Apuntes sobre la historia del cine

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Introducción

imágenes en movimiento aprender a leer y a escribir.

,

antes

de

El cine es más que una diversión. La importancia que tienen las imágenes en movimiento, como transmisoras de información está hoy fuera de duda. También es innegable que en sus diferentes modalidades (cine, televisión, vídeo; Internet, Multimedia) las imágenes en movimiento pueden ser, aún sin proponérselo, un vehículo educativo. Diversos intelectuales de todo el mundo, como el investigador italiano Giovanni Sartori, han establecido que la palabra ha sido destronada por la imagen. "La primacía de la imagen - dice Sartori- es decir, de lo visible sobre lo inteligible, lleva a un ver sin entender que ha acabado con el pensamiento abstracto, con las ideas claras y distintas."1 Al respecto, Sartori advierte que los niños están expuestos –fundamentalmente a la televisión- durante horas y horas a las
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1 “Hommo videns, la sociedad teledirigida” - Giovanni Sartori, Editorial Taurus, 1998

En este panorama, el que tiene en su poder el control de la transmisión de dichas imágenes, está ejerciendo, con intención o sin ella, un procedimiento de formación del espectador, sobre todo en el caso de los más jóvenes y de los niños, que aún no cuentan con criterios sólidos que les permitan establecer una visión propia del mundo. Por ello, es imprescindible que en esta nueva era multimedia, donde las imágenes son la base de la comunicación, debe iniciarse una nueva forma de pensar en materia educativa, que introduzca a los niños al mundo de las imágenes audiovisuales, para que éstas se conviertan en un soporte de su educación y no en un sustituto de una formación integral, que debe considerar toda la gama cultural que tiene el ser humano (literatura, pintura, música, etc.).

Marco Carlos Avalos Rosado

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¿Qué es el cine?. Muchos cineastas, criticos y teóricos han dado su propia definición del cine. Los puntos de vista desde los que se han hecho éstas definiciones son muy varados, por ello hemos escogido tres, que se acomodan en el mismo número de puntos de vista:

Definición poética: “Es el registro de la mirada de alguien: es una mirada que sustituye a la nuestra. El film, es una serie de imágenes, es decir de hechos que se nos dan definitivamente mirados. Es la búsqueda de la esencia a través de la apariencia”.(José de la Colina, crítico cinematográfico).

Definición técnica: El cine es la proyección de imágenes en movimiento veinticuatro veces por segundo. Definición conceptual: “El Cine es el arte de componer y representar escenas (imágenes) fotografiándolas para después reproducirlas en una proyección que aparece por lo que es (realidad imaginaria), que ofrece la impresión de movimiento y que será percibida por nuestros sentidos, herirá nuestra imaginación y será discriminada por nuestra conciencia”.(Pablo Humberto Posadas).

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Capitulo I

Pero en la antigüedad esto no era posible, por lo que el ser humano recurrió a la pintura donde intentó reproducir o representar el movimiento. Un ejemplo de lo anterior son, probablemente, las pinturas antiguas de búfalos con ocho patas, encontradas en las cavernas de Altamira, España, las cuales representan el movimiento de dichos animales al correr. En su camino hasta el descubrimiento del cine, existieron muchas personas que intentaron descifrar el misterio del movimiento, y que intentaron reproducirlo. En China, por ejemplo, existió un teatro a base de sombras que se proyectaban en una pared que se llamó “Sombras chinescas”. En Europa se llevaban a cabo funciones con un aparato llamado “Linterna mágica” que proyectaba vistas fijas sobre una pared. La persistencia retiniana. Además de los artistas, magos y cirqueros de la antiguedad, también los científicos intentaron reproducir el movimiento. Para ello, llevaron a cabo muchos experimentos que desembocaron en un descubrimiento

Orígenes del Cine. Según Francoise Traffaut, el cineasta francés, el hombre de la antigüedad, debió pasarse largas horas, por la noche, observando el crepitar del fuego en sus fogatas. Quizás lo que Traffaut quiso decir es que al hombre siempre le ha llamado la atención el movimiento. Las cosas que se mueven "que toman vida" son las que más nos gusta observar. Incluso cuando miramos un cuadro, por ejemplo un paisaje con olas, imaginamos su ir y venir. Y es que, si existe una señal de vida, esa señal es el movimiento. Desde aquellas lejanas épocas, el hombre ha intentado, de diversas formas, representar o reproducir el movimiento. Como sabemos, hoy es posible ver imágenes en movimiento a través del cine. Pueden ser imágenes tomadas de la realidad o actores interpretando personajes, delfines saltando y hasta el astro solar ocultándose en el horizonte.

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gracias al cual, hoy es posible el cine: la persistencia retiniana. La persistencia retiniana es una característica de nuestro ojo que provoca que las imágenes que observamos no se borren instantáneamente, sino que queden guardadas por una fracción de segundo en la retina. Esto permite que, por ejemplo, si hacemos girar un fósforo, parezca que éste es un circulo de fuego.
El Fenakistiscopio, conocido popularmente como Fantascopio, creado por el investigador belga, Joseph Plateau.

pero que permitieron al ser humano llevar a cabo la ilusión del movimiento. Uno de sus experimentos desembocó en un aparato llamado Fenakistiscopio que consistía en un circulo de cartón con dibujos; al girarlo daba la impresión de que los dibujos se movían. El experimento fue muy popular en Europa, donde se vendía como un juguete. Por lo anterior, podemos decir que el cine ofrece la ilusión del movimiento, pues lo que en realidad se están observando son fotografías pasadas a cierta velocidad; en este sentido, la persistencia retiniana fue un paso muy importante para el nacimiento de lo que sería, en un futuro, el séptimo arte, sin embargo para que éste se concretara tuvieron que darse otros dos inventos muy importantes: el de la fotografía y el del cinematógrafo.

Desde el año 130 de nuestra era, Ptolomeo de Alejandría conocía este fenómeno de persistencia de la visión, pero su estudio y comprobación comenzó a darse entre los siglos XVII y XVIII, con el trabajo de científicos como el caballero D’ Arcy, Peter Mark Roget, Faraday e Isaac Newton. No obstante, se reconoce a un científico nacido en Bélgica, llamado Joseph Plateau, como el que formuló, en 1829, lo que hoy se conoce "principio de la persistencia de las impresiones retinianas" o "persistencia de la visión". Plateau llevo a cabo diversos estudios y experimentos que incluso le dejaron ciego,

La fotografía. En el siglo X, el árabe Al Hazan de Basrá ideó un aparato con el fin de poder presenciar un eclipse solar. El artefacto era una especie de cámara en la que la luz entraba a través de una obertura hasta formar en la pared opuesta la imagen invertida del objeto colocado al frente. De acuerdo con José Andrés Niquet

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("Génesis del Cine I" -Revista de revistas No 4394 del 18 de abril de 1994) "El anterior dato sirve para conocer no sólo el origen del cine, sino también el de la fotografía. No hay que olvidar que el cine se rige por principios fotográficos en gran medida, pues la imagen en movimiento no es más que la ilusión que se logra gracias a una insuficiencia natural en el ser humano conocida como la persistencia de la retina-, la cual consiste en que al pasar 24 fotos fijas por segundo, nuestro ojo recrea la sensación de un movimiento inexistente. "Años después, León Batista Alberti inventa en 1490 una cámara obscura para dibujar, basándose en los principios ideados por Al Hazán de Basra. Este invento fue perfeccionado por el suizo Johan Zahn, quien en 1765 añade a la cámara un espejo inclinado 25 grados, lo cual sería de gran ayuda para Nicephoro Niepce en 1826 cuando, en una superficie de peltre, plasmó la primera fotografía". Desde principios del siglo XIX los franceses Joseph-Nicéphore Niepce y Louis-JacquesMandé Daguerre, mejoraron el antiguo método de la cámara oscura y llegaron a fijar imágenes en una superficie de cierta

composición química, que se alteraba según la luz recibida. Con el nombre inicial de Daguerrotipo, esa creación fue la base de la fotografía, fechada en 1839. Su inconveniente era la necesidad de una larga exposición ante la cámara, para dar tiempo a que la luz actuara químicamente. El cinematógrafo. La paternidad del cinematógrafo se la pelean Francia, Alemania y los Estados Unidos. Los hermanos Lumiere de Francia son reconocidos oficialmente como padres del aparato, sin embargo, los hermanos Skaladanowsky de Alemania, son señalados por algunos historiadores como los primeros en proyectar imágenes en movimiento en una pantalla grande, en octubre de 1895, es decir dos mese antes que los hermanos Lumiere. Por su parte, los hermanos Antonia y W. K. L Dickson, crean junto a Thomas Alba Edison, lo que para los norteamericanos es la primera cámara cinematográfica: el Kinetoscopio, aparato que registraba y reproducía imágenes sucesivas. No obstante, éste aparato solamente es registrado en Estados Unidos, en 1891, y no en Europa, donde se conoce tiempo después.

El cineasta alemán Win Wenders haciendo sombras chinescas

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Sí la posibilidad de ver imágenes en movimiento se debe al estudio de diversos científicos, el cinematógrafo es resultado de un trabajo de muchos años, en el que, como hemos visto hay involucradas directa, e indirectamente, muchas personas. Algunos de los más destacados son, por ejemplo, Eduard Muybridge, que realiza varios experimentos con fotografías para analizar el movimiento. Sin embargo, su experimento más célebre se debe a una apuesta: En 1878, el gobernador de California, Leland Stanford apostó que llegaba un momento en que los caballos, cuando trotaban, dejaban sus patas suspendidas en el aire. Para comprobarlo, llamó a un experimentado fotógrafo de origen inglés: Edward Muybridge. Luego de experimentar por cinco años, Muybridge colocó 50 cámaras fotográficas a lo largo de la pista del hipódromo de Palo Alto, en California. Al galopar los caballos, rompían unos hilos que activaban los disparadores de las cámaras, que registraban fotográficamente el momento.

Con éste experimento, Muybridge demostró que, efectivamente, en los movimientos más rápidos de su galope, los caballos dejaban sus cuatro patas suspendidas, consiguiendo que el gobernador de California ganara su apuesta. Sin embargo, el experimento tuvo otras implicaciones más importantes: Se comprendió mejor cómo lograr la ilusión del movimiento con fotografías y provocó la creación del Zoopraxiscopio, antecesor del proyector de películas y la cinta transparente. El Zoopraxiscopio es un disco giratorio de cristal que está acoplado a otro disco dentado que al girarlo daba la impresión de movimiento a las fotografías. Otro importante impulsor, sin saberlo, de lo que hoy es el cine, fue el fisiólogo francés Etienne Jules Marey. Interesado en estudiar a los animales en movimiento, Marey realizó en 1892, experimentos con fotos fijas denominados Cronofotografía, utilizando un aparato denominado Fusil fotográfico que tomaba 12 fotos por segundo, de animales, por ejemplo una gaviota en pleno vuelo.

El cinematógrafo Lumiere

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Estos expermientos fueron mejorados en 1887 por Marey, convirtiendo a su cronofotógrafo de fotos fijas en uno de fotos moviles con la integración al aparato de rollos de película de papel de varios metros de longitud, enrollando en bobinas. En 1990, Marey sustitutyó el rollo de papel por el de celuloide, que había sido inventado un año antes por Geroge Eastman. Personaje importante para la invensión del cine, George Eastman (creador de las industrias Eastman Kodak) utiliza en 1889 crea una tira de celuloide perforada, capaz de registrar imágenes.
Los hermanos Louis y Auguste Lumiere

Los temas que se presentaban en el Kinetscopio eran, principalmente los espectáculos populares, desde gimnastas y trapecistas hasta fragmentos de peleas profesionales de box, que no rebasaban ulos treinta segundos de duración. Pese a la asombrosa capacidad de crear la ilusión del movimiento, el Kinetoscopio de W.K.L. Dickson y Edison no había logrado proyectar en una pantalla grande imágenes en movimiento. No obstante, utilizaba el mecanismos esencial que permitiría a los hermanos Lumiere inventar el cinematógrafo: una película de 35 milímetros con bordes perforados y un obturador giratorio sincronizado a través del cual se proyectaba la luz. La proyección de imágenes en movimiento en pantalla grande, sería lograda por los hermanos Lumiere que mejoraron el Kinetoscopio añadiéndole un mecanismo motorizado que jalaba las perforaciones de la cinta de celuloide para que pasaran 16 veces por segundo, a diferencia de los 48 fotogramas por segundo que proyectaba el Kinetsocopio. La patente del cinematógrafo se registro en febrero de 1895 y el 28 de diciembre de ese mismo año, a las ocho de la noche del día

En 1891, William Kennedy Laurie Dickson y Tomás Alva Edison patentan el kintescopio, que era un artefacto en el que una sola persona podía ver, a través de una mirilla, una pequeña producción, de fotografías en movimiento. La primer cinta rodada especialmente para el Kinetoscopio fue rodada en 1984 por W.K.L. Dickson y se llamó “Fred Ott´s Sneeze ( El estornudo de Fred Ott) y se produjo en el que hoy es reconocido como primer estudio cinematográfico: el “Black María”.

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Auguste Lumiere

de los inocentes, los hermanos Auguste y Louis Lumiere llevaron a cabo la que es reconocida como primer función pública de cine ante 30 personas que pagaron un franco por ver en el Salón Indio del Gran Café de París, localizado en el número 14 del bulevard de los Capuchinos, diez películas de apenas 16 metros, entre las que se encontraban “La llegada del tren a la estación de Lyon”, “La salida de los obreros de la fábrica Lumiere”, “El mar”, “El Herrero” y “Riña de niños”. Expuesto lo anterior, podemos concluir que el cine es resultado del esfuerzo y el trabajo de muchas personas de todas partes del mundo, que contribuyeron a establecer las tres principales causas que lo hacen posible:

conocimiento histórico, para la difusión de ideas, para la creación artística y el conocimiento del ser humano.
¿QUE ES UNA IMAGEN? La palabra imagen proviene del latín imago-inis que significa figura, representación y apariencia de una cosa. Una imagen puede ser también la representación mental de una persona u objeto percibida por los sentidos. Opticamente es la representación de la figura de un objeto por la combinación de los rayos de luz. Una estatua, efigie o pintura son imágenes. La imagen también es la relación poética establecida entre elementos reales e irreales, cuando unos y otros están expuestos: sus labios son claveles. También se conoce como imagen al conjunto de términos irreales que aparecen en una comparación explícita o en una alegoría: Quedar para vestir santos.

a) El descubrimiento de la persistencia retiniana b) El invento de la fotografía c) El invento del cinematógrafo

El cine es uno de los colofones de la era industrial. A partir del 28 de diciembre de 1895, el mundo ya no sería igual. La posibilidad de registrar imágenes de la realidad abriría un nuevo filón para el

Algunos otros aparatos que reproducían el movimiento y que antecedieron al cinematógrafo

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Sombras chinescas: Muñecos con articulaciones, cuya sombra se proyecta en una pared. En los países de Asia se difundieron mucho, como es el caso de los muñecos de Java, que estaban hechos de cuero y pintados con colores llamativos para que produjeran sombras de color. Linterna mágica: De acuerdo con algunos historiadores, es un aparato que se remonta a Egipto y que consiste en la reproducción de imágenes sobre una pantalla, en un cuarto o lugar oscuro. Fantascopio: Creado por el físico belga Robertson, es una especie de Linterna Mágica sobre ruedas. El desplazamiento del aparato originaba que el espectador tuviera la sensación de que las imágenes aumentaban de tamaño. Rueda de Faraday: Este científico, aplicando los estudios de Peter Mark Roget, creó un disco dentado con imágenes que debía verse reflejado en un espejo Taumátropo: Cartón, creado por los científicos Fitton y Paris en 1825. Es un circulo de cartón, agujerado en sus dos extremos a los que se amarra una liga o cordón. Por ambas caras del circulo lleva un dibujo, por ejemplo un pájaro y una

jaula. Al girar el circulo extendiendo la liga o el listón tenemos la sensación de que el pájaro está enjaulado. Fenakistiscopio: “Disco de cartón dentado (o agujerado por dientes) que puede servir tanto para reconstruir el movimiento partiendo de una serie de dibujos fijos, como para descomponerlo observando una serie de imágenes fijas. Lo cual es sentar, ya en 1833, los principios mismos del cine, tanto para la reproducción como para el registro.” -Geroges Sadoul en su libro "Historia del cine mundial". Zootropo: Horner, físico inglés, crea en 1834 este aparato que perfecciona el Fenakistiscopio de Plateau. En 1850, inventa otro aparato denominado Fenakistiscopio doble, que es un "disco de imágenes que gira en oposición con un disco negro con ventanillas". -Renne Jean y Charles Ford en Historia Ilustrada del Cine.

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Gran Café de Paris- hasta 1929 cuando se proyecta el Cantante de Jazz, se crean los primeros estudios, las primeras estrellas, los efectos especiales, los primeros géneros y se produce lo que es hoy el espectáculo cinematográfico. Durante su período mudo, el cine vive su primera gran crisis, que casi lo mata, y su resurgimiento, su consolidación como espectáculo de masas y como vehículo de información y conocimiento.

Capitulo II
El cine mudo

Algunas Etapas de la Historia del Cine. Las principales etapas del séptimo arte - hasta nuestros días – son el cine mudo, los inicios del cine sonoro y el cine de la época contemporánea

Cine Mudo. Durante su época muda es cuando el cine se consolida y se establece como un arte, como una industria, como un medio de comunicación.
George Melies, impulsor del espectáculo cinematográfico

George Melies y Alice Guy, impulsores del espectáculo cinematográfico. Si bien los hermanos Lumiere son reconocidos, oficialmente, como los primeros que exhibieron de manera pública una película, debe reconocerse a un mago y hombre de teatro, George Melies, y a una secretaria, Alice Guy, el haber tenido la visión de hacer del cine una forma de espectáculo. Mientras las imágenes de los Lumiere presentaban exclusivamente escenas tomadas de la realidad, Melies, cuyos primeros films consistieron en trasparasr sus actos de prestidigitación a la pantalla, utilizó el cinematógrafo para contar historias surgidas de la ficción.

En esta etapa, que abarca desde el 28 de diciembre de 1895 -fecha que se reconoce como el nacimiento oficial del cine, luego de la famosa proyección de los hermanos Lumiere, efectuada en el Salón Indio del

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En sus primeros años, el cine se habia vuelto un simple espectáculo de feria. Los hermanos Lumiere consdideraban que su invento era apenas una curiosidad científica. Cuando Melies quiso comprarles el cinematografo ellos se negaron por el mismo argumento. De acuerdo con los historiadores del cine Charles Ford y René Jeanne los Lumiere le dijeron:"Nuestra invensión no está en venta. Puede ser explotada algún tiempo como curiosidad científica, pero no tiene ningún porvenir comercial. Para usted sería la ruina". 2 Así, el cine, durante sus dos primeros años se vio condenado a ser una simple "curiosidad" que se presentaba en las ferias de los pueblos y las ciudades. En ésta época, el cine, incluso, pudo haber desaparecido, y con ‚él todas las cintas que hoy conocemos: en junio de 1897, durante una exhibición en una carpa en el Bazar de la Caridad de los Campos Elyseos, un incendio, originado, según se cuenta, por un descuido del proyeccionista, provocó un incendio que mató a 125 personas. Luego de la tragedia, el cine fue considerado una diversión riesgosa.

Sin embargo, en 1900, durante la Exposición Universal de París, el cine se convierte en una de las mas grandes atracciones. Las multitudes que acuden se asombran con el invento que se convierte, en un espectáculo de masas. Por ello, Melies, conocedor de los gustos del público, sabe que el cinematógrafo Lumiere puede ser algo más que una curiosidad. Ante la negativa de éstos de venderle el aparato, compra uno artefacto llamado Bioscopio, inventado por el inglés Robert William Paul; lo modifica y comienza a hacer sus primeras cintas de ficción, entre las que destaca "El Viaje a la Luna", (1902) que es considerada como la primer película de ciencia ficción. Por su parte, Alice Guy llegó al cine casi por casualidad: ella era la secretaria de León Gaumont, empresario cinematográfico francés que la convierte de la noche a la mañana, en la primera directora de cine de la historia, al encargarle la producción de diversas cintas como “La Esmeralda”, cinta inspirada, veladamente, en Nuestra Señora de París de Victor Hugo, y la Pasión, sobre la vida cristo. Alice Guy, fecuentemente olvidada como precursora del espectáculo

Alice Guy Blanche, probablemente, creadora de la primer película de ficción “El hada de los repollos” en 1896

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" Historia Ilustrada del Cine Vol. I “ Charles Ford y René Jeanne en , página 21, Editorial Alianza

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cinematográfico, además de ser una de las primeras cineastas, reclamó para sí, hasta el final de sus días la gloria de haber creado la primer cinta de ficción: "El hada de los repollos", sin embargo nunca pudo probarlo porque los negativos de la cinta desaparecieron. De hecho, de todo el cine de la época muda, el noventa por ciento está destruido y sólo existen copias del 50% de todo el cine filmado hasta 1950.
Logo de Gaumont, una de las primeras productoras cinematográficas que existieron

grandes posibilidades comerciales, sino también como vehículo de expresión artística. Sin embargo, en un principio las películas fueron simplemente, “teatro filmado” pues solo se ponía a funcionar la cámara para que un grupo de actores llevaran a cabo presentaciones teatrales. La cámara no tenía movimiento y el espectáculo consistía en ver a los grandes actores de los escenarios, reproducidos en una pantalla. De esta forma, actrices famosas de la época como Sara Bernhard se convirtieron en estrellas de cine. En su primera década, los cambios en el cine fueron vertiginosos: Las primeras exhibiciones se combinaban con presentaciones en vivo en teatros y aparecieron las primeras productoras que eran dueñas de patentes que les permitían competir con el cinematógrafo.

Lo anterior se debe a que los dueños de los teatros que compraban los films en oferta, los intercambiaban con otros teatros asociados y muchas veces los destruían cuando veían agotadas sus posibilidades comerciales. Alice Guy y Geroges Melies son dos de los grandes impulsores del cine como forma de entretenimiento y como actividad cultural. A ellos debemos el placer que provoca ir a pasar una tarde viendo planetas imaginarios o una carrera de cuadrigas en el Imperio Romano. Principales avances del cine en su época mida (1895 -1930). Luego de inventado el espectáculo cinematográfico, el cine se embarcó de lleno en la producción de películas, en la experimentación para mejorarse, no sólo como espectáculo de

El cine mudo en Europa. En Europa, el cine buscó perfeccionarse, no sólo como espectáculo sino también como disciplina artística. En diversos países se llevaron a

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cabo apuestas experimentales. siguientes son algunas de ellas.

Las

velocidad, evitando, de manera milagrosa, accidentes y colisiones.

Charles Pathé, uno de los primeros productores cinematográficos

Escuela de Brighton. Esta corriente nació en 1897 cuando George Albert Smith construyó el primer estudio de cine inglés, en la ciudad de Brighton. Ahí van a trabajar los primeros cineastas británicos y aunque no habia una doctrina que justificara el termino "escuela" se hacían experimentos que desarrollaron el hoy conocido como "lenguaje de cine" 3 (planos, movimientos de cámara, etc.) Con obras como "Humorous Facial Expressions" o "StopThief" se pusieron en práctica los primeros travelings y las expresiones corporales. La principal caracterísiticas de la escuela de Brighton es el uso de los exteriores. En 1900, William Paul editó la cinta "Una carrera loca en auto en Picadilly Circus", un film en exteriores que emplea por primera vez el "travelling dramático". Esta pelicula provoca que el espectador tenga la impresión de ir en un coche lanzado a toda
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Principales aportes de la Escuela de Brighton: Uso de exteriores Cámara en movimiento (capta el movimiento del protagonista, no sólo lo sigue de lejos). Además, es precursor de los films de persecución y aventuras.

Muchos teóricos cinematográficos no están de acuerdo con la existencia de un lenguaje de cine, sin embargo, en este documento, la expresión sólo pretende ser utilizado para señalar, de forma general, las herramientas expresivas del cine. (N. de la R.)

Los ¨Film D´Art (1908-1914). Cuando apenas era considerado una atracción de feria, junto a la mujer barbuda y a los animales exóticos, el cine estubo a punto de morir, no sólo proque los empresarios vieron en él una inversión arriesgada, a causa del incendio en el Bazar de la caridad que ya hemos mencionado, sino también porque la gente se cansó muy pronto de los arribos de trenes a la estaciones y de todos aquellos temas puestos de moda por los Lumiere, es decir

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cuestiones meramente documentales, como gente caminado, bebes,etc. Entonces aparecen Alice Guy y Georges Mélies, que reafirman el espectáculo cinematográfico, apostando por un cine de ficción, es decir que cuenta historias al público con la ayuda de actores y decorados, a través de compañías productoras como Pathé y Gaumont. Estos primeros filmes de ficción se hicieron muy populares a principios del siglo XX, pero a finales de 1910 la carencia de temas originales y de interés volvió a alejar a los espectadores de las incipientes salas cinematográficas, pues el cine sólo ilustraba, en la mayoría de los casos, obras de teatro, novelas famosas o eventos históricos. Buscando dar un nuevo giro al cine, surge la compañía productora denomindad Film D´Art. Fundada por los hermanos Laffite, esta productora confirma que el cine, además de sus posibilidades expresivas, es un negocio que constantemente está en movimiento. Es por ello que los hermanos Laffite encargaron guiones originales a los más grandes escritores franceses de la época como Anatole France y Jules Lemaitre. De igual forma consiguieron para

sus películas escenógrafos y músicos, además de utilizar a las vedettes de moda y a las estrellas de teatro que aseguraran el éxito, sobre todo, en el público rico. Una de las principales aportaciones de los Film D´Art es que los actores intentaron sustituir la palalbra -que no se podía escuchar aún- por una mimica menos exagerada que la de las pantomimas y porque las historias que se presentaban eran originalmente escritas para la pantalla. De igual forma, dejaron de utilizarse los narradores en vivo y se incertaron en la cinta los famosos intertítulos que identificamos hoy con las películas mudas.

El gallito es, hasta la fecha, lo que identifica ala productora francesa Pathé

No obstante éstas novedades, los Film D´Art tuvieron un éxito efímero de apenas unos meses, pero que fue aprovechado por empresas comerciales como Pathé, Gaumont y Eclair que copiaron su fórmula.

Otras aportaciones del cine francés de 1908 A 1914. Además de los Film D´Art, el cine francés se apropió de la tradición litreraria de los folletines o novelas por entregas, publicadas periódicamente, para

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iniciar lo que se bautizó como los seriales, que son películas filmadas por capitulos que quedaban en continuación, lo que aseguraba que los espectadores regresaran semana con semana para ver el final de la historia. Uno de los seriales más famosos fué "Fantomas" dirigida por Louis Feuidalle. Una de las primeras estrellas de cine fue, precisamente, el protagonista de Fantomas, Rene Navarre, que provocaba tumultos en los lugares donde se le identificaba cuando salía a pasear por París y que recibía cientos de cartas de sus admiradoras cada semana. Por otra parte, en Francia es donde se comienza a utilizar la iluminación con un sentido dramático, que creaba diversas atmósferas, ya de misterio o románticas; de igual forma se produjeron las primeras películas cómicas, sobre todo a través del actor Max Linder, quien por supuesto también fue una estrella.
Max Linder fue uno de los primeros cómicos del cine

El director que impulso esta nueva forma de cine fue Jesset, cuya obra se encuentra desaparecida casí en su totalidad, pero de la que se recuerda un serial que también fue muy popular: Nick Carter.

Aportaciones del cine sueco. Los suecos empezaron a perfeccionar los escenarios que utilizaba el cine. En los exteriores, el paisaje y el vestuario lo utilizan como elementos narrativos. Uno de los cineastas más importantes, Victor Sjöström explica por la escenografía y las ropas el papel de la patrona y el de los criados..."sin que ésta exposición social, que sucede a la descripción del medio natural, impida el progreso de la acción dramática y psicológica" (Georges Sadoul en Historia del cine mundial). Otro gran director, Maurice Stiller, convirtió a la escenografía en "uno de los elementos cuyo conjunto domina". Para él la escenografía explica y completa la expresión histriónica y establece la psicología del drama. Victor Sjöström (director de La Carreta Fantasma) y y Maurice Stiller (La Saga de

Sin embargo, probablemente una de las más grandes aportaciones del cine galo de principios del siglo XX es la utilización del gran plano y la alternación sistemática de las escenas filmadas en exteriores con las escenas filmadas en estudio.

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Costa Berling) son los dos cineastas más importantes de Suecia en el periodo mudo, que luego trabajarían en Hollywood. Las dos serán referencia para las obras que después realizarían otros grandes cineastas como Sergei Einsenstein (soviético) y Fritz Lang (alemán).

como la alemana, la francesa y la estadounidense, decayó casi por completo. Hollywood, poco a poco, motivó un largo exodo de los principales creadores cinematográficos de Europa y acabó con la competencia internacional. Corría el año de 1924. Sin embargo, los pueblos escandinavos contribuyeron al engrandecimiento del séptimo arte, pues además de lo que hemos hablado, dieron las principales estrellas de la época muda, como Greta Garbo, Theda Bara y Theodosia Goodman, éstas dos últimas que crearon el personaje de la mujer fatal "las vampiresas"; además establecieron al beso como una figura eminentemente cinematográfica.

Además se debe a Stiller el descubrimiento de la más grande estrella que ha existido hasta este momento: Greta Garbo, que fue la protagonista de la mayoría de sus cintas y que lo acompañó a Hollywood cuando éste emigró.
Greta Garbo es la más grande diva que ha dado el cine

Otros dos cineastas importantes de Suecia, pero de origen danés, son Benjamin Christensen que cultivó el cine de terror de calidad (La Hechicería a Través de los Tiempos) y Carl T. Dreyer que alcanzó gran renombre por La Pasión de Juana de Arco (filmada en Francia) película que abrió las posibilidades del uso del primer plano como recurso narrativo. Cuando Sjöström, Stiller y Garbo partieron a Hollywood, y Christensen y Dreyer a Berlin, el cine sueco y su importante productora Svenska, que competía con otros grandes industrias cinematográficas

Cine Italiano. Los principales aportes del cine italiano al cine, en su época silente, son las puestas en escena espectaculares, de carácter histórico, con grandes construcciones y centenares de extras: Desde la caída de Troya, pasando por el Imperio Romano, hasta la liberación italiana. Un filme que marca una fecha importante del cine es "Cabiria" (1914), de Piero

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Fosco. Este filme tenía grandes escenografías; no se trataba ya de simples telas pintadas tendidas sobre bastidores, sino de construcciones de madera y de cartón piedra, de una amplitud considerable.

Las cintas se proyectaban en teatros llamados Nickelodeon, pues la entrada constaba un niquel. Los primeros años del cine en EU fueron azarosos: existió una guerra de patentes comandada por Thomas Alba Edison que quería para sí todo el negocio, alegando que él era dueño de la patente original del invento, así como del uso exclusivo de la película de celuloide con perforaciones laterales inventada por Georges Eastman. Intentando crear un monopolio, Edison argumentó que todos los aparatos necesarios para la producción y exhibición del cine estaban patentados por él; la vehemencia de Edison contra todos los que le opusieron resistencia en su intento monopolizador -incluidos antiguos colaboradores y hasta los propios hermanos Lumiere- lo orilló a entablar demandas contra muchas compañías productoras como la "American Mutoscope Company". Para combatir a todos los empresarios que empezaron a surgir, Edison tuvo que buscar la unión con algunos empresarios rivales, dueños de compañías como Biograph, Vitagraph, Lubin, Selig, Essanay, Kalem y las firmas francesas Pathé‚ y

Nacido en Durango, Ramón Novarro fue uno de los galanes más famosos de la época muda de Hollywood

De igual forma, el operador de la cámara de la cinta en mención, un español llamado Segundo de Chomón , hizo algo sorprendente para la época: montó el aparato sobre un carrito que se desplazaba de manera paralela a la escenografía, lo que resalta su importancia. También dirigió la cámara de una toma amplia a un plano cerrado. Otra aportación fue el uso de luz artificial con fines estéticos. En General, el cine de Italia aportó, además, a las Divas, estrellas que interpretaban dramas mundanos, historias de amor apasionadas.

Estados Unidos. En los Estados Unidos se avanzó mucho en lo que se refiere al aspecto comercial del cine. Ahí se crea la estructura empresarial del espectáculo: produccion-exhibicion-distribucion.

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Mélies, quienes conformaron la "Motion Pictures Patent Company". Esta empresa se convirtió ahora si, en el monopolio codiciado por Edison: reclaman la patente de todos los aparatos para la exhibición y producción, así como la exclusividad de la película de celuloide. Pronto, inspectores de la MPPC vigilaban a los primeros productores de cine para cobrarles regalías o extenderles permiso para el uso de aparatos cinematográficos. Por esta situación, algunos de los primeros estudios se trasladaron hasta las ciudades de Nueva York, Nueva Jersey y Chicago para alejarse del control de los inspectores de la MPPC. No obstante, a veces hasta ahí llegaban los inspectores por lo que poco a poco las primeras empresas productoras estadounidenses se desplazaron hasta California, donde no se les podía rastrear tan fácil para cobrarles derechos por el uso del invento. Uno de ellos fue el productor Carl Leammle quien funda en 1912 la INDEPENDIENT MOTION PICTURES.

Otros productores, James L. Lasky y Sam Goldfish, que tenian planeado realizar la pieza teatral "The Sqaw Man", salieron de Nueva York, buscando escapar de los inspectores de la MPPC de Edison. Por tal motivo, decidieron, en un principio, filmar en el oeste norteamericano, mas precisamente en la ciudad de Flagstaff, Arizona, pero el director de la cinta, Cecil B. De Mille consideró que no era el lugar apropiado, por lo que siguió buscando locaciones hasta que llegó a Los Angeles, donde encontró un granero perteneciente a un campesino llamado Jacob Stern, quien se los alquiló por 75 dólares al mes. Lo curiosos del caso es que dicho granero estaba localizado en unos terrenos -que pertenecían al matrimonio formado por Horace y Deida Wilcox- a los cuales se les conocía como Hollywood. De esa forma nació, en 1914, la que hoy es llamada por algunos "Meca del Cine". Siguiendo el ejemplo de Lasky y Goldfish, muchos productores cinematográficos se instalan en Hollywood, para fundar compañías que después serían muy famosas, y que en algunos casos, salvo algunos pequeños cambios de imagen y

Cecil B. De Mille fue quién encontró el lugar que años después sería Hollywood

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administrativos, continuan hoy. Estos productores fueron: William Fox, Louis B. Mayer, Jesse Lasky, Adolph Zukor, Harry Cohn, Sam Goldfish, que después cambiaria su apellido por el de Goldwyn y y los hermanos Warner. Para 1929 ya se habían formado las empresas UNIVERSAL, FOX FILM, METRO GOLDWYN MAYER, PARAMOUNT, WARNER BROTHERS y COLUMBIA, que serían los protagonistas de la nueva industria. Con la consolidación de éstas empresas, el monopolio de la MPPC de Edison y sus socios, dejó de existir. El cine en Estados Unidos se hizo muy popular. Apto para toda clase social, incluyendo personas humildes y analfabetas, fue una de las diversiones principales de los emigrantes que llegaron buscando suerte a dicho país, debido a que era muy accesible, pues las historias eran contadas casi exclusivamente a través de imágenes, lo que facilitaba su entendimiento a quienes no hablaban inglés, como algunos de los emigrantes provenientes de Rusia y del centro de

Europa que después se convirtieron en empresarios cinematográficos al ver en el nuevo espectáculo posibilidades comerciales. En las primera dos décadas del siglo veinte, el cine llegaba a recibir, por semana, un promedio de catorce millones de espectadores. Además de la comercialización del cine y del fortalecimiento de una ciudad cinematográfica como Hollywood, Estados Unidos aportó lo que se llamó "sistema de estrellas", que consistía en proveer al público un producto de consumo específico, encarnado por una actriz o actor, que por lo general provenía de Europa e incluso de países latinos como México. Por ejemplo, Greta Garbo, sueca, encarnaba la sofisticación; Rodolfo Valentino, italiano, el latin lover, al igual que Ramón Novaro, mexicano; Chaplin, inglés, el emigrante pobre y Theda Bara, sueca, la mujer fatal, etc. En EU se consolidó lo que en Europa se había experimentando: la utilización de

De izquierda a derecha Jesse L. Lasky, Adolph Zukor, Samuel Goldfish (después Goldwyn), Cecil B. DeMille y Albert Kaufman Fueron los productores pioneros de Hollywood

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planos diversos y el movimiento de la cámara (como es el caso de Cabiria). El director responsable de ésta consolidación es David W. Griffith, cuyas dos obras más importantes, "El nacimiento de una nación" e "intolerancia", que aunque adolecen de un injusto racismo y un tono reaccionario, impulsan el desarrollo del cine como espectáculo, arte y vehículo para la expresión contundente de ideas e información. Baste señalar que después del estreno de "El nacimiento de una nación", los segudiores del Ku Kux Klan aumentaron en miles su número de activistas.

Una de las principales caracterísiticas del cine de Griffith es que la acción se desarrolla simultáneamente en diversos lugares: Atlanta en llamas, una habitación donde una familia se protege del combate que se desarrolla en dicha ciudad y una trinchera donde los soldados combaten drmáticamente. Comercialmente, "El nacimiento de una nación" fue vista por cien millones de personas y el film se proyectó durante quince años seguidos en diferentes partes del mundo, recaudando 20 millones de dólares, lo que representó todo un record para la época. El día de su estreno, el 8 de febrero de 1915, marcó el inicio, según el historiador francés Geroges Sadoul, del imperio de Hollywood. El comercial sigue, el artístico ha disminuido considerablemente. Otras de las aportaciones importantes del cine norteamericano son: Charles Chaplin, cómico de gracia física, que incorporaba a los objetos como medio de hacer reir: escaleras, escobas, un bastón, etc. Chaplin hacía reir sin necesidad de la palabra. Su personaje Charlot, fue muy popular sobre todo entre los inmigrantes pobres,

David W. Griffith, cineasta norteamericano que consolidó el lenguaje cinematográfico

Las aportaciones principales de Griffith son: La edición alterna que consiste en presentar dos secuencias simultáneamente. Por ejemplo: la secuencia de una mujer viajando en un tren a toda velicidad que intenta llegar hasta la cárcel para rescatar a su esposo, intercalada con la secuencia del esposo que va a ser ejecutado. El manejo de escenarios amplios y la utilización de muchedumbres.

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quizás debido a su tendencia a ridiculizar a la burgesía, y por burlarse de la utoridad y la solemnidad. Sus cintas siempre tenían un contenido social que molestaba a los sectores conservadores de los Estados Unidos, que al final lograron expulsarlo del país. Buster Keaton, conocido como "El hombre que nunca rie" (se comprometió por contrato a nunca sonreir ni en sus filmes ni en ningún lugar público) utilizó accesorios muy diferentes a los de los payasos, como cañones, trenes y hasta un transantlántico. Buster Keaton que escribía, actuaba y dirigía todas sus cintas, creó un universo donde la acción continua era preponderante.

Vitagraph: Fundada por Stuart Blackton, realizó para el cine dos obras exitosas: "The Burglar on the Roof" y "Tearing Down the Spanish". Este último era un film patriótico, editado al comienzo de la guerra hispanoamericana de 1898.

Buster Keaton, el cómico que nunca sonreía, creó un universo cinematográfico donde la acción era preponderante

Cine alemán (El expresionismo y el realismo). A finales de los años veinte, Alemania estaba saliendo de una guerra muy dura, en la cual fueron derrotados. Los alemanes estaban reconstruyendo su país cuando se dieron cuenta del poder del cine como propaganda. Fue con filmes de esta naturaleza como empezó, en 1917, la industria cinematográfica alemana. En dichos filmes se exalta a Alemania y se daña la reputación de sus antiguos adversarios de la guerra. Un periodista suizo, F. Philippe Amiguet escribió: "Alemania, tan escrupulosa en materia histórica, anima a suis cineastas a disfrazar la historia de sus enemigos. El cine alemán es un arma de combate". Sin embargo, el cine alemán dió vida a un movimiento que abriría al cine a nuevas dimenciones artísiticas: el expresionismo.

Las primeras compañías estadounidenses fueron: Biograph: Productora de noticieros. Debe recordarse que en aquel tiempo, la fotografía aun no formaba parte de los períodicos, por lo que este tipo de cintas eran muy populares.

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“El gabinete del Dr. Caligari” de Robert Wiene es una de las películas más importantes del expresionismo alemán

Según Renne Jean y Charles Ford, el expresionismo se nutrió, en su temática, de las leyendas místicas que responden al gusto alemán por el sueño y la filosofía; la servidumbre del individuo a la colectividad y al espíritu de casta; las tormentas sexuales, con sus excesos sádicos y sus aberraciones mentales. La obra más importante del expresionismo es el Gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene. En este filme se rompía todo lo que había sido habitual encontrar un un cine. Visualmente era un dibujo, una pintura que cobraba vida, aprovechando métodos decorativos nacidos en 1911 en la pintura muniquense. Elementos visuales puros enfatizaban las acciones: imágenes reorcidas, enmarcando el rostro de un loco. Otra cinta importante es Noferatu, de F.W. Murnau, donde las sombras y la luz artificial

enfatizan estados de ánimo y enriquecen el drama. Sin embargo, de acuerdo a Renne Jean y Charles Ford, el resultado triunfal y depurado del expresionismo es la obra de Fritz Lang, cineasta nacido en Viena. Una de sus obras más importantes, "Metropolis" (1925), resaltó, aún más, los elementos escenográficos como personajes de la cinta. Construcciones monumentales, la muchedumbre como protagonista y maquinarias sorprendentes, así como actuaciones basadas en el método de Meyerhold. De acuerdo con Geroges Sadoul, el expresionismo es una visión subjetiva del mundo...escenografías complicadas en que la luz jugaba sobre los relieves de cartón piedra...juego móvil de las grandes sombras negras...el empleo expresivo de la luz...para que los operadores pudieran desplegar todos los recursos de la fotografía artística, se encerraron los films en la prisión lujosa de los gigantescos estudios berlineses, se condenaron los exteriores. Contrario a expresionismo, los postulados del en el que la imagen

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prevalecía como una metáfotra de la realidad, en Alemania algunos cineastas optaron por el realismo, a través de una escuela cinematográfica llamada Kemmerspiel ( escuela que le daba un sentido simbólico a las cosas) o teatro de cámara, que buscó una escenografía de significación social. Los protago nistas del realism o eran obreros, gente común, y los escenarios eran como de la vida real. Es un rechazo a los efectos, a la grandilocuencia de los actores y a lo espectacular. Uno de sus principales protagonistas como director es Murnau, y una de sus cintas características "El último" (1924) que fortalece como estrella al actor Emil Jennings. Algunas otras cintas importantes de este director son "Nosferatu" y otro director relevante es G.W. Pabst y su cinta "Bajo la máscara del placer" (1925).

Cine soviético. El cine ruso, en sus comienzos, estuvo marcado por la influencia del cine nórdico y sus temas macabros, así como temas históricos y populares. Esta última corriente del cine ruso se refería a las tradiciones y a la cultura nacional y tuvieron como inspiración las principales escenas de la historia rusa y las obras más famosas de escritores rusos de gran repercusión como Pushkin. Gogol, Tolstoi, Dostoievski y Lermontov. Luego de la revolución de febrero de 1917, la industriacinematográfica rusa se desánimo. Los propietarios de grandes cines cerraron sus salas y se declararon en huelga. Algunos directores, durante la guerra civil, se pasaron al ejército blanco y después emigraron, principalmente a París. (Ejército blanco: ejército pagado por el extranjero, contrario al bolchevismo). De esta forma, con el establecimiento de "la dictadura del proletariado", con el arribo de los bolcheviques al poder, nació el cine soviético, un 27 de agosto de 1919, día en que Lenin firmó el decreto que nacionalizó el antiguo cine zarista.

Sergei Einsestein, uno de los directores más importantes de la historia del cine

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El país soviético, enfrascado en una guerra contra los ejércitos blancos, no tenía suficientes recursos para sostener una producción constante, por lo que los primeros films fueron sencillos o noticieros que difundían los eventos que día a día ocurrían en el frente. dichos noticieros trabajaron los futuros cineastas que después conmoverían al cine mundial como Kulechov, Dziga Vertov y Tissé. En

nosotros la más importante", frase que se convirtió en consigna. Entre los grandes realizadores y teóricos que la Unión Soviética aportó a la cinematografía se encuentran:

Dziga Vertov. Dziga Vertov, creador en 1920 de la teoría Kinok (cine-ojo) que se proponía desterrar como invensiones burguesas la puesta en escena, los guiones, los actores, los estudios,etc., para usar sólo a los elementos "tomados en vivo". Para los kinoks el cine eran los comentarios -subtítulos- y la edición. Así, la personalidad del cineasta se manifestaba por la elección de que filmaba, su yuxtaposición, la creación de un nuevo espacio y de una nueva duración. Esta teoría que influyó mucho no sólo en la Unión Soviética y sino en todo el mundo, llamó la atención sobre la necesidad de sorprender al hombre en su medio social y en su vida, dieron un impulso vigoroso al documental y contribuyeron a formar géneros nuevos.

Cartel soviético de “El hombre de la Cámara”, cinta en la que Dziga Vertov puso en práctica su teoría del cine-ojo

Cuando se restableció la paz y la economía comenzó a reconstruirse, Lenin manifestó que "el cine, de todas las artes, para

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No obstante, el volumen de las cámaras de aquel entonces, impidió a la cámara convertirse en ojo. Para tomar una vista de una familia llorando al pie de una tumba, era necesario esconder el equipo de filmación en un matorral, etc. Por ello, se les dificultó cuando intentaron captar los sentimientos de alguna persona, ya que la cámara influía en la espontaneidad del hecho. Vertov, siempre apoyado por su hermano, el camarógrafo Mijail Kauffman, fue, también, el iniciador de los films de edición: retomar documentales ya hechos y crear películas nuevas, a través de una nueva edición, añadiendo otras escenas o dándoles un orden y ritmo nuevos. Dziga

intentaron escibir la historia "sobre lo vivo" como el film inglés "Victory of ther desert" y la serie de documentales bélicos norteamericanos "Why we flight". Entre las películas más importantes de Dziga Vertov están "El hombre de la cámara", "historia de un bocado de pan" y "Un año después de la muerte de Lenin".

Kulechov. Contrario a las ideas del KINO, otro director, Kulechov, utilizó medios excéntricos, los más violentos, los más exagerados, los de las exhibiciones de feria, del circo, del café cantante. Además utilizaba todos los recursos del trucaje. Formó actores a la manera más expresiva y al igual que Vertov, le dio mucha importancia a los objetos, aunque sin darles un sentido simbólico. Películas importantes "Mr. West en el país de los Bolcheviques" y “Dura Lex”.

Fotograma de “El Hombre de la Cámara” de Dziga Vertov

A partir de ahí, otras cinematografías retomorían, más tarde, su obra para crear films de un tipo nuevo, que, a partir de 1940

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Sergei Mijailovich Eisenstein. Estudiante de arquitectura y bellas artes, entra en la milicia para luchar en la Revolución de Octubre de 1917. Para los soldados dirige obras de teatro en las cuales también actúa y hace la escenografía. En 1920 ingresa en el teatro obrero del cual se convierte en director escénico. Curiosamente, su primer contacto con el cine es el cortometraje "El diario de Glomov" (1923) que filma por encargo del director teatral Ostrovsky para presentarlo en la obra teatral "El sabio".

revolucionario de 1905, cuando el Acorazado Potemkin se subleva contra el ejército del Zar, surgiendo así su obra maestra: "El acorazado Potemkin" (1925). Llena de imágenes poderosas, "El acorazado..." es un clásico del cine mundial. La siguiente película que dirige es "Octubre" (1927) basada en el libro de John Reed "Diez días que conmovieron al mundo" sobre la revolución de 1917, donde lleva a cabo sus teorías sobre el "montaje de atracción". No obstante que "Octubre" es una cinta espléndida, donde perfecciona, en la aplicación, sus teorías sobre el montaje, la censura lo acosa debido a su visión particular de los aún recientes hechos históricos de la recien nacida U.R.S.S.

Interesado por el nuevo Fotograma de “Iván medio artístico, Eisenstein el Terrible” de Einsenstein escribe algunas teorías cinematográficas, las cuales pone en práctica cuando realiza el largometraje "La huelga" (1924). También con problemas de censura termina de rodar "La línea general" en 1927 (había Ante el éxito de "La huelga", Lenin encarga comenzado a filmarla antes que "Octubre", a Eisenstein filmar una cinta pero la interrumpió para filmar ésta). conmemorativa sobre el primer intento

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Poco después, cansado de los problemas políticos que le imposibilitaban continuar su obra en la Unión Soviética, firma un contrato con la Paramount Pictures pero no llega a realizar ninguno de sus proyectos a causa de que nunca le es otorgada la residencia de trabajo. Lo anterior obliga a Eisenstein a viajar a México donde realiza la incompletas "¡Qué viva México!"(1931), la cual, no obstante, ha sido objeto de diversos montajes, nunca supervisados por él. De cualquier manera, esta obra influye de manera determinante en el cine mexicano, sobre todo en Emilio "Indio" Fernández (María Candelaria).

Turguenev- pero después le es prohibido continuar el rodaje "por orden superior". Entonces, Eisenstein se dedica a escribir las teorías cinematográficas obtenidas durante toda su carrera que han ayudado -y siguen ayudando- a comprender mejor el séptimo arte a los estudiantes, investigadores, historiadores, aficionados y críticos de todo el mundo.

Pese a los ataques políticos que sufre, el genial director soviético consigue rodar "Alexander Nevsky" (1938) primera cinta sonora de su repertorio y penúltima de su carrera, que finalizaría con otra “Cartel inglés gran película "Ivan el terrible", de de “Madre” film la cual sólo consigue dirigir las de Pudovkin dos primeras partes de las tres que tenía planeadas, de nuevo, por culpa de la censura de Stalin. (*) Vsevold Pudovkin. Nacido en Penza en 1893, Pudovkin había sido ayudante de Kulechov, guionista, actor, decorador, antes de emprender personalmente la realización de pequeños films de divulgación científica como "El mecanismo del cerebro" y acomete la novela de Máximo Gorki "La madre" (1926). Pudovkin utiliza la pluralidad de lugares para ampliar a las masas un caso típico (y no individual) y para cruzar sus temas y combinarlos metafóricamente.

A su regreso a la U.R.S.S. tiene la oportunidad de comenzar la filmación de "El prado de Bezhin" -sobre un cuento de Ivan

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El desenlace de "La madre" es un ejemplo clásico del estilo de Pudovkin:

Eisenstein, son figuras primordiales en la hisoria del séptimo arte, al cual, sin duda, revolucionaron formal y conceptualmente.

Cartel inglés de “Tierra” de una de las últimas obras maestras del cine mudo, dirigida por Dovjenko, uno de los grandes directores del cine soviético

Una gran manifestación en la que participa la madre, permite al hijo evadirse de la cárcel. A los dos centros de acción -las calles y la cárcelPudovkin añade un tercero: el deshielo del río. El despertar de la primavera es la imagen de la liberación del preso, la fusión del hielo, la de las masas que se aglutinan.

Cine de vanguardia. Según el diccionario, vanguardai significa avanzada de un grupo o movimiento ideológico, político, literario, artístico, etc. En este sentido, el cine, según el historiador de cine francés George Sadoul, arribo a la vanguardia hasta 1925, con diez o veinte años de retraso con respecto a otras artes.

Cine surrealista.
"La imaginación está a punto de recobrar sus derechos" - Andre Breton en su Manifiesto Surrealista, publicado en octubre de 1924

Dovjenko. Nacido en Ucrania, este cineasta y su obra definen claramente la idea que los rusos se hacían del papel social del cine, en la que además se unen excelentemente el realismo y el lirismo. Su obra más importante y representativa es "La tierra" (1930), la cual representa una de las últimas obras maestras del cine mudo. Así pues, los cinco grandes del cine soviético, Vertov, Kulechov, Pudovkin y

El surrealismo es un movimiento ideológico que surgió en la década de los veinte como consecuencia de la transformación social que sobrevino en Europa luego de la Primera Guerra Mundial, que se originó por conflctos económicos y políticos y que causó la muerte a 16 millones de personas, y cuyo final marcó - según diversos intelectuales como Carlos Fuentes, el inicio del siglo XX -.

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De acuerdo con el historiador cinemtográfico Edgar Soberon Torchia, la primer cinta surrealista fue "La concha y el clérigo" (1928) de Germaine Dulac, basada en un guión de Antonin Artaud (Un siglo de cine, página 121, Editorial Cinememoria, México 1995). Los antecedentes surrealismo del

Entre las obras enmarcadas en la desazón que provocó la gran guerra que abarcó de 1914 a 1918, se encuentra "La decadencia de occidente" de Gerald Spengler, que se editó cuando el conflicto todavía no finalizaba y que repercutió hondamente en el mundo intelectual de la época. El surrealismo. En 1920, cuando las consecuencias de la guerra se comenzaron a sentir con mayor fuerza en la conciencia de la sociedad europea de la época, el pesimismo y la desilusión, orilló a algunos intelectuales a rechazar los valores y la cultura de la sociedad occidental.

Durante los mismos años de la André Breton (1896 – guerra, en 1916, un grupo de 1966) fundador del intelectuales, entre los que se Este rechazo, que constituyó una surrealismo encontraban Hans Arp, Kurt manifestación tardía del dadísmo, fué Schwitters, Frances Picabia, Tristan Tzara y fundado por André Breton y conformado, Marcel Duchamp fundaron en Suiza el entre otros, por los pintores Gabriel Miró, movimiento dadaísta en el que mostraron René Magritte, Salvador Dalí y Delvaux, así su rechazo a los valores occidentales. como por los poetas Louis Aragon y Paul Postularon que el mundo occidental carecía Eluard, y el cineasta Luis Buñuel. de sentido y por ello utilizaron una palabra igualmente sin significado, sin sentido para Enmarcado dentro de los movimientos de enmarcar su movimiento: la palabra dada. vanguardia de principios de siglo, como el cubismo, futurismo, ultraísmo, creacionismo y estridentismo, entre otros, el surrealismo -

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que fue el más trascendente de éstos movimientos- buscaba la unión del sueño y la realidad para conformar una realidad absoluta o suprarealidad. Para el surrealismo, los sueños constituyen otra realidad pues son tangibles por los sentidos y forman parte de la realidad toda. En este sentido, para los surrealistas la obra de Sigmund Freud tuvo una gran influencia, pues Breton consideró que "...el explorador humano podrá gracias a los descubrimientos de Freud- ir más lejos en sus búsquedas, autorizado ya no a considerar Fotograma de “Un únicamente las realidades sumarias". perro Andaluz” , una Al respecto, Breton declaró: "La de las expresiones cinematográficas del imaginación está a punto de recobrar sus surrealismo, dirigida derechos..."
por Luis Buñuel

humana y sacarlas de la superficie, expresándolas en formas o en palabras mediante un simbolismo apropiado. Expresiones surrealismo. cinematográficas del

"El cine parece haberse inventado para expresar la vida del subconsciente" -Luis Buñuel El máximo exponente del surrealismo en el cine es Luis Buñuel (1900, Calanda, España; 1983, Ciudad de México) Nacido en el seno de una familia de terratenientes, Luis Buñuel es enviado a estudiar el bachillerato con los jesuitas a la ciudad de Zaragoza, para más tarde trasladarse a Madrid donde deja truncos los estudios de ingeniería de caminos, primero, y después de ciencias naturales, para iniciar los de historia que sí alcanza a terminar. No obstante, la importancia de su estancia en Madrid, radica en que tuvo la oportunidad de conocer en la famosa "Residencia de Estudiantes" a intelectuales y artistas que llegarían a influir intesamente en el presente siglo, como Salvador Dalí y

Principales postulados del surrealismo Según la “Enciclopedia Práctica del Estudiante” (Vol. 6, Arte, Lengua y Literatura, Editorial Promexa, 1982) el surrealismo proclama la omnipotencia de la imaginación, sin que se ejerza control alguno por la razón. Se propone captar las profundidades subconcientes del alma

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Federico García cuando nació en cine, que manifestaciones cineclubes.

Lorca. En esta época es Buñuel su atracción por el tuvo sus primeras con la organización de

todavía no militaban en el movimiento surrealista de Breton. En el perro andaluz vemos como un hombre - interpretado por el mismo buñuelcorta el ojo de una mujer con una navaja, mientras al mismo tiempo, una nube corta el brillo de la luna llena al pasar empujada por el viento. Según Edgar Soberon Torchia, El perro Andaluz es un "LLamado al asesinato, asalto a los sentidos, ataque a los valores de la burguesía, diatriba anticlerical o estudio de impulsos sexuales reprimidos: todo y nada es apropiado para definir este corto que desafía descripciones, recuentos o clasificaciones. Lo único claro es su apertura al rico y complejo universo de los sueños o al elemental, pero amenazador, ámbito de los instintos". Un año más tarde, ya con la ayuda del sonido, buñuel realiza "La edad de oro" , cinta que realiza con la ayuda del vizconde de Noailles y que representa, según diversos historiadores, la obra cumbre del surrealismo. "La Edad de oro" -que fue prohibida en Franciaobtiene el reconocimiento

Tiempo despué s se hizo asistent e de direcció n del cineasta francés Jean Epstein en París. Posterio rmente ingresa en el Luis Buñuel movimiento surrealista, animado por Dalí, Gómez de la Serna y Juan Larrea.

Ramón

Junto a Dalí escribe el guión de la obra que le hará ganar fama: "Un perro Andaluz" (1928) que se convierte en el manifiesto cinematográfico del surrealismo, pese a haber sido realizado cuando Buñuel y Dalí

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suficiente como para ser invitado a trabajar en la "Metro-Goldwyn-Mayer". La primer película hecha por Buñuel en España es "La tierra sin pan" , documental sobre las condicione s de miseria de las Hurdes. Este film lo pudo hacer Buñuel con el dinero de la lotería que ganó un amigo suyo que era Silvia Pinal y anarquista. Por Fernando Rey, en el supuesto, "La cartel de”Viridiana” tierra sin pan" fue de Luis Buñuel prohibida en España por el gobierno de la II Segunda República.

Poco antes de que estallara la guerra civil española, Buñuel trabaja con la compañía "Filmófono" donde intenta realizar un cine popular digno, supervisando personalmente algunas cintas. En plena guerra española, participa en la realización del documental "España leal en armas" (1938) y luego es enviado a Hollywood para encargarse del rodaje dos películas que nunca llegan a rodarse. Después de la segunda guerra mundial es contratado por la sección de cine del Museo de Arte Moderno de Nueva York, pero al poco tiempo lo expulsan, acusándolo de comunista. De vuelta en Hollywood, donde se encarga del doblaje de documentales, es contratado para filmar, en México, una versión cinematográfica de "La casa de Bernarda Alba" de García Lorca. Aunque nunca se rueda dicha película, tiene la suerte de conocer al productor Oscar Dancigers que le encarga la dirección de "Gran Casino" (1947) y "El gran calavera" (1949) que, aunque no son obras trascendentales en su carrera, le permiten, debido a su éxito en taquilla, filmar una obra más personal que causaría un gran escándalo en México, pero que lo volvería a poner en boca de los críticos a nivel mundial: "Los Olvidados"

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(1950),

película

sobre la juventud marginada de la Ciudad de México.

Portada de la biografía de Luis Buñuel, titulada “Mi último suspiro”

Durante toda la década de los años cincuentas, Buñuel trabaja con regularidad en el cine mexicano. Tan sólo entre 1950 y 1955 dirige once películas, rodadas con poco dinero, pero que representan algunas de sus mejores obras, como "El" (1952), que analiza el comportamiento de un neurótico, "Abismos de pasión" (1953), adaptación de la novela cumbres borrascosas de Emily Brönte y "Ensayo de un crimen" (1955). El éxito de estas películas le abre la etapa francesa de su obra -en un principio mediante coproducciones entre México y Francia- con las siguientes cintas: "Así es la aurora" (1955), "La muerte en este jardín" (1956) y "Los ambiciosos" (1959). En 1960 realiza una cinta coproducida por México y Estados Unidos, titulada "La joven".

En 1958, filma la que sería una de sus obras que repercutiría mas en todo el mundo: "Nazarín", sobre la obra homónima de Benito Pérez Galdós. En España filma "Viridiana" (1961) que prohibe Franco, durante más de quince años, por considerarla sacrílega. En la última parte de su carrera, Buñuel, dirige "El ángel exterminador" ( 1962), "Simón del desierto" (1965) y "Tristana" (1970), esta última rodada en España. Sin embargo, el gran público conoce a Buñuel -gran público, que por cierto asiste, casi exclusivamente a las salas comerciales- mediante sus filmes hechos totalmente en Francia, como "Diario de una camarera" (1964), "La vía láctea" (1969), "Bella de día" (1966), "El discreto encanto de la burguesía" (1972), "El fantasma de la libertad" (1972) y "Ese obscuro objeto del deseo" (1977) que representa el cierre de su brillante carrera. Sin embargo, Buñuel no fue el único cineasta que se apoyó en los postulados del surrealismo: Por la misma época, el cineasta Man Ray filma La estrella de mar y Los misterios del castillo de Dé, en 1928 y 1929 respectivamente. En este sentido,

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Edgar Soberon Torchia señala que, dentro de la animación y el cine experimental, otros directores se crearon al cine surrealista, como los japoneses Yoki Kuri y Kazutomo Fuzino; el danés Willhelm Freddie, los franceses Jean L ´Hote y Jacques Vausseur, aqsí como los belgas Henri Storck y Luc de Heusch, el español José Val del Omar y los estadunidenses Sidney Peterson, Larry Jordan y Pat O´Neill.

El origen de la palabra surrealismo De acuerdo con Alfonso Loya, la palabra surrealismo fue inventada por Guillaume Apollinaire en 1917, cuando los alemanes tenían sitiada a París. La historia es la siguiente: Un músico, Erik Satie, que componía música desenfadada y fresca, que contrastaba con la solemnidad de la música oficial, trabó amistad con el bailarín, poeta y cineasta Jean Cocteau, que decidió interpretar un ballet de Satie que se titulaba Parade - desfile. Cocteau mismo escribió un argumento para el ballet, Pablo Picasso creó la escenografía, los rusos Massine y Diaghilev se encargaron de la coreografía y Guillaume Apollinaire de la publicidad. El ballet de Satie, que era una "coreografía muy moderna de aire ligero, chistoso", según Loya, se estrenó en 1917 en el Teatro de los Campos Elíseos y tuvo un rotundo fracaso. solamente se presentó una vez y no alcanzó su objetivo de hacer olvidar a los parisinos la guerra. Sin embargo, algo que parecía no ser más que una anécdota sin importancia, se convirtió, dice Loya, en el nacimiento de un mito, pues en el cartel que anunciaba la función, Apollinaire escribió la palabra "surrealismo", que según él definía la novedad del espectáculo que el público estaba por ver.
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Catherine Denueve Fotograma de “Bella de Día”

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De igual forma, en la obra de muchos cineastas existen elementos surrrealistas, como es el caso de David Lynch, Alejandro Jodoroski y Richard Lester. Con el surrealismo el cine entró en una etapa nueva, donde, cada vez más, se significaba como un arte independiente de la literatura y el teatro. El surrealismo abrió nuevas perspectivas para el lenguaje del cinematográfico y representó uno de los últimos movimientos de importancia del cine, marcando el final de su época muda. Consideraciones finales sobre el cine mudo. El cine mudo fue la etapa de descubrimiento de la capacidad y alcances de uno de los medios de expresión más importantes que tiene el hombre; el cine de hoy es herencia de muchos pioneros – artistas, científicos e intelectuales – que vieron en el cine la oportunidad de registrar las ideas, con imágenes, para conocer mejor al hombre. Aunque en su etapa muda también se vulgarizó al cine como simple medio para obtener dinero, con el establecimiento del cine como industria, el cine mudo y sus creadores – directores, camarógrafos, actores, escritores, tramoyistas, etc. – nos han dado un nuevo lenguaje, inmediato e

universal: las imágenes en movimiento, que se deslinda de idiosincrasias y niveles culturales para expresar un mensaje. Todos los seres humanos podemos entender el cine mudo, sea de la nacionalidad que sea. El cine mudo nos dio la oportunidad de tener un lenguaje común. El cine sonoro está en deuda con él.

Principales aportes del cine mudo: 1. Consolidación del cine como medio de comunicación, espectáculo de masas e industria, pero sobre todo como medio artístico . 2. Creación de los primeros géneros cinematográficos – films de ciencia ficción, fantásticos, históricos, del oeste, documentales, dramáticos, de amor y de terror- y de los primeros movimientos artísticos surgidos del cine, como el cine ojo de la Unión Soviética. 3. Establecimiento de lo que hoy es conocido como “lenguaje cinematográfico” – planos, movimientos de cámara, etc.

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Capitulo III
El inicio del cine sonoro

sonorizar películas, usando personas que hablaban desde atrás de la pantalla. Sadoul afirma que con el fonógrafo hubo intentos por sonorizar el cine, a través de palabras y sonidos sincronizados con las imágenes que se proyectaban en la pantalla y que se amplificaban con aire en los teatros. Sin embargo, este procedimiento no resultaba legible para toda la audiencia, por lo cual el cine “hablado”se abandonó definitivamente. No obstante, son dos compañías las que, para la década de los 20´s reclaman inventos relacionados con el cine sonoro: Tobis Klangfilm de Alemania y General Electric Western de Estados Unidos. En un principio, las grandes productoras de Hollywood se negaron a adoptar el cine sonoro porque ello ponía en riesgo su mercado internacional e incluso local, pues ello implicaba compartir la pureza de las imágenes que pueden entenderse con solo verlas, con el idioma, que en el mismo territorio norteamericano podía variar, dado el número de inmigrantes que provenían de distintas partes de Europa y que a la sazón eran los principales consumidores de películas, pues era un espectáculo barato y

Desde que surgió el cine como una manifestación del arte, los cineastas y los inventores buscaron sonorizarlo, pues ello representaba mayores posibilidades expresivas y de comunicación. En un principio, durante las exhibiciones de las vistas o de las películas mudas, un músico, por lo general un pianista, acompañaba las imágenes de la película, y con el desarrollo del cine, algunos directores tenían compositores musicales que escribían la música que debía acompañar determinada película. Es el caso de “El acorzada Potemkin” de Eisenstein, que fue musicalizada por Edmund Meisel. Otro ejemplo en el cine mudo es “Metrópolis” de Fritz Lang, cuya música fue compuesta por Gottfried Huppertz. Pero según afirma el historiador Georges Sadoul, aún en una etapa más temprana, algunos cineastas como Mélies, intentaron

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comprensible para todo el mundo hablara inglés o no. Sin embargo, los hermanos Warner que habían comprado la productora Vitagraph, se arriesgan y llegan a un acuerdo con la General Electric para sustituir las orquestas que interpretaban musica en vivo, para proyectar películas musicalizadas y con algunos efectos de sonido, en su cadena de teatros. Aunque se reconoce a “El Cantante de Jazz” (EE UU. 1927) de Alan Crossland, como la primer película sonora, y a su protagonista, Al Jolson, como el primer actor en haber pronunciado una palabra en el cine 4, la primer cinta totalmente

hablada fue “Lights of New York” (EE UU 1929) de Bryan Forbes, y la película cinta que expresa mejor la revolución que representó el cine sonoro fue “El Ángel Azul” (Alemania -1930) del austriaco Josef Von Sternberg. entre las películas sonoras que surgieron a partir de la conclusión de diferentes inventos que hicieron posible la sonorización del cine, “El Ángel Azul” destaca por el diseño de Cartel de “El sonido que incluía Cantante de Jazz” le película, desde los diálogos mismos, hasta las diferentes capaz de sonido ambiental y efectos sonoros particulares – portazos, pisadas , etc. – pero también es importante porque la cinta representó el surgimiento de una de las grandes divas del cine: Marlene Dietrich, y porque da a conocer Josef Von De todas

Josef Von Sternberg
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El personaje que interpretaba Jolson era el de un cantante negro de jazz, para lo cual tuvo que pintarse el rostro de negro, porque en aquello días era impensable, para los norteamericanos, que un negro protagonizara una cinta. De hecho, “El cantante de jazz” es una película muda con algunas partes cantadas y habladas. El director Alan Crossland ya había probado hacer una cinta sonora en 1926, llamada Don Juan, la cual contenía ciertas canciones sincronizadas con la imagen, y que tuvo éxito entre el público.

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Sternberg, uno de los grandes cineastas de todos los tiempos. En lo comercial, el cine sonoro representó un gran negocio porque el público aceptó el cine sonoro, lo cual impulsó a inversionistas de toda Europa y Estados Unidos, a financiar películas, y en lo Marlene Dietrich artístico se tradujo en una revolución, pues con el sonido se abrían nuevas posibilidades expresivas, que incluía concepciones teóricas como el uso independiente del sonido con respecto a las imágenes, propuesto por téoricos rusos del cine, hasta el advenimiento de actores con timbres de voz apropiados y la decadencia de otros que en el cine mudo fueron estrellas, pero que en el sonoro su voz provocaba risa involuntaria en el público. Una excepción de ello fue la más grande diva del cine, Greta Garbo, que pudo pasar del cine silente al sonoro, debido a que el tono de su voz acentuaba

su aspecto misterioso y sofisticado que tenía cautivado al público.

Capitulo III
El cine contemporáneo “El cine no constituye una imitación sino una re invención de extraordinaria exactitud fuera de todo convencionalismo". Andre Bazin, teórico cinematográfico francés. El neorrealismo italiano, base del cine moderno. El neorrealismo es la escuela cinematográfica que funda las bases del cine moderno y surge en 1944 con las cintas “Obsesión” (1942) Luchino Visconti y con “Roma, ciudad abierta” (1945) de Roberto Rosellini, filme que impone al neorrealismo, por su honestidad y autenticidad, y que fue filmada, en los mismos lugares donde ocurren los hechos que narra - inmediatamente después de la liberación de Italia, al fin de la Segunda Guerra Mundial.

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Según Alfredo Naime Padua,5 neorrealismo “espía, descubre a realidad”. El

el la

Cesare Zavattini, teórico del surrealismo

teórico principal del neorrealis mo fue Cesare Zavattini que junto con Fellini y Amidei fue uno de los guionistas de los primeros filmes del movimiento ya en la posguerra. Zavattini decía que “El hombre desconocido (y vigilado por la cámara en su vagabundeo y encuentros hasta descubrir su índole particular y crear su historia) tiene que ser el único intérprete de sí mismo”. Algunos de los principales postulados del Neorrealismo son: filmación fuera de los
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estudios; utilización de actores desconocidos o no profesionales – o tipos en vez de actores -; la baja en los costos de producción y una vuelta a la realidad como reacción a la retórica del cine que precedió al neorrealismo; rechazo a algunas formas de tradicionales del cine; la destrucción de ciertos modos de narración y representación; la fusión cada vez mayor entre el documental y la ficción (el cinémaverité, el cine directo, etc.) El neorrealismo surge de una Italia destrozada por la guerra, la cual debía retratarse sin maquillaje. “Esto significa – dice Tomás Pérez Turrente en el anexo al libro de Georges Sadoul titulado Historia del Cine Mundial- re descubrir la realidad y en cierto modo desmitificar la imagen que de ella había forjado el cine”. Consecuencia del neorrealismo, en Italia el cine resurge como una industria importante, pues el público queda fascinado por una tendencia del cine novedosa, que tocaba aspectos de la realidad que el propio espectador estaba viviendo. El atractivo económico que supuso la novedad del neorrealismo para Italia, fue imitado por otros países, Brasil y Francia, entre ellos, en donde los jóvenes cineastas

El cine, 204 respuestas”, el Neorrealismo - término que fue inventado por el crítico italiano Umberto Bárbaro en 1942

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siguieron algunos de los postulados del neorrealismo, y las industrias se abrieron un poco a las posibilidades comerciales que implicaba el cambio formal y de fondo del cine que proponía el neorrealismo. Como ejemplo, la Nueva Ola francesa se origina de una severa crisis del cine en aquel país, producto de la re afirmación de la televisión como medio masivo, que sustituyó, en gran parte, al cine como medio de espectáculo familiar. Por ello, los cineastas de la nueva ola francesa introducen dos valores que difícilmente pueden ser explotados por la TV: el valor artístico y el valor erótico. “Lo más urgente para la nueva ola francesa – dice Pérez Turrent - es encontrar un valor que reemplace los antiguos valores ahora confiscados por la televisión”. La nueva ola se distingue por sus métodos de trabajo rápidos y baratos, el abandono del actor-personaje tradicional y de la continuidad espacio temporal, entre otros. Uno de los principales cambios de la Nueva Ola es que, a diferencia del cine industrial convencional, el interés se pasa de las estrellas a los directores. Y se establece al director como autor absoluto, como el único

responsable de su obra. El director creador de una obra que expresa su universo personal. “El cine de autor – añade Pérez Turrent – es un cine de crisis, una reacción contra la presión de un aparato económico que no deja mucho lugar a la expresión personal. Esta Roberto Rosellini, nueva forma director italiano que de concretar el impulsó el neorrealismo con la cinta “Roma malestar ante Ciudad Abierta” una crisis tiene consecuencias definitas en el cine actual”. La influencia del neorrealismo es tal en todo el mundo, que hasta en Hollywood se hacen esfuerzos por producir un cine independiente como en “Twelve Angry Men” de Sidney Lumet. Igualmente, a partir de la década de 196070, Hollywood comienza a perder su

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preeminencia estética en los cines locales, aunque sigue teniendo el dominio del mercado mundial. En otros países, como Brasil, algunos directores como Nelson Pereira Dos Santos – que estudió cine en Roma – Glauber Roca y Carlos Diegues, entre otros, establecen un grupo de cineastas que introducen las técnicas del neorrealismo en el cine carioca. La industria y el gobierno brasileños, por ejemplo, atraen trabajadores italianos para establecer una industria que siguiera el ejemplo de la italiana que se había desarrolado comercialmente gracias al neorrealismo. La consolidación de ésta industria estatal fracasa, pero los cineastas independientes, agrupados en la Corriente que se denominó “Cinema Novo” (que engloba a los directores arriba mencionados) trascendieron Brasil para consolidarse como cineastas de prestigio y universales. La película que inicia en Latinoamérica las técnicas del neorrealismo es “Río 40 Grados” (1955) de Nelson Pereira Dos Santos, y es seguida de otras como “Antonio Das Mortes” de Glabuer Glauber Rocha, Rocha, que además es creador de “La cineasta estética del hambre”, también conocida brasileño como “La Estética de la violencia”.

En Argentina, el que se conoce como Nuevo Cine Latinoamericano se funda con Fernando Birri, que a finales de los 40s parte de su natal Santa Fe, para estudiar en el Centro Sperimentale di Cinematografa, en Roma, seducido por el neorrealismo italiano, que está en boga en todo el mundo. Las películas claves de este periodo en Argentina, son de Birri “Tiré Die” (1960) y “Los Inundados” (1962). En México, aunque en los los 60s existía una industria – llena de comedias juveniles ñoñas y “westerns a la mexicana”- algunos críticos, escritores y aspirantes a directores, crean el grupo Nuevo Cine, que inmediatamente es apoyado por el mundo intelectual de México, que incluía a figuras como Buñuel, Vicente Rojo, Carlos Fuentes y José Luis Cuevas. El grupo Nuevo Cine lanzó un manifiesto donde se opuso al monopolio que existía en aquel momento; exigieron oportunidades para nuevos directores, libertad de expresión y apoyo a los géneros del documental y el cortometraje. Sin embargo, gracias a él se estableció una nueva crítica, más preparada y con menos compromisos - salvo las excepciones de siempre – que señaló el deterioro del cine nacional.

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Fotograma de “Los Caifanes” de Ibañez

Un director que se debe destacar es Luis Alcoriza, con sus cintas Tlayucan (observación de los mitos religiosos nacionales), Tiburoneros (las condiciones sociales de los pescadores) y Tarahumara (retrato de la vida de dicho pueblo indígena), que de alguna manera tienen el espíritu del neorrealismo.

El certamen dejó en claro que en el país había talento que necesitaba ser impulsado, que los cineastas mexicanos, los guionistas y todos los participantes de la actividad cinematográfica podían abordar temas distintos a la apología de la pobreza como forma de alcanzar el paraíso; los dramas mundanos y las comedias rancheras mediocres e intrascendentes. Había oportunidad de abandonar la vulgaridad. El ganador del primer lugar fue Rubén Gámez, con La fórmula secreta. Además, obtuvieron premios Alberti Isaac con “En este pueblo no hay ladrones”; Juan José Gurrola, José Luis Ibañez, Miguel Barbachano Ponce, Héctor Mendoza y Juan Ibáñez con Amor, amor ,amor; Manuel Michel, Salomón Láiter y Sergio Véjar. Después, el Banco Nacional Cinematográfico, la Dirección General de Cinematografía y la Asociación de Productoras convocan al Primer Concurso Nacional de Argumentos y Guiones Cinematográficos, que tiene una amplia participación, aunque su repercusión fue mínima: solamente se rodaron Mariana y

. Aunque hay dos directores importantes en este periodo, como Fernando de Fuentes su película “La sombra del Caudillo” fue censurada por la dictadura del PRI durante treinta años- y Roberto Gavaldón – “La Rosa Blanca” exponía la explotación que las compañías petroleras norteamericanas hacían contra los trabajadores mexicanos antes de la expropiación petrolera- éstos son directores veteranos que no motivaron su obra en el neorrealismo italiano. En ésta época se crea la primer escuela de cine en México: El Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM (CUEC) y el STPC convoca a al I Concurso de Cine Experimental de Largometraje:

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Los Caifanes, El concurso buscaba fomentar la calidad en el cine, pero lo único que logró fue confirmar, por si todavía quedaba duda, que los productores nacionales despreciaban al cine que apostaba por la vitalidad y la frescura. Podemos decir, que consecuenci a de este intento de los 60s es en parte el cine mexicano de los 70s que aborda temas sociales. Nombrado director del Banco Nacional Cinematográf ico en 1970, Echeverría, impulsa, al amparo del presidente Luchino Viscontti Luis Echeverría, la virtual estatización del cine nacional, en un acto contradictorio, pues la exhibición, en gran medida, seguía en manos de la

iniciativa privada, que se vio beneficiada con el descongelamiento de los precios de las entradas, que impulsó la producción de cintas cada vez de menor calidad. De cualquier forma, los productores protestaron, pero el giro estaba dado y durante un sexenio el gobierno alentó las coproducciones – con productoras privadas, directores, trabajadores y con el extranjero -, apoyó a productoras nuevas y se convirtió él mismo en productor cinematográfico a través de las productoras Conacite I y Conacite II (Comisión Nacional de Cinematografía y Televisión), Conacine y el Centro de Producción de Cortometraje. Era un cine que contradecía al cine de la época de oro, de los cantantes juveniles, de los regaños morales, de la apología de la pobreza, de la ponderación del "sacrificio de la madre" como justificación para el sometimiento individual a la moral cristiana tan cómoda para el Estado, y de las comedias rancheras donde todo era soportable si había tequilas, mariachis y la oportunidad ocasional de echar bala. La administración de Echeverría dio como resultado la creación del Centro de Capacitación Cinematográfica, la construcción de la Cineteca Nacional y un

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puñado de cintas que se encuentran hoy entre las mejores del cine mexicano: Reed: México Insurgente (Paul Leduc), Canoa, El apando y Las poquianchis (Felipe Cazals) La pasión según Berenice (Jaime Humberto Hermosillo), y las Actas de Marucia del chileno Miguel Littin. El neorrealismo abrió al cine como una forma del hombre para entenderse a sí mismo; para aclarar sus valores y defectos. Pérez Turrent lo señala de la siguiente manera: “Su primer etapa – del cine– tiene como fin re descubrir una realidad alienada, evadida sistemáticamente, representarla en su nivel más inmediato, documentar una serie de situaciones. Como resultado, es un cine a veces superficial, otras extremadamente particularizado. Cumplida la primera etapa, había que pasar a la siguiente: ya no sólo representar las situaciones, ilustrarlas o documentarlas, sino profundizar en ellas, penetrar en los seres que las forman, tanto psicológicamente e individualmente como de una manera antropológica. Es necesario pasar de lo ´nacional popular´ a lo universal”. Este fue el cambio que impulsó, sin proponérselo, el neorrealismo en el cine, el cual se dio en la forma, con la experimentación narrativa – “Sin aliento” de Jean Luc Goddard – en la introspección

del alma y la mente humana _ Ingmar Bergman y su “Fresas Salvajes”- en la denuncia social (Glauber Rocha, Fernando Birri y Nelson Pereira Dos Santos) y en la desmitifación y mirada honesta a la realidad e idiosincrasia del ser nacional como “En este pueblo no hay ladrones” de Alberto Isaac, y “Tiburoneros”, “Tarahumara” y Tlayucan de Luis Alcoriza, ambos directores mexicanos).

Impacto del neorrealismo en el cine de occidente La nueva Ola Francesa. A partir del impacto que tuvo el neorrealismo en toda Europa, Francia, que se encontraba en un aletargamiento bajo el cual la producción de películas seguía esquemas clásicos, un grupo de jóvenes interesados en el cine, aportaron un espíritu novedoso, que pretendía renovar al cine, e impulsar su desarrollo como medio artístico. Eran Godard, Resnais, Truffaut, Camus, Chabrol, Malleo, Rohmer, que habían comenzado escribiendo críticas cinemaotgráficas en una revista que aún existe y que se llama “Cahiers du cinema” y que fue fundada por André Bazin, un

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teórico cinemtográfico francés. Era la nouvelle vague, que implicó un cambio en la forma de hacer cine. Esta vez el autor iba a ser el director que a partir de los actores, los técnicos, etc. Haría una creación a partir de sus ideas y de su universo, y a propósito de esto surge el concepto “cine de autor”, bajo el cual los miembros de la nouvelle vague revaoraron la obra de John Ford, Howard Hawks, Orson Welles y Alfred Hitchcock . Estos directores norteamericanos, así como otros de nacionalidad francesa como Jaques Tati influyeron en los miembos nouvelle vague para crear un coine personal, que proyectara las ideas y preocupaciones del director, más allá de las influencias externas – los productores, los actores, etc. -

profundiza y comienza a plasmar sus inquietudes cinematográficas en “Cahiers du cinema”. Sus películas más celebres son "Antoine y Colette", "El Amor a los veinte", "Besos robados", "El último metro", "La mujer de al lado", "Jules y Jim", “Los cuatrocientos Francoise Truffaut golpes" y “Las dos inglesas y el amor", Muerto cuando se encontraba en su plenitud artística, Truffaut además de sus críticas y comentarios en Cahiers Du cinema y Arts, dejó un libro que hoy referencia obligada para los interesados en el cine " El cine según Hitchcock" y rebautizado después como "TruffautHitchcock" que recoge las pláticas que el director francés sostuvo con el maestro del suspenso. La influencia de Éste enorme cineasta francés trascendió, desde luego, las fronteras galas. Un ejemplo de lo anterior es la veneración que le prodiga Steven Spielberg, quien lo invitó a participar

Algunos de los directores más destacados de la nouvelle vague son Jean-Luc Goddard, Francoise Truffaut. Francois Truffaut ( París, 1932; 1984, Neuilly-sur-Seine, Francia ) Se le atribue la frase "El cine es mejor que la vida" y es uno de los cineastas más influyentes que dio la nueva ola francesa. A partir de su amistad con André Bazin, su interés en el cine se

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como actor en una de sus más renombradas películas: "Encuentros cercanos del tercer tipo". No obstante, el director de la nueva ola francesa que apostó con mayor fuerza a la explorar nuevos caminos para la expresión cinematográfica es Jean-Luc Godard. Su Jean-Luc Godard primer película “Sin Aliento” (1959) es una re elaboración del lenguaje del cine, a partir de un manejo libre del montaje, que por otro lado pierde todo convencionalismo – se observan cortes repentinos en una misma escena que Godard explica diciendo que simplemente quitaba lo que no quería que se viera - y una puesta en cámara carente de rigidez lo cual hace que la historia, que en el caso de “Sin Salida” es la de un ladrón interpretado por Jean Paul Belmondo, se impulse y camine sin obstáculos haciael espectador. En Godard,

el tiempo y el espacio son arbitrarios, no son realidad, más bien son realidad cinematográfica. Sus cintas más destacadas son Vivre sa vie (1962), Masculin-fémenin (1966), WeekEnd (1968), Todo va bien (1972), y Prénom: Carmen (1983).La influencia de Godard en el cine se ha prolongado hasta nuestros días, con tal impacto, que no se distingue con facilidad, pues lo que en “Sin Salida” se veía revolucionario, hoy es de uso común, sobre todo en el cine comercial. Además de Italia y Francia que establecieron dos escuelas muy influyentes en el panorama cinematográfico mundial, otros cines, como el sueco iniciaron formas nuevas de abordar el cine al margen del esquema clásico impuesto por Hollywood. Ingmar Bergman, por ejemplo, inicia una serie de películas que describen y hablan sobre el interior de las personas; sus angustias, pasiones y problemas que se inician en el interior y que tienen un ompacto en las relaciones con los demás. Por su parte, en Gran Bretaña se inicia el free cinema que eborda temas que señalan las contradicciones de la flemática sociedad británica, y el individuo envuelto en conglomerados industriales, y dividido en clases sociales, enfrentado con la soledad.

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Cineastas destacados en el free cinema son Tony Richardson, Lindsay Anderson y Karel Reisz. En la entonces llamada Alemania federal, surge el movimiento del nuevo cine alemán, que da a conocer al mundo a cineastas muy distintos entre ellos, pero unidos por la compromiso de realizar un cine diferente. A partir de este nuevo cine alemán surge, por ejemplo, Werner Herzog, que ha sido nombrado el “el cineasta más

Otros cineastas destacados de lo que se conoció como nuevo cine alemán, son Schlöndorff, Werner Reiner Fassbinder y Win Wenders. Hay que tener en cuenta en todos ellos la influencia del "mayo del 68".

El impacto del neorrealismo se dio en todo el mundo, en Cuba con el cine de Tomás Gutiérrez Alea y Humberto Solanas; entre otros; en Brasil con Glauber Rocha – quizás el teórico y cineastas

romántico del cine” pues sus más revolucionario que ha Werner Herzog, filmando en una películas, desde la dado Latinoamérica – locación realización misma, se viven. NelsonPereira Dos Santos, Una de sus cintas, “Fitzcarraldo” tardó años Ruy Guerra y Carlos Diegues, y en Bolivia en filmarse en plena selva amazónica, y en con Jorge Sanjinés que crea el grupo ella, Herzog filma el traslado de un barco Ukamau – que significa en quechua “así por encima de una montaña como metáfora son las cosas” - y su cine combativo que de su cinta – que es la intención de reivindica a los indígenas – filmando Fitzcarraldo, un hombre que quiere llevar películas habladas en quechua, por ejemplo hasta una aldea pérdida del amazonas, un - y cuestiona la realidad de un país, espectáculo de ópera – y de toda su obra, reflexionando también en su historia, cn en la que la determinación por terminar una cintas como”El coraje del Pueblo”, La película es una cuestión de vida o muerte. Sangre del cóndor”, y “El enemigo princpal”.

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Incluso en Estados Unidos, el neorrealismo pudo servir de ejemplo para impulsar un cine independiente al de Hollywood, que fiera mayor libertad a los directores y que no se guiara por pautas comerciales, con cineastas que trabajaban fundamentalmente en Nueva York , entre los cuales se encuentran John Cassavettes, Mike Nichols, Lumet y Mulligan

comunistas. A este periodo se le conoce como “mccarthysmo”. El “mccarthysmo” es una versión moderna de la Santa Inquisición, fundada por un senador apellidado, precisamente, Chaplin, víctima del Mcarthy, que mccarthysmo organizó una comisión que interrogaba a todas aquellas personas de las que se recibiera una denuncia o se sospechara que fueran comunistas. Si bien no se mataba a los sospechosos de comunismo, si se les excluía o se les encarcelaba. Era una policía del pensamiento y de la conciencia. Cineastas muy importantes, como Chaplin y Orson Welles, fueron perseguidos y acosados, y en el caso de éste, se llegó a la expulsión del país. Sin embargo, pese a que esto supuso un freno a la obra de grandes cineastas, a partir de los 50´s el cine norteamericano inicia un cambio, provocado por el auge de la televisión, que

Capitulo IV
El cine de la posguerra en los Estados Unidos

A partir de que el mundo se dividió en dos grandes esferas ideológico-políticas, la capitalista sustentada en occidente y la comunista definida por la U.R.S.S., se inicia la guerra fría en 1947, Estados Unidos se sumerge en una etapa de conservadurismo, que alcanza a diferentes esferas de la vida cultural, lo que provoca que los cineastas con ideas innovadores comiencen a ser vistos como peligrosos para el modo de vida norteamericano. Se les acusaba de

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provoca una ausencia de espectadores a la salas. En consecuencia, los productores de Hollywood inician distintos cambios para recuperar “el mercado”: el sonido de las películas se hace stereo y la pantalla se hace más grande. El cine opta por Orson Welles inversiones fuertes que permitan crear imágenes más espectaculares y envolventes que las de la televisión. Con ello, comienza a tomar un mayor sentido el término superpoducción que había comenzado a vislumbrarse desde 1939, con la cinta “Lo que el viento se llevó” de Victor Fleming. Igualmente, se apuesta por temas audaces que permiten la encarnación de personajes que van a contracorriente de las convenciones de la sociedad estadounidense. Los actores que dan vida a estos personajes se convierten, pronto en mitos del cine, como Marilyn Monroe y James Dean. Igualmente, se consolida la carrera de uno de los grandes directores de la historia del cine: Alfred Hitchcock.

La historia del cine está conformada por muchas miradas, todas ellas agudas, todas ellas penetrantes, todas ellas válidas. Por ello, hacer una revisión de lo que tales cineastas hicieron, y más concretamente de lo que nos dejaron ver, a través de sus ojos, porque como dice el critico José de la Colina, la pantalla de cine - y hasta la de TV - no es sino el registro de la mirada de alguien.

Alfred Hitchcock, platicando con Luis Buyñuel – de espaldas – mientras los ve el hijo de éste último, en una fiesta en casa del director Geroge Cuckor

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Por lo anterior, es oportuno revisar, aunque sea de manera breve, y a través de su película Psicosis, algunas de las imágenes, muchas de ellas perturbadoras, que registró uno de los directores más famosos y reconocidos - extraño caso - tanto por la critica, como por el público en general: Alfred Hitchcock.

Psicosis (Psycho - Estados Unidos, 1960) En Phoenix, una mujer llamada Marion Crane decide robar el dinero de un cliente de la compañía de bienes raíces donde trabaja, para poder casarse con su novio Sam. En su huida por la carretera, Marion se hospeda en un solitario motel, administrado por el joven Norman Bates y su madre, que vive en una lújubre casa de estilo victoriano. Basada en una novela de Robert Bloch, considera vulgar y mediocre por los críticos literarios, que habla sobre el caso de un joven psicópata obsesionado por su madre, Psiosis se rodó apenas en 6 semanas con un equipo de televisión, y es considerada una de las mejores películas de Hitchcock. Dueña de una actuación soberbia de Antonhy Perkins, y de una banda sonora

que se ha vuelto clásica por su capacidad de elevar al espectador a un grado máximo de horror, sobre todo en la pieza compuesta exclusivamente por instrumentos de cuerda, a cargo de Bernard Herrman, Psicosis es reconocida también por la terrorífica secuencia de la ducha, de 45 segundos de duración, y compuesta de 78 planos, que se dice fue diseñada orginalmente por Saul Blass, y que Hitchcock tardó 7 días en filmar. Otra de las secuencias de antología es la del asesinato en la escalera, en donde se utilizó una toma desde arriba.

Fotograma de “Psicosis” de Alfed Hitchcock

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La cinta representó para Hitch un cambio de los escenarios fastuosos y la estructura clásica de su realización, a escenarios más sombríos y a personajes más comunes. Sobre el aspecto de la estructura habría que decir que Hitch revolucionó al cine norteamericano, desapareciendo a mitad de la película a Marion, la protagonista, vía el asesinato, y empujando al público a que pusiera sus simpatías en el pobre Norman, el homicida acosado por su madre.

representó una sacudida para la sociedad de dicho país que en su sector más conservador pidió que se prohibiera la exhibición de la cinta. Incluso se le acusó de incitar el cuarto homicidio que perpetró un hombre contra una mujer en una ducha. Ante la calumnia Hitchcock respondió con suspicacia: "¿Y se puede saber qué vio antes de matar a las anteriores?.6 No obstante, los críticos estadounidenses empezaron a valorar la película al poco tiempo a causa, seguramente, de que obtuvo un enorme éxito en taquilla, recaudando 16 millones de dólares, tan sólo en los Estados Unidos.

El filme, que costó a penas 800 mil dólares, influyó en todos los que participaron en él. Por ejemplo, Janet Leigh, que interpretó a la bella Marion aseguró alguna vez, durante una entrevista para la televisión Sobre la famosa secuencia de que durante mucho tiempo la ducha, habría que resaltar recibió cartas en las que la un aspecto que, de suyo, define Cartel de “Psicosis” amenazaban con hacer realidad la en parte la concepción del secuencia del asesinato en la ducha, y director inglés sobre el arte cinemtográfico: Anthony Perkin nunca pudo apartarse del El terrible asesinato nunca se nos presenta personaje de Norman Bates, el cual volvió a de manera completa, tan sólo por interpretar en dos ocasiones. Destrozada en un principio por una parte de la crítica norteamericana, Psicosis también
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Tomado del libro Alfred Hitchcock, de Guillermo del Toro, No. 7 de la Colección Grandes Cineastas de la editorial Universidad de Guadalajara, página 423).

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fragmentos, breves, sobre todo en las escenas del cuchillo que penetra el cuerpo de la protagonista. Son un montón de imágenes que sin un órden no tendrían interés. Con ello, de alguna forma, Hitchcock plantea que, a final de cuentas, el cine no es más que el orden de escenas fragmentadas, que se unen - ayudadas por la música, la actuación, los decorados - con el propósito de crear una sensación en el espectador. En este sentido, el cine no es un reflejo de la misma, sino un fragmento arbitrario. Sir Alfred, alguna vez explicó la forma como dirigió este film: "Usé cine puro para conmover al público. Todo lo hice con intención visual, dirigida, por todos los caminos posibles, al público. Por eso, el asesinato en el cuarto de baño es tan violento. En Psicosis me importaban poco el tema y los personajes; me interesaba remover al público a través de todos los elementos del filme: la fotografía, la planificación, la banda sonora, etc. Porque lo que intriga al público no es un mensaje ni una interpretación, ni una novela muy apreciada, sino la existencia de una película pura". (Palabras tomadas del número 2 de la revista Grandes ciclos TV,

editada por Multiediciones S.L., Madrid, España). Alfred Hitchcock nació en Londres, Inglaterra en 1899 y murió en Bel-Air, E.U en 1980. Su primer cinta fué El jardín de la alegría donde ya mostraba su gusto por el suspenso y por la utilización de un tipo Hitchcocl de mujer característica: rubias, elegantes, delgadas y hermosas, como Ingrid Bergman, Vera Miles, Joan Fontaine, Janet Leigh, Doris Day y Grace Kelly. Las características más importantes del cine de Hitchcock, al margen de su gusto por lo macabro y de sus apariciones momentáneas en la pantalla, son el cuidado minucioso del montaje -pegado de las imágenes filmadas- al que el propio

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Hitchcock se refiere de la siguiente forma: "Un film está hecho de miles de imágenes que hay que orquestar rítmicamente". En este proceso, su esposa Alma Reville fue indispensable en muchas de sus cintas.

Sobre todo, en el cine de Hitchcock subyace, en el fondo, una posición filosófica o social. De esta forma, mediante una interpretación por demás arbitraria, podría decirse que Los Pájaros es un alegato ecológico, o la metáfora de la madre desesperada por la inminente pérdida de un hijo ante la aparición de otra mujer, más joven, llena de promesas sexuales. O como en el caso de La Soga, que puede ser considerada una condena a quienes se asumen como superhombres, basándose en interpretaciones erróneas y estúpidas de los postulados de Nietzsche. En lo formal, en el cine de Hitch destacan también la utilización casi matemática de la tensión en la estructura de sus filmes, el sentido del humor y la minuciosidad en la escritura del guión. Al respecto, el director inglés siempre comentó que sus películas estaban terminadas antes del rodaje, parte ésta última que le resultaba fastidiosa, por la intervención de diferentes intereses y vanidades, como las de los actores, sobre los cuales dijo en una entrevista, que muchas veces debían ser tratados como ganado. Otra parte escencial de su cine, es el predominio de la imagen sobre los

Anthony Perkins como Norman Bates en “Psicosis”

De la misma manera son de resaltar la búsqueda de personajes que se identifiquen con el espectador, casi siempre inocentes acusados injustamente de algún crimen, pues Hitch, como se le recuerda con cariño, decía que "el cine es un montón de butacas que hay que llenar".

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diálogos. Un ejemplo soberbio -aunque en el cine de Hitch hay muchos- es la cinta Los 39 escalones, donde con una simple mirada , queda al descubierto un fugitivo inocente ante la heroína de la película. "No creo en los diálogos. Tengo una fé ciega en el arte cinemtográfico", explicó Hitch una vez.. Entre sus cintas más memorables se encuentran, además de las ya mencionadas, Rebeca (1940), La sombra de una duda (1943), La soga (1948), Extraños en un tren (1951), La ventana indiscreta (1954), El hombre que sabía demasiado (1955), De entre los muertos (Vértigo) (1958 y Los pájaros (1963). Produjó también dos series de televisión: Alfred Hitchcock presenta y La hora de Alfred Hitchcock y nunca obtuvo un Oscar como mejor director. En 1979 sugirió, como epitafio para su lápida, que se escribiera "¿Ven ustedes qué sucede si no se es un buen muchacho?". Murió un año después, en 1980. Otro director destacado del norteamericano es Stanley Kubrick: cine

"El tiempo que transcurre entre mis filmes mide exactamente la cantidad de amor que quiero dejar caer en una historia" - Stanley Kubrick (1928 - 1999)

El domingo 7 de marzo de 1999 falleció en Gran Bretaña el genial director norteamericano Stanley Kubrick a la edad de 70 años, justo cuando se encontraba dando los últimos toques a Stanley Kubrick "Eyes wide shut" su multimillonaria producción con Tom Cruise, Nicole Kidman y Sidney Pollack. La muerte del cineasta nacido en Nueva York, autor de clásicos como "Patrulla Infernal", "Lolita" y"2001, odisea del espacio", significa también el final de un siglo de auténticos autores cinematográficos, donde el director y no los actores eran las estrellas.

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Así, con Ingmar Bergman en un retiro causa del mutismo casi total de Kubrick y voluntario, con la desaparición de Orson de los cambios de guión a última hora que Welles, Fellini, Kurosawa, Hitchcock, realizó todavía el año pasado. Eisenstein y Buñuel, Este último film, que en inglés es por una expresión que diría algo así mencionar como "completamente cegado", algunos de trata, según las propias palabras los pocos de Kubrick, "sobre una pareja que que se busca todas las posibilidades del encuentran deseo sexual" y ya había generado en la polémicas por diversos motivos, cúspide que van desde las supuestas cinematogr escenas sexuales en las que la áfica, pareja Cruis-Kidman aparece con Stanley un desnudo frontal, hasta la Kubrick obsesión de Kubrick por alcanzar deja este mundo la perfección, que motivó que dos de Kirk Douglas, en Patrulla Infernal cuando más se los actores secundarios Harvey Kietel de Stanley Kubrick necesitaba de un y Jennifer Jason Leigh abandonaran el cine poderoso, que impactara por su proyecto cuando éste ya estaba casi contenido. finalizando. Y es que el talento de Kubrick era tal, que incluso consiguió algo que ningún cineasta de la actualidad podría lograr: que la Warner Brothers invirtiera sesenta millones de dólares para la producción de "Eyes Wide Shut", sin tener el derecho de leer el guión. Al momento de escribir estas líneas se desconocía con certeza si el director alcanzó a terminar dicha producción, a Algunas de las películas más trascendentes de Kubrick son las siguientes: Patrulla Infernal "Paths of glory" (1957) con Kirk Douglas, es una cinta extraordinaria que habla sobre la estupidez de la guerra, con secuencias de antología, como aquella donde el pelotón intenta tomar la colina de la hormiga.

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Espartaco (1960) con Kirk Douglas y Laurence Olivier, que narra la lucha del esclavo Espartaco por lograr la libertad. En ella se confirma la preocupación del director por la violencia y la guerra, y es su primera cinta a color. Lolita (1962) con James Mason y Sue Lyon, basada en la novela homónima de Nobokov, sobre el enamoramiento de un profesor adulto y una adolescente. En su tiempo, representó todo un escándalo. Dr. Insólito o como aprendí a despreocuparme y amar la bomba Dr. Strangelove, or how I learn to stop worrying and love the bomb (1963) con Peter Sellers y George C. Scott, es una cinta de humor negro sobre la paranoia de la guerra fría que tuvo al mundo al borde de la catástrofe nuclear.

comerciales. Cuando se estrenó en México, las aglomeraciones en la antigua Cineteca Nacional fueron enormes. En su fondo, la cinta aborda la compleja relación entre el hombre y sus invenciones tecnológicas, como la computadora. Naranja Mecánica A Clockwork Orange (1971) con Malcolm McDowell y Adrienne Corri, basada en la novela del mismo nombre de Anthony Burguess, es una denuncia contra la violencia. Paradójicamente, hoy en día su transmisión por T.V. está restringida por ser calificada de hiperviolenta. Incluso su edición en vídeo que puede adquirirse o rentarse en México con subtítulos en español, tardó muchos años, pues la madre de Kubrick le pidió a éste que la cinta no se exhibiera más por su crudeza. Una de las secuencias memorables de esta cinta es cuando el

Fotograma de “Espartaco” de Stanley Kubrick

2001: Odisea del espacio 2001A Space Odyssey (1968) con Keir Dullea y Gary Lockwood, basada en la novela de cienciaficción "El centinela" de Arthur C. Clarke, representa uno de sus mayores éxitos

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protag onista, Alex, se imagin a a sí mismo como un centuri ón roman o dando Fotograma de “Lolita” de de Stanley Kubrick latigazos a Jesucristo durante su víacrusis. A la muerte de la madre de Kubrick se estreno en vídeo. Barry Lyndon| (1975) Ryan O'Neal y Marisa Berenson, es la historia de un hombre desde que asciende a los más altos niveles sociales, donde las apariencias y la mezquindad predominan, hasta su caída, que es producto de un acto de bondad. Algunos de los fanáticos de Kubrick la señalan como su obra cumbre. El resplandor The Shining (1980) con Jack Nicholson y Shelley Duvall, que habla sobre un hombre que enloquece mientras cuida

en el invierno un enorme hotel de verano, persiguiendo con un hacha a su familia. En esta cinta, Kubrick abre otras posibilidades al terror, dando mayor peso a la atmósfera que a las imágenes de impacto. Cara de guerra Full Metal Jacket (1987): Con Matthew Modine y Adam Baldwin, es la historia de unos jóvenes reclutas que van a Vietnam. En esta cinta, Kubrick plantea que los soldados norteamericanos estaban destrozados en su humanidad, aún antes de partir a la guerra.Los publicistas de la Warner Brothers la señalaron en su momento como la mejor película de guerra de toda la historia. (Puede ser rentada y comprada en casi cualquier tienda de departamentos).

George C. Scott y Perter Sellers en “Dr. Sgelove”

Su obra póstuma, “Ojos Bien Cerrados ” es una película pesimista, que no da

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concesiones al espectador, en la que aborda el tema de la fidelidad como algo casi inasible, y como la imaginación es parte, de una u otra forma, de la realidad. la de los protagonist as ocurren las cosas que no han visto o que no han existido, pero aún “Odisea del espacio 2001” una así tienen de las obras maestras de consecuen Stanley Kubrick cias. De alguna manera, se retoma el postulado surrealista que explica que todo lo que perciben nuestros sentidos existe. Todo ello con una puesta en escena extremadamente cuidada y con una cámara que presenta la historia de una manera tan sutil que parece invisible. Con un final amargo y frío, “Ojos bien Cerrados” es la última cinta de un cineasta cuya obra fue consistente y, conmovedora, En mente

por acercarse al ser humano enfrentado a sus instintos primarios, como el sexo – Lolita y Ojos Bien Cerrados por ejemplo – y la violencia, como en Naranja Mecánica, Patrulla Infernal y Cara de Guerra. La filmografía de Kubrik incluye también Day of the Fight, Flying Padre, The Seafarers, Fear and Desire, Killer's Kiss y The Killing. Stanley Kubrick, que recibiera entro otros reconocimient os el premio David W. Grifith, es calificado por muchos como un genio artístico y por otros, los más conservadores , como un "cineasta interesante". Lo cierto es que fue una leyenda viviente que llegó a definirse, él mismo, simplemente “como un hombre con una cámara y algunas ideas”.

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Kubrick dejó, aparentemente, una película inconclusa, llamada A.I. – Inteligencia Artificial - que erminara de filmar Steven Spielberg, y aunque hay diferencias diametrales entre los intereses cinematográficos de uno y otro cineastas, es de esperar que A.I. tenga, por lo menos, el espíritu de Kubrick, lo cual ya es ganancia. El cine norteamericano de los 70´s, desde el punto de vista de Hollywood, se define por la búsqueda última del negocio como definición de la calidad de una cinta. Tuvieron éxito cintas como “La guerra de las galaxias” Martín Scorsese que presagiaba ya el sentimiento infantiloide que dominó el cine comercial de Estados Unidos en los 80´s, y abundaron las películas sobre catástrofes.

“Ojos Bien Cerrados” es la obra póstuma de Stanley Kubrick

En esta época sobresalen cineastas como Peter Bogdanovich ( “La última película” – 1970), John Cassavetes (“Husbands” – 1970), Alan J. Pacula ( “Asesinos S.A. “ – 1974), Robert Altman ( “Nashville” – 1975), Woody Allen ( “Manhattan” – 1979), Francis Ford Coppola (“Apocalipsis” – 1979 y la saga de “El Padrino” – 1975), Milos Forman (“Atrapados sin salida” – 1975), Martin Scorsese (“Taxi Driver” – 1976) y Steven Spielberg (“Encuentros cercanos del tercer tipo”- 1977) y Sam Peckinpah (“La Pandilla Salvaje” - .

En los años 80, el cine norteamericano se vuelve más comercial que nunca: otorga al público lo que quiere ver. Es un cine

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demagógico basado en la fantasía y el sentimentalismo. Esto se acentúa con el auge de las películas en video, la televisión satelital y el cable.Títulos sobresalientes en este sentido, Robert Altman, uno de los son “E.T.” cineastas más destacados de Estados Unidos (1982) de Steven Spielberg y “Cocoon” (1985) de Ron Howard. El cine norteamericano mantiene el control de la audiencia, a través de la imposición de sus esquemas formales, sus géneros y el monopolio del mercado, prácticamente en todo el mundo. Hay que establecer que el cine de Hollywood es uno, y otro es el cine norteamericano. La siguientes son algunas cintas y comentarios sobre ellas, que de alguna manera establecen las preocupaciones del cine en Estados Unidos a finales del siglo XX.

La delgada línea roja The thin red line ( Estados Unidos-1998) Director: Terrence Malick; Actores: Sean Penn, Woody Harrelson, Nick Nolte, Adrien Brody, Jim Caviezel, Elias Koteas, John Cusack, John Travolta, George Clooney, Lukas Haas, John C. Reilly, John Savage, Jared Leto y Ben Chaplin. Durante la Segunda Guerra Mundial, un pelotón norteamericano es enviado a tomar una colina en Guadalcanal. Durante la misión, el público es testigo de las diferentes reflexiones de los soldados acerca de la guerra y la vida. Apoyado en una costosa producción, en un reparto multiestelar y en extraordinarios escenarios naturales, el director Terrence Malick presenta una cinta que insólita, donde la crudeza de la batalla de Guadalcanal da pie a una reflexión sobre la naturaleza humana y la guerra.

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Desde la primer imagen de la cinta, cuando un cocodrilo amenazante se sumerge en las calmadas aguas de un pantano, Malick nos advierte que la calma está por romperse y que la confusión de la violencia está por comenzar.

La delgada línea roja tiene algunos puntos comunes con cintas como Sin novedad en el frente de Lewis Mileston y Patrulla Infernal de Stanley Kubrick. Con respecto La delgada línea roja a la primera comparte acierta al presentar a secuencias efectivas hombres que pelean sobre la angustia del una guerra por distintas combate; con la razones: por un grado, segunda tiene varios por una medalla, por nexos, como el pesimismo, contra si mismos y Cartel de “La Delgada Línea Roja” planteamiento argumental por obligación, lo que dota a la que implica la toma de una colina y la cinta de un humanismo poco frecuente en construcción de ciertos personajes que no el Hollywood de los últimos años. dudan en poner en peligro la vida de decenas de soldados con tal de obtener Las dos ideas que se confrontan con mayor como premio la frivolidad de una medalla o dureza en la cinta, son las que se refieren a un rango mayor. lo bello que fue y que puede ser el mundo, representada por el soldado Witt, interpretado por Jim Caviezel, y la

Basada en una novela autobiográfica de James Jones, La delgada línea roja no tiene la solidez argumental de Sin novedad en el frente; tampoco la agudeza de fondo y la maestría fílmica de Patrulla Infernal, pero en cambio, tiene la virtud de presentar a soldados muy lejanos al sentimiento patriotero o al melodrama que exhibe, por ejemplo, Salvando al soldado Ryan, de Steven Spielberg.

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desesperanza del sargento Welsh -Sean Penn- que encuentra en el infierno de Guadalcanal la certeza de su visión pesimista de la vida. Para Witt, la armonía entre el hombre y la naturaleza se encuentran representadas por las hermosas Islas Salomon y en su gente donde los niños, como explica una mujer nativa, "casi nunca Terrence Malick se pelean". Sin embargo, Welsh le advierte que cualquier intento por alterar el estado de las cosas, es decir la terrible situación de guerra, "es como correr en una casa que se está incendiando y donde nadie puede ser salvado". Para comprobarlo, Welsh lo asigna como camillero a la patrulla, para que vea lo que en realidad es el ser humano. En una de las secuencias finales, el sargento Welsh llora al descubrir que en cierto modo su desesperanza tiene razón de ser.

Con una fotografía efectiva a cargo de John Toll , que llega a ser sobrecogedora, sobre todo en la secuencia donde capturan a los soldados japoneses, y con una excelente banda sonora de Hanz Zimmer, apoyada en un sonido de primera que incluso mereció una nominación al Oscar, La delgada línea roja expone personajes reales, que se aferran a sus islas privadas, como alguien dice en el film, para poder soportar la violencia. De esta forma, la cinta incide en la relación entre el hombre y la naturaleza, pero sobre todo en la naturaleza del hombre. El coronel Tall - Nick Nolte- encuentra en la guerra una oportunidad para alcanzar un mayor grado, luego de 15 años de "besar el culo de los generales"; el capitán Staros trata de mantener con vida a sus soldados y se niega a obedecer las órdenes suicidas del coronel. Por su parte, el soldado Bell encuentra en el amor a su esposa, que aparece en la cinta como una imagen de ensueño, la razón que da sentido a su vida, en medio de la crueldad de la guerra. Incluso, en una secuencia, Welsh explica, enojado, que todo el asunto de la guerra es provocado por la propiedad. “La propiedad es la culpable”, dice rabioso. De esta forma, Witt, el soldado idealista es obligado a

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pelear, cuando una patrulla norteamericana lo detiene mientras lleva una vida paradisiaca junto con la pacífica comunidad de las Islas Salomon. En lo formal, la voz en off se mezcla con los sonidos del desarrollo propio de la película, lo que la lleva a la cinta a un estrato más cercano a la reflexión que a la acción y el drama propios del cine bélico. En este sentido, La delgada línea roja no pertenece, en sentido estricto al género bélico, pues más que un film de guerra es un film sobre la guerra. En una secuencia que parece reafirmar la opinión de Melick sobre la guerra es aquella donde el pelotón azuza al peligroso cocodrilo que abre la película, pegándole con una rama. Probablemente los soldados estén provocando a su propia naturaleza violenta; quizás alentando la destrucción de la calma y de la paz. Pero no importa, dice en otra parte del film la voz de Witt, en la imaginación hay siempre un mundo mejor... Terence Malick es un director que llevaba 20 años sin filmar. Nació en Ottawa, Illinois en 1943 y antes de dedicarse al cine fue reportero de las revistas Newsweek, Life y New Yorker y estudió en el prestigiado American Film Institute.

Luego de escribir varios guiones, Malick debutó como director con la cinta Malas tierras -Badlands- y Días de Gloria -Days of Heaven --en 1978, que si bien ya anunciaban su capacidad como realizador, no tuvieron mucho éxito en taquilla, lo que lo mantuvo retirado durante veinte años. El éxito de taquilla y de crítica ya le han dado la oportunidad de preparar su siguiente película, que probablemente esté lista el próximo año y que lleva como título, en inglés, The Moviegoer. La delgada línea roja fue premiada en el Festival de Berlín con el Oso de Oro y no ganó ningún Oscar.

Por el lado oscuro del camino Highway (Estados Unidos - 1996)

Lost

Director: David Lynch Actores: Bill Pullman, Patricia Arquette, Robert Blake, John Roselius, Balthazar Getty y Marilyn Manson. Un hombre que toca el saxofón en una banda de jazz, es detenido por la policía y condenado a la silla eléctrica. A partir de ahí se desata un viaje demencial: inexplicablemente, en la celda del

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condenado aparece, en su lugar un joven, ante el asombro de la policía. Lost Highway, incluso describir su argumento, no deja de ser un ejercicio de interpretación muy libre, provocado, sospecho, por el mismo David Lynch David Lynch que en éste, su último largometraje, presenta una obra que es, una obra turbadora y desconcertante. Si existe un estilo Lynch, definitivamente se encuentra en ésta cinta. Desde su planteamiento, que expone dos mundos completamente diferentes: el externo, donde un hombre, aparentemente motivado por los celos, asesina a su esposa, y el interno, el de la psique del homicida - ¿O del propio director?- Lost highway señala una ambigüedad que intriga. Dueña de un montaje que sobrecoge, la Definir

atmósfera de Lost Highway, como ocurre en la mayoría de los filmes de Lynch, es malsana y violenta, con personajes que despiertan diversos sentimientos encontrados: miedo, angustia, desconcierto, pero sobre todo, curiosidad, en lo cual radica uno de los principales valores de la cinta: uno siempre quiere explicarse, de manera lógica, lo que pasa. Al igual que la mezcla de sentimientos - y sensaciones - los géneros parecen combinarse: film noir, suspenso y fantasía. Esta tendencia a la indefinición se expresa, incluso, en su música, que lo mismo da cabida al pesimismo de Trent Reznor, cantante de Nine Inch Niles, a la rudeza de Marilyn Manson, a la acidez de Smashing Pumpkins, y a la dureza germánica de Rammstein, que a la dulzura musical de Antonio Carlos Jobim y This mortal Coil. Mención aparte merece, en este rubro, la participación de Angelo Badalamenti, compositor de cabecera de Lynch, que en cada banda sonora entrega pequeñas joyas para los músicos y para los amantes del cine. Recuérdese todo la música de Terciopelo Azul y de Twin Peaks.

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Por el lado oscuro del camino es una obra que reúne, en gran medida, el estilo y el universo en el que se desenvuelve Lynch, donde el suspenso es el Fotograma de “Cabeza conducto formal borradora” de David Lynch hacia un mundo donde conviven dos realidades paralelas y contradictorias. El final es desconcertante; transgrede al espectador, y deja muchas preguntas en el aire. ¿Es la historia de un hombre destrozado por los celos y la paranoia? ¿Es la de un muchacho atrapado en la delincuencia a causa del sexo? ¿Es la historia de una mujer ambiciosa que destruye a cuatro hombres? ¿Es simplemente la versión fílmica de una pesadilla?. Por supuesto, la respuesta - o respuestas a las que llegue el espectador serán, sin duda, interpretaciones muy personales, y

quizás arbitrarias en exceso, como la propia película. David Lynch es un cineasta de interés, controvertido, que de una película a otra puede pasar de las más entusiastas alabanzas a la más fría de las indiferencias por parte de la critica. Caso concreto: Dunas (1984), por cierto filmada en México, superproducción que fracasó comercialmente y que le generó los peores augurios, cuando apenas cuatro años antes había conseguido un éxito considerable con El hombre elefante (1980). No obstante, su capacidad como cineasta alcanzó para que Dino De Laurentis, productor de Dunas, confiara otra vez en él, financiándole Tercipelo Azul (1986), considerada como una de las mejores cintas de los ochentas, y que de nuevo le ganó elogios por parte de la crítica. Después vendrían, en 1990, Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted, desconocida en nuestro país, la serie de éxito mundial - a excepción de México - Twin Peaks, la interesante serie documental "Crónicas Americanas" y "Salvaje de Corazón", que incluso ganaría un premio en Cannes.

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A partir de ahí, su carrera ha devenido en una reiteración formal - el sello Lynch donde hasta los intérpretes y los personajes, tienen un marcado parecido. Tómese como referencia, por ejemplo, el caso de Bill Pullman actor principal de Lost Highway y Kyle MacLachlan, protagonista de Terciopelo Azul, Dunas y Twin Peaks, además de la presencia del fuego en todas su obras.

Incluso, hasta el pequeño corto que realizó para el documental francés "Lumiere y compañía" (1996) resulta, no por fascinante, menos reiterativo: Unos policías informan a un matrimonio de la desaparición de su hija, tema casi idéntico al de Twin Peaks. Lo anterior no es raro. Aunque en El hombre elefante, cinta que lo lanzó a la fama, Lynch expuso que lo más bizarro, en este caso un ser marcado por deformidades, puede poseer lo que la moral cristiana conoce como humanidad, Terciopelo Azul, Salvaje de Corazón y Twin Peaks, apuntan a lo contrario: los lugares en apariencia tranquilos y "bonitos", como los pueblos norteamericano, pueden albergar, en su interior, el más terrible de los infiernos. De esta forma, y por mencionar solamente un caso, Terciopelo Azul es una verdadera pesadilla fílmica que las convenciones del mercado cinematográfico sólo pudieron soportar a causa de su inesperado éxito. Es tan malsana, que hoy, en los videoclubes de San Luis se le coloca inexplicablemente en las cintas de género erótico.

John Hurt en “El hombre elefante”

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Nacido en 1946 en Missoula, Montana, David Lynch es pues un cineasta "posmoderno" dicen algunos, que construye auténticas pesadillas americanas que, sin duda, y a pesar de sus detractores, han abierto otras posibilidades al cine. En este sentido, podemos afirmar que lo mejor de éste director calificado como maldito, aún está por venir.

Stanley Kubrick ( Patrulla Infernal ), Salvando al soldado Ryan es una cinta que en su fondo apela al sentimentalismo más superficial, y que en su forma mezcla la ultraviolencia con el melodrama. Desde la secuencia de apertura, que se repite al final, donde vemos una bandera norteamericana casí diáfana, casí transparente por la acción de la luz que desde atrás le expide un sol Steven Spielberg radiante y justiciero, Saving Private Ryan advierte que, salvo su millonario presupuesto, es una película bélica del montón, con un discurso predecible: durante la Segunda Guerra Mundial los marines norteamericanos fueron unos valientes defensores de la democracia, justos con el enemigo – éste si un monstruo -, sacrificados, honorables, etc., etc. En apariencia no hay nada nuevo. Fuera de la sobrecogedora secuencia de media hora que recrea el desembarco en las costas de

Rescatando al soldado Ryan Saving private Ryan (Estados Unidos – 1998)

Director: Steven Spielberg; Actores: Tom Hanks, Tom Sizemore, Edward Burns y Jeremy Davies. Luego del desembarco en Normandía por parte de los aliados, en la Segunda Guerra Mundial, el Estado Mayor del ejército norteamericano envía a una patrulla de ocho hombres, comandada por el capitán John Miller, a buscar a un soldado de apellido Ryan, cuyos tres hermanos han fallecido en combate. Lejana en calidad a las grandes películas bélicas de Abel Gance (Yo acuso), Lewis Milestone (Sin novedad en el frente) y

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Francia, prodigio de técnica fílmica, a cargo del fotógrafo Janusz Kaminski, que literalmente se echó la cámara al hombro para alcanzar un mayor realismo, “Saving private Ryan” en apariencia no es muy diferente a otras cintas bélicas como “Doce al patíbulo” e incluso al discurso patriotero de Rambo en los ochenta. No obstante, si uno reflexiona un poco, ésta última cinta de Spielberg es la perversión de su fantasía americana. Apoyado en los sofisticados recursos tecnológicos que le han permitido resucitar dinosaurios, y en el uso cursi de la música de John Williams, Steven Spielberg, defensor de las fantasías más infantiles – en el mal sentido de la palabra – termina por aceptar que la violencia a veces es necesaria, si se pelea, desde luego, por una causa superior.

No obstante, los personajes de la cinta ocho hombres obligados a poner en riesgo su vida para salvar la de otro – no ayudan al director para convencernos de su premisa, pues son ambiguos y poco creíbles: durante su búsqueda del soldado Ryan, la patrulla descubre a tres alemanes agazapados en torno a una metralleta. El capitán Miller (Hanks) decide atacarlos, pese a las protestas de sus subordinados que prefieren sacar la vuelta al enemigo.

Fotograma de “Tiburón”

En la batalla, el doctor de la patrulla muere, y un soldado alemán es tomado como prisionero. Enfurecidos, los marines quieren fusilarlo, pero el capitán Miller les ordena que lo dejen ir, lo que provoca un conato de motín entre los miembros de la patrulla, que se sofoca cuando el capitán expone los motivos de su

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conducta. “Entre más gente mató – explicamás lejos me siento de mi hogar”. De esta manera, luego de una retahíla de razones que expresa supuestos valores superiores para el ser humano, la patrulla se convence de la nobleza de su misión y de la importancia de evitar muertes innecesarias. De pronto, se convierten en improbables soldados de ensueño, obligados a participar en una pesadilla. No obstante, el personaje que representa mejor la perversión de la fantasía americana de Spielberg es Upham – alter ego del propio director, según él mismo ha confesado – que es un soldado idealista, aficionado a la literatura, que aboga por la tolerancia, y que presencia con terror - y evitando disparar su arma - la crueldad de la guerra, pero que luego de un combate asesina a sangre fría a un prisionero alemán. Esta transformación de Upham es una advertencia: el sueño americano puede tornarse en pesadilla contra los enemigos de la libertad. Desde “E.T., el extraterrestre”, el cine de Steven Spielberg se ha caracterizado por el uso de los grandes presupuestos y los últimos recursos de la tecnología cinematográfica, en favor de un sentimentalismo – la mayoría de las veces

Fotograma de “E.T. el extraterrestre”

ramplón - que parece definir las preferencias finiseculares del público mundial, provocando millonarios éxitos de taquilla y la consolidación de todo una política industrial que domina, hoy por hoy, al poderoso y omnipresente Hollywood. A excepción de sus primeras películas, entre las que destacan Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Tiburón y el Imperio del sol, que también toca el tema de la guerra, el cine Spielberg le dice al espectador lo que éste quiere escuchar, justificando la existencia de un mundo idealista, que sólo es posible en sus propias películas o en la imaginación.

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Así, “E.T.” alienta las fantasías de los creyentes en Ovnis y “Regreso al futuro” la posibilidad innegable que tiene la gente común de cambiar su destino de fracaso; por su parte, “Hook” plantea el imperio de los sueños por encima de la realidad y la saga de Indiana Jones promueve la procedencia divina de la cultura occidental, en otras palabras, de la cultura judeocristiana, y “Jurassic Park” pretende demostrar que todo es posible, si se deja a la fantasía encontrar sus caminos. En la segunda parte de la década de los noventa, el cine de Spielberg, sin embargo, ha tenido que dar un viraje en el tono de las historias que narra. Acorde a las exigencias del mercado, que se orienta principalmente a la violencia, se ha visto obligado a tocar temas “fuertes”, de un indudable poder taquillero por el morbo que despiertan. De esta manera, la “La lista de Schindler”, es el vehículo excepcional para manifestar sus indudables cualidades técnicas como director, y el uso prepotente de la tecnología y la historia, vía el Holocausto judío, para chantajear a la “academia” de artes cinematográficas de Hollywood y poder ganar, al fin, lo único que se la había negado hasta ése momento: un Oscar.

Luego vino un receso para seguir ganando dinero con la segunda parte de “Jurassic Park”, y después “Amistad” que reafirma su preocupación por el racismo, que ya había expuesto en “El color púrpura”. Y como parte de su trilogía de finales de década, Spielberg presenta “Rescatando al soldado Ryan”, en la cual mezcla, de manera curiosa, el mundo idealista y sentimental de sus cintas de mayor éxito, con la violencia y la prepotencia en el uso -

Harrison Ford en “Cazadores del Arca Perdida” de Steven Speilberg

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y abuso - de la tecnología para contar la historia desde un punto de vista injusto y poco honesto, pretendiendo homenajear, a través de la mitificación, a los defensores de la democracia, cuyo fin último, parece decirnos el director, es la libertad de evadir la realidad, la libertad de soñar que se vive en un mundo mejor.

cual todavía le faltan 15 años. El problema radica en que Jesus no quiere saber nada de su papá desde el día en que éste privó de la vida a su madre. A través de un dominio absoluto de la técnica cinematográfica, que lo hace hoy uno de los cineastas norteamericanos más importantes, Spike Lee plantea la angustia de padre e hijo enfrentados por el pasado trágico y un presente agobiante. El padre (Danzel Washington), obsesionado por que su hijo tenga la posibilidad de desarrollo que él no tuvo, que quiere rescatarlo, a través del basquetbol, del destino manifiesto de las Spike Lee drogas y la violencia que sufren muchos afroamericanos. Y el hijo (encarnado por la estrella de la NBA, Ray Allen) atleta de excepción que se llama Jesús y que al igual que su

"No perdonarás" He (E.E.U.U.,1998) Drama

Got

Game

Director: Spike Lee; Guión: Spike Lee; Producción: Jon Kilik y Spike Lee;Fotografía: Malik Hassan Sayeed Música: Chuck D. Actores:Denzel Washington, Ray Allen (V) , Milla Jovovich , Rosario Dawson, Joseph Lyle Taylor y Thomas Jefferson Byrd . Jake Shuttlesworth, convicto por el homicidio accidental de su esposa, es llamado por el alcaide de la prisión para que lleve a cabo una misión importante: conseguir, por pedido directo del gobernador de Nueva York, que su hijo, Jesus Shuttlesworth, estrella del basquetbol preparatoriano, firme para entrar en la Big University, antigua Alma Mater del político. Ello, a cambio de reducir su condena, a la

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homónimo bíblico sufre las consecuencias de un mandato arbitrario: salvar. a su hermana, huérfana por la muerte de su madre y el encarcelamiento de su padre; a sus tíos, que se hicieron cargo de él; a su entrenador que intercedió para que aprobara Denzel Washington matemáticas; a su novia que le otorgó favores sexuales; a su futura universidad que por ganar un campeonato le ofreció dinero y una docena de hermosas estudiantes blancas dispuestas a todo; a salvar también a su padre de otros quince años en la cárcel; y en última instancia, a salvarse él mismo de todos ellos y de la misión que le señalan hasta en los encabezados de los diarios, "Jesus Saves", Jesús salva. Aunque cede por ratos al sentimentalismo tramposo y presenta algunas secuencias gratuitas, que parecen metidas a la fuerza en el montaje, como la secuencia del sexo Salvar

desesperado entre Jake y Dakota (Milla Jovovich) "No perdonarás" se aleja cada vez más, al igual que "Hermanos de Sangre", anterior obra del director, del discurso desmesurado que señalaba conflictos raciales, y que enjuiciaba la intolerancia de quienes los provocaban, para reflexionar, con más incisión e inteligencia, sobre las condiciones sociales de los afroamericanos. A la cabeza de los directores de color de su país, entre quienes se encuentran Mario Van Peebles (La fortaleza del vicio) y John Singleton (Los chicos de la calle), Spike Lee es un cineasta que vale la pena conocer, pues sus películas son dueñas de imágenes poderosas, que exponen mensajes directos y polémicos, que no dejan pasivo al espectador. "No perdonarás", por ejemplo, expone la imposibilidad del progreso económico y social para la comunidad negra, sin la existencia del enfrentamiento con los otros o consigo mismos. Todo ello, en un medio lleno de fatalidad, "son sólo unos negros con buena suerte" dice un personaje en la cinta, refiriéndose a los afroamericanos exitosos.

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Un atractivo adicional de la cinta es la actuación de Danzel Washington que ha dejado a un lado el estereotipo que algunos le endilgan, de ser el Sidney Poitier de los noventa, para convertirse en un actor en toda la línea, que lo mismo puede ser un osado policía o un convicto desarrapado. De igual forma, en la cinta desfilan algunos de los actores habituales en la obra fílmica del también director de "Malcolm X", como John Turturro, y se presentan también los personajes, en apariencia tranquilos que repentinamente se tornan violentos que aparecen en otros de sus filmes como "Hermanos de Sangre", "Fiebre de Selva" y "Haz lo correcto". El cine de Spike Lee es, sin duda, imprescindible para todo cinéfilo, pero sobre todo para las personas que buscan en el séptimo arte diversión y algo más.

Capitulo V
Cine de Japón, la India, Irán y África Japón. .Aunque Japón es produce alrededor de 400 año, en México no suficientemente la obra de japoneses. Lo anterior es lamentable, pues oriente, y Japón en este caso, han dado al cine grandes cineastas que han influido y que han sido imitados en occidente. Uno de ellos es Akira Kurosawa. un país que películas por se conoce los cineastas

Akira Kurosawa

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Akira Kurosawa (1910-1998) se da a conocer internacionalmente con Roshamon (1950), una producción de época que narra la historia de una violación desde cuatro puntos de vista diferentes y contradictorios. Entre sus cintas más célebres se encuentran “Los siete samurais” (1954), “Trono de Sangre” (1957) y “Dersu Uzala” (1975) que es considerada su obra maestra. Sin embargo, existen otros cineastas de prestigio en Japón, como es el caso de Yazuhiro Ozu, cuya obra – que empezó a ser valorada en occidente hasta los 70´s – presenta las tradiciones japonesas enfrentadas a los cambios culturales que sobrevinieron en dicho país en la posguerra. La película clave de Yazuhiro Ozu es “Historias de Tokio” (1953) Yazuhiro Ozu que habla sobre una pareja de ancianos que del campo, van a visitar a sus hijos que viven en Tokio. En la actualidad, la crítica de cine profesa hacia Ozu admiración, pero es desconocido para el gran público.

Otro cineasta japonés que debe mencionarse entre varios nombres importantes, es Kenji Mizoguchi (1898-1956), que filmó desde películas del género que en Japón se denomina Kenji Mizoguchi “Jidai-geki” y que aborda temas históricos desde una perspectiva crítica, hasta adaptaciones de novelas occidentales. Una de las marcas de su obra es abordar el tema de las relaciones entre el hombre y la mujer, donde ésta aparece como un ser que enfrenta tribulaciones y sufrimientos. Su cinta clave es “Cuentos de la luna pálida “ (1953) que ganó el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia, y que habla de un campesino que aspira a ser un samurai. El cine de Mizoguchi es casi desconocido en México.

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Algunos cineastas japoneses destacados en la actualidad, son Takeshi Kitano que tiene dos películas conocidas en occidente que son "Escena frente al mar" “Kids Return”, al igual que Masato Harada, cuya película “Kamikaze Taxi" (1995) se ha Masato Harada difundido en la televisón por cable. Las particularidades de estos dos cineastas es que abordan la problemática social de su país presentando un entorno económico injusto que excluye a la mayoría de las personas y alienta los vicios y la corrupción. Por ejemplo, “Kids Return” de Kitano, es la historia de dos jóvenes japoneses que ven sus vidas destruidas, poco a poco, al no poder aspirar a una carrera universitaria o a un empleo digno, y que terminan en el bajo mundo. Por su parte, “Kamikaze Taxi" de Harada, habla sobre un joven enfrentado a la mafia japonesa – emparentada con poderosos industriales y miembros de la alta burguesía joponesa – por defender a una mujer que

es maltratada. En sus huida es transportado por un taxista que es un inmigrante peruano de origen japonés que ha perdido en gran medida su identidad. La cinematografía de Japón es fascinante, y como se ve, es más que Godzilla y los Gentai y los manga, que es lo más conocido de Japón en México y en occidente.

Takeshi Litano

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El cine indio. La India es el país donde más películas se realizan por año: En 1985 alcanzó la cifra record de 833 realizaciones al año, ubicándose como el país con la mayor producción fílmica del mundo, con una diversidad de lenguajes, voces e ideologías. País con 16 lenguas oficiales y 1652 dialectos, con millones de espectadores y miles de salas, nutre la demanda cinematográfica con las películas de varios centros: Punjab, Bombay, Delhi, Uttar Pradesh, Bengala,etc., que van desde el cine de autor hasta géneros populares como el espectáculo épico de raíces mitológicas, el melodrama familiar, el drama social y el filme de acción. Los indios son tan apasiona dos del cine como de su religión.

Su industria se dedica casi exclusivamente a nutrir el consumo interno, tiene su propio sistema de estrellas, y pese al gran número de cintas que produce es un cine que presenta poco interés para el occidente. Hay, sin embargo, un cineasta que en los 50´s llamó la atención, y que es Satyajit Ray (1921-1992) , que elaboró una trilogía sobre la vida de un hombre llamado Apu, desde su niñez en una pequeña aldea, hasta su vida en una gran ciudad. Esta trilogía se compone de las películas Pather Panchali (1955), Aparajito (1956) y Apur Sansar (El mundo de Apu, 1959), en las cuales puede apreciarse maestría en el uso de los planos y en el montaje. China, Taiwan, Hong Kong. En los últimos años, éstas naciones han dado a la luz cineastas de gran calidad, que han obtenido premios muy importantes a nivel mundial, como la Palma de Oro en Cannes, el Oso de Oro de Berlín, etc. Entre los cineastas más importantes están Kaige Chen (Taiwan) que en sus obras ha retratado las tradiciones orientales y el anacronismo de éstas frente al mundo moderno. Ejemplos de sus películas son: “Adiós a mi Concubina” (Palma de Oro en Cannes en 1993) y “Luna Encantadora”.

Satyahit Ray

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Ang Lee ( “Banquete de Bodas”), que incluso emigró a occidente para realizar “Sensatez y sentimientos” que ganó el Oso de Oro de Berlín (1995) y que habla del enfrentamiento entre dos hermanas. Su cinta “El Tigre y el Dragón” ganó el Oscar a la mejor película extranjera en el 2001.

Yimou Zhang, cineasta chino que ha ganado el León de Oro de Venecia y el Oso de Oro de Berlín

Otros cineastas prestigiosos del lejano oriente, y que habitualmente están presentes en los festivales internacionales, se encuentran Yim Ho (El Sol tiene oídos) He Ping (El valle del sol), Edward Yang (Majhong), Wong Kar Wai (Angeles Caídos), John Woo; Hsiao-Hsien Hou (Buenos hombres, buenas mujeres). Yimou Zhang (“Ni uno menos”) cuyas cintas han ganado el Oso de Oro de Berlín y el León de Oro de Venecia, entre otros premios.
Kaige Chen, director chino ganador de la Palmada de Oro en Cannes

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Medio Oriente. Al igual que las cinematografías asiáticas, el medio oriente ha dado grandes cineastas que son desconocidos por el gran público, que en México está sometido a los dictados de las distribuidoras norteamericanas. En particular, Irán es un país que ha dado al mundo un cineasta que ha sido reconocido por la crítica: Abbas Kiarostami. Abbas Kiarostami es un cineasta que realiza películas épicas, partiendo de historias que aparentan ser sencillas, pero cuyo trasfondo se vuelve complejo y poético.
Fotograma de la cinta “¿Dónde queda la casa de mi amigo? Perteneciente a la trilogía del Koker de Abbas Kiarostami

A Abbas Kiarostami se le reconoce entre otras cintas por su “Trilogía de Koker”. Koker es una pequeña población cercana a Teherán, en donde el cineasta iraní filma "¿Dónde queda la casa de mi amigo?" que

narra las peripecias de un niño para entregarle un cuaderno a uno de sus compañeros, "La vida continúa" que describe la forma como un director de cine que acude a Koker, luego de un terremoto que devasta al lugar para encontrar a los niños que intervinieron en la filmación de "¿Dónde queda la casa de mi amigo?". Otra cinta que conforma la trilogía es “Detrás de los olivos” que habla sobre un campesino que intenta casarse con una joven estudiante.

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Otras cintas afamada de Abbas Kiarostami es “El sabor de la cereza” (1998) que trata de un hombre que quiere suicidarse y que explica sus razones para hacerlo, y “Primer Plano” (1990) sobre un hombre que se hace pasar por un director prestigioso para poder filmar con libertad su propia película. El cine de Kiarostami está influido, en algunos rasgos, sobre todo en la unión de realidad y ficción, con el neorrealismo, y se caracteriza también por la utilización de planos panorámicos muy largos que, por ejemplo, siguen a los personajes a través de una colina, y su mirada, a través de la cámara de cine, registra historias humanas, de personas que enfrentan con determinación un reto o una tarea que parece sencilla, pero que encierra una enrome complejidad. Salvo la ciudad de México, en nuestro país no se ha exhibido cine de Kiarostami, salvo en alguna ocasión que la Muestra Internacional de cine sale a algunas ciudades de la república. Pero no sólo Kiarostami destaca en el cine iraní, otros cineastas como Majid Majidi ( “Los niños del cielo” 1999 ), Jafar Panahi ( “El Globo Blanco” 1995) y. Mohsen Makhmalbaf (“El silencio” 1998).

Cartel de “El sabor de las cerezas” de Kiarostami, un cineasta habitual en los festivales más importantes de cine, que ha sido reconocido por la crítica como uno de los mejores directores de la actualidad

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Africa El cine africano está marcado por la colonización europea, los distintos países denigraron las costumbres de los africanos y recrearon la imagen difamatoria que hasta hoy tenemos del Africa. No obstante, luego de que en 1966 se estrenara “La Batalla de Argel” (Gillio Pontecorvo) y “La nore…” de Gusmane Sembéne, que es considerado el padre del cine africano. Los europeos hacían películas deformantes sobre Africa y racista, como “La Conquista de un continente” del estadounidense Harold Shaw. No obstante, el crecimiento del cine de Africa corresponde a la independencia de muchos de ésos países, como Camerún, Burundi, Chad, Argelia, Benin, Madagascar, Senegal, etc. Sembéne es uno de los primeros directores que realiza películas en su propio idioma (wolof); es precisamente la diversidad de idiomas en Africa, así como la carencia de recursos y apoyo, que el cine no se ha desarrollado tanto. De hehco, en sus inicios, el cine africano era más visual, para que la mayoría de los espectadores pudiera entenderla. Algunos películas importantes: “La Capilla” de Jean-Michael Tschissoukou (Congo); “Comedia exótica” de Kitia Toure (Costa de Marfil); Cámara de Africa de Ferid Boughedir (Zaire); “La vida es Bella” de Ngangura Mweze y las otras películas de Sembéne “El Giro”, El Campo de Thiaroye y Guelwaar.

Gusmane Sembéne, considerado el primer director africano de la historia

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