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Apreciación musical

INTEGRANTES: Minaya Delgado Alvaro Joaquin FECHA DE ENTREGA: 22 de noviembre de 2013 CARRERA: Ingenieria de Sonidos DOCENTE: Ing. Luis Alfaro

en respuesta a la primera guerra mundial. la búsqueda por hacer “más con menos” se tornó en consecuencia una práctica obligada. los timbres y los ritmos. El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de tradición en cuanto a la armonía. Durante un tiempo. pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados. Más pequeño. con libreto del bien conocido poeta modernista W. Paul Hindemith. Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente mencionados en este estilo. como sucede también en el concierto Los robles de Dumbarton. Hindemith produjo trabajos de cámara y orquestales en este estilo. pero también el prolífico Darius Milhaud y sus contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger. como punto de partida para componer música. Sergéi Prokófiev. Auden. polifonía y cromatismo libre dentro de un estilo utilitario. el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo. más ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación emocional que muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. . Su producción de cámara incluye su Sonata para corno inglés y piano. quizá el más famoso de ellos sea Mathis der Maler. un trabajo expresionista lleno de detalles oscuros y conexiones internas. más escaso. mezclando punzantes disonancias. Ígor Stravinski. El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en las artes. la forma. H. en su Sinfonía para instrumentos de viento o en la Sinfonía en do. Historia del soldado de Stravinski es por esta razón una semilla de pieza neoclásica. La culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del libertino («Rake's Progress»). Teniendo en cuenta que los problemas económicos favorecían grupos más pequeños.Neoclasicismo Artículo principal: Neoclasicismo Dmitri Shostakóvich (1906-1975) desarrolló junto con Serguéi Prokofiev(1891-1953) el neoclasicismo en el contexto del realismo socialista en laUnión Soviética. la melodía.

El rasgo más audible del neoclasicismo son melodías que usan la tercera como intervalo fijo. El neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con rapidez. Esta fue una corriente estética cuyo propósito fue expandir el conocimiento de los problemas sociales y las vivencias de los hombres por medio del arte. pues cualquier tipo de vanguardia se consideraba como parte de la decadencia de la burguesía de occidente. Roy Harris. De esta manera los prominentes compositores Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich tuvieron que componer forzadamente en este estilo. y fue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como la verdadera música moderna. bloques armónicos y mezcla libre de polirritmos. Astor Piazzolla yVirgil Thomson. En el contexto de la Unión Soviética.Serguéi Prokófiev (1881-1953) fue un destacado compositor ruso. . El neoclasicismo encontró una audiencia interesada en EE. Aaron Copland.. incorporando elementos nacionalistas y valores comunistas. Darius Milhaud. la escuela de Nadia Boulanger promulgó ideas musicales basadas en la comprensión de la música de Stravinski. y agregan cromáticamente notas disonantes al ostinato. particularmente durante el gobierno de Iósif Stalin. Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos como Elliott Carter (en su primer época). el neoclasicismo se ubicó dentro del realismo socialista.UU.

Étude I (1953) por Philippot. Edgard Varese. Música electroacústica y Música concreta. En Francia se desarrolló la música concreta escuela que producía sonidos existentes en el mundo. Karlheinz Stockhausen. UU. las piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry. grabar sonidos. planteaba que está producida por objetos concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. Artículos principales: Música académica electrónica. Michel Philippot y Arthur Honegger. Timbres-durées (1952) por Messiaen. y entre los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier Messiaen. El primero que dispuso de esos medios fue Edgar Varese. junto a Pierre Henry. y usaron cintas magnéticas para crear música. En 1951. Étude (1953) por Barraqué. Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios electrónicos para producir sonidos.Música electrónica y concreta Olivier Messiaen (1908-1992) participó del movimiento de la música concreta. Schaeffer. crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París. La producción compositiva entre 1951 y 1953 comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez. y manipularlos de alguna manera. y la música para película Masquerage (1952) por Schaeffer y Astrologie (1953) por Henry. Iannis Xenakis. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores simplemente incorporaron . Déserts (de Edgard Varése) ySincronismos (de Mario Davidovsky) ofrecen unos pocos ejemplos. Pronto atrajo un gran interés. quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la Exposición de Bruselas en 1958. En EE. Hymnen (de Stockhausen). Le microphone bien tempéré (1952) y La voile d’Orphée (1953) por Henry. Étude (1952) por Stockhausen.. Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para crear música. Otros compositores abandonaron los instrumentos convencionales. sin embargo la primera obra de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. Jean Barraqué. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer. su inventor. que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. Pierre Boulez. En 1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio para trabajar en las partes en cinta de Déserts y La rivière endormie. entre muchas otras innovaciones de su época. El primer concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951. En Alemania en cambio la forma se usar la tecnología se llamó música electrónica.

en consecuencia. la música electrónica en vivo. un instrumento electrónico que él mismo ayudó a desarrollar. la música ritual. usó las Ondas Martenot en cierto número de trabajos. especialmente en las más radicales. el teatro.instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales. a menudo diseñando sus propios instrumentos o usando cintas. el azar. Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. el teatro musical. donde el concepto de música llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa. el ridículo. Entre los compositores más trascendentales que incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa. el absurdo. En el siglo XX florecieron una cantidad de instituciones especializas en música electrónica. Música aleatoria y Música experimental. Oskar Sala creó la pista no musical para la película Los pájaros (de Alfred Hitchcock) usando el trautonium. Algunos de estos trabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas. la composición de . Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación. o la sorpresa. Otros compositores como Luigi Russolo. Música aleatoria y vanguadismo radical Artículos principales: Vanguardismo. Gordon Mumma y David Tudor crearon e interpretaron música electrónica en vivo. Mauricio Kagel y Joe Meek también aportaron a la investigación y exploración de la música electrónica. el vanguardismo dentro de ella se refiere a los movimientos más radicales y controversiales. siendo quizá el IRCAM de París la más conocida. entre muchas otras. por ejemplo. o la música intuitiva.utilizando elementos como ruidos. Compositores como Alvin Lucier. Olivier Messiaen. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria. el happening musical. laimprovisación. Morton Subotnick proveyó la música electrónica para 2001. El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas musicales vanguardistas del siglo XX. Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia. La música aleatoria o de azar es una técnica compositiva musical basada en el recurso a elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel preponderante. y otras muestran una violenta y salvaje sonoridad. el sentido del humor. es la improvisación a partir de las secuencias no estructuradas. grabaciónes. una odisea del espacio. Es frecuente. la composición de procesos.

los argentinos Alberto Ginastera. El azar es un rasgo definitorio de esta técnica compositiva que alcanzaría una notable difusión a partir de la década de 1950. que impone diversas soluciones interpretativas de rango equiparable. y medios de ejecución electrónicos tales como sintetizadores. y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». mediante la reordenación de cada una de las secciones de la misma. pero difiere de ellos en el 1 uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas». Micropolifonía y masas sonoras Artículos principales: Micropolifonía y Masa sonora. y el llamado work in progress. compuso varias obras entre las que destaca Sonatas e interludios. En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas. un antiguo texto chino clásico sobre eventos cambiantes. el cual se convirtió en la herramienta compositiva habitual de Cage. distorsionadores y cintas grabadas. o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas. fueron hitos importantes. quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical. También fue notable el uso del I Ching. Luego de Gyorgy Ligeti (1923-2006). en la que predomina la improvisación. y la electrónica Gesang der Jünglinge. ritmos 1 y timbres». con especial atención al piano. La técnica fue desarrollada por György Ligeti. el griego Iannis Xenakis. El alemán Karlheinz Stockhausen conHymnen (1967). «La micropolifonía se asemeja a losclústers. Las más destacadas modalidades en las que se plantea la creación aleatoria en la música contemporánea son la forma móvil. el griegoIannis Xenakis (en la imagen) y el polacoKrzysztof Penderecki fueron los principales exponentes de la utilización de masas sonoras y micropolifonía. famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos).piezas aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra. la forma variable. el húngaro Gyorgy Ligeti. Otros compositores como los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni. una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa. sino que se van convirtiendo en otras. El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de . el español Luis de Pablo. en el que las armonías no cambian súbitamente. Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage con Music of Changes (1951) o 4′33″(probablemente la obra más radical del siglo XX. Conocido también por la invención del piano preparado. el polaco Witold Lutosławski. yMauricio Kagel y los franceses Edgar Varese y Pierre Boulez también fueron significativos. que constituye el máximo grado de azar en la ejecución de la pieza. En todas ellas suelen incorporarse instrumentos clásicos.

Una textura puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado de timbres de un único objeto. en contraste con otras texturas más tradicionales. produce un sonido fusionado que se apoya en un 5 redoble de platillo suspendido. mezzosoprano. Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 60. También son pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de su Requiem. Esta última obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o con instrumentos 1 musicales polifónicos como el piano.» Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con su obraMetástasis. .Ligeti se produce en el segundo movimiento de su composición orquestal Apparitions. y es actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo. por ejemplo el hermoso acorde Northern lights. el timbre y la dinámica como 4 principales formadores del gesto y el impacto». «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura. Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora que es una textura musical cuya composición. en una distribución muy interesante de alturas. Muchas de las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas rítmicos derivados del complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de los pigmeos. para soprano. Aunque el Poème Symphonique para 100 metrónomos crea 3 «micropolifonía de una complejidad sin parangón». coro mixto y orquesta sinfónica. La masa sonora «difumina la 4 frontera entre el sonido y el ruido». Minimalismo Artículo principal: Música minimalista 2 Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos.

el minimalismo han inspirado e influenciado a muchos compositores habitualmente no etiquetados como minimalistas (como Karlheinz Stockhausen y György Ligeti). el compositor de ópera John Adams. La Monte Young. cuya Sinfonía N. pero sí por otros. encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de profundo sentido religioso. sin ocultarlas bajo la técnica. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros. Steve Reich (1936). Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de diferentes celdas "fuera de fase". La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados minimalistas por algunos. es una pieza formada por celdas melódicas comprimidas. . compare esto con la obertura de El oro del Rin de Richard Wagner. pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional. a gusto de los intérpretes. De todas formas. Ejemplos tempranos incluyen En do (de Terry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich). La primera de estas obras hizo que Riley fuera considerado por muchos el padre del minimalismo. La expansión del miminalismo de un sistema musical a música dependiente de la textura para acompañar el movimiento ha generado una diversidad de composiciones y compositores. sino más bien haciéndolas explícitas. Steve Reich. para nombrar los más importantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes. La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. expresando cuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical. creador de los efectos de fase repetidos y otras de las técnicas más utilizadas en el minimalismo. Compositores como Arvo Pärt.Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora llamamos minimalismo. Sus críticos la encuentran demasiado repetitiva y vacía. que cada intérprete en un conjunto toca a su propio tempo. a menudo se repiten. mientras que sus defensores argumentan que los elementos fijos que a menudo son permanentes producen mayor interés en los pequeños cambios. para producir la totalidad de la trama sonora. volviendo a las triadas mayores y menores de la música tonal. y su alumno Aaron Jay Kernis. John Adams y Michael Nyman. donde a pesar del uso de triadas de celdas. cada parte está controlada por un mismo impulso y se mueve a la misma velocidad. Por ejemplo. John Tavener y Henryk Górecki. Philip Glass. La onda minimalista de compositores —Terry Riley.º 3fue el álbum clásico más vendido en los años noventa.

Erich Wolfgang Korngold con. El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y las obras disonantes y trabajó con Alex North. cuya partitura de A Streetcar Named Desire (1951) combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Jezebel (1938). The Informer (1935). incursionaron también en esta área. la década de 1950 vio el auge de la música para el cine modernista. como la musicalización de la estrella del jazz Duke Ellington a la obra de Otto Preminger Anatomía de un asesinato (1959). North by Northwest. En sus diez años de colaboración con Alfred Hitchcock. Muchos de los grandes compositores de la década tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic. Un año después.King Kong (1933). Psycho (1960) y Los pájaros (1963). The Man Who Knew . Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30'. The Adventures of Robin Hood. How the West Was Won. Bernard Herrmann con. Sin embargo llaman la atención ciertos compositores que se dedicaron casi exclusivamente a trabajar a través del cine. Little Women (1933). Aunque las musicalización de largometrajes durante los años 1940 estaban rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en el campo de la música de concierto. Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con. la música cumplió un rol crucial en la industria y el arte del cine. experimentó con la atonalidad en sus calificaciones de al Este del Edén (1955) y Rebelde sin causa (1955).Música cinematográfica John Williams (1932) creador de la música de Star Wars y otras de las más taquilleras películas deHollywood. y Gone with the Wind (1939). Voyager (1942). El uso de la música no-diegética de jazz fue otra innovación modernista. inspirado por Arnold Schoenberg. Kazan también se acercó a Leonard Bernstein para musicalizar On the Waterfront (1954) y el resultado fue una reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Igor Stravinsky. Now. Artículos principales: Música cinematográfica y Banda sonora. y Since You Went Away (1944).The Greatest Story Ever Told. con sus "jazz basados en armonías y emocionantes ritmos aditivos". Casablanca (1942). Alfred Newman con. Bernard Herrmann experimentó con ideas enVértigo (1958). Leonard Rosenman.

Luis Alfaro .Apreciación musical INTEGRANTES: Jurgen Edgar salinas Chiri FECHA DE ENTREGA: 22 noviembre de 2013 CARRERA: Ingenieria de Sonidos DOCENTE: Ing.

Representantes de la música neoclasicista Igor Stravinski. Igor Stravinski A pesar de todos los nombres anteriores. Esto contribuyó a formar un arte musical muy pulido. "Petrushka" y "Pulcinella". usó frecuentemente la superposición de los ritmos. Darius Milhaud. apoyado en un mayor respeto a las formas musicales y al refinamiento de la escritura. Entre sus obras destaca la ópera "Mathias el pintor". un movimiento nacido en Alemania que tendía a la sencillez y elegancia formal. escribió música escénica universalmente conocida. como los ballets "El pájaro de fuego". aparte de esta tendencia. Obras como la "Sonata para piano" y la "Sinfonía en tres movimientos". En Francia se fundó el "Grupo de los seis". como "Orfeo". representativos del neoclasicismo. integrado por Francis Poulenc. En Italia sobresalieron Alfredo Casella y Gian Francesco Malipiero. Él siempre buscó lograr mayores innovaciones musicales y fue un incansable investigador de la forma. Arthur Honegger. Pero. o las escénicas. Ellos escribieron bajo las influencias de la nueva tendencia. significan lo más esencial de su producción neoclásica. Louis Durey y Georges Auric. El alemán Paul Hindemith fue uno de los principales defensores de esta tendencia y también luchó por la nueva objetividad. En 1919 nace el neoclasicismo. Con una gran habilidad para crear nuevos sonidos. que rechazó las tendencias románticas e impresionistas. el protagonista principal de esta corriente fue el ruso nacionalizado estadounidense Igor Stravinski. Música concreta Expresión musical basada en la composición a partir de sonidos grabados en cinta y manipulados . Germaine Tailleferre. los diseños sincopados y las soluciones armónicas más osadas.

manipuladas electrónicamente (con filtros. así como sus fluctuaciones y asimetrías. en un afán de ampliar la organización rítmica y tímbrica de los ruidos con el fin de extraer mayor provecho de una nueva sonoridad. como osciladores o por software de ordenador) todos los objetos sonoros con los que el compositor trabajará. que la música concreta prefiere a los sonidos electrónicos. a la vez que investigó su notación simbólica y el logro de verdaderas composiciones musicales. etc. pero difiere de ellos en el uso que hace de líneas más dinámicas que estáticas». pero quedan bastantes fanáticos del sonido analógico. para soprano. Los 'objetos sonoros' que se derivan de tales transformaciones se agrupan según leyes de semejanza. como mentor. Su antecedente más directo fue el compositor italiano Luigi Russolo quien se unió en 1909 al movimiento futurista de Filippo Marinetti y escribió en 1916 su L'Arte dei rumori. una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa. mezzosoprano. Su figura capital.:. En estas manipulaciones se conservan los caracteres vivos del sonido de origen. Pero el hecho de que cada sonido sea susceptible de gran cantidad de manipulaciones electroacústicas significa una diversidad y un número prácticamente ilimitado de familias de sonidos. «La micropolifonía se asemeja a los clústers. en el que las armonías no cambian súbitamente. Luego se reproduce por medios electroacústicos (reproductor de cinta. eco.posteriormente a diferentes niveles mediante el fonógrafo y el magnetofón. delay. ensayista y compositor ha sido Pierre Schaeffer. sino que se van convirtiendo en otras. amplificador y altavoces). en la década de 1940. Las fuentes sonoras de este tipo de música pueden ser de origen natural.instrumental o simplemente anecdóticos. Esta última obra alcanzó gran popularidad debido a que formó parte de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick 2001: Una odisea del espacio . tesitura. timbre. reverberación. se le dice a la obra que mezcla música electroacústica (concreta o sintetizada) con instrumentos tocados en vivo. como gritos.3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti.) y finalmente se combinan (pegando trozos de cinta magnetofónica o «pegando» archivos de audio). ritmos y timbres». coro mixto y orquesta sinfónica. la aportación original de la música concreta es la de hacer posible la transformación de un sonido registrado de antemano. Por lo que se refiere al material sonoro. El compositor trabaja sólo con sonido grabado y la obra final sólo existe como una grabación (en cinta o como un archivo de audio digital). variando su forma. lo mismo que los sonidos de los instrumentos de la música habitual se emparentan entre sí. Micropolifonía y masas sonoras En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas. en cambio en la segunda se crean previamente (con generadores de sonido electrónico.3 El primer ejemplo de micropolifonía en la obra de Ligeti se produce en el segundo movimiento de su composición orquestal Apparitions. y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». los cuales pueden ser o no procesados en tiempo real. Su búsqueda se realizó sobre un material sonoro distinto de los sonidos habituales y de los producidos por los aparatos electrónicos. Estas grabaciones son luego seleccionadas (algunas se eliminan). formando una especie de montaje sonoro-musical.4 También son pioneras en la aplicación de esta técnica su siguiente trabajo para orquesta Atmosphères y el primer movimiento de su Requiem. La diferencia entre la música concreta y la música electrónica consiste en que en la primera se emplean sonidos y ruidos existentes. Ese mismo año utilizó en un concierto en Milán toda clase de artefactos productores de ruidos. La música concreta actualmente se hace principalmente en computador. dinámica o altura. quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónico-musical. El ruidismo de Russolo desembocó.

despojada de elementos sobrantes. formas geométricas simples. A veces el resultado final es similar. por ejemplo el hermoso acorde Northern lights. lenguaje sencillo. Basic Channel).La técnica de la micropolifonía es más fácil de aplicar con agrupaciones más grandes o con instrumentos musicales polifónicos como el piano. sin embargo. minimalismo Según el diccionario de la real academia española (RAE). como alguna de las obras de Gyorgy Ligeti. como las de Sol LeWitt y otros.g. como colores puros. así como a algunas composiciones basadas en la textura.»7 Otros de los compositores más importantes de esta técnica fueron el polaco Krzysztof Penderecki con su obra Treno a las víctimas de Hiroshima y el griego Iannis Xenakis con su obra Metástasis. una repetición de bucles cortos.3 Aunque el Poème Symphonique para 100 metrónomos crea «micropolifonía de una complejidad sin parangón». El término minimalista. Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora que es una textura musical cuya composición.6 Una textura puede disponerse de tal manera que «esté muy próxima al status de conjunto fusionado de timbres de un único objeto. etc. como una evolución musical. se caracteriza por un bajo desnudo. pero tuvo un uso muy amplio desde mediados de los años setenta. a menudo bajo la forma de zumbidos y tonos largos * énfasis en una armonía tonal * un pulso constante. el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto». Varios compositores asociados con el minimalismo han rechazado el término.5 Muchas de las piezas para piano de Ligeti son ejemplos de micropolifonía aplicados a esquemas rítmicos derivados del complejo "minimalismo" de Steve Reich y de la música de los pigmeos. en su ámbito más general. que ha dicho que «esa palabra se debe echar a patadas! Se habla a veces de música minimal. En el mundo de la música. sonido entrecortado. tejidos naturales. en una distribución muy interesante de alturas. sino que muchos de los primeros conciertos minimalistas lo fueron en exposiciones de arte minimalista. no sólo la escultura minimalista y la música comparten una cierta simplicidad de medios y una aversión al detalle ornamental. sobre todo Philip Glass. el término minimalismo se aplica a veces a la música que muestra alguna de las características siguientes (o todas): * repetición de frases musicales cortas. el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos. o que proporciona solo un esbozo de su estructura. La música minimalista puede sonar a veces similar a diferentes formas de música electrónica (e. con variaciones mínimas en un período largo de tiempo * éstasis (movimiento lento). produce un sonido fusionado que se apoya en un redoble de platillo suspendido. como un movimiento musical de reacción al minimalismo. un género secundario de la música de techno. en los 35 últimos años. Se aplica también a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo. El uso de un término del mundo del arte visual ha sido muy polémico. El término minimalismo en música —aplicado independientemente por los compositores y críticos Michael Nyman y Tom Johnson— ha sido polémico. y minimalismo es la tendencia a reducir a lo esencial. en contraste con otras texturas más tradicionales. es también el significado a simplificar todo a lo mínimo. es referido a cualquier cosa que se haya desnudado a lo esencial.6 Esta técnica fue desarrollada partiendo de los clústers utilizados por el modernismo musical y después se extendió a la escritura orquestal hacia finales de los años 1950 y 60. . y cambios sutiles. También se habla de techno minimal. y de totalismo. «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura. pero el procedimiento de acercamiento no lo es. un compás ritimico de 4/4 simple (generalmente. alrededor de 120-135 BPM). La masa sonora «difumina la frontera entre el sonido y el ruido».

mediante sonoridades que trasmiten esencias de momentos históricos diversos. para explorar en cada momento del guión y hallar así la fórmula que permita conjugar armoniosamente las imágenes con la música. En este vigésimo Festival (1998) también la Orquesta Sinfónica Nacional ha tenido un peso importante. * Terry Riley.Algunos de los compositores que frecuentemente se asocian con este movimiento son: * Philip Glass. fundador de la Escuela Cubana de Guitarra. Esa es la clave para que la simbiosis sea eficaz. intuitivos y sensibles. deslumbrantes por su gran peso dramático y porque se advertían en ellos rasgos de la época descrita. es siempre una labor que exige sensibilidad y talento. En este último caso el compositor ha de trabajar en estrecha comunión con el director. La banda sonora de un filme tiene que reforzar. por citar algunos. La Música: elemento indispensable en el cine Por Ileana González Desde los tiempos del cine silente (cuando un pianista. las intenciones de cada secuencia. Carlos Fariñas. Un día de noviembre. sea con orquestaciones con ritmos diferentes o incluso con el recurso de los silencios. Sobre ellos recae la responsabilidad de que la relación cine-música fluya sin tropiezos. Cuando se hable de un trabajo de composición de música para cine. a oscuras. ejecutó temas compuestos por José María Vitier para la película El siglo de las Luces. la Orquesta Sinfónica Nacional. Un realizador puede recurrir a música no concebida originalmente para una obra cinematográfica. al ejecutar obras emblemáticas compuestas para el cine. como los hermanos Vitier. . En Cuba hay una serie de compositores que se han vinculado al cine. Componer específicamente una partitura para cine. son trabajos que demuestran una experiencia singular para comunicar y sugerir ideas y sentimientos. Cecilia. La música es un ingrediente indispensable en el cine.También otros compositores lo han hecho. matizaba con mayor o menor intensidad lo que ocurría en la pantalla) la música se ha incorporado a la cinematografía como un personaje más. o solicitarla por encargo. conducida entonces por Zenaida Castro Romeu. de Humberto Solás. No hay sábado sin Sol y el documental Lam. capaces de conseguir una especialización en ese ámbito. ha enriquecido muchas obras del cine cubano. Por apenas citar dos casos recordemos cómo hace 6 años. a destacar cuánto aportan al séptimo arte tantas partituras o intérpretes inolvidables. sin soslayar los timbres caribeños. * Steve Reich. las imágenes sean más convincentes y se refuerce la ilusión de realidad planteada por el argumento. sea al de ficción o al documental. a fin de crear sentimientos y acentuar atmósferas. Son músicos valiosos y versátiles. Con su sólida formación el maestro Leo Brouwer. En la ceremonia de inauguración de este Festival de Cine Latinoamericano volvieron a escucharse sus composiciones para los filmes Lucía. Acoplar la música a las imágenes requiere una capacidad muy especial por parte del creador para interiorizar las emociones que el realizador pretende provocar en determinados momentos del argumento cinematográfico. Indudablemente. con sus efectos. el nombre del maestro Leo Brouwer resulta insoslayable. y los Festivales de La Habana han dedicado buena parte de su programación en estos 20 años. Juan Formell y Edesio Alejandro.