Listado películas para ver por su

“DIRECCION DE FOTOGRAFIA”/”ILUMINACION”/”CINEMATOGRAFÍA”
por Alvaro Cortés – Junio 2017

Ciencia Ficción

"Alien" (Derek Van Lint) – Composición claustrofóbica.

"Blade Runner" (Jordan Cronenweth) – Increíble ejemplo de utilización de una única fuente
de luz para generar un mundo.
"2001" (Geoffrey Unsworth) - Fría, impecable, gran uso del 65mm.
“Gattaca” (Slawomir Idziak) – Composiciones elegantes y narrativamente impecables. Bello
uso de la luz atmosférica.
“Niños del hombre” (Emmanuel Lubezki) – Gran uso de cámara y de la textura. Planos
secuencias para estudiar.
“Melancholia” (Manuel Alberto Claro) – Alternancia de recursos para establecer una idea.
Foco selectivo y uso del Zoom. Desaturación y cámara en mano, Cámara lenta y luz
estilizada.
“Gravity” (Emmanuel Lubezki) – Proeza técnica y narrativa. Luz “natural” fuera de este
planeta. Movimientos de cámara de timing perfecto.
“Mad Max: Fury road” (John Seale) – Gran ritmo visual. Uso de colores saturados para
potenciar el desierto y la noche. Una clase de cómo resolver escenas de acción de gran
complejidad.
“Arrival” (Bradford Young) – Caravaggio en su primera película de ciencia ficción. El low key
como la fuerza motora de la narración.

Fantasía

"Excalibur" (Alex Thomson) - Gran uso de la difusión.

"Lord of the Rings: Fellowship of the Rings" (Andrew Lesnie) - Le debe mucho a "Excalibur"
"Sueño de una noche de verano" (Hal Mohr) - Un ejemplo temprano del look difuso del
cuento de hadas.
“Sleepy Hollow” (Emmanuel Lubezki) - Elegancia en tonos azules. Uso de niebla impecable.
“La pequeña princesa” (Emmanuel Lubezki) – Ejemplo perfecto entre realidad y fantasía.
“Delicatessen” (Darius Khondji) – La artificialidad al servicio de la historia. Gran uso de los
tonos cálidos y del claroscuro.
“Más allá de los sueños” (Eduardo Serra) – Uso del color excepcional. De gran belleza
pictórica y soluciones sutiles.
‘Amelie” (Bruno Delbonnel) – Gran uso del color, de la cámara, de la luz, de la composición
y del ritmo. Una película para estudiar.
“Harry Potter y el prisionero de Azkabán” (Michael Seresin) – La oscuridad al servicio de la
adolescencia.
“El curioso caso de Benjamin Button” (Claudio Miranda) – Look suave, pero contrastado.
Artificiosamente natural dentro del tono de la historia.
“El Laberinto del fauno” (Guillermo Navarro) – Colores mutados para una fábula en donde
la luz y la cámara van al encuentro de la fantasía. Bello color de la noche.
“El origen” (Wally Pfister) – Elegantemente filmada. Un ejemplo de belleza visual.
“Hugo” (Robert Richardson) – Luz estilizada. Gran uso de la Profundidad del campo y del
contraluz de separación.
“The Grandmaster” (Philippe Le Sourd) – El artificio como el marco, el detalle como el tono
y la luz como el contexto. Cadencia como tensión, movimientos justos y encuadres
milimétricos.
Western

"Las puertas del cielo" (Vilmos Zsigmond) - Uso épico del scope pero con un look
desaturado.
"McCabe & Mrs. Miller" (Vilmos Zsigmond) - No tan épico, pero más suave. Algo granuloso.
"My Darling Clementine" (Joe MacDonald) - Increíbles composiciones a lo John Ford, look
caluroso y polvoriento. "Erase una vez en el oeste" (Tonino Delli Colli) - Increíbles
composiciones a lo Sergio Leone.
“Los imperdonables” (Jack Green) – Texturas y alto contraste. Gran uso de las zonas bajas.
”El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford” (Roger Deakins) – Iluminación
atmosférica de gran belleza. Gran uso del contraste, del contraluz y de la cámara móvil.
“Temple de acero” (Roger Deakins) – El valor de la sencillez. Fuentes únicas, encuadres y
movilidad perfectas
“Django unchained” (Robert Richardson) – Más atmosférica que real. Luz a lo Richardson.
Uso del Zoom track con reminiscencias de Cine B.

Comedia

"Dr. Strangelove" (Gil Taylor) - La manera en que debieran filmarse las comedias
negras....en b&w "Local Hero" (Chris Menges) - Naturalismo poético.
“Educando a Arizona” (Barry Sonnenfeld) - Uso del angular al servicio del ritmo.
"Annie Hall" (Gordon Willis) - Precisión en encuadrar e iluminación natural.
"Hard Day's Night" (Gil Taylor) - Gran ritmo visual al ritmo de los fabulosos Four.
“Playtime” (Jean Badal y Andreás Winding) – La composición al servicio del ritmo. Uso del
widescreen sencillamente espectacular.
“Ruby Sparks” (Matthew Libatique) – Simplicidad, equilibrio, precisión. Llena de buenas
soluciones para una historia de hoy. Parece sencilla, pero no lo es.

Acción

"Los siete Samurais" (Asakazu Nakai) - Grandes composiciones en Formato académico

1.37
"Yojimbo" (Kazuo Miyagawa) - Grandes composiciones en Formato widescreen "Cazadores
del arca perdida" (Douglas Slocombe) - Movimiento y encuadre en widescreen / Una mezcla
entre iluminación dura estilo “vieja escuela” y National Geographic.
"Mad max" (Dean Semler) - Elección perfecta del scope para la acción.
"Duro de matar" (Jan DeBont) -Sí le gusta el flare en los lentes anamórficos esta es la
película.
“Bullit” (William A. Fraker) – Como debe ser una película de acción. Como debe ser una
película.
“La conexión francesa” (Owen Roizman) – De principio a fin, increíble uso de la cámara y
de la textura.
“Skyfall” (Roger Deakins) – No habrá un James Bond mejor resuelto. Atmosférico, grandes
encuadres, bellamente compuestos, con una luz para envidiar. Quítele las escenas de
acción, y mejora.

Drama

“Chinatown” (John Alonso) – Una mirada moderna a una historia en clave de cine negro.
Antes de Rodrigo Prieto, el maestro de la cámara en mano.
"El Padrino", "Klute", "Todos los hombres del Presidente" (Gordon Willis) - Atmosférico, pero
no demasiado estilizado. Encuadres potentes pero sutiles
"A sangre fría" (Conrad Hall) & "Hud" (James Wong Howe) / grandes dramas en B/N y
widescreen
"High & Low" (Azakazu Nakai) - Más composiciones increíbles en B/N y widescreen
"Citizen Kane" (Gregg Toland) - ¿Qué se puede agregar?
“Rebelde sin causa” (Ernest Haller) – Uso del scope para crear tensión en composiciones
triangulares para dar cuenta de la necesidad de ser amado.
“Buffalo 66” (Lance Acord) - Uso de la composición al servicio del equilibrio emocional
“Elephant” (Harry Savides) – La simplicidad como belleza / increíble uso del plano
secuencia
“Rabbit proof fence” (Christopher Doyle)- Increíble uso del scope o como contar una historia
sencilla de manera épica.
“Interiores” (Gordon Willis) – Uso de la silueta y la subexposición sólo como Gordon Willis
lo puede hacer.
“Con ánimo de amar” (Christopher Doyle) – Increíblemente bella / gran uso de movimientos
de cámara.
“Hero” (Christopher Doyle) - Encuadre clásico e increíble uso del color.
“Tarde de perros” (Victor Kemper) – Cómo contar un drama policial lidiando con el
documental. Gran ritmo y uso del montaje.
“El natural” (Caleb Deschanel) – Sencillamente un catálogo del potencial de la luz.
“La casa de arena y niebla” (Roger Deakins) – Una historia intensa contada con una belleza
brutal.
“American Beauty” (Conrad Hall) – Composición equilibrada al servicio de la tensión / luz
pictoralista.
“Hiroshima mon amour” (Sacha Vierny) – Uso de texturas como viaje en el tiempo /
composición sencilla, pero perfecta.
“El año pasado en Marienbad” (Sacha Vierny) – Inigualable uso de la composición para
establecer distancia e inmovilidad. Nunca un dolly fue tan temporal.
“A bout de souffle” (Raoul Coutard) – Una clase de cine.
“Toro salvaje” (Michael Chapman) – El mejor alumno de Coutard; gran composición y
dinámica en B/N.
“El amigo americano” (Robby Muller) – Edward Hopper en la américa profunda.
“Paris Texas” (Robby Muller) – Nunca el verde fue tan dramático / Ejemplo de luz coloreada
como modificadora del carácter de los personajes.
“El marido de la peluquera” (Eduardo Serra) – Una locación a distintas horas / Increíble
composición.
“La lista de Schindler” (Janusz Kaminski) – El poder del blanco y negro.
“Tiro de gracia” (Jordan Cronenweth) – Cómo transformar una historia en algo histórico /
Duramente bella.
“Ciudad de Dios” (César Charlone) Bello uso del color temporal. Estilizada, de gran ritmo y
uso de la cámara en mano. La película que todo Director de Fotografía quisiera hacer.
“El francotirador” (Vilmos Zsigmond) – Planos increíblemente potentes para contar una
historia de aquellas.
“Amores Perros” (Rodrigo Prieto) – Cámara en mano sin igual. Catálogo de usos para la
cámara en mano.
“La hora 25” (Rodrigo Prieto) – Uso del grano como textura; del color psicológico y de la
cámara como narrador.
“El amor es el demonio” (John Mathieson) – Si ama a Francis Bacon, esta es la película, o
cómo contar la vida de un pintor a su manera de pintar.
“Taxi Driver” (Michael Chapman) – Un Ejemplo de decisiones bien tomadas / La textura
llevada a la calle.
“Apocalipsis Now” (Vittorio Storaro) – Un viaje de la luz a la oscuridad. El negro como
espacio positivo.
“Jules et Jim” (Raoul Coutard) – Como una película puede cambiar a una generación de
DP’s.
“Perdidos en Tokio” (Lance Acord) – Gran ejemplo de uso de luz difusa y luz disponible, o
cómo filmar una película independiente.
“There Will be blood” (Robert Elswitt) – Luz de fuego como luz reveladora. Interesante uso
de dolly y steadycam.
“Expiación” (Seamos McGarvey) – Gran variedad de técnicas al servicio de la temporalidad.
Luz difusa bellamente utilizada.
“No country for old men” (Roger Deakins) – De look simple, pero increíblemente pensada y
bien resuelta.
“Inglourious Basterds” (Robert Richardson) – Estilización de la violencia. Top Light a lo
Richardson.
“El cisne negro” (Matthew Libatique) – Gran uso del super 16. Oscura y claustrofóbica.
Cámara acosadora e implacable.
“Red social” (Jeff Cronenweth) – Gran look y uso de texturas y tonalidades apagadas. Ritmo
trepidante para una historia vertiginosa.
“El árbol de la vida” (Emmanuel Lubezki) – Uso de la luz natural y del rodaje en exterior a
contraluz como una manera de mantener continuidad. Gran calidad en el detalle y
movimientos sorprendentes.
“Drive” (Newton Thomas Siegel) - Rescatando el viejo encanto de la acción sin truculencias.
Buenas composiciones. Ascética a ratos, interesante todo el tiempo. La sencillez en acción.
“Life of Pi” (Claudio Miranda) – El delicado equilibrio entre lo que se puede y lo que no, en
materia de CGI, Composición digital y acción en vivo, todo ello rodeado de la luz precisa.
“Kill them Softly” (Greig Fraser) – Bello uso de lentes anamórficos, en un film que aparenta
menos de lo que es.
“12 años de esclavitud”(Sean Bobbitt) – Luz interior noche atmosférica y al alcance. Planos
que llegan al extremo para transmitir el drama del relato.
“Capitán Phillips” (Barry Ackroyd) – Cámara en mano que siempre encuentra el tono justo
para colocarnos dentro de la acción o al borde de ésta. Leves correcciones de zooms como
acentos emocionales.
“Inside Llewyn Davis” (Bruno Delbonnel) – De look apastelado y con un interesante
tratamiento del color, destaca por el uso del claroscuro.
“Prisioners” (Roger Deakins) –Interiores impecablemente iluminados a lo Caravaggio.
Película que gana en ritmo al tiempo que aumenta en tensión. Gran uso del azul.
“Nebraska” (Phedon Papamichael)- B/N con reminiscencias a Robert Frank. Composiciones
equilibradas e intransables. Luz filosa, pero suavizada.
“The imitation Game” (Oscar Faura) – Buena elección del formato (aspect ratio) ´para el
manejo de la tensión con uno, dos, tres o cuatro personajes. Movilidad de la cámara al
servicio de la tensión creciente.
“Sólo Dios perdona” (Larry Smith)- Bella y brutal. Uso del color expresivo. Atmósfera onírica
con hermosas composiciones.
“Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)” (Emmanuel Lubezki) – La luz precisa
para un tour de forcé del cual resulta imposible bajarse o (la importancia de la cámara para
contar la historia: Escala como distancia.)
“Unbroken” (Roger Deakins) – Composición y movilidad a lo Deakins. Sencillez y
efectividad.
“Ida” (Lucasz Zal y Ryzgard Lenczewski) – Composición en los bordes como elemento de
búsqueda de pertenencia y de conexión con Dios. Bello uso del B/N y del formato
académico.
“Tangerine” (Sean Baker y Radium Cheung) – Materialidad al servicio de la historia. Rodada
con Iphone5 y lente anamórfico. Compensación con el shutter como pulso emocional.
Saturación como artificialidad.
“Carol” (Ed Lachman) – Uso de la textura del super16 al servicio de la era Ektachrome.
Bello uso de los reflejos y de la Escala como cercanía/distancia/deseo/logro.
“Sicario” (Roger Deakins) – La elegancia habitual de Deakins. Con tonos desaturados y
composiciones que destacan por su simplicidad, al servicio de una cierta distancia
emocional.
“Lion” – (Greg Fraiser) – Variado uso de tipos de movimientos para dar cuenta de un viaje
emocional. Gran uso de la luz difusa en locación. Una clase sobre cómo resolver los
Primeros planos sin exagerar.
“Jackie” (Stéphane Fontaine) – Super 16mm como textura, angular como cercanía (y
acoso). Tono perfecto para la cámara en mano.
“La la land” (Linus Sandgren) – Todo lo que siempre quiso ver en el cine musical, pero no
se dio el tiempo para hacerlo. Timing, color, fluidez en un homenaje al cinemascope.
“Moonlight” (James Laxton) – Uso del color emocional. Interesante uso de la cámara como
el elemento marcador del tono de la narrativa.
“The Neon Demon” (Natasha Braier) – Uso del flare en sus distintas variaciones. Interesante
uso del color. La belleza al servicio de la belleza.
“Animales nocturnos” (Seamus McGarvey) – Frialdad y precisión. Gran look rural en los
exteriores noche/carretera. El mayor engaño de Seamus McGarvey: hacernos creer que la
realidad es tan bella.
“La infancia de un líder” (Lol Crawley) – Atmosférica y perturbadora. Iluminación en clave
Rembrandt. La locación como la incubadora de la maldad.
“El abrazo de la serpiente” (David Gallego) – Gran uso del Blanco y negro y de las tomas
largas en un viaje donde el color hubiese resultado distractivo.
“The fits” (Paul Yee) – Gran uso del 2,39:1 en un filme original, cinemático y vibrante
“Hell or high wáter” (Giles Nuttgens) – Luz natural y composiciones justas en una historia
que se hace grande.
“Sunset song” (Michael McDonough) – Luz interior al estilo de Néstor Almendros, con un
dejo al cine de David Lean. Suntuosos y líricos paisajes. Un ejemplo de cómo la
cinematografía puede llenar las carencias narrativas y el tono desmedido de la narración.
“American Honey” (Robbie Ryan) –Un viaje entre el encanto y la decepción por la América
profunda. Road movie en clave polaroid (formato académico, 1,37:1 y color saturado). De
gran energía y descaro.
“The love witch” (David Mullen) – Look de serie de TV de los 50 y algunos toques de
Argento. Tonos pastel y saturados conviviendo en una historia cruzada por efectos ópticos
de carácter psicodélicos.

Período

"Black Narcissus" (Jack Cardiff) - Increíble fotografía en proceso Technicolor de tres

emulsiones.
"Moulin Rouge" (Ozzie Morris) - También en Technicolor de tres emulsiones. Gran
recreación del estilo del pintor Toulusse Lautrec.
"Snow Falling on Cedars" (Robert Richardson) - Look invernal bellamente desaturado en
scope.
"The Fugitive" (Gabriel Figueroa) - Increíbles composiciones a lo John Ford e iluminación
atmosférica religiosa.
"Reds", "Agatha", "1900" (Vittorio Storaro) - Como los films de Ridely Scott, utilización de
cada textura de luz posible.
"Camino a la Perdición” (Conrad Hall) - Nuevamente, las texturas de iluminación son
increíbles, pero de maneras sorprendentes, más un look semi-Noir y un look invernal
desaturado.
"El último Emperador" (Vittorio Storaro) - Lo mejor de sus esquemas de iluminación
simbólicos.
"El Conformista" (Vittorio Storaro) - Matrimonio perfecto entre historia y estilo.
"Red Beard" (Asakazu Nakai & Takeo Saito) - Composiciones grandiosas de Kurosawa en
B/N y widescreen
“Los duelistas” (Frank Tidy) – La luz como el testigo de una lucha sin cuartel. Gran uso de
las luces duras y el humo como difusión.
"Lawrence de Arabia" (Freddie Young) - Gran uso del 65mm para los paisajes. Composición
sobrecogedora.
"Barry Lyndon" (John Alcott) - Creación de pinturas de época. Filmado con luz de vela.
"La Noche del cazador" (Stanley Cortez) - Como un grabado en b&W. Una mezcla entre
Expresionismo alemán y Grant Wood (pintor americano, 1891-1942)
“La niña del aro de perla” (Eduardo Serra) – Ejemplo perfecto de cómo llevar la pintura al
cine.
“La Marquesa de O” (Néstor Almendros) – Naturalmente estilizada.
“Días de cielo” (Néstor Almendros) – La hora mágica como belleza atemporal / Increíble
uso de la luz natural.
“La pasión de cristo” (Caleb Deschanel) – Belleza pictórica. Escenas noche increíblemente
iluminadas.
“Memorias de una geisha” (Dion Beebe) – Como aprovechar la luz natural cuando se puede
y estilizarla cuando se debe. Bellos planos al servicio del tiempo.
“La cinta Blanca” (Christian Berger) – Ascético, pero bello uso del B/N. De bella textura y
gran paleta de grises.
“Mr. Turner” (Dick Pope) – El mejor ejemplo de por qué vale la pena esperar la hora correcta.
Impresionantes exteriores y bellos interiores para un film sobre el pintor inglés J.W. Turner.
“The Grand Budapest Hotel” (Robert Yeoman) – El color como elemento estético y formal.
Composición a lo Anderson y uso del formato (aspect ratio) como marcador temporal.
The revenant (Emmanuel Lubezki) – La luz natural como testigo de la búsqueda de
venganza. Uso de la óptica angular para incorporar el paisaje al viaje interior del
protagonista.
“McBeth” (Adam Arkapaw) – Uso del color psicológico para describir la travesía de McBeth.
De aire ascético y fantasmal. Gran uso de elementos de difusión ambiental.
“The handmaiden” (Chung Chung-hoon) – Estilosa hasta el último detalle. Sensualidad
visual desbordada.
“Silence” (Rodrigo Prieto) – Más de lo que parece. La naturaleza como el testigo silencioso
de un viaje hacia las convicciones más profundas. Composición al servicio del rigor.

Horror

"El resplandor" (John Alcott) – Composición a lo Kubrick. Uso del steadycam al servicio de
lo inexorable.
“El exorcista” (Owen Roizman) - Luz demoníaca al servicio de Dios.
"Los inocentes" (Freddie Francis) - Gran uso del B/N y widescreen. Iluminación atmosférica.
Planos de fantasmas realmente perturbadores, pero encuadrados a distancia.
“El bebé de Rosemary” (William Fraker) – Grandes composiciones y simpleza aparente en
una historia inquietante.
“La bruja” (Jarin Blaschke) – Iluminación natural y con reminiscencias a los grandes pintores
holandesas. Una clase de cómo crear atmósfera y tensión.
“Los ojos de mi madre” (Zach Kuperstein) – Encuadres cuidados y uso del B/N con
variaciones tonales. La belleza en contradicción con una trama llena de tensión y horror;
del verdadero horror: la brutalidad como normalidad.

Cine Negro/Thriller

"Out of the Past" (Nick Musuraca) / estilo “quemado” de B/N.

"Leave Her to Heaven" (Leon Shamroy) / uso poco usual de fotografía en Technicolor de 3
emulsiones: iluminación luminosa y coloreada para una historia oscura.
"Sed de mal" (Russell Metty) / se ve y se huele el estilo de pueblo fronterizo en las
composiciones angulares de Welles.
“Simplemente sangre” (Barry Sonnenfeld) Simplemente una lección de tensión.
“Seven” – uso narrativo del teleobjetivo / Luz atmosférica al servicio del clima
“The man who wasn’t there” (Roger Deakins) – Como filmar en color para B/N /
racionalización del contraluz. Composiciones increíbles.
“The black Dahlia” (Vilmos Zsigmond) – Estilo film noir con una cierta visión moderna.
Interesante uso de la difusión.
“Tinker Taylor soldier Spy” (Hoyte Van Hoyteman) – Textura, composición, frialdad. De ritmo
trepidante y giros narrativos y visuales que sorprenden.
“Puente de espías” (Janusz Kaminski) – La oscuridad como oposición a la luz; el deber
como oposición a la moral social. Uso de brillos, zonas amplias de oscuridad y contraluces
pronunciados para construir un laberinto visual.