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Historia del arte

La historia del arte es la evolución del arte a través del
tiempo.

Entendido como cualquier actividad o producto realizado por el
ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del
que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del
mundo, el arte emplea diversos recursos, como los plásticos,
lingüísticos, sonoros o mixtos.
La creación de Adán (1508-1512), de Miguel Ángel, en
La historiografía del arte, como disciplina académica y entorno
la Capilla Sixtina (Vaticano).
institucional (museos, mercado del arte, departamentos
universitarios, producciones editoriales) se suele restringir a las
denominadas artes visuales o plásticas (esencialmente a
pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras artes son
más específicamente objeto de estudio de otras disciplinas
claramente delimitadas, como la historia de la literatura o la
historia de la música, siendo todas ellas objeto de atención por
la denominada historia de la cultura o historia cultural, junto
con las historias sectoriales enfocadas a otras manifestaciones
del pensamiento, como la historia de la ciencia, la historia de la
filosofía o la historia de las religiones. Algunos campos de
conocimiento estrechamente relacionados con la historia del Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus
arte son la estética y la teoría del arte. Mozart, considerado como uno de los mejores
compositores de música clásica de toda la historia.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy diversa
manera, desde la distinción medieval entre artes liberales y
artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por la moderna
distinción entre bellas artes y artes menores o aplicadas, hasta
la multiplicidad contemporánea, que entiende como arte casi
cualquier manifestación de la creatividad del ser humano.

La sucesiva ampliación del listado de las «artes principales»
llegó en el siglo XX hasta el número de nueve: la arquitectura,
la danza, la escultura, la música, la pintura, la poesía —
entendida de forma amplia como literatura con intención
estética, que incluye los distintos géneros del teatro y la
narrativa—, la cinematografía, la fotografía y la historieta (o
cómic).
Las mil y una noches (‫أﻟﻒ ﻟﻴﻠﺔ وﻟﻴﻠﺔ‬, Alf layla wa-layla),
Al solapamiento conceptual de términos entre artes plásticas y título clásico de la literatura árabe.
artes visuales se añadieron los de diseño y artes gráficas.
Además de antiquísimas formas de expresión artística como la
moda y la gastronomía, actualmente se suelen considerar artes nuevos vehículos expresivos como la publicidad, la animación, la
televisión y los videojuegos.

La historiografía del arte es una ciencia multidisciplinar, procurando un examen
objetivo del arte a través de la historia, clasificando culturas, estableciendo
periodizaciones y observando sus características distintivas e influencias. El estudio
de la historia del Arte se desarrolló inicialmente en el Renacimiento, con su objeto
limitado a la producción artística de la civilización occidental. No obstante, con el
tiempo se ha impuesto una visión más amplia de la historia artística, intentando una
descripción global del arte de todas las civilizaciones y el análisis de sus
producciones artísticas en términos de sus propios valores culturales (relativismo
cultural), y no sólo de los de lahistoria del arte occidental.

El arte goza hoy día de una amplia red de estudio, difusión y conservación de todo el
legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Durante el
siglo XX han proliferado las instituciones, fundaciones, museos y galerías, de
ámbito público y privado, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte,
así como su exposición a un público mayoritario. El auge de los medios de
comunicación ha sido fundamental para el mejor estudio y divulgación del arte.
El acorazado Potemkin(1925), de
Eventos y exposiciones internacionales, como las bienales de Venecia y São Paulo o Sergéi Eisenstein, una de las obras
la Documenta de Kassel han ayudado al fomento de nuevos estilos y tendencias. maestras de la historia del cine.
Premios como el Turner de la Tate Gallery, el Premio de la Fundación Wolf de las
Artes, la Medalla Picasso de la UNESCO, el Premio Velázquez de Artes Plásticas, el
Premio Pritzker de arquitectura, el Premio Nobel de literatura, la Medalla Mozart de la Unesco de música clásica, el Pulitzer de
fotografía y los Óscar de cine también fomentan la obra de los mejores creadores a nivel internacional. Instituciones como la
UNESCO con el establecimiento de un Patrimonio de la Humanidad ayudan igualmente a la conservación de los principales
monumentos del planeta.1

Índice
1 Prehistoria
1.1 Paleolítico
1.2 Neolítico
1.3 Edad de los Metales
2 Arte antiguo
2.1 Mesopotamia
2.2 Egipto
2.3 América
2.4 África
2.5 Asia
2.5.1 India
2.5.2 China
2.5.3 Japón
2.6 Oceanía
2.7 Otras manifestaciones
3 Arte clásico
3.1 Grecia
3.2 Roma
4 Arte medieval
4.1 Arte paleocristiano
4.2 Arte germánico
4.3 Arte prerrománico

4.4 Arte bizantino
4.5 Arte islámico
4.6 Arte románico
4.7 Arte gótico
4.8 América
4.9 África
4.10 Asia
4.11 Oceanía
5 Arte de la Edad Moderna
5.1 Renacimiento
5.2 Manierismo
5.3 Barroco
5.4 Rococó
5.5 Neoclasicismo
5.6 América
5.7 África
5.8 Asia
5.9 Oceanía
6 Arte contemporáneo
6.1 Siglo XIX
6.1.1 Arquitectura
6.1.2 Romanticismo
6.1.3 Realismo
6.1.4 Impresionismo
6.1.5 Simbolismo
6.1.6 Modernismo
6.1.7 Fotografía
6.2 Siglo XX
6.2.1 Arquitectura
6.2.2 Vanguardismo
6.2.3 Últimas tendencias
6.2.4 Globalización del arte
6.2.5 Artes decorativas
6.2.6 Literatura contemporánea
6.2.7 Teatro contemporáneo
6.2.8 Música contemporánea
6.2.9 Danza contemporánea
6.2.10 Fotografía del siglo XX
6.2.11 Cine
6.2.12 Historieta
6.2.13 Arte efímero

7 Véase también
8 Notas
9 Referencias
10 Bibliografía
11 Enlaces externos

Prehistoria

bodas). C. Tito Bustillo. C. el Mamut de Vogelherd y la Venus de Brassempouy. Mesolítico y Neolítico) hasta la Edad de los Metales.). el jaspe. negro de óxido de manganeso y ocre de arcilla. Sáhara) y en la zona del actual Zimbabue.. el cristal de roca. troncos. Para la pintura utilizaban rojo de óxido de hierro. Otras obras representativas de esta época son el denominado Hombre de Brno. Estos primeros vestigios son generalmente utensilios depiedra trabajada (sílex. La pintura neolítica solía ser esquemática. Paleolítico El paleolítico tuvo sus primeras manifestaciones artísticas alrededor del 25 000 a. celebrados en ceremonias de fecundidad. Europa central y oriental (Mar Adriático). el cuarzo. En arte mobiliar se produjo la llamada cerámica cardial. la India y Australia. representaciones femeninas que seguramente servían de culto a la fecundidad. reducida a trazos básicos (el hombre en forma de cruz. destacando los restos hallados en Tell as-Sultan (Jericó). obsidiana). la danza. Por último. con notables ejemplos en El Cogul. elaborando la llamada pintura rupestre. Son de destacar igualmente Pintura rupestre de la Roca de los las pinturas rupestres del río Pinturas en Argentina. destacan las llamadasvenus. supuso una forma de comunicación corporal que servía para expresar sentimientos. con sociedades cada vez más complejas donde va cobrando importancia la religión. desarrollada principalmente en la región franco-cantábrica: son pinturas de carácter mágico- religioso. destacando las cuevas de Altamira. En el paleolítico (25 000-8000 a. Alpera y Minateda. C. y comienza la producción de piezas de artesanía. 8000-6000 a. al estado anímico de las personas. surgen las primeras civilizaciones protohistóricas. También se dio este tipo de pintura en el norte de África (Atlas. Su principal medio expresivo era la pintura rupestre.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura.). Jarmo (Irak) y Çatalhöyük (Anatolia).2 En la prehistoria surgieron las primeras formas rudimentarias de música y danza: diversos fenómenos naturales y la modulación de la propia voz humana hicieron ver al hombre primitivo que existían sonidos que resultaban armónicos y melodiosos. que se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería. teniendo su apogeo en el periodo magdaleniense (±15 000-8000 a. con representación de animales. Se manufacturaron nuevos materiales como el ámbar. el ser humano se dedicaba a la caza y recolección. o de diversa índole religiosa. de Historia Natural de Viena. y vivía en cuevas. en el Próximo Oriente— supuso una profunda transformación para el antiguo ser humano.4 .). o para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos. Valltorta. C. etc. el movimiento rítmico. Al tiempo. manos. el Mediterráneo occidental. En escultura. C. en cuevas.3 Neolítico Este periodo —iniciado alrededor del 8000 a. conchas) para producir sonidos. Los primeros vestigios de Venus de Willendorf. cañas. Siberia (Lago Baikal). de sentido naturalista. C. muy esquematizada. especialmente la Cueva de las Moros. y que afectaban a las emociones. Pronto el ser humano aprendió a valerse de objetos rudimentarios (huesos. defunciones. C. En principio. Tras un periodo de transición (mesolítico. Trois Frères. surgiendo nuevas formas de convivencia social y desarrollándose la religión. periodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por parte del ser humano. Museo objetos creados por el hombre aparecen en el sur de África. en el neolítico (6000-3000 a. decorada con impresiones de conchas (cardium).). caza o guerra. destacando la Venus de Willendorf. o bien de hueso o madera. Chauvet y Lascaux. la mujer en forma triangular). En esta época aparecieron los primeros vestigios de poblados con una planimetría urbanística. en El Cogul. En la pintura levantina —datada entre el mesolítico y el neolítico— se dio la figura humana.El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico superior. música y danza tenían un componente ritual. en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a. y apareció el arte textil. mientras que la propiarespiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza.

la taula. etrusca y del arte de las estepas. Musée Bretaña (Francia).). ligada a la cultura celta. alrededor del 1800 a.. como en el magnífico conjunto deStonehenge. que al final de esta era recibió las influencias griega. La lengua hebrea fue una de las primeras que utilizó como método de escritura el alfabeto (abyad. pues la utilización de elementos como el cobre. de Mallorca (España). En Complejo megalítico de Stonehenge. de aquí derivan los alfabetosgriego y latino. En España se formó la cultura de Los Millares. (Dinamarca). Tarxien y Ggantija.. C. surgida en Mesopotamia alrededor del 3500 a. La cerámica era polícroma. principalmente en cuatro zonas delimitadas por grandes ríos: elNilo. C.Edad de los Metales La última fase prehistórica es la llamada Edad de los Metales. La Tène se desarrolló entre los siglos siglo V a. en Inglaterra. C. mientras que más adelante los sumerios desarrollaron un anexo silábico para su escritura. destacando las grandes civilizaciones delPróximo Oriente: Egipto y Mesopotamia. destacando el dolmen y el menhir.7 . dos grandes piedras colocadas una vertical y otra encima horizontal.5 En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). torre con una cámara cubierta de falsacúpula. reflejando la fonología y la sintaxis del idioma sumerio hablado. a menudo acompañada de un carro de cuatro ruedas. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. La primera se dio entre los siglos siglo VIII a. caracterizada por la cerámica campaniforme y las representaciones humanas de figuras esquemáticas de grandes ojos.6 Venus de Menhir de la zona de Talayot circular de la isla Carro solar de Trundholm Brassempouy. con diversas tipologías de monumentos: la naveta. Arte antiguo Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia. lanzas. Malta destacó el conjunto de templos de Mudajdra. Saint- Germain-en-Laye. fíbulas). C. y eltalayot. con diversas fases de evolución (La Tène I. El primer código escrito fue la escritura cuneiforme. generada en primer lugar por la necesidad de llevar registros de índole económica y comercial. con cámara mortuoria de madera en forma de casa. y siglo I a. C.. Estaba basada en elementos pictográficos e ideográficos. En las islas Baleares se desarrolló una notable cultura megalítica. con decoraciones geométricas y aplicaciones de adornos metálicos. con cámara funeraria alargada. caracterizada por las necrópolis con tumbas de túmulo. o el cromlech inglés. el Indo y el río Amarillo. monumentos funerarios en piedra. C. II y III). En el llamado calcolítico surgió el megalitismo. C. tumba en forma de pirámide truncada. escudos. practicada en tablillas de arcilla. En Egipto se desarrolló laescritura jeroglífica. Uno de los grandes avances en esta época fue la invención de la escritura.). que relaciona un único símbolo a cada fonema. En esta época aparecieron las primeras grandes ciudades. des Antiquités Nationales. el bronce y el hierro supuso una gran transformación material para estas antiguas sociedades. el Tigris y el Éufrates. Destacó por sus objetos en hierro (espadas. iniciadas con la invención de la escritura. con una primera muestra en laPaleta de Narmer (3100 a. y siglo V a.

con manto y turbante y las manos nuevamente sobre el pecho. Tenían varios instrumentos. conjuntos amurallados con un sistema de terrazas a modo de zigurat. En época sumeria se dieron pequeñas estatuas de formas angulosas.). que flanqueaban las puertas de los palacios. También destacaron los palacios.10 Egipto En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones. como medio de expresión de la creatividad del ser humano.. Ur. entre los que destacan: el descenso de Inanna a los infiernos y los generados en torno a los dioses Enki y Tammuz.9 La música se desarrolló en esta región entre el IV y el III milenio a. como algunos ejemplos hallados en Museo del Louvre. el arte egipcio perduró hasta la conquista de Alejandro Magno. con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos. con cámara cubierta de Museo Británico. del siglo XVII a. patesi solía ser de corredor. La escultura se desarrolló en talla exenta o relieve. el balag (tambor). El canto litúrgico estaba compuesto de responsorios —canto alternado entre sacerdotes y coro— y antífonas —canto alternado entre dos coros—. falsa cúpula. Otra muestra de relevancia es el poema Lugal ud melambi Nirpal (Los trabajos de Ninurta). como el tigi (flauta).8 Con la aparición de la escritura surgió la literatura. En época acadia destaca el Atrahasis. donde se cantaban himnos o salmos (ersemma) a los dioses. etc. En la literatura babilónica es de remarcar el poema Enûma Elish. . grandes templos de forma escalonada piramidal. así como los relieves con escenas de guerra o caza. se sucedieron diversas culturas como los sumerios. siglo VII a. La arquitectura se caracteriza por el empleo del ladrillo.Mesopotamia El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates (actuales Siria e Irak). del Poema vestigios. el algar (lira). Destacan los zigurats.). caldeos. acadios. En el dominio babilónico cabe mencionar la famosa estela de Hammurabi. Estatua sedente del príncipe Gudea. sobre el mito del diluvio. C. C. en figuras sin cabello. C. de Lagash (2120 a. cuyo contenido es de tipo didáctico y moral. En el periodo acadio son figuras con cabello y larga barba. otorgando una gran relevancia al concepto religioso de inmortalidad. el zagsal (arpa) y la adapa (pandero). sobre la creación del mundo. En la literatura sumeria destaca el Poema de Gilgamesh. C. donde desde el IV milenio a. con un poder político fuertemente centralizado y jerarquizado. de los que prácticamente no nos han llegado Tablilla sobre el diluvio. Se escribieron una treintena de mitos sobre las divinidades sumerias y acadias más importantes. principalmente del faraón. otorgando gran importancia a las zonas ajardinadas (los jardines colgantes de Babilonia son una de las siete maravillas del mundo antiguo). Iniciado alrededor del 3000 a. como elObelisco negro de Salmanasar III. con piedra de color o pasta en los ojos. De la etapa amorrita (o neosumeria) destacan las representaciones del rey Gudea de Lagash. excepto algunos basamentos. C. amorritas.. con un sistema adintelado y la introducción de elementos constructivos como el arco y la bóveda.nota 1 para el que se construyen obras de gran monumentalidad. si bien su influencia persistió en elarte copto y bizantino. en rituales de los templos sumerios. París. destacando la estela de Naram-Sin. la lilis (precursor del timbal). La tumba de Gilgamesh (c. De la escultura asiria destacan las figuras antropomórficas de toros o genios alados. Su arte era intensamente religioso y simbólico. asirios. C. con obras de arte elaboradas y complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. con las manos en el pecho. en escenas religiosas o de caza y militares.

el sneb (trompeta) y el met (clarinete). pequeñas figurillas de tierra cocida o madera. En Egipto se desarrollaron notablemente las artes aplicadas. o las piezas halladas en la tumba deTutankamon. Museo del Louvre Amenemhet. como en Abu Simbel y Deir el-Bahari. C. alcanzándose durante la IV Dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita. Museo cámara funeraria de Tutankamon.La arquitectura se caracteriza por su monumentalidad con el empleo de la piedra. XV a. La escultura y la pintura muestran la figura humana de forma realista. Destacan los monumentos funerarios. por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado. tenían también un tipo de órgano hidráulico. Predominaba la ley de la frontalidad y el hieratismo. en grandes bloques. Luxor. También destacan los ushebti. tumbas excavadas en el suelo o en paredes de precipicios (Valle de los Reyes). cuyo relato data de mediados del siglo XX a. Las imágenes se representaban con criterio jerárquico. aunque con gran rigidez y esquematización. C.12 Una de sus mejores manifestaciones es la Historia de Sinuhé. con sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. La pintura se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Posteriormente destaca el Libro de los muertos.) . Destacan los templos deKarnak. La otra gran edificación es el templo. dado su carácter simbólico como manifestaciones de la vida ultraterrena. Filae y Edfú. un acceso con dos pilonos o muros trapeciales. dinastía XVIII (s. con formas tendentes a la geometrización. que puede ser escalonada (Saqqarah) o de lados lisos (Gizeh). tumba de forma rectangular. que consistía en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente.13 Speos de Ramsés II en El escriba sentado. y en la tumba de Tutankamon se encontraron dos trompetas deplata. de gran calidad artística. una sala hipóstila y el santuario. el ben (arpa). Entre sus instrumentos figuraban el sistro. con magníficos ejemplos como los muebles de cedro con taraceas de ébano y marfil de las tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo). Imperio Egipcio de El Cairo Nuevo. En la escultura egipcia comenzó a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías. desarrollando un ciclo anual de festividades cada una de las cuales tenía su música correspondiente —hecho que pasó a la liturgia judía y cristiana—.11 La literatura egipcia fue la primera en desarrollar un formato literario tal y como lo conocemos hoy en día: el libro. C. datado hacia el siglo XIII a. la seba (flauta). con tres tipologías principales: la mastaba. Al parecer. especialmente la ebanistería y la orfebrería. un servidor de Sesostris I. de templo es el speos. en forma de hipogeo. La música egipcia era principalmente de signo religioso. la pirámide. representando escenas cotidianas. un patio hípetro. conjuntos monumentales precedidos de una avenida de esfinges y dos obeliscos. Otro tipo Las pirámides de Gizeh. Pintura mural de la Máscara funeraria de Abu Simbel Imperio Antiguo. con un gran protagonismo del canto vocal. y los hipogeos. de mayor realismo que la escultura funeraria. Predominaba el canon de perfil. el ser (pandero). escrito en el Papiro de Ani.

situada en el norte de la actual Nigeria. con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras de jaguares y animales mitológicos..América En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos. así como la cultura San Agustín en Colombia. quizá la primera del mundo.). son de destacar sus 15 estelas en forma de pilares monolíticos. Aksum. En esta región surgió una notable industria textil. mostrando expresiones faciales de signo individualizado. caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro. joyería y tejidos. México. en el Monte Albán. templo edificado sobre tres pisos de galerías. En la zona del Amazonas destacó la cultura barrancoide. de gran sentido naturalista. En Perú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la invención de la cerámica. o las colosales cabezas monolíticas de hasta 3. serpientes). establecidos en Oaxaca. Kuntur Wasi). con un típico canon de gran cabeza. con diversos peinados. construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos. tronco recto y miembros cortos. así como objetos de metalurgia —el hierro era conocido desde el siglo VI a. destacando especialmente los mantos de lana de Paracas. C. de gran naturalismo L( uchador. C. También se producían cerámica. Mogollón y Anasazi. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a. C. hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos. aunque también hay producciones de signo ornamental. Los zapotecas. sus armas y su cerámica. La primera producción de cierta relevancia fue la cultura Nok. Santa María Uxpanapán). centro de un reino que alcanzó su apogeo en el siglo IV. C. monos. de carácter funerario. En Sudán se desarrollaron las culturaskerma y meroe. en Xochipala (estado de Guerrero). La primera gran civilizaciónmesoamericana fue la olmeca. complejo religioso construido en diversas fases. en el III milenio a. con figuras humanas —a veces sólo la cabeza— o de animales (elefantes. y crearon un sistema monetario—. C. con una estructura en forma de U. a veces con collares y brazaletes. Oaxaca. con grandes conocimientos en matemáticas y astronomía. (Sechín Alto. donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. Destacan las esculturas de terracota. surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de México. Otras culturas remarcables de la región fueron lamoche y la nazca —con sus enigmáticos geoglifos de Nazca—. en el I milenio a. de hasta 20 metros de altura. donde destacan las esculturas de piedra. —. destinado más a ritos y ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos. en máscaras y figuras exentas de carácter más o menos antropomórfico. con una cerámica de diseños incisos. y un monolito central de granito blanco de 4. los antiguos cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a.5 metros de altura. C. —especialmente el maíz—. En América del Norte destacaron las culturas Hohokam. hallado en Ciudad de Monte Albán.5 metros de altura. Asia India . La mayoría de sus obras son de madera. Con una notable cultura — desarrollaron una escritura en lenguage'ez. donde se observa el predominio de una casta sacerdotal.14 África El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso. Destaca Chavín de Huántar (900 a. situada en las provincias de Veracruz y Tabasco. piedra o marfil. En Etiopía destacó la ciudad de Escultura nok.

pero de signo más esotérico. C.): el arte deGandhāra es de tradición grecobudista.18 . sirviendo como vehículo de transmisión de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo. La expedición a la India de Alejandro Magno (326-325 a..) surgen los grandes poemas épicos indios: el Majabhárata es la tercera obra literaria más extensa del mundo. los Brāhmaṇa. que es con cúpula sobre un alto tambor cilíndrico colocado sobre una base cuadrada..16 Período védico (siglos XIII-VI a. gramática. teniendo en cuenta que la mayor parte de elementos naturales (montañas. C. C. Arte de Mathurā y Amarāvatī (siglos I-IV): en la ciudad de Mathurā. escritos sobre doctrinas secretas que suponen la primera obra de tipo La Guerra de Kurukshetraen una ilustración del filosófico en la India. También hay que destacar como rasgo distintivo del arte indio su afán de integración con la naturaleza. nueva síntesis de poesía y epopeya con elementosteológicos y filosóficos.): en esta etapa se introdujeron los pueblos arios. Arte maurya (siglos III-II a. con influencia helenística y sasánida.) y premauria (siglos VI-III a. como adaptación al orden universal. con restos de cerámica. escultura y útiles de metal (oro. aparecieron el budismo y el jainismo. religión. cristianismo. El monumento característico de este periodo es la stūpa.): la dinastía Maurya. árboles) tienen para los indios un carácter sagrado. ocupó todo el curso medio del Indo y la parte central de la península del Deccán. plasmado en las formasgrecobudistas. destacando por la representación directa de la imagen de Buda. sin embargo nos han llegado pocas representaciones de este periodo debido a la destrucción producida por la invasión islámica. En el siglo VI a. etc. se desarrolló una importante escuela artística que se difundiría por el resto de la India e influenciaría al arte gupta. Al igual que los estilos anteriores. conocida hoy día por las excavaciones realizadas en 1920 por sir John Marshall en Mohenjo-Daro. C.-I d. pero con un fuerte trasfondo filosófico y moral. estableciéndose estrechos lazos con el arte persa. y el Ramaiana. como la Stūpa de Sānchi. Se divide en tres grupos: los Samjitas (o ‘colecciones’. ‘verdad’). con un tono poético y evocador de un mundo mágico. y los Sutra. en Peshawar. escrita en sánscrito. generalmente recubierto de relieves con escenas de la vida deBuda. túmulo funerario de carácter conmemorativo. El arte de Amarāvatī también tiene influencia grecorromana. Arte de Gandhāra (siglos II a. plata. con un lenguaje poético y de exaltación de la naturaleza). C. La arquitectura de piedra sustituye al ladrillo. C. incluyendo los Upaṇiṣad. y el siglo XIII a. de religión budista. como lo demuestra los restos hallados en Virapatnam (Pondicherry).) abrió contacto con el arte helenístico griego. C. C. El estilo Mathurā mezclaba elementos tradicionales indios con motivos grecorromanos. Evolucionó la tipología de la stūpa. Su primera manifestación fue la literatura védica (de veda. sus obras principales son monasterios y stūpas. islamismo. En un período posvédico (hacia el siglo III a. series de aforismos sobre Mahābhārata. apareciendo las religiones tradicionales indias. de 50 metros de altura. Cultura del Indo: la primera gran civilización india se desarrolló entre el siglo XXVI a. 17 La literatura india comenzó alrededor del 2500 a. C. con edificios públicos construidos en ladrillos de barro cocido. como el de Kanisha. De igual importancia son las excavaciones realizadas en Harappa. filosofía y otros aspectos del brahmanismo.El arte indio tiene un carácter principalmente religioso. con escritos centrados en la religión y la guerra. destacando la gran stūpa de Amarāvatī. urbanización. situada en la cuenca superior del Ganges. con doscientos mil versos recopilados en dieciocho libros (donde destaca el Bhagavad-gītā). que incluyen el propio Rigveda (himnos litúrgicos de tema mitológico. sobre leyendas y epopeyas de la mitología hindú. C. budismo. antigua ciudad que en sucesivos emplazamientos muestra una planificada Mohenjo-Dāro. ríos. como en el Palacio de Aśoka en Pātaliputra. también de carácter litúrgico. C. obra de Valmiki. cobre y latón).

). los drávidas tenían músicas y danzas más elaboradas. C. que influenciarían enormemente al arte. situado en el interior del y dinámicas. y apareció lalaca. Dinastía Han (206 a. que la arquitectura. relacionadas con cultos a la fertilidad.): evolucionando desde el arte Shang. El Ṛig vedá («himnos vedas») deja constancia de tres tipos de entonaciones: udatta (aguda). amuralladas y con una retícula rectangular. 771 a. de siete actos. a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura. los protomediterráneos introdujeron nuevos instrumentos. con un trasfondo cultural y estético común a las sucesivas etapas artísticas. la pintura o la escultura. con estatuas aladas de leones. C. Comodramaturgos destacaron Kālidāsa y Śūdraka. C. La pintura se centró en temas de la corte imperial. donde se habla de canto. que aún perdura en zonas delHimalaya. C. destacando únicamente el vestuario y el maquillaje. la cerámica.20 China El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental. danza y mímica. con gran naturalismo y precisión en la fisonomía y los detalles. Periodo de las Seis dinastías (220-618): se difundió más ampliamente el budismo. usando generalmente untetracordio en las melodías vocales.): destacó por sus objetos y esculturas en bronce. se introdujo el budismo.): unificada China bajo el reinado de Qin Shi Huang. como en Zhengzhou y Anyang. construyéndose grandes santuarios con estatuas colosales de Buda (Yungang. fragmentó el imperio en pequeños reinos. los Ejército de terracota de Xian Zhou crearon un estilo decorativo y ornamentado.-220 d. nobles y funcionarios. También son de remarcar los relieves en santuarios y cámaras de ofrendas. que tuvo una implantación lenta pero progresiva. de diez actos. Destacó por sus capillas funerarias. Mricchakaṭikā. Dinastía Shang (1600-1046 a. la temática es de signo mitológico. Una invasión nómada en Mausoleo de Qin Shi Huang. confucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza.21 . situado en el interior del Mausoleo de Qin Shi Huang. sin decorados. de figuras estilizadas (210 a. Junto a esta nueva religión. libro sagrado de Brahma comunicado a los hombres por el rishi Bharata Muni. en un estilo lineal de gran simplicidad. tigres y caballos. decorado en relieve. marcadas por sus dinastías reinantes. los arios introdujeron los himnos religiosos en los Vedas. Había diversas modalidades: Śakuntalā. continuando el trabajo en cobre. de alrededor del 1200 a. en el alto Yangtsé. Destaca el gran hallazgo arqueológico del Ejército de terracota de Xian (210 a.El teatro indio tiene su origen en el Nāṭya-śāstra. Se han encontrado restos arqueológicos de varias ciudades en la zona de Henan. generalmente dedicados a motivos confucianistas. Dinastía Zhou (1045-256 a. anudatta (grave) y svarita (media). incluidos varioscaballos y carros. con torres de guardia de 12 metros de altura. jade. se recibieron diversas influencias procedentes del oeste asiático. con 2400 kilómetros de longitud y una media de 9 metros de altura. como el magudhi.): época de paz y prosperidad. apareciendo diversos estilos artísticos locales en el llamado Periodo de los Reinos Combatientes. Longmen). la famosa flauta de los encantadores de serpientes. los chinos valoraban por igual la caligrafía. y comenzó la caligrafía artística con la figura legendaria de Wang Xianzhi. periodo en el que sin embargo florecieron la agricultura y la metalurgia. C. C. como las halladas en la zona deChengdu. Destacó el trabajo en jade. El Sāma Vedá («cantos vedas») pasó de cinco a siete notas. Está compuesto por cientos de estatuas de terracota de guerreros a medida natural. la seda o la porcelana. se construyó la Gran Muralla para evitar invasiones exteriores. con un sentido confucianista de la solemnidad y la virtud moral. En pintura se formularon los seis principios. especialmente vasijas decoradas en relieve y máscaras y estatuas antropomórficas. Al contrario que en Occidente. Generalmente. marfil y otros materiales. sobre las historias de los dioses y héroes indios. enunciados por Xie He a principios del siglo VI. La representación es básicamente actoral. Como la mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmente taoísmo. y gracias a la ruta de la seda.19 La música india tiene un fuerte sello ecléctico debido a la multiplicidad étnica de los diversos pueblos que fueron llegando al subcontinente índico: los vedas tenían melodías únicamente de dos notas.). joyas y diversos utensilios en bronce. C. C. Aparecieron el taoísmo y el confucianismo. Dinastía Qin (221-206 a. En estos asentamientos se han hallado igualmente tumbas con ricos ajuares de armas. C.

Período Jōmon (5000-200 a. surgieron las principales obras del pensamiento chino. recopilación de poemas. C. Lü) de Lü Buwei (239 a. el pien-chung (campanillas). compendio de rituales y costumbres que fue posteriormente ampliado. hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda. C. enterramiento 25 real de Otsuka). Japón se mantuvo aislado del continente. poesía de carácter didáctico asociada a una composición musical. En este período encontramos las primeras muestras de pintura japonesa (tumbas de Kyūshū. el Shi King (El clásico de la poesía). En esa época se difundió un tipo de sepulturas de gran tamaño con cámara y túmulo ornamentado con cilindros de terracota. forjando un sincretismo religioso que aún hoy perdura. cinco notas: king. a causa de las relaciones con China y Corea. donde aparecieron diversas joyas. como el ch'ing (piedra sonora). y el Ch'uen-tsieu. Otro testimonio de relevancia es el Nihonshoki (Anales de Japón). chih. atribuido al mítico emperador Fu Xi. el ku (tambor) y el chun (campana). También tuvo mucha repercusión El arte de la guerra de Sun Tzu. el p'ai-hsiao (flauta pánica o siringa) y el ch'in (cítara). recopiladas en el Lü Shih Ch'un Ch'iu (Anales del Sr. C. C. Período Kofun (200-600): destacan las grandes sepulturas de los emperadores Ōjin (200-310) y Nintoku (310-399). manual de adivinación basado en el significado de ocho trigramas. Los principales instrumentos eran: el pien-ch'ing (carillones de piedra de jade). cerámica y unas figuras de terracota llamadas haniwa. formada alrededor del siglo I. mientras que en prosa destacó el She-ki (Memorias históricas) de Ssê Ma-ts'ien.24 Período Yayoi (200 a. siglos siglo V d. armas.). los llamados Cinco Clásicos: el Li-Ki. debido sobre todo a la adopción de la escritura china. C. grandes compendios de la filosofía y la moral: el Lùn Yǔ (Analectas) de Confucio y el Tao te king (Libro del Tao) de Lao Tse. aunque a intervalos ha ido recibiendo la influencia de las civilizaciones continentales. sobre todo de China y Corea.-200 d. C. crónica escrita en un lenguaje formal y ceremonioso que será típico de la producción literaria china. C. de hueso y piedras pulimentadas. aunque de poca relevancia. En época Han apareció un nuevo género. De época Shang es el Shih Ching (Libro de los Cantos). se añadió el budismo en torno al siglo V. con figuras humanas y de animales. La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china. La cerámica se producía con torno.): desde el siglo I a. Gran parte del arte producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta. al contrario que el sistema heptatónico occidental (de siete notas). empezó a introducirse la civilización del continente. el I Ching. el hsüan (flauta). especie de historia universal de corte mítico y teogónico. C. El testimonio más antiguo conservado es el Kojiki (Relatos de cosas antiguas).-VI. C. Versión del Tao te king derivaron tonos más agudos cortando el tubo un tercio menor que el anterior. que recoge creaciones musicales desde el 1600 hasta el 600 a. La poesía está representada por el Manyoshu (Colección de diez mil . La literatura china se inició con obras de carácter religioso y filosófico. apareciendo entre los siglos X y V a. C. Del periodo predinástico hay constancia de varios instrumentos.): durante el Página de un Nihonshoki (Anales de Japón) del período mesolítico y el neolítico se fabricaron instrumentos Heian. En torno al siglo V a. por lo que toda su producción fue autóctona. Durante la dinastía Zhou se sentaron las bases de la música tradicional china. chiao. Cabe señalar que la cerámica Jōmon es la más antigua producida por el ser humano. el Shu-king.22 La música china es pentatónica (de cinco notas). En cuanto a arquitectura religiosa. cerámica y figuras antropomorfas. la más típicamente japonesa.23 Japón El arte japonés ha estado marcado por su insularidad.): sobre un «tono base» (huang chung) procedente de una caña de bambú. el fu. shang. yü. cabe destacar el templo de Isa. obteniendo las hallada en Mawangdui. llegando a los cien tomos. el sheng (órgano de tubos de bambú). primera crónica fechada (722-481 a.

así como objetos de obsidiana y conchas. joyas). vikingos y paleocristianos. principalmente en Andalucía y la zona de levante y.ya su vez. También destacaron las esculturas de Karkemish y Tell-Halaf (Siria). La arquitectura se basaba en los muros de tapial. Hawái). La principal modalidad de música y danza sintoísta es la kagura. C.28 Otras manifestaciones Arte hitita: el pueblo hitita habitó en la península de Anatolia. hierro y metales preciosos (armas. excepto algunos utensilios y abalorios. con sistema adintelado. En Australia destacan las pinturas rupestres. isla de Pintura rupestre de los aborígenes Pascua.hojas). C. Ligado a la metalurgia. C. El arte fenicio se dio también en distintas zonas del Mediterráneo. como en Azaila. Marquesas. Fiyi. sobre el mito de Amaterasu. y el 500 d. llegando a la simplificación geométrica. escudos. en la Meseta Central y el sur de Francia. entre el III y el II milenio a. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañado de flauta de bambú (yamate-bue) y cítara de seis cuerdas (yamato-goto). Cerdeña e Ibiza. fundando la ciudad de Cartago en la actual Tunicia. fácil de transportar. minoico y etrusco. y otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko. Se ejecuta con los instrumentos mencionados. destacan los objetos en bronce. Arte escita: también llamado «arte de las estepas». Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad. vestigios. con gran variedad temática y estilística. Tonga y Samoa. Las ciudades se solían construir en acrópolis. Entre el 500 a. así como el min'yō. Recibió influencia mesopotámica . cinturones. Arte fenicio: pueblo de tradición marinera. con palacios precedidos de avenidas con esculturas de esfinges. con cierta rigidez arcaica y falta de naturalidad. destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda. posiblemente de origen totémico. redactado por varios autores entre los que destacan Otomo Yakamochi y Yamanoue Okura. principalmente de conchas. En sus obras destacan los motivos animalísticos. principalmente entre el II y el I milenio a. principalmente). antología de poemas de diverso signo. Armenia y Siria. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. en menor medida. Vanuatu. que son bastante esquemáticas. hueso. C. Se desarrolló . al ser un pueblo nómada.26 La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en las honkyoku («piezas originales»). aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos australianos. Su arte era preponderantemente mobiliar . El arte escita influenció al de los pueblos germánicos. Melanesia y Micronesia. que se remontan al siglo XIX a. dedicados principalmente al comercio. canciones folclóricas japonesas. C. telas y alfombras.). fíbulas. Su arquitectura era monumental. cuero.27 Oceanía El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico. diosa del sol. y tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia. Puerta del León en Boğazköy. como en Boğazköy. C. donde aparecieron también diversos relieves con escenas de guerra y caza. realizando arcos y bóvedas falsas por aproximación de hiladas.. continuó la colonización hacia Micronesia. originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia occidental (islas Salomón. Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterráneo. Arte ibérico: se desarrolló en la península ibérica coetáneamente a la cultura de La Tène. de influencia asiria y egipcia. influenció al arte persa. Ullastret y Olérdola. Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos dentados hechos con peines o púas. especialmenteChipre. navegaron por todo el Mediterráneo y el norte de África. es el correspondiente a los pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas. así como obras en madera. Destacan sus esculturas.

con escenas de guerreros. Baza y el Cerro de los Santos. Recibieron la influencia del arte egipcio. situada entre desfiladeros de montaña. En la literatura hebrea destaca la Biblia (el Tanaj o Antiguo Testamento. En la escultura persa destacan los relieves. Testamento. poético. notablemente la escultura. donde preponderaba la armonía y el equilibrio. destacando la tipología de las «damas». como las de Elche. el arte griego fue el punto de partida del arte desarrollado en el continente europeo. empleando por primera vez la piedra en grandes palacios como los de Susa. destaca especialmente la ciudad de Petra. y un pórtico o iwan con gran arco abierto a un patio. con una monumental fachada con pronaos hexástilo y frontón. donde surgió por vez primera el uso de laventana —a diferencia de la iluminación cenital utilizada hasta entonces—. el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico. Persépolis y Pasargada.. toros. C.en diversos estilos y géneros (histórico. combates con monstruos o animales como toros y leones. Grecia En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución del arte occidental. clásico y helenístico. Entre ellos destaca el Jazneh Firaun («el tesoro del faraón»). cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano.). C. Firuzabad) con sistemas abovedados con cúpulas sobre trompas. la racionalidad de las formas y los volúmenes. que lamentablemente no ha llegado hasta nuestros días. En época sasánida surgieron palacios (Ctesifonte. Dama de Tumba de Página del Elche. también llamado Torá. el Talmud y la Cábala. leones). así como del helenístico más adelante. Arte clásico Se denomina arte clásiconota 2 al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma. como la Bicha de Balazote. de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental. generalmente de planta basilical y fachada tripartita. hay testimonios de la gran magnificencia del Templo de Jerusalén. algunos de carácter antropoide. . «ley»). Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica. C. C. y la parte superior con un tholos redondo y dos edículos laterales con semifrontones. por lo que la mayoría de su arte es ornamental. Aparte de eso destacan las sinagogas. Caracterizado por el naturalismo y el uso de la razón en medidas y proporciones.) y la sasánida (226-640 d. como en los templos sirios. nombre Arqueológico Firaun («el hebreo del Nacional de tesoro del Antiguo España. También fue típica la representación de animales (caballos. C. C. donde se han hallado diversos templos.29 Arte nabateo: pueblo de origen semítico que habitaron en la zona sirio-palestina entre los siglos VI y II a. que influirá al arte islámico. y con un sentido estético inspirado en la naturaleza. De acuerdo a su religión se rechazaban las imágenes. mitológico. Museo Jazneh Tanaj. y donde destacan las grandes salas o apadanas. Posteriormente se redactaron la Mishná. La arquitectura persa aglutinó las formas mesopotámicas con las egipcias. en Petra. Madrid. palacios y tumbas excavados en la roca. legendario. Arte hebreo: los hebreos se instalaron en Palestina en el siglo XIII a.30 Ruinas de Persépolis. En arquitectura. con columnas de gran altura y capiteles de volutas. y II d. redactado entre los siglos X a. fenicio y mesopotámico. importante documento no sólo religioso sino también literario. sapiencial y epistolar). de estilo helenístico. y un sentido de imitación («mímesis») de la naturaleza que sentaron las bases del arte occidental. faraón»). Arte persa: en Persia se desarrolló una importante cultura bajo el reinado de dos importantes dinastías: la aqueménida (560-331 a. en piedra o cerámica esmaltada. profético.

Polignoto. como se percibe en la obra de Hesíodo. La pintura se desarrolló sobre todo en la cerámica. en cuyo caso se denomina períptero). C. y se desarrolló el urbanismo de la mano de Hipodamo de Mileto. A la vez. Los mitos griegos eran una fusión de elementos indogermánicos y mediterráneos. se añadió la palabra. en escenas cotidianas o de temática histórica o mitológica. También son típicos de esta época las estatuas de atletas desnudos (kouros) y de muchachas vestidas (kore). Aunque no han llegado numerosas muestras hasta la actualidad. En escultura predominó la representación del cuerpo humano. y la fábula. en función de la técnica utilizada en la confección de cerámica pintada: «figuras negras sobre fondo rojo» (hasta el siglo VI a. al dinamismo violento de la forma y la expresión patética del sentimiento. Praxíteles y Lisipo. Apeles. Eufranor. que resulta más trágica y angustiosa. de tradición oral. en la Acrópolis de Atenas. poniendo las bases de la literatura occidental. llamada «sonrisa eginética» por tener su mayor representación en las figuras del Templo de Afaia en Egina. con el templo dórico del Partenón y los jónicos del Erecteión y la Niké Áptera. donde destaca el friso. la cual tenía un componente educativo. de transmisión de . como Zeuxis.31 La literatura griega alcanzó cotas de gran calidad. el público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia. la oratoria. con o sin pórtico (o con pórtico delante y detrás. el vestuario. se rompió la serenidad naturalista en aras de enfatizar la expresión. mientras que es esencial la presencia de un público que contempla el espectáculo. representada por Demóstenes. etc. Eran construcciones en piedra. sobre todo en el género histórico. destacando por un tipo de sonrisa cercano a la mueca. en que «mito» es sinónimo de leyenda. Se configuraron los géneros literarios (épica. Safo y Anacreonte. Píndaro. Destacó especialmente la obra de Mirón. C. En el siglo V a. Destaca especialmente el conjunto de la Acrópolis. (el llamado «siglo de Pericles») se instauró el clasicismo. Comienzo de la Odisea. llevando a la perfección el canon en las proporciones del cuerpo humano. como percibimos en la obra de Escopas. Desde unos inicios de tradición oral (la epopeya). o pueden rodear todo el edificio. laterales. En origen. con la épica y la poesía. donde se sucedieron tres órdenes constructivos: dórico.. C. jónico y corintio. se tiene constancia por fuentes históricas del nombre de varios famosos pintores griegos. de ficción—. considerándose fidedigna —al contrario que hoy. a través de la «mímesis». Parrasio. como en el Laocoonte y el Toro Farnesio. surgió la literatura escrita con el desarrollo del alfabeto griego alrededor del siglo VIII a. intervienen también los actores. La poesía destacó por una lírica coral que expresaba sentimientos colectivos. C.. lírica y dramática). decorado generalmente con relieves escultóricos. surgiendo la tragedia. Platón y Aristóteles. de gran expresividad. con o sin columnas (que pueden ser frontales. Otras obras de relevancia fueron el Teatro de Epidauro y la Linterna de Lisícrates. donde junto a un texto —donde predomina el diálogo. si bien persisten las formas clásicas en obras como la Venus de Milo y la Victoria de Samotracia. Tucídides y Jenofonte. siendo la base argumental de sus obras la religión y la mitología. con mayor naturalismo y un estudio anímico en la expresión de la figura representada. basado en la armonía de las proporciones.) y «figuras rojas sobre fondo negro» (desde el siglo VI a. el mythos griego era una historia explicada. la escenografía. anfipróstilo). y coronados generalmente en forma de frontón. con un particular sentido estético que daría origen a la poesía. en el periodo helenístico la proporción y la armonía dan paso al recar gamiento y la sinuosidad. el ritual pasó a mito y. destacando Herodoto.En arquitectura destacaron los templos. es decir. En una segunda fase clasicista. Fidias y Policleto. el maquillaje. base de la representación escénica—.32 En Grecia nació el teatro entendido como «arte dramático». el mito pasó a la literatura. El teatro griego evolucionó de antiguos rituales religiosos (komos). Por último. Fachada del Partenón. etc. sobre un basamento (krepis). En época arcaica se dieron formas rígidas y esquemáticas. También se desarrolló la prosa. las luces y efectos de sonido.). practicada por Esopo. Se suele establecer dos épocas. de Homero. principalmente con la figura de Homero y sus dos grandes obras: la Ilíada y la Odisea.

norte de África y Próximo Oriente. Apareció entonces también la mímica y la farsa. con la construcción de carreteras. Británico. C.34 Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte. y se escribieron tratados teóricos sobre música. Sófocles y Eurípides en tragedia. palacios. Roma Con un claro precedente en el arte etrusco. al que añadieron el orden toscano. La arquitectura destacó por su carácter práctico y utilitario: grandes ingenieros y constructores. teatros. con un primer componente de sátira y crítica política y social. mientras que en comedia destacaron Aristófanes y Menandro. varios tipos de tambores —como por ejemplo el tympanon—. el címbalo. pero no se sabe cuánto duraba cada nota. acueductos y obras urbanísticas. el aulos. a la vez que de purgación de los sentimientos («catarsis»).33 La música griega nos es desconocida a nivel auditivo. Utilizaron los órdenes griegos. C. York. Los griegos escribían música con las letras del alfabeto. sentando la base evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas.35 Estatua de El Discóbolo La Venus Laocoonte y sus mármol de de Mirón de Milo hijos. C. etc. así como templos. Art. Museo del (hacia 50 d.valores. los romanos destacaron en arquitectura civil. Más adelante surgió la comedia. etc. C. anfiteatros. en los movimientos rítmicos del coro. circos. siendo el primero el de Aristóxeno en el siglo IV a. Louvre.Museo 100 a. En Grecia fue la primera vez en la historia que se estudió la música de forma científica: Pitágoras la relacionó con las matemáticas.). termas. aunque al perderse las anotaciones musicales han quedado como documentos escritos. Una de las primeras modalidades fue elditirambo. Atenodoro y (hacia 590. tan sólo tenemos idea de cómo podía ser por documentos escritos. Metropolitan Londres. Los primeros vestigios provienen nuevamente de los cultos a Dioniso. El Coliseo de Roma. puentes. el arte clásico grecorromano llegó a casi todos los rincones de Europa. Polidoro de Rodas 580 a. la cítara. el crótalo. de fuste . arcos de triunfo. teniendo una musa dedicada a ella: Terpsícore. Museo Pío- Museum of París. C. mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo— donde se desarrolló como técnica. el arte romano recibió una gran influencia del arte griego. relacionado con el culto a Dioniso. la siringa.).). El teatro y las narraciones épicas eran cantados. por lo que se desconoce el ritmo.). ladrillo y mampostería. derivando más tarde a temas costumbristas y personajes arquetípicos. (130. kouros (455 a. con el empleo de sillería. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo. el sistro. Clementino. Al sistema arquitrabado griego añadieron el uso del arco y la bóveda. Nueva Vaticano. de Agesandro. Gracias a la expansión del Imperio romano. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira.

de formas geométricas. en el Arco de Tito y en la Columna Trajana. Pompeya. en prosa. Al parecer.liso y capitel con collarino y equino rematado en un ábaco cuadrado. en opus sectile. Cultivaron los mismos géneros que los griegos. actores que bailaban al ritmo de las tibiae —una especie de aulos—. como divinidad. Tácito y Tito Livio. Prima Porta. de la que adoptaron técnica y géneros. También destacó el mosaico. como patricio.38 La música romana nos es desconocida. Entre sus principales obras se pueden recordar el Coliseo. Arco de Constantino. en historiografía. fue Livio Andrónico —de origen griego— quien en el siglo III a. destacando en poesía Lucrecio. inspirada en la griega. realizados en tres versiones: togata. se centró igualmente en la figura humana. mezcla de los dos anteriores. Casa del Fauno. la principal innovación latina fue el concepto de «estilo» que los romanos aplicaron a sus obras. que imita el revestimiento en mármol. uopus tesellatum. la Torre de Hércules. el Panteón de Agripa. Museos Vaticanos. aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos. Augusto de Fresco hallado en Pompeya. Un género muy difundido fue el retrato. La escultura. en temas históricos o religiosos. llamado así por simular arquitecturas. Si bien su producción no fue de gran calidad — en el aspecto estético-literario—. el Arco de Constantino. que favoreció notablemente la música —él mismo tocaba la lira—. las Termas de Caracalla. donde se perciben cuatro estilos: el de incrustación. con arquitecturas fantásticas. Más idealizados son los retratos de los emperadores.36 La literatura romana recibió como en el resto de las artes la influencia griega. origen de la sátira). que mezclaban canto y mimo (las saturae. y el fantástico. Salustio. Destacó especialmente el relieve. el Acueducto de Segovia. Virgilio. la obra de los autores latinos ha ejercido una gran influencia en la literatura occidental. el Teatro de Mérida. la época de mayor esplendor fue el reinado de Nerón. C. que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los ludiones. por su ascendiente sobre la literatura cristiana y medieval. aunque con más realismo. la Maison Carrée de Nîmes. con gran detallismo y fidelidad en los rasgos. Al parecer. Tan sólo Cicerón habla un poco de ella en sus escritos. Mosaico de la Batalla de Isos. más tarde. surgieron los histriones —que significa «bailarines» en etrusco—. el arquitectónico. Horacio y Ovidio. predominando en este último el mimo. comoEl sacrificio de Ifigeniaen Ampurias o La batalla de Isos en Nápoles. como militar. perceptible en el uso deltrépano para producir claroscuro y en el hecho de grabar las pupilas. igual que la griega. La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya. el ornamental. y apoteósica. en oratoria. y debido a que el latín fue el origen de las lenguas vernáculas habladas posteriormente en muchos lugares de Europa. Cicerón y Séneca. thoracata. como vemos en el Ara Pacis de Augusto.37 El teatro romano recibió la influencia del griego. La música romana pasó a la iglesia cristiana primitiva. con paisajes imaginarios. Arte medieval . variadas formas arquitectónicas y escenas mitológicas. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. guirnaldas y amorcillos. con pequeñas piezas que forman escenas figurativas. no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada escultura griega. El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro). Petronio y Apuleyo. etc. la danza y el canto (pantomima). al añadirse la música vocal. Como autores destacaron Plauto y Terencio.

Juan). Eusebio de Cesarea. Prudencio. Generalmente constaba de tres partes: un atrio de acceso. San Jerónimo (traductor de la Biblia al latín. Mausoleo de Gala Placidia. Clemente de Alejandría. En el siglo IV san Ambrosio introdujo el canto ambrosiano. de tipo coral. con escenas religiosas y alegóricas. de origen germánico. el corpus epistolar (cartas de San Pablo y otros apóstoles) y el Apocalipsis de San Juan. Arte paleocristiano Rávena (primera mitad del siglo V). eminentemente religioso. que servían a la vez de lugares de reunión para los perseguidos devotos cristianos. mientras aún eran perseguidos por el poder imperial. Más adelante. tras la conversión al cristianismo del emperador romano Constantino. En un primer momento destacó la elaboración del Nuevo Testamento. y San Apolinar en Rávena. Destacan las basílicas de San Pedro del Vaticano. llegando a influir al arte bizantino. Mosaico del Buen pastor. en forma de misal (missalis romanum). sin voluntad estilística. más elaborada y retórica. Lucas.La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad Media. dividido en tres naves. pues la fragmentación del imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la burocracia imperial. Existen tres estilos de canto gregoriano. la llamadaVulgata) y. San Lorenzo y San Clemente en Roma. a ser el estilo oficial del Imperio. el papa Gregorio I Magno creó el canto gregoriano (siglo VII).41 Arte germánico . iluminación de manuscritos. ondulación vocal sin ritmo ni saltos entre notas. con una finalidad moralizante. Lactancio. Las formas clásicas fueron reinterpretadas para servir como vehículo de expresión de la nueva religión oficial. que tuvo un gran desarrollo. que evolucionaron desde la simple decoración ornamental con molduras cóncavas (strygiles) hasta la narración de escenas en friso. etapa de cierta decadencia política y social. impregnará la mayor parte de la producción artística medieval. y el presbiterio. sin embargo. que se clasifican dependiendo de la cantidad de tonos diferentes que se cantan por sílaba: cuando hay un tono por sílaba se llama estilo «silábico». etc. dando preponderancia al simbolismo de las escenas representadas por encima del realismo de la narración o de su carácter estético. para pasar posteriormente. especialmente.39 La literatura cristiana fue desarrollada en latín y griego. Cobró especial relevancia el mosaico. generalmente con propósito didáctico y propagandístico de la nueva fe. A continuación surgieron una serie de escritos apologéticos de los llamados Padres de la Iglesia: Atenágoras. Con la legalización de su religión. y de 6 a más tonos por sílaba se llama «melismático». pasó de una función civil a una religiosa. La misa era cantada. Orígenes. El arte clásico será reinterpretado por las nuevas culturas dominantes. donde se sitúa el altar. Entre los exegetas latinos destacaron Tertuliano.40 La música cristiana primitiva era heredera de la romana. redactado en griego. Eran obras prácticas. así como de la liturgia judía. san Juan Crisóstomo y san Gregorio Nacianceno. San Juan de Letrán. con dos principales escuelas: la helenística-alejandrina y la siria. y surgió la miniatura. Las artes figurativas inician el camino del arte medieval. con tres partes principales: los cuatro evangelios (Mateo. Al convertirse el cristianismo en la religión oficial del Imperio surgió una tendencia más literaria. los mejores ejemplos se hallan en Santa María la Mayor de Roma y San Apolinar y San Vital de Rávena. Se denomina arte paleocristiano al efectuado por los primeros seguidores de esta nueva religión. En arquitectura. de 2 a 5 tonos por sílaba se llama «neumático». destacando san Basilio el Grande. La pintura se dio sobre todo en las catacumbas. destacó como tipología la basílica. Marcos. el cuerpo de la basílica. En escultura destacaron los sarcófagos. y se produjo una atomización de estilos por zonas geográficas. con una línea melódica continua. el cristianismo. las primeras manifestaciones se produjeron en el ámbito de los cementerios o «catacumbas». primero de forma oculta. mientras que la nueva religión. adaptación del edificio romano de mismo nombre que. San Agustín.

Arte carolingio: la coronación de Carlomagno supuso en cierta forma la restauración del Imperio Romano. Destacan las construccionesostrogodas en Italia. como la Estatua ecuestre de Carlomagno (Louvre). Orense). Destacó también la orfebrería. como los hallados en los tesoros de Guarrazar y Torredonjimeno. Ejemplos de ello son la Capilla Palatina de Aquisgrán y monasterios benedictinos como Sankt Gallen. si bien subsistió la cultura romana entre las clases humildes. Entre los pueblos germánicos conviene destacar el visigodo. es de destacar la incorporación de la escultura figurativa a las iglesias. que desarrolló un estilo propio de gran relevancia. como los de Poitiers en Francia o de Cividale en Italia. En escultura. sobre todo en frisos y capiteles. donde los pueblos invasores pasaron a ser la clase dirigente. como en Quintanilla de las Viñas (Burgos) y San Pedro de la Nave (Zamora). Otón II y Otón III. Esta convivencia cultural generó la aparición de las lenguas vernáculas y la creación de nuevas entidades políticas y culturales.La invasión del Imperio romano por los pueblos germánicos supuso la fragmentación del territorio en diversos reinos. con arcos de medio punto y cubiertas de madera o bóvedas de cañón. con varias escuelas como la palatina. en Essen y en Ottmarsheim. la de Tours. la de una nave con cámaras laterales (San Pedro de la Mata. Fulda y Corvey. Toledo) y la de cruz griega (Santa Comba de Bande. La pintura se desarrolló en la miniatura. La escultura se produjo sobre todo en marfil y bronce. debido al matrimonio de Otón II con Teófano de Constantinopla: en escultura destacan las . En escultura destacó el relieve. Arquitectónicamente son herederos del arte carolingio: el modelo de Aquisgrán se percibe en el coro de laabadía de Interior de la Capilla Palatina. La arquitectura destacó por el empleo de la sillería. sobre todo en coronas y cruces.42 Arte prerrománico Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año 800) hasta alrededor del año 1000. como el Mausoleo de Teodorico en Rávena. bien de cañón o de aristas. generalizándose el uso del arco de medio punto y la bóveda. envergadura. el arco de herradura y la bóveda. Esta acepción es simplemente una forma de englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún factor común. la de Reims y la de Saint-Denis. mientras que el modelo basilical benedictino Aquisgrán. con el único aglutinante de ser predecesores de la internacionalización del románico. En artes plásticas se percibe la influencia bizantina. Desarrollaron tres tipos deiglesias: la basilical de tres naves (San Juan de Baños. que se irán afianzando a lo largo de la Edad Media hasta formar las diversas nacionalidades existentes en la actualidad en el mundo occidental. Palencia). como vemos en los sacramentarios de Luxeuil y Gelasiano (Vaticano). Las primeras manifestaciones arquitectónicas de estos pueblos fueron de escasa relevancia. Se solían aprovechar instalaciones y materiales romanos. se halla presente en San Ciriaco de Genrode. donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. La arquitectura carolingia se basó en el uso del pilar en vez de la columna. La pintura se circunscribió a la miniatura. San Miguel de Hildesheim y la catedral de Espira. en Baños de Cerrato materiales usados y a la falta de un programa constructivo de (Palencia). asentado en la península ibérica. debido a la pobreza de los Iglesia visigoda de San Juan. Arte otoniano: se denomina así por coincidir con los reinados de Otón I. lo que conllevó un renacer cultural y un primer retorno a la cultura clásica como fuente de inspiración. aunque matizada por la religión cristiana.

La tipología principal es la basilical de tres naves. formada por arcos que se cruzan. en pintura. Se caracteriza por el empleo de muros de sillarejo. bóvedas de cañón con arcos fajones y contrafuertes exteriores. En escultura destacan las grandes cruces irlandesas. el arte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales. San Baudelio de Berlanga (Soria). destacando Santa María de Melque (Toledo). Venancio Fortunato. Se distinguen en el arte bizantino tres «edades de oro»: una primera en el siglo VI. Arte asturiano: con la invasión islámica de la península ibérica. en el ramirense. en función del reinado de Ramiro I: prerramirense. decoradas en relieve. de tejados apuntados y salientes de gran verticalidad. Enmarcada en el terreno eclesiástico. san Isidoro. Kells y Monasterboice. Arte celta: en las islas británicas. en el alto Ebro. Brompton de Borgund. así como la bóveda de nervios de tipo califal. etc. tuvo una época de esplendor el arte celta. recientemente evangelizadas. cabe citar los frescos de San Jorge de Oberzell. y que. donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y románico. San Millán de la Cogolla (La Rioja) y San Miguel de Escalada (León). como se percibe en la obra de Sidonio Apolinar. principalmente al norte del Duero. Son iglesias generalmente de pequeño tamaño. la producción literaria es enteramente en latín. donde se distinguen tres etapas. Arte vikingo: la arquitectura era en madera. En arquitectura se conservan pocos restos.San Salvador de Valdediós. Boecio. y en el posramirense. como la iglesia noruega de Borgund. en incisos a los cantos litúrgicos (tropos a medio texto. arte asturiano. También destacó la escuela irlandesa (san Columbano. especialmente las fíbulas con largas agujas y las espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura. Se desarrolló sobre todo en el siglo X. destacando la escuela de Winchester. como las puertas de San Miguel de Hildesheim. Teodulfo de Orleans. surgen las primeras piezas musicales sin texto. arcos de medio punto —a veces peraltados—. coincidiendo con el reinado de Justiniano. En el primer periodo destaca la iglesia de San Julián de los Prados. en el siglo VIII comenzó un tipo de escritura musical diferenciada del alfabeto.44 En esta época. San Cebrián de Mazote (Valladolid). La miniatura tuvo influencia carolingia. ramirense y posramirense. ilustraciones del Comentario al Apocalipsisdel Beato de Liébana. Santa María del Naranco. que vio florecer notablemente el arte sobre todo en arquitectura. principal exponente del (Irlanda). como las de Moone. sur de Galicia. Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la dominación islámica.43 La literatura medieval es heredera de la tradición clásica grecorromana. aunque con un claro componente teocéntrico y de exaltación de la religión cristiana. de las que fue puerta de entrada en Europa.45 Iglesia otoniana de San Miguel de Cruz de Iglesia vikinga Santa María del Naranco. san Gregorio Magno. en Oriente perduró —conocido como Imperio bizantino—nota 3 hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. generalmente sobre temas morales y de retórica. Arte bizantino Pese a la caída del Imperio Romano de Occidente. practicaban un tipo de arte de gran influencia islámica. que es el encargado de la conservación del antiguo legado cultural. una . Cantabria y Pirineos. con gran variedad en la tipología de su planta. con amplio crucero y tres capillas rectangulares a la cabecera. San Miguel de Lillo y Santa Cristina de Lena. al pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos. Destacan asimismo los trabajos de orfebrería. con una serie de grafismos (neumas) actualmente no identificados. La arquitectura destaca por el uso del arco de herradura. y secuencias al final). san Beda el Venerable) y la carolingia (Alcuino de York. Hildesheim. ya que generalmente se construía en madera: cabe destacar las iglesias de Deerhurst y Bradford-on-Avon. Rabano Mauro). la música va experimentando sucesivos avances: la música carolingia fue la primera en incorporar instrumentos musicales. Heredero del arte helenístico. Cabe destacar en miniatura los beatos. Casiodoro. al estilo de las salas de reunión vikingas. obras en bronce. a la que perteneció el Pontifical de San Aethelwold(British Museum). además del canto de tipo gregoriano. destacando las iglesias de forma piramidal. los cristianos se vieron reducidos a la región de Asturias.

destacando las escuelas de Chipre. Abundó el uso de la columna. y una tercera en el siglo XIV. En la segunda edad dorada se establecieron la estética y la iconografía bizantinas. Creta. la torre o alminar. que era únicamente de tipo ornamental. sobre todo los iconos de pintura sobre tabla.segunda desde el siglo IX hasta la toma de Constantinopla por los cruzados el 1204. Las primeras Iglesia de Santa Sofía. a la vez que recogieron diversas tradiciones anteriores. manifestaciones. Se utilizó el arco de medio punto y la bóveda con cúpula sobre pechinas. la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas. Su principal medio de expresión fue la arquitectura. con motivos abstractos o geométricos. siendo su arte el reflejo de esta disparidad. con dos cámaras o sacristías laterales y el altar bajo un baldaquino. teniendo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese. La escultura solía ser en relieve. especialmente la helenística y la siria neoática. con figuras estilizadas y perspectivas jerárquicas (el tamaño de la figura depende de su importancia religiosa). pues la prohibición religiosa de representar imágenes figurativas supuso una seria traba para la pintura y escultura. con motivos epigráficos. Salónica y monte Athos. En la tercera edad dorada la pintura sustituyó al mosaico. sobre todo en torno a los iconos. de época de Justiniano. son las más monumentales: iglesia de los Santos Sergio y Baco. la sala de oración (haram). presbiterio y coro al fondo. Gran Mezquita de Córdoba.46 Arte islámico Con la Hégira de Mahoma en 622 surgió una nueva religión. En arquitectura se empleó la piedra y el ladrillo. vegetales o de lacería. Venecia y Moscú (donde descuella Andrei Rubliov). que tuvo una rápida difusión desde el Próximo Oriente por el norte de África. Se otorgó gran relevancia a la decoración ornamental. el islamismo. nártex. en . que era de signo abstracto. La arquitectura destacó por el uso del arco apuntado —que en al-Ándalus fue de herradura por herencia del arte visigodo—. sur giendo más adelante elarco lobulado. con recubrimientos exteriores de placas de piedra con relieves e interiores de mosaico. sobre piedra o marfil. Con el tiempo. La principal tipología es lamezquita. usado a veces en superposiciones y entrecruzamientos. en la segunda edad dorada destacan la catedral de Santa Sofía de Kiev y San Marcos de Venecia. Las artes figurativas tuvieron en época de Justiniano influencia paleocristiana. generalmente de tres o cinco lóbulos. Estambul. con la dinastía Paleólogo. mármol. destacando los conjuntos musivarios de San Demetrio de Salónica y San Vital de Rávena. o bien en forma de avispero. como la de gallones y la de crucería. Salónica. Se utilizaban diversos tipos de bóveda. compuesta por un amplio patio (sahn). La tipología más utilizada fue la de planta centralizada —quizá por la importancia otorgada a la cúpula—. de Santa Irene y de Santa Sofíanota 4 en Constantinopla. y en la tercera cabe mencionar los conjuntos deMistra. mosaico o pintura. con un atrio de entrada. con una fuerte carga simbólica de las imágenes. destacando las imágenes de «consagración imperial» (Cristo con las manos sobre las cabezas de los emperadores). llegando a Europa con la conquista de la península ibérica y con la zona de los Balcanes tras la caída del Imperio bizantino. con capiteles cúbicos decorados con relieves a dos planos. generalmente de yesería. alabastro.

predominando el canto solista con laúd. con crucero y girola. Ibn Misjaḥ fue el primer teórico musical árabe. la de Isfahán. sobre trompas o pechinas. San Abundio de Como. importante y la más influyente de la histórica (Ibn Jaldún). con una característica alternancia de sus dovelas en color rojo y blanco. pero potenciada posteriormente por los Omeyas. más largas y discursivas. con la tradicional alternancia blanco-rojo. Su principal monumento es la Mezquita de Córdoba. La música profana fue prohibida por los califas ortodoxos. Consta de 114 capítulos (sura). De carácter eminentemente religioso. apoyadas en pilares por arcos fajones. En al-Andalus el arte islámico tuvo su momento de esplendor en el emirato de Córdoba: la arquitectura cordobesa era heredera de las formas hispano-romanas y visigodas. narrativa (Ibn al-Mugaffa. libro sagrado del islam escrito por Mahoma y fijado en su texto definitivo por el califa Uthman Ibn Affan en 650. compuesta de once naves perpendiculares a la quibla. obra anónima redactada entre los siglos IX y XV en diversos estilos. Ibn Tufail. Ibn Quzman). con una serie de arcadas superpuestas. Surgido a mediados del siglo XI. destacando diversos eruditos como Avicena. el tambor (tabl). arcos de medio punto y bóvedas de cañón. Módena. destacando la Giralda y la Torre del Oro. como en el arco de herradura. y que 48 es un impresionante ejercicio de ingenio y fantasía. el arpa (jank). En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico. Cabe destacar la recopilación de cuentos tituladaLas mil y una noches. La música árabe tiene su origen en antiguos cantos (huda’) efectuados por los beduinos en sus viajes en caravana. exponiendo los principales preceptos de la nueva religión. Destacan las mezquitas de Damasco. El Corán fue la base gramatical y estilística de la literatura árabe. el pífano (shahin). San Lázaro de Autun. la de la Roca y al-Aqsa de Jerusalén. etc. que seguirá durante el gótico. Averroes). breves y de tono poético. la nauba. Santa Fe de Conques. la pandereta (duff) y los palillos (gadib). También cabe destacar la Mezquita de Bab al-Mardum en Toledo y el Palacio de Medina Azahara. Otras importantes manifestaciones del arte islámico en la península fueron las producidas en Sevilla durante la dominación almohade. Hamadani. el oboe (mizmar). al-Hariri). al-Kindi y al-Farabi. y es considerado el padre de la música clásica árabe. con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas vernáculas. la de Tamerlán en Samarcanda. las catedrales de Durham. que es encerrado en alfiz. el Corán tiene una prosa rimada cuya asonancia se presta a la modulación. Entre los instrumentos árabes destacan el laúd (‘ud). la lira (mi'zaf). a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente gótico.cuyo fondo (quibla) se sitúa la capilla (mihrab). de medio punto en la parte superior y de herradura en la inferior. en versículos rimados. Las iglesias son de una o tres naves. que tiene su principal expresión en laAlhambra. San Zenón de Verona y las catedrales de Parma. San Front de Périgueux y San Esteban de Caen en Francia. la Mezquita Azul de Estambul. con seis pies métricos (rajaz) derivados —según la leyenda— de los pasos del camello. San Saturnino de Toulouse. y comenzó el estudio teórico de la música (al-musiqi). el Corán. El canto tenía una especial relevancia. A partir del siglo X cobró importancia la música instrumental —con una modalidad principal. también son frecuentes las cúpulas. la llamada a la oración (adhdan) era cantada. al-Jahiz). Se inició la construcción de grandes catedrales. similar a la fioritura occidental. Avicena. o fantástica (al- literatura árabe. y el arte nazarí en Granada. la de Samarra. La música sacra no se desarrolló tanto como la cristiana: en origen.49 Arte románico El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea occidental. Avempace. y las escritas en Medina.47 La literatura árabe arrancó con una obra de gran trascendencia. se desarrolló fundamentalmente durante el siglo XII. La arquitectura destacó por el uso de muros de sillería. con dos principales grupos de predicaciones: las escritas por Mahoma en La Meca. York y Canterbury en Inglaterra. que se desarrolló sobre todo en la poesía (Abu Nuwas. y la El Corán fue la primera obra prosa. casi todo el arte románico estaba dirigido a la exaltación y divulgación del cristianismo. la flauta (gussaba). ya sea filosófica (al-Kindi. correspondientes con los contrafuertes exteriores. Como principales muestras tenemos: el Monasterio de Cluny. precedida de un espacio con arquerías (macsura). la de Ibn Tulun en Egipto. las catedrales de . San Ambrosio de Milán. a la vez que se denota la influencia oriental del arte bizantino. con dos partes: estribillo (tarji’) y antífona (jawab). especie de suite vocal—. de una religiosidad más fervorosa. al-Mutanabbi. Pisa y Lucca en Italia. Creó un sistema melódico ornado (zawa'id).

Las principales innovaciones se produjeron en Francia. difundida sobre todo por la orden benedictina. festivo. temas no religiosos. gracias a la creación delpentagrama y a la nomenclatura de las notas musicales elaborada por Guido de Arezzo. en francés. Santo Domingo de Silos y las catedrales de Jaca. la lírica y las gestas . la literatura siguió preferentemente en manos eclesiásticas.Spira. sin realismo. y Sant Pere de Roda. en el siglo XII se produjeron diversas escuelas regionales: la catalana (portal delmonasterio de Santa María de Ripoll). Bernart de Ventadorn. debido al analfabetismo de la época. la música y la sátira. que explica la representación de la obra Quem quaeritis?. pasando a continuación a lenguas vernáculas. diálogo extraído del Evangelio entre varios clérigos y un ángel. Estaba subvencionado por la Iglesia y. San Martín de Frómista. Los principales ciclos escultóricos se producen en los tímpanos de los portales de acceso a las iglesias y catedrales. En España destacaron en primer lugar los talleres catalanes de Ripoll y la zona pirenaica. la Fachada de las Platerías de la Catedral de Clemente de Tahull. La pintura era preferentemente mural.51 El teatro medieval era de calle. etc. dejando al pie el Juicio Final. la aragonesa (monasterio de San Pedro el Viejo de Huesca). y las labores textiles (Tapiz de Bayeux. y «profano». los talleres de marfil de León (Crucifijo de Fernando Pantocrátor del ábside de San I). como el Cantar de Mío Cid (1140). Los actores eran en principio sacerdotes. la navarra (portada de Sangüesa) y la castellana (monasterio de Santa María la Real de Nájera). pasando más tarde a actores profesionales. que trabajó en la Catedral de Parma. con figuras esquematizadas. a las que siguieron las jarchas mozárabes. lúdico. las catedrales de Braga y Coimbra en Portugal. más adelante. con un marcado carácter didáctico. MNAC. Los juglares eran trotamundos.52 Durante el románico surgió la música tal como es practicada actualmente. de carácter religioso. Bertran de Born. Se desarrolló preferentemente en el ábside de las iglesias. con un programa iconográfico donde destacaba la figura del Pantocrátor. Tapiz de la Creación de la catedral de Gerona). el esmalte. Cáliz de doña Urraca. posteriormente surgieron los «cantares de gesta». San Juan de Duero (Soria). principalmente con el género trovadoresco. Maguncia y Worms en Alemania. Las principales obras musicales se circunscriben al canto gregoriano.nota 5 especialmente la orfebrería en oro y piedras preciosas (Arca de las reliquias de los Reyes Magos. de signo religioso y figuras esquemáticas al igual que la escultura. San Clemente de Tahull y San Isidoro de León. los talleres del Camino de Santiago. con tres principales tipologías: «litúrgico». conservando la tradición latina. San Lázaro de Autun. La poesía trovadoresca se desarrolló especialmente enlengua provenzal. mitad poetas y mitad saltimbanquis. los primeros textos escritos en lengua romance fueron las glosas del monasterio de San Millán de la Cogolla. donde destacaron las escuelas inglesa e italiana. al temple.50 En esta época. exaltando el amor cortesano (fin'amors). San Isidoro de León. La escultura se desarrolló principalmente en el marco arquitectónico. de signo simbólico. aunque empezó a desarrollarse lapolifonía y la música profana. Solsona y Santiago de Compostelaen España. Tuvo una fuerte influencia bizantina. Tuvieron gran relevancia en esta época las artes aplicadas. representada por Guillermo de Poitiers. generalmente en retablos para el altar. Vemos esta disposición en la Abadía de Sant'Angelo in Formis (Capua). En España. San Isidoro de León). donde los círculos artísticos cortesanos fueron ganando peso y desplazando al poder eclesiástico: destaca la gran epopeya del Cantar de Roldán. catedral de Colonia. aunque poco a poco fueron surgiendo obras en lengua vernácula y comenzó la producción literaria de ámbito profano. mezclando en sus actuaciones la declamación y el malabarismo. Santiago y el claustro de Silos. como en su magnífico Descendimiento (1178). En Italia destacó la figura de Benedetto Antelami. Jaufré Rudel. representada principalmente por Chrétien de Troyes y sus novelas del ciclo artúrico. El primer texto que se conserva es el Regularis Concordia. temas religiosos dentro de la Iglesia. Marcabrú. y la miniatura. de finales del siglo XI. desarrollado notablemente por el taller deLimoges. alrededor del cual se encuentran la Virgen y los apóstoles. en torno a trovadores y juglares. como en Santa Magdalena de Vézelay. «religioso». Arnaut Daniel. Otro género relevante fue la novela de caballería (roman courtois). por gremios y cofradías. Santa Fe de Conques y el Pórtico Real de Chartres. en forma demisterios y pasiones. de san Æthelwold. Las obras fueron en primer lugar en latín. También se produjo pintura sobre tabla.

Abadía de Santa Hildegarda. y la utilización de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del edificio. y componían y cantaban sus propias obras. La arquitectura sufrió una profunda transformación. Burgos. Canterbury. Reims. en Francia. entre las que cabe destacar: Laon. Barcelona. Siena. Fueron más importantes las danzas populares. El fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados. de tipo folclórico. época de gran desarrollo económico y cultural. Orvieto. en Inglaterra. con formas más ligeras. Hildegarda (1165). Pórtico Real Santa Catedral de Gerona. San Esteban de Viena en Austria. Eibingen (Alemania). y la ballade (estribillo alternante cada tres estrofas). Florencia. Estrasburgo. El auge de las universidades comportó un aumento de los estudios científicos. En Alemania. Arte gótico El arte góticonota 7 se desarrolló entre los siglos XII y XVI. que llegaron hasta Inglaterra Morris ( dances). de Chartres. siendo famosas las «danzas moriscas». con un mejor análisis estructural que permitió hacer edificios más estilizados. debido a la marginación a la que la sometió la Iglesia. filosóficos y literarios. Amiens. el yeso y la madera de pequeña escuadría: Cristo de la Vega . que la consideraba Notación musical con los versos delHimno a San Juan un rito pagano. En España cabe destacar también el desarrollo del arte mudéjar. más dinámicas. Bourges y Notre-Dame de París. y los monasterios de Batalha y Alcobaça en Portugal. Bolonia y Milán. Sevilla. de las que se tiene poca constancia. permitiendo interiores más amplios y decorados con vitrales y rosetones. con más aberturas y. Detalle del Códice de Tapiz de la Creación. en Italia.nota 6 En las cortes aristocráticas se dieron las «danzas bajas». Los trovadores eran de clase social más elevada (el mismo rey Ricardo Corazón de León fue trovador). Entre las formas trovadorescas destacan: el rondeau (alternancia de coplas y estribillo). A nivel eclesiástico. «danzas de la muerte».54 Catedral de Pisa. que dieron nombre a las sietenotas musicales. los trovadores recibieron el nombre de minnesänger. fuertemente influido por las formas islámicas. Gerona.épicas. Ulm y Magdeburgo en Alemania. Es la época de las grandes catedrales. por tanto. el virelai (en que el estribillo no interrumpe el desarrollo de las estrofas). mejor iluminación. Chartres. que tenían una finalidad moralizadora. y que se caracteriza por el empleo del ladrillo. León. Aparecieron nuevas tipologías como el arco apuntado y la bóveda de crucería. Zamora y Sigüenza. el único vestigio eran las Bautista. como el pasacalle y la farándula. en España. al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura. con mayor predominio de las ciudades sobre el campo.53 La danza medieval tuvo escasa relevancia. que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. Toledo. Palma de Mallorca. sentando las bases de la cultura moderna. Salisbury y Gloucester. innovación realizada porGuido de Arezzo. Colonia. llamadas así porque arrastraban los pies.

etc. la tapicería —siendo famosos los tapices de Arras—. la orfebrería —especialmente las custodias y los relicarios. Destacan especialmente tres nombres: Francesco Petrarca. los estudios sobre anatomía y el análisis de la luz para conseguir la matización tonal. inspiradas en la naturaleza. Hans Memling. La escultura continuó enmarcada en la obra arquitectónica. Las artes aplicadas también tuvieron gran relevancia durante el gótico. etc. Hugo van der Goes y el Bosco. autor de La Divina Comedia (1304-1320). San Lorenzo de Sahagún. mientras en Alemania descuella la obra de Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. con formas más realistas. Rogier van der Weyden. el fuerte cromatismo. y las escritas en lenguas vernáculas. Los artistas buscaban la belleza ideal. una de las grandes obras de la literatura universal. Bartolomé Bermejo. Bernat Martorell y Lluís Borrassà. así como la obra dePere Johan y Gil de Siloé. Simone Martini. que da colores más brillantes y permite su gradación en diversas gamas cromáticas. género poético de signo más subjetivo. donde las cortes de los pequeños estados que se repartían el territorio de la península itálica favorecieron las artes y las letras. Santa Clara de Tordesillas. Conrad Soest. un naturalismo de líneas sencillas y el idealismo de los temas representados. Ambrogio Lorenzetti). Este estilo se desarrolló sobre todo en vidrieras y miniaturas. Andrea Orcagna) y la sienesa (Duccio. Robert Campin. y con escenas de carácter narrativo. Se practicó sobre todo el género del canzone. la vidriería —singularmente la veneciana y catalana—. En Francia destacan el Pórtico Real y las portadas del crucero de la Catedral de Chartres. que exalta el amor. Gótico flamenco: surgió en Flandes a principios del siglo XV. En España destaca el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela. Destacan los pintores Paul de Limbourg. con cierta melancolía y nobleza en los sentimientos. Se sucedieron cuatro estilos pictóricos: Gótico lineal o franco-gótico: se desarrolló desde el siglo XIII hasta principios del XIV. al temple o al óleo. Burgos. a la vez que permite mayor minuciosidad en los detalles. En Italia destaca el taller de Nicola y Giovanni Pisano en Pisa. Las Huelgas (Burgos). suponiendo una fusión de los estilos anteriores. En Inglaterra destacó Geoffrey Chaucer . Conrad Witz. más simbólico que el trovadoresco. donde ya descollaba el Renacimiento—. que irán ganando protagonismo y popularidad. Gerard David. donde sobresale el nombre deEnrique de Arfe—. Su principal aportación es la técnica al óleo. Gótico itálico o trecentista: surgido en el siglo XIII en Italia. aunque comenzó a desarrollarse la escultura exenta.(Toledo). se caracteriza por la aproximación realizada a la representación de la profundidad —que cristalizará en el Renacimiento con la perspectiva lineal—. Cabe destacar a Jan y Hubert van Eyck. así como los conjuntos de Amiens y Reims. favorecidas por las nuevas clases urbanas de mercaderes y artesanos. escrito en endecasílabo —del que surgirá el soneto—. y empezó a desarrollarse la pintura en lienzo. las obras en esmalte —en particular las procedentes deLimoges—. en el resto de Europa. Se caracteriza por la estilización de la figura y el predominio de la línea curva. Alcázar de Sevilla. Destacó la ebanistería. Fernando Gallego. La pintura dejó de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de las iglesias. León y Toledo.55 La literatura tardomedieval se movió entre las obras escritas todavía en latín —generalmente de signo religioso—. Giovanni Boccaccio y Dante Alighieri. la cerámica —donde destaca la deFaenza y Manises—. Nuno Gonçalves. caracterizado por el dibujo lineal. el detallismo técnico y el naturalismo simbólico de la narración. Convento de Guadalupe (Cáceres). predominando a lo largo de ese siglo en la mayor parte de Europa —excepto Italia. Destacan dos escuelas: la florentina (Cimabue. mientras que en Florencia surgió el llamado Dolce Stil Novo. Martin Schongauer. El centro creador pasó de Francia a Italia. dando origen a lo que será el Renacimiento. Jaume Huguet. en formas sencillas y diáfanas. Stefan Lochner. Lluís Dalmau. las portadas de la Colegiata de Toro y de las catedrales de Tuy y Ciudad Rodrigo. Hans Holbein el Viejo. pero un amor más puro. Gótico internacional: corresponde a finales del siglo XIV y primera mitad del XV. los conjuntos de Catedral de Nuestra Señora de París. etc. Giotto. Jean Fouquet.

con diálogos y partes danzadas. con textos de gran valor literario y elementos juglarescos. sobre la vida de Dante Alighieri y el universo de La Jesucristo. John Dunstable y Bartolomé Ramos de Pareja. con Guillaume de Machaut y Francesco Landino. las principales modalidades fueron: elcarol. durante el gótico se desarrolló la polifonía. Aun así. de Giotto. En España. desarrollando un arte de signo religioso. especialmente. Divina Comedia. piezas de plumas y. En México se desarrollaron varias culturas: la primera fue la de Teotihuacan. Guillaume Dufay. que fueron fundidas). surgiendo por vez primera una música profana separada de la música religiosa realizada hasta entonces (Le jeu de Robin et Marion. «milagros». así como del poeta catalánAusiàs March. Gallery de Londres. . Johannes Ockeghem. Los mayas ocupaban la península del Yucatán y las actuales Belice y Guatemala (siglos II-IX). mientras que en el XV destacan Josquin des Prés. y «moralidades». o los 57 pequeños divertimentos escritos por autores de signo religioso para evadirse un poco de la rigidez eclesiástica. códices ilustrados. François Villon fue el primer gran poeta en lengua francesa. el estampie. con tres posibles orígenes —según los historiadores—: la imitación de textos latinos de Terencio y Plauto. Capilla de Jan van Eyck. la huella precolombina perduró en numerosas producciones artísticas posteriores. mientras que en el siglo XV es de remarcar las figuras de Jorge Manrique y el Marqués de Santillana.58 Palacio Ducal de Venecia. Templo de Kukulcán en Chichén Itzá). de (1434). en el siglo XIII surgió la poesía del mester de clerecía (Gonzalo de Berceo). en el siglo XIV destacaron el Arcipreste de Hita. donde destacaba una gran avenida flanqueada de templos en forma de pirámide escalonada. los Scrovegni National (Padua). de sistema reticular —con un trazado de base astrológica—. Uxmal. De la primera fórmula compositiva por repetición se pasó a la imitación en el siglo XIV. sobre Domenico di Michelinoen la Catedral personajes simbólicos. Jacob Obrecht. don Juan Manuel y Pedro López de Ayala. 1285). voces paralelas que se funden o se contraponen. de forma piramidal (Tikal. y se desarrollaron las técnicas compositivas y la notación. El primer compositor conocido es Leoninus. y a la variación en el XVI. el arte polivalente de los juglares. (1305-1306). La escultura era en relieve.56 El teatro se desarrolló en tres principales tipologías: «misterios». En Francia. así como la lírica galaico-portuguesa (Alfonso X el Sabio) y la catalana (Ramon Llull). de Adam de la Halle. con máscaras tipificadas. organista de Notre- Dame de París de mediados siglo XIII. concebidos bajo mediciones astronómicas. En música. con sus Cuentos de Canterbury (1386-1400). En danza. donde destacaban igualmente los templos. alegóricos. En esta época nació el de Florencia. Gilles Binchois. En el siglo XIV surgió el Ars Nova. Surgió el contrapunto. decorados con esculturas en relieve y pinturas al fresco. representados por sobre la vida de los santos. el branle. obras de oro y plata. Pórtico de la Gloria de la La adoración de El matrimonio Catedral de Santiago de los Reyes Magos Arnolfini Compostela. América El arte precolombino floreció con gran brillantez hasta el descubrimiento de América. teatro profano. el saltarello y la tarantela. ciudad construida entre los siglos I y VII. Los invasores destruyeron numerosas obras de arte precolombino (máscaras.

61 . que recogió diversas tradiciones anteriores en un arte sintético consagrado a la expresión del poder. así como largos poemas narrativos de temática histórica o mitológica. libro sagrado de los indiosquiché. cuya capital. técnica igualmente empleada en Machu Picchu. Por último. no han llegado hasta nosotros. generalmente decorado con motivos geométricos. destacando su magnífica colección debronces. Al parecer. en Etiopía. En su capital. una notable arquitectura e ingeniería civil. Chile y parte de Argentina. En los Andes floreció el arte inca. Además de su arquitectura. En Bolivia destacó la ciudad deTiahuanaco. abarcando los actuales Ecuador. Su capital. y templos de forma piramidal. construyeron una gran ciudad con grandes palacios y jardines. la literatura inca está representada por una serie de obras de poesía religiosa. con puertas y ventanas de forma trapezoidal. dedicados al sacrificio humano. Sus edificios eran rectangulares o circulares. a menudo con jeroglíficos. Los objetos en bronce aparecen en África occidental y meridional alrededor del siglo X. en el actual Malí. de cultura yoruba. se dio otra notable escuela escultórica enBenín. como los himnos rituales recogidos por Bernardino de Sahagún en Cantares de los Dioses. Posteriormente. de 6000 kilómetros. en cambio. Gran Zimbabue. el islamismo se expandió con fuerza por todos los países del Magreb. como las de los pueblos tellem y dogon. En Perú. y el Popol Vuh. y nos han dejado una de las mejores muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. estaba fortificada con murallas de sillares poligonales. Lalibela (Etiopía). surgió en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en terracota. entre los siglos XV y XVI. construyeron el Templo del Dios de la Estrella Matutina en Tula. donde también destaca la pintura de temas cristianos. con ciudades planificadas y carreteras bien trazadas. del conjunto de Monomotapa (siglos XI-XV). en materiales perecederos. Entre los siglos XII y XV se dio en Djenné (Malí) un estilo de figuras de terracota más esquemático. cerámicos y textiles. y composiciones poéticas. Al igual que los romanos desarrollaron Machu Picchu. estuvo más aislada.60 se desarrolló algo parecido al teatro. Bolivia. Sus primeras manifestaciones artísticas. por lo que nos han llegado pocos vestigios. En Ife (igualmente en Nigeria). surgido igual que el azteca en el siglo XIII. serpientes. cosmológico y adivinatorio (Códice Borgia). con adelantados procedimientos metalúrgicos. como algunas vasijas del pueblo Igbo-Ukwu en Nigeria. en el estado de Hidalgo. de figuras masculinas con una característica barba puntiaguda. destacó su cerámica y arte textil.59 La literatura precolombina era predominantemente oral. En Zimbabue floreció la cultura Iglesia de San Jorge. Los toltecas (siglos VII-VIII). El África subsahariana.generalmente de animales mitológicos. introduciéndose el cristianismo en el siglo IV. con pequeños reinos sumidos en frecuentes disputas. En la meseta mexicana se desarrolló la cultura azteca (siglos XIII-XV). de gran naturalismo. Tenochtitlán. especialmente en Etiopía. En lengua maya destacan los libros de Chilam Balam. transcripción de obras jeroglíficas sobre tradiciones orales. Los incas tenían una cultura muy desarrollada. como el Camino Real de las Montañas. Perú. como se puede apreciar en el drama en África El norte de África tuvo más relación con el arte europeo y asiático. En México se conservan varias expresiones en lengua náhuatl: escritos de signo religioso. pájaros y figuras humanas. fue una de las ciudades iglesias talladas en la roca de más grandes de toda África. Cuzco. De esta época datan las iglesias talladas en la roca de Lalibela. amurallado y con un ancho de 9 metros. documentos administrativos y relatos históricos (Códice Xólotl). fue la única cultura precolombina donde lengua quechua Ollantay. Los primeros vestigios son tallas en madera.

de Li Cheng (siglo X). Deogarth. con un fuerte sello de imaginación. destacando por su escultura y sus célebres figuras de cerámica. Destacan los grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantā. ma. los paisajes Tang no han llegado hasta nuestros días. Sirpur). En esta época destacaron dos modalidades principales: el mahanataka (gran espectáculo). dha. La figura más representada siguió siendo Buda. en un nuevo género denominado mahakavya. Elephanta) y los templos al aire libre (Bhitargaon. que puede ser lento (vilambita). de temas históricos y mitológicos. y la Gītāgovinda de Jāyādeva. que es un conjunto de preceptos y consejos relativos al amor y el sexo. En Orissā. destinado a reducidos círculos culturales. historia sobre el amor de dos jóvenes que ha sido comparada con Romeo y Julieta. como en Bhubaneshwar y Kōnārka. con un arte caracterizado por el purismo formal. género inicialmente de signo elitista. la poesía lírica está representada por las Sataka de Bhartrihari. y los Pallava lo pusieron de manifiesto en su complejo arquitectónico-escultórico de Mahābalipuram. Desafortunadamente. para marcar el ritmo. sobre las grandes epopeyas indias.62 La literatura india de esta época se realizó en diversas modalidades: el drama continuó con las epopeyas mitológicas.63 El teatro evolucionó sin grandes signos de ruptura desde época antigua. ga. junto a dramas de tipo mitológico sobre la cosmogonía hindú. pa. La música fue en esta época predominantemente vocal. Bodhagaya. En pintura apareció el paisaje. Tenían siete notas (svaras): sa. que incluyen diversos ornamentos (gamakas). el Naradiya-siksa de Nārada (siglo X) y el Samgita-Ratnakara de Śārngadeva (siglo XIII). ri.41 metros de altura.Asia India Arte gupta (siglos IV-VIII): en el Imperio gupta se expandió el budismo. La arquitectura se divide en dos tipologías: «el edificio cubierto y la pirámide» (vimāna de Tanjore. También cabe citar al famoso Kama-sutra. poemas de amor de tipo alegórico. así como de la escultura que los adorna. destacando el Rajatarangini de Kalhana (hacia 1150). difundido es el śikhara. compilado en el siglo VI por Vātsyāyana. y «el edificio con tejado curvilíneo» (templo de Gujarāt). Por último. Hsiangchi). en que un actor recita el texto principal mientras 64 otros lo escenifican con ayuda del mimo y la danza. A su vez. la danza y la mímica. la fábula se caracterizó por cuentos breves de aire popular. máxima expresión del arte indoario por la elegancia formal y estética de sus templos. en espectáculos donde. Ellorā. en la parte nororiental de la India. En arquitectura la tipología principal fue la pagoda (Hua-yen. la armonía de proporciones y la idealización de la figura humana. destacaban el canto. autor de Malatimadhava. destacando los autores Narayana y Sivadasa. . cada raga está relacionado con un tala o medida de tiempo. ni. destacando la estatua en madera policromada de Guan Yin (o Bodhisattva de la Misericordia). con 22 grados microtonales (srutis). así como los bodhisattvas (místicos budistas). acentuando las formas brahmánicas. conjunto de poesías sobre el concepto indio de la vida.65 China Dinastía Tang (618-907): este fue uno de los periodos más florecientes del arte chino. medio (madhya) o rápido (druta). se desarrollan nuevas tipologías que convirtieron los śikhara y los vimāna en representaciones arquitectónicas de los dioses hindúes. de carácter didáctico y aleccionador. Entre los siglos X-XI se produjo el arte de Khajurāhō. y sólo se conocen por copias. de 2. El tipo de santuario más Templo de Khajurāhō. siglo XI). La melodía se componía de varias estructuras de ciclos tonales (ragas). ejerciendo de guía durante la ejecución de la obra. destacando Bhavabhūti. principalmente cítaras y laúdes. el poema épico es heredero del Rāmāyana. como Templo budista en las colinas después de lalluvia. como el de Udaipur. por último. Se escribieron varios tratados sobre música: elBrihad deshi de Matamga (siglo VIII). El arte gupta se extendió por casi todo el Deccán: los Chālukya lo emplearon en los templos de Ahiōlē y Bādāmi (550-750). A estos estilos se les suele denominar «posgupta». y el dutangada. Arte hindú (siglos VIII-XII): durante este periodo perviven los estilos anteriores. el kharaja (pedal) es un sonido mantenido que sostiene el centro tonal. con acompañamiento de diversos instrumentos.

67 En este periodo se produjo la edad de oro musical china: destacaron los rituales confucianistas. historias pintadas en un largo rollo de papel o seda. que favoreció la difusión de la literatura. Buda de Tachibana. como elrelicario de Tamamushi. En cerámica destacan dos tipologías: la cerámica de esmalte blanco de Ting-tcheu. con una armonía sencilla y elemental. mezcla de china en el Museo Provincial deHubei (Wuhan). se alcanzó un nivel de elevada cultura que sería recordado con gran admiración en posteriores etapas. se produjo cerámica con nuevas formas y colores. un órgano soplado para el contrapunto. como la pagoda hexagonal de Kuo- Hsiang-Su (960). Se conservan pocos ejemplos de arquitectura: Pagoda del Este de Yakushi-ji. con fuerte influencia del arte chino. templo de Kōfuku-ji. En arquitectura destaca la Pagoda Blanca de Pekín. Período Nara (646-794): en esta época tuvo su apogeo el arte budista. Se desarrollaron especialmente las artes decorativas: se manufacturaron alfombras. Como edificio más destacable de este período hay que mencionar el templo de Hōryū-ji (607). de 26 cuerdas). música de la que nos han llegado composiciones como La última batalla de Hsiang Yü y Nueve canciones para Yüeh. . donde un coro cantaba el himno. impregnada de tinta sobre seda o papel.66 La literatura china de esta época estuvo marcada por la continuidad respecto a la producción anterior. nieto de Gengis Khan). con figuras de monjes o filósofos. siglo VI). como queda patente en el famoso viaje de Marco Polo. Los poetas recitaban al ritmo de un laúd corto (p'i-p'a). Dinastía Song (960-1279): época de gran florecimiento de las artes. con especial representación de paisajes nublados. La poesía estaba íntimamente relacionada con la música (género ts'e). con dos estilos: el septentrional. En pintura proliferaron los temas religiosos. con textos relatando las diversas escenas osutras. y artistas como Huang Gongwang. destacando Kuan-Han-K'ing y Po-Yeu-Fu. y se elaboraron obras de metalistería de gran riqueza. En arquitectura continuó la Colores del otoño en las montañas Qiao y Hua . Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. Obtuvo gran desarrollo en escultura la representación de Buda: Sho Kannon. Durante el reinado del emperador Hsüan-tsung (713-756) hay constancia de que existía en la corte una orquesta de unos 1300 músicos. de dibujo preciso y colores nítidos. especialmente los taoístas y budistas. China se abrió más hacia Occidente. Apareció el grabado sobre madera. como Nan-ch'ü (Cantos del sur) y Pei-ch'ü (Cantos del norte). con obras de gran originalidad. Durante la dinastía Song se popularizaron los espectáculos músico- teatrales. Representación de un concierto de música tradicional También apareció un nuevo género. el pienhuen. como en Liu Yu-Hui y Su She. Durante la dinastía Song apareció la imprenta detipos móviles (inventada por Bi Sheng). La pintura denota un gran sentido deldibujo. En pintura continuó el paisaje. de Ssê Ma-kuang. flores e insectos. templo de Tōdai-ji. colores ligeros y diluidos. de signo budista. verso y prosa. y sê. La época Tang fue la edad dorada de la poesía china. destacando las pinturas murales del templo de Yonglegong (Shanxi). o la pagoda de madera de Chang-Tiu-Fu. de Zhao Mengfu. de pinceladas rápidas. y diversos juegos de cítaras (ch'in. pero luego se instalaron en Japón gran número de artistas chinos y coreanos (Kannon de Kudara. Era una música predominantemente tímbrica. En época Yuan surgieron los dramas musicales u óperas. En época Yuan cobró relevancia el teatro. Dinastía Yuan (1280-1368): dinastía de origen mongol (su primer emperador fue Kublai. Shōsoin de Nara. mientras que en poesía descolló San-K'iu. La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII) y por kakemonos y makimonos. construcción de pagodas. de 5 cuerdas. Japón Período Asuka (552-646): la llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético. mientras que en prosa se tendió a un estilo más simplificado. con instrumentos de viento y campanillas. y el meridional. que han llegado hasta nuestros días. destacando Li Bai y Du Fu. representante del estilo Kudara. con 68 dos escuelas: septentrional y meridional. Las primeras imágenes de Buda fueron importadas del continente. representado por Han Yu y Liu Zongyuan. y la cerámica de esmalte rosa o azul de Kin-tcheu. continuando con gran intensidad la influencia china. Wang Meng y Ni Zan. para definir la duración (tsao-man). en prosa destacó el tratado histórico Tsê-che T'ong-kien.

la influencia zen provocó el llamado estilo Kara-yo. también llamado del Fénix). considerada más culta: tenemos así el Kaifuso (Tiernos recuerdos de poesía. pensados para la meditación: templos de Enryaku-ji. donde se exaltaba preferentemente la naturaleza. destacando Sesshū. es un clásico de la literatura nipona. y el Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes). perfecta transcripción de la doctrina zen. de origen manchú y coreano. el kakko (tambor chino). En época Heian hubo un renacer de las letras japonesas. Se desarrolló notablemente el arte de la jardinería.72 . elgagaku se divide en sōgaku (música instrumental) ybugaku (música y danza). más funcional. guerras feudales. destacando la narrativa: Genji Monogatari (Relato de Genji). donde la mayor producción fue en lengua china. el sô-no-koto (cítara). con una decoración muy desarrollada (monasterio de Byōdō-in. con la figura más remarcada de Unkei (estatuas de los montes Muchaku y Seshin). La arquitectura se distinguió por su elegancia. la aparición de la escuela de Yamato-e supuso la independencia de la pintura japonesa de la influencia china. En el período Kamakura la literatura se vio afectada por las constantes Gran Santuario Kasuga(Nara). también hay que mencionar el monasterio de Zuiho-ji. de tema histórico o mitológico. y la música derecha. Durante el período Fujiwara (897-1185). surgiendo dos corrientes: la música izquierda. Adicionalmente. sobre todo en poesía. La arquitectura era más sencilla. de Murasaki Shikibu. Período Kamakura (1185-1333): en esta época se introdujo en Japón la sectazen. mientras los actores principales se desenvuelven de forma gestual. de tono a veces erótico. en Nara. Cabe mencionar también la Escuela Kanō. con colores brillantes. el ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano soplado).70 En teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō. Destacan el conjunto de cinco grandes templos de Sanjūsangen-dō (1266). La pintura se caracterizó por un mayor realismo y por su introspección psicológica. Período Heian (794-1185): la iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevas sectas del continente: Tendai y Shingon. antología de varios poetas. desarrollándose principalmente elretratismo y el paisajismo. reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolado: Hojoki (Narración de mi cabaña). en cerámica destaca la de Seto. Se construían según el modelo de los grandes palacios. Período Muromachi o Ashikaga (1333-1573): en este período floreció notablemente la pintura. el templo volvió a situarse en la ciudad. Templo de Hōryū-ji. escrita enwaka (composición de 31 Interpretación de teatronō en el sílabas). menos lujosa y recargada. En pintura. Estas modalidades empleaban instrumentos como el biwa (laúd de cuello corto). Su origen se sitúa en el antiguo baile kakura y en la liturgia sintoísta. el shôko (gong). de Yoshida Kenkō. el taiko (tambor japonés).69 La literatura japonesa continuó con el influjo de la china.71 En música la llegada del budismo comportó la influencia extranjera. En escultura destacó la Escuela de Nara. siendo centro de reunión de las clases dirigentes. Del período Muromachi cabe destacar el Tsurezuregusa (Ensayos en ocio). destacando las mansiones señoriales: el Pabellón de Oro y el Pabellón de Plata. autor de retratos y paisajes. 751). describiendo el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo. en movimientos rítmicos. enmarcada dentro de la estética zen. en Kioto. Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon. La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios. Kongōbu-ji y santuario-pagoda de Muro-ji. más que lo que representan. Está caracterizado por una trama esquemática. un monje itinerante y un intermediario. ambos provenientes de los períodos Nara y Heian. y cobraron importancia los objetos delaca y metal. el koma-bue (flauta). frente a la magnificencia de vestidos y máscaras. se caracterizó por su armonía y luminosidad. que influyó poderosamente en el arte figurativo. que pretendía reflejar en los paisajes lo que significan. de Kamo no Chomei. aunque posteriormente fue asimilado por el budismo. que aplicó la técnica de la aguada a temas tradicionales. Asimismo había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eranshōmyō («hombre gordo que canta») y gagaku («música graciosa»). anónimo. Predominó la técnica de la aguada. con tres personajes principales: el protagonista (waki). Los decorados son austeros. drama lírico-musical en prosa o verso. La poesía de la época fue compilada en la antología imperial Kokinshu. de origen indio y chino. que se erigían en lugares apartados. La narración es recitada por un coro. el hichiriki (oboe).

teniendo su apogeo entre los siglos VIII y XII. construyendo el templo de Borobudur. plasmada en una arquitectura armónica de sobria decoración. principalmente en Indonesia. introduciéndose el islamismo en el siglo XV. El templo central está rodeado de cuatro santuarios Templo de Angkor Wat. construidos con piedra caliza con abrazaderas de hierro. con una arquitectura más vertical. Se utilizaba el ladrillo recubierto de estuco. como los de Shwentar y Kidal. caracterizado por una arquitectura vertical de formas alargadas y puntiagudas. Entre los siglos X y XV predominó nuevamente el hinduismo. como la mezquita de Sendang Duwur. Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya. destacando las estelas sepulcrales y las nuevas tipologías arquitectónicas. Su principal manifestación es el magnífico conjunto de Angkor Wat (1113-1150). constatable en las stūpas con cúpulas de campana. En el siglo XV se introdujo el islamismo. como la de Sukhothai (siglo XIV). destacando los monumentos funerarios (chandi). donde la dinastía Sailendra adoptó el budismo. en bulbo o en campana (templo de Ananda. Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). hemisférica. en bronce y pan de oro. con decoración en relieve. principal realización delarte más pequeños. siglo XII). principalmente en Java. Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china. Destacan las imágenes de Buda. cuya planimetría representa el universo. sobre el que se realizaba la decoración. contando con 1500 bajorrelieves y 400 estatuas de Buda. ciudadela-templo dedicado a Vishnú. Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia).73 . cónica. donde destacan las stūpas. Arte indonesio: se recibió una primera influencia india —principalmente gupta—. Su período clásico fue la época de Pagan (siglos X-XIII).Sudeste asiático En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista. que pueden ser de forma cilíndrica. El período más floreciente se dio entre los siglos VII y X. En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú (monasterio de Dông-Dương). Destaca igualmente la decoración esculpida en relieve. la stūpa más grande del mundo. como el templo de Vat Sri Sampet (siglo XVI). las śikhara indias. siendo a partir del siglo VI que comenzará progresivamente la influencia india. En las culturas autóctonas de la edad del bronce y del hierro —de las que se conservan escasos restos— se denota la influencia china. con una torre-relicario (prang). con 120 metros de largo por cada lado y 35 metros de altura. como en el uso de la bóveda de crucería. coronados por agujas inspiradas en jemer. En el siglo XII predominó la influencia jemer.

En Hawái se construyeron grandes templos (heiau). social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo. había más de 1000 grupos étnicos diferentes. suponiendo el inicio del . Shwedagon. Se produjo una gran diversificación cultural y artística: sólo en Melanesia. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político. Bangkok. con grandes estatuas antropomórficas. Klaung Garai. Rangún (Birmania). los maoríes desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de líderes políticos y religiosos. apareció un tipo de moneda de piedra compuesta por grandes discos con un agujero central. Phan Rang pagoda de (Vietnam). los nuevos descubrimientos geográficos — especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial. En Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra (latte). económico. por ejemplo. así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). Arte indonesio: templo de Borobudur (Indonesia). isla de Pascua de las famosas cabezas monolíticas (moái). islas Chatham). Arte thai: templo de Wat Phra Arte cham: templo de Po Arte birmano: Kaew.74 Arte de la Edad Moderna El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno. islas Kermadec. con esculturas de madera de hasta tres metros que representaban a sus dioses. En Nueva Zelanda. En las islas Marquesas se dieron un tipo de construcciones de casas megalíticas sobre plataformas de piedra. La mayoría de manifestaciones artísticas eran de carácter ritual. entre el año 900 y el 1600. de las que se erigieron unas 600 Pascua. Oceanía En este periodo continuó la expansión polinesia hacia la periferia oceánica (Nueva Zelanda. que se suele emplear como sinónimo de arte contemporáneo—nota 8 se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. En Yap (islas Carolinas). relacionadas con danzas y ceremonias de tipoanimista o politeísta. Por último. En Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitectónicos con esculturas de piedra y megalitos. que se situaban sobre plataformas de piedra que servían de base a los templos (ahu) de culto a los ancestros. cabe destacar la construcción en la isla de Moái en Rano Raraku. Son figuras de 4 o 5 metros.

considerándose las Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. Fuera de Italia. a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo. Bramante. como en la era medieval. En el Quattrocento destacó la arquitectura desarrollada en Florencia: Filippo Brunelleschi (cúpula de Santa María del Fiore. el humanismo surgió como nueva tendencia cultural. surgieron nuevos modelos de representación. el Renacimiento se desarrolló sobre todo en Francia. a la vez que se potenció la luminosidad y la diafanidad de los espacios. que empezó a ser concebida mediante un diseño estructurado. que se abrió a todo tipo de público. como el uso de la perspectiva. a la vez. Iglesia de Santa Maria Novella. por lo que se habló de «renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. corintio y compuesto). de composición geométrica. la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura. basado en la armonía y la proporción. La estructura del edificio se basó en proporciones matemáticas. el Renacimiento italiano —introducido por Aristotile Fioravanti— fue adaptado al estilo bizantino típicamente ruso. cuando el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística. metodología fue la que se impuso hasta el siglo XVIII. La arquitectura recuperó los modelos clásicos. el desnudo. como en el magnífico conjunto del Kremlin. dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo. con la obra de Philibert Delorme. el bodegón e. en Inglaterra se produjo el estilo Tudor. Basílica de San Lorenzo). diseñada Antonio da Sangallo (Palacio Farnesio). caracterizado por el uso de paramentos . que buscaban la perfección de las formas. Basílica de San Pedro del Vaticano). jónico. El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI. mientras que en el Cinquecento el centro artístico pasó a serRoma: Bramante (San Pietro in Montorio. o nuevos géneros como elpaisaje. surgió así el llamado «jardín italiano». apareciendo nuevas temáticas como la mitológica o la histórica. caracterizado por la utilización del arco Tudor. siguió el erudito florentino era la biografía del artista. Esta Uffizi (Florencia). progresivo auge la jardinería. En España se desarrollaron varios estilos: el plateresco.nota 9 Renacimiento Surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento). desarrollado sobre todo en la construcción de palacios civiles. en los Países Bajos la influencia italiana se denotó especialmente en la decoración. Estilo inspirado en la naturaleza. Leon Battista Alberti (San Andrés de Mantua). en Alemania no llegó hasta mediados del siglo XVI. sobre estructuras todavía de signo gótico. El método que El nacimiento de Venus (1485). Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano. Villa Madama. en Baviera. para tener un componente más racional y mesurado. la cúpula de media naranja y los órdenes clásicos (dórico. construido sobre terrazas con escalinatas (Jardín del Belvedere. La belleza dejó de ser simbólica. Sin renunciar a la temática religiosa. de Sandro Botticelli. incluso. la bóveda de cañón. se expandió por el resto de Europa desde finales de ese siglo e inicios del XVI. En esta época cobró un por Leon Battista Alberti. en Rusia. la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval. en Florencia. sobre todo a finales de siglo. Rafael). colonialismo. reelaborados con un concepto más naturalista y con bases científicas: se recuperó el uso del arco de medio punto. cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su entorno. con el castillo de Heidelberg y.

destacando la técnica de la intarsia. La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados. como se demuestra en sus frescos de las Estancias del Vaticano. Entre los literatos de esta época destacan: Angelo Poliziano. Jacopo Sannazaro. mientras que despuntó la obra de Miguel de Cervantes. Fra Angelico. con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como Bernard van Orley. especialmente la religiosa. Andrea del Verrocchio. con una perfecta ejecución pictórica. San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Don Quijote (1605). Paolo Ucello. sobre todo en Italia y Alemania. Con la invención de la imprenta se desarrollaron las artes gráficas. Andrea Verrocchio y. con obras como La Virgen de las Rocas (1483). Antonello da Messina. Piero della Francesca. 1409. Pierre de Ronsard. más preocupado por la estructura racional del edificio. genio polifacético que introdujo el sfumato o «perspectiva aérea». Ludovico Ariosto. 1508) y se inició el Miguel de Cervantes. Las artes industriales tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas: se desarrolló la ebanistería. Domenico Ghirlandaio. de Jesús. aunque perduraron hasta el siglo XVI la elegancia curvilínea y la esbeltez de proporciones del gótico internacional. Andrea del Castagno. contó con las figuras de Garcilaso de la Vega. El vidrio se desarrolló notablemente enVenecia (Murano). Giovanni Bellini. en busto o en figuras ecuestres. el gran genio de las letras españolas. Otros artistas destacados fueron: Masaccio. Alberto Durero. con un especial gusto por la forma monumental. etc.almohadillados. Luís de Camões. etc. Michel Colombe en Francia. con especial utilización de la «sección áurea» tras el estudio publicado por Luca Pacioli (De Divina Proportione. la nueva teoría que destacaba el papel primordial del ser humano sobre cualquier otra consideración. influida por la italiana del stil nuovo. Junto a la temática religiosa se desarrolló el retrato. con piezas de gran virtuosismo y elevada calidad. Alejo Fernández. Pietro Bembo. basadas en proporciones matemáticas. Matteo Maria Boiardo. grabado a media tinta o grabado a punta seca). y Pedro Berruguete. Uno de sus principales exponentes fueLeonardo Da Vinci. apareciendo o perfeccionándose la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte. Luca Signorelli. Benozzo Gozzoli. Diego de Siloé). Tomás Moro. Luca della Robbia. etc. surgiendo los primeros sistemas degramática en lenguas vernáculas (como la española de Elio Antonio de Nebrija) y apareciendo las primeras academias de lenguas nacionales.75 La literatura renacentista se desarrolló en torno al humanismo. hecho que propició el acceso a la literatura por un público más mayoritario. La escultura buscó igualmente la idealizada perfección del clasicismo. con formas naturalistas y temáticas profanas o mitológicas junto a las religiosas. Michel de Montaigne. Perugino. especialmente. destacando especialmente los esmaltes y camafeos. Jacopo della Quercia. François Rabelais. La pintura sufrió una notable evolución desde las formas medievales. Donatello (David. En esta época el mundo de las letras recibió un gran impulso con la invención de la imprenta por Gutenberg. 1509). En el resto de Europa: Matthias Grünewald. grabado al buril. etc. Erasmo de Rotterdam. embutidos de madera de varios tonos para producir efectos lineales o de ciertas imágenes. abandonando la decoración exuberante del plateresco (Rodrigo Gil de Hontañón. Quentin Metsys y Pieter Brueghel en Holanda. La tapicería destacó en Flandes. género de la picaresca con el Lazarillo de Tormes (1554). maestro del clasicismo sereno y equilibrado. Botticelli. Edmund Spenser. Bartolomé Ordóñez y Damián Forment en España. Andrés de Vandelvira). aguatinta. En España comenzó una edad dorada de las letras. Hans Holbein el Joven y Lucas Cranach el Viejo en Alemania. Ello conllevó a una mayor preocupación por la ortografía y la lingüística. Destacaron especialmente: Lorenzo Ghiberti. Torquato Tasso. Pedro Machuca y Luis de Morales en España. La Gioconda (1503). fray Luis de León. Los estudios de perspectiva permitieron hacer obras de gran efecto realista. Se utilizó el fresco y el temple. y el purismo. xilografía. Judit y Holofernes. y. Juan de Juanes. y Felipe Bigarny. fuera de Italia. columnas abalaustradas y profusa decoración de grutescos (Alonso Covarrubias. que se prolongaría hasta el siglo XVII: la poesía. Otro nombre de relevancia fue Rafael. La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti. Peter Vischer en Alemania. como el mármol y el bronce. Vicente Masip. mientras que se introdujo el óleo a mediados del siglo XV por influencia flamenca. La Última Cena (1495-1497). linograbado. consiguiendo tonos brillantes de gran efecto. en prosa surgieron los libros de caballería (Amadís de Gaula. al estilo de la antigua Roma. 1455-1460). decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de colores. Se utilizaban materiales nobles. autor del inmortal Don Quijote (1605).76 . Andrea Mantegna. Baldassare Castiglione.

Claudio Monteverdi compuso La favola d'Orfeo. A finales del siglo XVI nació la ópera. William Shakespear e. intentando reflejar las cosas tal como son.77 La música renacentista supuso la consagración de la polifonía. destacando el polifacético . Se desarrolló sobre todo en Francia —donde fue llamado ballet-comique—. con lo que se empezó a editar música. Se buscaba la recuperación de la realidad. Como compositores renacentistas destacaron Orlandus Lassus. Tomás Luis de Victoria. de Donatello. Manierismo Surgido igualmente en Italia a mediados del siglo XVI como evolución de las formas renacentistas. 1606). Pietro Aretino. debida de nuevo al papel preponderante del ser humano sobre la religión. gran genio universal de las letras (Romeo y Julieta. siendo la expresión paradigmática de la música renacentista. Pantalone. con autores como Christopher Marlowe. Thomas Kyd y. con obras más naturalistas. iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata Fiorentina) que. teoría introducida por Lodovico Castelvetro. En Inglaterra descolló el teatro isabelino. y. del mismo autor. Otelo. al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado. La arquitectura adquirió un signo más efectista y de tenso equilibrio. siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médicis. de la vida en movimiento.El teatro renacentista también acusó el paso del teocentrismo al antropocentrismo. tuvieron la idea de musicalizar textos dramáticos. de (1503-1506). Lope de Rueda y Fernando de Rojas. Pagliaccio. elmanierismonota 10 abandonó la naturaleza como fuente de inspiración para buscar un tono más emotivo y expresivo. especialmente. siendo considerado el primer coreógrafo de la historia. Giovanni Gabrieli. Claudio Monteverdi y Giovanni Pierluigi da Palestrina. con textos improvisados. de Florencia. Apareció elmadrigal como género profano que aunaba texto y música. en pentagrama. La primera ópera fue Dafne (1594). que iría evolucionando hacia laorquesta moderna. de aspecto histórico. Bargello. predominando la mímica e introduciendo personajes arquetípicos como Arlequín. En 1498 Ottaviano Petrucci ideó un sistema de imprenta adaptado a la música. de Leonardo edición de Bramante Museo da Vinci. Thoinot Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas Orchesographie. Como principales dramaturgos destacaron Niccolò Machiavelli. 1603. espacio y tiempo). La Gioconda Frontispicio San Pietro in 1440). así como el afianzamiento de la música instrumental.79 Templete de David (c. y dividió las estructuras cantadas enarias. de Jacopo Peri. 1597. en 1607. Surgió la reglamentación teatral basada en tres unidades (acción. la pavana y el tourdion. Hamlet. Hamlet de (1502-1510). en forma de historias bailadas. Colombina. cobrando importancia la interpretación subjetiva que el artista hace de la obra de arte. Macbeth. de la figura humana en el espacio. en las tres dimensiones. Museo del 1605. de tal manera que muchos autores consideran esta época el nacimiento de la danza moderna. Ben Jonson.78 La danza renacentista tuvo una gran revitalización. creando espacios de efectos ilusionísticos. En torno a 1520 surgió en el norte de Italia la Commedia dell'arte. Cristóbal de Morales. Se suele considerar que el primerballet fue el Ballet comique de la Reine Louise(1581). En esta época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte saltandi et choreas ducendi. Pierrot. donde añadió una introducción musical que denominósinfonía. William Shakespeare. en dialecto. en 1602 Giulio Caccini escribió otra Euridice. de la Montorio. en trompe-l'œil. Las principales modalidades de la época eran la gallarda. Louvre. Pulcinella (llamado en Francia Guignol). con su gran obra La Celestina (1499). ( 1588). 1603. basándose en la Poética de Aristóteles. Bartolomé Torres Naharro. sobre textos mitológicos clásicos. de Balthazar de Beaujoyeulx. Carlo Gesualdo. etc. a la que siguió Euridice (1600).

etc. Tiziano. de El entierro del Palladio. Cabe mencionar a Maarten van Heemskerck y Abraham Bloemaert en los Países Bajos. iglesia de iglesia de Santo Tomé San Pietro (Toledo). Sepulcro de los Médicis (1520-1534). Florencia. Miguel el Greco. Moisés (1513-1515). Galería Uffizi Conde de 1515). Juan de Juni y Gaspar Becerra en España. de formas simples y desnudas de decoración. de Miguel Ángel. tuvo su máxima realización en el Monasterio de El Escorial. La pintura manierista tuvo un sello más caprichoso. fuera de Italia. en posiciones violentas y actitudes dramáticas. David (1501-1504). y Andrea Palladio. autor del ábside y la cúpula de San Pedro del Vaticano. con figuras estilizadas. Adriaen de Vries en Flandes. En Francia surgió la notable Escuela de Fontainebleau. de (Florencia). de fuerte sentido expresionista. En España destacaron Juan Fernández de Navarrete. Andrea del Sarto. Alonso Sánchez Coello. con gusto por la David (1501-1504). Pontormo. con obras de tenso dinamismo donde resalta la expresión de la persona representada: Piedad (1501). Destacó en primer lugar —como en las otras artes— Miguel Ángel (autor de la decoración de la Capilla Sixtina). Villa La Rotonda. Jean Goujon y Germain Pilon en Francia. in Vincoli. con un arte donde se deforma la realidad a capricho. artista 80 excepcional creador de un estilo personal y único. Correggio. Veronese. (1513. con perspectivas distorsionadas y Galería de la Academia. Descuella nuevamente la obra de Miguel Ángel. Orgaz (1587). de acuerdo a la doctrina contrarreformista que entonces imperaba. de Andrea Moisés Venus de Urbino (1538). Tiziano. seguido de Bronzino. como vemos en la Basílica de Vicenza. Giorgione. atmósferas efectistas. Giambologna y Jacopo Sansovino. estilo sobrio y sencillo. y Bartholomeus Spranger en Alemania. La escultura es nuevamente reflejo del pesimismo que dominaba la sociedad italiana de la segunda mitad del siglo XVI. y. Barroco . extravagante.artista Miguel Ángel. etc. Jacopo Bassano. Juan Pantoja de la Cruz y. etc. Tintoretto. predominando la expresión sentimental del artista. Hubert Gerhard en Alemania. San Giorgio Maggiore de Venecia. Otros importantes escultores fueron: Baccio Bandinelli. deformando la realidad. Jacopo Vignola (Iglesia del Gesù). Benvenuto Cellini. creador de un estilo propio (paladianismo). la Villa Capra (llamada la Rotonda). El Greco. Ángel. especialmente. Giuseppe Arcimboldo. En España se produjo la arquitectura herreriana (por Juan de Herrera). forma sinuosa y estilizada. Parmigianino. y Alonso Berruguete.

1630. En Inglaterra cabe mencionar la Catedral de San Pablo de Londres. Georges de La Tour y los hermanos Le Nain. Francesco Borromini es otro simple artesano que hasta entonces gran nombre de la época. 1656. En Francia. Filippo Juvara y Guarino Guarini. Pieter van Laer. Las Meninas. baldaquino de San Pedro. Baldassare Longhena. englobando a Annibale Carracci. de Louis Le Vau y Claude Perrault. Al igual que en la época anterior. que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. siendo el principal artífice de la Roma monumental que (Museo del Prado). con gusto por lo sorprendente y anecdótico. de Le Vau y Jules Hardouin-Mansart. autor de obras como Apolo y Dafne (1622-1625). En España destacó la figura excepcional de Diego Velázquez (La fragua de Vulcano. de Christopher Wren. gracias a la obra de André-Charles Boulle. La escultura adquirió el mismo carácter dinámico. Sant'Ivo alla Sapienza. y el reloj de péndulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau. Francisco Salzillo. 1635. poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. el motor del nuevo estilo volvió a ser Italia: Gian Lorenzo Bernini fue uno de sus Las Meninas (1656). Andrea Pozzo. Frans Snyders). se iniciaron una serie de construcciones de gran fastuosidad: fachada delPalacio del Louvre. Alonso Cano. con Juan Gómez de Mora como figura destacada. etc. hubo infinidad de escuelas. y los países protestantes. Palacio de Versalles. creador de una nueva técnica de aplicación de metales (cobre. También destacaron la tapicería. Jan Vermeer.81 . autor de la Iglesia de San Carlos Borromeo en Viena. Fue una época de grandes disputas en el terreno político y religioso. La arquitectura. Jacob Jordaens. 1657). y la holandesa (Rembrandt. 1650. En Austria destacó Johann Bernhard Fischer von Erlach. estaño) sobre materiales orgánicos (carey. Domenichino. con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y efectistas. Entre sus obras destacan las dos cómodas del Trianón. Pedro de Mena.El barroconota 11 se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. basado en la estricta realidad natural. Juan Martínez Montañés. frente a la condición de San Andrés del Quirinal. En Francia destacaron François Girardon. destacando Gregorio Fernández. la orfebrería —especialmente las «piedras duras» en Florencia—. en Versalles. que llegó a cotas de altísima calidad sobre todo en Francia. El arte se volvió más refinado y ornamentado. La rendición de Breda. Antoine Coysevox y Pierre Puget. Adam Elsheimer. Guercino. Aparte de estas corrientes. Orazio y Artemisia Gentileschi. donde se afianzó el estadoabsolutista. con gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—. Venus del espejo. bajo unas líneas clásicas. y el clasicismo. la arquitectura acusó en la primera mitad del siglo XVII la herencia herreriana. también destacaron Pietro da Cortona. expresivo. Las hilanderas. estilos y autores de muy diverso signo. con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Éxtasis de Santa Teresa (1644-1652). donde cabe citar a Caravaggio. destacaron Pietro da Cortona. Giovanni Lanfranco. por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Claude Lorrain. sinuoso. destacando dos escuelas regionales: la flamenca (Peter Paul Rubens. Alonso Cano. la figura del pintor como artista inspirado. En Italia destacó nuevamente Bernini. En el terreno de las artes industriales. autor de las iglesias de San Carlo alle Quattre Fontane y se tenía del oficio de pintor. En el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII). así como José de Ribera. bajo el reinado de Luis XIV. Anton Van Dyck. destacando el movimiento y la expresión. Juan de Valdés Leal y Bartolomé Esteban Murillo. Luca Giordano y Charles Le Brun. con una base naturalista pero deformada a capricho del artista. de Velázquez mejores exponentes. Francisco Ribalta. de signo más parlamentario. la cerámica y el vidrio —que cobró relevancia enBohemia—. La pintura se desarrolló en dos tendencias contrapuestas: el naturalismo. con preferencia por las curvas cóncavas y convexas. etc. En España. Cobró relevancia la modulación del espacio. surgiendo una división entre los países católicos contrarreformistas. madreperla. asumió unas formas más dinámicas. fue un alegato de conocemos hoy día (columnata de la Plaza de San Pedro. Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674). Frans Hals). Hyacinthe Rigaud. En España perduró la imaginería religiosa de herencia gótica. Palacio Chigi-Odescalchi). Nicolas Poussin. Francisco de Zurbarán. ornamental. caracterizado por el exuberante decorativismo y el uso decolumnas salomónicas(Retablo Mayor de San Esteban de Salamanca). marfil) o viceversa. Guido Reni. de estilo decorativo y predominio de la pintura mural. destaca especialmente la ebanistería. etc. mientras que en la segunda mitad de siglo se dio el estilo churrigueresco (por José Benito Churriguera).

primer lugar donde la música se desligó de la protección religiosa o aristocrática para ser representada en lugares públicos: en 1637 se fundó el Teatro di San Cassiano. donde predominaba el ingenio. que convirtió la danza en grandes espectáculos (Ballet de la Nuit. Comenzó el gusto por las voces solistas. Entre las grandes figuras de la música barroca conviene recordar a Antonio Vivaldi. Georg Friedrich Haendel. Georg Philipp Telemann. gigue. presto. La escenografía era más recargada. Destacan Pierre Corneille.84 En Francia. En España también se dieron diversas modalidades de danza:seguidilla. Arcangelo Corelli. donde destacaba la belleza formal. Heinrich Schütz. En esta época la música alcanzó cotas de gran brillantez. creador de la danse d'école. Tommaso Albinoni. etc. primer centro operístico del mundo. metafórico. cómico. Andreas Gryphius) y segunda escuela de Silesia (Daniel Casper von Lohenstein. simplificando los argumentos y haciendo óperas más cultas y sofisticadas. Juan Ruiz de Alarcón y.83 La música barroca destacó por el contraste. En España nacieron la zarzuela y la tonadilla como manifestaciones de la música popular. Cyrano de Bergerac y Madeleine de Scudéry. tocata. Antonio Cesti. apareciendo el fenómeno de los castrati. En España el teatro era básicamente popular («corral de comedias»). chacona. los volúmenes móviles. allemande. siguiendo el tono ornamental característico del Barroco. principalmente. Lope de Vega (El perro del hortelano. Georg Friedrich Haendel. ñaque. En la música religiosa nacen el oratorio y la cantata. el primer sistema pedagógico de la danza. Con la sonata nacieron los nombres de velocidad:allegro. vivace. zarabande. el marinismo en Italia (Giambattista Marino). Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp. ornamentada. con cambios repentinos. con un estilo suntuoso. con una visión de la vida planteada como lucha. La ópera barroca destacó por la escenografía complicada. distinguiéndose: bululú.82 Góngora. cambaleo. gangarilla. Más adelante surgió el clasicismo en Francia. donde el siglo XVII sería denominado el Siglo de Oro. representado por Francisco de Quevedo y Chacón. representantes del clasicismo francés. etc. garnacha. la ornamentación exagerada. la escuela napolitana introdujo un estilo más purista. Hans Jakob Christoph von Grimmelshausen) en Alemania. Se caracterizó especialmente por la utilización del bajo continuo. el preciosismo en Francia (Vincent Voiture). farándula y compañía. se produjeron dos corrientes: el culteranismo. Jean-Baptiste Lully. mientras que la música coral triunfó especialmente en el mundo protestante. jota. con autores comoFrançois de la Rochefoucauld. principalmente las agudas (tenor. concierto. fandango. etc. Jean Racine y Molière. François de Malherbe. passepied. En el teatro barroco se desarrolló sobre todo la tragedia. donde todo es fugaz y perecedero. con proliferación de Portada del Manuscrito latinismos y juegos gramaticales. Jean de La Fontaine. El alcalde de Zalamea. los acordes violentos. zapateado. En Inglaterra destacó la obra poética de John Milton (El paraíso perdido. liderado por Luis de Góngora. desvinculándose plenamente de la voz y el texto. andante. sección instrumental grave que sostenía ininterrumpidamente la parte melódica superior. Destacaron Tirso de Molina. adagio. 1618) y Pedro Calderón de la Barca(La vida es sueño. Jacques-Bénigne Bossuet. Robert Greene). A finales del siglo XVII. Henry Purcell. siguiendo las tres unidades de Castelvetro. En un primer momento se produjeron diversas corrientes: el eufuismo en Inglaterra (John Lyly. 1653. la danza barroca (ballet de cour) hizo evolucionar la música instrumental. gavotte. etc. surgiendo las formas instrumentales puras (suite. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV. Marc-Antoine Charpentier. Su estilo era suntuoso y recargado. 1615. Alessandro Scarlatti introdujo el aria en tres partes (aria da capo). con múltiples significados en pocas palabras. sinfonía). En ópera destacó la escuela veneciana. 1651). Fuenteovejuna. creando en 1661 la Academia real de Danza. bojiganga. soprano). la estructura variada y contrastada. sueño o mentira. Nicolas Boileau-Despréaux. de melodía única pero con una rítmica adaptada a la danza. y el conceptismo. La literatura barroca se caracterizó por el pesimismo. 1667). Johann Sebastian Bach. Las principales tipologías fueron: minuet. etc. Angelus Silesius. rigaudon. más clasicista. donde intervino el rey caracterizado de sol). la primera (Martin Opitz. Guillén de Castro. En España. recargada. con un lenguaje conciso pero obra poética de Luis de polisémico. la agudeza. bourrée.85 . 1636. basada en la ineluctabilidad del destino. Johann Pachelbel. con una personal tipología. Destacan Pier Francesco Cavalli. que transmitió la Baltasar Gracián. sonata. con un tono clásico. con un lenguaje muy adjetivado y metafórico. polonaise.

François de Cuvilliés (Pabellón de El columpio (1767). (1648). supuso la pervivencia de las principales manifestaciones artísticas del barroco. de National Gallery de Paul Rubens. que son llevados a un paroxismo de riqueza. El progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos. pero con una perspectiva más larga. composición más simple. de Jean-Honoré Amalienburg del Palacio de Nymphenburg en Múnich). 1639). En España podemos reseñar a Juan Pascual de Mena y Luis Salvador Carmona. destacan los jardines de Versalles (diseñados por André Le Nôtre) y Aranjuez. Franz Ignaz Günther y los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). con un sentido más enfatizado de la decoración y el gusto ornamental. de Claude Lorrain. Baldaquino Éxtasis de Puerto con el embarque Las tres de San Santa Teresa de la Reina de Saba Gracias (1636- Pedro (1647-1651). de formas gráciles y con preponderancia de espacios pequeños. representado principalmente por Ange-Jacques Gabriel (Petit Trianon de Versalles. de composición geométrica igual que el italiano. de ambientes de recogimiento pensados para el bienestar y el confort. Hotel Biron de París). Rococó Desarrollado en el siglo XVIIInota 12 —en convivencia a principios de siglo con el barroco. Prado. destacando el lujo y la ostentación como nuevos factores de prestigio social. Roma. Johann Balthasar Neumann Fragonard. En Londres. La escultura tiene un aire grácil. El rococó se desarrolló sobre todo en Francia y Alemania. al «jardín italiano» sucedió el «jardín francés». Museo del Gianlorenz Bernini. (Palacio Episcopal de Würzburg) y Dominikus Zimmermann (Iglesia de Wies). conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas temáticas y actitudes más mundanas. mayores zonas de césped y un nuevo detalle ornamental: el parterre. con cierta pervivencia de las formas barrocas. Jean-Baptiste Pigalle y Étienne-Maurice Falconet. o Bernini. Colección Wallace. . En Alemania tenemos la presencia de Georg Rafael Donner. de Peter (1624. 1633). Se puso de moda lo exótico. refinado. de Pietro Bracci y Filippo della Valle. En Francia destacó la obra de Edmé Bouchardon. y a finales con el neoclasicismo—. especialmente por influencia de Bernini. de Gianlorenzo Londres. En Italia cabe destacar la Fontana de Trevi. jardinería. iglesia de Santa María de la Victoria. especialmente el gusto por el arte oriental. sofisticación y elegancia. La arquitectura pasó de la grandilocuencia barroca a un gusto más delicado. así como el ambiente cultural de la Ilustración.

amable. atrayendo un mayor público. con delicados motivos ornamentales. los tapices y los objetos de porcelana. decorativa. palladianos y chinescos. rococó. destinada a un público más popular.89 . inventado en 1711 por Bartolomeo Cristofori—. François Boucher. Canaletto. las clases altas. preferentemente de estilo oriental. Jean-Jacques Rousseau. más ligera y sencilla. Carl Philipp Emanuel. Denis Diderot. pasando por el retratismoinglés de Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough. que evolucionó desde un sello más o menos rococó hasta un ciertoprerromanticismo. concepto que estableció el germen de la era moderna. caracterizado por el eclecticismo. También se desarrolló el drama. Voltaire. las Pinturas negras (1820). destacaron Benito Jerónimo Feijoo. Al rococó en música corresponde la llamada «música galante». diminuendo). y las escenas cortesanas de Jean-Antoine Watteau. inventada por Aloys Senefelder en 1778. Diego de Torres Villarroel. con mezcla de elementos góticos. Es de remarcar la fundación en esta época de la Biblioteca Nacional y la Real Academia Española. La familia de Carlos IV (1800). Johann Stamitz. En España se denotó la influencia francesa en una literatura crítica y especulativa. con base en Molière. Ignacio Luzán y José Francisco de Isla. Entre sus obras destacan: los Caprichos (1799). Se desarrolló notablemente el interiorismo. proyecto iniciado con L'Encyclopédie de Diderot y D'Alembert y que supuso la consagración del racionalismo a nivel filosófico. sobre todo la de Sajonia y la de Sèvres. con un mayor contacto entre público y actores. Alexander Pope. iniciativa del elector Carlos Teodoro de Wittelsbach. Los montajes solían ser más populares. Pierre de Marivaux. En la llamada Escuela de Mannheim se desarrolla la música sinfónica. André Chénier. junto a la culta aparece la «ópera bufa». Daniel Defoe. el siglo XVIII fue el de la Ilustración. En España adquirieron notoriedad los tapices de la Real Fábrica de Santa Bárbara. Como dramaturgos destacan Pietro Metastasio. contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia. que era más tranquila que la barroca. nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza. de aire cómico. pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista.87 El teatro en el siglo XVIII siguió modelos anteriores. Pierre-Augustin de Beaumarchais y Voltaire. Figura aparte es el inclasificable pintor español Francisco de Goya. Jonathan Swift. que abandonó la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. Desapareció el gusto por el contraste y se buscó la gradación sonora (crescendo. con especial énfasis en el mobiliario. Giambattista Vico. En 88 España. En esta época apareció la litografía. situado entre la tragedia y la comedia. destacando el sentimentalismo. pastorales o de la Commedia dell'arte.La pintura se movió entre la exaltación religiosa o el paisajismo vedutista en Italia (Giambattista Tiepolo. como se ha señalado. el Abate Prévost. siendo igualmente de destacar sus cartones para tapices. algunos de ellos diseñados por Goya. De entre los músicos de la época destacan los hijos de Bach: Wilhelm Friedemann.86 A nivel literario. Al organizarse espectáculos más complejos. Esta última tuvo una gran difusión. etc. Baldassare Galuppi). Las artes decorativas tuvieron especial relevancia. El tres de mayo de 1808 en Madrid (1814). En ópera. En mobiliario se desarrolló el «estilo Chippendale» (por Thomas Chippendale). ganando gran auge el género del ensayo. los espejos. ya que. empezó a cobrar protagonismo la figura del director de escena. el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la ostentación y el lujo. poniendo el acento en la idea de progreso del ser humano y su capacidad ilimitada. es considerado el primer director de orquesta. Sus principales representantes fueron Montesquieu. Francesco Guardi). En porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes. Nicolás Fernández de Moratínse enmarca en la «comedia de salón» dieciochesca. dejando el teatro de estar reservado a Portada de L'Encyclopédie (1751). Johann Christoph Friedrich y Johann Christian —este último introductor del piano en la música sinfónica. Cultivó tanto la pintura como el grabado. Su principal representante. Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Jean-Honoré Fragonard en Francia. con la primera gran orquesta moderna (40 instrumentos). La escenografía era más naturalista. las sedas. con influencia de la Commedia dell'arte (Niccolò Piccinni. etc.

de Pietro Bracci y (1800). A la primera pertenecen obras como el Panteón de París. distinguir dos tipos de arquitectura neoclásica: la de herencia barroca. identificados con la aristocracia. consagrado a la mitología y . pero despojada de excesiva decoración para distinguirse de la arquitectura rococó.La danza siguió desarrollándose sobre todo en Francia. de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff.La familia de Carlos IV Interior rococó del (Baviera). de Jacques-Louis Claude-Nicolas Ledoux y Étienne-Louis Boullée. en Rusia. Lafayette. mientras que en España surgió el flamenco. donde en 1713 se creó la Escuela de Ballet de la Ópera de París. Raoul-Auger Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza. el Walhalla de Ratisbona. la primera academia de danza. retratista de la sociedad prerrevolucionaria (Rousseau. Petersburgo.90 Basílica de Ottobeuren Fontana de Trevi (1732. tuvo como principales figuras a: Jean-Antoine Houdon. de Leo von Klenze. muy influido por la escultura griega. y comenzaron a surgir nombres de bailarines destacados. para poder transcribir por escrito la diversa variedad de pasos de danza. la Piazza del Popolo de Roma. de Pierre-François-Léonard Fontaine(iniciador del llamado «estilo Imperio»). de lógico referente grecorromano. que trabajó para los papas y la corte de Napoleón (Paulina Borghese como Venus. como vemos en los postulados de Juramento de los Horacios(1784). A nivel popular. quien postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta. y Bertel Thorvaldsen. Se empezaron a escribir obras musicales sólo para ballet. de compás ¾. Roma. de signo funcional y un cierto aire utópico. 1762). Mirabeau). En la nueva línea más racional puede mencionarse el proyecto urbanístico de lasTullerías. junto a la difusión de un ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann. Museo del Prado cerca de San (Madrid). y el Museo del Prado de Madrid. Conviene David. En esta época la danza comenzó a independizarse de la poesía. de Giuseppe Valadier. también se enmarca en esta línea elneopalladianismo británico y estadounidense. de Juan de Villanueva. generando un mito sobre la perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día. La escultura. en contraposición a los excesos ornamentales del barroco y rococó. Museo del Louvre. consiguiendo autonomía propia como arte. destacando Jean-Philippe Rameau —creador de la opéra-ballet—. Voltaire. sobria y funcional. Neoclasicismo El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas clásicas. y la propiamente neoclásica. el baile de moda fue el vals. o la Ópera de Berlín. de Francisco de palacio de Gatchina. como Gaetano Vestris y Marie Camargo. de Jacques-Germain Soufflot. la ópera y el teatro. A este ambiente de valoración del legado clásico grecorromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano. de líneas austeras y racionales. Goya. y formulando un vocabulario propio. Filippo della Valle. Antonio Canova.nota 13 La arquitectura neoclásica era más racional. 1805-1807). más puras y austeras.

la historia antiguas (Jasón con el vellocino de oro, 1803). Otros nombres destacables serían John Flaxman, Johann Gottfried
Schadow, Johan Tobias Sergel y Damià Campeny.

La pintura mantuvo un sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin. Destacó
especialmente Jacques-Louis David, pintor «oficial» de la Revolución Francesa (Juramento de los Horacios,1784; La muerte de
Marat, 1793; Napoleón cruzando los Alpes, 1800). Junto a él conviene recordar a: François Gérard, Antoine-Jean Gros, Pierre-Paul
Prud'hon, Anne-Louis Girodet-Trioson, Jean Auguste Dominique Ingres, Joseph Wright of Derby, Johann Zoffany, Angelika
Kauffmann, Anton Raphael Mengs, Joseph Anton Koch, Asmus Jacob Carstens, José de Madrazo, etc.91

Las artes decorativas se desarrollaron en diversos estilos, algunos de los cuales perduraron a lo largo del siglo XIX: el estilo
Directorio surgió en Francia en la época del Directorio (1795-1805), caracterizado por las líneas sencillas, clásicas, sobrias, sin
adornos excesivos; el estilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica y de la Restauración, de donde pasó al resto de Europa,
sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia de temas exóticos y orientales; en
contraposición, el estiloBiedermeier alemán presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas. Estos estilos
influyeron en el isabelino español y el victoriano inglés, de aire burgués, dedicados al lujo y la ostentación, aunque sin renunciar al
confort y la funcionalidad.

A nivel literario, a finales del siglo XVIII se produjo una vuelta a premisas clasicistas, con la pretensión de establecer un tipo de
literatura preceptiva, ordenadora, con una base ética e intelectual. Muchos de los autores de esta época estuvieron a caballo entre el
neoclasicismo y el prerromanticismo, destacando: Friedrich Gottlieb Klopstock, Christoph Martin Wieland, Henry Fielding, Laurence
Sterne, etc. En España, se denotó la influencia del clasicismo francés y los preceptos fijados por Boileau, destacando José Cadalso,
Juan Meléndez Valdés y Gaspar Melchor de Jovellanos, así como los fabulistas Tomás de Iriarte y Félix María Samaniego.92 El
teatro neoclásico tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, siendo su principal característica la
inspiración en modelos clásicos grecorromanos, seña de identidad de esta corriente. Destacan: Vittorio Alfieri, Richard Brinsley
Sheridan y Gotthold Ephraim Lessingy, en España, Leandro Fernández de Moratíny Vicente García de la Huerta.93

La música clásicanota 14 supuso entre el último tercio del siglo XVIII y principios del XIX la culminación de las formas
instrumentales, consolidadas con la definitiva estructuración de la orquesta moderna. El clasicismo se manifestó en el equilibrio y la
serenidad de la composición, la búsqueda de la belleza formal, de la perfección, en formas armoniosas e inspiradoras de altos valores.
Nació el desarrollo, nueva forma de composición que consistía en desmontar el tema, cogiendo el ritmo o la melodía, pero
cambiando la tonalidad a través de la modulación. Evolucionó la música de cámara al desaparecer el bajo continuo, en distintos
formatos: dúo, trío, cuarteto, quinteto, etc. La música clásica está representada principalmente por: Franz Joseph Haydn, Wolfgang
Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck, Luigi Boccherini y Domenico Cimarosa. La ópera clásica era menos recargada que la
barroca, con una música austera, sin ornamentos vocales, arias limitadas, recitativo con acompañamiento orquestal, argumentos más
sólidos y personajes más verídicos. Destacan: Jean-Philippe Rameau, Christoph Willibald Gluck y, especialmente, Wolfgang
Amadeus Mozart, autor de varias de las mejores óperas de la historia (Le Nozze di Figaro, 1786; Don Giovanni, 1787; La flauta
mágica, 1791).94

El ballet clásico también experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y
su ballet d'action, que destacaba el sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y una
mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del compositor Gluck, que eliminó muchos
convencionalismos de la danza barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo de
95
ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia respecto a estos.

Panteón de Perseo con la La muerte de Viriato (1806- Wolfgang
París (1757- cabeza de 1807), de José de Madrazo, Amadeus
1791), de Medusa (1800), Museo de Arte Moderno de Mozart.
Jacques- de Antonio Madrid.
Germain Canova, Museos
Soufflot. Vaticanos.

América
Desde el descubrimiento de América por Cristóbal Colón en
1492 hasta la independencia de los diversos países americanos
a lo largo del siglo XIX (los últimos Cuba y Puerto Rico en
1898) se dio el denominadoarte colonial, que fue un fiel reflejo
del arte efectuado en la metrópoli, desarrollándose los mismos
estilos artísticos que en el continente europeo, principalmente
el Renacimiento, el Barroco y el Rococó. Las principales
muestras de arte colonial se produjeron en los dos centros
geográficos de más relevancia en la era precolombina: México
y Perú.

La arquitectura se basó en las mismas tipologías de edificios
propios de la cultura europea, principalmente iglesias y
catedrales, dado el rápido avance de la labor de evangelización Catedral Metropolitana de la Ciudad de México
.
de los pueblos nativos americanos, pero también edificios
civiles como ayuntamientos, hospitales, universidades, palacios
y villas particulares. Durante la primera mitad del siglo XVI fueron las órdenes religiosas las encargadas de la edificación de
numerosas iglesias en México, preferentemente un tipo de iglesias fortificadas llamadas «capillas de indios». A mediados de siglo se
empezaron a construir las primeras grandes catedrales, como las de México, Puebla, Guadalajara, Cuzco y Córdoba. La arquitectura
barroca se caracterizó por una profusa decoración, que resultaría exacerbada en el llamado «ultrabarroco» (Fachada del Sagrario de la
Catedral de México). En Perú, las construcciones desarrolladas en Lima y Cuzco desde 1650 muestran unas características originales
que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y de columnas salomónicas (Iglesia de la
Compañía, Cuzco). En el siglo XVIII la arquitectura se orientó a un estilo más exuberante, otorgando un aspecto inconfundible al
barroco limeño (Palacio del Marqués de Torre-Tagle.

Las primeras muestras de pintura colonial fueron las de escenas religiosas elaboradas por maestros anónimos, como las imágenes de
la Virgen con el Niño. La producción artística hecha en Nueva España por indígenas en el siglo XVI es denominada arte
indocristiano. La pintura barroca recibió la influencia del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, como se puede apreciar
en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. A finales del
siglo XVI destacó la Escuela cuzqueña de pintura, representada principalmente porLuis de Riaño y Marcos Zapata. En el siglo XVIII
la principal influencia sería la de Murillo, y en algún caso —como en Cristóbal de Villalpando— la de Valdés Leal. Destacan
Gregorio Vázquez de Arceen Colombia y Juan Rodríguez Juárezy Miguel Cabrera en México.

En escultura las primeras muestras fueron nuevamente en el terreno religioso, en tallas exentas y retablos para iglesias,
confeccionadas generalmente enmadera recubierta con yeso y decorada con encarnación —aplique directo del color— o estofado —
sobre un fondo de plata y oro—. A principios del siglo XVII nacieron las primeras escuelas locales, como la quiteña y la cuzqueña,
destacando la labor patrocinadora de la orden jesuita. En el barroco destacó la obra escultórica desarrollada en Lima, como la sillería
de la Catedral de Lima. EnBrasil destacó la obra del Aleijadinho.96

África
En esta época continuó la diversidad de estilos y
manifestaciones artísticas en el continente africano, debido a la
multiplicidad étnica y religiosa, y a las diferentes
organizaciones sociales, desde pueblos nómadas hasta estados
centralizados como Benín, Dahomey, el Congo y Ashanti. Los
principales materiales eran la madera, la piedra, el marfil, el
metal, la arcilla, pieles, plumas, conchas, etc. En las montañas
Drakensberg (Sudáfrica), los San (o bosquimanos) realizaron
miles de pinturas rupestres entre los siglos XVIII y XIX,
relacionadas con rituales chamánicos. En la región de Owerri
(Nigeria) se construyeron una serie de edificios votivos
llamados mbari, decorados con pinturas y esculturas. En Malí
destacaron las construcciones en adobe, como la Gran
Gran Mezquita de Djenné, Malí.
Mezquita de Djenné, datada inicialmente del siglo XIII pero
reconstruida varias veces. En Ashanti (actual Ghana)
adquirieron notoriedad los tejidos llamadoskente, de algodón o seda, decorados con motivos geométricos.

La escultura fue la principal actividad artística en el continente en general, caracterizada por su gran expresividad y fuerza emotiva,
que llegó a influir en el arte de vanguardia europeo cuando el colonialismo favoreció la creación de museos etnológicos que llevaron
las obras de arte africanas por toda Europa. En Benín se hacían figuras de latón desde el siglo XV hasta el XIX. En Ashanti se dio un
estilo naturalista de pequeñas esculturas de metal (siglos XVII-XX). En la cultura yoruba (entre Nigeria, Benín y Togo) proliferaron
los relieves en madera tallada, como en las puertas del palacio de Ikere, del escultor Olowe de Ise. Otras tipologías fueron: los
fetiches o «figuras de poder» (nduda), relacionadas con ritos ultraterrenales, de figuras antropomórficas recubiertas de tela, cuero o
plumas; los pfemba, dedicados a la maternidad, generalmente una mujer con un niño en brazos; y los mbulu-ngulu, relicarios
protectores. También se forjaron figuras en hierro, como la del rey Glele de Dahomey, de tamaño natural, obra de Akate Akpele
97
Kendo (1860). Por último, destacaron lasmáscaras, destinadas a ritos de distinta índole (funerarios, agrícolas, de fertilidad, etc.).

Asia

India

Durante este periodo se introdujo en la India el arte islámico. La invasión musulmana, que tuvo su culminación en el Imperio mogol,
provocó una gran convulsión en la sociedad india y, por tanto, en su arte. A las formas tradicionales se añadieron elementos
característicos del arte islámico, con nuevas tipologías como la mezquita. Este sincretismo artístico se manifestó en construcciones
como las mezquitas de Lahore y Delhi y en las sepulturas de Agra, sobre todo en al famoso Taj Mahal (siglo XVII). También se
desarrollaron la jardinería y la miniatura, ambas de influencia persa, y adquirieron gran relevancia las artes textiles y las joyas
engarzadas (como el Trono de Aurangzeb).

El arte tradicional hindú tuvo su manifestación en el magnífico templo de Meenakshi (Madurai), así como en la escuela miniaturista
de Rajput, donde vivía una comunidad jainista que creó un arte que tuvo gran difusión en Occidente, plasmado en un conjunto de
templos y esculturas de mármol con incrustaciones de piedras de colores, decorados con gran preciosismo. A partir del siglo XII la
escultura se realizó más en bronce que en piedra, destacando las representaciones del dios Śivá en actitud danzante; después serían

También destacó la porcelana. bengalí. Continuó igualmente la tradición en las artes aplicadas. etc. mientras que la segunda era más austera. etc. jade. La primera era más elegante. paisajes (Gai Qi). etc. y la meridional o carnática. drama alegórico que representa el alma humana como un rey encarcelado en su palacio (el cuerpo). más influida por la música árabe. cerámica en los tejados. autor de Jiva. lacas. basadas en los ragas. reelaboración del Ramaiana con gran pureza lingüística y estilística. destacando en época Ming la producción teatral. al tiempo que se edificaban nuevos templos y villas aristocráticas. rayastaní. con gran riqueza decorativa. destacando la riqueza de los materiales (balaustradas de mármol. romántica. En el género dramático destacó Anandarayamakhin. tamil. Taj Mahal. que igualmente ponía énfasis en la música y la gestualidad.98 En literatura la principal particularidad de esta época fue el despunte de las lenguas vernáculas. con el mismo sello estilístico. El teatro derivó en tiempos más recientes del antiguo dutangada —donde predominaba la danza y la mímica— en una nueva modalidad denominada kathakali. dedicada a temas florales (Yun Shouping). intelectual. donde los colores eran simbólicos. Yongle.característicos los retratos de guerreros y cortesanos. y en el poema épico destaca el Ram-chari-manas de Tulsidas. y La ciruela del vaso de oro. decorativa. Wen Zhengming. en el sur. narración de tono erótico. identificando al rol La música recibió igualmente la influencia musulmana. muy ligera y de tonos brillantes. El tercer emperador de la dinastía. etc. en el arte supuso la continuidad de las formas tradicionales. La pintura era bastante ecléctica. en el centro de la generalmente en blanco y azul. nandana (hacia 1700). La guitarra de Kao Ming y El pabellón de T'ang-Hien-Tsu. surgiendo una literatura en hindi. tradición que llegó hasta el siglo XVIII. En prosa destacó El mono. También tenía importancia el maquillaje. etc. con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24 kilómetros. aunque subsistieron las antiguas formas tradicionales. construyendo un Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida). guyaratí. cloisonné. en la que se podría denominar una fase «barroca» del arte indio (aunque sin hacer paralelismos con el barroco europeo).100 China Dinastía Ming (1368-1644): supuso la restauración de una dinastía autóctona tras el periodo mongol. En arquitectura. la convivencia de ambas modalidades provocó una división en dos tradiciones musicales diferenciadas: la septentrional o indostánica.). en el norte. Dinastía Qing (1644-1911): dinastía de origen manchú. En época Qing la poesía destacó por su . con obras como El círculo de tiza de Li-Hsing-Tao. así como la expresión del rostro y los movimientos de o personaje. religiosos (Wu Li). Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo (las llamadas chinoiseries). como en la obra de Lü Ji. y el bharatanatyam.99 los ojos (navarasya). de Wu Cheng'en. El Palacio de la Suprema Armonía. Shen Zhou. y un amplio complejo de edificios donde destacan la Sala de la Suprema Armonía (con el trono imperial) y el Templo del Cielo. Dos de las danzas clásicas de la India que ejemplifican lo anterior son elkathak. La arquitectura de finales de este periodo evolucionó hacia formas cada vez más complejas. de signo naturalista y cierta opulencia. trasladó la capital de Nankín a Pekín (1417). más conservadora de la antigua tradición. y comenzó la decoración de vasijas de bronce en esmalte Ciudad Prohibida de Pekín. En esta interpretación adquirió gran relevancia el lenguaje de las manos (mudras. esmalte. en algunos casos. con 24 posiciones básicas y otras combinadas). télugu. porcelana. La pintura de esta época era tradicional.101 La literatura siguió siendo de corte tradicional. maratí. de Wang Shih-chên. Sin embargo. restauración— del recinto imperial. de signo alegórico. tejidos de seda. se continuó la construcción —y. retornando a las antiguas tradiciones chinas. especialmente ebanistería.

con influencia del arte chino y coreano. autor de Hong-leu-mon. aunque durante este período se recibieron las primeras influencias de Occidente. generalmente de tono bucólico. con temáticas desde las más mundanas hasta las más místicas. Continuó el género de la waka. desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas). que sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como de mímica y danza. de Carl Maria von Weber (1809). En la dinastía Ming destacó el compositor Wei Liang-fu.virtuosismo. de tipo profano. siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. La 106 dicción era de tipo ritual. como se observa en la obertura deTurandot. con acompañamiento de violín de una cuerda (hu'chpin). Mitsunori). más popular. como se aprecia en la obra de Nueva York. representando según el color diversos personajes o estados anímicos. Yosa Buson y Kobayashi Issa. mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe. en ondulaciones que expresaban la posición o el carácter del personaje. Katsushika Hokusai. Saikaku Ihara. destacan las escuelas de Kakiemon. de Utagawa La literatura evolucionó hacia un mayor realismo. En pintura. detectándose por vez primera el influjo occidental en la obra de Huang-Tuen-Hien. autor de Satomi Kakkenden (Vidas de ocho perros). con partes cantadas y partes declamadas. en el que Japón se cerró a todo contacto exterior. La música fue en esta época principalmente de cámara. el laúd corto (p'i-p'a) y el tambor (pan-ku). En ese periodo comenzó la influencia occidental. remarcando los valores tradicionales japoneses. Brooklyn Museum of Art. generalmente en chino. En este período se produjeron las primeras porcelanas. puramente instrumentales. La cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de los primeros centros de producción. Durante la dinastía Qing surgió un nuevo tipo de ópera (ching-hsi). la más famosa novela de amor china. la escuela de Tosa continuó la tradición épica japonesa (Mitsuyoshi.103 Japón Período Momoyama (1573-1615): el arte de esta época se alejó de la estética budista. es una novela de tono satírico. que destacó por la representación de tipos y escenas populares (Kitagawa Utamaro. Se construyeron grandes castillos y palacios: palacio de Fushimi. La cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto. con diversas variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi). de Wu-Ching-Tzu. centradas en la naturaleza y el paisaje. así como la escuela de Ukiyo-e. el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía. El instrumento principal era la flauta travesera (ti). También son características de esta época las casas de té (chashitsu). El koto. principalmente. La puesta en escena era de gran riqueza.107 . Así como el nō era de tono aristocrático. Se desarrolló notablemente la pintura. la principal modalidad es el haiku. En la producción de laca destaca el nombre deHonami Kōetsu. recopiladas en el Manual de música de Tsai Yü (1596). con un primer centro productor en Arita. tuvo un gran auge a partir del siglo XVII. con decorados donde destacaba la composición cromática.102 La música siguió las tradiciones anteriores. representada principalmente por Rai Sanyo. castillos de Himeji y Osaka. generalmente de tono Hiroshige. destacando Tawaraya Sōtatsu y Ogata Kōrin. destacando Matsuo Bashō. Los edificios más importantes son el mausoleo de Toshogu en Nikkō y el palacio de Katsura en Kioto. En el siglo XIX destacó el novelista Takizawa Bakin. Período Edo o Tokugawa (1615-1868): este período artístico se corresponde con el histórico de Tokugawa. Se tocaba solo. junto a la guitarra (san-hsien). al tiempo que la música china llegó a Occidente. Nabeshima y Ko-Kutami. composición de 17 sílabas. mezcla de canto y recitativo.105 En teatro surgió la modalidad del kabuki. creador de un nuevo estilo dramático con óperas de 30 actos (k'un-ch'ü). con dos vertientes: tonadas breves (hsiao-ch'ü). el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13 cuerdas). En poesía.104 El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857). vestidos de lujo y maquillaje de tono simbólico. Los letrados. La narrativa era más humanista. Utagawa Hiroshige). que adquirió gran vitalidad. o acompañado de voz (kumi). como se puede percibir en P'u-Song-Ling y Ts'ao-Sine-K'in. De esta época destacan las tonadas para cítara. de letra con acompañamiento musical. Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. costumbrista y con una sutil vena humorística. y tonadas largas (ta-ch'ü). su principal artista es Nonomura Ninsei.

que culminará en el siglo XX con una atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen. tallados con figuras antropomórficas. interviniendo únicamente en una . Kunsthalle de Hamburgo. Otro gran motor de la arquitectura de la época fueron las exposiciones universales. instrumentos musicales. de Rurutu (islas Australes). aunque se dieron los primeros contactos con la civilización occidental. el cual. Cobró cada vez mayor importancia el urbanismo. decoradas con motivos geométricos. Estos eventos fueron un campo de pruebas para las nuevas tipologías arquitectónicas. se produjeron las grandes transformaciones urbanas del siglo XIX: París (plan Haussmann). Bruselas. que se tradujo en obras de saneamiento. Los asmat. de Caspar David Friedrich. Londres. etc. joyas. herramientas. marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa—. apareció el llamado «jardín inglés» —que introdujo el concepto de «arquitectura paisajística»—. En Australia continuó la tradición de las pinturas rupestres. En jardinería. defendía una mayor naturalidad en su composición. infraestructuras. o el dios A'a. Viena. Surge el arte moderno como contraposición al arte académico. la cultura. la industria. muebles.108 Arte contemporáneo Siglo XIX Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad contemporánea. la de París de 1889 (con la famosa Torre Eiffel). Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema). la preocupación por el entorno habitable. como la de Kukailimoku. los avances tecnológicos. construían unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura. Florencia. tribu de Irian Jaya (Nueva Guinea). especialmente en Nueva Guinea (mai). y. una encima de otra. incrustaciones de conchas. Artículo principal: Arquitectura del siglo XIX La arquitectura decimonónica sufrió una gran evolución debido a los avances técnicos que comportó la Revolución Industrial. que tendrá respuesta en el marxismo y la lucha de clases. esculturas. en lo económico. En las islas Salomón se dan estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales. así como las churingas. mayor atención a los medios de transporte y apertura de espacios verdes para buscar mejores ambientes y condiciones de vida para el ciudadano. como los de Robert Owen o Charles Fourier. Madrid. se influyen y se enfrentan. por la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo. etc. frente al geometrismo del italiano y el francés. situándose el artista a la vanguardia de la evolución cultural de la humanidad. También siguió la tradición de las máscaras. festivales económico-sociales que pretendían incentivar y difundir el comercio. Viajero frente al mar de niebla Arquitectura (1818). que permitieron la construcción de estructuras más sólidas y diáfanas. Continuó la talla de figuras antropomórficas —principalmente deidades locales —. piedra o concha. como se puso de manifiesto en laExposición de Londresde 1851. En Melanesia destacan las grandes casas de reunión o «casas de los espíritus». el acero y el hormigón.Oceanía El arte siguió siendo predominantemente indígena. dios de la guerra hawaiano (British Museum). etc. En el terreno del arte. con Casa de reunión melanesia. En los viajes de James Cook por el Pacífico (1768-1780) reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos. comienza una dinámica evolutiva de estilos que se suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad. piezas de madera. con la incorporación de nuevos materiales como el hierro. Barcelona (plan Cerdà). Después de unos primeros planteamientos de signo utópico. armas. etc. dedicadas a ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados.

etc. el sueño. la fantasía. de atracción por elocultismo.nota 15 que supuso una gran revolución en el terreno del diseño. el retorno a formas artísticas menospreciadas del pasado —especialmente las medievales—. de de William Le Antoni Gaudí. Viollet-le- Duc. de William Chambers). la primera mitad de siglo vio un cierto eclecticismo de las formas. Augustus Pugin. Kew Gardens.lo exótico. la locura. principalmente la litografía y el grabado en madera. el amor a la naturaleza. Entre sus principales artífices cabe recordar a: John Nash. Joseph Maria Olbrich. A finales de siglo surgió el modernismo. Home Insurance Templo Expiatorio de la Sagrada Building (1884). En Estados Unidos surgió una nueva tipología de edificio. Adolf Loos. Cobraron también importancia lasartes gráficas. la evocación ensoñadora. con nombres como Victor Horta. etc. de Joseph John Nash. el rascacielos. Exposición de Londres de 1851. y adquirió notoriedad el paisaje. Hector Guimard. Louis Sullivan). Otto Wagner. Josep Puig i Cadafalch. Barcelona. diseñada por Alexandre Gustave Eiffel para la Exposición Universal de París (1889).109 Torre Eiffel. Paxton. Baron Jenney. Henry van de Velde. Lluís Domènech i Montaner. que cobró protagonismo por sí solo. como templetes o pérgolas. de The Crystal Palace. Estilísticamente. . que produjo movimientos como el neorrománico. Charles Rennie Mackintosh. de la imaginación. el neogótico. en consonancia con los conceptos románticos de lo sublime y lo pintoresco (Regent's Park. junto a un elemento más oscuro de irracionalidad. Se valoró especialmente la cultura popular. Antoni Gaudí. Pabellón Real de Brighton (1815-1822). etc. los románticos pusieron especial atención en el terreno de la espiritualidad. así como un revival de estilos anteriores reinterpretados según conceptos modernos: es el llamado historicismo. de John Nash. fomentado por la denominada Escuela de Chicago (William Le Baron Jenney. Hendrik Petrus Berlage. el neobarroco. Romanticismo Movimiento de profunda renovación en todos los géneros artísticos. Familia (comenzado en 1882). o incluso la colocación de ruinas —naturales o artificiales—. Chicago (Illinois). el sentimiento.serie de detalles ornamentales.

la predilección por temas oscuros y escabrosos. principalmente Durero (Friedrich Overbeck. Como en el resto de la literatura romántica. Samuel Taylor Coleridge. 1832). Fernán Caballero. a: François Rude. En un prerromanticismo —plasmado en el movimiento alemán Sturm und Drang— destacaron Johann Christoph Friedrich von Schiller y Johann Wolfgang von Goethe. Leonardo Alenza y Eugenio Lucas. Friedrich von Schlegel. Guillermo Tell. Exaltó la naturaleza. Giacomo Leopardi. Victor Hugo. Gertrudis Gómez de Avellaneda. Posteriormente es de remarcar la obra de: Johann Christian Friedrich Hölderlin. Alfred de Musset. son fiel reflejo de esa emotividad. Andrés Bello. para poder satisfacer plenamente la expresividad del artista. Novalis. de la subjetividad y emotividad del artista. el melodrama. Edgar Allan Poe. el dramatismo. Nikolai Gogol. y se popularizaron los espectáculos de variedades (vaudeville). Théodore Géricault. T. Museo del Louvre. Juliusz Słowacki. Nathaniel Hawthorne. Domingo Faustino Sarmiento. de Eugène según las nuevas temáticas románticas. Una derivación del romanticismo fue el movimiento alemán de los Nazarenos. Philipp Otto Runge. Madame de Staël. reinterpretadas La Libertad guiando al pueblo(1830). etc. Gustavo Adolfo Bécquer. después de una fase prerromántica donde podríamos citar a William Blake y Johann Heinrich Füssli.112 La música romántica se caracteriza como en el resto de las artes por el predominio del sentimiento y la pasión. Bonaventura Carles Aribau. José Echegaray. Sus mejores exponentes fueron: Georg Büchner. Jane Austen. E. artista polivalente con gusto por lo espectacular. 1808). Mariano José de Larra. 1804) y Goethe (Fausto. Francesco Hayez. Antonio García Gutiérrez. Ramón de Campoamor. el sentimiento. París. el Duque de Rivas. 1844). y David d'Angers. José de Espronceda.111 El teatro romántico tuvo dos notables antecedentes nuevamente en el Sturm und Drang con Schiller (Don Carlos. Alphonse de Lamartine. Valeriano Domínguez Bécquer. Francisco Martínez de la Rosa. Percy Shelley. inspirados en el Quattrocento italiano y en el Renacimiento alemán.110 La literatura del Romanticismo estableció la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo. la intensidad de la pulsación. Franz Pforr). Caspar David Friedrich. el individualismo. Mary Wollstonecraft Shelley. ligada al nuevo culto a la personalidad que se desarrolla en el romanticismo. Jean-Baptiste Carpeaux. Aleksandr Pushkin. El piano fue el instrumento de moda. Heinrich von Kleist. destaca por el sentimentalismo. uno de los mejores poetas románticos. Karl Friedrich Schinkel. Se amplía notablemente la orquesta. 1787. que evolucionó del neoclasicismo al romanticismo (La Marsellesa. Antoine-Louis Barye. etc. Victor Hugo. etc. Nació la musicología como ciencia aplicada a la música.En pintura. En Alemania destacaron: Christian Daniel Rauch. Joseph Mallord William Turner. lo irracional. August Wilhelm von Schlegel. François-René de Chateaubriand. John Keats. pues su registro. la pasión. así como la crítica y la estética musicales. James Fenimore Cooper. Hoffmann. autor del relieve del frontón del Panteón de París (1830-1837). así como el poeta inglés William Blake. Washington Irving. Adam Mickiewicz. los nuevos sentimientos que en él anidan (lo sublime. A. Cabría citar en Francia Delacroix. Surgió un nuevo género. la exaltación de la naturaleza y del folclore popular. Prosper Mérimée. William Wordsworth. con un nuevo gusto por formas íntimas y subjetivas de expresión como lo sublime. José Zorrilla (Don Juan Tenorio. destacaron Hubert Robert. John Constable. destacando la figura del «genio» —el arte es la expresión de las emociones del artista—. José Hernández. exaltando la música nacional y popular. Alessandro Manzoni. y dando valor a nuevos aspectos como lo oscuro. En escultura prevalecen las formas neoclásicas. Rudolf Schadow y Johann Heinrich Dannecker. George Sand. Lord Byron. lo tenebroso. Alfred de Vigny. Peter Cornelius. Ralph Waldo Emerson. Rosalía de Castro. Eugène Delacroix. Heinrich Heine. En España destacaron Genaro Pérez Villaamil. Johann Ludwig Tieck. lo patético). Walter Scott. Alexandre Dumas (padre). especializado en figuras de animales. Ugo Foscolo. y . Christian Dietrich Grabbe. Lord Byron.

Gioacchino Antonio Rossini. la ornamentación. Georges Bizet y. las danzas folclóricas. Charles Gounod. Richard Wagner dio a la ópera cotas de gran brillantez. de Johann La balsa de la Medusa (1819). continuó la moda del vals. sobre todo en Italia. ( annhäuser. Destacó por el brillo de sus voces. en el que destacaron Maria Taglioni y Fanny Elssler. Jules Massenet. La ópera romántica tuvo dos vertientes: la cómica —o bufa— y la dramática. T La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares. Gaetano Donizetti. aparecido por vez primera en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831). 1865. Franz Schubert. Se empezó a componer música puramente para ballet. Rude. Hector Berlioz. de Léo Delibes. donde recibió el nombre de bel canto. Johann Strauss. sobre los grandes dramas literarios románticos.aparecieron los primerosconservatorios. de La Marsellesa Heinrich Füssli. ganando importancia el papel de la soprano —desde 1840 se puso de moda el do de pecho —. 1850. Frédéric Chopin. con la pretensión de hacer una «obra de arte total» (gesamtkunstwerk) que aunase música. especialmente. Aida. Destacan: Luigi Cherubini. Tristán e Isolda. Sus principales representantes fueron:Ludwig van Beethoven. También introdujo el baile sobre las puntas de los pies. etc. escenografía. En Alemania. Detroit Institute of Théodore Géricault. Johannes Brahms. la coloratura. Arco de Triunfo de París. Franz Liszt. Carl Maria von Weber. 1845. de Giacomo Meyerbeer. Giuseppe Verdi (Rigoletto. y distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. En el aspecto teórico. Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú). 1882). etc. destacandoCoppélia (1870). de François Arts. Felix Mendelssohn-Bartholdy. de Ludwig van Beethoven. y aparecieron la mazurca y la polca. 1870). filosofía. Primera página de la Quinta sinfonía (1808). Robert Schumann. Lohengrin. 1853. ampliando el vocabulario relativo a la danza. destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis. Vincenzo Bellini. Museo del Louvre. Il trovatore. En esta época se desarrolló notablemente la ópera.114 La pesadilla (1781). muchas de las cuales sacó del olvido. principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza: en El código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes.113 poesía. (1832). 1853. 1851. En bailes populares. Anton Bruckner. efectuando estudios de anatomía y movimientos corporales. Niccolò Paganini. Realismo . Parsifal. La Traviata.

que destacó por un estilo naturalista que enfatizaba el aspecto cotidiano de la realidad. A un periodo prenaturalista corresponden Eugène Scribe. las hermanas Emily. con un cierto componente de denuncia social. destacando Dante Gabriel Rossetti. La interpretación era más veraz. Antonín Dvořák. de afán reformador. Henry James. Edward Burne-Jones. con un elevado componente crítico. pues sentó las bases del que sería el teatro del siglo XX. Manuel Tamayo y Baus. Herman Melville. y la italiana de los Macchiaioli (Silvestro Lega. en paralelo al realismo sur gió el llamado nacionalismo musical. dejando al público a oscuras—. La literatura realista se opuso al subjetivismo romántico. Destacó especialmente el teatro nórdico. París. ligado a movimientos políticos como el socialismo utópico. sin grandes gesticulaciones ni dicción grandilocuente. José María Eça de Queirós. Adolf von Hildebrand. etc. 1884-1888). como las de Alexandre Dumas (hijo). Narcisse- Virgile Díaz de la Peña). así como en la recién surgida fotografía. Giosuè Carducci. Bedřich Smetana y . Ricardo Bellver. Destacan: Max Klinger. con influencia de la filosofía positivista. Otros autores fueron:Frank Wedekind. Adolph von Menzel. Emilio Salgari. Alfred Tennyson. con descripciones temperamentales de los personajes. Aimé-Jules Dalou. Charles Dickens. Ilya Repin y Marià Fortuny. como en la «representación antiteatral» —actuar como en la vida real. Charles-François Daubigny. Leopoldo Alas (Clarín). Vicente Blasco Ibáñez. vestuario. En Gran Bretaña surgió la escuela de los prerrafaelitas. que consideraba al artista como parte indisoluble de la sociedad. caracterizada por el uso de manchas (macchia en italiano. la descripción del mundo circundante. especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial. Joseph Conrad. Charlotte y Anne Brontë. Aleksandr Borodin. los hermanos Agapito y Venancio Vallmitjana. el obrero como héroe moderno (El Pudelador.116 Con el teatro realista nació el teatro moderno. Modest Mussorgski. la descripción minuciosa de la realidad. Mariano Benlliure y. Fiodor Dostoievski. especialmente. Giovanni Fattori. Telemaco Signorini). Marcelino Menéndez y Pelayo. con cierto aire idealizado. El autor es un «cronista». John Everett Millais y Ford Madox Brown. con figuras como Björnstjerne Björnson. defendiendo la descripción rigurosa y detallada de la realidad. Gustave Flaubert. como si no se estuviese en un teatro— de André Antoine y su Théâtre Libre —donde por primera vez se iluminó sólo el escenario. Maksim Gorki. Se puso énfasis en el naturalismo. Stendhal. que era descrita en toda su minuciosidad y fidelidad al mundo real. etc. de corte antiacadémico. En pintura destacaron Camille Corot. no sólo en la temática y el lenguaje. Constantin Meunier. Adelardo López de Ayala. Heredero de las formas musicales románticas.Desde mediados de siglo surgió una tendencia que puso énfasis en la realidad. Nikolai Rimski-Korsakovy Piotr Chaikovski en Rusia. esbozadas. August Strindberg y Henrik Ibsen. Guy de Maupassant. de Jean-François Millet. que se inspiraban —como su nombre indica — en los pintores italianos anteriores a Rafael. Honoré Daumier. de ahí el nombre del grupo) de color y formas El Ángelus (1857). Destacaron figuras como: Mijaíl Glinka. etc. Lev Tolstoi. de gran prospección psicológica. También destacan las novelas de aventuras y suspense. Benito Pérez Galdós. Gustave Courbet. Mark Twain. Pedro Antonio de Alarcón. se revalorizó el folclore y la música popular como portadores de ancestrales valores culturales de todos los pueblos. Ignacio Manuel Altamirano. Ligado al realismo estuvieron dos escuelas paisajísticas: la francesa de Barbizon (Théodore Rousseau. Emilia Pardo Bazán. Jean- François Millet. sino también en decorados. inacabadas. Victorien Sardou y Eugène Labiche. Hans Thoma. principal evocador de la figura del proletario. Giovanni Verga. que presenta de forma objetiva los hechos. con predilección por figuras de obreros y personajes marginales.115 La escultura se basó igualmente en el fiel reflejo de la sociedad. siendo la obra artística un fiel reflejo de los condicionamientos sociales que envuelven al artista. El principal formato realista fue la novela. atrezzo. George Eliot. marcada por un sentimiento panteísta de la naturaleza. Anton Chejov. Émile Zola. Museo de Orsay. que supuso el renacer de diversas regiones europeas hasta entonces poco destacadas culturalmente. Jules Verne y Arthur Conan Doyle. Destacan figuras como: Honoré de Balzac.117 En el terreno de la música. Emily Dickinson. Àngel Guimerà.

El cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895). destacando su colaboración con Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella durmiente (1889). Juan Bautista Plaza en Venezuela. En ópera. de Gustave Courbet. Tosca.Leoš Janáček en Checoslovaquia. 1888). Museo de Ecce Ancilla El Pudelador (1884- Orsay. 1900. Isaac Albéniz. La figura principal en la conformación del ballet ruso fue Marius Petipa. Manuel María Ponce en México. posteriormente. de hasta cinco actos. Béla Bartók y Zoltán Kodály en Hungría. Ruggero Leoncavallo. el baile más famoso de la época fue el cancán. Museos Gabriel Reales de Bellas Rossetti. Impresionismo . principalmente. Enrique Granados y Manuel de Falla en España. Karol Szymanowski en Polonia. Guillermo Uribe en Colombia. Edward Elgar y Ralph Vaughan Williams en Gran Bretaña. en el Bol'šoj de Moscú—. de Piotr Chaikovski. Carl Nielsen en Dinamarca. Tate Artes de Bélgica. Amadeo Roldán en Cuba. Está representado por Arrigo Boito. Próspero Bisquertt en Chile. con deslumbrantes puestas en escena. donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de gran brillantez. el verismo italiano buscaba en igual medida reflejar la realidad. Heitor Villa-Lobos en Brasil. y Eduardo Fabini en Uruguay. en ambientes rurales y proletarios. Londres. Edvard Grieg en Noruega. Umberto Giordano y. Madama Butterfly. 1903). Gallery. Giacomo Puccini (La Bohème. donde los protagonistas son personajes corrientes. También en América surgieron las primeras escuelas nacionales: John Philip Sousa en Estados Unidos. que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta la historia. A nivel popular.119 Entierro en Ornans (1849). 1896. Hizo ballets más largos. Jean Sibelius en Finlandia. con argumentos más populares.118 En la danza. Domini (1850). Representación de El cascanueces. de Constantin de Dante Meunier. el centro geográfico en cuanto a creación e innovación pasó de París a San Petersburgo. convirtiendo el ballet en un gran espectáculo. con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski —y. París. mientras que en España surgieron la habanera y el chotis. Amilcare Ponchielli.

sol naciente(1872-1873).120 En paralelo a la pintura. autor de escenas populares donde destaca la utilización de la luz. igual que en la pintura prevalece el color sobre la línea. hecha a base de partes.121 . escultura del siglo XX (El pensador. circo y music-hall. que sentó las bases de la nombre el movimiento. Postimpresionismo: fueron una serie de artistas que. mendigos. Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo. escenas de cabaret. París. Su principal representante. que se colocan junto a otros de colores complementarios. ( 1928). Surgió una nueva temática. la plasmación de un instante en el lienzo —por influjo de la fotografía—. En España podemos reseñar a Joaquín Sorolla. de sugerencias. Otros representantes fueronPaul Dukas y Florent Schmitt. más que un determinado estilo. aparecen vistas urbanas y nocturnas. la irregularidad rítmica (Preludio a la siesta de un fauno. Los burgueses de Calais. Paul Cézanne estructuraba la composición en formas geométricas (cilindro. abriendo distintas vías de desarrollo de suma importancia para la evolución del arte en el siglo XX. personajes de la bohemia. Así. partiendo de los nuevos hallazgos técnicos efectuados por los impresionistas. iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. aunque con notas y acordes algo fuera de contexto Bolero. Esta técnica se caracteriza por la proximidad de colores descompuestos. marginados. Sus principales representantes fueron Georges Seurat y Paul Signac. con una técnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. los neoimpresionistas se preocuparon más de los fenómenos ópticos. de intenso colorido. que supuso una ruptura con el arte académico y una transformación del lenguaje artístico. 1884-1886). desarrollando la técnica del puntillismo. deformando la realidad. el postimpresionismo fue una forma de agrupar a diversos artistas de distinto signo: Henri de Toulouse-Lautrec. opuestos a las escalas habituales. con pinceladas sinuosas y densas. surgido en Italia en ambientes de inconformismo social cercanos al anarquismo. con largas pinceladas que. 1880-1900. aquietando la armonía y potenciando la textura. Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador. en una síntesis analítica de la realidad precursora del cubismo. rechazó el cromatismo tónico. la tímbrica. de Claude Monet. Cuadro al que debe su papel de Auguste Rodin. 1894). Igual Impresión. cono y esfera). Paul Gauguin experimentó con la profundidad dando un nuevo valor al plano pictórico.Claude Debussy. fusionándose en la retina del espectador en un nuevo tono. Los impresionistas se inspiraban en la naturaleza. Otra variante fue el divisionismo. Camille Pissarro. valorando especialmente la luz. introduciendo nuevos acordes de cinco y seis tonos. consistente en componer la obra mediante una serie de puntos de colores puros. de renovador fue en el terreno de la escultura el Museo Marmottan Monet. etc. Este estilo fue practicado principalmente por Giovanni Segantini. Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. derivada de la nueva forma de observar el mundo: junto a los paisajes y marinas. Alfred Sisley. También destacó Medardo Rosso. autor de escenas de circo y cabaret esbozadas con rápidos apuntes del natural. interiores con luz artificial. que conduciría la escultura hacia la desintegración de la forma. observadas a larga distancia. e influyó en el futurismo italiano. Claude Monet. la música impresionista hace primar la armonía sobre la melodía. Maurice Ravel retornó a la expresión lineal. volvió a la tonalidad estática. a la que otorgó un aire onírico. los reinterpretaron de manera personal. Frente a la melodía continua wagneriana. Vincent van Gogh fue autor de obras de fuerte dramatismo y prospección interior. producen un efecto de composición. Cabe mencionar como principales representantes a Édouard Manet —considerado un precursor—. con colores planos de carácter simbólico. Se deja al espectador la reconstrucción de una composición musical. Giuseppe Pellizza da Volpedo y Gaetano Previati. de la que pretendían captar una «impresión» visual.

Félix Vallotton y el escultor Aristide Maillol). de (1902). con un lenguaje evocador y sugerente. sobre todo en el gusto por lo morboso y terrorífico. Joris-Karl Huysmans. La belleza se alejó de cualquier componente moral. Hizo una música estática. sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» (L'art pour l'art). Pinakothek. Vincent van Auguste d'Orsay. destacando su carácter polisémico. Paul Claudel. Pierre Puvis de Chavannes. con preferencia por los temas míticos y las leyendas. que era elaborada. o la fascinación por el vicio y las desviaciones sexuales. Anatole France. Ferdinand Hodler y Gustav El beso (1908). Paul Sérusier. el simbolismo otorgó al arte y a la belleza una autonomía propia. que llega a vivir su propia vida como una obra de arte —como se puede apreciar en la figura del dandy—. Frente a ello. llegando incluso a hablarse de «religión estética». llevando la sensibilidad romántica a la exageración. sobre poemas de Verlaine. con una composición algo ingenua y desestructurada. Frédéric Mistral. en la línea de la poesía simbolista. cuyos autores eran autodidactas. Arnold Böcklin. José María de Heredia y Charles Baudelaire. Séraphine Louis. dando importancia a los instrumentos solistas: La buena canción (1892). con un sentido rítmico casi musical. Walt Whitman. así como en aspectos satánicos y terroríficos. Tuvo un antecedente en el parnasianismo de Leconte de Lisle. Los escritores se apartan del mundo y las convenciones sociales. Clase de baile Tarde de domingo en la isla Los girasoles El pensador (1875). Dmitri Serguéievich Merezhkovski. Odilon Redon. Algernon Charles Swinburne. Lawrence Alma-Tadema. etc. Su principal vehículo de expresión fue la poesía. Instituto de Arte de Chicago. apreciable en la atracción por el satanismo. con cierto primitivismo. Stéphane Mallarmé. Pierre Österreichische Galerie Belvedere Bonnard. Simbolismo Estilo de corte fantástico y onírico. Destacaron Auguste Villiers de l'Isle-Adam. formalmente exigente. Grandma Moses). Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren. destacando por un lenguaje de fuerte trasfondo metafísico y trascendente. de armonías líquidas. poniendo especial énfasis en el mundo de los sueños. Arthur Rimbaud. el Conde de Lautréamont. de Degas. de Edgar de la Grande Jatte (1884). de Gustav Klimt. convirtiéndose en el fin último del artista. Jean Moréas. aunque plenamente consciente y expresiva Henri ( Rousseau. de influjo esotérico y teosófico.123 El teatro simbolista recibió la influencia del «espectáculo total» wagneriano. surgiendo una «estética del mal». Destacaron: Gustave Moreau. surgiendo la figura del «poeta maldito». Paul Verlaine. Múnich. James McNeill Whistler. . simbólico. surgió como reacción al naturalismo de la corriente realista e impresionista. reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y materialismo de la era industrial. Neue Rodin. Gogh. buscando la esencia humana a través de la intuición y la meditación. la magia y los fenómenos paranormales. minucioso y personal. de (1888). destacando posteriormente autores como Oscar Wilde. Gabriel Fauré innovó con un lenguaje sonoro preciosista. Klimt. difusa. Ligado al simbolismo (Viena). París. el sexo y la perversión.124 En música. estuvo también el llamado arte naïf. instintiva.122 La literatura simbolista destacó por su esteticismo y decadentismo. Una característica principal del simbolismo fue el esteticismo. así como el grupo de los Nabis (Maurice Denis. Musée Georges Pierre Seurat.

México. la cerámica. la pintura modernista estuvo muy ligada al mundo del diseño y la ilustración. René Lalique (orfebre). el mexicano Amado Nervo. que se adentró en el ambiente modernista alrededor del año 1900. particular. de Lawrence Aristide Maillol. Otros exponentes fueron el cubano José Martí. Moreau. En escultura cabe mencionar a Eusebi Arnau. que defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas tradicionales de fabricación. el peruano José Santos Chocano. de Gustave (1888). En el resto de Europa. especialmente la carpintería. etc. que puede ser luego realizada por diversos artesanos. de influjo simbolista. Con el mismo afán modernizador podemos situar también aquí la denominada . con un estilo caracterizado por una temática naturalista de ambiente sombrío. Koloman Moser (diseñador). de Oscar Wilde. El modernismo. Fernand Khnopff. estipulando que el arte debe ser tan útil como bello. nuevo género artístico a caballo entre la pintura y lasartes gráficas. etc. practicado por el mismo Rusiñol y por artistas como Alexandre de Riquer. la forja. de Santiago Rusiñol. Jan Toorop. Júpiter y Sémele (1894. En un llamado «posmodernismo»nota 16 se encuentran nombres como Isidre Nonell y Joaquim Mir. supuso una gran revitalización de las artes aplicadas. París. Biniaraix (Mallorca) trayectoria y su adscripción al arte de vanguardia. Museo Gustave Alma-Tadema. Entre sus principales artífices destacaron Émile Gallé (ceramista y vidriero). el mosaico.Las rosas de Heliogábalo La noche (1902). el argentino Leopoldo Lugones y el colombiano José Asunción Silva. Adrià Gual y Joan Llimona. Moreau. En su génesis fue determinante el aspecto publicitario del cartel. la vidriería. También tuvo especial relevancia el movimiento inglés Arts and Crafts («Artes y Oficios»). etc. inaugurador de las letras modernas españolas con un lenguaje esteticista de gran riqueza formal. Cobró especial relevancia el diseño. con una cierta influencia del impresionismo francés. etapa fauvista (1900-1901) y en el simbolismo de la «época azul» (1901- 1904). Más tarde se recibió la influencia del simbolismo. Gaspar Homar (ebanista). colección Schlossplatz. Entre los diversos artistas dedicados a la pintura o el cartel conviene recordar aAlfons Mucha. que materializa su creación en el bosquejo de la obra. el moldeado en yeso. Modernismo En paralelo a la arquitectura. el modernismonota 15 también se desarrolló en pintura.125 A ello ayudaron los nuevos procedimientos industriales. Louis Comfort Tiffany (joyero y vidriero). por su carácter ornamental. como podemos ver en su (1901). Josep Llimona y Miguel Blay. 1895). para desembocar finalmente en elcubismo. se suele vincular el modernismo a la obra del nicaragüense Rubén Darío. para ser luego reproducido en serie. el proceso creador del artista. ya que se basaba en un diseño realizado por un pintor o ilustrador . la joyería. Stuttgart.126 En literatura. la impresión (libros. revistas. aunque pronto se dedicó también a la divulgación de eventos y a la propaganda política e institucional. con artistas como Ramon Casas y Santiago Rusiñol. que permitían la fabricación en serie. así como los españoles Salvador Rueda y Eduardo Marquina. Aubrey Beardsley. hecho que supuso un cambio en su El valle de los naranjos. especialmente al cartelismo. surgiendo una notable escuela en Cataluña. así como hallamos la presencia de un joven Pablo Picasso. promovido por John Ruskin y William Morris. postales).

de René Lalique. Antonio Machado. En Cataluña se dio el movimiento de la Renaixença. supuso un gran impulso en la renovación de la literatura española. etc. la primera placa fotográfica en color A ( utochrome) no llegó a los mercados hasta1907. a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos técnicos para su captación y reproducción. John Frederick William Herschel. que logró la primera fotografía en 1816.Generación del 98 que. mientras que en Galicia el Rexurdimento contó con figuras comoManuel Curros Enríquezy Eduardo Pondal. en negativo sobre papel. Josep Llimona. Fotografía En el siglo XIX apareció una nueva tecnología que permitía captar imágenes del natural. así como negativo y positivo. Así. derivada de la labor de percepción. . (Cantabria). que en 1835 inventó el negativo. Otro de los pioneros fueWilliam Henry Fox Talbot. Otro precursor. pronto se vislumbró la artisticidad de este nuevo medio. La construcción del daguerrotipo por Louis-Jacques-Mandé Daguerre supuso un nuevo adelanto. de Ramon Casas. litografía de Alfons Mucha. Tiara con forma de gallo. La primera fotografía en color fue obtenida por James Clerk Maxwell en 1861. de Biscuits Lefèvre- Madrid. que permitía sacar diversas copias de la imagen obtenida. Pío Baroja. diseño y narratividad efectuada en la toma de la imagen. destacando Jacinto Verdaguer y Joan Maragall. Ramón Menéndez Pidal.nota 17 Esta nueva técnica comenzó con las investigaciones de Joseph Nicéphore Niépce. Ramiro de Maeztu. Miguel de Unamuno. pronto la fotografía pasó a ser considerada una de las artes. MNCARS. En 1888 George Eastman lanzó la película de celuloide y el aparato Kodak. consiguiendo impresionar placas metálicas y fijar la imagen con un baño desal y mercurio. pues la obra resultante podía ser considerada artística en cuanto suponía la intervención de la creatividad de la persona que capta la imagen. a través del principio de la cámara oscura. Juan Ramón Jiménez. Azorín. e instantánea cuando se redujo el tiempo de exposición (25/100 de segundo). Destacaron autores como Ramón María del Valle-Inclán. frente al pesimismo por la pérdida de las últimas colonias españolas. concretamente la octava. sin embargo. cementerio de Comillas Utile (1896). Pese a ser una realización puramente técnica. El Ángel Exterminador (1895). especialmente en cuanto a contenido.127 La carga (1899). fue el creador del término fotografía. Hippolyte Bayard logró en 1840 la fotografía en positivo directo. pequeña cámara cargada con 100 clichés. Jacinto Benavente.

Igualmente. ya que era un medio que no requería grandes cualidades personales. Surgieron los primeros estudios y laboratorios fotográficos. con especial atención a las nuevas tecnologías y a su ubicación medioambiental. Hay una revalorización del arte activo. una combinación entre la rapidez de las comunicaciones y el aspecto consumista de la civilización actual. aunque posteriormente a todo tipo de eventos y a imágenes del natural. no al intelecto. a la vez que el auge de las comunicaciones ha derivado en un desarrollo de los estudios de ingeniería aplicados a la arquitectura. de John Thomson. Oscar Gustav Rejlander. André Adolphe Eugène Disdéri. artístico fotográfico. de la acción. estructurado de forma más depurada y funcional. apareciendo numerosos aficionados que se lanzaron a plasmar el mundo en imágenes. Étienne-Jules Marey. Pencil of Nature (1844). David Octavius Hill. Louis Désiré Blanquart-Evrard. fomentado por el nuevo aspecto consumista de la civilización occidental.129 Fuente. de Fox Talbot. especialmente en cuanto a la plasmación de conflictos bélicos. John Thomson. con influencia del impresionismo. La arquitectura ha sufrido una profunda transformación desde las formas tradicionales hasta los movimientos de vanguardia. Las últimas tendencias artísticas han perdido incluso el interés por el objeto artístico: el arte tradicional era un arte de objeto. etc. pudiendo descubrir significados que el artista ni conocía. que pretendían integrar el arte en la sociedad. que han supuesto un nuevo concepto constructivo basado en una idea más racional del espacio. el arte se dirige a los sentidos. El Arquitectura siglo XX ha supuesto una pérdida del concepto de belleza clásica para Artículo principal: Arquitectura del siglo XX conseguir un mayor efecto en el diálogo artista-espectador. simplemente el dominio de la técnica. dedicados en principio sobre todo al retrato. Surgieron así los movimientos de vanguardia. siendo las guerras de Crimea y de Secesión americana las primeras en ser retratadas. Jacob August Riis. el actual de concepto. de Marcel Duchamp. Isla Pagoda en la desembocadura del río Min(1870). como primer libro ilustrado. efímera. environment). La fotografía supuso una gran A finales de siglo se empezó a considerar la fotografía como un revolución a la hora de concebir el arte en el siglo XIX y arte. Entre los fotógrafos más destacados del siglo XIX se puede citar a Gaspard-Félix Tournachon.A partir de entonces la fotografía se popularizó. del arte no comercial (arte conceptual. Julia Margaret Cameron. este tenía la pretensión de hacer fotografías con una composición de tipo pictórico. siendo pioneros los álbumes de Excursions Daguerriennes (1841-1842) y. También apareció la fotomecánica y las primeras publicaciones ilustradas. de la manifestación espontánea. más consumista. . Igualmente apareció la fotografía documental. happening. ya que es este último el que interpreta la obra. ha cobrado especial relevancia el concepto de moda.128 Siglo XX El arte del siglo XX padeció una profunda transformación: en una sociedad más materialista. Eadweard Muybridge. buscando una mayor interrelación artista-espectador. Ha cobrado gran importancia el urbanismo. surgiendo el pictorialismo como primer movimiento el XX.

Alvar Aalto. caracterizada por el uso de nuevos materiales y su fabricación en masa (ladrillo. cabe reseñar la vertiente arquitectónica del constructivismo ruso. Jørn Utzon. representado por el grupo italiano Tendenza y el estadounidense Five Architects. En el neoplasticismo holandés tenemos la obra de Jacobus Johannes Pieter Oud. desde 1975 se ha desarrollado la arquitectura posmoderna. basadas en formas geométricas simples Frank Lloyd Wright. la arquitectura pop destacó el carácter urbano y las tipologías populares. Zaha Hadid. que como en las otras artes se basa en el eclecticismo y la reinterpretación de estilos anteriores (James Stirling. representado por el grupo inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio. etc. Bear Run. especialmente el uso de hormigón y las formas orgánicas (Félix Candela. Renzo Piano). tanto a nivel práctico como estético (Norman Foster. como en el resto de artes plásticas: en los años 1950 surgió el denominado brutalismo en paralelo al expresionismo abstracto. etc. tomando como referencia los ambientes nocturnos deLas Vegas. Erich Mendelsohn. basado en las posibilidades otorgadas por las nuevas tecnologías. La arquitectura del siglo XX ha tenido un desarrollo independiente del resto de las artes. El futurismo también tuvo alguna manifestación arquitectónica. Richard Rogers. Esta corriente buscaba una arquitectura fundamentada Casa de la Cascada (1939). Glenn Murcutt. Aldo Rossi. con nombres como Bruno Taut. Peter Zumthor. de en la razón. Tenemos así la arquitectura expresionista. Pero la principal tendencia artística del siglo XX ha sido el racionalismo (1920- 1950) —también llamado «estilo internacional»—. Hans Poelzig y Fritz Höger. Denise Scott Brown). el proceso de diseño no lineal y la manipulación de las estructuras (Frank Gehry. aunque lo utópico de sus formulaciones impidió en muchos casos su realización material. hormigón. Ricardo Bofill. vidrio). con sus luces de neón y su escenografía decorativista (Robert Venturi. José Luis Sert. opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura. donde se inició un programa ligado a la revolución que buscaba una arquitectura funcional que satisficiese las necesidades reales de la población. el neorracionalismo supuso en los años 1970 el retorno a las premisas funcionalistas. estuvo representado principalmente por Konstantin Melnikov. Ludwig Mies van der Rohe. Louis Kahn y Anne Tyng). Sverre Fehn. Kishō Kurokawa). caracterizado por las formas austeras. aunque en ocasiones ha ido en paralelo a algún determinado movimiento artístico. acero. Rem Koolhaas). el llamado «diseño científico y estructural» puso énfasis en las nuevas posibilidades de la técnica. entre los años 1960 y 1970 surgió el antidiseño. Álvaro Siza. Entre sus figuras sobresalen: Walter Gropius. estructuras flexibles y formas orgánicas (Kenzō Tange. ornamentación excesiva y otorgando gran importancia al diseño. acero. Luis Barragán.130 . Gerrit Thomas Rietveld y Truus Schröder. Ieoh Ming Pei. Rafael Moneo. con grandes escalas. Frei Otto. Jacques Herzog. Pierre de Meuron. de líneas sencillas y funcionales. caracterizado por la fragmentación. representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. renunciando a la Pensilvania. vidrio). Peter Eisenman. que es igualmente sencillo y funcional. Eliel Saarinen. primando la estructura sobre el acabado (Alison y Peter Smithson. Arata Isozaki). el metabolismo japonés respondía a las necesidades de una sociedad masificada. destaca la obra de Antonio Sant'Elia. en los años 1980 se dio el deconstructivismo. Eero Saarinen. Frank Lloyd Wright. Pier Luigi Nervi. Richard Buckminster Fuller). Por último. basadas en la pureza del material. Entre otros arquitectos contemporáneos conviene destacar igualmente a Jean Nouvel. Oscar Niemeyer. en los años 1960 apareció el high-tech. y materiales de orden industrial (ladrillo. Le Corbusier. Santiago Calatrava. Entre las últimas tendencias arquitectónicas se ha producido una gran diversidad de estilos y movimientos.

espacio (1913). Barcelona (1929). Por otra parte. de Richard Buckminster Fuller. la mecánica cuántica). Milán. reflejando en sus obras una temática personal e intimista con gusto por lo fantástico. aplicándole valores emotivos y expresivos. deformando la realidad para acentuar el carácter expresivo de la obra. asiático. Emil Nolde). de Exposición Internacional de Chandigarh (1952). los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo. las nuevas tecnologías provocaron que el arte cambiase de función. de Umberto Maurice de Vlaminck y Kees van Dongen. donde predominase la visión interior del artista —la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad —la «impresión»—. de Le Jørn Utzon. obra de Corbusier. ya que la fotografía y el cine ya se encargaban de plasmar la realidad. Montreal. Gracias a las colecciones etnográficas fomentadas por el colonialismo europeo los artistas tuvieron contacto con el arte de otras civilizaciones (africano. y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski. Fauvismo (1905-1908): primer movimiento vanguardistanota 18 del siglo XX. Albert Marquet. que es concebido de modo subjetivo y personal. independientes respecto a la naturaleza. Pabellón de Alemania para la Corte Suprema de Ópera de Sídney (1956). llamado actualmente Biosphère. el fauvismo supuso una experimentación en el terreno del color. Galleria d'Arte Moderna. la relatividad de Einstein. Paul Klee). August Macke. en Île Sainte- Hélène. que aportó una visión más subjetiva y emotiva del arte. Formas únicas de continuidad en el Destacan Henri Matisse. Con precedentes en las figuras de Edvard Munch y James Ensor. Vanguardismo En los primeros años del siglo XX se forjaron las bases del llamado arte de vanguardia: el concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas (la subjetividad del tiempo de Bergson. André Derain. se formó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (Ernst Ludwig Kirchner. Karl Schmidt-Rottluff. Erich Heckel. Raoul Dufy. Todos estos factores comportaron un cambio de sensibilidad que se tradujo en la búsqueda de nuevas formas de expresión por parte del artista. también influyó la teoría del psicoanálisis de Freud. Ludwig Mies van der Rohe. Pabellón estadounidense de la Expo 67. Expresionismo (1905-1923): surgido como reacción al impresionismo. Oskar Kokoschka) y la Escuela de . Boccioni. Franz Marc. oceánico). Otros exponentes fueron el Grupo de Viena (Egon Schiele.

Pablo Gargallo y Julio González en escultura. Marc Chagall. y una nueva concepción de la obra de arte. Surrealismo (1924-1955): con un claro precedente en la pintura metafísica (Giorgio de Chirico. la fantasía. mostrando un concepto idealista y algo utópico del arte como motor de la sociedad. como el collage. Lissitzky. Constant Permeke. Juan Gris y Fernand Léger. Kurt Schwitters y Marcel Duchamp. el mundo de los sueños. Georges Rouault. destacando aspectos de la realidad como el movimiento. que pierde cualquier componente basado en la lógica y la razón.131 Arte abstracto (1910-1932): cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teorías científicas. expresar sus sentimientos. e influyó en la obra de Frida Kahlo. La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso. Fue el primer movimiento que se proclamó con un manifiesto (redactado por Filippo Tommaso Marinetti). una gama de colores fríos y apagados. La pintura surrealista se movió entre la figuración (Salvador Dalí. fue un estilo comprometido políticamente que pretendía a través del arte realizar una transformación de la sociedad. Max Beckmann). Dadaísmo (1916-1922): movimiento de reacción a los desastres de la guerra. con una fuerte influencia del psicoanálisis. fue desarrollado por el movimiento neoplasticista (De Stijl). El arte pierde todo aspecto real y de imitación de la naturaleza para centrarse en la simple expresividad del artista. así como el rayonismo ruso. mostrar la pureza del inconsciente. El futurismo aspiraba a transformar el mundo. Chaïm Soutine). con la introducción delcollage. En México tuvo su expresión en el muralismo de José Clemente Orozco. donde se cuestionan tanto las temáticas como las técnicas tradicionales del arte. Wilhelm Lehmbruck y Käthe Kollwitz. Constantin Brâncuşi. a cambiar la vida. Alberto Giacometti y Alexander Calder. Albert Gleizes. síntesis de cubismo. Max Ernst) y la abstracción (Joan Miró. y con el surgimiento de nuevas tecnologías como la fotografía y el cine. También se suele considerar como una derivación del expresionismo el grupo Nueva Objetividad (George Grosz. así como Alexander Archipenko. como se percibe en su concepto de «escritura automática». el azar. René Magritte. el dadaísmo supuso un planteamiento radical del concepto de arte. con visión simultánea de los objetos. sino su mundo interior. mediante una reflexión sobre las formas puras artísticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo. Natalia Goncharova). En escultura destacan Henry Moore. con figuras como Piet Mondrian y Theo Van Doesburg en pintura. futurismo y orfismo (Mijaíl Larionov. Paul Delvaux. reivindicando la duda. Constructivismo (1914-1930): surgido en la Rusia revolucionaria. el surrealismonota 19 puso especial énfasis en la imaginación. Iniciado por Vasili Kandinski. experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de composición. Cândido Portinari. se produjo la génesis del arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad. En escultura destacaron Ernst Barlach. Destacan Vladimir Tatlin.París (Amedeo Modigliani. sello distintivo de los futuros movimientos de vanguardia. Diego Rivera. Yves Tanguy). que generan una serie de obras de estilo abstracto. y Umberto Boccioni en escultura. André Masson. organizando el espacio de acuerdo con una trama geométrica. junto a Georges Braque. Esto se traduce en un lenguaje subversivo. por la que intentan expresarse liberando su mente de cualquier atadura racional. Otto Dix. Le Corbusier). la velocidad y la simultaneidad de la acción. Oswaldo Guayasamín. David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo. el fotomontaje y los ready-made. Futurismo (1909-1930): movimiento italiano que exaltó los valores del progreso técnico e industrial del siglo XX. en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. que denotaba además la interrelación entre las diversas artes. Cubismo (1907-1914): este movimiento se basó en la deformación de la realidad mediante la destrucción de la perspectiva espacial de origen renacentista. uno de los grandes genios del siglo XX. lo absurdo de la existencia.132 . Destacan en pinturaGiacomo Balla y Gino Severini. y Georges Vantongerloo en escultura. Jean Metzinger. Carlo Carrà). Una variante fue el suprematismo de Kasimir Malevich. con tendencia a la geometrización. Figuras individuales serían: José Gutiérrez Solana. Igualmente. que ya se encargaban de plasmar la realidad. Destacan Hans Arp. Anton Pevsner y Naum Gabo. etc. Una derivación del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay. Francis Picabia. Jacques Lipchitz. el purismo fue un movimiento poscubista (Amédée Ozenfant.

sobre la que intervenía el artista con diversos utensilios o con su propio cuerpo. Jean Fautrier. Thyssen-Bornemisza. Lucio Fontana. de Juan Gris. etc. Saint (Hertfordshire). Aunque se basaban en la figuración no quiere decir que ésta fuese realista. que asume el protagonismo por encima de cualquier temática o composición. En escultura cabe citar a Jorge Oteiza y Eduardo Chillida. Mark Rothko. y viceversa—. Parque de estético. se produjo el efecto inverso —como suele ser habitual en la historia del arte. Madrid. Entre sus figuras se puede mencionar a . volviendo al trabajo artesanal como esencia del artista. Es un arte eminentemente abstracto. sino que podía ser deformada o esquematizada a gusto del artista. y renunciando a su carácter revolucionario y la Creueta del Coll. informática. retornando a las formas clásicas del arte. Stevenage Kirchner. el art brut y la pintura matérica. de Eduardo Chillida. con estilos y movimientos que se suceden cada vez más rápido en el tiempo. En España surgieron los grupos El Paso (Antonio Saura. como el arte de acción y el arte conceptual. composición. renunciando a cualquier aspecto racional del arte (estructura. Destacan Georges Mathieu. y entroncaron con el movimiento beat y los angry young men. el rigor de unos sucede al exceso de otros. láser. Hans Hartung. de Theo van (1950). Kemper Art Museum. de (1912). Jean Dubuffet. Missouri. transformador de la sociedad. En Estados Unidos se desarrolló el expresionismo abstracto —también llamado action painting—. internet. sin carácter reivindicativo. Por último. donde el artista transita sin pudor entre diversas técnicas y estilos. Modest Cuixart). con cierta influencia expresionista y con total libertad de composición. hay que remarcar a finales de siglo la aparición de nuevas técnicas y soportes en el terreno del arte:video. donde cobra relevancia el soporte material de la obra. Gracias) (1917). Franz Kline y Willem de Kooning. Mildred Lane Moore. Barcelona. caracterizado por la utilización de la técnica del dripping. etc. Nueva figuración (1945-1960): como reacción a la abstracción informalista surgió un movimiento que recuperó la figuración.133 Informalismo (1945-1960): conjunto de tendencias basadas en la expresividad del artista. Incluye diversas corrientes como el tachismo. Museo Chicago. de Henry Ernst Ludwig Instituto de Arte de Doesburg. holografía. aceptando su componente material y Elogio del agua (1987). El proyecto moderno originado con las vanguardias históricas llegó a su culminación con diversos estilos antimátericos que destacaban el origen intelectual del arte por sobre su realización material. En la génesis de este estilo tuvo decisiva influencia la filosofía existencialista y su visión pesimista del ser humano. Louis. Últimas tendencias Desde la Segunda Guerra Mundial el arte ha experimentado una vertiginosa dinámica evolutiva. donde los diversos estilos se enfrentan y se contraponen. Manolo Millares) y Dau al set (Antoni Tàpies. aplicación preconcebida del color). Alcanzado ese nivel de prospección analítica del arte. Surgió así el arte postmoderno. Fränzi ante una silla Retrato de Picasso Composición VII (Las Tres Family Group tallada (1910). el chorreado de pintura sobre la tela. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock.

etc. especialmente en los efectos ópticos. Jasper Johns). con un gran componente de improvisación. Eusebio Sempere. Nam June Paik y los grupos Fluxus y Gutai. el cómic y los medios de comunicación de masas. el más purista solamente dos minutos? de la conceptualidad. Julio Le Parc. Nuevo realismo (1958-1970): movimiento francés inspirado en el mundo de la realidad circundante. En esta modalidad destaca no sólo su componente físico — la emisión de imágenes. bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Nicolas de Staël y los miembros del grupo CoBrA (Karel Appel. con un aspecto casi fotográfico. Exponentes de esta modalidad son Nam June Paik. Bill Viola.Francis Bacon. Elvideoarte surgió en 1965 con la aparición de la primera cámara de video portátil (la Portapak de Sony). la fotografía. video. César Baldaccini. etc. Dennis Oppenheim). Arte cinético (desde 1950): también llamado op-art (arte óptico). caracterizada por su visión superlativa y exagerada de la realidad. al contrario que el informalismo. Richard Estes. Arte conceptual (1965-1980): tras el despojamiento matérico del minimalismo. afirmando que el arte está en la idea. Yoko Ono. y Manzoni envasando sus excrementos en lata (Merda d'artista. Cindy Sherman. John Salt. en el que además del artista interviene a menudo el público. el ¿Por qué el proceso entre arte conceptual renunció al sustrato material para centrarse en el proceso Pilatos y Jesús duró mental de la creación artística. que usa técnicas biológicas (Joe Davis. que utiliza la naturaleza como soporte. sino el mensaje inherente a la imagen filmada. Robert Smithson. Klein y Manzoni fueron antecedentes del arte conceptual: Klein con sus antropometrías y sus cosmogonías (pinturas expuestas a los elementos: fuego. Judy Chicago) y el arte homoerótico (Paul Cadmus. y los escultores Carl Andre. depurado al planteamiento inicial del autor. es un estilo que pone énfasis en el aspecto visual del arte. Claes Oldenburg. etc. efecto de moiré). no en el objeto. Antonio López García y. el bio-art. Es un arte abstracto pero racional. arte povera. Hiperrealismo (desde 1965): como reacción al minimalismo surgió esta nueva corriente figurativa. imágenes persistentes. Kenneth Noland) el minimalismo fue una corriente que supuso un proceso de desmaterialización que desembocaría en el arte conceptual. Dan Flavin. También podrían enmarcarse en esta corriente diversos géneros de reivindicación social como el arte feminista (Jenny Holzer. en escultura. Malpartida (Mario Merz. ya sea . de Wolf Vostell. Sus representantes fueron Arman. Destacan Chuck Close. compositivo. sin embargo. Frank Stella. George Segal. lluvia) o con su exposición Vacío (1958. Daniel Spoerri. El sound art (o audio art) se basa en el sonido. la instalación. Tom Wesselmann. Galería Iris Clert). Con un precedente en el llamado New Dada (Robert Rauschenberg. el (1996). (Gilbert and George. que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles. Minimalismo (1963-1980): con un antecedente en la Nueva abstracción o Abstracción postpictórica (Barnett Newman. Jannis Kounellis). tomando imágenes del mundo de la publicidad. que son producidos bien por ilusiones ópticas (figuras ambiguas. Deborah Cherena). Dan Sandin. sino el proceso creador. Destacan Victor Vasarely. Eduardo Paolozzi. etc. Richard Hamilton y. en escultura. Nuevas tecnologías (desde 1965): la aparición de nuevas tecnologías desde los años 1960 (televisión. la performance. Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman. Arte de acción (desde 1960): son diversas tendencias basadas en el acto de la creación artística. Jean Tinguely. donde lo importante no es la obra en sí. Entre sus figuras destacan Joseph Beuys. generalmente de materiales detríticos Museo Vostell. Niki de Saint Phalle. Ellsworth Kelly. Donald Judd y Sol LeWitt. queda plasmada en su fase inicial. informática) ha supuesto una gran revolución para el arte no sólo en cuanto a nuevos soportes y materiales. englobando una serie de autores que retornaron a la figuración. Richard Serra). Bernard Buffet. Corneille y Pierre Alechinsky). Piero Manzoni. Asger Jorn. Allan Kaprow. centrado en la relación arte-lenguaje (Joseph Kosuth). Robert Mapplethorpe. el environment. sino a nuevas formas de expresión que han ampliado los límites del arte. con especial predilección por los materiales detríticos. famoso por sus figuras humanas enyeso. Roy Lichtenstein. 1961). donde vendió el espacio vacío de una galería. con un marcado componente de inspiración popular. Jesús Rafael Soto. centrado en las instalaciones. con el cuerpo humano como soporte de Cáceres. Engloba diversas manifestaciones artísticas como el happening. de acusada simplicidad. destacaron en el pop art Andy Warhol. del consumismo y la sociedad industrial. James Rosenquist. Barbara Kruger. la base sobre la que habría desarrollado la idea que. fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. Ralph Goings. Son obras de carácter abstracto. Yves Klein. el land-art. Wolf Vostell. Yaacov Agam. Don Eddy. Walter de Maria. reducidas a un mínimo motivo. Pop art (1955-1970): surgió en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto. con un marcado componente efímero (Christo. etc. Lucian Freud. del que extraen —al contrario que en el pop art— su aspecto más desagradable. así como Germaine Richier y Fernando Botero en escultura. Tony Oursler. Estéfano Viu). Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingüístico. generalmente en el marco de instalaciones o performances—. el body-art.

Jake Tilson). Destacan artistas individuales como Jeff Koons. «escultura (1991). Eric Fischl. por su aspecto interactivo. y se integra en el arte a través de ensamblajes. especialmente. musical. el neoexpresionismo alemán (Anselm Kiefer. tecnológico o acústico. videoarte. Georg Baselitz. Museo globos azules. Enzo Cucchi. o también diversos movimientos como la transvanguardia italiana (Sandro Chia. Francesco Clemente. David Salle. La informática e internet han supuesto igualmente un gran impulso para el arte. instalaciones. el neomanierismo. Klein. Estilos artísticos occidentales del siglo XX . la figuración libre. instalación de Israel. Jerusalén. Mimmo Paladino). Sigmar Polke). etc. etc. no pretenden hacer una labor social. en cambio. no sólo como soporte sino por sus nuevas posibilidades creativas y. Nicola De Maria. Heath Bunting. es el arte propio de lapostmodernidad. natural. Ibaraki (Japón). de Liberación de 1001 The Umbrella Project Fernando Botero.. Arte postmoderno (desde 1975): por oposición al denominadoarte moderno. Keith Haring. el artista postmoderno. es autorreferencial. el arte habla del arte. aerostática» de Yves artística de Christo. Jörg Immendorff. Julian Schnabel.134 Hombre a caballo. Jean-Michel Basquiat. suponiendo una nueva forma de colaboración entre el artista y el público (Olia Lialina. Brian Eno). (Laurie Anderson. Markus Lüpertz. etc. universalizar el arte. performances. Asumen el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias pretendían eliminar la distancia entre el arte y la vida. Miquel Barceló.

. televisión. y sobre todo en el XX con el auge de los medios de comunicación (radio. el arte se ha estandarizado progresivamente hacia la universalización de estilos.Globalización del arte Durante el proceso de colonización iniciado por las potencias europeas en el siglo XIX. internet) y el proceso de globalización cultural producido a nivel mundial. pero adquiriendo un sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta. conservando en muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales. Antiguas formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por factores como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos artísticos.

Sankho Chaudhuri. el realismo socialista. que se abrió más a la Instalación del grupo japonés Gutai. Yayoi Kusama. el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación cultural. Chuta Kimura. Leiko Ikemura. remarcando el aspecto intelectual de estas creaciones frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a la artesanía. Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación emergente y las artes plásticas contemporáneas. Johannes Itten. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy. que frente a la excesiva ornamentación del art déco introdujo un concepto de diseño más racional y funcional. incluyendo tanto obra pictórica como fotografías. el grupo neoplasticista De Stijl desarrolló . Shigeko Kubota. El fin de la era imperial supuso la modernización de China. Entre los artistas más destacados se puede citar a Ashira Olatunde (de Nigeria). Oskar Schlemmer. En escultura existe igualmente la dualidad tradición-vanguardia. Isamu Noguchi y Etsuro Sotoo. Zao Wou Ki y Wang Guangyi. destacó por la ostentación y el lujo. Shigeo Fukuda. Su diseño se basaba en la simplicidad. En Japón. los sucesos de Tiananmen provocaron un nuevo retroceso. Yasumasa Morimura. Dirigido principalmente a un público burgués. Desgraciadamente. Josef Albers. junto al que destacan nombres como Ram Kinker Baij. influencia occidental. El interés por el arte africano en Europa ha llevado a su producción con fines de exportación. en la Galería Nacional China de Pekín. Ajit Chakravarti y Nek Chand. y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. con un gran sentimiento de crispación y una agresividad latente. si bien la colonización europea introdujo el arte occidental. Henry Tayali (de Zambia) y Eric Adjetey Anang (de Ghana). Paul Klee. abriéndose más al exterior y empezando a incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. Artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita. instalaciones y performances. Yoshitaka Amano. La gran revitalización de esta actividad artística provino del art déco. principalmente máscaras y esculturas ornamentales de ébano o marfil. y se desarrolló notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre). social y tecnológica. siendo el artista indio más cotizado el escultor Anish Kapoor. y otra occidentalista (Yōga). como se puede apreciar en la intervención de arquitectos extranjeros como Le Corbusier en Chandigarh y Bangalore. produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. hasta una nueva apertura en1992. pero aún perduran las antiguas formas animistas. El triunfo de larevolución comunista impuso como arte oficial en la Bienal de Venecia de 2009. Esta institución pretendía romper las barreras entre arte y artesanía. Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con la Bauhaus. Tarō Okamoto. Michiko Noda. como se hizo patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer. que mostraba las últimas creaciones del momento.135 Artes decorativas En el siglo XX las artes decorativas han tenido una rápida evolución. marcada por el uso de nuevos materiales y tecnologías más avanzadas. más adaptado a las necesidades reales de la gente. La pintura presentó entonces dos corrientes: una tradicional (Nihonga). En muchas partes de África el arte está marcado por la religión islámica. o las lámparas diseñadas por Marianne Brandt.nota 20 movimiento surgido en Francia a mediados de los años 1920 que supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e industriales. el arte se abrió a mediados del siglo XX a las formas de vanguardia. Kuroda Seiki. Santiago Martínez Delgado). Nicholas Mukomberanwa (de Zimbabue). la abstracción geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías. si bien recientemente la nueva política aperturista ha favorecido la llegada de las últimas tendencias artísticas. En la India.En el continente africano aún perduran ciertas formas tradicionales de arte. ligadas a las nuevas tecnologías. En 1989 tuvo gran resonancia la exposición China/Vanguardia. El art déco también se dio en arquitectura (elChrysler Building de William van Alen) y pintura (Tamara de Lempicka. Pan Yuliang. que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones cargadas de ironía. Los artistas chinos contemporáneos más relevantes son: Qi Baishi. Este estilo se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes gráficas. Wu Guanzhong. Yoshitomo Nara. mientras que en otras es más de signo cristiano. Más recientemente destaca la presencia en el terreno del arte de acción del grupo Gutai. con una clara apuesta por la producción industrial. etc. y con una clara apuesta por eldiseño como base creadora. Igualmente.

que pierde su aspecto lógico y comunicativo. Gertrude Stein. de introspección psicológica. que se tradujo en la técnica de la «escritura automática». en el virtuosismo estilístico y la profundización de los personajes. sino que el autor busca la esencia de las cosas. buscando deliberadamente un lenguaje caótico y absurdo. Ezra Pound. como en la obra de Tristan Tzara. así se aprecia en la obra de Marcel Proust. Thomas Mann. deshaciendo los poemas y dándoles un aspecto gráfico. Fernando Pessoa. de Maurice Ascalon. Georg Heym. como podemos apreciar en James Joyce. de reflexión. evocando en sus obras el mundo del inconsciente. suprimiendo los signos de puntuación («collage lingüístico»). Destacaron Franz Kafka. En el ámbito de la narrativa. Antoine de Saint-Exupéry. Eliot. el militarismo. más centrada en la técnica literaria. El principal campo de experimentación fue Diseño de objetos de usoart déco el de las vanguardias artísticas: el futurismo destacó por su afán modernizador. esta corriente está representada por André Malraux. atendiendo a las necesidades de mercado sin renunciar al proceso de modernización de la sociedad. sobre todo en poesía. William Faulkner. El cubismo buscó nuevas formas sintácticas. En Estados Unidos surgió la llamada «generación perdida». con un lenguaje simbólico y metafórico. En contraposición. Portada de la primera edición (1922). Ulises. fibra de vidrio). Más adelante surgió un mayor compromiso social. F. de un lenguaje trascendente y metafísico. las formas geométricas y los colores primarios. William Butler Yeats. de James Joyce. moral y religiosa. caracterizada igualmente por la crítica social y la búsqueda de unos nuevos valores humanos: John Dos Passos. Desde entonces el diseño industrial y de interior ha seguido por la vía de la creación intelectual y el diseño funcional. la acción. la amarga experiencia bélica en la contienda mundial provocó una serie de obras de crítica de la guerra. S. la alienación del individuo en la era industrial y la represión familiar. exaltando los adelantos técnicos. La segunda mitad del siglo XX ha estado marcada por el eclecticismo y la diversidad de tendencias. lo que ha generado una línea llamada styling (representada fundamentalmente por Raymond Loewy). Hermann Hesse. como la famosasilla roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld(1923). destacando Guillaume Apollinaire. de búsqueda de unos nuevos valores morales. John Steinbeck. El expresionismo criticó la sociedad burguesa de su época. George Orwell y Aldous Huxley. El afán de innovación llevó a la búsqueda de la esencia literaria. en un estilo que buscaba la asociación insólita de palabras. incluso la violencia (tuvo estrechos contactos con el fascismo italiano). hay una corriente más innovadora. Destacaron André Breton. Eugenio Montale. con obras de denuncia de los valores burgueses que habían llevado a la guerra. Franz Werfel. El dadaísmo introdujo la anarquía en la génesis literaria. Gottfried Benn. con diferentes tipos de letra y aparición de signos extralingüísticos. etc. con un cierto continuismo de estilos anteriores. con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos materiales (plástico. Paul Éluard y Louis Aragon. de los sueños. El surrealismo tuvo gran influencia de la psicología freudiana. T. y rompiendo con el pasado y experimentando nuevas formas y estilos en otros. de metáforas oníricas y delirantes. Ya no se imita la realidad. no se analizan causas ni hechos. Georg Trakl y Rainer Maria Rilke. Pal-Bell.un estilo interiorista basado en la simplicidad. Alfred Döblin. como es el caso de la denominada «poesía pura» (Paul Valéry. Dylan Thomas y Wystan Hugh Auden hacen una poesía . partiendo de premisas anteriores y cánones clásicos en algunos casos. defendiendo la destrucción de la sintaxis y la libertad de las palabras.136 Literatura contemporánea En el siglo XX la literatura ha tenido —como el resto de las artes— una gran diversidad estilística. Henry Miller y Ernest Hemingway. Scott Fitzgerald. la velocidad. donde autores como Jacques Prévert. François Mauriac. de la subjetividad. mostrando su particular visión. Konstantinos Kavafis). Lawrence Durrell y Virginia Woolf. André Gide. estuvo representado principalmente por Filippo Tommaso Marinetti y Vladimir Maiakovski.

Cobra cada vez mayor protagonismo el director teatral. Samuel Beckett. así como una nueva serie de novelistas encabezada por Truman Capote. Jorge Luis Borges. y reivindicando el gesto. Miguel Ángel Asturias. J. con un mayor afán vanguardista. Nathalie Sarraute). Cesare Pavese. Alejo Carpentier. Alejandro Casona. Wen Yiduo. Los años de la dictadura producen una escisión: por un lado. el «teatro del absurdo». en el carácter visual del teatro y no sólo el literario. de signo inconformista y antiburgués (John Osborne. Entre otros grandes autores del siglo XX merecen destacarse igualmente: H. con afán reformador (los llamados «Novísimos» en poesía). Artaud. En España destacan Federico García Lorca. Desde los años 1970 surge una nueva vitalidad en las letras. retornando al rito y a las manifestaciones de culturas antiguas o exóticas. Juan Marsé. Italo Calvino. Jaime Gil de Biedma. la literatura del siglo XX comenzó con el llamado novecentismo. José Saramago. Gerardo Diego. La narrativa es más innovadora.inconformista e intelectualizada. Tadeusz Kantor). Alfonso Paso y Fernando Arrabal. gallega (Celso Emilio Ferreiro. Salinger y Norman Mailer. Mercè Rodoreda. vinculado al existencialismo (Antonin Bertolt Brecht. con cierta influencia del surrealismo (Federico García Lorca. Se avanza en la técnica interpretativa. centrado en el análisis frío y objetivo de la realidad (Alain Robbe- Grillet. Otros autores destacados son: George Bernard Shaw. Jean Genet. Aleksandr Solzhenitsyn. Ramón Gómez de la Serna y Eugeni d'Ors. José Hierro. aparecieron escritores anticonvencionales como Peter Handke y Günther Grass. Isabel Allende. En Hispanoamérica destacan: Alfonsina Storni. Álvaro Cunqueiro) y vasca (Esteban Urkiaga. En los años 1950 surgió el realismo social. Carlos Fuentes. Carmen Laforet. con Marguerite Yourcenar. Tolkien. Dario Fo. etc. Nicolás Guillén. de tono angustioso (Camilo José Cela. G. Pablo Neruda. José Luis Álvarez Enparantza). Robert Graves y Umberto Eco. por otra. Luigi Pirandello. etc. Leopoldo Panero). Más adelante surgió la Generación del 27. Gabriel Aresti.138 Teatro contemporáneo El teatro del siglo XX ha tenido una gran diversificación de estilos. Arnold Wesker). una literatura afecta al régimen que exalta los valores nacionales (Luis Rosales. Augusto Roa Bastos. Jaroslav Hašek. D. Sénder. Se pone mayor énfasis en la dirección artística y en la escenografía. Rafael Alberti. Miguel Mihura. Gabriela Mistral. En esos años hay un renacer de la «novela histórica». Simone de Beauvoir. literatura más comprometida que denuncia la injusticia y la falta de libertad (Blas de Otero. mientras que en Estados Unidos surgió la generación beat (Allen Ginsberg. William Burroughs. J. etc. Antonio Buero Vallejo. Wells. Gabriel Celaya. Rómulo Gallegos. Halldór Laxness. Pedro Salinas. César Vallejo. Alberto Moravia. Salvatore Quasimodo. Carles Riba. que muchas veces es el artífice de una determinada visión de la puesta en escena (Vsevolod Meyerhold. Ana María Matute). etc. Actors Studio de Lee Strasberg). Gabriel García Márquez. Alfonso Rodríguez Castelao. Entre los diversos movimientos teatrales conviene reseñar: el expresionismo (Georg Kaiser. Boris Pasternak. Gonzalo Torrente Ballester. Dámaso Alonso. Jack Kerouac). Ramón J. Arthur Miller. Luis Cernuda. destacando figuras como Manuel Vázquez Montalbán. Jalil Gibran. R. Hugo von Hofmannsthal). En el siglo XX se desarrollan la literatura catalana (Josep Carner. Rabindranath Tagore. Rudyard Kipling. Jorge Guillén. creador del teatro épico. Kenzaburo Oé. Antonio Gala. Rainer Werner Fassbinder). José Agustín Goytisolo. Mario Vargas Llosa. Ernesto Sabato. Miguel Hernández). León Felipe). Fritz von Unruh. Salvador Espriu. caracterizada por la preocupación existencial y el compromiso social: Jean-Paul Sartre. Erwin Piscator. R. Ramón Otero Pedrayo. Octavio Paz. Orhan Pamuk. Nikos Kazantzakis. etc. Harold Pinter. Yukio Mishima. y los Angry young men. Max Reinhardt. una literatura desarraigada. En Alemania. que persigue el ideal de «poesía pura». Guillermo Cabrera Infante. el «teatro épico» (Bertolt Brecht. Mika Waltari. Eugene O'Neill. Naguib Mahfuz. . Ramón Pérez de Ayala. Sholem Asch. con nuevas formas de hacer teatro y un mayor énfasis en el espectáculo. Miguel Delibes. Se abandonan las tres unidades clásicas y comienza el teatro experimental. Juan Rulfo. Eugène Ionesco. evolucionando en paralelo a las corrientes artísticas de vanguardia. John Boynton Priestley. Tennessee Williams. Albert Camus. Josep Maria de Sagarra). Pär Lagerkvist. Josep Pla. Albert Camus). con mayor profundización psicológica (método Stanislavski. Wole Soyinka. En los años 1950 surgió en Francia el nouveau roman («nueva novela»). Alfred Jarry.137 En España. Julio Cortázar. Vicente Aleixandre. la acción y el movimiento. Mihail Šolohov. Vicente Huidobro. Peter Weiss. Mario Benedetti. representado por José Ortega y Gasset.

A principios de siglo. de George neoclasicismo dejó obras como Edipo rey (1925). Luigi Dallapiccola. El postromanticismo contó con la gran figura de Richard Strauss (Salomé. pero reinterpretándolas. El sueño de una noche de verano. El lenguaje oral queda así doblado por el visual. a la esquematización y a las construcciones lineales. El Porgy and Bess. Lady Macbeth Gershwin. 1947. 1922). sin repetir una nota antes de haber sonado las otras. 1914. y sin renunciar a los nuevos adelantos vanguardistas (Carl Orff. 1950). de Dimitri Shostakovich. Prokofiev. Giorgio Strehler. Arthur Honegger). Els Comediants y La Fura dels Baus. el dodecafonismo fue un sistema basado en los doce tonos de la escala cromática. y el new age de Michael Nyman y Wim Mertens. 1912). destacaron el expresionismo y el dodecafonismo: Moisés y Aarón (1926). por el New York Harlem de Mtsensk (1936). Esto se pone de manifiesto en varios grupos españoles. Witold Lutoslawski y Cristóbal Halffter. Otros exponentes son: Kurt Weill (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny. el minimalismo de Philip Glass. de gran valor dramático (Peter Grimes. de Igor Stravinski. que se utilizaban en cualquier orden. también llamado «sinfonismo soviético»— recuperó las formas clásicas. y Guerra y paz (1946). pero en series. la Nueva Objetividad aportó una visión más realista y social de la música. las innovaciones producidas en este terreno no han gozado de gran éxito entre el público mayoritario. Gian Carlo Menotti (La médium. Francis Poulenc. Paul Hindemith (Matías el pintor. el neotonalismo de Arvo Pärt y Henryk Górecki. el neoclasicismo —ligado en Rusia al realismo socialista. si bien ha existido una copiosa y excelente producción. basada en el concepto de consumo de masas para elaborar obras de sencilla construcción y accesibles a todo el mundoPaul ( Hindemith. buscando una comunicación dramática establecida a través de acciones reales que afecten al espectador (The Living Theatre. 1935). Gustav Mahler y Aleksandr Skriabin. produciendo nuevas técnicas y efectos sonoros. el expresionismo pretendía desligarse de los fenómenos objetivos externos. Ferruccio Busoni).139 Música contemporánea En el terreno musical la transición de siglo estuvo marcada por el postromanticismo de Richard Strauss. Alberto Ginastera (Bomarzo. Gustav Holst. el verismo italiano continuó en un llamado «posverismo» representado principalmente por Riccardo Zandonai (Francesca da Rimini. Pierre Boulez y Luis de Pablo. Krzysztof Penderecki y György Ligeti. como Els Joglars. introduciéndose posteriormente en el ámbito de las vanguardias artísticas: el cubismo tendió a la deshumanización. la música concreta de Pierre Schaeffer y Pierre Henry. Dimitri Shostakovich. el poliestilismo de Luciano Berio. 1967). Wozzeck (1925) y Lulú (1935). Giulietta e Romeo. teatro-laboratorio de Jerzy Grotowski. o el grupo canadiense Cirque du Soleil. 1905. 1946. los «ámbitos sonoros» de Luigi Nono. surgiendo el concepto de Gebrauschmusik («música utilitaria»). Jonny spielt auf (1927).140 La ópera en el siglo XX ha mantenido vigente el repertorio anterior. de Sergei Theater. de igual forma. Más recientemente destaca la obra de Benjamin Britten. 1930).Desde los años 1960 el teatro ha reaccionado contra la distanciación del teatro épico. Kurt Weill). de Alban Berg. 1973). Ariadne auf Naxos. . Alban Berg. Igor Stravinski. sin ornamentos (Erik Satie). y el arte dramático recupera en cierta forma su antigua ambición de «teatro total». etc. Edgar Varèse). el futurismo experimentó con el ruido y los sonidos de la naturaleza y la vida cotidiana (Luigi Russolo. el ultracromatismo amplió la escala musical a grados inferiores al semitono —cuartos o sextos de tono— (Alois Hába. 1945. Anton von Webern). mientras que a nivel productivo. 1947). de Arnold Schönberg. como la música electrónica de Karlheinz Stockhausen. la música aleatoria de John Cage. acciones de happening). evitando la polarización. el serialismo de Olivier Messiaen. 1961. Charles Ives. fuera de toda regla y toda convención Darius ( Milhaud. de Ernst Krenek. A nivel vanguardista. el divertimento y el exhibicionismo P ( eter Brook. Muerte en Venecia. la atracción a centros tonales (Arnold Schönberg. 1938). El cónsul. Luca Ronconi). Los nuevos directores han agregado a este «teatro de provocación» una conciencia estilística basada en la ceremonia. Desde mediados de siglo ha continuado la experimentación y la diversidad de conceptos musicales. que se continúa representando con éxito en los mejores teatros y auditorios del mundo. Francis Poulenc (Les mamelles de Tirésias. El teléfono. Sergéi Rajmáninov). George Gershwin (Porgy and Bess. siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando principalmente su estado anímico. Sergei Prokofiev. la «música estadística» de Iannis Xenakis.

quien creó un sistema que pretendía integrar cuerpo y alma. Margot Fonteyn. En el siglo XX también han tenido un gran auge los espectáculos musicales. Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913). Martha Graham. Vangelis. al tiempo que ha cobrado un creciente protagonismo la banda sonora cinematográfica (John Williams. De forma independiente. hecho que ha generado una fuerte controversia que aún perdura. Sergéi Diágilev fue el artífice del gran triunfo de los Ballets Rusos en París. que se ha convertido en un aspecto indispensable del ocio moderno. En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica. el Ballet de la Ópera de París volvió al esplendor de la era romántica. el rap. sin hilo argumental—. Antony Tudor. de August Macke. El ruso George Balanchine —surgido de la compañía de Diágilev— se instaló allí en 1934. disco compacto. casete. y produjo espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores coreógrafos del siglo. la aleatoriedad (chance choreography). perdiendo gran parte de su creatividad. el reggae. En el grupo de Diágilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky. libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo Picasso. Kenneth MacMillan. Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia. hilo musical. donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio. como el cabaret y el music hall. con música de Erik Satie. Doris Humphrey y Agnes De Mille. así como el despuntar de los Estados Unidos. Henry Mancini. el heavy. Bremen. . con la proliferación de conciertos y recitales. Frederick Ashton. inspirada en ideales griegos. introdujo la danza basada en la casualidad. En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Rambert. introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con las Danzas polovtsianas de El Príncipe Igor de Borodin (1909). Bob Dylan. influido por el expresionismo abstractoy la música aleatoria de John Cage. donde fundó la School of American Ballet.). la aparición de nuevas tipologías (radio. el ska. que introdujo una nueva forma de bailar. etc.También ha tenido mucha importancia lamúsica popular. que ha generado diversos estilos musicales como eljazz. Andrew Lloyd Webber. su obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» — sólo danza. y se produjeron obras memorables como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945). Leonard Bernstein. el blues. Bruce Springsteen. En los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce Cunningham que. buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal. y Espartaco (1957). Este nuevo concepto quedaría plasmado con la bailarina Mary Wigman. Anna Pavlova y Tamara Karsavina. gracias en primer lugar a pioneras como Ruth Saint Denis. Ballet ruso (1912). Rolling Stones. The Beatles. Otro gran hito de la época fue el West Side Story (1957) de Jerome Robbins. video-clip) y la introducción de nuevos soportes de grabación musical (disco de vinilo. El aspecto consumista de la civilización actual. En los últimos tiempos. la industria discográfica ha sufrido un 141 progresivo declive debido a lasdescargas ilegales en internet. Danza contemporánea La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a finales del siglo XIX: Mihail Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica. etc. el rock. el punk. de Aram Khachaturian. Ninette de Valois. de Stravinski. Maurice Jarre. Michael Jackson. pedagógico ideado por Agrippina Vagánova. donde había escasa tradición. Ennio Morricone. etc. la gran figura de principios de siglo fue Isadora Duncan. más abierta a la improvisació n. y auténticos fenómenos de masas en torno a diversos grupos e intérpretesElvis ( Presley. gracias sobre todo a la labor de Serge Lifar. Nino Rota). Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban. coreografía de Léonide Massine. se consiguió en poco tiempo llegar a un alto nivel de creatividad y profesionalización. La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico. el soul. Roland Petit y Maurice Béjart. aunque surgieron grandes bailarines como Rudolf Nureyev y Mihail Baryshnikov. En Estados Unidos. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un instrumento de propaganda política. mp3) han favorecido la popularización de la música. liberado de las ataduras de la métrica y el ritmo. Madonna. y analizando el movimiento y su relación con el espacio. formatos informáticos de audio. a la espontaneidad. el pop. por último. el caos. En Francia. También alcanzó notoriedad el sistema Kunsthalle. poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos. de Prokofiev. al que siguieron El pájaro de fuego (1910).

Edward Weston. Gerda Taro. Jacques-Henri Lartigue. En el siglo XX la reproducidas del siglo XX. Alfred Stieglitz fundó la Photo- Secession. con un manifiesto inicial en su Duet (1957). creador del «reportaje fotográfico». las imágenes oníricas (Eugène Atget. En las últimas décadas del siglo destacaron coreógrafos como William Forsythe y Mark Morris. Robert Frank. samba. Por último. los fotógrafos expresionistas alemanes (August Sander. el hiperrealismo y el arte conceptual. Alberto Korda. entre los que se puede remarcar: foxtrot. como los elaborados por John Heartfield y Hannah Höch. fecha de aparición de la fotografía digital. etc. En 1947 apareció la Polaroid. En el período de entreguerras surgieron una serie de fotógrafos que retrataron la crudeza de la realidad circundante.Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad. de película instantánea. asumiendo los medios de comunicación de masas un papel preponderante en la cultura visual del siglo XX. charlestón. tango. ya que las continuas mejoras técnicas en cámaras portátiles permitían un uso generalizado de esta técnica a nivel amateur. propiciada por la aparición de una (1960). generando movimientos paralelos como la photographie pure francesa y la straight photography estadounidense. Entre los más afamados fotógrafos de este siglo destacan: Werner Bischof. destacando Alvin Langdon Coburn. claqué. que mostró la vida urbana con una emotividad artística. especialmente tras la crisis económica de 1929. Desde la Segunda Guerra Mundial la fotografía ha seguido unida al periodismo —especialmente con el auge de agencias como Magnum—. en Rusia se impuso el realismo socialista. conga. incorporando incluso movimientos de aerobic y kickboxing. Annie Leibovitz. La danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano. la creación fotográfica se ha vinculado fuertemente a las nuevas tecnologías. pasodoble. etc. representado por Anton Giulio Bragaglia. Robert Capa. comoPhotoshop. hustle. preferentemente en el diseño por ordenador y los programas de retoque fotográfico. chachachá. así como la escuela holandesa. Agustí Centelles. merengue. El futurismo italiano estuvo ligado a la fotografía en movimiento (fotodinamismo). desde las orientales hasta las folclóricas. ligado al cubismo. También ha estado fuertemente vinculada a las últimas tendencias artísticas. Dora Maar. En Estados Unidos. destacando la obra de Erich Salomon y Stefan Lorant. rumba. Imogen Cunningham. de Alberto Korda. creando imágenes ambiguas entre la figuración y la abstracción. en el siglo XX ha existido una gran diversidad de estilos. que llegó a hacer fotografías sin cámara. con revistas como Berliner Illustrierte Zeitung y Münchner Illustrierte Presse. modelando las formas y destacando las texturas. bolero. salsa. Albert Renger-Patzsch) crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y la utilización de la luz como medio expresivo. de los sueños. originalmente en Alemania. y donde también se formó el español Nacho Duato. donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano. Su presencia fue esencial en revistas y periódicos. Joe Rosenthal. Alvin Ailey y Twyla Tharp. representada por Jiří Kylián y Hans van Manen. Henri Cartier-Bresson. Irving Penn. especialmente el pop art. y se vinculó a movimientos como el dadaísmo. así como a la fotografía documental. Raoul Hausmann. los cuerpos ordinarios frente a los estilizados de los bailarines clásicos. Jacques-André Boiffard. Margaret Bourke-White y Dorothea Lange. En Gran Bretaña surgió el vorticismo. predominando el realismo fotográfico. Otros coreógrafos posmodernos fueron Glen Tetley. poniendo objetos sobre la película y exponiéndolos unos segundos a la luz. el surrealismo introdujo en fotografía el mundo del inconsciente. fotografía también ha estado muy unida a lamoda y la publicidad. Helmut Newton. A nivel de bailes populares. Pronto esta forma de La fotografía del Che Guevara fotoperiodismo se expandió por todo el mundo.142 Fotografía del siglo XX En el siglo XX se extendió notablemente el uso de la fotografía. René Burri. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional. break dance. Durante la Primera Guerra Mundial y la siguiente posguerra nació el periodismo fotográfico. Sebastião Salgado. es una de nueva cámara —la Leica (1925)— con objetivos intercambiables y rollos de 36 las fotografías más famosas y tomas. moonwalk. William Eugene Smith. Otto Steinert. con una mezcolanza de estilos e influencias. Con la Revolución soviética. Raoul Ubac). Desde 1990. William Klein. twist. Emmanuel Sougez. Brassaï. En este último destacó Man Ray. Otra innovación del dadaísmo fue el fotomontaje. como es el caso de Lewis Hine. con la figura predominante de Aleksandr Rodchenko. Robert Doisneau. Spencer Tunick. Jeanloup Sieff. La fotografía se integró plenamente a los movimientos de vanguardia: así.143 . André Kertész. Inge Morath. Karl Blossfeldt. rock and roll.

etc. con obras donde predominaba una cierta atmósfera de ensueño. El siguiente avance tecnológico fue la introducción del color en 1935 con La feria de la vanidad. Allí surgieron algunos de los primeros genios del cine: Edwin S. y un naturalismo contrapuesto a la artificiosidad expresionista. vestuario. tuvieron reflejo cinematográfico tanto el impresionismo como el surrealismo: el primero se tradujo en obras de elevado contenido intelectual y moral. Porter. 1927) y Germaine Dulac (Arabesque. renovando el lenguaje cinematográfico a través del montaje. Billy Wilder. Raoul Walsh.nota 21 El cine es quizá uno de los medios artísticos más completos. que sería primordial para acompañar numerosas escenas. 1921). primero en rodar escenas plano-contraplano. de signo antiintelectual.Cine Una de las grandes revoluciones artísticas y audiovisuales del siglo XX ha sido el cine: a partir de la invención del cinematógrafo en 1895 por los hermanos Lumière. traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados y maquillajes. Con la incorporación de elementos tomados del teatro como los decorados y los efectos especiales —proceso iniciado por Georges Méliès—. Michael Curtiz. fueron sus mejores representantes Salvador Dalí y Luis Buñuel. En Francia. y Charles Chaplin. por otro lado. y la nouvelle vague. John Ford. el cine alcanzó un grado de auténtica artisticidad. Dziga Vertov. ya que aúna imagen con sonido. David Wark Griffith. Esta nueva particularidad comportó por una parte la mejora de los guiones. y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas o. que introdujo el montaje narrativo y los efectos de luz. René Clair y Jean Renoir. Josef von Sternberg y Ernst Lubitsch. a la que siguió al año siguiente El cantante de jazz. Se llegaron incluso a (1919). Es un cine que aúna pureza visual con elegancia estética. de Rouben Mamoulian. En Italia surgió el neorrealismo. con la película Don Juan. hecho que no impidió la creación de una auténtica gramática visual que aportó la base principal de la narración cinematográfica. guion literario. interpretación. ambas de Alan Crosland. En Europa. con directores como King Vidor. sino de locura. maquillaje. Uno de los grandes aportes al cine mudo fue el del cine soviético: conscientes del valor divulgativo del nuevo arte. Lev Kuleshov. el cine ha tenido una rápida evolución tanto artística como tecnológica que lo ha convertido en un auténtico fenómeno de masas. surgiendo el llamado «cine de autor» (Claude Chabrol. Fritz Lang. inquietantes. los líderes revolucionarios rusos fomentaron la industria cinematográfica. Los siguientes pasos del cine van en paralelo a las vanguardias artísticas de la época: el cine expresionista alemán introdujo un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad. donde cobra un papel relevante el montaje. Vsevolod Pudovkin. François Truffaut. (Composición en azul. En sus inicios el cine era mudo. etc. El cine surrealista fue un fiel reflejo del carácter onírico de esta corriente. que se nutrió de la . Cabe destacar a Robert Wiene. Aleksandr Dovzhenko. donde se forjó una poderosa industria cinematográfica que cristalizaría en Hollywood. De carácter netamente industrial en cuanto a su aspecto productivo. con un gran componente de introspección psicológica y expresión sentimental. como los géneros y los personajesarquetipo. la introducción de la música. de delirio. que aparte de ser iniciador del star system hollywoodiense. Además introduce una nueva dimensión. así como efectos de luz. influida por el existencialismo. siendo rápidamente considerado como el «séptimo arte». representado por Jean Vigo. George Cukor. sin sonido. Abel Gance y Jean Epstein. Georg Wilhelm Pabst. fue pionero en numerosos aspectos interpretativos y argumentales. Cecil B. Oskar Fischinger alemán. Alfred Hitchcock. obra de directores como Viking Eggeling maestra del cine expresionista (Sinfonía Diagonal. caracterizado por la simbiosis entre el realismo descriptivo y el lenguaje poético. cuando menos. etc. 1930). el cine tuvo una primera y rápida implantación en Estados Unidos. obra realizar algunos filmes abstractos. Howard Hawks. con el que consiguen metáforas visuales de gran impacto y calidad. En 1926 se introdujo el sonido. Fue esta la época dorada del cine estadounidense. El cubismo también tuvo su reflejo en la experimentación El gabinete del doctor Caligari rítmico-plástica del Ballet mecánico (1924) de Fernand Léger. Hans Richter (Rythmus. la sucesión cronológica de los hechos. Friedrich Wilhelm Murnau. de Robert Wiene. decorados. Frank Capra. DeMille. Elia Kazan. Alain Resnais. se sucedieron en esos años diversos movimientos de gran relevancia: en Francia apareció el «naturalismo poético». con recursos como el flou y el flashback. además de introducir lapsicología en la interpretación. Orson Welles. William Wyler. eltiempo. 1921). que podían ser más ricos en diálogos —lo que llevó a nuevos registros interpretativos por parte de los actores— y. estuvo representado por Louis Delluc. de temática refinada y gran simplicidad estilística. Jean-Luc Godard). que alcanzaría cotas elevadas con la obra de Sergei Eisenstein.

En Brasil se produjo una escuela (cinema nôvo) que aglutinaba el legado folclórico con la denuncia social: Glauber Rocha. Mario Soffici). etc. George McManus. Farah Khan y Sanjay Leela Bhansali. Hergé y su Tintín (1930). Raj Kapoor. que elevó la historieta a grandes cotas artísticas. Burne Hogarth y Tarzán (1936).estricta realidad. Max Ophüls. sin trucajes. de Orson Japón se aunó la moderna tecnología con la temática tradicional. destacando por su fantasía y creatividad. Ruy Guerra. En Cuba el impulso revolucionario favoreció la creación de una industria de signo documentalista pero gran calidad estética (Humberto Solás. Stanley Kubrick. Vítor Lima Barreto. Roman Polanski. Nelson Pereira dos Santos. Terry y los piratas de Milton Caniff (1934). Bernardo Bertolucci. siendo de remarcar la obra de directores como Woody Allen. Juan Antonio Bardem. Andréi Tarkovski. Brian De Palma. por Bombay—. En la India se ha generado una fuerte industria cinematográfica que se ha denominado Bollywood —emulando la meca del cine estadounidense pero con B. Chester Gould y Dick Tracy (1931). George Herriman. En Ciudadano Kane (1940). Franco Zeffirelli. Zhang Yimou. Oliver Stone. Tim Burton. Clint Eastwood. etc. Harold Foster con Príncipe Valiente (1937). . Carol Reed. Federico Fellini y Pier Paolo Pasolini. Adolfo Aristarain. cine ascético y libre. Posteriormente destacaronRudolph Dirks. narrando una historia en sentido argumental y cronológico. George Lucas. En las últimas décadas del siglo XX la producción cinematográfica ha oscilado entre el cine comercial y el cine artístico. en localizaciones exteriores. Leopoldo Torre Nilsson. En los años 1930 aparecieron algunos de los personajes y autores más reconocidos del mundo de la historieta: Buck Rogers de Dick Calkins (1929). John Huston. Miloš Forman. Sydney Pollack. También despuntaron las cinematografías mexicana (Juan Bustillo Oro. Søren Kragh-Jacobsen). Tomás Gutiérrez Alea). Vittorio de Sica. Constantin Costa-Gavras. En Gran Bretaña se produjo el Free cinema. Carlos Saura. que se influyeron mutuamente. géneros ni acción superficial. Otras cinematografías emergentes son la africana y la islámica (especialmente en Irán con Abbas Kiarostami). Batman (1939) o el Capitán América (1941). Andrzej Wajda. Otto Preminger. con sonido directo y color. Steven Spielberg. Pedro Almodóvar. etc. que presenta imágenes y —opcionalmente— texto (insertado a través de los llamados «bocadillos» para diálogos. En España se produjeron las primeras obras de importancia de la mano deLuis García Berlanga. para cobrar autonomía propia en ediciones independientes. con un particular Welles. con obras de denuncia social realizadas generalmente en ambientes obreros y rurales. Vincente Minnelli. con figuras míticas como Superman (1938). Guillermo del Toro. Alex Raymond con Flash Gordon (1933). Joseph L. Roberto Rossellini. de Richard Felton Outcault. destacan Luchino Visconti. Ang Lee. David Lynch. destacando Satyajit Ray. Arturo Ripstein. En 1905 apareció Little Nemo in Slumberland. apareció por primera vez en periódicos y revistas. Francis Ford Coppola.146 Pasada la Primera Guerra Mundialaparecieron los primeros comic-books o revistas de historietas. Fernando Trueba. Un gran filón para el cómic fueron los superhéroes. Fred Zinnemann. Martin Scorsese. T iene pues su origen en losmedios de comunicación de masasaparecidos a finales del siglo XIX y principios del XX. cuyas películas de dibujos animados se convertirían en auténticos clásicos. maestra de la historia del cine. Mario Camus. A mediados de siglo empezaron a cobrar importancia las cinematografías de países no occidentales. Wim Wenders. sin decorados ni más luz que la natural. destacando la obra de Walt Disney. y «cartuchos» para texto al pie de imagen). Emilio Fernández) y argentina (Hugo del Carril. que aportarían nuevas formas de entender el cine y una mayor frescura tanto en temáticas como en particularidades estéticas. de Winsor McCay. Se suele considerar como primera historieta la de The Yellow Kid. Ingmar Bergman y Victor Sjöström. Karel Reisz). con preferencia por el tema mitológico y la presencia de música y danza tradicionales. Uno de los últimos movimientos cinematográficos ha sido Dogma 95 (Lars von Trier. Despuntó el cine nórdico con la obra de Carl Theodor Dreyer. caracterizado por una estética realista y temáticas de compromiso social (Lindsay Anderson. Nagisa Ōshima). etc.144 Kenji Mizoguchi. considerada como la obra sentido estético que otorgaba gran importancia a la lírica visual (Akira Kurosawa. Ridley Scott. Tony Richardson. y comenzó la relación del cine con la historieta.145 Historieta La historieta —o cómic— es una narración ilustrada por medio de viñetas. José Luis Garci. aparecida en 1896 en el diario New York World (la camisa amarilla del personaje dio nombre a la llamada «prensa amarilla»). Mankiewicz. Basado en la reproducción en serie.

Basada sobre todo en el olor de las flores. En esta época aparecieron personajes como Lucky Luke de Morris (1946). Han creado tendencia peluqueros como: Luis Llongueras. marcada por la utilización del pantalón vaquero. como elwebcómic en internet. Mafalda de Quino (1964). de Osamu Tezuka. como Métal Hurlant de Moebius. gafas). con una nueva sensibilidad donde predominaba la estética y el sello de calidad. triunfando los de ciencia ficción. (Jacques Tardi. mientras que a partir de1950 predomina la ropa informal y juvenil. zapatos. Entre los más afamados modistos destacan: Coco Chanel. La Corto Maltés de Hugo Pratt (1967). bob cut. en el comic-book se alcanzó una gran variedad temática. Frank Bongiovi. Jean Paul Gaultier. En España. destacando la obra de Stan Lee. y comenzaron a abundar los títulos dirigidos a un público más adulto. Vittorio Giardino). o si la deja —como sería el caso de la moda— ya no es representativa del momento en que fue creada. Aunque su inicio se vincula a la revista Manga Shōnen (1947). terror. Continuó el éxito de los superhéroes. Carlos Giménez. de la confección de prendas según parámetros funcionales y estilísticos. La perfumería actual está muy relacionada con la moda. Gianni Versace. En estas expresiones es decisivo el criterio del gusto social. historieta ha sido una de las últimas incorporaciones a la categoría de etc. Yves Saint Laurent. tanto en ropa como accesorios (sombreros. Cristóbal Balenciaga. aventuras. La tendencia desde inicios del siglo XX ha sido hacia una mayor funcionalidad y comodidad (eliminación del corsé). Por último.147 Arte efímero En el siglo XX ha adquirido gran auge el arte efímero. característico de un tipo de mujer llamada flapper. líquidos aromáticos que se utilizan para producir un buen olor corporal. Valentina (1965). el Little Nemo in Slumberland. A principios de siglo se llevó el pelo corto con flequillo. descuella la obra de Francisco Ibáñez. sería a finales de los 1980 cuando alcanzaría su mayor repercusión. Calvin Klein. Jack Kirby y el sello Marvel. para lo cual es imprescindible la labor de los medios de comunicación.La edad de oro de la historieta fue en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial (1945-1960): en la prensa se impuso la llamada daily strip («tira diaria»). Los pitufos de Peyo (1958). Perfumería: es el arte de confeccionar perfumes. con una mayor proliferación del cabello teñido. desde entonces ha habido múltiples tendencias. Astérix el Galo de Goscinny y Uderzo (1960). Entre los años 1960 y 1980 hubo una gran diversificación del medio. Destacan personajes como Barbarella (1962). apareciendo en los años 1920 la minifalda. Teddy Charles. guantes. y sellos más vanguardistas. y es frecuente que modistos famosos comercialicen sus propios . en la actualidad se producen muchos perfumes con productos químicos. Blueberry (1963). Enki Bilal. Paco Rabanne. Conan de Roy Thomas y John Buscema (1970). Jamal Hammadi. con Akira de Katsuhiro Otomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira Toriyama (1984-95). las nuevas tecnologías han supuesto grandes innovaciones para la historieta. bolsos. así como con el arte corporal (tatuaje. con personajes como Nancy (1938) de Ernie Bushmiller. Surgió el cómic erótico (Guido Crepax. con personajes como Mortadelo y Filemón (1958). Francia es el centro europeo de diseño y comercio en perfumería. que por su carácter perecedero y transitorio no deja una obra perdurable. Moda: es el arte del vestido. con abundantes efectos sonoros. Christian Dior. que recibió diversos nombres: Diseño de moda de 1909. Pogo (1948) de Walt Kelly. mientras que en los años 1960 se llevó el pelo corto con cortes geométricos. y Peanuts (1950) de Charles Schulz. que es el que marca las tendencias. Desde los años 1980 ha tenido gran éxito el manga japonés. Milo Manara). Peluquería: es el arte del peinado. etc. con Los 4 Fantásticos (1961) y Spiderman (1962). realizado según parámetros estilísticos que van evolucionando según la moda. etc. Giorgio Armani. la historieta de autor bellas artes. caracterizado por largas epopeyas de gran dinamismo. piercing). Karl Lagerfeld. Está fuertemente relacionada con el maquillaje. romance y western. Desde la Edad Media. Manuel Pertegaz. a mediados de siglo volvió el pelo largo. con su mundialmente famoso Snoopy. George Westmore. shingle bob o eton crop. etc.

Como perfumistas cabe destacar a Pierre-François-Pascal Guerlain. 3. ISBN 84-206-1794-6. Hagia Sophía (Άγια Σοφία) en griego. de excelencia. y llamada Estambul en la actualidad. etc. valorado como el de mayor creatividad de la historia del arte griego. Santi Santamaria. refiriéndose a las obras realizadas con una elaboración industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta . aunque por lo general se suele extrapolar. 1981. Heston Blumenthal. 82. por ejemplo. que pone énfasis tanto en la comida como en su presentación. p. por lo que no debería aplicarse a reyes anteriores. Yves Rocher. Gastronomía: es el arte de la cocina. por lo que numerosos estilos a lo largo del tiempo han tenido una fase denominada «clásica». Isaac Asimov: Los egipcios. Paul Bocuse. Estée Lauder. etc. perfume efímero. Heinrich Wölfflin. La bob: Louise Nº5. se refería a arte clásico para hablar del Renacimiento italiano. derivado del fundador de la ciudad el 657 a. Isaac Asimov: Constantinopla. Las diversas tendencias gastronómicas son debidas sobre todo a variantes regionales. C. es otro arte 1927. 12. 207. 5. pero con una gran faceta de creatividad derivada de la combinación de alimentos y de la innovación en cuanto a la creación de nuevas recetas. ya que cada país tiene su propio sello distintivo. Como cocineros de relevancia se podría citar a: Auguste Escoffier. Madrid. El término artes aplicadas es sinónimo de artes decorativas o artes industriales —también llamadas artes menores —.. quizá plato innovador de Ferran pirotecnia Brooks en el Adrià. p. Recientemente surgió la llamada nouvelle cuisine. Donato de Santis. con un claro componente práctico en cuanto la alimentación es indispensable para el ser humano. François Coty. Alianza Editorial. Eugène Schueller (fundador de L'Oréal). Véase también Historia de la danza Historia de la ópera Arte Historia del desnudo artístico Historia de la pintura Métodos de investigación de la Historia del Arte Historia de la escultura Historia del teatro Crítica de arte Historia de la estética Patrimonio de la Humanidad Estética Historia de la fotografía Psicología del arte Estudio de la Historia del Arte Historia de la historieta Sociología del arte Historia de la arquitectura Historia de la jardinería Tema artístico Historia del cine Historia de la literatura Teoría del arte Historia de la música Artes decorativas Notas 1. se suele nombrar como Santa Sofía en castellano. posteriormente rebautizada Constantinopla en honor al emperador Constantino. Ferran Adrià. El término «faraón» proviene del egipcio per-o («la gran casa». de la mejor época de cualquier estilo artístico. Bizancio (en griego Bizantion. Chilvers (2007). llamado Byzas). que quiere decir Santa Sabiduría. pero este vocablo surgió durante ladinastía XVIII.148 Peinado Chanel Esferificación de té verde. Juan María Arzak. Karlos Arguiñano. El nombre del Imperio Bizantino deriva del antiguo nombre de su capital. Derivado del latín classicus («de primera clase»). sin embargo. más famoso de la historia. 1982. Madrid. Así. ISBN 84-206-1886-1. Joël Robuchon. 2. 4. perfumes. el término «clásico» hacía referencia al periodo del arte griego comprendido entre el arcaico y el helenístico. el término quedó como sinónimo de creatividad. Ernest Beaux (creador de Chanel Nº5). p. por el palacio donde habitaba el rey). Alianza Editorial.

15.oe d. 593. refiriéndose a lo que está «por encima de la realidad». 419. ISBN 84-7774-580-3. siendo en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso.wordpr ess. 30. vejez).htm). En Reflexión sobre la imitación de las obras de arte griegas (1755). pues es difícil establecer en un nombre o una fecha el inicio de la historiografía del arte. g=sol. Aunque la fotografía es anterior al cine. Madrid. Madrid. Sancte Ioannes. «Classical» (http://dictionary. p. Johann Joachim Winckelmann afirmó que los griegos llegaron a un estado de perfección total en la imitación de la naturaleza. f=fa. y señalaba las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior.ISBN 84-206-0292-2. Madrid. inventarios. p. por lo que nosotros sólo podemos imitar a los griegos. grandilocuente.The Oxford English Dictionary (2007). Barcelona. 8. Modern Style en Reino Unido.infoamerica. Historia 16. aplicado a las últimas tendencias artísticas del siglo XX y principios del XXI. famuli tuorum. Alianza. y que fue introducido por Giorgio Vasari en sus biografías de artistas para denotar el estilo grácil y equilibrado de los artistas de su tiempo. labii reatum. p. estando plenamente vigente según unos escritores. pp. 59. 17. Consultado el 4 de septiembre de 2010. 150-154. El proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de la religión. El término art déco es diminutivo de arts décoratifs («artes decorativas» en francés). teoría filosófico-cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico marcado en lo cultural por la Ilustración. Más tarde. 11. Conviene no confundir con arte postmoderno. b=si. 1993. mira gestorum. El término «música clásica» apareció por primera vez en el Oxford English Dictionary en 1836. biografías u otros escritos más o menos literarios— carecían de perspectiva histórica y el rigor científico necesarios para ser considerados historiografía del arte. en lo político por la Revolución Francesa y en lo económico por la Revolución Industrial. Ut queant laxis. 2000. Madrid. Se denominan «vanguardias históricas» a las producidas desde la preguerra de primeros de siglo (en torno a 1910) y el fin de la Segunda Guerra Mundial. El término «arte moderno» proviene del concepto de «modernidad». El rococó surgió en Francia durante la regencia del duque de Orleáns. y pervivió durante el reinado de éste. El modernismo recibió diversos nombres según el lugar de procedencia: Art Nouveau en Francia. sustituidos por la razón y la ciencia. aunque sus escritos — generalmente crónicas. e=mi. Esta «era moderna» habría llegado hasta la actualidad. Guillermo Fatás y Gonzalo Borrás. en El llibre d'or de l'art català. mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la humanidad. el objetivismo y el individualismo. la confianza en la tecnología y el progreso. Liberty en Italia. c=do. VV. hablándose de «posmodernidad» como periodo sucesor de este proyecto moderno. En español se tradujo directamente del francés surréalisme. 9. Con el tiempo ha significado lo opuesto a la música popular en el lenguaje corriente: es el nombre habitual de la música culta. p. 6. Consultado el 10 de mayo de 2007. El término rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille. clásico y helenístico. que significaba «estilo». Chilvers (2007). se cambió ut por do —excepto en Francia—. El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués. etc. Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología. El término «surrealismo» fue ideado por Apollinaire en 1917. elemento decorativo parecido a unaconcha. en sentido despectivo. en realidad hace referencia a un periodo concreto de la historia de la música. excesivamente recargado. generalmente de tipo ornamental. Chilvers (2007). La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del Renacimiento. relacionó el arte con las etapas de la vida humana (infancia. p. The OED Online. Edicions Primera Plana. ISBN 84-7774-580-3. 20. I). «Historia de las notas musicales»(http://eloviparo. heráldica y numismática . La palabra deriva del término italiano maniera. aunque lo correcto sería «sobrerrealismo» o «superrealismo». Visor. p. éste se considera el séptimo arte y la fotografía el octavo. Valeriano Bozal (y otros): Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas (vol. 6. Francesc Fontbona: El modernisme i el noucentisme. 16. y que supondría la raíz social propia de la Edad Contemporánea. 2000. en la minoría de edad de Luis XV. 1993. caracterizado por el clasicismo. Consultado el 4 de septiembre de 2010. En los países anglogermánicos se mantuvo la notación por las letras del alfabeto: a=la. 61. 12. d=re. en las propias capacidades del ser humano. madurez. correspondiente al último tercio del siglo XVIII y principios del XIX. AA. 1997. donde a las perlas que tenían alguna deformidad se las denominaba perlas barruecas. Historia 16. muy usado en la ornamentación durante este periodo. Chilvers: (2007).com/2010/01/20/historia-de-las-notas-musicales-guido-de-arezzo/) . . Esta es una simplificación del estudio histórico del arte. pp. 83. 7. estableciendo una evolución del arte en tres estilos: arcaico. 14. I). Javier Arnaldo: Vanguardias históricas (I). resonare fibris. pues lo veían como algo bárbaro y atrasado. pues adquirió tal categoría antes que la fotografía alcanzase dicho estatus. Chilvers (2007). 18. Jugendstil en Alemania.: Enciclopedia del Arte Garzanti(1991). 818. Chilvers (2007).org/te oria/canudo1. Visor. Aunque hoy día se suele generalizar como «música clásica» la música sinfónica de tipo orquestal. p. Se suele citar a Vasari como iniciador de esta ciencia. Sezession en Austria. 21. finalidad estética. Winckelmann creó una metodología científica para la clasificación de las artes. 171-172. Madrid. y proviene de la Exposición de Artes Decorativas de 1925 (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) en París. solve polluti. Asimismo. Denominación introducida por el crítico Ricciotto Canudo en 1911. 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