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INTERVENCIONES MÍNIMAS
PARA NO PERTURBAR LA REALIDAD
Profesor Asesor:
JAIME LARA ARZATE
Karl Marx
2
3
AGRADECIMIENTOS
4
5
A mis maestros
6
INDICE GENERAL
Pág.
RESUMEN............................................................................................................... 9
ABSTRACT........................................................................................................... 10
1. INTRODUCCIÓN........................................................................................... 13
3. ARTE PÚBLICO.............................................................................................. 29
3.1 El espacio, el tiempo, la moral y la pasión ............................................. 31
3.2 Mecanismos de apropiación................................................................... 36
3.2.1 Aspectos formales de la obra ....................................................... 41
3.3 El espacio, la obra y sus multiples sentidos............................................ 48
4. CONCLUSIONES............................................................................................ 52
4.1 La naturaleza de lo simple y la tension poética....................................... 54
4.2 Más preguntas........................................................................................ 54
BIBLIOGRAFIA.................................................................................................... 61
7
8
RESUMEN
9
ABSTRACT
Reality is something that not yet being sure, we suppose that it exists. Reality
is something that at a given time, seldom or often, due to our own human nature, we
wish we could change, modify or at least intervene it.
One of the many ways that human kind has used throughout the centuries to
intervene reality, is art.
This essay will analize some useful ideas which intend to prove the
hypothesis that art, specifically contemporary art, is a way of taking part and
intervene in that reality that no matter how much we wanted to, we could not be able
to change.
The problems raised by art, have always drawn my attention. This document
is the result of the investigation made around the impossiblility to define the limits of
art, and its power to affect reality. The approach of the study is towards public art,
for which examples have been taken from contemporary artists as well as the recent
work of the author.
10
1. INTRODUCCIÓN
1
¿Cómo se ve una cosa cuando nadie la está mirando?
2
Wittgenstein, Ludwig, Tractatus logico-philosophicus, p.117 (2.06)
3
Nietzsche, Friedrich, The Will to Power, 608 pp.
13
Una de las maneras que a través de los siglos ha utilizado el hombre para
intervenir la realidad, es el arte. ¿El arte, el juego o la magia? James George Frazer
postuló en 1890 (La rama dorada4) que las creencias del ser humano progresaron a
través de tres etapas: la edad mágica primitiva, sustituída por la religión y después
por la ciencia. Sin embargo la antropología moderna considera muy improbable que
haya sido así. Con todo y ciencia y religión, “desde los orígenes hasta nuestros días,
las creencias mágicas se hallan inextricablemente ligadas a todas las actividades
humanas” 5 y el arte, según el pensamiento actual, es una actividad del ser humano
como cualquier otra; por lo tanto, desde el origen del hombre, ya en el principio
estaba el arte. De algún modo, como dice Ocatvio Paz, “secreta o abiertamente, la
magia circula por el arte de todas las épocas”.6
Theodor Adorno, en la primera mitad del siglo veinte, definía el arte como el
proceso a través del cual el individuo gana libertad externalizándose a sí mismo, en
contraste con los filisteos que ansían el arte por lo que pudieran sacar de él7.
Actualmente es casi imposible encontrar declaraciones públicas que no involucren
un arte y cultura instrumentalizados, ya sea para mejorar las condiciones sociales,
como en la creación de tolerancia multicultural y participación cívica a favor del
derecho a la cultura, o para incentivar la economía por medio de proyectos para el
desarrollo cultural, y de estrategias como el creciente número de franquicias
Guggenheim para inducir el llamado turismo cultural.
Ese interés por resolver con la cultura los problemas sociales no es nuevo,
pero tuvo diferentes formas en el pasado, tales como la producción o reproducción
ideológica de ciudadanos apropiados (ya fuesen burgueses o proletarios). Aunque
desde hace mucho tiempo han existido programas que utilizan el arte como terapia
4
Frazer, James George, La Rama Dorada, magia y religión, p. 510.
5
Paz, Octavio, Los privilegios de la vista I, Arte moderno universal, p. 251.
6
Id.
7
Cfr., Adorno, Theodor W., Aesthetic Theory, p.25.
14
para prisioneros y enfermos mentales, el arte no se contemplaba como terapia
apropiada para disfunciones sociales como el racismo y el genocidio.
Tampoco, históricamente, fue considerado como incentivo para el crecimiento
económico. ¿Por qué entonces ese giro hacia una legitimación basada en la utilidad?
¿No sería más fácil aceptar que no encontramos la respuesta a los problemas y lo que
nos queda es, con el arte, a manera de juego imaginar que escapamos de ellos?
Paradójicamente, el arte tampoco da respuestas claras; por el contrario, pareciera que
plantea cada vez más preguntas, pero admirablemente, el arte no deja de atraer. ¿Qué
sucede, nos acerca o nos aparta de la realidad?
Lejos o cerca, a pesar de cualquier contradicción, en el fondo de todo yace la
necesidad del hombre de cambiar el estado de cosas, de plantear lo que pudiera ser el
caso8, de imaginar, de simular, de construir, de organizar, de pintar de otro color “la
realidad”.
Este documento tiene como propósito analizar algunas ideas que pudieran
comprobar la hipótesis de que el arte, específicamente el arte actual - con el deseo de
ser más -, es una forma no solo de existir, sino de intervenir esa realidad que, aunque
lo deseáramos, no podríamos cambiar.
Con tal propósito la primera parte presenta un panorama general de la escena
del arte actual y de las características que éste tiene en común con la comunicación.
La segunda parte muestra una aproximación al concepto de arte público,
relacionando la idea de espacio y tiempo con los mecanismos de apropiación para
construir un discurso a través del lenguaje del arte; en esta segunda parte, se
describen los aspectos formales y conceptuales de la obra producida por la autora
como consecuencia de los cuestionamientos enunciados. Termina con una síntesis de
la discusión planteada y, como siempre que se habla de arte, de la formulación de
muchas más interrogantes que este tema seguirá suscitando en la autora.
8
(“El mundo es todo lo que es el caso”). The world is all that is the case. [Die Welt ist alles, was der Fall
ist.] Proposición 1. de Ludwig Wittgenstein en su Tractatus Logico-philosophicus.
15
2. EL PROBLEMA DE LOS LÍMITES
Una pasión frenética por el arte es una úlcera que devora todo lo
demás.
Charles Baudelaire
9
http://www.documenta12.de/start123.html?&L=1, consultado 14 diciembre 2008.
16
A mediados del siglo XIX, Baudelaire decía que "lo Bello es siempre raro"10,
pero hoy podríamos decir: ¿cuál es el límite de esa rareza? Una respuesta posible la
da el crítico norteamericano Harold Rosenberg, quien usó la noción de objeto de
ansiedad11 para explicar el objeto de arte contemporáneo: algo que provoca
interrogantes más que certezas, y pone al espectador ante la obligación de decidir por
sí mismo, sin criterios fiables, sobre si lo que tiene enfrente puede ser considerado
arte.
2.1 Motivación
Este constante cuestionamiento sobre lo que es arte o lo que no, es algo que
mantiene ocupada mi mente desde hace mucho tiempo. Las discusiones sobre el
tema, son en extremo interesantes, pero ¿es realmente necesario llegar a un acuerdo?
¿no será mejor, mantener el enigma?
10
Baudelaire, Charles, Baudelaire as a literary critic, citado por Prendergast, Christopher, en Paris
and the Nineteenth Century, p.144
11
Rosenberg, Harold, (1906-1978) NYC. Escritor norteamericano educado en el City College of
New York and Brooklyn Law School. Escribió American Guide. Sus trabajos publicados incluyen
Trace Above the Streets (1942; colección de poemas), The Tradition of the New (1959), The Anxious
Object (1964), The De-Definition of Art (1972) y monografías de Arshile Gorky, Willem de Kooning,
Saul Steinberg, y Barnett Newman. Fue el crítico de arte para The New Yorker desde 1967 hasta su
muerte.
12
Rorty, Richard, Contingency, irony and solidarity, p.5
17
El motivo principal de esta investigación, así como de mi práctica artística, no
es ni ha sido tanto encontrar respuestas, sino aproximarme a ellas siendo parte de la
discusión.
13
"Sensation sparks New York storm", BBC, 23 Septiembre 1999. Consultado 14 diciembre 2008.
14
http://www.bodyworlds.com/en.html , 14 diciembre 2008.
18
representar a España en la XII Documenta de Kassel; Eduardo Kac y Alba, el conejo
fluorescente, una pieza de arte transgénico; y un fenómeno no menos interesante, que
ha permeado en los círculos del arte de todo el mundo tanto en oriente como en
occidente: el graffiti.
Gunther von Hagens, The body worlds Orlan Eduardo Kac, Alba, the fluorescent bunny
Para muchos, el quehacer del arte actual es un no saber a dónde va, pero no
poder parar. Para otros, como yo, el tratar sobre los límites del arte y la necesidad o
no de el equilibrio, la armonía y la razón se ha convertido en una actividad de lo más
apasionante.
Una gran cantidad de manifestaciones de arte contemporáneo se han salido del
museo; pero hay otras que por el contrario, habiendo aparecido fuera del museo o de
la galería, se han estado introduciendo y apoderando de estos espacios dedicados
exclusivamente al arte. Caso concreto: el graffiti.
Graffiti encontrado
19
2.2 De la calle al museo y viceversa
El graffiti ha vivido desde hace mucho tiempo en las calles de casi todas las
ciudades del mundo a pesar de ser criticado, despreciado y sus autores castigados.
Aunque el graffiti, como el dadaísmo, nació como un movimiento desvinculado del
arte, sin querer muchos de los que lo practican se han convertido en artistas y
algunos han pasado de pintar en la calle a exponer en los museos. Tanto la
Fundación Cartier en París, como la Tate Modern de Londres han acogido
recientemente una exposición sobre 'Street Art'15. En un momento dorado para el arte
urbano, que gozando de prestigio cultural ha entrado en las más cotizadas galerías y
casas de subastas, este museo contemporáneo ha puesto sus muros a disposición de
15
http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/streetart/default.shtm, 14 diciembre 2008.
20
los artistas del aerosol. Cedar Lewisohn, el comisario de esta iniciativa explicó que,
aunque el arte callejero sea una técnica pictórica que los museos tengan que albergar,
su carácter es "efímero" y como tal los dibujos fueron borrados al término de la
exposición.
La aparición del graffiti en exposiciones no ha sido nunca bien vista por los
graffiteros, que han tachado esto de traición. De todas formas, hay artistas que se han
ganado el reconocimiento del grupo aun exponiendo en grandes galerías.
Indistintamente de lo que opinan los de la calle, el graffiti lleva más de 20 años
siendo motivo de exposición. Cuando empezó el declive del Pop Art, a finales de los
80, los grandes galeristas neoyorquinos buscaron un movimiento que los sustituyese
y lo encontraron en el graffiti. Aparte de la Tate Modern existen otros muchos
museos que han acogido exposiciones sobre esta corriente.
Uno de los problemas que planteo en este momento es justamente sacar al
graffiti del museo para volverlo a ubicar en el espacio público, sólo que de una
manera diferente y esperar que surjan nuevos cuestionamientos.
21
existir sin perderse, estropearse, desactivarse? ¿Qué puede ganar o comprometer?
En los años sesenta, la inversión en la calle por parte de los artistas respondió
en gran medida a una necesidad anti-institucional: el museo, esclerosado en sus
modos de exposición, se mostró de repente inadaptado a la explosión de las nuevas
formas de la creación. Hoy día, que se sabe que el museo puede absorberlo todo,
validarlo todo, para bien o para mal, el arte ya no tiene la necesidad de invertir en los
espacios públicos de forma reactiva, sino más bien de manera activa. Es decir, en el
caso de los proyectos concretos en los cuales parece necesaria y apremiante una
confrontación con lo real. Es bajo este punto de vista que resulta apasionante.
A través del tiempo dedicado al estudio y reflexión, dentro y fuera de las aulas,
he llegado a comprender que el arte, más que cualquier otra cosa, es una reacción.
Una reacción de los artistas ante fenómenos, ideas, objetos o situaciones
determinadas. El resultado de esta reacción, son actos artísticos. Los artistas
reaccionan y empleando el lenguaje del arte, realizan acciones o producen objetos.
Algo interesante ocurre cuando la presencia de estos objetos coincide con la de
alguien más. Entra en juego todo lo que ese “alguien más” implica. En contexto, o
fuera de él, el artista es capaz de manejar de tal manera su lenguaje, que induce y
provoca la adjudicación de múltiples sentidos a la obra por parte del propio
espectador. El artista, habiendo reaccionado, es capaz de hacer a otros reaccionar: es
capaz de lograr que se produzca el arte, ese momento en el que todo cuadra, en el
que la obra cobra sentido, en el que esa cosa “es el caso”; ese instante, fugaz pero
intenso en el que se establecen relaciones semejantes a la sinapsis16 que se inicia con
una descarga químico-eléctrica en la membrana de la célula emisora de una neurona
16
Sinapsis: (del gr. “enlace”) Proceso de comunicación entre neuronas.
22
segregando, al alcanzar este impulso el extremo de la terminal, una sustancia o
neurotransmisor que se deposita en un espacio intermedio entre esa neurona
transmisora y la neurona receptora: es el espacio del arte, el que excita o inhibe a la
otra neurona…o al espectador, o en todo caso, a las neuronas del espectador. La
reacción sigue, las relaciones se establecen y el espectador se conecta a través de la
obra, con el mundo, con lo que está afuera. Se ha tendido un puente y surge algo
más…algo diferente…algo que antes no existía: la reacción al arte, el efecto
residual, lo que pasa después, la manera en que el espectador enfrenta el mundo, la
vida, la supuesta realidad o el estado de cosas. El arte no es capaz de cambiar ese
estado de cosas, pero el espectador, después de una experiencia estética podrá
percibirlo o no de otra manera, pero seguramente será más feliz. Los enlaces
químico-eléctricos entre neuronas, están especializados en el envío de cierto tipo de
señales, tanto de pervivencia17 como de supervivencia18. La sinapsis se produce en el
momento en que se registra actividad químico-eléctrica presináptica y otra
postsináptica. Si esta condición no se da, no se puede hablar de sinapsis. En dicha
acción se liberan neurotransmisores ionizados con base química, cuya cancelación de
carga provoca la activación de receptores específicos que, a su vez, generan otro tipo
de respuestas químico-eléctricas.19 Cuando el espectador se enfrenta a una obra, el
arte se produce en el momento en que se establece la misteriosa conexión de la que
antes hablamos: una sensación de un fluir, de comunión entre la obra, el artista, el
mundo y nosotros. La sinapsis, es condición necesaria para la vida…el arte también.
17
Entre dos neuronas, entre una neurona y una célula muscular, o entre una neurona y una célula
secretora.
18
En la actividad procreadora, en la actividad de consumo alimenticio y en la actividad de
conservación homeostática extrema; es decir, la tendencia hacia un equilibrio relativo y estable entre
elementos interdependientes, mantenido por procesos fisiológicos.
19
http://es.wikipedia.org consultado marzo 30, 2009.
23
2.2.2 El arte y la comunicación humana
20
artificial: que ha sido hecho por el ser humano y no por la naturaleza. Diccionario Manual de la
Lengua Española Vox, Larousse Editorial, S.L., 2007. La lengua es un proceso artificial, en el
sentido de que es un ardid, un invento, un artefacto o artificio, creado con habilidad e ingenio; es deir,
con arte.
21
En su origen griego: “persona privada”, idios ´propio´, ´privado´. Diccionario Thesaurus.
22
naturaleza: escencia y propiedad característica de cada ser, WordReference.com, Diccionario de la
Lengua Española.
24
potencialmente la hora de la muerte y quiere olvidarlo. Ciertamente nadie puede
vivir con el conocimiento de su soledad y falta de sentido. La comunicación humana
nos pone un velo encima en la forma del mundo codificado. Este velo está hecho de
ciencia y arte, filosofía y religión, y se va volviendo más denso para que olvidemos
nuestra soledad y la muerte, incluyendo la muerte de los otros a quienes amamos. El
hombre se comunica con otros. Es un “animal político” (sensible a las
circunstancias), pero no porque sea un animal social (en el sentido estricto del
término como característica de los organismos vivos), sino porque es un animal que
tiene consciencia de que no puede vivir en soledad.
El arte es comunicación y el arte, como la comunicación humana, es un
fenómeno lleno de significado que debe ser interpretado. El hombre se muere si no
se comunica, por lo tanto se muere también sin el arte. La falta de arte podría
convertirse en una causa de muerte; es decir, en la falta de sentido y en la
imposibilidad para seguir viviendo.
“En el principio existía el Verbo” (Jn 1, 1). Esta frase, es un eco de la del
relato de la creación (Gn 1, 1). Pero aún habiendo despojado al arte de su carácter
áureo, genial y divino del que habla Walter Benjamin23, todos tendemos a estar de
acuerdo en que “en el principio existe la idea”. Algunos son capaces de traducir esa
idea a un lenguaje alterno, a veces ambiguo, que conduce por caminos tan simples o
tan complicados como se deseé. Quienes logran hacerlo, se llaman artistas y lo que
hacen, podrá ser objeto de muchas discusiones, pero no podrá negarse que es una
idea expresada en el lenguaje del arte.
23
En su ensayo La obra de arte en la época de la reprductibilidad técnica (1935), Walter Benjamin
utiliza como categoría central el concepto de ‘aura’, sobre la cual-según el autor-se puede construir
25
Green arsenic smeared on an egg-white cloth,
Crushed strawberries! Come, let us feast our eyes.24
Lo anterior es un poema de Ezra Pound titulado LÁrt. Así como decimos que
es inglés, porque está escrito en idioma inglés, del mismo modo podemos afirmar
que es arte, porque está expresado en uno de los lenguajes del arte (la poesía). Es
posible que para muchos, una mancha verde de arsénico embarrada en un trapo tan
blanco como la clara de huevo y fresas machacadas no sea un festín para sus ojos, o
una imagen que les parezca que pudiera ser arte; sin embargo, la imagen de la idea
está expresada artísticamente: es arte.
La idea, para poder ser traducida, antes tiene que aparecer. ¿Cómo es que
sucede? Dice Teresa Hubbard25 […] las ideas no nos llegan de un trozo blanco de papel,
ni siquiera de las palabras…están intrínsecamente conectadas con la experiencia de explorar
físicamente el impacto del espacio.
En mi experiencia personal, con relación a mis recientes proyectos, las ideas
surgen como resultado de un desplazamiento continuo en el espacio, y más
concretamente en el entorno urbano. Surgen aisladas, pero van hilándose y
relacionándose hasta conformar un tejido que adquiere un cuerpo, un peso y una
textura tal, que no puede apartarse más del pensamiento. Mi reacción ante este
hecho, ha sido intentar traducir esa red de ideas a algo un poco más tangible.
Partiendo de una probable “realidad” y sin intención de perturbarla, he decidido
intervenir en ella en forma mínima.
toda una historia social del arte, y explica cómo el carácter aurático de la obra tradicional es eliminado
por la reproduccción técnica.
24
Pound, Ezra, (1885 –1972) poeta nortemericano, crítico e intelectual. Primerísima figura del
movimiento Modernista de la primera mitad del siglo XX. (Verde arsénico embarrado en un trapo
blanco como clara de huevo,/ Fresas machacadas! Ven, que sea un festín para nuestros ojos.)
25
Teresa Hubbard, y Alexander Birchler trabajan juntos en video, fotografía y escultura desde
1990. Hubbard creció en Australia y más tarde asistió a la Skowhegan School of Painting and
Sculpture y a Yale University School of Art.
26
Digo en forma mínima, porque es así, de manera muy sutil, como pueden
detectarse los efectos. Hacerlo de otro modo, tendría como resultado un ruido
ensordecedor, una agua demasiado revuelta o un destello tal que cegaría, y la
perturbación misma se convertiría en protagonista. Como ejercicios conceptuales,
“Chicle”, “loco por teRe”, “Cuatro cosas” y “Habitat: insinuaciones de la
realidad” son proyectos que se centran en crear una dimensión propia, que funcione
con unas reglas particulares, estando siempre presente la intención de transmitir otro
contenido semántico, que actúe directamente sobre el receptor. Las piezas resultado
del proceso, son utilizadas como un “medio para…” y no como fin en sí mismas.
Dice Anish Kapoor26, a propósito de una obra a instalar en Alemania: “Se
trata de definir el espacio, que es lo que me interesa”. Definir el espacio: función de
la arquitectura en la que pueden participar nuevos actores. Kapoor añade que su obra
no sigue ningún impulso narrativo y elude preguntas sobre su significado:
26
Anish Kapoor, Bombay (Mombai), India,1954, es uno de los escultores más influyentes de su
generación. Kapoor vive y trabaja en Londres desde 1970 en que estudió arte en Homsey College of
Art y posteriormente en Chelsea School of Art Design.
27
Suplemento del New York Times en El País, 7 Sept. 2006.
27
Sky Mirror, Rockefeller Center
28
3. ARTE PÚBLICO
28
López Rodríguez, Silvia, Percepción y creación de la ciudad. Gazeta de Antroplogía de la
Universidad de Granada, No. 19, 2003, http://www.ugr.es , 14 diciembre 2008.
29
términos de intervención específica deslocalizada, abordan aspectos y problemáticas
perfectamente intercambiables entre los distintos núcleos urbanos.
“Las ciudades son un conjunto de muchas cosas: memorias, deseos, signos de
un lenguaje; son lugares de trueque, como explican todos los libros de historia de la
economía, pero estos trueques no lo son solo de mercancías, son también trueques de
palabras, de deseos, de recuerdos." 29
El lugar está definido por Aristóteles como "la primera envolvente inmóvil,
abrigando cuerpos que pueden desplazarse y emplazarse en él."30 La ciudad permite
al individuo recorrer su historia y a la vez permite a la historia situar al individuo. La
ciudad se establece como vehículo entre la historia y el sujeto, el material base sobre
el que el individuo se expresa. El individuo se reconoce íntimamente con el lugar a
través de su historia, cuando esta razón se rompe, el ciudadano se encuentra
desorientado y "el lugar se vuelve insignificante, difuso, confuso, y en el límite, se
confunde con la muerte, la cual no atiende a razones."31
En cada instante hay más de lo que la vista puede ver, más de lo que el oído
puede oír, un escenario o un panorama que aguarda ser explorado; el ciudadano,
como un lector, va leyendo en su itinerario cotidiano la escritura de la ciudad, "ve lo
que está escrito" pero ver, significa percibir las diferencias y discontinuidades del
espacio; ver significa distinguir lo visible y lo invisible en lo que le rodea. El que ha
aprendido a leer, pasa de la imágenes de los elementos construidos y trazados en la
ciudad, a las imágenes en su imaginación misma; entonces "el mundo se le
manifiesta como experiencia espacial, codificada mediante las formas, el color, el
valor, la dimensión, la dirección, la textura, la posición, que constituyen los
subsistemas del conjunto espacio"32. El lector de la ciudad, configura un lenguaje
personal para descifrar lo que encuentra.
29
Calvino, Italo, Las ciudades invisibles, p.7
30
Aristóteles, citado por Muntañola Thornberg, Josep, Topogénesis, p.12
31
Muntañola Thornberg, Josep, Topogénesis, Ediciones UPC, Barcelona, 2000, p.17
32
Belpoti, Marco, Un ojo en las ramas, p. 43
30
El ciudadano-artista interioriza las percepciones-sensaciones del entorno,
relacionándolas a los lugares, y estableciendo conexiones entre el medio físico y sus
sentimientos y recuerdos; le da significado a esos lugares, a los rincones de la
ciudad, al mundo; les da nombre33. En su memoria realiza una especie de registro
acumulando datos y ordenándolos en el mapa conceptual que realiza de la ciudad.
El arte es un espacio para la fascinación y la ciudad es el espacio público por
excelencia; por tanto, la ciudad tiene que ser un objeto de estudio para cualquier
iniciativa de intervención social desde el ámbito artístico. La ciudad se convierte
pues, en un fondo que actúa como soporte de las actividades y percepciones urbanas,
manteniéndose como el arte, suspendido entre la certeza y la incertidumbre, la fe y la
duda.
Acaso el primer hombre occidental que tuvo conciencia de ser moderno fue un
poeta. Era alguien afecto a las ciudades, el ajenjo y las caminatas, entregado a la
mirada que ve pasar mendigas pelirrojas y mujeres veloces en la hora tardía y con
cierta inclinación por los bosques de símbolos, por el lujo, la voluptuosidad y el mal;
era Charles Baudelaire.
El crítico comunista, Gilbert Mury, afirma en Baudelaire et son monde34, que
Baudelaire no tuvo nada de revolucionario, que condenó su tiempo sin comprenderlo
y, por consiguiente, sin transformarlo. Desde otra perspectiva, el filósofo alemán
Walter Benjamín afirmará: “[…] La importancia excepcional de Baudelaire es de
haber sido el primero, y con el mayor rigor, en manifestar concretamente la fuerza
productora del hombre alienado, convertido en extranjero ante sí mismo”35
33
http://www.ugr.es/~pwlac/G19_17Silvia_Lopez_Rodriguez.html#N_2_ , consultado marzo 31,
2009.
34
Del Águila Gómez, José M., Las ideas estéticas en Baudelaire, en A Parte Rei. Revista de
Filosofía, Université Catholique, Lovaina, http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/aguila39.pdf, p.2
35
Del Águila Gómez, José M., Op. Cit.
31
Acudiré ahora a una serie de ideas sobre arte en los espacios públicos
enunciadas por el crítico y curador Guillaume Désanges36. Las siguientes
reflexiones se articulan en torno a cuatro conceptos esenciales en la aprehensión del
arte en los espacios públicos: el espacio, el tiempo, la moral, la pasión; conceptos
que por otra parte se remiten a la famosa fórmula de Charles Baudelaire sobre "la
época, la moda, la moral, la pasión".
El espacio
• Por tanto, no son un lugar en donde invertir, habitar y aún menos ocupar.
Siempre será un espacio “que compartir”.
• Los espacios públicos son básicamente incompatibles con el arte en tanto que
espacio de todos frente a la esfera de lo subjetivo (el arte), espacio de la
cohabitación de todos contra el de la decisión de uno solo.
36
Guillaume Désagnes, , curador, crítico de arte y co-fundador de Método de Trabajo, una agencia
con sede en París, dedicada a la producción de proyectos artísticos. En 2007-2008 es curador invitado
en elCentro de Arte Contemporáneo La Tôlerie. Es catedrático en la Êcole des beaux-arts de
Clermont-Ferrand. El texto incluido fue tomado de
http://www.madridabierto.com/es/textos/2007/arte-los-espacios-publicos-el-espacio-el-tiempo-la-
moral-la-pasion.html, consultado en junio 2008.
32
• Los espacios públicos, por su energía de vida, son el mejor lugar y también el
peor: el de la incomodidad, lo inesperado y el caos. Nunca se está a gusto.
Toda intervención queda fuera de control.
El tiempo
33
• En el espacio público, la obra es móvil, dinámica, impugnada y, por tanto,
está viva.
La moral
• Las cuestiones éticas de un proyecto en los espacios públicos son más agudas
que en el mundo del arte porque intervienen en el espacio de lo real.
• Un buen proyecto en los espacios públicos siempre será subversivo, pero esta
subversión es doble: frente al arte y frente al espacio público.
34
La pasión
• Los espacios públicos no deben ser más que una posibilidad entre otros, una
necesidad y una urgencia para la obra.
• Se debe evitar que un proyecto en los espacios públicos tenga el área limitada
a un entorno.
• Requiere una lucidez particular, aunque también una determinación que deje
poco margen a las dudas.
35
3.2 Mecanismos de apropiación
37
Maria Martins
37
Martins, Maria, entre las historias sobre el trabajo y la vida de Maria Martins, está su relación con
Marcel Duchamp. Además de la interacción social y artística, Maria y Duchamp tenían una intensa
relación amorosa. Duchamp conoció a la artista a su llegada a New York en 1942, y desde entonces
sus encuentros con Maria fueron frecuentes. Dos reconocidas obras de Duchamp fueron inspiradas y
dedicadas a su “novia imposible”: Paysage fautif de 1946 y Étant donnés, una de sus obras
referenciales ejecutada en secreto durante un período de veinte años, de 1944 a 1966.
36
Barbara Kruger utiliza vallas publicitarias como soporte de sus fotografías,
Félix Curto fotografía la ciudad tal como es, sin esquivar nada. El artista belga
radicado en México Francis Alÿs, ha adoptado técnicas similares de apropiación, las
recicla una y otra vez y extrae escenas que sugieren meditaciones metafísicas
ingenuas e irresolubles. En nuestra propia cultura precortesiana, sabemos que los
aztecas se dicen herederos de la cultura tolteca porque se apropiaron de su
tradición.38
Dulce María Rivas, Chicle pegado en el lavabo Dulce María Rivas, Papel de Tootsie tirado
38
Pastrana Flores, Miguel, Notas acerca de la apropiación del pasado tolteca en el presente
mexica, en El historiador frente a la Historia, el tiempo en Mesoamérica, pp. 181-194.
37
Espacios escénicos diseñados con otra intención por personajes anónimos; en
fin, cualquier tipo de huellas que me permitan seguir su rastro.
Dulce María Rivas, instalación bajo un puente Boceto para Cuatro Cosas El orígen de Cuatro Cosas
Una vez analizado el fenómeno de inclusión del graffiti en los museos, que ha
llevado a los graffiteros a pintar en espacios específicos dedicados al arte, mi
propuesta personal consiste en reiterar el carácter callejero del graffiti
apropiándome de sus pintas para libremente hacer cualquier cosa con ellas.
38
Dulce María Rivas, Smack
39
la naturaleza del entorno urbano y de la necesidad de mantenerlo o no con una
apariencia determinada.
Así como quienes por una u otra razón están implicados en ellas, entienden y
admiten intuitivamente las actividades de graffitear, este proyecto propone como una
posibilidad, encontrar nuevos significados en la lectura tanto de las piezas, como de
la utilización del espacio público donde se presenten.
Las piezas que conforman mis proyectos encuentran referencias en una nueva
generación de escultores norteamericanos y europeos que están recibiendo atención
crítica y comercial por redescubrir, en el espíritu de la Rueda de Bicicleta de
Duchamp (1913), la riqueza de las formas de la vida diaria. Varios así llamados
“nuevos objetos”, “objetos metafóricos”, “neo-geo”, o “simulacionistas”, esta nueva
escultura imita objetos familiares de fuentes industriales, domésticas e históricas.
Entre estos artistas se encuentran Robert Gober, Jeff Koons, Annette Lemieux, Haim
Steinbach, Grenville Davis, Judith Opie, Katarina Fritsch y Juan Muñoz y más
recientemente, Takashi Murakami.
40
Jeff Koons está dentro de los artistas más intrigantes y controvertidos de las
dos décadas pasadas. Como Marcel Duchamp y Andy Warhol antes de él, está
involucrado con la transformación de objetos de la vida diaria en arte, y toma asuntos
tan post-modernos como la alta y la baja cultura, el contexto y la comodificación del
arte como enfoque central de su trabajo.
41
3.3 Aspectos formales de la obra
42
semanario local. El acabado de ambas piezas es en esmalte acrílico. Ambas fueron
colocadas momentáneamente en diversos puntos del entorno citadino. El destino
final de Envoltura fue un contenedor de basura. Chicle aún existe, y forma parte del
proyecto holandés Urban Readymades. Las acciones y procesos desde su inicio han
sido documentados y registrados fotográficamente en su totalidad.
43
Dulce María Rivas, Signo
44
Dulce María Rivas, Smack
45
Dulce María Rivas, Tango para dibujar en un espacio vacío
46
Dulce María Rivas, Render, video stills
47
En un espacio público igualitario, hay espacio para
todos, hasta para el asesino en serie. Cuando se diseña
un espacio, se está literalmente diseñando el
comportamiento de la gente en ese espacio.
48
3.4 El espacio, la obra y sus múltiples sentidos
En el análisis textual de Roland Barthes, las lexias son las unidades de lectura
mínima a partir de las cuales se pueden reconstruir múltiples interpretaciones de un
texto. Aplicando esta forma de análisis en las artes visuales, podemos resignificar
incesantemente y de múltiples formas cada lexia; es decir cada elemento, cada signo,
sin ser limitados por el marco de una estructura última.
El concepto de lexia también fue apropiado por teóricos como George
Landow para referirse a cada uno de los "pedazos de texto" que se encuentran unidos
entre sí a través de “hypervínculos”. Aunque su teoria versa sobre literatura
electrónica, sus conceptos pueden transladarse y ser perfectamente aplicables a las
artes visuales, en especial a la instalación e intervención del espacio.
La lectura fragmentada y no lineal de lexias genera la sensación de que un
texto finito admite un número infinito de interpretaciones. La ciudad, el museo, una
casa en construcción, el espacio bajo el puente, y los elementos que ahí habitan, se
contemplan como un tejido de códigos, buscando las unidades de sentido, lo plural,
las connotaciones; se lee el espacio como un texto frase por frase, como un proceso
de significaciones y aunque no se reagrupa nada en una estructura, sí se pueden
juntar algunas secuencias para seguir el “hilo del relato”.40
39
Gómez Robledo, Xavier, El análisis textual de Roland Barthes, Ponencia presentada en el IV
Coloquio Nacional Universitario sobre Lengua Escrita, Colima, México. Consultado en
http://www.anuies.mx/servicios/p_anuies/publicaciones/revsup/res043/txt7.htm#8, junio 2009.
40
Íbid.
49
Mirando de prisa los signos, imágenes y formas que aparecen ante nuestros
ojos mientras transitamos por la ciudad, probablemente leeríamos en todas partes la
misma historia. Si por el contrario, se leen las piezas despacio, es como se pueden
encontrar los sentidos. Leer y releer es una operación contraria a los hábitos de
nuestra sociedad que recomienda pasar con rapidez a lo siguiente, a otra historia; sin
embargo bajo un puente o en el museo, siendo estos sitios más apacibles y
despejados, es posible contemplar “cómo se va formando el dibujo bajo los dedos de
una hábil tejedora de encaje, que va tomando un hilo y luego otro, y los va trenzando
sobre el tambor, mientras la imagen se va formando delante de nuestros ojos.”41
41
Gómez Robledo, Xavier, Op. Cit.
50
La colocación temporal o permanente de las piezas en sitios específicos
brindan al espectador-transeúnte la oportunidad de encontrar múltiples sentidos del
espacio público en el que a diario se desplaza, al igual que Hábitat, insinuaciones de
la realidad, ofrece el placer de la pluralidad de entrar en contacto con esa realidad
insinuada y con la posibilidad de interactuar con ella en cualquier nivel.
Recordando una de las ideas enunciadas al principio, habrá que tomar en
cuenta que en los espacios públicos hay que aceptar la posibilidad excepcional de un
enfrentamiento inédito, salvaje y espontáneo con el arte, aunque también y de forma
simultánea, el rechazo, la indiferencia y el desprecio.
51
3 CONCLUSIONES
Dennis Dutton
Dulce María Rivas, Corazones con alas y tren Corazones con alas bajo el puente
Dulce María Rivas, Chicle en el Tribunal de Justicia Dulce María Rivas, Chicle junto a la basura
42
Dutton, Dennis, The Art Instinct: Beauty, Pleasure, and Human Evolution, Bloomsbury Press,
New York, 2009.
52
El arte es un espacio de fascinación,
de nostalgia y de evasión, precisamente
porque no contiene reclamos existenciales
y porque sobrepasa los deseos de sentido
que determinan los discursos no estéticos.
53
4.1 La naturaleza de lo simple y la tension poética
“En cada siglo, la manera en que las formas artísticas están estructuradas refleja
la manera en que la ciencia o la cultura contemporánea visualiza la realidad. ” 43 El arte
puede ser honesto y reflejar un estado precario, incierto y lleno de peligro de nuestra
sociedad, pero no puede redimirlo. En contraste, en otros tipos de sociedades el arte
usualmente había tenido un papel de redentor; un proceso que invitaba a la gente a
pasar por la crueldad de la historia de un modo en que, aunque fuera brevemente,
trascendiera sus males. Esa era la teoría básica de la tragedia griega y de muchas otras
artes y rituales catárticos en las eras Neolítica y Paleolítica. “La tragedia representa
poéticamente el carácter inmodificable de la naturaleza, la manera como ésta se
expande continuamente y cómo se autoaniquila para poder seguir creando. En el
fondo la realidad se comporta artísticamente […]”44
43
Eco, Humberto, The Poetics of the Open Work en Participation, Documents on Contemporary Art,
p. 31.
44
Luján Salazar, Enrique, Perspectivismo y genealogía. Un ensayo sobre Nietzsche, p. 53.
54
“El uso de la ingeniería genética en Alba o una vaca en formaldehído no
ofrecen catarsis. Son simples caprichos faltos de revelación. El estilo de
reclamo de algunos acontecimientos quasiDada de criticar en forma radical
los males sociales y la complacencia burguesa, ha colapsado desde hace
mucho tiempo. Hubo un momento, aquel del alto Modernismo, en el que
tales reclamos pudieron hacerse. Ese tiempo terminó con la Segunda Guerra
Mundial. A partir de entonces, estos gestos artísticos solo han servido para
reafirmar un status quo de cínico materialismo y los burgueses, lejos de
sufrir un shock, encuentran en el arte una suave diversión”45.
Lo anterior pudiera ser cierto y sin embargo esos “gestos artísticos” funcionan,
impactan y subyugan. Y hablando de cínico materialismo, ¿qué decir del edificio del
45
Trussell, Denys (crítico de Nueva Zelanda) Publicado originalmente en The Ecologist, Marzo
2001, Vol. 31, N. 2.
55
arquitecto italiano David Fisher que quedará terminado en Dubai en 2010, con un
costo de 700 mdd, que produce su propia energía, cambia su forma y gira 360°
grados? Cada aprtamento es autónomo y rota usando comandos de voz. ¿Habrá
todavía algo que pueda causar un shock? ¿O serán estas cosas sólo una suave
diversión para aquellos capaces de pagarlas? Lo cierto es que sin tanto materialismo,
maravillas como ésta nunca hubieran ocurrido…
El arte es ese algo que precisamente debido a la cualidad que tiene de expandir
sus límites, todavía puede causarme un shock, de cualquier tipo. Es algo que evita el
aburrimiento, que hace soportable la vida y maleable y dúctil la realidad.
56
Kant dividía el mundo en lo que es en sí mismo, y lo que es para cada uno de
nosotros. Tal vez el arte sea una manera de entenderlo, porque con el arte, es posible
vivir “otras” vidas, como definió Octavio Paz:
46
Paz, Octavio, Los signos en rotación y otros ensayos, pp. 309-342.
57
directamente con la realidad y adoptan posiciones radicales sustentadas en el
trípode del arte, la ética y la política.
• Por otro lado, habiendo comprobado que el arte no puede cambiar el mundo,
ni hacer mejores seres humanos, ¿tendrá caso continuar con esto? Como
dice Wittgenstein: ¿será esto “el caso”?
Si acaso el arte fuera “el caso”, podemos sentirnos tranquilos ya que estaríamos en el
mundo, como parte de la realidad. Pero si no…sólo nos habríamos deslizado, junto
con el arte al mundo de lo virtual, y estaríamos (como ya lo estamos) en el borde, o
en el umbral de nuevas estructuras de pensamiento, de una “second life”47, que como
la Tierra Prometida nos brindaría todo lo que en la Realidad hemos sido incapaces de
conquistar.
47
http://www.secondlife.com
58
Dulce María Rivas, RENDER, vista parcial de Hábitat, insinuaciones de la realidad
59
Dulce María Rivas, Maya Hindrabar en Second Life
60
FUENTES DE CONSULTA
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University of Minnessota Press, USA, 1999, 383 pp.
2. Baudelaire, Charles, Baudelaire as a literary critic, tr. Lois Boe Hyslop y Francis E.
Hyslop Jr., The Pennsylvania State University Press, EUA, 1964, Citado por
Prendergast, Christopher, en Paris and the Nineteenth Century.
7. Calvino, Italo, Las ciudades invisibles, Ediciones Siruela, 16ª Ed., España, 1998, 69
pp.
8. Del Águila Gómez, José M., Las ideas estéticas en Baudelaire, en A Parte Rei.
Revista de Filosofía, Université Catholique, Lovaina,
http://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/aguila39.pdf
11. Dutton, Dennis, The Art Instinct: Beauty, Pleasure, and Human Evolution,
Bloomsbury Press, New York, 2009, 279 pp.
12. Eco, Humberto, The Poetics of the Open Work en Participation, Documents on
Contemporary Art, Claire Bishop, Whitechapel and the MIT Press, 2006
Londres/Cambridge, MA., pp. 20-40.
13. Frazer, James George, La Rama Dorada. Magia y Religión, (The Golden Bough), Tr.
de Elizabeth y Tadeo I. Campuzano, Fondo de Cultura Económica, 2ª ed., 8ª reimp.
Madrid, 1981.
61
14. Gómez Robledo, Xavier, El análisis textual de Roland Barthes, Ponencia presentada
en el IV Coloquio Nacional Universitario sobre Lengua Escrita, Colima, México.
http://www.anuies.mx/servicios/p_anuies/publicaciones/revsup/res043/txt7.htm#8,
junio 2009.
17. http://es.wikipedia.org
18. http://www.madridabierto.com/es/textos/2007/arte-los-espacios-publicos-el-espacio-
el-tiempo-la-moral-la-pasion.html, consultado en junio 2008.
20. http://www.nytimes.com/2006/08/20/arts/design/20kenn.html?pagewanted=3&_r=1&
sq=anish%20kapoor&st=cse&scp=6
21. http://www.secondlife.com
25. McEvilley, Thomas, Sculpture in the Age of Doubt, Allworth Press, New York, 1999
pp. 3-46.
26. Munari, Bruno, Diseño y comunicación visual, Editorial Gustavo Gili, SA, 6ª ed.,
Barcelona, 1985, 365 pp.
27. Muntañola Thornberg, Josep, Topogénesis, Ed. UPC, Barcelona, 2000, 172 pp.
28. Nietzsche, Friedrich, The Will to Power, tr. Walter Kaufmann y R.J. Hollingdale,
Vintage Books Edition, EUA,1968, 608 pp.
29. Pastrana Flores, Miguel, Notas acerca de la apropiación del pasado tolteca en el
presente mexica, en El historiador frente a la Historia, el tiempo en Mesoamérica,
coord. de Virginia Guedea, UNAM, 231 pp.
62
30. Paz, Octavio, Los privilegios de la vista I, Arte moderno universal, Fondo de Cultura
Económica, México, 2004, 389 pp.
31. __________, Los signos en rotación y otros ensayos, Ediciones Altaya, Barcelona,
1995, pp., 309-342.
32. Rorty, Richard, Contingency, irony and solidarity, Cambridge University Press, 1989,
226 pp.
33. Suderburg, Erika, Space Site Intervention, situating installation art, University of
Minnessota Press, EUA, 2000, 370 pp.
34. Trussell, Denys, artículo publicado originalmente en The Ecologist, Marzo 2001, Vol.
31, N. 2.
36. Yúdice, George, The Expediency of Culture, Uses of culture in the global era, Duke
University Press, 2003, 466 pp.
63
ANEXO. RECURSOS ADICIONALES
Tango http://www.youtube.com/watch?v=k6vEgryGKbc&feature=channel
Envoltura http://www.youtube.com/watch?v=2EoVb3-kt5E&feature=channel
Chicle http://www.youtube.com/watch?v=stboQOEQGyE&feature=channel
Render http://www.youtube.com/watch?v=m1mNWEXzp_k
64