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Importancia del Expresionismo

Proveniente de la idea de 'expresión', la corriente artística


conocida como expresionismo es aquella que se destaca por
poner en primer plano la abundancia de sensaciones, de
expresiones alternativas, plenas de creatividad y simbolismo. El
expresionismo es un fenómeno que se hace visible en diferentes
ramas artísticas y por eso no puede ser circunscripto a un único
autor o estilo artístico.

Breve historia sobre el surgimiento de este movimiento


Después de la ruptura que representó el impresionismo con
respecto al arte academicista occidental, pero principalmente
francés, el último cuarto del siglo XIX y las primeras décadas del
siglo XX se caracterizarán por la presencia de escuelas artísticas
vanguardistas que demostrarán un profundo interés por el
quiebre con los formalismos y con la representación mucho más
personal de la realidad observada.

Uno de los casos más claros de esto fue el del expresionismo,


una vanguardia que se desarrolló con especial fuerza en
Alemania y que tuvo que ver con la búsqueda permanente de la
expresión personalísima del artista a través de sus obras.
Además, el expresionismo tuvo como objetivo justamente el
despertar en el público sensaciones únicas y hasta chocantes a
partir de las formas, las figuras, los colores y tonalidades, etc. El
expresionismo, además de la pintura, se hizo presente en la
literatura, la música, la danza y el cine.
La identidad de una escuela artística que se diferenció de las
demás
Como con todos los demás estilos artísticos desarrollados por el
ser humano, el expresionismo también tuvo relación con el
contexto en el cual surgió. Esto se debió principalmente a que el
mismo surgió en una época de creciente crisis económica y
desarrollo armamentista, así como también de una conflictividad
política que desembocaría en la Primera Guerra Mundial.

La búsqueda del expresionismo se centró claramente en la


subjetividad del artista, a la que se le dio más importancia que la
realidad observada. Así, una característica identitaria del
expresionismo tanto en la pintura, el cine, el teatro, la danza o
cualquier otra disciplina artística fue la de interpretación personal
y única de la realidad. Casos claros de esto fueron artistas de
significativo renombre tales como Egon Schiele, Edvard Munch o
aquellos que formaron el famoso grupo Der Blaue Reiter (El jinete
azul).

La deformación de la realidad a partir del uso de colores


invertidos, formas abstractos, historias de fantasía o
cuestionamientos al orden establecido serán también parte de
este movimiento.

El desprecio por la realidad entendida desde un único punto de


vista
Señalado todo esto que hemos establecido respecto al
expresionismo es importante remarcar que el expresionismo no
puede ser reducido a un número pequeño de características o
artistas. Su influencia en posteriores escuelas y vanguardias
artísticas será muy claro debido a cómo estos artistas
contribuyeron a romper el orden establecido y continuar con un
proceso que se había iniciado hace unas décadas previas.

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Importancia del Futurismo

Una de las vanguardias artísticas más importantes del siglo XX


fue la del futurismo, aquella que propuso una ruptura con la
tradicional observación de la naturaleza y la vida humana para
retratar fenómenos generados por la tecnología, la velocidad y
las máquinas.

Origen y razón del nacimiento


Como todas las vanguardias y escuelas artísticas surgidas en el
siglo XX, el futurismo se vinculó directa y claramente con la
época en la que nació. Se considera que su aparición en la
escena artística europea se dio a finales de 1900, siendo que
para la década de 1910 algunos de sus exponentes ya estaban
destacados en galerías y exposiciones.

Esta escuela tuvo su mayor fuerza en Italia, lugar donde el siglo


XX vio surgir un número importante de fábricas y de empresas
automóviles. Recordemos que la velocidad y las máquinas de
transporte han sido para los futuristas centro de interés muy
claro, por eso su nacimiento no estuvo aislado del contexto. Los
pintores y escultores futuristas mostraron una especial
admiración y maravillamiento por las formas de los engranajes, el
funcionamiento de las máquinas y el movimiento de las distintas
partes de una máquina.

Manifiesto e ideario de una vanguardia novedosa


El futurismo, tal como señalamos, surgió en medio de sociedades
que comenzaban muy lenta pero irremediablemente a cambiar y
en cuyas vidas cotidianas la presencia de las máquinas era
inexorable. De este modo, estos artistas, entre los que debemos
mencionar al ideólogo Filippo Tommaso Marinetti, se vieron
atraídos por retratar en sus obras tanto pictóricas como
escultóricas aquellos fenómenos observables en la cotidianeidad
de las grandes ciudades.

Alejados de la naturaleza y sus fenómenos, los futuristas hicieron


especial hincapié en mostrar las formas, siluetas, colores,
dinamismo que se generaba en cosas simples como un motor,
una bicicleta, un auto funcionando o una máquina en una fábrica.
Esto se hizo muy visible en pinturas donde lo que resalta es la
dinámica del plano, ocurriendo lo mismo en la escultura que en
numerosas ocasiones escapó a los límites tradicionales de la
escultura académica.

La lucha contra el pasado, esencia del futurismo


Como ocurrió con muchas vanguardias, el futurismo tuvo un
planteo ideológico que sobrepasó a los elementos artísticos en sí
mismos y que estuvo relacionado con planteos filosóficos y
ontológicos respecto del ser humano y su existencia.
Los futuristas demostraron
en escritos y manifiestos su desprecio por el pasado: mirar atrás
era para ellos sinónimo de atraso y de primitivismo. Su deseo era
construir, a partir de la observación de la tecnología, una mirada
hacia el futuro que pusiera en escena el avance humano y su
interminable búsqueda por superarse.

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Importancia de la Cultura Popular

Históricamente relegada, la cultura popular ha sabido en los


últimos tiempos convertirse en un fenómeno sociológico digno de
ser estudiado y analizado. Con componentes únicos, muchas
veces disruptivos del orden y con propuestas o estructuras
dinámicas y siempre cambiantes, las expresiones que entran
dentro del concepto que aquí definiremos se siguen
transformando día a día.

¿Existe más de una forma de cultura?


A través de la historia, el análisis de la cultura y el arte de
diferentes partes del mundo se construyó consuetudinariamente
a partir de las expresiones de las clases más poderosas, y esto
fue así por dos razones principales. Por un lado, desde un punto
de vista intencionado, las clases poderosas siempre buscaron
crear o consolidar su hegemonía estableciendo sus expresiones
y formas culturales como las únicas, las preeminentes. Por otro
lado, la cultura de las elites fue siempre la única en ser registrada
por cuestiones prácticas ya que era la única que contaba con
instrumentos para hacerlo.

Sin embargo, en los últimos siglos tanto Occidente como Oriente


han mostrado importantes progresos en lo que respecta a tener
en cuenta la cultura popular como una forma más de creación
humana. En este sentido, la cultura de los sectores trabajadores,
de los migrantes, de los desclasados, de las minorías ha
empezado a constituirse como una forma más de la cultura y ha
comenzado a ser respetada como tal.

¿Qué elementos caracterizan a esta forma de cultura?


Cuando hablamos de este tipo de cultura hacemos referencia a
un sinfín de expresiones que quedan por fuera de la cultura de
elite, de academia u oficial. Así, como primer elemento debemos
mencionar a fenómenos que escapan a la oficialidad y que son
recreados de maneras muy diversas y dinámicas, en casi
permanente cambio.

Por ejemplo, si la religión oficial de un país es el catolicismo, la


cultura popular contruye esa forma de religión a través de la
adoración de santos, de figuras emblemáticas, de mitos y de
leyendas que se pueden sumar o no al catolicismo y convertirse
en algo único. Del mismo modo ocurre con la pintura (que escapa
usualmente a las galerías y museos para mostrarse en las
calles), la música (que no sigue los cánones oficiales e incluso
tiene muchísima mayor llegada al pueblo), las tradiciones, los
festejos, celebraciones y todo tipo de cuestiones expresivas.

¿Por qué es importante reconocer a estas formas culturales?


Reconocer y dar valor a las formas de cultura popular que nacen
y se desarrollan en una sociedad es esencial para entender las
formas de mentalidad que pueden caracterizar a los sectores
populares. En este sentido, no podemos comprender realmente
la idiosincracia de una sociedad sin tener en cuenta a la cultura
popular, respetarla y permitirle que se desarrolle del mismo modo
que las formas oficiales o elitistas.

Por lo general, la cultura de los sectores populares abarca a


mucha más gente y simboliza emociones o expresividades
inimaginables.

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Importancia de la Pintura Abstracta

A partir de los últimos decenios del siglo


XIX apareció en la escena pictórica de Occidente una nueva
forma de representar la realidad, absolutamente disruptiva
respecto al orden
conocido. Esta nueva forma fue la del arte pictórico abstracto,
aquel que busca plantear la interioridad y la subjetividad del
artista a la hora de entender aquello que lo rodea y es de este
modo que se vuelve única.

Qué es el arte abstracto: primera aproximación a la idea


Para comprender mejor la idea de lo que representa una pintura
abstracta, podemos decir que la misma se caracteriza por
mostrar de un modo alternativo la realidad que nos rodea. Incluso
puede buscar representar elementos imaginarios, sueños y
fantasías. Todo esto no lo hace desde un aspecto figurativo y
concreto sino que se basa en la construcción de la imagen a
través de formas geométricas, líneas, colores irreales, siluetas e
incluso muchos elementos que son altamente estimulantes desde
el punto de vista visual del espectador.

La pintura abstracta no busca demostrar una escena, un paisaje


o un cuerpo sino que busca crear formas alternativas de
representar todos esos mismos elementos. Hay quienes
sostienen que una pintura de este tipo tiene como objetivo poner
al artista en un contacto más directo con su interioridad, ya que
no da lugar a la realidad para intervenir con imágenes conocidas
o que se puedan encontrar a nuestro alrededor. Así, un pintor
abstracto no necesariamente pinta un paisaje sino su propia
subjetividad de ese paisaje o incluso algo que ni él conocía de
antemano pero que llevaba dentro.

La ruptura con la pintura academicista y figurativa


Históricamente, la mayor parte de la historia del arte occidental
se ha centrado en la construcción de la pintura desde un punto
de vista empírico o realista. Esto quiere decir que buscó por
muchos siglos representar lo que se observaba en la realidad.
Sin embargo, es a fines del siglo XIX con el impresionismo que
esta indiscutible forma de actuar comenzó a alterarse.

Los pintores impresionistas buscaron mostrar la realidad desde


diferentes puntos de vista, con pinceladas muy cargadas que
hacían perder las siluetas reales de los objetos. Al mismo tiempo,
pintaron las mismas escenas con diferentes tipos de luz o con
formas geométricas más deformadas, lo cual visualmente
generaba efectos muy llamativos y que fueron altamente
criticados en la época. Se los consideraba artistas que no sabían
pintar.

A partir de ellos, las vanguardias del siglo XX tomaron estos


elementos como centrales y desfiguraron la realidad para
transformarla en elementos únicos y rupturistas, creativos y
abstractos, plenos de formas, de color y de siluetas nunca antes
vistas.

Imágenes: Fotolia. phanuwatnandee - serge-b


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Importancia de la Pachamama

Utilizada hoy en día en gran forma sólo como un concepto o un


nombre sin que se conozca realmente todo lo que representa, la
Pachamama es sin duda alguna una de las ideas o nociones más
hermosas y perfectas que los pueblos precolombinos legaron a la
tradición americana en profunda relación con la naturaleza y el
mundo que nos rodea.

La tierra es la madre de toda comunidad


Si tenemos en cuenta que los pueblos precolombinos, como
muchos otros pueblos de la Antigüedad, han estado en su gran
mayoría vinculados a la naturaleza, es comprensible que le
dedicarán a la tierra un importante número de celebraciones ya
que ella era el suelo donde podía darse y quitar la vida.

En el caso de los pueblos americanos, el que desarrolló


específicamente la idea de Pachamama fue el de los incas,
quienes se ubicaron en la costa oeste de América del Sur, sobre
la cordillera de los Andes. Este pueblo dejó un gran legado en las
tradiciones de países como Perú, Bolivia, Ecuador, Argentina y
Chile. Desde muy temprano este pueblo dedicó profundas
celebraciones a la diosa madre de la vida tanto en forma de
agradecimiento como en forma de súplica para que los cultivos
crezcan profusamente y puedan así los humanos subsistir.
Conociendo mejor a la madre de la tierra incaica
Para comenzar debemos señalar que el término o nombre con el
cual los incas conocieron a la madre tierra es una unión de dos
palabras de origen aymara: pacha o 'tierra', 'suelo' y mama o
'madre'. Así, la tierra deja de ser un simple elemento natural para
convertirse en una deidad, bondadosa y generosa que nos brinda
sus frutos para que los seres vivos podamos disfrutar nuestro
ciclo de vida en ella.

La Pachamama es además un ente místico y mágico que debe


ser respetado y cuidado por el ser humano ya que su descuido o
la agresión hacia el mismo puede generar atroces efectos
difícilmente controlables por el ser humano: tornados, terremotos,
sequías, inundaciones. Todos estos fenómenos son entendidos
como castigos de la Pachamama a la indiferencia o a la maldad
humana.

La ceremonia que se conoce mundialmente


En la actualidad, las ceremonias que se le ofrecen a la
Pachamama son reconocidas mundialmente y generan un gran
número de visitas por parte de turistas de todo el mundo.

Esta celebración se realiza luego del invierno en señal de


comienzo de un nuevo período de fertilidad y supone el
ofrecimiento de comida, bebida y regalos a la tierra que
mantienen un vínculo de respeto y admiración entre los humanos
y la diosa madre.

Imágenes: Fotolia. cicloco - nnerto

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