Carme

Aymar
Pintures

Lluís M. Linés Heller


L
'art de la pintura permet, sens dubte, una
aproximació des de concepcions i perspectives
diferents, moltes de les quals poden resultar
igualment vàlides. No obstant això, considero que
una síntesi comprensiva de l'obra de Carme Aymar
i Cortina hauria de tenir en compte dues constants:
la seva necessitat d'expressar-se vitalment per mitjà
de la pintura, i també la fidelitat al propi camí
artístic emprès. En efecte, la pintura de Carme
Aymar es regeix fonamentalment per emocions, i la
seva obra reflecteix aquest moviment circular, que
acostuma a començar per un estímul exterior -quasi
sempre la llum i el color- al qual segueix una
sensibilització interior de l'artista, per acabar,
finalment, per fixar-se en quelcom exterior i
tangible, és a dir, la superfície de la tela. Des dels
inicis, la pintora ja sentia l'atractiu del que és
naturalment viu, mentre que precebia els quadres
7
El arte de la pintura permite, sin duda, una
aproximación desde concepciones y perspectivas
diferentes, muchas de las cuales pueden resultar
igualmente válidas. Sin embargo, considero que una
síntesis comprensiva de la obra de Carme Aymar y
Cortina debería tener en cuenta dos constantes: su
necesidad de expresarse vitalmente por medio de la
pintura, así como la fidelidad al propio camino
artístico emprendido. En efecto, la pintura de Carme
Aymar se rige fundamentalmente por emociones, y
su obra refleja este movimiento circular, que
acostumbra a comenzar por un estímulo exterior
-casi siempre la luz y el color-, al que sigue una
sensibilización interior, para acabar, finalmente, por
fijarse en algo exterior y palpable, es decir, en la
superficie del lienzo. Desde sus inicios, la pintora ya
sentía el atractivo de lo naturalmente vivo, mientras
que percibía los cuadros académicos como obras de
8
acàdemics com obres de formes congelades i
mortes. Va intuir que la vida es trobava més bé en la
llum i els colors dels jardins, dels boscos, dels
camps, en una paraula, de la natura en general.
Després d'una primera fase impressionista, aviat es va
sentir atreta per la pintura expressionista alemanya, i
també pels artistes francesos postimpressionistes.
Certament, tota pintura pretén ser expressiva, però
van ser els expressionistes del principi del segle XX
els qui radicalitzaren aquesta faceta en particular:
veien la realitat a través del seu interior i la
plasmaren en nous colors i formes, mai no vistos
fins aleshores. Un bon exemple d'aquesta força
intuïtiva i expressiva el conformen els dibuixos de la
pintora dels anys setanta, plens de ritme vital i
d'harmonia.
A finals de la dècada dels vuitanta (1987-88), l'obra
de Carme Aymar guanya en reflexió i profunditat,
relegant la forta emotivitat de la primera època a un
segon pla. En aquest període l'artista es concentra
cada vegada més en l'anàlisi del llenguatge pictòric:
les teles revelen un procés d'elaboració més llarg,
estudiat i detingut, i la seva paleta s'enriqueix amb
nous matisos i gradacions del color.
Arran de la seva estada a Tunísia (març-abril de
1998), la seva pintura adquireix una nova força vital,
i els colors, la lluminositat i les formes esdevenen
més passionals, traslluint una il.lusió renovada i,
també, una més gran enyorança. Enyorança és una
formas congeladas y muertas. Intuyó que la vida se
encontraba más bien en la luz y los colores de los
jardines, de los bosques, de los campos, en una
palabra, de la naturaleza en general. Después de
una primera fase impresionista, pronto se sintió
atraída por la pintura expresionista alemana, así
como por los artistas franceses postimpresionistas.
Ciertamente, toda pintura pretende ser expresiva,
pero fueron los expresionistas de principios del
siglo XX quienes radicalizaron esta faceta en
particular: veían la realidad a través de su interior y
la plasmaron en nuevos colores y formas nunca
vistos hasta entonces. Un buen ejemplo de esta
fuerza intuitiva y expresiva lo conforman los
dibujos de la pintora de los años setenta, plenos de
ritmo vital y armonía.
A finales de la década de los ochenta (1987-1988), la
obra de Carme Aymar gana en reflexión y
profundidad, relegando la fuerte emotividad de su
primera época a un segundo plano. En este período
la artista se concentra cada vez más en el análisis del
mismo lenguaje pictórico: los cuadros revelan un
proceso de elaboración más largo, estudiado y
detenido, y su paleta se enriquece con nuevos
matices y gradaciones del color.
A raíz de su estancia en Túnez (marzo-abril de
1998), su pintura adquiere una nueva fuerza vital, y
los colores, la luminosidad y las formas se vuelven
más pasionales, trasluciendo una ilusión renovada

altra paraula per designar la nostalgia i la
malenconia: les sensacions i els sentiments no poden
ser expressats completament, sinó només suggerits
en part, com l'aigua que es nega a ser retinguda en
el palmell de la mà i acaba per escolar-se
indefectiblement entre els dits, deixant un pòsit
d'humitat i el record de la seva frescor i fragància
primera. Una sensació, una emoció, una vegada
traduïdes al llenguatge pictòric també comencen a
fossilitzar-se i van perdent part del seu vigor
original. De manera semblant, en els quadres de la
pintora es reflecteix igualment aquesta malenconia,
és a dir, l'enyorança d'una emoció viscuda en el
passat, sovint irrepetible i irrecuperable. Durant
aquesta època, les llargues passejades al costat de la
mar Mediterrània permeteren a l'artista aprofundir
en l'estudi i el valor del color en si mateix: la seva
pintura va esdevenir cada vegada més plana i amb
una marcada tendència a l'abstracció; amb tot,
Carme Aymar no és una pintora de vocació
abstracta, sinó que hi arriba a partir del que els seus
ulls veuen i experimenten en el seu interior. Són
bandes de pintura que es succeeixen de manera
molt matisada i amb un clar predomini dels colors
mesclats: el motiu gairebé no es pot reconèixer i la
vista -i el gaudi estètic- es concentra en aquest joc de
lluminositat cromàtica.
Després d'un viatge a la Patagònia (febrer de 2004),
el món del paisatge guanya un renovat
protagonisme en la seva pintura. El poder
9
y, también, una mayor añoranza. Añoranza es otro
término para designar la nostalgia y la melancolía:
las sensaciones y los sentimientos no pueden ser
expresados completamente sino sólo sugeridos en
parte, como el agua que se niega a ser retenida en el
cuenco de las manos y acaba por escurrirse
indefectiblemente entre los dedos, dejando un poso
de humedad y el recuerdo de su frescura y fragancia
primeras. Una sensación, una emoción, una vez
traducidas al lenguaje pictórico, también comienzan
a fosilizarse y van perdiendo parte de su vigor
original. De manera semejante, en los cuadros de la
pintora se refleja igualmente dicha melancolía, es
decir, la añoranza de una emoción vivida en el
pasado, a menudo irrepetible e irrecuperable.
Durante esta época, los largos paseos a la orilla del
mar Mediterráneo permitieron a la artista
profundizar en el estudio y el valor del color en sí
mismo: su pintura se fue volviendo cada vez más
plana y con una marcada tendencia a la abstracción;
con todo, Carme Aymar no es una pintora de
vocación abstracta, sino que llega a ella a partir de lo
que sus ojos ven y experimentan en su interior. Son
bandas de pintura que se suceden de manera muy
matizada y con un claro predominio de colores
mezclados: el motivo apenas puede reconocerse y la
vista -y el goce estético- se concentra en este juego
de luminosidad cromática.
Después de un viaje a la Patagonia (febrero de 2004),
el mundo del paisaje gana un renovado
10
aclaparador de la natura -la immensitat de les
glaceres, les estepes i els boscos- es reflecteix en els
olis d'aquesta època: colors difuminats que sempre
tenen com a protagonista una natura poderosa i de
vegades hostil, però límpida i innocent, on el
sentiment personal de la pintora acaba fonent-se
amb l'enyorança d'un paradís irrecuperable.
La pintura de Carme Aymar neix, així doncs,
impulsada quasi sempre per una forta tensió
emotiva, més continguda i disciplinada en la seva
època de maduresa. Ara bé, les emocions no poden
ser mai completament clares i diàfanes, com així ho
reflecteixen els seus olis. La pintora evita, repetint
les seves paraules, una pintura "massa explicada",
no tracta de pintar amb detall i precisió el que veu i
experimenta -com poden ser els motius concrets
d'una casa o d'un arbre-, sinó que dóna
preeminència als difuminats i als matisats canvis del
color. Pinta per plasmar el que ha sentit en el seu
interior i, des d'aquesta òptica, els seus olis són
especialment suggerents per a l'espectador: davant
les seves obres ens sentim impel.lits a somniar
estèticament, a completar, d'alguna manera, el que
l'oli ni vol ni pot esbrinar per ell mateix. Aquesta
ambigüitat pictòrica ens recorda que tota creació
artística és, en el fons, un producte, en el qual tant
l'artista com l'espectador intenten trobar-se, gràcies
a un llenguatge còmplice, en l'obra creada. De
vegades aquest apropament pot desembocar en el
fracàs, però també pot ocórrer el contrari; en aquest
protagonismo en su pintura. El poder abrumador de
la naturaleza -la inmensidad de los glaciares, las
estepas y los bosques- se refleja en los óleos de esta
época: colores difuminados que siempre tienen
como protagonista a una naturaleza poderosa y a
veces hostil, pero límpida e inocente, donde el
sentimiento personal de la pintora acaba
fundiéndose con la añoranza de un paraíso
irrecuperable.
La pintura de Carme Aymar nace, así pues,
impulsada casi siempre por una fuerte tensión
emotiva, más contenida y disciplinada en su época
de madurez. Ahora bien, las emociones nunca
pueden ser completamente claras y diáfanas, como
así lo reflejan sus óleos. La pintora evita, repitiendo
sus palabras, una pintura "demasiado explicada"; no
trata de pintar con detalle y precisión lo que ve y
experimenta -como pueden ser los motivos
concretos de una casa o de un árbol-, sino que da
preeminencia a los difuminados y matizados
cambios del color. Pinta para plasmar lo que ha
sentido en su interior y, desde esta óptica, sus óleos
son especialmente sugerentes para el espectador:
ante sus obras nos sentimos impelidos a soñar
estéticamente, a completar, de algún modo, lo que el
óleo ni quiere ni puede desentrañar por sí mismo.
Esta ambigüedad pictórica nos recuerda que toda
creación artística es, en el fondo, un producto, en el
que tanto el artista como el espectador intentan
encontrarse, gracias a un lenguaje cómplice en la

cas, la nostra reflexió i emotivitat s'enriqueixen
enormement i el nostre horitzó vital s'expandeix
feliç. Sense públic no existiria l'obra d'art, ja que és
aquest qui, en el moment d'aproximar-se al quadre,
l'interpreta i es deixa guiar pel somieig estètic, un
somieig que no hauria de confondre's amb el
sentiment passatger de la moda fugaç i del que és
merament decoratiu: l'experiència estètica
pressuposa emotivitat, però és, al mateix temps, una
interpel.lació a la reflexió conscient. Potser una
expressió més adequada d'aquesta experiència seria
definir-la com "un estat de consciència especial",
com aquell estat en què l'espectador i l'obra es
trobarien en un espai comú: el de l'estètica. I és aquí
on s'acaben diluint les fronteres entre el jo-
espectador i l'obra, i emergeix, com un miracle
inesperat, l'experiència de la bellesa. Des d'aquesta
perspectiva, l'obra pictòrica de Carme Aymar no
deixa de representar una reiterada incitació a
participar en el lliure joc imaginatiu, reflexiu i
creador de la seva pintura; però és, sobretot, una
invitació a submergir-nos, tot i que només sigui per
uns breus moments, en aquest estat superior de
l'experiència estètica.
11
obra creada. A veces este acercamiento puede
desembocar en el fracaso, pero también puede
ocurrir lo contrario; en este caso, nuestra reflexión y
emotividad se enriquecen enormemente y nuestro
horizonte vital se expande feliz. Sin público no
existiría la obra de arte, pues es éste quien, en el
momento de acercarse al cuadro, lo interpreta y se
deja guiar por la ensoñación estética, una
ensoñación que no debería confundirse con el
sentimiento pasajero de la moda fugaz y de lo
meramente decorativo: la experiencia estética
presupone emotividad, pero es, al mismo tiempo,
una interpelación a la reflexión consciente. Quizás
una expresión más adecuada de esta experiencia
sería definirla como "un estado de conciencia
especial", como aquel estado en el que el espectador
y la obra se encontrarían en un espacio común: el de
la estética. Y es aquí donde se acaban diluyendo las
fronteras entre el yo-espectador y la obra, y emerge,
como un milagro inesperado, la experiencia de lo
bello. Desde esta perspectiva, la obra pictórica de
Carme Aymar no deja de representar una reiterada
incitación a participar en el libre juego imaginativo,
reflexivo y creador de su pintura, pero es, sobre
todo, una invitación para que nos sumerjamos,
aunque sólo sea por unos breves momentos, en este
estado superior de experiencia estética.
12
14
15
18

Els dibuixos dels anys setanta manifesten una gran energia intuïtiva i un
extremat expressionisme passional, més propis de la seva època de
joventut. Dibuixos ràpids, quasi d'un sol traç, d'un vigor dinàmic
sorprenent, transformen el cos de la model en un conjunt de volums
continus i harmoniosos. I tal vegada aquí resideixi la força del dibuix: la
bellesa del cos humà sorgeix, quasi inesperadament, gràcies al ritme de les
línies i dels ombrejos, gràcies a un ritme juganer que es diverteix amb les
formes corporals en un joc lliure i creatiu.

Los dibujos de los años setenta manifiestan una gran energía intuitiva y un
extremado expresionismo pasional, más propios de su época de juventud.
Dibujos rápidos, casi de un solo trazo, de un vigor dinámico sorprendente,
transforman el cuerpo de la modelo en un conjunto de volúmenes
continuos y armoniosos. Y quizás aquí resida la fuerza del dibujo: la
belleza del cuerpo humano surge, casi inesperadamente, gracias al ritmo
de las líneas y de los sombreados, gracias a un ritmo juguetón que se
divierte con las formas corporales en un juego libre y creativo.
19
32
33
38
39
44
45
56
57
64

Una platja i uns turons pintats amb colors matisats i poc brillants -grocs,
verds, blaus i ocres- a part de revelar un elaborat procés de creació, ens
recorden que cada quadre té la seva llei i el seu món propis: és l'oli que
ens contempla i espera de nosaltres que ens acomodem al seu llenguatge
peculiar. El paisatge crea un ambient especial gràcies a la multitud de
matisos que es combinen entre si, formant un conjunt integrat. La pintura
no es presenta de manera nítida i clara, sinó indirectament, com si un vel
transparent cobrís tot l'oli, unificant la platja, els turons i el cel, i
allunyant-los, al mateix temps, dels ulls de l'espectador. En aquest
paisatge distanciat de Menorca pot endevinar-s'hi una certa nostalgia,
aquell sentiment dolç que intenta evocar i fixar per mitjà dels colors una
emoció viscuda en el passat.

Una playa y unas colinas, pintadas con colores matizados y poco brillantes
-amarillos, verdes, azules y ocres-, aparte de revelar un elaborado proceso
de creación, nos recuerdan que cada cuadro tiene su ley y su mundo
propios: es el óleo el que nos contempla y espera de nosotros que nos
acomodemos a su lenguaje peculiar. El paisaje crea un ambiente especial
gracias a la multitud de matices que se combinan entre sí, formando un
conjunto integrado. La pintura no se presenta de manera nítida y limpia,
sino indirectamente, como si un velo transparente cubriese toda la tela,
unificando la playa, las colinas y el cielo, y alejándolos, al mismo tiempo,
de los ojos del espectador. En este paisaje distanciado de Menorca puede
adivinarse una cierta nostalgia, aquel sentimiento dulce que intenta evocar
y fijar por medio de los colores una emoción vivida en el pasado.
65
66
67
72

Un jardí d'arbres i troncs a la vila pirinenca de Camprodon, a la vora del

qual es passa contínuament sense veure-hi res d'extraordinari, per tractar-
se de quelcom quotidià. Aquest mirar repetitiu i ordinari, infecund i gris,
impedeix que els objectes es manifestin tal com són realment, en
l'esplendor de la seva llum i el seu color. Tot el que ens envolta demana ser
redescobert i mirat d'una altra manera. Aquí, la brillantor del groc, el verd
de la gespa i els troncs blancs dels arbres del jardí ens recorden que el que
tenim davant dels nostres ulls amaga una dimensió inadvertida, una
realitat per descobrir que va més enllà del que és merament rutinari i vist.

Un jardín de árboles y troncos en el pueblo pirenaico de Camprodon, junto

al que se pasa continuamente sin reparar en nada extraordinario, por
tratarse de algo cotidiano. Este mirar repetitivo y ordinario, infecundo y
gris, impide que los objetos se manifiesten tal como son realmente, en el
esplendor de su luz y color. Todo lo que nos rodea pide ser redescubierto y
mirado de otro modo. Aquí, el brillo del amarillo, el verde del césped y los
troncos blancos de los árboles del jardín nos recuerdan que lo que tenemos
delante de nuestros ojos esconde una dimensión inadvertida, una realidad
por descubrir que va más allá de lo meramente rutinario y visto.
73
82
83
86

Un paisatge format a penes per uns traços longitudinals, de dreta a

esquerra…o d'esquerra a dreta. Es tracta només d'una feble línia de terra,
la Djerba de Tunísia, besada, abraçada pel cel i pel mar? D'una platja
entre el blau immens d'un cel i d'un mar lluminosos? El quadre revela que
allò que no és expressable per mitjà dels pensaments i la paraula pot ser
formulat mitjançant el llenguatge del color i de la llum: tènues gradacions
cromàtiques que busquen plasmar els matisos d'una emoció continguda.
No es tracta de la descripció d'una realitat -la riba, el mar-; al contrari, en
aquests subtils colors s'intueix l'experiència d'una emoció feliç, única, tal
vegada, profunda i sedimentada.

Un paisaje formado apenas por unos trazos longitudinales, de derecha a

izquierda… o de izquierda a derecha… ¿Se trata sólo de una débil línea de
tierra, la Djerba de Túnez, besada, abrazada por el cielo y el mar? ¿De una
playa entre el azul inmenso de un cielo y un mar luminoso? El cuadro
revela que aquello que no es expresable por medio de los pensamientos y
de la palabra puede ser formulado a través del lenguaje del color y de la
luz: tenues gradaciones cromáticas que buscan plasmar los matices de una
emoción contenida. No se trata de una descripción de la realidad -la orilla,
el mar-; por el contrario, en estos sutiles colores se intuye la experiencia de
una emoción feliz, única tal vez, profunda y sedimentada.
87
98
99
100

La boirina s'enlaira lentament enmig d'un cel encapotat de colors ocres; als
seus peus una franja de terra, dèbilment insinuada, invita la mirada a
continuar aquest lent moviment ascendent. Una estampa comuna de l'illa de
Sylt, on ràfegues de vent, la pluja i les ennuvolades bromes són part del seu
paisatge habitual, el paisatge propi de les costes del Mar del Nord, que tan
profundament va impressionar Emil Nolde, el pintor expressionista
Alemany. Els núvols i la pluja, la neu, el vent, la calor del sol, fins les
bondats astrals i divines semblen provenir sempre de les altures, de dalt a
baix. Per què aferrar-se a aquesta constant dualitat entre cel i terra, dalt i
baix, fins i tot, bo i dolent? Les boires lluminoses i tot el cel tempestuós del
quadre semblen emanar i ascendir precisament de baix, de la terra: la bellesa
es troba a totes parts, és essencialment unitària, només depèn de com mirem
el que tenim davant dels nostres ulls, ja sigui damunt o davall de nosaltres.

La neblina asciende lentamente en medio de un cielo encapotado de

colores ocres; a sus pies una franja de tierra, débilmente insinuada, invita a
nuestra mirada a seguir este lento movimiento ascendente. Una estampa
común de la isla de Sylt, donde el viento racheado, la lluvia y las nubosas
brumas son parte de su paisaje habitual, el paisaje propio de las costas del
Mar del Norte, que tan profundamente impresionó a Emil Nolde, el pintor
expresionista alemán. Las nubes y la lluvia, la nieve, el viento, el calor del
sol, hasta las bondades astrales y divinas parecen provenir siempre de las
alturas, de arriba hacia abajo. ¿Por qué aferrarse a esta constante dualidad
de cielo y tierra, de alto y bajo, incluso de bueno y malo? Las nieblas
luminosas y todo el cielo tormentoso del cuadro parecen emanar y
ascender precisamente de abajo, de la tierra: la belleza se encuentra en
todas partes, es esencialmente unitaria, sólo depende de cómo miremos lo
que tenemos delante de nuestros ojos, ya esté encima o debajo de nosotros.
101
110
111
114

Qui no s'ha emocionat veient la força desfermada d'una tempesta en el mar o la

magnificència dels cims glaçats de les muntanyes? En algunes ocasions la natura no
es mostra des del seu costat més quotidià i amable, sinó que s'imposa, s'imposa
literalment, per la grandiositat de la seva presència i pel seu poder: tots posseïm, en
diferent grau, el sentit de la bellesa, que es manifesta en una muda admiració
estètica davant la visió de la natura, com ocorre aquí amb les glaceres de la
Patagònia argentina. La glacera avança directament cap a l'espectador, endinsant-se
en les gelades aigües del llac Onelli, i els tons freds dels colors subratllen encara
més la poderosa grandesa del conjunt. S'hi poden distingir algunes muntanyes, no
obstant això, el protagonisme material i absolut del quadre és l'aigua -l'origen de
tota vida-, sigui en estat sòlid o líquid, i la muda admiració de l'espectador davant
aquesta grandiosa manifestació de la vida es transforma en un gaudi interior i en
un cant poètic a la natura.

¿Quién no se ha emocionado viendo la fuerza desatada de una tormenta en el mar o

la magnificencia de las cumbres heladas de las montañas? En algunas ocasiones la
naturaleza no se muestra desde su lado más cotidiano y amable, sino que se
impone, se impone literalmente, por la grandiosidad de su presencia y por su
poder: todos poseemos, en diferente grado, el sentido de lo bello, que se manifiesta
en una muda admiración estética ante la visión arrolladora de la naturaleza, como
ocurre aquí con los glaciares de la Patagonia argentina. El glaciar avanza
directamente hacia el espectador, adentrándose en las heladas aguas del lago Onelli,
y los tonos fríos de los colores subrayan aún más la poderosa grandeza del
conjunto. Se pueden distinguir algunas montañas, sin embargo, el protagonista
material y absoluto del cuadro es el agua -origen de toda vida-, sea en estado sólido
o líquido, y la muda admiración del espectador ante esta grandiosa manifestación
de la vida se transforma en un gozo interior y en un canto poético a la naturaleza.
115
118
119
122
123
124