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Funcionamiento del aparato fonador

El aparato fonador es el conjunto de órganos del cuerpo humano encargado de generar y ampliar el sonido que se
produce al hablar.
Lo componen tres grupos de órganos diferenciados:

 órganos de respiración (cavidades infraglóticas: pulmones, bronquios y tráquea);


 órganos de fonación (cavidades glóticas: laringe, cuerdas vocales y resonadores -nasal, bucal y faríngeo-);
 órganos de articulación (cavidades supraglóticas: paladar, lengua, dientes, labios y glotis).
Además, el correcto funcionamiento del aparato fonador lo controla el sistema nervioso central, puesto que más allá de
la mera fonología está el significado. Específicamente, se sabe que el control del habla se realiza en el área de Broca,
situada en el hemisferio izquierdo de la corteza cerebral.
Para convertirse en sonido, el aire procedente de los pulmones debe provocar una vibración, y la laringe es el primer
lugar en que se produce. La laringe está formada por un conjunto de cartílagos y una serie
de ligamentos y membranas que sostienen unas bandas de tejido muscular llamadas cuerdas vocales.
La tensión, elasticidad, altura, anchura, longitud y grosor de las cuerdas vocales pueden variar, lo que da lugar a
diferentes efectos sonoros.
El efecto más importante de las cuerdas vocales es la producción de una vibración audible en los llamados sonidos
sonoros, en contraste con los sonidos sordos, en cuya producción no vibran las cuerdas vocales. En español, todas
las vocales y muchas consonantes (m, b, d,...) son sonoras.

Historia de la danza y moderna y contemporánea

La danza contemporánea o moderna es un estilo creado para expresar los sentimientos. Así como los sentimientos
cambian, los bailarines contemporáneos deben cambiar constantemente. Es importante el individualismo, la abstracción
y la entrega al arte.

La danza contemporánea surge como una reacción a las formas clásicas y probablemente como una necesidad de
expresarse más libremente con el cuerpo. Es una clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una
idea, un sentimiento, una emoción, al igual que el ballet clásico, pero mezclando movimientos corporales propios
del siglo XX y XXI.

Su origen se remonta hasta finales del siglo XIX. En los inicios se buscaba una alternativa a la estricta técnica del ballet
clásico, empezaron a aparecer bailarines danzando descalzos y realizando saltos menos rígidos que los tradicionales en
el escenario. Con el tiempo, fueron apareciendo variaciones en las que la técnica clásica brillaba por su ausencia e
incluso se introducían movimientos de otras técnicas corporales, como el flamenco, movimientos de danzas tribales y
hasta del yoga. Hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, este renovado estilo de danza se llamó danza moderna,
pero su evolución desde finales de los años 1940 en adelante llevó a que se prefiriese a partir de entonces emplear la
expresión danza contemporánea. Hoy en día, las técnicas modernas dejan paso a un torbellino de mezclas de estilos,
llegándose incluso a no dejar claro a qué estilo se asemeja o qué patrones se siguen. Se dice que en la danza
contemporánea (hoy día) "todo vale".

Se pueden distinguir en los inicios dos escuelas, la americana y la europea.

Una característica distintiva es el uso de multimedia para acompañar las coreografías, como video e imágenes usados de
fondo.

La danza clásica tiene una dramaturgia con principio, clímax y desenlace. La danza contemporánea puede seguir esta
estructura o bien, contar historias de una forma no lineal.

La danza contemporánea puede hablar de un concepto, proponer un ambiente o presentar movimientos con el
propósito de conseguir una estética determinada, no siempre tiene que contar una historia. Por otro lado, la danza
clásica se construye a través de pasos ya existentes y siempre codificados mientras que la danza contemporánea busca
la innovación y la creación de nuevas formas de movimiento de acuerdo con las necesidades del coreógrafo o el
intérprete. La danza clásica busca el preciosismo, lo estructurado y perfecto, la conexión con lo etéreo, con lo celestial;
más bien está ligada al concepto de lo apolíneo . La danza contemporánea busca la conexión con lo terrenal, con lo
humano y sus pasiones, la no estructura, la transgresión; está ligada al concepto de lo dionisíaco.

El coreógrafo suele tomar las decisiones creativas. Él o ella elige si la pieza tendrá un carácter abstracto o narrativo. Los
bailarines son seleccionados en función de su habilidad y entrenamiento. La coreografía es determinada basándose en
su relación con la música o los sonidos con los que se baila. El papel de la música en danza contemporánea es diferente
al de otros géneros porque puede servir de fondo para la pieza. El coreógrafo supervisa la elección del vestuario y su
valor estético para la composición general de la actuación y también para ver como influye en los movimientos de los
bailarines.

La danza como las otras artes ha tenido grandes cambios estéticos durante toda su historia. En los últimos cincuenta
años la investigación y la búsqueda continua de las nuevas formas de expresión ha conducido a la danza por diferentes
caminos hacía la perfección técnica y artística. Influida por los cambios de la vida social y política y también de otras
artes, la danza ha cambiado su forma de ser, su estética y su percepción.

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