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Antonia Iturriaga B.

II°A
13 de junio de 2014

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Índice
- Introducción 3

- Pablo Ruiz Picasso (biografía y evolución de sus obras) 4

- Época histórica y el cubismo como movimiento artístico 5

- Análisis ideológico 6

- Análisis formal 7

- Análisis de color 9

- Conclusión 10

- Bibliografía 11
















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Introducción

Este trabajo se enfoca en la vida del artista Pablo Picasso, precursor del cubismo, y en el análisis
de una de sus obras más conocidas: “Jeune fille endormie”.
La biografía de Picasso permite entender los motivos de los temas de sus pinturas, ya que están
directamente relacionados con su vida amorosa y personal y con los hechos históricos ocurridos en
su época, como la Primera Guerra Mundial (1914), la Guerra Civil Española (1936) y la Segunda
Guerra Mundial (1945). En el período de estos acontecimientos, además surgieron diversos artistas
que lo influenciaron.
El análisis de “Jeune fille endormie” consta de tres partes: análisis ideológico, formal y de color, en
las cuales se explica el motivo de su creación, su composición estructural y de color.

















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Pablo Ruiz Picasso
Pablo Picasso es un artista español que nació en Málaga en 1881; hijo del artista José Ruiz Blasco
y de María Picasso López. Murió en Francia el año 1973.
En 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde se rodeó de un grupo de artistas y literatos,
entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol. Con diez años, Picasso
ingresó en el instituto de Enseñanza Media de La Guarda e inició su formación artística revelando
una gran capacidad. Picasso comenzó su carrera artística participando en varios concursos para
los cuales pintó obras tales como “Primera Comunión”, “Ciencia y Caridad”.
Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras
su pintura entró en la etapa denominada “Período azul" (en sus obras predominaba este color). En
Barcelona fundó y dirigió la revista Arte Joven, y luego conoció a su mejor amigo Jaime Sabartés.
En esta época pintó cuadros como “Niña con paloma” y “Niña sentada”.
En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un
estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa se relacionó con artistas catalanes como
Canais, Pitxot y Manolo, y los poetas Salmon y Apollinaire. Entre tanto, su pintura experimentó una
nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al
poco de llegar a París entró en contacto con muchas personas del mundo artístico y bohemio.
También expuso en la Galería Serrurier un trabajo formado por un álbum de dibujos, veintiocho
cuadros y seis aguafuertes de la colección titulada "Los volatineros".
Hacia finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que
cambió el curso del arte del siglo XX: “Les demoiselles d'Avignon”. En esta obra tuvo varias
influencias, como el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la
constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Picasso
se adentró en el ámbito de la representación artística del volumen: fue el inicio del cubismo.
Cuando se lanzó a esta aventura ya era un pintor renombrado, autor de más de doscientos óleos,
acuarelas, gouaches, pasteles, esculturas, grabados en madera y aguafuertes. A partir de 1909,
Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada “analítica”. En 1912
introdujeron la técnica del collage (recortes de papel y otros materiales aplicados sobre el lienzo).
Entre 1915 y 1920 Picasso comenzó a desarrollar formas escultóricas e imágenes de una
grandeza que ha sido definida como neoclásica; de este estilo son las obras "Las bañistas",
"Mujeres sentadas" o "Mujeres en la fuente". Por otra parte, desarrolló un cubismo de múltiples
maneras. Empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro con el artista catalán Julio
González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.
Participó en la primera exposición de pintores surrealistas en la Galería Pierre, en París, con
gran éxito. En la revista "La Revolution Surrealiste" se publuicaron varias obras de Picasso, entre
ellas, "Les demoiselles d'Avignon". Más tarde se dedicó solo a la escultura y se hizo muy famoso,
alcanzando a llegar a exposiciones en Nueva York, París y Londres.
Durante la Guerra Civil Española, Picasso creó el “Guernica”, una de sus obras más famosas, la
cual fue para él un modo de desahogo. Durante los años siguientes siguió combinando sus
variadas técnicas, añadiéndose también el grabado, con el que se destacó enormemente.
En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que
reinterpretó a modo de homenaje. Convertido ya en una leyenda en vida y en el símbolo de la
vanguardia, el artista se retiró al castillo de Vouvenargues, donde continuó trabajando
incansablemente hasta el día de su muerte.
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Época histórica y el cubismo como movimiento artístico
El cubismo es una corriente artística que surge en Francia en el año 1907 hasta el año 1914 (del
primer cuarto del siglo XX). El cubismo literario fue encabezado por Guillerme Apolinaire, mientras
que Picazo y Georges Braque fueron los mayores exponentes en el ámbito de la pintura (hasta
muchas veces se dice que fueron parte de los creadores), pero no hay que olvidar que la fuente de
inspiración fue en los postulados artísticos de Paul Cézanne y de Georges Seurat, que su
planteamiento básico es representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la
geometrización de la forma, es decir, dejo atrás la forma imitativa de la naturaleza y se enfoco en la
forma en que el artista percibía el mundo. Por esto se puede decir que es un estilo revolucionario
nacido antes que todos los estilos vanguardistas.
Los artistas cubistas pintaban superficies planas, renunciaban a la perspectiva tradicional, a los
colores reales y a ver las figuras desde el punto de vista único.
Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases: el cubismo analítico y el cubismo sintético:
- Cubismo analítico: hace irreconocibles a las figuras.
- Cubismo sintético: Planos más amplios, representa al objeto, con imágenes únicas.
“De un cilindro hago una botella", decía el pintor español Juan Gris, quien, junto con otro
compatriota, Pablo Picasso, y un francés, Georges Braque, fueron los máximos exponentes en
este ámbito.
En el año de 1907 Pablo Picasso crea la pintura “Las señoritas de Avignon” la cual no fue muy
bien aceptada por la gente y las criticas señalaban que en sus cuadros se mostraban demasiado
las formas cuadriculadas por lo cual a este movimiento se le denomino “cubismo”.
El cubismo a manos de Picasso surge en un camino errático ya que fue rechazado en el salón de
las bellas artes, pero fue aceptado en el salón de los independientes, era allí donde acababan
aquellos con ideas fuera de los cánones tradicionales. Aun en el salón de los independientes era
un tanto incomprensible la expresión de Picasso.
Más tarde el cubismo dejó de ser un arte basado solo en cubos, se convirtió en una manera de ver
al mundo de una forma distinta, dejando que el lector o observador pudiera elegir por si mismo lo
que quería ver y como lo quería ver, usando las figuras geométricas como el lenguaje, se
analizaban profundamente sus obras tratando de encontrar lo que el artista quería expresar, por lo
cual a esta etapa se le llamo Cubismo analítico o hermético (1909-1912).
Picasso y Braque usaban una técnica en la cual utilizaban recortes de papeles y los pegaba en un
lienzo dándoles otro sentido, la técnica se era llamada “papel pegado” que hoy en día lo
conocemos como collage. Esta técnica haría una diferencia notable en el cubismo, incluyendo
textos y números en sus recortes con los cuales intentaba obtener texturas distintas, a esta etapa
del cubismo le llamaría “Cubismo sintético (1912-1914).
Más tarde, Picasso presenciará la Primera Guerra Mundial, hecho que hizo que comenzara a dejar
un poco de lado el cubismo, comenzando a pintar obras que representaban el dolor de la guerra.
También vivió durante la Segunda Guerra Mundial y aunque esto no influyó mucho en sus tipos de
obras lo llevó a ocultarse y así realizar muchísimas creaciones.
El suceso que más marcó la vida de Picasso fue la guerra Civil Española, en la cual realiza una de
sus obras más famosas, la “Guernica”, que fue utilizada como modo de desahogo. Este periodo fue
una gran influencia para él.
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Análisis de la obra “J eune fille endormie”

Análisis ideológico
Es uno de los retratos líricos e íntimos que pintó Pablo Picasso de su amante Marie-Thérèse
Walter. Estos fueron realizados desde la primera mitad de la década de 1930 (luego de
neoclasicismo), por lo tanto corresponde al período del cubismo surrealista de Picasso. Se
considera una de las mayores cumbres de su carrera, y por extensión, del arte moderno. Fue
completado y firmado el 3 de febrero de 1935, Jeune fille endormie , muestra dormir a Marie-
Thérèse, quien ejerció de modelo en varias de sus obras.
En 1927, el pintor, que contaba con 45 años, conoció a la joven de 17. Pocos años después la
pareja se trasladó a pasar una temporada en el Château de Boisgeloup, a las afueras de París. Allí
realizó algunas de sus mejores obras, como este cuadro, pintado en un lienzo con óleo, con
colores vivos y pinceladas expresivas, lo cual ofrece una visión del universo de ambos amantes.
Por otra parte la intimidad que representa el cuadro es conducida por la composición, que está
fuertemente centrada en la cabeza de la cama: domina el lienzo, que aparece sólo ligeramente
más grande que el tamaño de la vida, dando un sentido de perspectiva muy subjetiva del artista,
mientras que mira a su amante dormida. Picasso hunde a su espectador en su propio mundo
encantado.
La obra fue adquirida poco después de ser pintada por el hijo del magnate de la industria
automovilística Walter Chrysler. El cuadro ha pasado sólo por dos colecciones privadas hasta que
en 2010 fue cedido a la Universidad de Sydney (Australia) por un donante anónimo, el cual puso
como condición que fuese vendido y sus beneficios se dedicaran a la investigación médica.
A lo largo de casi ocho décadas, sólo se ha mostrado al público en 1939, en la retrospectiva que
el MoMa de Nueva York dedicó a Picasso (una colección que pasó por Chicago, San
Luis y Boston en 1940), y en la exhibición Chrysler Collection, celebrada en 1941.
Bajo mi punto de vista, esta obra me parece simple, es decir, a primera vista no tiene mucho
trasfondo, pero sabiendo un poco más de la vida de Picasso se puede ver claramente un
sentimiento reflejado en una especie de contemplación a su amante, que luego pintó con
simplicidad, con colores vivos, pero sin sombras y con pinceladas muy especiales.
En cuanto a las dimensiones, lamentablemente, a lo largo de toda mi investigación no logré
encontrarlas.






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Análisis formal
A.- Ejes de simetría: la obra se divide en dos partes:
Horizontalmente:
 División superior: analizando la obra vemos que quedó la parte superior de la cabeza, en
la que se encuentra casi todo el pelo y un ojo. También hay dos líneas (arriba de la
mujer) de la pared que nos conducen al punto de interés, que es la mujer. Por otra parte,
se concentra el fondo del cuadro. También los colores de esta división son más oscuros
que en la inferior, aunque el azul presente en la cara de la mujer crea un cierto equilibrio,
junto con las líneas blancas presentes en el pelo advierten la presencia de luz, es decir,
esta está totalmente relacionada con los colores.
 División inferior: se encuentra la mayor parte de la mujer, aunque gran parte del rostro
esté arriba, aquí, esta lo más significativo de la obra. También están ambos brazos
actuando como líneas de tensión que nos dirigen a la cara y se complementan con esta a
partir de las significativas pinceladas de negro y rojo que nos ayudan a darnos cuenta de
la expresión que el pintor quería dar. Por último los colores más llamativos están
contenidos en esta parte que hacen que se destaque aún más la mujer como centro de
interés.
Verticalmente:
Podemos ver que la mujer está dividida en dos partes casi iguales, a cada lado queda un poco
de pelo, un ojo, una mano y una línea de tensión (de la pared). Esto nos indicaría un equilibrio
entre ambas divisiones, pero más detalladamente:
 Lado derecho: contiene la mayor cantidad de luz del cuadro ya que tiene los colores más
vivos, como el amarillo, y aunque no esté concentrada solo en un punto o en un foco se
advierte que la luz viene de este lado debido a las pinceladas de blanco, es decir,
nuevamente nos podemos dar cuenta que está totalmente relacionada con los colores.
También se enfoca más el punto de interés ya que están presentes la nariz y la boca,
siendo estas muy representativas del sentimiento del sentimiento del cuadro
(tranquilidad).
 Lado izquierdo: predominan los colores más oscuros, como el café (sobre todo en el
fondo), pero si no fuera por esto habría un gran desequilibrio en el cuadro ya que no
habría ningún contraste y esto nos llevaría a perder el centro de interés. De acuerdo a
todos estos análisis anteriores podemos concluir que es una obra asimétrica, ya que los
pesos están dispuestos de una manera desequilibrada.
B.- Espacio: si nos fijamos en la obra como un todo nos daremos cuenta que no posee muchas
luces ni sombras, por lo tanto podemos considerarla como plana.
C.- Dibujo: sobre el dibujo podemos decir que a primera vista se ve simple, sin muchos detalles,
tomando en cuenta también que fue realizado por Picasso, quien no dibujaba la figura humana
como es realmente, y en esta obra no fue excepción.
La mujer está pintada con delicada pinceladas que marcan el contorno de ella, jugando con los
colores para darle más importancia, pero al mismo tiempo separándola de la realidad, sin usar una
mirada tridimensional, sino que simplemente es un dibujo que su importancia está puesta en los
valores lineales y en los variados tonos de los colores. Esta falta de profundidad es recompensada
por los colores.
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Finalmente, al ver que la obra no es realista podemos concluir que las proporciones tampoco lo
serán, ya que el artista solo siguió su propio estilo.
D.- Esquemas de composición: muchos de estos aspectos ya han sido dichos anteriormente,
pero para entender como fueron dispuestos los elementos debemos verlos como un todo.
 Centro de interés: la mujer, sobre todo su rostro.
 Recorrido visual: se comienza por la parte azul de la cara, siguiendo por la parte roja y
luego por la amarilla, continuando por los brazos que crean una unión por sus
características pinceladas.
 Esta es una obra estática ya que no muestra como si algo estuviera ocurriendo, es solo
un retrato donde se muestra la paz y la tranquilidad de una mujer.
 Líneas de tensión: las líneas de tensión están dispuestas en toda la obra, que aunque no
se vean claramente, si analizamos nos daremos cuenta que son aquellas partes que
crean una unión y que sin estas no habría orden en la composición y sería más difícil ver
cuál es el centro de interés.

















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Análisis de color
En esta obra los pesos visuales son prácticamente planos, esto se debe a que los colores tiene
poco variación en su tonalidad, por lo tanto se ve todo al mismo nivel. Fijándonos más, podemos
darnos cuenta que a pesar de que no posea profundidad, los colores están dispuestos de tal forma
que hay cosas que resaltan más que otras, pero a la vez se ve una armonía general entre los
colores, es decir, aunque unos se destaquen más están repartidos en la obra de una manera
equilibrada, ningún color fue aplicado en mucha más cantidad que otro, por lo tanto ninguno prima.
En cuanto a las relaciones con los colores podemos comenzar por los primarios, los cuales están
continuos en casi toda la mujer; el azul de la cara y de un brazo, el rojo de la cara y en las líneas
de los brazos y el amarillo también en una parte de la cara y en los brazos. Aunque se vea el que
el amarillo y el azul están en mayor proporción que el rojo podemos captar que este está disperso
en diferentes partes, por lo tanto la diferencia no es tanta.
Con respecto a los colores secundarios claramente los más notorios son el verde y el naranjo,
dejando un poco atrás el morado, pero esto no quiere decir que no resalte. El verde lo podemos
encontrar en el pelo, en una parte del brazo y en la mesa en que está apoyada la mujer, pero lo
más importante es que siempre está al lado del azul o del amarillo (sus creadores). El naranjo está
en su mayor parte en el fondo, a un lado complementando el fondo y a veces acompañado de rojo
(color creador) y al otro lado del fondo está como principal y es complementado por líneas negras,
a veces acompañadas de azul (color complementario). También es utilizado para detalles de la
mujer, y como es un color notorio sirve para destacar algunas cosas. Por último, encontramos
morado en las mangas de la vestimenta de la mujer, y aunque no esté en contacto directo con sus
colores creadores está en contacto con el amarillo, su color complementario. Los colores
secundarios ayudan a complementar la obra y a darle énfasis a lo que el pintor deseaba.
Esta obra no posee muchos colores terciarios, pero finalmente las mezclas de los primarios con
sus secundarios son los que darán la pequeña variedad de tonalidades.
Debido a los colores utilizados y a la disposición de estos, la sensación de la pintura es que hay un
contraste entre cálido y frío, como por ejemplo el amarillo usado se ve frío pero su
complementación con el azul de la misma mujer, que se ve cálido, nos indican este contraste.
También, el fondo, a pesar de que sea negro, su combinación con el naranjo nos crea un ambiente
cálido, hasta da la sensación de fuego.
Como último punto en este análisis hablaremos de la luz. Esta proviene de la parte superior
derecha, el hecho de que el naranjo este al lado del negro lo hace más notorio, junto con la
disposición completa de los colores, como por ejemplo en las líneas blancas presentes en el pelo.






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Conclusión
Al hacer este trabajo aprendí que la obra de Picasso surge principalmente de sus sentimientos, de
los acontecimientos de su vida y los sucesos de su época. Es decir, creo que se podría concluir
que utilizaba su arte para expresar y reflejar tanto su mundo interno como externo.
Me llamo la atención en mi búsqueda de obras para analizar su manera de dar a conocer su
visión: lo hace sin reparos, sin problemas de mostrar su subjetividad e incluso su aparente
“locura”. No le importaba romper estructuras, salirse de lo realista ni lo que la gente dijera de él.
Personalmente me gusta esta honestidad de mostrarse tal cual como es, aunque a veces cueste
comprender qué relación poseen sus obras con la realidad. Sin embargo, finalmente si uno se
esfuerza, investiga y reflexiona puede comprender que toda la estructura de su obra esta
comunicada y le da un sentido.




















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Bibliografía
http://www.monografias.com/trabajos14/picasso/picasso.shtml?news
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/picasso.htm
http://www.buenastareas.com/ensayos/Resumen-Cubismo/2770452.html
http://brevhistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/cubismo.html