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Nro.

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ORIENTACION, INfORMACION Y ACTUA L I Z AC I O N S O B R E E L 9 N O. A R T E

Nro. 1 PUBLICACION TRIMESTRAL
EDICION DIGITAL

SPIROU Y BD SUPERLOPEZ Y JAN

GILGAMESH WATCHMEN TALLER DE HISTORIETAS SUPLEMENTO DIBUJANTES MERCADO ARGENTINO HISTORIETISTAS EN LA PUBLICIDAD

EL ARTE DE

REVISTA PATORUZITO COMIC.AR HISTORIETAS EN LA PREHISTORIA

JOSE LADRÖNN

O R I E N TACION, IN f ORMACION Y ACTUALIZACION SOBRE EL 9NO. ARTE La revista el HISTORIETISTA, es una revista de informacion sobre historieta, nacida en formato papel en argentina, en el año 2002. Se publicaron desde el numero 0 al 5. Ahora comenzamos una nueva etapa en este formato digital que esperamos sea del agrado del interesado. EDITOR RESPONSABLE: WALTER VAZQUEZ STAFF: FABIAN MEZQUITA (http://fabianmezquita.blogspot.com/) ALEJANDRA MARQUEZ (http://mundoniamh.blogspot.com/) OSVALDO LAINO (http://osvaldolaino.blogspot.com/) ARIEL AVILEZ (http://blancasmurallas.com.ar) PABLO STADELMAN ( patacom555@hotmail.com) JUAN REINBERG CORTES (http://www.comicsdelmundo.blogspot.com) HUGO GONZALEZ CASTELLO (http://www.museodeldibujo.com) MARCELO NIÑO (http://museoitinerante.blogspot.com) Armando Fernandez (http://armando-fernandez.blogspot.com) CESAR DA COL (http://cesardacol.blogspot.com) Carlos martinez (martinez_cr@todd.com.ar)

INDICE ELARTE DE JOSE LADRÖNN - APUNTES SOBRE LA BANDE DESINNEE BELGA Y SPIROU- DIBUJANTES EN EL HISTORIET ISTA-SUPLEMENTO DIBUJANTES- GILMAMESH EL INMORTAL: 20 AÑOS NO ES NADA... Y 40?- LA HORA SE ACERCA : WATCHMEN- TALLER DE HISTORIETAS- ESTABA TODO DIBUJADO- FANZINES- CRAZY JACK- REVISTA PATORUZITO- COMIC.AR - JAN (Y SUPERLOPEZ) El papá de Henga y otras aventuras prehistóricas- BOCADILLOS
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Aparecio a fines de los ‘90, sorprendiendo a todos desde su dibujo para el comic de Marvel llamado Cable, su estilo crecio a tal punto de suplantar a Moebius en la serie El Incal. Aquí tenemos el agrado de presentar esta jugosa entrevista de este amable dibujante mexicano.

el arte de jose

Por Walter Vazquez José Omar Ladrönn nacio en el año 1967 en la ciudad de Minatitlan de Veracruz, en México. En su niñez se divertía leyendo historietas norteamericanas, traducidas al castellano que publicaba la extinta editorial Novaro, encontrando en las páginas de la revista Batman, el hechizo del dibujo de Jack Kirby para la serie Kamandi. Pero su paladar artístico cambio en los años ‘80, cuando un compañero de la secundaria, le presentaría los dibujos Moebius para la serie El Incal, a partir de allí se aleja del genero de superhéroes para pasarse a las huestes de la vanguardia europea: Bilal, Gimenez, etc,etc. Atrapado por la imagen logra terminar su carrera de diseñador grafico. Luego de trabajar en algunas agencias publicitarias se traslada a los Estados Unidos, hacia la convención de cómics de San Diego, donde consigue su primer trabajo de historietista para la editorial Marvel cómics, junto a su amigo Juan Vlazco. Tras hacer los lápices en una breve historia de Blade, le ofrecen lo mismo para la serie Cable, el mutante salido de la serie X-men, alli tambien Vlazco realiza el entintado;un total de 21 capítulos (nros. 55 al 72), además del dibujo de portadas. En esta etapa Ladrönn aprende el oficio, apretado por las clásicas fecha de entregas. Esto hace sentirle que de ahora en más se dedique a proyectos donde prevalezca la calidad a la cantidad. Su estilo de dibujo tiene enormes emulaciones a Jack Kirby, por lo cual empieza a llamar la atención en el mercado. Luego de dibujar una novela grafica para Superman en DC cómics, (que fue separada en los nros. 22 y 23 de la revista Legends of Dc Universe), le llega la vuelta a Marvel, a la miniserie de cuatro números de The Inhumans, de la cual se ocupa totalmente de todo el dibujo y color; pero un mal entendido con el editor hace que sea reemplazado por el argentino Jorge Lucas en su ultimo numero. Ya para este trabajo el estilo de Kirby queda atrás, yendo ahora para el lado del estilo de Moebius, y ya metido en el género que más lo apasiona, la ciencia ficción, tipo Blade Runner y Alien. Ladrönn acepta el ofreciento de la empresa Comicraft, para trabajar en la serie Hip Flask,

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allí se ocuparía del dibujo completo y nuevamente del color, pero sobretodo el manejo de fechas de finalización de paginas mucho mas holgadas, que le permitieron una obra de gran calidad logrando así plasmar su estilo casi definitivo, con destellos de Moebius pero con mucho del argentino/europeo Juan Giménez. En el 2006, el mercado norteamericano decide galardonarlo con el Premio Eisner a “Mejor pintor/artista multimedia”, por su trabajo en Hip Flask: Mystery City. El prestigio lo lleva a trabajar con guiones de A. Jodroswky en el último capitulo del album europeo que lo llevo a querer ser dibujante de cómics, y había comenzado Moebius: El Incal. Si bien ya había trabajado anteriormente para Les Humanoides Associates, en los Usa, el desafío era si sus historietas podían ser aceptadas en Europa. La obra llamada Final Incal contiene dos partes, el premier álbum fue realizado en el 2008, también con dibujo completo y la dirección del color, que paso a cargo del equipo de amigos del Protobunker Studio. Ni que hablar que obtuvo una gran respuesta del público. Hoy podemos ver su arte en las portadas de diferentes cómics de DC y Marvel y agradecer esta amable entrevista que nos brindo, donde nos profundiza varios temas referidos a su querido oficio. EH: Casi comenzaste tu carrera dibujando un libro (comic-book) mensual, fueron 19 meses para la serie Cable en Marvel. ¿Volverías a trabajar en alguna serie o solo aceptas, aparte de dibujo de portadas, la novelas graficas? Nunca me he cerrado a la oportunidad de trabajar nuevamente en un libro mensual pero estoy consciente de lo que esto implicaría a mi persona. Si hoy me decidiera a aceptar un trabajo mensual primero buscaría que las condiciones fueran diferentes a lo que viví en el pasado. Hay muchas cosas que giran alrededor de un libro, un proyecto mensual necesita mucha coordinación y planeación, si estas dos condiciones no se cumplen debidamente las cosas no van a funcionar bien. Hay que entender que las empresas de cómics no siempre son flexibles, y los editores por el enorme volumen de trabajo que tienen no siempre toman las mejores decisiones ni están pendientes de todo. Es como la cadena alimenticia, el pez grande se come al chico, bueno, en este caso el dibujante es el pez más pequeño. Cuando dibujas un libro mensual debes de estar siempre prevenido y saber que en algún momento van a cambiarte

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que los superhéroes funcionaran en el mercado Norteamericano. Entonces recordé a Kirby y todo se fue aclarando y la fusión entre ambos estilo se dio de manera natural, estaba claro, debía comenzar mi carrera de esa manera. La fuerza y la dinámica del estilo Kirby son ideal, es un lenguaje visual perfecto para hacer cómics de superhéroes en el mainstream Norteamericano. Claro, hay otros estilos que funcionan bien en este mercado pero, para mi, el estilo Kirby no solo era el mejor, también me era el más familiar ya que había crecido leyendo cómics de Kamandi, Mister Miracle y la historias de horror de El Demonio. EH: ¿Cuando trabajaste en Marvel,

tuviste guionistas que utilizaron el clásico método Marvel? Esta pregunta viene a colación de lo estudioso que fuiste con Jack Kirby para el plantado de una historia, por lo tanto y sabiendo que este sistema de trabajo deja en evidencia que el dibujante es casi el creador de la historia: ¿Qué opinas del nulo reconocimiento de parte de la editorial hacia sus creaciones? Uno como artista siempre piensa en un gran guión, pero cuando trabajé en Marvel, me encontré con que varios escritores trabajaban el “Plot”, al principio se me hacia raro, y para alguien como yo acostumbrado a trabajar en detalle sentía que le faltaban cosas, o que no

las fechas de entrega o te encargaran más trabajo del que tenias planeado hacer, que se van a retrasar los guiones, que te harán correcciones, que te pedirán el especial anual y este tiene el doble de páginas, que cuando haya un personaje nuevo deberás diseñarlo, entre otras cosas. Por esa razón siempre es preferible la novela gráfica, donde el guión es solo uno y los tiempos de entrega son más holgados. La producción de una novela gráfica también es mejor, se cuida más y eso aumenta su calidad. Entraste al mercado con un estilo muy a lo Kirby; (tengamos en cuenta que Jim Steranko comenzó su carrera de la misma forma). ¿Fue una elección para crear un golpe de efecto, o realmente sentías esta

forma de expresarte? Yo leí muchos libros dibujados por Jack Kirby cuando era pequeño, y aunque tuve libros dibujados por otros artistas de la época, el estilo que me atraía más era el de Kirby. Cuando comencé a trabajar en Marvel tuve que pensar bien que es lo que iba a hacer. Hasta ese día, mi gran inspiración artística venia de Moebius pero ese estilo en los Estados Unidos no es muy atractivo y tampoco práctico. Por un lado, no podía dejar atrás el estilo Europeo, era mi esencia, mi tendencia y por otro lado debo producir un libro en corto tiempo, necesito encontrar el balance entre ambos. Después de reflexionar, pensé, y me atraía la estética del cómic europeo pero necesitaba mucha energía para

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había suficiente información, y poco a poco lo fui entendiendo. Ese sistema compromete más al dibujante que al escritor, y solo funciona bien si hay buena comunicación entre ambas partes, recordemos algo, dos personas que trabajaron así por muchos años fueron Stan Lee y Jack Kirby, ambos trabajaban en la mismo oficina, se conocían bien y no hacia falta un guión muy elaborado, de hecho, Stan Lee en ocasiones solo escribía ideas en el margen de cada página y al lado de cada cuadro, así Jack Kirby en 1962, su año más prolífico, este llegó a dibujar hasta ocho títulos mensuales en Marvel. Produjo 1,158 páginas de arte ese año eso es más de tres páginas al día. El lado bueno de un “Plot” es que al estar escrito de una manera tan vaga te da total libertad de creación pero, por otro lado, si no hay buena comunicación entre los creativos al final muchas cosas pueden quedar mal, empezando por el escritor quien puede terminar adaptando su concepto original a lo que el artista le ha entregado. Si no se trabaja debidamente el “Plot” este sistema siempre termina dejando huecos dramáticos y de continuidad en las historias. Recordemos que el “Plot” solo describe la escena y no maneja diálogos, así que para el artista no hay manera de saber cuales son todos los elementos en cada cuadro, tampoco es fácil saber si el personaje está haciendo algo en especial, si está hablando o mirando a alguien, si está enojado o feliz. El método de Marvel es efectivo pero no funciona solo, también hay que incluir a un entintador, un letrista y un colorista. Sobre tu pregunta acerca del poco reconocimiento a Jack Kirby: Es difícil, creo que han intentado hacer algo, se ha re-editado varias de sus obras pero nunca será suficiente. Un estilo no muere mientras aporte, y para mi Kirby sigue siendo muy atractivo, en Europa el estilo de Kirby es apreciado, pero en los USA se ve como algo pasado de

moda. No hay que olvidar que Jack Kirby fue el padre de Marvel y unos de los pilares de la historieta en los Estados Unidos, desafortunadamente las nuevas generaciones solo conocen los personajes pero no saben quien los creo. Por suerte hay editores que no olvidan pero ellos un día ya no van a estar más, y todo quedará en manos de las nuevas generaciones. En aquellos tiempo la situación editorial/dibujante era más mala que ahora pero Kirby lucho mucho por los derechos de los dibujantes y cambió muchas cosas, No se hasta que punto los derechos de sus creaciones fueron de el pero una de las cosas que a Kirby se le reconoce es que consiguió que los dibujantes tuvieran derecho a quedarse con 2/3 de sus páginas y el 1/3 restante se les quedó a los entintadores. Desde hace unos años Marvel está trabajando de manera diferente, el dibujante o penciller termina su trabajo, digitaliza el material y los sube a un servidor vía ftp, de ese lugar el entintador baja las páginas y la imprime en azul para ponerle la tinta, al terminar nuevamente se digitaliza todo y lo sube al mismo servidor. Por un lado esto es bueno pues ya no hay que estar enviando cosas por FedEx con riesgo que se maltrate el trabajo o se pierda. El resto del trabajo en un cómic se sigue haciendo más o menos igual que antes, alguien le pone las letras y alguien más el color. Lo bueno y lo mal de este sistema, Ahora el artista y el entintador conservan el total de sus originales. Desafortunadamente el artista no conserva su trabajo final entintado y que es el que vale mucho en caso que quieras vender su arte ya que es el trabajo entintado el que se imprime. EH: ¿Al finalizar Cable, te habrían ofrecido otra serie? Al final de Cable hice algunas cosas, entre ellas un aporte a un anual de Thor y dibujé un anual de los Fantástic Four después de eso trabaje en The

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Inhumans. Recuerdo que tuve la oportunidad de hacer la serie de los Fantástic Four que dejaba en su momento Carlos Pacheco y también me ofrecieron hacer otras series, entre ellas The Ethernals pero no pude aceptar ninguna por que ya estaba trabajando en Hip Flask y ese libro absorbía todo mi tiempo. EH: Después del malestar que te causo Marvel con el final de la miniserie de The Inhumans, volviste a colaborar con ellos y eso habla de lo buen profesional que eres. Ya a esta altura te despojaste casi por completo del estilo Kirby ¿Qué fue lo que paso al respecto y como ves hoy el trabajo del argentino que te suplanto, Jorge Lucas? Una cosa que uno debe aprender cuando se trabaja en este medio es a nunca cerrarse las puertas, puede ser que termine el proyecto que estas haciendo por alguna razón, hay muchas circunstancias que pueden darse, podría asegurarte que los tiempos de entrega es uno de los factores más comunes. No siempre el artista alcanza a terminar su trabajo y para no dañar el libro a veces es mejor dar un paso al costado o a veces el editor simplemente siente que tu estilo no está funcionando y tiene que cambiarte, recuerda que esto es un negocio, una industria y todo lo que se hace va en función del marketing. Hay muchos libros, hay muchos editores, si eres un buen artista seguramente te llamaran para trabajar en algo más. El proyecto The Inhumans no escapó a los problemas típicos, originalmente el proyecto estaba planeado a 12 episodios y así estaba escrito el guión original por Carlos pacheco y Rafael Marín pero Marvel pensó que era demasiado y les pidió que se hiciera todo en menos capítulos. Carlos y Rafael comprimieron la historia de doce a seis libros lo cual fue terrible pues la densidad argumental aumentó. Cuando Marvel recibió el nuevo guión pensaron que seis episodios aun seguían siendo demasiados y concluyeron que querían todo en solo cuatro episodios, para Carlos y Rafael esto fue un duro golpe, no solo tuvieron que volver a comprimir la historia, esta vez fueron dejando pasajes importantes fuera de la historia. Todos estos cambios atrasaron mucho el proyecto, Todo esto para mi representó también un esfuerzo extra, eran de-

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masiados cuadros por página. Me puse a trabajar lo más que pude si saber que internamente en Marvel las fechas de publicación no habían cambiado. Cuando estaba trabajando la mitad del primer libro Richard Starkings (Comicraft) me llamó por teléfono y me dijo:”se que estas trabajando en The Inhumans, y te tengo una mala noticia, tengo el nuevo catálogo de Marvel y tu libro sale en dos meses. Inmediatamente tomé el teléfono y llame a Marvel, el editor me confirmó la noticia y me dijo que me apurara. Nunca quiso cambiar las fechas ni aceptó a publicar el libro bimensual a pesar que le dije sobre la complejidad del proyecto pues no solo había que dibujar páginas,

había que diseñar personajes, había que trabajar con los coloristas y había que hacer las portadas pintadas. Como era de esperarse, el tiempo tan corto terminó afectando el proyecto. La presión fue muy grande para mí. La peor noticia llegó cuando estaba terminando el tercer libro, Marvel me llamó para pedirme la cuarta portada, la querían para incluirla en el siguiente catálogo, y necesitaban urgente las últimas paginas del tercer libro además de unas referencias y es en ese momento cuando me entero que desde hace dos semanas otro artista dibujaba ya el cuarto y último episodio. Terminé el tercer episodio y la cuarta portada, entregué todo y me fui a dormir, no lo había hecho por varios meses. Unos días después, uno de los coloristas me escribió, ellos habían continuado trabajando en el último libro, me dijeron que el nuevo artista estaba trabajando con ellos, se llamaba Jorge Lucas, al final del día nos pasamos los email y así nos contactamos, hasta ese momento fue que platicamos sobre el asunto, le desee suerte a Jorge, el no tenia la culpa de lo que me había pasado a mi, desde ese día Jorge y yo nos hicimos muy buenos amigos. EH: ¿Cómo llegaste a trabajar para Comicraft, que significo para vos Hip Flask y contanos de que se trata esa serie? Yo conocí a Richard Starkings (Comicraft), desde que trabajaba en Marvel, Joe Casey me lo presentó, nos hicimos amigos, Richard y yo tenemos gustos en común y un día pensamos en juntarnos para hacer algo juntos pero en ese momento mi trabajo en Marvel no me lo permitía. Hip Flask llegó justo después del proyecto de los The Inhumans, mi último trabajo de historieta en esa empresa y representó para mí la oportunidad de comenzar de nuevo. Tuve la oportunidad de trabajar a mi ritmo y comencé a hacer algunas cosas que no había hecho antes. Finalmente estaba haciendo el trabajo completo desde el dibujo hasta el color. Para quienes no conocen, Hip Flask es una historia de ciencia ficción, donde un científico en genética crea una súper raza de seres híbridos, mitad humanos, mitad animales con la idea de hacerlos súper soldados. El proyecto es exitoso pero fracasa el plan final y el ejército de las Nacio-

nes Unidad disuelve la organización criminal y los mutantes son liberados dentro de la sociedad donde no son completamente aceptados. La trama de Hip Flask se desarrolla en la ciudad de Los Ángeles cuando durante una prueba experimental con un portal del tiempo ocurre un accidente. Hip y su inseparable amiga, Vanity Case llegan a la escena del

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crimen dispuestos a resolver el misterio a partir de ese momento ellos van descubriendo que existe una realidad oculta para todos y que involucra directamente a otros mutantes del pasado de Hip. EH: ¿Cómo fue la llegada a Les Humanoïdes Associés? En un principio fui contactado por los Humanoides para hacer unas portadas, iban a publicar El Incal de Moebius en los Estados Unidos y habían partido la obra en varios episodios. No desaproveché la oportunidad y mostré a través de mis portadas mi versión sobre la obra, al parecer, mi trabajo causó una grata impresión. Un día me llamaron para decirme que Alejandro Jodorowsky quería conocerme, había visto las cubiertas de los libros de El Incal y le habían gustado. Me entrevisté con Alejandro y charlamos por un largo rato. Acordamos trabajar en algo juntos y un mes después recibí un extraordinario guión, fue una historia corta de horror escrita por Alejandro, Lagrimas de Oro, una historia terrible donde una familia perversa sometía a un niño a los más horribles castigos con el único propósito de hacerlo llorar ya que el pequeño tenia un don, sus lágrimas eran de oro puro. Después de esto, Alejandro me llamó y me dijo que le gustaría que pudiéramos hacer la última parte de la saga de El Incal ya que Moebius no podía seguir y que en su última charla el dibujante pensaba que yo era el artista indicado para sucederle en ese libro. EH: ¿Cómo fue la concepción del Final Incal, que elementos tomaste

de la obra de Moebius y cual es su repercusión en Europa? El Final Incal es la conclusión de la increíble obra que Jodorowsky y Moebius iniciaron hace más de tres décadas. Es una aventura nueva en el mismo universo. En el primer libro, John Difool cae del puente, está semi inconsciente y tratando de recordar. Así comienza la historia. Esta vez ya no es un sueño, es la realidad. John Difool nuevamente se ve involucrado en un conflicto de proporciones cósmicas, ésta vez no solo la raza humana enfrenta la extinción total si no cada ser viviente del universo. Para poder combatir el mal John Difool deberá encontrar a Louz de Garra y así juntos convertirse en el antídoto universal. Al parecer el primer tomo de El Final Incal ha sido bien aceptado y ahora trabajo en la segunda parte. He tomado elementos de Moebius, Janjetov y Juan Gimenez ya que todo es en el mismo universo pero no los he respetado del todo ya que he tratado de hacer una versión definitiva y actual, para eso he puesto al día algunas cosas, comenzando por la ciudad enterrada, los Roboflics y los navíos de la policía. El color del libro lo trabajé conjuntamente con mis amigos del estudio de color, Protobunker, solo les di unas guías de color y ellos entendieron perfectamente lo que yo buscaba, inmediatamente se pusieron a trabajar, siempre con un gran empeño y dedicación en cada página, que más puedo decir, hicieron un gran trabajo.

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Ellos tienen todo mi aprecio y reconocimiento. EH: ¿Cómo es un día de trabajo en la vida de Ladrönn? ¿Qué herramientas utilizas? ¿Cual es el momento más placentero del oficio? ¿Preservas el original o trabajas directamente en la computadora? ¿Elegís hacer lápiz, tinta o color o solo haces todo el trabajo completo? Me gusta levantarme a trabajar temprano, a las 6:00 AM, tomo un jugo de frutas y verduras 45 minutos antes de tomar mi desayuno y, trabajo hasta las 2:00 PM, hora en la que mi esposa y yo comemos, después vuelvo a trabajar. A las 7:00 PM ambos salimos a caminar por una hora. La

cena es a las 9:00 PM. Termino de trabajar a las 10:00 PM. Veo la tele unos 30 minutos y luego alguna película, así cada día. Descanso los domingos. Hago el trabajo completo, una parte del proceso lo hago de manera tradicional. Para dibujar uso un papel Japonés, dibujo a lápiz y entinto con plumones, para mi es más limpio entintar de esa manera que tener accidentes con la tinta china. La segunda parte del proceso la hago con una computadora digitalizo, limpio y pinto todo el arte con PhotoShop y Painter. Antes de comenzar a dibujar reviso mis layouts, de ser necesario hago algunos bosquejos, que a veces debo ajustar en photoshop para que los elementos que voy

a dibujar queden perfectamente distribuidos dentro de los cuadros. Generalmente me toma dos días dibujar una página pero eso varia mucho dependiendo de la sencillez o complejidad. Hay páginas que tienen objetos complicados y que se repiten varias veces, esos objetos los modelo en 3D, luego los ajusto a mis necesidades, siempre me gusta que todo quede lo mejor posible. Me gusta la música, en especial la instrumental, eso me inspira cuando estoy haciendo planeando mis páginas aunque a veces prefiero trabajar en silencio. Si no estoy en medio de un proceso creativo que me exija una total atención me gusta escuchar ESPN radio.

EH: ¿Que proyecto rechazaste y te sentís arrepentido? ¿En que otras paginas veremos tus trabajos próximamente? Hace años, cuando recién comenzaba a trabajar de manera profesional si había un proyecto que por alguna razón debía rechazar sentía un sentimiento de culpa, hoy ya no me pasa eso, nunca es bueno forzar las cosas, si algo no se da es por alguna buena razón y no pasa nada. No tengo arrepentimientos ni pienso en ello, eso si, cuando tengas un trabajo enfrente, hazlo de la mejor manera y da siempre lo mejor. Espero seguir trabajando para el mercado europeo los próximos años y tratar de escribir también mis propias historias. EH: ¿Cómo ves el futuro del comic y que

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opinas del manga? ¿Qué cómics no pueden faltar en tu biblioteca? No se cual podría ser el futuro de la industria, pero todo se está haciendo virtual. Mientras yo sigo dibujando una parte de mi trabajo de la manera tradicional, tengo amigos que ya trabajan todo con la computadora, yo no he querido dar ese paso ya que me gusta sentir la tinta sobre el papel y ver mis originales físicamente, pero reconozco que la computadora es la mejor herramienta que hay y creo que eventualmente terminaré dibujando todo ahí, por lo pronto la limpieza, las correcciones, el color, en fin, toda la postproducción de mis páginas y portadas la trabajo con el ordenador. Mientras que en mi biblioteca la mayoría de los libros son álbumes Europeos también tengo un poco de todo, hay cómics Norteamericanos y Manga, también tengo libros de diseño conceptual y arte comercial lo cual es importantísimo para un artista. Trato de tener libros que me aporten algo, es muy triste ver un libro sin contenido o un artista sin idea o sin compromiso a la hora de crear. Me encanta el Manga y el Anime, es muy interesante ver tanta diversidad de género y todo siempre tan bien manejado. Siempre he admirado al artista asiático y su capacidad de realización y producción. Se nota que hay mucha escuela de fondo y los artistas saben lo que hacen, han aprendido a manejar y a aprovechar sus recursos. EH: ¿Que opinas de tu carrera profesional en el mundo del comic? No me gusta mucho opinar sobre mí. Creo que es aburrido. Solo soy un artista al que le gusta crear y cada día parto de ese mismo principio. En las convenciones de cómics siempre se acercan a mi personas entusiasmadas con la inquietud de hacer cómics, me preguntan que deben hacer para lograrlo, yo siempre les hablo acerca de dos cosas que casi nunca entienden, la fama y el prestigio, las dos te van

a llevar a hacer libros, pero solo una te va a acompañar el resto de tu vida. Cuando te ven sentado haciendo sketches a una fila de personas piensan que la vida del artista siempre es así, algo muy alejado de la realidad, imagínate que maravilla, andar viajando por el mundo todo el tiempo, firmando libros y autógrafos, haciendo conferencias. Yo les digo, “¿A qué hora ustedes creen que se trabaja?, ¿Piensan que dibujo en el avión o cuando voy manejando?”. En verdad la vida de un artista es muy diferente, las veces que aparecemos en público son muy pocas, siempre estamos quebrándonos la espalda dibujando o desvelándonos por meses. Nunca busquen la fama, eso llega y se va rápido solo te cobija mientras seas el artista del mes. Es la realidad, hoy sale un libro tuyo y todos se acercan pero mañana tu libro puede estar en la basura y nadie se acordará de ti. El prestigio es lo que realmente vale, pero cuesta mucho trabajo hacerlo ya que envuelve a elementos relacionados directamente con la originalidad de la creación y la sublime inspiración. No se trata de sentarse a dibujar, se trata de hacer algo nuevo, una aportación única al mundo, y eso no es fácil. Si tu vas a una librería de cómics, la gran mayoría de los artistas no aporta nada nuevo pero, ¿Y por qué están ahí?;es simple, hoy en día al menos en los Estados Unidos cada casa editorial publica cincuenta, sesenta o más títulos por mes, alguien tiene que hacer todo ese trabajo, a veces sin importar quien lo dibuje o lo escriba, de todo ese mundo de artistas que van y vienen, solo uno o dos se llegarán a separar del grupo y comenzarán a hacer algo diferente, los demás seguirán por un tiempo sacando el trabajo y mañana estarán otros. Tener prestigio no solo te permite estar vigente por años, también te ayuda a conseguir trabajo y a tener una voz en el medio. No se que pasará mañana, nadie lo sabe, solo queda trabajar sin olvidar que el mundo del buen cómic es realmente pequeño. EH

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APUNTES SOBRE LA BANDE DESSINEE BELGA Y SPIROU
Por César Da Col Nota: El autor de este artículo se declara absolutamente "belgalófilo" - si existe ese término- con grandes simpatías manifiestas hacia la Escuela de Dupuis, sin dejar de lado la de Lombard, y es muy probable que exprese sus conceptos de una manera más que subjetiva. También agradece al ya fallecido Franco Fossati, como siempre, los máximos respetos.

De todos los pueblos de Europa, el belga es el mejor.
Para los amantes de la historieta humorística de aventuras, Bélgica es La Meca de este arte. Sus habitantes, que al norte hablan holandés (región flamenca), y al sur hablan en francés (región valona), son conscientes del valor cultural de su Bande Dessinée*; un valor indiscutido, que les brinda una unidad como nación y una identidad ante el mundo. Más allá de la calidad artística de sus historietas, los belgas aplican un cuidado editorial en la publicación de los álbums: cubiertas de tapa dura y una buena impresión ("la BD es para guardar en la biblioteca, para que pase del abuelo al nieto", me decía un integrante del staff del CBBD). En las callejuelas de Bruselas y otras ciudades belgas, pueden hallarse murales y esculturas de sus personajes más emblemáticos. Dos museos realmente maravillosos, el Centro Belga de la Bande Dessinée (CBBD), y el Museo Jijé, difunden y magnifican las obras de los artistas. También pueden hallarse ferias y festivales de BD por doquier. La BD es considerada un arte verdaderamente popular, pero no por eso chabacano. Al contrario, es un arte para gente de todas las edades; por eso el lema que tienen sus autores es el de brindarles lo mejor de si a cada uno

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de los lectores. Los belgas (que a lo largo de su historia fueron invadidos por muchos pueblos, como los romanos, y siglos después por las siniestras legiones de Adolf Hitler) lograron cruzar sus fronteras hacia gran parte del mundo occidental, o al menos del mundo europeo, de una manera sabia y pacífica: con la historieta. Por algo se jactan de tener como estandartes, como símbolos indiscutidos de su nación a Tintin (por Hergé), Lucky Luke (por Morris), Les Schtroumpfs ("Los Pitufos", por Peyo), Boule et Bill ("Dany y Pompón", por Roba), Blake et Mortimer (por Jacobs) y, por supuesto, a quien está dedicado este artículo: Spirou, (por Rob Vel) y a los personajes que nacieron de su serie, como Gaston Lagaffe, el Marsupilami (aportes de Franquin) y Fantasio (aporte de Jijé). Cabe destacar que Spirou fue elegido como mascota oficial de la Comunidad Económica Europea.

Claridad narrativa VS expresión gráfica.
Para que el lector de El Historietista tenga un panorama muy sintético de la historia de la BD belga, haremos un repaso muy, pero muy escueto por su trayectoria. No abordaremos los orígenes de la misma, aunque se pueden mencionar a las antiguas estampas japonesas que influyeron a muchos artistas impresionistas; o a autores como Alfons Mucha, Winsor Mac Cay, George Mac Manus, Chic Young, Alain Saint Ogan y Rob Vel. Como decía E. P. Jacobs "la línea clara nació porque las técnicas de impresión de la época así lo requerían". Ahora si, vamos directamente al punto de estudio. En Bélgica existen dos corrientes estilísticas, dos escuelas muy diferenciadas en sus principios, pero que a lo largo de los años se fueron influenciando mutuamente. Una de ellas es la Escuela de Bruselas, cuyos líderes son Hergé (Georges Remi, creador de Tintin) y Edgar Pierre Jacobs (que supo trabajar para Hergé y es el autor de Blake y Mortimer), y todos aquellos que pasaron por el Estudio Hergé: Jacques Martin, Roger Leloup, el gran Bob de Moor - mano derecha del estudio -, y otros. Mucho tiempo después, en el año 1977, en el catálogo de la exposición de "Tintin en Rotterdam", el dibujante holandés Joost Swarte bautizó al estilo utilizado por la Escuela de Bruselas como "línea clara", un estilo de dibujo limpio, con un trazo continuo, fondos muy documentados y estudiados, con rechazo a los negros con tramados, que según el propio Hergé distraían la atención del lector y entorpecían el relato. La línea clara también se refiere a un relato visual claro y conciso. No por nada este estilo limpio, prolijo y disciplinado tuvo muchísimos adeptos en la región germánica belga y en los países con ese origen, ya que son aspectos gráficos que reflejan una forma de vida. Y fue justamente un holandés (Swarte) quién realizó un manifiesto escrito acer-

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ca de éste estilo. En oposición a esta escuela, tenemos a la llamada Escuela de Marcinelle-Charleroi. Ambas escuelas se gestaron entre los años ´40 y ´50, y tuvieron sus máximos duelos en los años ´60 y '70. La Escuela de Bruselas debe su nombre a la editorial Lombard, que tiene su sede en dicha ciudad y que publicaba la revista Tintin desde el año 1946. La Escuela de Marcinelle-Charleroi debe su nombre a la editorial Dupuis, que tiene sus sedes en esas dos ciudades y que desde antes, desde el año 1938, era la responsable de la revista Spirou. Esta última escuela (acaso con un alma más "latino-francesa") tiene dos líderes que la representan, uno espiritual y el otro artístico: el padrino espiritual es Josep Gillain, más conocido por su seudónimo Jijé. Y el representante artístico por excelencia es el maestro André Franquin. Jijé, de mayor edad y trayectoria, descubrió que el joven Franquin era un diamante en bruto, y no tuvo que pulirlo mucho para que brillara. De la Escuela de Marcinelle-Charleroi podemos mencionar a Peyo (Pierre Culliford), Morris (Maurice De Bevere), Jean Roba, Maurice Tilleux, y al benjamín del grupo, Will (por supuesto que a lo largo de los años, en ambas escuelas se fueron sumando decenas de autores, pero podemos citar a éstos como sus máximos representantes). Esta línea Dupuis, si bien en sus principios tenía ciertas similitudes con la obra de Hergé, con el tiempo comenzó a hacer hincapié en las expresiones corporales de sus personajes, a exagerar los estados de ánimo, a realizar grafismos un tanto más funnies, muy vinculados con el dibujo animado cómico (recordemos que Franquin, Peyo y Morris trabajaron juntos en un estudio de dibujo animado, y la primer aventura de Lucky Luke - muy diferente a lo que es hoy este personaje- fue concebida prácticamente como una "historieta - dibujo animado", con personajes de formas redondeadas, muy blandos y fondos muy simples, símil el estilo Fleischer). Ejemplifiquemos un poco estas diferencias estilísticas: siempre me pareció que las historietas de Tintin parecen silenciosas, todo está quietito, tranquilo; y en las de Franquin el movimiento y el sonido te destrozan los tímpanos. Cuando un personaje de Hergé grita, abre un poco la boca, unas rayitas rodean al personaje, y en el globo de diálogo (casi siempre rectangular) simplemente aparece un "¡Ah!". Cuando un personaje de Franquin pega un grito, pues pega un grito: abre su boca de manera desmesurada, da saltos por toda la viñeta, su vena yugular se hincha de sobremanera, un color rojizo -violáceo inunda su rostro (desfigurado por la bocaza), y se lee, en letras bien visibles que llenan la viñeta (porque ningún globo alberga semejantes caracteres) un"¡¡¡¡AAAAAAA- AAHHHHH!!!!". (Ver las páginas de Tintin y de Spirou que ilustran esta nota). En el primer caso, en Hergé, el grito es parte de una historia, es un elemento más de su narrativa. Le va a dar mucha importancia siempre y cuando el argumento lo requiera. En Franquin, en cambio, el que grita, grita. Y si hay dolor, grita más todavía. Si bien hay una aventura en las historias, el fuerte de la Escuela de Charleroi está en la expresividad de sus

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personajes, y en los gags. Por algo en esta escuela la línea del pasado a tinta es modulada, mucho más expresiva que la de Hergé, que es una línea continua, casi sin levantar la pluma del papel. André Franquin no fue el creador de Spirou, pero fue el artista (según quien suscribe) que mejor dio vida a la serie, creando todo un universo de personajes y situaciones como solo él pudo hacerlo. Asistido en el dibujo (pasado a tinta y fondos) por Jidehem (y en algunos álbums por Roba), y en los guiones por su gran amigo Greg (y en un par de oportunidades por Peyo - que juntos dieron origen a Los Pitufos en un mítico almuerzo, con un salero de por medio), Franquin se consagró como un verdadero maestro, un artista que supo transmitir en la hoja de papel las más bellos gags de la BD belga y por qué no, europea. Tras dejar las agotadoras jornadas de trabajo en Spirou a fines de los ´60, Franquin se entregó a su imaginación, y de su lápiz surgieron los álbums de Gaston Lagaffe (al principio secundado por Jidehem), el Petit Noel, las Ideas Negras, sus Cauchemarrants, sus monstruos y sus doodles y más entrado en años, las llamadas Ideas Rosas, esa serie de gags que escribía y dibujaba para la serie animada Les Tifous. Pero para hablar de Franquin y su obra pos Spirou, ya tendremos más informes en El Historietista.

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Spirou, en la palabra de Franco Fossati

(Historiador de historietas italiano, ya fallecido. El Museo del Fumetto de Milano lleva su nombre en su honor. Texto extraído del libro I grandi eroi del fumetto). "Spirou, Bélgica, 1938. Creado por Rob Vel (Robert Velter). De botones a héroe de mil aventuras. Nacidos en esta serie, el misterioso Marsupilami y el vagoneta de Gaston Lagaffe, se convirtieron rápidamente en personajes popularísimos. Aparecido en el primer número de la revista homónima - cuando en su interior prevalecían las páginas dedicadas a los grandes héroes norteamericanos, pero ya se estaban gestando las bases para la que sería denominada la escuela belga de la historieta- Spirou es un simpático y vivaz adolescente que inicialmente hace de botones en el Moustic Hotel y en seguida se convertirá, de la mano de Jijé, en una especie de émulo de Tintin, viviendo largas historias humorísticas y de aventuras, ambientadas en viajes por todo el mundo. Cuando Rob Vel fue movilizado por el ejército (fue herido y hecho prisionero por los alemanes en Lille), este personaje pasó rápidamente a las manos de Jijé, que realizó nuevas aventuras, incorporando a la serie a un nuevo personaje: el bizarro, extravagante y superficial Fantasio. En 1946, Spirou pasa a manos de André Franquin que acentuó el tono de las situaciones humorísticas, haciéndole adquirir a la serie una notable popularidad. Al lado del aventurero Spirou y del hogareño Fantasio, aparecen de vez en cuando numerosos coprotagonistas. Desde la ardilla Spip al Marsupilami, un misterioso animal fantástico, indudablemente uno de los más interesantes animales fantásticos del mundo de la historieta; desde el Conde de Champignac, un simpático y extravagante inventor, hasta el malvado Zorglub, que a toda costa quiere dominar el mundo; y Zantafio, el megalómano primo de Fantasio. Entre los personajes de esta serie creados por André Franquin, se merece un lugar de honor Gaston Lagaffe, un simpatiquísimo vagoneta aparecido por primera vez en el año 1957, que en seguida se convirtió en protagonista absoluto de una larga serie de páginas autoconclusivas. Para poder dedicarse exclusivamente a este personaje, en el año 1969 Franquin deja Spirou en las manos de Jean Claude Fournier quien continúa sus historias, pero sin la fuerza y la fantasía de sus antecesores." (F.F., año 1990). Para completar la reseña de Franco Fossati, cabe señalar que la serie, una vez abandonada por Fournier entró en una crisis, que fue superada con el tiempo. Fournier se dedicó a sus proyectos personales (como Bidu y otros). Luego, Raoul Cauvin y Nic Broca se hicieron cargo de la serie, pero en verdad ésta adquirió un gran impulso cuando Tome y Janry tomaron las riendas. En este período, que va desde los años ´80 hasta fines del ´90, la serie se aproximó un poco más a lo que Franquin planteó, tanto en guión como en la parte gráfica. Actualmente, Spirou volvió al ruedo (el álbum N°50), con dibujos del español José Luis Munuera y guiones de Morvan.

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Es menester recordar que en los años ´80, poco antes de su muerte, Yves Chaland realizó una historia de Spirou, basado en el estilo gráfico de Jijé y del primer Franquin. Una joya que hace poco Dupuis reeditó en un álbum compilatorio.

Lecturas de Spirou recomendadas
Desde el 6 de Enero del año 1997, funciona en la web el único sitio en castellano dedicado a las aventuras de Spirou. Su creador es el fan gallego Eduardo Joaquín, un gran admirador de la Escuela de Charleroi y quien es, al margen, policía de profesión. En su sitio web www.arrakis.es/~espiru/spirou , Eduardo realizó un completo catálogo de todos los álbums del personaje publicados en castellano, además de algunos que todavía solo se consiguen en francés. Hay también noticias, en fin, un muy buen panorama para aquellos que quieran saber algo sobre esta obra fundamental de la historieta mundial. Si se hiciera una encuesta entre los lectores de Spirou, sospecho que ganaría por lejos el álbum "Z como Zorglub" (Franquin, Greg, Jidehem) y su secuela, "El retorno de Z", en donde hace sus maléficas apariciones el malvado Zorglub, el científico archienemigo del Conde de Champignac. Zorglub es tan malvado como lo es Neurus en Hijitus, o Cerebro, el personaje de la Warner . Es de esos científicos locos que desean dominar el mundo a toda costa, pero que en el fondo el lector les tiene cariño. A mí, se me dan a elegir, me quedo también con "QRN en Bretzelburg" (Franquin, Greg),

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en donde Franquin ya comienza a realizar un estilo gráfico muy similar al que desarrolló con Gaston Lagaffe desde las planchas 320 o 400 en adelante de la serie. Lo mismo que Un bebé en Champignac (Franquin, Gos, Peyo) en donde Zorglub vuelve a la pequeña villa champignacsense. En la versión francesa de este álbum, hay un dossier con una aventura que transcurre en la redacción de la revista Spirou, con el protagonista, Fantasio, Lagaffe y todos los empleados de la oficina. Se titula Bravo les Brothers, y es un Franquin en todo su esplendor: Tres monos de circo, entrenados en malabares y acrobacias, haciendo estragos a la redacción de Spirou, con la complicidad de Lagaffe. Sublime. Para los que gusten de las aventuras de estilo "tintinianas" (joven que viaja por el mundo), pueden deleitarse con unos álbums anteriores a los mencionados, como La mina y el gorila (Franquin), Tembo Tabú (Franquin, Greg, Roba) o El prisionero de los 7 Budas (Franquin, Greg, Jidehem) y otros. Todos son buenos. Salteamos la etapa de Fournier y de Cauvin-Broca, para llegar a la de Tome y Janry. Y aquí sí, una linda panzada ¡qué lindas mujeres dibuja Janry! Tome y Janry son los creadores de El Pequeño Spirou, que nació justamente en la serie "madre": pueden leer el álbum La infancia de Spirou, en donde se da el puntapié inicial de la serie. Con El Valle de los proscriptos y Con el agua al cuello, Tome y Janry vuelven a llevar a Spirou y Fantasio a la aventura clásica, al reportero que viaja por el mundo. También son muy recomendables Spirou y Fantasio en New York (con la aparición de Don Vito, que no es otro que El Padrino Don Corleone) y Spirou y Fantasio en Moscú. Y si se encariñaron con Zorglub, arremetan con El despertar de Z. Entretenimiento garantizado. EH (*) BD: El nombre es una palabra, un signo, o un ícono que nos identifica. A lo que nosotros llamamos "Historieta", los países francófonos la denominan "Bande Dessinée" (o su abreviatura "BD"), que significa literalmente "Banda Dibujada" o "Tira de Dibujos". El témino "BD" también lo utilizan otros países, como Portugal ("Banda Desenhada") y Galicia ("Banda Deseñada").

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DIBUJANTES EN EL HISTORIETISTA
A partir de ahora, en la revista El historietista, tenemos el agrado de incluir el suplemento Dibujantes, donde se publicaran artículos de la mitica revista creada por Osvaldo Laino alla por 1953. La idea de incluir estos viejos articulos, coinciden con el espiritu de la revista pòr el rescate de los grandes maestros, que forjaron la cultura de argentina a traves de su arte. Tal vez estas notas podrán parecer bastante antiguas, pero cuando nos adentremos en su lectura, podremos ver que aun gozan de una gran actualidad en cuanto a su labor pedagógica, y como pieza periodistica de una epoca en que ser dibujante de historietas era como ser una estrella de television. Tampoco olvidemos el contexto en el cual fueron escritas, en el país se consumían millones de publicaciones mensuales. Asimismo, cabe un parrafo aparte y subrayado, ya que la revista Dibujantes fue la precursora de las publicaciones de informacion sobre historietas en el pais, por ello agradecemos su existencia.

OSVALDO LAINO
El director de la revista Dibujantes nacio en Rosario, Argentina, y comienza a dibujar a temprana edad. Publica sus primeros cartoons en un semanario local. Al terminar sus estudios secundarios se traslada a la ciudad de Córdoba donde trabaja y continúa sus estudios. Comienza en el conservador diario Córdoba con una tira en la sección deportiva que dirige el periodista Bioy Pereyra. En esos años participa con el conocido humorista Juan Carlos Mesa y Humberto Vílchez Vera dibujando (con público presente) en los programas de radio de la cadena Splendid. A principio de los años 50 se radica en Buenos Aires, su trabajo creativo es requerido por varias agencias de publicidad, periódicos y las revistas, “Esto Es”, “Pobre Diablo”, “Potpurrí”, etc. Se suma al plantel de “Avivato” de Billy Kerosene y Jorge (Faruk) Palacio con humoristas como Landrú, Dobal, Garaycochea, Francho, Quino, Gius y otros que también colaboran en “Bomba H” y “Loco Lindo”.

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Conocida su carrera artística y su experiencia en publicidad, su amistad con Ángel Sagrera lo conduce a dirigir la revista “Dibujantes”. Es a través de esta publicación que crea el programa “Dibujemos Con...” en el Canal 7 de televisión invitando a colegas como Divito, Raúl Manteola, Ferro, Landrú, Palacio, Sabat, Guerrero, Torino, Sagrera y otros tantos humoristas y figuras del cine y la televisión. Como miembro del Club de Directores de Arte y Director de Dibujantes forma parte de la delegación de las primeras jornadas de publicidad que se celebran en Montevideo (1953) encabezada por Amílcar García Torres, Presidente de la Federación Argentina de la Publicidad. , también formo parte de la Asociación de Dibujantes. En 1955, junto a Garaycochea, Breccia, Udaeta y Cotta exhiben la obra “Cinco Humoristas” en la Galería Picasso quienes denominaron a esta muestra “Primera Exposición de Dibujo Humorístico Contemporáneo”. En 1956 es contratado por una compañía argentina de publicidad en Venezuela. En ese país colabora con “El Gallo Pelón”, una revista humorística de gran popularidad dirigida por el humorista Sancho. También dibuja para “Pico Pico” (revista para niños), “Páginas”, “Martín Garabato”; y, con el seudónimo “Brutus”, publica sus dibujos en el diario “La Esfera” de la cadena Capriles, en la página editorial. En enero de 1961 se muda a New York.

Allí se encuentra con otro rosarino de gran talento ¬ Víctor Martín ¬ quien lo presenta a la revista humorística “Cracked” (competidora de “Mad”) donde publica sus primeros dibujos, comenzando otra carrera exitosa en la ciudad de los rascacielos y después en la ciudad de Tampa (Florida). Tras más de 50 años en el país del Norte, cosechó reconocidos galardones de mérito por su labor profesional y dedicación a la comunidad. Entre los muchos honores recibidos se encuentran: • 1986 Tampa Advertising Federation Man of the Year Award. • 1992 AAF Jack Phillips Gold Medal Award. • 1998-1999 Advertising Professional of the Year Award. • 2000 Professional of the Year Award. • 2001-2002 Hispanic Man of the Year. • 2003 AAF Silver Medal Award. • 2003 Instalado en el Hall de la Fama del Kappa Tau Alpha (Mass Communication) de U.S.F.(Universidad del Sur de la Florida). Desde la ciudad de Tampa, por medio del Museo de la Caricatura Severo Vaccaro, comenzó la nueva tarea de relatar parte de la historia del Humorismo y la historieta Argentina, labor que hoy continúa desde Rosario, su ciudad natal y donde hace casi 4 años que se radicó. Estas historias se pueden leer a través del Internet: www.historiaspasado.blogspot.com - osvaldolaino.blogspot.com.

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Todo el material del suplemento corresponde al numero 1 de la revista Dibujantes, setiembre 1953.

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OSVALDO LAINO con JUAN ANGEL SAGRERA, quien genero la idea de crear la revista DIBUJANTES, compartiendo ideas y revisando material para ser publicado en la revista.

MUSEO DE LA CARICATURA SEVERO VACCARO Lima 1037 (Codigo Postal 1073) Buenos Aires - Argentina e-mail: severovaccaro@yahoo. com Teléfonos: 4304-6497 / 42764802

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SECCION BLANCAS MURALLAS

En su apartado, Ariel Avilez, el especialsita en la extinta editorial Columba, nos cuenta la vida y obra del personaje creado por Robin Wood y Lucho Olivera

Por Ariel Avilez Gilgamesh el Inmortal es, sin duda, la obra más emblemática del recordado Lucho Olivera (19422005) y en estos meses se cumplen 40 años de su primera aparición en el segundo Anuario de la revista D’artagnan, número especial correspondiente a fines de 1969 y principios de 1970. Mediocres amantes como somos de los números redondos y los oportunos homenajes, nos pareció éste un excelente momento para hacer una recorrida a lo largo de los casi 180 episodios que duró la saga. Hay tanto para hablar al respecto –estamos en presencia de un Inmortal, caramba- que cuesta, incluso, empezar y organizar la información; así que para no irnos por las ramas y estructurarnos un poquito, dividiremos la nota en cinco partes teniendo en cuenta los distintos equipos creativos que tuvo la serie. Equipos en los que –es bueno decirlo- sólo Lucho Olivera, su creador, resultó imprescindible. 1- ETAPA LUCHO OLIVERA: PRIMERO YO (1969-1973) No nos extenderemos demasiado acerca del Gilgamesh original, el de los mitos súmeros, el de la primera obra épica escrita que conoció la humanidad hace más o menos 4000 años; sólo diremos que Lucho Olivera dotó al personaje, cuando decidió adaptarlo a la historieta, de algo que sus anteriores autores súmeros y akkadios se ocuparon prolijamente de mezquinarle, su máxima aspiración, el motor de sus aventuras: la Inmortalidad. En realidad, en esa historieta aparecida en el Anuario 2 de la D’artagnan, Lucho cuenta una maravillosa historia autoconclusiva y boceta en los siguientes nueve números todo aquello que, con innegable habilidad, sus sucesores al frente del guión volverán a contar: la obtención de la inmortalidad de manos de un marciano (Utnapistim, nombre de otro héroe de la antigua Mesopotamia); la barbarie humana observada con impotencia por alguien que, poseedor de un don maravilloso, poco puede hacer para evitar la autodestrucción de sus pares; su amistad con Nippur de Lagash; el resentimiento que despierta entre los mortales; las ansias de recuperar su condición de mortal; la hecatombe que destruye toda vida sobre la Tierra; los viajes al espacio; la misión de prolongar la existencia de la especie humana buscando un planeta en el cual puedan desarrollarse los niños en estado de hibernación con los cuales se topa; la interacción fraternal con naves humanizadas; la providencial apari-

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ción de especies extraterrestres muy poderosas o cuasi divinas; la amenaza de alienígenas hostiles; la compleja evolución de la nueva humanidad en un nuevo planeta similar a la Tierra (planeta al que llama Nippur)... todo, todo está en esta primera decena de episodios en los que Olivera demostró no sólo ser un dibujante excepcional, sino también un guionista genial. No es necesario rastrear las viejas D’artagnan para disfrutar estas historias: entre 2000 y 2001, la Editorial Columba reeditó en los primeros cinco cómic-books de “Fantasía presenta: Gilgamesh” todo este período. Si no les molesta leer historietas impresas en papel higiénico ¡adelante! 2- ETAPA SERGIO MULKO / LUCHO OLIVERA: NUBES DE HUMO (1973-1975) Cuando Lucho ya no cuenta con tiempo para escribir más historias de Gilgamesh, curiosamente se le confía la tarea a otro dibujante, Sergio Alejandro Mulko, que firma con el seudónimo de Leo Gioser. El Gilgamesh de Mulko es, en principio, el mismo de Lucho: el anterior guionista le dejó un personaje manco (unos marcianos dementes lo habían mutilado) a punto de encabezar una rebelión en contra de unos tiranos que sometían al grueso de la humanidad que él se había encargado de establecer en el nuevo planeta. De un modo muy elegante –pero ya anticipado por Lucho en algún viejo episodio: seres de otra dimensión intervienen y le dan otra oportunidad a la humanidad para que no se autodestruya- Mulko sale rápidamente del compromiso y hace borrón y cuenta nueva mandando a Gilgamesh miles de años al futuro, al espacio y de regreso a la Tierra, un planeta en ruinas, árido, que permite al guionista mostrar la faceta que más le interesa del personaje: la del ser cuya soledad cósmica propicia soliloquios y reflexiones la mar de profundos, al tiempo que se enfrenta a extraños peligros, la mayoría de los cuales parece surgir de su propia mente. No deja de sorprender que una editorial tan conservadora como Columba permitiera tales libertades a estos autores: el fuerte contenido psicodélico, la aparición de especies extraterrestres de indescriptible aspecto, esas aventuras tan alejadas de lo convencional no son de ninguna manera a lo que estaba acostumbrado el lector promedio de la revista. Volviendo a la historia en sí, Gilgamesh una vez más debe encargarse de asegurar el futuro de la humanidad en la Tierra, primero, volviéndola un sitio habitable (el planeta tiene su atmósfera envenenada), luego, custodiando una docena de humanos hibernados que serán la semilla de los nuevos terrestres y, finalmente, viajando al espacio para enfrentarse a seres de maldad inconmensurable, al tiempo que se reencuentra con lo que queda de la especie marciana que le dio la inmortalidad (incluso con Utnapistim). Los últimos ocho episodios de Mulko son ciertamente inquietantes: parece querer contar varias historias y esboza planteos complejos e interesantes que, sin embargo, resuelve abruptamente cuando no parece sencillamente olvidarlos. De repente, Gilgamesh tiene una compañera también inmortal –Galhya -, pero cuando regresa a la Tierra el personaje se pierde en un segundísimo plano porque el sumerio está ocupadísimo en preparase para combatir con la peor amenaza a la cual jamás se haya enfrentado la humanidad... Sin embargo, el enemigo es vencido con una facilidad insultante: el Inmortal lo arroja a un pozo profundo. Al finalizar esta etapa de veintitrés episodios, Gilgamesh, Galhya y dos alienígenas custodian a la floreciente humanidad. Cinco años después, el guionista Robin Wood no recordará nada de esto. Los cómic-books números seis y siete de la colección “Fantasía presenta: Gilgamesh” contienen los cuatro prime-

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ro episodios de éste período. Los once siguientes –que constituyen un arco argumental perfecto- fueron reeditados en 2008 en formato libro por Doedytores y fue el primer tomo de la Biblioteca MP de Novela Gráfica; se tituló “Gilgamesh el Inmortal: Hora Cero”. 3- ETAPA ROBIN WOOD / LUCHO OLIVERA: MIENTRAS VIVA...(1980-1985) Vamos a ponernos de acuerdo: Robin Wood no es pura fama y casi nadie discute que la primera cincuentena de los aproximadamente sesenta y cinco que escribió está entre lo mejor de su producción personal. Su versión de Gilgamesh es, sencillamente, gloriosa y se potencia increíblemente con un Lucho Olivera inspiradísimo y en su mejor momento. Arranca la historia en la Séptima Dimensión. Gilgamesh es uno de los Guardianes del Universo que lidera El Padre de las Estrellas y se encargan de mantener el equilibro universal combatiendo a las fuerzas del Mal; se rumorea que el humano inmortal será el sucesor del gran líder. Sin embargo, el sumerio siente nostalgias de su vieja vida y una necesidad imperiosa de recuperar sus vivencias humanas, así que retorna a la Tierra y reencarna en sí mismo cuando era niño y príncipe de la ciudad de Uruk. Ya hemos dicho antes que prácticamente todo lo que se hizo después de la etapa Olivera como guionista ya lo había hecho antes don Lucho; pero Robin lo hace de un modo magistral, confirmando de algún modo aquella vieja máxima de Dalmiro Sáenz:

“Las cosas no son del que las dice primero, sino del que las dice mejor”. Ciertamente Wood vuelve a contar el origen de la inmortalidad de Gilgamesh, pero se toma cuatro episodios para hacerlo y recién en el quinto lo hace abandonar su reino, Uruk, en un capítulo memorable coprotagonizado por otra criatura de estos dos próceres de nuestra historieta: Nippur de Lagash. Gilgamesh nunca fue tan humano y, hasta entonces, nunca resultó tan sencillo y placentero para el lector identificarse con él. El resto es de antología: Gilgamesh aspira un mundo perfecto y quiere poner su don al servicio de la humanidad, pero nada de lo que hace es suficiente porque el hombre parece solazarse en su natural barbarie y tendencia autodestructiva; desesperado, intenta influenciar a los grandes hombres de la historia humana: se pone al servicio del Imperio Romano –presencia apenado la crucifixión de Cristo -, participó de la Cruzadas, se convierte en hombre de confianza de Napoleón, pelea en mil guerras que supuestamente impedirán las futuras guerras... El fin de la vida en la Tierra, el estallido fatal de una superbomba de cobalto, lo encuentra en un refugio atómico. Harto, decide viajar al espacio, buscar a Utnapistim –el marciano que lo dotó de inmortalidad- y solicitar el retorno de su condición de mortal; sin embargo, en Cabo Cañaveral encuentra la razón de su vida: niños en estado de hibernación a la espera de ser trasladados a algún planeta habitable. Tras cientos de años de exploración espacial en los que pasa de todo –en cierto momento el Inmortal hasta pierde su cordura -, Gilgamesh encuentra un inmenso planeta al que bautiza “Sumer” y en el cual deposita su preciosa carga que, rápidamente,

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crece y se reproduce bajo su tutela. Este resurgir de la humanidad es narrado de un modo sublime y nada es dejado de lado: los años de aprendizaje y adaptación al medio, el crecimiento de los niños (personajes secundarios magníficamente desarrollados; el sensacional episodio 54 de la etapa Wood es el primero y único en el cual el Inmortal no aparece en una sola viñeta), el cuestionamiento a la condición patriarcal del sobreprotector Gilgamesh y, por fin, su partida para bien de los que ama. Los últimos diez episodios se desarrollan en el espacio y narran LA GUERRA UNIVERSAL: Gilgamesh detecta que un peligro inminente se cierne sobre su querido planeta Sumer y no encuentra otro modo de conjurarlo que levantar a cientos de planetas de la galaxia en contra del feroz Imperio de los Xhaguar, aliados de los Primordiales, los mismos seres malignos que Robin Wood había hecho derrotar por su Or-Grund. Finalizada la guerra, Gilgamesh se reencuentra con aquel Padre de las Estrellas del primer episodio y vuelve a ocupar su lugar como Guardián del Universo. Conmovedoras frases finales de Wood y fin ¿O no? Los primeros indispensables veintipico de episodios del período Wood / Olivera fueron recopilados en dos libros de la Colección Clásicos de Columba a mediados de la década del ’90. Conseguirlos y atesorarlos es deber ineludible de todo amante de la buena historieta. 4- ETAPA RICARDO FERRARI / LUCHO OLIVERA: VOLVER (1986-1994) Aunque la historia ya estaba redondeada, es evidente que Columba tenía la intención de seguir contando con la presencia estelar de Gilgamesh en sus páginas. A Lucho Olivera le pareció bien –aunque en la gran mayoría de los episodios de esta etapa se nota, a veces descaradamente, la mano de algún asistente demasiado novato- y los guiones cayeron en las únicas manos posibles de hacer un trabajo más que digno, en las de Ricardo Ferrari, escritor cuyo talento aún no ha sido debidamente reconocido y que, sin embargo, dotó a la serie de una identidad muy personal logrando algunos episodios a la altura de los mejores de Wood. Para no complicarse la vida, Ferrari hizo la vista gorda y declaró de facto la no-existencia del retorno de Gilgamesh a las filas de los Guardianes del Universo. Finalizada la Guerra Universal, el Inmortal calvo retorna a su queridísimo planeta Sumer, al que encuentra evolucionadísimo y, evidentemente, con el Edipo superado: por ley, es neutralizado, amarrado a una nave y arrojado al espacio; se considera su presencia inmortal perjudicial para el sano desarrollo de la especie (¡y pensar que hay padres que se quejan de que sus hijos los depositan en geriátricos!). Vaga por el espacio durante siglos, enloquece y, finalmente, retorna al planeta Tierra donde, para su sorpresa, por las propias ha resurgido la humanidad; se confunde con la multitud y es feliz en su anonimato, pero al poco tiempo es abducido por seres que aspiran obtener de él la inmortalidad. Esta nueva saga espacial termina con Gilgamesh perdido en el interior de

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un agujero negro y retornando al pasado, a su Sumeria natal, sorprendiéndose de nuevo ante los torpes pero firmes pasos del hombre hacia un futuro que él bien conoce. En los últimos diecisiete episodios, Gilgamesh es llevado nuevamente al espacio y permanece náufrago en un asteroide que es imposible abandonar. Historias rarísimas, la mayoría introspectivas, muy dignas de convertirse en episodios de “Lost”, son moneda corriente en este tramo final que culmina, justamente, con algo que bien podría ser un lugar común en Gilgamesh y que, sin embargo, Ferrari sabe sacar brillo y presentar como nuevo: una nave inteligente creada por un humanoide que alguna vez aspiró a la inmortalidad, rescata al sumerio y se le ofrece, con sus infinitas posibilidades, como compañía para sus eternos años por venir. Con aproximadamente setenta episodios en su haber –sin contar un par que coló en la etapa Wood -, Ferrari es el guionista de mayor duración al frente de la serie. Lastimosamente, nada de esta gloriosa etapa ha sido reeditado. Paciencia. 5- ETAPA ALFREDO GRASSI / LUCHO OLIVERA: LA COPA DEL OLVIDO (1997-1998) Cinco episodios de triste factura, absolutamente olvidables, son el fruto de una dupla gloriosa que un par de décadas atrás había sorprendido gratamente con obras como “Yo Ciborg” o “Planeta Rojo”. El trabajo de Olivera no es malo y resuma vigor, fuerza des-

controlada, pero no se lleva bien, no cuaja, con las historias inexplicablemente infantiles que propone el guionista que, para colmo de males, satura con diálogos inverosímiles. Grassi también decide empezar su versión de Gilgamesh de cero, así que en el primer episodio vemos al Inmortal salir de una tumba desprovisto de recuerdos. Es un personaje sin gracia, sin esa profundidad e inteligencia que lo distinguían en sus versiones anteriores, y no ayuda tampoco la aparición de “misteriosos” personajes (Lúcifer, Dagón e Ishtar) que le proponen devolverle la memoria a cambio de que les hagan el favor de viajar en el tiempo con una máquina para sumarse a las filas del Moisés bíblico y determinar el lugar exacto en el cual se halla el Arca de la Alianza. En pago por sus servicios, Lúcifer le regala la máquina del tiempo... aparato que el Inmortal y su ahora fiel amigo Ghort - un personaje cuyo aspecto y personalidad cambian radicalmente episodio a episodio- utilizan para viajar y entrevistarse con un poco lúcido Freud (en el ínterin le salva la vida a un joven dibujante llamado Hitler, cómicamente dibujado por Lucho, imagino que al propósito) o un patético Lázaro (“Cuidado, está muy nervioso desde que resucitó...” le advierten a Gilgamesh). En el último capítulo de esta saga inconclusa, Gilgamesh –inexplicablemente- se interesa por los viajes al espacio y, con el ridículo Ghort, decide darse una vueltita por Marte, más habitado que Constitución a las cinco de la tarde, donde descubre que se originó la civilización sumeria. Todo está dicho. EH

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OPINION

LA HORA SE ACERCA...

Cuando se pensaba que estaba todo escrito sobre la obra de Moore y Gibbons, el escriba Juan Reinberg Cortés tambien tiene algo que decir sobre los viligantes

Por Juan Reinberg Cortés Cuando escuchamos la palabra superhéroe automáticamente pensamos en Superman y Batman. Pensamos en un hombre fuerte, con una larga capa, que recorre las más grandes ciudades enfrentando peligrosos criminales y seres con poderes sobrehumanos. Pensamos en una figura tranquilizadora, un símbolo del bienestar nacional. En los Estados Unidos la historieta siempre fue, por un lado, parte de la máquina capitalista del imperio “americano”, y por otro lado, todo lo contrario. Esto es tan sencillo de explicar que suena hasta infantil: hay un bueno y un malo. Si tenemos algo en común políticamente Estados Unidos y Argentina es que ambos países tuvimos regularmente una política pendular, basada en dos partidos con ideales completamente encontrados. Las dos grandes potencias de la historieta norteamericana son DC comics y Marvel Comics. DC mostró siempre tener una ideología de derecha muy fuerte, siempre resaltando ese tipo de personajes fuertes y nacionalistas como Superman; y Marvel se muestra un poco más cercano a una ideología de izquierda, tomando más en cuenta la psique de los personajes y llevando a cabo historietas mucho más comprometidas con el futuro de la humanidad. Todo esto cambió en 1986. Todo lo que podíamos llegar a decir sobre DC tendríamos que replanteárnoslo luego de la aparición de dos comics: Batman, el Caballero de la Noche, la primera historieta oscura de Batman, con un héroe maduro y conflictos mucho más truculentos; y

Watchmen, una serie de 12 números sobre la otra cara de los superhéroes. DC comenzó a ver que el Héroe no era el único que vendía. El antihéroe vende mucho más… podríamos

han publicado geniales y oscuras historietas netamente adultas protagonizadas por antihéroes: The Sandman, The Preacher, Transmetropolitan, etc. Pero hoy vamos a dejar de lado al encapuchado de ciudad Gótica, y también a los oscuros personajes de Vértigo, pues esta nota está dedicada a los Vigilantes.

¿Quién Vigila a los Vigilantes?

decir que Batman, el caballero de la noche, de Frank Miller, y Watchmen, de Alan Moore y Dave Gibbons, son las historietas precursoras de lo que ocurriría en 1993: la creación del sello alterno Vértigo. En esta editorial separada pero aún arraigada a la editorial madre, se

Watchmen es una novela gráfica que se publicó en los años 1986 y 1987 a lo largo de 12 números en formato comicbook (clásico formato norteamericano de historieta). Es, a mi humilde opinión: junto con El Eternauta, de los argentinos Oesterheld y Solano López; El Incal, del francés Moebius y el chileno Jodorowsky; y Akira, del japonés Katsuhiro Otomo, uno de los cuatro pilares de la historieta mundial. La grandeza de Watchmen reside no solo en su genialidad guional y en los dibujos de Dave Gibbons, sino también en su cinismo y la horrenda sensación que nos deja el final. Un sentimiento a la vez de aprobación y desaprobación sobre la afirmación que viene rondando la cabeza de cientos de miles de personas a lo largo de la historia de la humanidad: El fin justifica los medios. No es la única vez que Moore utiliza esta noción como base para sus historietas, otro caso de esto es la significativa V de Vendetta. La novela gráfica recibió muchos galardones dentro del mundo de la historieta y fuera de él. Recibió el ansiado Premio Hugo en 1988 (galardón anual del género de ciencia ficción), y la revista Time la llamó una de las 100 mejores novelas en inglés desde 1923 a la actualidad.

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También en Time, el columnista Jay Cocks habló de la novela como “un hito con mayúsculas de la imaginación, que combina ciencia-ficción, sátira política, guiños al pasado de los cómics y atrevidas reformulaciones de los formatos gráficos actuales en una historia de misterio y distopía”. También recibió el Premio Kirby a Mejor Serie Limitada, a Mejor Serie Nueva, a Mejor Escritor, a Mejor Escritor/ Artista, y dentro de varias categorías más. También recibió varios Premios Harvey. Y algunos de los preciados Premios Eisner. Watchmen es la historieta más galardonada de la historia. Stan Lee, co-fundador de Marvel Comics, y creador de gran parte de sus personajes, o por lo menos de los más famosos y exitosos, dijo que Watchmen es su historieta favorita de todos los tiempos NO publicada por Marvel. Vale decir que la aparición de Watchmen logró que DC superara en ventas a Marvel durante los dos años de duración de la historieta. Argumento Watchmen habla del bien y el mal, habla de la sociedad enferma, habla de la ciudad, habla de la guerra y de la paz, habla de los medios y los fines, habla de los superhéroes, habla de la autoridad y el autoritarismo… Habla de tantas cosas que tendría que escribir doce artículos para que se haga justicia a la historieta. Por eso, a continuación voy a hacer un breve resumen del argumento, o al menos voy a tratar de mantenerlo breve. La ciencia ficción ha utilizado marcos diversos a lo largo de toda su existencia, pero muchísimos autores toman la utopía y la distopía como base para hablar de sociedades futuras y presentes donde el mundo se está cayendo a pedazos sobre nuestras cabezas. Ese es el nacimiento del género Cyberpunk, que estaba tan de moda en los años en que apareció Watchmen. Pero

Alan Moore, el genial guionista de esta obra (que dicho sea de paso, es un autor Cyberpunk, como se demuestra, por ejemplo, en una de sus obras maestras, V de Vendetta), busca generar la misma sensación oscura y apocalíptica del género pero sin movernos temporalmente. Por lo tanto utiliza un recurso poco utilizado en el mundo de la historieta: la Ucronía, es decir, una realidad alterna ubicada en la actualidad. Entonces, la historia comienza en 1985, en un punto de inflexión en el tiempo, un punto donde el ser humano está condenándose a sí mismo a la destrucción, cuando el reloj está a punto de dar la hora del cataclismo nuclear. Suena muy metafórico, pero es un tanto más literal: los canales de televisión, diarios y todos los medios gráficos tienen en constante protagonismo al reloj que marca la hora en que se desatará la guerra. Estamos hablando de la guerra entre los Estados Unidos y la Unión Soviética. La historia comienza con la muerte de un héroe. El asesinato a sangre fría del Comediante. El Comediante, es el nombre que usa Edward Blake junto con su antifaz y su característico broche de la carita feliz, cuando combate el crimen junto con sus compañeros superhéroes. Blake, en un momento de su juventud tiene una revelación: el mundo está condenado y todos somos parte de esta broma, todos nos vamos a morir y no va a quedar nada de nuestro mundo civilizado, y lo único que nos queda es reírnos. El guión nos va llevando, a lo largo de los 12 tomos, a conocer la historia completa sobre dos grupos de héroes encapuchados que tuvieron lugar, uno en los años 40’s y el otro en los años 60’s. Estas dos generaciones de héroes funcionan como herramientas de represión fascista del Estado. Y fueron utilizados para dar forma a una nueva generación de estadounidenses.

Los Minutemen

En 1939 aparece Batman por primera vez en la revista Detective Comics. Superman había aparecido el año anterior dentro de Action Comics. Era la época en que se estaba terminando la depresión, la gente necesitaba figuras fuertes en quienes confiar, aunque fueran de fantasía. 1939 es el año en que (dentro de la ucronía de Watchmen) aparecen por primera vez los héroes Enmascarados. Se formó entonces el grupo de justicieros Minutemen.

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Watchmen tiene una particularidad frente a otras novelas gráficas publicadas en tomos. Cada uno de los tomos viene con un anexo, entre estos anexos encontramos artículos periodísticos de diarios de ultra derecha (los medios dentro del mundo de Watchmen tienen una importancia primordial); informes psicológicos de ciertos personajes; y entre muchas cosas, resalta en los primeros números fragmentos del libro autobiográfico

Bajo La Máscara, de Hollis Mason. Mason cuenta en estos párrafos que nos regala Moore muchos secretos sobre su vida como enmascarado. Él había sido El Búho Nocturno en los años 40’s, y había comenzado su carrera en los Minutemen luego de leer durante largos años historietas como las que nombrábamos antes. Él nos relata los comienzos de los Minutemen. Mason había sido policía, pero se unió a los Minutemen después de leer sobre Justicia Enmascarada, el primero de los héroes enmascarados. También estaban en el grupo Nelson Gardner, alias Capitán Metrópolis; Byron Lewis, La Polilla, que terminó sus días en un instituto para enfermos mentales; Silueta, una mujer de origen judío que había huido del nazismo para llegar a los Estados Unidos. También estaban Sally Jupiter, cuya identidad pública era Espectro de Seda. Y por último, el más joven e intrépido del grupo: El Comediante. Mason nos cuenta de muchos duros momentos que vivió con los Minutemen, de los cuales Sally Jupiter era protagonista. Por ejemplo, de su altercado con Silueta, quien había dejado en evidencia el origen judío polaco de Jupiter, cuyo apellido era en realidad Juspeczyk. Y también uno de los episodios más violentos de la vida de los Minutemen: El Comediante había intentado violar a la hermosa Jupiter. El Búho se retira y se dedica a arreglar autos, él es uno de los pocos enmascarados de la primera genera-

ción que dio a conocer su identidad al mundo.

Los Vigilantes

En 1966 El Capitán Metrópolis reunió a un grupo de hombres y mujeres para formar Los Justicieros (Crimebusters), pero El Comediante quemó los planos y mapas de Gardner en un cínico acto de anarquía. Pero años después se formaron Los Vigilantes (Watchmen). Uno de los Vigilantes era El Comediante, de quien ya hemos hablado, que todavía no ostentaba la cicatriz que fue marca de su vida y de sus excesos. La cicatriz se la había hecho una vietnamita con quien él se acostaba durante la guerra en el 68. Tras ganar la guerra, Estados Unidos manda a buscar a los Vigilantes que habían formado parte de la invasión al país oriental. El Comediante le dice a su “novia” que no la iba a volver a ver y que había sido solo una diversión del momento, la mujer embarazada enloquece y le destroza la cara con una botella rota, tras esto, el desfigurado comediante la mata de un tiro. Se estarán preguntando si no habrán leído mal, ya que los Estados Unidos no ganaron la guerra de Vietnam. Bueno, este punto nos arranca de la realidad y nos mete de lleno en la ucronía de Alan Moore. Los Estados Unidos ganan la guerra de Vietnam gracias a la aparición, años atrás, del primer Super-Héroe: Dr. Manhattan. El Dr. Manhattan era un hombre común, llamado Jonathan Osterman, que sufrió un accidente con un reactor nuclear. Fue desintegrado tras quedar atrapado en el aparato. Semanas después, su conciencia logró formar nuevamente un cuerpo, un hombre de estatura mayor a la normal y de piel azul. Su conciencia había llegado a límites humanamente inalcanzables, conociéndolo todo. Un estado de conciencia muy similar a Buddha. Jon ayudó a la humanidad a llegar a niveles de tecno-

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logía muy avanzados, esto luego será muy importante cuando lleguemos a hablar del final de la obra. También forma parte de los Vigilantes Laurel Juspeczik, hija de la anterior Espectro de Seda. La niña se había criado entre héroes enmascarados y sintió siempre la presión de su madre por ocupar su lugar. Finalmente, a una temprana edad, se unió al grupo utilizando el mismo mote que su madre. Vivió durante muchos años

un romance con el extraño y Jon, hasta que no soportó más su manera de observar el mundo, como si no fuera parte de él. Daniel Dreiberg, un fanático de la ornitología (estudio de las aves) y de la aviación, entra al grupo con el nombre de Búho Nocturno, tras pedirle permiso a Hollis Mason, de quien es un gran amigo y admirador. Ozimandias, el hombre más inteligente del mundo, como lo llamaban los medios también era parte del grupo. Su nombre era Adrian Veidt. En 1975 el gobierno de los Estados Unidos prohibió su actividad a los enmascarados, Veidt aprovechó para sacarse la máscara públicamente y convertirse en una figura muy respetada en varias industrias, formando un imperio de corporaciones. Y finalmente, el más desagradable, oscuro y extraño de todos los Watchmen: Roscharch. Detrás de la máscara que recuerda el test de Roscharch, en constante movimiento, se encuentran los vestigios de un hombre. Roscharch dejó de ser Walter Kovacs el día que masacró a un violador que había raptado a una niña y había alimentado a sus perros con su cuerpo muerto. Ese día Roscharch tomó posesión sobre Kovacs, dándose cuenta de que el mundo estaba condenado, pero no había que reírse (como decía el Comediante), había que castigarlo. Se convirtió en una sombra, un monstruo fascista que merodeaba los rincones más oscuros de la ciudad asesinando criminales y utilizando la fuerza para coaccionar a otros y siempre encontrando la verdad, mediante horrendos medios.

charch estaba convencido de que alguien estaba buscando y asesinando a los héroes del pasado, y comenzó a alertar a sus viejos compañeros. Veidt también fue víctima de un atentado, pero el asesino murió, tragándose una píldora de cianuro antes de ser interrogado por Ozimandias. El tercer atentado no fue armado, fue político y público: Jon fue atacado por los medios, fue llevado a una conferencia en televisión

El Comediante ha Muerto

Tras la muerte del Comediante, Roscharch comenzó a investigar los extraños sucesos que estaban tomando lugar en Nueva York. Quien asesinara a un hombre como Blake debía ser demasiado fuerte y capaz. Ros-

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para hablar sobre la actual situación y la posibilidad del comienzo del holocausto nuclear. Todo había sido una pantalla para llevarlo ante los medios, donde el New Frontiersman (un diario de ultra derecha) lo atacó con algo mucho peor que una bomba: se le dijo que su sola presencia había causado cáncer en varias personas que habían tenido contacto con él a lo largo de su vida. Jon, alterado por semejantes noticias, desapareció del mundo y se marchó a Marte a reflexionar. Los Estados Unidos, sin la presencia del Dr. Maniatan, sabían que pronto se desataría la guerra, y el reloj se acercaba a la hora 0. Roscharch fue apresado tras caer en una trampa, y debió enfrentarse a los criminales que él mismo había apresado años atrás. De pronto una nave con forma de Búho llegó a la cárcel donde los presos se habían amotinado con el fin de asesinar a Kovacs. De la nave salieron Búho Nocturno y Espectro de Seda (estaban teniendo un romance tras la desaparición de Jon), que sabían que algo raro pasaba y que Roscharch, a pesar de ser un criminal, debía ser salvado, pues era el que sabía más de lo que ocurría. Jon, tras reflexionar mucho volvió a la tierra para llevarse consigo a Laurie (Espectro de Seda) a Marte, donde la ayudó a entender su vida, ella por fin comprendió la verdad: su padre era El Comediante. Tras discutir mucho sobre la vida y el tiempo, Jon, que despreciaba al ser humano, pues creía que era la semilla de la destrucción, tuvo una revelación y decidió volver a la Tierra para salvar a la humanidad. Entendió el milagro de la vida, entendió que cada nacimiento humano era un milagro en sí mismo, y que la

vida en sí era la energía máxima del universo. Mientras tanto, en la Tierra, Daniel (Búho Nocturno) y Roscharch investigaron en el submundo callejero, y tras varias idas y vueltas, comprendieron la verdad sobre el complot: Adrian Veidt, Ozimandias, era el responsable de todo lo que estaba ocurriendo. Todos los Vigilantes terminaron en la Antártida, donde Veidt se había creado una fortaleza con forma de pirámide (imitando a uno de sus dos ídolos: Ramses II). El otro ídolo de Veidt era Alejandro Magno, pero su fin no era el de conquistar al

teletransportación nunca había funcionado, ya que la reintegración de un átomo desintegrado hacía que este explotara. Por lo tanto Nueva York, junto con muchas de las más importantes ciudades del mundo, habían volado, solo habían quedado las ruinas, y los vestigios de estos seres monstruosos y gigantescos. El plan de Veidt dio resultado: el Hombre creyó ser blanco de una invasión extraterrestre, y las naciones del mundo unieron sus fuerzas y se estableció la paz, y terminó la Guerra Fría. El Fin, para Ozimandias, Justifica los Medios.

mundo entero, sino el de conciliar al mundo entero en la tan buscada Paz. Los Vigilantes no podían hacer nada contra Veidt, porque su plan había dado frutos ya, mientras ellos todavía viajaban a la Antártida. Había utilizado a varios artistas para crear el ser más extraño y horrible que podía existir en la imaginación humana, y había utilizado las tecnologías que Jon había regalado a la humanidad para darle vida al ser, que fue teleportado a Nueva York. La

Además de los Anexos, Watchmen tiene varios recursos para contarnos la historia desde diferentes puntos de vista. Existen personajes secundarios que viven la historia desde afuera, pero que son testigos de muchas cosas. Entre ellos se destacan un vendedor de diarios, que habla durante todo el día con gente en la calle, y un joven que se sienta junto al puesto de diarios a leer historietas. Ambos mueren en la explosión. El niño lee los Relatos del Navío Negro, una historieta que trata sobre un hombre que lucha contra la locura. Constantemente se mezclan los diálogos de las personas que compran diarios con los pensamientos del protagonista de la historieta (se trata de Metaficción, ficción dentro de la ficción). Esta historieta cuenta la historia de un navegante cuyo barco es atacado por una nave negra y queda náufra-

Relatos del Navío Negro

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go durante mucho tiempo. Construye una balsa con las maderas que logró recobrar, y utilizando de base los cuerpos putrefactos de sus compañeros, que, llenos de gases mortuorios, hacen que la balsa flote de manera ejemplar. Las caras muertas lo atormentan durante todo su viaje, pero algo lo hace seguir adelante: el terror de que los tripulantes del monstruoso navío fantasma llegasen a su pueblo. Termina autoconvenciéndose de que el barco finalmente había llegado a su pueblo y destruido todo a su paso, incluyendo a su familia. La balsa es atacada por gaviotas hambrientas y por tiburones. Con lo que queda del mástil atraviesa el cráneo de un tiburón, que termina formando parte de la balsa. Finalmente llega a su pueblo, famélico e intoxicado por la ingesta de carne podrida de tiburón y gaviota; enloquecido por los fantasmas de sus compañeros, por las tormentas de mar abierto y por beber solamente agua salada. El hombre, creyendo estar liberando a su pueblo de los tripulantes del Navío Negro, termina asesinando a su familia y a varias personas del pueblo. Cuando se da cuenta de su locura, se arrastra nuevamente al mar, donde lo ve: el Navío Negro, que lo esperaba, para ser parte de su tripulación.

La Película

Warner Brothers y la Paramount Picture realizaron, con la dirección de Zack Snyder (director de 300, el film basado en la historieta de Frank Miller), la versión cinematográfica de Watchmen. Muchos fanáticos tienen miedo de verla, porque piensan que la película destruirá lo que llevan en el corazón como la más grande historieta norteamericana. Desde mi humilde opinión, les digo a todos los que no la vieron que la vean. Obviamente, la historieta es mucho mejor, pero la película le hace justicia. El Final es diferente, pero cumple el mismo efecto que en el comic. En el final de la película no hay seres monstruosos, se le echa la culpa de las explosiones al Dr. Manhattan. Jon, cuando se entera, se marcha finalmente de la galaxia, dándole la razón a Veidt, ya que el fin justifica los medios. En la versión en DVD de la película, se incluye un disco con extras, entre ellos está un mediometraje de animación basado en Los Relatos del Navío Negro, con la voz de Gerard Butler (actor que dio vida a Leónidas en 300) como relator y protagonista. También está en los extras del DVD un documental llamado Bajo La Máscara (basado en los escritos de Hollis Mason), que cuenta la historia completa de los Minutemen. EH

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T ALLER DE DIBUJO HISTORIET AS
DE
INTRODUCCIÓN. Un estudiante no solo debería abocarse al estudio de las técnicas de dibujo, sino que también tendría que indagar sobre el arte mismo. Sería interesante que conozca a los artistas que lo precedieron, estudiar las diferentes escuelas de dicho arte, tener un panorama de lo que ocurrió en su país, en otros países y/o continentes. Este interés se torna una búsqueda apasionante, no se trata solo de quedarse en lo moderno, sino que también se trata de indagar por los recodos de la historia. ¿Por qué nació este genero?, ¿Con qué necesidad?, ¿Cómo se proyecta en un mundo próximo?, y la pregunta mas interesante, ¿En qué puedo a través de él, aportar algo?... Dibujar no es solo ese acto mecánico que termina en si mismo, sino que es un “Don” que hay que aprender a desarrollar al máximo para traducir impulsos (internos o externos), para plasmar ideas, y para colaborar en la construcción de una cultura. No va a estar de más que les nombre algunos pocos de los muchísimos dibujantes que nos precedieron y que influyeron a las posteriores

Por Fabian Mezquita

generaciones, que a la vez, hicieron lo mismo hasta llegar a nuestros días. La historieta que conocemos actualmente es relativamente moderna, data de fines del siglo XIX, principios del siglo XX, por ese tiempo se destacaron artistas gráficos sumamente creadores y revolucionarios como Richard Outcault, Carl Schulltze, Windsor Mc Cay, George McManus, Lyonel Feininger, Bud Fisher, entre otros grandisimos maestros; No nos podemos olvidar del gran George Herriman, y algunos artistas que manejaban el realismo con una virtuosidad magistral como Harold Foster, Alex Raymond; otros con un estilo menos académico pero muy efectivo como Al Capp o Milton Caniff (y otros muchísimos que no estoy nombrando), más adelante aun, los revolucionarios Robert Crumb y Will Eisner, y algunos otros como Jack Kirby, Neal Adams, y Frank Miller. En Europa aparecian maestros de la talla de Hergé, Uderzo, Peyo, Morris, Franquin, y mas adelante Moebius (o Giraud), Hermann, Loisel, actualmente Guarnido, Barbuchi, Enrique Fernandez, entre otros. Por aquí, por aquellas épocas la primera his-

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Hayao Miyazaki, entre miles. Mirando estos artistas, ustedes tienen una larga lista de maestros, cada uno con un estilo y una forma que los identifica, que hicieron un gran aporte a la historieta de todos los tiempos. Para realizar su trabajo deben apoyarse en ellos para continuar con su legado. Cada uno con su sello, y sus contenidos propios que son los internos, y los de la época que los contiene culturalmente, cada uno aportando su grano, en éste tan hermoso arte, fusión de la literatura y el cine, y encima apto para todo público. recíproca. La persona que desea ir mandando sus ejercicios podrá hacerlo, estos se les revisaran, y se le sugerirá alguna observación si fuera el caso. Así iremos avanzando lección por lección. Mucha suerte para todos, y espero sea de gran utilidad. PARTE 1: DIBUJO 1ra. SUBPARTE: Figura humana Lección 1: Muñeco – Comprensión del concepto de las formas – Estructura básica. El muñeco articulado es una “Esfinge” parecido a la figura humana. Posee gran cantidad de movimientos. El problema que existe es que es muy rígido y da sensación de dureza al moverlo. Es conveniente, por esto, conocer la base geométrica de la figura humana. Si comprendemos esta síntesis, es mas fácil comprender al muñeco (o a la foto que tengamos de referencia), y así podremos captar ese movimiento que querrámos obtener. En cambio si quisiéramos copiar al muñeco o a la foto, sin esa síntesis geométrica, tal vez nuestro dibujo, ridículo y/o sin ninguna gracia. Veamos estos ejemplos:

torieta de la que se tiene referencia es “Sarrasqueta”, dibujada por Manuel Redondo, después una larguisima lista de artístas de nivel internacional que formaron escuela, dibujantes como Zavataro, Sirio, Alvarez, José Luis Salinas, Alberto Breccia, Arturo del Castillo, Carlos Freixas, Joao Mottíni, Enrique Vieytes, Quino, Mordillo, Garaycochea, entre tantos, luego la lista siguió, Fontanarrosa, Caloi, Meglia, Mandrafina, Oswal, Alcatena, Enrique Breccia, Alberto Salinas, Horacio Altuna, García Seijas, Juan Jiménez, Dani de O y un largísimo etc; actualmente aparecen grandes creadores como Juan Saenz Valiente (un gran narrador gráfico), Salvador Sanz, Minaverri, Parés, Calvi, Liniers, Tute, etc, etc, etc… Si pegamos un vistazo por Oriente, tambien nos vamos a encontrar con dibujantes tremendos, algunos de ellos son Akira Toriyama, Masamune Shirow, Katsuhiro Otomo, Osamu Tezuka, Yoyito Usui, Satoshi Tajiri, Takumi Nagayasu, y el gran maestro

Desde el día de hoy presentamos este taller de historietas en donde repasaremos desde el tratado de dibujo, pasando por las técnicas del trabajo y estilos, hasta dar con la estética del arte (composición, secuencias, tiempos, etc). El taller esta dividido en tres partes, y cada parte en otras subpartes, para poder llevar a cabo un trabajo minimamente ordenado. La primera parte es sobre los fundamentos del DIBUJO, y consta de 11 lecciones, en la segunda parte nos meteremos con las TËCNICAS Y ESTILOS de trabajo, que son 7 lecciones, y en la última etapa veremos ESTÉTICA DE HISTORIETA, que consta de 8 lecciones más. Trabajaremos de una forma dinámica y

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Observaciones detalladas: En sí, el dibujo de la figura (con los bloques geométricos) es otra especie de muñeco, pero mas flexible y accesible de manejar. Es, como dije anteriormente una síntesis de la figura humana, y con ella trabajaremos de aquí en adelante. Detalles a seguir:

Si nos fijamos bien, los brazos antebrazos, piernas y antepiernas tienen forma de cilindros, el pecho y el abdomen se asemeja a un cubo que vamos deformando, y la cabeza es una esfera con los

laterales achatados (o cortados), con el agregado de una parte inferior. Ahora ejemplifiquemos con el muñeco de madera:

Para avanzar mejor y más seguros fijémonos en estos detalles importantes: La figura mide ocho cabezas. En los primeros ejercicios conviene hacerse un cuadriculado para tomar (en base a la repetición del ejercicio) familiaridad con los tamaños y las formas. Aquí en el dibujo les marco detalladamente lo que mediría cada una de las partes del cuerpo. Estúdienlo con mucha atención. Observen las figuras y tengan en cuenta dos grandes diferencias al dibujar una mujer y un hombre. La dama tiene las caderas

mas anchas que los hombros, por eso sus brazos ce cierran arriba y se abren abajo, en cambio el varón tiene los hombros mas anchos que las caderas, por eso sus brazos se abren arriba y se cierran abajo. Ejercicios: Es muy útil trabajar la geometría de la figura humana, haciendo varios muñecos hasta familiarizarse, no solo con sus formas sino también con sus partes, para evitar deformidades.

PRÓXIMA LECCIÓN: Movimiento – Línea de eje - Dinamismo. EH

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O DIBUJADO STABA TOD E
Por Marcelo Niño En los albores de la historia de nuestras publicaciones, difícilmente podramos encontrar publicidad en las mismas. Esto, tiene que ver con que las revist as tenían como único objetivo informar y se sustentaban con el solo hecho de la venta de los ejemplares. Los tiempos avanzan y la publicidad comienza a colmar el medio gráfico. Los puestos de diarios, tienen un abanico más que suficiente para ofrecer, era la época de oro de nuestras publicaciones, cada temática contaba con más de una public ación, y la publicidad ocupa un espacio especial, pero no como sustento de una publicación, sino para marcar presencia por un lado o dar a conocer productos por el otro.C ada maestrito con su librito, como dice el dicho, las publicidades iban dirigidas al public o consumidor de cada temática.En cuanto a nuestros dibujantes, tema que nos ocupa en esta nota, han realizado grandes campañas en diferentes medios y temáticas ya que por aquel entonces era más sencillo poder plasmar lo que se quería a través de un dibujo y no por medio de una fotografía.Puntualizando sobre revistas humorística o de historieta, los dibujantes y la publicidad han dejado documentos que son realm ente una exquisitez. Hoy la historia ha cambiado sustancialmente, y las publicaciones son las que necesitas de la publicidad para subsistir, y el avance tecnológico ha colaborado en la desaparición de publicidades dibujadas, pero hagamos un merecido home naje a aquellos que nos han brindado verdaderas joyas entre la publicidad y el humor. EH

SECCION DEL MUSEO ITINERANTE DE HUMORISTAS GRAFICOS E ILUSTRADORES

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PARA MAS MATERIAL ORIGINAL SOBRE AUTORES ARGENTINOS, INGRESA A:

http://museoitinerante.blogspot.com

MERCADO ARGENTINO
UN ENFOQUE ACERCA DE LA INDUSTRIA HISTORIETISTICA NACIONAL ( 1RA. PARTE)

HOY

Por Alejandra Marquez

: FANZINES
Aproximadamente a fines del 2004, inicios del 2005, algunas editoriales asomaron su cabeza con mayor fuerza. Thalos, Doedytores son tal vez las que históricamente dieron el puntapié inicial, basados en los trabajos y experiencia de sus directores. De ahí en más el regreso de algunos comenzó a gestarse. Si bien habían sobrevivido en Internet, comenzaron a buscar su espacio nuevamente en papel. Por aquella época conocimos a Domus. Su primer trabajo estuvo relacionado con la revista Comiqueando, nacida como fanzine, allá por septiembre del ’86. Mucha agua pasó bajo el puente de esa publicación, la crisis antes mencionada llevó a su cierre, tuvo una etapa online, de la mano de Martín Casanova hasta que, Domus mediante, salió nuevamente en papel, en Mayo del 2005. De ahí en más, Domus no paró de editar nuevos títulos y nuevos artistas. A inicios del 2009, Domus dejó de existir, al menos bajo la tutela de Casanova. Pero todo esto, más la nueva editorial Moebius, son tema para otros números de El Historietista Otro que retomó las lides editoriales fue Pablo Muñoz. También allá por el 2005 vió la luz una obra imperdible, con el Maestro Solano López en dibujos y su hijo Gabriel en guión: “Ana”. Esto marcó el inicio de Deux Editora (en ese momento Deux Books), que sigue adelante, más allá de desprolijidades en cuanto a fechas de salida. Pero también todo esto será tema de una próxima entrega. Como se puede observar, en poco menos de cuatro años el engranaje de las publicaciones relacionadas con historietas

Que las aguas están revueltas en el ambiente editorial, no es novedad, posiblemente porque es necesario ese estado revolucionario continuo dentro de ese círculo. Pero que el meta espacio historietero o comiquero tenga desde hace unos años a esta parte una revolución aún más profunda, sí tiene aristas novedosas. Veamos, en el año 2001, aproximadamente, las ganas y el dinero de muchos editores comiqueros se vieron hechas fina arena que se deslizaba sin detenerse. Tanto corrió la arena que el mar muy oscuro de la economía argenta se la llevó sin decir ni mu. Fueron las épocas oscuras. Precios caros, nada en los kioscos de factura nacional, una situación que la mayoría recuerda con sabor amargo. Como suele pasar en nuestro amado y vapuleado país, después de un tiempo y de acomodos a la situación, se llegó a un punto muerto, donde para leer algo relacionado con los cuadritos había que recurrir o a viejas revistas que todos (o la gran mayoría) tenemos en casa, a las casas de canje (pocas, muy pocas) o a la moderna y ahora más establecida lectura online. Como fuera, no había producción nueva, o reediciones, no había en la calle lecturas de este tipo. Y las que había eran importadas, con personajes también extranjeros y caras, bastante caras. Dicen que las crisis son oportunidades que se nos ofrecen para crecer. Y por suerte, esto sucedió con la industria comiqueril.

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comenzó a funcionar otra vez. Y eso que sólo citamos a Thalos y Doedytores. Si, sí, acertaron. Es tema para números venideros. Pero entonces, ¿de qué vamos a hablar en este número? Bueno, alguna vez me enseñaron que para contar una historia uno puede empezar desde el final, pero también, como es lógico, puede hacerlo desde el inicio. Por lo tanto, si bien comenzamos por el inicio, pasamos por el medio de la trama y seguimos por un final acotado y en capítulos, lo que haremos ahora es retomar el hilo de la charla. Y al menos es lo que me sucede a mí, hay un punto, un tema que siempre llama la atención cuando me refiero a esta historia nuestra. ¿Cómo fue posible que a pesar de tantos desencuentros, tanta economía negativa, tantos años sin producción nuestra en la calle, de repente hubiera material dispuesto para salir al ruedo otra vez? Fácil, este país tiene uno de los niveles más altos en artistas de historietas del mundo. Y si bien una gran cantidad trabaja para el exterior (porque son artistas, pero comen y tienen familias) muchos mantuvieron la llama comiquera nacional viva. ¿Cómo hicieron esto? En la red (aunque en el 2002 Internet no era lo que hoy es) y en unas ciertas publicaciones modestas, a veces no del todo bien editadas,

La palabra en sí tiene un cierto aire a idioma inglés. Y así es, es una contracción de fan y magazine . Por lo tanto como primera cosa deberíamos notar que no es una publicación profesional. Como segunda cuestión, lo que se sabe y dice es que los fanzines no tienen una vida muy larga, suelen salir muy pocos números, incluso muchas veces sólo sale uno. Otros se mantienen en el tiempo, siguen publicándose como un ejercicio de libertad creativa, aunque sus integrantes se profesionalicen. En el último tiempo a los fanzines publicados en papel se le sumaron otros más modernos y de última generación. Son los e-zines, la versión en internet de estos . Algunas voces agoreras suelen pregonar que el fanzine en papel está muerto. Pero esto bajo mi perspectiva es una falacia y una forma negativa de referirse a este tipo de publicación señera. Pero preguntémosle a los mismos fanzineros qué piensan al respecto. Les acerqué a varios algunas preguntas. Busqué persopero con muchas ganas de levantar vuelo en algún mo- nas que tuvieran distintas posturas. Aquí dejo los interrogantes y más abajo las respuestas. mento. Me refiero por supuesto a los fanzines. 1.¿El fanzine digital desplaza actualmente al clásico en En la red quienes estuvieron “al pie del cañon” cuando papel? nadie lo hacía, con un foro, con espacio para que todos pudieran expresarse más allá de los vaivenes económi- 2.¿Alguna vez pensaste en dejar de publicar en papel para hacerlo sólo en digital? cos fueron los señores de Portalcomic . De la mano de Hernán Cabrera fue (y sigue siéndolo) un sitio indispen- 3.Si tu comienzo fue en digital, ¿por qué te volcaste al papel? sable para los comiqueros y seguramente sin su presencia las cosas hubieran sido más complejas y difíciles 4.Si tu comienzo fue en papel, ¿por qué te volcaste al digital? para todos. 5.¿Qué ventajas tiene el papel por sobre el digital? En sus foros nacieron publicaciones fanzineras, nacie6.¿Qué ventajas tiene el digital por sobre el papel? ron o mejoraron su andar muchos artistas y se hilvanaHernán Cabrera, diseñador gráfico, colorista, webron proyectos que más tarde vieron la luz. Como dije, los fanzines sustentaron en muy buena parte master de Portalcomic los sueños y posibilidades de muchos que no tenían otro 1.No creo que lo desplace. Lo que si veo es que es una opción más cercana al fanzinero, debido a que es más modo de hacer historieta. Por las dudas, si alguien no sabe a qué me refiero, defi- sencillo y económico y brinda una llegada al público que en papel sería difícil de conseguir. Estoy seguro que el namos fanzine.

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cómodo de leer en todo momento y lugar. 6.Los escasos o nulos costos. La posibilidad de recibir comentarios y feedback del lector en manera instantánea. Una gran llegada al lector, inclusive a nivel internacional. Nuevas posibilidades artísticas (color sin límites, tamaño del área de trabajo también ilimitado, posibilidad de agregar sonido, movimientos, etc.) Ligia Berg, artista visual multifacética. Colaboró en fanzines como “Igantius tenía razón”, “C3”. De amplia experiencia en fotografía, dibujo y artes varias derivadas de la era de lo digital. 1.El medio digital es más económico que el papel. La mayoría de aquellos que publican fanzines cuentan con un costo reducido de dinero para realizarlo, gastan y el resultado no les parece satisfactorio. En el medio digital pueden encontrar una presentación no sólo más económica sino más accesible para ellos y para el público en general. Considero que en un futuro la mayoría de las publicaciones serán digitales y las hechas en papel serán para colección o cosas específicas. Como los cassettes (jaja). De todos modos, todavía se sigue apuntando con energías al papel por un tema de satisfacción personal, ver las cosas en el papel es muy distinto a la pantalla. 2.En los últimos tiempos solamente estuve publicando en digital. 3.El sentimiento es distinto, y creo que siempre uno quiere verse publicado, verse impreso sentirse como los grandes. Una se autocomplace. Pero en mi caso la estadía en papel fue corta y en colaboraciones. 4.No es el caso. 5.Un mayor detalle, genera otro tipo de sensación, una mirada más general de la obra, que pienso que en lo digital se pierde 6.Es más económico, más accesible para uno y el público, no tiene limitaciones en cuanto a la estética que se quiera usar (full color por ejemplo que en papel es muy

costoso) fácil de promocionar. Juan Pablo Camarda, historietista autodidacta, Miembro del círculo del cuadrito desde el 2005. 1.No lo desplaza pero brinda más posibilidades para el autor en cuanto a difusión. Crear un fanzine en papel implica distribuirlo en circuitos chicos o quizá llevarlo incluso a encuentros. Con el fanzine colgado el la web automáticamente se soluciona la distribución en primer plano y la difusión depende de mandar mails y convertirte en spamer por un tiempo, pero de esa forma lo puede leer tu vecino y un holandés que se fue a vivir a Singapur. 2.Desde el primer momento, de hecho antes de lanzar mi primer fanzine decidí colgarlo en la web para probar la recepción y luego imprimirlo, la respuesta fue mejor de la esperada y cuando evalué sacarlo en papel era una inversión importante para la poca circulación que tendría. 3.y 4. De vez en cuando hago un pequeño fanzine en papel pero lo nuevo siempre cae primero en Internet, me parece muy importante que se lea y produzca historieta en papel porque es el origen en si, me parece que lo ideal sería llegar al punto medio en el que los dos medios se complementen. 5.y 6. Creo que la única ventaja que tiene el digital es la llegada rápida y directa, aparte del contacto directo autor lector que es importantísimo. Pero le juega en contra lo mismo que le juega a favor, la grandeza de Internet hace que todo lo publicado ahí sea efímero en cierto punto. El papel por otro lado es el formato clásico de la historieta y no un medio al que tuvo que adaptarse. y quizás para los más cerrados sea mejor visto tener un fanzine en papel que colgar un pdf en la web. Gabriel Fix. Dibujante, docente, historietista, colaboro en Editorial Thalos como en Deux, creador de la bandera de su ciudad Reconquista, Santa Fe. 1.El fanzine digital por si solo no desplaza al de papel, lo

fanzine en papel nunca va a dejar de existir. 2.No. Publicar en digital siempre es una buena opción y lo he hecho. Pero siempre es mi meta publicar en papel. El publicar en papel, el tener el objeto físico en la mano, da un sentido de plenitud al trabajo realizado. 3.No 4.Porque, lamentablemente, en Argentina es cada vez más caro publicar en papel. No solamente la impresión en si misma, sino todo el tema de la distribución que suele tener unos costos absolutamente prohibitivos para los pequeños editores. 5.La fuerza del objeto real en la mano. Es más simple y

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hacen otras variantes. En el segundo boom de fanzines en Argentina las fotocopias eran mucho mas baratas y en el primer boom alla por finales de los 80 era el unico medio para hacerse conocer. A eso se le sumó que los autores solo crecían viendo y leyendo material en papel. Ahora un autor que comenzó a interesarse en los comics y tiene menos de 18 años, con un mercado de historietas hecho ruinas, encontrará blogs o foros y puede ver eso como horizonte 2.Sí, lo pensé, sobre todo cuando vi las posibilidades que me daba el photoshop de hacer cosas en color. Pero es algo tramposo eso, porque sabés que con el papel tenés que arriesgar de forma directa el dinero y con Internet no. Entonces pensás “hago esto a color y

lo ve todo el mundo”, siendo que todo ese “mundo” esta navegando en millones de productos como el tuyo. En cambio la publicación en papel la entregás vos al público de forma directa. Y esto es algo que Internet no tiene 3.y 4. Empecé en papel porque era la única opción en mi ciudad, pero también por el juego de querer ser autoeditor (dibujante/redactor/diagramador/tipeador/etc). Algo que es muy divertido cuando tu única obligación es ir a la escuela 4horas. Ahora estoy volcado un poco a lo digital porque me ahorro ir a ver cuánto aumentó la fotocopia, de jugar a meter ganchitos en el medio de la publicación, de intentar levantar publicidad. Aunque pierdo la oportunidad de tocar y oler papel con mi trabajo para solamente ver como quedo un colorcito que hice en

photoshop. 5.y 6 No es lo mismo, pero porque son dos medios distintos... a vos, ¿qué te gusta más? ¿la manzana o el mar?. Como ventajas encuentro que con el papel el contacto que tiene el lector es directo, el zoom lo hace con su mano y sus ojos, utiliza más que el sentido de la vista. Como autoeditor jugás a ser EL SEÑOR EDITOR y aprendes cosas, como ejemplos te puedo citar el contar las hojas, diagramar , para que sirve el fucking margen, la cantidad de tinta, etc. Como dije más arriba, el fanzinero tiene la ventaja de dejarle el trabajo hecho en la mano al lector y ver su reacción al instante. En contraposición, el trabajo digital tiene como ventaja la cuestión económica de poder usar más colores, arriesgarte a hacer todas las páginas que se te vengan en ganas, probar otros formatos jugar con otros lenguajes y llegar a mucha más gente, que no necesariamente va a leerte, pero sabás que estará ahí en el blog, en la web y puede que algún día alguien por error buscando algo en Google entre a ver lo que hiciste. Cada uno tiene su ventaja, pero prefiero el papel. Max King, Historietista humorístico 1.Creo que lo digital en general desplace al papel, pero el medio digital tiene una ventaja estratégica respecto de las publicaciones en papel, y es mayormente económica. Aún pagando por el alojamiento, es muchísimo más barato tener una publicación en Internet que armar una revista, del formato que fuere, y sacarla a la calle. 2.No. Pese a las ventajas del digital (que no se terminan en lo económico), el papel tiene un punto fuerte que es el de la persistencia. Internet puede ser un gran archivo, pero sigue siendo bastante volátil. No necesariamente la página web de hoy seguirá estando mañana. Todas las publicaciones digitales que hay en GeoCities desaparecerán cuando Yahoo! cumpla lo anunciado y elimine todos los servidores con páginas gratuitas.

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4.Cuando empecé a publicar en digital, fue precisamente por razones económicas. En el 2002, sumado a contar con el acceso a Internet, la devaluación alejó definitivamente los precios de impresión de lo que yo podía sostener en el precio de tapa. No pudiendo volcar el material al papel, finalmente me las rebusqué para terminar publicando en Internet. No fue, eso sí, un traslado del papel al digital, porque el material que escribí y dibujé para Max King Comics! sigue destinado al fanzine, pero sí usé los personajes para hacer material nuevo que publiqué en Internet.

5.Como dije antes, el fanzine en papel es un objeto persistente, que no requiere para accederse más que tener vista y saber leer. Como objeto concreto, es persistente en el tiempo, y es accesible en todo momento y en todo lugar, sin necesidad de ninguna tecnología particular para eso. Además, la experiencia de leer el objetohistorieta es otra cosa, y con la historieta en la mano, el acceso al material es total e inmediato. 6.Publicar en digital es económico en todo sentido. El alojamiento es desde gratuito hasta precios bastante accesibles, incluso en dólares o euros y al tipo de cambio actual El acceso al material carece de límites. El material hasta puede hacerse a color sin que eso varíe en nada el costo. La única limitación para la publicidad está dada por el hecho de que un fanzine no puede publicitarse en otro medio que no sea Internet, pero con las redes sociales y los blogs, hacer “marketing viral” compensa bastante esa limitación. El tema de la accesibilidad es notable cuando, por ejemplo, el webmaster de Portalcomic me contaba que recibió buenas críticas a mi tira de La Liga de Plata, de un usuario de México. A modo de cierre de esta primera parte podríamos decir que una de las patas en las que se basó la actual industria historietera nacional es la de los fanzines. Y otra de esas patas es el medio digital. A esta altura, y por sobre todo, colaborando como lo hago para varias publicaciones online, desconocer el peso de Internet sería tonto. Ahora bien, la mística y el ritual

que genera el papel….no podrán darlo jamás una computadora, ya sea como lector o como autor. En la próxima entrega, nos adentraremos en las editoriales y su mundillo. Por qué los editores son editores y por qué siguen apostando a la publicación en papel. EH Enlaces relacionados Hernán Cabrera: http://cabrerahernan.blogspot.com/ Portalcomic; http://www.portalcomic.com/ Ligia Berg: www.ligianauta.blogspot.com www.ligiabergphoto.blogspot.com Juan Pablo Camarda: http://juampacamarda.blogspot. com/ Gabriel Fix: http://gabrielfix.com.ar Max King: www.mkcomics.com.ar http://enqueandamaxking.blogspot.com

EL PERSONAJE POR SU CREADOR

CA Y R Z JACK
Por Ruben Meriggi

El primer personaje propio que dibuje para la editorial Columba fue Rodwin de Britania, en el año 1982, y como estaba el problema de la guerra por las islas Malvinas cambiaron su nombre por Rodwin de las Galias. Pero el personaje mas importante, para mi, fue Crazy Jack por su continuidad. El guion de Crazy fue pensado por el jefe de arte de Columba Antonio Presa, junto con Gustavo Amezaga, el primer capitulo lo dibujo otra persona y luego me toco a mi. Querían hacer algo tipo Mad Max, inclusive querían pagar los derechos del personaje y utilizarlo, pero no se pudo, también había muchas “referencias” a Blade Runner. Yo le agregue toda esta fisonomía de gigante, medio bestia, poderoso y loco a la vez ,con una personalidad muy fuerte, diferente al héroe tradicional; si tenia que pegarle una trompada a una mujer lo hacia ( y esto traía problemas con la editorial), pero era eso lo que le gustaba al lector. Del pelo corto paso a largo, el uniforme lo hacia diferente y asi varios cambios de ese estilo, eso se debia porque me cansaba de dibujar siempre lo mismo y porque la editorial me decía que lo

haga siempre igual; y como forma de revelarme, hacia lo contrario. El estilo de dibujo que me caracteriza lo fui elaborando a medida que la editorial me obligaba a copiar trabajos de diferentes dibujantes, entonces pase desde el dibujo de Enrique Villagran, que era el que mas se parecía a lo que buscaba, a copiar el arte de Lito Fernández, que no me atraía para nada. Empece a quejarme, a pedir una oportunidad y me hicieron seguir el estilo de Jorge Zaffino, entonces hago una muestra que deja conforme al jefe de arte y me dan la historieta Wolf para dibujarla. Ahí yo hice el dibujo a mi estilo y lo entinte al estilo de Zaffino. Cuando adapte la historieta de la película Krull, ya cambie la resolución; maneje el entintado a la forma de Joe Kubert, pero un poco mas limpio. Cuando empiezo a dibujar Crazy Jack voy cambiando el entintado de los fondos y Presa me propone a que le aplique a la serie una onda europea, un terminado tipo Moebius (ya que se vendia en Italia) ahí comenze a agregarle tramas. Me sentí cómodo, y encontré la forma de que parezca que la historieta esta muy trabajada, y en realidad no era así. Ahora el trazo es mas fuerte, en

el dibujo europeo era mas liviano, pero mi estado de animo es así, soy violento por dentro. Con el guionista nos reuníamos en la editorial para armar la serie, y eso tal vez produjo el éxito que tuvo, porque se hacia con cierto cariño. Se charlaba todo, en base a una escena o idea podía salir un buen guión. Todo lo que vuelco en el papel viene marcado por los estilos de tres de los dibujantes que mas influyeron: Jack Kirby, Joe Kubert, John Buscema; mas todo lo que aprendí en los estudios donde estuve trabajando.El tema de las tramas, de los grisados lo aprendí de espiarlo a Ricardo Villagran, yo entraba al estudio y mientras el trabajaba yo observaba; uno esas cosa las almacena como una computadora y el día de manaña, hasta inconscientemente, lo soltas. Crazy Jack era un militar retirado que se transformo en mercenario, y casi todo lo hacia por dinero. Esto era una de las cosas que mas chocaba en la editorial, pero como dije antes, a la gente le gustaba. También había muchos personajes miserables, al vivir en un planeta desbastado, tanto físico como moralmente; cualquier tipo

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de personaje sin alma. Y en el medio de Crazy juega con esto, por que parecía ser un hielo, y por gotitas le brotaba la parte humana. La idea era hacerlo mucho mas fuerte, pero hubo guiones que la editorial filtraba. La editorial venia con el vacío de una historieta como Mark, cuya tematica era tambien en un futuro apocaliptico (que el dibujante Ricardo Villagran había abandonado y había sido un mega exito). Incluso en un momento me habían ofrecido hacer Mark 2000, con guión de Robin Wood, donde al personaje le tenían que quemar el rostro,trabajo que no me gustaba para nada porque el personaje lo tiene que hacer el que lo creo y prefería intentar algo nuevo . Ahí me dieron Crazy. Columba descubrió, después de un tiempo, que Crazy les traía una generacion lectores nuevos que no solían comprar las revistas, esto permitió que me dejaran trabajar con mas libertad. Lamento mucho, el haber hecho capítulos que quedaban feos por la velocidad, pero muchas veces planificábamos y después había que entregar en una semana, y te llamaban por teléfono y lo querían para ayer... Así se trabajaba para columba. El ultimo capitulo se publico en 1998 y la historia quedo abierta, porque la editorial ya no pagaba, y yo renuncie. Fue

muy doloroso. Al tiempo la editorial desapareció, yo me quede con las ganas de seguirlo y la gente me lo siguió pidiendo, entonces surgió la idea de publicarlo en formato comic-book, para cerrar la saga dándole un final; me quedo el hacer una autoedicion con un proyecto llamado Brain Box, la idea era venderlo por internet a traves de un sistema de impresión por demanda, pero llego el desastre economico del 2001, con devaluacion de moneda incluida y todo desaparecio; igual se imprimieron varios numeros que llevaba a diferentes eventos y tuvíeron gran aceptacion. Este era un homenaje a Jack Kirby, que había quedado trunco, por que yo lo quería hacer dentro de las revistas de Columba; era como agradecerle que yo era dibujante gracias a el. Pero se dio dentro de mi primer comic-book. Y también es un homenaje a los lectores. Despues vino la oportunidad de ser el direcotor de arte de la revista Magma, para la editorial Thalos, y en esta republique esta ultima historia de Crazy, para quien no tuvo la suerte de conseguir esa pequeña edicion anterior. Y hoy tambien de la mano de

Thalos, sale a la venta el comic de Crazy Jack: “ la saga del fantasma”, publicacion de dos numeros, donde republico estas historias, de las cuales tengo mucho aprecio y me tome el trabajo de restaurar. Esperemos que la nueva generacion de lectores nos siga acompañando, como hasta ahora. EH

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SECCION MUSEO DEL DIBUJO

PATORUZITO
Por Hugo González Castello

GRANDES PUBLICACIONES ARGENTINAS

Habiendo alcanzado el éxito con la revista ‘Patoruzú’, Dante Quinterno pudo publicar un gran semanario de historietas de aventuras, que vio la luz el 11 de octubre de 1945, y que hasta el Nº 593 del 9 de mayo de 1957, en sus tapas, tuvo como protagonista al pequeño gran cacique tehuelche y a Isidorito Cañones, el nombre elegido fue ‘Patoruzito’. En su tapa el Nº 1 mostraba al cacique Patoruzito acompañado del potrillo Pamperito, con su personal mirada torva. En el isologo de la revista ‘Patoruzito’, Quinterno unió las tres primeras sílabas, que evocaban al personaje original y por ende apuntaban a un público adulto, con las dos últimas de mayor tamaño y a color que estaban dirigidas al público infantil. Al convocar a un público tan heterogéneo, su contenido pasaba, de temáticas cómicas a aventuras infantiles y de estas a aventuras para todo público. Había relatos humorísticos de media página, o aventuras de una o dos páginas, las que inexorablemente, en la mayoría de los casos, finalizaban con el consabido “continuará”. Las tapas de la revista merecen un tratamiento especial, ya que estaban realizadas por un trío excepcional: los dibujos eran plantados a lápiz por el jefe de dibujantes de la revista Tulio Lovato, pasadas a tinta por Jaime Romeu y coloreadas por el entonces joven Guillermo Roux consagrado hoy como uno de nuestros más importantes artistas plásticos. Entre los dibujantes de historieta que engalanaron sus páginas podemos nombrar a Raúl Roux (padre de Guillermo) con su aventura ‘Fierro a Fierro’, Emilio Cortinas que dibujó ‘La conquista de Jastinapur’ entre muchas otras, Leandro Sesarego con su ‘Vito Nervio’ que posteriormente fue continuado por el gran maestro Alberto Breccia, el historietista español Carlos Freixas Baleito que le dio vida a ‘Tucho de canillita a campeón’, la reimpresión de ‘Hernán el corsario’ dibujado por José Luis Salinas, y tantos otros. Como complemento se publicaron en sus páginas historietas llegadas del exterior, entre las que vale mencionar Rip Kirby y Flash Gordon ambas de Alex Raymond, entre las más conocidas. En lo referente a las tiras cómicas podemos decir que Oscar Blotta le dio vida al ‘Gnomo Pimentón’, Eduardo Ferro a su ‘Langostino’ quien surcaba los mares a bordo de su lancha Corina tratando de emular a Vito Dumas, Roberto Battaglia a ‘Mangucho y Meneca’ que posteriormente se transformó en ‘Don Pascual’, entre otras. Su edición de prolongó durante casi dieciocho años, llegando hasta el Nº 892 del 31 de enero de 1963. La magia de su contenido, hace que aún hoy nos deleitemos releyéndola.EH

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http://www.museodeldibujo.com

COMIC.AR
Por Walter Vazquez

Tal vez puede ser la publicación más original de los últimos tiempos. Comic.ar es una pieza de diseño muy interesante, Es una revista de historietas al estilo de los famosos Sundays americanos, aquellos suplementos que acompañaban a los periódicos los días domingos, a todo color y compuesto por tiras auto conclusivas y continuadas (con diversidad de genereros, desde la aventura al humor), a esto le sumamos la excelente distribución y periodicidad mensual, comparable a la “híper exitosa” revista fierro, y un precio que hace acordar a las épocas donde las revistas eran accesibles a todos. Salio a la venta en junio del 2009 y ya va por su quinto numero Su editor Tomas Cogiola nos responde al respecto. EH: ¿Como surgió la idea de sacar este tipo de formato con tiras diarias? La idea fue llevar la página de chistes e historietas de los diarios a una revista. Hoy el formato de tiras y páginas apaisadas es más conocido por los blogs que por el medio que los vio nacer, los periódicos. Por eso se llama Comic.ar el periódico de historietas. EH: ¿Cual fue la respuesta del publico? Muy bien, el público en general ha respondido con entusiasmo y con la expectativa de ver más. La salida de una revista en el mercado actual de historietas en Argentina es un acon-

tecimiento, más incluso de lo que me hubiera imaginado. EH: Lo bueno que tiene la revista es su inamovibles fechas de salidas, eso hace que la espera por las aventuras continuadas se lleve mejor. ¿Cual es tu opinión a esto? Estamos tratando de mantener la periodicidad, para que nadie se quede sin el continuará. El continuará estuvo desde el comienzo del proyecto y es lejos una ventaja para el lector que tiene historias con más desarrollo. Eh: En los últimos tiempos la edición en argentina se vuelca al formato libro, ustedes van en sentido contrario. ¿La idea es retomar la vieja formula donde las publicaciones baratas llegaban a mayor cantidad de lectores? Exactamente, si los libros son más caros que las revistas y a eso se le suma que quizás la gente no conoce a loa autores o a los personajes, se reduce bastante las posibilidades de llegar a un público mayor. Creo que hoy en día hay que trabajar para conquistar nuevamente al lector de historietas. Una publicación de bajo precio y con un aba-

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nico de autores y personajes puede enganchar al lector. EH: ¿Cual fue el criterio en la elección de los autores, y a que publico apuntan? Apuntamos al público más amplio que se pueda captar, aunque la historieta en si ya tiene un targets más inclinado hacia los varones y a los jóvenes, estas historietas están hechas para todo público. En referencia a los autores, mi primera opción fueron los autores que ya conocía, porque había trabajado con ellos, por ejemplo, Curci, Basile, Alcatena, Ibáñez, Greco, Löwy y Szilágyi. Además son todos excelentes, así que no tuve muchas dudas, creo que el desafío era que ellos estuvieran de acuerdo con el proyecto, ya que cuando les propuse hacer Comic.ar era sólo eso. Por otro lado, a medida que avanzó el proyecto fui conociendo a otros autores que se sumaron y se entusiasmaron con Comic.ar EH: ¿Habra cambios en el futuro inmediato, en cuanto a autores y edición? En el número 4 y 5 hicimos algunos cambios en la edición, la cantidad de páginas pasó de 12 a 16 y ahora la parte color lleva papel ilustración. En materia de autores en el número 4 se había sumado Andrés Lozano con “Los Crichos” y en el 5 comienza “Colo Galván” de Toni Torres y Mariano Navarro. Más adelante estrenaremos una tira nueva de Jorge Morhain y Miguel Paradiso “Garrote” que es un policial detectivesco.

EH: ¿Como se manejan con la distribución, y en cuanto a los costos, ya que no tienen publicidad? La distribución es la de cualquier revista que llega a los kioscos de diarios y revistas, mediante un distribuidor para capital y otro para el interior. Luego se puede encontrar en las comiquerías Club del Comic, Camelot y Entelequia. También se puede comprar en la página web que tiene un sistema que te permite diferentes formas de pago y los envíos se realizan por correo privado. En cuanto a la publicidad, estamos trabajando en eso, la idea es que Comic.ar tenga anunciantes, ya que es un medio muy bueno para que las empresas pauten. EH: Seguramente les llueven propuestas de autores para incorporarse a la revista. Paciencia, hemos comenzado con un proyecto de cero, que tiene la característica de no tener un editorial detrás, por tanto hay que crecer de a poco. Realmente espero que con el tiempo haya más espacio para otros autores. Por ahora leo con mucho interés todos los mails, aunque a veces no tenga tiempo de contestarlos a todos. EH: ¿Que opinas sobre sobre el producto final? Me gusta, es la revista que yo buscaría en el kiosco, con historietas, humor y algo de información, con un formato novedoso en cuanto al diseño. Sobre los autores que están en Comic.ar me gusta lo que está haciendo cada uno, me da la sensación que ellos también están haciendo lo que les gustaría leer, y eso se nota.EH

NAHUEL PUMA, TRAS LAS HUELLAS DE EL ETERNAUTA Por Armando Fernandez

Después de cincuenta años de profesión en el tema de escribir guiones para historietas, puedo decir con propiedad que algo he leído y conozco sobre historieta argentina. Y, desde luego, todavía puedo recordar mi asombro cuando a la edad de 12 años (corría el año 1957) tuve en mis manos el primer número de HORA CERO semanal. Allí, junto a los relatos de Ernie Pike ilustrado por Hugo Pratt, Randall, the kyller, ilustrado por Arturo del Castillo y Cayena, ilustrado por Daniel Haupt llegaba una historieta que a mí (y a miles de lectores también) me sacudió. Hablo, desde luego, de El Eternauta. Yo ya era hincha fanático de Solano López (Bull Rockett, Rolo el marciano Adoptivo, Uma-Uma, etc) porque lo venía leyendo desde Misterix y Rayo Rojo. Quedé atrapado, fascinado (hoy tengo toda la colección completa encuadernada a la que guardo como un verdadero tesoro) Muchos años después, trabajando para la revista SOLDADOS tuve el honor de hacerle un reportaje al maestro Solano (¡las cosas de la vida!). Y así pues, El Eternauta quedó depositado en mi subconsciente. Muchas historias escribí desde entonces, de todos los temas e incluso llegué a desarrollar en la etapa final de la querida Editorial Columba

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la serie John Cronos, con ilustraciones del maestro uruguayo Miguel Castro Rodríguez, cuya primera parte se publicó en El Tony y en la Lanciostory italiana, quedando la segunda y tercera parte no publicadas (a pesar de poseerlas completas) John Cronos fue, de algún modo, mi primer homenaje al talento del gran H. G. Oesterheld , pero el personaje, un norteamericano, nada tenía que ver con nuestra idiosincrasia, modos y costumbres. Yo sabía que me faltaba algo.

ARMANDO FERNANDEZ
Nacido en la ciudad de Buenos Aires y autor de miles de guiones de historieta, publicó su primer guión profesional en 1959, a la edad de catorce años, en la revista Casco de Acero, que por entonces dirigía Andrés Cascioli, más tarde célebre creador de Humor quien le llegó a dibujar un guión de “western”, El honor de un renegado. Creó su primer personaje, Capitán Siglos, con dibujos de Angel “Lito” Fernández.De allí pasó a las revistas X-9 y Bala de Plata, de Editorial Nómina. En 1965 arribó a Editorial Columba en donde colaboraría hasta el cierre de la misma a mediados del 2000. Luego vinieron los guiones para la Eura Editoriale de Italia, el Ejército Argentino y la Escuela de Náutica de la Armada Nacional. Para el Ejército Argentino realizó los guiones de los Cuadernos de la revista Soldados. Para la escuela de Náutica de la Armada Nacional realizó en 2006 el guión de la historieta ¡Al Grito de Santiago! sobre la actuación del Tercio de Galicia en la invasión inglesa de 1807. También en 1997 publicó un volumen en historieta titulado “A quince años de Malvinas” sobre episodios de la guerra en el Atlántico Sur.

NAHUEL, un muchachito criollo.

Y un día pensé: “Voy a contar una historia de Ciencia Ficción ambientada aquí, en la argentina, tal como sucedió en El Eternauta “. Y como, lamentablemente las editoriales de historietas han desaparecido en este país, resolví escribirlo como novela. Puse manos a la obra y así nació “Nahuel Puma y el anillo del poder” que es la primera parte de las aventuras de Nahuel, un pibe argentino como cualquiera de los jóvenes de hoy. Solo que, a Nahuel le suceden cosas extraordinarias, tales como ser abducido en la Antártida por una nave extraterrestre y enterarse de que el universo está en guerra y esa guerra llegará pronto a nuestro planeta. De hecho, el invasor establece como “cabeza de playa” a las islas Malvinas. Y allá va Nahuel, convertido en súper soldado por haber recibido un baño de antimateria, junto a sus aliados y amigos, a dar batalla al invasor. Como dije, esa fue la primera parte. Y escribí también la segunda llamada “Nahuel Puma y el día del juicio final”, donde lamentablemente, la civilización humana es practicamente borrada del mapa. Mi amigo, el maestro Sergio Ibáñez, me oyó relatar lo que había escrito y me pidió la primera novela para leerla. Con falsa modestia debo decir que Sergio “quedó enganchado”. Recuerdo que me dijo:”Me tenés que hacer la versión en historieta, porque esto lo quiero dibujar”- El tiempo pasó y Sergio me habló de un proyecto que estaba desarrollando Tomás Coggiola, uno de los creadores del recordado personaje Mikilo. Se trataba de un periódico de historietas (después me enteré que iba a llamarse Comic.Ar). Y bueno, me puse a trasladar al esquema del guión lo que ya había desarrollado en la novela. Debí sintetizar mucho, porque novela e historieta no son la misma cosa, como se comprenderá. Realmente lo que tengo planificado son cinco novelas que abarcan toda la serie, la cual está plagada de sorpresa y aventuras. Entonces, desde ahora, y felizmente con excelente respuesta del público,de la mano del pincel del maestro Sergio Ibáñez y con relatos y diálogos de quien suscribe estas líneas, Nahuel está desarrollando sus aventuras en Comic.Ar. Me siento muy feliz y gratificado haciéndolo. Creo que el “querido viejo” Juan Salvo, debe estar guiñándole, complacido, un ojo a este pibito argentino que sigue sus huellas y combate contra un despiadado invasor que tiene algunos puntos en común con los enemigos que el inolvidable Eternauta debió enfrentar.EH

JA N (Y
Por Pablo Stadelman

ES UN PAJA RO, ES UN A VION ES...

SUPERLOPEZ)
Junior y Strong (ambas extintas) donde crea personajes Sicodelic Hood, parodia de Robin Hood, los Hermanos Rengifo y Lucas el Maldito. Es debido a esto, que Antonio Martín, le encarga en 1973, para la editorial Euredit la realización de una parodia del superhéroe de moda, Superman, creando así a Superlopez. Los primeros trabajos distan mucho de los actuales, siendo tiras auto conclusivo, de cuatro cuadros, en blanco y negro, donde el humor reside más que nada en las expresiones y posturas corporales de los personajes. Es en 1978 que vuelve a Bruguera, y retoma el personaje, dejándole el manejo de todas las historias, siendo el personaje que actualmente todos conocen. Haciendo mayor hincapié con el origen de Superman, se le da un origen extraterrestre, ya que provenía del planeta Chiton, y se llama originariamente Jo-Con-El. Junto a esto, se desprenden parodias de todos los personajes de superhéroes de la capa roja, que obtienen su versión en las historietas de superlopez, como Luisa Lanes, Jaime González, y demases. Esta comparación entre los dos personajes, dio inicio a una serie de aventuras donde Superlopez siempre terminaba las historias con chichones, moretones y magulladuras en todo el cuerpo. Con el paso del tiempo, Jan le da un enfoque distinto, mas orientado al humor adulto,

UN SEÑOR LLAMADO JUAN Si se nombra a Juan López Fernández, cualquier persona no reconocería el arte que se esconde tras esa persona, quizás deberían conocer su Pseudónimo, Jan, para dar rienda a todo el bagaje que esta persona encierra. Jan, como todos lo conocen, nació en la provincia de León, Castilla en España, un 13 de Marzo de 1939. A los 6 años, le detectaron una sordera congénita, por lo que la familia se traslada a Cataluña, para una mejor atención del niño. Para superar este problema, su familia lo alentó a dibujar , y escribir, lo que le llevo a dar sus primeros pasos en la revista Yumbo, y sus primeros pasos como animador en los estudios Maican. Junto a su familia se muda a Cuba, en 1959, donde comienza a trabaja en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos), y en varios canales de televisión, combinando con el trabajo de corrdinador de varias historietas juveniles de diversas editoriales. En 1969, regresa con su esposa y sus dos hijos a Barcelona, donde comienza a trabajar en Bruguera, gracias a la ayuda que le da Miguel Pellicer, que había compartido trabajo en los estudios Maican. Allí trabaja en varios libros infantiles, de estudios y troquelados, hasta que comienza a trabajar en editoriales como Gaceta

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Entrevista a Jan
EH:¿Cuales fueron sus primeras lecturas de pequeño, historietas, libros, revistas etc.? Bastante escasas y normales, era la postguerra y mi familia pasaba bastantes penurias como para comprar tebeos o libros, pero algo pude hojear entre los más comunes... A los doce años mi padre me regalo una edición resumida del libro de Don Quijote de la Mancha y desde entonces fue para mí una lectura fundamental... Llegue a saberme párrafos enteros de memoria. EH:¿Influyo esto en la elección de su carrera? Naturalmente que no, lo que yo aspiraba a hacer inicialmente no eran los cómics sino dibujos animados y me gustaban sobre todo los cortos de la U.P.A. Correcaminos, mister Magoo, etc... Pero no tuve éxito debido a mi sordera, que me dificultaba dirigir equipos humanos. Tal vez por eso me decante al cómic ya que podía hacerlo solo. EH:¿Cuales han sido sus mayores influencias a la hora de encarar su trabajo frente al tablero? Mis inicios fueron en los estudios Macián de Barcelona y trabajábamos en animación para spots de publicidad. Para cada spot teníamos que un estilo diferente, eso es lo que me marco más ya que me hizo versátil. Si actualmente llevo años con el mismo estilo de dibujo se debe sólo a que el Superlópez sigue siendo un elemento solicitado y no puedo cambiarlo.

EH: Repasando su historia, no podemos dejar de repasar su trabajo, con personajes como Sicodelic Hood, los Hermanos Rengifo o Lucas el Maldito. Como fue la creación de estos personajes, y si le gustaría retomar alguno de ellos. En primer lugar Sicodelic Hood no lo cree yo, simplemente era un personaje de la película de Francisco Macián, “El Mago de los Sueños”. A mi me pidieron que lo dibujará en cómic para la revista Gaceta Junior que había comprado los derechos. El resto sí fue creación mía y cada uno tiene un estilo de dibujo más o menos diferente, pero no los retomaría sencillamente porque nunca miro para atrás... Son parte de épocas pasadas. EH:¿Que autor elegiría para que escriba una historia de Superlopez, de lengua Hispana o no? Lo haría yo mismo, pero no veo Superlópez como novela escrita. No creo que valga la pena... EH:¿Con que estilo trabaja más cómodo? Con las historias de 62 ó 48 páginas divididas, con

donde las aventuras se prologaban, tomando el formato de comic, propiamente dicho. Con este estilo de humor, es que se perfilan temas en las historietas, como la contaminación, las drogas, el racismo, y muchos otros temas que son tratados de una manera inconfundible. Además, se suman constantes referencias a la cultura Pop, o a algún suceso importante contemporáneo al armado de la historia. Es sabido que Jan se basa en lo que sucede en la actualidad para armas las historias de Superlopez, y toma elementos cotidianos y los expresa en clave de humor para dar un mensaje positivo a quien lo lee, esto hace de Jan, un autor difícil de encuadrar, proporcionando un amplio disfrute cualquiera sea la edad del lector. A continuación, una entrevistas que realizada a Jan en este año, donde relata sus inicios, y sus preferencias artísticas entre otras cosas.

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viñetas grandes a color, similar al modelo francobelga o al modelo Americano de Superhéroes. No veo las historias de Superlópez de una forma tan cerrada, no sigo modelos determinados y de hecho he usado varios formatos diferentes porque no quiero aburrirme; me gusta variar y experimentar... Supongo que las historietas que hice con 62 páginas quedaban más interesantes ya que daba más juego argumental y las actuales de 48 me lo limitan bastante, pero es una exigencia comercial de la editorial y la comprendo, yo también sé hacer números... EH:¿Cree que las historias de Pulgarcito, podrían ser continuadas por algún otro autor que no sea usted? Ya lo intentó uno y fue un desastre, duro tres páginas, y no me extraña nada. Tengo un estilo demasiado personal y el tipo de historias que desarrollo tiene un fondo que si no se capta bien no puedes hacerlo igual... Tampoco sé porque habría de permitir eso. EH:¿Que temas elegiría si tuviera que

encarar un nuevo proyecto, distinto a Superlópez? ¿Temas...? Precisamente busco siempre un tema a tratar en cada una de las historias de Superlópez... Sucede que a mi el personaje me es indiferente. Lo que me importa es la historia a contar con él y al conseguir que un personaje pegue y guste al público consigo que compren y lean mis historias. Me costo mucho competir con los populares del momento: Mortadelo y Filemón, ZIPI Zape, etc. y el mismo Superman naturalmente. Esta respuesta también complementa la pregunta anterior. EH¿Cuanto tiempo tarda para realizar un álbum completo, entintado y a color? Entre escribirme el guión, documentarme y realizarlo completo pueden ser cuatro meses, poco más... EH: El reconocimiento de los críticos y los lectores, es muy importante para el artista. ¿Esto lo llevo a disfrutar aun más de su trabajo, o siente que aun puede sorprendernos con algo más? De los lectores y los críticos me interesa el efecto que mi trabajo les produce, no su aprobación o rechazo... Sé que nunca llueve a gusto de todos y es muy difícil sorprender pero es verdad que hay que intentarlo. O mantengo el interés o plego. En resumen es parte del trabajo y disfrutar, disfruto cuando he terminado... ¡Un trabajo, aunque te guste, siempre es un trabajo...! y cansa que no veas... EH: Además de las historietas, ¿cuales son las otras actividades favoritas que realiza Jan cuando tiene tiempo libre? Empezar otra... Bueno, antes tenía hobbies... La microscopia, la fotografía, en una época coleccione sellos

pero acabe pegándolos en las cartas, todavía tengo tres telescopios reflectores, dos sin estrenar... tal vez caminar por la montaña... EH:¿Que esta leyendo actualmente, y que recomendaría a los lectores? Mis lecturas son muy variadas, pero bastante anárquicas ya que puedo estar leyendo una novela y dejarla por otra más en relación con el tema que estoy trabajando en Superlópez... y la verdad que me gusta leer, pero reconozco que estoy un poco fuera de onda actualmente. Recomendar lecturas es difícil sin saber a quién, qué edades ni que cultura... Prefiero recomendar en general sencillamente que lean libros, buenos libros... y toda su vida.EH

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El papá de Henga y otras aventuras prehistóricas
Por Carlos Martinez En 1974 al presentar el primer episodio de “Henga” la revista Skorpio destacaba el interés de Juan Zanotto (1935-2005) por el tema del hombre prehistórico, y del trabajo de creación en conjunto con el guionista Eugenio Zapiettro (“Diego Navarro” en esa ocasión) para el desarrollo de la serie. A “Henga” como es sabido le seguirían personajes similares como “Hor” y “Tagh” amén de otras series posteriores que se desarrollaban en los lejanos tiempos de la Edad de Piedra o por el contrario en un futuro en el cual por diversas causas (cataclismos, guerras, etc.) la Humanidad había sufrido una regresión que la obligaba a afrontar circunstancias y condiciones similares a las del hombre de las cavernas. Que la afición de Zanotto por estos temas venía de lejos lo prueba una historieta suya publicada hacia 1957 ó 1958 en la revista Aventuras del Oeste, en la cual por la misma época hizo “El mundo del hombre rojo”. La historieta en cuestión se titulaba “Ucán el legendario” y en su episodio inicial el protagonista descubría el cuerpo de un hombre de características físicas diferentes de la suyas (tal como sucedió en realidad entre el Neanderthal, el Cro-Magnon y el Sapiens Sapiens) y junto a él unos signos marcados en el suelo. Guiado por esas señales encuentra el poblado de donde era originario el muerto y luego de diversas peripecias encuentra al desaparecido jefe del clan, quien había sido víctima del complot de un rival. Salvo la firma de Zanotto no hay mención de dibujante ni guionista, pero puede presumirse que el guión o la idea original le pertenecían. Por supuesto que en la época en que dibujó esta historieta Zanotto todavía estaba lejos de alcanzar el nivel técnico de los comienzos de “Henga” y posteriores; la mujer que acompaña al protagonista en sus andanzas está lejos de las curvas de Bárbara o similares (claro que tampoco en aquellos años cincuenta se hubieran permitido demasiadas audacias), pero de todas formas la manera en que resuelve elementos del agreste paisaje en que se ambienta la historia tales como volcanes en erupción, altos farallones de roca ó río turbulentos muestran ya el enorme potencial de aquel Zanotto versión 1958.

Brigitte entre dinosaurios
Y ya que estamos con la Edad de Piedra y la historieta, aprovechemos la ocasión para hablar de un trabajo referido también a esa época realizado por un dibujante menos conocido que Zanotto pero de indudables valores: José María Clemen , o José Clemen a secas ó Joe Clemen, también guionista de trabajos para sus hermanos Juan y Carlos, este último uno de los iniciadores de la historieta de aventuras en nuestro país. El trabajo de José Clemen se titula “Bi-Bi” y exige una aclaración previa. A mediados de los años cincuenta el cine francés lanzó a la fama a una actriz que rápidamente se convirtió en uno de los símbolos sexuales de la época y desató los consiguientes escándalos con películas como “Y Dios creo a la mujer”. Esa actriz era Brigitte Bardot (o BB) y su descubridor y luego esposo fue el director Roger Vadim, pareja que en algún momento se convirtió en triángulo con la irrupción de un actor llamado Jaques Charrier. Precisamente lo que hace José Clemen es tomar este trío amoroso y ubicarlo en la Prehistoria, desarrollando un relato en el cual los dos hombres deben ganar el amor de Bi-Bi (cuyo rostro es obviamente el de la Bardot) alcanzando la cima de una alta y peligrosa montaña, desafío que termina con la muerte de ambos rivales. La historieta se publicó en la revista Puño Fuerte en 1961 y es una muestra de la calidad de Clemen, quien en el citado trabajo desarrolla un minucioso trabajo a pincel. Digamos para completar su semblanza que José Clemen inició su carrera muy joven a inicios de los cuarenta,

dibujó luego en Billiken, Ping-Pong y Poncho Negro, formó parte de a Editorial Cleda (creada por los Clemen) y desde finales de los años cincuenta colaboró como dibujante y guionista en las revistas Fuego, la citada Puño Fuerte y posiblemente Impacto, de la misma editorial. En 1971 con guión de Héctor Oesterheld dibujó “Rush Congo” en la revista TOP, un trabajo que algunas reseñas suelen atribuirle erróneamente a su hermano Carlos, quien había fallecido una década antes. No contamos con datos de su actuación posterior en la historieta pero sí sabemos que en 1994 todavía estaba activo realizado ilustraciones para manuales didácticos.

Los tiempo de Alley Oop
No estaría de más para completar estas breves referencias sobre dos historietas argentinas ambientadas en los comienzos de la Humanidad que refrescar algunos antecedentes al respecto que pueden encontrarse en el comic y el cine yanqui. Entre esos antecedentes le corresponde un lugar de privilegio a “Alley Oop”, creado en 1933 por el dibujante Vincent Hamlin. Su interés por la Paleontología -despertado en él cuando trabajaba como bocetista para una compañía petrolera de Texas-, im-

pulsó a Hamlin a idear una tira humorística ambientada en la Prehistoria, serie que gozó de gran aceptación en su momento, perduró hasta 1971 y en nuestro país se publicó, entre otros medios, en la revista Pif- Paf con el título de “El hombre de las cavernas”. Inicialmente el protagonista vivía sus aventuras en la tierra de Moo pero luego es capturado por una “máquina del tiempo” y a partir de allí aparece en distintas épocas históricas, recurso que le permite al autor jugar con los anacronismos, la parodia y el contraste entre la visión de ese hombre primitivo y sociedades más desarrolladas, un recurso que años más tarde utilizarían Hanna y Barbera en “Los Picapiedras”. Ya entrando en el terreno de la aventura seria y siempre en Estados Unidos, hubo también varias historietas que se desarrollan en la Prehistoria, tales los casos de un personaje de la Dell Comics llamado “Naza, el guerrero de la Edad de Piedra”, de “Cave Girl” y de “Cave (caverna) Carson”, este último dibujado entre otros por Bruno Premian en los años sesenta. En realidad solamente la primera transcurría en esa Edad histórica mientras que las dos restantes apelaban al recurso (muy habitual por otra parte) de hacer la transcurrir la acción en el presente pero en lugares remotos donde por razones no explicadas habían persistido la fauna, la flora e incluso grupos humanos pretéritos. El cine también se ha interesado en la Prehistoria y en

el apasionante proceso durante el cual el hombre fue imponiendo su supremacía en la Tierra, construyó sus primeras herramientas, descubrió el fuego o domesticó algunas especies animales. Eso es básicamente lo que cuenta la magnífica “La guerra del fuego” del francés Jean Jaques Anaud, mientras que en un plano más aventurero pueden mencionarse la reciente “10.000 AC” y más atrás en el tiempo “Un millon de años antes de Cristo”, que si bien es tirando a bodrio por lo menos tiene el mérito de contar como protagonista a Raquel Welch, otra “gloria” de los sesenta. Volviendo a la historieta, cuando se leen o se repasan estudios acerca de este género que nos apasiona no faltan en algunos de ellos referencias que señalan a las pinturas rupestres de Altamira y otras similares como lejanos antecedentes de los actuales cuadritos. Más allá de lo que pueda opinarse al respecto lo cierto es que de todas formas los tiempos prehistóricos han sabido ganarse un lugarcito en el mundo de la historieta. EH

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Superman: Secret Origin
Dc comics publica una una nueva miniserie contando el origen de Superman y parece que pasara a la historia como lo hizo la version de Jhon Byrne en los años 80, en aquella oportunidad el origen de Clark estaba mas cerca de las peliculas de Richard Donner y la actual serie Smalville. Pero con los cambios de continuidad que metio en los ultimos años la editorial en sus personajes, era necesario un nuevo recuento para el hombre de acero. Y por suerte lo hara el guionista del momento : Geoff Johns con el dibujante Gary Frank. Por las imágenes se pueden deducir algunas cosas importantes.

Todo suma
Dos obras fundamentales para entender la historia del comic americano y su influencia alrededor del mundo. Se tratan de dos formatos diferentes con un mismo nombre: Will Eisner. Por un lado tenemos el libro Shop Talk, entrevistas a grandes maestros de la industria que Eisner hace en carácter de coprotanista con el invitado, y por el otro el film realizado en el 2007, llamado Will Eisner: retrato de un artista secuencial. Comenzaremos con el filme, un documental que cuenta la vida de Eisner ( en realidad la historia del comic americano, digamos, que es lo mismo), desde su naciemiento como creador de comics, sus exitos tanto en la prensa como en los comic books, hasta el periodo que desaparecio de la industria ( el peor momento de la misma) para trabajar en publicaciones educativas y militares, y luego reinsertarse en el medio, ya de la mano de los comics underground y la perspectiva analitica de los semiologos sobre el 9no. arte, todo este coctel hace que el viejo Will cierre el circulo con la creacion definitiva de la historieta de autor: la novela grafica. En cuanto al libro, Shop Talk, son un compilado de amenas charlas disfrazadas de entrevistas, con grandes maestros de la talla de Jack Kirby, Neal Adams, Milton Cannif, Joe Kubert y otros , donde no solo se rememora los años dorados de los comics, sino tambien la epoca de post segunda guerra mundial, donde el mercado no era un lugar apto para ningun profesional, y que paso con estos en esa epoca: la respuesta es simple, los dibujantes se iban a trabajar en la publicidad, era el boom de las grandes agencias y en este libro Eisner hace un gran seguimiento de exelentes dibujantes que abandonaron los comics para hacer publicidad y tambien el caso contrario.

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YA SALIO EL NRO.1 !!!

PUBLIQUEN A SONOMAN Este es un blog de homenaje al maestro Oswal, uno de los mejores dibujantes de argentina y del mundo, con un manejo de la narración muy pocas veces visto en el papel, destacándose siempre en la búsqueda y en la sensibilidad de la linea, en esa transmisión de sensaciones que termina en la innovación. Pero que mejor homenaje a este querido y respetado profesional que la publicacion de su obra. Y mas si se trata de un personaje como SONOMAN, que fue deleite en las paginas de la revista Anteojito en los años 70. Parece increíble que un personaje como SONOMAN, en estos años de renacimiento de la historieta argentina todavía no figura en lo kioscos, y ni siquiera tuvo su oportunidad en la biblioteca de Clarín.Hoy en dia por suerte tenemos herramientas para hacernos escuchar. Por eso esta convocatoria es para los viejos y para los potenciales lectores de esta historieta, que estarán interesados en comprar esta publicacion (los números hablaran). Solo hay que enviar nombre y apellido y ciudad. Seguramente esto llegara a manos de algún editor inteligente (que siempre está atento) para llevar al papel esta idea.

REVISTA DIGITAL GRATUITA REEDICION DE LA MITICA REVISTA CREADA EN 1953, CON EL AGREGADO DE NUEVAS NOTAS A LOS GRANDES MAESTROS DE LA HISTORIETA ARGENTINA. SU DIRECTOR OSVALDO LAINO NOS REGALA UN MATERIAL DE COLECCIóN AL QUE POCOS DE LAS NUEVAS GENERACIONES PUDIERON ACCEDER . BAJALA ANTES QUE SE AGOTE!!! DESDE

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EL LECTOR DA LA NOTA

En esta seccion que inauguramos, la informacion la dara el lector, nosotros ponemos las imágenes. En este caso se trata de la publicacion Adventures of Bob Hope, publicada por la hoy Dc comics a partir de 1950. Las respuestas elegidas formaran parte de la nota y en ella tendran que enviar la mayor cantidad de informacion posible: quien es el personaje, cuanto duro la revista, quienes eran su equipo creativo, anecdotas etc. para esto hay que escribir a:

revistaelhistorietista@yahoo.com.ar

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2°ENCUENTRO DE HISTORIETAS CINE Y ANIMACIÓN A BENEFICIO DEL HOGAR PRADÉRE Algo de historia: en 1986 se realizó el 1º encuentro de historietas a beneficio del Hogar Pradére, con una exitosa respuesta del público, donde asistieron artistas historietistas de todo el país. El desarrollo este evento fue de amplia repercusión en todos los medios de comunicación local y nacional. El alumnado y sus familias tuvieron contactos con artistas que les brindaron sus conocimientos sobre el arte del dibujo, el humor, la animación etc. El 12 y 13 de Diciembre del 2009 presentamos PRADERE COMICON, en el cual se realizaran talleres, charlas explicativas de cómo es el arte de dibujar historietas y dibujos animados. Además durante los días del evento, los artistas dibujaran los distintos personajes que han creado durante sus extensas carreras, para el público en general. Aquí algunos nombres de los artistas y sus trabajos: • Ricardo Villagrán: STAR TREK ,MARK, OR-GRUND, CONAN, TARZÁN, ATARI FORCE, ETC. • José Massaroli: PATO DONALD, MANUELITA, LOS PICAPIEDRAS, SCOOBY DOO, LOS PITUFOS, ETC. • Raúl Ernesto Barrero: PAN TRISTE, HIJITUS, ALADINO, LA BELLA Y LA BESTIA. ETC. • Rubén Meriggi: CONAN, WOLF, CRAZY JACK, HIRAS HIJO DE NIPPUR , DEMONIKON, ETC. • Sergio Ibáñez: MIKILO, MARK, NIPPUR DE LAGASH, HUMORISTA DEL DIARIO NACIÓN. • Horacio Lalia: NEKRODAMUS, ADAPTACIONES DE EDGAR ALLAN POE Y LOVECRAFT • Enrique Villagrán: BATMAN ,SUPERMAN, KAYAN, NIPPUR, ETC • Walter Gómez : WARNER COMPANY Y WALT DISNEY STUDIOS • Enrique Alacatena: BATMAN,CONAN, FLASH, ETC Estos son algunos de los artistas que participarán de este gran evento. PRADERE COMICON tendrá además otros contenidos derivados del mundo del cine y los comics, a continuación se detallan algunas de las actividades: 1. La locución y animación estará a cargo de TUSAM, el famoso mentalista se suma, dándonos un plus extra con su presencia. 2. Los alumnos del colegio PRADERE presentarán dos coreografías de inauguración y cierre. 3. La asociación de esgrima medieval ARBOL NEGRO, hará una demostración del arte de la guerra en el medioevo, con las vestimentas típicas de guerreros y doncellas ataviados con espadas, escudos, hachas, cascos. Transportándonos a usa época mágica. 4. El grupo BATMANIA, celebrando los 70 años del hombre murciélago, presentará su colección de trajes y elementos originales de la serie de tv BATMAN, algo imperdible para fanáticos. 5. La asociación Argentina de TAEKWONDO Enrique Eiriz ofrecerán coreografías. El mundo del animé (el dibujo animado Japonés) conecta a los chicos con este arte marcial. 6. La espectacular banda de rock progresivo OJO EN EL CIELO ( Su nombre es un tributo de la banda a ALAN PARSONS PROJECT) nos brindará dos recitales. 7. Concurso de disfraces, se invitará al público que participe disfrazándose de sus personajes favoritos (es para todas las edades). Se dividirá en diferentes etapas clasificatorias. 8. Proyectaremos diferentes películas de dibujos animados durante los dos días, brindando una charla explicativa de los fundamentos técnicos 9. Exposición de dibujos de los artistas invitados al evento. Se podrá admirar en tamaño original. Páginas de comics, como por ejemplo: BATMAN, SUPERMÁN .TARZÁN, NIPPUR DE LAGASH, CONAN EL BÁRBARO, entre otros. 10. Sortearemos premios, que serán donados por los stands. 11. En las galerías del colegio se montarán stands de venta de comics, muñecos, posters, libros, pins, etc. 12. Exposición intercolegial de historietas realizadas por alumnos de diferentes colegios (Pradere, Marin, Instituto Italiano, etc.) 13. Entrega de premios a los ganadores del concurso del logo y de historieta. Contaremos con el funcionamiento de un buffet para brindar al público: gaseosas frescas, hamburguesas, panchos, empanadas, tortas, café, etc. • Fecha: Sábado 12 y Domingo 13 de Diciembre. • Horario: 11 a 20 hs Valor de la entrada: $5 y $8 el abono de dos días El evento es en Libertador 2895 Victoria, San Fernando, Pcia. de Bs. As. ARGENTINA. Si alguien está interesado en reservar stand comunicarse a: praderecomicon@ gmail.com TEL :4744-0925

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SECCION CORREO ESCRIBINOS A EL HISTORIETISTA revistaelhistorietista@yahoo.com.ar

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