El arte venezolano, como en otras culturas comienza a manifestarse desde tiempos donde la existencia humana ya era una realidad

. En Venezuela, esa manifestación comienza desde el período precolombino, con pieza autóctonas moldeadas y pintadas de compleja y fina decoración. Piezas toscas donde predominaban los motivos geométricos y estilizados. Luego poco a poco se fueron adoptando formas humanas simplificadas de rectangulares o trapezoidales. En el período colonial, desde los primeros tiempos de la conquista, la pintura fue utilizada como soporte didáctico e instrumentos de evangelización. A parir de allí, comienza el arte venezolano a ser la influenciado por las formas europeas, a través de obras flamencas, italianas y españolas, que junto a los grabados y a la presencia de numerosos pintores españoles, sirvieron de instrumento de aprendizaje y difusión de la pintura en el Nuevo Mundo. En Venezuela, durante los siglos XVI y XVII, los centros receptores fueron las ciudades de Caracas, Maracaibo, Coro, Mérida y El Tocuyo. Las primeras manifestaciones pictóricas indican la vigencia de una pintura localista que reinterpretó según su propia sensibilidad el mundo icnográfico europeo. Para el siglo XVIII, los primeros talleres locales s inician con obras del estilo plenamente barroco. A raíz de las guerras de independencia (1810-1824), se introduce en la pintura la escena del género histórico y el retrato de héroe civil y militar. No fue sino hasta el siglo XX, cuando en 1912, con la creación del Círculo de Bellas Artes, un grupo de jóvenes pintores, se opusieron a las enseñanzas académicas y se abrieron a las corrientes internacionales de la época, como el impresionismo, el postimpresionismo, el cubismo, el muralismo social y el arte abstracto. Tras la Segunda Guerra Mundial, la vanguardia artística venezolana se inicia en París, de un grupo de artistas nativos que experimentaron con la abstracción geométrica y el cientismo. Con la caída de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, en 1958 y el surgimiento de la democracia, se cuestionó la cultura oficial y emergieron expresiones artísticas más libres y eclécticas, como el informalismo, la nueva figuración y el arte conceptual. El fin de la década de los 70 atestigua una profusa resonancia del estilo surrealista. En la década de 1980 hubo un auge de la pintura neoimpresionistas. Como se pudo apreciar, cada época de la historia venezolana, estuvo signada por una tendencia, movimiento o expresión artística. Los detalles de cada una de ellas se presentan a continuación de esta breve investigación. Se definirá cada una de las tendencias artísticas, sus características principales y máximos representantes en Venezuela. El arte venezolano, como en otras culturas comienza a manifestarse desde tiempos donde la existencia humana ya era una realidad. En Venezuela, esa manifestación comienza desde el período precolombino, con pieza autóctonas moldeadas y pintadas de compleja y fina decoración. Piezas toscas donde predominaban los motivos geométricos y estilizados. Luego poco a poco se fueron adoptando formas humanas simplificadas de rectangulares o trapezoidales. En el período colonial, desde los primeros tiempos de la conquista, la pintura fue utilizada como soporte didáctico e instrumentos de evangelización. A parir de allí, comienza el arte venezolano a ser la influenciado por las formas europeas, a través de obras flamencas, italianas y españolas, que junto a los grabados y a la presencia de numerosos pintores españoles, sirvieron de instrumento de aprendizaje y difusión de la pintura en el Nuevo Mundo.

En Venezuela, durante los siglos XVI y XVII, los centros receptores fueron las ciudades de Caracas, Maracaibo, Coro, Mérida y El Tocuyo. Las primeras manifestaciones pictóricas indican la vigencia de una pintura localista que reinterpretó según su propia sensibilidad el mundo icnográfico europeo. Para el siglo XVIII, los primeros talleres locales s inician con obras del estilo plenamente barroco. A raíz de las guerras de independencia (1810-1824), se introduce en la pintura la escena del género histórico y el retrato de héroe civil y militar. No fue sino hasta el siglo XX, cuando en 1912, con la creación del Círculo de Bellas Artes, un grupo de jóvenes pintores, se opusieron a las enseñanzas académicas y se abrieron a las corrientes internacionales de la época, como el impresionismo, el postimpresionismo, el cubismo, el muralismo social y el arte abstracto. Tras la Segunda Guerra Mundial, la vanguardia artística venezolana se inicia en París, de un grupo de artistas nativos que experimentaron con la abstracción geométrica y el cientismo. Con la caída de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, en 1958 y el surgimiento de la democracia, se cuestionó la cultura oficial y emergieron expresiones artísticas más libres y eclécticas, como el informalismo, la nueva figuración y el arte conceptual. El fin de la década de los 70 atestigua una profusa resonancia del estilo surrealista. En la década de 1980 hubo un auge de la pintura neoimpresionistas. Como se pudo apreciar, cada época de la historia venezolana, estuvo signada por una tendencia, movimiento o expresión artística. Los detalles de cada una de ellas se presentan a continuación de esta breve investigación. Se definirá cada una de las tendencias artísticas, sus características principales y máximos representantes en Venezuela.

Los Disidentes, Realismo social, Abstracción, Pintura espontánea , Pintura -gurativa no realista, Escultura y Artes del fuego, Cine, Arquitectura, Arte conceptual

Los Disidentes Entre 1940 y 1950, un grupo de venezolanos instalados en París seguidores de algunas corrientes europeas como el abstraccionismo geométrico, neoplasticismo y constructivismo, forman el grupo Los Disidentes. Entre sus postulados, dados a conocer a través de una re-vista que llevaba el mismo nombre, sostenían el criterio de nivelar el arte venezolano con el europeo. Estuvo con-formado principalmente por algunos pintores, entre ellos artistas que venían del arte figurativo: Alejandro Otero, Mateo Manaure, Carlos

González Bogen, Luis Guevara Moreno, siendo seguidos en Venezuela por otros artistas Oswaldo Vigas, Miguel Arroyo, Alirio Oramas y otros. Realismo social Entrada la década de los cuarenta del siglo XX, seguida de la de los cincuenta, sesenta y setenta, se realiza un movimiento que, según estudiosos, es de interés social, quizá también inspirado entre otros movimientos, en el “muralismo mexicano”.

El “realismo social” se da como un movimiento artístico inspirado en la realidad socio-cultural venezolana, como lo demuestran las obras más destacadas de Gabriel Bracho y César Rengifo; así como otros que incursionaron en él, pero que después se trasladaron en el ámbito de la figuración en diferentes vertientes estilísticas y conceptuales. Dentro de la pintura realista destacan entre otros: Pedro León Castro (19132003), César Rengifo(1915-1980), Gabriel Bracho (1915-1995) y Héctor Poleo (1920-1999), incursionando en mayor o menor grado en el realismo social. Castro, por ejemplo, realizó algunas pinturas inmersas en el realismo histórico y social con temas locales. Abstracción En la búsqueda de alternativas de expresión en la pintura, otros creadores venezolanos transitarán de manera progresiva hacia una abstracción en dos expresionesplásticas: representación conceptual y abstracción pura. Se trata de desaparecer las refe-rencias realistas o geométricas, líneas, o man-chas de color, de manera similar a lo realizado por las tendencias abstractas europeas. orrida ya la década de los sesenta y de los setenta, algunos artistas ya maduradosc ada uno en sus tendencias plásticas, destacan en sus respectivas conducciones artísticas. Dentro de las corrientes abstractas propiamente dichas, se encuentran: Armando Barrios, AlejandroOtero, Jesús Soto, Carlos Cruz Diez, Mateo Manaure, Omar Carreño, Elsa Gramcko, MercedesPardo, Ángel Hurtado, Humberto Jaimes Sánchez y otros. Estos artistas se siguieron expresandodentro de planteamientos bidimensionales con manejo virtual del movimiento, y otros comoel caso de Otero quien se valió primero de soportes planos con formas sintéticas de

expresionista. o ciertodejo irónico. de su entorno real. las artes del fuego.cafeterasy franjas de colores intercaladas con negros y neutros. vege-tación. produciendo febrilmente. Escultura y artes del fuego Durante este período la escultura experimentará con nuevos materiales y sehará presente en los espacios públicos. destacando principalmente entreotros el multiétnico Feliciano Carvallo (1920). quien en 1948 presenta en su casa unaexposición de pinturas que tenían que ver con sus raíces multiétnicas y sus vivenciasen Naiguatá donde nació. frutos. animales. personajes. entre ellos el Premio Nacional de Pintura del XXVII Salón Oficial Pintura en Venezuela La pintura ierta esquematización abstracta o a través de una representación conceptual. el esmalte. de captación sensible o emotiva sobre la realidad. Luis Domínguez Salazar. terminando muy posteriormente conestructuras metálicas tridimensionales Pintura espontánea También se produce hacia producción de pintura espontánea hasta ese momento subestimada por el o ya que los artistas de este tipo de producción carecían de formación académica. etc. lo que conllevó gran demanda y adquirir variosgalardones. trabajando con pinturaindustrial. imponiéndose éstos con una temática imaginario viven-ciado por estos artistas sobre su realidad cotidiana. término empleado para las expresiones artís-ticas como: la cerámica. abordó comportamientos de la psicologíasocial con ironía. la orfebrería y el vidrio. . De la misma manera. surrealista. recreando con imágenes principalmente los paisajes. Se destacan entre otros: La pintura de Mario Abreu estuvo inspirada en ritos mágicos de la santeríaafrodescendiente.

será el encargado de diseñar algunos edi spúblicos y los primeros urbanismos habitacionales de interés social adaptadas a las condicio-nes climáticas particulares de nuestro trópico. como consecuencia de las migraciones internasy de las mejoras sanitarias y educativas dadas en el ámbito urbano. En Venezuela. Con este suceso se inicia el coleccionismo de arte nacional . se inaugura el Museo de Bellas Artes. Carlos Raúl Villanueva. atribuida a Manuel Trujillo Durán. En el género de cine documental destaca la película Araya de Margot Benacerraf (1951) que recibió un premio en el Festival de Cannes.Este proceso de transformación afectará a la arquitectura en América Latina.constituyen una de las expresionesmás auténticas del sentimiento artístico nacional. En 1938. de estilo neoclásico. Estará caracterizado poruna concepción moderna. Posteriormentedestacan La Escalinata de César Enríquez (1950) y La Balandra Isabel llegó esta tarde deCarlos Hugo Christensen (1951). debido alcrecimiento acelerado de la población urbana. plani lo cual permite proyectar lasprimeras urbanizaciones y organizar su trazado vial. Arquitectura en Venezuela La arquitectura se incorpora al proceso de renovación en nuestro país debido al augey desarrollo de la industria petrolera. pues es un medio que demuestra apego anuestros orígenes en el uso que hace de diversos materiales Cine en Venezuela Las primeras películas fueron estrenadas en 1897: Célebre especialista sacando muelas en el gran hotel Europa. diseñado por el arquitecto Villanueva.

el artista ad-quiere un rol protagónico. la mismapodía estar en cualquier lugar.En Venezuela surgen artistas con una tendencia conceptual entre ellos:Claudio Perna y Víctor Lucena. Cipriano Domínguez. José Miguel Galia y Fruto Vivas. pues construye su imagenpara el consumo masivo. lugar donde logró la combinación de la arquitectura y el espacio natural. ocurreuna apropiación o relectura de temas pasados de lahistoria del arte y un retorno a la pintura y al dibujo. Escuela de diseño. Claudio PernaVerde por fuera. impre-siones escritas. Bombón. Incluyó ropas. fotografías. junto a la integración de propuestas artísticas de creadores europeos y nacionales Luis Malaussena. hecho que culminará con unaapertura sin límites hacia la diversidad de lenguajes . rompió con la teoría de la obra de arte en un solo espacio. haciéndose eco de tendencias arquitectónicas asociadas aestilos internacionales europeos propios de la Bauhaus.que hasta los momentos dependía de manos privadas En las décadas posteriores. Al mismo tiempo. partes de máquinas. Arte conceptual Otros movimientos artísticos de gran trascendencia que aparecen en Venezuela a partir de los años setenta. Villanueva proyectará su obra más completa al lograr una síntesis de las artes en la Ciudad Universitaria de Caracas. volviéndose incluso másimportante que la obra. fueron las tendencias conceptuales y el llamado arteno convencional. arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Alemania. Meyer Vaisman En la década de los ochenta. El artista utiliza objetos de la vida común para reconceptualizarlosen otro espacio con una visión estética e intencionalidad re conceptualmotivó a la creación de obras artísticas como las ambientaciones. caracterizada por el uso de formas simétricas y funcionales. continuaránel camino iniciado por Villanueva. rojo por dentro. los performance. lo cual signi mento en el que se enfrentan tradición y novedad. elhappening y las instalaciones.

Basalo. periodistas. Pedro M. Miguel Carabaño. debido en gran parte a los salones y bienales promovidas con apoyo del Estado El Círculo de Bellas Artes y La Escuela de Caracas El Círculo de Bellas Artes Importante asociación artística de comienzos del siglo XX venezolano.artísticos. Blanco Vera. Pedro Castellón. Manuel Cabré. Cruz Alvárez García. y otras personas vinculadas al arte. Ángel Cabré i Magriña. escritores. Betancourt. Julián Alonzo. Los artistas plásticos que integraron el mismo fueron: Rafael Agüín. Manuel M. Paco Bocca. Leoncio Martínez. Armando Reverón. . músicos. integrada por jóvenes pintores. D'Empaire. poetas. El 28 de agosto de 1912 fue publicado en la prensa nacional el programa de dicho Círculo. Rómulo Gallego y Andrés Eloy Blanco. exponiendo las razones de su creación.A. la cual se llevó a cabo el 3 de septiembre del mismo año. Cristóbal Dacovich. Cristóbal Chitty. G. José Díaz. R. entre los principales personajes que formaron parte de dicho grupo figuran Manuel Cabré.

Narciso Suárez. Nicanor Mejías. Francisco Sánchez. José del Carmen Toledo. Abdón Pinto. R. Fernández. Próspero Martínez. Ismael Pereira Álvarez. Leoncio Martínez. Entre los escritores y críticos figuraron: Julio y Enrique Planchart. Andrés Eloy Blanco. Manuel Díaz Rodríguez. Félix Eduardo Pacheco Soublette. Jacinto Figarella. Víctor Rodríguez R. Marcelo Vidal. El Círculo de Bellas Artes tuvo su origen en la protesta que estalló en 1909 contra los métodos de enseñanza aplicados por Antonio Herrera Toro. Manuel Leoncio Rodríguez. José Antonio Calcaño. Raúl Santana. Manuel Vicente Lecuna. Manuel E. Los artículos publicados por Leoncio Martínez (Leo). A. Pedro Manuel Ruiz. Carlos Galárraga. Manuel Segundo Sánchez. Rafael Römer. Rómulo Gallegos. Pedro Emilio Coll. Luis Manuel Urbaneja Achelpohl y Armando Benítez. Eloy González. director de la Academia de Bellas Artes de Caracas. Pablo Wenceslao Hernández. Jesús Semprum. Nicolás Pimentel. Rengifo Arvelo. Enrique de los Ríos. Francisco Valdez. Rotundo Mendoza. Eloy Palacios Coll. Manuel Serrano. unidos al . en El Universal . Fernando Paz Castillo. Armando Reverón.Rafael E. Laureano Vallenilla. Juan de Jesús Izquierdo. Leoncio Cedeño y Báez Seijas. Luis Enrique Mármol. sitio de tertulia de la época. Leandro Fortique. Ángel Fuenmayor.. Leopoldo García Maldonado. Sydney Saintsbury. Los jóvenes que solicitaban una renovación de dicha institución comenzaron a reunirse en la plaza Bolívar de la capital. César Zumeta. Juan Iturbe. Tancredo Pimentel. Antonio Edmundo Monsanto. Pedro Zerpa. Eduardo Calcaño Sánchez. Rafael Monasterios. Espejo. Bernardo Monsanto. Santiago Key Ayala. Posteriormente se incorporaron Federico Brandt. Carlos Borges. Carlos Quintana. Alejandro Carías.

aunque siguió trabajando esporádicamente ya fuera en casa de algunos de los integrantes o en el colegio de Amalia Coking. En términos generales. no sólo de las artes plásticas sino también de la literatura. Artistas y modelos pasaron una noche en el cuartel de policía y luego fue clausurado el pequeño taller.empeño de Antonio Edmundo de cohesionar las voluntades dispersas de los jóvenes artistas. dicha organización fue un punto de encuentro importante para la proyección renovadora. fue en definitiva el preámbulo de la fundación del Círculo de Bellas Artes. cedido por su propietario. En sus comienzos el Círculo de Bellas Artes realizó una serie de exposiciones que contribuyeron a que el público comenzara a valorar el quehacer artístico como digno de ser considerado a la par de cualquier otra profesión u oficio. La Escuela de Caracas Enrique Planchart creó el término Escuela de Caracas para referirse a todo el paisajismo derivado de la estética del Círculo de Bellas Artes. el grupo de artistas se dispersó. Sus actividades las inició en el teatro Calcaño (situado entre las esquinas de Camejo y Colón). en el barrio de Pagüita. Aunque el Círculo de Bellas Artes tuvo una vida corta (5 años). con este término el crítico aludía a lo que fue en adelante el tema más común en . Como consecuencia de la persecución sufrida. dicha organización contribuyó notablemente al redimensionamiento del arte venezolano en todas sus facetas. En realidad. incluido quizá también el paisaje de los integrantes de éste. de allí pasó a un local del callejón Guinand. el ingeniero Eduardo Calcaño Sánchez. el cual fue allanado por la policía en 1917. Luego funcionó en una casa alquilada en la esquina de Reducto. tía de los hermanos Monsanto.

Pero es sólo a partir de 1910 cuando el grupo de pintores mencionados arriba se orienta sistemáticamente a un tema que alcanzaría en la obra de Cabré y de Pedro Angel González su máxima expresion.la pintura venezolana: el valle de Caracas con la gran montaña del Avila al fondo. a los matices y efectos de transparencia. cuyo aspecto de alguna manera está dramatizado por los efectos de una iluminación espectral que podría hacer pensar en una vista nocturna. en la cual es incluido. Lejos de atenerse a la observación del natural. Castillo ha perseguido la atmósfera y la relación de valores dentro de una composición armónica y ajustada. a mediados del siglo XIX. aparte de que constituyan o no una anécdota. trata los temas de flores. La mención que suele hacerse de Francisco Narváez como representante de la Escuela de Caracas se funda más en razones temáticas que estilísticas. hasta 1937. brillo y opacidad de los objetos. Del mismo modo habría que referirse a Héctor Poleo para la época en que éste cursó. de los cuales parte a instancias de una sensibilidad refinada y atenta al detalle. sin abrigar un propósito estético. el de mayor edad ingresado a nuestro Museo. La composición se presenta como un trazado en diagonal que sigue el sentido de las líneas de fuga de la perspectiva. Tomás Golding. sirven de punto de referencia para dar la escala humana del paisaje. Desde 1898 Tovar y Tovar ensayó captar la escala luminosa del sitio en paisajes de dilatadas perspectivas donde sobresalía como telón de fondo la imponente silueta del Avila. César Prieto. n° 2) es el motivo de rústicas o solitarias calles de pueblos en donde una o varias figuras.A. Pero. a la impronta del color. y en esto se ha mostrado como uno de nuestros más sabios pintores y como un maestro de relevante influencia en las generaciones que estudiaron con él en a Academia y en la nueva Escuela. Elisa Elvira Zuloaga. tal como se manifiesta en la solidez y aplomo como están resueltas las casas. Por extensión. La frecuencia de este tema en la obra de Prieto se explica por su temperamento constructivo. este conjunto de autores. a diferencia de la mayoría de los pintores de la Escuela de Caracas. en los Andes. Muy característico en la obra de César Prieto (ilus. Pedro Angel González. De hecho. Rafael Ramón González. no se interesa tanto en la representación de las cosas como en las impresiones que de ellas el color nos transmite cuando él lo emplea libremente. en Valencia. sino con intención documentalista. frutos y objetos de mesa (ilus. en Barquisimeto. López Méndez y Braulio Salazar son los pintores que ilustran con las obras que de ellos posee el Museo de Arte Moderno de Mérida la proximidad a la estética del Círculo de Bellas Artes. . giran en torno a la preceptiva inaugurada por el Círculo de Bellas Artes: serían éstos: Trino Orozco y José Requena. Marcos Castillo es conocido por el énfasis que pone en la naturaleza muerta y el bodegón —en general. Braulio Salazar. trabaja olvidándose de la perspectiva lógica y de los datos reales. Ferdinand Bellermann intentó hacer lo mismo. Elbano Méndez Osuna. representa aquí sólo de manera fragmentaria al Círculo de Bellas Artes y la Escuela de Caracas. Las casas se alinean geométricamente a ambos lados del polvoriento lecho de la calle. L. el término Escuela de Caracas se aplica también a algunos paisajistas que por haber estudiado en la Academia de Bellas Artes. n° 3). Marcos Castillo. por afinidad o por influencia directa de los maestros. en la Academia de Bellas Artes.

se halla Tomás Golding. del escabroso motivo. quienes vieron en él. su factura es más plana y decorativa que la del resto de sus compañeros. hasta poco antes de su demolición en 1952. incluyendo a Luis Ordaz. La exigencia constante de fidelidad a la naturaleza y a la luz es lo que hace de Pedro Angel González uno de nuestros paisajistas más rigurosos. La amplitud panorámica de esta vista de los muelles de La Guaira (ilus. Descriptiva en sus anécdotas del escenario humano de los barrios de Caracas y los pueblos del interior. se reveló como artista temperamental. para incorporarse al personal docente le la Escuela de Artes Plásticas de Caracas. tal como —con el Avila al fondo— lo interpretó aquí Lira. de gran profundidad. Elisa Elvira Zuloaga. de obra abundante y temáticamente tan variada que pueden estudiarse en ella hasta más de tres períodos bien caracterizados. muy cerca de la cual —sobre el puente del Cuño— se dominaba ampliamente el panorama del monumento histórico. de la misma época de Pedro Angel González. Pedro Angel González fue un agudo observador del paisaje. que invariablemente pintó del natural. El estilo de Golding (ilus. El abandonado Cementerio de los Hijos de Dios fue uno de los sitios de Caracas mas frecuentados por los paisajistas del Círculo de Bellas Artes. González se colocó en un punto elevado —probablemente en los altos de la Casa de la Compañía Guipuzcoana— para trazar una vista en perspectiva aérea. En toda su obra predomina un rasgo inventivo que con el tiempo. La imagen perdura en la obra de Rafael Ramón González (ilus.Armando Lira (ilus. Por el contrario. n° 6). Golding alcanza particular significación por la vibrante pastosidad de su color y por el ritmo y movimiento . después de 1960. y podríamos decir que él es el más expresionista de los pintores de la Escuela de Caracas. al lado de éstos. n° 8). n° 5) procedía de Santiago de Chile cuando llegó a Caracas. desde los tiempos de Ferdinandov. n° 7) es vigoroso e impulsivo. n° 4) es ejemplo de su meticulosidad para observar el conjunto y los detalles. Entre los pintores que conforman una tercera generación de paisajistas y que también son estudiados dentro de la Escuela de Caracas. pintar el paisaje del natural. poco apegada a esquemas académicos y a la representación del paisaje observado del natural. un tema pintoresco digno de sus cuadros. González se detiene morosamente en el tema para expresar no tanto los efectos de la luz ambiente como la huella del tiempo que acusan las texturas de los rústicos frisos y muros patinados por la intemperie. en 1936. El tema del Panteón Nacional fue muy explotado por los pintores que enseñaban en la Escuela de Artes Plásticas. con distinta suerte. no obstante. La luz de nuestra atmósfera y el colorido del trópico le predispusieron desde su llegada a adoptar la preceptiva de los paisajistas del Círculo de Bellas Artes para. conducirá sus búsquedas hacia el abstraccionismo. Conservó. cierta independencia en cuanto al toque vibrante de los colores y al empleo de una línea movida y nerviosa. que le caracterizan. pionera del grabado y agrupada al igual que éste en la Escuela de Caracas. en la obra de Rafael Ramón González podemos decir que perdura la sensibilidad del verdadero artista popular. Su método consistía en trabajar en el campo tanto tiempo como fuera necesario. numerosas versiones. en cuyo camino puede ubicarse la obra que se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Mérida (ilus. quien hizo de la fachada del camposanto.

ejercieron su influencia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego Rivera. De Valencia e precisamente Braulio Salazar. al extenderse por el interior del país. variables que responden a las condiciones geográficas en que han trabajado sus cultores establecidos en provincia. El muralismo mexicano es uno de los aportes más notorios del arte latinoamericano. Se trata de un movimiento artístico de carácter indigenista. Salazar. Y éste es de tal variedad por su conformación y su aspecto como variada es la extensa geografía del Distrito Federal y los Estados Miranda y Aragua. las nuevas corrientes -el cubismo. así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales. que cubrió con su pintura. a lo largo de su proceso histórico tras la conquista y colonización. basado en el clasicismo y el realismo impregnó las diferentes escuelas. ha centrado si Interés en captar la luz y la atmósfera de los valles y serranías que rodean a Valencia. en sus mejores momentos. Tales rasgos de subjetividad no siempre están apartados de la naturaleza. donde se desarrolló una tradición propia. una fuerte influencia europea. tal como lo prueba la obra suya que se encuentra en el Museo de Arte de Mérida (ilus. que surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte. Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana.vertiginosos de las masas. tal vez el más influyente paisajista de la región central del país (aunque estilísticamente hablando ofrezca escasos vínculos con la Escuela de Caracas). en un estilo en el que las calidades terrosas de la factura. a quien suele también estudiársele en el capítulo correspondiente al realismo social. pintó necesitando tener a la vista el motivo. si bien revela ser un estilo nacional cuyo centro de irradiación estuvo siempre en Caracas. El eurocentrismo artístico. Y luego. . fusionadas por la técnica gestual. pues Golding. ya en Maracaibo. el surrealismo. las luchas sociales y otros aspectos de su historia. y que rechaza la pintura tradicional de caballete. presenta también. n° 9). El paisajismo. José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. ya en Barquisimeto y en Valencia. El Arte del siglo XX en América Latina Las artes plásticas en América Latina tuvieron. A partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América. conducen a un efecto expresionista. etc.

Murales de Diego Rivera (1886-1954) Diego Rivera recibió la influencia de Picasso y Gris. a los soldados que lucharon en pro de las reivindicaciones populares. humillada durante siglos. filósofo y primer secretario de Educación Pública de México quien. fue dedicado a "la raza indígena. Manifiesto a favor del indigenismo La pintura mural fue declarada el arte oficial de la Revolución. tras la Revolución. los muralistas desarrollaron un arte monumental y público. El manifiesto en el que se hacen públicos los principios del movimiento. Exhalta los valores indígenas y constituye con Siqueiros y Orozco uno de los más grandes muralistas de la nueva realidad latinoamerica Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las ruinas. a los obreros y los campesinos.El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos. la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. de inspiración tradicional y popular. Proclamamos que toda manifestación estética ajena o contraria al sentimiento popular es burguesa y debe desaparecer porque contribuye a pervertir el gusto de nuestra . y exaltamos las manifestaciones de arte monumental por ser de utilidad pública. Manifiesto del Sindicato de Pintores y Escultores. y los intelectuales no pertenecientes a la burguesía" y parte de nuevas ideas y conceptos: "repudiamos la pintura llamada de caballete y todo arte de cenáculo ultraintelectual por aristocrático. que ponía fin al academicismo reinante. exaltando su cultura y origen precortesiano. Influenciados por el rico pasado precolombino y colonial. pidió a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios que plasmaran en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen de la voluntad nacional.

ya casi completamente pervertida en las ciudades. Desde 1922 hasta nuestros días no se han dejado de hacer murales en México. Rivera. En cuanto a la técnica. que empleó como pigmento pintura de automóviles (piroxilina) y cemento coloreado con pistola de aire.raza. Orozco y Juan O’Gorman emplearon también mosaicos en losas precoladas. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento nacionalista. la internacionalización del muralismo se extendió a Argentina. . Proclamamos que los creadores de belleza deben esforzarse porque su labor presente un aspecto claro de propaganda ideológica en bien del pueblo. capaces de sostener varias capas de cemento. Perú y Brasil. de educación y combate”. haciendo del arte una finalidad de belleza para todos. y fue adoptado incluso por Estados Unidos en algunos de sus edificios públicos. cal y arena o polvo de mármol. mientras que Pablo O’Higgins utilizó losetas quemadas a temperaturas muy altas. El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la arquitectura virreinal. lo que prueba el éxito y la fuerza del movimiento. El introductor de nuevas técnicas y materiales fue Siqueiros. desde la antigüedad hasta el momento actual. redescubrieron el empleo del fresco y de la encáustica. el arte del pueblo de México es la manifestación espiritual más grande y más sana del mundo y su tradición indígena es la mejor de todas". y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que aseguraban larga vida a las obras realizadas en el exterior. Reivindican el arte indígena como arte en sí mismo y como modelo social. En la década de 1930. Las investigaciones técnicas llevaron también al empleo de bastidores de acero revestidos de alambre y metal desplegado. La figura humana y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. de unos tres centímetros de espesor.

Este fresco sobre muro es el primer mural mexicano donde se representa la lucha revolucionaria armada. Un óleo de Osvaldo Guayasamín (1919) ECUADOR. Hace gala de un hábil dibujo y un rico cromatismo a la vez que utiliza una técnica pictórica sobria."Lucha fraticida" José Clemente Orozco (1883-1949).Clemente Orozco . Sus cuadros de manos crispadas de las madres y los rostros de angustia. reflejan la realidad del indígena latinoamericano. Uruguay Pedro Figari (1861-1938) . su técnica es muy limpia.

Verdadero profeta de las vanguardias del arte latinoamericano. El mismo lo describe así: "Fue como enamorado de la leyenda racial rioplatina que me apliqué a pintar.Torres García se despliega en las más diversas manifestaciones artísticas: juguetes de madera. que me permitiese decir como aparecían en mis recuerdos las imágenes que pude gestar " Joaquín Torres García La vigorosa personalidad de J. clases y libros documentan el minucioso afán de un artista que creó un universo estético. las pinturas constructivas son verdaderos paradigmas de la imaginación. Conferencias. etc. el Universalismo Constructivo. de fuerte impacto en la sociedad montevideana de comienzos de siglo. la cerámica e incluso la arquitectura del Uruguay.recoge la vida cotidiana de dos ámbitos de nuestro país: el campo y la cultura negra. una técnica-lenguaje. pinturas. murales. de singular influencia en la pintura. .Su obra como pintor -encarada a los 58 años. original. y es por haber pretendido colocarla en su propio ropaje y en su ambiente propio que logré hacerme de una técnica mía.

el planismo se estableció con poderosa influencia y permanencia en el tiempo. Planismo Se conoce con el nombre de "Planismo" la modalidad que adquiere la pintura uruguaya en el período comprendido entre 1920 y 1930. en 1918. La denominación "planismo" corresponde al crítico y escritor Eduardo Dieste y será utilizada posteriormente por los críticos José Pedro Argul y Fernando García Esteban. líneas. tonos y colores. . Artista de gran cotización en el mercado internacional. Son sinfonías de símbolos. extendiéndose hasta nuestros días. sensuales toques de color y variaciones empleadas. importancia en su expansión. La difusión que adquiere a través de clases y talleres del Círculo de Bellas Artes tiene. sino que está dotada de la riqueza que le confiere la multiplicidad de los recursos pictóricos. fundamentalmente a través de las obras realizadas entre 1914 ."La propuesta constructiva no sólo asocia aspectos emotivos y formales. José Cuneo es considerado el introductor del planismo en el Uruguay. Se habla de "modalidad" y no de escuela ya que el procedimiento planista constituyó una impronta que ha caracterizado a casi todas las escuelas desde comienzos de este siglo. su obra se exhibe en el Museo Torres Garcia ubicado en la Ciudad Vieja de Montevideo.1918 y expuestas en Montevideo en Corralejo y Cía. sin duda. Como extremo temporal opuesto las obras de Petrona Viera muestran un planismo que se extiende en la década del 30. En forma casi inmediata otros autores adquieren la misma modalidad. Fuera de dichas disquisiciones terminológicas.

hacia la atmósfera cubista (ya que al decir del propio Cuneo las obras cubistas no eran fáciles de ver hacia 1920). congeniándolas con la realidad local. Humberto Causa. Alfredo de Simone. César Pesce Castro. Guillermo Laborde. Cumplieron con el ansiado viaje a Europa (amparados por la Ley de Becas de 1907 o a través de sus propios recursos). Aceptaron en general las nuevas vertientes mediatizándolas. José Cuneo Realizaron primeramente estudios en el pujante Círculo de Bellas Artes. Domingo Bazzurro. Tuvieron activa participación en cenáculos. Carmelo de Arzadun.c.Guillermo Laborde (1887-1977) Deporte . lugar al que algunos retornaron como docentes. Andrés Etchebarne Bidart. Con alguna excepción estos artistas nacieron entre 1880 y 1895 y tuvieron un itinerario formativo similar.1935 La mayoría de los pintores de la época pasaron por una experiencia planista en algún momento de su trayectoria plástica. Convergieron en una común admiración hacia la estridencia fauvista. Muchas veces se encontraron en Europa compartiendo academias y docentes. eligiendo generalmente España y Francia. Entre ellos: José Cuneo. hacia las variantes que el post impresionismo desplegaba en los medios plásticos. Melchor Méndez Magariños. revistas (que a . Petrona Viera.

En la exposición organizada por el grupo Teseo en Buenos Aires. Quieren aprovechar los descubrimientos científicos y aplicarlos a su arte. Esa "mirada" se vuelca especialmente al paisaje. El Cubismo a partir d ela teoría de la relatividad llegó al descubrimiento de la "cuarta dimensión". más conocidas gracias a la etnología. Cubismo. Van templando así una conciencia grupal en medio de un clima de euforia nacional con un comprometido sentido localista paralelamente abierto a innovaciones. o agrupaciones de carácter interdisciplinario como Teseo (liderada por Eduardo Dieste). cuarenta y cinco de las sesenta obras expuestas eran paisajes en su mayoría planistas. al que hacen un "gran campo experimental".menudo ilustraban). Su obra no cuestiona la realidad (mirada en general con optimismo). Expresionismo. Por ejmplo:  Los fauvistas llevarán hasta las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color que los impresionistas habías iniciado. que tanto hicieron por la difusión cultural nacional.   . son pintores rebeldes en relación con el nuevo lenguaje plástico que desarrollan. Futurismo. sin embargo. Fauvismo. Dadaismo LAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS Los miembros de estas vanguardias se constituyen en grupos que se afanan en mostrar su independencia y rebeldía frente al arte oficial. El expresionismo incorpora rasgos de culturas primitivas. muy valorado por una burguesía muy conservadora y desconfiada ante cualquier novedad artística. en julio de 1927. Movimientos artísticos del siglo XX en el mundo: Vanguardia Artística.

 EXPRESIONISMO No se trata específicamente de un movimiento artístico moderno sino que más bien una ya recurrida tendencia en el arte del Norte . Los surrealistas parten de las teorías del psicoanálisis para reproducir imágenes de sueños y del subconsciente. un buen número de pintores y escultores expresionistas surgieron en Alemania.El Puente . las galerías. los coleccionistas y los críticos.el uso de las distorsiones violentas y exageraciones al servicio de la expresividad emocional. y ellos mismos se bautizaron con el nombre de " Die Brücke" .. El expresionismo como movimiento moderno comenzó alrededor de 1880-90. un sistema que gira entorno a los marchantes. Este grupo incluía artistas como . Ahora se regulan por la oferta y la demanda. Todos en general aprovechan los nuevos materiales y las técnicas para usarlos. Se establece una nueva relación arte-sociedad. con artistas como el noruego Edward Munch y el belga James Ensor. Ya no son los gremios ni las academias los que rigen el destino de l artista. Las vanguardias evolucionan mñas rápidamente que la comprensión del público. crea un abismo entre el pintor y la mayor parte d ela población que no entiende sus obras. Esto y el hecho de necesitar una preparación previa para decodificar los mensajes que los artistas mandan a través de sus obras. En 1900.

al alemán Marc. Kokoschka y Schiele. el grupo de El Puente. proporciona lo visible. The Blue Rider Se trata del nombre de un grupo que se formó en Munich en 1912. emocionales. en cuyas formas llamativas y colores hoscos descubrieron cómo combinar sentimientos y emociones de violencia o angustia. espirituales. Futurismo y el arte folk ruso. Kandinsky público su "De lo espiritual en el Arte".ante todo. Cubismo. se Ellos vieron en el arte como una objetivación de las fuerzas que provenían del cosmos fuerzas naturales. Al mismo tiempo. Nolde. El elemento de los comentarios sociales en estos primeros años del expresionismo artístico fue más tarde desarrollado por Beckmann y más especialmente por Grosz. y el alemán Macke. No tenían un estilo de grupo: las influencias sobre sus miembros incluían el Fauvismo. que fue. al ruso Jawlensky. un satírico de la política. Heckel y Schmidt-Rottluff. Sus miembros y adheridos incluían al ruso Kandinsky. al americano Feinger. Las influencias de su estilo tiene origen en Munh y Van Gogh y más directamente en Fauves. Austria contaba con dos notables pintores expresionistas siguiendo la estela de Klimt. escrito en1910 y en el que argumentaba que un cuadro no necesita . El año en el que fue formado el grupo de El Jinete Azul. al suizo Klee. al alsaciano Arp. El Jinete azul. Algunos tenían una visión del mundo influenciada por la Teosofía o por la metafísica de la antigüedad oriental o por los místicos cristianos como Eckehart.Kirchner. Lo que tenían en común era una actitud muy bien definida por palabras de Klee: "El arte no hace visible".

.hacer referencia a objetos externos y. ninguno de ellos incurrió por completo en la abstracción. Tras la I Guerra Mundial se convirtieron en tutores de la Bahaus en Weimar. sugerir emociones y sentimientos a través del impacto directo del color y de las formas. sin embargo. Lo que sí hicieron todos fue enfatizar la musicalidad de la pintura. Desde 1910. en sus pinturas caminaba hacia este ideal de la no figuración. una escuela de diseño cuyo trabajo tuvo una influencia muy grande en la práctica de la arquitectura y el diseño tanto de interior como industrial. Aunque algún otro miembro de El Jinete Azul experimentó con la no figuración. especialmente el color. trabajándolos como si fueran una música visual.

Entre los autores más representativos del Fauvismo nos encontramos con Georges Rouault. A pesar de que tomaron caminos diferentes. los colores hoscos y los vigorosos brochazos de Van Gogh. bestias salvajes. de que "cualquier pintura . Utilizaron un idioma de lo decorativo insistente en la idea. George Braque y Othon Friesz. . Como movimiento. el influjo de este estilo tan espectacular y persistente tuvo efecto en el uso que se le dio al color en la pintura del siglo XX. de la técnica puntillista. la intensa luminosidad de Seurat. el Fauvismo no duró más de cinco años (1905-1908): El trabajo de Matisse. Marquet y Dufy continuó en la línea comenzada por el fauvismo.FAUVISMO El nombre de Fauvismo fue asignado a un grupo de jóvenes pintores franceses que exponían juntos en el Salon díAutomne de 1905 y a los que el crítico Louis Vauxcelles llamó en tono burlón "fauves". Tomaron los estridentes colores y las simplificaciones que rozaban lo infantil. o cualquier anécdota – es esencialmente una superficie plana cubierta con colores enlazados en un cierto orden". un desnudo. la plenitud de colores de Gauguin. así como las distorsiones del Neo impresionismo y del Post Impresionismo. formulada en 1890 por Maurice Denis. la creación del volumen a través de las relaciones de los colores de Cezánne.antes de convertirse en un caballo de guerra.

Estuvieron. Alemania. El Cubismo ha sido el movimiento que más influencia ha tenido en el siglo XX.CUBISMO El Cubismo nació de la creación conjunta de Picasso y Braque. Braque entre ellos. Rusia e Inglaterra. conseguida a base de diferentes fragmentos de una escena. Desde el Renacimiento.ya sea por seguimiento o por rechazo. Picasso y Braque intentaron hacer eso mismo combinando dentro de una misma imagen elementos elegidos de una variedad de vistas del objeto representado. los pintores Cubistas no distorsionan la representación de una escena sino su construcción. Ellos tomaron aspectos de una escena que no podían verse al mismo tiempo y los hicieron visibles simultáneamente. Así pues. Pero a partir de 1910 consiguieron una multitud de seguidores entre los jóvenes pintores de París. Tanto unieron su creación que Braque afirmó más tarde que durante su evolución ellos fueron ëcomo montañeros escalando juntos. inspiraron el nuevo desarrollo en Italia. pero aquel extraño y violento cuadro disgustó y perturbó incluso a sus amigos. Picasso. ya era reconocido como un artista excepcional. Su desarrollo comenzó con una enorme pintura que Picasso completó en la primavera de 1907: ëLas señoritas de Avignoní. que tenía entonces alrededor de 25 años. e incluso influenciaron a Matisse. . la pintura europea ha expresado el volumen y el espacio utilizando perspectivas centralizadas y el claroscuro. tan aislados como montañeros durante los tres primeros años de su exploración del nuevo territorio. de hecho.

aún más. en Cézanne. se estaban convirtiendo en ilegibles imágenes del mundo exterior. era impensable subordinar la primera demanda a las segunda. Su idioma estaba profundamente influenciado por las máscaras africanas de Ivory Coas que Picasso poseía. contrariamente a sus deseos. Como Braque y Picasso. la construcción del cuadro mismo era una necesidad primaria. pero es igualmente crucial para trabajos sobre el plano. Cézanne se había obsesionado con la contradicción entre conceptos duales de pintura para representar sensaciones de realidad y representar una armonía arquitectónica autosuficiente. Esto les condujo a enfatizar la geometría de sus diseños. envoltorios.La descomposición en facetas de las primeras pinturas cubistas se inspiraba en cierto tipo de máscaras negras y. época denominada de "Cubismo analítico" las estructuras cristalinas llegaron a ser más y más complicadas y las piezas de los puzzles transparentes se hicieron más y más pequeñas. la esfera. el cono. Entre 1910 y 1912. El pintaba el extremo cercano de un plano achatado con una clara definición mientras permitía que el extremo lejano fundirse en el espacio.í. tales como periódicos. Esperando introducir de nuevo el sentido de los objetos del mundo en sus trabajos. Braque y Picasso encontraron que sus pinturas. en 1912 Picasso y Braque comenzaron a realizar cuadros incorporando fragmentos de objetos reales. En esto estaban alentados por un comentario de una carta de Cézanne a un joven pintor que fue publicada póstumamente en Octubre de 1907: ëPactar con la naturaleza el significado de cilindro. El principio que subyacía en el Cubismo . diferentes puntos de vista en un mismo cuadro. Los trasparentes disidentes del Cubismo analítico dieron lugar a un componente más grande: este desarrollo se conoció como "Cubismo sintético". Para Cézanne. Para los Cubistas. Braque y Picasso tomaron esos principios y los exageraron. y encerados. por otro lado. La influencia es especialmente evidente en ciertas construcciones en relieve. Esta técnica se denominó ëpapier colléí (Collage). Cézanne habitualmente resaltaba los planos horizontales del motivo.

como La pareja de viejos. Es la figura más representativa e influyente del arte contemporáneo. por ejemplo Juan Gris de España. era la unión de las partes que componían el todo .sintético. Pero la idea de ensamblaje es tan operativa en un Cubismo sintético pintado como en uno que incorpore piezas cortadas de papel y corrugadas. Alemania. Picasso y Braque rápidamente iniciaron un seguimiento entre los jóvenes pintores y escultores. un Picador. El hombre de la gorra y La niña de los pies descalzos. Dos de ellos. nació en Málaga en 1881 y murió en Mougins en 1973.como construir una casa prefabricada con partes ya hechas en vez de construir una desde la tierra. colaboraron en los primeros libros sobre Cubismo. Gleizes y Jean Metzinger. De los tres años pasados en La Coruña son algunos lienzos. Rusia. a través de publicaciones o incluso a través de las palabras de otras personas. . En París se encuentran otros Cubistas tanto de origen francés como Léger. Pintor español. En 1886 pintó su primer cuadro. En torno a 1914 el Cubismo influía en todo el mundo. desde el comienzo. Delaunay.Italia. publicados en 1912.se dieron cuenta de la importancia del Cubismo y de sus teorías visitando París. Villon y Laures. Jóvenes artistas que trabajaban en otros países . Inglaterra . Después de 1910. PABLO RUIZ PICASSOError! Bookmark not defined. como inmigrantes. pero sobre todo pintó y dibujó bajo la dirección de su padre. La técnica de papier collé supone que la pintura se ensambla en un sentido físico. A los diez años se trasladó a La Coruña donde cursó algunos estudios. Mondrian de Holanda y Marcoussis de Suecia.

cuyas aulas frecuentó durante dos cursos. En octubre del mimo año efectuó. ingresó en las clases superiores de dibujo y pintura de aquel centro. Allí frecuentó la vida nocturna del Paralelo y el cenáculo modernista de la cervecería "Els quatre gats". compuesta principalmente de retratos de sus amigos pintores y escritores de aquel cenáculo. junto con el pintor vasco Francisco Iturrino. en compañía de Casagemas y Pallarés. la efímera revista Arte Joven. . recompensa que volvió a obtener en la nacional siguiente con el cuadro Costumbres aragonesas. donde en febrero de 1900 realizó una exposición. El viejo guitarrista. en la galería Vollard y pintó la mayoría de las obras de su "Época Lautrec". Regresó a Madrid. y La vida. Tras brillantes ejercicios. donde expuso. En 1896 participó. quién pasó a desempeñar su cargo de profesor de dibujo en la escuela provincial de Bellas Artes de dicha ciudad. con el cuadro Primera comunión. en el estudio que le cedió Isidro Nonell. de tres meses escasos. Esta primera estancia de Picasso en la capital francesa fue breve. A fines de mayo realizó su segundo viaje a París. donde fundó. con el titulado Ciencia y caridad. en octubre de 1902 volvió a París. en la exposición de Bellas Artes de Barcelona y al año siguiente obtuvo. como se advierte en las obras que realizó allí. una mención honorífica en la exposición nacional de Madrid. en su liberación de las preocupaciones escolares a que se había mantenido fiel hasta entonces. Tras una nueva estancia en Barcelona. La estancia en Horta de San Juan (Tarragona) influyó poderosamente en su enraizamiento en Cataluña y.A finales de septiembre de 1895 marchó con su familia a Barcelona. que se proseguiría en Barcelona con obras como El block. nuevo destino de su padre. La dama del velo y La bailarina azul. Cayó enfermo de escarlatina en Junio de 1898 en Madrid donde proseguía sus estudios en la escuela de Bellas Artes. Allí se produjeron los inicios de su "Época Azul". su primer viaje a París y se instaló en Montmartre. con el escritor catalán Francisco de A. Pobres a orillas del mar. Soler. pero durante ella pintó mucho: El molino de la Galette.

con obras como Acróbatas de la bola y Familia de saltimbanquis. entre otros. y en otoño pintó Mujer en camisa. La etapa siguiente es la del "Cubismo Analítico". que señala los inicios de un cambio de estilo en su obra. año en que falleció su padre. En Gósol. . ofrecería una vívida imagen del Picasso de aquellos años. empezó la etapa de geometrización de formas y volúmenes que. desarrollado plenamente por Picasso y Braque. quien más adelante en su libro "Picasso y sus amigos". contrajo matrimonio a mediados de 1918. en la cual se conjuga el influjo de Cézanne con el de las esculturas ibéricas y las máscaras africanas. tuvo su punto de partida en el verano que el primero pasó. a través de Les demoiselles d'Avignon. Pasó el verano de 1906 en Gósol (Lérida) con su primera compañera. volvió a pasar el verano en Céret. arlequines y amantes de diversos años (como el título Arlequín). pero asimismo se conjugó en su obra con diversas orientaciones estilísticas: Retratos realistas y la llamada "Época clásica". dio comienzo a su "Época Rosa". donde pintó especialmente Fábrica en Horta y Fernande.Tras un corto viaje a Países Bajos (en el verano de 1905). donde pintó Mujer con panes. con alternancias de un concepto monumental y agigantado de las formas (como el título Tres mujeres en la fuente) y una interpretación más amable y serena de la figura. que persistiría en la obra de Picasso hasta la década 1920-30. como en sus maternidades. compuesta principalmente de arlequines y gente de circo. para preparar los decorados y figurines del ballet Parade. junto con Fernande y Pallarés. complejo de disgregación geométrica de las figuras y su fusión. en Horta de San Juan. con el poeta Jean Cocteau. En aquel viaje visitó Nápoles y Pompeya. El cubismo. con la cual. conduciría a la llamada "Época Precubista". En 1913. asimismo intrincada. El cubismo. por los grandes retratos de Vollard. En febrero de 1917 realizó un viaje a Roma. y conoció a una bailarina: Olga Koklova. Fernande Olivier. tuvo otras modalidades -como el cubismo rococó y el cubismo curvilíneo-. Wilhelm Uhde y Kahnweiler. está representada. en 1909. en un sillón.

las aguatintas de la Historia natural. Siguieron obras neoclasicistas o del llamado "Período pompeyano". las de Las metamorfosis. al año siguiente. al producirse la destrucción de Guernica por la aviación alemana. el grabado Minotauromaquia. El grabado. la ruptura con su esposa le ocasionó una crisis que le llevó a un alejamiento temporal de la pintura. Maya. de Ovidio. pintó su gran composición de dicho título. Volvió a la pintura en la primavera de 1936. el gobierno republicano le nombró director del museo del Prado. arte en el cual se había iniciado en Barcelona con Mujer sentada y que. o el "collage" Guitarra. También. que aquel mismo año le había dado una hija. entre otras. pueden considerarse afines de las preocupaciones de los surrealistas. de Buffon y las de La tauromaquia. . el más famoso de los cuales es su obra de teatro Le désir attrapé par la queue. Al estallar la guerra civil española. y durante su estancia en Fontainebleau pintó los lienzos titulados Los tres músicos. cubista. volvió a la escultura. La griega y La flauta de Pan al igual que los encantadores retratos de su hijo Pablo y Arlequín y Pablo. Entonces empezó a escribir algunos poemas. El hambre del cordero y la Cabra.En 1921 nació Pablo. figuran entre sus realizaciones escultóricas más importantes o significativas. fue reemprendido por él a partir de 1927. de Balzac. en su obra. a las cuales seguirían. y. en el año siguiente. que había cultivado en 1905 con la serie de trece planchas de La comida frugal. dos de las obras maestras de sus últimas fases cubistas. en la última de las cuales se inaugura la introducción de arpilleras y clavos en la pintura contemporánea. cuando empezó las ilustraciones de Le chef d'oeuvre inconnu. de Pepe-Hillo. En 1934 efectuó su último viaje por España y. corre paralelo a la mayoría de sus etapas pictóricas: La Cabeza de mujer. cuando ya se hallaba viviendo con Marine Thérese Walter. Obras como La danza. como Mujer sentada. a los cuales seguirían otros escritos. su único hijo legítimo.

De este mismo año es su composición mural. Naturaleza muerta con cabeza de buey y La alborada. La caída de Ícaro.En 1939 murió su madre y él se vio sorprendido en Antibes por la guerra mundial. En 1946. que le había dado des hijos: Claude y Paloma. contrajo matrimonio en 1958. pintó durante cuatro meses en el palacio de los Grimaldi. produciendo en seis meses unas doscientas obras por este procedimiento. de Vallauris. población para la que. pintó sus dos grandes composiciones La guerra y La paz en una antigua capilla. para el edificio de la Unesco en París. En los años siguientes realizó diversos viajes para asistir a los Congresos mundiales de la paz. que no abandonaría durante toda la ocupación . . en especial Gato devorando un pájaro. en cuyos carteles se reprodujo la famosa Paloma de Picasso. En 1947 empezó su actividad como ceramista en la fábrica Madoura. Muchas de las obras que produjo entonces. En sus últimos años. ya fallecida su primera mujer. reflejan las tensiones angustiosas y las zozobras espirituales de aquellos años. gran parte de su obra se compone de variaciones sobre temas de pintores del pasado. En 1953 se produjo su ruptura con Françoise Gilot. de allí se retiró a Royan. con la cual. cuando empezó a vivir con Françoise Gilot. en 1952. Poco después empezó a vivir con Jacqueline Roque. para al año siguiente trasladarse a París. en 1945 se dedicó intensamente a la litografía.

Su preocupación estética primordial era la expresión del movimiento. Al igual que el Cubismo. construcciones. la creencia en el poder de la guerra para purificar-. en el futurismo el espectador permanece estático y el objeto adquiere movimiento. un ferviente patriotismo. La pintura futurista asumió el lenguaje cristalino del Cubismo analítico y las dotes puntillistas del Neo-Impresionismo.FUTURISMO El futurismo comenzó en Italia en 1909. es ejemplo de esta idea. sino también de las ciudades. El Russolo ejemplifica un concepto del futurismo menos literal. en suma. de un anticipo del fascismo. el crecimiento. . no sólo de los objetos. Pero también promovió la preocupación por la ética y la política -un odio a la tradición. máquinas en movimiento. los movimientos. Lo que les interesa es la expansión. el de "la fuerza en las líneas" como diagramas de energía. con diferentes rabos. El "perro de Balla". introdujo en la pintura una serie de sensaciones separadas. se trataba. una lucha en la modernidad y la ciencia. En sus pinturas aparece constantemente la idea de progreso industrial: la ciudad en pleno crecimiento. Pero mientras que en el cubismo las sensaciones eran diferentes aspectos de un objeto estático visto con algo de movimiento.

.Las pinturas futuristas se parecen a fotografías consecutivas cuyas diferentes imágenes se han superpuesto.

muchos de sus reclutas más relevantes vinieron de América. el Surrealismo (asentado en París y altamente cosmopolita) dominó el mundo del arte y jugó un papel importante en la literatura y en el cine. que había quedado invalidado por el hecho de que la sociedad lo consideró respetable. y despúes de la conflagración se trasladó a París. Conclusión . de disgusto frente al orden social existente. y frente al arte tradicional. A partir de mediados de los años 40.DADAISMO El Dadaísmo nació en Alemania y Suiza durante la Primera Guerra Mundial. una actitud de revuelta y de desprecio. El bigote y la inscripción obscena en la "Mona Lisa" ilustra perfectamente esta actitud. Los Dadaístas experimentaron diversos estilos artísticos. algunos de los cuales serían desarrollados posteriormente por los Surrealistas. No era tanto un movimiento artístico como una actitud. caracterizado por una avaricia inhumana y un ansia de poder. En el período de entreguerras.

El clima de libertad y de apertura al conocimiento de las corrientes internacionales estimuló la investigación y práctica de conceptos artísticos cuyo acceso fue posible en gran parte por la abundante información de actualidad que podía obtenerse a través de diarios y revistas y. Hoy en los muesos de Venezuela se exhiben obras importantes que reflejan la cultura artística de sus autores. Es importante rescatar esta cultura. Ese ambiente fue reforzado. para que ésta quede reflejada en la sensibilidad artística de sus autores. sobre todo. además.La Escuela de Artes Plásticas de Caracas jugó un papel decisivo para el rumbo que iba a tomar el arte venezolano. por la presencia en Venezuela de varios intelectuales y artistas allegados al país en calidad de inmigrantes. en estos momentos de gran trascendencia en la historia de Venezuela. sus sentimientos. pensamientos y opiniones. a través de la lectura de libros y monografías que circulaban de mano en mano en aquella época. El cese de hostilidades que puso fin a la II Guerra Mundial sirvió también para abrir las fronteras de nuestro país al afán de conocimientos que se apoderó de las generaciones que se levantaban en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas. aprovechando la oportunidad de temas de contenido social y político que ofrece el panorama actual. .

Sign up to vote on this title
UsefulNot useful