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La esclavitud más denigrante es la de

ser esclavo de uno mismo


Séneca

Cuando un loco parece completamente sensato,


es ya el momento de ponerle la camisa
de fuerza.
Edgar Allan Poe

El 5 de marzo del 2005, Giuliana Llamoja Hilares, una joven de 18 años,


asesinó salvajemente a su madre la noche del sábado luego de una agria
discusión en su casa de San Juan de Miraflores. María del Carmen Hilares
Martínez (47) murió desangrada luego de recibir 65 puñaladas en el
cuerpo.
¿Qué gatillo activa el mecanismo de la violencia? ¿Qué se quiebra dentro de
uno para ser capaz de matar a alguien, a su propia madre, por ejemplo?

Portada, Diario El Comercio, 7 de Marzo del 2005

Situada en una remota villa al oeste de Irlanda, La Reina de Belleza de


Leenane, es una espectacular obra de humor negro del galardonado
dramaturgo irlandés Martin McDonagh.

Maureen, una solterona, quien vive con su manipuladora y anciana madre,


Mag. Pero Maureen tiene un secreto, ella tiene un historial de enfermedad
mental, que la amarran a casa, atrapada en la disfuncional relación con su
madre. La llegada de la una invitación, alumbran la esperanza de una ultima
oportunidad de romance, y la oportunidad de escapar y crear una nueva vida.
Las cosas parecen ir bien para ella, pero no sucede así, gracias a las
interferencias de Mag. Guiada por la esperanza perdida y la acumulación de
odio , Maureen comete una terrible revancha.

Cargada de ironía y humor, La Reina de Belleza de Leenane nos muestra como


vidas malévolas, pueden manejar a otras sin esperanza.

Dirigida por Ricardo Moran y protagonizada por Norma Martinez, Graciela Paola
“Grapa”, Leonardo Torres Vilar y Manuel Gold.
La obra es una sátira de la vida campesina irlandesa, mostrada desde un punto
de vista critico sobre las relaciones familiares. Esta obra presenta un estado de
violencia continua y una lucha de poder y resistencia. Juega con el espectador,
generando simpatía por un personaje y luego por otro, mientras pasan de ser
abusado y abusador.

La escenografía que presenta es realista y completa, representando


minuciosamente el interior de una casa de clase media-baja campesina
irlandesa. Se nos muestra una visión exterior de la casa, al iniciarse la obra
mediante la proyección sobre un ecran, la cual se desvanece mostrando el
interior de ésta. La forma de la casa no varía en las distintas escenas en las
que se presenta.

Presenta un diseño escenográfico es minucioso y consecuente con la realidad


que propone, una casa vieja, y sucia, paredes gastadas.

El director es el escenógrafo, quien sigue claramente lo que pide el texto, la


sala de una cabaña en Leenane.

Gracias a un trabajo de investigación se presentan detalles claros de las


estructuras: techo inclinado; las texturas de la pared, vieja; puertas pequeñas,
etc. Recrea un espacio pequeño, la escenografía esta estructurada bastante
cerca al publico.

Es un espacio claustrofóbico, que elimina la posibilidad de escaparse, la madre


y la hija no pueden hacer nada solas.

El ambiente frío, antiguo y en ruina, es logrado en mayor parte por los


elementos que presenta y la utilería que se usa, ollas, tazas, sillas, etc., todas
se parecen ser gastadas y viejas, lo que da al espectador la imagen de un lugar
ya vivido, en el que han sucedido muchas cosas anteriormente y una
continuidad de la cual se nos presenta un fragmento.

Estos aspectos son presentados gracias al realizador escenográfico, Coco Luyo


y al equipo de producción quienes, se han dedicado a gastar la madera,
ensuciar las chapas, rayar las paredes. Siendo un trabajo minucioso.
La iluminación cumple un factor importante pues es gracias a los reflejos que
luz que traslucen por las ventanas y el color de estos permiten al espectador
poder comprender el paso del tiempo, así mismo el agua que pasa por el vidrio,
en los momentos de lluvia.

La obra presenta diferentes recursos sonoros muy valiosos que intervienen en


la generación de sentido. Al entrar a la sala, podemos escuchar los sonidos de
una tormenta, con relámpagos. El uso de sonidos dietéticos es constante en el
transcurso de la obra, como por ejemplo el sonido de la televisión y de la radio.
La producción incluye además composiciones musicales especialmente para
esta obra, que incluyen la versión al castellano de la canción Spin and wheel.

El vestuario que se emplea en esta obra es realista y consecuente con la


realidad que proponen y la época en la que transcurren los hechos, Irlanda a
finales de los años ochenta. La mejor forma de explicarlo es en el caso del
vestuario que usa el personaje Ray, quien seria quien va mas de acorde con las
tendencias juveniles de la época: jeans delgados hasta la cintura , zapatillas
deportivas, polo a rayas y casaca de jean. El vestuario sin embargo la manera
de vestir de los personajes dice mucho sobre la visión que se tiene de ellos, su
contexto ni nivel social, por ejemplo el vestuario de Maureen, una mujer que
trabaja criando pollos, viste ropa vieja y suelta. Pato, por ejemplo viste de
manera “mas civilizada” al ser el personaje que ha vive en un lugar diferente.

Lo mismo pasa con la presentación estética de los personajes, en cuanto al


maquillaje, se les presenta como personas demacradas y cansadas como el
caso de Maureen, incluso su peinado. Así como se hace con la escenografía que
pretenda gastar los elementos que presenta, dándole un aspecto de “ya vivido”
lo mismo pasa con los personajes.

El proceso de creación de la puesta en escena fue guiada por el director,


Ricardo moran, quien trabajo de manera muy cociente en la presentación
estética de la obra, como lo ha hecho anteriormente en obras como Los
números 6, que también se presento en el Teatro Británico. Siendo especialista
en luces, en esta obra cumple la función de diseñador de escenografía.

En esta obra podemos ser testigos de un trabajo de dirección bastante


completo, respecto a la investigación del texto en si. Él se ha encargado de
hacer la traducción del texto, y adaptarlo al castellano, con todos los detalles
del lenguaje cotidiano que esta obra tiene, lo que es curioso, es que la manera
en la que adapto el dialecto irlandés al castellano, vistiéndola de la musicalidad
que tiene. Según el director esta fue una de las partes mas complicadas en el
proceso de creación y la cual fue adquiriendo forma con los ensayos y aporte
de los actores.

En esta obra no esta presente solo la preocupación de adaptar el lenguaje


siendo aceptable por el público, sino que también incluye una serie de códigos
culturales que nos sitúan en la realidad que proponen. Detalle que resaltaste,
pues al ingresar todos los espectadores reciben el programa, el cual presenta
un glosario de diferentes elementos de la sociedad y cultura de ése entonces.
Estas palabras van adquiriendo sentido e importancia en el transcurso de la
obra.

El autor es consciente del rol fundamental del publico, el cual se convierte en


un comentarista de la obra, debido a la impresión que esta deja en ellos. En la
obra se oyen repetidamente varios, “Ooh”, “Aaay”, “No, no lo hagas”, “Uuuy”.
Comentarios como “Ya fue”. El publico se convierte en algún momento parte de
la obra, marcando los momentos claves que esta tiene. Por ejemplo al finalizar
la penúltima escena, se queda en el espectador la sensación de final, la cual se
repite en las diferentes funciones. El publico aplaude confiando que este es el
final de la obra, terminan confundidos, al continuar la obra. Ahí hay un gran
“¿¡que!?”, “¿Todavía sigue?”, etc. Pasando a la ultima escena, donde se
encajan los detalles sueltos, y se despejan las dudas, el público descubre la
verdad, la que incluso ellos se niegan a creer.

En cuanto al trabajo de los actores es realista, y consecuente. Según el


director, el trabajo con los actores ha sido grato, siendo un grupo con el que ya
ha trabajado anteriormente, es solo Norma Martínez con quien nunca había
trabajado antes. Sin embargo realiza su trabajo de manera impecable. Es muy
interesante la construcción de los personajes, pues al verla uno puede
realmente creer que son personajes que existen y viven, pues cada uno tiene
una estructura mental definida. En el caso de Norma Martínez y Graciela Paola,
nos muestran un trabajo de relación muy bien trabajado. En general las
actuaciones tienden a ser bastante emocionales.
La Reina de Belleza de Leenane, como hemos podido analizar nos presenta una
situación de constante conflicto y violencia. Tiene un ritmo, vertiginoso, que
lleva al publico de la incertidumbre al conocimiento, por lo que la posición
frente a un personaje varía con el transcurso de la obra. Al identificarse con el
abusado, se genera en el publico un deseo de venganza, el cual se pone en
tela de juicio al redescubrir lo que realmente sucede, cuestiona al publico sobre
los limites del odio, el rencor y hasta donde lo puede llevar. Es una decepción
constante de los demás y de uno mismo.

Se dice que en el Reino Unido, las personas que viven con sus padres hasta los
25 años de edad, es un asesino en potencia.

Hoy en día, somos testigos de portadas y noticias, el caso Llamoja,


Bracamonte, son temas de conversación de lonche. Es un hecho que sucede en
nuestra realidad. Me parece que es una obra bastante pertinente hoy en día. Y
hasta podría ser tomado como una llamada de atención.
Universidad Científica del Sur – Facultad de Artes escénicas y Literatura

Análisis del discurso escénico

LA REINA
DE BELLEZA

DE LEENANE
de MARTIN McDONAGH

Alumno: Daniel Iriarte

Profesor: Roberto Sánchez Piérola

JULIO 2010

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