TEORÍA Y METODOLOGÍA

TEMA 1: CUESTIONES GENERALES DE LA HISTORIOGRAFÍA ARTÍSTICA.
Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
a) Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
b) En medio temporal, espacial y temática de la historia del arte.
c) Definición de los conceptos “teoría y metodología” de la historia del arte.

A) Concepto, definición y límites de la Historia del Arte.
¿Qué es el arte? ¿Qué hace un historiador del arte?
Ejercicio 1: ¿Qué consideramos arte y qué no?
Definiendo el término “arte”¿Ampliamos o restringimos los límites del término “arte”.
La defensa de una Historia del Arte cada vez más “inclusiva” y amplia. Ej: Borrás…
El escultor Martínez Montañez pintado por Velázquez. 1635 Museo del Prado.(Diseñando una
escultura, no se mancha las manos, lo importante es el diseño inicial).

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Tecné, Ars, Mímesis.
Artes liberales y artes mecánicas.
El renacimiento y el progresivo ascenso de las artes plásticas.
Bellas artes y artes útiles (Riegl y la historia de la ornamentación).
Artes del tiempo y artes del espacio.
Mass media y el problema de la reproductividad (W. Benjamin 1934-35).

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En la edad media nos encontramos con una división entre las artes liberarles y las mecánicas,
liberales (trabajo intelectual, retorica, oratoria, aritmética, geometría y música) y mecánicas (todas
las demás, que implican un trabajo manual). En el renacimiento hay un progresivo ascenso y
reivindicación por los artistas, arquitectos, escultores y pinturas, reivindicando que no es un arte
mecánico, ya que necesita un diseño intelectual, es más importante el diseño mental que el esfuerzo
físico. Lo llegan a comparar con la literatura, son equiparables. Esto se extiende en el Barroco.
A medida que avanza la edad moderna hay una pugna entre artes bellas y artes útiles. Para que sea
obra de arte tiene que tener una cualidad estética, pero todo lo que sean artes útiles, que de un
beneficio a la sociedad queda fuera, queda desprestigiados objetos como vajillas, textiles, etc.
En el siglo XVIII tenemos un personaje ¿?, que separa las artes del tiempo (literatura y música, que se
desarrollan en el tiempo, varían) y las artes del espacio (arquitectura, pintura y escultura).
A finales del XIX y principios del XX, Riegl, empieza a reivindicar que las artes decorativas se metan
dentro de las artes mayores. Escritos donde dice que a partir del diseño, de esos motivos que entran
dentro de las artes menores pueden construir una historia del arte, del estilo. En el periodo de entre
guerras se introducen más disciplinas, se amplían. Walter Benjamin, piensa que si todo aquello que
está hecho para la masa se puede considerar como obra de arte, sobre todo en el cine y la fotografía.
(Congreso artes suntuarias en noviembre)

Ejercicio 2: Una reciente incorporación: La cocina. Documental: ElBulli, historias de un sueño.
Cap.6.

30/09/13
“Arte es todo lo que el hombre llama arte” (Dino Di Formaggio, 1973).
“Arte es todo lo que los artistas o las instituciones dicen que es arte” (Pooke y Newall 2002).
El gran cambio viene con las vanguardias, donde el campo disciplinar se amplia.
Hay una serie de teóricos que están revisando todo esto que implica el término de arte, y proponen
una definición más tradicional.

La defensa de una historia del Arte restrictiva, vinculada a conceptos como élite, genialidad,
singularidad...
“El historiador del arte no ha logrado hacer coincidir su objeto con una palabra precisa y, por lo
tanto, con un concepto claro. Mientras que el naturalista o el químico son capaces de definir
bastante bien aquello que pertenece a su campo de estudio, la historia del arte o la
Kunstwissenschaftpudieron aprovechar esa amplitud lingüística para tirar de su objeto en todas
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direcciones… y vaya que sí lo hicieron. No tengamos miedo de insistir: el historiador del arte no sabe
bien de qué está hablando, pero acaso sea porque no ha sabido forjar palabras más precisas que las
del pasado”.
(Thuillier 2006, p.23)

“Durante mucho tiempo esta paradójica situación no incomodó a nadie y parecía natural separar, al
interior del vasto envoltorio del término artes, una especie de campo reservado a esa creación del
genio que era por excelencia “el arte”. Hoy, repitámoslo, ese consenso ha sido alterado por una serie
de fenómenos de ruptura, y la imprecisión de la palabra ha sido inmediatamente explotada, de lo
cual resultaron tantos abusos que hoy se deja sentir una necesidad de contar con marcos de
referencia. Ciertamente, la clarificación puede llevar consigo una revisión desgarradora; pero,
después de todo, acabamos de asistir a otras revisiones – dogmas marxistas, dogmas freudianos,
nacionalismos- cuyas consecuencias no fueron menos
graves…”
(Thuillier 2006, p.24)

 Baudelaire, refiriéndose a la fotografía, 1859. Hay que dejarla fuera del arte.
Dice que es algo mecánico, que anula la figura del genio, puede ser fuente de inspiración pero no
arte.
“En esos días deplorables, una nueva industria surgió que no contribuyó poco a confirmar a la
estupidez en su fe y a arruinar lo poco divino que quedaba en el espíritu francés”
(tomado de Thuillier 2006, p.52)
[La fotografía ha de volver] “a su verdadero deber, de sirvienta de las ciencias y de las artes, pero una
humilde sirvienta”
(tomado de Thuillier 2006, p.53)
 Thuillier, hablando de la fotografía.
[Hacer de la fotografía] “un arte es cometer un error acerca de su naturaleza misma. Es querer
otorgar a un invento reciente la categoría de una de las más antiguas formas de expresión de la
humanidad” (p.55)
“¿y qué decir de todos esos turistas, todas esas familias, todos esos niños que se pasean en el
mundo entero con la cámara colgada al hombro? Durante los cien años de existencia del Tour de
Francia, ¿a cuántos cientos de miles de clichés dio lugar ésta sola manifestación deportiva? […]
Ahora bien, esa pavorosa cantidad condena desde el principio y a corto plazo cualquier especulación
financiera” (p.56)

Es un medio de comunicación de masas y al ser una obra de arte masificada pierde su valor.
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comunicar. 1555. - - “Producto original elaborado por el hombre artificialmente con la intención de comunicar algo”(p. National Gallery de Londres. NationalGallery de Washington y 1614. 4 . tiene que haber sido realizado artificialmente. Intención comunicativa. aunque un paisaje por ejemplo sea bello estéticamente. pero no es artístico. élite…  Fernández Arenas (1984).27)  Las Venus del espejo de Tiziano y Rubens. Elemento antropológico. Cuando vemos una copia o imitación. las majas de Goya. Autenticidad. pero en su concepción hay una individualidad. necesidad del hombre de crear cosas. Individualidad/singularidad. un diseño. Artificialidad. un plagio se descarta como obra de arte. genialidad.Los intentos por definir el arte y vincularlo a una serie de conceptos. La venus del espejo. ej.  La Venus del Espejo de Velázquez. con lo que hace que sea un término tan universal. señalando las cualidades del objeto artístico… - Artificialidad. aunque luego se reproduzca. 1650 ¿?. Gemäldegalerie de Lichtenstein. porque hay una concepción previa. no ser algo orgánico. y eso es lo que le da un valor de mercado. comunicación. Aprendices que superan al maestro. tiene que haber un interlocutor. necesidad antropológica. tiene que tener el deseo de transmitir.

desde todos los campos culturales. no sea nada de eso. sino en la antropología” (p. ni en la estética. el artista del palacio y el que se encierra en su taller para elaborar formas y objetos. pp. el hombre de la selva. Teoría del arte. el concepto de copia e imitación. tal vez. “Arte es todo lo que los hombres llaman arte”. 17-37.30) (LOS TEXTOS PUEDEN APARECER EN EL EXAEMEN) 5 . 2002. 1800?. sobre los límites del arte… “Últimamente se tiende desacralizar el objeto de arte. el artesano del pueblo. sino simple y llanamente un lenguaje que utiliza el hombre a todos los niveles. mística y trascendental. aplicados a los productos de las artes mayores. y reflexionar sobre “La Gioconda y las Giocondas”. en perjuicio de un sinfín de imágenes y formas relegadas al olvido o la curiosidad de coleccionadores de objetos raros que no alcanzan el nivel de obra de arte. La historia del arte analizaba las obras de arte como si fueran un ser. Los conceptos de belleza y objeto bello. Por eso hace arte el niño. 1984. Las Majas de Goya. La definición del objeto del arte no está en la metafísica. Pero la obra de arte. han definido durante demasiado tiempo el objeto de la historia del arte. experimentando materias y colores. Ejercicio 3: Leer el capítulo de Jiménez J. desde todas las edades y en todos los tiempos. producto de la inspiración poética.  Fernández Arenas. Museo del Prado. para conseguir el logro de una obra de museo. descargándole de ese carácter mítico y sagrado que la crítica romántica había puesto en manos de los genios creadores.

(Fernández Arenas 1984. ya que se pueden tocar y ver. no como mera ilustración de libros de otras disciplinas. ¿Quién es un historiador del arte? “Un historiador del arte es un humanista cuyo material primario lo componen aquellos testimonios o huellas del hombre que han llegado hasta nosotros en forma de obras de arte. pero tiene un pasado. La Historia del Arte como ciencia y sus problemas. ¿La historia del arte como disciplina auxiliar de la historia o como disciplina independiente. y cuando es capaz de transmitir muchos significados es lo que marca una jerarquía en las obras de arte. que hace que se pueda tocar y ver. 6 . escultura. Jerarquía. cuando pasa el tiempo a veces se intensifica ese significado. Historia del arte como "construcción mental" como paradigma epistemológico.reflexionando sobre las cualidades del objeto artístico. "El oficio del historiador del arte". ahora bien ¿qué es una obra de arte?” (Tomado de Urquízar 2012. Thullier. Una cosa es la historia del arte y otra algo estético. y entre música por ejemplo. A continuación haz una enumeración de 5-10 conceptos que consideres arte. Objeto presente que tiene un pasado (diferencia con los hechos históricos). es decir. con sus propios métodos? Historia del arte como disciplina independiente. Hace que se diferencie entre arquitectura. 2006. Diálogo (obra cargada de significacion9.14) ¿Qué es la Historia del arte? “Sistema de conocimiento ordenado de cómo. una controvertida relación. Ejercicio 4: Con juicio crítico: en dos o tres líneas escribe una definición de arte.23) - - Historia e Historia del Arte. etc.  Panofsky 1955. Historia del arte como “historia total”. con sus excepciones. en cada lugar y en cada momento. p. tiene que ser una creación humana no biológica. independientemente de si es bella o no. ciertas firmas y obras que llamamos arte han sido producidas (reconocidas o no) por sus coetáneos y conservadas (o destruidas) como documentos de una cultura". tiene una materialidad. p. lagunas y límites. la obra de arte es una obra pos sí misma. muchas veces hay una pugna dialéctica entre historiadores e historiadores dela arte. la obra de arte es presente. Historia del arte al margen del gusto estético imperante y/o juicios de valor. - - Creación humana no biológica (El mito de Pigmalión).

Tiempo lineal y progreso frente a tiempo discontinuo construido gracias al azar. renacimiento. romanticismo. La validez de la historia del arte local y los problemas de ubicación del arte y los artistas. La historia del arte como "construcción mental" como "paradigma epistemológico" “Conviene preguntarse qué tienen en común. Categorías. omitiendo desde un inicio todo el arte inglés y todo el arte francés (solamente aparece un cuadro de Boucher…)? Y el tomarlos en cuenta ¿no habría necesariamente enturbiado la bella geometría estricta del libro e incluso llevado a formular completamente la conclusión? La historia del arte ¿se presta a las grandes generalizaciones de este tipo?” (p. unos relieves funerarios megipcios. No vamos a encontrar una artista que en su momento dijese yo soy un artista gótico. Surge la idea del tiempo orgánico. un paisaje flamenco del XVII. Los periodos de la historia del arte (románico. la idea de una evolución y la de un progreso. en su contexto primitivo. El tiempo es un tiempo continuo. donde hay una evolución. y hay que admitir que esta posición es un punto de vista más entre otros posibles” (Urquízar 2012. - La institucionalización de la historia del arte y el tiempo orgánico. Muchas veces dentro del discurso lineal hay vueltas hacia atrás. El hilo conductor depende de su interpretación desde el canon de las bellas artes. y una performance del siglo XX o el XXI. gótico. p. región y foco. Los problemas de estudio del arte no occidental y del arte primitivo. sino que esos términos son posteriores. Historia del arte como sucesión histórica. diferente según los ligare sy los lenguajes. nación.16)  Thuillier. que rompen con lo del momento. las casualidades y la energía revolucionaria de los genios. Tiempo plural. Tenemos que analizar cada obra por sí misma. donde hay tiempos artísticos. sin ser duramente criticado por haber facilitado la implementación de sus conceptos. espacial y temático de la Historia del Arte: Conceptos de continente. y progreso. ) como ayuda pero no como algo irrefutable 7 . lenguajes y clasificaciones temáticas del arte occidental. . tiene un tiempo de madurez y acaba.B) El medio temporal. manierismo. hablando del peligro de las generalizaciones: “En la historia del arte ¿podría hoy Wölfflin rescribir sus Kunstgeschichtliche Grundbegriffede 1915. y vueltas hacia atrás.cada movimiento artístico nace. Tratar de entenderlas dependiendo de dónde fueron realizadas. barroco.87) o Cronología y periodización: La historia del arte dividida según su ubicación temporal. un salero del siglo XVI. una máscara africana sin fecha determinada.

nación. Pérdida de visión de conjunto. El arte y el medio físico:     Winckelmann (1764. Escuelas nacionales (escuela francesa. clima. compra legítima?: 8 .La validez de la historia del arte local y los problemas de ubicación del arte y los artistas. Taine (1864. creencias. Filosofía el Arte): el arte clásico y la teoría del medio. costumbres…) La recuperación del arte medieval como reivindicación nacionalista (Jovellanos. Viollet le Duc. El problema de los cambios de fronteras.  Los conceptos de continente. Asociar cada nación con un momento artístico. Fronteras geográficas problemáticas. Localismo. Hay una asociación entre estilo y nación. raza. geografía. últimas décadas del siglo XVIII y XIX. Revalorización de obras olvidadas y producidas en lugares periféricos. ¿Expolio. Historia del Arte de la Antigüedad): el arte griego y el clima. Cuestionando los períodos tradicionales de la Historia del Arte: A modo de ejemplo:    ¿Por qué seguir poniendo juntos el siglo IV yel XV? ¿Por qué no agrupar las obras del siglo XIV alXVI? ¿Hasta cuándo dura la Antigüedad Tardía?¿Hasta el siglo V? ¿Hasta el VIII? ¿Hasta el IX? Focillon (La vida de las Formas. El desarrollo de los museos y la ordenación de las colecciones en escuelas nacionales (s.XIX). La noción de "foco" o "centro de producción artística" frente a la de "escuela nacional": - Multiplicación de fronteras. cuestiones de patrimonio histórico. traslado accidental. región u foco. escuela holandesa…)  Un marco geográfico fijado por la historia política. 1934): el principio de gravedad y el principio de metamorfosis. Ruskin).- La historia que escribimos a posteriori y la historia que percibe el artista.

Martínez Flores. Documental. Categorías. con ocasión de la Guerra Civil Española. espacios de tres dimensiones capaces de contener nuestra persona.es decir.  Diseño y ejecución: es diferente el diseño. Pedro. Muchos de los edificios actuales son como esculturas que se integran. o debe sólo retornar en determinadas circunstancias? Es así cuales. Todos los pabellones de exposiciones universales se hicieron muy famosos aunque no eran perdurables. teniendo en cuenta los casos que se plantean en las cuatro diapositivas que vienen a continuación:  ¿Debe toda obra de arte retornar a su lugar de origen. las superficies. Alfonso. en pintura el que diseña suele ser el que acaba la obra.  Dentro de este campo de arquitectura hay una diferencia y tiene tratamiento diferente lo que es arquitectura permanente y una arquitectura efímera. Los apartados en los que dividimos el lenguaje:  Arquitectura:  Espacio interior. edificios útiles. los mármoles del Partenón (mañana). como una columna o un arco de triunfo. los países milenarios reclaman sus tesoros arqueológicos a occidente. Priego. no crean espacio interior así que no sabemos muy bien donde incluirlo ->Texto de Geoffrey Scott (1884-1929).  ¿Deben tener validez jurídica las decisiones tomadas durante una guerra? ¿Qué ocurre si son autoridades internacionales ajenas a un país las que deciden sobre su patrimonio con ocasión de un conflicto bélico? Lecturas: Cohnen.Ejercicio 5: Resumir las lecturas recomendadas y responder a las siguientes preguntas. que generalmente consideramos-. el dibujo y después la práctica y construcción. Las funciones de las artes se sobreponen en muchos puntos: así la 9 . Hay elementos que tampoco podemos meterlo en esta categoría. Fernando. lenguajes y clasificaciones temáticas del arte occidental. finalidad practica y esto condiciona el propio diseño del edificio. Los años 60: El templo de Debod y su traslado a Madrid como consecuencia de la construcción de la presa de Asuán.Su difícil aplicación al estudio del arte no occidental y/o del arte primitivo. Las cajas españolas. que pierde parte de lo artístico. Esto en otras artes es menos claro. La arquitectura se define como la creación de un espacio interior. frente al urbanismo como espacio exterior. Ejemplos:   Los años 30: El periplo de las obras de arte del Museo del Prado. la arquitectura es algo funcional por norma general. Carmen. Navagués. y éste es su verdadero centro. además de espacios de dos dimensiones.  La funcionalidad frente a esas clasificaciones de la edad moderna donde hay un desprecio hacia lo útil. Siempre a la hora de construir un edificio es un espacio habitable. Templo de Debod. sobre la interpretación espacial de la arquitectura: “La arquitectura nos da.

La escultura sólo se aprecia realmente palpando.  Escultura:  Tridimensionalidad frente a la bidimensionalidad pictórica. puede dar al espacio su valor pleno. por medio del espacio. aunque esta vez hablamos de un espacio exterior no interior. el espacio es lógicamente nuestro fin. sobre las características de la escultura: “En efecto. piedra. 10 . La pintura puede pintar el espacio. y el placer que se obtenga de él es un don que solamente puede dar la arquitectura. madrea. entre todas las artes. el delimitar un espacio es el fin de construir. Solamente ella.arquitectura tiene mucho de común con la escultura. que puede mirar como si tocaseo acariciase los objetos". La arquitectura tiene el monopolio del espacio. en suma.. tocar es básicamente la única manera por la que podemos tener// una sensación directa de la forma tridimensional del objeto. como un objeto más del espacio. la música puede darnos una sensación análoga. Tal diferencia debe ser subrayada. Pero estéticamente el espacio tiene una importancia aún mayor: el arquitecto lo modela como el escultor la arcilla.. conexiones con la pintura. desde un punto de vista utilitario. cerrarlo y protegerlo-. que no se mueve. p. busca. ha coartado el desarrollo de la sensibilidad sensorial táctil. la escultura solicita directamente el sentido del tacto.  La escultura tiene dos grandes divisiones que tiene que ver con el material con el que se trabaja. por lo tanto no es lo mismo si ha sido trabajada en bronce.  La escultura también parte de su esencia es que es algo estático. sino que es un volumen. la poesía. y toda la arquitectura surge de esta necesidad.cuando construimos no hacemos otra cosa que destacar una cantidad conveniente de espacio. "Es extraño cómo la crítica no ha sabido reconocer esta supremacía de la arquitectura en materia de valores espaciales. etc. pero tiene además su propio territorio y proporciona un placer típico y propio. dictada con frecuencia en las exposiciones y museos. Pero la prohibición de tocar las obras de arte. tocando o manejando los objetos. 66] Comentar texto: autor/contexto primero. suscitar un determinado estado de ánimo en quienes entran en él" [tomado de Borrás 1996. lo dibuja como obra de arte. Plástica (material blandos) y/o escultura (materiales duros): en ambos casos “dar forma”. el sentido del tacto se ha visto obligado e inducido a delegar su actividad en el sentido de la vista. lo emplea como material y nos coloca en su centro". como la de Shelley puede sugerir su imagen. Puede circundarnos con un vacío de tres dimensiones. y más todavía con la música. y justo esto ha sido muy aprovechado por distintas culturas para hacer representaciones de soberanos o dioses porque tiene esa cualidad de estático y permanente. ->Borrás. a diferencia de la pintura que atrae el sentido de la vista. que está pensado para tocar o percibir a través del tacto.  La escultura el valor o esencia radica en todas las cualidades táctiles. pero la arquitectura tiene que operar directamente con el espacio.

tiene carácter ornamental. accesorio. Y como es una división un tanto difusa también hay varios términos.  Y la primera característica condiciona esta segunda. Museo del Prado. 1933. arte como “ilusión” (Gombrich)  Ilusión óptica y perspectiva que trata de conseguir la profundidad.  ¿Y los valores táctiles o plásticos? o Mantegna. 1461. Reina Sofía. artes suntuarias. artes industriales. Pierde esa esencia de la escultura porque pierde espacio.  Terminología: artes decorativas. no hay una tercera dimensión. sea el soporte que sea. Aunque también es imperfecto. que sugiere una tercera dimensión sin que la haya realmente.  Gargallo. artes utilitarias.  Pintura:  Es una de las que más a dado lugar a la teorización del arte tal vez porque parte de esta reivindicación parte de los pintores del renacimiento. 69-70). Dormición de la Virgen. artes aplicadas… 11 .  Artes decorativas o artes suntuarias: Es el campo más difuso que sirve para meter todo aquello que no entra en los anteriores ejemplos.(pp. por tanto variable en función de los parámetros culturales de cada momento. que es una creación mental y abstracta. Es un elemento de bidimensionalidad ligada al soporte plano. Profeta. como “forma simbólica” en palabras de Panofsky. es un espacio fingido e ilusorio. artes menores.

al igual que en China los textiles. Texto de abad Surger.245) Último grupo de Medios de comunicación que son posteriores a la revolución industrial:  Mass Media (medios de comunicación-visual-de masas): Fotografía. plumería… Infravaloración histórica: ¿sólo en Occidente? Si vamos a los países musulmanes hay mucho valor en las cerámicas. madera. democratización frente a la elite (abaratamiento de costes sin perder calidad artística). que no existe en absoluto. producción mecánica. quizás no tiene ese carácter individual. piedras. Por este carácter manual se conoce más como artesano y no como artista. ->Esta infravaloración histórica es muy relativa. movidos por nuestro amor a la madre Iglesia. estos diferentes ornamentos. cerámicas. cine…  Fotografía (desde 1816-1839):  Escritura con luz. sardónica. La pintura es una realidad inventada mientras que la fotografía es una realidad más inmediata aunque hoy en día también se puede cambiar. a diferencia de la pintura. Se resalta la minuciosidad. topacio. carbunclo y esmeralda. 1997. la destreza que se muestra por encima del diseño o dibujo previo. sobre todo después de la teoría del arte renacentista. y berilo. y. […] Cuando al margen del amor por la belleza de la casa de Dios. cuanto se abre el foco. importancia del proyecto. sobre el valor analógico de las joyas. mecánico. etc. el canto de las piedras multicolores me distrae de preocupaciones externas y una meditación apropiada me induce a reflexionar.       Artes industriales y Bauhaus (1919): seriación. p. aplicable a las artes suntuarias o decorativas. puedo ser transportado de este mundo inferior a ese superior de un modo anagógico” (tomado de Yarza . ni en la pureza del cielo. Seriación quizás más recientemente pero en el pasado es más difícil. tiene mucha importancia la luz. trasladándome de lo que es material a lo inmaterial. 12 .XII. Suelen ser artistas anónimos. Parte de su esencia es el carácter manual. creo encontrarme en cierta manera en alguna extraña región del universo. yeso. Impersonalidad y sociabilidad. ni en la faz de la tierra. textil. grabado. cuero. zarfiro. Tradición y conocimiento del oficio. papel. crisolita y ónice. por la gracia de Dios.  Heredera de la perspectiva artificialis de la pintura. jaspe.[…] y digo entonces suspirando profundamente con mi corazón: Cada piedra fue tu protección. Amplitud del término: metal. La pintura tiene más inventiva. comic o historieta. “A menudo contemplamos. mediados s. sobre la diversidad de virtudes sagradas. cartel publicitario.

no tendrían más que delimitar el territorio que les pertenece en propiedad para llegar a un acuerdo de coexistencia. p. explicando la fotografía: “La pintura y la fotografía no son tan sólo dos sistemas de producción y de reproducción de imágenes que. influye en las nuevas ambiciones artísticas. modificación e interpretación de la realidad. Suelen quedar fuera radio. aunque una realidad vista y no imaginada/inventada. que crea a su vez. instalaciones. arte que tiene que provocar reacción. arte gestual. Mucho más importante que el problema de saber si la fotografía es o no es un arte auténtico. Es un ejemplo típico de las direcciones nuevas seguidas tanto por las artes de vanguardia como por las artes más comerciales: la transformación en meta-artes o directamente en media” (tomado de Borrás 1996. ¿Y lo efímero y otras artes? Su importancia en el arte contemporáneo y en el llamado "arte primitivo". Selección. Hay otras manifestaciones como la pintura corporal. A parte de ser un relato literario parte de su esencia es su carácter humorístico y crítico.  Comic o Historieta (ligada a la prensa periodística desde 1830-1841)  Puede tener precedentes muy antiguos.  Soporte plano y de poca consistencia. es el hecho que nos permite conocer las obras de arte. La fotografía es una empresa de orden totalmente distinto. ready-made.  Gran formato. y prensa.  Multiplicidad.  Cartel Publicitario (desde 1866)  Finalidad económica  Mensaje icónico-literario. perfomance.  Simplicidad formal. creadas para desaparecer. no tan contemporáneos. hallándose en una posición de concurrencia. Sin ser específicamente un arte. posee la propiedad de poder transformar en obras de arte todos los sujetos que toma por modelos. ->SusanSontag (1933-2004). objetos encontrados.  Carácter efímero. tv. efímeras. ponerlo en un momento dado y luego ya no sirve por lo que los soportes no son muy duraderos.146)  Cine (desde 1895)  Doble carácter espacial y temporal. pero el hecho que se reproduzca por la prensa sí que lo es. 13 .

1871. unidos a mecanización/ Dificultad de aplicación al arte no occidental). [Darwin. 14 . Teoría del Arte. [Taylor. con tres etapas: Salvajismo. se servirá del primitivismo como fuente de inspiración. Será en el SXIX cuando comiencen a organizarse y consolidarse los museos y sus colecciones. la teoría de la evolución). con tres etapas de salvajismo. Aumenta el interés por todos estos pueblos. pp. La sociedad antigua. Madrid. barbarie y civilización]. La sociedad antigua. con el enfoque positivista. Occidente y el colonialismo. exposiciones universales y redescubrimiento del arte primitivo por parte de la vanguardia. exposiciones universales y redescubrimiento del arte primitivo por parte de la vanguardia Los años 60’: La descolonización de África y lo primitivo como constitutivo de las nuevas naciones La musealización de lo “primitivo”: descontextualización y aplicación de conceptos occidentales ¿El ritual como hilo conductor de lo “primitivo”? ¿Y aplicado al arteoccidental? -Primitivo: El término primitivo y sus connotaciones. La vanguardia. Morgan (1877. El origen de las especies por medio de la selección natural. etc. (2010) (1º ed. barbarie y civilización).. Occidente y el colonialismo La 2ª mitad del XIX: Darwin (1859. Prehistoria. plantea una civilización más avanzada frente a un mundo primitivo (SXVIII). 1859. Los objetos se acomodan a las distintas divisiones preplanteadas. y no solo en el aspecto económico (todo muy cercano al evolucionismo). Todas las piezas de las galerías de maravilla son las que integran las primeras colecciones de los museos. Morgan (1877. a las que acudirán los países con sus propias manifestaciones culturales. También contribuirá a conocer toda esta cultura en las exposiciones universales..07-10-13 El estudio de la historia del arte no occidental y/o del arte primitivo (Medios de difusión de masas. Los comienzos del siglo XX (1900-1930): colecciones y gabinetes de curiosidades. El mundo no occidental se comenzaba a conocer mejor gracias a los viajes y el colonialismo.) [Museo de antropología de Madrid].Taylor (1871. 170-182 - - El término primitivo y sus connotaciones. La ilustración. Desde obras de arte como objetos del entorno natural (cabezas. El origen de las especies por medio de la selección natural.. La Cultura Primitiva// Fuerte paternalismo] [Lewis H. En los comienzos del SXX las colecciones y gabinetes de curiosidades. Será aquí cuando se plantee una nueva organización en el sistema de lenguaje. momias. Tecnos/Alianza. La cultura primitiva).. ahora cultural y artísticamente. Lewis H. La teoría de la evolución]. en el siglo XX. 2002). J. Jiménez. Todo el arte no Europeo. animales disecados.

pp. como por ejemplo ''el ritual'' → Objetos vinculados a ceremoniales religiosos y funerarios. El hecho de que se comience a plantear una metodología para las teorías preexistentes. La construcción historiográfica del arte. Bibliografía de apoyo:  BORRÁS. En este caso. pp. 69-100. José (2010) (1ª ed. se planteará la occidentalización del lenguaje del arte africano. pp. no quita el que puedan aparecer nuevas teorías (vanguardias). Tecnos/Alianza. con la crítica del arte. G. pp. Se construye en paralelo a la propia historia del arte. Conocer el Arte. GARCÍA MELERO. Es la manera que tiene el historiador de acercarse a las fuentes de la historia del arte. 170-182. Fondo de Cultura Económica. México. pp. dependiendo de la ideología o influencias). Madrid. 17-26. 15 .2002). Anthropos. Se consideran obras de arte objetos que no lo son desde su origen (momias) Comienzan a darse nuevos hilos conductores para esta serie de objetos descontextualizados. Teoría y Metodología de la Historia del arte. Madrid.  POOKE. 19-42. Jaques (2006). Muchas veces se solapará con la estética. que no entra dentro de este marco. necesita una base teórica a la hora de escribir y plantear su metodología del arte (enfoques. Descontextualización y aplicación de conceptos occidentales. D. siempre basada en la teoría.  URQUIZAR HERRERA. José Enrique (2012). Arte básico..  JIMÉNEZ. 9-33 y 47159. que el historiador del arte. Barcelona. Antonio. Se dan una serie de pasos a seguir para comprenderlos mejor. y no se propone un método claro a seguir. Madrid. La metodología como herramienta de análisis del historiador del arte. deja fuera un tipo de arte más civil. 81-102 y 103-122.  THUILLIER.  FERNÁNDEZ ARENAS. Ramón Areces.. C) Definición de conceptos "teoría" y "metodología" de la Historia del Arte La teoría es el planteamiento conceptual o filosófico. Replanteamiento de la clasificación para el arte popular.13-23 . Historia 16. Cátedra. Necesita una cierta distancia cronológica de las obras de arte y los fenómenos contemporáneos. Madrid. José (1982). (Vasari). Si es cierto. pp. Desde el SXVIII conviven ambos conceptos. Teoría general de la Historia del Arte.Con las gran descolonización de África en los 60'. Teoría del Arte. fuentes documentales para la historia del arte. A veces solo se da un aproximación a la metodología. 15-38 y pp. Teoría del Arte I. y NEWALL. (2010). siempre a posteriori. o Crítica del arte. Gonzalo (1996).

.. 16 . Texto de José Jiménez (pg. 32-33) → Extracto para comentario de texto.Comentario de texto: Fernández Arenas (1984) Sobre los límites del arte.

III d.) Reflexiones sobre la creación artística con especial atención a los s.C. habilidad manual. será Hefestos. El Mundo Antiguo y los primeros escritos sobre arte. y esta idea del banausos desaparecerá. Nos llegan noticias y tratados. sin embargo. tecnología). en ocasiones hasta con un sentido peyorativo (mecánico). Filóstrato el Joven.8/10/13 TEMA 2: TEORÍAS DEL ARTE (I): ANTIGÜEDAD Y EDAD MEDIA.  El artista como banausos (''mecánico'') y el modelo de Hefestos.C. por ello nos remitimos a techné como término más apropiado (técnica.  Periégesis o literatura de viajes (Pausanias)  Conceptos de techné y ars. II-III d. Vitrubio y Plinio. poesía o música. El modelo de mecánico. La literatura artística medieval.C.. (Bibliografía recomendada) El mundo antiguo y los primeros escritos sobre arte medieval Antigüedad Grecolatina Griegos - Filósofos y artistas griegos de los siglos V-VI a. filósofo y esteta.  Literatura de taller y tratados específicos sobre arte Policleto. Calístrato…). escultura. La literatura de viajes de Pausanias (c. dos autores romanos del entorno del s I a. están más ligados a la intervención divina. artista. Aristóteles. Plotino. En este mundo.C..)  Textos de los que se pueden entresacar reflexiones teóricas sobre el arte:  Textos filosóficos (Platón. Teorizan y deslizan conceptos sobre la obra de arte.C. Dión de Prusa…) y textos enciclopédicos (Plinio el Viejo). el artista aumentará de prestigio. medicina.I d. arquitectura. En el mundo griego no encontramos. un equivalente a arte. 160-180 d. Con el avance de los siglos y el desarrollo del arte.C. al artista plástico se le denomina como banausos. En disciplinas como la literatura. Igualmente aplicado a la agricultura. para desarrollar un oficio. 17 . nexo de unión con la Edad Media (s.etc. Define una destreza. Plotino…). Vitrubio…)  Écfrasis o descripción de obras de arte (Filóstrato el Viejo. textos de oradores (Cicerón. Jenócrates de Sición..

En el mundo latino encontramos ars, pero con las mismas connotaciones que techné.
El debate de contraposición entre el artista y el mecánico, será un tema recurrente para diferentes
artistas a lo largo de la historia del arte.

La fragua de Vulcano, 1630, Velázquez, Museo del Prado.

La escuela de Atenas, Rafael, 1509, Vaticano.

18

 Platón (427-347 a.C.)

Arte y mímesis:
- Mediante el mito de la caverna: Mundo visible vs. Mundo inteligible, el mundo real, las ideas.
El arte es una imitación del mundo real, de las sombras que el hombre ve dentro de la
caverna.
- Ejemplo del lecho (Libro X de la República). Si hay una idea absoluta del lecho, el carpintero
elige unas características para construirlo. El pintor pintará la copia del carpintero (copia de la
copia).
- Ilusionismo óptico dentro de la pintura: Para confundir al espectador, perspectiva, gradación
de tonos, policromía...Pintura como espejo de la realidad.

Ambivalencia en la consideración artística:
- Platón reconoce que los poetas y literatos están iluminados por una inspiración divina
(poiesis). Define la creación del cosmos de manos del Demiurgo, tratándose éste de un
artista. El pintor debe mirar al mundo de las ideas, directamente, no a la realidad empírica.
- Crítica al arte como medio de engañar, rechazo al ilusionismo óptico.
- Demiurgo, como artista. Esta idea llegará a la Edad Media (cosmócrator, como creador, con
compás. Como un artista).

 Jenofonte (431- 354 a.C.)
Discípulo de Sócrates.
-

Tratado como primera aproximación a los artistas de la época, Memorabilia (Parrasio y
Cleito). El filósofo conoce de primera mano el arte que está viendo. - Se realiza una teoría del
arte vinculada directamente al taller del artista. Describe la visita de Sócrates a los talleres
del pintor Parrasio y el escultor Cleito (Memorabilia)

-

El objetivo del pintor será captar y expresar las emociones de los personajes (pintor, escultor,
dramaturgo, músico...).
19

 Polícleto (tercer cuarto del s. V a.C.)
Canon: Tratado de escultura. No se conserva pero llegan referencias por otros medios.
-

-

Conocimiento a través del temperamentis.
Tratado que habla de la belleza de las esculturas del cuerpo humano, que radicaba en la
noción de la simetría. Esta noción sería entendida como la proporción perfecta entre las
partes del cuerpo en sí y con el todo. Aplicable a todos los artistas de la época.
Según Galeno, habría realizado una escultura donde se expresaban todas las teorías.

 Aristóteles (384-322 a.C.)
No presta mucha atención al arte, dando importancia a las artes escénicas, y dejando de lado las
artes plásticas. El arte tiene origen en los ritos de Dionisio,
- Binomio materia-forma: todo se compone de materia y forma. El proceso creativo será el
dar forma a una materia. No tiene la consideración negativa de Platón.
- Teoría de la imitación: Al integrar la forma en la materia, se materializa el objeto, se
consigue llevar al mundo empírico.
- Catarsis y el espectador: Conmover al espectador, y que entre en un estado de conexión
divina. (?)
- El arte y la experiencia religiosa.

20

Escribe dentro del género de las technon synagoge (compilaciones sistemáticas de artes). Libros V y VI (edificios). . Conceptos de simetría. Romanos  Vitrubio (s. Libro 1. I a.Los problemas de las distintas ediciones: Problemática de dibujos originales y reconstrucciones posteriores. Comentario de texto: Los Diez Libros de la Arquitectura de Vitrubio. s. precisión (akribeia.C. ¿?) Filósofo discípulo de Platón y escultor de la escuela de Lisipo.C.C. Donde primero se conoce el modelado el arcilla. Parece que entronca con la tradición de Polícleto y el arte griego clásico. el latín vulgar. formación del arquitecto.)   Ingeniero en época de Julio Cesar y Augusto. La escultura helenística y el movimiento puede incluir este concepto). que combinaban texto e imagen: Libro I (definición de arquitecto: debe tener conocimiento tanto teóricos como prácticos.I d. El artista libre que elige la ciudad en que desarrollar su actividad. A partir de aquí nacerá el interés por recuperar el texto. hidráulica. relojes.La gran fortuna entre los autores de Renacimiento (Alberti y su De re aedificatoria 1452).). dedicados a Augusto. Artista liberal.Remisión a autores griegos para aludir a la tradición. Formación amplia y multidisciplinar). Son libros bastante conservadores. IV-III a. Libro II (materiales. . maquinaria. . pintura mural. Jenócrates de Sición (s. Autor de Diez libros de arquitectura (c. MESURA.). reeditarlo y acompañarlo con grabados. 28-27 a. Uno de los más importantes del momento. que se refiere casi más a las artes poéticas y musicales. - - Sición como foco de artistas reivindicado por Jenócrates. en referencia a dos tipos de pintura) y problema óptico. Es lo fundamental que rige el arte. ritmo (concepto nuevo. .127). 21 . No se conserva el original al completo.C. Libro III y IV (órdenes arquitectónicos).. destacado en la fundición de bronce. y la mejor escultura en encáustica y bronce.. Libros VII-X (pavimentos. Primero temas arquitectónicos y los últimos. que reflexiona sobre su propia obra de arte. Yarza.10 Rollos. gran fuente documental para la historia del arte). 1997: p. y se mantienen dentro de la tradición clásica. unos temas relacionados directa o indirectamente con la arquitectura. Mencionado por Plinio en la Historia Natural. citado por otros autores.

C. Más importante como fuente que como teoría. Mediante la manipulación del color.Extensas reflexiones sobre el color (su obtención. ni las vastas superficies que hacen penetrar las montañas en una habitación: nos hemos puesto a pintar incluso con la piedra” (tomado de Yarza 1997: p. en vez de en casas privadas. y sólo con la práctica se han dedicado a la construcción. cualidades. hasta el punto que no sólo se cubren paredes enteras. 25 y 26 dedicados a las artes figurativas (dentro del ámbito de la mineralogía) . sin atesorar. correspondiente a lo que se quiere formar.). es la que puede explicar y demostrar. no la realidad. pero que ahora se ha visto por completo suplantada por los mármoles y también por el oro. por otra parte. Ensalza las pinturas de la victoria bélica de Roma sobre Cartago. I d. con los cuales juzga acerca de las obras de todas las artes que con ella se relacionan. los se apoyaron sólo en la teoría…” 14/10/13  Plinio el Viejo (s.Libros 24. y la escultura (sobre todo el despilfarro del mármol en Roma. y que . Opina que deben estar en público.) Militar y erudito Autor de la Historia Natural (ca. hacía célebres a los particulares a los que juzgaba dignos de pasar a la posteridad. como tampoco lograron otra cosa que una sombra. sino que incluso se utiliza el mármol recortado y cincelado o placas incrustadas cuyo dibujo contorneado representa objetos y animales. de acuerdo con las leyes de la proporción y del razonamiento.“Es la arquitectura una ciencia que debe ir acompañada de otros muchos conocimientos y estudios. Fundamentalmente incluye también a escultores y pintores. Claro sentido político y propaganda bélica). La práctica es una continua y repetida aplicación del uso en la ejecución de los proyectos propuestos. Por tanto. 2-3 de la Historia Natural de Plinio el Viejo “La pintura. La teoría. la perfección de las obras ejecutadas. los arquitectos que sin teoría. se aproximará más directamente a la realidad). arte ilustre antaño.Remisión a autores griegos y romanos . cuando interesaba a reyes y ciudadanos. dedicado al emperador Tito .Enciclopedia compuesta de 37 libros de disciplinas diversas . en cambio. De todo ello se puede extraer una teoría del arte. 77 d.C. Esta ciencia se adquiere por la práctica y la teoría. no han podido conseguir labrarse crédito alguno con sus obras. Lo que agrada no son ya los paneles. la pintura (la referencia a las exposiciones públicas de pinturas bélicas. Considera que es una pérdida el avance de la escultura y la decadencia de la pintura). realizada con las manos sobre la materia. El libro 35.79) 22 .

Un zócalo de mármol pario rodea en círculo la piedra para contener el aceite que le echan. Pausanias recorrió toda Grecia. pues el aceite es beneficioso (rasgos de conservación. culturas por las que se van pasando utilizando distintos hilos conductores. LA LITERATURA DE VIAJES DE PAUSANIAS (CA. de preocupación por la conservación de la obra. el Mediterráneo Oriental y partes de Italia y todo ellos se plasmaron en un libro que se conoce como “La descripción de Grecia”. sino negra. Muestra gran conocimiento de la cultura griega y un gran respeto a su religión. Encontramos dos tipos de descripciones: de monumentos y de lugares (theoremata) y también describe mitos del mundo clásico y costumbres religiosas (logoi). pues las medidas que han dado son muy inferiores a las que parecen a los que contemplan la imagen. literatura de viajes. floreciente. La Descripción de Grecia de Pausanias “Fidias fue el autor de la imagen.86-92) 23 . no con piedra blanca. y de su exposición). pero no voy a alabar a los que la midieron. Describir lugares y momentos no es algo novedoso pues Herodóto hizo esto mismo en su viaje a Egipto. Una de las descripciones más importantes es la del Templo de Zeus de Olimpia y su estatua de marfil y oro que hizo Fidias. cuando la imagen estaba terminada. todavía en mi tiempo. II d.C. 160-180 D. Todo el suelo que hay delante de la imagen está construido . En efecto. Fidias rogó al dios que diera señales acerca de si la obra era de su gusto (Podría tener algo de teoría de la creación como inspiración divina -> que se desarrollará más tarde). Es un género que consiste en describir lugares. la retórica siguen monopolizadas por las elites griegas. monumentos. para la imagen de Olimpia y es el que impide que el marfil sea dañado a causa de la humedad del Altis […] (texto completo en Yarza 1997: pp. la filosofía. No tiene unas grandes aspiraciones teóricas si no que funciona como una guía para el viajero. estaba colocada la hidria de bronce. apreciar el arte. con una elite que se puede permitir viajar.Autores griegos que trabajan bajo el imperio Romano donde la cultura. ver los monumentos.). Dicen que el propio dios ha sido testigo del arte de Fidias. Pausanias es un poco demostrativo de la cultura romana del momento. Esta costumbre de recorrer la geografía e ir dando cuenta de distintos hechos estaba ya presente en el mundo griego. Sus reflexiones sobre el arte son puntales.  Pausanias (s. pocas veces hay reflexiones sobre arte. C) Escribe un tipo de libro que estaría dentro de la literatura periegética. Y dicen que inmediatamente cayó un rayo en la parte del suelo donde. como testimonia la inscripción bajo los pies de Zeus […] Sé que se han registrado las medidas de altura y anchura del Zeus de Olimpia.

Se le empieza a reconocer su habilidad. pero en el juicio en vez de preguntarle por el robo. El arte no solo implica una destreza manual sino que dentro del artista hay una imagen mental que el artista es capaz de plasmar en esa pintura. Se le empieza a dotar al artista de una capacidad técnica.120 d. La idea que los hombres tienen de los dieses vienen a través de cuatro fuentes diferentes     Imagen innata de nuestra mente Las descripciones de los poetas La imagen que transmiten los legisladores La imagen que transmite el arte La imagen que producen los artistas es enormemente influyente y por tanto la más peligrosa porque es capaz de moldear la imaginación del espectador de impactar en éste. Hay aprovecha para hacer toda una explicación en torno a cómo se crean las imágenes de los dioses. Lo que nos cuenta este texto es que Fidias había sido encarcelado por haber robado el oro que le habían dado para realiza las esculturas. Profesor de retórica que escribió discursos. 432 a.C.C. El propio artista se basa en 24 . Dentro de sus discursos el que nos interesa es la Duodécima Oración u Oración Olímpica donde vuelve a tomar como tópico el Zeus de Olimpia. Pericles) Vemos cada vez más una preocupación por el artista. creativa.  Zeus de Fidias.  Plutarco (46/50.Hay una mayor preocupación por el artista. inventiva. escultura.  Dión de Prusa (s. le preguntan sobre el tema de la creación artística. C) Muchas reflexiones en torno a la consideración del artista van a venir por gente que se dedica a la retórica. Olympia.) “Disfrutamos de la obra y despreciamos al artista” (Vidas Paralelas. II d.

In most matters. que es capaz de ir más allá y de captar la naturaleza divina mejor de lo que se podría en literatura. y la imagen impacta más en el espectador. 25 . la que transmite el arte. textos poéticos de la imagen que transmiten los personajes públicos. but by exhibiting all sorts of likenesses and representations of gods they secured for their patrons both private persons and the states. and here they did not differ altogether from the poets and lawgivers. For these men were not satisfied to display their cleverness and skill on commonplace subjects. they adhered to the myths and maintained agreement with them in their representations. in the one case that they might not be considered violators of the laws and thus make themselves liable to the penalties imposed upon such. in a word. Horacio dice que hay una equivalencia entre ambas. that derived from the poets. and that derived from the lawgivers. Daedalus. Se produce entonces la comparación entre la literatura y las artes plásticas. Tiene la idea de que los hombres tienen de los dioses habilidades. to wit. everyone who has held himself worthy to come forward as a portrayer of the divine nature through the use of art. Conduce a reconocer las habilidades creativas del escultor. Facultad creativa del escultor. Todo esto conduce a reconocer las enormes facultades creativas del escultor. 46 Consequently they preferred not to appear to the many as untrustworthy and to be disliked for making innovations. since the latter appealed to the ear alone. and in the other case because they saw that they had been anticipated by the poets and that the poets' imagemaking was the earlier. let us name as the fourth that derived from the plastic art and the work of skilled craftsmen who make statues and likenesses of the gods— I mean painters and sculptors and masons who work in stone. And all these influences won strength from that primary impulse. interpreted the divine attributes to their more numerous and less cultivated spectators. creación innata . El artista se basa en la tradición literaria para ganarse el favor del público. Aglaophon and Polygnotus and Zeuxis and. literatura. becoming in a sense the rivals as well as fellow-craftsmen of the poets. for their part. the innate. […] 45 To this class belong not only Pheidias but also Alcamenes and Polycleitus and p51further. earlier than all these. Hay una competencia entre literatura y artes plásticas. as having originated with the honouring of the divine being and winning his favour. Arte como moldeador de la imaginación del espectador. Son casi rivales entre sí. whereas it was simply through the eyethat they. Texto Oración Olímpica 44 Now that we have set before us three sources of man's conception of the divine being. but in some few cases they contributed their own ideas. accordingly. Pero hay una serie de competencia entre el artista y el poeta. whose people they filled with an ample and varied conception of the divine.toda la tradición literaria sobre todo en lo que dicen los poetas para ganarse el favor del público.

[Texto Calístrato. pero la de pintar por el arte”. Barash]  Ménades 26 . La Vida de Apolonio de Tiana. Es poseído por la divinidad. A la hora de crear. vuelve sobre la escultura del Zeus de Fidias para reflexionar sobre como Fidias es capaz de crear la imagen de la divinidad. la de las Imágenes. la imagen de Fidias remite a la mimesis y a la fantasía. La écfrasis consiste en una descripción literaria de obras de arte. C) En esta misma línea y pasando al ámbito de la Filosofía podemos hablar de Filóstrato el Viejo (s. C) Escribe otro tratado de écfrasis donde describe cuadros. un genio loco con inspiración divina. es decir transmitir a través de la literatura su percepción acerca del arte. en la proporción.  Filóstrato el Joven (s. I a. III d. Sostiene que la belleza de la obra de arte está en la simetría. III d. creativa. la expresión de emociones. generalmente de pintura y escultura. que es una biografía imaginada más que historia. de Horacio (s.). de estamos mentales. III d. C) que nos interesa por dos obras. Fantasía y mímesis. Esto lo explica a través de una metáfora. Utiliza un concepto que es el de la fantasía. Imitar lo puede hacer cualquiera. sale fuera de sí y es inspirado directamente por las musas de modo que el artista se convierte en un intermedio entre la divinidad y el hombre. La obra de la creación artística se resume en dos cuestiones: “La facultad de imitar le viene al hombre por naturaleza. Lo que tienen en común la poesía y la pintura es que ambos tienen una fuerte capacidad imaginativa. C) Retórico que dice que a la hora de crear el escultor se convierte en un loco y es poseído por el “Entusiasmo” de tal modo que llega a poner al artista plástico al nivel que colocaba Platón a los músicos o los poetas. La belleza no es tanto como simetría. Muchos filósofos consideraban una parte importante de su educación la écfrasis. inventiva. III d.C. pero no todo el mundo tiene la facultad de ir más allá.III d. Afinidad entre poesía y pintura en razón de la imaginación que ambas comparten. sino más bien como expresión. que abre el género de la écfrasis y la otra una biografía sobre Apolonio de Tiana. Filóstrato escribió Imágenes donde describe hasta 75 pinturas del mundo clásico algunos de ellos reales y otros ficticios. pero que también es la transmisión. Filóstrato el Viejo (s. Habla de los distintos tipos de pintura en función de las distintas técnicas utilizadas aunque no entra mucho en teoría.  Calístrato (s. Encontramos aquí el germen de la idea de genio.C. Reformulación del Ut pictura poesis.) y de comparaciones similares de Plutarco (s.

la idea frente a la materia que es lo que va a buscar el arte medieval que lo que busca es transmitir un concepto sin atender a la proporción. El bloque tallado es más bello que el bruto y todo ello en virtud de la Forma o Idea introducidas por el arte. dos bloques de piedra. sin haber sido tocado por el arte. ese concepto de su mente. […] 27 . Leer las primeras tres hojas. de ir más allá y captar la divinidad. III d.  Plotino (s. que lo hace feo desagradable. colocados uno al lado del otro. Lo que plantea en estas Enneadas. La segunda idea que pasa al mundo medieval es que cuando contemplamos una obra de arte tenemos que ser capaces de ir más allá. [Textos de Plotino] “Imaginemos.Ejercicio 6: Sobre la écfrasis. amorfo y por eso insiste que se debe ir a buscar esa proyección esas formas dentro de la materia. Román de la Calle. Uno de los bloques está sin modelar. Lo importante de la imagen no es su carácter externo si no que sea capaz de trascender. La finalidad de las artes es imitar la naturaleza y considera igual que Platón que esta imitación no tiene un carácter tan negativo porque el artista es capaz de proyectar una forma o una idea absoluta que tiene en su mente a través del arte y que es capaz de modelar la forma e infundirle esa idea. C) Hace muchas referencias a las artes visuales. hacia el concepto que transmite y esto será importante de cómo será el papel de las imágenes. Pero que cualquier obra de arte tiene su carácter imperfecto. es una arte que debe aspirar a ser conceptual donde lo importante es la forma. Nos sirve de punto de conexión entre el arte clásico y el medieval por varios motivos. la materia. Utiliza muchos elementos tomados de las artes plásticas. el otro está minuciosamente trabajado por la mano de un artesano y presenta la forma de un dios.

Por la importancia dada a la base matemática se plantea una jerarquización de las artes coloca en primer lugar. En última instancia la pintura y la escultura. la forma frente a la materia. habla de la falsedad del arte y pone como ejemplo una obra de teatro o una pintura. Neoplatonismo -> arte – imitaciones de la naturaleza. Para el cristianismo sí existe la idea de la creación de la nada. Tratados prácticos son cosas mundanas. la música que la considera el arte del número. ya que plasma una imagen en su mente mediante la forma pero que cualquier obra de arte tiene un peso material. Está unos 10 años trabajando como profesor de retórica y en esa época donde es un pagano convencido escribió un tratado que no nos ha llegado acerca de Lo bello y lo apto y donde está plenamente inmerso en el mundo clásico. destrezas. San Agustín evita pronunciarse sobre si es bueno o malo y que justamente es esa falsedad del arte lo que define el arte. LA LITERATURA ARTÍSTICA MEDIEVAL No hay muchas reflexiones sobre la literatura artística. Recoge conceptos de la simetría. y el artífice no la ejecuta por el hecho de estar dotado de ojos y manos. que transmita un concepto. Es más importante la idea que la materia. el 28 . Durante este periodo va a hacer otra reflexión sobre la cuestión de la creación artística retomando parte de esas ideas de Platón. Hay un intento de definir el arte.[la Forma] “no está en el material: se encuentra en el diseñador antes de que penetre en la piedra.43) ¿Qué significa la belleza? Punto de conexión entre el arte clásico y el arte medieval. Plantea un arte conceptual. Cómo hacer pigmentos. y eso es más importante que la simetría y el canon. de la perfecta mesura de las partes con el todo. sino porque participa en su arte” (Textos tomados de Barash 1991: p. La importancia de las matemáticas para la base numérica. Reflexionará sobre la cuestión artística en relación a Dios en su obra De Trinitate. mental. lo que le da una naturaleza específica al arte. Así como el arte es el conocimiento de unos reglas.  San Agustin (354-430) La inevitable falsedad del arte y la creación Autor que sirve de corte entre el mundo pagano clásico y el mundo medieval. Se forma en Cartago como orador y profesor. Abre un concepto que van a heredar todos los autores posteriores. no tan negativa. En el 387 se convierte al Cristianismo y sus reflexiones girarán en otra dimensión. preparación… Habla de la importancia del arte y de la importancia del número en él. después vendría la arquitectura a la que reconoce cualidades matemáticas. Cuando observamos la obra de arte va más allá a lo que transmite.

esta última con una consideración mayor. las demás serán más vulgares porque hay que mancharse las manos. Dice que una escultura excesivamente bella puede conllevar dos 29 . junto con la astronomía y la música. a) Los Padres de la Iglesia Una de las discusiones más intensas es si las imágenes deben utilizarse o no.creador es Dios y el hombre es un ejecutor un realizador que modifica la materia ya creada. Mundo medieval . Igual que en el mundo clásico el arte sería el seguimiento de un oficio de unas reglas. Definiciones y clasificaciones del “arte” Tenemos distintas clasificaciones. La pintura y la escultura siempre están subordinadas a la arquitectura. por otro lado se piensa que la imagen es confusa.las artes liberales están separadas de las bellas artes. Hace una división en esta línea. En el mundo medieval aparecen las artes liberales separadas de las bellas artes. La cuestión de las imágenes.  Hugo de Saint Víctor (S. II) Expresa su preocupación por dos cuestiones: le preocupa la enorme belleza de las esculturas de los dioses del mundo clásico. Se consideran como disciplinas -> la literatura y las matemáticas. la Alta y la Plena Edad Media Occidental. Pertenece a la corte de Teodorico.  Boecio (480 – 525). Estas artes liberales requieren una capacidad teórica intelectual más fuerte van a dejar fuera a las artes plásticas y a la arquitectura. XII). La arquitectura tendrá más valor. cómo deben ser y como se debe posicionar el espectador que ve esas imágenes.  Atenágoras (s. Plantea una división entre lo que él llama el ars que serían todas las artes liberales y las que requieren una capacidad intelectual y todo lo demás es el artifcium que son los que conllevan un mayor trabajo manual. Falsedad del arte. que alimenta a la idolatría. Habla de unas artes teóricas. Nociones como la imaginación. Los padres de la Iglesia. fantasía no estarán tan presentes en el mundo medieval. Primero Dios crea de la nada y luego empieza a organizar a dibujar un orden de la nada. unas retóricas y por último las artes productivas o mecánicas. Bizancio. Va a haber en pugna dos posiciones: la que defienda el uso de las imágenes por todo lo que tiene de carácter didáctico y su capacidad de influir.

 San Atanasio (s. puente entre la ideas clásicas y medievales. Enneadas. hablar de las ideas del momento. (Textos tomados de Barash.problemas. habla de estética.340-320) Crítica al ornamento. La belleza de la naturaleza por encima de la belleza artística..43) [Contextualización]: Plotino s. Esa idea si estará más presente en el arte medieval y va a haber una cierta despreocupación por la belleza humana. Rechaza el arte por lo que tiene de imitativo y por su falsedad. etc) Escuela neoplatónica. 30 . artística). [Comentar términos del texto]: Poner cada término o idea en relación con otros autores. El peligro de la confusión de la realización de un dios antropomorfo.. Por ejemplo: San Agustín (creación divina. IV) Crítica al culto rendido a piedras y maderas con forma de dioses (Contra Gentes) > Relación con la iconoclastia bizantina.. Oposición a las imágenes de raíz veterotestamentaria. La analogía entre la imagen del rey y el rey mismo (Sermo de sacris imaginibus)> Esencia del propio rey a través de la observación de la imagen del mismo. 1991: p. antecesores.Corrientes. que el que la contempla se quede solo con esa belleza externa y que como se le está dotando de una apariencia antropomorfa se llegue a distinguir la divinidad con el hombre. historia.  San Jerónimo: (c. El Peligro de la adoración. y alude a muchos términos artísticos formulando una teoría en completo. Para ellos recupera toda la línea argumentativa del Antiguo Testamento que será uno de los argumentos más utilizados en esta época.  Tertuliano (160 – 220) Se opone a cualquier realización de la imagen de la divinidad.. Ejercicio: Plotino. III (contextualizar al autor y su obra en general.

Muchos de ellos emperadores de influencia oriental. Tendrán imágenes de devoción privada como modo de atraer fieles y riquezas. la forma. La materia en sí no es bella. sí. Pensaban que todos aquellos que acumulaban iconos en su poder. “El bloque tallado es más bello que el bruto y todo ello en virtud de la Forma” “La Forma (por tanto lo bello) no está en el material: se encuentra en el diseñador... participa de esa idea. no conocían directamente el trabajo del arte. dota a la materia de la idea). sino porque participa en su arte” → Término que emplea por primera vez Platón. en el taller. con los que compartirían una actitud aniconista.. incluso fuera de las fronteras del imperio.. debían asumir un gran número de población no cristiana. · · El arte oriental donde no prima la forma y lo antropomorfo. que se posicionaron en contra de las imágenes. genialidad.. musas. Idea.Calístrato: Modelado de la materia como inspiración divina. 31 . frenaban el poder del estado. económico-sociales. apartados. o Los argumentos de los iconoclastas./Idea por encima de la imagen o el Canon. Materia y Forma/Más menos. aunque imperfecta. participa de las ideas: Mucho éxito en las corrientes iconoclastas bizantinas → Juan Namasteno: Obra de arte.. de un modelo similar a la Europa feudal. Los dos grandes intereses en juego serían. no. Las reticencias veterotestamentarias hacia la representación de Dios.Diferenciación entre la piedra tallada y la piedra en bruto> Antes y después. Algunos de estos emperadores orientales iconoclastas. Ambos materiales. Los grandes acumuladores de iconos serían los monasterios. (Aristóteles. la escritura como elemento artístico y autónomo. Tb: Filóstrato el viejo. se revalora como arte. ''Suerte de participación” quién recibe la sombra. pero tendría un impacto directo. Polícleto/ Dion de Prusa. que lo ponían en peligro. El emperador con toda la corte y parte de la cúpula eclesiástica. solo que uno participa de las ideas de arte y el otro. La belleza. reconstruidos a través de evidencias indirectas. tallados o no tienen las mismas características.. Los teóricos. Tan sólo la diferencia el trabajo del artista.” (?) → “El artífice no la ejecuta por el hecho de estar dotado de ojos y manos. b) Imperio Bizantino o Iconoclastia e iconodulia (s VIII-IX) · · Polémica con gran desarrollo teórico que afecta al arte. Judíos y Musulmanes. por tanto.. procede de la mente de la mano que ejecuta la talla. en lugares rurales. Tuvo motivaciones políticas. culturales y religiosas.

la idea no está completamente separada de la imagen. No son exactamente lo mismo. 185-254) [Sinagoga de Dura Europos. Dioniso de Siracusa el Joven. 32 . transmisión de la idea. ciclo de pinturas dedicado a Moisés] → Ningún problema en la representación del arte figurativo. la distancia entre en símbolo y la realidad que éste simboliza. El icono como cauce entre lo humano y lo divino. Diógenes Laercio [escultura del Fidias] La escultura no puede ser la esencia de la divinidad. El arte como via de ascenso. Burla y sátira a conferir importancia a una escultura. Dios es un modelo y todos los seres emanan de él. El ser humano puede realizar imágenes de Dios que participan de su esencia. Comparten esencia. → Teodoro de Estudión o Teodoro Estudita (759-826)     Diferencias entre la sombra y lo auténtico. Sirve como justificación para revalorizar la imagen. Reconoce por ello la adoración de las imágenes ya que transmite la idea de Dios. El artista debe entender la conexión del símbolo y la realidad. el modelo por excelencia. (EXCP) o Los argumentos de los iconodulos a favor de las imágenes. de Alejandría. Contra aquellos que desprecian las imágenes sagradas) [Virgen triferusa.      La imagen participante no es idéntica a su modelo pero tampoco está completamente divorciada de él. · · Las imágenes como símbolos.· · La crítica hacia los ídolos en el mundo grecorromano (Horacio. Orígenes c. del humano a lo divino. Dios es lo absoluto. todos los seres participan de su esencia. el mundo es un sistema de imágenes y símbolos. → Juan Damasceno (675-749. 150-211). NO SE PUEDEN DESLIGAR. cauce. [Pantocrátor de Dafni] El hombre es capaz de captar y reproducir la imagen emanada de Dios. El demonio habitando en los ídolos pagamos (C. peligro de la idolatría. Llega a haber una posibilidad de inseparación de la imagen y la realidad. más compleja.. El mundo como sistema de símbolos o imágenes. Participa o se acerca de alguna manera. o de tres manos] Musulmán convertido al cristianismo. La mezexis. Tradición platónica. methesis o participación. Los seres inferiores emanan de los superiores y constituyen su imagen.) heredado por los cristianos que plantean una dicotomía entre lo espiritual y divino frente a lo material y tangible (Clemente de Alejandría c. Tesis sobre la divinidad de las imágenes.. La imagen se convierte en un símbolo de una realidad intangible.

Pantocrátor de Dafni. Que aquellos que no sepan leer. sin tener en cuenta la utilidad de las imágenes o la devoción de los fieles). algunos autores diferencian entre la adoración (reconocer que la imagen es el propio Dios) y veneración (respetar y reconocer que la imagen tiene parte de la esencia de la divinidad. Dentro de esta polémica. al menos puedan comprender a través de la imagen. → Gregorio Magno (c. pero no confundirla con Dios mismo). Ataque al obispo de Marsella (comparte la idea de la iconoclastia. Muchos de los autores del mundo occidental. c) Alta Edad Media Occidental La instrucción para los iletrados. se servirán de la imagen. y los que no son capaces de leer. Asumen que la imagen sí que sirve. ni de la relación entre la esencia del objeto y la imagen. el arte como instrucción para los iletrados. la conmemoración o recuerdo de hechos conocidos. . y tiene un carácter docente. No se emplea el concepto de la participación. Carlomagno está muy pendiente de lo que ocurre en Bizancio y provoca un gran interés. y la comparación entre escritura y pintura. Renacimiento Carolingio en relación con la inconodulia bizantina. sostiene que la escritura es una manera de transmitir ideas de carácter religioso a los letrados. Las imágenes están hechas para formar a los ignorantes. 33 . ni siquiera para ser veneradas. 540-604). movilizando embajadores entre ambos imperios. Papa en época de los lombardos. Virgen de las tres manos.

realizado por Lituardo y Berengario][Altar de Ractis] . c. Defensa de la escritura como algo más valioso > falsedad de la pintura.Walafrido Estrabo (809-842): El cuadro como literatura como el hombre sin formación. un animal que de frente parece un caballo y por detrás una cabra y aquí. con mayores valores estéticos y placeres más duraderos). una bestia cornuda que exhibe los cuartos traseros de un caballo.  San Bernardo (siglo XII) El rechazo a al arte figurativo en los recintos monacales “Más aún. Con el apoyo de Carlomagno y Alcuino de York. Dentro de su corte aparecerán una serie de pensadores que defenderán las imágenes. a su vez. bajo la mirada de los hermanos enfrascados en la lectura ¿qué pinta allí esa ridícula monstruosidad.Tiene lugar el Concilio de Nicea (impass entre iconodulios e iconoclastas).XII): arte como recuerdo o conmemoración de las vidas santas. Comparación como el en mundo clásico sobre la preferencia de la escritura o artes plásticas como superior. en los claustros.XII. . En suma.XIII     Sínodo de Arras (1025): pintura y escritura. Honorio de Autun (s. un cuadrúpedo con cola de serpiente. se inclina a la escritura (apela a más sentidos y conceptos. [Codex Aureus de San Emerano.Alcuino de York (s. Desarrolla en muy gran escala la relación entre ambos conceptos. Inevitable falsedad. IX): Relaciones entre escritura y pintura. Bernardo de Claraval (s. Aquí.Libri Carolini (790-792): La pintura como conmemoración o recuerdo de los hechos pasados. en todas partes aparece una variedad tan rica y tan sorprendente deformas que es 34 . texto de Gregorio Magno) o Los años centrales de la Edad Media en Occidente: Los silos XI. La escritura capta mejor la esencia de las cosas.XIII): la escritura de los iletrados.Rabano Mauro (776-856): Relaciones entre escritura y pintura. varias cabezas sobre un cuerpo. por lo que tiene de docente. . Adriano le trae las actas a Carlomagno. es asombrosa y deformada proporcionalidad y la bien proporcionada deformidad? ¿Esos impúdicos monos? ¿Esos fieros leones? ¿Esos monstruosos centauros? ¿Aquellos seres semihumanos? ¿Esos tigres con manchas? ¿Estos guerreros?¿Esos cazadores haciendo sonar sus cuernos? Aquí puedes ver varios cuerpos bajo una cabeza. que consigue fomentar la verdad. . allí un pez con cabeza de cuadrúpedo. Guillermo Durando (s. Allí. Apología contra Guillermo): el rechazo del arte figurativo en los recintos monacales. condena a los iconoclastas. y allí. (Menciones a San Bernardo.870.

el encanto de las piedras multicolores me distrae de preocupaciones externas y una meditación apropiada me induce a reflexionar. y el arte gótico. pieza por pieza. y más preocupados por la riqueza. Pero no se encuentran textos que plasmen esta idea. por la gracia de Dios. sino que son los viajeros los que se encuentran con esto. es importante la calidad de los materiales y de las técnicas. y berilo. junto a otras más pequeñas y el incomparable ornamento comúnmente llamado crista colocado sobre el altar de oro y digo entonces suspirando profundamente con mi corazón: cada piedra fue tu protección. Lo importante era meditar y no dejarse llevar por el arte figurativo. estos diferentes ornamentos. puedo ser transportado de este mundo inferior a ese superior de un modo anagógico” 35 . Surger pone las bases de lo que será el gótico. ya tiene en la cabeza lo que quiere hacer. que no sólo ninguna está ausente entre éstas. cuando al margen del amor por la belleza de la casa de Dios. para los que conocen las propiedades de las piedras preciosas. y vemos la maravillosa cruz de San Eloy. rico en materiales. más que meditando sobre la Ley Divina” (Apología contra Guillermo) 21/10/13 Comentario de texto: Carta de Gregorio Magno a Sereno de Marsella Los materiales preciosos y su valor místico anagógico: Bizancio y Surger de Saint Denis. y da la sensación de que piensa como en el mundo bizantino. zafiro y carbunclo y esmeralda. que no existe en absoluto. sardónice. lleno de luz. jaspe.  Abad Surger: El valor estético del brillo y las posibilidades de los materiales preciosos como método anagógico: habla de las piedras preciosas. las mismas de la Jerusalén Celeste. ante su total asombro. con la sola excepción del carbunclo. que en los textos sagrados se describe con piedras preciosas y elementos ricos. movidos por nuestro amor a la madre Iglesia. que deben llevar a un ascenso. En determinados momentos del arte medieval. topacio. con la intención de asombrar a través de la riqueza material y sensorial. crisolita y ónice. “A menudo contemplamos. dan mucha importancia a los materiales. y la simetría. Hay dos momentos de apogeo: el mundo bizantino. menos interesados por el canon. aparte de la querella. y.más placentero leer los mármoles que los manuscritos. sobre la diversidad de virtudes sagradas. que tiene como finalidad ultima la elevación del espíritu. De aquí que. En el mundo gótico si vemos textos sobre estos. trasladándome de lo que es material a lo inmaterial. Habla del brillo. ni en la pureza del cielo. aparte de la figuración. creo encontrarme en cierta manera en alguna extraña región del universo. y pasar el día entero admirando estas cosas. Cuando pensamos en el mundo bizantino. ni en la faz de la tierra. Es evidente. nuevos y viejos. Recreación de la Jerusalén Celestial. sino que por el contrario abundan copiosamente.

sino de dar modelos para trabajar.  Teófilo Presbítero.Libro concebido como conjunto de modelos para copiar Falta de estructura o sistematización. XII? apenas atiene a arquitectura o escultura mural. Villarddebio de ser un maestro de obra o arquitecto. . El oro. libros de técnicas y libros de modelos. Exquisita mano. Permiten sistematizar lo que se había difundido de manera oral que se operaba en el taller. De diversisartibus. se piensa que pudo ser escrito en Alemania. con adiciones del siglo XII. en torno al valor de la ornamentación de la iglesia y los materiales ricos. Dos tipos: Libros sobre técnicas  Heraclio. .Técnicas artísticas de geografías distantes. los temas pintados.La literatura de taller. sin estructura 36 . en torno al siglo XII. relativamente minoritaria. que se conmueva. de finales del XIII. la geometría y así el artista tiene los modelos para pintar. cuenta lo que él mismo ha podido probar. se va principalmente a los objetos de pequeño tamaño. Are con finalidad artística. Los hace a medida que viaja. Hombre culto y elegante.La propia experiencia. .Reflexiones de carácter más teórico en los prólogos. que debió de viajar mucho. Arte como destreza manual. primera mitad del siglo XIII. no es importante el texto sino compilar la información. Sobre los colores y las artes de los romanos. Libros sobre modelos: ya no se ocupan de la cuestión técnica.Las cuestiones prácticas. Apenas hay reflexión teórica. . Lo fijan. eran los propios artistas los que escriben sobre las técnicas. y lo que hace es un libro de dibujos para copiar. literatura pragmática. para enseñar el dibujo. va recogiendo lo que ve. la destreza artesanal y el estado emocional del espectador. Dar instrucciones de cómo hacer las cosas.El vacío del arte monumental y la atención a los objetos de pequeño tamaño. .Autor culto pero que remite a su experiencia práctica.La antigüedad clásica y el mundo bizantino. no suficientemente estudiada. . reivindicación de la mano del artista. y parece que recurre al mundo clásico. y qué haya una empatía con el espectador. . Él mismo se pone el nombre. son como laminas.  El Álbum de dibujos de Villar de Honnecourt. ¿Roma s. . Libros producidos pensados por la plástica coetánea. Les permite conocer a los pintores las técnicas y procedimientos artísticos.

15-94. aunque no haya ningún escrito. inspiración posiblemente copia para guiar al artista en modelos. se describe de manera literaria. URQUIZAR HERRERA. va copiando lo que ve.  El manual del pintor o guía de la pintura del monte Athos. Dividido en tres partes: repertorio de temas. Ramón Areces. YARZA LUACES. Historia 16. La construcción historiográfica del arte. sin diseño ni dibujos. Arquitectura y artes figurativas. se piensa que viene del taller y que es para los que ya saben dibujar. Moshe (1991). polaco 1962. La geometría y las matemáticas entraban dentro de las artes liberales. referidos respectivamente a Antigüedad y Edad Media). copia de uno anterior de la segunda Edad de Oro?.44-56. se le atribuye al monje Dionisio de Furma. Madrid.1970): Historia de la estética (ver los volúmenes I y II. pp. GARCÍA MELERO. Madrid. José Enrique (2012).54-299. pp. Wladyslaw (1987-1991) (1ª ed. es un recordatorio. Joaquín (1997). Madrid. sobre todo escultura. Alianza Forma. Madrid. no puede ir en cualquier lugar. Colección Conocer el Arte. sin plan. TATARKIEWICZ. De Platón a Winckelmann. Akal. sobre todo iconográficos. Y nos dice dónde deben ubicarse dentro del templo. 37 . Eleva la condición social del artista. en el siglo XVIII ¿?. Teorías del Arte. donde hay un elemento en común que es la importancia de la geometría en la formación del artista.sistemática. Bibliografía de apoyo:     BARASCH. pp. Fuentes de la Historia del Arte I. También importante en el mundo occidental. Antonio.

La conciencia de estar abriendo un camino (Alberti y su tratado sobre la pintura. José (1982). El Renacimiento. basándose en argumentos como la relación entre arte-ciencia.  FERNANDEZ ARENAS. Pese a este encorsetamiento. Tendrán una conciencia de sistematizar y organizar el conocimiento. cobertura religiosa.. (ref. Con anterioridad no encontramos nada tan sistematizado como hasta ahora. XVI Y XVII.TEMA 3: TEORÍAS DEL ARTE (III): SIGLOS XV. Barcelona. financiación. 1435) Puede que se encuentren algunas teorizaciones mínimas. pp. 38 . pp. La biografía artística como antecedente metodológico (s XV-XVI) (Método biográfico como metodología del arte. Mitificación del ascenso social y el encorsetamiento de los gremios (protección. Vasari) SIGLOS XV Y XVI a) Renacimiento. el humanismo y la teoría del arte. van a demostrar que lo que ellos realizan es un arte liberal. unas pinceladas..  La teoría del arte como elemento definitorio del Renacimiento:  La escisión con la Edad Media. pero es en el Renacimiento cuando el artista tendrá conciencia de ello. La biografía artística como antecedente metodológico.   El ascenso social del artista:   Reivindicación de las artes visuales como artes liberales. Moshe (1991). a) Renacimiento. Teoría y Metodología de la Historia del arte. La querelle entre antiguos y modernos. 55-68. Madrid. 95-248.(sXVII) c) La Querelle antiguos y modernos. El ascenso social permite desarraigarse de las normas del gremio. intermediarios entre artistas y mecenas. De Platón a Winckelmann. el Humanismo y la teoría del arte. Tratados artísticos y teoría del arte barroco. el humanismo y la teoría del arte.Se da en Italia a principios del Renacimiento). Bibliografía:  BARASCH. Teorías del arte. Las bases del enfoque iconográfico.) b) Tratados artísticos y teoría del arte Barroco. Alianza Forma. La biografía artística como antecedente metodológico.

lo que más adelante facilitarán los avances en este campo.  Arte como imitación y selección de la naturaleza para lograr la belleza:  Las enseñanzas del maestro y la imitación de la naturaleza. o Tendencias centrífugas: las disputas retóricas de los paragone generalmente centradas en la escultura y la pintura (superioridad del ojo. la Academia de Dibujo (Academia del Disegno)promovida por Vasari. Brunelleschi y Masaccio.). o Anatomía: Sobre todo reivindicado por escultores y pintores. Teórico y práctico. con intención de dedicarse a la vida artística. realidad e ilusión. La necesaria unión de arte y ciencia: perspectiva y anatomía. u. o Perspectiva: Sistema teórico y fundamental que se plasma con anterioridad y se boceta antes de llevarlo a la obra. arquitectos y escultores... del artista temperamental.1420).   Extensa y culta educación. El artista debe tener un amplio conocimiento literario. ''pintor anatomista''. la imaginación como elemento común del pintor y el poeta. ARTISTAS:  G. Reivindican este conocimiento para llevar a cabo un buen arte.1480).  Movimiento centrífugos y centrípetos entre artistas: pintores. 1435).t pictura poiesis. sino incluso desde el conocimiento médico. destacables sus aportaciones en el campo de la arquitectura. Centradas en la superioridad de ambas frente a la otra. Es necesario conocer la anatomía. Durero y el Libro IV de su tratado de la geometría (1525). Alberti (1404-1472) Procedente de una familia rica y culta.B. Piero della Francesca y De prospectiva pigendi (c. Compilación de serie de planteamientos teóricos y matemáticos acerca de la creación pictórica. Ghiberti y los Commentarii.1500). visión múltiple y única. Se gesta ahora la noción del genio. Alberti y el tratado de la pintura (c. 39 . Unión y separación entre las disciplinas. Componente elitista. Se da más importancia a la imitación de la naturaleza que a las propias enseñanzas adquiridas del maestro.  Arte destinado a un público culto y refinado.  El artista plástico y el poeta: la recuperación de Horacio y el tu pictura poiesis. no solo de manera superficial. o Tendencias centrípetas: Elogios entre artistas en la obra de Alberti. Leonardo Da Vinci. Horacio. Leonardo y la perspectiva aérea (c. Brunelleschi y la representación de la plaza de la Signoria de Florencia (c. dedicada a Ghiberti.

base de la armonía cósmica del universo. científica. Aquí encontramos la esencia del planteamiento teórico del Renacimiento. simetría.Confinitas: armonía arquitectónica. el de arquitectura ensalzará la figura de Vitrubio. conceptos sacados de la antigüedad clásica. geometría y elementos formales de la pintura. pretende emular al propio Vitrubio. mesura. El de pintura será el que tendrá el contenido teórico más fuerte. sino que. Tratado sobre arquitectura. - De re aedificatoria (1452). convencido de que todo aquello que le era necesario para plasmar la belleza. y el de la escultura será más sintético.SERIE DE TRTADOS: Inicialmente en latín culto. Es necesaria la aportación propia del artista. La anécdota de Zeuxis recogida por Alberti: “Cuando los ciudadanos de Crotona pidieron a Zeuxis que realizara una imagen de culto de Helena (o Venus)] “no emprendió su obra confiando impetuosamente en su propio talento. Habla de la óptica. CAPACIDAD INTELECTUAL DEL ARTISTA. armonía. teóricos. (Santa María Novella) - De statua (1464).. ordenada. para poder representar en su pintura los rasgos de la belleza femenina que en cada una de ellas eran más dignos de admiración. Resultado. la belleza matemática. escogió de entre todas las jóvenes de la ciudad a cinco muchachas especialmente hermosas. multidisciplinar. Por y para ellos. con acceso a la imaginación y echando la vista atrás a la antigüedad. si no en la observación y la imitación de la naturaleza.. Se debe imitar la naturaleza seleccionando los elementos más hermosos para componer algo armónico. Dedicará una parte muy importante a explicar cómo debe ser la educación del artista.. Actuó con sabiduría”  Fachada Santa María Novella 40 . No le da tanta importancia en la formación del maestro. si no recrearlo y actualizarlo a su época. - De pictura (1435).. sino que ni siquiera en la naturaleza podría descubrirlo en un único cuerpo. como todos los pintores hacen ahora. dividido en tres libros. no sólo no podía encontrarlo intuitivamente. La belleza basada en la simetría. no pretendiendo imitarlo. estructura sistemática. aunque rápidamente traducidas al italiano. matemática y geometría. Son tratados destinados a formar al artista.

aunque seguirá siendo una práctica muy puntual. Unión entre anatomía y pintura: necesidad de nociones de anatomía para llevar a cabo el trabajo de pintor. o Multidisciplinariedad como argumento de ascenso social. sus bocetos se basan en la síntesis de la disección de múltiples cadáveres.    Crea una serie de escritos dispersos y fragmentarios. o Influencia de Vesalio De humanis corpori fabrica 1543. o Disecciones y contacto con anatomistas de la época (Marcantonio della Torre). Este tratado no es resultado de la mano del propio Leonardo. el trabajo diario. Es la experiencia. y la versión más completa será del SXIX. Empirismo. Demuestra que las cualidades estéticas tienen una base matemática y científica. o Tendencia sintética y carácter científico de sus dibujos. XVII. Leonardo DA VINCI (1452-1519) Iletrado y formado en taller. práctica-teoría indisoluble. lo que llevan a la teoría y la habilidad.  Importancia de la experiencia visual. como el sentido más sagaz y astuto. - Paragone y la superioridad del ojo. Esta compilación no llega a ver la luz de manera masiva hasta el s. Es un ejemplo más de que Leonardo parte de la práctica para luego fundamentar la teoría. La experiencia visual le da superioridad a la pintura sobre las otras artes. La revisión de la perspectiva renacentista: la perspectiva aérea y el sfumato 41 . Francesco Melzi. o Pittore anatomista. Se apoya en el ojo. práctica. dentro de la universidad. si no de su discípulo. la importancia de la matemática. fundamental dentro de la formación del pintor. tecnología. o Importancia matemática y geometría a la anatomía del cuerpo humano. Todo el conocimiento anatómico se basaba en la disección de cadáveres. Típico renacentista. la complementariedad de a teoría y la práctica. el problemático Tratado de la pintura.

como por ejemplo la esfera. copiada. y hay que meterla perspectiva aérea y el esfumato. que tenga expresión. Sus diseños se pueden ver después con el paso de la ciencia medieval a la moderna. Villar Honnecourt -> dibujos con formas geométricas. Muchos estudiantes de medicina preferían ir a versus dibujos que a la escuela de medicina. Se definirá como pintor anatomista. práctico. La gestación humana y los préstamos de la botánica 42 . porque es un esfuerzo mental y no un esfuerzo físico. La obra de arte es una obra única. La eleva. Hace una serie de notas en donde dice que la pintura es superior al resto. la gracia La pintura como arte imitativo y creativo Planteamientos que no parten de la filosofía. Quiere que el cuerpo se adecúe a la matemática. tiene que ser única. la gracia o el encanto. hay superioridad del ojo. Decía que faltaba algo. porque tiene una experiencia visual. Se acentúa más a partir del siglo XV. Da mucha importancia a la experiencia visual.  La belleza y las cualidades emocionales. Escribe un tratado de pintura. y además el escultor no puede sugerir un espacio que no existe. con respecto a la literatura y a la música. da importancia a la práctica. La finalidad del tratado es conseguir la cualidad estética. a lo tecnológico. Reflexiono sobre la perspectiva hizo una crítica con base matemática. Es un arte inmediato y también creativo (gracia. define las luces y las sombras. Paragone – conseguir un ascenso del artista. Inscribe el cuerpo humano dentro de figuras. que no se quede sólo en la matemática. viendo cuál de estos es superior. exclusiva. sino que esa imagen tiene que tener algo de mensurable. además la perspectiva aérea implica una importancia en el color. y la obra literaria puede ser copiada y tener el mismo valor que el original. Estudio anatómico. Tiene una mayor perdurabilidad. No se habían apoyado en la práctica. Por ello mete a la pintura dentro de las artes liberales. de autores como Alberti o Piero della Francesca. es algo inmediato. La pintura no puede ser imitada. es también superior a la escultura. “El pintor y el anatomista”.  Leonardo da Vinci. Diseccionaba cuerpos. Leonardo compara la pintura con la poesía porque entra por el oído y la pintura entra por los ojos. muy teórica. es lo que nos marca la distancia. Estudia los cuerpos gestantes. que es una reflexión sobre la belleza. no considera que para ser bello hay que fijarse en la imagen perfecta. (Alberti decía que los tres eran afines). que no se pueda medir. encanto…). Afinidad y diferencia con arquitectos… con el paragone.

El pintor anatomista y la importancia de la geometría.  Álbum de diseños de Villar de Honnecourt. La anatomía y la pintura en la en la Edad Media. 43 .  Leonardo.

La llaman Sforzzina. 1482. El objeto es la cuestión del urbanismo. utopías. hay que ajustar la proporción conforme a la vista. del diseño de la ciudad ideal. Perfil estrellado.   Los trabajos para Francesco I Sforza en Milán. que nunca se llevan a cabo. Tratado dedicado a Francesco Sforza. en italiano y no en latín. La arquitectura tiene que estar acorde con la proporción del hombre (Renacimiento). que había muerto hacía poco y había sido su profesor. defensiva. Carácter antropomorfo de la arquitectura. Proporción de base matemática y basada en la experiencia visual.  Francesco di Giorgio Martini (1439-1502) Arquitecto. Considera que la arquitectura tiene que estar sujeta a unos cánones de proporción humana como base de ésta. Quiere hacer coincidir la belleza artística con las matemáticas. 44 . No se lleva a cabo.   El Tratado de arquitectura civil y militar. Dedicado a Federico de Montefeltro. El Tratado de Arquitectura (1451. formado con Ghiberti. donde se ocupa del trazado de una ciudad humanística ideal. EL FILARETE (Antonio di Pietro Averlino) (1400-1469) Arquitecto y escultor.1464). Totalmente utópica.

SIGLO XVI  Alberto Durero (1471-1528) Es uno de los que mejor demuestra el traspaso de Italia a Alemania en este caso. Para informarse sobre novedades de perspectiva. Considera que no hay una única proporción perfecta. Después de un viaje a Italia en 1506. Le apasionaba Italia.    Su interés por los avances italianos. Utiliza las matemáticas para reivindicar el carácter científico del arte. como se asienta en la medida. en especial por el espacio en perspectiva reflejado en el Libro IV de su Tratado de geometría (1525). y así elevar su orden social. reivindicando la nobleza de su arte. Canon y matemática. que es un elemento esencial de la pintura. la proporción. Compendio. no se puede alcanzar con la proporción. Tuvo contacto con Alberti. como un intelectual. cómo el arte persigue la belleza. por el norte. Los cuatro libros de las proporciones humanas (1528) y las diferentes proporciones masculinas y femeninas. 45 . Quiere aprender la perspectiva italiana. El estudio del cuerpo en movimiento y de los estados de ánimo. Habla de hasta trece figuras buenas para conseguir la perfección del cuerpo masculino y femenino. se autorretrata como un caballero. Teoría de las proporciones. Hay diversidad. Hace viajes para conocer los secretos de los italianos y así llevarlo a su país. Usa la perspectiva aérea y el esfumato de Leonardo.

Se abre paso un nuevo modelo de artista. el aislamiento. Atrae el campo a una nueva manera de teoría del arte. considerando la Edad Media como una etapa oscura. Agrupación de artistas por época. melancólico y colérico. son ciclos. . pero si no tiene un arte innato pasará desapercibido. Vidas (Vidas de los más excelentes arquitectos. Giorgio VASARI (1511-1574) Es el teórico por excelencia. diseño. La Historia del arte entendida de manera cíclica. Es capaz de plasmar su personalidad. Podríamos decir que es la base del conocedor. Es la biografía la que condiciona el arte. Modelo asentado en una teoría antigua de los humores. Ve una unión entre pintura. la melancolía. el artista genio. pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestro tiempo). Los cambios son de carácter cíclico (Riegl Wölffin). La consolidación del género biográfico y la anticipación de la historia del arte como disciplina (influencia en autores posteriores como Karel VAN MANDER. Es importante la formación del artista. Hace que el género biográfico pase a ser parte de… y a construir una historia del artista. las diferentes ediciones de 1550 (escribe sobre artistas fallecidos) y 1568 (escribe sobre artistas afines del momento). la tristeza. creativo. distinguiendo tres etapas en el Renacimiento. Método más antiguo de la Historia del Arte. Agustín CEÁN BERMÚDEZ…) El término Rinascità. El dibujo (disegno) y la similitud entre las artes. flemático. pero también lleva a la locura como decía Platón. Su texto es una fuente documental.La teoría humoral de la Antigüedad. Ya lo planteó Aristóteles. maniera.         Nueva concepción del artista: . Evolución. En la Edad Media esos humores estaban regidos por los planetas. Anticipa la figura del historiador del arte. renace el arte). Hay una evolución desde el arte clásico hasta el Renacimiento. unión de lo melancólico del arte con la ciencia. temperamental. Dentro de estos el que asocia con el arte es el melancólico. La alabanza de los artistas toscanos y el reconocimiento social de los artistas. escultura y arquitectura. Era una forma de humor que podía llevar a la genialidad artística. El Renacimiento es la excelencia de Grecia y Roma pero mejor. Piero della Francesca y Ucello 46 . sanguíneo. con planteamientos teóricos del momento. André FÉLIBIEN. los nacidos bajo el signo de Saturno. la sensibilidad. la enfermedad y la genialidad. Antonio PALOMINO. regla y gracia (o facilidad). con tres generaciones: Cimabue y Giotto (primeras luces. Ensalza a los italianos. Se nos presenta más como historiador que como artista.La formación y el don innato para el arte.Excentricidad y genialidad. Cuatro conceptos clave: imitación. . Abre el camino a otros artistas. Su finalidad es promocionar el arte italiano de su época y el arte de la Toscana y aún más el de Florencia. del manierismo. carácter cíclico y posibilidad de superación en el arte.

47 . La regla está como base del dibujo. gracia y manera o maniera. reglas. Raíz platónica -> el artista tiene la idea en su mente y a través del arte plasma esa idea mental. al temperamento del artista. La futilidad o vanidad del arte. Edad media… El arte está regido por: imitación. También tiene que tener gracia y encanto. El dibujo se apoya en las reglas. invenzione. y Miguel Ángel a la cabeza como culminación. Su finalidad es mirar a la naturaleza.  El sueño de la razón produce monstruos. Por último el término maniera responde a una mera individual. la escultura y la arquitectura tienen como elemento común el dibujo. Deseo de transformar e interpretar la naturaleza. La relación entre el arte y la naturaleza. Considera que la pintura.(consolidación). diseño y dibujo. Creación. 1799. Con ello se plantea agrupar por épocas (Wólffin). concetto. de Goya.  Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)       Su teoría del arte expresada en sonetos y cartas. La genialidad. el artista tiene que ser capaz de hacer la obra como si no le supusiese dificultad. Caprichos. que supera el esplendor del arte de la Antigüedad. Tiene que hacerla asequible. pero también de época. El sinsentido de parangonar las artes. Acuña los conceptos de Gótico.

Los cuatro libros de arquitectura. Museo del Prado. El paragone entre escultura y pintura. 48 .1538-1562. 1548. ca.  Bienvenuto Cellini (1500-1571)            Autobiografía. Los esclavos inacabados. facilitando el paso al Barroco. Proprietà. Tratado de arquitectura. 1553. El color de los venecianos. Andrea PALLADIO (1508-1580).1565)    Diálogo de la pintura. prontezza y lume. Pragmatismo. Carácter práctico. 1537-1551. 1570. Reflexión teórica y práctica sobre la Antigüedad Paolo Pino (1534 ?.  Tiziano. ca. Gran repercusión en la arquitectura de su época. Sebastiano SERLIO (1475-1554). Importancia de la geometría y la perspectiva. Dánae y la lluvia de oro.

franceses. la toscana.  La Academia del Arte y las reglas . la lombarda.El ejemplo de Franciscus Junius y su De pictura veterum. 1637. 1672. 1509.  Doce biografías.SIGLO XVII Tratados artísticos y teoría del arte del Barroco. 49 . Rafael.  Ambiente cosmopolita (flamencos. la veneciana. La querelle entre antiguos y modernos: El siglo XVII y la Teoría del Arte   Mayor cosmopolitismo.  División en escuelas. La figura del anticuario erudito . Teóricos del arte:  Giovanni Bellori (1615-1696) Vidas de pintores. Vaticano.La Escuela de Atenas. asociando cada escuela a un tipo de belleza: la romana. italianos). escultores y arquitectos modernos.  Dos tendencias: naturalismo y manierismo.

Perseo y Andrómeda. 1666-1668.André FÉLIBIEN. Entretiens sur Nicolas Poussin. Virgen con el Niño. 1665. Cavaliere d`Arpino.  Pintura como “imitación de la naturaleza hecha a base de línea y color cuya finalidad es el deleite”  Poussin. La inspiración del poeta.  Correspondencia: carta de Poussin a Fréart de Chambray. 50 . 1605. 1602. Entretiens sur les vies et les ouvrages des plus excellens peintres. . Caravaggio. 16291630. 1665. anciens et modernes. Fuentes: .  Nicolas Poussin (1594-1665)   Pintor filósofo. cuyas opiniones teóricas no las pone por escrito en un tratado sistemático.André Félibien.

El genio es pues una claridad de espíritu que conduce al fin por medios fáciles. Es necesario haber visto mucho. Debe ser grande para corresponder a la extensión de un arte que abarca tantos conocimientos y que exige mucho tiempo y aplicación para adquirirlos (…) Así pues.  La oposición a la Academia. la reflexión y la asiduidad en el trabajo.  La experiencia frente a las reglas. la luz y el dibujo. La razón y las reglas: visión utópica de las mismas. “El genio es pues necesario. Porque esta claridad de espíritu. ni por el trabajo. y aunque generalmente no lo da más que para una cosa en particular. pero un genio educado en las reglas. que no es otra cosa que el genio.  El color. 1699 “El genio es lo primero que se debe suponer en un pintor.  Conexión con Leonardo y los venecianos Ejercicio 7: Comentario de texto (I Parte): Roger de Piles. Es un presente que la naturaleza hace a los hombres en el momento de su nacimiento. es algunas veces lo bastante liberal para hacerlo general en un solo hombre (…) (II Parte): La idea del perfecto pintor. 1699. leído mucho y estudiado mucho para dirigir este genio y hacerlo capaz de producir cosas dignas de la posteridad. La idea del perfecto pintor. Es una parte que no puede adquirir ni por el estudio. 51 . La imitación y mejora de la naturaleza Los autores antiguos y los recientes como modo de orientar la observación de la naturaleza. nos muestra siempre el camino más corto y más fácil y nos hace indefectiblemente venturosos tanto en los medios como en el fin. La educación del artista. Teoría acompañada de dibujos y grabados. 1673. Charles Le Brun (1619-1690)        Director de la Academia de las Artes en Francia. Las emociones plasmadas en el rostro humano y la relación con Descartes  Roger De Piles (1635-1709) Dialogue sur le coloris. esta facilidad no se encontrará más que en aquellos que antes de instruirse en las reglas y de ver las obras de otros han consultado su inclinación y han examinado si estaban atraídos por una luz interior hacia la profesión que querían seguir.

pero si no ha estudiado los objetos particulares fracasará en la ejecución de su obra. [y por] demostrar que mantienen su superioridad sobre pintores como Rafael. 1687 . las escoge con la ayuda del juicio y hace con ellas un almacén del que se sirve en cada ocasión. como el pintor no puede ni ver ni estudiar todo lo que sería de desear para la perfección de su arte.La posibilidad de alcanzar y superar a los Antiguos .El progreso de las ciencias y las artes . igual que Alberto Durero y Lucas de Leyde sacaron del suyo las Ideas góticas que la práctica de su tiempo y la naturaleza de su país les habían procurado. se saca de él lo que se ha depositado y no se puede sacar otra cosa.Sin embargo. En general. Además. Afirmo. el segundo de ellos dedicado a las artes visuales . las altas Ideas que tomó de lo antiguo. Los albores de la Ilustración. 1687. Tiziano o Veronés y los demás grandes artistas del siglo pasado […] Me atrevo decir que si consideramos el arte como una acumulación y como una recopilación de preceptos nos encontraremos con que en los tiempos modernos es más avanzado de lo que fue en épocas pasadas. Timantes y Apeles.El progreso guiado por la razón Pérrault y la Querelle: “Hoy nos dejamos entusiasmar por Zeuxis.Ciencia y arte . por lo tanto que la pintura actual es más perfecta incluso que en el siglo de Rafael” 52 . un hombre con genio puede inventar un tema. es bueno que se sirva sin escrúpulos de los estudios de otros (…) El genio se sirve pues de la memoria como de un vaso en el que se guardan las ideas que se presentan.Cinco diálogos. por usar esta palabra. 1697 . el arte no ha dejado de avanzar ni si quiera desde el Renacimiento. Así Rafael sacó de su almacén.La superioridad de los modernos Parallèle des anciens et des modernes.  Charles Pérrault Le siècle de Louis le Grand. celebración de la recuperación de Luis XIV por parte de los académico.Louis XIV y Augusto . a menos que no recurra a los estudios que otros han hecho (…)” Querelle antiguos y modernos.

Madrid. Anthropos. Antonio. La construcción historiográfica del arte. Barcelona.52-130. FERNÁNDEZ ARENAS.Bibliografía de apoyo:     BARASCH. vol. URQUIZAR HERRERA. Akal. 55-68. pp.III. polaco 1962-1970). José Enrique (2012). Teorías del Arte. Historia de la estética. Teoría y Metodología de la Historia del arte. De Platón a Winckelmann. pp. Alianza Forma. José (1982). 95-248. TATARKIEWICZ. 53 . Ramón Areces. Wladyslaw (1987-1991) (1ª ed. Madrid. Madrid. GARCÍA MELERO. Moshe (1991). pp.

1800. XIX Y XX. 5/11/13 Tipos de escritos: El género biográfico y la literatura de viajes. Los libros de viajes:   Del artista al lugar. Fuente documental. La persistencia del género biográfico:   Antonio Palomino. Juan Agustín Ceán Bermúdez. Se recuperan elementos medievales como la Inquisición. En el Romanticismo los conceptos de nación y pueblo cobran fuerza. y que dará lugar al pintoresquismo.… Algunos libros recogen ilustraciones. que despierta la curiosidad. Las nuevas categorías estético-artísticas: sublime y pintoresco. eso crea un tópico de guerra popular que aparece en los libros de Viaje que se refieren a España. Los españoles ven esto como una forma de autopromoción. El museo pictórico y la escala óptica. El idealismo alemán y la historia del arte: Hegel. lo atípico. Así se demuestra un nuevo interés no solo por lo clásico. se consolida la idea de nación y pueblo frente a la invasión napoleónica. La definitiva aparición de la historia del arte como disciplina académica y su escisión de la estética y a crítica de arte. Muchos historiadores del arte hacen catálogos patrimoniales a través de estos libros de viaje. En España por la Guerra de Independencia.…y muchos de los viajeros del Grand Tour recogen en Libros de Viajes sus experiencias. 54 . 1715-1724. sobre todo ingleses y franceses. pues muchos viajeros. donde a veces se deja entrever un planteamiento más teórico. resaltando su importancia en la historia de un pueblo o una región. Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las Bellas Artes en España. llegan a España buscando un exotismo y un orientalismo que no encuentran en sus regiones. Destaca el viaje de Antonio Ponz. sino que también destaca lo exótico. aunque carezcan de profundidad literaria. Se genera la visión romántica del país llena de estereotipos. lo singular y lo diferente. Viaje por España.TEMA 4: TEORÍAS DEL ARTE (III): SIGLOS XVIII. Winckelmann los comienzos de la historiografía artística contemporánea. son fuentes fundamentales por la acumulación de datos. revalorización del patrimonio. los toros. por eso se hacen especialmente populares los Libros de Viajes que contextualizan en un paisaje la obra monumental.

y para la que escribe unos artículos sobre el arte que se engloban en el libro Los placeres de la imaginación.…y que por tanto genera en el espectador una sorpresa agradable. Lo pintoresco proviene del concepto de la pintura. C y el siglo I. singular. Este griego decía que lo sublime era aquello extremo que era imposible de asimilar por la mente.Textos pintorescos. de una fecha temprana pero de fundamental influencia en autores del siglo XVIII. la experiencia sensorial. A través de El espectador.…y Addyson añade la importancia de los jardines como expresión de lo pintoresco. que habría escrito un tratado llamado Sobre lo sublime. lo exótico. La percepción del mundo está muy condicionada por la sensorialidad. A partir de él se ponen las bases teóricas al romanticismo.todo ello condiciona la imaginación. diferente. Pseudolongino. . la educación. 55 . . sino que el espectador lo contempla desde cierto dolor por su incapacidad para entenderlo. Los libros de viajes en España (fines XVIII y 1ª mitad XIX). introduciéndose el relativismo. muchos planteamientos artísticos parten de escritores. y aparecen dos nuevas categorías estéticas: lo sublime y lo pintoresco de mano del romanticismo. Lo sublime no es novedoso de este autor. Los jardines en el siglo XVIII y XIX se empiezan a añadir ruinas o edificios exóticos. en contraste con lo pintoresco. Las nuevas categorías estético-artísticas: lo sublime y lo pintoresco. El teórico más importante de esto es:  Joseph Alddyson. pues compara el jardín ingles con el francés. Reconoce que en el arte encontramos tres cualidades estéticas distintas: lo bello. Interesan lo costumbrista. el gusto estético. lo diferente. En estos años se desliga la historia del arte de la crítica y de la teoría estética. Este libro tiene un contenido más próximo a las ideas estéticas. sino que lo toma del autor griego del siglo III a. resulta novedoso.. es decir. la sensibilidad. . lo sublime y lo pintoresco. . Viaje por España. a través de la imaginación que une la razón.El orientalismo y lo exótico. A partir de este momento la imaginación es parte central del arte. de la estética y del conocimiento. extraño. Es la manera que tiene el ser humano de interpretar el mundo. Este autor griego pertenecía al ámbito de la retórica y la literatura.Antonio Ponz. lo extravagante. 1772-1794.. hecho especialmente para estas localizaciones.. usa el arte como ejemplo de una teoría estética. dando lugar a que la pintura se transforme. con una necesidad de aprehenderlo mejor y conocerlo. De entre estas ideas las más nuevas son la de lo sublime y lo pintoresco. pues lo sublime excede la razón humana y no se puede comprender. revista que dirigía.Consolidación de tópicos. de 1712.

1808-1809. Monje a la orilla del mar. A su vez dice que el horror que expresa lo sublime atrae al ser humano. 56 . En la pintura lo sublime es aquello extremo. pues el alma desea comprenderlo y por eso se siente arrastrada a él. aquel que es capaz de comprender lo sublime se sumerge en la belleza. y añade la idea de que lo bello y lo sublime se excluyen mutuamente. A partir de este teórico muchos autores se interesaran por el concepto de lo sublime. Coincide con Burke y lo Addyson dice que lo sublime también es una forma de conocimiento. la naturaleza inmensa y desatada. tratando de ampliar su explicación.… Ideas muy similares desarrolla Immanuel Kant a partir del 1764 cuando escribe Observaciones sobre el carácter de lo bello y lo sublime. por ello se denota que investigan lo sublime desde la filosofía estética.  - Edmund Burke escribe un texto filosófico en 1756 sobre Una investigación filosófica sobre - nuestras ideas de lo sublime y de lo bello. Él encuentra que lo sublime excede la obra de arte y que su lugar original es la naturaleza. igual que la luz y la oscuridad. pues este supera los límites de lo bello. Caspar Friedrich. Entendemos esta idea de lo sublime en el silencio. y no llega a alcanzar el conocimiento que lo sublime conlleva. Berlín. de manera que la gente no formada no supera el horror que le supone lo sublime. por ello Addyson traspasa el concepto de la retórica a las artes visuales.Addyson considera que hay una interrelación entre lo sublime y lo bello. ideas expresadas que retoma en 1790 con la Crítica. introduciendo el concepto del horror en el arte. incomprensible. Alte Nat. aunque genere una tensión inicial logra una experiencia superior ante el arte. pues somos incapaces de adecuar nuestra experiencia a lo que apreciamos. no es un grado más de la belleza sino que lo sublime anula la belleza y arrastra la imaginación hacia la confusión y al horro. Genera una idea de horror pues es para nuestra capacidad intelectual. que genera esa tensión hacia el arte. en la soledad.

por ello se separa de la historia del arte. Sigue dentro de la Ilustración y la vuelta al mundo clásico. con juicios. plasmó sus críticas en Los salones de Diderot. Con este autor aparece la estética independiente de la historia del arte.Historia del Arte. La estética se separa de la historia del arte y de la crítica.  Denis Diderot (1713-1784) - Las críticas a los Salones de Paris 1759-1781. ideas teóricas. Y estas reflexiones están detrás de un intento de construir una historia de la estética. y las cosas se pueden conocer también desde la experiencia sensorial y la imaginación. o Crítica del Arte: Todas estas ideas van conformando la mentalidad del romanticismo. Diderot recoge las obras que se llevan a los Salones. 1751. que reflexionan la obra de arte desde distintos puntos. frente al Rococó. El ensayo sobre la pintura. en las cuales reflexiona desde el periodismo sobre las obras contemporáneas a él donde defiende el neoclasicismo. una diferencia muy importante y un punto de inflexión para el mundo del arte. El tratado de la Belleza. pues los teóricos incluían en sus tratados el arte y la estética en su conjunto. pues las obras que critica están previamente seleccionadas por la Academia de Bellas Artes de Francia. pues se empieza a cuestionar su excesivo uso para limitar al artista. aunque también le interesa la estética y la historia de la pintura. que orientan el gusto del mercado del arte. ya no escriben para el mundo del arte. La labor del crítico de arte es fundamental para el historiador. Por tanto la crítica de arte es un género ciertamente periodístico por su actualidad en cuanto a que habla de una obra creada en el mismo tiempo que se comenta. 1765. por ejemplo de David. Después de un primer filtro de la Academia había un segundo filtro formado por el público y los críticos de arte. pero también en estas críticas empieza a haber un ataque al arte sometido a las reglas de forma exclusiva. unas publicaciones de la segunda mitad del siglo XVIII. La crítica se concibe separadamente gracias a Diderot y Lessing. algo que no aparece hasta el momento. de manera que conoce la problemática del Academicismo. Diderot es uno de los primeros cuya principal actividad es la crítica artística. datos. junto con otros autores. historia de las Ideas Estéticas y Crítica del arte. pues necesitamos apoyarnos en la crítica para la construcción de la historia del arte posterior. sino para el consumidor. ya que dice que han protegido al artista mediocre y han limitado la genialidad. que en 1754 escribe Estética¸ cuya finalidad no es plantear nuevas ideas sino que construye su historia como rama de la filosofía. pues eran las principales obras que luego se vendían a los incipientes museos o coleccionistas aristocráticos y burgueses. cuyo mayor ejemplo es Baugarten.… Este lo continúa Hegel. 57 . y de forma subjetiva.

C. sus similitudes y diferencias. El Laocoonte como punto de partida de la teoría del arte del XVIII. y dice que no es necesario que sea una artista el que haga la crítica sobre el arte. 50 d. guiado únicamente por la belleza. pues considera que examinar la obra actual es parte de la actividad intelectual. escuela de Rodas. Redescubierto en 1506 en los viñedos del Esquilino (Roma) de Felice de Fredis. Él reivindica el juicio critico como actividad intelectual.    58 . . . usando como ejemplo la escultura del Laooconte. de 1766.  Historia recogida por Plinio el Viejo y Virgilio (Eneida). Lessing es un alemán. ¿no puedo decir que está muy salada mientras no pueda cocinarla yo mismo?  Laocoonte o sobre los límites de la pintura y la poesía. que era una temática muy usada en la antigüedad no solo para las artes plásticas sino también para la literatura.De nuevo. poeta. Plantea en uno de los capítulos la autonomía del arte. es la finalidad del arte. ideales políticos… única finalidad es encontrar la belleza. El entusiasmo de Miguel Ángel y en todos los artistas y viajeros que trabajaban o pasaban por Roma entre el siglo XVI y el XVIII. que está dentro de la Ilustración. Su obra más importante es El Laooconte o los límites de la pintura y la poesía. donde por un lado adopta la visión de un crítico de arte pero además retoma la idea de la conexión entre literatura y artes visuales. Gotthold Ephraim Lessing (1729-1781)  La revalorización de la crítica de arte “Si encuentro mi sopa salada. c. la comparación entre poesía y pintura. 1766. Museos Vaticanos.  El Laocoonte y sus hijos. es el primero que plantea de una manera clara la búsqueda de un ideal claro de la belleza.La autonomía del arte. volviendo a esta idea de origen clásico.

sujeta a la moral de la época. tiene que romper con lo anterior. el artista pierde entonces la capacidad de interpretar. recopiladas como Curiosités esthétiques. La ve como una simple técnica. y va en contra del antiguo concepto de tecné que englobaba cualquier destreza. Crítica de arte y estética están estrechamente relacionadas. al sentimiento. y todas las críticas que hace en esos años se recopilan póstumamente en Curiosidades estéticas. pero sin ella no es posible apreciar la belleza eterna). En contra de la fotografía y de la pintura con la tendencia naturalista. a lo efímero. ya en la mitad del siglo XIX. y esto se verá en La pintura de la vida moderna. hacia el final de su vida. prototipo del Dandi. que la crítica de arte y la verdad no se pueden juntar. 59 . escrito con gusto. tiene que ser novedoso. Se separa de los pensamientos del Renacimiento de imitación de la naturaleza. Ambas necesarias para entender la obra de arte. belleza eterna e invariable (el alma de la belleza) y belleza relativa y cambiante (refleja la moda. El fin último del arte es la belleza. a finalidad del pintor es reflejar la vida moderna. se siente más identificado con la pintura del Romanticismo. para convencer. por lo que no hay ninguna expresión y para él tiene que estar sujeto a la expresión y a la vida interior del pintor. carente de cualquier sentimiento. original. hay que estar a la moda. 1859-1860 Se dedicó intensamente a lo que es la crítica del arte. Considera que la principal finalidad del crítico del arte es promover lo nuevo. Y lo mismo acusa a la pintura realista. la cual para él no tiene valor de arte sino que es técnica. Considera que para hacer una buena crítica del arte hay que ser un buen poeta. Todas estas nociones las va a plasmar en los llamados Salones de arte. tiene que estar a la moda. siempre está sujeta a unos intereses. Parece ir en contra de su propio tiempo al ir en contra de la fotografía. 1868. buscando la verdad. Aquí está el germen de las primeras vanguardias del siglo XX. hay que admirar la antigüedad pero tiene que hacerse algo novedoso y nuevo. Considera que por un lado es interesada y subjetiva. la pasión y la imaginación Salones de arte 1845-1859.11/11/13  Charles Pierre Baudelaire (1812-1867)       - Romanticismo y simbolismo Crítica de arte “interesada” Novedad y originalidad Lo bello eterno y lo bello relativo La fotografía La belleza. la novedad. Cómo el arte tiene que aspirar a la belleza: dos tipos. el arte que se hace en su época. Le peintre de la vie moderne. porque dice que busca de una manera la imitación de la naturaleza. de crear. hay que saber escribir bien.

1936. y eso es lo que supera al poema de Virgilio que se expresa de manera clara. se harían crónicas y no historias.Ejercicio 8: comentario de texto. aunque tiene un gran dolor en sus músculos y en su alma. está considerando que le modelo es el arte griego antiguo y defiende el neoclásico. sin hacer su historia? Concluyamos: un crítico que juzga una obra de arte sin hacer su historia juzga sin comprender” (tomado de Borrás 1996. ¿Cómo podrá comprender un crítico una obra de arte sin enmarcarla dentro de la actividad general de su autor. es un dolor contenido. y pretende que el modelo será el Neoclásico. sin ponerla en relación con las demás obras de tendencia afín u opuesta y. Igualmente. la Historia del Arte necesita tener conciencia de la naturaleza del Arte y experiencia del Arte concreto para distinguir si un cuadro o una estatua son obras de arte. Expresa un juicio estético. Historia de la crítica del arte. e historiadores del Arte a los que escriben de Arte antiguo. Varias versiones desde el año 56. pertenece al mero sentido común entender que también el testigo tiene necesidad de juzgar para comprender. sobre todo es muy crítico con el arte Rococó. aunque está haciendo una historia del arte. se acostumbra a llamar críticos de Arte a aquellas personas que escriben en los periódicos sobre la actualidad de las exposiciones. Admiración profunda por el arte de la antigüedad respecto al arte de su época. morales o religiosos. 60 . Consigue expresar el dolor de una manera contenida. “En Francia. económicos. Por otro lado. en suma. la noble sencillez y tranquila grandeza: se declara a favor de las artes plásticas. o si sólo se trata de hechos racionales.  Historia del arte de la Antigüedad (1764). con esa recuperación de la antigüedad. Va construyendo su teoría del arte a partir de la visión de los monumentos antiguos. pp. Lionello Venturi. creaciones artística. Definición que es tan definitiva como insidiosa porque induce/ a los críticos a ignorar la historia y a los historiadores a carecer de punto de vista crítico […] Si el juicio de una obra de arte se suele atribuir a la crítica. al poema de Virgilio. Sin poseer una experiencia política no es posible hacer historia política: puesto que se confundirían los acontecimientos importantes con los que no lo son… en fin. con la figura de Mengs. y se presenta a favor del arte griego. 1755 Winckelmann ante el Laocoonte. de la escultura y dice que es muy superior a la poesía. 19-20) o Historia del Arte:  Johan Joachim Winckelmann (1717-1768)  Pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura.

Atribucionismo y formalismo (agrupar grandes maestros por escuelas). se cree percibir simplemente en el abdomen. aunque su superficie se encuentre muy agitada. Así como la profundidad del mar siempre está en calma. explicar. sino que está condicionada por el medio geográfico que la rodea. pero desearíamos poder soportar el dolor como este gran hombre” Otros hitos de interés para la Historia del Arte   Las cátedras universitarias de Historia del Arte en el siglo XIX. dolorosamente contraído. que se aplicará a otros momentos (Renacimiento. 61 . un alma grande y grave en todas las pasiones. Se pretende democratizar el conocimiento. Hay que ir más allá de la vida de los autores y mirar más el contexto. Como el Prado que se crea en este momento. “El admirable rasgo distintivo de las obras maestras griegas es. La apertura de su boca no lo permite. pero sufre como el Filoctetes de Sófocles: su dolor nos llega hasta el alma. Laocoonte sufre. Es la culminación de los ideales de WInckelmann. tanto en la actitud como en la expresión. bello (Praxíteles o Apeles) y decadente (Helenismo)). Hay una necesidad de organización en el museo. como canta Virgilio de su Laocoonte. El modelo organicista y la división del arte griego en estilos (antiguo. Este alma se refleja en el intensísimo sufrimiento del rostro de Laocoonte – y no sólo en el rostro. Algo que más o menos se estaba anunciando anteriormente (Vasari). a modo de la naturaleza. hacer accesible el arte a todo el público. las copias… algo que en su época no se hacía casi. sublime.en el dolor que se hace patente en todos los músculos y tendones del cuerpo y que. Gótico…). La consolidación de los museos en el siglo XIX y la aparición de métodos propios para el historiador del arte. en general. es mucho más un suspiro temeroso y angustiado. Va a determinar en cada una de las esculturas las partes originales y las que no. se manifiesta sin ninguna exasperación en el rostro y en la actitud toda. digo yo. tiene su momento de plenitud y luego muere. una noble sencillez y una tranquila grandeza. Es aquí donde empieza la historia del arte tal y como la conocemos. de la misma manera. pero este dolor.- - - La dedica a Mengs Entiende que la obra de arte no es algo individual que dependa de la vida del artista. sin ver el rostro ni otras partes de su cuerpo. y a la par surge la necesidad de crear métodos propios de la Historia del Arte. nace. El dolor del cuerpo y la grandeza del alma están presentes en toda la figura con la misma fuerza y equilibrio. Sienta el modelo en la historia del arte. la expresión en las figuras de los griegos muestra. la noble sencillez y la tranquila grandeza. No profiere ningún horrible griterío. la colección. para ordenar. El arte griego y el arte de su época. Winckelmann ante el Laocconte. El estudio de las partes originales y añadidos de las esculturas clásicas.

El objetivo fundamental de esas Lecciones estéticas es encontrar la Idea Absoluta. Durante sus clases no pierde oportunidad de visitar las ciudades con un importante patrimonio como Alemania. muy distinta.W. Francia. el gusto. 62 . Holanda. Trabajará mucho tiempo en la Universidad de… entra en contacto con Merchor y Beoisseree. y de una profunda religiosidad. momento de esplendor del arte del Cristianismo. se interesará también por el arte del Renacimiento que refleja muy bien la interioridad del Cristianismo. entiende que es un modo de conocimiento. y esto es una novedad. apéndice. Le interesaran los Van Eyck. un deseo de hacer una historia de las ideas estéticas. que es la culminación de lo medieval. sobre todo pintura flamenca y alemana. Coloca la estética como parte de la Filosofía. Friedich Hegel. Su formación filosófica. del siglo XV en adelante. Baumgarten. Considera que hay una conexión entre lo medieval y el Renacimiento. Entiende el arte como parte de la filosofía. Su interés por la historia del arte La búsqueda de la Idea Absoluta Los diferentes estudios de la Historia del Arte: Periodo Simbólico: o Simbolismo inconsciente o Simbolismo fantástico o Simbolismo real y genuino Periodo Clásico Periodo Romántico La filosofía sustituyendo a la historia del arte en su propia época. Friedrich Hegel (1770 1831)      - - Las lecciones de estética. Estética.W. mezclada la idea de Historia del Arte e Ideas Estéticas. el conocimiento intelectual. Durero… el arte regio. sino que al igual que Kant u otros. G. de las ideas estéticas. que hay distintas maneras de conocer las cosas. Colocará a los artistas como culminación. 1750-1758. y pretende encontrarla en tres ámbitos: Religión. el conocimiento sensible.o Historia de las Ideas Estéticas:   Alexander G. impartidas en Berlín entre 1820 y 1829 y publicadas entre 1835 1838 póstumas. Uno de los textos más complejos. Y además habían reunido toda la colección reivindicando el interés de lo flamenco y alemán como un interés de sentimiento nacional. arte y filosofía. Idealismo alemán:  G. Escritas antes y publicadas póstumamente. Lecciones de Estética. por ello no se pueden separar. Escribe una Estética. Bruselas. con la colección de arte de los Beoisseree. 1835-1838. y no solo eso.

filosofía y arte unidos. y consigue un equilibrio. al Simbólico con la arquitectura. que no entienden a cambios de tema o cambios estéticos. que es imposible distinguir entre el símbolo y lo simbolizado. por encima de la música y la poesía (como Leonardo. Tres periodos: simbólico. el fantástico y el real. el inconsciente. El segundo lo relaciona con lo Indio. el arte indú sobre todo. volcándose algo más en lo espiritual. idea espiritual y cosa material que se usa para representarlo. que se caracteriza porque las obras de arte esta n cargadas de un fuerte simbolismo que conecta con fuerzas de la naturaleza. y busca maestros como Van Eyck o Durero. capaz de transmitir emociones…). A partir de entonces considera que el arte ha perdido su objetivo. Y dice que el primer momento de culminación seria la pintura Bizantina. una forma finita. En el simbólico entran India. tampoco es raro porque está asistiendo a las campañas napoleónicas. que permite revelar las ideas Absolutas. clásico y romántico. La pintura es la superior de todas las artes. Religión. donde hay un equilibrio entre lo espiritual y lo material. que identifica con Egipto. a un esfuerzo mental. Persia y Egipto. Hacia el año 1500 es cuando la 63 . posibilidad de una obra de arte desprendida de lo material y preocupada por lo espiritual. pero que es algo poco definido. con la Edad Media y el Renacimiento. donde la escultura clásica es la culminación que es capaz de crear algo concreto. obliga a interiorizar. El primero lo asocia al mundo persa. hasta el XV. cuya culminación es el arte egipcio. y al Romántico con la pintura. Además a cada uno de estos periodos los asocia con. aunque éstas también estén bien consideradas. Y el último. lo espiritual que encuentra la experiencia sensorial y por ello lo compara con la filosofía. testimonio. El mundo romántico. Si se materializan las ideas absolutas es posible avanzar la historia. sin distinción entre el elemento divino de la obra de art ey lo que representa. el arte es la capacidad sensorial de la mente humana. siendo este último la culminación de la Edad Media cristiana. Considera que en el momento en que los pintores holandeses… dejan de preocuparse por lo espiritual. con Grecia sobre todo. con el cristianismo. Entiende que hay un periodo clásico. pero que es confuso e irracional. que rompe las fronteras. y por ello hace evolucionar la historia. ha perdido su valor. y por ello tiene una concepción del arte muy positiva. Es también imagen del progreso. arte como ídolo. Este período entra en declive a medida que nos acercamos a 1500. del cambio de la historia. donde los seres humanos han sido capaces de encontrar la diferencia entre simb9olo y cosa divinizada y que además ésta está claramente definida. que dice que hay una diferencia entre símbolo y cosa simbolizada. y el segundo momento sería la pintura del Renacimiento. ha perdido su objetivo y va a temas intrascendentes. que expresa la naturaleza de Dios. sino a cambios de la idea absoluta que se materializan de diferente manera. en conjunción también con la música y la poesía. al Clásico la escultura. Al simbólico a su vez lo divide en tres periodos. y es la filosofía la que ocupa el lugar del arte. Y el romántico. Esto se expresa muy bien con la arquitectura que representa muy bien la religión además de ser una estructura perfecta. A esto le sigue el mundo clásico. y la cima sería en el siglo IV (similar a Winckelmann).Tiene unas nociones de arte importantes. culminación del Cristianismo.

Planteamientos similares a Vasari. debe permitirse una unión antinatural y. por la teoría de los colores…  De la arquitectura alemana. Teoría general de las Bellas Artes. 1771. imposible: hay que asociarle lo agradable. cuando se nos presenta como norma. solo en el campo de lo intelectual sin la representación material y él pretende que vuelva a lo trascendente. nada que ver con la falta de disciplina y lo bárbaro.103)  Tercera peregrinación a la tumba de Erwin. La recuperación romántica de la Edad Media  Johan Wolfang von Goethe (1749-1832) Poeta. Había una definición del arte gótico.filosofía es capaz de recoger y expresar la Idea Absoluta. 1775 12/11/13 Cuando describe Sytrasburgo considera que hay una similitud entre las leyes que rigen la obra gótica y las de la naturaleza. si consideramos unidas estas dos cualidades incompatibles. Sulzer. la similitud entre las leyes naturales y las de la obra de arte… Relación entre arte y naturaleza: 64 . cuando intentamos penetrar en su individualidad. Goethe y el Romanticismo. más se afirma y desarrolla la primera impresión de que lo sublime está vinculado a lo agradable. en apariencia. de este modo veremos la alta estima en que debemos tener este antiguo monumento y comenzaremos una exposición seria sobre el modo de poder unir y compenetrar sin violencia unos elementos tan contradictorios” (tomado de Kultermann 1996. G.  La contestación a J. Si no se quiere que lo colosal. La revalorización de periodos no clásicos. p. por lo que se relaciona en lo sublime en cuanto a que la naturaleza contiene lo sublime. Dos textos. lo considera bello y sublime. la obra de arte imita la creación sublime de la naturaleza. Pero sólo será posible expresar la impresión que nos produce la catedral. no solo rudo sino de unos modales y formas rudas. estamos dentro del pensamiento romántico. Preocupado por los monumentos. Trata de dar una explicación a los cambios en la Historia del Arte y el papel de este en la historia. “Cuanto más considero la fachada. si no debe ser una molestia. 1772  La catedral de Estrasburgo. con una faceta muy importante como historiador e historiador del arte. ley de armonía. Explica todo a la luz de la filosofía y las Ideas Estéticas. Por ello Goethe escribe un texto de alabanza a la catedral. la introducción del concepto de sublime. intimide.

de manera que se relaciona con la política de fundación de museos de la época. curioso. Además se ocupaban de la conservación de monumentos. describe la subida a la catedral como si fuera una peregrinación espiritual que cuando acaba se obtiene el genio. como la traducción de la autobiografía de B. sobre un historiador del arte. En La Peregrinación también hace un paralelismo entre las leyes naturales y las leyes constructivas del gótico. haciendo una visión histórica a la explicación del renacimiento. esto está plenamente en los ideales del romanticismo. al mismo tiempo que el gótico. ya que las leyes del espíritu que rigen el arte son más libres que las de la naturaleza. pues lo que pretende es formar a los jóvenes artistas alemanes e influirles en su gusto en la línea del romanticismo. quería encontrar la teoría científica subyacente a la aplicación de la pintura. Cellini. De ahí surge la polémica de hasta qué punto debemos restaurar una obra antigua. que impresiona al autor. habiendo posiciones en torno a ello muy divergente. pues se consolida la idea de una propiedad universal del arte antiguo. 65 . a medio camino con los salones de arte franceses. por tanto interesa el contexto de la Ilustración. También hará monografías.“La Naturaleza es bella hasta unos ciertos límites// el Arte es bello a través de una cierta norma. donde situa el arte por encima de la naturaleza. Esto será fundamental para el estudio del arte abstracto. Winckelmann y su siglo. Promueve la restauración de Estrasburgo. constreñida y está libre” (tomado de Kultermann 1996: pp. y considera la iglesia una obra completa y sublime. aunque ya había surgido la idea en el renacimiento. Habla del genio también en relación a la arquitectura. y. por eso aquélla se nos presenta. Importante en Goethe es también su participación en la fundación de la Academia de Weimer. de manera que hace lo mismo que los autores del renacimiento con las matemáticas. la cual dirigirá. La belleza de la Naturaleza está sujeta a las leyes de la necesidad. y la traduce de manera que muestra un interés por el arte del Renacimiento. por lo tanto se construye desde la perspectiva del historiador del arte. en 1805. una armonía que rige todo el conjunto. pretende una teoría del color paralela a la teoría matemática de la música.… Hace una teoría de los colores desde la física pero destinada a los artistas y al estudio del arte. Así pues. llena de vida y carácter pleno. debe estar abierto al público. por tanto. además es una traducción comentada. lo que marca un interés por la historia de la historiografía artística. Y la explicación científica que hace del color sirve para explicar el arte. A principios del siglo XIX toma más notas sobre el arte y la naturaleza en comparación. de la recuperación del mundo clásico. También escribe una biografía. en cierto modo.105-106) Peregrinación a la tumba de Erwin (1775). y la terminación de la catedral de Colonia. sobre todo medievales. se basa en las peregrinaciones religiosas a distintos puntos de culto que recupera el romanticismo como algo popular. que está en la línea del arte académico del siglo XVIII. por lo que hay un interés por la restauración y terminación de monumentos. la belleza del Arte a las leyes del espíritu humano altamente instruido.

Son lenguajes distintos que expresan épocas distintas. y tras esto escribe la obra sobre la arquitectura gótica. indeterminadas. pues encarna la tradición alemana del renacimiento. en cierto modo. sobre todo en cuanto a la arquitectura. También trata de influir con su obra en los artistas para que se interesen por la obra medieval. y considera que el gótico es superior a cualquier arte.  Víctor Hugo: escribe un texto donde deja plasmada su impresión al ver Notre Dame de Paris. como Hegel. y si la mayoría de las veces la pintura tiene que contentarse con débiles. No considera un momento mejor o peor en el arte. 1802. Recorrerá con los Hermanos /Bouasere/ toda Europa central. recupera la religión como base de la unidad. En un principio se dedica a hacer vaciados de obras clásicas. representar y exponer lo infinito de forma inmediata mediante la simple reproducción de la plenitud de la naturaleza” (tomado de Kultermann 1996: p. con una actitud que pretende intervenir en ellos. También se ocupó de la conservación y preservación de los monumentos. y considera el renacimiento una época de decadencia.A partir de él la teoría del arte romántica entre en numerosos países con distintos autores que la defienden y la estudian: En Alemania:  Wackenroder: escribe en 1797 Confesiones de un monje aficionado al arte. equívocas y lejanas insinuaciones de lo divino. En 1800 escribe Cristiandad y Europa. de manera que el gusto se aproxime al romanticismo. en esta obra considera que el ideal alritistico es Durero. sobre todo medievales. así concebida y aplicada. donde hay una amplia representación de obra< gótica. así pues. sin dejar marca de su actuación en los mismos.  Novalis: ve en la Edad Media cristiana el origen de su época.117) En Francia:  François René de Chauteaubriand: escribe en El genio del cristianismo. El ideal medieval que sigue el arte del siglo XIX. “La arquitectura gótica tiene un significado. la arquitectura.  Schlegel: escribe en 1804 Características fundamentales de la arquitectura gótica. Considerará a la arquitectura como la superior de todas las artes. desarrollado una admiración por los primitivos flamencos. pero pasa una temporada en Paris donde conoce las colecciones nacionales del Museo Napoleón. y valora a esteartista como culminación de la Edad Media. puede. 66 .  Violet le Duc: es quien conserva y restaura todos los monumentos gótico. donde considera la base de Europa el cristianismo. de manera que deja de considerar las figuras clásicas el ideal de arte a pensar como modelo a Van Eyck. haciendo que se interese por la tradición medieval. una falsa vuelta al mundo clásico. pues cada uno tiene su propio carácter e individualidad artística. sin duda el más elevado. pues dice que le falta originalidad y toma prestados la arquitectura anterior.

en 1854. Su siempre leal John Ruskin” (tomado de Kultermann 1996: p. un género que aparece en este momento. se le considera el último romántico de Inglaterra. el dada y el del surrealismo. solo mantenerlos en su estado natural. por ello necesitan explicar en qué consiste su arte. Y también funda la Sociedad para la Conservación de Edificios Antiguos. Para mí sería preferible saber que se había colocado una vía férrea por medio de las ruinas y que los escombros se habían arrojado al arrojo. Carrà. Russolo. Balla y Severini. John Ruskin: se opone a la política de intervención de los monumentos. es decir. Futurismo:   - Antiguos y modernos. Aparecen en el entorno de la Primera Guerra mundial de manera sincronizada. como la mayor brutalidad de la que Escocia ha sido culpable desde la época de la Reforma. hacer de obras aparentemente arbitrarias un ejemplo del uso de la razón. Tengo que declarar la restauración de la iglesia abacial de Dunblane.T. Referencias a Nietzche. Así habló Zaratustra (1883-1885). 67 . EL SIGLO XX Los manifiestos de las primeras vanguardias.125). las restauraciones son o buenos negocios para arquitectos o producto de la vanidad de los respectivos clérigos. siempre buscando romper con todo lo anterior. donde reivindica a Turner y logra cambiar la opinión generalizada de la época en torno a esta pintor. además de unir la irracionalidad de algunas obras con la racionalidad que pretenden aportar. y hacen uso de la innovación y la originalidad como base de la vanguardia. Se hacen necesarios los manifiestos para explicar a la sociedad lo que se está haciendo. Manifiesto de los primeros futuristas (1910) suscrito por Boccioni. pero sin intervenir en ellos. “Estimado señor: en todos los casos. F. destaca el futurista. que pretendían remover la conciencia de la sociedad y asentar los principios de un movimiento artístico. yo las cuento entre la peor de las fanfarronadas y fraudes. Fue crítico de arte. y ahora las vanguardias confluyen varios estilos simultáneamente mientras se desarrollan otros ismos. Si hay que destacar un género artístico es el manifiesto. Primer manifiesto futurista (1909) y Segundo manifiesto futurista (1911). que eran directos y sencillo. en su género. el del cubismo. la más interesante ruina de Escocia y.Marinetti. pues se empiezan a dar estímulos artísticos muy distintos. y uno de los textos que escribe es Pintores Modernos. la más interesante en todo el mundo.

En esta obra anuncia la muerte de Dios y la sustitución de este por un hombre capaz de establecer un nuevo sistema de valores basado en la vida terrenal. Se dan numerosos manifiestos. sin apología del progreso ni de la guerra. Les peintres cubistes. La exaltación patriótica también se da en estos manifiestos. Balla. El anticlericalismo es otro de los rasgos destacables. y el Manifiesto de los primeros futuristas de 1910 firmado por autores como Carrà. G. algo que se expresa en su formulación del espacio y el sistema de perspectiva que surge del renacimiento. la sociedad industrial.… El futurismo destaca sobre todo en el Norte de Italia. sobre todo por el texto de 1900 Así habló Zaratustra. El dadaísmo   Provocación y nihilismo.… El cubismo  - La representación ilusoria del espacio.Es de los más cargados de intención política. sino modificarla y cuestionarla. pero todos comparten varios rasgos: Se hacen eco de la polémica entre lo antiguo y lo moderno destacando de forma agresiva la novedad y pretenden destruir todo lo heredado. Méditations esthétiques (1913). Desinterés por la política. Severini. y este hombre capaz de romper con la religión y dominado por la voluntad de poder será la base del anticlericalismo. haciendo una teoría de plasmación de la realidad distinta. pues en ese momento todos los que forman las vanguardias son muy jóvenes. Apollinaire. sino que lo más próximo a la teorización de esta vanguardia lo hace Apollinare. zonas muy industrializadas. Los textos de Marinetti que recogen más ideas futuristas son los manifiestos de 1909 y el de 1911. y tampoco buscan destruir la tradición. pues es una institución que conserva el pasado. en relación al origen fascista de Marinetti. el artista debe ser joven. 68 . Muchos de estos manifiestos estaban influidos por las reflexiones de Nietzsche en relación al superhombre. acabar con todo lo que recoja el pasado. No se escribe un manifiesto como tal. que identifican con las máquinas y la tecnología. de hecho este estilo aglutina artistas muy distintos y de ideas muy distantes. No tiene la intención de crítica implícita en el futurismo. También se exalta la juventud. la velocidad. No hay una intención política. Y se hacen un eco exagerado del progreso. apología de la destrucción en relación al ambiente geopolítico del ismo. hay un nacionalismo desmedido y la explotación de la guerra y la violencia.

algunos autores dadaístas son próximos al comunismo o al anarquismo. Sin embargo no hay una unidad de artista en el movimiento. insiste en la desvinculación ideológica de los dadaístas. El automatismo psíquico. de 1918. al igual que decía Lessing sobre la crítica de arte. En el manifiesto de Huelsenbeck. El Manifiesto de Berlín. la provocación. de 1918. ven el ambiente bélico de manera muy negativa. donde se establecen más claramente el sentimiento dado y las ideas de esta vanguardia desde el más puro nihilismo. sino que son autores muy individualistas y de gran libertad creativa. Conexiones con Freud y Marx.… Comparten con el futurismo el deseo de provocar a la sociedad y destruir todo. escribe Manifiesto. muchos dadaístas son refugiados de la guerra que se reúnen en ciudades neutrales. sino que buscan lo contrario. La I Guerra Mundial y los refugiados. Tristán Tzara. La infancia y la locura. Además de negarlo todo. se desvincula absolutamente y de forma directa de toda ideología política. - Manifiesto. molestar a la burguesía. al igual que Schwitters en 1923 con Manifiesto del arte proletario. Manifiesto dadaísta de Berlín. e incorpora una referencia a los fotomontajes como nueva forma de expresión artística pictórica. El surrealismo. y que el dada es universal para todas las clases sociales. aquí considera que la vieja división entre lo burgués y lo proletario está obsoleta. pero se alejan de la política. atacando las propias vanguardias. en 1918. se refiere a los dadaístas alemanes y critican al futurismo. Aunque la Primera Guerra Mundial está muy presente. dice que lo fundamental es la contradicción como método intelectual. y justamente hay una intención por desvincularse de la política. de Richard Huelsenbeck (1918). sino inclusive las propias vanguardias que consideran insertas en el arte tradicional. de Kurt Schwitters (1923). En el caso del Manifiesto del arte proletario. que es la base del desarrollo del conocimiento. Manifiesto del arte proletario. Es más próximo al futurismo. La imaginación y la libertad 69 . de Tristán Tzara (1918). de actitud nihilista. no solo la tradición.      Conciliación y reformulación del sistema cultural existente. Manifiesto dadaísta de Berlín. y hace manifiestos como tales que buscan remover las conciencias.

por eso el surrealismo parece muy clásico. (2006). 55-68. Viene implícita en el arte contemporáneo cuya finalidad es la belleza. Manchester University Press. Anthropos. y el desarrollo de las teorías sobre la mente humana.49-116. FERNÁNDEZ ARENAS. no estar sometidos a la razón. Madrid. Otra de sus características es la posición ideológica a favor del marxismo. Soupault). Teoría y Metodología de la Historia del arte. C. pp. Buscan pintar como nuños.109-178. pp. Antonio.9-20. Conocer el Arte. Primer manifiesto del surrealismo (1924). Como movimiento de vanguardia surge en a partir del dadaísmo. como locos. Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas. en colaboración con P. M. José (1982). El surrealismo y la pintura (1928). GARCÍA MELERO. pero es posterior a la Primera Guerra Mundial. Por eso reivindican el automatismo psíquico como medio de creación artística. 70 . La conexión más importante es con Freud y el psicoanálisis. Crítica del arte. Valeriano (y otros) (2000). KULTERMANN. pp. Visor. Historia 16. Los campos magnéticos (1920. BOZAL. sino que lo plantea en otros términos. URQUÍZAR HERRERA. Madrid. que debe promover la movilidad y la lucha social. André Breton. Art History. Segundo manifiesto del surrealismo (1930). Gonzalo (1996). ni a la imaginación que se acaba vinculando a la razón también. 1936. y KLONK. 18/11/13 Ejercicio 8: Comentario texto Lionello Venturi. pp. Aunque al final se acaban alejando de sus postulados. sino que tras la destrucción y la violencia de la guerra pretende una actitud más conciliadora. destacando el arte como modo de aflorar aquello que duerme en la mente. Udo (1996). HATT. por lo que el surrealismo no está tan impregnado del ambiente belicista previo a la guerra. por ello en sus manifiestos se busca reconstruir y recuperar el pasado desde unos valores nuevos. algo que será mucho más persistente a lo largo de todo el desarrollo del surrealismo. Teoría del Arte I. Barcelona. La construcción historiográfica del arte. Destacan la unión entre la locura y la razón. ideas estéticas. Madrid. A Critical Introduction to Its Methods. como hace en los sueños. Ramón Areces. El camino de la ciencia. ya que Bretón militaba en el comunismo francés. Manchester. historia del arte. Bibliografía de apoyo:       BORRÁS GUALÍS. Akal. José Enrique (2012). pp.21-39. Historia de la Historia del Arte. no rompe con el ilusionismo espacial. Historia de la crítica de arte. y es lo que une las tres disciplinas. y en sus escritos deja clara la finalidad social del surrealismo. Madrid.