Está en la página 1de 38

Historia de la música

1

Historia de la música
Historia de la
música

Música antigua
(hace 50 000 años-500 d. C.)
Música en la Prehistoria
Música en la Antigüedad

Período medieval y renacentista
(500-1600)
Música medieval
Música del Renacimiento

Período de la práctica común
(1600-1910)
Música del Barroco
Música del Clasicismo
Música del Romanticismo
Música del impresionismo

Período moderno y contemporáneo
(1910-presente)
Música académica contemporánea
Música modernista
Jazz
Música popular

Este artículo forma parte de la categoría:
Historia de la música
Véase también: Portal:Música

La historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y su ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la historia de la música abarca a
todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha venido siendo habitual, a Occidente, donde se ha utilizado la
expresión «historia de la música» para referirse a la historia de la música europea y su evolución en el mundo
occidental.
La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros aspectos de la cultura, como la organización
económica, el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y su relación con los oyentes, las ideas estéticas más
generalizadas de cada comunidad y la visión acerca de la función del arte en la sociedad, así como las variantes
biográficas de cada autor.
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según algunos estudiosos, mucho
antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más de 50 000 años.[1] Es por tanto una manifestación
cultural universal.

Historia de la música

2

Música en la Prehistoria (50000 a. C.-5000 a. C.)
Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la
música, y mientras que algunas interpretaciones tradicionales
vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al
concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de
finalidad supersticiosa, mágica o religiosa), actualmente se la relaciona
con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.[2]
Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la
separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. Los ritos de
vida y muerte se desarrollan en esta doble clave. En el llamado arte
prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida
mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la
muerte.

Danza de Cogul (provincia de Lérida). En esta
pintura rupestre varias mujeres danzan alrededor
de un hombre desnudo. Los ritos asociados con
danzas y ritmos repetitivos eran habituales en casi
todas las culturas prehistóricas.

El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. También aprendió a valerse de
rudimentarios objetos (huesos, cañas, troncos, conchas...) para producir sonidos.
Hay constancia de que hacia el 3000 a. C. en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (lira y
arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos.
En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde, alrededor del fuego, se
danzaba hasta el agotamiento. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los
animales. Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del
sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.
Los primeros instrumentos fueron objetos, utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.
Estos instrumentos podemos clasificarlos en:
a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos. Son
instrumentos de percusión; por ejemplo, hueso contra piedra.
b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Tambores: hechos con
una membrana tirante, sobre una nuez de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de
resonancia.
c) Cordófonos: son aquellos de cuerda; por ejemplo, el arpa.
d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Uno de los primeros
instrumentos es la flauta, en un principio construida con un hueso con agujeros.

Mundo antiguo (5000 a. C.-476 d. C.)
Antiguo Egipto y Mesopotamia
La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los sacerdotes. En el Imperio Nuevo
utilizaban ya la escala de siete sonidos. Este pueblo contó con instrumentario rico y variado; algunos de los más
representativos son el arpa como instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. En
Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio; acompañaban al monarca no solo en los
actos de culto sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras. El arpa es uno de los
instrumentos más apreciados en Mesopotamia. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la
cultura musical occidental.

Historia de la música

3

Antigua Grecia
En la Antigua Grecia, la música se vio influida por todas las
civilizaciones que la rodeaban, dada su importante posición estratégica.
Culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las
indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas
como en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha
importancia al valor educativo y moral de la música. Por ello está muy
relacionada con el poema épico. Aparecen los bardos o aedos que,
acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y
guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Fue
entonces cuando se relacionó la música estrechamente con la filosofía.
Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras
la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la utiliza para
llegar a la catarsis emocional.
Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo, cantos dirigidos a
Dionisos, acompañados de danzas, y el aulós, un instrumento parecido
a la flauta. Surgen asimismo dramas, tragedias y comedias de una
manera combinada pero sin perder la danza, la música y la poesía.

Escena de un banquete hacia el siglo II a. C. Este
bajorrelieve procede de la cultura indogriega. Era
habitual encontrar a un músico tocando una
siringa o similar. Ancient Oriental Museum de
Tokio.

Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron la lira, la cítara, el aulós, la siringa (también llamada flauta
de Pan, por su creación mitológica que involucra a Pan y Siringa), varios tipos de tambores como por ejemplo el
tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro y las castañuelas.

Antigua Roma
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante y, aunque ambas
culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la
manera romana, variando en ocasiones su estética. Habitualmente se utilizaba la
música en las grandes fiestas. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos,
añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos
vivían de una manera bohemia, rodeados siempre de fiestas.
En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. Los
autores más famosos fueron entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo
trascendencia siendo su máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel
trascendental en estas obras teatrales.
A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical, los ludiones. Estos eran unos
actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de la tibia (una especie de aulós). Los
romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. A estos
nuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. Ninguna
música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una
comedia de Terencio.

Euterpe con una flauta.
Sarcófago de las musas.
Museo del Louvre, en París.

Cuando el imperio romano se consolida, llega la inmigración que enriquece
considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes las aportaciones de Siria, Egipto y las que provenían de la
Península Ibérica, actual España. Vuelven a aparecer antiguos estilos como la citarodia (versos con cítara) y la
citarística (cítara sola virtuosa). Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina.

dado que esta tenía para ellos un valor simbólico. No la octava justa. con su estética correspondiente.Historia de la música La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional china Desde los tiempos más antiguos. Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo sol4. Este principio se denomina cíclico. sol5. sin necesidad de fengs humanos ni mitológicos. Si ubicamos que corresponde a una quinta justa. por ejemplo. Pero este do5 también se puede obtener soplando normalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del primero. por cierto. es decir Representación de una cadencia típica en la música china. se duplica su longitud y se obtiene sol4. Musicalmente se manifiesta por intervalos de quinta justa al ascender y de cuarta justa al descender. Si soplamos con fuerza en un tubo cerrado. una escala dodecafónica de temperamento desigual. a fa4 se obtendrá una quinta justa superior. llegaron a la escala de los 12 lu. un poco más chica que la que se obtiene con cuerdas. estos se obtienen. Un sistema musical "representa el inventario de sonidos de que se vale una música. Armonizar el cielo con la tierra. correspondiente. Como este sonido está muy alejado de huang-chung. Obtuvieron entonces. y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro tercios. Todas las dinastías le dedican un apartado especial. 4 . que les hayan aplicado la relación 3:2. legendaria y misteriosa de una de las filosofías más antiguas del mundo. se va generando por una constante matemática en las longitudes de los tubos que integran el sistema. ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. en China la música era tenida en máxima consideración. Trabajando así. Los parámetros a la hora de elegir los repertorios siempre han sido concordantes con la búsqueda de la armonía social dentro del contexto histórico de cada momento. con la cual se alcanza la octava. Aún hoy la música China está impregnada de la tradición secular. porque el total de sonidos que integra la escala repertorio. la altura y distancia de sonidos musicales entre sí". que mida dos tercios de do5 se obtendrá una quinta justa superior a do5. Al cortarse un tercer tubo. En el teatro chino tradicional. es decir. Como cosa natural debieron haber relacionado las distintas longitudes de Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música los tubos con los distintos sonidos que en tradicional china. dado que la relación doble corresponde a la octava. Los chinos deben haber percibido la altura relativa de los sonidos de manera empírica. cortando un tubo que midiera cuatro tercios de do5. La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. tampoco. No es raro. la música juega un papel fundamental anexo a todas las representaciones. do5.

. el tubo femenino es la madre y el masculino el hijo. se usaban solo las cinco primeras notas de la serie donde cinco transposiciones modales. que constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento. la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el llamado Ars Nova. el masculino. es esposo y el femenino esposa. y asimismo variaba el número de escalas reales empleadas. La evolución de las formas musicales apegadas al culto se resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. En el siglo IV a. las fracciones se hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. con danzas específicas. es decir. En un comienzo eran doce lajas. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino. pentatónica anhemitonal (sin semitonos). materiales más durables que las cañas de bambú. (instrumentos) y chung-lu (canto) y en recuerdo de los primeros antepasados en wu-i (instrumentos) y chia-chung (canto). 5 . C. Este número de escalas posibles variaba también según las dinastías. Para que la afinación de los lu no se alterara. sino puntos de ri-tse Sistema tonal chino tradicional. Con la aparición en el siglo XIII de la escuela de Nôtre-Dame de París. Los lu construidos con lajas constituyeron los litofonos o carrilloner de piedra. La música monódica profana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino. Si otorgamos el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio cíclico (2/3-4/3) al llegar al sexto lu comienzan números con fracciones. masculino) y la superior a los lu pares (principio yin. junto a los minnesinger alemanes. Según Van Aalst. trovadores y troveros. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para alcanzar la octava. Los litófonos de doce lajas se ubicaban en dos hileras de seis cada una. los construyeron en piedra o metal. es el sistema en potencia.888-etc. es la fuente de origen del mismo. o sea que tomando como tónica cada uno de sus sonidos. femenino). Los litofonos no eran instrumentos melódicos propiamente dichos. y 84 si se trata de escalas con piens. el primer lu es la perfección en sí mismo pues de él depende todo el sistema. C. luego se añadían seis más. pero solo en el año 1596 el príncipe Tsai-Yu propone afinar los tubos según un principio equivalente al temperamento igual. el número teórico de modos posibles de obtener e un litófono de 12 lajas es de 60 modos pentatónicos. Desde el año 1300 a. meros lu para su escala usual. Música de la Edad Media (476-1450) Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del periodo tardío romano. Todo esto debía relacionarse. por más precauciones que se adopten. intentaron el temperamento igual. y cada vez se hacen más complicadas las ecuaciones a realizar: 81-54-72-48-64-42. XI y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli. La hilera inferior correspondía a los lu impares (principio yang. asimismo. Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica. juglares. Por eso a la hilera impar le correspondía el principio yang.666-56.Historia de la música El peligro de esta escala cíclica es que.

son cantadas solo por hombres. los centros serán Córdoba. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una melodía cantada solo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo. En 1076. Otros tipos de canto • Canto ambrosiano propio de la liturgia ambrosiana o milanesa: canto de finales del siglo IV.. la melodía se mueve grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos. y se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación. tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros. son obras escritas en latín culto. es sustituido por el canto gregoriano. cánticos de alabanza. ellos son de origen hebreo y los himnos son canciones de alabanza de tradición helénica. Para unificar los criterios musicales cristianos. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeros cristianos a alabar a Dios por medio de cánticos. San Ambrosio. el ritmo es libre. que crean el himno e influye en el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial. Toledo y Zaragoza. En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al emperador Trajano acerca de las costumbres de los cristianos. introdujo en Antioquía cánticos en forma de antífona. En la liturgia católica se le conoce como antífona. uno de los cuales canta una estrofa y el otro le responde.Historia de la música La música en la Iglesia católica primitiva Constantino otorgó libertad de culto a los cristianos en Roma con el Edicto de Milán hacia el año 325 d. salmos. Sevilla. 6 . • Galicano: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana. para alabar a Cristo como si de un dios se tratase. El canto gregoriano El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia católica. Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que con Europa. si son de tracto solista o congregatorio. buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época. encontramos una interesante referencia de su música: «. las que dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio. según el modelo de interpretación. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se propagaron por toda Italia. menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto. • Canto hispánico o mozárabe propio de la liturgia del mismo nombre: canto mantenido en las regiones de Al-Ándalus. etc. según el incipit literario pueden ser himnos. responsorios de solista y coro o de estilo coral directo. antifonal (alternación de dos coros). San Pedro introdujo melodías orientales. el ámbito de su interpretación es reducido a pocas personas. Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día en el que son interpretadas.ellos (los cristianos) tenían la costumbre de reunirse en un día específico al alba. con un canto alterno». monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio romano por parte de las tribus bárbaras existió una gran agitación que provocó una dispersión de las melodías y la alteración de las mismas en cada región. Es utilizado como expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. obispo de Milán. Compuso a la vez himnos. como fue la ciudad de Toledo.. El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros. Estos cristianos primigenios.. C. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo testamento dentro del Libro de los salmos. Las principales características generales de este estilo musical son las siguientes: normalmente son obras de autor desconocido.

Historia de la música Música del Renacimiento (1450-1600) Escuela flamenca Es en la región flamenca (en los Países Bajos) donde. se distinguió por tener realismo expresivo. Lo describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común. Aunque de nacionalidad francesa. la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. uno de sus exponentes es Clement Janequin. En él destacan Pierre Attaignant. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. de quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre: Josquin Des Pres. El canto de la reforma religiosa se aplica a melodías de canciones populares y se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas. Esto se vio. Sus textos eran amatorios y satíricos. vivió desde muy joven en Italia. Música renacentista italiana La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como: Adrián Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holandés. potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran cantidad de schola cantorum. parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. que era un tipo de canción estrófica. y una inspiración cuasi-divina. por su desarrollo económico. En menos de un siglo. 7 . el capitolo. Escribió una de las canciones populares llamada L'Ahutte. con esquemas rítmicos marcados. Esta melodía describe escenas de cacería. llamada música. etc. Juan Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces. En poco tiempo. • la lauda. Música renacentista francesa La chanson. Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. mostró gran maestría en el manejo del contrapunto e hizo uso del semitono. se cantaba en reuniones religiosas semipúblicas a capella. silábicamente musicalizada a cuatro voces. Tiene varios subtipos como la barzelleta. Las peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extrovertido. cuadros de batalla. el estrambotto. Con su estilo cautivó a más de uno. esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. Ya para finales de siglo XV. música de tipo cordal que desembocará en el madrigal. describe la naturaleza y resalta la expresión del texto. con la melodía en la voz superior. contrapartida religiosa de la fróttola. apareció en la escena musical un gran personaje. armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. Se dice que Des Pres escribía tan solo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa. Sus principales compositores fueron italianos. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. Era en su mayor parte silábica y homófona. además. Existían dos tipos de formas musicales: • la fróttola. Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600).

tocata. fértiles. expresividad. Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria. creativos y revolucionarios de la historia de la música. Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina. 8 . etc. todo ello de conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical. a la invención del continuista. designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos del período barroco. dejando las voces medias. o sea el relleno armónico. fuga y la sinfonía. Música del período de la práctica común o "clásica" (1600-1900) Barroco (1600-1750) La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente. siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. música de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón. enfrentaba una guerra contra el protestantismo en Alemania. Música renacentista española Como en las letras. Johann Pachelbel y Heinrich Schütz. quien desenvuelve improvisadamente las armonías. y es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura musical. suite. sonata. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan solo el contorno de la melodía y el bajo cifrado. los compositores Luis de Narváez. clavecín. En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo. el Sacro Imperio Germánico a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I. entre los primeros compositores en destacarse están Esaías Reusner.Historia de la música Música renacentista inglesa En la música del renacimiento inglés. La ejecución del continuo requiere dos instrumentistas: un instrumento melódico grave (viola. los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra. bajo cifrado y bajo continuo. entre otros. por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra. intensidad. ópera. Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio. órgano) a cargo del continuista. así tenemos: cromatismo. uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude. sin embargo se dio la paz de Westfalia. el cancionero Al-Ándalus. por la intervención del cardenal Richelieu en la guerra. contrabajo. se destaca el compositor William Byrd. Música renacentista alemana Durante el siglo XVII. y las artes florecieron en Alemania. El bajo continuo También llamado bajo cifrado. fagot. Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones. oratorio. Es uno de los periodos más ricos. quien desempeñó un papel crucial en la música de clave. el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Alemania vivía la guerra de los 30 años. no era permitido componer en alemán. cantata. de acuerdo con las cifras del bajo cifrado.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud. violoncelo. Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero. gamba. otro compositor de alta relevancia es John Dowland. compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd. aunque estos no escribieron la música religiosa en alemán.

lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco. uno de los primeros en desarrollar los recursos barrocos.Historia de la música El sistema tonal El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del posromanticismo. daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera. Se conservan solo tres "Orfeo" (1607). Los castrati juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano. los tonos. Dietrich Buxtehude (1637-1707). Barroco temprano (1600-1650) La música en Italia durante los siglos XVI. como los más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. el madrigal y la música religiosa. la moral y el decaimiento contra el esplendor supremo de la sociedad de la Italia barroca (Caffarelli. 9 . Carestini) inmortalizados por una voz que trascendía el concepto de «perfección». Dominó tanto los nuevos estilos de comienzos del siglo XVII. Ejemplos de esta época son los doce conciertos de Pietro Locatelli. se definió una armonía musical compuesta por siete asuntos distintos: las notas. Senesino. era un vehículo más para el virtuosismo del ejecutante que del compositor. • Alessandro Scarlatti (1660-1725). Johann Pachelbel (1653-1706). En sus comienzos. Arcangelo Corelli (1653-1713). Corelli fue uno de los primeros compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema tonal. y el concerto grosso de Arcangelo Corelli. los géneros. Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas. el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo humano y lo divino en el campo de batalla que era el Barroco. El violino italiano. estilos y texturas antiguas y nuevas. lo confuso o manierista. los intervalos. los sistemas de escala. XVII y principios del XVIII estaba viviendo su apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico. • Girolamo Frescobaldi (1583-1643). del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta. Barroco medio (1650-1700) • • • • Jean Baptiste Lully (1632-1687). compositor y violinista italiano. uno de los primeros grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en Italia. Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. • Heinrich Schütz (1585-1672). La sprezzatura italiana. de lo excelso a lo sublime. Compuso gran cantidad de música religiosa y más de 250 madrigales. "El regreso de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624). los que aplicó extensamente a la ópera. • Henry Purcell (1659-1695). que únicamente indicaba pautas que los intérpretes tomaban con gran libertad. una puesta en escena del manierismo barroco. Compuso también Sonatas tanto de cámara como de iglesia. El theatrum mundi italiano vivía bajo el precepto de «delectare et movere» (‘deleitar y emocionar’). que incluso a algunos llevó a la locura. • Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621). lo bello con lo monstruoso. Gran parte de sus óperas se han perdido. eran el Barroco humano. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso. la modulación y la composición de melodías. • Claudio Monteverdi (1567-1643) fue un importantísimo compositor italiano. El concerto grosso italiano y la orquesta italiana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental.

todos nacidos en Alemania. de Bach. siendo una demostración del sistema tonal que estará vigente hasta principios del siglo XX. . Johann Sebastian Bach. especialmente por Bach. La técnica de la polifonía y el contrapunto aún tiene una especial importancia en esta época. se publicara también el primer gran tratado del sistema tonal: "Tratado de armonía reducida a sus principios naturales" de Jean Philippe Rameau. la música adquiere y avanza a un nueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los ámbitos. 1722. Jean Philippe Rameau. que aunque este tratado es imperfecto. La última generación importante nacen todos entre 1668 y 1685 donde muchos de ellos representan el cenit nacional y de la era en el país donde vivieron: Vivaldi en Italia. algunos de ellos como Bach o Handel. Aunque algunos de ellos no solo se apegan a su escuela nacional y hacen una síntesis y resumen de todas las escuelas como es el caso de Bach. Jean Philippe Rameau es el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto con Bach estableció el sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. Bach es uno de los compositores más importantes de la música universal y la cima de la era barroca. cuando el mundo musical germánico se convierte en la patria musical de primer orden. pervive un poco más en el tiempo y se extiende hasta la década de los 50 y 60 del siglo XVIII. que durara hasta principios del siglo XX. al contrario de otras ramas del arte. de forma simultánea aunque independiente. aunque Handel se marcha a Italia en 1706 para no volver jamás y asentándose en Inglaterra en 1713 hasta su muerte. una colección en dos libros publicados en 1722 y 1744 que se compone de 24 preludios y fugas cada libro en los tonos del sistema tonal. Georg Philipp Telemann. El barroco musical adquiere aquí una espléndida madurez. superando Italia y desplazando en ser la máxima potencia musical. hasta la forma de escuchar la música pasando por los instrumentos e instrumentación. Doménico Scarlatti y Georg Friedrich Handel. Handel en Inglaterra.Historia de la música 10 Barroco tardío (1700-1750) El barroco en la música. que comienza hacia 1700-1710 cuando esta generación empieza a ser activa en el mundo musical de la época. el clave bien temperado BWV 846-893. de forma más notable en Alemania y sobre todo en Bach. Handel y Telemann. cuando mueren los últimos grandes exponentes de la época barroca: Antonio Vivaldi. Bach y Telemann en Alemania. desde Bach hasta Schonberg y la segunda escuela de Viena. En esta última etapa del barroco. se utilizara de referencia hasta principios del siglo XX. apogeo y una gran refinación inédita en las dos etapas anteriores que culminará especialmente en la obra de Bach y Handel. dominándolos con gran maestría. pero la homofonía adquiere cada vez más auge y importancia. Sus obras son la cumbre del Barroco francés. Es con esta generación alemana. Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti en España. las dos grandes figuras dominantes de este periodo. conviviendo las dos técnicas durante algunas décadas de forma a la par durante esta generación de compositores. desde los géneros y formas. convirtiéndose el mayor exponente de la escuela inglesa. Uno de los hitos más importantes del último estilo del Barroco es el definitivo asentamiento de la tonalidad en la música occidental con una de las obras más importantes de la música universal. En el mismo año del primer libro.

el laud y la viola la gamba. aunque estará en boga hasta 1770. La nueva generación ilustrada. y el estilo quedara apegado a partir de 1730 a las generaciones más viejas del momento. Conforme pasa el tiempo el estilo Barroco. el compositor más importante del género en el siglo XVIII. pero con pequeñas novedades que serán precedentes importantes y abrirán un camino de algunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés de la segunda mitad de ese siglo: El concierto para teclado y la sonata con acompañamiento sin bajo continuo. extinguiéndose prácticamente entre 1741 y 1767. recargada. en general remplazados por otros más nuevos que en esta época alcanzan un gran auge técnico y de prestigio. por árida y antigua. Clasicismo (1750-1800) Es el estilo caracterizado por la transición de la música barroca hacia una música equilibrada entre estructura y melodía. la guitarra o el violonchelo. como el violín. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. Franz Joseph Haydn. en boga desde 1730. que llevaba ya mucho tiempo como el estilo dominador de la música occidental. Bach.Historia de la música 11 Las formas musicales del barroco tardío son prácticamente las mismas del periodo anterior. y Scarlatti. que practicaran un estilo más sencillo. El órgano seguirá teniendo un peso importante en Alemania. En cuanto a instrumentos. nacida a partir de 1700. se hacen varios cambios y algunos instrumentos de etapas precedentes no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso mucho antes. Rameau. El clave seguirá omnipresente en toda la música de este periodo culminando su larga trayectoria de los siglos anteriores en las obras de Bach. donde con Bach alcanza su más alta expresión en toda la historia. es rechazado por las generaciones posteriores a los últimos grandes exponentes del Barroco. la rechazara por complicada. por abusar del contrapunto. Handel. Sus óperas son la máxima expresión del género en esa era. siendo conjuntamente con Mozart. el estilo Galante. Rameau y Telemann. Handel es una gran figura del último Barroco. con apenas contrapunto. con la muerte de Vivaldi. Handel. Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus representantes más destacados Franz Joseph Haydn .

compositor austriaco. a pesar de su corta vida) destacan. aunque sin huir la intensidad emocional. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no pudieran realizarse. Uno de los más grandes e influyentes en la historia de la música occidental. Beethoven ha sido reconocido tanto por sus principios clásicos como por su libertad de expresión. Desde pequeño fue niño prodigio y un genio musical. Escuela de Mannheim La escuela más importante durante el primer clasicismo fue. considerado uno de los más grandes de la cultura occidental. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe. Sus primeros brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre. mostraban ya una gran inteligencia. compositor alemán. debido a que en sus borradores casi no se detectaba error alguno. que era tenor en la capilla de la corte. donde tuvo a su disposición una de las mejores orquestas de Europa. compositor austriaco del periodo clásico. Se caracterizaba por su estilo sencillo. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. • Ludwig van Beethoven (1770-1827). Estudió con Leopold Mozart. claro y equilibrado.Historia de la música La orquesta y nuevas formas musicales • Carl Philipp Emanuel Bach • Franz Joseph Haydn (1732-1809). por lo que se lo sitúa como el último de los clásicos y el primero de los románticos. 12 . • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). En su enorme producción musical (más de 600 obras. liderados por el compositor Johann Stamitz y sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período. Esta escuela contribuyó a fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas. la escuela de Mannheim. conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. Se dice Wolfgang Amadeus Mozart que era el compositor perfecto. época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. 1750-1820). trabajó al servicio de los príncipes Esterhazy ―primero Paul Anton y luego Nikolaus―. Desde 1761 hasta su muerte. sin lugar a dudas. una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. entre muchos otros géneros musicales. sus conciertos para piano y sus óperas. Beethoven marchó a Viena en el año 1792 Ludwig van Beethoven para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. A partir de 1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron los músicos más sobresalientes de Europa. su padre. Además dividió la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí. especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg.

Frederic Chopin fue el pianista más característico del período y uno de los más importantes compositores del instrumento • Frédéric Chopin (1810-1849). Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. la delicadeza. El piano fue su instrumento por excelencia. Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta. al estrenar en 1829 su Pasión según san Mateo. Escribió obras para piano. Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales. Como representante está Carl Philipp Emmanuel Bach. Compuso la obertura Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años después. religiosa y numerosas óperas. Clasicismo mediterráneo • Luigi Boccherini • Ferran Sors • Antonio Soler Romanticismo (1800-1860) El piano romántico • Franz Schubert (1797-1828). aunque más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. La particularidad de esta escuela es el uso de temas de carácter contrastante. También fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. compositor austriaco. cuyos lieds (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre las obras maestras de este género. y una revolucionaria técnica de ejecución. comenzó a estudiar piano a los cuatro años.Historia de la música 13 Otras escuelas La Escuela de Viena. la facilidad melódica. y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. • Félix Mendelssohn (1809-1847). A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastián Bach. pero nunca regresó. Su obra se caracterizó por el intimismo. gran incomprendido en su tiempo. Georg Monn y Georg Christoph Wagenseil. y tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época. La escuela de Berlín. Tuvo como representantes a Florian Leopold Gassmann. A los 9 años debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. música sinfónica. A los 20 años de edad dejó su Polonia natal en un viaje de estudios. compositor alemán. La importancia de esta escuela radica en que fue el primer lugar en donde se inicia la técnica del desarrollo. ante quienes tocaba en sus reuniones musicales. . una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX.

la famosa pianista Clara Josephine Schumann. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. sus principales temas eran la muerte. La estructura general es A B A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía. durante sus últimos años se acentuaron las depresiones. Finalmente. Desde niño. El creador del lied es Schubert. aunque posteriormente reemprendería sus estudios. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer. Murió de tifus en un sanatorio. y su padre lo apoyó durante su formación procurándole un profesor de piano. Richard Wagner fue el compositor que llevó a su apogeo el género de la ópera • Franz Liszt • Johannes Brahms (1833-1897). y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. Durante esta gira conoció al violinista. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms. Música programática El lied El lied es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. despertó una gran atención tanto en su país como en el extranjero. cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. compositor alemán del Romanticismo. también húngaro. y tuvieron ocho hijos. La ópera de Dargomyzhski El convidado de piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela. mientras que su . Sus operas rusas ofrecían una síntesis de composición occidental pero con melodía rusa. Los nacionalismos (1850-1950) Rusia El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. Joseph Joachim. lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años. Una vez depurado su estilo de composición en relación con sus estudios posteriores. Mikhail Glinka famoso por su ópera Una vida para el zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura rusa. el amor y la naturaleza. La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte de su padre. En 1839. intentos de suicidios y periodos de reclusión. ya demostraba sus cualidades musicales. Fue un brillante compositor y crítico musical. contrabajista del teatro de la ciudad. Robert se casó con Clara Wieck. que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Consiste en la interpretación de un poema realizada por un cantante y piano. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre. quien lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. En 1853 inició una gira de conciertos como pianista acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. crisis. obras aún no editadas.Historia de la música 14 • Robert Schumann (1810-1856). Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen. Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa.

España • Isaac Albéniz (Suite Iberia) • Enrique Granados (Goyescas). que posteriormente llamaron la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas. tan características en sus obras. El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov. con una instrumentación excelente. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición En las estepas de Asia Central y por Bailes polovtsianos de su ópera Príncipe Ígor. que fundamentó su trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal.Historia de la música música orquestal. solo dos eran músicos profesionales. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el Monte Calvo y Cuadros de una exposición. y realizó. También utiliza elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua rusa e influencias de la música tradicional asturiana o andaluza en su Capricho español. Obras como la obertura de Marcha eslava. Piotr Ilich Chaikovski fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color brillantes. Bohemia • Smetana (Mi patria) • Antonín Dvořák (Danzas eslavas. El Grupo de los Cinco De este grupo de cinco. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida. también la música de tres famosos ballets: El cascanueces. ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico. César Cui y Mili Balákirev. La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. Estas obras han sido programadas tan a menudo que se consideran entre las obras más famosas jamás construidas. y Capricho italiano ubican definitivamente a Tchaikovsky dentro del nacionalismo. 15 . Sinfonía del Nuevo Mundo Escandinavia • Jan Sibelius (Finlandia) • Edvard Grieg (Peer Gynt). Sus obras más improtantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa. ambos poco conocidos.

experimentará un gran desarrollo gracias a la posibilidad de grabar sonido mediante las nuevas tecnologías de principios del siglo XX (lo que dará lugar a la industria del disco) y la aparición de medios de comunicación de masas como la radio y el cine sonoro. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. consumida por la creciente clase media urbana. con los que se consiguen diferentes efectos. la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas. El efecto de la música popular y la industria musical que se desarrolla en torno a ella cambiarán drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media. Este tipo de música. en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes. Música moderna y contemporánea (1910-presente) El siglo XX estuvo marcado por dos grandes acontecimientos que fueron muy decisivos en la historia de la música occidental. • Gabriel Fauré • Claude Debussy • Maurice Ravel • El Bolero de Ravel • Isaac Albéniz Claude Debussy fue el principal compositor de este movimiento • Suite española y Suite ibérica • Enrique Granados • Manuel de Falla • Joaquín Rodrigo • El Concierto de Aranjuez • Jesús Guridi • El caserío. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico. El segundo gran fenómeno es el auge y masificación de un tipo de música que se desarrolló en las ciudades durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas en que se dividía hasta ese momento la música (la étnica y la académica): la música popular. el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la práctica común de los últimos trescientos años. y marcaron el avance posterior que seguirá la música hasta llegar a nuestros días. la tonalidad. En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres. los colores. El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a partir de 1910. que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. . los instrumentos.Historia de la música 16 Impresionismo (1860-1910) El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa.A partir de ahí. con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica.

Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg. Intentó enaltecer la vida contemporánea. como atonal. y armonía politonal y atonal. y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti. El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”. y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París. escalas modales. A principios del siglo XX compositores como Claude Debussy. inflexiones armónicas menos probables. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi exclusivamente por los músicos de Vanguardia. Paul Hindemith. El mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre los lanzamientos de G y A emitida por Ígor Stravinsky (1882-1971). quien redacta el Manifiesto Futurista. el primitivismo incorporó además métricas y acentuaciones irregulares. Béla Bartók. escribieron música que se ha descrito. Primitivismo El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo). lo que fue su punto de partida para de la primavera es considerada la obra más importante del siglo XX. su obra La consagración la cuarta cuerda de violín. Ígor Stravinsky y Edgard Varèse. Crisis de la tonalidad y atonalismo Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885. 17 . conocida como "atonalidad libre" o "cromatismo libre".Historia de la música Música modernista y contemporánea Futurismo El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX. Algunos otros autores emplearon también esta técnica. Carl Ruggles. Similar al nacionalismo en su afán por rescatar lo local. Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Ígor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok. componer una gran cantidad de música microtonal. Los principales compositores futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Aleksandr Skriabin. Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de acordes ambiguos. aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista". Serguéi Prokófiev. Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte. período que ya se hablaba de una "crisis de la tonalidad". total o parcialmente. esto por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. un mayor uso de la percusión y otros timbres. Microtonalismo El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que un semitono).

o la Segunda Escuela Vienesa. planteaba que está producida por objetos concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. En Francia se desarrolló la música concreta escuela que producía sonidos existentes en el mundo. como también para la articulación. Jean Barraqué. su inventor.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles de intensidad sonora). pero también el prolífico Darius Milhaud y sus contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger. Serguéi Prokófiev. El primer concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951. Pronto atrajo un gran interés. Este estilo fue muy influyente entre compositores de la postguerra como Olivier Messiaen. dodecafonismo y serialismo Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg.Historia de la música 18 Segunda Escuela Vienesa. El dodecafonismo fue una forma de música atonal. Karlheinz Stockhausen. Anton Webern: se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas. pero al final abandonó el sistema de composición tonal para escribir música atonal. Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente mencionados en este estilo. sujetas a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no establece jerarquía entre las notas. con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes. Schaeffer. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer. influenciado por Richard Wagner y Gustav Mahler. Iannis Xenakis. pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados. Michel Philippot y Arthur Honegger. quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la Exposición de Bruselas en 1958. El primero que dispuso de esos medios fue Edgar Varese. etc. Con el tiempo. que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. Sus primeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío. Música electrónica y concreta Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios electrónicos para producir sonidos. músico autriaco fundador de la segunda escuela de Viena y creador del dodecafonismo. Edgard Varese. corchea. y entre los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier Messiaen. Ígor Stravinski. Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra. Pierre Boulez. desarrolló la técnica del dodecafonismo. En Alemania en cambio la forma se usar la tecnología se llamó música electrónica. y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas propias. como punto de partida para componer música. Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el uso del sistema dodecafónico. Los tres son conocidos. Arnold Schoemberg (1874-1951). Luigi Nono. Paul Hindemith. es decir. crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París. junto a Pierre Henry. como La Trinidad Schoenberg. los timbres y los ritmos. El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo. Karlheinz Stockhausen e Ígor Stravinsky. y fue creada por el que fue discípulo de Schönberg. Neoclasicismo El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de tradición en cuanto a la armonía. familiarmente. sino para la sucesión de las diferentes duraciones (las "figuras". sin . la forma. proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional. Luciano Berio. Pierre Boulez. al melodía. En 1951. como la negra.

utilizando elementos como ruidos. quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical. o la sorpresa. el vanguardismo dentro de ella se refiere a los movimientos más radicales y controversiales. grabaciones.[4] . la improvisación. entre muchas otras.[3] La técnica fue desarrollada por György Ligeti. y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura. En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas. la música electrónica en vivo. el azar. Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora que es una textura musical cuya composición. o la música intuitiva. Música aleatoria y vanguardismo radical Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia. en el que las armonías no cambian súbitamente. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria. el happening musical. Entre los compositores más trascendentales que incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa. una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa. Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. el ridículo. el absurdo. donde el concepto de música llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa. sino que se van convirtiendo en otras. la música ritual. la composición de procesos. Micropolifonía y masas sonoras El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas musicales vanguardistas del siglo XX. el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto». el sentido del humor. el teatro musical. el teatro. ritmos y timbres».Historia de la música 19 embargo la primera obra de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. en contraste con otras texturas más tradicionales.

• Alfred Newman con. • Jerry Goldsmith con: Planet of the Apes. Música cinematográfica Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos. y Cinema Paradiso. volviendo a las tríadas mayores y menores de la música tonal. Poltergeist. How the West Was Won. Steve Reich. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros. Chinatown. John Adams y Michael Nyman. • Ennio Morricone con: The Good. para nombrar los más importantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes. para producir la totalidad de la trama sonora. sin ocultarlas bajo la técnica. . y Harry Potter entre muchísimas otras. Alien. Alan Silvestri. y Taxi Driver. hubo numerosos compositores que dedicaron su carrera total o mayormente a trabajar a través del cine. • John Williams con: las dos trilogías de Star Wars. Muchos de los grandes compositores que vivieron en esa primera época. Voyager (1942). incursionaron también en esta área. han sido Nino Rota.T. Jezebel (1938). The Untouchables (1987). y Gone with the Wind (1939). especialmente del último cuarto de siglo en adelante. The Ghost and Mrs. Danny Elfman.. Posteriormente. y Since You Went Away (1944). Once Upon a Time in the West. King Kong (1933).The Greatest Story Ever Told. Indiana Jones. Jurassic Park. Hans Zimmer y Henry Mancini.Historia de la música 20 Minimalismo Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora llamamos minimalismo. Little Women (1933). y es actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo. The Wind and the Lion. Otros de los grandes compositores. The Omen. la música ha cumplido un rol crucial en la industria y el arte del cine. Superman. Philip Glass. Jaws. pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional. Dentro de los grandes compositores de música de cine se encuentran: • Max Steiner con: The Informer (1935). el extraterrestre. Casablanca (1942). sino más bien haciéndolas explícitas. The Man Who Knew Too Much. La Monte Young. The Mission (1986). Citizen Kane. La onda minimalista de compositores —Terry Riley. Muir. Schindler's List. E. tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic. Now. Ejemplos tempranos incluyen En do (de Terry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich). Howard Shore. Hook. • Erich Wolfgang Korngold con: The Adventures of Robin Hood. a menudo se repiten. • Bernard Herrmann con: North by Northwest. The Bad And The Ugly (1966). expresando cuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical. Desde la llegada del cine sonoro a finales de la década de los 1920.

21 . en EE. De entre los compositores identificados de una forma más cercana con este movimiento.Historia de la música Poliestilismo Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales. el guitarrista Derek Bailey. Marc-André Dalbavie. sino también contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo. James Dillon. Y como en el caso del impresionismo y muchos otros estilos musicales. Dmitri Silnitsky. Es muy abstracta. Compositores poliestilísticos son. Espectralismo El espectralismo es un género musical originado en Francia en la década de los sesenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey. La música espectral.. se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral del sonido musical. Ezequiel Viñao. El movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporáneas de composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel. Fabien Lévy o Thierry Blondeau. en Francia. Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough. disonante y atonal. Philippe Leroux. secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. En general. y el grupo improvisacional británico AMM. Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia. Hans Werner Henze. Sofia Gubaidulina. y que supuso una reacción no solamente contra la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. Frederic Rzewski. y Joshua Fineberg. Libre improvisación La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas. por citar algunos. Valentín Silvestrov. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann. ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX y en otros significó trabajar con texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. en el origen de la percepción del timbre. George Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia. por ejemplo. William Bolcom. Michael Finnissy. Magaly Ruiz. La improvisación libre. como estilo de música. en un sentido restrictivo. Nueva Complejidad La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la década de los 80's en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como. "de múltiples capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las dimensiones del material musical". Chris Dench. En algunos casos. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. Alfred Schnittke. con la intención de crear una comunicación más fácil con las audiencias. Frank Zappa o John Zorn. se desarrolló en Europa y EE. Lera Auerbach. Luciano Berio. UU. Arturo Rodas. solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación significativa fuera de Alemania. caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y su resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva característica del vanguardismo). aquellos compositores cuya música se considera espectral no aceptan generalmente tal denominación.UU. George Rochberg. Nueva simplicidad La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de los ochenta del siglo XX. Santiago Sosa Rolón. y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y se acentúa en el siglo XXI. Jean-Luc Hervé. Tristan Murail y Hughes Dufourt).

suele considerarse a Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador del primer estilo definido de jazz. con melodías más pulidas y armonías "limpias". el piano y la batería) tenían una función meramente rítmica. y que tenía a Sidney Bechet en el clarinete. de hecho. y otras de renombre histórico como la Onward Brass Band. o la Original Creole Orchestra. Es una escuela de bandas célebres. la del cornetista Freddie Keppard (1900. apoyada por el trombón y el clarinete. que se reputa como el introductor de la sordina de «desatascador» (plunger) y su típico efecto de wah-wah. El nuevo estilo era "menos expresivo. Sidney Bechet. En la década de los 40. ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario. la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del trompetista Papa Celestin. aunque paulatinamente fueron introduciéndose el contrabajo. Las improvisaciones. pues en este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo. o los "New Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. ragtimes. supuso un importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de jazz de la zona. ésta anterior al cambio de siglo. El jazz de Chicago y New York El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917.[6] con una poderosa escena de blues y ragtime. James L. Además.[5] Convencionalmente.1909). Es lo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad del jazz de Nueva Orleans». como las de los cornetistas Sam Thomas. caja y bombo. Jelly Roll Morton o Johnny 22 . en tempos muy lentos o medios. en el sentido que hoy las conocemos. los Louisiana Five de Anton Lada. King Oliver. que gozaba por entonces de una agitada vida nocturna. de los hermanos Frank y Fred Assunto. Este hecho inició la gran migración de los músicos de jazz hacia las ciudades del norte. el Dixieland disfrutó de un poderoso revival. que se reputa como el "padre del dixieland". marchas y cantos de origen afrocubano. También estaban las bandas del cornetista Papa Mutt Carey. como la de Johnny Schenk (1893). Dixieland A poco de comenzar el siglo XX. Harris o Robert Baker o la banda que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans. en una primera época. se denomina «estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre interpretar espirituales. obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland. como el estilo tailgate de los trombonistas. Jazz Jazz de Nueva Orleans Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del siglo XIX. y aún hoy en día existen bandas con nombres tan rancios como Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band. que era quien desarrollaba las melodías. que elaboraban variaciones improvisadas sobre la melodía base. Aún no se ha desprendido de las influencias del minstrel y contiene todas las características propias del hot. se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas". los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones. la de John Robechaux (1895). el trombonista Edward "Kid" Ory. el trompetista Nick La Rocca y sus Original Jass. no existían. Louis Armstrong. Sus principales figuras fueron. El peso sonoro y conceptual de la música recaía en la corneta. y especialmente hacia Chicago. pero con mayores recursos técnicos". y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas. se introdujeron el piano y el saxofón. desde una década antes.Historia de la música Roger Redgate y Richard Barrett. En ocasiones se usaba el violín como complemento en la sección de metales. el corneta Papa Jack Laine. El resto de los instrumentos (usualmente banjo. los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes). etc. tuba. la banda de Lorenzo Tio. Louis Ned. nunca rápidos.

Wingy Manone. con el impulso que supuso a las big bands. con un lenguaje escueto y lacónico. Pero la escuela de Nueva York dio un nombre de mayor proyección aún. a comienzos de la década de 1920. desembocando en el swing. Sería precisamente Henderson quien mejor representó la nueva forma de tocar un tipo de jazz estilizado. como se le denominó en su momento. como figura más relevante. se trasladaron a la «ciudad del viento» y grabaron allí sus primeros discos. Un buen número de músicos de gran relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate.[7] Sin embargo. «realizado sobre la base de una fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemano y escritas para conjuntos cuyo número de instrumentos no hacía posible la polifonía hot». Bix Beiderbecke. Johnson. así como la banda del pianista Sam Wooding o la del panameño de nacimiento. Otros referentes importantes del estilo fueron Red Nichols y sus "Five Pennies". esta época es la de la explosión del llamado «blues clásico». de un dinamismo acalorado. con arreglos musicales escritos. comenzó con la orquesta de Fletcher Henderson. fue la corriente principal de desarrollo del jazz a finales de la década de 1920. Luis Russell. menos localizado y más universal. se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas. en época tan temprana como 1905. económico en recursos. de una rígida tensión hot». el jazz se introdujo también en Nueva York. Pee Wee Russell o. por el contrario. originario de Filadelfia. 23 . En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico. Algunos compositores de swing. dejando los pasajes polifónicos para el ciclo final (sock chorus). como la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students". Muggsy Spanier. entre otros muchos. pero también gracias a bandas. Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts. Desde muy temprano. el verdadero estilo de Nueva York. De hecho. los McKinney's Cotton Pickers de William McKinney y Don Redman. al comenzar a asentarse el saxofón. dirigida por Will Duke Ellington uno de los principales Dixon y Will Marion Cook. procedente de Washington D. autores destacan también el papel que músicos como Nick La Rocca o el baterista Louis Mitchell. que alcanzó gran fama con sus sesiones en el Cotton Club de Harlem. El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a aquellos. o High Brow.. El sonido perdió plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse la desincronización propia de la rítmica africana pero. El estilo de Nueva York. en la que tocaron todas las grandes figuras del jazz de los años 1920. El material temático tendió hacia un abandono de los rags y stomps y su sustitución por blues y canciones de influencia europea. y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica. inicialmente a través de los pianistas que tocaban ragtime y boogie woogie en los honky tonks. como James P. Duke Ellington. bañado «en una atmósfera exasperada. Eddie Condon. con artistas como Bessie Smith.Historia de la música Dodds. tuvieron en la extensión del jazz en la ciudad.C. desbrozado de adornos. que se rodeaban de bandas de jazz en sustitución del tradicional acompañamiento de guitarra o piano sólo.

Fue también. polirritmos. que dirigía una de las bandas más populares de la época. Se trató de una operación comercial de los agentes de Benny Goodman. a creer que "swing" era el tipo de música que hacía esta banda. Esto llevó al público. a partir de 1932). la revalorización del blues. incluso un look característico en el que no podía faltar 24 . Chu Berry. La síncopa característica del swing quedaba destinada a favorecer la interpretación de las melodías. Lena Horne o Peggy Lee. formado por muy pocos músicos. reconocido incluso por compositores clásicos de la talla de Stravinsky.. consolidándose el nombre. Anita O'Day. de modo que los músicos más "serios" -como Duke Ellington. además. del riff. las big bands. impulsado por Django Reinhardt. El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo jazz: el swing como elemento rítmico. pero también a muchos críticos.[8] Los músicos bebop ponían el acento en el papel del solista. cuyo papel ya no era el de entertainer de épocas pasadas. fueron las que marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal característica fue la formación de grandes orquestas. y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes cambios conceptuales del jazz de la década de 1940: Woody Herman. la predominancia de pasajes melódicos interpretados straight. Benny Carter. Fats Waller. no todas derivaron hacia ese camino. se abandonó la melodía en favor de la improvisación. puesto que en otros lugares. conforme a partitura. sino un artista creador al servicio sólo de su propia música. destacando entre ellos el trompetista Roy Eldridge y el saxofonista Lester Young.. en Europa. frase corta repetida con crescendo final. muchos de los cuales establecieron verdaderos cánones en sus respectivos instrumentos: Coleman Hawkins. El swing fue.[9] -que dejaba a un lado su antiguo papel de mero metrónomo-. y se adoptó.Historia de la música La era del swing En el último tercio de la década de 1920. Las bandas de Fletcher Henderson. la extensión del fenómeno del "solista". el término swing gozaba de mala reputación entre los músicos: se consideraba que sólo los profesionales de menor talento se dedicaban a este tipo de música comercial. Harry James. a la larga. etc. relegándola únicamente al contrabajo -que crecía en importancia. Ivy Anderson (que permaneció casi doce años en la banda de Ellington. especialmente de las cantantes femeninas: Ella Fitzgerald. Johnny Hodges. como Kansas City tuvo lugar una evolución similar en big bands como las de Bennie Moten o Count Basie. los estilos de two beat habían agotado sus posibilidades de desarrollo. un estilo que favoreció la proyección de los cantantes. Sin embargo. acabaría por lastrar las posibilidades de desarrollo del swing: Artie Shaw. un estilo rico en grandes improvisadores. En algunos casos. Rex Stewart. Teddy Wilson. Duke Ellington. Algunas de las bandas de la época alcanzaron un enorme éxito popular y de ventas. El declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo tipo de música radicalmente diferente. como es el caso del western swing (que fusionó músicas de origen folclórico) y. Lionel Hampton o Jay McShann. se desarrollaron escenas regionales con gran proyección y personalidad diferenciada. el jazz era conocido y apreciado en todo el mundo. Art Tatum. Billie Holiday. Jimmie Lunceford y Chick Webb. aportaron elementos novedosos respecto de la tradición hot: la conversión de los ritmos de dos golpes (two beat) a ritmos regulares de cuatro acentos rítmicos por compás. Este proceso no se desarrolló exclusivamente en Nueva York. se introdujeron disonancias. Además. Tommy Dorsey. mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una nueva forma de hacer jazz. paralelamente. que se consolidó sobre todo como resultado de la migración masiva de músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos". June Christy. Gene Krupa. incrementando con ello la libertad de bajistas y bateristas. es decir. al designarlo como "Rey del swing". la sección rítmica se simplificaba. Glenn Miller. Sin embargo. la utilización. Harry Edison y muchos otros. Bebop Tras la era del swing. Stan Kenton. como recurso de tensión.y a la batería. del llamado jazz manouche. Algunos de estos instrumentistas fueron determinantes en el proceso de evolución que llevó desde el swing al be bop y al cool. y el formato de big band por el de combo. cuyos únicos rasgos en común consistían en una instrumentación similar y en el interés por la improvisación.se estaban alejando del estilo. generando un subestilo comercial que. nuevas paletas tonales y fraseos más irregulares.

extendiendo el aspecto melódico y el rango rítmico del jazz hasta ese momento. en parte por su alejamiento de las raíces africanas del jazz. una corriente que establecía un puente entre la música clásica y el jazz. los bajistas Oscar Pettiford o Paul Chambers. Cool jazz El nacimiento formal del movimiento cool tuvo lugar en 1948 con la publicación del álbum Birth of the Cool de Miles Davis. Thelonious Monk.introdujo un nuevo sonido en el trío de jazz influenciado por la música clásica europea. Gunther Schuller fue el iniciador oficial del third stream. o Into The Hot (1961). Charlie Parker. The Modern Jazz Quartet -originalmente la sección rítmica de Dizzy Gillespie.publicó Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953). en 1977. "Donna Lee".[11] y otras. supieron adaptar su sonoridad a las nuevas exigencias. dio inicio al movimiento con Birth of the Cool (1948). los bateristas Kenny Clarke o Max Roach. y que cuenta también entre sus principales representantes a Bob Graettinger. quien había comenzado su carrera con Charlie Parker. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del movimiento.[10] En el campo de las big bands. Woody Herman. J.Historia de la música sombrero. Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953). todos de (1956). 25 . Johnson -quien adaptó el lenguaje bop al trombón-. donde presentaban sus elegantes composiciones. como es el caso de las orquestas de Boyd Raeburn. "Ornithology". o la cantante Sarah Vaughan. El nuevo estilo se derivaba directamente del bebop. los pianistas Bud Powell. Herbie Nichols o Tommy Flanagan. y Sonny Nueva York. Thelonious Monk y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos informales. El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie. como la de Earl Hines establecieron puentes entre el viejo y el nuevo sonido. Working o Steaming. John Lewis. Bill Evans -junto a Scott LaFaro y Paul Motian.que sentaban las bases del estilo. Milt Hinton. pero también encontró un hueco entre las preferencias de músicos negros que estaban pasando de ser simples entertainers a adoptar un papel más activo y serio en la búsqueda de su identidad musical. Miles (1955). en el límite entre lo barroco y lo jazzístico.[13] Miles Davis. quien adaptó el estilo de Parker con el alto al saxo tenor. Erroll Garner.Relaxing. Otras figuras destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles. Benny Green o Kai Winding. y George Russell sobresalió como intérprete de temas modales. Percy Heath y Kenny Clarke. entre otros muchos. "Billie's Bounce" o "Anthropology". que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa". y con un estilo emocional y sorprendente que quedó inmortalizado en clásicos como "Yardbird Suite". Charlie Parker fue el otro gran padre del bebop introduciendo un nuevo lenguaje de improvisación. como las de Charlie Barnett. Cookin'. integrada por Milt Jackson. que tiene como ejemplo paradigmático su Jazz Abstractions (1959). Ahmad Jamal.[12] El cool jazz resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano. Gordon. como "A Night In Tunisia" o "Salt Peanuts". George Shearing. con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las características de la nueva música y una serie de temas que entraron a formar parte enseguida del repertorio básico de los músicos bop. algunas de ellas. el primero de una serie de álbumes -Walkin (1954). todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones más influyentes de la historia. y Django (1956). pero resultaba una música más cerebral. Oscar Peterson. Lionel Hampton o Stan Kenton. los trombonistas J. gafas de sol y perilla. Billy Eckstine y Dizzy Gillespie. Sólo algunas lograron convertirse en verdaderas big bands de be-bop. Otros músicos de importancia dentro del estilo fueron los saxofonistas Dexter Dizzy Gillespie retratado en Búfalo. Gil Evans produjo Gil Evans and Ten (1957). el pianista Ran Blake o la imaginativa cantante Betty Carter. el trompetista Fats Navarro. Lennie Tristano. Stitt. Out of the Cool (1959).

los trompetistas Woody Shaw. Gene Harris. gracias al tema "Take Five". Phil Woods. Tuvo especial incidencia entre los músicos de la Costa Este. Art Farmer o Clark Terry. Jimmy Giuffre lanzó Jimmy Giuffre 3 (1956) o Western Suite (1958). que acabaría conformándose como la línea principal de desarrollo del cool. como Chicago o Detroit. como es el caso de Time Out. directamente herederos de Lester Young y de la evolución que habían tenido big bands como las de Woody Herman. Lee Morgan. Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954). las frases de ángulos puros. Bobby Timmons. Charles Earland. por último. con emoción interpretativa. el hard bop fue una relectura del bebop "en pro de una vía que se abría a la prosecución de una tradición ininterrumpida en la que las raíces más profundas seguían teniendo un peso específico importante". otro de los principales representantes de esta corriente. Larry Young o Richard "Groove" Holmes. También obtuvo un importante éxito comercial Stan Getz. que procedía de las orquestas de Stan Kenton. David "Fathead" Newman. que se convirtió en el primer disco de jazz en vender más de un millón de copias. con especial acento en la energía y la espontaneidad de la música. derivados del lenguaje de los músicos bebop. Soul jazz y Funky jazz Íntimamente relacionado con el hard bop. quizás más específicamente una forma de tocar jazz. se desarrolló un estilo de jazz. y que hundía también sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver. Pepper Adams. Otras figuras destacables del género fueron los organistas Brother Jack McDuff. Jim Hall. A ellos. que se dio en llamar funky o. el batería Pete La Roca. Grant Green o George Benson. en la Costa Oeste. Joe Henderson. la evolución del jazz se desarrolló por caminos menos influenciados por los músicos neoyorquinos de bebop.que anticipaba la llegada de un tipo de jazz más suave y relajado.Historia de la música West Coast jazz En esa misma época. los guitarristas Wes Montgomery. Early Autumn (1948) y Quartets (1950). Art Pepper grabó Discoveries (1954). Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956). Stan Kenton o Wardell Gray. Gerry Mulligan Quartet (1952).[14] y está especialmente vinculado a los músicos negros de las ciudades de los Grandes Lagos. Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas. con sus discos West Coast Jazz. o los saxofonistas Stanley Turrentine. Eddie "Lockjaw" Davis. y los solos. "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmón. Tina Brooks. El nuevo estilo. Shorty Rogers o Shelly Manne. Gerry Mulligan. Chico Hamilton grabó Spectacular (1955). los pianistas Mal Waldron. Hank Mobley. Freddie Hubbard. conformando una música agresiva e intensa. y Mulligan Quartet (1952). el adjetivo "hard" (duro) tiene en esta expresión la connotación de "intenso". Les McCann. basada en la utilización de estructuras blues en tempo lento o medio. Conrad Gozzo. otro de los líderes del movimiento cool. Un subgénero que exhibía al Hammond B3 y a sus pioneros (Wild Bill Davis. Horace Parlan o Duke Pearson. Junior Mance. Max Roach fue uno de los iniciadores del movimiento.[15] Para muchos autores. Gene 26 . junto a Art Blakey o Sonny Rollins. los ritmos explosivos". El elemento rítmico quedaba reforzado. o las big bands de Thad Jones o Maynard Ferguson. Art Pepper Quartet (1956). fue impulsado especialmente por músicos como Howard Rumsey. Benny Golson o Jackie McLean. la vocalista Abbey Lincoln. De hecho. editó Mulligan Plays Mulligan (1951). Paul Chambers y Charles Mingus. Benny Goodman y Woody Herman y que terminaría popularizando la bossa nova. destacó por un sonido limpio y tranquilo -justo la antítesis de Charlie Christian. los sonidos cálidos. [13] Hard bop Como reacción ante el intelectualismo del bebop. Blue Mitchell. con un "beat" firme y sostenido. Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957). Ramsey Lewis o el cantante y pianista Ray Charles. Destacaron asimismo los saxofonistas Cannonball Adderley. los contrabajistas Reginald Workman. mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la quintaesencia del músico cool. Chet Baker publicó Grey December (1953). Willis "Gator" Jackson. soul jazz. Donald Byrd. adquirieron más fuerza y vitalidad. Shirley Scott. y generó obras que tuvieron una enorme repercusión comercial. más tarde. el guitarrista Kenny Burrell. de Dave Brubeck y Paul Desmond. los músicos del hard bop reivindicaron el retorno del jazz a sus orígenes.

Eddie Harris y Hank Crawford. Eddie Gomez. abriéndose además a influencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy ostensible. A mediados de la década. 27 . Jimmy Forrest. de la atonalidad en el jazz de los años sesenta. el free jazz se había convertido en una manera de expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y comandaba todas las vías de desarrollo del jazz. prácticamente todos los músicos jóvenes de jazz estaban influidos por el "free". Red Holloway. Salvo excepciones. ambos para Atlantic Records. recibió una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música». Cecil Taylor. Archie Shepp. El free jazz prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el jazz. Éste adoptó a las experiencias hard bop un buen número de las innovaciones que había traído el free jazz. como Roy Eldridge o Quincy Jones. aparentemente. muy especialmente. el free jazz toma carta de naturaleza en 1960. Sonny Sharrock. irresistible ascensión del free jazz que. hilo conductor hasta llegar al neo bop o "neo-tradicionalismo" de los años 1980. En los primeros años sesenta se asistió a una. realizando un "jazz modal" directamente impulsado por figuras como Miles Davis o. por otra parte. Houston Person. Sus "sábanas de sonido". Mike Mantler. Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea. por ejemplo. cuestionando los fundamentos socio-culturales tanto como su desarrollo histórico". Herbie Hancock o Lee Morgan. Post-bop Un cierto número de músicos de bop habían desarrollado conceptos de improvisación más avanzados a finales de los años 1950. una relectura y una superación virtual de todo lo que había sido el jazz. Está generalmente aceptado por la crítica que. John Coltrane ya a comienzos de la década de 1960.Historia de la música Ammons. A mediados de la década. sino de músicos de jazz. el fraseo o la entonación. Gary Peacock. John Surman. sino una puesta en crisis. Charlie Haden. Steve Lacy. King Curtis. como The Shape of Jazz to Come o This Is Our Music. Dollar Brand. que supone una revolución estilística en el jazz. Sin embargo. según bautizó el crítico Ira Gitler al sonido del cuarteto del saxofonista. abrieron el camino a un estilo que se ha dado en llamar post-bop. con la irrupción. paralelamente. a partir de los conceptos de intuición y digresión que había anunciado la música de Lennie Tristano. Anthony Braxton. formulaciones similares a las que ya se habían dado en la música clásica en los años veinte. Marion Brown. encabezado por Wynton Marsalis. pero a ellos se sumaron Carla Bley. convirtiéndose en la línea de desarrollo principal (mainstream) del jazz moderno. pero "no solamente eso. Yusef Lateef. a partir de 1967 comenzó a apreciarse una clara recesión del favor del público respecto del free jazz. Críticas que. Free jazz El bop evolucionó muy rápidamente durante la década de los cincuenta y algunos músicos (George Russell o Charles Mingus entre ellos) desarrollaron. el sello discográfico Blue Note recogió a los principales músicos del estilo: Wayne Shorter. como Bill Evans. Coleman había ya editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta explosión. Muhal Richard Abrams. provinieron no solo del público o de periodistas especializados. Jimmy Giuffre. al margen de los antecedentes ya citados. con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto. McCoy Tyner. Sun Ra. Manfred Schoof. entre otros. como el swing.

e hizo incursiones en el latin jazz en 'Expectations (1971). y había introducido elementos country en Tennessee Firebird.[19] Larry Coryell fue otro de los pioneros del jazz rock.había empezado a experimentar con rítmos de rock en The Time Machine (1966). una banda que contaba originalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría en uno de los grupos más relevantes del género. 28 . de 1971 muestra ya abiertamente la pasión del músico por la música hindú. Wayne Shorter o John McLaughlin. Weather Report. siendo particularmente evidente en aspectos como la instrumentación de las nuevas bandas de jazz rock -que reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para situarse como instrumentos solistas de pleno derecho-[16] o en la mayor importancia de los grupos respecto a sus miembros. Airto Moreira y Alphonso Mouzon no sólo se convirtió en el grupo más importante del movimiento. Stanley Clarke y Airto Moreira. y. entre otros. una banda que contaba con la participación de músicos hindúes. Chicago y. logró el mayor éxito de ventas de la historia del jazz con su álbum homónimo editado en 1973-. introduciendo una instrumentación y unos esquemas rítmicos más cercanos al rock y marcando el inicio de un nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de jazz fusion. Larry Coryell y Roy Haynes. Bobby Hutcherson. Miles Davis actuando en el North Sea Jazz Nucleus. con su participación en el álbum de 1966 Out of Sight And Sound.[18] Desde el área del free jazz. Su My Goal's Beyond. quien se había hecho famoso en el quinteto de Miles Davis. Cosmos o Extensions. editado ese mismo año. que con álbumes como Black Market (1976) o Heavy Weather (1977) alcanzó un notable éxito comercial. las distintas formaciones de Frank Festival. otra característica heredada del mundo del rock. Wayne Shorter. Carla Bley. Blood. mientras que McCoy Tyner colaboró con músicos como Bennie Maupin. Colosseum. Miroslav Vitous. supuso una nueva revolución en el sonido del jazz. Herbie Hancock no tardó en erigirse como uno de los máximos representantes del género a la cabeza de su grupo The Headhunters . sino -según Piero Scaruffi. Herbie Hancock. Tony Williams. ya había editado bajo su nombre Life Time (1964) y Spring (1965) antes de poner en marcha su Lifetime. La influencia de los grupos de rock que estaban experimentando con el jazz en la época (Soft Machine. primer disco de una banda -The Eleventh House. inspirada en los ritmos funky-psicodélicos de Sly Stone. pero la llegada del bajista Jaco Pastorius en 1976 supuso un nuevo empuje para la agrupación. El álbum marcó el inicio de una serie de grabaciones bajo su nombre que culminarían en Introducing The Eleventh House (1974). Keith Jarrett publicó Gary Burton & Keith Jarrett en 1970.[17] Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del jazz rock fue Gary Burton. Sweat & Tears. ambos de 1970.en uno de los dos grupos más importantes de la historia del jazz. originalmente con Flora Purim. quien. Michael Mantler o Paul Motian se encontraban elaborando una música compleja y personal. 1969) con John Surman y Tony Oxley. Zappa).que se situaría entre las más famosas de los grupos de jazz rock de la década de 1970. Wayne Shorter. del grupo "Free Spirits". un álbum de Miles Davis que contaba con Tony Williams.una banda que. con raíces muy diversas e influencias muy heterogénas. sobre todos ellos. terminó de perfilar un género que daría lugar posteriormente a otros muchos subestilos. un interés que desarrollará con la Mahavishnu Orchestra a lo largo de la década en álbumes como The Inner Mountain Flame (1971) o Birds of Fire (1972). con la ayuda de Steve Swallow. John McLaughlin recogió el testigo del revival del blues que había tenido lugar en el Reino Unido con grupos como The Rolling Stones o Cream. músicos como Charlie Haden. Gary Bartz. especialmente con Shakti. Ron Carter. pero tras editar un primer álbum bajo su nombre (Extrapolation. mientras que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever. formado originalmente por Joe Zawinul. Alice Coltrane o Ron Carter en Expansions (1968). fue convocado por Miles Davis para la grabación de Bitches Brew. Joe Farrell.Historia de la música Jazz rock y jazz fusión El lanzamiento en 1970 de Bitches Brew. Caravan.[20] La banda obtuvo un considerable éxito desde sus inicios.

El virtuoso checo Miroslav Vitous destacó también en el contrabajo en álbumes como Infinite Search (1969). antes de editar Piccolo (1977). 29 . y Total Eclipse en 1974.. el saxofonista John Klemmer (Touch.que mostraba una sofisticada combinación de jazz.[21] La guitarra eléctrica había alcanzado gracias a la influencia del rock una popularidad sin precedentes. 1974). Collect (1974). 1976) o Weather Report (Heavy Weather. Oregon publicó en 1972 un primer álbum -Music Of Another Present Era. con Stanley Clarke (1974) y School Days (1976). mientras que John Scofield. con elementos del soul. de 1975. Steps Ahead. con su debut en solitario que. Jean Luc Ponty fue el responsable de llevar el violín a la era de la electrónica. tanto en sus tempranas colaboraciones con Pat Metheny (Bright Size Life.editó Spectrum y Crosswinds en 1973. con Jack DeJohnette y Jan Hammer para seguir editando álbumes en la misma línea con músicos como Marc Johnson. que la veían como el instrumento dominante en la escena del jazz. y mostraba el estilo naturalista y original. 1975). Collin Walcott (percusionista de Oregon y uno de los músicos más innovadores en su instrumento). Billy Cobham -que había participado en Dreams junto a Randy y Michael Brecker y a John Abercrombie. John Abercrombie debutó discográficamente en 1974 con Timeless. 1970) o James Blood Ulmer (Revealing. no sólo popularizó el bajo fretless. 1973). 1977) como. American Garage. un supergrupo de virtuosos con Mike Mainieri a la cabeza publicó su primer trabajo -Step By Step. y el bajista Steve Swallow (Swallow. que no tardó en verse reflejada en el mundo del jazz fusión con la aparición de un buen número de músicos. El bajista y violonchelista Ron Carter había publicado Uptown Conversation (1969) con el contrabajo como protagonista. el mismo año que Ronald Shannon Jackson publicó Eye On You con su grupo Decoding Society. un híbrido entre el contrabajo y el cello. Pat Metheny había publicado en 1976 su Bright Size Life con Jaco Pastorius y Bob Moses. fueron el contrabajista David Friesen (Color Pool. al igual que Ralph Towner (Diary. Untitled (1977). Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron en 1975 The Brecker Brothers. complejidad compositiva y elementos étnicos.que pronto derivaría hacia el funky soul con álbumes como Expansions (1974). formó sus "NTU Troop" en 1970. 1991). que Metheny desarrollaría en posteriores álbumes ya con su banda Pat Metheny Group (Group 1978. y que también había pasado brevemente por el grupo de Miles Davis. 1977) se encuentran entre los primeros representantes de esta corriente. del funk. Destaca igualmente. fue el disco que.Taifa. improvisación. pero fue Stanley Clarke el encargado de poner el bajo eléctrico en el punto de mira de los aficionados. también. desde el comienzo de su carrera al lado de Frank Zappa en fecha tan temprana como 1968. El japonés Kazumi Watanabe grabó una serie de afamados discos. introducía el bajo eléctrico en el sonido del jazz. música clásica. los pianistas Art Lande (Red Lanta. todos ellos álbumes importantes en la historia del subgénero. el guitarrista de la banda Oregon. sino que lo situó como uno de los instrumentos más expresivos del jazz fusión. dentro de un estilo de fusión que proviene del free jazz e incorpora elementos de la música third stream. un álbum en el que empleaba el bajo piccolo. de 1970) en el que presentaba una música enérgica. tal y como el saxofón lo había sido en épocas anteriores. Gary Bartz había debutado con Libra (1967).Historia de la música El baterista y pianista Jack DeJohnette es otra figura clave del movimiento. Monkie-Pockie-Boo. para publicar un disco (Harlem Bush Music . publicó "Defunkt" primer álbum de su banda homónima. pero tras reemplazar a Wayne Shorter en el grupo de Miles Davis.. en una línea muy funky. Sonny Sharrock (Black Woman. Lonnie Liston Smith editó en 1973 su Astral Travelling. Jaco Pastorius fue. Otras figuras importantes. del jazz y del rock. lanzado en 1976 con el título de Jaco Pastorius. el bajista Jamaaladeen Tacuma (Show Stopper. 1969. con una serie de álbumes -Have You Ever Heard (1970). que se inició con Endless Way (1975). típicamente "blanco". pasando por sus colaboraciones con John McLaughlin y culminando en su carrera en solitario con álbumes como Upon The Wings Of Music. y Steve Kuhn (Ecstasy. hermano de Lester. un disco que tenía a la guitarra eléctrica como principal protagonista pero que. 1973). o Purple (1970).en 1980.con los que quiso efectuar una nueva lectura de los clichés del jazz rock y en los que participaron músicos como John Abercrombie o David Murray. Peter Erskine. o que Joseph Bowie. 1975). para editar una música de gran complejidad a medio camino entre el hard bop y el funky antes de emprender sus respectivas carreras en solitario. sobre todo. o Dave Holland. un álbum en el que mostraba su estilo enraizado en la tradición del bebop y sus cualidades como compositor. 1979). sin embargo el gran revolucionario de ese instrumento. primer disco de una banda -The Cosmic Echoes. 1983)..

y sus esquemas básicos no han cambiado demasiado a lo largo de su historia. incluso a la salsa. Hermeto Pascoal. los alemanes Wolfgang Dauner. Elegant Gipsy. 1976. Y. el jazz cubano. este estilo de fusión con músicas latinas. Antonio Carlos Jobim. Airto Moreira. el latin jazz ha sido uno de los que ha disfrutado de mayor popularidad. como las de Xavier Cugat y Pérez Prado. 1977. Basil Kirchin o el grupo Nucleus. Jesús Alemany o Francisco Aguabella. contradanza o fandango eran usuales en la música de Nueva Orleans. destacan músicos que han desarrollado trabajos de acercamiento entre el jazz y músicas tradicionales de otros lugares de América latina: Astor Piazzolla (con sus discos en solitario o con Gerry Mulligan). los noruegos Jan Garbarek y Terje Rypdal. en el entorno de la fusión de jazz con la música afro-cubana y portorriqueña.[22] En el ámbito europeo destacaron los británicos Neil Ardley. Elton Dean.Historia de la música que había colaborado con Billy Cobham y Charles Mingus. Entre los muchos artistas que han desarrollado su obra en las distintas variantes de este género. en los que el elemento latino se incorpora de forma indistinguible a su origen bop. o el ruso Serguéi Kuriokhin. Ray Barretto. Yr. Mike Gibbs. De hecho. a mitad de los años 1940. aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusión. Chucho Valdés. Cachao. 1980). se asentó de forma definitiva en la escena del jazz. 1977). Joao Gilberto. calinda. Keith Tippett. encontramos a músicos como Willie Bobo. Kenny Wheeler. A partir de mediados la década de 1960 y. Steve Turre o Paquito D'Rivera. el polaco Michal Urbaniak. Emiliano Salvador. Chico O'Farrill. 1976. Mongo Santamaría.[23] Jazz latino y jazz afrocubano En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana incorporación de elementos latinos a la música hot. Sin embargo. el Latin Big Band y. Poncho Sánchez o Mario Bauzá. De todos los estilos que surgieron tras la era del swing. además de pianistas como Hilton Ruiz. las de origen cubano y otras de fusión con otras músicas de carácter latino (y de forma especial. Sabú Martínez. The Blue Man. especialmente. Carlos "Patato" Valdes. encontramos a Irakere. los ritmos de habanera. Dentro de la amplia denominación de "jazz latino". Arturo Sandoval. durante los años 1970. Fuera del mundo antillano. la bossa nova. Mucho más apegados a los estilos tradicionales cubanos. 30 . Joachim Kühn y Eberhard Weber. y los trabajos de Dizzy Gillespie. cabe citar. El virtuoso Al DiMeola. publicó también sus primeros trabajos a mediados de la década (Land Of The Midnight Sun. Dom Um Romão. John Surman. El estilo ha dado origen a lo largo de los años a toda una serie de subgéneros relacionados entre los que se encuentran el boogaloo. el danés Niels-Henning Orsted-Pedersen. la influencia cubana sobre el bop generó un estilo de fusión cuyo mejor exponente fueron la big band de Machito. Gato Barbieri. el jazz brasileño. Alex Acuña. por encima de todos en popularidad e importancia. Mike Westbrook. a través del trabajo -por citar sólo a tres de las más importantes. Steve Khan (Tightrope. suelen incluirse músicas tan diferentes como las de origen brasileño (bossa nova. Cal Tjader. Tata Güines. el italiano Enrico Rava. Chano Pozo. Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo. dentro del jazz de fusión de origen brasileño. Egberto Gismonti o Claudio Roditi . que asentaría su carrera a comienzos de la década siguiente. Cándido. que integraban elementos característicos del bebop con ritmos afrocubanos. editó su primer trabajo en solitario en 1977. Baden Powell. además de orquestas que históricamente tuvieron una gran proyección comercial.[24] La presencia de elementos latinos se mantuvo en el jazz de los años 20 y 30.de las orquestas de Tito Puente. a Flora Purim. Willie Colón. al igual que Steve Tibbetts (Steve Tibbets. Osvaldo Tarantino. especialmente). Charlie Byrd. con el título East Meets West. 1978) y Mike Stern. el tango). al lado de Billy Cobham y de Miles Davis (1981-1983).

Sun Ra o Yusef Lateef. Lou Harrison. A partir de mediados de esa década. año en que el saxofonista Pedro Iturralde editó su Jazz Flamenco (MPS). en trío. 1959) o John Coltrane (Olé.. 1984). Elek Bacsik. El jazz representaba para los negros norteamericanos la alternativa popular a la música clásica. Ramón de Algeciras. El Potito. cuando comenzaron a surgir algunas propuestas primitivas de fusión entre el flamenco de parte de artistas como Miles Davis (Sketches of Spain. Esta orientación parte en la década de 1950. Discos como My Spanish Heart de Chick Corea (1976) o Friday Night in San Francisco. abundaban en la idea de la fusión de ambos géneros. Guillermo McGill. Ángel Rubio. En ese período el término "jazz" se solía identificar. Gerardo Núñez. en la década de 1960. de distintas procedencias (África. en España hubo de esperar hasta 1967. se encuentran Shakti. una grabación de 1980. fue alejándose cada vez más de sus orígenes. que se vio continuada en la obra de los pianistas Kenny Barron. Iturralde y Paco de Lucía más de medio siglo atrás. Dantas y Pardo iniciaron sus carreras en solitario. el mismo año en que se publicó el primer disco del quinteto V. Babatunde Olatunji. denominación que incluye además otros estilos de carácter poco o nada relacionados con el jazz. Richard Bona o Hugh Masekela. David Amram. Esta familia de géneros de "fusión étnica". con su A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill (1977) inauguró el revival del jazz clásico. M'Lumbo. cuya cercanía al jazz varía de un artista a otro. incluido en Kind of Blue.. Brasil. 1961).[26] Scott Hamilton. ayudando a consolidar un estilo donde no tardaron en aparecer trabajos de figuras del jazz español y el flamenco. Marruecos. Chano Domínguez. Una vuelta a los principios del bop. reivindicaron una vuelta a sus orígenes trasladando los términos del debate desde la dicotomía Free jazz / Jazz fusión al debate entre los defensores de la pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios de su evolución. Jerry González. Rubem Dantas y Jorge Pardo (Live. Antonio Carmona. Alpha Blondy. su hermano Pepe de Lucía. Zakir Hussain. Toshinori Kondo. artistas que continúan explorando el camino abierto por Davis. Sin embargo. la India. Entre los artistas que han desarrollado su trabajo en esta línea. la Polinesia.S. cuando Don Cherry. Francia. Sin embargo. Paul Winter. Benavent. más tarde. suele agruparse dentro del término generalista "world music". un concepto que De Lucía reelaboró en sus trabajos con el sexteto integrado por él mismo. John McLaughlin y Paco de Lucía. además de los citados. a finales de los años 1960 y en la década de 1970. liderado por Herbie Hancock.O. primero hacia el free jazz y luego hacia las distintas fusiones que tuvieron lugar en la década de 1970. el Caribe. la llegada de los neo-tradicionalistas cambió el orden de las cosas: en lugar de abanderar una nueva revolución en el género. Anouar Brahem. Dollar Brand. Rabih Abou-Khalil. en trabajos donde la improvisación característica del jazz tenía un lugar importante. Juan Manuel Cañizares. de los guitarristas Al DiMeola. Japón. entrando en una crisis de identidad que a finales de esa década aún no había sido resuelta. Agustín Carbonell "El Bola". Coltrane.P. Codona.). Jessica 31 . Strunz & Farah. Flamenco Sketches. que después se denominó nuevo flamenco.. Bulgaria. pero en el momento en que comenzó a derivar. Najma Akhtar. John McLaughlin. Trilok Gurtu. Lakshminarayanan Shankar. armonías o ritmos. Manu Dibango. 1960. Don Ellis o Andy Narell comenzaron a fusionar elementos étnicos tales como instrumentación. La crisis del jazz y el nuevo tradicionalismo El auge del "neo-tradicionalismo" que tuvo lugar con la llegada de la década de 1980 marcó el punto más alto de la crisis que había afectado al jazz desde la popularización masiva del rock.Historia de la música Jazz flamenco y otras fusiones étnicas El jazz flamenco tiene su origen en la década de 1960. Carles Benavent. un disco que contaba con la colaboración de Paco de Lucía y que se considera usualmente como la obra fundacional del género. y se afianza. los músicos blancos estaban logrando más éxito que los los negros y el panorama creativo en general era bastante desalentador. Joanne Brackeen.. Harry Partch.[25] En el resto del mundo distintos músicos de tradiciones muy diversas continúan elaborando fusiones estilísticas que a menudo tienen al jazz como coprotagonista. One Summer Night. Perico Sambeat o Javier Colina. simplemente con la música instrumental. dentro de una corriente de renovación en el flamenco.. como Joan Albert Amargós. con artistas como Dizzy Gillespie. Paul Horn.

Harry Connick. James Carter o Courtney Pine. todos ellos destacados músicos de jazz). Marsalis ha sido criticado por su papel conservador como director de la "Lincoln Center Jazz Orchestra". Galliano. se impuso como denominación del propio género. cuyo centro neurálgico se situaba en la Costa Oeste de los Estados Unidos. considerado por la crítica como el músico de jazz más famoso desde 1980.[27] En 1988 aparece.de los jóvenes talentos del jazz. James Taylor Quartet. The Jazz Warriors. o el guitarrista Ronny Jordan. En 1975 el guitarrista norteamericano William Ackerman había acuñado el término new age para definir un estilo de música instrumental de corte atmosférico. tanto en el mundo del rock como en el mundo del jazz y la música de vanguardia. Entre los representantes más destacados del colectivo se encuentran los saxofonistas Steve Coleman. Glen Vélez. La nueva música. habían experimentado con la fusión del jazz con las tradiciones musicales de oriente. e incluso con la música psicodélica. 1967).[28] Ya Tony Scott con su Music For Zen Meditation (1964) y Paul Horn (In India. Jr. Mención aparte merece Wynton Marsalis. la bajista Meshell Ndegeocello. del funk y del hip hop. La llegada a la escena de Wynton Marsalis. El jazz contemporáneo A mediados de la década de 1980 surgió en Nueva York el colectivo M-Base. entre otros. Rob Wasserman o el grupo Shadowfax. Delfeayo y Jason.. o del trombonista Steve Turre. el principal representantes de una saga familiar de Nueva Orleans que se inicia en la obra de Ellis Marsalis. Dave Liebman. de los trompetistas Jack Walrath. Entre sus primeros representantes se encuentran el guitarrista Charlie Hunter o el trío Medeski Martin & Wood. Tom Harrell. que quedaron bien establecidas a lo largo de toda la década siguiente en la obra de George Winston. Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical. David Lanz. o la cantante Cassandra Wilson. Fred Hersch. la electrónica y las filosofías orientales. un grupo de músicos inspirados por las ideas armónicas de Ornette Coleman cuyas obras giraban en torno al free jazz y al funk. Michael Hedges. y un importante educador que tuvo entre sus alumnos más destacados a Terence Blanchard. con elementos procedentes de la música. Gary Thomas y Greg Osby. Liz Story. y la cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento. de la mano del DJ británico Gilles Peterson (dedicado en esa época a editar remezclas de clásicos del jazz con bases hip hop) el término acid jazz. pero el género tuvo que esperar hasta mediados de la década de 1970 para que músicos como Mark Isham o David Darling comenzaran a trazar sus líneas definitivas. Count Basic. el trombonista Robin Eubanks. cuyo origen se podía rastrear en las fronteras del jazz con la música clásica. y los músicos negros habían sido apartados de facto tanto de la escena de la música rock como de la 32 . pero también ha destacado por su papel de divulgador de la cultura del jazz. aplicado a un nuevo estilo musical que integraba elementos del jazz. Bobby Watson. dirigida a un público acomodado y urbano. una banda dedicada a preservar la identidad musical del jazz de los afroamericanos. Otras bandas importantes del movimiento fueron Mondo Grosso. Brand New Heavies. Con un conocimiento enciclopédico de la tradición de su instrumento. Terence Blanchard. y como introductor de nuevos talentos. padre del anterior (y de Brandford. El término pasó a ser el nombre de una discográfica creada por el mismo Peterson para dar salida a grupos del estilo y. el trompetista Graham Haynes. Michael Jones. United Future Organization. pero no tardaron en surgir derivaciones más enfocadas a las pistas de baile como Stereo MCs. Mark Nauseef. Mulgrew Miller. Groove Collective. Joe Lovano. entre otros. finalmente. un movimiento que tuvo como resultado la contratación por parte de las grandes compañías discográficas -incluso de aquellas que nunca habían mostrado interés alguno en este tipo de música. Marcus Roberts o Brad Mehldau. o a Kent y Marlon Jordan. la filosofía y la espiritualidad del África Occidental. de los saxofonistas Ernie Krivda. y Roy Hargrove. los pianistas Geri Allen y Jason Moran. Daniel Kobialka. que desarrollaron el grueso de su discografía ya entrada la década de 1990. La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces. el guitarrista Jean-Paul Bourelly. Joshua Redman. el folk.Historia de la música Williams. Nicholas Payton. Incognito o los exitosos Jamiroquai. supuso la inauguración del movimiento de los "Young Lions" (jóvenes leones). Donald Harrison. era una música genuinamente blanca.

o el pianista Matthew Shipp. exploraron la relación entre el hard bop. tradicionalmente dominadas por músicos blancos. ya habían editado discos a mediados de la misma década. cuyas composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia. el funk. son Greg Kelley. repetición e improvisación. El saxofonista Ken Vandermark ofreció Big Head Heddie en honor a Thelonious Monk y al gurú del funk George Clinton. el baterista judío Joey Baron. o el guitarrista Alan Licht. alumna de Gil Evans. Mucho más conocido. el guitarrista irlandés Christy Doran. pero hasta entonces no lo había hecho con estilos como el rock o la música clásica de vanguardia. Por ejemplo. el guitarrista Elliott Sharp. que desarrollarían el grueso de su trabajo -en el que reelaboraban los conceptos establecidos por generaciones de jazzistas anteriores de múltiples y creativas maneras. apareció en la escena de Nueva York una nueva generación de jóvenes músicos que encontraron en la improvisación el elemento clave de su música: la arpista Zeena Parkins. Solistas el violonchelista Hank Roberts. se situaron entre los más originales de su generación. el bajista Michael Formanek había debutado en 1990. la música ligera y la música clásica de vanguardia. como el pianista Uri Caine o el trompetista Dave Douglas. el irreverente trombonista Craig Harris. el saxofonista Ned Rothenberg se estableció entre la primera línea de las nuevas generaciones de improvisadores. El clarinetista de formación clásica Don Byron había hecho su aparición en la escena neoyorquina a principios de la década de 1990. y otros muchos músicos de la misma generación. donde destacaban nombres como el saxofonista David Ware. otro alumno de Braxton.. Otros. el violoncelista Tom Cora.[30] La revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de material en el que los músicos se estaban embarcando como en el tipo de técnicas que empleaban para improvisar. Otros músicos destacados de esta primera generación del nuevo siglo.Historia de la música clásica.-. expandió el vocabulario del jazz con una cierta anarquía polifónica. ambos ex-miembros de Jazz Passengers. La revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas.[35] Más allá de las fronteras de Nueva York. al igual que el saxofonista Roy Nathanson o el trombonista Curtis Fowlkes.[34] A finales del siglo XX el legado del free jazz era muy visible entre la comunidad negra de músicos de jazz. pero también del folk.[29] Entre los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos estuvieron el saxofonista John Zorn. y el violinista canadiense Eyvind Kang. mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg. El yugoslavo Stevan Tickmayer. pupilo de Anthony Braxton se unió a la nueva ola de improvisadores creativos. por su parte. una tendencia que se había originado en la década anterior. en la obra de músicos como el bajista Saheb Sarbib o el cornetista Butch Morris. mientras que el veterano multinstrumentista Marty Ehrlich recogía la influencia del jazz tradicional. que integraba elementos del jazz de vanguardia con la música blanca de origen rural. Otros músicos. continuaban apareciendo en los últimos años del siglo pasado una serie de artistas.[33] Antes de finalizar la última década del siglo XX. El teclista Wayne Horvitz desarrolló su idea del "jazz progresivo de cámara". particularmente en la escena de Nueva York. y el argentino Guillermo Gregorio o el canadiense Paul Plimley. como el trombonista Jim Staley.[31] La segunda mitad de la década de 1990 conoció un revival de la música para big bands. quien coqueteaba con el hip hop. el guitarrista Henry Kaiser .[32] Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en un foco de creatividad musical donde surgieron figuras de interés como la pianista Myra Melford. recogiendo influencias de todo tipo y fusionándolas sin limitaciones conceptuales. o Tom Varner. uno de los más 33 . el trompetista Toshinori Kondo. un intento de fusionar la música de cámara con la improvisada. Eugene Chadbourne. colideró The Science Group. que había debutado en 1984. El violonchelista Fred Lonberg-Holm. el grupo B Sharp Jazz Quartet insertó su obra entre el hard bop y el free jazz. la improvisación. el soul. antes de embarcarse en una carrera singular en la que experimentaría con distintos formatos y aproximaciones. El jazz se había cruzado anteriormente con otras músicas negras -el blues. Así. el guitarrista Bill Frisell asimiló en su obra influencias del jazz y del rock. el free jazz y la música clásica. un virtuoso del corno francés. Por último. ya en los albores del siglo XXI. de la música de las marching bands o incluso de la música eclesiástica.ya en el nuevo siglo.. el flautista Robert Dick. resucitó el estilo de su maestro en diversos álbumes para orquesta. y la estadounidense María Schneider. o Mike Shrieve (ex baterista de Santana) pusieron también su capacidad integradora en primera línea.

por parte de grupos y músicos provenientes del hip hop. que asistió al surgimiento de una nueva generación de improvisadores. o más pequeñas. Esto está en contraste tanto con la música culta. los dos términos no son intercambiables. Nujabes. entre otros. grupos como Triosk efectuaron contribuciones importantes en la misma dirección. el contrabajista Ben Allison. esto . la profundidad de la respuesta no se constata. como Kanye West. que ya se había desarrollado bastante en las últimas décadas del siglo XX. caso también de Greg Headley. el guitarrista y teclista Kevin Drumm. las cuales normalmente se difunden académicamente o por vía oral. La aplicación original del término fue adoptada en la década de 1880 en el período conocido como Tin Pan Alley en los Estados Unidos. o Miya Masaoka. (4) en sociedades capitalistas. Otros creadores. se produce una gran cantidad de obras. Sin embargo. y frecuentemente a grupos grandes y socioculturalmente heterogéneos. como la venta de partituras o grabaciones. el saxofonista David Binney. tanto por su éxito comercial como por su influencia en la cultura y la música de gran parte del mundo. o el pianista Jason Lindner. a diferencia de la música culta. mientras que la música pop por lo general se refiere a un género musical específico. ya que las audiciones repetidas no se cuentan. de lo menos posible. A Tribe Called Quest.Historia de la música 34 eclécticos músicos de su generación[36] También a comienzos de los años 2000. The Beatles han sido la banda de música popular más importante de la historia. A pesar de la música popular a veces se conoce como "música pop". experimentaron con la manipulación de loops orquestales y. Crown City Rockers. en su sentido más amplio.. Para Richard Middleton y Manuel Pedro. como Tyondai Braxton. audiencias socialmente diversas son tratadas como un mercado conjunto y no hay diferenciación entre los estilos musicales. y comienzos del XXI. Destacan también los trabajos del francés Erik Truffaz y del trompetista israelí Avishai Cohen. (3) Sólo es posible en una economía monetaria industrial donde se convierte en una mercancía y. o el trompetista noruego Nils Petter Molvær. a audiencias locales. como con la música tradicional.[37] En el campo del jazz rap. (1) es concebida para ser distribuida de forma masiva. al mayor precio posible". manipularon electrónicamente los sonidos de sus instrumentos mientras que. (2) Es distribuida y almacenada de forma no escrita. La revolución que había traído consigo la música electrónica ejerció también su influencia en el desarrollo del jazz. se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. Madlib. el dúo inglés The Herbaliser. aparecieron los discos de confirmación de músicos como el trombonista Josh Roseman. un enfoque común para definir la música popular es vincular su popularidad con la escala de la actividad. sujetas a las leyes del libre mercado. Este enfoque tiene un problema. Otra forma de definir la música popular es vincular su popularidad con los medios de difusión correspondientes. todos ellos norteamericanos. La música popular es un término genérico para la música de todas las épocas que atrae a los gustos populares. según la cual idealmente debe vender lo más posible. o los franceses Hocus Pocus. Música popular La música popular. que venían de la tradición del free jazz pero que recogían la influencia de la vanguardia clásica y de la electrónica: Ben Neill. de origen japonés pero nacida en Washington D. por último.C. el percusionista suizo Günter Müller. Definición El musicólogo y especialista en música popular Philip Tagg define el concepto a la luz de los aspectos socioculturales y económicos: "La música popular.

aunque no siempre la clase obrera). La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [37] . José: Jazz: Grabaciones maestras. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [32] . "sosiego". Un tercer enfoque para definir la música popular es a base de un grupo social. Notas [1] Nils Lennart Wallin. google. la comprensión de la música popular ha cambiado con el tiempo. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [14] . y El enigma de la esfinge. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [27] . 1986. 326-327 [5] Autores como Robert Goffin (Nouvelle histoire du jazz. Bruselas. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [34] . "calma". [4] Edwards 2001. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [33] . La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [19] . aseguran que el cornetista Manuel Pérez ya era un músico conocido cuando Bolden alcanzó la fama.. 1948) o André Hodeir (Introduction a la musique de jazz. [3] Cope. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [22] . La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [18] . aunque también se utilizaba en el argot jazzístico para referirse a lo que "estaba de moda" [13] . BYG. 184 [25] "Especial: El Jazz Flamenco hoy" en [26] . 1948). La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [24] Bauzá. Björn Merker: The origins of music. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [30] . La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [15] Gerber. están sujetos a la mediación de masas. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [11] . París. New York [8] . fue The Modern Jazz Quartet [21] . Además. Steven Brown. un enfoque que es problemático porque las estructuras sociales no pueden ser simplemente sobrepuesto sobre estilos musicales. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [31] . pag. [6] Hughes. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [17] .Actuel S-26065. no tiene aquí una traducción directa. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en 35 . 1997. Alain: Jazzmen from Detroit. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [9] El piano o la guitarra quedaban liberados en el bop de su función de marcaje rítmico. ya sea una audiencia masiva o una clase social particular (lo más a menudo. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [29] . ya que todo tipo de música. Estos tres enfoques son muy parciales y estáticos también.. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [28] . p.. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [12] Cool. desde el folk hasta lo más vanguardista. en inglés. Nueva York [7] Goffin. "tranquilidad".Historia de la música es problemático. Langston (1940): The Big Sea. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [23] . puede significar en este contexto. por lo que no sería el primero. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [36] . Instituto de Estudios Juan Gil-Albert. siempre según Scaruffi. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [35] .101. com/ books?id=vYQEakqM4I0C& printsec=frontcover) ISBN 0-262-73143-6 [2] Marvin Harris: Nuestra Especie. [10] . Alicante. (http:/ / books. 1979 [16] . Linernotes. Robert (1944): Jazz: From The Congo to the Metropolitan. pp. La versión online del fragmento de la obra puede consultarse en [20] El otro. Juan Luis Arsuaga: El collar del Neanderthal.

Historia sencilla de la música.historiadeanna. 1779 (http://www. ISBN 978-84-321-3594-1. ISBN 978-84-613-6912-6. 1710-Las Palmas. Anna.rincondelvago. Joaquín García de Antonio. José (2009). Ediciones Rialp. • Izquierdo Anrubia. Maestro de capilla.Historia de la música Referencias Bibliografía • Comellas. José Luis (2006).com/LIBROS/Joaquin Garcia.com/historia-de-la-musica_6.pdf).html) 36 . Enlaces externos • Historia de la música (http://apuntes.

El Moska.jpg  Fuente: http://es. Dhidalgo.svg  Licencia: Creative Commons Attribution-ShareAlike 3. Romary.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ecummenic. Mafores.org/w/index. Oarevalo 07. GermanJoe. Carlostorres01. Ramirez trejo abelardo. 20 ediciones anónimas Archivo:Beethoven. AugustoMR6. Jarke.wikipedia.0  Contribuyentes: Before My Ken Archivo:Duke Ellington at the Hurricane Club 1943. Darwinius. RedCoat. Cuquet.JPG  Licencia: Creative Commons Attribution-ShareAlike 3.wikipedia. Wikiléptico. Aaron1a12.org/w/index. IrwinSantos. Vincent Steenberg. Bedwyr. New York.jpg  Fuente: http://es.php?title=Archivo:Attribué_à_Joseph_Aved.wikipedia. Hieishin. Dyon.org/w/index.php?title=Archivo:JSBach. Netito777. Darwinius.org/w/index.png  Licencia: GNU Free Documentation License  Contribuyentes: User:Boris Fernbacher3 Archivo:JSBach. L'AngeGardien.svg  Fuente: http://es. Retama. Kilom691. Vicens. Waka Waka. Juann25. Cipión. Antonio Viña. Diego Grez. Inti Mareco. Carmin. Amadís. Juanjo rhcp. Dha. Leonce49. Locutus Borg. Santiperez. Valvule.0  Contribuyentes: Peter Buitelaar Archivo:The Fabs. Manuel Trujillo Berges. Iulius1973.org/w/index.jpg  Fuente: http://es. Vriullop. Vic Fede. Infrogmation. Mattes. Mst. Ppja.jpg  Fuente: http://es. Spirit-Black-Wikipedista.jpg  Fuente: http://es. Codeispoetry. Obelix83._Portrait_de_Jean-Philippe_Rameau_(vers_1728)_-_001. QwertyUSA. Queninosta. Gerwoman. Daniela1004. Hanjin. Emijrp.-).wikipedia. Cejamola2.php?title=Archivo:IndoGreekBanquet. Juandelenzina.0  Contribuyentes: Tom Marcello Webster. Destroyer of soul. Hyouga. Sharick Amaya. Oscar . 1 ediciones anónimas Archivo:Claude Debussy ca 1908. Matdrodes. Alfonso Márquez.wikipedia. Cal Jac02. Grosasm. Lord Hidelan. 1779 ediciones anónimas Fuentes de imagen. Kürschner. AlbertoHarrison. Michael Bednarek. Polarlys. Mutatis mutandis. HUB. Amada44. Mutari.org/w/index.wikipedia. Harpsichord246. SuperBraulio13. Onlyrayred. Raystorm.0 37 . Dj eedy.. Camilo. Wst. Papacrip.wikipedia. Mangatzikae.JPG  Fuente: http://es.php?title=Archivo:Frederic_Chopin_photo. MercurioMT.php?title=Archivo:The_Fabs. Soulreaper.jpg  Fuente: http://es. very old and poor copy.png  Fuente: http://es.org/w/index. Dark.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Aotake. Metronomo. Ctrl Z.org/w/index. CommonsDelinker. Helmy oved.jpg  Fuente: http://es. Dermot. Larissapacheco. Kved.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Anne97432. Haydea. Veon. Fjpoyato.jpg  Fuente: http://es.php?title=Archivo:Miles_Davis_22.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bestiasonica. Viesca01. Isha. Tano4595. Baiji. Hotshot977. Player CN. Palach. Juan carlos mamani flores.123‫ הסיסמא‬ediciones anónimas Archivo:Frederic Chopin photo. 7 ediciones anónimas Archivo:Mandarin tones in musical notation. Dunraz.jpg  Fuente: http://es.wikipedia. Danielha. Tirithel. Pepepitos.jpg  Fuente: http://es. Nummer6.jpg  Fuente: http://es.jpg  Fuente: http://es.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: George Grantham Bain Collection Archivo:Arnold Schoenberg la 1948. Xexito. USA Archivo:Miles Davis 22. Stanmar. Sonphan10. Delphidius.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: ADGE. Flor s vg.jpg  Fuente: http://es. Mushii. Manu Lop. Gepardenforellenfischer. Cheveri. AndreasPraefcke.wikipedia. Krinkle.php?title=Archivo:RichardWagner.wikipedia. Mjen nenita. Rémih. CommonsDelinker. Travelour. Aavindraa. Edith reyes. Savig. Cinevoro. Asamusic.wikipedia.wikipedia. Galandil. Asturies is different. Auntof6. Thorvaldsson. Jusjih. Centroamericano. TeleMania. Herbythyme. Orgullomoore.jpg  Fuente: http://es. MadriCR. Marianapink. UA31. Ecummenic. Boo-Boo Baroo. Aavindraa. Michael Bednarek. 1 ediciones anónimas Archivo:IndoGreekBanquet. JacobRodrigues.php?title=Archivo:Euterpe_sarcophagus_Louvre_Ma475. 6 ediciones anónimas Archivo:Wolfgang-amadeus-mozart 1. Belangercc.dallorto. Kadellar. Mpeinadopa. Myself488. Lukadada.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 2. Cordwainer.wikipedia. Pólux.jpeg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 3. Pedrolano.org/w/index. Diego deg. Gusama Romero. Nmariaca. Sperreau. EurekaLott. Maclemo. Jjvaca. Fillbit._Portrait_de_Jean-Philippe_Rameau_(vers_1728)_-_001. Cybershot800i.jpg  Fuente: http://es. Dbc334. UAwiki. DLeandroc. Latiniensis.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 3. DJ Nietzsche. Leiva Mik-L. Ggenellina.jpeg  Fuente: http://es.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 2. BL. Felipealvarez. Mikelan98. Tommy Boy. Jmsoler.php?title=Archivo:Duke_Ellington_at_the_Hurricane_Club_1943.JPG  Fuente: http://es. Urdangaray. Grillitus.delanoy.0  Contribuyentes: Kathinka Pasveer Archivo:Philip Glass 1 crop. OboeCrack. Leonpolanco. Heodekone. Jarekt. Rubpe19. Historiadeanna. Jmvkrecords. Gomasaur.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Dcoetzee Archivo:Joseph Haydn. Inisheer.riverag. Yordy otañez.php?title=Archivo:Beethoven. Grammatéus. Jusjih. Wetwassermann. Eduardosalg. Miguelito 240. Kjetil r.org/w/index. G. Edslov. Elwikipedista. Pan con queso. Romanm. Cinabrium. Halfdrag. Licencias y contribuyentes Archivo:Cogul HBreuil. Espilas. Edmenb. Mel 23.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: United Press International (UPI Telephoto) Cropping and retouching: User:Indopug and User:Misterweiss Licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.php?title=Archivo:George_Frideric_Handel_by_Balthasar_Denner.wikipedia. Wikiwal Archivo:Attribué_à_Joseph_Aved. Daxter nov.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AnRo0002. Scoulson. Austriacus. Rosarino. Vanzanten. Vitamine.org/w/index. C'est moi._foto_av_Félix_Nadar. Vichock. Alvaro qc. Tipar. J. Johney. Howcheng.php?title=Archivo:Stockhausen_March_2004_excerpt.94. Andreasmperu.org/w/index. Mike Dillon Archivo:Dizzy Gillespie 4. Açipni-Lovrij.org/w/index. Jarisleif. Chavita61. Reescribidor.org/w/index. Annuski. Savh. Foundling.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AAM-10. Jappalang.0  Contribuyentes: Louis-Auguste Bisson. Segedano. Manymaker.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Jastrow Archivo:Ancientchineseinstrumentalists. DJ McGilbert. JorgeGG. Humberto. Luestling. Lito Jimenez. Morza. Interpretix. GermanX. Neukoln.org/w/index.wikipedia. Opus33. World Imaging Archivo:Euterpe sarcophagus Louvre Ma475. Saverio Croce. Lycaon83. Rakela.org/w/index.0 Unported  Contribuyentes: User:Everlong Archivo:ChinesischesTonsystemGesamt2. Ninovolador. RoyFocker. Ialad.wikipedia. Lorseiscuerdas. Vanvinus. Sergio Andres Segovia. Clusternote. Austriacus. YoaR. Mattes. Dodo.org/w/index. Sony9. Davesoul.wikipedia. Sa.wikipedia.org/w/index.org/w/index. Cirt. Jafeluv. Gabor. Antur.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ary29. Technopat. Balles2601.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Badagnani.jpg  Licencia: Attribution  Contribuyentes: Florence Homolka Archivo:Stockhausen March 2004 excerpt. Lune bleue. Lucien leGrey. Tentenpie. Ecummenic. Rαge.org/w/index. El loko.php?title=Archivo:Wolfgang-amadeus-mozart_1. Yorulito 89. Butko. Bucephala. Ivan Salvador Sanchez. completely restored and remastered by Amano1 Archivo:RichardWagner. XalD.jpg  Fuente: http://es. Bohème.org/w/index. Natrix.php?title=Archivo:ChinesischesTonsystemGesamt2. Origamiemensch. Thomas Gun. Radivojl. Jarekt. Bukk. Spacebirdy. Shakko. Sofia Rincón. WikedKentaur. Diegusjaimes. David0811.php?title=Archivo:Cogul_HBreuil. Antitesiz. Frei sein. Markoszarrate. Léna. Ketamino. 1 ediciones anónimas Archivo:George_Frideric_Handel_by_Balthasar_Denner. Leyo. Lobillo.php?title=Archivo:Arnold_Schoenberg_la_1948. 5 .org/w/index.php?title=Archivo:Dizzy_Gillespie_4. EspartacoPalma.jpg  Licencia: GNU Free Documentation License  Contribuyentes: Bohème.wikipedia. Thivierr. Francisca.Fuentes y contribuyentes del artículo Fuentes y contribuyentes del artículo Historia de la música  Fuente: http://es. Airunp. Jkbw. Magister Mathematicae. Mu. Lvova.php?title=Archivo:Joseph_Haydn. Julio1017. Shakko. AgnusLegis. Nesdran. Makecat.php?oldid=74382718  Contribuyentes: ANDRES FELIPE CACERES.wikipedia. FleetCommand.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution 2. Trijnstel. Ángel Luis Alfaro. Laura Fiorucci. Cookie.jpg  Fuente: http://es. Ortisa.php?title=Archivo:Ancientchineseinstrumentalists. Alex299006. El Lado Oscuro. Natalia Alison. Greek. Peñap. Bucho. Ricardogpn. foto av Félix Nadar. Neodop. Manuelferoglio. Deodato. Galaxy4. Natalialison. Guérin Nicolas. Manwë. Jerowiki. Petronas. Igna. Moloch981. Rillke Archivo:Igor Stravinsky LOC 32392u. Amano1.php?title=Archivo:Philip_Glass_1_crop. LA2. Jcaraballo. Thuresson. Mattes.wikipedia.jpg  Fuente: http://es. Leyo. Ohpenelope. Sking. Marioespinosa. FordPrefect42. Axxgreazz. Meldor. Wikichasqui. The beatles forever. Locutus Borg. Brass hat. Ballet 1. Hellevoetfotoshoot. Dangelin5. Arjuno3. Hagiasd.0 Unported  Contribuyentes: Blackcat. Lealantun. BlackBeast.php?title=Archivo:Claude_Debussy_ca_1908. J o.org/w/index.wikipedia. Ies. Hoo man.wikipedia.org/w/index. Davazpe.php?title=Archivo:Mandarin_tones_in_musical_notation. Nixón. Pixel .php?title=Archivo:Igor_Stravinsky_LOC_32392u. Angel GN. Nachcommonsverschieber. MarcoAurelio. Mutter Erde. FAR.wikipedia. Nicke L. Santga.

Licencia //creativecommons.0/ 38 .org/licenses/by-sa/3.