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TEORÍA Y METODOLOGÍA

TEMA 1: CUESTIONES GENERALES DE LA HISTORIOGRAFÍA ARTÍSTICA.
Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
a) Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
b) En medio temporal, espacial y temática de la historia del arte.
c) Definición de los conceptos “teoría y metodología” de la historia del arte.

A) Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
¿Qué es el arte? ¿Qué hace un historiador del arte?
Ejercicio 1: ¿Qué consideramos arte y qué no?
Definiendo el término “arte”¿Ampliamos o restringimos los límites del término “arte”.
La defensa de una Historia del Arte cada vez más “inclusiva” y amplia. Ej: Borrás…
El escultor Martínez Montañez pintado por Velázquez. 1635 Museo del Prado.(Diseñando una
escultura, no se mancha las manos, lo importante es el diseño inicial).

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Tecné, Ars, Mímesis.
Artes liberales y artes mecánicas.
El renacimiento y el progresivo ascenso de las artes plásticas.
Bellas artes y artes útiles (Riegl y la historia de la ornamentación).
Artes del tiempo y artes del espacio.
Mass media y el problema de la reproductividad (W. Benjamin 1934-35).

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En la edad media nos encontramos con una división entre las artes liberarles y las mecánicas,
liberales (trabajo intelectual, retorica, oratoria, aritmética, geometría y música) y mecánicas (todas
las demás, que implican un trabajo manual). En el renacimiento hay un progresivo ascenso y
reivindicación por los artistas, arquitectos, escultores y pinturas, reivindicando que no es un arte
mecánico, ya que necesita un diseño intelectual, es más importante el diseño mental que el esfuerzo
físico. Lo llegan a comparar con la literatura, son equiparables. Esto se extiende en el Barroco.
A medida que avanza la edad moderna hay una pugna entre artes bellas y artes útiles. Para que sea
obra de arte tiene que tener una cualidad estética, pero todo lo que sean artes útiles, que de un
beneficio a la sociedad queda fuera, queda desprestigiados objetos como vajillas, textiles, etc.
En el siglo XVIII tenemos un personaje ¿?, que separa las artes del tiempo (literatura y música, que se
desarrollan en el tiempo, varían) y las artes del espacio (arquitectura, pintura y escultura).
A finales del XIX y principios del XX, Riegl, empieza a reivindicar que las artes decorativas se metan
dentro de las artes mayores. Escritos donde dice que a partir del diseño, de esos motivos que entran
dentro de las artes menores pueden construir una historia del arte, del estilo. En el periodo de entre
guerras se introducen más disciplinas, se amplían. Walter Benjamin, piensa que si todo aquello que
está hecho para la masa se puede considerar como obra de arte, sobre todo en el cine y la fotografía.
(Congreso artes suntuarias en noviembre)

Ejercicio 2: Una reciente incorporación: La cocina. Documental: ElBulli, historias de un sueño.
Cap.6.

30/09/13
“Arte es todo lo que el hombre llama arte” (Dino Di Formaggio, 1973).
“Arte es todo lo que los artistas o las instituciones dicen que es arte” (Pooke y Newall 2002).
El gran cambio viene con las vanguardias, donde el campo disciplinar se amplia.
Hay una serie de teóricos que están revisando todo esto que implica el término de arte, y proponen
una definición más tradicional.

La defensa de una historia del Arte restrictiva, vinculada a conceptos como élite, genialidad,
singularidad...
“El historiador del arte no ha logrado hacer coincidir su objeto con una palabra precisa y, por lo
tanto, con un concepto claro. Mientras que el naturalista o el químico son capaces de definir
bastante bien aquello que pertenece a su campo de estudio, la historia del arte o la
Kunstwissenschaftpudieron aprovechar esa amplitud lingüística para tirar de su objeto en todas
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direcciones… y vaya que sí lo hicieron. No tengamos miedo de insistir: el historiador del arte no sabe
bien de qué está hablando, pero acaso sea porque no ha sabido forjar palabras más precisas que las
del pasado”.
(Thuillier 2006, p.23)

“Durante mucho tiempo esta paradójica situación no incomodó a nadie y parecía natural separar, al
interior del vasto envoltorio del término artes, una especie de campo reservado a esa creación del
genio que era por excelencia “el arte”. Hoy, repitámoslo, ese consenso ha sido alterado por una serie
de fenómenos de ruptura, y la imprecisión de la palabra ha sido inmediatamente explotada, de lo
cual resultaron tantos abusos que hoy se deja sentir una necesidad de contar con marcos de
referencia. Ciertamente, la clarificación puede llevar consigo una revisión desgarradora; pero,
después de todo, acabamos de asistir a otras revisiones – dogmas marxistas, dogmas freudianos,
nacionalismos- cuyas consecuencias no fueron menos
graves…”
(Thuillier 2006, p.24)

 Baudelaire, refiriéndose a la fotografía, 1859. Hay que dejarla fuera del arte.
Dice que es algo mecánico, que anula la figura del genio, puede ser fuente de inspiración pero no
arte.
“En esos días deplorables, una nueva industria surgió que no contribuyó poco a confirmar a la
estupidez en su fe y a arruinar lo poco divino que quedaba en el espíritu francés”
(tomado de Thuillier 2006, p.52)
[La fotografía ha de volver] “a su verdadero deber, de sirvienta de las ciencias y de las artes, pero una
humilde sirvienta”
(tomado de Thuillier 2006, p.53)
 Thuillier, hablando de la fotografía.
[Hacer de la fotografía] “un arte es cometer un error acerca de su naturaleza misma. Es querer
otorgar a un invento reciente la categoría de una de las más antiguas formas de expresión de la
humanidad” (p.55)
“¿y qué decir de todos esos turistas, todas esas familias, todos esos niños que se pasean en el
mundo entero con la cámara colgada al hombro? Durante los cien años de existencia del Tour de
Francia, ¿a cuántos cientos de miles de clichés dio lugar ésta sola manifestación deportiva? […]
Ahora bien, esa pavorosa cantidad condena desde el principio y a corto plazo cualquier especulación
financiera” (p.56)

Es un medio de comunicación de masas y al ser una obra de arte masificada pierde su valor.
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1650 ¿?. con lo que hace que sea un término tan universal. La venus del espejo. señalando las cualidades del objeto artístico… - Artificialidad. - - “Producto original elaborado por el hombre artificialmente con la intención de comunicar algo”(p. y eso es lo que le da un valor de mercado. comunicar. Gemäldegalerie de Lichtenstein. comunicación. porque hay una concepción previa. necesidad del hombre de crear cosas. aunque un paisaje por ejemplo sea bello estéticamente. las majas de Goya. aunque luego se reproduzca. tiene que haber sido realizado artificialmente. pero en su concepción hay una individualidad. pero no es artístico. tiene que tener el deseo de transmitir. tiene que haber un interlocutor.Los intentos por definir el arte y vincularlo a una serie de conceptos. 1555. Cuando vemos una copia o imitación. 4 . Artificialidad. genialidad. un plagio se descarta como obra de arte. National Gallery de Londres. élite…  Fernández Arenas (1984).  La Venus del Espejo de Velázquez. Elemento antropológico. ej. necesidad antropológica. Autenticidad.27)  Las Venus del espejo de Tiziano y Rubens. Aprendices que superan al maestro. no ser algo orgánico. Individualidad/singularidad. Intención comunicativa. NationalGallery de Washington y 1614. un diseño.

 Fernández Arenas. Ejercicio 3: Leer el capítulo de Jiménez J. “Arte es todo lo que los hombres llaman arte”. en perjuicio de un sinfín de imágenes y formas relegadas al olvido o la curiosidad de coleccionadores de objetos raros que no alcanzan el nivel de obra de arte. 17-37. el hombre de la selva. desde todas las edades y en todos los tiempos. ni en la estética. sino simple y llanamente un lenguaje que utiliza el hombre a todos los niveles. 2002.30) (LOS TEXTOS PUEDEN APARECER EN EL EXAEMEN) 5 . La historia del arte analizaba las obras de arte como si fueran un ser. mística y trascendental. Museo del Prado. experimentando materias y colores. y reflexionar sobre “La Gioconda y las Giocondas”. producto de la inspiración poética. han definido durante demasiado tiempo el objeto de la historia del arte. tal vez. el artista del palacio y el que se encierra en su taller para elaborar formas y objetos. La definición del objeto del arte no está en la metafísica. sino en la antropología” (p. 1984. Los conceptos de belleza y objeto bello. el concepto de copia e imitación. el artesano del pueblo. no sea nada de eso. sobre los límites del arte… “Últimamente se tiende desacralizar el objeto de arte. 1800?. Por eso hace arte el niño. Pero la obra de arte. aplicados a los productos de las artes mayores. pp. para conseguir el logro de una obra de museo. descargándole de ese carácter mítico y sagrado que la crítica romántica había puesto en manos de los genios creadores. Teoría del arte. desde todos los campos culturales. Las Majas de Goya.

que hace que se pueda tocar y ver. muchas veces hay una pugna dialéctica entre historiadores e historiadores dela arte. en cada lugar y en cada momento. con sus propios métodos? Historia del arte como disciplina independiente. independientemente de si es bella o no. Historia del arte al margen del gusto estético imperante y/o juicios de valor. Diálogo (obra cargada de significacion9. Una cosa es la historia del arte y otra algo estético. tiene una materialidad. Objeto presente que tiene un pasado (diferencia con los hechos históricos). Thullier. y entre música por ejemplo. (Fernández Arenas 1984. lagunas y límites. - - Creación humana no biológica (El mito de Pigmalión). Historia del arte como "construcción mental" como paradigma epistemológico. 6 .reflexionando sobre las cualidades del objeto artístico. cuando pasa el tiempo a veces se intensifica ese significado. ya que se pueden tocar y ver. 2006. ahora bien ¿qué es una obra de arte?” (Tomado de Urquízar 2012. es decir. Ejercicio 4: Con juicio crítico: en dos o tres líneas escribe una definición de arte.  Panofsky 1955. La Historia del Arte como ciencia y sus problemas. con sus excepciones. etc. una controvertida relación. p. ¿Quién es un historiador del arte? “Un historiador del arte es un humanista cuyo material primario lo componen aquellos testimonios o huellas del hombre que han llegado hasta nosotros en forma de obras de arte. p. ciertas firmas y obras que llamamos arte han sido producidas (reconocidas o no) por sus coetáneos y conservadas (o destruidas) como documentos de una cultura".14) ¿Qué es la Historia del arte? “Sistema de conocimiento ordenado de cómo. ¿La historia del arte como disciplina auxiliar de la historia o como disciplina independiente. la obra de arte es una obra pos sí misma. A continuación haz una enumeración de 5-10 conceptos que consideres arte. tiene que ser una creación humana no biológica. la obra de arte es presente. Hace que se diferencie entre arquitectura. no como mera ilustración de libros de otras disciplinas.23) - - Historia e Historia del Arte. Historia del arte como “historia total”. "El oficio del historiador del arte". y cuando es capaz de transmitir muchos significados es lo que marca una jerarquía en las obras de arte. escultura. pero tiene un pasado. Jerarquía.

una máscara africana sin fecha determinada. Tenemos que analizar cada obra por sí misma. un paisaje flamenco del XVII.B) El medio temporal. las casualidades y la energía revolucionaria de los genios. renacimiento. la idea de una evolución y la de un progreso. y hay que admitir que esta posición es un punto de vista más entre otros posibles” (Urquízar 2012. y progreso. Tiempo plural. ) como ayuda pero no como algo irrefutable 7 . hablando del peligro de las generalizaciones: “En la historia del arte ¿podría hoy Wölfflin rescribir sus Kunstgeschichtliche Grundbegriffede 1915. manierismo. Los problemas de estudio del arte no occidental y del arte primitivo. p. romanticismo. tiene un tiempo de madurez y acaba. en su contexto primitivo. un salero del siglo XVI. donde hay una evolución. y una performance del siglo XX o el XXI. El hilo conductor depende de su interpretación desde el canon de las bellas artes. espacial y temático de la Historia del Arte: Conceptos de continente. El tiempo es un tiempo continuo. donde hay tiempos artísticos. . Los periodos de la historia del arte (románico. No vamos a encontrar una artista que en su momento dijese yo soy un artista gótico. La historia del arte como "construcción mental" como "paradigma epistemológico" “Conviene preguntarse qué tienen en común.cada movimiento artístico nace. Surge la idea del tiempo orgánico. sino que esos términos son posteriores. Tiempo lineal y progreso frente a tiempo discontinuo construido gracias al azar. que rompen con lo del momento. Muchas veces dentro del discurso lineal hay vueltas hacia atrás. diferente según los ligare sy los lenguajes. La validez de la historia del arte local y los problemas de ubicación del arte y los artistas. sin ser duramente criticado por haber facilitado la implementación de sus conceptos. Tratar de entenderlas dependiendo de dónde fueron realizadas. nación. región y foco. lenguajes y clasificaciones temáticas del arte occidental.16)  Thuillier. barroco. gótico. - La institucionalización de la historia del arte y el tiempo orgánico. omitiendo desde un inicio todo el arte inglés y todo el arte francés (solamente aparece un cuadro de Boucher…)? Y el tomarlos en cuenta ¿no habría necesariamente enturbiado la bella geometría estricta del libro e incluso llevado a formular completamente la conclusión? La historia del arte ¿se presta a las grandes generalizaciones de este tipo?” (p. Historia del arte como sucesión histórica. y vueltas hacia atrás. unos relieves funerarios megipcios. Categorías.87) o Cronología y periodización: La historia del arte dividida según su ubicación temporal.

El problema de los cambios de fronteras. 1934): el principio de gravedad y el principio de metamorfosis. raza.  Los conceptos de continente. Pérdida de visión de conjunto.- La historia que escribimos a posteriori y la historia que percibe el artista. Asociar cada nación con un momento artístico. Localismo.XIX). Filosofía el Arte): el arte clásico y la teoría del medio. Historia del Arte de la Antigüedad): el arte griego y el clima.La validez de la historia del arte local y los problemas de ubicación del arte y los artistas. creencias. nación. ¿Expolio. Hay una asociación entre estilo y nación. región u foco. Ruskin). traslado accidental. Revalorización de obras olvidadas y producidas en lugares periféricos. El desarrollo de los museos y la ordenación de las colecciones en escuelas nacionales (s. Cuestionando los períodos tradicionales de la Historia del Arte: A modo de ejemplo:    ¿Por qué seguir poniendo juntos el siglo IV yel XV? ¿Por qué no agrupar las obras del siglo XIV alXVI? ¿Hasta cuándo dura la Antigüedad Tardía?¿Hasta el siglo V? ¿Hasta el VIII? ¿Hasta el IX? Focillon (La vida de las Formas. El arte y el medio físico:     Winckelmann (1764. clima. costumbres…) La recuperación del arte medieval como reivindicación nacionalista (Jovellanos. Escuelas nacionales (escuela francesa. Taine (1864. escuela holandesa…)  Un marco geográfico fijado por la historia política. Fronteras geográficas problemáticas. Viollet le Duc. geografía. compra legítima?: 8 . últimas décadas del siglo XVIII y XIX. La noción de "foco" o "centro de producción artística" frente a la de "escuela nacional": - Multiplicación de fronteras. cuestiones de patrimonio histórico.

 La funcionalidad frente a esas clasificaciones de la edad moderna donde hay un desprecio hacia lo útil. la arquitectura es algo funcional por norma general. teniendo en cuenta los casos que se plantean en las cuatro diapositivas que vienen a continuación:  ¿Debe toda obra de arte retornar a su lugar de origen. Las funciones de las artes se sobreponen en muchos puntos: así la 9 . Documental. Martínez Flores. Los apartados en los que dividimos el lenguaje:  Arquitectura:  Espacio interior. lenguajes y clasificaciones temáticas del arte occidental. Priego. no crean espacio interior así que no sabemos muy bien donde incluirlo ->Texto de Geoffrey Scott (1884-1929). Carmen. Los años 60: El templo de Debod y su traslado a Madrid como consecuencia de la construcción de la presa de Asuán. espacios de tres dimensiones capaces de contener nuestra persona. en pintura el que diseña suele ser el que acaba la obra.Ejercicio 5: Resumir las lecturas recomendadas y responder a las siguientes preguntas.  Diseño y ejecución: es diferente el diseño. con ocasión de la Guerra Civil Española. Ejemplos:   Los años 30: El periplo de las obras de arte del Museo del Prado.es decir. las superficies. Categorías. como una columna o un arco de triunfo. Hay elementos que tampoco podemos meterlo en esta categoría. o debe sólo retornar en determinadas circunstancias? Es así cuales. edificios útiles. el dibujo y después la práctica y construcción. Navagués. La arquitectura se define como la creación de un espacio interior. finalidad practica y esto condiciona el propio diseño del edificio. sobre la interpretación espacial de la arquitectura: “La arquitectura nos da. frente al urbanismo como espacio exterior. Templo de Debod. que generalmente consideramos-. y éste es su verdadero centro.Su difícil aplicación al estudio del arte no occidental y/o del arte primitivo. Fernando. los países milenarios reclaman sus tesoros arqueológicos a occidente. Pedro. Esto en otras artes es menos claro. que pierde parte de lo artístico. Las cajas españolas. los mármoles del Partenón (mañana).  Dentro de este campo de arquitectura hay una diferencia y tiene tratamiento diferente lo que es arquitectura permanente y una arquitectura efímera. Todos los pabellones de exposiciones universales se hicieron muy famosos aunque no eran perdurables. además de espacios de dos dimensiones.  ¿Deben tener validez jurídica las decisiones tomadas durante una guerra? ¿Qué ocurre si son autoridades internacionales ajenas a un país las que deciden sobre su patrimonio con ocasión de un conflicto bélico? Lecturas: Cohnen. Muchos de los edificios actuales son como esculturas que se integran. Siempre a la hora de construir un edificio es un espacio habitable. Alfonso.

y más todavía con la música. conexiones con la pintura. tocar es básicamente la única manera por la que podemos tener// una sensación directa de la forma tridimensional del objeto. y toda la arquitectura surge de esta necesidad. por lo tanto no es lo mismo si ha sido trabajada en bronce. busca. puede dar al espacio su valor pleno. a diferencia de la pintura que atrae el sentido de la vista. ->Borrás. lo dibuja como obra de arte. sobre las características de la escultura: “En efecto. y el placer que se obtenga de él es un don que solamente puede dar la arquitectura. La arquitectura tiene el monopolio del espacio. la poesía. desde un punto de vista utilitario. pero tiene además su propio territorio y proporciona un placer típico y propio. entre todas las artes. p. que está pensado para tocar o percibir a través del tacto. etc. Pero la prohibición de tocar las obras de arte. ha coartado el desarrollo de la sensibilidad sensorial táctil. "Es extraño cómo la crítica no ha sabido reconocer esta supremacía de la arquitectura en materia de valores espaciales. Pero estéticamente el espacio tiene una importancia aún mayor: el arquitecto lo modela como el escultor la arcilla. piedra. que puede mirar como si tocaseo acariciase los objetos". sino que es un volumen. madrea. 10 . la escultura solicita directamente el sentido del tacto. por medio del espacio.  La escultura tiene dos grandes divisiones que tiene que ver con el material con el que se trabaja. Tal diferencia debe ser subrayada. como un objeto más del espacio. el espacio es lógicamente nuestro fin.. como la de Shelley puede sugerir su imagen.arquitectura tiene mucho de común con la escultura. dictada con frecuencia en las exposiciones y museos. pero la arquitectura tiene que operar directamente con el espacio. Solamente ella. tocando o manejando los objetos. la música puede darnos una sensación análoga.  Escultura:  Tridimensionalidad frente a la bidimensionalidad pictórica. Plástica (material blandos) y/o escultura (materiales duros): en ambos casos “dar forma”. cerrarlo y protegerlo-. en suma.cuando construimos no hacemos otra cosa que destacar una cantidad conveniente de espacio.  La escultura el valor o esencia radica en todas las cualidades táctiles. el delimitar un espacio es el fin de construir. Puede circundarnos con un vacío de tres dimensiones.  La escultura también parte de su esencia es que es algo estático. que no se mueve. La escultura sólo se aprecia realmente palpando. La pintura puede pintar el espacio. suscitar un determinado estado de ánimo en quienes entran en él" [tomado de Borrás 1996.. lo emplea como material y nos coloca en su centro". y justo esto ha sido muy aprovechado por distintas culturas para hacer representaciones de soberanos o dioses porque tiene esa cualidad de estático y permanente. 66] Comentar texto: autor/contexto primero. el sentido del tacto se ha visto obligado e inducido a delegar su actividad en el sentido de la vista. aunque esta vez hablamos de un espacio exterior no interior.

accesorio.(pp. es un espacio fingido e ilusorio.  Pintura:  Es una de las que más a dado lugar a la teorización del arte tal vez porque parte de esta reivindicación parte de los pintores del renacimiento. Aunque también es imperfecto.  Y la primera característica condiciona esta segunda.  Artes decorativas o artes suntuarias: Es el campo más difuso que sirve para meter todo aquello que no entra en los anteriores ejemplos. que sugiere una tercera dimensión sin que la haya realmente. artes menores. artes suntuarias. por tanto variable en función de los parámetros culturales de cada momento. 1933. 1461. arte como “ilusión” (Gombrich)  Ilusión óptica y perspectiva que trata de conseguir la profundidad. que es una creación mental y abstracta. Museo del Prado. como “forma simbólica” en palabras de Panofsky. no hay una tercera dimensión.  ¿Y los valores táctiles o plásticos? o Mantegna. Dormición de la Virgen. artes utilitarias. Y como es una división un tanto difusa también hay varios términos. artes industriales. Es un elemento de bidimensionalidad ligada al soporte plano. tiene carácter ornamental.  Terminología: artes decorativas. Profeta. 69-70). artes aplicadas… 11 .  Gargallo. sea el soporte que sea. Reina Sofía. Pierde esa esencia de la escultura porque pierde espacio.

“A menudo contemplamos. sardónica. topacio.  Heredera de la perspectiva artificialis de la pintura. importancia del proyecto. estos diferentes ornamentos. democratización frente a la elite (abaratamiento de costes sin perder calidad artística). 12 . que no existe en absoluto. movidos por nuestro amor a la madre Iglesia. cerámicas. p. yeso. cartel publicitario. grabado. ->Esta infravaloración histórica es muy relativa. sobre la diversidad de virtudes sagradas. por la gracia de Dios. Suelen ser artistas anónimos. Tradición y conocimiento del oficio. La pintura es una realidad inventada mientras que la fotografía es una realidad más inmediata aunque hoy en día también se puede cambiar. ni en la pureza del cielo. comic o historieta. madera. creo encontrarme en cierta manera en alguna extraña región del universo. jaspe. la destreza que se muestra por encima del diseño o dibujo previo. Parte de su esencia es el carácter manual.       Artes industriales y Bauhaus (1919): seriación. Texto de abad Surger. Se resalta la minuciosidad. plumería… Infravaloración histórica: ¿sólo en Occidente? Si vamos a los países musulmanes hay mucho valor en las cerámicas. etc. el canto de las piedras multicolores me distrae de preocupaciones externas y una meditación apropiada me induce a reflexionar. sobre el valor analógico de las joyas. trasladándome de lo que es material a lo inmaterial. puedo ser transportado de este mundo inferior a ese superior de un modo anagógico” (tomado de Yarza . ni en la faz de la tierra. cine…  Fotografía (desde 1816-1839):  Escritura con luz. Impersonalidad y sociabilidad. mediados s. al igual que en China los textiles. carbunclo y esmeralda. cuero. aplicable a las artes suntuarias o decorativas. y. La pintura tiene más inventiva.[…] y digo entonces suspirando profundamente con mi corazón: Cada piedra fue tu protección. sobre todo después de la teoría del arte renacentista. Por este carácter manual se conoce más como artesano y no como artista. zarfiro. cuanto se abre el foco. papel. a diferencia de la pintura. crisolita y ónice.245) Último grupo de Medios de comunicación que son posteriores a la revolución industrial:  Mass Media (medios de comunicación-visual-de masas): Fotografía. mecánico.XII. quizás no tiene ese carácter individual. Seriación quizás más recientemente pero en el pasado es más difícil. textil. 1997. piedras. tiene mucha importancia la luz. Amplitud del término: metal. producción mecánica. […] Cuando al margen del amor por la belleza de la casa de Dios. y berilo.

explicando la fotografía: “La pintura y la fotografía no son tan sólo dos sistemas de producción y de reproducción de imágenes que. ponerlo en un momento dado y luego ya no sirve por lo que los soportes no son muy duraderos. no tan contemporáneos. pero el hecho que se reproduzca por la prensa sí que lo es. efímeras.  Comic o Historieta (ligada a la prensa periodística desde 1830-1841)  Puede tener precedentes muy antiguos. hallándose en una posición de concurrencia.  Simplicidad formal. modificación e interpretación de la realidad. Suelen quedar fuera radio. p. y prensa. Mucho más importante que el problema de saber si la fotografía es o no es un arte auténtico.  Cartel Publicitario (desde 1866)  Finalidad económica  Mensaje icónico-literario. aunque una realidad vista y no imaginada/inventada.  Soporte plano y de poca consistencia.146)  Cine (desde 1895)  Doble carácter espacial y temporal. influye en las nuevas ambiciones artísticas. es el hecho que nos permite conocer las obras de arte. ¿Y lo efímero y otras artes? Su importancia en el arte contemporáneo y en el llamado "arte primitivo". creadas para desaparecer. La fotografía es una empresa de orden totalmente distinto. posee la propiedad de poder transformar en obras de arte todos los sujetos que toma por modelos. tv. que crea a su vez.  Gran formato. arte gestual.  Carácter efímero. 13 . Es un ejemplo típico de las direcciones nuevas seguidas tanto por las artes de vanguardia como por las artes más comerciales: la transformación en meta-artes o directamente en media” (tomado de Borrás 1996. Selección. A parte de ser un relato literario parte de su esencia es su carácter humorístico y crítico. arte que tiene que provocar reacción. ready-made. objetos encontrados. ->SusanSontag (1933-2004). Hay otras manifestaciones como la pintura corporal. perfomance. no tendrían más que delimitar el territorio que les pertenece en propiedad para llegar a un acuerdo de coexistencia. Sin ser específicamente un arte. instalaciones.  Multiplicidad.

a las que acudirán los países con sus propias manifestaciones culturales. (2010) (1º ed. Lewis H. etc. animales disecados.) [Museo de antropología de Madrid]. con tres etapas de salvajismo. La ilustración. Occidente y el colonialismo. Será aquí cuando se plantee una nueva organización en el sistema de lenguaje. con el enfoque positivista.. Occidente y el colonialismo La 2ª mitad del XIX: Darwin (1859. El mundo no occidental se comenzaba a conocer mejor gracias a los viajes y el colonialismo. en el siglo XX. la teoría de la evolución).07-10-13 El estudio de la historia del arte no occidental y/o del arte primitivo (Medios de difusión de masas. exposiciones universales y redescubrimiento del arte primitivo por parte de la vanguardia. Aumenta el interés por todos estos pueblos.. Jiménez. La sociedad antigua. El origen de las especies por medio de la selección natural. 2002). La teoría de la evolución]. Teoría del Arte. Todas las piezas de las galerías de maravilla son las que integran las primeras colecciones de los museos. La vanguardia. barbarie y civilización).. Morgan (1877. También contribuirá a conocer toda esta cultura en las exposiciones universales. Los objetos se acomodan a las distintas divisiones preplanteadas. Los comienzos del siglo XX (1900-1930): colecciones y gabinetes de curiosidades. barbarie y civilización]. pp. ahora cultural y artísticamente. unidos a mecanización/ Dificultad de aplicación al arte no occidental). y no solo en el aspecto económico (todo muy cercano al evolucionismo). exposiciones universales y redescubrimiento del arte primitivo por parte de la vanguardia Los años 60’: La descolonización de África y lo primitivo como constitutivo de las nuevas naciones La musealización de lo “primitivo”: descontextualización y aplicación de conceptos occidentales ¿El ritual como hilo conductor de lo “primitivo”? ¿Y aplicado al arteoccidental? -Primitivo: El término primitivo y sus connotaciones.Taylor (1871. 170-182 - - El término primitivo y sus connotaciones. 1871. La sociedad antigua. J. 1859.. Morgan (1877. La Cultura Primitiva// Fuerte paternalismo] [Lewis H. Tecnos/Alianza. 14 . Todo el arte no Europeo. momias. con tres etapas: Salvajismo. El origen de las especies por medio de la selección natural. La cultura primitiva). Prehistoria. Madrid. Será en el SXIX cuando comiencen a organizarse y consolidarse los museos y sus colecciones. se servirá del primitivismo como fuente de inspiración. Desde obras de arte como objetos del entorno natural (cabezas. [Darwin. [Taylor. plantea una civilización más avanzada frente a un mundo primitivo (SXVIII). En los comienzos del SXX las colecciones y gabinetes de curiosidades.

que no entra dentro de este marco. siempre basada en la teoría. Ramón Areces. Teoría y Metodología de la Historia del arte. 17-26. pp. 19-42. 15 . pp. Conocer el Arte. Se dan una serie de pasos a seguir para comprenderlos mejor. Jaques (2006). Arte básico. Bibliografía de apoyo:  BORRÁS. C) Definición de conceptos "teoría" y "metodología" de la Historia del Arte La teoría es el planteamiento conceptual o filosófico. A veces solo se da un aproximación a la metodología. con la crítica del arte. La construcción historiográfica del arte. El hecho de que se comience a plantear una metodología para las teorías preexistentes. se planteará la occidentalización del lenguaje del arte africano. deja fuera un tipo de arte más civil. Madrid. 9-33 y 47159.  THUILLIER. G. Necesita una cierta distancia cronológica de las obras de arte y los fenómenos contemporáneos. siempre a posteriori. como por ejemplo ''el ritual'' → Objetos vinculados a ceremoniales religiosos y funerarios. Teoría del Arte.  JIMÉNEZ. En este caso. y no se propone un método claro a seguir. Anthropos. Muchas veces se solapará con la estética.2002). La metodología como herramienta de análisis del historiador del arte. (Vasari). Historia 16. o Crítica del arte. Tecnos/Alianza. Madrid. Teoría general de la Historia del Arte. Descontextualización y aplicación de conceptos occidentales. Cátedra. fuentes documentales para la historia del arte. GARCÍA MELERO. pp.  URQUIZAR HERRERA.. José (2010) (1ª ed. Gonzalo (1996).13-23 . dependiendo de la ideología o influencias). 81-102 y 103-122. Barcelona.. D. pp. Antonio. Madrid. Se consideran obras de arte objetos que no lo son desde su origen (momias) Comienzan a darse nuevos hilos conductores para esta serie de objetos descontextualizados. Fondo de Cultura Económica.  POOKE. Si es cierto. 170-182. necesita una base teórica a la hora de escribir y plantear su metodología del arte (enfoques.Con las gran descolonización de África en los 60'. Se construye en paralelo a la propia historia del arte. Madrid. Teoría del Arte I. 15-38 y pp. Es la manera que tiene el historiador de acercarse a las fuentes de la historia del arte. Desde el SXVIII conviven ambos conceptos. pp. 69-100. México. José Enrique (2012). y NEWALL. (2010). no quita el que puedan aparecer nuevas teorías (vanguardias).  FERNÁNDEZ ARENAS. Replanteamiento de la clasificación para el arte popular. que el historiador del arte. José (1982). pp.

16 ..Comentario de texto: Fernández Arenas (1984) Sobre los límites del arte.. Texto de José Jiménez (pg. 32-33) → Extracto para comentario de texto.

160-180 d. Plotino…). artista. En disciplinas como la literatura. El modelo de mecánico. arquitectura. El Mundo Antiguo y los primeros escritos sobre arte.etc.) Reflexiones sobre la creación artística con especial atención a los s. textos de oradores (Cicerón. al artista plástico se le denomina como banausos.  Literatura de taller y tratados específicos sobre arte Policleto. Aristóteles. Vitrubio y Plinio. Calístrato…). Jenócrates de Sición. y esta idea del banausos desaparecerá.8/10/13 TEMA 2: TEORÍAS DEL ARTE (I): ANTIGÜEDAD Y EDAD MEDIA. II-III d. en ocasiones hasta con un sentido peyorativo (mecánico).)  Textos de los que se pueden entresacar reflexiones teóricas sobre el arte:  Textos filosóficos (Platón.C. habilidad manual. nexo de unión con la Edad Media (s.. La literatura de viajes de Pausanias (c. tecnología). por ello nos remitimos a techné como término más apropiado (técnica. dos autores romanos del entorno del s I a. Dión de Prusa…) y textos enciclopédicos (Plinio el Viejo).C. un equivalente a arte.. Plotino.C. 17 .  Periégesis o literatura de viajes (Pausanias)  Conceptos de techné y ars. están más ligados a la intervención divina. sin embargo.I d. III d. Nos llegan noticias y tratados. filósofo y esteta. Teorizan y deslizan conceptos sobre la obra de arte.C. En el mundo griego no encontramos.. La literatura artística medieval. para desarrollar un oficio. Igualmente aplicado a la agricultura. escultura. el artista aumentará de prestigio. Vitrubio…)  Écfrasis o descripción de obras de arte (Filóstrato el Viejo. medicina. será Hefestos. Con el avance de los siglos y el desarrollo del arte. (Bibliografía recomendada) El mundo antiguo y los primeros escritos sobre arte medieval Antigüedad Grecolatina Griegos - Filósofos y artistas griegos de los siglos V-VI a.C. Filóstrato el Joven.C. Define una destreza.  El artista como banausos (''mecánico'') y el modelo de Hefestos. poesía o música. En este mundo.

En el mundo latino encontramos ars, pero con las mismas connotaciones que techné.
El debate de contraposición entre el artista y el mecánico, será un tema recurrente para diferentes
artistas a lo largo de la historia del arte.

La fragua de Vulcano, 1630, Velázquez, Museo del Prado.

La escuela de Atenas, Rafael, 1509, Vaticano.

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 Platón (427-347 a.C.)

Arte y mímesis:
- Mediante el mito de la caverna: Mundo visible vs. Mundo inteligible, el mundo real, las ideas.
El arte es una imitación del mundo real, de las sombras que el hombre ve dentro de la
caverna.
- Ejemplo del lecho (Libro X de la República). Si hay una idea absoluta del lecho, el carpintero
elige unas características para construirlo. El pintor pintará la copia del carpintero (copia de la
copia).
- Ilusionismo óptico dentro de la pintura: Para confundir al espectador, perspectiva, gradación
de tonos, policromía...Pintura como espejo de la realidad.

Ambivalencia en la consideración artística:
- Platón reconoce que los poetas y literatos están iluminados por una inspiración divina
(poiesis). Define la creación del cosmos de manos del Demiurgo, tratándose éste de un
artista. El pintor debe mirar al mundo de las ideas, directamente, no a la realidad empírica.
- Crítica al arte como medio de engañar, rechazo al ilusionismo óptico.
- Demiurgo, como artista. Esta idea llegará a la Edad Media (cosmócrator, como creador, con
compás. Como un artista).

 Jenofonte (431- 354 a.C.)
Discípulo de Sócrates.
-

Tratado como primera aproximación a los artistas de la época, Memorabilia (Parrasio y
Cleito). El filósofo conoce de primera mano el arte que está viendo. - Se realiza una teoría del
arte vinculada directamente al taller del artista. Describe la visita de Sócrates a los talleres
del pintor Parrasio y el escultor Cleito (Memorabilia)

-

El objetivo del pintor será captar y expresar las emociones de los personajes (pintor, escultor,
dramaturgo, músico...).
19

 Polícleto (tercer cuarto del s. V a.C.)
Canon: Tratado de escultura. No se conserva pero llegan referencias por otros medios.
-

-

Conocimiento a través del temperamentis.
Tratado que habla de la belleza de las esculturas del cuerpo humano, que radicaba en la
noción de la simetría. Esta noción sería entendida como la proporción perfecta entre las
partes del cuerpo en sí y con el todo. Aplicable a todos los artistas de la época.
Según Galeno, habría realizado una escultura donde se expresaban todas las teorías.

 Aristóteles (384-322 a.C.)
No presta mucha atención al arte, dando importancia a las artes escénicas, y dejando de lado las
artes plásticas. El arte tiene origen en los ritos de Dionisio,
- Binomio materia-forma: todo se compone de materia y forma. El proceso creativo será el
dar forma a una materia. No tiene la consideración negativa de Platón.
- Teoría de la imitación: Al integrar la forma en la materia, se materializa el objeto, se
consigue llevar al mundo empírico.
- Catarsis y el espectador: Conmover al espectador, y que entre en un estado de conexión
divina. (?)
- El arte y la experiencia religiosa.

20

No se conserva el original al completo. I a. 21 . A partir de aquí nacerá el interés por recuperar el texto. . Autor de Diez libros de arquitectura (c.10 Rollos.I d. y se mantienen dentro de la tradición clásica. que se refiere casi más a las artes poéticas y musicales. Parece que entronca con la tradición de Polícleto y el arte griego clásico. Donde primero se conoce el modelado el arcilla. Romanos  Vitrubio (s. . Libro III y IV (órdenes arquitectónicos). y la mejor escultura en encáustica y bronce. formación del arquitecto. Primero temas arquitectónicos y los últimos. . Libros VII-X (pavimentos.. que reflexiona sobre su propia obra de arte. Mencionado por Plinio en la Historia Natural. . Es lo fundamental que rige el arte.La gran fortuna entre los autores de Renacimiento (Alberti y su De re aedificatoria 1452). Libro II (materiales. s. - - Sición como foco de artistas reivindicado por Jenócrates. La escultura helenística y el movimiento puede incluir este concepto).C.C.C. 1997: p. pintura mural. Conceptos de simetría. 28-27 a. que combinaban texto e imagen: Libro I (definición de arquitecto: debe tener conocimiento tanto teóricos como prácticos. maquinaria. destacado en la fundición de bronce. en referencia a dos tipos de pintura) y problema óptico. relojes. Jenócrates de Sición (s. gran fuente documental para la historia del arte).). Yarza. hidráulica. citado por otros autores. Artista liberal. Comentario de texto: Los Diez Libros de la Arquitectura de Vitrubio. ritmo (concepto nuevo. Uno de los más importantes del momento. Libro 1.C. el latín vulgar. Libros V y VI (edificios).. Son libros bastante conservadores.Remisión a autores griegos para aludir a la tradición. precisión (akribeia.). ¿?) Filósofo discípulo de Platón y escultor de la escuela de Lisipo. Escribe dentro del género de las technon synagoge (compilaciones sistemáticas de artes). unos temas relacionados directa o indirectamente con la arquitectura. reeditarlo y acompañarlo con grabados. dedicados a Augusto. MESURA.Los problemas de las distintas ediciones: Problemática de dibujos originales y reconstrucciones posteriores. El artista libre que elige la ciudad en que desarrollar su actividad.)   Ingeniero en época de Julio Cesar y Augusto. Formación amplia y multidisciplinar).127). IV-III a.

es la que puede explicar y demostrar. la pintura (la referencia a las exposiciones públicas de pinturas bélicas. los arquitectos que sin teoría. 25 y 26 dedicados a las artes figurativas (dentro del ámbito de la mineralogía) . Ensalza las pinturas de la victoria bélica de Roma sobre Cartago.Remisión a autores griegos y romanos . La teoría. I d. Considera que es una pérdida el avance de la escultura y la decadencia de la pintura). de acuerdo con las leyes de la proporción y del razonamiento. Esta ciencia se adquiere por la práctica y la teoría. pero que ahora se ha visto por completo suplantada por los mármoles y también por el oro. hacía célebres a los particulares a los que juzgaba dignos de pasar a la posteridad. los se apoyaron sólo en la teoría…” 14/10/13  Plinio el Viejo (s. 77 d. La práctica es una continua y repetida aplicación del uso en la ejecución de los proyectos propuestos.C. y la escultura (sobre todo el despilfarro del mármol en Roma. 2-3 de la Historia Natural de Plinio el Viejo “La pintura. y que . dedicado al emperador Tito . en vez de en casas privadas.Extensas reflexiones sobre el color (su obtención. hasta el punto que no sólo se cubren paredes enteras. Lo que agrada no son ya los paneles. Más importante como fuente que como teoría. se aproximará más directamente a la realidad). sino que incluso se utiliza el mármol recortado y cincelado o placas incrustadas cuyo dibujo contorneado representa objetos y animales. arte ilustre antaño. Opina que deben estar en público.Libros 24.).“Es la arquitectura una ciencia que debe ir acompañada de otros muchos conocimientos y estudios. Claro sentido político y propaganda bélica). la perfección de las obras ejecutadas. sin atesorar. y sólo con la práctica se han dedicado a la construcción. De todo ello se puede extraer una teoría del arte. Mediante la manipulación del color. correspondiente a lo que se quiere formar. Por tanto. realizada con las manos sobre la materia. ni las vastas superficies que hacen penetrar las montañas en una habitación: nos hemos puesto a pintar incluso con la piedra” (tomado de Yarza 1997: p. Fundamentalmente incluye también a escultores y pintores. con los cuales juzga acerca de las obras de todas las artes que con ella se relacionan.C. no han podido conseguir labrarse crédito alguno con sus obras. como tampoco lograron otra cosa que una sombra. no la realidad.Enciclopedia compuesta de 37 libros de disciplinas diversas . por otra parte.79) 22 . cuando interesaba a reyes y ciudadanos. El libro 35. cualidades.) Militar y erudito Autor de la Historia Natural (ca. en cambio.

Es un género que consiste en describir lugares. el Mediterráneo Oriental y partes de Italia y todo ellos se plasmaron en un libro que se conoce como “La descripción de Grecia”. Describir lugares y momentos no es algo novedoso pues Herodóto hizo esto mismo en su viaje a Egipto. y de su exposición).86-92) 23 .). Pausanias es un poco demostrativo de la cultura romana del momento. Y dicen que inmediatamente cayó un rayo en la parte del suelo donde. pues el aceite es beneficioso (rasgos de conservación. Todo el suelo que hay delante de la imagen está construido . La Descripción de Grecia de Pausanias “Fidias fue el autor de la imagen. Una de las descripciones más importantes es la del Templo de Zeus de Olimpia y su estatua de marfil y oro que hizo Fidias. culturas por las que se van pasando utilizando distintos hilos conductores.C. pocas veces hay reflexiones sobre arte. estaba colocada la hidria de bronce. sino negra. apreciar el arte. C) Escribe un tipo de libro que estaría dentro de la literatura periegética. Muestra gran conocimiento de la cultura griega y un gran respeto a su religión. la filosofía. con una elite que se puede permitir viajar. 160-180 D. En efecto. No tiene unas grandes aspiraciones teóricas si no que funciona como una guía para el viajero. la retórica siguen monopolizadas por las elites griegas. todavía en mi tiempo. cuando la imagen estaba terminada. Esta costumbre de recorrer la geografía e ir dando cuenta de distintos hechos estaba ya presente en el mundo griego.Autores griegos que trabajan bajo el imperio Romano donde la cultura. como testimonia la inscripción bajo los pies de Zeus […] Sé que se han registrado las medidas de altura y anchura del Zeus de Olimpia. para la imagen de Olimpia y es el que impide que el marfil sea dañado a causa de la humedad del Altis […] (texto completo en Yarza 1997: pp. literatura de viajes. pues las medidas que han dado son muy inferiores a las que parecen a los que contemplan la imagen. Pausanias recorrió toda Grecia. II d. Encontramos dos tipos de descripciones: de monumentos y de lugares (theoremata) y también describe mitos del mundo clásico y costumbres religiosas (logoi). monumentos. LA LITERATURA DE VIAJES DE PAUSANIAS (CA. Fidias rogó al dios que diera señales acerca de si la obra era de su gusto (Podría tener algo de teoría de la creación como inspiración divina -> que se desarrollará más tarde). de preocupación por la conservación de la obra. ver los monumentos.  Pausanias (s. floreciente. Dicen que el propio dios ha sido testigo del arte de Fidias. pero no voy a alabar a los que la midieron. no con piedra blanca. Un zócalo de mármol pario rodea en círculo la piedra para contener el aceite que le echan. Sus reflexiones sobre el arte son puntales.

Se le empieza a reconocer su habilidad. creativa. C) Muchas reflexiones en torno a la consideración del artista van a venir por gente que se dedica a la retórica. Se le empieza a dotar al artista de una capacidad técnica. Lo que nos cuenta este texto es que Fidias había sido encarcelado por haber robado el oro que le habían dado para realiza las esculturas. pero en el juicio en vez de preguntarle por el robo.  Zeus de Fidias.  Dión de Prusa (s.Hay una mayor preocupación por el artista.) “Disfrutamos de la obra y despreciamos al artista” (Vidas Paralelas. La idea que los hombres tienen de los dieses vienen a través de cuatro fuentes diferentes     Imagen innata de nuestra mente Las descripciones de los poetas La imagen que transmiten los legisladores La imagen que transmite el arte La imagen que producen los artistas es enormemente influyente y por tanto la más peligrosa porque es capaz de moldear la imaginación del espectador de impactar en éste. El arte no solo implica una destreza manual sino que dentro del artista hay una imagen mental que el artista es capaz de plasmar en esa pintura. escultura. le preguntan sobre el tema de la creación artística.120 d. Pericles) Vemos cada vez más una preocupación por el artista. Olympia. Dentro de sus discursos el que nos interesa es la Duodécima Oración u Oración Olímpica donde vuelve a tomar como tópico el Zeus de Olimpia. II d.C. 432 a.C. El propio artista se basa en 24 .  Plutarco (46/50. Hay aprovecha para hacer toda una explicación en torno a cómo se crean las imágenes de los dioses. Profesor de retórica que escribió discursos. inventiva.

in a word. earlier than all these. since the latter appealed to the ear alone.toda la tradición literaria sobre todo en lo que dicen los poetas para ganarse el favor del público. they adhered to the myths and maintained agreement with them in their representations. textos poéticos de la imagen que transmiten los personajes públicos. creación innata . literatura. everyone who has held himself worthy to come forward as a portrayer of the divine nature through the use of art. 46 Consequently they preferred not to appear to the many as untrustworthy and to be disliked for making innovations. and in the other case because they saw that they had been anticipated by the poets and that the poets' imagemaking was the earlier. becoming in a sense the rivals as well as fellow-craftsmen of the poets. to wit. que es capaz de ir más allá y de captar la naturaleza divina mejor de lo que se podría en literatura. Son casi rivales entre sí. but by exhibiting all sorts of likenesses and representations of gods they secured for their patrons both private persons and the states. whose people they filled with an ample and varied conception of the divine. Daedalus. For these men were not satisfied to display their cleverness and skill on commonplace subjects. whereas it was simply through the eyethat they. […] 45 To this class belong not only Pheidias but also Alcamenes and Polycleitus and p51further. Conduce a reconocer las habilidades creativas del escultor. Tiene la idea de que los hombres tienen de los dioses habilidades. Todo esto conduce a reconocer las enormes facultades creativas del escultor. that derived from the poets. for their part. 25 . accordingly. the innate. y la imagen impacta más en el espectador. Facultad creativa del escultor. And all these influences won strength from that primary impulse. as having originated with the honouring of the divine being and winning his favour. El artista se basa en la tradición literaria para ganarse el favor del público. Texto Oración Olímpica 44 Now that we have set before us three sources of man's conception of the divine being. and that derived from the lawgivers. Hay una competencia entre literatura y artes plásticas. Aglaophon and Polygnotus and Zeuxis and. and here they did not differ altogether from the poets and lawgivers. la que transmite el arte. Arte como moldeador de la imaginación del espectador. Pero hay una serie de competencia entre el artista y el poeta. interpreted the divine attributes to their more numerous and less cultivated spectators. but in some few cases they contributed their own ideas. In most matters. in the one case that they might not be considered violators of the laws and thus make themselves liable to the penalties imposed upon such. Se produce entonces la comparación entre la literatura y las artes plásticas. Horacio dice que hay una equivalencia entre ambas. let us name as the fourth that derived from the plastic art and the work of skilled craftsmen who make statues and likenesses of the gods— I mean painters and sculptors and masons who work in stone.

la expresión de emociones. Filóstrato el Viejo (s. Sostiene que la belleza de la obra de arte está en la simetría. Filóstrato escribió Imágenes donde describe hasta 75 pinturas del mundo clásico algunos de ellos reales y otros ficticios. III d. III d. un genio loco con inspiración divina. La obra de la creación artística se resume en dos cuestiones: “La facultad de imitar le viene al hombre por naturaleza. pero que también es la transmisión. inventiva. La Vida de Apolonio de Tiana. Fantasía y mímesis. que abre el género de la écfrasis y la otra una biografía sobre Apolonio de Tiana.C. pero la de pintar por el arte”. Utiliza un concepto que es el de la fantasía. vuelve sobre la escultura del Zeus de Fidias para reflexionar sobre como Fidias es capaz de crear la imagen de la divinidad.) y de comparaciones similares de Plutarco (s. III d. en la proporción. pero no todo el mundo tiene la facultad de ir más allá. Muchos filósofos consideraban una parte importante de su educación la écfrasis.  Calístrato (s. I a. Barash]  Ménades 26 . de estamos mentales. generalmente de pintura y escultura. Es poseído por la divinidad. Encontramos aquí el germen de la idea de genio. Habla de los distintos tipos de pintura en función de las distintas técnicas utilizadas aunque no entra mucho en teoría. III d. Esto lo explica a través de una metáfora. Imitar lo puede hacer cualquiera. de Horacio (s. Afinidad entre poesía y pintura en razón de la imaginación que ambas comparten. la imagen de Fidias remite a la mimesis y a la fantasía. la de las Imágenes. creativa. que es una biografía imaginada más que historia. C) En esta misma línea y pasando al ámbito de la Filosofía podemos hablar de Filóstrato el Viejo (s. C) que nos interesa por dos obras. es decir transmitir a través de la literatura su percepción acerca del arte. C) Retórico que dice que a la hora de crear el escultor se convierte en un loco y es poseído por el “Entusiasmo” de tal modo que llega a poner al artista plástico al nivel que colocaba Platón a los músicos o los poetas. La écfrasis consiste en una descripción literaria de obras de arte.  Filóstrato el Joven (s. La belleza no es tanto como simetría. sino más bien como expresión.).III d. Reformulación del Ut pictura poesis. sale fuera de sí y es inspirado directamente por las musas de modo que el artista se convierte en un intermedio entre la divinidad y el hombre.C. A la hora de crear. Lo que tienen en común la poesía y la pintura es que ambos tienen una fuerte capacidad imaginativa. [Texto Calístrato. C) Escribe otro tratado de écfrasis donde describe cuadros.

 Plotino (s. Uno de los bloques está sin modelar. que lo hace feo desagradable. la idea frente a la materia que es lo que va a buscar el arte medieval que lo que busca es transmitir un concepto sin atender a la proporción. [Textos de Plotino] “Imaginemos. La finalidad de las artes es imitar la naturaleza y considera igual que Platón que esta imitación no tiene un carácter tan negativo porque el artista es capaz de proyectar una forma o una idea absoluta que tiene en su mente a través del arte y que es capaz de modelar la forma e infundirle esa idea. Utiliza muchos elementos tomados de las artes plásticas. la materia. La segunda idea que pasa al mundo medieval es que cuando contemplamos una obra de arte tenemos que ser capaces de ir más allá. El bloque tallado es más bello que el bruto y todo ello en virtud de la Forma o Idea introducidas por el arte. Nos sirve de punto de conexión entre el arte clásico y el medieval por varios motivos. ese concepto de su mente. es una arte que debe aspirar a ser conceptual donde lo importante es la forma. C) Hace muchas referencias a las artes visuales. Pero que cualquier obra de arte tiene su carácter imperfecto.Ejercicio 6: Sobre la écfrasis. sin haber sido tocado por el arte. dos bloques de piedra. III d. Leer las primeras tres hojas. de ir más allá y captar la divinidad. Lo que plantea en estas Enneadas. Román de la Calle. amorfo y por eso insiste que se debe ir a buscar esa proyección esas formas dentro de la materia. Lo importante de la imagen no es su carácter externo si no que sea capaz de trascender. hacia el concepto que transmite y esto será importante de cómo será el papel de las imágenes. colocados uno al lado del otro. el otro está minuciosamente trabajado por la mano de un artesano y presenta la forma de un dios. […] 27 .

43) ¿Qué significa la belleza? Punto de conexión entre el arte clásico y el arte medieval. sino porque participa en su arte” (Textos tomados de Barash 1991: p. y eso es más importante que la simetría y el canon. destrezas. ya que plasma una imagen en su mente mediante la forma pero que cualquier obra de arte tiene un peso material. de la perfecta mesura de las partes con el todo. Para el cristianismo sí existe la idea de la creación de la nada. Tratados prácticos son cosas mundanas. lo que le da una naturaleza específica al arte. Así como el arte es el conocimiento de unos reglas. Reflexionará sobre la cuestión artística en relación a Dios en su obra De Trinitate. La importancia de las matemáticas para la base numérica. la forma frente a la materia. Es más importante la idea que la materia. la música que la considera el arte del número. En última instancia la pintura y la escultura. Cómo hacer pigmentos. después vendría la arquitectura a la que reconoce cualidades matemáticas. Durante este periodo va a hacer otra reflexión sobre la cuestión de la creación artística retomando parte de esas ideas de Platón. no tan negativa. Se forma en Cartago como orador y profesor. preparación… Habla de la importancia del arte y de la importancia del número en él. el 28 . En el 387 se convierte al Cristianismo y sus reflexiones girarán en otra dimensión. Está unos 10 años trabajando como profesor de retórica y en esa época donde es un pagano convencido escribió un tratado que no nos ha llegado acerca de Lo bello y lo apto y donde está plenamente inmerso en el mundo clásico. LA LITERATURA ARTÍSTICA MEDIEVAL No hay muchas reflexiones sobre la literatura artística. Neoplatonismo -> arte – imitaciones de la naturaleza. que transmita un concepto. Plantea un arte conceptual. Cuando observamos la obra de arte va más allá a lo que transmite. mental. y el artífice no la ejecuta por el hecho de estar dotado de ojos y manos.[la Forma] “no está en el material: se encuentra en el diseñador antes de que penetre en la piedra. Abre un concepto que van a heredar todos los autores posteriores. Por la importancia dada a la base matemática se plantea una jerarquización de las artes coloca en primer lugar. Recoge conceptos de la simetría.  San Agustin (354-430) La inevitable falsedad del arte y la creación Autor que sirve de corte entre el mundo pagano clásico y el mundo medieval. San Agustín evita pronunciarse sobre si es bueno o malo y que justamente es esa falsedad del arte lo que define el arte. Hay un intento de definir el arte. habla de la falsedad del arte y pone como ejemplo una obra de teatro o una pintura.

las demás serán más vulgares porque hay que mancharse las manos. Pertenece a la corte de Teodorico. Plantea una división entre lo que él llama el ars que serían todas las artes liberales y las que requieren una capacidad intelectual y todo lo demás es el artifcium que son los que conllevan un mayor trabajo manual. La pintura y la escultura siempre están subordinadas a la arquitectura. a) Los Padres de la Iglesia Una de las discusiones más intensas es si las imágenes deben utilizarse o no.  Atenágoras (s. La cuestión de las imágenes. Mundo medieval . Va a haber en pugna dos posiciones: la que defienda el uso de las imágenes por todo lo que tiene de carácter didáctico y su capacidad de influir. XII). La arquitectura tendrá más valor. Hace una división en esta línea.creador es Dios y el hombre es un ejecutor un realizador que modifica la materia ya creada. Igual que en el mundo clásico el arte sería el seguimiento de un oficio de unas reglas.las artes liberales están separadas de las bellas artes. Los padres de la Iglesia. Definiciones y clasificaciones del “arte” Tenemos distintas clasificaciones. Nociones como la imaginación. Bizancio. junto con la astronomía y la música.  Hugo de Saint Víctor (S. Primero Dios crea de la nada y luego empieza a organizar a dibujar un orden de la nada. por otro lado se piensa que la imagen es confusa. Estas artes liberales requieren una capacidad teórica intelectual más fuerte van a dejar fuera a las artes plásticas y a la arquitectura. fantasía no estarán tan presentes en el mundo medieval.  Boecio (480 – 525). Se consideran como disciplinas -> la literatura y las matemáticas. unas retóricas y por último las artes productivas o mecánicas. esta última con una consideración mayor. cómo deben ser y como se debe posicionar el espectador que ve esas imágenes. Habla de unas artes teóricas. que alimenta a la idolatría. II) Expresa su preocupación por dos cuestiones: le preocupa la enorme belleza de las esculturas de los dioses del mundo clásico. la Alta y la Plena Edad Media Occidental. Falsedad del arte. En el mundo medieval aparecen las artes liberales separadas de las bellas artes. Dice que una escultura excesivamente bella puede conllevar dos 29 .

43) [Contextualización]: Plotino s. III (contextualizar al autor y su obra en general.  Tertuliano (160 – 220) Se opone a cualquier realización de la imagen de la divinidad.  San Atanasio (s. 30 . Rechaza el arte por lo que tiene de imitativo y por su falsedad.Corrientes. Por ejemplo: San Agustín (creación divina. [Comentar términos del texto]: Poner cada término o idea en relación con otros autores. artística). La analogía entre la imagen del rey y el rey mismo (Sermo de sacris imaginibus)> Esencia del propio rey a través de la observación de la imagen del mismo.problemas. antecesores. etc) Escuela neoplatónica. habla de estética.  San Jerónimo: (c. Ejercicio: Plotino.. hablar de las ideas del momento. y alude a muchos términos artísticos formulando una teoría en completo. Oposición a las imágenes de raíz veterotestamentaria. La belleza de la naturaleza por encima de la belleza artística. (Textos tomados de Barash.. puente entre la ideas clásicas y medievales. El peligro de la confusión de la realización de un dios antropomorfo. IV) Crítica al culto rendido a piedras y maderas con forma de dioses (Contra Gentes) > Relación con la iconoclastia bizantina.. que el que la contempla se quede solo con esa belleza externa y que como se le está dotando de una apariencia antropomorfa se llegue a distinguir la divinidad con el hombre. El Peligro de la adoración. 1991: p. Para ellos recupera toda la línea argumentativa del Antiguo Testamento que será uno de los argumentos más utilizados en esta época. historia.340-320) Crítica al ornamento. Enneadas. Esa idea si estará más presente en el arte medieval y va a haber una cierta despreocupación por la belleza humana..

31 . Tuvo motivaciones políticas.Diferenciación entre la piedra tallada y la piedra en bruto> Antes y después.. sí. que se posicionaron en contra de las imágenes. incluso fuera de las fronteras del imperio. no conocían directamente el trabajo del arte. Algunos de estos emperadores orientales iconoclastas. reconstruidos a través de evidencias indirectas. Tan sólo la diferencia el trabajo del artista. Tb: Filóstrato el viejo. Los grandes acumuladores de iconos serían los monasterios.. participa de las ideas: Mucho éxito en las corrientes iconoclastas bizantinas → Juan Namasteno: Obra de arte. que lo ponían en peligro.../Idea por encima de la imagen o el Canon. Ambos materiales. (Aristóteles. de un modelo similar a la Europa feudal. Pensaban que todos aquellos que acumulaban iconos en su poder... dota a la materia de la idea). tallados o no tienen las mismas características. solo que uno participa de las ideas de arte y el otro. aunque imperfecta. “El bloque tallado es más bello que el bruto y todo ello en virtud de la Forma” “La Forma (por tanto lo bello) no está en el material: se encuentra en el diseñador. Idea. Polícleto/ Dion de Prusa. La belleza. procede de la mente de la mano que ejecuta la talla.Calístrato: Modelado de la materia como inspiración divina. en el taller. la forma. genialidad. sino porque participa en su arte” → Término que emplea por primera vez Platón. Judíos y Musulmanes.. El emperador con toda la corte y parte de la cúpula eclesiástica. debían asumir un gran número de población no cristiana. Materia y Forma/Más menos. · · El arte oriental donde no prima la forma y lo antropomorfo. económico-sociales.. Tendrán imágenes de devoción privada como modo de atraer fieles y riquezas. con los que compartirían una actitud aniconista.” (?) → “El artífice no la ejecuta por el hecho de estar dotado de ojos y manos. Muchos de ellos emperadores de influencia oriental. Los teóricos. se revalora como arte. la escritura como elemento artístico y autónomo. musas. b) Imperio Bizantino o Iconoclastia e iconodulia (s VIII-IX) · · Polémica con gran desarrollo teórico que afecta al arte. frenaban el poder del estado. por tanto. ''Suerte de participación” quién recibe la sombra. no. culturales y religiosas. Las reticencias veterotestamentarias hacia la representación de Dios. participa de esa idea. La materia en sí no es bella. o Los argumentos de los iconoclastas. pero tendría un impacto directo. en lugares rurales. Los dos grandes intereses en juego serían. apartados.

Dios es un modelo y todos los seres emanan de él. Burla y sátira a conferir importancia a una escultura. Contra aquellos que desprecian las imágenes sagradas) [Virgen triferusa. Dios es lo absoluto. El arte como via de ascenso. Diógenes Laercio [escultura del Fidias] La escultura no puede ser la esencia de la divinidad. · · Las imágenes como símbolos. cauce. la idea no está completamente separada de la imagen. [Pantocrátor de Dafni] El hombre es capaz de captar y reproducir la imagen emanada de Dios. 32 . Dioniso de Siracusa el Joven. El demonio habitando en los ídolos pagamos (C. La mezexis.· · La crítica hacia los ídolos en el mundo grecorromano (Horacio. → Teodoro de Estudión o Teodoro Estudita (759-826)     Diferencias entre la sombra y lo auténtico.. ciclo de pinturas dedicado a Moisés] → Ningún problema en la representación del arte figurativo. La imagen se convierte en un símbolo de una realidad intangible. el modelo por excelencia. Orígenes c. Comparten esencia. Llega a haber una posibilidad de inseparación de la imagen y la realidad. NO SE PUEDEN DESLIGAR. el mundo es un sistema de imágenes y símbolos. Sirve como justificación para revalorizar la imagen. del humano a lo divino. transmisión de la idea. más compleja. Reconoce por ello la adoración de las imágenes ya que transmite la idea de Dios. El artista debe entender la conexión del símbolo y la realidad. Tradición platónica. El mundo como sistema de símbolos o imágenes. No son exactamente lo mismo.) heredado por los cristianos que plantean una dicotomía entre lo espiritual y divino frente a lo material y tangible (Clemente de Alejandría c. 185-254) [Sinagoga de Dura Europos. Participa o se acerca de alguna manera. o de tres manos] Musulmán convertido al cristianismo. 150-211). El ser humano puede realizar imágenes de Dios que participan de su esencia. methesis o participación. la distancia entre en símbolo y la realidad que éste simboliza. peligro de la idolatría. de Alejandría. Los seres inferiores emanan de los superiores y constituyen su imagen. (EXCP) o Los argumentos de los iconodulos a favor de las imágenes. todos los seres participan de su esencia. El icono como cauce entre lo humano y lo divino..      La imagen participante no es idéntica a su modelo pero tampoco está completamente divorciada de él. → Juan Damasceno (675-749. Tesis sobre la divinidad de las imágenes.

Que aquellos que no sepan leer. Muchos de los autores del mundo occidental. sin tener en cuenta la utilidad de las imágenes o la devoción de los fieles). ni siquiera para ser veneradas. c) Alta Edad Media Occidental La instrucción para los iletrados. Papa en época de los lombardos. y la comparación entre escritura y pintura. se servirán de la imagen. Renacimiento Carolingio en relación con la inconodulia bizantina. No se emplea el concepto de la participación. y los que no son capaces de leer. algunos autores diferencian entre la adoración (reconocer que la imagen es el propio Dios) y veneración (respetar y reconocer que la imagen tiene parte de la esencia de la divinidad. 540-604). Dentro de esta polémica. el arte como instrucción para los iletrados. y tiene un carácter docente. → Gregorio Magno (c. pero no confundirla con Dios mismo). Carlomagno está muy pendiente de lo que ocurre en Bizancio y provoca un gran interés. movilizando embajadores entre ambos imperios. la conmemoración o recuerdo de hechos conocidos. Las imágenes están hechas para formar a los ignorantes. sostiene que la escritura es una manera de transmitir ideas de carácter religioso a los letrados. al menos puedan comprender a través de la imagen. Asumen que la imagen sí que sirve. Ataque al obispo de Marsella (comparte la idea de la iconoclastia. . ni de la relación entre la esencia del objeto y la imagen. Virgen de las tres manos. Pantocrátor de Dafni. 33 .

Inevitable falsedad.Walafrido Estrabo (809-842): El cuadro como literatura como el hombre sin formación. es asombrosa y deformada proporcionalidad y la bien proporcionada deformidad? ¿Esos impúdicos monos? ¿Esos fieros leones? ¿Esos monstruosos centauros? ¿Aquellos seres semihumanos? ¿Esos tigres con manchas? ¿Estos guerreros?¿Esos cazadores haciendo sonar sus cuernos? Aquí puedes ver varios cuerpos bajo una cabeza. Dentro de su corte aparecerán una serie de pensadores que defenderán las imágenes. un animal que de frente parece un caballo y por detrás una cabra y aquí. Aquí. varias cabezas sobre un cuerpo. realizado por Lituardo y Berengario][Altar de Ractis] .XII): arte como recuerdo o conmemoración de las vidas santas. texto de Gregorio Magno) o Los años centrales de la Edad Media en Occidente: Los silos XI. Bernardo de Claraval (s. con mayores valores estéticos y placeres más duraderos). y allí. IX): Relaciones entre escritura y pintura. [Codex Aureus de San Emerano.Rabano Mauro (776-856): Relaciones entre escritura y pintura.Alcuino de York (s. se inclina a la escritura (apela a más sentidos y conceptos. En suma. en todas partes aparece una variedad tan rica y tan sorprendente deformas que es 34 . un cuadrúpedo con cola de serpiente. Adriano le trae las actas a Carlomagno. a su vez.XIII     Sínodo de Arras (1025): pintura y escritura. La escritura capta mejor la esencia de las cosas.870. Defensa de la escritura como algo más valioso > falsedad de la pintura. condena a los iconoclastas. Honorio de Autun (s. c. . una bestia cornuda que exhibe los cuartos traseros de un caballo. Comparación como el en mundo clásico sobre la preferencia de la escritura o artes plásticas como superior. .XII. allí un pez con cabeza de cuadrúpedo. Guillermo Durando (s.Tiene lugar el Concilio de Nicea (impass entre iconodulios e iconoclastas). Allí.  San Bernardo (siglo XII) El rechazo a al arte figurativo en los recintos monacales “Más aún.XIII): la escritura de los iletrados. Apología contra Guillermo): el rechazo del arte figurativo en los recintos monacales. (Menciones a San Bernardo. bajo la mirada de los hermanos enfrascados en la lectura ¿qué pinta allí esa ridícula monstruosidad. en los claustros.Libri Carolini (790-792): La pintura como conmemoración o recuerdo de los hechos pasados. . Con el apoyo de Carlomagno y Alcuino de York. Desarrolla en muy gran escala la relación entre ambos conceptos. por lo que tiene de docente. que consigue fomentar la verdad.

ante su total asombro. En el mundo gótico si vemos textos sobre estos.  Abad Surger: El valor estético del brillo y las posibilidades de los materiales preciosos como método anagógico: habla de las piedras preciosas. jaspe. ya tiene en la cabeza lo que quiere hacer. Hay dos momentos de apogeo: el mundo bizantino. aparte de la figuración. zafiro y carbunclo y esmeralda. cuando al margen del amor por la belleza de la casa de Dios. sino que por el contrario abundan copiosamente. el encanto de las piedras multicolores me distrae de preocupaciones externas y una meditación apropiada me induce a reflexionar. Surger pone las bases de lo que será el gótico. dan mucha importancia a los materiales. estos diferentes ornamentos. ni en la faz de la tierra. creo encontrarme en cierta manera en alguna extraña región del universo. que no sólo ninguna está ausente entre éstas. sino que son los viajeros los que se encuentran con esto. que no existe en absoluto. sardónice. Recreación de la Jerusalén Celestial. que en los textos sagrados se describe con piedras preciosas y elementos ricos. Cuando pensamos en el mundo bizantino. y da la sensación de que piensa como en el mundo bizantino.más placentero leer los mármoles que los manuscritos. trasladándome de lo que es material a lo inmaterial. y vemos la maravillosa cruz de San Eloy. Pero no se encuentran textos que plasmen esta idea. En determinados momentos del arte medieval. Lo importante era meditar y no dejarse llevar por el arte figurativo. menos interesados por el canon. Habla del brillo. nuevos y viejos. “A menudo contemplamos. crisolita y ónice. Es evidente. pieza por pieza. que deben llevar a un ascenso. que tiene como finalidad ultima la elevación del espíritu. y pasar el día entero admirando estas cosas. las mismas de la Jerusalén Celeste. con la intención de asombrar a través de la riqueza material y sensorial. De aquí que. es importante la calidad de los materiales y de las técnicas. con la sola excepción del carbunclo. y. junto a otras más pequeñas y el incomparable ornamento comúnmente llamado crista colocado sobre el altar de oro y digo entonces suspirando profundamente con mi corazón: cada piedra fue tu protección. y berilo. para los que conocen las propiedades de las piedras preciosas. por la gracia de Dios. puedo ser transportado de este mundo inferior a ese superior de un modo anagógico” 35 . aparte de la querella. rico en materiales. y el arte gótico. lleno de luz. más que meditando sobre la Ley Divina” (Apología contra Guillermo) 21/10/13 Comentario de texto: Carta de Gregorio Magno a Sereno de Marsella Los materiales preciosos y su valor místico anagógico: Bizancio y Surger de Saint Denis. ni en la pureza del cielo. movidos por nuestro amor a la madre Iglesia. y la simetría. y más preocupados por la riqueza. sobre la diversidad de virtudes sagradas. topacio.

Apenas hay reflexión teórica. De diversisartibus.  El Álbum de dibujos de Villar de Honnecourt. Sobre los colores y las artes de los romanos. en torno al valor de la ornamentación de la iglesia y los materiales ricos. Are con finalidad artística. . va recogiendo lo que ve. la destreza artesanal y el estado emocional del espectador. Él mismo se pone el nombre. Les permite conocer a los pintores las técnicas y procedimientos artísticos. Hombre culto y elegante. sino de dar modelos para trabajar.La antigüedad clásica y el mundo bizantino. .  Teófilo Presbítero. . libros de técnicas y libros de modelos. Dar instrucciones de cómo hacer las cosas. que se conmueva. Villarddebio de ser un maestro de obra o arquitecto. Lo fijan. . Dos tipos: Libros sobre técnicas  Heraclio. cuenta lo que él mismo ha podido probar. . El oro.La propia experiencia.Reflexiones de carácter más teórico en los prólogos. que debió de viajar mucho.Técnicas artísticas de geografías distantes. Exquisita mano. se va principalmente a los objetos de pequeño tamaño. con adiciones del siglo XII. Libros producidos pensados por la plástica coetánea. y lo que hace es un libro de dibujos para copiar. la geometría y así el artista tiene los modelos para pintar.Autor culto pero que remite a su experiencia práctica. no es importante el texto sino compilar la información. . Permiten sistematizar lo que se había difundido de manera oral que se operaba en el taller. . sin estructura 36 .El vacío del arte monumental y la atención a los objetos de pequeño tamaño. para enseñar el dibujo. los temas pintados. se piensa que pudo ser escrito en Alemania.Las cuestiones prácticas. son como laminas. en torno al siglo XII. Libros sobre modelos: ya no se ocupan de la cuestión técnica. y qué haya una empatía con el espectador. Los hace a medida que viaja. . relativamente minoritaria. ¿Roma s. eran los propios artistas los que escriben sobre las técnicas. Arte como destreza manual. y parece que recurre al mundo clásico. de finales del XIII. reivindicación de la mano del artista. primera mitad del siglo XIII. no suficientemente estudiada. literatura pragmática.Libro concebido como conjunto de modelos para copiar Falta de estructura o sistematización.La literatura de taller. XII? apenas atiene a arquitectura o escultura mural.

se describe de manera literaria. José Enrique (2012). Bibliografía de apoyo:     BARASCH.1970): Historia de la estética (ver los volúmenes I y II. sobre todo iconográficos. copia de uno anterior de la segunda Edad de Oro?.  El manual del pintor o guía de la pintura del monte Athos. polaco 1962. referidos respectivamente a Antigüedad y Edad Media). Alianza Forma. 37 . Ramón Areces. es un recordatorio. Wladyslaw (1987-1991) (1ª ed. inspiración posiblemente copia para guiar al artista en modelos. pp. De Platón a Winckelmann. Akal. También importante en el mundo occidental.sistemática. Madrid. aunque no haya ningún escrito. Moshe (1991). Eleva la condición social del artista. Madrid. donde hay un elemento en común que es la importancia de la geometría en la formación del artista.44-56. La geometría y las matemáticas entraban dentro de las artes liberales. Madrid. va copiando lo que ve. sin diseño ni dibujos. Arquitectura y artes figurativas. sin plan.15-94. URQUIZAR HERRERA. Y nos dice dónde deben ubicarse dentro del templo. pp. Dividido en tres partes: repertorio de temas. Joaquín (1997). Madrid. Antonio. no puede ir en cualquier lugar. Historia 16. La construcción historiográfica del arte. se piensa que viene del taller y que es para los que ya saben dibujar. Colección Conocer el Arte. sobre todo escultura. Fuentes de la Historia del Arte I. en el siglo XVIII ¿?. TATARKIEWICZ. YARZA LUACES.54-299. Teorías del Arte. se le atribuye al monje Dionisio de Furma. GARCÍA MELERO. pp.

pero es en el Renacimiento cuando el artista tendrá conciencia de ello. el humanismo y la teoría del arte. pp. La conciencia de estar abriendo un camino (Alberti y su tratado sobre la pintura. 38 . De Platón a Winckelmann. Teoría y Metodología de la Historia del arte. Bibliografía:  BARASCH.  FERNANDEZ ARENAS. Con anterioridad no encontramos nada tan sistematizado como hasta ahora. Moshe (1991). El Renacimiento. Teorías del arte. La querelle entre antiguos y modernos. cobertura religiosa. el humanismo y la teoría del arte. financiación. La biografía artística como antecedente metodológico. intermediarios entre artistas y mecenas. (ref. Madrid. El ascenso social permite desarraigarse de las normas del gremio. Tendrán una conciencia de sistematizar y organizar el conocimiento. La biografía artística como antecedente metodológico.  La teoría del arte como elemento definitorio del Renacimiento:  La escisión con la Edad Media. pp.TEMA 3: TEORÍAS DEL ARTE (III): SIGLOS XV.. Barcelona. Mitificación del ascenso social y el encorsetamiento de los gremios (protección. 55-68. basándose en argumentos como la relación entre arte-ciencia. Las bases del enfoque iconográfico.(sXVII) c) La Querelle antiguos y modernos. XVI Y XVII. 1435) Puede que se encuentren algunas teorizaciones mínimas. La biografía artística como antecedente metodológico (s XV-XVI) (Método biográfico como metodología del arte.. Tratados artísticos y teoría del arte barroco.Se da en Italia a principios del Renacimiento). a) Renacimiento. Alianza Forma. unas pinceladas. José (1982). Vasari) SIGLOS XV Y XVI a) Renacimiento. van a demostrar que lo que ellos realizan es un arte liberal. 95-248. Pese a este encorsetamiento.) b) Tratados artísticos y teoría del arte Barroco. el Humanismo y la teoría del arte.   El ascenso social del artista:   Reivindicación de las artes visuales como artes liberales.

o Tendencias centrípetas: Elogios entre artistas en la obra de Alberti. visión múltiple y única. ''pintor anatomista''.. Ghiberti y los Commentarii. Se gesta ahora la noción del genio. no solo de manera superficial.  Movimiento centrífugos y centrípetos entre artistas: pintores. u. destacables sus aportaciones en el campo de la arquitectura. Compilación de serie de planteamientos teóricos y matemáticos acerca de la creación pictórica. o Perspectiva: Sistema teórico y fundamental que se plasma con anterioridad y se boceta antes de llevarlo a la obra. o Anatomía: Sobre todo reivindicado por escultores y pintores. lo que más adelante facilitarán los avances en este campo.1420).1500). El artista debe tener un amplio conocimiento literario. Es necesario conocer la anatomía.t pictura poiesis.  Arte como imitación y selección de la naturaleza para lograr la belleza:  Las enseñanzas del maestro y la imitación de la naturaleza. Componente elitista. 1435). Alberti (1404-1472) Procedente de una familia rica y culta. del artista temperamental.   Extensa y culta educación.. arquitectos y escultores. Durero y el Libro IV de su tratado de la geometría (1525). Leonardo Da Vinci. la imaginación como elemento común del pintor y el poeta. Teórico y práctico. la Academia de Dibujo (Academia del Disegno)promovida por Vasari. Centradas en la superioridad de ambas frente a la otra. 39 .1480). sino incluso desde el conocimiento médico. Brunelleschi y la representación de la plaza de la Signoria de Florencia (c. La necesaria unión de arte y ciencia: perspectiva y anatomía. Reivindican este conocimiento para llevar a cabo un buen arte.  Arte destinado a un público culto y refinado. o Tendencias centrífugas: las disputas retóricas de los paragone generalmente centradas en la escultura y la pintura (superioridad del ojo. Piero della Francesca y De prospectiva pigendi (c. dedicada a Ghiberti.). con intención de dedicarse a la vida artística. Leonardo y la perspectiva aérea (c. Se da más importancia a la imitación de la naturaleza que a las propias enseñanzas adquiridas del maestro. ARTISTAS:  G. Alberti y el tratado de la pintura (c. Horacio. Unión y separación entre las disciplinas. realidad e ilusión.B.  El artista plástico y el poeta: la recuperación de Horacio y el tu pictura poiesis. Brunelleschi y Masaccio.

no pretendiendo imitarlo.. Resultado. El de pintura será el que tendrá el contenido teórico más fuerte. Actuó con sabiduría”  Fachada Santa María Novella 40 . y el de la escultura será más sintético. estructura sistemática. La anécdota de Zeuxis recogida por Alberti: “Cuando los ciudadanos de Crotona pidieron a Zeuxis que realizara una imagen de culto de Helena (o Venus)] “no emprendió su obra confiando impetuosamente en su propio talento. sino que. no sólo no podía encontrarlo intuitivamente. CAPACIDAD INTELECTUAL DEL ARTISTA. mesura. Se debe imitar la naturaleza seleccionando los elementos más hermosos para componer algo armónico. base de la armonía cósmica del universo. - De re aedificatoria (1452). armonía. Habla de la óptica. teóricos.. multidisciplinar. ordenada.Confinitas: armonía arquitectónica. conceptos sacados de la antigüedad clásica. la belleza matemática. sino que ni siquiera en la naturaleza podría descubrirlo en un único cuerpo. Por y para ellos. Es necesaria la aportación propia del artista. con acceso a la imaginación y echando la vista atrás a la antigüedad. - De pictura (1435). geometría y elementos formales de la pintura. simetría. aunque rápidamente traducidas al italiano. si no en la observación y la imitación de la naturaleza. Dedicará una parte muy importante a explicar cómo debe ser la educación del artista. No le da tanta importancia en la formación del maestro. Son tratados destinados a formar al artista. pretende emular al propio Vitrubio. el de arquitectura ensalzará la figura de Vitrubio. matemática y geometría. si no recrearlo y actualizarlo a su época. como todos los pintores hacen ahora. La belleza basada en la simetría. Aquí encontramos la esencia del planteamiento teórico del Renacimiento. para poder representar en su pintura los rasgos de la belleza femenina que en cada una de ellas eran más dignos de admiración. dividido en tres libros.SERIE DE TRTADOS: Inicialmente en latín culto.. escogió de entre todas las jóvenes de la ciudad a cinco muchachas especialmente hermosas. Tratado sobre arquitectura. (Santa María Novella) - De statua (1464). convencido de que todo aquello que le era necesario para plasmar la belleza.. científica.

la importancia de la matemática. Leonardo DA VINCI (1452-1519) Iletrado y formado en taller. o Pittore anatomista. Es un ejemplo más de que Leonardo parte de la práctica para luego fundamentar la teoría. dentro de la universidad. Todo el conocimiento anatómico se basaba en la disección de cadáveres. Esta compilación no llega a ver la luz de manera masiva hasta el s. o Tendencia sintética y carácter científico de sus dibujos. Francesco Melzi. y la versión más completa será del SXIX. Empirismo. Demuestra que las cualidades estéticas tienen una base matemática y científica. Unión entre anatomía y pintura: necesidad de nociones de anatomía para llevar a cabo el trabajo de pintor. si no de su discípulo. Se apoya en el ojo. XVII. la complementariedad de a teoría y la práctica. o Disecciones y contacto con anatomistas de la época (Marcantonio della Torre). La revisión de la perspectiva renacentista: la perspectiva aérea y el sfumato 41 . o Influencia de Vesalio De humanis corpori fabrica 1543. práctica-teoría indisoluble.    Crea una serie de escritos dispersos y fragmentarios. La experiencia visual le da superioridad a la pintura sobre las otras artes. como el sentido más sagaz y astuto. aunque seguirá siendo una práctica muy puntual. - Paragone y la superioridad del ojo. sus bocetos se basan en la síntesis de la disección de múltiples cadáveres. o Multidisciplinariedad como argumento de ascenso social. Típico renacentista. lo que llevan a la teoría y la habilidad. el trabajo diario. fundamental dentro de la formación del pintor. Este tratado no es resultado de la mano del propio Leonardo.  Importancia de la experiencia visual. el problemático Tratado de la pintura. tecnología. práctica. Es la experiencia. o Importancia matemática y geometría a la anatomía del cuerpo humano.

Muchos estudiantes de medicina preferían ir a versus dibujos que a la escuela de medicina. tiene que ser única. que tenga expresión. La obra de arte es una obra única. que no se quede sólo en la matemática. Afinidad y diferencia con arquitectos… con el paragone. encanto…). y la obra literaria puede ser copiada y tener el mismo valor que el original. hay superioridad del ojo. es lo que nos marca la distancia. Escribe un tratado de pintura. a lo tecnológico. Decía que faltaba algo. y además el escultor no puede sugerir un espacio que no existe. y hay que meterla perspectiva aérea y el esfumato. “El pintor y el anatomista”. que es una reflexión sobre la belleza. Se definirá como pintor anatomista. porque tiene una experiencia visual. de autores como Alberti o Piero della Francesca. Por ello mete a la pintura dentro de las artes liberales. la gracia o el encanto. define las luces y las sombras. además la perspectiva aérea implica una importancia en el color. La finalidad del tratado es conseguir la cualidad estética. no considera que para ser bello hay que fijarse en la imagen perfecta. Hace una serie de notas en donde dice que la pintura es superior al resto. Estudio anatómico. que no se pueda medir.  La belleza y las cualidades emocionales. muy teórica. con respecto a la literatura y a la música. porque es un esfuerzo mental y no un esfuerzo físico. exclusiva. la gracia La pintura como arte imitativo y creativo Planteamientos que no parten de la filosofía. Reflexiono sobre la perspectiva hizo una crítica con base matemática. da importancia a la práctica. práctico. Es un arte inmediato y también creativo (gracia. Da mucha importancia a la experiencia visual. Tiene una mayor perdurabilidad. Diseccionaba cuerpos. (Alberti decía que los tres eran afines). como por ejemplo la esfera. viendo cuál de estos es superior. No se habían apoyado en la práctica. Se acentúa más a partir del siglo XV. es algo inmediato. Sus diseños se pueden ver después con el paso de la ciencia medieval a la moderna. La eleva. Leonardo compara la pintura con la poesía porque entra por el oído y la pintura entra por los ojos. copiada. Paragone – conseguir un ascenso del artista.  Leonardo da Vinci. La gestación humana y los préstamos de la botánica 42 . Villar Honnecourt -> dibujos con formas geométricas. Quiere que el cuerpo se adecúe a la matemática. Estudia los cuerpos gestantes. sino que esa imagen tiene que tener algo de mensurable. Inscribe el cuerpo humano dentro de figuras. es también superior a la escultura. La pintura no puede ser imitada.

 La anatomía y la pintura en la en la Edad Media.  Leonardo. El pintor anatomista y la importancia de la geometría. 43 .  Álbum de diseños de Villar de Honnecourt.

Proporción de base matemática y basada en la experiencia visual. No se lleva a cabo. Quiere hacer coincidir la belleza artística con las matemáticas. EL FILARETE (Antonio di Pietro Averlino) (1400-1469) Arquitecto y escultor. que había muerto hacía poco y había sido su profesor. La arquitectura tiene que estar acorde con la proporción del hombre (Renacimiento).  Francesco di Giorgio Martini (1439-1502) Arquitecto. utopías. del diseño de la ciudad ideal.   El Tratado de arquitectura civil y militar. El objeto es la cuestión del urbanismo. que nunca se llevan a cabo.1464). donde se ocupa del trazado de una ciudad humanística ideal. Dedicado a Federico de Montefeltro. Perfil estrellado.   Los trabajos para Francesco I Sforza en Milán. Tratado dedicado a Francesco Sforza. Carácter antropomorfo de la arquitectura. La llaman Sforzzina. Considera que la arquitectura tiene que estar sujeta a unos cánones de proporción humana como base de ésta. Totalmente utópica. defensiva. formado con Ghiberti. El Tratado de Arquitectura (1451. hay que ajustar la proporción conforme a la vista. en italiano y no en latín. 1482. 44 .

Habla de hasta trece figuras buenas para conseguir la perfección del cuerpo masculino y femenino. Le apasionaba Italia. Para informarse sobre novedades de perspectiva. Quiere aprender la perspectiva italiana. reivindicando la nobleza de su arte. Utiliza las matemáticas para reivindicar el carácter científico del arte. 45 . Hace viajes para conocer los secretos de los italianos y así llevarlo a su país. El estudio del cuerpo en movimiento y de los estados de ánimo.    Su interés por los avances italianos. por el norte. la proporción. como se asienta en la medida. Después de un viaje a Italia en 1506. Usa la perspectiva aérea y el esfumato de Leonardo. no se puede alcanzar con la proporción. Tuvo contacto con Alberti. Canon y matemática. Los cuatro libros de las proporciones humanas (1528) y las diferentes proporciones masculinas y femeninas. Teoría de las proporciones. Compendio. Considera que no hay una única proporción perfecta. y así elevar su orden social. que es un elemento esencial de la pintura. como un intelectual. cómo el arte persigue la belleza. en especial por el espacio en perspectiva reflejado en el Libro IV de su Tratado de geometría (1525). Hay diversidad. se autorretrata como un caballero. SIGLO XVI  Alberto Durero (1471-1528) Es uno de los que mejor demuestra el traspaso de Italia a Alemania en este caso.

con planteamientos teóricos del momento. La Historia del arte entendida de manera cíclica.         Nueva concepción del artista: . Modelo asentado en una teoría antigua de los humores. Agustín CEÁN BERMÚDEZ…) El término Rinascità. la sensibilidad. La alabanza de los artistas toscanos y el reconocimiento social de los artistas. Su finalidad es promocionar el arte italiano de su época y el arte de la Toscana y aún más el de Florencia. pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestro tiempo). pero si no tiene un arte innato pasará desapercibido. distinguiendo tres etapas en el Renacimiento. con tres generaciones: Cimabue y Giotto (primeras luces. André FÉLIBIEN. Es la biografía la que condiciona el arte. creativo. Los cambios son de carácter cíclico (Riegl Wölffin). melancólico y colérico. son ciclos. Se nos presenta más como historiador que como artista. Atrae el campo a una nueva manera de teoría del arte. Antonio PALOMINO. . Método más antiguo de la Historia del Arte. temperamental. El dibujo (disegno) y la similitud entre las artes. Cuatro conceptos clave: imitación. sanguíneo. maniera. Vidas (Vidas de los más excelentes arquitectos. Se abre paso un nuevo modelo de artista. las diferentes ediciones de 1550 (escribe sobre artistas fallecidos) y 1568 (escribe sobre artistas afines del momento). diseño. el aislamiento. Ya lo planteó Aristóteles. La consolidación del género biográfico y la anticipación de la historia del arte como disciplina (influencia en autores posteriores como Karel VAN MANDER. Piero della Francesca y Ucello 46 . unión de lo melancólico del arte con la ciencia.La teoría humoral de la Antigüedad. regla y gracia (o facilidad). Hace que el género biográfico pase a ser parte de… y a construir una historia del artista. la melancolía. Es importante la formación del artista. El Renacimiento es la excelencia de Grecia y Roma pero mejor. del manierismo. En la Edad Media esos humores estaban regidos por los planetas. escultura y arquitectura. pero también lleva a la locura como decía Platón. Hay una evolución desde el arte clásico hasta el Renacimiento. flemático. Dentro de estos el que asocia con el arte es el melancólico. . Su texto es una fuente documental. Giorgio VASARI (1511-1574) Es el teórico por excelencia. carácter cíclico y posibilidad de superación en el arte. Es capaz de plasmar su personalidad. Podríamos decir que es la base del conocedor. Ve una unión entre pintura. Evolución. Anticipa la figura del historiador del arte. los nacidos bajo el signo de Saturno. Ensalza a los italianos. la enfermedad y la genialidad. considerando la Edad Media como una etapa oscura. Agrupación de artistas por época.La formación y el don innato para el arte. Era una forma de humor que podía llevar a la genialidad artística. la tristeza. Abre el camino a otros artistas.Excentricidad y genialidad. renace el arte). el artista genio.

(consolidación). gracia y manera o maniera. de Goya. La relación entre el arte y la naturaleza. La futilidad o vanidad del arte. Edad media… El arte está regido por: imitación. Caprichos. al temperamento del artista. invenzione. La genialidad. Por último el término maniera responde a una mera individual. 47 . Con ello se plantea agrupar por épocas (Wólffin). diseño y dibujo. La regla está como base del dibujo. Acuña los conceptos de Gótico. Creación. que supera el esplendor del arte de la Antigüedad. Deseo de transformar e interpretar la naturaleza. Raíz platónica -> el artista tiene la idea en su mente y a través del arte plasma esa idea mental. También tiene que tener gracia y encanto. reglas. Tiene que hacerla asequible.  El sueño de la razón produce monstruos. pero también de época. Su finalidad es mirar a la naturaleza. Considera que la pintura. 1799. la escultura y la arquitectura tienen como elemento común el dibujo.  Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)       Su teoría del arte expresada en sonetos y cartas. el artista tiene que ser capaz de hacer la obra como si no le supusiese dificultad. concetto. El sinsentido de parangonar las artes. y Miguel Ángel a la cabeza como culminación. El dibujo se apoya en las reglas.

 Bienvenuto Cellini (1500-1571)            Autobiografía. 1553. Los cuatro libros de arquitectura. Pragmatismo.1538-1562. 1548. Gran repercusión en la arquitectura de su época. 48 . Museo del Prado. 1570. Tratado de arquitectura. Sebastiano SERLIO (1475-1554). 1537-1551. Proprietà.  Tiziano. ca. Carácter práctico. prontezza y lume. Importancia de la geometría y la perspectiva. Dánae y la lluvia de oro. Los esclavos inacabados. facilitando el paso al Barroco. El color de los venecianos.1565)    Diálogo de la pintura. Reflexión teórica y práctica sobre la Antigüedad Paolo Pino (1534 ?. Andrea PALLADIO (1508-1580). ca. El paragone entre escultura y pintura.

Vaticano.El ejemplo de Franciscus Junius y su De pictura veterum. Rafael. escultores y arquitectos modernos.  Ambiente cosmopolita (flamencos. 1509.SIGLO XVII Tratados artísticos y teoría del arte del Barroco. asociando cada escuela a un tipo de belleza: la romana. 1672. 49 . la toscana.  División en escuelas.  Dos tendencias: naturalismo y manierismo. italianos). Teóricos del arte:  Giovanni Bellori (1615-1696) Vidas de pintores. La querelle entre antiguos y modernos: El siglo XVII y la Teoría del Arte   Mayor cosmopolitismo. la veneciana.  Doce biografías.La Escuela de Atenas. 1637. franceses. la lombarda. La figura del anticuario erudito .  La Academia del Arte y las reglas .

1665. Fuentes: . 1666-1668. 1602. anciens et modernes. 16291630.André FÉLIBIEN. La inspiración del poeta.André Félibien. 1605. Virgen con el Niño. .  Pintura como “imitación de la naturaleza hecha a base de línea y color cuya finalidad es el deleite”  Poussin. cuyas opiniones teóricas no las pone por escrito en un tratado sistemático. 1665.  Nicolas Poussin (1594-1665)   Pintor filósofo. Caravaggio. Entretiens sur les vies et les ouvrages des plus excellens peintres. Entretiens sur Nicolas Poussin.  Correspondencia: carta de Poussin a Fréart de Chambray. Cavaliere d`Arpino. Perseo y Andrómeda. 50 .

es algunas veces lo bastante liberal para hacerlo general en un solo hombre (…) (II Parte): La idea del perfecto pintor. la reflexión y la asiduidad en el trabajo. El genio es pues una claridad de espíritu que conduce al fin por medios fáciles.  El color. 1699. que no es otra cosa que el genio. “El genio es pues necesario. Teoría acompañada de dibujos y grabados. Porque esta claridad de espíritu.  La experiencia frente a las reglas. Charles Le Brun (1619-1690)        Director de la Academia de las Artes en Francia. nos muestra siempre el camino más corto y más fácil y nos hace indefectiblemente venturosos tanto en los medios como en el fin. y aunque generalmente no lo da más que para una cosa en particular. 51 . pero un genio educado en las reglas. ni por el trabajo. la luz y el dibujo. 1673. leído mucho y estudiado mucho para dirigir este genio y hacerlo capaz de producir cosas dignas de la posteridad. 1699 “El genio es lo primero que se debe suponer en un pintor. La imitación y mejora de la naturaleza Los autores antiguos y los recientes como modo de orientar la observación de la naturaleza. Debe ser grande para corresponder a la extensión de un arte que abarca tantos conocimientos y que exige mucho tiempo y aplicación para adquirirlos (…) Así pues. Las emociones plasmadas en el rostro humano y la relación con Descartes  Roger De Piles (1635-1709) Dialogue sur le coloris. La razón y las reglas: visión utópica de las mismas. La idea del perfecto pintor. La educación del artista. Es necesario haber visto mucho.  Conexión con Leonardo y los venecianos Ejercicio 7: Comentario de texto (I Parte): Roger de Piles. esta facilidad no se encontrará más que en aquellos que antes de instruirse en las reglas y de ver las obras de otros han consultado su inclinación y han examinado si estaban atraídos por una luz interior hacia la profesión que querían seguir. Es una parte que no puede adquirir ni por el estudio. Es un presente que la naturaleza hace a los hombres en el momento de su nacimiento.  La oposición a la Academia.

igual que Alberto Durero y Lucas de Leyde sacaron del suyo las Ideas góticas que la práctica de su tiempo y la naturaleza de su país les habían procurado.Louis XIV y Augusto . el arte no ha dejado de avanzar ni si quiera desde el Renacimiento. Tiziano o Veronés y los demás grandes artistas del siglo pasado […] Me atrevo decir que si consideramos el arte como una acumulación y como una recopilación de preceptos nos encontraremos con que en los tiempos modernos es más avanzado de lo que fue en épocas pasadas.El progreso de las ciencias y las artes . [y por] demostrar que mantienen su superioridad sobre pintores como Rafael. las altas Ideas que tomó de lo antiguo. Los albores de la Ilustración. las escoge con la ayuda del juicio y hace con ellas un almacén del que se sirve en cada ocasión. por usar esta palabra. a menos que no recurra a los estudios que otros han hecho (…)” Querelle antiguos y modernos. pero si no ha estudiado los objetos particulares fracasará en la ejecución de su obra. celebración de la recuperación de Luis XIV por parte de los académico. Así Rafael sacó de su almacén.El progreso guiado por la razón Pérrault y la Querelle: “Hoy nos dejamos entusiasmar por Zeuxis. Timantes y Apeles.  Charles Pérrault Le siècle de Louis le Grand. Además. 1697 . es bueno que se sirva sin escrúpulos de los estudios de otros (…) El genio se sirve pues de la memoria como de un vaso en el que se guardan las ideas que se presentan.Cinco diálogos.La superioridad de los modernos Parallèle des anciens et des modernes. Afirmo. se saca de él lo que se ha depositado y no se puede sacar otra cosa. En general.Ciencia y arte . el segundo de ellos dedicado a las artes visuales . como el pintor no puede ni ver ni estudiar todo lo que sería de desear para la perfección de su arte.Sin embargo.La posibilidad de alcanzar y superar a los Antiguos . un hombre con genio puede inventar un tema. 1687. 1687 . por lo tanto que la pintura actual es más perfecta incluso que en el siglo de Rafael” 52 .

52-130. Alianza Forma. Wladyslaw (1987-1991) (1ª ed. Madrid. FERNÁNDEZ ARENAS. 53 .Bibliografía de apoyo:     BARASCH. Antonio. Madrid. Ramón Areces. Historia de la estética. TATARKIEWICZ. pp. Barcelona. pp. Anthropos. Moshe (1991). GARCÍA MELERO. La construcción historiográfica del arte. polaco 1962-1970). De Platón a Winckelmann. Akal. Madrid. José Enrique (2012). 55-68. José (1982). Teorías del Arte. Teoría y Metodología de la Historia del arte. 95-248.III. URQUIZAR HERRERA. vol. pp.

llegan a España buscando un exotismo y un orientalismo que no encuentran en sus regiones. En el Romanticismo los conceptos de nación y pueblo cobran fuerza. lo singular y lo diferente.… Algunos libros recogen ilustraciones. Las nuevas categorías estético-artísticas: sublime y pintoresco. resaltando su importancia en la historia de un pueblo o una región.TEMA 4: TEORÍAS DEL ARTE (III): SIGLOS XVIII. son fuentes fundamentales por la acumulación de datos. El museo pictórico y la escala óptica. Viaje por España. Se recuperan elementos medievales como la Inquisición. que despierta la curiosidad. Fuente documental. Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las Bellas Artes en España. sobre todo ingleses y franceses. se consolida la idea de nación y pueblo frente a la invasión napoleónica. 1715-1724. Juan Agustín Ceán Bermúdez. aunque carezcan de profundidad literaria. La persistencia del género biográfico:   Antonio Palomino. XIX Y XX. sino que también destaca lo exótico. Los españoles ven esto como una forma de autopromoción. La definitiva aparición de la historia del arte como disciplina académica y su escisión de la estética y a crítica de arte. 1800. Destaca el viaje de Antonio Ponz. Se genera la visión romántica del país llena de estereotipos. Winckelmann los comienzos de la historiografía artística contemporánea. En España por la Guerra de Independencia.…y muchos de los viajeros del Grand Tour recogen en Libros de Viajes sus experiencias. Muchos historiadores del arte hacen catálogos patrimoniales a través de estos libros de viaje. 5/11/13 Tipos de escritos: El género biográfico y la literatura de viajes. El idealismo alemán y la historia del arte: Hegel. y que dará lugar al pintoresquismo. Los libros de viajes:   Del artista al lugar. los toros. 54 . eso crea un tópico de guerra popular que aparece en los libros de Viaje que se refieren a España. por eso se hacen especialmente populares los Libros de Viajes que contextualizan en un paisaje la obra monumental. donde a veces se deja entrever un planteamiento más teórico. lo atípico. Así se demuestra un nuevo interés no solo por lo clásico. pues muchos viajeros. revalorización del patrimonio.

de una fecha temprana pero de fundamental influencia en autores del siglo XVIII. la educación.…y Addyson añade la importancia de los jardines como expresión de lo pintoresco.…y que por tanto genera en el espectador una sorpresa agradable. es decir.El orientalismo y lo exótico. y aparecen dos nuevas categorías estéticas: lo sublime y lo pintoresco de mano del romanticismo. y para la que escribe unos artículos sobre el arte que se engloban en el libro Los placeres de la imaginación. que habría escrito un tratado llamado Sobre lo sublime.todo ello condiciona la imaginación. La percepción del mundo está muy condicionada por la sensorialidad.. . a través de la imaginación que une la razón. Este libro tiene un contenido más próximo a las ideas estéticas. resulta novedoso. dando lugar a que la pintura se transforme.Textos pintorescos. lo extravagante. introduciéndose el relativismo. de la estética y del conocimiento. 1772-1794. lo exótico. extraño. Lo pintoresco proviene del concepto de la pintura. el gusto estético. Interesan lo costumbrista. Los libros de viajes en España (fines XVIII y 1ª mitad XIX). pues compara el jardín ingles con el francés. Es la manera que tiene el ser humano de interpretar el mundo. Este griego decía que lo sublime era aquello extremo que era imposible de asimilar por la mente. muchos planteamientos artísticos parten de escritores. diferente. A partir de él se ponen las bases teóricas al romanticismo. De entre estas ideas las más nuevas son la de lo sublime y lo pintoresco. A través de El espectador. C y el siglo I. Este autor griego pertenecía al ámbito de la retórica y la literatura. .. singular.Consolidación de tópicos. la sensibilidad. . en contraste con lo pintoresco. de 1712. Lo sublime no es novedoso de este autor. revista que dirigía.. sino que el espectador lo contempla desde cierto dolor por su incapacidad para entenderlo. . Viaje por España. lo diferente. con una necesidad de aprehenderlo mejor y conocerlo. pues lo sublime excede la razón humana y no se puede comprender. Pseudolongino. El teórico más importante de esto es:  Joseph Alddyson. En estos años se desliga la historia del arte de la crítica y de la teoría estética. 55 . Los jardines en el siglo XVIII y XIX se empiezan a añadir ruinas o edificios exóticos. A partir de este momento la imaginación es parte central del arte.Antonio Ponz. lo sublime y lo pintoresco. usa el arte como ejemplo de una teoría estética. la experiencia sensorial. Reconoce que en el arte encontramos tres cualidades estéticas distintas: lo bello. Las nuevas categorías estético-artísticas: lo sublime y lo pintoresco. hecho especialmente para estas localizaciones. sino que lo toma del autor griego del siglo III a.

 - Edmund Burke escribe un texto filosófico en 1756 sobre Una investigación filosófica sobre - nuestras ideas de lo sublime y de lo bello. Entendemos esta idea de lo sublime en el silencio. Él encuentra que lo sublime excede la obra de arte y que su lugar original es la naturaleza. introduciendo el concepto del horror en el arte.Addyson considera que hay una interrelación entre lo sublime y lo bello. que genera esa tensión hacia el arte. Genera una idea de horror pues es para nuestra capacidad intelectual. en la soledad. A partir de este teórico muchos autores se interesaran por el concepto de lo sublime. pues el alma desea comprenderlo y por eso se siente arrastrada a él. A su vez dice que el horror que expresa lo sublime atrae al ser humano. Coincide con Burke y lo Addyson dice que lo sublime también es una forma de conocimiento. por ello Addyson traspasa el concepto de la retórica a las artes visuales. aquel que es capaz de comprender lo sublime se sumerge en la belleza.… Ideas muy similares desarrolla Immanuel Kant a partir del 1764 cuando escribe Observaciones sobre el carácter de lo bello y lo sublime. incomprensible. de manera que la gente no formada no supera el horror que le supone lo sublime. Berlín. la naturaleza inmensa y desatada. 1808-1809. y añade la idea de que lo bello y lo sublime se excluyen mutuamente. por ello se denota que investigan lo sublime desde la filosofía estética. tratando de ampliar su explicación. Caspar Friedrich. Monje a la orilla del mar. Alte Nat. pues somos incapaces de adecuar nuestra experiencia a lo que apreciamos. y no llega a alcanzar el conocimiento que lo sublime conlleva. 56 . aunque genere una tensión inicial logra una experiencia superior ante el arte. no es un grado más de la belleza sino que lo sublime anula la belleza y arrastra la imaginación hacia la confusión y al horro. En la pintura lo sublime es aquello extremo. igual que la luz y la oscuridad. ideas expresadas que retoma en 1790 con la Crítica. pues este supera los límites de lo bello.

Después de un primer filtro de la Academia había un segundo filtro formado por el público y los críticos de arte. una diferencia muy importante y un punto de inflexión para el mundo del arte. Con este autor aparece la estética independiente de la historia del arte. historia de las Ideas Estéticas y Crítica del arte. plasmó sus críticas en Los salones de Diderot. pues las obras que critica están previamente seleccionadas por la Academia de Bellas Artes de Francia. La labor del crítico de arte es fundamental para el historiador. pues se empieza a cuestionar su excesivo uso para limitar al artista.Historia del Arte. Por tanto la crítica de arte es un género ciertamente periodístico por su actualidad en cuanto a que habla de una obra creada en el mismo tiempo que se comenta. con juicios. pues necesitamos apoyarnos en la crítica para la construcción de la historia del arte posterior. por ello se separa de la historia del arte. El tratado de la Belleza. Y estas reflexiones están detrás de un intento de construir una historia de la estética. pero también en estas críticas empieza a haber un ataque al arte sometido a las reglas de forma exclusiva. La crítica se concibe separadamente gracias a Diderot y Lessing. y las cosas se pueden conocer también desde la experiencia sensorial y la imaginación.  Denis Diderot (1713-1784) - Las críticas a los Salones de Paris 1759-1781. cuyo mayor ejemplo es Baugarten. Sigue dentro de la Ilustración y la vuelta al mundo clásico. Diderot es uno de los primeros cuya principal actividad es la crítica artística.… Este lo continúa Hegel. por ejemplo de David. datos. unas publicaciones de la segunda mitad del siglo XVIII. o Crítica del Arte: Todas estas ideas van conformando la mentalidad del romanticismo. sino para el consumidor. junto con otros autores. 1765. de manera que conoce la problemática del Academicismo. 1751. pues eran las principales obras que luego se vendían a los incipientes museos o coleccionistas aristocráticos y burgueses. aunque también le interesa la estética y la historia de la pintura. algo que no aparece hasta el momento. y de forma subjetiva. ideas teóricas. ya no escriben para el mundo del arte. La estética se separa de la historia del arte y de la crítica. en las cuales reflexiona desde el periodismo sobre las obras contemporáneas a él donde defiende el neoclasicismo. pues los teóricos incluían en sus tratados el arte y la estética en su conjunto. frente al Rococó. que reflexionan la obra de arte desde distintos puntos. 57 . Diderot recoge las obras que se llevan a los Salones. que orientan el gusto del mercado del arte. ya que dice que han protegido al artista mediocre y han limitado la genialidad. El ensayo sobre la pintura. que en 1754 escribe Estética¸ cuya finalidad no es plantear nuevas ideas sino que construye su historia como rama de la filosofía.

escuela de Rodas. . C. guiado únicamente por la belleza. sus similitudes y diferencias.La autonomía del arte. 1766. 50 d.  Historia recogida por Plinio el Viejo y Virgilio (Eneida). que era una temática muy usada en la antigüedad no solo para las artes plásticas sino también para la literatura. volviendo a esta idea de origen clásico. Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781)  La revalorización de la crítica de arte “Si encuentro mi sopa salada. . Redescubierto en 1506 en los viñedos del Esquilino (Roma) de Felice de Fredis. es el primero que plantea de una manera clara la búsqueda de un ideal claro de la belleza. ¿no puedo decir que está muy salada mientras no pueda cocinarla yo mismo?  Laocoonte o sobre los límites de la pintura y la poesía. de 1766. Museos Vaticanos. Su obra más importante es El Laooconte o los límites de la pintura y la poesía. Él reivindica el juicio critico como actividad intelectual. que está dentro de la Ilustración. ideales políticos… única finalidad es encontrar la belleza. c. El entusiasmo de Miguel Ángel y en todos los artistas y viajeros que trabajaban o pasaban por Roma entre el siglo XVI y el XVIII. usando como ejemplo la escultura del Laooconte. donde por un lado adopta la visión de un crítico de arte pero además retoma la idea de la conexión entre literatura y artes visuales. Plantea en uno de los capítulos la autonomía del arte. El Laocoonte como punto de partida de la teoría del arte del XVIII. Lessing es un alemán. pues considera que examinar la obra actual es parte de la actividad intelectual. y dice que no es necesario que sea una artista el que haga la crítica sobre el arte.    58 .  El Laocoonte y sus hijos. poeta.De nuevo. es la finalidad del arte. la comparación entre poesía y pintura.

a lo efímero. Aquí está el germen de las primeras vanguardias del siglo XX. Cómo el arte tiene que aspirar a la belleza: dos tipos. sujeta a la moral de la época. el artista pierde entonces la capacidad de interpretar. Parece ir en contra de su propio tiempo al ir en contra de la fotografía. la cual para él no tiene valor de arte sino que es técnica. ya en la mitad del siglo XIX. Todas estas nociones las va a plasmar en los llamados Salones de arte. La ve como una simple técnica. tiene que ser novedoso. al sentimiento. pero sin ella no es posible apreciar la belleza eterna). Y lo mismo acusa a la pintura realista. belleza eterna e invariable (el alma de la belleza) y belleza relativa y cambiante (refleja la moda. 1868. escrito con gusto. siempre está sujeta a unos intereses. Le peintre de la vie moderne. por lo que no hay ninguna expresión y para él tiene que estar sujeto a la expresión y a la vida interior del pintor. original. El fin último del arte es la belleza. de crear. el arte que se hace en su época. buscando la verdad. la pasión y la imaginación Salones de arte 1845-1859.11/11/13  Charles Pierre Baudelaire (1812-1867)       - Romanticismo y simbolismo Crítica de arte “interesada” Novedad y originalidad Lo bello eterno y lo bello relativo La fotografía La belleza. y todas las críticas que hace en esos años se recopilan póstumamente en Curiosidades estéticas. hacia el final de su vida. y va en contra del antiguo concepto de tecné que englobaba cualquier destreza. que la crítica de arte y la verdad no se pueden juntar. tiene que romper con lo anterior. porque dice que busca de una manera la imitación de la naturaleza. carente de cualquier sentimiento. recopiladas como Curiosités esthétiques. Ambas necesarias para entender la obra de arte. Considera que por un lado es interesada y subjetiva. tiene que estar a la moda. la novedad. hay que estar a la moda. Se separa de los pensamientos del Renacimiento de imitación de la naturaleza. hay que saber escribir bien. Considera que la principal finalidad del crítico del arte es promover lo nuevo. Crítica de arte y estética están estrechamente relacionadas. se siente más identificado con la pintura del Romanticismo. para convencer. y esto se verá en La pintura de la vida moderna. 1859-1860 Se dedicó intensamente a lo que es la crítica del arte. prototipo del Dandi. Considera que para hacer una buena crítica del arte hay que ser un buen poeta. En contra de la fotografía y de la pintura con la tendencia naturalista. 59 . a finalidad del pintor es reflejar la vida moderna. hay que admirar la antigüedad pero tiene que hacerse algo novedoso y nuevo.

60 . y pretende que el modelo será el Neoclásico. morales o religiosos. o si sólo se trata de hechos racionales. 1936. ¿Cómo podrá comprender un crítico una obra de arte sin enmarcarla dentro de la actividad general de su autor. sobre todo es muy crítico con el arte Rococó. de la escultura y dice que es muy superior a la poesía. Consigue expresar el dolor de una manera contenida. económicos. y eso es lo que supera al poema de Virgilio que se expresa de manera clara. Historia de la crítica del arte. sin ponerla en relación con las demás obras de tendencia afín u opuesta y. sin hacer su historia? Concluyamos: un crítico que juzga una obra de arte sin hacer su historia juzga sin comprender” (tomado de Borrás 1996. está considerando que le modelo es el arte griego antiguo y defiende el neoclásico.  Historia del arte de la Antigüedad (1764). Va construyendo su teoría del arte a partir de la visión de los monumentos antiguos. Lionello Venturi. Varias versiones desde el año 56. Expresa un juicio estético. en suma. aunque tiene un gran dolor en sus músculos y en su alma. Definición que es tan definitiva como insidiosa porque induce/ a los críticos a ignorar la historia y a los historiadores a carecer de punto de vista crítico […] Si el juicio de una obra de arte se suele atribuir a la crítica. y se presenta a favor del arte griego. Por otro lado. con esa recuperación de la antigüedad. Admiración profunda por el arte de la antigüedad respecto al arte de su época. se harían crónicas y no historias. “En Francia.Ejercicio 8: comentario de texto. aunque está haciendo una historia del arte. Igualmente. e historiadores del Arte a los que escriben de Arte antiguo. la noble sencillez y tranquila grandeza: se declara a favor de las artes plásticas. Sin poseer una experiencia política no es posible hacer historia política: puesto que se confundirían los acontecimientos importantes con los que no lo son… en fin. se acostumbra a llamar críticos de Arte a aquellas personas que escriben en los periódicos sobre la actualidad de las exposiciones. la Historia del Arte necesita tener conciencia de la naturaleza del Arte y experiencia del Arte concreto para distinguir si un cuadro o una estatua son obras de arte. 19-20) o Historia del Arte:  Johan Joachim Winckelmann (1717-1768)  Pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura. es un dolor contenido. pertenece al mero sentido común entender que también el testigo tiene necesidad de juzgar para comprender. pp. 1755 Winckelmann ante el Laocoonte. con la figura de Mengs. al poema de Virgilio. creaciones artística.

El modelo organicista y la división del arte griego en estilos (antiguo. No profiere ningún horrible griterío. para ordenar. El dolor del cuerpo y la grandeza del alma están presentes en toda la figura con la misma fuerza y equilibrio. “El admirable rasgo distintivo de las obras maestras griegas es. pero desearíamos poder soportar el dolor como este gran hombre” Otros hitos de interés para la Historia del Arte   Las cátedras universitarias de Historia del Arte en el siglo XIX. El arte griego y el arte de su época. es mucho más un suspiro temeroso y angustiado. Algo que más o menos se estaba anunciando anteriormente (Vasari). La consolidación de los museos en el siglo XIX y la aparición de métodos propios para el historiador del arte. la colección. Este alma se refleja en el intensísimo sufrimiento del rostro de Laocoonte – y no sólo en el rostro. pero sufre como el Filoctetes de Sófocles: su dolor nos llega hasta el alma. Así como la profundidad del mar siempre está en calma. Gótico…). 61 . nace. a modo de la naturaleza. se manifiesta sin ninguna exasperación en el rostro y en la actitud toda. se cree percibir simplemente en el abdomen. tanto en la actitud como en la expresión. Es aquí donde empieza la historia del arte tal y como la conocemos. sino que está condicionada por el medio geográfico que la rodea. una noble sencillez y una tranquila grandeza. de la misma manera. Sienta el modelo en la historia del arte. sublime. dolorosamente contraído. como canta Virgilio de su Laocoonte. aunque su superficie se encuentre muy agitada. Laocoonte sufre. que se aplicará a otros momentos (Renacimiento. explicar. un alma grande y grave en todas las pasiones. Es la culminación de los ideales de WInckelmann. sin ver el rostro ni otras partes de su cuerpo. Se pretende democratizar el conocimiento. bello (Praxíteles o Apeles) y decadente (Helenismo)). Atribucionismo y formalismo (agrupar grandes maestros por escuelas). la expresión en las figuras de los griegos muestra. la noble sencillez y la tranquila grandeza.en el dolor que se hace patente en todos los músculos y tendones del cuerpo y que. El estudio de las partes originales y añadidos de las esculturas clásicas. tiene su momento de plenitud y luego muere. Winckelmann ante el Laocconte. Hay que ir más allá de la vida de los autores y mirar más el contexto. Como el Prado que se crea en este momento. las copias… algo que en su época no se hacía casi. en general. Va a determinar en cada una de las esculturas las partes originales y las que no. La apertura de su boca no lo permite. hacer accesible el arte a todo el público. digo yo. pero este dolor. y a la par surge la necesidad de crear métodos propios de la Historia del Arte.- - - La dedica a Mengs Entiende que la obra de arte no es algo individual que dependa de la vida del artista. Hay una necesidad de organización en el museo.

sino que al igual que Kant u otros. momento de esplendor del arte del Cristianismo. se interesará también por el arte del Renacimiento que refleja muy bien la interioridad del Cristianismo. Escribe una Estética. del siglo XV en adelante. Su formación filosófica. apéndice. Friedich Hegel. muy distinta.o Historia de las Ideas Estéticas:   Alexander G. Bruselas. G. Baumgarten. Idealismo alemán:  G. Colocará a los artistas como culminación. Friedrich Hegel (1770 1831)      - - Las lecciones de estética. mezclada la idea de Historia del Arte e Ideas Estéticas. Escritas antes y publicadas póstumamente. sobre todo pintura flamenca y alemana. Uno de los textos más complejos. Coloca la estética como parte de la Filosofía. Estética. Considera que hay una conexión entre lo medieval y el Renacimiento. 62 . Francia. un deseo de hacer una historia de las ideas estéticas. Su interés por la historia del arte La búsqueda de la Idea Absoluta Los diferentes estudios de la Historia del Arte: Periodo Simbólico: o Simbolismo inconsciente o Simbolismo fantástico o Simbolismo real y genuino Periodo Clásico Periodo Romántico La filosofía sustituyendo a la historia del arte en su propia época. Entiende el arte como parte de la filosofía. de las ideas estéticas. Y además habían reunido toda la colección reivindicando el interés de lo flamenco y alemán como un interés de sentimiento nacional. impartidas en Berlín entre 1820 y 1829 y publicadas entre 1835 1838 póstumas. el conocimiento intelectual.W. y no solo eso. Durante sus clases no pierde oportunidad de visitar las ciudades con un importante patrimonio como Alemania. entiende que es un modo de conocimiento. El objetivo fundamental de esas Lecciones estéticas es encontrar la Idea Absoluta. 1750-1758. y pretende encontrarla en tres ámbitos: Religión. y de una profunda religiosidad. Durero… el arte regio. Le interesaran los Van Eyck. y esto es una novedad. 1835-1838. con la colección de arte de los Beoisseree.W. Lecciones de Estética. el conocimiento sensible. arte y filosofía. que es la culminación de lo medieval. Holanda. por ello no se pueden separar. el gusto. que hay distintas maneras de conocer las cosas. Trabajará mucho tiempo en la Universidad de… entra en contacto con Merchor y Beoisseree.

testimonio. El segundo lo relaciona con lo Indio. filosofía y arte unidos. del cambio de la historia. Hacia el año 1500 es cuando la 63 . y el segundo momento sería la pintura del Renacimiento. con el cristianismo. pero que es confuso e irracional. donde los seres humanos han sido capaces de encontrar la diferencia entre simb9olo y cosa divinizada y que además ésta está claramente definida. y la cima sería en el siglo IV (similar a Winckelmann). El mundo romántico. en conjunción también con la música y la poesía. arte como ídolo. Es también imagen del progreso. aunque éstas también estén bien consideradas. que se caracteriza porque las obras de arte esta n cargadas de un fuerte simbolismo que conecta con fuerzas de la naturaleza. el arte indú sobre todo. sin distinción entre el elemento divino de la obra de art ey lo que representa. que es imposible distinguir entre el símbolo y lo simbolizado. cuya culminación es el arte egipcio. que dice que hay una diferencia entre símbolo y cosa simbolizada. posibilidad de una obra de arte desprendida de lo material y preocupada por lo espiritual. capaz de transmitir emociones…). con Grecia sobre todo. y consigue un equilibrio. culminación del Cristianismo. obliga a interiorizar. A esto le sigue el mundo clásico. y es la filosofía la que ocupa el lugar del arte. donde la escultura clásica es la culminación que es capaz de crear algo concreto. el arte es la capacidad sensorial de la mente humana. idea espiritual y cosa material que se usa para representarlo. En el simbólico entran India. volcándose algo más en lo espiritual. el fantástico y el real. que permite revelar las ideas Absolutas. que rompe las fronteras. Si se materializan las ideas absolutas es posible avanzar la historia. tampoco es raro porque está asistiendo a las campañas napoleónicas. siendo este último la culminación de la Edad Media cristiana. que identifica con Egipto. Y dice que el primer momento de culminación seria la pintura Bizantina. sino a cambios de la idea absoluta que se materializan de diferente manera. ha perdido su valor. Religión. una forma finita. A partir de entonces considera que el arte ha perdido su objetivo. Esto se expresa muy bien con la arquitectura que representa muy bien la religión además de ser una estructura perfecta. Este período entra en declive a medida que nos acercamos a 1500. La pintura es la superior de todas las artes. Entiende que hay un periodo clásico. clásico y romántico. por encima de la música y la poesía (como Leonardo.Tiene unas nociones de arte importantes. y busca maestros como Van Eyck o Durero. Y el último. y al Romántico con la pintura. al Simbólico con la arquitectura. el inconsciente. Al simbólico a su vez lo divide en tres periodos. al Clásico la escultura. y por ello tiene una concepción del arte muy positiva. Considera que en el momento en que los pintores holandeses… dejan de preocuparse por lo espiritual. que expresa la naturaleza de Dios. Persia y Egipto. lo espiritual que encuentra la experiencia sensorial y por ello lo compara con la filosofía. Además a cada uno de estos periodos los asocia con. hasta el XV. Y el romántico. que no entienden a cambios de tema o cambios estéticos. ha perdido su objetivo y va a temas intrascendentes. a un esfuerzo mental. y por ello hace evolucionar la historia. con la Edad Media y el Renacimiento. El primero lo asocia al mundo persa. donde hay un equilibrio entre lo espiritual y lo material. pero que es algo poco definido. Tres periodos: simbólico.

más se afirma y desarrolla la primera impresión de que lo sublime está vinculado a lo agradable. no solo rudo sino de unos modales y formas rudas. G. Sulzer. imposible: hay que asociarle lo agradable. 1772  La catedral de Estrasburgo. la introducción del concepto de sublime. Si no se quiere que lo colosal. lo considera bello y sublime. La revalorización de periodos no clásicos.filosofía es capaz de recoger y expresar la Idea Absoluta. con una faceta muy importante como historiador e historiador del arte. 1771. La recuperación romántica de la Edad Media  Johan Wolfang von Goethe (1749-1832) Poeta. si no debe ser una molestia. Planteamientos similares a Vasari. Trata de dar una explicación a los cambios en la Historia del Arte y el papel de este en la historia. “Cuanto más considero la fachada. Goethe y el Romanticismo. Por ello Goethe escribe un texto de alabanza a la catedral. cuando se nos presenta como norma. por la teoría de los colores…  De la arquitectura alemana. Teoría general de las Bellas Artes. la similitud entre las leyes naturales y las de la obra de arte… Relación entre arte y naturaleza: 64 . en apariencia. debe permitirse una unión antinatural y. Preocupado por los monumentos. ley de armonía. p. de este modo veremos la alta estima en que debemos tener este antiguo monumento y comenzaremos una exposición seria sobre el modo de poder unir y compenetrar sin violencia unos elementos tan contradictorios” (tomado de Kultermann 1996. si consideramos unidas estas dos cualidades incompatibles.  La contestación a J. cuando intentamos penetrar en su individualidad. nada que ver con la falta de disciplina y lo bárbaro. 1775 12/11/13 Cuando describe Sytrasburgo considera que hay una similitud entre las leyes que rigen la obra gótica y las de la naturaleza. por lo que se relaciona en lo sublime en cuanto a que la naturaleza contiene lo sublime. Había una definición del arte gótico. intimide. Explica todo a la luz de la filosofía y las Ideas Estéticas. estamos dentro del pensamiento romántico. solo en el campo de lo intelectual sin la representación material y él pretende que vuelva a lo trascendente. la obra de arte imita la creación sublime de la naturaleza.103)  Tercera peregrinación a la tumba de Erwin. Pero sólo será posible expresar la impresión que nos produce la catedral. Dos textos.

Cellini. También escribe una biografía. en cierto modo. Winckelmann y su siglo. Esto será fundamental para el estudio del arte abstracto. por lo tanto se construye desde la perspectiva del historiador del arte. en 1805. ya que las leyes del espíritu que rigen el arte son más libres que las de la naturaleza. pues se consolida la idea de una propiedad universal del arte antiguo. a medio camino con los salones de arte franceses. y. debe estar abierto al público. llena de vida y carácter pleno. Así pues. de manera que hace lo mismo que los autores del renacimiento con las matemáticas. por eso aquélla se nos presenta. Promueve la restauración de Estrasburgo. 65 . donde situa el arte por encima de la naturaleza. También hará monografías. y considera la iglesia una obra completa y sublime. una armonía que rige todo el conjunto. curioso. se basa en las peregrinaciones religiosas a distintos puntos de culto que recupera el romanticismo como algo popular. por tanto. de manera que se relaciona con la política de fundación de museos de la época. Importante en Goethe es también su participación en la fundación de la Academia de Weimer. pretende una teoría del color paralela a la teoría matemática de la música. al mismo tiempo que el gótico. A principios del siglo XIX toma más notas sobre el arte y la naturaleza en comparación. Habla del genio también en relación a la arquitectura. La belleza de la Naturaleza está sujeta a las leyes de la necesidad. y la traduce de manera que muestra un interés por el arte del Renacimiento. por tanto interesa el contexto de la Ilustración. además es una traducción comentada. que está en la línea del arte académico del siglo XVIII. que impresiona al autor. sobre todo medievales. De ahí surge la polémica de hasta qué punto debemos restaurar una obra antigua. constreñida y está libre” (tomado de Kultermann 1996: pp. haciendo una visión histórica a la explicación del renacimiento. como la traducción de la autobiografía de B. la cual dirigirá. habiendo posiciones en torno a ello muy divergente. Además se ocupaban de la conservación de monumentos. la belleza del Arte a las leyes del espíritu humano altamente instruido.… Hace una teoría de los colores desde la física pero destinada a los artistas y al estudio del arte. describe la subida a la catedral como si fuera una peregrinación espiritual que cuando acaba se obtiene el genio. pues lo que pretende es formar a los jóvenes artistas alemanes e influirles en su gusto en la línea del romanticismo. esto está plenamente en los ideales del romanticismo. aunque ya había surgido la idea en el renacimiento. Y la explicación científica que hace del color sirve para explicar el arte. y la terminación de la catedral de Colonia.“La Naturaleza es bella hasta unos ciertos límites// el Arte es bello a través de una cierta norma. quería encontrar la teoría científica subyacente a la aplicación de la pintura. sobre un historiador del arte. lo que marca un interés por la historia de la historiografía artística. de la recuperación del mundo clásico. En La Peregrinación también hace un paralelismo entre las leyes naturales y las leyes constructivas del gótico.105-106) Peregrinación a la tumba de Erwin (1775). por lo que hay un interés por la restauración y terminación de monumentos.

la arquitectura. sin dejar marca de su actuación en los mismos. 66 . donde considera la base de Europa el cristianismo. y considera que el gótico es superior a cualquier arte. con una actitud que pretende intervenir en ellos. pues cada uno tiene su propio carácter e individualidad artística. También se ocupó de la conservación y preservación de los monumentos. pues dice que le falta originalidad y toma prestados la arquitectura anterior. y tras esto escribe la obra sobre la arquitectura gótica. equívocas y lejanas insinuaciones de lo divino. pues encarna la tradición alemana del renacimiento. y valora a esteartista como culminación de la Edad Media. sobre todo medievales.  Novalis: ve en la Edad Media cristiana el origen de su época. así concebida y aplicada.  Schlegel: escribe en 1804 Características fundamentales de la arquitectura gótica. como Hegel. así pues. Considerará a la arquitectura como la superior de todas las artes. 1802. También trata de influir con su obra en los artistas para que se interesen por la obra medieval. En un principio se dedica a hacer vaciados de obras clásicas. donde hay una amplia representación de obra< gótica.117) En Francia:  François René de Chauteaubriand: escribe en El genio del cristianismo. “La arquitectura gótica tiene un significado. desarrollado una admiración por los primitivos flamencos. y considera el renacimiento una época de decadencia. de manera que el gusto se aproxime al romanticismo. Recorrerá con los Hermanos /Bouasere/ toda Europa central. una falsa vuelta al mundo clásico. sobre todo en cuanto a la arquitectura. indeterminadas.  Violet le Duc: es quien conserva y restaura todos los monumentos gótico. en esta obra considera que el ideal alritistico es Durero. puede.A partir de él la teoría del arte romántica entre en numerosos países con distintos autores que la defienden y la estudian: En Alemania:  Wackenroder: escribe en 1797 Confesiones de un monje aficionado al arte. Son lenguajes distintos que expresan épocas distintas. y si la mayoría de las veces la pintura tiene que contentarse con débiles. representar y exponer lo infinito de forma inmediata mediante la simple reproducción de la plenitud de la naturaleza” (tomado de Kultermann 1996: p. en cierto modo. En 1800 escribe Cristiandad y Europa. sin duda el más elevado. haciendo que se interese por la tradición medieval. recupera la religión como base de la unidad. No considera un momento mejor o peor en el arte. pero pasa una temporada en Paris donde conoce las colecciones nacionales del Museo Napoleón.  Víctor Hugo: escribe un texto donde deja plasmada su impresión al ver Notre Dame de Paris. El ideal medieval que sigue el arte del siglo XIX. de manera que deja de considerar las figuras clásicas el ideal de arte a pensar como modelo a Van Eyck.

que eran directos y sencillo. pues se empiezan a dar estímulos artísticos muy distintos. Referencias a Nietzche. Futurismo:   - Antiguos y modernos. “Estimado señor: en todos los casos. Se hacen necesarios los manifiestos para explicar a la sociedad lo que se está haciendo. además de unir la irracionalidad de algunas obras con la racionalidad que pretenden aportar. hacer de obras aparentemente arbitrarias un ejemplo del uso de la razón. el del cubismo. John Ruskin: se opone a la política de intervención de los monumentos. en 1854. las restauraciones son o buenos negocios para arquitectos o producto de la vanidad de los respectivos clérigos. la más interesante en todo el mundo. Y también funda la Sociedad para la Conservación de Edificios Antiguos. Russolo. Primer manifiesto futurista (1909) y Segundo manifiesto futurista (1911). EL SIGLO XX Los manifiestos de las primeras vanguardias. F.125). y ahora las vanguardias confluyen varios estilos simultáneamente mientras se desarrollan otros ismos. Su siempre leal John Ruskin” (tomado de Kultermann 1996: p. Así habló Zaratustra (1883-1885). destaca el futurista. Carrà. y uno de los textos que escribe es Pintores Modernos. un género que aparece en este momento. Si hay que destacar un género artístico es el manifiesto. pero sin intervenir en ellos.Marinetti. el dada y el del surrealismo. Aparecen en el entorno de la Primera Guerra mundial de manera sincronizada. Balla y Severini. Tengo que declarar la restauración de la iglesia abacial de Dunblane. solo mantenerlos en su estado natural. Fue crítico de arte. Manifiesto de los primeros futuristas (1910) suscrito por Boccioni. por ello necesitan explicar en qué consiste su arte.T. y hacen uso de la innovación y la originalidad como base de la vanguardia. se le considera el último romántico de Inglaterra. la más interesante ruina de Escocia y. que pretendían remover la conciencia de la sociedad y asentar los principios de un movimiento artístico. como la mayor brutalidad de la que Escocia ha sido culpable desde la época de la Reforma. es decir. yo las cuento entre la peor de las fanfarronadas y fraudes. en su género. 67 . donde reivindica a Turner y logra cambiar la opinión generalizada de la época en torno a esta pintor. siempre buscando romper con todo lo anterior. Para mí sería preferible saber que se había colocado una vía férrea por medio de las ruinas y que los escombros se habían arrojado al arrojo.

el artista debe ser joven. acabar con todo lo que recoja el pasado. sobre todo por el texto de 1900 Así habló Zaratustra. El dadaísmo   Provocación y nihilismo. Les peintres cubistes. haciendo una teoría de plasmación de la realidad distinta. El anticlericalismo es otro de los rasgos destacables. apología de la destrucción en relación al ambiente geopolítico del ismo. También se exalta la juventud. No tiene la intención de crítica implícita en el futurismo. Apollinaire. que identifican con las máquinas y la tecnología. G. Méditations esthétiques (1913). 68 . sino modificarla y cuestionarla. hay un nacionalismo desmedido y la explotación de la guerra y la violencia. y este hombre capaz de romper con la religión y dominado por la voluntad de poder será la base del anticlericalismo. Y se hacen un eco exagerado del progreso. pues es una institución que conserva el pasado. Desinterés por la política. sin apología del progreso ni de la guerra.… El futurismo destaca sobre todo en el Norte de Italia. Severini. algo que se expresa en su formulación del espacio y el sistema de perspectiva que surge del renacimiento. pero todos comparten varios rasgos: Se hacen eco de la polémica entre lo antiguo y lo moderno destacando de forma agresiva la novedad y pretenden destruir todo lo heredado. La exaltación patriótica también se da en estos manifiestos. Los textos de Marinetti que recogen más ideas futuristas son los manifiestos de 1909 y el de 1911. No hay una intención política.… El cubismo  - La representación ilusoria del espacio. la sociedad industrial. y tampoco buscan destruir la tradición. No se escribe un manifiesto como tal. sino que lo más próximo a la teorización de esta vanguardia lo hace Apollinare. Balla. zonas muy industrializadas. En esta obra anuncia la muerte de Dios y la sustitución de este por un hombre capaz de establecer un nuevo sistema de valores basado en la vida terrenal. en relación al origen fascista de Marinetti. de hecho este estilo aglutina artistas muy distintos y de ideas muy distantes. la velocidad. Muchos de estos manifiestos estaban influidos por las reflexiones de Nietzsche en relación al superhombre. pues en ese momento todos los que forman las vanguardias son muy jóvenes.Es de los más cargados de intención política. Se dan numerosos manifiestos. y el Manifiesto de los primeros futuristas de 1910 firmado por autores como Carrà.

de 1918. de 1918. Es más próximo al futurismo. no solo la tradición. pero se alejan de la política. que es la base del desarrollo del conocimiento. En el manifiesto de Huelsenbeck. de Richard Huelsenbeck (1918). Tristán Tzara. sino inclusive las propias vanguardias que consideran insertas en el arte tradicional. molestar a la burguesía. de actitud nihilista. - Manifiesto. y que el dada es universal para todas las clases sociales. sino que son autores muy individualistas y de gran libertad creativa. de Tristán Tzara (1918). La imaginación y la libertad 69 . Manifiesto dadaísta de Berlín. aquí considera que la vieja división entre lo burgués y lo proletario está obsoleta. y justamente hay una intención por desvincularse de la política. El surrealismo. Sin embargo no hay una unidad de artista en el movimiento. de Kurt Schwitters (1923). El Manifiesto de Berlín. En el caso del Manifiesto del arte proletario. insiste en la desvinculación ideológica de los dadaístas. en 1918. sino que buscan lo contrario. al igual que Schwitters en 1923 con Manifiesto del arte proletario. muchos dadaístas son refugiados de la guerra que se reúnen en ciudades neutrales. ven el ambiente bélico de manera muy negativa.      Conciliación y reformulación del sistema cultural existente. la provocación. Manifiesto del arte proletario.… Comparten con el futurismo el deseo de provocar a la sociedad y destruir todo. La I Guerra Mundial y los refugiados. se refiere a los dadaístas alemanes y critican al futurismo. Conexiones con Freud y Marx. atacando las propias vanguardias. e incorpora una referencia a los fotomontajes como nueva forma de expresión artística pictórica. La infancia y la locura. donde se establecen más claramente el sentimiento dado y las ideas de esta vanguardia desde el más puro nihilismo. se desvincula absolutamente y de forma directa de toda ideología política. El automatismo psíquico. al igual que decía Lessing sobre la crítica de arte. algunos autores dadaístas son próximos al comunismo o al anarquismo. Aunque la Primera Guerra Mundial está muy presente. y hace manifiestos como tales que buscan remover las conciencias. escribe Manifiesto. Además de negarlo todo. Manifiesto dadaísta de Berlín. dice que lo fundamental es la contradicción como método intelectual.

Visor. La construcción historiográfica del arte. Crítica del arte. 1936. Bibliografía de apoyo:       BORRÁS GUALÍS. pp. (2006). pp. Viene implícita en el arte contemporáneo cuya finalidad es la belleza. como hace en los sueños. pp. Soupault). no estar sometidos a la razón. Por eso reivindican el automatismo psíquico como medio de creación artística. algo que será mucho más persistente a lo largo de todo el desarrollo del surrealismo. y el desarrollo de las teorías sobre la mente humana. Historia de la Historia del Arte. GARCÍA MELERO. sino que tras la destrucción y la violencia de la guerra pretende una actitud más conciliadora. Madrid. BOZAL. Teoría y Metodología de la Historia del arte. que debe promover la movilidad y la lucha social. Los campos magnéticos (1920. Manchester. Como movimiento de vanguardia surge en a partir del dadaísmo. Anthropos. URQUÍZAR HERRERA. Udo (1996). Madrid. pp. Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. como locos. por eso el surrealismo parece muy clásico. Aunque al final se acaban alejando de sus postulados. Akal. Buscan pintar como nuños. El surrealismo y la pintura (1928). sino que lo plantea en otros términos. Gonzalo (1996).21-39. Destacan la unión entre la locura y la razón. Madrid.49-116. Antonio. Manchester University Press. 55-68. 70 . Valeriano (y otros) (2000). C. Art History. Segundo manifiesto del surrealismo (1930). y es lo que une las tres disciplinas. Ramón Areces. no rompe con el ilusionismo espacial. por ello en sus manifiestos se busca reconstruir y recuperar el pasado desde unos valores nuevos. y en sus escritos deja clara la finalidad social del surrealismo. HATT. La conexión más importante es con Freud y el psicoanálisis. Historia de la crítica de arte. ideas estéticas. historia del arte.109-178. Otra de sus características es la posición ideológica a favor del marxismo. y KLONK. André Breton. Primer manifiesto del surrealismo (1924). Conocer el Arte. José (1982). Teoría del Arte I. A Critical Introduction to Its Methods. ni a la imaginación que se acaba vinculando a la razón también. El camino de la ciencia. destacando el arte como modo de aflorar aquello que duerme en la mente. pero es posterior a la Primera Guerra Mundial. 18/11/13 Ejercicio 8: Comentario texto Lionello Venturi. M. por lo que el surrealismo no está tan impregnado del ambiente belicista previo a la guerra. FERNÁNDEZ ARENAS. KULTERMANN. en colaboración con P. Barcelona. Madrid. José Enrique (2012). Historia 16.9-20. ya que Bretón militaba en el comunismo francés. pp.