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 El Renacimiento fue uno de los periodos de producción artística más importante de la

historia del arte
 Siglos XV y XVI.
 Centro: Italia
 Etapas: Quattrocento (Florencia) y cinquecento( Roma)
 Características del renacimiento:
o Vuelta a la antigüedad clásica, se utilizan las antiguas formas arquitectónicas y
los órdenes clásicos.
 Interés por el hombre, medida de todas las cosas (antropocentrismo)
o Los valores más importantes de una obra de arte son la belleza y la perfección
o El arte se convierte en una actividad intelectual
o Pierde su carácter anónimo y el artista firma y define su obra como algo
propio
Características de la pintura
 Materiales y técnicas:
– Prefieren la pintura al fresco, aunque también llevan a cabo la pintura al
temple sobre tabla y el óleo sobre caballete
 Temática:
– Se da un gran protagonismo a la figura humana (antropocentrismo).
– Los temas religiosos son mayoritarios, se van desacralizando
 La vida de la Virgen y el Nuevo Testamento serán prioritarios
– Importancia del Retrato
– Reaparece la mitología
– Son frecuentes las alegorías. Frecuente confusión entre escenas religiosas y
cortesanas, o la integración de retratos reales como si los personajes de la
época fueran testigos de los acontecimientos religiosos.
– También se produce el retrato colectivo privado.
 Elementos formales:
– Dominio del dibujo sobre el color. El dibujo es muy preciso.
– Los colores son apagados.
– Uso de la geometría y de la proporción matemática.
– Utilización de la perspectiva lineal acentuada por la utilización de
arquitecturas o de complejos escorzos.
– Composiciones muy equilibradas en función de un eje axial (búsqueda del
equilibrio compositivo). Preferencia por el triángulo como figura geométrica
compositiva.
– La luz tiene como función acentuar la volumetría de los cuerpos (utilización
evidente del claroscuro).



Tomás Masaccio (1401-1428)
 Nacido en Italia en 1401, en San Giovani Valdarno muere en Roma en 1428
 Iniciador del Renacimiento en la pintura
 Fue el gran revolucionario de la pintura florentina.
 Murió muy joven, por ello su obra no es abundante
 Comenzó a trabajar en el círculo de Masolino da Panicale
 Hará una pintura hacia un arte grandioso y dramático lejos de la sensibilidad del
gótico.
 Aprendió de Giotto el sentido de la monumentalidad de las masas.
 Su estilo está lleno de novedades (Características):
o Desaparecen los colores dorados, el exotismo en las vestimentas, los paisajes
fantásticos.
o Las figuras se construyen por la luz
o El color sustituye a la línea.
o Son figuras de gran volumen (monumentalidad Giotto)
o Búsqueda de la naturaleza
o Uso de la perspectiva lineal de Brunelleschi y Alberti
o La búsqueda de la realidad le permite mostrar el dramatismo y el dolor.
o Hay isocefalia en sus figuras
 Entre sus obras destacan:
o El altar de La trinidad
o Los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine en
Florencia. “Escenas de la vida de San Pedro”
 El bautismo de Pedro, El tributo de la moneda y La expulsión
del paraíso
o Última obra, inacabada, en el altar de Santa María Maggiore
 La santísima Trinidad de Santa María Novella (1427)
Fresco ilusionista que crea un espacio tridimensional simulado.
Aplica las reglas de la perspectiva científica
La escena está realizada con cierta rigidez compositiva.
Las irreales arquitecturas enfatizan la profundidad.
 Frescos de la Capilla Brancacci El Tributo de la Moneda
Dividido en 3 escenas:
 En el centro se cuenta el acontecimiento en el que se le exige a Cristo
el pago de un impuesto y él envía a San Pedro a por el dinero
 A la izquierda San Pedro saca las monedas de un pez
A la derecha San Pedro paga el tributo
Destacar la potente volumetría de los discípulos que rodean a Cristo
Tema religioso que se convierte en pagano
 La expulsión del paraíso de Adán y Eva
Escena de gran intensidad dramática, renovando las formas góticas



PIERO DELLA FRANCESCA (1420-92)

 Nació y murió en Borgo San Sepolcro
 Trabajó en Florencia, su obra está dispersa por toda la Toscana
 Recibe influencias de Brunelleschi, Donatello, Masaccio y Fra Angélico
 Su pintura se basa en la perspectiva y el volumen, escribe un tratado De perspectiva
pingendi
Su obra más importante fue la serie de frescos del coro de la iglesia de San Francisco de
Arezzo
Características
 Sus figuras son rotundas, serenas. Hieráticas y muy escultóricas
 El dibujo es nítido y el color lo utiliza para construir las figuras
 Crea un mundo de ambientes irreales
 Utiliza la luz para construir volúmenes sólidos, efecto que lo relaciona con Masaccio
 Llega a utilizar la luz artificial con fines simbólicos como en El sueño de Constantino de
la iglesia de San Francisco de Arezzo.
Es una escena de la Leyenda de la Veracruz, homenaje a la unión de los cristianos de
Oriente y Occidente
 Trata con cuidado los detalles de ambientación arqueológica grecorromana. Como
vemos en Salomón y la Reina de Saba
Fue pintor de Federico de Montefeltro en Urbino, de que realiza dos retratos
 Una de sus obras más importantes es la Flagelación de Cristo , 1495
Misteriosa tabla en la que tres personajes dialogan en primer plano mientras Cristo es
flagelado en segundo plano en el interior de una logia.
La corporeidad de las figuras es rotunda gracias a un sabio uso del claroscuro.
El espacio y la profundidad están tratados de manera científica y casi se puede
reconstruir tridimensionalmente (probablemente el pintor trabajó sobre una
maqueta).
 Otro elemento importante es el uso de la proporción

















SANDRO BOTICELLI (1445-1510)
 Pintó en Florencia donde mantuvo una buena relación con Lorenzo el Magnífico.
 Se formó en el taller del pintor Filippo Lippi y del escultor Verrochio
 A los 25 años ya tenía taller propio
 Puente entre el quattrocento y el cinquecento
 Tuvo formación literaria y orfebre antes de dedicarse a la pintura
 Entre sus obras destacamos: Il Nastagio degli Onesti ,La Primavera y El nacimiento de
Venus
 1ª Etapa
 Sigue la concepción quattrocentisca del arte como medio de conocimiento
 Realiza un gran número de Vírgenes con el niño donde se aprecia la influencia
del maestro Lippi
 Es una pintura racional y naturalista
 2ª Etapa: adquiere un estilo propio
 Se adentra en el concepto de belleza platónica, como se observa en sus
muchachas adornadas con piedras preciosas, rosas, velos al viento; cuerpos
desnudos, voluptuosos, rostros alargados, cabelleras sueltas y ondulantes
 Temas: mitológicos y alegóricos
 Busca la belleza femenina, una belleza nostálgica, poética, representada por
Simonetta su arquetipo de pintura
 Gran dominio del dibujo
 Etapa final: negativismo
 El negativismo marca su carácter, fruto de la vida florentina del momento
 En sus obras aparece la expresividad y el irrealismo medieval
 Temas: religiosos de gran carga dramática
 Desaparece el paisaje
 Su estilo se hace más sobrio, el color más monótono y oscuro
 Fue olvidado durante mucho tiempo, hasta que fue redescubierto s. XIX

















LA EXPULSIÓN DEL PARAÍSO. Autor: Masaccio Localización: capilla Brancacci, iglesia de Santa
María del Carmine, Florencia Técnica: Pintura mural realizada al fresco Fecha: 1427 Etapa:
Renacimiento Italiano, quattrocento
ANALISIS
Tema: religioso
– Adán y Eva desnudos
– Adán cubre su cara con las manos, mientras Eva cubre su desnudez con sus
manos
– Sobre ellos un ángel vestido de rojo que porta una espada en la mano derecha,
mientras con la izquierda señala donde deben ir Adán y Eva. Recuerda a Giotto
– Detrás de ellos una puerta parece cerrarse, la puerta del Paraíso
– De la puerta salen unos trazos oscuros, la voz de Dios
• Composición cerrada por las montañas que se ven al fondo y el edificio detrás de las
figuras.
• Profundidad realista, piernas de Eva
• Movimiento marcado por el escorzo del Ángel y las piernas de los personales
• Volumen recuerda a Giotto
• El color es una pincelada suelta, libre
Colores cálidos en el frente y fríos al fondo
COMENTARIO
• Masaccio fue un pintor italiano del quattrocento (1401-1428)
• Iniciador del Renacimiento en la pintura, fue el gran revolucionario de la pintura
florentina.
• Murió muy joven, por ello su obra no es abundante
• Comenzó a trabajar en el círculo de Masolino da Panicale
• Hará una pintura hacia un arte grandioso y dramático lejos de la sensibilidad del
gótico.
• Aprendió de Giotto el sentido de la monumentalidad de las masas
• Entre sus obras destacan:
– El altar de La trinidad
– Una obra inacabada en el altar de Santa María Maggiore
Los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia.
“Escenas de la vida de San Pedro” A los que pertenece este cuadro
• Escena de gran intensidad dramática, es la primera vez que se representa
esta escena del Génesis con absoluto dramatismo
• Adán y Eva sufren profundamente su alejamiento del paraíso, los humaniza
• Su pintura renovó radicalmente las formas góticas. Con una realidad tridimensional,
volumétrica. Son figuras macizas que ocupan un verdadero espacio acorde con las
leyes de perspectiva lineal
• En esta obra se aprecian sus características: predominio del color, interés por el
volumen y la anatomía, interés por la perspectiva
• En el siglo XVII-III se pintaron ropajes a Adán que se suprimieron tras la restauración


EL TRIBUTO DE LA MONEDA. Autor: Masaccio Localización: capilla Brancacci, iglesia de Santa
María del Carmine, Florencia Técnica: Pintura mural realizada al fresco Fecha: 1425- 7 Etapa:
Renacimiento Italiano, quattrocento.
ANÁLISIS
• La composición es tranquila y grandiosa, fundada en la verticalidad
• Construcción racionalista y sistemática del espacio, de las figuras y de la composición.
• Composición cerrada
• Cristo aparece en el punto de fuga de la obra, rodeado de sus discípulos.
• Destacar la potente volumetría de los discípulos que rodean a Cristo, lo cual contrasta
con la aparente despreocupación del pintor por el paisaje y las arquitecturas
• Paisaje del fondo, que recuerda a Giotto, insiste en la idea de la rotundidad de las
imágenes y el volumen
• Isocefalia
• Colores fríos
• Luz subraya la corporeidad de las figuras, y establece una relación entre ellas.
• El movimiento viene dado por las manos y las miradas
COMENTARIO
• Masaccio fue un pintor italiano del quattrocento (1401-1428)
• Iniciador del Renacimiento en la pintura, fue el gran revolucionario de la pintura
florentina.
• Murió muy joven, por ello su obra no es abundante
• Comenzó a trabajar en el círculo de Masolino da Panicale
• Hará una pintura hacia un arte grandioso y dramático lejos de la sensibilidad del
gótico.
• Aprendió de Giotto el sentido de la monumentalidad de las masas
• Entre sus obras destacan:
– El altar de La trinidad
– Una obra inacabada en el altar de Santa María Maggiore
– Los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine en
Florencia. “Escenas de la vida de San Pedro” A los que pertenece este cuadro
• Es la escena principal de un ciclo dedicado a la vida de San Pedro, en la capilla
Brancacci.
• Tema no tratado antes, es una escena poco emotiva de la vida de Cristo.
• Las escenas no se encuentran ordenadas cronológicamente (principal en el centro) ya
que Masaccio busca la simultaneidad no la sucesión.
• No se trata de ensalzar el milagro, sino exaltar una actitud, una postura ética, la de
Cristo que manda pagar el impuesto y cumplir con las obligaciones cívicas
• Todas las escenas dependen del gesto de Cristo
• Existen distintas interpretaciones del tema:
– Igualdad para todos
– La riqueza debe buscarse en el mar, Florencia era una potencia marítima
– El verdadero tema es la voluntad de Cristo.
– Significado profundo del tema: sólo Pedro, jefe de la Iglesia, puede tratar con
el mundo, con los poderes terrenales.

EL NACIMIENTO DE VENUS. Autor: Botticelli Fecha: 1485 Lugar: Galería Uffizi, Florencia Etapa:
Quattrocento italiano Técnica y material: témpera sobre lienzo
ANALISIS
• Tema mitológico: Representa el nacimiento de Venus, fruto de la fecundación del mar
del semen de Urano. Venus tapa púdicamente su desnudez y llega a la orilla sobre una
concha empujada por el soplo del viento Céfiro y su mujer Cloris, señora de las flores.
En la orilla la espera una de las cuatro Horas (la primavera) con un manto de flores
para vestirla.
• Composición sencilla y equilibrada
– Simetría lateral. Venus se desplaza hacia la derecha por los vientos, no siendo
el eje central del cuadro
– Contrapposto en el cuerpo de Venus, se apoya sobre la pierna izquierda
dejando libre la derecha. Sigue el modelo de las estatuas griegas, acentúa más
la sensación de vulnerabilidad de la desnudez púdica
– Triángulo equilátero cuyo vértice es Venus
– Grupos de la izquierda y derecha también en triángulos
– Escena simétrica y armónica
• Profundidad dada por la línea del horizonte
• Predominio del dibujo sobre el color
• Color: casi monocromo. No da volumen a los cuerpos. Da armonía, gracia..
• El movimiento lo da el dibujo ( cabellos, la ropa…)
– Movimiento pausado, elegante
Comentario
• Sandro Botticelli fue un pintor del quattrocento italiano que pintó en Florencia
donde mantuvo una buena relación con Lorenzo el Magnífico.
• Se formó en el taller del pintor Filippo Lippi y del escultor Verrochio, y a los 25 años ya
tenía taller propio
• Puente entre el quattrocento y el cinquecento
• Tuvo formación literaria y orfebre antes de dedicarse a la pintura
• Su obra se divide en 3 etapas:
– 1ª Etapa: Sigue la concepción quattrocentisca del arte como medio de
conocimiento
– 2ª Etapa: adquiere un estilo propio A la que pertenece esta obra
• Se adentra en el concepto de belleza platónica, busca la belleza
femenina, y adquiere un gran dominio del dibujo
– Etapa final: negativismo
• Su estilo se hace más sobrio, el color más monótono y oscuro
• Fue olvidado durante mucho tiempo, hasta q fue redescubierto s. XIX
• Obras destacadas: Primavera, Nastaglio degli Onesti..
• El cuadro no representa el nacimiento de Venus, si no su llegada a la isla de Cítera,
según la Metamorfosis de Ovidio
• No es sólo la exaltación de la belleza femenina sino una alusión a la fuerza del amor.
• Cuadro lleno de símbolos:
– Rosas hacen referencia al amor (alegría/dolor)
– Concha: fertilidad
– Guirnalda de Mirto de la Primavera: amor eterno
• La obra pertenece a la 2ª etapa del autor cuando adquiere su estilo propio. Se adentra
en el concepto de belleza neoplatónica. Con temas alegóricos y mitológicos.
• Busca la belleza femenina, poética representada por Simonetta, quien se convierte en
arquetipo de su pintura
• En la obra observamos características de la etapa como el canon estilizado,
preciosismo decorativo, el concepto de belleza neoplatónica, el dominio del dibujo con
las líneas ondulantes…
• Fue una revolución, trató por primera vez en gran formato en tema mitológico,
recuperando los desnudos antiguos


LA PRIMAVERA. Autor: Botticelli Fecha: 1480-81 Lugar: Galería Uffizi, Florencia Etapa:
Quattrocento italiano Técnica y material: temple sobre tabla
*Análisis
Descripción. La figura que parece central, Venus, no coincide con el eje vertical, central de la
tabla, sino que está algo desplazada a la derecha. Sobre ella se encuentra Cupido, que lanza
una de sus flechas. A la derecha aparece Céfiro persiguiendo a Cloris. A la izquierda, las Tres
Gracias parecen bailar y al lado se encuentra Mercurio.
• Composición
– Simetría lateral
– Triángulo equilátero el vértice es Cupido. Base: los pies
– Los dos grupos (derecha e izquierda) también se inscriben en sendos
triángulos
– Profundidad la da la colocación de los personajes
• Predominio del dibujo sobre el color
– Líneas marcan los perfiles
– Uso de pinceles finos
• Color: casi monocromo. No da volumen a los cuerpos, da armonía, gracia..
– Dejan ver la anatomía del desnudo
• El movimiento lo da el dibujo
– Movimiento pausado, elegante
• No hay perspectiva
• La luz impregna toda la escena, no crea sombras, ni contrastes violentos
COMENTARIO
• Sandro Botticelli fue un pintor del quattrocento italiano que pintó en Florencia
donde mantuvo una buena relación con Lorenzo el Magnífico.
• Se formó en el taller del pintor Filippo Lippi y del escultor Verrochio,
y a los 25 años ya tenía taller propio
• Puente entre el quattrocento y el cinquecento
• Tuvo formación literaria y orfebre antes de dedicarse a la pintura
• Su obra se divide en 3 etapas:
• 1ª Etapa: Sigue la concepción quattrocentisca del arte como medio de conocimiento
• 2ª Etapa: adquiere un estilo propio A la que pertenece esta obra
• Se adentra en el concepto de belleza platónica, busca la belleza femenina, y adquiere
un gran dominio del dibujo
• Etapa final: negativismo
• Su estilo se hace más sobrio, el color más monótono y oscuro
• Fue olvidado durante mucho tiempo, hasta que fue redescubierto s. XIX
• Obras destacadas: Primavera, Nastaglio degli Onesti..
• Significado:
– Venus es la imagen de la pureza y la armonía entre la naturaleza y el espíritu,
símbolo de la fuerza creadora del orden natural, por ello se coloca en el centro
• Representa algo más que el amor y el placer de los sentidos
• Representa un espacio en el que siempre es primavera. Cupido dispara
sus flechas del amor a ciegas.
– A la izquierda: las tres gracias, Eufrosina (serenidad), Talía (floreciente) y Aglae
(esplendor o castidad , belleza y amor) bailan mientras Mercurio aparta las
nubes para que salga el sol
– A la derecha los escenas unidas
• El viento Céfiro persigue a la ninfa Cloris
• Cloris pide ayuda a Venus que la transforma en Flora, figura que
aparece a su lado. Por ello expulsa flores por la boca
• Pintura alegórica, tema tomado del mundo clásico al que se la da una interpretación
moralizante. Triunfo del amor platónico
• Se crea un círculo neoplatónico del Amor: el amor surge de la tierra como pasión (la de
Cefiro), regresa al cielo como contemplación ( la de Castitas hacia Mercurio).
• Es decir, el amor sensual y carnal, que no es el verdadero, debe convertirse para ser
real en un amor contemplativo, espiritual, profundo, idealizado, platónico.
• La obra pertenece a la 2ª etapa del autor cuando adquiere su estilo propio. Se adentra
en el concepto de belleza neoplatónica. Con temas alegóricos y mitológicos.
• Busca la belleza femenina, poética representada por Simonetta, quien se convierte en
arquetipo de su pintura
• En la obra observamos características de la etapa como el canon estilizado,
preciosismo decorativo, el concepto de belleza neoplatónica, el dominio del dibujo con
las líneas ondulantes…
• Fue una revolución en su época, trató por primera vez en gran formato en tema
alegórico, siguiendo las teoría neoplatónicas, hace triunfar el amor platónico.








LA FLAGELACIÓN DE CRISTO. Autor: Piero della Francesca Fecha: 1450-55 Lugar: Galería
nacional de las marcas, Urbino Etapa: Quattrocento italiano Técnica y material: óleo sobre
tabla
*Análisis
• Tema:
– El tema principal, la flagelación de Cristo, está en 2º plano. Colocado bajo una
estancia típicamente renacentista.
– Primer plano: 3 personajes conversan
• Composición
– Dividido en 2 áreas rectangulares, hasta la columna y la línea blanca del suelo
– Fría, por la actitud de los personajes, ausentes de la trama
– Personajes desproporcionados con respecto a la arquitectura, lo que recuerda
a Fra Angelico
– Impersonalidad, ausencia de emociones…
• Perspectiva
– Evidente gracias al uso de la arquitectura , las baldosas de colores y un árbol al
fondo como punto de fuga
• La luz es diáfana
– La de la escena de delante proviene de la izquierda
– La de la escena de Cristo proviene de la derecha, del techo y de la puerta
• La corporeidad de las figuras es rotunda gracias a un sabio uso del claroscuro.
• Sus figuras son rotundas, serenas. Hieráticas y muy escultóricas
• El dibujo es nítido y el color lo utiliza para construir las figuras
Comentario
• El autor es el pintor italiano Piero della Francesca. Trabajó en Florencia, su obra está
dispersa por toda la Toscana
– Recibe influencias de Brunelleschi, Donatello, Masaccio y Fra Angélico
– Su pintura se basa en la perspectiva y el volumen, escribe un tratado De
perspectiva pingendi
– Su obra más importante fue la serie de frescos del coro de la iglesia de San
Francisco de Arezzo
– Fue pintor de Federico de Montefeltro en Urbino, de que realiza dos retratos
– Una de sus obras más importantes es esta que analizamos, la Flagelación de
Cristo , 1495
• Misteriosa tabla en la que tres personajes dialogan en primer plano mientras Cristo es
flagelado en segundo plano en el interior de una logia.
• Personajes:
– A la izq , el personaje con turbante que asiste a la escena sería el sultán turco
– Sentado estaría el emperador bizantino
– Las tres figuras a la derecha son gobernantes italianos
• Tema: manifiesto de reconciliación entre Roma y Bizancio
• El espacio y la profundidad están tratados d manera científica y casi se puede
reconstruir tridimensionalmnte (probablemente el pintor trabajó sobre una maqueta).
• Crea un mundo de ambientes irreales
Soberbia visión del arte, interesado por la simetría , la perspectiva y el orden