Historia del arte

La historia del arte es la evolución del arte a través del
tiempo.

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el
ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del
que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del
mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos,
lingüísticos, sonoros o mixtos.
La creación de Adán (1508-1512), de Miguel Ángel, en
La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno
la Capilla Sixtina (Vaticano).
institucional (museos, mercado del arte, departamentos
universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las
denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a
pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son
más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas
claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la
historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por
la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto
con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones
del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la
filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de
conocimiento estrechamente relacionados con la historia del Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus
arte son la estética y la teoría del arte. Mozart, considerado como uno de los mejores
compositores de música clásica de toda la historia.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa
manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y
artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna
distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta
la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi
cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales»
llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura,
la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía —
entendida de forma amplia como literatura con intención
estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la
narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o
cómic).
Las mil y una noches (‫أﻟﻒ ﻟﻴﻠﺔ وﻟﻴﻠﺔ‬, Alf layla wa-layla),
Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y título clásico de la literatura árabe.
artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas.
Además de antiquísimas formas de expresión artística como la
moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la
televisión y los videojuegos.

La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen
objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo
periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El estudio
de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto
limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el
tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una
descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus
producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo
cultural), y no sólo de los de lahistoria del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el
legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el
siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de
ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte,
así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de
comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
El acorazado Potemkin(1925), de
Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o Sergéi Eisenstein, una de las obras
la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. maestras de la historia del cine.
Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las
Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el
Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de
fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la
UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales
monumentos del planeta.1

Índice
1 Prehistoria
1.1 Paleolítico
1.2 Neolítico
1.3 Edad de los Metales
2 Arte antiguo
2.1 Mesopotamia
2.2 Egipto
2.3 América
2.4 África
2.5 Asia
2.5.1 India
2.5.2 China
2.5.3 Japón
2.6 Oceanía
2.7 Otras manifestaciones
3 Arte clásico
3.1 Grecia
3.2 Roma
4 Arte medieval
4.1 Arte paleocristiano
4.2 Arte germánico
4.3 Arte prerrománico

4.4 Arte bizantino
4.5 Arte islámico
4.6 Arte románico
4.7 Arte gótico
4.8 América
4.9 África
4.10 Asia
4.11 Oceanía
5 Arte de la Edad Moderna
5.1 Renacimiento
5.2 Manierismo
5.3 Barroco
5.4 Rococó
5.5 Neoclasicismo
5.6 América
5.7 África
5.8 Asia
5.9 Oceanía
6 Arte contemporáneo
6.1 Siglo XIX
6.1.1 Arquitectura
6.1.2 Romanticismo
6.1.3 Realismo
6.1.4 Impresionismo
6.1.5 Simbolismo
6.1.6 Modernismo
6.1.7 Fotografía
6.2 Siglo XX
6.2.1 Arquitectura
6.2.2 Vanguardismo
6.2.3 Últimas tendencias
6.2.4 Globalización del arte
6.2.5 Artes decorativas
6.2.6 Literatura contemporánea
6.2.7 Teatro contemporáneo
6.2.8 Música contemporánea
6.2.9 Danza contemporánea
6.2.10 Fotografía del siglo XX
6.2.11 Cine
6.2.12 Historieta
6.2.13 Arte efímero

7 Véase también
8 Notas
9 Referencias
10 Bibliografía
11 Enlaces externos

Prehistoria

reducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz. troncos. conchas) para producir sonidos.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura. En la pintura levantina —datada entre el mesolítico y el neolítico— se dio la figura humana. Museo objetos creados por el hombre aparecen en el sur de África. la danza. y que afectaban a las emociones. Los primeros vestigios de Venus de Willendorf.3 Neolítico Este periodo —iniciado alrededor del 8000 a. destacando la Venus de Willendorf. en cuevas. cañas. Estos primeros vestigios son generalmente utensilios depiedra trabajada (sílex. Trois Frères. en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a.El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico superior. Siberia (Lago Baikal). surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollándose la religión. que se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería. La pintura neolítica solía ser esquemática. Al tiempo. C. con representación de animales. el Mamut de Vogelherd y la Venus de Brassempouy. También se dio este tipo de pintura en el norte de África (Atlas. Europa central y oriental (Mar Adriático). Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue. obsidiana). o bien de hueso o madera. Paleolítico El paleolítico tuvo sus primeras manifestaciones artísticas alrededor del 25 000 a. teniendo su apogeo en el periodo magdaleniense (±15 000-8000 a. En esta época aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetría urbanística. destacando los restos hallados en Tell as-Sultan (Jericó). Se manufacturaron nuevos materiales como el ámbar. C. muy esquematizada. manos.). Alpera y Minateda. el ser humano se dedicaba a la caza y recolección. defunciones.). con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la religión. 8000-6000 a.2 En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias de música y danza: diversos fenómenos naturales y la modulación de la propia voz humana hicieron ver al hombre primitivo que existían sonidos que resultaban armónicos y melodiosos. con notables ejemplos en El Cogul.). el movimiento rítmico. Valltorta. al estado anímico de las personas. y comienza la producción de piezas de artesanía. decorada con impresiones de conchas (cardium). música y danza tenían un componente ritual. el cristal de roca. el jaspe. desarrollada principalmente en la región franco-cantábrica: son pinturas de carácter mágico- religioso. Por último. Para la pintura utilizaban rojo de óxido de hierro. C. y apareció el arte textil. de Historia Natural de Viena. el cuarzo. Chauvet y Lascaux. C. y vivía en cuevas. Otras obras representativas de esta época son el denominado Hombre de Brno. celebrados en ceremonias de fecundidad. mientras que la propiarespiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza. o para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos. surgen las primeras civilizaciones protohistóricas. representaciones femeninas que seguramente servían de culto a la fecundidad. En arte mobiliar se produjo la llamada cerámica cardial. destacando las cuevas de Altamira. C. Su principal medio expresivo era la pintura rupestre. en el neolítico (6000-3000 a. destacan las llamadasvenus. supuso una forma de comunicación corporal que servía para expresar sentimientos. negro de óxido de manganeso y ocre de arcilla.). el Mediterráneo occidental. caza o guerra. o de diversa índole religiosa. Son de destacar igualmente Pintura rupestre de la Roca de los las pinturas rupestres del río Pinturas en Argentina. C. Tito Bustillo. En principio. la India y Australia. especialmente la Cueva de las Moros. etc. En el paleolítico (25 000-8000 a. elaborando la llamada pintura rupestre. en El Cogul. Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos. C.. Tras un periodo de transición (mesolítico. Jarmo (Irak) y Çatalhöyük (Anatolia). En escultura. de sentido naturalista. bodas). en el Próximo Oriente— supuso una profunda transformación para el antiguo ser humano. Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad de los Metales. la mujer en forma triangular). periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano.4 .

caracterizada por las necrópolis con tumbas de túmulo. con cámara mortuoria de madera en forma de casa. caracterizada por la cerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos.6 Venus de Menhir de la zona de Talayot circular de la isla Carro solar de Trundholm Brassempouy. de aquí derivan los alfabetosgriego y latino. En Egipto se desarrolló laescritura jeroglífica.). que al final de esta era recibió las influencias griega. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. de Mallorca (España). iniciadas con la invención de la escritura. Malta destacó el conjunto de templos de Mudajdra. C. C. escudos. generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades. lanzas.. reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. En el llamado calcolítico surgió el megalitismo. y siglo V a. surgida en Mesopotamia alrededor del 3500 a. como en el magnífico conjunto deStonehenge.Edad de los Metales La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales. mientras que más adelante los sumerios desarrollaron un anexo silábico para su escritura. Musée Bretaña (Francia). con cámara funeraria alargada. destacando las grandes civilizaciones delPróximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. con una primera muestra en laPaleta de Narmer (3100 a.). C. C. en Inglaterra. monumentos funerarios en piedra. torre con una cámara cubierta de falsacúpula. y eltalayot. II y III). tumba en forma de pirámide truncada. El primer código escrito fue la escritura cuneiforme. C. con diversas fases de evolución (La Tène I. C. La cerámica era polícroma. con diversas tipologías de monumentos: la naveta. Saint- Germain-en-Laye. practicada en tablillas de arcilla. o el cromlech inglés. el Indo y el río Amarillo. y siglo I a. la taula.. En las islas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica. pues la utilización de elementos como el cobre. fíbulas). principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: elNilo. alrededor del 1800 a.. Estaba basada en elementos pictográficos e ideográficos. Tarxien y Ggantija. el Tigris y el Éufrates. dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal.7 .5 En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). que relaciona un único símbolo a cada fonema. La Tène se desarrolló entre los siglos siglo V a. con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. Arte antiguo Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia. Destacó por sus objetos en hierro (espadas. (Dinamarca). ligada a la cultura celta. etrusca y del arte de las estepas. La primera se dio entre los siglos siglo VIII a. el bronce y el hierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades. Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura. destacando el dolmen y el menhir. La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizó como método de escritura el alfabeto (abyad. C. En Complejo megalítico de Stonehenge. En España se formó la cultura de Los Millares. des Antiquités Nationales.

acadios. C.). También destacaron los palacios. excepto algunos basamentos. en rituales de los templos sumerios.9 La música se desarrolló en esta región entre el IV y el III milenio a. De la escultura asiria destacan las figuras antropomórficas de toros o genios alados. como medio de expresión de la creatividad del ser humano. con piedra de color o pasta en los ojos. con las manos en el pecho. De la etapa amorrita (o neosumeria) destacan las representaciones del rey Gudea de Lagash. Su arte era intensamente religioso y simbólico. de los que prácticamente no nos han llegado Tablilla sobre el diluvio. en escenas religiosas o de caza y militares. C. con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho. Destacan los zigurats. se sucedieron diversas culturas como los sumerios. El canto litúrgico estaba compuesto de responsorios —canto alternado entre sacerdotes y coro— y antífonas —canto alternado entre dos coros—. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela de Hammurabi. con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. C. destacando la estela de Naram-Sin.). C.8 Con la aparición de la escritura surgió la literatura.. con cámara cubierta de Museo Británico. caldeos. La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve. con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado. En época acadia destaca el Atrahasis.. siglo VII a. asirios. En época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas. el zagsal (arpa) y la adapa (pandero). C. que flanqueaban las puertas de los palacios. conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat.Mesopotamia El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak). En la literatura babilónica es de remarcar el poema Enûma Elish. sobre el mito del diluvio. cuyo contenido es de tipo didáctico y moral. del siglo XVII a. con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos. . En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh. si bien su influencia persistió en elarte copto y bizantino. falsa cúpula. grandes templos de forma escalonada piramidal. etc. Tenían varios instrumentos. Estatua sedente del príncipe Gudea. entre los que destacan: el descenso de Inanna a los infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz. otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad. del Poema vestigios. donde desde el IV milenio a. La arquitectura se caracteriza por el empleo del ladrillo. Ur. de Lagash (2120 a. En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba. como elObelisco negro de Salmanasar III. Iniciado alrededor del 3000 a. el algar (lira). patesi solía ser de corredor. con un sistema adintelado y la introducción de elementos constructivos como el arco y la bóveda. otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (los jardines colgantes de Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo). París. Otra muestra de relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta). el arte egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno. la lilis (precursor del timbal).nota 1 para el que se construyen obras de gran monumentalidad. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias más importantes. C. el balag (tambor). sobre la creación del mundo. principalmente del faraón. La tumba de Gilgamesh (c. como algunos ejemplos hallados en Museo del Louvre. donde se cantaban himnos o salmos (ersemma) a los dioses. como el tigi (flauta). en figuras sin cabello.10 Egipto En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones. amorritas. así como los relieves con escenas de guerra o caza.

La escultura y la pintura muestran la figura humana de forma realista. Al parecer. el ben (arpa). tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios (Valle de los Reyes). con tres tipologías principales: la mastaba. conjuntos monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos. el ser (pandero). en grandes bloques.La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra. XV a. una sala hipóstila y el santuario. También destacan los ushebti. y los hipogeos. un patio hípetro. Destacan los templos deKarnak. un acceso con dos pilonos o muros trapeciales. Otro tipo Las pirámides de Gizeh. La otra gran edificación es el templo. Entre sus instrumentos figuraban el sistro. La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Posteriormente destaca el Libro de los muertos. de mayor realismo que la escultura funeraria. la pirámide. de templo es el speos. C. con magníficos ejemplos como los muebles de cedro con taraceas de ébano y marfil de las tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo). que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos (Gizeh). con un gran protagonismo del canto vocal. de gran calidad artística. Imperio Egipcio de El Cairo Nuevo. dinastía XVIII (s. tumba de forma rectangular. como en Abu Simbel y Deir el-Bahari. Museo cámara funeraria de Tutankamon. pequeñas figurillas de tierra cocida o madera. En la escultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías. en forma de hipogeo. Pintura mural de la Máscara funeraria de Abu Simbel Imperio Antiguo. Filae y Edfú. En Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplicadas.12 Una de sus mejores manifestaciones es la Historia de Sinuhé. aunque con gran rigidez y esquematización. datado hacia el siglo XIII a. con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Luxor. tenían también un tipo de órgano hidráulico.13 Speos de Ramsés II en El escriba sentado. especialmente la ebanistería y la orfebrería. por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. representando escenas cotidianas. el sneb (trompeta) y el met (clarinete). que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. escrito en el Papiro de Ani. Destacan los monumentos funerarios. C. y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas deplata.11 La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo conocemos hoy en día: el libro. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo. con formas tendentes a la geometrización.) . o las piezas halladas en la tumba deTutankamon. alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita. Museo del Louvre Amenemhet. la seba (flauta). Predominaba el canon de perfil. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico. un servidor de Sesostris I. cuyo relato data de mediados del siglo XX a. La música egipcia era principalmente de signo religioso. dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena. desarrollando un ciclo anual de festividades cada una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho que pasó a la liturgia judía y cristiana—. C.

. en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico.América En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos. así como objetos de metalurgia —el hierro era conocido desde el siglo VI a. Asia India . de gran sentido naturalista. (Sechín Alto. destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos. donde se observa el predominio de una casta sacerdotal. en el I milenio a. C. La primera gran civilizaciónmesoamericana fue la olmeca. y un monolito central de granito blanco de 4. donde destacan las esculturas de piedra. situada en las provincias de Veracruz y Tabasco. son de destacar sus 15 estelas en forma de pilares monolíticos. C. centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV. En Sudán se desarrollaron las culturaskerma y meroe. así como la cultura San Agustín en Colombia. en el III milenio a. con grandes conocimientos en matemáticas y astronomía. C. —especialmente el maíz—. caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro. La primera producción de cierta relevancia fue la cultura Nok. con un típico canon de gran cabeza. surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de México. de gran naturalismo L( uchador. En la zona del Amazonas destacó la cultura barrancoide. Con una notable cultura — desarrollaron una escritura en lenguage'ez.5 metros de altura. con figuras humanas —a veces sólo la cabeza— o de animales (elefantes. en el Monte Albán. de hasta 20 metros de altura. En Perú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la invención de la cerámica. a veces con collares y brazaletes. En América del Norte destacaron las culturas Hohokam. Destacan las esculturas de terracota.14 África El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso. quizá la primera del mundo. Los zapotecas. los antiguos cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a. Kuntur Wasi). monos. o las colosales cabezas monolíticas de hasta 3. mostrando expresiones faciales de signo individualizado. La mayoría de sus obras son de madera.5 metros de altura. También se producían cerámica. En Etiopía destacó la ciudad de Escultura nok. sus armas y su cerámica. Aksum. serpientes).). Destaca Chavín de Huántar (900 a. hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos. piedra o marfil. Mogollón y Anasazi. establecidos en Oaxaca. con una cerámica de diseños incisos. con una estructura en forma de U. México. C. templo edificado sobre tres pisos de galerías. joyería y tejidos. complejo religioso construido en diversas fases. con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras de jaguares y animales mitológicos. —. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a. situada en el norte de la actual Nigeria. C. con diversos peinados. C. de carácter funerario. en Xochipala (estado de Guerrero). Oaxaca. tronco recto y miembros cortos. En esta región surgió una notable industria textil. construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos. hallado en Ciudad de Monte Albán. donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. destacando especialmente los mantos de lana de Paracas. Santa María Uxpanapán). y crearon un sistema monetario—. Otras culturas remarcables de la región fueron lamoche y la nazca —con sus enigmáticos geoglifos de Nazca—. aunque también hay producciones de signo ornamental.

en Peshawar. C.El arte indio tiene un carácter principalmente religioso. como el de Kanisha. etc. Su primera manifestación fue la literatura védica (de veda. que es con cúpula sobre un alto tambor cilíndrico colocado sobre una base cuadrada. El estilo Mathurā mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos. que incluyen el propio Rigveda (himnos litúrgicos de tema mitológico. escrita en sánscrito. con influencia helenística y sasánida. sobre leyendas y epopeyas de la mitología hindú. islamismo. como la Stūpa de Sānchi. C. cobre y latón). nueva síntesis de poesía y epopeya con elementosteológicos y filosóficos. La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo.) abrió contacto con el arte helenístico griego. como adaptación al orden universal.): en esta etapa se introdujeron los pueblos arios. los Brāhmaṇa. C. sin embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la destrucción producida por la invasión islámica. túmulo funerario de carácter conmemorativo.. sus obras principales son monasterios y stūpas. urbanización. generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida deBuda. de religión budista. El monumento característico de este periodo es la stūpa. C. obra de Valmiki. ‘verdad’).) y premauria (siglos VI-III a. Cultura del Indo: la primera gran civilización india se desarrolló entre el siglo XXVI a. sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo. El arte de Amarāvatī también tiene influencia grecorromana. Evolucionó la tipología de la stūpa. con un tono poético y evocador de un mundo mágico. incluyendo los Upaṇiṣad. destacando la gran stūpa de Amarāvatī. con escritos centrados en la religión y la guerra. apareciendo las religiones tradicionales indias. De igual importancia son las excavaciones realizadas en Harappa. situada en la cuenca superior del Ganges. 17 La literatura india comenzó alrededor del 2500 a. estableciéndose estrechos lazos con el arte persa. En un período posvédico (hacia el siglo III a. de 50 metros de altura. budismo. como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam (Pondicherry). filosofía y otros aspectos del brahmanismo. Al igual que los estilos anteriores. pero con un fuerte trasfondo filosófico y moral. plasmado en las formasgrecobudistas. C. religión. cristianismo. C. aparecieron el budismo y el jainismo. series de aforismos sobre Mahābhārata. escultura y útiles de metal (oro.): el arte deGandhāra es de tradición grecobudista. destacando por la representación directa de la imagen de Buda. con un lenguaje poético y de exaltación de la naturaleza).16 Período védico (siglos XIII-VI a. con doscientos mil versos recopilados en dieciocho libros (donde destaca el Bhagavad-gītā). escritos sobre doctrinas secretas que suponen la primera obra de tipo La Guerra de Kurukshetraen una ilustración del filosófico en la India. teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas. gramática.-I d. también de carácter litúrgico. con edificios públicos construidos en ladrillos de barro cocido. pero de signo más esotérico. C. En el siglo VI a. Arte de Gandhāra (siglos II a. Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciudad de Mathurā. C. y los Sutra. como en el Palacio de Aśoka en Pātaliputra. y el siglo XIII a. antigua ciudad que en sucesivos emplazamientos muestra una planificada Mohenjo-Dāro.18 . plata. C.) surgen los grandes poemas épicos indios: el Majabhárata es la tercera obra literaria más extensa del mundo. Se divide en tres grupos: los Samjitas (o ‘colecciones’. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza. árboles) tienen para los indios un carácter sagrado. se desarrolló una importante escuela artística que se difundiría por el resto de la India e influenciaría al arte gupta. C. con restos de cerámica. conocida hoy día por las excavaciones realizadas en 1920 por sir John Marshall en Mohenjo-Daro. Arte maurya (siglos III-II a. C. ríos. ocupó todo el curso medio del Indo y la parte central de la península del Deccán..): la dinastía Maurya. y el Ramaiana. La expedición a la India de Alejandro Magno (326-325 a.

situado en el interior del y dinámicas. C.): unificada China bajo el reinado de Qin Shi Huang. incluidos varioscaballos y carros. los arios introdujeron los himnos religiosos en los Vedas. y comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria de Wang Xianzhi. decorado en relieve. Dinastía Zhou (1045-256 a. donde se habla de canto. fragmentó el imperio en pequeños reinos. la cerámica.): evolucionando desde el arte Shang. C. Dinastía Shang (1600-1046 a. amuralladas y con una retícula rectangular. como las halladas en la zona deChengdu. situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang.21 .): época de paz y prosperidad. sobre las historias de los dioses y héroes indios. C. con 2400 kilómetros de longitud y una media de 9 metros de altura. apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamado Periodo de los Reinos Combatientes. Al contrario que en Occidente. y gracias a la ruta de la seda. de diez actos. destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. C. a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura. los protomediterráneos introdujeron nuevos instrumentos. Destacó el trabajo en jade. C. como en Zhengzhou y Anyang. La representación es básicamente actoral. marcadas por sus dinastías reinantes. de alrededor del 1200 a. periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la metalurgia. relacionadas con cultos a la fertilidad. Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difundió más ampliamente el budismo. En pintura se formularon los seis principios. La pintura se centró en temas de la corte imperial. la famosa flauta de los encantadores de serpientes. en un estilo lineal de gran simplicidad. la pintura o la escultura. con un sentido confucianista de la solemnidad y la virtud moral. y apareció lalaca. con un trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas. Generalmente.). especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas. jade. en el alto Yangtsé. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo. C. También son de remarcar los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas. tigres y caballos. C. nobles y funcionarios. Una invasión nómada en Mausoleo de Qin Shi Huang. enunciados por Xie He a principios del siglo VI. Había diversas modalidades: Śakuntalā. Mricchakaṭikā. danza y mímica. generalmente dedicados a motivos confucianistas. libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni. El Ṛig vedá («himnos vedas») deja constancia de tres tipos de entonaciones: udatta (aguda). Destaca el gran hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian (210 a. El Sāma Vedá («cantos vedas») pasó de cinco a siete notas. confucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza.20 China El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental. Comodramaturgos destacaron Kālidāsa y Śūdraka. En estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricos ajuares de armas. que tuvo una implantación lenta pero progresiva. de figuras estilizadas (210 a. 771 a. continuando el trabajo en cobre. Se han encontrado restos arqueológicos de varias ciudades en la zona de Henan. Dinastía Qin (221-206 a. Longmen). Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmente taoísmo. construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang. con estatuas aladas de leones. C.-220 d. Dinastía Han (206 a. los Ejército de terracota de Xian Zhou crearon un estilo decorativo y ornamentado. que aún perdura en zonas delHimalaya. C. anudatta (grave) y svarita (media). Junto a esta nueva religión.). se introdujo el budismo. se recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático. Está compuesto por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural. se construyó la Gran Muralla para evitar invasiones exteriores. que la arquitectura. con gran naturalismo y precisión en la fisonomía y los detalles. la temática es de signo mitológico. marfil y otros materiales. de siete actos.): destacó por sus objetos y esculturas en bronce. que influenciarían enormemente al arte.El teatro indio tiene su origen en el Nāṭya-śāstra. los drávidas tenían músicas y danzas más elaboradas. como el magudhi. los chinos valoraban por igual la caligrafía. con torres de guardia de 12 metros de altura.19 La música india tiene un fuerte sello ecléctico debido a la multiplicidad étnica de los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente índico: los vedas tenían melodías únicamente de dos notas. usando generalmente untetracordio en las melodías vocales. Destacó por sus capillas funerarias. la seda o la porcelana. sin decorados. joyas y diversos utensilios en bronce.

shang. el ku (tambor) y el chun (campana). De época Shang es el Shih Ching (Libro de los Cantos). debido sobre todo a la adopción de la escritura china. También tuvo mucha repercusión El arte de la guerra de Sun Tzu. En época Han apareció un nuevo género. aunque de poca relevancia. recopilación de poemas. cabe destacar el templo de Isa. Del periodo predinástico hay constancia de varios instrumentos. como el ch'ing (piedra sonora). Período Jōmon (5000-200 a.23 Japón El arte japonés ha estado marcado por su insularidad. En esa época se difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo ornamentado con cilindros de terracota. los llamados Cinco Clásicos: el Li-Ki. compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado.): durante el Página de un Nihonshoki (Anales de Japón) del período mesolítico y el neolítico se fabricaron instrumentos Heian. apareciendo entre los siglos X y V a. Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta. C.-VI.24 Período Yayoi (200 a. el p'ai-hsiao (flauta pánica o siringa) y el ch'in (cítara). llegando a los cien tomos. chih. C. siglos siglo V d. especie de historia universal de corte mítico y teogónico. poesía de carácter didáctico asociada a una composición musical.-200 d. La poesía está representada por el Manyoshu (Colección de diez mil . Lü) de Lü Buwei (239 a. el fu. Japón se mantuvo aislado del continente. En torno al siglo V a. empezó a introducirse la civilización del continente. C. donde aparecieron diversas joyas. la más típicamente japonesa. surgieron las principales obras del pensamiento chino. Versión del Tao te king derivaron tonos más agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior. el pien-chung (campanillas). con figuras humanas y de animales.22 La música china es pentatónica (de cinco notas). Período Kofun (200-600): destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin (200-310) y Nintoku (310-399). que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a. primera crónica fechada (722-481 a. atribuido al mítico emperador Fu Xi. C. enterramiento 25 real de Otsuka). forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura.): sobre un «tono base» (huang chung) procedente de una caña de bambú. el sheng (órgano de tubos de bambú). el I Ching. C. grandes compendios de la filosofía y la moral: el Lùn Yǔ (Analectas) de Confucio y el Tao te king (Libro del Tao) de Lao Tse. el Shu-king. de hueso y piedras pulimentadas. a causa de las relaciones con China y Corea. cerámica y unas figuras de terracota llamadas haniwa. chiao. mientras que en prosa destacó el She-ki (Memorias históricas) de Ssê Ma-ts'ien. En este período encontramos las primeras muestras de pintura japonesa (tumbas de Kyūshū. por lo que toda su producción fue autóctona. manual de adivinación basado en el significado de ocho trigramas. el hsüan (flauta). La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china. C. La cerámica se producía con torno. armas. obteniendo las hallada en Mawangdui. y el Ch'uen-tsieu. hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda. cerámica y figuras antropomorfas.): desde el siglo I a. C. Los principales instrumentos eran: el pien-ch'ing (carillones de piedra de jade). el Shi King (El clásico de la poesía). C. En cuanto a arquitectura religiosa. La literatura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico. yü. formada alrededor del siglo I. se añadió el budismo en torno al siglo V.). C. Otro testimonio de relevancia es el Nihonshoki (Anales de Japón). recopiladas en el Lü Shih Ch'un Ch'iu (Anales del Sr. al contrario que el sistema heptatónico occidental (de siete notas). aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales. Durante la dinastía Zhou se sentaron las bases de la música tradicional china. sobre todo de China y Corea. cinco notas: king. El testimonio más antiguo conservado es el Kojiki (Relatos de cosas antiguas). C. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano. crónica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china.

fíbulas. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). El arte fenicio se dio también en distintas zonas del Mediterráneo.). es el correspondiente a los pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas. con gran variedad temática y estilística. Arte escita: también llamado «arte de las estepas». telas y alfombras. Su arquitectura era monumental. aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos australianos. dedicados principalmente al comercio. en la Meseta Central y el sur de Francia.26 La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku («piezas originales»). diosa del sol. Cerdeña e Ibiza. y otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko. Se desarrolló . que se remontan al siglo XIX a. vestigios. C. Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterráneo. navegaron por todo el Mediterráneo y el norte de África. entre el III y el II milenio a. especialmenteChipre. Arte fenicio: pueblo de tradición marinera. y tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia. Recibió influencia mesopotámica . isla de Pintura rupestre de los aborígenes Pascua. hueso.. con cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad. excepto algunos utensilios y abalorios. Vanuatu. Ligado a la metalurgia. donde aparecieron también diversos relieves con escenas de guerra y caza. C. En sus obras destacan los motivos animalísticos. continuó la colonización hacia Micronesia. así como el min'yō.28 Otras manifestaciones Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península de Anatolia. Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad.ya su vez. escudos. así como objetos de obsidiana y conchas. Se ejecuta con los instrumentos mencionados. fundando la ciudad de Cartago en la actual Tunicia. que son bastante esquemáticas. Las ciudades se solían construir en acrópolis. Arte ibérico: se desarrolló en la península ibérica coetáneamente a la cultura de La Tène. Hawái). La arquitectura se basaba en los muros de tapial. antología de poemas de diverso signo. con sistema adintelado. originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas Salomón. En Australia destacan las pinturas rupestres. cuero. C. La principal modalidad de música y danza sintoísta es la kagura. al ser un pueblo nómada. C. realizando arcos y bóvedas falsas por aproximación de hiladas. como en Azaila. como en Boğazköy. principalmente en Andalucía y la zona de levante y. principalmente). C. hierro y metales preciosos (armas. principalmente de conchas. C. Melanesia y Micronesia. fácil de transportar. influenció al arte persa. minoico y etrusco. redactado por varios autores entre los que destacan Otomo Yakamochi y Yamanoue Okura. posiblemente de origen totémico. llegando a la simplificación geométrica. Puerta del León en Boğazköy. de influencia asiria y egipcia. en menor medida. Destacan sus esculturas. destacan los objetos en bronce. Tonga y Samoa.hojas). joyas).27 Oceanía El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico. También destacaron las esculturas de Karkemish y Tell-Halaf (Siria). vikingos y paleocristianos. principalmente entre el II y el I milenio a. Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas. Armenia y Siria. Ullastret y Olérdola. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. canciones folclóricas japonesas. sobre el mito de Amaterasu. El arte escita influenció al de los pueblos germánicos. Marquesas. cinturones. así como obras en madera. Entre el 500 a. Su arte era preponderantemente mobiliar . destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda. Fiyi. con palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges. y el 500 d.

y un pórtico o iwan con gran arco abierto a un patio. C. destacando la tipología de las «damas». profético. También fue típica la representación de animales (caballos. el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico. Posteriormente se redactaron la Mishná. Firuzabad) con sistemas abovedados con cúpulas sobre trompas. En arquitectura. Museo Jazneh Tanaj. Dama de Tumba de Página del Elche. donde se han hallado diversos templos. y donde destacan las grandes salas o apadanas. donde surgió por vez primera el uso de laventana —a diferencia de la iluminación cenital utilizada hasta entonces—.29 Arte nabateo: pueblo de origen semítico que habitaron en la zona sirio-palestina entre los siglos VI y II a. leones). legendario. generalmente de planta basilical y fachada tripartita. y con un sentido estético inspirado en la naturaleza. cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano. en piedra o cerámica esmaltada. De acuerdo a su religión se rechazaban las imágenes. y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica. sapiencial y epistolar). C. C. En la escultura persa destacan los relieves. la racionalidad de las formas y los volúmenes. como las de Elche. En la literatura hebrea destaca la Biblia (el Tanaj o Antiguo Testamento. Aparte de eso destacan las sinagogas. . En época sasánida surgieron palacios (Ctesifonte. nombre Arqueológico Firaun («el hebreo del Nacional de tesoro del Antiguo España. mitológico. de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental. en Petra.30 Ruinas de Persépolis.). redactado entre los siglos X a. Baza y el Cerro de los Santos.) y la sasánida (226-640 d. C. Persépolis y Pasargada. por lo que la mayoría de su arte es ornamental.. clásico y helenístico. con una monumental fachada con pronaos hexástilo y frontón. y la parte superior con un tholos redondo y dos edículos laterales con semifrontones. y II d. como la Bicha de Balazote. C. fenicio y mesopotámico. faraón»). Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones. notablemente la escultura. poético. Madrid. con columnas de gran altura y capiteles de volutas. C. Grecia En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. como en los templos sirios. Recibieron la influencia del arte egipcio. importante documento no sólo religioso sino también literario. toros. combates con monstruos o animales como toros y leones. el Talmud y la Cábala. palacios y tumbas excavados en la roca. La arquitectura persa aglutinó las formas mesopotámicas con las egipcias. Entre ellos destaca el Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»). que influirá al arte islámico. así como del helenístico más adelante. el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo. Arte persa: en Persia se desarrolló una importante cultura bajo el reinado de dos importantes dinastías: la aqueménida (560-331 a. donde preponderaba la armonía y el equilibrio. Testamento. de estilo helenístico. hay testimonios de la gran magnificencia del Templo de Jerusalén. Arte clásico Se denomina arte clásiconota 2 al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma. Arte hebreo: los hebreos se instalaron en Palestina en el siglo XIII a. empleando por primera vez la piedra en grandes palacios como los de Susa. destaca especialmente la ciudad de Petra. «ley»). también llamado Torá. con escenas de guerreros. algunos de carácter antropoide. que lamentablemente no ha llegado hasta nuestros días.en diversos estilos y géneros (histórico. situada entre desfiladeros de montaña.

con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás. en función de la técnica utilizada en la confección de cerámica pintada: «figuras negras sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a. que resulta más trágica y angustiosa. sobre todo en el género histórico. La pintura se desarrolló sobre todo en la cerámica. C. Los mitos griegos eran una fusión de elementos indogermánicos y mediterráneos. principalmente con la figura de Homero y sus dos grandes obras: la Ilíada y la Odisea. jónico y corintio.) y «figuras rojas sobre fondo negro» (desde el siglo VI a. decorado generalmente con relieves escultóricos. Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad. Otras obras de relevancia fueron el Teatro de Epidauro y la Linterna de Lisícrates. o pueden rodear todo el edificio. con mayor naturalismo y un estudio anímico en la expresión de la figura representada. Platón y Aristóteles. al dinamismo violento de la forma y la expresión patética del sentimiento. Comienzo de la Odisea. la oratoria. el vestuario. En origen. Destacó especialmente la obra de Mirón. poniendo las bases de la literatura occidental. C. donde destaca el friso. Apeles. representada por Demóstenes. se rompió la serenidad naturalista en aras de enfatizar la expresión. Tucídides y Jenofonte. destacando Herodoto. el maquillaje. En el siglo V a. Se suele establecer dos épocas. sobre un basamento (krepis). Parrasio. El teatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos (komos). base de la representación escénica—. Polignoto. C. considerándose fidedigna —al contrario que hoy. Fidias y Policleto. el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia. llevando a la perfección el canon en las proporciones del cuerpo humano. con la épica y la poesía. Por último. y se desarrolló el urbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto.32 En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático». Fachada del Partenón. Se configuraron los géneros literarios (épica.En arquitectura destacaron los templos. surgiendo la tragedia. laterales. de gran expresividad. También son típicos de esta época las estatuas de atletas desnudos (kouros) y de muchachas vestidas (kore). en que «mito» es sinónimo de leyenda. como en el Laocoonte y el Toro Farnesio. donde junto a un texto —donde predomina el diálogo. Desde unos inicios de tradición oral (la epopeya). en la Acrópolis de Atenas. anfipróstilo). y coronados generalmente en forma de frontón. en cuyo caso se denomina períptero). donde se sucedieron tres órdenes constructivos: dórico. de tradición oral. las luces y efectos de sonido. surgió la literatura escrita con el desarrollo del alfabeto griego alrededor del siglo VIII a. en escenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. la escenografía. como percibimos en la obra de Escopas.. Píndaro. En escultura predominó la representación del cuerpo humano. con un particular sentido estético que daría origen a la poesía. La poesía destacó por una lírica coral que expresaba sentimientos colectivos. si bien persisten las formas clásicas en obras como la Venus de Milo y la Victoria de Samotracia. es decir. Destaca especialmente el conjunto de la Acrópolis. En época arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas. Safo y Anacreonte.31 La literatura griega alcanzó cotas de gran calidad. el mito pasó a la literatura. como Zeuxis. de transmisión de . con el templo dórico del Partenón y los jónicos del Erecteión y la Niké Áptera. C. destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca. y la fábula.. de ficción—. se añadió la palabra. etc. practicada por Esopo. Eran construcciones en piedra. como se percibe en la obra de Hesíodo. En una segunda fase clasicista. intervienen también los actores. se tiene constancia por fuentes históricas del nombre de varios famosos pintores griegos.). A la vez. basado en la armonía de las proporciones. Eufranor. lírica y dramática). llamada «sonrisa eginética» por tener su mayor representación en las figuras del Templo de Afaia en Egina. siendo la base argumental de sus obras la religión y la mitología. con o sin columnas (que pueden ser frontales. También se desarrolló la prosa. la cual tenía un componente educativo. a través de la «mímesis». mientras que es esencial la presencia de un público que contempla el espectáculo. el ritual pasó a mito y. de Homero. (el llamado «siglo de Pericles») se instauró el clasicismo. en el periodo helenístico la proporción y la armonía dan paso al recar gamiento y la sinuosidad. Praxíteles y Lisipo. etc. el mythos griego era una historia explicada.

valores. Una de las primeras modalidades fue elditirambo. Museo del (hacia 50 d. Gracias a la expansión del Imperio romano. teatros. pero no se sabe cuánto duraba cada nota. con la construcción de carreteras. (130. En Grecia fue la primera vez en la historia que se estudió la música de forma científica: Pitágoras la relacionó con las matemáticas. C. acueductos y obras urbanísticas. Apareció entonces también la mímica y la farsa. Art. Atenodoro y (hacia 590. circos. anfiteatros. Polidoro de Rodas 580 a. Museo Pío- Museum of París. teniendo una musa dedicada a ella: Terpsícore. Louvre. El Coliseo de Roma.33 La música griega nos es desconocida a nivel auditivo. C. La arquitectura destacó por su carácter práctico y utilitario: grandes ingenieros y constructores. termas. Roma Con un claro precedente en el arte etrusco. con el empleo de sillería. la siringa. a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»).34 Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte. etc. ladrillo y mampostería. Los primeros vestigios provienen nuevamente de los cultos a Dioniso. tan sólo tenemos idea de cómo podía ser por documentos escritos.). Nueva Vaticano. Sófocles y Eurípides en tragedia. el crótalo. en los movimientos rítmicos del coro. de fuste . Utilizaron los órdenes griegos. sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas. de Agesandro.Museo 100 a.). Metropolitan Londres. relacionado con el culto a Dioniso. los romanos destacaron en arquitectura civil. por lo que se desconoce el ritmo.). etc. mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo— donde se desarrolló como técnica. norte de África y Próximo Oriente. C. derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. así como templos. siendo el primero el de Aristóxeno en el siglo IV a. Al sistema arquitrabado griego añadieron el uso del arco y la bóveda. York. la cítara. y se escribieron tratados teóricos sobre música. kouros (455 a.35 Estatua de El Discóbolo La Venus Laocoonte y sus mármol de de Mirón de Milo hijos. el aulos. el címbalo. palacios. arcos de triunfo. mientras que en comedia destacaron Aristófanes y Menandro. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo. Británico. aunque al perderse las anotaciones musicales han quedado como documentos escritos. con un primer componente de sátira y crítica política y social. varios tipos de tambores —como por ejemplo el tympanon—. Clementino.). C. puentes. el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa. Más adelante surgió la comedia. C. al que añadieron el orden toscano. el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. el sistro. Los griegos escribían música con las letras del alfabeto. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira. El teatro y las narraciones épicas eran cantados.

La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya. que imita el revestimiento en mármol.36 La literatura romana recibió como en el resto de las artes la influencia griega. al añadirse la música vocal. como militar. el Acueducto de Segovia. Prima Porta. no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. La escultura. Museos Vaticanos. Horacio y Ovidio. la principal innovación latina fue el concepto de «estilo» que los romanos aplicaron a sus obras.38 La música romana nos es desconocida. con paisajes imaginarios. Petronio y Apuleyo. El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro). la obra de los autores latinos ha ejercido una gran influencia en la literatura occidental. actores que bailaban al ritmo de las tibiae —una especie de aulos—. mezcla de los dos anteriores. Más idealizados son los retratos de los emperadores. Destacó especialmente el relieve. llamado así por simular arquitecturas. destacando en poesía Lucrecio. Un género muy difundido fue el retrato. Arte medieval . perceptible en el uso deltrépano para producir claroscuro y en el hecho de grabar las pupilas. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. uopus tesellatum. como vemos en el Ara Pacis de Augusto. Pompeya. en el Arco de Tito y en la Columna Trajana. Mosaico de la Batalla de Isos. Al parecer. thoracata. Salustio.liso y capitel con collarino y equino rematado en un ábaco cuadrado. la danza y el canto (pantomima). más tarde. en historiografía. de formas geométricas. el arquitectónico. la Maison Carrée de Nîmes. Si bien su producción no fue de gran calidad — en el aspecto estético-literario—. inspirada en la griega. También destacó el mosaico. C. las Termas de Caracalla. de la que adoptaron técnica y géneros. que favoreció notablemente la música —él mismo tocaba la lira—. y debido a que el latín fue el origen de las lenguas vernáculas habladas posteriormente en muchos lugares de Europa. origen de la sátira). en prosa. la Torre de Hércules. Cicerón y Séneca. La música romana pasó a la iglesia cristiana primitiva. surgieron los histriones —que significa «bailarines» en etrusco—. predominando en este último el mimo. realizados en tres versiones: togata. aunque con más realismo. la época de mayor esplendor fue el reinado de Nerón. Tan sólo Cicerón habla un poco de ella en sus escritos. Virgilio. Augusto de Fresco hallado en Pompeya. Cultivaron los mismos géneros que los griegos. como patricio. por su ascendiente sobre la literatura cristiana y medieval. y apoteósica. el ornamental. que mezclaban canto y mimo (las saturae. comoEl sacrificio de Ifigeniaen Ampurias o La batalla de Isos en Nápoles. fue Livio Andrónico —de origen griego— quien en el siglo III a. Arco de Constantino. Casa del Fauno. aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos.37 El teatro romano recibió la influencia del griego. Entre sus principales obras se pueden recordar el Coliseo. etc. y el fantástico. Al parecer. en oratoria. como divinidad. el Panteón de Agripa. se centró igualmente en la figura humana. Tácito y Tito Livio. en temas históricos o religiosos. que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los ludiones. el Teatro de Mérida. variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas. con gran detallismo y fidelidad en los rasgos. igual que la griega. guirnaldas y amorcillos. con arquitecturas fantásticas. donde se perciben cuatro estilos: el de incrustación. Como autores destacaron Plauto y Terencio. el Arco de Constantino. en opus sectile. con pequeñas piezas que forman escenas figurativas.

de tipo coral.39 La literatura cristiana fue desarrollada en latín y griego. sin voluntad estilística. Cobró especial relevancia el mosaico. Al convertirse el cristianismo en la religión oficial del Imperio surgió una tendencia más literaria. Arte paleocristiano Rávena (primera mitad del siglo V). eminentemente religioso. iluminación de manuscritos. el papa Gregorio I Magno creó el canto gregoriano (siglo VII). Con la legalización de su religión. Mosaico del Buen pastor. Entre los exegetas latinos destacaron Tertuliano. generalmente con propósito didáctico y propagandístico de la nueva fe. En un primer momento destacó la elaboración del Nuevo Testamento. Eran obras prácticas. Más adelante. Eusebio de Cesarea. Generalmente constaba de tres partes: un atrio de acceso. En arquitectura. que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes que se cantan por sílaba: cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico». destacó como tipología la basílica. san Juan Crisóstomo y san Gregorio Nacianceno. adaptación del edificio romano de mismo nombre que. dividido en tres naves. Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta nueva religión. A continuación surgieron una serie de escritos apologéticos de los llamados Padres de la Iglesia: Atenágoras. que servían a la vez de lugares de reunión para los perseguidos devotos cristianos. San Agustín. para pasar posteriormente. con una finalidad moralizante. así como de la liturgia judía. llegando a influir al arte bizantino. San Juan de Letrán. más elaborada y retórica. Mausoleo de Gala Placidia. el cuerpo de la basílica.La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media.41 Arte germánico . Prudencio. los mejores ejemplos se hallan en Santa María la Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Rávena. donde se sitúa el altar. Destacan las basílicas de San Pedro del Vaticano. que tuvo un gran desarrollo. de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático». Existen tres estilos de canto gregoriano. ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre notas. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas dominantes. en forma de misal (missalis romanum). Clemente de Alejandría. sin embargo. Juan). con tres partes principales: los cuatro evangelios (Mateo. En el siglo IV san Ambrosio introdujo el canto ambrosiano. San Lorenzo y San Clemente en Roma. La pintura se dio sobre todo en las catacumbas. Lactancio. Orígenes. pasó de una función civil a una religiosa. pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial. Las formas clásicas fueron reinterpretadas para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial. el cristianismo. San Jerónimo (traductor de la Biblia al latín. y de 6 a más tonos por sílaba se llama «melismático». especialmente. etc. Lucas. redactado en griego. Las artes figurativas inician el camino del arte medieval. mientras que la nueva religión. etapa de cierta decadencia política y social. dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del realismo de la narración o de su carácter estético. impregnará la mayor parte de la producción artística medieval. Marcos. las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de los cementerios o «catacumbas». con una línea melódica continua. y el presbiterio. destacando san Basilio el Grande. y San Apolinar en Rávena. con escenas religiosas y alegóricas. mientras aún eran perseguidos por el poder imperial. y surgió la miniatura. la llamadaVulgata) y. el corpus epistolar (cartas de San Pablo y otros apóstoles) y el Apocalipsis de San Juan. a ser el estilo oficial del Imperio. con dos principales escuelas: la helenística-alejandrina y la siria. tras la conversión al cristianismo del emperador romano Constantino. primero de forma oculta. La misa era cantada.40 La música cristiana primitiva era heredera de la romana. que evolucionaron desde la simple decoración ornamental con molduras cóncavas (strygiles) hasta la narración de escenas en friso. y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas. En escultura destacaron los sarcófagos. de origen germánico.

mientras que el modelo basilical benedictino Aquisgrán. Destacan las construccionesostrogodas en Italia. donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. San Miguel de Hildesheim y la catedral de Espira. bien de cañón o de aristas. En escultura destacó el relieve. La arquitectura carolingia se basó en el uso del pilar en vez de la columna. en Baños de Cerrato materiales usados y a la falta de un programa constructivo de (Palencia). como el Mausoleo de Teodorico en Rávena. Otón II y Otón III. la de una nave con cámaras laterales (San Pedro de la Mata. lo que conllevó un renacer cultural y un primer retorno a la cultura clásica como fuente de inspiración. La pintura se circunscribió a la miniatura. con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico. sobre todo en frisos y capiteles. Orense). Palencia). debido a la pobreza de los Iglesia visigoda de San Juan. aunque matizada por la religión cristiana. como vemos en los sacramentarios de Luxeuil y Gelasiano (Vaticano). asentado en la península ibérica. Fulda y Corvey. Destacó también la orfebrería. como la Estatua ecuestre de Carlomagno (Louvre). En escultura. como en Quintanilla de las Viñas (Burgos) y San Pedro de la Nave (Zamora). el arco de herradura y la bóveda. Arquitectónicamente son herederos del arte carolingio: el modelo de Aquisgrán se percibe en el coro de laabadía de Interior de la Capilla Palatina. la de Reims y la de Saint-Denis. Entre los pueblos germánicos conviene destacar el visigodo. La pintura se desarrolló en la miniatura. como los hallados en los tesoros de Guarrazar y Torredonjimeno. Toledo) y la de cruz griega (Santa Comba de Bande. Desarrollaron tres tipos deiglesias: la basilical de tres naves (San Juan de Baños. Arte carolingio: la coronación de Carlomagno supuso en cierta forma la restauración del Imperio Romano. se halla presente en San Ciriaco de Genrode. debido al matrimonio de Otón II con Teófano de Constantinopla: en escultura destacan las . Arte otoniano: se denomina así por coincidir con los reinados de Otón I. donde los pueblos invasores pasaron a ser la clase dirigente. en Essen y en Ottmarsheim. Esta convivencia cultural generó la aparición de las lenguas vernáculas y la creación de nuevas entidades políticas y culturales.42 Arte prerrománico Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000. La arquitectura destacó por el empleo de la sillería. si bien subsistió la cultura romana entre las clases humildes. que se irán afianzando a lo largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la actualidad en el mundo occidental. es de destacar la incorporación de la escultura figurativa a las iglesias. la de Tours. sobre todo en coronas y cruces. generalizándose el uso del arco de medio punto y la bóveda.La invasión del Imperio romano por los pueblos germánicos supuso la fragmentación del territorio en diversos reinos. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común. Se solían aprovechar instalaciones y materiales romanos. Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estos pueblos fueron de escasa relevancia. Ejemplos de ello son la Capilla Palatina de Aquisgrán y monasterios benedictinos como Sankt Gallen. con arcos de medio punto y cubiertas de madera o bóvedas de cañón. En artes plásticas se percibe la influencia bizantina. con varias escuelas como la palatina. como los de Poitiers en Francia o de Cividale en Italia. envergadura. La escultura se produjo sobre todo en marfil y bronce. que desarrolló un estilo propio de gran relevancia.

arcos de medio punto —a veces peraltados—. ramirense y posramirense. Cabe destacar en miniatura los beatos. decoradas en relieve.43 La literatura medieval es heredera de la tradición clásica grecorromana. Venancio Fortunato. san Isidoro. y secuencias al final). Casiodoro. y en el posramirense. La tipología principal es la basilical de tres naves. que vio florecer notablemente el arte sobre todo en arquitectura. donde se distinguen tres etapas. en función del reinado de Ramiro I: prerramirense. así como la bóveda de nervios de tipo califal. recientemente evangelizadas. tuvo una época de esplendor el arte celta. Destacan asimismo los trabajos de orfebrería. Enmarcada en el terreno eclesiástico. Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la dominación islámica. En el primer periodo destaca la iglesia de San Julián de los Prados. que es el encargado de la conservación del antiguo legado cultural. destacando la escuela de Winchester. San Cebrián de Mazote (Valladolid). como las de Moone. como las puertas de San Miguel de Hildesheim. en el alto Ebro. la música va experimentando sucesivos avances: la música carolingia fue la primera en incorporar instrumentos musicales. en pintura.45 Iglesia otoniana de San Miguel de Cruz de Iglesia vikinga Santa María del Naranco. coincidiendo con el reinado de Justiniano. como se percibe en la obra de Sidonio Apolinar. al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos. Boecio. en el ramirense. En escultura destacan las grandes cruces irlandesas. de las que fue puerta de entrada en Europa. También destacó la escuela irlandesa (san Columbano. san Gregorio Magno. los cristianos se vieron reducidos a la región de Asturias. arte asturiano. cabe citar los frescos de San Jorge de Oberzell. La arquitectura destaca por el uso del arco de herradura. principalmente al norte del Duero. en Oriente perduró —conocido como Imperio bizantino—nota 3 hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. San Miguel de Lillo y Santa Cristina de Lena. con amplio crucero y tres capillas rectangulares a la cabecera. el arte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales. con gran variedad en la tipología de su planta. etc. donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. surgen las primeras piezas musicales sin texto. como la iglesia noruega de Borgund. ya que generalmente se construía en madera: cabe destacar las iglesias de Deerhurst y Bradford-on-Avon. de tejados apuntados y salientes de gran verticalidad. Arte asturiano: con la invasión islámica de la península ibérica. Heredero del arte helenístico.44 En esta época. y que. Se desarrolló sobre todo en el siglo X. destacando las iglesias de forma piramidal. Teodulfo de Orleans. con una serie de grafismos (neumas) actualmente no identificados. san Beda el Venerable) y la carolingia (Alcuino de York. Son iglesias generalmente de pequeño tamaño. principal exponente del (Irlanda). una . destacando Santa María de Melque (Toledo). Kells y Monasterboice. San Millán de la Cogolla (La Rioja) y San Miguel de Escalada (León). Santa María del Naranco. la producción literaria es enteramente en latín. Rabano Mauro). ilustraciones del Comentario al Apocalipsisdel Beato de Liébana. La miniatura tuvo influencia carolingia. aunque con un claro componente teocéntrico y de exaltación de la religión cristiana. Se caracteriza por el empleo de muros de sillarejo. al estilo de las salas de reunión vikingas. Cantabria y Pirineos. Arte vikingo: la arquitectura era en madera. Brompton de Borgund. bóvedas de cañón con arcos fajones y contrafuertes exteriores. sur de Galicia. San Baudelio de Berlanga (Soria). en incisos a los cantos litúrgicos (tropos a medio texto. formada por arcos que se cruzan. practicaban un tipo de arte de gran influencia islámica. Arte celta: en las islas británicas. además del canto de tipo gregoriano. especialmente las fíbulas con largas agujas y las espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura. obras en bronce.San Salvador de Valdediós. generalmente sobre temas morales y de retórica. En arquitectura se conservan pocos restos. Se distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI. en el siglo VIII comenzó un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto. a la que perteneció el Pontifical de San Aethelwold(British Museum). Hildesheim. Arte bizantino Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente.

Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano influencia paleocristiana. con motivos abstractos o geométricos. que era únicamente de tipo ornamental. Creta. son las más monumentales: iglesia de los Santos Sergio y Baco. nártex. a la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores. La arquitectura destacó por el uso del arco apuntado —que en al-Ándalus fue de herradura por herencia del arte visigodo—. Con el tiempo. Se utilizaban diversos tipos de bóveda. En la segunda edad dorada se establecieron la estética y la iconografía bizantinas. con una fuerte carga simbólica de las imágenes. con figuras estilizadas y perspectivas jerárquicas (el tamaño de la figura depende de su importancia religiosa). destacando las imágenes de «consagración imperial» (Cristo con las manos sobre las cabezas de los emperadores). teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese. sobre todo los iconos de pintura sobre tabla. sobre todo en torno a los iconos. generalmente de tres o cinco lóbulos. Gran Mezquita de Córdoba. que tuvo una rápida difusión desde el Próximo Oriente por el norte de África. vegetales o de lacería. Se otorgó gran relevancia a la decoración ornamental. con motivos epigráficos. con un atrio de entrada. especialmente la helenística y la siria neoática. Estambul.segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204. La principal tipología es lamezquita. alabastro. o bien en forma de avispero. Venecia y Moscú (donde descuella Andrei Rubliov). pues la prohibición religiosa de representar imágenes figurativas supuso una seria traba para la pintura y escultura. En la tercera edad dorada la pintura sustituyó al mosaico. Salónica y monte Athos. con dos cámaras o sacristías laterales y el altar bajo un baldaquino. compuesta por un amplio patio (sahn). La tipología más utilizada fue la de planta centralizada —quizá por la importancia otorgada a la cúpula—. en . llegando a Europa con la conquista de la península ibérica y con la zona de los Balcanes tras la caída del Imperio bizantino. mármol. la torre o alminar. y en la tercera cabe mencionar los conjuntos deMistra. la sala de oración (haram). en la segunda edad dorada destacan la catedral de Santa Sofía de Kiev y San Marcos de Venecia. usado a veces en superposiciones y entrecruzamientos. Su principal medio de expresión fue la arquitectura. Abundó el uso de la columna. sobre piedra o marfil. manifestaciones. como la de gallones y la de crucería. siendo su arte el reflejo de esta disparidad. Salónica.46 Arte islámico Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva religión. la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas. destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. que era de signo abstracto. de Santa Irene y de Santa Sofíanota 4 en Constantinopla. En arquitectura se empleó la piedra y el ladrillo. y una tercera en el siglo XIV. de época de Justiniano. destacando las escuelas de Chipre. La escultura solía ser en relieve. mosaico o pintura. el islamismo. con recubrimientos exteriores de placas de piedra con relieves e interiores de mosaico. Se utilizó el arco de medio punto y la bóveda con cúpula sobre pechinas. generalmente de yesería. Las primeras Iglesia de Santa Sofía. con la dinastía Paleólogo. con capiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos. presbiterio y coro al fondo. sur giendo más adelante elarco lobulado.

con dos principales grupos de predicaciones: las escritas por Mahoma en La Meca. En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico. San Saturnino de Toulouse. También cabe destacar la Mezquita de Bab al-Mardum en Toledo y el Palacio de Medina Azahara. Ibn Tufail. narrativa (Ibn al-Mugaffa. Se inició la construcción de grandes catedrales. con una característica alternancia de sus dovelas en color rojo y blanco. y es considerado el padre de la música clásica árabe. que seguirá durante el gótico. San Abundio de Como. Averroes). al-Jahiz). destacando la Giralda y la Torre del Oro. la pandereta (duff) y los palillos (gadib). con la tradicional alternancia blanco-rojo. la lira (mi'zaf). breves y de tono poético. Ibn Misjaḥ fue el primer teórico musical árabe. y las escritas en Medina. precedida de un espacio con arquerías (macsura). o fantástica (al- literatura árabe. que es encerrado en alfiz. Hamadani. compuesta de once naves perpendiculares a la quibla.cuyo fondo (quibla) se sitúa la capilla (mihrab). que se desarrolló sobre todo en la poesía (Abu Nuwas. y la El Corán fue la primera obra prosa. El Corán fue la base gramatical y estilística de la literatura árabe. el oboe (mizmar). York y Canterbury en Inglaterra. el Corán tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulación. especie de suite vocal—. al-Mutanabbi. La música profana fue prohibida por los califas ortodoxos. Cabe destacar la recopilación de cuentos tituladaLas mil y una noches. Entre los instrumentos árabes destacan el laúd (‘ud). destacando diversos eruditos como Avicena. La música sacra no se desarrolló tanto como la cristiana: en origen. arcos de medio punto y bóvedas de cañón. la flauta (gussaba). obra anónima redactada entre los siglos IX y XV en diversos estilos. el pífano (shahin). pero potenciada posteriormente por los Omeyas. la llamada a la oración (adhdan) era cantada. al-Kindi y al-Farabi. el Corán. importante y la más influyente de la histórica (Ibn Jaldún). Ibn Quzman). como en el arco de herradura. también son frecuentes las cúpulas. la de Samarra. Módena. Como principales muestras tenemos: el Monasterio de Cluny. Avempace. Su principal monumento es la Mezquita de Córdoba. Avicena. exponiendo los principales preceptos de la nueva religión. Otras importantes manifestaciones del arte islámico en la península fueron las producidas en Sevilla durante la dominación almohade. de una religiosidad más fervorosa. El canto tenía una especial relevancia. ya sea filosófica (al-Kindi. correspondientes con los contrafuertes exteriores. Santa Fe de Conques. las catedrales de Durham. a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino. y el arte nazarí en Granada. San Zenón de Verona y las catedrales de Parma. libro sagrado del islam escrito por Mahoma y fijado en su texto definitivo por el califa Uthman Ibn Affan en 650. la de la Roca y al-Aqsa de Jerusalén.47 La literatura árabe arrancó con una obra de gran trascendencia. al-Hariri). con dos partes: estribillo (tarji’) y antífona (jawab). con seis pies métricos (rajaz) derivados —según la leyenda— de los pasos del camello. con crucero y girola. la de Tamerlán en Samarcanda. el tambor (tabl). La música árabe tiene su origen en antiguos cantos (huda’) efectuados por los beduinos en sus viajes en caravana. con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. Surgido a mediados del siglo XI. de medio punto en la parte superior y de herradura en la inferior. San Ambrosio de Milán. que tiene su principal expresión en laAlhambra. etc. La arquitectura destacó por el uso de muros de sillería. sobre trompas o pechinas. y comenzó el estudio teórico de la música (al-musiqi). el arpa (jank). se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII.49 Arte románico El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental. las catedrales de . apoyadas en pilares por arcos fajones. San Lázaro de Autun. Consta de 114 capítulos (sura). San Front de Périgueux y San Esteban de Caen en Francia. casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id). y que 48 es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasía. en versículos rimados. más largas y discursivas. En al-Andalus el arte islámico tuvo su momento de esplendor en el emirato de Córdoba: la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispano-romanas y visigodas. similar a la fioritura occidental. Pisa y Lucca en Italia. Destacan las mezquitas de Damasco. la de Isfahán. Las iglesias son de una o tres naves. a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico. la de Ibn Tulun en Egipto. la nauba. la Mezquita Azul de Estambul. A partir del siglo X cobró importancia la música instrumental —con una modalidad principal. De carácter eminentemente religioso. predominando el canto solista con laúd. con una serie de arcadas superpuestas.

La pintura era preferentemente mural. como en Santa Magdalena de Vézelay. en francés. que trabajó en la Catedral de Parma. al temple. con un marcado carácter didáctico. Se desarrolló preferentemente en el ábside de las iglesias. Vemos esta disposición en la Abadía de Sant'Angelo in Formis (Capua). Arnaut Daniel. los talleres de marfil de León (Crucifijo de Fernando Pantocrátor del ábside de San I). Bertran de Born. como en su magnífico Descendimiento (1178). San Martín de Frómista. y las labores textiles (Tapiz de Bayeux. como el Cantar de Mío Cid (1140). de carácter religioso. Los principales ciclos escultóricos se producen en los tímpanos de los portales de acceso a las iglesias y catedrales. con un programa iconográfico donde destacaba la figura del Pantocrátor. en el siglo XII se produjeron diversas escuelas regionales: la catalana (portal delmonasterio de Santa María de Ripoll). de signo religioso y figuras esquemáticas al igual que la escultura. Otro género relevante fue la novela de caballería (roman courtois). En España destacaron en primer lugar los talleres catalanes de Ripoll y la zona pirenaica. la lírica y las gestas . Marcabrú. Tuvo una fuerte influencia bizantina. y la miniatura. Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona).50 En esta época. desarrollado notablemente por el taller deLimoges. temas religiosos dentro de la Iglesia. alrededor del cual se encuentran la Virgen y los apóstoles. catedral de Colonia. pasando más tarde a actores profesionales. mezclando en sus actuaciones la declamación y el malabarismo. Los actores eran en principio sacerdotes.52 Durante el románico surgió la música tal como es practicada actualmente. diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y un ángel. principalmente con el género trovadoresco. sin realismo. dejando al pie el Juicio Final. con figuras esquematizadas. aunque empezó a desarrollarse lapolifonía y la música profana. Santiago y el claustro de Silos. San Isidoro de León. mitad poetas y mitad saltimbanquis. exaltando el amor cortesano (fin'amors). aunque poco a poco fueron surgiendo obras en lengua vernácula y comenzó la producción literaria de ámbito profano. También se produjo pintura sobre tabla. y Sant Pere de Roda. Las obras fueron en primer lugar en latín. por gremios y cofradías. Solsona y Santiago de Compostelaen España. más adelante.nota 5 especialmente la orfebrería en oro y piedras preciosas (Arca de las reliquias de los Reyes Magos. en forma demisterios y pasiones. los primeros textos escritos en lengua romance fueron las glosas del monasterio de San Millán de la Cogolla. la aragonesa (monasterio de San Pedro el Viejo de Huesca). la Fachada de las Platerías de la Catedral de Clemente de Tahull. San Clemente de Tahull y San Isidoro de León. Tuvieron gran relevancia en esta época las artes aplicadas. lúdico. En Italia destacó la figura de Benedetto Antelami. MNAC. posteriormente surgieron los «cantares de gesta». que explica la representación de la obra Quem quaeritis?. La poesía trovadoresca se desarrolló especialmente enlengua provenzal. Los juglares eran trotamundos. Jaufré Rudel. difundida sobre todo por la orden benedictina. de signo simbólico. pasando a continuación a lenguas vernáculas. «religioso». los talleres del Camino de Santiago. Santo Domingo de Silos y las catedrales de Jaca. Maguncia y Worms en Alemania. debido al analfabetismo de la época. el esmalte. conservando la tradición latina. la literatura siguió preferentemente en manos eclesiásticas. Santa Fe de Conques y el Pórtico Real de Chartres. y «profano». Las principales obras musicales se circunscriben al canto gregoriano. a las que siguieron las jarchas mozárabes. temas no religiosos. Bernart de Ventadorn. de san Æthelwold. donde los círculos artísticos cortesanos fueron ganando peso y desplazando al poder eclesiástico: destaca la gran epopeya del Cantar de Roldán. festivo. Cáliz de doña Urraca. etc. de finales del siglo XI. Estaba subvencionado por la Iglesia y. San Isidoro de León). la navarra (portada de Sangüesa) y la castellana (monasterio de Santa María la Real de Nájera). El primer texto que se conserva es el Regularis Concordia. en torno a trovadores y juglares. En España. San Lázaro de Autun. la música y la sátira.Spira. gracias a la creación delpentagrama y a la nomenclatura de las notas musicales elaborada por Guido de Arezzo. representada por Guillermo de Poitiers. Las principales innovaciones se produjeron en Francia.51 El teatro medieval era de calle. San Juan de Duero (Soria). representada principalmente por Chrétien de Troyes y sus novelas del ciclo artúrico. las catedrales de Braga y Coimbra en Portugal. La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico. con tres principales tipologías: «litúrgico». donde destacaron las escuelas inglesa e italiana. generalmente en retablos para el altar.

Sevilla. mejor iluminación. con un mejor análisis estructural que permitió hacer edificios más estilizados. Barcelona. Abadía de Santa Hildegarda. época de gran desarrollo económico y cultural. y la ballade (estribillo alternante cada tres estrofas). A nivel eclesiástico. Arte gótico El arte góticonota 7 se desarrolló entre los siglos XII y XVI. En España cabe destacar también el desarrollo del arte mudéjar. Ulm y Magdeburgo en Alemania. «danzas de la muerte». en Francia. Burgos. Pórtico Real Santa Catedral de Gerona. debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia. más dinámicas. por tanto. Bourges y Notre-Dame de París. y los monasterios de Batalha y Alcobaça en Portugal. El auge de las universidades comportó un aumento de los estudios científicos. Fueron más importantes las danzas populares. Zamora y Sigüenza. sentando las bases de la cultura moderna. Colonia. el yeso y la madera de pequeña escuadría: Cristo de la Vega . en Inglaterra. entre las que cabe destacar: Laon. La arquitectura sufrió una profunda transformación. Reims. llamadas así porque arrastraban los pies. fuertemente influido por las formas islámicas. Siena. Florencia. Es la época de las grandes catedrales. Entre las formas trovadorescas destacan: el rondeau (alternancia de coplas y estribillo). Hildegarda (1165). Amiens. que dieron nombre a las sietenotas musicales. de tipo folclórico. con formas más ligeras.épicas. Detalle del Códice de Tapiz de la Creación. los trovadores recibieron el nombre de minnesänger. filosóficos y literarios. Canterbury. que llegaron hasta Inglaterra Morris ( dances). En Alemania. el único vestigio eran las Bautista. Los trovadores eran de clase social más elevada (el mismo rey Ricardo Corazón de León fue trovador). permitiendo interiores más amplios y decorados con vitrales y rosetones. de las que se tiene poca constancia. que tenían una finalidad moralizadora. y componían y cantaban sus propias obras. León. y que se caracteriza por el empleo del ladrillo. al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura. con más aberturas y. Palma de Mallorca. de Chartres. en Italia. como el pasacalle y la farándula. Salisbury y Gloucester. siendo famosas las «danzas moriscas». y la utilización de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio. en España. innovación realizada porGuido de Arezzo. Orvieto. San Esteban de Viena en Austria.54 Catedral de Pisa. con mayor predominio de las ciudades sobre el campo. el virelai (en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas). que la consideraba Notación musical con los versos delHimno a San Juan un rito pagano. Chartres.53 La danza medieval tuvo escasa relevancia. Bolonia y Milán. Aparecieron nuevas tipologías como el arco apuntado y la bóveda de crucería. Eibingen (Alemania). Estrasburgo. que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. Toledo.nota 6 En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas». Gerona. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados.

Ambrogio Lorenzetti). la cerámica —donde destaca la deFaenza y Manises—. Se practicó sobre todo el género del canzone. La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica. Las Huelgas (Burgos). se caracteriza por la aproximación realizada a la representación de la profundidad —que cristalizará en el Renacimiento con la perspectiva lineal—. en formas sencillas y diáfanas. el fuerte cromatismo. En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de la Catedral de Chartres. Cabe destacar a Jan y Hubert van Eyck. El centro creador pasó de Francia a Italia. las obras en esmalte —en particular las procedentes deLimoges—. una de las grandes obras de la literatura universal. con cierta melancolía y nobleza en los sentimientos. Bernat Martorell y Lluís Borrassà. Se caracteriza por la estilización de la figura y el predominio de la línea curva. Su principal aportación es la técnica al óleo. Destacan los pintores Paul de Limbourg. Gerard David. Destacó la ebanistería. Jaume Huguet. Se sucedieron cuatro estilos pictóricos: Gótico lineal o franco-gótico: se desarrolló desde el siglo XIII hasta principios del XIV. al temple o al óleo. En Inglaterra destacó Geoffrey Chaucer .55 La literatura tardomedieval se movió entre las obras escritas todavía en latín —generalmente de signo religioso—. la orfebrería —especialmente las custodias y los relicarios. En Italia destaca el taller de Nicola y Giovanni Pisano en Pisa. que irán ganando protagonismo y popularidad. Hans Memling. escrito en endecasílabo —del que surgirá el soneto—. Lluís Dalmau. Giotto. Hugo van der Goes y el Bosco. más simbólico que el trovadoresco. suponiendo una fusión de los estilos anteriores. favorecidas por las nuevas clases urbanas de mercaderes y artesanos. así como los conjuntos de Amiens y Reims. La pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias. los estudios sobre anatomía y el análisis de la luz para conseguir la matización tonal. donde ya descollaba el Renacimiento—. Convento de Guadalupe (Cáceres). Bartolomé Bermejo. la vidriería —singularmente la veneciana y catalana—. Destacan dos escuelas: la florentina (Cimabue. pero un amor más puro. inspiradas en la naturaleza. donde las cortes de los pequeños estados que se repartían el territorio de la península itálica favorecieron las artes y las letras. Hans Holbein el Viejo. Este estilo se desarrolló sobre todo en vidrieras y miniaturas. Las artes aplicadas también tuvieron gran relevancia durante el gótico. predominando a lo largo de ese siglo en la mayor parte de Europa —excepto Italia. etc. Conrad Witz. Conrad Soest. el detallismo técnico y el naturalismo simbólico de la narración. Gótico flamenco: surgió en Flandes a principios del siglo XV. Rogier van der Weyden. las portadas de la Colegiata de Toro y de las catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo. un naturalismo de líneas sencillas y el idealismo de los temas representados. los conjuntos de Catedral de Nuestra Señora de París. En España destaca el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela. León y Toledo. Giovanni Boccaccio y Dante Alighieri. con formas más realistas. Alcázar de Sevilla. autor de La Divina Comedia (1304-1320). Simone Martini. donde sobresale el nombre deEnrique de Arfe—. que da colores más brillantes y permite su gradación en diversas gamas cromáticas. Santa Clara de Tordesillas. y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo. la tapicería —siendo famosos los tapices de Arras—. Gótico itálico o trecentista: surgido en el siglo XIII en Italia. dando origen a lo que será el Renacimiento. etc. Andrea Orcagna) y la sienesa (Duccio. a la vez que permite mayor minuciosidad en los detalles. en el resto de Europa. San Lorenzo de Sahagún. caracterizado por el dibujo lineal.(Toledo). mientras que en Florencia surgió el llamado Dolce Stil Novo. y con escenas de carácter narrativo. aunque comenzó a desarrollarse la escultura exenta. Burgos. así como la obra dePere Johan y Gil de Siloé. mientras en Alemania descuella la obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. Martin Schongauer. Fernando Gallego. Destacan especialmente tres nombres: Francesco Petrarca. género poético de signo más subjetivo. Robert Campin. y las escritas en lenguas vernáculas. Nuno Gonçalves. Los artistas buscaban la belleza ideal. Gótico internacional: corresponde a finales del siglo XIV y primera mitad del XV. Stefan Lochner. etc. que exalta el amor. Jean Fouquet.

con máscaras tipificadas. Uxmal. el saltarello y la tarantela. con textos de gran valor literario y elementos juglarescos. Los mayas ocupaban la península del Yucatán y las actuales Belice y Guatemala (siglos II-IX). Guillaume Dufay.58 Palacio Ducal de Venecia. voces paralelas que se funden o se contraponen. así como del poeta catalánAusiàs March. teatro profano. Aun así. que fueron fundidas). en el siglo XIII surgió la poesía del mester de clerecía (Gonzalo de Berceo). Johannes Ockeghem. con diálogos y partes danzadas. En música. con sus Cuentos de Canterbury (1386-1400). sobre la vida de Dante Alighieri y el universo de La Jesucristo. De la primera fórmula compositiva por repetición se pasó a la imitación en el siglo XIV. el arte polivalente de los juglares. y «moralidades». mientras que en el XV destacan Josquin des Prés. de Adam de la Halle. François Villon fue el primer gran poeta en lengua francesa. durante el gótico se desarrolló la polifonía. de Giotto. Gallery de Londres. donde destacaban igualmente los templos. sobre Domenico di Michelinoen la Catedral personajes simbólicos. ciudad construida entre los siglos I y VII. de (1434). organista de Notre- Dame de París de mediados siglo XIII. Surgió el contrapunto. de sistema reticular —con un trazado de base astrológica—. Gilles Binchois. concebidos bajo mediciones astronómicas. códices ilustrados. piezas de plumas y. mientras que en el siglo XV es de remarcar las figuras de Jorge Manrique y el Marqués de Santillana. especialmente. . los Scrovegni National (Padua). América El arte precolombino floreció con gran brillantez hasta el descubrimiento de América. la huella precolombina perduró en numerosas producciones artísticas posteriores. con tres posibles orígenes —según los historiadores—: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto. La escultura era en relieve. desarrollando un arte de signo religioso. así como la lírica galaico-portuguesa (Alfonso X el Sabio) y la catalana (Ramon Llull). En Francia. En España. con Guillaume de Machaut y Francesco Landino. Pórtico de la Gloria de la La adoración de El matrimonio Catedral de Santiago de los Reyes Magos Arnolfini Compostela. obras de oro y plata. decorados con esculturas en relieve y pinturas al fresco. En danza. y a la variación en el XVI. el estampie. En esta época nació el de Florencia. El primer compositor conocido es Leoninus. «milagros». John Dunstable y Bartolomé Ramos de Pareja. surgiendo por vez primera una música profana separada de la música religiosa realizada hasta entonces (Le jeu de Robin et Marion. de forma piramidal (Tikal. En el siglo XIV surgió el Ars Nova. el branle. alegóricos. y se desarrollaron las técnicas compositivas y la notación. 1285).56 El teatro se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios». las principales modalidades fueron: elcarol. Templo de Kukulcán en Chichén Itzá). en el siglo XIV destacaron el Arcipreste de Hita. Capilla de Jan van Eyck. En México se desarrollaron varias culturas: la primera fue la de Teotihuacan. Jacob Obrecht. Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino (máscaras. representados por sobre la vida de los santos. Divina Comedia. o los 57 pequeños divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica. donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma de pirámide escalonada. (1305-1306). don Juan Manuel y Pedro López de Ayala.

Entre los siglos XII y XV se dio en Djenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más esquemático. destacando su magnífica colección debronces. y el Popol Vuh. entre los siglos XV y XVI. generalmente decorado con motivos geométricos. con pequeños reinos sumidos en frecuentes disputas. En Bolivia destacó la ciudad deTiahuanaco. cuya capital. y templos de forma piramidal. como algunas vasijas del pueblo Igbo-Ukwu en Nigeria.generalmente de animales mitológicos. En Zimbabue floreció la cultura Iglesia de San Jorge. y composiciones poéticas. una notable arquitectura e ingeniería civil. con adelantados procedimientos metalúrgicos. a menudo con jeroglíficos. documentos administrativos y relatos históricos (Códice Xólotl). de gran naturalismo. dedicados al sacrificio humano. libro sagrado de los indiosquiché. por lo que nos han llegado pocos vestigios. En su capital. en cambio. donde también destaca la pintura de temas cristianos. así como largos poemas narrativos de temática histórica o mitológica. Lalibela (Etiopía). El África subsahariana. Tenochtitlán. como los himnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagún en Cantares de los Dioses. Además de su arquitectura. En la meseta mexicana se desarrolló la cultura azteca (siglos XIII-XV). con ciudades planificadas y carreteras bien trazadas. como las de los pueblos tellem y dogon. Sus edificios eran rectangulares o circulares. En Perú. fue la única cultura precolombina donde lengua quechua Ollantay. En México se conservan varias expresiones en lengua náhuatl: escritos de signo religioso. Su capital.60 se desarrolló algo parecido al teatro. como se puede apreciar en el drama en África El norte de África tuvo más relación con el arte europeo y asiático. en Etiopía. técnica igualmente empleada en Machu Picchu. construyeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines. Por último. Bolivia. Los incas tenían una cultura muy desarrollada. estaba fortificada con murallas de sillares poligonales. con puertas y ventanas de forma trapezoidal. la literatura inca está representada por una serie de obras de poesía religiosa. Los primeros vestigios son tallas en madera. Al parecer. no han llegado hasta nosotros.59 La literatura precolombina era predominantemente oral. Al igual que los romanos desarrollaron Machu Picchu. pájaros y figuras humanas. y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. introduciéndose el cristianismo en el siglo IV. Los objetos en bronce aparecen en África occidental y meridional alrededor del siglo X. surgió en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en terracota. de cultura yoruba. Chile y parte de Argentina. Cuzco. surgido igual que el azteca en el siglo XIII. Los toltecas (siglos VII-VIII). En los Andes floreció el arte inca. Perú. del conjunto de Monomotapa (siglos XI-XV). de figuras masculinas con una característica barba puntiaguda. en materiales perecederos. el islamismo se expandió con fuerza por todos los países del Magreb. destacó su cerámica y arte textil. se dio otra notable escuela escultórica enBenín. amurallado y con un ancho de 9 metros. Sus primeras manifestaciones artísticas. como el Camino Real de las Montañas. cerámicos y textiles. que recogió diversas tradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a la expresión del poder. De esta época datan las iglesias talladas en la roca de Lalibela. en el estado de Hidalgo. serpientes. estuvo más aislada.61 . Gran Zimbabue. en el actual Malí. especialmente en Etiopía. de 6000 kilómetros. fue una de las ciudades iglesias talladas en la roca de más grandes de toda África. abarcando los actuales Ecuador. En Ife (igualmente en Nigeria). transcripción de obras jeroglíficas sobre tradiciones orales. cosmológico y adivinatorio (Códice Borgia). En lengua maya destacan los libros de Chilam Balam. Posteriormente. construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula.

así como de la escultura que los adorna. destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica. historia sobre el amor de dos jóvenes que ha sido comparada con Romeo y Julieta. y los Pallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectónico-escultórico de Mahābalipuram. siglo XI).63 El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua. de temas históricos y mitológicos. en espectáculos donde. El tipo de santuario más Templo de Khajurāhō. poemas de amor de tipo alegórico. En esta época destacaron dos modalidades principales: el mahanataka (gran espectáculo). ga. medio (madhya) o rápido (druta). ni. que puede ser lento (vilambita). A estos estilos se les suele denominar «posgupta». Destacan los grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantā. También cabe citar al famoso Kama-sutra. con acompañamiento de diversos instrumentos. Bodhagaya. junto a dramas de tipo mitológico sobre la cosmogonía hindú. Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodo perviven los estilos anteriores. y «el edificio con tejado curvilíneo» (templo de Gujarāt). que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo.Asia India Arte gupta (siglos IV-VIII): en el Imperio gupta se expandió el budismo. En arquitectura la tipología principal fue la pagoda (Hua-yen. acentuando las formas brahmánicas. con 22 grados microtonales (srutis). en que un actor recita el texto principal mientras 64 otros lo escenifican con ayuda del mimo y la danza. con un arte caracterizado por el purismo formal. destacando el Rajatarangini de Kalhana (hacia 1150). la fábula se caracterizó por cuentos breves de aire popular. de Li Cheng (siglo X). La melodía se componía de varias estructuras de ciclos tonales (ragas). con un fuerte sello de imaginación. así como los bodhisattvas (místicos budistas). compilado en el siglo VI por Vātsyāyana.65 China Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los periodos más florecientes del arte chino. como Templo budista en las colinas después de lalluvia. género inicialmente de signo elitista. difundido es el śikhara. autor de Malatimadhava. Desafortunadamente. A su vez. ma. como en Bhubaneshwar y Kōnārka. para marcar el ritmo. Entre los siglos X-XI se produjo el arte de Khajurāhō. En pintura apareció el paisaje. ejerciendo de guía durante la ejecución de la obra. máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos. Hsiangchi). destacando Bhavabhūti. como el de Udaipur. y sólo se conocen por copias. sobre las grandes epopeyas indias. y la Gītāgovinda de Jāyādeva. los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días. la armonía de proporciones y la idealización de la figura humana. de 2. el poema épico es heredero del Rāmāyana. que incluyen diversos ornamentos (gamakas). Sirpur). dha. el kharaja (pedal) es un sonido mantenido que sostiene el centro tonal. Elephanta) y los templos al aire libre (Bhitargaon. destinado a reducidos círculos culturales. el Naradiya-siksa de Nārada (siglo X) y el Samgita-Ratnakara de Śārngadeva (siglo XIII).62 La literatura india de esta época se realizó en diversas modalidades: el drama continuó con las epopeyas mitológicas. Deogarth. ri. Tenían siete notas (svaras): sa. cada raga está relacionado con un tala o medida de tiempo. destacaban el canto. y el dutangada. El arte gupta se extendió por casi todo el Deccán: los Chālukya lo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi (550-750). En Orissā. en un nuevo género denominado mahakavya. destacando los autores Narayana y Sivadasa. Ellorā. de carácter didáctico y aleccionador. se desarrollan nuevas tipologías que convirtieron los śikhara y los vimāna en representaciones arquitectónicas de los dioses hindúes. conjunto de poesías sobre el concepto indio de la vida. principalmente cítaras y laúdes. . en la parte nororiental de la India. la danza y la mímica. Se escribieron varios tratados sobre música: elBrihad deshi de Matamga (siglo VIII). por último. la poesía lírica está representada por las Sataka de Bhartrihari. La música fue en esta época predominantemente vocal. pa. Por último. destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin (o Bodhisattva de la Misericordia). La figura más representada siguió siendo Buda. La arquitectura se divide en dos tipologías: «el edificio cubierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore.41 metros de altura.

En pintura continuó el paisaje. de Zhao Mengfu. pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y coreanos (Kannon de Kudara. de 26 cuerdas). Se desarrollaron especialmente las artes decorativas: se manufacturaron alfombras.66 La literatura china de esta época estuvo marcada por la continuidad respecto a la producción anterior. y artistas como Huang Gongwang. Durante el reinado del emperador Hsüan-tsung (713-756) hay constancia de que existía en la corte una orquesta de unos 1300 músicos. Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607). La época Tang fue la edad dorada de la poesía china. como queda patente en el famoso viaje de Marco Polo. y el meridional. y la cerámica de esmalte rosa o azul de Kin-tcheu. Representación de un concierto de música tradicional También apareció un nuevo género. se produjo cerámica con nuevas formas y colores. con 68 dos escuelas: septentrional y meridional. o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. de 5 cuerdas.67 En este periodo se produjo la edad de oro musical china: destacaron los rituales confucianistas. como Nan-ch'ü (Cantos del sur) y Pei-ch'ü (Cantos del norte). Se conservan pocos ejemplos de arquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji. que favoreció la difusión de la literatura. En época Yuan surgieron los dramas musicales u óperas. con figuras de monjes o filósofos. Apareció el grabado sobre madera. y sê. con especial representación de paisajes nublados. colores ligeros y diluidos. de dibujo preciso y colores nítidos. con textos relatando las diversas escenas osutras. mientras que en poesía descolló San-K'iu. de signo budista. donde un coro cantaba el himno. con instrumentos de viento y campanillas. mezcla de china en el Museo Provincial deHubei (Wuhan). representante del estilo Kudara. Buda de Tachibana. Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origen mongol (su primer emperador fue Kublai. flores e insectos. templo de Tōdai-ji. Durante la dinastía Song se popularizaron los espectáculos músico- teatrales. destacando Li Bai y Du Fu. siglo VI). nieto de Gengis Khan). Durante la dinastía Song apareció la imprenta detipos móviles (inventada por Bi Sheng). de pinceladas rápidas. Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apogeo el arte budista. Shōsoin de Nara. Era una música predominantemente tímbrica. mientras que en prosa se tendió a un estilo más simplificado. En cerámica destacan dos tipologías: la cerámica de esmalte blanco de Ting-tcheu. un órgano soplado para el contrapunto. como la pagoda hexagonal de Kuo- Hsiang-Su (960). especialmente los taoístas y budistas. Wang Meng y Ni Zan. que han llegado hasta nuestros días. para definir la duración (tsao-man). En época Yuan cobró relevancia el teatro. se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas. en prosa destacó el tratado histórico Tsê-che T'ong-kien. con dos estilos: el septentrional. destacando las pinturas murales del templo de Yonglegong (Shanxi). Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda: Sho Kannon. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca de Pekín. como en Liu Yu-Hui y Su She. Dinastía Song (960-1279): época de gran florecimiento de las artes. Las primeras imágenes de Buda fueron importadas del continente. con obras de gran originalidad. como elrelicario de Tamamushi. Los poetas recitaban al ritmo de un laúd corto (p'i-p'a). y se elaboraron obras de metalistería de gran riqueza. Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. Japón Período Asuka (552-646): la llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético. el pienhuen. música de la que nos han llegado composiciones como La última batalla de Hsiang Yü y Nueve canciones para Yüeh. con fuerte influencia del arte chino. verso y prosa. templo de Kōfuku-ji. impregnada de tinta sobre seda o papel. La pintura denota un gran sentido deldibujo. En pintura proliferaron los temas religiosos. historias pintadas en un largo rollo de papel o seda. y diversos juegos de cítaras (ch'in. En arquitectura continuó la Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua . China se abrió más hacia Occidente. destacando Kuan-Han-K'ing y Po-Yeu-Fu. de Ssê Ma-kuang. continuando con gran intensidad la influencia china. construcción de pagodas. La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII) y por kakemonos y makimonos. representado por Han Yu y Liu Zongyuan. con una armonía sencilla y elemental. La poesía estaba íntimamente relacionada con la música (género ts'e). .

En pintura. donde la mayor producción fue en lengua china. Cabe mencionar también la Escuela Kanō. el sô-no-koto (cítara). ambos provenientes de los períodos Nara y Heian. el shôko (gong). La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios. sobre todo en poesía. de origen indio y chino. de origen manchú y coreano. En escultura destacó la Escuela de Nara. 751). Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon. menos lujosa y recargada. frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. Se construían según el modelo de los grandes palacios. el ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano soplado). desarrollándose principalmente elretratismo y el paisajismo. Templo de Hōryū-ji. describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo. Adicionalmente. en Nara. reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado: Hojoki (Narración de mi cabaña). Estas modalidades empleaban instrumentos como el biwa (laúd de cuello corto). la aparición de la escuela de Yamato-e supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china. la influencia zen provocó el llamado estilo Kara-yo. de Kamo no Chomei. y la música derecha. también hay que mencionar el monasterio de Zuiho-ji. Está caracterizado por una trama esquemática. surgiendo dos corrientes: la música izquierda. con la figura más remarcada de Unkei (estatuas de los montes Muchaku y Seshin). que se erigían en lugares apartados. que pretendía reflejar en los paisajes lo que significan. pensados para la meditación: templos de Enryaku-ji.70 En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō. y cobraron importancia los objetos delaca y metal. La arquitectura era más sencilla. es un clásico de la literatura nipona. en cerámica destaca la de Seto. antología de varios poetas. el templo volvió a situarse en la ciudad. Del período Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa (Ensayos en ocio). Predominó la técnica de la aguada. Los decorados son austeros. el hichiriki (oboe). destacando la narrativa: Genji Monogatari (Relato de Genji). en Kioto. en movimientos rítmicos. que aplicó la técnica de la aguada a temas tradicionales.69 La literatura japonesa continuó con el influjo de la china. el taiko (tambor japonés). el kakko (tambor chino). perfecta transcripción de la doctrina zen. aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. elgagaku se divide en sōgaku (música instrumental) ybugaku (música y danza). Su origen se sitúa en el antiguo baile kakura y en la liturgia sintoísta. de Yoshida Kenkō. con tres personajes principales: el protagonista (waki). donde se exaltaba preferentemente la naturaleza. Durante el período Fujiwara (897-1185). Período Heian (794-1185): la iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevas sectas del continente: Tendai y Shingon. se caracterizó por su armonía y luminosidad. el koma-bue (flauta).72 . Kongōbu-ji y santuario-pagoda de Muro-ji. En época Heian hubo un renacer de las letras japonesas. de tema histórico o mitológico. también llamado del Fénix). de tono a veces erótico. que influyó poderosamente en el arte figurativo. con una decoración muy desarrollada (monasterio de Byōdō-in. drama lírico-musical en prosa o verso. guerras feudales. Destacan el conjunto de cinco grandes templos de Sanjūsangen-dō (1266). Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eranshōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («música graciosa»). anónimo. La narración es recitada por un coro. autor de retratos y paisajes. La poesía de la época fue compilada en la antología imperial Kokinshu. Se desarrolló notablemente el arte de la jardinería. destacando las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y el Pabellón de Plata. La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspección psicológica. escrita enwaka (composición de 31 Interpretación de teatronō en el sílabas). En el período Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes Gran Santuario Kasuga(Nara). con colores brillantes. siendo centro de reunión de las clases dirigentes. más que lo que representan. más funcional.71 En música la llegada del budismo comportó la influencia extranjera. Período Kamakura (1185-1333): en esta época se introdujo en Japón la sectazen. de Murasaki Shikibu. Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): en este período floreció notablemente la pintura. considerada más culta: tenemos así el Kaifuso (Tiernos recuerdos de poesía. un monje itinerante y un intermediario. mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual. enmarcada dentro de la estética zen. y el Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes). destacando Sesshū. La arquitectura se distinguió por su elegancia.

Sudeste asiático En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista. siglo XII). En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú (monasterio de Dông-Dương). Su principal manifestación es el magnífico conjunto de Angkor Wat (1113-1150). cónica. Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya. cuya planimetría representa el universo. en bulbo o en campana (templo de Ananda. que pueden ser de forma cilíndrica. El templo central está rodeado de cuatro santuarios Templo de Angkor Wat. en bronce y pan de oro. coronados por agujas inspiradas en jemer. principalmente en Indonesia. constatable en las stūpas con cúpulas de campana. como el templo de Vat Sri Sampet (siglo XVI). Entre los siglos X y XV predominó nuevamente el hinduismo. siendo a partir del siglo VI que comenzará progresivamente la influencia india. donde la dinastía Sailendra adoptó el budismo. sobre el que se realizaba la decoración. construidos con piedra caliza con abrazaderas de hierro. Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). destacando las estelas sepulcrales y las nuevas tipologías arquitectónicas. Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia). como la de Sukhothai (siglo XIV).73 . principal realización delarte más pequeños. como en el uso de la bóveda de crucería. las śikhara indias. introduciéndose el islamismo en el siglo XV. En el siglo XII predominó la influencia jemer. Su período clásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII). En el siglo XV se introdujo el islamismo. El período más floreciente se dio entre los siglos VII y X. hemisférica. con una arquitectura más vertical. como los de Shwentar y Kidal. Destaca igualmente la decoración esculpida en relieve. con una torre-relicario (prang). como la mezquita de Sendang Duwur. Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china. contando con 1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. teniendo su apogeo entre los siglos VIII y XII. Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco. con decoración en relieve. donde destacan las stūpas. destacando los monumentos funerarios (chandi). ciudadela-templo dedicado a Vishnú. construyendo el templo de Borobudur. Arte indonesio: se recibió una primera influencia india —principalmente gupta—. plasmada en una arquitectura armónica de sobria decoración. En las culturas autóctonas de la edad del bronce y del hierro —de las que se conservan escasos restos— se denota la influencia china. principalmente en Java. con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura. Destacan las imágenes de Buda. caracterizado por una arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas. la stūpa más grande del mundo.

islas Chatham). que se situaban sobre plataformas de piedra que servían de base a los templos (ahu) de culto a los ancestros. entre el año 900 y el 1600. social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo. así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). isla de Pascua de las famosas cabezas monolíticas (moái). había más de 1000 grupos étnicos diferentes. islas Kermadec. suponiendo el inicio del . Bangkok. Arte indonesio: templo de Borobudur (Indonesia). con grandes estatuas antropomórficas. relacionadas con danzas y ceremonias de tipoanimista o politeísta. Se produjo una gran diversificación cultural y artística: sólo en Melanesia. Phan Rang pagoda de (Vietnam). La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político. Oceanía En este periodo continuó la expansión polinesia hacia la periferia oceánica (Nueva Zelanda. por ejemplo. Por último. económico. En Hawái se construyeron grandes templos (heiau). los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos. cabe destacar la construcción en la isla de Moái en Rano Raraku. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual. de las que se erigieron unas 600 Pascua.74 Arte de la Edad Moderna El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno. En Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra (latte). con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses. En Nueva Zelanda. los nuevos descubrimientos geográficos — especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial. Son figuras de 4 o 5 metros. En Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos. Rangún (Birmania). En las islas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de casas megalíticas sobre plataformas de piedra. que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo—nota 8 se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. Klaung Garai. apareció un tipo de moneda de piedra compuesta por grandes discos con un agujero central. Shwedagon. En Yap (islas Carolinas). Arte thai: templo de Wat Phra Arte cham: templo de Po Arte birmano: Kaew.

el Renacimiento se desarrolló sobre todo en Francia. mientras que en el Cinquecento el centro artístico pasó a serRoma: Bramante (San Pietro in Montorio. jónico. en Florencia. de composición geométrica. En España se desarrollaron varios estilos: el plateresco. La belleza dejó de ser simbólica. como en el magnífico conjunto del Kremlin. el humanismo surgió como nueva tendencia cultural. caracterizado por el uso de paramentos . La arquitectura recuperó los modelos clásicos. corintio y compuesto). surgió así el llamado «jardín italiano». de Sandro Botticelli. la bóveda de cañón. En esta época cobró un por Leon Battista Alberti. el Renacimiento italiano —introducido por Aristotile Fioravanti— fue adaptado al estilo bizantino típicamente ruso. a la vez. Sin renunciar a la temática religiosa. incluso. a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo.nota 9 Renacimiento Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento). El método que El nacimiento de Venus (1485). el bodegón e. que empezó a ser concebida mediante un diseño estructurado. reelaborados con un concepto más naturalista y con bases científicas: se recuperó el uso del arco de medio punto. cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno. apareciendo nuevas temáticas como la mitológica o la histórica. Estilo inspirado en la naturaleza. Bramante. construido sobre terrazas con escalinatas (Jardín del Belvedere. con el castillo de Heidelberg y. el desnudo. Iglesia de Santa Maria Novella. la cúpula de media naranja y los órdenes clásicos (dórico. en Alemania no llegó hasta mediados del siglo XVI. basado en la armonía y la proporción. diseñada Antonio da Sangallo (Palacio Farnesio). sobre estructuras todavía de signo gótico. siguió el erudito florentino era la biografía del artista. desarrollado sobre todo en la construcción de palacios civiles. La estructura del edificio se basó en proporciones matemáticas. que se abrió a todo tipo de público. por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo. Basílica de San Pedro del Vaticano). sobre todo a finales de siglo. la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval. cuando el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística. considerándose las Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. en los Países Bajos la influencia italiana se denotó especialmente en la decoración. colonialismo. Esta Uffizi (Florencia). en Inglaterra se produjo el estilo Tudor. en Baviera. Basílica de San Lorenzo). surgieron nuevos modelos de representación. Villa Madama. la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura. Leon Battista Alberti (San Andrés de Mantua). se expandió por el resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. para tener un componente más racional y mesurado. metodología fue la que se impuso hasta el siglo XVIII. o nuevos géneros como elpaisaje. como en la era medieval. caracterizado por la utilización del arco Tudor. El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI. Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano. que buscaban la perfección de las formas. a la vez que se potenció la luminosidad y la diafanidad de los espacios. En el Quattrocento destacó la arquitectura desarrollada en Florencia: Filippo Brunelleschi (cúpula de Santa María del Fiore. como el uso de la perspectiva. en Rusia. con la obra de Philibert Delorme. Rafael). Fuera de Italia. progresivo auge la jardinería.

Andrea Mantegna. consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. La Última Cena (1495-1497). y el purismo. mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por influencia flamenca. En el resto de Europa: Matthias Grünewald. François Rabelais. Pedro Machuca y Luis de Morales en España. columnas abalaustradas y profusa decoración de grutescos (Alonso Covarrubias.75 La literatura renacentista se desarrolló en torno al humanismo. En España comenzó una edad dorada de las letras. etc. Matteo Maria Boiardo. grabado a media tinta o grabado a punta seca). La Gioconda (1503). Judit y Holofernes. destacando la técnica de la intarsia. en prosa surgieron los libros de caballería (Amadís de Gaula. xilografía. Donatello (David. surgiendo los primeros sistemas degramática en lenguas vernáculas (como la española de Elio Antonio de Nebrija) y apareciendo las primeras academias de lenguas nacionales. aunque perduraron hasta el siglo XVI la elegancia curvilínea y la esbeltez de proporciones del gótico internacional. linograbado. etc. fuera de Italia. La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados. Botticelli. Fra Angelico. que se prolongaría hasta el siglo XVII: la poesía. influida por la italiana del stil nuovo. especialmente. Bartolomé Ordóñez y Damián Forment en España. en busto o en figuras ecuestres. Con la invención de la imprenta se desarrollaron las artes gráficas. fray Luis de León. Domenico Ghirlandaio. con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas.76 . decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. Erasmo de Rotterdam. San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Don Quijote (1605). Edmund Spenser. Se utilizaban materiales nobles. Peter Vischer en Alemania. Andrea del Castagno. Perugino. Benozzo Gozzoli. de Jesús. Ello conllevó a una mayor preocupación por la ortografía y la lingüística. Michel de Montaigne. embutidos de madera de varios tonos para producir efectos lineales o de ciertas imágenes. autor del inmortal Don Quijote (1605). mientras que despuntó la obra de Miguel de Cervantes. 1509). Piero della Francesca. y Felipe Bigarny. Entre los literatos de esta época destacan: Angelo Poliziano. La tapicería destacó en Flandes. Giovanni Bellini. sobre todo en Italia y Alemania. La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo. Jacopo della Quercia. más preocupado por la estructura racional del edificio. Quentin Metsys y Pieter Brueghel en Holanda. con una perfecta ejecución pictórica. Junto a la temática religiosa se desarrolló el retrato. Torquato Tasso. y. contó con las figuras de Garcilaso de la Vega. Otro nombre de relevancia fue Rafael. aguatinta. Juan de Juanes. Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiberti. etc. y Pedro Berruguete. El vidrio se desarrolló notablemente enVenecia (Murano). Baldassare Castiglione. Luca Signorelli. como el mármol y el bronce. destacando especialmente los esmaltes y camafeos. etc. hecho que propició el acceso a la literatura por un público más mayoritario. Luís de Camões. Se utilizó el fresco y el temple. apareciendo o perfeccionándose la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte. La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti. Antonello da Messina. con obras como La Virgen de las Rocas (1483). Alberto Durero. especialmente la religiosa. Pietro Bembo. basadas en proporciones matemáticas. Pierre de Ronsard. Los estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista. 1508) y se inició el Miguel de Cervantes. Tomás Moro. con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad. Hans Holbein el Joven y Lucas Cranach el Viejo en Alemania. En esta época el mundo de las letras recibió un gran impulso con la invención de la imprenta por Gutenberg. Andrés de Vandelvira). Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas: se desarrolló la ebanistería. el gran genio de las letras españolas. como se demuestra en sus frescos de las Estancias del Vaticano. grabado al buril. Ludovico Ariosto. Andrea del Verrocchio. Andrea Verrocchio y. Jacopo Sannazaro. Alejo Fernández. Paolo Ucello. Diego de Siloé). con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Bernard van Orley. Otros artistas destacados fueron: Masaccio. La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales. con especial utilización de la «sección áurea» tras el estudio publicado por Luca Pacioli (De Divina Proportione. con un especial gusto por la forma monumental. 1455-1460). 1409. Vicente Masip. maestro del clasicismo sereno y equilibrado. Michel Colombe en Francia. género de la picaresca con el Lazarillo de Tormes (1554). la nueva teoría que destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra consideración. Uno de sus principales exponentes fueLeonardo Da Vinci. Luca della Robbia.almohadillados. genio polifacético que introdujo el sfumato o «perspectiva aérea». al estilo de la antigua Roma. abandonando la decoración exuberante del plateresco (Rodrigo Gil de Hontañón.

En torno a 1520 surgió en el norte de Italia la Commedia dell'arte. a la que siguió Euridice (1600). en dialecto. Hamlet de (1502-1510). La Gioconda Frontispicio San Pietro in 1440). Carlo Gesualdo. con lo que se empezó a editar música. Tomás Luis de Victoria. creando espacios de efectos ilusionísticos. Bartolomé Torres Naharro. Como principales dramaturgos destacaron Niccolò Machiavelli. con textos improvisados. en las tres dimensiones. Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas Orchesographie. de Balthazar de Beaujoyeulx. de Donatello. La primera ópera fue Dafne (1594). William Shakespeare. A finales del siglo XVI nació la ópera. cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. basándose en la Poética de Aristóteles. Hamlet. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi. teoría introducida por Lodovico Castelvetro. Las principales modalidades de la época eran la gallarda. Pierrot. que iría evolucionando hacia laorquesta moderna. Se buscaba la recuperación de la realidad. intentando reflejar las cosas tal como son. Lope de Rueda y Fernando de Rojas. donde añadió una introducción musical que denominósinfonía. sobre textos mitológicos clásicos. 1597. Colombina. Bargello. la pavana y el tourdion. elmanierismonota 10 abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo. siendo considerado el primer coreógrafo de la historia. Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo. al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado. Museo del 1605. En 1498 Ottaviano Petrucci ideó un sistema de imprenta adaptado a la música. 1603. 1606). siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médicis. de la Montorio. 1603. en trompe-l'œil. en pentagrama. La arquitectura adquirió un signo más efectista y de tenso equilibrio. en 1607. Como compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus. debida de nuevo al papel preponderante del ser humano sobre la religión. en forma de historias bailadas. William Shakespear e. Pagliaccio. Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. y. Giovanni Gabrieli. siendo la expresión paradigmática de la música renacentista. de Florencia. Macbeth. de Jacopo Peri. Cristóbal de Morales. Surgió la reglamentación teatral basada en tres unidades (acción. Thomas Kyd y. de tal manera que muchos autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. ( 1588). espacio y tiempo).78 La danza renacentista tuvo una gran revitalización. con autores como Christopher Marlowe. del mismo autor. Otelo. destacando el polifacético . de aspecto histórico. de Leonardo edición de Bramante Museo da Vinci. En Inglaterra descolló el teatro isabelino. de la figura humana en el espacio. Pietro Aretino. etc. Se desarrolló sobre todo en Francia —donde fue llamado ballet-comique—. iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que. Pulcinella (llamado en Francia Guignol). y dividió las estructuras cantadas enarias. predominando la mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín.El teatro renacentista también acusó el paso del teocentrismo al antropocentrismo. Pantalone. de la vida en movimiento. Apareció elmadrigal como género profano que aunaba texto y música. en 1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice. así como el afianzamiento de la música instrumental. Se suele considerar que el primerballet fue el Ballet comique de la Reine Louise(1581). con su gran obra La Celestina (1499). especialmente. Manierismo Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolución de las formas renacentistas. gran genio universal de las letras (Romeo y Julieta. de (1503-1506).79 Templete de David (c. con obras más naturalistas. Louvre. Ben Jonson.77 La música renacentista supuso la consagración de la polifonía.

de Andrea Moisés Venus de Urbino (1538). de fuerte sentido expresionista. artista 80 excepcional creador de un estilo personal y único. Florencia. Giambologna y Jacopo Sansovino. de acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba. En España destacaron Juan Fernández de Navarrete. de formas simples y desnudas de decoración. con gusto por la David (1501-1504). fuera de Italia. Sepulcro de los Médicis (1520-1534). autor del ábside y la cúpula de San Pedro del Vaticano. y Alonso Berruguete. Jean Goujon y Germain Pilon en Francia. Tiziano. con perspectivas distorsionadas y Galería de la Academia. (1513. estilo sobrio y sencillo. extravagante. Barroco . Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù). San Giorgio Maggiore de Venecia. de Miguel Ángel. Andrea del Sarto. y Andrea Palladio. forma sinuosa y estilizada. etc. Galería Uffizi Conde de 1515). Jacopo Bassano. creador de un estilo propio (paladianismo). Moisés (1513-1515). La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso. y Bartholomeus Spranger en Alemania. predominando la expresión sentimental del artista. Cabe mencionar a Maarten van Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Países Bajos. Orgaz (1587). Adriaen de Vries en Flandes. Otros importantes escultores fueron: Baccio Bandinelli. deformando la realidad. como vemos en la Basílica de Vicenza. seguido de Bronzino. La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI. tuvo su máxima realización en el Monasterio de El Escorial. En España se produjo la arquitectura herreriana (por Juan de Herrera). Ángel. con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada: Piedad (1501).artista Miguel Ángel. Alonso Sánchez Coello. David (1501-1504). etc. Giuseppe Arcimboldo. Correggio. iglesia de iglesia de Santo Tomé San Pietro (Toledo). especialmente. con un arte donde se deforma la realidad a capricho. de (Florencia). atmósferas efectistas. Tintoretto. Villa La Rotonda. El Greco. en posiciones violentas y actitudes dramáticas. etc. Juan de Juni y Gaspar Becerra en España. Destacó en primer lugar —como en las otras artes— Miguel Ángel (autor de la decoración de la Capilla Sixtina). En Francia surgió la notable Escuela de Fontainebleau. Juan Pantoja de la Cruz y. Tiziano. Descuella nuevamente la obra de Miguel Ángel. Hubert Gerhard en Alemania. Miguel el Greco. Giorgione. in Vincoli. Benvenuto Cellini. Veronese. con figuras estilizadas. de El entierro del Palladio. Parmigianino. la Villa Capra (llamada la Rotonda). Pontormo. y.

caracterizado por el exuberante decorativismo y el uso decolumnas salomónicas(Retablo Mayor de San Esteban de Salamanca). de Velázquez mejores exponentes. 1650. Pieter van Laer. bajo unas líneas clásicas. por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. frente a la condición de San Andrés del Quirinal. con preferencia por las curvas cóncavas y convexas. destacando Gregorio Fernández. poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. de Christopher Wren. y la holandesa (Rembrandt. destacando dos escuelas regionales: la flamenca (Peter Paul Rubens. y el reloj de péndulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau. autor de las iglesias de San Carlo alle Quattre Fontane y se tenía del oficio de pintor. Adam Elsheimer. con Juan Gómez de Mora como figura destacada. Al igual que en la época anterior. Francisco Salzillo. En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII). con gusto por lo sorprendente y anecdótico. bajo el reinado de Luis XIV. Nicolas Poussin. En Austria destacó Johann Bernhard Fischer von Erlach. Juan Martínez Montañés. En el terreno de las artes industriales. Francesco Borromini es otro simple artesano que hasta entonces gran nombre de la época. También destacaron la tapicería. Cobró relevancia la modulación del espacio. Aparte de estas corrientes. Anton Van Dyck. Jan Vermeer. La escultura adquirió el mismo carácter dinámico. en Versalles. Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674). etc. donde se afianzó el estadoabsolutista. también destacaron Pietro da Cortona. estaño) sobre materiales orgánicos (carey. Pedro de Mena. Luca Giordano y Charles Le Brun. etc. madreperla. Alonso Cano. La arquitectura. destaca especialmente la ebanistería. Juan de Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo. En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Londres. sinuoso. donde cabe citar a Caravaggio. se iniciaron una serie de construcciones de gran fastuosidad: fachada delPalacio del Louvre. En España destacó la figura excepcional de Diego Velázquez (La fragua de Vulcano. Guercino. siendo el principal artífice de la Roma monumental que (Museo del Prado). de Louis Le Vau y Claude Perrault. Antoine Coysevox y Pierre Puget. de estilo decorativo y predominio de la pintura mural. la cerámica y el vidrio —que cobró relevancia enBohemia—. y el clasicismo. creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre. la orfebrería —especialmente las «piedras duras» en Florencia—. con gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—. Las hilanderas. la arquitectura acusó en la primera mitad del siglo XVII la herencia herreriana. Frans Snyders). En España. Domenichino. 1630. Andrea Pozzo. de Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. En Italia destacó nuevamente Bernini. surgiendo una división entre los países católicos contrarreformistas. destacando el movimiento y la expresión. con una base naturalista pero deformada a capricho del artista. Hyacinthe Rigaud. En España perduró la imaginería religiosa de herencia gótica. que llegó a cotas de altísima calidad sobre todo en Francia. ornamental. Palacio de Versalles. con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Baldassare Longhena. 1635. mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo churrigueresco (por José Benito Churriguera). la figura del pintor como artista inspirado. En Francia. gracias a la obra de André-Charles Boulle. Orazio y Artemisia Gentileschi. Francisco Ribalta. El arte se volvió más refinado y ornamentado. Sant'Ivo alla Sapienza. Las Meninas. así como José de Ribera. que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652). Georges de La Tour y los hermanos Le Nain. autor de obras como Apolo y Dafne (1622-1625). de signo más parlamentario. hubo infinidad de escuelas. baldaquino de San Pedro. y los países protestantes. Alonso Cano. Giovanni Lanfranco. etc.El barroconota 11 se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. englobando a Annibale Carracci. Francisco de Zurbarán. autor de la Iglesia de San Carlos Borromeo en Viena. expresivo. 1657). Filippo Juvara y Guarino Guarini. Entre sus obras destacan las dos cómodas del Trianón. Venus del espejo. Guido Reni. estilos y autores de muy diverso signo. Claude Lorrain. basado en la estricta realidad natural. La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo. el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia: Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus Las Meninas (1656). Palacio Chigi-Odescalchi). marfil) o viceversa. En Francia destacaron François Girardon. con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas. 1656. La rendición de Breda.81 . asumió unas formas más dinámicas. fue un alegato de conocemos hoy día (columnata de la Plaza de San Pedro. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso. destacaron Pietro da Cortona. Jacob Jordaens. Frans Hals).

donde todo es fugaz y perecedero. creando en 1661 la Academia real de Danza. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV. con cambios repentinos. tocata. jota. Entre las grandes figuras de la música barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi. mientras que la música coral triunfó especialmente en el mundo protestante. 1618) y Pedro Calderón de la Barca(La vida es sueño. Arcangelo Corelli.84 En Francia. Comenzó el gusto por las voces solistas. liderado por Luis de Góngora. bourrée. primer lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser representada en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro di San Cassiano. 1615. En un primer momento se produjeron diversas corrientes: el eufuismo en Inglaterra (John Lyly. con un estilo suntuoso. que transmitió la Baltasar Gracián. zapateado. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp. En España. gangarilla. Con la sonata nacieron los nombres de velocidad:allegro. basada en la ineluctabilidad del destino. En Inglaterra destacó la obra poética de John Milton (El paraíso perdido. el marinismo en Italia (Giambattista Marino). Henry Purcell. con proliferación de Portada del Manuscrito latinismos y juegos gramaticales. Johann Pachelbel. La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo. Andreas Gryphius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper von Lohenstein. 1636. Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres partes (aria da capo). En España el teatro era básicamente popular («corral de comedias»). creador de la danse d'école. passepied. En la música religiosa nacen el oratorio y la cantata. A finales del siglo XVII. metafórico. Georg Friedrich Haendel. Fuenteovejuna. bojiganga. el primer sistema pedagógico de la danza. la danza barroca (ballet de cour) hizo evolucionar la música instrumental. farándula y compañía. En España nacieron la zarzuela y la tonadilla como manifestaciones de la música popular. Cyrano de Bergerac y Madeleine de Scudéry. etc. con una personal tipología. Destacaron Tirso de Molina. vivace. donde el siglo XVII sería denominado el Siglo de Oro. Juan Ruiz de Alarcón y. donde intervino el rey caracterizado de sol). que convirtió la danza en grandes espectáculos (Ballet de la Nuit. etc. la primera (Martin Opitz. sonata. Tommaso Albinoni. Jean Racine y Molière. donde predominaba el ingenio. En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia. Jean de La Fontaine. 1667). con un tono clásico. cómico. simplificando los argumentos y haciendo óperas más cultas y sofisticadas.82 Góngora. desvinculándose plenamente de la voz y el texto. principalmente las agudas (tenor. adagio. etc. representantes del clasicismo francés. La ópera barroca destacó por la escenografía complicada. 1653. rigaudon. Antonio Cesti. sueño o mentira. distinguiéndose: bululú. Heinrich Schütz. Se caracterizó especialmente por la utilización del bajo continuo. Georg Friedrich Haendel. Georg Philipp Telemann. Angelus Silesius. zarabande. Destacan Pierre Corneille. primer centro operístico del mundo. la agudeza. con autores comoFrançois de la Rochefoucauld. fandango. etc. etc. gigue. allemande. ñaque. con múltiples significados en pocas palabras. Destacan Pier Francesco Cavalli. 1651). siguiendo el tono ornamental característico del Barroco. se produjeron dos corrientes: el culteranismo. la escuela napolitana introdujo un estilo más purista. gavotte. garnacha. cambaleo. Jean-Baptiste Lully. la ornamentación exagerada. con una visión de la vida planteada como lucha. andante. presto. siguiendo las tres unidades de Castelvetro. Nicolas Boileau-Despréaux. principalmente. Las principales tipologías fueron: minuet. los volúmenes móviles. soprano). Su estilo era suntuoso y recargado. sinfonía). Lope de Vega (El perro del hortelano. En ópera destacó la escuela veneciana. recargada. Marc-Antoine Charpentier. surgiendo las formas instrumentales puras (suite. Jacques-Bénigne Bossuet. la estructura variada y contrastada. Más adelante surgió el clasicismo en Francia. Guillén de Castro. polonaise. apareciendo el fenómeno de los castrati. chacona. concierto. con un lenguaje muy adjetivado y metafórico. donde destacaba la belleza formal. de melodía única pero con una rítmica adaptada a la danza.85 . con un lenguaje conciso pero obra poética de Luis de polisémico. La escenografía era más recargada. ornamentada.83 La música barroca destacó por el contraste. François de Malherbe. los acordes violentos. Johann Sebastian Bach. sección instrumental grave que sostenía ininterrumpidamente la parte melódica superior. Robert Greene). más clasicista. y el conceptismo. En España también se dieron diversas modalidades de danza:seguidilla. En esta época la música alcanzó cotas de gran brillantez. Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen) en Alemania. El alcalde de Zalamea. el preciosismo en Francia (Vincent Voiture). representado por Francisco de Quevedo y Chacón.

con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental. composición más simple. Baldaquino Éxtasis de Puerto con el embarque Las tres de San Santa Teresa de la Reina de Saba Gracias (1636- Pedro (1647-1651). François de Cuvilliés (Pabellón de El columpio (1767). especialmente el gusto por el arte oriental. El rococó se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania. iglesia de Santa María de la Victoria. La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado. representado principalmente por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versalles. conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas. Roma. de composición geométrica igual que el italiano. de Claude Lorrain. En Francia destacó la obra de Edmé Bouchardon. de Pietro Bracci y Filippo della Valle. Prado. especialmente por influencia de Bernini. de formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños. de Peter (1624. . destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social. 1639). de Jean-Honoré Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Múnich). o Bernini. En Londres. Se puso de moda lo exótico. En España podemos reseñar a Juan Pascual de Mena y Luis Salvador Carmona. Johann Balthasar Neumann Fragonard. Jean-Baptiste Pigalle y Étienne-Maurice Falconet. de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos. jardinería. al «jardín italiano» sucedió el «jardín francés». que son llevados a un paroxismo de riqueza. Rococó Desarrollado en el siglo XVIIInota 12 —en convivencia a principios de siglo con el barroco. mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental: el parterre. La escultura tiene un aire grácil. En Alemania tenemos la presencia de Georg Rafael Donner. con cierta pervivencia de las formas barrocas. y a finales con el neoclasicismo—. (Palacio Episcopal de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia de Wies). Franz Ignaz Günther y los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). Colección Wallace. refinado. (1648). de Gianlorenzo Londres. Museo del Gianlorenz Bernini. 1633). En Italia cabe destacar la Fontana de Trevi. sofisticación y elegancia. Hotel Biron de París). destacan los jardines de Versalles (diseñados por André Le Nôtre) y Aranjuez. supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco. de National Gallery de Paul Rubens. pero con una perspectiva más larga. así como el ambiente cultural de la Ilustración.

Esta última tuvo una gran difusión. Canaletto. La familia de Carlos IV (1800).86 A nivel literario. Johann Christoph Friedrich y Johann Christian —este último introductor del piano en la música sinfónica. En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la música sinfónica. pastorales o de la Commedia dell'arte. En España se denotó la influencia francesa en una literatura crítica y especulativa. amable. Entre sus obras destacan: los Caprichos (1799). siendo igualmente de destacar sus cartones para tapices. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó la gradación sonora (crescendo. Figura aparte es el inclasificable pintor español Francisco de Goya. Diego de Torres Villarroel. En ópera. las clases altas. El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814). François Boucher. Denis Diderot. dejando el teatro de estar reservado a Portada de L'Encyclopédie (1751). En esta época apareció la litografía. preferentemente de estilo oriental. En 88 España. empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena. los espejos. Al organizarse espectáculos más complejos. con la primera gran orquesta moderna (40 instrumentos). Nicolás Fernández de Moratínse enmarca en la «comedia de salón» dieciochesca. el Abate Prévost. palladianos y chinescos.La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en Italia (Giambattista Tiepolo. Francesco Guardi). Jean-Jacques Rousseau. También se desarrolló el drama. Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio. Sus principales representantes fueron Montesquieu. situado entre la tragedia y la comedia. decorativa. Giambattista Vico. Alexander Pope. Johann Stamitz. De entre los músicos de la época destacan los hijos de Bach: Wilhelm Friedemann. con mezcla de elementos góticos. contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia. Daniel Defoe. Voltaire. ya que. etc. caracterizado por el eclecticismo. Pierre-Augustin de Beaumarchais y Voltaire. los tapices y los objetos de porcelana. algunos de ellos diseñados por Goya. junto a la culta aparece la «ópera bufa». rococó. Carl Philipp Emanuel. sobre todo la de Sajonia y la de Sèvres. el siglo XVIII fue el de la Ilustración. Al rococó en música corresponde la llamada «música galante». Cultivó tanto la pintura como el grabado. poniendo el acento en la idea de progreso del ser humano y su capacidad ilimitada. más ligera y sencilla. pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista.87 El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores. con delicados motivos ornamentales. con influencia de la Commedia dell'arte (Niccolò Piccinni. Los montajes solían ser más populares. ganando gran auge el género del ensayo. Es de remarcar la fundación en esta época de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Española. concepto que estableció el germen de la era moderna. el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el lujo. y las escenas cortesanas de Jean-Antoine Watteau. de aire cómico. Baldassare Galuppi). pasando por el retratismoinglés de Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough. En porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes.89 . Ignacio Luzán y José Francisco de Isla. las sedas. atrayendo un mayor público. La escenografía era más naturalista. como se ha señalado. iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach. Jonathan Swift. Su principal representante. etc. André Chénier. es considerado el primer director de orquesta. con un mayor contacto entre público y actores. destacaron Benito Jerónimo Feijoo. con base en Molière. Las artes decorativas tuvieron especial relevancia. inventado en 1711 por Bartolomeo Cristofori—. con especial énfasis en el mobiliario. que abandonó la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippendale» (por Thomas Chippendale). diminuendo). que era más tranquila que la barroca. destacando el sentimentalismo. Pierre de Marivaux. Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Honoré Fragonard en Francia. destinada a un público más popular. inventada por Aloys Senefelder en 1778. que evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un ciertoprerromanticismo. las Pinturas negras (1820). En España adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara. Se desarrolló notablemente el interiorismo. proyecto iniciado con L'Encyclopédie de Diderot y D'Alembert y que supuso la consagración del racionalismo a nivel filosófico.

de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff. consiguiendo autonomía propia como arte. y la propiamente neoclásica. como Gaetano Vestris y Marie Camargo. de lógico referente grecorromano. de Giuseppe Valadier. de compás ¾. de Pierre-François-Léonard Fontaine(iniciador del llamado «estilo Imperio»). Petersburgo. Goya. y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados. quien postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta. Filippo della Valle. 1762). Roma. A nivel popular. para poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza. Antonio Canova. La escultura. que trabajó para los papas y la corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus. de Jacques-Louis Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Boullée. la primera academia de danza. muy influido por la escultura griega. la ópera y el teatro. A la primera pertenecen obras como el Panteón de París. consagrado a la mitología y . destacando Jean-Philippe Rameau —creador de la opéra-ballet—. el baile de moda fue el vals. de Juan de Villanueva. de Pietro Bracci y (1800). En esta época la danza comenzó a independizarse de la poesía. Voltaire. de signo funcional y un cierto aire utópico. de líneas austeras y racionales. donde en 1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París.nota 13 La arquitectura neoclásica era más racional. Lafayette. Mirabeau). el Walhalla de Ratisbona. junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann. En la nueva línea más racional puede mencionarse el proyecto urbanístico de lasTullerías. o la Ópera de Berlín. A este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano. la Piazza del Popolo de Roma. Se empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet. generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día. 1805-1807). tuvo como principales figuras a: Jean-Antoine Houdon.La familia de Carlos IV Interior rococó del (Baviera). de Jacques-Germain Soufflot. y formulando un vocabulario propio. como vemos en los postulados de Juramento de los Horacios(1784).90 Basílica de Ottobeuren Fontana de Trevi (1732. y Bertel Thorvaldsen. retratista de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau. Neoclasicismo El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas. Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza. de Leo von Klenze. identificados con la aristocracia. en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó. Museo del Prado cerca de San (Madrid). y el Museo del Prado de Madrid. más puras y austeras. en Rusia. Conviene David. también se enmarca en esta línea elneopalladianismo británico y estadounidense.La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia. mientras que en España surgió el flamenco. Museo del Louvre. pero despojada de excesiva decoración para distinguirse de la arquitectura rococó. de Francisco de palacio de Gatchina. sobria y funcional. distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la de herencia barroca.

la historia antiguas (Jasón con el vellocino de oro, 1803). Otros nombres destacables serían John Flaxman, Johann Gottfried
Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.

La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó
especialmente Jacques-Louis David, pintor «oficial» de la Revolución Francesa (Juramento de los Horacios,1784; La muerte de
Marat, 1793; Napoleón cruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene recordar a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-Paul
Prud'hon, Anne-Louis Girodet-Trioson, Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph Wright of Derby, Johann Zoffany, Angelika
Kauffmann, Anton Raphael Mengs, Joseph Anton Koch, Asmus Jacob Carstens, José de Madrazo, etc.91

Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos, algunos de los cuales perduraron a lo largo del siglo XIX: el estilo
Directorio surgió en Francia en la época del Directorio (1795-1805), caracterizado por las líneas sencillas, clásicas, sobrias, sin
adornos excesivos; el estilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica y de la Restauración, de donde pasó al resto de Europa,
sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia de temas exóticos y orientales; en
contraposición, el estiloBiedermeier alemán presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas. Estos estilos
influyeron en el isabelino español y el victoriano inglés, de aire burgués, dedicados al lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al
confort y la funcionalidad.

A nivel literario, a finales del siglo XVIII se produjo una vuelta a premisas clasicistas, con la pretensión de establecer un tipo de
literatura preceptiva, ordenadora, con una base ética e intelectual. Muchos de los autores de esta época estuvieron a caballo entre el
neoclasicismo y el prerromanticismo, destacando: Friedrich Gottlieb Klopstock, Christoph Martin Wieland, Henry Fielding, Laurence
Sterne, etc. En España, se denotó la influencia del clasicismo francés y los preceptos fijados por Boileau, destacando José Cadalso,
Juan Meléndez Valdés y Gaspar Melchor de Jovellanos, así como los fabulistas Tomás de Iriarte y Félix María Samaniego.92 El
teatro neoclásico tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, siendo su principal característica la
inspiración en modelos clásicos grecorromanos, seña de identidad de esta corriente. Destacan: Vittorio Alfieri, Richard Brinsley
Sheridan y Gotthold Ephraim Lessingy, en España, Leandro Fernández de Moratíny Vicente García de la Huerta.93

La música clásicanota 14 supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios del XIX la culminación de las formas
instrumentales, consolidadas con la definitiva estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio y la
serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores.
Nació el desarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema, cogiendo el ritmo o la melodía, pero
cambiando la tonalidad a través de la modulación. Evolucionó la música de cámara al desaparecer el bajo continuo, en distintos
formatos: dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc. La música clásica está representada principalmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang
Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck, Luigi Boccherini y Domenico Cimarosa. La ópera clásica era menos recargada que la
barroca, con una música austera, sin ornamentos vocales, arias limitadas, recitativo con acompañamiento orquestal, argumentos más
sólidos y personajes más verídicos. Destacan: Jean-Philippe Rameau, Christoph Willibald Gluck y, especialmente, Wolfgang
Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de la historia (Le Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flauta
mágica, 1791).94

El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y
su ballet d'action, que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y una
mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos
convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de
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ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto a estos.

Panteón de Perseo con la La muerte de Viriato (1806- Wolfgang
París (1757- cabeza de 1807), de José de Madrazo, Amadeus
1791), de Medusa (1800), Museo de Arte Moderno de Mozart.
Jacques- de Antonio Madrid.
Germain Canova, Museos
Soufflot. Vaticanos.

América
Desde el descubrimiento de América por Cristóbal Colón en
1492 hasta la independencia de los diversos países americanos
a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba y Puerto Rico en
1898) se dio el denominadoarte colonial, que fue un fiel reflejo
del arte efectuado en la metrópoli, desarrollándose los mismos
estilos artísticos que en el continente europeo, principalmente
el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Las principales
muestras de arte colonial se produjeron en los dos centros
geográficos de más relevancia en la era precolombina: México
y Perú.

La arquitectura se basó en las mismas tipologías de edificios
propios de la cultura europea, principalmente iglesias y
catedrales, dado el rápido avance de la labor de evangelización Catedral Metropolitana de la Ciudad de México
.
de los pueblos nativos americanos, pero también edificios
civiles como ayuntamientos, hospitales, universidades, palacios
y villas particulares. Durante la primera mitad del siglo XVI fueron las órdenes religiosas las encargadas de la edificación de
numerosas iglesias en México, preferentemente un tipo de iglesias fortificadas llamadas «capillas de indios». A mediados de siglo se
empezaron a construir las primeras grandes catedrales, como las de México, Puebla, Guadalajara, Cuzco y Córdoba. La arquitectura
barroca se caracterizó por una profusa decoración, que resultaría exacerbada en el llamado «ultrabarroco» (Fachada del Sagrario de la
Catedral de México). En Perú, las construcciones desarrolladas en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas características originales
que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y de columnas salomónicas (Iglesia de la
Compañía, Cuzco). En el siglo XVIII la arquitectura se orientó a un estilo más exuberante, otorgando un aspecto inconfundible al
barroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.

Las primeras muestras de pintura colonial fueron las de escenas religiosas elaboradas por maestros anónimos, como las imágenes de
la Virgen con el Niño. La producción artística hecha en Nueva España por indígenas en el siglo XVI es denominada arte
indocristiano. La pintura barroca recibió la influencia del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, como se puede apreciar
en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. A finales del
siglo XVI destacó la Escuela cuzqueña de pintura, representada principalmente porLuis de Riaño y Marcos Zapata. En el siglo XVIII
la principal influencia sería la de Murillo, y en algún caso —como en Cristóbal de Villalpando— la de Valdés Leal. Destacan
Gregorio Vázquez de Arceen Colombia y Juan Rodríguez Juárezy Miguel Cabrera en México.

En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso, en tallas exentas y retablos para iglesias,
confeccionadas generalmente enmadera recubierta con yeso y decorada con encarnación —aplique directo del color— o estofado —
sobre un fondo de plata y oro—. A principios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas locales, como la quiteña y la cuzqueña,
destacando la labor patrocinadora de la orden jesuita. En el barroco destacó la obra escultórica desarrollada en Lima, como la sillería
de la Catedral de Lima. EnBrasil destacó la obra del Aleijadinho.96

África
En esta época continuó la diversidad de estilos y
manifestaciones artísticas en el continente africano, debido a la
multiplicidad étnica y religiosa, y a las diferentes
organizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta estados
centralizados como Benín, Dahomey, el Congo y Ashanti. Los
principales materiales eran la madera, la piedra, el marfil, el
metal, la arcilla, pieles, plumas, conchas, etc. En las montañas
Drakensberg (Sudáfrica), los San (o bosquimanos) realizaron
miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII y XIX,
relacionadas con rituales chamánicos. En la región de Owerri
(Nigeria) se construyeron una serie de edificios votivos
llamados mbari, decorados con pinturas y esculturas. En Malí
destacaron las construcciones en adobe, como la Gran
Gran Mezquita de Djenné, Malí.
Mezquita de Djenné, datada inicialmente del siglo XIII pero
reconstruida varias veces. En Ashanti (actual Ghana)
adquirieron notoriedad los tejidos llamadoskente, de algodón o seda, decorados con motivos geométricos.

La escultura fue la principal actividad artística en el continente en general, caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva,
que llegó a influir en el arte de vanguardia europeo cuando el colonialismo favoreció la creación de museos etnológicos que llevaron
las obras de arte africanas por toda Europa. En Benín se hacían figuras de latón desde el siglo XV hasta el XIX. En Ashanti se dio un
estilo naturalista de pequeñas esculturas de metal (siglos XVII-XX). En la cultura yoruba (entre Nigeria, Benín y Togo) proliferaron
los relieves en madera tallada, como en las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olowe de Ise. Otras tipologías fueron: los
fetiches o «figuras de poder» (nduda), relacionadas con ritos ultraterrenales, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cuero o
plumas; los pfemba, dedicados a la maternidad, generalmente una mujer con un niño en brazos; y los mbulu-ngulu, relicarios
protectores. También se forjaron figuras en hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamaño natural, obra de Akate Akpele
97
Kendo (1860). Por último, destacaron lasmáscaras, destinadas a ritos de distinta índole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).

Asia

India

Durante este periodo se introdujo en la India el arte islámico. La invasión musulmana, que tuvo su culminación en el Imperio mogol,
provocó una gran convulsión en la sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tradicionales se añadieron elementos
característicos del arte islámico, con nuevas tipologías como la mezquita. Este sincretismo artístico se manifestó en construcciones
como las mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturas de Agra, sobre todo en al famoso Taj Mahal (siglo XVII). También se
desarrollaron la jardinería y la miniatura, ambas de influencia persa, y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las joyas
engarzadas (como el Trono de Aurangzeb).

El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el magnífico templo de Meenakshi (Madurai), así como en la escuela miniaturista
de Rajput, donde vivía una comunidad jainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occidente, plasmado en un conjunto de
templos y esculturas de mármol con incrustaciones de piedras de colores, decorados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la
escultura se realizó más en bronce que en piedra, destacando las representaciones del dios Śivá en actitud danzante; después serían

bengalí. etc.100 China Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauración de una dinastía autóctona tras el periodo mongol. en algunos casos. autor de Jiva. como en la obra de Lü Ji. Taj Mahal. etc. en el norte. También tenía importancia el maquillaje. etc. surgiendo una literatura en hindi. nandana (hacia 1700). intelectual. de signo alegórico. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras. narración de tono erótico. guyaratí. al tiempo que se edificaban nuevos templos y villas aristocráticas. La guitarra de Kao Ming y El pabellón de T'ang-Hien-Tsu. y comenzó la decoración de vasijas de bronce en esmalte Ciudad Prohibida de Pekín. El teatro derivó en tiempos más recientes del antiguo dutangada —donde predominaba la danza y la mímica— en una nueva modalidad denominada kathakali. Sin embargo. La arquitectura de finales de este periodo evolucionó hacia formas cada vez más complejas. y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala de la Suprema Armonía (con el trono imperial) y el Templo del Cielo. esmalte. maratí. con el mismo sello estilístico.característicos los retratos de guerreros y cortesanos. de signo naturalista y cierta opulencia. de Wang Shih-chên. tradición que llegó hasta el siglo XVIII. lacas. drama alegórico que representa el alma humana como un rey encarcelado en su palacio (el cuerpo). cerámica en los tejados. identificando al rol La música recibió igualmente la influencia musulmana. porcelana. con obras como El círculo de tiza de Li-Hsing-Tao. romántica. Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo (las llamadas chinoiseries). paisajes (Gai Qi). etc. la convivencia de ambas modalidades provocó una división en dos tradiciones musicales diferenciadas: la septentrional o indostánica. de Wu Cheng'en. En prosa destacó El mono. etc. y el bharatanatyam. El Palacio de la Suprema Armonía. rayastaní. télugu. en la que se podría denominar una fase «barroca» del arte indio (aunque sin hacer paralelismos con el barroco europeo). jade. mientras que la segunda era más austera. construyendo un Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida). especialmente ebanistería.101 La literatura siguió siendo de corte tradicional. tejidos de seda.98 En literatura la principal particularidad de esta época fue el despunte de las lenguas vernáculas.). en el sur. cloisonné. destacando la riqueza de los materiales (balaustradas de mármol. La primera era más elegante. aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales. religiosos (Wu Li). donde los colores eran simbólicos. restauración— del recinto imperial. y en el poema épico destaca el Ram-chari-manas de Tulsidas. retornando a las antiguas tradiciones chinas. tamil. con gran riqueza decorativa. Shen Zhou. reelaboración del Ramaiana con gran pureza lingüística y estilística. en el arte supuso la continuidad de las formas tradicionales. La pintura era bastante ecléctica. El tercer emperador de la dinastía. destacando en época Ming la producción teatral. Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origen manchú. en el centro de la generalmente en blanco y azul. y La ciruela del vaso de oro. Dos de las danzas clásicas de la India que ejemplifican lo anterior son elkathak. dedicada a temas florales (Yun Shouping). Yongle. así como la expresión del rostro y los movimientos de o personaje. En el género dramático destacó Anandarayamakhin. y la meridional o carnática. muy ligera y de tonos brillantes. se continuó la construcción —y. con 24 posiciones básicas y otras combinadas). En época Qing la poesía destacó por su . basadas en los ragas. más conservadora de la antigua tradición. En arquitectura. La pintura de esta época era tradicional. También destacó la porcelana. decorativa. más influida por la música árabe.99 los ojos (navarasya). Wen Zhengming. con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilómetros. Continuó igualmente la tradición en las artes aplicadas. que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad. trasladó la capital de Nankín a Pekín (1417).

La narrativa era más humanista. Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este período artístico se corresponde con el histórico de Tokugawa. Saikaku Ihara. principalmente. de Wu-Ching-Tzu. La puesta en escena era de gran riqueza. En la producción de laca destaca el nombre deHonami Kōetsu. destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin. con acompañamiento de violín de una cuerda (hu'chpin). es una novela de tono satírico. o acompañado de voz (kumi). con diversas variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi). remarcando los valores tradicionales japoneses. su principal artista es Nonomura Ninsei. con un primer centro productor en Arita. junto a la guitarra (san-hsien). puramente instrumentales. siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. Los edificios más importantes son el mausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de Katsura en Kioto. mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe.107 . representada principalmente por Rai Sanyo. Brooklyn Museum of Art. más popular. costumbrista y con una sutil vena humorística. autor de Satomi Kakkenden (Vidas de ocho perros). que adquirió gran vitalidad. La 106 dicción era de tipo ritual. En pintura. desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas). mezcla de canto y recitativo.105 En teatro surgió la modalidad del kabuki.virtuosismo. destacando Matsuo Bashō. de Carl Maria von Weber (1809). castillos de Himeji y Osaka. tuvo un gran auge a partir del siglo XVII. en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. la escuela de Tosa continuó la tradición épica japonesa (Mitsuyoshi. recopiladas en el Manual de música de Tsai Yü (1596). así como la escuela de Ukiyo-e. y tonadas largas (ta-ch'ü). Los letrados. destacan las escuelas de Kakiemon. También son características de esta época las casas de té (chashitsu). En el siglo XIX destacó el novelista Takizawa Bakin. En la dinastía Ming destacó el compositor Wei Liang-fu. al tiempo que la música china llegó a Occidente. Utagawa Hiroshige). En este período se produjeron las primeras porcelanas. De esta época destacan las tonadas para cítara. centradas en la naturaleza y el paisaje. como se observa en la obertura deTurandot. de Utagawa La literatura evolucionó hacia un mayor realismo. aunque durante este período se recibieron las primeras influencias de Occidente. composición de 17 sílabas. Durante la dinastía Qing surgió un nuevo tipo de ópera (ching-hsi). que destacó por la representación de tipos y escenas populares (Kitagawa Utamaro. generalmente de tono Hiroshige. representando según el color diversos personajes o estados anímicos. Se tocaba solo. con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. la más famosa novela de amor china. en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje. de letra con acompañamiento musical. Se desarrolló notablemente la pintura. Continuó el género de la waka.102 La música siguió las tradiciones anteriores. la principal modalidad es el haiku. Katsushika Hokusai. con influencia del arte chino y coreano. con dos vertientes: tonadas breves (hsiao-ch'ü). Se construyeron grandes castillos y palacios: palacio de Fushimi. el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. detectándose por vez primera el influjo occidental en la obra de Huang-Tuen-Hien. generalmente en chino. Así como el nō era de tono aristocrático. generalmente de tono bucólico. La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de los primeros centros de producción. En ese periodo comenzó la influencia occidental. con partes cantadas y partes declamadas. La música fue en esta época principalmente de cámara. El koto. el laúd corto (p'i-p'a) y el tambor (pan-ku). Yosa Buson y Kobayashi Issa. Mitsunori). vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico. como se aprecia en la obra de Nueva York. con decorados donde destacaba la composición cromática. el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13 cuerdas). Nabeshima y Ko-Kutami.103 Japón Período Momoyama (1573-1615): el arte de esta época se alejó de la estética budista. autor de Hong-leu-mon. En poesía. Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. creador de un nuevo estilo dramático con óperas de 30 actos (k'un-ch'ü). de tipo profano. como se puede percibir en P'u-Song-Ling y Ts'ao-Sine-K'in.104 El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857). La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto. que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza. El instrumento principal era la flauta travesera (ti).

comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad. instrumentos musicales. decoradas con motivos geométricos. como la de Kukailimoku. se influyen y se enfrentan. piedra o concha. dios de la guerra hawaiano (British Museum). tallados con figuras antropomórficas. la industria. una encima de otra. que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados. En los viajes de James Cook por el Pacífico (1768-1780) reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos. así como las churingas. frente al geometrismo del italiano y el francés. Florencia. En el terreno del arte. infraestructuras. que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. el acero y el hormigón. Bruselas. Kunsthalle de Hamburgo. Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema). tribu de Irian Jaya (Nueva Guinea). incrustaciones de conchas. de Rurutu (islas Australes). construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura. con Casa de reunión melanesia. como los de Robert Owen o Charles Fourier. o el dios A'a. También siguió la tradición de las máscaras. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico. especialmente en Nueva Guinea (mai). Los asmat. el cual. la cultura. herramientas. Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución Industrial. Madrid. mayor atención a los medios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano. que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen. aunque se dieron los primeros contactos con la civilización occidental. En Australia continuó la tradición de las pinturas rupestres. Viajero frente al mar de niebla Arquitectura (1818). en lo económico. y. Viena.Oceanía El arte siguió siendo predominantemente indígena. la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel). En Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus». Londres. piezas de madera. por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo. esculturas. se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX: París (plan Haussmann). Barcelona (plan Cerdà). festivales económico-sociales que pretendían incentivar y difundir el comercio. etc. etc. etc. joyas. etc. situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad. defendía una mayor naturalidad en su composición. Continuó la talla de figuras antropomórficas —principalmente deidades locales —. muebles. Después de unos primeros planteamientos de signo utópico. apareció el llamado «jardín inglés» —que introdujo el concepto de «arquitectura paisajística»—. Cobró cada vez mayor importancia el urbanismo. marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa—. de Caspar David Friedrich. los avances tecnológicos.108 Arte contemporáneo Siglo XIX Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea. como se puso de manifiesto en laExposición de Londresde 1851. En las islas Salomón se dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales. armas. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologías arquitectónicas. En jardinería. interviniendo únicamente en una . que se tradujo en obras de saneamiento. la preocupación por el entorno habitable. Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron las exposiciones universales. con la incorporación de nuevos materiales como el hierro.

de The Crystal Palace. de de William Le Antoni Gaudí. que cobró protagonismo por sí solo. Exposición de Londres de 1851. en consonancia con los conceptos románticos de lo sublime y lo pintoresco (Regent's Park. como templetes o pérgolas. fomentado por la denominada Escuela de Chicago (William Le Baron Jenney. de la imaginación. etc. Joseph Maria Olbrich. de William Chambers). Louis Sullivan). Otto Wagner. o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—. Se valoró especialmente la cultura popular. Augustus Pugin. etc.nota 15 que supuso una gran revolución en el terreno del diseño. Hendrik Petrus Berlage. Henry van de Velde. Baron Jenney. junto a un elemento más oscuro de irracionalidad. principalmente la litografía y el grabado en madera. la evocación ensoñadora. Viollet-le- Duc. Lluís Domènech i Montaner. los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad. Home Insurance Templo Expiatorio de la Sagrada Building (1884). Pabellón Real de Brighton (1815-1822). de atracción por elocultismo. de Joseph John Nash. Entre sus principales artífices cabe recordar a: John Nash. el sueño. el sentimiento. Chicago (Illinois). Romanticismo Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos. así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado historicismo. el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—. diseñada por Alexandre Gustave Eiffel para la Exposición Universal de París (1889). el amor a la naturaleza. Paxton. la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas.serie de detalles ornamentales. A finales de siglo surgió el modernismo. y adquirió notoriedad el paisaje. Antoni Gaudí. Charles Rennie Mackintosh. Familia (comenzado en 1882). Barcelona. Estilísticamente. En Estados Unidos surgió una nueva tipología de edificio.lo exótico. que produjo movimientos como el neorrománico. . el rascacielos. Josep Puig i Cadafalch. la fantasía. etc. de John Nash. Kew Gardens. Cobraron también importancia lasartes gráficas. con nombres como Victor Horta.109 Torre Eiffel. la locura. el neobarroco. Adolf Loos. el neogótico. Hector Guimard.

así como la crítica y la estética musicales. En Alemania destacaron: Christian Daniel Rauch. Francesco Hayez. Sus mejores exponentes fueron: Georg Büchner. inspirados en el Quattrocento italiano y en el Renacimiento alemán. George Sand. Aleksandr Pushkin. Novalis. Fernán Caballero. August Wilhelm von Schlegel. Se amplía notablemente la orquesta. Juliusz Słowacki. Rosalía de Castro. John Keats. y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro. Théodore Géricault. la exaltación de la naturaleza y del folclore popular. Friedrich von Schlegel. Alexandre Dumas (padre). José Zorrilla (Don Juan Tenorio. el Duque de Rivas. Karl Friedrich Schinkel. Alfred de Vigny. Posteriormente es de remarcar la obra de: Johann Christian Friedrich Hölderlin. Antoine-Louis Barye. para poder satisfacer plenamente la expresividad del artista. reinterpretadas La Libertad guiando al pueblo(1830). Lord Byron. A. exaltando la música nacional y popular. Cabría citar en Francia Delacroix. Eugène Delacroix. Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos.110 La literatura del Romanticismo estableció la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo. James Fenimore Cooper. Bonaventura Carles Aribau. el sentimiento. François-René de Chateaubriand. lo irracional. Museo del Louvre. lo tenebroso. de Eugène según las nuevas temáticas románticas. 1832). 1844). Victor Hugo. Alfred de Musset. En un prerromanticismo —plasmado en el movimiento alemán Sturm und Drang— destacaron Johann Christoph Friedrich von Schiller y Johann Wolfgang von Goethe. el individualismo. Adam Mickiewicz. Nathaniel Hawthorne. la intensidad de la pulsación.111 El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes nuevamente en el Sturm und Drang con Schiller (Don Carlos. Nació la musicología como ciencia aplicada a la música. Caspar David Friedrich. Mariano José de Larra. Francisco Martínez de la Rosa. así como el poeta inglés William Blake. Gustavo Adolfo Bécquer. etc. Peter Cornelius. Nikolai Gogol. Jane Austen. Johann Ludwig Tieck. Andrés Bello. El piano fue el instrumento de moda. uno de los mejores poetas románticos. José Echegaray. José Hernández. y se popularizaron los espectáculos de variedades (vaudeville). Surgió un nuevo género. pues su registro. los nuevos sentimientos que en él anidan (lo sublime.En pintura. Ramón de Campoamor. Lord Byron. José de Espronceda. el dramatismo. 1804) y Goethe (Fausto. Victor Hugo. Ralph Waldo Emerson. especializado en figuras de animales. Heinrich Heine. 1808). y . Edgar Allan Poe. autor del relieve del frontón del Panteón de París (1830-1837). E. y David d'Angers. principalmente Durero (Friedrich Overbeck. destacando la figura del «genio» —el arte es la expresión de las emociones del artista—. después de una fase prerromántica donde podríamos citar a William Blake y Johann Heinrich Füssli. Alphonse de Lamartine. Washington Irving. T. Valeriano Domínguez Bécquer. Philipp Otto Runge. Hoffmann. París. Franz Pforr). etc. 1787. con un nuevo gusto por formas íntimas y subjetivas de expresión como lo sublime. ligada al nuevo culto a la personalidad que se desarrolla en el romanticismo. el melodrama. John Constable. Como en el resto de la literatura romántica. artista polivalente con gusto por lo espectacular. William Wordsworth. Christian Dietrich Grabbe. Antonio García Gutiérrez. Heinrich von Kleist. a: François Rude. son fiel reflejo de esa emotividad. Percy Shelley. destaca por el sentimentalismo. Domingo Faustino Sarmiento. En España destacaron Genaro Pérez Villaamil. etc.112 La música romántica se caracteriza como en el resto de las artes por el predominio del sentimiento y la pasión. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Prosper Mérimée. la pasión. la predilección por temas oscuros y escabrosos. Rudolf Schadow y Johann Heinrich Dannecker. Madame de Staël. Guillermo Tell. lo patético). Exaltó la naturaleza. Ugo Foscolo. Leonardo Alenza y Eugenio Lucas. Walter Scott. que evolucionó del neoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa. Giacomo Leopardi. Mary Wollstonecraft Shelley. Joseph Mallord William Turner. Jean-Baptiste Carpeaux. destacaron Hubert Robert. Alessandro Manzoni. de la subjetividad y emotividad del artista. Samuel Taylor Coleridge. En escultura prevalecen las formas neoclásicas.

Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú). de Ludwig van Beethoven. ( annhäuser. Frédéric Chopin. En bailes populares. 1865. Rude. filosofía. También introdujo el baile sobre las puntas de los pies. sobre todo en Italia. Destacó por el brillo de sus voces. etc. ampliando el vocabulario relativo a la danza. En esta época se desarrolló notablemente la ópera. Franz Liszt. Niccolò Paganini. Il trovatore. Detroit Institute of Théodore Géricault. En el aspecto teórico. Gaetano Donizetti. Charles Gounod. Johannes Brahms. En Alemania. 1850. Parsifal. (1832). 1853.aparecieron los primerosconservatorios. Franz Schubert. donde recibió el nombre de bel canto. destacandoCoppélia (1870). Giuseppe Verdi (Rigoletto. Carl Maria von Weber. en el que destacaron Maria Taglioni y Fanny Elssler. ganando importancia el papel de la soprano —desde 1840 se puso de moda el do de pecho —. escenografía. Gioacchino Antonio Rossini. La Traviata. sobre los grandes dramas literarios románticos. Hector Berlioz. aparecido por vez primera en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831). continuó la moda del vals. La ópera romántica tuvo dos vertientes: la cómica —o bufa— y la dramática. etc. 1870). Tristán e Isolda. de La Marsellesa Heinrich Füssli. especialmente. Arco de Triunfo de París. Se empezó a componer música puramente para ballet. las danzas folclóricas. Primera página de la Quinta sinfonía (1808). Lohengrin. 1853. destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis. la ornamentación. de Léo Delibes. 1882). Felix Mendelssohn-Bartholdy. 1845. Richard Wagner dio a la ópera cotas de gran brillantez. Johann Strauss. de François Arts. Jules Massenet. Realismo . principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes. con la pretensión de hacer una «obra de arte total» (gesamtkunstwerk) que aunase música. 1851. Destacan: Luigi Cherubini. y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. Robert Schumann. Sus principales representantes fueron:Ludwig van Beethoven. y aparecieron la mazurca y la polca.114 La pesadilla (1781). efectuando estudios de anatomía y movimientos corporales. Aida. Anton Bruckner. Vincenzo Bellini. Museo del Louvre. muchas de las cuales sacó del olvido.113 poesía. Georges Bizet y. la coloratura. T La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares. de Johann La balsa de la Medusa (1819). de Giacomo Meyerbeer.

en paralelo al realismo sur gió el llamado nacionalismo musical. Àngel Guimerà. August Strindberg y Henrik Ibsen. la descripción minuciosa de la realidad. París. que presenta de forma objetiva los hechos.115 La escultura se basó igualmente en el fiel reflejo de la sociedad. Adolf von Hildebrand. Ignacio Manuel Altamirano. Henry James. Stendhal. Maksim Gorki. Heredero de las formas musicales románticas.116 Con el teatro realista nació el teatro moderno. Modest Mussorgski. dejando al público a oscuras—. Benito Pérez Galdós. etc. Leopoldo Alas (Clarín). El principal formato realista fue la novela. Destacan figuras como: Honoré de Balzac. Joseph Conrad. Manuel Tamayo y Baus. Gustave Flaubert. En pintura destacaron Camille Corot. Giovanni Verga. 1884-1888). Alfred Tennyson. George Eliot. con un cierto componente de denuncia social. Guy de Maupassant. ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico. atrezzo. Charles Dickens. Charles-François Daubigny. con un elevado componente crítico. de Jean-François Millet. como si no se estuviese en un teatro— de André Antoine y su Théâtre Libre —donde por primera vez se iluminó sólo el escenario. la descripción del mundo circundante. marcada por un sentimiento panteísta de la naturaleza. El autor es un «cronista». Narcisse- Virgile Díaz de la Peña).117 En el terreno de la música. También destacan las novelas de aventuras y suspense. Edward Burne-Jones. con descripciones temperamentales de los personajes. Hans Thoma. Nikolai Rimski-Korsakovy Piotr Chaikovski en Rusia. Bedřich Smetana y . A un periodo prenaturalista corresponden Eugène Scribe. con cierto aire idealizado. Ligado al realismo estuvieron dos escuelas paisajísticas: la francesa de Barbizon (Théodore Rousseau. Aleksandr Borodin. José María Eça de Queirós. sino también en decorados. con figuras como Björnstjerne Björnson. Museo de Orsay. Ilya Repin y Marià Fortuny. Victorien Sardou y Eugène Labiche. John Everett Millais y Ford Madox Brown. Constantin Meunier. Ricardo Bellver. esbozadas. defendiendo la descripción rigurosa y detallada de la realidad. se revalorizó el folclore y la música popular como portadores de ancestrales valores culturales de todos los pueblos. Emilia Pardo Bazán. inacabadas. Adelardo López de Ayala. de corte antiacadémico. Telemaco Signorini). La interpretación era más veraz. las hermanas Emily. Marcelino Menéndez y Pelayo.Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad. Fiodor Dostoievski. etc. que consideraba al artista como parte indisoluble de la sociedad. Vicente Blasco Ibáñez. Lev Tolstoi. de afán reformador. Destacó especialmente el teatro nórdico. Anton Chejov. que se inspiraban —como su nombre indica — en los pintores italianos anteriores a Rafael. como en la «representación antiteatral» —actuar como en la vida real. Honoré Daumier. con predilección por figuras de obreros y personajes marginales. Emily Dickinson. sin grandes gesticulaciones ni dicción grandilocuente. etc. los hermanos Agapito y Venancio Vallmitjana. Charlotte y Anne Brontë. vestuario. especialmente. Émile Zola. Aimé-Jules Dalou. La literatura realista se opuso al subjetivismo romántico. con influencia de la filosofía positivista. pues sentó las bases del que sería el teatro del siglo XX. principal evocador de la figura del proletario. Mariano Benlliure y. especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial. que supuso el renacer de diversas regiones europeas hasta entonces poco destacadas culturalmente. así como en la recién surgida fotografía. caracterizada por el uso de manchas (macchia en italiano. que destacó por un estilo naturalista que enfatizaba el aspecto cotidiano de la realidad. Antonín Dvořák. Jules Verne y Arthur Conan Doyle. que era descrita en toda su minuciosidad y fidelidad al mundo real. Mark Twain. Pedro Antonio de Alarcón. Giosuè Carducci. no sólo en la temática y el lenguaje. como las de Alexandre Dumas (hijo). destacando Dante Gabriel Rossetti. Destacan: Max Klinger. En Gran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas. Destacaron figuras como: Mijaíl Glinka. Otros autores fueron:Frank Wedekind. Giovanni Fattori. siendo la obra artística un fiel reflejo de los condicionamientos sociales que envuelven al artista. Adolph von Menzel. Gustave Courbet. Herman Melville. de gran prospección psicológica. de ahí el nombre del grupo) de color y formas El Ángelus (1857). Jean- François Millet. Emilio Salgari. y la italiana de los Macchiaioli (Silvestro Lega. Se puso énfasis en el naturalismo. el obrero como héroe moderno (El Pudelador.

con deslumbrantes puestas en escena. Amadeo Roldán en Cuba.118 En la danza. A nivel popular. donde los protagonistas son personajes corrientes. de Piotr Chaikovski. Tosca. El cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895). de hasta cinco actos. Isaac Albéniz. Hizo ballets más largos. Próspero Bisquertt en Chile. Domini (1850).119 Entierro en Ornans (1849). donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez. También en América surgieron las primeras escuelas nacionales: John Philip Sousa en Estados Unidos. Museo de Ecce Ancilla El Pudelador (1884- Orsay. Juan Bautista Plaza en Venezuela. Tate Artes de Bélgica. en el Bol'šoj de Moscú—. Edward Elgar y Ralph Vaughan Williams en Gran Bretaña. Madama Butterfly. París. de Constantin de Dante Meunier. mientras que en España surgieron la habanera y el chotis. con argumentos más populares. que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta la historia. principalmente. Karol Szymanowski en Polonia. Impresionismo . destacando su colaboración con Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella durmiente (1889). Heitor Villa-Lobos en Brasil. Umberto Giordano y. Representación de El cascanueces. Manuel María Ponce en México. En ópera. y Eduardo Fabini en Uruguay. Béla Bartók y Zoltán Kodály en Hungría. convirtiendo el ballet en un gran espectáculo. La figura principal en la conformación del ballet ruso fue Marius Petipa. el centro geográfico en cuanto a creación e innovación pasó de París a San Petersburgo. Enrique Granados y Manuel de Falla en España. Londres. Ruggero Leoncavallo. Jean Sibelius en Finlandia. 1900. de Gustave Courbet. Está representado por Arrigo Boito. el baile más famoso de la época fue el cancán. Carl Nielsen en Dinamarca. posteriormente. Museos Gabriel Reales de Bellas Rossetti. Amilcare Ponchielli. 1903). Edvard Grieg en Noruega. el verismo italiano buscaba en igual medida reflejar la realidad. Gallery. Guillermo Uribe en Colombia. 1888). 1896. Giacomo Puccini (La Bohème. con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski —y.Leoš Janáček en Checoslovaquia. en ambientes rurales y proletarios.

Así. sol naciente(1872-1873). Se deja al espectador la reconstrucción de una composición musical. Giuseppe Pellizza da Volpedo y Gaetano Previati. Su principal representante. e influyó en el futurismo italiano. la irregularidad rítmica (Preludio a la siesta de un fauno. de renovador fue en el terreno de la escultura el Museo Marmottan Monet. Otros representantes fueronPaul Dukas y Florent Schmitt. En España podemos reseñar a Joaquín Sorolla. aquietando la armonía y potenciando la textura. con pinceladas sinuosas y densas. de Claude Monet. 1880-1900. la tímbrica. la música impresionista hace primar la armonía sobre la melodía. Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro. partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas. de sugerencias. Claude Monet. abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el siglo XX. También destacó Medardo Rosso. Paul Gauguin experimentó con la profundidad dando un nuevo valor al plano pictórico. observadas a larga distancia. Alfred Sisley. escultura del siglo XX (El pensador. Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo. en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo. Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Frente a la melodía continua wagneriana. que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico. a la que otorgó un aire onírico. consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de colores puros. Cabe mencionar como principales representantes a Édouard Manet —considerado un precursor—. los neoimpresionistas se preocuparon más de los fenómenos ópticos. 1884-1886). circo y music-hall. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza.Claude Debussy. valorando especialmente la luz. Surgió una nueva temática. producen un efecto de composición. autor de escenas de circo y cabaret esbozadas con rápidos apuntes del natural. Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador. opuestos a las escalas habituales. Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior. 1894). de la que pretendían captar una «impresión» visual. con largas pinceladas que. igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. mendigos. escenas de cabaret. aparecen vistas urbanas y nocturnas. autor de escenas populares donde destaca la utilización de la luz. Cuadro al que debe su papel de Auguste Rodin. iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. Este estilo fue practicado principalmente por Giovanni Segantini. los reinterpretaron de manera personal. con colores planos de carácter simbólico. volvió a la tonalidad estática. fusionándose en la retina del espectador en un nuevo tono. Esta técnica se caracteriza por la proximidad de colores descompuestos. Igual Impresión. con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. que conduciría la escultura hacia la desintegración de la forma. Los burgueses de Calais. Camille Pissarro. cono y esfera). surgido en Italia en ambientes de inconformismo social cercanos al anarquismo. personajes de la bohemia. más que un determinado estilo. París. Maurice Ravel retornó a la expresión lineal. aunque con notas y acordes algo fuera de contexto Bolero. Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que. de intenso colorido. etc. desarrollando la técnica del puntillismo. que sentó las bases de la nombre el movimiento.121 . Sus principales representantes fueron Georges Seurat y Paul Signac. Otra variante fue el divisionismo. interiores con luz artificial. que se colocan junto a otros de colores complementarios. ( 1928).120 En paralelo a la pintura. el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo: Henri de Toulouse-Lautrec. hecha a base de partes. la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—. derivada de la nueva forma de observar el mundo: junto a los paisajes y marinas. rechazó el cromatismo tónico. deformando la realidad. marginados. introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos.

124 En música. Ligado al simbolismo (Viena). estuvo también el llamado arte naïf. reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. sobre todo en el gusto por lo morboso y terrorífico. instintiva. La belleza se alejó de cualquier componente moral. el sexo y la perversión. Hizo una música estática. que era elaborada. aunque plenamente consciente y expresiva Henri ( Rousseau. Instituto de Arte de Chicago. Tuvo un antecedente en el parnasianismo de Leconte de Lisle. o la fascinación por el vicio y las desviaciones sexuales. etc. Paul Sérusier. el Conde de Lautréamont. minucioso y personal. Musée Georges Pierre Seurat. Paul Verlaine. Anatole France. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo. destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico y trascendente. Simbolismo Estilo de corte fantástico y onírico. Destacaron: Gustave Moreau. Algernon Charles Swinburne. cuyos autores eran autodidactas. Pierre Puvis de Chavannes. Los escritores se apartan del mundo y las convenciones sociales. la magia y los fenómenos paranormales. . Gabriel Fauré innovó con un lenguaje sonoro preciosista. James McNeill Whistler. destacando su carácter polisémico. Frédéric Mistral. Paul Claudel. Ferdinand Hodler y Gustav El beso (1908). Frente a ello. Arthur Rimbaud. que llega a vivir su propia vida como una obra de arte —como se puede apreciar en la figura del dandy—. con cierto primitivismo. surgiendo la figura del «poeta maldito». con preferencia por los temas míticos y las leyendas. Jean Moréas. de Degas. llevando la sensibilidad romántica a la exageración. Su principal vehículo de expresión fue la poesía.123 El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total» wagneriano. Félix Vallotton y el escultor Aristide Maillol). Dmitri Serguéievich Merezhkovski. sobre poemas de Verlaine. formalmente exigente. José María de Heredia y Charles Baudelaire. poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños. destacando posteriormente autores como Oscar Wilde. de armonías líquidas. Pierre Österreichische Galerie Belvedere Bonnard. con un lenguaje evocador y sugerente. Pinakothek. Joris-Karl Huysmans. Clase de baile Tarde de domingo en la isla Los girasoles El pensador (1875). así como el grupo de los Nabis (Maurice Denis.122 La literatura simbolista destacó por su esteticismo y decadentismo. de (1902). Lawrence Alma-Tadema. París. el simbolismo otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia. en la línea de la poesía simbolista. Séraphine Louis. de Gustav Klimt. Vincent van Auguste d'Orsay. Odilon Redon. Arnold Böcklin. de (1888). así como en aspectos satánicos y terroríficos. con una composición algo ingenua y desestructurada. Neue Rodin. Klimt. convirtiéndose en el fin último del artista. llegando incluso a hablarse de «religión estética». sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» (L'art pour l'art). con un sentido rítmico casi musical. apreciable en la atracción por el satanismo. Grandma Moses). Gogh. simbólico. dando importancia a los instrumentos solistas: La buena canción (1892). Walt Whitman. surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista. difusa. Múnich. buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación. Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren. Destacaron Auguste Villiers de l'Isle-Adam. Stéphane Mallarmé. surgiendo una «estética del mal». de influjo esotérico y teosófico. de Edgar de la Grande Jatte (1884).

de Oscar Wilde. México. Otros exponentes fueron el cubano José Martí. nuevo género artístico a caballo entre la pintura y lasartes gráficas. Moreau. la impresión (libros. de Gustave (1888). practicado por el mismo Rusiñol y por artistas como Alexandre de Riquer. En su génesis fue determinante el aspecto publicitario del cartel. que defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas tradicionales de fabricación. Entre sus principales artífices destacaron Émile Gallé (ceramista y vidriero). el argentino Leopoldo Lugones y el colombiano José Asunción Silva. así como hallamos la presencia de un joven Pablo Picasso. especialmente al cartelismo. como podemos ver en su (1901). por su carácter ornamental. la joyería. Josep Llimona y Miguel Blay. para desembocar finalmente en elcubismo. 1895). la cerámica. con un estilo caracterizado por una temática naturalista de ambiente sombrío. Jan Toorop. la forja. el mosaico.126 En literatura. En un llamado «posmodernismo»nota 16 se encuentran nombres como Isidre Nonell y Joaquim Mir. Cobró especial relevancia el diseño. la pintura modernista estuvo muy ligada al mundo del diseño y la ilustración. Entre los diversos artistas dedicados a la pintura o el cartel conviene recordar aAlfons Mucha. hecho que supuso un cambio en su El valle de los naranjos. de Lawrence Aristide Maillol. Koloman Moser (diseñador). que permitían la fabricación en serie. ya que se basaba en un diseño realizado por un pintor o ilustrador . con una cierta influencia del impresionismo francés. El modernismo. la vidriería. postales). París. promovido por John Ruskin y William Morris. Adrià Gual y Joan Llimona. que se adentró en el ambiente modernista alrededor del año 1900. el proceso creador del artista. Stuttgart. aunque pronto se dedicó también a la divulgación de eventos y a la propaganda política e institucional. En el resto de Europa. se suele vincular el modernismo a la obra del nicaragüense Rubén Darío. Con el mismo afán modernizador podemos situar también aquí la denominada . Moreau. Museo Gustave Alma-Tadema. que puede ser luego realizada por diversos artesanos. Biniaraix (Mallorca) trayectoria y su adscripción al arte de vanguardia. el modernismonota 15 también se desarrolló en pintura. Modernismo En paralelo a la arquitectura.125 A ello ayudaron los nuevos procedimientos industriales. surgiendo una notable escuela en Cataluña. etc. supuso una gran revitalización de las artes aplicadas. etc. Fernand Khnopff. colección Schlossplatz. etc. con artistas como Ramon Casas y Santiago Rusiñol. Aubrey Beardsley. el peruano José Santos Chocano. así como los españoles Salvador Rueda y Eduardo Marquina. especialmente la carpintería. En escultura cabe mencionar a Eusebi Arnau. estipulando que el arte debe ser tan útil como bello. etapa fauvista (1900-1901) y en el simbolismo de la «época azul» (1901- 1904). inaugurador de las letras modernas españolas con un lenguaje esteticista de gran riqueza formal. de Santiago Rusiñol.Las rosas de Heliogábalo La noche (1902). el moldeado en yeso. revistas. René Lalique (orfebre). el mexicano Amado Nervo. para ser luego reproducido en serie. Júpiter y Sémele (1894. Louis Comfort Tiffany (joyero y vidriero). de influjo simbolista. que materializa su creación en el bosquejo de la obra. Más tarde se recibió la influencia del simbolismo. particular. También tuvo especial relevancia el movimiento inglés Arts and Crafts («Artes y Oficios»). Gaspar Homar (ebanista).

Ramón Menéndez Pidal. especialmente en cuanto a contenido. etc. . pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio. sin embargo.Generación del 98 que. así como negativo y positivo. cementerio de Comillas Utile (1896). que en 1835 inventó el negativo. La construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre supuso un nuevo adelanto. Pío Baroja. concretamente la octava. Tiara con forma de gallo. Miguel de Unamuno. que permitía sacar diversas copias de la imagen obtenida. de Biscuits Lefèvre- Madrid. Pese a ser una realización puramente técnica.nota 17 Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones de Joseph Nicéphore Niépce. Hippolyte Bayard logró en 1840 la fotografía en positivo directo. La primera fotografía en color fue obtenida por James Clerk Maxwell en 1861. John Frederick William Herschel. de René Lalique. Antonio Machado. consiguiendo impresionar placas metálicas y fijar la imagen con un baño desal y mercurio. (Cantabria). en negativo sobre papel. mientras que en Galicia el Rexurdimento contó con figuras comoManuel Curros Enríquezy Eduardo Pondal. la primera placa fotográfica en color A ( utochrome) no llegó a los mercados hasta1907. supuso un gran impulso en la renovación de la literatura española. En Cataluña se dio el movimiento de la Renaixença. diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen. e instantánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100 de segundo). que logró la primera fotografía en 1816. derivada de la labor de percepción. pequeña cámara cargada con 100 clichés. Otro de los pioneros fueWilliam Henry Fox Talbot. de Ramon Casas. Josep Llimona. a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. pronto la fotografía pasó a ser considerada una de las artes. El Ángel Exterminador (1895). Destacaron autores como Ramón María del Valle-Inclán. a través del principio de la cámara oscura. Juan Ramón Jiménez. Otro precursor. pues la obra resultante podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen. Así. frente al pesimismo por la pérdida de las últimas colonias españolas. Fotografía En el siglo XIX apareció una nueva tecnología que permitía captar imágenes del natural. MNCARS.127 La carga (1899). litografía de Alfons Mucha. fue el creador del término fotografía. destacando Jacinto Verdaguer y Joan Maragall. Jacinto Benavente. Azorín. En 1888 George Eastman lanzó la película de celuloide y el aparato Kodak. Ramiro de Maeztu.

el actual de concepto. Surgieron así los movimientos de vanguardia. Eadweard Muybridge. con influencia del impresionismo. happening. este tenía la pretensión de hacer fotografías con una composición de tipo pictórico. El Arquitectura siglo XX ha supuesto una pérdida del concepto de belleza clásica para Artículo principal: Arquitectura del siglo XX conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador. Surgieron los primeros estudios y laboratorios fotográficos.128 Siglo XX El arte del siglo XX padeció una profunda transformación: en una sociedad más materialista. etc. fomentado por el nuevo aspecto consumista de la civilización occidental. de Fox Talbot. de la acción. Oscar Gustav Rejlander. Igualmente. de la manifestación espontánea. no al intelecto. simplemente el dominio de la técnica. La fotografía supuso una gran A finales de siglo se empezó a considerar la fotografía como un revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y arte. que pretendían integrar el arte en la sociedad. Pencil of Nature (1844). ha cobrado especial relevancia el concepto de moda. de Marcel Duchamp. a la vez que el auge de las comunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estudios de ingeniería aplicados a la arquitectura. André Adolphe Eugène Disdéri. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto. ya que es este último el que interpreta la obra. estructurado de forma más depurada y funcional. buscando una mayor interrelación artista-espectador. con especial atención a las nuevas tecnologías y a su ubicación medioambiental. Isla Pagoda en la desembocadura del río Min(1870). más consumista. pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. siendo pioneros los álbumes de Excursions Daguerriennes (1841-1842) y. Étienne-Jules Marey. el arte se dirige a los sentidos. efímera. ya que era un medio que no requería grandes cualidades personales. Entre los fotógrafos más destacados del siglo XIX se puede citar a Gaspard-Félix Tournachon. Hay una revalorización del arte activo. John Thomson. del arte no comercial (arte conceptual. aunque posteriormente a todo tipo de eventos y a imágenes del natural. siendo las guerras de Crimea y de Secesión americana las primeras en ser retratadas. Igualmente apareció la fotografía documental. especialmente en cuanto a la plasmación de conflictos bélicos. dedicados en principio sobre todo al retrato. Louis Désiré Blanquart-Evrard. . como primer libro ilustrado. una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. environment). Julia Margaret Cameron.A partir de entonces la fotografía se popularizó. David Octavius Hill. También apareció la fotomecánica y las primeras publicaciones ilustradas. artístico fotográfico. de John Thomson. surgiendo el pictorialismo como primer movimiento el XX. Jacob August Riis. Ha cobrado gran importancia el urbanismo. que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una idea más racional del espacio.129 Fuente. apareciendo numerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mundo en imágenes. La arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas tradicionales hasta los movimientos de vanguardia.

Álvaro Siza. caracterizado por la fragmentación. Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada Casa de la Cascada (1939). destaca la obra de Antonio Sant'Elia. representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. Le Corbusier. donde se inició un programa ligado a la revolución que buscaba una arquitectura funcional que satisficiese las necesidades reales de la población. En el neoplasticismo holandés tenemos la obra de Jacobus Johannes Pieter Oud. estuvo representado principalmente por Konstantin Melnikov. Alvar Aalto. caracterizada por el uso de nuevos materiales y su fabricación en masa (ladrillo. Gerrit Thomas Rietveld y Truus Schröder. Oscar Niemeyer. Jørn Utzon. de en la razón. Arata Isozaki).130 . Erich Mendelsohn. Peter Eisenman. Entre sus figuras sobresalen: Walter Gropius. Jacques Herzog. vidrio). Pero la principal tendencia artística del siglo XX ha sido el racionalismo (1920- 1950) —también llamado «estilo internacional»—. el llamado «diseño científico y estructural» puso énfasis en las nuevas posibilidades de la técnica. La arquitectura del siglo XX ha tenido un desarrollo independiente del resto de las artes. Pierre de Meuron. José Luis Sert. Glenn Murcutt. representado por el grupo inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio. aunque lo utópico de sus formulaciones impidió en muchos casos su realización material. vidrio). la arquitectura pop destacó el carácter urbano y las tipologías populares. basadas en formas geométricas simples Frank Lloyd Wright. Rafael Moneo. opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura. en los años 1960 apareció el high-tech. Ieoh Ming Pei. Pier Luigi Nervi. caracterizado por las formas austeras. desde 1975 se ha desarrollado la arquitectura posmoderna. estructuras flexibles y formas orgánicas (Kenzō Tange. Santiago Calatrava. Entre otros arquitectos contemporáneos conviene destacar igualmente a Jean Nouvel. que es igualmente sencillo y funcional. tanto a nivel práctico como estético (Norman Foster. El futurismo también tuvo alguna manifestación arquitectónica. el neorracionalismo supuso en los años 1970 el retorno a las premisas funcionalistas. Rem Koolhaas). etc. etc. tomando como referencia los ambientes nocturnos deLas Vegas. representado por el grupo italiano Tendenza y el estadounidense Five Architects. y materiales de orden industrial (ladrillo. como en el resto de artes plásticas: en los años 1950 surgió el denominado brutalismo en paralelo al expresionismo abstracto. ornamentación excesiva y otorgando gran importancia al diseño. Sverre Fehn. hormigón. Eliel Saarinen. cabe reseñar la vertiente arquitectónica del constructivismo ruso. Zaha Hadid. Peter Zumthor. Kishō Kurokawa). Bear Run. acero. basado en las posibilidades otorgadas por las nuevas tecnologías. acero. Eero Saarinen. de líneas sencillas y funcionales. Denise Scott Brown). primando la estructura sobre el acabado (Alison y Peter Smithson. Aldo Rossi. Richard Rogers. en los años 1980 se dio el deconstructivismo. el proceso de diseño no lineal y la manipulación de las estructuras (Frank Gehry. Frei Otto. aunque en ocasiones ha ido en paralelo a algún determinado movimiento artístico. con sus luces de neón y su escenografía decorativista (Robert Venturi. Ricardo Bofill. con grandes escalas. Por último. especialmente el uso de hormigón y las formas orgánicas (Félix Candela. con nombres como Bruno Taut. Entre las últimas tendencias arquitectónicas se ha producido una gran diversidad de estilos y movimientos. renunciando a la Pensilvania. Louis Kahn y Anne Tyng). basadas en la pureza del material. Richard Buckminster Fuller). Tenemos así la arquitectura expresionista. Luis Barragán. Ludwig Mies van der Rohe. Frank Lloyd Wright. entre los años 1960 y 1970 surgió el antidiseño. que como en las otras artes se basa en el eclecticismo y la reinterpretación de estilos anteriores (James Stirling. el metabolismo japonés respondía a las necesidades de una sociedad masificada. Hans Poelzig y Fritz Höger. Renzo Piano).

Pabellón de Alemania para la Corte Suprema de Ópera de Sídney (1956). asiático. Fauvismo (1905-1908): primer movimiento vanguardistanota 18 del siglo XX. oceánico). aplicándole valores emotivos y expresivos. reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico. Barcelona (1929). el fauvismo supuso una experimentación en el terreno del color. Formas únicas de continuidad en el Destacan Henri Matisse. las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función. de Le Jørn Utzon. Boccioni. Otros exponentes fueron el Grupo de Viena (Egon Schiele. Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano. Pabellón estadounidense de la Expo 67. donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—. la relatividad de Einstein. se formó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner. Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James Ensor. independientes respecto a la naturaleza. Galleria d'Arte Moderna. de Richard Buckminster Fuller. llamado actualmente Biosphère. Oskar Kokoschka) y la Escuela de . obra de Corbusier. Raoul Dufy. Vanguardismo En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson. espacio (1913). en Île Sainte- Hélène. August Macke. y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski. André Derain. de Exposición Internacional de Chandigarh (1952). Montreal. Expresionismo (1905-1923): surgido como reacción al impresionismo. Franz Marc. Erich Heckel. también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. Ludwig Mies van der Rohe. la mecánica cuántica). Milán. Karl Schmidt-Rottluff. Paul Klee). los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo. Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista. deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. Albert Marquet. Por otra parte. que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Emil Nolde). de Umberto Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen. ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. que es concebido de modo subjetivo y personal.

Albert Gleizes.131 Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías científicas. que denotaba además la interrelación entre las diversas artes. Igualmente. mostrando un concepto idealista y algo utópico del arte como motor de la sociedad. Figuras individuales serían: José Gutiérrez Solana. la velocidad y la simultaneidad de la acción. Jean Metzinger. Cubismo (1907-1914): este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista. René Magritte. La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso. Anton Pevsner y Naum Gabo. el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte. con una fuerte influencia del psicoanálisis. síntesis de cubismo. André Masson. Surrealismo (1924-1955): con un claro precedente en la pintura metafísica (Giorgio de Chirico. Paul Delvaux. Max Ernst) y la abstracción (Joan Miró. Chaïm Soutine). sino su mundo interior. así como el rayonismo ruso. que ya se encargaban de plasmar la realidad. y Umberto Boccioni en escultura. Esto se traduce en un lenguaje subversivo. reivindicando la duda. destacando aspectos de la realidad como el movimiento. Futurismo (1909-1930): movimiento italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del siglo XX.132 . la fantasía. el mundo de los sueños. con visión simultánea de los objetos. Otto Dix. con figuras como Piet Mondrian y Theo Van Doesburg en pintura. Yves Tanguy). El futurismo aspiraba a transformar el mundo. como se percibe en su concepto de «escritura automática». con la introducción delcollage. Iniciado por Vasili Kandinski. Natalia Goncharova). Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción a los desastres de la guerra. sello distintivo de los futuros movimientos de vanguardia. Jacques Lipchitz. Francis Picabia. En escultura destacaron Ernst Barlach. Marc Chagall. lo absurdo de la existencia. Constantin Brâncuşi. Diego Rivera. mediante una reflexión sobre las formas puras artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo. Fue el primer movimiento que se proclamó con un manifiesto (redactado por Filippo Tommaso Marinetti). organizando el espacio de acuerdo con una trama geométrica. como el collage. a cambiar la vida. etc. por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional. mostrar la pureza del inconsciente. el fotomontaje y los ready-made. y una nueva concepción de la obra de arte. y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía y el cine. También se suele considerar como una derivación del expresionismo el grupo Nueva Objetividad (George Grosz. Destacan Vladimir Tatlin. Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz. En escultura destacan Henry Moore. fue un estilo comprometido políticamente que pretendía a través del arte realizar una transformación de la sociedad.París (Amedeo Modigliani. que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón. Lissitzky. con tendencia a la geometrización. así como Alexander Archipenko. Le Corbusier). En México tuvo su expresión en el muralismo de José Clemente Orozco. junto a Georges Braque. El arte pierde todo aspecto real y de imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista. Kurt Schwitters y Marcel Duchamp. Oswaldo Guayasamín. en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. La pintura surrealista se movió entre la figuración (Salvador Dalí. Georges Rouault. Max Beckmann). Alberto Giacometti y Alexander Calder. el purismo fue un movimiento poscubista (Amédée Ozenfant. fue desarrollado por el movimiento neoplasticista (De Stijl). se produjo la génesis del arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad. Destacan en pinturaGiacomo Balla y Gino Severini. experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición. y Georges Vantongerloo en escultura. David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo. Constructivismo (1914-1930): surgido en la Rusia revolucionaria. el azar. una gama de colores fríos y apagados. Una variante fue el suprematismo de Kasimir Malevich. Destacan Hans Arp. Una derivación del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay. que generan una serie de obras de estilo abstracto. uno de los grandes genios del siglo XX. e influyó en la obra de Frida Kahlo. Pablo Gargallo y Julio González en escultura. Carlo Carrà). Constant Permeke. expresar sus sentimientos. Cândido Portinari. el surrealismonota 19 puso especial énfasis en la imaginación. donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte. Juan Gris y Fernand Léger. futurismo y orfismo (Mijaíl Larionov.

renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura. donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos. etc. volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. informática. Es un arte eminentemente abstracto. En escultura cabe citar a Jorge Oteiza y Eduardo Chillida. composición. y renunciando a su carácter revolucionario y la Creueta del Coll. sin carácter reivindicativo. aplicación preconcebida del color). sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que ésta fuese realista. En España surgieron los grupos El Paso (Antonio Saura. Madrid. etc. Mildred Lane Moore. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofía existencialista y su visión pesimista del ser humano. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material. Museo Chicago. Nueva figuración (1945-1960): como reacción a la abstracción informalista surgió un movimiento que recuperó la figuración. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock. que asume el protagonismo por encima de cualquier temática o composición. Incluye diversas corrientes como el tachismo. Últimas tendencias Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva. se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte. donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen. de Theo van (1950). hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte:video. Jean Dubuffet. de (1912). Surgió así el arte postmoderno. y viceversa—. Manolo Millares) y Dau al set (Antoni Tàpies. como el arte de acción y el arte conceptual. transformador de la sociedad. Fränzi ante una silla Retrato de Picasso Composición VII (Las Tres Family Group tallada (1910). Louis. Lucio Fontana. de Henry Ernst Ludwig Instituto de Arte de Doesburg. Parque de estético. donde cobra relevancia el soporte material de la obra. Saint (Hertfordshire). Thyssen-Bornemisza. y entroncaron con el movimiento beat y los angry young men. Missouri. Entre sus figuras se puede mencionar a . de Eduardo Chillida. láser. Jean Fautrier. el art brut y la pintura matérica. caracterizado por la utilización de la técnica del dripping. Franz Kline y Willem de Kooning. Mark Rothko. de Juan Gris. holografía. Modest Cuixart). Stevenage Kirchner. Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte. Por último. Barcelona. Kemper Art Museum.133 Informalismo (1945-1960): conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista. En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto —también llamado action painting—. con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. Hans Hartung. Gracias) (1917). el chorreado de pintura sobre la tela. retornando a las formas clásicas del arte. con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. aceptando su componente material y Elogio del agua (1987). internet. el rigor de unos sucede al exceso de otros. Destacan Georges Mathieu.

César Baldaccini. Don Eddy. y Manzoni envasando sus excrementos en lata (Merda d'artista. tomando imágenes del mundo de la publicidad. Pop art (1955-1970): surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto. Estéfano Viu). fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. video. donde vendió el espacio vacío de una galería. Dennis Oppenheim). Galería Iris Clert). con el cuerpo humano como soporte de Cáceres. el cómic y los medios de comunicación de masas. James Rosenquist. destacaron en el pop art Andy Warhol. Son obras de carácter abstracto. arte povera. etc. del consumismo y la sociedad industrial. Claes Oldenburg. Walter de Maria. el ¿Por qué el proceso entre arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso Pilatos y Jesús duró mental de la creación artística. sino a nuevas formas de expresión que han ampliado los límites del arte. Destacan Victor Vasarely. la performance. englobando una serie de autores que retornaron a la figuración. que usa técnicas biológicas (Joe Davis. de acusada simplicidad. Entre sus figuras destacan Joseph Beuys. generalmente de materiales detríticos Museo Vostell. Corneille y Pierre Alechinsky). Robert Mapplethorpe. Piero Manzoni. (Gilbert and George. con un marcado componente de inspiración popular. que utiliza la naturaleza como soporte. Eduardo Paolozzi. Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico. Yves Klein. caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad. Elvideoarte surgió en 1965 con la aparición de la primera cámara de video portátil (la Portapak de Sony). Cindy Sherman. la base sobre la que habría desarrollado la idea que. Niki de Saint Phalle. afirmando que el arte está en la idea. Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman. Con un precedente en el llamado New Dada (Robert Rauschenberg. Bernard Buffet. Jean Tinguely. sino el proceso creador. Richard Serra). en el que además del artista interviene a menudo el público. del que extraen —al contrario que en el pop art— su aspecto más desagradable. Julio Le Parc. Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante. Malpartida (Mario Merz. Exponentes de esta modalidad son Nam June Paik. Lucian Freud. el environment. etc. Richard Hamilton y. Wolf Vostell. Jannis Kounellis). el land-art. lluvia) o con su exposición Vacío (1958. donde lo importante no es la obra en sí. centrado en las instalaciones. Bill Viola. Frank Stella. con un gran componente de improvisación. etc. Jasper Johns). ya sea . compositivo. Barbara Kruger. el (1996). Arte conceptual (1965-1980): tras el despojamiento matérico del minimalismo. Dan Sandin. Arte de acción (desde 1960): son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística. Ellsworth Kelly. Tony Oursler. el bio-art. etc. efecto de moiré). Nicolas de Staël y los miembros del grupo CoBrA (Karel Appel. etc. con especial predilección por los materiales detríticos. y los escultores Carl Andre. Donald Judd y Sol LeWitt. el más purista solamente dos minutos? de la conceptualidad. Yaacov Agam. informática) ha supuesto una gran revolución para el arte no sólo en cuanto a nuevos soportes y materiales. Es un arte abstracto pero racional. Deborah Cherena). en escultura. centrado en la relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth). el body-art.Francis Bacon. no en el objeto. es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte. especialmente en los efectos ópticos. Minimalismo (1963-1980): con un antecedente en la Nueva abstracción o Abstracción postpictórica (Barnett Newman. Arte cinético (desde 1950): también llamado op-art (arte óptico). Klein y Manzoni fueron antecedentes del arte conceptual: Klein con sus antropometrías y sus cosmogonías (pinturas expuestas a los elementos: fuego. Judy Chicago) y el arte homoerótico (Paul Cadmus. Ralph Goings. Antonio López García y. de Wolf Vostell. Dan Flavin. que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas. sin embargo. Daniel Spoerri. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista (Jenny Holzer. Allan Kaprow. así como Germaine Richier y Fernando Botero en escultura. sino el mensaje inherente a la imagen filmada. con un marcado componente efímero (Christo. la instalación. en escultura. Kenneth Noland) el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que desembocaría en el arte conceptual. George Segal. El sound art (o audio art) se basa en el sonido. Eusebio Sempere. generalmente en el marco de instalaciones o performances—. queda plasmada en su fase inicial. Sus representantes fueron Arman. En esta modalidad destaca no sólo su componente físico — la emisión de imágenes. Robert Smithson. bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Nam June Paik y los grupos Fluxus y Gutai. depurado al planteamiento inicial del autor. imágenes persistentes. Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición de nuevas tecnologías desde los años 1960 (televisión. Tom Wesselmann. Yoko Ono. que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles. Roy Lichtenstein. Asger Jorn. Richard Estes. famoso por sus figuras humanas enyeso. la fotografía. Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa. Jesús Rafael Soto. 1961). Destacan Chuck Close. John Salt. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el happening. con un aspecto casi fotográfico. reducidas a un mínimo motivo. al contrario que el informalismo.

aerostática» de Yves artística de Christo. Nicola De Maria. Heath Bunting. Eric Fischl. especialmente. Jörg Immendorff. Mimmo Paladino). Julian Schnabel. instalación de Israel. Enzo Cucchi. La informática e internet han supuesto igualmente un gran impulso para el arte. no pretenden hacer una labor social. Sigmar Polke). o también diversos movimientos como la transvanguardia italiana (Sandro Chia. etc. instalaciones. Arte postmoderno (desde 1975): por oposición al denominadoarte moderno. de Liberación de 1001 The Umbrella Project Fernando Botero. universalizar el arte. Markus Lüpertz.134 Hombre a caballo. natural. Jean-Michel Basquiat. Klein. el arte habla del arte. Jake Tilson). el neomanierismo. (Laurie Anderson. Estilos artísticos occidentales del siglo XX . por su aspecto interactivo. etc. Destacan artistas individuales como Jeff Koons. David Salle. suponiendo una nueva forma de colaboración entre el artista y el público (Olia Lialina. es autorreferencial. Keith Haring. Miquel Barceló. Francesco Clemente. en cambio. es el arte propio de lapostmodernidad. tecnológico o acústico. no sólo como soporte sino por sus nuevas posibilidades creativas y. Brian Eno).. videoarte. Georg Baselitz. performances. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida. «escultura (1991). Jerusalén. Ibaraki (Japón). y se integra en el arte a través de ensamblajes. etc. el artista postmoderno. la figuración libre. el neoexpresionismo alemán (Anselm Kiefer. Museo globos azules. musical.

Globalización del arte Durante el proceso de colonización iniciado por las potencias europeas en el siglo XIX. conservando en muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales. Antiguas formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por factores como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos artísticos. internet) y el proceso de globalización cultural producido a nivel mundial. el arte se ha estandarizado progresivamente hacia la universalización de estilos. televisión. y sobre todo en el XX con el auge de los medios de comunicación (radio. . pero adquiriendo un sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta.

Tarō Okamoto. con un gran sentimiento de crispación y una agresividad latente. o las lámparas diseñadas por Marianne Brandt. Desgraciadamente. si bien la colonización europea introdujo el arte occidental. Yoshitaka Amano. instalaciones y performances. con una clara apuesta por la producción industrial. Paul Klee. que frente a la excesiva ornamentación del art déco introdujo un concepto de diseño más racional y funcional.En el continente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de arte. En muchas partes de África el arte está marcado por la religión islámica. Pan Yuliang. ligadas a las nuevas tecnologías.135 Artes decorativas En el siglo XX las artes decorativas han tenido una rápida evolución. produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas. más adaptado a las necesidades reales de la gente. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición China/Vanguardia. El art déco también se dio en arquitectura (elChrysler Building de William van Alen) y pintura (Tamara de Lempicka. Kuroda Seiki. siendo el artista indio más cotizado el escultor Anish Kapoor. Ajit Chakravarti y Nek Chand. Johannes Itten. mientras que en otras es más de signo cristiano. los sucesos de Tiananmen provocaron un nuevo retroceso. Más recientemente destaca la presencia en el terreno del arte de acción del grupo Gutai. en la Galería Nacional China de Pekín. que se abrió más a la Instalación del grupo japonés Gutai. Zao Wou Ki y Wang Guangyi. remarcando el aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a la artesanía. Esta institución pretendía romper las barreras entre arte y artesanía. Shigeo Fukuda. junto al que destacan nombres como Ram Kinker Baij. Este estilo se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes gráficas. el arte se abrió a mediados del siglo XX a las formas de vanguardia. El fin de la era imperial supuso la modernización de China. Sankho Chaudhuri. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy. pero aún perduran las antiguas formas animistas. Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con la Bauhaus. marcada por el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas. El triunfo de larevolución comunista impuso como arte oficial en la Bienal de Venecia de 2009. y con una clara apuesta por eldiseño como base creadora. El interés por el arte africano en Europa ha llevado a su producción con fines de exportación. etc. Dirigido principalmente a un público burgués. Shigeko Kubota. abriéndose más al exterior y empezando a incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). incluyendo tanto obra pictórica como fotografías. influencia occidental. Josef Albers. Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son: Qi Baishi. Leiko Ikemura. Oskar Schlemmer. En la India.nota 20 movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. el grupo neoplasticista De Stijl desarrolló . si bien recientemente la nueva política aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas. la abstracción geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías. hasta una nueva apertura en1992. Artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita. Santiago Martínez Delgado). el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación cultural. Henry Tayali (de Zambia) y Eric Adjetey Anang (de Ghana). Igualmente. Chuta Kimura. que mostraba las últimas creaciones del momento. destacó por la ostentación y el lujo. principalmente máscaras y esculturas ornamentales de ébano o marfil. y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. La pintura presentó entonces dos corrientes: una tradicional (Nihonga). Yasumasa Morimura. como se hizo patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer. Wu Guanzhong. En escultura existe igualmente la dualidad tradición-vanguardia. Isamu Noguchi y Etsuro Sotoo. como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y Bangalore. Michiko Noda. Yoshitomo Nara. Entre los artistas más destacados se puede citar a Ashira Olatunde (de Nigeria). que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía. En Japón. Su diseño se basaba en la simplicidad. social y tecnológica. y otra occidentalista (Yōga). Nicholas Mukomberanwa (de Zimbabue). La gran revitalización de esta actividad artística provino del art déco. el realismo socialista. Yayoi Kusama.

un estilo interiorista basado en la simplicidad. El expresionismo criticó la sociedad burguesa de su época. El dadaísmo introdujo la anarquía en la génesis literaria. Destacaron André Breton. Más adelante surgió un mayor compromiso social. caracterizada igualmente por la crítica social y la búsqueda de unos nuevos valores humanos: John Dos Passos. más centrada en la técnica literaria. como la famosasilla roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld(1923). Eugenio Montale. Ya no se imita la realidad. atendiendo a las necesidades de mercado sin renunciar al proceso de modernización de la sociedad. como es el caso de la denominada «poesía pura» (Paul Valéry. en un estilo que buscaba la asociación insólita de palabras. Scott Fitzgerald. sobre todo en poesía. La segunda mitad del siglo XX ha estado marcada por el eclecticismo y la diversidad de tendencias. con diferentes tipos de letra y aparición de signos extralingüísticos. Desde entonces el diseño industrial y de interior ha seguido por la vía de la creación intelectual y el diseño funcional. François Mauriac. con un lenguaje simbólico y metafórico. El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esencia literaria. Portada de la primera edición (1922). la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar. partiendo de premisas anteriores y cánones clásicos en algunos casos. Franz Werfel. la acción. de James Joyce. así se aprecia en la obra de Marcel Proust. William Butler Yeats. evocando en sus obras el mundo del inconsciente. como podemos apreciar en James Joyce. en el virtuosismo estilístico y la profundización de los personajes. F. Konstantinos Kavafis). S. Alfred Döblin. lo que ha generado una línea llamada styling (representada fundamentalmente por Raymond Loewy). El surrealismo tuvo gran influencia de la psicología freudiana. Hermann Hesse. con un cierto continuismo de estilos anteriores. de metáforas oníricas y delirantes. William Faulkner. En Estados Unidos surgió la llamada «generación perdida». moral y religiosa. Destacaron Franz Kafka. T. con obras de denuncia de los valores burgueses que habían llevado a la guerra. En el ámbito de la narrativa. de un lenguaje trascendente y metafísico. George Orwell y Aldous Huxley. con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos materiales (plástico. Georg Heym. En contraposición. Henry Miller y Ernest Hemingway.136 Literatura contemporánea En el siglo XX la literatura ha tenido —como el resto de las artes— una gran diversidad estilística. estuvo representado principalmente por Filippo Tommaso Marinetti y Vladimir Maiakovski. que se tradujo en la técnica de la «escritura automática». etc. defendiendo la destrucción de la sintaxis y la libertad de las palabras. de los sueños. no se analizan causas ni hechos. esta corriente está representada por André Malraux. fibra de vidrio). de introspección psicológica. Dylan Thomas y Wystan Hugh Auden hacen una poesía . sino que el autor busca la esencia de las cosas. Paul Éluard y Louis Aragon. mostrando su particular visión. que pierde su aspecto lógico y comunicativo. de la subjetividad. incluso la violencia (tuvo estrechos contactos con el fascismo italiano). Ulises. André Gide. Antoine de Saint-Exupéry. El cubismo buscó nuevas formas sintácticas. Gertrude Stein. Thomas Mann. las formas geométricas y los colores primarios. Ezra Pound. destacando Guillaume Apollinaire. como en la obra de Tristan Tzara. Lawrence Durrell y Virginia Woolf. El principal campo de experimentación fue Diseño de objetos de usoart déco el de las vanguardias artísticas: el futurismo destacó por su afán modernizador. suprimiendo los signos de puntuación («collage lingüístico»). Gottfried Benn. hay una corriente más innovadora. la amarga experiencia bélica en la contienda mundial provocó una serie de obras de crítica de la guerra. Georg Trakl y Rainer Maria Rilke. el militarismo. John Steinbeck. de búsqueda de unos nuevos valores morales. de Maurice Ascalon. deshaciendo los poemas y dándoles un aspecto gráfico. la velocidad. Fernando Pessoa. Eliot. Pal-Bell. de reflexión. buscando deliberadamente un lenguaje caótico y absurdo. y rompiendo con el pasado y experimentando nuevas formas y estilos en otros. donde autores como Jacques Prévert. exaltando los adelantos técnicos.

Halldór Laxness. Jaime Gil de Biedma. gallega (Celso Emilio Ferreiro. R. Simone de Beauvoir. Gabriel García Márquez. con un mayor afán vanguardista. Kenzaburo Oé. Alejandro Casona. Gerardo Diego. Jack Kerouac). Albert Camus. retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. Guillermo Cabrera Infante. Ramón Pérez de Ayala. Leopoldo Panero). Otros autores destacados son: George Bernard Shaw. Mihail Šolohov. Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar: el expresionismo (Georg Kaiser. Antonio Gala. Sholem Asch. Juan Rulfo. En Alemania. William Burroughs. R. que persigue el ideal de «poesía pura». Luigi Pirandello. Dario Fo. Jorge Guillén. destacando figuras como Manuel Vázquez Montalbán. Ramón Gómez de la Serna y Eugeni d'Ors. Peter Weiss. G. Desde los años 1970 surge una nueva vitalidad en las letras. Octavio Paz. y los Angry young men. Albert Camus). con afán reformador (los llamados «Novísimos» en poesía). En esos años hay un renacer de la «novela histórica». Entre otros grandes autores del siglo XX merecen destacarse igualmente: H. Aleksandr Solzhenitsyn. Vicente Aleixandre. Harold Pinter. Gabriela Mistral. Mario Benedetti. En los años 1950 surgió el realismo social. J. Rabindranath Tagore. por otra.inconformista e intelectualizada. José Hierro. Jaroslav Hašek. Boris Pasternak. con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo. Josep Pla. así como una nueva serie de novelistas encabezada por Truman Capote. César Vallejo. En el siglo XX se desarrollan la literatura catalana (Josep Carner. José Agustín Goytisolo. Más adelante surgió la Generación del 27. con mayor profundización psicológica (método Stanislavski. En Hispanoamérica destacan: Alfonsina Storni. Julio Cortázar. caracterizada por la preocupación existencial y el compromiso social: Jean-Paul Sartre. etc. representado por José Ortega y Gasset. En los años 1950 surgió en Francia el nouveau roman («nueva novela»). de tono angustioso (Camilo José Cela. de signo inconformista y antiburgués (John Osborne. Augusto Roa Bastos. Pär Lagerkvist. Pedro Salinas. Gonzalo Torrente Ballester. Álvaro Cunqueiro) y vasca (Esteban Urkiaga. Tennessee Williams. Wen Yiduo. con cierta influencia del surrealismo (Federico García Lorca. Orhan Pamuk. una literatura desarraigada. Rudyard Kipling. León Felipe). Gabriel Aresti. Gabriel Celaya. la literatura del siglo XX comenzó con el llamado novecentismo. Miguel Hernández). que muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena (Vsevolod Meyerhold. Ramón Otero Pedrayo. Mercè Rodoreda. Miguel Delibes. mientras que en Estados Unidos surgió la generación beat (Allen Ginsberg. Luis Cernuda. Ramón J. el «teatro épico» (Bertolt Brecht. La narrativa es más innovadora. Salvador Espriu. En España destacan Federico García Lorca. John Boynton Priestley. Se avanza en la técnica interpretativa. Eugene O'Neill. Arnold Wesker). Arthur Miller. Eugène Ionesco. Vicente Huidobro. una literatura afecta al régimen que exalta los valores nacionales (Luis Rosales. Josep Maria de Sagarra). Erwin Piscator. Wells. Jorge Luis Borges. etc. Antonio Buero Vallejo. aparecieron escritores anticonvencionales como Peter Handke y Günther Grass. Tadeusz Kantor). Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía. Jean Genet. Miguel Ángel Asturias. literatura más comprometida que denuncia la injusticia y la falta de libertad (Blas de Otero. vinculado al existencialismo (Antonin Bertolt Brecht. Jalil Gibran. etc. Carlos Fuentes. Isabel Allende. Cobra cada vez mayor protagonismo el director teatral. Tolkien. Rafael Alberti. Dámaso Alonso.137 En España. Carles Riba. Alejo Carpentier. José Saramago. Robert Graves y Umberto Eco. y reivindicando el gesto. Italo Calvino. Los años de la dictadura producen una escisión: por un lado. Alfonso Rodríguez Castelao. Alfonso Paso y Fernando Arrabal. Ana María Matute). Cesare Pavese. Naguib Mahfuz. . José Luis Álvarez Enparantza). Alberto Moravia. evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. J. Rainer Werner Fassbinder). Ernesto Sabato. Yukio Mishima. Salvatore Quasimodo. Sénder. Mika Waltari. Max Reinhardt. Hugo von Hofmannsthal). Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental. Rómulo Gallegos. Actors Studio de Lee Strasberg). Artaud. Salinger y Norman Mailer. Mario Vargas Llosa. etc. creador del teatro épico. Wole Soyinka. Alfred Jarry. en el carácter visual del teatro y no sólo el literario. centrado en el análisis frío y objetivo de la realidad (Alain Robbe- Grillet. D. Samuel Beckett. el «teatro del absurdo». Carmen Laforet. Nathalie Sarraute). etc. Juan Marsé. la acción y el movimiento.138 Teatro contemporáneo El teatro del siglo XX ha tenido una gran diversificación de estilos. Nikos Kazantzakis. Nicolás Guillén. Fritz von Unruh. Pablo Neruda. con Marguerite Yourcenar. Miguel Mihura.

sin ornamentos (Erik Satie). buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador (The Living Theatre. el neotonalismo de Arvo Pärt y Henryk Górecki. Ariadne auf Naxos. Francis Poulenc. El Porgy and Bess. A nivel vanguardista. Desde mediados de siglo ha continuado la experimentación y la diversidad de conceptos musicales. Francis Poulenc (Les mamelles de Tirésias. Los nuevos directores han agregado a este «teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia. 1938). Charles Ives. Pierre Boulez y Luis de Pablo. 1947). Jonny spielt auf (1927). Arthur Honegger). el futurismo experimentó con el ruido y los sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana (Luigi Russolo. Kurt Weill). Witold Lutoslawski y Cristóbal Halffter. Prokofiev. como la música electrónica de Karlheinz Stockhausen.139 Música contemporánea En el terreno musical la transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo de Richard Strauss. de Alban Berg. la música aleatoria de John Cage. el verismo italiano continuó en un llamado «posverismo» representado principalmente por Riccardo Zandonai (Francesca da Rimini. teatro-laboratorio de Jerzy Grotowski. introduciéndose posteriormente en el ámbito de las vanguardias artísticas: el cubismo tendió a la deshumanización. Muerte en Venecia. de Arnold Schönberg. mientras que a nivel productivo. el minimalismo de Philip Glass. 1946.Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico. pero en series. 1905. si bien ha existido una copiosa y excelente producción. Gustav Holst. el ultracromatismo amplió la escala musical a grados inferiores al semitono —cuartos o sextos de tono— (Alois Hába. 1912). evitando la polarización. acciones de happening). Giorgio Strehler. Luca Ronconi). Anton von Webern). Lady Macbeth Gershwin. la Nueva Objetividad aportó una visión más realista y social de la música. y el arte dramático recupera en cierta forma su antigua ambición de «teatro total». Sergéi Rajmáninov). a la esquematización y a las construcciones lineales. El teléfono. El cónsul. como Els Joglars. Dimitri Shostakovich. Giulietta e Romeo. 1935). 1961. la música concreta de Pierre Schaeffer y Pierre Henry. o el grupo canadiense Cirque du Soleil. 1967). el poliestilismo de Luciano Berio. El postromanticismo contó con la gran figura de Richard Strauss (Salomé. y el new age de Michael Nyman y Wim Mertens. Luigi Dallapiccola. El lenguaje oral queda así doblado por el visual. 1973). de George neoclasicismo dejó obras como Edipo rey (1925). la atracción a centros tonales (Arnold Schönberg. de Dimitri Shostakovich. A principios de siglo. produciendo nuevas técnicas y efectos sonoros. las innovaciones producidas en este terreno no han gozado de gran éxito entre el público mayoritario. George Gershwin (Porgy and Bess. El sueño de una noche de verano. por el New York Harlem de Mtsensk (1936). el dodecafonismo fue un sistema basado en los doce tonos de la escala cromática. el serialismo de Olivier Messiaen. etc. de Ernst Krenek. Alban Berg.140 La ópera en el siglo XX ha mantenido vigente el repertorio anterior. Gian Carlo Menotti (La médium. fuera de toda regla y toda convención Darius ( Milhaud. de Sergei Theater. de gran valor dramático (Peter Grimes. también llamado «sinfonismo soviético»— recuperó las formas clásicas. el expresionismo pretendía desligarse de los fenómenos objetivos externos. 1945. y sin renunciar a los nuevos adelantos vanguardistas (Carl Orff. Edgar Varèse). que se continúa representando con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo. Más recientemente destaca la obra de Benjamin Britten. siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando principalmente su estado anímico. el neoclasicismo —ligado en Rusia al realismo socialista. Krzysztof Penderecki y György Ligeti. sin repetir una nota antes de haber sonado las otras. los «ámbitos sonoros» de Luigi Nono. el divertimento y el exhibicionismo P ( eter Brook. 1930). y Guerra y paz (1946). la «música estadística» de Iannis Xenakis. Paul Hindemith (Matías el pintor. Els Comediants y La Fura dels Baus. que se utilizaban en cualquier orden. Igor Stravinski. pero reinterpretándolas. Otros exponentes son: Kurt Weill (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny. 1947. surgiendo el concepto de Gebrauschmusik («música utilitaria»). basada en el concepto de consumo de masas para elaborar obras de sencilla construcción y accesibles a todo el mundoPaul ( Hindemith. Ferruccio Busoni). Sergei Prokofiev. Esto se pone de manifiesto en varios grupos españoles. 1922). . de igual forma. Gustav Mahler y Aleksandr Skriabin. Alberto Ginastera (Bomarzo. 1914. de Igor Stravinski. 1950). Wozzeck (1925) y Lulú (1935). destacaron el expresionismo y el dodecafonismo: Moisés y Aarón (1926).

el soul. Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban. Vangelis. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky. influido por el expresionismo abstractoy la música aleatoria de John Cage. y produjo espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores coreógrafos del siglo. de Aram Khachaturian. quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma. Leonard Bernstein. Martha Graham. video-clip) y la introducción de nuevos soportes de grabación musical (disco de vinilo. gracias sobre todo a la labor de Serge Lifar. Michael Jackson. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarina Mary Wigman. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo de los Ballets Rusos en París. Henry Mancini. Doris Humphrey y Agnes De Mille. a la espontaneidad. pedagógico ideado por Agrippina Vagánova. su obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» — sólo danza. con música de Erik Satie. libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. Madonna. Bob Dylan. En los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce Cunningham que. En los últimos tiempos. y auténticos fenómenos de masas en torno a diversos grupos e intérpretesElvis ( Presley. casete. formatos informáticos de audio. En Estados Unidos. el heavy. así como el despuntar de los Estados Unidos. el Ballet de la Ópera de París volvió al esplendor de la era romántica. introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las Danzas polovtsianas de El Príncipe Igor de Borodin (1909). The Beatles. que se ha convertido en un aspecto indispensable del ocio moderno. Rolling Stones. hecho que ha generado una fuerte controversia que aún perdura. más abierta a la improvisació n. Bremen. Ninette de Valois. En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica. de Prokofiev. como el cabaret y el music hall. inspirada en ideales griegos. Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia. de August Macke. Kenneth MacMillan. el reggae. disco compacto. aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail Baryshnikov. coreografía de Léonide Massine. que introdujo una nueva forma de bailar. con la proliferación de conciertos y recitales. hilo musical. . de Stravinski. sin hilo argumental—. el ska. y se produjeron obras memorables como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945). El aspecto consumista de la civilización actual. En el siglo XX también han tenido un gran auge los espectáculos musicales. Andrew Lloyd Webber. y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Anna Pavlova y Tamara Karsavina. Antony Tudor. Margot Fonteyn. el rap. y Espartaco (1957). al que siguieron El pájaro de fuego (1910). En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Rambert.También ha tenido mucha importancia lamúsica popular. buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal. donde fundó la School of American Ballet. Frederick Ashton. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política. Nino Rota). la aparición de nuevas tipologías (radio. perdiendo gran parte de su creatividad. De forma independiente. El ruso George Balanchine —surgido de la compañía de Diágilev— se instaló allí en 1934. Bruce Springsteen. donde había escasa tradición. al tiempo que ha cobrado un creciente protagonismo la banda sonora cinematográfica (John Williams. Danza contemporánea La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del siglo XIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica. Otro gran hito de la época fue el West Side Story (1957) de Jerome Robbins. liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo. el pop. la industria discográfica ha sufrido un 141 progresivo declive debido a lasdescargas ilegales en internet. mp3) han favorecido la popularización de la música. introdujo la danza basada en la casualidad. Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). gracias en primer lugar a pioneras como Ruth Saint Denis. etc. donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico. que ha generado diversos estilos musicales como eljazz. También alcanzó notoriedad el sistema Kunsthalle. por último. se consiguió en poco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y profesionalización. Ennio Morricone. Roland Petit y Maurice Béjart. el blues. el punk. Maurice Jarre. En Francia. etc. etc. el rock. poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos. la aleatoriedad (chance choreography). Ballet ruso (1912). la gran figura de principios de siglo fue Isadora Duncan.). el caos.

Brassaï. break dance. tango. Alberto Korda. La fotografía se integró plenamente a los movimientos de vanguardia: así. William Klein. merengue. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional. Inge Morath. bolero. ligado al cubismo. pasodoble. Jacques-Henri Lartigue. Helmut Newton. especialmente tras la crisis económica de 1929. Entre los más afamados fotógrafos de este siglo destacan: Werner Bischof. de Alberto Korda. incorporando incluso movimientos de aerobic y kickboxing. donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano. rock and roll. como es el caso de Lewis Hine. el hiperrealismo y el arte conceptual. Pronto esta forma de La fotografía del Che Guevara fotoperiodismo se expandió por todo el mundo. Imogen Cunningham. Otros coreógrafos posmodernos fueron Glen Tetley. preferentemente en el diseño por ordenador y los programas de retoque fotográfico. de película instantánea. En Gran Bretaña surgió el vorticismo. destacando Alvin Langdon Coburn. Joe Rosenthal. originalmente en Alemania. Otto Steinert. generando movimientos paralelos como la photographie pure francesa y la straight photography estadounidense.142 Fotografía del siglo XX En el siglo XX se extendió notablemente el uso de la fotografía. comoPhotoshop. La danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano. modelando las formas y destacando las texturas. Robert Doisneau. destacando la obra de Erich Salomon y Stefan Lorant. Dora Maar. ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. hustle. Spencer Tunick. el surrealismo introdujo en fotografía el mundo del inconsciente. Con la Revolución soviética. en Rusia se impuso el realismo socialista. creando imágenes ambiguas entre la figuración y la abstracción. En el período de entreguerras surgieron una serie de fotógrafos que retrataron la crudeza de la realidad circundante. Jacques-André Boiffard. Jeanloup Sieff. así como la escuela holandesa. Desde la Segunda Guerra Mundial la fotografía ha seguido unida al periodismo —especialmente con el auge de agencias como Magnum—. de los sueños. Karl Blossfeldt. los fotógrafos expresionistas alemanes (August Sander. Robert Frank.Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad. René Burri. André Kertész. Otra innovación del dadaísmo fue el fotomontaje. samba. predominando el realismo fotográfico. Henri Cartier-Bresson. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos. Irving Penn. Albert Renger-Patzsch) crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como medio expresivo. A nivel de bailes populares. es una de nueva cámara —la Leica (1925)— con objetivos intercambiables y rollos de 36 las fotografías más famosas y tomas. Alfred Stieglitz fundó la Photo- Secession. Agustí Centelles. Robert Capa. propiciada por la aparición de una (1960). En Estados Unidos. twist. conga. en el siglo XX ha existido una gran diversidad de estilos. claqué. En 1947 apareció la Polaroid.143 . Desde 1990. representado por Anton Giulio Bragaglia. fecha de aparición de la fotografía digital. y donde también se formó el español Nacho Duato. desde las orientales hasta las folclóricas. los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos. Margaret Bourke-White y Dorothea Lange. Raoul Ubac). fotografía también ha estado muy unida a lamoda y la publicidad. Annie Leibovitz. entre los que se puede remarcar: foxtrot. las imágenes oníricas (Eugène Atget. chachachá. Alvin Ailey y Twyla Tharp. Emmanuel Sougez. salsa. así como a la fotografía documental. En este último destacó Man Ray. etc. En el siglo XX la reproducidas del siglo XX. Edward Weston. Gerda Taro. Raoul Hausmann. Durante la Primera Guerra Mundial y la siguiente posguerra nació el periodismo fotográfico. Sebastião Salgado. con un manifiesto inicial en su Duet (1957). especialmente el pop art. moonwalk. y se vinculó a movimientos como el dadaísmo. representada por Jiří Kylián y Hans van Manen. William Eugene Smith. rumba. que llegó a hacer fotografías sin cámara. El futurismo italiano estuvo ligado a la fotografía en movimiento (fotodinamismo). Por último. creador del «reportaje fotográfico». etc. la creación fotográfica se ha vinculado fuertemente a las nuevas tecnologías. charlestón. asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del siglo XX. con una mezcolanza de estilos e influencias. como los elaborados por John Heartfield y Hannah Höch. que mostró la vida urbana con una emotividad artística. poniendo objetos sobre la película y exponiéndolos unos segundos a la luz. con revistas como Berliner Illustrierte Zeitung y Münchner Illustrierte Presse. También ha estado fuertemente vinculada a las últimas tendencias artísticas. con la figura predominante de Aleksandr Rodchenko. En las últimas décadas del siglo destacaron coreógrafos como William Forsythe y Mark Morris.

surgiendo el llamado «cine de autor» (Claude Chabrol. En Francia. a la que siguió al año siguiente El cantante de jazz. El cubismo también tuvo su reflejo en la experimentación El gabinete del doctor Caligari rítmico-plástica del Ballet mecánico (1924) de Fernand Léger. 1921). Dziga Vertov. Friedrich Wilhelm Murnau. que podían ser más ricos en diálogos —lo que llevó a nuevos registros interpretativos por parte de los actores— y. Fritz Lang. tuvieron reflejo cinematográfico tanto el impresionismo como el surrealismo: el primero se tradujo en obras de elevado contenido intelectual y moral. Con la incorporación de elementos tomados del teatro como los decorados y los efectos especiales —proceso iniciado por Georges Méliès—. representado por Jean Vigo. En 1926 se introdujo el sonido. Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las vanguardias artísticas de la época: el cine expresionista alemán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad. El cine surrealista fue un fiel reflejo del carácter onírico de esta corriente. En Europa. William Wyler. Alfred Hitchcock. que introdujo el montaje narrativo y los efectos de luz. con el que consiguen metáforas visuales de gran impacto y calidad. René Clair y Jean Renoir. inquietantes. Allí surgieron algunos de los primeros genios del cine: Edwin S. además de introducir lapsicología en la interpretación. Orson Welles. influida por el existencialismo. la introducción de la música. François Truffaut. el cine tuvo una primera y rápida implantación en Estados Unidos.nota 21 El cine es quizá uno de los medios artísticos más completos. Raoul Walsh. el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad. Frank Capra. la sucesión cronológica de los hechos.Cine Una de las grandes revoluciones artísticas y audiovisuales del siglo XX ha sido el cine: a partir de la invención del cinematógrafo en 1895 por los hermanos Lumière. vestuario. fue pionero en numerosos aspectos interpretativos y argumentales. que aparte de ser iniciador del star system hollywoodiense. Billy Wilder. por otro lado. de Robert Wiene. Abel Gance y Jean Epstein. como los géneros y los personajesarquetipo. cuando menos. Elia Kazan. con la película Don Juan. De carácter netamente industrial en cuanto a su aspecto productivo. renovando el lenguaje cinematográfico a través del montaje. y un naturalismo contrapuesto a la artificiosidad expresionista. etc. que alcanzaría cotas elevadas con la obra de Sergei Eisenstein. siendo rápidamente considerado como el «séptimo arte». con directores como King Vidor. hecho que no impidió la creación de una auténtica gramática visual que aportó la base principal de la narración cinematográfica. que se nutrió de la . sin sonido. Esta nueva particularidad comportó por una parte la mejora de los guiones. Georg Wilhelm Pabst. En Italia surgió el neorrealismo. Aleksandr Dovzhenko. Porter. etc. traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados y maquillajes. En sus inicios el cine era mudo. caracterizado por la simbiosis entre el realismo descriptivo y el lenguaje poético. (Composición en azul. de Rouben Mamoulian. maquillaje. Cecil B. DeMille. George Cukor. Jean-Luc Godard). donde se forjó una poderosa industria cinematográfica que cristalizaría en Hollywood. de delirio. de temática refinada y gran simplicidad estilística. que sería primordial para acompañar numerosas escenas. eltiempo. donde cobra un papel relevante el montaje. 1921). Se llegaron incluso a (1919). Cabe destacar a Robert Wiene. el cine ha tenido una rápida evolución tanto artística como tecnológica que lo ha convertido en un auténtico fenómeno de masas. Hans Richter (Rythmus. ambas de Alan Crosland. se sucedieron en esos años diversos movimientos de gran relevancia: en Francia apareció el «naturalismo poético». Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch. guion literario. y Charles Chaplin. con un gran componente de introspección psicológica y expresión sentimental. los líderes revolucionarios rusos fomentaron la industria cinematográfica. primero en rodar escenas plano-contraplano. Michael Curtiz. de signo antiintelectual. obra de directores como Viking Eggeling maestra del cine expresionista (Sinfonía Diagonal. estuvo representado por Louis Delluc. Oskar Fischinger alemán. Lev Kuleshov. Vsevolod Pudovkin. Fue esta la época dorada del cine estadounidense. con recursos como el flou y el flashback. etc. 1927) y Germaine Dulac (Arabesque. John Ford. así como efectos de luz. sino de locura. Howard Hawks. fueron sus mejores representantes Salvador Dalí y Luis Buñuel. y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o. David Wark Griffith. Además introduce una nueva dimensión. ya que aúna imagen con sonido. El siguiente avance tecnológico fue la introducción del color en 1935 con La feria de la vanidad. obra realizar algunos filmes abstractos. con obras donde predominaba una cierta atmósfera de ensueño. decorados. Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética. Alain Resnais. Uno de los grandes aportes al cine mudo fue el del cine soviético: conscientes del valor divulgativo del nuevo arte. interpretación. y la nouvelle vague. 1930).

Wim Wenders.estricta realidad. con sonido directo y color. Roman Polanski. José Luis Garci. narrando una historia en sentido argumental y cronológico. Harold Foster con Príncipe Valiente (1937). Terry y los piratas de Milton Caniff (1934). Constantin Costa-Gavras. Uno de los últimos movimientos cinematográficos ha sido Dogma 95 (Lars von Trier. que se influyeron mutuamente. destacando la obra de Walt Disney. Oliver Stone. géneros ni acción superficial. Farah Khan y Sanjay Leela Bhansali. Nagisa Ōshima). En la India se ha generado una fuerte industria cinematográfica que se ha denominado Bollywood —emulando la meca del cine estadounidense pero con B. En Ciudadano Kane (1940). Tony Richardson. Vincente Minnelli. Clint Eastwood. Hergé y su Tintín (1930). Franco Zeffirelli. Se suele considerar como primera historieta la de The Yellow Kid. Carlos Saura. Nelson Pereira dos Santos. Steven Spielberg. caracterizado por una estética realista y temáticas de compromiso social (Lindsay Anderson. de Richard Felton Outcault. Guillermo del Toro. En los años 1930 aparecieron algunos de los personajes y autores más reconocidos del mundo de la historieta: Buck Rogers de Dick Calkins (1929). destacando Satyajit Ray. Brian De Palma. Stanley Kubrick. Raj Kapoor. sin decorados ni más luz que la natural. etc. Karel Reisz). En Cuba el impulso revolucionario favoreció la creación de una industria de signo documentalista pero gran calidad estética (Humberto Solás. Posteriormente destacaronRudolph Dirks.146 Pasada la Primera Guerra Mundialaparecieron los primeros comic-books o revistas de historietas. Andréi Tarkovski. aparecida en 1896 en el diario New York World (la camisa amarilla del personaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»). de Orson Japón se aunó la moderna tecnología con la temática tradicional. Juan Antonio Bardem. George McManus. Despuntó el cine nórdico con la obra de Carl Theodor Dreyer. Emilio Fernández) y argentina (Hugo del Carril. etc. David Lynch. Bernardo Bertolucci. Un gran filón para el cómic fueron los superhéroes. Ingmar Bergman y Victor Sjöström. George Lucas.144 Kenji Mizoguchi. Tim Burton. Pedro Almodóvar. En 1905 apareció Little Nemo in Slumberland. destacando por su fantasía y creatividad. Mankiewicz. etc. Carol Reed. Francis Ford Coppola. cine ascético y libre. Sydney Pollack. y «cartuchos» para texto al pie de imagen). Otto Preminger. Arturo Ripstein. Batman (1939) o el Capitán América (1941). Alex Raymond con Flash Gordon (1933). por Bombay—. con preferencia por el tema mitológico y la presencia de música y danza tradicionales. que aportarían nuevas formas de entender el cine y una mayor frescura tanto en temáticas como en particularidades estéticas.145 Historieta La historieta —o cómic— es una narración ilustrada por medio de viñetas. Ruy Guerra. Mario Soffici). John Huston. También despuntaron las cinematografías mexicana (Juan Bustillo Oro. Ridley Scott. con un particular Welles. sin trucajes. Mario Camus. Zhang Yimou. Vítor Lima Barreto. George Herriman. siendo de remarcar la obra de directores como Woody Allen. Joseph L. En Brasil se produjo una escuela (cinema nôvo) que aglutinaba el legado folclórico con la denuncia social: Glauber Rocha. T iene pues su origen en losmedios de comunicación de masasaparecidos a finales del siglo XIX y principios del XX. Basado en la reproducción en serie. Martin Scorsese. etc. Max Ophüls. Otras cinematografías emergentes son la africana y la islámica (especialmente en Irán con Abbas Kiarostami). apareció por primera vez en periódicos y revistas. cuyas películas de dibujos animados se convertirían en auténticos clásicos. y comenzó la relación del cine con la historieta. para cobrar autonomía propia en ediciones independientes. Søren Kragh-Jacobsen). Chester Gould y Dick Tracy (1931). En España se produjeron las primeras obras de importancia de la mano deLuis García Berlanga. Adolfo Aristarain. En Gran Bretaña se produjo el Free cinema. Miloš Forman. considerada como la obra sentido estético que otorgaba gran importancia a la lírica visual (Akira Kurosawa. con figuras míticas como Superman (1938). Fred Zinnemann. En las últimas décadas del siglo XX la producción cinematográfica ha oscilado entre el cine comercial y el cine artístico. Roberto Rossellini. Fernando Trueba. maestra de la historia del cine. destacan Luchino Visconti. Ang Lee. Andrzej Wajda. Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. A mediados de siglo empezaron a cobrar importancia las cinematografías de países no occidentales. Burne Hogarth y Tarzán (1936). que elevó la historieta a grandes cotas artísticas. de Winsor McCay. en localizaciones exteriores. Tomás Gutiérrez Alea). . Vittorio de Sica. con obras de denuncia social realizadas generalmente en ambientes obreros y rurales. que presenta imágenes y —opcionalmente— texto (insertado a través de los llamados «bocadillos» para diálogos. Leopoldo Torre Nilsson.

etc. Milo Manara). Mafalda de Quino (1964). Frank Bongiovi. como elwebcómic en internet. Han creado tendencia peluqueros como: Luis Llongueras. la historieta de autor bellas artes. Karl Lagerfeld. En esta época aparecieron personajes como Lucky Luke de Morris (1946). Gianni Versace. (Jacques Tardi. aventuras. las nuevas tecnologías han supuesto grandes innovaciones para la historieta. sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor repercusión. de la confección de prendas según parámetros funcionales y estilísticos. La perfumería actual está muy relacionada con la moda. Destacan personajes como Barbarella (1962). con personajes como Mortadelo y Filemón (1958). Desde la Edad Media. Enki Bilal. como Métal Hurlant de Moebius. Jack Kirby y el sello Marvel. con Los 4 Fantásticos (1961) y Spiderman (1962). mientras que en los años 1960 se llevó el pelo corto con cortes geométricos. tanto en ropa como accesorios (sombreros. o si la deja —como sería el caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. Entre los más afamados modistos destacan: Coco Chanel. destacando la obra de Stan Lee. mientras que a partir de1950 predomina la ropa informal y juvenil. Teddy Charles. que por su carácter perecedero y transitorio no deja una obra perdurable. apareciendo en los años 1920 la minifalda. Giorgio Armani. que recibió diversos nombres: Diseño de moda de 1909. Surgió el cómic erótico (Guido Crepax. Carlos Giménez. el Little Nemo in Slumberland. y comenzaron a abundar los títulos dirigidos a un público más adulto. en el comic-book se alcanzó una gran variedad temática. Conan de Roy Thomas y John Buscema (1970). historieta ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de etc. shingle bob o eton crop. Astérix el Galo de Goscinny y Uderzo (1960). Basada sobre todo en el olor de las flores. terror. A principios de siglo se llevó el pelo corto con flequillo. bob cut. triunfando los de ciencia ficción. Manuel Pertegaz. Peluquería: es el arte del peinado. Blueberry (1963). realizado según parámetros estilísticos que van evolucionando según la moda. así como con el arte corporal (tatuaje. desde entonces ha habido múltiples tendencias. Continuó el éxito de los superhéroes. Christian Dior. George Westmore. romance y western. descuella la obra de Francisco Ibáñez. guantes. para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación. Yves Saint Laurent. que es el que marca las tendencias. etc. piercing).La edad de oro de la historieta fue en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial (1945-1960): en la prensa se impuso la llamada daily strip («tira diaria»). con personajes como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller. Cristóbal Balenciaga. característico de un tipo de mujer llamada flapper. Los pitufos de Peyo (1958). Francia es el centro europeo de diseño y comercio en perfumería. con abundantes efectos sonoros. marcada por la utilización del pantalón vaquero. bolsos. con una mayor proliferación del cabello teñido. y Peanuts (1950) de Charles Schulz. gafas). En España. con una nueva sensibilidad donde predominaba la estética y el sello de calidad. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social. líquidos aromáticos que se utilizan para producir un buen olor corporal. con Akira de Katsuhiro Otomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira Toriyama (1984-95). Moda: es el arte del vestido. y sellos más vanguardistas. La Corto Maltés de Hugo Pratt (1967). con su mundialmente famoso Snoopy. Perfumería: es el arte de confeccionar perfumes. Vittorio Giardino). Valentina (1965). Está fuertemente relacionada con el maquillaje. Jean Paul Gaultier. en la actualidad se producen muchos perfumes con productos químicos. etc. Jamal Hammadi. Desde los años 1980 ha tenido gran éxito el manga japonés. Por último. a mediados de siglo volvió el pelo largo. Pogo (1948) de Walt Kelly. La tendencia desde inicios del siglo XX ha sido hacia una mayor funcionalidad y comodidad (eliminación del corsé). y es frecuente que modistos famosos comercialicen sus propios . caracterizado por largas epopeyas de gran dinamismo. de Osamu Tezuka. zapatos.147 Arte efímero En el siglo XX ha adquirido gran auge el arte efímero. Paco Rabanne. Calvin Klein. Entre los años 1960 y 1980 hubo una gran diversificación del medio. Aunque su inicio se vincula a la revista Manga Shōnen (1947).

valorado como el de mayor creatividad de la historia del arte griego. Yves Rocher. Heinrich Wölfflin. por ejemplo. 3. 207. derivado del fundador de la ciudad el 657 a. François Coty. refiriéndose a las obras realizadas con una elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta . Gastronomía: es el arte de la cocina. perfumes. Joël Robuchon.. el término «clásico» hacía referencia al periodo del arte griego comprendido entre el arcaico y el helenístico. pero con una gran faceta de creatividad derivada de la combinación de alimentos y de la innovación en cuanto a la creación de nuevas recetas. Recientemente surgió la llamada nouvelle cuisine. p. Derivado del latín classicus («de primera clase»). el término quedó como sinónimo de creatividad. 82. es otro arte 1927. p. se refería a arte clásico para hablar del Renacimiento italiano. ISBN 84-206-1794-6.148 Peinado Chanel Esferificación de té verde. por el palacio donde habitaba el rey). ISBN 84-206-1886-1. más famoso de la historia. 2. Isaac Asimov: Constantinopla. sin embargo. de la mejor época de cualquier estilo artístico. La bob: Louise Nº5. Heston Blumenthal. Chilvers (2007). aunque por lo general se suele extrapolar. Estée Lauder. llamado Byzas). C. Juan María Arzak. Así. El término «faraón» proviene del egipcio per-o («la gran casa». Alianza Editorial. etc. Véase también Historia de la danza Historia de la ópera Arte Historia del desnudo artístico Historia de la pintura Métodos de investigación de la Historia del Arte Historia de la escultura Historia del teatro Crítica de arte Historia de la estética Patrimonio de la Humanidad Estética Historia de la fotografía Psicología del arte Estudio de la Historia del Arte Historia de la historieta Sociología del arte Historia de la arquitectura Historia de la jardinería Tema artístico Historia del cine Historia de la literatura Teoría del arte Historia de la música Artes decorativas Notas 1. Bizancio (en griego Bizantion. Isaac Asimov: Los egipcios. Las diversas tendencias gastronómicas son debidas sobre todo a variantes regionales. por lo que no debería aplicarse a reyes anteriores. Alianza Editorial. 5. Eugène Schueller (fundador de L'Oréal). posteriormente rebautizada Constantinopla en honor al emperador Constantino. Madrid. Ferran Adrià. Madrid. p. El nombre del Imperio Bizantino deriva del antiguo nombre de su capital. Como perfumistas cabe destacar a Pierre-François-Pascal Guerlain. Hagia Sophía (Άγια Σοφία) en griego. 4. Santi Santamaria. Como cocineros de relevancia se podría citar a: Auguste Escoffier. Donato de Santis. 1982. con un claro componente práctico en cuanto la alimentación es indispensable para el ser humano. Karlos Arguiñano. pero este vocablo surgió durante ladinastía XVIII. 12. de excelencia. 1981. quizá plato innovador de Ferran pirotecnia Brooks en el Adrià. se suele nombrar como Santa Sofía en castellano. por lo que numerosos estilos a lo largo del tiempo han tenido una fase denominada «clásica». Paul Bocuse. etc. perfume efímero. El término artes aplicadas es sinónimo de artes decorativas o artes industriales —también llamadas artes menores —. y llamada Estambul en la actualidad. que quiere decir Santa Sabiduría. Ernest Beaux (creador de Chanel Nº5). ya que cada país tiene su propio sello distintivo. que pone énfasis tanto en la comida como en su presentación.

Sin embargo. y que supondría la raíz social propia de la Edad Contemporánea. como las realizaciones de los «godos» que acabaron con el Imperio romano. mira gestorum. donde a las perlas que tenían alguna deformidad se las denominaba perlas barruecas. Sancte Ioannes. 1990. 16. Johann Joachim Winckelmann afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza. Consultado el 10 de mayo de 2007. y señalaba las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior. Historia 16. c=do. Winckelmann creó una metodología científica para la clasificación de las artes. Chilvers (2007). e=mi. teoría filosófico-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico marcado en lo cultural por la Ilustración. El proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión. ed. Esta «era moderna» habría llegado hasta la actualidad. p. En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755). VV. 61. El término «arte moderno» proviene del concepto de «modernidad». ISBN 84-7774-580-3. biografías u otros escritos más o menos literarios— carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para ser considerados historiografía del arte. 6. Liberty en Italia. Chilvers (2007).htm). y que fue introducido por Giorgio Vasari en sus biografías de artistas para denotar el estilo grácil y equilibrado de los artistas de su tiempo. labii reatum. 8. correspondiente al último tercio del siglo XVIII y principios del XIX. Visor. elemento decorativo parecido a unaconcha. El término «surrealismo» fue ideado por Apollinaire en 1917.infoamerica. Madrid. en las propias capacidades del ser humano. 18. Madrid. en El llibre d'or de l'art català. Se denominan «vanguardias históricas» a las producidas desde la preguerra de primeros de siglo (en torno a 1910) y el fin de la Segunda Guerra Mundial. 83. Chilvers (2007). d=re. sustituidos por la razón y la ciencia. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. en la minoría de edad de Luis XV. b=si. 2000. Edicions Primera Plana. académica o docta.ISBN 84-206-0292-2. el objetivismo y el individualismo. Francesc Fontbona: El modernisme i el noucentisme. Se suele citar a Vasari como iniciador de esta ciencia.«Ricciotto Canudo» (http://www. 171-172. muy usado en la ornamentación durante este periodo. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. I). Historia 16. 19. la confianza en la tecnología y el progreso. estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico. resonare fibris. por lo que suele ser considerado el padre de la historia del arte. 1993. Valeriano Bozal: Modernos y postmodernos. Chilvers (2007). La palabra deriva del término italiano maniera. 150-154. «Classical» (http://dictionary. Barcelona. La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del Renacimiento. generalmente de tipo ornamental. En los países anglogermánicos se mantuvo la notación por las letras del alfabeto: a=la. p. Jugendstil en Alemania. Madrid. 20. 12. se cambió ut por do —excepto en Francia—. p. El término «música clásica» apareció por primera vez en el Oxford English Dictionary en 1836. 59. p. 21. 9. mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la humanidad. aunque sus escritos — generalmente crónicas. 17. Alianza. éste se considera el séptimo arte y la fotografía el octavo. Conviene no confundir con arte postmoderno. p. por lo que nosotros sólo podemos imitar a los griegos. Madrid. en realidad hace referencia a un periodo concreto de la historia de la música.com/cgi/entry/50040930?single=1&query_type=word&queryword=classical&first=1&max_to_show=10) .: Enciclopedia del Arte Garzanti(1991). 14. relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia. Chilvers: (2007). inventarios. aunque lo correcto sería «sobrerrealismo» o «superrealismo». 6. p. y proviene de la Exposición de Artes Decorativas de 1925 (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) en París. pp. En español se tradujo directamente del francés surréalisme. El rococó surgió en Francia durante la regencia del duque de Orleáns. pues adquirió tal categoría antes que la fotografía alcanzase dicho estatus. que significaba «estilo». Aunque hoy día se suele generalizar como «música clásica» la música sinfónica de tipo orquestal. Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología. Sezession en Austria. 15.oe d. 7. famuli tuorum. Con el tiempo ha significado lo opuesto a la música popular en el lenguaje corriente: es el nombre habitual de la música culta. Aunque la fotografía es anterior al cine. hablándose de «posmodernidad» como periodo sucesor de este proyecto moderno. El término rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille. Esta es una simplificación del estudio histórico del arte. 593. El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués. El modernismo recibió diversos nombres según el lugar de procedencia: Art Nouveau en Francia. «Historia de las notas musicales»(http://eloviparo. 419. solve polluti. AA. refiriéndose a lo que está «por encima de la realidad». 1993. El término art déco es diminutivo de arts décoratifs («artes decorativas» en francés). Madrid. p.wordpr ess.The Oxford English Dictionary (2007). Guillermo Fatás y Gonzalo Borrás. 11. ISBN 84-7774-580-3. 818. grandilocuente. siendo en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso. 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ISBN 978-84-376-2344-3. Wikipedia® es una marca registrada de laFundación Wikimedia. Museo Metropolitano de Artede Nueva York (en inglés) Artehistoria HA! (Historia del arte y los artistas) Breve Historia de la pintura(en inglés) Olga's Gallery (en inglés) Web Gallery of Art (en inglés) Historia del arte erótico: el desnudo en el arte Obtenido de «https://es. una organización sin ánimo de lucro. usted acepta nuestrostérminos de uso y nuestra política de privacidad.Historia general de la fotografía. El texto está disponible bajo laLicencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.. Marie-Loup (2007).org/w/index. Sougez. .php?title=Historia_del_arte&oldid=103578545 » Se editó esta página por última vez el 21 nov 2017 a las 01:23.wikipedia. Enlaces externos Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobreHistoria del arte. Inc. Madrid: Cátedra. Al usar este sitio. Heilbrunn Timeline of Art History.0 . pueden aplicarse cláusulas adicionales.