TEORÍA Y METODOLOGÍA

TEMA 1: CUESTIONES GENERALES DE LA HISTORIOGRAFÍA ARTÍSTICA.
Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
a) Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
b) En medio temporal, espacial y temática de la historia del arte.
c) Definición de los conceptos “teoría y metodología” de la historia del arte.

A) Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
¿Qué es el arte? ¿Qué hace un historiador del arte?
Ejercicio 1: ¿Qué consideramos arte y qué no?
Definiendo el término “arte”¿Ampliamos o restringimos los límites del término “arte”.
La defensa de una Historia del Arte cada vez más “inclusiva” y amplia. Ej: Borrás…
El escultor Martínez Montañez pintado por Velázquez. 1635 Museo del Prado.(Diseñando una
escultura, no se mancha las manos, lo importante es el diseño inicial).

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Tecné, Ars, Mímesis.
Artes liberales y artes mecánicas.
El renacimiento y el progresivo ascenso de las artes plásticas.
Bellas artes y artes útiles (Riegl y la historia de la ornamentación).
Artes del tiempo y artes del espacio.
Mass media y el problema de la reproductividad (W. Benjamin 1934-35).

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En la edad media nos encontramos con una división entre las artes liberarles y las mecánicas,
liberales (trabajo intelectual, retorica, oratoria, aritmética, geometría y música) y mecánicas (todas
las demás, que implican un trabajo manual). En el renacimiento hay un progresivo ascenso y
reivindicación por los artistas, arquitectos, escultores y pinturas, reivindicando que no es un arte
mecánico, ya que necesita un diseño intelectual, es más importante el diseño mental que el esfuerzo
físico. Lo llegan a comparar con la literatura, son equiparables. Esto se extiende en el Barroco.
A medida que avanza la edad moderna hay una pugna entre artes bellas y artes útiles. Para que sea
obra de arte tiene que tener una cualidad estética, pero todo lo que sean artes útiles, que de un
beneficio a la sociedad queda fuera, queda desprestigiados objetos como vajillas, textiles, etc.
En el siglo XVIII tenemos un personaje ¿?, que separa las artes del tiempo (literatura y música, que se
desarrollan en el tiempo, varían) y las artes del espacio (arquitectura, pintura y escultura).
A finales del XIX y principios del XX, Riegl, empieza a reivindicar que las artes decorativas se metan
dentro de las artes mayores. Escritos donde dice que a partir del diseño, de esos motivos que entran
dentro de las artes menores pueden construir una historia del arte, del estilo. En el periodo de entre
guerras se introducen más disciplinas, se amplían. Walter Benjamin, piensa que si todo aquello que
está hecho para la masa se puede considerar como obra de arte, sobre todo en el cine y la fotografía.
(Congreso artes suntuarias en noviembre)

Ejercicio 2: Una reciente incorporación: La cocina. Documental: ElBulli, historias de un sueño.
Cap.6.

30/09/13
“Arte es todo lo que el hombre llama arte” (Dino Di Formaggio, 1973).
“Arte es todo lo que los artistas o las instituciones dicen que es arte” (Pooke y Newall 2002).
El gran cambio viene con las vanguardias, donde el campo disciplinar se amplia.
Hay una serie de teóricos que están revisando todo esto que implica el término de arte, y proponen
una definición más tradicional.

La defensa de una historia del Arte restrictiva, vinculada a conceptos como élite, genialidad,
singularidad...
“El historiador del arte no ha logrado hacer coincidir su objeto con una palabra precisa y, por lo
tanto, con un concepto claro. Mientras que el naturalista o el químico son capaces de definir
bastante bien aquello que pertenece a su campo de estudio, la historia del arte o la
Kunstwissenschaftpudieron aprovechar esa amplitud lingüística para tirar de su objeto en todas
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direcciones… y vaya que sí lo hicieron. No tengamos miedo de insistir: el historiador del arte no sabe
bien de qué está hablando, pero acaso sea porque no ha sabido forjar palabras más precisas que las
del pasado”.
(Thuillier 2006, p.23)

“Durante mucho tiempo esta paradójica situación no incomodó a nadie y parecía natural separar, al
interior del vasto envoltorio del término artes, una especie de campo reservado a esa creación del
genio que era por excelencia “el arte”. Hoy, repitámoslo, ese consenso ha sido alterado por una serie
de fenómenos de ruptura, y la imprecisión de la palabra ha sido inmediatamente explotada, de lo
cual resultaron tantos abusos que hoy se deja sentir una necesidad de contar con marcos de
referencia. Ciertamente, la clarificación puede llevar consigo una revisión desgarradora; pero,
después de todo, acabamos de asistir a otras revisiones – dogmas marxistas, dogmas freudianos,
nacionalismos- cuyas consecuencias no fueron menos
graves…”
(Thuillier 2006, p.24)

 Baudelaire, refiriéndose a la fotografía, 1859. Hay que dejarla fuera del arte.
Dice que es algo mecánico, que anula la figura del genio, puede ser fuente de inspiración pero no
arte.
“En esos días deplorables, una nueva industria surgió que no contribuyó poco a confirmar a la
estupidez en su fe y a arruinar lo poco divino que quedaba en el espíritu francés”
(tomado de Thuillier 2006, p.52)
[La fotografía ha de volver] “a su verdadero deber, de sirvienta de las ciencias y de las artes, pero una
humilde sirvienta”
(tomado de Thuillier 2006, p.53)
 Thuillier, hablando de la fotografía.
[Hacer de la fotografía] “un arte es cometer un error acerca de su naturaleza misma. Es querer
otorgar a un invento reciente la categoría de una de las más antiguas formas de expresión de la
humanidad” (p.55)
“¿y qué decir de todos esos turistas, todas esas familias, todos esos niños que se pasean en el
mundo entero con la cámara colgada al hombro? Durante los cien años de existencia del Tour de
Francia, ¿a cuántos cientos de miles de clichés dio lugar ésta sola manifestación deportiva? […]
Ahora bien, esa pavorosa cantidad condena desde el principio y a corto plazo cualquier especulación
financiera” (p.56)

Es un medio de comunicación de masas y al ser una obra de arte masificada pierde su valor.
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aunque un paisaje por ejemplo sea bello estéticamente. aunque luego se reproduzca. comunicar. 1650 ¿?. Gemäldegalerie de Lichtenstein.27)  Las Venus del espejo de Tiziano y Rubens. necesidad del hombre de crear cosas. Cuando vemos una copia o imitación. con lo que hace que sea un término tan universal. ej. élite…  Fernández Arenas (1984). tiene que haber sido realizado artificialmente. La venus del espejo. y eso es lo que le da un valor de mercado. Autenticidad. pero en su concepción hay una individualidad.  La Venus del Espejo de Velázquez. National Gallery de Londres. un plagio se descarta como obra de arte. las majas de Goya. señalando las cualidades del objeto artístico… - Artificialidad. Intención comunicativa. tiene que haber un interlocutor. tiene que tener el deseo de transmitir. Aprendices que superan al maestro. porque hay una concepción previa. - - “Producto original elaborado por el hombre artificialmente con la intención de comunicar algo”(p. Individualidad/singularidad. un diseño. 1555. genialidad. comunicación. Elemento antropológico. no ser algo orgánico. 4 .Los intentos por definir el arte y vincularlo a una serie de conceptos. necesidad antropológica. NationalGallery de Washington y 1614. Artificialidad. pero no es artístico.

en perjuicio de un sinfín de imágenes y formas relegadas al olvido o la curiosidad de coleccionadores de objetos raros que no alcanzan el nivel de obra de arte. sino simple y llanamente un lenguaje que utiliza el hombre a todos los niveles. pp. el artesano del pueblo. no sea nada de eso. descargándole de ese carácter mítico y sagrado que la crítica romántica había puesto en manos de los genios creadores. 1800?. Ejercicio 3: Leer el capítulo de Jiménez J. el concepto de copia e imitación. y reflexionar sobre “La Gioconda y las Giocondas”. el hombre de la selva. Museo del Prado. el artista del palacio y el que se encierra en su taller para elaborar formas y objetos. experimentando materias y colores. desde todas las edades y en todos los tiempos. Las Majas de Goya. Por eso hace arte el niño. La definición del objeto del arte no está en la metafísica. “Arte es todo lo que los hombres llaman arte”. La historia del arte analizaba las obras de arte como si fueran un ser. Los conceptos de belleza y objeto bello. Pero la obra de arte. mística y trascendental. ni en la estética. Teoría del arte. 1984.30) (LOS TEXTOS PUEDEN APARECER EN EL EXAEMEN) 5 . desde todos los campos culturales. aplicados a los productos de las artes mayores. producto de la inspiración poética. para conseguir el logro de una obra de museo. sobre los límites del arte… “Últimamente se tiende desacralizar el objeto de arte. 2002. 17-37. sino en la antropología” (p. tal vez.  Fernández Arenas. han definido durante demasiado tiempo el objeto de la historia del arte.

con sus excepciones. lagunas y límites. Jerarquía. Una cosa es la historia del arte y otra algo estético. p. A continuación haz una enumeración de 5-10 conceptos que consideres arte. ¿La historia del arte como disciplina auxiliar de la historia o como disciplina independiente. Objeto presente que tiene un pasado (diferencia con los hechos históricos). y cuando es capaz de transmitir muchos significados es lo que marca una jerarquía en las obras de arte. independientemente de si es bella o no.14) ¿Qué es la Historia del arte? “Sistema de conocimiento ordenado de cómo. con sus propios métodos? Historia del arte como disciplina independiente. que hace que se pueda tocar y ver. Thullier. "El oficio del historiador del arte". Historia del arte como "construcción mental" como paradigma epistemológico. (Fernández Arenas 1984. la obra de arte es una obra pos sí misma. La Historia del Arte como ciencia y sus problemas. Diálogo (obra cargada de significacion9. ¿Quién es un historiador del arte? “Un historiador del arte es un humanista cuyo material primario lo componen aquellos testimonios o huellas del hombre que han llegado hasta nosotros en forma de obras de arte. Ejercicio 4: Con juicio crítico: en dos o tres líneas escribe una definición de arte. 2006. en cada lugar y en cada momento. Historia del arte como “historia total”. no como mera ilustración de libros de otras disciplinas. ahora bien ¿qué es una obra de arte?” (Tomado de Urquízar 2012. escultura. es decir. ya que se pueden tocar y ver. etc. y entre música por ejemplo. una controvertida relación. Hace que se diferencie entre arquitectura. muchas veces hay una pugna dialéctica entre historiadores e historiadores dela arte.  Panofsky 1955.23) - - Historia e Historia del Arte. 6 .reflexionando sobre las cualidades del objeto artístico. cuando pasa el tiempo a veces se intensifica ese significado. tiene una materialidad. pero tiene un pasado. la obra de arte es presente. - - Creación humana no biológica (El mito de Pigmalión). tiene que ser una creación humana no biológica. ciertas firmas y obras que llamamos arte han sido producidas (reconocidas o no) por sus coetáneos y conservadas (o destruidas) como documentos de una cultura". p. Historia del arte al margen del gusto estético imperante y/o juicios de valor.

Muchas veces dentro del discurso lineal hay vueltas hacia atrás. la idea de una evolución y la de un progreso. romanticismo. omitiendo desde un inicio todo el arte inglés y todo el arte francés (solamente aparece un cuadro de Boucher…)? Y el tomarlos en cuenta ¿no habría necesariamente enturbiado la bella geometría estricta del libro e incluso llevado a formular completamente la conclusión? La historia del arte ¿se presta a las grandes generalizaciones de este tipo?” (p. La validez de la historia del arte local y los problemas de ubicación del arte y los artistas. región y foco. El tiempo es un tiempo continuo. un salero del siglo XVI. y vueltas hacia atrás. hablando del peligro de las generalizaciones: “En la historia del arte ¿podría hoy Wölfflin rescribir sus Kunstgeschichtliche Grundbegriffede 1915. unos relieves funerarios megipcios. Los periodos de la historia del arte (románico. que rompen con lo del momento. donde hay tiempos artísticos. gótico. tiene un tiempo de madurez y acaba. No vamos a encontrar una artista que en su momento dijese yo soy un artista gótico. ) como ayuda pero no como algo irrefutable 7 .16)  Thuillier.cada movimiento artístico nace. y hay que admitir que esta posición es un punto de vista más entre otros posibles” (Urquízar 2012. - La institucionalización de la historia del arte y el tiempo orgánico. una máscara africana sin fecha determinada. Historia del arte como sucesión histórica. sino que esos términos son posteriores. un paisaje flamenco del XVII. Surge la idea del tiempo orgánico. sin ser duramente criticado por haber facilitado la implementación de sus conceptos. p. barroco. Tiempo plural. renacimiento. manierismo.87) o Cronología y periodización: La historia del arte dividida según su ubicación temporal. Tenemos que analizar cada obra por sí misma. las casualidades y la energía revolucionaria de los genios. . lenguajes y clasificaciones temáticas del arte occidental. en su contexto primitivo. donde hay una evolución. Los problemas de estudio del arte no occidental y del arte primitivo. diferente según los ligare sy los lenguajes. La historia del arte como "construcción mental" como "paradigma epistemológico" “Conviene preguntarse qué tienen en común. Tiempo lineal y progreso frente a tiempo discontinuo construido gracias al azar. y progreso. Categorías. y una performance del siglo XX o el XXI. El hilo conductor depende de su interpretación desde el canon de las bellas artes. Tratar de entenderlas dependiendo de dónde fueron realizadas. nación.B) El medio temporal. espacial y temático de la Historia del Arte: Conceptos de continente.

Viollet le Duc. Historia del Arte de la Antigüedad): el arte griego y el clima.- La historia que escribimos a posteriori y la historia que percibe el artista. traslado accidental. Fronteras geográficas problemáticas. El arte y el medio físico:     Winckelmann (1764. La noción de "foco" o "centro de producción artística" frente a la de "escuela nacional": - Multiplicación de fronteras. ¿Expolio.XIX). nación. 1934): el principio de gravedad y el principio de metamorfosis. geografía. Escuelas nacionales (escuela francesa. clima. Pérdida de visión de conjunto. costumbres…) La recuperación del arte medieval como reivindicación nacionalista (Jovellanos. cuestiones de patrimonio histórico. creencias. Asociar cada nación con un momento artístico. Hay una asociación entre estilo y nación.  Los conceptos de continente. últimas décadas del siglo XVIII y XIX. Revalorización de obras olvidadas y producidas en lugares periféricos. Taine (1864.La validez de la historia del arte local y los problemas de ubicación del arte y los artistas. escuela holandesa…)  Un marco geográfico fijado por la historia política. Filosofía el Arte): el arte clásico y la teoría del medio. El desarrollo de los museos y la ordenación de las colecciones en escuelas nacionales (s. Localismo. Cuestionando los períodos tradicionales de la Historia del Arte: A modo de ejemplo:    ¿Por qué seguir poniendo juntos el siglo IV yel XV? ¿Por qué no agrupar las obras del siglo XIV alXVI? ¿Hasta cuándo dura la Antigüedad Tardía?¿Hasta el siglo V? ¿Hasta el VIII? ¿Hasta el IX? Focillon (La vida de las Formas. raza. El problema de los cambios de fronteras. región u foco. Ruskin). compra legítima?: 8 .

es decir. Muchos de los edificios actuales son como esculturas que se integran. Documental. edificios útiles. Pedro. Navagués.  Dentro de este campo de arquitectura hay una diferencia y tiene tratamiento diferente lo que es arquitectura permanente y una arquitectura efímera. La arquitectura se define como la creación de un espacio interior.  ¿Deben tener validez jurídica las decisiones tomadas durante una guerra? ¿Qué ocurre si son autoridades internacionales ajenas a un país las que deciden sobre su patrimonio con ocasión de un conflicto bélico? Lecturas: Cohnen. la arquitectura es algo funcional por norma general. los países milenarios reclaman sus tesoros arqueológicos a occidente.  La funcionalidad frente a esas clasificaciones de la edad moderna donde hay un desprecio hacia lo útil. Categorías.Ejercicio 5: Resumir las lecturas recomendadas y responder a las siguientes preguntas. Priego. Las funciones de las artes se sobreponen en muchos puntos: así la 9 . con ocasión de la Guerra Civil Española. Alfonso. Ejemplos:   Los años 30: El periplo de las obras de arte del Museo del Prado. además de espacios de dos dimensiones. Templo de Debod. Fernando.Su difícil aplicación al estudio del arte no occidental y/o del arte primitivo. Todos los pabellones de exposiciones universales se hicieron muy famosos aunque no eran perdurables. que pierde parte de lo artístico. en pintura el que diseña suele ser el que acaba la obra. espacios de tres dimensiones capaces de contener nuestra persona. el dibujo y después la práctica y construcción. Hay elementos que tampoco podemos meterlo en esta categoría. sobre la interpretación espacial de la arquitectura: “La arquitectura nos da. y éste es su verdadero centro. Carmen. lenguajes y clasificaciones temáticas del arte occidental. las superficies. Los apartados en los que dividimos el lenguaje:  Arquitectura:  Espacio interior. los mármoles del Partenón (mañana). como una columna o un arco de triunfo. Las cajas españolas. Siempre a la hora de construir un edificio es un espacio habitable.  Diseño y ejecución: es diferente el diseño. Martínez Flores. no crean espacio interior así que no sabemos muy bien donde incluirlo ->Texto de Geoffrey Scott (1884-1929). frente al urbanismo como espacio exterior. o debe sólo retornar en determinadas circunstancias? Es así cuales. Los años 60: El templo de Debod y su traslado a Madrid como consecuencia de la construcción de la presa de Asuán. que generalmente consideramos-. Esto en otras artes es menos claro. teniendo en cuenta los casos que se plantean en las cuatro diapositivas que vienen a continuación:  ¿Debe toda obra de arte retornar a su lugar de origen. finalidad practica y esto condiciona el propio diseño del edificio.

lo dibuja como obra de arte. y toda la arquitectura surge de esta necesidad. 66] Comentar texto: autor/contexto primero. tocar es básicamente la única manera por la que podemos tener// una sensación directa de la forma tridimensional del objeto. La pintura puede pintar el espacio. por medio del espacio. piedra. Tal diferencia debe ser subrayada. como la de Shelley puede sugerir su imagen. la escultura solicita directamente el sentido del tacto. p. busca. el delimitar un espacio es el fin de construir. pero tiene además su propio territorio y proporciona un placer típico y propio. desde un punto de vista utilitario. ha coartado el desarrollo de la sensibilidad sensorial táctil. que puede mirar como si tocaseo acariciase los objetos". cerrarlo y protegerlo-.arquitectura tiene mucho de común con la escultura. suscitar un determinado estado de ánimo en quienes entran en él" [tomado de Borrás 1996.  Escultura:  Tridimensionalidad frente a la bidimensionalidad pictórica.  La escultura el valor o esencia radica en todas las cualidades táctiles. puede dar al espacio su valor pleno. tocando o manejando los objetos. y más todavía con la música. en suma. Solamente ella. Plástica (material blandos) y/o escultura (materiales duros): en ambos casos “dar forma”. y justo esto ha sido muy aprovechado por distintas culturas para hacer representaciones de soberanos o dioses porque tiene esa cualidad de estático y permanente.  La escultura tiene dos grandes divisiones que tiene que ver con el material con el que se trabaja. La escultura sólo se aprecia realmente palpando.. lo emplea como material y nos coloca en su centro". a diferencia de la pintura que atrae el sentido de la vista. conexiones con la pintura. La arquitectura tiene el monopolio del espacio.. por lo tanto no es lo mismo si ha sido trabajada en bronce. madrea. que está pensado para tocar o percibir a través del tacto. como un objeto más del espacio. Pero la prohibición de tocar las obras de arte. sino que es un volumen. Pero estéticamente el espacio tiene una importancia aún mayor: el arquitecto lo modela como el escultor la arcilla.  La escultura también parte de su esencia es que es algo estático. entre todas las artes. "Es extraño cómo la crítica no ha sabido reconocer esta supremacía de la arquitectura en materia de valores espaciales. la poesía. y el placer que se obtenga de él es un don que solamente puede dar la arquitectura. Puede circundarnos con un vacío de tres dimensiones. el sentido del tacto se ha visto obligado e inducido a delegar su actividad en el sentido de la vista. que no se mueve. sobre las características de la escultura: “En efecto.cuando construimos no hacemos otra cosa que destacar una cantidad conveniente de espacio. la música puede darnos una sensación análoga. 10 . el espacio es lógicamente nuestro fin. ->Borrás. dictada con frecuencia en las exposiciones y museos. aunque esta vez hablamos de un espacio exterior no interior. pero la arquitectura tiene que operar directamente con el espacio. etc.

accesorio. como “forma simbólica” en palabras de Panofsky. 1461. artes industriales. arte como “ilusión” (Gombrich)  Ilusión óptica y perspectiva que trata de conseguir la profundidad. artes menores.(pp. artes suntuarias.  Terminología: artes decorativas. sea el soporte que sea.  Artes decorativas o artes suntuarias: Es el campo más difuso que sirve para meter todo aquello que no entra en los anteriores ejemplos. Es un elemento de bidimensionalidad ligada al soporte plano. que sugiere una tercera dimensión sin que la haya realmente. es un espacio fingido e ilusorio. Museo del Prado. Y como es una división un tanto difusa también hay varios términos. por tanto variable en función de los parámetros culturales de cada momento. Profeta. tiene carácter ornamental. artes aplicadas… 11 . 1933.  Y la primera característica condiciona esta segunda.  Pintura:  Es una de las que más a dado lugar a la teorización del arte tal vez porque parte de esta reivindicación parte de los pintores del renacimiento. 69-70).  Gargallo. Dormición de la Virgen. no hay una tercera dimensión. Aunque también es imperfecto. Reina Sofía. Pierde esa esencia de la escultura porque pierde espacio.  ¿Y los valores táctiles o plásticos? o Mantegna. artes utilitarias. que es una creación mental y abstracta.

al igual que en China los textiles. p. madera. yeso. cuanto se abre el foco. ni en la faz de la tierra. Impersonalidad y sociabilidad. cuero. textil. Tradición y conocimiento del oficio. el canto de las piedras multicolores me distrae de preocupaciones externas y una meditación apropiada me induce a reflexionar. […] Cuando al margen del amor por la belleza de la casa de Dios.  Heredera de la perspectiva artificialis de la pintura. plumería… Infravaloración histórica: ¿sólo en Occidente? Si vamos a los países musulmanes hay mucho valor en las cerámicas. “A menudo contemplamos. Parte de su esencia es el carácter manual. Amplitud del término: metal. producción mecánica. papel. etc.[…] y digo entonces suspirando profundamente con mi corazón: Cada piedra fue tu protección. ni en la pureza del cielo. Texto de abad Surger. cartel publicitario. a diferencia de la pintura. mediados s. cine…  Fotografía (desde 1816-1839):  Escritura con luz. La pintura tiene más inventiva. puedo ser transportado de este mundo inferior a ese superior de un modo anagógico” (tomado de Yarza . La pintura es una realidad inventada mientras que la fotografía es una realidad más inmediata aunque hoy en día también se puede cambiar. y. comic o historieta. topacio. piedras. creo encontrarme en cierta manera en alguna extraña región del universo. por la gracia de Dios. sobre el valor analógico de las joyas.       Artes industriales y Bauhaus (1919): seriación. aplicable a las artes suntuarias o decorativas. importancia del proyecto. democratización frente a la elite (abaratamiento de costes sin perder calidad artística). trasladándome de lo que es material a lo inmaterial. quizás no tiene ese carácter individual. sobre todo después de la teoría del arte renacentista. 12 . crisolita y ónice.XII. movidos por nuestro amor a la madre Iglesia. cerámicas. que no existe en absoluto. carbunclo y esmeralda. sardónica. mecánico. Por este carácter manual se conoce más como artesano y no como artista. la destreza que se muestra por encima del diseño o dibujo previo. ->Esta infravaloración histórica es muy relativa.245) Último grupo de Medios de comunicación que son posteriores a la revolución industrial:  Mass Media (medios de comunicación-visual-de masas): Fotografía. Suelen ser artistas anónimos. sobre la diversidad de virtudes sagradas. jaspe. tiene mucha importancia la luz. grabado. Seriación quizás más recientemente pero en el pasado es más difícil. zarfiro. y berilo. Se resalta la minuciosidad. estos diferentes ornamentos. 1997.

arte que tiene que provocar reacción.  Simplicidad formal. tv. es el hecho que nos permite conocer las obras de arte. hallándose en una posición de concurrencia. efímeras. pero el hecho que se reproduzca por la prensa sí que lo es. explicando la fotografía: “La pintura y la fotografía no son tan sólo dos sistemas de producción y de reproducción de imágenes que. A parte de ser un relato literario parte de su esencia es su carácter humorístico y crítico. La fotografía es una empresa de orden totalmente distinto. creadas para desaparecer. ->SusanSontag (1933-2004). y prensa. no tendrían más que delimitar el territorio que les pertenece en propiedad para llegar a un acuerdo de coexistencia. instalaciones. perfomance. no tan contemporáneos. arte gestual. posee la propiedad de poder transformar en obras de arte todos los sujetos que toma por modelos. objetos encontrados. Sin ser específicamente un arte. Hay otras manifestaciones como la pintura corporal. ready-made. Mucho más importante que el problema de saber si la fotografía es o no es un arte auténtico.  Comic o Historieta (ligada a la prensa periodística desde 1830-1841)  Puede tener precedentes muy antiguos. aunque una realidad vista y no imaginada/inventada.  Gran formato. ¿Y lo efímero y otras artes? Su importancia en el arte contemporáneo y en el llamado "arte primitivo". que crea a su vez. influye en las nuevas ambiciones artísticas. Selección.  Multiplicidad. 13 . Es un ejemplo típico de las direcciones nuevas seguidas tanto por las artes de vanguardia como por las artes más comerciales: la transformación en meta-artes o directamente en media” (tomado de Borrás 1996. modificación e interpretación de la realidad. p.  Carácter efímero.  Soporte plano y de poca consistencia.146)  Cine (desde 1895)  Doble carácter espacial y temporal. Suelen quedar fuera radio.  Cartel Publicitario (desde 1866)  Finalidad económica  Mensaje icónico-literario. ponerlo en un momento dado y luego ya no sirve por lo que los soportes no son muy duraderos.

Lewis H. La vanguardia. Será aquí cuando se plantee una nueva organización en el sistema de lenguaje. 14 . con tres etapas: Salvajismo. Teoría del Arte. unidos a mecanización/ Dificultad de aplicación al arte no occidental). exposiciones universales y redescubrimiento del arte primitivo por parte de la vanguardia Los años 60’: La descolonización de África y lo primitivo como constitutivo de las nuevas naciones La musealización de lo “primitivo”: descontextualización y aplicación de conceptos occidentales ¿El ritual como hilo conductor de lo “primitivo”? ¿Y aplicado al arteoccidental? -Primitivo: El término primitivo y sus connotaciones. exposiciones universales y redescubrimiento del arte primitivo por parte de la vanguardia. pp. 1859. 2002).) [Museo de antropología de Madrid]. con el enfoque positivista. se servirá del primitivismo como fuente de inspiración. [Taylor. Morgan (1877. Occidente y el colonialismo La 2ª mitad del XIX: Darwin (1859. El origen de las especies por medio de la selección natural. 170-182 - - El término primitivo y sus connotaciones. Tecnos/Alianza. Jiménez. El mundo no occidental se comenzaba a conocer mejor gracias a los viajes y el colonialismo. La ilustración. Aumenta el interés por todos estos pueblos. Madrid. ahora cultural y artísticamente. Morgan (1877. con tres etapas de salvajismo.07-10-13 El estudio de la historia del arte no occidental y/o del arte primitivo (Medios de difusión de masas. El origen de las especies por medio de la selección natural. barbarie y civilización).. animales disecados. etc. La sociedad antigua.. Prehistoria. barbarie y civilización]. Desde obras de arte como objetos del entorno natural (cabezas. Los comienzos del siglo XX (1900-1930): colecciones y gabinetes de curiosidades. y no solo en el aspecto económico (todo muy cercano al evolucionismo). en el siglo XX. Occidente y el colonialismo.Taylor (1871.. La sociedad antigua. La Cultura Primitiva// Fuerte paternalismo] [Lewis H.. la teoría de la evolución). Los objetos se acomodan a las distintas divisiones preplanteadas. Todo el arte no Europeo. momias. a las que acudirán los países con sus propias manifestaciones culturales. También contribuirá a conocer toda esta cultura en las exposiciones universales. plantea una civilización más avanzada frente a un mundo primitivo (SXVIII). 1871. La teoría de la evolución]. [Darwin. J. Será en el SXIX cuando comiencen a organizarse y consolidarse los museos y sus colecciones. (2010) (1º ed. En los comienzos del SXX las colecciones y gabinetes de curiosidades. Todas las piezas de las galerías de maravilla son las que integran las primeras colecciones de los museos. La cultura primitiva).

Barcelona. con la crítica del arte. deja fuera un tipo de arte más civil. Anthropos. Se dan una serie de pasos a seguir para comprenderlos mejor. Cátedra. Se consideran obras de arte objetos que no lo son desde su origen (momias) Comienzan a darse nuevos hilos conductores para esta serie de objetos descontextualizados. y NEWALL. Si es cierto. Se construye en paralelo a la propia historia del arte.13-23 . pp. Replanteamiento de la clasificación para el arte popular. José (2010) (1ª ed. pp. Teoría del Arte I.  FERNÁNDEZ ARENAS. pp. Madrid. GARCÍA MELERO.Con las gran descolonización de África en los 60'. Desde el SXVIII conviven ambos conceptos. Teoría y Metodología de la Historia del arte. o Crítica del arte. Madrid. pp. Muchas veces se solapará con la estética. fuentes documentales para la historia del arte. que el historiador del arte. pp. La metodología como herramienta de análisis del historiador del arte. Es la manera que tiene el historiador de acercarse a las fuentes de la historia del arte. Conocer el Arte. En este caso. Ramón Areces. siempre a posteriori. La construcción historiográfica del arte. (2010). Fondo de Cultura Económica. que no entra dentro de este marco. Gonzalo (1996). (Vasari).. siempre basada en la teoría.  URQUIZAR HERRERA.  POOKE. 9-33 y 47159. se planteará la occidentalización del lenguaje del arte africano. 81-102 y 103-122. José Enrique (2012). Necesita una cierta distancia cronológica de las obras de arte y los fenómenos contemporáneos. 19-42. C) Definición de conceptos "teoría" y "metodología" de la Historia del Arte La teoría es el planteamiento conceptual o filosófico. 15-38 y pp. Tecnos/Alianza. como por ejemplo ''el ritual'' → Objetos vinculados a ceremoniales religiosos y funerarios. 170-182. Descontextualización y aplicación de conceptos occidentales.  JIMÉNEZ. Madrid. El hecho de que se comience a plantear una metodología para las teorías preexistentes. D. José (1982). A veces solo se da un aproximación a la metodología.  THUILLIER. 69-100. México. G. no quita el que puedan aparecer nuevas teorías (vanguardias). 17-26. dependiendo de la ideología o influencias). Arte básico. necesita una base teórica a la hora de escribir y plantear su metodología del arte (enfoques. 15 . Historia 16. Teoría del Arte. y no se propone un método claro a seguir. Bibliografía de apoyo:  BORRÁS. Antonio. Madrid. pp.2002). Jaques (2006).. Teoría general de la Historia del Arte.

.Comentario de texto: Fernández Arenas (1984) Sobre los límites del arte. 16 . 32-33) → Extracto para comentario de texto. Texto de José Jiménez (pg..

I d.  El artista como banausos (''mecánico'') y el modelo de Hefestos. el artista aumentará de prestigio. Igualmente aplicado a la agricultura. dos autores romanos del entorno del s I a. II-III d. En este mundo.C. En disciplinas como la literatura. En el mundo griego no encontramos. Define una destreza. habilidad manual. al artista plástico se le denomina como banausos. filósofo y esteta. La literatura artística medieval. Plotino…). Nos llegan noticias y tratados. Aristóteles. medicina. en ocasiones hasta con un sentido peyorativo (mecánico). Dión de Prusa…) y textos enciclopédicos (Plinio el Viejo). tecnología). Calístrato…).C.)  Textos de los que se pueden entresacar reflexiones teóricas sobre el arte:  Textos filosóficos (Platón. por ello nos remitimos a techné como término más apropiado (técnica.  Literatura de taller y tratados específicos sobre arte Policleto. Jenócrates de Sición. El Mundo Antiguo y los primeros escritos sobre arte. 160-180 d.C.C. La literatura de viajes de Pausanias (c..  Periégesis o literatura de viajes (Pausanias)  Conceptos de techné y ars. Con el avance de los siglos y el desarrollo del arte. arquitectura. sin embargo.8/10/13 TEMA 2: TEORÍAS DEL ARTE (I): ANTIGÜEDAD Y EDAD MEDIA. III d. poesía o música. textos de oradores (Cicerón.etc.. será Hefestos. un equivalente a arte. Vitrubio y Plinio. escultura.C. Filóstrato el Joven. y esta idea del banausos desaparecerá. (Bibliografía recomendada) El mundo antiguo y los primeros escritos sobre arte medieval Antigüedad Grecolatina Griegos - Filósofos y artistas griegos de los siglos V-VI a. Plotino. Vitrubio…)  Écfrasis o descripción de obras de arte (Filóstrato el Viejo. 17 .C.) Reflexiones sobre la creación artística con especial atención a los s. artista. El modelo de mecánico. están más ligados a la intervención divina. para desarrollar un oficio. nexo de unión con la Edad Media (s.. Teorizan y deslizan conceptos sobre la obra de arte.

En el mundo latino encontramos ars, pero con las mismas connotaciones que techné.
El debate de contraposición entre el artista y el mecánico, será un tema recurrente para diferentes
artistas a lo largo de la historia del arte.

La fragua de Vulcano, 1630, Velázquez, Museo del Prado.

La escuela de Atenas, Rafael, 1509, Vaticano.

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 Platón (427-347 a.C.)

Arte y mímesis:
- Mediante el mito de la caverna: Mundo visible vs. Mundo inteligible, el mundo real, las ideas.
El arte es una imitación del mundo real, de las sombras que el hombre ve dentro de la
caverna.
- Ejemplo del lecho (Libro X de la República). Si hay una idea absoluta del lecho, el carpintero
elige unas características para construirlo. El pintor pintará la copia del carpintero (copia de la
copia).
- Ilusionismo óptico dentro de la pintura: Para confundir al espectador, perspectiva, gradación
de tonos, policromía...Pintura como espejo de la realidad.

Ambivalencia en la consideración artística:
- Platón reconoce que los poetas y literatos están iluminados por una inspiración divina
(poiesis). Define la creación del cosmos de manos del Demiurgo, tratándose éste de un
artista. El pintor debe mirar al mundo de las ideas, directamente, no a la realidad empírica.
- Crítica al arte como medio de engañar, rechazo al ilusionismo óptico.
- Demiurgo, como artista. Esta idea llegará a la Edad Media (cosmócrator, como creador, con
compás. Como un artista).

 Jenofonte (431- 354 a.C.)
Discípulo de Sócrates.
-

Tratado como primera aproximación a los artistas de la época, Memorabilia (Parrasio y
Cleito). El filósofo conoce de primera mano el arte que está viendo. - Se realiza una teoría del
arte vinculada directamente al taller del artista. Describe la visita de Sócrates a los talleres
del pintor Parrasio y el escultor Cleito (Memorabilia)

-

El objetivo del pintor será captar y expresar las emociones de los personajes (pintor, escultor,
dramaturgo, músico...).
19

 Polícleto (tercer cuarto del s. V a.C.)
Canon: Tratado de escultura. No se conserva pero llegan referencias por otros medios.
-

-

Conocimiento a través del temperamentis.
Tratado que habla de la belleza de las esculturas del cuerpo humano, que radicaba en la
noción de la simetría. Esta noción sería entendida como la proporción perfecta entre las
partes del cuerpo en sí y con el todo. Aplicable a todos los artistas de la época.
Según Galeno, habría realizado una escultura donde se expresaban todas las teorías.

 Aristóteles (384-322 a.C.)
No presta mucha atención al arte, dando importancia a las artes escénicas, y dejando de lado las
artes plásticas. El arte tiene origen en los ritos de Dionisio,
- Binomio materia-forma: todo se compone de materia y forma. El proceso creativo será el
dar forma a una materia. No tiene la consideración negativa de Platón.
- Teoría de la imitación: Al integrar la forma en la materia, se materializa el objeto, se
consigue llevar al mundo empírico.
- Catarsis y el espectador: Conmover al espectador, y que entre en un estado de conexión
divina. (?)
- El arte y la experiencia religiosa.

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. Parece que entronca con la tradición de Polícleto y el arte griego clásico. relojes.)   Ingeniero en época de Julio Cesar y Augusto. ritmo (concepto nuevo. hidráulica. Primero temas arquitectónicos y los últimos. Romanos  Vitrubio (s. 1997: p. Es lo fundamental que rige el arte. Libro III y IV (órdenes arquitectónicos). Formación amplia y multidisciplinar).). Mencionado por Plinio en la Historia Natural. Son libros bastante conservadores. Conceptos de simetría.127). La escultura helenística y el movimiento puede incluir este concepto). Donde primero se conoce el modelado el arcilla.10 Rollos. 28-27 a. Artista liberal. Escribe dentro del género de las technon synagoge (compilaciones sistemáticas de artes). destacado en la fundición de bronce. Libro II (materiales. en referencia a dos tipos de pintura) y problema óptico.. Libros V y VI (edificios). que combinaban texto e imagen: Libro I (definición de arquitecto: debe tener conocimiento tanto teóricos como prácticos.C.. y se mantienen dentro de la tradición clásica. Yarza. IV-III a. Comentario de texto: Los Diez Libros de la Arquitectura de Vitrubio. Uno de los más importantes del momento. - - Sición como foco de artistas reivindicado por Jenócrates. . MESURA. ¿?) Filósofo discípulo de Platón y escultor de la escuela de Lisipo.). que reflexiona sobre su propia obra de arte.C.C. precisión (akribeia. Autor de Diez libros de arquitectura (c. dedicados a Augusto. citado por otros autores.Los problemas de las distintas ediciones: Problemática de dibujos originales y reconstrucciones posteriores. formación del arquitecto. que se refiere casi más a las artes poéticas y musicales. s. No se conserva el original al completo. unos temas relacionados directa o indirectamente con la arquitectura. maquinaria. reeditarlo y acompañarlo con grabados.Remisión a autores griegos para aludir a la tradición. . 21 . Libros VII-X (pavimentos. I a. . gran fuente documental para la historia del arte). Libro 1.C. A partir de aquí nacerá el interés por recuperar el texto. el latín vulgar. pintura mural.I d.La gran fortuna entre los autores de Renacimiento (Alberti y su De re aedificatoria 1452). y la mejor escultura en encáustica y bronce. Jenócrates de Sición (s. El artista libre que elige la ciudad en que desarrollar su actividad.

cualidades. se aproximará más directamente a la realidad).). Esta ciencia se adquiere por la práctica y la teoría. de acuerdo con las leyes de la proporción y del razonamiento.Extensas reflexiones sobre el color (su obtención. La teoría. cuando interesaba a reyes y ciudadanos.Remisión a autores griegos y romanos . ni las vastas superficies que hacen penetrar las montañas en una habitación: nos hemos puesto a pintar incluso con la piedra” (tomado de Yarza 1997: p. Claro sentido político y propaganda bélica). correspondiente a lo que se quiere formar. 2-3 de la Historia Natural de Plinio el Viejo “La pintura.C. Mediante la manipulación del color. y que . I d. 25 y 26 dedicados a las artes figurativas (dentro del ámbito de la mineralogía) . De todo ello se puede extraer una teoría del arte. Más importante como fuente que como teoría. Lo que agrada no son ya los paneles. en vez de en casas privadas.Libros 24.C. y sólo con la práctica se han dedicado a la construcción. sino que incluso se utiliza el mármol recortado y cincelado o placas incrustadas cuyo dibujo contorneado representa objetos y animales.“Es la arquitectura una ciencia que debe ir acompañada de otros muchos conocimientos y estudios.Enciclopedia compuesta de 37 libros de disciplinas diversas . La práctica es una continua y repetida aplicación del uso en la ejecución de los proyectos propuestos. Fundamentalmente incluye también a escultores y pintores. dedicado al emperador Tito . Ensalza las pinturas de la victoria bélica de Roma sobre Cartago. los arquitectos que sin teoría. hacía célebres a los particulares a los que juzgaba dignos de pasar a la posteridad. y la escultura (sobre todo el despilfarro del mármol en Roma. como tampoco lograron otra cosa que una sombra. realizada con las manos sobre la materia. Considera que es una pérdida el avance de la escultura y la decadencia de la pintura). no han podido conseguir labrarse crédito alguno con sus obras.79) 22 . Por tanto. 77 d. la pintura (la referencia a las exposiciones públicas de pinturas bélicas. Opina que deben estar en público. con los cuales juzga acerca de las obras de todas las artes que con ella se relacionan. es la que puede explicar y demostrar. en cambio. hasta el punto que no sólo se cubren paredes enteras. la perfección de las obras ejecutadas. sin atesorar. arte ilustre antaño. pero que ahora se ha visto por completo suplantada por los mármoles y también por el oro.) Militar y erudito Autor de la Historia Natural (ca. no la realidad. El libro 35. por otra parte. los se apoyaron sólo en la teoría…” 14/10/13  Plinio el Viejo (s.

con una elite que se puede permitir viajar. pues el aceite es beneficioso (rasgos de conservación. Un zócalo de mármol pario rodea en círculo la piedra para contener el aceite que le echan. la filosofía.C.86-92) 23 . cuando la imagen estaba terminada. estaba colocada la hidria de bronce. II d. Sus reflexiones sobre el arte son puntales. sino negra. Encontramos dos tipos de descripciones: de monumentos y de lugares (theoremata) y también describe mitos del mundo clásico y costumbres religiosas (logoi). el Mediterráneo Oriental y partes de Italia y todo ellos se plasmaron en un libro que se conoce como “La descripción de Grecia”. En efecto. LA LITERATURA DE VIAJES DE PAUSANIAS (CA. ver los monumentos.Autores griegos que trabajan bajo el imperio Romano donde la cultura. de preocupación por la conservación de la obra. monumentos. pero no voy a alabar a los que la midieron. Fidias rogó al dios que diera señales acerca de si la obra era de su gusto (Podría tener algo de teoría de la creación como inspiración divina -> que se desarrollará más tarde).). Dicen que el propio dios ha sido testigo del arte de Fidias. No tiene unas grandes aspiraciones teóricas si no que funciona como una guía para el viajero. floreciente. 160-180 D. Es un género que consiste en describir lugares. pues las medidas que han dado son muy inferiores a las que parecen a los que contemplan la imagen. Y dicen que inmediatamente cayó un rayo en la parte del suelo donde. apreciar el arte. Pausanias es un poco demostrativo de la cultura romana del momento. no con piedra blanca. Una de las descripciones más importantes es la del Templo de Zeus de Olimpia y su estatua de marfil y oro que hizo Fidias. Describir lugares y momentos no es algo novedoso pues Herodóto hizo esto mismo en su viaje a Egipto. pocas veces hay reflexiones sobre arte. y de su exposición). Esta costumbre de recorrer la geografía e ir dando cuenta de distintos hechos estaba ya presente en el mundo griego. C) Escribe un tipo de libro que estaría dentro de la literatura periegética. para la imagen de Olimpia y es el que impide que el marfil sea dañado a causa de la humedad del Altis […] (texto completo en Yarza 1997: pp. literatura de viajes. la retórica siguen monopolizadas por las elites griegas.  Pausanias (s. Pausanias recorrió toda Grecia. como testimonia la inscripción bajo los pies de Zeus […] Sé que se han registrado las medidas de altura y anchura del Zeus de Olimpia. Muestra gran conocimiento de la cultura griega y un gran respeto a su religión. La Descripción de Grecia de Pausanias “Fidias fue el autor de la imagen. todavía en mi tiempo. culturas por las que se van pasando utilizando distintos hilos conductores. Todo el suelo que hay delante de la imagen está construido .

Dentro de sus discursos el que nos interesa es la Duodécima Oración u Oración Olímpica donde vuelve a tomar como tópico el Zeus de Olimpia. pero en el juicio en vez de preguntarle por el robo. La idea que los hombres tienen de los dieses vienen a través de cuatro fuentes diferentes     Imagen innata de nuestra mente Las descripciones de los poetas La imagen que transmiten los legisladores La imagen que transmite el arte La imagen que producen los artistas es enormemente influyente y por tanto la más peligrosa porque es capaz de moldear la imaginación del espectador de impactar en éste.C.  Zeus de Fidias. Olympia. C) Muchas reflexiones en torno a la consideración del artista van a venir por gente que se dedica a la retórica. Pericles) Vemos cada vez más una preocupación por el artista.  Dión de Prusa (s. le preguntan sobre el tema de la creación artística.  Plutarco (46/50. Se le empieza a dotar al artista de una capacidad técnica. Profesor de retórica que escribió discursos. El arte no solo implica una destreza manual sino que dentro del artista hay una imagen mental que el artista es capaz de plasmar en esa pintura.Hay una mayor preocupación por el artista. El propio artista se basa en 24 . creativa. Hay aprovecha para hacer toda una explicación en torno a cómo se crean las imágenes de los dioses. inventiva. 432 a.) “Disfrutamos de la obra y despreciamos al artista” (Vidas Paralelas. Lo que nos cuenta este texto es que Fidias había sido encarcelado por haber robado el oro que le habían dado para realiza las esculturas.120 d. II d. Se le empieza a reconocer su habilidad. escultura.C.

whose people they filled with an ample and varied conception of the divine. que es capaz de ir más allá y de captar la naturaleza divina mejor de lo que se podría en literatura. Son casi rivales entre sí. Horacio dice que hay una equivalencia entre ambas. Pero hay una serie de competencia entre el artista y el poeta. in a word. 46 Consequently they preferred not to appear to the many as untrustworthy and to be disliked for making innovations. y la imagen impacta más en el espectador. everyone who has held himself worthy to come forward as a portrayer of the divine nature through the use of art. to wit. whereas it was simply through the eyethat they. Texto Oración Olímpica 44 Now that we have set before us three sources of man's conception of the divine being. And all these influences won strength from that primary impulse. and in the other case because they saw that they had been anticipated by the poets and that the poets' imagemaking was the earlier. Aglaophon and Polygnotus and Zeuxis and. and that derived from the lawgivers. earlier than all these. For these men were not satisfied to display their cleverness and skill on commonplace subjects. Arte como moldeador de la imaginación del espectador. Todo esto conduce a reconocer las enormes facultades creativas del escultor. they adhered to the myths and maintained agreement with them in their representations. that derived from the poets. but in some few cases they contributed their own ideas. literatura. […] 45 To this class belong not only Pheidias but also Alcamenes and Polycleitus and p51further. In most matters. textos poéticos de la imagen que transmiten los personajes públicos. in the one case that they might not be considered violators of the laws and thus make themselves liable to the penalties imposed upon such. let us name as the fourth that derived from the plastic art and the work of skilled craftsmen who make statues and likenesses of the gods— I mean painters and sculptors and masons who work in stone. interpreted the divine attributes to their more numerous and less cultivated spectators. Se produce entonces la comparación entre la literatura y las artes plásticas. since the latter appealed to the ear alone. creación innata . Daedalus. but by exhibiting all sorts of likenesses and representations of gods they secured for their patrons both private persons and the states. for their part. Tiene la idea de que los hombres tienen de los dioses habilidades. Hay una competencia entre literatura y artes plásticas. as having originated with the honouring of the divine being and winning his favour. becoming in a sense the rivals as well as fellow-craftsmen of the poets. Conduce a reconocer las habilidades creativas del escultor.toda la tradición literaria sobre todo en lo que dicen los poetas para ganarse el favor del público. accordingly. El artista se basa en la tradición literaria para ganarse el favor del público. 25 . the innate. and here they did not differ altogether from the poets and lawgivers. la que transmite el arte. Facultad creativa del escultor.

Reformulación del Ut pictura poesis. pero que también es la transmisión. Afinidad entre poesía y pintura en razón de la imaginación que ambas comparten. La Vida de Apolonio de Tiana. C) En esta misma línea y pasando al ámbito de la Filosofía podemos hablar de Filóstrato el Viejo (s.III d. Es poseído por la divinidad. III d. Lo que tienen en común la poesía y la pintura es que ambos tienen una fuerte capacidad imaginativa. Muchos filósofos consideraban una parte importante de su educación la écfrasis. inventiva. vuelve sobre la escultura del Zeus de Fidias para reflexionar sobre como Fidias es capaz de crear la imagen de la divinidad. C) que nos interesa por dos obras. La belleza no es tanto como simetría. III d.). pero no todo el mundo tiene la facultad de ir más allá. sino más bien como expresión. pero la de pintar por el arte”. III d. [Texto Calístrato. que abre el género de la écfrasis y la otra una biografía sobre Apolonio de Tiana. Imitar lo puede hacer cualquiera.  Filóstrato el Joven (s. A la hora de crear. C) Retórico que dice que a la hora de crear el escultor se convierte en un loco y es poseído por el “Entusiasmo” de tal modo que llega a poner al artista plástico al nivel que colocaba Platón a los músicos o los poetas. que es una biografía imaginada más que historia. Filóstrato el Viejo (s.C. I a. sale fuera de sí y es inspirado directamente por las musas de modo que el artista se convierte en un intermedio entre la divinidad y el hombre. es decir transmitir a través de la literatura su percepción acerca del arte. la expresión de emociones. Filóstrato escribió Imágenes donde describe hasta 75 pinturas del mundo clásico algunos de ellos reales y otros ficticios. Habla de los distintos tipos de pintura en función de las distintas técnicas utilizadas aunque no entra mucho en teoría. Esto lo explica a través de una metáfora. Barash]  Ménades 26 . III d.C. Fantasía y mímesis. La obra de la creación artística se resume en dos cuestiones: “La facultad de imitar le viene al hombre por naturaleza.  Calístrato (s. generalmente de pintura y escultura. C) Escribe otro tratado de écfrasis donde describe cuadros. Utiliza un concepto que es el de la fantasía. creativa. Encontramos aquí el germen de la idea de genio. La écfrasis consiste en una descripción literaria de obras de arte.) y de comparaciones similares de Plutarco (s. la imagen de Fidias remite a la mimesis y a la fantasía. de Horacio (s. en la proporción. de estamos mentales. un genio loco con inspiración divina. la de las Imágenes. Sostiene que la belleza de la obra de arte está en la simetría.

amorfo y por eso insiste que se debe ir a buscar esa proyección esas formas dentro de la materia. Pero que cualquier obra de arte tiene su carácter imperfecto. La segunda idea que pasa al mundo medieval es que cuando contemplamos una obra de arte tenemos que ser capaces de ir más allá. dos bloques de piedra. Uno de los bloques está sin modelar. Utiliza muchos elementos tomados de las artes plásticas. Lo importante de la imagen no es su carácter externo si no que sea capaz de trascender. Leer las primeras tres hojas. sin haber sido tocado por el arte. [Textos de Plotino] “Imaginemos. Lo que plantea en estas Enneadas. colocados uno al lado del otro. ese concepto de su mente. la materia. de ir más allá y captar la divinidad.Ejercicio 6: Sobre la écfrasis. es una arte que debe aspirar a ser conceptual donde lo importante es la forma. hacia el concepto que transmite y esto será importante de cómo será el papel de las imágenes.  Plotino (s. La finalidad de las artes es imitar la naturaleza y considera igual que Platón que esta imitación no tiene un carácter tan negativo porque el artista es capaz de proyectar una forma o una idea absoluta que tiene en su mente a través del arte y que es capaz de modelar la forma e infundirle esa idea. que lo hace feo desagradable. Román de la Calle. El bloque tallado es más bello que el bruto y todo ello en virtud de la Forma o Idea introducidas por el arte. III d. […] 27 . la idea frente a la materia que es lo que va a buscar el arte medieval que lo que busca es transmitir un concepto sin atender a la proporción. Nos sirve de punto de conexión entre el arte clásico y el medieval por varios motivos. C) Hace muchas referencias a las artes visuales. el otro está minuciosamente trabajado por la mano de un artesano y presenta la forma de un dios.

Cuando observamos la obra de arte va más allá a lo que transmite. Es más importante la idea que la materia. destrezas.43) ¿Qué significa la belleza? Punto de conexión entre el arte clásico y el arte medieval. Por la importancia dada a la base matemática se plantea una jerarquización de las artes coloca en primer lugar. Neoplatonismo -> arte – imitaciones de la naturaleza. Recoge conceptos de la simetría. En última instancia la pintura y la escultura. de la perfecta mesura de las partes con el todo. sino porque participa en su arte” (Textos tomados de Barash 1991: p. Se forma en Cartago como orador y profesor. Para el cristianismo sí existe la idea de la creación de la nada. la música que la considera el arte del número. Reflexionará sobre la cuestión artística en relación a Dios en su obra De Trinitate. después vendría la arquitectura a la que reconoce cualidades matemáticas. Hay un intento de definir el arte. ya que plasma una imagen en su mente mediante la forma pero que cualquier obra de arte tiene un peso material. preparación… Habla de la importancia del arte y de la importancia del número en él. Abre un concepto que van a heredar todos los autores posteriores. La importancia de las matemáticas para la base numérica. que transmita un concepto. Durante este periodo va a hacer otra reflexión sobre la cuestión de la creación artística retomando parte de esas ideas de Platón. San Agustín evita pronunciarse sobre si es bueno o malo y que justamente es esa falsedad del arte lo que define el arte. la forma frente a la materia. Plantea un arte conceptual. Así como el arte es el conocimiento de unos reglas. En el 387 se convierte al Cristianismo y sus reflexiones girarán en otra dimensión. Está unos 10 años trabajando como profesor de retórica y en esa época donde es un pagano convencido escribió un tratado que no nos ha llegado acerca de Lo bello y lo apto y donde está plenamente inmerso en el mundo clásico. habla de la falsedad del arte y pone como ejemplo una obra de teatro o una pintura. y el artífice no la ejecuta por el hecho de estar dotado de ojos y manos. lo que le da una naturaleza específica al arte. LA LITERATURA ARTÍSTICA MEDIEVAL No hay muchas reflexiones sobre la literatura artística. Tratados prácticos son cosas mundanas. el 28 . Cómo hacer pigmentos.  San Agustin (354-430) La inevitable falsedad del arte y la creación Autor que sirve de corte entre el mundo pagano clásico y el mundo medieval. y eso es más importante que la simetría y el canon. mental.[la Forma] “no está en el material: se encuentra en el diseñador antes de que penetre en la piedra. no tan negativa.

La cuestión de las imágenes. Va a haber en pugna dos posiciones: la que defienda el uso de las imágenes por todo lo que tiene de carácter didáctico y su capacidad de influir. la Alta y la Plena Edad Media Occidental. Bizancio.  Atenágoras (s. Nociones como la imaginación. En el mundo medieval aparecen las artes liberales separadas de las bellas artes.las artes liberales están separadas de las bellas artes. por otro lado se piensa que la imagen es confusa. La arquitectura tendrá más valor. Primero Dios crea de la nada y luego empieza a organizar a dibujar un orden de la nada.creador es Dios y el hombre es un ejecutor un realizador que modifica la materia ya creada. Estas artes liberales requieren una capacidad teórica intelectual más fuerte van a dejar fuera a las artes plásticas y a la arquitectura. Igual que en el mundo clásico el arte sería el seguimiento de un oficio de unas reglas. Definiciones y clasificaciones del “arte” Tenemos distintas clasificaciones. Los padres de la Iglesia. cómo deben ser y como se debe posicionar el espectador que ve esas imágenes. Hace una división en esta línea. II) Expresa su preocupación por dos cuestiones: le preocupa la enorme belleza de las esculturas de los dioses del mundo clásico. Habla de unas artes teóricas. junto con la astronomía y la música. esta última con una consideración mayor. las demás serán más vulgares porque hay que mancharse las manos.  Hugo de Saint Víctor (S.  Boecio (480 – 525). XII). unas retóricas y por último las artes productivas o mecánicas. La pintura y la escultura siempre están subordinadas a la arquitectura. Dice que una escultura excesivamente bella puede conllevar dos 29 . Plantea una división entre lo que él llama el ars que serían todas las artes liberales y las que requieren una capacidad intelectual y todo lo demás es el artifcium que son los que conllevan un mayor trabajo manual. que alimenta a la idolatría. a) Los Padres de la Iglesia Una de las discusiones más intensas es si las imágenes deben utilizarse o no. fantasía no estarán tan presentes en el mundo medieval. Pertenece a la corte de Teodorico. Falsedad del arte. Se consideran como disciplinas -> la literatura y las matemáticas. Mundo medieval .

problemas. (Textos tomados de Barash. Oposición a las imágenes de raíz veterotestamentaria. Enneadas. 1991: p. La belleza de la naturaleza por encima de la belleza artística.  San Atanasio (s. IV) Crítica al culto rendido a piedras y maderas con forma de dioses (Contra Gentes) > Relación con la iconoclastia bizantina. que el que la contempla se quede solo con esa belleza externa y que como se le está dotando de una apariencia antropomorfa se llegue a distinguir la divinidad con el hombre. antecesores. Para ellos recupera toda la línea argumentativa del Antiguo Testamento que será uno de los argumentos más utilizados en esta época. Rechaza el arte por lo que tiene de imitativo y por su falsedad. El Peligro de la adoración..  San Jerónimo: (c.. artística).340-320) Crítica al ornamento. 30 .. hablar de las ideas del momento. puente entre la ideas clásicas y medievales. etc) Escuela neoplatónica. historia. [Comentar términos del texto]: Poner cada término o idea en relación con otros autores. habla de estética.Corrientes.. y alude a muchos términos artísticos formulando una teoría en completo. La analogía entre la imagen del rey y el rey mismo (Sermo de sacris imaginibus)> Esencia del propio rey a través de la observación de la imagen del mismo. III (contextualizar al autor y su obra en general. El peligro de la confusión de la realización de un dios antropomorfo. Ejercicio: Plotino. Esa idea si estará más presente en el arte medieval y va a haber una cierta despreocupación por la belleza humana.  Tertuliano (160 – 220) Se opone a cualquier realización de la imagen de la divinidad. Por ejemplo: San Agustín (creación divina.43) [Contextualización]: Plotino s.

. Algunos de estos emperadores orientales iconoclastas. debían asumir un gran número de población no cristiana. Ambos materiales. frenaban el poder del estado. en lugares rurales. económico-sociales. Muchos de ellos emperadores de influencia oriental. que lo ponían en peligro. · · El arte oriental donde no prima la forma y lo antropomorfo. Las reticencias veterotestamentarias hacia la representación de Dios.Diferenciación entre la piedra tallada y la piedra en bruto> Antes y después. Los teóricos. musas.Calístrato: Modelado de la materia como inspiración divina. incluso fuera de las fronteras del imperio. dota a la materia de la idea). Los dos grandes intereses en juego serían.. la escritura como elemento artístico y autónomo. Pensaban que todos aquellos que acumulaban iconos en su poder.” (?) → “El artífice no la ejecuta por el hecho de estar dotado de ojos y manos.. procede de la mente de la mano que ejecuta la talla. aunque imperfecta. la forma. pero tendría un impacto directo. participa de esa idea. “El bloque tallado es más bello que el bruto y todo ello en virtud de la Forma” “La Forma (por tanto lo bello) no está en el material: se encuentra en el diseñador. Judíos y Musulmanes. La belleza. El emperador con toda la corte y parte de la cúpula eclesiástica. genialidad. participa de las ideas: Mucho éxito en las corrientes iconoclastas bizantinas → Juan Namasteno: Obra de arte. sino porque participa en su arte” → Término que emplea por primera vez Platón. no. de un modelo similar a la Europa feudal. por tanto. Materia y Forma/Más menos. La materia en sí no es bella. b) Imperio Bizantino o Iconoclastia e iconodulia (s VIII-IX) · · Polémica con gran desarrollo teórico que afecta al arte. Idea. que se posicionaron en contra de las imágenes. (Aristóteles. Tendrán imágenes de devoción privada como modo de atraer fieles y riquezas. Tb: Filóstrato el viejo. con los que compartirían una actitud aniconista.../Idea por encima de la imagen o el Canon. solo que uno participa de las ideas de arte y el otro. Tuvo motivaciones políticas. Los grandes acumuladores de iconos serían los monasterios. apartados. o Los argumentos de los iconoclastas. reconstruidos a través de evidencias indirectas. sí. culturales y religiosas.. ''Suerte de participación” quién recibe la sombra. en el taller. tallados o no tienen las mismas características. 31 . Tan sólo la diferencia el trabajo del artista.. se revalora como arte. Polícleto/ Dion de Prusa.. no conocían directamente el trabajo del arte.

methesis o participación. Sirve como justificación para revalorizar la imagen. El artista debe entender la conexión del símbolo y la realidad.) heredado por los cristianos que plantean una dicotomía entre lo espiritual y divino frente a lo material y tangible (Clemente de Alejandría c. Dios es un modelo y todos los seres emanan de él. cauce. · · Las imágenes como símbolos. No son exactamente lo mismo. la distancia entre en símbolo y la realidad que éste simboliza. (EXCP) o Los argumentos de los iconodulos a favor de las imágenes. 185-254) [Sinagoga de Dura Europos. Tradición platónica. Los seres inferiores emanan de los superiores y constituyen su imagen. El ser humano puede realizar imágenes de Dios que participan de su esencia. Llega a haber una posibilidad de inseparación de la imagen y la realidad. Dioniso de Siracusa el Joven.. el mundo es un sistema de imágenes y símbolos. o de tres manos] Musulmán convertido al cristianismo. La imagen se convierte en un símbolo de una realidad intangible. La mezexis.· · La crítica hacia los ídolos en el mundo grecorromano (Horacio. El icono como cauce entre lo humano y lo divino. NO SE PUEDEN DESLIGAR.. El arte como via de ascenso. ciclo de pinturas dedicado a Moisés] → Ningún problema en la representación del arte figurativo. Contra aquellos que desprecian las imágenes sagradas) [Virgen triferusa. Participa o se acerca de alguna manera. 150-211). Reconoce por ello la adoración de las imágenes ya que transmite la idea de Dios. El mundo como sistema de símbolos o imágenes. transmisión de la idea. El demonio habitando en los ídolos pagamos (C. todos los seres participan de su esencia. 32 . [Pantocrátor de Dafni] El hombre es capaz de captar y reproducir la imagen emanada de Dios. → Juan Damasceno (675-749. el modelo por excelencia. del humano a lo divino. Dios es lo absoluto. Comparten esencia. la idea no está completamente separada de la imagen. de Alejandría. peligro de la idolatría. Tesis sobre la divinidad de las imágenes. → Teodoro de Estudión o Teodoro Estudita (759-826)     Diferencias entre la sombra y lo auténtico. Orígenes c. más compleja.      La imagen participante no es idéntica a su modelo pero tampoco está completamente divorciada de él. Diógenes Laercio [escultura del Fidias] La escultura no puede ser la esencia de la divinidad. Burla y sátira a conferir importancia a una escultura.

al menos puedan comprender a través de la imagen. 540-604). Papa en época de los lombardos. Virgen de las tres manos. movilizando embajadores entre ambos imperios. sostiene que la escritura es una manera de transmitir ideas de carácter religioso a los letrados. Dentro de esta polémica. 33 . Las imágenes están hechas para formar a los ignorantes. Que aquellos que no sepan leer. y los que no son capaces de leer. la conmemoración o recuerdo de hechos conocidos. Muchos de los autores del mundo occidental. No se emplea el concepto de la participación. se servirán de la imagen. algunos autores diferencian entre la adoración (reconocer que la imagen es el propio Dios) y veneración (respetar y reconocer que la imagen tiene parte de la esencia de la divinidad. Pantocrátor de Dafni. y la comparación entre escritura y pintura. Carlomagno está muy pendiente de lo que ocurre en Bizancio y provoca un gran interés. y tiene un carácter docente. Renacimiento Carolingio en relación con la inconodulia bizantina. Asumen que la imagen sí que sirve. sin tener en cuenta la utilidad de las imágenes o la devoción de los fieles). pero no confundirla con Dios mismo). el arte como instrucción para los iletrados. c) Alta Edad Media Occidental La instrucción para los iletrados. . ni de la relación entre la esencia del objeto y la imagen. ni siquiera para ser veneradas. Ataque al obispo de Marsella (comparte la idea de la iconoclastia. → Gregorio Magno (c.

 San Bernardo (siglo XII) El rechazo a al arte figurativo en los recintos monacales “Más aún. (Menciones a San Bernardo. . una bestia cornuda que exhibe los cuartos traseros de un caballo.Alcuino de York (s. varias cabezas sobre un cuerpo. IX): Relaciones entre escritura y pintura. Apología contra Guillermo): el rechazo del arte figurativo en los recintos monacales. a su vez. Defensa de la escritura como algo más valioso > falsedad de la pintura. Bernardo de Claraval (s. allí un pez con cabeza de cuadrúpedo. Guillermo Durando (s. texto de Gregorio Magno) o Los años centrales de la Edad Media en Occidente: Los silos XI.Rabano Mauro (776-856): Relaciones entre escritura y pintura. un animal que de frente parece un caballo y por detrás una cabra y aquí. Honorio de Autun (s.Tiene lugar el Concilio de Nicea (impass entre iconodulios e iconoclastas). Desarrolla en muy gran escala la relación entre ambos conceptos. c. La escritura capta mejor la esencia de las cosas. con mayores valores estéticos y placeres más duraderos). .XIII     Sínodo de Arras (1025): pintura y escritura. se inclina a la escritura (apela a más sentidos y conceptos. Comparación como el en mundo clásico sobre la preferencia de la escritura o artes plásticas como superior. en todas partes aparece una variedad tan rica y tan sorprendente deformas que es 34 . realizado por Lituardo y Berengario][Altar de Ractis] . es asombrosa y deformada proporcionalidad y la bien proporcionada deformidad? ¿Esos impúdicos monos? ¿Esos fieros leones? ¿Esos monstruosos centauros? ¿Aquellos seres semihumanos? ¿Esos tigres con manchas? ¿Estos guerreros?¿Esos cazadores haciendo sonar sus cuernos? Aquí puedes ver varios cuerpos bajo una cabeza. Con el apoyo de Carlomagno y Alcuino de York. Inevitable falsedad.XIII): la escritura de los iletrados. y allí. Allí. que consigue fomentar la verdad. [Codex Aureus de San Emerano.Libri Carolini (790-792): La pintura como conmemoración o recuerdo de los hechos pasados.XII): arte como recuerdo o conmemoración de las vidas santas.XII.870. un cuadrúpedo con cola de serpiente. En suma. bajo la mirada de los hermanos enfrascados en la lectura ¿qué pinta allí esa ridícula monstruosidad.Walafrido Estrabo (809-842): El cuadro como literatura como el hombre sin formación. en los claustros. Aquí. Dentro de su corte aparecerán una serie de pensadores que defenderán las imágenes. condena a los iconoclastas. . Adriano le trae las actas a Carlomagno. por lo que tiene de docente.

ni en la faz de la tierra. ante su total asombro. jaspe. sobre la diversidad de virtudes sagradas. nuevos y viejos. más que meditando sobre la Ley Divina” (Apología contra Guillermo) 21/10/13 Comentario de texto: Carta de Gregorio Magno a Sereno de Marsella Los materiales preciosos y su valor místico anagógico: Bizancio y Surger de Saint Denis. Habla del brillo. con la sola excepción del carbunclo. aparte de la figuración. Pero no se encuentran textos que plasmen esta idea. sardónice. En determinados momentos del arte medieval. lleno de luz. aparte de la querella. las mismas de la Jerusalén Celeste. De aquí que. rico en materiales. y berilo. puedo ser transportado de este mundo inferior a ese superior de un modo anagógico” 35 . por la gracia de Dios. pieza por pieza. menos interesados por el canon. el encanto de las piedras multicolores me distrae de preocupaciones externas y una meditación apropiada me induce a reflexionar. y. que deben llevar a un ascenso. Surger pone las bases de lo que será el gótico. ya tiene en la cabeza lo que quiere hacer. creo encontrarme en cierta manera en alguna extraña región del universo. Lo importante era meditar y no dejarse llevar por el arte figurativo. topacio. y vemos la maravillosa cruz de San Eloy. ni en la pureza del cielo. sino que por el contrario abundan copiosamente. movidos por nuestro amor a la madre Iglesia. y da la sensación de que piensa como en el mundo bizantino. Recreación de la Jerusalén Celestial. es importante la calidad de los materiales y de las técnicas. zafiro y carbunclo y esmeralda. trasladándome de lo que es material a lo inmaterial. Cuando pensamos en el mundo bizantino. junto a otras más pequeñas y el incomparable ornamento comúnmente llamado crista colocado sobre el altar de oro y digo entonces suspirando profundamente con mi corazón: cada piedra fue tu protección. que en los textos sagrados se describe con piedras preciosas y elementos ricos. con la intención de asombrar a través de la riqueza material y sensorial. sino que son los viajeros los que se encuentran con esto. En el mundo gótico si vemos textos sobre estos. cuando al margen del amor por la belleza de la casa de Dios.más placentero leer los mármoles que los manuscritos. para los que conocen las propiedades de las piedras preciosas. y la simetría.  Abad Surger: El valor estético del brillo y las posibilidades de los materiales preciosos como método anagógico: habla de las piedras preciosas. y pasar el día entero admirando estas cosas. que tiene como finalidad ultima la elevación del espíritu. Es evidente. Hay dos momentos de apogeo: el mundo bizantino. estos diferentes ornamentos. y más preocupados por la riqueza. dan mucha importancia a los materiales. que no existe en absoluto. que no sólo ninguna está ausente entre éstas. crisolita y ónice. “A menudo contemplamos. y el arte gótico.

se piensa que pudo ser escrito en Alemania. literatura pragmática. en torno al valor de la ornamentación de la iglesia y los materiales ricos. para enseñar el dibujo.  Teófilo Presbítero. eran los propios artistas los que escriben sobre las técnicas. en torno al siglo XII. Los hace a medida que viaja. Arte como destreza manual. . Villarddebio de ser un maestro de obra o arquitecto. . la destreza artesanal y el estado emocional del espectador. Libros producidos pensados por la plástica coetánea. sino de dar modelos para trabajar. .Técnicas artísticas de geografías distantes.La antigüedad clásica y el mundo bizantino.Las cuestiones prácticas. y parece que recurre al mundo clásico. Dar instrucciones de cómo hacer las cosas. Dos tipos: Libros sobre técnicas  Heraclio. . que se conmueva. los temas pintados. va recogiendo lo que ve.Autor culto pero que remite a su experiencia práctica.Libro concebido como conjunto de modelos para copiar Falta de estructura o sistematización. El oro. primera mitad del siglo XIII. sin estructura 36 . Les permite conocer a los pintores las técnicas y procedimientos artísticos. con adiciones del siglo XII. Exquisita mano. Are con finalidad artística. relativamente minoritaria.Reflexiones de carácter más teórico en los prólogos. . De diversisartibus. . la geometría y así el artista tiene los modelos para pintar. y lo que hace es un libro de dibujos para copiar. XII? apenas atiene a arquitectura o escultura mural. Lo fijan. Hombre culto y elegante. son como laminas. se va principalmente a los objetos de pequeño tamaño. no es importante el texto sino compilar la información.La literatura de taller. cuenta lo que él mismo ha podido probar. .El vacío del arte monumental y la atención a los objetos de pequeño tamaño.  El Álbum de dibujos de Villar de Honnecourt.La propia experiencia. que debió de viajar mucho. ¿Roma s. . y qué haya una empatía con el espectador. Permiten sistematizar lo que se había difundido de manera oral que se operaba en el taller. Sobre los colores y las artes de los romanos. Apenas hay reflexión teórica. Libros sobre modelos: ya no se ocupan de la cuestión técnica. Él mismo se pone el nombre. libros de técnicas y libros de modelos. de finales del XIII. reivindicación de la mano del artista. no suficientemente estudiada.

Moshe (1991). 37 .sistemática. José Enrique (2012). Madrid. Teorías del Arte. Wladyslaw (1987-1991) (1ª ed. polaco 1962. Akal. TATARKIEWICZ. La geometría y las matemáticas entraban dentro de las artes liberales. Joaquín (1997). en el siglo XVIII ¿?. copia de uno anterior de la segunda Edad de Oro?. YARZA LUACES. inspiración posiblemente copia para guiar al artista en modelos. se describe de manera literaria. se le atribuye al monje Dionisio de Furma. sin diseño ni dibujos. Colección Conocer el Arte. donde hay un elemento en común que es la importancia de la geometría en la formación del artista. pp. La construcción historiográfica del arte. sobre todo escultura. sin plan. aunque no haya ningún escrito. De Platón a Winckelmann. Antonio. Madrid. Fuentes de la Historia del Arte I. se piensa que viene del taller y que es para los que ya saben dibujar.  El manual del pintor o guía de la pintura del monte Athos. Dividido en tres partes: repertorio de temas. URQUIZAR HERRERA. va copiando lo que ve. Historia 16. Madrid.1970): Historia de la estética (ver los volúmenes I y II. GARCÍA MELERO. Madrid. es un recordatorio.44-56. Eleva la condición social del artista. referidos respectivamente a Antigüedad y Edad Media). Arquitectura y artes figurativas. Bibliografía de apoyo:     BARASCH. no puede ir en cualquier lugar. También importante en el mundo occidental. Alianza Forma. Ramón Areces. pp. sobre todo iconográficos.54-299.15-94. pp. Y nos dice dónde deben ubicarse dentro del templo.

Con anterioridad no encontramos nada tan sistematizado como hasta ahora.   El ascenso social del artista:   Reivindicación de las artes visuales como artes liberales. El ascenso social permite desarraigarse de las normas del gremio. Tratados artísticos y teoría del arte barroco. José (1982). 95-248. Vasari) SIGLOS XV Y XVI a) Renacimiento.. van a demostrar que lo que ellos realizan es un arte liberal. La biografía artística como antecedente metodológico.TEMA 3: TEORÍAS DEL ARTE (III): SIGLOS XV. a) Renacimiento. el humanismo y la teoría del arte. Pese a este encorsetamiento. 38 . Las bases del enfoque iconográfico. Teoría y Metodología de la Historia del arte. pp. Mitificación del ascenso social y el encorsetamiento de los gremios (protección. unas pinceladas. el Humanismo y la teoría del arte. Barcelona. De Platón a Winckelmann.. basándose en argumentos como la relación entre arte-ciencia.  FERNANDEZ ARENAS. (ref. Moshe (1991). La querelle entre antiguos y modernos. 55-68. La biografía artística como antecedente metodológico (s XV-XVI) (Método biográfico como metodología del arte. cobertura religiosa.(sXVII) c) La Querelle antiguos y modernos. pp. La conciencia de estar abriendo un camino (Alberti y su tratado sobre la pintura. financiación.Se da en Italia a principios del Renacimiento).  La teoría del arte como elemento definitorio del Renacimiento:  La escisión con la Edad Media. 1435) Puede que se encuentren algunas teorizaciones mínimas.) b) Tratados artísticos y teoría del arte Barroco. Tendrán una conciencia de sistematizar y organizar el conocimiento. Teorías del arte. Alianza Forma. Bibliografía:  BARASCH. Madrid. XVI Y XVII. pero es en el Renacimiento cuando el artista tendrá conciencia de ello. el humanismo y la teoría del arte. intermediarios entre artistas y mecenas. La biografía artística como antecedente metodológico. El Renacimiento.

no solo de manera superficial. Compilación de serie de planteamientos teóricos y matemáticos acerca de la creación pictórica.  El artista plástico y el poeta: la recuperación de Horacio y el tu pictura poiesis. Es necesario conocer la anatomía. ARTISTAS:  G. Ghiberti y los Commentarii. realidad e ilusión. Leonardo y la perspectiva aérea (c. Se da más importancia a la imitación de la naturaleza que a las propias enseñanzas adquiridas del maestro. o Tendencias centrífugas: las disputas retóricas de los paragone generalmente centradas en la escultura y la pintura (superioridad del ojo. Alberti y el tratado de la pintura (c. Teórico y práctico.  Movimiento centrífugos y centrípetos entre artistas: pintores..  Arte destinado a un público culto y refinado. visión múltiple y única. o Tendencias centrípetas: Elogios entre artistas en la obra de Alberti.   Extensa y culta educación. o Perspectiva: Sistema teórico y fundamental que se plasma con anterioridad y se boceta antes de llevarlo a la obra. Durero y el Libro IV de su tratado de la geometría (1525). El artista debe tener un amplio conocimiento literario. destacables sus aportaciones en el campo de la arquitectura. Unión y separación entre las disciplinas.1420). Piero della Francesca y De prospectiva pigendi (c. la Academia de Dibujo (Academia del Disegno)promovida por Vasari. Reivindican este conocimiento para llevar a cabo un buen arte.t pictura poiesis. o Anatomía: Sobre todo reivindicado por escultores y pintores. con intención de dedicarse a la vida artística. sino incluso desde el conocimiento médico. dedicada a Ghiberti. Brunelleschi y Masaccio. lo que más adelante facilitarán los avances en este campo.. Se gesta ahora la noción del genio. ''pintor anatomista''. 1435). arquitectos y escultores. Horacio. 39 . u. La necesaria unión de arte y ciencia: perspectiva y anatomía. Componente elitista.B.  Arte como imitación y selección de la naturaleza para lograr la belleza:  Las enseñanzas del maestro y la imitación de la naturaleza. Alberti (1404-1472) Procedente de una familia rica y culta.1480). Centradas en la superioridad de ambas frente a la otra. Leonardo Da Vinci. Brunelleschi y la representación de la plaza de la Signoria de Florencia (c.1500). la imaginación como elemento común del pintor y el poeta. del artista temperamental.).

. simetría. científica. aunque rápidamente traducidas al italiano. para poder representar en su pintura los rasgos de la belleza femenina que en cada una de ellas eran más dignos de admiración. pretende emular al propio Vitrubio.. Aquí encontramos la esencia del planteamiento teórico del Renacimiento. no sólo no podía encontrarlo intuitivamente. base de la armonía cósmica del universo.Confinitas: armonía arquitectónica. Por y para ellos. - De re aedificatoria (1452).. con acceso a la imaginación y echando la vista atrás a la antigüedad. Tratado sobre arquitectura. teóricos. multidisciplinar. Resultado. armonía. Actuó con sabiduría”  Fachada Santa María Novella 40 . y el de la escultura será más sintético. conceptos sacados de la antigüedad clásica. si no en la observación y la imitación de la naturaleza. (Santa María Novella) - De statua (1464). dividido en tres libros. convencido de que todo aquello que le era necesario para plasmar la belleza. la belleza matemática. Se debe imitar la naturaleza seleccionando los elementos más hermosos para componer algo armónico. sino que. No le da tanta importancia en la formación del maestro. no pretendiendo imitarlo. estructura sistemática. sino que ni siquiera en la naturaleza podría descubrirlo en un único cuerpo. CAPACIDAD INTELECTUAL DEL ARTISTA. como todos los pintores hacen ahora. escogió de entre todas las jóvenes de la ciudad a cinco muchachas especialmente hermosas. Es necesaria la aportación propia del artista.SERIE DE TRTADOS: Inicialmente en latín culto. ordenada. geometría y elementos formales de la pintura. - De pictura (1435). Son tratados destinados a formar al artista. La anécdota de Zeuxis recogida por Alberti: “Cuando los ciudadanos de Crotona pidieron a Zeuxis que realizara una imagen de culto de Helena (o Venus)] “no emprendió su obra confiando impetuosamente en su propio talento. Habla de la óptica. El de pintura será el que tendrá el contenido teórico más fuerte.. La belleza basada en la simetría. mesura. si no recrearlo y actualizarlo a su época. el de arquitectura ensalzará la figura de Vitrubio. matemática y geometría. Dedicará una parte muy importante a explicar cómo debe ser la educación del artista.

Todo el conocimiento anatómico se basaba en la disección de cadáveres. Esta compilación no llega a ver la luz de manera masiva hasta el s. Típico renacentista. si no de su discípulo. o Importancia matemática y geometría a la anatomía del cuerpo humano. Se apoya en el ojo. XVII. la complementariedad de a teoría y la práctica. Este tratado no es resultado de la mano del propio Leonardo. el problemático Tratado de la pintura. el trabajo diario. práctica-teoría indisoluble. Leonardo DA VINCI (1452-1519) Iletrado y formado en taller. o Tendencia sintética y carácter científico de sus dibujos. Empirismo. - Paragone y la superioridad del ojo. La revisión de la perspectiva renacentista: la perspectiva aérea y el sfumato 41 . aunque seguirá siendo una práctica muy puntual. o Pittore anatomista. tecnología. Unión entre anatomía y pintura: necesidad de nociones de anatomía para llevar a cabo el trabajo de pintor. Es un ejemplo más de que Leonardo parte de la práctica para luego fundamentar la teoría.    Crea una serie de escritos dispersos y fragmentarios. lo que llevan a la teoría y la habilidad.  Importancia de la experiencia visual. fundamental dentro de la formación del pintor. y la versión más completa será del SXIX. Demuestra que las cualidades estéticas tienen una base matemática y científica. como el sentido más sagaz y astuto. Es la experiencia. o Disecciones y contacto con anatomistas de la época (Marcantonio della Torre). sus bocetos se basan en la síntesis de la disección de múltiples cadáveres. dentro de la universidad. La experiencia visual le da superioridad a la pintura sobre las otras artes. o Influencia de Vesalio De humanis corpori fabrica 1543. práctica. Francesco Melzi. la importancia de la matemática. o Multidisciplinariedad como argumento de ascenso social.

sino que esa imagen tiene que tener algo de mensurable. Inscribe el cuerpo humano dentro de figuras. la gracia La pintura como arte imitativo y creativo Planteamientos que no parten de la filosofía. La pintura no puede ser imitada. que tenga expresión. Quiere que el cuerpo se adecúe a la matemática. Se acentúa más a partir del siglo XV. porque tiene una experiencia visual. hay superioridad del ojo. Leonardo compara la pintura con la poesía porque entra por el oído y la pintura entra por los ojos. Por ello mete a la pintura dentro de las artes liberales. Reflexiono sobre la perspectiva hizo una crítica con base matemática. la gracia o el encanto. encanto…). copiada. (Alberti decía que los tres eran afines). Tiene una mayor perdurabilidad. exclusiva. da importancia a la práctica. a lo tecnológico. es algo inmediato. “El pintor y el anatomista”. Sus diseños se pueden ver después con el paso de la ciencia medieval a la moderna. que es una reflexión sobre la belleza. que no se pueda medir. La obra de arte es una obra única. muy teórica. No se habían apoyado en la práctica. Estudia los cuerpos gestantes. práctico. Decía que faltaba algo. Afinidad y diferencia con arquitectos… con el paragone.  La belleza y las cualidades emocionales. Es un arte inmediato y también creativo (gracia. Estudio anatómico. no considera que para ser bello hay que fijarse en la imagen perfecta. La finalidad del tratado es conseguir la cualidad estética. tiene que ser única. de autores como Alberti o Piero della Francesca. es también superior a la escultura. Paragone – conseguir un ascenso del artista. que no se quede sólo en la matemática. Escribe un tratado de pintura. como por ejemplo la esfera. porque es un esfuerzo mental y no un esfuerzo físico. además la perspectiva aérea implica una importancia en el color. La gestación humana y los préstamos de la botánica 42 . y además el escultor no puede sugerir un espacio que no existe. viendo cuál de estos es superior. y la obra literaria puede ser copiada y tener el mismo valor que el original. Da mucha importancia a la experiencia visual. es lo que nos marca la distancia. define las luces y las sombras. Hace una serie de notas en donde dice que la pintura es superior al resto.  Leonardo da Vinci. Diseccionaba cuerpos. Muchos estudiantes de medicina preferían ir a versus dibujos que a la escuela de medicina. Villar Honnecourt -> dibujos con formas geométricas. con respecto a la literatura y a la música. y hay que meterla perspectiva aérea y el esfumato. Se definirá como pintor anatomista. La eleva.

 Leonardo.  Álbum de diseños de Villar de Honnecourt. El pintor anatomista y la importancia de la geometría. 43 . La anatomía y la pintura en la en la Edad Media.

Considera que la arquitectura tiene que estar sujeta a unos cánones de proporción humana como base de ésta. Tratado dedicado a Francesco Sforza. donde se ocupa del trazado de una ciudad humanística ideal. del diseño de la ciudad ideal. EL FILARETE (Antonio di Pietro Averlino) (1400-1469) Arquitecto y escultor. La arquitectura tiene que estar acorde con la proporción del hombre (Renacimiento). defensiva. No se lleva a cabo. El Tratado de Arquitectura (1451.  Francesco di Giorgio Martini (1439-1502) Arquitecto. Carácter antropomorfo de la arquitectura. utopías. que nunca se llevan a cabo.   El Tratado de arquitectura civil y militar. hay que ajustar la proporción conforme a la vista. Proporción de base matemática y basada en la experiencia visual. Totalmente utópica. formado con Ghiberti. La llaman Sforzzina. que había muerto hacía poco y había sido su profesor.1464). Quiere hacer coincidir la belleza artística con las matemáticas. Perfil estrellado. Dedicado a Federico de Montefeltro. El objeto es la cuestión del urbanismo. 44 . 1482.   Los trabajos para Francesco I Sforza en Milán. en italiano y no en latín.

en especial por el espacio en perspectiva reflejado en el Libro IV de su Tratado de geometría (1525). SIGLO XVI  Alberto Durero (1471-1528) Es uno de los que mejor demuestra el traspaso de Italia a Alemania en este caso. no se puede alcanzar con la proporción. reivindicando la nobleza de su arte. Teoría de las proporciones. Usa la perspectiva aérea y el esfumato de Leonardo. Hay diversidad. Tuvo contacto con Alberti. Hace viajes para conocer los secretos de los italianos y así llevarlo a su país. que es un elemento esencial de la pintura. Compendio. como un intelectual. como se asienta en la medida. cómo el arte persigue la belleza. Quiere aprender la perspectiva italiana. Para informarse sobre novedades de perspectiva.    Su interés por los avances italianos. Utiliza las matemáticas para reivindicar el carácter científico del arte. la proporción. Los cuatro libros de las proporciones humanas (1528) y las diferentes proporciones masculinas y femeninas. y así elevar su orden social. Después de un viaje a Italia en 1506. por el norte. se autorretrata como un caballero. Le apasionaba Italia. 45 . Canon y matemática. El estudio del cuerpo en movimiento y de los estados de ánimo. Habla de hasta trece figuras buenas para conseguir la perfección del cuerpo masculino y femenino. Considera que no hay una única proporción perfecta.

El dibujo (disegno) y la similitud entre las artes. . Es la biografía la que condiciona el arte. maniera. Agrupación de artistas por época. diseño. Abre el camino a otros artistas. Ensalza a los italianos. la sensibilidad. renace el arte). Cuatro conceptos clave: imitación. Es importante la formación del artista. Giorgio VASARI (1511-1574) Es el teórico por excelencia. El Renacimiento es la excelencia de Grecia y Roma pero mejor. . considerando la Edad Media como una etapa oscura. Antonio PALOMINO. con planteamientos teóricos del momento. Podríamos decir que es la base del conocedor. Vidas (Vidas de los más excelentes arquitectos. La alabanza de los artistas toscanos y el reconocimiento social de los artistas. Se abre paso un nuevo modelo de artista. Los cambios son de carácter cíclico (Riegl Wölffin). Su finalidad es promocionar el arte italiano de su época y el arte de la Toscana y aún más el de Florencia. creativo. Evolución. unión de lo melancólico del arte con la ciencia. flemático. Era una forma de humor que podía llevar a la genialidad artística. Atrae el campo a una nueva manera de teoría del arte. Método más antiguo de la Historia del Arte. con tres generaciones: Cimabue y Giotto (primeras luces. son ciclos. La consolidación del género biográfico y la anticipación de la historia del arte como disciplina (influencia en autores posteriores como Karel VAN MANDER. el aislamiento. Modelo asentado en una teoría antigua de los humores. La Historia del arte entendida de manera cíclica. Agustín CEÁN BERMÚDEZ…) El término Rinascità. la tristeza. distinguiendo tres etapas en el Renacimiento. André FÉLIBIEN. Ya lo planteó Aristóteles. Hace que el género biográfico pase a ser parte de… y a construir una historia del artista. melancólico y colérico. Es capaz de plasmar su personalidad. pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestro tiempo).La teoría humoral de la Antigüedad.La formación y el don innato para el arte. Se nos presenta más como historiador que como artista. carácter cíclico y posibilidad de superación en el arte. del manierismo. Ve una unión entre pintura. los nacidos bajo el signo de Saturno. Dentro de estos el que asocia con el arte es el melancólico. las diferentes ediciones de 1550 (escribe sobre artistas fallecidos) y 1568 (escribe sobre artistas afines del momento). pero también lleva a la locura como decía Platón. Su texto es una fuente documental. En la Edad Media esos humores estaban regidos por los planetas.         Nueva concepción del artista: . escultura y arquitectura. temperamental.Excentricidad y genialidad. pero si no tiene un arte innato pasará desapercibido. regla y gracia (o facilidad). el artista genio. Piero della Francesca y Ucello 46 . Hay una evolución desde el arte clásico hasta el Renacimiento. sanguíneo. la enfermedad y la genialidad. Anticipa la figura del historiador del arte. la melancolía.

el artista tiene que ser capaz de hacer la obra como si no le supusiese dificultad. Por último el término maniera responde a una mera individual. Caprichos. 47 . reglas. al temperamento del artista. El dibujo se apoya en las reglas. También tiene que tener gracia y encanto. pero también de época.  El sueño de la razón produce monstruos. la escultura y la arquitectura tienen como elemento común el dibujo. Tiene que hacerla asequible. Considera que la pintura. que supera el esplendor del arte de la Antigüedad. invenzione. La genialidad. Acuña los conceptos de Gótico. y Miguel Ángel a la cabeza como culminación. de Goya. 1799. La futilidad o vanidad del arte. gracia y manera o maniera.  Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)       Su teoría del arte expresada en sonetos y cartas. Edad media… El arte está regido por: imitación. La regla está como base del dibujo. Creación. Con ello se plantea agrupar por épocas (Wólffin). El sinsentido de parangonar las artes. Deseo de transformar e interpretar la naturaleza. La relación entre el arte y la naturaleza. diseño y dibujo. Su finalidad es mirar a la naturaleza. Raíz platónica -> el artista tiene la idea en su mente y a través del arte plasma esa idea mental.(consolidación). concetto.

1548. Los esclavos inacabados. Sebastiano SERLIO (1475-1554). Importancia de la geometría y la perspectiva. prontezza y lume. Andrea PALLADIO (1508-1580).1538-1562. 1553. Tratado de arquitectura. Los cuatro libros de arquitectura. El color de los venecianos. Dánae y la lluvia de oro. El paragone entre escultura y pintura. Proprietà. Gran repercusión en la arquitectura de su época. ca.  Tiziano. facilitando el paso al Barroco. Reflexión teórica y práctica sobre la Antigüedad Paolo Pino (1534 ?. ca. 48 . Museo del Prado.  Bienvenuto Cellini (1500-1571)            Autobiografía. Pragmatismo. 1570. Carácter práctico.1565)    Diálogo de la pintura. 1537-1551.

escultores y arquitectos modernos.  La Academia del Arte y las reglas . Vaticano. asociando cada escuela a un tipo de belleza: la romana. 1672. la lombarda. franceses. italianos).  Doce biografías. Teóricos del arte:  Giovanni Bellori (1615-1696) Vidas de pintores.  División en escuelas. la toscana.SIGLO XVII Tratados artísticos y teoría del arte del Barroco. 49 .  Dos tendencias: naturalismo y manierismo.La Escuela de Atenas.El ejemplo de Franciscus Junius y su De pictura veterum. Rafael. la veneciana. 1637. La figura del anticuario erudito . La querelle entre antiguos y modernos: El siglo XVII y la Teoría del Arte   Mayor cosmopolitismo. 1509.  Ambiente cosmopolita (flamencos.

Entretiens sur les vies et les ouvrages des plus excellens peintres. 16291630. anciens et modernes. Entretiens sur Nicolas Poussin. Virgen con el Niño.André Félibien. La inspiración del poeta.  Correspondencia: carta de Poussin a Fréart de Chambray. . 1665. Fuentes: .  Nicolas Poussin (1594-1665)   Pintor filósofo. 1666-1668. 1602.André FÉLIBIEN. Perseo y Andrómeda. cuyas opiniones teóricas no las pone por escrito en un tratado sistemático. 1605. 50 . 1665. Caravaggio.  Pintura como “imitación de la naturaleza hecha a base de línea y color cuya finalidad es el deleite”  Poussin. Cavaliere d`Arpino.

1673. nos muestra siempre el camino más corto y más fácil y nos hace indefectiblemente venturosos tanto en los medios como en el fin. Es un presente que la naturaleza hace a los hombres en el momento de su nacimiento. Porque esta claridad de espíritu. La razón y las reglas: visión utópica de las mismas. La idea del perfecto pintor. y aunque generalmente no lo da más que para una cosa en particular. esta facilidad no se encontrará más que en aquellos que antes de instruirse en las reglas y de ver las obras de otros han consultado su inclinación y han examinado si estaban atraídos por una luz interior hacia la profesión que querían seguir. Charles Le Brun (1619-1690)        Director de la Academia de las Artes en Francia. El genio es pues una claridad de espíritu que conduce al fin por medios fáciles.  El color. La educación del artista. 51 . “El genio es pues necesario. leído mucho y estudiado mucho para dirigir este genio y hacerlo capaz de producir cosas dignas de la posteridad. Es necesario haber visto mucho. Teoría acompañada de dibujos y grabados. la reflexión y la asiduidad en el trabajo. Debe ser grande para corresponder a la extensión de un arte que abarca tantos conocimientos y que exige mucho tiempo y aplicación para adquirirlos (…) Así pues. La imitación y mejora de la naturaleza Los autores antiguos y los recientes como modo de orientar la observación de la naturaleza. 1699. que no es otra cosa que el genio. Es una parte que no puede adquirir ni por el estudio. es algunas veces lo bastante liberal para hacerlo general en un solo hombre (…) (II Parte): La idea del perfecto pintor. pero un genio educado en las reglas. ni por el trabajo.  La oposición a la Academia. Las emociones plasmadas en el rostro humano y la relación con Descartes  Roger De Piles (1635-1709) Dialogue sur le coloris.  Conexión con Leonardo y los venecianos Ejercicio 7: Comentario de texto (I Parte): Roger de Piles.  La experiencia frente a las reglas. la luz y el dibujo. 1699 “El genio es lo primero que se debe suponer en un pintor.

a menos que no recurra a los estudios que otros han hecho (…)” Querelle antiguos y modernos. En general. 1687 . 1697 . las altas Ideas que tomó de lo antiguo.Louis XIV y Augusto .Sin embargo. es bueno que se sirva sin escrúpulos de los estudios de otros (…) El genio se sirve pues de la memoria como de un vaso en el que se guardan las ideas que se presentan. Timantes y Apeles. 1687. el arte no ha dejado de avanzar ni si quiera desde el Renacimiento. igual que Alberto Durero y Lucas de Leyde sacaron del suyo las Ideas góticas que la práctica de su tiempo y la naturaleza de su país les habían procurado. Los albores de la Ilustración. pero si no ha estudiado los objetos particulares fracasará en la ejecución de su obra.El progreso de las ciencias y las artes . un hombre con genio puede inventar un tema.La superioridad de los modernos Parallèle des anciens et des modernes. [y por] demostrar que mantienen su superioridad sobre pintores como Rafael.Ciencia y arte .Cinco diálogos. por usar esta palabra.La posibilidad de alcanzar y superar a los Antiguos . Así Rafael sacó de su almacén.El progreso guiado por la razón Pérrault y la Querelle: “Hoy nos dejamos entusiasmar por Zeuxis. Además. se saca de él lo que se ha depositado y no se puede sacar otra cosa. Tiziano o Veronés y los demás grandes artistas del siglo pasado […] Me atrevo decir que si consideramos el arte como una acumulación y como una recopilación de preceptos nos encontraremos con que en los tiempos modernos es más avanzado de lo que fue en épocas pasadas. las escoge con la ayuda del juicio y hace con ellas un almacén del que se sirve en cada ocasión. como el pintor no puede ni ver ni estudiar todo lo que sería de desear para la perfección de su arte. Afirmo. por lo tanto que la pintura actual es más perfecta incluso que en el siglo de Rafael” 52 .  Charles Pérrault Le siècle de Louis le Grand. el segundo de ellos dedicado a las artes visuales . celebración de la recuperación de Luis XIV por parte de los académico.

La construcción historiográfica del arte. Teoría y Metodología de la Historia del arte.52-130. URQUIZAR HERRERA. TATARKIEWICZ. Anthropos. pp. FERNÁNDEZ ARENAS. Teorías del Arte. José (1982). polaco 1962-1970). GARCÍA MELERO. Antonio. Ramón Areces. 55-68. Madrid. Madrid. Akal. Barcelona. Moshe (1991). Historia de la estética. Wladyslaw (1987-1991) (1ª ed.III. 53 . pp. Alianza Forma. De Platón a Winckelmann. pp.Bibliografía de apoyo:     BARASCH. 95-248. Madrid. vol. José Enrique (2012).

Los libros de viajes:   Del artista al lugar. XIX Y XX. Muchos historiadores del arte hacen catálogos patrimoniales a través de estos libros de viaje. los toros. Los españoles ven esto como una forma de autopromoción. sino que también destaca lo exótico. donde a veces se deja entrever un planteamiento más teórico. En el Romanticismo los conceptos de nación y pueblo cobran fuerza. son fuentes fundamentales por la acumulación de datos. se consolida la idea de nación y pueblo frente a la invasión napoleónica. por eso se hacen especialmente populares los Libros de Viajes que contextualizan en un paisaje la obra monumental. 1715-1724. aunque carezcan de profundidad literaria. y que dará lugar al pintoresquismo. Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las Bellas Artes en España. 1800. Viaje por España.… Algunos libros recogen ilustraciones. sobre todo ingleses y franceses. Juan Agustín Ceán Bermúdez. La definitiva aparición de la historia del arte como disciplina académica y su escisión de la estética y a crítica de arte. La persistencia del género biográfico:   Antonio Palomino. Winckelmann los comienzos de la historiografía artística contemporánea.…y muchos de los viajeros del Grand Tour recogen en Libros de Viajes sus experiencias. pues muchos viajeros. Fuente documental. eso crea un tópico de guerra popular que aparece en los libros de Viaje que se refieren a España. lo singular y lo diferente.TEMA 4: TEORÍAS DEL ARTE (III): SIGLOS XVIII. lo atípico. Se recuperan elementos medievales como la Inquisición. Se genera la visión romántica del país llena de estereotipos. 5/11/13 Tipos de escritos: El género biográfico y la literatura de viajes. que despierta la curiosidad. Las nuevas categorías estético-artísticas: sublime y pintoresco. Así se demuestra un nuevo interés no solo por lo clásico. Destaca el viaje de Antonio Ponz. El idealismo alemán y la historia del arte: Hegel. En España por la Guerra de Independencia. 54 . llegan a España buscando un exotismo y un orientalismo que no encuentran en sus regiones. resaltando su importancia en la historia de un pueblo o una región. El museo pictórico y la escala óptica. revalorización del patrimonio.

muchos planteamientos artísticos parten de escritores. a través de la imaginación que une la razón. 1772-1794. lo extravagante. extraño. y para la que escribe unos artículos sobre el arte que se engloban en el libro Los placeres de la imaginación. lo sublime y lo pintoresco. . es decir.Textos pintorescos. Viaje por España. el gusto estético. De entre estas ideas las más nuevas son la de lo sublime y lo pintoresco. introduciéndose el relativismo. Reconoce que en el arte encontramos tres cualidades estéticas distintas: lo bello. Los jardines en el siglo XVIII y XIX se empiezan a añadir ruinas o edificios exóticos. Este libro tiene un contenido más próximo a las ideas estéticas.…y Addyson añade la importancia de los jardines como expresión de lo pintoresco. diferente. El teórico más importante de esto es:  Joseph Alddyson.. singular.. 55 . dando lugar a que la pintura se transforme. lo exótico. sino que el espectador lo contempla desde cierto dolor por su incapacidad para entenderlo. Este autor griego pertenecía al ámbito de la retórica y la literatura. En estos años se desliga la historia del arte de la crítica y de la teoría estética. C y el siglo I. Lo sublime no es novedoso de este autor. Es la manera que tiene el ser humano de interpretar el mundo. de una fecha temprana pero de fundamental influencia en autores del siglo XVIII. en contraste con lo pintoresco. Interesan lo costumbrista. resulta novedoso. de 1712.. pues compara el jardín ingles con el francés. .Consolidación de tópicos. Los libros de viajes en España (fines XVIII y 1ª mitad XIX). que habría escrito un tratado llamado Sobre lo sublime.El orientalismo y lo exótico. Este griego decía que lo sublime era aquello extremo que era imposible de asimilar por la mente. La percepción del mundo está muy condicionada por la sensorialidad. usa el arte como ejemplo de una teoría estética. lo diferente. A través de El espectador. Lo pintoresco proviene del concepto de la pintura. A partir de él se ponen las bases teóricas al romanticismo. sino que lo toma del autor griego del siglo III a. . hecho especialmente para estas localizaciones.Antonio Ponz.todo ello condiciona la imaginación. Las nuevas categorías estético-artísticas: lo sublime y lo pintoresco. la experiencia sensorial. la educación. de la estética y del conocimiento. Pseudolongino. A partir de este momento la imaginación es parte central del arte. y aparecen dos nuevas categorías estéticas: lo sublime y lo pintoresco de mano del romanticismo. con una necesidad de aprehenderlo mejor y conocerlo. pues lo sublime excede la razón humana y no se puede comprender.…y que por tanto genera en el espectador una sorpresa agradable. revista que dirigía. la sensibilidad. .

A su vez dice que el horror que expresa lo sublime atrae al ser humano. 56 . pues somos incapaces de adecuar nuestra experiencia a lo que apreciamos. Él encuentra que lo sublime excede la obra de arte y que su lugar original es la naturaleza. por ello se denota que investigan lo sublime desde la filosofía estética. 1808-1809. aquel que es capaz de comprender lo sublime se sumerge en la belleza.… Ideas muy similares desarrolla Immanuel Kant a partir del 1764 cuando escribe Observaciones sobre el carácter de lo bello y lo sublime. igual que la luz y la oscuridad. pues el alma desea comprenderlo y por eso se siente arrastrada a él. la naturaleza inmensa y desatada. ideas expresadas que retoma en 1790 con la Crítica. introduciendo el concepto del horror en el arte. por ello Addyson traspasa el concepto de la retórica a las artes visuales. no es un grado más de la belleza sino que lo sublime anula la belleza y arrastra la imaginación hacia la confusión y al horro. que genera esa tensión hacia el arte. Coincide con Burke y lo Addyson dice que lo sublime también es una forma de conocimiento. aunque genere una tensión inicial logra una experiencia superior ante el arte. En la pintura lo sublime es aquello extremo. Berlín.  - Edmund Burke escribe un texto filosófico en 1756 sobre Una investigación filosófica sobre - nuestras ideas de lo sublime y de lo bello. en la soledad.Addyson considera que hay una interrelación entre lo sublime y lo bello. y añade la idea de que lo bello y lo sublime se excluyen mutuamente. Monje a la orilla del mar. incomprensible. pues este supera los límites de lo bello. Genera una idea de horror pues es para nuestra capacidad intelectual. Entendemos esta idea de lo sublime en el silencio. de manera que la gente no formada no supera el horror que le supone lo sublime. A partir de este teórico muchos autores se interesaran por el concepto de lo sublime. tratando de ampliar su explicación. y no llega a alcanzar el conocimiento que lo sublime conlleva. Caspar Friedrich. Alte Nat.

y las cosas se pueden conocer también desde la experiencia sensorial y la imaginación. 1765. que en 1754 escribe Estética¸ cuya finalidad no es plantear nuevas ideas sino que construye su historia como rama de la filosofía. Sigue dentro de la Ilustración y la vuelta al mundo clásico. Diderot recoge las obras que se llevan a los Salones. cuyo mayor ejemplo es Baugarten. La estética se separa de la historia del arte y de la crítica. 1751. El ensayo sobre la pintura. aunque también le interesa la estética y la historia de la pintura.… Este lo continúa Hegel. y de forma subjetiva. en las cuales reflexiona desde el periodismo sobre las obras contemporáneas a él donde defiende el neoclasicismo. pero también en estas críticas empieza a haber un ataque al arte sometido a las reglas de forma exclusiva. pues necesitamos apoyarnos en la crítica para la construcción de la historia del arte posterior. pues se empieza a cuestionar su excesivo uso para limitar al artista. La labor del crítico de arte es fundamental para el historiador. frente al Rococó. plasmó sus críticas en Los salones de Diderot. de manera que conoce la problemática del Academicismo. o Crítica del Arte: Todas estas ideas van conformando la mentalidad del romanticismo. con juicios. una diferencia muy importante y un punto de inflexión para el mundo del arte. ideas teóricas. ya que dice que han protegido al artista mediocre y han limitado la genialidad. El tratado de la Belleza.  Denis Diderot (1713-1784) - Las críticas a los Salones de Paris 1759-1781. sino para el consumidor. pues las obras que critica están previamente seleccionadas por la Academia de Bellas Artes de Francia. pues eran las principales obras que luego se vendían a los incipientes museos o coleccionistas aristocráticos y burgueses. unas publicaciones de la segunda mitad del siglo XVIII. ya no escriben para el mundo del arte. junto con otros autores. Con este autor aparece la estética independiente de la historia del arte. La crítica se concibe separadamente gracias a Diderot y Lessing. que orientan el gusto del mercado del arte. 57 . Y estas reflexiones están detrás de un intento de construir una historia de la estética. que reflexionan la obra de arte desde distintos puntos. por ejemplo de David. Diderot es uno de los primeros cuya principal actividad es la crítica artística. datos.Historia del Arte. algo que no aparece hasta el momento. pues los teóricos incluían en sus tratados el arte y la estética en su conjunto. por ello se separa de la historia del arte. Después de un primer filtro de la Academia había un segundo filtro formado por el público y los críticos de arte. historia de las Ideas Estéticas y Crítica del arte. Por tanto la crítica de arte es un género ciertamente periodístico por su actualidad en cuanto a que habla de una obra creada en el mismo tiempo que se comenta.

que está dentro de la Ilustración. es el primero que plantea de una manera clara la búsqueda de un ideal claro de la belleza.  Historia recogida por Plinio el Viejo y Virgilio (Eneida).    58 . donde por un lado adopta la visión de un crítico de arte pero además retoma la idea de la conexión entre literatura y artes visuales. Museos Vaticanos. guiado únicamente por la belleza. sus similitudes y diferencias. que era una temática muy usada en la antigüedad no solo para las artes plásticas sino también para la literatura. de 1766. ideales políticos… única finalidad es encontrar la belleza. El Laocoonte como punto de partida de la teoría del arte del XVIII. usando como ejemplo la escultura del Laooconte.De nuevo. El entusiasmo de Miguel Ángel y en todos los artistas y viajeros que trabajaban o pasaban por Roma entre el siglo XVI y el XVIII. volviendo a esta idea de origen clásico.  El Laocoonte y sus hijos. 50 d. es la finalidad del arte. pues considera que examinar la obra actual es parte de la actividad intelectual. Su obra más importante es El Laooconte o los límites de la pintura y la poesía. C. ¿no puedo decir que está muy salada mientras no pueda cocinarla yo mismo?  Laocoonte o sobre los límites de la pintura y la poesía. c. escuela de Rodas. Redescubierto en 1506 en los viñedos del Esquilino (Roma) de Felice de Fredis. 1766. la comparación entre poesía y pintura. Él reivindica el juicio critico como actividad intelectual. . poeta. Plantea en uno de los capítulos la autonomía del arte. y dice que no es necesario que sea una artista el que haga la crítica sobre el arte. Lessing es un alemán.La autonomía del arte. . Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781)  La revalorización de la crítica de arte “Si encuentro mi sopa salada.

Crítica de arte y estética están estrechamente relacionadas. hay que saber escribir bien. 1868. original. a lo efímero. para convencer. tiene que romper con lo anterior. Se separa de los pensamientos del Renacimiento de imitación de la naturaleza. sujeta a la moral de la época. y todas las críticas que hace en esos años se recopilan póstumamente en Curiosidades estéticas. Aquí está el germen de las primeras vanguardias del siglo XX. de crear. ya en la mitad del siglo XIX. Cómo el arte tiene que aspirar a la belleza: dos tipos. hacia el final de su vida. la pasión y la imaginación Salones de arte 1845-1859. 59 . y esto se verá en La pintura de la vida moderna. La ve como una simple técnica. pero sin ella no es posible apreciar la belleza eterna). hay que estar a la moda. En contra de la fotografía y de la pintura con la tendencia naturalista.11/11/13  Charles Pierre Baudelaire (1812-1867)       - Romanticismo y simbolismo Crítica de arte “interesada” Novedad y originalidad Lo bello eterno y lo bello relativo La fotografía La belleza. a finalidad del pintor es reflejar la vida moderna. Todas estas nociones las va a plasmar en los llamados Salones de arte. Considera que por un lado es interesada y subjetiva. carente de cualquier sentimiento. Le peintre de la vie moderne. tiene que ser novedoso. Considera que para hacer una buena crítica del arte hay que ser un buen poeta. Ambas necesarias para entender la obra de arte. que la crítica de arte y la verdad no se pueden juntar. hay que admirar la antigüedad pero tiene que hacerse algo novedoso y nuevo. Parece ir en contra de su propio tiempo al ir en contra de la fotografía. buscando la verdad. la cual para él no tiene valor de arte sino que es técnica. El fin último del arte es la belleza. prototipo del Dandi. por lo que no hay ninguna expresión y para él tiene que estar sujeto a la expresión y a la vida interior del pintor. y va en contra del antiguo concepto de tecné que englobaba cualquier destreza. siempre está sujeta a unos intereses. porque dice que busca de una manera la imitación de la naturaleza. recopiladas como Curiosités esthétiques. belleza eterna e invariable (el alma de la belleza) y belleza relativa y cambiante (refleja la moda. tiene que estar a la moda. al sentimiento. Considera que la principal finalidad del crítico del arte es promover lo nuevo. el arte que se hace en su época. el artista pierde entonces la capacidad de interpretar. escrito con gusto. Y lo mismo acusa a la pintura realista. se siente más identificado con la pintura del Romanticismo. la novedad. 1859-1860 Se dedicó intensamente a lo que es la crítica del arte.

con la figura de Mengs. Varias versiones desde el año 56. 1936. y eso es lo que supera al poema de Virgilio que se expresa de manera clara. aunque está haciendo una historia del arte. “En Francia. y se presenta a favor del arte griego. creaciones artística. sobre todo es muy crítico con el arte Rococó. e historiadores del Arte a los que escriben de Arte antiguo. 19-20) o Historia del Arte:  Johan Joachim Winckelmann (1717-1768)  Pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura.  Historia del arte de la Antigüedad (1764). o si sólo se trata de hechos racionales. pertenece al mero sentido común entender que también el testigo tiene necesidad de juzgar para comprender. económicos. Expresa un juicio estético.Ejercicio 8: comentario de texto. de la escultura y dice que es muy superior a la poesía. Va construyendo su teoría del arte a partir de la visión de los monumentos antiguos. la Historia del Arte necesita tener conciencia de la naturaleza del Arte y experiencia del Arte concreto para distinguir si un cuadro o una estatua son obras de arte. aunque tiene un gran dolor en sus músculos y en su alma. Lionello Venturi. la noble sencillez y tranquila grandeza: se declara a favor de las artes plásticas. al poema de Virgilio. ¿Cómo podrá comprender un crítico una obra de arte sin enmarcarla dentro de la actividad general de su autor. Definición que es tan definitiva como insidiosa porque induce/ a los críticos a ignorar la historia y a los historiadores a carecer de punto de vista crítico […] Si el juicio de una obra de arte se suele atribuir a la crítica. y pretende que el modelo será el Neoclásico. con esa recuperación de la antigüedad. Igualmente. en suma. sin ponerla en relación con las demás obras de tendencia afín u opuesta y. Historia de la crítica del arte. morales o religiosos. Sin poseer una experiencia política no es posible hacer historia política: puesto que se confundirían los acontecimientos importantes con los que no lo son… en fin. Consigue expresar el dolor de una manera contenida. está considerando que le modelo es el arte griego antiguo y defiende el neoclásico. es un dolor contenido. sin hacer su historia? Concluyamos: un crítico que juzga una obra de arte sin hacer su historia juzga sin comprender” (tomado de Borrás 1996. se acostumbra a llamar críticos de Arte a aquellas personas que escriben en los periódicos sobre la actualidad de las exposiciones. Admiración profunda por el arte de la antigüedad respecto al arte de su época. 60 . 1755 Winckelmann ante el Laocoonte. Por otro lado. pp. se harían crónicas y no historias.

Va a determinar en cada una de las esculturas las partes originales y las que no. dolorosamente contraído.- - - La dedica a Mengs Entiende que la obra de arte no es algo individual que dependa de la vida del artista. Hay que ir más allá de la vida de los autores y mirar más el contexto. se cree percibir simplemente en el abdomen. la expresión en las figuras de los griegos muestra. explicar. la colección. tanto en la actitud como en la expresión. Como el Prado que se crea en este momento. las copias… algo que en su época no se hacía casi. El estudio de las partes originales y añadidos de las esculturas clásicas. se manifiesta sin ninguna exasperación en el rostro y en la actitud toda. La apertura de su boca no lo permite. El modelo organicista y la división del arte griego en estilos (antiguo. Laocoonte sufre. No profiere ningún horrible griterío. un alma grande y grave en todas las pasiones. El arte griego y el arte de su época. Winckelmann ante el Laocconte. es mucho más un suspiro temeroso y angustiado. sublime. Es aquí donde empieza la historia del arte tal y como la conocemos. que se aplicará a otros momentos (Renacimiento. Se pretende democratizar el conocimiento. y a la par surge la necesidad de crear métodos propios de la Historia del Arte. pero desearíamos poder soportar el dolor como este gran hombre” Otros hitos de interés para la Historia del Arte   Las cátedras universitarias de Historia del Arte en el siglo XIX. digo yo. Es la culminación de los ideales de WInckelmann. tiene su momento de plenitud y luego muere. Hay una necesidad de organización en el museo. Así como la profundidad del mar siempre está en calma. pero sufre como el Filoctetes de Sófocles: su dolor nos llega hasta el alma. pero este dolor. sin ver el rostro ni otras partes de su cuerpo. bello (Praxíteles o Apeles) y decadente (Helenismo)). nace. Algo que más o menos se estaba anunciando anteriormente (Vasari).en el dolor que se hace patente en todos los músculos y tendones del cuerpo y que. a modo de la naturaleza. una noble sencillez y una tranquila grandeza. “El admirable rasgo distintivo de las obras maestras griegas es. 61 . El dolor del cuerpo y la grandeza del alma están presentes en toda la figura con la misma fuerza y equilibrio. Este alma se refleja en el intensísimo sufrimiento del rostro de Laocoonte – y no sólo en el rostro. para ordenar. Sienta el modelo en la historia del arte. La consolidación de los museos en el siglo XIX y la aparición de métodos propios para el historiador del arte. de la misma manera. Atribucionismo y formalismo (agrupar grandes maestros por escuelas). hacer accesible el arte a todo el público. Gótico…). sino que está condicionada por el medio geográfico que la rodea. la noble sencillez y la tranquila grandeza. aunque su superficie se encuentre muy agitada. como canta Virgilio de su Laocoonte. en general.

del siglo XV en adelante. Colocará a los artistas como culminación. el conocimiento sensible. entiende que es un modo de conocimiento.W. con la colección de arte de los Beoisseree.W. impartidas en Berlín entre 1820 y 1829 y publicadas entre 1835 1838 póstumas. 1835-1838. G. muy distinta. Escribe una Estética. y de una profunda religiosidad. Considera que hay una conexión entre lo medieval y el Renacimiento.o Historia de las Ideas Estéticas:   Alexander G. el conocimiento intelectual. de las ideas estéticas. Durante sus clases no pierde oportunidad de visitar las ciudades con un importante patrimonio como Alemania. Holanda. por ello no se pueden separar. Le interesaran los Van Eyck. apéndice. Estética. y esto es una novedad. Francia. y pretende encontrarla en tres ámbitos: Religión. Escritas antes y publicadas póstumamente. el gusto. sino que al igual que Kant u otros. Bruselas. Baumgarten. Friedrich Hegel (1770 1831)      - - Las lecciones de estética. Y además habían reunido toda la colección reivindicando el interés de lo flamenco y alemán como un interés de sentimiento nacional. mezclada la idea de Historia del Arte e Ideas Estéticas. Durero… el arte regio. que es la culminación de lo medieval. arte y filosofía. El objetivo fundamental de esas Lecciones estéticas es encontrar la Idea Absoluta. 62 . que hay distintas maneras de conocer las cosas. 1750-1758. Uno de los textos más complejos. Idealismo alemán:  G. sobre todo pintura flamenca y alemana. Friedich Hegel. Su interés por la historia del arte La búsqueda de la Idea Absoluta Los diferentes estudios de la Historia del Arte: Periodo Simbólico: o Simbolismo inconsciente o Simbolismo fantástico o Simbolismo real y genuino Periodo Clásico Periodo Romántico La filosofía sustituyendo a la historia del arte en su propia época. Lecciones de Estética. Entiende el arte como parte de la filosofía. Su formación filosófica. un deseo de hacer una historia de las ideas estéticas. momento de esplendor del arte del Cristianismo. y no solo eso. Trabajará mucho tiempo en la Universidad de… entra en contacto con Merchor y Beoisseree. Coloca la estética como parte de la Filosofía. se interesará también por el arte del Renacimiento que refleja muy bien la interioridad del Cristianismo.

el fantástico y el real. y busca maestros como Van Eyck o Durero. y por ello hace evolucionar la historia. La pintura es la superior de todas las artes. el arte indú sobre todo. A partir de entonces considera que el arte ha perdido su objetivo. pero que es algo poco definido. y la cima sería en el siglo IV (similar a Winckelmann). Tres periodos: simbólico. capaz de transmitir emociones…). cuya culminación es el arte egipcio. Es también imagen del progreso. tampoco es raro porque está asistiendo a las campañas napoleónicas. donde hay un equilibrio entre lo espiritual y lo material. hasta el XV. testimonio. Persia y Egipto. obliga a interiorizar. a un esfuerzo mental. al Simbólico con la arquitectura. Este período entra en declive a medida que nos acercamos a 1500. una forma finita. lo espiritual que encuentra la experiencia sensorial y por ello lo compara con la filosofía. Entiende que hay un periodo clásico. posibilidad de una obra de arte desprendida de lo material y preocupada por lo espiritual. filosofía y arte unidos. ha perdido su objetivo y va a temas intrascendentes. El primero lo asocia al mundo persa. que dice que hay una diferencia entre símbolo y cosa simbolizada. volcándose algo más en lo espiritual. por encima de la música y la poesía (como Leonardo. culminación del Cristianismo. Esto se expresa muy bien con la arquitectura que representa muy bien la religión además de ser una estructura perfecta. pero que es confuso e irracional. En el simbólico entran India. Además a cada uno de estos periodos los asocia con. que identifica con Egipto. del cambio de la historia. arte como ídolo. y al Romántico con la pintura. al Clásico la escultura. sino a cambios de la idea absoluta que se materializan de diferente manera. idea espiritual y cosa material que se usa para representarlo. clásico y romántico. con el cristianismo. Y el último. que es imposible distinguir entre el símbolo y lo simbolizado. El segundo lo relaciona con lo Indio. que se caracteriza porque las obras de arte esta n cargadas de un fuerte simbolismo que conecta con fuerzas de la naturaleza. y es la filosofía la que ocupa el lugar del arte. Al simbólico a su vez lo divide en tres periodos. y el segundo momento sería la pintura del Renacimiento. aunque éstas también estén bien consideradas. Y dice que el primer momento de culminación seria la pintura Bizantina. El mundo romántico. donde los seres humanos han sido capaces de encontrar la diferencia entre simb9olo y cosa divinizada y que además ésta está claramente definida. sin distinción entre el elemento divino de la obra de art ey lo que representa. Si se materializan las ideas absolutas es posible avanzar la historia. ha perdido su valor. Hacia el año 1500 es cuando la 63 . Y el romántico. Religión. que no entienden a cambios de tema o cambios estéticos. el inconsciente. y consigue un equilibrio. el arte es la capacidad sensorial de la mente humana. que rompe las fronteras. que permite revelar las ideas Absolutas. A esto le sigue el mundo clásico. y por ello tiene una concepción del arte muy positiva. con Grecia sobre todo. en conjunción también con la música y la poesía. con la Edad Media y el Renacimiento. que expresa la naturaleza de Dios. siendo este último la culminación de la Edad Media cristiana.Tiene unas nociones de arte importantes. Considera que en el momento en que los pintores holandeses… dejan de preocuparse por lo espiritual. donde la escultura clásica es la culminación que es capaz de crear algo concreto.

de este modo veremos la alta estima en que debemos tener este antiguo monumento y comenzaremos una exposición seria sobre el modo de poder unir y compenetrar sin violencia unos elementos tan contradictorios” (tomado de Kultermann 1996. 1771.  La contestación a J. estamos dentro del pensamiento romántico. p. cuando intentamos penetrar en su individualidad. solo en el campo de lo intelectual sin la representación material y él pretende que vuelva a lo trascendente. Preocupado por los monumentos. imposible: hay que asociarle lo agradable. 1772  La catedral de Estrasburgo. La revalorización de periodos no clásicos. con una faceta muy importante como historiador e historiador del arte. debe permitirse una unión antinatural y. Goethe y el Romanticismo. G. Explica todo a la luz de la filosofía y las Ideas Estéticas. 1775 12/11/13 Cuando describe Sytrasburgo considera que hay una similitud entre las leyes que rigen la obra gótica y las de la naturaleza. lo considera bello y sublime. Planteamientos similares a Vasari. cuando se nos presenta como norma. Dos textos. la introducción del concepto de sublime. Sulzer. si no debe ser una molestia. Había una definición del arte gótico. por lo que se relaciona en lo sublime en cuanto a que la naturaleza contiene lo sublime. Teoría general de las Bellas Artes. la similitud entre las leyes naturales y las de la obra de arte… Relación entre arte y naturaleza: 64 . Pero sólo será posible expresar la impresión que nos produce la catedral. por la teoría de los colores…  De la arquitectura alemana.103)  Tercera peregrinación a la tumba de Erwin. Trata de dar una explicación a los cambios en la Historia del Arte y el papel de este en la historia. La recuperación romántica de la Edad Media  Johan Wolfang von Goethe (1749-1832) Poeta. Por ello Goethe escribe un texto de alabanza a la catedral. Si no se quiere que lo colosal.filosofía es capaz de recoger y expresar la Idea Absoluta. ley de armonía. más se afirma y desarrolla la primera impresión de que lo sublime está vinculado a lo agradable. la obra de arte imita la creación sublime de la naturaleza. nada que ver con la falta de disciplina y lo bárbaro. no solo rudo sino de unos modales y formas rudas. “Cuanto más considero la fachada. si consideramos unidas estas dos cualidades incompatibles. intimide. en apariencia.

a medio camino con los salones de arte franceses.… Hace una teoría de los colores desde la física pero destinada a los artistas y al estudio del arte. como la traducción de la autobiografía de B. pues se consolida la idea de una propiedad universal del arte antiguo. en 1805.105-106) Peregrinación a la tumba de Erwin (1775). y la traduce de manera que muestra un interés por el arte del Renacimiento. 65 . sobre todo medievales. por tanto interesa el contexto de la Ilustración. Esto será fundamental para el estudio del arte abstracto. También hará monografías. aunque ya había surgido la idea en el renacimiento. lo que marca un interés por la historia de la historiografía artística. llena de vida y carácter pleno. sobre un historiador del arte. además es una traducción comentada.“La Naturaleza es bella hasta unos ciertos límites// el Arte es bello a través de una cierta norma. Y la explicación científica que hace del color sirve para explicar el arte. Promueve la restauración de Estrasburgo. se basa en las peregrinaciones religiosas a distintos puntos de culto que recupera el romanticismo como algo popular. Habla del genio también en relación a la arquitectura. por lo que hay un interés por la restauración y terminación de monumentos. la cual dirigirá. en cierto modo. Importante en Goethe es también su participación en la fundación de la Academia de Weimer. por tanto. Además se ocupaban de la conservación de monumentos. curioso. de manera que hace lo mismo que los autores del renacimiento con las matemáticas. donde situa el arte por encima de la naturaleza. la belleza del Arte a las leyes del espíritu humano altamente instruido. esto está plenamente en los ideales del romanticismo. de la recuperación del mundo clásico. ya que las leyes del espíritu que rigen el arte son más libres que las de la naturaleza. Cellini. por eso aquélla se nos presenta. que impresiona al autor. al mismo tiempo que el gótico. En La Peregrinación también hace un paralelismo entre las leyes naturales y las leyes constructivas del gótico. y. de manera que se relaciona con la política de fundación de museos de la época. describe la subida a la catedral como si fuera una peregrinación espiritual que cuando acaba se obtiene el genio. También escribe una biografía. pues lo que pretende es formar a los jóvenes artistas alemanes e influirles en su gusto en la línea del romanticismo. La belleza de la Naturaleza está sujeta a las leyes de la necesidad. De ahí surge la polémica de hasta qué punto debemos restaurar una obra antigua. y considera la iglesia una obra completa y sublime. constreñida y está libre” (tomado de Kultermann 1996: pp. debe estar abierto al público. Así pues. habiendo posiciones en torno a ello muy divergente. A principios del siglo XIX toma más notas sobre el arte y la naturaleza en comparación. pretende una teoría del color paralela a la teoría matemática de la música. quería encontrar la teoría científica subyacente a la aplicación de la pintura. una armonía que rige todo el conjunto. y la terminación de la catedral de Colonia. haciendo una visión histórica a la explicación del renacimiento. Winckelmann y su siglo. por lo tanto se construye desde la perspectiva del historiador del arte. que está en la línea del arte académico del siglo XVIII.

117) En Francia:  François René de Chauteaubriand: escribe en El genio del cristianismo. con una actitud que pretende intervenir en ellos. sobre todo en cuanto a la arquitectura. 66 .  Novalis: ve en la Edad Media cristiana el origen de su época. sobre todo medievales. recupera la religión como base de la unidad. El ideal medieval que sigue el arte del siglo XIX. equívocas y lejanas insinuaciones de lo divino. así pues. en esta obra considera que el ideal alritistico es Durero. 1802. y considera el renacimiento una época de decadencia. También trata de influir con su obra en los artistas para que se interesen por la obra medieval. así concebida y aplicada. donde hay una amplia representación de obra< gótica. Son lenguajes distintos que expresan épocas distintas. en cierto modo. Considerará a la arquitectura como la superior de todas las artes. También se ocupó de la conservación y preservación de los monumentos.  Schlegel: escribe en 1804 Características fundamentales de la arquitectura gótica. sin dejar marca de su actuación en los mismos. “La arquitectura gótica tiene un significado.A partir de él la teoría del arte romántica entre en numerosos países con distintos autores que la defienden y la estudian: En Alemania:  Wackenroder: escribe en 1797 Confesiones de un monje aficionado al arte. como Hegel. En un principio se dedica a hacer vaciados de obras clásicas.  Víctor Hugo: escribe un texto donde deja plasmada su impresión al ver Notre Dame de Paris. y valora a esteartista como culminación de la Edad Media. En 1800 escribe Cristiandad y Europa. de manera que el gusto se aproxime al romanticismo. indeterminadas. pues cada uno tiene su propio carácter e individualidad artística. la arquitectura. Recorrerá con los Hermanos /Bouasere/ toda Europa central.  Violet le Duc: es quien conserva y restaura todos los monumentos gótico. y tras esto escribe la obra sobre la arquitectura gótica. donde considera la base de Europa el cristianismo. pero pasa una temporada en Paris donde conoce las colecciones nacionales del Museo Napoleón. pues encarna la tradición alemana del renacimiento. y considera que el gótico es superior a cualquier arte. una falsa vuelta al mundo clásico. desarrollado una admiración por los primitivos flamencos. y si la mayoría de las veces la pintura tiene que contentarse con débiles. pues dice que le falta originalidad y toma prestados la arquitectura anterior. haciendo que se interese por la tradición medieval. sin duda el más elevado. puede. de manera que deja de considerar las figuras clásicas el ideal de arte a pensar como modelo a Van Eyck. No considera un momento mejor o peor en el arte. representar y exponer lo infinito de forma inmediata mediante la simple reproducción de la plenitud de la naturaleza” (tomado de Kultermann 1996: p.

Así habló Zaratustra (1883-1885). un género que aparece en este momento. “Estimado señor: en todos los casos. se le considera el último romántico de Inglaterra. y hacen uso de la innovación y la originalidad como base de la vanguardia. en su género. la más interesante ruina de Escocia y. yo las cuento entre la peor de las fanfarronadas y fraudes. las restauraciones son o buenos negocios para arquitectos o producto de la vanidad de los respectivos clérigos. John Ruskin: se opone a la política de intervención de los monumentos. que pretendían remover la conciencia de la sociedad y asentar los principios de un movimiento artístico. Para mí sería preferible saber que se había colocado una vía férrea por medio de las ruinas y que los escombros se habían arrojado al arrojo. Su siempre leal John Ruskin” (tomado de Kultermann 1996: p. siempre buscando romper con todo lo anterior.T. Referencias a Nietzche.Marinetti. pues se empiezan a dar estímulos artísticos muy distintos. es decir. Manifiesto de los primeros futuristas (1910) suscrito por Boccioni. como la mayor brutalidad de la que Escocia ha sido culpable desde la época de la Reforma. destaca el futurista. Se hacen necesarios los manifiestos para explicar a la sociedad lo que se está haciendo. Tengo que declarar la restauración de la iglesia abacial de Dunblane. el dada y el del surrealismo. donde reivindica a Turner y logra cambiar la opinión generalizada de la época en torno a esta pintor. por ello necesitan explicar en qué consiste su arte. pero sin intervenir en ellos. Russolo. Futurismo:   - Antiguos y modernos. que eran directos y sencillo. EL SIGLO XX Los manifiestos de las primeras vanguardias. la más interesante en todo el mundo. hacer de obras aparentemente arbitrarias un ejemplo del uso de la razón. Si hay que destacar un género artístico es el manifiesto. además de unir la irracionalidad de algunas obras con la racionalidad que pretenden aportar. Primer manifiesto futurista (1909) y Segundo manifiesto futurista (1911). el del cubismo. Y también funda la Sociedad para la Conservación de Edificios Antiguos. 67 . y uno de los textos que escribe es Pintores Modernos. Aparecen en el entorno de la Primera Guerra mundial de manera sincronizada. Balla y Severini. F. en 1854. Carrà. Fue crítico de arte. y ahora las vanguardias confluyen varios estilos simultáneamente mientras se desarrollan otros ismos. solo mantenerlos en su estado natural.125).

La exaltación patriótica también se da en estos manifiestos. G.… El cubismo  - La representación ilusoria del espacio. Méditations esthétiques (1913). pues en ese momento todos los que forman las vanguardias son muy jóvenes. la sociedad industrial. apología de la destrucción en relación al ambiente geopolítico del ismo. Y se hacen un eco exagerado del progreso. Les peintres cubistes. Severini. El dadaísmo   Provocación y nihilismo. Muchos de estos manifiestos estaban influidos por las reflexiones de Nietzsche en relación al superhombre. Desinterés por la política. El anticlericalismo es otro de los rasgos destacables. Apollinaire. En esta obra anuncia la muerte de Dios y la sustitución de este por un hombre capaz de establecer un nuevo sistema de valores basado en la vida terrenal. sino que lo más próximo a la teorización de esta vanguardia lo hace Apollinare. de hecho este estilo aglutina artistas muy distintos y de ideas muy distantes. acabar con todo lo que recoja el pasado. Balla. y este hombre capaz de romper con la religión y dominado por la voluntad de poder será la base del anticlericalismo. la velocidad. y el Manifiesto de los primeros futuristas de 1910 firmado por autores como Carrà. No se escribe un manifiesto como tal. y tampoco buscan destruir la tradición. hay un nacionalismo desmedido y la explotación de la guerra y la violencia. que identifican con las máquinas y la tecnología.Es de los más cargados de intención política. sino modificarla y cuestionarla. No tiene la intención de crítica implícita en el futurismo. algo que se expresa en su formulación del espacio y el sistema de perspectiva que surge del renacimiento. zonas muy industrializadas. sobre todo por el texto de 1900 Así habló Zaratustra. pero todos comparten varios rasgos: Se hacen eco de la polémica entre lo antiguo y lo moderno destacando de forma agresiva la novedad y pretenden destruir todo lo heredado. pues es una institución que conserva el pasado.… El futurismo destaca sobre todo en el Norte de Italia. Los textos de Marinetti que recogen más ideas futuristas son los manifiestos de 1909 y el de 1911. en relación al origen fascista de Marinetti. También se exalta la juventud. haciendo una teoría de plasmación de la realidad distinta. No hay una intención política. sin apología del progreso ni de la guerra. Se dan numerosos manifiestos. 68 . el artista debe ser joven.

que es la base del desarrollo del conocimiento. - Manifiesto. Tristán Tzara. La imaginación y la libertad 69 . La infancia y la locura. muchos dadaístas son refugiados de la guerra que se reúnen en ciudades neutrales. Además de negarlo todo. sino que buscan lo contrario. Manifiesto dadaísta de Berlín. sino que son autores muy individualistas y de gran libertad creativa. El automatismo psíquico. en 1918. pero se alejan de la política. donde se establecen más claramente el sentimiento dado y las ideas de esta vanguardia desde el más puro nihilismo. Sin embargo no hay una unidad de artista en el movimiento. y justamente hay una intención por desvincularse de la política. Aunque la Primera Guerra Mundial está muy presente. La I Guerra Mundial y los refugiados. de actitud nihilista. atacando las propias vanguardias. aquí considera que la vieja división entre lo burgués y lo proletario está obsoleta. dice que lo fundamental es la contradicción como método intelectual. Es más próximo al futurismo. Conexiones con Freud y Marx. escribe Manifiesto. sino inclusive las propias vanguardias que consideran insertas en el arte tradicional. se refiere a los dadaístas alemanes y critican al futurismo. de 1918. al igual que decía Lessing sobre la crítica de arte. y hace manifiestos como tales que buscan remover las conciencias. algunos autores dadaístas son próximos al comunismo o al anarquismo. de 1918. de Kurt Schwitters (1923). ven el ambiente bélico de manera muy negativa. insiste en la desvinculación ideológica de los dadaístas. al igual que Schwitters en 1923 con Manifiesto del arte proletario. no solo la tradición. de Tristán Tzara (1918). Manifiesto dadaísta de Berlín. y que el dada es universal para todas las clases sociales. Manifiesto del arte proletario. En el manifiesto de Huelsenbeck.      Conciliación y reformulación del sistema cultural existente. se desvincula absolutamente y de forma directa de toda ideología política. molestar a la burguesía. El surrealismo. e incorpora una referencia a los fotomontajes como nueva forma de expresión artística pictórica. de Richard Huelsenbeck (1918). El Manifiesto de Berlín.… Comparten con el futurismo el deseo de provocar a la sociedad y destruir todo. la provocación. En el caso del Manifiesto del arte proletario.

Barcelona. Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. pp. Crítica del arte. y en sus escritos deja clara la finalidad social del surrealismo. destacando el arte como modo de aflorar aquello que duerme en la mente. Primer manifiesto del surrealismo (1924). Madrid. Akal. José (1982). y es lo que une las tres disciplinas.49-116. Buscan pintar como nuños. en colaboración con P. pp. 18/11/13 Ejercicio 8: Comentario texto Lionello Venturi. pp. Anthropos. El surrealismo y la pintura (1928). C. Los campos magnéticos (1920. 70 . Teoría y Metodología de la Historia del arte. Historia de la Historia del Arte. ideas estéticas. Viene implícita en el arte contemporáneo cuya finalidad es la belleza. El camino de la ciencia. La construcción historiográfica del arte. por lo que el surrealismo no está tan impregnado del ambiente belicista previo a la guerra. Madrid. (2006). historia del arte. André Breton. FERNÁNDEZ ARENAS. GARCÍA MELERO. A Critical Introduction to Its Methods. Como movimiento de vanguardia surge en a partir del dadaísmo. Art History. Destacan la unión entre la locura y la razón. sino que tras la destrucción y la violencia de la guerra pretende una actitud más conciliadora. Udo (1996). KULTERMANN. y el desarrollo de las teorías sobre la mente humana. Manchester. BOZAL. Historia 16. Conocer el Arte. Manchester University Press. algo que será mucho más persistente a lo largo de todo el desarrollo del surrealismo. pp. como hace en los sueños. La conexión más importante es con Freud y el psicoanálisis. pp. Historia de la crítica de arte. ni a la imaginación que se acaba vinculando a la razón también. José Enrique (2012). Madrid. Valeriano (y otros) (2000). Madrid. Soupault). 1936. HATT. Segundo manifiesto del surrealismo (1930). pero es posterior a la Primera Guerra Mundial. no estar sometidos a la razón. URQUÍZAR HERRERA. Ramón Areces. como locos. no rompe con el ilusionismo espacial. por ello en sus manifiestos se busca reconstruir y recuperar el pasado desde unos valores nuevos. sino que lo plantea en otros términos. y KLONK. Visor.9-20. Teoría del Arte I. Otra de sus características es la posición ideológica a favor del marxismo. M.109-178. Gonzalo (1996). por eso el surrealismo parece muy clásico. 55-68. Aunque al final se acaban alejando de sus postulados. ya que Bretón militaba en el comunismo francés. Antonio.21-39. Por eso reivindican el automatismo psíquico como medio de creación artística. que debe promover la movilidad y la lucha social. Bibliografía de apoyo:       BORRÁS GUALÍS.