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Resumen "Modos de ver" de John Berger

MODOS DE VER. JONH BERGER

“Modos de ver revela cómo nuestros modos de ver afectan a nuestra forma de

interpretar.” Este libro nos habla tanto de publ icidad como de historia del arte y del error en

el que cae la sociedad de hoy al considerar la publicidad como un sustituto del

arte. Para comenzar, nos expone el concepto de Realidad, y nos dice que ésta solo

puede ser visible para nosotros, después de s er percibida por nuestros sentidos. Jonh Berger le da relevancia a la vista como el primer estimulo antes que a la producción de palabras. El hecho de mirar es un acto voluntario, nunca miramos una sola cosa sino que miramos la relación entre varias, por tanto, el tacto es una forma limitada y estática de la visión. Una imagen es una visión que ha sido recreada o reproducida. Toda imagen encarna un modo de ver; cuando se presenta una imagen como una obra de arte,

la gente la mira de una manera que está condicionada por toda una serie de

hipót esis aprendidas acerca del arte, hipótesis como la forma, la belleza, etc., además de las experiencias vividas por ella misma. La invención de la cámara cambió el modo de ver, ya que lo visible llego a significar algo muy diferente y esto se reflejó en la pintura. Al reproducir una pintura cambia la unicidad de su imagen y hace que se divida en numerosas significaciones.

A medida que avanza el libro se nos plantea la imagen de la mujer, esta se nos

plantea totalmente dispar en relación al hombre, la principal función que tiene es explotar todos sus atributos y rodear la imagen de erotismo. Desde la pintura al óleo, observamos como muchos cuadros utilizan la presencia de la mujer como figura que busca satisfacer los deseos del hombre. También nos muestra imág enes de tipo religioso, por ejemplo, el nacimiento de Jesucristo, además de temas bélicos y retratos de personas importantes de la época. Cuando se nos habla de las pinturas al óleo, nos muestra el género más elevado de esta técnica, el cuadro mitológico o histórico. El autor ofrece ejemplos de cómo había que vivir o de cómo se aparentaba vivir, nos muestra la pintura

costumbrista en la que aparece gente pobre pero feliz, y nos afirma que en esta

técnica los paisajes son los menos reflejados. Esta técnica ha sido sustituida por

la fotografía aunque aun se sigue utilizando.

John Berger nos refleja mediante cuadros la marginación social, mostrando imágenes de las distintas clases sociales existentes, ricos y pobres. Nos dice que la imagen publicitaria es el proceso de fabricar fascinación, es decir, su objetivo principal es transformar la realidad del receptor con el producto publicitado, “somos lo que tenemos”. Es una imagen idealista que debe ir cambiando para seguir captando la atención del público, más que en los objetos se basa en las relaciones sociales de las personas. Modos de ver, 30 años después de su publicación, sigue manifestando una enorme valentía por desvelar el enmascaramiento al que han ido quedando sometidas las artes durante tanto tiempo.

Modos de ver; John Berger

Capítulo 1: La obra de arte, el artista y el poder.

Capítulo 2: La mujer como objeto sexual en imágenes.

Capítulo 3: La mujer y el desnudo.

Capítulo 4: Los grandes temas de la pintura al óleo.

Capítulo 5: La pintura al óleo como medio de exaltación del poder.

Capítulo 6: Romper con los moldes.

Capítulo 7: La supervivencia de la pintura al óleo en la publicidad.

I. Capítulo 1: La obra de arte, el artista y el poder.

La vista es una capacidad que introduce en nuestra vida un sinfín de complicaciones. En un lu gar estamos nosotros observando la realidad que nos rodea, entramando sus interrelaciones y la relación de estas con nosotros, en otro encontramos esa realidad observándonos desde distintos ángulos, situación de la que también tomamos conciencia en nuestra observación. A través de este régimen de visión construimos nuestro modo de ver, la forma en que elaboramos las imágenes de las cosas que nos rodean, por tanto toda imagen posee un componente de subjetividad del individuo que la produce.

El artista es un constructor de imágenes que son categorizadas como “obras de arte”, este es su mayor de problema, ya que entorno al arte existen numerosos presupuestos formados a lo largo de la historia que lo hacen rígido y alejado de su verdadera intencionalidad. Estos presupuestos han servido de apoyo para la subsistencia de las minorías ricas y poderosas, convirtiendo al arte en un privilegio exclusivo para su círculo y rodeándolo de un halo místico de carácter casi divino al que solo “ellos” eran capaces de llegar.

En la actualidad con la invención de la cámara fotográfica y la posterior aparición de la cámara de video, se hizo evidente que aquello que vemos se encuentra siempre enmarcado en un contexto espacio- tiempo, pero también se rompió la unicidad de las imágen es, permitiendo conseguir infinitas reproducciones de cualesquiera imagen. De esta forma fue posible que la imagen fuera hasta el espectador y no al contrario, pero al mismo tiempo se trastocó el concepto de original de una imagen sustituyendo el significa do por el material sobre el que se plasma ese significado. Esta materialización del concepto de original en una obra de arte hizo posible que este también fuera cuantificable, el valor de las obras de arte paso a ser un mero precio de mercado, aunque quienes manejan este

comercio dicen que es un reflejo de su valor espiritual, así se vuelve a colocar al arte en un ámbito místico inexistente.

La reproducción en masa es también responsable de que el significado de una obra de arte pierda su sentido original, inmersa en distintos contextos la obra adquiere diferentes significados. Esto beneficia y perjudica a la obra al mismo tiempo, por un lado le aporta flexibilidad y le da posibilidades de explotar todo su potencial, pero por otro lado la desintegra y deja de lado su sentido primigenio.

La obra de arte permite dos formas de acercamiento, una vertiente más pura basada en los sentimos y sensaciones que provoca, y otra visión academicista y técnica que se asienta sobre los presupuestos tradicionales y estático s. Esta última es la que busca la discriminación del individuo a través de la obra de arte, y se aprovecha de los medios de reproducción para mantenerse en pié. La primera es la forma verdadera del arte, un medio libre que esta al alcance de cualesquiera i ndividuo.

Es lamentable que aún se intente alejar al individuo corriente del arte, de este modo se coarta su libertad impidiendo el conocimiento de los testimonios de su historia y de su lugar dentro de ésta.

En el caso del artista ocurre que se le atrib uyen a este connotaciones ajenas a él y absolutamente subjetivas al crítico academicista. Su obra debe ser analizada desde ella misma y no a través de consideraciones personales, además en algunos casos podemos comprender la intención del autor gracias a l a similitudes de su contexto histórico y social con el nuestro. El proceso de mistificación del artista así como de su obra entorpece la compresión de ambos aspectos y nos aleja rotundamente de ella.

II. Capítulo 2: La mujer como objeto sexual en imágenes.

Las imágenes femeninas dentro de los medios de reproducción no están ajenas a tópicos tales como: ocupar un papel decorativo, ser objeto de los deseos masculinos o realizar cierto tipo de actividades destinadas a las mujeres en detrimentos de otras de las que se ven eximidas. Su principal función como imagen es la de símbolo sexual, explotando sus atributos y rodeándola de erotismo siempre en la búsqueda de satisfacer los deseos del hombre.

Las mujeres en las imágenes jamás se presenta como un igual al hombre, dejan de ser un ser humano para convertirse en un objeto. En la publicidad es destacada en aquellas actividades en las que se ocupa de mantenerse atractiva siempre con el fin de generar deseo en el hombre.

III. Capítulo 3: La mujer y el desnudo.

La presencia de una figura masculina supone la presencia de una figura que ejerce su dominación sobre los demás en mayor o menor medida, en cambio la presencia de la figura femenina muestra las limitac iones de ésta y se restringe a su imagen física. Debido a la relevancia de ésta última debe estar continuamente

cuidando de ella. Su opinión de si misma no es más que la suma de lo que los demás ven en ella por tanto ella debe acomodarse a satisfacer el gusto de los demás.

En la pintura al óleo uno de los géneros que más se nutre de la imagen de la mujer es el desnudo. Este género comenzó sus andares con tema de Adán y Eva, donde la mujer aparece como culpable de la desgracia de la humanidad, la expulsión del paraíso. Este tema es fundamental en el desnudo ya que supone el momento en que se toma conciencia de este al percatar cada sujeto la observación de otro en el momento de desnudez.

A lo largo del desarrollo de este género las protagonistas han sido utilizadas para

complacer la vista del hombre, provocando en el sentimiento de que puede dominarla y poseerla. Sin embargo estas intenciones se intentan ocultar bajo

distintos elementos que hagan parecer que es la mujer la que desea ser contemplada por su propia vanidad. Este fenómeno de mujer desnuda como posesión masculina no es tal en otras tradiciones culturales.

Existen notables diferencias entre el desnudo en el arte y encontrarse desnudo,

el primero se diferencia por ser un momento en que el sujeto además de

encontrarse sin vestiduras es conciente de que es observado siendo ese el fin de su estado. En el desnudo el sujeto habitualmente representado, la mujer, es objeto de deseo erótico del espectador masculino sin embargo en ella son

eliminados todos a quellos rasgos que la hagan parecer que ella también experimenta ese tipo de deseos. Su sexualidad es anulada y se la relega a un papel pasivo donde ella no es mas que un medio para que el hombre obtenga placer. Cuando aparece acompañada de una figura masculina desnuda ésta no está ahí para satisfacer sus deseos sino para que el espectador pueda identificarse con ella y reafirmar su papel dominante.

Sin embargo en la tradición europea de la pintura al óleo existen algunas grandes excepciones donde el autor de la obra representa a una mujer cercana a él. Al pintarla vuelca en ella todos aquellos sentimientos que les unen construyendo unos lazos entre ambos que colocan al espectador como mero testigo. El desnudo de la protagonista está dirigido al pintor por su propia voluntad. La desnudez supone una muestra de complicidad y una entrega mutua.

El desnudo en la tradición europea se afirma como una forma de liberación, como la exaltación del espíritu humanista y a su vez individualista, pero la mayor parte de l os desnudos femeninos son tomados como objetos, así se alejan del espíritu individualista que busca en última instancia la igualdad.

IV. Capítulo 4: Los grande temas de la pintura al óleo.

En la pintura europea al óleo pueden distinguirse distintos tema s surgidos a lo largo de su historia. Todos ellos han servido para satisfacer a las sociedades de su época y se rigen por ciertos tópicos. Aunque los mas destacados consiguieron arraigarse en la cultura europea y sobrevivir a sus épocas. En algunos casos s us

autores han conseguido transgredir sus márgenes de actuación y darles un toque innovador. A continuación recorreremos algunos de ellos.

La virgen y el niño.

Esta temática precede a la utilización de la técnica al óleo, podemos situarla ya en el Imperio Bizantino y del modelo que aquí se empleo se heredaron varias de las convenciones de la representación. La virgen se situa en el centro de la composición, su rostro es terso y su expresión pasiva y sumisa. Suele portar un velo sobre su cabeza también como símbolo de sumisión y sostiene al niño en sus brazos. Los modelos del niño son variables, pero se le rodea de un halo de luz que simboliza su divinidad. Este tema tan recurrido es consecuencia de enorme poder del iglesia hasta hace pocos siglos atrás.

La muerte

Las formas de aproximarse a este tema tabú son diversas ya que en cada momento histórico el hombre se enfrenta a él de forma distinta. Se suele representar el momento de la agonía, en los comienzo de la pintura al óleo con mayor sutileza, except uando algunas Pasiones, y alcanzando su apogeo con el realismo que lo empleo como una forma de denuncia de los males de su época.

Los bodegones

Suele tratarse de una manifestación de opulencia o de un ejercicio pictórico. Han recibido grandes elogios aquellos en los que el naturalismo de los objetos representados alcanza altos niveles. Su contenido de agresividad, al menos en las imágenes que encontramos en el libro, es sutil pero intenta demostrar la amenaza del propietario de los alimentos para quien intente arrebatárselos (cuchillos, escopetas,

La mitología

Los cuadros mitológicos están rodeados de controversia en cuanto a su finalidad. Se puede decir que son la forma en la que las clases pudientes intentan demostrar su cultura sobre las menos favorecidas. La interpretación de estos cuadros requiere de un previo conocimiento de cultura clásica, por tanto no son accesibles a todo el mundo. Sus posibilidades eróticas son fuertemente explotadas y colocan nuevamemente al cuerpo femenino en un escaparat e destinado a los hombres.

El retrato

Los retratos fueron un medio para los hombres poderosos de dejar testimonio de si. Representados con sus lujosos atuendos, en posturas altivas y con expresión severa, no solamente buscan ser recordados, también una exaltación de si mismos y de su poder. Pero algunos pintores emplearon este genero para representar a gentes corrientes, estos retratos suponen una forma de retratar a la colectividad en uno de sus representantes, y como caso extremo de esta intención encon tramos el cuadro de Magritte “Para no ser reproducido”.

V. Capítulo 5: La pintura al óleo como medio de exaltación del poder.

La aparición de la pintura al óleo no se debió únicamente a una necesidad técnica, también a la necesidad de un vehículo que exp resara la nueva forma de ver la vida. La nueva sociedad burguesa deseaba poseer el arte y no solamente su contemplación, para esto era necesario que las obras se encontraran en un formato transportable. El burgués rico fue el impulsor poniendo el capital para conseguir el desarrollo de la nueva técnica y el pintor fue un simple complaciente de los deseo de la clase dominante. Su éxito radica en su aproximación al naturalismo y la posibilidad de contener objetos dentro del lienzo. Una pintura con tales carac terísticas resulta claramente materialista, y sus pretensiones de trascender su materialismo son casi siempre vanas e inútiles.

Estos burgueses también se representaron a si mismos dentro del lienzo como exaltación de sus virtudes y testimonio de estas pa ra el mundo, siempre observando desde un ámbito superior. Pero la actitud similar que adoptan de unas obras a otras hace que se mimeticen convirtiéndose en único modelo estándar.

Las escenas mitológicas persiguieron la finalidad de demostrar la formación cultural de los burgueses ricos y buscar un ámbito en que respaldar sus valores.

El género que pretende ser el más sincero es el paisaje. Este buscaba contraponerse a la posesión capitalista mediante la representación de la naturaleza libre e imposible de abarcar. Sin embargo con la introducción de las figuras de terratenientes en el paisaje se perdió este valor de independencia del capitalismo, y los paisajes representados pasaron a formar para de la exaltación del poder de los propietarios.

La pintura al óleo, hasta la aparición de las vanguardias, estuvo sujeta a un mercado comercial y por tanto se guió por las exigencias del medio, siempre teniendo en cuenta alguna que otra excepción.

Ca pítulo 6: Romper con los moldes

No podemos olvidar que dentro de la pintura al óleo también hay excepciones. Ciertos autores satirizaron temas que demostraban la fuerte influencia de las clase ricas en las obras producidas.

En el caso de la esclavitud encontramos la obra de Blake “Europa sostenida por África y América”, que simboliza la explotación del viejo contienen hacia el hemisferio sur contraponiéndose a obras de su tiempo que muestran a los esclavos como otro objeto dentro de las pertenencias del los ricos.

También encontramos el caso de las representaciones de la gente, por un lado una línea que representa al proletariado y la clase campesina dentro del mundo hostil al que debían enfrentarse como el cuadro de Nicholas Maes, “Moza durmiendo y su ama”, o el de “Hombre y mujer en la cuadra” de Peter Quast, y por otro los personajes adinerados disfrutando de sus posesiones .

Capítulo 7: La supervivencia de la pintura al óleo en la publicidad.

En el mundo actual nos encontramos rodeados de imágenes publicitaria. Sin duda la publicidad es el mayor productor de imágenes de la historia. Pero estas nuevas imágenes suponen un sistema que juega con la atención del espectador con el fin de que este lleve acabo el acto de consumir.

El sistema empleado nos ofrece falsas alternativas para camb iar nuestra vida y hacer que los demás deseen ser como nosotros. Principalmente a través de este último factor es como consiguen atraparnos, ya que supone un modo reafirmación de uno mismo a través de la envidia que los demás sientan de nosotros. El sujeto renovado gracias al consumo de un producto se siente en un status superior y pone su atención por sobre los demás. Así es como se nos presenta al sujeto dentro la imagen publicitaria, sintiéndose superior a nosotros y es el deseo de vernos a su altura el que nos lleva a consumir.

La publicidad toma obras de arte del pasado para mostrar elegancia y acercase al ámbito de las pertenencias del rico. Los lenguajes de la publicidad y la pintura al óleo son idénticos, ya que el lenguaje de la pintura esta arraig ado en la sociedad de consumo y es efectivo sobre ella,y al ser la pintura un medio visual aporta todos los modelos necesarios para representar los objetos publicitarios. La diferencia entre ambos reside en que la pintura al óleo mostraba al propietario aquello de lo era poseedor y la publicidad muestra al futuro comprador aquello de lo que carece.

El mundo del consumo y la publicidad se ven inmersos en otro más complejo, el mundo del dinero. Ambos se encuentran en función de él, por tanto en último términ o es el dinero el que nos otorga la fascinación.

Los objetos de la pintura eran representados como duraderos, al contrario los objetos publicitarios y la publicidad que son transitorios, siempre surgirá algo nuevo y mejor por tanto nuestras necesidades ja más se verán satisfechas. Quién sucumbe con mayor facilidad a este juego es el obrero medio que inmerso dentro de la masa desea relucir sobre ésta.

La publicidad es capaz de desviar las miradas de los individuos de los problemas reales para concentrar sus energías en sus deseos de consumo, mantiene al individuo atento a cada nuevo producto que pueda conseguir convertirle en el más deseable. Le hace sentirse libre a través de su elección de consumir el producto mientras le uniformiza y le somete.

La publicidad supone una máscara tras la cuál los individuos de las sociedades de consumo se esconden para sentirse no responsables por los males de sus semejantes.

Modos de ver John Berger

La vista llega antes que las palabras… La vista es una capacidad que nos introduce y nos enseña la realidad que nos rodea. Por medio de diferentes ángulos encontramos diferentes puntos de vista y diferentes observaciones que nos ayudan a construir y desarrollar nuestro modo de ver y en cierta manera, nuestro modo de actuar.

El artista co nstruye imágenes con un fin, pero la sociedad en la que vivimos encasilla la obra de arte desde dos formas, por un lado la vertiente mas sentimental, cargada de sensaciones y sentimientos, y por otro la critica técnica y academicista, la que aleja al individuo, la barrera que impide muchas veces expresarte con total libertad.

Para cada persona una obra de arte significa algo diferente, debe ser analizada

desde ella misma, pudiendo en algunos casos comprender el sentimiento o la intencionalidad que expresa el artista, obteniendo parecidos sociales, culturales

e históricos de su contexto, pudiendo relacionarlo con la sociedad en la que nos encontramos.

A medida que el libro avanza se nos plantea la imagen de la mujer, la mujer se

nos presenta totalmente dispar en relación al hombre, la principal función que tiene es explotar tod os sus atributos y rodear la imagen de erotismo, desde la

pintura al óleo observamos como muchos cuadros utilizan la presencia de la mujer como figura que busca satisfacer los deseos del hombre, este punto es bastante interesante por que hoy día en la publ icidad se utiliza la misma metodología para anunciar algunos productos, cuya finalidad en cierto modo es mantener la mujer atractiva para generar deseo en el hombre.

La mujer desnuda, viene cargada de una intensa tradición cultural. En Europa se quiere decir que el desnudo era una forma de expresar liberación y en cierto modo igualdad, pero pierde toda su credibilidad al observar que la mayor parte de los desnudos eran tomados como objetos, y el hombre aparecía en un papel dominante.

En la pintura europ ea al óleo, nos encontramos con una gran variedad temática de obras. Todos ellas nos han servido como ayuda para analizar y entender la cultura. Los artistas europeos pasean su pincel por una gran cantidad de temas desde los que podemos encontrar los bodegones, el retrato, la mitología, la

muerte…

La pintura al óleo aparece como una forma de expresión para ver y entender la vida, pero en muchos casos es entendida como una necesidad técnica, las pinturas deseadas por la sociedad burguesa las podemos catalogar de

materialistas, eran increíbles obras de arte tratadas con una gran maestría pero

a pesar de eso, los pintores eran presos de los deseos del burgués, los cuales

estaban sorprendidos por la técnica y el realismo del lienzo, de este modo ellos querían ser representados con el fin de exaltar sus virtudes, y así poder ser observados por el mundo como un ser superior.

El género mas verídico es el paisaje. Este buscaba contraponerse a la posesión capitalista mediante la representación de una naturaleza libre e imposible de abarcar. Sin embargo con la introducción de las figuras de terratenientes en el paisaje se perdió este valor de independencia del capitalismo, y los paisajes representados pasaron a formar parte de la exaltación del poder de los propietarios, creando obras ricas a nivel artístico pero cargadas de exigencias, haciendo de este tipo de arte un mercado totalmente comercial.

Como todo en este mundo nos encontramos ante excepciones, ya que ciertos autores expresaban a través de sus lienzos la fuerte y pesada influencia de las clases mas poderosas.

Para concluir y situándonos en la sociedad actual, nos encontramos ante un mundo rodeado de imágenes publicitarias, que gritan al receptor la palabra, consumismo.

La publicidad utiliza obras de arte del pasado para mostrar elegancia. Los lenguajes de la publicidad y la pintura al óleo son idénticos, ya que el lenguaje de la pintura esta arraigado en la sociedad de consumo y es efectivo sobre ella, y al ser la pintura un medio visual aporta todos l os modelos necesarios para representar los objetos publicitarios. La diferencia entre ambos reside en que la pintura al óleo mostraba al propietario aquello de lo era poseedor y la publicidad muestra al receptor aquello de lo que carece o tiene que poseer.

La publicidad es consumismo y por lo tanto el poder tener ese producto o el poder ser así, es lo que nos hace libres, pero a la hora de la verdad todo se queda en un mundo materialista del que muchas veces no se valora la auténtica belleza de las cosas.

Modos de ver nos ayuda a entender nuestra forma de interpretar, por medio de siete ensayos cargados de texto e imagen, John Berger nos enseña a comprender la auténtica realidad visual.