Historia del arte

La historia del arte es la evolución del arte a través del
tiempo.

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el
ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del
que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del
mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos,
lingüísticos, sonoros o mixtos.
La creación de Adán (1508-1512), de Miguel Ángel, en
La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno
la Capilla Sixtina (Vaticano).
institucional (museos, mercado del arte, departamentos
universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las
denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a
pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son
más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas
claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la
historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por
la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto
con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones
del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la
filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de
conocimiento estrechamente relacionados con la historia del Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus
arte son la estética y la teoría del arte. Mozart, considerado como uno de los mejores
compositores de música clásica de toda la historia.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa
manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y
artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna
distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta
la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi
cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales»
llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura,
la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía —
entendida de forma amplia como literatura con intención
estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la
narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o
cómic).
Las mil y una noches (‫أﻟﻒ ﻟﻴﻠﺔ وﻟﻴﻠﺔ‬, Alf layla wa-layla),
Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y título clásico de la literatura árabe.
artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas.
Además de antiquísimas formas de expresión artística como la
moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la
televisión y los videojuegos.

La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen
objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo
periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El estudio
de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto
limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el
tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una
descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus
producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo
cultural), y no sólo de los de lahistoria del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el
legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el
siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de
ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte,
así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de
comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
El acorazado Potemkin(1925), de
Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o Sergéi Eisenstein, una de las obras
la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. maestras de la historia del cine.
Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las
Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el
Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de
fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la
UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales
monumentos del planeta.1

Índice
1 Prehistoria
1.1 Paleolítico
1.2 Neolítico
1.3 Edad de los Metales
2 Arte antiguo
2.1 Mesopotamia
2.2 Egipto
2.3 América
2.4 África
2.5 Asia
2.5.1 India
2.5.2 China
2.5.3 Japón
2.6 Oceanía
2.7 Otras manifestaciones
3 Arte clásico
3.1 Grecia
3.2 Roma
4 Arte medieval
4.1 Arte paleocristiano
4.2 Arte germánico
4.3 Arte prerrománico

4.4 Arte bizantino
4.5 Arte islámico
4.6 Arte románico
4.7 Arte gótico
4.8 América
4.9 África
4.10 Asia
4.11 Oceanía
5 Arte de la Edad Moderna
5.1 Renacimiento
5.2 Manierismo
5.3 Barroco
5.4 Rococó
5.5 Neoclasicismo
5.6 América
5.7 África
5.8 Asia
5.9 Oceanía
6 Arte contemporáneo
6.1 Siglo XIX
6.1.1 Arquitectura
6.1.2 Romanticismo
6.1.3 Realismo
6.1.4 Impresionismo
6.1.5 Simbolismo
6.1.6 Modernismo
6.1.7 Fotografía
6.2 Siglo XX
6.2.1 Arquitectura
6.2.2 Vanguardismo
6.2.3 Últimas tendencias
6.2.4 Globalización del arte
6.2.5 Artes decorativas
6.2.6 Literatura contemporánea
6.2.7 Teatro contemporáneo
6.2.8 Música contemporánea
6.2.9 Danza contemporánea
6.2.10 Fotografía del siglo XX
6.2.11 Cine
6.2.12 Historieta
6.2.13 Arte efímero

7 Véase también
8 Notas
9 Referencias
10 Bibliografía
11 Enlaces externos

Prehistoria

música y danza tenían un componente ritual. destacan las llamadasvenus. mientras que la propiarespiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza. Para la pintura utilizaban rojo de óxido de hierro. bodas). el Mamut de Vogelherd y la Venus de Brassempouy. En principio. el cuarzo. la India y Australia. supuso una forma de comunicación corporal que servía para expresar sentimientos. en el neolítico (6000-3000 a. Tras un periodo de transición (mesolítico. manos. o para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos. el Mediterráneo occidental. Al tiempo. especialmente la Cueva de las Moros. reducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz. o de diversa índole religiosa. periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. Son de destacar igualmente Pintura rupestre de la Roca de los las pinturas rupestres del río Pinturas en Argentina. obsidiana). representaciones femeninas que seguramente servían de culto a la fecundidad.. Se manufacturaron nuevos materiales como el ámbar. Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos. Por último. caza o guerra. C.). el ser humano se dedicaba a la caza y recolección. Trois Frères. negro de óxido de manganeso y ocre de arcilla. Siberia (Lago Baikal). Los primeros vestigios de Venus de Willendorf. defunciones. Alpera y Minateda. etc. Estos primeros vestigios son generalmente utensilios depiedra trabajada (sílex. Paleolítico El paleolítico tuvo sus primeras manifestaciones artísticas alrededor del 25 000 a. Chauvet y Lascaux. En arte mobiliar se produjo la llamada cerámica cardial.). Valltorta. Otras obras representativas de esta época son el denominado Hombre de Brno. de sentido naturalista. conchas) para producir sonidos. También se dio este tipo de pintura en el norte de África (Atlas. o bien de hueso o madera. surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollándose la religión. surgen las primeras civilizaciones protohistóricas. con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la religión. Europa central y oriental (Mar Adriático). teniendo su apogeo en el periodo magdaleniense (±15 000-8000 a. En esta época aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetría urbanística. el movimiento rítmico. muy esquematizada. al estado anímico de las personas. Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue. decorada con impresiones de conchas (cardium). destacando los restos hallados en Tell as-Sultan (Jericó). que se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería. de Historia Natural de Viena. desarrollada principalmente en la región franco-cantábrica: son pinturas de carácter mágico- religioso.2 En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias de música y danza: diversos fenómenos naturales y la modulación de la propia voz humana hicieron ver al hombre primitivo que existían sonidos que resultaban armónicos y melodiosos. Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad de los Metales. En el paleolítico (25 000-8000 a. Su principal medio expresivo era la pintura rupestre. la danza. En escultura. y vivía en cuevas. destacando la Venus de Willendorf. cañas. en cuevas. y comienza la producción de piezas de artesanía. con notables ejemplos en El Cogul. C. Jarmo (Irak) y Çatalhöyük (Anatolia). en El Cogul. C. C. la mujer en forma triangular).).). Museo objetos creados por el hombre aparecen en el sur de África. y apareció el arte textil. y que afectaban a las emociones. 8000-6000 a. C. el cristal de roca. celebrados en ceremonias de fecundidad. elaborando la llamada pintura rupestre. con representación de animales. C. el jaspe. En la pintura levantina —datada entre el mesolítico y el neolítico— se dio la figura humana. en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a.3 Neolítico Este periodo —iniciado alrededor del 8000 a. C.4 .) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura.El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico superior. troncos. en el Próximo Oriente— supuso una profunda transformación para el antiguo ser humano. La pintura neolítica solía ser esquemática. destacando las cuevas de Altamira. Tito Bustillo.

En España se formó la cultura de Los Millares. lanzas. que al final de esta era recibió las influencias griega. y eltalayot. Arte antiguo Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia. En Complejo megalítico de Stonehenge. practicada en tablillas de arcilla.7 . Musée Bretaña (Francia). La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizó como método de escritura el alfabeto (abyad. la taula. con una primera muestra en laPaleta de Narmer (3100 a. surgida en Mesopotamia alrededor del 3500 a. C. el Tigris y el Éufrates. Malta destacó el conjunto de templos de Mudajdra. Destacó por sus objetos en hierro (espadas. en Inglaterra. el bronce y el hierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades.).. generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. con diversas fases de evolución (La Tène I. (Dinamarca). reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: elNilo. destacando las grandes civilizaciones delPróximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. La Tène se desarrolló entre los siglos siglo V a. En las islas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica. etrusca y del arte de las estepas. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. escudos. como en el magnífico conjunto deStonehenge. C. En el llamado calcolítico surgió el megalitismo. Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura. iniciadas con la invención de la escritura. C. caracterizada por la cerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos. alrededor del 1800 a.6 Venus de Menhir de la zona de Talayot circular de la isla Carro solar de Trundholm Brassempouy. C.). des Antiquités Nationales.Edad de los Metales La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales. que relaciona un único símbolo a cada fonema. monumentos funerarios en piedra. fíbulas). La cerámica era polícroma. el Indo y el río Amarillo.5 En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). La primera se dio entre los siglos siglo VIII a.. o el cromlech inglés. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades. a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. torre con una cámara cubierta de falsacúpula. de Mallorca (España). Estaba basada en elementos pictográficos e ideográficos. ligada a la cultura celta. Tarxien y Ggantija. C. con cámara funeraria alargada. C.. destacando el dolmen y el menhir. y siglo I a. con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. II y III). El primer código escrito fue la escritura cuneiforme. y siglo V a. con diversas tipologías de monumentos: la naveta. mientras que más adelante los sumerios desarrollaron un anexo silábico para su escritura. En Egipto se desarrolló laescritura jeroglífica. tumba en forma de pirámide truncada. C. pues la utilización de elementos como el cobre. dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal. caracterizada por las necrópolis con tumbas de túmulo. con cámara mortuoria de madera en forma de casa. de aquí derivan los alfabetosgriego y latino. Saint- Germain-en-Laye.

con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos.).. si bien su influencia persistió en elarte copto y bizantino.. conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat. se sucedieron diversas culturas como los sumerios. París. . En época acadia destaca el Atrahasis. otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (los jardines colgantes de Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo). cuyo contenido es de tipo didáctico y moral. En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh. en rituales de los templos sumerios. en escenas religiosas o de caza y militares. patesi solía ser de corredor. como elObelisco negro de Salmanasar III. con piedra de color o pasta en los ojos. Destacan los zigurats. La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve. del Poema vestigios. Ur. la lilis (precursor del timbal). el algar (lira). donde desde el IV milenio a. falsa cúpula. De la etapa amorrita (o neosumeria) destacan las representaciones del rey Gudea de Lagash. De la escultura asiria destacan las figuras antropomórficas de toros o genios alados.8 Con la aparición de la escritura surgió la literatura.nota 1 para el que se construyen obras de gran monumentalidad. sobre la creación del mundo.10 Egipto En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones. amorritas. etc. así como los relieves con escenas de guerra o caza. Estatua sedente del príncipe Gudea. También destacaron los palacios.Mesopotamia El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak). destacando la estela de Naram-Sin. en figuras sin cabello. En época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas. del siglo XVII a. Tenían varios instrumentos. C. de Lagash (2120 a. C. siglo VII a. asirios. La tumba de Gilgamesh (c. principalmente del faraón. como el tigi (flauta). con un sistema adintelado y la introducción de elementos constructivos como el arco y la bóveda. acadios. C. En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba. con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado. de los que prácticamente no nos han llegado Tablilla sobre el diluvio. el balag (tambor). La arquitectura se caracteriza por el empleo del ladrillo. como algunos ejemplos hallados en Museo del Louvre. caldeos. C. donde se cantaban himnos o salmos (ersemma) a los dioses. con cámara cubierta de Museo Británico. el zagsal (arpa) y la adapa (pandero). Iniciado alrededor del 3000 a. En la literatura babilónica es de remarcar el poema Enûma Elish. entre los que destacan: el descenso de Inanna a los infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz. C. Otra muestra de relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta). sobre el mito del diluvio. que flanqueaban las puertas de los palacios. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela de Hammurabi. con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho. grandes templos de forma escalonada piramidal.). otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad.9 La música se desarrolló en esta región entre el IV y el III milenio a. como medio de expresión de la creatividad del ser humano. C. con las manos en el pecho. El canto litúrgico estaba compuesto de responsorios —canto alternado entre sacerdotes y coro— y antífonas —canto alternado entre dos coros—. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias más importantes. excepto algunos basamentos. el arte egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno. Su arte era intensamente religioso y simbólico.

En la escultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías. C. en grandes bloques. aunque con gran rigidez y esquematización. una sala hipóstila y el santuario. de gran calidad artística. Filae y Edfú. C. La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo. desarrollando un ciclo anual de festividades cada una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho que pasó a la liturgia judía y cristiana—. Otro tipo Las pirámides de Gizeh. el sneb (trompeta) y el met (clarinete). Museo del Louvre Amenemhet. Posteriormente destaca el Libro de los muertos. tumba de forma rectangular. con un gran protagonismo del canto vocal.La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra. Destacan los templos deKarnak. tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios (Valle de los Reyes). La escultura y la pintura muestran la figura humana de forma realista. un acceso con dos pilonos o muros trapeciales. con formas tendentes a la geometrización. alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita. datado hacia el siglo XIII a. que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente.) . la seba (flauta). Al parecer. el ser (pandero). En Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplicadas. que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos (Gizeh). por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. o las piezas halladas en la tumba deTutankamon. Imperio Egipcio de El Cairo Nuevo. escrito en el Papiro de Ani. XV a. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico. pequeñas figurillas de tierra cocida o madera. representando escenas cotidianas.13 Speos de Ramsés II en El escriba sentado. Pintura mural de la Máscara funeraria de Abu Simbel Imperio Antiguo. de templo es el speos. de mayor realismo que la escultura funeraria. el ben (arpa).11 La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo conocemos hoy en día: el libro. Entre sus instrumentos figuraban el sistro. C. con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. con tres tipologías principales: la mastaba. un servidor de Sesostris I. La otra gran edificación es el templo. y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas deplata. en forma de hipogeo. tenían también un tipo de órgano hidráulico. También destacan los ushebti. Predominaba el canon de perfil. Museo cámara funeraria de Tutankamon. un patio hípetro. Luxor. dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena. dinastía XVIII (s. cuyo relato data de mediados del siglo XX a. La música egipcia era principalmente de signo religioso. como en Abu Simbel y Deir el-Bahari.12 Una de sus mejores manifestaciones es la Historia de Sinuhé. y los hipogeos. Destacan los monumentos funerarios. con magníficos ejemplos como los muebles de cedro con taraceas de ébano y marfil de las tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo). la pirámide. especialmente la ebanistería y la orfebrería. conjuntos monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos.

C. son de destacar sus 15 estelas en forma de pilares monolíticos. donde destacan las esculturas de piedra. con una cerámica de diseños incisos. Santa María Uxpanapán). En Perú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la invención de la cerámica. con un típico canon de gran cabeza. tronco recto y miembros cortos. a veces con collares y brazaletes. templo edificado sobre tres pisos de galerías. o las colosales cabezas monolíticas de hasta 3.. C. —. En la zona del Amazonas destacó la cultura barrancoide. en Xochipala (estado de Guerrero). En esta región surgió una notable industria textil. hallado en Ciudad de Monte Albán. C. Destaca Chavín de Huántar (900 a. serpientes). donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. complejo religioso construido en diversas fases. Kuntur Wasi). construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos. La mayoría de sus obras son de madera. También se producían cerámica. aunque también hay producciones de signo ornamental. en el Monte Albán. La primera gran civilizaciónmesoamericana fue la olmeca. con diversos peinados. situada en el norte de la actual Nigeria. y un monolito central de granito blanco de 4. Otras culturas remarcables de la región fueron lamoche y la nazca —con sus enigmáticos geoglifos de Nazca—. en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico. Asia India . mostrando expresiones faciales de signo individualizado.14 África El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso. —especialmente el maíz—. de hasta 20 metros de altura. caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro. C. Los zapotecas. en el III milenio a.). Oaxaca. con grandes conocimientos en matemáticas y astronomía. En América del Norte destacaron las culturas Hohokam. situada en las provincias de Veracruz y Tabasco. C. con una estructura en forma de U. con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras de jaguares y animales mitológicos.5 metros de altura. y crearon un sistema monetario—. Con una notable cultura — desarrollaron una escritura en lenguage'ez. La primera producción de cierta relevancia fue la cultura Nok. así como la cultura San Agustín en Colombia. de gran naturalismo L( uchador. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a. Mogollón y Anasazi. sus armas y su cerámica. C. México. monos. En Etiopía destacó la ciudad de Escultura nok. establecidos en Oaxaca.América En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos. hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos. los antiguos cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a. Aksum. en el I milenio a. de carácter funerario. centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV. Destacan las esculturas de terracota. donde se observa el predominio de una casta sacerdotal. surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de México. En Sudán se desarrollaron las culturaskerma y meroe. con figuras humanas —a veces sólo la cabeza— o de animales (elefantes. destacando especialmente los mantos de lana de Paracas. joyería y tejidos. (Sechín Alto. quizá la primera del mundo. piedra o marfil. destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos. de gran sentido naturalista.5 metros de altura. así como objetos de metalurgia —el hierro era conocido desde el siglo VI a.

se desarrolló una importante escuela artística que se difundiría por el resto de la India e influenciaría al arte gupta.18 . con restos de cerámica. C. ‘verdad’). ocupó todo el curso medio del Indo y la parte central de la península del Deccán. antigua ciudad que en sucesivos emplazamientos muestra una planificada Mohenjo-Dāro. C. como adaptación al orden universal. C. gramática. series de aforismos sobre Mahābhārata. con un lenguaje poético y de exaltación de la naturaleza). con edificios públicos construidos en ladrillos de barro cocido.): en esta etapa se introdujeron los pueblos arios. etc. filosofía y otros aspectos del brahmanismo. pero con un fuerte trasfondo filosófico y moral.. conocida hoy día por las excavaciones realizadas en 1920 por sir John Marshall en Mohenjo-Daro. también de carácter litúrgico. incluyendo los Upaṇiṣad. destacando por la representación directa de la imagen de Buda. El arte de Amarāvatī también tiene influencia grecorromana. con un tono poético y evocador de un mundo mágico. C. islamismo. que es con cúpula sobre un alto tambor cilíndrico colocado sobre una base cuadrada.-I d. Su primera manifestación fue la literatura védica (de veda. Se divide en tres grupos: los Samjitas (o ‘colecciones’. El estilo Mathurā mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos. los Brāhmaṇa. C. C. C. Al igual que los estilos anteriores. de religión budista. plata. situada en la cuenca superior del Ganges. en Peshawar.. Arte maurya (siglos III-II a. y el Ramaiana. pero de signo más esotérico. con influencia helenística y sasánida. aparecieron el budismo y el jainismo.) abrió contacto con el arte helenístico griego. escritos sobre doctrinas secretas que suponen la primera obra de tipo La Guerra de Kurukshetraen una ilustración del filosófico en la India. apareciendo las religiones tradicionales indias. budismo. C. sus obras principales son monasterios y stūpas. Arte de Gandhāra (siglos II a. estableciéndose estrechos lazos con el arte persa. El monumento característico de este periodo es la stūpa. escultura y útiles de metal (oro. En un período posvédico (hacia el siglo III a. cristianismo. cobre y latón). obra de Valmiki. plasmado en las formasgrecobudistas. árboles) tienen para los indios un carácter sagrado. De igual importancia son las excavaciones realizadas en Harappa. como el de Kanisha. sin embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la destrucción producida por la invasión islámica. C.): el arte deGandhāra es de tradición grecobudista. destacando la gran stūpa de Amarāvatī. túmulo funerario de carácter conmemorativo. como la Stūpa de Sānchi.) y premauria (siglos VI-III a. religión. 17 La literatura india comenzó alrededor del 2500 a.El arte indio tiene un carácter principalmente religioso. sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo. Cultura del Indo: la primera gran civilización india se desarrolló entre el siglo XXVI a. Evolucionó la tipología de la stūpa. sobre leyendas y epopeyas de la mitología hindú. generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida deBuda. Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciudad de Mathurā. urbanización. ríos.): la dinastía Maurya. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza.) surgen los grandes poemas épicos indios: el Majabhárata es la tercera obra literaria más extensa del mundo. con escritos centrados en la religión y la guerra. como en el Palacio de Aśoka en Pātaliputra. C. nueva síntesis de poesía y epopeya con elementosteológicos y filosóficos. que incluyen el propio Rigveda (himnos litúrgicos de tema mitológico. con doscientos mil versos recopilados en dieciocho libros (donde destaca el Bhagavad-gītā). como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam (Pondicherry). de 50 metros de altura. y el siglo XIII a. La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo.16 Período védico (siglos XIII-VI a. escrita en sánscrito. La expedición a la India de Alejandro Magno (326-325 a. C. teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas. En el siglo VI a. y los Sutra.

los Ejército de terracota de Xian Zhou crearon un estilo decorativo y ornamentado. Destaca el gran hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian (210 a. En estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricos ajuares de armas. situado en el interior del y dinámicas. confucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza.). amuralladas y con una retícula rectangular. nobles y funcionarios. que aún perdura en zonas delHimalaya. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmente taoísmo. usando generalmente untetracordio en las melodías vocales. destacando únicamente el vestuario y el maquillaje.19 La música india tiene un fuerte sello ecléctico debido a la multiplicidad étnica de los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente índico: los vedas tenían melodías únicamente de dos notas. Una invasión nómada en Mausoleo de Qin Shi Huang. Dinastía Zhou (1045-256 a. Dinastía Qin (221-206 a. como en Zhengzhou y Anyang. con gran naturalismo y precisión en la fisonomía y los detalles. C. Comodramaturgos destacaron Kālidāsa y Śūdraka. C. También son de remarcar los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas. El Sāma Vedá («cantos vedas») pasó de cinco a siete notas. Dinastía Shang (1600-1046 a. se construyó la Gran Muralla para evitar invasiones exteriores. 771 a. con un trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas. Se han encontrado restos arqueológicos de varias ciudades en la zona de Henan.). construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang. de siete actos. la temática es de signo mitológico. de alrededor del 1200 a. y comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria de Wang Xianzhi. con un sentido confucianista de la solemnidad y la virtud moral. continuando el trabajo en cobre. tigres y caballos. enunciados por Xie He a principios del siglo VI. anudatta (grave) y svarita (media). C.): unificada China bajo el reinado de Qin Shi Huang. periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la metalurgia. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo. los arios introdujeron los himnos religiosos en los Vedas. Mricchakaṭikā. jade. la cerámica. C. en el alto Yangtsé. los drávidas tenían músicas y danzas más elaboradas. a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura. se introdujo el budismo. marfil y otros materiales. fragmentó el imperio en pequeños reinos.): época de paz y prosperidad. y apareció lalaca. Al contrario que en Occidente.20 China El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental. Dinastía Han (206 a.-220 d. decorado en relieve. C. danza y mímica. generalmente dedicados a motivos confucianistas.El teatro indio tiene su origen en el Nāṭya-śāstra. libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni. de diez actos. donde se habla de canto. incluidos varioscaballos y carros. los protomediterráneos introdujeron nuevos instrumentos. En pintura se formularon los seis principios. joyas y diversos utensilios en bronce. Había diversas modalidades: Śakuntalā. que influenciarían enormemente al arte. La pintura se centró en temas de la corte imperial. apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamado Periodo de los Reinos Combatientes. con estatuas aladas de leones. especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas. Está compuesto por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural. como el magudhi. relacionadas con cultos a la fertilidad.21 . en un estilo lineal de gran simplicidad. situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang. La representación es básicamente actoral.): destacó por sus objetos y esculturas en bronce. C. sobre las historias de los dioses y héroes indios. Destacó por sus capillas funerarias. El Ṛig vedá («himnos vedas») deja constancia de tres tipos de entonaciones: udatta (aguda). la famosa flauta de los encantadores de serpientes. Junto a esta nueva religión. con torres de guardia de 12 metros de altura. que tuvo una implantación lenta pero progresiva. se recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático. C. los chinos valoraban por igual la caligrafía. sin decorados. la seda o la porcelana. y gracias a la ruta de la seda. que la arquitectura. Generalmente. de figuras estilizadas (210 a. Longmen). C. C.): evolucionando desde el arte Shang. Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difundió más ampliamente el budismo. la pintura o la escultura. con 2400 kilómetros de longitud y una media de 9 metros de altura. marcadas por sus dinastías reinantes. como las halladas en la zona deChengdu. Destacó el trabajo en jade.

chiao. C. Durante la dinastía Zhou se sentaron las bases de la música tradicional china. También tuvo mucha repercusión El arte de la guerra de Sun Tzu. cinco notas: king. la más típicamente japonesa. y el Ch'uen-tsieu. C. De época Shang es el Shih Ching (Libro de los Cantos).23 Japón El arte japonés ha estado marcado por su insularidad. crónica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china. armas. el ku (tambor) y el chun (campana). En torno al siglo V a. compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado. En cuanto a arquitectura religiosa.): desde el siglo I a. La poesía está representada por el Manyoshu (Colección de diez mil . el pien-chung (campanillas). el Shu-king. C. obteniendo las hallada en Mawangdui. atribuido al mítico emperador Fu Xi.): sobre un «tono base» (huang chung) procedente de una caña de bambú. C. el I Ching. al contrario que el sistema heptatónico occidental (de siete notas). el hsüan (flauta). a causa de las relaciones con China y Corea. aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales. cerámica y figuras antropomorfas. Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta. los llamados Cinco Clásicos: el Li-Ki. por lo que toda su producción fue autóctona. enterramiento 25 real de Otsuka). surgieron las principales obras del pensamiento chino. Del periodo predinástico hay constancia de varios instrumentos.24 Período Yayoi (200 a. poesía de carácter didáctico asociada a una composición musical. La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china. La literatura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico. grandes compendios de la filosofía y la moral: el Lùn Yǔ (Analectas) de Confucio y el Tao te king (Libro del Tao) de Lao Tse.-VI. cabe destacar el templo de Isa. el fu. apareciendo entre los siglos X y V a. El testimonio más antiguo conservado es el Kojiki (Relatos de cosas antiguas). hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda. especie de historia universal de corte mítico y teogónico.-200 d. siglos siglo V d. empezó a introducirse la civilización del continente. aunque de poca relevancia. Período Jōmon (5000-200 a. Otro testimonio de relevancia es el Nihonshoki (Anales de Japón). como el ch'ing (piedra sonora). mientras que en prosa destacó el She-ki (Memorias históricas) de Ssê Ma-ts'ien. se añadió el budismo en torno al siglo V. yü. donde aparecieron diversas joyas.22 La música china es pentatónica (de cinco notas). C. chih. con figuras humanas y de animales.): durante el Página de un Nihonshoki (Anales de Japón) del período mesolítico y el neolítico se fabricaron instrumentos Heian. cerámica y unas figuras de terracota llamadas haniwa. shang. el sheng (órgano de tubos de bambú). Los principales instrumentos eran: el pien-ch'ing (carillones de piedra de jade). el p'ai-hsiao (flauta pánica o siringa) y el ch'in (cítara). recopiladas en el Lü Shih Ch'un Ch'iu (Anales del Sr. de hueso y piedras pulimentadas. C. sobre todo de China y Corea. forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura. Lü) de Lü Buwei (239 a. recopilación de poemas. C. el Shi King (El clásico de la poesía). Versión del Tao te king derivaron tonos más agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano. Japón se mantuvo aislado del continente. Período Kofun (200-600): destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin (200-310) y Nintoku (310-399). C. primera crónica fechada (722-481 a. La cerámica se producía con torno. C. manual de adivinación basado en el significado de ocho trigramas. que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a. En este período encontramos las primeras muestras de pintura japonesa (tumbas de Kyūshū. En época Han apareció un nuevo género. debido sobre todo a la adopción de la escritura china. En esa época se difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo ornamentado con cilindros de terracota. C. formada alrededor del siglo I. llegando a los cien tomos.).

Tonga y Samoa. navegaron por todo el Mediterráneo y el norte de África. y tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia. especialmenteChipre.). como en Boğazköy. aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos australianos. fíbulas. joyas). Recibió influencia mesopotámica . Se ejecuta con los instrumentos mencionados. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). así como el min'yō. C. vestigios. dedicados principalmente al comercio.ya su vez. C. Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas. así como obras en madera. El arte fenicio se dio también en distintas zonas del Mediterráneo.hojas). entre el III y el II milenio a. así como objetos de obsidiana y conchas. hueso. Ligado a la metalurgia. El arte escita influenció al de los pueblos germánicos. y el 500 d. con gran variedad temática y estilística. hierro y metales preciosos (armas. diosa del sol. sobre el mito de Amaterasu. Su arquitectura era monumental. Puerta del León en Boğazköy. minoico y etrusco. principalmente en Andalucía y la zona de levante y. Las ciudades se solían construir en acrópolis. vikingos y paleocristianos. en la Meseta Central y el sur de Francia. de influencia asiria y egipcia. Su arte era preponderantemente mobiliar . con cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad. Destacan sus esculturas. cuero. Arte escita: también llamado «arte de las estepas». En Australia destacan las pinturas rupestres. La arquitectura se basaba en los muros de tapial. canciones folclóricas japonesas. excepto algunos utensilios y abalorios. y otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko. redactado por varios autores entre los que destacan Otomo Yakamochi y Yamanoue Okura. escudos. Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterráneo. C. en menor medida.26 La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku («piezas originales»). Entre el 500 a. Ullastret y Olérdola. continuó la colonización hacia Micronesia. destacan los objetos en bronce.28 Otras manifestaciones Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península de Anatolia.. La principal modalidad de música y danza sintoísta es la kagura. También destacaron las esculturas de Karkemish y Tell-Halaf (Siria). fácil de transportar. Hawái). Fiyi. principalmente). Cerdeña e Ibiza. como en Azaila. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. C. principalmente de conchas. C. isla de Pintura rupestre de los aborígenes Pascua. llegando a la simplificación geométrica. Se desarrolló . que se remontan al siglo XIX a. Armenia y Siria. Arte fenicio: pueblo de tradición marinera. principalmente entre el II y el I milenio a. antología de poemas de diverso signo. donde aparecieron también diversos relieves con escenas de guerra y caza. cinturones. Arte ibérico: se desarrolló en la península ibérica coetáneamente a la cultura de La Tène. Marquesas. que son bastante esquemáticas. Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad. influenció al arte persa. En sus obras destacan los motivos animalísticos. con sistema adintelado.27 Oceanía El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico. con palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges. C. fundando la ciudad de Cartago en la actual Tunicia. Melanesia y Micronesia. es el correspondiente a los pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas. realizando arcos y bóvedas falsas por aproximación de hiladas. Vanuatu. telas y alfombras. destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda. al ser un pueblo nómada. posiblemente de origen totémico. originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas Salomón.

C. En época sasánida surgieron palacios (Ctesifonte. Recibieron la influencia del arte egipcio. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica. en piedra o cerámica esmaltada. y con un sentido estético inspirado en la naturaleza. C. donde se han hallado diversos templos. y II d. Arte clásico Se denomina arte clásiconota 2 al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma.30 Ruinas de Persépolis. y un pórtico o iwan con gran arco abierto a un patio. profético. Grecia En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. palacios y tumbas excavados en la roca. y donde destacan las grandes salas o apadanas. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones. . C.. «ley»). C. importante documento no sólo religioso sino también literario. así como del helenístico más adelante. Testamento. También fue típica la representación de animales (caballos. donde preponderaba la armonía y el equilibrio. mitológico. algunos de carácter antropoide. el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo. C. con escenas de guerreros. por lo que la mayoría de su arte es ornamental.). como la Bicha de Balazote. donde surgió por vez primera el uso de laventana —a diferencia de la iluminación cenital utilizada hasta entonces—. nombre Arqueológico Firaun («el hebreo del Nacional de tesoro del Antiguo España. poético. Posteriormente se redactaron la Mishná. Persépolis y Pasargada. De acuerdo a su religión se rechazaban las imágenes. con columnas de gran altura y capiteles de volutas. sapiencial y epistolar). leones). clásico y helenístico. también llamado Torá. fenicio y mesopotámico. faraón»).29 Arte nabateo: pueblo de origen semítico que habitaron en la zona sirio-palestina entre los siglos VI y II a. combates con monstruos o animales como toros y leones. con una monumental fachada con pronaos hexástilo y frontón. de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental. Baza y el Cerro de los Santos. notablemente la escultura. En la escultura persa destacan los relieves. En arquitectura. y la parte superior con un tholos redondo y dos edículos laterales con semifrontones. la racionalidad de las formas y los volúmenes. situada entre desfiladeros de montaña. hay testimonios de la gran magnificencia del Templo de Jerusalén. destacando la tipología de las «damas». Arte persa: en Persia se desarrolló una importante cultura bajo el reinado de dos importantes dinastías: la aqueménida (560-331 a. como las de Elche. que lamentablemente no ha llegado hasta nuestros días. Museo Jazneh Tanaj. Aparte de eso destacan las sinagogas. En la literatura hebrea destaca la Biblia (el Tanaj o Antiguo Testamento. en Petra. empleando por primera vez la piedra en grandes palacios como los de Susa. Entre ellos destaca el Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»). C. Arte hebreo: los hebreos se instalaron en Palestina en el siglo XIII a. destaca especialmente la ciudad de Petra. Dama de Tumba de Página del Elche. cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano.en diversos estilos y géneros (histórico. de estilo helenístico.) y la sasánida (226-640 d. el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico. redactado entre los siglos X a. como en los templos sirios. generalmente de planta basilical y fachada tripartita. que influirá al arte islámico. La arquitectura persa aglutinó las formas mesopotámicas con las egipcias. el Talmud y la Cábala. Madrid. legendario. toros. Firuzabad) con sistemas abovedados con cúpulas sobre trompas. y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental.

practicada por Esopo. en escenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. el mito pasó a la literatura. C. anfipróstilo). También se desarrolló la prosa. siendo la base argumental de sus obras la religión y la mitología. Los mitos griegos eran una fusión de elementos indogermánicos y mediterráneos. de transmisión de . etc. La pintura se desarrolló sobre todo en la cerámica. con o sin columnas (que pueden ser frontales. considerándose fidedigna —al contrario que hoy. o pueden rodear todo el edificio. C. En origen. representada por Demóstenes.. en función de la técnica utilizada en la confección de cerámica pintada: «figuras negras sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a. sobre un basamento (krepis). Parrasio. Otras obras de relevancia fueron el Teatro de Epidauro y la Linterna de Lisícrates. que resulta más trágica y angustiosa. donde junto a un texto —donde predomina el diálogo. En el siglo V a. (el llamado «siglo de Pericles») se instauró el clasicismo. En época arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas. destacando Herodoto. Platón y Aristóteles. de gran expresividad. en que «mito» es sinónimo de leyenda. como percibimos en la obra de Escopas. Se configuraron los géneros literarios (épica. con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás. el ritual pasó a mito y. La poesía destacó por una lírica coral que expresaba sentimientos colectivos. se rompió la serenidad naturalista en aras de enfatizar la expresión. el vestuario. en cuyo caso se denomina períptero). llamada «sonrisa eginética» por tener su mayor representación en las figuras del Templo de Afaia en Egina. de Homero. a través de la «mímesis». Apeles. al dinamismo violento de la forma y la expresión patética del sentimiento.) y «figuras rojas sobre fondo negro» (desde el siglo VI a.32 En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático».31 La literatura griega alcanzó cotas de gran calidad. de tradición oral. Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad. y se desarrolló el urbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto. Por último. si bien persisten las formas clásicas en obras como la Venus de Milo y la Victoria de Samotracia. intervienen también los actores. el maquillaje. poniendo las bases de la literatura occidental. y la fábula. Píndaro. se tiene constancia por fuentes históricas del nombre de varios famosos pintores griegos. jónico y corintio. El teatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos (komos). Praxíteles y Lisipo. la cual tenía un componente educativo. de ficción—. principalmente con la figura de Homero y sus dos grandes obras: la Ilíada y la Odisea. las luces y efectos de sonido. lírica y dramática). C. Destacó especialmente la obra de Mirón. Polignoto. sobre todo en el género histórico. destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca. Safo y Anacreonte.En arquitectura destacaron los templos. llevando a la perfección el canon en las proporciones del cuerpo humano.). A la vez. decorado generalmente con relieves escultóricos. Eufranor. Fidias y Policleto. surgió la literatura escrita con el desarrollo del alfabeto griego alrededor del siglo VIII a. en la Acrópolis de Atenas. la escenografía. Tucídides y Jenofonte. En escultura predominó la representación del cuerpo humano. se añadió la palabra. con la épica y la poesía. basado en la armonía de las proporciones. como Zeuxis. Desde unos inicios de tradición oral (la epopeya). En una segunda fase clasicista. Eran construcciones en piedra. con el templo dórico del Partenón y los jónicos del Erecteión y la Niké Áptera. con un particular sentido estético que daría origen a la poesía. en el periodo helenístico la proporción y la armonía dan paso al recar gamiento y la sinuosidad. la oratoria. y coronados generalmente en forma de frontón. base de la representación escénica—. el mythos griego era una historia explicada.. Comienzo de la Odisea. como en el Laocoonte y el Toro Farnesio. También son típicos de esta época las estatuas de atletas desnudos (kouros) y de muchachas vestidas (kore). Destaca especialmente el conjunto de la Acrópolis. donde destaca el friso. mientras que es esencial la presencia de un público que contempla el espectáculo. el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia. como se percibe en la obra de Hesíodo. donde se sucedieron tres órdenes constructivos: dórico. es decir. surgiendo la tragedia. con mayor naturalismo y un estudio anímico en la expresión de la figura representada. etc. C. Se suele establecer dos épocas. laterales. Fachada del Partenón.

Atenodoro y (hacia 590. en los movimientos rítmicos del coro. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira. Roma Con un claro precedente en el arte etrusco. pero no se sabe cuánto duraba cada nota.Museo 100 a. con un primer componente de sátira y crítica política y social. de Agesandro. puentes. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo. etc. la cítara. Sófocles y Eurípides en tragedia. Museo Pío- Museum of París. Los griegos escribían música con las letras del alfabeto.). la siringa. los romanos destacaron en arquitectura civil. Clementino. Gracias a la expansión del Imperio romano. teniendo una musa dedicada a ella: Terpsícore.). acueductos y obras urbanísticas. así como templos. El teatro y las narraciones épicas eran cantados. norte de África y Próximo Oriente. C.34 Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte. ladrillo y mampostería. etc. a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»). Más adelante surgió la comedia. tan sólo tenemos idea de cómo podía ser por documentos escritos. Una de las primeras modalidades fue elditirambo. teatros. C. al que añadieron el orden toscano.).valores. circos. Al sistema arquitrabado griego añadieron el uso del arco y la bóveda. el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. York. Utilizaron los órdenes griegos. Metropolitan Londres. La arquitectura destacó por su carácter práctico y utilitario: grandes ingenieros y constructores. palacios. el aulos. el címbalo. el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa. Louvre. C.35 Estatua de El Discóbolo La Venus Laocoonte y sus mármol de de Mirón de Milo hijos. En Grecia fue la primera vez en la historia que se estudió la música de forma científica: Pitágoras la relacionó con las matemáticas. C. con la construcción de carreteras. anfiteatros. termas. (130. C.33 La música griega nos es desconocida a nivel auditivo. kouros (455 a. mientras que en comedia destacaron Aristófanes y Menandro. Apareció entonces también la mímica y la farsa. Polidoro de Rodas 580 a. el crótalo. Los primeros vestigios provienen nuevamente de los cultos a Dioniso. arcos de triunfo. y se escribieron tratados teóricos sobre música. con el empleo de sillería. El Coliseo de Roma. el sistro. sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas. relacionado con el culto a Dioniso. mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo— donde se desarrolló como técnica. Nueva Vaticano. varios tipos de tambores —como por ejemplo el tympanon—. de fuste . por lo que se desconoce el ritmo. Museo del (hacia 50 d. Art.). derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. Británico. aunque al perderse las anotaciones musicales han quedado como documentos escritos. siendo el primero el de Aristóxeno en el siglo IV a.

y el fantástico. actores que bailaban al ritmo de las tibiae —una especie de aulos—. Prima Porta. Museos Vaticanos. aunque con más realismo. de formas geométricas. el Teatro de Mérida. con arquitecturas fantásticas. en historiografía. Casa del Fauno.37 El teatro romano recibió la influencia del griego. Petronio y Apuleyo. el Arco de Constantino. se centró igualmente en la figura humana. de la que adoptaron técnica y géneros. comoEl sacrificio de Ifigeniaen Ampurias o La batalla de Isos en Nápoles. y debido a que el latín fue el origen de las lenguas vernáculas habladas posteriormente en muchos lugares de Europa. en opus sectile. Tan sólo Cicerón habla un poco de ella en sus escritos. La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya. Al parecer. Arco de Constantino. Cicerón y Séneca. el Acueducto de Segovia. con gran detallismo y fidelidad en los rasgos. el arquitectónico. Tácito y Tito Livio. Arte medieval . Pompeya. la principal innovación latina fue el concepto de «estilo» que los romanos aplicaron a sus obras. en oratoria.liso y capitel con collarino y equino rematado en un ábaco cuadrado. aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos. thoracata. la danza y el canto (pantomima). que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los ludiones. etc. y apoteósica. la época de mayor esplendor fue el reinado de Nerón. El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro).38 La música romana nos es desconocida. igual que la griega. las Termas de Caracalla. Augusto de Fresco hallado en Pompeya. uopus tesellatum. C. La música romana pasó a la iglesia cristiana primitiva. Más idealizados son los retratos de los emperadores.36 La literatura romana recibió como en el resto de las artes la influencia griega. al añadirse la música vocal. en el Arco de Tito y en la Columna Trajana. donde se perciben cuatro estilos: el de incrustación. inspirada en la griega. con paisajes imaginarios. Mosaico de la Batalla de Isos. La escultura. También destacó el mosaico. origen de la sátira). predominando en este último el mimo. Horacio y Ovidio. realizados en tres versiones: togata. en temas históricos o religiosos. Salustio. Al parecer. Destacó especialmente el relieve. con pequeñas piezas que forman escenas figurativas. el Panteón de Agripa. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. la Maison Carrée de Nîmes. Un género muy difundido fue el retrato. como divinidad. la Torre de Hércules. que favoreció notablemente la música —él mismo tocaba la lira—. como militar. en prosa. Si bien su producción no fue de gran calidad — en el aspecto estético-literario—. guirnaldas y amorcillos. Entre sus principales obras se pueden recordar el Coliseo. llamado así por simular arquitecturas. por su ascendiente sobre la literatura cristiana y medieval. la obra de los autores latinos ha ejercido una gran influencia en la literatura occidental. como vemos en el Ara Pacis de Augusto. que imita el revestimiento en mármol. no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. más tarde. destacando en poesía Lucrecio. que mezclaban canto y mimo (las saturae. el ornamental. mezcla de los dos anteriores. Cultivaron los mismos géneros que los griegos. Como autores destacaron Plauto y Terencio. surgieron los histriones —que significa «bailarines» en etrusco—. variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas. perceptible en el uso deltrépano para producir claroscuro y en el hecho de grabar las pupilas. fue Livio Andrónico —de origen griego— quien en el siglo III a. como patricio. Virgilio.

con dos principales escuelas: la helenística-alejandrina y la siria. dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del realismo de la narración o de su carácter estético. de origen germánico. el corpus epistolar (cartas de San Pablo y otros apóstoles) y el Apocalipsis de San Juan. iluminación de manuscritos. en forma de misal (missalis romanum). impregnará la mayor parte de la producción artística medieval. los mejores ejemplos se hallan en Santa María la Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Rávena. Marcos. pasó de una función civil a una religiosa. que tuvo un gran desarrollo. ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre notas. Prudencio. con escenas religiosas y alegóricas. que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes que se cantan por sílaba: cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico». Las formas clásicas fueron reinterpretadas para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial. san Juan Crisóstomo y san Gregorio Nacianceno. Al convertirse el cristianismo en la religión oficial del Imperio surgió una tendencia más literaria. generalmente con propósito didáctico y propagandístico de la nueva fe. Mausoleo de Gala Placidia. destacando san Basilio el Grande. La misa era cantada. Mosaico del Buen pastor. especialmente. San Juan de Letrán. con una finalidad moralizante. donde se sitúa el altar. tras la conversión al cristianismo del emperador romano Constantino. y San Apolinar en Rávena. Clemente de Alejandría. y surgió la miniatura. el cuerpo de la basílica. San Agustín. Existen tres estilos de canto gregoriano. dividido en tres naves. y el presbiterio. Con la legalización de su religión. En arquitectura. Las artes figurativas inician el camino del arte medieval. la llamadaVulgata) y. que servían a la vez de lugares de reunión para los perseguidos devotos cristianos. el cristianismo. de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático». Eran obras prácticas. para pasar posteriormente. con una línea melódica continua. destacó como tipología la basílica. etapa de cierta decadencia política y social. La pintura se dio sobre todo en las catacumbas. Lactancio. Entre los exegetas latinos destacaron Tertuliano. Eusebio de Cesarea.La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media. así como de la liturgia judía. primero de forma oculta. con tres partes principales: los cuatro evangelios (Mateo. adaptación del edificio romano de mismo nombre que. sin voluntad estilística. redactado en griego.40 La música cristiana primitiva era heredera de la romana. etc. Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta nueva religión. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas dominantes. Juan).41 Arte germánico . Orígenes.39 La literatura cristiana fue desarrollada en latín y griego. En escultura destacaron los sarcófagos. mientras aún eran perseguidos por el poder imperial. eminentemente religioso. Cobró especial relevancia el mosaico. San Jerónimo (traductor de la Biblia al latín. sin embargo. y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas. En el siglo IV san Ambrosio introdujo el canto ambrosiano. mientras que la nueva religión. y de 6 a más tonos por sílaba se llama «melismático». Más adelante. las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de los cementerios o «catacumbas». a ser el estilo oficial del Imperio. que evolucionaron desde la simple decoración ornamental con molduras cóncavas (strygiles) hasta la narración de escenas en friso. Lucas. llegando a influir al arte bizantino. Destacan las basílicas de San Pedro del Vaticano. Arte paleocristiano Rávena (primera mitad del siglo V). En un primer momento destacó la elaboración del Nuevo Testamento. de tipo coral. A continuación surgieron una serie de escritos apologéticos de los llamados Padres de la Iglesia: Atenágoras. Generalmente constaba de tres partes: un atrio de acceso. el papa Gregorio I Magno creó el canto gregoriano (siglo VII). más elaborada y retórica. San Lorenzo y San Clemente en Roma. pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial.

Se solían aprovechar instalaciones y materiales romanos. Desarrollaron tres tipos deiglesias: la basilical de tres naves (San Juan de Baños. San Miguel de Hildesheim y la catedral de Espira. La pintura se desarrolló en la miniatura. el arco de herradura y la bóveda. La arquitectura destacó por el empleo de la sillería. con arcos de medio punto y cubiertas de madera o bóvedas de cañón. En artes plásticas se percibe la influencia bizantina. Arte otoniano: se denomina así por coincidir con los reinados de Otón I. Orense). con varias escuelas como la palatina. Entre los pueblos germánicos conviene destacar el visigodo. donde los pueblos invasores pasaron a ser la clase dirigente. con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico. la de Reims y la de Saint-Denis. como los de Poitiers en Francia o de Cividale en Italia. como la Estatua ecuestre de Carlomagno (Louvre). generalizándose el uso del arco de medio punto y la bóveda. bien de cañón o de aristas. lo que conllevó un renacer cultural y un primer retorno a la cultura clásica como fuente de inspiración. sobre todo en frisos y capiteles. donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. en Baños de Cerrato materiales usados y a la falta de un programa constructivo de (Palencia).42 Arte prerrománico Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000. como en Quintanilla de las Viñas (Burgos) y San Pedro de la Nave (Zamora). debido al matrimonio de Otón II con Teófano de Constantinopla: en escultura destacan las . Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común. Destacó también la orfebrería. Arte carolingio: la coronación de Carlomagno supuso en cierta forma la restauración del Imperio Romano. Destacan las construccionesostrogodas en Italia. en Essen y en Ottmarsheim. Arquitectónicamente son herederos del arte carolingio: el modelo de Aquisgrán se percibe en el coro de laabadía de Interior de la Capilla Palatina. como vemos en los sacramentarios de Luxeuil y Gelasiano (Vaticano). es de destacar la incorporación de la escultura figurativa a las iglesias. La pintura se circunscribió a la miniatura. Ejemplos de ello son la Capilla Palatina de Aquisgrán y monasterios benedictinos como Sankt Gallen. que desarrolló un estilo propio de gran relevancia. La arquitectura carolingia se basó en el uso del pilar en vez de la columna.La invasión del Imperio romano por los pueblos germánicos supuso la fragmentación del territorio en diversos reinos. envergadura. Esta convivencia cultural generó la aparición de las lenguas vernáculas y la creación de nuevas entidades políticas y culturales. sobre todo en coronas y cruces. que se irán afianzando a lo largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la actualidad en el mundo occidental. Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estos pueblos fueron de escasa relevancia. En escultura destacó el relieve. la de una nave con cámaras laterales (San Pedro de la Mata. como el Mausoleo de Teodorico en Rávena. Otón II y Otón III. asentado en la península ibérica. Toledo) y la de cruz griega (Santa Comba de Bande. mientras que el modelo basilical benedictino Aquisgrán. si bien subsistió la cultura romana entre las clases humildes. se halla presente en San Ciriaco de Genrode. Palencia). la de Tours. La escultura se produjo sobre todo en marfil y bronce. debido a la pobreza de los Iglesia visigoda de San Juan. Fulda y Corvey. como los hallados en los tesoros de Guarrazar y Torredonjimeno. aunque matizada por la religión cristiana. En escultura.

ya que generalmente se construía en madera: cabe destacar las iglesias de Deerhurst y Bradford-on-Avon. etc. así como la bóveda de nervios de tipo califal. en Oriente perduró —conocido como Imperio bizantino—nota 3 hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. y que. donde se distinguen tres etapas.San Salvador de Valdediós. al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos. la música va experimentando sucesivos avances: la música carolingia fue la primera en incorporar instrumentos musicales. san Gregorio Magno.44 En esta época. sur de Galicia. en pintura. Arte bizantino Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente. Arte asturiano: con la invasión islámica de la península ibérica. cabe citar los frescos de San Jorge de Oberzell. especialmente las fíbulas con largas agujas y las espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura. Cantabria y Pirineos. San Millán de la Cogolla (La Rioja) y San Miguel de Escalada (León). en el ramirense. en incisos a los cantos litúrgicos (tropos a medio texto. en función del reinado de Ramiro I: prerramirense. En el primer periodo destaca la iglesia de San Julián de los Prados. Hildesheim. San Cebrián de Mazote (Valladolid). En escultura destacan las grandes cruces irlandesas. principal exponente del (Irlanda). además del canto de tipo gregoriano. tuvo una época de esplendor el arte celta. como las de Moone. la producción literaria es enteramente en latín. en el siglo VIII comenzó un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto. obras en bronce. donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. que vio florecer notablemente el arte sobre todo en arquitectura. como las puertas de San Miguel de Hildesheim. Boecio. Rabano Mauro). surgen las primeras piezas musicales sin texto. Venancio Fortunato. arte asturiano. en el alto Ebro. Son iglesias generalmente de pequeño tamaño. con una serie de grafismos (neumas) actualmente no identificados. Se distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI. En arquitectura se conservan pocos restos. a la que perteneció el Pontifical de San Aethelwold(British Museum). Se desarrolló sobre todo en el siglo X. una . Destacan asimismo los trabajos de orfebrería. Teodulfo de Orleans. Enmarcada en el terreno eclesiástico. de tejados apuntados y salientes de gran verticalidad. destacando la escuela de Winchester. San Baudelio de Berlanga (Soria). Se caracteriza por el empleo de muros de sillarejo. como la iglesia noruega de Borgund. practicaban un tipo de arte de gran influencia islámica. arcos de medio punto —a veces peraltados—. coincidiendo con el reinado de Justiniano. recientemente evangelizadas. ramirense y posramirense. san Beda el Venerable) y la carolingia (Alcuino de York.45 Iglesia otoniana de San Miguel de Cruz de Iglesia vikinga Santa María del Naranco. Arte celta: en las islas británicas. La tipología principal es la basilical de tres naves. San Miguel de Lillo y Santa Cristina de Lena. el arte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales. y en el posramirense. Arte vikingo: la arquitectura era en madera. de las que fue puerta de entrada en Europa. con amplio crucero y tres capillas rectangulares a la cabecera. ilustraciones del Comentario al Apocalipsisdel Beato de Liébana. decoradas en relieve. aunque con un claro componente teocéntrico y de exaltación de la religión cristiana. que es el encargado de la conservación del antiguo legado cultural. y secuencias al final). san Isidoro. Cabe destacar en miniatura los beatos. Kells y Monasterboice. con gran variedad en la tipología de su planta. Heredero del arte helenístico. al estilo de las salas de reunión vikingas. La arquitectura destaca por el uso del arco de herradura. como se percibe en la obra de Sidonio Apolinar. Brompton de Borgund. Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la dominación islámica. generalmente sobre temas morales y de retórica.43 La literatura medieval es heredera de la tradición clásica grecorromana. También destacó la escuela irlandesa (san Columbano. formada por arcos que se cruzan. bóvedas de cañón con arcos fajones y contrafuertes exteriores. Santa María del Naranco. principalmente al norte del Duero. destacando las iglesias de forma piramidal. Casiodoro. La miniatura tuvo influencia carolingia. los cristianos se vieron reducidos a la región de Asturias. destacando Santa María de Melque (Toledo).

presbiterio y coro al fondo. mármol. Gran Mezquita de Córdoba. en la segunda edad dorada destacan la catedral de Santa Sofía de Kiev y San Marcos de Venecia. destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. usado a veces en superposiciones y entrecruzamientos. con recubrimientos exteriores de placas de piedra con relieves e interiores de mosaico. En la tercera edad dorada la pintura sustituyó al mosaico. y una tercera en el siglo XIV. el islamismo. sobre todo en torno a los iconos. Con el tiempo. sobre piedra o marfil. Las primeras Iglesia de Santa Sofía. Se otorgó gran relevancia a la decoración ornamental. siendo su arte el reflejo de esta disparidad. con motivos abstractos o geométricos. Su principal medio de expresión fue la arquitectura. manifestaciones. que tuvo una rápida difusión desde el Próximo Oriente por el norte de África. nártex. especialmente la helenística y la siria neoática. La principal tipología es lamezquita. Se utilizaban diversos tipos de bóveda. son las más monumentales: iglesia de los Santos Sergio y Baco. la sala de oración (haram). con figuras estilizadas y perspectivas jerárquicas (el tamaño de la figura depende de su importancia religiosa). o bien en forma de avispero. que era únicamente de tipo ornamental. sur giendo más adelante elarco lobulado. como la de gallones y la de crucería. destacando las imágenes de «consagración imperial» (Cristo con las manos sobre las cabezas de los emperadores). que era de signo abstracto. con la dinastía Paleólogo.segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204. pues la prohibición religiosa de representar imágenes figurativas supuso una seria traba para la pintura y escultura. y en la tercera cabe mencionar los conjuntos deMistra. Salónica y monte Athos. Creta. Venecia y Moscú (donde descuella Andrei Rubliov). Estambul. con un atrio de entrada. generalmente de tres o cinco lóbulos. La arquitectura destacó por el uso del arco apuntado —que en al-Ándalus fue de herradura por herencia del arte visigodo—. con dos cámaras o sacristías laterales y el altar bajo un baldaquino. alabastro. Salónica. la torre o alminar. de época de Justiniano. destacando las escuelas de Chipre. La escultura solía ser en relieve. vegetales o de lacería. Se utilizó el arco de medio punto y la bóveda con cúpula sobre pechinas. de Santa Irene y de Santa Sofíanota 4 en Constantinopla. con motivos epigráficos. con capiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos. con una fuerte carga simbólica de las imágenes. generalmente de yesería. en . la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas. En arquitectura se empleó la piedra y el ladrillo. compuesta por un amplio patio (sahn). Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano influencia paleocristiana. En la segunda edad dorada se establecieron la estética y la iconografía bizantinas. Abundó el uso de la columna. sobre todo los iconos de pintura sobre tabla.46 Arte islámico Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva religión. La tipología más utilizada fue la de planta centralizada —quizá por la importancia otorgada a la cúpula—. teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese. a la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores. mosaico o pintura. llegando a Europa con la conquista de la península ibérica y con la zona de los Balcanes tras la caída del Imperio bizantino.

correspondientes con los contrafuertes exteriores. Otras importantes manifestaciones del arte islámico en la península fueron las producidas en Sevilla durante la dominación almohade. y la El Corán fue la primera obra prosa. Avempace. Cabe destacar la recopilación de cuentos tituladaLas mil y una noches. importante y la más influyente de la histórica (Ibn Jaldún). exponiendo los principales preceptos de la nueva religión. obra anónima redactada entre los siglos IX y XV en diversos estilos. Hamadani. El canto tenía una especial relevancia. en versículos rimados. Pisa y Lucca en Italia. las catedrales de Durham. Su principal monumento es la Mezquita de Córdoba. precedida de un espacio con arquerías (macsura). San Ambrosio de Milán. y es considerado el padre de la música clásica árabe. la flauta (gussaba). como en el arco de herradura. El Corán fue la base gramatical y estilística de la literatura árabe.47 La literatura árabe arrancó con una obra de gran trascendencia. la nauba. predominando el canto solista con laúd. casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. Consta de 114 capítulos (sura). que se desarrolló sobre todo en la poesía (Abu Nuwas. San Lázaro de Autun. Surgido a mediados del siglo XI. similar a la fioritura occidental. con dos partes: estribillo (tarji’) y antífona (jawab). La arquitectura destacó por el uso de muros de sillería. De carácter eminentemente religioso. el Corán. También cabe destacar la Mezquita de Bab al-Mardum en Toledo y el Palacio de Medina Azahara. ya sea filosófica (al-Kindi. con dos principales grupos de predicaciones: las escritas por Mahoma en La Meca. a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino. etc. de una religiosidad más fervorosa. narrativa (Ibn al-Mugaffa. pero potenciada posteriormente por los Omeyas. o fantástica (al- literatura árabe. Como principales muestras tenemos: el Monasterio de Cluny. con crucero y girola. a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico. la llamada a la oración (adhdan) era cantada. Avicena. con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. la de Samarra. La música profana fue prohibida por los califas ortodoxos. y que 48 es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasía. el oboe (mizmar).49 Arte románico El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental. Ibn Quzman). y las escritas en Medina. al-Jahiz). el arpa (jank). el pífano (shahin). al-Kindi y al-Farabi. sobre trompas o pechinas. San Zenón de Verona y las catedrales de Parma. Se inició la construcción de grandes catedrales. la de Ibn Tulun en Egipto. Santa Fe de Conques. destacando la Giralda y la Torre del Oro. San Front de Périgueux y San Esteban de Caen en Francia. Averroes). se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII. con una característica alternancia de sus dovelas en color rojo y blanco. apoyadas en pilares por arcos fajones. la de Tamerlán en Samarcanda. con seis pies métricos (rajaz) derivados —según la leyenda— de los pasos del camello. En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico. arcos de medio punto y bóvedas de cañón. Ibn Misjaḥ fue el primer teórico musical árabe. Destacan las mezquitas de Damasco. York y Canterbury en Inglaterra. que seguirá durante el gótico. Ibn Tufail. con una serie de arcadas superpuestas. A partir del siglo X cobró importancia la música instrumental —con una modalidad principal. la pandereta (duff) y los palillos (gadib). la de la Roca y al-Aqsa de Jerusalén. de medio punto en la parte superior y de herradura en la inferior. En al-Andalus el arte islámico tuvo su momento de esplendor en el emirato de Córdoba: la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispano-romanas y visigodas. La música sacra no se desarrolló tanto como la cristiana: en origen. Las iglesias son de una o tres naves. libro sagrado del islam escrito por Mahoma y fijado en su texto definitivo por el califa Uthman Ibn Affan en 650. las catedrales de . y comenzó el estudio teórico de la música (al-musiqi).cuyo fondo (quibla) se sitúa la capilla (mihrab). también son frecuentes las cúpulas. Entre los instrumentos árabes destacan el laúd (‘ud). que tiene su principal expresión en laAlhambra. La música árabe tiene su origen en antiguos cantos (huda’) efectuados por los beduinos en sus viajes en caravana. que es encerrado en alfiz. al-Hariri). al-Mutanabbi. y el arte nazarí en Granada. destacando diversos eruditos como Avicena. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id). la de Isfahán. el tambor (tabl). con la tradicional alternancia blanco-rojo. el Corán tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulación. más largas y discursivas. San Abundio de Como. la Mezquita Azul de Estambul. especie de suite vocal—. la lira (mi'zaf). breves y de tono poético. compuesta de once naves perpendiculares a la quibla. San Saturnino de Toulouse. Módena.

Jaufré Rudel. en el siglo XII se produjeron diversas escuelas regionales: la catalana (portal delmonasterio de Santa María de Ripoll). posteriormente surgieron los «cantares de gesta». Cáliz de doña Urraca. los primeros textos escritos en lengua romance fueron las glosas del monasterio de San Millán de la Cogolla. aunque empezó a desarrollarse lapolifonía y la música profana. En España destacaron en primer lugar los talleres catalanes de Ripoll y la zona pirenaica. difundida sobre todo por la orden benedictina. exaltando el amor cortesano (fin'amors). La poesía trovadoresca se desarrolló especialmente enlengua provenzal. Solsona y Santiago de Compostelaen España. de san Æthelwold. catedral de Colonia.52 Durante el románico surgió la música tal como es practicada actualmente. más adelante. las catedrales de Braga y Coimbra en Portugal. el esmalte. También se produjo pintura sobre tabla. lúdico. San Lázaro de Autun. y la miniatura. de finales del siglo XI. sin realismo. temas no religiosos. Las principales innovaciones se produjeron en Francia.Spira. En España. Bernart de Ventadorn. dejando al pie el Juicio Final. San Juan de Duero (Soria). de signo religioso y figuras esquemáticas al igual que la escultura. Tuvo una fuerte influencia bizantina. Se desarrolló preferentemente en el ábside de las iglesias. con figuras esquematizadas. aunque poco a poco fueron surgiendo obras en lengua vernácula y comenzó la producción literaria de ámbito profano. que explica la representación de la obra Quem quaeritis?. como el Cantar de Mío Cid (1140). debido al analfabetismo de la época. a las que siguieron las jarchas mozárabes. de signo simbólico. San Martín de Frómista. Los principales ciclos escultóricos se producen en los tímpanos de los portales de acceso a las iglesias y catedrales. de carácter religioso.nota 5 especialmente la orfebrería en oro y piedras preciosas (Arca de las reliquias de los Reyes Magos. representada principalmente por Chrétien de Troyes y sus novelas del ciclo artúrico. y Sant Pere de Roda. pasando más tarde a actores profesionales. y las labores textiles (Tapiz de Bayeux. los talleres del Camino de Santiago. Estaba subvencionado por la Iglesia y. la literatura siguió preferentemente en manos eclesiásticas. Los actores eran en principio sacerdotes. San Isidoro de León. como en Santa Magdalena de Vézelay. gracias a la creación delpentagrama y a la nomenclatura de las notas musicales elaborada por Guido de Arezzo. Maguncia y Worms en Alemania. y «profano». donde los círculos artísticos cortesanos fueron ganando peso y desplazando al poder eclesiástico: destaca la gran epopeya del Cantar de Roldán. con tres principales tipologías: «litúrgico». la lírica y las gestas . que trabajó en la Catedral de Parma. En Italia destacó la figura de Benedetto Antelami. MNAC. por gremios y cofradías. principalmente con el género trovadoresco. San Isidoro de León). temas religiosos dentro de la Iglesia. pasando a continuación a lenguas vernáculas. al temple. donde destacaron las escuelas inglesa e italiana.51 El teatro medieval era de calle. mitad poetas y mitad saltimbanquis. Santo Domingo de Silos y las catedrales de Jaca. en forma demisterios y pasiones. Las obras fueron en primer lugar en latín. festivo. alrededor del cual se encuentran la Virgen y los apóstoles. Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona). en torno a trovadores y juglares. los talleres de marfil de León (Crucifijo de Fernando Pantocrátor del ábside de San I). la navarra (portada de Sangüesa) y la castellana (monasterio de Santa María la Real de Nájera). Las principales obras musicales se circunscriben al canto gregoriano. Otro género relevante fue la novela de caballería (roman courtois). La pintura era preferentemente mural. Tuvieron gran relevancia en esta época las artes aplicadas. en francés. la aragonesa (monasterio de San Pedro el Viejo de Huesca). Santa Fe de Conques y el Pórtico Real de Chartres. El primer texto que se conserva es el Regularis Concordia. como en su magnífico Descendimiento (1178). Vemos esta disposición en la Abadía de Sant'Angelo in Formis (Capua). mezclando en sus actuaciones la declamación y el malabarismo.50 En esta época. desarrollado notablemente por el taller deLimoges. Arnaut Daniel. San Clemente de Tahull y San Isidoro de León. Marcabrú. la música y la sátira. con un programa iconográfico donde destacaba la figura del Pantocrátor. generalmente en retablos para el altar. conservando la tradición latina. La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico. la Fachada de las Platerías de la Catedral de Clemente de Tahull. diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y un ángel. representada por Guillermo de Poitiers. con un marcado carácter didáctico. Los juglares eran trotamundos. «religioso». Bertran de Born. etc. Santiago y el claustro de Silos.

Entre las formas trovadorescas destacan: el rondeau (alternancia de coplas y estribillo). los trovadores recibieron el nombre de minnesänger. siendo famosas las «danzas moriscas». como el pasacalle y la farándula. y que se caracteriza por el empleo del ladrillo. en España. Siena. Hildegarda (1165). León. Eibingen (Alemania). de las que se tiene poca constancia. Colonia. Toledo. que dieron nombre a las sietenotas musicales. Bolonia y Milán. que llegaron hasta Inglaterra Morris ( dances). San Esteban de Viena en Austria. Palma de Mallorca. Estrasburgo. filosóficos y literarios. que la consideraba Notación musical con los versos delHimno a San Juan un rito pagano. llamadas así porque arrastraban los pies. por tanto. Amiens. Pórtico Real Santa Catedral de Gerona. Arte gótico El arte góticonota 7 se desarrolló entre los siglos XII y XVI. Aparecieron nuevas tipologías como el arco apuntado y la bóveda de crucería. En Alemania. en Inglaterra. y la utilización de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio. Sevilla. sentando las bases de la cultura moderna. entre las que cabe destacar: Laon. y la ballade (estribillo alternante cada tres estrofas). y los monasterios de Batalha y Alcobaça en Portugal. Chartres. La arquitectura sufrió una profunda transformación. Bourges y Notre-Dame de París. de Chartres. Canterbury. permitiendo interiores más amplios y decorados con vitrales y rosetones. el yeso y la madera de pequeña escuadría: Cristo de la Vega . Gerona. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados.54 Catedral de Pisa. mejor iluminación. que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. Ulm y Magdeburgo en Alemania. con un mejor análisis estructural que permitió hacer edificios más estilizados. época de gran desarrollo económico y cultural. Abadía de Santa Hildegarda. Es la época de las grandes catedrales. en Francia. Reims. Burgos. Los trovadores eran de clase social más elevada (el mismo rey Ricardo Corazón de León fue trovador). debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia. con formas más ligeras. Zamora y Sigüenza. Orvieto. con más aberturas y. Detalle del Códice de Tapiz de la Creación. El auge de las universidades comportó un aumento de los estudios científicos.épicas.53 La danza medieval tuvo escasa relevancia. que tenían una finalidad moralizadora. Barcelona. innovación realizada porGuido de Arezzo. el único vestigio eran las Bautista. en Italia. y componían y cantaban sus propias obras. fuertemente influido por las formas islámicas. al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura. con mayor predominio de las ciudades sobre el campo.nota 6 En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas». Florencia. el virelai (en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas). Fueron más importantes las danzas populares. A nivel eclesiástico. Salisbury y Gloucester. En España cabe destacar también el desarrollo del arte mudéjar. más dinámicas. de tipo folclórico. «danzas de la muerte».

favorecidas por las nuevas clases urbanas de mercaderes y artesanos. En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de la Catedral de Chartres. donde las cortes de los pequeños estados que se repartían el territorio de la península itálica favorecieron las artes y las letras. Los artistas buscaban la belleza ideal. mientras en Alemania descuella la obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. Martin Schongauer. Este estilo se desarrolló sobre todo en vidrieras y miniaturas. Hugo van der Goes y el Bosco. San Lorenzo de Sahagún. Bernat Martorell y Lluís Borrassà. Destacan los pintores Paul de Limbourg. mientras que en Florencia surgió el llamado Dolce Stil Novo. Nuno Gonçalves. Andrea Orcagna) y la sienesa (Duccio. Destacan especialmente tres nombres: Francesco Petrarca. a la vez que permite mayor minuciosidad en los detalles. La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica. Destacó la ebanistería. así como la obra dePere Johan y Gil de Siloé. las obras en esmalte —en particular las procedentes deLimoges—. y las escritas en lenguas vernáculas. Robert Campin. los conjuntos de Catedral de Nuestra Señora de París. suponiendo una fusión de los estilos anteriores. donde ya descollaba el Renacimiento—. las portadas de la Colegiata de Toro y de las catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo. Alcázar de Sevilla. con formas más realistas. la cerámica —donde destaca la deFaenza y Manises—. Convento de Guadalupe (Cáceres). Conrad Witz. caracterizado por el dibujo lineal. la vidriería —singularmente la veneciana y catalana—. Lluís Dalmau. que irán ganando protagonismo y popularidad. Conrad Soest. al temple o al óleo. más simbólico que el trovadoresco. La pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias. inspiradas en la naturaleza. Fernando Gallego. Ambrogio Lorenzetti). etc. género poético de signo más subjetivo. Hans Memling. predominando a lo largo de ese siglo en la mayor parte de Europa —excepto Italia. Su principal aportación es la técnica al óleo. la orfebrería —especialmente las custodias y los relicarios. León y Toledo. autor de La Divina Comedia (1304-1320). donde sobresale el nombre deEnrique de Arfe—. Stefan Lochner. Giovanni Boccaccio y Dante Alighieri. un naturalismo de líneas sencillas y el idealismo de los temas representados.55 La literatura tardomedieval se movió entre las obras escritas todavía en latín —generalmente de signo religioso—. Las artes aplicadas también tuvieron gran relevancia durante el gótico. pero un amor más puro. Jaume Huguet. el detallismo técnico y el naturalismo simbólico de la narración. Gótico internacional: corresponde a finales del siglo XIV y primera mitad del XV. Se practicó sobre todo el género del canzone. así como los conjuntos de Amiens y Reims. Santa Clara de Tordesillas. con cierta melancolía y nobleza en los sentimientos. una de las grandes obras de la literatura universal. y con escenas de carácter narrativo. Cabe destacar a Jan y Hubert van Eyck. Se caracteriza por la estilización de la figura y el predominio de la línea curva. Jean Fouquet. Gerard David. los estudios sobre anatomía y el análisis de la luz para conseguir la matización tonal. Gótico flamenco: surgió en Flandes a principios del siglo XV. Burgos. en el resto de Europa. y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo. el fuerte cromatismo.(Toledo). dando origen a lo que será el Renacimiento. Se sucedieron cuatro estilos pictóricos: Gótico lineal o franco-gótico: se desarrolló desde el siglo XIII hasta principios del XIV. Rogier van der Weyden. En Inglaterra destacó Geoffrey Chaucer . Gótico itálico o trecentista: surgido en el siglo XIII en Italia. Simone Martini. Bartolomé Bermejo. El centro creador pasó de Francia a Italia. Giotto. aunque comenzó a desarrollarse la escultura exenta. en formas sencillas y diáfanas. En España destaca el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela. se caracteriza por la aproximación realizada a la representación de la profundidad —que cristalizará en el Renacimiento con la perspectiva lineal—. la tapicería —siendo famosos los tapices de Arras—. Hans Holbein el Viejo. En Italia destaca el taller de Nicola y Giovanni Pisano en Pisa. escrito en endecasílabo —del que surgirá el soneto—. que da colores más brillantes y permite su gradación en diversas gamas cromáticas. que exalta el amor. etc. Destacan dos escuelas: la florentina (Cimabue. Las Huelgas (Burgos). etc.

así como la lírica galaico-portuguesa (Alfonso X el Sabio) y la catalana (Ramon Llull). en el siglo XIII surgió la poesía del mester de clerecía (Gonzalo de Berceo). la huella precolombina perduró en numerosas producciones artísticas posteriores. donde destacaban igualmente los templos. En México se desarrollaron varias culturas: la primera fue la de Teotihuacan. de forma piramidal (Tikal. obras de oro y plata. con Guillaume de Machaut y Francesco Landino. mientras que en el siglo XV es de remarcar las figuras de Jorge Manrique y el Marqués de Santillana. Surgió el contrapunto. así como del poeta catalánAusiàs March. con textos de gran valor literario y elementos juglarescos. Pórtico de la Gloria de la La adoración de El matrimonio Catedral de Santiago de los Reyes Magos Arnolfini Compostela. voces paralelas que se funden o se contraponen. En España. el estampie. En Francia. don Juan Manuel y Pedro López de Ayala. Aun así. Gallery de Londres. y a la variación en el XVI. La escultura era en relieve. sobre la vida de Dante Alighieri y el universo de La Jesucristo. decorados con esculturas en relieve y pinturas al fresco. con máscaras tipificadas. las principales modalidades fueron: elcarol. el saltarello y la tarantela. con sus Cuentos de Canterbury (1386-1400). «milagros». Johannes Ockeghem. . durante el gótico se desarrolló la polifonía. sobre Domenico di Michelinoen la Catedral personajes simbólicos. Divina Comedia. especialmente. donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma de pirámide escalonada. Templo de Kukulcán en Chichén Itzá). organista de Notre- Dame de París de mediados siglo XIII. el arte polivalente de los juglares. (1305-1306). ciudad construida entre los siglos I y VII. Capilla de Jan van Eyck. piezas de plumas y. y se desarrollaron las técnicas compositivas y la notación. Uxmal. mientras que en el XV destacan Josquin des Prés. 1285). con diálogos y partes danzadas. El primer compositor conocido es Leoninus. códices ilustrados. América El arte precolombino floreció con gran brillantez hasta el descubrimiento de América. En esta época nació el de Florencia.58 Palacio Ducal de Venecia. Jacob Obrecht. François Villon fue el primer gran poeta en lengua francesa.56 El teatro se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios». En el siglo XIV surgió el Ars Nova. Los mayas ocupaban la península del Yucatán y las actuales Belice y Guatemala (siglos II-IX). o los 57 pequeños divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica. surgiendo por vez primera una música profana separada de la música religiosa realizada hasta entonces (Le jeu de Robin et Marion. Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino (máscaras. en el siglo XIV destacaron el Arcipreste de Hita. John Dunstable y Bartolomé Ramos de Pareja. y «moralidades». los Scrovegni National (Padua). de (1434). de Adam de la Halle. Guillaume Dufay. concebidos bajo mediciones astronómicas. alegóricos. En música. Gilles Binchois. teatro profano. de Giotto. de sistema reticular —con un trazado de base astrológica—. el branle. desarrollando un arte de signo religioso. que fueron fundidas). De la primera fórmula compositiva por repetición se pasó a la imitación en el siglo XIV. En danza. con tres posibles orígenes —según los historiadores—: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto. representados por sobre la vida de los santos.

Por último. Al parecer. Los objetos en bronce aparecen en África occidental y meridional alrededor del siglo X. Al igual que los romanos desarrollaron Machu Picchu.61 . En Zimbabue floreció la cultura Iglesia de San Jorge. surgido igual que el azteca en el siglo XIII. Sus primeras manifestaciones artísticas. Su capital. En Ife (igualmente en Nigeria). El África subsahariana. en el actual Malí. por lo que nos han llegado pocos vestigios. surgió en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en terracota. Chile y parte de Argentina. abarcando los actuales Ecuador. Cuzco. con adelantados procedimientos metalúrgicos. la literatura inca está representada por una serie de obras de poesía religiosa. documentos administrativos y relatos históricos (Códice Xólotl). Perú. como los himnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagún en Cantares de los Dioses. así como largos poemas narrativos de temática histórica o mitológica. y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. En Bolivia destacó la ciudad deTiahuanaco. como algunas vasijas del pueblo Igbo-Ukwu en Nigeria. Gran Zimbabue. fue una de las ciudades iglesias talladas en la roca de más grandes de toda África. no han llegado hasta nosotros. de 6000 kilómetros. del conjunto de Monomotapa (siglos XI-XV).60 se desarrolló algo parecido al teatro. Posteriormente. De esta época datan las iglesias talladas en la roca de Lalibela. estuvo más aislada. pájaros y figuras humanas. estaba fortificada con murallas de sillares poligonales. cuya capital. construyeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines. en Etiopía. como las de los pueblos tellem y dogon. En México se conservan varias expresiones en lengua náhuatl: escritos de signo religioso. destacando su magnífica colección debronces. técnica igualmente empleada en Machu Picchu. Lalibela (Etiopía).generalmente de animales mitológicos. Los primeros vestigios son tallas en madera. con ciudades planificadas y carreteras bien trazadas. donde también destaca la pintura de temas cristianos. y el Popol Vuh. de figuras masculinas con una característica barba puntiaguda. introduciéndose el cristianismo en el siglo IV.59 La literatura precolombina era predominantemente oral. destacó su cerámica y arte textil. con pequeños reinos sumidos en frecuentes disputas. En lengua maya destacan los libros de Chilam Balam. y composiciones poéticas. fue la única cultura precolombina donde lengua quechua Ollantay. Bolivia. de cultura yoruba. dedicados al sacrificio humano. y templos de forma piramidal. Tenochtitlán. amurallado y con un ancho de 9 metros. en el estado de Hidalgo. a menudo con jeroglíficos. Los incas tenían una cultura muy desarrollada. cosmológico y adivinatorio (Códice Borgia). En Perú. transcripción de obras jeroglíficas sobre tradiciones orales. generalmente decorado con motivos geométricos. libro sagrado de los indiosquiché. como el Camino Real de las Montañas. en materiales perecederos. Sus edificios eran rectangulares o circulares. especialmente en Etiopía. cerámicos y textiles. se dio otra notable escuela escultórica enBenín. que recogió diversas tradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a la expresión del poder. serpientes. como se puede apreciar en el drama en África El norte de África tuvo más relación con el arte europeo y asiático. entre los siglos XV y XVI. con puertas y ventanas de forma trapezoidal. Entre los siglos XII y XV se dio en Djenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más esquemático. Los toltecas (siglos VII-VIII). en cambio. de gran naturalismo. En la meseta mexicana se desarrolló la cultura azteca (siglos XIII-XV). una notable arquitectura e ingeniería civil. En su capital. Además de su arquitectura. el islamismo se expandió con fuerza por todos los países del Magreb. En los Andes floreció el arte inca. construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula.

y los Pallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectónico-escultórico de Mahābalipuram. el kharaja (pedal) es un sonido mantenido que sostiene el centro tonal. destacaban el canto. También cabe citar al famoso Kama-sutra. Ellorā. en un nuevo género denominado mahakavya. la danza y la mímica. el Naradiya-siksa de Nārada (siglo X) y el Samgita-Ratnakara de Śārngadeva (siglo XIII). de 2. con un fuerte sello de imaginación. que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo. Se escribieron varios tratados sobre música: elBrihad deshi de Matamga (siglo VIII). la armonía de proporciones y la idealización de la figura humana. autor de Malatimadhava. para marcar el ritmo. Hsiangchi). Sirpur).41 metros de altura. en espectáculos donde. que incluyen diversos ornamentos (gamakas).62 La literatura india de esta época se realizó en diversas modalidades: el drama continuó con las epopeyas mitológicas. que puede ser lento (vilambita). historia sobre el amor de dos jóvenes que ha sido comparada con Romeo y Julieta.63 El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua. A estos estilos se les suele denominar «posgupta». conjunto de poesías sobre el concepto indio de la vida.Asia India Arte gupta (siglos IV-VIII): en el Imperio gupta se expandió el budismo. la fábula se caracterizó por cuentos breves de aire popular. La figura más representada siguió siendo Buda. y «el edificio con tejado curvilíneo» (templo de Gujarāt). y la Gītāgovinda de Jāyādeva. En Orissā. La melodía se componía de varias estructuras de ciclos tonales (ragas). ejerciendo de guía durante la ejecución de la obra. así como los bodhisattvas (místicos budistas). A su vez. en la parte nororiental de la India. destinado a reducidos círculos culturales. el poema épico es heredero del Rāmāyana. como el de Udaipur. En esta época destacaron dos modalidades principales: el mahanataka (gran espectáculo). destacando el Rajatarangini de Kalhana (hacia 1150). por último. ma. como en Bhubaneshwar y Kōnārka. dha. Tenían siete notas (svaras): sa. Deogarth. Por último. siglo XI). ga. La arquitectura se divide en dos tipologías: «el edificio cubierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore. género inicialmente de signo elitista. poemas de amor de tipo alegórico. medio (madhya) o rápido (druta). así como de la escultura que los adorna. difundido es el śikhara. como Templo budista en las colinas después de lalluvia. ni. La música fue en esta época predominantemente vocal. en que un actor recita el texto principal mientras 64 otros lo escenifican con ayuda del mimo y la danza. principalmente cítaras y laúdes. con 22 grados microtonales (srutis). destacando los autores Narayana y Sivadasa. máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos. En pintura apareció el paisaje. . Entre los siglos X-XI se produjo el arte de Khajurāhō. destacando Bhavabhūti. de Li Cheng (siglo X). Elephanta) y los templos al aire libre (Bhitargaon. ri. de temas históricos y mitológicos. los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días.65 China Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los periodos más florecientes del arte chino. Desafortunadamente. compilado en el siglo VI por Vātsyāyana. Bodhagaya. Destacan los grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantā. cada raga está relacionado con un tala o medida de tiempo. acentuando las formas brahmánicas. de carácter didáctico y aleccionador. sobre las grandes epopeyas indias. con un arte caracterizado por el purismo formal. pa. se desarrollan nuevas tipologías que convirtieron los śikhara y los vimāna en representaciones arquitectónicas de los dioses hindúes. El tipo de santuario más Templo de Khajurāhō. la poesía lírica está representada por las Sataka de Bhartrihari. junto a dramas de tipo mitológico sobre la cosmogonía hindú. con acompañamiento de diversos instrumentos. Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodo perviven los estilos anteriores. y sólo se conocen por copias. El arte gupta se extendió por casi todo el Deccán: los Chālukya lo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi (550-750). En arquitectura la tipología principal fue la pagoda (Hua-yen. destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica. y el dutangada. destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin (o Bodhisattva de la Misericordia).

Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607). destacando Li Bai y Du Fu. En arquitectura continuó la Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua . el pienhuen. destacando Kuan-Han-K'ing y Po-Yeu-Fu. . flores e insectos. Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origen mongol (su primer emperador fue Kublai. y diversos juegos de cítaras (ch'in.66 La literatura china de esta época estuvo marcada por la continuidad respecto a la producción anterior. Japón Período Asuka (552-646): la llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético. En pintura continuó el paisaje. mientras que en poesía descolló San-K'iu. China se abrió más hacia Occidente. Shōsoin de Nara. que han llegado hasta nuestros días. en prosa destacó el tratado histórico Tsê-che T'ong-kien. o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. de 5 cuerdas. y el meridional. con dos estilos: el septentrional. mezcla de china en el Museo Provincial deHubei (Wuhan). Representación de un concierto de música tradicional También apareció un nuevo género. especialmente los taoístas y budistas. Wang Meng y Ni Zan. historias pintadas en un largo rollo de papel o seda. nieto de Gengis Khan).67 En este periodo se produjo la edad de oro musical china: destacaron los rituales confucianistas. de Zhao Mengfu. En época Yuan cobró relevancia el teatro. La época Tang fue la edad dorada de la poesía china. Durante el reinado del emperador Hsüan-tsung (713-756) hay constancia de que existía en la corte una orquesta de unos 1300 músicos. de dibujo preciso y colores nítidos. Se conservan pocos ejemplos de arquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji. pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y coreanos (Kannon de Kudara. de pinceladas rápidas. destacando las pinturas murales del templo de Yonglegong (Shanxi). un órgano soplado para el contrapunto. templo de Kōfuku-ji. como Nan-ch'ü (Cantos del sur) y Pei-ch'ü (Cantos del norte). Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda: Sho Kannon. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca de Pekín. con fuerte influencia del arte chino. La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII) y por kakemonos y makimonos. Buda de Tachibana. con textos relatando las diversas escenas osutras. con instrumentos de viento y campanillas. verso y prosa. de signo budista. Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. Durante la dinastía Song apareció la imprenta detipos móviles (inventada por Bi Sheng). siglo VI). Dinastía Song (960-1279): época de gran florecimiento de las artes. representante del estilo Kudara. En cerámica destacan dos tipologías: la cerámica de esmalte blanco de Ting-tcheu. como elrelicario de Tamamushi. con obras de gran originalidad. La pintura denota un gran sentido deldibujo. La poesía estaba íntimamente relacionada con la música (género ts'e). construcción de pagodas. En pintura proliferaron los temas religiosos. se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas. con una armonía sencilla y elemental. En época Yuan surgieron los dramas musicales u óperas. representado por Han Yu y Liu Zongyuan. que favoreció la difusión de la literatura. de Ssê Ma-kuang. y la cerámica de esmalte rosa o azul de Kin-tcheu. Era una música predominantemente tímbrica. de 26 cuerdas). templo de Tōdai-ji. Se desarrollaron especialmente las artes decorativas: se manufacturaron alfombras. Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apogeo el arte budista. Los poetas recitaban al ritmo de un laúd corto (p'i-p'a). y artistas como Huang Gongwang. como en Liu Yu-Hui y Su She. con figuras de monjes o filósofos. como queda patente en el famoso viaje de Marco Polo. y sê. para definir la duración (tsao-man). Apareció el grabado sobre madera. Las primeras imágenes de Buda fueron importadas del continente. impregnada de tinta sobre seda o papel. música de la que nos han llegado composiciones como La última batalla de Hsiang Yü y Nueve canciones para Yüeh. y se elaboraron obras de metalistería de gran riqueza. como la pagoda hexagonal de Kuo- Hsiang-Su (960). Durante la dinastía Song se popularizaron los espectáculos músico- teatrales. con especial representación de paisajes nublados. donde un coro cantaba el himno. colores ligeros y diluidos. con 68 dos escuelas: septentrional y meridional. se produjo cerámica con nuevas formas y colores. continuando con gran intensidad la influencia china. mientras que en prosa se tendió a un estilo más simplificado.

en Kioto. desarrollándose principalmente elretratismo y el paisajismo. La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspección psicológica. Predominó la técnica de la aguada. Cabe mencionar también la Escuela Kanō. de origen indio y chino. destacando la narrativa: Genji Monogatari (Relato de Genji). de Yoshida Kenkō. el hichiriki (oboe). de tono a veces erótico. Durante el período Fujiwara (897-1185). es un clásico de la literatura nipona. guerras feudales. con colores brillantes.72 .69 La literatura japonesa continuó con el influjo de la china. pensados para la meditación: templos de Enryaku-ji. el ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano soplado). aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. destacando Sesshū.70 En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō. con la figura más remarcada de Unkei (estatuas de los montes Muchaku y Seshin). sobre todo en poesía. Adicionalmente. Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): en este período floreció notablemente la pintura. también llamado del Fénix). En el período Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes Gran Santuario Kasuga(Nara). el koma-bue (flauta). Los decorados son austeros. y el Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes). el templo volvió a situarse en la ciudad. ambos provenientes de los períodos Nara y Heian. Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon. Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eranshōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («música graciosa»). la aparición de la escuela de Yamato-e supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china. menos lujosa y recargada. elgagaku se divide en sōgaku (música instrumental) ybugaku (música y danza). en Nara. surgiendo dos corrientes: la música izquierda. también hay que mencionar el monasterio de Zuiho-ji. que se erigían en lugares apartados. Período Kamakura (1185-1333): en esta época se introdujo en Japón la sectazen. que influyó poderosamente en el arte figurativo. en movimientos rítmicos. con una decoración muy desarrollada (monasterio de Byōdō-in. reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado: Hojoki (Narración de mi cabaña). En época Heian hubo un renacer de las letras japonesas. Estas modalidades empleaban instrumentos como el biwa (laúd de cuello corto). describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo. perfecta transcripción de la doctrina zen. La poesía de la época fue compilada en la antología imperial Kokinshu. y la música derecha. autor de retratos y paisajes. de tema histórico o mitológico. Su origen se sitúa en el antiguo baile kakura y en la liturgia sintoísta. un monje itinerante y un intermediario. anónimo. Se desarrolló notablemente el arte de la jardinería. En escultura destacó la Escuela de Nara. de Kamo no Chomei. La arquitectura era más sencilla. enmarcada dentro de la estética zen. de Murasaki Shikibu. considerada más culta: tenemos así el Kaifuso (Tiernos recuerdos de poesía. Destacan el conjunto de cinco grandes templos de Sanjūsangen-dō (1266). 751). La arquitectura se distinguió por su elegancia. más que lo que representan. que aplicó la técnica de la aguada a temas tradicionales. mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual. el shôko (gong). antología de varios poetas. destacando las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y el Pabellón de Plata. Período Heian (794-1185): la iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevas sectas del continente: Tendai y Shingon. el taiko (tambor japonés). En pintura. Templo de Hōryū-ji. La narración es recitada por un coro. y cobraron importancia los objetos delaca y metal. de origen manchú y coreano. en cerámica destaca la de Seto. la influencia zen provocó el llamado estilo Kara-yo. donde se exaltaba preferentemente la naturaleza. el kakko (tambor chino). siendo centro de reunión de las clases dirigentes. frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. el sô-no-koto (cítara). La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios. Está caracterizado por una trama esquemática. Kongōbu-ji y santuario-pagoda de Muro-ji. que pretendía reflejar en los paisajes lo que significan. más funcional. Del período Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa (Ensayos en ocio).71 En música la llegada del budismo comportó la influencia extranjera. drama lírico-musical en prosa o verso. donde la mayor producción fue en lengua china. Se construían según el modelo de los grandes palacios. se caracterizó por su armonía y luminosidad. con tres personajes principales: el protagonista (waki). escrita enwaka (composición de 31 Interpretación de teatronō en el sílabas).

donde la dinastía Sailendra adoptó el budismo. las śikhara indias. construidos con piedra caliza con abrazaderas de hierro. plasmada en una arquitectura armónica de sobria decoración. Arte indonesio: se recibió una primera influencia india —principalmente gupta—. donde destacan las stūpas. con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura. cónica. Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). Su principal manifestación es el magnífico conjunto de Angkor Wat (1113-1150). como en el uso de la bóveda de crucería. principalmente en Java. como el templo de Vat Sri Sampet (siglo XVI). sobre el que se realizaba la decoración. El templo central está rodeado de cuatro santuarios Templo de Angkor Wat. En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú (monasterio de Dông-Dương). Destacan las imágenes de Buda. Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco. destacando las estelas sepulcrales y las nuevas tipologías arquitectónicas. Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia). cuya planimetría representa el universo. principalmente en Indonesia. introduciéndose el islamismo en el siglo XV. siendo a partir del siglo VI que comenzará progresivamente la influencia india. El período más floreciente se dio entre los siglos VII y X. con una torre-relicario (prang). Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china. teniendo su apogeo entre los siglos VIII y XII. En las culturas autóctonas de la edad del bronce y del hierro —de las que se conservan escasos restos— se denota la influencia china. como la mezquita de Sendang Duwur. caracterizado por una arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas. en bulbo o en campana (templo de Ananda. coronados por agujas inspiradas en jemer. Entre los siglos X y XV predominó nuevamente el hinduismo. destacando los monumentos funerarios (chandi). En el siglo XII predominó la influencia jemer. con una arquitectura más vertical. Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya. construyendo el templo de Borobudur. Su período clásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII). como la de Sukhothai (siglo XIV). la stūpa más grande del mundo. siglo XII). constatable en las stūpas con cúpulas de campana. en bronce y pan de oro. principal realización delarte más pequeños. contando con 1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. con decoración en relieve. hemisférica. Destaca igualmente la decoración esculpida en relieve.Sudeste asiático En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista. que pueden ser de forma cilíndrica. como los de Shwentar y Kidal. En el siglo XV se introdujo el islamismo.73 . ciudadela-templo dedicado a Vishnú.

con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses. había más de 1000 grupos étnicos diferentes. relacionadas con danzas y ceremonias de tipoanimista o politeísta. por ejemplo. Son figuras de 4 o 5 metros. Por último. económico. social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo. los nuevos descubrimientos geográficos — especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial. Se produjo una gran diversificación cultural y artística: sólo en Melanesia. En Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos. Shwedagon. Arte thai: templo de Wat Phra Arte cham: templo de Po Arte birmano: Kaew. En las islas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de casas megalíticas sobre plataformas de piedra. En Hawái se construyeron grandes templos (heiau). Oceanía En este periodo continuó la expansión polinesia hacia la periferia oceánica (Nueva Zelanda. Bangkok. los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos. isla de Pascua de las famosas cabezas monolíticas (moái). que se situaban sobre plataformas de piedra que servían de base a los templos (ahu) de culto a los ancestros. entre el año 900 y el 1600. suponiendo el inicio del . apareció un tipo de moneda de piedra compuesta por grandes discos con un agujero central. Phan Rang pagoda de (Vietnam). de las que se erigieron unas 600 Pascua. cabe destacar la construcción en la isla de Moái en Rano Raraku. islas Chatham). así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). islas Kermadec. que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo—nota 8 se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. con grandes estatuas antropomórficas. En Nueva Zelanda. En Yap (islas Carolinas).74 Arte de la Edad Moderna El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno. Klaung Garai. En Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra (latte). Rangún (Birmania). La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual. Arte indonesio: templo de Borobudur (Indonesia).

la cúpula de media naranja y los órdenes clásicos (dórico. como en la era medieval. en Alemania no llegó hasta mediados del siglo XVI. la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval. Leon Battista Alberti (San Andrés de Mantua). construido sobre terrazas con escalinatas (Jardín del Belvedere. el bodegón e. el Renacimiento italiano —introducido por Aristotile Fioravanti— fue adaptado al estilo bizantino típicamente ruso. La belleza dejó de ser simbólica. en los Países Bajos la influencia italiana se denotó especialmente en la decoración. Rafael). o nuevos géneros como elpaisaje. en Inglaterra se produjo el estilo Tudor. el desnudo. que se abrió a todo tipo de público. en Florencia. sobre todo a finales de siglo. como el uso de la perspectiva. La arquitectura recuperó los modelos clásicos. Basílica de San Pedro del Vaticano). caracterizado por el uso de paramentos . metodología fue la que se impuso hasta el siglo XVIII. siguió el erudito florentino era la biografía del artista. considerándose las Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI. El método que El nacimiento de Venus (1485). surgieron nuevos modelos de representación. La estructura del edificio se basó en proporciones matemáticas. Esta Uffizi (Florencia). reelaborados con un concepto más naturalista y con bases científicas: se recuperó el uso del arco de medio punto. En el Quattrocento destacó la arquitectura desarrollada en Florencia: Filippo Brunelleschi (cúpula de Santa María del Fiore. colonialismo. como en el magnífico conjunto del Kremlin. En esta época cobró un por Leon Battista Alberti. caracterizado por la utilización del arco Tudor. cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno. apareciendo nuevas temáticas como la mitológica o la histórica. Iglesia de Santa Maria Novella. la bóveda de cañón. Bramante. por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. de Sandro Botticelli. Fuera de Italia. el Renacimiento se desarrolló sobre todo en Francia. dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo. jónico. Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano. en Baviera. desarrollado sobre todo en la construcción de palacios civiles. con el castillo de Heidelberg y. que empezó a ser concebida mediante un diseño estructurado. se expandió por el resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. el humanismo surgió como nueva tendencia cultural. basado en la armonía y la proporción. a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo. con la obra de Philibert Delorme. incluso.nota 9 Renacimiento Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento). sobre estructuras todavía de signo gótico. en Rusia. surgió así el llamado «jardín italiano». para tener un componente más racional y mesurado. de composición geométrica. cuando el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística. a la vez. Sin renunciar a la temática religiosa. a la vez que se potenció la luminosidad y la diafanidad de los espacios. progresivo auge la jardinería. En España se desarrollaron varios estilos: el plateresco. la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura. mientras que en el Cinquecento el centro artístico pasó a serRoma: Bramante (San Pietro in Montorio. Estilo inspirado en la naturaleza. corintio y compuesto). que buscaban la perfección de las formas. Basílica de San Lorenzo). Villa Madama. diseñada Antonio da Sangallo (Palacio Farnesio).

la nueva teoría que destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra consideración. grabado a media tinta o grabado a punta seca). San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Don Quijote (1605). etc. La Última Cena (1495-1497). La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados. en busto o en figuras ecuestres. con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas. Antonello da Messina. En el resto de Europa: Matthias Grünewald. Baldassare Castiglione. Luca Signorelli. Pierre de Ronsard. Tomás Moro. La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti. aunque perduraron hasta el siglo XVI la elegancia curvilínea y la esbeltez de proporciones del gótico internacional. 1455-1460). con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad.75 La literatura renacentista se desarrolló en torno al humanismo. Andrea del Verrocchio. Perugino. Se utilizaban materiales nobles. Bartolomé Ordóñez y Damián Forment en España. El vidrio se desarrolló notablemente enVenecia (Murano). destacando especialmente los esmaltes y camafeos.76 . etc. y Felipe Bigarny. embutidos de madera de varios tonos para producir efectos lineales o de ciertas imágenes. Michel de Montaigne. Entre los literatos de esta época destacan: Angelo Poliziano. 1509). Uno de sus principales exponentes fueLeonardo Da Vinci. La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo. 1409. como el mármol y el bronce. decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. apareciendo o perfeccionándose la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte. Otro nombre de relevancia fue Rafael. mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por influencia flamenca. basadas en proporciones matemáticas. etc. Ludovico Ariosto. Erasmo de Rotterdam. Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiberti. Juan de Juanes. aguatinta. con especial utilización de la «sección áurea» tras el estudio publicado por Luca Pacioli (De Divina Proportione. maestro del clasicismo sereno y equilibrado. sobre todo en Italia y Alemania. En España comenzó una edad dorada de las letras. Giovanni Bellini. en prosa surgieron los libros de caballería (Amadís de Gaula. Matteo Maria Boiardo. influida por la italiana del stil nuovo. y el purismo. mientras que despuntó la obra de Miguel de Cervantes. Peter Vischer en Alemania. etc. Alberto Durero. Con la invención de la imprenta se desarrollaron las artes gráficas. Paolo Ucello. fuera de Italia. Andrea Mantegna. 1508) y se inició el Miguel de Cervantes. linograbado. Junto a la temática religiosa se desarrolló el retrato. En esta época el mundo de las letras recibió un gran impulso con la invención de la imprenta por Gutenberg. Andrea Verrocchio y. Torquato Tasso. grabado al buril. La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales. Luís de Camões. Ello conllevó a una mayor preocupación por la ortografía y la lingüística. Jacopo Sannazaro. abandonando la decoración exuberante del plateresco (Rodrigo Gil de Hontañón. Los estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista. con una perfecta ejecución pictórica. con obras como La Virgen de las Rocas (1483). François Rabelais. Otros artistas destacados fueron: Masaccio. con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Bernard van Orley. Pietro Bembo. genio polifacético que introdujo el sfumato o «perspectiva aérea». especialmente la religiosa. xilografía. y Pedro Berruguete. Andrea del Castagno. Benozzo Gozzoli. como se demuestra en sus frescos de las Estancias del Vaticano. fray Luis de León. especialmente. Michel Colombe en Francia. Fra Angelico.almohadillados. Vicente Masip. surgiendo los primeros sistemas degramática en lenguas vernáculas (como la española de Elio Antonio de Nebrija) y apareciendo las primeras academias de lenguas nacionales. Se utilizó el fresco y el temple. Andrés de Vandelvira). Domenico Ghirlandaio. Hans Holbein el Joven y Lucas Cranach el Viejo en Alemania. Pedro Machuca y Luis de Morales en España. Edmund Spenser. Botticelli. Quentin Metsys y Pieter Brueghel en Holanda. La tapicería destacó en Flandes. hecho que propició el acceso a la literatura por un público más mayoritario. Luca della Robbia. más preocupado por la estructura racional del edificio. y. Diego de Siloé). destacando la técnica de la intarsia. Jacopo della Quercia. consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. Donatello (David. Judit y Holofernes. al estilo de la antigua Roma. de Jesús. género de la picaresca con el Lazarillo de Tormes (1554). con un especial gusto por la forma monumental. que se prolongaría hasta el siglo XVII: la poesía. Piero della Francesca. contó con las figuras de Garcilaso de la Vega. Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas: se desarrolló la ebanistería. el gran genio de las letras españolas. Alejo Fernández. autor del inmortal Don Quijote (1605). columnas abalaustradas y profusa decoración de grutescos (Alonso Covarrubias. La Gioconda (1503).

Lope de Rueda y Fernando de Rojas. 1597. de la figura humana en el espacio.77 La música renacentista supuso la consagración de la polifonía. con autores como Christopher Marlowe. Pantalone. siendo considerado el primer coreógrafo de la historia. En 1498 Ottaviano Petrucci ideó un sistema de imprenta adaptado a la música. en pentagrama. Surgió la reglamentación teatral basada en tres unidades (acción. Se desarrolló sobre todo en Francia —donde fue llamado ballet-comique—. en 1607. espacio y tiempo). en 1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice. de la vida en movimiento. de aspecto histórico. con lo que se empezó a editar música. con obras más naturalistas. basándose en la Poética de Aristóteles.79 Templete de David (c. de tal manera que muchos autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Otelo. así como el afianzamiento de la música instrumental. Bartolomé Torres Naharro. gran genio universal de las letras (Romeo y Julieta. Bargello. del mismo autor. Thomas Kyd y. Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo. Se suele considerar que el primerballet fue el Ballet comique de la Reine Louise(1581).78 La danza renacentista tuvo una gran revitalización. siendo la expresión paradigmática de la música renacentista. En Inglaterra descolló el teatro isabelino. La Gioconda Frontispicio San Pietro in 1440). Pulcinella (llamado en Francia Guignol). Manierismo Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolución de las formas renacentistas. de Donatello. de Jacopo Peri. En torno a 1520 surgió en el norte de Italia la Commedia dell'arte. Ben Jonson. La primera ópera fue Dafne (1594). Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas Orchesographie. Como principales dramaturgos destacaron Niccolò Machiavelli. elmanierismonota 10 abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo. Pietro Aretino. La arquitectura adquirió un signo más efectista y de tenso equilibrio. de Leonardo edición de Bramante Museo da Vinci. Se buscaba la recuperación de la realidad. en dialecto. y. de (1503-1506). donde añadió una introducción musical que denominósinfonía. la pavana y el tourdion. en forma de historias bailadas. y dividió las estructuras cantadas enarias. Cristóbal de Morales. especialmente. sobre textos mitológicos clásicos. en las tres dimensiones. al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado. en trompe-l'œil. creando espacios de efectos ilusionísticos. William Shakespear e. William Shakespeare. 1603. ( 1588). Colombina. a la que siguió Euridice (1600). teoría introducida por Lodovico Castelvetro. Las principales modalidades de la época eran la gallarda. cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte.El teatro renacentista también acusó el paso del teocentrismo al antropocentrismo. con su gran obra La Celestina (1499). Pierrot. intentando reflejar las cosas tal como son. Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. predominando la mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi. con textos improvisados. Como compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus. de Florencia. debida de nuevo al papel preponderante del ser humano sobre la religión. que iría evolucionando hacia laorquesta moderna. destacando el polifacético . Macbeth. etc. de la Montorio. iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que. Hamlet de (1502-1510). siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médicis. Apareció elmadrigal como género profano que aunaba texto y música. Pagliaccio. 1603. Museo del 1605. Louvre. Carlo Gesualdo. tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. Giovanni Gabrieli. 1606). de Balthazar de Beaujoyeulx. Hamlet. A finales del siglo XVI nació la ópera. Tomás Luis de Victoria.

etc. con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada: Piedad (1501). Jean Goujon y Germain Pilon en Francia. especialmente. iglesia de iglesia de Santo Tomé San Pietro (Toledo). David (1501-1504). de Miguel Ángel. Barroco . Tiziano. de formas simples y desnudas de decoración. Jacopo Bassano. y Andrea Palladio. En España se produjo la arquitectura herreriana (por Juan de Herrera). de acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba. con un arte donde se deforma la realidad a capricho. atmósferas efectistas. Adriaen de Vries en Flandes. la Villa Capra (llamada la Rotonda). seguido de Bronzino. artista 80 excepcional creador de un estilo personal y único.artista Miguel Ángel. El Greco. Pontormo. etc. extravagante. En Francia surgió la notable Escuela de Fontainebleau. Ángel. Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù). de Andrea Moisés Venus de Urbino (1538). Miguel el Greco. con perspectivas distorsionadas y Galería de la Academia. Villa La Rotonda. con gusto por la David (1501-1504). estilo sobrio y sencillo. in Vincoli. Tiziano. Veronese. Orgaz (1587). creador de un estilo propio (paladianismo). y Bartholomeus Spranger en Alemania. Alonso Sánchez Coello. etc. Parmigianino. Florencia. forma sinuosa y estilizada. Otros importantes escultores fueron: Baccio Bandinelli. Moisés (1513-1515). Cabe mencionar a Maarten van Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Países Bajos. Juan de Juni y Gaspar Becerra en España. de (Florencia). Destacó en primer lugar —como en las otras artes— Miguel Ángel (autor de la decoración de la Capilla Sixtina). deformando la realidad. de fuerte sentido expresionista. tuvo su máxima realización en el Monasterio de El Escorial. Descuella nuevamente la obra de Miguel Ángel. San Giorgio Maggiore de Venecia. como vemos en la Basílica de Vicenza. con figuras estilizadas. Sepulcro de los Médicis (1520-1534). Galería Uffizi Conde de 1515). La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso. Hubert Gerhard en Alemania. Giambologna y Jacopo Sansovino. de El entierro del Palladio. (1513. en posiciones violentas y actitudes dramáticas. Tintoretto. Giuseppe Arcimboldo. Correggio. y. autor del ábside y la cúpula de San Pedro del Vaticano. y Alonso Berruguete. Benvenuto Cellini. fuera de Italia. En España destacaron Juan Fernández de Navarrete. Andrea del Sarto. predominando la expresión sentimental del artista. La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI. Juan Pantoja de la Cruz y. Giorgione.

ornamental. y la holandesa (Rembrandt. con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas. que llegó a cotas de altísima calidad sobre todo en Francia. En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Londres. baldaquino de San Pedro. Pieter van Laer. poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. destacaron Pietro da Cortona. Orazio y Artemisia Gentileschi. que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Domenichino. Jan Vermeer. Pedro de Mena. asumió unas formas más dinámicas. Frans Snyders). así como José de Ribera. con una base naturalista pero deformada a capricho del artista. Las Meninas. La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo. Guido Reni. En España destacó la figura excepcional de Diego Velázquez (La fragua de Vulcano. autor de la Iglesia de San Carlos Borromeo en Viena. En Francia destacaron François Girardon. Filippo Juvara y Guarino Guarini. la figura del pintor como artista inspirado. madreperla. hubo infinidad de escuelas. Francisco Salzillo. de Velázquez mejores exponentes. Georges de La Tour y los hermanos Le Nain. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso. estilos y autores de muy diverso signo. y el reloj de péndulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau. Al igual que en la época anterior. Guercino. etc. Jacob Jordaens. Sant'Ivo alla Sapienza. de signo más parlamentario. destacando dos escuelas regionales: la flamenca (Peter Paul Rubens. destacando el movimiento y la expresión. Francesco Borromini es otro simple artesano que hasta entonces gran nombre de la época. Venus del espejo. Andrea Pozzo. Alonso Cano. La rendición de Breda. con Juan Gómez de Mora como figura destacada. el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia: Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus Las Meninas (1656). y los países protestantes. Luca Giordano y Charles Le Brun. La arquitectura. También destacaron la tapicería. Antoine Coysevox y Pierre Puget. Hyacinthe Rigaud. surgiendo una división entre los países católicos contrarreformistas. Juan Martínez Montañés. también destacaron Pietro da Cortona. Baldassare Longhena. destacando Gregorio Fernández. Frans Hals). 1656. Claude Lorrain. se iniciaron una serie de construcciones de gran fastuosidad: fachada delPalacio del Louvre. etc. creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre. con gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—. con gusto por lo sorprendente y anecdótico. englobando a Annibale Carracci. Aparte de estas corrientes. de Louis Le Vau y Claude Perrault. Francisco Ribalta. destaca especialmente la ebanistería. de Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. Francisco de Zurbarán. Entre sus obras destacan las dos cómodas del Trianón. bajo unas líneas clásicas. 1630. En Austria destacó Johann Bernhard Fischer von Erlach. En España perduró la imaginería religiosa de herencia gótica. Anton Van Dyck. frente a la condición de San Andrés del Quirinal. en Versalles. Las hilanderas. la orfebrería —especialmente las «piedras duras» en Florencia—. expresivo. Cobró relevancia la modulación del espacio. En Italia destacó nuevamente Bernini. donde cabe citar a Caravaggio. Palacio Chigi-Odescalchi). Giovanni Lanfranco. sinuoso. de Christopher Wren. 1657). etc.El barroconota 11 se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII.81 . la cerámica y el vidrio —que cobró relevancia enBohemia—. La escultura adquirió el mismo carácter dinámico. Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652). Adam Elsheimer. estaño) sobre materiales orgánicos (carey. autor de obras como Apolo y Dafne (1622-1625). con preferencia por las curvas cóncavas y convexas. donde se afianzó el estadoabsolutista. con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. 1650. marfil) o viceversa. Nicolas Poussin. En España. fue un alegato de conocemos hoy día (columnata de la Plaza de San Pedro. bajo el reinado de Luis XIV. mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo churrigueresco (por José Benito Churriguera). Alonso Cano. En Francia. En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII). por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Juan de Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo. de estilo decorativo y predominio de la pintura mural. caracterizado por el exuberante decorativismo y el uso decolumnas salomónicas(Retablo Mayor de San Esteban de Salamanca). 1635. Palacio de Versalles. la arquitectura acusó en la primera mitad del siglo XVII la herencia herreriana. En el terreno de las artes industriales. Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674). basado en la estricta realidad natural. autor de las iglesias de San Carlo alle Quattre Fontane y se tenía del oficio de pintor. siendo el principal artífice de la Roma monumental que (Museo del Prado). gracias a la obra de André-Charles Boulle. El arte se volvió más refinado y ornamentado. y el clasicismo.

sueño o mentira. Más adelante surgió el clasicismo en Francia. se produjeron dos corrientes: el culteranismo. Georg Friedrich Haendel. creando en 1661 la Academia real de Danza. de melodía única pero con una rítmica adaptada a la danza. primer centro operístico del mundo. 1636. la danza barroca (ballet de cour) hizo evolucionar la música instrumental. zapateado. creador de la danse d'école. etc. Juan Ruiz de Alarcón y. 1615. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp. Andreas Gryphius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper von Lohenstein. la primera (Martin Opitz. Johann Pachelbel. Robert Greene). con un estilo suntuoso. sonata. En Inglaterra destacó la obra poética de John Milton (El paraíso perdido. Destacaron Tirso de Molina. A finales del siglo XVII. donde todo es fugaz y perecedero. En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia. con un lenguaje conciso pero obra poética de Luis de polisémico.82 Góngora. Henry Purcell. Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres partes (aria da capo). Fuenteovejuna. 1651). con proliferación de Portada del Manuscrito latinismos y juegos gramaticales. primer lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser representada en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro di San Cassiano. el marinismo en Italia (Giambattista Marino). Johann Sebastian Bach. basada en la ineluctabilidad del destino. liderado por Luis de Góngora. passepied. Georg Friedrich Haendel. Destacan Pier Francesco Cavalli. Destacan Pierre Corneille. siguiendo el tono ornamental característico del Barroco. el preciosismo en Francia (Vincent Voiture). etc. la ornamentación exagerada. vivace. representantes del clasicismo francés. etc. En España también se dieron diversas modalidades de danza:seguidilla. farándula y compañía. gavotte.85 . apareciendo el fenómeno de los castrati. siguiendo las tres unidades de Castelvetro. fandango. Arcangelo Corelli. concierto. etc. donde intervino el rey caracterizado de sol). surgiendo las formas instrumentales puras (suite. simplificando los argumentos y haciendo óperas más cultas y sofisticadas. polonaise. Jean de La Fontaine. donde destacaba la belleza formal. ñaque. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV. bourrée. andante. chacona. Su estilo era suntuoso y recargado. que transmitió la Baltasar Gracián. En esta época la música alcanzó cotas de gran brillantez. los acordes violentos. principalmente las agudas (tenor. ornamentada. Antonio Cesti. con un lenguaje muy adjetivado y metafórico. Guillén de Castro. los volúmenes móviles. 1653. sinfonía). desvinculándose plenamente de la voz y el texto. Se caracterizó especialmente por la utilización del bajo continuo. representado por Francisco de Quevedo y Chacón. adagio. Comenzó el gusto por las voces solistas. con múltiples significados en pocas palabras. rigaudon. La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo. allemande. gigue. soprano). Tommaso Albinoni.83 La música barroca destacó por el contraste. más clasicista. En España. En ópera destacó la escuela veneciana. Las principales tipologías fueron: minuet. Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen) en Alemania. Entre las grandes figuras de la música barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi. En España el teatro era básicamente popular («corral de comedias»). La ópera barroca destacó por la escenografía complicada. recargada. con una visión de la vida planteada como lucha. Heinrich Schütz. y el conceptismo. etc. Con la sonata nacieron los nombres de velocidad:allegro. La escenografía era más recargada. principalmente. Angelus Silesius. gangarilla. bojiganga. con una personal tipología. Marc-Antoine Charpentier. la agudeza. El alcalde de Zalamea. mientras que la música coral triunfó especialmente en el mundo protestante. cómico. François de Malherbe.84 En Francia. Cyrano de Bergerac y Madeleine de Scudéry. sección instrumental grave que sostenía ininterrumpidamente la parte melódica superior. 1667). con un tono clásico. la escuela napolitana introdujo un estilo más purista. donde predominaba el ingenio. En la música religiosa nacen el oratorio y la cantata. la estructura variada y contrastada. En España nacieron la zarzuela y la tonadilla como manifestaciones de la música popular. Jean-Baptiste Lully. con cambios repentinos. jota. donde el siglo XVII sería denominado el Siglo de Oro. zarabande. Jacques-Bénigne Bossuet. Lope de Vega (El perro del hortelano. garnacha. 1618) y Pedro Calderón de la Barca(La vida es sueño. cambaleo. Jean Racine y Molière. tocata. que convirtió la danza en grandes espectáculos (Ballet de la Nuit. con autores comoFrançois de la Rochefoucauld. Nicolas Boileau-Despréaux. Georg Philipp Telemann. el primer sistema pedagógico de la danza. metafórico. En un primer momento se produjeron diversas corrientes: el eufuismo en Inglaterra (John Lyly. presto. distinguiéndose: bululú.

Jean-Baptiste Pigalle y Étienne-Maurice Falconet. conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas. El rococó se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania. En Italia cabe destacar la Fontana de Trevi. pero con una perspectiva más larga. de Jean-Honoré Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Múnich). Roma. destacan los jardines de Versalles (diseñados por André Le Nôtre) y Aranjuez. al «jardín italiano» sucedió el «jardín francés». que son llevados a un paroxismo de riqueza. composición más simple. Baldaquino Éxtasis de Puerto con el embarque Las tres de San Santa Teresa de la Reina de Saba Gracias (1636- Pedro (1647-1651). Johann Balthasar Neumann Fragonard. 1639). . En España podemos reseñar a Juan Pascual de Mena y Luis Salvador Carmona. Rococó Desarrollado en el siglo XVIIInota 12 —en convivencia a principios de siglo con el barroco. especialmente el gusto por el arte oriental. destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social. de Peter (1624. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos. de Claude Lorrain. jardinería. En Londres. 1633). La escultura tiene un aire grácil. de formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños. (Palacio Episcopal de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia de Wies). o Bernini. Hotel Biron de París). refinado. François de Cuvilliés (Pabellón de El columpio (1767). (1648). Colección Wallace. Se puso de moda lo exótico. especialmente por influencia de Bernini. de Gianlorenzo Londres. Prado. y a finales con el neoclasicismo—. así como el ambiente cultural de la Ilustración. Franz Ignaz Günther y los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado. En Francia destacó la obra de Edmé Bouchardon. con cierta pervivencia de las formas barrocas. con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental. de National Gallery de Paul Rubens. En Alemania tenemos la presencia de Georg Rafael Donner. representado principalmente por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versalles. de composición geométrica igual que el italiano. iglesia de Santa María de la Victoria. de Pietro Bracci y Filippo della Valle. Museo del Gianlorenz Bernini. supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco. de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. sofisticación y elegancia. mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental: el parterre.

En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la música sinfónica. Figura aparte es el inclasificable pintor español Francisco de Goya. inventado en 1711 por Bartolomeo Cristofori—. con influencia de la Commedia dell'arte (Niccolò Piccinni. El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814). más ligera y sencilla. caracterizado por el eclecticismo. proyecto iniciado con L'Encyclopédie de Diderot y D'Alembert y que supuso la consagración del racionalismo a nivel filosófico. que abandonó la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. Los montajes solían ser más populares. ya que. etc. Jonathan Swift. nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza. algunos de ellos diseñados por Goya. Esta última tuvo una gran difusión. En porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes.La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en Italia (Giambattista Tiepolo. En 88 España. De entre los músicos de la época destacan los hijos de Bach: Wilhelm Friedemann. Francesco Guardi). Johann Stamitz. Voltaire. En España adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara. pastorales o de la Commedia dell'arte. el siglo XVIII fue el de la Ilustración. pasando por el retratismoinglés de Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough. Nicolás Fernández de Moratínse enmarca en la «comedia de salón» dieciochesca. Alexander Pope. En España se denotó la influencia francesa en una literatura crítica y especulativa. preferentemente de estilo oriental. que evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un ciertoprerromanticismo. decorativa. las sedas. Giambattista Vico. También se desarrolló el drama. contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia. etc. La familia de Carlos IV (1800). dejando el teatro de estar reservado a Portada de L'Encyclopédie (1751). Baldassare Galuppi). inventada por Aloys Senefelder en 1778. Ignacio Luzán y José Francisco de Isla. Al organizarse espectáculos más complejos. atrayendo un mayor público. las Pinturas negras (1820). concepto que estableció el germen de la era moderna. Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio. Carl Philipp Emanuel. junto a la culta aparece la «ópera bufa». empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena. situado entre la tragedia y la comedia. con base en Molière. Al rococó en música corresponde la llamada «música galante». André Chénier. Su principal representante. Las artes decorativas tuvieron especial relevancia. Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Honoré Fragonard en Francia. La escenografía era más naturalista. como se ha señalado. con un mayor contacto entre público y actores. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó la gradación sonora (crescendo. siendo igualmente de destacar sus cartones para tapices. rococó. Entre sus obras destacan: los Caprichos (1799). iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach.89 . En ópera. es considerado el primer director de orquesta. Canaletto. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippendale» (por Thomas Chippendale). ganando gran auge el género del ensayo. y las escenas cortesanas de Jean-Antoine Watteau. Johann Christoph Friedrich y Johann Christian —este último introductor del piano en la música sinfónica. Se desarrolló notablemente el interiorismo. diminuendo). palladianos y chinescos. destinada a un público más popular. amable. con la primera gran orquesta moderna (40 instrumentos). Daniel Defoe.86 A nivel literario. Jean-Jacques Rousseau. el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el lujo. los espejos. Denis Diderot. Diego de Torres Villarroel. pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista. Cultivó tanto la pintura como el grabado. François Boucher. las clases altas. con mezcla de elementos góticos. sobre todo la de Sajonia y la de Sèvres. poniendo el acento en la idea de progreso del ser humano y su capacidad ilimitada. En esta época apareció la litografía. Pierre-Augustin de Beaumarchais y Voltaire. de aire cómico. que era más tranquila que la barroca. destacaron Benito Jerónimo Feijoo. el Abate Prévost. Pierre de Marivaux. Es de remarcar la fundación en esta época de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Española. destacando el sentimentalismo. Sus principales representantes fueron Montesquieu.87 El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores. con especial énfasis en el mobiliario. los tapices y los objetos de porcelana. con delicados motivos ornamentales.

de Pietro Bracci y (1800). En la nueva línea más racional puede mencionarse el proyecto urbanístico de lasTullerías. Voltaire. Se empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet. de compás ¾. y el Museo del Prado de Madrid. muy influido por la escultura griega. Petersburgo. de Giuseppe Valadier. de Jacques-Louis Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Boullée. Lafayette. consagrado a la mitología y . pero despojada de excesiva decoración para distinguirse de la arquitectura rococó. de Pierre-François-Léonard Fontaine(iniciador del llamado «estilo Imperio»). distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la de herencia barroca. Neoclasicismo El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas. consiguiendo autonomía propia como arte. quien postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta. para poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza. el baile de moda fue el vals. la primera academia de danza. en Rusia. A la primera pertenecen obras como el Panteón de París. destacando Jean-Philippe Rameau —creador de la opéra-ballet—. Roma. la ópera y el teatro. la Piazza del Popolo de Roma. de Francisco de palacio de Gatchina. de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.nota 13 La arquitectura neoclásica era más racional. de líneas austeras y racionales. el Walhalla de Ratisbona. Conviene David. identificados con la aristocracia. Museo del Prado cerca de San (Madrid). y Bertel Thorvaldsen. como Gaetano Vestris y Marie Camargo. A este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano. Goya. de signo funcional y un cierto aire utópico. Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza. de lógico referente grecorromano. Antonio Canova. mientras que en España surgió el flamenco. donde en 1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París. En esta época la danza comenzó a independizarse de la poesía. y la propiamente neoclásica. o la Ópera de Berlín.La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia. junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann. generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día. y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados. más puras y austeras. 1762). de Juan de Villanueva. en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó. 1805-1807). de Leo von Klenze.La familia de Carlos IV Interior rococó del (Baviera). retratista de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau.90 Basílica de Ottobeuren Fontana de Trevi (1732. Museo del Louvre. y formulando un vocabulario propio. también se enmarca en esta línea elneopalladianismo británico y estadounidense. de Jacques-Germain Soufflot. como vemos en los postulados de Juramento de los Horacios(1784). que trabajó para los papas y la corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus. sobria y funcional. A nivel popular. Filippo della Valle. tuvo como principales figuras a: Jean-Antoine Houdon. Mirabeau). La escultura.

la historia antiguas (Jasón con el vellocino de oro, 1803). Otros nombres destacables serían John Flaxman, Johann Gottfried
Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.

La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó
especialmente Jacques-Louis David, pintor «oficial» de la Revolución Francesa (Juramento de los Horacios,1784; La muerte de
Marat, 1793; Napoleón cruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene recordar a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-Paul
Prud'hon, Anne-Louis Girodet-Trioson, Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph Wright of Derby, Johann Zoffany, Angelika
Kauffmann, Anton Raphael Mengs, Joseph Anton Koch, Asmus Jacob Carstens, José de Madrazo, etc.91

Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos, algunos de los cuales perduraron a lo largo del siglo XIX: el estilo
Directorio surgió en Francia en la época del Directorio (1795-1805), caracterizado por las líneas sencillas, clásicas, sobrias, sin
adornos excesivos; el estilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica y de la Restauración, de donde pasó al resto de Europa,
sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia de temas exóticos y orientales; en
contraposición, el estiloBiedermeier alemán presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas. Estos estilos
influyeron en el isabelino español y el victoriano inglés, de aire burgués, dedicados al lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al
confort y la funcionalidad.

A nivel literario, a finales del siglo XVIII se produjo una vuelta a premisas clasicistas, con la pretensión de establecer un tipo de
literatura preceptiva, ordenadora, con una base ética e intelectual. Muchos de los autores de esta época estuvieron a caballo entre el
neoclasicismo y el prerromanticismo, destacando: Friedrich Gottlieb Klopstock, Christoph Martin Wieland, Henry Fielding, Laurence
Sterne, etc. En España, se denotó la influencia del clasicismo francés y los preceptos fijados por Boileau, destacando José Cadalso,
Juan Meléndez Valdés y Gaspar Melchor de Jovellanos, así como los fabulistas Tomás de Iriarte y Félix María Samaniego.92 El
teatro neoclásico tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, siendo su principal característica la
inspiración en modelos clásicos grecorromanos, seña de identidad de esta corriente. Destacan: Vittorio Alfieri, Richard Brinsley
Sheridan y Gotthold Ephraim Lessingy, en España, Leandro Fernández de Moratíny Vicente García de la Huerta.93

La música clásicanota 14 supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios del XIX la culminación de las formas
instrumentales, consolidadas con la definitiva estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio y la
serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores.
Nació el desarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema, cogiendo el ritmo o la melodía, pero
cambiando la tonalidad a través de la modulación. Evolucionó la música de cámara al desaparecer el bajo continuo, en distintos
formatos: dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc. La música clásica está representada principalmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang
Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck, Luigi Boccherini y Domenico Cimarosa. La ópera clásica era menos recargada que la
barroca, con una música austera, sin ornamentos vocales, arias limitadas, recitativo con acompañamiento orquestal, argumentos más
sólidos y personajes más verídicos. Destacan: Jean-Philippe Rameau, Christoph Willibald Gluck y, especialmente, Wolfgang
Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de la historia (Le Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flauta
mágica, 1791).94

El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y
su ballet d'action, que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y una
mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos
convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de
95
ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto a estos.

Panteón de Perseo con la La muerte de Viriato (1806- Wolfgang
París (1757- cabeza de 1807), de José de Madrazo, Amadeus
1791), de Medusa (1800), Museo de Arte Moderno de Mozart.
Jacques- de Antonio Madrid.
Germain Canova, Museos
Soufflot. Vaticanos.

América
Desde el descubrimiento de América por Cristóbal Colón en
1492 hasta la independencia de los diversos países americanos
a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba y Puerto Rico en
1898) se dio el denominadoarte colonial, que fue un fiel reflejo
del arte efectuado en la metrópoli, desarrollándose los mismos
estilos artísticos que en el continente europeo, principalmente
el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Las principales
muestras de arte colonial se produjeron en los dos centros
geográficos de más relevancia en la era precolombina: México
y Perú.

La arquitectura se basó en las mismas tipologías de edificios
propios de la cultura europea, principalmente iglesias y
catedrales, dado el rápido avance de la labor de evangelización Catedral Metropolitana de la Ciudad de México
.
de los pueblos nativos americanos, pero también edificios
civiles como ayuntamientos, hospitales, universidades, palacios
y villas particulares. Durante la primera mitad del siglo XVI fueron las órdenes religiosas las encargadas de la edificación de
numerosas iglesias en México, preferentemente un tipo de iglesias fortificadas llamadas «capillas de indios». A mediados de siglo se
empezaron a construir las primeras grandes catedrales, como las de México, Puebla, Guadalajara, Cuzco y Córdoba. La arquitectura
barroca se caracterizó por una profusa decoración, que resultaría exacerbada en el llamado «ultrabarroco» (Fachada del Sagrario de la
Catedral de México). En Perú, las construcciones desarrolladas en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas características originales
que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y de columnas salomónicas (Iglesia de la
Compañía, Cuzco). En el siglo XVIII la arquitectura se orientó a un estilo más exuberante, otorgando un aspecto inconfundible al
barroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.

Las primeras muestras de pintura colonial fueron las de escenas religiosas elaboradas por maestros anónimos, como las imágenes de
la Virgen con el Niño. La producción artística hecha en Nueva España por indígenas en el siglo XVI es denominada arte
indocristiano. La pintura barroca recibió la influencia del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, como se puede apreciar
en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. A finales del
siglo XVI destacó la Escuela cuzqueña de pintura, representada principalmente porLuis de Riaño y Marcos Zapata. En el siglo XVIII
la principal influencia sería la de Murillo, y en algún caso —como en Cristóbal de Villalpando— la de Valdés Leal. Destacan
Gregorio Vázquez de Arceen Colombia y Juan Rodríguez Juárezy Miguel Cabrera en México.

En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso, en tallas exentas y retablos para iglesias,
confeccionadas generalmente enmadera recubierta con yeso y decorada con encarnación —aplique directo del color— o estofado —
sobre un fondo de plata y oro—. A principios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas locales, como la quiteña y la cuzqueña,
destacando la labor patrocinadora de la orden jesuita. En el barroco destacó la obra escultórica desarrollada en Lima, como la sillería
de la Catedral de Lima. EnBrasil destacó la obra del Aleijadinho.96

África
En esta época continuó la diversidad de estilos y
manifestaciones artísticas en el continente africano, debido a la
multiplicidad étnica y religiosa, y a las diferentes
organizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta estados
centralizados como Benín, Dahomey, el Congo y Ashanti. Los
principales materiales eran la madera, la piedra, el marfil, el
metal, la arcilla, pieles, plumas, conchas, etc. En las montañas
Drakensberg (Sudáfrica), los San (o bosquimanos) realizaron
miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII y XIX,
relacionadas con rituales chamánicos. En la región de Owerri
(Nigeria) se construyeron una serie de edificios votivos
llamados mbari, decorados con pinturas y esculturas. En Malí
destacaron las construcciones en adobe, como la Gran
Gran Mezquita de Djenné, Malí.
Mezquita de Djenné, datada inicialmente del siglo XIII pero
reconstruida varias veces. En Ashanti (actual Ghana)
adquirieron notoriedad los tejidos llamadoskente, de algodón o seda, decorados con motivos geométricos.

La escultura fue la principal actividad artística en el continente en general, caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva,
que llegó a influir en el arte de vanguardia europeo cuando el colonialismo favoreció la creación de museos etnológicos que llevaron
las obras de arte africanas por toda Europa. En Benín se hacían figuras de latón desde el siglo XV hasta el XIX. En Ashanti se dio un
estilo naturalista de pequeñas esculturas de metal (siglos XVII-XX). En la cultura yoruba (entre Nigeria, Benín y Togo) proliferaron
los relieves en madera tallada, como en las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olowe de Ise. Otras tipologías fueron: los
fetiches o «figuras de poder» (nduda), relacionadas con ritos ultraterrenales, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cuero o
plumas; los pfemba, dedicados a la maternidad, generalmente una mujer con un niño en brazos; y los mbulu-ngulu, relicarios
protectores. También se forjaron figuras en hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamaño natural, obra de Akate Akpele
97
Kendo (1860). Por último, destacaron lasmáscaras, destinadas a ritos de distinta índole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).

Asia

India

Durante este periodo se introdujo en la India el arte islámico. La invasión musulmana, que tuvo su culminación en el Imperio mogol,
provocó una gran convulsión en la sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tradicionales se añadieron elementos
característicos del arte islámico, con nuevas tipologías como la mezquita. Este sincretismo artístico se manifestó en construcciones
como las mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturas de Agra, sobre todo en al famoso Taj Mahal (siglo XVII). También se
desarrollaron la jardinería y la miniatura, ambas de influencia persa, y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las joyas
engarzadas (como el Trono de Aurangzeb).

El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el magnífico templo de Meenakshi (Madurai), así como en la escuela miniaturista
de Rajput, donde vivía una comunidad jainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occidente, plasmado en un conjunto de
templos y esculturas de mármol con incrustaciones de piedras de colores, decorados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la
escultura se realizó más en bronce que en piedra, destacando las representaciones del dios Śivá en actitud danzante; después serían

con gran riqueza decorativa. etc. con el mismo sello estilístico. Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo (las llamadas chinoiseries). se continuó la construcción —y. rayastaní.característicos los retratos de guerreros y cortesanos. La arquitectura de finales de este periodo evolucionó hacia formas cada vez más complejas. Dos de las danzas clásicas de la India que ejemplifican lo anterior son elkathak. y en el poema épico destaca el Ram-chari-manas de Tulsidas. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras. Shen Zhou. en el sur. tradición que llegó hasta el siglo XVIII. La pintura de esta época era tradicional. destacando la riqueza de los materiales (balaustradas de mármol. reelaboración del Ramaiana con gran pureza lingüística y estilística. Sin embargo. que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad. jade. especialmente ebanistería. El teatro derivó en tiempos más recientes del antiguo dutangada —donde predominaba la danza y la mímica— en una nueva modalidad denominada kathakali. etc. La primera era más elegante. narración de tono erótico. Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origen manchú. Yongle. al tiempo que se edificaban nuevos templos y villas aristocráticas. más influida por la música árabe.99 los ojos (navarasya). télugu. maratí. La pintura era bastante ecléctica. En el género dramático destacó Anandarayamakhin. con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilómetros. lacas. donde los colores eran simbólicos. decorativa. intelectual. en la que se podría denominar una fase «barroca» del arte indio (aunque sin hacer paralelismos con el barroco europeo). de Wu Cheng'en.98 En literatura la principal particularidad de esta época fue el despunte de las lenguas vernáculas. en el norte. esmalte. tejidos de seda. autor de Jiva. con 24 posiciones básicas y otras combinadas). drama alegórico que representa el alma humana como un rey encarcelado en su palacio (el cuerpo). Continuó igualmente la tradición en las artes aplicadas.100 China Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauración de una dinastía autóctona tras el periodo mongol. nandana (hacia 1700). También destacó la porcelana. muy ligera y de tonos brillantes. trasladó la capital de Nankín a Pekín (1417). de signo naturalista y cierta opulencia. de signo alegórico. etc. basadas en los ragas. dedicada a temas florales (Yun Shouping). destacando en época Ming la producción teatral. paisajes (Gai Qi). mientras que la segunda era más austera. y comenzó la decoración de vasijas de bronce en esmalte Ciudad Prohibida de Pekín. Wen Zhengming. en el arte supuso la continuidad de las formas tradicionales. porcelana. cloisonné. En prosa destacó El mono. y La ciruela del vaso de oro. El Palacio de la Suprema Armonía. El tercer emperador de la dinastía.101 La literatura siguió siendo de corte tradicional. etc.). así como la expresión del rostro y los movimientos de o personaje. La guitarra de Kao Ming y El pabellón de T'ang-Hien-Tsu. identificando al rol La música recibió igualmente la influencia musulmana. romántica. restauración— del recinto imperial. guyaratí. etc. en algunos casos. y el bharatanatyam. y la meridional o carnática. religiosos (Wu Li). cerámica en los tejados. En época Qing la poesía destacó por su . aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales. tamil. Taj Mahal. surgiendo una literatura en hindi. en el centro de la generalmente en blanco y azul. En arquitectura. como en la obra de Lü Ji. retornando a las antiguas tradiciones chinas. bengalí. con obras como El círculo de tiza de Li-Hsing-Tao. y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala de la Suprema Armonía (con el trono imperial) y el Templo del Cielo. de Wang Shih-chên. También tenía importancia el maquillaje. más conservadora de la antigua tradición. construyendo un Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida). la convivencia de ambas modalidades provocó una división en dos tradiciones musicales diferenciadas: la septentrional o indostánica.

autor de Satomi Kakkenden (Vidas de ocho perros). De esta época destacan las tonadas para cítara. También son características de esta época las casas de té (chashitsu). destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin. Se desarrolló notablemente la pintura. En este período se produjeron las primeras porcelanas. o acompañado de voz (kumi). principalmente. castillos de Himeji y Osaka. El instrumento principal era la flauta travesera (ti). En el siglo XIX destacó el novelista Takizawa Bakin. Katsushika Hokusai. vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico. remarcando los valores tradicionales japoneses. su principal artista es Nonomura Ninsei.107 . En la producción de laca destaca el nombre deHonami Kōetsu.virtuosismo. tuvo un gran auge a partir del siglo XVII. de Carl Maria von Weber (1809). con diversas variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi). de Utagawa La literatura evolucionó hacia un mayor realismo. costumbrista y con una sutil vena humorística. en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje. con un primer centro productor en Arita. Se construyeron grandes castillos y palacios: palacio de Fushimi. destacando Matsuo Bashō. mezcla de canto y recitativo. La puesta en escena era de gran riqueza. con decorados donde destacaba la composición cromática. junto a la guitarra (san-hsien). así como la escuela de Ukiyo-e. Durante la dinastía Qing surgió un nuevo tipo de ópera (ching-hsi). con partes cantadas y partes declamadas. generalmente en chino. Mitsunori). Continuó el género de la waka. con influencia del arte chino y coreano. La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto. Se tocaba solo. puramente instrumentales. autor de Hong-leu-mon. siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. de tipo profano. de Wu-Ching-Tzu. más popular. representando según el color diversos personajes o estados anímicos. En la dinastía Ming destacó el compositor Wei Liang-fu. Nabeshima y Ko-Kutami. como se puede percibir en P'u-Song-Ling y Ts'ao-Sine-K'in. como se observa en la obertura deTurandot. el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. La 106 dicción era de tipo ritual. Saikaku Ihara. En ese periodo comenzó la influencia occidental. de letra con acompañamiento musical. al tiempo que la música china llegó a Occidente. destacan las escuelas de Kakiemon. Los edificios más importantes son el mausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de Katsura en Kioto. como se aprecia en la obra de Nueva York. Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este período artístico se corresponde con el histórico de Tokugawa. Los letrados. Utagawa Hiroshige). es una novela de tono satírico. La narrativa era más humanista. En pintura. la principal modalidad es el haiku. recopiladas en el Manual de música de Tsai Yü (1596). Yosa Buson y Kobayashi Issa. generalmente de tono bucólico. En poesía. el laúd corto (p'i-p'a) y el tambor (pan-ku). Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. que adquirió gran vitalidad. con dos vertientes: tonadas breves (hsiao-ch'ü). desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas). la más famosa novela de amor china. Así como el nō era de tono aristocrático. y tonadas largas (ta-ch'ü).103 Japón Período Momoyama (1573-1615): el arte de esta época se alejó de la estética budista. composición de 17 sílabas. el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13 cuerdas). Brooklyn Museum of Art. mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe. representada principalmente por Rai Sanyo. con acompañamiento de violín de una cuerda (hu'chpin). detectándose por vez primera el influjo occidental en la obra de Huang-Tuen-Hien.105 En teatro surgió la modalidad del kabuki. centradas en la naturaleza y el paisaje. aunque durante este período se recibieron las primeras influencias de Occidente. El koto.102 La música siguió las tradiciones anteriores. La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de los primeros centros de producción. generalmente de tono Hiroshige.104 El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857). La música fue en esta época principalmente de cámara. que destacó por la representación de tipos y escenas populares (Kitagawa Utamaro. que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza. la escuela de Tosa continuó la tradición épica japonesa (Mitsuyoshi. creador de un nuevo estilo dramático con óperas de 30 actos (k'un-ch'ü). con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas.

herramientas. piezas de madera. con la incorporación de nuevos materiales como el hierro. que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. de Rurutu (islas Australes). Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron las exposiciones universales. piedra o concha. joyas. el acero y el hormigón. que se tradujo en obras de saneamiento. Cobró cada vez mayor importancia el urbanismo. Kunsthalle de Hamburgo.Oceanía El arte siguió siendo predominantemente indígena. incrustaciones de conchas. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologías arquitectónicas. Londres. así como las churingas. Viena. la industria. construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura. Continuó la talla de figuras antropomórficas —principalmente deidades locales —. o el dios A'a. apareció el llamado «jardín inglés» —que introdujo el concepto de «arquitectura paisajística»—. como se puso de manifiesto en laExposición de Londresde 1851. la cultura. la preocupación por el entorno habitable. dios de la guerra hawaiano (British Museum). que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. muebles. Madrid. aunque se dieron los primeros contactos con la civilización occidental. También siguió la tradición de las máscaras. tallados con figuras antropomórficas. etc. En los viajes de James Cook por el Pacífico (1768-1780) reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos. Los asmat. esculturas. en lo económico. decoradas con motivos geométricos. instrumentos musicales. tribu de Irian Jaya (Nueva Guinea). como la de Kukailimoku. Después de unos primeros planteamientos de signo utópico. por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo. defendía una mayor naturalidad en su composición. En Australia continuó la tradición de las pinturas rupestres. se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX: París (plan Haussmann). con Casa de reunión melanesia. etc. Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema). los avances tecnológicos. el cual. mayor atención a los medios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano. En Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus». festivales económico-sociales que pretendían incentivar y difundir el comercio. etc. como los de Robert Owen o Charles Fourier. que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen. la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel). frente al geometrismo del italiano y el francés. Viajero frente al mar de niebla Arquitectura (1818). Bruselas. En las islas Salomón se dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales. de Caspar David Friedrich. En jardinería. Florencia. interviniendo únicamente en una . infraestructuras. etc. y. Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución Industrial. una encima de otra. armas. marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa—. se influyen y se enfrentan. Barcelona (plan Cerdà). comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad.108 Arte contemporáneo Siglo XIX Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea. situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad. dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados. En el terreno del arte. especialmente en Nueva Guinea (mai).

Romanticismo Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos. Louis Sullivan).lo exótico. etc. . el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—. el neobarroco. Joseph Maria Olbrich. Chicago (Illinois). la locura. o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—. el amor a la naturaleza. junto a un elemento más oscuro de irracionalidad. de atracción por elocultismo. Lluís Domènech i Montaner. A finales de siglo surgió el modernismo. Se valoró especialmente la cultura popular. que cobró protagonismo por sí solo. de The Crystal Palace. Viollet-le- Duc. En Estados Unidos surgió una nueva tipología de edificio. Adolf Loos. Antoni Gaudí. Estilísticamente. Entre sus principales artífices cabe recordar a: John Nash. como templetes o pérgolas. Home Insurance Templo Expiatorio de la Sagrada Building (1884). en consonancia con los conceptos románticos de lo sublime y lo pintoresco (Regent's Park. Kew Gardens. los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad. la fantasía. etc.serie de detalles ornamentales. Pabellón Real de Brighton (1815-1822). con nombres como Victor Horta. que produjo movimientos como el neorrománico. el sueño. así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado historicismo. Familia (comenzado en 1882). Henry van de Velde. de William Chambers). fomentado por la denominada Escuela de Chicago (William Le Baron Jenney. Josep Puig i Cadafalch. principalmente la litografía y el grabado en madera. Barcelona.nota 15 que supuso una gran revolución en el terreno del diseño.109 Torre Eiffel. el sentimiento. Otto Wagner. Exposición de Londres de 1851. Hector Guimard. de John Nash. Cobraron también importancia lasartes gráficas. de la imaginación. Baron Jenney. de Joseph John Nash. Paxton. Hendrik Petrus Berlage. etc. de de William Le Antoni Gaudí. el neogótico. la evocación ensoñadora. la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas. diseñada por Alexandre Gustave Eiffel para la Exposición Universal de París (1889). Augustus Pugin. Charles Rennie Mackintosh. y adquirió notoriedad el paisaje. el rascacielos.

Nació la musicología como ciencia aplicada a la música. Heinrich Heine. Francesco Hayez. Exaltó la naturaleza.En pintura. Domingo Faustino Sarmiento. artista polivalente con gusto por lo espectacular. y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro. el individualismo. E. para poder satisfacer plenamente la expresividad del artista. Cabría citar en Francia Delacroix. especializado en figuras de animales. lo irracional. Fernán Caballero. Eugène Delacroix. En España destacaron Genaro Pérez Villaamil. Juliusz Słowacki. el sentimiento. Surgió un nuevo género. con un nuevo gusto por formas íntimas y subjetivas de expresión como lo sublime. Alexandre Dumas (padre). El piano fue el instrumento de moda. Nathaniel Hawthorne. Se amplía notablemente la orquesta. Christian Dietrich Grabbe. Antonio García Gutiérrez. y . Jean-Baptiste Carpeaux. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Alfred de Musset. John Keats. Lord Byron. George Sand. Rudolf Schadow y Johann Heinrich Dannecker. Lord Byron. Heinrich von Kleist. Walter Scott. Ralph Waldo Emerson. 1804) y Goethe (Fausto. Como en el resto de la literatura romántica. Samuel Taylor Coleridge. etc. Percy Shelley. uno de los mejores poetas románticos. la intensidad de la pulsación. William Wordsworth. T. Guillermo Tell. Théodore Géricault. destacaron Hubert Robert. Caspar David Friedrich. principalmente Durero (Friedrich Overbeck. el dramatismo. José Hernández. Peter Cornelius.112 La música romántica se caracteriza como en el resto de las artes por el predominio del sentimiento y la pasión. En escultura prevalecen las formas neoclásicas. el melodrama. Victor Hugo. Leonardo Alenza y Eugenio Lucas. etc. y se popularizaron los espectáculos de variedades (vaudeville). John Constable. 1808). Nikolai Gogol. Alfred de Vigny. Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos. destacando la figura del «genio» —el arte es la expresión de las emociones del artista—. Alessandro Manzoni. reinterpretadas La Libertad guiando al pueblo(1830). el Duque de Rivas. Karl Friedrich Schinkel. François-René de Chateaubriand. 1844). destaca por el sentimentalismo. Jane Austen. después de una fase prerromántica donde podríamos citar a William Blake y Johann Heinrich Füssli. James Fenimore Cooper.111 El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes nuevamente en el Sturm und Drang con Schiller (Don Carlos. Washington Irving. Andrés Bello. inspirados en el Quattrocento italiano y en el Renacimiento alemán. pues su registro. de la subjetividad y emotividad del artista. Ugo Foscolo. Valeriano Domínguez Bécquer. 1832). que evolucionó del neoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa. Joseph Mallord William Turner. Francisco Martínez de la Rosa. Sus mejores exponentes fueron: Georg Büchner. Mary Wollstonecraft Shelley. autor del relieve del frontón del Panteón de París (1830-1837). ligada al nuevo culto a la personalidad que se desarrolla en el romanticismo. Museo del Louvre. Victor Hugo. Rosalía de Castro. así como el poeta inglés William Blake. Johann Ludwig Tieck. de Eugène según las nuevas temáticas románticas. José de Espronceda. Alphonse de Lamartine. Giacomo Leopardi. Gustavo Adolfo Bécquer. exaltando la música nacional y popular. Franz Pforr). etc. lo patético). Novalis. lo tenebroso. Ramón de Campoamor. 1787. Mariano José de Larra. la predilección por temas oscuros y escabrosos. En un prerromanticismo —plasmado en el movimiento alemán Sturm und Drang— destacaron Johann Christoph Friedrich von Schiller y Johann Wolfgang von Goethe.110 La literatura del Romanticismo estableció la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo. Friedrich von Schlegel. Posteriormente es de remarcar la obra de: Johann Christian Friedrich Hölderlin. París. August Wilhelm von Schlegel. En Alemania destacaron: Christian Daniel Rauch. son fiel reflejo de esa emotividad. la pasión. José Echegaray. A. Prosper Mérimée. José Zorrilla (Don Juan Tenorio. Aleksandr Pushkin. los nuevos sentimientos que en él anidan (lo sublime. Hoffmann. Bonaventura Carles Aribau. así como la crítica y la estética musicales. y David d'Angers. Philipp Otto Runge. la exaltación de la naturaleza y del folclore popular. Adam Mickiewicz. Antoine-Louis Barye. Edgar Allan Poe. Madame de Staël. a: François Rude.

Franz Liszt. Charles Gounod. de La Marsellesa Heinrich Füssli. Destacan: Luigi Cherubini. etc. Rude. de Léo Delibes. Georges Bizet y. Hector Berlioz. Felix Mendelssohn-Bartholdy. de François Arts. Aida. Carl Maria von Weber. En bailes populares. donde recibió el nombre de bel canto. 1845. continuó la moda del vals. Sus principales representantes fueron:Ludwig van Beethoven. efectuando estudios de anatomía y movimientos corporales. La ópera romántica tuvo dos vertientes: la cómica —o bufa— y la dramática. Jules Massenet.113 poesía. En el aspecto teórico. en el que destacaron Maria Taglioni y Fanny Elssler. aparecido por vez primera en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831). ganando importancia el papel de la soprano —desde 1840 se puso de moda el do de pecho —. Gaetano Donizetti. La Traviata. Arco de Triunfo de París. 1853. Se empezó a componer música puramente para ballet. Frédéric Chopin. 1850. Museo del Louvre. Primera página de la Quinta sinfonía (1808). ampliando el vocabulario relativo a la danza. 1851. muchas de las cuales sacó del olvido. de Ludwig van Beethoven. 1853. Lohengrin. Realismo . la ornamentación. ( annhäuser. Gioacchino Antonio Rossini. etc. con la pretensión de hacer una «obra de arte total» (gesamtkunstwerk) que aunase música. T La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares. En Alemania. Johann Strauss. principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes. filosofía. Niccolò Paganini. Parsifal. la coloratura. de Giacomo Meyerbeer. También introdujo el baile sobre las puntas de los pies. y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. Destacó por el brillo de sus voces. especialmente. las danzas folclóricas. Robert Schumann.114 La pesadilla (1781). y aparecieron la mazurca y la polca. Franz Schubert. Anton Bruckner. Il trovatore. sobre todo en Italia. 1865. Richard Wagner dio a la ópera cotas de gran brillantez. Tristán e Isolda. Vincenzo Bellini. destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis. (1832). de Johann La balsa de la Medusa (1819).aparecieron los primerosconservatorios. 1882). En esta época se desarrolló notablemente la ópera. Giuseppe Verdi (Rigoletto. Johannes Brahms. 1870). Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú). escenografía. destacandoCoppélia (1870). Detroit Institute of Théodore Géricault. sobre los grandes dramas literarios románticos.

que presenta de forma objetiva los hechos. En pintura destacaron Camille Corot. especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial. Nikolai Rimski-Korsakovy Piotr Chaikovski en Rusia. Jean- François Millet. Narcisse- Virgile Díaz de la Peña). Mark Twain. Se puso énfasis en el naturalismo. Jules Verne y Arthur Conan Doyle. Ignacio Manuel Altamirano. Bedřich Smetana y . Adolph von Menzel. August Strindberg y Henrik Ibsen. Guy de Maupassant. Constantin Meunier. También destacan las novelas de aventuras y suspense. esbozadas. especialmente. París. se revalorizó el folclore y la música popular como portadores de ancestrales valores culturales de todos los pueblos. Maksim Gorki. Antonín Dvořák.Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad. A un periodo prenaturalista corresponden Eugène Scribe. Vicente Blasco Ibáñez. Charlotte y Anne Brontë. las hermanas Emily.117 En el terreno de la música. ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico. como si no se estuviese en un teatro— de André Antoine y su Théâtre Libre —donde por primera vez se iluminó sólo el escenario. El autor es un «cronista». destacando Dante Gabriel Rossetti. Herman Melville. Mariano Benlliure y. de ahí el nombre del grupo) de color y formas El Ángelus (1857). Hans Thoma. la descripción minuciosa de la realidad. el obrero como héroe moderno (El Pudelador. Giosuè Carducci. Gustave Flaubert. Aleksandr Borodin. Joseph Conrad. Gustave Courbet. que supuso el renacer de diversas regiones europeas hasta entonces poco destacadas culturalmente. que se inspiraban —como su nombre indica — en los pintores italianos anteriores a Rafael. Edward Burne-Jones. Emily Dickinson. Museo de Orsay. defendiendo la descripción rigurosa y detallada de la realidad. dejando al público a oscuras—. de corte antiacadémico. con un elevado componente crítico. que consideraba al artista como parte indisoluble de la sociedad. etc. En Gran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas.115 La escultura se basó igualmente en el fiel reflejo de la sociedad. marcada por un sentimiento panteísta de la naturaleza. Anton Chejov. de afán reformador.116 Con el teatro realista nació el teatro moderno. Manuel Tamayo y Baus. etc. como las de Alexandre Dumas (hijo). con descripciones temperamentales de los personajes. El principal formato realista fue la novela. sin grandes gesticulaciones ni dicción grandilocuente. así como en la recién surgida fotografía. de gran prospección psicológica. principal evocador de la figura del proletario. Pedro Antonio de Alarcón. con cierto aire idealizado. que destacó por un estilo naturalista que enfatizaba el aspecto cotidiano de la realidad. Victorien Sardou y Eugène Labiche. Destacó especialmente el teatro nórdico. con figuras como Björnstjerne Björnson. Émile Zola. Charles-François Daubigny. Telemaco Signorini). inacabadas. con predilección por figuras de obreros y personajes marginales. Aimé-Jules Dalou. Destacaron figuras como: Mijaíl Glinka. Emilio Salgari. pues sentó las bases del que sería el teatro del siglo XX. Destacan figuras como: Honoré de Balzac. etc. La literatura realista se opuso al subjetivismo romántico. siendo la obra artística un fiel reflejo de los condicionamientos sociales que envuelven al artista. Heredero de las formas musicales románticas. con un cierto componente de denuncia social. George Eliot. como en la «representación antiteatral» —actuar como en la vida real. Honoré Daumier. y la italiana de los Macchiaioli (Silvestro Lega. Ricardo Bellver. Benito Pérez Galdós. Ilya Repin y Marià Fortuny. Adolf von Hildebrand. John Everett Millais y Ford Madox Brown. Marcelino Menéndez y Pelayo. La interpretación era más veraz. caracterizada por el uso de manchas (macchia en italiano. los hermanos Agapito y Venancio Vallmitjana. Charles Dickens. Fiodor Dostoievski. Ligado al realismo estuvieron dos escuelas paisajísticas: la francesa de Barbizon (Théodore Rousseau. Giovanni Verga. Àngel Guimerà. Lev Tolstoi. Stendhal. Leopoldo Alas (Clarín). Adelardo López de Ayala. que era descrita en toda su minuciosidad y fidelidad al mundo real. Destacan: Max Klinger. vestuario. José María Eça de Queirós. Henry James. Alfred Tennyson. atrezzo. Giovanni Fattori. no sólo en la temática y el lenguaje. en paralelo al realismo sur gió el llamado nacionalismo musical. con influencia de la filosofía positivista. 1884-1888). Modest Mussorgski. la descripción del mundo circundante. Emilia Pardo Bazán. sino también en decorados. de Jean-François Millet. Otros autores fueron:Frank Wedekind.

Madama Butterfly. de Gustave Courbet. Edward Elgar y Ralph Vaughan Williams en Gran Bretaña.Leoš Janáček en Checoslovaquia. Giacomo Puccini (La Bohème. con deslumbrantes puestas en escena. donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez. Guillermo Uribe en Colombia. el baile más famoso de la época fue el cancán. convirtiendo el ballet en un gran espectáculo. Juan Bautista Plaza en Venezuela. Londres. Ruggero Leoncavallo. En ópera. principalmente. que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta la historia. 1896. La figura principal en la conformación del ballet ruso fue Marius Petipa. con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski —y. destacando su colaboración con Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella durmiente (1889). Impresionismo . Edvard Grieg en Noruega. Tate Artes de Bélgica. el centro geográfico en cuanto a creación e innovación pasó de París a San Petersburgo. Museo de Ecce Ancilla El Pudelador (1884- Orsay. 1888). El cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895). Tosca. Heitor Villa-Lobos en Brasil. Jean Sibelius en Finlandia. 1900. en ambientes rurales y proletarios. Domini (1850). de Constantin de Dante Meunier. posteriormente. Manuel María Ponce en México. el verismo italiano buscaba en igual medida reflejar la realidad. Karol Szymanowski en Polonia. Umberto Giordano y. de hasta cinco actos.118 En la danza. Enrique Granados y Manuel de Falla en España. Isaac Albéniz. A nivel popular. Está representado por Arrigo Boito. Hizo ballets más largos. Amilcare Ponchielli. También en América surgieron las primeras escuelas nacionales: John Philip Sousa en Estados Unidos. Representación de El cascanueces.119 Entierro en Ornans (1849). donde los protagonistas son personajes corrientes. mientras que en España surgieron la habanera y el chotis. Amadeo Roldán en Cuba. París. y Eduardo Fabini en Uruguay. Próspero Bisquertt en Chile. Museos Gabriel Reales de Bellas Rossetti. Carl Nielsen en Dinamarca. 1903). de Piotr Chaikovski. en el Bol'šoj de Moscú—. con argumentos más populares. Gallery. Béla Bartók y Zoltán Kodály en Hungría.

Camille Pissarro. con pinceladas sinuosas y densas. Igual Impresión. Frente a la melodía continua wagneriana. Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que. aparecen vistas urbanas y nocturnas.121 . con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—. 1884-1886). producen un efecto de composición. Este estilo fue practicado principalmente por Giovanni Segantini. Se deja al espectador la reconstrucción de una composición musical. 1894). marginados. Paul Gauguin experimentó con la profundidad dando un nuevo valor al plano pictórico. fusionándose en la retina del espectador en un nuevo tono. Su principal representante. de renovador fue en el terreno de la escultura el Museo Marmottan Monet. Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro. que sentó las bases de la nombre el movimiento. surgido en Italia en ambientes de inconformismo social cercanos al anarquismo. que conduciría la escultura hacia la desintegración de la forma. Surgió una nueva temática. Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. circo y music-hall. derivada de la nueva forma de observar el mundo: junto a los paisajes y marinas. Cuadro al que debe su papel de Auguste Rodin. el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo: Henri de Toulouse-Lautrec. la tímbrica. Esta técnica se caracteriza por la proximidad de colores descompuestos. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza. en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo. rechazó el cromatismo tónico. e influyó en el futurismo italiano. abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el siglo XX. partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas. desarrollando la técnica del puntillismo. deformando la realidad. etc. Giuseppe Pellizza da Volpedo y Gaetano Previati. sol naciente(1872-1873). Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador. ( 1928). Claude Monet. En España podemos reseñar a Joaquín Sorolla. Maurice Ravel retornó a la expresión lineal. la irregularidad rítmica (Preludio a la siesta de un fauno. de Claude Monet. volvió a la tonalidad estática. Alfred Sisley. cono y esfera). aunque con notas y acordes algo fuera de contexto Bolero. 1880-1900. Los burgueses de Calais. Cabe mencionar como principales representantes a Édouard Manet —considerado un precursor—. de la que pretendían captar una «impresión» visual. los neoimpresionistas se preocuparon más de los fenómenos ópticos. opuestos a las escalas habituales. aquietando la armonía y potenciando la textura. iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. También destacó Medardo Rosso. con largas pinceladas que. los reinterpretaron de manera personal. escenas de cabaret. de sugerencias. autor de escenas populares donde destaca la utilización de la luz. Otros representantes fueronPaul Dukas y Florent Schmitt. Sus principales representantes fueron Georges Seurat y Paul Signac. mendigos. con colores planos de carácter simbólico. Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo. escultura del siglo XX (El pensador. de intenso colorido. valorando especialmente la luz.Claude Debussy. observadas a larga distancia. consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de colores puros. Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior. a la que otorgó un aire onírico. interiores con luz artificial. Así. Otra variante fue el divisionismo. París. personajes de la bohemia. igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. que se colocan junto a otros de colores complementarios. introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos.120 En paralelo a la pintura. que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico. la música impresionista hace primar la armonía sobre la melodía. hecha a base de partes. autor de escenas de circo y cabaret esbozadas con rápidos apuntes del natural. más que un determinado estilo.

Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren. estuvo también el llamado arte naïf. Clase de baile Tarde de domingo en la isla Los girasoles El pensador (1875). surgiendo una «estética del mal». Tuvo un antecedente en el parnasianismo de Leconte de Lisle. Instituto de Arte de Chicago. de Degas. Arthur Rimbaud. Pinakothek. sobre todo en el gusto por lo morboso y terrorífico. de influjo esotérico y teosófico. destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico y trascendente. instintiva. etc. simbólico. Paul Sérusier. con un lenguaje evocador y sugerente. llegando incluso a hablarse de «religión estética». en la línea de la poesía simbolista. Stéphane Mallarmé. poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños. aunque plenamente consciente y expresiva Henri ( Rousseau. Ligado al simbolismo (Viena). París. Odilon Redon. el simbolismo otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia. sobre poemas de Verlaine. Séraphine Louis. Hizo una música estática.124 En música. Su principal vehículo de expresión fue la poesía. cuyos autores eran autodidactas. que llega a vivir su propia vida como una obra de arte —como se puede apreciar en la figura del dandy—. Jean Moréas. de armonías líquidas. La belleza se alejó de cualquier componente moral. . Simbolismo Estilo de corte fantástico y onírico. minucioso y personal. la magia y los fenómenos paranormales. Frente a ello. surgiendo la figura del «poeta maldito». difusa. Dmitri Serguéievich Merezhkovski. formalmente exigente. con preferencia por los temas míticos y las leyendas. Destacaron Auguste Villiers de l'Isle-Adam. Musée Georges Pierre Seurat. Neue Rodin. buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación. Algernon Charles Swinburne. Klimt. con cierto primitivismo. Múnich. de Edgar de la Grande Jatte (1884). destacando posteriormente autores como Oscar Wilde. el sexo y la perversión. Pierre Puvis de Chavannes. así como en aspectos satánicos y terroríficos. sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» (L'art pour l'art).123 El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total» wagneriano. Grandma Moses). Joris-Karl Huysmans. de (1888). llevando la sensibilidad romántica a la exageración. Félix Vallotton y el escultor Aristide Maillol). Arnold Böcklin. Paul Verlaine. Walt Whitman. Los escritores se apartan del mundo y las convenciones sociales. así como el grupo de los Nabis (Maurice Denis. Anatole France. James McNeill Whistler. Gogh. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo. José María de Heredia y Charles Baudelaire. Frédéric Mistral. apreciable en la atracción por el satanismo. Pierre Österreichische Galerie Belvedere Bonnard.122 La literatura simbolista destacó por su esteticismo y decadentismo. Lawrence Alma-Tadema. convirtiéndose en el fin último del artista. Destacaron: Gustave Moreau. reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. de (1902). con una composición algo ingenua y desestructurada. Vincent van Auguste d'Orsay. dando importancia a los instrumentos solistas: La buena canción (1892). de Gustav Klimt. Gabriel Fauré innovó con un lenguaje sonoro preciosista. Paul Claudel. que era elaborada. o la fascinación por el vicio y las desviaciones sexuales. Ferdinand Hodler y Gustav El beso (1908). destacando su carácter polisémico. con un sentido rítmico casi musical. el Conde de Lautréamont. surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista.

revistas. Biniaraix (Mallorca) trayectoria y su adscripción al arte de vanguardia. Gaspar Homar (ebanista). Koloman Moser (diseñador). Aubrey Beardsley. En su génesis fue determinante el aspecto publicitario del cartel. el modernismonota 15 también se desarrolló en pintura. así como hallamos la presencia de un joven Pablo Picasso. postales). René Lalique (orfebre). Moreau. Jan Toorop. También tuvo especial relevancia el movimiento inglés Arts and Crafts («Artes y Oficios»). Louis Comfort Tiffany (joyero y vidriero). de Santiago Rusiñol. que se adentró en el ambiente modernista alrededor del año 1900. nuevo género artístico a caballo entre la pintura y lasartes gráficas. de Lawrence Aristide Maillol. Júpiter y Sémele (1894. por su carácter ornamental. En el resto de Europa. el mosaico. con un estilo caracterizado por una temática naturalista de ambiente sombrío.126 En literatura. así como los españoles Salvador Rueda y Eduardo Marquina. que puede ser luego realizada por diversos artesanos. con una cierta influencia del impresionismo francés. Modernismo En paralelo a la arquitectura. Fernand Khnopff. el mexicano Amado Nervo. que defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas tradicionales de fabricación. etapa fauvista (1900-1901) y en el simbolismo de la «época azul» (1901- 1904). la vidriería. 1895). la joyería. de Gustave (1888). Josep Llimona y Miguel Blay. Entre sus principales artífices destacaron Émile Gallé (ceramista y vidriero). de Oscar Wilde. París. el moldeado en yeso. En escultura cabe mencionar a Eusebi Arnau. Entre los diversos artistas dedicados a la pintura o el cartel conviene recordar aAlfons Mucha. estipulando que el arte debe ser tan útil como bello. Otros exponentes fueron el cubano José Martí. etc. de influjo simbolista. El modernismo. En un llamado «posmodernismo»nota 16 se encuentran nombres como Isidre Nonell y Joaquim Mir. el argentino Leopoldo Lugones y el colombiano José Asunción Silva. para ser luego reproducido en serie. la forja. para desembocar finalmente en elcubismo. se suele vincular el modernismo a la obra del nicaragüense Rubén Darío. colección Schlossplatz. surgiendo una notable escuela en Cataluña. promovido por John Ruskin y William Morris. particular. especialmente al cartelismo. aunque pronto se dedicó también a la divulgación de eventos y a la propaganda política e institucional. practicado por el mismo Rusiñol y por artistas como Alexandre de Riquer. Más tarde se recibió la influencia del simbolismo.Las rosas de Heliogábalo La noche (1902). como podemos ver en su (1901). con artistas como Ramon Casas y Santiago Rusiñol. etc. el peruano José Santos Chocano. Museo Gustave Alma-Tadema.125 A ello ayudaron los nuevos procedimientos industriales. ya que se basaba en un diseño realizado por un pintor o ilustrador . hecho que supuso un cambio en su El valle de los naranjos. Moreau. especialmente la carpintería. etc. Cobró especial relevancia el diseño. la pintura modernista estuvo muy ligada al mundo del diseño y la ilustración. Con el mismo afán modernizador podemos situar también aquí la denominada . inaugurador de las letras modernas españolas con un lenguaje esteticista de gran riqueza formal. Adrià Gual y Joan Llimona. el proceso creador del artista. Stuttgart. supuso una gran revitalización de las artes aplicadas. que materializa su creación en el bosquejo de la obra. la impresión (libros. que permitían la fabricación en serie. la cerámica. México.

Tiara con forma de gallo.nota 17 Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones de Joseph Nicéphore Niépce. destacando Jacinto Verdaguer y Joan Maragall. sin embargo. El Ángel Exterminador (1895). Antonio Machado. Ramón Menéndez Pidal. Pese a ser una realización puramente técnica. Miguel de Unamuno. La construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre supuso un nuevo adelanto. supuso un gran impulso en la renovación de la literatura española. cementerio de Comillas Utile (1896). (Cantabria). de René Lalique. John Frederick William Herschel. pequeña cámara cargada con 100 clichés. Destacaron autores como Ramón María del Valle-Inclán. consiguiendo impresionar placas metálicas y fijar la imagen con un baño desal y mercurio. pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio. fue el creador del término fotografía. frente al pesimismo por la pérdida de las últimas colonias españolas. pues la obra resultante podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen. Jacinto Benavente. Josep Llimona. diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen. la primera placa fotográfica en color A ( utochrome) no llegó a los mercados hasta1907. de Biscuits Lefèvre- Madrid. de Ramon Casas. en negativo sobre papel. a través del principio de la cámara oscura. La primera fotografía en color fue obtenida por James Clerk Maxwell en 1861. En 1888 George Eastman lanzó la película de celuloide y el aparato Kodak.Generación del 98 que. litografía de Alfons Mucha. especialmente en cuanto a contenido. pronto la fotografía pasó a ser considerada una de las artes.127 La carga (1899). e instantánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100 de segundo). derivada de la labor de percepción. Así. MNCARS. etc. a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. que en 1835 inventó el negativo. En Cataluña se dio el movimiento de la Renaixença. mientras que en Galicia el Rexurdimento contó con figuras comoManuel Curros Enríquezy Eduardo Pondal. . Azorín. Fotografía En el siglo XIX apareció una nueva tecnología que permitía captar imágenes del natural. Juan Ramón Jiménez. así como negativo y positivo. Pío Baroja. que permitía sacar diversas copias de la imagen obtenida. Otro precursor. Otro de los pioneros fueWilliam Henry Fox Talbot. que logró la primera fotografía en 1816. concretamente la octava. Hippolyte Bayard logró en 1840 la fotografía en positivo directo. Ramiro de Maeztu.

El Arquitectura siglo XX ha supuesto una pérdida del concepto de belleza clásica para Artículo principal: Arquitectura del siglo XX conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador. especialmente en cuanto a la plasmación de conflictos bélicos. de John Thomson. environment). Igualmente apareció la fotografía documental. John Thomson.129 Fuente. Pencil of Nature (1844). efímera. del arte no comercial (arte conceptual. Surgieron así los movimientos de vanguardia. Hay una revalorización del arte activo. simplemente el dominio de la técnica. este tenía la pretensión de hacer fotografías con una composición de tipo pictórico. de la acción. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto. como primer libro ilustrado. dedicados en principio sobre todo al retrato.128 Siglo XX El arte del siglo XX padeció una profunda transformación: en una sociedad más materialista. etc. siendo las guerras de Crimea y de Secesión americana las primeras en ser retratadas.A partir de entonces la fotografía se popularizó. Ha cobrado gran importancia el urbanismo. fomentado por el nuevo aspecto consumista de la civilización occidental. con especial atención a las nuevas tecnologías y a su ubicación medioambiental. con influencia del impresionismo. que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una idea más racional del espacio. no al intelecto. ya que es este último el que interpreta la obra. Oscar Gustav Rejlander. Julia Margaret Cameron. happening. de Marcel Duchamp. Étienne-Jules Marey. Eadweard Muybridge. pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. el arte se dirige a los sentidos. de la manifestación espontánea. una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. el actual de concepto. David Octavius Hill. Jacob August Riis. buscando una mayor interrelación artista-espectador. Entre los fotógrafos más destacados del siglo XIX se puede citar a Gaspard-Félix Tournachon. artístico fotográfico. ha cobrado especial relevancia el concepto de moda. Isla Pagoda en la desembocadura del río Min(1870). . André Adolphe Eugène Disdéri. siendo pioneros los álbumes de Excursions Daguerriennes (1841-1842) y. a la vez que el auge de las comunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estudios de ingeniería aplicados a la arquitectura. más consumista. ya que era un medio que no requería grandes cualidades personales. apareciendo numerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mundo en imágenes. También apareció la fotomecánica y las primeras publicaciones ilustradas. Louis Désiré Blanquart-Evrard. Surgieron los primeros estudios y laboratorios fotográficos. Igualmente. que pretendían integrar el arte en la sociedad. La fotografía supuso una gran A finales de siglo se empezó a considerar la fotografía como un revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y arte. aunque posteriormente a todo tipo de eventos y a imágenes del natural. de Fox Talbot. estructurado de forma más depurada y funcional. surgiendo el pictorialismo como primer movimiento el XX. La arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas tradicionales hasta los movimientos de vanguardia.

El futurismo también tuvo alguna manifestación arquitectónica. de líneas sencillas y funcionales. tomando como referencia los ambientes nocturnos deLas Vegas. Le Corbusier. Jacques Herzog. Por último. basado en las posibilidades otorgadas por las nuevas tecnologías. con sus luces de neón y su escenografía decorativista (Robert Venturi. etc. desde 1975 se ha desarrollado la arquitectura posmoderna. con grandes escalas. Rafael Moneo. y materiales de orden industrial (ladrillo. vidrio). Pierre de Meuron. representado por el grupo inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio. Sverre Fehn. Oscar Niemeyer. Entre las últimas tendencias arquitectónicas se ha producido una gran diversidad de estilos y movimientos. hormigón. con nombres como Bruno Taut. en los años 1960 apareció el high-tech. representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. vidrio). opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura. Rem Koolhaas). estructuras flexibles y formas orgánicas (Kenzō Tange. caracterizado por la fragmentación. el proceso de diseño no lineal y la manipulación de las estructuras (Frank Gehry. en los años 1980 se dio el deconstructivismo. cabe reseñar la vertiente arquitectónica del constructivismo ruso. Entre sus figuras sobresalen: Walter Gropius. renunciando a la Pensilvania. La arquitectura del siglo XX ha tenido un desarrollo independiente del resto de las artes. tanto a nivel práctico como estético (Norman Foster. Peter Zumthor. la arquitectura pop destacó el carácter urbano y las tipologías populares. que es igualmente sencillo y funcional. como en el resto de artes plásticas: en los años 1950 surgió el denominado brutalismo en paralelo al expresionismo abstracto. Glenn Murcutt. Arata Isozaki). representado por el grupo italiano Tendenza y el estadounidense Five Architects. donde se inició un programa ligado a la revolución que buscaba una arquitectura funcional que satisficiese las necesidades reales de la población. de en la razón. acero. Eero Saarinen. Jørn Utzon. Tenemos así la arquitectura expresionista. aunque lo utópico de sus formulaciones impidió en muchos casos su realización material. Alvar Aalto. estuvo representado principalmente por Konstantin Melnikov. Louis Kahn y Anne Tyng). Richard Buckminster Fuller). Denise Scott Brown). José Luis Sert. Richard Rogers. Álvaro Siza. Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada Casa de la Cascada (1939). Ricardo Bofill. Santiago Calatrava. Zaha Hadid. destaca la obra de Antonio Sant'Elia.130 . primando la estructura sobre el acabado (Alison y Peter Smithson. Pero la principal tendencia artística del siglo XX ha sido el racionalismo (1920- 1950) —también llamado «estilo internacional»—. Kishō Kurokawa). el neorracionalismo supuso en los años 1970 el retorno a las premisas funcionalistas. acero. basadas en formas geométricas simples Frank Lloyd Wright. Peter Eisenman. Bear Run. Entre otros arquitectos contemporáneos conviene destacar igualmente a Jean Nouvel. entre los años 1960 y 1970 surgió el antidiseño. Gerrit Thomas Rietveld y Truus Schröder. En el neoplasticismo holandés tenemos la obra de Jacobus Johannes Pieter Oud. etc. Frank Lloyd Wright. Ludwig Mies van der Rohe. especialmente el uso de hormigón y las formas orgánicas (Félix Candela. Erich Mendelsohn. Aldo Rossi. Luis Barragán. Ieoh Ming Pei. Frei Otto. Hans Poelzig y Fritz Höger. aunque en ocasiones ha ido en paralelo a algún determinado movimiento artístico. que como en las otras artes se basa en el eclecticismo y la reinterpretación de estilos anteriores (James Stirling. ornamentación excesiva y otorgando gran importancia al diseño. el metabolismo japonés respondía a las necesidades de una sociedad masificada. caracterizada por el uso de nuevos materiales y su fabricación en masa (ladrillo. caracterizado por las formas austeras. Pier Luigi Nervi. Renzo Piano). Eliel Saarinen. el llamado «diseño científico y estructural» puso énfasis en las nuevas posibilidades de la técnica. basadas en la pureza del material.

Ludwig Mies van der Rohe. reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico. llamado actualmente Biosphère. Galleria d'Arte Moderna. se formó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner. las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función. de Umberto Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen. los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo. donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—. Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano. ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. la mecánica cuántica). Barcelona (1929). Milán. Otros exponentes fueron el Grupo de Viena (Egon Schiele. Erich Heckel. Montreal. en Île Sainte- Hélène. Albert Marquet. de Exposición Internacional de Chandigarh (1952). también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. André Derain. deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Fauvismo (1905-1908): primer movimiento vanguardistanota 18 del siglo XX. Paul Klee). obra de Corbusier. Oskar Kokoschka) y la Escuela de . Pabellón de Alemania para la Corte Suprema de Ópera de Sídney (1956). Vanguardismo En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson. Franz Marc. espacio (1913). Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James Ensor. la relatividad de Einstein. Expresionismo (1905-1923): surgido como reacción al impresionismo. de Richard Buckminster Fuller. aplicándole valores emotivos y expresivos. y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski. Emil Nolde). Karl Schmidt-Rottluff. Raoul Dufy. Por otra parte. que es concebido de modo subjetivo y personal. Boccioni. Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista. asiático. August Macke. oceánico). el fauvismo supuso una experimentación en el terreno del color. Formas únicas de continuidad en el Destacan Henri Matisse. independientes respecto a la naturaleza. Pabellón estadounidense de la Expo 67. de Le Jørn Utzon.

Chaïm Soutine). la fantasía.131 Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías científicas. que denotaba además la interrelación entre las diversas artes. La pintura surrealista se movió entre la figuración (Salvador Dalí. y Umberto Boccioni en escultura. El arte pierde todo aspecto real y de imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista. sello distintivo de los futuros movimientos de vanguardia. Fue el primer movimiento que se proclamó con un manifiesto (redactado por Filippo Tommaso Marinetti). El futurismo aspiraba a transformar el mundo. René Magritte. que ya se encargaban de plasmar la realidad. que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón. Figuras individuales serían: José Gutiérrez Solana. con visión simultánea de los objetos. futurismo y orfismo (Mijaíl Larionov. y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía y el cine. La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso. Oswaldo Guayasamín. lo absurdo de la existencia. como el collage. Destacan Hans Arp. una gama de colores fríos y apagados. Surrealismo (1924-1955): con un claro precedente en la pintura metafísica (Giorgio de Chirico. En escultura destacan Henry Moore. Anton Pevsner y Naum Gabo. Carlo Carrà). reivindicando la duda. y una nueva concepción de la obra de arte. Marc Chagall. como se percibe en su concepto de «escritura automática». etc. Juan Gris y Fernand Léger. Max Ernst) y la abstracción (Joan Miró. donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte. David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo. el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte. la velocidad y la simultaneidad de la acción. Iniciado por Vasili Kandinski. Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz. junto a Georges Braque. Constant Permeke. Francis Picabia. Una derivación del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay. Cândido Portinari. Jacques Lipchitz. expresar sus sentimientos. Georges Rouault. mediante una reflexión sobre las formas puras artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo. Paul Delvaux. con una fuerte influencia del psicoanálisis. que generan una serie de obras de estilo abstracto. por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional. así como el rayonismo ruso. Le Corbusier). destacando aspectos de la realidad como el movimiento. el surrealismonota 19 puso especial énfasis en la imaginación. así como Alexander Archipenko. el fotomontaje y los ready-made. Destacan en pinturaGiacomo Balla y Gino Severini. Jean Metzinger. el purismo fue un movimiento poscubista (Amédée Ozenfant. uno de los grandes genios del siglo XX. organizando el espacio de acuerdo con una trama geométrica. con la introducción delcollage. y Georges Vantongerloo en escultura. Esto se traduce en un lenguaje subversivo. Diego Rivera. En México tuvo su expresión en el muralismo de José Clemente Orozco. Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción a los desastres de la guerra. Alberto Giacometti y Alexander Calder. Constructivismo (1914-1930): surgido en la Rusia revolucionaria. Natalia Goncharova). Una variante fue el suprematismo de Kasimir Malevich.París (Amedeo Modigliani. el azar. Max Beckmann). a cambiar la vida. e influyó en la obra de Frida Kahlo. mostrar la pureza del inconsciente. con tendencia a la geometrización. Futurismo (1909-1930): movimiento italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del siglo XX. En escultura destacaron Ernst Barlach. con figuras como Piet Mondrian y Theo Van Doesburg en pintura. mostrando un concepto idealista y algo utópico del arte como motor de la sociedad.132 . Pablo Gargallo y Julio González en escultura. Albert Gleizes. Igualmente. fue un estilo comprometido políticamente que pretendía a través del arte realizar una transformación de la sociedad. También se suele considerar como una derivación del expresionismo el grupo Nueva Objetividad (George Grosz. Cubismo (1907-1914): este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista. Yves Tanguy). en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. se produjo la génesis del arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad. Destacan Vladimir Tatlin. síntesis de cubismo. sino su mundo interior. el mundo de los sueños. André Masson. Constantin Brâncuşi. Kurt Schwitters y Marcel Duchamp. Lissitzky. fue desarrollado por el movimiento neoplasticista (De Stijl). Otto Dix. experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición.

En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto —también llamado action painting—. Jean Fautrier. retornando a las formas clásicas del arte. sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. composición. láser.133 Informalismo (1945-1960): conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista. Últimas tendencias Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva. que asume el protagonismo por encima de cualquier temática o composición. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte. de Eduardo Chillida. En España surgieron los grupos El Paso (Antonio Saura. y entroncaron con el movimiento beat y los angry young men. Modest Cuixart). Saint (Hertfordshire). Lucio Fontana. Mark Rothko. como el arte de acción y el arte conceptual. sin carácter reivindicativo. Surgió así el arte postmoderno. Es un arte eminentemente abstracto. con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. y viceversa—. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock. caracterizado por la utilización de la técnica del dripping. Stevenage Kirchner. hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte:video. Por último. Mildred Lane Moore. Jean Dubuffet. con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. Nueva figuración (1945-1960): como reacción a la abstracción informalista surgió un movimiento que recuperó la figuración. Louis. el rigor de unos sucede al exceso de otros. Missouri. se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte. el art brut y la pintura matérica. Hans Hartung. Gracias) (1917). de Juan Gris. holografía. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofía existencialista y su visión pesimista del ser humano. de Theo van (1950). volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. Incluye diversas corrientes como el tachismo. el chorreado de pintura sobre la tela. Destacan Georges Mathieu. etc. informática. donde cobra relevancia el soporte material de la obra. Barcelona. Museo Chicago. y renunciando a su carácter revolucionario y la Creueta del Coll. Kemper Art Museum. Fränzi ante una silla Retrato de Picasso Composición VII (Las Tres Family Group tallada (1910). Madrid. de Henry Ernst Ludwig Instituto de Arte de Doesburg. En escultura cabe citar a Jorge Oteiza y Eduardo Chillida. etc. de (1912). donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos. Manolo Millares) y Dau al set (Antoni Tàpies. internet. aceptando su componente material y Elogio del agua (1987). Thyssen-Bornemisza. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material. Franz Kline y Willem de Kooning. donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen. Entre sus figuras se puede mencionar a . transformador de la sociedad. sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que ésta fuese realista. aplicación preconcebida del color). renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura. Parque de estético.

Jesús Rafael Soto. Nam June Paik y los grupos Fluxus y Gutai. con un gran componente de improvisación. afirmando que el arte está en la idea. Dan Flavin. César Baldaccini. de acusada simplicidad. sino el mensaje inherente a la imagen filmada. depurado al planteamiento inicial del autor. Cindy Sherman. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista (Jenny Holzer. John Salt. Son obras de carácter abstracto. destacaron en el pop art Andy Warhol. arte povera. reducidas a un mínimo motivo. Minimalismo (1963-1980): con un antecedente en la Nueva abstracción o Abstracción postpictórica (Barnett Newman. Arte conceptual (1965-1980): tras el despojamiento matérico del minimalismo. con el cuerpo humano como soporte de Cáceres. con un marcado componente efímero (Christo. Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición de nuevas tecnologías desde los años 1960 (televisión. Julio Le Parc. Galería Iris Clert). etc. al contrario que el informalismo. Yaacov Agam. etc. sin embargo. Arte de acción (desde 1960): son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística. (Gilbert and George. Estéfano Viu). Yoko Ono. Walter de Maria. el ¿Por qué el proceso entre arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso Pilatos y Jesús duró mental de la creación artística. Arte cinético (desde 1950): también llamado op-art (arte óptico). con un marcado componente de inspiración popular. Donald Judd y Sol LeWitt. 1961). Barbara Kruger. especialmente en los efectos ópticos. etc. etc. Piero Manzoni. es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte. Dan Sandin. que utiliza la naturaleza como soporte. Klein y Manzoni fueron antecedentes del arte conceptual: Klein con sus antropometrías y sus cosmogonías (pinturas expuestas a los elementos: fuego. Elvideoarte surgió en 1965 con la aparición de la primera cámara de video portátil (la Portapak de Sony). así como Germaine Richier y Fernando Botero en escultura. centrado en las instalaciones. Richard Serra). bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Asger Jorn. Robert Smithson. Allan Kaprow. donde vendió el espacio vacío de una galería. Dennis Oppenheim). que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas. Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante. Destacan Victor Vasarely. generalmente de materiales detríticos Museo Vostell. George Segal. en el que además del artista interviene a menudo el público. la performance. etc. y los escultores Carl Andre. James Rosenquist.Francis Bacon. Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa. Bill Viola. Eusebio Sempere. En esta modalidad destaca no sólo su componente físico — la emisión de imágenes. el land-art. el environment. Eduardo Paolozzi. Destacan Chuck Close. informática) ha supuesto una gran revolución para el arte no sólo en cuanto a nuevos soportes y materiales. de Wolf Vostell. generalmente en el marco de instalaciones o performances—. Jannis Kounellis). Engloba diversas manifestaciones artísticas como el happening. ya sea . sino a nuevas formas de expresión que han ampliado los límites del arte. Niki de Saint Phalle. englobando una serie de autores que retornaron a la figuración. Kenneth Noland) el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que desembocaría en el arte conceptual. Nicolas de Staël y los miembros del grupo CoBrA (Karel Appel. Richard Hamilton y. el cómic y los medios de comunicación de masas. Tony Oursler. Claes Oldenburg. imágenes persistentes. el (1996). Jasper Johns). Antonio López García y. el bio-art. Wolf Vostell. el body-art. lluvia) o con su exposición Vacío (1958. la fotografía. Tom Wesselmann. que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles. video. Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman. Roy Lichtenstein. Exponentes de esta modalidad son Nam June Paik. en escultura. compositivo. Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico. Malpartida (Mario Merz. con especial predilección por los materiales detríticos. del que extraen —al contrario que en el pop art— su aspecto más desagradable. fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. Yves Klein. Ralph Goings. Frank Stella. Bernard Buffet. Es un arte abstracto pero racional. y Manzoni envasando sus excrementos en lata (Merda d'artista. Sus representantes fueron Arman. Richard Estes. con un aspecto casi fotográfico. Ellsworth Kelly. Deborah Cherena). efecto de moiré). Pop art (1955-1970): surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto. del consumismo y la sociedad industrial. que usa técnicas biológicas (Joe Davis. Con un precedente en el llamado New Dada (Robert Rauschenberg. caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad. Robert Mapplethorpe. Judy Chicago) y el arte homoerótico (Paul Cadmus. Daniel Spoerri. no en el objeto. centrado en la relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth). queda plasmada en su fase inicial. sino el proceso creador. el más purista solamente dos minutos? de la conceptualidad. Corneille y Pierre Alechinsky). donde lo importante no es la obra en sí. Jean Tinguely. en escultura. la base sobre la que habría desarrollado la idea que. Lucian Freud. la instalación. tomando imágenes del mundo de la publicidad. Don Eddy. El sound art (o audio art) se basa en el sonido. Entre sus figuras destacan Joseph Beuys. famoso por sus figuras humanas enyeso.

no sólo como soporte sino por sus nuevas posibilidades creativas y.134 Hombre a caballo. etc. es el arte propio de lapostmodernidad. Julian Schnabel. Brian Eno). Sigmar Polke). la figuración libre. suponiendo una nueva forma de colaboración entre el artista y el público (Olia Lialina. (Laurie Anderson. Museo globos azules. Eric Fischl. de Liberación de 1001 The Umbrella Project Fernando Botero. el artista postmoderno. no pretenden hacer una labor social. el neomanierismo. «escultura (1991).. Miquel Barceló. Jörg Immendorff. y se integra en el arte a través de ensamblajes. performances. Markus Lüpertz. Ibaraki (Japón). Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida. Jerusalén. Heath Bunting. instalación de Israel. aerostática» de Yves artística de Christo. es autorreferencial. tecnológico o acústico. natural. etc. Estilos artísticos occidentales del siglo XX . Jake Tilson). Mimmo Paladino). Nicola De Maria. Keith Haring. Francesco Clemente. universalizar el arte. Georg Baselitz. en cambio. Klein. Jean-Michel Basquiat. videoarte. musical. o también diversos movimientos como la transvanguardia italiana (Sandro Chia. etc. Enzo Cucchi. por su aspecto interactivo. La informática e internet han supuesto igualmente un gran impulso para el arte. el neoexpresionismo alemán (Anselm Kiefer. Arte postmoderno (desde 1975): por oposición al denominadoarte moderno. especialmente. el arte habla del arte. David Salle. Destacan artistas individuales como Jeff Koons. instalaciones.

pero adquiriendo un sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta. conservando en muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales. el arte se ha estandarizado progresivamente hacia la universalización de estilos. y sobre todo en el XX con el auge de los medios de comunicación (radio.Globalización del arte Durante el proceso de colonización iniciado por las potencias europeas en el siglo XIX. Antiguas formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por factores como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos artísticos. internet) y el proceso de globalización cultural producido a nivel mundial. . televisión.

y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). más adaptado a las necesidades reales de la gente. Esta institución pretendía romper las barreras entre arte y artesanía. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición China/Vanguardia.nota 20 movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. Entre los artistas más destacados se puede citar a Ashira Olatunde (de Nigeria). como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y Bangalore. el grupo neoplasticista De Stijl desarrolló . En muchas partes de África el arte está marcado por la religión islámica. los sucesos de Tiananmen provocaron un nuevo retroceso. y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. Ajit Chakravarti y Nek Chand. Henry Tayali (de Zambia) y Eric Adjetey Anang (de Ghana). Zao Wou Ki y Wang Guangyi. Tarō Okamoto. Kuroda Seiki. que se abrió más a la Instalación del grupo japonés Gutai. como se hizo patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer. junto al que destacan nombres como Ram Kinker Baij. y otra occidentalista (Yōga). instalaciones y performances. Yoshitaka Amano. La pintura presentó entonces dos corrientes: una tradicional (Nihonga). abriéndose más al exterior y empezando a incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. la abstracción geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías. ligadas a las nuevas tecnologías.En el continente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de arte. mientras que en otras es más de signo cristiano. Igualmente. el arte se abrió a mediados del siglo XX a las formas de vanguardia. Santiago Martínez Delgado). y con una clara apuesta por eldiseño como base creadora. Este estilo se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes gráficas. El interés por el arte africano en Europa ha llevado a su producción con fines de exportación. Su diseño se basaba en la simplicidad. el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación cultural. incluyendo tanto obra pictórica como fotografías. si bien recientemente la nueva política aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas. Shigeko Kubota. El triunfo de larevolución comunista impuso como arte oficial en la Bienal de Venecia de 2009.135 Artes decorativas En el siglo XX las artes decorativas han tenido una rápida evolución. Dirigido principalmente a un público burgués. con una clara apuesta por la producción industrial. influencia occidental. social y tecnológica. etc. pero aún perduran las antiguas formas animistas. marcada por el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas. Yoshitomo Nara. Yayoi Kusama. que frente a la excesiva ornamentación del art déco introdujo un concepto de diseño más racional y funcional. Leiko Ikemura. Oskar Schlemmer. Michiko Noda. Shigeo Fukuda. hasta una nueva apertura en1992. produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. Nicholas Mukomberanwa (de Zimbabue). siendo el artista indio más cotizado el escultor Anish Kapoor. Chuta Kimura. Josef Albers. si bien la colonización europea introdujo el arte occidental. con un gran sentimiento de crispación y una agresividad latente. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy. Pan Yuliang. Isamu Noguchi y Etsuro Sotoo. Desgraciadamente. Johannes Itten. Paul Klee. Artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita. o las lámparas diseñadas por Marianne Brandt. que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía. En la India. Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas. en la Galería Nacional China de Pekín. que mostraba las últimas creaciones del momento. En Japón. En escultura existe igualmente la dualidad tradición-vanguardia. Más recientemente destaca la presencia en el terreno del arte de acción del grupo Gutai. Wu Guanzhong. Sankho Chaudhuri. remarcando el aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a la artesanía. Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son: Qi Baishi. Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con la Bauhaus. destacó por la ostentación y el lujo. el realismo socialista. principalmente máscaras y esculturas ornamentales de ébano o marfil. Yasumasa Morimura. El art déco también se dio en arquitectura (elChrysler Building de William van Alen) y pintura (Tamara de Lempicka. El fin de la era imperial supuso la modernización de China. La gran revitalización de esta actividad artística provino del art déco.

caracterizada igualmente por la crítica social y la búsqueda de unos nuevos valores humanos: John Dos Passos. Gottfried Benn. esta corriente está representada por André Malraux. de Maurice Ascalon. Destacaron Franz Kafka. con obras de denuncia de los valores burgueses que habían llevado a la guerra. como en la obra de Tristan Tzara. lo que ha generado una línea llamada styling (representada fundamentalmente por Raymond Loewy). Ezra Pound. así se aprecia en la obra de Marcel Proust. La segunda mitad del siglo XX ha estado marcada por el eclecticismo y la diversidad de tendencias. con un cierto continuismo de estilos anteriores. Lawrence Durrell y Virginia Woolf. de la subjetividad. suprimiendo los signos de puntuación («collage lingüístico»). El expresionismo criticó la sociedad burguesa de su época. Paul Éluard y Louis Aragon. Thomas Mann. Konstantinos Kavafis). de James Joyce. fibra de vidrio). Fernando Pessoa. El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esencia literaria. como podemos apreciar en James Joyce. Eliot. El surrealismo tuvo gran influencia de la psicología freudiana. de metáforas oníricas y delirantes. buscando deliberadamente un lenguaje caótico y absurdo. En Estados Unidos surgió la llamada «generación perdida». Georg Trakl y Rainer Maria Rilke. Ulises. John Steinbeck. El cubismo buscó nuevas formas sintácticas. incluso la violencia (tuvo estrechos contactos con el fascismo italiano). Dylan Thomas y Wystan Hugh Auden hacen una poesía . exaltando los adelantos técnicos. de introspección psicológica. que se tradujo en la técnica de la «escritura automática». Más adelante surgió un mayor compromiso social. El dadaísmo introdujo la anarquía en la génesis literaria. William Faulkner. T. la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar. atendiendo a las necesidades de mercado sin renunciar al proceso de modernización de la sociedad. Antoine de Saint-Exupéry. con diferentes tipos de letra y aparición de signos extralingüísticos. S.136 Literatura contemporánea En el siglo XX la literatura ha tenido —como el resto de las artes— una gran diversidad estilística. Scott Fitzgerald. como es el caso de la denominada «poesía pura» (Paul Valéry. de los sueños. hay una corriente más innovadora. Franz Werfel. de un lenguaje trascendente y metafísico. deshaciendo los poemas y dándoles un aspecto gráfico. la velocidad. en el virtuosismo estilístico y la profundización de los personajes. El principal campo de experimentación fue Diseño de objetos de usoart déco el de las vanguardias artísticas: el futurismo destacó por su afán modernizador. En contraposición. de búsqueda de unos nuevos valores morales. Alfred Döblin. moral y religiosa. con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos materiales (plástico. Portada de la primera edición (1922). donde autores como Jacques Prévert. en un estilo que buscaba la asociación insólita de palabras.un estilo interiorista basado en la simplicidad. George Orwell y Aldous Huxley. con un lenguaje simbólico y metafórico. no se analizan causas ni hechos. Hermann Hesse. defendiendo la destrucción de la sintaxis y la libertad de las palabras. la acción. Henry Miller y Ernest Hemingway. como la famosasilla roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld(1923). sino que el autor busca la esencia de las cosas. el militarismo. François Mauriac. y rompiendo con el pasado y experimentando nuevas formas y estilos en otros. las formas geométricas y los colores primarios. Ya no se imita la realidad. Pal-Bell. estuvo representado principalmente por Filippo Tommaso Marinetti y Vladimir Maiakovski. que pierde su aspecto lógico y comunicativo. sobre todo en poesía. la amarga experiencia bélica en la contienda mundial provocó una serie de obras de crítica de la guerra. evocando en sus obras el mundo del inconsciente. William Butler Yeats. En el ámbito de la narrativa. Georg Heym. Gertrude Stein. André Gide. de reflexión. destacando Guillaume Apollinaire. mostrando su particular visión. más centrada en la técnica literaria. etc. Destacaron André Breton. F. Eugenio Montale. Desde entonces el diseño industrial y de interior ha seguido por la vía de la creación intelectual y el diseño funcional. partiendo de premisas anteriores y cánones clásicos en algunos casos.

Gonzalo Torrente Ballester. Miguel Delibes. La narrativa es más innovadora. Los años de la dictadura producen una escisión: por un lado. Dario Fo. Álvaro Cunqueiro) y vasca (Esteban Urkiaga. Halldór Laxness. creador del teatro épico. Jorge Guillén. Tadeusz Kantor). etc. Miguel Ángel Asturias. Alfonso Paso y Fernando Arrabal. Orhan Pamuk. retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. de tono angustioso (Camilo José Cela. Mercè Rodoreda. vinculado al existencialismo (Antonin Bertolt Brecht. Hugo von Hofmannsthal). Nathalie Sarraute). que persigue el ideal de «poesía pura». Arnold Wesker). Juan Rulfo. Cobra cada vez mayor protagonismo el director teatral.137 En España. con Marguerite Yourcenar. Tolkien. etc. Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental. Antonio Gala. G. con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo. Kenzaburo Oé. gallega (Celso Emilio Ferreiro. Otros autores destacados son: George Bernard Shaw. Entre otros grandes autores del siglo XX merecen destacarse igualmente: H. Juan Marsé. la acción y el movimiento. y reivindicando el gesto. León Felipe). caracterizada por la preocupación existencial y el compromiso social: Jean-Paul Sartre. así como una nueva serie de novelistas encabezada por Truman Capote. John Boynton Priestley. En España destacan Federico García Lorca.inconformista e intelectualizada. con mayor profundización psicológica (método Stanislavski. En Hispanoamérica destacan: Alfonsina Storni. Jean Genet. Gerardo Diego. mientras que en Estados Unidos surgió la generación beat (Allen Ginsberg. Wen Yiduo. Leopoldo Panero). una literatura afecta al régimen que exalta los valores nacionales (Luis Rosales. José Luis Álvarez Enparantza). Pedro Salinas. Salinger y Norman Mailer. Vicente Aleixandre. César Vallejo. Jalil Gibran. Jaime Gil de Biedma. Vicente Huidobro. Harold Pinter. José Saramago. Josep Maria de Sagarra). Dámaso Alonso. Desde los años 1970 surge una nueva vitalidad en las letras. Más adelante surgió la Generación del 27. Mario Benedetti. evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. y los Angry young men. R. Alberto Moravia. William Burroughs. Eugene O'Neill. En los años 1950 surgió en Francia el nouveau roman («nueva novela»). Ernesto Sabato. aparecieron escritores anticonvencionales como Peter Handke y Günther Grass. Gabriela Mistral. de signo inconformista y antiburgués (John Osborne. Rafael Alberti. Cesare Pavese. J. destacando figuras como Manuel Vázquez Montalbán. Albert Camus). En el siglo XX se desarrollan la literatura catalana (Josep Carner. Robert Graves y Umberto Eco. la literatura del siglo XX comenzó con el llamado novecentismo. con cierta influencia del surrealismo (Federico García Lorca. Tennessee Williams. Augusto Roa Bastos. en el carácter visual del teatro y no sólo el literario. Octavio Paz. Italo Calvino. Jorge Luis Borges. Carles Riba. J. Simone de Beauvoir.138 Teatro contemporáneo El teatro del siglo XX ha tenido una gran diversificación de estilos. Jack Kerouac). Arthur Miller. Albert Camus. Actors Studio de Lee Strasberg). Guillermo Cabrera Infante. por otra. Salvador Espriu. Gabriel Celaya. En Alemania. etc. D. Alfonso Rodríguez Castelao. Naguib Mahfuz. Pär Lagerkvist. Miguel Hernández). Rudyard Kipling. Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía. Nikos Kazantzakis. José Hierro. Luigi Pirandello. Ramón J. . Samuel Beckett. representado por José Ortega y Gasset. Sholem Asch. Mika Waltari. Mario Vargas Llosa. Antonio Buero Vallejo. Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar: el expresionismo (Georg Kaiser. que muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena (Vsevolod Meyerhold. Ramón Otero Pedrayo. una literatura desarraigada. Miguel Mihura. En los años 1950 surgió el realismo social. centrado en el análisis frío y objetivo de la realidad (Alain Robbe- Grillet. Ana María Matute). Sénder. Carlos Fuentes. Peter Weiss. En esos años hay un renacer de la «novela histórica». Aleksandr Solzhenitsyn. Isabel Allende. Gabriel Aresti. el «teatro épico» (Bertolt Brecht. Rainer Werner Fassbinder). Ramón Gómez de la Serna y Eugeni d'Ors. Mihail Šolohov. Artaud. el «teatro del absurdo». Alfred Jarry. Jaroslav Hašek. Se avanza en la técnica interpretativa. con un mayor afán vanguardista. Erwin Piscator. Rómulo Gallegos. literatura más comprometida que denuncia la injusticia y la falta de libertad (Blas de Otero. Salvatore Quasimodo. Wole Soyinka. José Agustín Goytisolo. etc. Josep Pla. Fritz von Unruh. Ramón Pérez de Ayala. Carmen Laforet. etc. Alejandro Casona. Julio Cortázar. Pablo Neruda. Eugène Ionesco. Alejo Carpentier. Wells. Gabriel García Márquez. Rabindranath Tagore. R. Luis Cernuda. Boris Pasternak. Yukio Mishima. Max Reinhardt. Nicolás Guillén. con afán reformador (los llamados «Novísimos» en poesía).

Lady Macbeth Gershwin. la música concreta de Pierre Schaeffer y Pierre Henry. Els Comediants y La Fura dels Baus.140 La ópera en el siglo XX ha mantenido vigente el repertorio anterior. Arthur Honegger). Alberto Ginastera (Bomarzo. 1946. . Los nuevos directores han agregado a este «teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia. también llamado «sinfonismo soviético»— recuperó las formas clásicas. Kurt Weill). El Porgy and Bess. Luca Ronconi). el neotonalismo de Arvo Pärt y Henryk Górecki. si bien ha existido una copiosa y excelente producción. que se continúa representando con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo. 1930). Gian Carlo Menotti (La médium. el poliestilismo de Luciano Berio. de igual forma. Ferruccio Busoni). el divertimento y el exhibicionismo P ( eter Brook. la atracción a centros tonales (Arnold Schönberg. Francis Poulenc. de Alban Berg. Anton von Webern). 1922). buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador (The Living Theatre. pero en series. El teléfono. las innovaciones producidas en este terreno no han gozado de gran éxito entre el público mayoritario. y el arte dramático recupera en cierta forma su antigua ambición de «teatro total». de Sergei Theater. Edgar Varèse). de Igor Stravinski. Alban Berg. El lenguaje oral queda así doblado por el visual. Igor Stravinski. el futurismo experimentó con el ruido y los sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana (Luigi Russolo. Ariadne auf Naxos. 1961. el neoclasicismo —ligado en Rusia al realismo socialista. de Arnold Schönberg. Giulietta e Romeo. acciones de happening). el expresionismo pretendía desligarse de los fenómenos objetivos externos. Muerte en Venecia. destacaron el expresionismo y el dodecafonismo: Moisés y Aarón (1926). 1914. y el new age de Michael Nyman y Wim Mertens. introduciéndose posteriormente en el ámbito de las vanguardias artísticas: el cubismo tendió a la deshumanización. 1967). que se utilizaban en cualquier orden.Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico. Esto se pone de manifiesto en varios grupos españoles. 1905. Pierre Boulez y Luis de Pablo. pero reinterpretándolas. y sin renunciar a los nuevos adelantos vanguardistas (Carl Orff. Giorgio Strehler. el dodecafonismo fue un sistema basado en los doce tonos de la escala cromática. El sueño de una noche de verano. fuera de toda regla y toda convención Darius ( Milhaud. la «música estadística» de Iannis Xenakis. sin repetir una nota antes de haber sonado las otras. 1950). siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando principalmente su estado anímico. basada en el concepto de consumo de masas para elaborar obras de sencilla construcción y accesibles a todo el mundoPaul ( Hindemith. el minimalismo de Philip Glass.139 Música contemporánea En el terreno musical la transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo de Richard Strauss. 1947). El postromanticismo contó con la gran figura de Richard Strauss (Salomé. evitando la polarización. Sergéi Rajmáninov). surgiendo el concepto de Gebrauschmusik («música utilitaria»). el verismo italiano continuó en un llamado «posverismo» representado principalmente por Riccardo Zandonai (Francesca da Rimini. produciendo nuevas técnicas y efectos sonoros. teatro-laboratorio de Jerzy Grotowski. y Guerra y paz (1946). 1947. Gustav Holst. Sergei Prokofiev. 1938). o el grupo canadiense Cirque du Soleil. Dimitri Shostakovich. Desde mediados de siglo ha continuado la experimentación y la diversidad de conceptos musicales. A nivel vanguardista. 1935). como la música electrónica de Karlheinz Stockhausen. Prokofiev. El cónsul. la música aleatoria de John Cage. Más recientemente destaca la obra de Benjamin Britten. sin ornamentos (Erik Satie). los «ámbitos sonoros» de Luigi Nono. Otros exponentes son: Kurt Weill (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny. el serialismo de Olivier Messiaen. como Els Joglars. Krzysztof Penderecki y György Ligeti. Charles Ives. Paul Hindemith (Matías el pintor. mientras que a nivel productivo. de George neoclasicismo dejó obras como Edipo rey (1925). Witold Lutoslawski y Cristóbal Halffter. por el New York Harlem de Mtsensk (1936). Gustav Mahler y Aleksandr Skriabin. de Ernst Krenek. de Dimitri Shostakovich. George Gershwin (Porgy and Bess. Luigi Dallapiccola. Jonny spielt auf (1927). a la esquematización y a las construcciones lineales. la Nueva Objetividad aportó una visión más realista y social de la música. el ultracromatismo amplió la escala musical a grados inferiores al semitono —cuartos o sextos de tono— (Alois Hába. A principios de siglo. Wozzeck (1925) y Lulú (1935). 1912). Francis Poulenc (Les mamelles de Tirésias. 1945. de gran valor dramático (Peter Grimes. 1973). etc.

Otro gran hito de la época fue el West Side Story (1957) de Jerome Robbins. más abierta a la improvisació n. Rolling Stones. el punk. y Espartaco (1957). Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarina Mary Wigman. y auténticos fenómenos de masas en torno a diversos grupos e intérpretesElvis ( Presley. y se produjeron obras memorables como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945). En el siglo XX también han tenido un gran auge los espectáculos musicales. el pop. su obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» — sólo danza. la aleatoriedad (chance choreography). introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las Danzas polovtsianas de El Príncipe Igor de Borodin (1909). aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail Baryshnikov. a la espontaneidad. hilo musical. En Francia. La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico.También ha tenido mucha importancia lamúsica popular. Madonna. casete. que ha generado diversos estilos musicales como eljazz. sin hilo argumental—. De forma independiente. y produjo espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores coreógrafos del siglo. el ska. perdiendo gran parte de su creatividad. gracias sobre todo a la labor de Serge Lifar. disco compacto. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo de los Ballets Rusos en París. Andrew Lloyd Webber. etc. Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia. Doris Humphrey y Agnes De Mille. el caos. Bremen. el heavy.). Martha Graham. quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma. En los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce Cunningham que. etc. de Aram Khachaturian. de August Macke. Ennio Morricone. inspirada en ideales griegos. Bruce Springsteen. . pedagógico ideado por Agrippina Vagánova. Maurice Jarre. hecho que ha generado una fuerte controversia que aún perdura. Leonard Bernstein. Bob Dylan. donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. coreografía de Léonide Massine. de Stravinski. libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. con música de Erik Satie. que se ha convertido en un aspecto indispensable del ocio moderno. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política. gracias en primer lugar a pioneras como Ruth Saint Denis. el blues. Frederick Ashton. donde había escasa tradición. También alcanzó notoriedad el sistema Kunsthalle. Antony Tudor. El aspecto consumista de la civilización actual. Michael Jackson. Kenneth MacMillan. el soul. formatos informáticos de audio. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky. Nino Rota). En Estados Unidos. Roland Petit y Maurice Béjart. la industria discográfica ha sufrido un 141 progresivo declive debido a lasdescargas ilegales en internet. el Ballet de la Ópera de París volvió al esplendor de la era romántica. y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Anna Pavlova y Tamara Karsavina. buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal. The Beatles. Ninette de Valois. al tiempo que ha cobrado un creciente protagonismo la banda sonora cinematográfica (John Williams. Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban. influido por el expresionismo abstractoy la música aleatoria de John Cage. la aparición de nuevas tipologías (radio. el rock. video-clip) y la introducción de nuevos soportes de grabación musical (disco de vinilo. con la proliferación de conciertos y recitales. el rap. de Prokofiev. donde fundó la School of American Ballet. como el cabaret y el music hall. etc. por último. Margot Fonteyn. así como el despuntar de los Estados Unidos. Danza contemporánea La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del siglo XIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica. mp3) han favorecido la popularización de la música. Vangelis. liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo. En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Rambert. En los últimos tiempos. Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Henry Mancini. la gran figura de principios de siglo fue Isadora Duncan. se consiguió en poco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y profesionalización. poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos. al que siguieron El pájaro de fuego (1910). En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica. Ballet ruso (1912). el reggae. El ruso George Balanchine —surgido de la compañía de Diágilev— se instaló allí en 1934. introdujo la danza basada en la casualidad. que introdujo una nueva forma de bailar.

entre los que se puede remarcar: foxtrot. Robert Frank. Por último. Agustí Centelles. moonwalk. de Alberto Korda. rumba. Gerda Taro. bolero. de los sueños. En este último destacó Man Ray. charlestón. Albert Renger-Patzsch) crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como medio expresivo. modelando las formas y destacando las texturas. Otros coreógrafos posmodernos fueron Glen Tetley. donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional. Emmanuel Sougez. representada por Jiří Kylián y Hans van Manen. fotografía también ha estado muy unida a lamoda y la publicidad. generando movimientos paralelos como la photographie pure francesa y la straight photography estadounidense. Jacques-André Boiffard. los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos. salsa. Otto Steinert. Raoul Ubac). con revistas como Berliner Illustrierte Zeitung y Münchner Illustrierte Presse. conga. Irving Penn. René Burri. Alfred Stieglitz fundó la Photo- Secession. En el siglo XX la reproducidas del siglo XX. Alvin Ailey y Twyla Tharp. destacando Alvin Langdon Coburn. el hiperrealismo y el arte conceptual. Desde la Segunda Guerra Mundial la fotografía ha seguido unida al periodismo —especialmente con el auge de agencias como Magnum—. que mostró la vida urbana con una emotividad artística. y donde también se formó el español Nacho Duato. de película instantánea. Karl Blossfeldt. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos. Otra innovación del dadaísmo fue el fotomontaje. En el período de entreguerras surgieron una serie de fotógrafos que retrataron la crudeza de la realidad circundante.Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad. y se vinculó a movimientos como el dadaísmo. William Klein. desde las orientales hasta las folclóricas. rock and roll. es una de nueva cámara —la Leica (1925)— con objetivos intercambiables y rollos de 36 las fotografías más famosas y tomas. con un manifiesto inicial en su Duet (1957).143 . asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del siglo XX. samba. En Gran Bretaña surgió el vorticismo. la creación fotográfica se ha vinculado fuertemente a las nuevas tecnologías. chachachá. ligado al cubismo. Imogen Cunningham. en el siglo XX ha existido una gran diversidad de estilos. Durante la Primera Guerra Mundial y la siguiente posguerra nació el periodismo fotográfico. Jacques-Henri Lartigue. William Eugene Smith. los fotógrafos expresionistas alemanes (August Sander. creando imágenes ambiguas entre la figuración y la abstracción. Robert Doisneau. así como a la fotografía documental. originalmente en Alemania. En 1947 apareció la Polaroid. También ha estado fuertemente vinculada a las últimas tendencias artísticas. incorporando incluso movimientos de aerobic y kickboxing. Sebastião Salgado. Henri Cartier-Bresson. Spencer Tunick. Edward Weston. con una mezcolanza de estilos e influencias. etc. claqué. fecha de aparición de la fotografía digital. merengue. el surrealismo introdujo en fotografía el mundo del inconsciente. especialmente el pop art. Alberto Korda. así como la escuela holandesa. etc. Con la Revolución soviética. En Estados Unidos. Margaret Bourke-White y Dorothea Lange. como es el caso de Lewis Hine. El futurismo italiano estuvo ligado a la fotografía en movimiento (fotodinamismo).142 Fotografía del siglo XX En el siglo XX se extendió notablemente el uso de la fotografía. Helmut Newton. En las últimas décadas del siglo destacaron coreógrafos como William Forsythe y Mark Morris. tango. Entre los más afamados fotógrafos de este siglo destacan: Werner Bischof. A nivel de bailes populares. Brassaï. hustle. propiciada por la aparición de una (1960). La danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano. que llegó a hacer fotografías sin cámara. Robert Capa. Desde 1990. especialmente tras la crisis económica de 1929. como los elaborados por John Heartfield y Hannah Höch. Dora Maar. Joe Rosenthal. Raoul Hausmann. Jeanloup Sieff. en Rusia se impuso el realismo socialista. Pronto esta forma de La fotografía del Che Guevara fotoperiodismo se expandió por todo el mundo. André Kertész. La fotografía se integró plenamente a los movimientos de vanguardia: así. poniendo objetos sobre la película y exponiéndolos unos segundos a la luz. predominando el realismo fotográfico. twist. Annie Leibovitz. destacando la obra de Erich Salomon y Stefan Lorant. con la figura predominante de Aleksandr Rodchenko. las imágenes oníricas (Eugène Atget. break dance. preferentemente en el diseño por ordenador y los programas de retoque fotográfico. representado por Anton Giulio Bragaglia. pasodoble. Inge Morath. ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. comoPhotoshop. creador del «reportaje fotográfico».

con obras donde predominaba una cierta atmósfera de ensueño. representado por Jean Vigo. etc. Orson Welles. Cecil B. de signo antiintelectual. Porter. de Robert Wiene. siendo rápidamente considerado como el «séptimo arte». Uno de los grandes aportes al cine mudo fue el del cine soviético: conscientes del valor divulgativo del nuevo arte. Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética. En Francia. cuando menos. En sus inicios el cine era mudo. De carácter netamente industrial en cuanto a su aspecto productivo. guion literario. de delirio. El cubismo también tuvo su reflejo en la experimentación El gabinete del doctor Caligari rítmico-plástica del Ballet mecánico (1924) de Fernand Léger. con la película Don Juan. ambas de Alan Crosland. DeMille. traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados y maquillajes. Alain Resnais. que se nutrió de la . como los géneros y los personajesarquetipo. René Clair y Jean Renoir.Cine Una de las grandes revoluciones artísticas y audiovisuales del siglo XX ha sido el cine: a partir de la invención del cinematógrafo en 1895 por los hermanos Lumière. Aleksandr Dovzhenko. Michael Curtiz. Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las vanguardias artísticas de la época: el cine expresionista alemán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad. 1927) y Germaine Dulac (Arabesque. 1921). se sucedieron en esos años diversos movimientos de gran relevancia: en Francia apareció el «naturalismo poético». que sería primordial para acompañar numerosas escenas. Elia Kazan. inquietantes. que podían ser más ricos en diálogos —lo que llevó a nuevos registros interpretativos por parte de los actores— y. decorados. por otro lado. además de introducir lapsicología en la interpretación. Friedrich Wilhelm Murnau. caracterizado por la simbiosis entre el realismo descriptivo y el lenguaje poético. a la que siguió al año siguiente El cantante de jazz. Oskar Fischinger alemán. primero en rodar escenas plano-contraplano. David Wark Griffith. fueron sus mejores representantes Salvador Dalí y Luis Buñuel. ya que aúna imagen con sonido. François Truffaut. Raoul Walsh. etc. el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad. (Composición en azul. con un gran componente de introspección psicológica y expresión sentimental. con directores como King Vidor. El cine surrealista fue un fiel reflejo del carácter onírico de esta corriente. Georg Wilhelm Pabst. de Rouben Mamoulian. fue pionero en numerosos aspectos interpretativos y argumentales. sin sonido. Abel Gance y Jean Epstein. con el que consiguen metáforas visuales de gran impacto y calidad. así como efectos de luz. donde se forjó una poderosa industria cinematográfica que cristalizaría en Hollywood. Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch. que introdujo el montaje narrativo y los efectos de luz. Esta nueva particularidad comportó por una parte la mejora de los guiones. Dziga Vertov. los líderes revolucionarios rusos fomentaron la industria cinematográfica. que aparte de ser iniciador del star system hollywoodiense. la introducción de la música. surgiendo el llamado «cine de autor» (Claude Chabrol. Frank Capra. sino de locura. El siguiente avance tecnológico fue la introducción del color en 1935 con La feria de la vanidad. y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o. renovando el lenguaje cinematográfico a través del montaje. Hans Richter (Rythmus. etc. Jean-Luc Godard). el cine tuvo una primera y rápida implantación en Estados Unidos. con recursos como el flou y el flashback. de temática refinada y gran simplicidad estilística. influida por el existencialismo. obra realizar algunos filmes abstractos. eltiempo. 1930). Alfred Hitchcock. Fue esta la época dorada del cine estadounidense. Vsevolod Pudovkin. Allí surgieron algunos de los primeros genios del cine: Edwin S. interpretación. En Europa. donde cobra un papel relevante el montaje. y Charles Chaplin. y un naturalismo contrapuesto a la artificiosidad expresionista. 1921). vestuario. En Italia surgió el neorrealismo. estuvo representado por Louis Delluc. Con la incorporación de elementos tomados del teatro como los decorados y los efectos especiales —proceso iniciado por Georges Méliès—. hecho que no impidió la creación de una auténtica gramática visual que aportó la base principal de la narración cinematográfica. la sucesión cronológica de los hechos. Lev Kuleshov. Además introduce una nueva dimensión. y la nouvelle vague. tuvieron reflejo cinematográfico tanto el impresionismo como el surrealismo: el primero se tradujo en obras de elevado contenido intelectual y moral. En 1926 se introdujo el sonido. el cine ha tenido una rápida evolución tanto artística como tecnológica que lo ha convertido en un auténtico fenómeno de masas. obra de directores como Viking Eggeling maestra del cine expresionista (Sinfonía Diagonal. John Ford. maquillaje. William Wyler. Billy Wilder.nota 21 El cine es quizá uno de los medios artísticos más completos. que alcanzaría cotas elevadas con la obra de Sergei Eisenstein. Cabe destacar a Robert Wiene. George Cukor. Howard Hawks. Se llegaron incluso a (1919). Fritz Lang.

sin trucajes. Harold Foster con Príncipe Valiente (1937). etc. de Orson Japón se aunó la moderna tecnología con la temática tradicional. David Lynch. Adolfo Aristarain. con obras de denuncia social realizadas generalmente en ambientes obreros y rurales. Chester Gould y Dick Tracy (1931). que se influyeron mutuamente. En Brasil se produjo una escuela (cinema nôvo) que aglutinaba el legado folclórico con la denuncia social: Glauber Rocha. A mediados de siglo empezaron a cobrar importancia las cinematografías de países no occidentales. Max Ophüls. en localizaciones exteriores. En Ciudadano Kane (1940). que aportarían nuevas formas de entender el cine y una mayor frescura tanto en temáticas como en particularidades estéticas. Franco Zeffirelli. . Guillermo del Toro. considerada como la obra sentido estético que otorgaba gran importancia a la lírica visual (Akira Kurosawa. Carol Reed. Clint Eastwood. Se suele considerar como primera historieta la de The Yellow Kid. Leopoldo Torre Nilsson. Constantin Costa-Gavras. Raj Kapoor. Francis Ford Coppola. que presenta imágenes y —opcionalmente— texto (insertado a través de los llamados «bocadillos» para diálogos. Farah Khan y Sanjay Leela Bhansali. Zhang Yimou. Nagisa Ōshima). Mario Soffici). y «cartuchos» para texto al pie de imagen). Ang Lee. Stanley Kubrick. George McManus. Juan Antonio Bardem. caracterizado por una estética realista y temáticas de compromiso social (Lindsay Anderson. T iene pues su origen en losmedios de comunicación de masasaparecidos a finales del siglo XIX y principios del XX. En España se produjeron las primeras obras de importancia de la mano deLuis García Berlanga. Nelson Pereira dos Santos. que elevó la historieta a grandes cotas artísticas. Roberto Rossellini. siendo de remarcar la obra de directores como Woody Allen. Andrzej Wajda.145 Historieta La historieta —o cómic— es una narración ilustrada por medio de viñetas. géneros ni acción superficial. Uno de los últimos movimientos cinematográficos ha sido Dogma 95 (Lars von Trier. Posteriormente destacaronRudolph Dirks. Alex Raymond con Flash Gordon (1933). Otras cinematografías emergentes son la africana y la islámica (especialmente en Irán con Abbas Kiarostami). Sydney Pollack. destacando por su fantasía y creatividad. Mario Camus. Joseph L.146 Pasada la Primera Guerra Mundialaparecieron los primeros comic-books o revistas de historietas. Oliver Stone. Arturo Ripstein. etc. sin decorados ni más luz que la natural. Hergé y su Tintín (1930). Vittorio de Sica. destacando la obra de Walt Disney. George Herriman.144 Kenji Mizoguchi. En los años 1930 aparecieron algunos de los personajes y autores más reconocidos del mundo de la historieta: Buck Rogers de Dick Calkins (1929). con figuras míticas como Superman (1938). con preferencia por el tema mitológico y la presencia de música y danza tradicionales. cuyas películas de dibujos animados se convertirían en auténticos clásicos. También despuntaron las cinematografías mexicana (Juan Bustillo Oro. maestra de la historia del cine. Andréi Tarkovski. Miloš Forman. Søren Kragh-Jacobsen). Emilio Fernández) y argentina (Hugo del Carril. En las últimas décadas del siglo XX la producción cinematográfica ha oscilado entre el cine comercial y el cine artístico. Burne Hogarth y Tarzán (1936). John Huston. Terry y los piratas de Milton Caniff (1934). narrando una historia en sentido argumental y cronológico. por Bombay—. José Luis Garci. Ingmar Bergman y Victor Sjöström. con sonido directo y color. cine ascético y libre. destacan Luchino Visconti. Brian De Palma. Un gran filón para el cómic fueron los superhéroes. En Gran Bretaña se produjo el Free cinema. Carlos Saura. Mankiewicz. Tim Burton. Ruy Guerra. Wim Wenders. En la India se ha generado una fuerte industria cinematográfica que se ha denominado Bollywood —emulando la meca del cine estadounidense pero con B. de Winsor McCay. Otto Preminger. Roman Polanski. Steven Spielberg. Karel Reisz). Bernardo Bertolucci. Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. Pedro Almodóvar. Fernando Trueba. Martin Scorsese. con un particular Welles. En Cuba el impulso revolucionario favoreció la creación de una industria de signo documentalista pero gran calidad estética (Humberto Solás. Tomás Gutiérrez Alea). Vítor Lima Barreto. destacando Satyajit Ray. Ridley Scott. George Lucas. En 1905 apareció Little Nemo in Slumberland. Fred Zinnemann. para cobrar autonomía propia en ediciones independientes. Batman (1939) o el Capitán América (1941). etc. y comenzó la relación del cine con la historieta. Tony Richardson. Vincente Minnelli. aparecida en 1896 en el diario New York World (la camisa amarilla del personaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»). de Richard Felton Outcault.estricta realidad. apareció por primera vez en periódicos y revistas. etc. Basado en la reproducción en serie. Despuntó el cine nórdico con la obra de Carl Theodor Dreyer.

Pogo (1948) de Walt Kelly. así como con el arte corporal (tatuaje. etc. George Westmore. Milo Manara). terror. con una nueva sensibilidad donde predominaba la estética y el sello de calidad. con Los 4 Fantásticos (1961) y Spiderman (1962). en el comic-book se alcanzó una gran variedad temática. y es frecuente que modistos famosos comercialicen sus propios . caracterizado por largas epopeyas de gran dinamismo. que recibió diversos nombres: Diseño de moda de 1909. Los pitufos de Peyo (1958). triunfando los de ciencia ficción. Manuel Pertegaz. Valentina (1965). En España. con una mayor proliferación del cabello teñido. mientras que a partir de1950 predomina la ropa informal y juvenil. tanto en ropa como accesorios (sombreros. para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación. Desde los años 1980 ha tenido gran éxito el manga japonés. gafas). desde entonces ha habido múltiples tendencias. A principios de siglo se llevó el pelo corto con flequillo. Giorgio Armani. Desde la Edad Media. Carlos Giménez. piercing). con Akira de Katsuhiro Otomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira Toriyama (1984-95). Cristóbal Balenciaga. romance y western. Frank Bongiovi. guantes. mientras que en los años 1960 se llevó el pelo corto con cortes geométricos. en la actualidad se producen muchos perfumes con productos químicos. o si la deja —como sería el caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. y sellos más vanguardistas. historieta ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de etc. que es el que marca las tendencias. Moda: es el arte del vestido. zapatos. apareciendo en los años 1920 la minifalda. con su mundialmente famoso Snoopy. Por último. shingle bob o eton crop. y comenzaron a abundar los títulos dirigidos a un público más adulto. La Corto Maltés de Hugo Pratt (1967). Han creado tendencia peluqueros como: Luis Llongueras. Blueberry (1963). Mafalda de Quino (1964).La edad de oro de la historieta fue en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial (1945-1960): en la prensa se impuso la llamada daily strip («tira diaria»). Karl Lagerfeld.147 Arte efímero En el siglo XX ha adquirido gran auge el arte efímero. Gianni Versace. La tendencia desde inicios del siglo XX ha sido hacia una mayor funcionalidad y comodidad (eliminación del corsé). bolsos. de Osamu Tezuka. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social. como elwebcómic en internet. Teddy Charles. con personajes como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller. destacando la obra de Stan Lee. aventuras. Destacan personajes como Barbarella (1962). Astérix el Galo de Goscinny y Uderzo (1960). la historieta de autor bellas artes. con personajes como Mortadelo y Filemón (1958). Conan de Roy Thomas y John Buscema (1970). bob cut. Está fuertemente relacionada con el maquillaje. marcada por la utilización del pantalón vaquero. Francia es el centro europeo de diseño y comercio en perfumería. Jack Kirby y el sello Marvel. sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor repercusión. En esta época aparecieron personajes como Lucky Luke de Morris (1946). La perfumería actual está muy relacionada con la moda. descuella la obra de Francisco Ibáñez. Continuó el éxito de los superhéroes. Enki Bilal. característico de un tipo de mujer llamada flapper. Basada sobre todo en el olor de las flores. Yves Saint Laurent. realizado según parámetros estilísticos que van evolucionando según la moda. etc. Calvin Klein. Aunque su inicio se vincula a la revista Manga Shōnen (1947). Christian Dior. el Little Nemo in Slumberland. como Métal Hurlant de Moebius. Peluquería: es el arte del peinado. Jean Paul Gaultier. líquidos aromáticos que se utilizan para producir un buen olor corporal. a mediados de siglo volvió el pelo largo. Surgió el cómic erótico (Guido Crepax. Paco Rabanne. las nuevas tecnologías han supuesto grandes innovaciones para la historieta. (Jacques Tardi. que por su carácter perecedero y transitorio no deja una obra perdurable. Vittorio Giardino). Perfumería: es el arte de confeccionar perfumes. etc. de la confección de prendas según parámetros funcionales y estilísticos. con abundantes efectos sonoros. Jamal Hammadi. Entre los más afamados modistos destacan: Coco Chanel. Entre los años 1960 y 1980 hubo una gran diversificación del medio. y Peanuts (1950) de Charles Schulz.

Bizancio (en griego Bizantion. p. 5. Donato de Santis. Santi Santamaria. y llamada Estambul en la actualidad. Hagia Sophía (Άγια Σοφία) en griego. con un claro componente práctico en cuanto la alimentación es indispensable para el ser humano. es otro arte 1927. se suele nombrar como Santa Sofía en castellano. Eugène Schueller (fundador de L'Oréal). Madrid. 82. valorado como el de mayor creatividad de la historia del arte griego. Recientemente surgió la llamada nouvelle cuisine. se refería a arte clásico para hablar del Renacimiento italiano. El término «faraón» proviene del egipcio per-o («la gran casa». Chilvers (2007). Gastronomía: es el arte de la cocina. posteriormente rebautizada Constantinopla en honor al emperador Constantino. Joël Robuchon. Karlos Arguiñano. Ferran Adrià. Las diversas tendencias gastronómicas son debidas sobre todo a variantes regionales. por ejemplo. 2. Paul Bocuse. La bob: Louise Nº5. 1981. Yves Rocher. Isaac Asimov: Constantinopla. de la mejor época de cualquier estilo artístico. 12. Isaac Asimov: Los egipcios. perfumes. refiriéndose a las obras realizadas con una elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta . que quiere decir Santa Sabiduría. 4. aunque por lo general se suele extrapolar. de excelencia. Estée Lauder. sin embargo. por lo que no debería aplicarse a reyes anteriores. Véase también Historia de la danza Historia de la ópera Arte Historia del desnudo artístico Historia de la pintura Métodos de investigación de la Historia del Arte Historia de la escultura Historia del teatro Crítica de arte Historia de la estética Patrimonio de la Humanidad Estética Historia de la fotografía Psicología del arte Estudio de la Historia del Arte Historia de la historieta Sociología del arte Historia de la arquitectura Historia de la jardinería Tema artístico Historia del cine Historia de la literatura Teoría del arte Historia de la música Artes decorativas Notas 1. Alianza Editorial.. por el palacio donde habitaba el rey). Ernest Beaux (creador de Chanel Nº5). Heinrich Wölfflin. etc. 207. Heston Blumenthal. C. el término quedó como sinónimo de creatividad.148 Peinado Chanel Esferificación de té verde. Madrid. pero con una gran faceta de creatividad derivada de la combinación de alimentos y de la innovación en cuanto a la creación de nuevas recetas. Juan María Arzak. derivado del fundador de la ciudad el 657 a. Así. ISBN 84-206-1886-1. El nombre del Imperio Bizantino deriva del antiguo nombre de su capital. perfume efímero. más famoso de la historia. p. 1982. que pone énfasis tanto en la comida como en su presentación. François Coty. pero este vocablo surgió durante ladinastía XVIII. 3. p. ya que cada país tiene su propio sello distintivo. Como cocineros de relevancia se podría citar a: Auguste Escoffier. por lo que numerosos estilos a lo largo del tiempo han tenido una fase denominada «clásica». Derivado del latín classicus («de primera clase»). Como perfumistas cabe destacar a Pierre-François-Pascal Guerlain. Alianza Editorial. ISBN 84-206-1794-6. el término «clásico» hacía referencia al periodo del arte griego comprendido entre el arcaico y el helenístico. El término artes aplicadas es sinónimo de artes decorativas o artes industriales —también llamadas artes menores —. etc. quizá plato innovador de Ferran pirotecnia Brooks en el Adrià. llamado Byzas).

Madrid. Visor. en las propias capacidades del ser humano. El término art déco es diminutivo de arts décoratifs («artes decorativas» en francés). Historia 16. 593. solve polluti. refiriéndose a lo que está «por encima de la realidad». p. d=re. Chilvers (2007). I). Historia 16.ISBN 84-206-0292-2. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. famuli tuorum.htm). 12. Francesc Fontbona: El modernisme i el noucentisme. 150-154. 61. Ut queant laxis. Madrid. mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la humanidad. El término «surrealismo» fue ideado por Apollinaire en 1917. por lo que nosotros sólo podemos imitar a los griegos. p. en realidad hace referencia a un periodo concreto de la historia de la música. muy usado en la ornamentación durante este periodo. Sancte Ioannes. 171-172. finalidad estética. p. ISBN 84-7774-580-3. 59. Liberty en Italia. en sentido despectivo. Más tarde. 16. El modernismo recibió diversos nombres según el lugar de procedencia: Art Nouveau en Francia. 9. sustituidos por la razón y la ciencia. 15. Guillermo Fatás y Gonzalo Borrás. éste se considera el séptimo arte y la fotografía el octavo. y proviene de la Exposición de Artes Decorativas de 1925 (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) en París. VV. aplicado a las últimas tendencias artísticas del siglo XX y principios del XXI. Esta es una simplificación del estudio histórico del arte. 2000. por lo que suele ser considerado el padre de la historia del arte. Chilvers (2007). El rococó surgió en Francia durante la regencia del duque de Orleáns. p.: Enciclopedia del Arte Garzanti(1991). p. Edicions Primera Plana. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. madurez. La palabra deriva del término italiano maniera. En español se tradujo directamente del francés surréalisme. siendo en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso. y señalaba las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior. el objetivismo y el individualismo. Consultado el 4 de septiembre de 2010. etc. en lo político por la Revolución Francesa y en lo económico por la Revolución Industrial. Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología. El término «arte moderno» proviene del concepto de «modernidad». 13. 1990.wordpr ess. Madrid. 8. pues es difícil establecer en un nombre o una fecha el inicio de la historiografía del arte. hablándose de «posmodernidad» como periodo sucesor de este proyecto moderno.The Oxford English Dictionary (2007). 6. correspondiente al último tercio del siglo XVIII y principios del XIX. Conviene no confundir con arte postmoderno. biografías u otros escritos más o menos literarios— carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para ser considerados historiografía del arte. 11. Valeriano Bozal: Modernos y postmodernos. 17. labii reatum. 1993. Madrid. p. 6. estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico. I). Chilvers (2007). 21. El término rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille. p. Barcelona. elemento decorativo parecido a unaconcha. 19. 14. mira gestorum. 20. Javier Arnaldo: Vanguardias históricas (I). excesivamente recargado. «Historia de las notas musicales»(http://eloviparo. Modern Style en Reino Unido. Aunque hoy día se suele generalizar como «música clásica» la música sinfónica de tipo orquestal. 1993. Sezession en Austria. Con el tiempo ha significado lo opuesto a la música popular en el lenguaje corriente: es el nombre habitual de la música culta. Consultado el 10 de mayo de 2007. Se denominan «vanguardias históricas» a las producidas desde la preguerra de primeros de siglo (en torno a 1910) y el fin de la Segunda Guerra Mundial. se cambió ut por do —excepto en Francia—. c=do. g=sol. The OED Online. Chilvers: (2007). teoría filosófico-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico marcado en lo cultural por la Ilustración. . 18. donde a las perlas que tenían alguna deformidad se las denominaba perlas barruecas.«Ricciotto Canudo» (http://www. 30.oe d. pp. aunque sus escritos — generalmente crónicas. grandilocuente. Asimismo. 83. 818. ed. caracterizado por el clasicismo. pues adquirió tal categoría antes que la fotografía alcanzase dicho estatus. La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del Renacimiento. Madrid. y que supondría la raíz social propia de la Edad Contemporánea. inventarios. En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755). Aunque la fotografía es anterior al cine. En los países anglogermánicos se mantuvo la notación por las letras del alfabeto: a=la.infoamerica. Consultado el 4 de septiembre de 2010. en la minoría de edad de Luis XV. e=mi. AA. b=si. académica o docta. «Classical» (http://dictionary. ISBN 84-7774-580-3. que significaba «estilo». Sin embargo. aunque lo correcto sería «sobrerrealismo» o «superrealismo». Esta «era moderna» habría llegado hasta la actualidad.com/cgi/entry/50040930?single=1&query_type=word&queryword=classical&first=1&max_to_show=10) . relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia. clásico y helenístico. generalmente de tipo ornamental. Chilvers (2007). Visor. en El llibre d'or de l'art català. 1997. Winckelmann creó una metodología científica para la clasificación de las artes. la confianza en la tecnología y el progreso. heráldica y numismática . Denominación introducida por el crítico Ricciotto Canudo en 1911. El proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión. f=fa. como las realizaciones de los «godos» que acabaron con el Imperio romano. Johann Joachim Winckelmann afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza. pp. 7. Jugendstil en Alemania.org/te oria/canudo1. El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués. vejez). Alianza. y pervivió durante el reinado de éste.com/2010/01/20/historia-de-las-notas-musicales-guido-de-arezzo/) . resonare fibris. 10. Se suele citar a Vasari como iniciador de esta ciencia. 2000. p. El término «música clásica» apareció por primera vez en el Oxford English Dictionary en 1836. pues lo veían como algo bárbaro y atrasado. 419. y que fue introducido por Giorgio Vasari en sus biografías de artistas para denotar el estilo grácil y equilibrado de los artistas de su tiempo. estando plenamente vigente según unos escritores.

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