aspectos técnicos
de su obra influyeron notablemente en los fauves, mientras que sus rigurosos estudios teóricos atraerían el
interés de los cubistas. En el breve período de siete años realizó sus obras más importantes: El baño (1884,
galería Tate, Londres) figura como la primera creación de dicha serie. En 1886 participó en la octava exposición
de los pintores impresionistas, donde envió su obra maestra “Un domingo de verano en la Grande Jatte”
(Instituto de arte de Chicago). Agotado por el intenso trabajo, murió a los treinta y un años, dejando muchos
apuntes y dibujos. Estos últimos constituyen un aspecto muy importante de su obra. Obra “Baño en Asnières”
Georges Seurat Seurat consigue una composición muy ordenada, con una distribución estudiada de líneas,
cuerpos, color y vacíos repartidos rítmicamente por la superficie.