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Historia del arte

La historia del arte es la evolución del arte a través del
tiempo.

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el
ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del
que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del
mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos,
lingüísticos, sonoros o mixtos.
La creación de Adán (1508-1512), de Miguel Ángel, en
La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno
la Capilla Sixtina (Vaticano).
institucional (museos, mercado del arte, departamentos
universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las
denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a
pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son
más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas
claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la
historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por
la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto
con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones
del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la
filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de
conocimiento estrechamente relacionados con la historia del Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus
arte son la estética y la teoría del arte. Mozart, considerado como uno de los mejores
compositores de música clásica de toda la historia.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa
manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y
artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna
distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta
la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi
cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales»
llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura,
la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía —
entendida de forma amplia como literatura con intención
estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la
narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o
cómic).
Las mil y una noches (‫أﻟﻒ ﻟﻴﻠﺔ وﻟﻴﻠﺔ‬, Alf layla wa-layla),
Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y título clásico de la literatura árabe.
artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas.
Además de antiquísimas formas de expresión artística como la
moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la
televisión y los videojuegos.

La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen
objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo
periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El estudio
de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto
limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el
tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una
descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus
producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo
cultural), y no sólo de los de lahistoria del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el
legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el
siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de
ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte,
así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de
comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
El acorazado Potemkin(1925), de
Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o Sergéi Eisenstein, una de las obras
la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. maestras de la historia del cine.
Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las
Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el
Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de
fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la
UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales
monumentos del planeta.1

Índice
1 Prehistoria
1.1 Paleolítico
1.2 Neolítico
1.3 Edad de los Metales
2 Arte antiguo
2.1 Mesopotamia
2.2 Egipto
2.3 América
2.4 África
2.5 Asia
2.5.1 India
2.5.2 China
2.5.3 Japón
2.6 Oceanía
2.7 Otras manifestaciones
3 Arte clásico
3.1 Grecia
3.2 Roma
4 Arte medieval
4.1 Arte paleocristiano
4.2 Arte germánico
4.3 Arte prerrománico

4.4 Arte bizantino
4.5 Arte islámico
4.6 Arte románico
4.7 Arte gótico
4.8 América
4.9 África
4.10 Asia
4.11 Oceanía
5 Arte de la Edad Moderna
5.1 Renacimiento
5.2 Manierismo
5.3 Barroco
5.4 Rococó
5.5 Neoclasicismo
5.6 América
5.7 África
5.8 Asia
5.9 Oceanía
6 Arte contemporáneo
6.1 Siglo XIX
6.1.1 Arquitectura
6.1.2 Romanticismo
6.1.3 Realismo
6.1.4 Impresionismo
6.1.5 Simbolismo
6.1.6 Modernismo
6.1.7 Fotografía
6.2 Siglo XX
6.2.1 Arquitectura
6.2.2 Vanguardismo
6.2.3 Últimas tendencias
6.2.4 Globalización del arte
6.2.5 Artes decorativas
6.2.6 Literatura contemporánea
6.2.7 Teatro contemporáneo
6.2.8 Música contemporánea
6.2.9 Danza contemporánea
6.2.10 Fotografía del siglo XX
6.2.11 Cine
6.2.12 Historieta
6.2.13 Arte efímero

7 Véase también
8 Notas
9 Referencias
10 Bibliografía
11 Enlaces externos

Prehistoria

con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la religión.2 En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias de música y danza: diversos fenómenos naturales y la modulación de la propia voz humana hicieron ver al hombre primitivo que existían sonidos que resultaban armónicos y melodiosos. teniendo su apogeo en el periodo magdaleniense (±15 000-8000 a.). También se dio este tipo de pintura en el norte de África (Atlas. 8000-6000 a. en El Cogul.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura. C. Su principal medio expresivo era la pintura rupestre. C. Para la pintura utilizaban rojo de óxido de hierro. la mujer en forma triangular). con representación de animales. en el Próximo Oriente— supuso una profunda transformación para el antiguo ser humano. Chauvet y Lascaux. caza o guerra. C. o para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos. al estado anímico de las personas.4 . Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos.El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico superior. Los primeros vestigios de Venus de Willendorf. el cuarzo. y apareció el arte textil. en el neolítico (6000-3000 a. el Mediterráneo occidental. En arte mobiliar se produjo la llamada cerámica cardial. cañas. conchas) para producir sonidos. Otras obras representativas de esta época son el denominado Hombre de Brno. de Historia Natural de Viena. en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a. destacando la Venus de Willendorf. Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue. representaciones femeninas que seguramente servían de culto a la fecundidad.3 Neolítico Este periodo —iniciado alrededor del 8000 a. Son de destacar igualmente Pintura rupestre de la Roca de los las pinturas rupestres del río Pinturas en Argentina. destacando las cuevas de Altamira. defunciones. C. etc. reducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz. elaborando la llamada pintura rupestre. C. Por último. En esta época aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetría urbanística. Tras un periodo de transición (mesolítico. Museo objetos creados por el hombre aparecen en el sur de África. Valltorta. destacando los restos hallados en Tell as-Sultan (Jericó). En principio. En el paleolítico (25 000-8000 a. música y danza tenían un componente ritual.). la India y Australia. Siberia (Lago Baikal). negro de óxido de manganeso y ocre de arcilla. mientras que la propiarespiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza. Se manufacturaron nuevos materiales como el ámbar. La pintura neolítica solía ser esquemática. o bien de hueso o madera. Alpera y Minateda. celebrados en ceremonias de fecundidad. Europa central y oriental (Mar Adriático). en cuevas. Tito Bustillo. Estos primeros vestigios son generalmente utensilios depiedra trabajada (sílex. de sentido naturalista. y vivía en cuevas. decorada con impresiones de conchas (cardium). especialmente la Cueva de las Moros. destacan las llamadasvenus.. Trois Frères. la danza. supuso una forma de comunicación corporal que servía para expresar sentimientos. bodas). Paleolítico El paleolítico tuvo sus primeras manifestaciones artísticas alrededor del 25 000 a. Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad de los Metales. Jarmo (Irak) y Çatalhöyük (Anatolia). En escultura. C. el jaspe. Al tiempo. En la pintura levantina —datada entre el mesolítico y el neolítico— se dio la figura humana. el Mamut de Vogelherd y la Venus de Brassempouy. periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. que se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería. surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollándose la religión. y que afectaban a las emociones. y comienza la producción de piezas de artesanía. obsidiana). C. o de diversa índole religiosa.). el ser humano se dedicaba a la caza y recolección.). troncos. desarrollada principalmente en la región franco-cantábrica: son pinturas de carácter mágico- religioso. muy esquematizada. con notables ejemplos en El Cogul. el movimiento rítmico. surgen las primeras civilizaciones protohistóricas. el cristal de roca. manos.

En el llamado calcolítico surgió el megalitismo. en Inglaterra. En España se formó la cultura de Los Millares.5 En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). y siglo I a. pues la utilización de elementos como el cobre. En las islas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica. C. el Indo y el río Amarillo.6 Venus de Menhir de la zona de Talayot circular de la isla Carro solar de Trundholm Brassempouy. des Antiquités Nationales. principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: elNilo. de aquí derivan los alfabetosgriego y latino. como en el magnífico conjunto deStonehenge. monumentos funerarios en piedra. con una primera muestra en laPaleta de Narmer (3100 a. destacando las grandes civilizaciones delPróximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. ligada a la cultura celta. C. lanzas. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. y siglo V a. Tarxien y Ggantija. C. mientras que más adelante los sumerios desarrollaron un anexo silábico para su escritura. La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizó como método de escritura el alfabeto (abyad. La primera se dio entre los siglos siglo VIII a. la taula. C.. de Mallorca (España). (Dinamarca). fíbulas). Estaba basada en elementos pictográficos e ideográficos. con diversas tipologías de monumentos: la naveta.). practicada en tablillas de arcilla. y eltalayot. Malta destacó el conjunto de templos de Mudajdra.. con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. Saint- Germain-en-Laye. reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. etrusca y del arte de las estepas. II y III). alrededor del 1800 a. el Tigris y el Éufrates. generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial.. con diversas fases de evolución (La Tène I. dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal. Destacó por sus objetos en hierro (espadas.7 . Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura. torre con una cámara cubierta de falsacúpula. En Egipto se desarrolló laescritura jeroglífica.). a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. escudos. surgida en Mesopotamia alrededor del 3500 a. C. con cámara funeraria alargada. caracterizada por las necrópolis con tumbas de túmulo. tumba en forma de pirámide truncada. La Tène se desarrolló entre los siglos siglo V a. caracterizada por la cerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos.Edad de los Metales La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales. C. iniciadas con la invención de la escritura. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades. o el cromlech inglés. destacando el dolmen y el menhir. El primer código escrito fue la escritura cuneiforme. que al final de esta era recibió las influencias griega. En Complejo megalítico de Stonehenge. Musée Bretaña (Francia). el bronce y el hierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades. que relaciona un único símbolo a cada fonema. con cámara mortuoria de madera en forma de casa. C. La cerámica era polícroma. Arte antiguo Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia.

el zagsal (arpa) y la adapa (pandero). En época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas. otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (los jardines colgantes de Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo). En la literatura babilónica es de remarcar el poema Enûma Elish. siglo VII a.8 Con la aparición de la escritura surgió la literatura. del siglo XVII a.Mesopotamia El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak). el arte egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno.9 La música se desarrolló en esta región entre el IV y el III milenio a. Estatua sedente del príncipe Gudea. con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado. donde desde el IV milenio a. en rituales de los templos sumerios. Destacan los zigurats. el algar (lira). en escenas religiosas o de caza y militares. C. con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos. con un sistema adintelado y la introducción de elementos constructivos como el arco y la bóveda. . En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba. C. falsa cúpula. otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad. amorritas. excepto algunos basamentos. como medio de expresión de la creatividad del ser humano. con piedra de color o pasta en los ojos. principalmente del faraón. También destacaron los palacios. caldeos. entre los que destacan: el descenso de Inanna a los infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz. se sucedieron diversas culturas como los sumerios. Otra muestra de relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta). de los que prácticamente no nos han llegado Tablilla sobre el diluvio. como el tigi (flauta).nota 1 para el que se construyen obras de gran monumentalidad. si bien su influencia persistió en elarte copto y bizantino. que flanqueaban las puertas de los palacios. La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve. De la escultura asiria destacan las figuras antropomórficas de toros o genios alados. grandes templos de forma escalonada piramidal. en figuras sin cabello. destacando la estela de Naram-Sin. patesi solía ser de corredor. Su arte era intensamente religioso y simbólico. La tumba de Gilgamesh (c. C.. con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho. asirios. de Lagash (2120 a. conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat. sobre la creación del mundo. la lilis (precursor del timbal).). etc. C. el balag (tambor). De la etapa amorrita (o neosumeria) destacan las representaciones del rey Gudea de Lagash. así como los relieves con escenas de guerra o caza. donde se cantaban himnos o salmos (ersemma) a los dioses. como elObelisco negro de Salmanasar III. En época acadia destaca el Atrahasis. París.. como algunos ejemplos hallados en Museo del Louvre. con cámara cubierta de Museo Británico. La arquitectura se caracteriza por el empleo del ladrillo. del Poema vestigios. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela de Hammurabi. En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh. Ur. Iniciado alrededor del 3000 a. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias más importantes. El canto litúrgico estaba compuesto de responsorios —canto alternado entre sacerdotes y coro— y antífonas —canto alternado entre dos coros—. cuyo contenido es de tipo didáctico y moral.10 Egipto En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones. C. con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. acadios. C.). con las manos en el pecho. sobre el mito del diluvio. Tenían varios instrumentos.

que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. con magníficos ejemplos como los muebles de cedro con taraceas de ébano y marfil de las tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo). y los hipogeos. con formas tendentes a la geometrización. C. un acceso con dos pilonos o muros trapeciales. dinastía XVIII (s. especialmente la ebanistería y la orfebrería. En la escultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías. desarrollando un ciclo anual de festividades cada una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho que pasó a la liturgia judía y cristiana—. el ser (pandero). También destacan los ushebti. dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena. la seba (flauta). Imperio Egipcio de El Cairo Nuevo. Al parecer. Destacan los monumentos funerarios. Entre sus instrumentos figuraban el sistro. tumba de forma rectangular. XV a. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico.) . pequeñas figurillas de tierra cocida o madera. el sneb (trompeta) y el met (clarinete). Posteriormente destaca el Libro de los muertos. conjuntos monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos.11 La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo conocemos hoy en día: el libro. o las piezas halladas en la tumba deTutankamon. C. representando escenas cotidianas. Luxor. con un gran protagonismo del canto vocal. el ben (arpa). datado hacia el siglo XIII a. de mayor realismo que la escultura funeraria. escrito en el Papiro de Ani. En Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplicadas. Otro tipo Las pirámides de Gizeh.12 Una de sus mejores manifestaciones es la Historia de Sinuhé. Filae y Edfú. que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos (Gizeh). La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. de gran calidad artística. tenían también un tipo de órgano hidráulico.13 Speos de Ramsés II en El escriba sentado. en grandes bloques. La otra gran edificación es el templo. alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita. por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. cuyo relato data de mediados del siglo XX a. con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. un servidor de Sesostris I. Museo del Louvre Amenemhet. aunque con gran rigidez y esquematización. La música egipcia era principalmente de signo religioso. y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas deplata. Museo cámara funeraria de Tutankamon. C. Predominaba el canon de perfil. la pirámide. con tres tipologías principales: la mastaba. tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios (Valle de los Reyes). como en Abu Simbel y Deir el-Bahari. una sala hipóstila y el santuario.La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra. Pintura mural de la Máscara funeraria de Abu Simbel Imperio Antiguo. un patio hípetro. de templo es el speos. Destacan los templos deKarnak. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo. La escultura y la pintura muestran la figura humana de forma realista. en forma de hipogeo.

América En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos. En América del Norte destacaron las culturas Hohokam. (Sechín Alto. Otras culturas remarcables de la región fueron lamoche y la nazca —con sus enigmáticos geoglifos de Nazca—. caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro. situada en las provincias de Veracruz y Tabasco. —especialmente el maíz—. en el III milenio a. establecidos en Oaxaca. También se producían cerámica. destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos. C. donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. complejo religioso construido en diversas fases. en Xochipala (estado de Guerrero). piedra o marfil. o las colosales cabezas monolíticas de hasta 3. Destaca Chavín de Huántar (900 a. Mogollón y Anasazi. en el Monte Albán. Aksum. y crearon un sistema monetario—. aunque también hay producciones de signo ornamental. con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras de jaguares y animales mitológicos. La mayoría de sus obras son de madera. los antiguos cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a. con una cerámica de diseños incisos. con un típico canon de gran cabeza. —. son de destacar sus 15 estelas en forma de pilares monolíticos. En Sudán se desarrollaron las culturaskerma y meroe. Asia India . donde destacan las esculturas de piedra. surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de México. en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico. México.5 metros de altura. La primera gran civilizaciónmesoamericana fue la olmeca. así como objetos de metalurgia —el hierro era conocido desde el siglo VI a. C. C. así como la cultura San Agustín en Colombia. C. destacando especialmente los mantos de lana de Paracas. Destacan las esculturas de terracota. a veces con collares y brazaletes. En la zona del Amazonas destacó la cultura barrancoide. donde se observa el predominio de una casta sacerdotal. con grandes conocimientos en matemáticas y astronomía. serpientes).14 África El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso. Santa María Uxpanapán). hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos. joyería y tejidos. quizá la primera del mundo. centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV.. hallado en Ciudad de Monte Albán. monos. Con una notable cultura — desarrollaron una escritura en lenguage'ez. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a. C.5 metros de altura. con diversos peinados. En esta región surgió una notable industria textil. con figuras humanas —a veces sólo la cabeza— o de animales (elefantes. de gran sentido naturalista. En Etiopía destacó la ciudad de Escultura nok. tronco recto y miembros cortos. mostrando expresiones faciales de signo individualizado. C. Kuntur Wasi).). situada en el norte de la actual Nigeria. Oaxaca. templo edificado sobre tres pisos de galerías. de hasta 20 metros de altura. de carácter funerario. de gran naturalismo L( uchador. Los zapotecas. La primera producción de cierta relevancia fue la cultura Nok. En Perú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la invención de la cerámica. construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos. en el I milenio a. con una estructura en forma de U. y un monolito central de granito blanco de 4. sus armas y su cerámica.

y el Ramaiana. estableciéndose estrechos lazos con el arte persa. conocida hoy día por las excavaciones realizadas en 1920 por sir John Marshall en Mohenjo-Daro. pero con un fuerte trasfondo filosófico y moral. situada en la cuenca superior del Ganges. El estilo Mathurā mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos. con escritos centrados en la religión y la guerra. En el siglo VI a. de religión budista. que incluyen el propio Rigveda (himnos litúrgicos de tema mitológico. pero de signo más esotérico. destacando la gran stūpa de Amarāvatī. cobre y latón).-I d. también de carácter litúrgico. con un lenguaje poético y de exaltación de la naturaleza).El arte indio tiene un carácter principalmente religioso. antigua ciudad que en sucesivos emplazamientos muestra una planificada Mohenjo-Dāro. El monumento característico de este periodo es la stūpa. En un período posvédico (hacia el siglo III a. teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas. como adaptación al orden universal.): la dinastía Maurya. Su primera manifestación fue la literatura védica (de veda. gramática. budismo.. C. C. urbanización. túmulo funerario de carácter conmemorativo. escultura y útiles de metal (oro. etc.): en esta etapa se introdujeron los pueblos arios. como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam (Pondicherry). C. apareciendo las religiones tradicionales indias. De igual importancia son las excavaciones realizadas en Harappa. y los Sutra. Evolucionó la tipología de la stūpa. como en el Palacio de Aśoka en Pātaliputra. en Peshawar. plata.): el arte deGandhāra es de tradición grecobudista. como la Stūpa de Sānchi. nueva síntesis de poesía y epopeya con elementosteológicos y filosóficos.18 . C. Se divide en tres grupos: los Samjitas (o ‘colecciones’. C. C. generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida deBuda. Arte maurya (siglos III-II a. árboles) tienen para los indios un carácter sagrado. La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo. islamismo. sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo. incluyendo los Upaṇiṣad.16 Período védico (siglos XIII-VI a. con un tono poético y evocador de un mundo mágico. Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciudad de Mathurā. C. C. Cultura del Indo: la primera gran civilización india se desarrolló entre el siglo XXVI a. que es con cúpula sobre un alto tambor cilíndrico colocado sobre una base cuadrada. Al igual que los estilos anteriores. se desarrolló una importante escuela artística que se difundiría por el resto de la India e influenciaría al arte gupta. 17 La literatura india comenzó alrededor del 2500 a. con influencia helenística y sasánida. ‘verdad’). aparecieron el budismo y el jainismo.) abrió contacto con el arte helenístico griego. y el siglo XIII a. C. C. ocupó todo el curso medio del Indo y la parte central de la península del Deccán. El arte de Amarāvatī también tiene influencia grecorromana. sobre leyendas y epopeyas de la mitología hindú. destacando por la representación directa de la imagen de Buda. religión. con doscientos mil versos recopilados en dieciocho libros (donde destaca el Bhagavad-gītā).. con restos de cerámica. C. obra de Valmiki. con edificios públicos construidos en ladrillos de barro cocido. plasmado en las formasgrecobudistas. de 50 metros de altura. como el de Kanisha. cristianismo.) y premauria (siglos VI-III a.) surgen los grandes poemas épicos indios: el Majabhárata es la tercera obra literaria más extensa del mundo. La expedición a la India de Alejandro Magno (326-325 a. series de aforismos sobre Mahābhārata. filosofía y otros aspectos del brahmanismo. los Brāhmaṇa. sus obras principales son monasterios y stūpas. escrita en sánscrito. ríos. Arte de Gandhāra (siglos II a. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza. sin embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la destrucción producida por la invasión islámica. escritos sobre doctrinas secretas que suponen la primera obra de tipo La Guerra de Kurukshetraen una ilustración del filosófico en la India.

confucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza. los arios introdujeron los himnos religiosos en los Vedas. generalmente dedicados a motivos confucianistas. Destacó el trabajo en jade. y comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria de Wang Xianzhi. anudatta (grave) y svarita (media). de alrededor del 1200 a. C. relacionadas con cultos a la fertilidad.21 . sobre las historias de los dioses y héroes indios. 771 a. Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difundió más ampliamente el budismo. a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura. con gran naturalismo y precisión en la fisonomía y los detalles. Generalmente. C. y gracias a la ruta de la seda. Destacó por sus capillas funerarias. continuando el trabajo en cobre. Una invasión nómada en Mausoleo de Qin Shi Huang.): unificada China bajo el reinado de Qin Shi Huang. C. que la arquitectura. joyas y diversos utensilios en bronce. C. enunciados por Xie He a principios del siglo VI. la pintura o la escultura.-220 d. Mricchakaṭikā. decorado en relieve. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmente taoísmo. que tuvo una implantación lenta pero progresiva. C. la temática es de signo mitológico. que aún perdura en zonas delHimalaya.). incluidos varioscaballos y carros. especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas. con torres de guardia de 12 metros de altura. los protomediterráneos introdujeron nuevos instrumentos. La representación es básicamente actoral. de siete actos. Longmen). se recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático.19 La música india tiene un fuerte sello ecléctico debido a la multiplicidad étnica de los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente índico: los vedas tenían melodías únicamente de dos notas. Dinastía Qin (221-206 a. marfil y otros materiales. fragmentó el imperio en pequeños reinos. los Ejército de terracota de Xian Zhou crearon un estilo decorativo y ornamentado. tigres y caballos. En pintura se formularon los seis principios.20 China El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental. En estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricos ajuares de armas. como en Zhengzhou y Anyang. se construyó la Gran Muralla para evitar invasiones exteriores. Está compuesto por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural. El Sāma Vedá («cantos vedas») pasó de cinco a siete notas. donde se habla de canto. con un sentido confucianista de la solemnidad y la virtud moral. en un estilo lineal de gran simplicidad. Comodramaturgos destacaron Kālidāsa y Śūdraka. La pintura se centró en temas de la corte imperial. amuralladas y con una retícula rectangular. danza y mímica. situado en el interior del y dinámicas. los chinos valoraban por igual la caligrafía.): destacó por sus objetos y esculturas en bronce.): época de paz y prosperidad. situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang. nobles y funcionarios. se introdujo el budismo. con un trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas. Había diversas modalidades: Śakuntalā. como el magudhi.El teatro indio tiene su origen en el Nāṭya-śāstra. los drávidas tenían músicas y danzas más elaboradas. Dinastía Zhou (1045-256 a. destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. de figuras estilizadas (210 a.): evolucionando desde el arte Shang. Destaca el gran hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian (210 a. C. como las halladas en la zona deChengdu. C. marcadas por sus dinastías reinantes.). la cerámica. la famosa flauta de los encantadores de serpientes. y apareció lalaca. Dinastía Shang (1600-1046 a. Se han encontrado restos arqueológicos de varias ciudades en la zona de Henan. También son de remarcar los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas. C. construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang. Junto a esta nueva religión. jade. usando generalmente untetracordio en las melodías vocales. libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni. en el alto Yangtsé. que influenciarían enormemente al arte. Dinastía Han (206 a. con 2400 kilómetros de longitud y una media de 9 metros de altura. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo. Al contrario que en Occidente. C. sin decorados. El Ṛig vedá («himnos vedas») deja constancia de tres tipos de entonaciones: udatta (aguda). con estatuas aladas de leones. la seda o la porcelana. apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamado Periodo de los Reinos Combatientes. periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la metalurgia. de diez actos.

Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano. Período Kofun (200-600): destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin (200-310) y Nintoku (310-399). el sheng (órgano de tubos de bambú). El testimonio más antiguo conservado es el Kojiki (Relatos de cosas antiguas). poesía de carácter didáctico asociada a una composición musical. grandes compendios de la filosofía y la moral: el Lùn Yǔ (Analectas) de Confucio y el Tao te king (Libro del Tao) de Lao Tse. Lü) de Lü Buwei (239 a. apareciendo entre los siglos X y V a. donde aparecieron diversas joyas. como el ch'ing (piedra sonora). C. C.): durante el Página de un Nihonshoki (Anales de Japón) del período mesolítico y el neolítico se fabricaron instrumentos Heian. la más típicamente japonesa. el hsüan (flauta). En esa época se difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo ornamentado con cilindros de terracota. y el Ch'uen-tsieu.23 Japón El arte japonés ha estado marcado por su insularidad. La literatura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico. chiao. C. De época Shang es el Shih Ching (Libro de los Cantos). forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura. La poesía está representada por el Manyoshu (Colección de diez mil . manual de adivinación basado en el significado de ocho trigramas. cerámica y unas figuras de terracota llamadas haniwa. Otro testimonio de relevancia es el Nihonshoki (Anales de Japón). atribuido al mítico emperador Fu Xi. C. siglos siglo V d. el Shi King (El clásico de la poesía). de hueso y piedras pulimentadas. por lo que toda su producción fue autóctona. La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china. Japón se mantuvo aislado del continente. especie de historia universal de corte mítico y teogónico. al contrario que el sistema heptatónico occidental (de siete notas). C. Los principales instrumentos eran: el pien-ch'ing (carillones de piedra de jade). C. formada alrededor del siglo I. cabe destacar el templo de Isa. En este período encontramos las primeras muestras de pintura japonesa (tumbas de Kyūshū. En época Han apareció un nuevo género. Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta. se añadió el budismo en torno al siglo V. empezó a introducirse la civilización del continente.-200 d. compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado. recopiladas en el Lü Shih Ch'un Ch'iu (Anales del Sr. hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda. cerámica y figuras antropomorfas. surgieron las principales obras del pensamiento chino. llegando a los cien tomos. Versión del Tao te king derivaron tonos más agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior. La cerámica se producía con torno. sobre todo de China y Corea. En cuanto a arquitectura religiosa.22 La música china es pentatónica (de cinco notas). con figuras humanas y de animales. C. recopilación de poemas. el p'ai-hsiao (flauta pánica o siringa) y el ch'in (cítara). yü.): desde el siglo I a. armas. shang. el fu.-VI. el Shu-king. En torno al siglo V a. Período Jōmon (5000-200 a. los llamados Cinco Clásicos: el Li-Ki. enterramiento 25 real de Otsuka). a causa de las relaciones con China y Corea.): sobre un «tono base» (huang chung) procedente de una caña de bambú. el pien-chung (campanillas). Del periodo predinástico hay constancia de varios instrumentos. C. También tuvo mucha repercusión El arte de la guerra de Sun Tzu. el I Ching. mientras que en prosa destacó el She-ki (Memorias históricas) de Ssê Ma-ts'ien. el ku (tambor) y el chun (campana). C. que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a.). aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales. crónica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china.24 Período Yayoi (200 a. Durante la dinastía Zhou se sentaron las bases de la música tradicional china. debido sobre todo a la adopción de la escritura china. chih. obteniendo las hallada en Mawangdui. cinco notas: king. aunque de poca relevancia. C. primera crónica fechada (722-481 a.

así como obras en madera. Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad. La arquitectura se basaba en los muros de tapial. especialmenteChipre. con palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges. excepto algunos utensilios y abalorios. con sistema adintelado. donde aparecieron también diversos relieves con escenas de guerra y caza. antología de poemas de diverso signo. Melanesia y Micronesia. C. y el 500 d. realizando arcos y bóvedas falsas por aproximación de hiladas. que se remontan al siglo XIX a. escudos. con cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad. principalmente entre el II y el I milenio a. diosa del sol. con gran variedad temática y estilística. así como el min'yō.28 Otras manifestaciones Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península de Anatolia. En Australia destacan las pinturas rupestres. Recibió influencia mesopotámica . Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterráneo.ya su vez. continuó la colonización hacia Micronesia. También destacaron las esculturas de Karkemish y Tell-Halaf (Siria). Fiyi. El arte escita influenció al de los pueblos germánicos. navegaron por todo el Mediterráneo y el norte de África. Su arte era preponderantemente mobiliar .). y tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia. que son bastante esquemáticas. principalmente de conchas. como en Boğazköy. minoico y etrusco. Se desarrolló . entre el III y el II milenio a. Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas. es el correspondiente a los pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas. cinturones. Las ciudades se solían construir en acrópolis. telas y alfombras. Destacan sus esculturas. Armenia y Siria. influenció al arte persa. principalmente en Andalucía y la zona de levante y. Tonga y Samoa. Arte fenicio: pueblo de tradición marinera. aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos australianos. cuero. Cerdeña e Ibiza. dedicados principalmente al comercio. así como objetos de obsidiana y conchas. Hawái). llegando a la simplificación geométrica. En sus obras destacan los motivos animalísticos. isla de Pintura rupestre de los aborígenes Pascua. originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas Salomón. destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda. Vanuatu. canciones folclóricas japonesas. Arte ibérico: se desarrolló en la península ibérica coetáneamente a la cultura de La Tène. y otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko. Entre el 500 a. Se ejecuta con los instrumentos mencionados. hierro y metales preciosos (armas. joyas). Ullastret y Olérdola. en menor medida. al ser un pueblo nómada. C. fácil de transportar.hojas).. C. destacan los objetos en bronce. posiblemente de origen totémico. Arte escita: también llamado «arte de las estepas». como en Azaila. vestigios. redactado por varios autores entre los que destacan Otomo Yakamochi y Yamanoue Okura. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). C.27 Oceanía El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico.26 La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku («piezas originales»). principalmente). en la Meseta Central y el sur de Francia. C. vikingos y paleocristianos. fíbulas. fundando la ciudad de Cartago en la actual Tunicia. Su arquitectura era monumental. El arte fenicio se dio también en distintas zonas del Mediterráneo. Marquesas. Puerta del León en Boğazköy. hueso. La principal modalidad de música y danza sintoísta es la kagura. C. de influencia asiria y egipcia. sobre el mito de Amaterasu. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. Ligado a la metalurgia.

toros. y con un sentido estético inspirado en la naturaleza. C. con columnas de gran altura y capiteles de volutas.30 Ruinas de Persépolis. Museo Jazneh Tanaj. De acuerdo a su religión se rechazaban las imágenes. palacios y tumbas excavados en la roca. En la literatura hebrea destaca la Biblia (el Tanaj o Antiguo Testamento. Dama de Tumba de Página del Elche. Firuzabad) con sistemas abovedados con cúpulas sobre trompas. que influirá al arte islámico. importante documento no sólo religioso sino también literario.en diversos estilos y géneros (histórico. fenicio y mesopotámico. Arte clásico Se denomina arte clásiconota 2 al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma. combates con monstruos o animales como toros y leones. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica. cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano. de estilo helenístico. Arte hebreo: los hebreos se instalaron en Palestina en el siglo XIII a. empleando por primera vez la piedra en grandes palacios como los de Susa. profético.29 Arte nabateo: pueblo de origen semítico que habitaron en la zona sirio-palestina entre los siglos VI y II a. de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental. C. como en los templos sirios. Recibieron la influencia del arte egipcio. el Talmud y la Cábala. como la Bicha de Balazote. Aparte de eso destacan las sinagogas. Arte persa: en Persia se desarrolló una importante cultura bajo el reinado de dos importantes dinastías: la aqueménida (560-331 a. mitológico. hay testimonios de la gran magnificencia del Templo de Jerusalén. algunos de carácter antropoide. legendario. C. en piedra o cerámica esmaltada. redactado entre los siglos X a.) y la sasánida (226-640 d. el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo. también llamado Torá.). así como del helenístico más adelante. con escenas de guerreros. generalmente de planta basilical y fachada tripartita. el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico. en Petra. la racionalidad de las formas y los volúmenes. notablemente la escultura. leones). sapiencial y epistolar). En época sasánida surgieron palacios (Ctesifonte. . que lamentablemente no ha llegado hasta nuestros días. C. donde preponderaba la armonía y el equilibrio. Entre ellos destaca el Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»). C. Baza y el Cerro de los Santos. como las de Elche. y donde destacan las grandes salas o apadanas. faraón»). En arquitectura. situada entre desfiladeros de montaña. Posteriormente se redactaron la Mishná. C. poético. por lo que la mayoría de su arte es ornamental. y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental. nombre Arqueológico Firaun («el hebreo del Nacional de tesoro del Antiguo España. destaca especialmente la ciudad de Petra. Persépolis y Pasargada. «ley»). Madrid. y II d. con una monumental fachada con pronaos hexástilo y frontón. donde surgió por vez primera el uso de laventana —a diferencia de la iluminación cenital utilizada hasta entonces—. clásico y helenístico. Grecia En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones.. En la escultura persa destacan los relieves. y la parte superior con un tholos redondo y dos edículos laterales con semifrontones. También fue típica la representación de animales (caballos. La arquitectura persa aglutinó las formas mesopotámicas con las egipcias. destacando la tipología de las «damas». Testamento. donde se han hallado diversos templos. y un pórtico o iwan con gran arco abierto a un patio.

que resulta más trágica y angustiosa. intervienen también los actores. en escenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. Tucídides y Jenofonte. Polignoto. el maquillaje. sobre todo en el género histórico. Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad. al dinamismo violento de la forma y la expresión patética del sentimiento. Desde unos inicios de tradición oral (la epopeya).32 En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático». en cuyo caso se denomina períptero). se rompió la serenidad naturalista en aras de enfatizar la expresión. como en el Laocoonte y el Toro Farnesio. se añadió la palabra. Destacó especialmente la obra de Mirón. llamada «sonrisa eginética» por tener su mayor representación en las figuras del Templo de Afaia en Egina. etc.En arquitectura destacaron los templos. considerándose fidedigna —al contrario que hoy.). anfipróstilo). la cual tenía un componente educativo. en función de la técnica utilizada en la confección de cerámica pintada: «figuras negras sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a. Destaca especialmente el conjunto de la Acrópolis. Eran construcciones en piedra. a través de la «mímesis». La pintura se desarrolló sobre todo en la cerámica. el mito pasó a la literatura. sobre un basamento (krepis). etc. También son típicos de esta época las estatuas de atletas desnudos (kouros) y de muchachas vestidas (kore). basado en la armonía de las proporciones. Praxíteles y Lisipo. las luces y efectos de sonido. C. Apeles. En origen. Se configuraron los géneros literarios (épica. También se desarrolló la prosa. poniendo las bases de la literatura occidental. Se suele establecer dos épocas. el vestuario.. practicada por Esopo. la escenografía. en el periodo helenístico la proporción y la armonía dan paso al recar gamiento y la sinuosidad.) y «figuras rojas sobre fondo negro» (desde el siglo VI a. Comienzo de la Odisea. en la Acrópolis de Atenas. Safo y Anacreonte. jónico y corintio. Eufranor. con la épica y la poesía. destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca. Píndaro. de ficción—. principalmente con la figura de Homero y sus dos grandes obras: la Ilíada y la Odisea.. Por último. destacando Herodoto. de gran expresividad. y coronados generalmente en forma de frontón. es decir. el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia. Platón y Aristóteles. con o sin columnas (que pueden ser frontales. como percibimos en la obra de Escopas. el mythos griego era una historia explicada. En una segunda fase clasicista. de transmisión de . Fachada del Partenón. C. C. A la vez. con el templo dórico del Partenón y los jónicos del Erecteión y la Niké Áptera. en que «mito» es sinónimo de leyenda. con mayor naturalismo y un estudio anímico en la expresión de la figura representada. base de la representación escénica—. de Homero. de tradición oral. siendo la base argumental de sus obras la religión y la mitología. la oratoria. mientras que es esencial la presencia de un público que contempla el espectáculo. y la fábula. C.31 La literatura griega alcanzó cotas de gran calidad. representada por Demóstenes. surgió la literatura escrita con el desarrollo del alfabeto griego alrededor del siglo VIII a. donde junto a un texto —donde predomina el diálogo. y se desarrolló el urbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto. llevando a la perfección el canon en las proporciones del cuerpo humano. lírica y dramática). si bien persisten las formas clásicas en obras como la Venus de Milo y la Victoria de Samotracia. En época arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas. o pueden rodear todo el edificio. Los mitos griegos eran una fusión de elementos indogermánicos y mediterráneos. surgiendo la tragedia. Parrasio. se tiene constancia por fuentes históricas del nombre de varios famosos pintores griegos. con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás. donde se sucedieron tres órdenes constructivos: dórico. como se percibe en la obra de Hesíodo. (el llamado «siglo de Pericles») se instauró el clasicismo. laterales. decorado generalmente con relieves escultóricos. Fidias y Policleto. En escultura predominó la representación del cuerpo humano. En el siglo V a. el ritual pasó a mito y. El teatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos (komos). La poesía destacó por una lírica coral que expresaba sentimientos colectivos. Otras obras de relevancia fueron el Teatro de Epidauro y la Linterna de Lisícrates. como Zeuxis. donde destaca el friso. con un particular sentido estético que daría origen a la poesía.

Art. Utilizaron los órdenes griegos. teatros. kouros (455 a. varios tipos de tambores —como por ejemplo el tympanon—. por lo que se desconoce el ritmo. a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»). puentes. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira. el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. Apareció entonces también la mímica y la farsa.).). de Agesandro. acueductos y obras urbanísticas. C. en los movimientos rítmicos del coro.34 Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte. anfiteatros. al que añadieron el orden toscano. derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. teniendo una musa dedicada a ella: Terpsícore. así como templos. York. Británico. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo. pero no se sabe cuánto duraba cada nota. La arquitectura destacó por su carácter práctico y utilitario: grandes ingenieros y constructores. Metropolitan Londres. (130. Los griegos escribían música con las letras del alfabeto. con un primer componente de sátira y crítica política y social. Sófocles y Eurípides en tragedia. etc.33 La música griega nos es desconocida a nivel auditivo. la cítara. mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo— donde se desarrolló como técnica. sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas. Gracias a la expansión del Imperio romano. tan sólo tenemos idea de cómo podía ser por documentos escritos. C. de fuste . arcos de triunfo. En Grecia fue la primera vez en la historia que se estudió la música de forma científica: Pitágoras la relacionó con las matemáticas. relacionado con el culto a Dioniso. mientras que en comedia destacaron Aristófanes y Menandro.). con el empleo de sillería. el aulos.). norte de África y Próximo Oriente. el sistro. palacios. Museo Pío- Museum of París. Clementino. los romanos destacaron en arquitectura civil.Museo 100 a. siendo el primero el de Aristóxeno en el siglo IV a. Al sistema arquitrabado griego añadieron el uso del arco y la bóveda. Polidoro de Rodas 580 a.35 Estatua de El Discóbolo La Venus Laocoonte y sus mármol de de Mirón de Milo hijos. termas. el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa. aunque al perderse las anotaciones musicales han quedado como documentos escritos. Los primeros vestigios provienen nuevamente de los cultos a Dioniso. el crótalo. etc. Nueva Vaticano. Louvre. Una de las primeras modalidades fue elditirambo. ladrillo y mampostería. El Coliseo de Roma. C. con la construcción de carreteras. la siringa. Roma Con un claro precedente en el arte etrusco. C. Museo del (hacia 50 d. el címbalo. circos.valores. C. y se escribieron tratados teóricos sobre música. Atenodoro y (hacia 590. Más adelante surgió la comedia. El teatro y las narraciones épicas eran cantados.

La música romana pasó a la iglesia cristiana primitiva. la danza y el canto (pantomima). como vemos en el Ara Pacis de Augusto. donde se perciben cuatro estilos: el de incrustación. mezcla de los dos anteriores. en opus sectile. la Torre de Hércules. C. La escultura. actores que bailaban al ritmo de las tibiae —una especie de aulos—. Destacó especialmente el relieve. el Arco de Constantino. inspirada en la griega. realizados en tres versiones: togata. igual que la griega. origen de la sátira). Entre sus principales obras se pueden recordar el Coliseo. que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los ludiones. la Maison Carrée de Nîmes. que mezclaban canto y mimo (las saturae. en historiografía. Un género muy difundido fue el retrato. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. Al parecer. Si bien su producción no fue de gran calidad — en el aspecto estético-literario—. con arquitecturas fantásticas. y debido a que el latín fue el origen de las lenguas vernáculas habladas posteriormente en muchos lugares de Europa. con paisajes imaginarios. por su ascendiente sobre la literatura cristiana y medieval. Como autores destacaron Plauto y Terencio.36 La literatura romana recibió como en el resto de las artes la influencia griega. al añadirse la música vocal. Pompeya. y el fantástico. el arquitectónico. en temas históricos o religiosos. Horacio y Ovidio. de formas geométricas. Augusto de Fresco hallado en Pompeya. La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya. y apoteósica. no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. el Acueducto de Segovia. Tan sólo Cicerón habla un poco de ella en sus escritos. Virgilio. Tácito y Tito Livio. la principal innovación latina fue el concepto de «estilo» que los romanos aplicaron a sus obras.38 La música romana nos es desconocida. la época de mayor esplendor fue el reinado de Nerón. llamado así por simular arquitecturas. variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas. el Panteón de Agripa. que imita el revestimiento en mármol. en prosa. comoEl sacrificio de Ifigeniaen Ampurias o La batalla de Isos en Nápoles. etc. la obra de los autores latinos ha ejercido una gran influencia en la literatura occidental. se centró igualmente en la figura humana. aunque con más realismo. Al parecer. uopus tesellatum. en oratoria. Mosaico de la Batalla de Isos. Arte medieval . con pequeñas piezas que forman escenas figurativas. más tarde. predominando en este último el mimo. El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro). guirnaldas y amorcillos. como patricio. Cicerón y Séneca.liso y capitel con collarino y equino rematado en un ábaco cuadrado. el ornamental. como divinidad. También destacó el mosaico. aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos. Museos Vaticanos. como militar. de la que adoptaron técnica y géneros. Arco de Constantino. perceptible en el uso deltrépano para producir claroscuro y en el hecho de grabar las pupilas. las Termas de Caracalla.37 El teatro romano recibió la influencia del griego. fue Livio Andrónico —de origen griego— quien en el siglo III a. con gran detallismo y fidelidad en los rasgos. surgieron los histriones —que significa «bailarines» en etrusco—. Salustio. Casa del Fauno. Prima Porta. en el Arco de Tito y en la Columna Trajana. Más idealizados son los retratos de los emperadores. el Teatro de Mérida. thoracata. Petronio y Apuleyo. destacando en poesía Lucrecio. Cultivaron los mismos géneros que los griegos. que favoreció notablemente la música —él mismo tocaba la lira—.

para pasar posteriormente. el corpus epistolar (cartas de San Pablo y otros apóstoles) y el Apocalipsis de San Juan. San Agustín. Mosaico del Buen pastor. de tipo coral. Eusebio de Cesarea. adaptación del edificio romano de mismo nombre que. de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático». impregnará la mayor parte de la producción artística medieval. A continuación surgieron una serie de escritos apologéticos de los llamados Padres de la Iglesia: Atenágoras. redactado en griego. el cristianismo. y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas. y surgió la miniatura. En un primer momento destacó la elaboración del Nuevo Testamento. pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial. mientras que la nueva religión. Mausoleo de Gala Placidia. Arte paleocristiano Rávena (primera mitad del siglo V). que evolucionaron desde la simple decoración ornamental con molduras cóncavas (strygiles) hasta la narración de escenas en friso.41 Arte germánico . y de 6 a más tonos por sílaba se llama «melismático». eminentemente religioso. La pintura se dio sobre todo en las catacumbas. que tuvo un gran desarrollo. con tres partes principales: los cuatro evangelios (Mateo. destacando san Basilio el Grande. el papa Gregorio I Magno creó el canto gregoriano (siglo VII). especialmente. Cobró especial relevancia el mosaico. pasó de una función civil a una religiosa. con escenas religiosas y alegóricas. primero de forma oculta.39 La literatura cristiana fue desarrollada en latín y griego. dividido en tres naves. en forma de misal (missalis romanum). generalmente con propósito didáctico y propagandístico de la nueva fe. el cuerpo de la basílica. Las formas clásicas fueron reinterpretadas para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial. La misa era cantada.La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media. que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes que se cantan por sílaba: cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico». Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta nueva religión. Lucas. llegando a influir al arte bizantino. Lactancio. En escultura destacaron los sarcófagos. sin voluntad estilística. Destacan las basílicas de San Pedro del Vaticano. con una línea melódica continua. Con la legalización de su religión. las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de los cementerios o «catacumbas». Juan). destacó como tipología la basílica. iluminación de manuscritos. de origen germánico. En arquitectura. y el presbiterio. que servían a la vez de lugares de reunión para los perseguidos devotos cristianos. sin embargo. tras la conversión al cristianismo del emperador romano Constantino. Orígenes. Las artes figurativas inician el camino del arte medieval. donde se sitúa el altar. y San Apolinar en Rávena. Más adelante. etc. los mejores ejemplos se hallan en Santa María la Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Rávena. San Jerónimo (traductor de la Biblia al latín. con una finalidad moralizante. Marcos. En el siglo IV san Ambrosio introdujo el canto ambrosiano. Generalmente constaba de tres partes: un atrio de acceso. a ser el estilo oficial del Imperio. Entre los exegetas latinos destacaron Tertuliano. etapa de cierta decadencia política y social. Clemente de Alejandría. dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del realismo de la narración o de su carácter estético. San Lorenzo y San Clemente en Roma. ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre notas. más elaborada y retórica. San Juan de Letrán. Eran obras prácticas. san Juan Crisóstomo y san Gregorio Nacianceno. así como de la liturgia judía. con dos principales escuelas: la helenística-alejandrina y la siria. Al convertirse el cristianismo en la religión oficial del Imperio surgió una tendencia más literaria. la llamadaVulgata) y. Prudencio. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas dominantes. mientras aún eran perseguidos por el poder imperial.40 La música cristiana primitiva era heredera de la romana. Existen tres estilos de canto gregoriano.

Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común. La arquitectura carolingia se basó en el uso del pilar en vez de la columna. debido a la pobreza de los Iglesia visigoda de San Juan. si bien subsistió la cultura romana entre las clases humildes. como en Quintanilla de las Viñas (Burgos) y San Pedro de la Nave (Zamora).La invasión del Imperio romano por los pueblos germánicos supuso la fragmentación del territorio en diversos reinos. con varias escuelas como la palatina. donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. La escultura se produjo sobre todo en marfil y bronce. Otón II y Otón III. La pintura se circunscribió a la miniatura. es de destacar la incorporación de la escultura figurativa a las iglesias. como los hallados en los tesoros de Guarrazar y Torredonjimeno. Arquitectónicamente son herederos del arte carolingio: el modelo de Aquisgrán se percibe en el coro de laabadía de Interior de la Capilla Palatina. Entre los pueblos germánicos conviene destacar el visigodo. en Baños de Cerrato materiales usados y a la falta de un programa constructivo de (Palencia). Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estos pueblos fueron de escasa relevancia. Palencia). Orense). Ejemplos de ello son la Capilla Palatina de Aquisgrán y monasterios benedictinos como Sankt Gallen. en Essen y en Ottmarsheim. asentado en la península ibérica. con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico. La pintura se desarrolló en la miniatura. la de Reims y la de Saint-Denis. la de Tours. que desarrolló un estilo propio de gran relevancia. generalizándose el uso del arco de medio punto y la bóveda. la de una nave con cámaras laterales (San Pedro de la Mata. con arcos de medio punto y cubiertas de madera o bóvedas de cañón. como los de Poitiers en Francia o de Cividale en Italia. Arte carolingio: la coronación de Carlomagno supuso en cierta forma la restauración del Imperio Romano. que se irán afianzando a lo largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la actualidad en el mundo occidental. debido al matrimonio de Otón II con Teófano de Constantinopla: en escultura destacan las .42 Arte prerrománico Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000. bien de cañón o de aristas. sobre todo en coronas y cruces. envergadura. el arco de herradura y la bóveda. aunque matizada por la religión cristiana. Fulda y Corvey. Se solían aprovechar instalaciones y materiales romanos. Destacó también la orfebrería. La arquitectura destacó por el empleo de la sillería. En escultura destacó el relieve. como el Mausoleo de Teodorico en Rávena. como vemos en los sacramentarios de Luxeuil y Gelasiano (Vaticano). como la Estatua ecuestre de Carlomagno (Louvre). En artes plásticas se percibe la influencia bizantina. Destacan las construccionesostrogodas en Italia. sobre todo en frisos y capiteles. San Miguel de Hildesheim y la catedral de Espira. Esta convivencia cultural generó la aparición de las lenguas vernáculas y la creación de nuevas entidades políticas y culturales. Desarrollaron tres tipos deiglesias: la basilical de tres naves (San Juan de Baños. En escultura. mientras que el modelo basilical benedictino Aquisgrán. donde los pueblos invasores pasaron a ser la clase dirigente. Toledo) y la de cruz griega (Santa Comba de Bande. Arte otoniano: se denomina así por coincidir con los reinados de Otón I. se halla presente en San Ciriaco de Genrode. lo que conllevó un renacer cultural y un primer retorno a la cultura clásica como fuente de inspiración.

Son iglesias generalmente de pequeño tamaño. que vio florecer notablemente el arte sobre todo en arquitectura. Cabe destacar en miniatura los beatos. Kells y Monasterboice. bóvedas de cañón con arcos fajones y contrafuertes exteriores. el arte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales. en pintura. La miniatura tuvo influencia carolingia. San Baudelio de Berlanga (Soria).44 En esta época. san Beda el Venerable) y la carolingia (Alcuino de York. etc. de las que fue puerta de entrada en Europa. como se percibe en la obra de Sidonio Apolinar. Se caracteriza por el empleo de muros de sillarejo. ilustraciones del Comentario al Apocalipsisdel Beato de Liébana. en incisos a los cantos litúrgicos (tropos a medio texto. Arte asturiano: con la invasión islámica de la península ibérica. al estilo de las salas de reunión vikingas. destacando Santa María de Melque (Toledo). y que. aunque con un claro componente teocéntrico y de exaltación de la religión cristiana. la música va experimentando sucesivos avances: la música carolingia fue la primera en incorporar instrumentos musicales. También destacó la escuela irlandesa (san Columbano. que es el encargado de la conservación del antiguo legado cultural. una . cabe citar los frescos de San Jorge de Oberzell. como las de Moone. especialmente las fíbulas con largas agujas y las espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura. ya que generalmente se construía en madera: cabe destacar las iglesias de Deerhurst y Bradford-on-Avon. y secuencias al final). Santa María del Naranco. Rabano Mauro). generalmente sobre temas morales y de retórica. y en el posramirense. decoradas en relieve. donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. La arquitectura destaca por el uso del arco de herradura. Enmarcada en el terreno eclesiástico. En el primer periodo destaca la iglesia de San Julián de los Prados. La tipología principal es la basilical de tres naves. san Isidoro. surgen las primeras piezas musicales sin texto.San Salvador de Valdediós. arte asturiano. sur de Galicia. con una serie de grafismos (neumas) actualmente no identificados.43 La literatura medieval es heredera de la tradición clásica grecorromana. además del canto de tipo gregoriano. tuvo una época de esplendor el arte celta. con gran variedad en la tipología de su planta. recientemente evangelizadas. Arte vikingo: la arquitectura era en madera. Arte celta: en las islas británicas. En arquitectura se conservan pocos restos. como la iglesia noruega de Borgund. San Miguel de Lillo y Santa Cristina de Lena. formada por arcos que se cruzan. Brompton de Borgund. destacando las iglesias de forma piramidal. a la que perteneció el Pontifical de San Aethelwold(British Museum). con amplio crucero y tres capillas rectangulares a la cabecera. En escultura destacan las grandes cruces irlandesas. Venancio Fortunato. Destacan asimismo los trabajos de orfebrería. obras en bronce. en función del reinado de Ramiro I: prerramirense. Casiodoro. principalmente al norte del Duero. como las puertas de San Miguel de Hildesheim. Se distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI. San Cebrián de Mazote (Valladolid). Teodulfo de Orleans. en el ramirense. Boecio. Arte bizantino Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente. de tejados apuntados y salientes de gran verticalidad. San Millán de la Cogolla (La Rioja) y San Miguel de Escalada (León). Cantabria y Pirineos. al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos. la producción literaria es enteramente en latín. así como la bóveda de nervios de tipo califal. Hildesheim. practicaban un tipo de arte de gran influencia islámica. Heredero del arte helenístico. destacando la escuela de Winchester. coincidiendo con el reinado de Justiniano. donde se distinguen tres etapas. los cristianos se vieron reducidos a la región de Asturias. principal exponente del (Irlanda). en el siglo VIII comenzó un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto. ramirense y posramirense.45 Iglesia otoniana de San Miguel de Cruz de Iglesia vikinga Santa María del Naranco. Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la dominación islámica. san Gregorio Magno. Se desarrolló sobre todo en el siglo X. arcos de medio punto —a veces peraltados—. en Oriente perduró —conocido como Imperio bizantino—nota 3 hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. en el alto Ebro.

con dos cámaras o sacristías laterales y el altar bajo un baldaquino. presbiterio y coro al fondo. vegetales o de lacería. teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese. Se otorgó gran relevancia a la decoración ornamental. a la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores. la sala de oración (haram). Su principal medio de expresión fue la arquitectura. Estambul.segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204. nártex. Con el tiempo. de época de Justiniano. destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. llegando a Europa con la conquista de la península ibérica y con la zona de los Balcanes tras la caída del Imperio bizantino. en . La tipología más utilizada fue la de planta centralizada —quizá por la importancia otorgada a la cúpula—. son las más monumentales: iglesia de los Santos Sergio y Baco. que era únicamente de tipo ornamental. Salónica. con la dinastía Paleólogo. o bien en forma de avispero. con un atrio de entrada. sobre todo en torno a los iconos. compuesta por un amplio patio (sahn). y en la tercera cabe mencionar los conjuntos deMistra. Salónica y monte Athos. Las primeras Iglesia de Santa Sofía. Gran Mezquita de Córdoba. Venecia y Moscú (donde descuella Andrei Rubliov). sobre piedra o marfil. destacando las escuelas de Chipre. el islamismo. La principal tipología es lamezquita. En arquitectura se empleó la piedra y el ladrillo. de Santa Irene y de Santa Sofíanota 4 en Constantinopla. destacando las imágenes de «consagración imperial» (Cristo con las manos sobre las cabezas de los emperadores). Se utilizaban diversos tipos de bóveda. sur giendo más adelante elarco lobulado. mosaico o pintura. usado a veces en superposiciones y entrecruzamientos. y una tercera en el siglo XIV. alabastro. generalmente de tres o cinco lóbulos. generalmente de yesería.46 Arte islámico Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva religión. La escultura solía ser en relieve. en la segunda edad dorada destacan la catedral de Santa Sofía de Kiev y San Marcos de Venecia. mármol. con recubrimientos exteriores de placas de piedra con relieves e interiores de mosaico. Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano influencia paleocristiana. En la tercera edad dorada la pintura sustituyó al mosaico. que tuvo una rápida difusión desde el Próximo Oriente por el norte de África. manifestaciones. especialmente la helenística y la siria neoática. La arquitectura destacó por el uso del arco apuntado —que en al-Ándalus fue de herradura por herencia del arte visigodo—. Creta. En la segunda edad dorada se establecieron la estética y la iconografía bizantinas. sobre todo los iconos de pintura sobre tabla. con una fuerte carga simbólica de las imágenes. con motivos abstractos o geométricos. Abundó el uso de la columna. que era de signo abstracto. siendo su arte el reflejo de esta disparidad. con figuras estilizadas y perspectivas jerárquicas (el tamaño de la figura depende de su importancia religiosa). con motivos epigráficos. como la de gallones y la de crucería. pues la prohibición religiosa de representar imágenes figurativas supuso una seria traba para la pintura y escultura. la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas. la torre o alminar. Se utilizó el arco de medio punto y la bóveda con cúpula sobre pechinas. con capiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos.

con crucero y girola. En al-Andalus el arte islámico tuvo su momento de esplendor en el emirato de Córdoba: la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispano-romanas y visigodas. el Corán. Otras importantes manifestaciones del arte islámico en la península fueron las producidas en Sevilla durante la dominación almohade. Las iglesias son de una o tres naves. con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. y el arte nazarí en Granada. y las escritas en Medina. pero potenciada posteriormente por los Omeyas. la de Samarra. Su principal monumento es la Mezquita de Córdoba. York y Canterbury en Inglaterra. Entre los instrumentos árabes destacan el laúd (‘ud). al-Kindi y al-Farabi. de una religiosidad más fervorosa. San Saturnino de Toulouse. el tambor (tabl). La música sacra no se desarrolló tanto como la cristiana: en origen. que se desarrolló sobre todo en la poesía (Abu Nuwas. en versículos rimados.47 La literatura árabe arrancó con una obra de gran trascendencia. Avempace. San Front de Périgueux y San Esteban de Caen en Francia. San Zenón de Verona y las catedrales de Parma. y comenzó el estudio teórico de la música (al-musiqi). compuesta de once naves perpendiculares a la quibla. San Lázaro de Autun. como en el arco de herradura. libro sagrado del islam escrito por Mahoma y fijado en su texto definitivo por el califa Uthman Ibn Affan en 650. De carácter eminentemente religioso.49 Arte románico El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental. El Corán fue la base gramatical y estilística de la literatura árabe. o fantástica (al- literatura árabe. la flauta (gussaba). el Corán tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulación. importante y la más influyente de la histórica (Ibn Jaldún). de medio punto en la parte superior y de herradura en la inferior. narrativa (Ibn al-Mugaffa. la Mezquita Azul de Estambul. con seis pies métricos (rajaz) derivados —según la leyenda— de los pasos del camello. también son frecuentes las cúpulas. con dos principales grupos de predicaciones: las escritas por Mahoma en La Meca. y que 48 es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasía.cuyo fondo (quibla) se sitúa la capilla (mihrab). y es considerado el padre de la música clásica árabe. casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. También cabe destacar la Mezquita de Bab al-Mardum en Toledo y el Palacio de Medina Azahara. precedida de un espacio con arquerías (macsura). Destacan las mezquitas de Damasco. San Abundio de Como. La arquitectura destacó por el uso de muros de sillería. que es encerrado en alfiz. las catedrales de . breves y de tono poético. destacando la Giralda y la Torre del Oro. obra anónima redactada entre los siglos IX y XV en diversos estilos. al-Mutanabbi. Consta de 114 capítulos (sura). con la tradicional alternancia blanco-rojo. Se inició la construcción de grandes catedrales. a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino. destacando diversos eruditos como Avicena. la nauba. con una serie de arcadas superpuestas. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id). la de la Roca y al-Aqsa de Jerusalén. similar a la fioritura occidental. al-Jahiz). especie de suite vocal—. Ibn Misjaḥ fue el primer teórico musical árabe. etc. la pandereta (duff) y los palillos (gadib). La música profana fue prohibida por los califas ortodoxos. el oboe (mizmar). En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico. exponiendo los principales preceptos de la nueva religión. Como principales muestras tenemos: el Monasterio de Cluny. a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico. ya sea filosófica (al-Kindi. más largas y discursivas. el arpa (jank). San Ambrosio de Milán. Hamadani. las catedrales de Durham. al-Hariri). que tiene su principal expresión en laAlhambra. con dos partes: estribillo (tarji’) y antífona (jawab). se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII. Ibn Quzman). que seguirá durante el gótico. arcos de medio punto y bóvedas de cañón. la lira (mi'zaf). Santa Fe de Conques. Cabe destacar la recopilación de cuentos tituladaLas mil y una noches. Avicena. La música árabe tiene su origen en antiguos cantos (huda’) efectuados por los beduinos en sus viajes en caravana. la de Tamerlán en Samarcanda. Surgido a mediados del siglo XI. A partir del siglo X cobró importancia la música instrumental —con una modalidad principal. la llamada a la oración (adhdan) era cantada. apoyadas en pilares por arcos fajones. Pisa y Lucca en Italia. la de Ibn Tulun en Egipto. sobre trompas o pechinas. la de Isfahán. y la El Corán fue la primera obra prosa. Ibn Tufail. predominando el canto solista con laúd. Módena. El canto tenía una especial relevancia. correspondientes con los contrafuertes exteriores. el pífano (shahin). con una característica alternancia de sus dovelas en color rojo y blanco. Averroes).

Solsona y Santiago de Compostelaen España. de signo religioso y figuras esquemáticas al igual que la escultura. y «profano». la Fachada de las Platerías de la Catedral de Clemente de Tahull. pasando más tarde a actores profesionales. dejando al pie el Juicio Final. y la miniatura. alrededor del cual se encuentran la Virgen y los apóstoles. los talleres de marfil de León (Crucifijo de Fernando Pantocrátor del ábside de San I). Santiago y el claustro de Silos. San Lázaro de Autun. el esmalte. la navarra (portada de Sangüesa) y la castellana (monasterio de Santa María la Real de Nájera). Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona). Santa Fe de Conques y el Pórtico Real de Chartres. San Clemente de Tahull y San Isidoro de León. Marcabrú. En España destacaron en primer lugar los talleres catalanes de Ripoll y la zona pirenaica. Santo Domingo de Silos y las catedrales de Jaca.50 En esta época. pasando a continuación a lenguas vernáculas. y Sant Pere de Roda. más adelante. en el siglo XII se produjeron diversas escuelas regionales: la catalana (portal delmonasterio de Santa María de Ripoll). de carácter religioso. El primer texto que se conserva es el Regularis Concordia. principalmente con el género trovadoresco. aunque poco a poco fueron surgiendo obras en lengua vernácula y comenzó la producción literaria de ámbito profano. Tuvo una fuerte influencia bizantina. Maguncia y Worms en Alemania. donde los círculos artísticos cortesanos fueron ganando peso y desplazando al poder eclesiástico: destaca la gran epopeya del Cantar de Roldán. posteriormente surgieron los «cantares de gesta». lúdico. a las que siguieron las jarchas mozárabes. San Isidoro de León). como en su magnífico Descendimiento (1178). Los actores eran en principio sacerdotes. Las principales obras musicales se circunscriben al canto gregoriano. En Italia destacó la figura de Benedetto Antelami. Se desarrolló preferentemente en el ábside de las iglesias. Otro género relevante fue la novela de caballería (roman courtois). Jaufré Rudel. Los principales ciclos escultóricos se producen en los tímpanos de los portales de acceso a las iglesias y catedrales. festivo. como en Santa Magdalena de Vézelay. La pintura era preferentemente mural. La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico. al temple. Los juglares eran trotamundos. difundida sobre todo por la orden benedictina. que trabajó en la Catedral de Parma. MNAC. con figuras esquematizadas.51 El teatro medieval era de calle. y las labores textiles (Tapiz de Bayeux. representada principalmente por Chrétien de Troyes y sus novelas del ciclo artúrico. que explica la representación de la obra Quem quaeritis?. desarrollado notablemente por el taller deLimoges. Tuvieron gran relevancia en esta época las artes aplicadas. Bertran de Born. San Isidoro de León. con un marcado carácter didáctico. donde destacaron las escuelas inglesa e italiana. con tres principales tipologías: «litúrgico». conservando la tradición latina. la música y la sátira. como el Cantar de Mío Cid (1140). Vemos esta disposición en la Abadía de Sant'Angelo in Formis (Capua). exaltando el amor cortesano (fin'amors).nota 5 especialmente la orfebrería en oro y piedras preciosas (Arca de las reliquias de los Reyes Magos. las catedrales de Braga y Coimbra en Portugal. por gremios y cofradías. Cáliz de doña Urraca. En España. con un programa iconográfico donde destacaba la figura del Pantocrátor. la literatura siguió preferentemente en manos eclesiásticas. sin realismo. de san Æthelwold. de finales del siglo XI. diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y un ángel. en torno a trovadores y juglares. los talleres del Camino de Santiago. mitad poetas y mitad saltimbanquis. mezclando en sus actuaciones la declamación y el malabarismo. Estaba subvencionado por la Iglesia y. También se produjo pintura sobre tabla.52 Durante el románico surgió la música tal como es practicada actualmente. Las principales innovaciones se produjeron en Francia. gracias a la creación delpentagrama y a la nomenclatura de las notas musicales elaborada por Guido de Arezzo. generalmente en retablos para el altar. catedral de Colonia. etc. San Martín de Frómista. «religioso».Spira. temas no religiosos. Arnaut Daniel. de signo simbólico. los primeros textos escritos en lengua romance fueron las glosas del monasterio de San Millán de la Cogolla. en forma demisterios y pasiones. representada por Guillermo de Poitiers. la aragonesa (monasterio de San Pedro el Viejo de Huesca). La poesía trovadoresca se desarrolló especialmente enlengua provenzal. San Juan de Duero (Soria). temas religiosos dentro de la Iglesia. Las obras fueron en primer lugar en latín. aunque empezó a desarrollarse lapolifonía y la música profana. la lírica y las gestas . debido al analfabetismo de la época. Bernart de Ventadorn. en francés.

permitiendo interiores más amplios y decorados con vitrales y rosetones. que tenían una finalidad moralizadora. época de gran desarrollo económico y cultural. San Esteban de Viena en Austria. en Inglaterra. Chartres. y los monasterios de Batalha y Alcobaça en Portugal. con mayor predominio de las ciudades sobre el campo. innovación realizada porGuido de Arezzo. Bourges y Notre-Dame de París. Arte gótico El arte góticonota 7 se desarrolló entre los siglos XII y XVI. que llegaron hasta Inglaterra Morris ( dances). Los trovadores eran de clase social más elevada (el mismo rey Ricardo Corazón de León fue trovador). más dinámicas.53 La danza medieval tuvo escasa relevancia. y la utilización de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio. En España cabe destacar también el desarrollo del arte mudéjar. Toledo. Es la época de las grandes catedrales. Bolonia y Milán. y la ballade (estribillo alternante cada tres estrofas). como el pasacalle y la farándula. de las que se tiene poca constancia. filosóficos y literarios. con un mejor análisis estructural que permitió hacer edificios más estilizados. Gerona. fuertemente influido por las formas islámicas. en España. que la consideraba Notación musical con los versos delHimno a San Juan un rito pagano. siendo famosas las «danzas moriscas». el yeso y la madera de pequeña escuadría: Cristo de la Vega . Fueron más importantes las danzas populares.épicas. Burgos. los trovadores recibieron el nombre de minnesänger. A nivel eclesiástico. Siena. Zamora y Sigüenza. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados. de tipo folclórico.nota 6 En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas». Sevilla. Detalle del Códice de Tapiz de la Creación. en Francia. Canterbury. por tanto. Colonia. que dieron nombre a las sietenotas musicales. de Chartres. Abadía de Santa Hildegarda. Aparecieron nuevas tipologías como el arco apuntado y la bóveda de crucería. el virelai (en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas). El auge de las universidades comportó un aumento de los estudios científicos. Orvieto. Hildegarda (1165). al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura. Salisbury y Gloucester. Florencia. y componían y cantaban sus propias obras.54 Catedral de Pisa. que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia. entre las que cabe destacar: Laon. Entre las formas trovadorescas destacan: el rondeau (alternancia de coplas y estribillo). sentando las bases de la cultura moderna. En Alemania. La arquitectura sufrió una profunda transformación. Eibingen (Alemania). Amiens. Ulm y Magdeburgo en Alemania. con más aberturas y. con formas más ligeras. el único vestigio eran las Bautista. Reims. mejor iluminación. y que se caracteriza por el empleo del ladrillo. en Italia. llamadas así porque arrastraban los pies. Estrasburgo. Palma de Mallorca. León. «danzas de la muerte». Barcelona. Pórtico Real Santa Catedral de Gerona.

que exalta el amor. mientras en Alemania descuella la obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. se caracteriza por la aproximación realizada a la representación de la profundidad —que cristalizará en el Renacimiento con la perspectiva lineal—. en formas sencillas y diáfanas. En Inglaterra destacó Geoffrey Chaucer . Destacan especialmente tres nombres: Francesco Petrarca. la cerámica —donde destaca la deFaenza y Manises—. Lluís Dalmau. Se practicó sobre todo el género del canzone.(Toledo). el detallismo técnico y el naturalismo simbólico de la narración. así como la obra dePere Johan y Gil de Siloé. Destacan dos escuelas: la florentina (Cimabue. En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de la Catedral de Chartres. la vidriería —singularmente la veneciana y catalana—. Destacó la ebanistería. a la vez que permite mayor minuciosidad en los detalles. suponiendo una fusión de los estilos anteriores. mientras que en Florencia surgió el llamado Dolce Stil Novo. los estudios sobre anatomía y el análisis de la luz para conseguir la matización tonal. Alcázar de Sevilla. la orfebrería —especialmente las custodias y los relicarios. Conrad Witz. Giotto. Su principal aportación es la técnica al óleo. Los artistas buscaban la belleza ideal. Se sucedieron cuatro estilos pictóricos: Gótico lineal o franco-gótico: se desarrolló desde el siglo XIII hasta principios del XIV. Stefan Lochner. caracterizado por el dibujo lineal. Martin Schongauer. Andrea Orcagna) y la sienesa (Duccio. Gótico flamenco: surgió en Flandes a principios del siglo XV. Santa Clara de Tordesillas. dando origen a lo que será el Renacimiento. y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo. Ambrogio Lorenzetti). Gótico internacional: corresponde a finales del siglo XIV y primera mitad del XV. Hugo van der Goes y el Bosco. etc. San Lorenzo de Sahagún. aunque comenzó a desarrollarse la escultura exenta. En España destaca el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela. Bartolomé Bermejo. en el resto de Europa. autor de La Divina Comedia (1304-1320). Giovanni Boccaccio y Dante Alighieri. Este estilo se desarrolló sobre todo en vidrieras y miniaturas. más simbólico que el trovadoresco. con formas más realistas. la tapicería —siendo famosos los tapices de Arras—. Gótico itálico o trecentista: surgido en el siglo XIII en Italia. Destacan los pintores Paul de Limbourg. Jean Fouquet. etc. Las artes aplicadas también tuvieron gran relevancia durante el gótico. donde las cortes de los pequeños estados que se repartían el territorio de la península itálica favorecieron las artes y las letras. inspiradas en la naturaleza. Jaume Huguet.55 La literatura tardomedieval se movió entre las obras escritas todavía en latín —generalmente de signo religioso—. predominando a lo largo de ese siglo en la mayor parte de Europa —excepto Italia. el fuerte cromatismo. León y Toledo. las portadas de la Colegiata de Toro y de las catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo. género poético de signo más subjetivo. así como los conjuntos de Amiens y Reims. favorecidas por las nuevas clases urbanas de mercaderes y artesanos. una de las grandes obras de la literatura universal. escrito en endecasílabo —del que surgirá el soneto—. donde ya descollaba el Renacimiento—. etc. Las Huelgas (Burgos). Rogier van der Weyden. que da colores más brillantes y permite su gradación en diversas gamas cromáticas. Simone Martini. los conjuntos de Catedral de Nuestra Señora de París. Fernando Gallego. Gerard David. Convento de Guadalupe (Cáceres). donde sobresale el nombre deEnrique de Arfe—. y las escritas en lenguas vernáculas. Hans Memling. con cierta melancolía y nobleza en los sentimientos. al temple o al óleo. Conrad Soest. Se caracteriza por la estilización de la figura y el predominio de la línea curva. Burgos. Cabe destacar a Jan y Hubert van Eyck. pero un amor más puro. un naturalismo de líneas sencillas y el idealismo de los temas representados. Robert Campin. que irán ganando protagonismo y popularidad. La pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias. Bernat Martorell y Lluís Borrassà. El centro creador pasó de Francia a Italia. las obras en esmalte —en particular las procedentes deLimoges—. Hans Holbein el Viejo. y con escenas de carácter narrativo. La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica. En Italia destaca el taller de Nicola y Giovanni Pisano en Pisa. Nuno Gonçalves.

(1305-1306). En esta época nació el de Florencia. de forma piramidal (Tikal. .56 El teatro se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios». ciudad construida entre los siglos I y VII. representados por sobre la vida de los santos. sobre Domenico di Michelinoen la Catedral personajes simbólicos. mientras que en el XV destacan Josquin des Prés. surgiendo por vez primera una música profana separada de la música religiosa realizada hasta entonces (Le jeu de Robin et Marion. 1285). obras de oro y plata. donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma de pirámide escalonada. Pórtico de la Gloria de la La adoración de El matrimonio Catedral de Santiago de los Reyes Magos Arnolfini Compostela. Surgió el contrapunto. Uxmal. con sus Cuentos de Canterbury (1386-1400). los Scrovegni National (Padua). don Juan Manuel y Pedro López de Ayala. donde destacaban igualmente los templos. códices ilustrados. John Dunstable y Bartolomé Ramos de Pareja. de Adam de la Halle. organista de Notre- Dame de París de mediados siglo XIII. Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino (máscaras. De la primera fórmula compositiva por repetición se pasó a la imitación en el siglo XIV. En Francia. o los 57 pequeños divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica. de sistema reticular —con un trazado de base astrológica—. especialmente. alegóricos. con diálogos y partes danzadas. En danza. durante el gótico se desarrolló la polifonía. y se desarrollaron las técnicas compositivas y la notación. Gilles Binchois. el branle. con textos de gran valor literario y elementos juglarescos. voces paralelas que se funden o se contraponen. Jacob Obrecht. Templo de Kukulcán en Chichén Itzá).58 Palacio Ducal de Venecia. el arte polivalente de los juglares. La escultura era en relieve. que fueron fundidas). «milagros». Aun así. teatro profano. de Giotto. Los mayas ocupaban la península del Yucatán y las actuales Belice y Guatemala (siglos II-IX). en el siglo XIV destacaron el Arcipreste de Hita. El primer compositor conocido es Leoninus. las principales modalidades fueron: elcarol. concebidos bajo mediciones astronómicas. y a la variación en el XVI. sobre la vida de Dante Alighieri y el universo de La Jesucristo. la huella precolombina perduró en numerosas producciones artísticas posteriores. en el siglo XIII surgió la poesía del mester de clerecía (Gonzalo de Berceo). En España. decorados con esculturas en relieve y pinturas al fresco. mientras que en el siglo XV es de remarcar las figuras de Jorge Manrique y el Marqués de Santillana. América El arte precolombino floreció con gran brillantez hasta el descubrimiento de América. con Guillaume de Machaut y Francesco Landino. En el siglo XIV surgió el Ars Nova. así como del poeta catalánAusiàs March. piezas de plumas y. con tres posibles orígenes —según los historiadores—: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto. Gallery de Londres. así como la lírica galaico-portuguesa (Alfonso X el Sabio) y la catalana (Ramon Llull). En música. con máscaras tipificadas. Johannes Ockeghem. desarrollando un arte de signo religioso. el estampie. Capilla de Jan van Eyck. En México se desarrollaron varias culturas: la primera fue la de Teotihuacan. Guillaume Dufay. de (1434). Divina Comedia. el saltarello y la tarantela. y «moralidades». François Villon fue el primer gran poeta en lengua francesa.

por lo que nos han llegado pocos vestigios. Además de su arquitectura. en el actual Malí. De esta época datan las iglesias talladas en la roca de Lalibela. Los incas tenían una cultura muy desarrollada. con ciudades planificadas y carreteras bien trazadas. Entre los siglos XII y XV se dio en Djenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más esquemático. con pequeños reinos sumidos en frecuentes disputas. del conjunto de Monomotapa (siglos XI-XV). como los himnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagún en Cantares de los Dioses. así como largos poemas narrativos de temática histórica o mitológica. dedicados al sacrificio humano. como las de los pueblos tellem y dogon. En su capital. pájaros y figuras humanas. documentos administrativos y relatos históricos (Códice Xólotl). y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. que recogió diversas tradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a la expresión del poder. Su capital. se dio otra notable escuela escultórica enBenín. Chile y parte de Argentina. generalmente decorado con motivos geométricos. técnica igualmente empleada en Machu Picchu. surgió en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en terracota. y templos de forma piramidal. En la meseta mexicana se desarrolló la cultura azteca (siglos XIII-XV). Tenochtitlán. en el estado de Hidalgo. donde también destaca la pintura de temas cristianos. como algunas vasijas del pueblo Igbo-Ukwu en Nigeria. En Ife (igualmente en Nigeria). en cambio. Posteriormente. Lalibela (Etiopía). En México se conservan varias expresiones en lengua náhuatl: escritos de signo religioso. y el Popol Vuh. libro sagrado de los indiosquiché.generalmente de animales mitológicos. estaba fortificada con murallas de sillares poligonales. como el Camino Real de las Montañas. destacando su magnífica colección debronces. transcripción de obras jeroglíficas sobre tradiciones orales. Los objetos en bronce aparecen en África occidental y meridional alrededor del siglo X. Por último. el islamismo se expandió con fuerza por todos los países del Magreb. en Etiopía. construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula. En los Andes floreció el arte inca. introduciéndose el cristianismo en el siglo IV. de cultura yoruba. con adelantados procedimientos metalúrgicos. cerámicos y textiles. especialmente en Etiopía. surgido igual que el azteca en el siglo XIII. con puertas y ventanas de forma trapezoidal. entre los siglos XV y XVI. El África subsahariana. y composiciones poéticas. Cuzco. abarcando los actuales Ecuador. a menudo con jeroglíficos. Gran Zimbabue. destacó su cerámica y arte textil. Al igual que los romanos desarrollaron Machu Picchu. Sus primeras manifestaciones artísticas. Los toltecas (siglos VII-VIII). estuvo más aislada. de gran naturalismo. Al parecer. Bolivia. como se puede apreciar en el drama en África El norte de África tuvo más relación con el arte europeo y asiático.59 La literatura precolombina era predominantemente oral. En Zimbabue floreció la cultura Iglesia de San Jorge. En Perú. una notable arquitectura e ingeniería civil. serpientes. de figuras masculinas con una característica barba puntiaguda. Sus edificios eran rectangulares o circulares. no han llegado hasta nosotros. en materiales perecederos. En lengua maya destacan los libros de Chilam Balam.60 se desarrolló algo parecido al teatro. Los primeros vestigios son tallas en madera. Perú.61 . amurallado y con un ancho de 9 metros. fue una de las ciudades iglesias talladas en la roca de más grandes de toda África. cosmológico y adivinatorio (Códice Borgia). fue la única cultura precolombina donde lengua quechua Ollantay. la literatura inca está representada por una serie de obras de poesía religiosa. cuya capital. de 6000 kilómetros. En Bolivia destacó la ciudad deTiahuanaco. construyeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines.

principalmente cítaras y laúdes. . junto a dramas de tipo mitológico sobre la cosmogonía hindú. destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica. dha. Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodo perviven los estilos anteriores. género inicialmente de signo elitista. En esta época destacaron dos modalidades principales: el mahanataka (gran espectáculo). conjunto de poesías sobre el concepto indio de la vida. destacando el Rajatarangini de Kalhana (hacia 1150). con acompañamiento de diversos instrumentos. ga. en que un actor recita el texto principal mientras 64 otros lo escenifican con ayuda del mimo y la danza. para marcar el ritmo. destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin (o Bodhisattva de la Misericordia). Deogarth. medio (madhya) o rápido (druta). Por último. el poema épico es heredero del Rāmāyana. así como los bodhisattvas (místicos budistas). autor de Malatimadhava. ri. El arte gupta se extendió por casi todo el Deccán: los Chālukya lo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi (550-750). Tenían siete notas (svaras): sa. el Naradiya-siksa de Nārada (siglo X) y el Samgita-Ratnakara de Śārngadeva (siglo XIII).62 La literatura india de esta época se realizó en diversas modalidades: el drama continuó con las epopeyas mitológicas. En pintura apareció el paisaje. La melodía se componía de varias estructuras de ciclos tonales (ragas). ejerciendo de guía durante la ejecución de la obra. los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días. Ellorā. La música fue en esta época predominantemente vocal. de Li Cheng (siglo X). la danza y la mímica. pa. Bodhagaya. como el de Udaipur. de 2. siglo XI). acentuando las formas brahmánicas. de temas históricos y mitológicos. destacando Bhavabhūti. En arquitectura la tipología principal fue la pagoda (Hua-yen.41 metros de altura. y «el edificio con tejado curvilíneo» (templo de Gujarāt).Asia India Arte gupta (siglos IV-VIII): en el Imperio gupta se expandió el budismo.65 China Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los periodos más florecientes del arte chino. que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo. destinado a reducidos círculos culturales. en espectáculos donde. También cabe citar al famoso Kama-sutra. se desarrollan nuevas tipologías que convirtieron los śikhara y los vimāna en representaciones arquitectónicas de los dioses hindúes. el kharaja (pedal) es un sonido mantenido que sostiene el centro tonal. con 22 grados microtonales (srutis). destacando los autores Narayana y Sivadasa. El tipo de santuario más Templo de Khajurāhō. La figura más representada siguió siendo Buda. por último. difundido es el śikhara. como en Bhubaneshwar y Kōnārka. sobre las grandes epopeyas indias. La arquitectura se divide en dos tipologías: «el edificio cubierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore. la poesía lírica está representada por las Sataka de Bhartrihari. A su vez. Sirpur). A estos estilos se les suele denominar «posgupta». en un nuevo género denominado mahakavya. con un fuerte sello de imaginación. Desafortunadamente. y sólo se conocen por copias. máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos. poemas de amor de tipo alegórico. Entre los siglos X-XI se produjo el arte de Khajurāhō. historia sobre el amor de dos jóvenes que ha sido comparada con Romeo y Julieta. en la parte nororiental de la India. cada raga está relacionado con un tala o medida de tiempo. y el dutangada. de carácter didáctico y aleccionador. Hsiangchi). Elephanta) y los templos al aire libre (Bhitargaon. la fábula se caracterizó por cuentos breves de aire popular. destacaban el canto. compilado en el siglo VI por Vātsyāyana. y los Pallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectónico-escultórico de Mahābalipuram. Destacan los grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantā. ma. con un arte caracterizado por el purismo formal. Se escribieron varios tratados sobre música: elBrihad deshi de Matamga (siglo VIII). como Templo budista en las colinas después de lalluvia.63 El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua. ni. que puede ser lento (vilambita). En Orissā. y la Gītāgovinda de Jāyādeva. que incluyen diversos ornamentos (gamakas). la armonía de proporciones y la idealización de la figura humana. así como de la escultura que los adorna.

Los poetas recitaban al ritmo de un laúd corto (p'i-p'a). Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apogeo el arte budista. o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. En arquitectura continuó la Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua . con fuerte influencia del arte chino. En época Yuan cobró relevancia el teatro. Japón Período Asuka (552-646): la llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético. Representación de un concierto de música tradicional También apareció un nuevo género. Era una música predominantemente tímbrica. de 26 cuerdas). China se abrió más hacia Occidente. En cerámica destacan dos tipologías: la cerámica de esmalte blanco de Ting-tcheu. destacando las pinturas murales del templo de Yonglegong (Shanxi). destacando Kuan-Han-K'ing y Po-Yeu-Fu. . con una armonía sencilla y elemental. En pintura continuó el paisaje. La época Tang fue la edad dorada de la poesía china. se produjo cerámica con nuevas formas y colores. especialmente los taoístas y budistas. con 68 dos escuelas: septentrional y meridional. en prosa destacó el tratado histórico Tsê-che T'ong-kien. Se desarrollaron especialmente las artes decorativas: se manufacturaron alfombras. con dos estilos: el septentrional. y la cerámica de esmalte rosa o azul de Kin-tcheu. Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda: Sho Kannon. Shōsoin de Nara. impregnada de tinta sobre seda o papel. mientras que en prosa se tendió a un estilo más simplificado. con instrumentos de viento y campanillas. como queda patente en el famoso viaje de Marco Polo. representante del estilo Kudara. de signo budista. En pintura proliferaron los temas religiosos. con especial representación de paisajes nublados. Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607). siglo VI). para definir la duración (tsao-man). con obras de gran originalidad. La poesía estaba íntimamente relacionada con la música (género ts'e). Dinastía Song (960-1279): época de gran florecimiento de las artes. y diversos juegos de cítaras (ch'in. como Nan-ch'ü (Cantos del sur) y Pei-ch'ü (Cantos del norte). verso y prosa. y se elaboraron obras de metalistería de gran riqueza. La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII) y por kakemonos y makimonos. En época Yuan surgieron los dramas musicales u óperas. nieto de Gengis Khan). Durante la dinastía Song apareció la imprenta detipos móviles (inventada por Bi Sheng). Se conservan pocos ejemplos de arquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji. representado por Han Yu y Liu Zongyuan. Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. historias pintadas en un largo rollo de papel o seda. templo de Tōdai-ji. de pinceladas rápidas. colores ligeros y diluidos. pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y coreanos (Kannon de Kudara. construcción de pagodas. flores e insectos. como la pagoda hexagonal de Kuo- Hsiang-Su (960). destacando Li Bai y Du Fu. de Zhao Mengfu. Durante la dinastía Song se popularizaron los espectáculos músico- teatrales. el pienhuen. La pintura denota un gran sentido deldibujo.66 La literatura china de esta época estuvo marcada por la continuidad respecto a la producción anterior. Wang Meng y Ni Zan. Buda de Tachibana. donde un coro cantaba el himno. Durante el reinado del emperador Hsüan-tsung (713-756) hay constancia de que existía en la corte una orquesta de unos 1300 músicos. con figuras de monjes o filósofos. con textos relatando las diversas escenas osutras.67 En este periodo se produjo la edad de oro musical china: destacaron los rituales confucianistas. y el meridional. un órgano soplado para el contrapunto. mientras que en poesía descolló San-K'iu. se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas. de dibujo preciso y colores nítidos. y artistas como Huang Gongwang. templo de Kōfuku-ji. Las primeras imágenes de Buda fueron importadas del continente. que han llegado hasta nuestros días. de 5 cuerdas. Apareció el grabado sobre madera. como elrelicario de Tamamushi. y sê. mezcla de china en el Museo Provincial deHubei (Wuhan). continuando con gran intensidad la influencia china. que favoreció la difusión de la literatura. música de la que nos han llegado composiciones como La última batalla de Hsiang Yü y Nueve canciones para Yüeh. como en Liu Yu-Hui y Su She. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca de Pekín. de Ssê Ma-kuang. Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origen mongol (su primer emperador fue Kublai.

también llamado del Fénix). Templo de Hōryū-ji. desarrollándose principalmente elretratismo y el paisajismo. el taiko (tambor japonés). antología de varios poetas.69 La literatura japonesa continuó con el influjo de la china. se caracterizó por su armonía y luminosidad. siendo centro de reunión de las clases dirigentes. La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspección psicológica. Cabe mencionar también la Escuela Kanō. Destacan el conjunto de cinco grandes templos de Sanjūsangen-dō (1266). escrita enwaka (composición de 31 Interpretación de teatronō en el sílabas). con tres personajes principales: el protagonista (waki). en movimientos rítmicos. Kongōbu-ji y santuario-pagoda de Muro-ji. destacando Sesshū. también hay que mencionar el monasterio de Zuiho-ji. en Nara. surgiendo dos corrientes: la música izquierda. frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual. que pretendía reflejar en los paisajes lo que significan. de origen indio y chino. de Kamo no Chomei. que se erigían en lugares apartados. La arquitectura se distinguió por su elegancia. y la música derecha. guerras feudales. más que lo que representan. La arquitectura era más sencilla. con colores brillantes. En época Heian hubo un renacer de las letras japonesas. Período Heian (794-1185): la iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevas sectas del continente: Tendai y Shingon. destacando la narrativa: Genji Monogatari (Relato de Genji). perfecta transcripción de la doctrina zen. Se construían según el modelo de los grandes palacios.71 En música la llegada del budismo comportó la influencia extranjera. el kakko (tambor chino).70 En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō. donde se exaltaba preferentemente la naturaleza. Los decorados son austeros. Predominó la técnica de la aguada. en Kioto. la influencia zen provocó el llamado estilo Kara-yo. es un clásico de la literatura nipona. donde la mayor producción fue en lengua china. Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): en este período floreció notablemente la pintura. Del período Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa (Ensayos en ocio). de tono a veces erótico. con una decoración muy desarrollada (monasterio de Byōdō-in. de Yoshida Kenkō. Adicionalmente. y cobraron importancia los objetos delaca y metal. menos lujosa y recargada. Durante el período Fujiwara (897-1185). sobre todo en poesía. con la figura más remarcada de Unkei (estatuas de los montes Muchaku y Seshin). de Murasaki Shikibu. Está caracterizado por una trama esquemática. que aplicó la técnica de la aguada a temas tradicionales. elgagaku se divide en sōgaku (música instrumental) ybugaku (música y danza). describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo. En pintura. 751). más funcional. pensados para la meditación: templos de Enryaku-ji. la aparición de la escuela de Yamato-e supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china. Su origen se sitúa en el antiguo baile kakura y en la liturgia sintoísta. de tema histórico o mitológico. La poesía de la época fue compilada en la antología imperial Kokinshu. el ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano soplado). anónimo. Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eranshōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («música graciosa»). que influyó poderosamente en el arte figurativo. el templo volvió a situarse en la ciudad. un monje itinerante y un intermediario. ambos provenientes de los períodos Nara y Heian. drama lírico-musical en prosa o verso. el hichiriki (oboe). Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon. destacando las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y el Pabellón de Plata.72 . el sô-no-koto (cítara). En el período Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes Gran Santuario Kasuga(Nara). y el Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes). Período Kamakura (1185-1333): en esta época se introdujo en Japón la sectazen. en cerámica destaca la de Seto. considerada más culta: tenemos así el Kaifuso (Tiernos recuerdos de poesía. el koma-bue (flauta). aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. La narración es recitada por un coro. de origen manchú y coreano. En escultura destacó la Escuela de Nara. Estas modalidades empleaban instrumentos como el biwa (laúd de cuello corto). autor de retratos y paisajes. Se desarrolló notablemente el arte de la jardinería. enmarcada dentro de la estética zen. el shôko (gong). reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado: Hojoki (Narración de mi cabaña). La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios.

la stūpa más grande del mundo. con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura. Destaca igualmente la decoración esculpida en relieve. donde la dinastía Sailendra adoptó el budismo. como en el uso de la bóveda de crucería. coronados por agujas inspiradas en jemer. construyendo el templo de Borobudur. en bulbo o en campana (templo de Ananda. con una torre-relicario (prang). con una arquitectura más vertical. Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya. Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco. contando con 1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. plasmada en una arquitectura armónica de sobria decoración. constatable en las stūpas con cúpulas de campana. Destacan las imágenes de Buda. las śikhara indias. En el siglo XII predominó la influencia jemer. Su principal manifestación es el magnífico conjunto de Angkor Wat (1113-1150). En las culturas autóctonas de la edad del bronce y del hierro —de las que se conservan escasos restos— se denota la influencia china. donde destacan las stūpas. siglo XII). que pueden ser de forma cilíndrica. Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china. Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia). como el templo de Vat Sri Sampet (siglo XVI). Su período clásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII). El período más floreciente se dio entre los siglos VII y X. En el siglo XV se introdujo el islamismo. sobre el que se realizaba la decoración. Arte indonesio: se recibió una primera influencia india —principalmente gupta—. Entre los siglos X y XV predominó nuevamente el hinduismo. principal realización delarte más pequeños. como los de Shwentar y Kidal. construidos con piedra caliza con abrazaderas de hierro. principalmente en Java.73 . destacando las estelas sepulcrales y las nuevas tipologías arquitectónicas. Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). cuya planimetría representa el universo. ciudadela-templo dedicado a Vishnú. cónica. introduciéndose el islamismo en el siglo XV. caracterizado por una arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas. con decoración en relieve. en bronce y pan de oro. como la mezquita de Sendang Duwur. destacando los monumentos funerarios (chandi). teniendo su apogeo entre los siglos VIII y XII.Sudeste asiático En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista. El templo central está rodeado de cuatro santuarios Templo de Angkor Wat. En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú (monasterio de Dông-Dương). siendo a partir del siglo VI que comenzará progresivamente la influencia india. como la de Sukhothai (siglo XIV). hemisférica. principalmente en Indonesia.

entre el año 900 y el 1600. En las islas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de casas megalíticas sobre plataformas de piedra. En Hawái se construyeron grandes templos (heiau). económico. En Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos. cabe destacar la construcción en la isla de Moái en Rano Raraku. los nuevos descubrimientos geográficos — especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial. Se produjo una gran diversificación cultural y artística: sólo en Melanesia. había más de 1000 grupos étnicos diferentes. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político. suponiendo el inicio del . Phan Rang pagoda de (Vietnam). islas Chatham). apareció un tipo de moneda de piedra compuesta por grandes discos con un agujero central. En Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra (latte). por ejemplo. que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo—nota 8 se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. Bangkok. social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo. Arte indonesio: templo de Borobudur (Indonesia). los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos. Son figuras de 4 o 5 metros. islas Kermadec. Shwedagon.74 Arte de la Edad Moderna El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno. En Yap (islas Carolinas). con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses. con grandes estatuas antropomórficas. En Nueva Zelanda. isla de Pascua de las famosas cabezas monolíticas (moái). relacionadas con danzas y ceremonias de tipoanimista o politeísta. así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). que se situaban sobre plataformas de piedra que servían de base a los templos (ahu) de culto a los ancestros. Arte thai: templo de Wat Phra Arte cham: templo de Po Arte birmano: Kaew. de las que se erigieron unas 600 Pascua. Rangún (Birmania). Por último. Oceanía En este periodo continuó la expansión polinesia hacia la periferia oceánica (Nueva Zelanda. Klaung Garai.

sobre todo a finales de siglo. Esta Uffizi (Florencia). metodología fue la que se impuso hasta el siglo XVIII. Rafael). Iglesia de Santa Maria Novella. diseñada Antonio da Sangallo (Palacio Farnesio). el Renacimiento se desarrolló sobre todo en Francia. En esta época cobró un por Leon Battista Alberti. como el uso de la perspectiva. a la vez que se potenció la luminosidad y la diafanidad de los espacios. de Sandro Botticelli. Basílica de San Lorenzo). Villa Madama. colonialismo. basado en la armonía y la proporción. reelaborados con un concepto más naturalista y con bases científicas: se recuperó el uso del arco de medio punto. en Alemania no llegó hasta mediados del siglo XVI. la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval. La estructura del edificio se basó en proporciones matemáticas. Basílica de San Pedro del Vaticano). desarrollado sobre todo en la construcción de palacios civiles. surgió así el llamado «jardín italiano». la cúpula de media naranja y los órdenes clásicos (dórico. que empezó a ser concebida mediante un diseño estructurado. caracterizado por el uso de paramentos . por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. el Renacimiento italiano —introducido por Aristotile Fioravanti— fue adaptado al estilo bizantino típicamente ruso. surgieron nuevos modelos de representación. Sin renunciar a la temática religiosa. Bramante. que se abrió a todo tipo de público. sobre estructuras todavía de signo gótico. dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo. la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura. considerándose las Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. jónico. con la obra de Philibert Delorme. el humanismo surgió como nueva tendencia cultural. en Rusia. mientras que en el Cinquecento el centro artístico pasó a serRoma: Bramante (San Pietro in Montorio. a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo. construido sobre terrazas con escalinatas (Jardín del Belvedere. para tener un componente más racional y mesurado. La belleza dejó de ser simbólica. que buscaban la perfección de las formas.nota 9 Renacimiento Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento). En España se desarrollaron varios estilos: el plateresco. en los Países Bajos la influencia italiana se denotó especialmente en la decoración. se expandió por el resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. apareciendo nuevas temáticas como la mitológica o la histórica. cuando el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística. corintio y compuesto). el bodegón e. siguió el erudito florentino era la biografía del artista. Estilo inspirado en la naturaleza. El método que El nacimiento de Venus (1485). Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano. La arquitectura recuperó los modelos clásicos. incluso. el desnudo. a la vez. en Inglaterra se produjo el estilo Tudor. como en la era medieval. en Florencia. progresivo auge la jardinería. caracterizado por la utilización del arco Tudor. de composición geométrica. o nuevos géneros como elpaisaje. como en el magnífico conjunto del Kremlin. la bóveda de cañón. cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno. El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI. En el Quattrocento destacó la arquitectura desarrollada en Florencia: Filippo Brunelleschi (cúpula de Santa María del Fiore. Leon Battista Alberti (San Andrés de Mantua). en Baviera. Fuera de Italia. con el castillo de Heidelberg y.

y Felipe Bigarny. con especial utilización de la «sección áurea» tras el estudio publicado por Luca Pacioli (De Divina Proportione. con un especial gusto por la forma monumental. Donatello (David. como el mármol y el bronce. genio polifacético que introdujo el sfumato o «perspectiva aérea». mientras que despuntó la obra de Miguel de Cervantes.almohadillados. 1509). mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por influencia flamenca. aguatinta. La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales. etc. contó con las figuras de Garcilaso de la Vega. como se demuestra en sus frescos de las Estancias del Vaticano. Michel de Montaigne. decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. apareciendo o perfeccionándose la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte. etc. grabado al buril. En esta época el mundo de las letras recibió un gran impulso con la invención de la imprenta por Gutenberg. con obras como La Virgen de las Rocas (1483). Con la invención de la imprenta se desarrollaron las artes gráficas. Juan de Juanes. Perugino. Los estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista. xilografía. surgiendo los primeros sistemas degramática en lenguas vernáculas (como la española de Elio Antonio de Nebrija) y apareciendo las primeras academias de lenguas nacionales. Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas: se desarrolló la ebanistería. fray Luis de León. Andrea Verrocchio y. La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados. género de la picaresca con el Lazarillo de Tormes (1554). influida por la italiana del stil nuovo. destacando especialmente los esmaltes y camafeos. al estilo de la antigua Roma. Ludovico Ariosto. Hans Holbein el Joven y Lucas Cranach el Viejo en Alemania. fuera de Italia. consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. Peter Vischer en Alemania. La Gioconda (1503). En el resto de Europa: Matthias Grünewald. Alberto Durero. Piero della Francesca. Luís de Camões. Otro nombre de relevancia fue Rafael. con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad. Baldassare Castiglione. Luca Signorelli. La tapicería destacó en Flandes. Entre los literatos de esta época destacan: Angelo Poliziano. y Pedro Berruguete. Andrea del Verrocchio. en busto o en figuras ecuestres. Botticelli. de Jesús. la nueva teoría que destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra consideración. Alejo Fernández. Pedro Machuca y Luis de Morales en España. Bartolomé Ordóñez y Damián Forment en España. Diego de Siloé). Andrea Mantegna. columnas abalaustradas y profusa decoración de grutescos (Alonso Covarrubias. Uno de sus principales exponentes fueLeonardo Da Vinci. embutidos de madera de varios tonos para producir efectos lineales o de ciertas imágenes. Michel Colombe en Francia.76 . hecho que propició el acceso a la literatura por un público más mayoritario. en prosa surgieron los libros de caballería (Amadís de Gaula. más preocupado por la estructura racional del edificio. Se utilizaban materiales nobles. con una perfecta ejecución pictórica. Quentin Metsys y Pieter Brueghel en Holanda. linograbado. Matteo Maria Boiardo. 1508) y se inició el Miguel de Cervantes. Benozzo Gozzoli. Otros artistas destacados fueron: Masaccio. con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Bernard van Orley. Pierre de Ronsard. Andrea del Castagno. Edmund Spenser. Erasmo de Rotterdam. Junto a la temática religiosa se desarrolló el retrato. Giovanni Bellini. Vicente Masip. Antonello da Messina. etc. grabado a media tinta o grabado a punta seca). La Última Cena (1495-1497). abandonando la decoración exuberante del plateresco (Rodrigo Gil de Hontañón. autor del inmortal Don Quijote (1605). François Rabelais. con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas. Paolo Ucello. Luca della Robbia. Pietro Bembo. 1409. sobre todo en Italia y Alemania. El vidrio se desarrolló notablemente enVenecia (Murano). Torquato Tasso. Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiberti.75 La literatura renacentista se desarrolló en torno al humanismo. San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Don Quijote (1605). aunque perduraron hasta el siglo XVI la elegancia curvilínea y la esbeltez de proporciones del gótico internacional. Fra Angelico. La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti. Tomás Moro. maestro del clasicismo sereno y equilibrado. 1455-1460). Ello conllevó a una mayor preocupación por la ortografía y la lingüística. basadas en proporciones matemáticas. En España comenzó una edad dorada de las letras. el gran genio de las letras españolas. especialmente la religiosa. La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo. Judit y Holofernes. Jacopo della Quercia. y el purismo. y. especialmente. Jacopo Sannazaro. que se prolongaría hasta el siglo XVII: la poesía. etc. destacando la técnica de la intarsia. Domenico Ghirlandaio. Se utilizó el fresco y el temple. Andrés de Vandelvira).

con lo que se empezó a editar música. de Donatello. del mismo autor. siendo considerado el primer coreógrafo de la historia. con obras más naturalistas. Pietro Aretino. de tal manera que muchos autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. en las tres dimensiones. creando espacios de efectos ilusionísticos. Cristóbal de Morales. espacio y tiempo). Pierrot. a la que siguió Euridice (1600). Hamlet de (1502-1510). Ben Jonson. Macbeth.79 Templete de David (c. A finales del siglo XVI nació la ópera. en pentagrama. 1597. Pantalone. con textos improvisados. Colombina. de Jacopo Peri. Thomas Kyd y. Apareció elmadrigal como género profano que aunaba texto y música. debida de nuevo al papel preponderante del ser humano sobre la religión. Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo. William Shakespeare. La primera ópera fue Dafne (1594). de Leonardo edición de Bramante Museo da Vinci. en 1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice. gran genio universal de las letras (Romeo y Julieta. de aspecto histórico. Carlo Gesualdo. y. Tomás Luis de Victoria.El teatro renacentista también acusó el paso del teocentrismo al antropocentrismo. con su gran obra La Celestina (1499).78 La danza renacentista tuvo una gran revitalización. especialmente. teoría introducida por Lodovico Castelvetro. Como compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus. en trompe-l'œil. Pulcinella (llamado en Francia Guignol). basándose en la Poética de Aristóteles. Se desarrolló sobre todo en Francia —donde fue llamado ballet-comique—. y dividió las estructuras cantadas enarias. tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. Se suele considerar que el primerballet fue el Ballet comique de la Reine Louise(1581). de la vida en movimiento. En 1498 Ottaviano Petrucci ideó un sistema de imprenta adaptado a la música. 1603. de Florencia. En Inglaterra descolló el teatro isabelino. Bargello. de (1503-1506). intentando reflejar las cosas tal como son. En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi. al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado. Se buscaba la recuperación de la realidad. William Shakespear e. la pavana y el tourdion.77 La música renacentista supuso la consagración de la polifonía. Museo del 1605. Lope de Rueda y Fernando de Rojas. La Gioconda Frontispicio San Pietro in 1440). La arquitectura adquirió un signo más efectista y de tenso equilibrio. siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médicis. sobre textos mitológicos clásicos. 1603. Hamlet. en 1607. así como el afianzamiento de la música instrumental. iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que. Surgió la reglamentación teatral basada en tres unidades (acción. Louvre. ( 1588). de la figura humana en el espacio. siendo la expresión paradigmática de la música renacentista. Pagliaccio. predominando la mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín. En torno a 1520 surgió en el norte de Italia la Commedia dell'arte. de la Montorio. Otelo. de Balthazar de Beaujoyeulx. cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. que iría evolucionando hacia laorquesta moderna. etc. Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas Orchesographie. Como principales dramaturgos destacaron Niccolò Machiavelli. destacando el polifacético . Bartolomé Torres Naharro. en forma de historias bailadas. Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. 1606). Manierismo Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolución de las formas renacentistas. en dialecto. con autores como Christopher Marlowe. donde añadió una introducción musical que denominósinfonía. Las principales modalidades de la época eran la gallarda. elmanierismonota 10 abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo. Giovanni Gabrieli.

predominando la expresión sentimental del artista. Otros importantes escultores fueron: Baccio Bandinelli. Veronese. Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù). con figuras estilizadas. Giorgione. Miguel el Greco. David (1501-1504). Jacopo Bassano. seguido de Bronzino. tuvo su máxima realización en el Monasterio de El Escorial. deformando la realidad. etc. El Greco. etc. y Alonso Berruguete. (1513. San Giorgio Maggiore de Venecia. autor del ábside y la cúpula de San Pedro del Vaticano. de fuerte sentido expresionista. estilo sobrio y sencillo. Juan Pantoja de la Cruz y. de (Florencia). fuera de Italia. Destacó en primer lugar —como en las otras artes— Miguel Ángel (autor de la decoración de la Capilla Sixtina). especialmente. Ángel. La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso. de El entierro del Palladio. Tiziano. Galería Uffizi Conde de 1515). Jean Goujon y Germain Pilon en Francia. en posiciones violentas y actitudes dramáticas. Juan de Juni y Gaspar Becerra en España. de acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba.artista Miguel Ángel. Tiziano. Alonso Sánchez Coello. artista 80 excepcional creador de un estilo personal y único. de Andrea Moisés Venus de Urbino (1538). Moisés (1513-1515). Hubert Gerhard en Alemania. Giuseppe Arcimboldo. etc. En España destacaron Juan Fernández de Navarrete. como vemos en la Basílica de Vicenza. Correggio. atmósferas efectistas. Villa La Rotonda. forma sinuosa y estilizada. Cabe mencionar a Maarten van Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Países Bajos. En Francia surgió la notable Escuela de Fontainebleau. y. la Villa Capra (llamada la Rotonda). con un arte donde se deforma la realidad a capricho. con perspectivas distorsionadas y Galería de la Academia. extravagante. Pontormo. Andrea del Sarto. Florencia. Descuella nuevamente la obra de Miguel Ángel. con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada: Piedad (1501). Benvenuto Cellini. y Andrea Palladio. La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI. En España se produjo la arquitectura herreriana (por Juan de Herrera). Sepulcro de los Médicis (1520-1534). creador de un estilo propio (paladianismo). Tintoretto. y Bartholomeus Spranger en Alemania. in Vincoli. Parmigianino. Orgaz (1587). Barroco . Giambologna y Jacopo Sansovino. iglesia de iglesia de Santo Tomé San Pietro (Toledo). Adriaen de Vries en Flandes. con gusto por la David (1501-1504). de formas simples y desnudas de decoración. de Miguel Ángel.

etc. Nicolas Poussin. de signo más parlamentario. En España. Pedro de Mena. Aparte de estas corrientes. En Italia destacó nuevamente Bernini. Alonso Cano. En el terreno de las artes industriales. por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. También destacaron la tapicería. autor de las iglesias de San Carlo alle Quattre Fontane y se tenía del oficio de pintor. marfil) o viceversa. mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo churrigueresco (por José Benito Churriguera). fue un alegato de conocemos hoy día (columnata de la Plaza de San Pedro. y el reloj de péndulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau. Claude Lorrain. etc. En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII). Frans Hals). La rendición de Breda. Juan de Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo. Domenichino. Palacio de Versalles. creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre. de Christopher Wren. con Juan Gómez de Mora como figura destacada. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso. 1630. con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas. ornamental. frente a la condición de San Andrés del Quirinal. Francisco Ribalta. Francisco Salzillo. Venus del espejo. Sant'Ivo alla Sapienza. La escultura adquirió el mismo carácter dinámico. 1656. En Francia. el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia: Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus Las Meninas (1656). En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Londres. destacando dos escuelas regionales: la flamenca (Peter Paul Rubens. y los países protestantes. baldaquino de San Pedro. asumió unas formas más dinámicas. 1657). Filippo Juvara y Guarino Guarini. hubo infinidad de escuelas. la arquitectura acusó en la primera mitad del siglo XVII la herencia herreriana. Anton Van Dyck. que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Juan Martínez Montañés. estaño) sobre materiales orgánicos (carey. con gusto por lo sorprendente y anecdótico. con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes.81 . Al igual que en la época anterior. la cerámica y el vidrio —que cobró relevancia enBohemia—. Francesco Borromini es otro simple artesano que hasta entonces gran nombre de la época. Las Meninas. En España perduró la imaginería religiosa de herencia gótica. en Versalles. sinuoso. que llegó a cotas de altísima calidad sobre todo en Francia. también destacaron Pietro da Cortona. Andrea Pozzo. Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652). se iniciaron una serie de construcciones de gran fastuosidad: fachada delPalacio del Louvre. la figura del pintor como artista inspirado. Guido Reni. caracterizado por el exuberante decorativismo y el uso decolumnas salomónicas(Retablo Mayor de San Esteban de Salamanca). la orfebrería —especialmente las «piedras duras» en Florencia—. destacaron Pietro da Cortona. Las hilanderas. 1650. Orazio y Artemisia Gentileschi. de Velázquez mejores exponentes. Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674). Jacob Jordaens. Pieter van Laer. y el clasicismo. Adam Elsheimer. En Austria destacó Johann Bernhard Fischer von Erlach. poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. Palacio Chigi-Odescalchi). Hyacinthe Rigaud. englobando a Annibale Carracci. donde se afianzó el estadoabsolutista. con una base naturalista pero deformada a capricho del artista. Cobró relevancia la modulación del espacio. de Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. de estilo decorativo y predominio de la pintura mural. y la holandesa (Rembrandt. Alonso Cano. Georges de La Tour y los hermanos Le Nain. Luca Giordano y Charles Le Brun. destacando Gregorio Fernández. La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo. madreperla. En España destacó la figura excepcional de Diego Velázquez (La fragua de Vulcano. así como José de Ribera. El arte se volvió más refinado y ornamentado. con preferencia por las curvas cóncavas y convexas. etc. estilos y autores de muy diverso signo. surgiendo una división entre los países católicos contrarreformistas. gracias a la obra de André-Charles Boulle. siendo el principal artífice de la Roma monumental que (Museo del Prado). destaca especialmente la ebanistería. 1635. autor de obras como Apolo y Dafne (1622-1625). Frans Snyders). destacando el movimiento y la expresión. expresivo. bajo unas líneas clásicas. autor de la Iglesia de San Carlos Borromeo en Viena. En Francia destacaron François Girardon. Jan Vermeer. Entre sus obras destacan las dos cómodas del Trianón. Francisco de Zurbarán. Guercino.El barroconota 11 se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. basado en la estricta realidad natural. bajo el reinado de Luis XIV. Baldassare Longhena. con gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—. de Louis Le Vau y Claude Perrault. Antoine Coysevox y Pierre Puget. La arquitectura. Giovanni Lanfranco. donde cabe citar a Caravaggio.

En la música religiosa nacen el oratorio y la cantata. andante. Andreas Gryphius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper von Lohenstein. representado por Francisco de Quevedo y Chacón. ñaque. etc. soprano). cómico. adagio. primer lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser representada en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro di San Cassiano. garnacha. metafórico. Jacques-Bénigne Bossuet. principalmente. con un tono clásico. Fuenteovejuna. El alcalde de Zalamea. 1615. zarabande. Georg Friedrich Haendel. Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres partes (aria da capo). Fue patrocinada especialmente por Luis XIV. la danza barroca (ballet de cour) hizo evolucionar la música instrumental. Henry Purcell. En esta época la música alcanzó cotas de gran brillantez. Johann Pachelbel. Comenzó el gusto por las voces solistas. sonata. Con la sonata nacieron los nombres de velocidad:allegro. etc. 1636. Jean de La Fontaine. concierto. siguiendo las tres unidades de Castelvetro. zapateado. donde intervino el rey caracterizado de sol). gigue. creador de la danse d'école. etc. los volúmenes móviles. que transmitió la Baltasar Gracián. distinguiéndose: bululú. Marc-Antoine Charpentier.82 Góngora. 1651). Entre las grandes figuras de la música barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi. Arcangelo Corelli. desvinculándose plenamente de la voz y el texto. Su estilo era suntuoso y recargado. Angelus Silesius. Tommaso Albinoni. polonaise. la estructura variada y contrastada. chacona. Heinrich Schütz. donde destacaba la belleza formal. Johann Sebastian Bach. En España también se dieron diversas modalidades de danza:seguidilla. Juan Ruiz de Alarcón y. siguiendo el tono ornamental característico del Barroco. Cyrano de Bergerac y Madeleine de Scudéry. donde predominaba el ingenio. La escenografía era más recargada. y el conceptismo. donde el siglo XVII sería denominado el Siglo de Oro. En Inglaterra destacó la obra poética de John Milton (El paraíso perdido. passepied. vivace. En España el teatro era básicamente popular («corral de comedias»). basada en la ineluctabilidad del destino. En España. con un estilo suntuoso. 1653. Se caracterizó especialmente por la utilización del bajo continuo. Jean-Baptiste Lully. representantes del clasicismo francés. la primera (Martin Opitz. En un primer momento se produjeron diversas corrientes: el eufuismo en Inglaterra (John Lyly. recargada. los acordes violentos.84 En Francia. liderado por Luis de Góngora. sinfonía). rigaudon. con proliferación de Portada del Manuscrito latinismos y juegos gramaticales. la ornamentación exagerada. gangarilla. En ópera destacó la escuela veneciana. que convirtió la danza en grandes espectáculos (Ballet de la Nuit. Georg Philipp Telemann. el preciosismo en Francia (Vincent Voiture). François de Malherbe. gavotte. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp. la agudeza. 1667). 1618) y Pedro Calderón de la Barca(La vida es sueño. bourrée. Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen) en Alemania. Las principales tipologías fueron: minuet. sueño o mentira. de melodía única pero con una rítmica adaptada a la danza. con un lenguaje muy adjetivado y metafórico. el marinismo en Italia (Giambattista Marino).83 La música barroca destacó por el contraste. Destacan Pierre Corneille. A finales del siglo XVII. bojiganga. con múltiples significados en pocas palabras. el primer sistema pedagógico de la danza. principalmente las agudas (tenor. surgiendo las formas instrumentales puras (suite. mientras que la música coral triunfó especialmente en el mundo protestante. Lope de Vega (El perro del hortelano. farándula y compañía. La ópera barroca destacó por la escenografía complicada. jota.85 . apareciendo el fenómeno de los castrati. con una personal tipología. Robert Greene). ornamentada. sección instrumental grave que sostenía ininterrumpidamente la parte melódica superior. con un lenguaje conciso pero obra poética de Luis de polisémico. En España nacieron la zarzuela y la tonadilla como manifestaciones de la música popular. más clasicista. primer centro operístico del mundo. simplificando los argumentos y haciendo óperas más cultas y sofisticadas. con una visión de la vida planteada como lucha. Nicolas Boileau-Despréaux. Destacaron Tirso de Molina. Antonio Cesti. etc. tocata. con autores comoFrançois de la Rochefoucauld. la escuela napolitana introdujo un estilo más purista. fandango. cambaleo. donde todo es fugaz y perecedero. presto. se produjeron dos corrientes: el culteranismo. etc. La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo. Georg Friedrich Haendel. creando en 1661 la Academia real de Danza. Más adelante surgió el clasicismo en Francia. Destacan Pier Francesco Cavalli. con cambios repentinos. allemande. Guillén de Castro. Jean Racine y Molière. En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia.

refinado. representado principalmente por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versalles. mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental: el parterre. sofisticación y elegancia. Franz Ignaz Günther y los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). 1639). La escultura tiene un aire grácil. o Bernini. y a finales con el neoclasicismo—. al «jardín italiano» sucedió el «jardín francés». así como el ambiente cultural de la Ilustración. pero con una perspectiva más larga. jardinería. especialmente el gusto por el arte oriental. de Pietro Bracci y Filippo della Valle. En Londres. con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental. destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social. (1648). En Italia cabe destacar la Fontana de Trevi. Roma. 1633). que son llevados a un paroxismo de riqueza. destacan los jardines de Versalles (diseñados por André Le Nôtre) y Aranjuez. Hotel Biron de París). iglesia de Santa María de la Victoria. . de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. de Peter (1624. Museo del Gianlorenz Bernini. Prado. de Jean-Honoré Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Múnich). Baldaquino Éxtasis de Puerto con el embarque Las tres de San Santa Teresa de la Reina de Saba Gracias (1636- Pedro (1647-1651). En Alemania tenemos la presencia de Georg Rafael Donner. conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas. de Gianlorenzo Londres. de Claude Lorrain. Johann Balthasar Neumann Fragonard. de composición geométrica igual que el italiano. François de Cuvilliés (Pabellón de El columpio (1767). En Francia destacó la obra de Edmé Bouchardon. de formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños. Jean-Baptiste Pigalle y Étienne-Maurice Falconet. El rococó se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania. Se puso de moda lo exótico. especialmente por influencia de Bernini. Rococó Desarrollado en el siglo XVIIInota 12 —en convivencia a principios de siglo con el barroco. de National Gallery de Paul Rubens. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos. En España podemos reseñar a Juan Pascual de Mena y Luis Salvador Carmona. supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco. con cierta pervivencia de las formas barrocas. (Palacio Episcopal de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia de Wies). Colección Wallace. composición más simple. La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado.

Ignacio Luzán y José Francisco de Isla. Daniel Defoe. situado entre la tragedia y la comedia. Denis Diderot. En porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes. con un mayor contacto entre público y actores. con especial énfasis en el mobiliario. destacaron Benito Jerónimo Feijoo. Esta última tuvo una gran difusión. caracterizado por el eclecticismo. los tapices y los objetos de porcelana. En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la música sinfónica. proyecto iniciado con L'Encyclopédie de Diderot y D'Alembert y que supuso la consagración del racionalismo a nivel filosófico. Carl Philipp Emanuel. Pierre-Augustin de Beaumarchais y Voltaire. Entre sus obras destacan: los Caprichos (1799). ya que. diminuendo). de aire cómico. y las escenas cortesanas de Jean-Antoine Watteau. como se ha señalado. algunos de ellos diseñados por Goya. En ópera. Voltaire. rococó. inventada por Aloys Senefelder en 1778. preferentemente de estilo oriental. También se desarrolló el drama. Jean-Jacques Rousseau. ganando gran auge el género del ensayo. decorativa. Canaletto. Cultivó tanto la pintura como el grabado. Las artes decorativas tuvieron especial relevancia. más ligera y sencilla. poniendo el acento en la idea de progreso del ser humano y su capacidad ilimitada. los espejos. Jonathan Swift. etc. François Boucher. destacando el sentimentalismo. Baldassare Galuppi). De entre los músicos de la época destacan los hijos de Bach: Wilhelm Friedemann. Alexander Pope. Los montajes solían ser más populares. empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena. con la primera gran orquesta moderna (40 instrumentos). que era más tranquila que la barroca. André Chénier. Diego de Torres Villarroel. dejando el teatro de estar reservado a Portada de L'Encyclopédie (1751). que evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un ciertoprerromanticismo. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippendale» (por Thomas Chippendale).La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en Italia (Giambattista Tiepolo. En 88 España. Francesco Guardi). La escenografía era más naturalista. que abandonó la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. Se desarrolló notablemente el interiorismo. el Abate Prévost. las sedas. En España se denotó la influencia francesa en una literatura crítica y especulativa.87 El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores. Sus principales representantes fueron Montesquieu. con delicados motivos ornamentales.89 . el siglo XVIII fue el de la Ilustración. con mezcla de elementos góticos. nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza. concepto que estableció el germen de la era moderna. La familia de Carlos IV (1800). Pierre de Marivaux. Figura aparte es el inclasificable pintor español Francisco de Goya. inventado en 1711 por Bartolomeo Cristofori—. Nicolás Fernández de Moratínse enmarca en la «comedia de salón» dieciochesca. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó la gradación sonora (crescendo. Al rococó en música corresponde la llamada «música galante». con base en Molière. junto a la culta aparece la «ópera bufa». Johann Christoph Friedrich y Johann Christian —este último introductor del piano en la música sinfónica. el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el lujo. Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Honoré Fragonard en Francia. sobre todo la de Sajonia y la de Sèvres. amable. pastorales o de la Commedia dell'arte. etc. atrayendo un mayor público. las Pinturas negras (1820). Al organizarse espectáculos más complejos. Johann Stamitz. iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach.86 A nivel literario. palladianos y chinescos. es considerado el primer director de orquesta. Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio. con influencia de la Commedia dell'arte (Niccolò Piccinni. pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista. En esta época apareció la litografía. contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia. las clases altas. Es de remarcar la fundación en esta época de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Española. Giambattista Vico. destinada a un público más popular. Su principal representante. pasando por el retratismoinglés de Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough. siendo igualmente de destacar sus cartones para tapices. El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814). En España adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara.

La escultura. y el Museo del Prado de Madrid. y la propiamente neoclásica. la Piazza del Popolo de Roma. consiguiendo autonomía propia como arte. como vemos en los postulados de Juramento de los Horacios(1784). En esta época la danza comenzó a independizarse de la poesía. la ópera y el teatro. muy influido por la escultura griega. Neoclasicismo El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas. de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff. pero despojada de excesiva decoración para distinguirse de la arquitectura rococó. Museo del Prado cerca de San (Madrid). destacando Jean-Philippe Rameau —creador de la opéra-ballet—. o la Ópera de Berlín. Voltaire. Mirabeau). de Leo von Klenze. Roma. más puras y austeras. también se enmarca en esta línea elneopalladianismo británico y estadounidense. A nivel popular. 1805-1807). de Juan de Villanueva. A la primera pertenecen obras como el Panteón de París. de Pierre-François-Léonard Fontaine(iniciador del llamado «estilo Imperio»). sobria y funcional. de líneas austeras y racionales.90 Basílica de Ottobeuren Fontana de Trevi (1732. para poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza. de Jacques-Germain Soufflot. Se empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet. Conviene David. identificados con la aristocracia. generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día. donde en 1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París. y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados. que trabajó para los papas y la corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus. 1762). junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann. en Rusia. el Walhalla de Ratisbona. En la nueva línea más racional puede mencionarse el proyecto urbanístico de lasTullerías. quien postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta. Museo del Louvre. A este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano.nota 13 La arquitectura neoclásica era más racional. de Jacques-Louis Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Boullée. Goya. Petersburgo. Antonio Canova. de lógico referente grecorromano. de Giuseppe Valadier. la primera academia de danza. de Pietro Bracci y (1800). el baile de moda fue el vals. de Francisco de palacio de Gatchina. y Bertel Thorvaldsen. Filippo della Valle. distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la de herencia barroca.La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia. en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó. mientras que en España surgió el flamenco. como Gaetano Vestris y Marie Camargo. Lafayette. de signo funcional y un cierto aire utópico.La familia de Carlos IV Interior rococó del (Baviera). Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza. tuvo como principales figuras a: Jean-Antoine Houdon. y formulando un vocabulario propio. de compás ¾. consagrado a la mitología y . retratista de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau.

la historia antiguas (Jasón con el vellocino de oro, 1803). Otros nombres destacables serían John Flaxman, Johann Gottfried
Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.

La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó
especialmente Jacques-Louis David, pintor «oficial» de la Revolución Francesa (Juramento de los Horacios,1784; La muerte de
Marat, 1793; Napoleón cruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene recordar a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-Paul
Prud'hon, Anne-Louis Girodet-Trioson, Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph Wright of Derby, Johann Zoffany, Angelika
Kauffmann, Anton Raphael Mengs, Joseph Anton Koch, Asmus Jacob Carstens, José de Madrazo, etc.91

Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos, algunos de los cuales perduraron a lo largo del siglo XIX: el estilo
Directorio surgió en Francia en la época del Directorio (1795-1805), caracterizado por las líneas sencillas, clásicas, sobrias, sin
adornos excesivos; el estilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica y de la Restauración, de donde pasó al resto de Europa,
sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia de temas exóticos y orientales; en
contraposición, el estiloBiedermeier alemán presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas. Estos estilos
influyeron en el isabelino español y el victoriano inglés, de aire burgués, dedicados al lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al
confort y la funcionalidad.

A nivel literario, a finales del siglo XVIII se produjo una vuelta a premisas clasicistas, con la pretensión de establecer un tipo de
literatura preceptiva, ordenadora, con una base ética e intelectual. Muchos de los autores de esta época estuvieron a caballo entre el
neoclasicismo y el prerromanticismo, destacando: Friedrich Gottlieb Klopstock, Christoph Martin Wieland, Henry Fielding, Laurence
Sterne, etc. En España, se denotó la influencia del clasicismo francés y los preceptos fijados por Boileau, destacando José Cadalso,
Juan Meléndez Valdés y Gaspar Melchor de Jovellanos, así como los fabulistas Tomás de Iriarte y Félix María Samaniego.92 El
teatro neoclásico tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, siendo su principal característica la
inspiración en modelos clásicos grecorromanos, seña de identidad de esta corriente. Destacan: Vittorio Alfieri, Richard Brinsley
Sheridan y Gotthold Ephraim Lessingy, en España, Leandro Fernández de Moratíny Vicente García de la Huerta.93

La música clásicanota 14 supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios del XIX la culminación de las formas
instrumentales, consolidadas con la definitiva estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio y la
serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores.
Nació el desarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema, cogiendo el ritmo o la melodía, pero
cambiando la tonalidad a través de la modulación. Evolucionó la música de cámara al desaparecer el bajo continuo, en distintos
formatos: dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc. La música clásica está representada principalmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang
Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck, Luigi Boccherini y Domenico Cimarosa. La ópera clásica era menos recargada que la
barroca, con una música austera, sin ornamentos vocales, arias limitadas, recitativo con acompañamiento orquestal, argumentos más
sólidos y personajes más verídicos. Destacan: Jean-Philippe Rameau, Christoph Willibald Gluck y, especialmente, Wolfgang
Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de la historia (Le Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flauta
mágica, 1791).94

El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y
su ballet d'action, que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y una
mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos
convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de
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ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto a estos.

Panteón de Perseo con la La muerte de Viriato (1806- Wolfgang
París (1757- cabeza de 1807), de José de Madrazo, Amadeus
1791), de Medusa (1800), Museo de Arte Moderno de Mozart.
Jacques- de Antonio Madrid.
Germain Canova, Museos
Soufflot. Vaticanos.

América
Desde el descubrimiento de América por Cristóbal Colón en
1492 hasta la independencia de los diversos países americanos
a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba y Puerto Rico en
1898) se dio el denominadoarte colonial, que fue un fiel reflejo
del arte efectuado en la metrópoli, desarrollándose los mismos
estilos artísticos que en el continente europeo, principalmente
el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Las principales
muestras de arte colonial se produjeron en los dos centros
geográficos de más relevancia en la era precolombina: México
y Perú.

La arquitectura se basó en las mismas tipologías de edificios
propios de la cultura europea, principalmente iglesias y
catedrales, dado el rápido avance de la labor de evangelización Catedral Metropolitana de la Ciudad de México
.
de los pueblos nativos americanos, pero también edificios
civiles como ayuntamientos, hospitales, universidades, palacios
y villas particulares. Durante la primera mitad del siglo XVI fueron las órdenes religiosas las encargadas de la edificación de
numerosas iglesias en México, preferentemente un tipo de iglesias fortificadas llamadas «capillas de indios». A mediados de siglo se
empezaron a construir las primeras grandes catedrales, como las de México, Puebla, Guadalajara, Cuzco y Córdoba. La arquitectura
barroca se caracterizó por una profusa decoración, que resultaría exacerbada en el llamado «ultrabarroco» (Fachada del Sagrario de la
Catedral de México). En Perú, las construcciones desarrolladas en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas características originales
que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y de columnas salomónicas (Iglesia de la
Compañía, Cuzco). En el siglo XVIII la arquitectura se orientó a un estilo más exuberante, otorgando un aspecto inconfundible al
barroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.

Las primeras muestras de pintura colonial fueron las de escenas religiosas elaboradas por maestros anónimos, como las imágenes de
la Virgen con el Niño. La producción artística hecha en Nueva España por indígenas en el siglo XVI es denominada arte
indocristiano. La pintura barroca recibió la influencia del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, como se puede apreciar
en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. A finales del
siglo XVI destacó la Escuela cuzqueña de pintura, representada principalmente porLuis de Riaño y Marcos Zapata. En el siglo XVIII
la principal influencia sería la de Murillo, y en algún caso —como en Cristóbal de Villalpando— la de Valdés Leal. Destacan
Gregorio Vázquez de Arceen Colombia y Juan Rodríguez Juárezy Miguel Cabrera en México.

En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso, en tallas exentas y retablos para iglesias,
confeccionadas generalmente enmadera recubierta con yeso y decorada con encarnación —aplique directo del color— o estofado —
sobre un fondo de plata y oro—. A principios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas locales, como la quiteña y la cuzqueña,
destacando la labor patrocinadora de la orden jesuita. En el barroco destacó la obra escultórica desarrollada en Lima, como la sillería
de la Catedral de Lima. EnBrasil destacó la obra del Aleijadinho.96

África
En esta época continuó la diversidad de estilos y
manifestaciones artísticas en el continente africano, debido a la
multiplicidad étnica y religiosa, y a las diferentes
organizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta estados
centralizados como Benín, Dahomey, el Congo y Ashanti. Los
principales materiales eran la madera, la piedra, el marfil, el
metal, la arcilla, pieles, plumas, conchas, etc. En las montañas
Drakensberg (Sudáfrica), los San (o bosquimanos) realizaron
miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII y XIX,
relacionadas con rituales chamánicos. En la región de Owerri
(Nigeria) se construyeron una serie de edificios votivos
llamados mbari, decorados con pinturas y esculturas. En Malí
destacaron las construcciones en adobe, como la Gran
Gran Mezquita de Djenné, Malí.
Mezquita de Djenné, datada inicialmente del siglo XIII pero
reconstruida varias veces. En Ashanti (actual Ghana)
adquirieron notoriedad los tejidos llamadoskente, de algodón o seda, decorados con motivos geométricos.

La escultura fue la principal actividad artística en el continente en general, caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva,
que llegó a influir en el arte de vanguardia europeo cuando el colonialismo favoreció la creación de museos etnológicos que llevaron
las obras de arte africanas por toda Europa. En Benín se hacían figuras de latón desde el siglo XV hasta el XIX. En Ashanti se dio un
estilo naturalista de pequeñas esculturas de metal (siglos XVII-XX). En la cultura yoruba (entre Nigeria, Benín y Togo) proliferaron
los relieves en madera tallada, como en las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olowe de Ise. Otras tipologías fueron: los
fetiches o «figuras de poder» (nduda), relacionadas con ritos ultraterrenales, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cuero o
plumas; los pfemba, dedicados a la maternidad, generalmente una mujer con un niño en brazos; y los mbulu-ngulu, relicarios
protectores. También se forjaron figuras en hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamaño natural, obra de Akate Akpele
97
Kendo (1860). Por último, destacaron lasmáscaras, destinadas a ritos de distinta índole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).

Asia

India

Durante este periodo se introdujo en la India el arte islámico. La invasión musulmana, que tuvo su culminación en el Imperio mogol,
provocó una gran convulsión en la sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tradicionales se añadieron elementos
característicos del arte islámico, con nuevas tipologías como la mezquita. Este sincretismo artístico se manifestó en construcciones
como las mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturas de Agra, sobre todo en al famoso Taj Mahal (siglo XVII). También se
desarrollaron la jardinería y la miniatura, ambas de influencia persa, y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las joyas
engarzadas (como el Trono de Aurangzeb).

El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el magnífico templo de Meenakshi (Madurai), así como en la escuela miniaturista
de Rajput, donde vivía una comunidad jainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occidente, plasmado en un conjunto de
templos y esculturas de mármol con incrustaciones de piedras de colores, decorados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la
escultura se realizó más en bronce que en piedra, destacando las representaciones del dios Śivá en actitud danzante; después serían

así como la expresión del rostro y los movimientos de o personaje.). trasladó la capital de Nankín a Pekín (1417). intelectual. en el norte. lacas. y el bharatanatyam. de signo naturalista y cierta opulencia. bengalí. con el mismo sello estilístico. que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad. En el género dramático destacó Anandarayamakhin. narración de tono erótico. en algunos casos. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras. télugu. muy ligera y de tonos brillantes. La pintura era bastante ecléctica. etc. con 24 posiciones básicas y otras combinadas). autor de Jiva. porcelana.99 los ojos (navarasya). en el centro de la generalmente en blanco y azul. Shen Zhou. especialmente ebanistería. etc. etc. más influida por la música árabe. En época Qing la poesía destacó por su . Yongle. de signo alegórico. rayastaní. paisajes (Gai Qi). destacando la riqueza de los materiales (balaustradas de mármol. la convivencia de ambas modalidades provocó una división en dos tradiciones musicales diferenciadas: la septentrional o indostánica. En arquitectura. La guitarra de Kao Ming y El pabellón de T'ang-Hien-Tsu. aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales. y la meridional o carnática. Wen Zhengming. mientras que la segunda era más austera. destacando en época Ming la producción teatral. maratí. El Palacio de la Suprema Armonía. etc. en el sur. cerámica en los tejados. y comenzó la decoración de vasijas de bronce en esmalte Ciudad Prohibida de Pekín. con gran riqueza decorativa. en la que se podría denominar una fase «barroca» del arte indio (aunque sin hacer paralelismos con el barroco europeo). La primera era más elegante. guyaratí. construyendo un Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida). y en el poema épico destaca el Ram-chari-manas de Tulsidas. En prosa destacó El mono. más conservadora de la antigua tradición. También destacó la porcelana. jade. y La ciruela del vaso de oro. y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala de la Suprema Armonía (con el trono imperial) y el Templo del Cielo. romántica. Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo (las llamadas chinoiseries). de Wang Shih-chên. Continuó igualmente la tradición en las artes aplicadas. La arquitectura de finales de este periodo evolucionó hacia formas cada vez más complejas. Dos de las danzas clásicas de la India que ejemplifican lo anterior son elkathak. También tenía importancia el maquillaje. surgiendo una literatura en hindi. basadas en los ragas. cloisonné. retornando a las antiguas tradiciones chinas. reelaboración del Ramaiana con gran pureza lingüística y estilística. dedicada a temas florales (Yun Shouping). La pintura de esta época era tradicional. donde los colores eran simbólicos. como en la obra de Lü Ji. Sin embargo. identificando al rol La música recibió igualmente la influencia musulmana. al tiempo que se edificaban nuevos templos y villas aristocráticas.característicos los retratos de guerreros y cortesanos. Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origen manchú. tejidos de seda. decorativa. religiosos (Wu Li). de Wu Cheng'en. con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilómetros. restauración— del recinto imperial. nandana (hacia 1700). en el arte supuso la continuidad de las formas tradicionales. drama alegórico que representa el alma humana como un rey encarcelado en su palacio (el cuerpo). tradición que llegó hasta el siglo XVIII. esmalte.100 China Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauración de una dinastía autóctona tras el periodo mongol.101 La literatura siguió siendo de corte tradicional. tamil. El teatro derivó en tiempos más recientes del antiguo dutangada —donde predominaba la danza y la mímica— en una nueva modalidad denominada kathakali. Taj Mahal.98 En literatura la principal particularidad de esta época fue el despunte de las lenguas vernáculas. etc. El tercer emperador de la dinastía. con obras como El círculo de tiza de Li-Hsing-Tao. se continuó la construcción —y.

de letra con acompañamiento musical.104 El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857). el laúd corto (p'i-p'a) y el tambor (pan-ku). costumbrista y con una sutil vena humorística. o acompañado de voz (kumi). Los letrados. Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. al tiempo que la música china llegó a Occidente. aunque durante este período se recibieron las primeras influencias de Occidente. tuvo un gran auge a partir del siglo XVII. destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin. con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. La 106 dicción era de tipo ritual. En la dinastía Ming destacó el compositor Wei Liang-fu. recopiladas en el Manual de música de Tsai Yü (1596).105 En teatro surgió la modalidad del kabuki. Durante la dinastía Qing surgió un nuevo tipo de ópera (ching-hsi).103 Japón Período Momoyama (1573-1615): el arte de esta época se alejó de la estética budista. Se construyeron grandes castillos y palacios: palacio de Fushimi.107 . Katsushika Hokusai. En la producción de laca destaca el nombre deHonami Kōetsu. principalmente.virtuosismo. y tonadas largas (ta-ch'ü). remarcando los valores tradicionales japoneses. como se observa en la obertura deTurandot. junto a la guitarra (san-hsien). Se tocaba solo. La narrativa era más humanista. La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto. creador de un nuevo estilo dramático con óperas de 30 actos (k'un-ch'ü). detectándose por vez primera el influjo occidental en la obra de Huang-Tuen-Hien. siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. más popular. Brooklyn Museum of Art. la escuela de Tosa continuó la tradición épica japonesa (Mitsuyoshi. con un primer centro productor en Arita. El koto. composición de 17 sílabas. También son características de esta época las casas de té (chashitsu). Nabeshima y Ko-Kutami. el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este período artístico se corresponde con el histórico de Tokugawa. con dos vertientes: tonadas breves (hsiao-ch'ü). generalmente en chino. El instrumento principal era la flauta travesera (ti). desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas). la más famosa novela de amor china. con diversas variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi). como se puede percibir en P'u-Song-Ling y Ts'ao-Sine-K'in. mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe. con acompañamiento de violín de una cuerda (hu'chpin). de Carl Maria von Weber (1809). con influencia del arte chino y coreano. La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de los primeros centros de producción. representada principalmente por Rai Sanyo.102 La música siguió las tradiciones anteriores. que adquirió gran vitalidad. así como la escuela de Ukiyo-e. Mitsunori). En el siglo XIX destacó el novelista Takizawa Bakin. En poesía. En ese periodo comenzó la influencia occidental. su principal artista es Nonomura Ninsei. como se aprecia en la obra de Nueva York. Utagawa Hiroshige). centradas en la naturaleza y el paisaje. destacan las escuelas de Kakiemon. En este período se produjeron las primeras porcelanas. el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13 cuerdas). Saikaku Ihara. representando según el color diversos personajes o estados anímicos. En pintura. De esta época destacan las tonadas para cítara. es una novela de tono satírico. de Utagawa La literatura evolucionó hacia un mayor realismo. Continuó el género de la waka. La música fue en esta época principalmente de cámara. autor de Satomi Kakkenden (Vidas de ocho perros). en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. Los edificios más importantes son el mausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de Katsura en Kioto. puramente instrumentales. que destacó por la representación de tipos y escenas populares (Kitagawa Utamaro. la principal modalidad es el haiku. en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje. generalmente de tono bucólico. Así como el nō era de tono aristocrático. que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza. con decorados donde destacaba la composición cromática. de tipo profano. autor de Hong-leu-mon. Se desarrolló notablemente la pintura. de Wu-Ching-Tzu. destacando Matsuo Bashō. con partes cantadas y partes declamadas. castillos de Himeji y Osaka. Yosa Buson y Kobayashi Issa. mezcla de canto y recitativo. La puesta en escena era de gran riqueza. vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico. generalmente de tono Hiroshige.

la cultura. como se puso de manifiesto en laExposición de Londresde 1851. joyas.Oceanía El arte siguió siendo predominantemente indígena. de Rurutu (islas Australes). que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. y. una encima de otra. especialmente en Nueva Guinea (mai). esculturas. dios de la guerra hawaiano (British Museum). Surge el arte moderno como contraposición al arte académico. Londres. la industria. decoradas con motivos geométricos. el cual. frente al geometrismo del italiano y el francés. Viena. incrustaciones de conchas. etc. la preocupación por el entorno habitable. o el dios A'a. marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa—. infraestructuras. instrumentos musicales. piezas de madera. Barcelona (plan Cerdà). se influyen y se enfrentan. aunque se dieron los primeros contactos con la civilización occidental. Bruselas. con Casa de reunión melanesia. herramientas. Continuó la talla de figuras antropomórficas —principalmente deidades locales —. como los de Robert Owen o Charles Fourier. etc. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologías arquitectónicas.108 Arte contemporáneo Siglo XIX Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea. Madrid. En jardinería. con la incorporación de nuevos materiales como el hierro. la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel). Florencia. piedra o concha. apareció el llamado «jardín inglés» —que introdujo el concepto de «arquitectura paisajística»—. Viajero frente al mar de niebla Arquitectura (1818). También siguió la tradición de las máscaras. Kunsthalle de Hamburgo. los avances tecnológicos. dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados. En los viajes de James Cook por el Pacífico (1768-1780) reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos. Cobró cada vez mayor importancia el urbanismo. tribu de Irian Jaya (Nueva Guinea). Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema). que se tradujo en obras de saneamiento. defendía una mayor naturalidad en su composición. construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura. mayor atención a los medios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano. como la de Kukailimoku. armas. el acero y el hormigón. etc. En el terreno del arte. festivales económico-sociales que pretendían incentivar y difundir el comercio. muebles. se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX: París (plan Haussmann). Los asmat. interviniendo únicamente en una . en lo económico. tallados con figuras antropomórficas. Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron las exposiciones universales. Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución Industrial. por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo. situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad. de Caspar David Friedrich. que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. etc. En Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus». Después de unos primeros planteamientos de signo utópico. así como las churingas. comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad. En Australia continuó la tradición de las pinturas rupestres. que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen. En las islas Salomón se dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales.

lo exótico. Romanticismo Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos. Josep Puig i Cadafalch. la fantasía. y adquirió notoriedad el paisaje. Antoni Gaudí. Exposición de Londres de 1851. Viollet-le- Duc. en consonancia con los conceptos románticos de lo sublime y lo pintoresco (Regent's Park. diseñada por Alexandre Gustave Eiffel para la Exposición Universal de París (1889). etc. . el amor a la naturaleza. etc. Charles Rennie Mackintosh. como templetes o pérgolas. de la imaginación. de John Nash. Chicago (Illinois).serie de detalles ornamentales. Augustus Pugin. que cobró protagonismo por sí solo. principalmente la litografía y el grabado en madera. Barcelona. Familia (comenzado en 1882). Cobraron también importancia lasartes gráficas. de William Chambers). la locura. Lluís Domènech i Montaner. Entre sus principales artífices cabe recordar a: John Nash. Joseph Maria Olbrich. el neogótico. Otto Wagner. Home Insurance Templo Expiatorio de la Sagrada Building (1884). etc. los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad. junto a un elemento más oscuro de irracionalidad. la evocación ensoñadora. Se valoró especialmente la cultura popular. la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas. que produjo movimientos como el neorrománico.109 Torre Eiffel. el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—. o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—. de Joseph John Nash. Baron Jenney. Kew Gardens. Hector Guimard. Pabellón Real de Brighton (1815-1822). Paxton. Hendrik Petrus Berlage. Louis Sullivan). con nombres como Victor Horta. de atracción por elocultismo. de The Crystal Palace. el sentimiento. el sueño. el neobarroco. Henry van de Velde. En Estados Unidos surgió una nueva tipología de edificio.nota 15 que supuso una gran revolución en el terreno del diseño. el rascacielos. de de William Le Antoni Gaudí. A finales de siglo surgió el modernismo. así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado historicismo. Adolf Loos. fomentado por la denominada Escuela de Chicago (William Le Baron Jenney. Estilísticamente.

Victor Hugo. Nikolai Gogol. Guillermo Tell. el sentimiento. con un nuevo gusto por formas íntimas y subjetivas de expresión como lo sublime. A. Percy Shelley. Lord Byron. Aleksandr Pushkin.En pintura. Cabría citar en Francia Delacroix. Théodore Géricault. José de Espronceda. John Keats. Prosper Mérimée. En España destacaron Genaro Pérez Villaamil. destacando la figura del «genio» —el arte es la expresión de las emociones del artista—. Adam Mickiewicz. Rosalía de Castro. lo tenebroso.111 El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes nuevamente en el Sturm und Drang con Schiller (Don Carlos. En escultura prevalecen las formas neoclásicas. Caspar David Friedrich. Alessandro Manzoni. lo irracional. la predilección por temas oscuros y escabrosos. August Wilhelm von Schlegel. T. 1832). Gustavo Adolfo Bécquer. Surgió un nuevo género. Nathaniel Hawthorne. George Sand. Museo del Louvre. Johann Ludwig Tieck. Franz Pforr). a: François Rude. Bonaventura Carles Aribau. después de una fase prerromántica donde podríamos citar a William Blake y Johann Heinrich Füssli. Heinrich von Kleist. autor del relieve del frontón del Panteón de París (1830-1837). John Constable. Alfred de Musset. especializado en figuras de animales. Se amplía notablemente la orquesta. pues su registro. la exaltación de la naturaleza y del folclore popular. Fernán Caballero. 1808). Rudolf Schadow y Johann Heinrich Dannecker. Alexandre Dumas (padre). exaltando la música nacional y popular. Valeriano Domínguez Bécquer. destacaron Hubert Robert. Peter Cornelius. Nació la musicología como ciencia aplicada a la música. Jean-Baptiste Carpeaux. así como la crítica y la estética musicales. Walter Scott. Philipp Otto Runge. Heinrich Heine. principalmente Durero (Friedrich Overbeck. Alfred de Vigny. Posteriormente es de remarcar la obra de: Johann Christian Friedrich Hölderlin. Alphonse de Lamartine. de Eugène según las nuevas temáticas románticas. reinterpretadas La Libertad guiando al pueblo(1830). los nuevos sentimientos que en él anidan (lo sublime. Lord Byron. José Echegaray. Ugo Foscolo. Como en el resto de la literatura romántica. Giacomo Leopardi. Samuel Taylor Coleridge. Eugène Delacroix. son fiel reflejo de esa emotividad. Victor Hugo. El piano fue el instrumento de moda. E. Friedrich von Schlegel.110 La literatura del Romanticismo estableció la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo. París. James Fenimore Cooper. etc. Mariano José de Larra. Christian Dietrich Grabbe. y David d'Angers. etc. que evolucionó del neoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa. Exaltó la naturaleza. Juliusz Słowacki. el melodrama. el dramatismo. 1844). Edgar Allan Poe. etc. ligada al nuevo culto a la personalidad que se desarrolla en el romanticismo. la pasión. Antonio García Gutiérrez. así como el poeta inglés William Blake. Mary Wollstonecraft Shelley. Francisco Martínez de la Rosa. William Wordsworth. la intensidad de la pulsación. Domingo Faustino Sarmiento. y se popularizaron los espectáculos de variedades (vaudeville). Ramón de Campoamor. Washington Irving. el Duque de Rivas. destaca por el sentimentalismo. François-René de Chateaubriand. uno de los mejores poetas románticos. Sus mejores exponentes fueron: Georg Büchner. y . Jane Austen. Karl Friedrich Schinkel. el individualismo. Novalis. de la subjetividad y emotividad del artista. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Ralph Waldo Emerson. y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro. En un prerromanticismo —plasmado en el movimiento alemán Sturm und Drang— destacaron Johann Christoph Friedrich von Schiller y Johann Wolfgang von Goethe. En Alemania destacaron: Christian Daniel Rauch. lo patético). Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos. 1787. para poder satisfacer plenamente la expresividad del artista. Madame de Staël. Leonardo Alenza y Eugenio Lucas. José Hernández. Hoffmann. inspirados en el Quattrocento italiano y en el Renacimiento alemán. artista polivalente con gusto por lo espectacular. Joseph Mallord William Turner. Andrés Bello. Francesco Hayez. 1804) y Goethe (Fausto. José Zorrilla (Don Juan Tenorio.112 La música romántica se caracteriza como en el resto de las artes por el predominio del sentimiento y la pasión. Antoine-Louis Barye.

1870). La ópera romántica tuvo dos vertientes: la cómica —o bufa— y la dramática. ganando importancia el papel de la soprano —desde 1840 se puso de moda el do de pecho —. de La Marsellesa Heinrich Füssli. de Léo Delibes. Anton Bruckner. Arco de Triunfo de París. Johannes Brahms. las danzas folclóricas. En el aspecto teórico. Hector Berlioz. Franz Liszt.113 poesía. especialmente. Carl Maria von Weber. Detroit Institute of Théodore Géricault. y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. Robert Schumann. Vincenzo Bellini. 1865. Richard Wagner dio a la ópera cotas de gran brillantez. 1850. continuó la moda del vals. ampliando el vocabulario relativo a la danza. En esta época se desarrolló notablemente la ópera. Destacó por el brillo de sus voces. aparecido por vez primera en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831). 1845. de Johann La balsa de la Medusa (1819). 1882). muchas de las cuales sacó del olvido. También introdujo el baile sobre las puntas de los pies. Parsifal. Lohengrin. de Giacomo Meyerbeer. la coloratura. efectuando estudios de anatomía y movimientos corporales. con la pretensión de hacer una «obra de arte total» (gesamtkunstwerk) que aunase música. Giuseppe Verdi (Rigoletto. etc. Aida. Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú). en el que destacaron Maria Taglioni y Fanny Elssler. Se empezó a componer música puramente para ballet. la ornamentación. (1832). 1851. etc.114 La pesadilla (1781). Rude. escenografía. destacandoCoppélia (1870). Museo del Louvre. Jules Massenet. Gaetano Donizetti. principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes. filosofía. Georges Bizet y. Il trovatore. Franz Schubert. 1853. de Ludwig van Beethoven. de François Arts. Charles Gounod. ( annhäuser. Gioacchino Antonio Rossini. Destacan: Luigi Cherubini. Felix Mendelssohn-Bartholdy. Niccolò Paganini. destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis. La Traviata. Primera página de la Quinta sinfonía (1808). T La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares. En bailes populares. sobre todo en Italia. y aparecieron la mazurca y la polca. Realismo . Sus principales representantes fueron:Ludwig van Beethoven. donde recibió el nombre de bel canto. Frédéric Chopin. Johann Strauss. sobre los grandes dramas literarios románticos. 1853.aparecieron los primerosconservatorios. En Alemania. Tristán e Isolda.

En Gran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas. que era descrita en toda su minuciosidad y fidelidad al mundo real. de afán reformador. las hermanas Emily. Gustave Flaubert. Jean- François Millet. Honoré Daumier. se revalorizó el folclore y la música popular como portadores de ancestrales valores culturales de todos los pueblos. Destacó especialmente el teatro nórdico. atrezzo.115 La escultura se basó igualmente en el fiel reflejo de la sociedad. Àngel Guimerà. Ilya Repin y Marià Fortuny. Hans Thoma. Marcelino Menéndez y Pelayo.116 Con el teatro realista nació el teatro moderno. París. La literatura realista se opuso al subjetivismo romántico. Jules Verne y Arthur Conan Doyle. y la italiana de los Macchiaioli (Silvestro Lega. especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial. como si no se estuviese en un teatro— de André Antoine y su Théâtre Libre —donde por primera vez se iluminó sólo el escenario. Charles-François Daubigny. Heredero de las formas musicales románticas. Gustave Courbet. con descripciones temperamentales de los personajes. destacando Dante Gabriel Rossetti. Adolf von Hildebrand. la descripción minuciosa de la realidad. Museo de Orsay. George Eliot. los hermanos Agapito y Venancio Vallmitjana. que supuso el renacer de diversas regiones europeas hasta entonces poco destacadas culturalmente. Vicente Blasco Ibáñez. caracterizada por el uso de manchas (macchia en italiano. Anton Chejov. El autor es un «cronista». etc. Lev Tolstoi. Destacan: Max Klinger. principal evocador de la figura del proletario. Antonín Dvořák. Adelardo López de Ayala. ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico. con un cierto componente de denuncia social. A un periodo prenaturalista corresponden Eugène Scribe.Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad. que presenta de forma objetiva los hechos. Fiodor Dostoievski. Destacan figuras como: Honoré de Balzac. Guy de Maupassant. inacabadas. con cierto aire idealizado. esbozadas. Giosuè Carducci. el obrero como héroe moderno (El Pudelador. como las de Alexandre Dumas (hijo). Emilia Pardo Bazán. Emilio Salgari. Narcisse- Virgile Díaz de la Peña). que se inspiraban —como su nombre indica — en los pintores italianos anteriores a Rafael. con figuras como Björnstjerne Björnson. También destacan las novelas de aventuras y suspense. de ahí el nombre del grupo) de color y formas El Ángelus (1857). Emily Dickinson. Otros autores fueron:Frank Wedekind. La interpretación era más veraz. vestuario. dejando al público a oscuras—. Ricardo Bellver. de corte antiacadémico. 1884-1888). defendiendo la descripción rigurosa y detallada de la realidad. pues sentó las bases del que sería el teatro del siglo XX. de Jean-François Millet. que consideraba al artista como parte indisoluble de la sociedad. en paralelo al realismo sur gió el llamado nacionalismo musical. Aimé-Jules Dalou. no sólo en la temática y el lenguaje. así como en la recién surgida fotografía. Stendhal. Nikolai Rimski-Korsakovy Piotr Chaikovski en Rusia. con un elevado componente crítico. de gran prospección psicológica. Telemaco Signorini). Pedro Antonio de Alarcón. El principal formato realista fue la novela. Herman Melville. Maksim Gorki. Bedřich Smetana y . Ligado al realismo estuvieron dos escuelas paisajísticas: la francesa de Barbizon (Théodore Rousseau. Mark Twain. Henry James. Leopoldo Alas (Clarín). sino también en decorados. John Everett Millais y Ford Madox Brown. Benito Pérez Galdós. que destacó por un estilo naturalista que enfatizaba el aspecto cotidiano de la realidad. Alfred Tennyson. Destacaron figuras como: Mijaíl Glinka. August Strindberg y Henrik Ibsen. Joseph Conrad.117 En el terreno de la música. En pintura destacaron Camille Corot. Giovanni Fattori. Manuel Tamayo y Baus. Edward Burne-Jones. especialmente. con predilección por figuras de obreros y personajes marginales. con influencia de la filosofía positivista. Se puso énfasis en el naturalismo. Charles Dickens. Victorien Sardou y Eugène Labiche. siendo la obra artística un fiel reflejo de los condicionamientos sociales que envuelven al artista. Ignacio Manuel Altamirano. José María Eça de Queirós. Giovanni Verga. Aleksandr Borodin. Émile Zola. Constantin Meunier. Charlotte y Anne Brontë. marcada por un sentimiento panteísta de la naturaleza. etc. etc. Adolph von Menzel. como en la «representación antiteatral» —actuar como en la vida real. la descripción del mundo circundante. sin grandes gesticulaciones ni dicción grandilocuente. Modest Mussorgski. Mariano Benlliure y.

que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta la historia.118 En la danza. Gallery. Hizo ballets más largos. Ruggero Leoncavallo. Amilcare Ponchielli. Amadeo Roldán en Cuba. Karol Szymanowski en Polonia. 1903). el verismo italiano buscaba en igual medida reflejar la realidad. Londres. También en América surgieron las primeras escuelas nacionales: John Philip Sousa en Estados Unidos. Enrique Granados y Manuel de Falla en España. de Constantin de Dante Meunier. principalmente.Leoš Janáček en Checoslovaquia. mientras que en España surgieron la habanera y el chotis. La figura principal en la conformación del ballet ruso fue Marius Petipa. Tosca. Está representado por Arrigo Boito. Guillermo Uribe en Colombia. de hasta cinco actos. con argumentos más populares.119 Entierro en Ornans (1849). con deslumbrantes puestas en escena. Tate Artes de Bélgica. Isaac Albéniz. El cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895). destacando su colaboración con Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella durmiente (1889). Manuel María Ponce en México. A nivel popular. Representación de El cascanueces. Juan Bautista Plaza en Venezuela. con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski —y. donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez. Museo de Ecce Ancilla El Pudelador (1884- Orsay. donde los protagonistas son personajes corrientes. Próspero Bisquertt en Chile. Giacomo Puccini (La Bohème. 1896. Domini (1850). Impresionismo . 1888). el centro geográfico en cuanto a creación e innovación pasó de París a San Petersburgo. Madama Butterfly. En ópera. el baile más famoso de la época fue el cancán. Jean Sibelius en Finlandia. Carl Nielsen en Dinamarca. Edvard Grieg en Noruega. Museos Gabriel Reales de Bellas Rossetti. de Piotr Chaikovski. y Eduardo Fabini en Uruguay. en ambientes rurales y proletarios. convirtiendo el ballet en un gran espectáculo. en el Bol'šoj de Moscú—. 1900. Umberto Giordano y. de Gustave Courbet. posteriormente. Edward Elgar y Ralph Vaughan Williams en Gran Bretaña. París. Béla Bartók y Zoltán Kodály en Hungría. Heitor Villa-Lobos en Brasil.

los reinterpretaron de manera personal.Claude Debussy. ( 1928). Cuadro al que debe su papel de Auguste Rodin. Su principal representante. producen un efecto de composición. Surgió una nueva temática. Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro. de sugerencias. igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. Los burgueses de Calais.121 . la tímbrica. interiores con luz artificial. derivada de la nueva forma de observar el mundo: junto a los paisajes y marinas. Igual Impresión. Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que. a la que otorgó un aire onírico. París. Se deja al espectador la reconstrucción de una composición musical. con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. de intenso colorido. más que un determinado estilo. iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. Claude Monet. hecha a base de partes. Cabe mencionar como principales representantes a Édouard Manet —considerado un precursor—. Camille Pissarro. opuestos a las escalas habituales. abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el siglo XX. Maurice Ravel retornó a la expresión lineal. cono y esfera). volvió a la tonalidad estática. aparecen vistas urbanas y nocturnas. sol naciente(1872-1873). Frente a la melodía continua wagneriana. 1884-1886). aunque con notas y acordes algo fuera de contexto Bolero. Otra variante fue el divisionismo. que se colocan junto a otros de colores complementarios. 1894). surgido en Italia en ambientes de inconformismo social cercanos al anarquismo. aquietando la armonía y potenciando la textura. la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—. desarrollando la técnica del puntillismo. mendigos. observadas a larga distancia. el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo: Henri de Toulouse-Lautrec. en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo.120 En paralelo a la pintura. Sus principales representantes fueron Georges Seurat y Paul Signac. Así. partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas. que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico. etc. Otros representantes fueronPaul Dukas y Florent Schmitt. personajes de la bohemia. consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de colores puros. autor de escenas populares donde destaca la utilización de la luz. Paul Gauguin experimentó con la profundidad dando un nuevo valor al plano pictórico. valorando especialmente la luz. con colores planos de carácter simbólico. Giuseppe Pellizza da Volpedo y Gaetano Previati. autor de escenas de circo y cabaret esbozadas con rápidos apuntes del natural. que sentó las bases de la nombre el movimiento. Este estilo fue practicado principalmente por Giovanni Segantini. Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior. fusionándose en la retina del espectador en un nuevo tono. marginados. circo y music-hall. introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos. con pinceladas sinuosas y densas. los neoimpresionistas se preocuparon más de los fenómenos ópticos. Alfred Sisley. También destacó Medardo Rosso. de renovador fue en el terreno de la escultura el Museo Marmottan Monet. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza. escultura del siglo XX (El pensador. deformando la realidad. con largas pinceladas que. Esta técnica se caracteriza por la proximidad de colores descompuestos. la música impresionista hace primar la armonía sobre la melodía. Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador. 1880-1900. escenas de cabaret. e influyó en el futurismo italiano. de la que pretendían captar una «impresión» visual. Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo. rechazó el cromatismo tónico. la irregularidad rítmica (Preludio a la siesta de un fauno. que conduciría la escultura hacia la desintegración de la forma. En España podemos reseñar a Joaquín Sorolla. de Claude Monet.

la magia y los fenómenos paranormales. con un lenguaje evocador y sugerente. sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» (L'art pour l'art). París. de (1902). Pierre Österreichische Galerie Belvedere Bonnard. de armonías líquidas. difusa. con cierto primitivismo. con una composición algo ingenua y desestructurada. José María de Heredia y Charles Baudelaire. Vincent van Auguste d'Orsay. destacando su carácter polisémico. Destacaron Auguste Villiers de l'Isle-Adam. La belleza se alejó de cualquier componente moral.122 La literatura simbolista destacó por su esteticismo y decadentismo. Su principal vehículo de expresión fue la poesía. Stéphane Mallarmé. Frédéric Mistral. apreciable en la atracción por el satanismo. Algernon Charles Swinburne. Clase de baile Tarde de domingo en la isla Los girasoles El pensador (1875). Paul Verlaine. . Félix Vallotton y el escultor Aristide Maillol). Joris-Karl Huysmans. Anatole France. en la línea de la poesía simbolista. Paul Sérusier. etc. Gabriel Fauré innovó con un lenguaje sonoro preciosista. de Gustav Klimt. así como el grupo de los Nabis (Maurice Denis. el simbolismo otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia. Paul Claudel. dando importancia a los instrumentos solistas: La buena canción (1892). o la fascinación por el vicio y las desviaciones sexuales. minucioso y personal. Simbolismo Estilo de corte fantástico y onírico. que era elaborada. con preferencia por los temas míticos y las leyendas. Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren. llegando incluso a hablarse de «religión estética». simbólico. instintiva. Pinakothek. reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. surgiendo una «estética del mal». Gogh. Jean Moréas. Pierre Puvis de Chavannes. el Conde de Lautréamont. de Edgar de la Grande Jatte (1884). Ferdinand Hodler y Gustav El beso (1908). Múnich. Destacaron: Gustave Moreau. Dmitri Serguéievich Merezhkovski. convirtiéndose en el fin último del artista. Arnold Böcklin. Séraphine Louis. Tuvo un antecedente en el parnasianismo de Leconte de Lisle. destacando posteriormente autores como Oscar Wilde. con un sentido rítmico casi musical. el sexo y la perversión. así como en aspectos satánicos y terroríficos. poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños. de Degas. Klimt. destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico y trascendente. surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista. Neue Rodin. llevando la sensibilidad romántica a la exageración. Odilon Redon. Hizo una música estática. Instituto de Arte de Chicago. cuyos autores eran autodidactas.123 El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total» wagneriano.124 En música. sobre todo en el gusto por lo morboso y terrorífico. surgiendo la figura del «poeta maldito». Musée Georges Pierre Seurat. Grandma Moses). estuvo también el llamado arte naïf. Los escritores se apartan del mundo y las convenciones sociales. Lawrence Alma-Tadema. de influjo esotérico y teosófico. formalmente exigente. Ligado al simbolismo (Viena). sobre poemas de Verlaine. buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación. James McNeill Whistler. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo. Walt Whitman. Frente a ello. de (1888). que llega a vivir su propia vida como una obra de arte —como se puede apreciar en la figura del dandy—. aunque plenamente consciente y expresiva Henri ( Rousseau. Arthur Rimbaud.

En un llamado «posmodernismo»nota 16 se encuentran nombres como Isidre Nonell y Joaquim Mir. Júpiter y Sémele (1894. hecho que supuso un cambio en su El valle de los naranjos. para desembocar finalmente en elcubismo. René Lalique (orfebre). revistas. inaugurador de las letras modernas españolas con un lenguaje esteticista de gran riqueza formal. se suele vincular el modernismo a la obra del nicaragüense Rubén Darío. etapa fauvista (1900-1901) y en el simbolismo de la «época azul» (1901- 1904). 1895). el mosaico. etc. de Lawrence Aristide Maillol. de Oscar Wilde. con un estilo caracterizado por una temática naturalista de ambiente sombrío. que materializa su creación en el bosquejo de la obra. el moldeado en yeso.125 A ello ayudaron los nuevos procedimientos industriales. Más tarde se recibió la influencia del simbolismo. Otros exponentes fueron el cubano José Martí. Cobró especial relevancia el diseño. para ser luego reproducido en serie. el modernismonota 15 también se desarrolló en pintura. la impresión (libros. Gaspar Homar (ebanista). así como los españoles Salvador Rueda y Eduardo Marquina. Museo Gustave Alma-Tadema. que puede ser luego realizada por diversos artesanos. especialmente la carpintería. Con el mismo afán modernizador podemos situar también aquí la denominada . Biniaraix (Mallorca) trayectoria y su adscripción al arte de vanguardia. de Gustave (1888). París. Adrià Gual y Joan Llimona. Fernand Khnopff. México. el argentino Leopoldo Lugones y el colombiano José Asunción Silva. especialmente al cartelismo. Moreau. promovido por John Ruskin y William Morris. con artistas como Ramon Casas y Santiago Rusiñol. que permitían la fabricación en serie. la cerámica. la joyería. También tuvo especial relevancia el movimiento inglés Arts and Crafts («Artes y Oficios»). Moreau. el proceso creador del artista. el mexicano Amado Nervo. Modernismo En paralelo a la arquitectura. nuevo género artístico a caballo entre la pintura y lasartes gráficas. Aubrey Beardsley. aunque pronto se dedicó también a la divulgación de eventos y a la propaganda política e institucional. En escultura cabe mencionar a Eusebi Arnau. postales). practicado por el mismo Rusiñol y por artistas como Alexandre de Riquer. surgiendo una notable escuela en Cataluña. Louis Comfort Tiffany (joyero y vidriero). colección Schlossplatz. la pintura modernista estuvo muy ligada al mundo del diseño y la ilustración. En el resto de Europa.126 En literatura. Jan Toorop.Las rosas de Heliogábalo La noche (1902). Stuttgart. Koloman Moser (diseñador). de influjo simbolista. por su carácter ornamental. Josep Llimona y Miguel Blay. particular. así como hallamos la presencia de un joven Pablo Picasso. el peruano José Santos Chocano. que defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas tradicionales de fabricación. etc. como podemos ver en su (1901). Entre los diversos artistas dedicados a la pintura o el cartel conviene recordar aAlfons Mucha. la vidriería. estipulando que el arte debe ser tan útil como bello. Entre sus principales artífices destacaron Émile Gallé (ceramista y vidriero). de Santiago Rusiñol. que se adentró en el ambiente modernista alrededor del año 1900. ya que se basaba en un diseño realizado por un pintor o ilustrador . El modernismo. supuso una gran revitalización de las artes aplicadas. En su génesis fue determinante el aspecto publicitario del cartel. con una cierta influencia del impresionismo francés. etc. la forja.

Tiara con forma de gallo. así como negativo y positivo. concretamente la octava. que en 1835 inventó el negativo. Ramón Menéndez Pidal. En 1888 George Eastman lanzó la película de celuloide y el aparato Kodak. Pío Baroja. El Ángel Exterminador (1895). pronto la fotografía pasó a ser considerada una de las artes. Otro de los pioneros fueWilliam Henry Fox Talbot. frente al pesimismo por la pérdida de las últimas colonias españolas. MNCARS. a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. Fotografía En el siglo XIX apareció una nueva tecnología que permitía captar imágenes del natural. (Cantabria). que permitía sacar diversas copias de la imagen obtenida. pues la obra resultante podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen. destacando Jacinto Verdaguer y Joan Maragall. consiguiendo impresionar placas metálicas y fijar la imagen con un baño desal y mercurio. Ramiro de Maeztu.nota 17 Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones de Joseph Nicéphore Niépce. cementerio de Comillas Utile (1896). Hippolyte Bayard logró en 1840 la fotografía en positivo directo. etc. de Ramon Casas. sin embargo. Jacinto Benavente. pequeña cámara cargada con 100 clichés. Otro precursor. supuso un gran impulso en la renovación de la literatura española. Josep Llimona. litografía de Alfons Mucha. fue el creador del término fotografía. Destacaron autores como Ramón María del Valle-Inclán.127 La carga (1899). . Así. La primera fotografía en color fue obtenida por James Clerk Maxwell en 1861. Antonio Machado. de Biscuits Lefèvre- Madrid. diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen.Generación del 98 que. La construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre supuso un nuevo adelanto. John Frederick William Herschel. Miguel de Unamuno. de René Lalique. pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio. derivada de la labor de percepción. En Cataluña se dio el movimiento de la Renaixença. mientras que en Galicia el Rexurdimento contó con figuras comoManuel Curros Enríquezy Eduardo Pondal. especialmente en cuanto a contenido. e instantánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100 de segundo). en negativo sobre papel. la primera placa fotográfica en color A ( utochrome) no llegó a los mercados hasta1907. a través del principio de la cámara oscura. que logró la primera fotografía en 1816. Azorín. Pese a ser una realización puramente técnica. Juan Ramón Jiménez.

aunque posteriormente a todo tipo de eventos y a imágenes del natural. de Fox Talbot. ya que era un medio que no requería grandes cualidades personales. no al intelecto. La arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas tradicionales hasta los movimientos de vanguardia. efímera. Oscar Gustav Rejlander. ha cobrado especial relevancia el concepto de moda. Igualmente apareció la fotografía documental. el arte se dirige a los sentidos. siendo pioneros los álbumes de Excursions Daguerriennes (1841-1842) y. este tenía la pretensión de hacer fotografías con una composición de tipo pictórico. estructurado de forma más depurada y funcional. Igualmente. siendo las guerras de Crimea y de Secesión americana las primeras en ser retratadas. Étienne-Jules Marey. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto. Surgieron los primeros estudios y laboratorios fotográficos. Eadweard Muybridge. especialmente en cuanto a la plasmación de conflictos bélicos. André Adolphe Eugène Disdéri. buscando una mayor interrelación artista-espectador. También apareció la fotomecánica y las primeras publicaciones ilustradas. John Thomson. Ha cobrado gran importancia el urbanismo. fomentado por el nuevo aspecto consumista de la civilización occidental. simplemente el dominio de la técnica.128 Siglo XX El arte del siglo XX padeció una profunda transformación: en una sociedad más materialista. Hay una revalorización del arte activo. dedicados en principio sobre todo al retrato. del arte no comercial (arte conceptual. artístico fotográfico. que pretendían integrar el arte en la sociedad. Louis Désiré Blanquart-Evrard. environment). La fotografía supuso una gran A finales de siglo se empezó a considerar la fotografía como un revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y arte. con influencia del impresionismo. ya que es este último el que interpreta la obra. Pencil of Nature (1844). Jacob August Riis. de la manifestación espontánea. como primer libro ilustrado. de John Thomson. happening. que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una idea más racional del espacio. Isla Pagoda en la desembocadura del río Min(1870). Surgieron así los movimientos de vanguardia. más consumista. etc. una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. El Arquitectura siglo XX ha supuesto una pérdida del concepto de belleza clásica para Artículo principal: Arquitectura del siglo XX conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador.129 Fuente. de Marcel Duchamp. surgiendo el pictorialismo como primer movimiento el XX. Entre los fotógrafos más destacados del siglo XIX se puede citar a Gaspard-Félix Tournachon. a la vez que el auge de las comunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estudios de ingeniería aplicados a la arquitectura. pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. de la acción. el actual de concepto. apareciendo numerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mundo en imágenes. .A partir de entonces la fotografía se popularizó. con especial atención a las nuevas tecnologías y a su ubicación medioambiental. David Octavius Hill. Julia Margaret Cameron.

Aldo Rossi. el llamado «diseño científico y estructural» puso énfasis en las nuevas posibilidades de la técnica. acero. Denise Scott Brown). el neorracionalismo supuso en los años 1970 el retorno a las premisas funcionalistas. Álvaro Siza. caracterizado por la fragmentación. Pierre de Meuron. Rafael Moneo. Santiago Calatrava. Por último. representado por el grupo inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio. vidrio). Alvar Aalto. Erich Mendelsohn. Glenn Murcutt. Hans Poelzig y Fritz Höger. opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura. en los años 1980 se dio el deconstructivismo. Jørn Utzon. con grandes escalas. Luis Barragán. la arquitectura pop destacó el carácter urbano y las tipologías populares. etc. en los años 1960 apareció el high-tech. desde 1975 se ha desarrollado la arquitectura posmoderna. renunciando a la Pensilvania. basado en las posibilidades otorgadas por las nuevas tecnologías. Peter Eisenman. Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada Casa de la Cascada (1939). con nombres como Bruno Taut.130 . cabe reseñar la vertiente arquitectónica del constructivismo ruso. Frank Lloyd Wright. el proceso de diseño no lineal y la manipulación de las estructuras (Frank Gehry. Pero la principal tendencia artística del siglo XX ha sido el racionalismo (1920- 1950) —también llamado «estilo internacional»—. Richard Buckminster Fuller). En el neoplasticismo holandés tenemos la obra de Jacobus Johannes Pieter Oud. Pier Luigi Nervi. estuvo representado principalmente por Konstantin Melnikov. Peter Zumthor. Ieoh Ming Pei. aunque en ocasiones ha ido en paralelo a algún determinado movimiento artístico. aunque lo utópico de sus formulaciones impidió en muchos casos su realización material. Richard Rogers. Louis Kahn y Anne Tyng). como en el resto de artes plásticas: en los años 1950 surgió el denominado brutalismo en paralelo al expresionismo abstracto. representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. especialmente el uso de hormigón y las formas orgánicas (Félix Candela. Renzo Piano). estructuras flexibles y formas orgánicas (Kenzō Tange. caracterizado por las formas austeras. vidrio). donde se inició un programa ligado a la revolución que buscaba una arquitectura funcional que satisficiese las necesidades reales de la población. Zaha Hadid. Entre otros arquitectos contemporáneos conviene destacar igualmente a Jean Nouvel. Entre las últimas tendencias arquitectónicas se ha producido una gran diversidad de estilos y movimientos. etc. Ludwig Mies van der Rohe. La arquitectura del siglo XX ha tenido un desarrollo independiente del resto de las artes. Rem Koolhaas). El futurismo también tuvo alguna manifestación arquitectónica. representado por el grupo italiano Tendenza y el estadounidense Five Architects. Arata Isozaki). con sus luces de neón y su escenografía decorativista (Robert Venturi. Eero Saarinen. destaca la obra de Antonio Sant'Elia. entre los años 1960 y 1970 surgió el antidiseño. Le Corbusier. hormigón. que es igualmente sencillo y funcional. primando la estructura sobre el acabado (Alison y Peter Smithson. Gerrit Thomas Rietveld y Truus Schröder. Eliel Saarinen. basadas en la pureza del material. tomando como referencia los ambientes nocturnos deLas Vegas. Bear Run. Entre sus figuras sobresalen: Walter Gropius. Kishō Kurokawa). de líneas sencillas y funcionales. acero. Oscar Niemeyer. y materiales de orden industrial (ladrillo. el metabolismo japonés respondía a las necesidades de una sociedad masificada. José Luis Sert. que como en las otras artes se basa en el eclecticismo y la reinterpretación de estilos anteriores (James Stirling. Sverre Fehn. Frei Otto. Tenemos así la arquitectura expresionista. de en la razón. Jacques Herzog. Ricardo Bofill. tanto a nivel práctico como estético (Norman Foster. caracterizada por el uso de nuevos materiales y su fabricación en masa (ladrillo. ornamentación excesiva y otorgando gran importancia al diseño. basadas en formas geométricas simples Frank Lloyd Wright.

espacio (1913). Franz Marc. de Umberto Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen. se formó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner. de Le Jørn Utzon. también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. en Île Sainte- Hélène. Milán. Formas únicas de continuidad en el Destacan Henri Matisse. Fauvismo (1905-1908): primer movimiento vanguardistanota 18 del siglo XX. Expresionismo (1905-1923): surgido como reacción al impresionismo. André Derain. oceánico). Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista. llamado actualmente Biosphère. August Macke. deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. la mecánica cuántica). la relatividad de Einstein. obra de Corbusier. que es concebido de modo subjetivo y personal. Oskar Kokoschka) y la Escuela de . Erich Heckel. Raoul Dufy. asiático. Emil Nolde). Ludwig Mies van der Rohe. Otros exponentes fueron el Grupo de Viena (Egon Schiele. las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función. donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—. Boccioni. Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano. Albert Marquet. de Exposición Internacional de Chandigarh (1952). Barcelona (1929). Paul Klee). el fauvismo supuso una experimentación en el terreno del color. Karl Schmidt-Rottluff. reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico. los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo. que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Pabellón estadounidense de la Expo 67. ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski. de Richard Buckminster Fuller. Pabellón de Alemania para la Corte Suprema de Ópera de Sídney (1956). Galleria d'Arte Moderna. aplicándole valores emotivos y expresivos. Vanguardismo En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson. Montreal. independientes respecto a la naturaleza. Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James Ensor. Por otra parte.

la fantasía. síntesis de cubismo. En México tuvo su expresión en el muralismo de José Clemente Orozco. Anton Pevsner y Naum Gabo. Max Beckmann). Francis Picabia. a cambiar la vida. Lissitzky. Destacan Hans Arp. La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso. que denotaba además la interrelación entre las diversas artes. Chaïm Soutine). reivindicando la duda. Diego Rivera. con visión simultánea de los objetos. También se suele considerar como una derivación del expresionismo el grupo Nueva Objetividad (George Grosz. se produjo la génesis del arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad.París (Amedeo Modigliani. Oswaldo Guayasamín. mostrar la pureza del inconsciente. Una derivación del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay. como el collage. André Masson. y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía y el cine. el fotomontaje y los ready-made. Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción a los desastres de la guerra. Georges Rouault. Fue el primer movimiento que se proclamó con un manifiesto (redactado por Filippo Tommaso Marinetti). una gama de colores fríos y apagados. Alberto Giacometti y Alexander Calder. mostrando un concepto idealista y algo utópico del arte como motor de la sociedad. el purismo fue un movimiento poscubista (Amédée Ozenfant. Otto Dix. y Umberto Boccioni en escultura. Esto se traduce en un lenguaje subversivo. Constructivismo (1914-1930): surgido en la Rusia revolucionaria. La pintura surrealista se movió entre la figuración (Salvador Dalí. Kurt Schwitters y Marcel Duchamp. Carlo Carrà). etc. Una variante fue el suprematismo de Kasimir Malevich. lo absurdo de la existencia. destacando aspectos de la realidad como el movimiento. e influyó en la obra de Frida Kahlo. Constant Permeke. Yves Tanguy). futurismo y orfismo (Mijaíl Larionov. el azar. Igualmente. Pablo Gargallo y Julio González en escultura. René Magritte. Iniciado por Vasili Kandinski. sello distintivo de los futuros movimientos de vanguardia. organizando el espacio de acuerdo con una trama geométrica. Destacan Vladimir Tatlin. Marc Chagall. la velocidad y la simultaneidad de la acción. que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón. expresar sus sentimientos. que generan una serie de obras de estilo abstracto. Natalia Goncharova). y Georges Vantongerloo en escultura. así como el rayonismo ruso. el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte. Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz. el surrealismonota 19 puso especial énfasis en la imaginación. Albert Gleizes. junto a Georges Braque. El arte pierde todo aspecto real y de imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista. fue desarrollado por el movimiento neoplasticista (De Stijl). Jacques Lipchitz. en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición. y una nueva concepción de la obra de arte.132 . uno de los grandes genios del siglo XX. el mundo de los sueños. El futurismo aspiraba a transformar el mundo. Futurismo (1909-1930): movimiento italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del siglo XX. por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional. sino su mundo interior. Figuras individuales serían: José Gutiérrez Solana. Constantin Brâncuşi. fue un estilo comprometido políticamente que pretendía a través del arte realizar una transformación de la sociedad. como se percibe en su concepto de «escritura automática». con tendencia a la geometrización. Jean Metzinger. En escultura destacan Henry Moore. Paul Delvaux. con la introducción delcollage. Max Ernst) y la abstracción (Joan Miró. con figuras como Piet Mondrian y Theo Van Doesburg en pintura. Destacan en pinturaGiacomo Balla y Gino Severini. mediante una reflexión sobre las formas puras artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo. Le Corbusier). Surrealismo (1924-1955): con un claro precedente en la pintura metafísica (Giorgio de Chirico. Cubismo (1907-1914): este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista.131 Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías científicas. con una fuerte influencia del psicoanálisis. Cândido Portinari. En escultura destacaron Ernst Barlach. que ya se encargaban de plasmar la realidad. Juan Gris y Fernand Léger. así como Alexander Archipenko. David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo. donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte.

133 Informalismo (1945-1960): conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista. Jean Fautrier. Saint (Hertfordshire). de Eduardo Chillida. Fränzi ante una silla Retrato de Picasso Composición VII (Las Tres Family Group tallada (1910). En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto —también llamado action painting—. con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. y renunciando a su carácter revolucionario y la Creueta del Coll. como el arte de acción y el arte conceptual. Hans Hartung. el chorreado de pintura sobre la tela. transformador de la sociedad. de Juan Gris. de (1912). holografía. Mark Rothko. Incluye diversas corrientes como el tachismo. Franz Kline y Willem de Kooning. Modest Cuixart). láser. volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte. con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. Por último. de Henry Ernst Ludwig Instituto de Arte de Doesburg. el art brut y la pintura matérica. Lucio Fontana. Manolo Millares) y Dau al set (Antoni Tàpies. Louis. retornando a las formas clásicas del arte. Gracias) (1917). caracterizado por la utilización de la técnica del dripping. Madrid. sin carácter reivindicativo. En escultura cabe citar a Jorge Oteiza y Eduardo Chillida. informática. el rigor de unos sucede al exceso de otros. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock. Thyssen-Bornemisza. de Theo van (1950). Kemper Art Museum. Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que ésta fuese realista. Nueva figuración (1945-1960): como reacción a la abstracción informalista surgió un movimiento que recuperó la figuración. Museo Chicago. Entre sus figuras se puede mencionar a . Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte. aplicación preconcebida del color). renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura. Missouri. sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Stevenage Kirchner. donde cobra relevancia el soporte material de la obra. Últimas tendencias Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva. Surgió así el arte postmoderno. Mildred Lane Moore. y viceversa—. Es un arte eminentemente abstracto. donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen. aceptando su componente material y Elogio del agua (1987). composición. internet. etc. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofía existencialista y su visión pesimista del ser humano. El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material. hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte:video. y entroncaron con el movimiento beat y los angry young men. que asume el protagonismo por encima de cualquier temática o composición. Barcelona. Parque de estético. Jean Dubuffet. Destacan Georges Mathieu. donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos. En España surgieron los grupos El Paso (Antonio Saura. etc.

bien mediante el movimiento o los juegos de luces. ya sea . Donald Judd y Sol LeWitt. Con un precedente en el llamado New Dada (Robert Rauschenberg. Tom Wesselmann. fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. el más purista solamente dos minutos? de la conceptualidad. Niki de Saint Phalle. que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles. Nicolas de Staël y los miembros del grupo CoBrA (Karel Appel. Destacan Victor Vasarely. etc. Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición de nuevas tecnologías desde los años 1960 (televisión. no en el objeto. Don Eddy. destacaron en el pop art Andy Warhol. Claes Oldenburg. Arte conceptual (1965-1980): tras el despojamiento matérico del minimalismo. Kenneth Noland) el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que desembocaría en el arte conceptual. video. Arte cinético (desde 1950): también llamado op-art (arte óptico). que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas. la base sobre la que habría desarrollado la idea que. con un aspecto casi fotográfico. Dan Sandin. el cómic y los medios de comunicación de masas. la fotografía. con especial predilección por los materiales detríticos. queda plasmada en su fase inicial. Dennis Oppenheim). Robert Smithson. Bill Viola. del consumismo y la sociedad industrial. el environment. el ¿Por qué el proceso entre arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso Pilatos y Jesús duró mental de la creación artística. al contrario que el informalismo. En esta modalidad destaca no sólo su componente físico — la emisión de imágenes. Minimalismo (1963-1980): con un antecedente en la Nueva abstracción o Abstracción postpictórica (Barnett Newman. con un marcado componente de inspiración popular. Roy Lichtenstein. Judy Chicago) y el arte homoerótico (Paul Cadmus. con un gran componente de improvisación. James Rosenquist. Robert Mapplethorpe. Arte de acción (desde 1960): son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística. el body-art. El sound art (o audio art) se basa en el sonido. con el cuerpo humano como soporte de Cáceres. la performance. en escultura. que usa técnicas biológicas (Joe Davis. tomando imágenes del mundo de la publicidad. Yves Klein. Ralph Goings. Richard Estes. reducidas a un mínimo motivo. donde vendió el espacio vacío de una galería. Bernard Buffet. (Gilbert and George. Entre sus figuras destacan Joseph Beuys. sino el mensaje inherente a la imagen filmada. Jesús Rafael Soto. en el que además del artista interviene a menudo el público. especialmente en los efectos ópticos. etc. del que extraen —al contrario que en el pop art— su aspecto más desagradable. Richard Serra). Julio Le Parc. efecto de moiré). afirmando que el arte está en la idea. depurado al planteamiento inicial del autor. John Salt. famoso por sus figuras humanas enyeso. 1961). sino el proceso creador. el land-art. en escultura. Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante. caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad. Es un arte abstracto pero racional. Galería Iris Clert). Daniel Spoerri. que utiliza la naturaleza como soporte. George Segal. Jannis Kounellis). Wolf Vostell. así como Germaine Richier y Fernando Botero en escultura. Cindy Sherman. y Manzoni envasando sus excrementos en lata (Merda d'artista. imágenes persistentes. centrado en la relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth). la instalación. Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa. Eduardo Paolozzi. arte povera. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el happening. Jean Tinguely. sino a nuevas formas de expresión que han ampliado los límites del arte. Elvideoarte surgió en 1965 con la aparición de la primera cámara de video portátil (la Portapak de Sony). Yoko Ono. de Wolf Vostell. Deborah Cherena). Ellsworth Kelly. César Baldaccini. Dan Flavin. compositivo. Eusebio Sempere. Destacan Chuck Close. Asger Jorn. el (1996). Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico. de acusada simplicidad. centrado en las instalaciones. Richard Hamilton y. englobando una serie de autores que retornaron a la figuración. Klein y Manzoni fueron antecedentes del arte conceptual: Klein con sus antropometrías y sus cosmogonías (pinturas expuestas a los elementos: fuego. Jasper Johns). informática) ha supuesto una gran revolución para el arte no sólo en cuanto a nuevos soportes y materiales. Walter de Maria. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista (Jenny Holzer. generalmente en el marco de instalaciones o performances—. Estéfano Viu). Yaacov Agam. Nam June Paik y los grupos Fluxus y Gutai. Antonio López García y. generalmente de materiales detríticos Museo Vostell. es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte. lluvia) o con su exposición Vacío (1958. Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman. sin embargo. Allan Kaprow. Exponentes de esta modalidad son Nam June Paik. etc.Francis Bacon. y los escultores Carl Andre. Piero Manzoni. Lucian Freud. Son obras de carácter abstracto. Sus representantes fueron Arman. con un marcado componente efímero (Christo. Frank Stella. etc. Corneille y Pierre Alechinsky). el bio-art. Pop art (1955-1970): surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto. Malpartida (Mario Merz. donde lo importante no es la obra en sí. etc. Tony Oursler. Barbara Kruger.

instalaciones. Eric Fischl. no sólo como soporte sino por sus nuevas posibilidades creativas y. Jake Tilson). Heath Bunting. Julian Schnabel. de Liberación de 1001 The Umbrella Project Fernando Botero. Arte postmoderno (desde 1975): por oposición al denominadoarte moderno. Nicola De Maria. el neomanierismo. Markus Lüpertz. es el arte propio de lapostmodernidad.. y se integra en el arte a través de ensamblajes. Estilos artísticos occidentales del siglo XX . suponiendo una nueva forma de colaboración entre el artista y el público (Olia Lialina. Keith Haring. etc. el arte habla del arte. la figuración libre.134 Hombre a caballo. Miquel Barceló. o también diversos movimientos como la transvanguardia italiana (Sandro Chia. musical. tecnológico o acústico. por su aspecto interactivo. Sigmar Polke). Klein. Francesco Clemente. especialmente. Mimmo Paladino). natural. La informática e internet han supuesto igualmente un gran impulso para el arte. es autorreferencial. aerostática» de Yves artística de Christo. David Salle. el artista postmoderno. Museo globos azules. Jean-Michel Basquiat. Georg Baselitz. Brian Eno). (Laurie Anderson. Ibaraki (Japón). videoarte. universalizar el arte. instalación de Israel. Jörg Immendorff. el neoexpresionismo alemán (Anselm Kiefer. Enzo Cucchi. etc. performances. «escultura (1991). etc. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida. Jerusalén. en cambio. Destacan artistas individuales como Jeff Koons. no pretenden hacer una labor social.

conservando en muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales. . el arte se ha estandarizado progresivamente hacia la universalización de estilos. y sobre todo en el XX con el auge de los medios de comunicación (radio. televisión. pero adquiriendo un sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta. Antiguas formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por factores como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos artísticos.Globalización del arte Durante el proceso de colonización iniciado por las potencias europeas en el siglo XIX. internet) y el proceso de globalización cultural producido a nivel mundial.

Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas. Yoshitomo Nara.En el continente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de arte. siendo el artista indio más cotizado el escultor Anish Kapoor. destacó por la ostentación y el lujo. Sankho Chaudhuri. remarcando el aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a la artesanía. influencia occidental. la abstracción geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías. Pan Yuliang. El triunfo de larevolución comunista impuso como arte oficial en la Bienal de Venecia de 2009. El art déco también se dio en arquitectura (elChrysler Building de William van Alen) y pintura (Tamara de Lempicka. Paul Klee. Johannes Itten. Michiko Noda. marcada por el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas. Nicholas Mukomberanwa (de Zimbabue). Leiko Ikemura. el arte se abrió a mediados del siglo XX a las formas de vanguardia. Igualmente. en la Galería Nacional China de Pekín. Yoshitaka Amano. y otra occidentalista (Yōga). con una clara apuesta por la producción industrial. mientras que en otras es más de signo cristiano. abriéndose más al exterior y empezando a incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. Esta institución pretendía romper las barreras entre arte y artesanía. En la India. con un gran sentimiento de crispación y una agresividad latente. ligadas a las nuevas tecnologías. El interés por el arte africano en Europa ha llevado a su producción con fines de exportación. Josef Albers. Santiago Martínez Delgado). el realismo socialista. En muchas partes de África el arte está marcado por la religión islámica. más adaptado a las necesidades reales de la gente. instalaciones y performances. si bien la colonización europea introdujo el arte occidental. etc. La pintura presentó entonces dos corrientes: una tradicional (Nihonga). Ajit Chakravarti y Nek Chand. Shigeo Fukuda. incluyendo tanto obra pictórica como fotografías. Yayoi Kusama. si bien recientemente la nueva política aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas. y con una clara apuesta por eldiseño como base creadora. que frente a la excesiva ornamentación del art déco introdujo un concepto de diseño más racional y funcional. Yasumasa Morimura. produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. Este estilo se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes gráficas. como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y Bangalore. junto al que destacan nombres como Ram Kinker Baij. Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son: Qi Baishi. Su diseño se basaba en la simplicidad. que mostraba las últimas creaciones del momento. Dirigido principalmente a un público burgués. Chuta Kimura. Wu Guanzhong. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición China/Vanguardia. el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación cultural. Tarō Okamoto. Zao Wou Ki y Wang Guangyi. que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía. social y tecnológica. Kuroda Seiki. En Japón. como se hizo patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer.nota 20 movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. el grupo neoplasticista De Stijl desarrolló . Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con la Bauhaus. Oskar Schlemmer. y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. Shigeko Kubota. o las lámparas diseñadas por Marianne Brandt. Entre los artistas más destacados se puede citar a Ashira Olatunde (de Nigeria). los sucesos de Tiananmen provocaron un nuevo retroceso. La gran revitalización de esta actividad artística provino del art déco. y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). Isamu Noguchi y Etsuro Sotoo. que se abrió más a la Instalación del grupo japonés Gutai. El fin de la era imperial supuso la modernización de China. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy. En escultura existe igualmente la dualidad tradición-vanguardia.135 Artes decorativas En el siglo XX las artes decorativas han tenido una rápida evolución. Más recientemente destaca la presencia en el terreno del arte de acción del grupo Gutai. principalmente máscaras y esculturas ornamentales de ébano o marfil. Artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita. hasta una nueva apertura en1992. Henry Tayali (de Zambia) y Eric Adjetey Anang (de Ghana). Desgraciadamente. pero aún perduran las antiguas formas animistas.

evocando en sus obras el mundo del inconsciente. La segunda mitad del siglo XX ha estado marcada por el eclecticismo y la diversidad de tendencias. como en la obra de Tristan Tzara. como la famosasilla roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld(1923). suprimiendo los signos de puntuación («collage lingüístico»). El dadaísmo introdujo la anarquía en la génesis literaria. estuvo representado principalmente por Filippo Tommaso Marinetti y Vladimir Maiakovski. William Butler Yeats. el militarismo. de búsqueda de unos nuevos valores morales. destacando Guillaume Apollinaire. de introspección psicológica. no se analizan causas ni hechos. Portada de la primera edición (1922). mostrando su particular visión. partiendo de premisas anteriores y cánones clásicos en algunos casos. Paul Éluard y Louis Aragon. atendiendo a las necesidades de mercado sin renunciar al proceso de modernización de la sociedad. que pierde su aspecto lógico y comunicativo. de la subjetividad. moral y religiosa. Konstantinos Kavafis). que se tradujo en la técnica de la «escritura automática». en el virtuosismo estilístico y la profundización de los personajes. Hermann Hesse. así se aprecia en la obra de Marcel Proust. de reflexión. de un lenguaje trascendente y metafísico. Thomas Mann. Gottfried Benn. etc. defendiendo la destrucción de la sintaxis y la libertad de las palabras. de James Joyce. William Faulkner. El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esencia literaria. lo que ha generado una línea llamada styling (representada fundamentalmente por Raymond Loewy). con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos materiales (plástico. con un lenguaje simbólico y metafórico. El principal campo de experimentación fue Diseño de objetos de usoart déco el de las vanguardias artísticas: el futurismo destacó por su afán modernizador. T. Pal-Bell. En contraposición. François Mauriac. incluso la violencia (tuvo estrechos contactos con el fascismo italiano). Ulises. Franz Werfel. exaltando los adelantos técnicos. Ya no se imita la realidad. deshaciendo los poemas y dándoles un aspecto gráfico. André Gide. El expresionismo criticó la sociedad burguesa de su época. Destacaron Franz Kafka. Gertrude Stein. las formas geométricas y los colores primarios.un estilo interiorista basado en la simplicidad. S. Más adelante surgió un mayor compromiso social. sobre todo en poesía. Georg Trakl y Rainer Maria Rilke. donde autores como Jacques Prévert. más centrada en la técnica literaria. F. de Maurice Ascalon. Eugenio Montale. esta corriente está representada por André Malraux. fibra de vidrio). Ezra Pound. con obras de denuncia de los valores burgueses que habían llevado a la guerra. Alfred Döblin. Georg Heym.136 Literatura contemporánea En el siglo XX la literatura ha tenido —como el resto de las artes— una gran diversidad estilística. El surrealismo tuvo gran influencia de la psicología freudiana. con un cierto continuismo de estilos anteriores. con diferentes tipos de letra y aparición de signos extralingüísticos. Eliot. En el ámbito de la narrativa. como es el caso de la denominada «poesía pura» (Paul Valéry. buscando deliberadamente un lenguaje caótico y absurdo. hay una corriente más innovadora. Scott Fitzgerald. John Steinbeck. la acción. de metáforas oníricas y delirantes. Desde entonces el diseño industrial y de interior ha seguido por la vía de la creación intelectual y el diseño funcional. en un estilo que buscaba la asociación insólita de palabras. la amarga experiencia bélica en la contienda mundial provocó una serie de obras de crítica de la guerra. Lawrence Durrell y Virginia Woolf. y rompiendo con el pasado y experimentando nuevas formas y estilos en otros. como podemos apreciar en James Joyce. Destacaron André Breton. Henry Miller y Ernest Hemingway. sino que el autor busca la esencia de las cosas. En Estados Unidos surgió la llamada «generación perdida». El cubismo buscó nuevas formas sintácticas. Antoine de Saint-Exupéry. la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar. de los sueños. caracterizada igualmente por la crítica social y la búsqueda de unos nuevos valores humanos: John Dos Passos. Fernando Pessoa. George Orwell y Aldous Huxley. Dylan Thomas y Wystan Hugh Auden hacen una poesía . la velocidad.

Alfonso Paso y Fernando Arrabal. William Burroughs. Miguel Delibes. Robert Graves y Umberto Eco. Otros autores destacados son: George Bernard Shaw. Alfonso Rodríguez Castelao. la literatura del siglo XX comenzó con el llamado novecentismo. La narrativa es más innovadora. etc. Juan Rulfo. con Marguerite Yourcenar. Carmen Laforet. Ernesto Sabato. Kenzaburo Oé. Simone de Beauvoir. Mario Benedetti. creador del teatro épico. Vicente Aleixandre. Se avanza en la técnica interpretativa. Alejandro Casona. con afán reformador (los llamados «Novísimos» en poesía). Albert Camus). D. Nikos Kazantzakis. etc. Pär Lagerkvist. Nathalie Sarraute). vinculado al existencialismo (Antonin Bertolt Brecht. En Hispanoamérica destacan: Alfonsina Storni. Rainer Werner Fassbinder).138 Teatro contemporáneo El teatro del siglo XX ha tenido una gran diversificación de estilos. Jaime Gil de Biedma. Rómulo Gallegos. Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar: el expresionismo (Georg Kaiser. y los Angry young men. Gabriela Mistral. Josep Pla. Harold Pinter. Salvador Espriu. Alberto Moravia. caracterizada por la preocupación existencial y el compromiso social: Jean-Paul Sartre. Hugo von Hofmannsthal). que muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena (Vsevolod Meyerhold. Jean Genet. en el carácter visual del teatro y no sólo el literario. Cobra cada vez mayor protagonismo el director teatral. Dario Fo. José Luis Álvarez Enparantza). Tennessee Williams. Wole Soyinka. Leopoldo Panero).inconformista e intelectualizada. Carles Riba. Peter Weiss. Vicente Huidobro. que persigue el ideal de «poesía pura». Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía. gallega (Celso Emilio Ferreiro. Juan Marsé. Sholem Asch. Albert Camus. En los años 1950 surgió el realismo social. Desde los años 1970 surge una nueva vitalidad en las letras. Gabriel Aresti. Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental. Ramón Pérez de Ayala. Arthur Miller. Aleksandr Solzhenitsyn. con un mayor afán vanguardista. una literatura desarraigada. con cierta influencia del surrealismo (Federico García Lorca. Dámaso Alonso. Italo Calvino. Jorge Guillén. con mayor profundización psicológica (método Stanislavski. Ana María Matute). Ramón Otero Pedrayo. John Boynton Priestley. Pablo Neruda. Samuel Beckett. Luis Cernuda. Mario Vargas Llosa. aparecieron escritores anticonvencionales como Peter Handke y Günther Grass. En Alemania. Octavio Paz. José Hierro. R. José Saramago. destacando figuras como Manuel Vázquez Montalbán. Alfred Jarry. Mercè Rodoreda. Josep Maria de Sagarra). Carlos Fuentes. Alejo Carpentier. así como una nueva serie de novelistas encabezada por Truman Capote. Miguel Mihura. Miguel Ángel Asturias. Eugene O'Neill. Mika Waltari. Boris Pasternak. Gerardo Diego. Antonio Gala. de tono angustioso (Camilo José Cela. el «teatro del absurdo». Artaud. mientras que en Estados Unidos surgió la generación beat (Allen Ginsberg. Ramón Gómez de la Serna y Eugeni d'Ors. Rudyard Kipling. Naguib Mahfuz. Entre otros grandes autores del siglo XX merecen destacarse igualmente: H. Yukio Mishima. Ramón J. Cesare Pavese. literatura más comprometida que denuncia la injusticia y la falta de libertad (Blas de Otero. Pedro Salinas. Actors Studio de Lee Strasberg). Gabriel Celaya. Arnold Wesker). Wen Yiduo. Salinger y Norman Mailer.137 En España. Álvaro Cunqueiro) y vasca (Esteban Urkiaga. Más adelante surgió la Generación del 27. Rabindranath Tagore. retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. Mihail Šolohov. etc. Jaroslav Hašek. representado por José Ortega y Gasset. Erwin Piscator. Gabriel García Márquez. Jack Kerouac). con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo. Wells. centrado en el análisis frío y objetivo de la realidad (Alain Robbe- Grillet. una literatura afecta al régimen que exalta los valores nacionales (Luis Rosales. En los años 1950 surgió en Francia el nouveau roman («nueva novela»). Salvatore Quasimodo. Max Reinhardt. En esos años hay un renacer de la «novela histórica». Jorge Luis Borges. por otra. Antonio Buero Vallejo. Los años de la dictadura producen una escisión: por un lado. Luigi Pirandello. En España destacan Federico García Lorca. el «teatro épico» (Bertolt Brecht. León Felipe). etc. Guillermo Cabrera Infante. César Vallejo. Tadeusz Kantor). Fritz von Unruh. evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. Sénder. Nicolás Guillén. G. Miguel Hernández). J. Tolkien. Eugène Ionesco. En el siglo XX se desarrollan la literatura catalana (Josep Carner. R. Orhan Pamuk. José Agustín Goytisolo. etc. la acción y el movimiento. Isabel Allende. de signo inconformista y antiburgués (John Osborne. J. Augusto Roa Bastos. Gonzalo Torrente Ballester. Jalil Gibran. Julio Cortázar. y reivindicando el gesto. Halldór Laxness. Rafael Alberti. .

Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico. Luca Ronconi). 1938). produciendo nuevas técnicas y efectos sonoros. el minimalismo de Philip Glass. la Nueva Objetividad aportó una visión más realista y social de la música. Charles Ives. Krzysztof Penderecki y György Ligeti. El teléfono. el verismo italiano continuó en un llamado «posverismo» representado principalmente por Riccardo Zandonai (Francesca da Rimini. 1935). Esto se pone de manifiesto en varios grupos españoles. 1947. la música aleatoria de John Cage. como Els Joglars. Muerte en Venecia. 1930). Arthur Honegger). Pierre Boulez y Luis de Pablo. Witold Lutoslawski y Cristóbal Halffter. el serialismo de Olivier Messiaen. de Arnold Schönberg. Igor Stravinski. Jonny spielt auf (1927). . Gustav Mahler y Aleksandr Skriabin. el expresionismo pretendía desligarse de los fenómenos objetivos externos.139 Música contemporánea En el terreno musical la transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo de Richard Strauss. 1912). de gran valor dramático (Peter Grimes. el futurismo experimentó con el ruido y los sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana (Luigi Russolo. Els Comediants y La Fura dels Baus. etc. Luigi Dallapiccola. 1905. si bien ha existido una copiosa y excelente producción. teatro-laboratorio de Jerzy Grotowski. que se utilizaban en cualquier orden. Anton von Webern). 1950). de Ernst Krenek. Alberto Ginastera (Bomarzo. evitando la polarización. buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador (The Living Theatre. que se continúa representando con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo. A nivel vanguardista. Lady Macbeth Gershwin. como la música electrónica de Karlheinz Stockhausen. el ultracromatismo amplió la escala musical a grados inferiores al semitono —cuartos o sextos de tono— (Alois Hába. 1973). o el grupo canadiense Cirque du Soleil. Giorgio Strehler. de Igor Stravinski. de igual forma. a la esquematización y a las construcciones lineales. destacaron el expresionismo y el dodecafonismo: Moisés y Aarón (1926). 1914. acciones de happening). El lenguaje oral queda así doblado por el visual. y sin renunciar a los nuevos adelantos vanguardistas (Carl Orff. Francis Poulenc. la atracción a centros tonales (Arnold Schönberg. Más recientemente destaca la obra de Benjamin Britten. también llamado «sinfonismo soviético»— recuperó las formas clásicas. el dodecafonismo fue un sistema basado en los doce tonos de la escala cromática. Giulietta e Romeo. 1946. El sueño de una noche de verano. Gian Carlo Menotti (La médium. Edgar Varèse). de Alban Berg. 1945. el neoclasicismo —ligado en Rusia al realismo socialista. basada en el concepto de consumo de masas para elaborar obras de sencilla construcción y accesibles a todo el mundoPaul ( Hindemith. El Porgy and Bess. A principios de siglo. Kurt Weill). Gustav Holst. los «ámbitos sonoros» de Luigi Nono. Dimitri Shostakovich. introduciéndose posteriormente en el ámbito de las vanguardias artísticas: el cubismo tendió a la deshumanización. de George neoclasicismo dejó obras como Edipo rey (1925). 1967). el divertimento y el exhibicionismo P ( eter Brook. 1947). El postromanticismo contó con la gran figura de Richard Strauss (Salomé. y Guerra y paz (1946). El cónsul. Prokofiev. sin ornamentos (Erik Satie). Ferruccio Busoni). por el New York Harlem de Mtsensk (1936). Ariadne auf Naxos. Sergei Prokofiev. Alban Berg. sin repetir una nota antes de haber sonado las otras. y el new age de Michael Nyman y Wim Mertens.140 La ópera en el siglo XX ha mantenido vigente el repertorio anterior. la música concreta de Pierre Schaeffer y Pierre Henry. George Gershwin (Porgy and Bess. Sergéi Rajmáninov). mientras que a nivel productivo. Desde mediados de siglo ha continuado la experimentación y la diversidad de conceptos musicales. pero reinterpretándolas. Paul Hindemith (Matías el pintor. 1922). siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando principalmente su estado anímico. 1961. la «música estadística» de Iannis Xenakis. surgiendo el concepto de Gebrauschmusik («música utilitaria»). el poliestilismo de Luciano Berio. las innovaciones producidas en este terreno no han gozado de gran éxito entre el público mayoritario. el neotonalismo de Arvo Pärt y Henryk Górecki. fuera de toda regla y toda convención Darius ( Milhaud. pero en series. Los nuevos directores han agregado a este «teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia. Francis Poulenc (Les mamelles de Tirésias. y el arte dramático recupera en cierta forma su antigua ambición de «teatro total». Otros exponentes son: Kurt Weill (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny. Wozzeck (1925) y Lulú (1935). de Sergei Theater. de Dimitri Shostakovich.

el Ballet de la Ópera de París volvió al esplendor de la era romántica. Vangelis. y auténticos fenómenos de masas en torno a diversos grupos e intérpretesElvis ( Presley. donde fundó la School of American Ballet. Michael Jackson. Otro gran hito de la época fue el West Side Story (1957) de Jerome Robbins. gracias sobre todo a la labor de Serge Lifar. coreografía de Léonide Massine. el heavy. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política. Leonard Bernstein. su obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» — sólo danza. así como el despuntar de los Estados Unidos. hecho que ha generado una fuerte controversia que aún perdura. que ha generado diversos estilos musicales como eljazz. Ennio Morricone.También ha tenido mucha importancia lamúsica popular. y se produjeron obras memorables como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945). El aspecto consumista de la civilización actual. Margot Fonteyn. el pop. a la espontaneidad. formatos informáticos de audio. Ballet ruso (1912). con música de Erik Satie. el soul. y produjo espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores coreógrafos del siglo. Roland Petit y Maurice Béjart. la aleatoriedad (chance choreography). En el siglo XX también han tenido un gran auge los espectáculos musicales. quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma. Doris Humphrey y Agnes De Mille. Andrew Lloyd Webber. introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las Danzas polovtsianas de El Príncipe Igor de Borodin (1909). casete. de Stravinski. de Prokofiev. que introdujo una nueva forma de bailar. influido por el expresionismo abstractoy la música aleatoria de John Cage. Henry Mancini. Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). la gran figura de principios de siglo fue Isadora Duncan. perdiendo gran parte de su creatividad. el blues. etc. mp3) han favorecido la popularización de la música. con la proliferación de conciertos y recitales. En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica. . Bremen. etc. buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal. libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky. Maurice Jarre. inspirada en ideales griegos. Frederick Ashton. el rock. disco compacto. sin hilo argumental—. En los últimos tiempos. aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail Baryshnikov. Kenneth MacMillan. poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos. hilo musical. gracias en primer lugar a pioneras como Ruth Saint Denis. y Espartaco (1957). Danza contemporánea La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del siglo XIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo de los Ballets Rusos en París. y analizando el movimiento y su relación con el espacio. por último. Bob Dylan. el ska. se consiguió en poco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y profesionalización. Madonna. Rolling Stones. La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico. la aparición de nuevas tipologías (radio. el reggae. pedagógico ideado por Agrippina Vagánova. etc. de August Macke. el caos. la industria discográfica ha sufrido un 141 progresivo declive debido a lasdescargas ilegales en internet. En los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce Cunningham que. al que siguieron El pájaro de fuego (1910). el punk. donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. al tiempo que ha cobrado un creciente protagonismo la banda sonora cinematográfica (John Williams. Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarina Mary Wigman. que se ha convertido en un aspecto indispensable del ocio moderno. más abierta a la improvisació n. Ninette de Valois. En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Rambert. También alcanzó notoriedad el sistema Kunsthalle. The Beatles. introdujo la danza basada en la casualidad. como el cabaret y el music hall. En Estados Unidos. Antony Tudor. liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo. Martha Graham. video-clip) y la introducción de nuevos soportes de grabación musical (disco de vinilo.). el rap. de Aram Khachaturian. Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban. El ruso George Balanchine —surgido de la compañía de Diágilev— se instaló allí en 1934. Bruce Springsteen. Anna Pavlova y Tamara Karsavina. De forma independiente. Nino Rota). En Francia. donde había escasa tradición.

como es el caso de Lewis Hine. Alfred Stieglitz fundó la Photo- Secession. entre los que se puede remarcar: foxtrot. Gerda Taro. Alvin Ailey y Twyla Tharp. propiciada por la aparición de una (1960). predominando el realismo fotográfico. de Alberto Korda. generando movimientos paralelos como la photographie pure francesa y la straight photography estadounidense. creando imágenes ambiguas entre la figuración y la abstracción. originalmente en Alemania. asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del siglo XX. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional. pasodoble. así como la escuela holandesa. tango. Por último. rumba. el surrealismo introdujo en fotografía el mundo del inconsciente. especialmente el pop art. Jeanloup Sieff. salsa. comoPhotoshop. Raoul Hausmann. Margaret Bourke-White y Dorothea Lange. destacando la obra de Erich Salomon y Stefan Lorant. A nivel de bailes populares. Robert Frank. y donde también se formó el español Nacho Duato. Dora Maar. con la figura predominante de Aleksandr Rodchenko. André Kertész. Karl Blossfeldt. Imogen Cunningham. rock and roll. Raoul Ubac). Pronto esta forma de La fotografía del Che Guevara fotoperiodismo se expandió por todo el mundo. En Gran Bretaña surgió el vorticismo. que mostró la vida urbana con una emotividad artística. William Klein. Sebastião Salgado. conga. chachachá. twist. Edward Weston. etc. de los sueños. Helmut Newton. con un manifiesto inicial en su Duet (1957). Irving Penn. moonwalk. Jacques-André Boiffard. representada por Jiří Kylián y Hans van Manen. break dance. charlestón. especialmente tras la crisis económica de 1929. desde las orientales hasta las folclóricas. Agustí Centelles. como los elaborados por John Heartfield y Hannah Höch. Jacques-Henri Lartigue. René Burri. También ha estado fuertemente vinculada a las últimas tendencias artísticas. Emmanuel Sougez. en el siglo XX ha existido una gran diversidad de estilos. Alberto Korda. representado por Anton Giulio Bragaglia. bolero. merengue. Albert Renger-Patzsch) crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como medio expresivo. etc. los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos. La fotografía se integró plenamente a los movimientos de vanguardia: así. fotografía también ha estado muy unida a lamoda y la publicidad.142 Fotografía del siglo XX En el siglo XX se extendió notablemente el uso de la fotografía. destacando Alvin Langdon Coburn. modelando las formas y destacando las texturas. En 1947 apareció la Polaroid. poniendo objetos sobre la película y exponiéndolos unos segundos a la luz. y se vinculó a movimientos como el dadaísmo. Brassaï. Joe Rosenthal. con revistas como Berliner Illustrierte Zeitung y Münchner Illustrierte Presse. En este último destacó Man Ray. el hiperrealismo y el arte conceptual. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos. fecha de aparición de la fotografía digital. ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. la creación fotográfica se ha vinculado fuertemente a las nuevas tecnologías. Con la Revolución soviética. hustle. Inge Morath. ligado al cubismo. donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano. La danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano. Spencer Tunick. Otto Steinert. es una de nueva cámara —la Leica (1925)— con objetivos intercambiables y rollos de 36 las fotografías más famosas y tomas. Desde la Segunda Guerra Mundial la fotografía ha seguido unida al periodismo —especialmente con el auge de agencias como Magnum—. así como a la fotografía documental. Entre los más afamados fotógrafos de este siglo destacan: Werner Bischof. los fotógrafos expresionistas alemanes (August Sander. En el período de entreguerras surgieron una serie de fotógrafos que retrataron la crudeza de la realidad circundante.Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad. con una mezcolanza de estilos e influencias. William Eugene Smith. En las últimas décadas del siglo destacaron coreógrafos como William Forsythe y Mark Morris. Durante la Primera Guerra Mundial y la siguiente posguerra nació el periodismo fotográfico. Robert Capa. En el siglo XX la reproducidas del siglo XX. Desde 1990. Robert Doisneau.143 . claqué. Henri Cartier-Bresson. creador del «reportaje fotográfico». que llegó a hacer fotografías sin cámara. En Estados Unidos. Otros coreógrafos posmodernos fueron Glen Tetley. Annie Leibovitz. El futurismo italiano estuvo ligado a la fotografía en movimiento (fotodinamismo). incorporando incluso movimientos de aerobic y kickboxing. samba. las imágenes oníricas (Eugène Atget. en Rusia se impuso el realismo socialista. Otra innovación del dadaísmo fue el fotomontaje. preferentemente en el diseño por ordenador y los programas de retoque fotográfico. de película instantánea.

con directores como King Vidor. caracterizado por la simbiosis entre el realismo descriptivo y el lenguaje poético. Alfred Hitchcock. Allí surgieron algunos de los primeros genios del cine: Edwin S. y la nouvelle vague. siendo rápidamente considerado como el «séptimo arte». En Europa. fue pionero en numerosos aspectos interpretativos y argumentales. de Rouben Mamoulian. William Wyler. Orson Welles. 1930). ambas de Alan Crosland. Se llegaron incluso a (1919). John Ford. Elia Kazan. Oskar Fischinger alemán. primero en rodar escenas plano-contraplano. el cine tuvo una primera y rápida implantación en Estados Unidos. con obras donde predominaba una cierta atmósfera de ensueño. cuando menos. decorados. Georg Wilhelm Pabst. DeMille. Abel Gance y Jean Epstein. guion literario. En sus inicios el cine era mudo.nota 21 El cine es quizá uno de los medios artísticos más completos. estuvo representado por Louis Delluc. obra de directores como Viking Eggeling maestra del cine expresionista (Sinfonía Diagonal. François Truffaut. Lev Kuleshov. maquillaje. el cine ha tenido una rápida evolución tanto artística como tecnológica que lo ha convertido en un auténtico fenómeno de masas. la introducción de la música. que introdujo el montaje narrativo y los efectos de luz. vestuario. a la que siguió al año siguiente El cantante de jazz. la sucesión cronológica de los hechos. Frank Capra. El cine surrealista fue un fiel reflejo del carácter onírico de esta corriente. Fritz Lang. Jean-Luc Godard). de delirio. En 1926 se introdujo el sonido. traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados y maquillajes. En Italia surgió el neorrealismo. etc. además de introducir lapsicología en la interpretación. los líderes revolucionarios rusos fomentaron la industria cinematográfica. obra realizar algunos filmes abstractos. y un naturalismo contrapuesto a la artificiosidad expresionista. fueron sus mejores representantes Salvador Dalí y Luis Buñuel. y Charles Chaplin. representado por Jean Vigo. El siguiente avance tecnológico fue la introducción del color en 1935 con La feria de la vanidad. Aleksandr Dovzhenko. con recursos como el flou y el flashback. que sería primordial para acompañar numerosas escenas. sin sonido. Porter. tuvieron reflejo cinematográfico tanto el impresionismo como el surrealismo: el primero se tradujo en obras de elevado contenido intelectual y moral. se sucedieron en esos años diversos movimientos de gran relevancia: en Francia apareció el «naturalismo poético». Cabe destacar a Robert Wiene. por otro lado. con un gran componente de introspección psicológica y expresión sentimental. que podían ser más ricos en diálogos —lo que llevó a nuevos registros interpretativos por parte de los actores— y. como los géneros y los personajesarquetipo. que aparte de ser iniciador del star system hollywoodiense. con el que consiguen metáforas visuales de gran impacto y calidad. Hans Richter (Rythmus. Con la incorporación de elementos tomados del teatro como los decorados y los efectos especiales —proceso iniciado por Georges Méliès—. Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch. Uno de los grandes aportes al cine mudo fue el del cine soviético: conscientes del valor divulgativo del nuevo arte. Además introduce una nueva dimensión. sino de locura. George Cukor. 1927) y Germaine Dulac (Arabesque. Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética.Cine Una de las grandes revoluciones artísticas y audiovisuales del siglo XX ha sido el cine: a partir de la invención del cinematógrafo en 1895 por los hermanos Lumière. eltiempo. Raoul Walsh. con la película Don Juan. Cecil B. ya que aúna imagen con sonido. Alain Resnais. donde cobra un papel relevante el montaje. inquietantes. interpretación. De carácter netamente industrial en cuanto a su aspecto productivo. Fue esta la época dorada del cine estadounidense. Friedrich Wilhelm Murnau. Dziga Vertov. Howard Hawks. Esta nueva particularidad comportó por una parte la mejora de los guiones. que se nutrió de la . influida por el existencialismo. 1921). de Robert Wiene. René Clair y Jean Renoir. de signo antiintelectual. renovando el lenguaje cinematográfico a través del montaje. En Francia. Billy Wilder. El cubismo también tuvo su reflejo en la experimentación El gabinete del doctor Caligari rítmico-plástica del Ballet mecánico (1924) de Fernand Léger. donde se forjó una poderosa industria cinematográfica que cristalizaría en Hollywood. Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las vanguardias artísticas de la época: el cine expresionista alemán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad. (Composición en azul. de temática refinada y gran simplicidad estilística. Michael Curtiz. David Wark Griffith. surgiendo el llamado «cine de autor» (Claude Chabrol. etc. hecho que no impidió la creación de una auténtica gramática visual que aportó la base principal de la narración cinematográfica. Vsevolod Pudovkin. etc. y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o. que alcanzaría cotas elevadas con la obra de Sergei Eisenstein. así como efectos de luz. el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad. 1921).

Brian De Palma. para cobrar autonomía propia en ediciones independientes. que elevó la historieta a grandes cotas artísticas. . Basado en la reproducción en serie. Ang Lee. aparecida en 1896 en el diario New York World (la camisa amarilla del personaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»). Miloš Forman. En Gran Bretaña se produjo el Free cinema. Tony Richardson. Pedro Almodóvar. Franco Zeffirelli. En Brasil se produjo una escuela (cinema nôvo) que aglutinaba el legado folclórico con la denuncia social: Glauber Rocha. de Richard Felton Outcault. Sydney Pollack. géneros ni acción superficial. Bernardo Bertolucci.estricta realidad. Constantin Costa-Gavras. Arturo Ripstein.145 Historieta La historieta —o cómic— es una narración ilustrada por medio de viñetas. sin trucajes. cine ascético y libre. T iene pues su origen en losmedios de comunicación de masasaparecidos a finales del siglo XIX y principios del XX. Un gran filón para el cómic fueron los superhéroes. Hergé y su Tintín (1930). considerada como la obra sentido estético que otorgaba gran importancia a la lírica visual (Akira Kurosawa. David Lynch. También despuntaron las cinematografías mexicana (Juan Bustillo Oro. en localizaciones exteriores. En Cuba el impulso revolucionario favoreció la creación de una industria de signo documentalista pero gran calidad estética (Humberto Solás. Stanley Kubrick. Farah Khan y Sanjay Leela Bhansali. Andrzej Wajda. con preferencia por el tema mitológico y la presencia de música y danza tradicionales. Max Ophüls. Terry y los piratas de Milton Caniff (1934). Tomás Gutiérrez Alea). Otras cinematografías emergentes son la africana y la islámica (especialmente en Irán con Abbas Kiarostami). maestra de la historia del cine. Juan Antonio Bardem. George McManus. con figuras míticas como Superman (1938). Roberto Rossellini. con un particular Welles. apareció por primera vez en periódicos y revistas. Guillermo del Toro. por Bombay—. En los años 1930 aparecieron algunos de los personajes y autores más reconocidos del mundo de la historieta: Buck Rogers de Dick Calkins (1929). Mario Camus. narrando una historia en sentido argumental y cronológico. siendo de remarcar la obra de directores como Woody Allen. etc. que presenta imágenes y —opcionalmente— texto (insertado a través de los llamados «bocadillos» para diálogos. Joseph L. Chester Gould y Dick Tracy (1931). En la India se ha generado una fuerte industria cinematográfica que se ha denominado Bollywood —emulando la meca del cine estadounidense pero con B. etc. Fernando Trueba. Se suele considerar como primera historieta la de The Yellow Kid. Burne Hogarth y Tarzán (1936). Wim Wenders. destacando por su fantasía y creatividad. Vittorio de Sica. Andréi Tarkovski. etc. y «cartuchos» para texto al pie de imagen). cuyas películas de dibujos animados se convertirían en auténticos clásicos. Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. Otto Preminger. Ruy Guerra. Raj Kapoor. Alex Raymond con Flash Gordon (1933). Zhang Yimou. de Orson Japón se aunó la moderna tecnología con la temática tradicional. destacando la obra de Walt Disney. Leopoldo Torre Nilsson. Martin Scorsese. Francis Ford Coppola.146 Pasada la Primera Guerra Mundialaparecieron los primeros comic-books o revistas de historietas. destacan Luchino Visconti. Vincente Minnelli. En Ciudadano Kane (1940). En España se produjeron las primeras obras de importancia de la mano deLuis García Berlanga. Vítor Lima Barreto. Mario Soffici). George Lucas. Søren Kragh-Jacobsen). En las últimas décadas del siglo XX la producción cinematográfica ha oscilado entre el cine comercial y el cine artístico. Harold Foster con Príncipe Valiente (1937). sin decorados ni más luz que la natural. Adolfo Aristarain. Steven Spielberg. Nelson Pereira dos Santos. Ingmar Bergman y Victor Sjöström. Oliver Stone. Roman Polanski. Mankiewicz. y comenzó la relación del cine con la historieta. con obras de denuncia social realizadas generalmente en ambientes obreros y rurales. con sonido directo y color.144 Kenji Mizoguchi. Clint Eastwood. que se influyeron mutuamente. Despuntó el cine nórdico con la obra de Carl Theodor Dreyer. caracterizado por una estética realista y temáticas de compromiso social (Lindsay Anderson. de Winsor McCay. Fred Zinnemann. John Huston. etc. Uno de los últimos movimientos cinematográficos ha sido Dogma 95 (Lars von Trier. Karel Reisz). George Herriman. En 1905 apareció Little Nemo in Slumberland. José Luis Garci. Ridley Scott. Tim Burton. A mediados de siglo empezaron a cobrar importancia las cinematografías de países no occidentales. Emilio Fernández) y argentina (Hugo del Carril. destacando Satyajit Ray. que aportarían nuevas formas de entender el cine y una mayor frescura tanto en temáticas como en particularidades estéticas. Nagisa Ōshima). Carol Reed. Batman (1939) o el Capitán América (1941). Carlos Saura. Posteriormente destacaronRudolph Dirks.

La edad de oro de la historieta fue en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial (1945-1960): en la prensa se impuso la llamada daily strip («tira diaria»). con su mundialmente famoso Snoopy. Los pitufos de Peyo (1958). el Little Nemo in Slumberland. con Akira de Katsuhiro Otomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira Toriyama (1984-95). líquidos aromáticos que se utilizan para producir un buen olor corporal. Entre los más afamados modistos destacan: Coco Chanel. característico de un tipo de mujer llamada flapper. con una mayor proliferación del cabello teñido. A principios de siglo se llevó el pelo corto con flequillo. tanto en ropa como accesorios (sombreros. La perfumería actual está muy relacionada con la moda. para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación. Desde la Edad Media. desde entonces ha habido múltiples tendencias. Continuó el éxito de los superhéroes. Paco Rabanne. zapatos. Jamal Hammadi. Gianni Versace. Manuel Pertegaz. con abundantes efectos sonoros. realizado según parámetros estilísticos que van evolucionando según la moda. La Corto Maltés de Hugo Pratt (1967). y es frecuente que modistos famosos comercialicen sus propios . Milo Manara). Basada sobre todo en el olor de las flores. y comenzaron a abundar los títulos dirigidos a un público más adulto. Calvin Klein. Christian Dior. Teddy Charles. y Peanuts (1950) de Charles Schulz. Francia es el centro europeo de diseño y comercio en perfumería. mientras que a partir de1950 predomina la ropa informal y juvenil. de la confección de prendas según parámetros funcionales y estilísticos. marcada por la utilización del pantalón vaquero. Frank Bongiovi. Desde los años 1980 ha tenido gran éxito el manga japonés. Conan de Roy Thomas y John Buscema (1970). triunfando los de ciencia ficción. Destacan personajes como Barbarella (1962). bob cut. guantes. caracterizado por largas epopeyas de gran dinamismo. Jack Kirby y el sello Marvel. En esta época aparecieron personajes como Lucky Luke de Morris (1946). Vittorio Giardino). las nuevas tecnologías han supuesto grandes innovaciones para la historieta. descuella la obra de Francisco Ibáñez. Moda: es el arte del vestido. Enki Bilal. shingle bob o eton crop. mientras que en los años 1960 se llevó el pelo corto con cortes geométricos. Jean Paul Gaultier. La tendencia desde inicios del siglo XX ha sido hacia una mayor funcionalidad y comodidad (eliminación del corsé). Yves Saint Laurent. Está fuertemente relacionada con el maquillaje. Blueberry (1963). con personajes como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller. terror. como elwebcómic en internet. Giorgio Armani. con personajes como Mortadelo y Filemón (1958). Han creado tendencia peluqueros como: Luis Llongueras. destacando la obra de Stan Lee. Pogo (1948) de Walt Kelly. de Osamu Tezuka. etc. Mafalda de Quino (1964). Karl Lagerfeld. a mediados de siglo volvió el pelo largo. bolsos. y sellos más vanguardistas. En España. Por último. Aunque su inicio se vincula a la revista Manga Shōnen (1947). en la actualidad se producen muchos perfumes con productos químicos. apareciendo en los años 1920 la minifalda. la historieta de autor bellas artes. etc. que es el que marca las tendencias. en el comic-book se alcanzó una gran variedad temática. aventuras. (Jacques Tardi. Entre los años 1960 y 1980 hubo una gran diversificación del medio. gafas). George Westmore. o si la deja —como sería el caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. Astérix el Galo de Goscinny y Uderzo (1960). que recibió diversos nombres: Diseño de moda de 1909. con una nueva sensibilidad donde predominaba la estética y el sello de calidad.147 Arte efímero En el siglo XX ha adquirido gran auge el arte efímero. Carlos Giménez. piercing). con Los 4 Fantásticos (1961) y Spiderman (1962). historieta ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de etc. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social. etc. Surgió el cómic erótico (Guido Crepax. Perfumería: es el arte de confeccionar perfumes. así como con el arte corporal (tatuaje. Peluquería: es el arte del peinado. romance y western. Valentina (1965). como Métal Hurlant de Moebius. Cristóbal Balenciaga. que por su carácter perecedero y transitorio no deja una obra perdurable. sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor repercusión.

valorado como el de mayor creatividad de la historia del arte griego. el término «clásico» hacía referencia al periodo del arte griego comprendido entre el arcaico y el helenístico. es otro arte 1927. ya que cada país tiene su propio sello distintivo. Heston Blumenthal. Madrid. Alianza Editorial. Las diversas tendencias gastronómicas son debidas sobre todo a variantes regionales. Gastronomía: es el arte de la cocina. se refería a arte clásico para hablar del Renacimiento italiano. C. Véase también Historia de la danza Historia de la ópera Arte Historia del desnudo artístico Historia de la pintura Métodos de investigación de la Historia del Arte Historia de la escultura Historia del teatro Crítica de arte Historia de la estética Patrimonio de la Humanidad Estética Historia de la fotografía Psicología del arte Estudio de la Historia del Arte Historia de la historieta Sociología del arte Historia de la arquitectura Historia de la jardinería Tema artístico Historia del cine Historia de la literatura Teoría del arte Historia de la música Artes decorativas Notas 1. 3. 4. por ejemplo. perfumes. Bizancio (en griego Bizantion. Como perfumistas cabe destacar a Pierre-François-Pascal Guerlain. pero con una gran faceta de creatividad derivada de la combinación de alimentos y de la innovación en cuanto a la creación de nuevas recetas. Paul Bocuse. 82. pero este vocablo surgió durante ladinastía XVIII. quizá plato innovador de Ferran pirotecnia Brooks en el Adrià. de excelencia. posteriormente rebautizada Constantinopla en honor al emperador Constantino. 207. Juan María Arzak. de la mejor época de cualquier estilo artístico. Karlos Arguiñano. El nombre del Imperio Bizantino deriva del antiguo nombre de su capital. que quiere decir Santa Sabiduría. ISBN 84-206-1886-1. La bob: Louise Nº5. Joël Robuchon. Así. Donato de Santis. Alianza Editorial. por lo que no debería aplicarse a reyes anteriores. Madrid. François Coty. perfume efímero. p. Ernest Beaux (creador de Chanel Nº5). por lo que numerosos estilos a lo largo del tiempo han tenido una fase denominada «clásica». Eugène Schueller (fundador de L'Oréal). Chilvers (2007). se suele nombrar como Santa Sofía en castellano. 2. y llamada Estambul en la actualidad. 1982.. etc. con un claro componente práctico en cuanto la alimentación es indispensable para el ser humano. 1981. Derivado del latín classicus («de primera clase»). Ferran Adrià. 12. Recientemente surgió la llamada nouvelle cuisine. Hagia Sophía (Άγια Σοφία) en griego. llamado Byzas). 5. por el palacio donde habitaba el rey). más famoso de la historia. el término quedó como sinónimo de creatividad. p. El término artes aplicadas es sinónimo de artes decorativas o artes industriales —también llamadas artes menores —. sin embargo. Santi Santamaria. ISBN 84-206-1794-6. derivado del fundador de la ciudad el 657 a. Isaac Asimov: Los egipcios. Yves Rocher. Isaac Asimov: Constantinopla. Heinrich Wölfflin. etc.148 Peinado Chanel Esferificación de té verde. El término «faraón» proviene del egipcio per-o («la gran casa». Estée Lauder. aunque por lo general se suele extrapolar. que pone énfasis tanto en la comida como en su presentación. refiriéndose a las obras realizadas con una elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta . Como cocineros de relevancia se podría citar a: Auguste Escoffier. p.

El rococó surgió en Francia durante la regencia del duque de Orleáns. I). académica o docta. Más tarde. «Classical» (http://dictionary. aplicado a las últimas tendencias artísticas del siglo XX y principios del XXI. p. etc. Esta «era moderna» habría llegado hasta la actualidad. caracterizado por el clasicismo.The Oxford English Dictionary (2007). Historia 16. p. Liberty en Italia. Asimismo. El término «surrealismo» fue ideado por Apollinaire en 1917. Chilvers: (2007). p. Jugendstil en Alemania. 11. ISBN 84-7774-580-3. Alianza. Se suele citar a Vasari como iniciador de esta ciencia. ed. p. ISBN 84-7774-580-3. pues adquirió tal categoría antes que la fotografía alcanzase dicho estatus. 1993. estando plenamente vigente según unos escritores. 6. Guillermo Fatás y Gonzalo Borrás. Chilvers (2007). Madrid. 14.wordpr ess. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. . Madrid. solve polluti. y que fue introducido por Giorgio Vasari en sus biografías de artistas para denotar el estilo grácil y equilibrado de los artistas de su tiempo. Historia 16. Edicions Primera Plana. famuli tuorum. Aunque la fotografía es anterior al cine. Valeriano Bozal: Modernos y postmodernos. pp. 171-172. correspondiente al último tercio del siglo XVIII y principios del XIX. d=re. siendo en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso. Consultado el 4 de septiembre de 2010. f=fa. e=mi. aunque lo correcto sería «sobrerrealismo» o «superrealismo». El término «arte moderno» proviene del concepto de «modernidad». Con el tiempo ha significado lo opuesto a la música popular en el lenguaje corriente: es el nombre habitual de la música culta. 19. aunque sus escritos — generalmente crónicas. VV. clásico y helenístico. excesivamente recargado. pues es difícil establecer en un nombre o una fecha el inicio de la historiografía del arte. éste se considera el séptimo arte y la fotografía el octavo. en El llibre d'or de l'art català. Madrid. grandilocuente. Francesc Fontbona: El modernisme i el noucentisme. 18. elemento decorativo parecido a unaconcha. Madrid. estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico. y que supondría la raíz social propia de la Edad Contemporánea.com/cgi/entry/50040930?single=1&query_type=word&queryword=classical&first=1&max_to_show=10) . g=sol. Visor. 13. biografías u otros escritos más o menos literarios— carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para ser considerados historiografía del arte. El término art déco es diminutivo de arts décoratifs («artes decorativas» en francés). c=do. Sancte Ioannes. y proviene de la Exposición de Artes Decorativas de 1925 (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) en París. como las realizaciones de los «godos» que acabaron con el Imperio romano. Esta es una simplificación del estudio histórico del arte. y pervivió durante el reinado de éste. 20. Consultado el 4 de septiembre de 2010.org/te oria/canudo1. refiriéndose a lo que está «por encima de la realidad». 1993. Sin embargo. 593. en la minoría de edad de Luis XV. b=si. 818. relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia. The OED Online. en sentido despectivo. por lo que suele ser considerado el padre de la historia del arte. Consultado el 10 de mayo de 2007. hablándose de «posmodernidad» como periodo sucesor de este proyecto moderno. 2000. El término rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille. Barcelona. El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués. En español se tradujo directamente del francés surréalisme. generalmente de tipo ornamental. pues lo veían como algo bárbaro y atrasado. El proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión. Conviene no confundir con arte postmoderno.oe d. teoría filosófico-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico marcado en lo cultural por la Ilustración. mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la humanidad. p. 30. Winckelmann creó una metodología científica para la clasificación de las artes. La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del Renacimiento. 10. 1997. finalidad estética. p. 1990. por lo que nosotros sólo podemos imitar a los griegos. 12. el objetivismo y el individualismo. resonare fibris. En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755). y señalaba las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior. Chilvers (2007). 15. Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología.htm). Chilvers (2007). inventarios.«Ricciotto Canudo» (http://www. que significaba «estilo». sustituidos por la razón y la ciencia. 83. Visor. 61. p. Aunque hoy día se suele generalizar como «música clásica» la música sinfónica de tipo orquestal. Javier Arnaldo: Vanguardias históricas (I). I). se cambió ut por do —excepto en Francia—. Denominación introducida por el crítico Ricciotto Canudo en 1911. muy usado en la ornamentación durante este periodo. vejez). en las propias capacidades del ser humano. AA. Se denominan «vanguardias históricas» a las producidas desde la preguerra de primeros de siglo (en torno a 1910) y el fin de la Segunda Guerra Mundial. en lo político por la Revolución Francesa y en lo económico por la Revolución Industrial. 2000. El término «música clásica» apareció por primera vez en el Oxford English Dictionary en 1836. 7. madurez. Modern Style en Reino Unido. heráldica y numismática . 9. Madrid. El modernismo recibió diversos nombres según el lugar de procedencia: Art Nouveau en Francia. Ut queant laxis. En los países anglogermánicos se mantuvo la notación por las letras del alfabeto: a=la. 17. donde a las perlas que tenían alguna deformidad se las denominaba perlas barruecas. 6. p. mira gestorum. pp.ISBN 84-206-0292-2.: Enciclopedia del Arte Garzanti(1991).infoamerica. «Historia de las notas musicales»(http://eloviparo. Sezession en Austria. en realidad hace referencia a un periodo concreto de la historia de la música. Chilvers (2007).com/2010/01/20/historia-de-las-notas-musicales-guido-de-arezzo/) . 150-154. La palabra deriva del término italiano maniera. 21. 419. 16. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. la confianza en la tecnología y el progreso. Johann Joachim Winckelmann afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza. 8. labii reatum. 59.

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