Super

Legitimo
volumen 2
Bitácora de la
escena 2015

SUPERLEGÍTIMO

Jesús con Corte Militar, Zigurats,
Dios desde la Máquina, Ave Negra

Editado por: Carlox Soto

El Sótano, 2015
Fotografía por Coyote Kid

Diseño: Los Hopper

Producido por Super Legitimo,
Franco Valenciano, Pollux,
Los Hopper y Chivo Chivo
Artículos por: Coco-Chan •
Pri Gómez • Fo Leon • Mari
Navarro • Daniel Ortuño • Adrián
Poveda
• Marton Robinson • Fede Salas
• PSJ Salas • Carlox Soto
Entrevistas: Moni Saldaña
y Huba Watson.
Fotografía: Lores De Sousa • Julián
Garita • Héctor Gómez Hertz
• Coyote Kid • Suzi Love • Alo
Murillo • Vicky Usmanova • Pablo
Murillo • Eduardo Reyes Paniagua
• Ignacio Sequeira
Contribuciones gráficas: Coco-Chan
• Maldito Redhead • Santoscerdos
• Pollux

Gracias a todos los(as) que
contribuyeron y que metieron mano
Carlos Soto • Franco Valenciano
Los Hopper • Pollux • Luisda
Porras/CHIVO CHIVO • Fo Leon
• Huba Watson • Pri Gómez
Daniel Ortuno • Coco-Chan
• Mari Navarro • Marton Robinson
Psj Salas • Adrián Poveda
Moni Saldaña • Fede Salas
Héctor Gómez Hertz • Suzi Love
Victoria Vega Usmanova • Darren
Mora • Coyote Kid • Eduardo
Reyes Paniagua • Alo Murillo
• Pablo Murillo • Julián Garita
Lores De Sousa • Ignacio Sequeira
Christian Lesko • Julián Mora
• Max Ortuño • La Cassetera
• Milo Bekins • Epicentro
• El Steinvorth • El Sótano
• Sumus Lux • Colectivo Furia Rosa

portada:

Desorden Siniestro
El Lobo Estepario, 2015
Fotografía de portada por Lores De Sousa

2

volumen 2 – 2015

Bienvenidos

a la argolla.
Véanla. Admírenla. Ódienla. Cópienla.
Hagan la suya propia. . .
O no. Destrúyanla.
Hagan lo que les
dé la gana.

Mis acciones y proyectos nacen de un interés
genuino por aprender y desarrollarme como
artista y ser humano. Y ojalá en el proceso
también llegar a entender mejor esto que
llamamos ~escena~. Muchos serán rápidos en
responder “¿aquí hay escena?” y no están
completamente equivocados. Pero con más
razón se hace necesario este fanzine y otros
como este. Hay escena, hay bandas, hay donde
tocar, donde grabar y hay fans como yo.
Porque sí, ante todo soy fan y como fan, lo que
más quiero es ir a un chivo calidad y poder
pegármela en paz, y la mejor forma que he
encontrado de garantizar eso es armar la vara
uno mismo… Mentira... La mejor forma es ir al
chivo de alguien que se mató armándolo bien y
no hacer nada más que bailar.
De las cosas que más me gustan de ser parte
de esto es el efecto que podés lograr tener en
relativamente poco tiempo y con aún menos
recursos. Este país entre fronteras ficticias es
muy pequeño (doble filo): en dos toques podes
toparte a Esteban de Seka en el Acapulco e
invitarlo a una birra o ir y cagársele al Fo o a
Milo por no meter a su banda en el Folk
Collective o Perra Pop. También podés ser un
humano y escuchar bandas buenas, apoyar a
tus vecinxs y sus propuestas nuevas. Y si
tenés suerte hasta podés escuchar gente
talentosa hablar paja y tirar pura escuela, ya
sea de su arte o hablar del mejor pinto a las 3
a.m., todo va de la mano. Otra cosa que me
matiza es poder apoyar lo que me gusta. Hacer
fanzines, chivos, videos, mixtapes, merca, lo
que sea. Todo lo que he visto y aprendido y la
gente que he conocido en el proceso ha valido
la pena para salir tablas, salir en deuda, que se
me caguen, nuevos amigos, nuevos enemigos,
mucho nuevo, más bueno que malo. Siempre
con la intención de ver más de estas cosas que
me inyectan nace la idea de este fanzine, de
crear transparencia total con la información
colectiva... democratizar la vara, rescatar y
documentar lo que hemos aprendido y logrado.
Un screenshot de la escena en este momento
desde mi punto de vista y de mis colegas.
Siempre que alguien me da las gracias por
incluirlos en algo o por apoyarlos, les digo que
la verdad es que todo esto nace de un lugar
muy egoísta. No lo haría si no me hiciera
sentir bien, me estimula los oídos, el corazón y
la mente, todo. No soy ningún mártir ni tampoco mis planes son maquiavélicos, pero si me
he forzado a moldear mi mundo inmediato. Por

medio de los proyectos que he apoyado y las
amistades que he logrado forjar se me permite

(si es tu caso, podés dejar de leer y darle la
vuelta a esta hoja y matizar el poster).

armar chivos con bandas que admiro y colaborar con la gente que considero la más ambiciosa y talentosa de nuestra burbuja. Y lo
mejor de todo, ellxs quieren ser parte de lo
que hago, no les tengo que llorar (mucho)
porque saben que viene de un lugar honesto y
que es muy difícil fingir esto, puesto que o lo
sentís o no. Otra parte del proceso que me
motiva son los proyectos que aparecen y te
llenan de energía y esperanza, ya sea un
colectivo o banda o propuesta nueva. Poder
apoyar los proyectos de otras personas o
tomar un riesgo en algún proyecto nuevo son

las apuestas que más me gustan hacer, todo lo
que hago es para poder estar en mejor
posición para apostar en la escena... Poder
estar en posición de apoyar de manera verdadera. Pero al mismo tiempo no lo veo como
algo en que alguien apoya más a unx que al
otrx, yo disfruto tanto crear como absorber,
tanto aprender como compartir. Es un ecosistema de amor y energía y varas hippies que
lo mantiene a uno vivo.
Al fin y al cabo quiero ver más honestidad y
transparencia en nuestro arte y nuestra
comunidad, este fanzine es mi propuesta (y la
de mis colegas que aportaron contenido) de lo
que deberíamos estar considerando para salir
adelante.
Ojala que por medio de estas palabras que
aportamos miembros de la comunidad puedan
aprender algo nuevo o reforzar creencias que
ya tienen. Entiendo muy bien que puedo estar
tratando de convencer a los que ya están
convencidos y no quiero sermonear a nadie

3

Incluimos fotografías de varios de los fotógrafos de la escena que han logrado capturar las
mejores fotos de las mejores bandas del 2015
(y una del 2007 de Continental). Los artistas
que aportaron sus fotos son esenciales a la
escena. El esfuerzo de crear algo más grande
que uno motiva a toda esta gente a sacar su
lente y arriesgar escupa, birra, sudor y más
para lograr capturar estos momentos.
Escupa, birra y sudor. Situaciones y complicaciones, todo eso es muy común en este brete.
Me he dedicado a buscar propuestas que me
hacen sentir algo raro y crear situaciones
donde se puedan desarrollar. Es lo que más me
fascina, por eso hago videos, chivos y cosas
como este fanzine. Por medio de los bretes
que hago y la gente que tengo a mi alrededor
logramos pedir los artículos que conseguimos
para esta edición. Creamos situaciones donde
le preguntamos a la gente que más admiramos
lo que siempre hemos querido saber; sus
técnicas, historias de origen, perspectivas de la
vida y más. Algunos nada más escribieron lo
que les diera la gana, pero al mismo tiempo,
creo que el acto de que fuera algo escrito por
amor a lo que hacemos, sin dinero de por
medio, lo hace mejor. Así es como sabés que
las palabras vienen de un lugar sin ninguna
influencia que puede traer la plata. Eso hace
de este fanzine algo inevitable.
Es raro como puede crecer una idea. Aún más
raro es encontrar gente que la apoye, no en
palabras si no en acciones y cuando los encontrás, ya están apoyando otros proyectos
porque así son, no estan esperando, están
haciendo. Por eso cuando alguien saca el
tiempo para apoyarte hay que parar, reconocer
y ser agradecido. Porque nadie te debe nada.
Le quiero dar gracias especiales a Carlox,
Franco, Pollux, Los Hopper y CHIVO CHIVO
que fueron esenciales en que esta edición
saliera de la mejor manera posible con los
recursos que teníamos. Eso no quiere decir
que fueron los únicos, si quieren stalkear gente
rajada, en la página 2 hay una lista que incluye
toda la gente que hizo esta segunda edición
posible. Son verdaderxs y si no saben a qué
otros proyectos apoyar, por ahí pueden encontrar buenas pistas.

SUPERLEGÍTIMO

4

grabaciÓN
DIY

101
POR
Daniel Ortuño

Este documento pretende ser una introducción sumamente básica a la forma de
grabación casera más popular, accesible, y
hazlo-tú-mismo de hoy en día: gritarle cosas
a la compu para luego subirlas a bandcamp.
Acá no vamos a hablar de interfases, plugins,
micrófonos, estudios… En cambio sí de formatos, distorsión y, ehm, celulares.

Partiremos de la premisa de que no saben nada de nada,
y que tienen lo más básico para empezar: una computadora. También hablemos de lo que probablemente no
tienen: un micrófono decente. ¡Pero no teman! Esa compu
que tienen probablemente trae un micrófono integrado a
la tapa en la parte superior de la pantalla ¡Estamos listos!
Lo primero: vayan a las preferencias de su compu,
donde podrán encontrar los settings del micrófono (en
PC: Panel de Control > Hadware y Sonido > Sonido / en
Mac: Manzanita > Preferencias de Sistema > Sonido). En
este momento es cuando vamos a introducir el primer
concepto básico, Distorsión: es la deformación de una
señal de audio. En nuestro caso nos toparemos con
distorsión por saturación del micrófono/unidad de audio.
La distorsión no necesariamente es indeseada (gran
cantidad géneros se han fundamentado y gran cantidad
de grupos han basado su carrera en enterrar su sonido
bajo capas de distorsión) pero para efectos de este
documento vamos a tratar de evitarla o por lo menos
disminuirla (la distorsión dificulta la definición del sonido
y puede borrar las características que permiten la identificación de un instrumento específico). Ya después -si
quieren-, pueden experimentar estéticamente con el uso
de distorsión por saturación.
En ese menú: ¿Ven ese medidor que se mueve cuando le
hablamos al micrófono? Es el nivel de entrada del sonido.
Queremos evitar que llegue al máximo (que “pique” en
rojo o que sature). Esto lo logramos con el control de
sensibilidad en las opciones del menú (si está disponible,
no todos los sistemas operativos tienen la opción) o sino
variando la distancia de la fuente de sonido al micrófono. Una sobrecarga de volumen puede llegar a dañar
el micrófono e inclusive la tarjeta de sonido. Al mismo
tiempo, queremos tener una señal que no sea muy débil
de manera que a la hora de mezclar, la señal grabada no
compita con el ruido ambiente al que probablemente van
a estar expuestos mientras realizan el registro. A esto se
le conoce como Relación de Señal con respecto a Ruido, o
Signal-to-Noise Ratio. Para nuestros efectos y para no
entrar en explicaciones que al momento puedan confundirlos, nada más traten de que el nivel de entrada del
sonido que estén grabando no baje de la mitad del medidor, ni que llegue a saturar. Lo mismo aplica si usan de
esos micrófonos de diadema que se llevaron a la casa del
call center, o ese micrófono de palito blanco (que ya debe
estar amarillo) de la época en que las webcams estaban
de moda y trasmitían como a 1 cuadro por segundo a
finales de los 90’s.
Lo-Fi Pro Tip: el principio electromecánico de un micrófono y un parlante/audífono es el mismo, solo que con
la polaridad eléctrica invertida, por lo que pueden usar
unos audífonos como micrófono. También la mayoría de
compus portátiles no tienen una entrada dedicada para
micrófono, pero pueden invertir la función de la entrada
de audífonos en el menú de Sonido (por falta de espacio,
les queda buscar cómo hacerlo en google o youtube).

Software de edición
Debido al espacio, me limitaré a indicarles qué programas
pueden usar para montar y mezclar su magnum opus:
Si tienen Mac, esta viene con Garage Band que es
bastante sólido y amigable. Sino, existen una serie de
DAW’s (Digital Audio Workstation) libres y gratuitos que
pueden descargar: uno de los más básicos y conocidos es
Audacity (http://audacityteam.org/), aunque limitado y
en ocasiones “tieso” de usar, para empezar es más que
suficiente. Existen otros como Ardour (http://ardour.
org/) que ofrecen más opciones y flexibilidad (la versión
demo es gratis, la versión completa está disponible
“pagando lo que quiera” a partir de $1, o por suscripción
temporal). Por último, existen apps en línea que pueden
travesear, como Twisted Wave (https://twistedwave.com/
online/) o FileLab (https://www.filelab.com/audio-editor), donde no necesitan descargar ningún programa.
Obviamente el desempeño dependerá de las características de su compu y conexión a internet.

Formatos
MP3: Es el formato de audio más común de reproducción de música digital. Su calidad se mide en kbps, o kilo
bytes por segundo. Piensen en la cantidad de pixeles de
un .jpg, es parecido. La mayor calidad posible de un mp3
es 320kbps, debajo de 128kbps (o 192kbps dependiendo de
a quién le pregunten) la calidad de audio se ve comprometida y es notorio el deterioro del audio comparado al
original. Si van a exportar sus canciones en mp3, traten
de hacerlo a la mejor calidad posible.
WAV: Es el formato estándar de almacenamiento de audio
sin compresión (a diferencia del mp3). La calidad del WAV
se define por frecuencia de sampleo (cada cuánto graba
datos -sampleos por segundo-, se mide en Hercios (Hz))
y profundidad de sampleo (cantidad de bits por sampleo). Por ahora lo que necesitan saber es que la calidad
de audio de un CD comercial es de 44100 Hz y 16 bit. La
calidad de grabación la pueden seleccionar en las preferencias de su DAW y deben hacerlo ANTES de empezar a
grabar. Van a querer grabar como mínimo a la misma calidad que la de un CD, nunca menos, o preferiblemente se
recomienda grabar un paso más arriba, es decir, a 48000
Hz y 24 bit para al final comprimir a 44.1kHz/16bit.

mejor calidad que el de la compu (lo cual, bueeeno, no es
decir mucho pero ustedes entienden), entonces podemos
incorporarlo a nuestro proceso.
Lo que tienen que tomar en cuenta es que estos archivos
de audio probablemente vienen en formatos no estándar –como o .ac3 o .m4a, dependiendo de la marca de
celular- que no pueden ser leídos por algunos reproductores o DAW’s. Se vuelve necesario convertirlos a formato
estándar.

Convirtiendo formatos
Estos son algunos servicios en línea que pueden usar para
ese fin: algunos permiten variar la calidad del audio final,
la cantidad de archivos que pueden convertir al mismo
tiempo, o –Lo Fi Pro Tip #2– convertirlo a otro tipo de
archivo de imagen, documento, etc. para luego convertirlo de nuevo a audio, por aquello de que les cuadre
el Glitch:
media.io
audio.online-convert.com
online-audio-converter.com
zamzar.com
Algunos buenos discos grabados con equipo que costó
menos de lo que usted pagó por su celular (en Wikipedia
encontrarán especificaciones del equipo usado en
cada caso):
Bruce Springsteen – Nebraska (1982)
Bass Drum Of Death - GB City (2011)
Times New Viking – Rip It Off (2008)
Guided By Voices – Bee Thousand (1994)
White Town – Women In Technology (1997)
The Streets – Original Pirate Material (2002)
Paul McCartney – McCartney II (1980)
Casiotone For The Painfully Alone
– Answering Machine Music (1999)
Sufjan Stevens – Michigan (2003)
The Microphones – The Glow Pt. 2 (2001)
Devendra Banhart – Oh Me Oh My… (2002)
Gorillaz – The Fall (2010)

Otros formatos: Otras extensiones comunes son el
AIFF, formato sin compresión para Mac, y el m4a, alternativa al mp3 comúnmente encontrado en los dispositivos y
tiendas virtuales (iTunes) de Apple.

Celulares
Hoy más que nunca las probabilidades de que tengan un
Smartphone con capacidad de grabación de audio son
muy altas. A menudo se encontrarán “tomando nota” de
ideas que se les vienen a la cabeza a las horas y en los
lugares menos esperados, o quieren hacer algo con ese
audio de ensayo o de un concierto en vivo, o samplearon
un sonido en la calle que quieren incorporar, o maquetearon una idea y a la hora de repetirla “como se debe”
no les sale como esa primera toma y quieren volver a
ese audio original, por más lo-fi que suene (cuenta la
leyenda que eso pasó en un disco reciente de una reconocida banda nacional). Lo cierto es que el celular es una
herramienta útil, y bajo la premisa bajo la cual estamos
trabajando, el micrófono integrado es de igual o hasta

5

Portada Disco-lage de los álbumes
mencionados.

SUPERLEGÍTIMO
Ilustración

Gabo de Camino aka malditoredhead

Señorita Abril
El Lobo Estepario, 2015.
Fotografía por Pablo Murillo.

6

volumen 2 – 2015

Muñecas Chinas
El Sótano, 2015
Fotografía por Alo Murillo

SUPERLEGÍTIMO

Dónde tocar
Ch e p e

El Sótano
El Steinvorth
Lobo Estepario
Mundoloco el Chante
Hoxton
La Concha
El Observatorio
El Cuartel
Jazz Café–Escazú
Jazz Café–San Pedro
Bahamas
OZ Bar
Baúl Blanco
Stereo Sushi
Babel
Casa Batsú
Yellow Submarine Bar
The Whiskey
H e r e d i a

Chapeau
Stadium
El Cadejo

Jaulares
El Spot

La Malanoche

Backyard Bar
Caliche’s Wishbone
Z a r c e r o

Canterville
S a r c h í

Hostel Jucahuje

d e

A n t o n i o
L e ó n

C o r t e z

Bar La Vaca Flaca
S t a .

Merchandising
D i s c o s

Dharma Recording
Green Road Records
Conquista Records
Bamboom
La Flaca Recordings
Daniel Ortuño
Lúcuma Estudio
Audio Arte
Cavan Studio

H e r m o s a

( J a c ó )

T e r e s a

Rocamar Beach

Promocionar
n a c i o n a l

Chivo Chivo
Dance To The Radio Blog
LaBaseCR.net
104.7
89 Decibeles
Findependiente
Perra Pop
Indie Rock Costa Rica
Música para llevar
Exhum
CR Indie
Radio U 101.9
I n t e r n a c i o n a l

Colectivos/Productoras

Folk Collective
Chepe Colectivo
Furia Rosa
Portal Boreal
Perra Pop
Destiny Recordings
Irrelevante
Union Break Dance
Stand Up
Tiempo Líquido
Inside Music Sessions
Umo Colectivo
It’s Only Punk Rock
Chicheme
L.E.S.

IndieRocks
MuchMusic Latinoamérica
Hervir un indie
Indie Rocks!
El Sonido
Mérida
Noisey
Remezcla
NWLA
Indie Hoy
Tremendo Garaje

Dónde grabar

Popeye
Giancarlo Tassara
La Casettera
Felipe Loáciga
Marco Abarca

N o s a r a

S a n

La Cassettera
Dharma Recording Studios
Canfin Finees
Vortex
Miut Audio
Clu Sonido Profesional
Luma
Sonomax
Prosonux
Jorge Zrd

Sonidistas

A l a j u e l a

P l a y a

Dónde alquilar sonido

One Heap Wonder
Remezcla
Noisey
PLOP
Club Fonograma
Me Hace Ruido

8

Mercadeo Digital
Grafos Litografía
P i n e s

y

S t i c k e r s

Fábrica de Pines
Twistin Bones
Ch e m a s

Revival
GRAFIA (fb/GRAFIACR)
Plivertees
Arabuey
La Esquina (fb/laesquinacr)
Aldea Serigrafia
V i n i l

http://www.urpressing.com/
quotegen12.php
https://www.facebook.com/
EKSRecords
https://www.facebook.com/
PalominoRecordsPressing

Diseñadores

SpamForBreakfast
Nohe More Castro
Stephanie Chaves
Julian Gallese
Los Hopper
Fabrizio Durán
Alejandro Bonilla Rojas
Pollux
NYX / XYZ
No Funny Stuff
God Branding
Myno
Andie Bandido
Ale Atroz
Wasabi and Tacos
Teddy-Boy
Plastic-Cola
Chicapato
Ratboy
Coyote Kid
Valeria Vega
Franco Valenciano
Killuminart
Brayan Miranda
Dibuja Webb Dibuja
Edward Brends
Maldito Redhead

quienes somos
no será un

por obstáculo
psj salas

escena es una cuestión de ganarse al público correcto
haciendo lo que se siente. Apropiarme de mi identidad de
género y de mi orientación de manera abierta e incluyéndola en la perspectiva de mi trabajo ha sido un enfoque
relevante a la hora de producir música.
Como sucede con muchas chicas en la escena, unx no
siempre es la primera opción. De cualquier manera, no es
razón para desistir. Se trata de abrirse un lugar en los
espacios ya existentes, así como construir algunos que
realmente alberguen algo más alusivo a esta nueva
generación.

¿Consejos generales?
La heteronormatividad de la escena local
puede ser arma de doble filo. O puede ser la
ventaja y maravillosidad que haga único a
algún acto, o puede comerse la atención de la
gente que siempre está buscando la común
banda local.

Independientemente de todo, las circunstancias siempre
son lo que unx las hace. La escena de manera general ha
sido en su mayoría siempre muy abierta, y como todo
espacio dedicado al arte, también ha sido bastante
inclusiva. De igual manera, como espacio latinoamericanizado, criadxs todxs en un sistema patriarcal, aún son
palpables prácticas y estereotipos.
No es extraño encontrarse a ratos minimizadx por el
prejuicio de algunas personas, que tal vez tienen la
predisposición de no esperar algo especialmente bueno
de la cultura que ya se tiene encasillada como LGBTIQ.
Igualmente, a pesar de que hay muchísimas bandas, la
variedad de géneros más allá de los “rock” más

mainstream aún es algo que no está especialmente en
auge, al menos no de manera masiva.
¿Están relacionadas la escena nacional y la comunidad
LGBTIQ? Aún no. Hay maúsicxs que tal vez se identifican
con alguna de estas orientaciones o identidades, pero no
muchos en donde esto forme parte relevante de su
manera de hacer música y su mensaje. Aún algunxs
encuentran muy cómodos en el clóset.
El espacio existe, y los ataques por la orientación sexual
de una persona, no son un problema a grandes rasgos.
Estamos frente a un grupo formado por muchísimas
generaciones de personas que siempre se han caracterizado por no juzgar basándose en ello, pero tal vez aún por
probarse si es capaces de respetar una identidad de
género fuera de los parámetros normales.
Como experiencia personal, como hombre gay, no hay
demasiado que contar. Como cualquier cosa que no es
heterosexual y prodigio de la guitarra, abrirse paso en la

boom
alerta

por d e terrorismo
coco-chan

Primero creo, luego muero
(lo que es igual a “si no creo,
me muero”)
Siempre he estado llena de enojo.
Coco coco corazón
¿cuál es tu enojo?
lanza lava del volcán
demonio que nació
hace años ya
pensó que se la llevaría Peter Pan
pero sigue acá
y acá se quedará

personas, la galería tiene instrucciones, la galería es un
“ambiente controlado”, pero la vida real, no lo es. ¿Por qué
insistimos lxs artistas en querer posicionar nuestro trabajo en estos lugares? Ayer algo se rompió en mí. Entendí
mis limitaciones, llegué al límite fronterizo de lo que creía.
De alguna forma me vi reflejada en mi amigo. En medio de
sus rabietas, saltando de un lugar a otro, llorando, escupiendo, delirando... Me vi a mí misma. La catarsis no es sencilla. Con esto me refiero a que, cuando una hace catarsis,
no se muestra como algo extraño o inesperado, el mismo
delirio del asunto y lo que viene detrás desemboca como
un torrente de agua rompiendo con las rocas y los árboles;
el flujo del proceso, sin principio o fin marcado.

¡ALERTA DE TERRORISMO!
tags: Galería de arte+performance+miedo+ (?)
Ayer algo se rompió en mí. Después de ver el performance
de un amigo, simplemente choqué con mis limitaciones. El
mundo exterior es un ambiente sin control. El performance expone al artista, el artista se expone en el performance. Y dejemos claro desde el principio, que esto es
aplicable a cualquier tipo de exposición sincera. Creo que
cuando parte de la identidad, cada símbolo que una interioriza y luego hace consciente en un acto material como los
elementos escogidos, el saber porqué se utilizan, parte de
lo incómodo. Lo incómodo de ser yo, de mi identidad; de
cómo crecí.

“You are living a lie”
Una galería no es sitio para pensar. Una galería de arte es
un lugar para pasear el domingo en familia y recibir la
dosis mensual o anual de “cultura”. ¿Por qué el trabajo del
artista no termina de exponerse en una galería? Es decir,
es imposible comprenderlo en toda su capacidad, la galería
tiene un código de comportamiento, de flujo, de tránsito de

Pero ver la catarsis...
Eso es otra cosa.
Ver la catarsis es un espejo lleno de efectos y defectos,
viendo a mi amigo -a pesar de que hace años ya poseía las
pistas-, logré entender que soy una persona insoportable.
Soy insoportable y eso me encanta.
Allá afuera el mundo real, no es un ambiente controlado. El
arte, el sincero y honesto arte hace terrorismo en nuestro
sistema, configura espacios, configura nuestro cuerpo, es
¡TERRORISMO DIRECTO A LAS ENTRAÑAS! Mi CPU aún está
en download...
Este pequeño artículo se supone que trate de qué me
inspira, pero eso podemos obviarlo... En lugar de eso me
gustaría dejarle a usted, pequeña y dulce persona que me
lee un par de consejos para comprender la inspiración y
las diferencias entre las uvas de navidad y las frutas de
plástico, y el primero es “no consuma pornografía”.
Pornografía de imagen, pornografía de música,

9

Localmente, el que se mueve es el que lo logra, siempre
teniendo en mente que es mala idea saturar los espacios
(al final esto es un mercado). Buscar oportunidades y
obviar cosas que normalmente separarían y buscar
alianzas con otros proyectos o músicos con principios
afines.
Si hay una clara ausencia de la comunidad LGBTIQ en la
escena local -al menos “abiertamente”-, esta una
oportunidad para crear una.
Es un espacio relativamente pequeño y los “chismes” van
a surgir. Y como en todo, no debería de tener importancia.
Hay que ponerse por encima de la situación y lo más
importante, apropiarse de la identidad.
Hay un potencial muy grande que no ha sido explotado, en
un espacio que nadie ha tomado, y que al parecer aún no
ha sido usurpado. Está en las manos de lxs que vienen,
tomarlo y convertirlo en algo funcional. Que no se trate
de quién somos, pero que nunca se transforme en un
obstáculo.

pornografía de películas, pornografía de literatura, pornografía de moda, pornografía de usted misma; así como
en la pornografía, donde la industria del cine XXX no hay
(en la mayoría de los casos) orgasmos reales y donde la
lubricación viene en un tubo plástico, en todo el mundo del
“arte” o bien del “quehacer artístico” hay quienes no
sufren orgasmos reales y están adolecentes de lubricación (y a veces el problema es que usan demasiada).
Toda esta manipulación plástica de emociones, es como
una red neuronal, a la que se le enseñan miles de imágenes
y se le amaestra para que de resultados deseables; creemos vivir en la gran idea y olvidamos cómo vincula y toda a
las y los demás. Para mí, en todo lo que hacemos y nombramos depositamos una intención... ¿Qué consumimos
como personas sensibles? ¿Determinadas cosas nos inspiran, o tan solo son el holograma de lo que aprendió la gran
red neuronal?
No soy un fantasma de lo que soy

Dejate tocar.
El otro consejo que puedo darles, es que si sos chica (en mi
caso lo soy) probablemente vas a topar con varias injusticias... A mí me han roto el corazón muchas veces, porque
no me han tomado en serio. Es horrible aceptarlo, pero a
pesar de todo lo que hemos avanzado aún sigue existiendo
personas que a pesar de sentirse muy “alternativas” a las
personas promedio, te tratan como una cosa, como un
trofeo, como una “chica muy cool y louca wow mae” para
ligarte y ya. Estas situaciones pueden ser frustrantes,
pero si realmente estás comprometida y pretendés ser tu
propio fin y medio, ¡DALE CON TODO! y aunque sea difícil,
empezá sola, ya llegarán los días en equipo y amigxs. No
hay de qué tener miedo o limitarse o sentir pena. Si al fin
de cuentas todxs nos vamos a morir y dentro de 100 años
nada va a quedar de nosotros, ni siquiera familiares que
nos recuerden durante los cumpleaños.
Tampoco hay que temerle al mundo exterior, como dije, al
final si nos aman, si nos odian, va a dejar de importar en
algún momento, lo importante es no morir en el presente y
“seguir lanzando signos al fuego”*.
no soy un fantasma de lo que soy
soy una ventana
y un demonio que se asoma.
Pie de página: *J.C.E. poeta y guatemalteco.

a la hora

de tocar
POR
fo león

Una pregunta común que una banda se hace
al empezar: ¿estamos listos para tocar en
público? La conclusión más frecuente es “no
estamos listos” pero eso sólo sirve para
quedarse en la casa mientras las otras
bandas están afuera haciendo contactos y
ganando experiencia. No se quede en la casa,
ahí no va a pasar nada. Grabe varios ensayos
con un teléfono inteligente o con alguna
laptop que tenga un software de audio. Deje
de creerse especial, está bien que suene mal:
son grabaciones caseras. Escoja las versiones
más decentes de unas tres o cuatro canciones (las más “pegadoras” entre su familia
y gente cercana) y las tiene a mano. Las
puede subir a Bandcamp o Soundcloud con
una etiqueta que diga “Demo” -así puede
dormir tranquilo porque la gente sabe que
estas no son versiones finales de su preciado
material debut-.

Recuerde: este material maravilloso que su banda lleva
meses (o años) puliendo no ha sido probado. Para medir
la calidad del material tiene que sacarlo a la calle. Ocupa
una audiencia para que lo escudriñe, disfrute o ignore.
Déjelo fallar para mejorarlo y corregirlo, para amarrar
mejor sus espacios y sus dinámicas. También asegúrese
que la banda aguanta el esfuerzo y la exigencia de tocar
en vivo, de jalar equipo, de acostarse tarde entre semana,
de que alguien le diga que sonó espantoso y no perder el
empuje. No gaste ni un cinco en el material de una banda
sin probar, se puede arrepentir cuando finalmente salgan
a la calle y no aguanten el desgaste. Una vez que el
material ha sido probado y su banda sobrevivió el estrés
de tocar frente a gente que no es su familia ni amigos, es
ahí cuando puede decidir gastar una pequeña fortuna en
grabar ese material -o desecharlo por completo y crear
un repertorio nuevo-.
Si su banda está hecha de gente talentosísima sin
contactos ni experiencia ¿qué hacer? Lo primero es ir a
todos los conciertos que pueda para encontrar bandas
que le gusten mucho y para conocer artistas con quién su
sonido tenga afinidad. Haga una lista de estas bandas y
de los lugares donde se realizan conciertos. Pregunte
quién organiza la agenda de eventos. Preséntese.
Converse. Sea visible. No espere llegar a un lugar donde
nunca va y que le den una fecha de inmediato, probablemente se la den primero a la gente que siempre está
presente en las actividades, que es parte de la comunidad.
Si usted está metido en este asunto de la música solamente para crear y no tiene interés alguno en socializar
ni en perder tiempo conociendo gente que no significa
nada para usted, pues mejor acostúmbrese a la idea de
que su obra sea descubierta póstumamente, cuando sus
sobrinos encuentren sus grabaciones mientras buscan
pornografía vintage en el disco duro de su computadora
dentro de treinta años.
Cuando finalmente consiga una fecha, busque a las
bandas que le gustan o a las que sienta cercanas a su
sonido ¿por qué? En el primer caso: porque si todo sale
mal por lo menos puede disfrutar a su banda favorita en
vivo. En el segundo caso: para que le pueda mostrar una
propuesta compatible a un público que ya ha mostrado
interés en un sonido similar. Haga todas las preguntas
que tenga que hacer para montar bien el evento. Pida
asesoría a alguien que ha producido conciertos antes.

Haga más listas. Sea riguroso con su banda y generoso
con los demás. Acuérdese de conseguir alguien que cobre.
Ahora, puede que prefiera tocar en un evento producido
por alguien más en vez de tomar su destino con sus
propias manos. En ese caso haga una pequeña nota
presentándose y que incluya enlaces a su página de
Facebook, Soundcloud o Bandcamp y mandesela por
correo a otros músicos y a productores de eventos. No
pierda tiempo tratando de explicar cuales son sus
influencias o cuál piensa usted que es su género.
Probablemente está equivocado. No construya expectativas y deje que el material hable por sí solo. No todo el
mundo le va a contestar, pero eso no es un problema. El
nombre de su banda va a quedar flotando en el aire y
cuando vuelvan a verla mencionada, hay más chance de
reconocimiento. Esto es un proceso y toma su tiempo.
Cuando lo inviten a tocar averigüe lo siguiente antes de
aceptar: ¿Cual es el trato? Eso puede incluir: plata (tarifa
fija o porcentaje), entradas de cortesía, cervezas o
comida. ¿Hay que llevar amplificadores? ¿Quién está
encargado del sonido? ¿A qué hora es la prueba de
sonido? ¿A qué hora tocan? Basado en esto, usted mide
cuánto le sirve o no la propuesta. Sea transparente con la
producción, hable con franqueza sobre sus limitaciones
de tiempo (a qué hora sale el guitarrista de clases, a qué
hora sale el bajista del trabajo, etc) y equipo (calidad de
su amplificador, tamaño de su batería, etc) para que
todos tengan las expectativas correctas. Esto evitará
problemas a futuro y le creará a su banda una buena
reputación. Por cierto, un consejo: compre un ampli que
sea mejor que su instrumento. Una guitarra barata se
puede salvar con un buen ampli pero un ampli barato
hace que cualquier guitarra suene a mierda.
Esto es lo que usted tiene que llevar: sus instrumentos y
todos los cables que usted ocupa para estar conectado a
un sistema de amplificación y sonando de forma
autónoma e independiente. El baterista siempre tiene que
llevar “sus calzones” (redoblante, platillos y pedales) y en
caso de tener que llevar toda la batería, acuérdese de
llevar la alfombra y el asiento. No espere nunca que nadie
le preste un instrumento al menos que esa persona se
haya ofrecido con anterioridad y nunca espere que los
cables que ocupa aparezcan mágicamente. Tampoco se
atenga a que esos cables o ese instrumento “que ha
estado dando problemillas en el ensayo” de repente
funcione al 100% mágicamente el día del concierto. Lo
más probable es que deje de funcionar justo en ese
momento y usted viva el episodio más espantoso de su
corta vida. Mejor ahorrarse eso y llegar con cosas que
funcionan.
Llegue a tiempo a la prueba de sonido. Si el sonidista o la
otra banda llega tarde, eso no es problema suyo. Cumpla
siempre con su parte del trato. Que las cosas que salgan
mal nunca puedan ser asociadas con su impuntualidad o
falta de compromiso. Hay bandas que suenan maravillosamente, pero es una pesadilla trabajar con ellas por
ser impuntuales, abusivas y poco profesionales. Nadie
quiere trabajar con estas bandas, por eso nunca las ve
tocando con la misma gente. No sea esa banda.
Es importante cuidar el equipo con el que toca en general,
pero en particular si está tocando en un evento organizado por otros, sobretodo si faltan bandas por tocar.
Agarrar la guitarra y golpearla contra el ampli y brincar

encima de la batería puede verse muy rocanrol en su
cabeza, pero es la peor actitud posible cuando el ampli es
alquilado y la batería queda dañada después de ser
prestada -con las mejores intenciones- por alguien más.
No sea un pedazo de mierda. Nadie disfruta estar en
compañía de pedazos de mierda. Es una verdad universal.
No abuse de las entradas de cortesía o de “la lista”:
incluya sólo a las parejas de la banda o al equipo de
trabajo. Una regla a seguir es: si la banda tiene cuatro
integrantes, no metan a más de cuatro personas. Si lo
contacta alguien de la prensa para cubrir el evento, dígale
que se comunique con la producción directamente. No
asuma este trámite porque esto no le incumbe.
Acuérdese que usted es la única persona que puede darle
valor a su trabajo, por eso acostumbre a su gente (familia,
amigos) a pagar entrada, sobre todo si usted está
ganando un porcentaje de la puerta o si le están pagando
por tocar.
Cuando llegue a la prueba de sonido, vaya salude y
preséntese ante la producción, el sonidista y ante los
músicos que estén ahí. Haga una costumbre de esto:
entrar, saludar, dar su nombre y hacer un esfuerzo por
recordar los nombres de los demás. Sea consistente.
Pregunte sobre el mejor lugar para dejar su equipo antes
y después de la prueba. Pregunte a que hora es su prueba
y a qué hora se espera que toque su set. Si está dentro
del lugar mientras las otras bandas hacen prueba de
sonido, cállese. Ese no es lugar para tener conversaciones
animadas, hay gente trabajando. Dése una vuelta por
otro lado y haga tiempo, o mejor aún: quédese callado
viendo el proceso mientras el sonidista logra decidir cuál
es el volumen apropiado para el micrófono que amplifica
la maldita mandolina de la otra banda. Le recomiendo que
se quede observando para que aprenda sobre las
fortalezas de las otras bandas y del sonidista, y lo aplique
en su propia prueba. Recuerde no dar opiniones sobre el
sonido de las otras bandas al menos que se le pregunte
directamente. Esto no es una democracia y el sonido no
se hace por consenso. Usted tendrá su oportunidad para
hacer prueba y ser un chiquito montessoriano, para que
el mundo gire a su alrededor y le atiendan esos temores
espantosos que alberga por tener la mala suerte de ser
un artista.
Vea las presentaciones de las otras bandas. Observe y
aprenda. Si le gustó algo, hágaselo saber a la banda que lo
hizo. Si no le gusta, guárdese el dato hasta que se lo pidan.
Si usted no puede sacar el rato para escuchar a una
banda desconocida, no se sorprenda si la otra gente
tampoco tiene tiempo para escuchar a su banda. La
cortesía es una calle de dos vías. Recuerde estar cerca
del escenario cerca de la hora de tocar, para que la
producción no se preocupe pensando que no van estar
listos a tiempo. Toque solamente el tiempo designado al
menos que le indiquen que hay tiempo de sobra que
ocupan rellenar. No se pase de ese tiempo sin importar lo
caliente que esté el público, de hecho siempre déjelos con
ganas de más.

Siempre.

Ilustración

Gabo de Camino aka malditoredhead

10

volumen 2 – 2015

SUPERLEGÍTIMO

Florian Droids

11

El Steinvorth, 2015
Fotografía por Suzi Love

SUPERLEGÍTIMO

Ave Negra

Epicentro, 2015
Fotografía por Ignacio Sequeira

volumen 2 – 2015

SUPERLEGÍTIMO

Colornoise y Mercedes Oller

14

El Steinvorth, 2015
Fotografía por Eduardo Reyes Paniagua

volumen 2 – 2015

Saturno Devorando
Epicentro, 2015
Fotografía por Pablo Murillo

15

SUPERLEGÍTIMO
11:11
424
A Razón de Nadie
Abya Yala
Adaptados
Acertijo
Adrenal
Advent of Bedlam
Aifon
All Black Cast
Alphabetics
Alta Costura
Ancient sphereS
Apolo
Árböl Pájarö Fuegö
Argos
Ariel Maniki and The Black Halos
Asylum God
Atlas
Atma
Avanti Luz
Ave Negra
Awaken Sky
Bambui
Banton
Beepers
Billy The Kid
Bird & Fish
Brother
Bruno Porter
Cabeza de Vinil
Carousel
Café Surá
Camelolloide
Capitán Rooster
Cassettes
Chax
Cero Absoluto
Coco - Chan
Cocofunka
Colornoise
Corpse Garden
Crypy
Desorden Siniestro
Deelaynia
Diger
Dios desde la máquina
Do Not
Dream of Fire
Dyatlov
Éditus
Ekor
Endemia
Entrelíneas
Entrelobos
Erth
Eviltwin
EVOLET
Fakir
Finnegans
Flamingo
Florian Droids
Foffo Goddy
Fonk Norris
Fuerza Dread
GaB
Gandhi
GC
George Best
Girl Scouts
Glaciar

Palmers
Palo Malo
Papa Cocodrilo
Papaya Head
Papin y los Perrobots
Paprika
Papus
Passiflora
Patterns
Pidgines
Piratas Del Cosmos
Pneuma
Pordeskaarte
Prostitutas
Psicosomatica

Go Go Dancers
Gorilla Fun
Grado Cero (0˚)
Grecco
Guayabo Blü
Guetto
Heracles
Hijos
Hongo Fuu
Inersia
Infibeat
Introvisión
iO
Jamaican Beat
Jesús con Corte Militar
Jug Bundish
Juvenal
Kaiser Moon
Kalakuta
Karaoke Panico
Kriti-Kaos
Kombo Style
Kumary
La Milixia
La Triada Hermetica
La Versión Extendida de las Cosas
Las Robertas
Libélula Pequeña
Li Perrender
Lordfish
Los Acetatos
Los Cuchillos
Los Crayones
Los Espejos
Los Garbanzos
Los Kaites
Los Olafos
Los Reverbs
Los Tatunga
Los Waldners
Luis Fernando
Mad Goat
Malas Palabras
Mariel Cordero
Miseria
Monte
Moonlight Dub
Morbid Funeral
Mr. Fly
Mr. Gone and the Invisibles
Mumble Riot
Nagmah
Nakury
Nativa
Natural Dub
Nébula
Nillo
Niño de cobre y los marineros

de agua dulce
Niño Koi
Nochi
Nociva Influencia
Non Neutral
Núcleo Zero
Nueva Artillería
Oak & Feathers
Octopi
Ojo de Buey
Okun Inú
Orquídea
Oscar Washington
Oyarsa

16

Rabia
Raido
Raza Bronze
Reacción Direkta
Redial
República Fortuna
Rex Begonia
Rey en Ruinas
Rialengo
Riveras
Rockalila
Rotten Souls
Saint Legion
Santa Rocolaconga
Saturno Devorando
Science of Sensations
SEKA
Sepulcro Vacio
Señorita Maestra
Shuffle Time
Sight of Emptiness
Síndrome de Estocolmo
Sin Talento Alguno
Slow Animals
Social Club
Solocarne
Soloft
Sonámbulo
Sr. Tijeras
Still Dogs
Talawa
The Blue Shaman
The Dead Deads
The Eyes of Desolation
The King Of
The Midnight Dealers
The Movement in Codes
Tibet
Ticking Time Bomb
Timber of Trees
Time’s Forgotten
Topo Sikosis
Totem
Triddi
UFO
Un Rojo
vicepresidente
Voodoo
Whitegirl
Will of the Mountain
The Wiesenground Project
xActuarx
Xpunkha
Zigurats
Zopilot!

volumen 2 – 2015

Do Not
Epicentro, 2015
Fotografía por Julián Garita

TRAPOS SUCIOS
(el día
en que
Marton
y Huba
se conocieron)

los afrodescendiente en Costa Rica y la normalización e
institucionalización de estos patrones en la “psique
costarricense”.

Introducción
por
Marton
Robinson

Nuestra charla giró en torno a distintas inquietudes que
fueron surgiendo: la música en su casa de pequeño,
representación, identidad, hip hop, reggae, música
electrónica y alternativa, la escena en Costa Rica, la
provincia de Limón, los chivos en Limón, los carnavales,
plata vs. fama, dreads, Public Enemy, Rodney King, el
gangsta rap y sus implicaciones culturales, el coon,
zambo, mandingo, thugs, afrodescendientes, racismo y
Cocorí.
Quiero destacar tres temas recurrentes en nuestra
conversación: identidad, historia y mito; quiero ponerlos
en el contexto de la polémica alrededor del financiamiento
al proyecto de la Orquesta Sinfónica Nacional (que
pretendía musicalizar la obra Cocorí) y sus repercusiones,
incluso con la intervención de la ONU.

Podemos estar en total acuerdo en que
Cocorí “breaks the Internet”. Y nunca un
tema como éste había tenido tales repercusiones ni causado tanto comentario en los
medios y redes sociales nacionales.

SUPER Legítimo me invitó a tener una conversación con
Huba Watson. No tenía expectativas o idea alguna de la
línea que tendría, hasta que nos conocimos. ¡Claro está!
Ambos desarrollamos un discurso desde nuestra vivencia
personal con el libro “Cocorí” (1947) del autor Joaquín
Gutiérrez.
Huba, desde el rap titulado “Cocorí” -que forma parte de
su producción musical inédita llamada Lados B-, expresa
de forma acertada el sentir de los afrodescendientes en
relación al libro, siendo enfático en lo perjudicial e
inadecuado que es para todos. En mi caso, la exposición
¿Y qué fue de Cocorí?, fue presentada en la Sala
Poligráfica de Teor/éTica en Octubre del 2014, utilizando
como justificación un “antecedente histórico” dentro del
“imaginario nacional”, para contextualizar un antes y un
después. Sin embargo, en la exposición no existía ninguna
referencia específica del libro, más allá del título de la
propuesta y una imagen que acompañaba el brochure de
la exposición.
La reflexión sobre este “héroe mítico, mágico, exótico,
infantil, ingenuo, ignorante y salvaje” que es Cocorí, era
una excusa para evidenciar patrones de invisibilización,
discriminación, exclusión, segregación y ridiculización de

17

Voy a referirme en primero a la noción de “identidad”.
Entre los  comentarios que logré leer en las redes sociales
están los referentes a que “los negros que expresan o se

sienten discriminados racialmente, no saben quiénes son,
tienen problemas de identidad y autoestima”. En pocas
palabras, no tenemos identidad (¿”siervos menguados”?).
Rescato las palabras de Huba: “Uno antes de estudiar el
mundo debe estudiarse a sí mismo”. Y es aquí donde la
transmisión oral puede ser un arma de doble filo, en
cuanto a la responsabilidad de contar la historia real y
situación del afrodescendiente en Costa Rica y no la
empacada para la comodidad de la clase dominante.
Queda clara la visión y licencia creativa del autor de
“Cocorí” al escribir una obra que complace sus intereses y
el de sus lectores de la época. El problema se centra en el
aspecto histórico que algunos han querido ligarle a la
obra. “Cocorí” no está basado en acontecimientos
históricos y no es una representación de la población
afrodescendiente de la época en la que fue publicada. Se
dice que sacarlo del sistema educativo sería “un atentado
contra el patrimonio nacional”, pero queda la duda cuál
es el patrimonio del que hablan.
El “patrimonio cultural” del periodo a que pertenece el
libro,  en un país que se encontraba en un proceso de
nacionalización y en donde -como lo comentó Huba- se
referían a la comunidad afro como “la suciedad costarricense”, señalando a la comunidad como personas con
malas costumbres, viciosos y vagabundos.

SUPERLEGÍTIMO
Sumado a lo anterior, durante el mismo periodo se
construyó un monumento nazi en Cartago y científicos
nacionales como Clodomiro Picado expresa en una carta
pública en el Diario de Costa Rica en 1939 lo siguiente:
“¡NUESTRA SANGRE SE ENNEGRECE!,
y de seguir así, del crisol no saldrá un
grano de oro sino un pedazo de carbón.
Puede que aún sea tiempo de rescatar
nuestro patrimonio sanguíneo europeo
que es lo que posiblemente nos ha
salvado hasta ahora de caer en sistemas de africana catadura, ya sea en lo
político o, ya en aficiones que remedan
el arte o la distinción, en tristes formas ridículas Quizás Ud. cuya voz
prestigiada es oída por los humanistas
de valer que aún quedan en estas
regiones, logre ayudar a señalar el
precipicio hacia el cual nos
encaminamos.”

Imaginemos las posibles secuelas de estos acontecimientos en las generaciones posteriores. La historia de las
minorías de este país es inexistente o inexacta y es aquí
donde se debe distinguir entre “historia” y “mito”,
entendido que el segundo es reinterpretado y puede ser
manipulado y transformado con diversas intenciones
para ser usado como un “registro factual histórico”, con
el único fin de aspirar a que el mito contenga cierta
verdad histórica. Esa me parece es la relación de los
costarricenses con el libro Cocorí y la situación racial del
país en general.
¿Son los docentes capaces de hablar de la realidad del
afrocostarricense en los salones? ¿Se encuentran en la
capacidad de generar sensibilidad y empatía más allá de
la concepción y construcción ideológica nacional eurocentrista? ¿Se puede reconocer al país como uno racista? ¿Y
usted, tiene la capacidad de plantear su punto en relación
al libro desde la visión de otredad, y no desde su propia 
experiencia personal con el libro? ¿Cuál es su identidad
como costarricense? ¿Tico? Valiéndome  de la oportunidad,
les dejo estas anteriores interrogantes.

La conversación entre Marton y Huba inició desde antes
de llegar al lugar donde haríamos la entrevista. En este
punto de la conversación, Marton y Huba ya han hablado
un poco de su molestia por la obra Cocorí y cómo cada
uno ha tocado el tema desde su propio escape artístico.
MARTON M 
i expo fue en octubre de 2014. La vara fue
con cinco piezas en un cuarto pequeño (Sala
Poligráfica de Teor/éTica) aquí en Chepe.
(Marton muestra algunas fotos en la
computadora de la exposición). A mí Cocorí
me afecta desde lo visual, también la
historia, porque me parece ridícula y la vara,
pero pienso más en lo visual. Los anuncios
de televisión o la publicidad me pichacean
fuerte mae. Esta fue la última imagen que
usé (Marton enseña una imagen de Cocorí
en medio de muchas sandías). Ésta es de
una serie que estoy breteando que es toda
de Cocorí y esta fue la única que usé en la
vara y para mí parte de la vara es toda la
mierda esta de la sandía que la gente la
sigue usando.
HUBA (cantando) ¡Negrito sandía!
MARTON T 
odas las pinturitas que hacen acá y
siempre tienen al negrito con la sandía y

todo muy bien y tuanis; tiene sandía, está
contento,...
HUBA El mismo patrón siempre.
MARTON M 
uy efectivo diría yo, efectivísimo.
HUBA Ah, gracias a eso, yo podría decir que yo me
preparé para hacer esta canción de Cocorí por
años, tal vez. Porque me he metido en la ciencia
política y la conspiración y soy afrocéntrico diez,

cientocincuenta por ciento más cinco y vamos
creciendo (Marton ríe). Entonces estaba viendo
un video un hombre hablar de cómo el zambo es
un personaje del negro en Hollywood. El zambo
es básicamente ese negro que sale en Shirley
Temple, ese negro que sale pintado con betún y
no es un negro o más bien es un negro con betún.
MARTON C 
laro como el blackface o también está el
bambooz.
HUBA Sí, todos esos. Al negro usted nada más lo ve en

ciertos personajes: el zambo, el que es un bufón,
baboso, el coon, o un thug. Y la negra nada más
es la mammy o la coochie.
MARTON E 
stá la sexualizada también, que es la

jezebel. También está el mae que es así igual,
la contraparte del hombre sexualizado, el
mandingo. (...)
HUBA ¡Mandingo! Ok, en Estados Unidos llegó mucho
mandingo por el ride de que los maes eran

enormes y podían... Digamos un negro como yo,
lo vendían más barato, tal vez vendían dos yo
por un mae así, como Jimbo, que ese mae te jala
una carreta unos 40 kilómetros al suave,
digamos, yo no tengo esa capacidad de la vara,
obviamente en mi imaginación ese mae es el más
caro. Entonces el zambo es una de esas razas.
Uno antes de estudiar el mundo debe estudiarse
a sí mismo. Si no para qué, ¿me entiende?
Conocerse a uno mismo y luego conocer el
mundo. (...) Yo estaba en ese proceso del análisis
de los coons y los zambos y esto y me topé esta
temática entonces estaba más en historia y en
ciencia. Después de eso estaba en ese tiempo
leyendo un libro que se llama Afrodescendencia
costarricense (2011) que habla con estadísticas
de la entrada del negro a Limón, cómo vino,
sobre migración, del proceso de nacionalización
y cómo en ese tiempo, precisamente donde
escribieron Cocorí existía “la suciedad costarricense” que era como se referían a los negros.
Y se referían a ellos diciendo que tenían malas
costumbres, que eran viciosos, vagabundos,
etcétera, etcétera,...
HUBA El asunto con este libro es que en esa época en
donde se referían así a los negros y se referían
así a la etnia y la cultura de los negros fue que
escribieron este libro. Después lo unimos [para

crear la canción] con cosas que uno vive.
Digamos, hasta la fecha, yo me estreso diariamente por lo menos unas cincos veces por la
forma en que la gente se dirige hacia mí. Desde
moreno...
MARTON ¿Cuántas veces?
HUBA Osea, he tenido tal vez un año de vacaciones en
mi vida de esa vara. Una vez que fui a Brooklyn y
me sorprendí de solo ver gente negra por quince
días (Marton ríe), no había nada, ni subí a

Manhattan. La cosa es que yo he pasado de
moreno a negro, de moreno a wahappin’, de
wahappin’ a Cocorí, de Cocorí a Memín, de
Memín a mop, eso ya fue más adelante, pasé a...
MARTON ¿A men?
HUBA Pasé a men. Men no me chocó tanto porque de
repente como que me hice más el loco, estaba

muy mopeado en ese momento, prefería
cualquier cosa a que me dijeran mop. “Rasta”,
ese todavía me patea el hígado cada vez porque
uno dice “mae, di no”. Yo tengo que respetar los
dreadlocks que llevo en la cabeza porque hubo
gente que murió por eso, ¿me entiende?
Entonces antes de dejarme crecer los dreadlock
yo tuve mi proceso de estudio y mientras
(crecía) yo tuve también mi proceso de estudio y
de retraerme y de no autocalificarme rasta
hasta que el día que llegué a la conciencia de
decir “es lo que soy, voy a vivir así y ya”.
MARTON ¡Exacto!
HUBA Hasta ese momento, pero me llevó años llegar a
esa resolución. Y yo veo gente que lo agarra de

moda, que lo agarra de mote, que andan muy
Korn por ahí, y no me gusta porque viene de los
Mau Mau, no se entiende y no se conoce que es
una vara de guerrero.
KEVIN Sí ahora estábamos en Chepe y había una mae
blanca con los dreads y la vara.
HUBA Diay, imagínese...
CARLOX En esta vara de que dejaron a un estudiante
usar dreadlocks en el colegio porque el MEP
dio permiso, hubo algunos medios que
acompañaron la nota con una imagen de una
chica blanca con dreads y yo como “bueno,
eso no es lo que estamos defendiendo”. Ése

no era el punto de defender la cultura.
HUBA Di, imagínese, qué loco es eso. ¿Usted ha

18

escuchado de una persona que se corta el pelo
para comprar pelo? ¿O se quema conscientemente el pelo para comprar pelo plástico, que se
ve falso? Beyoncé paga dos mil dólares average,
al bajo, por la cabellera falsa y tiene pelo que
crece. Además, el pelo es sagrado. El pelo crespo
es el pelo que crece hacia arriba, immediately
grow up, el otro tipo de pelo: lacio, menos lacio,
colocho bajo, colocho menos lacio,... grows down.
Algo tiene que ver con el asunto, algo tiene que
ser. Es algo que, ¿si doliera uno se lo cortara?
(...) es loco, ver como por la opresión, la forma
de crecer pelo naturalmente del negro es una
vara que se oprime ¡en los centros educativos!
MARTON N 
o no, y en la calle también. Yo voy por la
calle y la gente dice “Vea ese mae, parece
que se asustó, ¿se asustó? Y uno como “pura
vida”.
HUBA And it’s dope! I mean, it’s dope!
MARTON Y 
es que qué importa como yo me peine, si
esta gente no se peina, nadie les dice nada.
HUBA Uno puede ver los dreadlocks donde se están
haciendo, usted no se los está ni torciendo y se
están haciendo dreadlocks, así me pasó a mí. yo

llegué y me lavé el pelo, me lo acomodé y tenía
toda esta vara lista para dreadlocks, me lo
emparejé y jalé.
MARTON L 
a gente no entiende, mae. Yo simplemente
me estoy dejando el pelo, ¿por qué la gente

se estresa si yo no me estreso por la vara?
Déjenme vivir.
HUBA Y es así, al punto que y la gente tiene que
echarse químicos y la porquería en el pelo,
porque eso quema el cráneo la vara, y el pelo no
vuelve a ser lo que era antes,...
KEVIN ¡Y lo caro que es! Lo caro también, también a
las mujeres las tienen a producto, como si no
pudieran salir de la casa sin gastar veinte rojos
en producto...
MARTON V 
einte rojos para echarse un tarro de
veneno en la jupa.
HUBA Ésa es la dinámica, ésa es la nueva esclavitud, si
se quiere decir. Ésa es la esclavitud mental y
psicológica, ese es el post-trauma de la
esclavitud que vivimos hoy en día. Yo tengo el
trauma.
MARTON ¡Claro!
HUBA Todo negro tiene el trauma y está todo el asunto
en ataque. Rodney King, ok. Public Enemy,

también. Hip hop, marcó. ¿Qué canción puedo
poner más? “Can’t Truss It”. En ese tiempo,
cuando salió Public Enemy, yo los vi en una foto
de Billboard y vi a cuatro raperos vestidos uno
de baseball, otro en el centro con un relojote
que yo decía “mae qué buen reloj más pichudo,
¡eso es hip hop!” (todos ríen). ¿Me entiende? Hip
hop era en ese tiempo de llegar y agarrar una
gorra con el tag del precio... Y veo el relojote y
atrás un escuadrón de militantes así en
uniforme parados y los maes llegaban y decía en
grande “Public Enemy”.
MARTON R 
ajado.
HUBA Si había una cosa del hip hop que a mí me gustó
es que el hip hop es que el hip hop es against the

system y yo nací against the system. Yo aquí vine
al planeta a darle dolor del cabeza al sistema y
ya, es así, es la naturaleza.
MARTON S 
i me dice que tengo que hacer algo,
tenemos problemas.
HUBA ¿Verdad que sí? Mae qué raro es ese sentimiento,
uno dice “¿Mae, qué le pasa?”. Tal vez es algo
que uno quiere hacer pero le dicen “tiene que
hacer esto”...
MARTON N 
o no, nada de eso.
KEVIN ¿Y haciendo eventos y varas así no le ha pasado
varas así como con productores o marcas,
trabajando con gente que no entiende nada de
la onda?
HUBA Di, yo tengo una rutina de que estoy en mi

propio concierto, esto toda la vida, osea, yo

volumen 2 – 2015
estoy en la puerta y el mae y quiero entrar a mi
concierto y no me dejan entrar y está sonando
la música y todo. “Mae di vea, yo soy de acá, vea
ahí. Ahí está mi nombre, vea la foto ¿se parece a
mí?” (Marton ríe). “Llame a quien tenga que
llamar que ahí está sonando la pieza, viejo.” De
eso, a decirle “mae, ¿sabe qué? Quite. Aquí el
bravucón soy yo, quite”, o hasta dar la media
vuelta y jalar y ver de reojo como el productor
del evento me persigue “hey, muchacho,
muchacho” y yo con los audífonos (caminando)
una cuadra, ya después de la cuadra bajo el
speed y lo veo “Ah, sí. Es que yo venía a trabajar
pero diay”...
MARTON “ 
Ay, ¡es que ellos no saben!”
HUBA Nombres, ¡el que no sabía era él! Yo estaba
parado en la puerta y me llamaron a que fuera a
cantar y el mae me dice “¿Entrada?” Y yo “no, yo
no”. “Sí no, tiene que pagar”. Y el chamaco de
atrás le dice “¡¿Y a este mae qué le pasa?! ¡¿No
sabe quién es?!” y yo donde escucho eso, doy
media vuelta y voy jalando y “¡Ese mae es
Hubaa!” (Todos ríen). Y ya ahí caminando me
alcanza y todo bien, ¿verdad?, no soy tan famoso,
no me considero famoso ni me interesa eso. Me
interesa la plata, lo que trae la fama, no. La
plata en general, porque en este mundo virtual
de unos y ceros como en La Matrix todo se hace
realidad mediante eso, entonces, diay, eso es un
mal necesario y eso es parte del juego. Todo esto
de Cocorí y todo este asunto es una vara muy
planeada, es una guerra psicológica.
MARTON S 
i, sí.
HUBA Es la guerra psicológica planeada totalmente.
Uno pasa de Cocorí a Memín y Memín fue un

que ese libro es racista, que cómo se les ocurre
decir que la güila macha ve a al mae y que cree
que es un...” ¿En cuál mundo vive? ¿Eso es una
selva? ¿Ella fue a descubrir qué? ¿Por qué si el
nativo era Cocorí la perspectiva del libro usted
la ve como que el protagonista es la visitante? Y
¿cuál era el contexto de la mujer negra en ese
tiempo? Mi mamá me deja con una pregunta,
¿dónde está el padre?

(. . .)

KEVIN Ésta ahí con la imagen de la cosa esa (señala
una de las fotos de la exposición de Marton en
la computadora)
MARTON ¿Con la virgen? Ése es otro tema, también, la
virgen, mae.
HUBA (ríe) Ok, ¿Hablamos de Black Madonna y la
relación que tiene Black Madonna con La
Negrita?

HUBA A 
hora... I love it! Osea, la escena se está
agremiando. Passiflora está tuanis también. Me

gusta que la mujer tiene representación.
Kumary [Sawyers, de Un Rojo Reggae Band] es
una bestialidad, cuidado con Kumary, me gusta
lo que hace. Hay escena reggae, hay escena
dancehall, está Banton y con todo y el asunto
Banton es un general del ejército, Banton es una
leyenda. Banton antes de que grabara mandaba
tres panameños para la casa empacados y
enlodados si se metían a jugar muy de campeones en Limón. A Guetto yo lo conocí una vez que
llegó un mae, yo no sé qué gringoman de Panamá
que tenía una canción pegada en carnavales y el
asunto es que el mae empieza a cantar y di, más
o menos levantó. De repente la gente empuja a
un mae y empieza a cantar y el mae ahí se quedó.
A ese mae lo conocí acá e inauguramos
Novacentro. (Marton ríe)

MARTON T 
ambién...
HUBA Y 
uno ve el modelo de familia de la etnia y uno
dice “oh...”. Si uno ve que hay caricaturas
alrededor del mundo para educar a los niños
sobre el sistema, sobre cualquier sistema...
MARTON H 
ay formas de hacerlo, claro, hay formas de
hacerlo pero no... Hagámoslo divertido.
HUBA P 
opeye. A los chamacos no les cuadraba la
espinaca y querían que comieran espinaca.
Popeye...y ya. Se resolvió el problema. Entonces
Memín, Cocorí, vienen siendo una secuela de lo
mismo, entonces tenemos en las instituciones
educativas eso como una referencia
MARTON Y 
validada...
HUBA U 
gh. Está en la escuela, osea, yo lo tuve que leer.
Es más, de hecho, también me leí el libro
[durante la creación de la canción] para
acordarme. Entonces en ese proceso yo

pensaba que podía decir que esto es racista,
que el zambo viene de esta vara, todo lo que
hemos hablado, desarrollar sobre el zambo y lo
otro... Al punto en que llegué y dije “no, no, lo
más fácil es eso, ¿Qué me van a refutar a mí de
lo que yo viví de la vara?”.

comic book que regalaron en inserción en el
periódico. ¿Cuántas cosas han regalado en
inserción? ¿Cuántos comics usted siendo
chamaquillo veía insertados en el periódico? Y
eso es lo que utilizan para intervenir las psiques
de los chamacos. Cuando uno ve una de las
portadas más antiguas de Cocorí, que también
lo que hacen es denigrar.

entre cuando empezaste en los 90s y ahora? ¿Lo
ve más tuanis, lo ve peor?

MARTON S 
í, exacto.
HUBA ..Y mi percepción de un principio del asunto. Yo
desde que el día que sacaron ese cochino libro
en la escuela yo tenía que darme de vergazos
todos los días con cualquiera. Maes grandes,
maes chiquitos, a pedradas, a patadas, porque
a mí no me iban a tocar como en el libro. O
venían y te tocaban y decían “¡Ah, jaja, no se le
quita!”. De repente cuando lo agarran a uno
descuidado y pasan buses y lo escupen a uno y
el asunto. Ahora es un poco más psicológico el
ataque a nuestra autoestima y volvemos a
Public Enemy con “Can’t Truss It”. Cuando a
Rodney King le dieron la paliza yo ese día estaba
acostado en la cama y mi mamá me levantó,
llorando y yo no le entendía al principio qué era
lo que me estaba diciendo y ya después veo el
video, y después veo la canción “Can’t Truss It”.

MARTON C 
agón de risa porque es Novacentro,
¡Novacentro era toda! Era un chante
enorme y la vara.
HUBA (ríe) Exacto. (vuelve a la anécdota de Banton). Y
de repente el mae canta y el panameño está así
con cara de “Ay mirá, es que son buenos” (todos
ríen) y congraciándose con el público después
de saber que el nivel era mayor. De repente
empujan a otro mae y la gente se vuelve loca
desde antes que el mae cante y yo pienso
“¿Quién es este mae?”. Si al otro lo empujaron y
lo mandaran y lo llevaron, pero a este otro
parecía que lo habían sacado de la casa (todos
ríen).
MARTON É 
sa era la época en que legítimo ir a chivos
en Limón era subirse en el escenario. Usted
iba a los chivos no para ir a ver a la gente
que iba a llegar, sino para ver quién iba a
subirse ahora, agarrar el micrófono para
subirse a cantar. Y muchas veces hasta el
mae que llegaba para tocar se quedaba sin
cantar porque la gente no quería soltar el
micrófono. Todo el mundo se picaba y quería
ir. No pero, ¿a quién mandaron después?
HUBA Guetto. Después de que Guetto llevaba como
media hora botando el chante de balazos y todo,
osea en Limón en ese tiempo...
MARTON S 
i sí, de celebración, mae.
HUBA E 
xacto. Oían una pieza buena, o los compas,
digamos, pasaban en la esquina y pegaban “¡pa!
¡pa!” Saludando.

Eso es hip hop; eso es hip hop.
MARTON ¡Démole! ¿Hablamos de San Martín de Porres
y la vara del vudú? (Todos ríen). ¿Pero qué

(. . .)

MARTON M 
ae, y usted cuando piensa qué piensa, ¿en
inglés o en español?

estamos leyendo que está saliendo todo
como en la misma línea?

HUBA O 
k, la versión corta es que en las dos, dependiendo de lo que quiera hacer. “My Queen” yo la
empecé como un coro en español y la vara y yo
pensé que nunca había cantado así hasta ese
momento, y cuando saqué el coro en español me
hace Crypy: “Mae, ¡no mae! ¡No se siente el
reggae! ¡Hágalo en inglés!” Y ahí empezó el tren
de pensamiento hacia ese. Yo he escrito más en
español, o en castellano como debería decirse,
he escrito más en castellano que en inglés,
porque yo me acuerdo que para mí el rap era en
inglés, That’s it! Rap, igual inglés. Yo escuché el
rap suceder desde que sucedió. A la semana de
que había salido Rapper’s Delight (1979), ese

HUBA Hablemos del Black Madonna, ok. Las ilustraciones más antiguas de lo que se considera una
virgen, es ella, una negra, con su bebé. Podemos
relacionar eso con Ausar, Aset y Heru, historia
antigua de la cual es basada todas estas varas
de trinidades, para ponerlo así.

(Marton saca en su celular una ilustración hecha por él)
MARTON T 
rapos sucios, mae (ríe). Ésta es una
combinación entre mamá Drusila y La Virgen
de los Ángeles. Ahí está “La Negrita”.
HUBA Mamá Drusila que era la mamá de Cocorí... (ríe)
MARTON ¡Trapos sucios! Es parte, igual, de cómo me
siento yo sobre la vara.
HUBA Pero, digamos, esta es la Black Madonna,
básicamente. Hay estatuas de ella por todo el
mundo, todo el mundo, es como las pirámides...Y
una chiquita encuentra una obra, algo arqueológicamente antiquísimo en Cartago, y es una
virgen negra, osea, la Black Madonna.
(. . .)

HUBA U 
no saltaba de Cocorí a Memín fácilmente. Entre

vergazos, porque la historia de la canción de
Cocorí es así... Osea, cuando yo vi ese asunto yo
dije, “Ok, puedo tirarla del hígado y llegar y decir

KEVIN L 
e quería preguntar sobre la escena, sobre
artistas que usted recomienda o sobre artistas
que deberíamos estar pelando el ojo.
HUBA D 
e la escena me gusta mucho Florian Droids y lo
que hacen. Monte es muy cool, me gusta Monte.
Me gusta Hijos, me gusta lo que hace Nakury y lo
que hace Crypy, obviamente, porque di yo

colaboro con ellos por gusto, porque me gusta lo
que hacen, yo no hago colaboraciones con gente
porque tenga muchos views en Facebook y esas
varas, yo no juego así (Marton ríe). Porque igual
tiene que gustarme lo que hago. Es como mi
hobby, el hip hop es mi relajación, mi terapia.
KEVIN ¿Cómo compara ambas épocas de la escena,

19

disco estaba en mi casa y como un mes después
conocí un mae quera de Estados, de New York
que vivía a una cuadra del mae que cantaba en
el disco de Rapper’s Delight y se la sabía. Di, yo
llegaba donde el mae y me esperaba a que el
mae se despistara y le decía “mae cántela otra
vez porfa” (todos ríen).
Como a los doce o trece años conocí a un chamaco de diez
años y el mae rapeaba y se sabía las piezas de rap y la
vara y el mae se ponía a freestylearme y me tiraba la ola y
yo me quedaba ahí con el inglés chochololocho que yo
tenía en ese momento, porque yo no tenía ni vocabulario
musical, casi que ni hablaba inglés, solo entendía, pero di
ahí estábamos en la práctica y di, qué se va a hacer (ríe).
Y el mae me rapeaba y yo al final le dije “Next time you see
me, I’m gonna bust a rap”. Pero no lo he visto... Pero si lo
veo le tiro de una (todos ríen).

cÓmo escribir
canciones
en
POR español
adrián poveda

El sentido de identidad o el nacionalismo no
son necesarios para que un músico latinoamericano escriba canciones en español.

Crear música o arte con la intención de materializar en el
mundo algo que no existía, producir un objeto que cree
una conexión valiosa entre los que lo crean o interpretan
y los que lo reciben o escuchan, la misma conexión que es
la esencia de la experiencia colectiva de ir a un concierto.
Intentar hacer arte para hablar de cosas, lugares y
experiencias que nos hacen únicos y diferentes, escribir
de/para la gente que nos rodea (familia, amigos, escena,
comunidad) y lidiar de alguna forma con situaciones que
afectan la realidad en la que estamos viviendo; deberían
ser razones suficientemente buenas para dejar de
escribir canciones en inglés; con el pretexto de la
comodidad, alegando que es “más fácil” cuando de hecho
no tiene sentido que una persona se exprese más
fácilmente en un idioma que no es el que aprendió al nacer.
El valor y la calidad artística es aún menor si se compone
en inglés como estrategia comercial para entrar al
mercado anglosajón. En ese caso estaríamos hablando de
otra cosa y no del concepto de arte al que me intento
referir aquí.
Yo entiendo sobre influencias y entiendo sobre canalizar a
los autores que uno admira, pero para realmente aportar
a la creatividad colectiva necesitamos añadir ingredientes nuevos para que haya algún tipo de avance.
Pueden estar de acuerdo o no,
solo les explico mi motivación
para escribir esto.

Lo siguiente es un truco que conversando con artistas y
escritores a los cuales admiro (nacionales y de otros
países). Me di cuenta que muchos usaron, en algún
momento, una variación de esta “técnica” a la que
llegaron instintivamente y que al pasar el tiempo dejó de
ser necesaria cuando desarrollaron una especie de
“músculo” creativo e internalizaron el proceso, pero que
es muy útil al principio, para comenzar a buscar nuestra
propia voz y a escarbar en nuestro subconsciente a ver
qué encontramos.
Otra cosa a considerar es que esto no es un manual de
composición ni yo me considero un artista o un compositor exitoso, solo estoy intentando motivar a la gente
enseñándoles que esto no tiene que ver con magia ni
musas, sino con trabajo y concentración y con hacer las
cosas sin pensar en la opinión de nadie más.
Partamos del hecho de que quien lea esto tiene alguna
experiencia componiendo (aunque sea mínima) y tal vez
hasta tiene alguna canción en inglés en su cabeza –o por
lo menos una melodía para la voz– y ahora está en el
punto del proceso creativo donde tiene que decidir en qué
idioma va a escribir.

Una canción relativamente estructurada y una melodía
básica, tal vez un par de líneas en inglés (que ni siquiera
es necesario que tenga sentido o estructura gramatical
correcta), es más o menos lo que estamos buscando
fonéticamente.
Por ejemplo una línea sin sentido
(y bastante floja) en inglés que sea:
See my reflection
Oh sister you left me blind
My luck is unwelcome
I think I will lose my mind

Una buena forma de tener claros los ganchos de los que
cuelga nuestra melodía y de saber que es exactamente lo
que nos gusta de la línea, es escribirla como se pronunciaría fonéticamente, por ejemplo:
Si mai riflec-chon
Ou sister yu lef mi blain
Mai loc is onwelcom
Ai tinc ai wil lus mai main

Después de esto lo que hay que hacer es calzar una frase
buena en español, algo que encienda el motor. Probar
líneas, mucho mejor si no tienen sentido en ese momento
pero que tengan bonita forma, que suenen bien y tengan
profundidad en sí mismas para el compositor. Nadie mejor
que ustedes para saber qué les suena bien.
Construyendo las primeras frases nos damos cuenta de
las partes a las que le queremos dar énfasis, a las
consonantes, las vocales, las pausas. Voy a usar de
ejemplo la canción “Vapor”, de Monte, que aunque no fue
escrita usando esta técnica, sirve bien de para explicar
cómo podría ser el proceso. (pueden escucharla en http://
montemonte.bandcamp.com)
Si mai riflec-chon,
Ou sister
yu lef mi blain

Podría encajar con:
Cigarro suelto,
resiste
una hora más

Si escuchan la canción original e intentan cantar las
líneas en inglés encima, pueden ver cómo repito algunas
de las partes que considero importantes fonéticamente
para la melodía de la voz.

Cuando tenemos una primera línea que nos parece buena,
la métrica de la estrofa y la idea de la rima o la terminación verbal (termina en –er? Termina en –na? Etc.) es
mucho más fácil que la canción comience a fluir. Luego
aplicamos lo mismo al coro y a las secciones que sean
diferentes y nos abrimos a la posibilidad de que tal vez el
resto de la canción cambie y evolucione a algo nuevo al
introducirle la riqueza del idioma que dominamos.
De esta forma algo que comenzó como una copia puede
terminar convirtiéndose en una bestia nueva.
Una de las personas con las que hablé, Russel de Ave
Negra, tiene otro punto que me pareció importante incluir
antes de terminar. Él hace énfasis en que el vocabulario
propio debería ser suficiente para escribir algo
significativo:
“Creo que no hay que ponerse a revisar diccionarios en
busca de maneras poéticas o románticas de decir las
cosas; en ese caso, no hay nada más poético y romántico
que hablar como a uno le sale hablar y cómo se habla
cada día en la calle. Desde el momento en que uno se pone
a pensar dos veces qué palabras usar, esa pieza pierde
sinceridad y espontaneidad. Al contrario, si uno nada más
utiliza su vocabulario cotidiano, esa pieza tiene muchísimas posibilidades de generar una conexión especial y real
con la gente que la escucha.
Por otro lado algo que creo es esencial para una buena
letra, es una buena melodía. Siempre que escribo pienso
primero en la melodía de la letra. Me imagino como va a
sonar esa letra junto con la música, inclusive antes de
escribir el contenido de la letra. Defino la melodía y luego
empiezo a tirar la letra”.
En general es bueno a nivel personal leer mucho y
extender el vocabulario, pero lo importante aquí es ser
uno mismo y decir las cosas como uno las siente. Esto
aplica a la ejecución de los instrumentos también, pero
ese es un tema que podríamos exponer luego.
Hay que recordar no presionarse y seguir trabajando,
aunque creamos estar “bloqueados”; las canciones se
van a ir poniendo mejores con la práctica hasta el punto
donde la probabilidad matemática de tener 100 canciones
significará que 10 sean relativamente buenas.
Escribir un gran disco no es
un derecho, es algo que se logra
invirtiéndole vida.

Mai loc is onwelcom,
ai tinc ai wil lus
mai maind
Hay toros gimiendo,
hay gradas,
velocidad

Ilustración

Santoscerdos

20

volumen 2 – 2015

Continental
Teatro Sala Calle 15, 2007.
Fotografía por Héctor Gómez Hertz.

SUPERLEGÍTIMO

una sátira guíA motivacional
para el mÚsico

POR decepcionado
fede salas

I
No esperes que tu pareja llegue a tu concierto.
Seguramente ya fue a demasiados ensayos y odia tu
banda. Pero no te lo dice. Tampoco te dice que odia a tus
compañeros de banda, que la música no le gusta y que
desearía que tu banda no existiera. También ya está harta
que practiques la misma canción todo el día hasta que
quedes contento y con orgullo digas — ¡Es perfecta! No
importa que tan especial sea la canción para ti. Para ella
es basura.

II
No esperes que tus amigos lleguen a tu concierto. Están
en el bar de la par, tomando cerveza y comiendo pizza
porque no cobran entrada; y si te dicen que no pueden
llegar porque “tienen que estudiar”, es porque realmente
están en un sillón, muy concentrados jugando videojuegos
o en una mesa redonda empalidando con tus otros amigos
que te prometieron llegar al concierto. Mucho menos
esperes que tu mejor amigo llegue al concierto. Te tiene
demasiada confianza. Te dirá que no va a ir porque no le
gusta tu banda. Si está saliendo con alguien de seguro
está muy pepeado viendo películas o cogiendo. Si es
soltero anda en otro lugar buscando culo o está en la
casa viendo porno.

III
No esperes que tus padres lleguen al concierto. Ya están
muy viejos para matizarlo; y si llegan probablemente sea
por compasión, compromiso o una apuesta perdida.
Realmente no les gusta tu banda o que hagas música del
todo. Se quejan de los ensayos en casa y el olor a
marihuana. Desearían que no fueras músico y se arrepientan de haberte comprado una batería de niño.

IV
No esperes tener fans. De seguro tu banda no pase de
unos cuantos ensayos y nunca lleguen a tener conciertos;
y si tocan en vivo o graban algo, a rato a nadie le guste.
Puede que la música que estén componiendo no atraiga
fans porque no tiene ese “gancho”, porque el cantante la
caga, porque tus discos suenan mal o porque las presentaciones de tu banda en vivo son realmente desastrosas.

Si quieres fans mejor prefiere groupies. Te harán sentir
bien sin importar que tan mala sea tu banda.

V
No esperes que el concierto sea un llenazo. Los que
deseas que vayan de seguro piensan que el line-up no les
gusta, que la entrada está muy cara, que el lugar no les
gusta, que no hay parqueo, que la birra no cuesta un rojo,
que no entran gratis, que les queda lejos, que no tienen
transporte, que no tienen plata, que tienen otros
compromisos, que hay un mejor concierto, que está
lloviendo, que les duele la panza, que tienen que trabajar
o ir a la U al día siguiente, que se les olvidó, que Facebook
no les recordó, que un familiar se murió, que se gastó la
harina antes del concierto, que no van los compas, que
mucho escándalo, etc. Siempre hay excusas o razones.
Tampoco los medios te ayudaron con la publicidad del
concierto porque no conoce tu banda, porque no le gusta
tu banda o porque no eres de “la argolla”.

VI
No esperes ganar dinero. Si no llega tu novia, tus amigos,
tus familiares o tus fans, con suerte entren algunos
desconocidos que iban de paso, escucharon la bulla y
curiosos ingresaron por el chingue de pensar — ¡Maes
entremos, de fijo hay culitos adentro!
Desafortunadamente esos desconocidos no va a cubrir
los gastos de producción del evento y más bien tú le vas a
deber plata al local y al sonidista. Lo único que te asegura
que ganes dinero es que tengas un patrocinio que te
pague por adelantado, que no es fácil de conseguir. De por
si, ¿para qué quieres dinero? Si tus padres te lo
advirtieron de pequeño —Mijo, si quieres ser músico no
vas a ganar plata y te vas a morir de hambre. Ojo que te
lo estoy diciendo de una vez para que ni lo pienses. No lo
hagas por el dinero sino por los momentos inolvidables
que vas a vivir, ya sean recuerdos malos o buenos.

VII
No esperes tener buen sonido en el concierto. No te dejes
impresionar por las torres, los subwoofers y el equipo de
lujo, tal vez el “sonidista” ni sea sonidista. Solo sabe
conectar los cables donde van. De fijo todos esos

22

chunches, que son pura pantalla, ni hagan falta; y si el
sonidista no es el problema, a rato suceda algo raro con
la mesa, que algún ampli se queme, que los monitores se
apaguen, que los mics se muteen o haya una sobrecarga
de voltaje y se vaya la luz. Tampoco esperes que el
sonidista esté en la mesa de control cuando más lo
necesites. Está afuera del bar ligando o drogándose. Si no
es por el sonidista ni el equipo, es por culpa de tu banda.
Tus compañeros no son buenos músicos o siempre tocan
borrachos. Por lo menos que hagan el show para que
distraigan al público de los instrumentos desafinados o la
terrible ejecución.

VIII
No esperes algo de alguien. Si quieres que las cosas se
hagan bien, hazlas tú; y si salen mal pues no te quejes.
Que te quede de experiencia. Tampoco esperes que las
personas hagan las cosas por ti. Nadie está detrás de ti.
Ya estás grande. No esperes ayuda cuando no la puedes
recibir. No esperes que se cumplan todos los proyectos
que deseas para tu banda. A rato tienes pésimos compañeros de banda que no impulsan colectivamente el
trabajo que han hecho juntos. De seguro no colaboran
como quisieras, no tienen tu mismo grado de compromiso
o no tienen tu misma visión. Tal vez un segundo, ajeno al
grupo, no permite que los proyectos avancen. No esperes
que tu música pegue, es muy subjetivo. No esperes ser un
músico “exitoso”, el éxito es subjetivo. No esperes que te
inviten a salir en tele, mejor te abres un canal de Youtube.
No esperes que compren tu mercadería si toda te la
sacaron mal hecha. No esperes vivir de la música, aunque
es bonito soñar. Solo por si acaso, mejor vas buscando
otras fuentes de ingreso si no quieres que te corten el
agua y la luz. No te despijees por hacer música. La música
no te debe desmotivar, sino todo lo contrario. Ponele
ganas y dejá de llorar. Todo va a salir bien. O no. No
esperes que esta guía te motive. Pero que tampoco te
ahueve. Por lo menos se feliz componiendo -para
usted- en tu cuarto. Solo. No esperes algo de la música,
más que recibirla, abrazarla y amarla.
- Basada en las travesías
y desventuras de Fede Salas.

volumen 2 – 2015

VISiÓN desde afuera
Moni saldaña
vocera y coordinadora
entrevista

general de NRMAL
por
carlox soto

valor que tiene el Festival NRMAL
actualmente, no sería posible si no
fuera por toda la gente que nos rodea,
y eso no es solo el público, esas son las
bandas, disqueras, agencias de booking,
medios de comunicación, instituciones,
etc. que han creído en el proyecto, que
nos han apoyado y que han entendido
la visión que tenemos y a dónde
queremos llegar. Entonces creo que
mientras todos entiendan que todos
vamos para el mismo camino o
buscando el crecimiento, se van dando
las cosas. Porque esa es la única forma
de que orgánicamente crezca un
proyecto, siempre buscando cómo
podemos echarnos la mano o
apoyarnos.

NRMAL es una iniciativa nacida en Monterrey,
México que se dedica a abrir espacio al
talento emergente latino y anglo, el lado B del

CLOX

car del mercado o escena que
tiene CR en este momento?

indie. NRMAL se involucra en la apertura de
este tipo de espacios, como por ejemplo en el
Festival Nrmal en Ciudad de México y pronto

MONI

en Costa Rica.
CLOX

¿ 
Qué panorama general ves
desde allá de la escena de
Costa Rica?

MONI 

Cada vez se siente un acercamiento
más real y directo con las bandas de
Costa Rica y lo que está pasando allá.
No sé si sea porque nosotros nos toca
trabajar con las bandas de allá o hacer
colaboraciones como lo que hemos
hecho con Epicentro, pero desde hace
varios años tengo un panorama más
real de lo que sucede. A nosotros en
particular con NRMAL desde 2011,
nuestra segunda edición, hemos tenido

bandas de Costa Rica en nuestra
programación tanto en Monterrey
como D.F., como Las Robertas, Ave
Negra y Monte y ahora a 424 en All My
Friends.
Creo que al menos en el ámbito independiente o de
bandas emergentes veo varias similitudes con México,
como de cierta forma saber que hay mucho talento pero
que los espacios o las condiciones para que puedan darse
a conocer son pocas o limitadas. Es cierto que en México
sí hay un panorama distinto, hay muchos festivales,
lugares para tocar y movimientos pequeños que van
tomando fuerza, pero de cualquier forma los proyectos
nuevos o independientes encuentran dificultades para
crecer o para poder vivir de esto. Creo que en Costa Rica
está generándose ese despertar y las propuestas están
comenzando a tener salida hacia otros lados, aunque sea
poco a poco.
CLOX

MONI 

Creo que es una etapa interesante,
porque como no hay tantos espacios
(al menos esa es mi perspectiva
totalmente externa o lo que me
comenta gente que conozco de allá) es
justo esa parte interesante donde
proyectos se empiezan a desarrollar y
donde está esa pasión real por hacer
las cosas, donde se forjan estos
proyectos de forma orgánica y por
necesidad, que después son los que
transforman una comunidad. Entonces
creo que eso está pasando con las
propias bandas, con proyectos como
este incluso, con plataformas como
Epicentro, agencias de booking como
Nothing, medios como Dance to The
Radio, etc. que están naciendo justo de
la necesidad y están realmente, cada
quien a su manera o perspectiva,
cambiando las cosas. Entonces es
súper emocionante porque hay
oportunidad para todo.

CLOX

¿ 
Qué desventajas o espacios a
mejorar identificarías de la
escena que tiene CR en este
momento?

MONI

N 
o le veo desventajas, de hecho creo
que es un mar de posibilidades. Es un
país súper lindo que ya por el simple
hecho de decir que eres de allá llama la
atención o la gente quiere ir a conocer,
entonces creo que simplemente es
atreverse a hacer sus proyectos y de
no desesperarse y verlo como
inversiones al futuro, de que realmente
con dedicación y cuando realmente te
apasiona puedes ir logrando las cosas,
desarrollándolas. Es cierto que es una
“escena” pequeña, lo veo parecido a
Monterrey mi ciudad natal, que es muy
distinta a la realidad en la Ciudad de
México. Pero justo por ese tipo de
contextos es cuando se crean cosas
súper interesantes, así que creo que
simplemente tiene que haber ese punto
de quiebre donde las ideas se conviertan en proyectos tangibles.

¿Sentís que ha crecido la
presencia de las bandas
costarricenses en México?
¿Por qué habría crecido? 
Definitivamente sí. Creo que todo eso
se ha dado gracias a las conexiones
que las propias bandas o gente de
medios de comunicación o promotores

han tenido con México. Conozco varios
amigos que son de Costa Rica que se
dedican a esta cuestión de la música y
que conocen perfecto México y ya sea
que viven acá o vienen muy seguido,
entonces eso ha permitido que ellos
mismos ayuden a que se conozca más
sobre la música que se hace allá y los
traigan a tocar o empiecen a hablar de
ellos en los medios. Creo que todo se
resume a esa parte del networking por
lo cual muchos de nuestros proyectos
han ido creciendo y creo que es el
mismo caso de las bandas y en este
caso de la música que se genera en
Costa Rica.

¿ 
Qué ventajas podrías identifi-

CLOX

¿ 
Cuáles entidades o colectivos
crees que son importantes en
la construcción de una industria o mercado de la música
“desde abajo”? (desde abajo
sería sin hablar de grandes
labels o grandes inversionistas)

MONI

L 
a verdad es que es una combinación
de todo, al final es cuando se genera
comunidad realmente interesada. Para
nosotros por ejemplo, el crecimiento o

CLOX

¿ 
Cuáles espacios crees que
son importantes en la construcción de un mercado
“desde abajo”?

MONI 

Obviamente es importante cuando hay
un espacio físico donde se puede reunir
esta comunidad, como venues para
tocar en vivo, tiendas de discos,
colectivos de arte o gestores, etc. Pero
tampoco creo que esto es esencial,
porque al final creo que quien tiene
ganas de hacer las cosas va a encontrar el medio para hacer o darse a
conocer, ya sea en el mundo real o
digital, donde poco a poco se puede ir
construyendo. Más bien creo que cada
quién va creando los espacios que
necesita para darse a conocer,
dependiendo la naturaleza de su
proyecto.

CLOX

¿ 
Algo más que querás
agregar?

MONI

N 
ada, la verdad le tengo mucho cariño
a Costa Rica y me encanta que cada
vez la conexión con México y con
Latinoamérica está más presente y
fuerte.

23

SUPERLEGÍTIMO
No sé que mes era ni que clima hacía ese día,
no recuerdo cómo llegué a ese lugar ni cómo
me fui. Sólo recuerdo un “Merry vamos a ver
a Michael”. Para esos días ayudaba a mi tío
Carlos a vender aguacates por el barrio y
algunos juguetes que él reconstruía.
“Aguilucho” así era como le decían a mi tío;

SUPERLEGÍTIMO

confesiones
de POR invierno
mari navarro

había estado involucrado en distintos problemas con la ley y para esos días estaba
tratando de volver a comenzar. Me encantaban los días con él, los desayunos de burra,
verlo bailar, alguna veces lo vi llorar mientras
escuchaba “Confesiones de Invierno” de Sui
Generis en su grabadora vieja, la ponía en el
piso y lloraba sentado cómo un niño cuando
llora en silencio.

Volvemos al gran día y digo que es grande porque marcó
un antes y un después. Yo tenía 13 años, unas converse
negras rotas y un corazón lleno de incomprensión.
Llegamos y Michael ya había tocado, el lugar era muy
grande y yo me sentía fascinada nunca había visto algo
así, sentí por primera vez que pertenecía a algo con sólo
haber llegado. La primer banda que vi tocaba covers de
punk recuerdo que ese día tocaron canciones de Ramones
& The Clash cosa que me tomó por sorpresa porque
nunca había conocido a otras personas que disfrutarán
de ese tipo de música, y de repente estaba en ese sitio
con cientos de personas que disfrutaban de las mismas
cosas que yo. El siguiente acto me marcaría para siempre,
se trataba de Xpunkha, una banda explosiva. El vocalista
se presenta como Lukrezia mientras se ponía un pasamontañas y luego danzaba como Iggy Pop, ¡mi cabeza
explota! Y yo te entiendo Lukrezia y sé que también me
entendés. Por primera vez el sentimiento de incomprensión desaparece por unas horas y yo me lleno de

inspiración y me convenzo de que necesito crear. Y me
refiero a crear cualquier cosa porque todas las energías
que acumulamos hay que transformarlas sino vamos a
vivir como seres frustrados incapaces de expresarnos,
totalmente sistematizados… Quienes viven así me hacen
sentir triste.
Hay que escapar para ser libres y en ese sitio sentí que
todos estábamos escapando. Era como un refugio donde
nos recargábamos para retomar el camino que nos iba a
liberar, dejábamos los pesares de la semana o del mes o
incluso el año y nos sentíamos tan vivos. Porque hay
gente que ya no siente nada viviendo en su cotidianidad y
necesita de estas descargas para sentir que está vivo,
porque hay que gente que es incapaz de expresar algo y
necesita de alguien que lo grite a través de un micrófono
y le diga que también puede hacerlo. Porque la música nos
une, porque nos salva la vida. Y ahí estaba yo a mis 13
años sintiendo que podía ser y hacer cualquier cosa en el
mundo, repleta de inspiración, lista para explotar y dar
mis primeros pasos. Porque ese día de casualidad y sin
planearlo, vi a alguien haciendo todo lo que yo quería
hacer, diciendo todo lo que yo quería decir y eso me
cambió la vida.

la memoria se
preserva
POR
pri gómez

No dejés que la llama que tenés dentro se apague y te
cree un desinterés por las cosas que suceden en este
pequeño lugar y si eso pasa, recordá que hoy pueden
estar ensayando por primera vez unos chicos que pueden
crear un incendio dentro de vos, recreando todo lo que
alguna vez sentiste y que ya no te importa, eso es lo que
nos mata.
Volvamos a los días donde escuchar a alguien nos podía
cambiar para siempre, porque eso es lo más bello de todo
esto. Seamos sensibles, escuchemos con atención y
demos oportunidades. Porque no sabemos el efecto que
puede tener sobre alguien esa canción, ese momento, esa
banda. Como lo tuve yo ese día que no recuerdo cuál era,
escuchando a esa banda, sintiendo como me incendiaba.

PG

El dueño de la compra y venta Mora Books es atípico.
Darren Mora tiene las venas cargadas de tonadas
peculiares que lo convierten en uno de los propulsores de
música nacional más importante de Costa Rica.

DM

PG 

¿Cómo era tener Mora Books
hace 15 años?

DM 

Yo tenía programas de radio. La única
razón por la que la tienda es una conexión,
es porque ésta es mi oficina. Si yo tengo
un programa de radio y necesito hablar
con usted, yo le digo que llegue aquí.

Sus manos han puesto a sonar a muchísimas bandas
nacionales y extranjeras que en algún momento de la
historia no tenían difusión en las frecuencias locales.

U 
no de los programas que menciona
Darren que tuvo en esos tiempos es Music
After Dark, y también otro programa que
hizo con Mario Giacomelli al que llamaron
Ultrasonidos.

Darren también es productor de conciertos. Ha traído al
país a Sepultura, Los Misfits, Helloween, Avalanch, Tierra
Santa, para decir algunos. Y también, realizó Rock en el
Farolito. Yo me acuerdo, era febrero, mes calido y lindo en
el que escuchar bandas en medio Chepe: activó la
necesidad por más eventos así.
Mora Books es otro cuento; desde que él era un niño soñó
con tener una librería. Eventualmente la basó en la de un
amigo y luego se la compró en 1991. El origen de los libros
es rotativo y es uno de los lugares más cálidos en
San José.

“En ese momento yo ponía
música que hacia falta poner”.
PG 

¿Cuál era esa música?

DM

H 
oy no tiene sentido poner música en
general, hubo un momento en que
empezamos a hacer radio y en el que
logramos cuajar un programa, y entonces
tenía sentido poner mucho punk y mucha
música internacional que no se había oído.
Eso fue como en 1989 y para el ‘91 la idea
fue poner música internacional, entonces
hicimos un experimento por dos años y
medio en una radio que se llamaba Radio
Paladín en la emisora 107.5; esto fue de
1996 a 1998 y en el que la radio tenia una
programación nacional.

Darren no es de hablar mucho, o al menos no con
extraños o no conmigo. Pero está bien, de su silencio
entendí mucho, más que todo que, cuando se hacen las
cosas bien, no hay necesidad de gritarlas. Este es el
resultado de una entrevista tiesa:
PG 

Cómo fue que sucedió
¿
Rock en el Farolito?

DM 

Me llamaron para hacer lo del Farolito, y
me propusieron hacerlo y lo hice. 
Y la librería, como se relaciona
¿
este lugar con la proyección
de la música nacional?

24 

l Farolito es de una época más nueva de
E
la que usted está hablando. MORA Books
dejó de ser un centro como usted dice
hace 15. 

¿Y que piensa sobre
los programas
de radio de ahora?

DM

T 
odos tienen un defecto, que son programas. Para que funcione tienen que ser
franjas o programación en la radio.
Tendría que un tema sonar por una hora
durante la programación nacional de la
radio, sino, no tiene sentido. Por ejemplo,
tendrían que poner rock progresivo
nacional a las 7 de la noche los miércoles
para que la gente que escucha esa música
sepa adonde la pueden escuchar.

PG 

¿Y por qué no lo hacen así?

DM

P 
orque nadie lo paga.

en cajas de cartón
(llenas con vinilos)

San José es y será una ciudad incompresible,
repleta de puntos –públicos y privados– de
encuentro. El Mac de la Avenida. Las paradas
de San Pedro. Al frente del correo; o en
Mora Books.

PG

La música me ha hecho viajar y llegar a sitios que jamás
imaginé tener la oportunidad de visitar, me ha hecho
crear conexiones reales con gente, la música me lo ha
dado todo sin pedirle nada. Porque la música está cuándo
estoy triste y cuando estoy feliz, cuando celebro algo o
cuando lloro en silencio como un niño, repitiendo la
imagen de mi tío. Porque transforma mis sentimientos en
algo y eso es enorme.

Regresé otro día a Mora Books solo para ver libros, estar.
Calmar la angustia de una terrible entrevista. Comencé a
escarbar entre los estantes y me encontré una New
Yorker y en ese momento, esa librería se convirtió para
mí en un lugar que no podré ignorar, porque de repente
esa revista que leía en internet y que parecía tan lejana,
estaba ahí junto a otro puño más. Las compré todas.
Desde ese cuarto, escuchaba a Darren contarle a un
amigo que para él no había necesidad de ver muchos
grupos dos veces, excepto los que son para bailar. “Eso sí
hay que ir, porque siempre es diferente, siempre hay
alguien nuevo. Es una experiencia”. Después, entramos a
un cuarto blanco lleno de cajas repletas de vinilos que
tocaban el techo; alguien dijo que Darren tiene una
bodega en la que guarda más vinilos.
Antes de irnos, Darren nos pone a escuchar algo:
“esta es la mejor canción de rock nacional”.
Después de todo, no creo que en este texto se pueda
rescatar todo su legado, pero estoy segura que si le
preguntan a las personas correctas, podrán contarles de
cuando fueron a dejar su primer disco a la librería. O de
cuando escucharon por primera vez su canción en la
programación de Paladín.
Darren tampoco sabe cuál es su legado porque no lo ha
buscado. Es parte de quién es y a lo que ha dedicado su
vida. Es intrínseco.

PG 

¿Esa radio, esa mentalidad
y ese método de programación
trascendió?

PG

DM

N 
o.

DM 

¿Y cual ha sido su influencia en la
música nacional y en las bandas
viejas o hasta en las que surgen? 
so no me lo tiene que preguntar a mí,
E
sino a esas supuestas personas.

Entonces, preguntemos
antes de que sea muy tarde.

volumen 2 – 2015

SUPERLEGÍTIMO

una noche EN
POR san josÉ
carlox soto

No estoy seguro cuándo exactamente fue la
primera vez que fui a un concierto en San
José. Pero recuerdo algo más fundamental: la
primera vez que me sentí a gusto caminando
de noche por la calle, sintiéndome dueño del
mundo. Devolvámonos un segundo al 2009.

Sucedió así: tengo un amigo que usa base en la cara y
tengo una amiga que no. Tengo una colección de camisas
negras extensa y otra de camisas de cuadros que quiero
olvidar. Tengo internet. Tengo una profesora de artes
plásticas que es parte de un colectivo artístico, y como
tengo internet, lo sé; con orgullo le digo a la profesora que
lo sé desde hace un año. Ese colectivo y netlabel se llama
NoisNois.
Para un menor de edad era difícil insertarse en primera
persona y experimentar en lo que estaba pasando en la
escena musical de San José, y por ende era difícil tomar
interés en lo que pasaba (o potencialmente pasaría) en la
vida nocturna de Chepe. Eso, a menos que uno tuviera
cierto interés por ese riesgo, por esa ilegalidad de entrar
donde no debía. Por saber de los movimientos clandestinos. Yo lo tenía, además del grupo de amigos que le hacían
juego. y eso me bastaba para acallar los miedos y
aventurarme.
En el show que menciono tocaron varios miembros de
NoisNois en la azotea del Hostel Casa del Parque. Había un
espacio en el último piso que se prestaba para el “escenario” (todo sucedió al nivel del piso y solo había una
mesa con unas compus). Por ahí había una puerta que
daba a una azotea. Cada vez que salíamos allí por un
Derby suave, teníamos vista al Parque Nacional, a la
estación de tren y a algunas esquinas del barrio La
California. Caminar por media calle en San José con birras
de AMPM hasta esa azotea era de las experiencias más
empoderadoras que había para un adolescente. Ver que
los que hacían posible y los que hacían música eran solo
dos, tres o cuatro años mayor que nosotros, era aún más
emocionante.
Ese día tocaban varios miembros de NoisNois incluyendo a
Bullon -que luego pasaría ser parte de DNCFLR- y The
Yellow Chair a.k.a Vito Petruzelli -que más adelante

grabaría el compilado Sí San José junto con Daniel Ortuño
y Adrián Poveda-.
Chepe ya tenía bares, claro. Tenía chinchorros que habían
abierto las puertas a los menores. Compañeros del cole y
conocidos por igual cuentan de sus experiencias en Rafa’s
vistiendo el uniforme del cole, con una birra en una mano
y un cigarro en la otra (cuando se podía fumar en los
bares, otros tiempos). Pero esta transgresión, este
espacio, se sentía diferente. No era un bar donde solo
consumíamos, era un espacio donde creábamos o donde
podíamos sentirnos parte de algo, tal vez comprando un
compilado o una camisa, tal vez dibujando en hojas
sueltas y crayolas que alguien había dejado en una mesa,
tal vez solo bailando. Sentía que estaba siendo parte de
algo mucho más grande y poco a poco fui entendiendo la
dimensión de lo que yo estaba viviendo y lo que había
pasado antes para todo esto.
Había conciertos de música nacional en bares como El
Cuartel y los más mayores quizá recordarían también
Nikos, La Rana, El Yos, Tribal. Allí nacieron nombres
representativos de la escena tica, pero más allá de eso,
fue en esos espacios donde la gente interesada en la
movida empezó a juntarse, a conocerse, a sentirse parte
de algo como yo me sentí ese día y los otros que vinieron.
Ahora adelantemos cuatro años en el tiempo. Es 2013 y
estamos a un costado del Hostel Casa del Parque, sobre la
misma calle en la que me paré una vez con birras ilegales.
Hoy no violento la ley de tránsito, ni la ley de licores, ni la
de espectáculos públicos. Hoy estoy frente a una tarima
de Transitarte en la que va a tocar todo el indie que el
gobierno no contrató. Es 2013 y Passiflora es una banda
que convoca pero aún no causa largas filas en los bares,
The Great Wilderness todavía toca en vivo y Colornoise
todavía es un dúo. Estoy ahí como corresponsal de la
revista WARP, un medio dedicado a la música y la cultura
contemporánea.
Jamás pensé que iba a existir algo así, ni el medio, ni el
trabajo, ni el concierto en media calle. Pero así crecieron
las cosas y así crecí yo, supongo. Puede que sea ridículo
sentir nostalgia por algo que pasó hace dos años, pero
cada vez que recuerdo ese día se exaltan las diferencias

25

entre lo que hubo en 2009, lo que hubo en 2013 y lo que
tenemos hoy en 2015. Bandas que antes veía pequeñas las
empecé a ver grandes, bandas que veía grandes empezaron a cerrar su ciclo. 2013 fue un año apagado en términos de lanzamientos, pero fue un silencio necesario para
que empezaran a nacer cosas nuevas con más fuerzas,
con más espacios y con más ideas de qué debería ser esto
que llamamos escena.
Eso fue hace dos años. En dos años dejamos de lamentar
la muerte de algunos espacios para ver nacer nuevas
iniciativas. Ya no se necesita explicar qué es un house
show, ni dar la dirección de El Sótano de tres maneras
distintas. El Lobo Estepario abrió un nuevo espacio de la
mano de Perra Pop y otros aliados. Folk Collective se
mudó al El Steinvorth, el alma mater del indie josefino. Las
bandas de Occidente empiezan a moverse a San José a
través de estas iniciativas y las bandas latinas indie
empiezan a visitarnos más a menudo a través de
Epicentro. Tenemos fanzines y tenemos páginas web con
espacios para que quien lo quiera, se exprese. Tenemos
colectivos que apoyan algunos músicos y les dan espacios
para expresarse.
Se empiezan a amontonar las señas de que tenemos algo
grande pero aún no sabemos qué es ni cómo llamarle. Lo
que es seguro es que tenemos más razones que antes
para sentirnos empoderadxs y más razones para
sentirnos felices. El movimiento cada vez se siente más
acuñado y las fichas se acomodan de a pocos para ver
San José como una capital de música y de posibilidades
por resolverse, espacios vacíos que puede llenar quien se
lo proponga.
Nunca olvidemos reclamar nuestro espacio en esas calles
y no olvidemos que este podría ser el espacio de otros.
Tenemos que abrir las puertas y hablar de un “nosotros”
más grande, uno que cobije a todos los que se pueda.
Compartamos nuestras ideas y hagámoslas pasar: tal vez
encontraremos quien nos apoye allá afuera o tal vez
estemos plantando solos una semilla importante. Este es
nuestro momento de crear, es nuestro momento de
motivar y estimular a los que vienen.

SUPERLEGÍTIMO

volumen 2 – 2015
Edificio Anexo de la CCSS
San José, 2015.
Fotografía por Victoria Vega Usmanova.

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