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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
Comienza un nuevo año que puede suponer el comienzo de la transformación más seria que se haya pro-
ducido jamás en el sector de las artes escénicas. No es nada que no conozcamos desde hace varios años: se
trata de la incidencia real de la Ley de Prevención de Riesgos Laborales sobre la actividad profesional de las
miles de empresas implicadas en la puesta en marcha de un espectáculo.
Dicha Ley, en vigor desde hace varios años, ha sufrido, de facto, una especie de moratoria que, sin embar-
go, ha acortado sus plazos sensiblemente en los últimos meses, debido, fundamentalmente, a la alarma
social que se está produciendo por el elevado número de accidentes laborales existente en nuestro país,
con especial incidencia en el sector de la construcción.
En concreto, las empresas están siendo informadas de la necesidad de elaborar planes de riesgo laboral
para cada puesto de trabajo existente en el centro de trabajo. Cuando éste es una oficina la mecánica es
sencilla: basta con entrar en contacto con una empresa especializada que elabore un documento denomi-
nado Plan de Prevención, que evalúe los riesgos a los que está sometida la actividad profesional de cual-
quier empresa, planifique las medidas a adoptar para controlar esos riesgos, informe a los trabajadores de
los riesgos evaluados y se les forme adecuadamente para prevenir esos riesgos, además de llevar a cabo
una labor de vigilancia de la salud de los trabajadores.
Todo esto está en vigor y es susceptible de que se produzcan inspecciones rutinarias por parte de la
Administración competente, que pueden traducirse en multas de mayor o menor cuantían. Pero no es eso
lo peor…
Además de con sus trabajadores, los empresarios de artes escénicas cuentan para desarrollar su actividad
con otros ajenos, en algunos casos autónomos y, en otros, procedentes de empresas del propio sector. Es
habitual que a su vez estos subcontratados contraten a otras empresas o autónomos, por lo que las respon-
sabilidades en materia de prevención se extienden cada vez más, aunque el responsable primero de esa
cadena es el contratista principal.
La Ley de Prevención de Riesgos Laborales establece que dicho contratista principal debe coordinar la con-
currencia de todas las empresas y autónomos que intervengan en su actividad en un mismo centro de tra-
bajo, lo cual es muy complicado en el caso de los espectáculos en vivo por la propia naturaleza del sector,
ya que en él intervienen desde el representante o programador que gestiona el evento, hasta el artista y
todo su entramado técnico y estético pasando por profesionales de iluminación, sonido, electricidad, etc.
En esta cadena de responsabilidades, por encima del contratista podría estar el promotor (generalmente
un ayuntamiento), que en muchas ocasiones es también titular del recinto donde se lleva a cabo el espec-
táculo, y por debajo, las subcontratas y autónomos. Igualmente cada entidad, empresa o autónomo que
participa en la puesta en marcha del evento es responsable ante sus trabajadores, a los cuales tendrá que
informar, según la citada Ley, sobre los riesgos que conlleva su trabajo y hacerlo por escrito en el caso de
que éstos sean graves o muy graves.
En esa línea, la Ley también establece que el contratista principal debe exigir a sus subcontratados que
acrediten sus obligaciones en cuanto a información o formación sobre riesgos laborales para con sus traba-
jadores.
El gran problema que puede sobrevenir de la ignorancia de la Ley no es sólo de índole penal. Si sucede una
desgracia ahora, como ha podido suceder hace quince años, se puede establecer una cadena de responsa-
bilidades que rueda en cascada ascendente. Recientemente hemos podido ver en los telediarios como un
accidente laboral en la construcción ha llevado a la cárcel hasta el jefe de obra y el arquitecto firmante de
la obra, por no haber previsto estas circunstancias.
Pero en el día a día podemos observar el peligro que entraña el celo con que la Administración está comen-
zando a hacer cumplir la Ley, ya que, sencillamente, puede suceder que un espectáculo previsto pueda ser
suspendido directamente por la falta de planes específicos para su puesta en marcha. O que se celebre,
pero con otras empresas que sí cumplan los requisitos legales establecidos.
Todo esto es caro. Dependiendo de los casos, puede suponer, incluso, que el “collar” del
plan de prevención sea más caro que el “perro” del espectáculo. Estamos ante un pro-
blema dormido (y semidesconocido) que amenaza con explotar en cualquier momen-
to. La necesidad de información al respecto es acuciante. Aunque todavía no se le vean
las orejas a este lobo.
Jesús Rodríguez Lenin
Editor
Edita: dosdimensiones, s.l.
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¡Atención a la Ley de
Prevención de Riesgos Laborales!
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del premios
El jurado, formado por integrantes de las dos
empresas editoras convocantes del concurso,
escogió la obra de la madrileña frente a la de los
otros cuatro finalistas: el bonaerense Jorge Rafael
Otegui, con “Memorias de un largo adiós”; “Ese
hombre que me mata”, de la salmantina María
Esther Sánchez; “Llueven vacas”, del barcelonés
Juan Carlos Blanco y “La tarde de la iguana”, del
venezolano Juan Martins.
‘La Guarida’ es la historia de Nemo, un ermitaño,
un hombre voluntariamente apartado del
mundo, que en un momento ve invadida su tran-
quilidad por unas personas que han sufrido un
accidente aéreo en las proximidades de su casa,
incomunicada por la nieve con el mundo civiliza-
do. La acción transcurre en un único escenario,
una habitación cerrada, en tres actos que tienen
lugar en tres momentos diferentes situados en
los quince largos días que los personajes se ven
obligados a permanecer en la casa.
Según declaró la ganadora, todos ellos “son unos
personajes diferentes por edad y condición, por
formación y sistema de valores”. “Los personajes
son Nemo y los ecos que llegan de la ciudad,
irrumpiendo y trastocando su vida tranquila. Es
una obra hecha de personajes, actitudes y voces,
ideal para el juego del actor. Están hechos de per-
sonalidades fuertes, que sufren conflictos con-
temporáneos y que liberan todas sus tensiones
en ese mundo cerrado”.
Lourdes Ortiz acabó afirmando que “La guarida”
“es un ejercicio de reflexión sobre nuestros temo-
res, el eterno dilema de la participación o la
exclusión voluntaria. El camino del sabio, del soli-
tario, pero también el afán transformador, las
ganas de intervenir”.
Miguel Angel de Rus, director general de Ediciones
Irreverentes, afirmó en el transcurso de la rueda de
prensa convocada por las empresas editoras que al
convocar un premio sin dotación económica, pero
premiado con publicación de la obra y el compro-
miso de divulgarla entre productores teatrales y
programadores, se pretendía apoyar a aquellos
autores cuyo verdadero deseo es el de ver su obra
viva en un escenario. Por su parte, Jesús Rodríguez
Lenin, editor de la revista El Espectáculo Teatral,
advirtió que el objetivo básico del jurado era pre-
miar una obra “que pudiera aunar la calidad y la
comercialidad. El mundo del teatro es muy compli-
cado y grandes obras hay muy pocas cada siglo,
pero nos sentiremos muy satisfechos si logramos
que este premio se convierta en sinónimo de efica-
cia para los productores teatrales, porque, en defi-
nitiva, lo que pretendemos que el premio sirva
para que alguien lleve la obra a escena y que entre
en giras”. Coincidiendo con esa aspiración, la escri-
tora madrileña define esta pieza como una obra
sencilla, que intenta llevar al mayor número de per-
sonas al teatro”.
Este mes de enero se
editará la obra ganadora,
“La guarida”, a través de
Ediciones Irreverentes
Calidad y comercialidad: términos no antagónicos
Cuando hace algo menos de un año decidimos aceptar la propuesta de la editorial Ediciones Irreverentes de
embarcarnos juntos en el proyecto de convocar un concurso de teatro para obras no publicadas en papel ni
estrenadas, no podíamos imaginar el interés que el concurso iba a suscitar entre autores de siete
nacionalidades diferentes ni, mucho menos, pensar que quien se escondía detrás del pseudónimo Clara
Alegría con el que se firmaba la obra “La guarida” se encontraba una autora del prestigio de Lourdes Ortiz.
Premiar esta obra era fácil. Todos los que formamos parte del jurado, integrantes de las dos empresas
editoras, estuvimos de acuerdo en que era la que más se adecuaba a los criterios establecidos por nuestras
editoriales. Estos no eran otros que premiar una obra dramática que aunara criterios de calidad y
comercialidad…
Difícil cuestión: nadie podía imaginar el éxito de “El método Grönholm” y definirlo ahora como el paradigma
de calidad y comercialidad no ofrece riesgos… El auténtico mérito hay que atribuírselo a Anexa y
Producciones Teatrales Contemporáneas, que sí se atrevieron a afrontar el riesgo que entraña llevar a
escena una obra teatral. Pero ni que decir tiene que ese era el norte de nuestra brújula.
Nuestro riesgo, en cualquier caso, es limitado: no vamos a poner en pie la obra. Ni sabemos cómo hacerlo ni
tenemos capacidad económica para ello, pero somos lectores y público, y nuestra mirada no es, en ningún
caso, la de un profesional de las artes escénicas, sino la de simples aficionados que disfrutan de un buen
texto y una buena puesta en escena.
Eso sí, aspiramos a que el esfuerzo editorial que hemos puesto en marcha (y que tendrá continuidad anual)
sirva de garantía ante productores que quieran asumir ese riesgo empresarial. Con el premio El Espectáculo
Teatral queremos servir de criba previa y convertirnos, con humildad, en seña que garantice una posible
viabilidad económica a proyectos siempre dudosos.
También queremos animar a autores de todo tipo a que participen en la próxima convocatoria, de la que
informaremos esta próxima primavera. No hay más límites que el idioma (castellano) y una extensión que
permita el desarrollo dramático en torno a la hora y media de duración.
Jesús Rodríguez Lenin
Editor
Lourdes Ortiz obtiene el I Premio
El Espectáculo Teatral
Lourdes Ortiz, Catedrática de Teoría e Historia del Arte en la RESAD de Madrid, ha obtenido el I Premio
“El Espectáculo Teatral” con su obra ‘La guarida’. El galardón había sido convocado por nuestra revista
y Ediciones Irreverentes, que publicará la obra premiada en el mes de enero. Al concurso se han
presentado a esta primera edición cincuenta textos dramáticos escritos en castellano procedentes de
siete países: España, Argentina, México, Francia, Chile, Venezuela y Uruguay. La extensión mínima de
las obras participantes era de 65 páginas y la máxima de 90.
De izda. a dcha.: Jesús Rodríguez, Lourdes Ortiz y
Miguel Angel de Rus.
L
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del premios
e n t r e v i s t a
- Has definido “La guarida” como un experimento.
¿Por qué?
- Puede decirse que tengo dos tipos de obras de
teatro. Hay una serie de obras que escribo porque
me da la gana: no mido el número de personajes
ni me planteo si es comercial o si se puede repre-
sentar, y que están basadas o parten de la mito-
logía o tienen un lenguaje poético con una rique-
za diferente y están destinadas, directamente, a
grupos experimentales. Y hay otras, como “El cas-
cabel al gato” u “Olivia y Macedonia” –que se
estrenó con el nombre de “El mundo del revés”–
o “La guarida”, que he escribo como un reto: yo he
sido profesora de la RESAD y me planteaba ejer-
cicios de escribir obras representables para los
alumnos. “La guarida” es de estas obras: quería
escribir un texto de una cierta complejidad pero
que, al mismo tiempo, fuera comercial y sencillo.
Escribí una obra con una situación cerrada, en la
que unos personajes llegan por casualidad a un
lugar y, a raíz de ello, se crea una situación absur-
da y se desencadenan una serie de conflictos.
- En “La guarida” hay un personaje con cierto aire
mitológico, Nemo.
- Si, suelo tener personajes con referencias clási-
cas, como Fedra o el propio Luis II de Baviera,
pero en este caso lo que pretendía era escribir
una obra más cercana, con temas de todos los
días, aunque sea con una estructura que tiene
algo de simbólico.
Nemo está aislado, enclaustrado. Le acompaña
una especie de Watson, que es el doctor Edgar y,
de repente, en esa torre de marfil que se ha
construido, irrumpe la vida, en forma de acci-
dente de aviación. Los que llegan se encuentran
en un estado alterado de nervios y de excitación,
que no es el normal de cuando llegas de visita a
Puede resultar paradójico, porque escribí una
obra premeditadamente comercial, pero no la
moví en absoluto, hasta que la presenté al pre-
mio. Es una obra sencilla, en la que el grueso del
trabajo recae en los actores, así que lo que habría
que pedir al director es, simplemente, que sepa
extraer del texto lo mejor que hay y que sepa dar
a los actores la autonomía que precisan.
Evidentemente, no es “Otelo”: no es una obra
compleja de montar y puede crecer o disminuir si
los actores son buenos o malos. No he pensado
en ningún director, pero ahora que me pregun-
tas, el papel de Nemo me lo imagino, ahora, con
la presencia dominante del calvo de la lotería.
- ¿El autor tiene siempre la presión de tener que
escribir un “Otelo” o “La vida es sueño”?
- Cuando era jóven, tenía una amigo maravilloso,
Chicho Sánchez Ferlosio, que hacía canciones
maravillosas y que no le importaba que se publi-
caran o no. Un grupo de amigos, entre los que él
estaba, nos reuníamos y siempre queríamos
hacer “la gran canción”. El decía que nunca la
hicimos, pero que entre tanto habíamos hecho
muchas canciones y, a lo mejor, con el paso del
tiempo, alguna de esas podría llegar a ser “la
gran canción”.
- Para finalizar, ¿cómo ves el momento actual del
teatro?
- Da la sensación de que el teatro va bien, pero es
por los musicales, que son los que suben las esta-
dísticas. Sin embargo, no creo que pueda hablar-
se de crisis: veo que existe mucha vitalidad, por la
cantidad de cosas que se estrenan, por el núme-
ro de grupos jóvenes de teatro que se crean. Pero
esa vitalidad tiene partes contradictorias, porque
es desalentador ver cuantos de esos estrenos de
gente jóven apenas duran tres días en cartel.
una casa. Una casa que es un lugar inhóspito, y
eso es lo que provoca los conflictos que van a
producirse.
- ¿Cómo surgió la idea?
- Pienso que motivado por la caída de las Torres
Gemelas. Y la Guerra de Irak sirvió de catalizador.
Nemo está rodeado de imágenes terroríficas de
los horrores del mundo.
- ¿Cuándo escribiste “La guarida”?
- La obra la escribí en 2002 y ahí se quedó. Estaba
empezando a trabajar en la novela que acabo de
publicar, “Las manos de Velázquez”, y no he vuel-
to a escribir nada más para teatro, salvo un
monólogo en homenaje a Calderón. Tengo
varias obras escritas, algunas publicadas, pero
no estrenadas, como “El rey loco”, porque no me
gusta el trabajo comercial de moverlas.
- En la lectura, Nemo me ha recordado en algo al
Marlon Brando de “Apocalypse now”, el Kurtz de “El
corazón de las tinieblas”…
- Sí. Es un personaje que se ha retirado del
mundo y que no quiere saber ya nada de él. En
“Apocalypse now” lo que hace el personaje de
Brando es reproducir el horror de otra manera.
Mi Nemo, como el de Verne, está sumergido en
su batiscafo simbólico, rodeado de todas esas
imágenes de la realidad de la que huye, pero que
no quiere olvidar. Y que, de repente, le vuelve a
salpicar, en forma de la llegada de unos persona-
jes que traen consigo la confusión.
- Uno de los objetivos que nos planteábamos con
la creación del premio es apostar por obras que
pudieran ser representables. Y he notado que exis-
te cierta lucha de poder entre autores y directores.
De poder elegir, ¿quién te gustaría que la dirigiera?
o ¿cómo te gustaría que se dirigiera?
- Lo primero, me encantaría que se representara.
Lourdes Ortiz
“Escribí una obra
premeditadamente comercial,
pero no la moví en absoluto,
hasta que la presenté al premio”
Aún reciente el lanzamiento de su última novela, “Las manos de Velázquez”,
editada el pasado mes de octubre por Planeta dentro de su colección de
Autores Españoles e Iberoamericanos, Lourdes Ortiz ha resultado ganadora
del I Concurso de Literatura Dramática convocado por Ediciones Irreverentes
y la revista El Espectáculo Teatral.
La autora madrileña participó en el concurso con una obra titulada “La
guarida” que aborda las tensas relaciones que se establecen dentro de una
casa de montaña, aislada por la nieve, entre los dos habitantes del lugar y los
supervivientes de un accidente aéreo producido en las inmediaciones.
Nacida en Madrid en 1943, Lourdes Ortiz fue directora de la Real Escuela
Superior de Arte Dramático (RESAD) desde el año 1991 a 1993, además de
profesora de Historia del Arte en dicha escuela. Novelista de éxito (fue
finalista del premio Planeta en 1995 con su novela “La fuente de la vida”),
Ortiz es también autora de los textos teatrales “Las murallas de Jericó”
(1979), “Penteo” (1982), “Fedra” (1983), “Cenicienta” (1986), “Judita”
(1986), “Electra-Babel” (1991), “El cascabel del gato” (1994), “El local de
Bernardeta A” (1994), “Dido en los infiernos” (1996), y “El Rey loco” (1999).
“La guarida”, su última obra de teatro, fue escrita en 2002 bajo el influjo de
la caída de las Torres Gemelas y la Guerra de Irak, pero no había sido
publicada hasta el momento. Este mes de enero verá la luz en edición
llevada a cabo por Ediciones Irreverentes.
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
premios
Premio Tarascas de la ADE
- Xosé Manuel Rabón, por su extraordinaria contribución a la estructura
organizativa y desarrollo del XIII Congreso de la Asociación de
Directores de Escena de España, celebrado en el Pazo de Mariñán del 11
al 15 de octubre de 2006, lo que ha hecho posible que su realización
haya disfrutado de óptimas condiciones.
- Damián Villalaín, en reconocimiento a las diferentes gestiones
realizadas en torno al XIII Congreso de la Asociación de Directores de
Escena de España, que desembocaron en encuentros de gran calado y
significación institucional.
- Abel Martín, por su generosa cooperación con nuestra entidad en el
proceso de elaboración de las Bases para un Proyecto de Ley del Teatro
y su posterior difusión.
Premio «José Luis Alonso»
para Jóvenes Directores
- Carlos Álvarez-Ossorio, por su puesta en escena de “A casa do pai”
Premio «María Martínez Sierra»
de Traducción Teatral
– Ganador: Miguel Sáenz por su traducción de “El presidente”, “Los
famosos” y “La paz reina en las cumbres”, de Thomas Bernhard
(Hondarribia: Hiru, 2005).
– Finalistas: Sergi Belbel por su traducción de “Les falses
confidències”, de Pierre C. de Marivaux. (Barcelona: Teatre Nacional de
Catalunya, 2005) y Jaroslaw Bielski y Maxi Rodríguez por su traducción
de “Cuarteto para cuatro actores” y “Ensayos para siete”, de Boguslaw
Schaeffer. (Madrid: Publicaciones de la ADE, 2005).
Premio «Leandro Fernández de Moratín»
para Estudios Teatrales
– Ganadores (Ex aequo): Eduardo Pérez-Rasilla y Julio Enrique Checa:
“El Premio Lope de Vega. Historia y desarrollo”. Madrid: Publicaciones de
la ADE, 2006. Manuel F. Vieites: “Creación dramática, educación popular
e construcción nacional (Galicia 1882-1936)”. Lugo: TrisTram, 2005.
– Finalistas: Emilio García Carretero: “Historia del Teatro de la Zarzuela
de Madrid”. Madrid: Fundación de la Zarzuela Española, 2006 y Santiago
Trancón: “Teoría del Teatro”. Madrid: Fundamentos-RESAD, 2006
Premio «Rogelio de Egusquiza» de Iluminación
– Ganador: Miguel Ángel Camacho por “Amar después de la muerte”.
– Finalistas: Francisco Ariza y Mario Gas por “Flor de otoño” y Luis
Perdiguero por “Barcelona, mapa de sombras”
Premio «Adrià Gual» de Figurinismo
– Ganador: Lorenzo Caprile por “Don Gil de las calzas verdes”.
– Finalistas: Pedro Moreno por “Maribel, el Musical”.
Nina Pawlowsky por “Las variaciones Goldberg”.
Premio «Joseph Caudí» de Escenografía
– Ganadores: Ricardo Sánchez Cuerda y Gerardo Vera por “Divinas
palabras”.
– Finalistas: Estel Cristià y Max Glaenzel por “Les falses confidencies” y
Juan Sanz y Miguel Ángel Coso por “Adiós a la bohemia” y “Black el
payaso”
Premio «Adolfo Marsillach»
a una Labor Teatral Significativa
– Ganador: Centro de Documentación Teatral por su actividad en favor
de la preservación de la memoria, el conocimiento y la investigación
del patrimonio teatral español.
Premio ADE de Dirección
– Ganador: Ernesto Caballero por “Sainetes”.
– Finalistas: Xavier Albertí por “El hombre de teatro”, Ricardo Iniesta
por “Medea, la extranjera”, Josep Mª Mestres por “Un matrimoni de
Boston” y Ana Zamora por “La tragicomedia de don Duardos”.
Premio MARÍA TERESA LEÓN 2006
– Ganadora: Amaia Fernández Rodríguez (España) por su obra
“Amarás a tu prójimo”.
– Accésit: Irene Mazariegos (España), por su obra “Little Brook”.
Entregados los Premios ADE y María Teresa León 2006
El pasado 4 de diciembre tuvo lugar en el Teatro Español de Madrid
la fiesta de entrega de los Premios ADE y María Teresa León para
autoras dramáti cas que cada año convoca la Asoci aci ón de
Directores de Escena de España. Los premios ADE, que se otorgan
anualmente mediante votación de los asociados, están convocados
por la Asociación de Directores de Escena de España, en colabora-
ción con el Teatro Español. Los galardonados reciben diploma y una
estatuilla diseñada por el pintor y escultor José Hernández.
El Premio María Teresa León para autoras dramáticas, por su parte,
está convocado por el Instituto de la Mujer del Ministerio de
Trabajo y Asuntos Sociales y la Asociación de Directores de Escena,
con la colaboración de la Fundación Autor de la SGAE. Este galar-
dón, que alcanza su decimotercera edición, está dotado con 8.600
euros y un accésit de 4.300 euros. A la edición de 2006, han concu-
rrido 70 obras de escritoras de España, Argentina, Estados Unidos,
México, Costa Rica, Ecuador, Colombia, Chile, Cuba y Panamá.
Carlos Álvarez Ossorio recibe el Premio “José Luis Alonso” para Jóvenes Directores de manos de
Ángel Fernández Montesinos, Presidente de Honor de la ADE.
Ernesto Caballero, Premio ADE de Dirección 2006, recoge el premio de manos de la actriz
Mercedes Sampietro
Gerardo Vera y Ricardo Sánchez Cuerda, Premio “Joseph Caudí” de Escenografía 2006.
Julio Huélamo, director del Centro de Documentación Teatral, recogió el Premio “Adolfo
Marsillach” a una labor teatral significativa otorgado a dicha institución.
Premiados
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del festivales
El Centre Teatral Escalante y Novembre Exposicions, en coproducción, llevan a cabo la exposi-
ción itinerante “El teatro: toda una historia”, una excursión en el tiempo cuyo fin es acercar al
visitante a la historia y evolución del teatro, desde su nacimiento hasta la actualidad. Así, se
pretende proporcionar unos conocimientos generales acerca de tipologías, textos, autores,
atmósferas, recursos escénicos y anécdotas que explican los porqués de cualquier represen-
tación; en definitiva, incentivar el amor al teatro y la curiosidad, clave del conocimiento. Este
recorrido tiene paradas en las épocas más relevantes de la historia del teatro. Maquetas, esce-
nografías, máscaras, títeres de guante, sombras, cuadros, esculturas, superficies imantadas,
rompecabezas interactivos y demás estímulos visuales y táctiles y lienzos, conforman las once
estaciones de este imprescindible viaje. Estas once paradas son Los Primitivos, Grecia, Roma,
Teatro Medieval, Commedia dell’Arte, Teatro Isabelino, El Siglo de Oro Español, Barroco, Siglo
XIX, Siglo XX, Las Vanguardias y el Teatro en el Mundo. El versatil artista plástico, autor y direc-
tor teatral Gianni Franceschini plantea con la exposición “El Teatro: toda una historia” una
aproximación artística al universo teatral; una experiencia interactiva que permite jugar, invo-
lucrarse, experimentar y aprender. En definitiva, participar del teatro. La exposición, que dis-
tribuye Teresa de Juan podrá verse próximamente en Ceuta del 13 al 27 de marzo.
Teresa de Juan distribuye la exposición
“El teatro: toda una historia”
Los días 22, 23, 24 y 25 de enero se celebra en
Madrid la Feria de Artes Escénicas promovida por
Artemad que en esta tercera edición cuenta con
trece espectáculos de teatro y danza. El objetivo
de Artemad es que los programadores vean en
vivo los espectáculos y que las compañías actúen
en las mejores condiciones, además de propiciar
el debate, la generación de ideas y el intercam-
bio de información. Para ello, se cuenta con la
excepcional capacidad de espacios escénicos,
producción, programación, público, plazas hote-
leras, transporte y otros muchos atractivos, tanto
para las compañías como para los profesionales
de la programación, la distribución y la gestión
teatral de la ciudad de Madrid.
En esta tercera edición, se contará en la sección
oficial con los siguientes espacios escénicos: Sala
Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán, Sala de la
Princesa del Teatro María Guerrero, Teatro
Galileo, Teatros de la RESAD, Teatro de la Abadía,
y el Teatro Cervantes y Corral de Comedias de
Alcalá de Henares. A ellos se
sumarán los teatros en los
que estén programados los
espectáculos de la sección
“En Cartel”. Como novedad,
en esta edición se instituirán
los Premios Artemad de reco-
nocimiento a la labor teatral
de una entidad y un profesio-
nal de las artes escénicas.
Asimismo, se seguirán cele-
brando reuniones sectoriales
y encuentros entre profesionales.
Algunas de las compañías que podrán verse serán Summa Cavea Producciones con
“Samarkanda”, Nafas Dance Company y “Good Night… Amadeus”, Teatro Meridional con el
espectáculo “Como ser Leonardo”, la Quintana Teatro con “Desde lo invisible”, Teatro del
Noctámbulo con “El hombre Almohada”, Chanta la Mui con “Chanta la Mui” y la compañía Manero
Teatro y “Desnudas”. Por su parte, Artibus representará “El Ladrón de Columnas”; Santa María
Compañía de Danza, “Passe le Temps”; Suripanta Teatro presenta “Los otros”; Traspasos Kultur con
“Demasiado Humano”; Morboria Teatro y “El enfermo imaginario” y la compañía Leonor de
Aquitania con la obra del mismo nombre.
Un año más, las propuestas más vanguardistas del
teatro, la danza, la performance y la música, se
acercan a la escena madrileña del 29 de enero al 25
de febrero de 2007, dentro del Festival Escena
Contemporánea. Este año además con nuevo
director, Roberto Cerdá, y nuevos espacios. En esta
séptima edición, se podrá ver en teatro la última
producción de Matarile Teatro, “Truenos &
misterios”, o Atra Bilis con “El año de Ricardo”, de la
autora, actriz y directora Angélica Liddell. La
Compañía Cuarta Pared estrena “Rebeldías posibles”
e [in]constantes teatro llevará a escena “La Tierra”,
del autor José Ramón Fernández, en un espectáculo
con más de quince actores en escena y con la
presencia de la bailarina y coreógrafa Teresa Nieto.
La vanguardia en el Festival
Escena Contemporánea
Llega el Festival VEO
Del 14 al 25 de febrero el festival VEO trae a Valencia
el arte escénico más efervescente. Cinco años después
de su inicio, el Festival Internacional VEO ha
conseguido romper fronteras y etiquetas teatrales,
alterar los conceptos tradicionales, modificar los
lenguajes artísticos habituales y reventar neuronas en
un público mayoritariamente joven. En esta edición,
trae una propuesta de programación pensada para
inconformistas que huyen de los espacios
convencionales. El VEO no deja indiferente a nadie, ni
siquiera a los transeúntes que se encuentran de forma
inesperada con una acción de teatro, danza o música
en la calle. Architects of Air, Teatro de los Sentidos,
Jordi Cortés, Froe Froe, Didier Theron, Maia Mónaco,
Societat Doctor Alonso… son algunos de los nombres
propios de esta quinta edición, hasta completar más
de veinte compañías.
Por último, la madrileña Compañía El Canto de la Cabra estrena “Trece años sin aceitunas” y el
catalán Sergi Fäustino presenta “f.r.a.n.z.p.e.t.e.r.”. En danza llega desde el País Vasco
Ciento Cincuenta Cuerdas/Blanca Arrieta con “Zero” en la Sala Cuarta Pared y La Nave
de Cambaleo. La joven compañía gallega Pisando Ovos presenta “No intre 1800” en
la Sala Ítaca y La Nave de Cambaleo y alleRetour-Jesús Hidalgo, compañía
valenciana residente en Francia, actuará en Pradillo con “Ellas”.
En cuanto a la programación internacional, desde la República Checa
contaremos con la presencia de Farm in the Cave y su espectáculo “Waiting
Room”, un trabajo de teatro-danza premiado internacionalmente que
inaugurará esta VII Edición del Festival en la Sala Cuarta Pared. En esta
sala también podremos ver a la performer británica Stacy Makishi
con “Bull: The True Store”, una historia inspirada en la película
“Fargo” de los hermanos Coen. Desde Francia podremos ver en
danza a Catherine Diverrès y el Centre Chorégraphique National
de Rennes et de Bretagne con “Solides” en el Teatro Pradillo y a
Claudia Triozzi que presentará su performance “Park” en La Casa
Encendida, entre otras muchas propuestas.
Fotografía: Mihalis Kloukinas
III edición de la Feria de Artes Escénicas de Madrid
“Demasiado humano”, de Traspasos Kultur
“Cómo ser Leonardo”, de Teatro Meridional
“Desnudas”, de Manero Teatro
“SuperLux. Danza”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del ferias y eventos
Ya es un éxito que Serantes y Fundación Autor hayan
pensado en la necesidad de abordar uno de los temas
centrales de la estrategia de las artes escénicas, y que
hayan asumido con generosidad y esfuerzo la respon-
sabilidad de convocar unas Jornadas para debatir sobre
ello. Aunque la perspectiva desde la que se abordaban
estas Jornadas era desde la mirada externa, por perso-
nas expertas no implicadas en el día a día del sector, ha
resultado estimulante, provocadora en algunos casos,
orientadora en otros. La propuesta era buscar la suge-
rencia, las líneas de transformación y renovación en el
trabajo de comunicación de los asistentes, más que el
establecimiento de fórmulas concretas. La organización
proponía una reflexión marco sobre el tema de las
Jornadas, planteando la nueva y más humilde posición
de las artes escénicas en el todo cultural y en la socie-
dad producida por los cambios históricos del siglo XX,
deteniéndose especialmente en el impacto que
Internet tiene en los últimos diez años y las nuevas e
inmensas tareas que para el sector tiene esta novedad.
Robert Muro, en su ponencia, hizo un recorrido por las
fortalezas comunicativas del sector y por los principales
retos que el sector debe afrontar en materia de comu-
nicación: desarrollo de un modelo propio de comunica-
ción, diferenciado del cine y la televisión; asunción de la
comunicación como un elemento estratégico que debe
estar presente en todas las fases de la producción y la
exhibición; consideración de los espectadores como
interlocutores; atención específica al sector más joven
con productos y modelos relacionales específicos; crea-
ción de un sello y unos mensajes identatiarios de las
artes escénicas; comunicación de calidad artística; y
asunción de Internet como un sistema de información y
comunicación privilegiado…
Javier Olivares, encargado de abordar el tema de las
nuevas tecnologías, proponía una reflexión de las nue-
vas tecnologías, no como instrumento tecnológico sino
como elemento presente de nuestras vidas. Y así abor-
da la comunicación no desde la perspectiva del marke-
ting, sino que la entiende desde el qué contamos a los
públicos. Por ello se centra esencialmente en el produc-
to artístico, como elemento comunicativo, señalando
críticamente su distanciamiento temático y de trata-
miento con las preocupaciones de la sociedad en la que
se desenvuelve; su tendencia a convertirse en museo.
Resalta también los cambios que las tecnologías han
producido en los espectadores, ahora formados en el
cine y la televisión, acostumbrado a ritmos y lenguajes
visuales a los que el teatro no puede dar la espalda.
Olivares se plantea que los cambios tecnológicos en la
historia han producido siempre movimientos culturales
renovadores y se pregunta por qué el teatro mantiene
una cierta cerrazón a la modernidad, que hay que
remover.
Roberto Gómez de la Iglesia tenía encomendada la
ponencia acerca de las estrategias de Comunicación
para las artes escénicas. Nos propone un principio para
iniciar la reflexión: la única estrategia buena es la propia
organización. La fuerza del sector, señala, es la oferta de
Jaume Colomer desgrana el concepto de público y no-
público al que nos dirigimos, las variables o perfiles que
definen al primero y los retos que supone el no-público
(desinterés, desarraigo, resistencia). Colomer nos pre-
senta la orientación público-economía-ocio en un
extremo de la línea imaginaria, y en el otro la orienta-
ción producto-arte, una línea en que cada empresa,
compañía o teatro ha de situarse buscando el equilibrio
en la utilización de mensajes y medios de comunica-
ción. En las estrategias de desarrollo de públicos señala
las educativas como las más consistentes y a largo
plazo, las sociales, en proceso de investigación y des-
arrollo incipiente, y el marketing. Termina señalando
que junto a la comunicación general, menos específica,
las organizaciones del sector deben desarrollar líneas
específicas para las distintas modalidades de público y
los diferentes segmentos del mercado.
Ignasi Vendrell y Lourdes Fernández nos hablan de la
utilización de signos comunicativos propios y nuevos, y
de la escenificación de la comunicación, un concepto,
una idea que mediante fórmulas puramente creativas,
basadas en el talento, permite a los proyectos y a las
ideas ser mas visibles, hacer más atractiva y sugerente
la comunicación de los contenidos escénicos. Locuras
aparentes, escenas que a los más viejos les recuerdan
“sus tiempos” de pequeños guerrilleros de la libertad, la
pintada y el ciclostil, que abren el paso al mensaje de
fondo: explorar, buscar, no seguir por caminos trillados,
ni en palabras, ni en formas, ni en imágenes. Mensaje
éste que parece enviado a los mejores destinatarios
posibles, porque quienes se dedican a las artes escéni-
cas son, por esencia, profesionales de la comunicación.
Pedro Antonio García subraya la necesidad de estudiar
el entorno competitivo para definir el posicionamiento
del teatro y su estrategia de comunicación y propone
una serie de ideas para competir: crear comunidades
físicas y virtuales en torno al hecho escénico, facilitar la
interacción con el público, anticipar la emoción, gene-
rar y acercar la experiencia personal en la visión de tea-
tro, impulsar su práctica… Y desarrollar líneas de pla-
cer, asociadas al teatro: lectura, turismo… Y líneas de
ruptura del aislamiento social, como el acercamiento a
prescriptores. También nos ofrece una frase de
Eisenhower, provocadora a primera vista: “Si tienes un
problema insoluble, agrándalo”.
Robert Muro
experiencia –característica de las artes escénicas–, un
bien ansiado por otros sectores industriales que lo pre-
sentan en su publicidad como valor añadido a sus pro-
ductos y que en teatro es consustancial. Lo que hace-
mos son expectativas, sueños, deseos, y así debemos
presentarlo. Nos alerta a no confundir al cliente con el
usuario, y nos incita a poner en primer plano en el sec-
tor la relación con ambos.
Pedro Barea realiza un exhaustivo recorrido por los
modos de incidencia de la comunicación escénica a tra-
vés de la información, la publicidad, la crítica y lo que él
denomina ecosistema comunicativo y cultural, en el
que confluyen diversos aspectos a tener en cuenta en la
comunicación, como la imagen de los espacios escéni-
cos o la comunicación entre espectadores.
Jesús Rodríguez Lenin propone a las compañías y
empresas del sector que en la comunicación actúen
como periodistas, asumiendo la responsabilidad de la
definición de los contenidos a transmitir y los medios a
emplear. Frente a la cada vez mayor tendencia a dele-
gar en terceras personas esta tarea propone su asun-
ción directa por las empresas del sector la responsabili-
dad de comunicación para definir mejor la propia ima-
gen y los propios mensajes, lo que quieren decir y lo
que otros quieren que oigan.
Álvaro Gurrea, está como siempre, rechaza el teatro y,
con pasión y humor, realiza un encadenado de reflexio-
nes radicales. “Cómo vas a ganar dinero si te gusta
hacer bien tu trabajo”, nos dice para empezar. Propone
el sometimiento del sector y de sus productos, los
espectáculos, a las leyes del mercado, proponiendo que
sea la gente, los espectadores con su libre elección y
financiación, quienes decidan. Las ayudas instituciona-
les, dice, son cadenas que reducen la libertad y la crea-
tividad.
Respecto a la publicidad afirma que es el arte de hacer
diferente lo igual: una tomadura de pelo, en definitiva.
Critica un modelo de comunicación visual en el que lo
que predomina, dice, es información comercial ilustra-
da, antiguo en las formas. Detecta, además, poquísima
heterodoxia e inquietud estética en un mundo, el escé-
nico, del que cabe esperar mucho más. Las imágenes,
los soportes –incluso señala la tendencia a utilizar
papel brillo y de alto gramaje– le hablan de un sector
conservador, de un mundo aparte.
Y propone evitar los caminos trillados y una profunda
renovación en la imagen comunicativa.
Un instante de la inauguración de las Jornadas, con la intervención de Carlos Morán.
Tuvieron lugar en Santurtzi del 22 al 24
de noviembre, con la intervención de
nuestro editor, Jesús Rodríguez Lenin
Tuvieron lugar en Santurtzi del 22 al 24
de noviembre, con la intervención de
nuestro editor, Jesús Rodríguez Lenin
Éxito de las Jornadas sobre comunicación y artes escénicas
organizadas por Serantes y la Fundación Autor
El pasado mes de noviembre, entre los días 22 y 24,
tuvieron lugar en Santurce las primeras Jornadas
sobre Comunicaciòn y Artes Escénicas organizadas por
Serantes Kultur Aretoa y la Fundación Autor, con la
coordinación del colaborador de El Espectáculo
Teatral Robert Muro, quien ha elaborado las
siguientes conclusiones sobre el acontecimiento.
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
e n t r e v i s t a
- ¿Cómo surge Producciones Come y Calla?
- Ricardo: Eva y yo nos conocimos trabajando en
la producción de “El adefesio”, de Nieves Gámez.
A raíz del entendimiento que se produjo en aque-
lla ocasión fue surgiendo la posibilidad de seguir
colaborando en diversas producciones, hasta que
nos planteamos la necesidad de crear una pro-
ductora para empezar a desarrollar proyectos
controlados directamente por nosotros. Y empe-
zamos haciendo encargos pequeños: eventos,
stands, etc., que nos fueron permitiendo estruc-
turar un sistema propio de trabajo.
- Eva: Una de las cosas que más nos allanó el
camino es el hecho de que todos coincidíamos en
una idea clara: la coincidencia de criterios entre lo
que es la vertiente artística de un proyecto y su
producción. Uno y otro se amoldan. No son
departamentos independientes en los que uno
vaya por delante del otro, sino que en el mismo
momento de creación del proyecto se empieza a
pensar en su producción. Lo artístico piensa en
términos de producción y la producción piensa
en términos artísticos y así logramos entender-
nos a la perfección.
- Antes has comentado que buscábais estructu-
rar un sistema propio de trabajo… ¿Se puede
definir?
- R: El nuestro no es que sea un sistema propio de
trabajo, sino que es, simplemente, el hecho de
admitir que tiene que haber, necesariamente,
una función de producción cubierta, y un enten-
dimiento forzosamente enriquecedor entre la
parte artística, en este caso mi función como
escenógrafo, con la producción. Lo normal es que
ambas partes estén en lucha permanente.
- E: Lo que yo veo muy positivo en nuestra forma
de trabajar es que desde el primer momento esta-
mos todas las partes interrelacionadas para que el
resultado satisfaga las expectativas, tanto en la
creación como en la producción o la distribución.
Aquí nadie se pone a crear para que luego otra de
las partes del proceso diga que no…
La distribución, por ejemplo, no consiste sólo en
vender… Graciela también está diseñando el
proyecto de lo que va a vender, así que la obra
también es parte de ella.
- Graciela: Con esta forma de hacer las cosas,
todos somos mucho más creativos.
- ¿Cómo se gestó vuestra primera producción,
malmente la gente sabe lo suyo, exclusivamente,
pero desconoce lo de los demás: qué es un taller
de decorados, lo que es una semana de montaje,
lo que son los nervios de los actores… Se hacen
producciones de despacho, no de escenario.
- ¿Falla el marketing?
- E: También. O el diseño del cartel, que es algo a
lo que se da, por lo general, muy poca importan-
cia. Hay un cambio generacional, pero está cos-
tando muchísimo. Y te pongo un ejemplo: yo
estoy de asesora del programa de TVE “La
Mandrágora”. Me sigue pasando que las compa-
ñías no dan facilidades para que hagamos una fil-
mación exclusiva, que les va a salir gratis. Y me
remiten, otra vez, al pase de gráficos. Cuando no
sucede que le dan más importancia a los progra-
mas del corazón… Las compañías más pequeñas
son las que mejor preparadas están, y son capa-
ces de enviar un DVD con cinco minutos de roda-
je de una calidad excelente, que me evitan locali-
zar a un redactor o encontrar una cámara que, a
lo mejor, está ocupada en otra cosa y no puedo
contar con ella el resto del día… El que nos envía
un DVD va a salir mucho antes que si tengo que ir
yo para, además, encontrarme con que todo son
problemas.
- R.: El problema es que no se tiene conciencia de
formar parte de una industria, la cultural. Y de que
la cultura, en España, no se valora. Con excepción
en Cataluña. Hay una gran diferencia en cómo
plantea su realidad cultural un catalán y como se
plantea en el resto del estado. Ellos sí tienen con-
ciencia de industria, y se van a Edimburgo a ven-
der sus productos o tienen directores que se mue-
ven en el ámbito internacional.
- ¿Y los principales problemas en lo que se refie-
re a la distribución?
- G: La venta de teatro, como la venta de cual-
quier otro producto, se facilita mucho cuando
quien lo vende cree en ello. Cuando a mi me ofre-
cen “Cuando era pequeña” no encuentro ningún
problema, porque es una historia que me encan-
ta. Veo un interés artístico y una impronta de tra-
bajo que me enganchan. Si yo me creo lo que dis-
tribuyo, puedo distribuir cualquier cosa.
- En España apenas existen teatros privados. ¿Es
algo que se debe tratar de solucionar o ya da lo
mismo?
- G.: No da lo mismo. Es un problema que deberí-
amos intentar solucionar entre todos. Ahora
mismo nuestro movimiento se limita al ámbito
público. Tenemos que confiar en la labor del ges-
tor cultural y en que cada unos esté haciendo lo
mejor por su teatro y por fomentar su público.
- E: Efectivamente. Otra de las grandes lagunas
que tenemos es el poco interés por autores con-
temporáneos. La SGAE organiza cada año un ciclo
de lecturas de autores contemporáneos… y por
allí no aparecen los productores. En términos
generales, somos muy poco inquietos, vamos a lo
de siempre, a lo que sabemos que funciona y a
comprar los derechos. La nuestra debería ser una
labor más fresca, de búsqueda.
- G: En las productoras de cine hay un equipo
mínimo de quince o veinte personas dedicadas,
exclusivamente, a leer guiones. En el teatro eso
no se lo plantea nadie…
- E: Preguntabas por las lagunas… Creo que lo
bueno del teatro, en España, es que nos queda
mucho por hacer…
El prestigioso escenógrafo Andrea
D’odorico y la sorprendente directora
Tamzin Townsend colaboran por
primera vez en el montaje de “Cuando
era pequeña”, en la que el italiano ejerce
también de co-productor.
La relación de D’odorico con Ricardo
Sanchez Cuerda, uno de los socios
fundadores de Producciones Come y
Calla, arranca del pasado, ya que este ha
sido ayudante suyo, como escenógrafo,
en numerosas oportunidades. “Cuando
Eva y Ricardo me comentaron la idea de
trabajar con Tamzin para su primera
producción me pareció excelente
–recuerda Andrea. De hecho, tenían en mente un proyecto creativamente sorprendente: querían que
Tamzin planteara la obra que le gustaría hacer. Pretendían hacer el montaje sobre el que ella se pudiera
sentir más cercana. No se trataba de un encargo frío”.
- ¿Por qué elegiste esa obra?
- Tamzin: Antes de nada quiero decir que me parece insólito y maravilloso que una nueva productora
pregunte a un director qué montaje quiere poner en pie. Además del voto de confianza que recibes, ello
hace que te impliques en el proyecto totalmente y que te sientas en el mismo barco desde el principio.
Todas las presiones habituales (“¿quieres hacer esta obra?”, “¿cómo piensas dirigirla?”), desaparecen. En
este sentido, estoy muy agradecida a Come y Calla y p sido una experiencia muy bonita trabajar con ellos.
Esto dicho, elegí “Cuando era pequeña” porque es una obra que conozco muy bien. Es una obra de pequeño
formato, pero muy bien construida, que plantea un tema muy cercano.
La obra plantea las relaciones entre madre e hija y que habla del éxito profesional y la esterilidad afectiva:
de la posesión, de la dependencia, de la represión sexual. Yo, ahora mismo soy las dos cosas al mismo
tiempo, madre e hija. Además, como la protagonista, yo he sido hija única y madre soltera y siempre me
sentí muy atraída por esta obra. Cuando no hay padre, cuando no hay hermanos, se establecen unos
vínculos de dependencia y posesión muy fuertes. Y cuando la hija reivindica su lugar en el mundo no se
produce nunca en el momento que lo espera la madre. Y los dos mundos chocan.
- A.: Cuando suceden las rupturas de pareja, las relaciones entre madre e hija sufren una gran presión
porque la hija, por lo general, no admite que la madre rehaga su vida y tenga un nuevo novio. La considera
una puta. Y eso es terrible. Y eso pasa en la obra, pero es lo que pasa en la calle. Conozco familias en las que
ha sucedido eso: que la hija acepta que el padre tenga una nueva novia, pero no lo tolera en el caso de la
madre. La hija considera una obligación de la madre que se mantenga a su lado.
- Los dos sois extranjeros. ¿Es sólo casualidad o hay algo en las posibilidades del teatro en España lo
que ha hecho que os hayáis establecido definitivamente aquí?
- A: Yo llevo aquí 35 años. Sigo siendo italiano. Hasta 1983 sólo hacía un montaje al año, pero luego me
convertí en director técnico del Teatro Español. Y en 1993 monté mi empresa, para hacer un tipo de
trabajos que si no los hacía yo nadie me los iba a ofrecer.
- T: Yo llevo en España desde 1992. Llegué antes a finales de 1989, pero me volví a marchar.
- A: Yo llegué aquí por casualidad, como arquitecto. En 1976 lo dejé y empecé a dedicarme al teatro, al cine
y la televisión y entré en una rueda en la que me he quedado enganchado. Porque esta es una profesión en
la que todos colaboramos con todos: somos muy pocos los profesionales y el que no lucha se queda fuera.
- T: ¡Es una profesión que necesita tanta energía! En cada montaje te ves obligado a poner todo tu talento
y extraer todo su jugo a las neuronas. Creas, creas, creas… y luego va o no va.
Yo jamás había decidido venir a España a trabajar. Fue la casualidad. Un teatro estaba preparando una obra
de un autor inglés que me encanta, y el director había desaparecido. Alguien me lo comentó y yo, con la
caradura de los 22 años ,llamé –casi sin hablar español– diciendo que sabía mucho de esa obra…
La jugada me salió bien. Entré en contacto con un grupo de gente maravilloso y la obra fue un gran éxito
en Barcelona durante dos años y, a partir de ese momento fui encadenando proyectos, y cada vez que
acababa uno me decía que era el momento de regresar al Reino Unido, pero todavía lo estoy pensando.
Tengo un marido catalán, dos hijas y creo que todavía no voy a regresar.
Tamzin Townsend y Andrea D’odorico
colaboran juntos por primera vez
El núcleo de socios de Producciones Come y Calla lo integran el escenógrafo Ricardo
Sánchez Cuerda, Javier Ramos y Eva Paniagua, a los que hay que añadir a Graciela
Huesca, como jefa de distribución, y Pablo Ramos, como jefe de producción. Fundada
en mayo de 2005, la productora comenzó a trabajar en septiembre del año pasado,
primero con pequeños encargos para terceros, hasta poner en marcha su primera
producción, “Cuando era pequeña”, texto de Sharman MacDonald, que fue dirigido
por Tamzin Townsend, la aclamada directora de la versión en castellano de “El
método Grönholm”, con co-producción a cargo del prestigioso escenógrafo Andrea
D’odorico. Actualmente, Come y Calla tiene también en gira “Amor y otros pecados”,
en co-producción con Javier Veiga, y preparan para el próximo mes de octubre el
estreno, en co-producción con el ayuntamiento de Fuenlabrada, de “El principito”,
con Eduardo Casanova como protagonista. Seguidamente, en 2008 estrenarán “El
ponche las pone mimosas”, una revista musical protagonizada por Candela Peña,
que dirigirá Emilio Sagi.
“Cuando era pequeña”?
- E: Ricardo y Tamzin
Townsend han trabaja-
do mucho y bien en el
pasado. Cuando crea-
mos la empresa, Ricardo
sugirió que empezára-
mos con ella y nos pare-
ció bien. Y lo primero
que le preguntamos a
ella es qué le apetecía
hacer… También hay
que decir que desde el
principio contamos con
la colaboración como co-productor de Andrea
D’odorico, que nos apadrinó en esta primera pro-
ducción.
“El principito” es nuestro siguiente proyecto, y se
ha gestado de la misma manera: Pablo Ramos,
nuestro jefe de producción lo propuso y hemos
empujado todos en la misma dirección.
- ¿Existe algúna filosofía artística que unifique
los diferentes proyectos que tengáis previsto
desarrollar?
- E: No hay un espíritu creativo común o la dedica-
ción a un género, porque ahora tenemos en gira
una comedia estupenda, luego vamos a hacer una
obra que parece infantil y no lo es y, en tercer lugar,
preparamos una revista… Lo que nos une es el
método para llegar a las cosas y que no somos una
compañía: trabajamos con gente diversa y vario-
pinta. Primero ha sido Tamzin, luego Emilio Sagi y
después vendrá Félix Sabroso y con actores igual
de diferentes para cada trabajo que hemos abor-
dado hasta el momento. No queremos trabajar a
destajo, sino que cada producción sea nuestro
caramelito de cada momento.
- ¿Cuáles son las lagunas que detectáis en el
mundo español de las artes escénicas?
- G: ¡Yo llevo “sufriendo” el hecho teatral desde
hace cuatro generaciones…! Desde mi bisabuelo.
¿Lagunas? El teatro es un ser vivo. A mi me surgió
como “laguna” que yo quería pertenecer a este
mundo pero no como directora, actriz, o cantan-
te. Yo quería ser gestora… ¡Y no sabía dónde acu-
dir! No sabía por donde moverme para hacerme
una profesional del otro lado del escenario.
- E: La laguna fundamental es que no hay industria:
todo se desarrolla de forma casi artesanal. Y nor-
La productora Come y Calla debuta con “Cuando era pequeña”
De izda. a dcha.: Pablo Ramos, Eva Paniagua, Graciela
Huesca y Ricardo Sánchez Cuerda.
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
t e a t r o d e t e x t o
“Un cuento de invierno” es
la primera coproducción
entre la Comunidad de
Madrid y la Comunidad
Valenciana. Una coopera-
ción que significa tender
puentes artísticos entre dos
comunidades españolas
punteras en materia cultural
y en la que participa la
empresa Tornaveu
Distribución. Magüi Mira
dirige esta obra de
Shakespeare, en versión de
José Sanchís Sinisterra, que
se estrenará el próximo 17
de enero en el Teatro
Albéniz de Madrid. Considerada tradicionalmente como una comedia, esta obra tiene los
suficientes elementos de drama y de novela psicológica para ser considerada por muchos
especialistas como la obra total de Shakespeare. Magüi Mira se interesó por esta historia por
su actualidad que “hoy parece sacada de una página del periódico que recogemos a la sali-
da del metro cada mañana”. Un cuento de una mujer embarazada que, acusada de adulterio
y conspiración, maltratada física y emocionalmente por su marido, muere inocente. Su bebé,
una niñita preciosa nacida en prisión, es entregada a los cuervos y fieras en tierras lejanas. Su
hijo adolescente muere de pena. Pero al final, el padre se arrepiente y se ahoga en su dolor
y la niñita se salva… “Un cuento de invierno muy triste, porque como pasa con los cuentos,
no es de verdad. Hoy ningún hombre maltratador se arrepiente y las niñitas abandonadas no
se salvan”, dice Mira.
Además, este montaje cuenta con el aliciente de ver sobre el escenario al actor británico Will
Keen (en el personaje de Leontes), uno de los más prestigiosos en el Reino Unido, que actua-
rá en alguna de las funciones. Recientemente ha estado en España en el Festival de Almagro
y en el Grec con “The Changeling”, de Thomas Middleton, junto con la mundialmente famo-
sa compañía Check by Jowl, dirigida por Decían Donellan. Junto a él, la actriz Lucia Jiménez,
en el doble papel de Hermiona y Perdita.
La compañía David Amitín Teatro presenta “Buenas noches, Hamlet”, una atrevida
visión de este clásico de Shakespeare, de José Ramón Fernández y David Amitín. La
obra estará en la sala Lagrada de Madrid hasta el 4 de febrero. Hamlet es una historia
sobre la conciencia acerca de unos hechos y sobre la necesidad de la acción posterior.
La compañía ha trabajado sobre Hamlet desde una mirada contemporánea, tratando
de comprender los aspectos que a menudo la obra, si no hurta, al menos no ilumina:
¿Por qué el asesinato en ese momento, no años antes o después? ¿Es Gertrude
cómplice de Claudio en el asesinato, o ni siquiera es conciente de que su primer
marido ha sido envenenado? ¿Qué hay de cierto en la mirada de Hamlet: la lujuria de
su madre, la extremada calidad humana de su padre? ¿Quién es Ofelia, de quien se
enamora Hamlet (no un muchacho, sino un sabio)? La compañía ha ubicado la
historia de Hamlet en torno a dos momentos esenciales: la escena de Hamlet con su
madre, en el dormitorio, y la escena del cementerio. Esta propuesta no es una versión
fiel. Es una búsqueda a través de la historia que todos conocemos para mirar lo que
hay en los rincones, a la que se han añadido textos no existentes, como el primer
encuentro con Ofelia, como forma de establecer un diálogo con el poeta a través de
su obra. “Buenas noches, Hamlet” sucede en una ciudad en ruinas, en Europa, como
siempre entre dos guerras. En medio de la chatarra, las piedras y los cascotes,
imágenes de destrucción a las que ya nos hemos acostumbrado cotidianamente, los
siete personajes de esta versión despliegan su ritual de tragedia, humor y poesía.
David Amitín Teatro muestra aspectos ocultos de Hamlet
Tornaveu, en el Albéniz con “Un cuento de invierno”
Después de un año de gira por España e Hispanoamérica vuelve al Teatro Pavón de
Madrid “Viaje al Parnaso”, de Miguel de Cervantes, en versión de Ignacio García May,
que ha adaptado el verso original del texto para el teatro y con dirección de Eduardo
Vasco. A lo largo de este año, el montaje ha recibido elogiosas críticas que lo califi-
can como “una joya escénica (y más con la música en directo) hecha a medida de la
increíble inspiración cervantina”, “la versión de la CNTC es el más puro y limpio de
los cervantes que he visto”, “personalísima visión que captura y hace fluir, a través de
la palabra y el movimiento, la esencia y el espíritu burlón del manco de Lepanto” o
“Vasco ha sabido extraer todo el teatro de esta fábula, sin hurtarle un átomo de sáti-
ra ni reducir la mucha enjundia crítica que esconde”. La obra podrá verse en Madrid
del 10 de enero al 11 de febrero. Considerada como el testamento literario y espiri-
tual de Cervantes, “Viaje al Parnaso” está interpretada por cinco actores de la
Compañía Nacional de Teatro Clásico, acompañados de cuatro músicos, que se
reparten los versos que tienen al propio Cervantes como protagonista y como
defensor de la buena poesía ante el dios Apolo. Cervantes compone esta obra, su
único poema narrativo extenso, en 1614, dividiendo en ocho capítulos un viaje ima-
ginario al monte Parnaso. Mediante su humor característico, una afilada ironía y sal-
picado de referencias autobiográficas, Cervantes recibe el encargo de preparar un
ejército con el que combatir en las faldas de este monte , cuna de Pegaso, contra una
horda de poetas mediocres que amenaza con invadirlo. Embarcado, el Manco va
alistando una milicia de escritores, los mejores de su tiempo, que disparan libros, y
no flechas, y caen heridos por “rimas españolas” y “sátiras antiguas licenciosas”.
Vuelve al Teatro Pavón de Madrid “Viaje al Parnaso”
La directora Magüi Mira.
Will Keen y Lucía Jiménez.
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
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el mundo del
compañías
t e a t r o d e t e x t o
El productor Juanjo Seoane continúa con la gira de “La duda”, en una
nueva versión teatral de Juan Altamira y Carlos Villacís, dirigida por
Ángel F. Montesinos. “La duda” está basada en la novela “El abuelo” de
Benito Pérez Galdós, en la que retrata la España de 1900 y hace una críti-
ca social del honor, la burguesía y la aristocracia de esa época. En esta
versión, el abuelo es una abuela, la condesa de Albrit, interpretada por
Mati Mistral que, ya en el ocaso de su vida, vuelve a las tierras de sus
antepasados con el fin de resolver y aclarar una duda, que desde la muer-
te de su único hijo y heredero directo de la Casa de Albrit, viene amar-
gando su existencia y los últimos años de su vida. Con este fin concierta
una entrevista con su nuera la Marquesa de Laín, madre de las dos nietas
que portan la sangre de la estirpe de los Albrit. Solo una de ellas es la
legítima heredera, la portadora del recuerdo del hijo muerto en extrañas
circunstancias. ¿Pero cual? ¿Cual de ellas devolverá la felicidad y sosiego
espiritual que está buscando con anhelo Doña Mariana? Una grande de
España a quien el transcurrir de la vida no ha tratado bien y lo ha perdi-
do todo, el amor de su hijo, la hacienda, amigos..., pero mantiene su
clase, su nobleza y su orgullo como gran señora que es y será hasta su
muerte. Junto a Nati Mistral participan en este montaje Carlos Manuel
Díaz, Patricia Ponce de León, Esther Palomo, Jorge Merino y Emiliano
Redondo.
La recreación de la época ha corrido a cargo de Javier Artiñano en el dise-
ño de vestuario y Alfonso Barajas en la escenografía. La obra podrá verse
en Madrid, a partir del día 11 de enero, en el Centro Cultural de la Villa.
Juanjo Seoane continúa con “La duda”
Lazona presenta una peculiar versión del clásico de Shakespeare “El
sueño de una noche de verano”, en la que Juan Bosco ha trasladado la
acción desde un bosque inglés a una playa mediterránea y en la que la
parte no onírica se basa en el mundo gitano, que no flamenco. Una playa
donde habitan también seres mágicos, donde las criaturas que emergí-
an del bosque emergen ahora de las profundidades del mar. Si la obra
original se desarrolla en un bosque mágico es porque el autor represen-
ta de esta manera el lugar idílico del verano inglés. Al adaptar la obra a
nuestra cultura el lugar idílico para el verano es la playa.
La obra, está plagada de grandes nombres: Tamzin Townsend en la direc-
ción, Antonio Carmona en la dirección musical, Concha Bustos en la dis-
tribución, actores muy conocidos como Asier Etxeandía en el papel de
Oberón–Teseo; Nur Al Levi, como Helena o Alba Flores como Polilla. El
montaje se estrena el 12 de enero abriendo el Festival de Málaga y en
marzo estará en el Teatro Albéniz (del 16 de marzo al 8 de abril). La músi-
ca y las canciones cobran especial protagonismo en esta versión, ya que
se han compuesto temas especialmente para la función, piezas que no
sólo ilustran pasajes de la obra, sino que al mismo tiempo potencian ese
sentimiento mediterráneo que envuelve la historia. En este sentido,
Mariola Orellana coproductora del montaje señala que ha supuesto un
reto muy atrevido combinar actores que sepan recitar los inmortales
pasajes de Shakespeare y a la vez interpretar la música de Carmona. “El
resultado es espectacular. Un proyecto dirigido a los jóvenes para atraer-
les al mundo del dramaturgo inglés”. Por su parte, Tamzin Townsend des-
taca el enfoque “ágil y divertido” de la obra. “Las comedias de
Shakespeare tienen que ser comedias y estamos trabajando mucho el
espíritu de la alegría y la diversión”. El resultado es una obra joven, mági-
ca y dinámica, donde el espectador no dejará de sorprenderse.
Lazona presenta “El Sueño de una
noche de verano” en la playa
Lazona presenta “El sueño de una
noche de verano” en la playa
Tamzin
Townsend.
Antonio
Carmona.
Libélula Producciones presenta un arriesgado e inteligente montaje de “El trovador”, con la
música de Verdi, basado en el clásico de García Gutiérrez, en versión y dirección de Gustavo
Tambascio. Un diálogo entre ambas creaciones, en el que los fragmentos líricos apoyan la
narración y subliman el verso, a través de la figura de un cantante, cuya profunda voz nos
guía por los interiores del drama. Un juego de espejos sobre la España cainita, tomando
como base una obra escrita durante la Primera Guerra Carlista que nos habla de fratricidios
medievales y se proyectan hasta la Guerra Civil española. Dos hermanos se odian. Se odian
a muerte. Un odio que no cesará hasta que uno aniquile al otro. La historia es vieja como el
mundo que quisieron narrarnos las Escrituras: se remonta a Caín y Abel. Es un odio que
siempre tiene algo de profunda asimetría: los hermanos no son iguales. Uno es poderoso (el
Conde de Luna), lo tiene todo, pero ansía el amor de Leonor y se aboca a la eliminación del
rival. Se trata de Manrique, el trovador, que no tiene nada pero aspira a tenerlo, mientras se
debate entre la justicia de su causa y el amor a una madre que exige un tributo de sangre.
Hablamos de una ceguera histórica que, lejos de ser el triunfo de un bando, precipitó al país
a una mazmorra, muchas de cuyas manchas de humedad son aún visibles en el tejido social
y político. “El trovador” es, tal vez, la obra más enigmática y profunda del romanticismo
europeo del siglo XIX, en su desarmante simplicidad y en sus pasiones oscuras. El montaje
entrevera fragmentos de la obra de García Gutiérrez con otros de la composición musical de
Verdi, textos concebidos adhoc para el espectáculo y la puesta al día del léxico preciso.
Un arriesgado e inteligente
“El trovador” de Libélula Producciones
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
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La Compañía de Teatro Falsaria de Indias está de gira con su último montaje
teatral, “Por el ojo de la cerradura”, una creación de Llanos Campos, que tam-
bién interpreta a uno de los personajes de esta obra, junto con Alfredo
Martínez. Este espectáculo habla de lo difícil, de lo doloroso que es ser dife-
rente en una sociedad que quiere entenderlo todo, que quiere etiquetarlo
todo y que no perdona la deserción. No hay lugar para el animal único en esta
selva. El montaje habla de la tolerancia; de cómo a veces, entre todos, creamos
los monstruos que luego temeremos. Kila no entiende el mundo que le rodea
y al revés. Kila es una niña distinta. Distinta por dentro y por fuera, o al revés.
Tiene diez años y está cada vez más sola. Llanos Campos invita al público: “Ven
y mira por el ojo de la cerradura. Aquí dentro se gesta el futuro. Y el tiempo, en
su vientre, guarda todo lo que dijimos y lo que nos callamos, lo que hicimos y
lo que omitimos, todos nuestro errores. Para mañana. Pero mañana tal vez ya
sea demasiado tarde”. La obra alterna texto junto con marionetas y muñecos,
videos y cortometrajes. El movimiento escénico es obra de Chiqui Carabante,
la escenografía e iluminación de Iñigo Benítez y la música de Agustín Lozano.
La obra estará de gira por Castilla-La Mancha y Madrid durante el invierno.
Podrá verse en Rivas Vaciamadrid el 24 de febrero; en Alcañizo y Miguelturra
(Toledo) el 17 y 23 de marzo, respectivamente o en Casas de Benítez (Cuenca)
el 24 de marzo. La distribución del montaje, de setenta minutos de duración,
corresponde a Está Por Ver Producciones.
Manuel Àlvarez Producción y Distribución de Espectáculos, Mutis Producciones e Hispanic Theatre
Guild traen a España la premiada “Las heridas del viento”, un drama que ha conseguido en Nueva
York el Premio ACE 2005 al mejor actor del año (Marcos Casanova), cinco nominaciones de la
Asociación de Críticos del Espectáculo de Nueva York (mejor actor protagonista para Casanova,
mejor actor protagonista para Humberto Rossenfeld, mejor escenografía y dirección para Juan
Manuel Cifuentes y mejor drama del año) y el Primer Accésit Premio Hermanos Machado, Sevilla
(2000). La obra estará en España durante tres únicas semanas, del 9 al 29 de abril. El montaje, escri-
to por Juan Carlos Rubio y dirigido por Cifuentes, ha sido un gran éxito de crítica y público en el off
Broadway, donde actuaron invitados por el Retablo Theater. Durante una hora y veinte minutos, la
trama nos cuenta cómo la muerte del padre obliga a David a hacerse cargo de su legado. Entre sus
pertenencias encuentra algo inesperado: cartas de amor de otro hombre. Desconcertado por el des-
cubrimiento, decide visitar al supuesto amante de su progenitor y descubrir la verdad.
La crítica de Estados Unidos ha dicho de esta obra: “Las heridas del viento” es teatro con T mayúscu-
la. Esa clase de obra cuyo tema universal funciona en cualquier cultura”, “Un drama desgarrador con
comedia de alto voltaje. Rubio es un dramaturgo de indiscutible talento. Una certera dirección de
Cifuentes. Dos excelentes actores en pleno dominio de sus personajes”o “El espectador no cesará de
sorprenderse, experimentando una gama de sensaciones tan amplias que pasará de la risa a la intri-
ga y a la empatía. Los amantes del teatro disfrutarán de la obra tanto como si ellos lo protagoniza-
ran”. Juan Carlos Rubio, productor de Mutis Producciones y autor de la obra recibió en 2006 la men-
ción especial del jurado del Lope de Vega. Hay que destacar que el Primer Premio quedó desierto.
Teatro del Alma, en colaboración con la compañía cubana
Argos Teatro, presenta “Los ojos de la noche”, de Paloma
Pedrero, dirigido por Pancho García. El montaje, que ha sido un
gran éxito en Cuba, se podrá ver del 1 al 11 de febrero en la
Sala Ítaca de Madrid y en Barcelona en la Sala Versus del 14 al
15. Y los días 3 y 4 de marzo se representará en el Teatro
Cervantes de Valladolid. “Los ojos de la noche” es la historia de
un encuentro insospechado y revelador. Una mujer madura y
socialmente triunfadora contrata a un joven ciego para pasar
unas horas juntos en un hotel. ¿Qué quiere ella? ¿Qué le da él?
Lo que ocurre esa noche, en la que el ciego ve y la mujer se
enfrenta a las tinieblas, es de nuevo la historia de una transfor-
mación. Cualquier día en cualquier esquina, un desconocido o
una desconocida puede cambiar el rumbo de tu vida. Y puede
hacerlo porque tú lo has buscado. Porque tú has dado el pri-
mer paso. Desde el más hondo y oscuro dolor hacía la más
inquietante esperanza. Paloma Pedrero explica que está de
acuerdo con Tennesse Williams cuando en “Un tranvía lla-
mado deseo” Blanche Dubois decía: “Siempre he confiado
en la bondad de los desconocidos”. “Yo también” –dice la
autora– “y eso está en mis obras”. “Los ojos de la noche” es
un viaje de la ceguera a la luz, porque se suele ver mucho
más con el alma que con los ojos.
“Los ojos de la noche”, producida y distribuida por Elmuro
Producciones Teatrales, resulta una obra estremecedora sin lle-
gar al tremendismo; contenida dentro del universo de pasio-
nes y conflictos que teje con maestría. La decadencia, el consu-
mismo, el dolor de envejecer sin ternura son asumidos aquí a
través de un formidable sistema de diálogos y con un pulso
dramático que puede catalogarse de impecable. Aunque apo-
yada fundamentalmente en lo verbal, la obra da posibilidades
al juego escénico, con una puesta en escena que porta una
riqueza de signos notable debajo de una aparente sencillez.
Falsaria de Indias, de gira
con una obra sobre los diferentes
Estreno de “Los ojos
de la noche”
Manuel Álvarez trae a España la premiada
“Las heridas del viento”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
ESPECTÁCULO TEATRAL
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La compañía valenciana Arden prepara la versión en castellano de su últi-
ma producción, “Contratiempos”. Después de haber estrenado su versión
de Otelo “Hotel Venezia”, afronta este montaje que cierra la trilogía deno-
minada “Teatre d´hui”. A este tríptico precedieron las obras “Réquiem”y “El
Xanadú”. Estas obras son una línea paralela de producción que Arden
puso en marcha y que difieren de las obras de corte clásico que la compa-
ñía ha puesto en pie hasta ahora. Son obras con textos y puesta en esce-
na totalmente contemporáneo con un mismo denominador común: el
paso del tiempo y sus consecuencias. Y en este tema abunda
“Contratiempos”, una obra formada por cinco piezas cortas, escritas y diri-
gidas por Chema Cardeña, que analizan bajo diferentes puntos de vista y
situaciones los efectos del paso del tiempo en nuestras vidas.
“El café de las delicias” es la primera pieza, en la que una ex-pareja se
reencuentra al cabo de los años y reviven su pasado y su presente en
clave de humor. En “La espera” dos hermanos aguardan en un hospital el
final de su padre y recuerdan el tiempo pasado. “Squash” continúa con
una mirada irónica al presente de dos amigos en un gimnasio intentando
frenar el paso del tiempo y sus huellas más visibles. “Desayuno en
América” nos muestra el final de un matrimonio al que el tiempo ha roba-
do lo mejor de ellos mismos. Y por último “Mónica” o el “casual” encuentro
de dos compañeros de colegio, pone de manifiesto que el tiempo no cura
las heridas del todo. Cinco piezas que viajan por la comedia, el drama, el
esperpento… y en el que dos actores dan vida a estos diez personajes,
acompañados de un tercero, “Tempus”, que encarnará al tiempo y su impla-
cable tic-tac, interviniendo para provocar nuevas situaciones.
La compañía vasca Maskarada estrena el próximo 19 de enero en la
localidad guipuzcoana de Gernika su último trabajo “Picasso 1937,
historia del Guernica”, con dramaturgia y dirección de Carlos Panera
y textos de Federico García Lorca, Antonio Machado, César Vallejo,
Miguel Hernández, Picasso, Balzac y Carlos Panera. Se trata de un
drama con música en directo a cargo de Juan Pérez Mena, que tam-
bién podrá verse los días 1 y 2 de febrero en el Teatro Principal de
Donostia.
En 1936 mientras la Guerra Civil se declaraba en España, en París,
intelectuales representantes del gobierno de la República trataban
de denunciar la pasividad del mundo ante este genocidio. Con
motivo de la gran Exposición Universal que se preparaba en esta
ciudad para julio de 1937, los representantes de ese gobierno
encargan a Picasso una obra de grandes dimensiones que ocuparía
un lugar privilegiado en el pabellón español. El artista se encuentra en ese momento en otras cla-
ves con respecto a los motivos que inspiran sus cuadros; en concreto, el relato de Balzac “La obra
maestra desconocida” ocupaba gran parte de sus referencias. Las graves noticias de los aconteci-
mientos en España van sucediéndose y, la furia creativa del pintor estalla definitivamente con la
destrucción de Gernika por la Legión Cóndor. Así, el trabajo y la inspiración de Picasso unirá arte
y denuncia en una obra maestra. A partir de ahí, con el traslado a Estados Unidos, arranca la voca-
ción viajera y de denuncia de un lienzo que se transforma en un grito al mundo. Maskarada con-
memora con este montaje el 125º aniversario del nacimiento de Picasso y el 70º del bombardeo
de la ciudad, producidos, respectivamente, en 2006 y 2007.
La obra se estrenó a nivel mundial en junio de 2006 en el Festival Internacional de Teatro Hispano
de Miami, en el estado norteamericano de Florida, en el Dance Centre, Vancouver, en Canadá, y el
14 de julio en el 2006 AACT International Theatrefest de Midland, Texas. En este festival consiguió
el galardón al Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Interpretación Principal y Mejor
Escenografía. En España se estrenó en julio en el XI Festival Internacional Madrid Sur.
Arden prepara la versión
castellana de
“Contratiempos”
Arden prepara la versión
castellana de
“Contratiempos”
Maskarada estrena en Gernika
“Picasso 1937, historia del Guernica”
Réplika Teatro: nuevo
espacio escénico
Réplika Teatro pone en marcha en Madrid Réplika
Abierta con el deseo de que el espacio escénico del
mismo nombre se abra cada miércoles para todo
aquel que tenga algo que contar y/o representar.
Será un espacio totalmente flexible y autónomo de
la compañía Réplika Teatro –aunque ella seguirá
programando sus producciones en días de la
semana diferentes– con la función de albergar y
promocionar aquellas actividades e iniciativas que
conlleven una aportación artística de cualquier
índole. Desde una escena de café-teatro, una
exposición, un concierto, una sesión de
fotografía… hasta la elaboración de una receta o,
por supuesto, la puesta en escena de un
espectáculo teatral. Réplika Abierta comenzó el
miércoles 8 de noviembre con la presentación del
espectáculo “Dime que todo está bien”, de Marcos
Alonso, de la compañía Materialmente Imposible.
complicidad y el afecto. Y todo
esto en un único espacio, un
lugar donde rememorar todo lo
sucedido, donde revivir el
momento feliz y el angustioso,
donde recobrar fuerzas para
empezar de nuevo a caminar.
Un espacio cada vez más
pequeño, donde acabarán
libres y ganadores. Y
constatarán que la mejor vida
es la visa saldada y, por tanto,
la inventada, soñada, deseada.
En este montaje el paso de una
comedia blanca a un drama, al
compás de un thriller, es solo
cuestión de tres actos, tres
actos muy bien construidos,
con un fantástico trabajo
actoral. “Ángel” está
distribuida por Secuencia 3
Artes y Comunicación.
Secuencia 3 distribuye “Ángel”
Desde el 17 de enero hasta el 25 de febrero el Teatro Amaya de Madrid
acoge la obra “Ángel”, de Michel Verly, con Llum Barrera y Nacho
Fresneda como pareja protagonista. El montaje, de noventa minutos
de duración, y dirigido por Jaime Pujol, empieza como una comedia
amable, donde una mujer urde un inocente plan para saldar una deuda
con su pasado: con motivo de la fiesta anual que reúne a un numeroso
grupo de antiguos alumnos, contrata los servicios de un gigoló para
que se haga pasar por su marido. Antes de salir de casa para acudir al
acto, ambos establecerán los parámetros de su improvisada relación,
como si de un juego se tratara. Un año después, la mujer y el gigoló
volverán a encontrarse en el mismo lugar, pero en circunstancias
completamente distintas. Ambos han sido presa de una cruel broma
por parte de los asistentes. Tras un año más en el que la relación de
ambos personajes se ha ido consolidando, se produce un trágico e
inesperado suceso que tiene lugar de nuevo en la fiesta de antiguos
alumnos del año 2000. “Ángel” se convierte en un viaje de los dos
protagonistas hacia ellos mismos. A medida que el tiempo avanza van
aproximándose cada vez más a su pasado. A medida que tropiezan de
nuevo con la crueldad y la desconfianza, va reafirmándose en ellos la
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
Debido al gran éxito que la obra “Gorda” está teniendo entre el públi-
co madrileño, la gira que tenía previsto comenzar en breve se aplaza
hasta casi final de temporada (septiembre de 2007). Una vez que la
obra salga del Teatro Alcázar de Madrid, Salbi Senante será la encar-
gada de la distribución. Esta ácida comedia de Neil Labute, interpre-
tada por Luis Merlo y Teté Delgado y dirigida por Tamzin Townsend
muestra cómo la sociedad desprecia a los que se salen de la norma:
los gordos no gozan de buena imagen. ¿Qué se puede hacer cuándo
descubres que el amor de tu vida es mucho más de lo que habías
soñado… aproximadamente unos 30 kilos más? Teté Delgado da vida
a Elena, una mujer guapa, lista, divertida, sincera y generosa. Tiene
todos los valores socialmente perfectos, excepto que también es una
talla XXL. Está harta de escuchar palabras condescendientes e insul-
tos supuestamente indirectos. Harta de estar condenada a ser la
amiga divertida, nunca la novia. Con su particular sentido del humor,
lucha contra los tópicos e intenta hacer ver a Toni –Luis Merlo– un exi-
toso hombre de negocios, que el mundo de los sentimientos está por
encima del de las apariencias. Toni se enamora de ella, pero su círcu-
lo, encabezado por el actor Iñaki Miramón, no entiende como un
hombre de sus posibles se puede enamorar de una gorda.
Comienzan un sinfín de comentarios que van subiendo de tono,
hasta alcanzar la crueldad. Estos comentarios acaban por hacer
mella en el novio que llega a reconocer que está enamorado con
locura de la chica, pero que no puede seguir con ella, porque está
gorda. Townsend destaca la dureza de la obra, aunque la directora
no quiere que el espectador se quede solo en los problemas de los gordos. El texto nos
recuerda que todos tenemos miedo de caer en desgracia, que podemos estar a un paso de
lo que más tememos: engordar, enfermar, envejecer… dejar de formar parte de los “triun-
fadores”. Labute habla de los problemas de las personas diferentes y de cómo las relacio-
nes sociales tienden a ser endogámicas entre grupos de iguales. Es muy duro ser “diferen-
te”. Nos autodefendemos cuando nos reconocemos fuera de la “normalidad”, cuando sen-
timos que la vida no está a nuestro favor.
La empresa Producciones Teatrales Contemporáneas distribuye la obra
“Los que ríen los últimos”, de La Zaranda Teatro Inestable de Andalucía La
Baja. La obra, escrita por Eusebio Calonge, se estrenó el pasado 3 de
noviembre en Granada y ahora se encuentra de gira. Aislados en la
incomprensión y la indiferencia, estos personajes, retazos de pasiones
abandonadas, disidentes de su época, emprenden la huida del vertedero
en que subsisten. Su extravagante y penoso peregrinaje será un regreso
hacia un pasado remoto, desconocido y misterioso para el que solo cuen-
tan con las indicaciones de un padre difunto. Aunque todo se conjure
para truncar su regreso, estará su avance existencial, su postura vital irre-
ductible ante quienes quisieron someter sus destinos. Como dice uno de
los personajes: “Antes de que la basura nos sepulte. Perdido el horizonte
bajo cerros de desperdicios, ¿quién se orienta borradas del cielo las estre-
llas? ¿A que Dios invocaremos una salida?, al menos un desesperado
intento de vuelo”.
“Los que ríen los últimos”, dirigida por Paco de La Zaranda, es la risa de los
que mantienen la esperanza, la risa de los que aún sienten la nostalgia
del paraíso, frente a la carcajada desdentada del tiempo. Según explica
Eusebio Calonge, estos seres desvencijados, estos personajes viven tan
cerca de nosotros que corremos el riesgo de llegar a ser ellos, o de que
ellos encarnen en nosotros nuestros pobres cacharros inservibles, nues-
tra maltrecha fe, y nuestro mucho cansancio..
Producciones Teatrales Contemporáneas
distribuye “Los que ríen los últimos”
Producciones Teatrales Contemporáneas
distribuye “Los que ríen los últimos”
El éxito de público obliga a “Gorda” a permanecer en Madrid
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
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Bambalina continúa con la celebración de su 25º aniversario. Al estreno de su nueva obra, “El cielo
en una estancia”, ha seguido la inauguración de una exposición en el MuVIM, la publicación de un
libro de textos de su director, Jaume Policarpo, y la reposición de su exitosa obra “Pasionaria”junto
a más de 30 artistas invitados. Del 14 al 17 de diciembre, L’Altre Espai acogió la reposición de este
montaje, uno de los más reconocidos por crítica y público. “Más que recuperar el espectáculo en
sentido estricto quisiéramos reinterpretarlo a partir de un nutrido equipo de actores, actrices, bai-
larines y músicos”, explica Jaume Policarpo. Con su estreno hace cuatro años, la pieza supuso un
punto de inflexión en el trabajo de la compañía valenciana. La obra inspirada en la líder comunis-
ta fue la primera de una tanda de obras que conectan con la contemporaneidad del presente.
También en diciembre, el diseñador gráfico Paco Bascuñán fue el comisario de una exposición
sobre la dimensión plástica (títeres, escenografía…) de Bambalina en el MuVIM. La intención es
que la muestra trascienda el carácter meramente retrospectivo y se convierta en un acto creativo
que aporte una nueva mirada sobre el concepto más íntimo del teatro entre los miembros de la
compañía. Finalmente, y dado que la singularidad de los espectáculos de Bambalina empieza ya
en la propia escritura teatral, el grupo ha decidido compilar los textos de “El jardín de las delicias”,
“Quijote”, “Pasionaria” y “La sonrisa de Federico García Lorca” en un libro. La publicación se acom-
pañará de un CD con las bandas sonoras originales de los espectáculos, compuestas por Joan
Cerveró, Ricardo Belda y Víctor Manuel. A esto se une la publicación de un libro con textos de
Jaume Policarpo, al que acompañan nombres relevantes como Enric Benavent o Juli Leal.
Pepser, la empresa que ha traído a España a la
compañía cubana Sonlar con la que ha realizado
varias temporadas de éxito en nuestro país,
vuelve a ofrecer al público español una parte de
la cultura cubana con la compañía de teatro
Hubert de Blanck, que en primavera (mayo y
junio) estarán representando en España la obra
“Cabaiguán–La Habana–Madrid”. El montaje,
dirigido por María Elena Soteras, con texto de
Julio Cid Borges, es una mirada hacia la historia
reciente de Cuba. Y lo que ha hecho Cid Borges
es asumir desde lo vivencial y cotidiano una
experiencia generacional, aunque el conflicto
planteado adquiere resonancias que alcanzan al
ser humano en cualquier latitud geográfica y
tiempo histórico. El montaje habla de la frusta-
ción, el egoísmo, la deshonestidad, la solidari-
dad, la eterna búsqueda de la felicidad… El
choteo criollo, la ironía y el humor ponen al des-
nudo pequeñas miserias humanas y, de esta
forma, la comedia como género revitaliza su efi-
cacia, al tiempo que resultan vencedores valo-
res universales y trascendentes como el poder
cohesionador de la familia en la sociedad y la
necesidad de diálogo entre los hombres.
Aún en las difíciles circunstancias actua-
les, todaví a si n conclui r, los cubanos
nunca pierden la capacidad de confiar y
sonreir.
La compañía teatral Hubert de Blanck se
fundó en 1991 por actores y técnicos prove-
nientes del emblemático grupo Teatro
Estudio de La Habana y constituye una de las
instituciones más prestigiosas del movimien-
to cultural cubano, reconocida por el público
nacional y extranjero desde su fundación.
Bambalina, 25 años entre
hilos de experimentación
Bambalina, 25 años entre
hilos de experimentación
Hasta el 21 de enero podrá verse en el Teatre Apolo la comedia
“Mandíbula afilada”, de Carles Alberola, dirigida por el tricicle Paco
Mir. Juan (Carlos Chamarro), un señor de unos cuarenta años, recibe
la visita de una antigua novia (Melani Olivares) unos días antes de
que ésta se case con un amigo común. Él continua estando
perdidamente enamorado de ella y desde la adolescencia sueña
con poder vivir a su lado. Así es como uno decide por dónde irá su
vida y la vida decide lo que quiere. El autor del texto Carles Alberola
quiere reflejar en esta comedia una frase de Mankiewicz que le
impactó. “Siempre he pensado –explica– que la ficción es un
maravilloso refugio, una vía de escape delante de una realidad
inhóspita, pero tal vez esté equivocado, ya lo dijo el maestro Joseph
L. Mankiewicz: Por la mañana, seas hombre o mujer, te afeites o te
maquilles, escribes el guión de tu jornada. Luego suena el teléfono
y echa a perder tu guión, porque el guión de otro interfiere en el
tuyo. Así es la vida”. El espectáculo, que se estrenó el 5 de octubre
de 2006 en el Ateneu de Igualada, esta distribuido por Vania
Produccions. Los cuadros originales que se muestran en el montaje
son de Agustí Puig.
Fotografías: David Ruano
La compañía Tarantana en coproducción con el Teatro Nacional de Cataluña
han desarrollado el montaje “La Indiana”, un proyecto dentro del Projecte T6,
del TNC. El texto es de Ángels Aymar y está dirigida por Julio Alvárez. La obra
transcurre entre los años 1840 y 1860 en Cuba. Muchos catalanes subían a un
barco hacia tierras lejanas con la esperanza de enriquecerse. Algunos lo
consiguieron, otras volvieron con las manos vacías y otras perdieron la vida.
Allí convivían con gente de otros países y razas, aprendían nuevas costumbres
y dejaban su impronta. Con el corazón empapado de añoranza, perseverantes,
superaban las adversidades y muchos comerciantes, contrabandistas y
negreros, consiguieron reunir grandes fortunas. Conocemos la historia de los
hombres más influyentes. Pero, ¿y las mujeres? ¿Las jovencitas casadas por
poder con desconocidos, las viudas asediadas por los familiares que las
consideraban usurpadoras de sus fortunas, las madres que veían morir sus
hijos víctimas de epidemias? ¿Y las esclavas, las mulatas, las otras madres que
pagaban desde el embarazo una cantidad por conseguir la libertad de su hijo?
El Projecte T6 del TNC en la edición de 2007/8 se centra en las Sales
Alternatives de Catalunya, en su calidad de productoras y salas de exhibición,
con los objetivos básicos de combatir el aislamiento creativo de los autores
dramáticos y de permitir que sus textos puedan ser estrenados. “La Indiana”
es la primera producción que abre esta nueva perspectiva del T6.
“Mandíbula afilada” en el Apolo La compañía Tarantana y el TNC presentan “La Indiana”
La distribuidora de Sonlar trae a España
a la compañía Hubert de Blanck
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el mundo del
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La empresa Secuencia 3 Artes y Comunicación distribuye la comedia “El
día del padre”, escrita por Ana Graciano y Gabriel Olivares. Este montaje
trepidante, producido por El Reló Teatro, se plantea la gran pregunta
“¿Por qué los hombres quieren ser padres?”. En el reparto figuran nom-
bres muy conocidos para el público como Aitor Mazo, Vicente Romero,
Javier Martín y Darío Paso. Tres hombres de muy diferente aspecto, edad
y condición, han sido citados en una clínica de reproducción asistida.
Desconocen el motivo, pero sospechan –se temen– que se les requiere
para ser objeto de unas pruebas de paternidad. Creen no tener nada en
común, aunque pronto averiguarán que los tres han mantenido una rela-
ción con la misma mujer, que les obliga a someterse a una delirante
prueba de paternidad: Manuela ha decidido ser madre soltera y busca un
padre soltero. ¿Cuál de los tres será el más adecuado para convertirse en
padre?
“El día del padre” es una comedia trepidante sobre esta singular pugna
de espermatozoides por conquistar un óvulo. Todos pelearán por lograr
el mismo fin. Selección natural en una clínica de reproducción asistida.
En este montaje todo es transparente, como si los personajes estuviesen
atrapados en un tubo de ensayo, en una jaula de cristal. Podría tratarse
de un western clínico, en donde los paradigmas de la masculinidad, al
verse tras el cristal de aumento de un microscopio, se deforman en busca
de una nueva identidad.
El texto de Graciano y Olivares busca sus referentes en la gran comedia
que siempre llenó al público; se mira en el humor del absurdo de Ionesco
o en el cine de los hermanos Marx, en el vodevil de las películas de Ernst
Lubitsch o Gregory La Cava y en el teatro naturalista de autores contem-
poráneos españoles, como Jordi Galcelán y “El método Gronhölm”.
Con “El dia del padre” no se pretende otra cosa que celebrar con humor
los misterios de la paternidad e inseminar al espectador con nuevas pre-
guntas, que quizá no tienen respuesta…
Este espectáculo está dirigido conjuntamente por Gabriel Olivares
–guionista de cine, que este año rodará “Camping”, su primer largome-
traje como director– y Gracia Olayo –actriz de gran prestigio como inte-
grante de Las Veneno, en su primera incursión en la dirección teatral–.
Fotografías: Guillermo Pascual
La empresa Tornaveu produce y distribuye “Metrosexual asesino”, una come-
dia, una “metrofarsa” como sus autores la denominan, muy ácida y actual,
que se estrenará en Valencia el próximo 1 de febrero en el TEM (Teatre el
Musical) y después tiene previsto comenzar a girar por España.
La compañía teatral valenciana Aguadelitines debuta con esta obra, escrita
por el dramaturgo Manuel Molins en la que el espectador asistirá al viaje
hacia la fama metrosexual de un joven actor, Héctor, que en mitad de su iti-
nerario vital conocerá a Helena que también quiere ser actriz. En esta trave-
sía, Héctor conocerá la cara y la cruz de un mundo iluminado por los flashes
de los fotógrafos, pero que también muestra un reverso oscuro cuando los
focos se apagan. ¿Qué será de Héctor?, pero además, ¿qué será de Helena? El
reparto está formado por el actor Manuel Puchades y la actriz Carmen
López. La dirección corre a cargo de Joaquín Candeias y Ámparo Ferrer
Báguena como ayudante de dirección, y la escenografía es de Ricardo
Maldonado.
“Metrosexual asesino” es una producción conjunta entre las compañías
Aguadelitines, Tornaveu y el Ayuntamiento de Valencia, que cuenta, además,
con la colaboración del Ayuntamiento de Cheste. Aguadelitines es una joven
compañía creada en 2004 por el actor Manuel Puchades y el escenógrafo
Ricardo Maldonado. La comedia “Metrosexual asesino” es su primera aventu-
ra teatral. Sus creadores han desarrollado sus carreras profesionales por
separado, tanto en otras compañías como individualmente. Su objetivo fun-
damental es la creación de un nuevo espacio estético produciendo un teatro
critico, vivo y de humor, que recoja aspectos de la tradición teatral de la
comedia y de la farsa potenciándolos con elementos de rabiosa actualidad y
basándose, sobre todo, no tanto en onerosas producciones sino en el traba-
jo actoral.
“Mòbil” de Sergi Belbel, dirigida por Lluis Pasqual, se presentará en el
Teatre Lliure (Teatre Fabià Puigserver), a partir del 10 de enero. En otoño
viajará hasta el Teatro Arriaga de Bilbao, donde se presentará una
versión en euskera y con actores vascos. El espectáculo también hará gira
por Cataluña, con la versión original en catalán. El montaje se estrenó en
el Teatre Bartrina de Reus, como producción del Centre d’Arts Escèniques
de Reus (CAER). Esta es la primera ocasión en que Pasqual y Belbel se
encuentran en un escenario.
En “Mòbil” las vidas de cuatro personas se enlazan gracias al teléfono
móvil, un invento que se ha convertido en pocos años en casi un
apéndice de nuestro cuerpo. Todos esperamos siempre “ese texto
contemporáneo” que hable de nosotros y de nuestras cosas en un
intento metafórico de reflejar nuestras vidas, como parecía y todavía
parece que consigue el teatro. “Mòbil” es, sin duda, uno de esos textos.
Puede ser una historia sobre nuestras propias vidas. El autor explica que,
cuando se inventó el teléfono, alguien habló de las grandes aplicaciones
al escritor Bernard Shaw: “Se ha inventado un aparato que permitirá
hablar con cualquier persona del mundo, se encuentre dónde se
encuentre”. Shaw le respondió: “Hablar, ¿de qué?”. Desde aquel
momento, el invento se ha convertido casi en un apéndice de nuestro
cuerpo creando sus propias necesidades, sus propias metáforas y, sobre
todo, un lenguaje propio y unas normas propias. El teléfono no sólo nos
permite hablar, sino que modifica lo que decimos y cómo lo decimos, nos
acentúa la timidez o nos llena de valor.
La obra está protagonizada por Rosa Novell, Maife Gil, Marta Marco y
Carles Francino, con escenografía de Paco Azorín. Es una producción del
Teatre Lliure y Centre d’Arts Escèniques de Reus (CAER), con el Teatro
Arriaga de Bilbao. El montaje se representa con subtítulos en español e
inglés los miércoles y los sábados
Fotografía: Ros Ribas
Pasqual y Belbel, juntos en “Mòbil”
Tornaveu produce y distribuye
“Metrosexual asesino”
Secuencia 3 distribuye la comedia “El día del padre”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del compañías
t e a t r o d e t e x t o
Teatro del Temple estrena
“Yo no soy un Andy Warhol”
Teatro del Temple, en coproducción con el Centro
Dramático de Aragón, estrena el 24 de enero en el
Teatro Principal de Zaragoza “Yo no soy un Andy
Warhol”, dirigida por Carlos Martín, con dramaturgia
de Carlos Martín y Alfonso Plou. La obra podrá verse
en este recinto hasta el día 28. El montaje recrea la tra-
yectoria vital y artística del más célebre de los artistas
pop. Warhol no sólo revolucionó la estética de lo pictó-
rico sino que, rodeado de una pléyade de colaborado-
res, resituó la forma, el contenido y el mercado del
hecho artístico. Profeta de la sociedad de consumo
que se nos venía encima, Warhol sedujo y se dejó
seducir por un mundo trivial, hedonista e irónico
donde el ser humano desaparece bajo la marca. Si una
imagen se asocia con Andy Warhol como artista es la
de una fiesta loca, glamourosa e interminable llena de
todo tipo de personajes. Y aquí es donde se sitúa la
acción de la obra: en una fiesta en la Factory, el ámbi-
to natural en el que se desarrollan las personalidades
de Warhol. En el espectáculo todos son de una u otra
manera Andy Warhol y todos colaboran en la creación
del show. La música en directo, las proyecciones audio-
visuales, la iluminación no convencional. Todos los ele-
mentos buscan situar al espectador en una posición
diferente. Quieren despertarle a la sorpresa y al shock.
El humor, la provocación y el delirio surrealista se suce-
den en un viaje más onírico que biográfico. No es un
espectáculo tramado sobre la regla de las tres unida-
des; es una suma de flashes, sugerencias y banalidades
varias que nos conduce a la desmitificación del arte, a
la deconstrucción del ser humano y a la burla social. La
distribución corresponde a El Búho Producciones.
Producciones Come y Calla y Producciones Impar presentan una comedia
coral de desamores y desencuentros dirigida por Javier Veiga y escrita
por Alexis Valdés, Javier Cansado, Yolanda G. Serrano, Juan Cavestany,
Antonio Muñoz de Mesa y el propio Veiga. En “Amor y otros pecados”
cada autor cuenta la historia de una pareja famosa escenificada a tra-
vés de un pecado capital, hasta sumar seis. ¿Pero los pecados capita-
les no son siete? Si, pero según Veiga “todo el mundo sabe que la
gula no es un pecado”. Así, Adán y Eva representan la ira, Sansón y
Dalila, la avaricia; Jesús y Magdalena, la soberbia; Cleopatra y
Julio César, la pereza; Napoleón y Josefina, la envidia y
Franco y La Pasionaria, la lujuria. Todos los personajes
están representados por dos actores; un hombre –Veiga–
y una mujer –Ana Rayo–, junto con un músico omnipre-
sente –Dani Cívico–, una especie de Cupido al piano, ya
que el espectáculo se presenta con música en directo.
Así se presenta un espectáculo que reflexiona, sin rigor
histórico, pero con pudor histriónico, sobre el eterno dile-
ma de las relaciones hombre-mujer, escenificando frag-
mentos determinantes de la vida de las grandes parejas
históricas. Intentará descubrir los vicios y pecados que
los enamorados cometieron a lo largo de los siglos
y que nos arrastraron, sin remedio, a la actual y
eterna incomprensión. Cada una de esas parejas
vivía, supondremos, en el más candoroso de
los amores honestos, hasta que un día surge
entre los dos un sentimiento hasta entonces
desconocido para ellos al que los historiado-
res darán en llamar pecado.
Parejas famosas con pecados en “Amor y otros pecados”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del compañías
c i r c o , ma g i a y h u mo r
La nueva producción del Circo
Gran Fele “Èione” es un espectá-
culo que gira en torno a la mito-
logía. El director del circo, Rafael
Plá, ha querido dar un vuelco
atrás en la historia con este
espectáculo. Más allá del circo
de 1900. Mucho antes de que el
Imperio Romano tomara el
Mediterráneo, incluso antes de
que se levantaran las pirámides
de Egipto hubo una tierra de mitos, reales o ficticios, de seres fantásti-
cos, sobrenaturales, asombrosos, imposibles e incluso falsos. Situada
entre el río Íber y la mítica ciudad de Tartesos, y bañada por el Mare
Nostrum. Las ninfas y tritones, los cíclopes, centauros, nereidas y sátiros
eran dueños de los bosques, de las fuentes, de las praderas y los mon-
tes, y protagonizaban aventuras con dioses y humanos. “Éione” es el
nombre de un personaje imaginario que habitaba por esta tierras. Una
ninfa o nereida que compartirá su protagonismo con otros seres mito-
lógicos, mitad bestia, mitad hombre: sileno, lupercus, caprino.
Este año las acrobacias aéreas llenarán la cúpula de la carpa del Circo
Gran Fele, desde el principio al fin de la obra. Algunos de los números
que la compañía tiene preparados son el Levitor, la Palanca, las Correas,
Cuerda vertical a tres. En definitiva, muchos números arriesgados y
complicados que dejarán a los espectadores boquiabiertos. El circo
también contará con un Gabinete de Curiosidades, un gran carromato
antiguo de circo que esconde la huella del Yeti, el increíble Hombre Pez,
el Cuerno de un Unicornio y la Sirena de Moraig, un fósil auténtico de
una sirena o nereida. El 13 y 14 de enero estará en el Gran Teatro
Antonio Ferrandis de Paterna (Valencia), como cada año. En marzo, la
compañía tiene programado actuar en Fuenlabrada (Madrid) y en abril,
presentarán “Éione” en el Teatro Gayarre de Pamplona.
Después de celebrar su décimo aniversario con una exitosa temporada
de sus montajes “Qué pelo más guay” y “H, el pequeño niño obeso”, en
el Teatro Alfil de Madrid, la compañía Sexpeare continúa de gira con su
nuevo espectáculo “For sale”. Es una obra compuesta por seis historias
aparentemente inconexas en las que Rulo Pardo y Santiago Molero dan
vida a más de 16 personajes, en una frenética sucesión de sketches,
donde se mezclan estilos teatrales y que es toda una revisión a su parti-
cular forma de hacer comedia. Unos coleguitas de barrio, dan paso a un
café teatro en el que un cantante actúa sin ningún éxito, mientras una
pareja en el Oeste americano se reencuentra después de mucho tiempo
y un charcutero se enamora de una longaniza. Un asesino en serie que
peina sus crímenes, un andamio lleno de gatos, una longaniza vestida
de novia, un batería sin pulgares, una piba que se murió de queso, una
voz en off muy bonita… En definitiva, una atrevida propuesta que man-
tiene la esencia del estilo que los caracteriza, un estilo siempre sorpren-
dente, ágil, imaginativo, plagado de desparpajo, impudor y surrealismo,
en el que continuamente se revisan los límites de la convención teatral
y dónde se concatenan distintos planos narrativos. Todo ello en un
divertido juego de realidad/ficción y en complicidad permanente con el
público.
Los chicos de Sexpeare ponen en venta su humor y no a precio de saldo
en una sucesión de historias disparatadas que no tienen por qué tener
un sentido o una lógica. Da igual donde quede el hilo argumental, que
se pierde nada más empezar. La columna vertebral de esta rocamboles-
ca coctelera son ellos mismos, dos solventes actores que convierten el
escenario en un cruce de caminos.
El actor y clown CARLO-MÔ (Carlos
Pérez) está de gira con su tercer mon-
taje, “el Vaso (que colmô la gota)” un
espectáculo de humor y clown teatral.
Su obra anterior, “Mal parto me raya
(se atormenta una vecina)” ganó el
certamen Festiclown 2005, fue finalis-
ta en el Circuit de Cafè-Teatre de
València 2004 y estuvo en cartelera en
Barcelona más de dos años ininterrum-
pidamente.
Ahora llega “el Vaso (que colmô la
gota)”, dirigida por Raquel Capdet, en el
que CARLO-MÔ es autor e intérprete y
que ya lleva cuatro meses ininterrumpi-
dos en los escenarios barceloneses.
¿Qué pasaría si tuvieras que ofrecer un
recital de poesía clásica el mismo día y a
la misma hora en que empiezas a perder la
memoria? Y si tuvieras la oportunidad de
repetir desde el principio ese día en el que todo te
sale mal... ¿Serías capaz de hacerlo mejor? Una obra
surrealista-realista sobre el paso del tiempo, la pérdida de memoria, el cansancio, el precio de
los excesos... o por qué todos somos humanos aunque intentemos lo contrario. Una particular
odisea en la que el protagonista se topa con las dificultades y tentaciones de las delicias terre-
nales (el público): ser amado por muchos, pero cómo no, también bajo la exigencia de éstos,
que no le quieren poeta, le quieren ”payaso”. Y cae en el canto hipnotizador de la risa mientras
mantiene una lucha quijotesca con su memoria. Ahora el reto de este caballero andante es con-
mover al público, aunque sea con una sola poesía. El montaje está distribuido por David Berga.
CARLO-MÔ es actor, clown y pedagogo, formado por maestros como Leo Bassi, Joseph Collard,
Christian Atanasiu, Eric deBont, Virginia Imaz, Merche Ochoa y Moshe Cohen, entre otros. Se
estrenó en el clown con la compañía Mô House, alternando al poco tiempo con su primera obra
en solitario “Desvíos y Desvaríos”.
Fotografía: Gerard Garcia Vilarrasa
“Enclave de magia” es la última propuesta de magia de Alberto de Figueiredo. Un espectáculo de noventa
minutos de duración en los que el espectador podrá disfrutar de toda clase de ilusiones: apariciones, viajes
imposibles, mentalismo, cartomagia, y participar de manera muy activa en algunos de los juegos que
Figueiredo desarrolla en el escenario. Una alta dosis de humor completa los ingredientes del show. “Enclave
de magia” es un lugar, pero también es una definición. Es un enclave donde el artista desarrolla su arte y, al
mismo tiempo, es en clave de magia todo lo que ocurre a lo largo del espectáculo. Magia sorprendente,
magia cómica, magia en estado puro. Además, uno de los espectadores se convertirá en un auténtico mago,
debutando en público. Alberto de Figueiredo es uno de los magos con más proyección del panorama de la
magia profesional en España. A su curriculum se puede añadir su participación semanal en el programa de
televisión “Shalakabula” que se emite en Telemadrid, Canal Sur, Canal 9 y TV Castilla La Mancha.
Recientemente ha participado en festivales internacionales de magia (Estocolmo, Coimbra) y en los
nacionales de Zamora, Jerez Mágica y Hocus Pocus en Granada. En la actualidad mantiene en gira por España
“Ilusión Arte”, que destaca por concentrar quince disciplinas distintas de magia. A lo largo del espectáculo se
pueden ver juegos de escapismo, viajes imposibles o acciones con cartas. Esta última técnica cuenta con un
número clave en el que el ganador del Premio Nacional de Magia de 1998 es capaz de descubrir, con los ojos
vendados, la carta elegida por una persona anónima clavando un cuchillo sobre el naipe en cuestión.
“Èione”, nuevo espectáculo
del Circo Gran Fele
Sexpeare vende sus historias
disparatadas en “For sale”
El popular mago Alberto de Figueiredo
sigue sorprendiendo
Vuelve CARLO-MÔ con
“el Vaso (que colmô la gota)”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
mu s i c a l e s y p e r f o r me r s
La compañía de Yagu Martín está recorriendo los circuitos escénicos de Castilla y
León con su espectáculo de copla aflamencada “Copla y caireles”. Se trata de un
montaje en el que se mezcla música en directo, cante aflamencado, danza con-
temporánea y baile flamenco, para rematar con unos versos de poesía lorquiana.
“Copla y caireles” es un homenaje a los grandes cantaores y cantaoras de la copla
y del flamenco, unos hombres y mujeres que nos dejaron una herencia de melo-
días inolvidables, cuyas voces todavía están presentes en nuestra memoria. Yagu
Martín define su estilo como copla aflamencada: una evolución de la copla hacia
el flamenco o, desde una visión más purista, una degeneración del flamenco
hacia la copla. Con el baile que forma parte del espectáculo se pretende adornar
el repertorio con una mezcla de danza flamenca y contemporánea. Dos especiali-
dades muy diferentes que empastan perfectamente, otorgando a la escena pro-
fundidad y elegancia. La bailarinas del espectáculo son Elena Quevedo y Olga
Martínez; al cante está Yagu Martín, a la guitarra se encuentra Inés Cañada y a la
percusión Julio García. Entre las piezas que forman parte del repertorio están la
zambra “Antonio Vargas Heredia”, las coplas “María de la O” o “Carceleras del puer-
to”, la rumba “Dame veneno”, la habanera-tanguillo “Habaneras de Cádiz” o los
tangos “Rosa María”, entre otras.
El montaje podrá verse el 7 de enero en Peñafiel (Valladolid), el 18 de febrero en
Campaspero (Valladolid) o el 1 de abril en Coca (Segovia).
La empresa de distribución
y producción Anexa trae al
Teatro Tívoli de Barcelona
(del 18 de enero al 18 de
febrero) el musical “La
Revista Negra. New Orleans
forever”, de Jérôme Savary,
un espectáculo sobre la
Francia de los años 20 y 30
que se debate entre el
swing y el jazz de Nueva
Orleans. Con vestuario de
Michel Dussarrat y coreo-
grafía de Wanjiru Kamuyu y
Brian Bagley, pone en esce-
na a nueve actores, bailari-
nes y cantantes y a una
orquesta y grupo de baile
de Estados Unidos y Cuba,
que recrean el espectáculo
original (“La Revue Nègre”,
presentado en París en
1923) que revolucionó el mundo musical y cultural francés.
El montaje actual habla sobre dos momentos en el tiempo. De
una parte, nos relata la paradoja con que se encontró la origi-
nal “La Revue Nègre” presentada en París en 1923 por una
troupe de jazzmen y bailarines afro-americanos acompaña-
dos por una jovencísima Josephine Baker ataviada únicamen-
te con un mínimo cinturón de plátanos. Este espectá-
culo revolucionó el mundo musical y cultural de una
Francia aún absolutamente colonial, pero mucho
menos racista y restrictiva que la América de esos tiem-
pos.
En el tiempo presente, Jérôme Savary es un productor
francés que busca entre las ruinas de la devastada New
Orleans tras el paso del Katrina una actriz para hacer el
papel de Josephine Baker y así completar el revival
parisino de “La revista negra”.
En el musical se alternan partes de “La revista negra”
con otros momentos que dibujaron la historia del jazz, el gospel, el blues, tambores africanos,
influencias cubanas sobre el jazz, los parecidos entre el flamenco y el blues, el exilio de la música
negra hacia el norte y, como broche final, una grandiosa jam session colectiva. Su director, Jérôme
Savary, parisino de raíces argentinas, es el actual responsable de la Opéra Comique de París. Desde
1982 ha dirigido diversos centros dramáticos nacionales y ha realizado la dirección escénica de
más de 120 espectáculos teatrales y operísticos.
La compañía de Yagu Martín pasea
por Castilla y León
“Copla y Caireles”
La compañía de Yagu Martín pasea
por Castilla y León
“Copla y Caireles”
Los próximos 19 y 20 de enero, el Teatro Villamarta de Jerez acoge la representación de
la zarzuela “El huésped del Sevillano”, del maestro Guerrero, con los cantantes Enrique
Ferrer y Cristina Obregón encabezando el reparto. El elenco de artistas lo completan
Alberto Aliaga, Luis Cansino, Carmen Marqués, Helena Dueñas y Paco Maestre. La
Orquesta Filarmónica de Málaga será dirigida desde el foso por Miguel Ortega,
acompañada por el Coro del Teatro Villamarta, mientras que Gustavo Tambascio asume
la dirección escénica.
“El huésped del Sevillano” en el Villamarta
Anexa trae a Barcelona
“La Revista Negra.
New Orleans forever”
habla de sus sueños a la vez que esboza un
autorretrato bastante real y a la vez bastante
fantástico pero sospechosamente aproximado
al ser que se supone permanece oculto tras la
máscara imprescindible de cualquier
salteador de emociones o avasallador de
sentimientos. Hace referencia a cuanto el
teatro puede llegar a tener de mensaje
humano personal, intransferible y hasta cierto
punto inexplicable”.
“Nos refiere, con ácida ternura sus relaciones
con la ‘gente cuerda’, y nos invita a compartir
y a discutir sus consideraciones acerca del
poder, la política, la soledad, el paso del
tiempo, las crisis, el amor, el desamor, el
destino, los sueños… Huyendo de cualquier
moralina, recapacita sobre la irrenunciable
relación entre el actor y el público y la
búsqueda del verdadero sentido del hecho
teatral; ese milagro que solo se produce en el
único territorio donde lo fantástico puede ser
lo cotidiano en el Teatro”, concluye
Pavlovsky.
Angel Pavlovsky está en el Teatreneu de Barcelona con su montaje
“Alas furtivas”, con textos, dramaturgia, espacio escénico, diseño de
iluminación, producción y dirección de Pavlovsky, vestuario de
Ramón Ramis y peluquería de Rueber. El espectáculo se estrenó en el
Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional en el ciclo
“Confidencias”, en 2003 y así explica su desarrollo el showman:
“Aparece en escena, muy puntualmente, el artista anunciado. Hará
sus confidencias, despojado de su personaje, en esta ocasión,
muy alejado de la supuesta ‘última star en funciones’ como
podría esperarse. Viste su traje ‘de soñar’. Sabe que divorciar
los medios de expresión artística de la realidad es una
ingenuidad”.
“Sabe también que el sentido del humor, bien entendido,
es muy provocativo, en el buen sentido de la palabra y
crea una gran solidaridad. Nos invita a reconocer lo que
somos”, continúa.
“En tono confidencial, introspectivo a veces, efusivo en
ocasiones y por momentos tempestuosamente histriónico,
Angel Pavlovsky, en el
Teatreneu con “Alas furtivas”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del compañías
d a n z a
La bailarina y coreógrafa Alicia Soto ha dado un importante salto en su carre-
ra y con su compañía Hojarasca Danza presenta por primera vez un espectá-
culo multimedia, “Desea”, en el que se entremezclan teatro, danza, música,
literatura y videoarte. Cuatro pantallas gigantes reciben videoproyecciones y
sobre ritmos electro-rock, bailarines y actores llevan al espectador en una
experiencia emocional en la que se encontrará consigo mismo, explorará sus
deseos conscientes e inconscientes y sus interrelaciones con esta sociedad
de consumo que condiciona nuestros deseos y necesidades. La fórmula
(Publicidad+Deseo+Seducción+Consumo+El Otro=Yo), es la premisa que se
ha planteado la compañía para la creación de su último trabajo. Es un espec-
táculo de encuentro y de fusión entre diferentes formas de expresión.
Para llevar a cabo este proyecto, Alicia Soto ha contado con la colaboración
del controvertido novelista francés –afincado en Almería– Michel
Houellebecq para los textos, Masbedo en la creación de video, Joan Valent
en la música, Amaya Arzuaga para el vestuario y Eduardo Cuadrado y Carlos
Fernández en la dramaturgia.
“Desea” es una coproducción de Hojarasca Danza con la Fundación Siglo
para las Artes en Castilla y León y está distribuido por Barranco Promociones
Culturales. Esta artista burgalesa, que lleva años luchando por sacar adelan-
te la única compañía de danza profesional con sede en Castilla y León, ha uti-
lizado los textos de Houellebecq para componer un cuadro hiperrealista.
Pretende analizar, hasta el escarnio, la dureza de los tópicos que mueven los
deseos de hoy: básicamente la tiranía del consumismo para dar una imagen
que cumpla con los cánones sociales de belleza y triunfo en todas las parce-
las de la vida. Eso si, los espectadores no se van a encontrar con nadie decla-
mando los textos del escritor francés. Solo han servido para inspirar las ideas
básicas que después ha plasmado al autor Carlos Fernández. Sobre el esce-
nario, la actriz es Estrella, un icono femenino mediático en fase de deterioro
y a punto de ser víctima de la principal ley de la moda: dejar de serlo.
Además, la compañía sigue de gira con su espectáculo de danza vertical
“Bloque C, ángeles caídos buscan subir al cielo”, en versión de sala.
Fotografías: Fernando Marcos y Masbedo
“Mur”, la última propuesta de Thomas Noone Dance se salta los
muros físicos y mentales del movimiento, en un emocionante
encuentro de danza, arquitectura y música. El montaje, que se
estrena el 18 de enero en el Mercat de les Flors de Barcelona, en
coproducción con dicho recinto, transcurre en un espacio imagi-
nario y abierto, acotado por una potente escenografía diseñada
por David Jiménez. La idea surgió de la lectura de los textos
“Foirades” de Samuel Beckett y su colaboración con Jasper Johns:
“La austeridad es lo más reseñable de la escritura de Beckett. Crea
un espacio tangible y, a la vez, emotivo, utilizando frases incom-
pletas y descripciones ambiguas”, comenta el coreógrafo. Es así,
dividiendo el espacio con una simple barrera, delimitando y diri-
giendo a los bailarines para que el movimiento más simple provo-
que una respuesta emotiva, como se ha desarrollado la coreogra-
fía. Un muro que se mueve y abre el espacio hasta que la danza lo
invade todo.
Después de debatir sobre la delimitación y restricción de los bai-
larines y de la compartimentación del espacio escénico, los arqui-
tectos David Jiménez y Joan Álvarez, propusieron un diseño prác-
tico y estético a la vez. Un muro compuesto de módulos en forma
de V. Considerando las posibilidades de estos módulos se conclu-
yó la línea narrativa. El compositor Pedro Navarrete ha unido dos
áreas más: una, la idea de limitación física, repetición y ciclos
musicales; y, la otra, la confrontación entre bailarines y arquitec-
tura, con el timbre contrastado de dos familias de instrumentos:
cuerdas y percusión. Thomas Noone Dance es compañía residen-
te en el saT! Sant Andreu Teatre.
Fotógrafo: Josep Aznar
Alicia Soto, de gira con su
espectáculo multimedia
“Desea”
Thomas Noone Dance
estrena “Mur” en enero
en el Mercat de les Flors
Thomas Noone Dance
estrena “Mur” en enero
en el Mercat de les Flors
NOTIS 14web 29/12/06 11:48 Página 39
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
d a n z a
Desde el 7 de febrero de 2007 y sólo hasta el domingo 25 del mismo
mes, Julio Bocca, acompañado por Cecilia Figaredo y el Ballet
Argentino, bailarán juntos la obra “Adiós hermano cruel”, en la des-
pedida de Bocca de los escenarios madrileños. Tras más de veinte
años de carrera y desde mediados de 2005, Julio Bocca se está des-
pidiendo de los distintos escenarios y países que lo han acogido y
aplaudido a lo largo de su carrera. Entre otros, en junio de 2006 se
despedía del American Ballet y hace algunas semanas se despedía
del público cubano, tras un sentido homenaje en el marco del
Festival de Ballet de La Habana. Madrid será la primera ciudad espa-
ñola en vivir esta emotiva despedida.
Las fechas del Teatro Albéniz constituyen una cita única y la última
oportunidad para los madrileños de disfrutar del arte de un bailarín
excepcional, un auténtico número uno de las tablas de todo el
mundo. Tras casi un mes de actuaciones en Madrid, Bocca prose-
guirá su gira de despedida por distintos escenarios de la geogra-
fía española. Con guión de Elio Marchi e inspirado en “Lástima que
sea una puta” de John Ford, “Adiós, hermano cruel” es un ballet en
dos actos, con música de Lito Vitale, coreografía de Ana María
Stekelmann y diseño de vestuario de Renata Schussheim. La obra se
desarrolla en un gran espacio, dividido en niveles, que podrá ser
alternativamente el patio de un palacio, el campo, el altar de una
iglesia… La época es atemporal. Puede haber sucedido hace cinco
siglos o suceder en un probable futuro.
La compañía de danza flamenca y española malucos Danza acaba de
estrenar su último montaje “Las sobras del festín”, dirigido por Carlos
Chamorro, con coreografía e interpretación del propio Carlos
Chamorro, Pepa Sanz y José Merino y acompañado por la guitarra de
José Manuel Montoya y el cante de Merenguito. El estilo de danza de
esta creación es el flamenco, pero mezclada con otros estilos, en este
caso el contemporáneo, como ya es habitual en la compañía, para
matizar, resaltar y expresar el sentido de la obra.
Desde 1998 malucos Danza es una de las compañías pioneras en
España en la fusión y creación de estilos propios a partir de la danza
española y el flamenco. Su filosofía es combinar el folclore, la danza
española, el flamenco, la danza contemporánea, la escuela bolera
(siglo XVIII), el mestizaje con otras culturas para fundirlas y actualizar-
las, acercándolas a nuestros tiempos a través de un estudio minucio-
so, siempre respetando y comprendiendo sus raíces y pureza. “Las
sobras del festín” transcurre dentro de un reloj, donde la vida, situada
frente a una mesa reflexiona, sobre su existencia. Toda sensación
humana es la base que esta compañía busca en cada uno de sus
espectáculos, basándose para ello en el estudio minucioso de los per-
sonajes. El amor, el deseo, el disfrute son también sentimientos que,
desde sus comienzos, representa y evoca para explorar los límites del
arte. Profesionales de la danza, escenógrafos, compositores musicales
y diseñadores colaboran con malucos Danza para que cada espectácu-
lo luzca diferente al anterior.
malucos Danza estrena
“Las sobras del festín”
Visiones de Miguel de Cervantes, fantasías, nostalgias, reproches,
reflexiones... ¿Cómo hubiese sido el Don Quijote en el año 2006?
Esta es la pregunta y el reto que se presenta el Ballet Carmen
Cantero, con la dirección artística de Antonio Pérez. La respuesta se
vislumbra durante una coreografía de cincuenta minutos, donde la
fantasía de Cervantes se convertirá en máquina de nuevas e
innovadoras ideas, presentándonos a un Don Quijote
tremendamente contemporáneo, un Sancho tan real como la
propia vida y una Dulcinea irreal. Mezclas del pasado y del
presente, a través de las sombras del tiempo, nos llevarán a una
bella y actual historia donde la tradición y las nuevas tendencias
forman un nexo común, no demasiado lejos de la realidad. La
coreografía está basada en una estilización de la mano del
flamenco y de la danza española, fusionando el compás, con los
palillos y las distintas formas de marcar los tiempos. Sobre el
escenario, los bailarines evolucionan al compás del guitarrista Juan
José Ramos (Niño de la Manuela), el cantaor, que también lleva la
percusión Roberto Mesa y la cantaora Loreto de Diego. Este ballet,
que dirige Carmen Cantero, se formó en 1997, con la finalidad de
mantener viva la danza española, la escuela bolera, el folclore y el
flamenco, para ser disfrutado por un público contemporáneo. La
producción y distribución del montaje corresponde a Actividades
Artísticas Júcar.
Carmen Cantero acaba de ser galardonada como Mujer Empresaria
Emprendedora por la Comunidad de Madrid, y va a montar una
compañía estable en los Emiratos Árabes, donde estará en febrero
para presentar su último montaje “Esencia pura”.
El Ballet de Teatres de
la Generalitat estre-
nó el pasado 22 de
diciembre su últi-
ma producción,
“La bella dur-
miente”, un
ballet basado
en el cuento
de Perrault,
con música de
Tchai kovsky,
en el que el
coreógrafo Goyo
Montero aporta
una visión novedo-
sa y contemporánea,
pero manteniendo el
respeto a la obra clásica. La
obra estará en el Teatro Principal
de Valencia hasta el 7 de enero.
Se trata de una obra para todos los públicos con una visión contemporánea de un
ballet clásico que combina la estructura académica (cuerpos de baile, pasos a dos
y divertimentos) con una búsqueda de la psicología del cuento de Perrault desde
una perspectiva más actual. La intención de Goyo Montero es la de ser fiel a la his-
toria tradicional añadiendo elementos originales que estimulen la curiosidad en el
espectador. Junto al Ballet de Teatres de la Generalitat se podrá ver a dos grandes
figuras de la danza: Iván Gil-Ortega, bailarín principal del Het Nacional Ballet de
Ámsterdam y artista invitado en el Stuttgart Ballet, y Rafael Rivero, Primer Bailarín
de la Compañía Nacional de Danza, que participarán en la creación como artistas
invitados. Al trabajo de Goyo Montero se une la música en directo de la Orquesta
Sinfónica de Valencia, bajo la dirección musical de Joan Cerveró. Asimismo, la obra
está enmarcada en el cuidado diseño del espacio escénico realizado por Manolo
Zuriaga y Josep Simón, y en el estudiado vestuario realizado por Pascual Peris, tra-
bajos que acentúan y envuelven esta gran creación.
La obra está inspirada en el ballet clásico “La bella durmiente del bosque”, estrena-
do en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo en enero de 1890, con coreografía de
Marius Petipa y una brillante composición musical de Tchaikovsky. Goyo Montero
ha protagonizado como bailarín tres versiones diferentes de “La bella durmiente”
con coreografías de Petipa, Scholz y Joury Vamos, experiencia que le ha permitido
acercarse con conocimiento de causa a una nueva versión de la obra.
El Ballet Carmen Cantero
reflexiona sobre Don Quijote
“La bella durmiente” del
Ballet de Teatres de la Generalitat
Julio Boccase despide
de los escenarios españoles
Fotografía: Paco Ruiz
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del compañías
d a n z a
“Escupir en el tiempo” es la nueva producción de la compañía de danza Erre que Erre y el
espectáculo con el que celebra su décimo aniversario. Erre que Erre siempre se ha defini-
do por una exhaustiva investigación sobre las nuevas concepciones de la danza y del
movimiento en general. El montaje combina la danza, la música y la imagen en un
espectáculo que habla de “celebrar el futuro y los secretos que todavía quedan
por desvelar, utilizando el cuerpo como herramienta y vehículo de expre-
sión, el movimiento como lenguaje y la necesidad de comunicar como
última finalidad. Un espectáculo festivo y, al mismo tiempo, solemne.
Una celebración en la que sólo deben entrar los que se encuentran
con ánimo de celebrar”, explica la compañía. El espectáculo, de una
hora de duración sin entreactos, representa las historias que suceden
en la habitación cercana a la gran sala donde se está celebrando una
fiesta. Los seis intérpretes, dos hombres y cuatro mujeres, tienen
unas fuertes y marcadas personalidades. Ellos representan a seis
personajes de esta fiesta: los anfitriones y los invitados. Tienen algo
en común, pero cada uno explica su propia historia en el momento
en qué sale de la fiesta y se va a la habitación de al lado. Aquí se
aísla, busca a otros, se relaciona, se enfada, se reconcilia, se enamora. En este
nuevo espectáculo cuentan con la música es de David Crespo y Guim Serradesamferm
(Balago), con la colaboración de Myriam Swanson, Dani Nel·lo i Martín Fuks (Barxino). El
audiovisual es de Guillem Morales. “Escupir en el tiempo” es una producción Erre que erre,
en coproducción con el Mercat de les Flors (Barcelona); Temporada Alta 2006 –Festival
Internacional de Teatre, SALT y el Centro Párraga (Murcia)–.
Erre que Erre cumple 10 años con “Escupir en el tiempo”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
i n f a n t i l
La compañía Markeliñe estrena los días 2, 3, 4 y 5 de enero en el palacio
Euskalduna de Bilbao su último montaje “Cigarra y hormiga”, una crea-
ción original basada en la fábula “La cigarra y la hormiga” de La Fontaine,
basada a su vez, en el cuento del mismo título de Esopo. Las hormigas
trabajan afanosamente desde el comienzo de la primavera. Tras un duro
invierno, salen de su hormiguero dispuestas a reponer sus reservas ago-
tadas. Su rutina es interrumpida por la llegada de la cigarra. La cigarra es
diferente a las hormigas. Las interrumpe de su ocupación y, aparente-
mente, es ociosa. Sin embargo, van aprendiendo de la intrusa cigarra
cosas que les resultan muy agradables. Quizás, la cigarra no sea tan
improductiva, sino que su trabajo consista en hacer música, en conducir-
nos hacia lo bello y lo placentero... En la relación que mantienen los per-
sonajes, unas y otra aprenderán algo del vecino. Algo sobre la necesidad
del trabajo para subsistir pero también sobre la importancia del placer
para sentirse mejor. Pero esta convivencia entre arquetipos diferentes se
hace más difícil cuando la comida escasea y el frío aprieta. Cuando la soli-
daridad debiera surgir espontánea. Porque retomando la moraleja clási-
ca “hay que guardar para cuando no hay”, no es lo mismo guardar para
acaparar que guardar para compartir. La llegada del invierno es el desti-
no inevitable de esta fábula, pero Markeliñe hace de la confrontación de
estas dos formas de ver la vida, cigarra y hormiga, una evolución del
hombre hacia una sociedad más agradable y una vida más soportable.
A nivel estético, parten de una escenografía sencilla: unos sacos rellenos
forman la casa de las hormigas, que permanece constante a lo largo de
todo el espectáculo y una hamaca para la cigarra, que no aguantará la
dureza del invierno. El montaje sigue la línea estética de la compañía:
plástica, poesía, comicidad, experimentación con materiales, ritmo y
juego interpretativo como elementos fundamentales.
Teatro Arbolé prepara para 2007 nuevas
producciones en su Teatro del Actur en
Zaragoza. Para publico infantil y familiar
pondrá en marcha “El intrépido soldadi-
to de Plomo”, en versión de Iñaqui
Juárez, y para público adulto “Con –
Ciertos Títeres”, dirigido por el prestigioso
director cubano Armando Morales, además de
completar la trilogía de los cuentos clásicos con “¿Caperucita roja?”. De
esta forma, Teatro Arbolé consolida su proyecto empresarial y artístico
que les está permitiendo producir y exhibir espectáculos, coproduccio-
nes como “Travesía” y “Archipiélago” con el Centro Dramático de Aragón
y producciones como “El Caballero encantado” y “El fantasma de Morillo
de Tou”.
El Teatro Arbolé ha realizado durante el año 2006, 714 actuaciones con
representaciones en la mayoría de las comunidades autónomas españo-
las y ha viajado a Latinoamérica
(Colombia, Chile, Venezuela y
Argentina), hasta sumar las 240
localidades visitadas. El público
asistente a todas sus representacio-
nes supera los 210.000 personas, el
mismo número que los kilómetros recorri-
dos en 2006.
El Teatro Arbolé ha trascendido los límites de Aragón y se ha convertido
en referencia en las programaciones infantiles de muchas ciudades espa-
ñolas. El proyecto que comenzó hace 27 años se consolida.
Para el 2007, continuarán con nuevas publicaciones en su editorial, tanto
para público infantil como para adulto: el teatro también se lee. En 2006
vieron la luz 4 nuevos títulos. En este año también volverán a viajar a
Latinoamérica, este vez será México y Argentina. Además presentarán su
producción “Archipiélago” en FETEN y en Teatralia.
La prestigiosa compañia Títeres de María Parrato, tras regresar de su
gira por Inglaterra y Brasil, acaba de estrenar un nuevo montaje: “El
abeto”, basado en el cuento de Andersen, dirigido por Irina
Kouberskaya. El estreno se produjo, coincidiendo con la Navidad, el
pasado 18 de diciembre en la Sala Tribueñe de Madrid. Hace unos
meses la productora Tribueñe propuso a María Parrato que la com-
pañía se encargara de la puesta en escena de un espectáculo que
había diseñado la conocida artista y escenógrafa, Marina Azizian,
toda una institución de Rusia, conocida por sus escenografías para
el teatro Bolshoi, por los que ha recibido numerosos premios nacio-
nales de teatro en su país, entre los que cabría destacar dos Premios
Máscara de Oro al Mejor Escenógrafo del año en 2003 y 2005.
A pesar de lo apretado del calendario, la compañía segoviana no
pudo negarse y, de este modo, ha vuelto a los títeres de guante, que
a la vista de la calidad y belleza de los muñecos ha sido un gran
acierto y una alegría para el público.
A partir del cuento de Andersen se crea una metáfora de la vida de
los seres humanos a través de las sensaciones y sueños de un árbol,
el abeto. Durante la obra se cuentan las múltiples peripecias que le
van ocurriendo a lo largo de las cuatro estaciones. La interacción
entre el hombre y el árbol, los misterios ocultos en la vida secreta de
un bosque, el contraste entre el vuelo de las hojas y el trabajo calla-
do de las raíces, y sobre todo el incierto destino de cada árbol. La
puesta en escena es de María José Frías, que también da vida a los
muñecos, junto con Laura Fernández y Miguel Zabaleta.
Tras el éxito en Rusia de “El abeto”, que se ha prolongado más de
siete años, ahora llega a España con las marionetas originales.
Markeliñe estrena “Cigarra y hormiga”
Teatro Arboléprepara tres producciones para 2007
La compañia Títeres de María Parrato estrena “El abeto”
Inspirada en el cuadro “El jardín de las delicias” de El Bosco, la veterana com-
pañía Aracaladanza ha creado su último montaje “Pequeños paraísos”, un
espectáculo para niños a partir de 4 años y adultos que rebosa luz, que
acoge criaturas desmedidas y atiende deseos íntimos. Un trabajo depurado
que aúna danza y marionetas, dirigido por Enrique Cabrera, con once core-
ografías realizadas con la música compuesta por Mariano Lozano, el diseño
de luces de Pedro Yagüe y el especial vestuario de Elisa Sanz.
Enrique Cabrera ha creado un sugerente espectáculo, en coproducción con
el Teatro de La Abadia, con la pretensión de devolver a los espectadores
mínimos instantes de felicidad, fugaces píldoras de alegría que, sin tener
relación, contagian dicha, prometen sonrisas, irradian paz… Y es que
“Pequeños paraísos” es un trabajo de danza depurado que insiste en el pro-
tagonismo de los objetos y desarrolla el arte de las marionetas, convertidas
por derecho propio en la sexta bailarina.
El mundo reducido a un jardín. Y en él, fresas, y trapecistas, y lámparas, y
globos, y flores, y joyas brillantes encerradas en cajitas; diminutos tesoros
que al abrirse regalan aire... Y ternura y emoción. Y risa y diversión. Con
marionetas o con globos. Con papel o con jabón. Como antes, todo sirve…
Como siempre, todo baila… Como nunca, todo brilla…
Un inusual montaje de danza para aquellos que no han tenido problema en
reconocerse, para aquellos que se han permitido jugar con ese niño o niña
que nunca muere. Un paraíso para pequeños y grandes soñadores que se
recrea en cada instante y atrae la libertad. Paraíso soñado por todos, o
mejor, paraísos inventados a ritmo de vals o incluso de silencios, el nuevo
trabajo de Aracaladanza disfruta del momento y se recrea en el instante. No
enseña. No guía. No adoctrina, sino que abre la imaginación. Destinado al
público familiar, la distribución corre a cargo de Alberto Muyo.
“Pequeños paraísos” danza para volver a la infancia
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La compañía Alquibla Teatro ha estrenado el musical
para niños “El sueño de una noche de verano”, de
Shakespeare, en versión libre de Esperanza Clares y
dirección escénica de Antonio Saura. El estreno
nacional tuvo lugar el pasado 27 de diciembre en el
auditorio de Murcia “Víctor Villegas”, dentro del ciclo
Navidad con Cajamurcia. La obra de Shakespeare
ofrece un mundo mágico y poético a través de las
historias de amor entrelazadas, de la combinación
entre el mundo real y el de los sueños, el de los per-
sonajes mortales y los seres inmortales que habitan
la noche y la fantasía y las travesuras con las que el
duende Robín enreda las situaciones y divierte a la
audiencia. Esta versión, destinada a niños de 6 a 12
años y público familiar, está escrita en clave de
comedia musical, mezclando la propuesta textual con los musicales, canta-
dos y bailados por los propios actores, con música mediterránea compues-
ta por Salvador Martínez para la ocasión.
Al igual que la versión que ya hicieran en el año 2000, la acción de esta
comedia fantástica queda situada en una playa mediterránea, con olor a
sal y arena, a pólvora y mar, junto a la hoguera de la noche de San Juan,
marco perfecto, donde los humanos comparten cartel con hadas y duen-
des, e ideal para las travesuras de Robin (en un mundo que está loco, como
loco es el amor). En esta nueva visita, ahora para los pequeños espectado-
res, encontraremos a nuestros jóvenes enamorados en una calurosa noche,
a la luz de una gran luna llena, en donde destacaremos especialmente el
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
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tema del amor: el amor imposible, el amor ciego, el amor que otros eligen
por nosotros, y de lo que por amor estamos dispuestos a hacer. Este “Sueño
de una noche de verano” es una fiesta colorista, sensual, vitalista, divertida,
mágica en contenido y forma, actual y con un ritmo trepidante, que sedu-
ce tanto a los niños como a los jóvenes y adultos que puedan disfrutarlo.
La versión para jóvenes y adultos del año 2000 fue extraordinariamente
acogida por el público y la crítica, a largo de toda la geografía española en
sus tres temporadas de vida, siendo nominado a los Premios Max como
mejor Espectáculo Revelación.
Texto: Sofía Coca
Alquibla estrena el musical
“El sueño de una
noche de verano”
Ya está disponible la versión de sala de “Zirko iluna”, de la compañía
Hortzmuga Teatroa, tanto en castellano como en euskera. El montaje,
basado en textos de Michael Ende, ha sido representado, en su versión de
calle, en numerosas localidades y ferias como Umore Azoka, Festival de
Teatro de Araia, Festival Escena Abierta de Burgos, FETEN 2006, Festival
Internacional de Teatro de Alcorcón, Mostra de Teatre al Carrer de les
Alqueries, Festival de Circo y Teatro de Villanueva de Gallego, Festival de
Teatro de Salamanca, Muestra de Teatro y Artes de Calle de Medina del
Campo y Festival de Teatro de Calle de Santander. Después de un verano de
gran actividad y de ver la respuesta del público, Hortzmuga Teatroa se ha
decidido a montar el espectáculo para su versión de sala, aprovechando los
recursos que un espacio cerrado proporciona. El director del montaje es Toni
Arteaga. “Zirko iluna” cuenta la historia de un circo viejo y acabado a través
de las experiencias de sus últimos supervivientes. Un viaje simbólico y
emotivo en el que se mezclan grandes títeres, pequeños números de circo y
grandes dosis de participación activa del público familiar al que va dirigido:
tarde de invierno en las afueras de la gran ciudad. En medio de la plaza dos
míseros carromatos, antaño de vivos colores. A su alrededor los últimos
miembros del circo. Sólo por ciertos detalles es posible adivinar que se trata
de artistas. Después de tantos años, tantos viajes y aplausos, el viejo circo fue
cayendo en el olvido y hoy es el día de la despedida. Cada uno tomará
caminos distintos y probablemente no vuelvan a verse nunca.
Versión de sala de “Zirko iluna”
Paspartú Teatro Musical está de gira con su nuevo trabajo, el espectáculo
“Perejil y la diva infantil (El secreto de la flauta mágica”), un pequeño tea-
tro musical, un cuentacuentos basado en la ópera de Mozart, dirigido por
Alicia Merino y con el valor añadido de la música en directo. Es un monta-
je para toda la familia, lleno de alegría, poesía, ternura y mucha emoción,
que podrá verse el 13 de enero en Sevilla, el 21 en la sala Cuarta Pared de
Madrid o el 25 de febrero en Fontanar (Guadalajara).
La obra contiene la poética del cuento, la alegría del musical y la estética
de una caja de música en la que Perejil y La Diva Infantil despiertan y
hablan movidos por los hilos invisibles de la música, ese espacio de intimi-
dad donde los secretos más profundos son revelados. Perejil y La Diva
Infantil contarán y cantarán la aventura de Tamino y Papagüeno, su viaje
en busca del amor por El Reino de la Noche, acompañados por la magia de
una flauta que contiene todos los secretos de la música. Es una ópera
hecha cuen-
to para
todos los
públicos, animada por el soplo de la poesía y por versiones de las cancio-
nes que hicieron universal la obra de Mozart. La dirección musical corre a
cargo de César Guijarro y Jesús Aragoneses.
La compañía Paspartú nació en enero de 2005 fundada por Alicia Merino y
Francesc Galcerán. A este proyecto acudieron profesionales con una larga
trayectoria en el mundo de la interpretación teatral, de la composición y la
interpretación musical, la adaptación de clásicos, la dramaturgia oral y la
animación a la lectura (cuentacuentos). Propone una nueva forma de
abordar el teatro: devuelve de una manera original, respetuosa y drama-
túrgicamente genuina las obras de nuestros clásicos al público universal al
que pertenecen.
Mozart y “Perejil y la diva infantil!”
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ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del
compañías
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Después de un año muy fructífero de premios y giras, El Espejo Negro
estrena el montaje infantil “Un piojo llamados Matías”, de Fernando
Aramburu, con adaptación y dirección de Ángel Caliente. Unos diverti-
dos muñecos ofrecen, en palabras de la compañía, “el espectáculo per-
fecto para activar las neuronas del más despistado de nuestros peque-
ños espectadores”. Nacido en la nuca de un maquinista, Matías apren-
de desde sus primeros pasos que un piojo siempre debe andar con los
ojos bien abiertos. Enseguida tiene que hacer frente a las inundaciones
jabonosas y a las friegas con que la mano del gigante humano quiere
expulsarlo, o buscar refugio ante un peine o ante el huracán de un
secador. Un día, su amiga le anima a buscar los manantiales próximos
a esa montaña vertical que es la oreja, pero los dos, jóvenes incautos,
caerán prisioneros de la malvada reina de la caspa y se verán condena-
dos a realizar trabajos forzados. De aventura en aventura, la vida de
Matías es un divertido relato de iniciación desde su originalísimo y
diminuto punto de vista. El montaje, apropiado para público familiar e
infantil a partir de 5 años, se estrenó el pasado 15 de diciembre en el
Teatro Cánovas de Málaga.
Tres marionetistas a cara descubierta prestarán sus manos y voces para
dar vida a los diferentes personajes de la obra. Recurriendo a sus pro-
pias técnicas de manipulación y a un lenguaje sugerente y provocador
de imágenes y sonidos, El Espejo Negro enfrenta encima del escenario
a personajes reales (los manipuladores) y a sus antagonistas de goma-
espuma (los piojos) en un mestizaje total entre ambas razas de actores,
unidos entre sí por el humor, la sorpresa y la imaginación. Un espacio
en negro, un pequeño escenario, y diferentes elementos escenográfi-
cos, servirán para poner en pie el universo de estos pequeños protago-
nistas. Ventiladores, telas, plásticos, y un sin fin de marionetas de dife-
rentes tamaños, arropados por la luz y el sonido, convertirán ¨La vida
de un piojo llamado Matías¨, en el montaje perfecto para activar las
neuronas del más despistado de nuestros pequeños espectadores.
La compañía valenciana CeBe Producciones Teatrales acaba de estre-
nar su último montaje, “Pulgarcito o una de detectives”, dirigido y cre-
ado por Carles Benlliure. La obra es la historia de un vagabundo que
vive en un pequeño escenario abandonado, entre viejos cartones y
algunas telas. Como todas la noches se dirige a su rincón para dormir,
sorprendentemente comprueba cómo mucha gente le está observan-
do, pero no hace caso, está acostumbrado a estar en la calle. Y empie-
za a soñar unos sueños que quizá no son tan sueños: un hada que está
dejando de existir, peces extraños, murciélagos peculiares.
Además, CeBe Producciones está de gira con otros dos montajes: “El
pirata Barba” y “Un hombre en un país de muñecos”, esta última una
coproducción entre las compañías Xarop Teatre y la yugoslava Títeres
Fénix. Es un espectáculo de títeres y actores lleno de dulzura, dirigido
a un público familiar, a partir de tres años, que pudo verse en diciem-
bre en la Sala del Teatro Arbolé de Zaragoza. El montaje apuesta por el
compromiso, el diálogo y la armonía en la convivencia entre las perso-
nas. Dos actores titiriteros se disponen a representar su obra para los
niños y deciden contar la vida de un pueblo de títeres, Titerevall. En
este lugar se desarrolla la vida de los títeres, sus alegrías, penas, diver-
siones y tristezas. Sobre todo la de dos niños que intentan crear algo
de belleza en su jardín; pero el Daba, un personaje no muy bueno, no
deja de molestarles. Finalmente, un espectador un tanto peculiar no lo
soporta más y decide intervenir. Este espectáculo aúna la experiencia
de una compañía de títeres ya consolidada, como es la compañía
yugoslava Fénix, con más de treinta años de experiencia y el trabajo
actoral de la compañía Xarop y su experiencia en los trabajos realiza-
dos por la geografía española.
Por su parte, “El pirata Barba”cuenta la historia del Pirata Barba refugia-
do en las islas Columbretes y su gran enemigo el señor de Mirabet, que
después de tormentas, naufragios, trampas y una batalla naval descu-
bren lo inútil de la lucha y lo importante que es aprender a convivir.
Teresa de Juan Producción y Distribución de Espectáculos distribuye el montaje “La increíble histo-
ria de Mollie Malone”, de Eduard Costa. Se trata de una coproducción del Centre Teatral Escalante y
la compañía Anem Anant, que podrá verse a partir del 18 de abril en este espacio escénico. Mollie
Malone, una niña muy especial, acude a la relojería de su abuelo el día de su cumpleaños. Sin espe-
rarlo, vivirá una aventura muy emocionante y conocerá a cuatro personajes con los que jugará,
reirá, reflexionará y descubrirá lo importante que es disfrutar del tiempo. Una historia mágica y
divertida, que acabará siendo increíble y que está dirigida por el afamado director y dramarturgo
Chema Cardeña. El propio Cardeña presta su voz, junto a la de Vicent Pastor, para interpretar las
voces en off del espectáculo.
Los actores que dan vida a este cuento son Nuria Manzanaro, Nando Pascual y Eduard Costa. Como
en toda historia fantástica que se precie, ciertos elementos toman especial relevancia, como la
música original, a cargo de Jesús Serrano, el vestuario de Pascual Peris, el diseño gráfico y de esce-
nografía de Assad Kassab o el asesoramiento en magia de Nacho Diago.
Anem Anant Teatre es una compañía que nace en Valencia en el año 2000 y está especializada en
teatro infantil. Eduard Costa ha sido siempre el encargado de escribir los textos que posteriormen-
te interpretarán, con tanto acierto, que sus dos anteriores espectáculos “Argos” y “Circus” fueron
galardonados con el tercer premio a la mejor obra en el Concurs de Teatre Vila de Mislata de 2002
y ganadora del Premio Xaro Vidal Ciutat de Carcaixent al mejor texto, respectivamente.
Teresa de Juan distribuye
“La increíble historia
de Mollie Malone”
La compañía Solo y Cía. y la Sala Ítaca de Madrid
están de gira con “Rit-mo-cuen-tos”, una
producción de teatro para niños basada en cuentos
de Guinea, con el objetivo de no perder la tradición
oral de contar historias. La idea de “Rit-mo-cuen-
tos”, es acercar a los niños a este mundo mágico,
con cuentos de temática sencilla, pero no exenta de
profundidad, y accesibles para su entendimiento.
El mundo que representan es muy rico y
estimulante y tiene todos los componentes
expresivos propicios para hacer divertida su
narración: el ritmo, las canciones, la mímica y la
danza, el colorido de sus atmósferas, el tipo de
personajes, el humor, el juego, etc. Los actores,
como los antiguos griot, los narradores de los
cuentos de la tradición africana, adoptan múltiples
formas. Pasan de ser narradores a personajes, de
personajes a músicos, a danzantes…
Los cuentos elegidos son “El viento”, “El pájaro de
la cascada”, “La isla de las dos tribus”,” ¿Por qué los
perros dejaron de hablar?”, todos ellos
entrelazados por una pequeña dramaturgia, con
dirección de Rafael Díez Labín.
“Rit-mo-cuen-tos”,
cuentos de Guinea de gira
CeBe Producciones estrena
“Pulgarcito o una
de detectives”
El Espejo Negro cuenta la
historia de “Un piojo
llamado Matías”
NOTIS 14web 29/12/06 11:48 Página 49
Otro dato de gran interés es el de el número de especta-
dores por comunidades. Varias de ellas presentan un
nivel de asistencia notable a las funciones aficionadas.
Puede observarse la importancia de esta cuestión esta-
bleciendo comparaciones con las comunidades genera-
doras de la mayor parte del teatro profesional. En
Madrid acudieron el pasado año a espectáculos aficio-
nados un total de 361.734, lo que supone tan solo el
11,7% del total de los españoles que acudieron a este
tipo de teatro. Y es que, en la clasificación del teatro afi-
cionado por número de espectadores, por delante de
Madrid se encuentran las comunidades de Aragón,
Valencia y Castilla y León. Y proporcionalmente a su
población, es superada por otras muchas comunidades.
Estas diferencias nos alertan sobre la eficacia de algunas
políticas de promoción y apoyo al teatro de base, y rela-
tivizan el efecto “sombra” del profesional.
El peso del teatro aficionado conviene analizarlo tam-
bién desde el punto de vista del hábitat en que tiene
lugar. Analizando los datos correspondientes, podemos
ver que las grandes urbes metropolitanas reúnen el
61,2% de todos los espectadores (70,1% si aludimos a
los asistentes
a las profesio-
nales); y sola-
mente el
34,6% de las
aficionadas. Si
en ciudades y
pueblos más pequeños el teatro profesional va redu-
ciendo drásticamente su presencia, el teatro aficionado
conserva un alto porcentaje de presencia en los núcleos
de entre 10.000 y 200.000 habitantes (38,6% frente al
22,7% del profesional), y especialmente en los núcleos
de menos de 5.000 habitantes (18,5% frente al 4,1% del
profesional). En su conjunto en núcleos urbanos de
menos de 200.000 habitantes el teatro aficionado recibe
más espectadores que el profesional, tendencia que se
agudiza a medida que decrece el tamaño de la pobla-
ción. La conclusión obvia es que las compañías aficiona-
das juegan un papel decisivo en mantener el interés por
el teatro en los núcleos medios y pequeños.
Sí, ya sé que son demasiadas cifras y que resulta farrago-
sa su lectura, pero en las cifras se sustentan los análisis y
las propuestas. Iremos con ellas en el próximo número.
Robert Muro
elmuro@elmuro.es
unos ingresos relativos importantes, sus ingresos dismi-
nuyeron bruscamente en 2003, para ir recuperándose
desde ese momento. Es, ciertamente, un enorme desnivel
cuantitativo el de esta variable en relación a las anteriores
–funciones y espectadores–. La capacidad de recauda-
ción del teatro aficionado no está ni de lejos a la altura de
su peso en el sector, situación que se debe en buena
parte a dos razones: la no profesionalidad de sus produc-
ciones, y la política de gratuidad o precios subvenciona-
dos de las casas de cultura, centros académicos y espacios
de exhibición que las acogen, normalmente instituciones
públicas. Las funciones gratuitas suponen un 74,8% del
total de las aficionadas, frente a solo un 18,2% de las pro-
fesionales.
El análisis del teatro aficionado por comunidades autóno-
mas aporta nuevos datos comparativos de su evolución
que tienen un gran interés para mostrar su vitalidad
general, y especialmente fuera de los dos centros de pro-
ducción y exhibición por excelencia, Madrid y Barcelona.
Respecto a las funciones por Comunidades hay que seña-
lar que de las 41.083 funciones profesionales realizadas
en España –con datos ahora de 2004- el 28,7% tuvieron
lugar en Madrid, mientras que de las 18.332 de aficiona-
dos, las funciones representadas en Madrid fueron sólo el
14,6%. Menos distante es la situación que ofrece
Cataluña: el 25,2% de funciones del teatro profesional
tuvieron lugar en esa comunidad, y, así mismo, en ella
tuvieron lugar el 16,8% de las aficionadas. Merece desta-
carse la especificidad de varias comunidades autónomas.
Por ejemplo Valencia, Castilla y León y Andalucía.
Valencia, que en la oferta global –profesional más aficio-
nada– supone el 10,1 % del total, desciende al 8,2% en el
teatro profesional, y crece al 14,5% en el aficionado. El
peso de Castilla y León en el conjunto de funciones es del
6,6%, pero si atendemos a su peso en las funciones profe-
sionales su peso baja al 5,4, y asciende al 9,1% en cuanto
a las funciones aficionadas. Andalucía, con una participa-
ción global del 9,6, baja en la profesional al 7,2 y sube en
la aficionada al14,8%. O por decirlo de otro modo, casi
cuatro de cada diez funciones del teatro no profesional
que se hacen en España tuvieron lugar el pasado año en
Andalucía, Valencia y Castilla y León.
Teatro aficionado, amateur, no profesional, incluso neo-
profesional. ¿De qué hablamos cuando aludimos a este
tipo de actividad escénica? No resulta simple la tarea de
definir con cierta precisión el teatro aficionado. En reali-
dad el problema que encontramos para definir el teatro
no profesional es tan solo uno de los muchos datos que
nos hablan de la informal e irregular estructura del sec-
tor teatral en España.
Para SGAE, según queda reflejado en sus informes anua-
les, las compañías aficionadas serán aquellas que a lo
largo del año no han accedido a ninguna de las salas
cuya programación regular es profesional. A nadie se le
escapan las carencias de esta clasificación derivada de la
necesidad de establecer una diferencia que permita un
mínimo análisis cuantitativo.
En mi opinión es preciso incorporar a cualquier valora-
ción, a la hora de clasificar a las diversas compañías y
productos teatrales, el componente empresarial que las
sustenta, éste sí perfectamente medible. Y colocar en un
segundo plano el componente artístico, siempre sujeto a
valoraciones subjetivas. Aceptada esta norma resulta
sencillo acreditar como profesionales a aquellas compa-
ñías que cumplen los
requisitos mínimos de
obligado cumplimiento
para cualquier empresa
del sector.
Para terminar con esta
introducción definitoria
habremos de recordar que dentro del teatro no profesio-
nal se encuentran a su vez diversas realidades que es
imprescindible diferenciar y atender por separado: el
teatro escolar, el universitario, el neoprofesional…
Un dibujo cuantitativo de la realidad
Voy a presentar una idea aproximada de la situación
actual del teatro español aficionado y neoprofesional, a
través de una serie de cifras. Los datos corresponden al
periodo 1999-2005, últimos de los publicados en el
Anuario SGAE de las artes escénicas, musicales y audio-
visuales, fuente que he utilizado. Téngase en cuenta que
los datos relativos al teatro no profesional son, con toda
seguridad, incompletos, dado que la recogida de infor-
mación de este tipo de actividad teatral es extremada-
mente difícil de cuantificar. En mi opinión una estima-
ción más cercana a la realidad incrementaría notable-
mente todas las cifras relativas al teatro aficionado, que,
por otro lado, no refleja toda la actividad del teatro de
base, al quedar fuera buena parte del teatro escolar.
La oferta del teatro aficionado en 2005 fue en términos
absolutos de 18.142 funciones, frente a las 39.970 del
teatro profesional. Desde 1999 las funciones aficionadas
han pasado de suponer el 27 % al 31,22% del total de la
oferta teatral española. Es decir, cerca de la tercera parte
de las representaciones teatrales totales del año pasado
en España fueron realizadas por compañías no profesio-
nales. El número de espectadores que atrajo el teatro afi-
cionado en 2005 fue de 3.097.203, frente a 9.727.717 de
las compañías profesionales. Es significativo el análisis
de la evolución de esta variable. Si el teatro profesional
sufrió el pasado año un descenso notable de más de
medio millón de espectadores respecto al año anterior
(en 2004 vendió entradas a 10.327.717 personas), el afi-
cionado mantuvo la tendencia ascendente de los últi-
mos años, como puede comprobarse en el cuadro adjun-
to. La evolución del número de espectadores del teatro
aficionado es regularmente creciente y porcentualmen-
te supone el 25% aproximadamente de los espectadores
totales.
Bien diferentes son, como no podía ser de otra manera,
los niveles de recaudación del teatro aficionado. En 2005
obtuvo 3.939.626 euros, frente a los 156.904.100 euros
del profesional. Además, tras dos años –2000 y 2001– de
ESPECTÁCULO TEATRAL
el mundo del la última
r e f l e x i ó n
La actividad escénica que se hace extra muros de los circuitos
profesionales, en su periferia, es una realidad poco estudiada, pero de
una enorme importancia, tanto en cifras, como, sobre todo, en valor
estratégico para el sector. Podríamos decir que en el futuro del teatro
aficionado está escrito el del teatro. O por decirlo de otro modo, tal
como el porvenir trate al teatro de base, será tratado el teatro en
general. En este artículo y en el próximo número abordaremos la
definición de este tipo de actividad, analizaremos su realidad
cuantitativa y plantearemos algunas cuestiones claves para su
desarrollo.
Una realidad deslumbrante que permanece
en la sombra. El teatro aficionado I.
Evolución del teatro profesional y aficionado
1999 2000 2001 2002 2003 2004 2005
Funciones totales 38.745 37.563 42.390 48.022 51.354 59.415 58.112
Funciones profesionales 28.259 25.446 27.509 34.759 37.262 41.083 39.970
Funciones aficionadas 10.486 12.117 14.881 13.263 14.092 18.552 18.142
Espectadores totales 9.736.735 10.294.015 9.643.094 10.975.500 11.803.480 13.240.160 12.824.920
De funciones profesionales 7.290.931 7.377.853 6.453.447 8.571.448 9.426.140 10.327.717 9.727.717
De funciones de aficionados 2.445.804 2.916.162 3.190.062 2.404.052 2.377.339 2.923.443 3.097.203
Recaudación global (euros) 77.424.399 82.849.150 80.450.854 114.442.000 123.490.300 131.771.260 160.843.726
Recaudación teatro profesional 71.579.339 74.337.263 72.084.898 108.969.200 121.369.900 128.459.100 156.904.100
Recaudación teatro aficionado 5.845.059 8.511.918 8.365.956 5.472.766 2.120.420 3.312.160 3.939.626
Datos cuantitativos del teatro en España. Años 1999-2005
Fuente: Anuarios SGAE de las Artes Escénicas, Musicales y Audiovisuales
Financiación de las representaciones
2005 (total y %)
Financiación Total Profesional Aficionadas
TOTAL 58.112 39.970 18.142
Financiadas solo por espectadores 47,0 62,4 11,5
Parcialmente subvencionadas 16,0 17,0 13,7
Totalmente subvencionadas 37,0 20,6 74,8
Representaciones teatrales según hábitat.
2005 (total y %)
Habitat Total Profesional Aficionadas
TOTAL 58.112 39.970 18.142
Zonas metropolitanas 59,4 67,1 41,6
De 30.001 a 200.000 15,8 14,6 18,6
De 10.001 a 30.000 9,9 8,1 14,1
De 5.001 a 10.000 5,1 4,0 7,5
Menos de 5.000 9,8 6,2 18,2
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