JØRUND AASE FALKENBERG

FRANZ AMANN
TAXIO ARDANAZ
JOSU BILBAO UGALDE
MANUEL CASELLAS SORIA
LAURA FERNÁNDEZ ROJO
KATHARINA FITZ
NOELIA GALLARDO MARINA
ÍÑIGO GARATU
CARLOS GARCÍA PELAEZ
KEPA GARRAZA ÁLVAREZ
ÁLVARO GIL
LEYRE GOIKOETXEA MARTÍNEZ
SOPHIA GRANDÍO
PATRIK GRIJALVO
JEAN HUBERT
JIMMY CAN TUNIS
LA TOURETTE
ISABEL MARCOS
KARLOS MARTÍNEZ B
DANIEL MERA MARTÍNEZ
FEDERICO MIRÓ
NILS MOLLENHAUER
DEMETRIO SALCES
OPN STUDIO
ANTONIO R. MONTESINOS
IAGO REY DE LA FUENTE
JORGE RUBIO PINEDO
MARÍA RUBIO TORTOSA
MARIE SOMMER
THEOPHRASTUS BOMBASTUS
ALESSANDRA TORRES
MAITE VÉLAZ SANCHA
RUT BRIONES & RAQUEL DURÁN
VERÓNICA DOMINGO & TOM RICHARDSON
VIRGINIA HERRERA & JORGE THUILLIER

BilbaoArte 2014
Artistak eta jarduerak
Artistas y actividades
Artists and activities

FUNDACIÓN
BILBAOARTE
FUNDAZIOA
Bilboko Udala
Ayuntamiento de Bilbao
Ibon Areso
Bilboko alkatea
Alcalde de Bilbao
Ibone Bengoetxea
Kultura eta Hezkuntza zinegotzia
Concejala de Cultura y Educación
Joseba Iñaki López de Aguileta
Beatriz Marcos
Lorenzo Delgado
Ana Etxarte Muriel
Fundación BilbaoArte Fundazioko
Patronatuaren kideak
Miembros del Patronato de la
Fundación BilbaoArte Fundazioa

FUNDACIÓN BILBAOARTE FUNDAZIOA

BilbaoArte

Edizioa / Edición

Azalaren diseinua / Diseño portada

Juan Zapater López

Aitor Arakistain

Zuzendaria / Director

Alicia Prieto
Maketazioa / Maquetación

Aitor Arakistain
Jon Bilbao

Hori-hori

Koordinazioa / Coordinación

Itzulpenak / Traducciones

Txente Arretxea

R

Pilar Valdivieso

Inprenta / Imprenta

Iago Rey De La Fuente
Muntaia / Montaje
Ana Canales
Agurtzane Quincoces
Estibaliz Erauskin
Ekoizpen exekutiboa / Producción ejecutiva
BI – 1852 - 2014
Legezko gordailua / Depósito legal

UDALA
AYUNTAMIENTO
KULTURA ETA HEZKUNTZA SAILA
ÁREA DE CULTURA Y EDUCACIÓN

FUNDACIÓN BILBAOARTE FUNDAZIOA - Urazurrutia 32 - 48003 BILBAO - Tel. 94 415 50 97 - info@bilbaoarte.org - www.bilbaoarte.org

9

Aurkezpena

Presentación

BilbaoArte 2014

AURKIBIDEA
ÍNDICE
INDEX

123

Verónica Domingo Alonso & Tom Richardson

127

Virginia Herrera & Jorge Thuillier

Presentation
131

Trukaketako artistak 2014

13

Bekadun artistak 2014

Artistas de intercambio 2014

Artistas becados 2014

Exchange artists 2014

Grant holder artists 2014
133

Franz Amann

15

Jørund Aase Falkenberg

137

Taxio Ardanaz

19

Josu Bilbao Ugalde

141

Carlos García Pelaez

23

Manuel Casellas Soria

145

Katharina Fitz

27

Laura Fernández Rojo

149

Karlos Martínez B

31

Noelia Gallardo Marina

153

Federico Miró

35

Íñigo Garatu

157

Demetrio Salces

39

Kepa Garraza Álvarez

43

Álvaro Gil

161

Erakusketak 2014

47

Leyre Goikoetxea Martínez

Exposiciones 2014

51

Sophia Grandío

Exhibitions 2014

55

Patrik Grijalvo

59

Jean Hubert

163

Diez personas que no deberían morir nunca

63

Jimmy Can Tunis
La Tourette
Isabel Marcos
Daniel Mera Martínez
Nils Mollenhauer
OPN Studio
Antonio R. Montesinos
Iago Rey De La Fuente
Jorge Rubio Pinedo
María Rubio Tortosa
Marie Sommer
Theophrastus Bombastus
Alessandra Torres
Maite Vélaz Sancha
Rut Briones & Raquel Durán

165 Flujos

67
71
75
79
83
87
91
95
99
103
107
111
115
119

167

Geometría de ecos

169

Hasta la bandera

171

Waiting for loading

173 18/19/2013
175 Guardianes
177

Zentrua

El centro

The centre

179

Jarduerak 2014

Actividades 2014

Activities 2014

Aurkezpena - Presentación - Presentation

BilbaoArte

F

undación Bilbao Arte Fundazioak 2014an garatu duen jarduera islatzeko landu da urtekari hau, nahiz
eta gauza jakina den, 2014an egindako lanaren zatirik ikusgarriena bakarrik jasotzea lortuko dela,
aurreko urteetako katalogoekin gertatu den moduan.

Arte-ekoizpeneko zentro bat izateak eta urte oso batean ateak zabalik edukitzeak, elkartzeko espazio heterogeneo eta ezinbesteko bihurtu dute zentroa; espazio anitza eta polisemikoa, ehunka pertsona erakarri
dituen eta makina bat lan, amets eta konkretutasun ikusgai eduki dituen lekua.
Bilbao Arte Fundazioari esanahia ematen lagundu duten bidelagunak zerrendatzen saiatzea amaiezina
izango litzateke.
BBK Fundazioak laguntzen duen programaren bitartez beka jaso duten artisten kopurua 36 proposamenetara iritsi dela esan behar da; gainera, berrogei artistak baino gehiagok parte hartu dute aipatutako
programan. Hogeitik gora erakusketa antolatu dira: ekoizpen propioak izan dira batzuk, espazioa lagata
antolatu dira beste batzuk eta beste estamentu batzuekin lankidetzan garatutako erakusketak ere egon
dira. Erakusketekin 5.000 ikusletik gora erakarri dira.
2014an egindako proiekzioei dagokienez, 90 film luze eta ehun film labur inguru eskaini dira. 120 proiek­
ziotik gora eskaini dira guztira eta 4.500 ikus-entzule inguru bertaratu dira.
Urte hasieran Pere Portabella egon zen gurean. Pere Portabella zinemagilea gure zinemagintzaren historiako intelektual erabakigarrietako bat da, eta ezin ahaztuko ditugu oraingoan eskainitako irakaspenak eta
egindako parte-hartzea. Ildo beretik, Esther Ferrer ere egon zen gurean, UPV/EHUrekin garatzen dugun
lankidetza-programaren barruan, eta artista honekin batera Bilbao Arteko Beirazko Patioan egindako
performancea oroimenean betirako gordeko dugun une ahaztezin bat dela esan dezakegu. Benetan
emankorra izan zen, halaber, Juan Luis Morazaren mintegia, bai eta bertan parte hartu zuten eta aipatutako artistarekin lankidetzan jardun zuten artisten artean lan artistikoari buruz hausnartzeko eta aztertzeko
eskaini zigun topagune bikaina ere.
Violeta Lopiz edo Roger Olmos gisako izenek, eta beste askoren artean, Macarena Recuerda Sheperd-ek
eta Juan Larak eskainitako ikastaroek edo Territorios y Fronteras-ekin egiten diren lankidetzek —aurten
Albert Serraren eta Santos Zunzuneguiren parte hartzea azpimarratu behar da—, agerpenetan aberatsa
den eta formetan anitza den egutegi baten garrantzia goraipatzeko balio dute. Ondorengo orrialdeetan
informazio xehatuagoa eskaini da, urte osoan egindako lana hobeto eta zehatzago islatu nahian. Baina,
zalantzarik gabe, orrialde guztiak irakurtzean, egindako lan handia islatzeko nahikoa ez dela konturatuko
gara, izan ere, ezinezkoa da 2014. urtean Bilbao Arteren Historia osatu duten eta bere oinarria izan diren
bihurgune emozional eta estetiko guztiak zein bizipen guztiak barne hartzea.
Jakin badakigu aurten beste espazio batzuetan antolatutako erakusketa askotan Bilbao Arten sortutako,
elikatutako eta osatutako lanak egon direla ikusgai. Hain ezaguna ez den proiekzio hori –ez da beharrezkoa den-dena hitzez adieraztea- Bilbao Arte Fundazioari esanahia emateko modu bikain bat da eta
Bilboko Udalean finkatu eta landutako helburuari erantzuteko modu bat ere bada, hain zuzen ere: gure
hiria elkarbizitzarako eta ezaguerak zabaltzeko espazio bihurtzea, etengabe mugitzen den sorkuntza artistikoaren eragile izatea.

Ibone Bengoetxea
Bilboko Udalaren
Kultura eta Hezkuntza Zinegotzia
Concejala de Cultura y Educación
del Ayuntamiento de Bilbao

9

10

BilbaoArte

BilbaoArte 2012

E

ste anuario, que se debe a la misión de reflejar lo que ha sido la actividad de la Fundación Bilbao
Arte Fundazioa durante 2014, sabe, como los catálogos anteriores que le precedieron, que por
fuerza se verá constreñido a ser y recoger sólo la parte más visible de todo lo que ha constituido la
realidad de este año.
Ser un centro de producción artística y permanecer con las puertas abiertas durante un año significa
constituirse en un espacio de encuentro heterogéneo y vital; diverso y polisémico, un lugar por el que
han desfilado decenas, cientos de personas y con ellos innumerables obras, sueños y concreciones,
proyectos y realidades.
La simple enumeración de algunos de los compañeros de viaje que han contribuido a dar sentido a lo
que la Fundación Bilbao Arte es, se haría interminable.
Baste decir que el número de artistas becados de un modo u otro a través del programa apoyado por
la Fundación BBK este año se ha elevado a 36 propuestas, en las que han participado más de cuarenta
artistas. El número total de exposiciones, bien de producción propia, bien en régimen de cesión de espacio, bien en colaboración con otros estamentos, llega a la veintena. El número de espectadores a todas
ellas superó ampliamente los 5.000.
El número de proyecciones realizadas a lo largo de 2014 contempló la difusión de más de 90 largometrajes y un centenar de cortometrajes. El total de proyecciones fue de más de 120 con una asistencia
aproximada de 4.500 espectadores.
El año se inauguró con la presencia de Pere Portabella, un cineasta, un intelectual decisivo para la historia de nuestro cine, cuyo magisterio y presencia resultaron inolvidables. En ese mismo orden de cosas,
gozar de la presencia y con la presencia de Esther Ferrer, dentro del programa de colaboración con la
UPV/EHU, y conformar junto a ella una performance en el Patio de Cristal de Bilbao Arte, fue otro de esos
momentos que quedan para el recuerdo. Como seminal resultó el seminario de Juan Luis Moraza y su
riguroso encuentro de reflexión y análisis del trabajo artístico de los artistas que colaboraron en él y con él.
Nombres como Violeta Lopiz o Roger Olmos y cursos como los impartidos por Macarena Recuerda
Sheperd y Juan Lara, entre otros muchos, colaboraciones como la que se mantiene con Territorios y
Fronteras con presencias tan estimulantes como Albert Serra y Santos Zunzunegui, jalonan un calendario
rico en manifestaciones y sorprendentemente plural en sus formas. En las páginas que vienen a continuación podrá, quien las lea, encontrar una relación más pormenorizada, más ajustada al día a día. Pero
sin duda aunque lo lea todo, deberá reparar que ese reflejo resulta insuficiente y olvida muchos de esos
recovecos emocionales, estéticos y vivenciales que han sido lo verdaderamente primigenio para quienes
durante este año han formado parte de la Historia de Bilbao Arte.
También sabemos que en decenas de exposiciones celebradas a lo largo de este año en espacios
lejanos y cercanos había obras creadas, alimentadas y formadas en Bilbao Arte. Esa proyección mayoritariamente silenciada, no es necesario verbalizarlo todo, constituye también la mejor manera de dar
sentido a la Fundación Bilbao Arte y responder de ese modo al objetivo germinado en el Ayuntamiento de
Bilbao: contribuir a hacer de nuestra ciudad un espacio para la convivencia y el conocimiento, un motor
de creación artística permanentemente en movimiento.

Ibone Bengoetxea
Bilboko Udalaren
Kultura eta Hezkuntza Zinegotzia
Concejala de Cultura y Educación
del Ayuntamiento de Bilbao

Aurkezpena - Presentación - Presentation

BilbaoArte

T

his yearbook, from the Fundación Bilbao Arte Fundazioa activity during 2014, knows, just as before,
that it will be forced to be and gather only the most visible part of what has been the reality this year.

Being an artistic production centre and remain open for another year means becoming a heterogeneous and vital meeting point; diverse and polysemic, a place where tens, hundreds have passed by and
with them, innumerable works of art, dreams and realities, projects and expressions.
We would be here forever even if we just limited ourselves to outlining some of the travelling companions
who have contributed to making Fundación Bilbao Arte what it is today.
Suffice it to say that the number of artists holding grants, in one way or another, through the program
supported by the BBK Foundation this year has increased to 36 proposals, with the participation of more
than forty artists. The total number of exhibitions, both produced in-house or invited, or even in collaboration with other social classes reaches twenty. The number of spectators in all of these exhibitions was
well in excess of 5,000.
The number of projections carried out throughout 2014 included the showing of over 90 full-length films
and a hundred short films. In total, there were over 120 projections with an attendance of approximately
4,500 spectators.
The year began with the presence of Pere Portabella, a filmmaker and a critical intellectual of our films history, whose magisterial tone and presence could not go unforgotten. Similarly, we enjoyed the presence
of Esther Ferrer, within the UPV/EHU association and joined her in forming the performance in the “Patio
de Cristal de Bilbao Arte”, another great moment that we will never forget. The highpoint was the seminar
given by Juan Luis Moraza and his rigorous encounter for reflection and analysis of the artwork created
by the artists that collaborated in it, and with him.
Names such as Violeta Lopiz or Roger Olmos and courses like the ones taught by Macarena Recuerda
Sheperd and Juan Lara, amongst many others, together with collaborations such as that with Territorios
y Fronteras with stimulating interventions of people like Albert Serra and Santos Zunzunegui marked a
calendar rich in manifestations and surprisingly plural in its forms. In the next pages, the reader will find
a more detailed account, in line with the day to day of the Foundation. Undoubtedly, and reading till the
end, one must stop a moment to think that this reflection is insufficient and fails to mention many of those
emotional, aesthetic and real nooks and crannies that have really been original for those who have been
involved in the History of Bilbao Arte during the year.
We also know that in tens of exhibitions held throughout the year, near and far, artwork was created, fed
and formed in Bilbao Arte. This presentation, mostly silenced, not needing to be fully verbalised, also
constitutes the best way of giving meaning to the Fundacion Bilbao Arte and fulfil the objective born from
the City Council of Bilbao: to contribute to making our city a space for living side by side and learning, a
perpetual source of artistic creation.

Ibone Bengoetxea
Bilboko Udalaren
Kultura eta Hezkuntza Zinegotzia
Concejala de Cultura y Educación
del Ayuntamiento de Bilbao

11

Bekadun artistak 2014
Artistas becados 2014
Grant holder artists 2014

Jørund Aase Falkenberg

BilbaoArte

15

Jørund Aase Falkenberg
Stavanger, Noruega, 1978
www.jorund.com/
mail@jorund.com

B

ere obrak kontzeptuak ditu oinarri,
eta ez doakio ezein ingurune bereziri,
hiru dimentsioak islatzea lehenesten
baitu. Obrak landugabeak eta arkaikoak izan
daitezke, bai eta organikoak, kaotikoak eta
hauskorrak, minimoak edo maximoak ere.
Materiaren eta esangura existentzialaren,
zientziaren eta mistizismoaren, egonkortasun kulturalaren eta paradigmen aldaketaren
arteko erlazioari buruzko galderak eta esperientziak eragiten ahalegintzen da.
Egiten duen orori hutsune existentziala
eransten saiatzen da, barnehuts misterio­
tsua aurkitzen duen unean, hots, presentzia
konszientearen bidez adimen-jarrera berriak ediren behar dituen gunean. Atseden
har­tzeko eta entzuteko jarrera moduko bat
oinarri hartuz obra fisikoei aurre egitean,
zerbait jazo behar litzateke publikoaren kontzientzian.
Azken bolada honetan, artearen nolakotasun abstraktuagoetaranzko norabidean
egin du aurrera. Obrek eurek agerrarazten
dute euren burua, konteplaziozko hurbiltze
leunaren bidez, adimen-zorroztasunaren
eta sentsazio materialaren alternatiba gisa.
Aurrekoan baino ausazkotasun gradu handiagoa erantsi du, kontrola galduz, materialek –materiak berak– euren istorioa konta
dezaten utziz, betiere misteriotsua den existentziarena, unibertsoko indarrek taxutu izanaren prozesuarena alegia.
Funtsezko bi galdera:
I. Zer da mundua?
II.Ba al dago munduaren ikuspegi postmoderno materialista eta erlatibista arrazionaltasuna eta espiritua kultura baterako funts
unibertsal berri batean konbinatuz transzenditzerik?

S

u obra se basa en conceptos y no
pertenece a ningún medio específico, poniendo el énfasis en las tres
dimensiones. Las obras pueden ser primitivas y arcaicas y también, orgánicas, caóticas y frágiles, mínimas o máximas. Trata de
provocar preguntas y experiencias sobre la
relación entre materia y significado (existencial), entre ciencia y misticismo, estabilidad
cultural y cambios de paradigmas.
Trata de incluir un vacío existencial en lo que
hace, allí donde uno encuentra un misterioso vacío y debe encontrar nuevas actitudes
mentales a través de la presencia consciente. Al enfrentarse a las obras físicas desde
una especie de postura de descanso y escucha, algo debería suceder en la conciencia del público.
Recientemente ha avanzado en una dirección hacia cualidades abstractas más formales del arte. Las obras se manifiestan
ellas mismas mediante una sutil y contemplativa aproximación, sirviendo de alternativa a la agudeza intelectual y a la sensación
material. Introduciendo un grado más alto
de aleatoriedad que antes, perdiendo el
control, dejando que los materiales – la propia materia – cuenten su propia historia, la
de su siempre misteriosa existencia, la del
proceso de ser conformados por las fuerzas
del universo.
Dos preguntas fundamentales:
I. ¿Qué es el mundo?
II.¿Es posible transcender una visión posmoderna materialista y relativista del mundo, combinando racionalidad y espíritu en
un nuevo fundamento universal para una
cultura?

H

is work is concept based and
non-media specific, with a weight
on three dimentions. The works can
be primitive and archaic, or organic, chaotic
and frail, minimal or maximal. He seeks to
activate questions and experiences concerning the relationship between matter and
(existencial) meaning, science and mysticism, cultural stability and paradigmshifts.
In what he makes, he tries to include an existencial vacuum, where one meets a mysterious emptyness, being challenged to find
new mental positions through conscious
presence. Confronted with the physical
works from a kind of resting, listening position something should happen in the awareness of the audience.
Lately he moved in a direction towards more
formal abstract qualities in art. The works
manifest themselves through a subtile and
contemplative approach, serving as an alternative to intellectual smartness and material
sensation. Involving a greater degree of randomness than before, to lose control, letting
the materials – matter itself – tell their own
story, of their ever mysterious existence, of
their process of being shaped by the forces
of the universe.
He sets out two fundamental questions:
I. What is the world?
II. Is it possible to transcend a materialistic and relativising postmodern view of the
world, combining rationality and spirit in a
new universal fundament for a global culture?

Jørund Aase Falkenberg Oslon (Norbegia)
bizi eta lan egiten du. Oslo Academy of Fine
Art-en (MA, 2008) ikasi eta gero erakusketa
hauek izan ditu: The Young Artists´ Society-n
(Oslo), The Drawing Room-en (London), The
Nordic House-n (Reykjavik), Artconnexionen (Lille) eta Stavanger Art Museum-ean.

Jørund Aase Falkenberg vive y trabaja
en Oslo, Noruega. Después de estudiar en
la Academia de Bellas Artes de Oslo (MA,
2008) ha realizado exposiciones en lugares
como The Drawing Room (Londres), The
Nordic House (Reykjavik), Artconnexion
(Lille) y el Museo de Arte de Stavanger.

Jørund Aase Falkenberg lives and works
in Oslo, Norway. After studying at Oslo
Academy of Fine Art (MA, 2008) he has
exhibited in venues such as The Young
Artists´ Society (Oslo), The Drawing Room
(London), The Nordic House (Reykjavik),
Artconnexion (Lille) and Stavanger Art
Museum.

Supernova (Bilbao)
180 x 50 x 50 cm
Egurra, torlojuak eta aurkitutako oihalak – urratuta, garbituta eta lehorgailuaan lehortuta
Madera, tornillos y tela encontrada, – rasgada, lavada y
secada en secadora

Untitled (Melt)
40 x 25 x 25 cm
Itsasgarri termoplastikoa eta egurra
Pegamento termoplástico y madera

Untitled (Corner Platform)
400 x 200 x 250 cm
Egurra, soka eta torlojuak
Madera, cuerda y tornillos

Josu Bilbao Ugalde

BilbaoArte

19

Josu Bilbao Ugalde
Mañuas, 1978
gortarre@gmail.com

M

D

D

Josu Bilbao. Hizkuntzalaritza eta euskal
filologia masterrean dabil EHUn. Aurten, Bulegoa z/b-ek Bilboko Alondegian komisariatu duen El Contrato eta
Eremuak-ek Gasteizeko Artiumean komisariatu duen First Thought Best erakusketetan parte hartu du, baita Larraitz
Torresen Analphabet Orquestra tailerrean
ere, Artelekun, Donostian. 2013an, Tarot
Night, Ainize Sarasolaren lehen pelikulan
hartu zuen parte, baita Bulegoa z/b-ek
Guadalupeko gotorlekuan antolatutako
Denboren polifonia topaketan ere. 2011n
Arte Ederretan lizentziatu zen EHUn, eta
lanak aurkeztu zituen Gasteizeko Montehermoso kulturgunean eta Bilboko
Club Le Larraskiton. Urte horretan, Ibon
Aranberriren Organigrama erakusketaren barruko tailer-topaketan ere izan zen,
Bartzelonako Tàpies fundazioan. 2010ean
Lehen Proforma 2010 koarentena, Txomin Badiola, Jon Mikel Euba, eta Sergio
Pregorekin, Leongo MUSACen, eta Erasmus programako ikasle gisa, Mode macht
Schule erakusketa, Haus der Kulturen der
Welt-en, Berlinen.

Josu Bilbao estudia un master de lingüística y filología vasca en la UPV/EHU. Este
año ha participado en las exposiciones
El Contrato de Bulegoa z/b en Alhóndiga
Bilbao, First Thought Best de Eremuak en
Artium, Gasteiz, y en el taller Analphabet
Orquestra de Larraitz Torres, en Arteleku, Donostia. En 2013 colabora en Tarot
Night, la primera película de Ainize Sara­
sola, y en el encuentro Polifonía de tiempos, que organiza Bulegoa z/b en el fuerte de Guadalupe. En 2011 se licencia en
Be­llas Artes en la UPV/EHU, y presenta
trabajos en el centro cultural Montehermoso de Gasteiz y en el Club Le La­
rraskito de Bilbo. También participa en el
encuentro-taller con Ibon Aranberri en el
marco de Organigrama, su exposición en
la fundació Tàpies de Barcelona. En 2010
la cuarentena Primer Proforma 2010, con
Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio
Prego, en el MUSAC de León, y como
alumno del programa Erasmus, la exposición Mode macht Schule, en la Haus der
Kulturen der Welt de Berlín.

Josu Bilbao is studying a master of linguistics and basque philology at the UPV/
EHU. This year he has participated in El
Contrato, curated by Bulegoa z/b for Alhóndiga Bilbao, First Thought Best, curated by Eremuak in Artium, Gasteiz, and the
workshop Analphabet Orchestra with La­
rraitz Torres, Arteleku, Donostia. In 2013,
he collaborated in Tarot Night, Ainize Sarasola’s first film, and also in the meeting A
polyphony of time, organized by Bulegoa
z/b in the fort of Guadalupe. In 2011 he
graduated in Fine Arts at the UPV/EHU,
and presented works in Montehermoso
cultural center, Gasteiz, and Club Le Larraskito, Bilbao. He also participated in the
meeting and workshop with Ibon Aranberri under Organogramme, his exhibition at
the fundació Tàpies, Barcelona. In 2010,
the quarantine First Proforma 2010 with
Txomin Badiola, Jon Mikel Euba and Sergio Prego, in MUSAC, Leon, and as a student of Erasmus program, the exhibition
Mode macht Schule, Haus der Kulturen
der Welt, Berlin.

artxan dauden prozesuak jalgi,
eurek ni jalgi ahala. Manda batetik, tailerreko praktika. Intimidadeak ematen duena bizi eta aukerak erain
eta erain. Ekin, jabon, aditxu, apurtu, eta
asaska. Ez ezeri zeozen antzik eman halan dala ta. Holan barik be aurrera jo. ‘Bai
Jauna’ paradigmari jausten itzi. Oinarriren
bat topa eta landu. Izarrik egotearen eta
ez egotearen artean. Bestetik, berbetie.
Etorrierain zituen errealidade zatiak be­rriro
hartzen dituen formak. Trans substantzia,
ostantzean zer gara ba. Aurresemantika.
Orain-orain-orain. Grabatu, drama gutxiago. Fonemen artetik kikuke ibili, euren
eragina estruktura fonologikoekin harremanean jarri, edo maite. Azkenik, hondakinen artetik balio komundun zer edo
zer berreskuratu, besteen esperientzietan
editatu ahal izango diren komunikazioak.
Hauek be lasterko dira eta agur.

inamizando y dejándose dinamizar por procesos ya en marcha.
Uno, la práctica de taller, espaciotiempo de intimidad que se remueve y
habita en posibilidades objetuales, constructivas, de relación, acción, cuidado,
observación, ruptura. Avanzar sin forzar
formalizaciones. No atender al paradigma
imperio más de lo debido. Tratar de identificar y trabajar bases. Entre estar muy
presente y no estar. Dos, el habla. Formas colectivas reabsorbidas por el trozo
de realidad que las animó a venir. Substancia trans, necesaria presemántica. Tan
presente presente. Grabar y protegerse
de una recepción dramática. Moverse
por señales entre los fonemas, relacionar su efecto con estructuras fonológicas
o amor. Tres, rescatar algo de provecho
común, comunicaciones que puedan ser
editadas en experiencias por otros y bo­
rrarse en transformación.

ynamizing and letting processes
dynamize me. One, studio practice, intimacy space-time removed
and habitated in objectual, constructive,
action, care, observation, breakup possibilities. Go forward without forcing formalizations. Don’t pay more attention than it
deserves to the empire paradigm. Try to
identify and work some basis. Between
being totally present and not being. Two,
speech. Collective forms absorbed by the
piece of reality that made them come.
Trans substance, so necessary presemanthic thing. A so present present. Record and protect oneself from dramatic
reception. Find some way to immerse in
this archived voice whole thing, taste the
effect of phonemes, relate this effect to
phonological structures or to love. Three,
rescue among ruins some common good,
communications edited in others’ experiences, erased in transformation.

Manuel Casellas Soria

BilbaoArte

23

Manuel Casellas Soria
Sevilla, 1979
www.manuelcasellas.com
casellasmanuel@gmail.com

bsolescencia Programada proiek­
tua eskultura garaikidea garatzeko
bide berrien bilaketatik sortu da
eta gaur egungo testuinguruaren iragankortasunean oinarritzen du, oro har, bere
kontzepzioa eta funtsa. Aipatu proiektuarekin, sistema ororen funtsezko elementua
den iruzurraren ideiarekin erlazionatutako
hainbat gai egonkortzeko lan egin du.
Irudikapen sinbolikoaren mailaren eta
egoera errealen irudikapenaren maila konplikatuaren artean, gogoeta berri hauek
azterketarako bide berri bat osatzen ari
dira: Work In Progress lanarekin hasten
da, hezkuntza-sistemen eta lan-sistemen
arazoei, sistema horien arteko osagarritasunik ezari eta sistema horiek gizabanakoarengan duten eragin zuzenari modu
espezifikoago batean heltzeko.
Era berean, antzeko arrazoibide artistiko bat partekatuz eta horrekin batera,
hainbat esku-hartze lan garatu ditu RIMO
Project proiektuko kide gisa, Martin Freire
eta Veredas Lópezekin batera.

a materialización del proyecto Obsolescencia Programada, investigación que surge en la búsqueda de
nuevas vías de desarrollo de la escultura
contemporánea y que a grandes rasgos
basa su concepción y fundamentación
en lo efímero del contexto actual, ha ido
sedimentando a su cauce una suerte de
cuestiones ligadas a la idea del engaño, como parte sustancial del sistema
en general.
Entre el plano de la representación simbólica y el complicado plano de la presentación de situaciones reales, estas nuevas
reflexiones están actualmente configurando un nuevo camino de exploración, que
comienza con la obra Work In Progress,
para abordar de forma más específica
la problemática en torno a los sistemas
educativos y laborales, la falta de complementariedad entre los mismos y la repercusión directa que estos tienen sobre el
individuo.
Asimismo, compartiendo un discurso
artístico similar y en paralelo, se han desarrollado otros trabajos de intervención
como integrante de RIMO Project, junto a
Martin Freire y Veredas López.

O

L

T

Manuel Casellas Arte Ederretan lizentziatua da Sevillako Unibertsitatetik, eta ikasketa desberdinak egin ditu Bilboko EHU/
UPVn, Milango (Italia) Brera-ko Akademian eta Rosarioko Unibertsitate Nazionalean (Argentina). Gaur egun, doktoregai
da Sevillako Arte Ederren Fakultateko Eskultura Sailean.

Manuel Casellas es Licenciado en Bellas
Artes por la Universidad de Sevilla tras
haber cursado estudios en universidades
como: UPV de Bilbao, Academia de Brera
de Milán en Italia y Universidad Nacional
de Rosario en Argentina. Actualmente
es doctorando del Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de
Sevilla.

Manuel Casellas graduated in Fine Arts
from the University of Seville, having completed studies at universities such as the
UPV in Bilbao, the Academy of Brera in
Milan, Italy, and the National University of
Rosario in Argentina. He is now completing his doctoral thesis in the Department
of Sculpture of the Faculty of Fine Arts in
Seville.

Sistemas – Ind.
142 x 110 cm
Argazkia
Fotografía

Traca – RIMO project
100 x 70 cm
Argazkia
Fotografía

Work In Progress
Instalazioa. Neurri aldakorrak
Instalación. Medidas variables

he materialization of the project titled Obsolescencia Programada
(programmed obsolescence), research arising from the search for new
paths of development of contemporary
sculpture and which broadly bases its
conception and foundation on the ephemeral nature of the current context, has accumulated a series of issues related to the
idea of deception as a substantial part of
all systems in general.
Between the plain of symbolic representation and the complicated plain of the
presentation of real situations, these new
reflections are now setting a new path of
exploration, beginning with the work titled
Work In Progress, to deal more specifically with the problems surrounding educational and labour systems, the lack of
complementarity between them and the
direct impact they have on the individual.
Moreover, sharing a similar artistic discourse and in parallel, other research
studies have been developed as part of
RIMO Project, with Martin Freire and Veredas López.

Laura Fernández Rojo

BilbaoArte

27

Laura Fernández Rojo
México, 1984
mismujeresyyo@gmail.com

M

M

M

is mujeres y yo proiektuaren helburua emakumezkoen jantziak
diseinatzea eta egitea da, eta
horretarako, kolore lauetako ehunak irudi
abstraktuekin serigrafiatutako oihanekin
elkartzen ditu, irudikapenaz haraindi koloreez, elka­
rren arteko hutsuneez, ehunen
kokapenaz, inperfekzioez, fokatze okerrez
eta abar gozatu ahal izateko.
Irteera komertziala duten piezak dira. Inspirazioa ez dute erreferente zehatzetatik
hartu, baizik eta ehunak serigrafiatu eta
azken jantzia osatu dute; eta arreta berezia jarri da xehetasunetan eta akaberan.
Emakumea, bere gorputza, bere nahiak eta
polita egoteko gogoa kontuan hartuta egin
dira guztiak; guk guztiok eduki nahiko genukeen arropa da.

is mujeres y yo es un proyecto
que tiene como objetivo el diseño
y la confección de prendas de mujer uniendo tejidos de colores planos a telas
serigrafiadas con motivos abstractos que
nos ayudarán a ver más allá de la representación y poder disfrutar de los colores, los
huecos entre uno y otro, la disposición de
los tejidos, las imperfecciones, los desenfo­
ques, etc.
Son piezas con una salida comercial. No están inspiradas en referentes concretos sino
que las serigrafías y las telas construyen la
prenda final; con una especial atención al
detalle y los acabados. Realizadas con un
interés por la mujer, su cuerpo, sus deseos y
sus ganas de estar guapa; es ropa que nos
gustaría tener.

is mujeres y yo (My women and I)
is a project whose aim is to design
and manufacture women’s clothes
combining fabrics with flat colours with
screen-printed fabrics with abstract patterns
which will help us to see beyond the representation and enjoy the colours, the gaps
between them, the layout of the fabrics, the
imperfections, the lack of focus, etc.

Laura Fernández Rojo Rojo Arte Ederretan
lizentziatu da Euskal Herriko Unibertsitatetik eta unibertsitate bereko Modako Diseinuaren Unibertsitate Espezialistaren titulua
du (2011-12). Horrez gain, Bilboko Ebaketa
eta Jantzigintza akademia batera joaten da.
Duela gutxi, Cirque du Soleil zirkurako lan
egin du jantzi-laguntzaile gisa eta Elena Aitzkoa artistak Artium Museoan aurkeztutako
performanceetarako jantziak egin ditu.

Laura Fernández Rojo es Licenciada en
Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y posee el Título de Especialista Universitario en Diseño de Moda (2011-12) de la
misma universidad. Además acude a una
academia de Bilbao de Corte y Confección.
Recientemente ha trabajado en el Circo del
Sol como Ayudante de Vestuario y ha realizado el vestuario para las performances de
la artista Elena Aitzkoa en el Museo Artium.

Laura Fernández Rojo graduated in Fine
Arts from the University of the Basque
Country and is qualified as a University Specialist in Fashion Design (2011-12)
at the same university. She also attends a
dressmaking academy in Bilbao. She recently worked with the Cirque du Soleil as a
Dressing Room Assistant and has made the
costumes for the performances of the artist
Elena Aitzkoa at the Artium Museum.

Camisas de Mujer
Serigrafiatuak eta eskuz eginak
Serigrafiadas y confeccionadas a mano

They are pieces with a commercial outlet.
They are not inspired by specific referen­ces;
the screen-prints and fabrics construct the
final garment, with special attention to detail
and the finishings. Made with interest in the
woman, her body, her desire to be beautiful;
clothing we would like to have.

Camiseta
Eskuz serigrafiatuak
Serigrafiada a mano

Noelia Gallardo Marina

BilbaoArte

31

Noelia Gallardo Marina
Santander, 1976
noeliagallardomarina@gmail.com

a irudimenezko plano baten antzera,
Oscuro Brillante mihiztadura elektroluminiszenteko sare bat da.
Forma eta zentzua korapilatzen diren jolas
bat. Eskumuturra lautan biratuz eta gurutzatuz, desberdintasunen arteko txandatze
e­rrit­miko bat sortzen da eta forma baten eta
bestearen arteko espazio hutsak osatzen du
lanaren funtsa.
Egitura geometriko eta sortzaile bat da eta
bi aginduk sortzen dute bere izaera: egoera bat eta ekintza bat. Eta mekanismo bat:
geratzea eta doitzea.
Hutsunea sortzen duen egoerak geldialdia
dakar. Doikuntza egiten duen ekintzak, aldiz, egitura aurresaten eta sortzen du, subjektuaren gorputzetik bertatik hasita.
Giza energia estetika garatzera proiektatua, behar animiko gisa, lan-prozesu tradizionalen eta teknologikoen arteko elkarketen sekuentziari buruz gogoeta egiteko
praktika gisa.

asi como un plano imaginario Oscuro Brillante es una red de encaje
electroluminiscente.
Un juego donde se entretejen forma y sentido. Cuatro giros de muñeca y un cruce generan una alternancia rítmica de diferencias
cuya esencia no es más que el espacio vacío entre una forma y otra.
Una estructura geométrica y generativa
cuyo carácter viene dado por dos órdenes:
un estado y una acción. Y un mecanismo: 
detención y ajuste.
El estado productor del vacío, detiene. La
acción productora del ajuste, anticipa y genera la estructura desde el propio cuerpo
del sujeto.
La energía humana proyectada hacia el
desarrollo de la estética como necesidad
anímica, una práctica reflexiva sobre la secuencia de encuentros entre los procesos
de trabajo tradicionales y los tecnológicos.

I

C

A

Noelia Gallardo Arte Ederretan lizentziatua
da Euskal Herriko Unibertsitatetik. Diziplina
anitzeko lan-prozesuak garatzen ditu, es­
plorazio-elektronikoa, bitartekoen nahasketa eta esperimentazio teknikoa oinarrian
hartuta.

Noelia Gallardo es licenciada en Bellas en
Artes por la Universidad del País Vasco. Desarrolla procesos de trabajo multidisciplinares basados en la electrónica exploratoria,
la mezcla de medios y la experimentación
técnica.

Noelia Gallardo graduated in Fine Arts from
the University of the Basque Country. She
carries out multi-disciplinary work processes based on exploratory electronics, media
mixing and technical experimentation.

Oscuro brillante
150 X 200 cm
Ahokadura elektrolumineszentea. Teknika mistoa
Encaje electroluminiscente.Técnica mixta

lmost like an imaginary plain, Oscuro
Brillante is a network of electroluminescent lace.
A game in which form and meaning are intertwined. Four turns of the wrist and a cross
generate a rhythmic alternation of differences whose essence is nothing more than the
empty space between one form and ano­ther.
A geometrical and generative structure
whose character is influenced by two orders: a state and an action. And a mechanism: detention and adjustment.
The productive state of the vacuum stops.
The productive action of the adjustment anticipates and generates the structure from
the body of the subject itself.
The human energy projected towards the
development of aesthetics as a mental necessity, a reflective practice regarding the
sequence of encounters between traditional
and technological work processes.

Íñigo Garatu

BilbaoArte

35

Íñigo Garatu
Salamanca, 1990
inigogaratu.wix.com/inigogaratu
inigogaratu@gmail.com

E

E

E

spacios de trabajo argazki-erregistroko eta sorkuntza eskultorikoko prozesuen proiektu bat da eta
industria-espazioak
ditu
abiapuntutzat
(mekanizatuak, automobilgintza, siderometalurgia). Gaur egun gure lurraldeak duen
lan-testuinguruaren barruan kokatuta dago.
Argazki-estudioaren ardatza Bizkaiko mapa
geografikoan kokatuta dauden eta izaera industriala duten hainbat leku dira eta utzita
dauden zein oraindik funtzionatzen duten
industria-eraikinen kanpoaldea erakusten
zaigu. Irudi horiek gure oroimenaren zati
bihurtzea lortu nahi da. Proiektua osatzeko,
hainbat elementu eskultoriko sortu dira, forma geometriko bakunak erabiliz, eta pintura
erabili da zenbait eskulturaren gainazalean.
Eskultura horiek lanerako barne-espazio bat
osatzen dute.

spacios de trabajo es un proyecto de
registro fotográfico y de procesos de
creación escultórica, que parte de los
espacios industriales (mecanizados, automoción, siderometalúrgica). Se ubica dentro
del contexto actual laboral de nuestro territorio. El estudio fotográfico se centra en la
exploración variada de diferentes lugares de
carácter industrial, pertenecientes al mapa
geográfico de Vizcaya, donde se muestran
exteriores de edificios industriales abandonados y en funcionamiento. Se pretende
que estas imágenes formen parte de nuestra memoria. El proyecto se completa con la
creación de una serie de elementos escultóricos a través de formas geométricas simples y el empleo de la pintura sobre zonas
de la superficie de algunas esculturas. Éstas
conformarían un espacio interior de trabajo.

spacios de trabajo (Work spaces)
is a project involving photographic
register and processes of sculptural creation starting from industrial spaces
(mechanization, transport, iron and steel).
It is located within the current labour context of our region. The photographic study
focuses on the varied exploration of different
places of an industrial nature, belonging to
the geographical map of Bizkaia, where exteriors of abandoned industrial buildings and
others in operation are displayed. The aim is
for these images to form part of our memory.
The project is complemented by the creation
of a series of sculptural elements by means
of simple geometrical shapes and the use of
paint on the surface areas of some sculptures. These will form an interior workspace.

Iñigo Garatu Artean graduduna eta Arte
Garaikide Teknologiko eta Performati­
boan
Master tituluduna da, Euskal He­
rriko Unibertsitatetik (UPV/EHU). Bere lanak hainbat
erakusketa kolektiboan egon dira ikusgai,
besteak beste: Hotel Carlton III. Arte Lehiaketa (Bilbao), Ikus-Entzunezko 25. Erakusketa, BBVA Fundazioaren erakusketa-aretoan,
Saiaketak Windsor Kulturgintza galerian. Aipatutakoez gain, erakusketa indibidualak ere
egin ditu, eta, besteak beste, honako hauek
aipa daitezke: Body & Landscape, Durangoko Arte eta Historia Museoan (Bizkaia), eta
Paisajes, Gaztela eta Leongo Juntako Casa
del Parque Las Batuecas-Sierra de Francia
delakoan (La Alberca, Salamanca).

Iñigo Garatu es graduado en Arte y titulado
Máster en Arte Contemporáneo Tecnológico
y Performativo, por la Universidad del País
Vasco (UPV/EHU). Su obra ha formado parte
de exposiciones colectivas; III Certamen de
Arte Hotel Carlton (Bilbao), 25º Exposición
Visual-Sonora en la Sala de exposiciones de
la Fundación BBVA, Saiaketak en la galería
Windsor Kulturgintza, entre otras. Además,
ha realizado exposiciones individuales, entre
las que destacan; Body & Landscape en el
Museo de Arte e Historia de Durango (Biz­
kaia) y Paisajes en la Casa del Parque Las
Batuecas-Sierra de Francia de la Junta de
Castilla y León (La Alberca, Salamanca).

Iñigo Garatu graduated in Art and has a
master’s degree in Technological and Performative Contemporary Art from the University of the Basque Country (UPV/EHU).
His work has formed part of group exhibitions: the 3rd Art Competition at the Carlton Hotel (Bilbao), the 25th Visual-Sound
Exhibition at the Exhibition Hall of the BBVA
Foundation and Saiaketak at the Windsor
Kulturgintza Gallery, among others. He has
also put on individual exhibitions, including
Body & Landscape at the Museum of Art
and History in Durango (Bizkaia) and Paisajes (Landscapes) at the Park House of Las
Batuecas-Sierra de Francia of the Regional
Government of Castile and Leon (La Alberca, Salamanca).

Indignadxs
50 x 70 cm
Argazki digitala
Fotografía digital

Fumbarri III, 2014
66 x 99 cm
Argazki digitala luma-kartoian, aluminiozko markoa
Fotografía digital sobre cartón pluma, marco de aluminio

Kepa Garraza Álvarez

BilbaoArte

39

Kepa Garraza Álvarez
Berango, 1979
kepagarraza.com
kepagarraza@hotmail.com

This is the end of the world as you know
it” berehalako etorkizunari buruz osatutako fikziozko kontakizun baten antzera
landutako proiektu bat da. Denboran bata
bestearen atzetik gertatzen diren askotariko eszenek osatzen dute kontakizuna eta
etorkizun distopiko bat islatzen duen istorio
bat erakustea bilatzen du. Utopia negatibo
antzeko bat, gaur egungo gizartearen ondorio den etorkizuna, nahi ez diren emaitzekin
osatu den etorkizuna.
Proiektuak krisialdi ekonomikoaren eta horrek gizartean dituen ondorioen inguruan
hausnartzea bilatzen du, baita gizarte garaikideetan hain zabalduta dagoen etorkizunik
ez dugularen sentsazio iraunkorra nabarmentzea ere. Proiektu honekin hausnartu
nahi dudan beste funtsezko alderdi bat,
kazetaritzako irudiaren (benetako testigan­
tzatzat onartu ohi denaren) eta fikziozko
irudien arteko muga gero eta lausoagoa da.
Ikusleen artean gero eta gehiago nagusi­
tzen ari da ideia hori eta, ondorioz, gero eta
ezezagunagoa eta lausoagoa den eta ideia
erlatiboak bakarrik eskaintzen dituen mundu
batean bizitzera behartuta gaude.

This is the end of the world as you know
it” es un proyecto construido en forma
de un relato de ficción sobre el futuro
más inmediato. Este relato está compuesto por múltiples escenas que se suceden
en el tiempo, para recrear así una historia
donde se nos muestra un futuro distópico.
Una especie de utopía negativa, un porvenir
consecuencia de la sociedad actual pero de
resultados totalmente indeseables.
Este proyecto pretende reflexionar acerca
de la crisis económica y sus consecuencias
sociales y evidenciar la sensación permanente de ausencia de futuro que desprenden las sociedades contemporáneas. Otro
aspecto fundamental sobre el que quiero
reflexionar con este proyecto, trata sobre el
límite cada vez más difuso entre la imagen
periodística (comúnmente aceptada como
un testimonio veraz) y las imágenes de ficción. Ese terreno cada vez más transitado
por el espectador y que le obliga a vivir en
un mundo cada vez más incierto, más borroso y de verdades solo relativas.

This is the end of the world as you know
it” is a project constructed in the form of
a fictional tale about the immediate future. This tale is made up of multiple scenes
which take place over time, thereby recreating a story in which we are shown a dystopian future, a kind of negative utopia, a future
which is a consequence of current-day society but with completely undesirable results.
This project aims to reflect upon the economic crisis and its social consequences
and demonstrate the permanent feeling of
absence of future given by contemporary
societies. Another fundamental aspect I
would like to reflect on in this project deals
with the vaguer and vaguer line between the
journalistic image (commonly accepted as a
truthful witness) and the fictional image. This
field is increasingly transited by the spectator and forces him to live in a more and more
uncertain and indistinct world, with only relative truths.

Kepa Garraza 2004an hasi zen erakusketetan parte hartzen, hainbat sari eta deialdi
irabaztean; horri esker, bere lanak sortu eta
zirkuitu nazionaletan eta nazioartekoetan
parte hartzeko aukera eduki du. 2004tik
erakusketa indibidualak egin ditu Rekalde
Aretoan eta Madril, Bilbao, Dusseldorf, Ro­
tterdam edo Beijing-eko galerietan. Bere
lana bilduma pribatu espainoletan eta nazioartekoetan erakusteaz gain, Artium-eko,
Madrilgo Erkidegoko edo Patio Herreriano
Museoko Arte Garaikideko Bilduman ikus
daiteke.

Kepa Garraza empieza su carrera expositiva en 2004 ganando diferentes premios y
convocatorias que le permitirán producir y
mostrar sus trabajos en diferentes circuitos
nacionales e internacionales. Desde entonces ha expuesto de forma individual en la
Sala Rekalde y en galerías de Madrid, Bilbao, Dusseldorf, Rotterdam o Beijing. Además de en colecciones privadas españolas
e internacionales, su obra está presente en
la colecciones del Artium, la Comunidad de
Madrid o la Colección Arte Contemporáneo
del Museo Patio Herreriano.

Kepa Garraza began his exhibition career
in 2004 by receiving several awards and
invitations allowing him to produce and
display his works on different national and
international circuits. Since then he has put
on individual exhibitions at the Sala Rekal­
de and at galleries in Madrid, Bilbao, Dusseldorf, Rotterdam and Beijing. In addition
to being found in Spanish and international
private collections, his work is present in the
collections of the Artium, the Community of
Madrid and the Collection of Contemporary
Art of the Patio Herreriano Museum.

Angela Merkel
140 x 140 cm
Pastela paper gainean
Pastel sobre papel

Sky News, June 2014.
55 x 100 cm
Gouachea paper gainean
Gouache sobre papel

Christine Lagarde
200 x 140 cm
Pastela paper gainean
Pastel sobre papel

Protester 3
200 x 140 cm
Pastela paper gainean
Pastel sobre papel

Álvaro Gil

BilbaoArte

43

Álvaro Gil
Corella, 1986
www.alvarogilsoldevilla.com
alvaro@alvarogilsoldevilla.com

O

rnamento a medida. Objektuen per­
tsonalizazioaren inguruan sortutako
apaindura, objektu bat aldatzeko eta
eraldatzeko asmoz neurrira egindako transformazio-karkasekin osatutako edozein motatako
eraikuntza herrikoietatik elikatzen dena.
Álvaro Gilen lan-prozesua eskulangintzarekin
lotuta dago estuki, brikolajearekin, hain zuzen
ere, eta Do It Yourself (DIY) mugimenduaren
barruan kokatzen da. Erlazio handia du Ikeako sistema desmuntagarriekin, prototipoak
sor­tzeko sistemarekin eta lan egiteko moduarekin –Ikean ugariak dira jarraibideak betez
egiten diren muntaiak. Izan ere, neurrira egindako eskultura pertsonalizatu mota bat sortzea
bila­tzen du.
Sorkuntza-prozesua hasten den unean bertan
agertzen da apaindura (apaindura eta egitura
bat eginda), ondoren eransten den elementu
bat baino zerbait gehiago baita, eta hori guztia
erakusteko, Youtubeko hainbat bideoren laguntzarekin sortutako elementu berri bat barne
hartzen du bere tailerrean: ordenagailu bidez
kontrolatutako makina bat, tailerrean bere ordez jardungo duena. Makinak berak bakarrik
sortuko du birtualki diseinatuta egongo den
egiturazko apaindura-materiala.
Álvaro Gil Bilbon bizi da eta bertan lan egiten
du. Arte Ederretan lizentziatua da Euskal Herriko Unibertsitatetik, eta ikertzaile-bekadun
gisa ari da lanean ibilgailuen pertsonalizazioari
buruz egiten ari den doktoretza-tesia amaitzeko. 2008tik hainbat erakusketa indibidual egin
ditu, besteak beste: Plastic sweet, muntatzeko
tresnak, Raquel Ponce Galerian (Madril, 2012);
DIY. Hágaselo usted mismo, Guggenheim Bilbao Museoan (2012); Bricolajismos y otros
menesteres hechos a medida, Huarte Arte
Garaikidearen Zentroan (2013); Brikokustom
eta Ornamento a medida L21 Galerian, (Palma
Mallorcakoa, 2013 eta Madril, 2014); Monta tu
T-Rex party, Rekalde Aretoan (Bilbao, 2014).
Era berean, Bilboko Erribera Merkatuan berriki
egindako esku-hartze artistikoak azpimarratu behar dira, besteak beste: Dame + gasolina (2014); eta Nojako Trengandín hondartzan
egindakoa: Diamond Beach (2014). Sorkuntza
artistikorako hainbat beka eta laguntza jaso
ditu, besteak beste: Nafarroako Arte Plastiko
eta Bisualen Laguntza (2012-2013) eta Biz­
kaiko Foru Aldundiaren Sorkuntzarako Beka
(2012-2013).

O

O

rnamento a medida gira en torno
a la customización objetual, y se
nutre de todo tipo de construcciones populares hechas a base de carcasas
transformativas a medida, con la intención
de cambiar y modificar un objeto.
Su proceso de trabajo proviene de lo más
manual, del bricolaje, vinculado al Do It
Yourself (DIY). Muy relacionado con lo desmontable, el prototipado y las formas de
hacer cercanas a Ikea, donde abundan los
montajes pautados. Para así crear un tipo
de escultura customizada a medida.
Con la intención de que lo ornamental esté
presente desde el comienzo del proceso
creativo (fundiendo ornamento y estructura)
y no sólo como un algo añadido, introduce
en su taller un nuevo elemento construido
con ayuda de diversos videos de Youtube:
una máquina controlada por ordenador, que
le sustituirá en el taller. Creando por si misma material ornamental de tipo estructural,
diseñado virtualmente.

rnamento a medida focuses on objectual customization and draws on
all kinds of popular constructions
made from made-to-measure transformative casings, with the intention of changing
and modifying an object.
Álvaro Gil’s work process comes from manual labour, related to do-it-yourself (DIY).
Closely related to disassembling, prototyping and the IKEA ways of doing things,
where assembling with guidelines abounds,
thereby creating a kind of customized
­sculpture.
With the aim of the ornamental aspect being
present from the beginning of the creative
process (blending ornament and structure
together) and not only as something added,
he introduces a new element into his workshop, constructed with the help of different
Youtube videos: a computer-controlled machine which will replace him in the workshop, creating by itself ornamental material
of a structural kind, virtually designed.

Álvaro Gil vive y trabaja en Bilbao. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad
del País Vasco, trabaja como investigadorbecado para finalizar su tesis doctoral sobre
la customización de vehículos. Desde 2008
ha realizado diversas exposiciones individuales como Plastic sweet, artefactos para
armar en la Galería Raquel Ponce (Madrid,
2012), Hágaselo usted mismo en el Museo
Guggenheim Bilbao (2012), DIY. Bricolajismos y otros menesteres hechos a medida
en el Centro de Arte Contemporáneo Huarte
(2013), Brikokustom y Ornamento a medida
en la Galería L21: (Palma de Mallorca, 2013
y Madrid, 2014), Monta tu T-Rex party en la
Sala Rekalde (Bilbao, 2014).
Asimismo cabe destacar las recientes intervenciones artísticas en el Mercado de la
Ribera de Bilbao: Dame + gasolina (2014)
y en la playa Trengandín de Noja: Diamond
Beach (2014). Ha recibido diferentes becas
y ayudas de creación artística como la Ayuda de Artes Plásticas y Visuales de Navarra
(2012-2013), y la Beca de Creación de la Diputación Foral de Bizkaia (2012-2013).

Álvaro Gil lives and works in Bilbao. A
graduate in Fine Arts from the University
of the Basque Country, he is working as a
researcher-intern to complete his doctoral thesis on the customization of vehicles.
Since 2008 he has put on several individual
exhibitions such as Plastic sweet, artefactos
para armar at the Raquel Ponce Gallery (Madrid, 2012), Hágaselo usted mismo at the
Guggenheim Museum in Bilbao (2012), DIY.
Bricolajismos y otros menesteres hechos a
medida at the Centre of Contemporary Art in
Huarte (2013), Brikokustom and Ornamento
a medida at the L21 Gallery (Palma, 2013
and Madrid, 2014) and Monta tu T-Rex party
at the Sala Recalde (Bilbao, 2014).
His recent artistic interventions also include
Dame + gasolina at the Ribera Market in
Bilbao (2014) and Diamond Beach on the
Trengandín beach in Noja (2014). He has
received several grants and aids for artistic creation such as the Aid for Plastic and
Visual Arts of Navarre (2012-2013) and the
Creation Grant of the Provincial Council of
Bizkaia (2012-2013).

Tuning gold snake
34 x 18 x 14 cm
MDFa eta transferra
MDF y transfer

Monta tu T.Rex party
Neurri aldakorrak “Scary Roar” -00:02:11Medidas variables. “Scary Roar” -00:02:11MDFa, akrilikoa, bridak, pinua eta 12Vko argiztapena
MDF, acrílico, bridas, pino e iluminación 12V

Izaskun Álvarez Gainza
Juana García Pozuelo
Miriam Isasi Arce
Maite Leyún Orrico
Estíbaliz Sádaba Murguia

Leyre Goikoetxea Martínez

BilbaoArte

47

Leyre Goikoetxea Martínez
Arrasate/Mondragón, 1983
leyregoikoetxea.wordpress.com
lacrindelacrin.wordpress.com
leyregoikoetxea@gmail.com

L

a Crin de la Crin artearekin erlazionatutako pertsona batek inguruko artisten lana gertuagotik ezagutzeko duen
interesetik sortutako proiektu bat da. Zenbait
ediziotan fundazioaren barruan izan diren
emakumezko artistak elkarrizketatzen ditu.
Bekadun gisa lan egin duen sei hilabeteetan
bildutako dokumentazioa argitalpen batean
jaso du. Liburu honetan, beraz, hilabete horietan egindako lana erakusten du, modu fin batean. Bekak iraun duen bitartean itxuratu eta
desitxuratu den formatu digitalean aurkezten
zaigu aipatutako bidaia-koadernoa.
“Joan diren hilabeteetan zehar, eta proiektu
honi esker, gaur egungo bost artista hurbileko hauen lan egiteko modua gertuagotik eta
lehen pertsonan ezagutzeko aukera eduki dut.
Elkarrizketen bitartez, artista horien lan egiteko moduak, kezkak eta interesak sakonkiago
ezagutu ahal izan ditut eta, batez ere, beraien
pentsatzeko eta lan egiteko modura hurbildu
ahal izan naiz.”
Leyre Goikoetxea Martínez Artearen Historian lizentziatu da UPV/EHUko Letren Fakultatetik (2009-2014). 2011n Arte Ikerketa eta
Sorkuntzako Masterra (UPV/EHU) egin zuen
eta 2013an Gaur Egungo Artearen Kudeaketaren graduondokoa egin zuen (Universitat de
Barcelona). KREA Expresión Contemporánea
proiektuko arduraduna izan da Gasteizen
2008 eta 2010 urteen artean. IkasArt Azokako
Zabalgunea sekzioaren lehen edizioaren
(2011ko azaroa) komisarioa eta koordinatzailea izan da, eta horren ekoizpenaz arduratu
da, halaber; eta Txina da! erakusketaz arduratu da Bizkaia Aretoan. Azken erakusketa
horrek Beijingeko MA Studio-ko Goazen Txinara!, bekaren babespean (EHU/UPV) garatu
diren lau edizioen atzera begirakoa egiten du
(2012ko urria). 2012ko urritik 2013ko uztailera,
Bilboko Arte Eder Museoko Bildumen saileko
taldeko kide izan da. 2013ko urtarriletik ekainera, bestalde, Paisaje trifásico. Tres corrientes alternas komisariotza-proiektuaz arduratu
da, Euskal Herriko Arkitektoen Elkargo Ofizialaren Bizkaiko Ordezkaritzan. Urrian, Video
Transliminal. Gureak Euskaditik Mexikora komisariotza-programaren aurkezpena egin du
Mexiko DFn. . Arte-kritika idazten du hainbat
argitalpenetan eta hainbat beka jaso ditu Gaur
Egungo Artean eta Kultur Kudeaketan prestakuntza jasotzeko eta ekoizpena egiteko.

L

L

a Crin de la Crin es un proyecto que
surge del interés de una persona, relacionada con el Arte, por conocer más de
cerca el trabajo de artistas del entorno cercano.
Entrevistas a artistas, mujeres, que en alguna
de las ediciones han formado parte de la Fundación Bilbao Arte. Toda esta documentación
recopilada en los seis meses de beca ha tornado en publicación. Este libro aúna, de un modo
sutil, el trabajo de esos meses. Dicho cuaderno
de viaje, cuenta con un formato digital que ha
ido formándose y deformándose en el transcurso de la beca.
‘A lo largo de estos meses, y gracias a este
proyecto, he tenido la oportunidad de ir conociendo, más de cerca y en primera persona, los
modos de hacer de estas cinco artistas cercanas y actuales. Por medio de las entrevistas
he podido ahondar en sus modos de hacer,
inquietudes, intereses, y sobre todo, sentirme
más cerca de su forma de pensar y trabajar.’

a Crin de la Crin is a project which
stems from the interest of a person related to art in learning more about the
work of the artists around her in interviews with
artists, women, who have formed part of the
foundation in some of the issues. All this documentation, compiled during the six months of
the grant, has resulted in this publication. This
book brings together, in a subtle manner, the
work carried out throughout these months.
This travelogue has a digital format which has
been formed and deformed in the course of
the internship.
“Throughout these months, and thanks to this
project, I have had the opportunity to get to
know, more closely and in first person, the
methods of these five close and current-day
artists. By means of the interviews I have been
able to delve into their methods, concerns and
interests and, above all, feel closer to their way
of thinking and working.”

Leyre Goikoetxea Martínez es licenciada
en Historia del Arte por la Facultad de Letras
de la UPV/EHU (2009-2014). En 2011 realiza
el Máster en Investigación y Creación en Arte
(UPV/EHU) y en 2013 el Postgrado en Gestión
del Arte Actual (Universitat de Barcelona). Ha
sido la encargada del servicio de información
de KREA Expresión Contemporánea en VitoriaGasteiz entre 2008 y 2010. Ha comisariado,
coordinado y producido la primera edición de
la sección Zabalgunea de la Feria IkasArt (Noviembre 2011) y la exposición Txina da! en el Bizkaia Aretoa, retrospectiva de las 4 ediciones de
la beca de la EHU/UPV Goazen Txinara!, MA
Studio de Beijing (Octubre 2012). De octubre
de 2012 a julio de 2013, ha formado parte del
equipo del departamento de Colecciones del
Museo de Bellas Artes de Bilbao. Entre enero
y junio de 2013 ha llevado a cabo el proyecto comisarial Paisaje trifásico. Tres corrientes
alternas en la delegación de Bizkaia del Colegio Oficial de Arquitectos Vasco-Navarros.
Este mes de octubre ha presentado en México
DF el programa comisarial Video Transliminal.
Gureak Euskaditik Mexikora. Escribe crítica de
arte en diferentes publicaciones y ha recibido
diferentes becas para formación y producción
en el ámbito del Arte Actual así como de la
Gestión Cultural.

Leyre Goikoetxea Martínez is a graduate
in the History of Art from the Faculty of Arts
of the UPV/EHU (2009-2014). In 2011 she
completed a master’s degree in Research and
Creation in Art (UPV/EHU) and in 2013 she did
post-graduate studies in Contemporary Art
Management (University of Barcelona). She
was in charge of the KREA Contemporary Expression information service in Vitoria-Gasteiz
between 2008 and 2010. She was the curator
and coordinated and produced the first year
of the Zabalgunea section of the IkasArt Fair
(November 2011), the Txina da! exhibition at
the Bizkaia Aretoa and the retrospective of the
4 years of the grant of the EHU/UPV Goazen
Txinara! at the MA Studio in Beijing (October
2012). From October 2012 to July 2013 she
formed part of the team of the Department of
Collections of the Museum of Fine Arts in Bilbao. From January to June 2013 she carried
out the curatorial project titled Paisaje Trifásico. Tres Corrientes alternas in the Bizkaia
office of the Association of Basque-Navarran
Architects. In October, in Mexico City, she presented the curatorial programme titled Video
Transliminal. Gureak Euskaditik Mexikora. She
writes art criticism for different publications
and has received different grants for training
and production in the fields of Contemporary
Art and Cultural Management.

‘La Crin de la Crin’
10,5 x 14,3 x 0.9 cm
Liburua/Aldizkaria
Libro/Publicación

lacrindelacrin.wordpress.com

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se
busca
trabajo
Comisaria y crítica de arte contemporáneo

Número de contacto:

Sophia Grandío

BilbaoArte

51

Sophia Grandío
Villalba, 1987
www.sophiagrandio.es
sophiagrandio@hotmail.com

iedo: la colisión realidad_ficción.
Beldurraren erabilera sozialen eta
fikziozkoen esperimentazio per­
tsonala, subkontzientearen bitartez. “La
colisión realidad_ficción” lanak gizakiak
irudimenezko egoerak bere onurarako berregiteko eta, modu horretara, erabakiak
errazago hartzeko duen gaitasunari egiten
dio aipamena. Hala ere, gaitasun hori gure
aurka jartzen da beldurra agertzen denean.
Artistak beldurragatiko interesa du, emozio
oso boteretsua delako, gu deuseztatzeko
eta fisikoki geldiarazteko gaitasuna duelako.
Ekoizpen artistiko honek ikus-entzunezko
bitartekoa aukeratzen du, emozioak adierazteko duen aparteko aberastasunagatik.
Helburutzat du emozioek hizkuntzarekin
duten erlazio sendoaren arrazoiak ulertzea,
baita ikus-entzunezkoen bitartez horiek
adierazteko modua ulertzea ere. Proiektuan
erabilitako piezekin deskribatutako gaiei
heltzen zaie eta lanaren lantze-prozesua bi
zatitan bereizten da: ikus-entzunezko pieza
egitea eta euskarri fisikoa sortzea. Bi zatiak
elkartzean, pieza existitzen hasten da.

iedo: la colisión realidad_ficción.
Experimentación personal de los
usos sociales y ficcionales del miedo a través del subsconsciente. “La colisión
realidad_ficción” hace alusión a la capacidad del ser humano de recrear situaciones
imaginarias en beneficio propio, facilitándole así la toma de decisiones. Sin embargo,
esa misma capacidad se vuelve en nuestra
contra cuando el miedo entra en juego. Interés por el miedo porque es una emoción
muy poderosa, tiene la capacidad de anularnos e incluso paralizarnos físicamente.
Esta producción artística escoge el medio
audiovisual por su riqueza excepcional para
expresar emociones. El objetivo consiste en
entender por qué las emociones tienen una
fuerte relación con el lenguaje, y cómo es
posible expresarlas a través del medio audiovisual, y más concretamente, a través de
la vídeo-creación e instalación multimedia.
El proyecto se basa en una serie de piezas
que abordan la temática descrita y en las
que el proceso de elaboración de la obra
se divide en dos partes: la realización de la
pieza audiovisual y la creación del soporte
físico. Cuando ambas partes, “la realidad”
y la ficción, colisionan, la pieza comienza a
existir.

M

M

M

Sophia Grandío Arte Ederretan lizentziatu
da Pontevedrako Fakultatetik, ikus-entzunezkoen eta arte grafikoen espezialitatean.
2010ean Arte Ikerketa eta Sorkuntzako
Masterra egin zuen Leioako (Bizkaia) Arte
Ederren Fakultatean. 2011n praktikak egin
zituen Guggenheim Bilbao Museoan eta
jendearentzako bisita gidatuak egin zituen,
besteak beste. Gaur egun Euskal Herriko
Unibertsitatean matrikulatuta dago eta bere
doktoretza-tesia egiten ari da. Ourenseko
Aldundiaren Kultur Etxeko Arte Plastikoen
XI. Edizioaren erakusketa kolektiboan parte
hartu du, baita Barakaldoko BECeko IkasArt
erakusketan, OUTONARTE#2010 Cartografías Quebradas izeneko erakusketan, Palexco (A Coruña), eta Nuevos Valores 2010
Pontevedrako Museoan ere, besteak beste.

Sophia Grandío es Licenciada en Bellas
Artes en la Facultad de Pontevedra (Universidad de Vigo) con especialidad en audiovisuales y artes gráficas. En 2010 cursa
el Máster en Investigación y Creación en
Arte en la facultad de Bellas Artes de Leioa,
Vizcaya (Universidad del País Vasco). Hace
prácticas en el Museo Guggenheim Bilbao
realizando visitas guiadas al público general.
Actualmente, está matriculada en la Facultad de Bellas Artes de Leioa, Universidad del
País Vasco, como alumna de tercer ciclo,
realizando la Tesis Doctoral. Ha participado
en la exposición colectiva XI Certamen de
Artes Plásticas en el Centro Cultural Diputación de Orense, exposición colectiva IkasArt
en el BEC de Barakaldo (Vizcaya), exposición colectiva Cartografías Quebradas OUTONARTE#2010 en el Palexco de Coruña,
Nuevos Valores 2010 en el Museo de Pontevedra, entre otras.

Sophia Grandío graduated in Fine Arts from
the Faculty of Pontevedra, specializing in
audiovisual and graphic arts. In 2010 she did
a master’s degree in Research and Creation
in Art at the Faculty of Fine Arts in Leioa, Bizkaia. In 2011 she received practical experience at the Guggenheim Museum in Bilbao,
conducting guided tours for the general public. She is currently enrolled at the University
of the Basque Country, completing her doctoral thesis. She has taken part in the fifteenth
group exhibition of Plastic Arts Competition
at the Cultural Centre of the Provincial Council of Orense, the IkasArt exhibition at the
BEC in Barakaldo, the OUTONARTE#2010
Burnt Cartographies exhibition at the Palexco
de Coruña, New Values 2010 at the Museum
of Pontevedra, among others.

Lo que no
Color 4’ 46”
Bideosormena
Videocreación

Mateo 7
Color 110 x 67 x 74 cm, 1’ 25”
Bideoinstalazioa. Bideoa eta kristalezko mahaia
Videoinstalación. Vídeo y mesa de cristal

Lo que es
27”
Bideoinstalazioa; 3 bideo aldiberean
Vídeoinstalación, 3 vídeos en reproduccición simultanea

iedo: la colisión realidad_ficción
(Fear: the collision between reality
and fiction). Personal experimentation of the social and fictional uses of fear
through the sub-conscious. Miedo: la colisión
realidad_ficción refers to the ability of humans
to recreate imaginary situations for their own
benefit, thereby facilitating decision making.
However, that same ability turns against us
when fear comes into play. The artist is interested in fear because it is a very powerful emotion, it has the ability to nullify us and
even physically paralyze us. This artistic production chooses the audiovisual means due
to its exceptional ability to express emotions.
The aim is to understand why emotions have
a strong relationship with language and how
it is possible to express them through the
audiovisual medium. The project is based on
a series of pieces which address the issues
described above and which, in the process
of the preparation of the work, is divided into
two parts: the making of the audiovisual work
and the creation of the hardware. When both
sides collide, the piece begins to exist.

Patrik Grijalvo

BilbaoArte

55

Patrik Grijalvo
Bilbao, 1984
www.patrikgrijalvo.net
patrikgrijalvo@gmail.com

L

L

Patrik Grijalvo Arte Ederretan lizentziatua da,
ikus-entzunezko irudiaren eta argazkiaren espezialitatean, Euskal Herriko Unibertsitatetik; horrez gain, Athens School of Fine Arts akademian
urtebeteko ikasketak egin ditu. Bekadun-egoiliarra izan zen Bilbao Arte Fundazioan 2010. urtean.
Urte hartan, Austriako “Kunsthaus Bregenz” Museoan bekadun-egoiliar izateko aukera eman
zioten. 2011n Rekalde Aretoak beka eman zion
“Het Wilde Weten” arte-zentroan, Rotterdamen
(Austria), egoiliar gisa jarduteko. ERTIBIL 2013
txapelketan lehen saria irabazi zuen eta finalista
izan da International Emerging Artist Award 2014
nazioarteko sarietan eta “Obra Abierta Premio
internacional de Extremadura 2014” (Plasentzia)
sarietan, baita Arte Garaikideko Topaguneen XIV.
Nazioarteko Txapelketan ere, beste batzuen
artean. Hainbat erakusketatan parte hartu du
Austria, Holanda, Grezia, Suitza, Frantzia eta
Guatemala gisako herrialdetan.

Patrik Grijalvo es Licenciado en Bellas Artes
con la especialidad de imagen audiovisual y
fotografía por la Universidad del País Vasco.
Además ha realizado un año lectivo en la Academia Athens School of Fine Arts. Fue becarioresidente en la Fundación Bilbao Arte durante
2010. Ese mismo año obtuvo la beca de residencia en el museo “Kunsthaus Bregenz”
de Austria. En el 2011 obtuvo la beca de residencia en el centro de arte “Het Wilde Weten”
en Rotterdam, Austria concedida por la Sala
Rekalde. Obtuvo el Primer Premio en ERTIBIL 2013 y ha sido finalista en el International
Emerging Artist Award 2014 y en Obra Abierta
Premio internacional de Extremadura 2014 Plasencia, así como en el XIV Concurso Internacional Encuentros de Arte Contemporáneo entre otros. Ha expuesto en países como Austria,
Holanda, Grecia, Suiza, Francia y Guatemala.

anak berez esanahia edukitzea arte modernoaren ideia zahar bat da: errealitate
naturalarekin erlazionatzen duten loturak
moztea eta berez balio dezan uztea, betiere
lanaren muga puruen barruan. Asmo beneragarri horri berriro heltzea, abstrakziora jo gabe
eta, horrez gain, argazkiaren bitartez egitea, ia
ezinezkoa dela dirudi. Baina Patrick Grijalvok
bere irudien autonomiari eusteko modua aurkitu du, irudiak bere erreferente errealarekin duen
lotura ahulduz –baina galdu gabe– eta objektu
gisa duen izaera aldarrikatuz. Bere eskuetan eskultura bilakatzen dira: bolumen fin eta gozoko
piezak, plano-konposizio bare batetik lortutako
bolumena. (…) Patrick Grijalvo plano horien
azterketa lasai batetik abiatzen da, ebaketen
bitartez isolatzeko eta, ondoren, elkarren artetik
bereizteko. Oinarrizko osagaiak errespetatuz eta
argazkiko irudian hutsunea barne hartuz, sakontasun erreal bat, ez-ilusionista, eraikitzea lortzen
du. Gutxi axola dio espazio berri hori jatorrian
duen erreferente naturalarekin bat etortzea ala
ez etortzea: bere lege propioei erantzuten die
eta bere behar propioa du. Artistak ez du gauza
baten irudikapen zehatza egiten (mimesia), baizik
eta kanpo-abalik behar ez duen objektu berri bat
irudikatzen du (poiesia).
Jaime Cuenca.

Serie Photography as Object
200 x 140 x 50 cm
Inpresio metakrilato gainean
Impresión sobre metacrilato

ograr que la obra se deba sólo a sí misma
es un viejo ideal del arte moderno: cortar
las amarras que la vinculan con la realidad
natural y dejarla valer, toda ella contenida en
sus límites puros. Retomar esta pretensión venerable sin incurrir en la abstracción y, además,
hacerlo desde el medio fotográfico parece casi
un imposible. Pero Patrick Grijalvo ha encontrado la manera de apuntalar la autonomía de
sus imágenes, debilitando su vínculo con el
referente real –sin perderlo– y reivindicando su
condición de objeto. En sus manos devienen
esculturas: piezas de un volumen delicado y
sutil, logrado por una serena composición de
planos. (…) Patrick Grijalvo parte del estudio
sosegado de esos planos para aislarlos por
medio de cortes y luego separarlos entre sí.
Respetando sus componentes básicos e introduciendo el vacío en la imagen fotográfica,
logra construir una profundidad real, no ilusionista. Poco importa que este espacio nuevo se
corresponda o no con el referente natural del
que partió en origen: obedece a sus propias
leyes y tiene su propia necesidad. Lo que hace
el artista no es ya una representación exacta
de otra cosa (mimesis), sino presentación de un
objeto nuevo (poiesis) que no necesita ningún
aval externo.
Jaime Cuenca.

Serie Photography as Object
150 x 150 x 15 cm
Hasselblad kamera analogikoarekin ateratako erdi-formatuko argazkiak, T-Max geruzarekin, digitalizatuta eta
Hahnemüle Fine Art Photo Rag paperean tinta pigmentatuekin imprimatuta, amerikar haritzaz egindako arkitektu
markoetan muntatuta.

E

nsuring that the work only owes anything to itself is an old ideal of modern
art: cutting the ties which link it to natural reality and allowing it to show its worth, all
contained within its pure limits. Reviving this
venerable claim without incurring in abstraction
and, moreover, doing it by means of the photographic medium seems almost impossible. But
Patrick Grijalvo has found a way of bolstering
the autonomy of his images, weakening the
link with the real reference - without losing it and claiming its condition as an object. In his
hands they become sculptures, pieces of a delicate and subtle volume, achieved by a serene
composition of plains (...) Patrick Grijalvo begins
with a quiet study of these plains and then isolates them by cutting them and then separating
them from each other. Respecting their basic
components and introducing the vacuum into
the photographic image manages to build a
real, non-illusionist, depth. It matters little that
this new space corresponds or not to the natural reference with which it originally began; it
obeys its own laws and has its own needs.
What the artist makes is no longer an accurate
representation of something else (mimesis) but
rather a presentation of a new object (poiesis)
which needs no external endorsement.
Jaime Cuenca.
Patrik Grijalvo graduated in Fine Arts, specializing in audiovisual images and photography,
from the University of the Basque Country, and
also completed an academic year at the Athens
School of Fine Arts Academy. He was also an
intern-resident at the Bilbao Arte Foundation in
2010. In the same year he was awarded a residence grant at the Kunsthaus Bregenz Museum in Austria. In 2011 he obtained a residence
grant at the Het Wilde Weten Arts Centre in
Rotterdam, Austria, awarded by the Sala Recalde. He won First Prize at ERTIBIL 2013 and
was a finalist in the 2014 International Emerging Artist Award and at the 2014 Obra Abierta
International Award for Extremadura in Plasencia, as well as the 14th International Contest of
Contemporary Art Encounters, among others.
He has had exhibitions in countries like Austria,
Holland, Greece, Switzerland, France and Guatemala.
Fotografías tomadas con cámara analógica Hasselblad
de formato medio, con película T-Max, digitalizada e impresa sobre papel Hahnemühle Fine Art Photo Rag con
tintas pigmentadas y montadas en marco de arquitecto
de roble americano.

Jean Hubert

BilbaoArte

59

Jean Hubert
Ivry-sur-seine, Francia, 1987
jeanhuberttravaux.blogspot.com
jeancmjn@gmail.com

Adiskide gajo maite horrek: benetan
ematen didazu pena. Zure asmo handiengatik, zu ere betetzeko gai ez zaren
zerbait exijitzeagatik. Hara: harat-honat esku
hutsik korrika dabilen jendez beterik dago
muinoa, eta haien adore sutsu osoa ezer ez
duen zorrotxo berde horren barruan dago,
zuk harekin egin nahi duzuna besterik ez baitu zorrotxo horrek barnean”.

Mi pobre querido amigo, me da usted
tanta pena. Por sus pretensiones, por
exigir algo que ni siquiera usted es capaz de cumplir. Ya ve, la colina está llena
de gente corriendo con las manos vacías
y todo su amor propio está dentro de esa
bolsita verde que no contiene nada salvo lo
que usted quiera hacer con ello”.

My poor old fellow, I have pity for you
so. That you make demands, that you
claim something you never were able
to provide for yourself in the first place. You
see, the hill is full of people running with
empty hands, and your pride is all in this little
green bag which contains nothing but what
you wished to do with it”

Jean Hubert Paris eta Amsterdam-en bizi
eta lan egiten du. ‘Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris’-en graduatu zen
2010ean, gero n 2012 eta 2013 bitartean
Riiksakademie of Amsterdam-en egoile gisa
egon da. Denboraldi honetan erakusketa
ugaritan parte hartu du Frantzian, Belgikan
eta Herrialde Baxuetan: ‘Le Vent d’Après’
(Congratulation show, Ecole Nat. Sup. des
Beaux-Arts de Paris), ‘Agora’ (Treize, Paris),
‘Salon de Montrouge’ (Paris), ‘The Great
Indoors’ (MotiveGallery, Bruxelles) eta Rijk­
Open (Rijksakademie, Amsterdam).

Jean Hubert vive y trabaja entre París
y Ámsterdam. Se graduó en la Escuela
Nacional Superior de Bellas Artes de París
en 2010. Obtuvo una residencia en la Riiksakademie de Ámsterdam en 2012 y 2013.
Durante este periodo participó en diferentes
exposiciones en Francia, Bélgica y Países
Bajos: Le Vent d’Après’ (Congratulation
show, Ecole Nat. Sup. des Beaux-Arts de
Paris), ‘Agora’ (Treize, Paris), ‘Salon de
Montrouge’ (Paris), ‘The Great Indoors’ (MotiveGallery, Bruxelles), RijkOpen (Rijksakademie, Amsterdam).

Jean Hubert lives and works between Paris and Amsterdam. He graduated from the
‘Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts
de Paris’ in 2010. Then he was a resident
of the Riiksakademie of Amsterdam in 2012
and 2013. During this period of time he participated to several shows in France, Belgium and the Netherlands: ‘Le Vent d’Après’
(Congratulation show, Ecole Nat. Sup. des
Beaux-Arts de Paris), ‘Agora’ (Treize, Paris),
‘Salon de Montrouge’ (Paris), ‘The Great Indoors’ (MotiveGallery, Bruxelles), RijkOpen
(Rijksakademie, Amsterdam).

‘Who is there, daddy?
3 min
HD bideoa, screenshota
Video HD, screenshot

‘The bergery dosesn’t exist’
13 min
HD bideoa, screenshota
Video HD, screenshot

‘Who is there, daddy?’
3 min
HD bideoa, screenshota
Video HD, screenshot

Jimmy Can Tunis

BilbaoArte

63

Jimmy Can Tunis
Saioa Aresti Otxandiano
Bilbao, 1988

Jon Elorrieta González
Bilbao, 1988
www.jimmycantunis.com
info@jimmycantunis.com

I

E

T

Jimmy Can Tunis artean, kulturan, naturan eta benetako esperientzietan inspiratuta
sortu berri den marka bat da, beti ukitu artistiko batean oinarrituta. Saioa Arestik eta
Jon Elorrietak 2010ean hasi zuten proiektua,
Bilbon Arte Ederrak ikasten ari zirela. Jymmidevyl izeneko kapsula bilduma bat sortu eta
gero, M.I.A. artista britainiarrak aipatutako bi
egileen arropak eskatu zituen nazioarteko biretan erabiltzeko. Ion Fizekin batera lan egin
dute, Cibeles Fashion Week erakusketan aurkeztutako 2011ko udazken/neguko bildumarako estanpatuen garapenean eta ekoizpenean. 2012an beren ezaguerak aberastea
erabaki zuten eta Londreseko Central Saint
Martins Zentroan “Cool Hunting” eta “Arte-zuzendaritza modan” ikasteari ekin zioten,
marka hobetzeko eta sektorearen inguruan
ideia berriak lortzeko asmoz. 2013an Valentziako Modaren Astean parte hartzeko
aukeratu zituzten eta bertan aurkeztu zuten
“TECHNO Carmen” 2014ko udaberri/udako
bilduma. Luxu iberikoan eta ijitoen kulturan
inspiratu ziren aipatu bilduma osatzeko eta,
ildo horretatik, 90eko hamarkadako luxuzko
marken estanpatuen faltsutzeak sortu zituzten. 2014ko otsailean aurkeztu zuten beren
bilduma Madrilgo Mercedes-Benz Fashion
Week showroom-ean, eta Bilbao Arte Fundazioaren beka lortu dute, urte baterako,
lantzen ari diren proiektuaren ekoizpenerako. Horrez gain, beka bat jaso zuten Cen­
tral Saint Martins zentrora itzuli eta urtebetez
diseinu-ikasketak egiteko eta, aldi berean,
Madrilgo IED institutuan espezializatzen ja­
rraitu zuten. Espainian egiten dituzte jantziak
eta beraiek sortuak dira estanpatuetarako
konposizioak, horrek guztiak diseinuei balio
erantsia ematen diolarik.

Jimmy Can Tunis es una marca emergente inspirada en el arte, cultura, naturaleza y
experiencias reales, siempre bajo un fondo
artístico. Saioa Aresti y Jon Elorrieta comenzaron el proyecto en 2010, mientras
cursaban Bellas Artes en Bilbao. Tras crear
una colección cápsula llamada Jymmidevyl, la artista británica M.I.A. reclamó sus
prendas para sus giras internacionales. Han
colaborado con Ion Fiz en el desarrollo y
la producción de los estampados para la
colección otoño/invierno 2011, presentada en la Cibeles Fashion Week. En 2012
decidieron incrementar sus conocimientos
estudiando “Cool Hunting” y “Dirección de
arte en moda” en la Central Saint Martins de
Londres con el objetivo de mejorar la marca
y obtener nuevas ideas entorno al sector.
En 2013 fueron seleccionados para participar en la Semana de la Moda de Valencia,
donde presentaron su colección primavera/
verano 2014 “TECHNO Carmen”, inspirada
en el lujo ibérico y la cultura gitana, creando
falsificaciones de estampados de las marcas de lujo de los 90. En febrero de 2014
presentaron su colección en el showroom
de la Mercedes-Benz Fashion Week de Madrid y han sido becados durante un año por
la Fundación Bilbao Arte para la producción
de su proyecto. Recibieron, a su vez, una
beca para volver a la Central Saint Martins
para estudiar diseño, mientras que se especializan en estilismo en el IED de Madrid. Las
prendas están confeccionadas en España
y las composiciones para los estampados
son imágenes creadas por los propios diseñadores, siendo todos estos aspectos un
valor añadido en los diseños.

Jimmy Can Tunis is an emerging brand inspired by art, culture, nature and real experiences, always with an artistic background.
Saioa Aresti and Jon Elorrieta began the
project in 2010 while they were studying
Fine Arts in Bilbao. After creating a capsule
collection called Jymmidevyl, the British artist M.I.A. claimed their clothing for international tours. They have worked with Ion Fiz
in the development and production of patterns for the autumn/winter 2011 collection,
presented at the Cibeles Fashion Week. In
2012 they decided to increase their knowledge by studying “Cool Hunting” and “Art
Direction in Fashion” at Central Saint Martins in London in order to enhance the brand
and get new ideas concerning the sector. In
2013 they were selected to take part in the
Valencia Fashion Week, where they presented their spring/summer 2014 collection titled “TECHNO Carmen”, inspired by Iberian
luxury and the gypsy culture, creating fake
patterns of the luxury brands of the 1990s.
In February 2014 they presented their collection in the showroom of the MercedesBenz Fashion Week in Madrid and were
awarded grants for a year by the Bilbao Arte
Foundation for the production of their project. They then received a grant to return to
Central Saint Martins to study design, while
they specialized in styling at the IED in Madrid. The clothes are made in Spain and the
compositions for the patterns are images
created by the designers themselves, all of
these aspects bringing an added value to
the designs.

kuspegi literal eta figuratibo batetik landutako paradisu, oihan eta kolore bizietatik
hasi, eta kontzeptualagoa eta pertsonalagoa den bizio eta tentaziora bitarteko ideietan
oinarrituta osatu duen bilduma berri batek
osatzen du proiektu hau. Aipatutako kontzeptuak zolitasunez eta, aldi berean, modu esplizituago batean irudikatzeko moduarekin
jolasten da. Sexua gardentasunen eta irekiduren bitartez interpretatzen du, bigarren
maila batean ezkutatzen dena azaleratuz, eta
prostituzioa, striptease-kluben horma-irudiak
eta anfetamina-ehundurak iradokitzen dituen
estilismo batekin konbinatzen du guztia.

l proyecto consta de una nueva colec
ción inspirada en el paraíso, desde un
enfoque literal y figurativo, la jungla y
los colores vivos, hasta lo conceptual y más
personal, el vicio y la tentación.
Se juega con la forma de representar estos
conceptos de forma sutil y al mismo tiempo
de la manera más explícita. El sexo interpretado mediante transparencias y aberturas
que permiten ver lo que se esconde en un
segundo plano, combinado con un estilismo
que alude a la prostitución, carteles propios
de clubs de striptease y texturas de anfetamina.

he project consists of a new collection
inspired by paradise, with a literal and
figurative focus, the jungle and vivid
colours, as well as conceptual and more personal aspects, vice and temptation. The way
of representing these concepts subtly and,
at the same time, in a more explicit manner
is explored. Sex interpreted by means of
slides and openings allows us to see what
lurks in the background, combined with a
stylization alluding to prostitution, posters
of strip clubs and amphetamine textures.
Oriental and Indian references, images and
fragments of individual shelters and animal
skins form compositions which, combined
with opposing fabrics and different tonalities,
create collages and a chromatic explosion
characteristic of Eden, attempting to risk
by means of using the bright colours of autumn/winter 2015.

La Tourette

BilbaoArte

67

La Tourette
Ana Aldama Virto
Bilbao, 1987

Diego Grisaleña Albéniz
Bilbao, 1987
fanzinelatourette.tumblr.com
fanzinelatourette@gmail.com

L

L

L

a Tourette sindrome bat da, baina,
lasai, ez da larria. Kontrolatu ezin diren tik batzuen bitartez agertzen da
eta guk guztiok ditugu tik horiek. Eta ez guk
bakarrik, baita lagun, ezagun eta ezezagun
askok ere. Fanzine hau saihestu ezin ditugun eta hainbeste atsegin ditugun sorkun­
tzako TIK horien sendabide kolektibo eta
erakusleiho gisa sortu da.
Eta hori guztia formatu txiki eta trinkotu
baten eskutik egiten da. Zehazkiago, A3
orri bat erabiltzen du (A4 hasieran), eskuz
tolestutako erabilera-orri mediku baten
itxura duena eta hiru hilean behin dohainik
banatzen dena. Fanzine bakoitzean gai bat
lantzen da, eta gaur egunera arte argitaratu
diren 6 zenbakietan (gehi 2 express), makina bat pertsonak, ehunetik gora, parte hartu
dute.
Eta La Tourette ez da fanzine bat soilik, merchandising-a ere bada, fanzineen inprimaketaren eta banaketaren kostuei aurre egitea
bilatzen duena. Era berean, hiriko esku-har­
tzeak eta erakusketak barne hartzen ditu,
eta horiei esker, fanzinea kalera irteten da eta
berau irakurtzeko esperientzia aldatu egiten
da. Halaber, tailerrak, autoedizioko azokak
eta azoka txikiak baliatzen dira proiektuaren
azalpenak emateko eta antzeko ekimenak
ezagutzeko. Eta, era berean, eta batez ere,
ondo pasatzeko eta gure TIK guztiak eta
sorkuntzako kezkak partekatzeko aitzakia
ere bada. FAN ZI NE LA TOU RE TTE.

a Tourette es un síndrome, pero
tranquilxs, no es grave. Resulta que
se suele manifestar a través de unos
tics incontrolables y fíjate tú, nosotros los
tenemos. Y no solo nosotrxs sino también
muchxs amigxs, conocidxs y desconocidxs.
Este fanzine nace como remedio colectivo y
escaparate a todos esos TICS creativos que
no podemos evitar y tanto nos gustan.
Todo ello en un formato reducido y comprimido. Más concretamente, una hoja A3
(en sus inicios A4) doblada manualmente a
modo de prospecto médico y repartida de
manera gratuita cada 3 meses. Cada fanzine gira en torno a un tema y se construye a
través de la participación de muchas personas, más de 100, en los 6 números publicados hasta la fecha (más 2 express).
Y La Tourette no es solo un fanzine sino
también es merchandising, con el objetivo
de poder costear la impresión y reparto gratuito de los fanzines. También son intervenciones urbanas y exposiciones que sacan el
fanzine a la calle y cambian la experiencia
de su lectura. También son talleres, ferias de
autoedición y mercadillos que nos permiten
explicar el proyecto y conocer iniciativas similares. Y también, y sobre todo, es una excusa para pasarlo bien y compartir nuestros
TICS e inquietudes creativas. FAN ZI NE LA
TOU RE TTE.

a Tourette is a syndrome but, don’t
worry, it’s not serious. It is typically expressed through uncontrollable
twitches and, believe me, we have them.
Not only us but also many of our friends,
acquaintances and strangers. This fanzine
is conceived as a collective remedy and a
showcase for all those creative TWITCHES
we cannot avoid and we like so much.
All in a reduced and compressed format.
More specifically, an A3 sheet (in its beginnings, on A4) manually folded in the form of
a medical prospectus and distributed free
every 3 months. Each fanzine focuses on
a theme and is constructed with the participation of many people, more than 100 of
them, in the 6 issues published to date (plus
2 express versions).
And La Tourette is not just a fanzine. It is also
a form of merchandising, with the aim of financing the printing and free distribution of
the fanzines. There are also urban interventions and exhibitions which get the fanzine
onto the street and change the experience
of how it is read. There are also workshops,
self-publishing fairs and markets allowing
us to explain the project and get to know
about similar initiatives. And also, above all,
it is an excuse to have fun and share our
TWITCHES and creative concerns. FAN ZI
NE LA TOU RE TTE.

Ana Aldama Virtok (Bilbao, 1987), Arte
Ederretan eta Diseinuan lizentziatua denak,
eta Diego Grisaleña Albénizek (Bilbao,
1987), Arkitektoa denak, osatu eta garatzen
dute proiektu hau 2013. urtetik. Anak, bere
aldetik, “End of semester collective exhibition in Spike Island” (University of West of
England (UWE), “Gorantz” (Bilboko Windor
Kulturgintza Galeria eta Saenz Enea Kultur
Etxea Zarautzen) eta GETXOARTE (Getxo,
Bilbao) erakusketa kolektiboetan parte hartu
du, besteak beste. Diegok, bestalde, aktiboki parte hartzen du Donostiako M-etxea eta
Valentziako ASM arkitektura-taldeetan, besteak beste, eta ondarea berreskuratzeko eta
herritarren partaidetzarako proiektu desberdinetan parte hartu du, hala nola BERREIBAR proiektuan, Eibarren, eta PASILEKU
proiektuan, Gernikan.

Ana Aldama Virto (Bilbao, 1987) licenciada
en Bellas Artes y Diego Grisaleña Albéniz
(Bilbao, 1987), arquitecto, dan forma y vida
a este proyecto desde el 2013. Ana ha participado en las exposiciones colectivas “End
of semester collective exhibition in Spike Island” (University of West of England (UWE),
“Gorantz” (Galería Windor Kulturgintza de
Bilbao y Saenz Enea Kultur Etxea en Zarautz) y en GETXOARTE (Getxo, Bilbao) entre otras. Diego es parte activa de diferentes
colectivos de arquitectura como M-etxea en
Donostia y ASM en Valencia, habiendo participado en proyectos de recuperación del
patrimonio y participación ciudadana como
BERREIBAR en Eibar y PASILEKU en Gernika.

Ana Aldama Virto (Bilbao, 1987), a graduate in Fine Arts, and Diego Grisaleña Albéniz (Bilbao, 1987), an architect, have given shape and life to this project since 2013.
Ana has participated in the group exhibitions
“End of semester collective exhibition in
Spike Island” (University of West of England
(UWE), “Gorantz” (Windsor Kulturgintza Gallery in Bilbao and Saenz Enea Kultur Etxea
in Zarauz) and GETXOARTE (Getxo, Bilbao),
among others. Diego forms an active part
of different architectural collectives such as
M-etxea in Donostia and ASM in Valencia,
having taken part in heritage restoration and
citizen participation projects like BERREIBAR in Eibar and PASILEKU in Gernika.

Isabel Marcos

BilbaoArte

71

Isabel Marcos
Madrid, 1986
www.isabelms.com
isabel.marcossolorzano@gmail.com

I

través de la observación del entorno,
el diálogo entre personas y la experiencia del día a día, inicia procesos
de investigación que abordan cuestiones
sobre la habitabilidad del espacio, el desarrollo de cartografías contemporáneas y las
relaciones geográficas entre ciudadanos.
Se interesa por la conceptualización del
espacio como una construcción relacional,
donde las interactuaciones sociales e identidades personales conviven con la anarquía
y la explosión de experiencias espontáneas,
siendo cualquier invisible e insignificante detalle, alimento de la identidad de un espacio.
Busca o provoca pequeñas situaciones en
las rutinas más cotidianas, jugando a encontrar, desde esa perturbación, elementos
que determinen la condición geopolítica de
un territorio.
Lugares determinados, paseos sin una clara
dirección, lapsos de tiempo y objetos desplazados serán la base de ficciones que,
lejos de alejarnos de la realidad, nos reconectan con sus capas más significantes.

A

y means of observation of the surroundings, dialogue between people and daily life day experience, the
artist initiates research processes which
address issues regarding the habitability of
space, the development of contemporary
cartographies and the geographical relationships between citizens.
She is interested in the conceptualization of
space as a relational construction, where
social interactions and personal identities
live together with anarchy and the explosion
of spontaneous experiences, being any invisible or insignificant detail part of the identity of a space.
She seeks or provokes small situations in
everyday routines, attempting to find, using
that disturbance, factors that determine the
geopolitical status of a territory.
Certain places, strolls without a clear direction, lapses of time and displaced objects
will form the basis for fictions which, instead
of moving us further away from reality, will
reconnect us with its most significant layers.

Isabel Marcos Madril eta Rotterdam artean
bizi da eta bi hirietan lan egiten du. Arte Ederretan lizentziatua eta Arkitektoa da, Madrilgo
Europako Unibertsitatetik, eta 2011tik 2013ra
bere prestakuntza osatu zuen, Arnhem-eko
Dutch Art Institute Institutuko MFA batekin.
Bere lanen erakusketa indibidualak antolatu
ditu Madrilen (Trapezio espazioa, CEART) eta
erakusketa, txosten eta aurkezpen kolektiboetan parte hartu du Istanbulen (Galata Fotografhanesi Fotograf Akademisi), Amsterdamen (De Appel Arts Centre, Kuntsvlai Festival
of Independents), Rotterdamen (Route du
Nord, The White Wall Project), Oslon (Atelier
Nord ANX), Utrecht-en (CasCo Office for Art,
Design and Theory), Madrilen (Arte Gaztearen
Aretoa, CArteC, Espacio Oculto, Material Galeria) eta Dakarren (Raw Material Company).
2011tik Intrasit Sortzaileen Artxiboko kide da;
2013an VEGAP Fundazioaren Sorkuntzarako
Laguntza bat jaso zuen eta 2014an Madril hiriko Arte Plastikoen Zirkuituko XXV. Edizioan
parte hartzeko aukeratu dute.

Isabel Marcos, reside y trabaja entre Madrid y Róterdam. Es licenciada en BBAA
y Arquitecta por la UEM de Madrid, y en
2011-13 completa su formación con un
MFA en el Dutch Art Institute de Arnhem.
Ha presentado su trabajo de forma individual en Madrid (Espacio Trapezio, CEART)
y participado en exposiciones, ponencias
y presentaciones colectivas en Estambul
(Galata Fotografhanesi Fotograf Akademisi),
Amsterdam (De Appel Arts Centre, Kuntsvlai
Festival of Independents), Róterdam (Route
du Nord, The White Wall Project), Oslo (Atelier Nord ANX), Utrecht (CasCo Office for Art,
Design and Theory), Madrid (Sala de Arte
Joven, CArteC, Espacio Oculto, Galería Material) y Dakar (Raw Material Company).Pertenece desde 2011 al Archivo de Creadores
Intransit, contó en 2013 con una Ayuda a la
Creación de la Fundación VEGAP y en 2014
ha sido seleccionada en la XXV edición de
Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid.

Isabel Marcos lives and works between
Madrid and Rotterdam. She is a graduate
in fine arts and architecture from the UEM
in Madrid and in 2011-2013 she completed her training with an MFA at the Dutch
Art Institute in Arnhem. She has presented
her work individually in Madrid (Espacio Trapezio, CEART) and has taken part in exhibitions, papers and group presentations in
Istanbul (Galata FotogRafhanesi Fotograf
Akademisi), Amsterdam (De Appel Arts
Centre, Kuntsvlai Festival of Independents),
Rotterdam (Route du Nord, the White Wall
Project), Oslo (Atelier Nord ANX), Utrecht
(CasCo Office for Art, Design and Theory),
Madrid (Sala de Arte Joven, Cartec, Espacio Oculto, Galería Material) and Dakar (Raw
Material Company). Since 2011 she belongs
to the Intransit Archive of Creators. In 2013
she received a Grant for Creation from the
VEGAP Foundation and in 2014 she was selected for the 25th edition Fine Arts Circuits
of the Community of Madrid.

ngurunearen behaketa, pertsonen arteko
elkarrizketa eta eguneroko esperientzia
hartzen ditu abiapuntutzat artistak bere
ikerketa-prozesuei ekiteko, eta ikerketa-prozesu horietan hainbat gairi heltzen die, hala
nola espazioaren bizigarritasuna, kartografia
garaikideen garapena eta herritarren arteko
harreman geografikoak.
Espazioaren kontzeptualizazioa harremanak
eraikitzeko elementu gisa ulertzen du, non gizarte-elkarreraginak eta identitate pertsonalak anarkiarekin eta bat-bateko esperientzien
eztandarekin batera bizi diren eta edonolako
xehetasun ikusezin eta hutsalek espazio baten identitatea elikatzeko balio duen.
Errutina egunerokoenetan egoera sinpleak
bilatzen eta eragiten ditu, eta nahaste horretatik abiatuta, lurralde baten izaera geopolitikoa erabakitzen duten elementuak bilatzera
jolasten da.
Leku zehatzak, noranzko garbirik gabeko
ibilaldiak, denbora-lapsusak eta lekuz aldatutako objektuak oinarrian hartuta, fikzioak
sortzen ditu, eta fikzio horiek, errealitatetik
urrundu beharrean, errealitateko geruzarik
esanguratsuenekin konektatzen gaituzte berriro.

LAS CHIMENEAS SON BONITAS
42 x 130cm
Hiru argazkiko seriea eta testua paper gainean
Serie de 3 fotografías y texto sobre papel

B

ESTA PIEDRA CONTIENE UN VIAJE
Objektu eta bideo instalazioa monokanalean proiekatua
Instalación de objeto y video proyectado en monocanal

Daniel Mera Martínez

BilbaoArte

75

Daniel Mera Martínez
San Sebastián, 1986
d.meraac@gmail.com

928an José Manuel Aizpúrua Azqueta arkitekto donostiarrak egindako
marrazki-koaderno bat da lanaren
abiapuntua. Koaderno horretan iruditeria
oso zehatz batera eramaten gaituen ariketa plastikoa egiten da eta Europako abangoardia modernoaren prozesu historikoaren
zeinu gisa eta adierazle gisa agertzen zaigu.
Grina arrazionalista batetik abiatuta -Azquetaren pentsamendua eta lana hainbeste
eragin zuen gizarte-aurrerapenaren ideien
berezkoa den grina-, artistak bere hiriko
hainbat erakusleiho diseinatzen ditu dokumentu honetan; besteak beste, jostundegi
bat, bainu-etxe bat, bitxi-denda bat eta farmazia bat.
Aipatutako espazio guztiak ez dira errealak,
hau da, batzuen irudikapen bikoitza egin
zuen artistak. Denda horiek kokatzeko eta
zertan bilakatu diren jakiteko jakin-minak
gidatu du proiektuaren prozesua. Horrela,
helburu horri lortuta sortutako materiala, e­­
rreferente erreal bat ez duten denden inguruan egituratu da, eta erreferente erreal bat
ez edukitzea estrategia gisa baliatu du, distantzia estrategiko batetik benetako dendak
berriro irudikatzeko. Koadernoa egituratzeko jarraitu den logikari erantzunez, egileak
bitan irudikatu behar izan zuen orri batean
idatzitako esaldi bat aukeratu du titulu gisa;
Lo que podría ser una representación de...

l trabajo toma como punto de partida un cuaderno de dibujos realizado
en 1928, del arquitecto donostiarra
José Manuel Aizpúrua Azqueta. Estas páginas contienen un ejercicio plástico que nos
remite a un imaginario muy concreto, cuya
forma se nos revela como signo, un significante, del proceso histórico perteneciente a
la vanguardia europea moderna.
Con una ambición racionalista, propia de las
ideas de progreso social que tanto impregnaron el pensamiento y el hacer de Azqueta, el artista diseña en este documento los
escaparates de varios establecimientos de
su ciudad; entre ellos, una sastrería, un balneario, una joyería y una farmacia.
No todos estos espacios son reales, es
decir, algunos de ellos fueron doblemente
imaginados por el artista. El proceso del
proyecto ha sido guiado por la siguiente
curiosidad; localizar y descubrir en qué se
han convertido estos comercios. El material
resultante de esta intención se estructura en
torno a los establecimientos que no tienen
un referente real al que significarse, encontrando en esta negatividad una estrategia
para volver a imaginar los reales desde una
distancia estratégica. Respondiendo a la lógica en la que está articulado el cuaderno,
he tomado como título una frase que su autor escribió en una de las páginas que tuvo
que imaginar doblemente; Lo que podría ser
una representación de...

1

E

T

Daniel Mera Arte Ederretan lizentziatu zen
UPV/EHUn, 2009. urtean. 2012an Master bat egin zuen arte bisualetan, MA Fine
Arts, Londreseko Chelsea College of Art and
Design zentroan. Gaur egun Bilbon bizi da
eta bertan lan egiten du. Eskultorikoaren,
ekintzaren eta bideoaren erabileraren erdi bidean, forma baliatuz berez narratiba sortzen
duten prozesu tekniko jakin batzuetan lan
egitean datza egilearen funtsezko nahia.

Daniel Mera se licenció en Bellas Artes en la
UPV, año 2009. En el 2012 realizó un Master
en artes visuales, MA Fine Arts, Chelsea College of Art and Design, London. Actualmente reside y trabaja en Bilbao. A medio camino entre lo escultórico, la acción y el uso
del vídeo, el interés fundamental del artista
reside en trabajar mediante la forma ciertos
procesos técnicos que generan narrativa
por derecho propio.

Daniel Mera graduated in Fine Arts from
the UPV in 2009. In 2012 he completed a
master’s degree in Visual Arts, MA Fine Arts,
Chelsea College of Art and Design, London. He currently lives and works in Bilbao.
Caught between sculpture, action and the
use of video, the artist’s primary interest lies
in working by means of certain technical
processes which generate narrative in their
own right.

“Lo que podría ser una representación de...”
HD bideoa
Vídeo HD

he work takes as its starting point a
sketchbook produced in 1928 by the
San Sebastián architect José Manuel
Aizpúrua Azqueta. These pages contain
a plastic exercise which refers to a very
specific imaginary, whose form is revealed
to us as a sign, a signifier, of the historical
process belonging to the modern European
avant-garde.
With a rationalist ambition, typical of the
ideas of social progress which pervaded
Azqueta’s thoughts and doing so much, in
this document the artist designs the shop
windows of several establishments from his
city, among them, a tailor’s shop, a spa, a
jeweller’s and a pharmacy.
Not all these spaces are real, in other words,
some of them were doubly-imagined by the
artist. The project’s process has been guided by the following curiosity: locate and discover what these businesses have become.
The material resulting from this intention is
structured around the establishments which
have no real relation to signify, finding in this
negativity a strategy to imagine the real ones
once again from a strategic distance. Replying to the logic in which the sketchbook is
articulated, I have taken as a title a phrase
that the author wrote in one of the pages he
had to think doubly: What could be a representation of...

Nils Mollenhauer

BilbaoArte

79

Nils Mollenhauer
Hannover, Alemania, 1979
www.nilsmollenhauer.com
info@nilsmollenhauer.com

B

ilboko Itsas Museoan ‘Bilbao Guggenheim++’ deritzon proiektuari
buruzko erakusketa ikus dezakegu.
Erakusketa hori Shanghai 2010eko Munduko Expoan inauguratu zen, horman ondoko testu hau zekarrelarik:
“’Bilbao Guggenheim++’ hiri batek 25 urteko
epealdi laburrean izan duen eraldatze sakonaren erakusbidea da; izan ere, epealdi horren hasieran hiri zikina zen Bilbo, aldiri narriatuez inguratua eta industria-produkzioaren
sistema ere krisian zuena. Epealdi horren
buruan, berriz, Europako hiririk erakargarrienetako bat da (…) …Bilboren hiru iraultzak:
industria-iraultza, azken 25 urteotako hiriiraultza eta etorkizuneko ezaguera-iraultza”.
‘Aprendiendo de Bilbao’ izeneko bere instalazio hau Bilboren eraldatze(ar)en edo haren
‘iraultzen’ azpian dagoen mitoa gezurta­
tzen ahalegintzen da. Hiriaren nonahiko
auto-marketinga eta aldiz lakonikoak, aldiz
ironikoak diren argazki-tipologiak erkatuz,
saiakeraren arloko argudiaketa garatzen da.
‘Las Vegasengandik ikasten’ (Venturi, Scott
Brown, Izenour; 1972) lana erreferentziatzat
hartuz, une honetan artistak murgildurik dagoen sormen-industriara garamatzan lotura
historikoak agerrarazten dira instalazioan.

E

n el Museo Marítimo de Bilbao se
puede ver una exposición de un
proyecto llamado ‘Bilbao Guggenheim++’, que inicialmente fue mostrada en la
Expo mundial Shanghái 2010, acompañada
de un texto en el muro:
’Bilbao Guggenheim++’ es el ejemplo de
la profunda transformación de una ciudad
en el corto periodo de 25 años, en el que
pasó de ser una ciudad sucia con un entorno deteriorado y un sistema de producción industrial en crisis, a convertirse en una
de las ciudades más atractivas de Europa.
(…)…las tres revoluciones de Bilbao: la revolución industrial, la revolución urbana de
los últimos 25 años y la futura revolución del
conocimiento”.
Su instalación ‘Aprendiendo de Bilbao’
trata de refutar el mito que subyace a la(s)
transformación(es) de Bilbao o a sus ‘revoluciones’. Comparando el ubicuo auto-marketing de la ciudad con series y tipologías
de fotografías, a veces lacónicas, a veces
irónicas, se desarrolla una argumentación
ensayística. Teniendo como referencia a
‘Aprender de Las Vegas’ (Venturi, Scott
Brown, Izenour; 1972), la instalación revela
conexiones históricas que conducen hasta
la actual industria creativa en la que se mueve el artista.

I

n the Maritime Museum of Bilbao you
can find an exhibition of a project called
‘Bilbao Guggenheim++’, initially shown at
the Shanghai World Expo 2010, accompanied by a wall text:
“’Bilbao Guggenheim++’ is an example of a
city’s profound transformation in the short
time period of 25 years, going from being
a dirty city, with a deteriorated environment
and an industrial production system in crisis,
to becoming one of the most attractive cities in Europe. (…) …the three revolutions of
Bilbao: the Industrial Revolution, the Urban
Revolution of the past 25 years and the future Knowledge Revolution.”
His installation ‘Aprendiendo de Bilbao’ is
trying to debunk the myth behind Bilbao’s
transformation(s) or even ‘revolutions’. Contrasting the city’s ubiquitous self-marketing
with series and typologies of sometimes
laconic sometimes ironic photographs it is
developing an essayistic argumentation. By
referencing to ‘Learning from Las Vegas’
(Venturi, Scott Brown, Izenour; 1972) the
installation reveals historic connections that
lead to today’s creative industry where the
artist is involved in.

Nils Mollenhauer Arte Ederretan tituluduna
(2012) Leipzigeko Arte Bisualen akademian.
Bere erakusketengatik ezaguna da: ’De­
sembalo mi biblioteca, Anti-Liburudenda’
(Bilbao, 2014), ‘From Here and Now’ (Kunstverein Hannover, 2013), ‘A tulip. A bubble.
A dead cinch’ (Bilbao, 2013 eta Kunstraum
D21, Leipzig, 2012), ‘DLF 1874, The Biography of Images’ (Halle 14, Leipzig, 2012),
‘Sculptures for Roundabouts’ (Golden Pudel
Club, Hamburg, 2011), eta ‘The Discontents
of the Archival’ (Projekt Kaufhaus Joske,
­Leipzig, 2010).

Nils Mollenhauer está titulado en Bellas
Artes (2012) por la Academia de Artes Visuales de Leipzig. También ha sido reconocido por sus exposiciones: ’Desembalo mi
biblioteca, Anti-Liburudenda’ (Bilbao, 2014),
‘From Here and Now’ (Kunstverein Hannover, 2013), ‘A tulip. A bubble. A dead cinch’
(Bilbao, 2013 y Kunstraum D21, Leipzig,
2012), ‘DLF 1874, The Biography of Images’ (Halle 14, Leipzig, 2012), ‘Sculptures
for Roundabouts’ (Golden Pudel Club, Hamburg, 2011), y ‘The Discontents of the Archival’ (Projekt Kaufhaus Joske, Leipzig, 2010).

Nils Mollenhauer has a Diploma in Fine Arts
(2012) from the Academy of Visual Arts in
Leipzig. He also has been selected for his
exhibitions: ’Desembalo mi biblioteca, Anti-Liburudenda’ (Bilbao, 2014), ‘From Here
and Now’ (Kunstverein Hannover, 2013),
‘A tulip. A bubble. A dead cinch’ (Bilbao,
2013 and Kunstraum D21, Leipzig, 2012),
‘DLF 1874, The Biography of Images’ (Halle
14, Leipzig, 2012), ‘Sculptures for Roundabouts’ (Golden Pudel Club, Hamburg,
2011), and ‘The Discontents of the Archival’
(Projekt Kaufhaus Joske, Leipzig, 2010).

Aprendiendo de Bilbao, IV.
Los Burgueses de Bilbao
Instalazioa, argazkiak
Instalación, fotografías

Aprendiendo de Bilbao, IV.
Los Burgueses de Bilbao
Instalazioa, argazkiak
Instalación, fotografías

Aprendiendo de Bilbao, II.
Expertos
Instalazioa, argazkiak
Instalación, fotografías

OPN Studio

BilbaoArte

83

OPN Studio
Zaragoza, 2007
opnstudio.com
opnstudio@opnstudio.com

D

r. Sachs seriea hainbat esparru elkartzen dituen proiektu baten antzera
sortu da: Artea, Zientzia eta Teknologia dira esparru horiek.
Sinestesia estimulu bakar baten aurrean
bi zentzumen elkartzen dituen kualitate e­
rreala eta ez-metaforikoa da. Prozesua zertan datzan ulertzeko, sinesteta batek koloreak entzun, soinuak ikusi edo objektu bat
ukitzean dastamen-sentsazioak antzeman
ditzakeela esan behar dugu. Benetan sentitzen ditu, bat-batean gertatzen dira, saihestezinak dira, baita iraunkorrak eta ezin alda
daitezkeenak ere.
Sinestesiari buruzko hainbat azterketak
baieztatzen duten moduan, ez da irudikatu
behar, baizik eta bizi egin behar da. Mundua
modu ez-konbentzional batean hauteman
daiteke. Horregatik, gure ikerketaren oinarri
gisa teknologiaren bitartez prozesu sinestesikoak gauzatzen dituzten hainbat piezaren garapena hartu dugu, modu horretara, asinestetek itxura batean “ez dagoen hori” ezagutu
dezaten, hau da, birkodetze sentsorial bat
egin dezaten, eta modu horretara, irakurketa
berriak lor ditzaten.
Synesthesia I lanak hauteman ezin dena
hautematea posible egiten diguten jarduera
termikoak ikertzen eta islatzen ditu. Itxura
batean ez dagoena, kolore eta dinamismo
handiko elementuekin irudikatzen du eta
birkodetze sentsorial bat lortzen da, energia
transkribatzen duten kamera termografikoen
bitartez —gure sistema kognitiboak energia
hauteman, aztertu eta sailkatu ahal izatea
lortzen da kamera horiekin. Ikerketaren funtsa
ezkutuko matrize termiko bat sortzean datza,
eta matrize termiko horrek tenperatura puntu
desberdinetan aldatzen du, modu programatuan. Aldaketak kamera termografiko batek
jasotzen eta grabatzen ditu, eta emaitza gisa,
jarduera termikoaren iraunkortasuna islatzen
duen azterketa bat lortzen da.
OPN Studio-ren lana hainbat herrialdetan
egon da ikusgai, besteak beste: Finlandia,
Frantzia, Dominikar Errepublika, Honduras,
Guatemala, Mexiko edo Txileko Errepublikan.
2008tik erakusketa indibidualak eta kolekti­
boak egin ditu eta hainbat sari eta beka
nazional eta nazioarteko jaso ditu.

Serie Dr. Sachs
Synesthesia I
Instalazio termikoa
Instalación térmica

L

T

OPN Studio, ha realizado exposiciones
tanto colectivas como individuales desde
2007 en Europa y América, en paises como
Finlandia, Francia, R. Dominicana o Mexico,
destacando ARCO, Círculo de Bellas Artes
de Madrid dentro del Premio Nacional INJUVE, Museo Wurth, Patio Herreriano de
Valladolid, Fundación Torrente Ballester,
Museo Pablo Serrano...

OPN Studio, has exhibited both group
and solo exhibitions since 2007 in Europe
and America, in countries such as Finland,
France, the Dominican Republic or Mexico.
Including shows at ARCO, Circulo de Bellas
Artes in Madrid within the national awards
INJUVE, Wurth museum, Patio Herreriano
de Valladolid, Torrente Ballester Foundation,
Pablo Serrano museum...

a serie Dr. Sachs se concibe como
un proyecto que aúna varias campos:
Arte, Ciencia y Tecnología.
Sinestesia es la cualidad real y no metafórica, que asocia dos o más sentidos ante
un único estímulo. Para comprender en qué
consiste el proceso, debemos precisar que
un sinesteta, puede oír colores, ver sonidos
o percibir sensaciones gustativas al tocar
un objeto. Las siente realmente, se producen espontáneamente, son inevitables, duraderas y no modificables.
Como bien se afirma en algunos estudios
acerca de la sinestesia, no se trata de imaginarla sino de vivirla. Es posible percibir el
mundo de una manera no convencional.
Por ello, hemos basado nuestra investigación en el desarrollo de una serie de piezas
que materializan procesos sinestésicos a
través de la tecnología, para que los asinestetas, descubran lo aparentemente “ausente”, es decir, una recodificación sensorial
consiguiendo así nuevas lecturas.
Synesthesia I, investiga y plasma actividades térmicas que nos permiten apreciar lo
imperceptible. Representa lo aparentemente ausente con elementos ricos en color y
dinamismo, creando un recodificación sensorial por medio de cámaras termográficas,
que transcriben la energía, permitiendo ser
percibida, analizada y clasificada por nuestro sistema cognitivo. La investigación se
basa en la creación de una matriz térmica oculta, que modifica la temperatura en
diferentes puntos de forma programada.
Las variaciones son captadas y grabadas
por una cámara termográfica dando como
resultado un estudio con su constancia de
actividad térmica.

Serie Dr. Sachs
Synesthesia I
Instalazio termikoa
Instalación térmica

he Dr Sachs series is conceived as a
project which combines several fields:
Art, Science and Technology.
Synesthesia is a real and non-metaphorical quality which combines two or more
senses subjected to a single stimulus. To
understand what the process consists of,
we must point out that a synaesthete can
hear colours, see sounds or perceive taste
sensations by touching an object. He feels
them really, they occur spontaneously, they
are inevitable, durable and non-modifiable.
As is stated in some studies of synesthesia,
it is not a matter of imagining but experiencing it. It is possible to perceive the world in
an unconventional way. Therefore, we have
based our research on the development of
a series of pieces embodying synesthetic
processes through technology, so that the
asynaesthetes discover what is apparently
“missing”, in other words, a sensory recoding, thereby obtaining new readings.
Synesthesia I investigates and embodies
thermal activities which allow us to appreciate the imperceptible. It represents the
seemingly absent with elements rich in
colour and dynamism, creating a sensory
recoding by means of thermographic cameras which transcribe energy, allowing it to
be perceived, analyzed and classified by
our cognitive system. The research is based
on the creation of a hidden thermal matrix
which modifies the temperature at different
points in a scheduled manner. The changes
are captured and recorded by a thermographic camera, producing a study with its
record of thermal activity.

Serie Dr. Sachs
Synesthesia I
Instalazio termikoa
Instalación térmica

Serie Dr. Sachs
Synesthesia II
Grafema - color
40 x 40 x 3 cm
Lan infragorria
Obra infrarroja

Antonio R. Montesinos

BilbaoArte

87

Antonio R. Montesinos
Ronda, 1979
www.armontesinos.net
armontesinos@gmail.com

J

l proyecto plantea modelos urbanos
ficticios desde una posición subjetiva, con la intención de ejercitar nuestro derecho a imaginar unas estructuras
diferentes. En último término se pretende
tergiversar la idea de utopía moderna, basada en la razón, para proponer modelos
basados en el deseo, lo lúdico y lo improvisado. El proceso de trabajo hace uso de la
maqueta como herramienta de proyección
social y urbanística desde este nuevo paradigma.
Dentro del proyecto se han desarrollado
varios procesos de trabajo; como la serie
de fotografías Inopias, que muestra maquetas realizadas en entornos domésticos
con materiales encontrados. Estas maquetas representan ciudades y están construidas para ser fotografiadas. Paralelamente
se ha trabajado en la serie de dibujos “Igual
medida”, que utiliza plantillas de perspectiva isométrica como base de ejercicios de
dibujo y varias instalaciones site-specific,
como Laboratorio Urbano Personal, Far
Lands o la serie Models.

E

t is a project to propose fictitious urban
models from a subjective position, with
the intention of exercising our right to
imagine different structures. The ultimate
aim is to distort the idea of a modern utopia, based on reason, to propose models
based on desire, play and improvisation.
The work process makes use of the model
as a tool for social and urbanistic projection
from this new paradigm.
Several work processes have been developed within the project, such as the series of photographs called Inopias, which
shows models made in domestic environments with materials which have been
found. These models represent cities and
are constructed to be photographed. At
the same time work has been done on the
series of drawings titled “Igual medida”,
which uses templates of an isometric perspective as a basis for drawing exercises
and various site-specific installations, such
as Laboratorio Urbano Personal, Far Lands
and the Models series.

Antonio R. Montesinos Arte Ederretan
lizentziatua da Valentziako S. Carles Fakultatetik eta Arte Digitaletan master bat du,
Bartzelonako Pompeu Fabra Fakultatetik.
Hainbat testuingurutan lan egin du eta bere
lanak jendaurrean jarri ditu zentro desberdinetan, besteak beste: Villa Concordia
(Bamberg), La Centrale Électrique (Brusela), EX-TERESA Zentroa (Mexiko DF), La
Casa Encendida (Madril), I+CAS (Sevilla),
Ikasleen Egoitza (Madril), Hangar (Bartzelona), CAAC (Sevilla), Santa Mónica Arte
Zentroa (Bartzelona), CAC Málaga (Málaga) edo EACC (Castelló). Azken urteetan,
hainbat erakusketatan parte hartu du eta,
besteak beste, honako hauek azpimarra
daitezke: Madrilgo Erkidegoko Arte Plastikoen Zirkuituaren XXIV edizioa, Who Makes Europe, Städtische Galerie galerian
(Bremen) eta Matadero Zentroan (Madrid),
Construir Paisaje, JosédelaFuente Galerian
(Santander) edo Paisajismo Craneoencefálico, Valverde Galerian (Madrid).

Antonio R. Montesinos es Licenciado en
Bellas Artes por la Facultad S. Carles de
Valencia y tiene un Master en Artes Digitales
por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Ha trabajado y expuesto en contextos como: Villa Concordia (Bamberg), La
Centrale Électrique (Bruselas), Centro EXTERESA (México DF), La Casa Encendida
(Madrid), I+CAS (Sevilla), Residencia de
Estudiantes (Madrid), Hangar (Barcelona),
CAAC (Sevilla), Centro de Arte Santa Mónica (Barcelona), CAC Málaga (Málaga) o
EACC (Castellón). Durante los últimos años
cabe destacar su participación en la XXIV
edición Circuitos de Artes Plásticas de la
Comunidad de Madrid, en Who Makes Europe, en la Städtische Galerie (Bremen) y
en Matadero (Madrid), en Construir Paisaje,
en la Galería JosédelaFuente (Santander) o
en Paisajismo Craneoencefálico, en la Galería Valverde (Madrid).

Antonio R. Montesinos graduated in Fine
Arts from the Faculty of S. Carles in Valencia and has a master’s degree in Digital
Arts from the Pompeu Fabra University in
Barcelona. He has worked and put on exhibitions in contexts such as Viilla Concordia
(Bamberg), La Centrale Électrique (Brussels), Centro EX-TERESA (Mexico City), La
Casa Encendida (Madrid), I+CAS (Seville), a
Student Residence (Madrid), Hangar (Barcelona), CAAC (Seville), the Santa Mónica
Arts Centre (Barcelona), CAC Málaga (Malaga) and EACC (Castellón). In recent years
he has taken part in the 24th Circuits of
Plastic Arts of the Community of Madrid,
in Who Makes Europe at the Städtische
Galerie (Bremen) and in Matadero (Madrid),
in Construir Paisaje in the JosédelaFuente
Gallery (Santander) and in Paisajismo Craneoencefálico at the Valverde Gallery (Madrid).

Otxarkoaga (serie Inopias)
100 x 70 cm. (Aprox.)
Inpresio digitala paper fotografiko satinatu gainean
Impresión digital sobre papel fotográfico satinado

Igual medida (serie)
21 x 29,7 cm.
Teknika mistoa
Técnica mixta

Mokattam (serie Inopias)
100 x 70 cm. (Aprox.)
Inpresio digitala paper fotografiko satinatu gainean
Impresión digital sobre papel fotográfico satinado

Far Lands
232 x 186 cm.
Inpresio digitala paper gainean
Impresión digital sobre papel.

arrera subjektibo batetik abiatuta,
fikziozko hiri-ereduak planteatzeko
proiektu batean ari da lanean, bestelako egitura batzuk irudikatzeko dugun
eskubidea trebatzeko asmoz. Azken helburua da utopia modernoaren ideia, arrazoia
oinarrian duena, aldatzea, desiran, alderdi
ludikoan eta bat-batekotasunean oinarritutako ereduak proposatzeko. Lan-prozesuan maketa baliatzen du, paradigma berri
honetatik gizarte-proiekzioa zein hirigintzakoa lortzeko tresna gisa. Proiektuaren baitan hainbat lan-prozesu garatu dira; adibidez, Inopias argazki-seriea, aurkitutako
materialekin etxeko ingurunetan egindako
maketak erakusten dituena. Maketa horiek
hiriak irudikatzen dituzte eta argazkiak egiteko eraiki dira. Aldi berean, “Igual medida”
marrazki-seriean lan egin du —perspektiba
isometrikoko ereduak erabiltzen ditu ma­
rrazketa-ariketen oinarri gisa—, eta hainbat
site-specific instalazio landu ditu, hala nola
Laboratorio Urbano Personal, Far Lands
edo Models seriea.

Laboratorio Urbano Personal
Teknika mistoa
Técnica mixta.

I

Iago Rey De La Fuente

BilbaoArte

91

Iago Rey De La Fuente
Zarautz, 1977
iagorey@gmail.com

E

P

P

Iago Rey de la Fuente Goi Teknikaria da
eskulturara aplikatutako arteetan, Santiago
de Compostelako Maestro Mateo arte eta
ofizioen eskolatik, eta Arte Ederretan lizentziatua da Euskal Herriko Unibertsitatetik,
eskulturaren espezialitatean. Hainbat beka
jaso ditu, hala nola berriki jaso duen Daniel
Txopitea 2014 beka eta hainbat erakusketa
indibidualetan eta kolektibotan parte hartu du, besteak beste Windsor Kulturgintza
aretoan (2014).

Iago Rey de la Fuente es técnico Superior en Artes Aplicadas a la Escultura, en la
Escuela de Artes y Oficios Maestro Mateo
de Santiago de Compostela, y Licenciado
en Bellas artes por la Universidad del País
Vasco, en la especialidad de escultura. Ha
recibido varias becas, como recientemente
la beca Daniel Txopitea 2014 y ha realizado
diversas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, en la sala Windsor Kulturgintza 2014.

Iago Rey de la Fuente is a higher technician in arts applied to sculpture from the
Maestro Mateo school of arts and crafts of
Santiago de Compostela and a graduate in
Fine Arts from the University of the Basque
Country, specializing in sculpture. He has
received several grants, most recently the
Daniel Txopitea grant in 2014, and has put
on several individual and group exhibitions,
including one at the Windsor Kulturgintza
Hall in 2014.

DUKIA-EDUKITZAILEA eta ARTISTALAGUNTZAILEA artean oreka sortu
nahian abian jarri duen proiektu bat da
PIEZAS-CAJA. Gaur egun, kontzeptu horiek
elkar igurzten ez direla eta elkar zalan­tzan
jartzen ez direla sinistuta landu du aipatu
proiektua.
Horrenbestez, bere piezen alderdi formala
eta estetikoa gainerako artista bekadunen
piezenekin elkar erlazionatzeko eta gainjar­
tzeko ideiatik abiatuta landu du proiektua.
Historian zehar eta, batez ere, artearen testuinguruan, mantendu den edukiontzi-edukitzaile erlazioa iraultzeko asmoa du Iago
Reyk. Proiektuak kutxaren, obraren bilgarriaren ideiatik abiatuta, bere kontzepzio formalari, kontzeptualari eta sinbolikoari buruz
hausnartzea bilatzen du.
Horretarako, gainerako bekadunekin batera
eta horien laguntzarekin (laguntzaile lagundua), bakoitzak egindako pieza bat hartu eta
pieza bakoitzarentzako bilgarri kutxa-pieza
bat sortzea bilatzen du. Hortaz, bekadunen
lanen mende daude forma eta tamaina, eta
artistak aukeratzen du zein material erabili
eta zein forma eman. Modu horretara, pieza bat sortuko litzateke bekadun bakoitzaren kasuan, eta bekak irauten duen urtean,
parte-hartzaile adina pieza eraiki/sortu ahal
izango dira.
Lanaren alderdirik interesgarriena, edukiontziaren eta edukitzailearen artean tentsio
mota bat sortzea izan da, hain zuzen ere,
tentsioa sortzea bere balio estetikoen eta
artistikoen kontzepzioari buruz eta bere harreman formalekiko. Hori dela-eta, proiek­
tuaren azken emaitza gisa kutxa-piezak
erakutsiko dira, sortu diren beste artisten
obren fitxa teknikoarekin batera.

IEZAS-CAJA es un proyecto que trata de crear un equilibrio entre CONTENIDO-CONTINENTE y ARTISTAAYUDANTE (asistente). Se toma la figura de
Ayudante como punto de partida para las
premisas conceptuales de este proyecto.
Ya que no creo que en la actualidad esos
conceptos no friccionan y no se cuestionan
entre sí. Es la idea de interrelacionar, de supeditar el lado formal y estético de las piezas
a la del resto de los/las artistas becad@s.
El objetivo es subvertir la relación contenedor-continente que a lo largo de la historia
y sobre todo en el contexto del arte se ha
mantenido. El proyecto se basa en tomar la
noción de caja, de embalaje de obra y reflexionar sobre su concepción formal, conceptual y simbólica. Es el “ayudante ayudado” del resto de becad@s, que se basa
en una de las piezas de cada uno, crear una
caja de embalaje-pieza para cada una de
ellas. Por lo tanto, forma y tamaño vendrán
supeditados por las obras de l@s becados
y el material y la estética serán de libre elección del artista. Así, se creará una pieza por
cada becad@ y tantas piezas como participantes haya durante el año de la beca.
Lo interesante es crear una suerte de tensiones entre el contenedor y el continente,
tensión sobre la concepción de sus valores
estéticos y artísticos y sobre sus relaciones
formales. Por ello como resultado final del
proyecto se mostraran las cajas pieza con
la ficha tecnica de las obras del resto de artistas

IEZAS-CAJA (Pieces-box) is a project
which has sought to create a balance
between
CONTAINER-CONTENT
and ARTIST-ASSISTANT, in the belief that,
at present, these concepts are not in conflict
and do not question each other.
The project therefore stems from the idea of
inter-relating and subordinating the formal
and aesthetic side of his pieces to those of
the other intern artists.
Iago Rey’s intention is to subvert the container-content relationship which has been
maintained throughout history, especially in
the context of art. The project is based on
taking the notion of a box as the packaging
of a work and reflecting on its formal, conceptual and symbolic conception.
To achieve this, what he is interested in doing, in connection with and with the help (the
assistant assisted) of the other interns, is to
base himself on one of the pieces of each
of them, creating a packaging box-piece
for each one. Therefore, size and shape
are subordinate to the works of the interns
and the material and aesthetics are the free
choice of the artist. One piece per intern
is thus created, with as many pieces constructed or created as there are participants
during the year of the internship.
The most interesting aspect has been to
create a kind of tension between the container and the content, a tension concerning
the conception of his aesthetic and artistic values and his formal relations. For this
reason, as the end result of the project, the
boxes-pieces which have been created will
be displayed with the data sheet of the work
of the other artist.

Jorge Rubio Pinedo

BilbaoArte

95

Jorge Rubio Pinedo
Bilbao, 1972
jorgerubiopinedo@yahoo.com

Inhabitantes” hitza “inhabitants” termino anglosaxoiaren transkripzio literaletik
abiatuta osatu den hitz-jokoa da. Gaztelaniara itzulita, ezinezko kontzeptu, existitzen ez den kontzeptu esan nahi du; bizi
ez dena, existitzen ez dena adierazten duen
kontzeptua da. Hitz-joko horrek azken bi
urteetan garatzen ari den proiektuaren izaeraren zati bat azaltzeko balio du, nolabait.
Hain zuzen, eguneroko forma eta konstruktu berriak bilatzen ditu, behaketaren bitartez,
lehenengo, hau da, behatutako guztia imitatuz eta, ondoren, behatutakoari lotutako lekuak eta objektuak imitatuz eta sortuz. Atlas
zabala osatu du. Hasteko, tamaina txikiko
marrazki kolorebakarretan irudikatu du eta,
ondoren, formatu handira pasa du. Formatu
txikia sorkuntzako benetako laborategiaren
gisara ulertu du beti: formatu txikian edozer
gauza da posible, arinagoa da eta akatsa
“merkeagoa” da, beldurra desagertu egiten
da eta une oro sortzen dira ezustekoak. Ho­
rrela, formatu txikiko eraikuntzak garatzen
ditu, non koloreak, ehundurak eta materia­
lak galbideratu egiten diren eta mugarik
gabe erlazionatzen diren. Ikaskuntza-eskolak izango dira ondorengo erronkei begira…

Inhabitantes” hace referencia a un juego
de palabras relativo a la transcripción
literal de un término anglosajón “inhabitants” que convertido al castellano se
convierte en un concepto imposible, inexistente; relativo al que no habita, no existe.
Este juego de palabras explica en cierta
manera parte de la naturaleza del proyecto
que llevo realizando casi dos años, la búsqueda de nuevas formas y constructos cotidianos, mediante la observación primero,
la imitación y posterior creación de lugares
y objetos referentes a todo lo observado.
El Atlas encontrado es extenso, representándolo primero en dibujos monócromos
de pequeño tamaño, para pasar mas tarde
al gran formato. El pequeño formato lo he
entendido siempre como el verdadero laboratorio de creación, donde todo es posible,
mas ligero, y el error resulta “barato”, donde
el miedo desaparece y la sorpresa se presenta a cada instante. De esta manera desarrollo construcciones de pequeño formato
donde los colores, las texturas y materiales
se pervierten y relacionan de manera infinita.
Serán escuelas de aprendizaje para retos
posteriores.

T

Jorge Rubio (Bilbo, 1972) Arte Ederretan
lizentziatua da Leioako Fakultatetik (EHU/
UPV), pinturaren espezialitatean. 2004.
urtetik Guggenheim-Bilbao Fundazioaren
Hezkuntza Sailaren “Learning Through the
Art” programarako lan egiten du. Hainbat
erakusketa kolektibotan parte hartu du Lon­
dres, Logroño, Suitza, Frantzia eta Bilbon.
Hainbat fundazioren bekak jaso ditu eta aldiro Pinturako sari nazionaletan eta nazioartekoetan aukeratzen dute. 2001etik hiriko
esku-hartze plastikoak sortzeko lanetan
parte hartzen du DKmuralismo-rekin, Madril,
Bilbo, Bartzelona eta abar gisako hirietan.
Duela gutxi, pintura-master bat eskaini du
Leioako Arte Ederren Fakultatean.

Jorge Rubio es Licenciado por la Facultad
de Bellas Artes de Leioa (UPV-EHU) en la
especialidad de pintura. Trabaja desde 2004
para el programa “Learning Through the Art”
en el Dep. de Educación de la Fundación
Guggenheim-Bilbao. Ha participado en exposiciones colectivas en Londres, Logroño,
Suiza, Francia y Bilbao. Becado por diferentes fundaciones , y seleccionado regularmente en premios nacionales e internacionales de Pintura. Desde 2001 participa en
la creación de intervenciones plásticas urbanas con DKmuralismo, en ciudades como
Madrid, Bilbao y Barcelona. Recientemente
ha impartido un master de pintura mural en
la Facultad de Bellas Artes de Leioa.

Jorge Rubio (Bilbao, 1972). A graduate
from the Faculty of Fine Arts of Leioa (UPVEHU), specializing in painting. Since 2004 he
has worked for the “Learning Through Art”
programme at the Department of Education of the Guggenheim-Bilbao Foundation.
He has taken part in group exhibitions in
London, Logroño, Switzerland, France and
Bilbao. He has received grants from different
foundations and has regularly been selected for national and international painting
awards. Since 2001 he has taken part in the
creation of urban plastic interventions with
DKmuralismo in cities such as Madrid, Bilbao and Barcelona. He has recently given
a master’s course in mural painting at the
Faculty of Fine Arts of Leioa.

Croack-man
185 x 185 cm
Akrilikoa oihalean
Acrilico sobre tela

Etxez
18 x 18 cm
Ikatza paperean
Carboncillo sobre papel

Margolarien etxea
25 x 25 x 20 cm
Egurra, plastikoa eta margo akrilkoa
Madera, plastico y pintura acrílica

he title “Inhabitantes” refers to a
play on words related to the literal
transcription of “inhabitants”, an Anglo-Saxon term which, converted into Castilian language, becomes an impossible,
non-existent concept, related to one who
does not “habit”, who does not exist. This
play on words somehow explains part of the
nature of the project he has conducted for
almost two years, the search for new forms
and everyday constructs, firstly by means
of observation and imitation and then by
the creation of places and objects related
to everything he has observed. The atlas he
discovers is extensive, represented first by
small monochromatic drawings, then moving onto the larger format. He has always
regarded the small format as the real creation laboratory, where everything is possible
and lighter and the error is “cheap”, where fear disappears and surprise can come
along at any moment. He thereby develops
small-format constructions where the colours, textures and materials are distorted
and become related in an infinite number of
ways. They will be schools of learning for future challenges...

María Rubio Tortosa

BilbaoArte

99

María Rubio Tortosa
Valencia, 1989
m.rubio.tortosa@gmail.com

G

G

G

Maria Rubio Tortosa Arte Ederretan lizentziatua da Elxeko (Alicante) Miguel Hernández Unibertsitatetik. Bere lanak Milanen,
Valentzian, Alicanten eta abar egon dira
ikusgai, hala erakusketa kolektiboetan nola
erakusketa indibidualetan. Era berean, ilustrazioaren munduan lan egin du eta ikastaro desberdinak egin ditu, adibidez: Bitxien
Diseinua Milanen, Grabaketa Kalkografiko
Esperimentala eta Paperaren Teknikak eta
Teknologiak Accademia di Belle Arti di Brera
akademian.

Maria Rubio Tortosa es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Miguel Hernández de Elche (Alicante). Su obra ha sido expuesta en Milán, Valencia, Alicante... tanto
en exposiciones colectivas como en individuales. También ha desarrollada su actividad artística en el campo de la Ilustración,
además de haber recibido cursos en Milán
de Diseño de Joyas, Grabado Calcográfico
Experimental y Técnicas y Tecnologías del
papel en la Accademia di Belle Arti di Brera.

Maria Rubio Tortosa graduated in Fine Arts
from the Miguel Hernández University of Elche (Alicante). Her work has been exhibited
in Milan, Valencia and Alicante in both individual and group exhibitions. She has also
developed her artistic activity within the field
of illustration, in addition to having received
training in Milan in Jewellery Design, Experimental Etching and Paper Techniques and
Technologies at the Accademia di Belle Arti
di Brera

rieta (Arrakala).
LA PIEL (AZALA). Giza gorputzaren
organorik konplexuena, identitatearen erregistroa eta urteen aurrera egitearen
nabaritasun agerietako bat.
Azalak bere barruan gertatzen diren aldaketak leuntasunez biltzen baditu ere, eta gure
funtsa begirada lotsagabeetatik babesten
badu ere, aldaketa horiek espero dena baino
agerikoagoak izan daitezke; izan ere, erroi­
tzak sortzen dituzte eta begiak antzeman
ezin duena nabarmen uzten dute eta aukera
ematen dute ezkutua denaren sentsualitatea
desagertzen den lekuak ezagutzeko, eta,
modu horretara, ezagutu nahi ez genuen
eta intimotasunaren espektroa desagertzen
den errealitatearen gordintasuna azalera­
tzen da. Une horretantxe, barrutik sortzen
diren emozioen lurbira batek hurbilen dugun
espazioa betetzen du. Errealitate horren
aurrean, modu desberdinetara erreakziona
dezakegu: fikzioen mundu baten atzean
ezkutatu eta frustrazioen hutsune batean
galdu gaitezke; edo eusten gaituen gorputza
baino zerbait gehiago garela uler dezakegu,
eta modu horretara, gure esentziak bakarrik
ezagutzen duena erakutsi eta ikusten dena
eta ikusezin dena elkartzen dituen gorpu­
tzaren kartografia sortu dezakegu, erretinak
irudikatzen duen baina egiaztatu ezin duen
irudi bat islatzeko. Horrela, bilgarri hutsari,
eskeleto izeneko maizterrari gorpuztasuna
ematen dion horri, merezi duen garrantzia
ematen zaio.

Invisible I
36 x 36 x 67 cm
Tarlatana
Tarlatana

rieta.
LA PIEL. El órgano más complejo del cuerpo humano, registro de
identidad y una evidencia visible del acontecer del tiempo.
A pesar de que ésta envuelve con delicadeza los cambios que se producen en su
interior, protegiendo nuestra esencia de miradas indiscretas, estos pueden llegar a ser
más visibles de lo esperado, generándose
así una especie de grietas que muestran
todo aquello que el ojo es incapaz de percibir y que permiten conocer aquellos lugares
donde la sensualidad de lo oculto desaparece, dejando al descubierto la crudeza de
una realidad que jamás hubiese querido
experimentar y en la que el espectro de lo
íntimo desparece. Es entonces cuando un
orbe de emociones que nacen en el interior
invade el espacio más cercano. Podemos
reaccionar ante esta realidad de distintas
formas: ocultarla tras un muro de ficciones
y perdernos en un vacío de frustraciones; o
bien comprender que somos mucho más
que el cuerpo que nos sostiene y, de este
modo, mostrar lo que sólo la esencia conoce generando una cartografía del cuerpo
dónde lo visible e invisible constituyen un
todo para formar una imagen que la retina
imagina pero es incapaz de verificar. Así, se
le otorga la importancia merecida a aquello que da corporeidad al mero envoltorio, a
ese inquilino llamado esqueleto.

rieta (Crack).
LA PIEL (THE SKIN). The most
complex organ of the human body,
a register of identity and visible evidence of
events in time.
Although it delicately covers the changes
which occur within, protecting our essence
from indiscreet looks, these can become
more visible than expected, thereby generating kinds of cracks, showing all that the eye
cannot perceive and allowing us to get to
know those places where the sensuality of
the hidden disappears, exposing the harshness of a reality which we had never wanted
to experience and in which the spectrum of
intimacy disappears. That is when an orb
of emotions which arise within invades the
nearest space. We can react to this situation
in different ways: by hiding it behind a wall of
fictions and getting lost in a void of frustration or by understanding that we are much
more than the body which sustains us and,
in this way, showing only what the essence
knows, generating a mapping of the body
where the visible and invisible constitute a
whole to form an image that the retina imagines but is unable to verify. Thus, we grant
the deserved importance to that which gives
physicality to the mere packaging, to the tenant called a skeleton.

Invisible II
30 x 30 x 21,5 cm
Tarlatana
Tarlatana

Marie Sommer

BilbaoArte

103

Marie Sommer
Francia, 1984
www.mariesommer.com
sommer.marie@gmail.com

A

S

S

Marie Sommer-ek Frantzian ikasi zuen,
École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles eskolan eta Pariseko Arte
Dekoratiboen Goi Eskola Nazionalean. Bere
lana hainbat erakusketetan egon da ikusgai, besteak beste: Le Bal Zentroan (Paris
- Frantzia), PhotoIreland Jaialdian (Dublin
- Irlanda), Kyotographie Jaialdian, Kiotoko
Arte Zentroan (Kioto - Japonia), PHotoEspaña-n (Madril - Espainia), des Rencontres
d’Arles Argazki Jaialdian (Frantzia). Liburuak
ere argitaratu izan ditu, Filigranes edizioetan,
Jean-Yves Jouannais egilearekin batera.

Marie Sommer estudió en Francia en la
École Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles y en la Escuela Nacional
Superior de Artes Decorativas de Paris. Su
trabajo ha sido expuesto en Le Bal (París Francia), en el festival PhotoIreland (Dublín
- Irlanda), en el festival Kyotographie y en el
Centro de Arte de Kyoto (Kyoto - Japón),
En PHotoEspaña (Madrid - España), y en
el Festival de Fotografía de des Rencontres
d’Arles (Francia). También publica libros en
ediciones Filigranes con el autor Jean-Yves
Jouannais.

Marie Sommer studied in France in the
École Nationale Supérieure de la Photographie d´Arles and in the École Nationale
Supérieure des Arts Décoratifs de Paris.
Her work has been shown in Paris (Le BAL),
in Dublin (festival Photo Ireland), in Kyoto
(festival Kyotographie and Kyoto Art Center), in Madrid (PHotoEspaña), and in Arles
(Festival de Photography des Rencontres
d’Arles). She also publishes books with the
autor Jean-Yves Jouannais with Filigranes
­editions.

namnèse proiektuaren lehen zatia
Surfaces da.
Proiektuan Espainiako lurraldea aztertzen da, azaleratze harritsuen eta denboran eta oroimenean eduki duten gauzatzearen bitartez.
Proiektuan ikertutako lehen herria Belchite da. Aragoiko herri txiki bat da Belchite;
30eko hamarkadan bonbardatu zuten eta
bertan geratutako aurriak kontserbatu dira,
monumentu oroitzapenezko eta propagandistiko gisa. Baina, proiektua haratago joan
da eta inguruko kobazulo, museo geologiko
eta mendietara zabaldu da ikerketa, Biz­
kaiko Lemoizko zentral nuklearreraino.
Zentral nuklear hori, 70eko hamarkadan
itsasoaren ondoan eraiki zena, ez da inoiz
erabilia izan. Inoiz ustiatu ez den energi potentzial baten aurriak dira eta, era berean,
inoiz gertatuko ez den istripu potentzial baten aurriak dira.
Lemoizeko zentralaren aurrietatik abiatzen
da proiektuaren bigarren zatia, harriek denboran izandako gauzatze baten antzera.
Oraingoan, harriak istripua gertatzeko eta
suntsitzeko potentzial baten gisa behatzen
dira, energia nuklearraren bitartez, eta etorkizunarekin erlazionatzen dira.
Bizitza baino handiagoak diren harriez ari
naiz, hoztu ondoren ere planetetan geratzen
diren harriez; heriotzaren zain egon behar
ez duten harriez ari naiz, baina harri horien
gainazalak hondar, itsaso, ekaitz eta denboraren mende utzi behar dituzu.
Roger Caillois, Piedras, 1971.

urfaces es la primera parte del proyecto Anamnèse.
En él se explora el territorio español
a través de los diferentes afloramientos rocosos y su materialización del tiempo y la
memoria.
A partir de una investigación sobre Belchite,
un pequeño pueblo de Aragón bombardeado y conservado en ruinas desde los años
30 como un monumento conmemorativo
y propagandistico, el proyecto se ha extendido más allá de la aldea a las cuevas
cercanas, a los museos geológico, a las
montañas, y termina en la central nuclear de
Lemoniz en Vizcaya.
La central nuclear, un complejo construido a
lado de la mar en la década de los 70, nunca se ha utilizado. Es la ruina de una energía potencial que nunca se ha explotado, al
mismo tiempo que es la ruina de un accidente potencial que nunca podrá suceder.
A partir de las ruinas de la central de Lemoniz, comienza la segunda parte del proyecto
sobre las piedras como una materialización
del tiempo. Aquí las piedras son contempladas, a través de la energía nuclear, como un
potencial de accidente y de destrucción y se
relacionan con el futuro.
Me refiero a las piedras mayores que la vida,
que se mantienen en los planetas después
de enfriarse, me refiero a las piedras que no
tienen que esperar a la muerte, pero tienes
que dejar que sus superficies se expongan a
la arena, el mar, la tormenta, el tiempo.
Roger Caillois, Piedras, 1971.

Surfaces
Argazki analogikoa
Fotografia analogica
35 mm negatiboa eta formatu ertaina
Negativo 35 mm & medio formato

urfaces is the first part of the project
Anamnèse.
Here the spanish territory is explored
through its different apparitions of stones
and their materialization of time and memory.
Starting from a research on Belchite, a small
village in Aragon bombed and conserved in
ruins since the 30’s as a propaganda monument of memory, the project extended itself
beyond the village to the nearby caves, geological museum, mountains, and ends at the
Lemoniz power station in Biscay.
The power station, a massive complex built
near the sea in the 70’s, has never been
used. It’s the remainder of a potential energy
that has never been exploited, and it’s also
the remainder of a potential accident that
could never happen.
From the ruins of the Lemoniz station, starts
the second part of the project about stones
as a materialization of time. Here stones will
be seen through the nuclear energy as a
potential of accident and destruction and its
relation to the future.
I mean stones older than life, which remain
on the planets after they cooled, I mean stones that do not even have to wait for death
but have to let their surfaces be exposed to
the sand, the sea, the storm, the time.
Roger Callois, Stones, 1971.

HD bideoko fotograma
Fotograma de Video HD
Neurri aldakorrak
Dimensions variables

Theophrastus Bombastus

BilbaoArte

107

Theophrastus Bombastus
Travis J. Flint

Kepa Peñil Pérez

Houston, EE.UU, 1979

Bilbao, 1978

travisjohnflint@yahoo.es

Jokerh49@gmail.com

Batzuen ustez Casablanca da. Beste
batzuen ustez, Kane herritarra. Nire ustez, inoizko filmik onena Jason eta argonautak da”.

Tom Hanks Ray Harryhausen-i Ohorezko

Oscar saria emateko galan.
Egileek esaldi hori aipatzen dute, izan ere,
gure lehen haurtzaroan ikusitako lehen film
horien handitasunean sinesten dute. Edonolako munstro, mitologiko edo historiaurreko
animalia, bizidun bihurtzen zen, gu harrituz
eta emozionatuz, bai garai hartan bai gaur
egun ere. Horregatik, bere proiektuan StopMotion teknikarekin film labur bat sortzeko premisari eutsi dio. Horretarako, eskuz
egin ditu dekoratu eta pertsonaia guztiak,
urratsez urrats eta elementu digitalik erabili
gabe; izan ere, aitzindariek zerotik abiatuta
sortu zuten “lilura” hori helarazi nahi izan du.
HOMUNCULUS. Homunkuluak nahastu egiten duen gauza berri bat ikusten du,
ez daki zer den argia, iluntasunean sortua
izan baitzen.
Argia mugitu egiten da eta bizidun bihurtzen
da, dantza eta jolas egiten du bere inguruan.
Homunkuluak azkenean erabakia hartzen
du: ukitu egiten du eta, une horretantxe,
amore ematen du...

Algunos dicen que es Casablanca.
Otros, Ciudadano Kane. Pues bien, yo
digo que la mejor película de la historia
es Jasón y los argonautas.”

Tom Hanks en la entrega del Oscar

honorifico a Ray Harryhausen
Los autores citan esta frase porque creen en
la grandiosidad de esas primeras películas
que se ven por primera vez en nuestra infancia. Donde todo tipo de monstruo, ser mitológico o animal prehistórico cobraba vida,
sorprendiéndonos y emocionándonos aún
y entonces. Por eso, en su proyecto, han
querido mantener la premisa de crear un
cortometraje con la técnica de Stop-Motion,
haciendo todos los decorados y personajes
a mano, paso a paso y sin introducir ningún
elemento digital, para intentar transmitir esa
“magia” que los pioneros ya crearon partiendo de cero.
HOMUNCULUS. El Homúnculo ve algo
nuevo que lo desconcierta, no sabe lo que
es la luz, pues fue creado en la oscuridad.
La luz se mueve cobrando vida propia, baila
y juega a su alrededor. El Homúnculo por fin
se decide, la toca y es ahí cuando sucumbe
a ella….

Some say it’s Casablanca. Others, Citizen Kane. Well, I say the best movie
ever is Jason and the Argonauts.”

Tom Hanks on awarding the honorary

Oscar to Ray Harryhausen.
The authors quote this sentence because
they believe in the greatness of those first
films, seen for the first time in our childhood,
in which any kind of monster, mythological
creature or prehistoric animal came to life,
surprising and even thrilling us. Therefore,
in their project, they wanted to retain the
premise of creating a short film using the
stop-motion technique, making all the sets
and characters by hand, step by step, without introducing any digital element to try to
convey that “magic” that the pioneers created from scratch.
HOMUNCULUS. The Homunculus sees
something new which puzzles it, it does not
know what light is, as it was created in the
dark.
The light moves, coming to life, dancing and
playing around it. The Homunculus finally decides, it touches it and that is when it
succumbs to it...

Kepa Peñil Pérez, ”Jokeremon”, Graffitiak
marrazten hasi zen (hamar urtez) eta bere
marrazketa-estiloa garatu zuen modalitate
horretan. Beranduago, beste diziplina artistiko batzuetara eraman zuen ikasitako
guztia, adibidez, argazkilaritzara (marrazki
digitalarekin), horma-irudien pinturara edo
serigrafiara. Hiru urtez animazio tradizionalaren munduan lan egin zuen (marrazki bizidunak), Hirukiak eta Médico de familia (Italiako
telebista) telesailetan.

Kepa Peñil Pérez, ”Jokeremon”, empezó
pintando Graffiti (durante diez años) donde
desarrollo su estilo de dibujo, trasladándolo
posteriormente a otras disciplinas artísticas
como la fotografía (con dibujo digital), pintura mural o serigrafía. Trabajó durante tres
años en el mundo de la animación tradicional (dibujos animados), para la serie televisiva de Las tres mellizas y Médico de familia
(TV Italia).

Kepa Peñil Pérez, “Jokeremon”, started
by painting graffiti (for ten years), when he
developed his drawing style. He later transferred it to other artistic disciplines such as
photography (digital drawing), mural painting and silk-screen printing. He worked for
three years in the traditional animation world
(cartoons) for the television series Las Tres
Mellizas and for Médico de familia (TV Italia).

Travis J. Flint eszenategi amerikarretik
iritsitako diziplina anitzeko artista bat da;
bere lanean erabiltzen dituen bitarteko eta
sorkuntza-prozesu desberdinek bereizten
dute, hala nola Dj gisa, argazkilari gisa eta
bideo-artista gisa egindako lanek. 2006an
“Pintar con Luz” proiektuari ekin zion. Espazio publikoetan irudi luminikoak proiektatzen
ditu, musikarekin eta, batzuetan, dantzarekin nahastuta.

Travis J. Flint es un artista multidisciplinar
proveniente de la escena americana; se
caracteriza por la utilización de diferentes
medios y procesos creativos, como Dj, fotógrafo y video-artista. En 2006 comienza
con el proyecto “Pintar con Luz” en el cual
proyecta imágenes lumínicas en espacios
públicos fusionadas con música y en ocasiones danza.

Travis J. Flint is a multi-disciplinary artist
from the American scene. His work is characterized by the use of different creative
means and processes, as a DJ, photographer and video artist. In 2006 he began on
the “Painting with Light” project in which
he projects illuminated images onto public
spaces, merged with music and, sometimes, dance.

Homunculus
4’
Bideoa
Video

Alessandra Torres

BilbaoArte

111

Alessandra Torres
Puerto Rico, 1980
www.alessandratorres.com
contact@alessandratorres.com

rgazki, eskultura eta instalazio interaktiboen sail berri hau sortzea azken sei
hilabeteotan Bilbon bizi izanaren esperientzia islatzen duen erantzun kreatiboa izan
da. Bilbo mendiz inguraturik dago, eta hori bizigarri eta mugarri da aldi berean: hiriko kaleetan zehar askerik galtzeko aukera eskaintzen
dit, eta batera, etxera itzultzea galarazten dit.
Gorputza jardungune nagusitzat hartzen duen
obra horrek gorputza erabiltzen dugun modua
ikertzen du: inguruneko bazterrak esploratzeko; beste pertsonekin harremanak izateko
eta gure pentsamenduak eta sentimenduak
erakusteko. Obra honetan, mugimendua eragin edo/eta sorraraz dezaketen objektu estatikoekiko dudan lilura ere aztertzen da; berbarako, objektu horiek ziba, nire adats luzea edo
bidezidorra taxutzen duten adreiluak dira.
Gorputza lengoaia unibertsal gisa baliatuz,
ikusleen gorputzez ohartaraztea da nire obraren helmuga; ikusleari espazioan dagoela
erakustea, horren jakitun egon dadin; gorpu­
tza desafiatzea eta haren mugimendua aldaraztea, eta azkenik, artelanarekin bat egiteko
beste baliabide batzuk eskaintzea.

a creación de esta nueva serie de fotografías, esculturas, e instalación interactiva ha sido la respuesta a la experiencia de vivir en Bilbao durante los últimos seis
meses. Bilbao está rodeada de montañas, lo
cual resulta a la vez reconfortante y limitador:
simultáneamente, me ofrece la libertad de
perderme por el laberinto de sus calles y me
impide regresar a casa.
La obra, centrada en el cuerpo, investiga la
manera en la que éste se utiliza: para explorar los alrededores; para relacionarnos
con los demás y para mostrar nuestros pensamientos y sentimientos. La obra también
analiza mi fascinación por los objetos estáticos que implican, y/o pueden crear, movimiento: como la peonza, mi largo cabello o
los ladrillos que conforman un sendero.
Utilizando el cuerpo como lenguaje universal, la meta de mi obra es llamar la atención
sobre el cuerpo de los espectadores; hacer
que el espectador sea consciente de su
presencia en el espacio; desafiar y modificar
su movimiento y ofrecer otros medios para
conectar con la obra de arte.

A

L

T

Alessandra Torres Arte Ederretan tituluduna da Marylandeko Unibertsitateko
Arte Akademian 2002tik Virginiako Commonwealth Unibertsitatean Arte Ederretan
masterrarekin (2006) Jacob K. Javits monumentuari buruz ikerketa bekarekin. Bere
lana internazionalki erakutsi da, taldeka eta
bakarka: Londresen, Erresuma Batuan;
New Yorken; Los Angeles-en, Californian;
Washington D.C.en; Baltimoren, Maryland;
Enschede, Erebeheretan... Duela gutxi,
bere argazkiak Mera Rubellek aukeratu ditu
erakusketa baterako, WPA D.C.ren eskutik
antolatuta Marianne Boesky galerian, New
Yorken. Torres egoitza ugaritan parte hartu du, haien artean: Skowhegan School of
Painting and Sculpture, Sculpture Space,
Vermont Studio Center, The Prague Summer Theatre School, eta The Creative Alliance. Bere lana kolekzio pribatu ugaritan dago
barneratuta, Washingtong-eko Art Bank-az
gain, Washington D.C.en. Orain Baltimor-ren
(Maryland) bizi eta lan egiten du.

Alessandra Torres es Licenciada en Bellas
Artes en M.I.C.A. (2002) con un Master en
Bellas Artes en la Universidad Commonwealth de Virginia (2006) con beca de la
fundación de Jacob K. Javits. Su trabajo ha
sido expuesto internacionalmente en grupo
y solitario en: Londres, Reino Unido; Nueva
York; Los Ángeles, California; Washington
DC; Baltimore, Maryland; Enschede, Países
Bajos... Recientemente sus fotografías han
sido seleccionadas por Mera Rubell para
una exhibición organizada por el WPA D.C.
en la galería Marianne Boesky en Nueva
York. Torres ha obtenido varias becas de residencia, entre ellas: la escuela de Pintura y
Escultura de Skowhegan, en Sculpture Space, el Vermont Studio Center, la Escuela de
Verano de Teatro de Praga y la Alianza Creativa. Sus obras han sido adquiridas para numerosas colecciones privadas además de
por el Art Bank de Washington D.C. Actualmente vive y trabaja en Baltimore, Maryland.

Alessandra Torres earned a Bachelor of
Fine Art at The Maryland Institute College
of Art in 2002 and a Master of Fine Art at
Virginia Commonwealth University in 2006
on a Jacob K Javits Memorial Fellowship.
Her work has been featured in international
group and solo shows in: London, UK; New
York City, NY; Los Angeles, CA; Washington D.C.; Baltimore, MD; Enschede, NL...
Recently, her photography was selected by
Mera Rubell for an exhibition, organized by
the WPA D.C., in Marianne Boesky Gallery in
NYC, NY. Torres has participated in various
residencies, including: Skowhegan School
of Painting and Sculpture, Sculpture Space,
Vermont Studio Center, The Prague Summer Theatre School, and The Creative Alliance. Her artwork is included in numerous
private collections as well as The Art Bank
in Washington D.C. She currently lives and
works in Baltimore, MD.

From The Spinning Top Series:
Bailarina
40.64 x 60.96 cm
Argazki digitala
Fotografía digital

La Ría de Bilbao
40.64 x 60.96 cm
Argazki digitala
Fotografía digital

his new series (of photographs,
sculpture, and interactive installation)
has been created in response to my
experience living in Bilbao for the past six
months. Bilbao is set within a bowl of mountains, which has been both comforting and
confining – simultaneously offering me the
freedom to whirl around within its labyrinthine streets, yet restricting me from returning home.
Centering on the body, the work investigates
the way that the body is used to: explore our
surroundings; to interact with others; and to
display our internal thoughts and feelings.
The work also explores my fascination with
static objects that imply, and/or can create,
movement: like the spinning top, my long
hair, or bricks forming a pathway.
Relying upon the body as a universal language, the goal of the artwork is to ultimately call attention to the viewers’ body; to
make the viewer aware of their presence in
space, to challenge and modify their movement, and to offer another means of connection with the artwork.

From The Personal Space Series:
Casco Viejo, Bilbao
20.32 x 30.48 cm
Argazki digitala
Fotografía digital

From The Spinning Top Series:
Bilbao El Botxo
(Work in progress)
355x 203 x 203 cm (aprox.)
Igeltzua eta egurra
Escayola y madera

Maite Vélaz Sancha

BilbaoArte

115

Maite Vélaz Sancha
Pamplona, 1976
miyoaqui@yahoo.es

T

C

W

estu hau idazten ari naizen uneotan, CANAL Y MALEVICH, TATLIN Y
CASA DE LOS VEGA, EL BARRANCO
ABACO Y MATISSE, BRANCUSI Y PLAN­
CHA DE CEMENTO, DUCHAMP y TOLDO
dira bere lanen izenburuak. Oraindik amaitu
gabe ditu lan horiek, nahiz eta prozesuak
nahiko aurreratuta dituela esan daitekeen.
Prozesu horiek eszenaratzeko modua, besteari zer eskaini nahi dion hausnartzea eta
erabakitzea falta zaio oraindik. Lan bakoitza
bi motutara islatzen du: monitore batean
erreproduzitutako bideo bat erabiltzen du
batzuetan, eta objektu desberdinetarako
euskarri bat edo gehiago, beste batzuetan.
Objektu batzuk jada fabrikatuta daude, baita
euskarri gehienak ere, eta bideoak ia amaituta daude. Orain erakusten ditudan irudiak
bideoetatik hartutakoak dira.

uando escribo este texto, las obras
tienen los títulos CANAL Y MALEVICH, TATLIN Y CASA DE
LOS VEGA, EL BARRANCO ABACO Y
MATISSE­
, BRANCUSI Y PLANCHA DE
CEMENTO, DUCHAMP y TOLDO. Ninguna de ellas está terminada aunque los procesos parece que están muy avanzados. El
trabajo pasa por reflexionar sobre cómo resolver estos procesos en una posible puesta en escena, en decidir qué ofrecer al otro.
Cada una de las obras se configura desde
la materialización de dos formas: un vídeo
reproducido a veces en un monitor y uno o
varios soportes para diversos objetos. Algunos objetos están ya fabricados, también la
mayoría de los soportes, y los vídeos casi
terminados. Las imágenes que muestro son
de los vídeos.

hen I write this text, the works
have the titles CANAL Y MALEVICH, TATLIN Y CASA DE LOS
VEGA, EL BARRANCO ABACO Y MATISSE,
BRANCUSI Y PLANCHA DE CEMENTO and
DUCHAMP Y TOLDO. None of them are finished but the processes seem to be very
advanced. The work involves reflecting on
how to resolve these processes in a possible
staging, on deciding what to offer the other.
Each of the works is configured on the basis
of the materialization of two forms: a video
played on occasions on a screen and one
or more media for different objects. Some
objects have already been manufactured, as
well as most of the media, and the videos
are almost finished. The images I show are
the videos.

Maite Vélaz Sancha artista da eta Tafallan
(Nafarroa) bizi eta lan egiten du. 1994 eta
1998 artean Bilbon bizi zen eta Arte Ederrak
ikasi zituen Leioan. Artetik abiatuta eguneroko gaiekin zerikusia duten alderdi batzuk
aztertzen ditu, eta alderantziz. Bere erakusketen artean, aipagarriak dira: Visitas y re visitas: Recoletas y retablo, Nivel F espazioan
(Iruña) antolatua 2013an eta Objetos que
participan, Horno de la Ciudadela aretoan
(Iruña), 2012an.

Maite Vélaz Sancha es artista, vive y trabaja en Tafalla (Navarra). Entre 1994 y 1998
vivió en Bilbao y estudió Bellas Artes en
Leioa. Su trabajo tiene que ver con el análisis desde el arte sobre algunas cuestiones
que tienen que ver con la cotidianidad y al
revés. Entre las exposiciones que ha realizado están Visitas y re visitas: Recoletas y
retablo, mostrado en Nivel F (Pamplona) en
2013 y Objetos que participan, en el Horno
de la Ciudadela (Pamplona) en 2012.

Maite Vélaz Sancha is an artist who lives
and works in Tafalla (Navarre). Between
1994 and 1998 she lived in Bilbao and studied Fine Arts at Leioa. Her work deals with
the analysis, based on art, of some issues
which are related to everyday life and vice
versa. The exhibitions she has put on include Visitas y re visitas: Recoletas y retablo,
shown at Level F (Pamplona) in 2013, and
Objetos que participan at the Horno de la
Ciudadela (Pamplona) in 2012.

El barranco Abaco y Matisse
Bideoa
Vídeo

Brancusi y plancha de cemento
Bideoa
Vídeo
Duchamp y toldo
Bideoa
Vídeo

Canal y Malevich
Bideoa
Vídeo

Tatlin y Casa de los Vega
Bideoa
Vídeo

Rut Briones & Raquel Durán

BilbaoArte

119

Rut Briones & Raquel Durán
Rut Briones

Raquel Durán

Pontevedra, 1982

A Coruña, 1982

briones.rut@gmail.com

www.raquelduran.com
contact@raquelduran.com

F

F

F

Raquel Durán-ek imagine-en gainean duen
gustua, lurrean eserita bere gurasoen egongelako telebistan Mazinger Z ikusten zuenetik datorkio. Ordutik, esparru desberdinetan lan egin
du: eskultura, argazkilaritza edo ikus-entzunezkoa. Artistikoa baino ez denari heltzeaz gain,
gizarte-berrikuntzagatiko grina du eta teknologia berriekin eta transmediarekin egindako sorkuntzarekin eta pasioarekin konbinatzen du.
Rut Briones XXI. mendeko ipuin-kontalari bat
da. Narrazioa atsegin du, askotariko forma
eta aldaeretan. Artea, ikus-entzunezkoa edo
idazketa dira azken urteetan istorioak sortzeko
erabili eta landu dituen hainbat bitarteko. Zorionez, aztertzeko esparru ugari geratzen zaizkio,
oraindik.

El gusto de Raquel Durán por las imágenes
comienza desde que, sentada en el suelo,
veía Mazinger Z por la televisión de tubo del
salón de sus padres. Desde entonces ha
experimentado en distintos ámbitos como
la escultura, la fotografía o el audiovisual.
Además de lo puramente artístico su pasión
es la innovación social, terreno que combina
con la creación, pasión por las nuevas tecnologías y el transmedia.
Rut Briones es una cuenta cuentos del siglo
XXI. Le gusta la narración en sus múltiples
formas y variaciones. El arte, el audiovisual,
o la escritura son algunos de los medios
en los que ha trabajado en la construcción
de historias en los últimos años. Por suerte para ella, todavía quedan muchos otros
por explorar.

Raquel Durán’s taste for images began
when, sitting on the floor, she watched
Mazinger Z on TV in her parents’ living room.
Since then she has experimented in different
fields such as sculpture, photography and
audiovisual work. Apart from the purely artistic, her passion is social innovation, a field
she combines with creation, passion for new
technologies and transmedia.
Rut Briones is a storyteller of the twenty-first century. She likes narration in its
many forms and varieties. Art, audiovisuals
and writing are some of the media in which
she has worked in the construction of stories in recent years. Luckily for her, there are
still many more to explore.

Life, still (Vida, aún)
1’30’’
Bideoproiekzioa egur gainean
Videoproyección sobre madera

Take me anywhere (Llévame a donde sea)
2’55’’Bideoa Vídeo
Diners (Comensales)
4’45’’,Bideoa Vídeo

oodlândia ikus-entzunezko erakusketa bat da eta janariarekin dugun
erlazioa erakusten du. Espazioan eta
denboran mugatutako bost segmentu bisual, Orwell-Huxley dikotomiaren inguruan elkarrizketa sozial bat bilatzen dutenak. Jaten
dugun hori gara, edo garen horrek jan egiten
gaitu?
Kultura bat ulertzeko modurik errazena bere
elkarrizketa-elementuen bitartez egitea da.
Orwellek bere profezia egin eta urtebete
beranduago, Neil Postmanek gaizki ulertu
ote genuen galdetzen zuen eta mendebaldeko gizarteak Huxleyk egindako distopiari,
bazter batean utzitakoari, jaramon egin behar ote zion galdetzen zuen. Orwellek indarrak zapaldutako gizarte baten arriskuez
ohartarazten zuen; Huxleyk, berriz, oharkabetasunaren aurrean men egiten duen eta,
beraz, otzan bihurtzen den gizarte baten
arriskuez ohartarazten zuen.
Foodlândiak gure ‘elkarrizketa-bitarteko’ indartsuenetako batean jartzen du begirada:
ikus-entzunezko irudian, hain zuzen ere.
Proiektuak estudioko kutxa beltza erabiltzen
du segmentu bakoitza komunikazio-eredu
baten antzera modelatzeko. Bere buruari
ezarritako muga horren bitartez, proiektuak
gure gaur egungo diskurtsoa gure behar
oinarrizkoenetakoa den jatearen inguruan behatzen du, eta keinu inkisidore bat
azpima­
rratzen du: Orwelletik ihes egin eta
Huxleyen profezia gauzatu duen gizarte
bihurtu al gara?

oodlândia es una exploración audiovisual de nuestra relación con la
comida. Cinco segmentos visuales
restringidos en espacio y tiempo que buscan encontrar un discurso social en torno a
la dicotomía Orwell-Huxley. ¿Somos lo que
comemos, o nos come lo que somos?
La forma más clara de entender una cultura
es a través de sus herramientas de conversación. Un año después de la profecía de
Orwell, Neil Postman se preguntaba si no
lo habríamos entendido mal y era a la ignorada distopia de Huxley que la sociedad
occidental debería haber prestado atención.
Mientras Orwell alertaba de los peligros de
una sociedad oprimida por la fuerza, Huxley
alertaba de los peligros de una sociedad
que sucumbe a la distracción y se vuelve,
por lo tanto, dócil.
Foodlândia centra la mirada en una de nuestras ‘herramientas de conversación’ más
potentes, la imagen audiovisual. El proyecto
utiliza la caja negra del estudio para modelar
cada segmento a un modelo de comunicación. A través de esta limitación auto-impuesta, el proyecto observa nuestro discurso actual alrededor de la más básica de
nuestras necesidades, la comida, y levanta
una ceja inquisidora: ¿nos hemos convertido en una sociedad que, escapando de
Orwell, ha realizado la profecía de Huxley?

oodlândia is an audiovisual exploration of our relationship with food. Five
visual segments restricted in space
and time seeking to find a social discourse
around the Orwell-Huxley dichotomy. Are we
what we eat, or does what we are eat us?
The clearest way of understanding a culture
is through its tools of conversation. A year
after Orwell’s prophecy, Neil Postman wondered whether we had misunderstood him
and it was the ignored dystopia of Huxley
that Western society should have paid attention to. While Orwell warned of the dangers of a society oppressed by force, Huxley
warned of the dangers of a society which
succumbs to distraction and becomes,
therefore, docile.
Foodlândia focuses on one of our most
powerful “conversation tools”, audiovisual
images. The project uses the black box of
the study to shape each segment to a communication model. By means of this self-imposed limitation, the project observes our
current discourse around the most basic
of our needs, food, and raises a questioning eyebrow: have we become a society
which, escaping Orwell, has fulfilled Huxley’s
prophecy?

I’m beginning to see the light (Empiezo a ver la luz)
5’, Bideoa
5’ Vídeo
Life, still (Vida, aún)
1’30’’ Bideoproiekzioa egur gainean
1’30’’ Videoproyección sobre madera

Verónica Domingo Alonso & Tom Richardson

BilbaoArte

123

Verónica Domingo & Tom Richardson
Verónica Domingo

Tom Richardson

Bilbao, 1989

Sleaford, United Kingdom, 1991

www.veronicadomingoalonso.com

thomasalanrichardson@gmail.com

veronicadomingoalonso@gmail.com

A Divided Line” hiri bereko bi ikuspegi desberdinek osatzen duten proiektu bat da; elkarrizketa batean nahasten dira bi ikuspegi
horiek, proiektua aberastuz. Bilboko kontzeptu
espazialaren bi irakurketa horiek, artistaren
diziplina anitzeko lanak abalatzen ditu. Bere lanean grabaketako eta pinturako teknikak erabili
ditu nagusiki.
Aurre egin behar diogun egoera bakoitza gure
mentalitatearen iragazki subjektibotik hautematen dugu. Mundua gure ikuspegi bakarrak baldintzatuta ikusten dugu, eta, modu horretara,
leku edo gauza batera lotutako emozio baten
emaitza ikusten dugu.
Lan honen bitartez, perspektibaren ideia lerro
bereizi baten antzera aztertu nahi da… leku berean dauden bi pertsonek gauza bera ikusiko
dute, baina erabat desberdin ezagutu eta biziko
dute leku hori. Proiektu honek ibilbide artistiko
zabala egiten du Bilbotik eta bere inguruetatik,
baina, une oro, taldeko kide bakoitzaren banako esperientziaren ikuspegi partikular eta bakar
batetik abiatuta.
Verónica Domingok bere aitonarekin ezagutu
zituen hiribilduko txokoak aztertzen ditu. Askotan ibili zen bere aitonarekin leku horietatik,
aitonak bertan izandako gertaera historikoei
buruz hitz egiten zion bitartean. Verónicaren lanak leku horietara itzultzea bilatzen du, eta gaur
egun duen begiradatik eta leku horiek interpretatzeko modutik aztertu nahi ditu, betiere bertan
izandako bizipenen oroitzapenetatik abiatuta.
Bestalde, Tom Richardson-ek atzerritarrak leku
ezezagun batean duen esperientzia ikertzen du.
Bere lana orientatu eta nork bere burua aurkitu
behar duen leku berri eta misteriotsu bati buruz
egindako dokumentazio-lanetik abiatzen da.
Verónica Domingo Arte Ederretan lizentziatua
da Euskal Herriko Unibertsitatetik eta Arte Ede­
rren masterra egin du, Norwich University of the
Arts Unibertsitatean. Bestalde, grabaketa-tailerrak, argazkilaritza digitaleko ikastaroak…
egin ditu. Erakusketa indibidualak eta kolekti­
boak egin ditu Espainia, Eskozia, Ingalaterra eta
Frantziako hiri desberdinetan.
Tom Richardson-ek Lincoln College-en (Foundation Diploma Art & Design) eta Norwich University of the Arts Unibertsitatean egin zituen
ikasketak. Londres eta Norwichen erakusketak egin ditu.
Fosterito, Verónica Domingo
120 x 100 cm
Olio-pintura Oihal gainean
Óleo sobre lienzo

A Divided Line” es un proyecto que se
compone de dos visiones diferentes de la
misma ciudad formando un diálogo entre
ellas y aportando riqueza al proyecto. Estas
dos lecturas del concepto espacial de Bilbao
se presentan avaladas por un trabajo de carácter multidisciplinar utilizando principalmente
técnicas de grabado y pintura.
Cada situación a la que nos enfrentamos
es percibida a través del filtro subjetivo de
nuestra mentalidad. Vemos el mundo determinado por nuestra perspectiva única, siendo de esta forma el resultado de
una emoción atada a un lugar o cosa.
Este trabajo quiere explorar la idea de la perspectiva como una línea dividida… dos personas en el mismo lugar verán las mismas cosas
pero experimentarán el lugar de una manera
completamente diferente. El proyecto abarca
un amplio recorrido artístico por Bilbao y sus
alrededores, pero siempre partiendo del enfoque particular y único de la experiencia individual de cada miembro del grupo.
Verónica Domingo explora rincones de la Villa por los que acostumbraba a pasear con
su abuelo mientras éste le relataba hechos
históricos acaecidos en la misma. La obra de
Verónica quiere ser un reencuentro con esos
lugares desde su actual forma de verlos e interpretarlos, pero siempre partiendo del poso que
el recuerdo de sus vivencias ha dejado en ella.
Por su parte, Tom Richardson investiga la experiencia del forastero en un lugar desconocido. Su obra se basa en la documentación de
un entorno nuevo y misterioso en el que orientarse y encontrarse.

A Divided Line” is a project which consists of two different views of the same
city, forming a dialogue between them and
bringing wealth to the project. These two readings of the spatial concept of Bilbao are endorsed by a work of a multi-disciplinary nature,
mainly using etching and painting techniques.
Every situation we face is perceived through
the subjective filter of our mentality. We see the
world as determined by our unique perspective, being thus the result of an emotion bound
to a place or thing.
This work attempts to explore the idea of
perspective as a divided line. Two people in
the same place will see the same things but
will experience the place in a completely different way. The project includes a broad artistic
tour of Bilbao and its surroundings, but always
based on the particular and unique approach
of the individual experience of each group
member.
Veronica Domingo explores corners of the
town she used to walk around with her grandfather while he described historical events
which took place there. Veronica’s work aims
to be a reunion with those places, based on
her current way of seeing and interpreting them
but always beginning with the pose that the
memory of her experience has left in her.
Meanwhile, Tom Richardson investigates the
experience of a stranger in an unknown place.
His work is based on the documentation of a
mysterious new environment through which he
has to guide and position himself.

Verónica Domingo es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y ha realizado el master de Bellas Artes en Norwich University of the Arts. También ha cursado talleres
de grabado, cursos de fotografía digital… Su
obra ha sido expuesta, tanto a nivel individual
como colectivo, en diferentes ciudades de España, Escocia, Inglaterra y Francia.
Tom Richardson estudió en el Lincoln College (Foundation Diploma Art & Design) y la
Norwich University of the Arts. Ha realizado
exposiciones en Londres y en Norwich.

Veronica Domingo graduated in Fine Arts
from the University of the Basque Country
and obtained a master’s degree in fine arts at
Norwich University of the Arts. She has also
attended printing workshops and digital photography courses. Her work has been exhibited, at an individual and group level, in different
cities in Spain, Scotland, England and France.
Tom Richardson studied at Lincoln College
(Foundation Diploma in Art & Design) and Norwich University of the Arts. He has exhibited in
London and Norwich.

Inundaciones de Bilbao, Verónica Domingo
70 x 100 cm
Bilduma. Tinta txinatarra eta berniza paper gainean
Colección Tinta china y barniz sobre papel

Structure I, Verónica Domingo & Tom Richardson
70 x 100 cm
Tinta txinatarra eta kollagea paper gainean
Tinta china y collage sobre papel

Birdboxes
Forest
Tom Richardson
21 x 29 cm/ud
Fotograbatuak paper gainean
Fotograbados sobre papel

Virginia Herrera & Jorge Thuillier

BilbaoArte

127

Virginia Herrera & Jorge Thuillier
Virginia Herrera
Sevilla, 1984

Jorge Thuillier
Cádiz, 1989
herrera-thuillier.com
herrera.thuillier@gmail.com

C

C

K

lave del enigma.
Proiektu hau etengabe aldatzen eta
garatzen ari diren alderdi artistikoaren
eta pertsonalaren elkarrekiko bilaketaren inguruko kezkak eraginda sortu da. Espazioa,
arrastoa, ibilbidea, eraikuntza, aztarna edo
muga gisako kontzeptuekin lan egiten dugu.
Bidearen ideia interesatzen zaigu, ikuspegi
holistiko batetik ulertua; osotasun bat osa­
tzen duten zati txikiak.
Gure oroimenean gordeta ditugun alderdi
batzuekiko interesa dago, misterioaren eskutik murgiltzen gara lan honetan eta agerian
geratzen da gizakiak enigma jakin batzuk
konpontzeko duen ezintasuna. Guztiarekin,
elementuen eta sinboloen unibertso bat
osatzen da eta horiek ulertzeko eta bereganatzeko, denboraren ikuspegitik distantzia
jakin bat hartu behar dugu, ezinbestean.
Ikusleak zuzenean parte hartzen du ikusten ari denaren eraikuntza kognitiboan, eta
inguruan duen informazioa integratzeko, erlazionatzeko, aldatzeko eta informazio horri
ñabardurak egiteko gai da gainera.
“Pertzepzio-egintza bakoitza sorkuntzaegintza bat da nolabait, eta oroimenaren
egintza bakoitza irudimenezko egintza bat
da nolabait”.
Gerald M. Edelman.

lave del enigma es un proyecto que
surge desde la inquietud hacia la
búsqueda artístico-personal mutua,
que está en constante cambio y evolución.
Trabajamos con los conceptos de espacio,
rastro, recorrido, construcción, huella o límite. Nos interesa la idea del camino comprendido a través de una visión holística;
pequeños trozos que componen un todo.
Existe un interés por ciertos aspectos que
subyacen en nuestra memoria, el misterio nos sirve como hilo conductor en este
trabajo, haciendo visible la incapacidad
que tiene el ser humano de resolver ciertos
enigmas. Todo ello se traduce en un universo propio de elementos y símbolos que a
veces requirieren cierta distancia temporal
para ser asimilados. El espectador participa
directamente en la construcción cognitiva
de lo que está viendo y es capaz de integrar,
relacionar, modificar e incluso añadir matices a la información que le rodea.
“Cada acto de percepción es, a cierto grado, un acto de creación y cada acto de memoria es, a cierto modo, un acto de imaginación”.
Gerald M. Edelman.

ey to the enigma.
This is a project which stems from
concern for the mutual artistic-personal search, which is constantly changing
and evolving. We work with the concepts
of space, trail, travel, construction, footprint
and limit. We are interested in the idea of
the road understood through a holistic view;
small pieces which make up a whole.
There exists an interest in certain aspects
which underlie our memory, the mystery
serves as a common thread in this work,
making the inability of humans to solve certain enigmas visible. This translates itself into
a universe of elements and symbols which
sometimes require a certain temporal distance in order to be assimilated. The viewer
is directly involved in the cognitive construction of what he is seen and is able to integrate, relate, modify and even add nuances
to the information around him.
“Every act of perception is, to some degree,
an act of creation and every act of memory
is, somehow, an act of imagination.”
Gerald M. Edelman.

Virginia Herrerak eta Jorge Thuillier-ek
elkarrekin lan egiten dute 2013tik. Arte Ederretan lizentziatuak dira Sevillako Arte Ederren Unibertsitatetik eta azken urte akademikoa egiten ari dira Lisboako Arte Ederren
Unibertsitatean, FBAUL. Hainbat erakusketa
kolektibotan parte hartu dute, hala nola: “XV
edición Premio Joven UCM”, Madrilgo Jantziaren Museoa eta Artearen Zentro Konplutentsea. “Without contraries is no progression“ Elbutrón galeria, Sevilla. “Plan renove”,
El Farol Ikus-entzunezko eta Kultur Zentroa.
Sevilla.“Que vienen los bárbaros, el futuro
como tantas otras veces acaba llegando”.
CAS, Sevillako Arteen Zentroa. Bere lanetako batzuk bildumen zati bihurtu dira gaur
egun; ICAS, CICUS eta UNIA.

Virginia Herrera y Jorge Thuillier trabajan
juntos desde 2013. Son Licenciados en
Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, y
cursan su último año académico en la Universidad de Bellas Artes de Lisboa, FBAUL.
Han participado en diferentes exposiciones
colectivas como: “XV edición Premio Joven
UCM”, Museo del Traje y Centro de Arte
Complutense de Madrid. “Without contraries
is no progression“ Galería Elbutrón, Sevilla.
“Plan renove” Centro Audiovisual y Cultural
El Farol. Sevilla.“Que vienen los bárbaros, el
futuro como tantas otras veces acaba llegando”. CAS, Centro de las Artes de Sevilla.
Algunas de sus obras forman parte de las
colecciones; ICAS, CICUS y UNIA.

Virginia Herrera and Jorge Thuillier have
worked together since 2013. They graduated in Fine Arts from the University of Seville
and studied at FBAUL, the University of Fine
Arts in Lisbon, during their final academic
year. They have taken part in several group
exhibitions such as the XV Youth Award of
the Complutense University of Madrid, the
Costume Museum and the Complutense Art
Centre in Madrid. “Without contraries is no
progression” at the Elbutrón Gallery, Seville.
“Plan renove” at the El Farol Audiovisual and
Cultural Centre, Seville. “The barbarians are
coming, the future arrives as it has so often”
at the CAS Seville Centre for the Arts. Some
of their works form part of the ICAS, CICUS
and UNIA collections.

Clave del enigma
105 x 38 x 23 cm
Pieza desmontagarria zeramika polikromatuan
Pieza desmontable en cerámica policromada

Clave del enigma
65 x 50 cm (20)
Olioa 370 gr.ko paperean, egurrezko bastidore gainean
Óleo sobre papel 370 gr. sobre bastidor de madera

Clave del enigma
72 x 25 x 22 cm
Pieza desmontagarria zeramika polikromatuan
Pieza desmontable en cerámica policromada

Trukaketako artistak 2014
Artistas de intercambio 2014
Exchange artists 2014

Franz Amann

BilbaoArte

133

Franz Amann
Austria, 1973
www.hotpotblock.tumblr.com/ www,emanuellayr.com
franzamannz@gmail.com

*

... Zurrunki arituz, intzestuak gainbehera
modu anitz eragin zituen, eta elbarriak sorrarazi, izaki ahulxeak, mengel mutanteak,
eta azken finean, esperantzarik gabeko an­
tzutasuna ekarri zuen. Delitu-saldoa kontuan
hartuz, eta inork ere ezin zituenez nonahiko
eta noiznahiko endogamia-orgiak zen­tzuz kontrolatu (Tartariako parajeren batean, geroz eta
artile gehiago zeukaten berrogeita hamar ardibelaunaldik bost hankako eta ilerik gabeko bildots txiki ahul bat sortu zuten duela gutxi, lazki,
eta zenbait abeltzaini zintzurra egiteak ere ezin
berpiztu izan zuen arraza baliotsu hura), agian
egokiagoa izango litzateke intzestu-bizikidetza
zeharo galaraztea.

*

... Practicado con rigidez, el incesto condujo
a diversas formas de declive y a la producción de lisiados, seres debiluchos, enclenques mutantes y finalmente, a la esterilidad
desesperanzada. Teniendo en cuenta la oleada
de delitos y dado que nadie podría controlar
juiciosamente las orgías de endogamia indiscriminada (en algún lugar de Tartaria cincuenta
generaciones de ovejas cada vez más lanudas
concluyeron hace poco abruptamente en un
corderito impotente, de cinco patas y sin pelo
—y la decapitación de unos cuantos granjeros
no logró resucitar a la valiosa raza), quizá fuera
mejor prohibir totalmente la cohabitación incestuosa.

*

... If practiced rigidly incest led to various forms of decline, to the production
of cripples, weaklings, „muted mutates“
and, finally, to hopeless sterility. Now that
smacked of „crime,“ and since nobody could
be supposed to control judiciously orgies of
indiscriminate inbreeding (somewhere in
Tartary fifty generations of ever woolier and
woolier sheep had recently ended abruptly
in one hairless, five-legged, impotent little
lamb—and the beheading of a number of
farmers failed to resurrect the fat strain), it
was perhaps better to ban „incestuous cohabitation“ altogether.
Ada or Ardor, V. Nabokov, Chapter 21, p. 133, 134

Ada edo oldarra, V. Nabokov, 21. kapitulua, 133, 134. or.

Ada o el ardor, V. Nabokov, Capítulo 21, p. 133, 134

Moda pinturan
Nire pinturak Cristóbal Balenciagaren haute
couture jantziekin erkatuak izatea gustatuko
litzaidake, haiek dituzten ezaugarri minimalista
eta espartanistekin. Balenciaga jostunak hitz
hauek esanez itxi zuen bere moda-etxea 1968.
urtean: “luxuaren eta dotoreziaren garaia behin
betirako desagertu da”. Obra-multzo hau Balenciagari buruz egin dudan ikerlana Vladimir
Nabokoven Ada edo oldarraren irakurketarekin
konbinatzearen emai­
tza da; hain zuzen ere,
obra horretan intzestu-maitasun istorio sen­
tsuala kontatzen da, literatura, historia eta zientziarekiko grina sendoa erakusten duena. Esan
nezake azaleko gaietan (azalkeria hanpatsuan)
energia lar ez inbertitzen ikasten duzula, eta artista baten produkziotik haratago begiratzeari
ekiten diozula, artista horrek munduarekiko distantzia sor baitezake (traiziozkoa eta ustelkeriazkoa). Emanuel Ungarok Getariako Balenciaga
Museoan Balenciagari buruz erakusten den
film batean adierazi zuenez, moda gauza polita
da, baina denboragarrenean itsusi bilakatzen
da; arteari, ordea, kontrakoa gertatzen zaio.

Moda en pintura
Me gustaría que mis pinturas fueran comparadas a las prendas de haute couture de Cristóbal
Balenciaga con sus atributos de minimalismo y
espartanismo. El modisto Balenciaga cerró su
casa de modas en 1968 con estas palabras:
“el tiempo del lujo y la elegancia ha desaparecido para siempre”. Este conjunto de obras es
el resultado de combinar mi investigación sobre
Balenciaga con la lectura de Ada o el ardor de
Vladimir Nabokov, una sensual historia sobre
un amor incestuoso con una intensa pasión por
la literatura, la historia y la ciencia. Podría decir
que aprendes a no invertir demasiada energía
en lo superficial (superficialidad engreída) sino
a mirar más allá de la producción de un artista,
que puede crear una distancia con el mundo
(de traición y corrupción). Emanuel Ungaro afirmó en una película sobre Balenciaga que se
exhibe en el Museo Balenciaga de Guetaria,
que la moda es bonita pero que después de
cierto tiempo resulta fea mientras que al arte le
ocurre justo lo contrario.

Painterly Fashion
I would like my paintings to be compared to
Cristobal Balenciaga haute couture pieces:
their attributes of minimalism and spartanism. The couturier Balenciaga closed his
fashion house 1968 with the words: “the
time for luxury and elegance is irretrievably over“. This body of work is a result of
combining the Balenciaga research with my
reading of Nabokov‘s “Ada or Ardor“, a sensual story of an incestuous love affair with a
strong passion for literature, history and science. I could suggest you learn not to invest
too much energy on the surface (of a puffy
slickness) but look beyond to an artist‘s production, that can create a distance to the
world (of betrayal and corruption). Emanuel
Ungaro stated in a film on Balenciaga shown
in the Balenciaga Museum, Getaria, that
fashion looks fine, but after a certain time it
is recognized as ugly while art is the other
way round.

Franz Amann nace en Feldkirch en 1973. Estudia Filosofía e Historia del Arte en la Universidad
de Viena y en la Academia de Bellas Artes de
Viena. Sus más recientes obras se encuentran
en: Universidad de Hong Kong, Villa Claudia
Feldkirch, Kunstraum St. Virgil Salzburg, österr.
Kulturforum Berlin, Millstättersee Soart, Künstlerhaus Graz, Kunsthalle St.Gallen, Austro Sino
Arts Program Beijing, Galería Emanuel Layr.

Franz Amann was born in Feldkirch in 1973.
He studied philosophy and art history at the
University of Vienna and at the Academy of
fine Arts Vienna. recent shows include University of Hong Kong, Villa Claudia Feldkirch,
Kunstraum St. Virgil Salzburg, österr. Kulturforum Berlin, Millstättersee Soart, Künstlerhaus Graz, Kunsthalle St.Gallen, Austro Sino
Arts Program Beijing, Gallery Emanuel Layr

La Concha Balenciaga
35 x 44,5 cm
10 (+2) paper orrialdeak, kartoia, ebakinak, maskorrak,
klipak, itsasgarria eta beste materialak

La Concha Balenciaga 1, 2, 3, 4, 6, 8
35 x 44,5 cm
10 (+2) hojas de papel, cartón, recortes, conchas,
clips, pegamento y otros materiales

Franz Amann Feldkirchen jaio zen 1973an.
Filosofia eta Artearen Artearen Historioa ikasi
zuen Vienako Unibertsitatean eta Vienako Arte
Ederren Akademian. Bere azken lanen artean:
Hong Kongeko Unibertsitatea, Villa Claudia
Feldkirch, Kunstraum St. Virgil Salzburg, österr.
Kulturforum Berlin, Millstättersee Soart, Künstlerhaus Graz, Kunsthalle St.Gallen, Austro Sino
Arts Program Beijing, Emanuel Layr Galeria.
La Concha Balenciaga Nº. 1
(rearranged by J. Hubert)
35 x 44,5 cm

Taxio Ardanaz

BilbaoArte

137

Taxio Ardanaz
Iruñea, 1978
www.taxioardanaz.com
taxtaxio@hotmail.com

eti borrokan, pentsatzen nuen, obsesioaz, oinazeaz eta gozamenaz
aldi berean hitz egiten badugu. Hemendik irtetea dena alboratzea da, urrats
bat beste baten atzetik emanez, bitan
pentsatu gabe.
Ez dakigu zergatik egiten dugu hori,
baina egin nahi dugu, gertatzen dena
gerta­tzen dela.
Ez dakigu zenbat iraungo duen, baina
hemen gaude, nahiz eta, batzuetan, ezinezkoa zaigun asteetan mugitzea, abiapuntuan geldirik, nazka-nazka eginda.
Girotzeko ere denbora behar da: joanetorri mugagabeak, gero eta astunagoak,
bidea prestatzeko.
Ez da erraza hastea, bai ordea, ahul eta
ezerez sentitzea.
Gorroto ditut trantsizio-egunak, gauzek ez baitute aurrera egiten eta nekeak,
ordea, bai.
Baina beti dago eztanda egiten duen zerbait, eta nire gorputza berriro sentitzen dudanean, bidera irteten gara azkenean; eta
jada ez dago atzera bueltarik, inoiz ez.
Marrak marrazten ditugu pareta batean.
Miserien eta beldurren artean egiten dugu
gora; elurra eguzkipean kraskatzen entzuten dugu.
Beharra da, baina arinkeriaz hartzen dut,
irensten nauen horretara lotuta, jada ezinezkoa baita beste ezeri arreta jartzea.
Ez dakigu gauzak nola bukatuko diren, baina ikusi nahi dugu, gertatzen dena gertatuta; nahiz eta tuntunak garen mendi gailurrean biluzik, basoaren mugan babesgabe.

iempre es lucha, pensaba yo, si
hablamos de obsesión, dolor y disfrute al mismo tiempo. Salir de aquí
es abandonarlo todo, un paso tras otro,
sin pensar.
No sabemos por qué hacemos esto, pero
queremos hacerlo, pase lo que pase.
No sabemos cuánto durará todo, pero aquí
estamos, aunque a veces no podamos movernos en semanas, muertos de asco en el
campo base.
Aclimatarse también lleva su tiempo: infinitas idas y venidas cada vez más pesadas en
las que preparamos el camino.
No es fácil empezar, y sí sentirse débil,
inútil, inútil.
Odio los días de transición en los que nada
avanza, sólo el cansancio.
Pero siempre hay algo que revienta, y cuando vuelvo a sentir mi cuerpo, por fin salimos
al camino; y ya no hay vuelta atrás, nunca.
Dibujamos líneas en una pared. Ascendemos entre miserias y miedos; escuchando
la nieve crujir bajo el sol.
Es necesidad pero me lo tomo a la ligera,
enganchado a eso que me devora, porque ya es imposible poner la atención en
otra cosa.
No sabemos cómo acabará todo, pero queremos verlo, pase lo que pase; aunque seamos imbéciles, desarmados en la cima de la
montaña, en el limite del bosque.

B

S

I

Taxio Ardanaz Arte Ederretan lizentziatu
da Euskal Herriko Unibertsitatetik. Hainbat
beka eta sari irabazi ditu eta egonaldi artistikoak egin ditu Austria, Mexiko eta
Txinan. Erakusketa indibidualak egin ditu
Bilbon: Rekalde Aretoa (2014); Madrilen:
Raquel Ponce Galerian (2013) eta RMS
El Espacio zentroan (2011); Mexiko hirian,
Mexikoko Ateneo Español (2012) eta AN
Studio (2011); eta Iruñean: Polvorín de la
Ciudadela (2008). Erakusketa kolektiboei
dagokienez, honako hauetan parte hartu
du: “Entornos Proximos 2008”, Artium, Vitoria -Gasteiz.

Taxio Ardanaz es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Ha
recibido varias becas y premios, realizando
residencias artísticas en Austria, México y
China. Ha expuesto individualmente en Bilbao: Sala Rekalde (2014), Madrid: Galeria
Raquel Ponce (2013) y RMS El Espacio
(2011), Ciudad de México: Ateneo Español
de México (2012) y AN Studio (2011), Y
Pamplona: Polvorín de la Ciudadela (2008).
Entre otras exposiciones colectivas, ha
participado en “Entornos Proximos 2008”,
en Artium, Vitoria -Gasteiz.

Taxio Ardanaz graduated in Fine Arts from
the University of the Basque Country. He
has received several grants and awards,
with artistic stays in Austria, Mexico and
China. He has had individual exhibitions in
Bilbao, at the Sala Recalde (2014), in Madrid at the Raquel Ponce Gallery (2013) and
RMS El Espacio (2011), in Mexico City, at
the Ateneo Español of Mexico (2012) and
AN Studio (2011) and in Pamplona, at the
Citadel Arsenal (2008). Among other group
exhibitions, he took part in “Nearby Environments 2008” at Artium in Vitoria-Gasteiz.

t is always a fight, I thought, if we talk
about obsession, pain and enjoyment
at the same time. Leaving here is giving
everything up, one step after another, without thinking.
We do not know why we do this, but we
want to do it, no matter what.
We do not know how long everything will
last, but we are here, although sometimes
we cannot move for weeks, dying on our
feet at the base camp.
Acclimatising also takes time: endless
comings and goings, increasingly heavier,
during which we pave the way.
It is not easy to start, and yes, feel weak,
useless, useless.
I hate the days of transition in which nothing goes forward, just tiredness.
But there is always something which
bursts, and when I feel my body again, we
finally set out on the road; and there is no
turning back, ever.
We draw lines on a wall. We climb between
miseries and fears, listening to the snow
crunching beneath the sun.
It is necessary but I take it lightly, addicted
to what devours me, because now it is impossible to pay attention to anything else.
We do not know how it will all end, but we
want to see it, whatever happens, even
though we are stupid, unarmed at the top
of the mountain, on the border of the forest.

Abwehr Waldrand
29 x 41 cm.
Akrilikoa paper gainean
Acrílico sobre papel

Katharina Fitz

BilbaoArte

141

Katharina Fitz
Austria, 1985
www.katharinafitz.com
fitz.katharina@gmail.com

rgazkilariaren karrera profesionala gizakiaren eta hiri-egituren zein bere gizarte- eta kultura-testuinguruaren arteko
elkar­reraginak aztertzera zuzentzen da pixkanaka. Esparru teoriko horretan, Bilboko hiria,
bere alderdi kulturala zein historikoa barne
hartuta, hirigune industrial batetik metropoli
postmoderno baterako trantsizioaren adibide
bikaina da. “El barrio de Irala” argazki-proiek­
tuak arretaz aztertzen ditu Bilbo industrialaren osperik handieneko garaietako aztarnak,
fabrika zaharretako langileentzat eraikitako
asentamenduen bitartez oraindik ere ikus
daitezkeen aztarnak. XX. mende hasierako arkitektura-estilo ingelesa kontserbatzen du auzoak, “Harino Panadera” enpresaren langileak
bizitzeko egin ziren eraikuntzetan. Ikuspegi
estetiko batetik, Irala auzoko eraikinak ez dira
osorik hartu. Fatxaden argazkiei dagokienez,
eman zaien tratamenduarekin kokatzen diren
ingurutik isolatu eta banako etxebizitzen irudi
gisa aurkeztea bilatu du egileak. Metodologia
horrekin, aspaldiko gizarte industrialaren elementu bereizgarri batzuk hartu (gizarte-maila,
enpresa eta auzo bateko kide izatea) eta gaur
egungo gizarte indibidualizatuaren eredura
ekarri nahi dira.

a carrera profesional de la fotógrafa
se orienta progresivamente hacia el
estudio de las interrelaciones del ser
humano con las estructuras urbanas y su
contexto sociocultural. En este marco teórico, la ciudad de Bilbao, tanto en el aspecto
cultural como histórico, representa el ejemplo perfecto de la transición de un núcleo
urbano industrial hacia una metrópoli postmoderna. El proyecto fotográfico “El barrio
de Irala” explora las huellas del periodo de
máximo esplendor de la Bilbao industrial,
aún visibles a través de los asentamientos
construidos para los trabajadores de las
antiguas fabricas. El vecindario conserva
un estilo arquitectónico inglés de principios
de siglo XX gracias a las edificaciones destinadas al alojamiento de los obreros de la
empresa “Harino Panadera”. Desde el punto
de vista estético, los edificios del barrio de
Irala no se representarán en su conjunto.
Cada una de las fotografías de las fachadas
serán tratadas para aislarlas de su entorno
y presentarse como imágenes de viviendas
individuales. Esta metodología desea capturar algunos de los elementos característicos
de la antigua sociedad industrial (el sentido
de pertenencia a una clase social, a una
empresa y a un barrio) para trasladarlos
al modelo de sociedad individualizada de
nuestros tiempos.

A

L

T

Katharina Fitzek Sarriá-ko (Bartzelona) Sant
Ignasí goi-eskolan egin zituen irudi-ikasketak.
2008tik Berlinen bizi da eta freelance argazkilari gisa lan egiten du. “Dornbirn Houses” eta
“Urban Gardering Patchwork” proiektuengatik
sariak jaso ditu 2013ko eta 2014ko International Photography Awards Sarietan. Azken
serie hau hainbat aldizkaritan argitaratu da
(“Photonews”, “Geo”), eta 2014an Noorderlicht argaz­kilaritza-jaialdian eta Singapore International Photography Festival jaialdian parte
hartu du.

Katharina Fitz cursa sus estudios de imagen en la escuela superior Sant Ignasí de
Sarriá (Barcelona). Desde el año 2008 reside en Berlín, donde trabaja como fotógrafa
freelance. Sus proyectos “Dornbirn Houses”
y “Urban Gardering Patchwork” han sido
premiados en los International Photography
Awards 2013 y 2014. Esta última serie ha
sido publicada en varias revistas (“Photonews”, “Geo”), y participa en las ediciónes
2014 del festival de fotografía Noorderlicht
y el Singapore International Photography
Festival.

Katharina Fitz completed her image studies
at the Sant Ignasi de Sarriá College in Barcelona. Since 2008 she has lived in Berlin,
where she works as a freelance photographer. Her projects titled “Dornbirn Houses”
and “Urban Gardening Patchwork” received
prizes at the International Photography
Awards in 2013 and 2014. The latter series
has been published in several magazines,
including Photonews and Geo, and she
took part in the Noorderlicht Photography
Festival and the Singapore International
Photography Festival in 2014.

Barrio Irala Houses 1#
65 x 80 cm
Argazkia, inprimatze digitala Hahnemühle paperean
Fotografía, impresión digital sobre Papel Hahnemühle

he photographer’s career is progressively directed towards the study of
the inter-relationships of human beings
with urban structures and their socio-cultural context. Within this theoretical framework,
the city of Bilbao, in both its cultural and its
historical aspects, represents the perfect
example of the transition from an industrial
urban nucleus to a post-modern metropolis.
The photographic project titled “El barrio de
Irala” (The Irala neighbourhood) explores the
traces of the period of the zenith of the industrial Bilbao, still visible in the settlements
built for the workers of the old factories. The
district retains the English architectural style
of the early twentieth century, with buildings
for the housing of the workers of the Harino
Panadera company. From an aesthetic point
of view, the buildings of the Irala neighbourhood will not be represented as a whole.
Each of the photographs of the facades will
be treated and isolated from its surroundings and they will all be presented as images
of individual houses. This methodology attempts to capture some of the characteristic elements of the former industrial society
(the sense of belonging to a social class, a
company and a neighbourhood), transferring them to the model of the individualized
society of the current day.

Barrio Irala Houses 2#, 3#, 4#, 5#
Argazkiak, inprimatze digitala Hahnemühle paperean
Fotografías, impresión digital sobre Papel Hahnemühle

Carlos García Pelaez

BilbaoArte

145

Carlos García Pelaez
Elche, 1978

4

7 jours et un parquet

4

7 jours et un parquet

4

7 jours et un parquet

“Lan hura langile batek egingo zukeen moduan egin behar zen: presarik eta urduritasunik gabe, ahaleginak xahutu gabe eta gogoberotasunik eta gaitzespenik gabe.

“Ese era un trabajo que había que llevar a
cabo tal y como lo haría un operario, sin prisa ni excitación ni derroche de esfuerzo, sin
entusiasmo ni repugnancia.”

“Here was a job to be done in a workmanlike manner, without haste or excitement or
wasted effort, without either enthusiasm or
repulsion.”

Proiektu honek André-Jacob Roubo-k 17691782 urteen artean Parisen idatzitako «L’Art
du menuisier» tratatuari heltzen dio eta bertan ematen diren jarraibideak betetzen dira,
estudioaren zorurako parket ba eraikitzeko.
Gauzen ekoizpena hobeto ulertu nahian,
artisau-lan hau bizitza material arruntago bat
lortzea bilatzen duen saiakuntza bat da.
Hainbat ibilaldi egin nituen hiritik, beharrez­
koa nuen zura aurkitzeko. Ibilaldi horietan
aurkitu nituen pertsonekin izandako elkarrizketa lagungarriak dokumentatu nituen
eta zura aurkitu nuen lekuen oharrak hartu
nituen. Prozesu honetan, Paris hiriaren berrikuspena planteatzen da, beste ikuspegi batetik, ikono turistikotik aldentzen den
leku batetik, baina inoren hiri batean zeregin
zentzugabe bat duen autoenplegatu baten
iruditik hurbilago dagoen leku batetik.

Este proyecto toma el tratado «L’Art du menuisier» de André-Jacob Roubo que escribió
en Paris entre 1769-1782 y pone en práctica sus instrucciones para la construcción
de un parquet, en este caso para el suelo
del estudio. Esta labor artesanal de comprender mejor la producción de las cosas es
un intento de lograr una vida material más
normal.
Con el fin de encontrar la madera necesaria
realicé diversos paseos por la ciudad documentando encuentros con personas que
me ayudaron en mi tarea así como anotando los lugares donde encontré la madera.
En este proceso se plantea una revisión de
la ciudad de Paris desde otra perspectiva,
desde un lugar diferente al icono turístico
pero más cercano a la figura de un autoempleado con una labor ligeramente absurda
en una ciudad ajena.

This project takes the treatise “L’Art du
menuisier” by the carpenter André-Jacob
Roubo, which was written in Paris between
1769 and 1782, and follows his instructions
on how to lay parquet, in this case for his
workshop floor. The craftsmanship involved
in better understanding how to make things
is an attempt to achieve a more equitable
material life.
With a view to finding the necessary timber,
I undertook a series of walks around the city,
recording my encounters with people who
helped me in my quest, as well as the places where I found the wood. This process
involves looking upon the city of Paris from
another perspective, from a standpoint that
differs from that of the tourist icon, but closer
to the figure of a self-employed person with
a slightly absurd task in a strange city.

Carlos García Peláez Arte Ederretan lizentziatua da Valentziako San Carlos Fakultatetik. Hainbat erakusketa indibidual egin ditu,
hala nola: 65.612gr. (Bilbaoarte, Bilbo 2013),
Descansa todo lo que necesites (Biziak, Valentzia 2011), Cordillera y vez (Valle Ortí Galeria, Valentzia 2009) eta Si con apariencia
de sí (Espai d’Art de la Llotgeta, Valentzia
2006). Egileak partu hartu duen erakusketa
kolektiboen artetik, honako hauek aipa daitezke: Estructura Objeto Materia ... Acción!
(La Conservera Arte Garaikidearen Zentroa,
Murtzia 2014), HARIMAKILA, Mobiolak Kolektiboa, (Montehermoso Kultur Zentroa, Vitoria-Gasteiz, 2014), EAC 2013 Arte Garaikidearen XIII. Topaguneak (Mua, Alacanteko
Unibertsitatearen Museoa, 2013), Bienal de
Amposta (Museo Montsia, Amposta, 2010)
eta Puntas de flecha (Atarazanas, Valentzia
2009).
Institut Français / Etxepare

Carlos García Peláez es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de
Valencia. Ha realizado diversas exposiciones individuales como 65.612gr. (BilbaoArte, Bilbao 2013), Descansa todo lo que
necesites (Biziak, Valencia 2011), Cordillera
y vez (Galería Valle Ortí, Valencia 2009) y Si
con apariencia de sí (Espai d’Art de la Llotgeta, Valencia 2006). Entre las exposiciones
colectivas en las que ha participado cabe
mencionar Estructura Objeto Materia ...Acción! (La Conservera Centro de Arte Contemporaneo, Murcia 2014), HARIMAKILA,
Colectivo Mobiolak, (Centro cultural Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, 2014), EAC 2013
XIII Encuentros de arte contemporáneo
(Mua Museo de la Universidad de Alicante,
2013), Bienal de Amposta (Museo Montsia,
Amposta, 2010) y Puntas de flecha (Atarazanas, Valencia 2009).
Institut Français / Etxepare

Carlos García Peláez has a degree in Fine
Arts from the Faculty of San Carlos in Valencia. He has held several individual exhibitions,
such as 65.612gr. (BilbaoArte, Bilbao 2013),
Descansa todo lo que necesites [Rest for as
long you need] (Biziak, Valencia 2011), Cordillera y vez [Mountain range and turn] (Galería
Valle Ortí, Valencia 2009) and Si con apariencia de sí [If looking like oneself] (Espai d’Art
de la Llotgeta, Valencia 2006). Amongst the
group exhibitions he has been involved in,
special mention should be made of Estructura Objeto Materia ...Acción! [Structure Object
Material…Action!] (La Conservera Contemporary Art Centre, Murcia 2014), HARIMAKILA,
Colectivo Mobiolak, (Montehermoso Cultural
Centre, Vitoria-Gasteiz, 2014), EAC 2013 XIII
Contemporary Art Symposia (Mua Museo, Alicante University, 2013), The Amposta Biennial
(Museo Montsia, Amposta, 2010) and Puntas
de flecha [Arrow heads] (Atarazanas, Valencia
2009).
French Institute/Etxepare

Parquet Point de Hongri
Neurri aldakorrak. Egurra
Medidas variables. Madera

Rue Roubo, 11e arrondiseement de Paris

Aglomerado
Neurri aldakorrak. Egurra
Medidas variables. Madera

(Dashiell Hammett, This King Bussiness, 1928)

(Dashiell Hammett, This King Bussiness, 1928)

(Dashiell Hammett, This King Business, 1928

Karlos Martínez B

BilbaoArte

149

Karlos Martínez B
Bilbao, 1982
karlitos53@hotmail.com

E

¡

P

Mendi Arrosa eta lautada berdeetaraino
zabaltzen diren bere estimazioak berreraiki
egin behar dira.
Bai, eraginik gabea eta erabilgarritasunik gabea! Baina, lortu al dugu erabilgarritasunaren eskutik zoriontsu izatea?
Beti erabilgarritasuna eta erabilgarritasuna,
erosotasuna, komenigarritasuna – jaki onak,
kultura – labana, sardea, konketak, bai eta
kanoiak, bonbak, hiltzeko tresnak ere!
Asperkizuna da beti erabilgarri dena eta eroso dena nahi izatea, goragoko idealik eduki
gabe.
Asperkizunak lehia, borroka eta gerra
dakartza...
Predikatu ideia soziala…
Eman masei zeregin handi bat, mundu
guztia asetuko duena, pertsonarik apalenetik
garrantzitsuenera… Norberak erkidego zabalean bere eskuekin egindako lana ikusten
du argiro: norberak eraikitzen du – benetako
zentzuan…

El Monte Rosa y sus estimaciones hasta las
verdes llanuras han de ser reconstruidos.
¡Sí, ineficaz y sin utilidad! ¿Pero hemos llegado a ser felices con la utilidad?
¡Siempre utilidad y utilidad, comodidad,
conveniencia - buena comida, cultura - cuchillo, tenedor, trenes, lavabos e incluso
también - cañones, bombas, instrumentos
de asesinato!
Querer solamente lo utilitario y confortable
sin ideales más altos es aburrimiento.
El aburrimiento trae pelea, lucha y guerra...
Predica la idea social...
Ocupa a las masas en una gran tarea, que
satisfaga a todo el mundo, del más humilde
al principal... Cada uno ve en la gran comunidad claramente el trabajo de sus propias
manos: cada uno construye - en el verdadero sentido...

Monte Rosa and its surroundings as far as
the green plains have to be rebuilt. Yes, ineffective and useless! But have we become so
happy with utility?
Always utility and utility, comfort, convenience - good food, culture - knife, fork, trains,
toilets and even - cannons, bombs, instruments of murder!
Wanting only what is utilitarian and comfortable with no higher ideals is boredom.
Boredom brings fighting, struggle and war...
Preach the social idea ...
Occupy the masses in a great task which
satisfies everyone,
from the humblest to the principal ... Each
one sees in the great community
clearly the work of his own hands: each one
builds - in the true sense...

UROPAKO HERRIAK!
SORTU ZUENTZAKO ONDASUN SAKRATUAK – ERAIKI!

PUEBLOS DE EUROPA!
¡CREAD PARA VOSOTROS POSESIONES SAGRADAS - CONSTRUID!

EOPLES OF EUROPE!
CREATE SACRED POSSESSIONS
FOR YOURSELVES - BUILD!

Bruno Taut, Alpine Architektur, plate 16

Bruno Taut, Alpine Architektur, lámina 16

Bruno Taut, Alpine Architektur, 16. lamina

Karlos Martinez B. diziplina anitzeko artista
bat da eta bere lanak abangoardia historikoen berrirakurketa du oinarritzat; ondorengo praktika artistikoetan izandako eragina, gainditu behar izan zituzten kontraesan
historikoak eta ehun garaikidean txertatzeko
lana. Aipatutako analisiak egiteko nagusiki
abiapuntu gisa erabiltzen dituen formatuak,
bizimoduak eta jokatzeko moduak defini­
tzen dituzten espazio fisikoak eta mentalak
sortzen dituztenak dira: arkitektura, zinema,
diseinua edo musika. Hainbat beka eta sari
jaso izan ditu eta proiektu eta erakusketa
indibidualetan eta kolektiboetan parte hartu
du Bilbo, Manchester, Leipzig, Córdoba (Argentina), Donostia-San Sebastián, Montevideo, Bartzelona edo Madrilen.

Karlos Martinez B. es un artista interdisciplinar, su trabajo se basa en la relectura de
las vanguardias históricas; de su influencia
en las prácticas artísticas posteriores, de las
contradicciones históricas a las que se vieron expuestas, de su inserción en el tejido
contemporáneo. Los formatos que utiliza
principalmente como punto de partida para
estos análisis son aquellos que crean espacios físicos y mentales que llevan a definir
modos de vida y actuación: la arquitectura,
el cine, el diseño o la música. Ha recibido
varias becas y premios realizando proyectos y exposiciones tanto individuales como
colectivas en Bilbao, Manchester, Leipzig,
Córdoba (Argentina), Donostia-San Sebastian, Montevideo, Barcelona o Madrid.

Karlos Martinez B. is an inter-disciplinary
artist. His work is based on the reinterpretation of the historical vanguards, with regard
to their influence on later artistic practices,
the historical contradictions to which they
were exposed and their insertion in the
contemporary fabric. The formats he mainly
uses as a starting point for these analyses
are those which create physical and mental
spaces leading to the definition of lifestyles
and actions: architecture, the cinema, design and music. He has received several
grants and awards, conducting projects and
individual and group exhibitions in Bilbao,
Manchester, Leipzig, Córdoba (Argentina),
Donostia-San Sebastián, Montevideo, Barcelona and Madrid.

The challenge of the Alps

Medidas variables // 3 minutos 12 segundos de
duración aprox.
Cine Experimental (Película intervenida directamente/
Cine sin cámara).
Super 8mm

Neurri aldakorrak // 3’12’’ gutxi gora behera.
Zinema Experimentala (Zuzenki landutako pelikula /
kamara gabeko Zinemaine sin cámara).
Super 8mm

Federico Miró

BilbaoArte

153

Federico Miró
Málaga, 1991
www.federicomiro.com
cocogattuso@hotmail.com

I

A

B

txurazko hoztasun teknologikoa, organikoa eta naturala denarekin konbinatzen
dituen proiektu piktoriko baten eskutik,
Federico Mirók hausnarketa egiten du biziesperientzia garatzen den “paisaia” kontrajarrien arteko dikotomiaren inguruan.
Artista gaztea gai da alde kontrajarriak mihise bakar batean sutsuki elkartzeko. Azalera
piktoriko osoa estaltzen duten etengabeko
lerro horizontalen eta paraleloen bitartez
sortutako serie-fabrikazio mekanikoaren
ilusioak, oroitzapen begetal bati leku egiten
dio, eta paisaia gisa aurkezten ez denez,
ikuslearen irudimenari azaleratzen uzten dio,
sentsazio naturala iradokitzen duen espazio
batean. Proiektua, ikuslearengan inpaktuen
mugimendua eragitea bilatzeaz gain, nahasketarekin jolastera ausartzen da, lehen
begirada batean konturatzen garenean lerroen ustezko “fabrikazio mekanikoa”, zinez
eskuzko teknika zaindu baten emaitza dela.
Lanera hurbiltzean bakarrik konturatzen gara
zentzumenei iruzur egin zaiela eta alderdi digitala eta teknologikoa egunerokotasunaren
zati dela pentsatzera ohituta dagoela gure
adimena, hainbeste ezen elkartze faltsuak
sortzen ditugun.

través de un proyecto pictórico que
combina la aparente frialdad tecnológica con lo orgánico y natural, Federico Miró reflexiona sobre esta dicotomía de
“paisajes” opuestos entre los que se desenvuelve la experiencia vital.
El joven artista, es capaz de fundir con vehemencia en un solo lienzo los opuestos. La
ilusión de la fabricación mecánica en serie
creada mediante una constante de líneas
horizontales y paralelas que cubren la totalidad de la superficie pictórica, deja paso
visual a una reminiscencia vegetal que, al
no concretarse como paisaje, deja emerger la imaginación del espectador en un
espacio de sensación natural. El proyecto
no solo busca esta maniobra de impactos
en el observador sino que se atreve a jugar con su confusión cuando, tras un primer golpe de vista, somos conscientes de
que la supuesta “fabricación mecánica” de
líneas es en realidad resultado de una depurada técnica manual. Solo la cercanía a
la obra proporciona la certeza del engaño
de los propios sentidos y de una mente
acostumbrada a tomar como parte de la
cotidianidad lo digital y tecnológico, hasta el punto de crear falsas asociaciones.

y means of a pictorial project which
combines apparent technological
coldness with what is organic and
natural, Federico Miró reflects on this dichotomy of opposing “landscapes” between
which life experience unfolds.
The young artist is capable of vehemently
blending the opposites on a single canvas.
The illusion of mechanical mass production
created by means of a constant of horizontal
and parallel lines covering the entire pictorial
surface gives visual way to a reminiscence
of plants which, by virtue of it not materializing as a landscape, allows the spectator’s
imagination to emerge within a space of natural feeling. The project not only seeks this
manoeuvre of impacts in the observer but
also dares to play with his confusion when,
after a first glance, we are aware that the
alleged “mechanical production” of lines is
actually the result of a refined manual technique. Only the proximity to the work provides the certainty of the deception of the
senses themselves and a mind accustomed
to regarding digital and technology issues as
part of everyday life, to the point of creating
false associations.

Federico Miró (Málaga, 1991) Arte Eder­
retan lizentziatua da Málagako Unibertsitatetik eta bi erakusketa indibidual egin ditu:
Hasta donde la mirada alcance, Málagako
Arte Ederren erakusketa-aretoan, eta El
ojo sorprendido, Madrilgo Marta Cervera
Galerian. Gainera, hainbat erakusketa kolektibotan ere parte hartu du; besteak beste,
azpimarratzekoa da: IKAS -ART Unibertsitate Artearen Nazioarteko Erakusketa (Bilbo
2012). Málagako Unibertsitatearen Pintura
Saria irabazi du (VII. edizioa) eta beka jaso
du Segoviako paisaien margolarien ikastaroan, non urrezko domina eman zioten
(nazio-mailan dagoen aitorpenik garrantzi­
tsuena, 2013). Gaur egun, UCMren Arte eta
Sorkuntzako Ikerketa Masterra amaitu berri
du eta Madrilgo Casa de Velázquez erakundearen bekan lan egiten du. Halaber, Benetton Fundazioaren Imago, made in Spain
proiektuan murgilduta dago eta Málagako
CAC Zentroan parte hartzen du.

Federico Miró (Málaga, 1991) licenciado
por la Universidad de Bellas Artes de Málaga cuenta con dos exposiciones indiviudales: Hasta donde la mirada alcance, en la
sala de exposiciones de Bellas Artes en Málaga y El ojo sorprendido en la galería Marta
Cervera en Madrid. También ha participado
en varias exposiciones colectivas en las que
cabe destacar la Muestra Internacional de
Arte Universitario IKAS - ART (Bilbao 2012).
Ha sido galardonado con el primer Premio
de Pintura de la Universidad de Málaga (VII
edición) y becado en el curso de pintores de
paisaje de Segovia, donde también recibió
el máximo reconocimiento a nivel nacional
con la medalla de oro (2013). Actualmente
acaba de terminar el Máster de Investigación en Arte y Creación de la UCM y se encuentra en la beca de la Casa de Velázquez
en Madrid. También está inmerso en el Proyecto Imago, made in Spain de la Fundación
Benetton y CAC Málaga, en el que participa.

Federico Miró (Málaga, 1991), a graduate
from the University of Fine Arts in Malaga,
has put on two individual exhibitions: Hasta donde la mirada alcance (As far as the
eye reaches) at the exhibition hall of Fine
Arts in Malaga and El ojo sorprendido (The
surprised eye) at the Marta Cervera Gallery
in Madrid. He has also taken part in several
group exhibitions, including the IKAS-ART
International Exhibition of University Art (Bilbao, 2012). He was awarded the first painting prize at the University of Málaga (seventh
year) and received a grant for a landscape
painting course of Segovia, where he also
received the highest national recognition
with the gold medal (2013). He has just finished a master’s degree in Research into
Art and Creation from the UCM and has a
grant from the Velázquez House in Madrid.
He is also involved in the Imago, made in
Spain project of the Benetton Foundation
and CAC Málaga, in which he is taking part.

“Sin título” de la serie
Tras las apariencias
170 x 150 cm
Akrilikoa mihise gainean
Acrílico sobre lienzo

“Sin título” de la serie
Tras las apariencias
130 x 97 cm
Akrilikoa mihise gainean
Acrílico sobre lienzo

“Sin título” de la serie
Tras las apariencias
170 x 150 cm
Akrilikoa mihise gainean
Acrílico sobre lienzo

“Sin título” de la serie
Tras las apariencias
130 x 97 cm
Akrilikoa mihise gainean
Acrílico sobre lienzo

Demetrio Salces

BilbaoArte

157

Demetrio Salces
Montalbán (Córdoba), 1987
demetriosalces.blogspot.com
demetriosalces@gmail.com

B

L

L

i aurpegi erakusten dituen proiektu bat
da La Fábrica. Alde batetik, alderdi estetikoa islatzea bilatzen du, horrelako
ezaugarriak dituen eraikin batek, espazioaren
interpretazioek eta errealitate bat desitxuratzeko eta eraikitzeko modu desberdinek eskain
ditzaketen baliabide plastikoen bitartez.
Bestetik, Ludismoarekin erlazionatutako alderdia azpimarratzen du: makinekiko gorrotoa. Ned Ludd-en irudiaren eta beso, hanka
eta buruz osatutako mendien serie-fabrikazio
baten bitartez aurkezten da etorkizunak eta
aurrerapen teknologikoak sortzen diguten
ziurgabetasuna.
Modu horretara, La Fábrica inguru artistiko
batean islatzen den irudimenezko istorio moduko baten antzera planteatzen da. Errealitatea eraldatuz sortzen diren hainbat irudi piktorikoren eta eskultorikoren bitartez, espazio bat
sortzen da, gogoeta egiteko, kritika egiteko
eta gure gizartearen oinarri diren eta gure askatasuna mugatzen duten elementuak zalan­
tzan jartzeko.

a fábrica es un proyecto que exhibe
dos caras. Por un lado la intención
de plasmar lo estético aprovechando
los recursos plásticos que puede ofrecer un
edificio de estas características, las interpretaciones del espacio y las diferentes formas
de deformar y construir una realidad.
Por otro lado un sentido relacionado con
el Ludismo: el odio hacia las máquinas. La
incertidumbre que nos provoca el futuro y
el progreso tecnológico se plantean a través
de la figura de Ned Ludd y de una fabricación en serie de montañas de brazos, piernas y cabezas.
De esta manera La Fábrica se concibe
como una especie de historia imaginaria
que se muestra sobre un marco artístico.
Una serie de imágenes pictóricas y escultóricas que nacen de la alteración de la realidad creando un espacio para la reflexión, la
crítica y el cuestionamiento de los elementos que sustentan nuestra sociedad y limitan
nuestra libertad.

a Fábrica (The Factory) is a project
which exhibits two faces. On the one
hand, it attempts to capture what is
aesthetic by taking advantage of the plastic
resources which a building of these characteristics may offer, the interpretations of
space and the different ways of deforming
and constructing a reality.
On the other hand, there is a sense related
to Luddism: hate for machines. The uncertainty posed to us by the future and technological progress are presented in the shape
of the figure of Ned Ludd and the mass
production of mountains of arms, legs and
heads.
La Fábrica is thus conceived as a kind of
imaginary history which is depicted in an
artistic framework. A series of pictorial and
sculptural images stemming from the alteration of reality, creating a space for reflection, criticism and the questioning of the
elements which sustain our society and limit
our freedom.

Demetrio Salcesek Arte Ederren eta Erakusketen Komisariotzako unibertsitate-ikasketak
egin ditu. Hainbat erakunderen bekak jaso
ditu, besteak beste: Viana Fundazioa, Alnorte Arte Jardunaldiak edo D-Mencia, eta Gijón,
Kordoba, Sevilla, Badajoz edo Alacanten antolatutako erakusketetan parte hartu du. 2012tik
Z. proiektua. Montalbán-eko Arte Garaikideko
Jardunaldiak zuzentzen ditu eta jardunaldien
komisarioa da.

Demetrio Salces ha realizado estudios universitarios en Bellas Artes y comisariado de
exposiciones. Ha sido becado por diferentes instituciones como la Fundación Viana,
las Jornadas de Arte Alnorte o D-Mencia
participando en diferentes exposiciones en
Gijón, Córdoba, Sevilla, Badajoz o Alicante.
Desde 2012 dirige y comisaria el proyecto
Z. Jornadas de Arte Contemporáneo de
Montalbán.

Demetrio Salces has completed his university studies in Fine Arts and has been the curator of exhibitions. He has received grants
from various institutions such as the Viana
Foundation, the Arte Alnorte Seminars and
D-Mencia, taking part in several exhibitions
in Gijón, Córdoba, Seville, Badajoz and Alicante. Since 2012 he has led and been the
curator of the Z. Jornadas Contemporary
Art project in Montalbán.

Útiles en desfase
20 x 30 cm/ud
Poliptikoa. Oleoa mihise gainean
Políptico. Óleo sobre lienzo.

Series P, M y C
70 x 100 x 40 cm/ud
Igeltsua
Escayola

O la fábrica.
42 x 54 cm/ud
Poliptikoa. Oleoa eta grafitoa mihisean
Políptico. Óleo y grafíto sobre lienzo

Erakusketak 2014
Exposiciones 2014
Exhibitions 2014

BilbaoArte

163

Diez personas que no deberían morir nunca
Jesús Pueyo
21/03/2014 - 11/04/2014

BilbaoArte

165

Flujos
Naia del Castillo
25/04/2014 - 16/05/2014

BilbaoArte

167

Geometría de ecos
Carla Andrade
23/05/2014 - 13/06/2014

BilbaoArte

169

Hasta la bandera
Juan Pablo Ordúñez
20/06/2014 - 11/07/2014

BilbaoArte

171

Waiting for loading
Hélène Duboc
05/09/2014 - 26/09/2014

BilbaoArte

173

18/19/2013
Eriz Moreno
03/10/2014 - 24/10/2014

BilbaoArte

175

Guardianes
Mika Murakami
31/10/2014 - 21/11/2014

Zentrua
El centro
The centre

Zentrua - El Centro - The Centre

BilbaoArte

179

Zentrua
El centro
The centre

B

ilbaoArte ekoizpen artistikorako
zentro bat da eta Bilboko Udal Gorenaren Kultur Sailari lotuta dago.
Sortzaile gazteen eskura jartzen ditu beha­
rrezko bitarteko eta azpiegitura euren egitasmo artistikoak garatzeko. 1998an sortu
zenetik, ondoko programa eta ekintzen garapenean zentratu da:
· Proiektu artistikoak garatzeko bekak
Ikastaroak, mintegiak eta hitzaldiak
· Hauetan, nazioartean ospea
duten sortzaileek parte
hartzen dute
· Sortzaile gazteen erakusketak eta
ateak zabalitako jardunaldiak
· Artistak beste arte-zentroekin
trukatzea
· Proposamen artistikoak Europako
zenbait herrialdetan erakustea
· Aholkularitza artistikoa erakundeen
proiektuak garatzeko
BilbaoArteren helburu behinena, sortzaile
gazteen profesionalizazioa erraztea da eta,
era berean, artearen praktikarako beha­
rrezko azpiegitura modernoak komunitate
artistikoaren eskura jartzea. Honetarako,
BilbaoArtek 3.500 bat m2 erabilgarri dauka, lau solairutan banatuta, zamaketarako
kaia eta gainera:
· Erakusketa gela, edozein jarduera
artistikorako egokituta
· 12 lagapen-gune, egitasmo
artistikoak garatzeko
· Argazkigintza, eskultura, grabatu,
serigrafia eta teknologia berrietarako
tailerrak, filmazio-aretoa, eta abar,
arte jarduerarako beharrezko
makineria eta bitarteko guztiez
hornitutak. Halaber, langile adituak ere
badaude. Hauek erabiltzaileei
aholkuak eman eta azpiegituren funtzionamendu zuzena bermatzen dute
· Art House Zinema: hitzaldietarako
aretoa
· Liburutegi-kafetegia: aldizkaritegi bat
dauka etengabe eguneratzen dena eta
arte diziplina desberdinei buruzko
agerkari eta katalogo ugari
· Wifi Zona

B

ilbaoArte es un centro de producción artística, dependiente del Área de
Cultura del Excmo. Ayuntamiento de
Bilbao, que pone a disposición de los artistas
residentes los medios e infraestructuras necesarias para el desarrollo de sus propuestas
artísticas. Desde su inauguración en el año
1998, centra su labor en el desarrollo de las
siguientes actividades:
· Becas para el desarrollo de proyectos
artísticos
· Cursos, seminarios y conferencias en
las que participan creadores de consolidado prestigio internacional
· Exposiciones de jóvenes creadores y
jornadas de puertas abiertas
· Intercambios de artistas con otros
centros artísticos, nacionales e internacionales
· Asesoramiento artístico para el desarrollo de proyectos institucionales

B

ilbaoArte is an artistic production
centre belonging to the Culture Department of the Bilbao City Council.
It provides young creators with the means
and infrastructures required to develop their
artistic ideas. Since it opened in 1998, it has
been focused on the development of the following programmes and activities:
· Grants for the development of artistic
projects
· Courses, seminars and conferences
involving consolidated and prestigious
international creators
· Exhibitions by young creators and
open days
· Artist exchanges with other artistic
centres
· Exhibitions of artistic proposals in
various European countries
· Artistic advice for the development of
institutional projects

El objetivo fundamental de BilbaoArte es
proporcionar una destacada profesionalización de los artistas y poner a disposición
de la comunidad artística modernas infraestructuras para la práctica artística. Para ello,
BilbaoArte cuenta con una superficie aproximada de 3.500 m2 útiles, divididos en
cuatro plantas, un muelle de carga y descarga, además de:

The main aim of BilbaoArte is to provide
outstanding professionalisation of young
creators and making available modern infrastructures for artistic practices within the
art community. For this, BilbaoArte has a
usable surface area of approximately 3,500
m2, divided into four floors, as well as a loading and unloading area and the following
facilities:

· Sala de exposiciones, acondicionada
para cualquier intervención artística
· 12 espacios de cesión o estudios para
el desarrollo de proyectos artísticos
· Talleres de fotografía, escultura,
grabado, serigrafía, nuevas tecnologías,
plató de filmación, etc., equipados con
todo tipo de maquinaria y de útiles
para la práctica artística. Asimismo,
disponen de personal especializado
encargado de asesorar a los usuarios y
de garantizar el correcto funcionamiento
de las infraestructuras
· Art House Zinema: sala polivalente
para proyecciones y conferencias.
· Biblioteca-Cafetería: con una colección
de revistas permanentemente actualizada y numerosas publicaciones y
catálogos sobre diferentes disciplinas
artísticas.
· Zona Wifi

· Exhibition room equipped for any
artistic intervention
· 12 studio spaces that are lent out for
the development of artistic projects
· Photography, sculpture, printing,
silkscreening and new technology
workshops, as well as a film set, and
so on, provided with all the equipment
and facilities needed for artistic practice.
They also have specialised personnel
in charge of providing information for
users and guaranteeing the correct use
of the infrastructures
· Art House Zinema: lecture room
· Library-cafeteria, including a constantly
updated magazine collection and
numerous publications and catalogues
dealing with various artistic disciplines
· Wifi Zone

Jarduerak 2014
Actividades 2014
Activities 2014

Erakusketak - Exposiciones - Exhibitions

BilbaoArte

183

Erakusketak
Exposiciones
Exhibitions
Otsailaren 28tik martxoaren 14ra:
En construcción
Fundación Santander Creativa

Del 28 de febrero al 14 de marzo:
En construcción
Fundación Santander Creativa

From 28th of February to 14th of March:
En construcción
Fundación Santander Creativa

Martxoaren 21tik apirilaren 11ra:
Diez personas que no deberían morir
nunca
Jesús Pueyo

Del 21 de marzo al 11 de abril:
Diez personas que no deberían morir
nunca
Jesús Pueyo

From 21st March to 11th of April:
Diez personas que no deberían morir
nunca
Jesús Pueyo

Martxoaren 26tik 28ra:
A&A Aurrez Aurre
Alberto Lomas

Del 26 al 28 de marzo:
A&A Aurrez Aurre
Alberto Lomas

From 26th to 28th of March:
A&A Aurrez Aurre
Alberto Lomas

Apirilaren 25etik maiatzaren 16ra:
Flujos
Naia Del Castillo

Del 25 de abril al 16 de mayo:
Flujos
Naia Del Castillo

From 25th of April to 16th of May:
Flujos
Naia Del Castillo

Apirilaren 11tik 25ra:
El Amazonas llega a Bilbao
Omar Rodríguez Da Silva

Del 11 al 25 de abril:
El Amazonas llega a Bilbao
Omar Rodríguez Da Silva

From 11th to 25th of April:
El Amazonas llega a Bilbao
Omar Rodríguez Da Silva

Maiatzaren 23tik ekainaren 16ra:
Geometría de ecos
Carla Andrade

Del 23 de mayo al 16 de junio:
Geometría de ecos
Carla Andrade

From 23rd of May to 16th of June:
Geometría de ecos
Carla Andrade

Ekainaren 5etik 15era:
“Arteshop: un comercio, una obra de arte”.
BilbaoArteko bekadunekin:
Ismael Iglesias (2013)
Manuel Casellas (2014)
Kepa Garraza (2014)
Álvaro Gil (2014)
Iker Serrano (2010)
Alberto Albor (2008)
Juan Carlos Arango (2013)
Antonio R. Montesinos (2014)
Taxio Ardanaz (2013)

Del 5 al 15 de junio:
“Arteshop: un comercio, una obra de arte”.
Con los becados de BilbaoArte:
Ismael Iglesias (2013)
Manuel Casellas (2014)
Kepa Garraza (2014)
Álvaro Gil (2014)
Iker Serrano (2010)
Alberto Albor (2008)
Juan Carlos Arango (2013)
Antonio R. Montesinos (2014)
Taxio Ardanaz (2013)

From 5th to 15th of June:
“Arteshop: un comercio, una obra de arte”.
With the BilbaoArte Scholarship holders:
Ismael Iglesias (2013)
Manuel Casellas (2014)
Kepa Garraza (2014)
Álvaro Gil (2014)
Iker Serrano (2010)
Alberto Albor (2008)
Juan Carlos Arango (2013)
Antonio R. Montesinos (2014)
Taxio Ardanaz (2013)

Ekainaren 20tik uztailaren 11ra:
Hasta la bandera
Juan Pablo Ordúñez

Del 20 de junio al 11 de julio:
Hasta la bandera
Juan Pablo Ordúñez

From 20th of June to 11th of July:
Hasta la bandera
Juan Pablo Ordúñez

Ekainaren 27tik uztailaren 2ra:
Amazonas, con los brazos abiertos
Omar Rodríguez Da Silva

Del 27 de junio al 2 de julio:
Amazonas, con los brazos abiertos
Omar Rodríguez Da Silva

From 27th of June to 2nd of July:
Amazonas, con los brazos abiertos
Omar Rodríguez Da Silva

Uztailaren 4tik 9ra:
Nº6# Postales/Postalak/Postcards
Fanzine La Tourette

Del 4 al 9 de julio:
Nº6# Postales/Postalak/Postcards
Fanzine La Tourette

From 4th to 9th of July:
Nº6# Postales/Postalak/Postcards
Fanzine La Tourette

184

BilbaoArte

Erakusketak - Exposiciones - Exhibitions

Uztailaren 15etik 31ra:
Abierto por vacaciones
Manuel Casellas, Michel Mejuto galeria

Del 15 al 31 de julio:
Abierto por vacaciones
Manuel Casellas, galería Michel Mejuto

From 15th to 31st of July:
Abierto por vacaciones
Manuel Casellas, Michel Mejuto gallery

Uztailaren 7tik irailaren 13ra:
Patrik Grijalvo
Patrik Grijalvo, Narata

Del 7 de julio al 13 de septiembre:
Patrik Grijalvo
Patrik Grijalvo, Narata

From 7th of July to 13th of September:
Patrik Grijalvo
Patrik Grijalvo, Narata

Irailaren 5etik 26ra:
Waiting for loading
Hèléne Duboc

Del 5 al 26 de septiembre:
Waiting for loading
Hèléne Duboc

From 5th to 26th of September:
Waiting for loading
Hèléne Duboc

Abuztuaren 28tik irailaren 2ra:
Lanzarote vs Lanzarote
Josette Dacosta & Verónica Domingo

Del 28 de agosto al 2 de septiembre:
Lanzarote vs Lanzarote
Josette Dacosta & Verónica Domingo

From 28th of August to 2nd of September:
Lanzarote vs Lanzarote
Josette Dacosta & Verónica Domingo

Urriaren 3tik 24ra:
18/19/2013
Eriz Moreno

Del 3 al 24 de octubre:
18/19/2013
Eriz Moreno

From 3rd to 24th of October:
18/19/2013
Eriz Moreno

Urriaren 31tik azaroaren 21era:
Tea Party
Mika Murakami

Del 31 de octubre al 21 de noviembre:
Tea Party
Mika Murakami

From 31st of October to 21st of November:
Tea Party
Mika Murakami

Azaroaren 4tik 5era:
Pintura y textiles
Malús Arbideren tailerra

Del 4 al 5 de noviembre:
Pintura y textiles
Taller de Malús Arbide

From 4th to 5th of November:
Pintura y textiles
Malús Arbide’s workshop

Azaroaren 6tik 14ra:
TURBA
Patxi Araujo

Del 6 al 14 de noviembre:
TURBA
Patxi Araujo

From 6th to 14th of November:
TURBA
Patxi Araujo

Azaroaren 20tik 23ra:
FIG III
3garren Nazioarteko Grabatu Jaialdia

Del 20 al 23 de noviembre:
FIG III
3er Festival Internacional de Grabado

From 20th to 23rd of November:
FIG III
3rd International Etching Festival

Azaroaren 20tik 23ra:
Andre ta jabe
Arte ekintza

Del 26 al 28 de noviembre:
Andre ta jabe
Arte ekintza

From 26th to 28th of November:
Andre ta jabe
Arte ekintza

Abenduaren 9tik 17ra:
Ateak Zabalik 2014

Del 9 al 17 de diciembre:
Puertas Abiertas 2014

From 9th to 17th of December:
Open days 2014

Mintegiak - Seminarios - Seminaries

BilbaoArte

187

Mintegiak eta hitzaldiak
Seminarios y conferencias
Seminaries and lectures
Urtarrilaren 28tik 30era:
Comunicación promocional,
Vindio Corrorekin.

Del 28 al 30 de enero:
Comunicación promocional,
impartido por Vindio Corro.

From 28th to 30th of January:
Comunicación promocional,
by Vindio Corro.

Otsailaren 25etik 27ra:
Esther Ferrer eta BilbaoArteko artistekin
topaketa.

Del 25 al 27 de febrero:
Encuentro con Esther Ferrer y artistas de
BilbaoArte.

From 25th to 27th of February:
Meeting with Esther Ferrer and artists
from BilbaoArte.

Otsailaren 3tik 26ra:
Caligrafía China y Japonesa,
Jinhee Kimrekin.

Del 3 al 26 de febrero:
Caligrafía China y Japonesa,
impartido por Jinhee Kim.

From 3rd to 26th of February:
Caligrafía China y Japonesa,
by Jinhee Kim.

Otsailaren 12tik 14ra:
El cine extraterritorial,
Pere Portabellarekin.

Del 12 al 14 de febrero:
El cine extraterritorial,
con Pere Portabella.

From 12th to 14th of February:
El cine extraterritorial,
with Pere Portabella.

Martxoaren 5an:
Rémi Groussinekin topaketa.

El 5 de marzo:
Encuentro con Rémi Groussin.

5th of March:
Meeting with Rémi Groussin.

Martxoaren 18tik apirilaren 15era:
Desarrollo del proceso creador genuino,
Inés Medinarekin.

Del 18 de marzo al 15 de abril:
Desarrollo del proceso creador genuino,
impartido por Inés Medina.

From 18th of March to 15th of April:
Desarrollo del proceso creador genuino,
by Inés Medina.

Apirilaren 21etik 25era:
Curso de ilustración,
Violeta Lopizrekin.

Del 21 al 25 de abril:
Curso de ilustración,
impartido por Violeta Lopiz.

From 21st to 25th of April:
Curso de ilustración,
by Violeta Lopiz.

Apirilaren 28tik maiatzaren 2ra:
Curso de ilustración,
Carll Cneutrekin.

Del 28 de abril al 2 de mayo:
Curso de ilustración,
impartido por Carll Cneut.

From 28th of April to 2nd of May:
Curso de ilustración,
by Carll Cneut.

Apirilaren 28tik maiatzaren 2ra:
Talleres de Creación Digital,
Diana Franco Egurenekin.

Del 29 de abril al 29 de mayo:
Talleres de Creación Digital,
impartido por Diana Franco Eguren.

From 29th of April to 29th of May:
Talleres de Creación Digital,
by Diana Franco Eguren.

Maiatzaren 5etik 9ra:
Curso de ilustración,
Roger Olmosekin.

Del 5 al 9 de mayo:
Curso de ilustración,
impartido por Roger Olmos.

From 5th to 9th of May:
Curso de ilustración,
by Roger Olmos.

Maiatzaren 6tik ekainaren 3ra:
Encuentros con la investigación III. Arte
Ederreko EHU-ko Fakultatean egindako
ikerketa proiektuen aurkezpena.

Del 6 de mayo al 3 de junio:
Encuentros con la investigación III. Presentación de trabajos de investigación
realizados en la Facultad de Bellas Artes
de la UPV.

From 6th to 3rd of June:
Encuentros con la Investigación III. Presentation of UPV-Fine students´investigation works.

Maiatzaren 6an:
Cristina Ezquerra Campos
Leire Rosa Oyarzabal

6 de mayo:
Cristina Ezquerra Campos
Leire Rosa Oyarzabal

6th of May:
Cristina Ezquerra Campos
Leire Rosa Oyarzabal

188

BilbaoArte

Mintegiak - Seminarios - Seminaries

Maiatzaren 13an:
Nerea de Diego
José David Romero Martín

13 de mayo:
Nerea de Diego
José David Romero Martín

13th of May:
Nerea de Diego
José David Romero Martín

Maiatzaren 20an:
Nagore Etxabe
Izaro Glez. Leregi

20 de mayo:
Nagore Etxabe
Izaro Glez. Leregi

20th of May:
Nagore Etxabe
Izaro Glez. Leregi

Maiatzaren 27an:
Saray Blades
Mariana Unda Setien

27 de mayo:
Saray Blades
Mariana Unda Setien

27th of May:
Saray Blades
Mariana Unda Setien

Ekainaren 3an:
Sandra Arroniz Lacunza
Amaia Gracia Azqueta

3 de junio:
Sandra Arroniz Lacunza
Amaia Gracia Azqueta

3rd of June:
Sandra Arroniz Lacunza
Amaia Gracia Azqueta

Maiatzaren 20tik 29ra:
Talleres de creación digital,
Diana Franco Egurenekin.

Del 20 al 29 de mayo:
Talleres de creación digital,
impartidos por Diana Franco Eguren.

From 20th to 29th of May:
Talleres de creación digital,
by Diana Franco Eguren.

Maiatzaren 30ean:
Guía para una retrospectiva,
Pedro Osésekin topaketa.

El 30 de mayo:
Guía para una retrospectiva,
encuentro con Pedro Osés.

30th of May:
Guía para una retrospectiva,
meeting with Pedro Osés.

Ekainaren 2tik 4ra:
Represencialidad: escultura en la era de lo
visual, Juan Luis Morazarekin.

Del 2 al 4 de junio:
Represencialidad: escultura en la era de lo
visual, impartido por Juan Luis Moraza.

From 2nd to 4th of June:
Represencialidad: escultura en la era de lo
visual, by Juan Luis Moraza.

Ekainaren 9tik 11ra:
II Jornadas del ‘Novo cinema galego’.

Del 9 al 11 de junio:
II Jornadas del ‘Novo cinema galego’.

From 9th to 11th of June:
II Jornadas del ‘Novo cinema galego’.

Ekainaren 13an:
Coloquito: grafitti & street art.

El 13 de junio:
Coloquito: grafitti & street art.

13th of June:
Coloquito: grafitti & street art.

Ekainaren 25etik 27ra:
Territorios y Fronteras: experiencias documentales contemporáneas V.

Del 25 al 27 de junio:
Territorios y Fronteras: experiencias documentales contemporáneas V.

From 25th to 27th of June:
Territorios y Fronteras: experiencias documentales contemporáneas V.

Uztailaren 1etik 4ra:
Nueva gráfica contemporánea,
Pilar Valdiviesorekin.

Del 1 al 4 de julio:
Nueva gráfica contemporánea,
impartido por Pilar Valdivieso.

From 1st to 4th of July:
Nueva gráfica contemporánea,
workshop by Pilar Valdivieso.

Irailaren 23tik 24ra:
BIDEODROMO 2014
Etxeko proiektagailugintza tailerra
Miguel Mariñorekin.

Del 23 al 24 de septiembre:
BIDEODROMO 2014
Taller fabricación de proyectores caseros,
impartido por Miguel Mariño.

From 23rd to 24th of September:
BIDEODROMO 2014
DIY film projector making wokshop by
Miguel Mariño.

Urriaren 6tik 16ra:
Pinturas y textiles
Ilustrazio eta ehun-estampazio tailerra
Malús Arbiderekin.

Del 6 al 16 de octubre:
Pinturas y textiles
Taller de ilustración y estampación textil,
impartido por Malús Arbide.

From 6th to 16th of October:
Pinturas y textiles
Illustration and textile print workshop
by Malús Arbide.

Mintegiak - Seminarios - Seminaries

BilbaoArte

189

Urriaren 21ean:
Truffaut/París.El París de las películas de
François Truffaut. Arturo Barcenillaren liburuaren aurkezpena.

El 21 de octubre:
Truffaut/París.El París de las películas de
François Truffaut. Presentación del libro
con Arturo Barcenilla.

21st of October:
Truffaut/París.El París de las películas de
François Truffaut. Presentation of Arturo
Barcenilla’s book.

Urriaren 27tik 31era:
Cuéntame en imágenes tailer intentsiboa
Macarena Recuerda Shepherden eskutik
BADren parte-hartzearekin.

Del 27 al 31 de octubre:
Taller intensivo Cuéntame en imágenes
Por Macarena Recuerda Shepherd
En colaboración con BAD.

From 27th to 31st of October:
Cuéntame en imágenes workshop
by Macarena Recuerda Shepherd
In collaboration with BAD.

Urriaren 23tik 24ra:
La sabiduría del almanaque
Ilustrazio tailerra, Gustavo Puertarekin.

Del 23 al 24 de octubre:
Taller de ilustración: La sabiduría del almanaque. Con Gustavo Puerta

From 23rd to 24th of October:
La sabiduría del almanaque illustration
workshop by Gustavo Puerta.

Azaroaren 5etik 6ra:
Disección de una princesa. Disección de
una turba. Tailer aplikatua Patxi Araujoren
eskutik.

Del 5 al 6 de noviembre:
Disección de una princesa. Disección de
una turba. Taller aplicado impartido por
Patxi Araujo.

From 5th to 6th of November:
Disección de una princesa. Disección de
una turba. Applied workshop by Patxi
Araujo.

Azaroaren 10etik 14ra:
Nueva gráfica contemporánea II,
Juan Lararekin.

Del 10 al 14 de noviembre:
Nueva gráfica contemporánea II,
impartido por Juan Lara.

From 10th to 14th of November:
Nueva gráfica contemporánea II,
workshop by Juan Lara.

Azaroaren 11tik 12ra:
E-textiles, Paola Guimerans eta Noelia
Gallardorekin.

Del 11 al 12 de noviembre:
E-textiles, impartido por Paola Guimerans y Noelia Gallardo.

From 11th to 12th of November:
E-textiles, workshop by Paola Guimerans
and Noelia Gallardo.

Azaroaren 13tik 14ra:
Autómatas musicales contemporáneos,
Jonathan Garcíarekin.

Del 13 al 14 de noviembre:
Autómatas musicales contemporáneos,
impartido por Jonathan García.

From 13th to 14th of November:
Autómatas musicales contemporáneos,
workshop by Jonathan García.

190

BilbaoArte

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

Art House Zinema Proiekzioak
Proyecciones Art House Zinema
Art House Zinema Screenings
Urtarrilak 15ean:
La orilla del hierro y la lentejuela dokumentalaren proiekzioa.

El 15 de enero:
Proyección del documental La orilla del
hierro y la lentejuela.

15th of January:
Projection of the documentary La orilla
del hierro y la lentejuela.

Urtarrilak 16tik otsailak 13ra:
Pere Portabella zikloa.

Del 16 de enero al 13 de febrero:
Ciclo Pere Portabella.

From 7th to 11th of January:
Pere Portabella cinema season.

-Urtarrilak 16an:
Umbracle
-Urtarrilak 23an:
Cuadecuc, vampir
-Urtarrilak 30ean:
Informe general sobre unas cuestiones
de interés para una proyección pública
-Otsailak 6an:
Puente de Varsovia
-Otsailak 13an:
Die Stille vor Bach, “El silencio antes de
Bach”
Urtarrilaren 20tik 27ra:
Off Zinegoak festibalaren parte-hartzearekin.
-Urtarrilak 22an:
Adiós a la japonesa
El anhelo del cangrejo
Pop!
The fortune teller
Benjamin’s flowers
Shift
Will
Change over time
Cologne
Couilles
Corpuscle
Wildblood
Nubes flotantes
-Urtarrilak 24an:
Little gay boy: a triptych
Otsailak 20tik apirilaren 10era:
Michael Haneke zikloa.
-Otsailak 20an:
El séptimo continente
-Otsailak 27an:
Benny’s video
-Martxoak 6an:
71 fragmentos de una cronología
al azar

-16 de enero:
Umbracle
-23 de enero:
Cuadecuc, vampir
-30 de enero:
Informe general sobre unas cuestiones
de interés para una proyección pública
-6 de febrero:
Puente de Varsovia
-13 de febrero:
Die Stille vor Bach, “El silencio antes de
Bach”

-16th of January:
Umbracle
-23rd of January:
Cuadecuc, vampir
-30th of January:
Informe general sobre unas cuestiones
de interés para una proyección pública
-6th of February:
Puente de Varsovia
-13th of February:
Die Stille vor Bach, “El silencio antes de
Bach”

Del 20 al 27 de enero:
En colaboración con el festival Off Zinegoak.

From 20th to 27th of January:
In collaboration with the Off Zinegoak
film festival.

-22 de enero:
Adiós a la japonesa
El anhelo del cangrejo
Pop!
The fortune teller
Benjamin’s flowers
Shift
Will
Change over time
Cologne
Couilles
Corpuscle
Wildblood
Nubes flotantes
-24 de enero:
Little gay boy: a triptych
Del 20 de febrero al 10 de abril:
Ciclo Michael Haneke.
-20 de febrero:
El séptimo continente
-27 de febrero:
Benny’s video
-6 de marzo:
71 fragmentos de una cronología
al azar

-22nd of January:
Adiós a la japonesa
El anhelo del cangrejo
Pop!
The fortune teller
Benjamin’s flowers
Shift
Will
Change over time
Cologne
Couilles
Corpuscle
Wildblood
Nubes flotantes
-24th of January:
Little gay boy: a triptych
From 20th of February to 10th of April:
Michael Haneke cinema season.
-20th of February:
El séptimo continente
-27th of February:
Benny’s video
-6th of March:
71 fragmentos de una cronología
al azar

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

-Martxoak 13a:
Funny games
-Martxoak 20an:
Caché
-Martxoak 27an:
La cinta blanca
-Apirilaren 3an:
Amor
-Apirilaren 10ean:
Michael H
Del 26 de febrero al 27 de agosto:
“La cita del último miércoles”.
Zine frantziar klasikoko zikloa.
-Otsailak 26an:
Rapt
-Apirilak 30ean:
Jules et Jim
-Maiatzak 28an:
L’enfer
-Ekainak 25an:
La salaire de la peur
-Uztailak 30ean:
Le combat dans l’île
-Abuztuak 27an:
La baie des anges
Apirilaren 22tik 25era:
Animazio frantziarra zikloa.
-Apirilak 22an:
Laburmetraiak:
À la française
L’enfant au grelot
Cul de bouteille
Le prince des joyaux
Le petit dragon
Dripped
Une petite historie de l’image animée
Oh Willy...
Babel
La belle fille et le sorcier
La Bergère qui danse
Chienne d’histoire
La légende du pauvre bossu
Les Trois Inventeurs
Edmond était un âne
-Apirilak 23an:
Le chat du Rabbin
Les contes de la nuit

BilbaoArte

-13 de marzo:
Funny games
-20 de marzo:
Caché
-27 de marzo:
La cinta blanca
-3 de abril:
Amor
-10 de abril:
Michael H
Del 26 de febrero al 27 de agosto:
“La cita del último miércoles”.
Ciclo de cine clásico francés.
-26 de febrero:
Rapt
-30 de abril:
Jules et Jim
-28 de mayo:
L’enfer
-25 de junio:
La salaire de la peur
-30 de julio:
Le combat dans l’île
-27 de agosto:
La baie des anges
Del 22 al 25 de abril:
Ciclo de animación francesa.
-22 de abril:
Cortometrajes:
À la française
L’enfant au grelot
Cul de bouteille
Le prince des joyaux
Le petit dragon
Dripped
Une petite historie de l’image animée
Oh Willy...
Babel
La belle fille et le sorcier
La Bergère qui danse
Chienne d’histoire
La légende du pauvre bossu
Les Trois Inventeurs
Edmond était un âne
-23 de abril:
Le chat du Rabbin
Les contes de la nuit

191

-13th of March:
Funny games
-20th of March:
Caché
-27th of March:
La cinta blanca
-3rd of April:
Amor
-10th of April:
Michael H
From 26th of February to 27th of August:
“La cita del último miércoles”.
Classic french cinema season.
-26th of February:
Rapt
-30th of April:
Jules et Jim
-28th of May:
L’enfer
-25th of June:
La salaire de la peur
-30th of July:
Le combat dans l’île
-27th of August:
La baie des anges
From 22nd to 25th of April:
French animation cinema season.
-22nd of April:
Shorts:
À la française
L’enfant au grelot
Cul de bouteille
Le prince des joyaux
Le petit dragon
Dripped
Une petite historie de l’image animée
Oh Willy...
Babel
La belle fille et le sorcier
La Bergère qui danse
Chienne d’histoire
La légende du pauvre bossu
Les Trois Inventeurs
Edmond était un âne
-23rd of April:
Le chat du Rabbin
Les contes de la nuit

192

BilbaoArte

-Apirilak 24an:
Le jour des Corneilles
L’Illusionniste
-Apirilak 25ean:
Jean de la lune
Kérity, la maison des contes

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

-24 de abril:
Le jour des Corneilles
L’Illusionniste
-25 de abril:
Jean de la lune
Kérity, la maison des contes

-24th of April:
Le jour des Corneilles
L’Illusionniste
-25th of April:
Jean de la lune
Kérity, la maison des contes

Maiatzak 7an:
Future Shorts Spring Season 2014.
Laburmetraia zinemaldia.
Tooty’s wedding
Into the middle of nowhere
The captain
Svamp
The big house
Fear of flying
Jonah

El 7 de mayo:
Future Shorts Spring Season 2014.
Festival de cortometrajes.
Tooty’s wedding
Into the middle of nowhere
The captain
Svamp
The big house
Fear of flying
Jonah

7th of May:
Future Shorts Spring Season 2014.
Short films festival.
Tooty’s wedding
Into the middle of nowhere
The captain
Svamp
The big house
Fear of flying
Jonah

Maiatzaren 8tik ekainaren 12ra:
Jia Zhangke zikloa.

Del 8 de mayo al 12 de junio:
Ciclo Jia Zhangke.

From 8th of May to 12th of June:
Jia Zhangke cinema season.

-Maiatzak 8an:
Pickpocket
-Maiatzak 15ean:
Placeres desconocidos
-Maiatzak 22an:
El andén
-Maiatzak 29an:
El mundo
-Ekainak 5ean:
Naturaleza muerta
-Ekainak 12an:
I wish I knew

-8 de mayo:
Pickpocket
-15 de mayo:
Placeres desconocidos
-22 de mayo:
El andén
-29 de mayo:
El mundo
-5 de junio:
Naturaleza muerta
-12 de junio:
I wish I knew

-8th of May:
Pickpocket
-15th of May:
Placeres desconocidos
-22nd of May:
El andén
-29th of May:
El mundo
-5th of June:
Naturaleza muerta
-12th of June:
I wish I knew

Maiatzak 26an:
Josu Ozkaritzren dokumentala
“Malapascua antes de Yolanda”.

El 26 de mayo:
Documental de Josu Ozkaritz
“Malapascua antes de Yolanda”.

26th of May:
Josu Oskaritz’s documentary
“Malapascua antes de Yolanda”.

Maiatzak 29an:
Aurrestreinaldi de “Hermosa juventud”,
de Jaime Rosales.

El 29 de mayo:
Preestreno de “Hermosa juventud”,
de Jaime Rosales.

29th of May:
Preview of “Hermosa Juventud”,
by Jaime Rosales.

Ekainaren 9tik 11ra:
“Novo cinema galego” II jardunaldiak.

Del 9 al 11 de junio:
II Jornadas del “Novo cinema galego”.

From 9th to 11th of June:
II Conference on “Novo cinema galego”.

-Ekainak 9an:
Proxecto Nimbos
O quinto evanxeo de gaspar hauser
-Ekainak 10ean:
Une histoire seule
Arraianos

-9 de junio:
Proxecto Nimbos
O quinto evanxeo de gaspar hauser
-10 de junio:
Une histoire seule
Arraianos

-9th of June:
Proxecto Nimbos
O quinto evanxeo de gaspar hauser
-10th of June:
Une histoire seule
Arraianos

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

-Ekainak 11an:
Costa da morte
Ekainak 16tik 20ra:
“No ficción francesa” zikloa.
-Ekainak 16an:
Nostalgie de la lumiere
-Ekainak 17an:
Five broken cameras
-Ekainak 18an:
Le joli mai
-Ekainak 19an:
La terre des âmes errantes
-Ekainak 20an:
Ottar Iosseliani, le merle siffleur
Ekainaren 26tik abuztuak 1era:
Theo Angelopoulos zikloa.
-Ekainak 26an:
Días del 36
-Uztailak 3an:
El viaje de los comediantes
-Uztailak 10ean:
Los cazadores
-Uztailak 17an:
Alejandro Magno
-Uztailak 24an:
Paisaje en la niebla
-Abuztuak 1ean:
El paso suspendido de la cigüeña
-Abuztuak 7an:
La mirada de Ulises
-Abuztuak 14an:
La eternidad y un día
Uztailaren 16an:
Future Shorts Summer Season 2014.
Laburmetraia zinemaldia.
No joke
Butter Lamp
I am Tom Moody
Cirrus
Life is a bitch
Misterio
Metube: August Sings Carmen “Habanera”

BilbaoArte

-11 de junio:
Costa da morte
Del 16 al 20 de junio:
Ciclo “No ficción francesa”.
-16 de junio:
Nostalgie de la lumiere
-17 de junio:
Five broken cameras
-18 de junio:
Le joli mai
-19 de junio:
La terre des âmes errantes
-20 de junio:
Ottar Iosseliani, le merle siffleur
Del 26 de junio al 1 de agosto:
Ciclo Theo Angelopoulos.
-26 de junio:
Días del 36
-3 de julio:
El viaje de los comediantes
-10 de julio:
Los cazadores
-17 de julio:
Alejandro Magno
-24 de julio:
Paisaje en la niebla
-1 de agosto:
El paso suspendido de la cigüeña
-7 de agosto:
La mirada de Ulises
-14 de agosto:
La eternidad y un día
El 16 de julio:
Future Shorts Summer Season 2014.
Festival de cortometrajes.
No joke
Butter Lamp
I am Tom Moody
Cirrus
Life is a bitch
Misterio
Metube: August Sings Carmen “Habanera”

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-11th of June:
Costa da morte
From 16th to 20th of June:
“No ficción francesa” cinema season.
-16th of June:
Nostalgie de la lumiere
-17th of June:
Five broken cameras
-18th of June:
Le joli mai
-19th of June:
La terre des âmes errantes
-20th of June:
Ottar Iosseliani, le merle siffleur
From 26th of June to 1st of August:
Theo Angelopoulos cinema season.
-26th of June:
Días del 36
-3rd of July:
El viaje de los comediantes
-10th of July:
Los cazadores
-17th of July:
Alejandro Magno
-24th of July:
Paisaje en la niebla
-1st of August:
El paso suspendido de la cigüeña
-7th of August:
La mirada de Ulises
-14th of August:
La eternidad y un día
16th of June:
Future Shorts Summer Season 2014.
Short films festival.
No joke
Butter Lamp
I am Tom Moody
Cirrus
Life is a bitch
Misterio
Metube: August Sings Carmen “Habanera”

194

BilbaoArte

Abuztuaren 21etik irailaren 18ra:
Maurice Pialat zikloa.
-Abuztuak 21ean:
Nous ne vieillirons pas ensemble
-Abuztuak 28an:
À nos amours
-Irailak 4an:
Police
-Irailak 11an:
Sous le soleil de Satan
-Irailak 18an:
Van Gogh

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

Del 21 de agosto al 18 de septiembre:
Ciclo Maurice Pialat.
-21 de Agosto:
Nous ne vieillirons pas ensemble
-28 de Agosto:
À nos amours
-4 de Septiembre:
Police
-11 de Septiembre:
Sous le soleil de Satan
-18 de Septiembre:
Van Gogh

From 21st of August to 18th of September:
Maurice Pialat cinema season.
-21st of August:
Nous ne vieillirons pas ensemble
-28th of August:
À nos amours
-4th of September:
Police
-11th of September:
Sous le soleil de Satan
-18th of September:
Van Gogh

Irailaren 22tik 26ra:
BIDEODROMO 2014 zinemaldia.

Del 22 al 26 de septiembre:
Festival de cine BIDEODROMO 2014.

From 22nd to 26th of September:
BIDEODROMO 2014 cinema festival.

Irailaren 24tik azaroaren 26ra:
“La cita del último miércoles”. Zine
frantziar klasikoko zikloa.

Del 24 de septiembre al 26 de noviembre:
“La cita del último miércoles”. Ciclo de
cine clásico francés.

From 24th of September to 26th of November:
“La cita del último miércoles”. Classic
french cinema season

-Irailak 24an:
HHH un portrait de Hou Hsiao-Hsien,
Olivier Assayas
-Urriak 29an:
Eldorado, Olivier Assayas
-Azaroak 26an:
Pierrot el loco, Jean-Luc Godard
Urriaren 2tik 23ra:
Claire Denis zikloa.
-Urriak 2an:
Beau travail
-Urriak 9an:
Trouble every day
-Urriak 16an:
35 rhums
-Urriak 23an:
Vers Mathilde

-24 de septiembre:
HHH un portrait de Hou Hsiao-Hsien,
Olivier Assayas
-29 de octubre:
Eldorado, Olivier Assayas
-26 de noviembre:
Pierrot el loco, Jean-Luc Godard
Del 2 al 23 de octubre:
Ciclo Claire Denis.
-2 de octubre:
Beau travail
-9 de octubre:
Trouble every day
-16 de octubre:
35 rhums
-23 de octubre:
Vers Mathilde

-24th of September:
HHH un portrait de Hou Hsiao-Hsien,
Olivier Assayas
-29th of October:
Eldorado, Olivier Assayas
-26th of November:
Pierrot el loco, Jean-Luc Godard
From 2nd to 23rd of October:
Claire Denis cinema season.
-2nd of October:
Beau travail
-9th of October:
Trouble every day
-16th of October:
35 rhums
-23rd of October:
Vers Mathilde

Azaroaren 6tik 15era:
DOCTUBRE IB. Mexikoko zine dokumentaiaren nazioarteko emanaldia.

Del 6 al 15 de octubre:
DOCTUBRE IB. Festival Internacional
de Cine Documental de la Ciudad de
México.

From 6th to 15th of October:
DOCTUBRE IB. International festival of
documentary cinema of Mexico.

-Urriak 6an:
Efecto reciclaje
-Urriak 7an:
Purgatorio. Un viaje al corazón de la frontera

-6 de octubre:
Efecto reciclaje
-7 de octubre:
Purgatorio. Un viaje al corazón de la frontera

-6th of October:
Efecto reciclaje
-7th of October:
Purgatorio. Un viaje al corazón de la frontera

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

-Urriak 8an:
Asamära
Requiem para la eternidad
Ave María o madre de los sertanejos
Hombre máquina
-Urriak 13an:
El casamiento
-Urriak 14an:
Cinco caminos a Dario
-Urriak 15ean:
Circo

BilbaoArte

-8 de octubre:
Asamära
Requiem para la eternidad
Ave María o madre de los sertanejos
Hombre máquina
-13 de octubre:
El casamiento
-14 de octubre:
Cinco caminos a Dario
-15 de octubre:
Circo

195

-8th of October:
Asamära
Requiem para la eternidad
Ave María o madre de los sertanejos
Hombre máquina
-13th of October:
El casamiento
-14th of October:
Cinco caminos a Dario
-15th of October:
Circo

Urriak 8an:
Anna Lópezren “Enterrar y callar”
dokumentaiaren emanaldia.

El 8 de octubre:
Proyección del documental “Enterrar y
callar” de Anna López.

8th of October:
Screening of Anna López’s documentary
“Enterrar y callar”.

Urriak 17an:
Proyección del documental “Capítulo 7:
Sor Dolo” de Itxaso Díaz y Dolo Navas.

El 17 de octubre:
Proyección del documental “Capítulo 7:
Sor Dolo” de Itxaso Díaz y Dolo Navas.

17th of October:
Proyección del documental “Capítulo 7:
Sor Dolo” de Itxaso Díaz y Dolo Navas.

Urriaren 23tik 29ra:
Zine eta Dantza zikloa, BAD eta Institut
Françaisren parte-hartzearekin.

Del 23 al 29 de octubre:
Ciclo Cine y Danza, en colaboración con
BAD e Institut Français.

From 23rd to 29th of October:
Dance and Cinema cycle, with the collaboration of BAD and Institut Français.

-Urriak 23an:
¡¡Que nos quiten lo bailao!!
Black box
Momentum
Le ballet
Tanz mit Ihr
-Urriak 24an:
¡¡Que nos quiten lo bailao!!
Aprés un rêve
Rhapsodie pour un pot-au-feu
Shunpo
Homing
-Urriak 27an:
Corps, accords, Michel Follin
-Urriak 28an:
La danse, Frederick Wiseman
-Urriak 29an:
Eldorado, Olivier Assayas
Urriak 30ean:
Future Shorts Autumn Season 2014
Laburmetraia emanaldia.
Swimmer
More than 2 hours
Inside de mind of Colin Furze
Xenos
Marilyn Myller

-23 de octubre:
¡¡Que nos quiten lo bailao!!
Black box
Momentum
Le ballet
Tanz mit Ihr
-24 de octubre:
¡¡Que nos quiten lo bailao!!
Aprés un rêve
Rhapsodie pour un pot-au-feu
Shunpo
Homing
-27 de octubre:
Corps, accords, Michel Follin
-28 de octubre:
La danse, Frederick Wiseman
-29 de octubre:
Eldorado, Olivier Assayas
El 30 de octubre:
Future Shorts Autumn Season 2014
Festival de cortometrajes.
Swimmer
More than 2 hours
Inside de mind of Colin Furze
Xenos
Marilyn Myller

-23rd of October:
¡¡Que nos quiten lo bailao!!
Black box
Momentum
Le ballet
Tanz mit Ihr
-24th of October:
¡¡Que nos quiten lo bailao!!
Aprés un rêve
Rhapsodie pour un pot-au-feu
Shunpo
Homing
-27th of October:
Corps, accords, Michel Follin
-28th of October:
La danse, Frederick Wiseman
-29th of October:
Eldorado, Olivier Assayas
30th of October:
Future Shorts Autumn Season 2014
Short films festival.
Swimmer
More than 2 hours
Inside de mind of Colin Furze
Xenos
Marilyn Myller

196

BilbaoArte

Person to person
Werner Herzog defends Dade

Proiekzioak - Proyecciones - Screenings

Person to person
Werner Herzog defends Dade

Person to person
Werner Herzog defends Dade

Azaroaren 4tik 12ra:
“No ficción francesa” II zine zikloa.
-Azaroak 4an:
Port of memory
Le Fantôme d’Henri Langlois
-Azaroak 5ean:
Les plages D’Agnès
-Azaroak 10ean:
Voyage en sol majeur
Bambi
-Azaroak 11an:
Kommunalka
-Azaroak 12an:
The Ballad of Genesis and Lady Jane

Del 4 al 12 de noviembre:
Ciclo “No ficción francesa” II.
-4 de novembre:
Port of memory
Le Fantôme d’Henri Langlois
-5 de noviembre:
Les plages D’Agnès
-10 de noviembre:
Voyage en sol majeur
Bambi
-11 de noviembre:
Kommunalka
-12 de noviembre:
The Ballad of Genesis and Lady Jane

From 4th to 12th of november:
“No ficción francesa” II zinema season.
-4th of november:
Port of memory
Le Fantôme d’Henri Langlois
-5th of november:
Les plages D’Agnès
-10th of november:
Voyage en sol majeur
Bambi
-11th of november:
Kommunalka
-12th of november:
The Ballad of Genesis and Lady Jane

Azaroaren 6tik 20ra:
Jean-Luc Godard zikloa.

Del 6 al 20 de noviembre:
Ciclo Jean-Luc Godard.

From 6th to 20th of November:
Jean-Luc Godard cinema season.

-Azaroak 6an:
Una mujer casada
-Azaroak 13an:
La gaya ciencia
-Azaroak 20an:
Aquí y allá
-Azaroak 27an:
Número dos
-Abenduak 4an:
Salve quien pueda (la vida)
-Abenduak 11an:
JLG/JLG

-6 de noviembre:
Una mujer casada
-13 de noviembre:
La gaya ciencia
-20 de noviembre:
Aquí y allá
-27 de noviembre:
Número dos
-4 de diciembre:
Salve quien pueda (la vida)
-11 de diciembre:
JLG/JLG

-6th of November:
Una mujer casada
-13th of November:
La gaya ciencia
-20th of November:
Aquí y allá
-27th of November:
Número dos
-4th of December:
Salve quien pueda (la vida)
-11th of December:
JLG/JLG

Esker onak: Institut Français, Intermedio eta Golem.
Agradecimientos: Institut Français, Intermedio y Golem.

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