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De la mostración a la narración
Cuando nace el cinematógrafo (1985) la disciplina está enfocada a la función de captar la realidad
(mostración). Su finalidad principal será tener valor documental, un valor más evolucionado que el
del realismo plástico iniciado en el Renacimiento.
Será percibido universalmente como resultado de esta larga búsqueda de lo absoluto, del secreto
de la simulación de la vida y la persistencia del tiempo. Lo que importa entonces es el carácter
mágico de un aparato que reproduce la vida, que es capaz de originar el movimiento fotográfico.
Sin embargo este valor como documento de captar lo real sufrirá un agotamiento que derivará en
creaciones estructuradas como narraciones (el cine contando historias). Este agotamiento no es
deliberado, sino que está determinado por el contexto social donde se desarrolla el cine y está
fundamentado en las aportaciones individuales que se hacen en la época.
La finalidad del cine pasará a ser representacional y beberá de los recursos previos empleados en
teatro, literatura y otras representaciones pictóricas occidentales.
El Modelo de Representación Institucional (MRI) o Modelo Clásico de Hollywood fue el que imperó
en la industria cinematográfica durante el periodo comprendido entre 1915 a 1960.
Se considera que el filme que inauguró la predominancia de este estándar de producción fue The
Birth of a Nation (El nacimiento de una nación, David Griffith, 1915) ya que en ella se presentan
todos los principios básicos de la práctica cinematográfica hollywoodiense:
● Teoría de la hebra imperceptible: el público queda sometido al control que ejerce la trama,
se deja llevar por la historia, no percibe los cortes ni los cambios de plano. La historia
concluye completamente.
Los primeros historiadores de cine consideran que este modo de representación es el óptimo para
lograr la finalidad del cine. Sin embargo, en la misma época existen desvíos y otras formas de
representación que nada tienen que ver y ninguno es mejor o peor pero el clásico fue el más
estandarizado.
CARACTERÍSTICAS
CONSECUENCIA
La mirada del espectador está constantemente dirigida de forma discursiva, no neutral.
Los saltos en el espacio se realizan en función de la mirada
Se satisfacen los deseos de ver del espectador.
Existe un impulso naturalque permite que la ruptura de la realidad no sea perceptible
Montaje Analítico
El montaje empleado en la narración clásica es montaje análitico. Se caracteriza por seguir la
atención natural del espectador.
1. El filme o la escena comienzan con un plano de situación, un plano general que sitúa la
acción y permite que el espectador conozca la estancia donde se desenvuelve la acción.
2. A continuación, los cambios de plano estarán motivados por la acción. La camara permitirá
que como espectador, nos situemos en cualquier lugar siempre que sea el más adecuado
para comprender y sumergirse en la acción. El espectado, como ente físico, siempre esta
presente.
BASES
Plano situación
Hay un plano de ubicación que permite al espectador establecer las relaciones espaciales. Es
la base de cualquier fragmentación posterior.
Inserto
Se coloca un plano detalle entre dos planos de mayor amplitud. Estas transiiones a planos
mas cerrados o proximos permiten percibir al espectador cuestiones (o expresiones faciales,
por ejemplo) que no se aprecian en el plano general.
Esta norma funciona acorde con la necesidad de no despistar al espectador. Una vez se
determina el emplazamiento de la cámara, las nuevas colocaciones no pueden burlar el arco
de 180º imaginario que se traza. En el caso de traspasar este arco hablaríamos de una
ruptura del eje.
2. Ley de los 30º
De la ley de 180º deriva la de 30º. Un acambio de plano con una distancia inferior a
30º ocasiona un choque perceptual en la narración visual, por lo que no se justifica.
Hay directores que sí lo hacen pero los saltos de plano de este estiloson bruscos y
perceptibles y rompen con las bases de la narración clásica.
Continuidad de la mirada
Los personajes que interactúan en planos aislados deben seguir una linea de miradas
visualmente coherente. Si uno mira a la derecha, elotro debe responder hacia la izquierda.
Plano/contraplano
En conversaciones, por logeneral se mete a ambos personajes en escena. Cuando están lejos
y no se puede recurrir a esto, se emplea el plano de acción/reacción.
VISIONADO
The poor little rich girl (Maurice Torneur, 1917)
The marriage circle (Los peligros del Flirt, Ernst Lubitsch, 1924)
Lubitsch otorgaba a sus películas el llamado “toque Lubitsch”que consiste en el uso de elipis (en
esta época no es lo común). Este director filma pel´ciulas de temas transgresores y emplea la
sugestión con agudeza. Destacan las comedias de enredo.
Comentario. La película no comienza con plano situación. Tiene elipsis constantes. La
temática es controvertida (infidelidad, divorcio…). Emplea la sugestión en el plano corto
del huevo y el té. Tiene narración en paralelo.
Dentro de la corriente demontaje analítico y muy proximo al MRI se encuentran las escrituras al
margen. Son las películas llevada sa cabo por directores que otrogan una serie de caracteristicas y
matices al MRI. Esto implica una fuerte muestra de la autoría (recordemos que hasta los años 50-60
los directores de cine no se consideraban más importantes en el sistema productivo que cualquier
otra pieza de la cadena de producción).
Características
La composición tiene carácter funcional, es decir, no existe en la escena un algo importante
No hay siempre causa-efecto en los planos correlativos
El universo narrativo se “disuelve”. Toma importancia la profundidad de campo
Cada elemento del escenario tiene el mismo protagonismo visual y todo puede volverse
protagonista. La imagen constituye un todo opaco `ronosticando la modernidad.
Representantes
Visionado
La marcha nupcial (E.V. Stroheim, 1928)
Diferencias con el modelo clásico
o Reiteración de planos similares
o La historia tarda en avanzar
o Escenarios naturales
o Argumento propio y melodrama
o Amplitud y profundidad de campo
o Planos de multitudes que pasan a planos cortos (contraste)
o Repetición obsesiva y constante
CHARLES CHAPLIN
Aunque se enmarca dentro del model clásico, Chaplin destaca por tener rasgos concretos y aportar
matices. Trabajaba por golpes de inspiración. No existe planificación previa por lo que cada toma
debe repetirse tantas veces coo sea necesario. La producción se basa en ensayos continuos hasta
losgrar la perfección (era hiper exigente con esto) .
Cada secuencia es autoconclusiva. Auqnue formen parte de un todo, se podrían ver de
forma independiente sin perder sentido
Supeditación de la historia a la puesta en escena
Gestualización (no natural), slapstick y demás
Visionado
The inmigrant (C. Chaplin, 1927)
o Basicamente trata sobre un inmigrante al que le ocurren cosas. Las secuencias de relacionan
entre sí porque son los mismos personajes siempre, pero tienen carácter autoconclusivo que
les otorga independencia. Puesta en escena muy importante. Carácter coreográfico. Alto
coste de producción.
TEMA 4. RESPUESTA AL MRI. EL CINE Y LAS VANGUARDIAS HISTÓRICAS
Como ya hemos dicho, a pesar de que dentro del propio MRI habia corrientes que matizaban sus
características, en otros puntos del mundo existían coetaneamente modelos paralelos de
representación.
Vanguardias históricas
Se definen como un combate de idea artísticas emprendido por los representantes de la novedad y
la modernidad. “En contra o al margen de lo establecido”
Los movimientos comienzan a principios del sigo XX. Son revelaciones contra las corrientes
occidentales predominantes.
o Ámbito cinematográfico: ámbito amplio. Va desde la experimentación formal hasta el trato
de temas vanguardistas con difusión comercial. Abarca desde finales de la decada de los 10
hasta finales de los 20 (1918-1927).
París, Berlín y Moscú, tres centros privilegiados del encuentro.
EXPRESIONISMO ALEMÁN
Es el paradigma de la vanguardia. Cronologicamente caótico, fragmentado, carente de reglas y
constante crontadicción en sí mismo.
Hay un periodo arcaico del expresionismo, cuya producción filmica no son películas propiamente
dichas de la corriente expresionista.
Etapas
1915- Periodo arcaico
1920- Expresionismo puro
1925- Kammerspielfilm
1930- Realismo simbólico
Dos pilares
Inmovilidad de la cámara (influencia de la pintura y del teatro)
Movilidad de las unidades interna al plano (Iluminación, personajes, instrumentos…).
Se trata de conseguir la significación a través de la expresión en plano sin movilidad.
EFECTO KULESHOV
La forma de contextualizar un mismo plano puede cambiar totalmente su connotación. De
forma aislada el plano tiene una significación u otra, es el montaje el que le aporta
significancia final.
PRIMERA GENERACIÓN
Lev Kuleshov (pionero)
Dziga Vértov (documental)
Vsévolod Pudovkin (temática costumbrista)
Aleksandr Dovzhenko (concepción literaria)
Sergei Eisenstein. Piedra angular de esta corriente y uno de los primeros teorícos de cine de la
historia.
SERGEI EISENSTEIN
Antes de cineasta fue ingeniero, lo cual le permitió percibir el cine de un modo mucho más
matemáticos a la hora de producir y de buscar encuadres y recursos visuales.
Pasó del teatro al cine.
Lucha entre la utopía de la vanguardia y la construcción del socialismo emergente. Se debate entre
el respeto por las convenciones estetocas de la corriente vanguardista y paralelamente ser fieñ al
régimen socialista.
Su trabajo constituye un sistema en constante evolución.
A nivel teórico, es el creador del montaje intelectual o montaje de atracciones, que se cimenta en
dos pilares:
Uso arbitrario de la imagen. La imagen no depende de su contenido, sino de su relación
con el resto de imágenes. La neutralización del plano y el nuevo sentido se logra gracias al
montaje. Influencia de los ideogramas japoneses.
Idea de atracción. El espectador debe ser sometido a estímulos, forma parte de un choque
emotivo. Colisionesmentales a través de la sucesión de imágenes.
Activar los mecanismos mentales del espectador. Causar un impacto sensorial
o Extrañamiento: sacar de su contexto cotidiano ciertos elementos
La atracción es la célula mínima, se trata deformar una sucesión de atracciones cada vez más
complejas. Se guia hacia una conclusión ideológica final.
Construcción de interpretaciones, nuevas percepciones de un mismo conjunto a
través del montaje.
La atracción evoluciona hacia el CONFLICTO. Poco a poco el montaje se desprende
de los tintes obsesivos previos.
Realismo socialista (con la llegada de Stalin). Se para de los protagonistas colectivos
(proletariado) a los protagonistas concretos.
Auqnue se creia que era el estándar perfecto, su plenitud llega a partir de este momento y con su
posterior consolidación en los años 30. La narración audiovisual se topa de pleno con nuevos
planteamientos estéticos y con un nuevo sistema expresivo que abordar.
Antecedentes
Incluso antes que lainvención del cine ya existía el Fonógrafo, qu epermitía grabar sonido en
un cilindro y reproducirlo. El problema era que no era posible sincronizarlo de forma efectiva
con las imágenes del cinematógrafo. Además la calidad de las grabaciones era muy baja.
En 1922 ya hubo intentos por parte de la Warner de sonirizar filmes sincronizando el disco
con la banda de imagen.
En 1926, dirigida por Alan Crosland, se proyecta la película Don Juan, que empleaba la
tecnología Vitaphone, desarrollada por la Warner, y que tenía banda sonora y efectos de
sonido sincrónicos a la imagen, peor no diálogos. A pesar de tener sonido, estaba producida
como una película muda.
The Jazz Singer, 1927
Conocida en España como El cantor de Jazz, esta película de Alna Croslan fue el primer filme
con sonido sincrónico de la historia del cine. Imagen y sonido estaban grabados en discos
diferentes.
La competencia, 1928
El único competidor de la Warner al año siguiente era la Fox, que había introducido un
sistema innovador con el que grabar el sonido en el mismo disco que la banda de imagen. El
sonido por tanto se escribiría enla propia película.
MODIFICACIONES
1. Desaparición del cine silente
Desaparecen los equipos de producción. Empieza a darse la grabación multicamara y el
espacio en las películas comienza a fragmentarse de forma distinta.
2. Cambios en el sistema de producción
Los guionistas de cine mudo se quedan “obsoletos” por la dificultad de construir diálogos.
Se recurrió a los guionistas de teatro y otrosámbitos.
4. Cambios en la interpretación
Se reduce exponencialmente la pantomima (gestualidad y teatralidad). Se limitan los
movimeintos. Muchos actores se quedan obsoletos porque no son capaces de adaptarse.
CÓDIGOS SONOROS
Sonido es VOZ + RUIDO +MUSICA, todo ello conforma la BANDA SONORA ORIGINAL
Clasificaciónes
1. Según su origen
a. DIEGÉTICO: dentro del universo de la película
b. EXTRADIEGÉTICO
2. Según su situación
a. INTERIOR: una voz interior
b. EXTERIOR
3. Tipos de voz
a. Sonido IN: en plano
b. Sonido OFF: narrador fuera de plano
c. Sonido OVER: el narrador no es un parsonaje de la historia
4. Según sus funciones
a. Cargar el encuadre (dar dramatismo)
b. Cambiar de encuadre
c. Unir o separar encuadres
Todos estos aportes contribuyen a que el sonido enriquezca el universo diegético del filme. Una
gran ayuda a la hora de incluir al espectador en el cine clásico.
CINE DE GÉNEROS
La concepción de los géneros se puede vincular a la época de consolidación del cine sonoro. En los
orígenes de Hollywood, las majors se distribuian los géneros para no pisarse en las producciones
(Por ejemplo sólo Fox podía hacer cine de terror o la Warner de comedia). Hoy existe una fuerte
hibridación de géneros, además hay contaminación de otros ámbitos (TV, videoclip, mundo
digital…)
Asignar un género a un filme permite etiquetar la película y saber qué podemos esperar de ella. Con
esto se pretendía maximizar los beneficios acotando el target. Es uan tecnica de marketing como
otra. Hoy en día ya no está vigente el concepto de género precisamente porque está muy diluido. Es
complicado asignar una categoría concreta a una película.
VISIONADO
El manierismo postbelico en Hollywood hará que hasta los propios autores se cuestionen la eficacia
del MRI. Se le comienza a otorgar primacía a la imagen sobre la historia, que pierde peso.
Desconfianza. Hasta este momento había cine canónico y autores que hacían distintos
aportes a la producción en serie de cine (Chaplin, Von Stroheim). Se quiebra el star system y
el studio system y se comienza a reflexionar sobre la validez del sistema de géneros.
Lenguaje. También se reflexiona sobre su uso y utilidad.
Surge un afán crítico hacia el MRI
Modificaciones
Se incrementa la opacidad de la película. Las caras tienden a ser menos nítidas y la marca del autor
tiende a ser cada vez más evidente (se hace patente que existe una cámara y que además hay un
director tomando decisiones tras ella).
Ya no se busca exponer la película desde el mejor punto de vista posible para el espectador. Hay la
posibilidad de que haya fotogramas a contraluz y que los personajes no estén de frente ni
centrados.
El fondo, desde lo comienzos del cine, tendía a la sencillez para no quitar protagonismo a los
personajes. A partir de esta época esto rompe. En el expresionismo tambien se daba este rasgo de
riqueza de elementos y de capas en el fondo.
Caraterísticas
Alejamiento del grado 0, cualquier elemento puede ser importante.
La composición no determina qué es lo importante a priori (va cambiando y puede llegar a
hacerlo)
Se enturbia la transparencia clásica. El propio lenguaje se emplea para generar ambigüedad
Mayor protagonismo de la cámara
La puesta en forma es más importante que la historia
El espectador esta super dirigido (travellings, movimientos de cámara, autores…)
La linealidad narrativa ya no es indispensable
Autores
DOUGLAS SIRK
Trabajador de Universal. Su principal trabajo era la producción de melodramas (telenovelas) que
destacan por tener una plasmación diferenciada, demostrando que las elecciones formales influyen
en gran medida en el resultado final del producto.
Dosificación iconológica: Obligado a mantener el relato y a producir este tipo de cine, tendió
a la ambiguación del cine clásico, al cambio progresivo. Algunos elementos se tornan
característicos.
Su trabajo es el paradigma del melodrama hollywoodiense debido a la densidad formal de sus
producciones
El trabajo de Sirk muestra claramente la fragmentación del cine de Hollywood, sobre todo a través
de la construcción visual
El movimiento de cámara no esta sometido al movimiento del personaje. La cámara ya no es
exclusivamente descriptiva
Cortinas, ventanas y espejos como elementos recurrentes que distorsionan la perspectiva y
densifican la imagen
Iluminación no naturalista, efectos de contraluz, etc.
Estilización de imágenes cliché: tratamiento sofisticado de los topicos. Sensación de
extrañeza.
Implicación/distanciamiento. La movilidad constante de la camara tiene por objeto implicar
al espectador a nivel emocional
Melancolía: La desgracia de lso personajes genera empatía pero no sufrimiento.
JOSEPH L. MANKIEWICZ
El Woody Allen de la época.
Legitimidad del verbo: el diálogo es la parte sustancial
Estetica del Efecto teatral: la forma esta relegada al diálogo. El contexto formal es minimo.
Termina derivando hacia un barroco plástico.
Inmersión masiva en el pasado. Películas que comienzan in media res y constante uso de
flashbacks.
El final de la historia suele ser un revés inesperado. No suele haber finales felices.
ALFRED HITCHCOCK
Características
Hermetismo del encuadre
Montaje elaborado (influencia sovietica)
Circulación de la mirada (tematización)
Intrusiones narrativas. Constantes evidencias de la autoría. En el caso de HItchcock el grado
de inclusión es muy elevado. Los protagonistas tienen características físicas y visuales
concretas que justifican la narrativa. Por ejemplo, en La ventana indiscreta laacción está
motivada porque el fotógrafo tiene una pierna escayolada. En Vertigo, que el protagonista
tenga acrofobia también es determinante.
Transformaciones narrativas. Por ejemplo, en Psicosis, a los 20 minutos depelícula se
produce un cambio de vista (la protagonista hasta es instante muere).
Importancia del punto de vista subjetivo. Es decir, de los planos que son mirados por los
propios personajes. Secuencias A-B-A-B, Persona que mira-objeto mirado
Elaboración previa (storyboard/escenas trama)
Suspense
Voyeurismo
Estas características desembocan en un fuerte laceramiento del texto. Es decir, se produce un daño.
Hitchcock emplea una serie de elementos que fracturan el modelo clásico.
Influencias
Cine norteamericano, sobretodo Griffith
Escuela soviética
Expresionismo alemán. Murneau, Lang…
ESTILO
Confina al espectador el punto de vista cognitivo de un único personaje. Va en linea con su
interés por el punto de vista subjetivo.
Numerosas intrusiones narrativas: manifiesta su presencia como director a través de
movimientos de cámara, angulaciones… Un ejemplo genial son los creditos de Rear Window.
Tensión formal. Puesta en escena muy trabajada y puesta en serie también.
Lineas de composición horizontal y vertical. Cuadros densos, inestables, distosrsionados pero
sujetos a un gran orden. Densidad ordenada
Suspense: se consigue con la técnica del découpage. Se basa más en el corte de los planos
que en su adhesión. Es decir, el contenido gracias a la suma de las partes es lo que genera la
tensión en el todo. Por ejemplo a escena de la ducha de Psicosis.
VISIONADO
En las décadas 40-50 se consolidan una serie de cambios derivados de los cambios tras la segunda
guerra mundial. Elementos de carácter argumental son empleados para justificar mecanismos
formales, es decir, la forma tiene primacía sobre el argumento.
Como comentábamos antes, fueron varios los autores que dieron el primer paso más allá del
modelo clásico dandole importancia a la forma y evidenciando el punto de vista del director.
Douglas Sirk: guiones básicos con una puesta en escena y forma mucho más compleja
Hitchcock: Influencias soviéticas y expresionistas de su época británica reformuladas en
Hollywood para mantener el tirón comercial. Alta legibilidad de las películas para orientar el
cine al consumo masivo.
Inicios de la televisión
La Tv era como la hermana pequeña del cine y no contaba con tanto prestigio. A través deproyectos
como este se pretendía revitalizar y dar otro enfoque.
El contrato con HItchcock era de una gran cuantía económica y en los terminos se recogía que no
debía interferir en la producción de sus películas. Además, son pocos los capitulos que realmente
están dirigidos por el autor. Simplemente se grababa una introducción y un epílogo en el que salía
HItchcock para dar uniformidad y prestigio.
Se estrenó en 1955 con el episodio Venganza, pero el primero que se grabó fue Colapso
CARACTERÍSTICAS
Se dosifica el estilo del autor, no es igual que en el cine. Es como si se fragmentara y en cada
capítulo empleara un 10%. Aminora los estilemas de la estructura filmica para favorecer la
lectura popular.
Se hace mas fuerte la presencia autoral ya que a estas alturas, el estilo se ha convertido en
un valor añadido, contradiciendo al MRI
Simplicidad de la acción narrativa: giros finales inesperados, personajes cotidianos sometidos
a situaciones extremas. Historias cortas de suspense.
Economización y simplificación del diseño de producción. Pocos decorados (normalmente
dos)
Serialización y debilitación de las estructuras narrativas.
Influencias dela radio. Prevalece lo oral sobre lo visual.
Aparece el cadaver como problema a resolver. Abundan también las relaciones comida-
muerte.
Conclusión moralizadora que expresa que el crimen no compensa. Aunque no lo resulva el
episodio en sí, el epílogo de Hitchcock reestablece el status quo a favor de los rasgos
morales de la época.
Influencia de la publicidad, determina la estructura de la serie.
Escala de planos reducida, rasgo común en la TV de la época.
VISIONADO
Por otro lado, el MRI recibía desde Europa las balas del Neorrealismo Italiano.
Contexto
La participación en la egunda guerra mundial de muchospaises europeos influyó en su producción
filmica, no sólo a nivel temático sino también a nivel de diseñe artístico (infraestructuras destruidas,
falta de recursos…)
El neorrealismo surge del cine fascista previo a la segunda guerra mundial y de las consecuencias de
la misma. Durante los años 40 se produce una reconstrucción del país y de su aparato industrail, que
estaba roto. El cine, no está en la lista de prioridades por lo que no había grandes estudios ni
grandes productoras para financiar las películas. Las producciones eran autofinanciadas y de
carácter individual.
Se representaba a la italia real. Lo que quedaba de ella tras la guerra y los sentimientos y origenes
de lo que realmente es ser italiano. En esta época también se rompe el aislamiento de Italia con el
resto de Europa. El resurgimiento del país es una tarea de carácter intelectual.
Dos autores: Humberto Barbaro y Luigi Chiarini: Buscaban no tanto un cine como medio de
masas sino como un elemento de representación de la realidad.
Características
No se fundamenta en otras corrientes cinematográficas, más bien se inspira en la literatura
del siglo XIX.
A través de pequeños personajes principales, se muestra de telón de fondo la vida real en
italia, es decir, se muestra un contexto relevante.
Hasta ahora hemos visto que existían dos corrientes de montaje principales
(sintética/analítica). El neorrealismo emplea más la sintética, puesto que es mas fiel con la
representación de la realidad tal y como es. El uso de los recursos formales están sólo al
servicio de la representación de la realidad. Emplea rasgos del documental (expositivo, que
era el predominante en esta época)
Contexto precario y diseño de producción pobre porque no había recursos. Esto se usaba
como mecanismo estético, que se representara claramente la precariedad era algo mas fiel a
la realidad.
Actitud ética: no se trata tanto de mostrar lo que se ve, sino lo que no se ve. El cine
docuemntal puede sesgar muchas partes de la realidad. Pues con el neorrealismo surge
cierto compromiso con la italia del momento. Quería extrapolar esta visión para que se
contagiara en la sociedad italiana.
La realidad es la materia prima. Es elaborar una ficción que contiene y muestra un aspecto de
la realidad.
El neorrealismo es la transición hacia el nuevo cine italiano, hacia los nuevos cines de los
años 60 y la semilla de escape hacia la revolución.
VISIONADO
De este modo, el Neorrealismo puede concebirse a modo de proceso de tránsito, pero no sólo hacia
el nuevo cine italiano, sino en relación al nacimiento de los numerosos Nuevos Cines que en los
sesenta surgieron en otras cinematografías.
Cuando los teóricos de la Nouvelle Vague francesa o del Free Cinema inglés rechazaron el modelo
de cine de sus predecesores calificándolo de viejo, académico y desarraigado de la realidad, en el
fondo estaban buscando un nuevo modelo tomando como base el paradigma neorrealista
TEMA 7. ESCRITURAS POSTCLÁSICAS
A partir de los años 50 el modelo clásico se va rebajando. Entre la década de 1960 y 1980 de
produce la modernidad, que en sentido estricto se entiende que se desarrolló durante una década
completa en cada país (cada cual con su fecha de inicio). Duro poco pero hizo mucho ruido.
Se expandión por multiples territorios y en cada país con sus características y denominaciones
propias y distintas a las demás.
Nos centraremos en el cine occidental fundamentalmente, ya que los ritmos y demás están
adaptados al contexto cultural del lugar y del momento (y hay películas del Nuevo Cine Japonés que
duran sus repetables tres horas de plano fijo que no necesitamos comentar de momento)
Factores desencadenantes
o En Hollywood aparecían directores (que por fin comenzaban a ser considerados importantes)
con características especiales. Las muestras de autoría diraon lugar a pensar que el cine
podía estar a la altura de otras artes y sus componentes podrían considerarse artistas.
o Cahier Du Cinèma: Publicación que surge a finales de los años 40. La critica francesa ya era
importante anteriormente. Sin embargo, la segunda generación de la revista ya tenían la idea
del cine como arte y se convirtieron en autores que plasmaban la idea del mundo en el cine.
Nació así la Nouvelle Vague
Nouvelle Vague: A priori estos autores se dedicaban a la reflexión crítica sobre el
cine y a su visionado constante (educaban la mirada). Pasaron a la elaboración de
cortos y posteriormente largometrajes. Se trata de una puesta en escena del universo
personal del autor, que reconoce la obra como creación suya.
Cahier Du cinema fue tan importante que muchas de las elecciones y consideraciones del
cine de hoy en día tienen su origen en esta revista (como la enorme relevancia de Howard
Hughes y Hitchcock).
o Aportaciones filosóficas. Existencialismo: causa la quiebra del sujeto y la perdida de la
relación con el contexto.
o Innovaciones tecnológicas: aparecen nuevas herramientas de trabajo como cámaras ligeras,
la posibilidad de captar el sonido en directo… Esto modifica tanto el género documental
como el de ficción.
o Surge una generación profundamente critica que se considera el relevo generacional con
conciencia de juventud y perspectiva de sublevación.
o Se amplia el espacio imaginativo del arte y aumenta la capacidad del espectador (por
ejemplo, añadiendo finales abiertos a las historias o con elementos narrativos que el
espectador tiene que completar o proyectar)
o La progresiva pujanza de la televisión como forma de entretenimiento competencial del cine
o Agitación en el terreno de valores socio-culturales y hábitos de vida.
Características (en general)
En el plano argumental antes los personajes eran redondos y las tramas estaban bien
definidas. Ahora es todo lo contrario. Se trabaja con ideas de inconclusión (no hay final
cerrado) y de reiniciación (se vuelve siempre sobre la misma trama)
o En Los 400 golpes, por ejemplo, la última media hora parece todo el tiempo que la
película va a terminar
En el lenguaje fílmico, lo correcto antes era que no se notara la presencia ela camara y de los
medios técnicos. Ahora es todo lo contrario, cuanto más se note mejor. Las composiciones
están relegadas a la estética, y la estética es la que marca el director.
Se busca mostrar que existe un dispositivo y para ello se tiende a la desnaturalización (en el
rodaje, en la actuacion, el montaje…). Algunos recursos:
o Movimientos abruptos de cámara
o Cortes indiscriminados
o Personajes mirando y hablando a cámara
Mensajes ideológicos. Según el país esto se cumplía más o menos. Por ejemplo en Francia
no se aplicó hasta más tarde (Mayo del 68). En España y la República Checa sí que sde
transmitían mensajes de carácter ideológico. Muchas veces se configuraban en forma de
fábulas, mitos y argumentos de carácter metafórico.
En cuanto a las estructuras productivas, no se estaba de acuerdo con las ormas de
producción y distribución precedentes, así que buscaban todo tipo de alternativas (hacer
travellings con coches, por ejemplo)
Destacan las grandes pretensiones estéticas (que sea bonito es muy importante)
VISIONADO
Nouvelle Vague
Los escenarios siempre eran Paris. Estaban en contra de los sistemas de producción y
distribución y solían usar pseudónimos en sus producciones. Tampoco decían “dirigido por”,
sino “puesta en escena de”. Tres óperas primas de diectores del movimiento que destacan
por tener cada uno su estilo propio y diferenciado.
Los cuatrocientos golpes (François Truffaut, 1959)
Se dice que fue la película inaugural del movimiento modernitas cuando ganó en el
festival de Cannes (1960). Es un filme muy personal. En películas futuras del autor se
dice que hay alter egos de Antoine Doinel (el protagonista).
En la parte final de la película hay un travelling lateral de seguimiento muy largo. La
música es un letmotiv. Final abierto con un zoom in en un fotograma congelado.
Exteriores que siempre son Paris. Uso de montaje sintético (secuencias largas, planos
amplios…).
En este contexto surge la postmodernidad, que no trata tanto de superar lo anterior sino de
revalorizar lo precedente. Se asume y se trabaja lo que ya hay para hacer una reelaboración. Se
tiende por tanto a hacer remakes y mezcla de generos y modelos productivos. Puede haber filmes
postmodernos que emplean de forma predominante recursos anteriores.
Características
Desaparece el cine Hollywoodiense como referencia canonica. La modernidad fue la que
abrio el paraguas al resto del mundo.
Se empieza a producir de forma mas humilde (lejos de las grandes y poderosas
productoras/majors) por lo que se fomentan estilos más libres y con mas libertad creativa.
Troceamiento y recuperación de la narración. Recuperación, convinación y contaminación de
lo anterior y de lo nuevo: se sirve de la estetica y las características de otros medios (comic,
pintura, videoclip, videojuegos…)
Nuevos lenguajes: televisivo, interactivo, hipermedia…. Se aplican al cine, por ejemplo, cine
que imita la produccion televisiva, etc…
Ruptura y rechazo de la linealidad narrativa. No gusta la estructura planteamiento-nudo-
desenlace. Se hacen películas colectivas…
Despersonalización dramática de algunos personajes. El peso de la narración no recae sobre
ellos, pueden ser insustaciales. Esto puede derivar en que no haya narración como tal.
Se recurre a sistemas metalingüisticos. Cien que habla de cine. Como La noche americana o
Network.
Hermetismo y voyeurismo (similar al manierismo). Lamirada circula dentro de la propia
película, tiene relevancia.
Se produce representación directa de la violencia. Representación de minorías etnivcas y
sexuales.
Sexualidad mucho más explicita no sólo en parejas heterosexuales.
A partir de 2008 comienza otra etapa en la historia del cine que tiene que ver con la era de la
digitalización. Todavía no está teorizada. Algunas características destacables son que un film se
puede hacer sólo en postproducción. La estética también sufre modificaciones sustanciales, auqnue
hay autores que rehusan sacarle partido a la digitalización manteniendo los rasgos postmodernos.
Otros potencian las posibilidades del digital fomentando el impacto visual y auditivo para captar la
atención.
VISIONADO
Inland Empire (David Lynch, 2008)
Los personajes no motivan el avance de la historia. El avance lo determina Lynch. Se quiere mostrar
una visión perturbadora de la realidad. Hay fragmentos rodados en vídeo y la parte de los conejos
tiene formato SitCom (convinación de lenguajes y recursos). El cine de Lynch es un gran ejemplo de
postmodernidad (las primeras películas son más light).
SOBRE EL EXAMEN
-Analisis de un fragmento
-Demostrar que sabemos leer imágenes
-Identificar el movimiento al que pertenece
-Contexto en el que surge
-Características
-Aplicarlas al ejemplo
-Debe ser un texto (un comentario aunado)