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el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL www.elespectaculoteatral.es Edita: dosdimensiones, s.l. c/ Clara del Rey, 59.

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ESPECTÁCULO TEATRAL
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S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: PENTACROM ditorial Comienza un nuevo año que puede suponer el

ditorial

Comienza un nuevo año que puede suponer el comienzo de la transformación más seria que se haya pro- ducido jamás en el sector de las artes escénicas. No es nada que no conozcamos desde hace varios años: se trata de la incidencia real de la Ley de Prevención de Riesgos Laborales sobre la actividad profesional de las miles de empresas implicadas en la puesta en marcha de un espectáculo. Dicha Ley, en vigor desde hace varios años, ha sufrido, de facto, una especie de moratoria que, sin embar- go, ha acortado sus plazos sensiblemente en los últimos meses, debido, fundamentalmente, a la alarma social que se está produciendo por el elevado número de accidentes laborales existente en nuestro país, con especial incidencia en el sector de la construcción. En concreto, las empresas están siendo informadas de la necesidad de elaborar planes de riesgo laboral para cada puesto de trabajo existente en el centro de trabajo. Cuando éste es una oficina la mecánica es

¡Atención a la Ley de

Prevención de Riesgos Laborales!

sencilla: basta con entrar en contacto con una empresa especializada que elabore un documento denomi- nado Plan de Prevención, que evalúe los riesgos a los que está sometida la actividad profesional de cual- quier empresa, planifique las medidas a adoptar para controlar esos riesgos, informe a los trabajadores de los riesgos evaluados y se les forme adecuadamente para prevenir esos riesgos, además de llevar a cabo una labor de vigilancia de la salud de los trabajadores. Todo esto está en vigor y es susceptible de que se produzcan inspecciones rutinarias por parte de la Administración competente, que pueden traducirse en multas de mayor o menor cuantían. Pero no es eso lo peor… Además de con sus trabajadores, los empresarios de artes escénicas cuentan para desarrollar su actividad con otros ajenos, en algunos casos autónomos y, en otros, procedentes de empresas del propio sector. Es habitual que a su vez estos subcontratados contraten a otras empresas o autónomos, por lo que las respon- sabilidades en materia de prevención se extienden cada vez más, aunque el responsable primero de esa cadena es el contratista principal. La Ley de Prevención de Riesgos Laborales establece que dicho contratista principal debe coordinar la con- currencia de todas las empresas y autónomos que intervengan en su actividad en un mismo centro de tra- bajo, lo cual es muy complicado en el caso de los espectáculos en vivo por la propia naturaleza del sector, ya que en él intervienen desde el representante o programador que gestiona el evento, hasta el artista y todo su entramado técnico y estético pasando por profesionales de iluminación, sonido, electricidad, etc. En esta cadena de responsabilidades, por encima del contratista podría estar el promotor (generalmente un ayuntamiento), que en muchas ocasiones es también titular del recinto donde se lleva a cabo el espec- táculo, y por debajo, las subcontratas y autónomos. Igualmente cada entidad, empresa o autónomo que participa en la puesta en marcha del evento es responsable ante sus trabajadores, a los cuales tendrá que informar, según la citada Ley, sobre los riesgos que conlleva su trabajo y hacerlo por escrito en el caso de que éstos sean graves o muy graves. En esa línea, la Ley también establece que el contratista principal debe exigir a sus subcontratados que acrediten sus obligaciones en cuanto a información o formación sobre riesgos laborales para con sus traba- jadores. El gran problema que puede sobrevenir de la ignorancia de la Ley no es sólo de índole penal. Si sucede una desgracia ahora, como ha podido suceder hace quince años, se puede establecer una cadena de responsa- bilidades que rueda en cascada ascendente. Recientemente hemos podido ver en los telediarios como un accidente laboral en la construcción ha llevado a la cárcel hasta el jefe de obra y el arquitecto firmante de la obra, por no haber previsto estas circunstancias. Pero en el día a día podemos observar el peligro que entraña el celo con que la Administración está comen- zando a hacer cumplir la Ley, ya que, sencillamente, puede suceder que un espectáculo previsto pueda ser suspendido directamente por la falta de planes específicos para su puesta en marcha. O que se celebre, pero con otras empresas que sí cumplan los requisitos legales establecidos. Todo esto es caro. Dependiendo de los casos, puede suponer, incluso, que el “collar” del plan de prevención sea más caro que el “perro” del espectáculo. Estamos ante un pro- blema dormido (y semidesconocido) que amenaza con explotar en cualquier momen- to. La necesidad de información al respecto es acuciante. Aunque todavía no se le vean las orejas a este lobo.

Jesús Rodríguez Lenin Editor

al respecto es acuciante. Aunque todavía no se le vean las orejas a este lobo. Jesús

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ESPECTÁCULO

ESPECTÁCULO TEATRAL
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Lourdes Ortiz obtiene el I Premio
Lourdes Ortiz obtiene el I Premio

El Espectáculo Teatral

Lourdes Ortiz, Catedrática de Teoría e Historia del Arte en la RESAD de Madrid, ha obtenido el I Premio “El Espectáculo Teatral” con su obra ‘La guarida’. El galardón había sido convocado por nuestra revista y Ediciones Irreverentes, que publicará la obra premiada en el mes de enero. Al concurso se han presentado a esta primera edición cincuenta textos dramáticos escritos en castellano procedentes de siete países: España, Argentina, México, Francia, Chile, Venezuela y Uruguay. La extensión mínima de las obras participantes era de 65 páginas y la máxima de 90.

Calidad y comercialidad: términos no antagónicos

Cuando hace algo menos de un año decidimos aceptar la propuesta de la editorial Ediciones Irreverentes de embarcarnos juntos en el proyecto de convocar un concurso de teatro para obras no publicadas en papel ni estrenadas, no podíamos imaginar el interés que el concurso iba a suscitar entre autores de siete nacionalidades diferentes ni, mucho menos, pensar que quien se escondía detrás del pseudónimo Clara Alegría con el que se firmaba la obra “La guarida” se encontraba una autora del prestigio de Lourdes Ortiz. Premiar esta obra era fácil. Todos los que formamos parte del jurado, integrantes de las dos empresas editoras, estuvimos de acuerdo en que era la que más se adecuaba a los criterios establecidos por nuestras editoriales. Estos no eran otros que premiar una obra dramática que aunara criterios de calidad y comercialidad… Difícil cuestión: nadie podía imaginar el éxito de “El método Grönholm” y definirlo ahora como el paradigma de calidad y comercialidad no ofrece riesgos… El auténtico mérito hay que atribuírselo a Anexa y Producciones Teatrales Contemporáneas, que sí se atrevieron a afrontar el riesgo que entraña llevar a escena una obra teatral. Pero ni que decir tiene que ese era el norte de nuestra brújula. Nuestro riesgo, en cualquier caso, es limitado: no vamos a poner en pie la obra. Ni sabemos cómo hacerlo ni tenemos capacidad económica para ello, pero somos lectores y público, y nuestra mirada no es, en ningún caso, la de un profesional de las artes escénicas, sino la de simples aficionados que disfrutan de un buen texto y una buena puesta en escena. Eso sí, aspiramos a que el esfuerzo editorial que hemos puesto en marcha (y que tendrá continuidad anual) sirva de garantía ante productores que quieran asumir ese riesgo empresarial. Con el premio El Espectáculo Teatral queremos servir de criba previa y convertirnos, con humildad, en seña que garantice una posible viabilidad económica a proyectos siempre dudosos. También queremos animar a autores de todo tipo a que participen en la próxima convocatoria, de la que informaremos esta próxima primavera. No hay más límites que el idioma (castellano) y una extensión que permita el desarrollo dramático en torno a la hora y media de duración.

Jesús Rodríguez Lenin Editor

De izda. a dcha.: Jesús Rodríguez, Lourdes Ortiz y Miguel Angel de Rus.

El jurado, formado por integrantes de las dos empresas editoras convocantes del concurso, escogió la obra de la madrileña frente a la de los otros cuatro finalistas: el bonaerense Jorge Rafael Otegui, con “Memorias de un largo adiós”; “Ese hombre que me mata”, de la salmantina María Esther Sánchez; “Llueven vacas”, del barcelonés Juan Carlos Blanco y “La tarde de la iguana”, del venezolano Juan Martins. ‘La Guarida’ es la historia de Nemo, un ermitaño, un hombre voluntariamente apartado del mundo, que en un momento ve invadida su tran- quilidad por unas personas que han sufrido un accidente aéreo en las proximidades de su casa, incomunicada por la nieve con el mundo civiliza- do. La acción transcurre en un único escenario, una habitación cerrada, en tres actos que tienen lugar en tres momentos diferentes situados en los quince largos días que los personajes se ven obligados a permanecer en la casa. Según declaró la ganadora, todos ellos “son unos personajes diferentes por edad y condición, por formación y sistema de valores”. “Los personajes son Nemo y los ecos que llegan de la ciudad, irrumpiendo y trastocando su vida tranquila. Es una obra hecha de personajes, actitudes y voces, ideal para el juego del actor. Están hechos de per- sonalidades fuertes, que sufren conflictos con-

Este mes de enero se editará la obra ganadora, “La guarida”, a través de Ediciones Irreverentes

temporáneos y que liberan todas sus tensiones en ese mundo cerrado”. Lourdes Ortiz acabó afirmando que “La guarida” “es un ejercicio de reflexión sobre nuestros temo- res, el eterno dilema de la participación o la exclusión voluntaria. El camino del sabio, del soli- tario, pero también el afán transformador, las ganas de intervenir”. Miguel Angel de Rus, director general de Ediciones Irreverentes, afirmó en el transcurso de la rueda de prensa convocada por las empresas editoras que al convocar un premio sin dotación económica, pero premiado con publicación de la obra y el compro- miso de divulgarla entre productores teatrales y programadores, se pretendía apoyar a aquellos autores cuyo verdadero deseo es el de ver su obra viva en un escenario. Por su parte, Jesús Rodríguez Lenin, editor de la revista El Espectáculo Teatral, advirtió que el objetivo básico del jurado era pre- miar una obra “que pudiera aunar la calidad y la comercialidad. El mundo del teatro es muy compli- cado y grandes obras hay muy pocas cada siglo, pero nos sentiremos muy satisfechos si logramos que este premio se convierta en sinónimo de efica- cia para los productores teatrales, porque, en defi- nitiva, lo que pretendemos que el premio sirva para que alguien lleve la obra a escena y que entre en giras”. Coincidiendo con esa aspiración, la escri- tora madrileña define esta pieza como una obra sencilla, que intenta llevar al mayor número de per- sonas al teatro”.

tora madrileña define esta pieza como una obra sencilla, que intenta llevar al mayor número de

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entrevista

Lourdes Ortiz

Aún reciente el lanzamiento de su última novela, “Las manos de Velázquez”, editada el pasado mes de octubre por Planeta dentro de su colección de Autores Españoles e Iberoamericanos, Lourdes Ortiz ha resultado ganadora del I Concurso de Literatura Dramática convocado por Ediciones Irreverentes y la revista El Espectáculo Teatral.

La autora madrileña participó en el concurso con una obra titulada “La guarida” que aborda las tensas relaciones que se establecen dentro de una casa de montaña, aislada por la nieve, entre los dos habitantes del lugar y los supervivientes de un accidente aéreo producido en las inmediaciones. Nacida en Madrid en 1943, Lourdes Ortiz fue directora de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) desde el año 1991 a 1993, además de profesora de Historia del Arte en dicha escuela. Novelista de éxito (fue finalista del premio Planeta en 1995 con su novela “La fuente de la vida”), Ortiz es también autora de los textos teatrales “Las murallas de Jericó” (1979), “Penteo” (1982), “Fedra” (1983), “Cenicienta” (1986), “Judita” (1986), “Electra-Babel” (1991), “El cascabel del gato” (1994), “El local de Bernardeta A” (1994), “Dido en los infiernos” (1996), y “El Rey loco” (1999). “La guarida”, su última obra de teatro, fue escrita en 2002 bajo el influjo de la caída de las Torres Gemelas y la Guerra de Irak, pero no había sido publicada hasta el momento. Este mes de enero verá la luz en edición llevada a cabo por Ediciones Irreverentes.

“Escribí una obra premeditadamente comercial, pero no la moví en absoluto, hasta que la presenté
“Escribí una obra
premeditadamente comercial,
pero no la moví en absoluto,
hasta que la presenté al premio”

- Has definido “La guarida” como un experimento.

¿Por qué?

- Puede decirse que tengo dos tipos de obras de

teatro. Hay una serie de obras que escribo porque me da la gana: no mido el número de personajes ni me planteo si es comercial o si se puede repre- sentar, y que están basadas o parten de la mito- logía o tienen un lenguaje poético con una rique- za diferente y están destinadas, directamente, a grupos experimentales. Y hay otras, como “El cas- cabel al gato” u “Olivia y Macedonia” –que se estrenó con el nombre de “El mundo del revés”– o “La guarida”, que he escribo como un reto: yo he sido profesora de la RESAD y me planteaba ejer- cicios de escribir obras representables para los alumnos. “La guarida” es de estas obras: quería escribir un texto de una cierta complejidad pero que, al mismo tiempo, fuera comercial y sencillo. Escribí una obra con una situación cerrada, en la que unos personajes llegan por casualidad a un

una casa. Una casa que es un lugar inhóspito, y

eso es lo que provoca los conflictos que van a

producirse.

- ¿Cómo surgió la idea?

- Pienso que motivado por la caída de las Torres

Gemelas. Y la Guerra de Irak sirvió de catalizador. Nemo está rodeado de imágenes terroríficas de

los horrores del mundo.

- ¿Cuándo escribiste “La guarida”?

- La obra la escribí en 2002 y ahí se quedó. Estaba

empezando a trabajar en la novela que acabo de publicar, “Las manos de Velázquez”, y no he vuel-

to a escribir nada más para teatro, salvo un

monólogo en homenaje a Calderón. Tengo

varias obras escritas, algunas publicadas, pero

no estrenadas, como “El rey loco”, porque no me

gusta el trabajo comercial de moverlas.

- En la lectura, Nemo me ha recordado en algo al

Marlon Brando de “Apocalypse now”, el Kurtz de “El corazón de las tinieblas”…

Puede resultar paradójico, porque escribí una obra premeditadamente comercial, pero no la moví en absoluto, hasta que la presenté al pre-

mio. Es una obra sencilla, en la que el grueso del

trabajo recae en los actores, así que lo que habría

que pedir al director es, simplemente, que sepa extraer del texto lo mejor que hay y que sepa dar

a los actores la autonomía que precisan.

Evidentemente, no es “Otelo”: no es una obra

compleja de montar y puede crecer o disminuir si

los actores son buenos o malos. No he pensado en ningún director, pero ahora que me pregun-

tas, el papel de Nemo me lo imagino, ahora, con

la presencia dominante del calvo de la lotería.

- ¿El autor tiene siempre la presión de tener que

escribir un “Otelo” o “La vida es sueño”?

- Cuando era jóven, tenía una amigo maravilloso,

Chicho Sánchez Ferlosio, que hacía canciones

maravillosas y que no le importaba que se publi-

caran o no. Un grupo de amigos, entre los que él

lugar y, a raíz de ello, se crea una situación absur-

-

Sí. Es un personaje que se ha retirado del

estaba, nos reuníamos y siempre queríamos

da y se desencadenan una serie de conflictos.

mundo y que no quiere saber ya nada de él. En

hacer “la gran canción”. El decía que nunca la

-

En “La guarida” hay un personaje con cierto aire

“Apocalypse now” lo que hace el personaje de

hicimos, pero que entre tanto habíamos hecho

mitológico, Nemo.

Brando es reproducir el horror de otra manera.

muchas canciones y, a lo mejor, con el paso del

-

Si, suelo tener personajes con referencias clási-

Mi

Nemo, como el de Verne, está sumergido en

tiempo, alguna de esas podría llegar a ser “la

cas, como Fedra o el propio Luis II de Baviera,

su

batiscafo simbólico, rodeado de todas esas

gran canción”.

pero en este caso lo que pretendía era escribir

imágenes de la realidad de la que huye, pero que

-

Para finalizar, ¿cómo ves el momento actual del

una obra más cercana, con temas de todos los

no

quiere olvidar. Y que, de repente, le vuelve a

teatro?

días, aunque sea con una estructura que tiene

salpicar, en forma de la llegada de unos persona-

-

Da la sensación de que el teatro va bien, pero es

algo de simbólico. Nemo está aislado, enclaustrado. Le acompaña una especie de Watson, que es el doctor Edgar y, de repente, en esa torre de marfil que se ha construido, irrumpe la vida, en forma de acci- dente de aviación. Los que llegan se encuentran en un estado alterado de nervios y de excitación, que no es el normal de cuando llegas de visita a

jes que traen consigo la confusión.

- Uno de los objetivos que nos planteábamos con

la creación del premio es apostar por obras que

pudieran ser representables. Y he notado que exis-

te cierta lucha de poder entre autores y directores.

De poder elegir, ¿quién te gustaría que la dirigiera?

o ¿cómo te gustaría que se dirigiera?

- Lo primero, me encantaría que se representara.

por los musicales, que son los que suben las esta-

dísticas. Sin embargo, no creo que pueda hablar-

se de crisis: veo que existe mucha vitalidad, por la

cantidad de cosas que se estrenan, por el núme-

ro de grupos jóvenes de teatro que se crean. Pero

esa vitalidad tiene partes contradictorias, porque

es desalentador ver cuantos de esos estrenos de

gente jóven apenas duran tres días en cartel.

contradictorias, porque es desalentador ver cuantos de esos estrenos de gente jóven apenas duran tres días
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Entregados los Premios ADE y María Teresa León 2006

El pasado 4 de diciembre tuvo lugar en el Teatro Español de Madrid la fiesta de entrega de los Premios ADE y María Teresa León para autoras dramáticas que cada año convoca la Asociación de Directores de Escena de España. Los premios ADE, que se otorgan

anualmente mediante votación de los asociados, están convocados por la Asociación de Directores de Escena de España, en colabora- ción con el Teatro Español. Los galardonados reciben diploma y una estatuilla diseñada por el pintor y escultor José Hernández.

El Premio María Teresa León para autoras dramáticas, por su parte, está convocado por el Instituto de la Mujer del Ministerio de Trabajo y Asuntos Sociales y la Asociación de Directores de Escena, con la colaboración de la Fundación Autor de la SGAE. Este galar-

dón, que alcanza su decimotercera edición, está dotado con 8.600 euros y un accésit de 4.300 euros. A la edición de 2006, han concu- rrido 70 obras de escritoras de España, Argentina, Estados Unidos, México, Costa Rica, Ecuador, Colombia, Chile, Cuba y Panamá.

Costa Rica, Ecuador, Colombia, Chile, Cuba y Panamá. Carlos Álvarez Ossorio recibe el Premio “José Luis

Carlos Álvarez Ossorio recibe el Premio “José Luis Alonso” para Jóvenes Directores de manos de Ángel Fernández Montesinos, Presidente de Honor de la ADE.

Ángel Fernández Montesinos, Presidente de Honor de la ADE. Julio Huélamo, director del Centro de Documentación

Julio Huélamo, director del Centro de Documentación Teatral, recogió el Premio “Adolfo Marsillach” a una labor teatral significativa otorgado a dicha institución.

Premiados

Premio Tarascas de la ADE

- Xosé Manuel Rabón, por su extraordinaria contribución a la estructura

organizativa y desarrollo del XIII Congreso de la Asociación de Directores de Escena de España, celebrado en el Pazo de Mariñán del 11 al 15 de octubre de 2006, lo que ha hecho posible que su realización haya disfrutado de óptimas condiciones.

- Damián Villalaín, en reconocimiento a las diferentes gestiones

realizadas en torno al XIII Congreso de la Asociación de Directores de

Escena de España, que desembocaron en encuentros de gran calado y significación institucional.

- Abel Martín, por su generosa cooperación con nuestra entidad en el

proceso de elaboración de las Bases para un Proyecto de Ley del Teatro

y su posterior difusión.

Premio «José Luis Alonso» para Jóvenes Directores

- Carlos Álvarez-Ossorio, por su puesta en escena de “A casa do pai”

Premio «María Martínez Sierra» de Traducción Teatral

– Ganador: Miguel Sáenz por su traducción de “El presidente”, “Los

famosos” y “La paz reina en las cumbres”, de Thomas Bernhard (Hondarribia: Hiru, 2005). – Finalistas: Sergi Belbel por su traducción de “Les falses confidències”, de Pierre C. de Marivaux. (Barcelona: Teatre Nacional de Catalunya, 2005) y Jaroslaw Bielski y Maxi Rodríguez por su traducción de “Cuarteto para cuatro actores” y “Ensayos para siete”, de Boguslaw Schaeffer. (Madrid: Publicaciones de la ADE, 2005).

Premio «Leandro Fernández de Moratín» para Estudios Teatrales

– Ganadores (Ex aequo): Eduardo Pérez-Rasilla y Julio Enrique Checa:

“El Premio Lope de Vega. Historia y desarrollo”. Madrid: Publicaciones de

la

ADE, 2006. Manuel F. Vieites: “Creación dramática, educación popular

e

construcción nacional (Galicia 1882-1936)”. Lugo: TrisTram, 2005.

– Finalistas: Emilio García Carretero: “Historia del Teatro de la Zarzuela de Madrid”. Madrid: Fundación de la Zarzuela Española, 2006 y Santiago Trancón: “Teoría del Teatro”. Madrid: Fundamentos-RESAD, 2006

Premio «Rogelio de Egusquiza» de Iluminación

– Ganador: Miguel Ángel Camacho por “Amar después de la muerte”.

– Finalistas: Francisco Ariza

Perdiguero por “Barcelona, mapa de sombras”

Premio «Adrià Gual» de Figurinismo

por “Flor de otoño” y Luis

y Mario Gas

– Ganador:

– Finalistas: Pedro Moreno por “Maribel, el Musical”. Nina Pawlowsky por “Las variaciones Goldberg”.

Premio «Joseph Caudí» de Escenografía

– Ganadores: Ricardo Sánchez Cuerda y Gerardo Vera por “Divinas

palabras”.

– Finalistas: Estel Cristià y Max Glaenzel por “Les falses confidencies” y

bohemia” y “Black el

Juan Sanz y Miguel Ángel Coso por “Adiós a la payaso”

Premio «Adolfo Marsillach» a una Labor Teatral Significativa

– Ganador: Centro de Documentación Teatral por su actividad en favor

de

del patrimonio teatral español.

la preservación de la memoria, el conocimiento y la investigación

Lorenzo Caprile por “Don Gil de las calzas verdes”.

Premio ADE de Dirección

– Ganador: Ernesto Caballero por “Sainetes”.

– Finalistas: Xavier Albertí por “El hombre de teatro”, Ricardo Iniesta por “Medea, la extranjera”, Josep Mª Mestres por “Un matrimoni de Boston” y Ana Zamora por “La tragicomedia de don Duardos”.

Premio MARÍA TERESA LEÓN 2006

– Ganadora:

“Amarás a tu prójimo”.

– Accésit: Irene Mazariegos (España), por su obra “Little Brook”.

su

Amaia

Fernández

Rodríguez

(España)

por

obra

Amaia Fernández Rodríguez (España) por obra Gerardo Vera y Ricardo Sánchez Cuerda, Premio “Joseph

Gerardo Vera y Ricardo Sánchez Cuerda, Premio “Joseph Caudí” de Escenografía 2006.

Cuerda, Premio “Joseph Caudí” de Escenografía 2006. Ernesto Caballero, Premio ADE de Dirección 2006, recoge el

Ernesto Caballero, Premio ADE de Dirección 2006, recoge el premio de manos de la actriz

Mercedes Sampietro

2006. Ernesto Caballero, Premio ADE de Dirección 2006, recoge el premio de manos de la actriz
2006. Ernesto Caballero, Premio ADE de Dirección 2006, recoge el premio de manos de la actriz

festivales

el mundo del

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TEATRAL

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el mundo del     ESPECTÁCULO TEATRAL Teresa de Juan distribuye la exposición “El teatro: toda
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Teresa de Juan distribuye la exposición “El teatro: toda una historia” El Centre Teatral Escalante
Teresa de Juan distribuye la exposición
“El teatro: toda una historia”
El Centre Teatral Escalante y Novembre Exposicions, en coproducción, llevan a cabo la exposi-
ción itinerante “El teatro: toda una historia”, una excursión en el tiempo cuyo fin es acercar al
visitante a la historia y evolución del teatro, desde su nacimiento hasta la actualidad. Así, se
pretende proporcionar unos conocimientos generales acerca de tipologías, textos, autores,
atmósferas, recursos escénicos y anécdotas que explican los porqués de cualquier represen-
tación; en definitiva, incentivar el amor al teatro y la curiosidad, clave del conocimiento. Este
recorrido tiene paradas en las épocas más relevantes de la historia del teatro. Maquetas, esce-
nografías, máscaras, títeres de guante, sombras, cuadros, esculturas, superficies imantadas,
rompecabezas interactivos y demás estímulos visuales y táctiles y lienzos, conforman las once
estaciones de este imprescindible viaje. Estas once paradas son Los Primitivos, Grecia, Roma,
Teatro Medieval, Commedia dell’Arte, Teatro Isabelino, El Siglo de Oro Español, Barroco, Siglo
XIX, Siglo XX, Las Vanguardias y el Teatro en el Mundo. El versatil artista plástico, autor y direc-
tor teatral Gianni Franceschini plantea con la exposición “El Teatro: toda una historia” una
aproximación artística al universo teatral; una experiencia interactiva que permite jugar, invo-
lucrarse, experimentar y aprender. En definitiva, participar del teatro. La exposición, que dis-
tribuye Teresa de Juan podrá verse próximamente en Ceuta del 13 al 27 de marzo.

III edición de la Feria de

Artes Escénicas de Madrid

“Cómo ser Leonardo”, de Teatro Meridional “Demasiado humano”, de Traspasos Kultur “Desnudas”, de Manero
“Cómo ser Leonardo”, de Teatro Meridional
“Demasiado humano”, de Traspasos Kultur
“Desnudas”, de Manero Teatro
Los días 22, 23, 24 y 25 de enero se celebra en
Madrid la Feria de Artes Escénicas promovida por
Artemad que en esta tercera edición cuenta con
trece espectáculos de teatro y danza. El objetivo
de Artemad es que los programadores vean en
vivo los espectáculos y que las compañías actúen
en las mejores condiciones, además de propiciar
Alcalá de Henares. A ellos se
sumarán los teatros en los
que estén programados los
espectáculos de la sección
“En Cartel”. Como novedad,
en esta edición se instituirán
los Premios Artemad de reco-
el debate, la generación de ideas y el intercam-
nocimiento a la labor teatral
de una entidad y un profesio-
nal de las artes escénicas.
Asimismo, se seguirán cele-
brando reuniones sectoriales

bio de información. Para ello, se cuenta con la excepcional capacidad de espacios escénicos, producción, programación, público, plazas hote- leras, transporte y otros muchos atractivos, tanto para las compañías como para los profesionales de la programación, la distribución y la gestión teatral de la ciudad de Madrid. En esta tercera edición, se contará en la sección oficial con los siguientes espacios escénicos: Sala

Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán, Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero, Teatro Galileo, Teatros de la RESAD, Teatro de la Abadía,

y el Teatro Cervantes y Corral de Comedias de

y encuentros entre profesionales. Algunas de las compañías que podrán verse serán Summa Cavea Producciones con “Samarkanda”, Nafas Dance Company y “Good Night… Amadeus”, Teatro Meridional con el espectáculo “Como ser Leonardo”, la Quintana Teatro con “Desde lo invisible”, Teatro del Noctámbulo con “El hombre Almohada”, Chanta la Mui con “Chanta la Mui” y la compañía Manero Teatro y “Desnudas”. Por su parte, Artibus representará “El Ladrón de Columnas”; Santa María Compañía de Danza, “Passe le Temps”; Suripanta Teatro presenta “Los otros”; Traspasos Kultur con “Demasiado Humano”; Morboria Teatro y “El enfermo imaginario” y la compañía Leonor de

Aquitania con la obra del mismo nombre.

Llega el Festival VEO

Del 14 al 25 de febrero el festival VEO trae a Valencia el arte escénico más efervescente. Cinco años después de su inicio, el Festival Internacional VEO ha conseguido romper fronteras y etiquetas teatrales, alterar los conceptos tradicionales, modificar los lenguajes artísticos habituales y reventar neuronas en un público mayoritariamente joven. En esta edición, trae una propuesta de programación pensada para inconformistas que huyen de los espacios convencionales. El VEO no deja indiferente a nadie, ni siquiera a los transeúntes que se encuentran de forma inesperada con una acción de teatro, danza o música en la calle. Architects of Air, Teatro de los Sentidos, Jordi Cortés, Froe Froe, Didier Theron, Maia Mónaco, Societat Doctor Alonso… son algunos de los nombres propios de esta quinta edición, hasta completar más de veinte compañías.

quinta edición, hasta completar más de veinte compañías. La vanguardia en el Festival Escena Contemporánea Un

La vanguardia en el Festival Escena Contemporánea

Un año más, las propuestas más vanguardistas del teatro, la danza, la performance y la música, se acercan a la escena madrileña del 29 de enero al 25 de febrero de 2007, dentro del Festival Escena Contemporánea. Este año además con nuevo director, Roberto Cerdá, y nuevos espacios. En esta séptima edición, se podrá ver en teatro la última producción de Matarile Teatro, “Truenos & misterios”, o Atra Bilis con “El año de Ricardo”, de la autora, actriz y directora Angélica Liddell. La Compañía Cuarta Pared estrena “Rebeldías posibles” e [in]constantes teatro llevará a escena “La Tierra”, del autor José Ramón Fernández, en un espectáculo con más de quince actores en escena y con la presencia de la bailarina y coreógrafa Teresa Nieto.

“SuperLux. Danza”
“SuperLux. Danza”

Por último, la madrileña Compañía El Canto de la Cabra estrena “Trece años sin aceitunas” y el catalán Sergi Fäustino presenta “f.r.a.n.z.p.e.t.e.r.”. En danza llega desde el País Vasco Ciento Cincuenta Cuerdas/Blanca Arrieta con “Zero” en la Sala Cuarta Pared y La Nave de Cambaleo. La joven compañía gallega Pisando Ovos presenta “No intre 1800” en la Sala Ítaca y La Nave de Cambaleo y alleRetour-Jesús Hidalgo, compañía valenciana residente en Francia, actuará en Pradillo con “Ellas”. En cuanto a la programación internacional, desde la República Checa contaremos con la presencia de Farm in the Cave y su espectáculo “Waiting Room”, un trabajo de teatro-danza premiado internacionalmente que inaugurará esta VII Edición del Festival en la Sala Cuarta Pared. En esta sala también podremos ver a la performer británica Stacy Makishi con “Bull: The True Store”, una historia inspirada en la película “Fargo” de los hermanos Coen. Desde Francia podremos ver en danza a Catherine Diverrès y el Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne con “Solides” en el Teatro Pradillo y a Claudia Triozzi que presentará su performance “Park” en La Casa Encendida, entre otras muchas propuestas.

Fotografía: Mihalis Kloukinas

su performance “Park” en La Casa Encendida, entre otras muchas propuestas. Fotografía: Mihalis Kloukinas

ferias y eventos

el mundo del

ESPECTÁCULO

ESPECTÁCULO TEATRAL
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Éxito de las Jornadas sobre comunicación y artes escénicas organizadas por Serantes y la Fundación Autor

El pasado mes de noviembre, entre los días 22 y 24, tuvieron lugar en Santurce las primeras Jornadas sobre Comunicaciòn y Artes Escénicas organizadas por Serantes Kultur Aretoa y la Fundación Autor, con la coordinación del colaborador de El Espectáculo Teatral Robert Muro, quien ha elaborado las siguientes conclusiones sobre el acontecimiento.

Ya es un éxito que Serantes y Fundación Autor hayan pensado en la necesidad de abordar uno de los temas centrales de la estrategia de las artes escénicas, y que hayan asumido con generosidad y esfuerzo la respon- sabilidad de convocar unas Jornadas para debatir sobre ello. Aunque la perspectiva desde la que se abordaban estas Jornadas era desde la mirada externa, por perso- nas expertas no implicadas en el día a día del sector, ha resultado estimulante, provocadora en algunos casos, orientadora en otros. La propuesta era buscar la suge- rencia, las líneas de transformación y renovación en el trabajo de comunicación de los asistentes, más que el establecimiento de fórmulas concretas. La organización proponía una reflexión marco sobre el tema de las Jornadas, planteando la nueva y más humilde posición de las artes escénicas en el todo cultural y en la socie- dad producida por los cambios históricos del siglo XX, deteniéndose especialmente en el impacto que Internet tiene en los últimos diez años y las nuevas e inmensas tareas que para el sector tiene esta novedad. Robert Muro, en su ponencia, hizo un recorrido por las fortalezas comunicativas del sector y por los principales retos que el sector debe afrontar en materia de comu- nicación: desarrollo de un modelo propio de comunica- ción, diferenciado del cine y la televisión; asunción de la comunicación como un elemento estratégico que debe estar presente en todas las fases de la producción y la exhibición; consideración de los espectadores como interlocutores; atención específica al sector más joven con productos y modelos relacionales específicos; crea- ción de un sello y unos mensajes identatiarios de las artes escénicas; comunicación de calidad artística; y asunción de Internet como un sistema de información y comunicación privilegiado… Javier Olivares, encargado de abordar el tema de las nuevas tecnologías, proponía una reflexión de las nue- vas tecnologías, no como instrumento tecnológico sino como elemento presente de nuestras vidas. Y así abor- da la comunicación no desde la perspectiva del marke- ting, sino que la entiende desde el qué contamos a los públicos. Por ello se centra esencialmente en el produc- to artístico, como elemento comunicativo, señalando críticamente su distanciamiento temático y de trata- miento con las preocupaciones de la sociedad en la que se desenvuelve; su tendencia a convertirse en museo. Resalta también los cambios que las tecnologías han producido en los espectadores, ahora formados en el cine y la televisión, acostumbrado a ritmos y lenguajes visuales a los que el teatro no puede dar la espalda. Olivares se plantea que los cambios tecnológicos en la historia han producido siempre movimientos culturales renovadores y se pregunta por qué el teatro mantiene una cierta cerrazón a la modernidad, que hay que remover. Roberto Gómez de la Iglesia tenía encomendada la ponencia acerca de las estrategias de Comunicación para las artes escénicas. Nos propone un principio para iniciar la reflexión: la única estrategia buena es la propia organización. La fuerza del sector, señala, es la oferta de

Tuvieron Tuvieron lugar lugar en en Santurtzi Santurtzi del del 22 22 al al 24
Tuvieron Tuvieron lugar lugar en en Santurtzi Santurtzi del del 22 22 al al 24 24
de de noviembre, noviembre, con con la la intervención intervención de de
nuestro nuestro editor, editor, Jesús Jesús Rodríguez Rodríguez Lenin Lenin

Un instante de la inauguración de las Jornadas, con la intervención de Carlos Morán.

experiencia –característica de las artes escénicas–, un bien ansiado por otros sectores industriales que lo pre- sentan en su publicidad como valor añadido a sus pro- ductos y que en teatro es consustancial. Lo que hace- mos son expectativas, sueños, deseos, y así debemos presentarlo. Nos alerta a no confundir al cliente con el usuario, y nos incita a poner en primer plano en el sec- tor la relación con ambos. Pedro Barea realiza un exhaustivo recorrido por los modos de incidencia de la comunicación escénica a tra- vés de la información, la publicidad, la crítica y lo que él denomina ecosistema comunicativo y cultural, en el que confluyen diversos aspectos a tener en cuenta en la comunicación, como la imagen de los espacios escéni- cos o la comunicación entre espectadores. Jesús Rodríguez Lenin propone a las compañías y empresas del sector que en la comunicación actúen como periodistas, asumiendo la responsabilidad de la definición de los contenidos a transmitir y los medios a emplear. Frente a la cada vez mayor tendencia a dele- gar en terceras personas esta tarea propone su asun- ción directa por las empresas del sector la responsabili- dad de comunicación para definir mejor la propia ima- gen y los propios mensajes, lo que quieren decir y lo que otros quieren que oigan. Álvaro Gurrea, está como siempre, rechaza el teatro y, con pasión y humor, realiza un encadenado de reflexio- nes radicales. “Cómo vas a ganar dinero si te gusta hacer bien tu trabajo”, nos dice para empezar. Propone

el sometimiento del sector y de sus productos, los

espectáculos, a las leyes del mercado, proponiendo que

sea la gente, los espectadores con su libre elección y financiación, quienes decidan. Las ayudas instituciona- les, dice, son cadenas que reducen la libertad y la crea- tividad. Respecto a la publicidad afirma que es el arte de hacer diferente lo igual: una tomadura de pelo, en definitiva. Critica un modelo de comunicación visual en el que lo que predomina, dice, es información comercial ilustra- da, antiguo en las formas. Detecta, además, poquísima heterodoxia e inquietud estética en un mundo, el escé- nico, del que cabe esperar mucho más. Las imágenes, los soportes –incluso señala la tendencia a utilizar papel brillo y de alto gramaje– le hablan de un sector conservador, de un mundo aparte.

Y propone evitar los caminos trillados y una profunda renovación en la imagen comunicativa.

Jaume Colomer desgrana el concepto de público y no- público al que nos dirigimos, las variables o perfiles que definen al primero y los retos que supone el no-público (desinterés, desarraigo, resistencia). Colomer nos pre- senta la orientación público-economía-ocio en un extremo de la línea imaginaria, y en el otro la orienta- ción producto-arte, una línea en que cada empresa, compañía o teatro ha de situarse buscando el equilibrio en la utilización de mensajes y medios de comunica- ción. En las estrategias de desarrollo de públicos señala las educativas como las más consistentes y a largo plazo, las sociales, en proceso de investigación y des- arrollo incipiente, y el marketing. Termina señalando que junto a la comunicación general, menos específica, las organizaciones del sector deben desarrollar líneas específicas para las distintas modalidades de público y los diferentes segmentos del mercado. Ignasi Vendrell y Lourdes Fernández nos hablan de la utilización de signos comunicativos propios y nuevos, y de la escenificación de la comunicación, un concepto, una idea que mediante fórmulas puramente creativas, basadas en el talento, permite a los proyectos y a las ideas ser mas visibles, hacer más atractiva y sugerente la comunicación de los contenidos escénicos. Locuras aparentes, escenas que a los más viejos les recuerdan “sus tiempos” de pequeños guerrilleros de la libertad, la pintada y el ciclostil, que abren el paso al mensaje de fondo: explorar, buscar, no seguir por caminos trillados, ni en palabras, ni en formas, ni en imágenes. Mensaje

éste que parece enviado a los mejores destinatarios posibles, porque quienes se dedican a las artes escéni- cas son, por esencia, profesionales de la comunicación. Pedro Antonio García subraya la necesidad de estudiar el entorno competitivo para definir el posicionamiento del teatro y su estrategia de comunicación y propone una serie de ideas para competir: crear comunidades físicas y virtuales en torno al hecho escénico, facilitar la interacción con el público, anticipar la emoción, gene- rar y acercar la experiencia personal en la visión de tea- tro, impulsar su práctica… Y desarrollar líneas de pla- cer, asociadas al teatro: lectura, turismo… Y líneas de ruptura del aislamiento social, como el acercamiento a prescriptores. También nos ofrece una frase de Eisenhower, provocadora a primera vista: “Si tienes un problema insoluble, agrándalo”.

Robert Muro

una frase de Eisenhower, provocadora a primera vista: “Si tienes un problema insoluble, agrándalo”. Robert Muro
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La productora Come y Calla debuta con “Cuando era pequeña”

El núcleo de socios de Producciones Come y Calla lo integran el escenógrafo Ricardo Sánchez Cuerda, Javier Ramos y Eva Paniagua, a los que hay que añadir a Graciela Huesca, como jefa de distribución, y Pablo Ramos, como jefe de producción. Fundada en mayo de 2005, la productora comenzó a trabajar en septiembre del año pasado, primero con pequeños encargos para terceros, hasta poner en marcha su primera producción, “Cuando era pequeña”, texto de Sharman MacDonald, que fue dirigido por Tamzin Townsend, la aclamada directora de la versión en castellano de “El método Grönholm”, con co-producción a cargo del prestigioso escenógrafo Andrea D’odorico. Actualmente, Come y Calla tiene también en gira “Amor y otros pecados”, en co-producción con Javier Veiga, y preparan para el próximo mes de octubre el estreno, en co-producción con el ayuntamiento de Fuenlabrada, de “El principito”, con Eduardo Casanova como protagonista. Seguidamente, en 2008 estrenarán “El ponche las pone mimosas”, una revista musical protagonizada por Candela Peña, que dirigirá Emilio Sagi.

-

¿Cómo surge Producciones Come y Calla?

“Cuando era pequeña”?

-

Ricardo: Eva y yo nos conocimos trabajando en

-

E: Ricardo y Tamzin

la

producción de “El adefesio”, de Nieves Gámez.

Townsend han trabaja-

A

raíz del entendimiento que se produjo en aque-

do mucho y bien en el

lla ocasión fue surgiendo la posibilidad de seguir

pasado. Cuando crea-

colaborando en diversas producciones, hasta que nos planteamos la necesidad de crear una pro- ductora para empezar a desarrollar proyectos controlados directamente por nosotros. Y empe- zamos haciendo encargos pequeños: eventos, stands, etc., que nos fueron permitiendo estruc-

mos la empresa, Ricardo sugirió que empezára- mos con ella y nos pare- ció bien. Y lo primero que le preguntamos a ella es qué le apetecía

turar un sistema propio de trabajo.

hacer… También hay

-

Eva: Una de las cosas que más nos allanó el

que decir que desde el

camino es el hecho de que todos coincidíamos en

una idea clara: la coincidencia de criterios entre lo que es la vertiente artística de un proyecto y su producción. Uno y otro se amoldan. No son departamentos independientes en los que uno vaya por delante del otro, sino que en el mismo momento de creación del proyecto se empieza a pensar en su producción. Lo artístico piensa en términos de producción y la producción piensa en términos artísticos y así logramos entender-

nos a la perfección.

- Antes has comentado que buscábais estructu-

rar un sistema propio de trabajo… ¿Se puede definir?

- R: El nuestro no es que sea un sistema propio de trabajo, sino que es, simplemente, el hecho de

admitir que tiene que haber, necesariamente, una función de producción cubierta, y un enten- dimiento forzosamente enriquecedor entre la parte artística, en este caso mi función como

escenógrafo, con la producción. Lo normal es que

ambas partes estén en lucha permanente.

- E: Lo que yo veo muy positivo en nuestra forma

de trabajar es que desde el primer momento esta-

mos todas las partes interrelacionadas para que el resultado satisfaga las expectativas, tanto en la creación como en la producción o la distribución. Aquí nadie se pone a crear para que luego otra de las partes del proceso diga que no… La distribución, por ejemplo, no consiste sólo en vender… Graciela también está diseñando el proyecto de lo que va a vender, así que la obra

también es parte de ella.

- Graciela: Con esta forma de hacer las cosas, todos somos mucho más creativos.

- ¿Cómo se gestó vuestra primera producción,

De izda. a dcha.: Pablo Ramos, Eva Paniagua, Graciela Huesca y Ricardo Sánchez Cuerda.
De izda. a dcha.: Pablo Ramos, Eva Paniagua, Graciela
Huesca y Ricardo Sánchez Cuerda.

malmente la gente sabe lo suyo, exclusivamente, pero desconoce lo de los demás: qué es un taller de decorados, lo que es una semana de montaje, lo que son los nervios de los actores… Se hacen producciones de despacho, no de escenario.

- ¿Falla el marketing?

- E: También. O el diseño del cartel, que es algo a

lo que se da, por lo general, muy poca importan-

cia. Hay un cambio generacional, pero está cos-

tando muchísimo. Y te pongo un ejemplo: yo

estoy de asesora del programa de TVE “La

Mandrágora”. Me sigue pasando que las compa- ñías no dan facilidades para que hagamos una fil- mación exclusiva, que les va a salir gratis. Y me remiten, otra vez, al pase de gráficos. Cuando no sucede que le dan más importancia a los progra- mas del corazón… Las compañías más pequeñas son las que mejor preparadas están, y son capa- ces de enviar un DVD con cinco minutos de roda-

je de una calidad excelente, que me evitan locali- zar a un redactor o encontrar una cámara que, a lo mejor, está ocupada en otra cosa y no puedo contar con ella el resto del día… El que nos envía

un DVD va a salir mucho antes que si tengo que ir

yo para, además, encontrarme con que todo son

problemas.

- R.: El problema es que no se tiene conciencia de

formar parte de una industria, la cultural. Y de que la cultura, en España, no se valora. Con excepción en Cataluña. Hay una gran diferencia en cómo plantea su realidad cultural un catalán y como se plantea en el resto del estado. Ellos sí tienen con- ciencia de industria, y se van a Edimburgo a ven- der sus productos o tienen directores que se mue- ven en el ámbito internacional.

- ¿Y los principales problemas en lo que se refie- re a la distribución?

- G: La venta de teatro, como la venta de cual-

quier otro producto, se facilita mucho cuando quien lo vende cree en ello. Cuando a mi me ofre-

cen “Cuando era pequeña” no encuentro ningún

problema, porque es una historia que me encan-

ta. Veo un interés artístico y una impronta de tra- bajo que me enganchan. Si yo me creo lo que dis-

tribuyo, puedo distribuir cualquier cosa.

- En España apenas existen teatros privados. ¿Es

algo que se debe tratar de solucionar o ya da lo mismo?

- G.: No da lo mismo. Es un problema que deberí- amos intentar solucionar entre todos. Ahora

mismo nuestro movimiento se limita al ámbito público. Tenemos que confiar en la labor del ges- tor cultural y en que cada unos esté haciendo lo

mejor por su teatro y por fomentar su público.

- E: Efectivamente. Otra de las grandes lagunas

que tenemos es el poco interés por autores con- temporáneos. La SGAE organiza cada año un ciclo de lecturas de autores contemporáneos… y por allí no aparecen los productores. En términos generales, somos muy poco inquietos, vamos a lo

de siempre, a lo que sabemos que funciona y a

comprar los derechos. La nuestra debería ser una

labor más fresca, de búsqueda.

- G: En las productoras de cine hay un equipo

mínimo de quince o veinte personas dedicadas,

exclusivamente, a leer guiones. En el teatro eso

no se lo plantea nadie…

- E: Preguntabas por las lagunas… Creo que lo

bueno del teatro, en España, es que nos queda mucho por hacer…

principio contamos con la colaboración como co-productor de Andrea D’odorico, que nos apadrinó en esta primera pro- ducción.

“El principito” es nuestro siguiente proyecto, y se ha gestado de la misma manera: Pablo Ramos, nuestro jefe de producción lo propuso y hemos

empujado todos en la misma dirección.

- ¿Existe algúna filosofía artística que unifique

los diferentes proyectos que tengáis previsto desarrollar?

- E: No hay un espíritu creativo común o la dedica-

ción a un género, porque ahora tenemos en gira

una comedia estupenda, luego vamos a hacer una

obra que parece infantil y no lo es y, en tercer lugar, preparamos una revista… Lo que nos une es el

método para llegar a las cosas y que no somos una compañía: trabajamos con gente diversa y vario-

pinta. Primero ha sido Tamzin, luego Emilio Sagi y después vendrá Félix Sabroso y con actores igual de diferentes para cada trabajo que hemos abor-

dado hasta el momento. No queremos trabajar a

destajo, sino que cada producción sea nuestro caramelito de cada momento.

- ¿Cuáles son las lagunas que detectáis en el

mundo español de las artes escénicas?

- G: ¡Yo llevo “sufriendo” el hecho teatral desde

hace cuatro generaciones…! Desde mi bisabuelo. ¿Lagunas? El teatro es un ser vivo. A mi me surgió como “laguna” que yo quería pertenecer a este mundo pero no como directora, actriz, o cantan- te. Yo quería ser gestora… ¡Y no sabía dónde acu-

dir! No sabía por donde moverme para hacerme

una profesional del otro lado del escenario.

- E: La laguna fundamental es que no hay industria:

todo se desarrolla de forma casi artesanal. Y nor-

Tamzin Townsend y Andrea D’odorico colaboran juntos por primera vez

El prestigioso escenógrafo Andrea D’odorico y la sorprendente directora Tamzin Townsend colaboran por primera vez en el montaje de “Cuando era pequeña”, en la que el italiano ejerce también de co-productor. La relación de D’odorico con Ricardo Sanchez Cuerda, uno de los socios fundadores de Producciones Come y Calla, arranca del pasado, ya que este ha sido ayudante suyo, como escenógrafo, en numerosas oportunidades. “Cuando Eva y Ricardo me comentaron la idea de trabajar con Tamzin para su primera producción me pareció excelente –recuerda Andrea. De hecho, tenían en mente un proyecto creativamente sorprendente: querían que Tamzin planteara la obra que le gustaría hacer. Pretendían hacer el montaje sobre el que ella se pudiera sentir más cercana. No se trataba de un encargo frío”.

- ¿Por qué elegiste esa obra?

- Tamzin: Antes de nada quiero decir que me parece insólito y maravilloso que una nueva productora

pregunte a un director qué montaje quiere poner en pie. Además del voto de confianza que recibes, ello hace que te impliques en el proyecto totalmente y que te sientas en el mismo barco desde el principio. Todas las presiones habituales (“¿quieres hacer esta obra?”, “¿cómo piensas dirigirla?”), desaparecen. En

este sentido, estoy muy agradecida a Come y Calla y p sido una experiencia muy bonita trabajar con ellos.

Esto dicho, elegí “Cuando era pequeña” porque es una obra que conozco muy bien. Es una obra de pequeño

formato, pero muy bien construida, que plantea un tema muy cercano.

La obra plantea las relaciones entre madre e hija y que habla del éxito profesional y la esterilidad afectiva:

de la posesión, de la dependencia, de la represión sexual. Yo, ahora mismo soy las dos cosas al mismo tiempo, madre e hija. Además, como la protagonista, yo he sido hija única y madre soltera y siempre me sentí muy atraída por esta obra. Cuando no hay padre, cuando no hay hermanos, se establecen unos vínculos de dependencia y posesión muy fuertes. Y cuando la hija reivindica su lugar en el mundo no se produce nunca en el momento que lo espera la madre. Y los dos mundos chocan.

- A.: Cuando suceden las rupturas de pareja, las relaciones entre madre e hija sufren una gran presión

porque la hija, por lo general, no admite que la madre rehaga su vida y tenga un nuevo novio. La considera

una puta. Y eso es terrible. Y eso pasa en la obra, pero es lo que pasa en la calle. Conozco familias en las que

ha sucedido eso: que la hija acepta que el padre tenga una nueva novia, pero no lo tolera en el caso de la

madre. La hija considera una obligación de la madre que se mantenga a su lado.

- Los dos sois extranjeros. ¿Es sólo casualidad o hay algo en las posibilidades del teatro en España lo

que ha hecho que os hayáis establecido definitivamente aquí?

- A: Yo llevo aquí 35 años. Sigo siendo italiano. Hasta 1983 sólo hacía un montaje al año, pero luego me

convertí en director técnico del Teatro Español. Y en 1993 monté mi empresa, para hacer un tipo de

trabajos que si no los hacía yo nadie me los iba a ofrecer.

trabajos que si no los hacía yo nadie me los iba a ofrecer. - T: Yo

-

T: Yo llevo en España desde 1992. Llegué antes a finales de 1989, pero me volví a marchar.

-

A: Yo llegué aquí por casualidad, como arquitecto. En 1976 lo dejé y empecé a dedicarme al teatro, al cine

y

la televisión y entré en una rueda en la que me he quedado enganchado. Porque esta es una profesión en

la

que todos colaboramos con todos: somos muy pocos los profesionales y el que no lucha se queda fuera.

-

T: ¡Es una profesión que necesita tanta energía! En cada montaje te ves obligado a poner todo tu talento

y

extraer todo su jugo a las neuronas. Creas, creas, creas… y luego va o no va.

Yo jamás había decidido venir a España a trabajar. Fue la casualidad. Un teatro estaba preparando una obra

de un autor inglés que me encanta, y el director había desaparecido. Alguien me lo comentó y yo, con la

caradura de los 22 años ,llamé –casi sin hablar español– diciendo que sabía mucho de esa obra… La jugada me salió bien. Entré en contacto con un grupo de gente maravilloso y la obra fue un gran éxito

en Barcelona durante dos años y, a partir de ese momento fui encadenando proyectos, y cada vez que

acababa uno me decía que era el momento de regresar al Reino Unido, pero todavía lo estoy pensando. Tengo un marido catalán, dos hijas y creo que todavía no voy a regresar.

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Tornaveu, en el Albéniz con “Un cuento de invierno”

Will Keen y Lucía Jiménez. y y rá y La directora Magüi Mira.
Will Keen y Lucía Jiménez.
y
y
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La directora Magüi Mira.

“Un cuento de invierno” es la primera coproducción entre la Comunidad de Madrid y la Comunidad Valenciana. Una coopera- ción que significa tender

puentes artísticos entre dos comunidades españolas punteras en materia cultural

y en la que participa la

empresa Tornaveu Distribución. Magüi Mira dirige esta obra de Shakespeare, en versión de

José Sanchís Sinisterra, que

se estrenará el próximo 17

de enero en el Teatro Albéniz de Madrid. Considerada tradicionalmente como una comedia, esta obra tiene los suficientes elementos de drama y de novela psicológica para ser considerada por muchos especialistas como la obra total de Shakespeare. Magüi Mira se interesó por esta historia por su actualidad que “hoy parece sacada de una página del periódico que recogemos a la sali-

da del metro cada mañana”. Un cuento de una mujer embarazada que, acusada de adulterio

conspiración, maltratada física y emocionalmente por su marido, muere inocente. Su bebé,

una niñita preciosa nacida en prisión, es entregada a los cuervos y fieras en tierras lejanas. Su hijo adolescente muere de pena. Pero al final, el padre se arrepiente y se ahoga en su dolor

la niñita se salva… “Un cuento de invierno muy triste, porque como pasa con los cuentos,

no es de verdad. Hoy ningún hombre maltratador se arrepiente y las niñitas abandonadas no se salvan”, dice Mira. Además, este montaje cuenta con el aliciente de ver sobre el escenario al actor británico Will

Keen (en el personaje de Leontes), uno de los más prestigiosos en el Reino Unido, que actua-

en alguna de las funciones. Recientemente ha estado en España en el Festival de Almagro

en el Grec con “The Changeling”, de Thomas Middleton, junto con la mundialmente famo-

sa compañía Check by Jowl, dirigida por Decían Donellan. Junto a él, la actriz Lucia Jiménez, en el doble papel de Hermiona y Perdita.

Lucia Jiménez, en el doble papel de Hermiona y Perdita. David Amitín Teatro muestra aspectos ocultos

David Amitín Teatro muestra aspectos ocultos de Hamlet

La compañía David Amitín Teatro presenta “Buenas noches, Hamlet”, una atrevida visión de este clásico de Shakespeare, de José Ramón Fernández y David Amitín. La obra estará en la sala Lagrada de Madrid hasta el 4 de febrero. Hamlet es una historia sobre la conciencia acerca de unos hechos y sobre la necesidad de la acción posterior. La compañía ha trabajado sobre Hamlet desde una mirada contemporánea, tratando de comprender los aspectos que a menudo la obra, si no hurta, al menos no ilumina:

¿Por qué el asesinato en ese momento, no años antes o después? ¿Es Gertrude cómplice de Claudio en el asesinato, o ni siquiera es conciente de que su primer marido ha sido envenenado? ¿Qué hay de cierto en la mirada de Hamlet: la lujuria de su madre, la extremada calidad humana de su padre? ¿Quién es Ofelia, de quien se enamora Hamlet (no un muchacho, sino un sabio)? La compañía ha ubicado la historia de Hamlet en torno a dos momentos esenciales: la escena de Hamlet con su madre, en el dormitorio, y la escena del cementerio. Esta propuesta no es una versión fiel. Es una búsqueda a través de la historia que todos conocemos para mirar lo que hay en los rincones, a la que se han añadido textos no existentes, como el primer encuentro con Ofelia, como forma de establecer un diálogo con el poeta a través de su obra. “Buenas noches, Hamlet” sucede en una ciudad en ruinas, en Europa, como siempre entre dos guerras. En medio de la chatarra, las piedras y los cascotes, imágenes de destrucción a las que ya nos hemos acostumbrado cotidianamente, los siete personajes de esta versión despliegan su ritual de tragedia, humor y poesía.

versión despliegan su ritual de tragedia, humor y poesía. Vuelve al Teatro Pavón de Madrid “Viaje

Vuelve al Teatro Pavón de Madrid “Viaje al Parnaso”

Después de un año de gira por España e Hispanoamérica vuelve al Teatro Pavón de Madrid “Viaje al Parnaso”, de Miguel de Cervantes, en versión de Ignacio García May, que ha adaptado el verso original del texto para el teatro y con dirección de Eduardo Vasco. A lo largo de este año, el montaje ha recibido elogiosas críticas que lo califi- can como “una joya escénica (y más con la música en directo) hecha a medida de la increíble inspiración cervantina”, “la versión de la CNTC es el más puro y limpio de los cervantes que he visto”, “personalísima visión que captura y hace fluir, a través de la palabra y el movimiento, la esencia y el espíritu burlón del manco de Lepanto” o “Vasco ha sabido extraer todo el teatro de esta fábula, sin hurtarle un átomo de sáti-

ra ni reducir la mucha enjundia crítica que esconde”. La obra podrá verse en Madrid

del 10 de enero al 11 de febrero. Considerada como el testamento literario y espiri- tual de Cervantes, “Viaje al Parnaso” está interpretada por cinco actores de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, acompañados de cuatro músicos, que se reparten los versos que tienen al propio Cervantes como protagonista y como defensor de la buena poesía ante el dios Apolo. Cervantes compone esta obra, su

único poema narrativo extenso, en 1614, dividiendo en ocho capítulos un viaje ima-

ginario al monte Parnaso. Mediante su humor característico, una afilada ironía y sal- picado de referencias autobiográficas, Cervantes recibe el encargo de preparar un ejército con el que combatir en las faldas de este monte , cuna de Pegaso, contra una horda de poetas mediocres que amenaza con invadirlo. Embarcado, el Manco va alistando una milicia de escritores, los mejores de su tiempo, que disparan libros, y no flechas, y caen heridos por “rimas españolas” y “sátiras antiguas licenciosas”.

que disparan libros, y no flechas, y caen heridos por “rimas españolas” y “sátiras antiguas licenciosas”.
compañías el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL teatro de texto el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL Juanjo
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Juanjo Seoane continúa con “La duda”
El productor Juanjo Seoane continúa con la gira de “La duda”, en una
nueva versión teatral de Juan Altamira y Carlos Villacís, dirigida por
Ángel F. Montesinos. “La duda” está basada en la novela “El abuelo” de
Benito Pérez Galdós, en la que retrata la España de 1900 y hace una críti-
ca social del honor, la burguesía y la aristocracia de esa época. En esta
versión, el abuelo es una abuela, la condesa de Albrit, interpretada por
Mati Mistral que, ya en el ocaso de su vida, vuelve a las tierras de sus
antepasados con el fin de resolver y aclarar una duda, que desde la muer-
te de su único hijo y heredero directo de la Casa de Albrit, viene amar-
gando su existencia y los últimos años de su vida. Con este fin concierta
una entrevista con su nuera la Marquesa de Laín, madre de las dos nietas
que portan la sangre de la estirpe de los Albrit. Solo una de ellas es la
legítima heredera, la portadora del recuerdo del hijo muerto en extrañas
circunstancias. ¿Pero cual? ¿Cual de ellas devolverá la felicidad y sosiego
espiritual que está buscando con anhelo Doña Mariana? Una grande de
España a quien el transcurrir de la vida no ha tratado bien y lo ha perdi-
Un arriesgado e inteligente
“El trovador” de Libélula Producciones
,
clase, su nobleza y su orgullo como gran señora que es y será hasta su
muerte. Junto a Nati Mistral participan en este montaje Carlos Manuel
Díaz, Patricia Ponce de León, Esther Palomo, Jorge Merino y Emiliano
Redondo.
La recreación de la época ha corrido a cargo de Javier Artiñano en el dise-
ño de vestuario y Alfonso Barajas en la escenografía. La obra podrá verse
en Madrid, a partir del día 11 de enero, en el Centro Cultural de la Villa.
do todo, el amor de su hijo, la hacienda, amigos
pero mantiene su
Libélula Producciones presenta un arriesgado e inteligente montaje de “El trovador”, con la
música de Verdi, basado en el clásico de García Gutiérrez, en versión y dirección de Gustavo
Tambascio. Un diálogo entre ambas creaciones, en el que los fragmentos líricos apoyan la
narración y subliman el verso, a través de la figura de un cantante, cuya profunda voz nos
guía por los interiores del drama. Un juego de espejos sobre la España cainita, tomando
como base una obra escrita durante la Primera Guerra Carlista que nos habla de fratricidios
medievales y se proyectan hasta la Guerra Civil española. Dos hermanos se odian. Se odian
a muerte. Un odio que no cesará hasta que uno aniquile al otro. La historia es vieja como el
mundo que quisieron narrarnos las Escrituras: se remonta a Caín y Abel. Es un odio que
siempre tiene algo de profunda asimetría: los hermanos no son iguales. Uno es poderoso (el
Conde de Luna), lo tiene todo, pero ansía el amor de Leonor y se aboca a la eliminación del
rival. Se trata de Manrique, el trovador, que no tiene nada pero aspira a tenerlo, mientras se
debate entre la justicia de su causa y el amor a una madre que exige un tributo de sangre.
Hablamos de una ceguera histórica que, lejos de ser el triunfo de un bando, precipitó al país
a
una mazmorra, muchas de cuyas manchas de humedad son aún visibles en el tejido social
y
político. “El trovador” es, tal vez, la obra más enigmática y profunda del romanticismo
europeo del siglo XIX, en su desarmante simplicidad y en sus pasiones oscuras. El montaje
entrevera fragmentos de la obra de García Gutiérrez con otros de la composición musical de
Verdi, textos concebidos adhoc para el espectáculo y la puesta al día del léxico preciso.
el espectáculo y la puesta al día del léxico preciso. Tamzin Townsend. Antonio Carmona. Lazona presenta
Tamzin Townsend. Antonio Carmona.
Tamzin
Townsend.
Antonio
Carmona.

Lazona presenta

Lazona presenta “El Sueño de una

“El sueño de una

en en la la playa playa

noche noche de de verano” verano”

Lazona presenta una peculiar versión del clásico de Shakespeare “El sueño de una noche de verano”, en la que Juan Bosco ha trasladado la acción desde un bosque inglés a una playa mediterránea y en la que la parte no onírica se basa en el mundo gitano, que no flamenco. Una playa donde habitan también seres mágicos, donde las criaturas que emergí- an del bosque emergen ahora de las profundidades del mar. Si la obra original se desarrolla en un bosque mágico es porque el autor represen- ta de esta manera el lugar idílico del verano inglés. Al adaptar la obra a nuestra cultura el lugar idílico para el verano es la playa. La obra, está plagada de grandes nombres: Tamzin Townsend en la direc- ción, Antonio Carmona en la dirección musical, Concha Bustos en la dis- tribución, actores muy conocidos como Asier Etxeandía en el papel de Oberón–Teseo; Nur Al Levi, como Helena o Alba Flores como Polilla. El montaje se estrena el 12 de enero abriendo el Festival de Málaga y en marzo estará en el Teatro Albéniz (del 16 de marzo al 8 de abril). La músi- ca y las canciones cobran especial protagonismo en esta versión, ya que se han compuesto temas especialmente para la función, piezas que no sólo ilustran pasajes de la obra, sino que al mismo tiempo potencian ese sentimiento mediterráneo que envuelve la historia. En este sentido, Mariola Orellana coproductora del montaje señala que ha supuesto un reto muy atrevido combinar actores que sepan recitar los inmortales pasajes de Shakespeare y a la vez interpretar la música de Carmona. “El resultado es espectacular. Un proyecto dirigido a los jóvenes para atraer- les al mundo del dramaturgo inglés”. Por su parte, Tamzin Townsend des- taca el enfoque “ágil y divertido” de la obra. “Las comedias de Shakespeare tienen que ser comedias y estamos trabajando mucho el espíritu de la alegría y la diversión”. El resultado es una obra joven, mági- ca y dinámica, donde el espectador no dejará de sorprenderse.

y la diversión”. El resultado es una obra joven, mági- ca y dinámica, donde el espectador
compañías el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL teatro de texto el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL
compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO
TEATRAL
teatro
de
texto
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL

Falsaria de Indias, de gira

 

con una obra sobre los diferentes

, de gira   con una obra sobre los diferentes La Compañía de Teatro Falsaria de

La Compañía de Teatro Falsaria de Indias está de gira con su último montaje teatral, “Por el ojo de la cerradura”, una creación de Llanos Campos, que tam- bién interpreta a uno de los personajes de esta obra, junto con Alfredo

Martínez. Este espectáculo habla de lo difícil, de lo doloroso que es ser dife- rente en una sociedad que quiere entenderlo todo, que quiere etiquetarlo todo y que no perdona la deserción. No hay lugar para el animal único en esta selva. El montaje habla de la tolerancia; de cómo a veces, entre todos, creamos los monstruos que luego temeremos. Kila no entiende el mundo que le rodea

al revés. Kila es una niña distinta. Distinta por dentro y por fuera, o al revés. Tiene diez años y está cada vez más sola. Llanos Campos invita al público: “Ven

y

mira por el ojo de la cerradura. Aquí dentro se gesta el futuro. Y el tiempo, en su vientre, guarda todo lo que dijimos y lo que nos callamos, lo que hicimos y

y

se gesta el futuro. Y el tiempo, en su vientre, guarda todo lo que dijimos y

lo

que omitimos, todos nuestro errores. Para mañana. Pero mañana tal vez ya

sea demasiado tarde”. La obra alterna texto junto con marionetas y muñecos,

sea demasiado tarde”. La obra alterna texto junto con marionetas y muñecos,

videos y cortometrajes. El movimiento escénico es obra de Chiqui Carabante,

la

escenografía e iluminación de Iñigo Benítez y la música de Agustín Lozano.

la escenografía e iluminación de Iñigo Benítez y la música de Agustín Lozano.

La obra estará de gira por Castilla-La Mancha y Madrid durante el invierno.

Podrá verse en Rivas Vaciamadrid el 24 de febrero; en Alcañizo y Miguelturra (Toledo) el 17 y 23 de marzo, respectivamente o en Casas de Benítez (Cuenca)

el 24 de febrero; en Alcañizo y Miguelturra (Toledo) el 17 y 23 de marzo, respectivamente

el

24 de marzo. La distribución del montaje, de setenta minutos de duración,

el 24 de marzo. La distribución del montaje, de setenta minutos de duración,

corresponde a Está Por Ver Producciones.

Estreno de “Los ojos

de la noche”

Por Ver Producciones. Estreno de “Los ojos de la noche” Teatro del Alma, en colaboración con

Teatro del Alma, en colaboración con la compañía cubana Argos Teatro, presenta “Los ojos de la noche”, de Paloma Pedrero, dirigido por Pancho García. El montaje, que ha sido un gran éxito en Cuba, se podrá ver del 1 al 11 de febrero en la Sala Ítaca de Madrid y en Barcelona en la Sala Versus del 14 al 15. Y los días 3 y 4 de marzo se representará en el Teatro Cervantes de Valladolid. “Los ojos de la noche” es la historia de un encuentro insospechado y revelador. Una mujer madura y socialmente triunfadora contrata a un joven ciego para pasar unas horas juntos en un hotel. ¿Qué quiere ella? ¿Qué le da él? Lo que ocurre esa noche, en la que el ciego ve y la mujer se enfrenta a las tinieblas, es de nuevo la historia de una transfor- mación. Cualquier día en cualquier esquina, un desconocido o una desconocida puede cambiar el rumbo de tu vida. Y puede hacerlo porque tú lo has buscado. Porque tú has dado el pri- mer paso. Desde el más hondo y oscuro dolor hacía la más inquietante esperanza. Paloma Pedrero explica que está de acuerdo con Tennesse Williams cuando en “Un tranvía lla- mado deseo” Blanche Dubois decía: “Siempre he confiado en la bondad de los desconocidos”. “Yo también” –dice la autora– “y eso está en mis obras”. “Los ojos de la noche” es un viaje de la ceguera a la luz, porque se suele ver mucho más con el alma que con los ojos. “Los ojos de la noche”, producida y distribuida por Elmuro Producciones Teatrales, resulta una obra estremecedora sin lle- gar al tremendismo; contenida dentro del universo de pasio- nes y conflictos que teje con maestría. La decadencia, el consu- mismo, el dolor de envejecer sin ternura son asumidos aquí a través de un formidable sistema de diálogos y con un pulso dramático que puede catalogarse de impecable. Aunque apo- yada fundamentalmente en lo verbal, la obra da posibilidades al juego escénico, con una puesta en escena que porta una riqueza de signos notable debajo de una aparente sencillez.

Manuel Álvarez trae a España la premiada

sencillez. Manuel Álvarez trae a España la premiada “Las heridas del viento” Manuel Àlvarez Producción y

“Las heridas del viento”

Manuel Àlvarez Producción y Distribución de Espectáculos, Mutis Producciones e Hispanic Theatre Guild traen a España la premiada “Las heridas del viento”, un drama que ha conseguido en Nueva York el Premio ACE 2005 al mejor actor del año (Marcos Casanova), cinco nominaciones de la Asociación de Críticos del Espectáculo de Nueva York (mejor actor protagonista para Casanova, mejor actor protagonista para Humberto Rossenfeld, mejor escenografía y dirección para Juan Manuel Cifuentes y mejor drama del año) y el Primer Accésit Premio Hermanos Machado, Sevilla (2000). La obra estará en España durante tres únicas semanas, del 9 al 29 de abril. El montaje, escri- to por Juan Carlos Rubio y dirigido por Cifuentes, ha sido un gran éxito de crítica y público en el off Broadway, donde actuaron invitados por el Retablo Theater. Durante una hora y veinte minutos, la trama nos cuenta cómo la muerte del padre obliga a David a hacerse cargo de su legado. Entre sus pertenencias encuentra algo inesperado: cartas de amor de otro hombre. Desconcertado por el des- cubrimiento, decide visitar al supuesto amante de su progenitor y descubrir la verdad. La crítica de Estados Unidos ha dicho de esta obra: “Las heridas del viento” es teatro con T mayúscu- la. Esa clase de obra cuyo tema universal funciona en cualquier cultura”, “Un drama desgarrador con comedia de alto voltaje. Rubio es un dramaturgo de indiscutible talento. Una certera dirección de Cifuentes. Dos excelentes actores en pleno dominio de sus personajes”o“El espectador no cesará de sorprenderse, experimentando una gama de sensaciones tan amplias que pasará de la risa a la intri- ga y a la empatía. Los amantes del teatro disfrutarán de la obra tanto como si ellos lo protagoniza- ran”. Juan Carlos Rubio, productor de Mutis Producciones y autor de la obra recibió en 2006 la men- ción especial del jurado del Lope de Vega. Hay que destacar que el Primer Premio quedó desierto.

en 2006 la men- ción especial del jurado del Lope de Vega. Hay que destacar que

compañías

ESPECTÁCULO TEATRAL teatro de texto el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL Arden Arden prepara prepara la
ESPECTÁCULO
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el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Arden Arden prepara prepara la la versión versión
Maskarada estrena en Gernika
castellana castellana de de
“Picasso 1937, historia
del Guernica”
“Contratiempos” “Contratiempos”
La compañía vasca Maskarada estrena el próximo 19 de enero en la
localidad guipuzcoana de Gernika su último trabajo “Picasso 1937,
historia del Guernica”, con dramaturgia y dirección de Carlos Panera
y textos de Federico García Lorca, Antonio Machado, César Vallejo,
Miguel Hernández, Picasso, Balzac y Carlos Panera. Se trata de un
drama con música en directo a cargo de Juan Pérez Mena, que tam-
bién podrá verse los días 1 y 2 de febrero en el Teatro Principal de
Donostia.
En 1936 mientras la Guerra Civil se declaraba en España, en París,
intelectuales representantes del gobierno de la República trataban
de denunciar la pasividad del mundo ante este genocidio. Con
motivo de la gran Exposición Universal que se preparaba en esta
ciudad para julio de 1937, los representantes de ese gobierno
encargan a Picasso una obra de grandes dimensiones que ocuparía
un lugar privilegiado en el pabellón español. El artista se encuentra en ese momento en otras cla-
ves con respecto a los motivos que inspiran sus cuadros; en concreto, el relato de Balzac “La obra
maestra desconocida” ocupaba gran parte de sus referencias. Las graves noticias de los aconteci-
mientos en España van sucediéndose y, la furia creativa del pintor estalla definitivamente con la
destrucción de Gernika por la Legión Cóndor. Así, el trabajo y la inspiración de Picasso unirá arte
y denuncia en una obra maestra. A partir de ahí, con el traslado a Estados Unidos, arranca la voca-
ción viajera y de denuncia de un lienzo que se transforma en un grito al mundo. Maskarada con-
memora con este montaje el 125º aniversario del nacimiento de Picasso y el 70º del bombardeo
de la ciudad, producidos, respectivamente, en 2006 y 2007.
La obra se estrenó a nivel mundial en junio de 2006 en el Festival Internacional de Teatro Hispano
de Miami, en el estado norteamericano de Florida, en el Dance Centre, Vancouver, en Canadá, y el
14 de julio en el 2006 AACT International Theatrefest de Midland, Texas. En este festival consiguió
el galardón al Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Interpretación Principal y Mejor
Escenografía. En España se estrenó en julio en el XI Festival Internacional Madrid Sur.
La compañía valenciana Arden prepara la versión en castellano de su últi-
ma producción, “Contratiempos”. Después de haber estrenado su versión
de Otelo “Hotel Venezia”, afronta este montaje que cierra la trilogía deno-
minada “Teatre d´hui”. A este tríptico precedieron las obras “Réquiem”y “El
Xanadú”. Estas obras son una línea paralela de producción que Arden
puso en marcha y que difieren de las obras de corte clásico que la compa-
ñía ha puesto en pie hasta ahora. Son obras con textos y puesta en esce-
na totalmente contemporáneo con un mismo denominador común: el
paso del tiempo y sus consecuencias. Y en este tema abunda
“Contratiempos”, una obra formada por cinco piezas cortas, escritas y diri-
gidas por Chema Cardeña, que analizan bajo diferentes puntos de vista y
situaciones los efectos del paso del tiempo en nuestras vidas.
“El café de las delicias” es la primera pieza, en la que una ex-pareja se
reencuentra al cabo de los años y reviven su pasado y su presente en
clave de humor. En “La espera” dos hermanos aguardan en un hospital el
final de su padre y recuerdan el tiempo pasado. “Squash” continúa con
una mirada irónica al presente de dos amigos en un gimnasio intentando
frenar el paso del tiempo y sus huellas más visibles. “Desayuno en
América” nos muestra el final de un matrimonio al que el tiempo ha roba-
do lo mejor de ellos mismos. Y por último “Mónica” o el “casual” encuentro
de dos compañeros de colegio, pone de manifiesto que el tiempo no cura
las heridas del todo. Cinco piezas que viajan por la comedia, el drama, el
esperpento… y en el que dos actores dan vida a estos diez personajes,
acompañados de un tercero, “Tempus”, que encarnará al tiempo y su impla-
cable tic-tac, interviniendo para provocar nuevas situaciones.
Secuencia 3 distribuye “Ángel”
Réplika Teatro: nuevo
espacio escénico
Desde el 17 de enero hasta el 25 de febrero el Teatro Amaya de Madrid
acoge la obra “Ángel”, de Michel Verly, con Llum Barrera y Nacho
Fresneda como pareja protagonista. El montaje, de noventa minutos
de duración, y dirigido por Jaime Pujol, empieza como una comedia
amable, donde una mujer urde un inocente plan para saldar una deuda
con su pasado: con motivo de la fiesta anual que reúne a un numeroso
grupo de antiguos alumnos, contrata los servicios de un gigoló para
que se haga pasar por su marido. Antes de salir de casa para acudir al
acto, ambos establecerán los parámetros de su improvisada relación,
como si de un juego se tratara. Un año después, la mujer y el gigoló
volverán a encontrarse en el mismo lugar, pero en circunstancias
completamente distintas. Ambos han sido presa de una cruel broma
por parte de los asistentes. Tras un año más en el que la relación de
ambos personajes se ha ido consolidando, se produce un trágico e
inesperado suceso que tiene lugar de nuevo en la fiesta de antiguos
alumnos del año 2000. “Ángel” se convierte en un viaje de los dos
protagonistas hacia ellos mismos. A medida que el tiempo avanza van
aproximándose cada vez más a su pasado. A medida que tropiezan de
nuevo con la crueldad y la desconfianza, va reafirmándose en ellos la
complicidad y el afecto. Y todo
esto en un único espacio, un
lugar donde rememorar todo lo
sucedido, donde revivir el
momento feliz y el angustioso,
donde recobrar fuerzas para
empezar de nuevo a caminar.
Un espacio cada vez más
pequeño, donde acabarán
libres y ganadores. Y
constatarán que la mejor vida
es la visa saldada y, por tanto,
la inventada, soñada, deseada.
En este montaje el paso de una
comedia blanca a un drama, al
compás de un thriller, es solo
cuestión de tres actos, tres
actos muy bien construidos,
con un fantástico trabajo
actoral. “Ángel” está
distribuida por Secuencia 3
Artes y Comunicación.
Réplika Teatro pone en marcha en Madrid Réplika
Abierta con el deseo de que el espacio escénico del
mismo nombre se abra cada miércoles para todo
aquel que tenga algo que contar y/o representar.
Será un espacio totalmente flexible y autónomo de
la compañía Réplika Teatro –aunque ella seguirá
programando sus producciones en días de la
semana diferentes– con la función de albergar y
promocionar aquellas actividades e iniciativas que
conlleven una aportación artística de cualquier
índole. Desde una escena de café-teatro, una
exposición, un concierto, una sesión de
fotografía… hasta la elaboración de una receta o,
por supuesto, la puesta en escena de un
espectáculo teatral. Réplika Abierta comenzó el
miércoles 8 de noviembre con la presentación del
espectáculo “Dime que todo está bien”, de Marcos
Alonso, de la compañía Materialmente Imposible.

el mundo del

espectáculo “Dime que todo está bien”, de Marcos Alonso, de la compañía Materialmente Imposible. el mundo
espectáculo “Dime que todo está bien”, de Marcos Alonso, de la compañía Materialmente Imposible. el mundo
espectáculo “Dime que todo está bien”, de Marcos Alonso, de la compañía Materialmente Imposible. el mundo
espectáculo “Dime que todo está bien”, de Marcos Alonso, de la compañía Materialmente Imposible. el mundo
el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL El éxito de público obliga a “Gorda” a permanecer en

el mundo del

ESPECTÁCULO TEATRAL

el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL El éxito de público obliga a “Gorda” a permanecer en Madrid
el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL El éxito de público obliga a “Gorda” a permanecer en Madrid

El éxito de público obliga a “Gorda” a permanecer en Madrid

Debido al gran éxito que la obra “Gorda” está teniendo entre el públi- co madrileño, la gira que tenía previsto comenzar en breve se aplaza hasta casi final de temporada (septiembre de 2007). Una vez que la obra salga del Teatro Alcázar de Madrid, Salbi Senante será la encar- gada de la distribución. Esta ácida comedia de Neil Labute, interpre- tada por Luis Merlo y Teté Delgado y dirigida por Tamzin Townsend muestra cómo la sociedad desprecia a los que se salen de la norma:

los gordos no gozan de buena imagen. ¿Qué se puede hacer cuándo descubres que el amor de tu vida es mucho más de lo que habías soñado… aproximadamente unos 30 kilos más? Teté Delgado da vida

a Elena, una mujer guapa, lista, divertida, sincera y generosa. Tiene

todos los valores socialmente perfectos, excepto que también es una talla XXL. Está harta de escuchar palabras condescendientes e insul- tos supuestamente indirectos. Harta de estar condenada a ser la amiga divertida, nunca la novia. Con su particular sentido del humor, lucha contra los tópicos e intenta hacer ver a Toni –Luis Merlo– un exi- toso hombre de negocios, que el mundo de los sentimientos está por encima del de las apariencias. Toni se enamora de ella, pero su círcu- lo, encabezado por el actor Iñaki Miramón, no entiende como un hombre de sus posibles se puede enamorar de una gorda. Comienzan un sinfín de comentarios que van subiendo de tono, hasta alcanzar la crueldad. Estos comentarios acaban por hacer mella en el novio que llega a reconocer que está enamorado con locura de la chica, pero que no puede seguir con ella, porque está gorda. Townsend destaca la dureza de la obra, aunque la directora

no quiere que el espectador se quede solo en los problemas de los gordos. El texto nos recuerda que todos tenemos miedo de caer en desgracia, que podemos estar a un paso de

lo

que más tememos: engordar, enfermar, envejecer… dejar de formar parte de los “triun-

envejecer… dejar de formar parte de los “triun- fadores”. Labute habla de los problemas de las

fadores”. Labute habla de los problemas de las personas diferentes y de cómo las relacio-

nes sociales tienden a ser endogámicas entre grupos de iguales. Es muy duro ser “diferen- te”. Nos autodefendemos cuando nos reconocemos fuera de la “normalidad”, cuando sen- timos que la vida no está a nuestro favor.

cuando sen- timos que la vida no está a nuestro favor. Producciones Producciones Teatrales Teatrales

Producciones Producciones Teatrales Teatrales Contemporáneas Contemporáneas

distribuye distribuye “Los “Los que que ríen ríen los los últimos” últimos”

que que ríen ríen los los últimos” últimos” La empresa Producciones Teatrales Contemporáneas distribuye

La empresa Producciones Teatrales Contemporáneas distribuye la obra “Los que ríen los últimos”, de La Zaranda Teatro Inestable de Andalucía La Baja. La obra, escrita por Eusebio Calonge, se estrenó el pasado 3 de noviembre en Granada y ahora se encuentra de gira. Aislados en la incomprensión y la indiferencia, estos personajes, retazos de pasiones abandonadas, disidentes de su época, emprenden la huida del vertedero en que subsisten. Su extravagante y penoso peregrinaje será un regreso hacia un pasado remoto, desconocido y misterioso para el que solo cuen- tan con las indicaciones de un padre difunto. Aunque todo se conjure para truncar su regreso, estará su avance existencial, su postura vital irre- ductible ante quienes quisieron someter sus destinos. Como dice uno de los personajes: “Antes de que la basura nos sepulte. Perdido el horizonte bajo cerros de desperdicios, ¿quién se orienta borradas del cielo las estre- llas? ¿A que Dios invocaremos una salida?, al menos un desesperado intento de vuelo”. “Los que ríen los últimos”, dirigida por Paco de La Zaranda, es la risa de los que mantienen la esperanza, la risa de los que aún sienten la nostalgia del paraíso, frente a la carcajada desdentada del tiempo. Según explica Eusebio Calonge, estos seres desvencijados, estos personajes viven tan cerca de nosotros que corremos el riesgo de llegar a ser ellos, o de que ellos encarnen en nosotros nuestros pobres cacharros inservibles, nues- tra maltrecha fe, y nuestro mucho cansancio

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ESPECTÁCULO TEATRAL
La distribuidora de Sonlar trae a España
a la compañía Hubert de Blanck
Bambalina, Bambalina, 25 25 años años entre entre
hilos hilos de de experimentación experimentación
entre hilos hilos de de experimentación experimentación Pepser, la empresa que ha traído a España a

Pepser, la empresa que ha traído a España a la compañía cubana Sonlar con la que ha realizado varias temporadas de éxito en nuestro país, vuelve a ofrecer al público español una parte de la cultura cubana con la compañía de teatro Hubert de Blanck, que en primavera (mayo y junio) estarán representando en España la obra “Cabaiguán–La Habana–Madrid”. El montaje, dirigido por María Elena Soteras, con texto de Julio Cid Borges, es una mirada hacia la historia reciente de Cuba. Y lo que ha hecho Cid Borges es asumir desde lo vivencial y cotidiano una

experiencia generacional, aunque el conflicto planteado adquiere resonancias que alcanzan al ser humano en cualquier latitud geográfica y tiempo histórico. El montaje habla de la frusta- ción, el egoísmo, la deshonestidad, la solidari- dad, la eterna búsqueda de la felicidad… El choteo criollo, la ironía y el humor ponen al des- nudo pequeñas miserias humanas y, de esta forma, la comedia como género revitaliza su efi- cacia, al tiempo que resultan vencedores valo- res universales y trascendentes como el poder cohesionador de la familia en la sociedad y la

necesidad de diálogo entre los hombres. Aún en las difíciles circunstancias actua- les, todavía sin concluir, los cubanos nunca pierden la capacidad de confiar y sonreir. La compañía teatral Hubert de Blanck se fundó en 1991 por actores y técnicos prove- nientes del emblemático grupo Teatro Estudio de La Habana y constituye una de las instituciones más prestigiosas del movimien- to cultural cubano, reconocida por el público nacional y extranjero desde su fundación.

Bambalina continúa con la celebración de su 25º aniversario. Al estreno de su nueva obra, “El cielo en una estancia”, ha seguido la inauguración de una exposición en el MuVIM, la publicación de un libro de textos de su director, Jaume Policarpo, y la reposición de su exitosa obra “Pasionaria”junto a más de 30 artistas invitados. Del 14 al 17 de diciembre, L’Altre Espai acogió la reposición de este montaje, uno de los más reconocidos por crítica y público. “Más que recuperar el espectáculo en sentido estricto quisiéramos reinterpretarlo a partir de un nutrido equipo de actores, actrices, bai- larines y músicos”, explica Jaume Policarpo. Con su estreno hace cuatro años, la pieza supuso un punto de inflexión en el trabajo de la compañía valenciana. La obra inspirada en la líder comunis- ta fue la primera de una tanda de obras que conectan con la contemporaneidad del presente. También en diciembre, el diseñador gráfico Paco Bascuñán fue el comisario de una exposición sobre la dimensión plástica (títeres, escenografía…) de Bambalina en el MuVIM. La intención es que la muestra trascienda el carácter meramente retrospectivo y se convierta en un acto creativo que aporte una nueva mirada sobre el concepto más íntimo del teatro entre los miembros de la compañía. Finalmente, y dado que la singularidad de los espectáculos de Bambalina empieza ya en la propia escritura teatral, el grupo ha decidido compilar los textos de “El jardín de las delicias”, “Quijote”, “Pasionaria” y “La sonrisa de Federico García Lorca” en un libro. La publicación se acom- pañará de un CD con las bandas sonoras originales de los espectáculos, compuestas por Joan Cerveró, Ricardo Belda y Víctor Manuel. A esto se une la publicación de un libro con textos de Jaume Policarpo, al que acompañan nombres relevantes como Enric Benavent o Juli Leal.

“Mandíbula afilada” en el Apolo La compañía Tarantana y el TNC presentan “La Indiana” Hasta
“Mandíbula afilada” en el Apolo
La compañía Tarantana y el TNC presentan “La Indiana”
Hasta el 21 de enero podrá verse en el Teatre Apolo la comedia
“Mandíbula afilada”, de Carles Alberola, dirigida por el tricicle Paco
Mir. Juan (Carlos Chamarro), un señor de unos cuarenta años, recibe
visita de una antigua novia (Melani Olivares) unos días antes de
que ésta se case con un amigo común. Él continua estando
perdidamente enamorado de ella y desde la adolescencia sueña
la
con poder vivir a su lado. Así es como uno decide por dónde irá su
vida y la vida decide lo que quiere. El autor del texto Carles Alberola
quiere reflejar en esta comedia una frase de Mankiewicz que le
impactó. “Siempre he pensado –explica– que la ficción es un
maravilloso refugio, una vía de escape delante de una realidad
inhóspita, pero tal vez esté equivocado, ya lo dijo el maestro Joseph
L. Mankiewicz: Por la mañana, seas hombre o mujer, te afeites o te
maquilles, escribes el guión de tu jornada. Luego suena el teléfono
y
echa a perder tu guión, porque el guión de otro interfiere en el
tuyo. Así es la vida”. El espectáculo, que se estrenó el 5 de octubre
de 2006 en el Ateneu de Igualada, esta distribuido por Vania
Produccions. Los cuadros originales que se muestran en el montaje
son de Agustí Puig.
Fotografías: David Ruano
La compañía Tarantana en coproducción con el Teatro Nacional de Cataluña
han desarrollado el montaje “La Indiana”, un proyecto dentro del Projecte T6,
del TNC. El texto es de Ángels Aymar y está dirigida por Julio Alvárez. La obra
transcurre entre los años 1840 y 1860 en Cuba. Muchos catalanes subían a un
barco hacia tierras lejanas con la esperanza de enriquecerse. Algunos lo
consiguieron, otras volvieron con las manos vacías y otras perdieron la vida.
Allí convivían con gente de otros países y razas, aprendían nuevas costumbres
y dejaban su impronta. Con el corazón empapado de añoranza, perseverantes,
superaban las adversidades y muchos comerciantes, contrabandistas y
negreros, consiguieron reunir grandes fortunas. Conocemos la historia de los
hombres más influyentes. Pero, ¿y las mujeres? ¿Las jovencitas casadas por
poder con desconocidos, las viudas asediadas por los familiares que las
consideraban usurpadoras de sus fortunas, las madres que veían morir sus
hijos víctimas de epidemias? ¿Y las esclavas, las mulatas, las otras madres que
pagaban desde el embarazo una cantidad por conseguir la libertad de su hijo?
El Projecte T6 del TNC en la edición de 2007/8 se centra en las Sales
Alternatives de Catalunya, en su calidad de productoras y salas de exhibición,
con los objetivos básicos de combatir el aislamiento creativo de los autores
dramáticos y de permitir que sus textos puedan ser estrenados. “La Indiana”
es la primera producción que abre esta nueva perspectiva del T6.
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compañías
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ESPECTÁCULO
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el mundo del
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Secuencia 3 distribuye la comedia “El día del padre”

Secuencia 3 distribuye la comedia “El día del padre” La empresa Secuencia 3 Artes y Comunicación

La empresa Secuencia 3 Artes y Comunicación distribuye la comedia “El día del padre”, escrita por Ana Graciano y Gabriel Olivares. Este montaje trepidante, producido por El Reló Teatro, se plantea la gran pregunta “¿Por qué los hombres quieren ser padres?”. En el reparto figuran nom- bres muy conocidos para el público como Aitor Mazo, Vicente Romero, Javier Martín y Darío Paso. Tres hombres de muy diferente aspecto, edad

y condición, han sido citados en una clínica de reproducción asistida.

Desconocen el motivo, pero sospechan –se temen– que se les requiere para ser objeto de unas pruebas de paternidad. Creen no tener nada en común, aunque pronto averiguarán que los tres han mantenido una rela- ción con la misma mujer, que les obliga a someterse a una delirante prueba de paternidad: Manuela ha decidido ser madre soltera y busca un

padre soltero. ¿Cuál de los tres será el más adecuado para convertirse en padre? “El día del padre” es una comedia trepidante sobre esta singular pugna de espermatozoides por conquistar un óvulo. Todos pelearán por lograr

el mismo fin. Selección natural en una clínica de reproducción asistida.

En este montaje todo es transparente, como si los personajes estuviesen

atrapados en un tubo de ensayo, en una jaula de cristal. Podría tratarse de un western clínico, en donde los paradigmas de la masculinidad, al verse tras el cristal de aumento de un microscopio, se deforman en busca de una nueva identidad.

El texto de Graciano y Olivares busca sus referentes en la gran comedia

que siempre llenó al público; se mira en el humor del absurdo de Ionesco

o en el cine de los hermanos Marx, en el vodevil de las películas de Ernst

Lubitsch o Gregory La Cava y en el teatro naturalista de autores contem- poráneos españoles, como Jordi Galcelán y “El método Gronhölm”. Con “El dia del padre” no se pretende otra cosa que celebrar con humor los misterios de la paternidad e inseminar al espectador con nuevas pre- guntas, que quizá no tienen respuesta… Este espectáculo está dirigido conjuntamente por Gabriel Olivares –guionista de cine, que este año rodará “Camping”, su primer largome- traje como director– y Gracia Olayo –actriz de gran prestigio como inte- grante de Las Veneno, en su primera incursión en la dirección teatral–.

Fotografías: Guillermo Pascual

en la dirección teatral–. Fotografías: Guillermo Pascual Pasqual y Belbel, juntos en “Mòbil” “Mòbil” de

Pasqual y Belbel, juntos en “Mòbil”

Pasqual y Belbel, juntos en “Mòbil” “Mòbil” de Sergi Belbel, dirigida por Lluis Pasqual, se presentará

“Mòbil” de Sergi Belbel, dirigida por Lluis Pasqual, se presentará en el Teatre Lliure (Teatre Fabià Puigserver), a partir del 10 de enero. En otoño viajará hasta el Teatro Arriaga de Bilbao, donde se presentará una versión en euskera y con actores vascos. El espectáculo también hará gira por Cataluña, con la versión original en catalán. El montaje se estrenó en el Teatre Bartrina de Reus, como producción del Centre d’Arts Escèniques de Reus (CAER). Esta es la primera ocasión en que Pasqual y Belbel se encuentran en un escenario. En “Mòbil” las vidas de cuatro personas se enlazan gracias al teléfono móvil, un invento que se ha convertido en pocos años en casi un apéndice de nuestro cuerpo. Todos esperamos siempre “ese texto contemporáneo” que hable de nosotros y de nuestras cosas en un intento metafórico de reflejar nuestras vidas, como parecía y todavía parece que consigue el teatro. “Mòbil” es, sin duda, uno de esos textos. Puede ser una historia sobre nuestras propias vidas. El autor explica que, cuando se inventó el teléfono, alguien habló de las grandes aplicaciones al escritor Bernard Shaw: “Se ha inventado un aparato que permitirá hablar con cualquier persona del mundo, se encuentre dónde se encuentre”. Shaw le respondió: “Hablar, ¿de qué?”. Desde aquel momento, el invento se ha convertido casi en un apéndice de nuestro cuerpo creando sus propias necesidades, sus propias metáforas y, sobre todo, un lenguaje propio y unas normas propias. El teléfono no sólo nos permite hablar, sino que modifica lo que decimos y cómo lo decimos, nos acentúa la timidez o nos llena de valor. La obra está protagonizada por Rosa Novell, Maife Gil, Marta Marco y Carles Francino, con escenografía de Paco Azorín. Es una producción del Teatre Lliure y Centre d’Arts Escèniques de Reus (CAER), con el Teatro Arriaga de Bilbao. El montaje se representa con subtítulos en español e inglés los miércoles y los sábados

Fotografía: Ros Ribas

Tornaveu produce y distribuye “Metrosexual asesino”
Tornaveu produce y distribuye
“Metrosexual asesino”

La empresa Tornaveu produce y distribuye “Metrosexual asesino”, una come- dia, una “metrofarsa” como sus autores la denominan, muy ácida y actual, que se estrenará en Valencia el próximo 1 de febrero en el TEM (Teatre el Musical) y después tiene previsto comenzar a girar por España. La compañía teatral valenciana Aguadelitines debuta con esta obra, escrita por el dramaturgo Manuel Molins en la que el espectador asistirá al viaje hacia la fama metrosexual de un joven actor, Héctor, que en mitad de su iti- nerario vital conocerá a Helena que también quiere ser actriz. En esta trave- sía, Héctor conocerá la cara y la cruz de un mundo iluminado por los flashes de los fotógrafos, pero que también muestra un reverso oscuro cuando los focos se apagan. ¿Qué será de Héctor?, pero además, ¿qué será de Helena? El reparto está formado por el actor Manuel Puchades y la actriz Carmen López. La dirección corre a cargo de Joaquín Candeias y Ámparo Ferrer Báguena como ayudante de dirección, y la escenografía es de Ricardo Maldonado. “Metrosexual asesino” es una producción conjunta entre las compañías Aguadelitines, Tornaveu y el Ayuntamiento de Valencia, que cuenta, además, con la colaboración del Ayuntamiento de Cheste. Aguadelitines es una joven compañía creada en 2004 por el actor Manuel Puchades y el escenógrafo Ricardo Maldonado. La comedia “Metrosexual asesino” es su primera aventu- ra teatral. Sus creadores han desarrollado sus carreras profesionales por separado, tanto en otras compañías como individualmente. Su objetivo fun- damental es la creación de un nuevo espacio estético produciendo un teatro critico, vivo y de humor, que recoja aspectos de la tradición teatral de la comedia y de la farsa potenciándolos con elementos de rabiosa actualidad y basándose, sobre todo, no tanto en onerosas producciones sino en el traba- jo actoral.

compañías

el mundo del

ESPECTÁCULO

TEATRAL

teatro

de

texto

Teatro del Temple estrena

“Yo no soy un Andy Warhol”

Teatro del Temple, en coproducción con el Centro Dramático de Aragón, estrena el 24 de enero en el Teatro Principal de Zaragoza “Yo no soy un Andy Warhol”, dirigida por Carlos Martín, con dramaturgia de Carlos Martín y Alfonso Plou. La obra podrá verse en este recinto hasta el día 28. El montaje recrea la tra- yectoria vital y artística del más célebre de los artistas pop. Warhol no sólo revolucionó la estética de lo pictó- rico sino que, rodeado de una pléyade de colaborado- res, resituó la forma, el contenido y el mercado del hecho artístico. Profeta de la sociedad de consumo que se nos venía encima, Warhol sedujo y se dejó seducir por un mundo trivial, hedonista e irónico donde el ser humano desaparece bajo la marca. Si una imagen se asocia con Andy Warhol como artista es la de una fiesta loca, glamourosa e interminable llena de todo tipo de personajes. Y aquí es donde se sitúa la acción de la obra: en una fiesta en la Factory, el ámbi- to natural en el que se desarrollan las personalidades de Warhol. En el espectáculo todos son de una u otra manera Andy Warhol y todos colaboran en la creación del show. La música en directo, las proyecciones audio- visuales, la iluminación no convencional. Todos los ele- mentos buscan situar al espectador en una posición diferente. Quieren despertarle a la sorpresa y al shock. El humor, la provocación y el delirio surrealista se suce- den en un viaje más onírico que biográfico. No es un espectáculo tramado sobre la regla de las tres unida- des; es una suma de flashes, sugerencias y banalidades varias que nos conduce a la desmitificación del arte, a la deconstrucción del ser humano y a la burla social. La distribución corresponde a El Búho Producciones.

La distribución corresponde a El Búho Producciones. Parejas famosas con pecados en “Amor y otros pecados”

Parejas famosas con pecados en “Amor y otros pecados”

Producciones Come y Calla y Producciones Impar presentan una comedia coral de desamores y desencuentros dirigida por Javier Veiga y escrita por Alexis Valdés, Javier Cansado, Yolanda G. Serrano, Juan Cavestany, Antonio Muñoz de Mesa y el propio Veiga. En “Amor y otros pecados” cada autor cuenta la historia de una pareja famosa escenificada a tra- vés de un pecado capital, hasta sumar seis. ¿Pero los pecados capita- les no son siete? Si, pero según Veiga “todo el mundo sabe que la gula no es un pecado”. Así, Adán y Eva representan la ira, Sansón y Dalila, la avaricia; Jesús y Magdalena, la soberbia; Cleopatra y Julio César, la pereza; Napoleón y Josefina, la envidia y Franco y La Pasionaria, la lujuria. Todos los personajes están representados por dos actores; un hombre –Veiga–

y

sente –Dani Cívico–, una especie de Cupido al piano, ya que el espectáculo se presenta con música en directo. Así se presenta un espectáculo que reflexiona, sin rigor histórico, pero con pudor histriónico, sobre el eterno dile- ma de las relaciones hombre-mujer, escenificando frag- mentos determinantes de la vida de las grandes parejas

frag- mentos determinantes de la vida de las grandes parejas una mujer –Ana Rayo–, junto con

una mujer –Ana Rayo–, junto con un músico omnipre-

históricas. Intentará descubrir los vicios y pecados que los enamorados cometieron a lo largo de los siglos

que nos arrastraron, sin remedio, a la actual y eterna incomprensión. Cada una de esas parejas vivía, supondremos, en el más candoroso de los amores honestos, hasta que un día surge entre los dos un sentimiento hasta entonces desconocido para ellos al que los historiado- res darán en llamar pecado.

y

entre los dos un sentimiento hasta entonces desconocido para ellos al que los historiado- res darán

compañías

el mundo del

ESPECTÁCULO

TEATRAL

circo,

magia

y

humor

el mundo del

     

ESPECTÁCULO TEATRAL

el mundo del       ESPECTÁCULO TEATRAL “Èione”, nuevo espectáculo del Circo Gran Fele La
el mundo del       ESPECTÁCULO TEATRAL “Èione”, nuevo espectáculo del Circo Gran Fele La
el mundo del       ESPECTÁCULO TEATRAL “Èione”, nuevo espectáculo del Circo Gran Fele La
el mundo del       ESPECTÁCULO TEATRAL “Èione”, nuevo espectáculo del Circo Gran Fele La
el mundo del       ESPECTÁCULO TEATRAL “Èione”, nuevo espectáculo del Circo Gran Fele La
“Èione”, nuevo espectáculo del Circo Gran Fele
“Èione”, nuevo espectáculo
del Circo Gran Fele

La nueva producción del Circo Gran Fele “Èione” es un espectá- culo que gira en torno a la mito- logía. El director del circo, Rafael Plá, ha querido dar un vuelco atrás en la historia con este espectáculo. Más allá del circo de 1900. Mucho antes de que el Imperio Romano tomara el Mediterráneo, incluso antes de que se levantaran las pirámides de Egipto hubo una tierra de mitos, reales o ficticios, de seres fantásti- cos, sobrenaturales, asombrosos, imposibles e incluso falsos. Situada entre el río Íber y la mítica ciudad de Tartesos, y bañada por el Mare Nostrum. Las ninfas y tritones, los cíclopes, centauros, nereidas y sátiros eran dueños de los bosques, de las fuentes, de las praderas y los mon- tes, y protagonizaban aventuras con dioses y humanos. “Éione” es el nombre de un personaje imaginario que habitaba por esta tierras. Una ninfa o nereida que compartirá su protagonismo con otros seres mito- lógicos, mitad bestia, mitad hombre: sileno, lupercus, caprino. Este año las acrobacias aéreas llenarán la cúpula de la carpa del Circo Gran Fele, desde el principio al fin de la obra. Algunos de los números que la compañía tiene preparados son el Levitor, la Palanca, las Correas, Cuerda vertical a tres. En definitiva, muchos números arriesgados y complicados que dejarán a los espectadores boquiabiertos. El circo también contará con un Gabinete de Curiosidades, un gran carromato antiguo de circo que esconde la huella del Yeti, el increíble Hombre Pez, el Cuerno de un Unicornio y la Sirena de Moraig, un fósil auténtico de una sirena o nereida. El 13 y 14 de enero estará en el Gran Teatro Antonio Ferrandis de Paterna (Valencia), como cada año. En marzo, la compañía tiene programado actuar en Fuenlabrada (Madrid) y en abril, presentarán “Éione” en el Teatro Gayarre de Pamplona.

Sexpeare vende sus historias disparatadas en “For sale” Después de celebrar su décimo aniversario con
Sexpeare vende sus historias
disparatadas en “For sale”
Después de celebrar su décimo aniversario con una exitosa temporada
de sus montajes “Qué pelo más guay” y “H, el pequeño niño obeso”, en
el
Teatro Alfil de Madrid, la compañía Sexpeare continúa de gira con su
nuevo espectáculo “For sale”. Es una obra compuesta por seis historias
aparentemente inconexas en las que Rulo Pardo y Santiago Molero dan
vida a más de 16 personajes, en una frenética sucesión de sketches,
donde se mezclan estilos teatrales y que es toda una revisión a su parti-
cular forma de hacer comedia. Unos coleguitas de barrio, dan paso a un
café teatro en el que un cantante actúa sin ningún éxito, mientras una
pareja en el Oeste americano se reencuentra después de mucho tiempo
y
un charcutero se enamora de una longaniza. Un asesino en serie que
peina sus crímenes, un andamio lleno de gatos, una longaniza vestida
de novia, un batería sin pulgares, una piba que se murió de queso, una
voz en off muy bonita… En definitiva, una atrevida propuesta que man-
tiene la esencia del estilo que los caracteriza, un estilo siempre sorpren-
dente, ágil, imaginativo, plagado de desparpajo, impudor y surrealismo,
en el que continuamente se revisan los límites de la convención teatral
y
dónde se concatenan distintos planos narrativos. Todo ello en un
divertido juego de realidad/ficción y en complicidad permanente con el
público.
Los chicos de Sexpeare ponen en venta su humor y no a precio de saldo
en una sucesión de historias disparatadas que no tienen por qué tener
un sentido o una lógica. Da igual donde quede el hilo argumental, que
se pierde nada más empezar. La columna vertebral de esta rocamboles-
ca coctelera son ellos mismos, dos solventes actores que convierten el
escenario en un cruce de caminos.
Vuelve CARLO-MÔ con “el Vaso (que colmô la gota)” El actor y clown CARLO-MÔ (Carlos
Vuelve CARLO-MÔ con
“el Vaso (que colmô la gota)”
El actor y clown CARLO-MÔ (Carlos
Pérez) está de gira con su tercer mon-
taje, “el Vaso (que colmô la gota)” un
espectáculo de humor y clown teatral.
Su obra anterior, “Mal parto me raya
(se atormenta una vecina)” ganó el
certamen Festiclown 2005, fue finalis-
ta en el Circuit de Cafè-Teatre de
València 2004 y estuvo en cartelera en
Barcelona más de dos años ininterrum-
pidamente.
Ahora llega “el Vaso (que colmô la
gota)”, dirigida por Raquel Capdet, en el
que CARLO-MÔ es autor e intérprete y
que ya lleva cuatro meses ininterrumpi-
dos en los escenarios barceloneses.
¿Qué pasaría si tuvieras que ofrecer un
recital de poesía clásica el mismo día y a
la misma hora en que empiezas a perder la
memoria? Y si tuvieras la oportunidad de
repetir desde el principio ese día en el que todo te
sale mal
¿Serías capaz de hacerlo mejor? Una obra
surrealista-realista sobre el paso del tiempo, la pérdida de memoria, el cansancio, el precio de
los excesos
o por qué todos somos humanos aunque intentemos lo contrario. Una particular
odisea en la que el protagonista se topa con las dificultades y tentaciones de las delicias terre-
nales (el público): ser amado por muchos, pero cómo no, también bajo la exigencia de éstos,
que no le quieren poeta, le quieren ”payaso”. Y cae en el canto hipnotizador de la risa mientras
mantiene una lucha quijotesca con su memoria. Ahora el reto de este caballero andante es con-
mover al público, aunque sea con una sola poesía. El montaje está distribuido por David Berga.
CARLO-MÔ es actor, clown y pedagogo, formado por maestros como Leo Bassi, Joseph Collard,
Christian Atanasiu, Eric deBont, Virginia Imaz, Merche Ochoa y Moshe Cohen, entre otros. Se
estrenó en el clown con la compañía Mô House, alternando al poco tiempo con su primera obra
en solitario “Desvíos y Desvaríos”.
Fotografía: Gerard Garcia Vilarrasa

El popular mago Alberto de Figueiredo

sigue sorprendiendo

“Enclave de magia” es la última propuesta de magia de Alberto de Figueiredo. Un espectáculo de noventa minutos de duración en los que el espectador podrá disfrutar de toda clase de ilusiones: apariciones, viajes imposibles, mentalismo, cartomagia, y participar de manera muy activa en algunos de los juegos que Figueiredo desarrolla en el escenario. Una alta dosis de humor completa los ingredientes del show. “Enclave de magia” es un lugar, pero también es una definición. Es un enclave donde el artista desarrolla su arte y, al mismo tiempo, es en clave de magia todo lo que ocurre a lo largo del espectáculo. Magia sorprendente, magia cómica, magia en estado puro. Además, uno de los espectadores se convertirá en un auténtico mago, debutando en público. Alberto de Figueiredo es uno de los magos con más proyección del panorama de la magia profesional en España. A su curriculum se puede añadir su participación semanal en el programa de televisión “Shalakabula” que se emite en Telemadrid, Canal Sur, Canal 9 y TV Castilla La Mancha. Recientemente ha participado en festivales internacionales de magia (Estocolmo, Coimbra) y en los nacionales de Zamora, Jerez Mágica y Hocus Pocus en Granada. En la actualidad mantiene en gira por España “Ilusión Arte”, que destaca por concentrar quince disciplinas distintas de magia. A lo largo del espectáculo se pueden ver juegos de escapismo, viajes imposibles o acciones con cartas. Esta última técnica cuenta con un número clave en el que el ganador del Premio Nacional de Magia de 1998 es capaz de descubrir, con los ojos vendados, la carta elegida por una persona anónima clavando un cuchillo sobre el naipe en cuestión.

con los ojos vendados, la carta elegida por una persona anónima clavando un cuchillo sobre el

compañías

el mundo del

ESPECTÁCULO

TEATRAL

musicales

y

performers

el mundo del

     

ESPECTÁCULO TEATRAL

La La compañía compañía de de Yagu Yagu Martín Martín pasea pasea por por Castilla
La La compañía compañía de de Yagu Yagu Martín Martín pasea pasea
por por Castilla Castilla y y León León
“Copla “Copla y y Caireles” Caireles”

La compañía de Yagu Martín está recorriendo los circuitos escénicos de Castilla y León con su espectáculo de copla aflamencada “Copla y caireles”. Se trata de un montaje en el que se mezcla música en directo, cante aflamencado, danza con- temporánea y baile flamenco, para rematar con unos versos de poesía lorquiana. “Copla y caireles” es un homenaje a los grandes cantaores y cantaoras de la copla

y del flamenco, unos hombres y mujeres que nos dejaron una herencia de melo-

días inolvidables, cuyas voces todavía están presentes en nuestra memoria. Yagu Martín define su estilo como copla aflamencada: una evolución de la copla hacia el flamenco o, desde una visión más purista, una degeneración del flamenco

hacia la copla. Con el baile que forma parte del espectáculo se pretende adornar

el repertorio con una mezcla de danza flamenca y contemporánea. Dos especiali-

dades muy diferentes que empastan perfectamente, otorgando a la escena pro- fundidad y elegancia. La bailarinas del espectáculo son Elena Quevedo y Olga Martínez; al cante está Yagu Martín, a la guitarra se encuentra Inés Cañada y a la percusión Julio García. Entre las piezas que forman parte del repertorio están la

zambra “Antonio Vargas Heredia”, las coplas “María de la O” o “Carceleras del puer- to”, la rumba “Dame veneno”, la habanera-tanguillo “Habaneras de Cádiz” o los tangos “Rosa María”, entre otras.

El montaje podrá verse el 7 de enero en Peñafiel (Valladolid), el 18 de febrero en

Campaspero (Valladolid) o el 1 de abril en Coca (Segovia).

“El huésped del Sevillano” en el Villamarta Los próximos 19 y 20 de enero, el
“El huésped del Sevillano” en el Villamarta
Los próximos 19 y 20 de enero, el Teatro Villamarta de Jerez acoge la representación de
la zarzuela “El huésped del Sevillano”, del maestro Guerrero, con los cantantes Enrique
Ferrer y Cristina Obregón encabezando el reparto. El elenco de artistas lo completan
Alberto Aliaga, Luis Cansino, Carmen Marqués, Helena Dueñas y Paco Maestre. La
Orquesta Filarmónica de Málaga será dirigida desde el foso por Miguel Ortega,
acompañada por el Coro del Teatro Villamarta, mientras que Gustavo Tambascio asume
la dirección escénica.
Anexa trae a Barcelona “La Revista Negra. NewOrleans forever” La empresa de distribución y producción
Anexa trae a Barcelona
“La Revista Negra.
NewOrleans forever”
La empresa de distribución
y producción Anexa trae al
Teatro Tívoli de Barcelona
(del 18 de enero al 18 de
febrero) el musical “La
Revista Negra. New Orleans
forever”, de Jérôme Savary,
un espectáculo sobre la
Francia de los años 20 y 30
que se debate entre el
swing y el jazz de Nueva
Orleans. Con vestuario de
Michel Dussarrat y coreo-
grafía de Wanjiru Kamuyu y
Brian Bagley, pone en esce-
na a nueve actores, bailari-
nes y cantantes y a una
orquesta y grupo de baile
de Estados Unidos y Cuba,
que recrean el espectáculo
original (“La Revue Nègre”,
presentado en París en
te con un mínimo cinturón de plátanos. Este espectá-
culo revolucionó el mundo musical y cultural de una
Francia aún absolutamente colonial, pero mucho
menos racista y restrictiva que la América de esos tiem-
pos.
En el tiempo presente, Jérôme Savary es un productor
francés que busca entre las ruinas de la devastada New
Orleans tras el paso del Katrina una actriz para hacer el
papel de Josephine Baker y así completar el revival
parisino de “La revista negra”.
En el musical se alternan partes de “La revista negra”
1923) que revolucionó el mundo musical y cultural francés.
El montaje actual habla sobre dos momentos en el tiempo. De
una parte, nos relata la paradoja con que se encontró la origi-
nal “La Revue Nègre” presentada en París en 1923 por una
troupe de jazzmen y bailarines afro-americanos acompaña-
dos por una jovencísima Josephine Baker ataviada únicamen-
con otros momentos que dibujaron la historia del jazz, el gospel, el blues, tambores africanos,
influencias cubanas sobre el jazz, los parecidos entre el flamenco y el blues, el exilio de la música
negra hacia el norte y, como broche final, una grandiosa jam session colectiva. Su director, Jérôme
Savary, parisino de raíces argentinas, es el actual responsable de la Opéra Comique de París. Desde
1982 ha dirigido diversos centros dramáticos nacionales y ha realizado la dirección escénica de
más de 120 espectáculos teatrales y operísticos.

Angel Pavlovsky, en el

Teatreneu con “Alas furtivas”

Angel Pavlovsky, en el Teatreneu con “Alas furtivas” Angel Pavlovsky está en el Teatreneu de Barcelona

Angel Pavlovsky está en el Teatreneu de Barcelona con su montaje “Alas furtivas”, con textos, dramaturgia, espacio escénico, diseño de iluminación, producción y dirección de Pavlovsky, vestuario de Ramón Ramis y peluquería de Rueber. El espectáculo se estrenó en el Teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional en el ciclo “Confidencias”, en 2003 y así explica su desarrollo el showman:

“Aparece en escena, muy puntualmente, el artista anunciado. Hará sus confidencias, despojado de su personaje, en esta ocasión, muy alejado de la supuesta ‘última star en funciones’ como podría esperarse. Viste su traje ‘de soñar’. Sabe que divorciar los medios de expresión artística de la realidad es una ingenuidad”. “Sabe también que el sentido del humor, bien entendido, es muy provocativo, en el buen sentido de la palabra y crea una gran solidaridad. Nos invita a reconocer lo que somos”, continúa. “En tono confidencial, introspectivo a veces, efusivo en ocasiones y por momentos tempestuosamente histriónico,

habla de sus sueños a la vez que esboza un autorretrato bastante real y a la vez bastante fantástico pero sospechosamente aproximado

al ser que se supone permanece oculto tras la

máscara imprescindible de cualquier salteador de emociones o avasallador de sentimientos. Hace referencia a cuanto el teatro puede llegar a tener de mensaje humano personal, intransferible y hasta cierto punto inexplicable”.

“Nos refiere, con ácida ternura sus relaciones con la ‘gente cuerda’, y nos invita a compartir

y a discutir sus consideraciones acerca del

poder, la política, la soledad, el paso del tiempo, las crisis, el amor, el desamor, el destino, los sueños… Huyendo de cualquier moralina, recapacita sobre la irrenunciable relación entre el actor y el público y la búsqueda del verdadero sentido del hecho teatral; ese milagro que solo se produce en el único territorio donde lo fantástico puede ser lo cotidiano en el Teatro”, concluye Pavlovsky.

solo se produce en el único territorio donde lo fantástico puede ser lo cotidiano en el

compañías

el mundo del

ESPECTÁCULO

TEATRAL

danza

Alicia Soto, de gira con su espectáculo multimedia

Alicia Soto, de gira con su espectáculo multimedia
Alicia Soto, de gira con su espectáculo multimedia   “Desea” La bailarina y coreógrafa Alicia Soto
Alicia Soto, de gira con su espectáculo multimedia   “Desea” La bailarina y coreógrafa Alicia Soto
 
 

“Desea”

“Desea”

La

bailarina y coreógrafa Alicia Soto ha dado un importante salto en su carre-

ra

y con su compañía Hojarasca Danza presenta por primera vez un espectá-

culo multimedia, “Desea”, en el que se entremezclan teatro, danza, música, literatura y videoarte. Cuatro pantallas gigantes reciben videoproyecciones y sobre ritmos electro-rock, bailarines y actores llevan al espectador en una experiencia emocional en la que se encontrará consigo mismo, explorará sus deseos conscientes e inconscientes y sus interrelaciones con esta sociedad de consumo que condiciona nuestros deseos y necesidades. La fórmula (Publicidad+Deseo+Seducción+Consumo+El Otro=Yo), es la premisa que se ha planteado la compañía para la creación de su último trabajo. Es un espec- táculo de encuentro y de fusión entre diferentes formas de expresión. Para llevar a cabo este proyecto, Alicia Soto ha contado con la colaboración del controvertido novelista francés –afincado en Almería– Michel Houellebecq para los textos, Masbedo en la creación de video, Joan Valent en la música, Amaya Arzuaga para el vestuario y Eduardo Cuadrado y Carlos Fernández en la dramaturgia. “Desea” es una coproducción de Hojarasca Danza con la Fundación Siglo para las Artes en Castilla y León y está distribuido por Barranco Promociones

Culturales. Esta artista burgalesa, que lleva años luchando por sacar adelan-

te

la única compañía de danza profesional con sede en Castilla y León, ha uti-

lizado los textos de Houellebecq para componer un cuadro hiperrealista. Pretende analizar, hasta el escarnio, la dureza de los tópicos que mueven los deseos de hoy: básicamente la tiranía del consumismo para dar una imagen que cumpla con los cánones sociales de belleza y triunfo en todas las parce- las de la vida. Eso si, los espectadores no se van a encontrar con nadie decla-

mando los textos del escritor francés. Solo han servido para inspirar las ideas básicas que después ha plasmado al autor Carlos Fernández. Sobre el esce- nario, la actriz es Estrella, un icono femenino mediático en fase de deterioro

y

a punto de ser víctima de la principal ley de la moda: dejar de serlo.

Además, la compañía sigue de gira con su espectáculo de danza vertical “Bloque C, ángeles caídos buscan subir al cielo”, en versión de sala.

 

Fotografías: Fernando Marcos y Masbedo

Thomas Thomas Noone Noone Dance Dance estrena estrena “Mur” “Mur” en en enero enero en
Thomas Thomas Noone Noone Dance Dance
estrena estrena “Mur” “Mur” en en enero enero
en en el el Mercat Mercat de de les les Flors Flors

“Mur”, la última propuesta de Thomas Noone Dance se salta los muros físicos y mentales del movimiento, en un emocionante encuentro de danza, arquitectura y música. El montaje, que se estrena el 18 de enero en el Mercat de les Flors de Barcelona, en coproducción con dicho recinto, transcurre en un espacio imagi- nario y abierto, acotado por una potente escenografía diseñada por David Jiménez. La idea surgió de la lectura de los textos “Foirades” de Samuel Beckett y su colaboración con Jasper Johns:

“La austeridad es lo más reseñable de la escritura de Beckett. Crea un espacio tangible y, a la vez, emotivo, utilizando frases incom- pletas y descripciones ambiguas”, comenta el coreógrafo. Es así, dividiendo el espacio con una simple barrera, delimitando y diri- giendo a los bailarines para que el movimiento más simple provo- que una respuesta emotiva, como se ha desarrollado la coreogra- fía. Un muro que se mueve y abre el espacio hasta que la danza lo invade todo. Después de debatir sobre la delimitación y restricción de los bai- larines y de la compartimentación del espacio escénico, los arqui- tectos David Jiménez y Joan Álvarez, propusieron un diseño prác- tico y estético a la vez. Un muro compuesto de módulos en forma de V. Considerando las posibilidades de estos módulos se conclu- yó la línea narrativa. El compositor Pedro Navarrete ha unido dos áreas más: una, la idea de limitación física, repetición y ciclos musicales; y, la otra, la confrontación entre bailarines y arquitec- tura, con el timbre contrastado de dos familias de instrumentos:

cuerdas y percusión. Thomas Noone Dance es compañía residen- te en el saT! Sant Andreu Teatre.

Fotógrafo: Josep Aznar

cuerdas y percusión. Thomas Noone Dance es compañía residen- te en el saT! Sant Andreu Teatre.
compañías el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL danza el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL
compañías
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“La bella durmiente” del

Ballet de Teatres de la Generalitat

bella durmiente” del Ballet de Teatres de la Generalitat El Ballet de Teatres de la Generalitat

El Ballet de Teatres de la Generalitat estre- nó el pasado 22 de diciembre su últi- ma producción, “La bella dur- miente”, un ballet basado en el cuento de Perrault, con música de Tchaikovsky, en el que el coreógrafo Goyo Montero aporta una visión novedo- sa y contemporánea, pero manteniendo el respeto a la obra clásica. La obra estará en el Teatro Principal de Valencia hasta el 7 de enero. Se trata de una obra para todos los públicos con una visión contemporánea de un ballet clásico que combina la estructura académica (cuerpos de baile, pasos a dos y divertimentos) con una búsqueda de la psicología del cuento de Perrault desde una perspectiva más actual. La intención de Goyo Montero es la de ser fiel a la his- toria tradicional añadiendo elementos originales que estimulen la curiosidad en el espectador. Junto al Ballet de Teatres de la Generalitat se podrá ver a dos grandes figuras de la danza: Iván Gil-Ortega, bailarín principal del Het Nacional Ballet de Ámsterdam y artista invitado en el Stuttgart Ballet, y Rafael Rivero, Primer Bailarín de la Compañía Nacional de Danza, que participarán en la creación como artistas invitados. Al trabajo de Goyo Montero se une la música en directo de la Orquesta Sinfónica de Valencia, bajo la dirección musical de Joan Cerveró. Asimismo, la obra está enmarcada en el cuidado diseño del espacio escénico realizado por Manolo Zuriaga y Josep Simón, y en el estudiado vestuario realizado por Pascual Peris, tra- bajos que acentúan y envuelven esta gran creación. La obra está inspirada en el ballet clásico “La bella durmiente del bosque”, estrena- do en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo en enero de 1890, con coreografía de Marius Petipa y una brillante composición musical de Tchaikovsky. Goyo Montero ha protagonizado como bailarín tres versiones diferentes de “La bella durmiente” con coreografías de Petipa, Scholz y Joury Vamos, experiencia que le ha permitido acercarse con conocimiento de causa a una nueva versión de la obra.

El Ballet Carmen Cantero

reflexiona sobre Don Quijote

Fotografía: Paco Ruiz
Fotografía: Paco Ruiz

Visiones de Miguel de Cervantes, fantasías, nostalgias, reproches,

¿Cómo hubiese sido el Don Quijote en el año 2006?

Esta es la pregunta y el reto que se presenta el Ballet Carmen Cantero, con la dirección artística de Antonio Pérez. La respuesta se vislumbra durante una coreografía de cincuenta minutos, donde la fantasía de Cervantes se convertirá en máquina de nuevas e innovadoras ideas, presentándonos a un Don Quijote tremendamente contemporáneo, un Sancho tan real como la propia vida y una Dulcinea irreal. Mezclas del pasado y del presente, a través de las sombras del tiempo, nos llevarán a una bella y actual historia donde la tradición y las nuevas tendencias forman un nexo común, no demasiado lejos de la realidad. La coreografía está basada en una estilización de la mano del flamenco y de la danza española, fusionando el compás, con los palillos y las distintas formas de marcar los tiempos. Sobre el escenario, los bailarines evolucionan al compás del guitarrista Juan José Ramos (Niño de la Manuela), el cantaor, que también lleva la percusión Roberto Mesa y la cantaora Loreto de Diego. Este ballet, que dirige Carmen Cantero, se formó en 1997, con la finalidad de mantener viva la danza española, la escuela bolera, el folclore y el flamenco, para ser disfrutado por un público contemporáneo. La producción y distribución del montaje corresponde a Actividades Artísticas Júcar. Carmen Cantero acaba de ser galardonada como Mujer Empresaria Emprendedora por la Comunidad de Madrid, y va a montar una compañía estable en los Emiratos Árabes, donde estará en febrero para presentar su último montaje “Esencia pura”.

reflexiones

su último montaje “Esencia pura”. reflexiones Julio Bocca se despide de los escenarios españoles Desde

Julio Bocca se despide

de los escenarios españoles

Julio Bocca se despide de los escenarios españoles Desde el 7 de febrero de 2007 y

Desde el 7 de febrero de 2007 y sólo hasta el domingo 25 del mismo mes, Julio Bocca, acompañado por Cecilia Figaredo y el Ballet Argentino, bailarán juntos la obra “Adiós hermano cruel”, en la des- pedida de Bocca de los escenarios madrileños. Tras más de veinte años de carrera y desde mediados de 2005, Julio Bocca se está des- pidiendo de los distintos escenarios y países que lo han acogido y aplaudido a lo largo de su carrera. Entre otros, en junio de 2006 se despedía del American Ballet y hace algunas semanas se despedía del público cubano, tras un sentido homenaje en el marco del Festival de Ballet de La Habana. Madrid será la primera ciudad espa- ñola en vivir esta emotiva despedida. Las fechas del Teatro Albéniz constituyen una cita única y la última oportunidad para los madrileños de disfrutar del arte de un bailarín excepcional, un auténtico número uno de las tablas de todo el mundo. Tras casi un mes de actuaciones en Madrid, Bocca prose- guirá su gira de despedida por distintos escenarios de la geogra- fía española. Con guión de Elio Marchi e inspirado en “Lástima que sea una puta” de John Ford, “Adiós, hermano cruel” es un ballet en dos actos, con música de Lito Vitale, coreografía de Ana María Stekelmann y diseño de vestuario de Renata Schussheim. La obra se desarrolla en un gran espacio, dividido en niveles, que podrá ser alternativamente el patio de un palacio, el campo, el altar de una iglesia… La época es atemporal. Puede haber sucedido hace cinco siglos o suceder en un probable futuro.

malucos Danza estrena “Las sobras del festín” La compañía de danza flamenca y española malucos
malucos Danza estrena
“Las sobras del festín”
La compañía de danza flamenca y española malucos Danza acaba de
estrenar su último montaje “Las sobras del festín”, dirigido por Carlos
Chamorro, con coreografía e interpretación del propio Carlos
Chamorro, Pepa Sanz y José Merino y acompañado por la guitarra de
José Manuel Montoya y el cante de Merenguito. El estilo de danza de
esta creación es el flamenco, pero mezclada con otros estilos, en este
caso el contemporáneo, como ya es habitual en la compañía, para
matizar, resaltar y expresar el sentido de la obra.
Desde 1998 malucos Danza es una de las compañías pioneras en
España en la fusión y creación de estilos propios a partir de la danza
española y el flamenco. Su filosofía es combinar el folclore, la danza
española, el flamenco, la danza contemporánea, la escuela bolera
(siglo XVIII), el mestizaje con otras culturas para fundirlas y actualizar-
las, acercándolas a nuestros tiempos a través de un estudio minucio-
so, siempre respetando y comprendiendo sus raíces y pureza. “Las
sobras del festín” transcurre dentro de un reloj, donde la vida, situada
frente a una mesa reflexiona, sobre su existencia. Toda sensación
humana es la base que esta compañía busca en cada uno de sus
espectáculos, basándose para ello en el estudio minucioso de los per-
sonajes. El amor, el deseo, el disfrute son también sentimientos que,
desde sus comienzos, representa y evoca para explorar los límites del
arte. Profesionales de la danza, escenógrafos, compositores musicales
y diseñadores colaboran con malucos Danza para que cada espectácu-
lo luzca diferente al anterior.

compañías

el mundo del

ESPECTÁCULO

TEATRAL

danza

Erre que Erre cumple 10 años con “Escupir en el tiempo” “Escupir en el tiempo”
Erre que Erre cumple 10 años con “Escupir en el tiempo”
“Escupir en el tiempo” es la nueva producción de la compañía de danza Erre que Erre y el
espectáculo con el que celebra su décimo aniversario. Erre que Erre siempre se ha defini-
do por una exhaustiva investigación sobre las nuevas concepciones de la danza y del
movimiento en general. El montaje combina la danza, la música y la imagen en un
espectáculo que habla de “celebrar el futuro y los secretos que todavía quedan
por desvelar, utilizando el cuerpo como herramienta y vehículo de expre-
sión, el movimiento como lenguaje y la necesidad de comunicar como
última finalidad. Un espectáculo festivo y, al mismo tiempo, solemne.
Una celebración en la que sólo deben entrar los que se encuentran
con ánimo de celebrar”, explica la compañía. El espectáculo, de una
hora de duración sin entreactos, representa las historias que suceden
en la habitación cercana a la gran sala donde se está celebrando una
fiesta. Los seis intérpretes, dos hombres y cuatro mujeres, tienen
unas fuertes y marcadas personalidades. Ellos representan a seis
personajes de esta fiesta: los anfitriones y los invitados. Tienen algo
en común, pero cada uno explica su propia historia en el momento
en qué sale de la fiesta y se va a la habitación de al lado. Aquí se
aísla, busca a otros, se relaciona, se enfada, se reconcilia, se enamora. En este
nuevo espectáculo cuentan con la música es de David Crespo y Guim Serradesamferm
(Balago), con la colaboración de Myriam Swanson, Dani Nel·lo i Martín Fuks (Barxino). El
audiovisual es de Guillem Morales. “Escupir en el tiempo” es una producción Erre que erre,
en coproducción con el Mercat de les Flors (Barcelona); Temporada Alta 2006 –Festival
Internacional de Teatre, SALT y el Centro Párraga (Murcia)–.
de les Flors (Barcelona); Temporada Alta 2006 –Festival Internacional de Teatre, SALT y el Centro Párraga
de les Flors (Barcelona); Temporada Alta 2006 –Festival Internacional de Teatre, SALT y el Centro Párraga
compañías el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL infantil el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL Markeliñe estrena
compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO
TEATRAL
infantil
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Markeliñe estrena “Cigarra y hormiga”
Teatro Arboléprepara tres producciones para 2007
La compañía Markeliñe estrena los días 2, 3, 4 y 5 de enero en el palacio
Euskalduna de Bilbao su último montaje “Cigarra y hormiga”, una crea-
ción original basada en la fábula “La cigarra y la hormiga” de La Fontaine,
basada a su vez, en el cuento del mismo título de Esopo. Las hormigas
trabajan afanosamente desde el comienzo de la primavera. Tras un duro
invierno, salen de su hormiguero dispuestas a reponer sus reservas ago-
tadas. Su rutina es interrumpida por la llegada de la cigarra. La cigarra es
diferente a las hormigas. Las interrumpe de su ocupación y, aparente-
mente, es ociosa. Sin embargo, van aprendiendo de la intrusa cigarra
cosas que les resultan muy agradables. Quizás, la cigarra no sea tan
improductiva, sino que su trabajo consista en hacer música, en conducir-
nos hacia lo bello y lo placentero
En la relación que mantienen los per-
Teatro Arbolé prepara para 2007 nuevas
producciones en su Teatro del Actur en
Zaragoza. Para publico infantil y familiar
pondrá en marcha “El intrépido soldadi-
to de Plomo”, en versión de Iñaqui
Juárez, y para público adulto “Con –
Ciertos Títeres”, dirigido por el prestigioso
director cubano Armando Morales, además de
completar la trilogía de los cuentos clásicos con “¿Caperucita roja?”. De
esta forma, Teatro Arbolé consolida su proyecto empresarial y artístico
que les está permitiendo producir y exhibir espectáculos, coproduccio-
nes como “Travesía” y “Archipiélago” con el Centro Dramático de Aragón
y producciones como “El Caballero encantado” y “El fantasma de Morillo
de Tou”.
El Teatro Arbolé ha realizado durante el año 2006, 714 actuaciones con
representaciones en la mayoría de las comunidades autónomas españo-
las y ha viajado a Latinoamérica
(Colombia, Chile, Venezuela y
Argentina), hasta sumar las 240
localidades visitadas. El público
asistente a todas sus representacio-
nes supera los 210.000 personas, el
mismo número que los kilómetros recorri-
dos en 2006.
El Teatro Arbolé ha trascendido los límites de Aragón y se ha convertido
en referencia en las programaciones infantiles de muchas ciudades espa-
ñolas. El proyecto que comenzó hace 27 años se consolida.
Para el 2007, continuarán con nuevas publicaciones en su editorial, tanto
para público infantil como para adulto: el teatro también se lee. En 2006
vieron la luz 4 nuevos títulos. En este año también volverán a viajar a
Latinoamérica, este vez será México y Argentina. Además presentarán su
producción “Archipiélago” en FETEN y en Teatralia.
sonajes, unas y otra aprenderán algo del vecino. Algo sobre la necesidad
del trabajo para subsistir pero también sobre la importancia del placer
para sentirse mejor. Pero esta convivencia entre arquetipos diferentes se
hace más difícil cuando la comida escasea y el frío aprieta. Cuando la soli-
daridad debiera surgir espontánea. Porque retomando la moraleja clási-
ca “hay que guardar para cuando no hay”, no es lo mismo guardar para
acaparar que guardar para compartir. La llegada del invierno es el desti-
no inevitable de esta fábula, pero Markeliñe hace de la confrontación de
estas dos formas de ver la vida, cigarra y hormiga, una evolución del
hombre hacia una sociedad más agradable y una vida más soportable.
A nivel estético, parten de una escenografía sencilla: unos sacos rellenos
forman la casa de las hormigas, que permanece constante a lo largo de
todo el espectáculo y una hamaca para la cigarra, que no aguantará la
dureza del invierno. El montaje sigue la línea estética de la compañía:
plástica, poesía, comicidad, experimentación con materiales, ritmo y
juego interpretativo como elementos fundamentales.

La compañia Títeres de María Parrato estrena “El abeto”

compañia Títeres de María Parrato estrena “El abeto” La prestigiosa compañia Títeres de María Parrato, tras

La prestigiosa compañia Títeres de María Parrato, tras regresar de su

gira por Inglaterra y Brasil, acaba de estrenar un nuevo montaje: “El abeto”, basado en el cuento de Andersen, dirigido por Irina

Kouberskaya. El estreno se produjo, coincidiendo con la Navidad, el pasado 18 de diciembre en la Sala Tribueñe de Madrid. Hace unos meses la productora Tribueñe propuso a María Parrato que la com- pañía se encargara de la puesta en escena de un espectáculo que había diseñado la conocida artista y escenógrafa, Marina Azizian, toda una institución de Rusia, conocida por sus escenografías para

el teatro Bolshoi, por los que ha recibido numerosos premios nacio-

nales de teatro en su país, entre los que cabría destacar dos Premios Máscara de Oro al Mejor Escenógrafo del año en 2003 y 2005.

A pesar de lo apretado del calendario, la compañía segoviana no

pudo negarse y, de este modo, ha vuelto a los títeres de guante, que

a la vista de la calidad y belleza de los muñecos ha sido un gran acierto y una alegría para el público.

A partir del cuento de Andersen se crea una metáfora de la vida de

los seres humanos a través de las sensaciones y sueños de un árbol,

el abeto. Durante la obra se cuentan las múltiples peripecias que le

van ocurriendo a lo largo de las cuatro estaciones. La interacción

entre el hombre y el árbol, los misterios ocultos en la vida secreta de

un bosque, el contraste entre el vuelo de las hojas y el trabajo calla-

do de las raíces, y sobre todo el incierto destino de cada árbol. La puesta en escena es de María José Frías, que también da vida a los muñecos, junto con Laura Fernández y Miguel Zabaleta. Tras el éxito en Rusia de “El abeto”, que se ha prolongado más de siete años, ahora llega a España con las marionetas originales.

“Pequeños paraísos” danza para volver a la infancia

Inspirada en el cuadro “El jardín de las delicias” de El Bosco, la veterana com- pañía Aracaladanza ha creado su último montaje “Pequeños paraísos”, un espectáculo para niños a partir de 4 años y adultos que rebosa luz, que acoge criaturas desmedidas y atiende deseos íntimos. Un trabajo depurado que aúna danza y marionetas, dirigido por Enrique Cabrera, con once core- ografías realizadas con la música compuesta por Mariano Lozano, el diseño de luces de Pedro Yagüe y el especial vestuario de Elisa Sanz. Enrique Cabrera ha creado un sugerente espectáculo, en coproducción con el Teatro de La Abadia, con la pretensión de devolver a los espectadores mínimos instantes de felicidad, fugaces píldoras de alegría que, sin tener relación, contagian dicha, prometen sonrisas, irradian paz… Y es que “Pequeños paraísos” es un trabajo de danza depurado que insiste en el pro- tagonismo de los objetos y desarrolla el arte de las marionetas, convertidas por derecho propio en la sexta bailarina. El mundo reducido a un jardín. Y en él, fresas, y trapecistas, y lámparas, y globos, y flores, y joyas brillantes encerradas en cajitas; diminutos tesoros

que al abrirse regalan aire

Y ternura y emoción. Y risa y diversión. Con

marionetas o con globos. Con papel o con jabón. Como antes, todo sirve… Como siempre, todo baila… Como nunca, todo brilla… Un inusual montaje de danza para aquellos que no han tenido problema en reconocerse, para aquellos que se han permitido jugar con ese niño o niña que nunca muere. Un paraíso para pequeños y grandes soñadores que se recrea en cada instante y atrae la libertad. Paraíso soñado por todos, o mejor, paraísos inventados a ritmo de vals o incluso de silencios, el nuevo trabajo de Aracaladanza disfruta del momento y se recrea en el instante. No enseña. No guía. No adoctrina, sino que abre la imaginación. Destinado al público familiar, la distribución corre a cargo de Alberto Muyo.

adoctrina, sino que abre la imaginación. Destinado al público familiar, la distribución corre a cargo de
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compañías
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TEATRAL infantil el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL Mozart y “Perejil y la diva infantil!” Paspartú Teatro

Mozart y “Perejil y la diva infantil!”

Paspartú Teatro Musical está de gira con su nuevo trabajo, el espectáculo “Perejil y la diva infantil (El secreto de la flauta mágica”), un pequeño tea- tro musical, un cuentacuentos basado en la ópera de Mozart, dirigido por Alicia Merino y con el valor añadido de la música en directo. Es un monta- je para toda la familia, lleno de alegría, poesía, ternura y mucha emoción, que podrá verse el 13 de enero en Sevilla, el 21 en la sala Cuarta Pared de Madrid o el 25 de febrero en Fontanar (Guadalajara). La obra contiene la poética del cuento, la alegría del musical y la estética de una caja de música en la que Perejil y La Diva Infantil despiertan y hablan movidos por los hilos invisibles de la música, ese espacio de intimi- dad donde los secretos más profundos son revelados. Perejil y La Diva Infantil contarán y cantarán la aventura de Tamino y Papagüeno, su viaje en busca del amor por El Reino de la Noche, acompañados por la magia de una flauta que contiene todos los secretos de la música. Es una ópera

hecha cuen-

to

todos los públicos, animada por el soplo de la poesía y por versiones de las cancio- nes que hicieron universal la obra de Mozart. La dirección musical corre a cargo de César Guijarro y Jesús Aragoneses. La compañía Paspartú nació en enero de 2005 fundada por Alicia Merino y Francesc Galcerán. A este proyecto acudieron profesionales con una larga trayectoria en el mundo de la interpretación teatral, de la composición y la interpretación musical, la adaptación de clásicos, la dramaturgia oral y la animación a la lectura (cuentacuentos). Propone una nueva forma de abordar el teatro: devuelve de una manera original, respetuosa y drama- túrgicamente genuina las obras de nuestros clásicos al público universal al que pertenecen.

para

clásicos al público universal al que pertenecen. para Alquibla estrena el musical “El sueño de una

Alquibla estrena el musical

“El sueño de una noche de verano”

La compañía Alquibla Teatro ha estrenado el musical

para niños “El sueño de una noche de verano”, de Shakespeare, en versión libre de Esperanza Clares y dirección escénica de Antonio Saura. El estreno nacional tuvo lugar el pasado 27 de diciembre en el

auditorio de Murcia “Víctor Villegas”, dentro del ciclo Navidad con Cajamurcia. La obra de Shakespeare ofrece un mundo mágico y poético a través de las historias de amor entrelazadas, de la combinación entre el mundo real y el de los sueños, el de los per- sonajes mortales y los seres inmortales que habitan

la noche y la fantasía y las travesuras con las que el

duende Robín enreda las situaciones y divierte a la audiencia. Esta versión, destinada a niños de 6 a 12 años y público familiar, está escrita en clave de

comedia musical, mezclando la propuesta textual con los musicales, canta- dos y bailados por los propios actores, con música mediterránea compues-

tema del amor: el amor imposible, el amor ciego, el amor que otros eligen por nosotros, y de lo que por amor estamos dispuestos a hacer. Este “Sueño

ta

por Salvador Martínez para la ocasión.

de una noche de verano” es una fiesta colorista, sensual, vitalista, divertida,

Al

igual que la versión que ya hicieran en el año 2000, la acción de esta

mágica en contenido y forma, actual y con un ritmo trepidante, que sedu-

comedia fantástica queda situada en una playa mediterránea, con olor a sal y arena, a pólvora y mar, junto a la hoguera de la noche de San Juan, marco perfecto, donde los humanos comparten cartel con hadas y duen-

ce tanto a los niños como a los jóvenes y adultos que puedan disfrutarlo. La versión para jóvenes y adultos del año 2000 fue extraordinariamente acogida por el público y la crítica, a largo de toda la geografía española en

des, e ideal para las travesuras de Robin (en un mundo que está loco, como loco es el amor). En esta nueva visita, ahora para los pequeños espectado- res, encontraremos a nuestros jóvenes enamorados en una calurosa noche,

sus tres temporadas de vida, siendo nominado a los Premios Max como mejor Espectáculo Revelación.

a

la luz de una gran luna llena, en donde destacaremos especialmente el

Texto: Sofía Coca

Versión de sala de “Zirko iluna”

Versión de sala de “Zirko iluna” Ya está disponible la versión de sala de “Zirko iluna”,

Ya está disponible la versión de sala de “Zirko iluna”, de la compañía Hortzmuga Teatroa, tanto en castellano como en euskera. El montaje, basado en textos de Michael Ende, ha sido representado, en su versión de calle, en numerosas localidades y ferias como Umore Azoka, Festival de Teatro de Araia, Festival Escena Abierta de Burgos, FETEN 2006, Festival Internacional de Teatro de Alcorcón, Mostra de Teatre al Carrer de les Alqueries, Festival de Circo y Teatro de Villanueva de Gallego, Festival de Teatro de Salamanca, Muestra de Teatro y Artes de Calle de Medina del Campo y Festival de Teatro de Calle de Santander. Después de un verano de gran actividad y de ver la respuesta del público, Hortzmuga Teatroa se ha decidido a montar el espectáculo para su versión de sala, aprovechando los recursos que un espacio cerrado proporciona. El director del montaje es Toni Arteaga. “Zirko iluna” cuenta la historia de un circo viejo y acabado a través de las experiencias de sus últimos supervivientes. Un viaje simbólico y emotivo en el que se mezclan grandes títeres, pequeños números de circo y grandes dosis de participación activa del público familiar al que va dirigido:

tarde de invierno en las afueras de la gran ciudad. En medio de la plaza dos míseros carromatos, antaño de vivos colores. A su alrededor los últimos miembros del circo. Sólo por ciertos detalles es posible adivinar que se trata de artistas. Después de tantos años, tantos viajes y aplausos, el viejo circo fue cayendo en el olvido y hoy es el día de la despedida. Cada uno tomará caminos distintos y probablemente no vuelvan a verse nunca.

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Teresa de Juan distribuye

“La increíble historia de Mollie Malone”

distribuye “La increíble historia de Mollie Malone” Teresa de Juan Producción y Distribución de Espectáculos

Teresa de Juan Producción y Distribución de Espectáculos distribuye el montaje “La increíble histo-

ria de Mollie Malone”, de Eduard Costa. Se trata de una coproducción del Centre Teatral Escalante y

la compañía Anem Anant, que podrá verse a partir del 18 de abril en este espacio escénico. Mollie

Malone, una niña muy especial, acude a la relojería de su abuelo el día de su cumpleaños. Sin espe- rarlo, vivirá una aventura muy emocionante y conocerá a cuatro personajes con los que jugará, reirá, reflexionará y descubrirá lo importante que es disfrutar del tiempo. Una historia mágica y

divertida, que acabará siendo increíble y que está dirigida por el afamado director y dramarturgo Chema Cardeña. El propio Cardeña presta su voz, junto a la de Vicent Pastor, para interpretar las voces en off del espectáculo. Los actores que dan vida a este cuento son Nuria Manzanaro, Nando Pascual y Eduard Costa. Como en toda historia fantástica que se precie, ciertos elementos toman especial relevancia, como la música original, a cargo de Jesús Serrano, el vestuario de Pascual Peris, el diseño gráfico y de esce- nografía de Assad Kassab o el asesoramiento en magia de Nacho Diago. Anem Anant Teatre es una compañía que nace en Valencia en el año 2000 y está especializada en teatro infantil. Eduard Costa ha sido siempre el encargado de escribir los textos que posteriormen- te interpretarán, con tanto acierto, que sus dos anteriores espectáculos “Argos” y “Circus” fueron galardonados con el tercer premio a la mejor obra en el Concurs de Teatre Vila de Mislata de 2002

y ganadora del Premio Xaro Vidal Ciutat de Carcaixent al mejor texto, respectivamente.

“Rit-mo-cuen-tos”,

cuentos de Guinea de gira

“Rit-mo-cuen-tos” , cuentos de Guinea de gira La compañía Solo y Cía. y la Sala Ítaca

La compañía Solo y Cía. y la Sala Ítaca de Madrid están de gira con “Rit-mo-cuen-tos”, una producción de teatro para niños basada en cuentos de Guinea, con el objetivo de no perder la tradición oral de contar historias. La idea de “Rit-mo-cuen- tos”, es acercar a los niños a este mundo mágico, con cuentos de temática sencilla, pero no exenta de profundidad, y accesibles para su entendimiento. El mundo que representan es muy rico y estimulante y tiene todos los componentes expresivos propicios para hacer divertida su narración: el ritmo, las canciones, la mímica y la danza, el colorido de sus atmósferas, el tipo de personajes, el humor, el juego, etc. Los actores, como los antiguos griot, los narradores de los cuentos de la tradición africana, adoptan múltiples formas. Pasan de ser narradores a personajes, de personajes a músicos, a danzantes… Los cuentos elegidos son “El viento”, “El pájaro de la cascada”, “La isla de las dos tribus”,” ¿Por qué los perros dejaron de hablar?”, todos ellos entrelazados por una pequeña dramaturgia, con dirección de Rafael Díez Labín.

pequeña dramaturgia, con dirección de Rafael Díez Labín. CeBe Producciones estrena “Pulgarcito o una de

CeBe Producciones estrena

“Pulgarcito o una de detectives”

Producciones estrena “Pulgarcito o una de detectives” La compañía valenciana CeBe Producciones Teatrales acaba

La compañía valenciana CeBe Producciones Teatrales acaba de estre- nar su último montaje, “Pulgarcito o una de detectives”, dirigido y cre- ado por Carles Benlliure. La obra es la historia de un vagabundo que vive en un pequeño escenario abandonado, entre viejos cartones y algunas telas. Como todas la noches se dirige a su rincón para dormir, sorprendentemente comprueba cómo mucha gente le está observan- do, pero no hace caso, está acostumbrado a estar en la calle. Y empie-

za a soñar unos sueños que quizá no son tan sueños: un hada que está

dejando de existir, peces extraños, murciélagos peculiares. Además, CeBe Producciones está de gira con otros dos montajes: “El pirata Barba” y “Un hombre en un país de muñecos”, esta última una coproducción entre las compañías Xarop Teatre y la yugoslava Títeres

Fénix. Es un espectáculo de títeres y actores lleno de dulzura, dirigido

a un público familiar, a partir de tres años, que pudo verse en diciem-

bre en la Sala del Teatro Arbolé de Zaragoza. El montaje apuesta por el compromiso, el diálogo y la armonía en la convivencia entre las perso- nas. Dos actores titiriteros se disponen a representar su obra para los niños y deciden contar la vida de un pueblo de títeres, Titerevall. En este lugar se desarrolla la vida de los títeres, sus alegrías, penas, diver- siones y tristezas. Sobre todo la de dos niños que intentan crear algo de belleza en su jardín; pero el Daba, un personaje no muy bueno, no deja de molestarles. Finalmente, un espectador un tanto peculiar no lo soporta más y decide intervenir. Este espectáculo aúna la experiencia de una compañía de títeres ya consolidada, como es la compañía yugoslava Fénix, con más de treinta años de experiencia y el trabajo actoral de la compañía Xarop y su experiencia en los trabajos realiza- dos por la geografía española. Por su parte, “El pirata Barba”cuenta la historia del Pirata Barba refugia- do en las islas Columbretes y su gran enemigo el señor de Mirabet, que

después de tormentas, naufragios, trampas y una batalla naval descu- bren lo inútil de la lucha y lo importante que es aprender a convivir.

El Espejo Negro cuenta la

“Un piojo llamado Matías”

historia de

Negro cuenta la “Un piojo llamado Matías” historia de Después de un año muy fructífero de

Después de un año muy fructífero de premios y giras, El Espejo Negro estrena el montaje infantil “Un piojo llamados Matías”, de Fernando Aramburu, con adaptación y dirección de Ángel Caliente. Unos diverti- dos muñecos ofrecen, en palabras de la compañía, “el espectáculo per- fecto para activar las neuronas del más despistado de nuestros peque- ños espectadores”. Nacido en la nuca de un maquinista, Matías apren- de desde sus primeros pasos que un piojo siempre debe andar con los

ojos bien abiertos. Enseguida tiene que hacer frente a las inundaciones jabonosas y a las friegas con que la mano del gigante humano quiere expulsarlo, o buscar refugio ante un peine o ante el huracán de un secador. Un día, su amiga le anima a buscar los manantiales próximos

a esa montaña vertical que es la oreja, pero los dos, jóvenes incautos,

caerán prisioneros de la malvada reina de la caspa y se verán condena- dos a realizar trabajos forzados. De aventura en aventura, la vida de Matías es un divertido relato de iniciación desde su originalísimo y diminuto punto de vista. El montaje, apropiado para público familiar e

infantil a partir de 5 años, se estrenó el pasado 15 de diciembre en el Teatro Cánovas de Málaga. Tres marionetistas a cara descubierta prestarán sus manos y voces para dar vida a los diferentes personajes de la obra. Recurriendo a sus pro- pias técnicas de manipulación y a un lenguaje sugerente y provocador de imágenes y sonidos, El Espejo Negro enfrenta encima del escenario

a personajes reales (los manipuladores) y a sus antagonistas de goma-

espuma (los piojos) en un mestizaje total entre ambas razas de actores, unidos entre sí por el humor, la sorpresa y la imaginación. Un espacio en negro, un pequeño escenario, y diferentes elementos escenográfi- cos, servirán para poner en pie el universo de estos pequeños protago- nistas. Ventiladores, telas, plásticos, y un sin fin de marionetas de dife- rentes tamaños, arropados por la luz y el sonido, convertirán ¨La vida

de un piojo llamado Matías¨, en el montaje perfecto para activar las neuronas del más despistado de nuestros pequeños espectadores.

la última

reflexión

el mundo

del

ESPECTÁCULO TEATRAL

la última reflexión el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL La actividad escénica que se hace extra muros
la última reflexión el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL La actividad escénica que se hace extra muros
la última reflexión el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL La actividad escénica que se hace extra muros
la última reflexión el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL La actividad escénica que se hace extra muros
la última reflexión el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL La actividad escénica que se hace extra muros
la última reflexión el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL La actividad escénica que se hace extra muros
la última reflexión el mundo del ESPECTÁCULO TEATRAL La actividad escénica que se hace extra muros

La actividad escénica que se hace extra muros de los circuitos profesionales, en su periferia, es una realidad poco estudiada, pero de una enorme importancia, tanto en cifras, como, sobre todo, en valor estratégico para el sector. Podríamos decir que en el futuro del teatro aficionado está escrito el del teatro. O por decirlo de otro modo, tal

como el porvenir trate al teatro de base, será tratado el teatro en general. En este artículo y en el próximo número abordaremos la definición de este tipo de actividad, analizaremos su realidad cuantitativa y plantearemos algunas cuestiones claves para su desarrollo.

Teatro aficionado, amateur, no profesional, incluso neo- profesional. ¿De qué hablamos cuando aludimos a este tipo de actividad escénica? No resulta simple la tarea de

definir con cierta precisión el teatro aficionado. En reali- dad el problema que encontramos para definir el teatro no profesional es tan solo uno de los muchos datos que nos hablan de la informal e irregular estructura del sec- tor teatral en España. Para SGAE, según queda reflejado en sus informes anua- les, las compañías aficionadas serán aquellas que a lo largo del año no han accedido a ninguna de las salas cuya programación regular es profesional. A nadie se le escapan las carencias de esta clasificación derivada de la necesidad de establecer una diferencia que permita un mínimo análisis cuantitativo. En mi opinión es preciso incorporar a cualquier valora- ción, a la hora de clasificar a las diversas compañías y productos teatrales, el componente empresarial que las sustenta, éste sí perfectamente medible. Y colocar en un segundo plano el componente artístico, siempre sujeto a valoraciones subjetivas. Aceptada esta norma resulta sencillo acreditar como profesionales a aquellas compa-

ñías que cumplen los requisitos mínimos de obligado cumplimiento para cualquier empresa del sector. Para terminar con esta

introducción definitoria habremos de recordar que dentro del teatro no profesio- nal se encuentran a su vez diversas realidades que es imprescindible diferenciar y atender por separado: el teatro escolar, el universitario, el neoprofesional…

unos ingresos relativos importantes, sus ingresos dismi- nuyeron bruscamente en 2003, para ir recuperándose desde ese momento. Es, ciertamente, un enorme desnivel

cuantitativo el de esta variable en relación a las anteriores –funciones y espectadores–. La capacidad de recauda- ción del teatro aficionado no está ni de lejos a la altura de su peso en el sector, situación que se debe en buena parte a dos razones: la no profesionalidad de sus produc- ciones, y la política de gratuidad o precios subvenciona- dos de las casas de cultura, centros académicos y espacios de exhibición que las acogen, normalmente instituciones públicas. Las funciones gratuitas suponen un 74,8% del total de las aficionadas, frente a solo un 18,2% de las pro- fesionales.

El análisis del teatro aficionado por comunidades autóno-

mas aporta nuevos datos comparativos de su evolución que tienen un gran interés para mostrar su vitalidad general, y especialmente fuera de los dos centros de pro- ducción y exhibición por excelencia, Madrid y Barcelona. Respecto a las funciones por Comunidades hay que seña- lar que de las 41.083 funciones profesionales realizadas en España –con datos ahora de 2004- el 28,7% tuvieron

Otro dato de gran interés es el de el número de especta- dores por comunidades. Varias de ellas presentan un nivel de asistencia notable a las funciones aficionadas. Puede observarse la importancia de esta cuestión esta- bleciendo comparaciones con las comunidades genera- doras de la mayor parte del teatro profesional. En Madrid acudieron el pasado año a espectáculos aficio- nados un total de 361.734, lo que supone tan solo el 11,7% del total de los españoles que acudieron a este

tipo de teatro. Y es que, en la clasificación del teatro afi- cionado por número de espectadores, por delante de Madrid se encuentran las comunidades de Aragón, Valencia y Castilla y León. Y proporcionalmente a su población, es superada por otras muchas comunidades.

Estas diferencias nos alertan sobre la eficacia de algunas políticas de promoción y apoyo al teatro de base, y rela- tivizan el efecto “sombra” del profesional. El peso del teatro aficionado conviene analizarlo tam- bién desde el punto de vista del hábitat en que tiene lugar. Analizando los datos correspondientes, podemos ver que las grandes urbes metropolitanas reúnen el 61,2% de todos los espectadores (70,1% si aludimos a

los asistentes a las profesio- nales); y sola- mente el 34,6% de las aficionadas. Si

Una realidad deslumbrante que permanece

en la sombra.

El teatro aficionado I.

lugar en Madrid, mientras que de las 18.332 de aficiona- dos, las funciones representadas en Madrid fueron sólo el 14,6%. Menos distante es la situación que ofrece Cataluña: el 25,2% de funciones del teatro profesional tuvieron lugar en esa comunidad, y, así mismo, en ella tuvieron lugar el 16,8% de las aficionadas. Merece desta- carse la especificidad de varias comunidades autónomas. Por ejemplo Valencia, Castilla y León y Andalucía. Valencia, que en la oferta global –profesional más aficio- nada– supone el 10,1 % del total, desciende al 8,2% en el teatro profesional, y crece al 14,5% en el aficionado. El peso de Castilla y León en el conjunto de funciones es del 6,6%, pero si atendemos a su peso en las funciones profe-

en ciudades y pueblos más pequeños el teatro profesional va redu- ciendo drásticamente su presencia, el teatro aficionado conserva un alto porcentaje de presencia en los núcleos de entre 10.000 y 200.000 habitantes (38,6% frente al 22,7% del profesional), y especialmente en los núcleos de menos de 5.000 habitantes (18,5% frente al 4,1% del profesional). En su conjunto en núcleos urbanos de menos de 200.000 habitantes el teatro aficionado recibe más espectadores que el profesional, tendencia que se agudiza a medida que decrece el tamaño de la pobla- ción. La conclusión obvia es que las compañías aficiona- das juegan un papel decisivo en mantener el interés por el teatro en los núcleos medios y pequeños.

sionales su peso baja al 5,4, y asciende al 9,1% en cuanto

Sí, ya sé que son demasiadas cifras y que resulta farrago-

a

las funciones aficionadas. Andalucía, con una participa-

sa su lectura, pero en las cifras se sustentan los análisis y

ción global del 9,6, baja en la profesional al 7,2 y sube en

las propuestas. Iremos con ellas en el próximo número.

la

aficionada al14,8%. O por decirlo de otro modo, casi

cuatro de cada diez funciones del teatro no profesional

Robert Muro

que se hacen en España tuvieron lugar el pasado año en Andalucía, Valencia y Castilla y León.

elmuro@elmuro.es

Datos cuantitativos del teatro en España. Años 1999-2005

 

Evolución del teatro profesional y aficionado

 
 

1999

2000

 

2001

2002

2003

2004

2005

38.745

37.563

42.390

48.022

51.354

59.415

58.112

Funciones totales Funciones profesionales Funciones aficionadas Espectadores totales De funciones profesionales De funciones de aficionados Recaudación global (euros) Recaudación teatro profesional Recaudación teatro aficionado

28.259

25.446

27.509

34.759

37.262

41.083

39.970

10.486

12.117

14.881

13.263

14.092

18.552

18.142

9.736.735

10.294.015

9.643.094

10.975.500

11.803.480

13.240.160

12.824.920

7.290.931

7.377.853

6.453.447

8.571.448

9.426.140

10.327.717

9.727.717

2.445.804

2.916.162

3.190.062

2.404.052

2.377.339

2.923.443

3.097.203

77.424.399

82.849.150

80.450.854

114.442.000

123.490.300

131.771.260

160.843.726

71.579.339

74.337.263

72.084.898

108.969.200

121.369.900

128.459.100

156.904.100

5.845.059

8.511.918

8.365.956

5.472.766

2.120.420

3.312.160

3.939.626

Representaciones teatrales según hábitat. 2005 (total y %)

     

Financiación de las representaciones 2005 (total y %)

Habitat

Total

Profesional

Aficionadas

Financiación

Total

Profesional

Aficionadas

TTOOTTAALL Zonas metropolitanas De 30.001 a 200.000 De 10.001 a 30.000 De 5.001 a 10.000 Menos de 5.000

5588

111122

3399

997700

1188

114422

5588

111122

3399

997700

1188

114422

59,4

67,1

41,6

TTOOTTAALL Financiadas solo por espectadores Parcialmente subvencionadas Totalmente subvencionadas

47,0

62,4

11,5

15,8

14,6

18,6

16,0

17,0

13,7

9,9

8,1

14,1

37,0

20,6

74,8

5,1

4,0

7,5

 

9,8

6,2

18,2

 

Fuente: Anuarios SGAE de las Artes Escénicas, Musicales y Audiovisuales

Un dibujo cuantitativo de la realidad

Voy a presentar una idea aproximada de la situación actual del teatro español aficionado y neoprofesional, a través de una serie de cifras. Los datos corresponden al periodo 1999-2005, últimos de los publicados en el Anuario SGAE de las artes escénicas, musicales y audio- visuales, fuente que he utilizado. Téngase en cuenta que los datos relativos al teatro no profesional son, con toda seguridad, incompletos, dado que la recogida de infor- mación de este tipo de actividad teatral es extremada- mente difícil de cuantificar. En mi opinión una estima- ción más cercana a la realidad incrementaría notable- mente todas las cifras relativas al teatro aficionado, que, por otro lado, no refleja toda la actividad del teatro de base, al quedar fuera buena parte del teatro escolar. La oferta del teatro aficionado en 2005 fue en términos absolutos de 18.142 funciones, frente a las 39.970 del teatro profesional. Desde 1999 las funciones aficionadas han pasado de suponer el 27 % al 31,22% del total de la oferta teatral española. Es decir, cerca de la tercera parte de las representaciones teatrales totales del año pasado en España fueron realizadas por compañías no profesio- nales. El número de espectadores que atrajo el teatro afi- cionado en 2005 fue de 3.097.203, frente a 9.727.717 de las compañías profesionales. Es significativo el análisis de la evolución de esta variable. Si el teatro profesional sufrió el pasado año un descenso notable de más de medio millón de espectadores respecto al año anterior (en 2004 vendió entradas a 10.327.717 personas), el afi- cionado mantuvo la tendencia ascendente de los últi- mos años, como puede comprobarse en el cuadro adjun- to. La evolución del número de espectadores del teatro aficionado es regularmente creciente y porcentualmen- te supone el 25% aproximadamente de los espectadores totales. Bien diferentes son, como no podía ser de otra manera, los niveles de recaudación del teatro aficionado. En 2005 obtuvo 3.939.626 euros, frente a los 156.904.100 euros del profesional. Además, tras dos años –2000 y 2001– de

2005 obtuvo 3.939.626 euros, frente a los 156.904.100 euros del profesional. Además, tras dos años –2000