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Arte, culturas y estticas

Arte, culturas y estticas


Profesor: Juan Manuel Plana Sabatez Seleccin y desarrollo de textos: Juan Manuel Plana Sabatez
Parte I: Introduccin a las culturas y estticas contemporneas
1. La cultura 1.1. El sistema cultural y sus extensiones 1.2. El lenguaje 2. El arte y sus disciplinas 2.1. Quin determina qu es arte y qu no lo es? 2.2. El anlisis semitico de la imagen 3. Diferentes acepciones sobre moderno y contemporneo 3.1. Edades en la historia del hombre 3.2. Modernidad y posmodernidad 3.3. Arte moderno y arte contemporneo 4. El arte en la Edad Moderna 4.1. El Renacimiento 4.2. El Barroco 4.3. El Neoclasicismo

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Parte II: Arte, culturas y estticas en el mundo


5. El arte moderno 5.1. Quin fue el primer moderno? 5.2. Goya 5.3. Romanticismo 5.4. Realismo social 5.5. Rodin: la modernidad en la escultura 5.6. Impresionismo 5.7. Neoimpresionismo: el puntillismo 5.8. Post-impresionismo 5.8.1. Henri de Toulouse-Lautrec 5.8.2. Paul Cezanne 5.8.3. Paul Gauguin 5.8.4. Vincent Van Gogh 5.9. Modernismo 5.10. Las vanguardias histricas 5.10.1. Fauvismo 5.10.2. Expresionismo 5.10.2.1. Die Brucke (el puente) 5.10.2.2. Der Blaue Reiter (el jinete azul) 5.10.2.3. Nueva Objetividad 5.10.2.4. Expresionismo en Europa 5.10.3. Cubismo 5.10.4. Futurismo 5.10.5. Abstraccin 5.10.5.1. Abstraccin lrica

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Arte, culturas y estticas 5.10.5.2. Constructivismo ruso 5.10.5.3. Suprematismo 5.10.5.4. Neoplasticismo 5.10.6. Dadasmo 5.10.6.1. Marcel Duchamp 5.10.7. Surrealismo 5.10.8. Funcionalismo 5.10.8.1. Frank Lloyd Wright 5.10.8.2. Le Corbusier 5.10.9. Escuela de la Bauhaus 5.11. Pablo Picasso 5.12. Artistas modernos al margen de las vanguardias histricas 5.12.1. Marc Chagall 5.12.2. M. C. Escher 5.12.3. Henry Moore 5.13. El arte moderno en Latinoamrica 5.13.1. Jos Clemente Orozco 5.13.2. David Alfaro Siqueiros 5.13.3. Diego Rivera 5.13.4. Frida Kahlo 5.13.5. Joaqun Torres Garca 5.13.6. Cndido Portinari 5.13.7. Wilfredo Lam 6. La posguerra 6.1. Filosofa y arte de posguerra 6.2. Msica experimental. Jazz. Rock. 6.3. Expresionismo abstracto 6.4. Informalismo 6.5. Lucio Fontana 6.6. Francis Bacon 6.7. Op-art 7. El arte contemporneo 7.1 La dcada del 60 7.1.2. Pop art 7.1.2.1. Andy Warhol 7.1.3. La msica en los 60 7.1.3.1. Los Beatles 7.1.4. Minimalismo 7.2. La dcada del 70 7.2.1. Arte conceptual 7.2.2. Arte participativo 7.2.2.1. Ambientacin 7.2.2.2. Happenings 7.2.3. Otras tendencias 7.2.3.1. Instalacin 7.2.3.2. Arte povera 49 50 50 51 53 57 62 63 64 64 66 72 72 72 73 74 74 75 75 75 77 77 78 79 79 80 83 86 88 89 90 91 93 95 100 102 104 107 108 109 111 111 112 112 112 112

Arte, culturas y estticas 7.2.3.3. Land art 7.2.3.4. Arte cintico 7.2.3.5. Performance 7.2.3.6. Feminismo 7.2.3.7. Apropiacionismo 7.2.3.8. Hiperrealismo 7.2.4. La msica en los 70 7.3. La dcada del 80 7.3.1. El retorno de la pintura 7.3.2. La msica en los 80 7.4. La contemporaneidad 7.4.1. Sociologas contemporneas: la visin de Lipovetsky 7.4.2. La msica en los 90 y la dcada 00 7.4.3. Sobre el arte ms contemporneo 113 114 114 115 115 115 116 120 121 123 124 126 127 131

Parte III: Arte, culturas y estticas en Argentina


8. Introduccin: el carcter perifrico del arte argentino 8.1. Del perodo hispano a los primeros pintores criollos (s. XVII-XIX) 9. La Generacin del 80: el compromiso social del arte argentino 9.1. Eduardo Svori 9.2. Ernesto De la Crcova 9.3. Eduardo Schiaffino 9.4. ngel Della Valle 9.5. Lola Mora 9.6. Cndido Lpez 10. El Centenario: las corrientes impresionistas en la Argentina 10.1. Martn Malharro 10.2. El grupo Nexus 10.3. Fernando Fader 10.4. Po Collivadino 10.5. Rogelio Yrurtia 11. Las dcadas 1920-30: modernidad y arte 11.1. Emilio Pettoruti 11.2. Xul Solar 11.3. El grupo de Boedo: arte y crtica social. 11.4. El grupo de Pars 11.4.1. Lino Enea Spilimbergo 11.4.2. Raquel Forner 11.5. La escultura moderna: Alfredo Bigatti y Pablo Curatella Manes 11.6. El grabado moderno: tradicin y heterogeneidad 11.7. Pintores modernos al margen de agrupaciones 11.7.1. Benito Quinquela Martn 11.7.2. Ral Soldi 11.7.3. Florencio Molina Campos 12. Las dcadas 1940-50: el arte en los mrgenes del peronismo 12.1. El mural como nueva expresin artstica en Buenos Aires 12.2. Arte Concreto: la vanguardia invencionista

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Arte, culturas y estticas 12.3. Informalismo: el existencialismo y la experiencia vital en el arte 13. Msica tradicional argentina 13.1. Folclore 13.2. Tango 14. La historieta en Argentina 15. La dcada del 60: la vanguardia y la diversidad en el arte 15.1. El grupo Espartaco 15.2. El grupo Nueva Figuracin 15.2.1. Jorge De la Vega 15.2.2. Luis Felipe No 15.2.3. Ernesto Deira 15.2.4. Rmulo Macci 15.3. Alberto Greco 15.4. Arte cintico y ptico 15.5. El Instituto Di Tella: todo es arte 15.6. Tucumn arde 15.7. La msica argentina a fines de los 60 16. Antonio Berni 17. La dcada del 70: la violencia del discurso plstico 17.1. Len Ferrari 17.2. Juan Pablo Renzi 17.3. El arte conceptual argentino 17.4. Muerte y resurreccin de la pintura 17.4.1. Carlos Alonso 17.5. La msica argentina en los 70 18. La dcada del 80: democracia y posmodernidad 18.1. El arte visual en la dcada del 80 18.1.1. Guillermo Kuitca 18.2. La msica argentina en los 80 19. La dcada del 90: neoliberalismo y deslmite 19.1. El arte visual en la dcada del 90 19.2. La msica argentina en los 90 y la dcada 00 20. La dcada del 00: poscrisis e identidad nacional 20.1. El arte argentino despues de 2001 21. Anexo: artistas sanmartinenses 21.1. Carlos Ripamonte 21.2. Ceferino Carnacini 21.3. Helmut Ditsch 21.4. Adrian Giacchetti 158 161 161 162 164 168 169 170 171 172 173 174 174 177 178 181 182 184 189 190 193 195 197 200 202 204 205 207 208 212 213 218 222 222 227 227 227 228 228

Bibliografa

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Arte, culturas y estticas

Parte I: Introduccin a las culturas y estticas contemporneas


1. La cultura
La cultura est estudiada ltimamente como un fenmeno social. Pero a fines del siglo XIX, el trmino cultura estaba relacionado con las actividades del campo que luego pasaron a ser llamadas agroculturales o agrcolas. De acuerdo a la mayora de las definiciones, el trmino cultura est involucrando a casi todas las manifestaciones que el hombre produce y modifica en relacin con el medio social y la naturaleza, es decir, vinculado con la propia historia de la comunidad y por el tiempo que les toc vivir. Es todo aquello que el hombre hace, crea o desarrolla, sea material o espiritual, y que lo identifica como parte de un grupo humano determinado. Es una creacin colectiva, social, que existe en el espacio y en el tiempo, que se modifica con cada nueva accin, idea, actitud. Es expresin cultural tanto un vaso sagrado como un til de labranza, un concierto filarmnico como una cumbia villera, un coro polifnico como los cnticos de una cancha de ftbol, una artesana, un modo de cocinar o de vestir, el uso de un artefacto moderno, tomar mate, la ideologa, las normas tradicionales, la fe, el arte, las creencias, los deportes, las ciencias, etc. El trmino no establece jerarquas artsticas ni privilegia unas en relacin a otras, sino que cada cultura es quien le otorga el grado de significacin e importancia a sus expresiones culturales. Todo pueblo, salvaje o civilizado, ha modificado su ambiente en mayor o en menor grado. Ya sea con mtodos rudimentarios en un inicio o con conocimientos superiores despues, aportados por la ciencia y la tecnologa, es el hombre el factor decisivo de transformacin. Ya que hemos definido a cultura como todo aquello que el hombre hace, piensa o modifica, por otro lado se encuentra el medio natural no-tocado por la mano humana. Un ejemplo de ello es el cielo: el hombre no lo cre, y en ese sentido no es un hecho cultural sino natural. Pero el ser humano, en sus diferentes idiomas, invent una palabra que lo designa, y eso s es un hecho cultural. Como se ha mencionado, el trmino cultura sola ser ms restringido. Antes del siglo XX, la cultura europea era considerada como la mxima expresin del hombre, y era un parmetro a seguir para el resto de las expresiones culturales. Europa, en su expansin territorial, no solo crey que era superior a los demas pueblos del planeta, sino que transmiti esta visin a los pueblos sometidos, dndole categora cientfica a sus afirmaciones. El racismo que sirvi para justificar la esclavitud, en un principio, estaba basado en mitos. Los pueblos que padecieron la conquista y colonizacin, y se aculturaron o transculturaron, ven la cultura occidental hegemnica (ya sea europea o norteamericana) como la mejor: leen sus mismos libros, siguen su misma moda, escuchan su msica y se piensan a s mismos con sus valores. Esta forma de ver a Europa como cultura dominante es denominada etnocentrismo europeo o eurocentrismo. A la hora de definir etnocentrismo, podemos decir que es la tendencia a privilegiar determinadas formas culturales (sean propias o ajenas), atribuyendo a ellas superioridad sobre las dems, y considerandolas como el fundamento de la forma de ser y de las reacciones personales cuando se est en contacto con personas que pertenecen a otros grupos. Es decir, un etnocentrismo extremo puede derivar en la discriminacin o degradacin de aquel que no se amolda al parmetro personal. El nazismo, por ejemplo, consider a la raza aria como la superior, impulsando una poltica de exterminio masivo de judos y homosexuales, quienes no pertenecan a su ideal puro. Ya en el siglo XX, la antropologa cultural ofreci una nueva versin al trmino cultura, revalorizando las expresiones regionales o particulares. As, se habla casi como trmino opuesto a etnocentrismo- de relativismo cultural: se empieza a considerar a toda pauta cultural digna de respeto, y se la acepta o adopta. Las particularidades culturales sern, finalmente, la manifestacin concreta de cmo es una regin en determinado momento de su vida, que no pueden compararse con las de otra cultura o momento histrico. En esta postura, entonces, un concierto de Wagner, una obra de Piazzolla, una cancin de Charly Garca o el cover en guitarra criolla que realiza un joven en el tren son todas

Arte, culturas y estticas expresiones culturales vlidas, en las que cada una tiene un diferente origen y color que les identi fica, y no les da un carcter jerrquico. Para este tipo de anlisis y pensamiento, por supuesto, es necesario un juicio objetivo y estar abierto a diversos enfoques. El concepto de relativismo cultural decanta directamente en la idea de que no existe una cultura sino muchas (ya sea en el mundo o dentro del territorio de un mismo pas), y as surge el trmino de multicultura. Este multiculturalismo se inicia en la Revolucin Industrial, cuando surge la lucha de clases sociales, e inventos como el telgrafo, las radios, el cine y el desarrollo de los diarios, que favorecieron la comunicacin masiva. Ya a mediados del siglo XX, particularmente luego de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos se vuelve el principal polo cultural, y surge la televisin. Esta revolucin tecnolgica acelera el proceso de globalizacin cultural especialmente despues de 1990, cuando se desarrolla Internet. En culturas globalizadas e interdependientes como las que se viven en este siglo, las decisiones polticas o econmicas de las grandes potencias afectan necesariamente a los pases emergentes, pero tambien esa influencia cultural se da a traves de programas televisivos, noticieros, pelculas o tendencias musicales que describen el modo de ser de las potencias. Aculturacin o transculturacin es un trmino que refiere a esa invasin de una cultura hacia otra, generalmente por la fuerza. As como en Amrica hemos sido colonizados por Europa y, especficamente, en la zona de lo que era el Virreinato del Ro de la Plata por Espaa, ciertas costumbres y hbitos impuestos por los colonizadores aun prevalecen. Con obvias modificaciones, el legado espaol ms evidente es el de nuestro idioma, pero tambien hubo influencia en el gusto esttico, la arquitectura, las estructuras polticas, etc. En la contemporaneidad, la aculturacin tambien se da de manera ms encubierta, mediante los medios de comunicacin, las comidas y festividades extranjeras, y dems ejemplos que se filtran en nuestra cotidianeidad. Un ejemplo de esto es el uso del idioma ingles en nuestro pas, que ya es un saber indispensable, y que se introdujo en nuestra habla cotidiana, en algunos casos instalando palabras y trminos que son ajenos a nuestro idioma natal. De ese modo, con el avance de la globalizacin, las culturas regionales o nacionales, si bien ahora son tomadas en cuenta, con este proceso de invasin cultural suelen perder su identidad y sus caractersticas autctonas. En definitiva, el multiculturalismo termina siendo un arma de doble filo: por un lado acerca y nos permite conocer lo que antes era lejano, pero con el riesgo de perder las raices de nuestra propia identidad y de aquello que nos hace diferentes. Al trmino de multicultura, los socilogos, por su parte, aportan conceptos como el de subcultura, refiriendose a los diversos subgrupos culturales que integran una cultura ms grande. Si bien cada sociedad tiene caractersticas culturales que la diferencian de otras sociedades (tradiciones, modos de expresin, costumbres, etc), esta cultura no es uniforme: est integrada por subculturas que se distinguen por caractersticas de pertenencia a un grupo, cuyos integrantes comparten determinados rasgos, como pueden ser el origen, la historia, la edad, la clase social, etc. Una subcultura, entonces, es la cultura propia de una parcialidad o grupo dentro de una cultura ms amplia, que posee rasgos, costumbres o intereses distintivos, pero que en definitiva es parte de un conjunto mayor. Hay subculturas tnicas (los mapuches en el sur o los tobas en el norte de nuestro pas, por ejemplo, o bien los provincianos o paraguayos que inmigraron a la gran ciudad), y otras en base a afinidades econmicas, laborales y sociales, que van formando distintos grupos sociales que conforman a su vez subculturas. Dentro de la cultura occidental, encontramos la macrocultura latinoamericana, la subcultura rioplatense y las microculturas barriales o provinciales, por ejemplo. Las generaciones o edades al mismo tiempo constituyen otras subculturas, en las que se comparten cdigos en el idioma o en la forma de vestir, por ejemplo. La preferencia por una actividad, lase un equipo de ftbol o banda de rock, pueden determinar otro subgrupo. De esta manera, uno integra diferentes subculturas al mismo tiempo, y la cultura nacional sera el mbito de confluencia de las culturas y subculturas vigentes en un territorio nacional. Hay muchos rasgos de las sociedades que se mantienen sin grandes cambios en el transcurso del tiempo. Esta permanencia se debe en gran parte a la endoculturacin. Este trmino refiere a la experiencia de aprendizaje parcialmente consciente y parcialmente inconsciente a traves de la cual la generacin de ms edad incita, induce y obliga a la generacin ms joven a adoptar los mismos modos de pensar y de comportarse tradicionales. Por ejemplo, a los argentinos nos suele gustar comer carne y tomar mate, porque nacimos en Argentina y vivimos y recibimos nuestra endoculturacin en este pas. Si

Arte, culturas y estticas hubiesemos nacido en la India, donde las vacas son sagradas, obviamente no comeramos carne. Los conflictos generacionales surgen de la endoculturacin, provocando choques culturales ocasionados por la diferencia de edad entre padres e hijos, por citar un ejemplo. Las tradiciones paternas no siempre resultan aplicables a la situacin de los hijos, y as se producen los llamados abismos generacionales. Cabe destacar que al hablar de tradiciones no nos referimos a smbolos estereotipados de la cultura, sino al modo de pensar, sentir y actuar, y a costumbres propias de una cultura especfica. Fundamentalmente, es el idioma la base cultural que origina toda comunicacin humana, y el primer y principal rasgo endocultural que recibimos del medio en que nacemos. Esto lleva al concepto de identidad cultural, del cual se puede decir que es la conciencia que se tiene como integrante de una historia, de un pueblo, de un proyecto. La conciencia que tiene un pueblo de su existencia como tal. Es decir, sera el patrimonio cultural exclusivo de un grupo humano, de un pueblo, de una comunidad, de una regin, de un pais o de una nacin. Hoy en da se admite que la idea de nacin es una construccin de quienes tienen la voluntad de integrarla. Se construye sobre la conciencia de tener un pasado en comun, un idioma compartido por la mayora y otras caractersticas culturales comunes.

1.1. El sistema cultural y sus extensiones


Como ya se ha dicho, la cultura de un pueblo es todo lo que ha sido creado por los seres humanos y que transmitido de generacin en generacin recibe a su vez la influencia de otros pueblos, intercambiando pensamientos, instrumentos, formas de encarar la vida, valores y tradiciones. En las culturas de los distintos pueblos que conforman la humanidad se reconocen extensiones en la ciencia, la moda, el mito, la religin, la organizacin social, los valores morales, el lenguaje y el arte. - La ciencia se define como el conocimiento cierto de las cosas por sus principios y causas. Comprende el conjunto sistematizado de distintas ramas del saber: ciencias exactas (matemtica, aritmtica, fsica, qumica), ciencias humanas (psicologa, antropologa, historia), ciencias naturales (botnica, geologa), ciencias sociales (economa, poltica), ciencias del lenguaje o lingusticas (que recibe y aprovecha los aportes de muchas ciencias, como la esttica, la semiologa, la filosofa, la lgica, la sociologa, etc) - La moda designa al conjunto de gustos y modos de una poca que, en permanente cambio, se manifiesta especialmente en las vestimentas, el moblaje, las costumbres y expresiones artsticas. A partir de la Revolucin Francesa adquiere importancia como elemento de transformacin, posee las siguientes caractersticas: estar en constante modificacin; expresar cierta superficialidad; y favorecer la diferenciacin de los individuos, sin distincin de edad, sexo o posicin social. - El mito, expresin de la imaginacin colectiva de los pueblos, en su afn de explicar los fenmenos de la naturaleza, se construyeron en el mbito de la ficcin donde personajes sobrenaturales (dioses y semidioses) desarrollaban actividades que influan directamente sobre los hombres. El mito es un elemento esencial de la civilizacin humana, una realidad viviente a la que siempre se recurre. No es fcil establecer un lmite entre mito y religin, ya que en el curso de su historia la religin permanece conectada con elementos mticos y por otro lado el mito, desde sus comienzos, es religin potencial. Los egipcios, por ejemplo, inventaron muchos, siendo el mito de Osiris el ms clebre. - La religin, producto de diversos grupos humanos cuyas caractersticas y evolucin se hallan estrechamente vinculadas a los de las culturas que representan, puede definirse como el conjunto de creencias o dogmas acerca de la divinidad y de las prcticas rituales para tributarle culto. Esta actitud implica el reconocimiento de un poder sobrenatural, un sentimiento de dependencia y respeto que de ellas emana, y el sistema de relaciones entre divinidad y creyentes. A traves de mitos, smbolos, revelaciones, profecas, organizacin social y legislacin, manifiestan su influencia en todos los momentos de la vida humana: la poltica, la moral, el derecho, el arte, la literatura. - La organizacin social puede definirse como un sistema social conformado por individuos o grupos de individuos que, dotados de recursos y dentro de determinado contexto, desarrollan regularmente un conjunto de tareas orientadas por valores comunes para concretar los objetivos establecidos por quienes constituyen la organizacin. Sus miembros se interrelacionan por medio de las actividades que desarrolla 7

Arte, culturas y estticas la organizacin y sus sistemas permiten la interrelacin con su entorno: poltico, socioeconmico, religioso, educativo, etc. - Los valores morales son otra extensin cultural. El trmino valor, de dificil definicin, en el campo de las ciencias sociales, significa aquello que orienta y motiva la conducta de un sector social, es pues, una entidad colectiva de ndole social. Cuando una cosa posee un valor, se constituye un bien, aunque ambos conceptos no llegan a ser sinnimos. Los valores morales son de ndole obligatoria, implican un deber-ser, una necesidad que puede verse desobedecida y por eso hay actos inmorales- pero que, de derecho, son de exigencia inevitable, que se manifiesta en nuestra conciencia. - El lenguaje y el arte seran motivo de un estudio ms profundo, destacado a continuacin.

1.2. El lenguaje
El lenguaje es el instrumento humano ms adecuado para establecer la comunicacin. Es tambien medio de expresin, de interaccin social y de produccin potica y, como tal, tambien del arte. Tambien los animales se comunican entre s, pero el hombre, al usar palabras, nombrar objetos, incorpor un cambio cualitativo: interpuso entre el objeto percibido y su reconocimiento, un nombre que lo designa. La palabra se convierte en el smbolo de la cosa, y ese conocimiento puede ser compartido con otros hombres. Cuando el nio comienza a hablar y a nombrar cosas se abre el camino para tomar contacto con el mundo objetivo, luego podr expresar su pensamiento a traves del lenguaje. As, los lenguajes determinan en forma inconsciente la estructura del pensamiento, que interviene en la constitucin de la personalidad y de la conciencia. El lenguaje transmite mensajes e ideas, y por su condicin simblica consta de dos elementos: sonido y significado. El primero pertenece al mbito de la materia, esencialmente al mundo fsico y fisiolgico y, por lo tanto, sigue sus reglas. El segundo, se sumerge profundamente en el alma misteriora del hombre y refleja su vida, sus deseos, sus dudas, sentimientos artsticos y pensamiento lgico. Cada comunidad crea y modifica un lenguaje segn su entorno y su necesidad, y el nombre con que designa algo es una especie de metfora para describir la cosa nombrada. Por ejemplo, la palabra luna en griego (men) denota la funcin de sta para medir el tiempo, mientras que la palabra latina (luc-na) indica su luminosidad. Por eso las traducciones de un idioma a otro nunca son exactas, ya que se pierde esa intencin que ha dado origen a la palabra. Tambien hay palabras que pertenecen a otros idiomas/culturas y no poseen traduccin exacta en otros. Un ejemplo son trminos y siglas norteamericanas como mp3, dvd, flash, que se introdujeron en nuestra cotidianeidad y as generan una especie de aculturacin de nuestro idioma. Tanto el arte, como la ciencia, la religin y el lenguaje son sistemas simblicos que se complementan y constituyen aspectos esenciales de la cultura, del universo simblico de la humanidad. La estructura de cada uno de estos sistemas pueden entenderse como un todo entrelazado por un vnculo comn, ya que todas se reducen a un mismo origen: el surgimiento del pensamiento simblico.

2. El arte y sus disciplinas


Como la ciencia o la religin, el arte tambien es un lenguaje que constituye aspectos esenciales de la cultura, del universo simblico de la humanidad. El arte es una representacin de la realidad, un fenmeno de comunicacin simblica. Es el acto de crear smbolos comunicativos a partir de una actitud esttica de juego. Se vale para ello de distintos lenguajes, que surgen de -y apuntan a- las capacidades de expresin y comunicacin de los distintos sentidos humanos. Hay lenguajes artsticos que se dirigen a dos o varios sentidos a la vez, como la danza, el teatro, la pera o el cine. Hay gran cantidad de definiciones del trmino arte, que corresponden al cundo, al dnde, y al cmo se lo refiere. En lenguaje comn, arte puede ser el conjunto de reglas que ensean o ayudan a hacer bien una cosa. En este sentido, un gol de Maradona o la tarta de atn de mam pueden ser una obra de arte. En un lenguaje esttico, el sentido de arte adquiere particular dimensin al expresar la

Arte, culturas y estticas produccin de obras simblicas realizadas por el hombre, con los medios que dispone: la palabra, el sonido, el color, las piedras, los metales, etc. El arte puede ser un hecho colectivo pero siempre parte de una conciencia, una percepcin y una sensibilidad individuales. El arte tambien est sujeto al devenir histrico de la cultura en que surgi. En ese sentido, las pinturas rupestres del Paleoltico Superior (de hace aprox. 20.000 aos) representan escenas de animales y figuras humanas con mscaras, imgenes que cumplian una funcin ritual y mgica, ms que una esttica. Ms recientemente, en los 60, Antonio Berni creara el personaje de Juanito Laguna, que es un arquetipo de una realidad argentina y latinoamericana. El personaje no solo forma parte simblica del artista, sino que es una representacin palpable de la realidad de ese (y este) momento histrico, y que Berni utiliza para sacudir la conciencia de la gente. Para ello, Berni utiliza una esttica en sus pinturas que refuerza su mensaje plstico, y lleva a una reflexin profunda. En los ejemplos mencionados, las pinturas rupestres hablan del rol mgico/ritual del arte, mientras que en Berni muestra el rol social y el compromiso que el artista tiene como portavoz de la cultura en que vive, como se ver ms adelante. Hemos mencionado algunas veces a la esttica, la cual es considerada como una filosofa del arte que investiga sobre el conocimiento sensible (es decir, aquello que percibimos con los sentidos), y sobre el estudio de cmo surge la determinacin de cierto gusto esttico en cada sociedad. O sea que habla de la cualidad esttica y de los programas estticos que se plantean en cada poca. La esttica es un sello cultural, que corresponde a un gusto popular determinado. El sentimiento esttico es la respuesta emocional que se produce en el ser humano frente a la belleza. Estos sentimientos estticos estan presentes en todos los aspectos de la vida de la gente: desde una puesta de sol, hasta en la eleccin de los colores de las paredes de una casa, la moda, el diseo de los objetos industriales, la publicidad, etc. Por eso, la esttica se relaciona ntimamente con el momento cultural en que el sentimiento se produce. Podramos definir belleza como idea de una cualidad particular, completa y exquisita armona en cuanto a proporcin de formas, que produce deleite puro y desinteresado. Se manifiesta en diferentes grados en progresin ascendente: lo agradable (que no llega a producir emocin), lo lindo (ms armnico y regular, en expresin, gracia y encanto), lo bello (con mayor armona de forma y fuerzas expresivas que infunden deleite espiritual) y lo sublime (grado excepcional de armona y de fuerzas, asociado en muchos casos a la inmensidad de la naturaleza en comparacin con el hombre). La esttica estudia y reflexiona sobre la belleza en las artes, de sus caractersticas objetivas y subjetivas, y de su relacin con la cultura en la que est inmersa. En el caso de las artes visuales, algunos de estos esquemas estticos trascendieron sus propias pocas, como el modelo renacentista. ste establece una serie de cnones y de dogmas estilsticos que se sostienen hasta hoy, y es muy complejo instalar otro modelo. A principios del siglo XX, en Alemania, surgi el movimiento expresionista, cuyos artistas lograron transformar las imgenes a traves de su emocin, sin importarle las soluciones tcnicas que se le daba al mensaje. Como anteriormente se ha mencionado, en Argentina es Antonio Berni, con sus collages de Juanito Laguna y Ramona Montiel, quien obliga al espectador a hacer una segunda lectura del cono, en donde no vemos a las texturas solo como un hecho esttico (metales, caucho, arpillera, juguetes, cartn, etc, pegadas en la pintura), sino que su mensaje pasa a identificarse solidariamente con determinada clase social. As, el artista se transforma en un portavoz de la cultura en la que vive: su obra y por ende- su esttica es un testimonio del momento histrico en el que est inmerso, y su obra representa una ventana a esa realidad. El artista es el repartidor y espejo de las emociones, porque es quien refleja hacia los demas la emocin que est sintiendo en el momento en que ve lo que quiere mostrar. Actualmente, la clasificacin de las distintas disciplinas de las bellas artes es la siguiente:

Arte, culturas y estticas

1) Arquitectura
Para los antiguos griegos el arquitecto es el jefe o el director de la construccin y la arquitectura es la tcnica o el arte de quien realiza el proyecto y dirige la construccin de los edificios y estructuras. La arquitectura no se basa en la construccin en si, sino ms bien en los vacos y la adaptacin de estos a travs de la interpretacin de ellos mismos al convivir con el ser humano. En una definicin renacentista, el arquitecto ser aquel que con un mtodo y un procedimiento determinados y dignos de admiracin haya estudiado el modo de proyectar en teora y tambin de llevar a cabo en la prctica cualquier obra que, a partir del desplazamiento de los pesos y la unin y el ensamble de los cuerpos, se adecue, de una forma hermossima, a las necesidades ms propias de los seres humanos. En palabras del escultor Le Corbusier, la arquitectura est ms all de los hechos utilitarios. La arquitectura es un hecho plstico. (...) La arquitectura es el juego sabio, correcto, magnfico de los volmenes bajo la luz. (...) Su significado y su tarea no es slo reflejar la construccin y absorber una funcin, si por funcin se entiende la de la utilidad pura y simple, la del confort y la elegancia prctica. La arquitectura es arte en su sentido ms elevado, es orden matemtico, es teora pura, armona completa gracias a la exacta proporcin de todas las relaciones: sta es la funcin de la arquitectura

2) Danza
Es el teatro no hablado, en el que el propio cuerpo es el soporte concreto de la expresin artstica. Es la ejecucin de movimientos utilizando la msica con el cuerpo, los brazos y las piernas, con carcter ldico, religioso o artstico. Es una forma de expresar nuestros sentimientos y emociones a travs de gestos finos, armoniosos y coordinados, la transformacin del esfuerzo en gracia. La danza es movimiento, y posee elementos fundamentales para que se le considere una pieza artstica: ritmo, expresin corporal, movimiento, espacio y color. Dependiendo del estilo de la danza, habr un predominio de alguna de estas partes sobre las otras. Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el equilibrio esttico que es el ballet clsico, sino que se imprime una intencin determinada se complementa con el que podemos denominar adicionales no danzantes. stos son cuatro: mmica, gesto simblico, canto y palabra. La danza sirve para desarrollar los sentidos, la percepcin, la motricidad y la integracin de lo fsico y psquico de la persona.

3) Escultura
Se denomina as al arte en que se talla, se modela, se esculpe y/o se pule el volmen y el espacio, en determinado material (sea mrmol, madera, metal, etc) para generar una imagen esttica. La evolucin de la escultura se remonta al origen del hombre, cuando en barro, arcilla o madera se modelaban utencillos funcionales o imgenes rituales. En la Edad Media, junto con la pintura, la escultura fue un motor comunicativo y se relacion directamente con la cotidianeidad de la sociedad. Las esculturas en esta poca se relacionan directamente (en algunos casos indivisiblemente) con la arquitectura. Sera recien en la modernidad cuando la escultura cobra autonoma como arte. Entre los materiales ms comunes para esculpir se encuentran la arcilla, yeso, piedra, hierro y madera, y en la contemporaneidad se incluyen nuevos materiales como la resina polister, goma, caucho, vidrio, luz, etc. Existen dos tipos de escultura: la escultura ornamental, que se relaciona directamente con la arquitectura y tiene una funcin relativa a sta, y la estatuaria o escultura propiamente dicha. En este ltimo caso, la escultura cobra un significado propio, y segn su forma puede ser de relieve (adherida a alguna superficie, por lo que tiene un solo punto de vista, como los bajorrelieves) o de bulto entero (aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista a su alrededor).

4) Msica
Segn el diccionario de la Real Academia Espaola, puede definirse a msica como meloda, ritmo y armona, combinados o arte de combinar los sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, de suerte que produzcan deleite, conmoviendo la sensibilidad, ya sea alegre, ya sea tristemente. Es organizar sensible, lgica y coherentemente los sonidos para generar nuevas formas estticas. Es un sonido artificial, puesto que es un producto netamente humano. Segn el compositor 10

Arte, culturas y estticas impresionista Claude Debussy, la msica es un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor. La msica se compone de meloda (conjunto sucesivo de sonidos con identidad propia), armona (dada por el acorde y los enlaces entre sonidos), mtrica (pauta de repeticin de silencios, sonidos fuertes y dbiles en la composicin) y ritmo (tempo, dinmicas, timbres, texturas, etc). Respecto a los msicos, pueden ser compositores, ejecutantes o ambas cosas. El fin de este arte es suscitar una experiencia esttica en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La msica es un estmulo que afecta el campo perceptivo del individuo; as, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicacin, ambientacin, etc.).

5) Pintura
La pintura artstica es la rama de las bellas artes que consiste en generar imgenes estticas esparciendo pigmentos diversos, mezclados con sustancias orgnicas o sintticas, en un plano. Se basa principalmente en el estudio del color y la luz, como as tambien composicin, equilibrio, ritmo, forma y valor. Segn Rembrandt, el pintor persigue la lnea y el color, pero su fin es la Poesa". Dentro de las tcnicas pictricas se hallan el leo, acrlico, tmpera, gouache, acuarela, temple, pastel, tinta (aunque las dos ltimas tambien pueden considerarse como tcnicas de dibujo), fresco, aerografa, etc. Se denomina tcnica mixta cuando se combinan 3 o ms de las tcnicas mencionadas. Segn el procedimiento tcnico elegido se utilizan instrumentos como pinceles o esptulas, o el mismo cuerpo humano. La pintura tradicional se efecta sobre un plano bidimensional, sea papel o tela, pero en la contemporaneidad se incursiona sobre nuevos soportes.

6) Poesa (y Literatura en general)


La poesa es un gnero literario. Tambin, es encuadrable como una modalidad textual (esto es, como un tipo de texto). Es frecuente, en la actualidad, utilizar el trmino poesa, para referirse a un texto con combinaciones rtmicas de palabras, que poseen una funcin e intencin esttica. La versificacin propia de la poesa tiene en cuenta la extensin de los versos, la acentuacin interna y la organizacin en estrofas. La rima (coincidencia de las slabas finales en versos subsiguientes o alternados) es otro elemento del ritmo, y aunque la poesa del siglo XX ha prescindido de la mtrica regular y sobre todo de la rima, la aliteracin, la acentuacin y, a veces, la rima asonante, mantienen la raz musical del gnero potico.

7) Cine
La cinematografa es una de las ms recientes artes, que consiste en la proyeccin de fotogramas a gran velocidad, que provocan en el ojo humano una ilusin de movimiento. El cine nace en 1895, cuando los hermanos Lumiere hicieron la primera proyeccin cinematogrfica pblica. En un inicio solo dispona de imagen, y el sonido o la msica alusiva a la cinta se interpretaba en el momento, en la sala, por msicos o actores. El sonido incorporado a la imagen cinematogrfica recien se incorpora en 1927, con la obra el cantor de jazz. En su evolucin, se distinguieron distintos tipos de cine, cada cual con su propio lenguaje: de animacin, independiente, documental, experimental, de autor, etc. A su vez posee diferentes gneros acordes a su intencin narrativa: drama, accin, suspenso, etc. Debido a la diversidad de pelculas y a la libertad de creacin, es difcil definir qu es el cine hoy, siendo muy complejo delimitar la calidad artstica de una produccin cinematogrfica.

8) Fotografa
Se denomina as al proceso de capturar imgenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basndose en el principio de la cmara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeo agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamao de la imagen queda reducido y aumentada su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cmaras fotogrficas utilizaban hasta hace algunos aos exclusivamente la pelcula sensible, mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales en la nueva fotografa digital . La fotografa nace en Francia en el momento de trnsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por 11

Arte, culturas y estticas las innovaciones tcnicas de la poca. En 1816 Nipce obtiene la primera imagen negativa sobre papel con una cmara oscura. En 1839 se divulga pblicamente el descubrimiento del daguerrotipo, copia nica hecha sobre una emulsin o soporte metlico, generalmente de cobre. Al ao siguiente, Talbot inventa el primer negativo. En 1888 se inventa la cmara porttil, haciendo popular a las fotografas, y a principios del siglo XX aparece la fotografa color. Con el desarrollo histrico, ademas de su funcin documental y cientfica, la fotografa cobr autonoma artstica, siendo considerada una ms de las bellas artes.

9) Historieta
Tambien llamado comic, Scott McCloud lo definira de la siguiente manera: ilustraciones yuxtapuestas y otras imgenes en secuencia deliberada con el propsito de transmitir informacin u obtener una respuesta esttica del lector. Su origen se remonta a antes de la fotografa y el cine (ya haba humoristas grficos en el siglo XVIII), pero la historieta fue tomada durante mucho tiempo como un subproducto cultural, apenas digno de otro anlisis que no fuera el sociolgico. Antes, el comic era una parte de los tabloides y peridicos, y se les asociaba con un mero entretenimiento o distraccin. Pero desde la dcada de 1960 se asiste a su reivindicacin artstica, considerandosela parte de las bellas artes. Poco a poco la historieta hall su propio lenguaje e intencin esttica, y consigui una autonoma como arte. Su variedad de temas, gneros, personajes e historias la hacen ser pariente cercana del cine, con las obvias diferencias estticas entre ambas disciplinas. Las historietas suelen realizarse sobre papel, o en forma digital (e-comic, webcmics y similares), pudiendo constituir una simple tira en la prensa, una pgina completa, una revista o un libro (lbum, novela grfica, etc). Han sido cultivadas en casi todos los pases y abordan multitud de gneros.

2.1. Quin determina qu es arte y qu no lo es?


Esta pregunta y su respuesta est ntimamente ligada al momento histrico cultural en el que el arte se desarroll. Cuando hablamos de arte en la Edad Antigua o en la Edad Media hay que aclarar que, en ese momento, no haba una conciencia de obra de arte. Ser recien en la Edad Moderna cuando la produccin esttica de los perodos anteriores seran sealados como arte. Pero mientras, en la Antigedad y el Medioevo las representaciones estticas sean pictricas, escultricas, musicales o teatrales, por citar algunos ejemplos- tenan una funcin ritual, comunicativa, divina o religiosa; es decir, el arte era objeto de culto. Las pinturas rupestres estaban ntimamente asociadas a un pensamiento mgico, y no tenan una conciencia artstica. Del mismo modo, las representaciones de santos o episodios religiosos del Medioevo eran un modo de comunicarle visualmente a los fieles el credo que practicaban. En estos casos, el arte est legitimado por el mito o la religin. La elaboracin de estas producciones estticas eran de carcter colectivo (generalmente los artistas no fir maban la obra) y su recepcin era colectiva, pues tenan una funcin netamente comunicativa. Mientras el arte fue representativo, antes de la Revolucin Francesa, fue la Iglesia, la nobleza o la monarqua quien designaba qu era arte y qu no lo era. En el Barroco, por ejemplo, las pinturas de Caravaggio fueron criticadas por la Iglesia, por su realismo excesivo que no representaba la divinidad de los personajes. Poderes polticos tambien determinaron qu es arte, haciendose retratar a s mismos por artistas que, de ese modo, eran avalados por el rgimen de turno. La produccin de obra en este momento ya es individual, por lo que surge la idea de artista, en contraposicin con el momento anterior, en que el productor de obra era un artesano o un portavoz de algo superior. En el Renacimiento, incluso, la idea de artista estaba asociada directamente con la de genio. La recepcin de la obra tambien se da a nivel colectivo, pues representa el ideal artstico-comunicativo que quien avala (Iglesia-poder poltico) quiere hacerle llegar al pblico. Luego de la Revolucin Francesa, estamos hablando de la Edad Contempornea y los valores de la modernidad. La representacin ya no es exacta, sino que se representa a nivel subjetivo, segn como el artista modifique la realidad, en base a su bsqueda artstica. La perspectiva en la imagen se modifica, y los temas de las obras son los medios con que se producen. Es decir, lo trascendente no es qu decir, 12

Arte, culturas y estticas sino cmo decir. Este momento se inicia con el romanticismo, pero se acenta fuertemente con las llamadas vanguardias histricas de principios del siglo XX. Con la aparicin del mercado de arte en el siglo XIX y su fortalecimiento en el siglo XX, ste es quien, en parte, determina qu es arte y qu no, pero ademas condiciona en gran medida a cmo se va a hacer arte. Los marchands (una suerte de managers de artistas que se encargan del comercio de obra), las galeras y el pequeo mercado de arte, influyen directa o indirectamente la produccin esttica de poca. La legitimacin de obra en la modernidad se da por los grandes relatos: aquellas filosofas de turno que determinaban hacia dnde se orientar la intencin artstica, sea el positivismo, el existencialismo, etc. A nivel nacional, la obra de arte argentina hallaba su modelo en aquello que suceda en Europa, por lo cual podemos considerar al arte argentino como perifrico: la concepcin eurocentrista del arte local influy directamente en qu se haca ac, y por ende en qu era y qu no era arte. La produccin, nuevamente, es a nivel individual, pero la recepcin es a nivel individual. Ya no hay un arte cercano a la praxis vital del hombre. Al modificarse la representacin y no tener una intencin comunicativa, la obra es, y ya no le interesa ser comunicativa a nivel masivo. En un sentido ms atomizado, es el mismsimo artista quien manipula a placer el concepto de qu es arte, y en su obra esa subjetividad de ve reflejada. Luego de la segunda posguerra, ya hablando de arte contemporneo, es la llamada institucinarte quien legitima obra. Segn el terico Peter Burger, la institucin-arte es el aparato de produccin y distribucin- de las obras de arte y las ideas que de stas se tiene, y que determina la recepcin de las mismas. La institucin-arte engloba, entonces, al museo, galeras, tericos, crticos, marchands, mercado artstico y los artistas tambien. En este perodo iniciado con el expresionismo abstracto, hay una cierta crtica a las instituciones artsticas, pero finalmente fueron ellas quienes avalaron la obra, le pusieron un precio, la distribuyeron y la legitimaron. En la posmodernidad la recepcin de obra nuevamente es colectiva, y la produccin es individual y en algunas ocasiones como en los happenings, por ejemplo- es colectiva. En ltima instancia, tambien es el espectador quien, con las competencias y conocimientos adecuados, determina el valor de la obra presentada.

2.2. El anlisis semitico de la imagen


El arte visual posee su propio lenguaje comunicativo. Pero para que ese lenguaje resulte explcito, debe existir entre el emisor (el artista) y el receptor (el espectador) un acuerdo, un cdigo comun que haga factible el reconocimiento de los smbolos de la obra. Algunos autores sostienen que toda obra posee una estructura simblica donde se puede reconocer los sentimientos y las formas que el artista ha querido reflejar en ellas. Ese acuerdo visual buscaba hacer ms realista y verosmil las imgenes representadas. Es por este motivo que el esquema esttico del Renacimiento ha trascendido tanto: el realismo natural de las figuras lo transforma en una imagen de fcil lectura, en comparacin con, por ejemplo, el arte abstracto. Otros autores hablan de un tercer espacio, definido como un no-tiempo: un momento dialctico entre la obra y el espectador, en el que se genera algo o no. Lo determinan, por un lado, las intensidades que emana la obra, y por otro el conocimiento que tiene el espectador. Mientras ms se conoce o se estudia el arte, o cuando se tiene un dato de vital importancia para entender o sentir la obra, se extiende un tercer espacio ms amplio, no tan restringido, y hay ms probabilidades de que la obra provoque algo en el espectador. La obra Guernica de Picasso puede, a aquel que no est en un habitual contacto con arte visual, parecerle horrible, o gustarle pero no entender a qu refiere. Un tercer espacio de este tipo ser ms limitado que el del espectador que entiende la esttica de Picasso, o que conoce el dato histrico en que se gest la obra y sabe que remite al bombardeo de la ciudad de Guernica en el contexto de la Guerra Civil Espaola. En este caso, la obra se comprender y contextualizar de una manera ms amplia. A traves de varios autores, se puede hacer un anlisis semitico de cada obra de arte mediante tres momentos de anlisis. Cualquier obra de arte visual, segn Ernest Gombrich quien es considerado el

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Arte, culturas y estticas padre de la semitica- permite 3 lecturas, de las cuales habitualmente solo nos quedamos con la primera. Estas lecturas son: 1) Lectura descriptiva de la imagen, o primera lectura: este primer nivel de anlisis permite valorizar las imgenes que el artista nos est mostrando. En este primer anlisis no sabemos quien es el autor, cuando se hizo la obra ni qu es lo que quiere significar. Simplemente se describe lo que se ve, o sea, nuestras percepciones visuales. Por ejemplo: en el centro de la composicin se ve a una mujer semidesnuda que avanza hacia adelante con un fusil en su mano izquierda y alzando la bandera francesa en su mano derecha. A su lado, un nio con una boina y un revolver en cada mano. Detrs de la mujer, un burgues con una escopeta, un trabajador con un sable, y una muchedumbre de fondo. En el suelo, una pila de cadveres semi-desnudos, y una mujer que est a los pies de la primer mujer, observandola, intentando levantarse. En un plano secundario, detrs, hay fuerzas militares y edificios de la ciudad envueltos en el humo del combate. 2) Lectura referencial, o segunda lectura: en este momento ya sabemos quien es el autor y el tema de la obra. En esta lectura se especifican todos los datos propios del autor y la obra: ttulo, medidas, tcnica utilizada, ao de ejecucin, en qu museo se encuentra expuesta, etc. Se agregan tambien datos histricos que sean vitales para la comprensin de la obra. Siguiendo la descripcin realizada en la primera lectura, continuaremos analizando la misma obra: el autor de la obra es el pintor del romanticismo Eugne Delacroix. La obra se llama la libertad guiando al pueblo, es un leo sobre tela cuya medida es 2,59 m x 3,52m, y fue pintado en 1830. Actualmente se halla expuesto en el Museo del Louvre, en Pars, Francia. Como dato histrico, se puede agregar: la pintura representa los levantamientos populares en Pars del da 27 de julio de 1830, cuando el rey Carlos X suprimi la libertad de prensa. Este levantamiento, que desemboc en revolucin, fue un intento por poner fin a la monarqua borbnica representada por Carlos X, para que la burguesa acceda al poder. El cuadro muestra todas las clases sociales, puesto que todas participaron en el levantamiento. 3) Lectura significativa, o tercera lectura: en este nivel de lectura se estudian todas las posibilidades del mensaje del artista, para que le encontremos significados. Es el momento de saber qu es lo que quiso decirnos el artista con su obra. Se realiza un estudio de los smbolos que se hallan en la obra, incluyendo las percepciones subjetivas. Continuando con el anlisis de la libertad guiando al pueblo, se pueden encontrar muchsimos significados. Un ejemplo de este nivel de anlisis: la imagen del cuadro tiene una estructura piramidal, cuya cspide es la bandera francesa y quien la lleva: la mujer que representa a la Libertad. Completando los lados del tringulo, se haya, a la izquierda, el burgues (presuntamente el mismsimo Delacroix), representando el progreso, y a la derecha el nio, representando el futuro. Este triangulo sirve para mostrar la jerarqua de los participantes, siendo la Libertad lo ms importante en la composicin. La Libertad lleva un pecho desnudo y ropas humildes, haciendola ms humana y participante del pueblo. Las armas que lleva cada protagonista de la obra tambien poseen un nivel

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Arte, culturas y estticas jerrquico: desde el fusil, pasando por los revlveres y los sables, hasta las piedras, como muestra un hombre que est agazapado a la izquierda de la composicin. Se puede trazar una lnea de vivos y muertos: debajo de los pies de la libertad estan los cadveres, y arriba los vivos, que se alzan. Esta lnea casi coincide con la base del tringulo, y en el medio de ella se halla la mujer que intenta ponerse de pie, que est moribunda. Si partimos el cuadro con una diagonal, se puede ver una zona oscura y una zona clara, y que los personajes se dirigen todos hacia esa zona clara. Por ltimo, los colores de la bandera francesa se hallan presentes en pequeos acentos de color, y hasta en las mismsimas nubes del cielo. As, se puede continuar buscando significados que esten en la obra, o que sean de interpretacin personal.

3. Diferentes acepciones sobre moderno y contemporneo


En rasgos generales, la historia de la humanidad puede dividirse en cuatro etapas: la Edad Antigua, la Edad Media, la Edad Moderna y la Edad Contempornea. Sin embargo, cuando estudiemos la modernidad o la posmodernidad, estos conceptos tienen un fundamento social e ideolgico que no necesariamente se aplican a las edades antes citadas. As mismo, el arte moderno posee una concepcin de pensamiento moderno, pero no se lo enmarca en la Edad Moderna, sino en la Edad Contempornea. Y si bien esta edad inicia con la Revolucin Francesa de 1789, al arte contemporneo, tambien llamado posmoderno o poshistrico, se lo ubica cronolgicamente de 1970 en adelante. Realizaremos las caracterizaciones de cada uno de estos perodos histricos y modelos de pensamiento a continuacin.

3.1. Edades de la historia del hombre


- La Edad Antigua o Antigedad refiere al surgimiento y desarrollo de las primeras civilizaciones humanas. La escritura, la organizacin poltica, las primeras ciudades, los estratos sociales, los conceptos de ciudadana y libertad personal, por citar algunos ejemplos, son aquellos hitos histricos que aparecieron en esta Edad y la caracterizan. La Antigedad Clsica se localiza en el momento de plenitud de la civilizacin grecorromana (siglo V a. C. al II d. C.) o en sentido amplio, en toda su duracin (siglo VIII a. C. al V d. C.), considerando al ao 476 d. C. (cada del Imperio Romano de Occidente) como su final. - La Edad Media o Medioevo: tomando al ao 476 como su inicio aproximado, la Edad Media se extiende hasta mediados del siglo XV. Algunos historiadores datan, como final de ese perodo, al ao 1453 (cada del Imperio Bizantino e invencin de la imprenta) o al ao 1492 (descubrimiento de Amrica). La organizacin poltica y social se bas en el sistema feudal, y se sustituy la cultura clsica por una postura teocntrica, sea cristiana o islmica segn la civilizacin que se estudie. Sera un periodo dominado por el aislamiento, la ignorancia, la teocracia, la supersticin y el miedo alimentado por la inseguridad endmica, la violencia y la brutalidad de guerras e invasiones constantes y epidemias apocalpticas. Se presenci el inicio de la vida urbana en contraposicin a la rural, y la clara divisin entre el mundo cristiano y el islmico. Con respecto al arte, podemos decir que es fundamentalmente de tema religioso, y en el medioevo no haba conciencia de arte o de artista, sino que en la edad moderna se les da a estas piezas una categora artstica. La arquitectura de una iglesia, una pintura o una escultura de tema sacrorreligioso era un cono, un dolo, una representacin divina, pero no arte: tenan una funcin ritual, y en muchos casos los artistas-artesanos-ejecutantes no firmaban la obra. Dentro de los estilos artsticos medievales, podemos destacar al romnico y al gtico. - La Edad Moderna o Modernidad: tercera etapa de la historia de la civilizacin occidental, la Edad Moderna sera el periodo en que aparecen los valores de la modernidad (el progreso, la comunicacin, la razn) frente al periodo anterior, la Edad Media, que generalmente se la identifica como una edad oscura o parntesis de atraso, aislamiento y oscurantismo. El espritu de la Edad Moderna buscara su referente en un pasado anterior, la Edad Antigua identificada como poca clsica. Su fecha de inicio coincide con la toma de Constantinopla en 1453, la invencin de la imprenta de Gutemberg y el desarrollo del Humanismo propio del Renacimiento. Tambien el descubrimiento de Amrica (1492) o la

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Arte, culturas y estticas reforma protestante impulsada por Martn Lutero (1517) pueden ser puntos de partida de esta Edad. Su finalizacin se localiza en la Revolucin Francesa de 1789. En la Edad Moderna se integraron los dos mundos humanos que haban permanecido aislados desde la Prehistoria: el Nuevo Mundo (Amrica) y el Viejo Mundo (Eurasia y frica). En la Edad Moderna los hitos principales son el surgimiento del capitalismo, la burguesa como clase social, la idea de Nacin y de Estado. El derecho y el concepto del hombre en sociedad cobra grandsima importancia en este perodo, por lo que puede afirmarse, sin ninguna duda, que la postura teocntrica del Medioevo fue sustituda, en la Modernidad, por una postura antropocntrica. - La Edad Contempornea o Contemporaneidad: la Edad Contempornea se extiende hasta nuestros das, siendo la Revolucin Francesa en 1789 su fecha de inicio. Este hecho histrico fue impulsado por numerosas causas, entre las cuales se destaca el fortalecimiento de la burguesa francesa como clase social. El 14 de mayo de dicho ao, en un marco de decisiones polticas y econmicas de la realeza que chocaba con los intereses de la consolidada elite burguesa, el pueblo de Pars sali a las calles a apoyar a la Asamblea Nacional Constituyente (conformada por la mencionada burguesa) y asalt a la fortaleza de la Bastilla, smbolo del absolutismo monrquico pero tambin punto estratgico del plan de represin de Luis XVI, pues sus caones apuntaban a los barrios obreros. Esa batalla es un smbolo de la bsqueda de libertad individual y social del pueblo parisino. La revolucin se extendi por otros pueblos y ciudades, en los que los ciudadanos solo admitan como vlida a la autoridad de la Asamblea Nacional. En agosto de 1789 la Asamblea Nacional aboli el sistema feudal y limit el poder de los nobles y el clero, dando como resultado una Iglesia dependiente del Estado. En ese mes la Asamblea Nacional realiz y aprob la Declaracin de los Derechos del Hombre y del Ciudadano, que sirvi de base e inspiracin a todas las declaraciones tanto del siglo XIX como del XX. Estos dos hechos limitaron el poder de la monarqua, y sumado a la Constitucin de 1791 que otorgaba el poder a la Asamblea Nacional, instaur el modelo republicano, hasta el Directorio (1799) y luego Imperio (1804) que colocara a Napolen en el poder. La Revolucin Francesa asent as un modelo de proceso revolucionario dividido en fases: iniciada con una revuelta de los privilegiados, pasa por una fase moderada y una fase radical o exaltada para acabar con una reaccin que propicia la plasmacin de un poder personal. La Revolucin francesa es, histricamente, un modelo de revolucin social, y tanto la Revolucin como la Declaracin de Derechos del Hombre y del Ciudadano constituyen un hito cultural de importancia nica en la historia de la humanidad. En la Edad Contempornea la humanidad experiment una transicin demogrfica, concluida para las sociedades ms avanzadas (el llamado primer mundo) y an en curso para la mayor parte (los pases subdesarrollados y los pases recientemente industrializados), que ha llevado su crecimiento ms all de los lmites que le impona histricamente la naturaleza, consiguiendo la generalizacin del consumo de todo tipo de productos, servicios y recursos naturales que han elevado para una gran parte de los seres humanos su nivel de vida de una forma antes insospechada, pero que han agudizado las desigualdades sociales y espaciales y dejan planteando para el futuro prximo graves incertidumbres medioambientales. Otro hito importantsimo de esta etapa es la llamada Revolucin Industrial. Se afianza una sociedad de clases presidida por una burguesa que contempl el nacimiento y desarrollo de unantagonista: el movimiento obrero, que plante distintas alternativas al capitalismo. La ciencia y la cultura entran en un periodo de extraordinario desarrollo y fecundidad; las artes se hayan liberadas de las sujeciones acadmicas y abiertas a un pblico y un mercado cada vez ms amplios. As se provoc una verdadera crisis de identidad que comienza con el impresionismo y las vanguardias. Son las Guerras Mundiales hechos de vital importancia en la historia de la humanidad, no solo por el conflicto blico propiamente dicho, sino por las consecuencias polticas, econmicas y sociales que legaron. A nivel poltico cabe mencionar la llamada Guerra Fra, en la que se dividi y opuso el mundo capitalista con el mundo comunista. La Cada del Muro de Berln (1989) constituye el hito del triunfo neoliberal. Surgen nuevas ciencias que se centran en el hombre: la psicologa y la sociologa. Nuevas filosofas como el positivismo, el nihilismo o el existencialismo trazan este perodo. En cada uno de los planos principales del devenir histrico (econmico, social y poltico) puede cuestionarse si la Edad Contempornea es una superacin de las fuerzas rectoras de la modernidad o ms

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Arte, culturas y estticas bien significa el periodo en que triunfan y alcanzan todo su potencial de desarrollo las fuerzas econmicas y sociales que durante la Edad Moderna se iban gestando lentamente. Naturalmente, un anlisis de este tipo es complejo, puesto que jay mltiples pticas, propias de la poca que habitamos.

3.2. Modernidad y posmodernidad


Cuando hablamos de la Edad Moderna o de la Edad Contempornea nos referimos a las Edades de la historia de la humanidad. Sin embargo, hablar de modernidad o contemporaneidad/posmodernidad puede implicar otros sentidos. La palabra moderno tiene muchos significados. En el habla habitual, se la usa para designar a algo novedoso. Tambien existe un movimiento artstico de principios del siglo XX, el modernismo, que si bien tiene relacin con el ideal de la modernidad, no debe confundirse con el significado del trmino modernidad, tal y como lo abordaremos a continuacin. Algo similar sucede cuando hablamos de contemporaneidad: refiere al ahora, pero tambien designa a la Edad, a una forma de producir arte o a un estado de la humanidad que tambien estudiaremos En trminos sociales e histricos, no se llega a la modernidad con el comienzo de la Edad Moderna en el siglo XV, sino que se produce con la Revolucin Industrial y el triunfo del capitalismo en el siglo XIX (ya parte de la Edad Contempornea), tras la transformacin de la sociedad preindustrial, rural, tradicional, en la sociedad industrial y urbana moderna. Los valores iniciados en la Edad Moderna (el progreso, la comunicacin, la razn) llegan a su pico mximo a mediados del siglo XIX, cuando las innovaciones cientficas y humanas se encuentran en la cima. Podemos definir modernidad, entonces, como el desarrollo de una cosmovisin con rasgos derivados de los valores del antropocentrismo sobre los del teocentrismo medieval (concepciones del mundo centradas en el hombre o en Dios, respectivamente): idea de progreso social, de libertad individual, de conocimiento a travs de la investigacin cientfica, etc. En este sentido, estos ideales modernos se relacionan con el positivismo, filosofa que consideraba a la ciencia como nica forma de llegar al conocimiento humano, y que surge como consecuencia de la Revolucin Francesa y plantea al ser humano como sujeto a estudiar. De alguna forma, el concepto de modernidad es independiente de la Edad Moderna, y supera su barrera histrico-temporal, llegando hasta la Edad Contempornea. Para ubicar temporalmente el momento de mayor nfasis del ideal moderno, podemos decir que se inicia con la Revolucin Industrial y llega hasta la segunda posguerra (1800-1945). El pensamiento moderno dicta que el progreso de la humanidad sera infinito y se dara de manera natural, sentando sus bases en la interrelacin entre ciencia, tecnologa, razn y sociedad. Pero hechos histricos como las Guerras Mundiales pusieron en evidencia que la humanidad y su desarrollo encontraron pruebas demasiado complicadas para poder defender la idea de progreso infinito, y que la ciencia no termin solucionando todos los problemas econmicos y sociales de la humanidad, como sola pensarse. La idea de contemporaneidad o para diferenciarla mejor de la Edad Contempornea- de posmodernidad es distinta a la de modernidad, y surge como consecuencia de lo antes citado. Luego de la Segunda Guerra Mundial qued claro que el ideal moderno fracas y, como tal, la bsqueda cambi. En el siglo XIX Friedrich Nietzsche (1844-1900) y en el siglo XX Martin Heidegger (1889-1976) hablaron del nihilismo como postura filosfica que niega todo dogma o imposicin de una postura superior no-comprobable. Es una negacin de todo principio, autoridad, dogma filosfico o religioso. El nihilismo es una posicin filosfica que argumenta que el mundo, y en especial la existencia humana, no posee de manera objetiva ningn significado, propsito, verdad comprensible o valor esencial superior, por lo que no nos debemos a stos. En cambio es favorable a la perspectiva de un devenir constante o concntrico de la historia objetiva, sin ninguna finalidad superior o lineal. Es partidario de las ideas vitalistas y ldicas, de deshacerse de todas las ideas preconcebidas para dar paso a una vida con opciones abiertas de realizacin, una existencia que no gire en torno a cosas inexistentes . En ese sentido, podemos definir a la posmodernidad como una poca que est trazada por una idea de falta de centro, en el que ni Dios, ni la ciencia ni la idea de progreso objetivo y por ende una postura moderna- tienen lugar. Esta falta de centro, de totalidad, de orden, de sistema y de coherencia 17

Arte, culturas y estticas genera una actitud de incertidumbre, que se relaciona con, por ejemplo, la filosofa existencialista. A nivel sociolgico, puede observarse tambien un creciente individualismo, en el que la persona busca su propio bienestar y ya no cree en un bien comn o un modelo de humanidad conjunta. Esto es consecuencia de la globalizacin, la pluralidad de opciones, la creciente variedad de culturas y la ya mencionada falta de centro (en el Medioevo fue Dios, en la Edad Moderna fue la ciencia -el hombre-la idea de progreso), que deja al hombre enfrentado consigo mismo. A finales de la dcada del 70, el socilogo Gilles Lipovetsky consider a la posmodernidad como la era del vaco, y lleg a citar que la autoconciencia ha substituido a la conciencia de clase, la conciencia narcisista substituye la conciencia poltica. La indiferencia y el individualismo definen a el yo como medida de la posmodernidad. De alguna manera podemos asegurar, entonces, que el yo es el centro de esta era.

3.3. Arte moderno y arte contemporneo


Y cuando hablemos de arte moderno tambien hay que hacer algunas diferencias. El arte moderno no es aquel que se realiz durante la Edad Moderna (arte renacentista, manierista, barroco, rococ, neoclsico) sino que es aquel realizado durante la Edad Contempornea. Para hacer esta diferencia, cabe definir arte moderno: iniciado a fines del siglo XIX y extendiendose aproximadamente hasta 1960-1970, el arte moderno es aquel que se opone al arte clsico de siglos anteriores, en una experimentacin y bsqueda esttica, terica y filosfica que se aleja de la representacin de la naturaleza, tan caracterstica en el arte clsico. Este alejamiento de la representacin visual objetiva (lo que llamamos el relato vasariano) se modifica por varios factores, siendo uno de ellos el surgimiento del cine y la fotografa, que demostraron sobradamente que podan representar de manera ms fiel a la realidad que la pintura. En palabras del filsofo y crtico de arte Arthur Danto, en el arte moderno el cmo representar se vuelve central, de aqu que el arte, en cierto sentido, se vuelve su propio tema. En este sentido, el primer movimiento moderno sera el romanticismo, pero los primeros pintores verdaderamente modernos, que llevaran el concepto de el arte como su propio tema, seran Manet, Van Gogh y Gauguin. La fecha de finalizacin de produccin de arte moderno no es exacta y est sujeta a diversas posturas: algunos tericos alegan que inicia en la segunda posguerra con el expresionismo abstracto; otros que finaliza en 1962, ao en que el expresionismo abstracto pierde vigencia a manos del pop art; otros defienden al pop como ltimo momento del arte moderno; y otras posturas alegan que recien 1970, con la diversidad de tendencias artsticas, sera el punto final de la modernidad artstica. Por ende, es complicado determinar cuando inicia el arte posmoderno. A la hora de definirlo, podemos decir que el arte contemporneo/posmoderno es una oposicin al arte moderno, que se preocup por cmo expresarse y, en esa bsqueda, sus diversas posturas llegaron a enfrentarse y autodefinirse como nosotros somos el arte. El arte contemporneo (o posmoderno o poshistrico) es como la posmodernidad misma: una poca impura, llena de mixturas, sin un centro fijo, en donde no se hace culto al cambio y al progreso, sino que hay una coexistencia pacfica de estilos, y el pasado no es algo muerto sino que es fuente de cita y consulta constante. El artista es absolutamente libre: no est atado a un estilo nico, a un ideal grupal o social, sino que se desenvuelve autnomamente y, como tal, la variedad artstica es practicamente infinita. Es el arte conceptual o el arte que remite a una idea/concepto aquel que cobra fuerza en esta poca, encontrando la referencia directa en la obra revolucionaria de Marcel Duchamp. Hay absoluta libertad: es un perodo de informacin desordenada, de pluralidad, en el que los artistas buscan ese centro en s mismos y, tambien, en el arte del pasado. Por ello surgen movimientos como el apropiacionismo o el neoexpresionismo, que citan al arte anteriormente avalado, lo reformulan y le resignifican, con cualquier propsito que deseen o sin ninguno en absoluto. Si en la modernidad la pregunta que se haca el arte era qu es esto que tengo que ningun otro arte tiene?, en la posmodernidad la pregunta es por qu soy yo una obra de arte?. Se asiste tambien a una mezcla de disciplinas, en la que no solo se pinta o esculpe, sino aparecen las instalaciones, el arte de accin, la literatura, el teatro, lo efmero. Podemos asegurar, entonces, que el arte contemporneo es demasiado pluralista en intenciones y acciones como para permitirse ser encerrado en una sola dimensin, lo cual lo coloca en una situacin nica en su historia. 18

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4. El arte en la Edad Moderna: el hombre como centro del universo


Como se ha visto, el perodo de la Edad Moderna se opone a la postura teocntrica del Medioevo, poniendo en primer plano al hombre (postura antropocntrica). Este momento histrico comprende entre mediados del siglo XV y finales del siglo XVIII, momento en que la Revolucin Francesa marca el inicio de la Edad Contempornea. Abordaremos brevemente los principales perodos artsticos previos a la modernidad, para tomarlos como referencia a lo que luego estudiaremos en profundidad. Como caracterstica general podemos mencionar que estos perodos (no movimientos) no solo abarcaron al arte, sino a la ciencia, la filosofa, y los mismsimos modelos de pensamiento culturales.

4.1. El Renacimiento
Nacido en Italia, el Renacimiento fue un movimiento cultural que se inici a fines del siglo XIV (ao 1300) y se extendi hasta alrededor de 1600. Abarc ciencia, filosofa, literatura, poesa, arquitectura, msica, escultura y pintura. La sociedad italiana del siglo XIV haba padecido a la Edad Media, tambien conocida como la edad oscura. La Iglesia tena el mximo poder, y el sistema poltico, social y econmico reinante era el Feudalismo, cuya estructura era rgida y asignaba a cada ciudadano un lugar especfico e inamovible en la sociedad. Con la aparicin del comercio entre ciudades, surgieron los burgos, ciudades en donde comienza a aparecer la burguesa. Los burgueses eran aquellos excludos del sistema feudal, que hallaron en el comercio una nueva forma de trabajo. As, aparece el sistema financiero, la contabilidad, los primeros gremios, y es el inicio del capitalismo y la desigualdad social. El Renacimiento surge como una respuesta a la Edad Media: el hombre del Renacimiento no mira hacia su pasado reciente, del que reniega, sino que pone la mirada en el pasado clsico de Grecia. Esa antigedad clsica sera la base del desarrollo cultural de la Italia de ese entonces. Dentro de la pintura, cuyos mximos exponentes se encuentran Leonardo Da Vinci, Miguel ngel y Rafael, se estableci lo que hoy se llama el cnon o esquema renacentista. ste es el momento en el que se crea la perspectiva visual en la obra de arte, como un intento de introducir al hombre dentro de la obra. La perspectiva ofreca, en el plano bidimensional del cuadro, la ilusin de la tridimensionalidad, haciendo que la obra de arte fuera como una ventana por la cual el espectador se asomaba. Ademas, la composicin visual de las obras, en la gran mayora de los casos, posee una estructura piramidal, que tiene la funcin de darle jerarqua a los personajes, facilitar la lectura de la obra y acentuar la ilusin de profundidad. El arte obtiene la categora de ciencia, por su funcin comunicadora: la obra transmite los conocimientos sobre la naturaleza y lo divino, y como centro de este universo se encuentra el hombre. En el Renacimiento, conviven lo platnico con lo aristotlico, lo celestial con lo terrenal, lo antiguo con lo actual, y ninguna de las partes se opacan. El principal tema es el religioso, aunque tambien se hallan presentes los retratos y relatos mitolgicos o alegricos. El principal exponente de este momento histrico es Leonardo Da Vinci (1452-1519), quien ademas de pintor era cientfico, filsofo, arquitecto, ingeniero, escultor e inventor. En sus obras pueden apreciarse las caracteristicas visuales propias del Renacimiento, tales como la estructura piramidal y el esfumatto, una tcnica que consiste en difuminar los contornos de las figuras para que se entremezclen con el fondo (como sucede en, por ejemplo, la Gioconda). Sus obras connotan un profundo compromiso con la ciencia y el arte, y dejan entrever el brillante y misterioso genio que Leonardo posea. Dentro del Renacimiento, hallamos tambien a Miguel ngel Buonarroti, o simplemente Miguel ngel (1475-1564), quien a pesar de ser un brillante pintor, l mismo siempre prefiri auto-definirse como escultor. Prueba de ello son sus brillantes esculturas el David, parmetro de lo que es la perfeccin en anatoma humana, o la Piedad. Dentro de la pintura, su ms grande obra est constituda por los frescos que ejecut en la Capilla Sixtina, de los cuales se destacan El Juicio Final y La creacin del Hombre. La Capilla Sixtina es la sntesis de la obra pictrica, escultrica y arquitectnica de Miguel ngel.

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Arte, culturas y estticas Rafael Sanzio, ms conocido como Rafael (1483-1520) es otro de los artistas ms destacados del Renacimiento, aunque su temprano fallecimiento (a los 37 aos de edad) no le permiti a su arte desarrollarse como sucedi en el caso de Leonardo o Miguel ngel. Su obra es principalmente pictrica, y su ms importante obra es La escuela de Atenas, un fresco que mide 5 mts x 7,70 mts, y aparecen los principales filsofos, matemticos y cientficos de la Antigedad en un templo. Algunos de estos filsofos estan personificados con la imagen de artistas de la poca renacentista (Herclito como Miguel ngel, Platn personificado como Leonardo, etc). En Alemania, el Renacimiento es distinto al que se da en Italia. Su principal exponente es Alberto Durero (1471-1528), y aunque le fascina el arte renacentista italiano, su obra de alguna manera preserva la forma y tradicin germana, que no termina de alejarse de lo gtico-medieval y as acenta sus propias races. Sus retratos son prcticamente psicolgicos, van ms all de lo mimtico. Naturaleza y hombre se entrelazan como representacin de Dios. Durero realiz ilustraciones y grabados increblemente puntillosos y detallistas, siendo uno de los grabadores ms importantes de la historia. El cnon visual del Renacimiento se mantuvo intacto hasta el siglo XX, cuando Picasso destruye la ilusin de perspectiva con el cubismo. No obstante, contina siendo el sistema visual ms reconocido y aplicado a la hora de construir imgenes en un plano. Prrafo aparte merece el Manierismo, movimiento que en un momento fue conocido como Alto Renacimiento, y que sirve de transicin entre Renacimiento y Barroco. Enmarcado en el momento en que la Iglesia Catlica se opona a la reforma humanista y se instaura la Inquisicin, el Manierismo hace una revisin del lenguaje pictrico: no hay modelos vivos desde los cuales s e copia la realidad, sino que se observan y reinterpretan obras de artistas del pasado. La belleza cambia: se retuerce el alma, los cuerpos. Lo bello ya no es perfecto, sino que la miseria humana lo es. No hay perspectivas con puntos de fuga visibles, sino que el espacio y las formas se estilizan, con algunos personajes que llegan a tener un largo de 9 cabezas, cuando el canon habitual es de 7 y media. El Manierismo es expresivo e intelectual, se aleja del gusto popular, rompe el equilibrio, y la emocin fluye y se descontrola, en oposicin al racionalismo renacentista. Ese caos psicolgico y social de la poca, esa inestabilidad, es propio de las obras manieristas. El mximo representante de este movimiento es El Greco (1541-1614), quien fue tomado como influencia directa por los expresionistas alemanes del siglo XX. En esta etapa es tambien cuando empiezan los primeros y pequeos coleccionistas de obras de arte, que en siglos posteriores alcanzaran su mximo desarrollo.

4.2. El Barroco
Perodo histrico que abarca entre 1600 y 1750 (siglos XVII hasta mediados del XVIII), el Barroco surge como oposicin del Renacimiento y el Manierismo. El Barroco cobr caractersticas regionales, habiendo Barroco en Italia, Francia, Flandes, Holanda y Espaa, cada uno con sus particularidades. Como caractersticas generales de la pintura barroca en oposicin a la renacentista, se resaltan: lo pictrico sobre lo lineal, lo profundo sobre lo superficial, la forma abierta antes que la forma cerrada, el juego oscuridad/claridad en vez de la claridad total, y la unidad antes que la variedad. Es ms espontneo y no tan cientfico que el Renacimiento, y sobre todo ms humano. Otra caracterstica general es cmo las escenas pictricas resaltan la teatralidad. Entrando en los regionalismos y, por qu no, en las individualidades-, en el Barroco italiano podemos marcar ciertas particularidades. En el contexto histrico, el poder de la Iglesia influye de manera determinante en la produccin esttica, puesto que en ese contexto el arte es el medio propagandstico. Luego de la reforma luterana y la Inquisicin, la pintura fue un vehculo evangelizador y comunicador, deba ser popular, para atraer y retener a los creyentes. Por eso, en Italia ms que en ninguna otra regin, la influencia del clero fue evidente. Esto lleva a una contradiccin dentro de las mismas pinturas: por un lado el tema es sacro, pero la representacin es, por momentos, profana. Esto se ve claramente en la obra de Caravaggio (1571-1610), quien tomaba como modelos de sus pinturas a vagos, mendigos y prostitutas. Esto no agradaba a la Iglesia, y en ms de una ocasin se refiri a su obra con las palabras vulgaridad, sacrilegio y disgusto. Su estilo est emparentado con el tenebrismo, y posee un altsimo naturalismo y 20

Arte, culturas y estticas una gran teatralidad. Caravaggio, probablemente por su falta de experiencia pintando temas religiosos, no fue muy bien recibido por la crtica general, y su temperamento que le involucr en varias rias y conflictos lo obligaron a exiliarse durante mucho tiempo, hasta que muri solo y en la miseria, de fiebre, en la localidad de la Toscana, Italia. Otros representantes del Barroco italiano son los 3 hermanos Carracci, quienes estandarizaron el modo de pintar temas bblicos, y ms alejados de la teatralidad, ponen el nfasis en el aspecto emocional y espiritual de las imgenes. En el Barroco frances hay un absolutismo monrquico moderno. El Rey y la Corte ennoblece a los burgueses, y la Iglesia Catlica no tiene gran participacin. El arte aqu est alejado del pblico, puesto que las obras se hacan por encargo. Bastante acadmico, clasicista y monumental, es Nicolas Poussin uno de los mximos exponentes de este tipo de barroco. El Barroco en Flandes (actuales Blgica y Pases Bajos) tiene como exponente principal a Rubens (1577-1640). Pint temas religiosos, histricos, de mitologa clsica, escenas de caza, retratos, as como ilustraciones para libros y diseos para tapiceras. En lo estrictamente poltico y social, la monarqua catlica de Flandes se haya separada de la Iglesia, siendo sta la principal compradora de obras de arte. En el Barroco holandes, el contexto cultural es distinto. Una burguesa muy fuerte, en un pas protestante donde abunda el comercio. El arte aqu es ms libre que en otra spartes de Europa, al no haber un poder especfico que le marque pautas. Aqu aparece la pintura de gnero: el bodegn, la naturaleza muerta. Se destacan los retratos, y hay poca obra religiosa. Los marchands ganan terreno y tienen poder sobre el pintor, y son los que en muchos casos empobrecieron a los autores. Como artista ms influyente podemos mencionar a Rembrandt (1606-1669), quien trascenda los gustos y la originalidad del pblico, sin importarle la venta de obra y pintando por su propia bsqueda. Pintor de retratos, paisajes y relatos narrativos, Rembrandt siempre cuid los detalles de sus pinturas y sus grabados acentuando la profundidad emocional. Maestro absoluto del claroscuro, tambien supo incorporar el color saturado en sus composiciones, haciendo singular a su estilo. Otros pintores destacados son Vermeer (1632-1675), quien destac pintando escenas cotidianas de interiores, con un nivel de naturalismo excepcional, y Jacob Ruysdael (1628-1682), el llamado pintor de las nubes, por el asombroso nivel de realismo de las mismas, en sus pinturas de paisaje. Dentro del Barroco espaol, monrquico y catlico, los temas de las pinturas son religiosos, aunque tambien se centran en los retratos de figuras de poder y en temas mitolgicos. Destaca la figura de Diego Velzquez (1599-1660), quien en sus pinturas resaltara el tenebrismo caravaggiesco, para luego abrirse paso a un estilo de mayor luminosidad y color, con pinceladas rpidas y sueltas. Influencia directa de Manet y los impresionistas, Velzquez es uno de los mximos exponentes de la historia de la pintura espaola. En el mbito de la msica barroca, se destacan dos autores. Antonio Vivaldi (1678-1741) fue un compositor del Barroco tardo, y su obra ms clebre es el concierto para violn y orquesta las cuatro estaciones. La innovacin que aporta Vivaldi con esta obra es que la orquesta no acta como mero fondo de acompaamiento, sino como un relieve: no se limita a acompaar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influir posteriormente en Bach y demas compositores. La msica barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas, y consolid la estructura del concierto como gnero. El otro autor a destacar es Johann Sebastian Bach (1685-1750), organista y compositor aleman del Barroco. Su reputacin como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del rgano y del clavecn, tambin tocaba el violn y la viola de gamba, adems de ser el primer gran improvisador de la msica de renombre. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la msica barroca y una de las cimas de la msica universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la msica occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no slo por su profundidad intelectual, su perfeccin tcnica y su belleza artstica, sino tambin por la sntesis de los diversos estilos internacionales de su poca y del pasado y su incomparable extensin. Bach es el ltimo gran maestro del arte del contrapunto, y su mximo exponente, donde es la fuente de inspiracin e influencia para posteriores compositores y msicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros das. El clave bien temperado es una de sus obras ms importantes, y la compleja y nica msica de Bach son, hoy da, una referencia ineludible en la historia de las artes musicales.

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Arte, culturas y estticas

Como transicin entre Barroco y Neoclsico, se halla el Rococ, movimiento frances que se desarrolla entre 1730 y 1770. Es un estilo netamente burgues e ilustrado, totalmente frances pero que se extendi por Europa con un carcter universal (porque fue entendido por todos los pintores y lo apoyaban). En arquitectura, los interiores seran un lugar de fantasa, con un horror al vaco llevado al extremo (mucho ms que en el barroco), recargandolo con elementos ornamentales y colorido, mientras la arquitectura de la fachada y el exterior se caracterizar por la sencillez y la simplicidad. En pintura, la tendencia decorativa tambien se apreciara, en obras de un tamao ms pequeo, y por ende ms intimista. La sensualidad, la relacin con la naturaleza, el voyeurismo, las estructuras piramidales tipo renacentista son caractersticas de esta pintura. Como principal tema est la representacin del mundo burgus: escenas pastoriles con mujeres bien vestidas, los juegos de seduccin y galantera de la aristocracia, sus fiestas galantes, etc. Tambien se abord el desnudo, en una pintura ertica de mujeres aniadas. En todo el rococ lo bello y lo artstico van de la mano, y sus obras no tienen ms funcin que la de complacer con el gozo de la vida, con el aqu y ahora. Los autores a destacar del rococ son Watteau (1684-1721), quien es considerado como el ms importante y representa escenas teatrales con modelos que oscilan entre la tristeza y la alegra; Boucher (1703-1770), quien abord en profundidad la pintura sensual y ertica; Fragonard (1732-1806), de temas mitolgicos; y Chardin (1699-1779), quien se destac en la elaboracin de escenas del pueblo frances, retratos y naturalezas muertas.

4.3. El Neoclasicismo
En 1750 se asisti a una revalorizacin de la cultura grecorromana. El descubrimiento de las ciudades de Herculano y Pompeya, y el turismo en Roma, por citar algunos ejemplos, mostr una antigedad clsica romana con toda su estoicidad, nacionalismo y heroicidad. Esos ideales eran los buscados por sectores de la Ilustracin y la burguesa, quienes impulsan un nuevo estilo artstico: el Neoclasicismo. Como oposicin al Rococ, el Neoclasicismo es netamente racionalista, vuelve a las pinturas de enorme formato, presenta temas e ideales heroicos y nacionalistas, y toma lo clsico como fuente de inspiracin a partir del concepto de Repblica Romana. Es decir: ponen la mirada en el pasado, esquivan los estilos y temas modernos. En arquitectura, los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clsico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil. En msica, se detaca la figura de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compositor y pianista austraco, cuya obra abarca todos los gneros musicales de su poca y alcanza ms de seiscientas creaciones, en su mayora reconocidas como obras maestras de la msica sinfnica, concertante, de cmara, para piano, operstica y coral, logrando una popularidad y difusin universales. Desarroll un esplendor y una madurez de estilo que abarc desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasin, que influy a innumerables compositores posteriores. En pintura, destacaremos a dos artistas. Por un lado, mencionar a Jacques-Louis David (1748-1825), quien trat en sus enormes pinturas temas heroicos y clsicos. En David se observa una lnea pura, un racionalismo y una composicin exactas, en donde todo est en su justo y excato lugar, con economa de recursos visuales subordinados a la idea que la imagen pretende expresar. Rigidez, estoicidad, firmeza expresada en cada figura, gran teatralidad, hombres rgidos comprometidos con la situacin que representan, y frialdad, son algunas de las caractersticas de sus pinturas. David desempe un papel poltico sin precedentes como autoridad esttica de la poca, organizando el sistema de exposiciones en museos y academias de la poca. El otro representante del momento histrico es Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), aunque no se lo puede clasificar como neoclsico, puesto que tiene influencias realistas y prerromnticas. En Ingres la lnea es el principal elemento visual, y la deforma o estiliza de acuerdo a la intencin esttica. Es uno de los mejores dibujantes, quien tomaba bocetos de los modelos desnudos para luego vestirlos en sus pinturas. Tiene un particular gusto por lo sensual y extico, con fondos caravaggiescos y mucho trabajo de paos y telas. El referente de Ingres, sin ninguna duda, es Rafael. La estilizacin de sus personajes puede considerarse una referencia manierista, como as tambien un antecedente del romanticismo, por lo subjetivo de la representacin. 22

Arte, culturas y estticas

Parte II: Arte, culturas y estticas en el mundo


5. El arte moderno
El terico y crtico del arte Charles Baudelaire dijo: la modernidad es lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente, la mitad del arte, cuya otra mitad es lo eterno, lo inmutable, que es el arte de la Antigedad. Estas palabras son una interesante introduccin al arte moderno (no confundir con el arte de la Edad Moderna). Empapado del concepto de modernidad, a partir del siglo XIX el arte comienza a distanciarse del pasado. El primer ejemplo concreto es la propuesta del romanticismo, pero se acentu con el pasar de los aos, dcadas y artistas. Entre mediados del siglo XIX y mediados del XX, se produjo una innumerable cantidad de expresiones artsticas, en las que el arte se vuelve su propio tema, alejndose de la representacin mimtica tal como era entendida en la Antigedad. En el Renacimiento, el historiador del arte Giorgio Vasari (1511-1574) enunci un relato, una forma de observacin y apreciacin del arte, en la que para explicarlo brevemente- se meda a la calidad de la pintura segn su grado de naturalidad y realismo con respecto a lo representado. Segn el relato vasariano, la mmesis es lo importante: mientras ms la pintura se asemeje a la realidad perceptual, mejor es. Entonces, segn esta premisa, una pintura de Leonardo tiene una calidad practicamente insuperable y, medido por la misma idea, una pintura de Van Gogh sera de menor jerarqua, puesto que la representacin en la pintura est en gran parte alejada de la realidad objetivamente observada. Pero en el arte moderno se atenta contra lo estticamente bello segn el relato vasariano, y los artistas toman a la realidad o no- como una mera excusa o punto de partida, para luego experimentar con los medios propios del arte. Naturalmente, esta ltima afirmacin debe ser tomada con cuidado, puesto que hablamos de arte y, por ende, de un lenguaje simblico, que segn sus autores, propuestas y momentos histricos cobraron diferentes caractersticas, en muchos casos opuestas entre s. El personaje que desarroll un relato artstico-histrico distinto al de Vasari fue Clement Greenberg (1909-1994), cuya postura est enmarcada en el ideal de la modernidad, y defiende la experimentacin propia de los medios, tcnicas, herramientas y materiales que hacen ser al arte. Una caracterstica bastante frecuente en el arte moderno particularmente dentro de las vanguardias histricas- fue el haber sido sostenidos y justificados por manifiestos que los artistas escribieron, para complementar el significado de aquello que en sus obras hacan y decan. No todos los movimientos y vanguardias que estudiaremos tuvieron su manifiesto, pero algunos (como el de los futuristas o los surrealistas) constituyen verdaderas obras literarias e ideolgicas, que vinculan a la filosofa con el arte. El escribir un manifiesto y afirmar esto es arte, directa o indirectamente, proclama que para esos artistas aquello que no era eso que ellos hacan no era arte. Puntualmente el siglo XX fue testigo de una confluencia de estilos y propuestas que, por momentos, compartieron puntos en comun, pero en otros casos se opusieron abiertamente a estticas pasadas y presentes. Una de las caractersticas ms salientes e importantes del arte moderno fue la valorizacin de la subjetividad del artista. Al tomar una distancia de la mmesis clsica y cada artista experimentar por su cuenta los medios de expresin artstica, se genera una expresin del yo, es decir, una expresin nica. El arte moderno fue un momento de exploracin e investigacin artstica nico en la historia de las artes. Pero ademas llev implcito un deseo de cambio, de innovacin, de vanguardia, que hoy da es fuente de inspiracin, consulta y estudio constante.

5.1. Quin fue el primer moderno?


Para responder a la pregunta, habra que abordar a diversos crticos y tericos del arte y la filosofa. La respuesta no es una sola, sino mltiple, y depende del ngulo terico que se perfile.

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Arte, culturas y estticas El terico Clement Greenberg dijo en un ensayo de 1960 que el primer moderno verdadero fue el filsofo Immanuel Kant (1724-1804), porque fue el primero en criticar el significado mismo de crtica. Naturalmente, esta es una percepcin de Greenberg, pero no deja de ser de gran importancia. Kant no concibi una filosofa que tan slo aadiera algo a nuestro conocimiento, sino que respondiera a la pregunta de cmo es posible el conocimiento. Esa autocrtica kantiana en el campo filosfico es tambien la tendencia de todo el arte moderno: que el arte sea su propio tema, que se despoje de lo accesorio y quede con lo esencial, con lo que lo hace ser. Dentro de esta concepcin de autocrtica como cuestin central en la modernidad, en lo referido a la pintura hay una obra en particular que se perfila, segn Greenberg y muchsimos tericos ms, como la primera obra moderna, aquella que torci el relato vasariano. Esa obra es el desayuno sobre la hierba (1863) del pintor frances Edouard Manet (1832-1883). Cercano al impresionismo, pintor muy contradictorio y como tal controversial, la obra citada fue rechazada en el Saln Oficial de pintura, por su ejecucin y por su tema. Fue expuesta en el Saln de Rechazados organizado por artistas independientes, y tanto el pblico como la crtica se indignaron ante la absurdez del tema (una mujer desnuda conversa en el bosque con dos seores vestid os) y por la textura pictrica, sin claroscuros y sin relieves, hecha a base de zonas de colores planos. Manet no tena ideas revolucionarias ni en poltica ni en arte. Perteneca a una familia de la alta burguesa, frecuentaba la sociedad elegante, viajaba, era amigo de literatos y poetas. Veneraba a Tiziano y, de los pintores ms contemporneos, a Courbet. Sin embargo, toma su propio camino, alejado del de ellos. El propsito declarado de Courbet era pertenecer a su propio tiempo. Estudi durante mucho tiempo la composicin del desayuno, y en l hay citas a temas clsicos de obras de arte anteriores, como la conversacin entre figuras desnudas, pero con personajes actuales. La operacin no afecta a la reproduccin de lo verdadero, sino a las grandes estructuras de la representacin pictrica: una imagen o tema histrico se recompone de acuerdo con los valores a los que es sensible la conciencia moderna. Manet recompone el tema adaptado al hoy, con el dato absurdo o de moralidad reprobable, como se consider en su momento- de la mujer desnuda con los hombres vestidos, y el tratamiento pictrico se modifica: al eliminar la ilusin de volumen, la luz y la sombra, Manet destaca la pura pintura; jerarquiza al color y a la mancha, realza el plano bidimensional del cuadro, y no se preocupa por representar a un nivel de naturalismo extremo. Ademas, Manet se preocup de que la mujer observe fijo al espectador, acentuando la participacin cmplice de quien observa el cuadro con ste. Este voyeurismo es aun ms evidente si mencionamos que todos los personajes eran modelos reconocidos por el pblico. El gran tamao del cuadro (208 cm x 264 cm), generalmente formatos reservados para temas clsicos o importantes, irnicamente contrasta con el tema mundano qu e eligi para pintar. En total, toda la obra es un atentado hacia el gusto instaurado, y busca una libertad tanto esttica como temtica. Argan analiza la obra y dice: si el artista se propone transmitir la sensacin en estado puro, antes de que sea elaborada y corregida por el intelecto, es porque considera que la sensacin es la experiencia autntica, y la nocin intelectual, una experiencia no-autntica, viciada por prejuicios y convenciones. Por tanto, la sensacin no es un dato, sino un estado de la conciencia; no solo esto, sino que la conciencia no se realiza en la experiencia ya hecha y meditada luego, sino en la experiencia que se hace. En definitiva, se identifica con la propia existencia. Pese a ser considerado el padre del impresionismo, nunca adhiri al grupo. Sus imgenes parecen momentos congelados, sin sentimientos o ausentes, como suspendidos. Manet siempre tom partido por la imagen de la mujer, en especial de la prostituta, que le simbolizaba libertad, y con ese simbolismo la represent en sus pinturas. Busc la fama y el reconocimiento, pero sus pinturas en gran mayora fueron objeto de burla y menosprecio por el pblico y la crtica. En palabras del crtico de poca mile Zola: los pintores, y especialmente Edouard Manet, que es un pintor analtico, no comparten la obsesin de las masas por el tema: para los artistas, el tema es slo un pretexto para pintar, mientras que para las masas slo existe el tema.

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Arte, culturas y estticas Si bien Greenberg es uno de los grandes narradores de la modernidad, hay otras teoras acerca de quien fue el primer moderno en cada disciplina. Centrandonos exclusivamente en la pintura, Greenberg defiende a Manet, considerandolo el primer moderno, un Kant pictrico. Pero hay otras voces que claman teoras distintas. Haciendo una relectura de la definicin de arte moderno, dentro de esa categorizacin tranquilamente caben la obra de Goya, el romanticismo y el realismo social, incluso algunas del neoclasicismo. Quizas personajes como Goya o Turner no tenan una conciencia de estar efectuando una autocrtica o que estuvieran explotando los elementos propios de la pintura, sin embargo en sus obras hay una reflexin sobre cmo representar. Uno de los ms importantes tericos y filsofos del arte moderno y contemporneo, Arthur Danto, considera que, en su propia cronologa, son Van Gogh y Gauguin los primeros pintores modernos. Ambos artistas tienen caractersticas que los hace merecedores de tal ttulo: una pintura autnoma, con identidad propia, cuya existencia es netamente simblica, subjetiva, expresiva, experimental. La realidad perceptual, en Van Gogh y Gauguin, son un punto de partida que luego ambos olvidan, para entregarse a la produccin de una obra que no es una copia de, sino la creacin de un mundo pictrico nico. La respuesta a la pregunta quin fue el primer moderno? es, irnicamente, amplia y mltiple como la modernidad misma. Por ello, hay que tener en cuenta las diversas pticas a la hora de buscar y formular una respuesta, y no quedarse con una nica postura.

5.2. Goya (1746-1828)


Uno de los primeros artistas modernos fue Francisco de Goya y Lucientes. Es un pintor y grabador difcil de clasificar en un movimiento artstico especfico: su obra es multifactica, sus estilos mltiples y profundos y sus temas universales y atemporales. Comenz siendo un pintor de temas religiosos, mostrando un estilo propio, de pincelada suelta. Ms tarde fue pintor de cmara, y retrat a las reyes de Espaa. Algunos de sus clientes, como la duquesa de Alba (quien es presuntamente la mujer retratada en las pinturas la maja vestida y la maja desnuda), le encargaban cuadros mitolgicos, casi grotescos y misteriosos, como el aquelarre, para sus colecciones personales. Tambien se destaca su labor como grabador en la serie de 80 grabados al aguafuerte llamado los caprichos, de 1799. Poseen un contenido satrico, en contra de los estamentos religiosos, se burla de la aristocracia a la que perteneca, las supersticiones populares y los vicios humanos. Dentro de la serie, el ms famoso es el grabado n43: el sueo de la razn produce monstruos. En estos grabados Goya emplea una fantasa desenfrenada, la caricatura para criticar las falacias del amor, la prostitucin y la depravacin de la clase religiosa y la nobleza. Empiezan a aparecer caracteres demonacos, y no hay contradiccin entre el bien y el mal: solo existe el mal, y la oscuridad pura (caracterstica que luego se veran en sus pinturas negras). En estos grabados, como en parte de la obra de Goya, se exhibe una oposicin entre la razn pura y la fantasa. Goya estaba vinculado con la Ilustracin francesa, y era partidario de Napolen, pero cuando ste invade Espaa (pas natal de Goya), su razn ilustrada y sus creencias se derrumban. Esto, sumado a la enfermedad que aquejaba al pintor (ya se estaba quedando sordo), catapulta el inicio de sus pinturas violentas. Es en 1808 cuando el ejrcito frances invade Espaa, y el pueblo se defiende casi sin nada. En base a estos episodios, en 1814 Goya pinta sus cuadros sobre los fusilamientos, entre los cuales se encuentra la obra probablemente ms conocida del autor: los fusilamientos del 3 de mayo de 1808, en el que muestra la escena en que las tropas francesas ejecutan a 45 espaoles. De esta etapa tambien data su serie de grabados al aguafuerte los desastres de la guerra, en donde realiza una reflexin personal en base a su experiencia, y es un alegato contra la barbarie de la guerra. Es un tema absolutamente universal, que trasciende pocas y espacios. Ms adelante, ilustrara la violencia del ser humano en su serie de grabados la tauromaquia, en la que reproduce escenas de las corridas de toros, y la confrontacin hombre-animal. Muestra, de manera ntima, quien es verdaderamente la bestia, y cmo se confunde el papel de vctima y victimario. 25

Arte, culturas y estticas En 1820 Goya se muda a lo que hoy se conoce como la Quinta del Sordo, donde ejecuta sus famosas pinturas negras, llamadas as ms que nada por la crudeza y los temas tratados, aunque tambien por el tratamiento del color y la abundancia de tonos oscuros. Goya pint al leo las 14 obras de la serie sobre las paredes internas de la quinta, con trazos enrgicos, figuras fantasmales y misteriosas. Las pinturas permanecieron all hasta 1873, cuando por una serie de procesos qumicos las transfirieron a lienzo para exponerse en el Museo del Prado de Madrid, donde aun se encuentran. Entre las pinturas se encuentra Saturno devorando a un hijo, personajes fantsticos como el Aquelarre, y mltiples escenas en las que se muestras personajes caricaturizados, casi como despojos humanos, que exhiben las miserias y el dolor de su poca y de s mismo. Goya exorciza sus propios demonios proyectandolos en la pintura y ademas, en el caso de las pinturas de la Quinta del Sordo, convive con ellos cotidianamente. Goya podra ser considerado, por todo lo antes mencionado, como un antecedente del romanticismo, y hasta formar parte de l. Sin embargo, es difcil clasificarlo. Su obra es un pilar base del arte moderno del siglo XX, y toma, subjetivamente, a la figura del hombre en su peor miseria, acentuando el patetismo y el dramatismo, caractersticas que puntualmente luego tomara el movimiento aleman expresionista.

5.3. Romanticismo
El romanticismo es un movimiento cultural iniciado a fines del siglo XVIII (aprox. ao 1780), en el que se resaltan los sentimientos nacionalistas. Tuvo lugar, en un inicio, en Alemania y Francia, pero se extendi por todo el continente europeo, tomando, en cada lugar, caractersticas particulares. Tuvo su principal desarrollo durante la primera mitad del siglo XIX. En el romanticismo, nuevamente se pone la mirada en el pasado, pero a diferencia del Renacimiento, que negaba al medioevo y observaba al pasado clsico de Grecia, los ojos se ponen precisamente en el arte gtico (Edad Media), en el que se destac el sentimentalismo, la artesana en el arte y el monumentalismo. El hombre del romanticismo, de fines del siglo XVIII, senta un pnico por el presente, y una fascinacin por lo extrao, la muerte, lo trgico. El nacimiento del movimiento cultural coincide con el inicio y auge de la Revolucin Industrial, la cual incita al artista a volcar su mirada hacia la naturaleza, y, sobre todo, hacia s mismo. Dentro de las caractersticas del romanticismo, podemos hallar, principalmente, la subjetividad y la exaltacin del yo: un sentimiento de individualismo, de soledad, pero de demostrar el genio del artista, y lo trgico de la poca. Eso se ve reflejado en las obras de los autores de este perodo, que por ser tomados como genios tenan libertad y el deber- de romper todo tipo de reglas. De hecho, es en este momento histrico cuando el artista comienza a ser tomado como un revolucionario que presenta al arte como un nuevo modo de ver la vida, frente a una poca de desalient o, buscando una belleza agitada. Una idea habitualmente asociada al romanticismo es la de expresar lo sublime. En palabras del crtico de arte Giulio Carlo Argan: cuando se supera el umbral de lo sublime, las sensaciones se disipan y se entra en contacto directamente no ya con lo creado, sino con las fuerzas sobrenaturales, divinas, de la creacin (...). Lo sublime es potica de lo absoluto. Los artistas romnticos identificaron a lo sublime con las fuerzas de la naturaleza, y mostraron lo pequeo del hombre frente a la inmensidad de la naturaleza, lo sobrenatural y el destino. En msica, una de las primeras composiciones romnticas es Werther, basada en una novela, en la que el protagonista, por un amor no correspondido, acaba suicidndose, estableciendo al suicidio como un tema comun dentro de los romnticos. De este modo se declara que la msica es capaz de transmitir un contenido extramusical, es decir, capaz de describir un contenido. Berlioz escribira la sinfona fantstica, que relata como un pintor, por un amor contrariado, decide suicidarse con opio, y la obra describe sus estados anmicos, casi psicodlicos. Pero es Ludwig Van Beethoven (1770-1827) el ms grande compositor del perodo romntico, y quien dignific la figura del compositor, defendiendo su independencia creativa. La obra de Beethoven es la que muestra las ms puras caractersticas del 26

Arte, culturas y estticas romanticismo musical: grandes contrastes, exaltacin de sentimientos atormentados y apasionados, la expresin del mundo interior del artista, la primaca de los elementos subjetivos y los sentimientos por sobre la razn. Lo sublime aqu se expresa por la explosin sonora dada por las orquestaciones, los grandes arreglos, los contrastes violentos dentro de las composiciones y los temas tratados. Las orquestas romnticas abandonan el formato pequeo y ascienden a gran cantidad de msicos, para expresar la monumentalidad del sonido y las composiciones. Un pintor del primer perodo romntico es Thodore Gricault (1791-1824). En un inicio adherente al neoclasicismo, luego incursiona en el romanticismo, influenciado tambien por Miguel ngel y Caravaggio, de quien hered el dramatismo y el claroscuro. Trata temas de la vida cotidiana, elevndolos a la categora de hechos heroicos. Mostrando la desesperacin y el sufrimiento de la gente, pasa pronto a ser el pintor romntico ms representativo, pero por independencia de estilo y carcter poco dcil, Gricault se mantiene al margen de los grandes encargos oficiales, un gnero que s sedujo a Delacroix. Gricault realiza una obra clave: la balsa de la medusa (1818), una pintura monumental (491 cm x 716 cm) que narra las consecuencias del naufragio de una fragata francesa. El dramatismo, el sufrimiento, la muerte, el retorcimiento de los sobrevivientes de la balsa, y fundamentalmente la lucha, el levantamiento, la resistencia del hombre contra la naturaleza y la muerte son los temas abordados en la pintura. El mximo exponente pictrico del romanticismo es el frances Eugene Delacroix (1789-1863). Pinta temas violentos y crueles, exalta la sensualidad y sexualidad de los personajes, posee un gran movimiento y mucho color. Estas dos ltimas caractersticas las tomara, ms tarde, el impresionismo. Posea un diario, el cual us toda su vida para realizar una crnica de su obra, sus pensamientos y conflictos internos. Para l, el artista es un revolucionario que presenta al arte como un nuevo modo de ver la vida, en una poca de desaliento, buscando una belleza agitada. Consideraba que el hombre se ve obligado a morir rodeado de todo lo que ha creado, y que nunca podemos ser comprendidos, por eso es mejor la soledad. Su obra ms clebre se ha transformado en un cono de la pintura: la libertad guiando al pueblo. En ella, se relata una escena de los levantamientos populares en Pars del da 27 de julio de 1830, cuando el rey borbn Carlos X suprimi la libertad de prensa, y salieron a protestar a la calle todas las castas sociales: burgueses, soldados, trabajadores, gente humilde. Y quien los gua es una mujer vestida humildemente, quien porta la bandera francesa, y representa a la Libertad. La obra demuestra que el hombre no nace libre, sino que pelea por su libertad. Esta pintura, como parte de la obra de Delacroix, presenta el cnon renacentista (perspectiva, y hasta una estructura piramidal), pero no tiene el mismo acabado en el trazo: pueden verse las pinceladas enrgicas, destacando el valor de la pintura en s. Esa energa en el trazo est dada por la subjetividad y el sentimiento propio del artista. Como dato extra podemos mencionar que Delacroix tom el modelo de la balsa de la medusa de Gricault para su libertad guiando al pueblo. La relacin entre ambas pinturas es estrecha, y ambas son conos del romanticismo. Dentro de los pintores del romanticismo, tambien se destaca el paisajista ingles Joseph Turner (1775?-1851). Sus temas preferidos eran el mar, los barcos y los factores climticos. Artista de gran temperamento, le interesa lo sublime de la naturaleza, su impacto y dramatismo, y si representa al hombre en sus cuadros lo hace pequeo, casi insignificante al lado de los paisajes naturales . No copia lo que ve, sino que lo que siente. Para pintar una tormenta en el mar, por ejemplo, Turner se ataba al mstil de un barco que se internaba en el centro de la tormenta, para luego, en su taller, componer la imagen del cuadro en base a lo que vivi. Crea en la idea de vivenciar la naturaleza, y que como artista deba transmitirla as, subjetivamente. Sus pinturas parecen acuarelas, aunque estan pintadas al leo, y muestran un estallido de color, ritmos y masas que se mueven elpticamente, que representan las tormentas, viento, nubes o fuego. La influencia de su obra, principalmente realizada en el segundo tercio del siglo XIX, se ve reflejada posteriormente en los impresionistas y hasta en los abstractos, pese a que en su poca fue un incomprendido. El romanticismo puede ser considerado un antecedente del arte moderno, en el que se pone en primer plano el sentimiento del artista, y la propia expresin del yo. Este movimiento puede ser considerado

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Arte, culturas y estticas atemporal, ya que sus caractersticas se repiten en numerosos momentos de la historia del arte, y sirvi de base para que el artista explore y exprese su subjetividad.

5.4. Realismo social


Como una continuacin del romanticismo, y casi superponiendose con l, a mediados del siglo XIX surge el realismo social, extendiendose aproximadamente hasta finales de ese siglo. Este movimiento se opuso al ideal romntico de expresar el deseo personal y, como su nombre lo indica, intenta expresar la realidad de la forma ms objetiva posible, tratando temas ms directos y vinculandose, en lneas generales, con ideas socialistas. El realismo social abarc gran parte de las artes, siendo la literatura y la pintura los mbitos ms explotados. Los temas ms abordados son el trabajo del hombre, su dignidad y moralidad, a quien se lo representa en sus tareas habituales. El realismo social tiene una sutil carga ideolgica socialista, mostrando un interes general por las clases ms desfavorecidas de la sociedad, surgida de la Revolucin Industrial. Algunos artistas mostraron una clara postura a favor del proletariado, participando en actos polticos del momento o elaborando un arte combativo. En pintura, ademas de los temas tratados, la esttica es clara: una representacin objetiva de la realidad, generalmente expresada con paleta baja (colores terrosos, ocres, oscuros). Se destacan tres pintores principales. Jean-Francois Millet (1814-1875) era un pintor que senta en la naturaleza ms de lo que los sentidos le daban. El principal tema en Millet es el trabajo de los campesinos: espigadores y sembradores pueblan sus telas, con un sentido moral y humano muy arraigado. Honor Daumier (18081879) fue un caricaturista, dibujante, pintor y escultor frances, que se destac en el llamado realismo poltico. Utiliz a los medios grficos como agente multiplicador de sus crticas al poder poltico. Para ello publicaba dibujos y caricaturas en revistas y peridicos, y utiliz a la litografa como tcnica para multiplicar la obra y comunicar. En sus pinturas hay una gran carga dibujstica, y muestra escenas noanecdticas, que sirven como situaciones que generan ideas y conceptos. En su obra queremos a Barrabas (1850) muestra la escena en la que Poncio Pilato seala al Cristo procesado ante el pblico, quien decide liberar a Barrabas. All, Daumier despersonaliza a los sujetos en la muchedumbre, los trata como masa informe. La crtica social y poltica de Daumier llega al punto tal de oponer a la muchedumbre no pensante con la idea de pueblo luchador por sus ideales. El principal representante del realismo social es Gustave Courbet (1819-1877). Es un socialista en esencia, pero en su obra su ideologa no aparece: Courbet es un observador objetivo. No trabaja la emocin, sino la realidad; no hay prejuicio, y muestra lo que es, sea lindo o feo. En ese sentido, la obra de Courbet busca generar una postura en el espectador, y que la obra as se complete. Ademas de abordar temas sociales propios del realismo, realiza temas costumbristas, retratos y desnudos, como en la casiconceptual pintura el origen del mundo.

5.5. Rodin: la modernidad en la escultura


Ya se desarroll la pregunta de quin fue el primer moderno? en lo referido a la pintura, pero no en escultura. En este caso, el primer escultor en cuestionar abiertamente la mmesis y la imitacin representativa fiel al modelo fue Auguste Rodin (1840-1917). Tambien puso en tela de juicio la funcionalidad de la escultura como monumento pblico. Parti de la escultura clasicista, y si bien cuando se habla de su obra ms difundida y conocida se dice que Rodin es un escultor impresionista, su obra va ms all de un estilo: es el ejemplo de modernidad en la escultura. Estudi en la Escuela de Artes Decorativas de Pars mbito no slo ajeno al de las bellas artes, sino adems menospreciado por stas- Rodin dedic gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatoma que en ms de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de Pars. Se lleg a decir que debido a la perfeccin en la representacin de sus primeras obras, los moldes haban sido sacados directamente del cuerpo del modelo y no de una arcilla hecha por el artista, como se debe hacer en el mtodo del vaciado en

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Arte, culturas y estticas bronce: tal acusacin era deshonrosa para cualquier escultor y Rodin, contando con la ayuda de amistades influyentes como el pintor y escultor impresionista Edgar Degas, logr salir de la disputa no slo victorioso, sino que adems con una fama que lo puso inmediatamente entre los artistas ms importantes de Pars. Su escultura se dividi en dos lneas distintas: la primera, a la cual denomin alimentaria, era la escultura decorativa de la cual viva y, como su nombre indica, se alimentaba a s mismo y a sus amantes; la segunda, ms popular y transgresora, es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental. Algunas de sus ms importantes obras son las puertas del infierno (1880-1917), para las que en un comienzo fueron pensadas las figuras el pensador, el beso y Dnae. Estas puertas, originalmente hechas para un supuesto museo de artes decorativas de Pars que nunca fue creado, tienen como tema el Infierno de Dante Alighieri, y en ellas Rodin plasma algunos pasajes de este libro usando como narracin los cuerpos de los personajes involucrados. La figura central, el pensador, es un retrato del poeta Dante, el cual se ve afectado por lo que est viendo (frisos con las figuras pecadoras bajo l) e influenciado por las fuerzas divinas que anuncian la desgracia sobre su cabeza (tres sombras o retrato triple de Adn). Los historiadores del arte tambin coinciden en esta escultura a la propia figura de Rodin: un hombre que se aterra frente al mundo en el cual le toca vivir, en el que la tecnologa da paso a milagros como el cine, y est justo en el centro, donde debe elegir entre enmarcarse en la tradicin o revolucionar las artes escultricas. El proceso por el cual estn hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su poca Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mrmol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente ms costoso), reconocida como la nica oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que est construido. Rodin realiz una abierta crtica a la obra nica. Muchas de sus ms famosas esculturas fueron reproducidas en cantidad, y estan dispersas por todas partes del planeta. De hecho, en la ciudad de Buenos Aires contamos con dos de sus ms famosas obras: una reproduccin de el pensador en la Plaza de los dos Congresos, y una reproduccin de el beso, alojada en el Museo Nacional de Bellas Artes. La relacin de Rodin con Buenos Aires existi, y testimonio de ello son las obras que quedaron en el actual Museo de Arte Decorativo. A principios del siglo XX, el matrimonio Errzuriz Alvear (una familia de la alta aristocracia portea, que viva en el palacio donde actualmente funciona el Museo citado) adquiri en Pars tres obras de Rodin que luego, cuando la residencia familiar se convirti en Museo Nacional, en 1937, pasaron a integrar las colecciones del organismo. Adems de un pequeo len en bronce, los Errzuriz adquirieron, por recomendacin de Rodin, la eterna primavera, ejemplar de una breve serie en mrmol realizada cuatro aos antes sobre el tema recurrente de la pareja joven en abierta exaltacin de la pasin amorosa. Los Errzuriz le encargaron a Rodin un proyecto de diseo para la chimenea del palacio, para reemplazar el modelo clsico de chimenea previsto en los planos por una propuesta plstica ms arriesgada y espectacular. Las tratativas entre Errzuriz y Rodin abarcaron ms de un ao, entre principios de 1912 y abril del ao siguiente, en un moroso intercambio de correos. Rodin le contesta a los Errzuriz: he pensado en vuestra propuesta y quedo desde ahora a vuestra disposicin. [...] Ms que bocetos le mostrar obras modeladas e inditas. Le pido que venga a Meudon, deseo estar all con usted, as, delante de las esculturas modeladas, la eleccin se realizar siempre mejor que sobre temticas. Probablemente una o ms reuniones tuvieron lugar hacia la primavera, pero slo en la carta del 26 de marzo de 1913 el escultor informa a Errzuriz: estoy feliz al saber que su largo viaje haya terminado; vuestro regreso a Pars me permitir mostrarle lo que he hecho y continuar nuestro trabajo conjunto. Claro que al llegar el momento de los nmeros, el acuerdo se fue diluyendo. Errzuriz estim que el precio era demasiado elevado, pidiendo disculpas por ofrecerle un precio menor que el que usted desea, aunque teniendo en cuenta que la obra ya est realizada y que slo se deben cambiar las proporciones, quiz se me permita abrigar alguna esperanza. Pero esas esperanzas se evaporaron con la respuesta que quince das ms tarde envi el artista, diciendo que el precio que usted me ofrece es

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Arte, culturas y estticas insuficiente para m y para una obra de esta calidad. Con lo cual los Errzuriz Alvear debieron contentarse con la maqueta de bronce, que actualmente se exhibe en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Para Rodin el artista no deba ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escoga, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginacin era capaz de modificarlo para crear as una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Este modelo de pensamiento es netamente moderno: el arte se autoabastece por el mismsimo artista. Es por esto que, en una mirada anatmicamente estricta, podra decirse que las figuras que construye carecen de una lgica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biolgicas. Rodin haba estudiado la anatoma no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresin de la psicologa y los sentimientos humanos. En su testamento, Rodin dijo: el mundo slo ser feliz cuando todos los hombres tengan alma de artistas, es decir, cuando todos sientan el placer de su labor. Esta frase expresa el amor del artista por su oficio.

5.6. Impresionismo
En 1839 aparece la fotografa, cambiando la visin del mundo y, sobre todo, de la pintura. La fotografa como adelanto tecnolgico super a la representacin realista de la pintura, por lo cual los artistas comenzaron a cuestionarse cual deba ser el rol del arte. Ademas, la Revolucin Industrial estaba en pleno auge, y con ella el desarrollo de las ciudades y los medios de transporte. El artista de la poca no permanece indiferente ante estos cambios, y esto comienza a apreciarse en su obra. La pintura se independiza de la fotografa, y comenzara a diferenciarse tcnicamente. Sin perder de vista la nocin cientificista y analtica de la realidad, los artistas empezaron a explorar los elementos propios de la pintura, y los desarrollaron. Estos artistas tenan una fascinacin con la ciudad, con su agitacin, lo vertiginoso del lugar. Es as que el artista deja de pintar en su taller, y sale a pintar a la calle, interesado en los efectos de la luz sobre las cosas. Realizaban numerosos estudios de un mismo lugar, a diferentes horas del da, para comprender y documentar la incidencia de la luz del sol en los objetos, y cmo sta los modifica. Debido a que pintaban en el lugar y deban aprovechar la luz ambiente, sus trazos eran veloces, vertiginosos, sin bocetar o dibujar previamente, y as poder captar ese momento preciso. Es as como se empiezan a emplear los elementos propios de la pintura: el color, la luz, el volumen y el contraste, dado por la mancha. Estudian la representacin de la luz, la atmsfera, la sombra coloreada y el valor. A partir de 1860, el grupo impresionista se desarroll en Francia, precisamente en Pars. En 1873 haran su primera exposicin, en donde un crtico de arte llamara impresionista al grupo, en base al cuadro de Monet Impresin: sol naciente. El grupo sera reconocido despues de 1880 en toda Europa, y en ese tiempo lo integraban Renoir, Degas, Morisot, Tolousse-Lautrec, Pissarro, Sisley y Monet, siendo estos 3 ltimos los ms puros representantes del movimiento. Claude Monet (1840-1926) es el ms escandaloso del conjunto. A diferencia de los otros miembros del grupo, Monet acenta los contrastes lumnicos, y el color presenta un mayor contraste, en paisajes de gran vibracin cromtica. Entre sus obras ms reconocidas se encuentran el conjunto de pinturas de la Catedral de Run a diferentes horas del da, con sus correspondientes diferencias de color. Alfred Sisley (1839-1899) utiliza los temas marinos y fluviales, con colores ms apagados que Monet. El agua, la nieve, el cielo y la niebla son factores siempre presentes en la obra de Sisley. Camille Pissarro (1830-1903) se centra en los temas de la ciudad, y pinta con colores ridos y terrosos, o mezclados con blanco. Ademas de su labor como pintor, fue un importante maestro de la poca, adoptando como discpulos a artistas en formacin como Cezanne o Gauguin. Los impresionistas pintaban pequeas pinceladas cromticas superpuestas, de colores muy luminosos, que buscaban reflejar el efecto de la luz solar sobre el paisaje. Al acercarse el espectador a la obra, podan apreciarse las pinceladas, mientras que al alejarse se presentaba un color uniforme. Esto se 30

Arte, culturas y estticas llama pintura retiniana, es decir, que el color se termina de formar en el ojo de quien observa, y es un antecedente de lo que luego seran, por ejemplo, los pixeles en las computadoras. Con sus obras muestran una visualidad pura: el principal interes de la obra es la imagen presentada. Pese a que estaban en un grupo, el artista impresionista era bastante individualista. Crea en la soledad (influencia romntica), y en la introspeccin. Uno de los pintores impresionistas es tambien su ms importante referente en la escultura. Es el caso de Edgar Degas (1834-1917), quien translad el concepto del impresionismo en el plano tridimensional. En el caso de la escultura, no se trata de pintar, sino de dejar la impronta del artista. Esto se refiere a dejar la marca del dedo, la esptula, el cincel o la herramienta con la que se est trabajando. Es un gran quiebre con respecto a las esculturas clsicas, como por ejemplo las de Miguel Angel, donde las superficies eran lisas y pulidas, y no podia determinarse con qu herramienta el artista trabaj. Sus temas, como en su pintura y dibujo, eran las bailarinas de ballet, y tambien toros y caballos. La escultura de Degas introduce el concepto de que el artista muestre su marca personal en la obra escultrica, por medio de la impronta que deja el artista con su trabajo manual. Desafortunadamente, la obra escultrica de Degas es poco difundida en comparacin con sus dibujos, generalmente realizados en pastel y carbonilla. En sus dibujos hay una percepcin consciente de la realidad, y utiliza tambien fotografas para capturar el movimiento de las bailarinas de ballet. Siempre la figura humana es la protagonista, utilizando el pastel como medio tcnico ideal para expresar soltura y espontaneidad, con un color ms terroso que el utilizado por los impresionistas. La impresin, para l, era la del movimiento. En el plano de la msica, su principal representante es Claude Debussy (1862-1918). El agua, los temas fluviales y el sentimiento de nacionalismo frances son los temas que respaldan su obra. Como en la pintura, los timbres de los instrumentos de la orquesta de entremezclan en matices a veces fuertes y a veces imperceptibles, con una amplia paleta orquestal. Las composiciones de Debussy desbordan de sensibilidad y calma, siendo un perfecto fondo musical para las obras pictricas. En el impresionismo, la pintura, al desarrollar sus propios elementos plsticos, deja de ser un medio para copiar la realidad, y adquiere un carcter ms creativo, que la pone por encima de lo que ya era. Si bien los artistas siguen ligados a la idea de representacin, tambien podemos citar a Baudelaire, quien dijo: la pintura no es mecnica, sino que es una actividad nica y espiritual. As, solo la visin del artista puede embellecer la realidad.

5.7. Neoimpresionismo: el puntillismo


El puntillismo, tambien llamado neoimpresionismo, es la rama ms cientfica del impresionismo. Es cientfica porque tiene un mtodo preciso, basado en un ritmo controlado de la pincelada, y lleva al extremo el concepto de pintura retiniana. Los artistas puntillistas realizaban un anlisis estructural del color, para descomponer lo que vean en el paisaje en pequesimos puntos de color en la pintura. Su representante ms reconocido es George Seurat (1859-1891), artista que slo vivi 31 aos, inspirado en el impresionismo, y cuyos aportes revolucionaron la tcnica. Seurat pintaba con pequeos puntos de distinto color formando grandes manchas cromticas que finalmente, al observarlas a distancia, se unan dentro del ojo del espectador. Est considerado como uno de los inspiradores del arte abstracto, ya que si se toman solamente las manchas de color (sin tomar en cuenta las formas figurativas que aluden) hay una cercana notable a la abstraccin. La dificultosa tcnica le obligaba a trabajar varios aos en un mismo cuadro, ya que eran de grandes dimensiones, por ejemplo 4 mts x 2,5 mts. A diferencia de los impresionistas, Seurat trabajaba en el taller, pero, como ellos, sus temas giran alrededor de la ciudad, y de los parisinos en las orillas del ro Sena, como se muestra en su ms famosa obra tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. El segundo representante del movimiento es Paul Signac (1863-1935), quien llev al extremo al puntillismo, entrando en detalles ms precisos que Seurat. Sus temas abordan los puertos franceses, holandeses y de casi todo el Mediterrneo, puesto que Signac posea un pequeo barco con el cual realizaba sus viajes con el motivo de tomar apuntes en acuarela. Ya en su taller, esos bocetos le servan

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Arte, culturas y estticas para elaborar sus pinturas al leo. Tambien se destac en el grabado al aguafuerte y la litografa. Sus vibrantes colores seran una influencia decisiva para Henri Matisse y el posterior movimiento Fauvista.

5.8. Post-impresionismo
Es un trmino histrico-artstico que se aplica a los estilos pictricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuado por el crtico britnico Roger Fry con motivo de una exposicin de pinturas de Paul Cezanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh que se celebr en Londres en el ao 1910. Este trmino engloba en realidad diversos estilos personales plantendolos como una extensin del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de ste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicacin compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar ms emocin y expresin a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visin ms subjetiva del mundo.

5.8.1. Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)


Nacido en el seno de una familia burguesa, como consecuencia de la consanguinidad de sus padres (eran primos), Toulouse-Lautrec padeci una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos y que comenz a manifestarse en l a sus 10 aos. Su constitucin sea era dbil y sufri dos fracturas en los fmures de ambas piernas, que le impidieron crecer ms, alcanzando una altura de 1,52 m. Estudi dibujo y pintura, y a los 20 aos se mud a la ciudad francesa de Montmartre, donde empez a frecuentas burdeles, bares y prostbulos. Todo lo relacionado con este mundo, incluida la prostitucin, constituy uno de los temas principales en su obra. En sus obras de los bajos fondos de Pars pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A stas las pintaba mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspeccin mdica. Al contrario que los artistas impresionistas, apenas le interes el gnero del paisaje, y prefiri ambientes cerrados, iluminados con luz artificial, que le permitan jugar con los colores y encuadres de forma subjetiva. Muy observador, le atraan la gestualidad de los cantantes y comediantes, y le gustaba ridiculizar la hipocresa de los poderosos, que rechazaban en voz alta los mismos vicios y ambientes que degustaban en privado. Los dueos de los cabarets (el ms reconocido es el Moulin Rouge) le pedan que dibujara carteles para promocionar sus espectculos, algo que entusiasm mucho a Lautrec ya que en sus largas noches en estos locales dibujaba todo lo que vea y lo dejaba por las mesas. Este submundo de vicio y extravagancia fue un refugio para Lautrec, quien se senta rechazado por la nobleza a la que perteneca por origen. Su minusvala fsica causaba rechazo, pero en esos contextos pudo pasar desapercibido y dar rienda suelta a su bohemia. Criticaba a todos aquellos que reflejaban paisajes en sus cuadros, ya que l opinaba que lo que verdaderamente vala la pena eran las personas, el pueblo. Se consideraba a s mismo un cronista social y se mezcl, pint y fue como el pueblo. Tena graves problemas de alcoholismo. Padeci manas, depresiones y neurosis, adems de ataques de parlisis en las piernas y en un costado. Varias veces tuvo que ser recogido de las calles a causa de una borrachera, al extremo tal de que lo internaron en un sanatorio mental. All realiz una coleccin de pinturas sobre el circo. Le dejaron ir a casa de su madre en las posesiones de sta cerca de Burdeos, y en 1901 muri postrado en su cama. Toulouse-Lautrec se destac en el dibujo principalmente, y gran parte de su obra est dedicada a la cartelera publicitaria. Los ya mencionados encuadres subjetivos son casi fotogrficos, espontneos, como si el espectador de la obra fuera quien est viendo la escena in situ. La obra de Toulouse-Lautrec posee una autonoma, identidad y color propios, fcilmente reconocibles.

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Arte, culturas y estticas

5.8.2. Paul Cezanne (1839-1906)


El pintor frances Paul Cezanne es considerado uno de los pilares principales del arte moderno del siglo XX, ubicado dentro de los llamados pintores post-impresionistas. Comenz siendo un pintor romntico, influenciado por la admiracin que le tena a Eugene Delacroix. Luego se aproxim a los impresionistas, incluso siendo alumno de Camille Pissarro, y emple su tcnica pictrica. Sus pinturas no fueron bien aceptadas por la crtica, y por eso se alej del grupo impresionista, buscando su propia identidad artstica, intentando simplificar y ordenar el empleo del color, entre 1880 y 1890. La composicin de sus obras est basado en la percepcin y la conciencia: la conciencia le recordaba su propia experiencia, dada por la percepcin visual, y eso llevaba al recuerdo, al pensamiento. Por lo tanto, la pintura de Cezanne es plenamente pensada, consciente, estudiada. En este sentido, se opone rotundamente a los impresionistas, que pintaban vertiginosamente, y les interesaba el color. Cezanne se interesa en la composicin del cuadro, en el estudio del color y la estructura. Deca: la pintura no debe ser una ventana, sino que uno mismo, como espectador, debe estar inmerso en ese entorno. Lo que intentaba lograr con esto es generar la ilusin de que el espectador se sienta dentro de la escena: que esa escena modifique a quien la ve, y quien la observa tambien la modifique, siendo partcipe de la obra. Esta idea sera retomada en la dcada de 1960, y es una de las principales bases del arte conceptual. Cezanne limita su paleta, y no pinta con tantos colores como sus contemporneos, los impresionistas. En general, utiliza naranjas, verdes y azules, y muchos matices de esos colores hacia el blanco o el negro, que daban la profundidad en la imagen. La mayora de los temas en sus cuadros eran figuras y paisajes, con una tendencia a geometrizar todo elemento pintado sobre la tela, acentuando el carcter de plano bidimensional del cuadro. l deca: si tratamos cualquier paisaje con figuras geomtricas, reflexionamos sobre la forma de los objetos, otra reflexin sobre el modo de construir ese paisaje. As, Cezanne construye y compone en base al cubo, el cono, el cilindro y la esfera. Esta geometrizacin se evidencia en la composicin de sus cuadros. Mediante la pincelada construa ritmos, eliminando la lnea y dejando solo el gesto de la pintura, que en general era empastado, dandole un ligero relieve sobre la tela. Al mismo tiempo, todos los elementos de la imagen poseen una misma jerarqua, es decir, que no se pisan entre s, y no hay nada que resalte, sino que son muy armnicos. Cezanne fue un incomprendido de su poca, pero a finales de su vida obtuvo el reconocimiento merecido. Su teora sobre la construccin de la imagen con figuras geomtricas fue la principal premisa que tom Pablo Picasso para desarrollar el cubismo: la vanguardia que definitivamente rompera con el cnon renacentista. Por ende, puede considerarse a Paul Cezanne como uno de los padres directos del arte de vanguardia del siglo XX.

5.8.3. Paul Gauguin (1848-1903)


El pintor parisino post-impresionista Paul Gauguin tambien tuvo un breve paso por el impresionismo, cuando conoci a Camille Pissarro, quien fue su maestro y lo introdujo en ese estilo pictrico. A diferencia de otros pintores franceses de la poca, Gauguin toma contacto con culturas distintas a la de l. Realiza viajes a Panam, y se inspira en el arte indgena y oriental, los vitrales medievales y las estampas de grabado japonesas. El estilo de Gauguin comienza a tomar un estilo muy propio, dandole un enorme valor a la imaginacin como motor creador de imgenes, restandole importancia a la percepcin y la observacin. As, Gauguin formula la idea de que no hay un solo modo de percibir la realidad, sino varios. Convive con Vincent Van Gogh durante dos meses, en la casa de ste ltimo, durante 1888. Ambos traban amistad rpidamente, sobre todo a la hora de pintar, pero la relacin se deteriora debido a los problemas de salud de Van Gogh. El episodio que los separ fue cuando Van Gogh vi un retrato que Gauguin hizo de l, y consider que lo pint como un loco, generando su ira. Van Gogh, enojadsimo, discuti con Gauguin, y lleg a amenazarlo con una navaja. Gauguin se march, y Van Gogh no se suicid, pero s se cort el lbulo de la oreja, posedo por el dolor.

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Arte, culturas y estticas Paul Gauguin, luego de este hecho, se fue a vivir a Polinesia, donde se establece un tiempo y sigue pintando. Pero contrae sfilis, y luego lepra, por lo que se establece en las islas Marquesas para encontrar su inspiracin. All muere, a los 55 aos de edad. La gran herencia que dej Gauguin fue el valor que le dio a la cultura y el arte indgena y oriental, y el fundamental empleo del color, expresado desde la emocin. A diferencia de los impresionistas, no pintaba con pequeas pinceladas, sino con colores planos. Lo principal del uso del color, es que Gauguin consideraba que el color puede sugerir y tener su propia identidad, anticipando as el fauvismo y a los nabs, movimiento en el que mediante el color se acentuaba la espiritualidad y el simbolismo.

5.8.4. Vincent Van Gogh (1853-1890)


El pintor holandes Vincent Van Gogh es uno de los artistas ms influyentes y talentosos de la historia de la pintura, adjudicndose ms de 900 cuadros pintados, y 1600 dibujos realizados. Hijo de un pastor holandes, fue llamado Vincent Willem como su hermano que naci muerto exactamente un ao antes que l, y nacido el mismo exacto da (30 de marzo). No era un buen estudiante, y se interes tempranamente por la pintura, aunque sus maestros le decan que jamas sera un buen pintor. En lo que respecta al dibujo y la pintura, entonces, fue un autodidacta. Intent trabajar en una galera de venta de obras de arte parte del negocio familiar-, pero su temperamento e inestabilidad no le permitieron seguir haciendolo. Obsesionado con la Biblia y la teologa, fue a Blgica, donde fue pastor misionero, imitando la vida de Cristo. Consideraba que para ayudar a todos, deba vivir pobre como pastor, predicando la palabra de Dios. En ese marco, en 1880, encontramos su primer perodo como artista, donde comienza a dibujar y pintar de forma regular. Sus temas, en ese momento, eran los tpicos del realismo social: los campesinos y la dignidad del trabajo, abordado como un tema social, y no-poltico. Lo muestra de un modo oscuro, con trabajadores y campesinos marginados, como un testimonio de lo que qued de las guerras. En esta etapa toma la figura de Daumier, pero principalmente de Millet (ambos pintores del realismo social) como padrino artstico, tanto por la representacin del trabajo de los campesinos, como por la esttica de sus pinturas. En 1886 se muda a Pars, con su hermano menor Theo, donde inicia el segundo perodo de su pintura, principalmente de influencia impresionista. Aqu su estilo cambia, pintando para generar conciencia, mostrando una realidad feroz, inmodificable, con imgenes viscerales, plagadas de vibrantes colores, tambien influenciado por los grabados japoneses, principalmente. En 1888 se muda a Arls, a la llamada casa amarilla, donde intenta fundar un estudio de artistas. A su llamado solo acude Paul Gauguin, con quien convive solo dos meses. Luego de continuas y cada vez ms intensas discusiones, la ltima de ellas desatada por un retrato que Gauguin hizo de Vincent, en el que ste consideraba que lo pint como un loco. Gauguin decide marcharse, luego de que Van Gogh lo amenazara con una navaja. Este episodio desemboc en la definitiva partida de Gauguin, y en un ataque de ira por parte de Vincent, que lo llev a cortarse el lbulo de la oreja, con esa misma navaja. Otras versiones afirman que el corte de la oreja fue un acto impulsivo ocasionado por un amor no correspondido, ya que Vincent se habra enamorado de una prostituta, y por el dolor de su rechazo se automutil, para luego llevarle a la mujer, como una ofrenda de amor, su propia oreja cortada. Aunque, por desgracia, no se tiene certeza de cual de las dos ancdotas es verdica, si alguna lo es o si ambas lo son y se encuentran conectadas. En todo caso, Vincent fue internado un tiempo en un hospital psiquitrico, donde continu pintando y realiz una prolfica obra. Cuando volvi a su casa amarilla en Arls, encontr a muchos de sus cuadros deteriorados por el moho, la humedad, y otros destrudos por los vecinos que no lo queran. Esto ocasion una nueva depresin en l. Van Gogh tena una forma de esquizofrenia, por lo cual las depresiones, los ataques psicticos, la automutilacin (en el caso de la oreja), la dificultad para socializar y el sentimiento de aislamiento y soledad eran un patrn muy comun en l. Por ello, durante 1889 y 1890, Vincent se auto-intern en muchos hospitales psiquitricos, en donde continu pintando muchas de sus ms famosas obras. Su hermano Theo fue su soporte econmico y afectivo durante toda su vida, pero ms aun en los ultimos 34

Arte, culturas y estticas aos de Vincent. Conocemos de la vida de Van Gogh, principalmente, por las cartas que l le enviaba a Theo (alrededor de 650), en las que Vincent le contaba a su hermano cmo estaba y qu senta. Theo tambien se encargaba de vender las obras de su hermano, y luego enviarle el dinero para que se sostenga. Puesto que Vincent no trabajaba, se dedicaba de lleno a la pintura, llegando a pintar, en los ltimos dos aos y medio de su vida, alrededor de 500 obras. En los ltimos dos meses y medio, pint 80 obras. Theo constituy para Vincent el pilar moral y emocional ms importante de su vida, y era el destinatario de toda su produccin artstica. En julio de 1890, afectado por su soledad y su enfermedad, pinta una de sus ltimas obras: campo de trigo con cuervos, como un presagio de lo que vendra. El 27 de julio sale a caminar por el campo y se dispara en el estmago con un revolver, para luego volver a su casa y agonizar all. Fue internado en un hospital, y dos das despues falleci. Todos sus amigos, para su entierro, llevaron flores amarillas, color favorito de Vincent. En el grueso de su obra, lo que mayormente encontramos son retratos y paisajes, todos ellos conocidos por Vincent. Ms all de la esttica de sus diferentes perodos, en todas sus pinturas podemos ver lo que l vivi, y cmo: ya sea mediante un autorretrato, la caracterizacin de la habitacin en la que viva o los cafs que frecuentaba, o el retrato de su doctor, Van Gogh pintaba para vivir, y esa vida qued explcitamente representada en sus telas. Con respecto al color de sus obras, en su primer perodo toma caractersticas del realismo social, con colores tierras, oscuros, para acentuar el dramatismo. Ya en su segunda etapa, el dramatismo lo dara con el color saturado, vivo, explosivo. Van Gogh utiliza el color para generar tensin en la imagen, como una fuerza dentro de la composicin del cuadro. El color es interno, es subjetivo, es emocional: lo utiliza como lo siente l, no como es en la realidad. Del impresionismo toma solamente las pinceladas superpuestas, pero conceptualmente no tiene relacin con ellos. Van Gogh es un pintor post-impresionista, pero tambien podra considerarselo expresionista, puesto que lo que a l le interesa es la expresin de su ser interno, de sus sentimientos, y de su emocin. Por eso, la influencia de Van Gogh en el siglo XX es incuestionable. Su obra es un pilar bsico para el posterior movimiento fauvista -por su tratamiento del color- y los expresionistas alemanes -por acentuar los sentimientos internos. La turbulenta vida personal de Van Gogh lo haca ser un marginado no solo de su propio entorno, sino de su propia poca. De aqu se desprende el concepto de otredad: mientras ms distinto sea yo del otro, ms me identifica a m como una persona distinta. En Van Gogh, el otro es la realidad, y es l quien se siente distinto a ella. Esa otredad, ese sentimiento de alejamiento de la realidad, es lo que Van Gogh dej en su obra: el cuadro no representa algo; el cuadro ES. La pintura en Van Gogh es su propio tema, es en s misma, es moderna. Sus obras son una realidad que solo existe en ese plano, y la materia pictrica adquiere una consistencia autnoma, desesperada, testimonio de quien la pint. As, muestra cuan distinta y ajena a uno mismo es la realidad, segn como l la vivi y represent. En Van Gogh, el arte se transforma en un oficio de vida, de supervivencia y de trascendencia.

5.9. Modernismo
Dentro del arte moderno (o arte de la Edad Contempornea) aparece la figura del modernismo. Tampoco debe confundirse modernismo con arte moderno, puesto que el modernismo fue un movimiento artstico de fines del siglo XIX y principio del XX, que tom diversos nombres y caractersticas dependiendo del pas en el que se desarroll: Art Nouveau (en Blgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y pases nrdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en Espaa). El modernismo se distingue por su creatividad, el gusto por lo refinado, el deseo de salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres. Todas estas denominaciones hacen referencia a la intencin de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la poca, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una esttica nueva, en la que 35

Arte, culturas y estticas predominan la inspiracin en la naturaleza a la vez que, en arquitectura, se incorporan materiales novedosos como el hierro y el cristal, innovaciones derivadas de la Revolucin Industrial. En el modernismo es comun la inspiracin en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural, pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgnico entrelazndose con el motivo central. As, las guardas de flores y hojas de plantas son un elemento comn en el diseo modernista, tanto en arquitectura como en cartelera, y generalmente envuelven o ambientan al contenido de la obra en s. El uso de la lnea curva y la asimetra, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoracin es otra caracterstica frecuente. Se estilizan los motivos, siendo menos frecuente la representacin estrictamente realista de stos, utilizando ornamentos, volutas y ondulaciones. Hay una fuerte tendencia al uso de imgenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y grciles, con un aprovechamiento estilsitico y compositivo de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas. En estas mujeres siempre hay una actitud que tiende a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guio hacia lo ertico en algunos casos. En arquitectura se destaca la figura de Antoni Gaud (1852-1926), mximo representante del modernismo espaol, y figura ineludible de la arquitectura contempornea. Dotado de una innata capacidad imaginativa en lo que al diseo y la arquitectura refiere, Gaud fue ms all del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observacin de la naturaleza, fruto del cual fue su utilizacin de formas geomtricas regladas, como el paraboloide hiperblico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. La arquitectura de Gaud est marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la bsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logr despus de toda una vida dedicada al anlisis de la estructura ptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una sntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la prctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaud tuvo una etapa neogtica y culminar en una etapa modernista muy particular, con un estilo orgnico inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectnica que es una simbiosis perfecta de la tradicin y la innovacin. Asimismo, toda su obra est marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religin y el amor a Catalua. Su estilo tiene una referencia conceptual al barroco, en el que el horror al vaco y la ornamentacin recargada es una caracterstica arquitectnica. En la obra de Gaud se combinan practicamente todas las artes: arquitectura, pintura, escultura, e incluye muchas disciplinas y materiales como el mosaico, la cermica, el hierro forjado. De esta forma reconstruye la idea de taller medieval en que el artista era el jefe de los maestros y no actuaba como un proyectista, sino como un director de orquesta. Y si bien se vale de los adelantos tecnolgicos industriales, manejndose as revaloriza lo artesanal y el trabajo de la mano humana. Segn Argan, para Gaud, el arte es la vuelta a un pasado que sobrevive nicamente en la fantasa, y no ya porque imite formas histricas, sino en el sentido de que deliberadamente invierte su movimiento haciendo girar al revs la rueda del progreso tecnolgico, obligndolo a realizar valores ideolgicos opuestos a los que, segn su lgica, debera perseguir. Su obra cumbre es el Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, ubicado en Barcelona. Se hizo cargo de la obra a sus 31 aos de edad y la continu durante toda su vida, pero no lleg a verla terminada. De hecho, aun hoy se la sigue completando, habiendo sido iniciada su construccin en 1882. Una de sus ideas ms innovadoras fue el diseo de las elevadas torres cnicas circulares que sobresalen apuntadas sobre los portales, estrechndose con la altura. Las proyect con una torsin parablica dando una tendencia ascendente a toda la fachada, favorecida por multitud de ventanas que perforan la torre siguiendo formas espirales. El templo, cuando est terminado, dispondr de 18 torres: cuatro en cada una de las tres entradas-portales y, a modo de cpulas, se dispondr un sistema de seis torres, con la torre cimborio central, dedicada a Jess, de 170 metros de altura, otras cuatro alrededor de sta, dedicadas a los evangelistas, y un segundo cimborio dedicado a la Virgen. El interior estar formado por innovadoras columnas arborescentes inclinadas y bvedas basadas en hiperboloides y paraboloides buscando la forma ptima de la catenaria. A su muerte en 1926 solo se haba llegado a construir una sola torre. Antoni Gaud falleci por haber sido confundido con un mendigo y no recibir atencin mdica tras ser arrollado por un tranva. Su obra fue revalorizada a partir de la dcada del 50, y hoy da goza de una inmensa popularidad y reconocimiento. Su estilo nico lo hace distinguirse claramente de otras propuestas arquitectnicas.

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Arte, culturas y estticas En cartelera y diseo grfico destaca la imagen de Alphonse Mucha (1860-1939). Pintor y diseador, produjo una gran cantidad de pinturas, psteres, avisos e ilustraciones as como diseos para joyera, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografas) en lo que lleg a conocerse como el estilo Art Nouveau. Ademas de las caractersticas tpicas del modernismo, los trabajos de Mucha se destacaron por mostrar mujeres jvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclsicos, frecuentemente rodeadas de flores y motivos naturales, que a veces formaban halos detrs de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intent distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que ms que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiracin. Declar que pensaba que el arte exista para transmitir un mensaje espiritual y nada ms; de all su frustracin por la fama que logr a travs de un arte bsicamente comercial. La obra de Mucha fue revalorizada y reformulada en la dcada del 60, con el auge del arte psicodlico y la publicidad pop, caractersticas que pueden detectarse en gran parte de la obra del diseador modernista. En pintura resalta el austraco Gustav Klimt (1862-1918). Pintor, muralista y decorador de interiores, en un inicio tuvo una formacin academicista neoclsica. Luego del fallecimiento de su padre y hermano, y despues de conocer a Emilie Floge (su compaera de toda la vida), el estilo de Klimt se aleja del neoclsico y se acerca al simbolismo. Se convirti en uno de los miembros fundadores -y presidente- de la Wiener Sezession, o Secesin de Viena, un grupo de artistas fundado en 1897. La Sezession haba surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la Academia vienesa de la que el mismo Klimt haba formado parte en su juventud. Entre sus objetivos se contaban la promocin de artistas jvenes, la exhibicin de obras producidas en el extranjero y la publicacin de una revista sobre las principales obras realizadas por los miembros. El grupo nunca redact un manifiesto para remarcar su carcter grupal o vanguardista, y tampoco se defini por una determinada direccin estilstica: entre sus miembros se contaban naturalistas, realistas y simbolistas. Con su nuda veritas (1899) define su estilo modernista, exhibiendo a una mujer de pie, desnuda, observando al espectador y sosteniendo un alegrico espejo de la verdad. Debajo de la obra, un rtulo rezaba: si no puedes agradar a todos con tus mritos y tu arte, agrada a pocos. Agradar a muchos es malo. A partir de all empieza a desarrollarse lo que se conoce como su etapa dorada, en las que en sus pinturas adhiere laminillas de oro como elemento decorativo y compositivo. De esta etapa es su obra ms reconocida, el beso (1907-08), en la que una pareja se abrazan, dando el hombre un beso casi forzado en la mejilla de la dcil mujer. En esta imagen, las ropas de los personajes tienen un alto contenido decorativo, que simbolizan sus sexos: lo rectangular y rgido para el hombre, y lo circular y delicado para la mujer. De esta etapa tambien es el retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907), pintura vendida en 2006 a 135 millones de dlares, transformandose en ese momento en la segunda pintura ms cara de la historia, y actualmente en la tercera. Otras obras reconocidas del autor son Judith (1901) y las tres edades de la mujer (1908). Tal como se aprecia en muchas fotografas, Klimt sola vestir tnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt sola evitar los encuentros de sociedad y los crculos intelectuales de caf. Pese a su imagen de libertino, Klimt tambin llevaba su activa vida sexual discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa categora social, nunca se vio personalmente envuelto en ningn escndalo pblico. Atrados por su gran fama, algunos clientes que acudan a su casa solan descubrir que Klimt poda permitirse ser muy selectivo antes de aceptar un encargo. Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su particular mtodo de trabajo, tras largas meditaciones y an ms prolongadas sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente ertica de sus obras sola verse "suavizada" por un enfoque alegrico, o simblico, que la haca de algn modo ms admisible para la pacata opinin pblica de la burguesa vienesa. Klimt nunca destac por su carcter terico. No escribi apenas nada sobre su visin artstica o sus mtodos. Sobre el final de su vida, tambien realiz pinturas de paisajes con un tratamiento casi impresionista, siendo el nico conjunto de obras del autor que se alejan de la figura humana. Falleci a la edad de 55 aos, luego de padecer un infarto, neumona y la gripe espaola.

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Arte, culturas y estticas

5.10. Las vanguardias histricas


Segn el diccionario de la Real Academia Espaola, la palabra vanguardia puede ser: 1) parte de una fuerza armada, que va delante del cuerpo principal; 2) avanzada de un grupo o movimiento ideolgico, poltico, literario, artstico, etc.; 3) en primera posicin, en el punto ms avanzado, adelantado a los dems. La palabra proviene del trmino frances avant-garde, propia de la terminologa militar, y designa como la definicin explicita- a aquellos que van adelante, en oposicin a la retaguardia. En el terreno artstico, se ha llamado vanguardias histricas a una serie de movimientos artsticos de principios del siglo XX, ubicados en Europa. Estos movimientos buscaban innovacin en la produccin artstica, se destacaban por la renovacin radical en la forma y el contenido, exploraban la relacin entre arte y vida, y buscaban reinventar el arte confrontando movimientos artsticos anteriores. La caracterstica primordial del vanguardismo es la libertad de expresin, que se manifiesta alterando la estructura de las obras, abordando temas tab y desordenando los parmetros creativos: en poesa se rompe con la mtrica y cobran protagonismo aspectos antes irrelevantes, como la tipografa; en arquitectura se desecha la simetra para dar paso a la asimetra; en pintura se rompe con las lneas, las formas, los colores neutros y la perspectiva. Releyendo la definicin de vanguardia, tranquilamente podemos pensar que todo movimiento artstico que lucha por imponerse a un estilo ya legitimado, sera vanguardia. En ese sentido, y para ejemplificar al azar, el Barroco sera vanguardia en relacin al Renacimiento. Si tomamos la definicin de vanguardia al pie de la letra, el ejemplo anterior sera vlido. Sin embargo, cuando en las artes se habla de vanguardias se refiere generalmente a las vanguardias histricas, conjunto de propuestas, movimientos y grupos artsticos que, como ya se especific, se ubican en un tiempo y espacio determinados. Pero, qu les caracteriza, qu les hizo portar el ttulo de vanguardias histricas? Para responder a esta pregunta hay que abordar el contexto cultural e histrico de la Europa de principios del siglo XX. Como hito de innegable importancia se encuentran las Guerras Mundiales, que no solo son sinnimo de conflicto blico y poltico, sino que sus consecuencias fueron devastadoras para la humanidad misma. Las vanguardias histricas se ubican antes, durante, entre y despues de las guerras, en muchos casos exhibiendo las consecuencias sociales y humanas provocadas por stas. Dentro de este contexto fue cuando, por primera vez en la historia del arte, se aglutinaron, superpusieron, opusieron y enriquecieron una incontable cantidad de propuestas, que se desarrollaron en un tiempo y espacio practicamente simultneos, encabezados por grupos de artistas definidos a menudo incluso justificados por un manifiesto- quienes crean en la renovacin de las artes, basados en el ideal moderno. Les qued la denominacin de vanguardias porque fue la primera vez que ese trmino de origen militar ingres al campo artstico, cobrando significacin propia en los diferentes lenguajes simblicos. Pero no todo lo que sucede en la primera mitad del siglo XX es vanguardia. El trmino vanguardia, dentro de las artes, implica un significado. La vanguardia en las artes incluye la idea de vanguardia poltica, ya que conlleva ideales de cambio social (en este sentido se mantiene consecuente con las fuentes ya mencionadas). Esto significa que la propuesta de los artistas vanguardistas y, por ende, de sus obras, es generar un cambio, un progreso, una nueva y mejorada conciencia cultural acorde al contexto histrico en el que surgieron, y abarcan no solo el campo esttico o temtico de la disciplina que tratan, sino tambien la vida misma. Del mismo modo, entre los movimientos de vanguardia de la primera mitad del siglo XX, hay unos ejemplos clarsimos de bsqueda de cambio social desde el arte. En el sentido estricto del significado de qu es ser vanguardista, podemos jerarquizar y hacer diferencias entre los movimientos, reconociendo que hay vanguardias ms puras que otras: el dadasmo (la bsqueda de la destruccin del concepto de arte), el surrealismo (automatismo psquico como prxis al alcance del hombre), el futurismo (ideologa poltica marcadsima), la Bauhaus, el funcionalismo y el constructivismo ruso (en estos casos, arte puesto en funcin del hombre y su vida cotidiana) pueden ser consideradas las ms vanguardistas,

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Arte, culturas y estticas respecto a la relacin arte-vida que proponen y sostienen. Luego, vanguardias como el expresionismo (que exhibi la sensacin y sentimientos de la poca) y el cubismo (que fue una vanguardia netamente esttica, sin una bsqueda social concreta) son vanguardia, s, pero con reservas, ya que sus postulados no alcanzaron a tocar concreta y puntualmente la esfera social. De todas formas, y pese a esta diferenciacin de pureza dentro de las vanguardias, nos enfocaremos en que las vanguardias histricas son aquellos movimientos artsticos europeos de primera mitad del siglo pasado. Otra pregunta habitual es: por cunto tiempo se puede ser vanguardista?. Hablando de lo estrictamente artstico, se es vanguardia hasta que la propuesta es avalada o legitimada por la institucin-arte. Es decir: se es oposicin, hasta que se es oficialismo. Ejemplifiquemos con un caso al azar, tomado de los perodos artsticos pre-vanguardia: cuando el romanticismo surgi a fines del siglo XVIII, luch por encontrar su lugar en la historia, y en ese sentido tuvo un carcter vanguardista (en el significado ms suprfluo del trmino) con respecto al neoclasicismo, que era el gusto instalado. Pero una vez que el romanticismo fue instalado como gusto esttico de poca y desbarranc al neoclasicismo, su llama vanguardista se apag: el romanticismo ya no tena a qu oponerse, porque ahora l era el arte de turno. Pero el ciclo se hace practicamente eterno: cuando el romanticismo se oficializ, hubo otros que quisieron removerlo con una nueva propuesta, como el realismo social o el impresionismo. En las vanguardias histricas se sucede un hecho particular: ninguna propuesta se oficializ, ninguna fue legitimada como superior a las otras. Teniendo puntos en comun o siendo opuestas entre s, cada vanguardia tuvo un valor propio, dado por la cultura y el contexto en que naci y se desarroll. Pero lo frentico de sus propuestas, de rpido nacimiento y muerte, tuvo siempre un punto comun, que era el de modernizar el arte y la conciencia del pblico. Son vanguardias histricas, de alguna forma eternas, porque al no alcanzar ese aval o esa legitimacin global, total, permanecieron como heroicos intentos de superar al pasado. De algun modo, a partir de la dcada del 60, las vanguardias histricas son tomadas como un pilar ineludible del arte contemporneo, y son motivo de revisin y consulta para el artista posmoderno. Ah est la legitimacin, la institucionalizacin de la vanguardia. Pero eso ya no sucede en el momento y contexto en que la vanguardia vivi, donde su virulencia fue elevadsima, sino tiempo despues, cuando sus propuestas ya se haban instalado en la memoria colectiva como una ancdota histrica y artstica.

5.10.1. Fauvismo
En 1905 se realiza, en Pars, una exposicin en el Saln de Otoo, en el que se present un grupo de nuevos e innovadores pintores, cuyas obras llamaban la atencin por sus violentsimos colores. Un crtico de arte, al ver las novedosas obras del grupo, en contraste con una escultura clsica de Donatello que se hallaba en el mismo saln, irnicamente coment: Donatello se encuentra entre las fieras. De esta frase nace el nombre de este nuevo grupo, denominado fauvista, puesto que fauv, en frances, significa fiera. El fauvismo sera el primer movimiento de vanguardia nacido en el siglo XX, y el principal protagonista sera el color. El movimiento fauv es netamente frances, y surge de su tradicin grecolatina. Los artistas del movimiento se basaron en lo expresionista de la obra de Vincent Van Gogh y, fundamentalmente, de Gauguin: el uso visceral, impulsivo y subjetivo del color. Lo que chocaba en los cuadros fauvistas era que utilizaban colores saturadsimos, y se rompe la dualidad objeto-color: mostraban en la imagen un objeto, pero sus colores eran distintos a los que el objeto tena en la realidad. Entonces, aparecen narices verdes, bigotes azules, rboles violetas, lagos naranjas. Esta ruptura de la dualidad objeto-color es una crtica directa al impresionismo, ya que los fauv los acusaban de no atender a la expresin interna y los sentimientos del artista. Los temas de los fauvistas, principalmente, eran retratos y paisajes, y mediante sus obras reivindicaron la fealdad, considerandola tan vlida como la belleza esttica que siempre se intent pintar. El grupo estaba integrado por artistas como Vlaminck, Derain, Dufy, Van Dongen, pero su principal exponente es Henri Matisse (1869-1954). Como la gran mayora de sus contemporneos, pas por el estilo impresionista, para luego llegar a un estilo propio e impulsar el movimiento fauv. Matisse, como sus 39

Arte, culturas y estticas compaeros del grupo, utiliza el color negro para realizar los bordes de las figuras, y deja ver la pincelada. En su obra, parecera que los colores se expanden, ya que realiza contrastes violentsimos de colores saturados, en algunos casos con colores complementarios. Entonces, al colocar un violeta y un amarillo uno al lado del otro, en su mxima saturacin, genera una vibracin cromtica que el pblico de la poca no estaba acostumbrado a apreciar. Por ende, y como muchos otros, fue un incomprendido en su poca. Irnicamente, la intencin que tena Matisse con su obra era la de llegarle tanto al conocedor de arte como al pblico sin conocimientos en la materia, y que sirva como calmante cerebral para quien observa. Una de las caractersticas principales de la obra de Matisse es involucrar a las artes como tema: alegoras a la msica, al teatro, la poesa y a las artes visuales, por ejemplo, son habituales en sus pinturas. En Matisse y sus obras siempre se expresa la alegra de vivir, pero no de manera clich, sino de manera simblica, animada por el color y sus etreas y estilizadas figuras. Hasta el final de su vida evolucionara y transformara su arte continuamente, tomando propuestas del cubismo, la abstraccin, elementos decorativos propios del diseo y la arquitectura, el collage y, por supuesto, el fauvismo, en su bsqueda de una identidad plstica propia. Suele hablarse, dentro del arte moderno del siglo XX, de una oposicin o antagonismo entre Picasso y Matisse, como dos de los genios creativos ms importantes de la poca y la historia del arte. Lo cierto es que tal antagonismo no est basado en algun conflicto personal entre ellos, sino por una comparacin entre lo vasto y genial de la obra de ambos artistas. Con respecto al movimiento, el fauvismo tendra corta vida. Considerado tambien como expresionismo frances, en 1907 su explosin de color se extinguira, por el surgimiento del novedoso cubismo, de la mano de Pablo Picasso. Subsistira en algunos artistas aislados, o ms tarde otros artistas tomaran sus ideas en el empleo emotivo del color.

5.10.2. Expresionismo
Paralelamente al fauvismo, en 1905 surge en Alemania el expresionismo. En oposicin al fauv frances, el expresionismo proviene de una tradicin germnica-nrdica, y es netamente aleman. En pintura, sus antecedentes directos son el romanticismo de fines del siglo XIX, y la figura y obra de Goya. Tanto el movimiento romntico como este pintor espaol, en sus obras, supieron expresar y exaltar los sentimientos internos, la tragedia, el drama, el dolor del ser humano, el patetismo, lo oscuro, y el valor de la fealdad. Entonces, el expresionismo ser como el romanticismo, pero llevado al extremo: las caractersticas romnticas seran llevadas al lmite. Esto se debe, en gran parte, al contexto sociohistrico de la Alemania de principios del siglo XX: la Primera Guerra Mundial estaba pronta a estallar en 1914. La sociedad alemana, y en particular sus artistas, sintieron esto, fueron testigos de su poca, y esa angustia existencial y actitud agresiva con la realidad se puso de manifiesto en el arte. Sin embargo, a diferencia de los romnticos, que buscaban acentuar y profundizar los sentimientos nacionalistas, los expresionistas buscan una historia europea universal, es decir, buscan un arte que sea smbolo de la unidad de la poca. El expresionismo abrac diversos aspectos culturales y artsticos, como fue el puntual caso del cine expresionista. Las pelculas expresionistas alemanas tienen relacin con la esttica del grupo de plsticos alemanes Die Brucke, con imgenes de contrastantes colores y ritmos lineales violentos. Las telas pintadas que antes oficiaban de escenografa de las pelculas se sustituyeron por decorados que toman en muchos casos a la esttica del Die Brucke. Los temas abordados en las pelculas remiten a la ciencia ficcin, lo fantstico y lo trgico. Una de las principales producciones de cine expresionista es Nosferatu (1922) de Friedrich Murnau, que relata la historia del vampiro, y est filmada tanto en espacios interiores como exteriores. Tambien incorpora el recurso de pelcula acelerada y ralentizada para generar efectos. Metropolis (1926) de Fritz Lang es otra obra clave del cine expresionista. Ambientada en una ciudad futurista, la cinta de Lang tiene una clara tendencia a la ciencia ficcin, y la arquitectura es la principal protagonista visual. Pero cuando se habla de cine expresionista, es vital hablar de el gabinete el Doctor Caligari (1920), del director Robert Wiene, una sntesis esttica y temtica del expresionismo aleman. El 40

Arte, culturas y estticas argumento relata una serie de misteriosos asesinatos perpetrados por un sonmbulo dirigido por el Doctor Caligari. La innovacin de la cinta es el tratamiento visual: decorados y perspectivas angulosas, agresivas a la vista, grandes claroscuros, edificios puntiagudos y torcidos, maquillaje e interpretacin de los personajes bastante exagerados, el coloreado posterior de las escenas, en azul, verde o sepia. Todo elemento visual en el gabinete... tiene una funcin psicolgica y ambiental. Tanto el argumento como los medios estticos hacen de el gabinete del Doctor Caligari la pelcula expresionista por excelencia. La literatura, y el teatro tambien hallaron su lenguaje dentro de la vanguardia expresionista. Con respecto a la arquitectura expresionista, principalmente podemos destacar la gran diversidad de soluciones estilsticas, que a veces remiten al modernismo y en otros casos al racionalismo. Se destaca la figura de Rudolf Steiner (1961-1925), con su clebre Goetheanum. Una de las formas protagnicas de la arquitectura expresionista es la forma orgnica, entendiendo sta como algo inherente a un ser vivo, en muchsimos casos expresando en el espacio las leyes rtmicas de la naturaleza. As recrean en el objeto construdo las estructuras propias del mundo viviente. En los edificios expresionistas hay un rechazo a la simetra, irregularidad en las aperturas, recorridos imprevisibles, complejos revestimientos internos, y colores simblicos-espirituales que relacionan al hombre. El expresionismo musical, por su parte, constituy un antes y un despues en la historia musical. Su representante es el austraco Arnold Schnberg (1874-1951), un profesor de armona muy importante en la Europa del 1900. Es una de las tendencias musicales ms revolucionaria del siglo XX, en lo que a msica de orquesta se refiere. Su caracterstica es el atonalismo, es decir, la negacin de un eje tonal, por medio del ordenamiento de las notas aledaas. De este modo, en sus composiciones hay ritmo libre, no existe la forma, y niega la tonalidad. La primera obra atonal es el opus 11, de 1911. Fue repudiado en su poca, puesto que no era armnico en comparacin con la msica clsica, y constituan para el pblico obras molestas al odo, desagradables. Sin embargo, para Schnberg sus obras s eran agradables al odo, y le parecan bellas, y mediante el atonalismo, Schnberg relativiz el concepto de belleza: ya no hay una belleza nica, dogmtica, sino que cada uno la aprecia y expresa a su manera, y la suya fue mediante el atonalismo. Ese fue su gran aporte en el campo musical y cultural. A los aos siguientes invent el sistema dodecafnico (es decir, de 12 sonidos) para justificar tericamente sus obras atonales, dejando tambien un basamento terico para su innovacin musical. Se ha mencionado al romanticismo y a Goya como antecedentes de lo que fue la pintura expresionista. Van Gogh, con su uso visceral y subjetivo del color, puede ser considerado un expresionista ms, ya que con su obra pone en primer plano al sentimiento y la expresin personal. Otro antecedente directo es el pintor y grabador noruego Edvard Munch (1863-1944), quien pas una infancia con diversas enfermedades, una madre y una hermana fallecida tempranamente, y otra hermana con una enfermedad mental. Supuestamente tena trastorno bipolar, lo cual l mismo consideraba que era el motivo de su genio, y lleg a afirmar: la enfermedad, la locura y la muerte fueron los ngeles que rodearon mi cuna y me siguieron durante toda mi vida. Sus obras tocan temas relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia, la muerte y el erotismo. Sus trazos son enrgicos, expresivos, y utiliza colores saturados, con contenido simblico. En este sentido, salvando algunas distancias estticas, su obra es similar a la de Van Gogh. Al tratar la figura humana, Munch emplea la caricatura y la estilizacin, lo cual es una caracterstica muy goyesca. Su obra ms conocida es el grito (1893), que l mismo describe as: paseaba por un sendero con dos amigos, el sol se puso, de repente el cielo se ti de rojo sangre, me detuve y me apoy en una valla muerto de cansancio. Sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad, mis amigos continuaron y yo me qued quieto, temblando de ansiedad, sent un grito infinito que atravesaba la naturaleza . La obra es considerada un cono cultural, y segn expertos, la figura que aparece podra estar inspirada en una momia que Munch vi en una exposicin. El grito formaba parte de un grupo de seis pinturas llamada amor, que relataban el proceso del enamoramiento hasta la dramtica ruptura final, que estaba representada por el grito. Pint 3 versiones distintas de la misma obra, y tambien la realiz como litografa (gr abado en piedra). Munch dej ms de 1000 cuadros, 15400 grabados, 4500 dibujos y acuarelas, y es considerado el mejor pintor noruego de la historia.

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Arte, culturas y estticas Tanto los fauvistas franceses como los expresionistas alemanes tienen como punto comun a la expresin interior del artista, pero difieren en la intencin y el modo de manifestarla. Los alemanes acentuaran su obra con un sentimiento trgico y angustiante de la existencia, dado por la cultura en la que estaban inmersos. Si el impresionismo iba de afuera hacia adentro, el artista expresionista recorre el camino contrario: del interior al exterior. El expresionismo pretende dar un mensaje, un contenido interno: su propio yo, con sus problemas, angustias, miedos y ansiedades. No se quedan con lo tangible de la realidad, sino que escarban en algo ms profundo, como su propia identidad y cultura. Por ello, rechazan la belleza academicista del Renacimiento, y afirman que no se puede realizar una obra bella, puesto que no es una poca bella. Al finalizar la Primera Guerra Mundial, en 1918, el expresionismo presenci su pico de popularidad. Esto es comprensible si tenemos en cuenta que tras la guerra se produjo una crisis poltica, social y econmica, y ese ambiente favoreci el desarrollo de un lenguaje plstico realista, agresivo y anti-idealista. Hay tres momentos de la pintura expresionista:

5.10.2.1. Die Brucke (el puente)


El grupo surge en 1905 y funciona hasta 1913, en la ciudad alemana de Dresde. Lo integraban los pintores y estudiantes de arquitectura Ludwig Kirchner, Eric Heckel, Emil Nolde, Karl Schmidt-Rottluff y Otto Muller. Sus pinturas van en contra de lo intelectual, de lo racional (como puede ser, por ejemplo, Cezanne), y defienden el impulso vital y lo irracional. Poseen un compromiso poltico, y defienden la fuerza del trabajo, el hacer y el artesanado. De all que toman a la xilografa (grabado en madera) como un modo de produccin arcaica, primitiva, y de oficio, que da la posibilidad de realizar varias copias de una obra de arte. Este punto es de vital importancia, puesto que la intencin de los expresionistas era generar conciencia, y para ello deban comunicar, y no haba mejor motor de comunicacin que el grabado. Con lo que dicen, y cmo lo muestran, molestan, generan sentimientos, provocan, y el contenido de la obra es mucho ms profundo que en el fauv. De este modo, la obra comunica para cambiar el orden social impuesto. Dentro del Die Brucke, es Ludwig Kirchner (1880-1938) quien aglutina y lidera al grupo, y el expresionista que reune todas las caractersticas de la vanguardia citada. Mostrando sus caractersticas como grabador en madera, en sus pinturas aparecen figuras que presentan muchos ngulos, que cortan el espacio, y formas que se aplastan contra el fondo, reduciendo la profundidad. Puede verse una influencia primitivista, con pinceladas y figuras que inquietan y perturban al espectador, con algo de agresivo y cortante. Las figuras invaden el cuadro y lo ocupan, no dejan espacios libres, dando una sensacin de claustrofobia, y una tendencia gotizante (referido al arte gtico de la Edad Media, tambien referente del romanticismo), debido a sus personajes con aspectos estilizados e inabarcables, hasta caricaturizados. Los colores son saturados y contrastantes, pero mantienen la relacin color-objeto, cosa que no sucede en el fauvismo. Respecto a sus xilografas, stas presentan contrastes violentsimos de lneas gruesas y ngulos, con temas sociales. Estos contornos negros, propios del grabado, tambien se veran en las pinturas, en las que delimitaran los contornos de los personajes. En Kirchner hay una cierta premonicin de la guerra. Los nazis llamaran a su obra como arte degenerado, y destruiran muchas de sus pinturas, lo cual, sumado a la frgil situacin mental de Kirchner, lo llev al suicidio en 1938.

5.10.2.2. Der Blaue Reiter (el jinete azul)


Este grupo, fundado en 1911 se desarrolla en la ciudad de Munich. Difieren en algunos puntos con los del Die Brucke, no solo por su ubicacin geogrfica sino por su propuesta visual. Defendan la opinin de que cada persona posee una verdadera vivencia u experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Kandinsky construy las bases tericas que cimentaron esta idea. El nombre del grupo el jinete azul deriva de un cuadro del mismo nombre del ao 1903 de Kandinsky, que sirvi

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Arte, culturas y estticas como ilustracin de la portada de 1912 del Almanaque que el grupo edit. El Der Blaue Reiter fue integrado por Wassily Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee, y Auguste Macke, entre otros. El Der Blaue Reiter realiza una bsqueda de lo primitivo del arte (influencia gtica), destacando el impulso emocional, la no-razon y lo inconsciente. Como el grupo de Kirchner, las imgenes provienen del interior del artista pero, a diferencia de ellos, la figuracin empieza a perderse. En un inicio, toman elementos del fauvismo (en el caso particular de Franz Marc, con sus animales de colores), el futurismo y el cubismo, para luego tomar una autonoma propia. De este modo, progresivamente se alejan del objeto, y lo niegan. No buscan representar el mundo sensible, sino traducir el mundo interior en signos que no son figurativos. De este modo, no hay figuras reconocibles, se sustituye el motivo por el signo y as el cuadro se llena de una energa nueva. Para hablar de abstraccin, hay que hablar de Wassily Kandinsky (1866-1944). Este pintor ruso es quien inicia el movimiento abstracto en la pintura, casi accidentalmente. En sus inicios como artista, pinta paisajes sombros, para luego volcarse hacia los colores fauv. Tambien experimenta claroscuros pintando sobre hoja negra, para acentuar transparencias y particularidades del color. Hacia el final de 1910, las pinturas de Kandinsky denotan una gran tendencia a la plenitud por la equivalencia en intensidad de las reas de color y la superficie reluciente que destruye toda ilusin de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comienzan en 1909 y, en ellas, la lnea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales (caracterstica netamente expresionista). Se dice que inicia el movimiento abstracto de manera casi accidental, ya que una vez, al llegar a su taller, nota a un cuadro apoyado en la pared, y se qued fascinado mirandolo, puesto que este cuadro estaba al reves. As, no reconoci lo pintado, y se pregunt quien haba colocado ese cuadro all. Cuando se acerc y lo dio vuelta, not que era su propio cuadro. Esta ancdota lo hizo reflexionar sobre la necesidad de explorar por ese camino, por ese mundo interior lleno de imgenes desconocidas. De ah Kandinsky se pregunta: la necesidad del hombre moderno de mirar hacia adentro, surge al desagradarle lo externo?. Kandinsky relacion a los colores con la msica y los sonidos de los instrumentos, formulando, por ejemplo que el azul claro correspondera a una flauta, el oscuro a un violoncelo y el ms oscuro a los tonos del contrabajo (teniendo en cuenta los sonidos y cmo los colores, en relacin a otros, se expanden o contraen). Este ejercicio de vincular msica y color, es plenamente abstracto, ya que ambas cosas no son objetos concretos, como son, por ejemplo, las palabras (uno no puede abrazar a la msica, o al color). Se destacan dos etapas en el Kandinsky abstracto: en la primera etapa realiza improvisaciones, en las que hay signos libres con grandes zonas de color que se salen de la lnea y que conforman un conjunto aparentemente desordenado, donde la expresividad y la fuerza de la mancha es ms acusada, predominando los aspectos emocionales (esta etapa es propia del momento en el que est integrando el Der Blaue Reiter). En la segunda etapa, por el contrario, el color se ha domesticado por medio de la voluntad racional, sometindose a la lnea, armando composiciones que se manifiestan en un lenguaje geomtrico y ordenado, siendo la mente la que ejerce su influencia. El punto de unin que tienen las dos etapas es la presencia de elementos flotando o gravitando en un espacio. Esta etapa es la que Kandinsky ms explotara a lo largo de toda su carrera como pintor abstracto. Dentro del grupo Der Blaue Reiter, cabe destacar tambien al aleman Franz Marc (1880-1916). Fue un artista que pas, como muchos, por el naturalismo, el impresionismo, y el expresionismo vangogheano, pero se destacaran en mayor medida la influencia cubofuturista. La parte de su obra ms conocida son los retratos de animales. Estas obras se caracterizan por la brillantez de colores primarios, la simplicidad y un profundo sentido de la emocin. El tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre, al cual no representa. Marc intenta representar el mundo tal como lo ve el animal, mediante la simplificacin formal y cromtica de las cosas. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual, amarillo para la alegra femenina, y el rojo para la violencia. El pintor falleci batallando en la Primera Guerra Mundial. Un artista dificil de clasificar, que desarrollaremos dentro del Der Blaue Reiter aunque adhiri parcialmente, es Paul Klee (1879-1940). Este pintor suizo que desarroll su vida en Alemania tiene una obra muy vasta y variada, que contiene elementos del expresionismo, surrealismo y abstraccin. Klee

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Arte, culturas y estticas trabajaba en leo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinndolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesa, la msica y los sueos, y a veces incluyen palabras o notas musicales. No era miembro oficial del Der Blaue Reiter, pero particip de sus exposiciones y frecuentaba a sus integrantes. El arte de Paul Klee es fundamentalmente libre, un juego esttico, como el de los chicos, libre de toda etiqueta o clasificacin, y por ende difcil ubicarlo en un movimiento o momento especfico. Una de sus principales caractersticas fue el uso del color, como dador de emocin expresionista. Coquete tanto con la figuracin como con la abstraccin, integrando a ambas en una misma composicin. Uno de sus mayores aportes fue el de derribar las barreras tradicionales existentes entre la cultura occidental y la cultura oriental: incorpor elementos de ambos contextos culturales, utilizando todas las tcnicas plsticas y recursos visuales que pudo. Klee consigue convertir un cuadro, un dibujo, en un acontecimiento, en algo que ocurre ante los ojos del espectador, que lo sorprende, y que se convierte en un problema que cada cual resolver a su manera y que, por tanto, nunca ser resuelto, por la multiplicidad de significados de sus imgenes. Es una obra abierta, libre, como el espritu mismo de Klee. El Der Blaue Reiter solo realizara 2 exposiciones, y edit un Almanaque (1912) en el que expusieron sus ideas tericas e imgenes. Adhiri al grupo de plsticos el msico expresionista Arnold Schnberg. Su huella en el arte visual fue indeleble, y es un primer paso evidente hacia la abstraccin en las artes visuales.

5.10.2.3. Nueva Objetividad


Con el inicio de la Primera Guerra Mundial, muchos artistas interrumpieron sus actividades artsticas. Durante los aos 20 y 1933, fecha en que subi al poder el nazismo, prevaleci un tipo de expresionismo aleman conectado con el concepto de nueva objetividad. Pero en este caso no se trataba de un grupo definido, ya que en este caso los artistas acusan una individualidad estilstica ms marcada. Esta ltima fase del expresionismo se caracteriza, ante todo, por un marcado pesimismo que se reflejan de dos modos: por un lado afloran los temas en los que la indigencia de personas marginadas es la protagonista, mientras que, por otro, los artistas ironizan y satirizan a ciertos estamentos, fundamentalmente el militar, pero tambien el burgus, poltico y eclesistico, como culpables de la guerra. La stira, la burla descarnada y grosera, el terror y la desazn son las armas para provocar mediante la pintura. Uno de los artistas destacados de esta tendencia expresionista fue George Grosz (1893-1959). Dueo de un trazo suelto y libre, Grosz atac principalmente a la sociedad burguesa y sus placeres fciles, en obras realizadas en tintas y acuarelas. Cuando Hitler sube al poder, su obra es tildada de arte degenerado y Grosz recibe el ttulo de bolchevique cultural n1, por lo cual, para salvar su vida, emigra a Estados Unidos donde, posteriormente, su obra toma tintes dadastas y surrealistas. Otro artista a destacar es Otto Dix (1891-1969), quien abord descarnadamente la crtica al estamento militar. En sus obras se ven los restos de lo que qued en la posguerra, como se puede ver en su obra de 1920 invlidos de guerra jugando a las cartas, con personajes mutilados y llenos de prtesis. El tema blico ser recurrente en sus minuciosas y oscuras obras, muchas de ellas pinturas collage, basado en su propia experiencia como artillero y soldado durante la Primera Guerra Mundial. Sus obras tambien fueron consideradas degeneradas y un sabotaje al espritu militar de las fuerzas armadas, y son un testimonio clave de la identidad alemana de la poca.

5.10.2.4. Expresionismo en Europa


Fuera de Alemania tambien hubo pintura expresionista. Un ejemplo es el italiano Amedeo Modigliani (1884-1920), quien, pese a estar vinculado durante un tiempo con el fauvismo, no es facilmente clasificable. En lo particular, es el parmetro del artista bohemio: una vida marcada por drogas, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad. Y en su obra, influye el arte primitivista, la pintura del Renacimiento, algunos tintes de arte oriental, y sus figuras son alargadas, estilizadas y distorsionadas, sin que estas

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Arte, culturas y estticas deformaciones impliquen dramatismo. Es decir: toma parte de la imagen de los expresionistas alemanes, pero sin su contenido violento y trgico. En la mayora de sus retratos los personajes carecen de pupilas, puesto que Modigliani consideraba a los ojos como el espejo del alma, y si l no conoca en profundidad al retratado, no senta correcto pintarle las pupilas. Esos ojos vacos tambien denotan una melancola gris, como as tambien una especie de introspeccin, de mirada hacia s mismos. Tambien en Pars, el perodo azul de Pablo Picasso presenta caractersticas expresionistas, que se dio entre 1901 y 1904. A causa del suicidio de un amigo muy cercano, la obra de Picasso se tie de la tristeza y frialdad de los tonos de azul, y muestra personajes solitarios, demacrados y que en algunos casos poseen estilizaciones y distorsiones, acentuando su dramatismo. Un importante foco expresionista se dio en la ciudad de Viena, Austria. All hubo artistas de proyeccin y trayectoria internacional, de los cuales dos sobresalen. Oskar Kokoschka (1886-1980) es el principal exponente del expresionismo en Viena, Austria. Estudi en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde tom como padrinos artsticos al compositor Gustav Mahler, el pintor Gustav Klimt y el psicoanalista Sigmund Freud. En 1908 se alej de la esttica modernista vienesa de la poca presentando su obra teatral el asesino, la esperanza de las mujeres, que disgust a la crtica, siendo la primera creacin del expresionismo escnico. En 1910 se muda a Alemania, y conoce a Alma Mahler, la viuda del compositor, con quien entabla una relacin sentimental entre 1912 y 1915. Cuando se separan por lo enfermizo de la relacin y la crisis mental de Kokoschka, el pintor se hunde en una profunda tristeza y locura, Kokoschka le encarga a una modista la confeccin de una mueca femenina de tamao natural, para sustituirla a Alma como modelo de sus pinturas. Kokoschka no qued contento con el resultado de la mueca, y solo le sirvi para algunas pinturas. En la produccin pictrica de Kokoschka se hallan gran cantidad de elementos expresionistas: colores saturados, pinceladas libres, empastes gruesos y facturas curvilneas, relieve de la pintura, espacios y personajes aplastados o distorsionados. Kokoschka era un gran dibujante, cualidad absolutamente visible en sus pinturas. La figura humana es una de las principales protagonistas del grueso de su obra, y por momentos no existe distincin entre objeto y sujeto: el mundo y lo que gira en torno a los personajes se funde con ellos. Realiz retratos, alegoras sobre el amor, temas religiosos y paisajes, entre otras cosas. Egon Schiele (1890-1918) es el otro gran artista austraco del expresionismo. Estudi dibujo y diseo, y adhiri momentneamente en el grupo de la Secesin Vienesa, cuya cabeza visible era Gustav Klimt. El joven Schiele tom a Klimt como su maestro, siendo mutua la admiracin entre ambos artistas. En 1908 abandona el estilo rgido del modernismo klimtesco, y se vuelve hacia el expresionismo. El grueso de la obra de Schiele son dibujos, en su mayora carbonillas, pasteles, acuarelas y tintas, en la que la lnea es el principal elemento plstico expresivo. En sus imgenes el cuerpo humano es el motor comunicativo, que expresa emociones y se transforma en alegora de la poca. Los estilizados, distorsionados y en muchas ocasiones golpeados cuerpos son la forma que Schiele hall de metaforizar el hambre y el horror de la guerra, la decadencia de la humanidad y, tambien, destacar la fealdad como recurso plstico, con una ttrica y desesperada violencia. Otro de los aportes de Schiele, ademas de la revalorizacin del dibujo como obra autnoma, es tener como tema la crudeza carnal del sexo y la sexualidad humana, que en muchas ocasiones est directamente relacionada con la mismsima muerte. Sus temas erticos y en algunos casos pornogrficos- le trajo problemas: ms de una vez las modelos de sus dibujos eran menores de edad, provocando escndalo en el circuito artstico y personal de Schiele, que en una ocasin, por corrupcin de menores pas unos das en la crcel y se quemaron los dibujos alusivos. En 1914 contrae matrimonio, y realiza numerosas exposiciones, obteniendo un gran reconocimiento en Viena. Tambien realiz pinturas, tanto de figura humana como de naturalezas muertas y paisajes, tanto urbanos como naturales. En 1918, la epidemia de gripe espaola que cobr las vidas de su maestro Klimt y su mujer Edith, que estaba embarazada, alcanza a Egon Schiele, que fallece a la corta edad de 28 aos. Su legado es una innumerable cantidad de dibujos en donde se puede apreciar la ms cruda y sincera naturaleza del ser humano.

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Arte, culturas y estticas

5.10.3. Cubismo
En 1904 se realiza en Pars una muestra de 42 cuadros de Paul Cezanne, el pintor post-impresionista que bas su obra en la percepcin, la conciencia y el pensamiento. Cezanne formul que cualquier paisaje puede construirse en base al cubo, el cono, el cilindro y la esfera, haciendonos reflexionar sobre el modo de construir esa imagen. La obra de Cezanne, incomprendida en su momento, fue la base del cubismo, vanguardia plstica que rompi finalmente con el cnon renacentista establecido haca 500 aos. El nombre de la vanguardia surgi cuando un crtico de arte, al ver una de estas obras se refiri a ella, despectivamente, como si estuviera compuesta por pequeos cubos, y de ah surgi el nombre del movimiento. Dentro del cubismo se toma al arte primitivo africano, que comienza a ser valorado en su simplicidad y en su fuerza, como un puro y verdadero arte cuyo lenguaje expresivo no estaba condicionado ni contaminado por la civilizacin occidental. De este modo, se genera una relativizacin cultural, en donde los mismsimos artistas europeos comienzan a incorporar arte de culturas ajenas a la propia, enriqueciendola. El talentossimo artista espaol Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) toma la obra de Cezanne y al arte primitivo africano, y se despoja de hacer un arte imitativo o representativo. En 1906, se encontraba en la calle Avignon, en Barcelona, y tom unos apuntes de unas mujeres que trabajaban en un prostbulo de esa calle. Esos bocetos, posteriormente y luego de muchos estudios (alrededor de 800) por parte de Picasso, surgira el primer cuadro cubista: las seoritas de Avignon (1907). En l, hay cinco mujeres de elevada estatura y desnudas, que miran fijamente al espectador y exhiben sus cuerpos en una actitud impdica y provocadora. Pero lo que llama la atencin no es su evidente sensualidad sino el estilo de representacin artstica. Picasso, que era un excelente dibujante, deja de lado los preceptos academicistas, y se vuelca hacia lo primitivo: figuras toscas, angulosas, como talladas con un hacha. Esta tosquedad de la imagen ya haba empezado a observarse en obras del Die Brucke expresionista, en particular en Ludwig Kirchner. Tambien, en el cuadro mencionado, se destacan los rostros desfigurados de las mujeres de la derecha, cuyos rasgos esquemticos apenas parecen humanos. Estos rostros son una referencia directa a la escultura y tallas africanas en madera, que Picasso haba visto en una muestra. Es esta obra la que finalmente rompe con el cnon renacentista establecido 500 aos atrs: se elimina la perspectiva, y con ella tambien se elimina la ilusin de la tridimensional. As, el cuadro no trata de imitar la realidad, sino que utiliza el recurso que lo hace ser un cuadro: el plano bidimensional. Al perder perspectiva, las figuras se geometrizan, reforzando aun ms los elementos plsticos. La ruptura con el cnon renacentista constituye un punto de inflexin total en la historia del arte, y pone en jaque el relato vasariano. Con esta obra, la pintura da un giro radical, y es, hasta ese momento, el punto ms revolucionario en lo que a representacin visual se refiere. Ademas, al tomar al arte africano, se lo revaloriza, y de este modo se valora a una cultura que antes era menospreciada. La mixtura cultural convergen en esta obra y en este movimiento pictrico. El tratamiento visual del cubismo parece sencillo a simple vista, pero es mucho ms complejo . Para eliminar la prespectiva y traducir a la tridimensionalidad al plano bidimensional del cuadro, los cubistas giraban alrededor del modelo a pintar, y representaban los mltiples puntos de vista en la misma imagen. Es decir: a diferencia de la concepcin renacentista, que sostena un punto de vista fijo y daba la ilusin de volumen mediante la perspectiva, el artista cubista toma todos sus puntos de vista. Para ello elega, por ejemplo, una guitarra, y la pintaba viendola de frente, de perfil, desde arriba, desde un angulo inferior, y de atrs, y todos esos planos los pintaba, juntos, en la tela del cuadro. De ese modo, se observa una imagen geometrizada y fragmentada, pero reconocible aunque no exista en ella la ilusin de volumen o la veamos como la vemos en la realidad. As, los objetos dejan de ser lo que son en s mismos, para convertirse en objetos nuevos, dentro de la pintura. Y al anular la perspectiva, la fusin entre figura y fondo acerca la imagen hacia el espectador; el cuadro deja de ser una ventana en la que el ojo, debido a la perspectiva, penetraba en el interior. Ademas, es el espectador quien reconoce aunque geometrizada- la forma de, por ejemplo, la guitarra. Por lo cual, se genera un nuevo nivel de conciencia en el espectador. El cubismo se inici en 1907 con el cuadro ya mencionado, cuyo autor fue Pablo Picasso. La obra no fue expuesta al pblico recien hasta 1916, pero el crculo de artistas que rodeaban a Picasso pudieron 46

Arte, culturas y estticas contemplarla. En base a seoritas... comenz el movimiento cubista, aunque en un inicio no fue entendido ni siquiera por aquellos pintores que lo vieron. De hecho, gener diferentes reacciones. Braque, por ejemplo, dijo al ver la pintura por primera vez: es que nos queres hacer tragar pintura?, en alusin a lo pretensioso y violento de la imagen. Otros artistas que participaron activamente del Cubismo fueron Georges Braque (1882-1963), quien fue muy apegado a Picasso y junto con l, en el inicio, marcaron las lneas directivas del movimiento cubista; y Juan Gris (1887-1927), espaol que es considerado uno de los pilares fundadores del cubismo. En todos los casos, los temas cubistas eran, en algunos casos, paisajes, pero principalmente retratos, naturalezas muertas y bodegones, es decir, modelos que los pintores podan rodear para ver sus diferentes puntos de vista. Esto tambien tiene un significado: al elegir un tema clsico como un retrato o un bodegn y reformularlo visualmente, es practicamente desafiar al arte pre-moderno. Y, como los expresionistas, no haba una intencin de mostrar la realidad como es. Pero, a diferencia de ellos, que trabajaban con la emocin y el sentimiento interno, el cubismo es una actividad plenamente racional, en el que se emplea la mente para destruir y volver a construir la imagen. El cubismo tuvo tres etapas. La primera, el cubismo analtico, se desarroll aproximadamente entre 1908 y 1912, y tiene como caracterstica que los colores son terrosos, grises, y no resaltan. La pintura de esta poca es practicamente monocroma, y esto se debe a que no queran darle un protagonismo excesivo al color, sino al tratamiento visual y la composicin: los diferentes puntos de vista y la geometrizacin. Los temas aqu tratados son, en general, naturalezas muertas, bodegones y retratos (quizas un reflejo de sus vidas bohemias o del aislamiento que tienen del resto de la sociedad), que se superponen y transparentan con el fondo. Dentro de esta etapa hay una transicin, llamada cubismo hermtico, en el que se llevan al extremo las premisas del cubismo analtico. La fragmentacin es enorme, los cuadros parecen como cristalizados, en el sentido de que parecieran vistos por un caleidoscopio o un vidrio esmerilado. Las figuras representada empiezan a perderse, a no distinguirse, y por ello se empiezan a aproximar a la abstraccin. En un intento por no caer en lo abstracto, se inicia el cubismo sinttico, cuyo auge fue entre 1912 y 1914. En l, las imgenes son como ensamblajes propios del cubismo analtico, pero con composiciones ms simples. Los colores son ms vibrantes, y se destacan muchsimo. La gran novedad en este cubismo fue el de introducir el collage: comienzan a pegarse en las telas objetos cotidianos, como tablas de madera, peridicos, chapas, rejillas, papeles, etc. Tambien, mediante los peridicos, introducen la tipografa en los cuadros, por lo tanto, en muchas obras de este perodo, hay letras o textos enteros, ya sea pintados o pegados. Hasta este momento, la idea de pegar o introducir objetos reales en la pintura no exista. El collage es ms de lo que parece: es un intento de introducir objetos de todos los das en el arte. De este modo, el arte tiene, en su mensaje visual, caractersticas de lo cotidiano, y aquellos objetos de todos los das pasan a integrar una obra, por lo que se les da valor esttico y cultural. La huella del cubismo se halla presente hasta el da de hoy, y es una de las vanguardias que ms barreras visuales trascendi.

5.10.4. Futurismo
En un marco de avance tecnolgico y de crecimiento de las grandes ciudades, en 1909, en Italia, el poeta Filipo Tomaso Marinetti (1876-1944) escribe un manifiesto literario, en el que deca, entre otras cosas: el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Marinetti, junto con Boccioni, Carr, Balla y Severini, firmaran este manifiesto futurista, en el que proponan romper con el pasado para mirar hacia el futuro, y destacar la aparicin de un nuevo componente como consecuencia del desarrollo de la mquina: la velocidad. El peligro, la energa, el dinamismo, la anarqua, el progreso, la juventud, la modernidad, la agresividad y el cambio son las ideas fundamentales de los futuristas, que constituyeron un movimiento difundido internacionalmente, aunque su base fue Italia. Como temas artsticos tomaran a la ciudad, los automviles y la catica realidad cotidiana.

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Arte, culturas y estticas Sus aportes ms perdurables fueron los diseos arquitectnicos de hoteles, estaciones, ferrocarriles, autopistas y galeras, que representan esa idea y sentimiento de progreso. Tambien se destacaron en fotografa blanco y negro, siendo de los primeros en darle un marcado carcter artstico a esta disciplina. Las fotografas eran tomadas con una baja obturacin de la cmara, para permitir destacar el movimiento de los personajes, cuyos fantasmas aparecen repetidos y connotan tiempo y accin. Ademas, experimentaron con la superposicin de negativos a la hora de imprimir fotografas, armando composiciones muy interesantes, basadas en transparencias y, nuevamente, la sensacin de movimiento. Tambien incursionaron en la msica, siendo una figura primordial Luigi Russolo (1883-1947), quien ademas de pintor invent el intonarumori, grandes cajas con conos acsticos que, activadas en parte por los llamados acumuladores, producan los sonidos y ruidos ms diversos. Zumbaban, tintineaban, vibraban, pitaban, chillaban, silbaban y, en una palabra, trasladaban a la sala de conciertos la acstica del mundo tcnico. Los intonarumori son un antecedente directo de la msica incidental y electroacstica, que se desarrollara dcadas despues. En pintura, buscan sus races en el impresionismo y puntillismo, en sus inicios, y luego en el cubismo. En sus obras, predominan dos caractersticas: el dinamismo y la simultaneidad. Se condicionan mutuamente y es difcil considerarlas por separado, y generan la ilusin de movimiento, como si de una secuencia cinematogrfica se tratara. Lo consiguen repitiendo un mdulo: sucesin y superposicin de las fases del movimiento de un cuerpo. Decan: un caballo corriendo no tiene cuatro patas, sino veinte, y sus movimientos son triangulares. Las escenas se descomponen en facetas y en diversas perspectivas, las figuras se doblan, los colores son agresivos y no naturalistas. El espectador tiene que implicarse en la vivencia ptica y sensual, por lo cual se coloca al espectador dentro del cuadro. La figura de Umberto Boccioni (1882-1916), pintor y escultor, fue la ms importante dentro de la pintura futurista, y su muerte marca el punto mximo de esta vanguardia. En su obra ms reconocida, la ciudad se levanta (1910), Boccioni utiliza la pincelada impresionista para dar el nfasis de movimiento, y las masas de lneas y color consiguen lograr el efecto de forma y concrecin de la materia. Ms adelante, empleara una tcnica cubista, aunque evitando las lneas rectas horizontales y verticales (estticas), y utilizando colores complementarios para producir una vibracin cromtica. En escultura, utilizaba madera, hierro o cristal, y no ofrece una serie de perfiles rgidos, de siluetas inmviles, sino que cada perfil contiene en s mismo una indicacin para entender a los demas (clara influencia cubista): continuidad dinmica de las formas, extensin de la escultura hasta adentrarse en el espacio. Boccioni revoluciona la escultura y va en contra del academicismo, jugando no solo con el volmen de la escultura en s, sino tambien con el vaco y el aire que le rodea. La obra clave de esta propuesta escultrica es su pieza de 1,10m de altura llamada formas nicas en la continuidad del espacio (1913). En ella, Boccioni sintetiza la figura de un hombre corriendo, destacando el juego de huesos y msculos, la deformacin elstica de las masas bajo el empuje de las corrientes atmosfricas, y materializa la atmsfera en movimiento, integrandola al cuerpo del personaje desdoblado. El futurismo es una vanguardia extremadamente contradictoria, respecto a sus preceptos. Consideran, por ejemplo, que hay que negar al pasado, pero al mismo tiempo insisten en que la obra debe desplegar sentimientos, lo cual es una clara influencia romntica. Desplegaron su ideologa internacionalmente, pero crean que el genio italiano salvara al mundo, pero desplegaron frases como la guerra es la higiene del mundo y todos los hombres del mundo son unos idiotas, excepto los futuristas. No tienen compromiso en partidismos polticos, no apoyan a la clase obrera, y pese a su bsqueda de generar sentimientos, son bastante fros. Cabe destacar que la esttica futurista no hubo una lnea directriz clara, sino que se centraron casi exclusivamente en lo ideolgico, y la esttica respondi a ello. Podra decirse que el futurismo fue el preludio del movimiento dad, por su negacin al pasado e intento de destruir la concepcin tradicional de arte.

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Arte, culturas y estticas

5.10.5. Abstraccin
En artes visuales, se denomina arte abstracto a toda representacin visual en la que se prescinde de un motivo figurativo. Esto significa que en el arte abstracto se evitar caer en la representacin de la realidad y en la imitacin de modelos o formas naturales, y se har una bsqueda de los elementos propios de las artes: el color, la lnea, la composicin. El arte abstracto encuentra sus primeras referencias o guios en algunas obras del romntico Joseph Turner, en la fragmentacin puntillista, en el cubismo hermtico, y en algunas obras futuristas, entre otros referentes. Sin embargo, es absolutamente novedoso el hecho de esquivar totalmente la representacin figurativa, y llegar a los puros elementos visuales. Algo muy a tener en cuenta es que la abstraccin en s misma no es una vanguardia. Dentro de las propuestas y tendencias abstractas de primera mitad del siglo XX, algunas pueden ser consideradas vanguardia por haberse aglutinado en torno a un grupo o incluso un manifiesto. En ese sentido, por ejemplo, el constructivismo ruso es considerado uno de los movimientos de vanguardia ms puros, por su compromiso artstico y social. El neoplasticismo y el suprematismo constituyen vanguardias netamente visuales, cuyas propuestas y bsquedas giraron en torno a un grupo de artistas y su correspondiente sello estilstico, pero que solo se expres dentro del campo artstico. La abstraccin lrica, a diferencia de los anteriores descriptos, es un estilo, una forma de abstraer, y no constituye un grupo o una vanguardia en s misma. Tambien la escuela de la Bauhaus trabaj dentro de la tendencia abstracta, pero merece un captulo aparte por su vital importancia en el arte moderno. Es decir, la imagen abstracta es revolucin visual, pero solo llega a ser vanguardia si es puesta en funcin de una idea de cambio social y renovacin artstica, como sucedi en los casos descriptos.

5.10.5.1. Abstraccin lrica


Ms que una vanguardia, es una forma de concebir y expresar la abstraccin. El referente directo es Wassily Kandinsky (1866-1944), quien en 1910 realiza la primera acuarela abstracta. El pintor, que por esos aos integraba el grupo expresionista Der Blaue Reiter, iniciara as el ciclo de la abstraccin en las artes visuales. Como ya se destac en el apartado del grupo expresionista, Kandinsky elabora improvisaciones y composiciones, en las que prevalece la expresin de la emocin pictrica del artista, individual e inmediata. Es Kandinsky el principal referente de la abstraccin lrica, pero tambien se puede mencionar a Robert Delaunay (1885-1947), exponente del cubismo rfico tendencia de geometrizacin similar a la cubista, con ritmos circulares y elpticos, de color muy vivo- que lo llev a la abstraccin, y los pintores del rayonismo, tendencia sntesis de cubismo, futurismo y orfismo. Los abstractos lricos como Kandinsky rechazan representar la realidad de forma objetiva. La tcnica preferida de estos pintores fue la acuarela, pintando igualmente bocetos y apuntes pequeos. No obstante, tambin elaboraron grandes telas al leo. Predomina el color sobre la forma.

5.10.5.2. Constructivismo ruso


Movimiento artstico y arquitectnico, surge en 1914 en Rusia. Sostiene que el arte es construccin y no representacin, y que el arte se debe valer de elementos y materiales industriales para construir imgenes que comuniquen. La principal premisa de esta vanguardia es construir para comunicar. En pos de eso, elaboran un arte funcional, cuya razon de ser es dejar de lado el pasado, y construir la historia da a da. Una de sus mximas y ms conocidas expresiones son los carteles propagandsticos, cuya funcin era ser claros, concisos y explicativos, para que los comprendan todos aquellos que los vean (desde literatos hasta analfabetos). En este campo, se destaca Alexander Rodchenko (1891-1956), quien fue un pintor, escultor, diseador grfico y fotgrafo. Explor el fotomontaje con tipografas visibles y de palo seco para el diseo de carteles y cubiertas de libros. Lo us como una alternativa a la pintura y que se beneficiaba de su reproduccin automtica que para alcanzar una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez ms peculiares para sus fotomontajes cuando recurri al empleo de la cmara fotogrfica. Como la cmara permita tomar fotos en cualquier posicin, dedujo que la fotografa corresponda a la actividad

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Arte, culturas y estticas del ojo humano. De esta forma us la cmara fotogrfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografas con un objetivo de compromiso social. Formalmente, las fotografas solan ser o planos cenitales, planos opuestos totalmente a los convencionalismos, y que impactaban al espectador, causndole dificultades en reconocer el objeto fotografiado. Fue as como Rodchenko se propuso liberar a la fotografa de todas las convenciones y puntos de vista comunes en la poca, lo que le convirti en uno de los ms importantes pioneros del constructivismo fotogrfico. Pero uno de los ms importantes fundadores del constructivismo fue Vladimir Tatlin (1885-1953), quien abarc mltiples facetas: escultura, pintura, proyectos arquitectnicos, objetos inventados, de diseo, y decorados teatrales. Quiso materializar el arte con montajes, y, como los dadastas, promover la muerte del arte de museo: "la Obra debe participar en la vida y en la construccin del mundo". El ms famoso de sus proyectos fue el del Monumento a la Tercera Internacional, datado en 1919-1920, pero que nunca se construy. Sera un edificio habitable, mucho ms alto que la Torre Eiffel, con una dinmica estructura arquitectnica que combinaba una esttica de mquina con componentes que celebraban la tecnologa, como los reflectores y las pantallas de proyeccin. Dise tambin el Letatlin (letat significa volar en ruso), aparato volador sin motor de uso individual que permitira a los ciudadanos soviticos desplazarse sin crear contaminacin y de manera natural. As, Tatlin consider que el arte puede ser funcional y formar parte de la vida cotidiana.

5.10.5.3. Suprematismo
El suprematismo surge en Rusia en 1915, de la mente de Kazimir Malevich (1878-1935). En este ao, Malevich escribe un manifiesto en el que propone que en el arte los elementos formales se reducen al tringulo, el cuadrado, la cruz y el crculo; y los elementos cromticos se circunscriben al rojo, negro, azul, blanco y verde. Este arte prescinde de los objetos, y solo reduce la representacin a las figuras geomtricas. Un ejemplo de los lmites a que lleva este tipo de arte es la obra del propio Malevich llamada cuadrado blanco sobre blanco, de 1918, en la que se ha prescindido completamente del color, mediante la geometrizacin y la abstraccin absoluta. Consideraba que el objeto, o lo figurativo, eran mercanca y comercio, y por eso se opone rotundamente a l, intentando llegar a un arte universal. La obra de Malevich es practicamente conceptual, y va ms all de su cuadrado negro sobre fondo blanco o sus propuestas visuales casi minimalistas. En el espritu de Malevich, su obra es una tabula rasa, una pgina en blanco, un smbolo del futuro en el cual la pintura abstracta pueda tener un lugar, pero no contra los imperativos sustractivos y excluyentes del relato modernista. Podra ser, como lo ha sido en su contexto histrico, la bandera del futuro abierto. Malevich rechaza la sugerencia de vaco en sus pinturas, y el cuadrado monocromo tiene densidad de significado: es una negacin estilstica al pasado, pero una proyeccin a re-escribir el futuro artstico. La pintura es su propio tema, pero no solo es pigmento, sino contexto cultural, bsqueda, y hay un fundamento detrs, solo que est oculto. En la pintura monocroma, puede haber gran cantidad de cuadrados rojos, realizados por diferentes artistas y en diferentes contextos, pero aunque estticamente sean similares todos seran diferentes, precisamente por su origen e intencin al ser ejecutado. Este es uno de los grandes aportes de Malevich: el de pensar a la pintura ms all de lo perceptivo.

5.10.5.4. Neoplasticismo
El neoplasticismo es una corriente artstica promulgada en Holanda por Piet Mondrian en 1917, que propona despojar al arte de todo elemento accesorio, en un intento de llegar a un lenguaje plstico objetivo y, como consecuencia, universal. Las teoras de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofa, reivindican un proceso de abstraccin progresiva en virtud del cual las formas se iran reduciendo a lneas rectas horizontales y verticales, negras, blancas y gris, junto con los tres colores primarios. El excesivo rigor de las propuestas de Mondrian provoc violentas crticas tanto dentro como fuera de su crculo de adeptos. No obstante, el neoplasticismo est considerado, junto con el suprematismo de Malevich, el origen de la abstraccin geomtrica.

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Arte, culturas y estticas En lo que respecta a su obra particular, Piet Mondrian (1872-1944), inici su carrera pictrica, como muchos, siendo impresionista, y posteriormente puntillista. Pint rboles, paisajes y cielos, que gradualmente ira abstrayendo. En una obra de 1908, pinta un campo con unas parvas, en el cual se destacan, casi exclusivamente, el amarillo, el rojo y el azul. Empieza a simplificar sus composiciones, valindose del cubismo, y progresivamente se despoja de la figuracin, hasta llegar al abstracto. Utiliza pocos elementos plsticos: blanco, negro y los colores primarios puros, dispuestos espacialmente mediante lneas horizontales y verticales. Al dedicarse a la abstraccin geomtrica, Mondrian busca encontrar la estructura bsica del universo, la supuesta retcula csmica que l intenta representar con el no-color blanco (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de lneas de no-color negro (ausencia de colores) y, en tal trama, planos geomtricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las caractersticas sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal, expres que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproduccin de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagacin de lo absoluto y subyacente detras de toda la realidad. Los neoplasticistas holandeses publicaron asiduamente la revista de stijl, en donde se expresaban las propuestas e inquietudes del grupo. Otro integrante del grupo neoplasticista fue Theo Van Doesburg (1883-1931), quien se alej del grupo luego de incorporar la diagonal en sus composiciones, elemento visual que para Mondrian era impuro. Como ancdota de las ligeras excentricidades de Mondrian, cabe mencionar que prohibi el color verde en su casa. Cabe destacar tambien que, pese a su aparente simplicidad, las obras de Mondrian son sumamente complejas, y son composiciones precisamente estudiadas. Piet Mondrian es considerado, junto a Kandinsky y Malevich, los pilares fundacionales del arte abstracto en el mundo.

5.10.6. Dadasmo
Dad no significa nada. Queremos cambiar el mundo con nada. No es Dad el sinsentido; el sinsentido es la existencia de nuestra poca. Tal era el espritu dadasta. En su segundo nmero, publicado en 1919, la revista berlinesa Der Dada planteaba a sus lectores la siguiente pregunta: qu es Dad?, y propona a continuacin una serie de respuestas, algunas posibles y otras no tanto, que abarcaban desde un arte hasta un seguro contra incendios. O puede que no sea nada, es decir, que lo sea todo, rezaba la reflexin final. Semejante planteamiento, que rechaza cualquier compromiso, era el ms cercano a los objetivos y al espritu dad. En su formulacin se expresa un modelo de contradiccin muy afn al defendido por los dadastas. El dadasmo no era un movimiento exclusivamente artstico, literario, musical o filosfico. Era todo eso, y al mismo tiempo todo lo contrario: antiartstico, provocador en lo literario, travieso en lo musical, radical en lo poltico y antiparlamentario, pero sobre todo infantil. De ah que muchos dadastas cultivasen simultneamente varias vertientes de su talento, y que invirtiesen la misma dedicacin e inventiva tanto en el recitado de sus obras como en las ms diversas tcnicas plsticas. Pese a los numerosos manifiestos presentados por los dadastas, no haba tras este movimiento un grupo estable: no obstante, en cada ciudad existan partidarios que se erigan en portavoces. En torno a estos se reunieron numerosos simpatizantes, de los que solo unos cuantos participaron en actividades dadastas, y aun esto de una manera breve y espordica. A grandes rasgos, el perodo de actividad del movimiento dadasta puede establecerse entre 1916 y 1922, ao en que Tristan Tzara se dedic a rezar la Oracin fnebre por Dad en distintas ciudades de Alemania. En febrero de 1916, en el Cabaret Voltaire de Zurich (Suiza), se funda el movimiento dad. No es casual que este movimiento, que tendr amplias repercusiones en el desarrollo del arte moderno, se inicie en esta ciudad. Al estallar la Primera Guerra Mundial una serie de literatos y artistas, procedentes de otros pases y a los que podramos denominar emigrantes de la cultura, eligieron esta ciudad, en un pas neutral, como nico refugio seguro y tranquilo, y ante todo como un lugar de encuentro para las ideas. Fueron el rumano Tristan Tzara (1896-1963) y los alemanes Jean Arp (1886-1966) y Hugo Ball (1886-1927) los principales fundadores del Cabaret Voltaire. 51

Arte, culturas y estticas Este grupo dadasta de Zurich se mantuvo en el mbito de una negacin intelectual violenta y, al igual que los expresionistas alemanes, han protestado contra los falsos mitos de la razn positivista. En este punto, cabe destacar que los dadastas llegan a una negacin absoluta de la razn, y cae la concepcin positivista del hombre: no creen en el progreso, no consideran que la ciencia, Dios o el hombre puedan salvar al mundo, sino que est todo perdido. Una guerra mundial, la insensatez poltica y social de la poca, la falta de ideales positivos, hicieron de los dadastas unos verdaderos nihilistas, cuya negacin contra la sociedad/tradiciones/costumbres es activa y, por ende, tambien niega a todo arte anterior. Proclaman la destruccin del arte, que los museos son cementerios culturales, y que Dad deba destruir todo arte, y ni siquiera para imponerse: ninguna esclavitud, ni siquiera la de Dad sobre Dad; en cada momento Dad tiene que destruir a Dad para vivir. Los dadastas estaban a favor de la libertad desenfrenada del individuo, la espontaneidad, la contradiccin, la anarqua y la imperfeccin, y en contra de todo orden y perfeccin. El instrumento preferido por los dadastas para expresarse sera el escndalo en todo sentido. El gesto siempre es una provocacin contra el sentido comn, la moral, las reglas y la ley. El dadasmo se propone a s mismo como el deseo profundo de transformar la poesa en accin. Con respecto al proceso de creacin dadasta, no se trata de una razn que ponga orden, una bsqueda de una coherencia estilstica o un mdulo formal que domine en la creacin de la obra dad. Los motivos de naturaleza plstica que interesan a los demas artistas no interesan en absoluto a los dadastas. Por lo tanto ellos no crean obras, sino que fabrican objetos. Lo que interesa en esa fabricacin es el significado polmico del procedimiento, la supremaca del azar sobre la regla. A estos objetos est ligado un gusto arbitrario, irreverente, muy alejado de la idea de constituir un ejemplo esttico, como buscaban cubistas, futuristas y abstraccionistas. Un ejemplo por excelencia del mtodo que gua al proceso de creacin-fabricacin dad est constitudo por los consejos de Tristan Tzara para hacer una poesa dadasta: Tomen un peridico. Tomen unas tijeras. Escojan en el peridico un artculo que tenga la longitud que ustedes desean dar a su poesa. Recorten el artculo. Recorten despues con cuidado cada una de las palabras que forman el artculo y pongan todas las palabras en una bolsa. Agiten suavemene. Saquen las palabras unas tras otras, disponindolas en el orden en el cual las hayan sacado. Cpienlas concienzudamente. La poesa se parecer a ustedes. Y estarn transformados en un escritor infinitamente original y dotado de una sensibilidad encantadora. Este es el punto extremo de la rebelin y la potica que gua a la rebelin Dad, que batallaba contra la mentalidad pequeo-burguesa, acadmica, reaccionaria que a menudo tambien se esconda entre aquellos artistas que se crean de vanguardia. El Dad se desarroll no solamente en Suiza. Dentro del continente europeo, en Alemania se destaca el artista Kurt Schwitters (1887-1948). En sus obras utiliz elementos como madera, hierro, recortes de lata, sobres, tapones, plumas de gallina, tickets de tranva, sellos, clavos, papel, piedras, cuero. Los cubistas o los futuristas tambien utilizaban este tipo de materiales en sus obras, pero absorbindolos en el conjunto del color y la composicin, pero en los collages y assemblages de Schwitters los elementos estan ordenados por las leyes del azar. George Grosz (primero expresionista de la nueva objetividad, luego artista dad) se refera a las obras de Schwitters como pintura de inmundicia, por incorporar diversos materiales de desecho. La obra ms destacada del autor fue su Merzbau, iniciado en una habitacin de su casa de Hannover, y que termin ocupando 2 pisos y comprendiendo 4 habitaciones. Se trataba de una construccin en mampostera, mezclada con zonas de cartn, todo ello encalado en blanco, en la que Schwitters iba situando pequeos elementos que le recordaban a sus mejores amigos artistas. La construccin fue creciendo con el transcurso del tiempo, y no posea un final preestablecido. Durante la guerra, en un bombardeo, se destruy y slo quedan fotografas de esa especial realizacin que por s sola justifica lo nuevo que comporta el dadasmo. Schwitters tambien realiz un gigantesco ttem de varios metros de alto, con el mismo procedimiento, montado con desechos y elementos que encontr por azar a traves de los aos, y que conformaron el assemblage final. Otro importante centro dadasta se dio en Nueva York. Hasta ese momento, en Estados Unidos imperaba un estilo naturalista con temas autctonos, como retratos de campesinos y escenas costumbristas, por lo cual el arte moderno era algo totalmente ajeno a la cultura norteamericana. Los

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Arte, culturas y estticas artistas que participaron de la exhibicin de arte moderno conocida como Armory Show, realizada en 1913, fueron los que introdujeron la idea de arte moderno en el nuevo continente, con trabajos fauvistas, cubistas y futuristas, como el desnudo bajando la escalera de Duchamp. Esa exhibicin sera el punto de partida del arte moderno en norteamrica, luego desarrollandose el grupo dadasta de Nueva York, cuya actividad se desarrollara, aproximadamente, entre 1915 y 1920. En el grupo destaca la figura del fotgrafo Man Ray (1890-1976), cuyas primeras obras experimentales son los rayogramas de 1921, imgenes fotogrficas sacadas sin cmara (imgenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace tambin retratos, conviertiendose en fotgrafo retratista de personalidades de la cultura. Tambien realiz objetos anti-arte que posean ttulos como objeto para ser destruido o haciendo fotografas sin cmara. En pintura mencionamos a Francis Picabia (18791953), quien en un principio tuvo contacto con las vanguardias artsticas europeas y luego se orient hacia la pintura dad, en la que aparecan sus mquinas intiles y mecanismos ilgicos, parodiando lo obsoleto de la tecnologa, en aparatos simblicos diseados por l y que no producan nada. Sin embargo, la figura mas importante e influyente del grupo es Marcel Duchamp (1887-1968), a quien abordaremos posteriormente en detalle como un artista vital en la historia del arte moderno y posmoderno. En Pars tambien hubo ecos dadastas, siendo Andr Bretn uno de los principales representantes. Su obra literaria sera el pilar fundamental del surrealismo, pariente directo del Dad.

5.10.6.1. Marcel Duchamp (1887-1968)


La obra de Marcel Duchamp revolucion como pocas el arte contemporneo. Est considerado uno de los artistas ms influyentes (quizas el ms importante) del siglo XX. Gracias a la invencin de los readymades, Duchamp consigui romper con la preponderancia de la pintura sobre la escultura. Generaciones enteras de artistas, en especial a partir de la dcada de 1960, le han tomado como ejemplo a seguir y han desarrollado su obra en funcin de los conceptos fundamentales por l planteados. Nacido en Francia, se inici en el dibujo y la pintura por influencia de sus hermanos mayores, que eran artistas. Si bien inici estudios en algunas academias, los interrumpi, por lo cual podemos afirmar que Duchamp fue un autodidacta. Alrededor de 1911 comienza a mostrar una tendencia revolucionaria en su pintura, tratando de elaborar en ella un arte que sea interpretado por la mente del espectador, y no tanto por lo perceptual. De esta etapa son las dos versiones de desnudo descendiendo una escalera (191216). La segunda versin, ejecutada con acuarelas, tintas, lpiz y pastel sobre papel de fotografa, gener una gran controversia cuando fue expuesta en la exposicin titulada Armory Show, de 1913. Sorprendi en primer lugar por su ttulo, que pint en el mismo lienzo, como un rtulo en la parte inferior. Ademas, el desnudo era un tema artstico con unas reglas fijas ya establecidas, que desde luego no incluan figuras bajando por escaleras, ni mucho menos el tratamiento visual cubista-futurista que emple. Duchamp mostr la idea de movimiento mediante imgenes superpuestas sucesivas, similares a las de la fotografa estroboscpica. Tanto la sensacin de movimiento como el desnudo no se encuentran en la retina del espectador, sino en su mente. Pero no solo eso: Duchamp hace una analoga entre lo biolgico y lo tecnolgico, teniendo en cuenta el contexto cultural y los adelantos tecnolgicos de poca. Para Duchamp, la tecnologa industrial, a pesar de su aparente racionalismo, realiza de hecho los impulsos inconscientes, los deseos no formulados de la sociedad. El movimiento de una persona que baja las escaleras es repetitivo y mecnico, y no muy distinto del de una mquina. Llevndolo a cabo, la persona pasa de una condicin de organismo vivo al de una mquina. Inmerso en su propio contexto histrico pero mirando hacia delante, con esta obra Duchamp conceptualiza: la transformacin del funcionamiento biolgico en funcionamiento tecnolgico es el destino que nos espera. Antes del Armory Show, el cuadro deba exhibirse en una exposicin cubista de artistas independientes, pero los organizadores le pidieron a Duchamp que retirara voluntariamente el cuadro, o que le cambiase el ttulo, que les pareca caricaturesco. A propsito de este incidente, Duchamp recordara ms tarde: (...) no repliqu. Dije muy bien, muy bien, tom un taxi a la exposicin, recuper mi cuadro y me lo llev. Fue un autntico giro en mi vida. Me di cuenta de que, despus de aquello, nunca ms volveran a interesarme demasiado los grupos. Ademas, el rechazo de la crtica hacia su obra lo motiv a seguir trabajando en una senda experimental, sin adherir a grupos o teoras impuestas. 53

Arte, culturas y estticas Mantuvo siempre un cierto escepticismo frente a las posibilidades de la pintura, que le resultaba insuficiente para satisfacer sus pretensiones de objetividad y cientificismo en el arte. De ah que, en palabras del propio Duchamp, la pintura no fuese para l sino un medio de expresin entre muchos otros. En 1915 Duchamp abandon casi por completo la pintura, ao en que se instal en Nueva York. Cabe destacar que Duchamp comparta muchos puntos con los dadastas suizos, pero aseguraba que lo que l y su crculo hacan en Nueva York no era dad. La diferencia estaba, segn l, en que los dadastas libraban una batalla contra el pblico, y cuando se est librando una batalla, resulta difcil rerse al mismo tiempo. El ambiente en Nueva York era ms jovial, y tanto Duchamp como el grupo neoyorquino no tenan intencin de destruir el arte, sino elaborar preguntas nunca antes formuladas al arte. Aun as y pese a las diferencias con los dadastas suizos, a Duchamp y su grupo se los conoce como los dadastas de Nueva York. Dos aos antes, en 1913, Duchamp haba empezado a confeccionar sus primeros ready-mades: la rueda de bicicleta, consistente en la rueda montada sobre un taburete; el seca botellas, una estructura comprada en un bazar, para poner las botellas a secar y que Duchamp firm; y en avance del brazo roto, una pala quitanieve elegida a traves de la indiferencia esttica y que Duchamp colg del techo con un cable. Los ready-mades constituyen un gnero artstico nuevo e independiente ideado por Marcel Duchamp. Se trata de objetos de consumo producidos a escala industrial, que a travs exclusivamente de su seleccin y presentacin acceden a la categora de arte. El autor no configura estas obras, sino que se limita a elegir, a encontrar el arte y designarlo como tal. Duchamp se encarga tambien de despojarlos de su utilidad y funcionalidad: en el caso de la obra de 1913, la fusin escultrica entre la rueda y el taburete les hace intiles en lo que a su uso habitual refiere. Mediante los ready-mades, Duchamp rechaza con gran mordacidad el tradicional mito que presentaba al artista como genial creador, haciendo obras con poca o nula intervencin del autor. Lo interesante para Duchamp es romper con cuanto el pblico espera tradicionalmente del arte, establecer los lmites de las obras artsticas para poder ampliarlos radicalmente. Todos sus readymades plantean una pregunta clave: cules son las caractersticas y condiciones que hacen de un objeto una obra de arte?. Esta pregunta sera y es- la pregunta que se formulara el arte posmoderno, 50 aos despues de la invencin de Duchamp. Algunos de los ready-mades realizados por Duchamp fueron: trampa (1917), un perchero para abrigos que estaba en el piso de mi estudio y yo continu torpezndome con ste, hasta que finalmente dije si esto se va a quedar en el piso, all lo clavar; o aire de Pars (1916), 50 centmetros cbicos de aire parisino encerrado en una ampolla de farmacia. Sin embargo, la obra clave dentro de los ready-mades duchampianos es fuente (1917). La obra consiste en un urinario de produccin industrial un mingitorio comn y corriente. La manipulacin del artista se reduce a tres hechos concretos que deben convertir un objeto cotidiano en una pieza de arte: en primer lugar, lo coloca sobre un pedestal como los usados para presentar una escultura; en segundo lugar, lo dota de firma y fecha; por ltimo, lo presenta en una exposicin de arte realizada en 1917. La explosividad esttica de este concepto qued de manifiesto cuando le fue denegada la presentacin de la obra en la exposicin, que en teora careca de jurado. La premisa que propone Duchamp con su fuente es que un objeto cualquiera puede ser elevado a la categora de arte con solo dotarlo de los atributos caractersticos de una obra de arte. En el ejemplo que nos ocupa, estos atributos son el pedestal, que ennoblece al urinario y lo separa de su entorno habitual. La inscripcin R. Mutt 1917 en el costado del mingitorio caracteriza al objeto como obra de arte, pues est firmado. Marcel Duchamp renunci conscientemente a utilizar su nombre y escogi en cambio un pseudnimo, pues quera dejar patente la condicin de gesto artstico de la firma y de la aspiracin artstica de que iba acompaada. Finalmente, el objeto deba haber sido presentado en una exposicin pblica de arte. Duchamp entendi que un objeto queda definido principalmente a travs de su contexto, y que ubicado en diferentes entornos ser percibido de distintas maneras. La gran innovacin introducida por Duchamp en el arte fue llamar la atencin sobre la importancia del contexto en la valoracin del arte, y cmo el artista es quien decide qu es arte. Su fuente termin siendo un emblema del arte como provocacin y una evidente humorada contra el jurado de una muestra sin jurados. El gesto de pres entar un

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Arte, culturas y estticas elemento ordinario, de factura industrial, no solo desacredita la sacralidad de la obra artstica, sino que tambien pone al desnudo los mecanismos de legitimacin del arte. Dcadas despues, la institucin-arte avalara a sus ready-mades como obras, pero no solo por su concepto, sino irnicamentepor su esttica. Duchamp, en 1962, dira: cuando descubr los ready-mades, pens en intimidar a la esttica (...). Les arroj a sus caras el posabotellas y el urinario como un reto, y ahora los admiran por su belleza esttica. Otra especie de ready-made es L.H.O.O.Q. (1919). Ese ao Duchamp compr una reproduccin barata de La Gioconda de Da Vinci, y le pint bigotes y barba, convirtiendo una de las pinturas ms famosas de la historia en un ready-made rectificado. El ttulo, que en ingles se lee como look (mirar), en francs puede leerse al pronunciar las letras una a una como ella tiene el culo caliente. En este caso, como en los ready-mades, apareca algo cotidiano, pero no era un objeto, sino un cono por todos conocido: la pintura de Leonardo. Al pintar barba y bigote masculino sobre la Mona Lisa, Duchamp practica una humorstica difuminacin de la definicin de gnero del personaje, y parodia la famosa creencia de que la mujer representada es en realidad el mismsimo Leonardo. Este costado humorstico, irnico y provocador est en sintona con los rasgos incisivos de los dadastas suizos y su bsqueda de desacralizar el arte histrico. Otra de las obras maestras de Duchamp es la novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, tambien conocido como el gran vidrio. La obra de 271cm x 174 cm est compuesta por dos vidrios superpuestos contenidos en un marco metlico. En el intersticio entre cristales, se escenifica casi abstractamente- el proceso amoroso y mecnico que lleva al desnudamiento sbito de la novia, quien colgada en la zona superior estimula la actividad de los solteros. Enigmtica y provocadora, la maquinaria amorosa se sita en el dominio del absurdo, con anatomas deseantes, vsceras mecnicas y un funcionamiento pseudocientfico que remite al amor como tpico evidente de la obra. Duchamp empez a proyectar la idea de la obra en 1912 y a realizarla entre 1915 y 1923. El trabajo consisti en transferir el dibujo preliminar al vidrio, para luego pintarlo al leo, barniz y plomo derretido. Duchamp dijo respecto al proceso de la obra: me interesaba, pero no lo suficiente como para estar impaciente por verlo terminado. Soy perezoso, no lo olvidemos. Ademas, en aquella poca no tena la menor intencin de ensearlo ni venderlo. Lo estaba haciendo y punto, sa era mi vida. Y cuando me apeteca trabajar en l, lo haca, y otras veces sala y disfrutaba de Norteamrica. Todas las imgenes que aparecen en el vidrio estan ah con un propsito, con el fin de llenar un vaco o de satisfacer la mirada; no se agrega nada. La transparencia propone una mirada a travs, que libera al ojo de la opacidad de la pintura y aporta a la idea de dejar de considerar a la cosa en cuestin como un cuadro. De alguna forma, tambien hay una alusin algo irnica a la metfora renacentista del cuadro como ventana abierta al infinito. Si la perspectiva renacentista construye la ilusin de un mundo tridimensional, con su vidrio Duchamp revela un espacio no-dimensional. En 1926 un suceso accidental modifica el aspecto original de la pieza: durante un traslado el vidrio se quiebra, hecho que estticamente agrad a Duchamp y por ello no lo restaur. La iconografa de el gran vidrio es bastante compleja y ha sido objeto de estudios diversos, de las cuales Duchamp declarara: los anlisis que se han propuesto no tienen necesariamente algn valor. Mi intencin original carece de interes, lo interesante es el efecto que mi obra produce en el espectador, en el pblico que decidir si la obra es suficientemente importante como para sobrevivir. En 1915, la libertad que Duchamp haba conseguido en Nueva York se desvanece luego de que Estados Unidos entre en guerra. El declarado antimilitarismo del artista lo arrastra a un nuevo exilio, eligiendo por motivos muy poco definidos- a Buenos Aires como ciudad de residencia, a la cual llega en noviembre de 1918. En cartas de Duchamp a amigos residentes en Europa, declara: reina un autntico aire de paz, que es maravilloso respirar y una tranquilidad provinciana que me permite e incluso me fuerza a trabajar. Tambien pueden encontrarse otras opiniones de Duchamp, contradictorias a la anterior, que describan al machismo de Buenos Aires, en relacin a la poca autonoma de la mujer en la sociedad, y que Buenos Aires no existe. No es ms que una gran poblacin provinciana con gente muy rica sin pizca de gusto que todo lo compra en Europa. Se instal en un estudio en la calle Sarmiento 1507, Capital Federal, y all bocet en pequeo ideas para el gran vidrio, entre otras obras. Intent

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Arte, culturas y estticas cubificar Buenos Aires, intentando armar una exposicin con pinturas cubistas de colegas europeos y norteamericanos en galeras porteas, pero el proyecto no progres. Hay que tener en cuenta que, para la fecha en que Duchamp planea esta muestra (fines de 1918), en Buenos Aires practicamente no se tena idea de qu era el cubismo, y tendra que esperarse hasta la dcada del 20 para ver las vanguardistas propuestas visuales de Pettoruti y Xul Solar. En Buenos Aires, Duchamp encuentra interes en el tango y el teatro, y dedica largas horas a su deporte favorito, el ajedrez, en busca de la jugada adecuada. Confecciona piezas de ajedrez en madera, y juega un ajedrez por correo con algunos amigos europeos. Duchamp deja Buenos Aires en junio de 1919. En aquel entonces, a ningun argentino se le hubiese ocurrido que uno de los artistas ms revolucionarios del siglo se marchaba tras haber pasado nueve meses de su vida en la Argentina. En la dcada del 20 Duchamp incursion en el teatro y en el cine, participando en una escena de la pelcula surrealista Entreacto, de Ren Clair, en la que aparece jugando al ajedrez en una terraza con Man Ray hasta que un enorme chorro de agua cae sobre ellos y el tablero. Tambien acta en otra pelcula disfrazado de rey, en una escena en la que se dramatiza a un ajedrez viviente. En esa dcada trabaj tambien con sus mquinas pticas, en consonancia con su preocupacin por los fenmenos visuales. Realiz placas de vidrio rotativas, impulsadas por movimientos mecnicos, que l llamaba juguetes pticos, y son un antecedente directo del op-art que surgira como movimiento artstico 40 aos despues. Cuando regres a Paris en 1934, Duchamp empez a reproducir de manera fascimilar todas sus notas, bocetos, dibujos y algunas pinturas acerca de el gran vidrio realizadas entre 1912 y 1920 y reunirlas sin orden alguno en lo que se dio en llamar la caja verde, llamada as por el color del gnero aterciopelado con que estaba forrada la caja, que deba acompaar al Vidrio y consultarse cuando se mira el Vidrio ya que, al menos para m, no debe ser mirado en el sentido esttico de la palabra. Uno debe consultar la caja y mirarlos juntos. La conjuncin de ambas cosas remueve completamente el sentido retiniano, que no me gusta. Nuevamente, Duchamp exige del espectador un esfuerzo mental, un proceso de elaboracin personal para completar y comprender sus obras. El modelo de la caja verde sera repetido en su caja en valija, que dise entre 1935 y culmin con la primera edicin de dicha caja en 1940. La caja en valija contena 69 reproducciones exactas de sus obras, en miniatura, con sus respectivos detalles, colores y etiquetas. Entre las reproducciones pequeas se hallaban desnudo descendiendo una escalera n2, el gran vidrio (reproducido en hoja transparente), y las esculturitas a escala de aire de Pars y fuente. Duchamp haba pensado cmo se veran sus obras una vez abierta la tapa de la caja, proponiendo una suerte de montaje y dilogo entre ellas. Con esta obra, Duchamp inventa una nueva forma de autobiografa, en la que l mismo es el titiritero de su pasado. Trabaja durante estas dcadas como curador y diseador de exposiciones de carcter surrealista, aunque no adhera a los postulados de ese grupo. Dentro de sus aportes artsticos a esas muestras se encuentran, por ejemplo, un maniqu de mujer sin cabeza en delantal de mucama y con una canilla pegada a la pierna derecha, o el diseo de un catlogo en donde coloc un seno de mujer en la tapa y en la contratapa la leyenda se ruega tocar. En la dcada del 60 participa como protagonista de screen test for Marcel Duchamp, una pelcula de 20 minutos filmada por Andy Warhol en la que la nica actuacin de Duchamp fue la de fumarse un puro sentado en una silla. Tambien realiza una performance con John Cage, llamada reunion, en la que juegan al ajedrez con un tablero con micrfonos incorporados de modo tal que, cuando uno de ellos realizaba una jugada, se activaba toda una serie de imgenes y sonidos electrnicos, todo esto proyectado en un escenario. Tambien reprodujo, en 1964, trece de sus primeros ready-mades, en ediciones de ocho, firmados y numerados. Con este acto y con, por ejemplo, su caja en valija- Duchamp atenta contra la idea de obra nica, multiplicando a la misma obra muchas veces. Es en esta dcada cuando empieza a tener su justo reconocimiento a nivel artstico. Su fuente es tomada como pilar del arte conceptual, y Duchamp dira respecto a ella y a sus ready-mades: cuando descubr los ready-mades pens en intimidar a la esttica (...). Les arroj a sus caras el secador de botellas y el urinario como un reto, y ahora los admiran por su belleza. Duchamp demostr que sus obras eran arte pero no bellas, y as postul que la belleza realmente no tiene por qu formar parte de ningun atributo definitorio del arte. Se podra decir que este reconocimiento dibuja una lnea muy ntida entre la esttica tradicional y la filosofa del arte, que incluye a la prctica actual del arte. Esa lnea, por supuesto, fue

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Arte, culturas y estticas muy dbil en la conciencia general cuando Duchamp intent exhibir el mingitorio en 1917, pero hoy da sus postulados conceptuales han sido avalados, y el conocedor de arte actual maneja cdigos distintos a los manejados hace casi 100 aos. A partir de 1943 y durante ms de veinte aos, Duchamp trabaj secretamente en una obra que se revelar como fundamental en su produccin, y que sale a la luz solo despues de su muerte. La obra se titula Dados: 1. La cascada de agua / 2. El gas de alumbrado, de las cuales Duchamp dej algunas instrucciones sobre cmo deba ser montada. Se trata de una instalacin inaccesible, que solo puede verse a traves de dos pequeos orificios en una puerta, que apelan a un espectador voyeur, que se asoma a espiar por esos agujeros la escena que Duchamp dise. Hubo varios bocetos dibujados y esculpidos del motivo representado dentro de la instalacin: al asomarse por los orificios, realizados en un viejo portn de madera, el espectador poda apreciar la imagen de una mujer desnuda, con el pubis depilado, recostada sobre un montculo de hojarasca real, con las piernas abiertas hacia el espectador, mientras que la cabeza y el brazo derecho quedan ocultos, al igual que los pies. Su brazo izquierdo levantado sostiene una vieja lmpara de gas, y el teln de fondo reproduce de manera naturalista un bosque, con un lago y una pequea cascada, todo con una luz clara aunque, por momentos, mortecina. As como en otras obras Duchamp permite al lector una forma mltiple de percibirlas, en este caso l pauta cmo el espectador debe mirar su instalacin: haciendo solo un par de orificios para mirar, dispuestos a una altura determinada y accesible para que una sola persona pueda mirar a la vez, condiciona la forma de aproximarse a la obra. Muchas veces considerada como obra diametralmente opuesta a el gran vidrio, su dados:... contiene varios elementos sugeridos en toda su obra, entre las cuales se destaca el erotismo y la bsqueda de un esfuerzo intelectual en el espectador. Esta obra es considerada pstuma, y fue abierta al pblico en el Museo de Arte de Filadelfia, en junio de 1969, unos meses despues de la muerte del artista. A modo de conclusin, cabe citar al propio Duchamp, en relacin a su obra y a las ideas que l tenia acerca del arte: el artista no es el nico que consuma el acto creador, pues el espectador establece el contacto de la obra con el mundo exterior descifrando e interpretando sus profundas calificaciones para aadir entonces su propia contribucin al proceso creativo (...). Creo que hoy ms que nunca el Artista tiene encomendada esa misin pararreligiosa: mantener encendida la llama de una visin interior que parece disponer de la obra de arte como de su traduccin ms fiel para el profano. Damos por sentado que para cumplir esa misin hace falta el ms alto grado de educacin. Marcel Duchamp falleci el 2 de octubre de 1968, luego de una cena con amigos. Fue sepultado con otros miembros de su familia en el cementerio de Run, y de acuerdo con sus deseos, en su lpida se grab la inscripcin por otra parte, son siempre los otros los que mueren. He tenido una vida verdaderamente maravillosa... He tenido suerte, una suerte estupenda. Nunca he pasado un da sin comer y tampoco he sido rico. As que todo ha salido bien.

5.10.7. Surrealismo
Puede sealarse como fecha oficial del nacimiento del movimiento surrealista, en Pars, el ao 1924, en que el poeta Andr Bretn (1896-1966) public el primer Manifiesto Surrealista. Sin embargo, existen obras literarias de Bretn anteriores a ese ao que conectan claramente con obras surreales. No debe olvidarse que Bretn y su crculo adhirieron al dadasmo y que muchas de las realizaciones efectuadas en el seno de esa corriente pueden considerarse como predecesoras de las propiamente surreales. En pintura tambien hay antecedentes en las obras de El Bosco (1450-1516) y Giuseppe Arcimboldo (1527-1593). Como artista referente ms reciente, se encuentra el italiano Giorgio de Chirico (1888-1978), quien fue el mximo exponente de la pintura metafsica: segn l, una obra de arte, para ser verdaderamente inmortal, tiene que estar ms all de los lmites de lo humano; no debe poseer sentido comn ni lgica. Por este camino se alcanza la condicin del sueo y de la mentalidad infantil. En sus pinturas metafsicas, desarrolladas durante la dcada del 10 y el 20, de Chirico pinta inquietantes maniques en silenciosas plazas de Italia, o en espacios enormes, inabarcables. Estas imgenes que evaden la realidad perceptual seran un punto de referencia para el surrealismo que hizo nacer Andr Bretn. 57

Arte, culturas y estticas El surrealismo fue en un primer momento un movimiento literario que cont con la gran personalidad de Bretn, quien muy pronto asumi el cargo de jefe e idelogo del grupo. Bretn realiz su servicio militar en el Hospital de Nantes, en el rea destinada a los enfermos mentales, donde se practicaban toda una serie de terapias psicoanalticas que le eran familiares. Por otra parte, haba seguido algunos cursos de medicina en la Sorbona y conoca la reciente obra de Sigmund Freud, realizada con la interpretacin de los sueos, as como las tcnicas del psicoanlisis, basadas en la asociacin libre de ideas. Todas estas experiencias contribuyeron a un autntico punto de partida para sus obras literarias dentro del surrealismo. Al leer en el primer manifiesto la definicin dada por el propio Bretn al surrealismo, no se tarda en advertir cuales son los elementos esenciales que configuran la ideologa de dicho movimiento. La definicin reza de la siguiente manera: automatismo psquico puro por el cual alguien se propone expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado por este ltimo, en ausencia de cualquier control ejercido por la razn, al margen de toda preocupacin esttica o moral. El concepto fundamental es, entonces, el de automatismo, que se basaba en una especie de dictado mgico, proveniente del inconsciente, gracias al cual surgan poemas, ensayos y obras en prosa, dentro de la vertiente literaria. Ms tarde pintores y escultores aplicaron el mismo mtodo para realizar sus composiciones. El surrealismo mir hacia el interior del hombre, hacia las profundidades de su inconsciente, para conocerse a s mismo. Reivindic los dibujos de los nios y los enfermos mentales, considerandoles como un arte absolutamente vlido. Pero no solo eso: la intencin de evadirse de la realidad entra en consonancia con la poca histrica que se viva en Europa. Las Guerras Mundiales son el parntesis que rodean y sustentan al ideal surrealista: el hombre no quiere mirar afuera, hacia el desastre blico, sino hacia s mismo, y decide soar una realidad imposible. Si el dadasmo respondi con el absurdo, el surrealismo respondi con el valor del hombre como ser nico y autnomo, destacando lo inmoral, lo tab, lo oculto pero natural del ser humano. Asimismo, la vanguardia surrealista presenta al automatismo como una actividad artstica cercana a la prxis vital del hombre, y se identifica con l mediante el uso y valor del inconsciente. A partir de 1925, el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas, que culminaran ese mismo ao con la adhesin al Partido Comunista por parte de Bretn. Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo peridico titulado el surrealismo al servicio de la revolucin, en cuyo primer nmero Luis Buuel, Salvador Dal, Paul luard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Bretn. Por su parte Jean Arp y Mir, aunque no compartan la decisin poltica tomada por Bretn, continuaban participando con inters en las exposiciones surrealistas. Poco despus se incorporaron Ren Magritte (1930), Andr Masson (1931), Alberto Giacometti (1933), el chileno Roberto Matta y el cubano Wilfredo Lam (ambos en 1937). El movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japn. Desde este momento, se abrir una disputa, a menudo agria, entre aquellos surrealistas que conciben el surrealismo como un movimiento puramente artstico, rechazando la supeditacin al comunismo, y los que acompaan a Breton en su giro a la izquierda. En 1929 Bretn publica el Segundo Manifiesto Surrealista, en el que condena entre otros intelectuales a los artistas Masson y Francis Picabia. En 1936 expulsa a Dal por sus tendencias fascistas y a Paul luard. En 1938 Bretn firma en Mxico junto con Len Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente. En 1938 tuvo lugar en Pars la Exposicin Internacional del Surrealismo que marc el apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron, entre otros, Duchamp, Arp, Dal, Ernst, Masson, y Man Ray. La exposicin ofreci al pblico sobre todo una excelente muestra de lo que el surrealismo haba producido en pintura y la fabricacin de objetos. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Breton, Ernst, Masson) abandonan Pars y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra, como el expresionismo abstracto.

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Arte, culturas y estticas Entre las tantas disciplinas en las que se desenvolvi el surrealismo, el cine ocupa un lugar fundamental. Mencionaremos dos pelculas de especial importancia de la cinematografa surrealista. Por un lado, entreacto del director Ren Clair (1898-1987). La pelcula de 22 minutos es una de las primeras del director frances, y data del ao 1924. Entreacto se llama as puesto que fue proyectada por primera vez en el entreacto de una obra de teatro surrealista, en el ao mencionado. La pelcula es una composicin flmica de clara vinculacin dadasta y surrealista en donde se rompe la representacin clsica, mostrando una construccin narrativa poco convencional. As, las secuencias se van sucediendo una a otra sin aparente vinculacin ni empalme entre escenas. An as, hay un argumento y una intencionalidad conceptual en la cinta. El lugar de desarrollo de las acciones es Pars (la referencia fsica la da la Torre Eiffel), y aparecen varias personalidades del crculo artstico parisino: Marcel Duchamp, Man Ray (estos dos aparecen en una escena jugando al ajedrez), Francis Picabia (quien colabor con el guin) y Eric Satie (quien ademas musicalizara la pelcula). La pelcula se da en un contexto de entreguerras, y hay varias referencias simblicas al nimo de poca. Una de las escenas ms recordadas es la de un oscuro, absurdo y cmico cortejo fnebre, donde los personajes avanzan detrs del cajn, con las coronas de flores colgadas al cuello. De pronto, la carreta con el cajn va acelerando el paso y, con l, todos los personajes empiezan a correr detrs. Un personaje invlido, al que parece le faltan parte de las piernas y se arrastra en un carrito, impulsado por sus brazos, al ver que no puede alcanzar el veloz cajn se pone de pie y sale corriendo. Para finalizar, un fretro cae al suelo y el supuesto muerto sale del mismo, y rompe el cartel que anuncia el final de la pelcula. La muerte, la mutilacin, el cortejo fnebre son temas que aluden al momento de posguerra. El absurdo de correr detrs de la muerte misma, hasta que los personajes ya no saben a donde van, es otra metfora: la velocidad, el progreso pero, hacia dnde? La pelcula ms recordada del cine surrealista es un perro andaluz, de Luis Buuel (1900-1983) y Salvador Dal. Buuel dirigi y escribi el guin, en el cual colabor activamente Dal. El ao de presentacin de la cinta fue 1929, por lo que tambien se enmarca entre guerras. El cortometraje frances dura 17 minutos y se grab en 15 das, y aunque originalmente fue mudo en 1960 se le agreg msica: partes de Tristan e Isolda de Richard Wagner (el disco favorito de Dal) y fragmentos de tangos argentinos. Segn Buuel, la pelcula surgi de dos sueos: el de Dal, que so con hormigas pululando en su mano, y el de Buuel, que so con alguien a quien le cortaban el globo ocular con una navaja (escena casi emblema de la pelcula, y del cine surrealista). La cinta es una especie de poesa en imgenes que pretende provocar un impacto moral en el espectador a travs de la agresividad de la imagen. Remite constantemente a aspectos delirantes y del sueo, tanto en las imgenes producidas como en el uso de un tiempo no cronolgico de las secuencias. El factor tiempo es muy importante: carteles de rase una vez se continuan con otros que rezan ocho aos despues, a las 3 de la maana o en primavera, denotando un tiempo que salta constantemente. Uno de los recursos visuales ms utilizados es la puerta, que se presenta como un protagonista ms, comunicando escenas y situaciones, y los insectos, tan caractersticos de la obra pictrica de Dal. Como en entreacto y el contexto cultural mismo, la muerte, violencia y la mutilacin (la mariposa con forma de calavera, el corte del ojo, una mano cercenada en la calle) son moneda corriente en el film, y conviven con el delirio y la vida misma. El ttulo elegido para la pelcula fue un perro andaluz porque no guardaba ninguna relacin con el contenido mismo de la cinta. En las obras de carcter plstico surrealista se advierten dos tipos de automatismo. Por un lado, existen artistas que prefieren decantarse por la aplicacin del automatismo puro, mientras que por otro hay pintores que practican la va onrica. Entre los primeros destaca Andr Masson (1896-1987), quien ya en 1924 efectuaba dibujos, de carcter automtico, a pluma sobre papel. Por lo general, las imgenes automatistas puras eran composiciones abstractas, dotadas de una gran agilidad y dinamismo que expresaban un estado anmico de gran euforia. Masson realiz pinturas de arena, que pueden ser tomadas como predecesoras del informalismo. Este tipo de obras surgan como resultado del azar, actuando ste directamente en el proceso creativo. As, Masson colocaba el soporte de tela sobre el suelo y dejaba caer sobre el mismo cola o pegamento para, ms tarde, espolvorear la superficie con arena. En los

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Arte, culturas y estticas lugares donde haba cola, la arena quedaba pegada y formaba una capa de un cierto grosor que contrastaba con las zonas pintadas posteriormente por el artista. Otro de los pintores que tambien actuaron dentro de esta corriente automtica, pero sin llevar su trabajo a trminos tan dependientes del automatismo, fue Joan Mir (1893-1983). El pintor, escultor, grabador y ceramista cataln se haba afincado en Pars el mismo ao de la publicacin del primer manifiesto y, muy pronto, contact con el grupo de literatos y artistas de ideas afines al surrealismo. Hay que tener en cuenta que, sin embargo, por aquella poca Mir haba adquirido ya un lenguaje propio y que, por consiguiente, adopt tan solo ciertos conceptos del surrealismo para exponerlos en su pintura. El lenguaje artstico de Mir se caracteriz siempre por su marcada preferencia por los colores vivos y puros, sobre todo primarios y secundarios, y tambien neutros, la esquematizacin y sntesis de sus personajes, y su sentido especial por plasmar lo primordial. Lo inconsciente, lo sinttico, una esttica de juego con una reminiscencia al arte infantil y, en cierta forma, lo onrico se ven en la obra de Mir. La otra variante del automatismo es la va onrica. Est representada por artistas como Ren Magritte o Salvador Dal. Tanto el uno como el otro se especializaron en pintar composiciones figurativas, atenindose a las normas tradicionales de representacin perspectiva, con objeto de lograr imgenes sumamente impactantes y realistas. En la va onrica, el automatismo no se da por la tcnica pictrica, que es netamente consciente y detallada, sino en la idea que da origen a la imagen, generalmente tomada del inconsciente, las fijaciones sexuales, los tabes y trabas psicolgicas, y fundamentalmente de los sueos. Si bien utilizan los elementos tcnicos de la pintura tradicional, se alejan de ella por sus temas: la inusitada asociacin de objetos y las monstruosas deformaciones, as como por la atmsfera onrica y delirante que se desprende de sus obras. En el caso de Ren Magritte (1898-1967), l opta por asociar elementos de lo ms dispar en sus pinturas, como si se tratase de la clebre terapia llevada a cabo por los psicoanalistas para sanar a sus enfermos. En las pinturas de Magritte hay un realismo mgico, en el que los objetos estan representados realsticamente, pero la relacin entre ellos es ambigua: alfileres de gancho y peines gigantes, manzanas flotantes, una lluvia de hombres trajeados y con paraguas, y elementos de lo ms dispares que recrean un mundo de ensueo. Entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imgenes y los objetos que stas denotan. En la perfidia de las imgenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisin, pone la leyenda esto no es una pipa, cuestionando la realidad pictrica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictrica, alejado de toda intencin naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusin espacial, que es el transfondo de la pintura misma. En este sentido, Magritte ser un pintor conceptual, que estudi y cuestion los signos y cdigos del lenguaje pictrico. Entre las variaciones sobre este tema, quiz la ms clara de todas sea los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a travs de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sita el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontacin naturalezailusin, a la cuarta dimensin. Salvador Dal (1904-1989) es otro de los surrealistas adherentes a la va onrica. Nacido en Figueras, Catalunya (Espaa) fue llamado Salvador como un hermano suyo que haba fallecido a los 4 aos de edad, nueve meses antes. Es decir, desde su nacimiento Salvador tuvo un estrecho contacto con la idea de muerte, usando el nombre y la ropa de su hermano difunto, y visitando su tumba, en cuya inscripcin estaba el nombre comn de los hermanos. Dal lleg a creer, por estos hechos y el discurso paterno, que l era una copia o una reencarnacin de su hermano muerto. A los 12 aos inicia sus estudios de pintura, y a los 16 sufre el golpe ms grande de su vida, cuando fallece su madre. Estudi en una academia de arte en Madrid, donde destacaba por su excentricidad, caracterstica que explot durante toda su vida. Luca una larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Dal fue expulsado de la Academia en 1926, poco antes de sus exmenes finales, por afirmar que no haba nadie en condiciones de evaluar sus trabajos. En este momento, sus pinturas

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Arte, culturas y estticas tenan una influencia cubista, pero luego tornaran hacia el surrealismo. En su tratamiento visual inspirado en el cnon renacentista, Dal se vera influenciado fuertemente por artistas de su devocin, como Vermeer, Velzquez y Rafael. De hecho, en un listado que Dal confeccion sobre a su criterio- los pintores ms talentosos de la historia, ubic a estos tres primeros, luego a s mismo, luego a Picasso, y como ltimo en la extensa lista al abstracto Piet Mondrian. Una de las caractersticas que aparecen en la obra de Dal en 1928 y se extiende por aproximadamente un perodo de 10 aos- es la doble-figuracin: elementos realistas que tienen una doble lectura visual. Una mano gigante, por ejemplo, puede ser una mano gigante o un conjunto de rocas en el desierto. Unas monjas pueden ser monjas de pie, pero si se las mira de otra manera pueden conformar un rostro gigante. Estas doble-figuraciones son muy comunes en su obra, y constituyen algo a ser descubierto por el lector visual. El gran aporte de Dal al surrealismo fue, sin duda alguna, la creacin del denominado mtodo paranoico-crtico, consistente en percibir enlaces entre objetos que racional o aparentemente no se hallan conectados. Dal describa el mtodo paranoico-crtico como un mtodo espontneo de conocimiento irracional basado en la objetividad crtica y sistemtica de las asociaciones e interpretaciones de fenmenos delirantes. As, la asociacin de imgenes son arbitrarias y responden a las fijaciones psicolgicas e inconscientes del autor. Mediante este mtodo, se trataba de recrear a travs de la obra aquellos procesos activos de la mente que suscitan imgenes de objetos que no existen en realidad, por ejemplo, al superponerse una imagen en primer plano con otra en un plano ms alejado. Aqu tambien entra en juego el mtodo de la doble-figuracin, y la ambigedad de las imgenes da lugar a diversas interpretaciones. En 1931 pinta el que quizs sea su ms clebre cuadro: la persistencia de la memoria, obra en la que segn algunas teoras ilustr su rechazo del tiempo como una entidad rgida o determinista. Esta idea se ve apoyada por otras imgenes de la obra, como el extenso paisaje, o algunos relojes blandos (metfora de la subjetividad espacio-tiempo), devorados por insectos. Algunas de estas imgenes constituyen verdaderas fijaciones en la obra de Dal, y se repetiran incansablemente. Los insectos, por ejemplo, formaran parte del imaginario daliniano como una entidad destructora natural, y tal como explic en sus memorias vena determinada por un recuerdo de infancia. Segn Dal, la idea de la pintura vino va automatismo, una noche que se qued solo en su casa comiendo queso, esperando a que Gala (su esposa y compaera de toda la vida) volviera del cine. La consistencia gomosa del queso en su boca y la observacin constante del reloj, en seal de espera a su mujer, le remitieron a la imagen mental de los relojes blandos y, por ende, a la idea de tiempo flexible, personalizado. Este es un claro ejemplo de cmo el automatismo se aplica como origen de las pinturas onricas. Dal comienza a tener repercusin internacional, expone en Nueva York y Europa. Aunque la mayor parte del surrealismo se haba adscrito a ideas polticas de izquierda, Dal mantena una posicin que se juzgaba ambigua en la cuestin de las relaciones entre arte y activismo poltico. Los lderes del movimiento, principalmente Andr Bretn, le acusaron de defender lo nuevo e irracional del fenmeno hitleriano, acusacin que Dal refut afirmando que no soy un hitleriano ni de hecho ni de intencin. Dal insista en que el surrealismo poda existir en un contexto apoltico, y se neg a denunciar pblicamente el rgimen fascista alemn. ste y otros factores le hicieron perder su prestigio entre sus camaradas artistas, y a finales de 1934 Dal fue sometido a un juicio surrealista del cual result su expulsin del movimiento. A esto, Dal respondi con su clebre rplica, yo soy el surrealismo. En 1939, Breton acu el anagrama despectivo Avida Dollars para criticar su pasin por el dinero. Esta sarcstica referencia al pujante negocio del arte daliniano tambin pretenda acusarle de delirio de poder, fama y dinero. Algunos de los surrealistas comenzaron incluso a hablar de Dal en pretrito perfecto, como si ya hubiera fallecido. Algunos grupos surrealistas, y miembros adscritos posteriormente, mantuvieron contra Dal una enconada polmica que lleg hasta el da de su muerte, y an ms adelante. Luego de la segunda posguerra, Dal se dedic no solamente a la pintura. Elabor esculturas, joyas, litografas y grabados diversos, todos con su tinte surrealista tpico. Tambien realiz ilustraciones para Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra, entre otros textos de literatura clsica. Trabaj en decorados para una pelcula de Alfred Hitchcock, y dise el logo de la empresa de chupetines

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Arte, culturas y estticas espaoles Chupa Chups. Si bien esta etapa de la obra de Dal es fructfera, fue muy criticada por sus colegas, por la evidente y nada disimulada tendencia a querer disolver la barrera entre arte y comercio, volcndose ms en el diseo y en artculos comerciales. En 1980 la salud de Dal se deterior seriamente. Con su mujer, Gala -que ya manifestaba sntomas de senilidad-, supuestamente consumi un cctel de frmacos que da seriamente su sistema nervioso, con la consecuencia de incapacitarle prcticamente para la creacin artstica. Con 76 aos, el estado de Dal era lamentable, y su mano sufra constantes temblores que evidenciaban el progreso de la Enfermedad de Parkinson. En 1982 el Rey Juan Carlos I concedi a Dal el ttulo de marqus de Pbol, que el artista agradeci con un dibujo, titulado cabeza de Europa, que a la postre result ser su ltimo dibujo, y que le entreg tras la visita real a su lecho de muerte. Gala muri el 10 de junio de 1982. Tras la muerte de Gala, Dal perdi su entusiasmo por vivir. Deliberadamente, se deshidrat seriamente -supuestamente como consecuencia de un intento de suicidio-, aunque justific su accin como un mtodo de entrar en un estado de animacin suspendida, del mismo modo en que algunas bacterias pueden hacer. Se mud de Figueras al castillo de Pbol, que haba comprado para Gala, y donde ella haba fallecido. En 1984, un incendio de causas desconocidas se declar en su dormitorio. De nuevo se sospech de un intento de suicidio, aunque quizs se debiese a negligencia del personal domstico. De todos modos, Dal fue rescatado y regres a su domicilio en Figueras, donde un grupo de artistas, mecenas y colegas artistas se encargaron de su bienestar hasta sus ltimos aos. El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito Tristn e Isolda, de Wagner- muri a causa de un paro cardiorrespiratorio en Figueras, con 84 aos, y cerrando el crculo fue enterrado en la cripta de Figueras, situada en su casa-museo. Un artista complicado de clasificar, en cuya obra no se puede distinguir de manera tan clara a cul de las dos vas corresponde, es Max Ernst (1891-1976). La aportacin personal de este artista de origen alemn, instalado en Pars, reside en haber aplicado el collage de un modo completamente distinto a como lo hicieran los cubistas. En sus collages, Ernst integra de tal manera los papeles que resultaba imposible distinguirlos del contexto pintado en que los ha situado. Por otra parte, Max Ernst invent el procedimiento tcnico del frottage, consistente en colocar bajo el soporte sobre el que haba de pintar elementos de texturas gruesas diferentes, con la finalidad de que al frotar sobre ellos quedase su trama visible en el soporte. Gracias a este tipo de tcnica, las obras de Ernst poseen unas calidades textuales de gran sutileza y muy difciles de superar. Los temas a tratar en el surrealismo de Ernst son muy variados, y presentan a la figura humana tratada de manera surreal, con paisajes y criaturas fantsticos. Jean Arp (1886-1966) es otro artista que no termina de definirse entre las dos vas surrealistas. Arp incorpor el azar en su obra, ya sea en pintura o esculturas, y as aparece el automatismo surrealista. Este artista tiene un especial gusto por las configuraciones biomrficas, sobre todo en escultura, donde sus personajes tienen mnimas referencias a organismos figurativos, y se presentan distorsionados y casi abstractos. Fue miembro fundador del dad suizo, y una ancdota cuenta cmo Arp evit ser reclutado para la Primera Guerra, cuando la embajada alemana en Suiza lo cit para que se aliste en el ejrcito. Al llegar, tom el papeleo que le dieron y, en el primer espacio, escribi la fecha. Despus puso la fecha en todo el resto de espacios en blanco, luego traz una lnea por debajo y cuidadosamente las sum. Entonces se quit toda la ropa y march con los papeles en la mano. Al interpretar que estaban tratando con un loco, le dijeron que se marchara a casa. A partir de los aos treinta y hasta su muerte, ademas de su produccin pictrica y escultrica, Arp escribi y public ensayos y poesa.

5.10.8. Funcionalismo
Obviamente, la Primera Guerra Mundial provoc una ralentizacin de la actividad de la construccin, que tanto haba florecido en la primera dcada del siglo: cuando se produce la recuperacin, los constructores se encontraron frente a una situacin social, econmica y tecnolgica que se haba modificado profundamente. La guerra haba acelerado en todas partes el desarrollo industrial, tanto en sentido cuantitativo como desde el punto de vista del progreso tecnolgico. Como reflejo de ello 62

Arte, culturas y estticas haba tenido lugar un posterior y gran crecimiento de las poblaciones urbanas. La clase obrera haba crecido considerablemente, y la burguesa profesional se transform en una clase de tcnicos dirigentes. Debido a estos cambios demogrficos y tecnolgicos, la estructura de las ciudades ya no era capaz de responder a las exigencias sociales. Existen ahora aspectos sociales, polticos y tecnolgicos que inciden sobre la ciudad, pero sobre todo un aspecto funcional en la urbe: la ciudad es un organismo productivo, un complejo en el que debe desarrollarse una fuerza de trabajo determinada y de la que, por tanto, ha de desaparecer todo lo que dificulta o retrasa su funcionamiento. La arquitectura moderna se desarroll en todo el mundo sobre la base de algunos principios generales: 1) la prioridad de la planificacin urbanstica sobre la proyeccin arquitectnica; 2) la mxima economa en el uso del suelo y en la construccin, a fin de poder resolver, aunque solo fuera a nivel de un mnimo existencial, el problema de la vivienda; 3) la racionalidad rigurosa de las formas arquitectnicas, entendidas como las deducciones lgicas (efecto) de exigencias objetivas (causas); 4) el sistemtico recurso a la tecnologa industrial a la estandarizacin, a la prefabricacin en serie, es decir, la progresiva industrializacin de la produccin de bienes relativos a la vida cotidiana (diseo industrial, que explotara la Bauhaus); y 5) la concepcin de la arquitectura y de la produccin industrial cualificada como factores condicionantes del progreso social y de la educacin democrtica de la comunidad. Dentro de los principios funcionalistas bsicos descriptos en el prrafo anterior- aparecen distintos planteamientos problemticos y distintas direcciones algunos ms vanguardistas que otros- como consecuencia de las diversas situaciones objetivas, sociales y culturales. El funcionalismo, como la modernidad, no se entiende como una vanguardia, porque no se conform por un grupo fsico de artistas agrupados por un manifiesto o intencin parcial. El funcionalismo es mucho ms amplio que un grupo, y constituye una forma de pensar y construir la poca. Podemos considerar dentro del funcionalismo diferentes tendencias: 1) el racionalismo ideolgico del constructivismo ruso; 2) el racionalismo formalista del neoplasticismo holandes; 3) un racionalismo orgnico americano, con Frank Lloyd Wright como mximo exponente; 4) un racionalismo formal, que tiene su centro en Francia y a cuya cabeza est Le Corbusier; y 5) un racionalismo metodolgicodidctico, que tiene su centro en Alemania, y en la escuela de la Bauhaus. Las dos primeras tendencias las mencionamos cuando desarrollamos la abstraccin en el arte, y ahora desarrollaremos a Wright y Le Corbusier como principales exponentes del funcionalismo. La Bauhaus merece mencin aparte.

5.10.8.1. Frank Lloyd Wright (1869-1959)


La arquitectura organicista es una tendencia derivada del funcionalismo, de la cual Wright es su mximo exponente. En sus arquitecturas, el norteamericano Wright trata de alejarse del cnon arquitectnico europeo, en busca de algo distinto. Para Wright, la arquitectura es pura creacin, que como tal no desciende de la historia, sino que subvierte su orden, la contradice, es la antihistoria. Segn l, la historia artstica norteamericana, por no poseer el bagaje cultural europeo sobre sus espaldas, de alguna manera puede hacer un arte plenamente creativo. Wright advierte el peligro que entraa un racionalismo fro por conllevar una carencia de sensibilidad. Como alternativa propone una arquitectura funcional, pero de carcter orgnico. Este tipo de arquitectura se caracteriza por intentar plasmar, a traves de los elementos constructivos, la psicologa de las personas destinadas a habitar en ella. En este sentido, Wright considera que la casa no ha de ser un espacio dado y subdividido rgidamente, que condicione la existencia; ha de servir, en cambio, para el contacto con la realidad en el que cada una de las personas se realiza a s misma. Otra de las caractersticas fundamentales que ofrece la obra de Wright es la integracin de la arquitectura en el paisaje en que se proyecta y construye. Por ejemplo, en su casa Kaufmann, tambien conocida como casa de la cascada, por medio de la articulacin de volmenes y del empleo de hormign armado consigue distintos niveles en las techumbres, y logra una estructura sumamente peculiar que tiende a evocar la cascada que se encuentra situada debajo de la casa. As, en la obra de Wright naturaleza y arquitectura conviven armnicamente.

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5.10.8.2. Le Corbusier (1887-1965)


Charles douard Jeanneret-Gris, ms conocido como Le Corbusier, es uno de los arquitectos y tericos ms importantes del funcionalismo, ademas de escritor, pintor, diseador y propagandista, entre otras cosas. El funcionalismo surge de la creencia, en primer lugar, de que cualquier forma arquitectnica debe reflejar la funcin para la cual se ha pensado. De este modo, los elementos propiamente constructivos como, por ejemplo, las vigas o pilares, deben ser visibles, tanto desde el exterior como desde el interior. En segundo lugar, el funcionalismo, como movimiento racionalista que es, se halla plenamente vinculado al progreso industrial y presenta las formas tcnicas emparentadas con las de las mquinas. Le Corbusier planteaba sus viviendas como mquinas para vivir el hombre. Por otra parte, es indudable que los arquitectos funcionalistas se opusieron a la excesiva ornamentacin del modernismo, que ademas apuntaba a un gusto esttico de elite, proponiendo con el funcionalismo una nueva esttica basada en el purismo racionalista y que sirva ms. En este marco, la tarea de Le Corbusier se distingue por haber reducido las formas arquitectnicas a las ms puras y esenciales, como son el cuadrado en superficie y el cubo y el cilindro a nivel volumtrico. Los interiores de sus viviendas, pensados racionalmente, se hallan de acuerdo con la funcin que han de cumplir. As, la superficie habitable se reparte segn las nuevas ideas funcionales de modo que la sala de estar recibe altura doble, todas las estancias deben comunicar con una nica zona de paso; la casa es susceptible de ampliarse, gracias a la comunicacin entre los espacios internos y los externos a travs de paredes acristaladas corredizas. Observando una de sus obras ms conocidas, la vivienda unifamiliar Villa Savoie, situada cerca de Pars, se aprecia cmo se cumplen todos los planteamientos citados. Le Corbusier tambien incorpor el color en sus arquitecturas, para generar contrastes vigorosos con la superficie gris del hormign, y en sus diseos se tiene en cuenta a la iluminacin natural y el ambiente en que se har la construccin. Por su inagotable cantidad de ideas e innovacin, Le Corbusier es el Picasso de la arquitectura. De hecho, en su poca de pintor adhiri al cubismo y al purismo, movimientos de los cuales extrajo la concepcin del espacio continuo, plstico, practicable, dotado de varias direcciones y dimensiones, y que Le Corbusier aplic en su arquitectura. Para l, el deber del urbanista-arquitecto es el de facilitar a la sociedad una condicin natural y, al mismo tiempo, racional de existencia, pero sin detener el desarrollo tecnolgico, pues el destino natural de la sociedad es el progreso (principio netamente basado en la modernidad). Le Corbusier encontrar una frmula pitagrica, el modulor, que declara al hombre como medida de todas las cosas, y hallar la manera de integrar la naturaleza y la arquitectura en la ciudad. Sus casas y edificios descansarn sobre pilares, de forma que debajo de ellos se pueda circular sin que el movimiento de la ciudad sea interrumpido por los bloques compactos de las construcciones. Para el crtico Giulio Carlo Argan, en Le Corbusier todo se resuelve en la claridad de la forma, y sta resuelve todo, dado que la forma justa es, a un tiempo, la forma de la realidad y de la conciencia, la de la naturaleza y la de la historia (...). Tena siempre la solucin adecuada para cada problema, y era siempre la ms sencilla, porque aunque el prejuicio es complicado, el racionalismo no lo es.

5.10.9. Escuela de la Bauhaus


Un ao despues de concluir la guerra, en 1919, aunque la situacin de inflacin en Alemania era absoluta y el clima en el que se viva era de caos y miseria, se fund una de las escuelas ms importantes de todo el siglo XX, la Bauhaus. Se debe al arquitecto Walter Gropius (1883-1969) la idea de unificar la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Arquitectura, para dar lugar a lo que sera la Bauhaus. El nombre Bauhaus deriva de la unin de las palabras en alemn Bau, de la construccin, y Haus, casa; irnicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros aos de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseanzas artsticas como base para una consiguiente transformacin de la sociedad de la poca, de acuerdo con la ideologa

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Arte, culturas y estticas socialista de su fundador. La Bauhaus sent las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseo industrial y grfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existan tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableci una nueva esttica que abarcara todos los mbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la pgina que est leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el ao 1996. Podemos afirmar que la Bauhaus es una de las vanguardias histricas ms importantes. Giulio Carlo Argan analiza a la Bauhaus: La Bauhaus fue una escuela democrtica en el pleno sentido de la palabra: se basaba en el principio de la colaboracin, de la bsqueda comn entre maestros y alumnos, muchos de los cuales pronto se convirtieron en docentes. Ademas de ser una escuela democrtica, era una escuela de democracia: el concepto en el que se basaba era que una sociedad democrtica (es decir, funcional y no jerrquica) es una sociedad que se autodetermina; es decir, que se forma y desarrolla a partir de s misma, que organiza y orienta su propio progreso. El progreso es educacin y el instrumento de la educacin de la escuela; por tanto, la escuela es la semilla de la sociedad democrtica. Bauhaus, como ya se dijo, significa casa de la construccin: una escuela democrtica es escuela de construccin porque la forma de la sociedad es la ciudad y, construyendo la ciudad, la sociedad se construye a s misma. En consecuencia, en el vrtice de todo ello est el urbanismo, porque toda accin educativa educa para hacer la ciudad y para vivir como ciudadanos; es decir, civilmente. Vivir civilmente significa vivir racionalmente, planteando y resolviendo en trminos dialcticos todas las cuestiones. La racionalidad ha de enmarcar los actos grandes y pequeos de la vida: ha de ser racional la ciudad en la que se vive, la casa que se habita, el mueble y el utensilio que se utiliza, el vestido que se lleva. En el funcionalismo racionalista, y por ende en la Bauhaus, el plano regulador de una gran ciudad es tan diseo industrial como lo es el proyecto de de una cuchara. A nivel urbano, se buscar mediante el diseo de ciudades la distribucin y coordinacin de todas las funciones sociales: vivienda, trabajo, educacin, asistencia, tiempo libre; pero tambien la eliminacin de todo aquello que impide la circularidad y la continuidad de las funciones. Es el dinamismo de la funcin lo que determina no solo la forma, sino tambien la tipologa de los edificios. Aunque solo sea intuicin, la concepcin de la ciudad como sistema de comunicacin, que hoy es la base de cualquier estudio urbanstico serio, est ya presente en la teora y en la didctica de la Bauhaus. El trazado de la ciudad, las formas de los edificios, de los vehculos, de los muebles, de los objetos, de la ropa, de la publicidad, las marcas de fbrica, el envoltorio de las mercancas, todas las manifestaciones grficas, los espectculos teatrales y cinematogrficos, deportivos: todo ello es comunicacin. Y todo lo que entra en el inmenso mbito de la comunicacin visual es en la Bauhaus objeto de anlisis y de proyeccin. Muchos tipos de objetos para la produccin industrial en serie que ms tarde se difundieron y an hoy siguen hacindolo nacieron de las investigaciones analticas de la Bauhaus. Por ejemplo, los muebles de tubo metlico, los difusores de luz, la nueva estructura del grafismo publicitario. La Bauhaus precisa y teoriza el principio de la forma estndar desde el punto de vista sociolgico, pues implica un acuerdo visual entre los consumidores en torno a la forma ms apropiada y, por tanto, estandarizada de ciertos objetos. Para ello, la Bauhaus utiliza principalmente a la forma geometrizada en sus diseos, pero no como un canon, sino como una forma pre-estandarizada puesta en funcin de la comunicacin social. En el caso de los muebles, antes de la Bauhaus eran un problema esttico-casi arquitectnico, por su complejidad decorativa, tamao e incluso costo de realizacin. En casas reducidas al mnimo existencial, los muebles no podan ser demasiado grandes o caros: en Bauhaus disearon los muebles de tubo metlico, que eran y son- ligeros, casi inmateriales, econmicos y aptos para ser producidos en serie. Este tipo de mueble es un triunfo del diseo industrial. El diseo racionalista-purista de la Bauhaus se bas en la sntesis visual y funcional, puesta al servicio de la sociedad. La primera etapa de la Bauhaus fue en la ciudad alemana de Weimar, entre 1919 y 1924. Este primer momento se puede sintetizar como una fase de experimentacin de formas, productos y diseos y, por lo tanto, tambin de educadores del diseo. En el momento de su fundacin los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius su primer director- en un manifiesto, fueron: la recuperacin de

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Arte, culturas y estticas los mtodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la produccin industrial, se convertiran en objetos de consumo accesibles para el gran pblico, ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la escuela, para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba. Uno de los planteamientos ms revolucionarios de la Bauhaus fue la programacin de los cursos que dictaba, es decir, cmo se imparta conocimientos a los alumnos. En esta primera fase se implant en la escuela el llamado vorkurs o curso preliminar. Como su nombre lo indica, el curso preliminar, antepuesto a los estudios propiamente dichos, tena por misin liberar de convenciones al futuro miembro de la institucin, despertar sus dotes personales y orientarle espirutualmente para su posterior formacin. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tanto salan de la escuela bien formados, sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o disear muebles. La escuela dispona de talleres de ebanistera, diseo, teatro, cermica, tejido, encuadernacin, metalurgia, vidriera, pero no de pintura y escultura en el sentido tradicional. En 1920 se suma como profesor de la escuela Paul Klee, quien impartira clases de tejido y de composicin, y en 1922 ingresa Wassily Kandinsky, profesor de pintura mural y diseo bsico. La Bauhaus de Weimar cierra en 1924 por desajustes econmicos. Se despidi a los profesores y se clausur. La segunda etapa de la Bauhaus se dara entre 1925 y 1932, en la ciudad de Dessau. En esta ciudad, ms tecnificada que Weimar y que tan solo se hallaba a dos horas en tren de Berln, la Bauhaus desarroll plenamente su ambicioso programa de estudios. Gropius fue director hasta 1928, ao en que renunci por las dursimas crticas a su labor, que provenan de los sectores ms conservadores del pas. Su sucesor fue otro arquitecto, Hannes Meyer (1889-1954), que desempe el cargo hasta 1930 y logr elevar de tal modo la produccin de los talleres que la Bauhaus comenz a ser conocida mundialmente. En esta etapa, la Bauhaus se ve influda por la ideologa y esttica del neoplasticismo holandes y del constructivismo ruso, movimientos que se basan en la idea de un arte comn para todos, y con gran sntesis visual: blanco y negro, colores primarios y geometrizacin dada, en su mayoria, por verticales y horizontales. En 1930 Meyer deja la direccin de la Bauhaus y el puesto es ocupado por Mies van der Rohe (1886-1969). l fue quien dijo que la Bauhaus fue una idea, y que precisamente por ese motivo se propag por todo el mundo. Fue el director hasta 1933. La tercera etapa se dara en los aos 1932 y 1933, cuando la sede de la Bauhaus mud a Berln. Esta ltima etapa est dada por una persecucin ideolgica por parte de la Alemania nacional-socialista. El espritu libre y democrtico que emanaba la Bauhaus era una amenaza poltica, y los nazis terminaron cerrando la escuela por considerarla nido de bolchevismo. Luego de la clausura y por causa de la guerra, muchos de los artistas y profesores de la escuela emigraron a Estados Unidos, donde continuaron expandiendo sus conocimientos y la semilla de la Bauhaus en diversas universidades. Es tan grande la deuda que tienen los diseadores de todo el mundo para con la Bauhaus que esto slo puede entenderse como resultado directo de la confluencia de todos los rasgos estilsticos esenciales de las primeras vanguardias para crear un estilo que, aun dentro del racionalismo funcionalista, posee un sello propio.

5.11. Pablo Picasso (1881-1973)


Cuando hablamos de Pablo Ruiz Picasso nos referimos a uno de los ms grandes artistas de la historia, ademas de ser un referente directo y abarcativo de lo que fue el arte del siglo XX. Picasso naci en Mlaga, y creci en una respetada familia burguesa con un refinado gusto artstico. Su padre, Jos Ruiz Blasco, trabajaba como restaurador de obras de arte en el Museo de Mlaga e imparta clases de dibujo en la Escuela Provincial de Bellas Artes. Uno de los temas favoritos de las pinturas y dibujos del padre de Picasso eran las palomas, quienes estuvieron siempre presentes en la obra de Pablo. Fue su padre quien le ense los rudimentos bsicos del dibujo y la pintura. Cabe destacar que Pablo era

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Arte, culturas y estticas un artista nato, extraordinariamente observador y agraciado con un don para las artes plsticas. Con tan solo 10 aos aprob el examen de ingreso de la Escuela de Bellas Artes de La Corua, donde su padre imparta clases. Ya cuando tena 14 aos, la familia se muda a Barcelona, pero su padre, al estar lejos de su hogar y ver los extraordinarios dotes de su hijo, decide abandonar la pintura. A los 16 aos prosigui sus estudios en Madrid, con el apoyo econmico de su familia, pero las clases acadmicas le aburriran tanto que terminara vagando por las calles y plazas de la capital para observar a la gente, como asi tambien para visitar el Museo del Prado y estudiar sus obras.

1. Primeras obras
No se conocen dibujos infantiles de Picasso, ya que sus primeras obras seran sorprendentemente maduros. Sus trabajos a los 15 aos tienen una calidad extraordinaria, superando, en muchos casos, a sus propios maestros de la Academia. Pintaba trabajos realistas, de grandes dimensiones, de contenido religioso y moral, acordes al gusto dominante. A los 16 aos ya haba aprendido todo lo que las academias podan ofrecerle. De este perodo se destacan las obras ciencia y caridad (1987) y la primera comunin (1896), entre otras, en las que utilizaba como modelo de las obras a su padre y allegados.

2. Perodo en Barcelona y Pars


En 1898, y luego de estar en reposo tras una larga enfermedad, Picasso se translada a Barcelona. All, empieza a frecuentar el caf los 4 gatos, donde toma contacto con un grupo de jvenes artistas e intelectuales del vanguardismo espaol. A finales del siglo XIX y principios del XX Pars era el centro europeo del vanguardismo. Los artistas y escritores se reunan en los cafs y estudios parisinos, para intercambiar ideas y pensamientos. All conoce al pintor Carlos Casagemas, con quien marcha hacia Pars. Picasso se sinti fascinado con el frenes de las calles y la vida nocturna de los cabarets. Reflej los motivos de la gran ciudad en cuadros esbozados rpidamente, como hacan los impresionistas, en particular Toulosse-Lautrec. Por este motivo, muchos de los cuadros pintados por Picasso en esta poca son escenas callejeras y de caf, corridas de toros, retratos y bocetos de sus amigos. Las figuras ondulantes y coloristas de sus pinturas se hallan envueltas por un contorno negro, confiriendole al dibujo un carcter muy estilizado.

3. poca Azul (1901-1904)


En 1901 Carlos Casagemas, el amigo y compaero de Picasso, se suicida por causa de un desengao amoroso, sumiendo a Pablo en una profunda melancola. Para l, los locales de ocio parisinos haban perdido su encanto, y las ansias de descubrimiento de los primeros tiempos haban dado paso a una fase de introspeccin. Esto lo llev tambien a reparar en el lado oscuro de la ciudad: los borrachos y marginados, la miseria, la pobreza y la soledad. Por este motivo, sus obras se tien de tonos azules. Picasso transforma los motivos de la realidad social en reflexiones sobre la vida que, al mismo tiempo, reflejan su situacin personal. Su situacin econmica era crtica, ya que sus cuadros apenas se vendan. A veces ni siquiera poda comprar alimentos de primera necesidad, o materiales para pintar. Comparti vivienda con amigos para evitar pagar alquileres, y hasta 1904 no tuvo tener estudio propio en la capital francesa. Las obras de este perodo se caracterizan por una opresiva atmsfera de desesperanza. Aparecen figuras inmviles, aisladas y solitarias. Cabe destacar que este ambiente de soledad y desesperacin, sumada a la estilizacin de los personajes, le dan a esta etapa una cierta caracterstica expresionista, siendo as un antecedente a este movimiento aleman. Los omnipresentes tonos azules confieren a los cuadros un carcter irreal, ms all del tiempo y el espacio. Aparecen personajes recurrentes como la mujer solitaria, la madre, los amantes fundidos en un abrazo, el ciego, y hasta el mismo Casagemas. A diferencia de su etapa parisina, en la que los cuadros eran de factura rpida, Picasso desarrollaba ciudadosamente las obras de la poca azul, haciendo muchos dibujos preparatorios y variaciones, o bien retocando obras ya terminadas. Cabe destacar que, a pesar del predominio de los tonos azules, las pinturas azules de Picasso no resultan montonas. El azul a veces brilla con matices turquesa verdosos y fros, y otras veces se orienta a los azules ms clidos, acercndose a los violetas. Tambien utiliza amarillos y blancos verdosos. Es correcto decir que esta etapa llamada azul tiene ese nombre porque la mayora de sus obras poseen un predominio de ese color, pero tambien por su connotacin: la de esa dolorosa melancola dada por los temas que Picasso exhibe en estas obras. 67

Arte, culturas y estticas Los crticos de la poca elogiaron el expresivo simbolismo de la etapa azul, pero censuraron su profunda tristeza. Algunas de sus obras ms representativas de este perodo son gran autorretrato azul (19011902), el viejo guitarrista (1903) y la vida (1903), en la que el fallecido Casagemas es el protagonista. Hoy en da, esta etapa es la ms enigmtica del pintor, y las obras de este perodo son las que ms se cotizan.

4. Etapa rosa (1905-1906)


En 1904 Picasso conoce a Fernande Olivier, quien se transformara en su amante y compaera. El pintor consigue instalarse en un estudio en la ladera de la montaa de Montmartr, donde haba otras 10 viviendas improvisadas, sin agua corriente. En verano haca un calor asfixiante, y en invierno un fro insoportable. En ese mismo lugar, vivan tambien Amedeo Modigliani, Georges Braque y Juan Gris (estos dos ltimos formaran con Picasso, posteriormente, el movimiento cubista). Picasso y sus colegas asistan varias veces a la semana a las representaciones del circo de Montmartr, donde el ingenio y la gracia de los arlequines y acrbatas entusiasmaban a los artistas. Estos trotamundos pasaron a ser los protagonistas de los cuadros de Picasso, reemplazando a los sufridos personajes de su anterior etapa. Picasso se encarg de mostrar la vida de la gente del circo pero no sobre el escenario, sino entre bastidores, en sus pensamientos, en momentos de tranquilidad o en situaciones indefinidas. La soledad de la etapa azul se esfuma, y los personajes de la etapa rosa se hallan, generalmente, en familia o en grupo, pasando por hombres mayores, gordos, jovenes, mujeres y nios. Una nueva belleza, tierna y delicada, caracteriza a los cuadros de la poca rosa. La paleta utilizada tiene tintes rosados, pero no es tan predominante como era el azul en su anterior etapa. En la etapa rosa, aparecen matices delicados, como rosados, ocres terrosos, verdes y naranjas tenues, amarillos arenosos, es decir, tonos claros, casi transparentes. Los contornos de las figuras suelen ser de color oscuro, dndole formas precisas y sutiles. Esta etapa constituye una calma en la vida personal del artista, que se ve reflejada en su obra y su forma de apreciar el mundo que lo rodeaba. Se destacan las obras familia de saltimbanquis (1905) y la familia del acrbata con un mono (1905), entre otros.

5. Cubismo (1907-1915)
Como bien se ha hablado del cubismo, es Picasso quien rompe con la estructura renacentista, anulando la perspectiva y dndole jerarqua al plano bidimensional del cuadro. As, se acenta la geometra y los elementos propios de la pintura. Picasso estudi las obras de Paul Cezanne, quien reflexion sobre la forma de los objetos representados, as como su reduccin y alteracin. Cezanne formul que cada paisaje u objeto de la realidad puede ser representado mediante el cono, el cilindro, el cubo y la esfera. Esta forma de observar la realidad influira decisivamente en Picasso, quien luego de un exhaustivo estudio de alrededor de 800 dibujos, realiza las seoritas de Avignon (1907), obra que propone una nueva forma de representacin del espacio, separandose del cnon renacentista establecido 500 aos atrs. Como ya se ha visto, con el cubismo sinttico surge el collage como elemento que integra a un trozo de realidad dentro de la obra de arte. Las obras de Picasso abarcaran retratos cubistasanalticos, y naturalezas muertas cubistas-sintticas, en las que integraba recortes de diarios, rejillas, telas y otros elementos de collage. Tambien se destac en la escultura cubista, descomponiendo guitarras en diversas partes geometrizadas, pero sin perder la referencia al objeto al que alude, realizando la tcnica llamada assemblage (ensamblaje), que era el equivalente tridimensional del collage. De esta poca se destacan, ademas de seoritas, las obras retrato de Ambroise Vollard (1910) y el violn (1912), la escultura guitarra y botella (1913), entre otras.

6. Clasicismo (1916-1925)
Oponiendose al perodo cubista, en 1916 Picasso centr su interes en modelos extrados de la historia del arte, en particular del arte clsico. Picasso se relacionara, en esta etapa, con el teatro, puesto que dise la puesta en escena completa del espectculo parade, del poeta Jean Cocteau y el compositor Eric Satie. El pintor malagueo emple el desmembramiento cubista en el vestuario de los personajes, de manera que los bailarines llevaban complicadas construcciones casi escultricas. Para el teln de boca de la obra, en cambio, recurri al estilo y el lenguaje formal de los cuadros de la poca rosa, creando una escena con una esmerada composicin espacial en tonos suaves y matizados que aludan al mundo del circo. Estando en Italia de viaje con el grupo teatral, conoce a la bailarina rusa Olga Koklova, con quien 68

Arte, culturas y estticas contrae matrimonio en 1917, poniendo fin a su vida bohemia y acomodndose en la alta sociedad. En esta poca, Picasso empleara por primera vez a la fotografa en su obra. El artista trabajaba a partir de fotografas en blanco y negro, reduciendo a contornos sencillos a los objetos fotografiados. As, la atencin se centraba en lo esencial, es decir, en el objeto pictrico, y as podan notarse las deformaciones naturales propias de la fotografa de la poca. Esto se refiere a que, debido a las lentes y a los ngulos de toma utilizados en esta poca, las imgenes siempre presentaban cierta deformacin o estilizacin. Picasso, en sus dibujos realizados a base de fotografas, correga estas deformaciones y, de este modo, indirectamente cuestion la objetividad de las imgenes fotogrficas y, tambien as, les atribuy el rango de forma artstica autnoma. Con respecto a la pintura de este perodo, las formas son de una singular delicadeza y belleza, aunque fras e impersonales: las figuras miran fijo al espectador, pero carentes de emociones. Hasta aqu, la representacin visual era realista, y no presentaba distorsiones. Muchas de estas obras, incluso, han quedado sin terminar o con el fondo sin pintar. Tambien en 1917, al estar en Italia, particularmente en Roma, Picasso tom contacto con la Antigedad Clsica y su arte, cuyos temas aparecieron en su obra. As, aparecen desnudos con tnicas al estilo romano, o al estilo de Miguel ngel. Picasso estaba interesado en el carcter macizo de las esculturas de la Antigedad y el Renacimiento, en los pliegues de la ropa y los contornos marcados. Sin embargo, a diferencia de sus modelos clsicos, el pintor rompi con el ideal representativo tpico: sus figuras no poseen unos cuerpos vigorosos y hermosos, sino que stos son macizos y a menudo estan dotados de unas extremidades desmesuradas. Es decir: el tema de sus obras es clsico, pero su representacin visual no lo es. Exagerando determinadas partes del cuerpo de los personajes (agrandando piernas, estirando brazos o achicando cabezas, por ejemplo) lograba determinados efectos visuales: movimiento, ritmos, direcciones, puntos de interes. Esta experimentacin con las formas y las proporciones llev al pintor a un nuevo anlisis de los recursos expresivos del arte. Picasso pas de la representacin basada en las formas y los modelos clsicos a la deformacin surrealista y, por consiguiente, a una nueva etapa en su obra. Del perodo clsico de Picasso se destacan, entre otras obras, teln de boca para Parade (1917), retrato de Olga en un silln (1917), los amantes (1923) y la carrera (1922).

7. Surrealismo (1925-1934)
Picasso llev cada vez ms lejos la separacin de la forma y el contenido. Sus figuras se empezaron a alejar de los modelos naturales, como en el caso de sus baistas o acrbatas, donde solo algunos puntos o lineas de contorno aluden a determinadas partes del cuerpo, como los ojos, las manos o los pies, y el resto son masas de volmenes casi indefinidos. En este sentido, experiment muchsimo con esculturas de alambre, chapa o bronce, y esa experimentacin de los volmenes puede verse en sus pinturas y dibujos. Las personas se reducen a piezas esfricas y en forma de masas que, debido a su falta de cohesin, apenas pueden ser identificados como seres humanos. Estas figuras, muy alejadas de la realidad y que por su forma dan cabida a la imaginacin y la asociacin, estan en consonancia con el recien nacido surrealismo, pero solo en algunos puntos de contacto. Picasso se relacion con este grupo durante cierto tiempo, pero luego surgi la ms marcada diferencia con los surrealistas: mientras stos ltimos queran despertar el mundo interno y el inconsciente del espectador, Picasso se orient hacia un anlisis de la realidad basado en la inteligencia y, por ende, la conciencia. As, lo surreal de la pintura de Picasso est dado solamente por el tratamiento de las formas, que son incoherentes entre s y no guardan relacin entre ellas, aunque representan aspectos figurativos. En el aspecto personal, su matrimonio con Olga no iba bien, y eso se nota en las pinturas que haca de su mujer: sta apareca monstruosamente deformada, en expresiones de dolor y sufrimiento, casi como un despojo humano. En 1927, con 45 aos de edad, Picasso conoce a Marie Therese Walter, una joven de 17 aos que lo cautiv al verla en la calle. Marie Therese se convirti en la amante secreta de Picasso, y fue quien inspir los retratos (pinturas, dibujos, esculturas y grabados) ms sensuales y serenos de toda su carrera. Ms all de las descomposiciones cubistas y surrealistas de las obras de este perodo, los retratos de Marie Therese siempre mantienen una armona peculiar. A pesar de tener una relacin con ella, Picasso no se separara de Olga hasta 1935, cuando el artista tiene una hija con Marie Therese. De este

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Arte, culturas y estticas perodo se destacan las obras mujer en silln rojo (1932), figuras junto al mar (1931), muchacha ante el espejo (1932) y el silln rojo (1931).

8. El estilo Picasso - perodo de Guerra (1937-1946)


Ya a mediados de la dcada del 30, Picasso trat el tema de la tauromaquia, como una muestra de opresin y violencia, tanto desde el punto de vista poltico como personal. El minotauro, para Picasso, personificaba a las indmitas fuerzas de la naturaleza, que mezclan la vitalidad positiva y el carcter amenazador. Podra decirse incluso que Picasso se senta identificado con l. Sin embargo, y dado el marco histrico de estas obras (entre 1939 y 1945 se desarrollara la 2da G. M.), son un testimonio de la violencia y el terror que se estaba gestando, o ya estaba aconteciendo. Cuando los alemanes ocupan Francia, varios de los artistas amigos de Picasso tuvieron que huir, por lo cual el pintor malagueo se aisl, se qued solo. En esta soledad, desarrolla el estilo Picasso, fundado en dos principios de representacin que pueden definirse con los conceptos figuracin y disociacin. Mientras que en la pintura figurativa prevalecen las leyes de la perspectiva y el modelo natural, la representacin disociativa se aleja de la visin desde un nico punto de referencia: las vistas frontal y posterior se muestran simultaneamente en el cuadro, los objetos y las distintas partes del cuerpo aparecen dispersas (disociadas) y no existen lneas de contorno que muestren la silueta natural de las figuras. Ambos recursos compositivos ya estan presentes en sus obras anteriores: el figurativo, en la pintura realizada antes de 1907 y durante el perodo clasicista; y el disociativo, principalmente en los cuadros cubistas. Sin embargo, la figuracin y la disociacin forman ahora una sntesis en la obra del pintor y caracterizan el estilo Picasso: los nuevos cuadros muestran a criaturas caprichosas y divididas en lneas, que suelen estructurarse desde varios puntos de vista y, aun as, siguen guardando afinidad con su apariencia natural gracias a sus contornos. La modelo de estas obras, y tambien amante de Picasso, sera la fotgrafa yugoslava Dora Maar. De este perodo hay muchos retratos, pero la obra ms representativa de la etapa y la ms importante de la carrera de Picasso, junto con seoritas de Avignon- es Guernica (1937). En esta pintura de 3,50 m x 7,76 m, el artista representa los bombardeos que las fuerzas areas alemanas efectuaron sobre la histrica ciudad de Guernica, en Viscaya, Espaa, el da 26 de abril de 1937. El ataque destruy completamente a la ciudad en unas pocas horas, y lo afect profundamente a Picasso. Casualmente, el gobierno republicano espaol le haba encargado la realizacin de un cuadro para la Exposicin Universal de Pars, que deba celebrarse en el mes de julio de 1937. La noticia del bombardeo inspir a Picasso para la realizacin de esta obra, que realiz entre el 1 de mayo y el 4 de junio. Respecto a la obra, Guernica carece de color: solo tonos de grises, blanco y negro, acentuando la atmsfera de dolor, miedo y sufrimiento, y dejando la duda si la escena transcurre durante el da o la noche, en un espacio cerrado o abierto. Las figuras del cuadro se desploman y gritan con movimientos dramticos y gestos intensos. Todos son vctimas, tanto hombres como animales: en el margen izquierdo se puede ver a una madre con su hijo muerto en brazos, y sobre ella un toro que grita; adelante est la figura destrozada de un soldado muerto, de cuya espada rota nace una flor, y sobre l un caballo encabritado. En el sector derecho de la obra, una mujer se inclina pidiendo auxilio; sobre ella hay un personaje que se asoma por una ventana con una vela en su mano; y en el extremo, una figura desesperada con los brazos extendidos hacia arriba, que pone fin al cuadro. En el centro de la obra, arriba, hay una especie de ojo, o lmpara en forma de ojo, que encierra una bombilla, que podra interpretarse como un ojo divino o una metfora de las destructivas bombas. En esta obra, Picasso profundiz en los recursos estilsticos que haba empezado a desarrollar, haciendo uso de la diversidad de formas cubistas, de las exageraciones de tamao surrealistas y de una perspectiva simultnea de las figuras. Con esta pintura, Picasso consigue una imagen atemporal del horror y la violencia contra los hombres y los animales: no es una escena de guerra, sino del dolor que sta provoca, en cualquier cultura, tiempo o lugar. Al llegar Franco al poder en su Espaa natal, Picasso, que resida en Pars, perdi contacto con todos sus amigos all. Se fue recluyendo en su estudio y pint retratos femeninos, naturalezas muertas y animales, y aunque ninguna de estas obras tiene a la guerra como tema principal, se ve en ellas vestigios del dolor que el conflicto blico le produca, directa e indirectamente: animales que se devoran unos a otros, naturalezas muertas construdas con alimentos y objetos de primera necesidad, atestiguan la soledad

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Arte, culturas y estticas que rodeaba al artista. En este sentido, estas obras y algunas obras del perodo de posguerra, tienen un tinte expresionista, por su distorsin de las figuras, pero principalmente por sus temas y el horror en que los representa. Picasso reparta reproducciones fotogrficas del Guernica cada vez que un aleman visitaba su estudio. En una ocasin, un oficial aleman le pregunt si lo haba hecho l, Picasso, y el artista le respondi con sequedad: yo no, usted.

9. La posguerra (1946-1954)
La fama de Picasso creci notablemente en esta poca a pesar de las limitaciones impuestas por la guerra y la ocupacin. En Estados Unidos fue proclamado el artista ms relevante del siglo XX, y despues de la liberacin se convierti en un personaje pblico en Francia. En un intento por involucrarse y comprometerse polticamente, en 1944 ingres en el Partido Comunista. En esta etapa pint la obra masacre en Corea (1951), en la que denuncia la invasin norteamericana en dicho pas. En la obra se ven una especie de hombres-robot armados apuntando con sus armas a mujeres embarazadas y nios. Tambien pinta en una capilla de Vallauris dos enormes murales, con el tema de la Guerra y la Paz. Pese a ingresar en el P.C., solo estara en l poco tiempo: el espritu libre e inquieto del artista, que exiga una total autonoma para su arte, no estaba dispuesto a acatar las exigencias del partido, mientras que ste vea a Picasso como un posible emblema de sus principios, aunque nunca lleg a aceptar su singular lenguaje visual. Las diferencias fueron inevitables y al tiempo se distanciaron mutuamente. En 1948 se aleja de Pars, y se instala en Vallauris, un antiguo centro de alfarera del sur de Francia. Se va a vivir all con Francoise Gilot, su nueva compaera sentimental, y empez a experimentar con nuevas tcnicas artsticas, sobre todo con la cermica, cultivando una expresin artstica muy personal, como era habitual en l. Desarroll platos, tazas y jarrones, modelados con una imaginacin exuberante. Tambien dedic una especial atencin a la litografa: con esta tcnica de impresin realiz series de cabezas de mujeres. Francoise aparece con frecuencia en sus trabajos de esta poca. Es interesante observar cmo Picasso transform la personalidad de la joven en cuadros que parecen metamorfosis, en los que ella aparece en forma de planta o de flor. En 1949, Picasso ya tena dos hijos con ella. El artista se entreg al mundo infantil que acababa de descubrir, en numerosas representaciones pictricas. Al mismo tiempo, muchas de las esculturas de esta poca estan inspiradas en los juguetes de sus hijos, como, por ejemplo, cuando tranform un cochecito de su hijo en la cabeza de una escultura de un mono cuyos ojos son los faros del automvil. Tambien trabajaba con deshechos y basura, como se ve en su escultura cabeza de toro (1942), un assemblage en la que la cabeza es el asiento de una bicicleta y los cuernos son el manubrio.

10. ltimas obras (1954-1973)


La ltima etapa de la vida de Picasso estuvo marcada por la fama mundial: su arte y su persona se haban convertido en un mito. De esta etapa se rescata el tema taurino, ya abordado anteriormente. Realiz una serie de grabados llamada la tauromaquia, en donde plasm las escenas crticas de la corrida de toros con gran acierto y extraordinaria sntesis. Movimientos minuciosamente estudiados y momentos tpicos de la corrida son reducidos a elementos pictricos y recursos grficos extremadamente austeros: las tribunas y espectadores se insinuan con unas pequeas manchas y lneas; la fuerza del toro con un trazo rpido. El dinamismo, la emocin y la tensin se expresan con sobriedad, y aun as causan un gran efecto. Para Picasso, la corrida de toros tiene un contenido metafrico: es una representacion directa de la vida y la muerte. En esta etapa, tambien realiz variaciones de obras de antiguos maestros de la pintura, como de El Greco, Delacroix, Manet o Courbet, en las que la composicin, el cromatismo y el significado originales fueron interpretados libremente y a menudo muy alterados. Entre agosto y diciembre de 1957 pint 58 leos distintos inspirados en las Meninas, el famoso cuadro de Diego Velzquez pintado en 1656. En l, representa a la hija del rey de Espaa con sus damas de honor, en una habitacin real, en la que se puede ver, en la mitad izquierda del cuadro, al mismsimo Velzquez pintando en un enorme cuadro. En el fondo de la habitacin hay un espejo, en el que se puede ver reflejada a la pareja real; es decir, el cuadro est dispuesto de tal forma, que el espectador quien lo mira- es la famila real reflejada en ese espejo, y estamos viendo cmo Velzquez nos retrata. Picasso lo tom e hizo una reinterpretacin de la obra, con su particular estilo Picasso, y le dio muchsima ms jerarqua al pintor, hacindolo enorme en comparacin a las otras figuras. Ademas, en muchos de estos estudios, redujo al cuadro al blanco, negro y grises,

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Arte, culturas y estticas evitando el uso del color. Hacia finales de su vida, la produccin artstica de Picasso se volvi cada vez ms frentica e imparable. Pintaba entre 3 y 5 cuadros por da, simultneamente. Por aquel entonces gozaba de un gran prestigio, pero permaneca ajeno a las nuevas tendencias artsticas, por lo cual qued sobre un pedestal muy alto, pero tambien muy solitario. Sus temas giraban alrededor de las parejas de amantes, autorretratos y desnudos, como as tambien el tema de el pintor y la modelo. En este tema, se observa al artista viejo y feo observando a la joven y hermosa modelo, siendo una referencia directa, evidentemente, a este momento de su vida personal. Pablo Picasso falleci en Francia en 1973, a la edad de 91 aos. Algunas de sus mujeres y amantes no resistieron el dolor y se suicidaron. Hoy en da, Picasso es probablemente el ms grande y completo artista del siglo XX, y sus obras se cotizan en millones de dlares.

5.12. Artistas modernos al margen de las vanguardias histricas


Naturalmente, no todo lo que aconteci en el arte visual de primera mitad del siglo XX adhiri a las propuestas de las vanguardias histricas o, incluso, de la pintura. Dentro de la prctica de las bellas artes, hay gran diversidad de disciplinas y de artistas que las explotaron. En este apartado mencionaremos tan solo a tres talentos, quienes desarrollaron una potica visual propia, ajena a cualquier convencionalismo.

5.12.1. Marc Chagall (1887-1985)


El ruso Marc Chagall es un pintor de compleja clasificacin. Si bien tiene una clara tendencia surrealista, no adhiri al grupo, y los temas de sus obras giran alrededor del folklore y la tradicin de su cultura. La fbula del pueblo ruso y judo seran la esencia de su pintura. Chagall encarnar la creatividad y la moral de su pueblo, relatando las leyendas populares rusas. En 1910 llega a Pars, donde contacta con pintores que adheran al fauv y el cubismo. Chagall era admirador de Cezanne, y tanto su obra como la de los fauv, expresionistas, cubistas y surrealistas haran influencia en las obras del ruso. En ese momento, se formara el grupo denominado Escuela de Pars, integrado por, entre otros, Picasso, Braque, Matisse, Modigliani, Soutine y el citado Chagall. El grupo como tal no tena una directiva especfica, y lo nico en comn que haba entre sus miembros era el interes por hacer arte moderno, y buscar una autonoma y libertad en el arte. Chagall se basa en la representacin de imgenes fantsticas, en escenarios imaginarios: los personajes flotan en el aire, sin peso alguno. Compositivamente hablando, utiliza ritmos diagonales, distorsiona figuras y sintetiza los fondos a meras manchas de color. Otra caracterstica de sus pinturas son las escenas una adentro de la otra, como protegidas, acobijadas en algo ms grande. Chagall tambien representara animales de su pueblo natal, tales como el asno, el gallo, la vaca y el burro, que seran una constante en su obra. El cielo y la tierra en los mundos de Chagall se intercambian uno por el otro, aparecen violinistas y msicos voladores. Chagall realiza una pintura casi potica, libre de todo prejuicio y anclada en sus races como individuo y ser cultural.

5.12.2. M. C. Escher (1898-1972)


Maurits Cornelius Escher, ms conocido como M. C. Escher fue un prolfico artista holands que permaneci ajeno a la pintura, destacandose en el grabado. Dentro de esta disciplina, desarroll xilografas, litografas y aguafuertes/aguatintas, principalmente. Realiz tambien algunas esculturas basadas en sus diseosEscher es un ilustrador nato, que en un inicio realiz obras paisajsticas, hasta progresivamente llegar a representar sus mundos interiores. A lo largo de su carrera realiz ms de 400 litografas y grabados en madera, y tambin unos 2.000 dibujos y borradores. De muchos existen decenas de reproducciones, cientos e incluso miles de otros. A partir de la dcada del 50 la fama de Escher le dio una estabilidad econmica, en base a trabajos por encargo que le realizaban. Al final de su carrera destruy algunas de sus matrices grabadas para que no se realizaran ms reproducciones de originales. Tambin existen estudios y

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Arte, culturas y estticas borradores de muchas de sus obras, en ocasiones tambin varias versiones de algunas de ellas. Muchas de su obras se vendieron masivamente poco despus de su muerte y estn esparcidas por el mundo. Un grupo importante est expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda. Como artista, M. C. Escher resulta difcil de clasificar. El suyo es practicamente un arte matemtico, lgico e ilgico a la vez, con juegos pticos y perceptivos que comprometen e interesan a quien les observa. Se han hecho mltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher no tena grandes prentensiones ni mensajes que transmitir, sino que bsicamente plasmaba lo que le gustaba. No basa su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guios al espectador. l mismo reconocera que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicologa, sino slo las cosas que pasaban por su cabeza. En ciertro modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difcil, que prefera crear su propio universo. Los expertos coinciden, y es bastante evidente examinando la mayor parte de sus obras, en que una de sus principales caractersticas es la dualidad y la bsqueda del equilibrio, la utilizacin del blanco y el negro, la simetra, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida. Las obras de Escher pueden clasificarse temticamente, y en ellas hay una armona entre los elementos detalladamente figurativos y las abstracciones inmersas en la composicin. En un primer momento se dedicara exclusivamente a realizar retratos, paisajes naturales y arquitectnicos. Luego comenzaran a aparecer las metamorfosis: objetos, mdulos, animales o diseos que van mutando en otros, tales como una bandada de pjaros transformandose en un cardmen de peces. Una de las xilografas ms increbles de este bloque temtico es, casualmente, metamorfosis (1939-40), consistente de 29 matrices de grabado ensambladas e impresas, dando como resultado final una imagen de 19,5 cm x 7 metros. Escher tambien sera reconocido por sus mandalas: diagramas o representaciones esquemticas y simblicas del macrocosmos y el microcosmos, utilizados en el budismo y el hinduismo, y que generalmente son representados por Escher como un crculo con un mdulo o diseo que se repite hasta el interior/infinito del mismo. Sus mandalas conjugan diseos naturalistas y abstractos por igual. Tambien explor con los espacios infinitos, y con las cintas de Moebius como analoga de la eternidad. Los reflejos son otra constante en su obra: reflejos en el agua, en bolas de cristal o espejos, en ojos, etc. De este conjunto de obras, es muy recordada la xilografa a tres matrices charco, de 1952. Escher llega a un punto de evolucin temtica y tcnica en sus grabados con espacios imposibles, en donde se genera el conflicto entre la superficie plana y la representacin del espacio tridimensional. El ejemplo ms claro de esto es relatividad (1953), una litografa que muestra un espacio arquitectnico complejo, donde conviven tres planos distintos comunicados por escaleras, que salen de las paredes de una habitacin y llegan al techo/piso (depende cmo se lo mire) de la otra. Este es uno de los grabados ms populares del holandes, y se populariz en una escena final de la pelcula de fantasa Laberinto (1986), protagonizada por David Bowie. Escher fue un artista que con sus obras qued emplazado en el imaginario popular, pero en muchos casos injustamente olvidado. Probablemente porque ms que un plstico fue un grfico, dentro del cnon de las artes visuales la obra de Escher no encontr un lugar claro.

5.12.3. Henry Moore (1898-1986)


La figura de Henry Moore est emparentada directamente con la idea de escultura moderna. En un inicio su escultura se vincul hacia el romanticismo y el estilo victoriano ingles, pero luego se alej de esos convencionalismos. Sus primeras obras alejadas del cnon habitual fueron realizadas en la dcada de 1920, usando la tcnica de tallado directo, generalmente en madera, aprovechando las imperfecciones del material y de la talla, es decir, permitiendo y dejando visible el error. Esta bsqueda, como era de esperarse, no agrad a los sectores ms conservadores del crculo artstico. Fue profesor en el Royal College of Art, y paralelamente realizaba sus esculturas. Durante la dcada del 30, Moore desarrollara figuras escultricas macizas, geomtricas, compuestas por volmenes que aluden a la figura humana pero rozan la abstraccin. Durante la Segunda Guerra Mundial realiz numerosos dibujos de los evacuados y refugiados que dorman y vivan en el subterrneo de Londres. 73

Arte, culturas y estticas Finalizada la guerra, Moore comenz a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la tcnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena. Sus obras generalmente representan distorsiones casi abstractas de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayora de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepcin de las realizadas a partir de 1946, cuando el nacimiento de su hija le influy en esculpir grupos familiares. Pese a sus numerosos encargos (incluso la UNESCO le solicit trabajos escultricos), Moore nunca se subi a un pedestal, o se consider ms que sus colegas. Mantuvo una vida humilde, familiar, y se dedic exhaustivamente a la elaboracin de su obra. De hecho, es uno de los pocos artistas sino el nico- que mantuvo una posicin netamente humanista de convencida simpata hacia la infelicidad del presente y de firme confianza en el destino de la humanidad. Moore realizaba varios bocetos y dibujos para cada escultura, pues consideraba esencial dibujar. De hecho, en sus esculturas los volmenes se entrelazan en ritmos y direcciones que no son accidentales, sino bocetados previamente en dibujos de composicin muy cuidada. Su morfologa ignora casi por completo la lnea recta. Sus primeras esculturas mostraban vacos convencionales, producto de extremidades flexionadas que se separaban y regresaban al cuerpo, adhirindose a l y generando ritmos. Una de las formas ms usadas por l fue la figura reclinada, inspirada por una estatua tolteca-maya que haba visto en el Louvre en sus pocas de estudiante. Un elemento de especial interes para Moore es la distorsin como sntesis de la figura humana. Por medio de esta propuesta de distorsin semi-abstracta de las figuras, Moore explor formas cncavas y convexas. Sus primeras esculturas se enfocaban en la masa, mientras que las figuras posteriores contrastaban los elementos slidos de la escultura con el espacio, no slo alrededor de la pieza, sino que tambin a travs de ella, ya que Moore dejaba vacos algunos espacios en las esculturas. Es decir: Moore incorpora al vaco, al aire, como volmen que penetra en la escultura y le hace formar parte de ella. Es una morfologa en que la lnea curva de la escultura se envuelve con la atmsfera y la luz que la rodea. En Moore no hay una distincin clara entre el espacio continente y el espacio contenido, borrando metafricamente la lnea entre escultura y atmsfera; es decir, integrando arte y realidad. Cuando una de sus sobrinas le pregunt por qu sus esculturas tenan ttulos tan simples, Moore respondi que todo el arte debera tener cierto misterio y debera exigir algo del espectador. Darle a una escultura o dibujo un ttulo demasiado explcito se lleva parte de ese misterio, por lo que el espectador pasa al siguiente objeto sin tratar de considerar el significado de lo que acaba de ver. Todos piensan que l o ella realmente lo observaron, pero en realidad no lo hicieron.

5.13. El arte moderno en Latinoamrica


Ya hemos descripto el contexto de la modernidad artstica en Europa, en la primera mitad del siglo XX. Pero en los pases americanos de habla hispana, principalmente Mxico, se sucedan diversas propuestas. Destacaremos brevemente a algunos de los principales representantes de la pintura y el muralismo moderno latinoamericano.

5.13.1. Jos Clemente Orozco (1883-1949)


Nacido en Jalisco, Mxico, estudi como Rivera y Siqueiros en la Academia de San Carlos en la ciudad de Mxico. Estudi agricultura y arquitectura, y se dedic a pintar, siendo uno de los principales muralistas mexicanos. Durante un experimento de escuela perdi la mano derecha y parte de la visin de uno de sus ojos, y an as continu pintando. Fue parte de un grupo de estudiantes que en 1911 presion al gobierno mexicano para permitir los murales pblicos. Orozco fue muy activo en la poltica durante la revolucin mexicana (1910-1920). Hizo la mayora de los murales famosos en la Escuela Nacional Preparatoria, la Universidad, el palacio de gobierno en Guadalajara y el Hospicio Cabaas. Los murales de Orozco se caracterizan por temas ms universales y monumentales, comparados a los de Siqueiros y Rivera, cuyos temas son ms nacionalistas y propagandsticos. Us el arte como manera de presentar el conflicto y la violencia que

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Arte, culturas y estticas fueron inherentes a la vida mexicana. Muy significante en su trabajo fue la crtica social de la vida e historia mexicana, exhibiendo en sus obras a soldados fallecidos durante la revolucin, por ejemplo. Orozco tambien pint una representacin del cura Miguel Hidalgo, quien en 1810 inici una revuelta entre los pobres para reclamar independencia y libertad, creando en su obra un mensaje universal de la liberacin humana de dominadores de todo el mundo.

5.13.2. David Alfaro Siqueiros (1896-1974)


Desde su adolescencia, el mexicano Siqueiros profes ntidas ideas polticas y sociales, lo que lo condujo no solo a luchar denodadamente por sus convicciones toda su vida, no solo con su arte, sino tambien con las armas. Cuando tena 20 aos combati en el ejrcito constitucionalista de la revolucin mexicana y en 1920 viaj como miembro del consulado de su pas a Pars, donde prontamente hizo amistad con Diego Rivera. De regreso a su patria, en 1922 contribuy a la fundacin del Sindicato de Pintores y del movimiento muralista. Fue encarcelado entre 1930 y 1931, por sus ideas polticas, y se alist en el ejrcito republicano de la guerra de Espaa, demostrando su compromiso ideolgico y combativo. Si bien todos los creadores del movimiento muralista mexicano se inspiraron en las culturas precolombinas para elaborar su esttica, Siqueiros fue el que ms intensa y profundamente lo hizo. En su obra, Siqueiros expres la indisoluble unidad entre el individuo y su comunidad, caracterstica propia de las comunidades antiguas del continente. Sus creaciones tienen un clido y profundo contenido humano, un gran vigor constructivo y una fina captacin intuitiva del mundo natural y exhiben, asimismo, una permanente bsqueda de nuevas posibilidades tcnicas, de nuevas formas y de nuevos materiales. Las pinturas murales de Siqueiros no solo se encuentran en Mxico, sino tambien en otros pases, como los Estados Unidos, Chile y Argentina, pases que frecuent tambien para dar charlas sobre muralismo e influir a artistas de esos territorios.

5.13.3. Diego Rivera (1886-1957)


Naci en Guanajato, Mxico, y estudi estilos artsticos tradicionales europeos en la Academia de San Carlos, como Orozco y Siqueiros. A sus 20 realiz su primera exposicin, recibi una beca y viaj a Espaa para estudiar en profundidad. En Pars conoci a las principales figuras de la poca y qued fascinado con el movimiento cubista. All se encontr con Siqueiros, quien le habl de la revolucin mexicana y de la necesidad de crear un arte nacional. Rivera hizo un viaje a Italia para continuar estudiando, y retorn a Mxico, donde se dedic de lleno al muralismo. Rivera crea que el arte debe jugar un papel importante en habilitar a la gente obrera e indgena para entender sus propias historias. No quera que su arte sea aislado en museos y galeras, sino que est accesible a la gente en las paredes de los edificios pblicos. Tuvo la posibilidad de implementar sus ideas llevando el arte a las masas, realizando diversos murales, en Escuelas Nacionales, Palacios Nacionales y la Secretara de Educacin Pblica. En 1934 empez su trabajo en unos murales enormes en el Palacio Nacional en la ciudad de Mxico que ilustran la historia mexicana. Este trabajo refleja los problemas polticos, econmicos y culturales desde la conquista espaola hasta ese momento. Rivera incluy los eventos monumentales y las figuras prominentes de la historia mexicana, como un obrero y Emiliano Zapata llevando una pancarta con las palabras tierra y libertad, que simboliza los deseos de los trabajadores en cambiar a una nueva vida mexicana. El mural combina el pasado con las esperanzas del futuro. Las expresiones de los personajes muestran una determinacin a seguir la lucha social sin temer las consecuencias, aun la muerte. Un reflejo no solo de la poca, sino de la ideologa personal de Rivera.

5.13.4. Frida Kahlo (1907-1954)


Magdalena Carmen Frida Kahlo Caldern naci en el barrio de Coyoacn, en las afueras de la ciudad de Mxico. A sus 6 aos sufri un ataque de poliomielitis que le afect la pierna derecha. Inici sus

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Arte, culturas y estticas estudios en la Escuela Nacional Preparatoria en el ao 1922, que es donde observa a Diego Rivera pintar su mural la creacin. Durante esa poca, Frida toma clases de grabado. A sus 19 aos sufri un terrible accidente, en compaa de su entonces novio, cuando viajaba en un autobus y ste fue colisionado por un tranva. El resultado fue rotura de la columna vertebral en tres sitios, as como la clavcula, tres costillas, la pierna y el pie derecho. Un tubo le atraviesa la cadera hasta el sexo produciendole una triple fractura de la pelvis que le impedira tener hijos. Ese accidente la marcara para toda su vida, habiendo sido su manantial de horrores fsicos y en muchos momentos, origen de la tragedia reflejada en su obra artstica. Durante la convalescencia es cuando empieza a pintar sus primeras obras: son retratos oscuros, de formas rgidas y convencionales. Al reestablecer su salud, Frida llev una vida activa, ayudando a su padre en el estudio fotogrfico. En 1927 detuvo a Diego Rivera en los pasillos de la Secretara de Educacin Pblica, donde l trabajaba, para pedirle que analizara sus primeros cuadros. Entablan una relacin, y dos aos despues se casan, siendo Rivera el amor de su vida y quien le ayudara a perfeccionar su tcnica pictrica. La pareja se muda a Estados Unidos, donde Frida empieza a mostrar caractersticas populares, religiosas y de la simbologa mexicana en sus pinturas. En 1934 vuelven a Mxico, y Frida sufre abortos naturales y es operada del pie derecho; el proceso de desfiguracin de su cuerpo es constante y eso se refleja en las obras que va realizando. Diego Rivera tiene, paralelamente, un romance con la hermana de Frida, hundiendola en una depresin tremenda, que concluye con la separacin de Rivera y el posterior divorcio a fines de los aos 30. A partir de all la obra de Frida se dota de una gran riqueza plstica. Uno de sus principales temas son los autorretratos. Recibe en su casa y les da un hogar al exiliado Leon Trotsky y a su esposa en una visita que hicieron a Mxico. Sus problemas con el alcohol se hacen evidentes. En 1938 Andr Bretn llega a Mxico con una mirada predispuesta a encontrar el surrealismo en ese pas, y con Frida no es la excepcin: inmediatamente la circunscribe como parte de la esencia del movimiento. Esta etiqueta de surrealista en la obra de Frida Kahlo es una de las equivocaciones que se han continuado entre el pblico masivo con respecto a su clasificacin y entendimiento. En palabras de Frida: no fui surrealista. Nunca pint mis sueos... solo pint mi propia realidad. En los aos 40 expone en la Muestra Internacional del Surrealismo en la Galera de Arte Mexicano, y entabla un romance con Trotsky, a espaldas de su mujer. El asesinato de Trotsky, sumado a sus creciente alcoholismo, la ahogan en una gran depresin, que la lleva a tomar tratamiento mdico. A fines de 1940 vuelve a casarse con Diego Rivera. En 1942 inicia su Diario, pginas que contienen diversos apuntes de dibujos, declaraciones de amor a Diego, frases que remarcan su soledad, su cuerpo torturado, su visin del mundo, la tierra y la vida. Participa en numerosas exposiciones, tanto en Mxico como en Estados Unidos, y es nombrada maestra de la Escuela de Pintura y Escultura de la Secretara de Educacin Pblica, en 1943. Entablara una relacin de mutuo respeto y admiracin con sus alumnos. Durante toda la dcada del 40 continu con su Diario y sus pinturas dedicadas a Rivera, ademas de mltiples exposiciones. En la primavera de 1953 la Galera de Arte Contemporneo del D.F. mexicano le organiz, por primera vez, una importante exposicin. La salud de Frida era muy mala por entonces y los mdicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos despus de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galera se empezaron a or sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigi al exterior, all estaba una ambulancia acompaada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo haba sido llevada a su exposicin en una cama de hospital. Los fotgrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galera. La multitud fue a saludarla. Frida cont chistes, cant y bebi la tarde entera. La exhibicin haba sido un rotundo xito. Ese mismo ao le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infeccin de gangrena. Esto la sumi en una gran depresin que la llev a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no poda hacer mucho, escriba poemas en su Diario, la mayora relacionados con el dolor y remordimiento. Muri en Coyoacn el 13 de julio de 1954. No se realiz ninguna autopsia. Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de Mxico y su fretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista

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Arte, culturas y estticas mexicano, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacn, lugar que la vio nacer. Las ltimas palabras en su diario fueron: Espero alegre la salida y espero no volver jams. A los cuatro aos de su muerte, la Casa Azul se convirti en el Museo Frida Kahlo. La obra de Frida es un testimonio de autorreferencialidad, y de cmo el arte puede ser no un medio de vida, sino para la vida.

5.13.5. Joaqun Torres Garca (1874-1949)


Artista plstico y terico del arte, este uruguayo es el fundador del universalismo constructivo. Tras una difcil infancia por los vaivenes econmicos y domiciliarios de su familia, y una formacin principalmente autodidacta, en 1890 Torres Garca se fij como objetivo el emigrar a fin de formarse como pintor, pues lleg a la conclusin de que esa formacin no la haba de recibir correctamente en la capital de Uruguay. As pues, junto a toda su familia decidi viajar a Europa en junio de 1891, contando con diecisiete aos. En Catalunya Torres Garca empez a asistir de da a una academia local, en la que aprendi las bases del oficio, y de noche a clases de dibujo en una escuela nocturna de Artes y Oficios. En 1892, la familia decidi afincarse en Barcelona, y Torres Garca pudo ingresar en la Escuela de Bellas Artes de dicha ciudad. Conoci y frecuent a muchos integrantes del crculo artstico local (impresionistas, luego cubistas y surrealistas) por lo que sola elaborar sus obras en una dinmica de trabajo en grupo en la que se entremezclaban pintores, msicos, escultores y poetas. Permaneci en Europa estudiando, luego siendo profesor de dibujo y terico del arte, y volvi a su Montevideo natal en 1934. En 1938 Torres Garca empez a mostrarse influido por el arte precolombino e indgena, como se puede apreciar en su obra Monumento Csmico, yuxtaponiendo figuras como las que ya utilizaba en Pars, figuras que hacan referencia al hombre y a las ciudades con las propias de la tradicin simblica indgena de Amrica del Sur. Su intencin de implantar el arte constructivo en Uruguay, le llev a proponer una vuelta a la figuracin rescatando el uso del constructivismo y utilizando la simbologa cultural americanista, creando en 1943 el Taller Torres Garca o Taller del Sur, compuesto por jvenes artistas. Al ao siguiente, Torres Garca y sus alumnos consiguieron el encargo para pintar murales constructivos, realizando hasta un total de 35 murales, de los cuales Torres Garca ejecut los siete mayores al tiempo que supervisaba los restantes. En el ao 1944, public su particular teora artstica, llamada universalismo constructivo. Esta es una corriente esttica en donde se destacan y realzan los aspectos metafsicos del arte. Segn expresara Torres Garca, se tratara de expresar con su arte la comunin del hombre con el orden csmico. El pintor buscaba transmitir un mensaje a travs de signos que admitieran lecturas libres de subjetividad. Como resultado de todas las experiencias anteriores del maestro, su universalismo constructivo reune elementos del neoplasticismo, el cubismo, el surrealismo, el primitivismo, el arte precolombino y de la famosa regla o proporcin urea, rescatada de la cultura rabe. Fue este el resultado de la bsqueda de un lenguaje universal, una unificacin de todas las formas de expresin que haba percibido y practicado en su peregrinar por Europa y en sus contactos con los otros grandes maestros de la poca. La llamada de Torres Garca a los artistas para que no renunciasen a ser latinoamericanos, de pretender ser contemporneos al uso investigando formalmente en sus trayectorias artsticas, aport una nueva dimensin a la construccin de un lenguaje moderno y americano, constituyndose uno de los episodios definitorios de las vanguardias latinoamericanas.

5.13.6. Cndido Portinari (1903-1962)


El pintor brasileo Cndido Portinari es un exponente ineludible de la pintura moderna sudamericana. De familia pobre, Portinari se impresion desde pequeo por los pies de los labradores, a los cuales describa como pies deformes, que pueden contar una historia, semejantes a los mapas con montes, valles, ros y caminos. Estas imgenes marcaran su obra en la que contara al mundo la realidad del trabajador del campo. A los quince aos, Portinari ingres a la Escuela Nacional de Bellas Artes, en Ro de Janeiro, y a los 19 recibi su primer premio: la medalla de bronce del Saln de Bellas Artes.

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Arte, culturas y estticas Con el fruto de varios premios del Saln de Bellas Artes, Portinari viaj a Europa en 1929, y se establece en Pars despus de recorrer Espaa, Italia e Inglaterra. El choque con la efervescencia plstica de la Europa de los aos 1930 define el rumbo que Portinari seguira al volver a su pas. En 1935, su cuadro caf recibe mencin honorfica en la Exposicin Internacional de Arte Moderno del Instituto Carnegie, en Nueva York. Este hecho le abre la conquista de espacio en el continente y el mundo, la cual tendra un momento especial en 1940, cuando Portinari fue el primer artista sudamericano en tener una exposicin individual en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Tambien, son conocidos sus frescos guerra y paz, que se encuentran en la sede de la ONU en Nueva York. Los temas de su pintura giran en torno al trabajo del hombre, con una concepcin y un enfoque muy local, referido a su contexto cultural y a su relacin con el entorno y la naturaleza. Sus personajes, enormes y macizos, no son dolos invulnerables, sino que se muestran humanos, exhibiendo sentimientos ntimos, dolor y dramatismo. En este sentido, los temas de Portinari se acercan al realismo social, pero con un tratamiento expresionista-perifrico. Recibi numerosos honores, fue miembro del Partido Comunista y activista poltico. A veces sufre el estigma, tal vez injusto, de ser considerado pintor oficial de la Revolucin del 30 y del Estado Novo, perodos difciles en la historia de Brasil. Portinari muri a consecuencia de intoxicacin provocada por el plomo que el pintor utilizaba cuando confeccionaba sus propios pigmentos al leo.

5.13.7. Wilfredo Lam (1902-1982)


Hijo de padre chino y madre con mestizaje indio, africano y europeo, Wilfredo Lam es un pintor cubano. En 1916, su familia se mud a La Habana, donde realiz estudios en la Escuela de Bellas Artes. Al inicio de los aos 20, realiz una primera exposicin de sus trabajos iniciales en el Saln de la Asociacin de Pintores y Escultores en la Habana. En 1923, Lam se traslad a Madrid a continuar sus estudios artsticos. A comienzos del 1930, la influencia surrealista era evidente en los trabajos de Lam as como la de Henri Matisse, as como tambin posiblemente de Joaqun Torres Garca. En 1936, al visitar una exposicin de Pablo Picasso se sinti fuertemente atrado hacia l tanto artstica como polticamente. En 1938, se fue a vivir a Pars, donde el propio Picasso lo tom bajo su tutela y aliment su inters por el arte africano y mscaras primitivistas. En ese mismo ao, viaj a Mxico donde permaneci con Frida Kahlo y Diego Rivera. La variada herencia multicultural de Lam as como su relacin con la santera, el africanismo y las tradiciones cubanas y latinoamericanas se manifiesta extensamente en la obra del artista. A finales de 1942, comenz su importante obra la jungla (1943). Lam desarroll un estilo propio en el que combinaba el surrealismo y el cubismo con el espritu y formas del Caribe, con una paleta cromtica brillante y muy caracterstica. Lam recibi numerosos premios y reconocimientos. Sus obras se encuentran en los principales museos del mundo, y se han subastado obras de Lam en todas las subastas de arte latinoamericano de prestigio mundial, alcanzando tambin los precios ms altos, por ejemplo $ 1,267,500 por la la maana verde, actualmente exhibida en el Museo de Arte Latinoamericano (MALBA) de Buenos Aires. La obra, como la jungla, es una de las ms importantes del cubano, y representa a Bar y Ogum, dos dioses de la religin africanista umbanda. En el centro de la composicin se halla una figura antropomorfa, con caractersticas fememinas. Su cabeza se subdivide en cabezas ms pequeas. Tiene alas que se despliegan desde su espalda y herraduras en los pies. De fondo hay caas de azucar y un colorido de bosque. Al costado, junto a los pies, se halla un cliz con maz y frutas, a modo de ofrenda. Es una imagen con signos icnicos: hay modelos que refieren a la naturaleza, las figuras antropomorfas, lo femenino, la santera, lo mgico. Las imgenes remiten a elementos figurativos que se mezclan entre s, alterando sus ordenes naturales, que tendran otro significado aislados y por s solos. As, el surrealismo de Lam cobra aspectos locales, pudiendoselo definir como surrealismo perifrico.

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6. La posguerra
La Segunda Guerra Mundial, finalizada en 1945, trajo consigo importantes cambios culturales, en todo orden. Ms all de alguna referencia histrica, nos enfocaremos netamente en cmo se modific el campo artstico. Tras la Segunda Guerra, Europa deja de ser el centro de la cultura artstica mundial. El nuevo centro ser Estados Unidos y, naturalmente, tambien el nuevo mercado ser Nueva York. Junto a este centro se forman otros, pero no se trata de un ncleo o una periferia: se hace arte moderno en Japn, en Amrica Latina, aunque los puntos de referencia sigan siendo Nueva York y, subordinadamente, Pars. Al mismo tiempo, el arte de Estados Unidos alcanza una posicin de autonoma y de hegemona. Antes de la Segunda Guerra, este pas tena una tradicin artstica-pictrica muy acadmica, con temas autctonos como paisajes, cowboys, indgenas y granjeros. Pero durante el conflicto blico, muchos artistas europeos emigraron a Estados Unidos, plantando all la semilla del arte moderno. Un ejemplo y antecedente concreto de esta aproximacin europea a norteamrica fue la exposicin del Armory Show de 1913, en el que particip, entre otros, Marcel Duchamp. El ambiente social norteamericano de posguerra tiene caracteres propios inconfundibles: una soledad interna de la sociedad, con vidas falsas, casas impecables, sentimientos reprimidos, problemas de drogas, adolescentes conflictivos, un cine hueco, esquemas idnticos, argumentos sociales superficiales, literatura orientada a una autoayuda basada en sencillos y pautados pasos, y el evidente progreso tecnolgico. Es decir, una sociedad cmoda, basada en el principio consumista de produccin-consumo-descarte, no solo con los productos tecnolgicos sino con las estrellas y famosos, que tienen una vida til al servicio del entretenimiento y el egosta placer personal. Como dira el socilogo Zygmunt Bauman, las cosas ya nacen con el sello de la muerte inminente. En esta vorgine consumista, de frentico progreso tecnolgico y social, Estados Unidos se instala como principal polo cultural mundial, por primera vez en la historia. Es indudable que los norteamericanos, a la hora de producir arte, se sentan un pueblo joven que trataba de conquistar la primacia mundial, y la cultura y el arte europeos no implicaban problema. Aqu se plantea la crisis del arte como ciencia europea. Para el nuevo mundo, el arte era la creacin inmediata de hechos estticos, al igual que la ciencia lo era de hechos cientficos; es decir, una forma distinta, aunque completa, de alcanzar la experiencia de la realidad. En este marco, se empiezan a dar tendencias bastante contradictorias entre s como el expresionismo abstracto, el pop o el arte conceptual. Y si ya haba habido indicios de el arte como objeto de consumo, en este momento el mercado artstico crece exponencialmente. Existe una anttesis entre el consumo y el valor; a lo largo de toda su historia, el arte ha sido un valor que se disfruta, pero que no se consume. Luego de la segunda posguerra, en muchas ocaciones el arte se produce en serie, como productos industriales realizados a escala masiva, y en muchos casos con una finalidad comercial- esttica. De alguna manera tambien se cae la idea de artista-genio, dando paso a una nueva forma de conceptualizar antropolgicamente el arte.

6.1. Filosofa y arte de posguerra


Uno de los rasgos filosficos ms importantes del perodo de posguerra es el decaimiento de los ideales de la modernidad. Dos guerras mundiales son suficiente motivo como para creer que el progreso, sea tecnolgico, poltico o social, llev a la humanidad a conflictos blicos como nunca antes, teniendo como consecuencia millones de muertos y una cicatriz imborrable en la psiquis humana. La filosofa existencialista emerge como tendencia filosfica y literaria, basada en anteriores pensadores como, por ejemplo, Nietzsche y Schopenhauer. El existencialismo proclama el derecho y la libertad del hombre en cuanto existe como persona. Como todo ser vivo, el hombre algun da morir, por lo que su paso por la vida est limitada por el factor tiempo. Filsofos de todos los tiempos estudiaron y analizaron la esencia del ser, buscaron encontrar respuestas a qu hay despues o qu hay detrs de la existencia humana, emprica, social y biolgicamente hablando. El existencialismo no enfocar sus energas en la bsqueda o explicacin de esa esencia abstracta, sino que destacar la existencia del hombre en s misma: su aqu, su ahora, las acciones concretas, cmo se relaciona con otros, sus

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Arte, culturas y estticas pensamientos y deseos, sus contradicciones, sus alegras y angustias. Para el pensamiento existencialista el individuo no es una porcin mecnica o parte de un todo, sino que el hombre es en s una ntegridad libre por s. Para esta corriente del pensamiento, la existencia del ser human o no es nunca un objeto sino que, desde el momento que el ser humano es capaz de generar pensamiento, existe; en consecuencia el reconocimiento de esa existencia tiene primaca y precedencia sobre la esencia. Frases como pienso, luego existo(Descartes) o la existencia precede a la esencia (Sartre) son ejemplos sintticos del pensamiento existencialista. El existencialismo implica que el individuo es libre y, por ende, totalmente responsable de sus actos. Esto incita en el ser humano la creacin de una tica de la responsabilidad individual. Seran Martin Heidegger (1889-1976) y Jean Paul Sartre (1905-1980) quienes ms desarrollaran este pensamiento a nivel filosfico, y cuyos escritos constituyen el ncleo En sntesis, las dos guerras mundiales pusieron en tela de juicio el progreso, los ideales positivistas y de la modernidad. El hombre de posguerra solo se tiene a s mismo, a su existencia concreta como nica garanta. El existencialismo ti casi totalmente el pensamiento occidental de la poca, y en el arte tuvo una influencia directa. Se acontecen muchsimas obras trascendentes en la literatura y el teatro de posguerra, y tan solo ejemplificaremos con una, que abarca ambas disciplinas: la cantante calva. Esta obra de Eugene Ionesco (1909-1994) est redactada para teatro, y fue estrenada en Francia en 1950, causando un enorme escndalo. La obra se enmarca en el llamado teatro del absurdo, y el encuentro entre dos parejas, en la casa de una de ellas. El corte satrico de la obra se da en los dilogos, que acentuan la incomunicacin y la rutina como elemento que congelan el paso del tiempo. Marido y mujer por momentos olvidan que eran pareja, y no se reconocen, en escenas tragicmicas, totalmente absurdas. Los personajes hablan pero no dicen nada, porque no se escuchan entre s, y ni siquiera hay una coherencia temtica entre escenas, salvo por la ya mencionada incomunicacin. El ridculo, la burla, la desacralizacin de la familia estan presentes en esta obra de Ionesco. El caos de la escena final es una simbologa del desorden y el absurdo de la posguerra: una reaccin muy similar a la que tuvieron los dadastas de Zurich en la entreguerra.

6.2. Msica experimental. Jazz. Rock


En la msica de la dcada del 50, hallamos la figura de John Cage (1912-1992). Fue un compositor, instrumentista, terico musical, filsofo, poeta y artista plstico norteamericano. Fue alumno de Schnberg, y sus innovaciones en lo que a msica clsica refiere son radicales y profundas. As como Schnberg invent el sistema dodecafnico, Cage elabor un sistema musical de veinticinco tonos. En la dcada del 30 ya haba usado distorsiones para sus instrumentos llegando a declarar, como un visionario: creo que el uso de ruidos en la composicin musical ir en aumento hasta que lleguemos a una msica producida mediante instrumentos elctricos, que pondr a la disposicin de la msica cualquier sonido y todos los sonidos que el odo pueda percibir. Se exploran los medios fotoelctricos, el filme y diversos mecanismos para la produccin de msica. Invent el piano preparado, un piano tradicional al que le coloc diferentes objetos en el arpa interna del instrumento, para producir nuevos sonidos y as tocar una suite de 69 minutos, compuesta por l entre 1946 y 1948. Pero uno de sus grandes aportes fue el de introducir el ruido y el silencio como elementos musicales. As, en su obra 433 (1952), en su partitura no hay nada escrito: la obra es silencio. Cage se present a tocarla y la obra fue participativa, puesto que el ruido del pblico (murmullos, insultos, reacciones frente a la pieza silenciosa) constituyeron la obra en s misma. En este sentido, el mrito de Cage es conceptual: hizo partcipe, hizo msico al pblico, sin que ste se d cuenta. Algo similar hizo con otra obra, 308, en donde entr al recinto para tocar, le peg dos golpes a la tapa del piano y se qued en silencio el resto del tiempo, que era equivalente al nombre de su composicin. El silencio, entonces, tambien es msica para Cage, y toma esta idea de la msica oriental, que tiene otra concepcin del tiempo y los sonidos, distinta a la msica occidental. Este tipo de msica puede llamarse msica aleatoria. Tambien realiz partituras abiertas: haca perforaciones al azar en una hoja en blanco, y luego detrs de esa hoja colocaba una hoja 80

Arte, culturas y estticas pentagramada, calcando sobre ella las perforaciones. As, las notas estaban dadas por el azar y, por ende, tambien la composicin. Este mtodo est tomado del automatismo surrealista. La obra musical de John Cage constituye un punto de inflexin en la manera de pensar la msica occidental. Pero en la posguerra tambien hay otras propuestas, como el surgimiento de la msica electroacstica, en la que la partitura desaparece y las composiciones son escritas sobre hoja milimetrada, asumiendo un control total de lo que se ejecuta. Pero de todas las tendencias y propuestas, se destaca el auge de un estilo musical incomparable: el jazz. De origen afroamericano, el jazz surge a fines del siglo XIX en la zona de New Orleans, pero recien en 1917 sera llamado jazz, trmino de origen africano. La msica de jazz est basada en la improvisacin entre los msicos y, por ende, esquiva a la partitura y a la interpretacin cerrada en todo parmetro. Improvisar significa que el intrprete recrea libremente el tema en cada ejecucin sobre una determinada estructura armnica, ya sea en pblico o en un estudio de grabacin : la meloda funciona como tema principal e idea para desarrollar una posible interpretacin. En este sentido, la msica de jazz se centra ms en el intrprete que en el compositor. El jazz no permanece cerrado sobre s mismo, por lo cual es uno de los estilos musicales ms mezclable con estilos ajenos a l: rock, blues, bossa nova, etc. Es libre de todo parmetro, sea estilstico, de duracin de la cancin, o de ejecucin de la misma: lo que importa es cmo el msico siente a esa msica a la hora de interpretarla, permitiendo el azar y a la circunstancia como elementos vlidos a la hora de tocar. Algunos de los instrumentos que se destacan en el jazz son los vientos, como la trompeta, el corno y el saxo, y fueron muy comn los tros de piano-batera-contrabajo. De la infinidad de jazzistas, solo destacaremos a cuatro msicos, que constituyen puntos de especial interes dentro del jazz: John Coltrane (1926-1967) quien fue compositor y saxofonista, y se destac en los gneros del jazz de la dcada del 50 y 60 (hard-bop, free jazz y jazz modal). La obra de Coltrane est conscientemente vinculada al contexto sociohistrico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a travs de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crtica su obra maestra, a love supreme (1965). Una de las aportaciones ms reseables de Coltrane es la que se refiere a la extensin de los solos, al eliminar cualquier lmite temporal a los mismos y dejar su extensin acorde a las necesidades del intrprete, de ah que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos. Thelonious Monk (1917-1982) fue compositor y pianista, y se destac en el estilo llamado bebop, o simplemente bop. No solo fue un gran compositor (de hecho, gran parte de sus composiciones han sido reversionadas y reinterpretadas por los ms grandes msicos de jazz) sino que fue un improvisador brillante. Comenz tocando el rgano en una iglesia, y a mediados de los 30 empez a hacer giras por diferentes clubes nocturnos, en solitario o acompaado por otros msicos. A fines de la dcada del 40 empez a grabar sus discos, motivado por una prohibicin de tocar en clubes, luego de que la polica le encontrara estupefacientes. Luego continu tocando, hasta que en la dcada del 70 se recluy en su casa, afectado por problemas de drogas y alcohol, y continu tocando y grabando, pero nunca ms volvi a aparecer en pblico para interpretar su msica. Una de las caractersticas ms destacadas de Monk es su estilo nico, suelto, hasta desordenado. A diferencia de otros jazzistas ms tradicionales, Thelonious interpreta el piano con un tempo que a veces se corre, juega con las diferentes intensidades de cada tecla, emplea contrastes violentos en las melodas, que a veces suenan raros o incluso atonales, poniendo el sentimiento al servicio de la experiencia musical. En Thelonious hay tensin casi constante, no se aferra a ningun tradicionalismo, y con l el piano cobra identidad, suena en su totalidad, dialoga libre y provocativamente con el oyente. Un disco clave de Thelonious es brilliant corners (1956), en el que interpreta con su banda, a excepcin de la bellsima I surrender, Dear, en la que el piano es el nico protagonista. Bill Evans (1929-1980) fue compositor y pianista, destacado en el estilo de jazz post-bop, cool y msica modal. Evans parte del impresionismo de Debussy y Ravel, y trae al jazz una influencia de corte

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Arte, culturas y estticas clsico europea, llena de lirismo, relajacin e introversin. Dueo de una ejecucin clara, limpia, calma, pero no por ello menos compleja desde el aspecto compositivo y de arreglos musicales- se le ha reprochado un considerable efecto de monotona en una audicin global de su obra, debido a su apegamiento riguroso a un determinado estilo. Una de sus principales aportes es la consecucin de tros jazzsticos en los que el piano mantiene un autntico dilogo con la batera y el bajo. Una de sus obras claves es portrait in jazz (1959), disco en el que demuestra su riqueza como ejecutante y arreglador. Bill Evans es considerado uno de los ms importantes pianistas de la historia. Miles Davis (1926-1991) es probablemente el exponente ms importante del jazz. Compositor y trompetista cuya obra se enmarca en la segunda mitad del siglo XX, Davis participa con igual fuerza del bebop y del cool, como del hardbop y de la vanguardia jazzstica, sobre todo en su vertiente modal y de fusin con el rock. El sonido de su trompeta es absolutamente caracterstico por su uso de la sordina de acero Harmon, que le proporcionaba un toque ms personal e ntimo; el sonido es suave y meldico, a base de notas cortas, y tiende al lirismo y a la introspeccin. Estudi trompeta desde los 12 aos, y se dedic a interpretar su msica en los bares y clubes de jazz. Su obra cumbre, y que casi todos consideran es el disco de jazz ms importante de la historia, es kind of blue (1959). El xito en ventas y en crtica se basa en que ese disco es una sntesis de las diferentes tendencias del jazz, conjugado con referencias al rock y la msica clsica. De alguna forma, kind of blue deja implcita las posibilidades de la msica de la poca, en una sola placa, ejecutada de manera impecable. Davis le pidi a sus msicos que casi no ensayaran y ellos llegaron al estudio con una pobre idea de lo que iban a interpretar. Segn afirmaciones del pianista Bill Evans, Davis slo les dio bocetos de las lneas de escalas y melodas. Una vez en el estudio Davis les dio breves instrucciones de cada pieza y despus se pusieron a grabar. Si bien los resultados son impresionantes, teniendo en cuenta que entraron al estudio con una escasa idea de lo que haran, la creciente leyenda de que ste se grab en una sola toma es falsa. Sin embargo, el espritu de la improvisacin jazzstica est presente en el origen y en el resultado final del disco, siendo ste el emblema del jazz por excelencia. En la dcada del 50 surgira un estilo musical en Estados Unidos que, al da de hoy, continua vigente: el rock. En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cnticos religiosos y ritmos propios que marcaban los das de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacan presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se materializ en el blues. Por otro lado tambin la influencia de los msicos blancos a travs del gnero musical denominado country y la aparicin de la guitarra elctrica dara nacimiento a lo que se llam rhythm and blues, padre del rock and roll. Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949. El trmino rock and roll, o rock a secas, empez a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasa las luchas raciales para la poca, y aunque en esencia los dos gneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la msica que no mencione el conflicto racial. Hay quienes datan su origen en 1954, con los dos primeros trabajos discogrficos de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, que datan de 1954 y 1955, proyectando una influencia destacada en msicos como John Lennon. Otros consideran como creador a Elvis Presley (1935-1977), y eligen tambin como fecha del comienzo del rock and roll a 1954, ao en el que Presley edit su primer disco. Presley es conocido como el rey del rock and roll, y su talento y carismtica presencia lo colocan en un indiscutido lugar entre los msicos del siglo XX. Durante su carrera, protagoniz 31 pelculas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. Grab un total de 150 lbumes y obtuvo 14 nombramientos a los Grammy de la academia nacional de las artes y de las ciencias. Entre los msicos destacados de la poca se pueden citar a Jerry Lee Lewis (1935-) y a Buddy Holly (1936-1959), entre otros. A partir de los aos 60 tuvo un importante desarrollo y evolucin que se expres a travs de gran cantidad de bandas, de ritmos y de estilos que lo convirti en un fenmeno cultural y musical que se extendi alrededor del mundo. Como ya mencionamos, consiste en una conjuncin rtmica que se cimenta esencialmente sobre la msica negra. Su popularizacin sirvi para que muchos

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Arte, culturas y estticas msicos pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockers negros, como el mismo Chuck Berry (1926-), quien plasma la realidad social de su entorno en la cancin Johnny B. Goode. Caracterizado por un marcado ritmo y potencia, no es sino a partir de los aos 1960, cuando deja de ser el ritmo que representaba a los jvenes rebeldes en los 50, dando paso al gnero denominado rock o msica rock, que marcara un hito masivo entre la naciente generacin joven de los 60, entremezclndose con diversos estilos musicales hasta el da de hoy.

6.3. Expresionismo abstracto


Luego de la Segunda Guerra, el polo cultural-artstico se muda a Estados Unidos. All surge el la pintura del expresionismo abstracto, tambien llamado Escuela de Nueva York. El expresionismo abstracto es una pintura no-figurativa, es decir, no se ajusta a una representacin convencional. Pero se diferencia de pasadas abstracciones por cmo se representa y se llega a la obra final. Principalmente, y como dato de vital importancia, hay que destacar la influencia de la filosofa existencialista en los pintores expresionistas abstractos. Mediante la accin de pintar, el individuo se afirma como tal. Y no solo eso, sino que la pintura es espontnea, nica, es ese momento. En el expresionismo abstracto, el resultado final de la obra es secundario: lo importante es el proceso de realizacin de la pintura. Esto significa que, en muchos casos, el artista no sabe cual ser la imagen resultante de su proceso. El expresionismo abstracto est dividido en dos tendencias muy claras: el colour field, por un lado, y la action painting, o pintura de accin, por otro. La action painting tiene una relacin directa con el existencialismo, puesto que cada accin, cada gesto del pintor, es un reflejo de su propia vida. Entonces, los pintores abandonaron la pintura de caballete (el cuadro como frontalidad), y trabajaron en enormes telas dispuestas en el piso. El artista, entonces, se relaciona de otra manera con el cuadro: rota alrededor suyo, forzndole a percibirlo de una manera distinta. As, hay mayor comunicacin entre la pintura y el artista, reforzando esa idea de que lo que importa es el proceso de creacin, como ancdota histrica. Los materiales utilizados son novedosos, en ocasiones ajenos a la disciplina pintura: pinturas sintticas, brea, arena, barnices, etc. Y como los materiales cambiaron, tambien las herramientas: usaran palos, jeringas para chorrear pintura, brochas enormes, escobas, las manos y el cuerpo como herramienta gestual para pintar. Dentro de esta dualidad material/herramienta, se destaca una de las novedades que aport Jackson Pollock: el dripping o goteado. El dripping constaba de chorrear pintura sobre el lienzo dispuesto en el piso. Este goteado o chorreo produca puntos y lneas, y poda ser ejecutado volcando la pintura en estado lquido con una jeringa, salpicando con un pincel o, como haca Pollock, perforando la base de una lata de pintura, a la cual le ataba con una cuerda en la tapa superior. As, el balanceo de la lata, dado por el azar y tambien por la intervencin del cuerpo del pintor, daba los chorreados. Esta forma de pintar, muy gestual, tiene su origen en el automatismo psquico que elaboraron los artistas surrealistas y que ellos, cuando migraron a Estados Unidos por consecuencia de la guerra, le heredaron a los pintores locales. En la mayora de los artistas del expresionismo abstracto, entonces, se elimina el boceto, para darle valor a la accin, a lo instantneo. Tambien hay que aclarar que la Escuela de Nueva York no es una vanguardia, ya que no tuvieron concepcin slida de grupo, o una propuesta escrita en un manifiesto, o una bsqueda de cambio en la sociedad. De hecho, si bien hay algunos puntos en comn a la hora de cmo elaborar obra- cada autor tuvo su propia personalidad, puesto que lo expresado en la pintura era puntualmente la experiencia vital. El expresionismo abstracto puede considerarse como el primer movimiento pictrico norteamericano con proyeccin internacional. Dentro de la action painting abstracta, el representante ms importante (y tambien el ms grande y reconocido expresionista abstracto) es Jackson Pollock (1912-1956). La tcnica de Pollock se basaba en el dripping y el splashing (tcnica de lanzamiento de pintura sobre el lienzo), entre otras tcnicas similares, y algunas ms tradicionales. Sus obras son, en rasgos generales, maraas de lneas y puntos salpicados. Tal como la describimos anteriormente, Pollock reune todas las caractersticas de la action 83

Arte, culturas y estticas painting, y cada pintura es un momento anecdtico de su vida: la realizacin de la obra es nica e irrepetible. Al no haber ms modelo que el del gesto momentneo, las obras de Pollock y del expresionismo abstracto llegan a ser, para el crtico Clement Greenberg, el mximo progreso de la historia de la pintura (destacaremos esto posteriormente). Hay un cierto parentezco entre las obras de Pollock y la msica de jazz. En ambos, se compone sin proyecto, hay ritmo libre, improvisacin, mltiples puntos de interes/timbres/sonidos/colores, y no hay una sola forma de representar o de percibir la obra terminada, porque es abierta. En Pollock cada lnea, casa color, se estimulan y se lanzan uno contra otro, como los sonidos jazzeros que se interfieren, divergen y vuelven a conjugarse en una composicin nica. Pollock utiliz muchas clases de lpices, tizas, pasteles, ceras y pinturas (gouache, tempera, acuarela, esmalte y metlicas), as como tinta y cera derretida. Y, adems del papel de dibujo habitual, emple como soporte cuantas clases de papel tuvo a su alcance: cartulina, papel de trapos hecho a mano, papel de envolver, papel de arroz, tapas de cuaderno y papel de oficina. El aporte de Pollock al expresionismo abstracto, en cuanto a espontaneidad e innovacin, est ntimamente ligada a su experimentacin y su maestra en el medio grafico. Goz de gran popularidad, siendo en su momento considerado el pintor americano ms importante de la historia, y sus pinturas eran las ms vendidas. En este sentido, podra decirse que Pollock produca obra casi en serie, con un sentido netamente comercial. Es uno de los pocos expresionistas abstractos que, una vez terminado el momento de la accin, haca algun pequeo retoque compositivo a sus obras. Sus pinturas, como muchas de las obras de los expresionistas abstractos, no tenan ttulo, sino que se les llamaba por nmero. Su pintura #5, de 1948, es la ms cara de la historia, siendo subastada por 140 millones de dlares en 2006. La idea de que no poda superar su propia obra inclin a Pollock al alcoholismo. Falleci en un accidente automovilstico, producto de su estado de ebriedad, a sus 44 aos y en la cima de su carrera. Irnicamente, no todos los expresionistas abstractos fueron abstractos, pero se enmarcan dentro de la idea de la action painting, por lo cual, por proximidad histrica, esttica y conceptual, se los incluye en este grupo. El representante ms importante de la action painting figurativa, dentro del expresionismo abstracto, es Willem De Kooning (1904-1997). Este holandes lleg a Estados Unidos a sus 22 aos, y en la dcada del 40 tom contacto con las tendencias expresionistas abstractas. La formacin artstica de De Kooning provena del expresionismo, pero tambien tom elementos del cubismo y el concepto del automatismo surrealista para dejar fluir su pintura, sin intervencin de la conciencia en su realizacin. Su pintura es de accin, entonces, pero con una diferencia: conserva la figura humana como nico elemento figurativo. Sobre esto, Pollock le acusara: estas haciendo figuras. Estas haciendo todava la misma maldita cosa. Sabes que nunca vas a dejar de ser un pintor figurativo. Pollock consideraba que, con sus pinturas figurativas, De Kooning pona en riesgo la revolucin abstracta en la pintura que estaban realizando. Y si bien De Kooning lleg a tener una faceta netamente abstracta, sus cuadros que estan a mitad de camino entre lo figurativo y lo abstracto son los ms reconocidos. De hecho, su woman III (1952-53) es la segunda pintura ms cara de la historia, por la cual en 2006 un coleccionista privado pag 137,5 millones de dlares. Es parte de una serie de mujeres, representadas con rasgos espantosos, como aplastadas contra el fondo, absolutamente distorsionadas y reducidas a un esquema muy bsico. El resultado no dejaba de conmover, ya que se trataba de una interpretacin femenina desgarrada y cruel, bordeando incluso lo hiriente. Un icono de la desesperanza y el dolor en el que no hay espacio para la calma. Un ejemplo de una sociedad aturdida en el que lo banal, la publicidad y lo cotidiano van tomando cada vez mayor protagonismo. De Kooning a menudo trabajaba con los ojos cerrados, o manchaba la tela con color, para luego ir encontrando inconscientemente las formas figurativas. En De Kooning hay una bsqueda por romper la realidad, distorisionarla, degradarla, destruirla, todo ello basado en un sentimiento de angustia personal y exitencialista. Falleci de Alzheimer en 1997, luego de una intensa y prolfica carrera artstica. A mitad de camino entre la action painting y el colour field, hallamos a dos artistas principalmente. Por un lado Franz Kline (1910-1962), quien fue conocido como el artista del blanco y negro, etiqueta que el mas tarde aclarara: hay quien cree que tomo una tela blanca y pint encima un signo en negro, pero no es as. Yo pinto el blanco junto con el negro, y el blanco es igual de importante . De

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Arte, culturas y estticas hecho empleaba varios tonos distintos de pigmento blanco para matizar sutilmente la textura superficial, mezclando muchas veces pinturas comerciales y pinturas de artista. Sus monumentales pinturas gestuales en alto contraste son claramente reconocibles dentro del mbito expresionista abstracto. El otro artista es Robert Motherwell (1915-1991), quien expres una vez, cuando alguien le pregunt qu significaba aquello, en relacin a una de sus obras: a la pregunta de qu significa este cuadro, solo se puede contestar diciendo que es la acumulacin de cientos de decisiones con el pincel. Un dia determinado, o durante unas horas, puedo hallarme en un estado muy particular y hacer algo mucho ms ligero o mucho ms cargado, mucho ms pequeo o mucho ms grande de lo que hara normalmente, pero cuando trabajo concienzudamente en algo durante cierto tiempo, debo plasmar en ello todo mi ser. Esta definicin de qu es la pintura para Motherwell bien tiene relacin con la filosofa existencialista en boga. La obra de Motherwell encuentra un referente en la abstraccin geomtrica de Mondrian, pero en donde ste aplicaba la razn, Motherwell interviene con el sentimiento, que es lo primordial para l. Es uno de los pocos artistas que no pas por la figuracin, antes de llegar a la abstraccin. Licenciado en filosofa, realiz escritos muy accesibles relatando las teoras del expresionismo abstracto. En lo netamente plstico, el mayor objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y fsico del artista con el lienzo. Prefera utilizar la dureza de la pintura negra como elemento bsico; una de sus ms conocidas tcnicas consista en diluir la pintura con aguarrs para crear un efecto de sombra. Es una pintura gestual, enrgica, de colores vivos, contrastante, basada en la geometra y la forma definida. Su extensa serie de pinturas conocida como elegas a la Repblica Espaola es generalmente considerada su proyecto ms significativo, y est compuesta por casi 200 obras. Tambien trabaj con el collage basado en desechos de la vida cotidiana. Sobre el final de su vida, su pintura se tornar ms minimalista, dandole importancia al plano de color y unas pocas lneas esquemticas, como en sus series de pinturas abiertos y sus ventanas. La otra tendencia del expresionismo abstracto, al margen de la action painting, fue el colour field, o composiciones de campo de color extendido. Son superficies planas de color, sin signos ni gestos sobre l. El color genera atmsfera, sensacin de espacio, y se extiende por toda la tela, abarcando su inmensidad. No hay un foco de atraccin puntual, sino que es general. El representante ms importante de esta tendencia es Mark Rothko (1903-1970), quien despues de la Segunda Guerra abandona la figuracin surrealista y luego de un proceso de depuracin llega a su pintura de grandes reas de color puro. Los campos de color de Rothko se reducen a formas rectangulares con contornos imprecisos y confusamente definidos, con colores oscuros, suaves o vivos. Rothko aplica una pintura muy ligera en dos o tres rectngulos de contornos suaves, que llenan la tela cada vez con formatos de mayores dimensiones. Consigue gracias a la utilizacin de la aguada texturas transparentes, que crean una atmsfera brumosa frente al espacio visible de la tela como un espacio ilusorio y profundo. Mark Rothko, lo mismo que Pollock, quiere ir ms all del cuadro de caballete, aunque las motivaciones y el camino para lograrlo sean distintos. En Rothko, el color genera sensaciones y emocin. En 1951 escriba: pintar un cuadro pequeo es colocarte fuera de tu experiencia, es contemplar una experiencia con una visin esteriotipada o con una lente reductora. Siempre que pintas un cuadro grande, ests dentro de l. No es algo que t gobiernes . Los lienzos de gran tamao y su idea de envolver al espectador estan relacionados con la idea de hacer partcipe al espectador de una experiencia mstica, ya que Rothko le daba un sentido religioso a su pintura. Rothko sufre una gran depresin en los aos sesenta, y para ese entonces sus campos de color de vibrantes colores haban quedado en el pasado, por lo que en ese entonces trabaj con marrones, grises y tonos oscuros, incluyendo negro pleno. A causa de su depresin, se suicida en 1970. Otro importante representante del colour field es Ad Reinhardt (1913-1967). En este caso, la intencin del pintor es no dejar huella de su paso: no debe verse ni pincelada, ni gesto, ni caligrafa. Su trabajo evolucion desde composiciones con rectngulos y enormes formas geomtricas en los aos 1940, con sensacin de infinito, a trabajos en distintas tonalidades del mismo color (todo rojo, todo azul, todo blanco) en los 1950. Reinhardt es conocido por sus llamadas pinturas negras en la dcada de 1960, que en un principio parecan ser simplemente lienzos pintados de negro, pero estaban en realidad

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Arte, culturas y estticas compuestos por tonalidades de negro y cuasinegro. Entre otras evocaciones, estas pinturas pueden interpretarse como el cuestionamiento de si puede existir algo que sea tan absoluto, incluso en el negro, un color que algunos espectadores ni siquiera consideran como tal. Ademas, es una especie de cita al cuadrado blanco sobre fondo blanco del suprematista Malevich.

El terico y crtico de arte moderno Clement Greenberg (1909-1994) fue uno de los mayores defensores del expresionismo abstracto, aunque l no gustaba de ese rtulo para definir al estilo pictrico. Su pintor favorito y protegido era Pollock, y en base a su obra como en la del resto de los pintores de la Escuela de Nueva York, Greenberg defendera que el expresionismo abstracto es la cima de la pintura moderna. El basamento que tiene para decir eso es que, en el expresionismo abstracto, la pintura ha llegado a ser su propio tema, a nivel absoluto. Cuando mencionamos el relato vasariano, decimos que ese relato, cnon o discurso para valorizar una obra se basa en su nivel de naturalismo: mientras ms mimtica sea la obra con respecto a la realidad representada, mejor es. En cambio, el relato de Greenberg se rige por la idea que persigui y busc el arte moderno durante aproximadamente un siglo: encontrar y explotar los elementos propios de cada disciplina. La modernidad en la pintura se inici con Manet segn Greenberg-, con Van Gogh y Gauguin segn Arthur Danto-., puesto que las obras de estos artistas representaron los primeros intentos genuinos de que el arte abandone la mmesis, para centrarse en s mismo. Luego vinieron las vanguardias histricas, que a su manera hicieron bsquedas basadas en ideologas y contextos culturales determinados, y que explotaron diferentes aspectos del arte en s mismo. Pero desde la ptica de Greenberg, es incuestionable que el expresionismo abstracto lleg a la sntesis total: es pintura pura, y punto: no hay representacin mimtica porque es abstracta; no hay tema pactado, porque es espontneo y vital, existencialista; ni siquiera hay necesidad de que haya una herramienta como el pincel para aplicar la pintura, porque sta cobra autonoma por s misma, chorrea, se desliza, se busca, se transforma en su propio tema. Desde el punto de vista de Greenberg y de la concepcin de arte en este caso pinturacomo autorrepresentacin, el expresionismo abstracto es la cima del arte moderno, en lo estrictamente esttico-visual. Pero, qu sucede despues, si la pintura lleg a su punto mximo? Aqu es donde el relato de Greenberg ya no puede aplicarse y es necesario abordar otra ptica de estudio, basado en la filosofa del arte. Pero eso no suceder hasta que irrumpa el arte pop, en la norteamrica de la dcada del 60.

6.4. Informalismo
Mientras en Estados Unidos se despliega el expresionismo abstracto, en la Europa de posguerra se desarrolla el informalismo. Esta tendencia se desarroll principalmente en Pars y en Espaa, y este tipo de pintura, como su nombre lo indica, posee caractersticas informales de representacin. Los informalistas basaron su arte en la experimentacin desprejuiciada, sin buscar comunicar un mensaje metafrico: sus pinturas son hechos plsticos concretos, que permiten interpretaciones libres, infinitas, por parte del espectador. El panorama de posguerra no era alentador. Europa qued devastada por el conflicto blico, y todo ideal positivista qued disuelto. Los artistas que no migraron a otros pases y permanecieron en el viejo continente sufrieron la situacin histrica como cualquier otro europeo, y eso se canaliz en la obra que realizaron. Los pintores comenzaron a utilizar materiales ajenos a la pintura, en muchos casos materiales de primera necesidad o de lo que qued luego de la guerra, y los incorporaron al lenguaje plstico. Entonces, los informalistas emplearon leos y acrlicos, pero que convivieron con materiales como arena, cartn, piedra, alambre, telas rasgadas, chapa, brea, tierra, etc. El informalismo fue muy amplio, y los temas que abarc son igualmente variados, casi siempre marcados por esta concepcin pesimista de la existencia. En las obras, la barrera de figuracin y abstraccin es difusa, puesto que en varias pinturas ambos aspectos conviven armnicamente. Los artistas informalistas trabajaron con el gesto como expresin vital y principal del arte y del ser humano. En este 86

Arte, culturas y estticas sentido, esa espontaneidad y el marco histrico-geogrfico del informalismo tambien tiene relacin con la filosofa del existencialismo. Los informalistas destacaran el valor del inconsciente (influencia del automatismo surrealista), y consideran que cualquiera puede hacer arte, revalorizando las obras plsticas de los nios y los enfermos mentales. Hay un rechazo a la cultura propia y a la palabra escrita y, por ende, esquivan la bsqueda de un mensaje hermtico. Hay un inters por lo primitivo: el hombre primitivo siente que la razn y la lgica son imperfectas y por ello muestra ms confianza en otras formas para acceder al conocimiento de las cosas, una confianza que le lleva a admirar los estados que la cultura occidental identifica con el delirio. Los informalistas hallan estas formas de expresin, como ya se mencion, en la plstica de los nios y en esos seres que la sociedad estigmatiza como locos. Pero no slo en ellos, porque, en contra del mito occidental del genio, la capacidad para crear es comn: cualquiera puede hacer una obra de arte, siempre que su objeto no sea crear lneas bellas y bellas armonas de colores, sino expresar, de forma mucho ms eficaz que las palabras, los instintos, las pasiones o los sentimientos ms ntimos -y por tanto inefables- de un ser humano. De esta forma, la actividad artstica se convierte en una va de escape al totalitarismo de las convenciones culturales, aunque slo en la medida en que pueda liberarse de las propias convenciones que han imperado en el mbito artstico. Al clculo, el virtuosismo y los artificios espaciales que gobiernan el arte tradicional, los informalistas oponen el azar, la aparente torpeza y un respeto absoluto por la superficie plana del lienzo. Se reivindica el carcter inmediato, intuitivo y profundamente sincero de la materia: el gesto esencial del pintor es embadurnar, no extender con un pincel el color, sino zambullir sus manos en cubos y palanganas y masticar con las palmas y los dedos la tierra y la pasta del muro que tiene ante s. El artista se encuentra con el azar, con los caprichos de un material que se rebela. La realizacin de la obra se convierte en una aventura cuyo desenlace no se conoce y a la que el artista asiste como un espectador asombrado. El informalista por excelencia es Jean Dubuffet (1901-1985), quien rene en su obra todas las caractersticas citadas. Inici estudios de bellas artes, que no duraron ms de seis meses, al sentir l que las instituciones artsticas nada tenan que ofrecerle. Ya contando ms de 40 aos, luego de la Segunda Guerra, Dubuffet se interesa en los dibujos de los enfermos mentales, y comienza a elaborar su propia obra, sin preocupaciones estilsticas o estticas, y absolutamente libre de prejuicios, con una pintura de gran carga matrica. En esta poca, Dubuffet inicia su coleccin de lo que denominara arte bruto, como as tambien su actividad terica, escribiendo textos explicativos y orientativos respecto a su concepcin artstica, con ttulos como ms vale arte bruto que las artes culturales, revelador de las preocupaciones del artista. Hasta la dcada del 50 trabaja una primera etapa figurativa; en esta dcada la obra de Dubuffet estar dominada por el dilogo entre la superficie pictrica y la materia; as nacen series como suelos y terrenos, pastas batidas, celebracin del suelo, texturologas, ensamblajes o el gran ciclo de las materiologas. Cada una de ellas surge de un tema o un problema especfico al que el artista se consagra durante pocas determinadas, aunque en ocasiones vuelve a trabajar en ciclos ya cerrados. En julio de 1962, en un nuevo cambio. Dubuffet inicia su serie ms larga e importante, alejada de la concepcin informalista, a la que denomina L'Hourloupe. Durante ms de una dcada sus obras se pueblan de formas nacidas del entrecruzamiento aleatorio de trazos y de unos pocos colores elementales, principio de un caos que con el tiempo se materializan en tres dimensiones: primero sobre el soporte ligero y manipulable del poliestireno expandido, ms tarde en forma de grandes esculturas. En la dcada del 70 realiza sus series crayon-nages y teatros de memoria, en la que compone collages a partir de sus propias obras. Hacia 1980, problemas en las vrtebras obligan al artista a emplear tcnicas ms sencillas; sus ltimas series, miras y no-lugares, suponen la vuelta a la abstraccin . Otros informalistas europeos son Jean Fautrier (1898-1964), quien se destac dentro de la pintura matrica, y realiz muchas series temticas, como la serie rehenes. Las cabezas apenas esbozadas, con los rasgos desdibujados y sin identidad definida representan en la mencionada serie a los deportados en campos de concentracin. En Fautrier el dolor, la culpa y la responsabilidad del ser humano respecto a los hechos de la guerra son un tema recurrente. El aleman Wols (1913-1951), ademas de ser pintor fue fotgrafo y violinista. Su pintura es gestual, de trazos finos, figurativa, con un poco de bronca. Su vida

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Arte, culturas y estticas personal y, por ende los temas de su obra, fue trazada por el drama, la pobreza y la tragedia. En pocas de pobreza extrema, y durante muchos aos, lleg a alimentarse solo a agua, sin comer slidos. Wols falleci de un atracn de comida, aparentemente en mal estado, y es el prototipo del artista bohemio sufrido. En Espaa, especficamente en la ciudad de Madrid, se destaca el grupo El Paso, que tuvo vida entre 1957 y 1959. El grupo desempe un papel fundamental en el proceso de normalizacin de una vanguardia, desorientada y dispersa desde el final de la Guerra Civil. Presenta una significacin singular debido a la procedencia dispar de sus miembros, su coherencia plstica, a pesar de la fuerte individualidad de cada uno de sus componentes, y a su ideologa comprometida y radical. Los artistas de El Paso iniciaron su formacin en un ambiente artstico en el que la modernidad se abra paso de una forma precaria. En realidad, podra decirse que el arte de los miembros del grupo, al igual que el de otros muchos artistas de vanguardia de entonces, no se corresponda con las condiciones reales e histricas del pas. Su actividad fue una labor que tendi un puente, un paso, entre una modernidad invertebrada y una vanguardia radical. Los artistas de El Paso realizaron un arte en el que existen varios componentes que forman parte de un denominador comn: la primaca de una expresividad agresiva e intensa; la reduccin intencionada del color a unos lmites mnimos para su existencia y, por ltimo, a travs de ello, el convencimiento en una potica artstica del compromiso. Uno de los aspectos que definen la dimensin plstica de El Paso fue precisamente su preocupacin y actitud crtica ante la realidad y su compromiso con una situacin histrica. La vanguardia significaba rebelda, ruptura. El compromiso con la realidad del momento supona una misma actitud de lucha y negacin de lo establecido que los miembros de El Paso identificaron con su prctica artstica. Entre los artistas que lo integraron se hallan: Antoni Tapies (1923-), quien adhiri a la pintura matrica similar a la de Dubuffet o Fautrier, y realiz obras con gran carga matrica, con mixtura de diversos materiales en composiciones que adquieren la consistencia de muros o paredes, a las que aade distintos elementos distintivos a travs de signos que enfatizan el carcter comunicativo de la obra, semejando el arte popular del graffiti; Antonio Saura (1930-1998), pintor y terico del arte, quien se destac como artista figurativo, y realiz retratos imaginarios entre ellos el retrato de Brigitte Bardot-, destacando el pesimismo y la fealdad del ser humano y lo gestual de la pintura; y Manolo Millares (1926-1972), quien destac a la arpillera como soporte pictrico, elaborando homnculos: personajes desgarrados, desarticulados, como destripados, realizados con materia pictrica y tela cosida sobre el lienzo, y que son una metfora del humano como despojo existencial.

6.5. Lucio Fontana (1899-1968)


Lucio Fontana fue en la segunda posguerra el mximo exponente del espacialismo. Hijo de italianos establecidos en la Argentina, Fontana naci en Rosario, provincia de Santa F, y a los 15 aos empez a tomar contacto con la escultura en el taller de su padre. Estudi en Italia y Rosario, dedicndose exclusivamente a la escultura en bronce, terracota y yeso, siendo premiado en numerosas ocasiones y con varios trabajos encargados. En 1946 escribe el Manifiesto Blanco, en el que afirma que la era artstica de los colores y las formas paralticas toca a su fin (...) La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenmenos cuyo desarrollo simultneo integra el nuevo arte. Fontana advierte la insuficiencia del cuadro de caballete y de la inoperante distincin entre pintura y escultura. El arte, pues, deba proyectarse ms all de los lmites asignados por la tradicin de las artes plsticas, hasta integrarse con la arquitectura y ser transmisible a traves del espacio, para lo cual empleara los ms modernos medios tecnolgicos. En 1947 se instala en Miln, y toma contacto con las experiencias informalistas. Entre ese ao y 1952 realiza las exposiciones fundadoras del espacialismo. En la dcada del 50 incursiona en las ambientaciones: espacios cerrados donde exhiba sus pinturas, con elementos colgantes, luces y colores fluorescentes, en el que el espectador ingresaba para observar la obra... y la obra era la ambientacin en s.

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Arte, culturas y estticas Estas experiencias con ambientaciones no fueron bien recibidas, aunque una dcada despues el pop las hara masivas. En 1958 inicia su serie de los tagli (tajos) que continuar durante toda su carrera. Sus cuadros ms conocidos son los titulados concepto espacial, donde los protagonistas son los agujeros, piedras, tajos, perforaciones, rasgaduras en la tela generalmente pintada con un solo color. Estas obras son un alegato plstico en el que Fontana intenta conjugar pintura y escultura, mostrando la superficie plana del cuadro siendo penetrada, mostrando qu hay detrs, y as su correspondiente vaco/volmen. Tambien, el hecho que Fontana violente la pintura es una metfora de cmo, para l, la pintura de caballete deba ser dejada atrs, y que la representacin deba reformularse. Los tajos de Fontana son una reaccin de disconformidad con toda la tradicin pictrica, y sus conceptos espaciales hablan de la muerte del cuadro, tan presente en la dcada del 60. En ese sentido, Fontana dijo en uno de sus Manifiestos Espacialistas que el arte podr vivir un ao o milenios, pero siempre llegar la hora de su destruccin material. Consideraba necesario una nueva relacin, ms vital, entre la creacin del artista y la interpretacin del espectador. La figura de Lucio Fontana es una de las ms singulares y controversiales de la segunda mitad del siglo XX. Es evidente su protagonismo en el escenario artstico europeo de la segunda posguerra. Los lenguajes, estilos y medios diferentes que utiliz en sus obras lo convirtieron en un creador aparentemente contradictorio. Pero ms all de las aparentes polaridades, fue fiel a un pensamiento central: el hombre en el tiempo y el espacio.

6.6. Francis Bacon (1909-1992)


Un artista que merece un captulo aparte es el ingles-irlandes Francis Bacon. Su obra est al margen de cualquier clasificacin o convencionalismo, aunque puede vincularselo con el expresionismo, el surrealismo, e incluso con la obra escultrica moderna de Henry Moore. Algunos llegan a la conclusin de que su estilo se enmarca en la nueva figuracin. Naci en Dubln, Irlanda, y vivi toda su niez ah, hasta que por causa de la Primera Guerra Mundial se mud con su familia a Londres. A los 16 aos, su padre lo ech de su casa por mostrar inclinaciones homosexuales. Bacon decide pintar cuando, en 1930, ve una exposicin de pinturas de Picasso. En ese entonces, viva entre Londres y Berln, y era decorador de interiores. Comienza a pintar al leo de manera autodidacta, y en 1940 destruy sus propias pinturas. Este es un mnimo ejemplo del carcter personal de Bacon, personaje muy particular. En 1944 realiza tres estudios de figuras al pie de una crucifixin, una de sus pinturas ms famosas. A finales de los aos 40, ya instalado en Londres, empez a desarrollar su estilo tan caracterstico, y comenz con su serie de retratos del Papa Inocencio X (en base a un cuadro de Velzquez del mismo Papa), de los cuales se conservan ms de 40 versiones. En Bacon resaltan las cabezas y las bocas abiertas, como gritando, y uno de sus principales temas es el horror y la violencia, como realidad del mundo. De hecho Margaret Thatcher, primera ministra britnica, lleg a referirse a sus pinturas como asquerosos trozos de carne. Temas comunes en sus pinturas fueron los retratos y autorretratos, en muchas ocasiones divididos en trpticos, y mostrando distorsiones faciales monstruosas. Tambien pint a parejas en situaciones ntimas, mostrando, como l deca, la violencia de lo real. En los personajes de Bacon hay deformacin y reformacin; distorsin violenta de los cuerpos. Segn l, esta destruccin y reconstruccin del ser se da por su bsqueda de concentrar imgenes que quiero decir en una sola. Estos personajes de rasgos desfigurados, a mitad de camino entre el surrealismo y el expresionismo, tambien tienen una concepcin cncavo-convexa de sus partes, similar a la empleada por Henry Moore en sus esculturas, buscando la integracin del ser con su espacio. En Bacon, los espacios donde se ubican los personajes son cerrados, a veces opresivos, y estan dados generalmente por colores planos, como fondos bidimensionales, pero siempre hay alguna referencia a la perspectiva, generalmente dada por algun cubo o ilusin de fuga de la habitacin hacia atrs. En los personajes de Bacon hay soledad y desesperacin, se encuentran atrapados en un espacio plano, y lo buscado por el pintor es el shock visual: un efecto inmediato, casi fotogrfico, breve. Respecto a esto, el pintor dira: no 89

Arte, culturas y estticas tengo historia que contar con las imgenes. Y no siento nada cuando pinto. Bacon pintaba sin boceto previo, por lo cual permite un margen amplio para la espontaneidad y el error. Otra caracterstica de sus obras es que Bacon pintaba en el reverso de las telas, que por su excesiva textura no permite correccin alguna. Cada marca, cada pincelada, cada gesto es pensado, y una vez que se realiza bien o mal- integra la pintura. Giulio Carlo Argan dice: su figuracin dramtica, existencial, parece surgir de las cenizas de un informalismo en el cual la realidad humana se hubiera disuelto, anulado, dejando jirones de carne macerada. En las imgenes de Bacon parece como si la carne en descomposicin tratase de recomponerse laboriosa y dolorosamente en el cuerpo, en una angustiosa toma de conciencia de la propia condicin humana (...). De pronto nos encontramos de que el esculido caos representado por el pintor es una realidad que late bajo las apariencias cotidianas. Somos conscientes de que, si es verdad que la situacin de horror que Bacon analiza sin piedad y sin ira tiene un antecedente histrico bien definido, la guerra y los desastres de la guerra, sus pesadillas y su semilla de turbacin, enterrada pero no aniquilada a travs del tiempo, es verdad tambien que la guerra no cesar nunca. La personalidad de Francis Bacon merece prrafo aparte. Bacon llevaba una vida ms bien solitaria y poco dada a escndalos. Era homosexual, y tena gustos e intereses inusuales, pero vesta de forma austera y segua una rutina diaria ms propia de un trabajador. Despus de pintar, acuda a pubs a beber cerveza. Bacon era alcholico, y en su taller solan encontrarse cajas vacas de whisky Vat 69. Curioso y desordenado, el taller de Bacon acumulaba innumerables recortes de prensa y fotografas de obras de arte antiguas, especialmente de Velzquez. Tambin le interesaban las viejas pelculas de atletas saltando y corriendo, as como de aves y dems animales, pues le fascinaba el movimiento de los seres vivos, interes que explot en sus fotografas. El taller de Bacon estaba tan desordenado, que el artista pisaba sus propias obras. Sola desechar bastantes si no estaba satisfecho con ellas; en cierta ocasin entreg varias a un electricista que haba acudido a reparar algo. Dcadas despus, estas piezas fueron subastadas y alcanzaron altas cifras. El taller de Bacon fue donado por su heredero John Edwards al museo municipal de Dubln. Fue desmontado y trasladado como una obra de arte en s misma a dicho museo. Bacon fue un gran crtico, tanto de s mismo como del arte en general. De sus contemporneos expresionistas abstractos, dira: Rothko me deprime, y lo de Pollock parecen cordones viejos. De s mismo y sus obras, declar: sera una tortura que a la gente le gusten mis pinturas. Si no les gustan, significa que mis obras algo tienen adentro. Respecto a la muerte, dira: el artista busca vencer a la muerte dejando imgenes, pero al final nos morimos igual. Esta trgica postura casi existencialista se vea reflejada en otras frases del pintor: no creo en nada. Nacemos y morimos, es todo, soy optimista por nada, la vida vaca se vuelve desierto a tu alrededor, o respecto a su adiccin al alcohol declarara mi vida est a la deriva, va de un bar a otro. La pintura de Francis Bacon permanece al margen de cualquier tendencia masiva, y hoy da es tomado como un artista de culto. Sus obras y su mismsima personalidad- son de las que mejor representan al hombre del siglo XX: un hombre angustiado por la vida, pero entusiasmado por el arte.

6.7. Op-art
El arte ptico, tambien llamado op-art, es una corriente artstica abstracta nacida en 1958 en Estados Unidos, y se basa en la composicin pictrica de fenmenos puramente pticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engaando al ojo humano mediante ilusiones pticas. Se utilizan estructuras de repeticin con un orden claro, y surge como una derivacin de la abstraccin geomtrica (constructivismo, suprematismo, neoplasticismo, Bauhaus). Frente a otras tendencias racionales, el op-art se basa en principios cientficos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inditos. Se trata de un arte impersonal, tcnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuracin que ofrece. No debe confundirse con el arte cintico, que surge aos despues, y en el cual las obras poseen movimiento concreto. En el caso del op, las imgenes son estticas, pero el movimiento se genera ptica y psicolgicamente, es decir, en quien observa. El

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Arte, culturas y estticas espectador toma contacto y protagonismo con la obra, y la completa, ya que el efecto buscado por la obra solo se da si hay un espectador presente. Uno de los artistas ms importantes del op-art es Victor Vasarely (1908-1997). Desarroll un modelo propio de arte abstracto geomtrico, con efectos pticos de movimiento, ambigedad de formas y perspectivas, e imgenes inestables. Utiliz diversos materiales pero usando un nmero mnimo de formas y de colores. Tena consideracin por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas, color, etc). Busca efectos visuales tales como movimiento aparente, vibracin, parpadeo o difuminacin. Vasarely usa los recursos de lneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromticos marcados, ya sea poli o bicromticos, cambios de forma y tamao, combinacin y repeticin de formas y figuras, entre otros recursos pticos. Usa tambin figuras geomtricas simples, como rectngulos, tringulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. Otros representantes importantes del op-art y del arte cintico son el venezolano Jess Rafael Soto y el argentino Julio Le Parc. El op-art surge como una tendencia artstica, pero no persigue ningun mensaje, ni contrarrestar u opacar al expresionismo abstracto. Simplemente son experimentaciones visuales, netamente racionales y cientficas, cuyo nico fin es generar una sorpresa o juego visual en el espectador. De alguna forma, el opart es un preludio a lo cotidiano que explotar profundamente la esttica del arte pop.

7. El arte contemporneo
Tambien denominado arte posmoderno o arte poshistrico, el arte contemporneo comienza a desarrollarse, aproximadamente, en la dcada del 60, aunque se hallan algunos puntuales antecedentes dcadas antes. A lo largo de la historia del arte, ha habido dos grandes relatos que enmarcaron a la concepcin de las artes visuales en particular la pintura-. Por un lado, el mencionado relato enunciado por Giorgio Vasari en el siglo XVI, el cual defiende a la mmesis y la imitacin perceptual como factor para medir y valorar a la pieza artstica. Por otro lado, el relato de Clement Greenberg, quien se opone al relato vasariano, defendiendo al arte moderno, el cual se volvi su propio tema y experiment libremente con los materiales y lenguajes que lo hacen ser. Para Greenberg, el punto mximo del arte moderno, y por ende insuperable, fue el expresionismo abstracto, porque la pintura es su propio tema, despojada de representacin o elementos narrativos externos a ella. En el expresionismo abstracto, la pintura misma es el mensaje. Para Greenberg, el expresionismo abstracto sera insuperable, por sus infinitas posibilidades visuales. Desde una ptica netamente greenbergueana, no hay otra tendencia en pintura que sea ms moderna que el expresionismo abstracto, o un artista ms grandioso que Jackson Pollock. Esto es porque dentro de su relato esta pintura se jerarquiza. Su relato avala a Pollock y sus contemporneos. Pero, y despues, qu? Luego del expresionismo abstracto, apareci el pop. Greenberg jams lo tom como arte, y consideraba que despues del expresionismo abstracto no pas ms nada en el campo artstico, al punto tal que lo nico que l vi fue, en textuales palabras, decadencia!. Y uno de los narradores y filsofos del arte visual ms importantes, Arthur Danto (1924-), defiende la idea de que con el pop se inici el fin del arte, pero desde una ptica ms positiva y abarcativa que la de Greenberg. Esta afirmacin se inici el fin del arte- es bastante fuerte a simple vista, pero Danto la explica no tomando la idea de que el arte muri, sino con el concepto de que murieron los relatos. Danto explica que la obra que le llev a esta idea fue la Brillo Box (1964) de Andy Warhol. Fiel a su estilo pop, Warhol hizo fascmiles reproducciones- de las cajas de Brillo, un producto de limpieza para cocina que se venda en los supermercados de la poca. Cuando Danto vi la Brillo Box de Warhol en una muestra, not que a simple vista la caja corriente y la obra eran similares (la caja del producto es de cartn impreso, y las de Warhol estn impresas en cajas de madera, pero visualmente pueden confundirse), y eso le llev a reflexionar: que un objeto tan mezquino y miserable se vea elevado mediante su admisin en el mundo del arte, parece estar fuera de toda cuestin. Pero entonces advertimos que hemos confundido la obra de arte Brillo Box con su vulgar rplica en la realidad comercial. La obra proclama su reivindicacin de ser arte

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Arte, culturas y estticas en tanto que propone una metfora a ultranza: la caja de Brillo como obra de arte. Y al cabo, esta transfiguracin de un objeto corriente no transforma nada en el mundo del arte. Se limita a hacernos conscientes de las estructuras del arte, que ciertamente requirieron de un cierto desarrollo histrico antes de que esta metfora viniera a ser posible. Si lo visual no es pauta para determinar qu es arte y qu no lo es, en lo que a artes visu ales refiere, entonces, qu parmetro seguir? Bajo esta idea Danto elabora su teora de que el arte, o mejor dicho, los grandes relatos en el arte, han muerto. As, defiende la idea de que lo visual ya no es suficiente para analizar, teorizar y/o disfrutar sobre el arte: es necesario introducir la filosofa al arte, elevar el pensamiento a algo ms all de lo que los sentidos perciben. En el arte contemporneo, es necesario llegar a la idea, al concepto. En palabras textuales de Danto: el ejemplo de la Brillo Box deja claro que la diferencia entre arte y realidad no se puede entender mediante elementos puramente visuales, ni ensear el significado de la obra de arte por medio de ejemplos (...). El arte mostr a traves del pop cul era la pregunta filos fica natural sobre el arte. Era sta: qu diferencia una obra de arte de algo que no lo es si, de hecho, parecen exactamente iguales? Tal pregunta no se podra formular nunca cuando uno poda ensear el significado del arte mediante ejemplos, o cuando la distincin entre arte y realidad pareca ser perceptiva, como la diferencia entre la pintura de una cama y la cama real. Me pareci que si el problema filosfico del arte haba sido aclarado desde dentro de la historia del arte, entonces esa historia haba llegado a un fin. La historia del arte occidental se divide en dos episodios principales, lo que llam el episodio Vasari y lo que llam el episodio Greenberg. Ambos son progresivos. Vasari, definiendo el arte como representacional, lo concibe como una bsqueda a traves del tiempo para mejorar las apariencias visuales. Ese relato concluy en la pintura cuando el cine demostr ser sobradamente mejor para retratar la realidad. La modernidad empez preguntandose qu debera hacer la pintura a la luz de esto. Y empez a buscar su propia identidad. Greenberg defini el nuevo relato en trminos de un ascenso a las condiciones identificatorias del arte, especficamente lo que diferencia al arte de la pintura de cualquier otro arte, y lo encontr en las condiciones materiales del medio. El relato de Greenberg es muy profundo, pero concluye con el pop, sobre el que nunca fue capaz de escribir sino desdeosamente. Lleg a un final cuando el arte lleg a un final, cuando el arte, tal como era, reconoci que la obra de arte no tena que ser de ninguna manera especial. Empezaron a aparecer consignas como cualquier cosa es una obra de arte o cualquiera es un artista, lo cual nunca haba sucedido en ninguno de los grandes relatos que cito. Haba terminado la historia de la bsqueda del arte tras la identidad filosfica. Y ahora que termin, los artistas fueron libres de hacer cualquier cosa que quisieran. Haz lo que quieras. Pintar casas solitarias de Nueva Inglaterra o hacer mujeres fuera de la pintura o hacer cajas o pintar cuadrados. Ninguna cosa es ms correcta que otra. No hay una sola direccin. De hecho no hay direcciones. Y esto es lo que quera decir con el fin del arte cuando empec a escribir sobre eso a mediados de los ochenta. No que muriera o que los pintores dejaran de pintar, sino que la historia del arte, estructurada mediante relatos, haba llegado al final. Lo que Duchamp y Warhol hicieron, con los ready-mades y los objetos pop, respectivamente, fue definir el contexto cultural en que ellos vivan. Un mingitorio de fabricacin industrial era un objeto cotidiano en 1917, una caja de limpiador en 1964 se hallaba en un supermercado de la poca. Uno es la industrializacin, el otro el comercio y el capitalismo. Aun hoy son vigentes, pero no antes de su propia poca. Pero el mrito principal de Duchamp y Warhol no fue el de definir su tiempo, porque irnicamente son personajes que supieron ver mas all. El arte de Warhol y Duchamp es un arte que triunfa ante la ausencia o el desuso de consideraciones sobre el gusto, demuestra que la esttica no es, de hecho, una propiedad esencial o definitoria del arte. Esto, segn Danto, no solo puso fin a la era del arte moderno, sino a todo el proyecto histrico que caracteriz a ste, esto es, por buscar distinguir lo esencial de las cualidades accidentales del arte de las contaminaciones de la representacin, la ilusin y cosas semejantes. En el arte posmoderno, la bsqueda esttica de el arte se vuelve su propio tema no es el eje central, sino el definir cmo se distingue al arte de la realidad misma. Si el mingitorio en el museo es idntico al del bao pblico, si la caja Brillo del supermercado es idntica al Warhol, pero una

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Arte, culturas y estticas es arte y la otra no, queda en evidencia que el arte tiene propiedades que lo hacen ser arte, que van ms all de lo estrictamente esttico. Para concluir esta introduccin, nuevamente se cita a Arthur Danto: el arte mismo se plante la verdadera forma del problema filosfico, esto es, la cuestin de la diferencia entre las obras de arte y los objetos reales. El momento filosfico se haba alcanzado. Los problemas son explorados por los artistas interesados en ellos, y por los mismos filsofos, quienes ahora empiezan a hacer filosofa del arte de un modo que producir respuestas. Decir que la historia termin es decir que ya no existe un linde de la historia para que las obras de arte queden fuera de ella. Todo es posible. Todo puede ser arte. Y, porque la presente situacin no est esencialmente estructurada, ya no podemos adaptarla a un relato legitimador. Se inaugura la poca de mayor libertad que el arte ha conocido. Uno de los mayores problemas a la hora de tratar como tema a la posmodernidad o la contemporaneidad resulta justamente en llegar a un concepto o definicin precisa de lo que es. La dificultad en esta tarea resulta de diversos factores, entre los cuales los principales inconvenientes son la actualidad, y por lo tanto la escasez e imprecisin de los datos a analizar. Como tambin la falta de un marco terico vlido para poder analizar extensivamente todos los hechos que se van dando a lo largo de este complejo proceso que se llama posmodernismo. Pero el principal obstculo proviene justamente del mismo proceso que se quiere definir, porque es eso precisamente lo que falta en esta era: un sistema, una totalidad, un orden, una unidad, en definitiva coherencia. Se suele dividir a la posmodernidad en tres sectores, dependiendo de su rea de influencia. Como un periodo histrico, como una actitud filosfica, o como un movimiento artstico. Histrica, ideolgica y metodolgicamente diversos, comparten sin embargo un parecido de familia, centrado en la idea de que la renovacin radical de las formas tradicionales en el arte, la cultura, el pensamiento y la vida social impulsada por el proyecto modernista, fracas en su intento de lograr la emancipacin de la humanidad, y de que un proyecto semejante es imposible o inalcanzable en las condiciones actuales. Frente al compromiso riguroso con la innovacin, el progreso y la crtica de las vanguardias artsticas, intelectuales y sociales, al que considera una forma refinada de teologa autoritaria, el contemporaneidad defiende la hibridacin, la cultura popular, el descentramiento de la autoridad intelectual y cientfica y la desconfianza ante los grandes relatos.

7.1. La dcada del 60


Luego de la segunda posguerra, la dcada del 60 present una heterogeneidad de eventos considerable. La Guerra Fra se profundiz, mientras Estados Unidos y la Unin de Repblicas Socialistas Soviticas iniciaron lo que se llam la conquista del espacio, enviando numerosos satlites al espacio exterior. Incluso, en 1969, el hombre lleg a la luna, aunque algunos sectores crticos dudan de la veracidad del hecho. Mueren asesinados John F. Kennedy, Martin Luther King y Ernesto Che Guevara. Ademas, numerosos pases africanos consiguen su independencia. Dentro de este contexto histrico mundial, un hito ineludible es la guerra de Vietnam. Este conflicto en la pennsula de Indochina tuvo lugar entre 1958 y 1975, y enfrent a los Estados Unidos y el gobierno de Vietnam del Sur por un lado, contra Vietnam del Norte y las guerrillas comunistas que actuaban en Vietnam del Sur por otro. La guerra del Vietnam fue la ms larga de la historia norteamericana, supuso para este pas una experiencia de fracaso y frustracin, constituyendo, sin lugar a dudas, el ms serio fracaso de EE.UU. en la Guerra Fra. En 1954, los Acuerdos de Ginebra haban consagrado la particin de Vietnam en dos: un Vietnam del Sur anticomunista, apoyado por Estados Unidos, y un Vietnam del Norte comunista, apoyado por la URSS. La corrupcin del dirigente de la particin sur hizo a su rgimen crecientemente impopular y finalmente fue derrocado y asesinado por sus propios militares en 1963. Mientras tanto, se haba creado en Vietnam del Sur un Frente Nacional de Liberacin, donde se aglutinaba toda la oposicin incluyendo

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Arte, culturas y estticas los comunistas. En 1964, la situacin pareca desesperada para Vietnam del Sur, y Estados Unidos, alegando como justificacin un incidente contra uno de sus destructores en 1964, inici una intervencin abierta contra la amenaza comunista. Se pas de 4000 soldados norteamericanos en 1962 a casi 500.000 en 1967. Los bombardeos masivos, el uso de agentes qumicos, la crueldad de la guerra retrasmitida por los medios de comunicacin hicieron enormemente impopular la poltica de Estados Unidos en el Tercer Mundo, el bloque comunista y en partes significativas de la opinin pblica occidental. Dentro del propio pas, la oposicin a la guerra se extendi entre la juventud ligndose a movimientos contra el sistema, como el movimiento hippie. Tras la ofensiva vietnamita del Tt en 1968, el presidente Johnson decidi el progresivo desvinculamiento del conflicto y la bsqueda de una solucin negociada. Tras una compleja fase de negociaciones y enfrentamientos militares, se firm en Pars en enero de 1973 un acuerdo de paz. En agosto de 1973, el Congreso norteamericano prohibi cualquier reanudacin de la intervencin norteamericana. La retirada de las tropas estadounidenses hizo que el rgimen de Vietnam del Sur se derrumbara inmediatamente. La ofensiva final comunista tuvo lugar en la primavera de 1975. La derrota supuso un verdadero trauma para EE.UU. 58.000 muertos, 300.000 heridos, centenares de miles de soldados con una amplia adiccin a las drogas y con serios problemas de adaptacin a la vida civil y, fundamentalmente, el orgullo de potencia herido. Lo que se vino a denominar el sndrome de Vietnam supuso en el corto plazo una gran renuencia a la intervencin militar exterior por parte de la potencia norteamericana. En este contexto, entonces, surgen los hippies, quienes fueron parte del llamado movimiento de contracultura de los aos 1960. Adoptaban un modo de vida comunitario, basado en el amor y la paz, renegaban del nacionalismo y de la Guerra de Vietnam, tomaban elementos de religiones como el budismo, el hinduismo, y tambin de las religiones de los indios norteamericanos. Estaban en desacuerdo con los valores tradicionales de la clase media estadounidense, automarginandose de la sociedad y oponiendose a los valores y costumbres comunmente aceptados. Consideraban el paternalismo gubernamental, el militarismo, las empresas multinacionales y los valores sociales tradicionales como parte de un sistema que, a sus ojos, no tena legitimidad. Por s mismo el movimiento no tena un carcter ideolgico ni poltico claramente definido, aunque sus ideas y su modo de vida tienen cierta similitud con algunos aspectos del anarquismo, como, por ejemplo, la vida en comunas. El movimiento hippie tuvo su apogeo en fines de los aos 1960 cuando acontecimientos como la Ofensiva del Tt en Vietnam comenzaron a demostrar que la guerra no estaba ganndose. Para ambos sexos, tanto el cabello largo como su forma de vestir funcionaban como seal de pertenencia a esta contracultura y muestra de su actitud iconoclasta. Predicaban el amor libre, y se destaca el generalizado uso de drogas entre ellos, principalmente marihuana y cidos. Estas actitudes de evasin de la realidad son consecuencia del contexto histrico y cultural que les rodeaba: una guerra insensata, la posibilidad de exterminio a manos de una bomba atmica, un deseo de vivir el hoy, y de explorarse como seres humanos. En los aos 70 contaban con el desprecio del presidente Nixon por su tendencia pacifista; pero entonces ya esta de su lado la mayor parte de la poblacin de Estados Unidos. Alrededor de 1980, gran parte del estilo hippie, pero muy poco de la esencia del movimiento, fue absorbido por la cultura mayoritaria. El contexto histrico era otro. La prensa generalista perdi inters en esta subcultura. Por su parte, muchos de los antiguos hippies se integraron en la corriente dominante de pensamiento y los sistemas sociales y econmicos de los que haban renegado. No obstante, otros hippies continuaron manteniendo un compromiso profundo con esta forma de vivir y sus ideales. El otro hito de especial importancia fue el Mayo Frances, ocurrido en el citado pas europeo, pero principalmente en Pars, en mayo y junio de 1968. El Mayo Frances se dio como consecuencia de la convergencia de protestas entre sectores de estudiantes universitarios y secundarios, y el movimiento obrero. La magnitud alcanzada por las protestas no haba sido previsto por el gobierno francs, que lleg a temer una insurreccin de carcter revolucionario tras la extensin de la huelga general. Sin embargo, la

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Arte, culturas y estticas mayor parte de los sectores participantes en la protesta no llegaron a plantearse la toma del poder ni la insurreccin abierta contra el Estado, y ni tan siquiera el Partido Comunista Francs lleg a considerar seriamente esa salida. Los sucesos de mayo y junio en Francia se encuadran dentro de una ola de protestas protagonizadas, principalmente, por sectores politizados de la juventud que se oponan a la guerra de Vietnam, el imperialismo norteamericano, y defendan su derecho a la educacin superior a la cual se haba empezado a acceder masivamente durante la dcada del 50-. Por su parte, las protestas obreras confluyeron en la mayor huelga general de la historia de Francia y, posiblemente, de Europa al ser secundada por ms de 9 millones de trabajadores. Esta juventud que empezaba a conscientizarse sobre su existencia como categora socio-cultural de peso no solo se dio en Francia, sino en todo el mundo. Frases como seamos realistas: pidamos lo imposible o la imaginacin al poder poblaron las protestas y se volvieron emblemas del Mayo Frances y de la lucha joven. Tanto estudiantes como obreros cuestionaron y criticaron el estilo de vida ofrecido por el mercado de consumo y la organizacin capitalista de la posguerra. El socilogo Gilles Lipovetsky opina sobre el Mayo Frances y lo considera irnicamente- como la primera revolucin individualista, en relacin a cmo las protestas de mayo del 68 eliminan la ideologa de la lucha de clases y la violencia de revoluciones histricas, como sucedi, por ejemplo, en la mismsima Revolucin Francesa. Lipovetsky dice: Mayo del 68 es un testimonio de esa suavizacin del conflicto social. Las discusiones suscitadas en torno a la naturaleza del movimiento son en este sentido significativas: revolucin o happening? Lucha de clases o fiesta urbana? La revolucin se vuelve indecidible, pierde sus seas de identidad. Por una parte, mayo del 68 se inscribe an en el mbito del proceso revolucionario y subversivo: barricadas, enfrentamientos violentos con las fuerzas del orden, huelga general. Por otra, el movimiento no tiene ningun objetivo global, poltico y social. Revolucin sin proyecto histrico, el Mayo Frances es un levantamiento cool sin muerte, una revolucin sin revolucin, un movimiento de comunicacin a la vez que enfrentamiento social (...). La originalidad de mayo es su sorprendente civismo: en todas partes se instaura la discusin, las pintadas florecen en las paredes, peridicos, carteles, la comunicacin se establece en las calles, en las aulas, en los barrios y en las fbricas, all donde normalmente no existe (...). No se trataba una vez ms de tomar el poder, de sealar a los traidores, de trazar lneas que separasen buenos y malos; se trataba, por la va de la expresin libre, de la comunicacin, de la oposicin, de cambiar la vida, de liberar al individuo de las mil alienaciones que le torturan cada da, desde el trabajo hasta el supermercado, desde la tele hasta la universidad. Liberacin de la palabra, el mayo del 68 est movido por una ideologa flexible, poltica y convivencional(...), de crtica poltica y de utopa potica; un relajamiento, una desestandarizacin terica y prctica habita el movimiento (...). Mayo del 68 es ya una revolucin personalizada (...). Mayo del 68 tiene una doble cara: moderna por su imaginario de la Revolucin, y posmoderno por su imaginario del deseo y de la comunicacin, pero tambien por su carcter imprevisible o salvaje, modelo probable de las violencias sociales del futuro. En este contexto, en que la juventud alza su voz, los individualismos comienzan a acentuarse y los grandes relatos modernos caen estrepitosamente, se comienza a instalar la idea de posmodernidad, no solo en el arte, sino en la mismsima cultura mundial.

7.1.2. Pop art


Por algunos considerados el ltimo movimiento de arte moderno junto con el minimalismo-, por otros tomado como el primer movimiento de arte posmoderno, el pop art se ubica temporalmente en la dcada de 1960, y constituye una bisagra en la historia del arte, por el fundamento conceptual-filosfico que implica, y que desarrollamos al mencionar el anlisis de Arthur Danto. Como antecedentes del pop podemos mencionar: los collages de Picasso y del dadasta Kurt Schwitters, los ready-mades de Duchamp, algunas obras del expresionista abstracto Robert Motherwell en donde se incorpora el collage de publicidades y packagings de productos, entre otros. Sin embargo, 95

Arte, culturas y estticas mientras que en estos artistas estas caractersticas tienen una funcin plstico-visual, en el pop cobra una dimensin ms profunda. Uno de los artistas ms vinculados al pop, que puede ser considerado como antecedente, es Edward Hopper (1882-1967). Pintor del realismo norteamericano, su produccin pictrica es relativamente pequea, ya que fue un pintor de ejecucin lenta y pausada. En un primer momento se relacion con la denominada American Scene, un grupo heterogneo de artistas que compartan un mismo inters por los temas propios de Amrica, pero pronto Hopper desarroll su personal estilo pictrico. Su carcter taciturno y sus formas austeras, tuvieron un fuerte reflejo en su obra, que se caracteriz por la simplificada representacin de la realidad y por la perfecta captacin de la soledad del hombre contemporneo. A travs de su pintura nos acercamos a la Amrica de la Gran Depresin, que para l simbolizaba la crisis de la vida moderna. El tratamiento cinematogrfico de las escenas y el personal empleo de la luz son los principales elementos diferenciadores de su pintura. Aunque pint algunos paisajes y escenas al aire libre, la mayora de sus temas pictricos representan lugares pblicos, como bares, moteles, hoteles, estaciones, trenes, prcticamente vacos para subrayar la soledad del personaje representado. Una del las obras ms conocidas de Hopper, quien acenta el efecto dramtico a travs de los fuertes contrastes de luces y sombras, es nighthawks, o halcones de la noche (1942). Si bien se desarroll en Estados Unidos en la dcada del 60, el origen del pop se da en Inglaterra. A comienzos de los aos cincuenta, algunos artistas e intelectuales se dieron cuenta de que su cultura estaba cada vez ms influenciada por los medios de masas, las tecnologas y los mecanismos civilizadores, y que este proceso tambien estaba ligado a una apreciable consolidacin del americanismo en Europa y el mundo. Esta influencia provoc un cambio esttico y conceptual en las obras, alejandose del gusto esttico instalado, del cual Henry Moore entre otros- era protagonista. En 1956 un artista ingles llamado Richard Hamilton (1922-) realiza el collage qu es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?. El extenso ttulo del pequeo collage (26 cm x 25 cm) remita a todas las innovaciones tecnolgicas y de consumo personal en boga. Realizado con recortes publicitarios de revistas y diarios, la imagen describe el interior de un hogar de la poca, con diversos guios populares: el escudo de Ford, un grabador a cinta magntica, una seora utilizando una aspiradora, una tapa de un comic, una televisin, un enorme jamon sobre la mesa, y una ventana que da a un cine. Protagonizan la escena una pareja, de la cual se destaca el hombre, musculoso y evidentemente fisicoculturista, sosteniendo un chupetin enorme que en su envoltorio posee la palabra pop. Esta obra rene los elementos propios del movimiento: collage, imagen y tema cotidianos, y una observacin objetiva de la realidad de poca. En Inglaterra, ademas de Hamilton, se destaca la figura del escocs hijo de padres italianos Eduardo Paolozzi (1924-2005), quien tambien explot las posibilidades del collage como elemento pop. De hecho, el trmino pop! apareci por primera vez en uno de sus collages, de 1947. Aunque su origen es ingles, el pop se desarroll fundamentalmente en Estados Unidos, aproximadamente a partir de 1962, ao en que el expresionismo abstracto como movimiento estaba practicamente agotado. Como ya describimos, el pop es un cambio radical, filosfica y conceptualmente hablando, no solo en comparacin al expresionismo abstracto, sino a la concepcin de arte visual en general. Como primera caracterstica de interes, podemos afirmar que el pop se acerca a la praxis vital del hombre, tiene una estrecha relacin arte-vida. Esto significa que las imgenes del pop tienen una relacin directa y cercana con la cotidianeidad del lector visual: el observador ya conoce a la lata Campbell porque la vi en el supermercado o en su mesa, o sabe que ese cuadro enorme remite al pequeo recuadro de un cmic. El arte pop le es familiar, a diferencia del expresionismo abstracto, una pintura independiente, si se quiere infinita, pero que se autoabastece y es una ancdota del pintor. Como oposicin, el pop lleg ms al pblico comn, luego de sortear, como es esperable, la crtica y la negacin inicial. Al igual que el expresionismo abstracto, el pop no es una vanguardia artstica. Es un estilo, es una unidad temtica, una forma de pensar y expresar arte y cultura si se quiere-, pero no rene caractersticas de vanguardia histrica, no solo por su desubicacin histrica en relacin a stas, sino por la falta de unidad dentro del mismo movimiento. En el pop habr tantos estilos y temas como artistas pop hay, y esto tambien se daba en el expresionismo abstracto. Cada uno de los artistas visuales pop desarroll una

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Arte, culturas y estticas identidad y un programa esttico-conceptual personal, por lo cual cada uno requiere un estudio y anlisis particular. Sin embargo, podemos destacar algunas caractersticas comunes que aglutinan a todos estos artistas bajo el rtulo de pop. El filsofo y terico del arte contemporneo Simn Marchan Fiz (1924 -) defiende la idea de el pop como imagen de la cultura popular. El pop toma elementos en boga, de moda, en su esplendor de popularidad, ya sea un producto o un famoso tambien considerado producto-, que representan, sociolgica y econmicamente, las superestructuras de las sociedades de consumo ms desarrolladas del capitalismo tardo. Muchos de estos artistas hacen una crtica a la obra nica, por lo cual la multiplican, como si se tratara de productos de consumo masivo. Esta seriacin muchas veces no es consciente. En algunos casos la repeticin se da en la misma imagen: el ejemplo es el retrato de Marilyn multiplicado cuatro veces. En otros la repeticin est dada por la seriacin: el ejemplo es, tambien con el retrato de Marilyn, que muchas obras pop fueron realizadas en serigrafa, tcnica de grabado que permite la multiplicidad de copias. La relacin entre el arte y los aparatos de consumo, entonces, es ideolgicamente estrecha. Sin embargo, en el arte pop no hay una crtica hacia la sociedad de consumo, sino que la muestra, y de alguna forma jerarquiza a elementos cotidianos. Muchos de los artistas eran publicistas, decoradores de interiores o fotgrafos, por lo cual esa concepcin de arte cercano a la praxis cotidiana estuvo siempre presente, sin que ello implique una crtica. La evidente similitud entre las obras de arte y los objetos reales el paradigma es la ya mencionada Brillo Box de Warhol- plante el dilema que desarrolla Danto: qu diferencia una obra de arte de algo que no lo es si, de hecho, parecen exactamente iguales?. En este sentido, el pop es un arte conceptual, aunque se viste con elementos superficiales, cotidianos, mundanos. Debajo de esa imagen fugaz, hasta publicitaria, se esconden ms preguntas y significados, que no siempre se llega a decodificar. Por eso el pop es un arte que, actualmente, es muy aceptado, ya que estticamente gusta, y a los conocedores les interesa su sentido filosfico-conceptual. Los temas del pop art, entonces, estaran relacionados con la cultura popular, propia de la sociedad de consumo y de masa. Los mitos de la vida diaria que se manifiestan en este contexto tienen una doble cara positiva-negativa: optimismo constructivo y sndrome de decadencia, credibilidad en el progreso y miedo a la catstrofe, sueo y trauma, lujo y miseria. La disponibilidad total de los productos ha dado lugar al problema de los desperdicios de una sociedad despilfarradora en la que los deseos y destinos individuales desaparecen dentro de la masa. El culto a las estrellas populares es otro ms de los smbolos del sufrimiento de la poca. Los rostros maquillados y embellecidos proporcionan los conos de los aos 60, y compensan la frustracin e insignificancia del consumidor que se asfixia en el anonimato. La imagen dirigida hacia el exterior, lo personal que simulan los rostros de las estrellas, oculta su fragilidad y propensin interna frente a los hechos reales de la vida diaria. Las depresiones de Liz Taylor, el suicidio de Marilyn Monroe en 1962 (odio ser una cosa, lleg a decir) y la soledad de Elvis Presley, forman parte del rostro de esta poca que choca continuamente con los lmites de sus posibilidades ilimitadas. Un rasgo trascendental de la poca es el diseo: de productos de consumo, del automvil, del mueble, publicitario, fotogrfico, de los envoltorios, de la moda y de los medios de comunicacin. Las ramas se expanden para crear tipos segn los modelos estticos, las normas de venta y los esquemas de la publicidad, en armona y de acuerdo con el marketing, la investigacin de la conducta y la estadstica. Los artistas tomaron estos modelos, mostrando la esttica de los productos, pero vacindolos de su contenido. Las marcas de productos son el sinnimo de lo que se vende. En este sentido, Coca-Cola, Pepsi, Campbell, los chupetines y cigarrillos son los principales protagonistas. Los artistas pop tambien hacen citas al arte del pasado, incorporando en sus composiciones reproducciones de obras de por ejemploMondrian o Leger. Otro de los temas predilectos es, por supuesto, el dinero. La imagen del dlar aparece repetida infinidad de veces, pero en este caso la multiplicacin no es exacta. Cada dlar es distinto uno de otro, gastado, extrao, degradado, en algunos casos arrugado o violentado. Para los americanos, el dinero es un elemento dominante que lo une todo y la nacin es el otro smbolo de identificacin que lo abarca todo: Amrica como concepto y forma de vida, metfora e identidad nacional y social que relaciona al individuo con la comunidad. Por consiguiente, otro tema en el pop ser la bandera nacional, que tendr aparicin masiva, tanto en las obras como en la vida misma. No existe ningun acontecimiento en Amrica, ninguna fiesta familiar, aniversario, fiesta de la bandera, desfile o concierto pblico donde no

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Arte, culturas y estticas est presente. La bandera popularizada por la industria del ocio y las baratijas, es un elemento decorativo, el emblema de Amrica y smbolo del american dream. Tambien el pop mostrara los espacios ntimos y privados de los individuos, tales como baos, cocinas, habitaciones de hogares de diseo contemporneo. De alguna forma, lo privado se hace pblico. Y tambien en los temas del pop se da lo que enunci el semitico Marshall McLuhan, acerca de que el medio es el mensaje. Destacaremos a algunos de los artistas visuales del pop, dejando a Andy Warhol, su mximo representante, para un posterior anlisis puntual. Cabe destacar que en el pop aparece un rasgo caracterstico del arte posmoderno: las disciplinas visuales no se presentan puras, sino que son hbridas. Esto quiere decir que el lmite entre una prctica artstica y otra comienza a disolverse, en funcin de una idea o concepto, que es ms importante que la tcnica de ejecucin en s. Entonces, aparecen obras que son pintura con collage, collage y escultura, fotografa y pintura, o las llamadas tcnicas mixtas, que implican 3 o ms tcnicas utilizadas en la misma obra. Dentro de la pintura-collage, hallamos a Jasper Johns (1930-), un pintor que es reconocido por su famosa serie de banderas norteamericanas. Johns, con esta serie, elaborara la pregunta es una pintura o es una bandera?, llegando a una profunda reflexin acerca de los significados y significantes del arte visual. Johns dice: el cuadro de una bandera trata siempre de una bandera; pero creo que no trata ms de una bandera que de una pincelada, un color o la estructura fsica de la materia pictrica. Entonces, Johns ejemplifica su concepto con el cono norteamericano por excelencia: reflexiona sobre la percepcin y la significacin detrs de ella. Es pintura o es bandera? En todo caso, ambas, pero la duda est planteada, no solo en su obra sino en la estructura del arte en s mismo. Johns tambien realiz targets (pinturas en las que los crculos simulan una superficie de tiro al blanco), y pinturas con nmeros, letras y demas signos comunicativos cotidianos. Otro pintor y diseador significativo es Peter Blake (1932-), quien basandose en modelos fotogrficos y psters, realiz pinturas, collages y assemblages con los nuevos dolos de la poca: estrellas del rock y el cine como Elvis Presley, Frank Sinatra y los Beatles. De hecho, Blake fue quien dise-escenific la cartula de uno de los discos ms populares de la banda, Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967). Blake dispone al grupo como para un cartel publicitario y lo realza como cono de la nueva generacin, compartiendo la imagen con retratos tamao real de personajes histricos y de la poca contempornea: desde Marilyn Monroe y Marlon Brando, pasando por Bob Dylan, Edgar Allan Poe, Muhammed Al, los Beatles en sus inicios y la actualidad, y llegando a personajes de la poltica y la filosofa. Iba a incluirse a la imagen de Hitler, Gandhi y Jesucristo, pero a ltimo momento decidieron no incorporarlos. La imagen representa una especie de entierro, segn un mito urbano sera el del mismsmo Paul McCartney, aparentemente fallecido en 1966 y reemplazado por un doble. De cualquier forma, el diseo de Blake se convirti en un emblema pop, y una de las innovaciones a nivel diseo es que en la contraportada del vinilo venan impresas las letras de las canciones, hecho hasta ese momento indito. Peter Blake, con el pasar de los aos y dcadas, se volc cada vez ms a la pintura pura. Claes Oldemburg (1929-) se destac en la escultura, para nada convencional. La innovacin de Oldemburg pasa por los materiales novedosos y no convencionales que utiliz para realizar sus obras. Realiz esculturas blandas, realizadas en vinilo relleno con fibra de ceiba, cuero, plasticos blandos, y materiales ms duros como cretona, lienzo grueso empapado en yeso, espuma de uretano y cartn, generalmente pintados con esmaltes o liquitex. Todos estos materiales constituan innovaciones tecnolgicas en el campo material, y Oldemburg les emple como medio de ejecucin plstica. Uno de los temas predilectos de Oldemburg fue la comida como metfora del consumismo, realizando enormes reproducciones de hamburguesas, conos de helado, o inodoros blandos. Oldemburg apuesta a las esculturas de tamaos enormes, que a escala son muchsimo ms grandes que los objetos reales que se representan. Entonces, Oldemburg hace un lpiz labial blando de 3 metros de altura, o un conjunto de colillas de cigarrillo de 1 metro de altura. Soy partidario del arte de las cosas abandonadas o tiradas... quiero que la gente se acostumbre a reconocer el poder de las cosas. Oldemburg realza lo cotidiano, lo olvidado, y lo jerarquiza, lo agranda literal y metafricamente hablando, para que nadie permanezca indiferente. Tambien realiz instalaciones y happenings.

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Arte, culturas y estticas Quien inici sus pasos en el comic y luego conoci la pintura fue Tom Wesselmann (1931-2004). Licenciado en psicologa, en cuando a mediados de la dcada del 50 comienza a pintar lo hace bajo la influencia de la pintura expresionista abstracta de De Kooning y Motherwell. Luego se volc a lo figurativo, en una bsqueda esttica muy personal. A partir de 1961 empez su serie ms reconocida, gran desnudo americano, pinturas con una metfora consumista. Son provocativas, y exhiben a objetos del deseo, tales como el cuerpo de la mujer desnudo, el cigarrillo, la comida, con un marcado estilo publicitario o de venta. En sus desnudos americanos, Wesselmann condensa elementos, se parcializa la imagen, se muestra una parte por el todo. Entonces, en vez de una mujer a cuerpo entero, aparecen labios pintados de rojo, un pecho, y una mano sosteniendo un cigarrillo. Las partes de cada elemento se interrelacionan, por momentos se comen a s mismas. Wesselmann tambien realiz series sobre fumadores, as como enormes bodegones con elementos de la vida cotidiana, como electrodomsticos, botellas, helados. Experiment con la pintura-escultura, por medio de planchas de metal recortado y pintado, que se superponen entre s generando relieves bidimensionales. Robert Rauschenberg (1925-2008) es uno de los artistas que ms tcnicas emple en sus trabajos: pintura, collage, escultura, instalacin, serigrafa, collage, en lo que l llam pintura combinada. La obra de Rauschenberg es una de las ms variadas e interesantes del pop, y pretenda crear el lenguaje artstico a partir de la nada, a partir de la libertad total. Antes de adherir al pop, incursion en el expresionismo abstracto. Una de sus obras conceptuales, por qu no- ms reconocidas es de 1953, llamado dibujo de De Kooning borrado. Como el ttulo reza, Rauschenberg le pidi un dibujo a Willem De Kooning, le cont cual era su intencin, y De Kooning acept. La metfora es clara: borrando un De Kooning, Rauschemberg pretende borrar etiquetas artsticas y estereotipos, y plantea la idea de hoja en blanco como inicio libre. Rauschengerg pretenda confrontar las reproducciones mecnicas triviales de los medios de comunicacin con los elementos del dibujo, la pintura y la escultura: lo objetivo en polaridad con lo subjetivo, lo personal en dilogo con lo general, lo funcional y prefabricado en colaboracin con lo creativo. Esta mezcla tan inusual pareca daar los criterios ms sagrados de los habituales estilos compositivos. En Rauschenberg hay una especie de referencia a la cultura zapping, a la fugacidad de los acontecimientos, a lo universal, a la multiplicidad de imgenes: en una misma obra, pueden convivir fotografas de la urbe, el mar, un cartel de Coca-Cola, materia pictrica chorreada, un reloj, la foto de un helicptero de las fuerzas armadas norteamericanas, etc. Entre las pinturas combinadas de Rauschenberg, se destacan aquellas realizadas con leo y serigrafa sobre lienzo: transfiere fotografas mediante proceso serigrfico a la tela, y luego pinta encima. La fragmentacin de la imagen y el espacio en blanco como representacin del vaco son en Rauschenberg tambien una metfora de la poca. Un artista pop que se caracteriz por lo simple y directo de su imagen y mensaje fue Robert Indiana (1928-). Su apellido original es Clark, pero el Indiana es tomado del nombre del estado norteamericano del cual es oriundo. Indiana es reconocido principalmente por su serie LOVE, en la cual utiliza esta palabra como tema constante. La palabra aparece en maysculas, con el LO colocado sobre el VE, teniendo la O levemente inclinada en diagonal. A Indiana le interesaba el amor como sentimiento masivo, y plsticamente la palabra le result interesante, as que realiz infinidad de versiones de la misma, interesado en los espacios que quedan entre las letras y la composicin de la tipografa en s. Realiz la palabra en una serie de carteles, serigrafas y esculturas, e incluso fue creada en 1964 como tarjeta de navidad para el Museo de Arte Moderno (MoMA). En 1973 el Servicio Postal de los Estados Unidos puso en circulacin un sello por valor de 8 centavos que fue el primero de las varias series de sellos conocidas como love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos crticos han definido a Indiana como diseador, oportunista o one hit wonder. Indiana no pudo registrar los derechos de autor de LOVE y por ello ha encontrado muchas facilidades para introducirse en el mundo del arte. La imagen ha sido reproducida y parodiada en innumerables ocasiones en esculturas, carteles y adornos de escritorio en varios idiomas, entre ellos el espaol, el hebreo y el chino. Se han utilizado variaciones sobre ella en portadas de discos de grupos musicales, como en la de Renegades de Rage Against the Machine y la del sencillo Little by Little de Oasis. Asimismo, otros artistas plsticos e incluso la industria textil han realizado obras y productos inspirados en la imagen. Para Indiana, las letras y nmeros tienen una importancia mayor a la que le damos: nos guan en la vida y nos representan.

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Arte, culturas y estticas Uno de los mximos exponentes del pop art es Roy Lichtenstein (1923-1997). En un inicio se volc a la pintura de naturalezas expresionistas, adhiri al cubismo, influenciado por la obra de Picasso, y posteriormente incursion en el expresionismo abstracto, realizando acuareles y pasteles con esa propuesta visual. Hasta 1949 pint abstracciones, pero con un estilo, color y tramas similares al pop. A partir de 1957 realiz sus primeras obras pop: agrand a escala las tiras cmicas que acompaaban los chicles. La esttica del cmic sera un sello identificatorio de Lichtenstein. En sus propias palabras: a los cmics les debo los elementos de mi estilo y no los temas. Esta afirmacin descubre una intencin artstica fundamental de Lichtenstein. En sus pinturas y collages, aparecen las texturas tpicas de la historieta (los puntos ben-dey), los colores primarios, los tramados, el trazo y el acabado visual caracterstico del cmic. Lichtenstein amplifica el recuadro de historieta, lo hace gigante, lo aisla de su contexto original para presentarlo como imagen pura. No escoge aquellos recuadros que presentan un mensaje imponente, sino aquellos que no ostentan un mensaje de importancia o que tan solo parecen arquetipos clsicos de su clase. Esto es lo que le interesa: enfrentar al lector visual con una imagen descontextualizada, sin solucin de continuidad, y as jerarquizar el valor plstico y cultural de las historietas. El cmic como parte de la cultura de masas es el origen de la propuesta de Lichtenstein, a quien muchos consideran un plagiador, o un artista poco original, por copiar un recuadro ya existente. Sin embargo, no se trata de copia, sino de reinterpretacin: cambia el contexto, la tcnica, la intencin y el destino de la imagen. De hecho, uno de los mritos ms importantes de Lichtenstein es, como artista pop, haber introducido en el espacio de museo a lo cotidiano, y as acercar a dicha institucin a aquel que no entenda o disfrutaba de las bellas artes. Lichtenstein no solo reprodujo recuadros de historietas sino que, con su esttica del cmic, tambien reinterpret pinturas de sus contemporneos, tales como Cezanne, Leger, Klee, Mir o Picasso. Tambien trabaj abstracciones, y el tema de la guerra, teniendo como contexto el conflicto blico en Vietnam.

7.1.2.1. Andy Warhol (1928-1987)


La figura de Andrew Warhola, ms conocido como Andy Warhol, es la ms importante dentro del pop art, y una de las ms destacadas dentro del arte visual del siglo XX. De pequeo, por una afeccin de su sistema nervioso, pas buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirti en un proscrito entre sus compaeros de clase, desarrollando una fuerte fijacin hacia su madre. Mientras estaba en la cama dibujaba, oa la radio y coleccionaba imgenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. Warhol defini esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos. En 1949 inici sus estudios de arte comercial, y en la dcada del 50 trabaj como ilustrador de revistas y en publicidad. Tambien tuvo destacada labor como diseador de portadas de discos musicales. En 1962 realiz su primera muestra individual, la cual marc el debut del pop art frente al pblico. En esa muestra, ya aparecan sus clsicos trabajos, cuyo tema y sustento eran los conos culturales norteamericanos de poca: la imagen seriada de Marilyn, las botellas de Coca-Cola, las latas de sopas Campbell, los dlares. En concreto, en Warhol se dan todos los temas propios del pop art (que ya hemos destacado previamente). Estas obras son probablemente las ms reconocidas de Warhol, y en ellas, ademas del tema cotidiano, hay un alegato conceptual muy fuerte: las estrellas y los productos se repiten indefinidamente, se gastan, se vacan de contenido hasta ser solo una imagen. El consumismo es el eje de su obra, porque es el eje de su cultura. La seriacin y repeticin sera el mtodo visual empleado por Warhol: por un lado, la obra se multiplicaba a s misma mediante la tcnica de la serigrafa y litografa, y por otro lado se repetan en s mismas, con pequeas variaciones, o varias veces multiplicadas en la misma imagen. El caso ms puntual es la Marilyn repetida cuatro veces en una sola obra. El otro ejemplo es la Coca-Cola como producto, que a Warhol le fascinaba por su alcance masivo: lo que es genial de este pas es que Amrica ha iniciado una tradicin en la que los consumidores ms ricos compran esencialmente las mismas cosas que los ms pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que t tambin puedes beber Coca-Cola. Una Coca-Cola es una Coca-Cola, y ningn dinero del mundo puede hacer que encuentres una Coca-Cola mejor que la que est bebindose el mendigo de la esquina. Todas las Coca100

Arte, culturas y estticas Colas son la misma y todas las Coca-Colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y t lo sabes. En 1963 Warhol fundara su The Factory, un estudio de arte abierto a amigos, artistas y bohemios, en donde pasaba de todo: desde fiestas y reuniones, pasando por produccin de obra (era donde Warhol imprima en serie a sus serigrafas) y filmacin de pelculas. Cuando Warhol se hizo famoso trabajaba noche y da en sus serigrafas y litografas, y para producirlas en serie reuni a su alrededor a un grupo de colaboradores, generalmente estrellas porno, drogadictos, drag-queens, msicos y librepensadores, que tambien actuaban en sus pelculas y creaban el ambiente que convirti a la Factory en una leyenda. Se la conoca tambien como la Silver Factory, por estar toda tapizada de papel de aluminio, pintura plateada y globos al tono. Warhol tambin utilizaba la Factory para vender sus obras, la primera de las cuales consista en una litografa vendida por 25.000 dlares con unos lienzos adicionales cuyo precio era de 5.000 dlares cada uno, cantidad que ms tarde subira a 25.000. Warhol gast buena parte de estos sustanciosos ingresos en sufragar el estilo de vida de sus amigos de la Factory, donde prcticamente se nadaba entre el dinero. El sexo, las orgas y las drogas entre los visitantes del lugar eran un factor bastante recurrente, y en muchos casos fueron esos los temas abordados en las pelculas de Warhol. La Factory se convirti en lugar de encuentro de msicos como Lou Reed, Bob Dylan, Brian Jones o Mick Jagger. The Velvet Underground, el grupo de Reed, tocaba asiduamente en las fiestas del estudio y Warhol produjo su lbum debut, The Velvet Underground and Nico en 1965, ademas de realizar la mtica portada en la que aparece una banana. La Factory es tambien un guio conceptual: Warhol hace con ella una fbrica de arte. No solo en sus obras aparece el dato relacionado al consumo y la seriacin, sino que Warhol hace de su arte una industria, semejante a la industria del consumo masivo propio de la sociedad norteamericana. Incluso l mismo, con su excntrica forma de actuar, se presenta como un producto ms. Warhol, respecto al reconocimiento, dijo una clebre frase: en el futuro, todos tendran sus 15 minutos de fama, casi como una premonicin de lo que dcadas despues seran los reality shows y el culto a los nombres efmeros. En junio de 1968 una de las colaboradoras de la Factory de Warhol le dispar al artista, quien recibi 6 balazos pero sobrevivi. Ese hecho llev a la clausura de la Factory, y la vida de Warhol dio un giro rotundo. Dos das despues aconteci el asesinato del presidente John F. Kennedy. Warhol queda fuertemente influenciado por ambos hechos y la muerte empieza a ser un tema recurrente en sus trabajos visuales. Warhol examina las noticias sensacionalistas, y de all extrae imgenes de choques, homicidios y accidentes areos. Tambien de esta etapa son las serigrafas de las sillas elctricas, emblema de la muerte institucionalizada: el Estado cumple el rol de Dios, y ejecuta a un ser vivo que ha pecado, y por eso merece la pena capital. Esta fijacin con la muerte y el morbo que ella provoca fue un tema que cautiv a Warhol, y que estaba ntimamente ligado con la naturaleza violenta del ser humano. Los accidentes, la muerte institucionalizada y la violencia son para Warhol un espectculo masivo, un producto ms. Un hecho ms de la vida cotidiana. Una de las obras ms importantes de Warhol es la Brillo Box, ya descripta como una ineludible referencia al arte conceptual y contemporneo. Warhol, con ella, derriba la idea de que el arte tiene que parecerse a s mismo: el arte y la realidad pueden ser estticamente idnticos; pero el arte es una cosa, y la realidad es otra. Si la esttica ya no es un factor determinante del arte, entonces, qu es?. Con su caja Brillo, Warhol plantea muchsimas preguntas acerca del arte, que solo pueden responderse mediante la filosofa. Con una obra as, para Arthur Danto, a partir de ese momento es posible hacer cualquier cosa, puesto que se produjo una liberacin esttica, un vuelo conceptual, y una reflexin filosfica (y por ende no-rgida) nica hasta ese momento, solo comparable con los ready-mades de Marcel Duchamp. Durante la dcada del 70 y el 80 Warhol realiz una prolfica carrera artstica. En el plano estrictamente visual, realiz retratos en serigrafa, de amigos y famosos (John Lennon, Mick Jagger, Liza Minelli, Michael Jackson, Lenin, Mao Zedong, entre otros), como as tambien personajes populares ficticios, como Superman o el ratn Mickey. Entre las muchas disciplinas que Warhol abarc, ademas de la pintura, el grabado, el dibujo y la escultura, se encuentra la fotografa, que utiliz como documentacin de su poca y su entorno, capturando instantneas de sus colegas artistas en su cmara Polaroid. Tambien

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Arte, culturas y estticas el cine, como ya se ha mencionado, fue una de las pasiones de Warhol. Dirigi casi 100 pelculas, que atentaron contra el tradicionalismo cinematogrfico, ya sea por los temas tratados como por la duracin, formatos, edicin y caractersticas tcnicas de las cintas. Un ejemplo es sleep, pelcula de 6 horas en las que un plano esttico muestra a un hombre durmiendo; o Empire, de 8 horas, que muestra al edificio Empire State durante un amanecer; o eat, una pelcula de 45 minutos en la que Robert Indiana tarda 20 minutos en comer un champignon. Tambien fue publicista y diseador, y coquete con el teatro y la performance. Cuando falleci en febrero de 1987 por una arritmia, como ltima voluntad se fund el Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, que mantiene vivo su legado y alberga parte de su obra. En la actualidad, la influencia de Andy Warhol en el arte contemporneo y del siglo XX es innegable.

7.1.3. La msica en los 60


La variedad y el eclecticismo de la msica de la dcada de 1960 tiene su basamento en el rock y sus mezclas con otros estilos musicales. Tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido diversos msicos solistas y bandas fueron emblemas de la juventud y su propia poca. Gran parte de ellos, an hoy, siguen siendo objeto de culto. En la Inglaterra de la dcada del 60 surgieron las que probablemente sean las ms importantes bandas de rock: los Beatles (a quienes desarrollaremos posteriormente) y los Rolling Stones. Esta ltima banda, liderada por el cantante Mick Jagger, fue formada en el ao 1962 y contina an vigente. Su estilo musical dominante es el rock and roll, pero tambien incorpora elementos del blues, hard rock y rock psicodlico. Son conocidos como sus majestades satnicas (ttulo de uno de sus discos de 1967), y algunos de sus discos claves son sticky fingers (1971) y exile on Main st. (1972). En la dcada del 60 la rivalidad Beatles vs. Rollings era un tema recurrente entre los oyentes, pero no as entre las bandas. Los Rolling Stones obtuvieron reconocimiento masivo en 1965, con la cancin (I cant get no) Satisfaction, uno de los hits ms importantes de la banda. Con casi 50 aos de trayectoria, son la banda de rock ms longeva de la historia. Otra banda inglesa a destacar, formada en 1964 y que con algunas interrupciones y cambios de miembros se mantiene hasta el da de hoy, es The Who. La banda de Pete Townshend hizo masivo el concepto de pera rock, con sus discos conecptuales-temticos Tommy (1969) y Quadrophenia. Con mezcla de rock, hard rock y psicodlico, los Who son tambien pioneros o antecedentes del sonido punk que surgira en los 70s. Por ltimo, en la Inglaterra de 1965 se forma Pink Floyd, banda liderada por Roger Waters y Syd Barrett. Si bien la banda se hara masiva en la dcada del 70, cabe destacar la obra The piper at the gates of dawn (1967), un disco orientado al rock psicodlico, con lricas surrealistas y que aluden al abuso de drogas y alucingenos. Barrett compone msica y letras de casi todo el disco (a excepcin de una cancin de Waters) y la placa es una de las mejores de la carrera de la banda, cimentando el sonido y la propuesta que los demas miembros de la banda continuaran luego de la partida de Barrett, afectado por problemas mentales y el abuso de drogas como el LSD. Con la partida de Barrett, se incluy al guitarrista David Gilmour. Para este entonces, los Floyd se movan entre el rock psicodlico y el rock progresivo. Entre 1973 y 1979 Pink Floyd elaborara 4 discos claves: The dark side of the moon (probablemente uno de los mejores discos de la historia de la msica), Wish you were here (un homenaje en vida a Syd Barrett), Animals (una metfora del capitalismo puesta en la piel de animales) y The Wall. Este disco doble es una pera rock que retrata la vida de una estrella ficticia del rock llamada Pink, basado en su mayora de las vivencias del propio Waters, convirtindolo as en una especie de lter ego antihroe. Descrito por Roger Waters, Pink est enfermo mentalmente debido a los traumas que la vida le va deparando: La muerte de su padre en la Segunda Guerra Mundial, la sobreproteccin materna, la opresin de la educacin britnica, los fracasos sentimentales, la presin de ser una figura famosa en el mundo de la msica, su controvertido uso de drogas sumado a su asma, son convertidos por l en ladrillos de un muro (de ah el ttulo de la obra) que lo asla, construido con el fin de protegerse del mundo y de la vida, 102

Arte, culturas y estticas pero que le conduce a un mundo de fantasa autodestructiva. En 1982 Alan Parker dirigi la pelcula basada en The Wall. En 1985, Waters declar la extincin de Pink Floyd, pero el resto de los miembros, encabezados por Gilmour, siguieron dando vida al grupo hasta ser demandados por Waters debido a los derechos del nombre de la banda, ya que ellos continuaron grabando y haciendo giras bajo el nombre de Pink Floyd mientras que Waters pensaba que el nombre de la banda no deba seguir siendo utilizado. Gilmour, Mason y Wright continuaron como Pink Floyd hasta 1994, ao en que sacan su disco The division bell, mientras que Waters continu una carrera en solitario. En Estados Unidos, el panorama musical posee una riqueza estilstica poco antes vista. La influencia de las drogas (principalmente marihuana y LSD) puede apreciarse en las nuevas tendencias musicales. La psicodelia, entonces, surge como idea, segn algunos pensadores, que manifiesta el alma. William Blake escribi: si las puertas de la percepcin se purificaran, todo aparecera ante el hombre tal cual es: infinito. De esta frase, y de la idea de puertas, surgira el nombre de la banda californiana The Doors, fundada por Jim Morrison en 1965. La msica de los Doors puede enmarcarse en un blues psicodlico, e incorporaron un instrumento como el piano Rhodes, que da una identidad y un sonido caracterstico a la banda. Las letras de la banda poseen una tradicin romntica y simbolista, con guios al existencialismo y al psicoanlisis. Con la muerte de Morrison en 1971, bajo confusas circunstancias (se habla de sobredosis, y ataque al corazn) la banda prosigui, pero Jim Morrison es y fue el alma de la banda. Dos discos clave son strange days (1967) y Morrison Hotel (1970). Una banda muy particular de este momento es Grateful Dead. Formada en 1965 en San Francisco por el guitarrista Jerry Garca, los Dead como los conocen sus seguidores- incursionan en rock y folk psicodlicos, con influencias del blues, jazz y otros estilos. Los Grateful Dead representan la contracultura musical total: decan personificar a San Francisco, pero no al pas. El nombre de la banda (muertos agradecidos) surgi del azar, consultando el diccionario, en una actitud casi dadasta. Bien elctricos, con una psicodelia cruda y callejera, para tocar en vivo crearon el wall of sound: una enorme pared de 89 amplificadores que estaba detrs de la banda, y que arrasaba con su volmen. Sus conciertos eran gratis, y hacan giras que duraban meses o aos, con fanticos que les seguan a todas partes y literalmente vivan de y con la banda, en los estacionamientos de los estadios donde tocaban, como si se tratara de una gran comuna unida por la msica. Una de las caractersticas de los Grateful Dead como banda son sus improvisaciones en vivo, extensas y sin pactar. Enganchaban las canciones, realizaban jams grupales y esos recitales eran grabados y se les regalaba a los fans. Con el fallecimiento de Garca en 1995, la banda se disolvi, dejando una enorme discografa, consistente en su mayora de discos en vivo. Como solistas, podemos destacar a Janis Joplin (1943-1970). Duea de una voz caracterstica, de influencias afroamericanas, Joplin destac en el blues y rock, con un tinte psicodlico. Se uni a la banda Big Brother and the Holding Company, con quien sac su primer disco llamado como la agrupacin. Adicta al sexo, al alcohol y a la herona, Joplin falleci a los 27 aos por sobredosis. Bob Dylan (1941-) es un compositor, guitarrista y cantante que continua vigente y haciendo msica. Su estilo se define como mezcla de folk, country, blues, gospel y rock. Dylan permanece alejado de la msica psicodlica, y en sus canciones hay una clara postura antiblica, con temas sociales y filosficos. Un disco clave de su carrera es Highway 61 revisited (1965). Jimi Hendrix (1942-1970) fue un guitarrista autodidacta de Seattle, que se destac en el rock, blues, hard rock y rock psicodlico. En 1967 sac su disco debut are you experienced? con su banda The Jimi Hendrix Experience. El estilo desenfrenado, sucio, psicodlico y virtuoso de Hendrix lo ubican entre los mejores guitarristas de la historia. Muri a los 27 aos, ahogado en su propio vmito, por mezclar pastillas para dormir con alcohol. Un msico de especial interes es Frank Zappa (1940-1993). Autodidacta, su estilo musical es inclasificable, girando en torno al rock, jazz, msica clsica y msica experimental, psicodelia, etc. Zappa escapa a todo parmetro, y en una misma cancin pueden convivir diversos estilos y propuestas. Su album debut con su banda The Mothers of Invention es Freak out!, de 1966, una placa doble donde Zappa despliega su experimentacin y eclecticismo. Gran defensor de la libertad de expresin, casi cercano al concepto dadasta, en Zappa se dan algunas contradicciones: por un lado, era un gran improvisador (de su apellido proviene la palabra contempornea zapada para llamar a una improvisacin) y por otro lado era

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Arte, culturas y estticas un msico en extremo exacto, que compona msica en partitura. En sus letras hay una gran carga humorstica y sarcstica: somos stiros, y estamos aqu para satirizarlo todo. En sus shows, miembros de la banda hacan trucos de magia, y una vez hasta lleg a haber una jirafa entre el pblico, mientras se rociaba a los concurrentes con espuma. Zappa elabor una cruda y fundamentada crtica al consumismo y a la poltica, y hasta lleg a pensar en postularse para presidente. En 1985 testific en el Senado norteamericano, en contra de un grupo conservador que quera que se coloquen etiquetas en las portadas de los discos, en el caso de que las letras de los mismos tengan contenido explcito. El fallo fue a favor de quienes reclamaban y, como respuesta, en la tapa de su siguiente disco Zappa escribi, a favor de la libre expresin: CUIDADO! Este lbum contiene material que una sociedad verdaderamente libre nunca temera ni suprimira. El lenguaje y conceptos contenidos aqu garantizan no causar tormento en el sitio donde el tipo de los cuernos y tridente lleva sus asuntos. Esta garanta es tan real como el de los fundamentalistas que atacan la msica rock en su vano intento de transformar Amrica en una nacin de estpidos (en el nombre de Jesucristo). Si hay un infierno, sus llamas les esperan a ellos, no a nosotros. Sobre el final de su vida Zappa se dedic a escribir msica sinfnica y de cmara. Tambien se dedic al cine, la actuacin y la produccin de msica. Falleci en 1993 de cncer de prstata. Algunos de sus discos, como were only in it for the money (1968), hot rats (1969), Joes Garage (1979) y el mencionado Freak out! son placas de culto, y constituyen algunas de las obras ms importantes del autor. Un hito musical nico de esta dcada fue el festival Woodstock, realizado el 15, 16 y 17 de agosto de 1969. Fue realizado en un descampado de Bethel, Nueva York. Pese a que se estimaba que hubiera 60.000 personas entre los 3 das, lleg a congregar a 500.000. Como datos curiosos, cabe destacar que la entrada que no todos pagaron- sala 6 dlares, hubo 3 muertes (una por herona, otra por una infeccin del apndice y otra por aplastamiento de tractor) y 2 nacimientos. Entre los artistas participantes estuvieron Carlos Santana, Janis Joplin, Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival, The Who, Jefferson Airplane, Joe Cocker y Jimi Hendrix, quien cerr el recital a las 9 de la maana del lunes, ofreciendo 2 horas de show, destacandose su interpretacin del himno nacional norteamericano. Hendrix lo toc en guitarra, haciendo simulaciones sonoras de bombardeos y metrallas, sirenas y ruidos de batalla, en clara alusin al conflicto blico de Vietnam. El festival Woodstock es un emblema de la msica d la dcada del 60 y del movimiento pacifista hippie, y pese a que fue repetido en otras ocasiones, el Woodstock original fue insuperable, por su convocatoria de pblico y artistas, y por su contexto histrico-cultural.

7.1.3.1. Los Beatles (1962-1970)


Una de las ms influyentes bandas musicales del siglo XX son los Beatles, integrados por John Lennon (voz, guitarra y piano), Paul McCartney (voz y bajo), George Harrison (voz y guitarra principal) y Ringo Starr (voz y batera). Formados en Liverpool, Inglaterra, puede ser considerada la primera banda pop de la historia, aunque tambien se la asocie con el rock. En un inicio integrados por Lennon (1940-1980), McCartney (1942-) y Harrison (1943-2001), en 1962 se incorpor Starr (1940-) en la batera, reemplazando a Pete Best. El nombre Beatles refiere al vehculo Beetle, al escarabajo, pero el cambio de una e por una a hace referencia al beat (ritmo) caracterstico de su msica. En 1962 grabaron y editaron su primer single, Love me do, el cual fue un xito instantneo. Gran parte del xito de la banda se debe a su organizacin y propuesta: el manager Brian Epstein les recomend tener una esttica comun (trajes y flequillos) y les organizaba fechas para presentarse en vivo. Luego de conquistar el Reino Unido, en 1964 el sencillo I want to hold your hand vende ms de 2.6 millones de copias en Estados Unidos, por lo cual la banda se dirige all. En febrero de ese ao se presentaron en vivo en el mtico show televisivo de Ed Sullivan, y fueron vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores. Luego de una seguidilla de discos con un sonido beat-pop caracterstico (Please please me, With the Beatles, A hard days night, Beatles for sale y Help!) a fines de 1965 los Beatles editan un disco de especial interes: Rubber soul. El disco tiene un tinte folk y country, incluye algunas pequeas orquestaciones de cuerdas, y es uno de los discos ms reconocidos por los fans y la crtica. 104

Arte, culturas y estticas El ao 1966 es de vital importancia en la carrera beatle. Editan una de sus mejores placas, Revolver, una coleccin de canciones en donde el rock y el pop se entremezcla la psicodelia y la msica de medio oriente, en composiciones ms complejas. Los Beatles, en este disco, empiezan a experimentar con las posibilidades tcnicas y hasta compositivas- que ofreca el estudio de grabacin. Entonces, en Revolver aparecen, ademas de cuerdas y vientos, grabaciones de guitarras invertidas, generando efectos sonoros que en vivo no podan conseguirse. La post-produccin, entonces, cobra una importancia vital. Este es un hecho que, ademas de los crecientes conflictos internos entre los miembros, provoc que en agosto de 1966 concluiran su gira y no volvieran a tocar juntos en presentaciones en vivo, a excepcin del show de la terraza en 1969. Tambien en 1966 Lennon hara su famoso comentario de que eran ms grandes que Jesucristo. En realidad, Lennon contextualiz y dijo la frase en un sentido que luego fue exagerado: el guitarrista reflexion diciendo que, en ese momento de la historia occidental, el cristianismo estaba en un declive de popularidad, mientras que una banda como los Beatles estaba en boca de todos. Entonces, la frase de Lennon puede leerse como en este momento, gozamos de ms promocin y popularidad masiva que una religin. El comentario suscit gran controversia entre el pblico y grupos religiosos, y en muchos casos su sentido fue tergiversado o aumentado. En 1967 el estilo musical de los Beatles se vuelca al rock y pop psicodlico. Editan Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, un disco que, por muchos, es el mejor de la banda y uno de los mejores de la historia de la msica. Los climas musicales se aderezan con vientos, coros, grabaciones invertidas y superpuestas, efectos de sonido, letras y temas surrealistas, con clara alusin a la psicodelia. Incluso, para partes de la cancin a day in the life se requiri una orquesta de ms de 40 msicos. El mismo ao editan Magical Mystery Tour, del cual tambien haran una pelcula para televisin. El disco pasara desapercibido para la crtica, pero es una de las ms completas obras del cuarteto, incluyendo Strawberry fields forever, I am the walrus y la clsica All you need is love. Respecto a las pelculas que realizaron (A hard days night, Help!, Magical Mystery Tour, Yellow Submarine y Let it be) cabe destacar que son las primeras experiencias cinematogrficas en que la msica es el tema y el motivo para filmar. Ademas, los Beatles seran los primeros artistas en hacer videoclips musicales, sentando un precedente en la historia de la msica. En un clima de conflictos internos, en el que Ringo Starr se fue de la banda por algunos das y se introduce la figura de Yoko Ono como pareja de Lennon, entre junio y octubre de 1968 graban un disco incomparable: The Beatles, ms conocido como el lbum Blanco, por la portada y el arte del disco, que eran ntegramente de ese color. El disco doble es una coleccin de canciones, y es un testimonio de la versatilidad y eclecticismo de la banda: se pasean por el pop, rock, jazz, foxtrot, psicodelia, country, folk, acstico, blues, msica circense, experimental, e incluso heavy metal (la cancin Helter Skelter puede enmarcarse en este estilo, que aos despues se desarrollara). El lbum Blanco es un resumen de la msica del siglo XX, en clave Beatle. Entre los xitos incluidos en la placa doble se encuentran Back in the U.S.S.R., Glass onion, While my guitar gently weeps, Happiness is a warm gun, Blackbird, Sexy sadie y Revolution 1. Una pieza musical de especial interes es Revolution 9, una especie de collage sonoro de ms de 100 grabaciones mezcladas y armadas en el estudio. En la cancin de ms de 8 minutos reina un (aparente) caos, donde se escucha una voz diciendo number nine continuamente, ademas de un colchn sonoro con sonidos de llantos de beb, instrumentos invertidos, frases musicales de un piano, una orquesta, sonidos de platillos de batera, algunas frases de Lennon (el principal impulsor y compositor de esta pieza), sonidos de explosiones, etc. La cancin incorpora elementos de la msica concreta y experimental, y ms all de su desorden y de su esttica sonora compleja de asimilar, es una obra conceptual: refleja el caos, el conflicto, el desorden en el que los Beatles vivan, pero no solo en relacin a ellos mismos, sino a su propio contexto cultural. Los sonidos de explosiones, la sensacin de que se est escuchando una distante radio o que se barre el dial en busca de algo claro hace una alusin metafrica al conflicto en Vietnam. Revolution 9 aun hoy es una cancin bastante resistida, pero constituye un testimonio cultural nico, y una fase en la experimentacin musical beatle sin precedentes. A principios de 1969 editan Yellow Submarine, que solo traa 4 canciones nuevas, y la banda sonora de la pelcula en cuestin. En enero graban en la azotea del edificio de los estudios Abbey Road el

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Arte, culturas y estticas concierto de la terraza, el cual sera includo en la pelcula-documental Let it be, que en un inicio iba a ser llamado Get back. El clima de tensiones y conflictos entre los cuatro miembros de la banda, pero principalmente entre Lennon y McCartney, iba creciendo. A partir de 1967, con la muerte del manager Brian Epstein, los egos de todos comenzaron a crecer, y las individualidades se hicieron evidentes, incluso en los discos: en los primeros es complejo determinar quien es la voz principal, mientras que post-1966 cada uno define su estilo individual de interpretacin y composicin. Esta falta de lder, dada por la muerte de Epstein, gener desequilibrio. La relacin de Lennon con la artista conceptual japonesa Yoko Ono tambien gener tensiones. Ono no se apartaba jamas de Lennon, e incluso estaba presente en las grabaciones de la banda, violando el acuerdo tcito que tenan los msicos de no invitar a novias o esposas al estudio. La intromisin de Ono no gust a los miembros de la banda, en particular a McCartney, quien quiso ocupar el lugar de lder. Luego de las sesiones de Let it be, lo ltimo que la banda grab en conjunto fue Abbey road, un disco excelente, que se compone de dos partes: la primera, con canciones sueltas (entre las que se encuentran Come together, Oh! Darling, Something y Here comes the sun, estas dos ltimas de Harrison) y la segunda parte, de canciones enganchadas entre s, que componen un gran medley musical de 16 minutos (sugerido por McCartney), que desemboca en The end, una de las ltimas canciones grabada por la banda, donde se lee: and in the end, the love you take is equal to the love you make (oal final, el amor que te llevas es igual al amor que entregas). Una semana antes de que el disco saliera a la venta, en septiembre de 1969, John Lennon renunci a la banda. Las grabaciones de Let it be que quedaron a medio terminar fueron enviadas al productor Phil Spector quien, para disgusto de McCartney, agreg orquestaciones a varias de las canciones del disco. Distribudos dentro de Let it be hay 3 ncleos de canciones: las grabadas en el estudio por los Beatles; las canciones de estudio a las que Spector le incluy orquestaciones (entre las que se encuentra The long and winding road); y las canciones en vivo, extradas del recital de la terraza, donde presentaron los temas inditos hasta ese momento. Let it be, que saldra en mayo de 1970, no fue entonces lo ltimo que grabaron juntos (Abbey Road), pero s el ltimo disco que edit la banda con material nuevo. McCartney no quera que el disco salga a la venta con las orquestaciones de Spector, pero se public igual. El bajista edit un disco en solitario en abril de 1970, un mes antes de la edicin del disco beatle, dando por sentado que la banda estaba separada y renunci a la agrupacin, en un intento de valerme por m mismo y no hundirme. Al ao siguiente McCartney demand a sus compaeros de banda para romper el contrato que los relacionaba como conjunto, situacin que se esclarecera legalmente recien en 1975. Despues de la separacin, cada integrante de la banda continu su camino solista, y con otras agrupaciones. La Beatlemana no ces, y se editaron varios discos recopilatorios de sus ms importantes xitos, tales como el lbum rojo, el lbum azul y 1. A mediados de los 90 de editaron los Anthology, 3 discos dobles en los que se rescatan algunas grabaciones previas y ensayos. Con Lennon ya fallecido, los otros 3 beatles tomaron dos demos inconclusos del artista, Free as a bird y Real love, y les colocaron msica, siendo estas dos canciones las ltimas inditas de los Beatles, publicadas en 1994 y 1995 respectivamente. En 2003 se edit Let it be... naked: la versin del disco Let it be sin la produccin de Phil Spector y que, en palabras de McCartney, es como debera haber sido inicialmente. En 2006 el Cirque Du Soleil monta el espectculo Love, para el cual el productor George Martin y su hijo realizaron una seleccin y arreglo de las canciones, no apto para puristas de la banda. El desarrollo musical de Love muestra a una seleccin de las ms importantes canciones del catlogo beatle, pero encadenadas entre s y con un tratamiento sonoro absolutamente novedoso, puesto al servicio de la intencin del espectculo circense. En 2009 los discos de los Beatles fueron reeditados en cd, en versiones remasterizadas, exhibiendo que popularidad del cuarteto de Liverpool sigue vigente. Los Beatles constituyen un antes y un despues de la msica. Quizs hubo msicos ms virtuosos y ms talentosos que ellos, pero el mrito de los Beatles fue el de sintetizar el concepto msica, y hacer popular a este arte. En su msica conviven armnicamente muchsimos estilos que quizas de otra manera no hubiesen llegado a un pblico masivo. La influencia de los Beatles en la msica actual es innegable, y constituye un hito pocas veces visto.

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Arte, culturas y estticas A modo de cierre, hay una interesante ancdota que dice que Paul McCartney muri en 1966, y que las pistas sobre el incidente fueron plantadas por Lennon en los discos posteriores. Aparentemente, Paul choc con su auto en una madrugada lluviosa de noviembre de 1966, provocando su muerte y la de una acompaante mujer. Los Beatles convocaron a un concurso de dobles de McCartney (hecho que es verdico), y all encontraron a William Campbell, un muchacho exactamente idntico a McCartney, tanto fsica como vocalmente y que, supuestamente, tom el lugar del difunto en la banda. Ms all de lo disparatado de la ancdota, hay muchsimos indicios, pistas o despistes, que generan la duda: a partir de all no volvieron a presentarse en vivo y se mantuvieron en la soledad del estudio; se acentu el conflicto Lennon-McCartney y las individualidades compositivas; y hubo gran cantidad de referencias visuales y musicales al hecho. Gran parte de las lricas del disco Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band , entre ellas la letra de a day in the life (He blew his mind out in a car, he didn't notice that the lights had changed. A crowd of people stood and stared, they'd seen his face before. Nobody was really sure if he was from the House of Lords) remiten al hecho de manera metafrica, e incluso en esa placa ellos no se presentan como los Beatles, sino como otra banda, e introducen al nico Billy Shears. La portada del disco remite a un entierro, en el que el muerto es supuestamente McCartney, por varios indicios dispuestos en la escena que mont el artista Peter Blake para la tapa. En discos posteriores habra ms pistas, destacandose a Lennon diciendo I buried Paul al final de la cancin Strawberry fields forever, o un turn me on, dead man grabado al reves en Revolution 9. Probablemente el arte visual que ms duda provoca es el de Abbey Road. La escena de los cuatro Beatles cruzando la calle sera un cortejo fnebre: adelante va Lennon (como el cura, vestido de blanco), luego Ringo (como quien llevara el cajn), despues McCartney (el muerto, descalzo como simbologa de el pasaje a otro mundo) y finalmente Harrison (como el enterrador). En el fondo de la escena, en la patente del VW Beetle estacionado, se lee LMW 28IF, que puede leerse como Linda McCartney widowed (es decir, su mujer viuda) y el 28 if como 28 aos si estuviera vivo. Este mito de la muerte de McCartney fue parodiado por l mismo en la portada de un disco solista en vivo, llamado Paul is live, en el que se lo muestra paseando un perro en la esquina de Abbey Road. Sea cierto o no, el rumor trascendi la esfera musical y se volvi casi un mito, mostrando la capacidad que los Beatles tenan de no pasar desapercibidos en ningun aspecto.

7.1.4. Minimalismo
El trmino minimalismo tambien llamado arte minimal- lo acu el filsofo Richard Wolhe en 1965 para referirse a unas esculturas tridimensionales ejecutadas por artistas norteamericanos en torno a esa fecha. Los precedentes ms lejanos se pueden encontrar en el neoplasticista Mondrian, pero sobre todo en el suprematista Malevich, quien pint el cuadrado negro sobre fondo blanco, reduciendo los signos plsticos a lo esencial, a lo bsico. Tambien puede mencionarse a Duchamp como influencia, con sus ready-mades, por el hecho de que el artista interviene mnimamente en la produccin del objeto-arte. La intervencin de los minimalistas en el proceso de realizacin artstica de sus esculturas se reduce a tener la idea, hacer un boceto de lo que pretenden y encargar su fabricacin a una empresa industrial. Con este sistema, la huella del creador no se percibe, es como si no hubiese tomado parte en el proceso de creacin. Se pretende conscientemente lo impersonal como norma. Incluso en ocasiones se prescinde de esta forma de elaboracin, pues dada la variedad de materiales existentes en el mercado, el artista los elige y los dispone en un espacio determinado. Las obras minimalistas no son un cuadro que acta de muro, ni una escultura visible de frente o de perfil, sino unos objetos tridimensionales que intervienen en el entorno ambiental modificando la relacin con el contemplador. Entre los materiales producidos por el vertiginoso desarrollo de la tecnologa aplicada a la industria y utilizados por los minimalistas se encuentran el hierro galvanizado, los plsticos, la fibra de vidrio, el aluminio, la frmica, el acero inoxidable, la gomaespuma, la madera contrachapada, los ladrillos y las luces. Los artistas elegan muchos de estos materiales por su impersonalidad y frialdad. En este sentido, el minimalismo tom del y fue un aporte enorme al diseo de interiores, arquitectura y diseo grfico en general.

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Arte, culturas y estticas Los minimalistas emplazan sus esculturas tanto en exteriores como en el espacio del museo. Pero en este ltimo caso, emplean la seriacin y repeticin de sus propias obras. De esta manera, y por ser esculturas realizadas industrialmente, atentan contra la obra nica y permiten que sus diseos se autorrepitan, y que esten en varios sitios simultneamente. Esta crtica a la forma de hacer obra es muy comn en los minimalistas, y se emparenta con el arte conceptual y, como ya mencionamos, la obra de Duchamp. De esta tendencia podemos mencionar a Donald Judd (1928-1994), quien impuls la seriacin de la obra: el mismo relieve escultrico con diseo geomtrico repetido de manera uniforme y dispuesto por techos o paredes. Estos objetos tridimensionales eran diseados por Judd, y los mandaba a construir industrialmente. En su mayora emple materiales como metal, plexigls y madera contrachapada, y pintadas con colores planos puros. Aunque reneg del ttulo de minimalista, es uno de los principales exponentes del movimiento. Otro referente es Richard Serra (1939-), quien tambien se destac en la escultura minimalista. Serra trabaja con chapas y metales que deja a la intemperie para que, gracias a los efectos atmosfricos, se oxiden progresivamente. Sus esculturas minimalistas son geomtricos tambien, y se destacan sus rollos de plomo cortados, y los conjuntos de hojas metlicas gigantes. Generalmente trabaja en espacios exteriores antes que en el museo, y sus obras tienen un fundamento conceptual (como el prisma negro que emplaz en una mezquita). Por otra parte, la obra de Sol Lewitt (1928-2007) est principalmente constituda por elementos geomtricos tridimensionales (en vez de esculturas l les llamaba estructuras) tales como prismas, cubos, realizados en tubos fluorescentes de diferentes tamaos formando composiciones que producen tonalidades especiales en el ambiente. Robert Morris (1931-) tambien fue un artista que adhiri al minimalismo, pero fundamentalmente un artista conceptual. Giulio Carlo Argan, sobre el minimalismo, dice: el propsito del llamado minimal art es llevar a cabo una sntesis de volmen y de color, creando grandes formas elementales que, en cuanto factores de regeneracin psicolgica, sean capaces de imponerse en el abigarrado y a un tiempo desolado paisaje de las megalpolis industriales. Es fcil comprender cmo de ese concepto de forma-ambiente se pasa a posteriores intervenciones a gran escala que tratan de reestructurar y recualificar el paisaje (tanto urbano como no-urbano) como si ste no pudiera tener significado alguno sin el signo significante, esttico, del artista: un signo que se concreta en formas realizadas con materiales industriales, es decir , con los mismos elementos que el hombre emplea para fabricar el ambiente de la existencia y urbanizar el territorio. Lo que se propone es (...) establecer una confluencia terminal entre las experiencias ya agotadas de la pintura, la escultura y la arquitectura, todas ellas agrupadas en una nica y maravillosa hiptesis urbanstica (...). Por tanto, la materia sobre la cual el artista opera excavando, construyendo e introduciendo nuevos elementos, creando circuitos luminosos, es la realidad misma. El arte minimalista est ntimamente ligado al arte conceptual. De hecho, desde la dcada del 60 el concepto en el arte comienza a ser ms importante que la esttica. Esto es consecuencia del desdibujamiento de disciplinas artsticas, un hecho que se acentu en los 70s, y que coloca al objeto en funcin de la idea.

7.2. La dcada del 70


En la dcada de 1970 aparecen numerosas tendencias visuales que, si bien poseen puntos en comun, son esencialmente diferentes. Como caracterstica que los abarca, podemos mencionar que el objeto artstico es sustitudo por la idea, lo duradero por lo efmero, y el museo por la calle. La relacin tradicional artista-cuadro-marchand-galera-pblico se rompe, siendo sustituda por fotografas y videos de las experiencias realizadas. Sucede tambien que el cuadro de caballete y la escultura, elementos que hacan referencia a la tradicin de las Bellas Artes, pierden su sentido as como tambien las categoras que diferenciaban las corrientes abstractas de las figurativas. Naturalmente, estas caractersticas mencionadas no son un dogma, ni implican que durante toda la dcada del 70 en el mundo- el arte se manifest de esta forma, pero s que empiezan a aparecer estas caractersticas mencionadas, en varias corrientes que cada vez se alejan ms

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Arte, culturas y estticas de la idea de vanguardia. En el caso de los medios tradicionales pintura, escultura, etc- aparecen las tcnicas mixtas, que refiere a cuando en un mismo trabajo visual se emplean 3 o ms tcnicas propias de la disciplina (una pintura es tcnica mixta cuando conjuga acrlico, carbonilla y collage, por citar un ejemplo). Esta denominacin es dentro de una misma disciplina, pero cuando se entremezclan otros medios ajenos al lenguaje principal, se le llama de otra manera. Desde 1968, medios mezclados es el trmino empleado para la combinacin de diferentes gneros (artes visuales con teatro, msica con cine, etc) con ayuda de materiales y artimaas tcnicas. El empleo de ellos es un denominador comun a las experiencias de la expansin del arte. Los medios mezclados llamados tambien intermedia- refuerzan el desinters por los objetos y la preocupacin por los procesos, puestos en funcin de la idea principal. La participacin total en la obra artstica debe provocar una transformacin en la conciencia del espectador. Mencionaremos algunas de las tendencias de la dcada mencionada. Cabe destacar tambien que estas disciplinas y actividades en muchsimos casos se mezclaron entre s, y no permanecen ajenas unas de otras, sino que implican una apertura y una experimentacin nica hasta el momento en el campo de las artes. Esta falta de lmites, esta libertad tcnica y conceptual de las disciplinas artsticas, es aquella que empez a manifestarse en la dcada del 60 con la multiplicidad pop, y se enmarca en las tendencias posmodernas. Tambien destacar una caracterstica importantsima: el valor de lo efmero. La mayora de estas obras solo perduran en fotografas y videos, puesto que tuvieron un tiempo y espacio finitos, y as se revaloriza el momento y lugar especfico en que existieron.

7.2.1. Arte conceptual


Cuando hablamos de arte conceptual, no hablamos de un movimiento o una tendencia en particular: es una forma de pensar y hacer arte. Se caracteriza por la importancia primaria del concepto, dejando al objeto artstico en segundo plano, subordinado a la idea que quiere expresarse. Utilizan tcnicas como la fotografa, las cintas magnetofnicas, las pelculas, los textos, los documentos, etc, lo que convierte al arte conceptual en un arte fundamentalmente terico y analtico con aportaciones incluso de la lingstica. Se podra afirmar, incluso, que el arte conceptual es el ncleo de todo arte contemporneo/posmoderno, en su inicio en los 60, y desarrollo principal en la dcada del 70 y la actualidad. En la medida en que el arte contemporneo se transforma en un arte sintctico, renuncia al principio mimtico y se instaura una reflexin sobre el arte. En el arte moderno, esta autoreflexin es constante, y explora los lenguajes propios de cada disciplina: estudia el cmo representar. Gradualmente, y por influencia de autores como Marcel Duchamp, se produce una transicin de la esttica del objeto a una esttica del proceso. Se convierte el arte no tanto en una cuestin de morfologa, sino de funcin. Cabe destacar que el arte conceptual cobra en la dcada del 70 una autonoma y se lo clasif ica como una tendencia, pero este tipo de arte est presente en muchsimos movimientos anteriores y posteriores-. De hecho, y si lo analizamos puntillosamente, podramos decir que en cada pintura en la que se quiso expresar una idea o un concepto, habra arte conceptual. Entonces, en la libertad guiando al pueblo de Delacroix, en Guernica de Picasso por citar dos, nomas- hay una idea, un concepto, una bsqueda. Puntualmente podemos mencionar a una obra como el inicio del arte conceptual, en el ao 1917: la fuente de Marcel Duchamp. Con el mingitorio emplazado en el museo, Duchamp conceptualiza la burla, el caos, la desacralizacin del arte, el rechazo y, sobre todo, la provocacin. Ese era el concepto que persegua, y el objeto artstico elegido fue un mingitorio, pero bien podra haber sido un buzn, un atad o cualquier otro objeto cotidiano que no entraba dentro de lo normal para exponerse en un museo de la poca. Sin embargo, en el caso de las pinturas de Delacroix o Picasso, hay una idea, pero la esttica tiene caractersticas y propsitos vitales para entender esos mensajes. En el caso del arte conceptual en s, el objeto queda en segundo plano, subordinado a la idea en s misma, que debe ser clara y excede la esttica o el objeto emprico que sirve de puente al concepto que el artista busca comunicar. 109

Arte, culturas y estticas El arte minimalista tambien tiene una relacin con el conceptual. De hecho, el minimalista Sol Lewitt adhiri al conceptualismo, y dijo en 1967: en el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto ms importante de la obra. Cuando el artista se vale de una forma de arte conceptual, significa que todo el proyecto y las decisiones se establecen primero y la ejecucin es un hecho mecnico. La idea se convierte en una mquina que produce arte. Por ende, no es posible delimitar con claridad las fronteras y las facetas diversas de la actividad conceptual. El arte conceptual carece de una realidad esttica formal en el sentido tradicional de una pintura o una escultura o un objeto esttico en general. Por tanto, no puede definirse siempre en trminos formalistas. Se pueden emplear diversos soportes fsicos, como fotografas, pelculas, hojas, cintas magnetofnicas, documentos clavados en las paredes, entrevistas, textos, proyectos presentados como documentos sin significacin formal. As, pues, los diversos elementos fsicos denuncian una intencin reductora de la obra de arte como objeto en su sentido tradicional. Los documentos, las indicaciones signalticas, los proyectos de toda ndole no poseen ms que un valor de medio. Sin embargo, no debe confundirse esta actitud anti-objeto con una actitud anti-arte. Joseph Kosuth, el ms acrrimo conceptualista y defensor de su arte, tiene una obra emblemtica llamada una y tres sillas, en la que muestra ante el espectador los tres modos de representar dicho objeto: la silla propiamente dicha, la fotografa de sta y una definicin de la misma; es decir, un significado que, repetido de varios modos, podra sustituir a los otros dos. Kosuth defiende la idea de que el arte conceptual objetiva el arte, porque no se aferra a un objeto fsico y, por ende, a una representacin de. En oposicin a la dialctica sujeto-objeto de la representacin como acto de la conciencia reflexiva, el arte conceptual es arte-sujeto, es acto de una conciencia del artista. En oposicin a la presencia del arte-objeto, el conceptual tiene la presencia virtual, ideal. Y de ah su carcter de proyecto, deseos, ideas a realizar, proposiciones tipo: camine en la misma direccin en que lo hizo durante los ltimos diez segundos. El arte conceptual propugna un anlisis propio de sus mtodos en la tradicin del autoanlisis ya iniciado en el arte moderno, e indicado en el arte posmoderno/contemporneo. Inicia, por tanto, una exploracin sistemtica del arte mismo. Con l culmina una nota comn a muchas vanguardias: no centrarse tanto en los contenidos como en la naturaleza de la misma informacin. Al mismo tiempo que se explora la idea de arte, se tiene a una desmitificacin de la creacin que puede explicarse de un modo racional y no a la usanza mstica, intuicionista. Kosuth dijo: un objeto es slo arte cuando est colocado en el contexto del arte. En lugar de los tradicionales objetos artsticos, el arte conceptual instaura procesos artsticos, es decir, procesos comunicativos de un valor polifuncional (y multidisciplinario), en los que el receptor, en vez de aceptar pasivamente un ofrecimiento perceptivo, protagoniza una operacin activa. Robert Morris (1931-) fue un artista del minimalismo, la instalacin, el arte povera, el land art y el arte conceptual. Una de sus obras conceptuales es la box with the sound of his own making (1961). Se trata de un cubo de madera sin ningun trabajo especial de carpintera dentro del cual hay una cinta grabada con los martillazos y ruidos de serrucho que se produjeron durante su manufactura. La cinta es como la memoria de la caja acerca de su propio llegar a ser, y la obra posee una reflexin sobre el problema mente-cuerpo. Ademas, con su caja con el sonido de su propia creacin Morris desmitifica a la escultura, que segn el cnon antiguo y moderno debe ser estticamente bella. Barbara Kruger (1945-) es una artista conceptual, que tambien se dedic a la fotografa y adhiri a la corriente feminista. Su obra consta principalmente de fotografas en blanco y negro, donde figuran frases provocativas como no necesitamos otro hroe, compro, luego existo (como metfora del neoliberalismo) y tu cuerpo es el campo de batalla. Los temas que ms aborda Kruger es el feminismo y el consumismo, y se apropia de obras e imgenes conocidas para resignificarla con sus textos. Segn ella, utiliza la conjuncin imagen-texto porque tienen la habilidad de determinar quienes somos y quienes no somos. As, la lingstica y el idioma cobran un valor vital en la obra conceptual de Kruger.

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Arte, culturas y estticas

7.2.2. Arte participativo


En la dcada del 70 los artistas y sus obras se acercaron a la prxis vital del hombre, y buscaron acentuar la relacin arte-vida. En esa bsqueda, y ya considerando obsoletas individualmente hablando- a las antiguas disciplinas como la pintura y la escultura, los artistas se aproximaron a otros rincones de la nmina de las artes, incluso algunos ajenos a las artes visuales. Una de las caractersticas del arte posmoderno es, precisamente, esa falta de lmites entre una disciplina y otra, incluso tomando prestado caractersticas de artes vecinas. En el caso del arte participativo llamado as porque el pblico es partcipe directo de la obra en s misma- se entremezclan las artes visuales, el teatro y la improvisacin, la cinematografa, la msica y la danza. Las obras participativas son abiertas: es decir, el artista que inicia la obra no tiene una clara idea de cmo terminar, o especficamente qu suceder, puesto que, si es el pblico el participante, las reacciones pueden ser diversas. Naturalmente, hay diversos tipos de obras participativas, en las que el autor puede controlar quien y cmo participa (no es lo mismo un happening urbano que una ambie ntacin participativa realizada en una galera, por ejemplo), y tambien hay diferentes categoras o modos de presentarse estas obras participativas, que en general estan fundamentadas conceptualmente. Es decir que, otra vez, la idea o concepto es aquello que fundamenta e impulsa a la obra en s, y que lo empricoobjetual que la compone queda en segundo plano. A continuacin describiremos cmo pueden manifestarse algunas obras en las que el pblico se involucra, tanto espacial y fsica como mentalmente.

7.2.2.1. Ambientacin
El trmino ambiente puede utilizarse como mera referencia a las dimnsiones fsicas, adquirir una carga psicolgica o se limita a un sentido arquitectnico rgido para indicar un espacio interno restringido o extenderlo al exterior. Tambien puede implicar el espacio que envuelve al hombre. Puede ser construido en cualquier parte, sin limitarse a lugares convencionales de exposicin. Con los environments o ambientaciones artsticas, se crea una nueva realidad. Es una forma artstica que llena todo un espacio, envuelve al espectador y est compuesta de todos los materiales posibles: visuales, tctiles, manipulativos. Por esta mezcla de recursos y elementos, podemos decir que la prehistoria de la ambientacin se remonta al collage y al assemblage, con la diferencia de que el espectador no poda entrar en la obra. Es con el pop cuando empiezan a aparecer las instalaciones (donde el espectador no ingresa), pero tambien los ambientes, en los que el espectador se convierte en parte real del todo, y el ambiente le rodea o encierra por todos lados. Uno debe moverse en su interior. La composicin espacial puede reducirse al acto de seleccionar los materiales y objetos que compondran el environment (generalmente emplazado en un museo o galera), y esto tambien se emparenta con los ready-mades duchampianos, el azar y el cambio dado por la elevada actividad del espectador. La ambientacin acenta las relaciones con el espectador y confiere una mayor actividad cocreativa, o co-participativa. As, el ambiente deviene como un estimulante polisensorial que acta sobre la conciencia del espectador. Dentro de las ambientaciones, entonces, en muchos casos se han dado happenings y acontecimientos mltiples. Hay infinitas maneras de generar una ambientacin artstica. Durante los 70s se destacaron algunas tendencias particulares, como las ambientaciones cintico-lumnicas (con obras de arte cintico y proyecciones de diapositivas o films, por ejemplo), o experiencias hidrocinticas (como las obras del argentino Gyula Kosice), ambientaciones psicodlicas (con intercambios permanentes de pintura, plstica, cine y arte lumnico, reconstruyendo los efectos de una experiencia o estado anmico psicodlico, comprometiendo al espectador ntegramente) o ambientaciones ldicas (en la que el espacio presenta actividades artsticas orientadas al juego, y a la libertad de prejuicios), por citar algunas. La ambientacin es una experiencia polisensorial, es decir, apunta a varios sentidos a la vez. As, el ambiente y, por ende el arte, se transforman en la realidad misma, y viceversa.

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Arte, culturas y estticas

7.2.2.2. Happenings
Alrededor del msico John Cage se formaron los primeros experimentos denominados happenings o acontecimientos. Los happenings son sucesos teatrales interdisciplinares y colectivos en los que se mezclan efectos sonoros (msica, voces, sonido), efectos visuales (luces y sombras) y efectos plsticos (expresin corporal, objetos, dinmica) anulando las distancias entre el pblico y los protagonistas de la accin. Todos en un momento y en un espacio concretos son participantes de un evento en el que interesa sobre todo el proceso y el acto en s mismo. Podramos definirlo como una especie de collage viviente participativo y ritual, un momento de autodescubrimiento, que tendra sus orgenes en manifestaciones dadastas del Cabaret Voltaire y por otra parte en el desarrollo terico de la action painting de Pollock (lo importante es el proceso, no el resultado). Aun as, el happening es colectivo, y tiene una finalidad reflexiva, una idea o concepto que lo respalda. Los happenings son actividades abiertas pero pautadas: si bien el pblico puede participar libremente dentro del acontecimiento en s, hay un determinado control o recorrido por parte de los artistas que lo impulsan. El espacio del happening puede ser en exteriores o interiores (una ambientacin), y su pblico lo sostiene y fundamenta. Integrantes de esta tendencia son Josep Bevys, el grupo Gutai, Fluxus, los Wieners Aktions y el grupo cataln de Pars. Los happenings abarcan un amplio abanico de posibilidades expresivas: desde la violencia hasta la alegra, pasando por acciones polticas y obscenas. Un ejemplo de happening puede ser la accin que aconteci en la ambientacin llamada revulquese y viva, en la que Marta Minujin, en 1964 en el Instituto Di Tella, dispuso un conjunto de colchones para que, fiel a como reza el ttulo de la obra, el pblico se revuelque y viva.

7.2.3. Otras tendencias


Las tendencias artsticas del 70 cobraron mltiples caminos, cada uno de ellos puesto en funcin de la idea o concepto que los artistas quisieron expresar. En este sentido, el arte conceptual traza a toda la dcada, y es el transfondo de las experiencias que se realizan. Los medios mezclados son otra caracterstica presente, por lo cual la lnea divisoria entre una tendencia o un lenguaje es bastante difusa, acentuando el carcter experimental y novedoso de las obras.

7.2.3.1. Instalacin
Se llama as a los espacios montados en interiores que tienen un criterio esttico-artsticoconceptual, y cuya finalidad es estimular lo sensorial y reflexivo del espectador. As, estos espacios pueden tener una conjuncin de elementos visuales, auditivos, olfativos, tctiles y hasta gustativos. Si bien se desarrolla plenamente en la dcada del 70, ya en los 60 estaba presente el concepto de instalacin. Dentro del arte pop, Robert Rauschenberg y George Segal combinaron pintura y escultura para exhibir metforas consumistas. A diferencia de la ambientacin, en la instalacin el espectador perceptualiza desde afuera, en el sentido de que no ingresa al espacio. La instalacin emplea medios mezclados (pintura, objeto, escultura, etc), y tiene una idea o concepto fuerte que la sostiene. Un ejemplo de ello es la instalacin de la difunta correa del argentino Antonio Berni, en que la pintura y los elementos rituales (botellas, velas, fotografas, cartas, una guitarra, etc) constituyen una obra completa, que no queda solamente colgada en la pared, y se expande en un espacio fsico que simula una ofrenda al personaje autctono. En su instalacin, Berni desdibuja el lmite entre arte y ritual.

7.2.3.2. Arte povera


El movimiento del arte povera surge en Italia, en 1967, en respuesta al arte minimalista. Esta tendencia, que en su traduccin literal significa arte pobre, se desarrolla en el espacio del museo. Decimos que se opone al minimalismo porque ya no hay elementos geomtricos, y los materiales difieren bastante de los de la anterior corriente: grasa, fieltros, hierba, rocas, hielo, arena, frutas, verduras,

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Arte, culturas y estticas sacos de lona, cuerdas, peridicos, rboles, etc, dejando en numerosas ocasiones que se deterioren y se conviertan en detritus. La seleccin en estado natural de los objetos y los materiales favorece que la accin no sea tan fra, como sucede con los minimalistas. El material, entonces, se convierte en el protagonista principal de la obra. Desde el punto de vista sintctico, el arte povera se inclina por la antiforma: el artista se limita a hacer una seleccin de materiales e intervenirlos lo menos posible, para exhibir las propiedades fsicas y plsticas de los materiales y de las relaciones de ensamblado entre ellos, como hecho perceptual y artstico. As, los artistas quieren destacar las propiedades de sus materiales: maleabilidad, rigidez, conductibilidad, flexibilidad, reacciones qumicas de materiales, etc. El arte povera abandona la idea de reconstitucin del objeto, y se centra en mostras la heterogeneidad de las sustancias. Se asemeja con frecuencia a un montn de desperdicios trados a la galera o al museo. Los elementos compositivos determinantes son el cambio y la indererminacin. Ademas, la intencin del artista es suprimir la separacin entre lo creado y el espectador, para que ste entre en la obra (ambientaci n). Ademas, siendo elementos de la naturaleza o cotidianos, se genera una especie de relacin en la que el espectador puede ver y perceptualizar materiales de todos los das. En lo que refiere a la eleccin de materiales, el arte povera puede encontrar relacin con el informalismo europeo. A nivel sintctico de materialidad o infraestructura cosal de la obra, prevalece la tesis de que la sustancia y el material fsico es anterior a la forma, y su condicionante. Es un arte fsico que recurre precisamente a estas sustancias en estados de transformacin en un nivel anterior a la formacin de la imagen definitiva del objeto. En otras palabras, el arte povera muestra la previa al hecho artstico conocido: sus materiales, sus componentes, previos a una intervencion racional y activa del artista. No tiene interes en ofrecer el producto acabado, resultante de un proceso, sino el mismo proceso en su devenir. A nivel semntico, entonces, renuncia a los objetos iconogrficos. Robert Morris, quien tambien adhiri al minimalismo y al conceptualismo, dijo: con el arte povera, lo que est siendo atacado es algo ms que el arte como cono. Lo atacado es la nocin racionalista de que el arte es una forma de obra que resulta de un producto acabado. Y no solo eso, sino que es un alegato contra el valor comercial de la obra de arte: presentando materiales pobres, de desperdicio, que en algunos casos terminaban de descomponerse en la misma exhibicin, artistas como Morris, Pistoletto y Mario Merz, hicieron una acusacin contra el mercado artstico y contra el mundo tecnolgico racionalista.

7.2.3.3. Land art


El land art, tambien llamado earthworks, es el arte de la tierra, que tiene su razn de ser en la intervencin del artista en un espacio natural (agua, tierra, aire) o urbano. Aunque sus influencias o precedentes ms directos podran encontrarse en el arte povera, se distancia de l por su desarrollo en espacios exteriores y no en galeras. En el caso del land art, el artista ejecuta una modificacin sobre la naturaleza, y no puede ser contemplada fcilmente por mucha gente, por lo que el autor normalmente filma la experiencia en video o realiza una carpeta de fotografas para dejar constancia del fenmeno. Con este proceso, un hecho artstico, que en este caso pretende ser efmero por el mero hecho de ser realizado en la naturaleza y en exteriores- al pasar a documento visual se convierte en duradero, y al sustituir a la obra de arte en s alcanza altas cotizaciones en el mercado. Irnicamente, la realizacin de estas obras simbolizan un retorno a la naturaleza, y un rechazo hacia el objeto-arte y su consecuente valor monetario dentro del mercado artstico, pero las documentaciones (fotogrficas o flmicas) son lo antinatural del proceso, y aquello que es considerado como valioso en trminos econmicos. Aun as, el land art trata de apropiarse de la naturaleza de un modo esttico y artstico. Dentro de la idea de land art, entran experiencias como alinear una serie de enormes troncos de madera sobre el suelo de un bosque, escribir un nombre en el cielo, trazar lneas y crculos a escala gigantesca en una playa, ordenar geomtricamente un campo de alfalfa, colorear un terreno o disponer en espiral un conjunto de rocas en el ocano. El land art tiene a su vez una cierta connotacin sorpresiva,

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Arte, culturas y estticas pues cuando el material utilizado es la naturaleza con sus correspondientes imprevistos, los agentes atmosfricos o los cambios climticos pueden alterar el curso de la obra. El interesante artista blgaro Christo (1935-) usa habitualmente telas para envolver o empaquetar edificios, rocas, paisajes, etc, produciendo unos efectos visuales espectaculares. Ha empaquetado una playa de Australia con plstico, por ejemplo, como tambien puentes y montaas. Por la magnitud de sus creaciones requiere la colaboracin de tcnicos y expertos e incluso los correspondientes permisos de autoridades y propietarios. El argentino Nicolas Garca Uriburu (1937-) es clebre por teir de verde fosforescente los canales de Venecia en 1968, mientras participaba de la Bienal realizada en esa ciudad. Garca Uriburu ti el agua con un compuesto natural, que no provoc dao ecolgico, y fue una metafrica llamada de atencin acerca de la creciente contaminacin del agua en el planeta. As, su obra tambien se fundamenta conceptualmente.

7.2.3.4. Arte cintico


El arte cintico suele ser confundido con el arte ptico (op-art) surgido en 1958. La diferencia entre ambos radica en el hecho de que el op-art posee un movimiento virtual, que se genera como ilusin en la mente del espectador, mientras que en el arte cintico el movimiento es concreto, existe, y fundamenta a la obra. Los antecedentes del arte cintico, como muchas de las tendencias de los 70, hallan su raiz en obras de Marcel Duchamp, pero no solo de l sino tambien de los futuristas italianos y, fundamentalmente, de Alexander Calder (1898-1976), quien en la dcada del 30 invent los mviles, esculturas en alambre que, colgadas, posean un movimiento dado por el viento y factores atmosfricos. Al principio realiz mviles pequeos (similares a los actuales llamadores de ngeles) pero luego Calder hizo mviles de gran tamao. Su trabajo es el principal antecedente del arte cintico a desarrollarse a mediados de los 60 y durante los 70. Hay dos tipos principales de arte cintico: los ya citados mviles, en donde el movimiento funciona por la intervencin del ambiente (viento, etc) o algun factor externo, ajeno a la obra en s; y las construcciones, en las que el movimiento est controlado, es propio de la obra, y en muchos casos es programado. Podemos citar al venezolano Jess Rafael Soto (1923-) como ejemplo de la primera tendencia, en donde sus obras combinan arte ptico y cintico, y generalmente es el espectador quien genera el movimiento, ingresando en la obra (ambientacin ptico-cintica) y as modificandola. El argentino Julio Le Parc (1928-) realiz arte ptico, mviles y construcciones por igual, y en el caso de estas ltimas Le parc incorpora temporizadores o motores para que la obra tenga un movimiento interno pautado.

7.2.3.5. Performance
La performance o, en castellano, la interpretacin o actuacin, es una disciplina artstica tomada del teatro, que se conjuga con aspectos audiovisuales, plsticos y rituales. La performance es una variante individual de los happenings que encuentra en el propio cuerpo del artista su modo de expresin, de manera que objeto y cuerpo son la misma cosa. Por citar ejemplos, Gina Pace hace heridas sobre su propio cuerpo, Urs Luthi emplea el cuerpo como provocacin perversa de carcter bisexual, Vitto Acconci aplasta insectos bajo su propio cuerpo o se autocastiga fsicamente, y Brus somete su cuerpo a prueba, en obras tituladas como prueba de resistencia a la destruccin. Para que la obra tenga sustento, como sucede con el teatro, es necesario un pblico presente. Una de las performers ms importantes es Marina Abramovic (1946-), quien explora la relacin artista-pblico y los lmites del cuerpo y la mente. Dentro de la performance, hay variantes como el body art, que derivan en el body painting y tendencias similares. En estos casos, el cuerpo queda como el objeto artstico principal, mientras que en la performance lo que destaca es la accin del momento, sea planeada o azarosa, y que construye la obra en el exacto momento de la ejecucin. Como ya se destac, la performance debe su fundamento al teatro y al monlogo. Siendo el cuerpo el motor de la expresin, y tomando al pblico como espectadores no-participantes, el artista ejecuta

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Arte, culturas y estticas sobre s mismo. Hubo casos que, por actos de cortes o autoflagelacin, algunos artistas fallecieron ejecutando su obra, siendo la performance una tendencia en la que es el ejecutante el que decide hasta qu lmite puede y quiere llegar. Hay casos, sin embargo, en los que el pblico tambien interviene con el performer, disolvindose as la lnea entre monlogo artstico y happening participativo.

7.2.3.6. Feminismo
Como consecuencia directa de la liberacin femenina propia de la dcada del 60 y 70, la tendencia feminista en el arte surge como una visin anti-institucionalista pero, sobre todo, una visin antieurocentrista y anti-masculina del panorama artstico. Siendo el varn quien domin las artes durante siglos, en la segunda posguerra esa visin del hombre culto europeo se cae, y da paso a nuevas interpretaciones culturales, de las cuales el feminismo, los grupos homosexuales o las etnias hasta ese momento discriminadas son un ejemplo. Dentro del movimiento feminista se puede destacar a la ya citada artista conceptual Barbara Kruger, quien realiz instalaciones con carteles y palabras enormes, con un marcado tinte feminista. La crtica de Kruger hacia las instituciones y su bsqueda de liberacin se pueden resumir en su frase todos somos lo que el cielo permite. Otra exponente del movimiento es Guerrilla Girl, una artista cuyos enunciados apuntan directamente a menospreciar y socavar el poder masculino: es necesario que las mujeres esten desnudas para que esten en el museo?. As, Guerrilla Girl acusa el machismo mayoritario que hasta ese momento exista en el mbito de museo y de las artes visuales. Como dato anecdtico, y ya con los pies en el siglo XXI, cabe destacar que hoy da, si pudiera hacerse un censo del sexo de los artistas visuales vivos, al menos la mitad son mujeres, y el alumnado de un profesorado de artes visuales tiene, al menos, un 70% de estudiantes de sexo femenino.

7.2.3.7. Apropiacionismo
El apropiacionismo o arte de apropiacin es, principalmente, una crtica a la modernidad. Los artistas de esta tendencia toman imgenes clsicas o modernas, y las rehacen de otra forma, con otra tcnica, etc. Esta crtica va desde la parodia, la desacralizacin, la burla o la reelaboracin de obras avaladas, como la Gioconda de Leonardo, la persistencia de la memoria de Dal, por citar algunos. En el apropiacionismo, entonces, aparece la cita al pasado, pero con una obra reelaborada en funcin del hoy. Cabe aclarar que podra pensarse que en el pop art, cuando se exhibe por ejemplo- la imagen de una sopa Campbell o el logo de Pepsi, tambien hay apropiacin. Esto no es as. En el pop hay contextualizacin: no hay concepto de crtica, sino que muestra objetivamente los elementos publicitarios e icnicos de la sociedad de consumo. En el caso de los apropiacionistas, al citar una obra pasada como la Gioconda y pintarla sin cabeza, o representarla con la cara de un cerdo, o hacerla con trozos de fiambre, hay una provocacin, una crtica y un afan de desacralizacin del pasado, conceptos que bien podran ser tomados del dad.

7.2.3.8. Hiperrealismo
Surge en 1966 en EEUU, y con motivo de la celebracin de una exposicin denominada la imagen fotogrfica en Nueva York, el movimiento hiperrealista. En 1972 se presentan unas manifestaciones en la Bienal de Pars, con el nombre de realismo fotogrfico o hiperrealismo. Podramos sealar dos motivos para la aparicin del movimiento hiperrealista: uno que los movimientos artsticos de posguerra haban tocado techo y se haban agotado, y la otra que fue un relanzamiento del mercado del arte en norteamrica. El hiperrealismo, como su nombre lo indica, se basa en una aproximacin fotogrfica a la realidad. Incluso proyectaban diapositivas y calcaban directamente sobre el lienzo. No hay creatividad, hay excesiva frialdad e impersonalidad en sus trabajos. En pintura, los cuadros son de gran formato, sus temas suelen ser el paisaje y el retrato, preferentemente primeros planos. En escultura, como material

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Arte, culturas y estticas predomina el polister y sus temas recogen escenas cotidianas, como amas de casa, jugadores de rugby, etc. Con una ejecucin tcnica impecable, que hace preguntarse eso es una foto o una pintura?, el hiperrealismo, tambien llamado cool art (arte fro), es la oposicin total al arte conceptual.

7.2.4. La msica en los 70


Si en los 60 el rock prob ser el estilo musical reinante, en los 70 se consolida como un campo de experimentacin y desarrollo artstico sin precedentes. Pero ademas del rock, surgen nuevos estilos musicales, que continuan aun vigentes. Como variacin del rock, surge el rock progresivo, nacido a fines de los 60 y desarrollado principalmente durante la primera mitad de la dcada de 1970. El adjetivo progresivo alude tanto al carcter innovador que tuvo inicialmente el gnero (concebido como un paso adelante en el progreso de la msica rock) como a la importancia que concede a la progresin musical: una de sus principales caractersticas es el paso gradual, progresivo, de sonoridades acsticas, modales, de tiempo lento, a otras elctricas, tensas, aceleradas. Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de movimientos, como en las obras de msica clsica, y por la adicin paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas musicales planteados en la pieza y la improvisacin, cercana a menudo a los cnones del jazz, junto con un componente experimental heredado de la msica electrnica. Son caractersticas del gnero las canciones largas, los lbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de los instrumentistas, y un uso prominente del melotrn (una especie de rgano elctrico) y otros sintetizadores. Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las bandas que dieron forma al gnero, como Emerson, Lake & Palmer, Genesis, King Crimson, Jethro Tull, The Alan Parsons Project, Pink Floyd, Rush, Soft Machine y Yes. El rock progresivo concede una gran importancia a la aportacin individual de cada msico, lo que en ocasiones lleva a gran cantidad de solos de guitarra, teclado, batera, etc., en detrimento del sentido unitario de la pieza. Los conciertos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y espectaculares, especialmente en los grupos populares de la dcada de 1970, tales como Yes o Pink Floyd. Puede citarse al disco in the court of the crimson king (1969), el debut de King Crimson, como una de las primeras obras de rock progresivo. Generalmente se asocia con el rock progresivo al rock sinfnico. En el caso de este ltimo, el adjetivo sinfnico alude sobre todo a la sonoridad orquestal, integrada en algunas canciones pop (como pasa en gran parte del disco Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de los Beatles, por ejemplo) mediante el uso de secciones de cuerda u orquestas enteras, o evocada (de forma ms econmica) mediante el melotrn y otros sintetizadores primitivos. Los lbumes generalmente son conceptuales o con un eje temtico comn, y con canciones enganchadas entre s o de gran duracin. Ambos estilos (progresivo y sinfnico) en muchos casos se complementaron, pero en otros casos fueron independientes entre s. Otro estilo naciente es el hard rock. Como su nombre lo indica, es un estilo de rock ms duro, pesado, con riffs de guitarra contundentes y una combinacin bajo-batera con ritmos marcados. Halla su origen en el rock y en el blues, y las canciones generalmente poseen tonalidades mayores y menores, con uso de la escala pentatnica. Una de las principales agrupaciones del hard rock es Led Zeppelin, integrada por Robert Plant (voz), Jimmy Page (guitarra), John Bonham (batera) y John Paul Jones (bajo). Formada en 1968, la banda mostr influencias del rock, blues, soul y country, entre otros estilos, con un sonido caracterstico: el bajo bien marcado, la batera tocada impecablemente por el pulpo Bonzo, la guitarra multifactica de Page y la caracterstica voz de Plant, agudsima. Uno de sus discos clave es Led Zeppelin IV, de 1971, que contiene gran parte de sus xitos, includos Black dog, Rock and Roll y la pica Stairway to heaven. Otro disco de especial interes es Physical Graffiti, de 1975, un disco doble con la clsica Kashmir y un amplio y diverso repertorio. Con la muerte de Bonham en 1980, ahogado en su propio vmito por el consumo excesivo de alcohol, la banda se disolvi. Otra banda de especial interes es Deep Purple, quien incursion en el hard rock y el rock progresivo. Su disco clave es Machine Head (1972), que posee la popular Smoke on the water. Ha tenido numerosas formaciones y cambio de miembros durante su existencia, que fue de 1968 hasta 1976, y de 1984 hasta la actualidad. AC/DC es 116

Arte, culturas y estticas una banda que, formada en 1973, hasta el da de hoy contina en actividad. Su estilo potente y marcado ha sido un sello identificatorio que traza a toda su trayectoria. El disco Back in Black (1980) es considerado uno de los xitos ms importantes de la banda. Black Sabbath, banda que entre 1967 y 1979 fue liderada por Ozzy Osbourne. No solo son parte del hard rock, sino pioneros del estilo heavy metal. En sus letras incorporaron temas esotricos, de ocultismo y terror. Su disco Paranoid (1970) ha sido su xito ms masivo. Por ltimo, como parte del hard rock y del pera rock, mencionar a Queen. La banda, integrada por Freddie Mercury (voz y piano), Brian May (guitarra), Roger Taylor (batera) y John Deacon (bajo) fue formada en 1971. Con influencias opersticas, dadas por la excntrica personalidad y la increble voz de Mercury, la banda es considerada una de las ms exitosas e importantes de la historia de la msica. Uno de sus ms importantes discos es A night at the opera (1975), un disco que se pasea entre el hard rock, el jazz, el country, el foxtrot, el pop, entre otros estilos. De ese disco se extrae la clebre Bohemian Rhapsody, una suite pera-rock de 6 minutos, con un gran arreglo de voces realizado por los cuatro msicos, que en muchas ocasiones ha sido considerada la mejor cancin de la historia. Si en los 70s Queen se volc al hard rock, durante los 80s desarroll un estilo pop -rock caracterstico. A principios de 1991 sali a la venta Innuendo, un disco eclctico, de corte pop-progresivo, cuya principal corte de difusin fue la cancin de 6 minutos Innuendo, emparentada en ocasiones con Bohemian Rhapsody. En noviembre de ese mismo ao, Freddie Mercury falleci de una neumona provocada por el deterioro fsico ocasionado por el virus del HIV. En 1995 saldra a la venta Made in Heaven, un disco pstumo que May, Taylor y Deacon realizaron con temas solistas de Mercury y grabaciones inconclusas del vocalista. Una interesante tendencia del rock que surge a fines de los 60 y se desarrolla en los 70s, en Alemania Occidental, es el kraut rock, a veces considerado un subgnero de rock progresivo. El trmino, originalmente despectivo (kraut significa repollo en alemn, y era uno de los apodos que se les dieron a los alemanes durante las guerras mundiales ya que un plato tpico alemn es el repollo en salmuera), se usa para referirse a una gran cantidad de artistas alemanes que haban sido influidos por gneros como el rock psicodlico, el rock progresivo, la msica de vanguardia, el rhythm and blues y el jazz, que utilizaban nuevas tecnologas y nuevas formas de usar las tecnologas de grabacin, amplificacin y mezcla musical, con nuevas estructuras formales. Utilizaron como principales instrumentos guitarra elctrica, bajo elctrico, batera, teclados, sintetizadores y diversos instrumentos electrnicos. Una de las principales bandas del gnero es Can, quienes tenan influencia del rock progresivo y el free jazz. Una de las caractersticas de esta banda, y del kraut en general, es la improvisacin: mientras los msicos interpretan libremente, un cantante (en el caso de Can era el japones Damo Suzuki) frasea sobre la msica, adaptandose a los cambios musicales que van surgiendo. El kraut alemn inspir en Inglaterra al llamado Rock In Opposition. El Rock en Oposicin (R.I.O.) aparece a finales de los 70 cuando distintas formas de msica que de alguna manera sugieron a partir del rock encuentran que la industria de la msica no les concede un lugar. Hay tantos estilos de R.I.O. como hay bandas, pero en general lo caracterizan el jazz fusion (como hacan Frank Zappa o Miles Davis), el free-jazz, el atonalismo, las formas libres y las complicadas estructuras de tiempo, acordes poco comunes , duracin extendida de sus canciones (pueden superar los 20 minutos, en algunos casos) y la musica erudita contemporanea. Grupos como Henry Cow y Six Cylindres en V (con una formacin casi enteramente de vientos) mezclan el buen humor, el jazz y el experimentalismo con la complejidad y profundidad de las composiciones. Es, ante todo, una musica para ser disfrutada y no solo admirada, y es reconocida por los ms fanticos, pero deplorada por el pblico masivo, por ser una clara propuesta anti-comercial. El R.I.O. lleva al extremo la idea del rock psicodlico de ampliar la percepcin, y es un arte en el sentido ms completo, que cambia nuestra percepcin de cmo escuchar msica: la obliga a evolucionar. El movimiento produjo muchos festivales en vivo, y el baterista de Henry Cow cre una discogrfica para editar toda esa msica. El Rock en Oposicin no solo fue una oposicin a la msica vigente, sino una postura poltica, social e ideolgica: es la protesta. Ante la falta de lugar en las grandes discogrficas, los msicos del R.I.O. tuvieron que autogestionarse. Dentro de las bandas del R.I.O. se destacan la ya mencionada Henry Cow, con su disco Leg End (1973), y Soft Machine, cuyo disco Third (1970) es

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Arte, culturas y estticas una placa clsica de este estilo musical. El lder de Soft Machine, Robert Wyatt (1945-) merece tambien mencin con su disco de 1974, Rock Bottom. El kraut y el Rock en Oposicin tuvieron escasa vigencia y en pocos aos se desvanecieron como militancia activa, pero constituyen un importantsimo ejemplo de poca, en lo que a relacin arte-vida refiere. En los 70s se presencia al nacimiento de uno de los estilos musicales ms interesantes y revolucionarios: el punk. A finales de los aos 1960, una corriente de jvenes de Gran Bretaa y otros pases industrializados consideraban que el rock haba pasado de ser un medio de expresin para los jvenes, a una mera herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los msicos de ese entonces. El punk surgi como una burla a la rigidez de los convencionalismos que ocultaban formas de opresin social y cultural. Por eso, en un inicio, el punk parodi al rock, tocando sus canciones ms reconocidas con un tempo mucho ms rpido, y de manera ms desprolija, y esa forma de tocar sera la que caracteriz a la msica punk. El trmino ingls punk tiene un significado despectivo que, en personas, puede significar vago, despreciable, sucio, basura y escoria. Se utiliza de forma irnica como descripcin del sustrato crtico o descontento que contiene esta msica. Al utilizarlo como etiqueta propia, los punks se desmarcan de la adecuacin a los roles y estereotipos sociales. Debido al carcter de este significado, el punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha utilizado como medio de expresin de sentimientos de malestar y odio, y tambin ha dado cabida a comportamientos neurticos o autodestructivos. A principios de los aos 70's, los punks tenan una filosofa muy diferente al punk de ahora, y consideraban que there is no future (no hay futuro). Ese concepto era pesimista, desesperado, destructivo y agresivo hacia la sociedad. Incluso, el punk ha estado muy relacionado con el movimiento anarquista. Rechaza los dogmas y los puntos de vista nicos, y defiende el do it yourself (hacelo vos mismo) y el do it your way (hacelo a tu manera). La forma originaria del punk era una forma expresionista de transgresin, buscando liberarse de los corss estticos y de la opresin, de la autoridad y en no estar de acuerdo con la sociedad convencional, as como con los estigmas sociales. El punk original no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando, ofendiendo y molestando, siendo siempre lo polticamente incorrecto y lo opuesto al buen gusto, la moral y la tradicin. En un primer momento era bsicamente una serie de actitudes de transgresin esttica y musical (en la vestimenta, el peinado, etc.), aparejadas a una serie de comportamientos de disconformidad cotidiana, que se fueron acentuando. Dentro del punk ingles, hay que destacar a The Clash, banda formada en lo que se llam la primera oleada punk, en 1976. A diferencia de otras agrupaciones, The Clash incorpor a su msica otros estilos ademas del punk, tales como el ska, reggae, dub y rock. Exhibieron en sus letras una crtica poltica importante, pero con gran idealismo. The Clash protestaba contra la monarqua y la aristocracia, pero a diferencia de la mayor parte de las bandas punk de poca, el grupo rechazaba el nihilismo y no profesaba la anarqua, por lo cual fueron duramente criticados por otros punks. Por otro lado, encontraron el apoyo de un gran nmero de movimientos de liberacin contemporneos. Sus ideas polticas fueron expresadas explcitamente desde las letras de sus primeras composiciones como White Riot, que animaba a los jvenes de raza blanca a ser tan polticamente activos como sus pares de raza negra, Career Opportunities, que expresaba el descontento por la falta de alternativas laborales en la Inglaterra recesiva de la poca, y London's Burning, que trataba sobre la complacencia poltica. Su disco ms importante ha sido London Calling, de 1979. Dentro del punk ingles tambien hallamos a otra banda emblemtica, Sex Pistols. Aunque solo tocaron 2 aos y medio, y grabaron 4 simples y un solo disco ( Never mind the bollocks, de 1977), son considerados una de las ms importantes bandas punk. Los Sex Pistols representaban la actitud punk en su totalidad: el cantante Johnny Rotten sala al escenario con una remera que deca I hate Pink Floyd y cantaba ebrio o drogado, o su bajista Sid Vicious no tocaba, porque l mismo entenda que no saba tocar el bajo, por lo cual haca la mmica y pona la actitud, pero el bajo que sonaba era el de otro msico que tocaba detrs del escenario. Dentro de la banda, es Sid Vicious el exponente punk por excelencia, con una vida trazada por el abuso de drogas y alcohol, culpado del asesinato de su novia y encarcelado, para finalmente morir de sobredosis de herona a sus 21 aos. Finalmente, dentro del punk norteamericano, el mximo exponente es The Ramones. El grupo integrado

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Arte, culturas y estticas por los hermanos Ramone se fund en la Nueva York de 1974, y fue pionero del naciente punk norteamericano. Sus composiciones rpidas y directas, repetitivas y de letras muy simples o incluso sin sentido, son una clara oposicin a la pomposidad y complejidad de las bandas progresivas que triunfaban en el mercado de los aos 70. A lo largo de su carrera, los Ramones publicaron 14 discos de estudio y varias recopilaciones y discos en directo, haciendo un total de 21 lbumes. La imagen de los Ramones en escena complementaba la temtica de sus temas y sus conciertos. Todos los miembros de la banda salan a los conciertos con chaquetas de cuero, jeans rasgados, zapatillas deportivas, camisetas y pelo largo, en honor a las estrellas de rock de los 50, y poniendo de manifiesto que no era necesario vestir de manera extravagante y lujosa para tocar msica rock. Esta moda enfatizaba la simpleza de su msica, que constituy una gran influencia en la escena neoyorquina de los 70. Tommy Ramone recalc que, tanto musical como visualmente, estbamos influidos por los cmics, el trabajo de Andy Warhol y el cine vanguardista. En escena, la banda siempre se colocaba de cara al pblico, pues les disgustaban los msicos que tocaban mirando hacia la batera, el amplificador o cualquier otra cosa que no fuera el pblico. Esta relacin banda-pblico estuvo siempre presente, y es una postura escnica que influy a muchsimas agrupaciones posteriores. La banda se disolvi en 1996, y hoy da es considerada el referente punk por excelencia. Dentro del rock, surge una tendencia llamada glam rock, derivada del rock psicodlico, pero con el agregado esttico: los rockeros glam se maquillaban y vestan excntricamente, jugaban con la ambigedad sexual y se creaban alter-egos. El artista ms reconocido de esta tendencia es David Bowie (1947-), cantante y multiinstrumentista quien, ademas del estilo glam, incursion en el rock, pop, punk, dance y demas tendencias musicales, ademas de ser productor y actor. El xito de masas le llegara en 1972 con el disco the rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un lbum conceptual en el que narra la historia de una estrella del rock venida de otro planeta, Ziggy Stardust, bautizando a su banda de acompaamiento como The Spiders From Mars. Este disco se convertira en el ms clebre del glam rock, y est considerado como uno de los mejores y ms influyentes en la historia del rock. Sus siguientes discos, Aladdin Sane (1973), en el que mutaba en un nuevo personaje, y Diamond dogs (1974), basado parcialmente en la novela 1984 de George Orwell, completan una trada de discos impecables, que exhiben la creatividad y talento de Bowie. Dentro de sus experiencias cinematogrficas, es mtico su papel protagnico en la pelcula Laberinto (1986). Bowie es uno de los artistas ms inclasificables de la historia musical contempornea, puesto que su amplitud estilstica es enorme. Pero ademas del rock y el punk, en los 70 se popularizan nuevos estilos musicales. Uno de ellos es el funk, que apareci en los primeros aos 60 en el ambiente nocturno de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos. Nacido como una evolucin de algunos elementos del soul y el jazz anteriores aderezados por influencias latinas como la rumba, el funk se consolid como un estilo propio y marc el camino de la msica bailable de ah en adelante. El bajo como instrumento cobra protagonismo, ya que construye lneas meldicas y rtmicas. Tanto guitarra como batera acompaan al bajo con rtmicas muy caractersticas. Un artista de especial interes es George Clinton (1941-), quien con sus bandas Parliament y Funkadelic, entre 1970 y 2000 son una referencia ineludible a este estilo musical. El funk prepar el camino para el desarrollo de la msica disco, de gran auge durante la segunda mitad de la dcada de 1970. La msica disco es un gnero de msica que se populariz principalmente en las discotecas, por ser un estilo muy bailable. Tambien algunas pelculas como Saturday night fever (1977) contribuyeron al despegue de la msica disco entre el pblico. Caracterizada por un ritmo repetitivo y bien marcado de bombo y hi-hat de la batera, y con melodas pegadizas, la msica disco durante los 70 tuvo exponentes de gran xito, que siguen vigentes hoy: Barry White, los Bee Gees, Electric Light Orchestra, Rod Stewart y los Jackson Five. Surgido en los 60 en Jamaica, y popularizado en la dcada del 70 a nivel mundial, aparece el reggae. El trmino reggae es una derivacin de ragga, que a su vez es una abreviacin de raggamuffin, que en ingls significa literalmente harapiento. Este topnimo se us para designar a los pobres de Jamaica,

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Arte, culturas y estticas y tambin a los Rastas y a los movimientos culturales de los barrios pobres. Al reggae se lo asocia errneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su msica por prominentes msicos de reggae en los aos 70 y 80. El reggae nunca form parte del orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae y la msica rastafari. Ellos sealan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope-africana y su msica es diferente. El reggae se basa en un estilo rtmico caracterizado por cortes regulares sobre una msica de fondo tocada por la batera rtmica, conocida como "Beat", y la batera, que se toca en el tercer tiempo de cada comps. La msica reggae frecuentemente toca temticas de tipo social, adems de polticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la cancin de autor o el punk. El mximo exponente del gnero es Bob Marley (1945-1981), quien lider la banda The Wailers. Marley no solo ayud a difundir la msica reggae a nivel mundial, sino tambien a la cultura rastafari, de la cual era un fiel representante. Algunas de sus ms recordadas canciones son I shot the sheriff, No woman, no cry, Redemption song y One love.

7.3. La dcada del 80


En la dcada de 1980 se acrecienta la tensin entre Estados Unidos y la Unin de Repblicas Socialistas Soviticas, instalando una latente amenaza de holocausto nuclear. Es en 1981 cuando Ronald Reagan jura como presidente norteamericano, e impulsa un programa econmico basado en el librecambio, sentando las bases del neoliberalismo que se desarrollara totalmente en los aos venideros. Mientras tanto, varios pases de frica se encuentran sumidos en una profunda hambruna. Se divisan conflictos blicos en el medio oriente, entre Irak e Iran. Se producen gran cantidad de adelantos tecnolgicos y cientficos, entre ellos la primera videoconferencia, las consolas de videojuegos hogareas, las primeras computadoras personales (PCs), los primeros mapeos del genoma humano, la manipulacin gentica y el origen del compact disc, entre otros adelantos. En 1981 se anuncia el descubrimiento del virus del HIV, y se provoca una escalada inmensa de casos por el virus. Ademas, la experimentacin con energa nuclear provoca en 1986 el accidente nuclear en la ciudad de Chernobyl, al norte de Ucrania. Uno de los acontecimientos ms significativos es la cada del muro de Berln, en 1989, que desde 1961 divida a la ciudad (y a Alemania) en dos partes, y fue un emblema de la Guerra Fra. Separaba a Alemania Occidental, de tendencia capitalista, y a la Repblica Democrtica Alemana, una democracia social de corte comunista. El muro tena una longitud de ms de 120 km, y la construccin inicial fue mejorada regularmente. Era de hormign armado, tena una altura de 3,6 m y estaba formado por 45.000 secciones independientes de 1,5 m de longitud. El muro no solo divida a la Alemania capitalista de la comunista, sino que era una simbologa del mundo bipolar. La apertura del muro inici cuando el 9 de noviembre de 1989 se permiti, mediante una ley de viajes, una concesin de permisos de viaje y la apertura de los pasos fronterizos de la frontera interalemana. Miles de personas se dirigieron hacia los pasos fronterizos de la frontera interalemana, incluyendo los del muro de Berln. Gracias a los anuncios de las radios y televisiones de ambas Alemanias bajo el ttulo El Muro est abierto!, muchos miles de berlineses del este se presentaron en los puestos de control y exigieron pasar al otro lado. En esos momentos, ni las tropas de control de fronteras ni los funcionarios del ministerio encargados de regularlas estaban informados. Sin una orden concreta, sino bajo la presin de la gente, se abrieron varios puntos de control, tanto en Berln como en la frontera. Muchos telespectadores se pusieron en camino. A pesar de todo, la verdadera avalancha tuvo lugar a la maana siguiente. Muchos durmieron toda la noche para asistir a la apertura de la frontera a la maana siguiente, 10 de noviembre. Los ciudadanos de la Alemania del Este fueron recibidos con entusiasmo por la poblacin de Berln Oeste. La mayora de los bares cercanos al muro daban cerveza gratis y los desconocidos se abrazaban entre s. En la euforia de esa noche, muchos berlineses occidentales escalaron el muro. Cuando se conoci la noticia de la apertura del muro, se interrumpi la sesin vespertina del parlamento federal, y los diputados entonaron

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Arte, culturas y estticas espontneamente el Himno de Alemania. El 9 de noviembre, los berlineses llevaron a cabo la destruccin del muro con todos los medios a su disposicin (picos, martillos, etc.). As, no solo se iniciaba el proceso de unificacin alemana, sino la inminente cada de la Unin Sovitica y, por ende, el triunfo del neoliberalismo.

7.3.1. El retorno de la pintura


Con el fin de la modernidad, en el arte se gener una crisis del sentido. Concretamente, caen los grandes relatos: es el fin de la historia nica, el fin del ideal de progreso positivista. En definitiva, desde la dcada del 60 se presencia en el arte una cada de la representacin del mundo occidental. Esta cada no es literal, y refiere a lo que Arthur Danto llama el fin del arte. Lo que cae es la representacin nica; no hay antinomias duras en esta poca. Esto significa que, por ejemplo, los binomios verdadero/falso, bello/feo, bueno/malo se disuelven. Al no haber un relato nico, una filosofa o ideologa que sea columna vertebral, el mundo del arte y el mundo occidental, en definitivapierde el centro. No hay contrastes, no hay una defensa de las ideologas como hubo antao. Esto no significa un advenimiento del nihilismo ni mucho menos, sino que, en palabras de Danto, se inicia el momento de libertad ms importante que haya habido. El artista, entonces, recurre a la cita desde su lugar antropolgico, para agarrarse de algo entre tanta falta de centro. La cita debe ser entendida no como reproduccin del pasado, sino como una renovacin de lo pasado, que es trado al presente, lo hace ambiguo. Aquello que se cita hoy, est descontextualizada de su cultura y momento originario, y por eso adquiere nuevo significado. La cita ya se haba comenzado a dar en la dcada del 70, con el movimiento apropiacionista, pero en los 80s se vuelve esencial. As, el circuito artstico se autoalimenta, porque el tema artstico que ya ha sido hecho es visto desde un nuevo tiempo, con otra intencin, pero integrandose a la historia artstica. Se dice que el artista cita desde su lugar antropolgico porque, ante una falta de relato globalizador, resurgen los valores regionales, de la propia cultura en la que se est inmerso. Entonces, por ejemplo, en Alemania se cita al expresionismo, en Inglaterra al romanticismo, en Espaa al informalismo, en Estados Unidos al pop y a la publicidad. Se vuelve a la pintura. Se retoman los elementos pictricos, en un intento de dejar el conceptualismo de la dcada anterior. Barcel, uno de los pintores destacados de los 80s, dice: en los aos del conceptualismo solo opinaban los especialistas, y el pblico desfilaba en silencio, con el corazn encogido. Este es uno de los pensamientos de estos artistas neoconservadores, llamados as por retomar los medios tradicionales, pero con una nueva concepcin. Con la cita, el artista puede dar una interpretacin personal, por lo cual se exhibe la subjetividad, el yo, en consonancia con los ideales posmodernos. Ademas, la pintura se nutre de irona y de crtica. Hay una especie de resurgimiento de los movimientos artsticos. As, se habla de nuevos fauves, de neodadasmo, neomanierismo, bad painting, y principalmente de transvanguardia italiana y neoexpresionismo. En el caso de esta ltima tendencia, fue la ms fuerte durante la dcada y, como su nombre lo indica, tiene clara referencias al expresionismo, por lo cual nace y se desarrolla en Alemania Occidental, expandiendose luego por el resto del mundo. El neoexpresionismo fue una clara respuesta a los conceptualismos de la dcada anterior, y destac el valor de la pintura pura, con un desenfreno y una crudeza total. Generalmente las pinturas eran figurativas, con pinceladas y colores violentos, algo de dripping, y no dejan de lado a la abstraccin, que en algunos casos es de gran importancia en la composicin. Se retoma la figura humana como eje temtico central. En el caso de la transvarguardia italiana, se caracteriza por un eclecticismo subjetivo, en el que los artistas vuelven a un lenguaje pictrico clsico. Recurren a temas mitolgicos clsicos como el minotauro o el cclope y a temas heroicos con gran expresividad cromtica. Temtica y estticamente, el artista es libre para transitar en cualquier poca o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Realizan obras generalmente figurativas, con referencias iconogrficas, con gusto por incorporar en sus imgenes fragmentos de obras del pasado. Su principal influencia viene del Manierismo, as como del Renacimiento y el Barroco. Aunque rechazan la vanguardia, toman elementos de artistas del siglo, principalmente de las vanguardias 121

Arte, culturas y estticas histricas. El resultado es una mezcla indiscriminada de temas y estilos (pastiche). Por esta cuestin, generalmente se vincula al neoexpresionismo y a la transvanguardia con la idea de bad painting, o mala pintura, por su desprolijidad y despreocupacin esttica. Tanto el artista transvanguardista como neoexpresionista destaca por su individualismo y, al contrario que los artistas de las vanguardias histricas, ellos no quieren influir en la sociedad ni provocar una transformacin del arte. Las pinturas, ademas de su esttica libre, se caracterizan por ser de enorme tamao. Sin embargo, se afirm que el arte que practicaban los neoexpresionistas y transvanguardistas careca de cualquier significado poltico o social, era slo mercanca y, por tanto, objeto de los vaivenes y fluctuaciones del mercado. Salvo algunas excepciones, la pintura neoexpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un hecho creativamente descalificado y vulgar. Dentro de los pintores de la dcada del 80, destaca la figura de Anselm Kiefer (1945-). Adhiere al neoexpresionismo y, al ser aleman, cita principalmente a la esttica y el sentir del expresionismo y el romanticismo. Es un autor que llama a la reflexin: sus pinturas aluden al horror, a la historia alemana reciente, en las que Alemania queda como responsable del holocausto y el exterminio en masa ocurrido en Auschwitz, durante la Segunda Guerra Mundial. As, Kiefer se enfoca en un tema tab para su pas, como fue el nazismo y la omnipotencia del poder europeo. Es muy caracterstica en su obra la presencia de letras, siglas, nombres de persona, figuras mticas o lugares con una fuerte carga histrica. Se trata de signos que ponen de manifiesto el peso de la historia y de los elementos mticos y literarios del pasado cultural. Su pintura es, en este sentido, profundamente literaria, y cita no solo esttica, sino temticamente a la historia alemana. En sus obras, Kiefer fusiona la pintura, la escultura y la fotografa, mediante tcnicas como el collage o el assemblage, con una pincelada violenta y una gama cromtica casi monocroma, mezclando materiales atpicos como alquitrn, plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas. Tambin utiliza materiales de desecho, incluso armamento militar, por lo cual su pintura mattica tambien se aproxima al informalismo. A diferencia de sus contemporneos, en donde la figura humana es protagonista, Kiefer realiza paisajes para nada tradicionales. Representados con gran carga matrica y exhibiendo una gestualidad brutal, Kiefer exhibe paisajes y arquitecturas desiertas, desoladas, arrasadas. Esos desiertos aluden al vaco y el desastre posterior a la guerra, pero no solo eso, sino al desierto de la apata y la indiferencia que hay en el hombre posmoderno, y que el socilogo Gilles Lipovetsky describe en uno de sus ensayos. Otro representante del neoexpresionismo, que cita a la esttica de la pintura del Die Brucke, es el aleman Georg Baselitz (1938-). Salt a la fama cuando, en la dcada del 60, la polica atac a uno de sus cuadros, un autorretrato de Baselitz en forma de nio, en el que se lo mostraba masturbndose. La pintura de Baselitz se enmarca en un expresionismo primitivo, muy gestual, crudamente figurativo. No busca una crtica, sino que exhibe la naturaleza humana. Las obras de Baselitz son reconocidas principalmente porque, a partir de 1969, empez a pintar cuadros invertidos, o rotados 180: los personajes aparecen de cabeza, como si, una vez terminada la pintura, el autor las diera vuelta y las expusiera al reves. Una de las obras ms recordadas con estas caractersticas es orange eaters, o los comedores de naranja, de 1982. Se destaca tambien como escultor y grabador, y es profesor en la Escuela Superior de Arte de Berln. Es uno de los artistas vivos ms cotizados y premiados. En Estados Unidos, destaca Jean-Michel Basquiat (1960-1988), quien es el primer afroamericano en tener un reconocimiento internacional en el campo artstico. Marcado por conflictos familiares y sociales, Basquiat se introdujo en el mundo del arte mediante el graffiti, a fines de la dcada del 60. Dueo de una pintura y un graffiti muy satrico e irnico, Basquiat vivi en las calles de Brooklyn, sin un techo fijo, vendiendo remeras decoradas por l. A partir de los 80s, Basquiat se dedica a la pintura, previo estudio de los expresionistas abstractos, los informalistas y los pop. El resultado es una pintura orientada a la esttica del graffiti, en la que Basquiat combina elementos y citas de la historia del arte. Se lleg a definir a su arte como chocante combinacin del arte de De Kooning y de los garabatos pintados con aerosol en el metro neoyorquino. Luego de algunas exposiciones individuales, lo conoce Andy Warhol, quien lo apadrina y lo introduce en el mundo artstico. As, se produce un hecho curioso: el graffiti, como arte callejero, es llevado a la tela y al museo, por ende, se legitima como expresin artstica. Basquiat no

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Arte, culturas y estticas solo fue el primer artista afroamericano en conseguir reconocimiento masivo y xito en el mercado, sino que institucionaliza al graffiti en la galera-museo. Falleci a los 27 anos, por sobredosis de herona.

7.3.2. La msica en los 80


Luego de la explosin creativa de los 60 y los 70, en la dcada del 80 se consolida la msica pop, la msica electrnica, y surgen nuevas variantes del rock. Dentro de las variantes rockeras de los 80, quizas la ms recordada sea el heavy metal, o simplemente metal. Tomando la obra de Black Sabbath y Deep Purple principalmente- como precursora, varias bandas empezaron a experimentar con sonidos ms pesados, con guitarras ms elctricas y distorsionadas, riffs y lricas violentas, batera con doble pedal y bajo marcado. En Inglaterra, la banda ms reconocida e importante del gnero, fundada en 1975, es Iron Maiden. La banda toma su nombre de la doncella de hierro, una especie de atad realizado con ese metal, que se utilizaba como instrumento de tortura en la Edad Media, ya que su interior estaba forrado en enormes clavos oxidados, y en el cual se encerraban vctimas que se desangraban hasta morir. Con la llegada del cantante Bruce Dickinson en 1982, editan ese ao su disco ms representativo, the number of the beast. Iron Maiden hoy da sigue haciendo msica y es una referencia ineludible de este estilo de rock. Tambien se destacan otras bandas, como Motorhead, Manowar, Judas Priest, Megadeth y Metallica. El metal tambien se mezcl con el glam rock, surgiendo el glam metal, gnero en donde el sonido metal se une a una esttica de glamour, con temas, vestimentas y guios de evidente sexualidad. Dentro de este estilo, durante la dcada del 80, se destacaron Motley Crue, Twisted Sister, Poison, Van Halen, Kiss, Bon Jovi y Aerosmith. Dentro del hard rock, corriente ya surgida la dcada anterior, y aproximandose al heavy metal, en 1984 se funda Guns N Roses, banda liderada por Axl Rose y el guitarrista Slash. Con el disco debut en 1987, appetite for destruction, la agrupacin salta al estrellato y se consolida como una de las ms importantes del rock de la dcada. Su estilo vara entre el hard rock, el blues, las baladas rock e incorpora el piano como instrumento. Y dentro del rock, podemos ubicar a los irlandeses de U2. La banda liderada por Bono se form en 1976, en Dubln, Irlanda, y se consolid a mediados de los 80 con discos como the Joshua tree (1987), uno de los mejores trabajos de la banda. Las letras de U2 siempre tuvieron un compromiso humanitario, y eso se expres en manifestaciones ajenas a la msica misma, en la que los miembros de la banda particularmente Bono- participaron y defendieron pblicamente los derechos humanos, la ecologa, y demas temas de interes. En la dcada del 90 los U2 abandonaron su sonido post -punk y rock, para adentrarse en un terreno experimental, en que incursionaron en la msica dance y electrnica, sin perder su esencia meldica. El resultado ms satisfactorio fue el disco Achtung Baby (1990). A principios de 1992, el grupo se lanz a una nueva gira en apoyo de su Achtung Baby. Con el nombre de Zoo TV Tour, esta gira fue una novedosa combinacin de efectos multimedia, con un escenario formado por pantallas gigantescas, coches colgando y demas efectos novedosos, siendo as una de las megagiras ms recordadas de la historia de la msica. La msica electrnica, para la dcada del 80, no era un concepto novedoso. Desde haca 30 aos que se utilizaban instrumentos electrnicos para realizar msicos, pero la denominacin msica electrnica surgi para referirse a un estilo musical mezcla de pop, dance y rock, compuesto y ejecutado con sintetizadores, teclados, guitarras elctricas, y una marcada combinacin bajo/batera. Dentro de este gnero se destacan los ingleses de Depeche Mode, cuya origen data de 1980. La banda de David Gahan es una eminencia del gnero, y sus discos music for the masses (1987), violator (1990) y songs of faith and devotion (1993) son claves en la historia de la msica electrnica, aunque Depeche Mode es una banda que excede ese rtulo. Discos como ultra (1997) demuestran la ductilidad y experimentacin que hace al grupo de Gahan uno de los ms interesantes de los ltimos 30 aos.

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Arte, culturas y estticas En la dcada del 80 el pop se define como estilo. Cuando en los 60 mencionamos a los Beatles, les consideramos como la primera banda pop de la historia. Veinte aos despues, el concepto de pop musical se reforz y explot en su totalidad: al margen de la instrumentacin y tecnologa aplicada para su creacin, conserva la estructura formal verso - estribillo verso, ejecutada de un modo sencillo, meldico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran pblico. Sus grandes diferencias con otros gneros musicales estn en las voces meldicas y claras en primer plano y percusiones lineales y repetidas, con melodas pegadizas. Los musiclogos suelen identificar una serie de caractersticas como tpicas del gnero de msica pop: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de en obras extensas o lbumes; el objetivo de atraer a un pblico general, en lugar de dirigirse a una subcultura o ideologa. Es decir que el principal elemento de la msica pop es la cancin, a menudo entre dos y medio y tres minutos y medio de duracin, en general, marcada por un elemento rtmico constante y notable, un estilo culturalmente establecido (o de moda) y una estructura tradicional y simple. Hay tantas caractersticas comunes entre el rock y el pop que, en muchas ocasiones, una misma composicin puede ser catalogada indistintamente como uno u otro con argumentos igualmente slidos. Existe la opinin consensuada de que la principal diferencia est en la intensidad del espectculo en directo y en la fuerza y virtuosismo instrumental. El rock generalmente mantiene la estructura tradicional ya que es de gran utilidad y da el sonido guitarra - bajo batera con riffs saturados y solos de guitarras penetrantes, con un gran ncleo rtmico de bajo y batera, y con voces ms desgarradas. El pop, al contrario, no tiene estructura instrumental definida, predomina la meloda de voz sobre el resto de instrumentos, y mantiene un clmax musical ms asimilable y limpio. Dentro de la infinidad de bandas y solistas pop de los 80 (entre ellos: A -ha, Cher, Duran Duran, Erasure, Cindy Lauper, Pet Shop Boys, Toto, Prince, entre otros) destacan dos figuras. La primera es la de Madonna (1958-), conocida como la reina del pop. El inicio de su carrera data de 1982, y su segundo disco like a virgin (1984) se convirti en Disco de Diamante, al vender ms de 10 millones de copias. Con su imagen de chica material, la rebelda de Madonna se transform en un emblema joven. Ademas de cantar, sus presentaciones en vivo incorporaban complejas coreografas y vestuarios, perfilando de esa manera cmo debe ser una estrella pop. La dcada del 80 la consagr como uno de los fenmenos musicales mundiales, e influenci a innumerable cantidad de artistas e intrpretes. En la dcada del 90, Madonna experiment con otras temticas ms fuertes en sus lricas, tales como el erotismo y la sexualidad, y su estilo musical se complement con elementos del dance, la electrnica, el rhythm and blues, y hoy en da es una de las intrpretes ms vanguardistas del pop mundial. La otra figura es Michael Jackson (1958-2009), tambien llamado el rey del pop. Su carrera inici en 1967, a sus 9 aos, en el grupo musical que integr con sus hermanos, los Jackson Five. Ya en solitario, su disco de 1982, Thriller, se transform en el disco ms vendido de la historia, con 110 millones de copias. El videoclip de la cancin que da nombre al album muestra a Jackson como un muerto viviente, e introduce la coreografa y el baile como elemento esttico de la msica pop. En 1985, junto a Lionel Richie y numerosos artistas grab la cancin we are the world, un ejemplo ms de las obras caritativas y el compromiso humano que Jackson demostr a lo largo de su carrera. El pop de Jackson conjuga elementos del soul, hip hop, rhythm and blues, dance, swing y funk, y una de sus caractersticas ms recordadas es su don como bailarn, ademas de su extravangante esttica personal. Su vida personal fue objeto de numerosas controversias, entre las cuales se destacan el presunto abuso de menores. La vida de Michael Jackson se extingui por un paro cardiorrespiratorio, en junio de 2009, sin embargo su msica provoc una huella indeleble en el estilo pop.

7.4. La contemporaneidad
Con la cada del muro de Berln en 1989, se anticipa el final de la Guerra Fra entre el bloque occidental y el bloque comunista. La Unin de Repblicas Socialistas Soviticas (URSS) se disolvi en diciembre de 1991, dando origen a 15 nuevos estados independientes, entre los cuales se destac la Federacin Rusa. De esta manera, el desmantelamiento de la URSS y la cada del comunismo implica el

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Arte, culturas y estticas fin de la era polar, el triunfo del bloque norteamericano en la Guerra Fra y, por ende, el triunfo del neoliberalismo a escala global. Ademas, dentro del mapa de poltica internacional, en 1993 se crea la Unin Europea, y en 1994 la Organizacin Mundial del Comercio, que junto con el Fondo Monetario Internacional y el Banco Mundial desempearn un papel central durante la dcada. Los continuos avances tecnolgicos y cientficos acentan los procesos globales. Cobra fuerza, entonces, el concepto de globalizacin: proceso econmico, tecnolgico, social y cultural a gran escala, que consiste en la creciente comunicacin e interdependencia entre los distintos pases del mundo unificando sus mercados, sociedades y culturas, a travs de una serie de transformaciones sociales, econmicas y polticas que les dan un carcter global. La globalizacin es a menudo identificada como un proceso dinmico producido principalmente por las sociedades que viven bajo el capitalismo democrtico o la democracia liberal y que han abierto sus puertas a la revolucin informtica, plegando a un nivel considerable de liberalizacin y democratizacin en su cultura poltica, en su ordenamiento jurdico y econmico nacional, y en sus relaciones internacionales. A escala poblacional, en la dcada del 90 internet se masifica como herramienta al alcance del ciudadano, tejiendo redes comunicacionales nunca antes vistas. Durante los aos 2000 este proceso de globalizacin y neoliberalismo se acentu. El hito que abri la dcada fue el ataque terrorista al World Trade Center de Nueva York en septiembre de 2001. As, qued en evidencia la amenaza del terrorismo, que durante su administracin el presidente norteamericano George Bush intent erradicar interviniendo Irak, Afganistan y la zona del Medio Oriente. Durante la dcada se produciran numerosos acontecimientos cientficos. A las tcnicas de clonacin experimentadas en los 90, se suma el descubrimiento del mapa del genoma humano. Al mismo tiempo, los brotes de gripe aviar o porcina, y los desastres ecolgicos como terremotos o tsunamis amenazan al planeta. La internet crece exponencialmente, en paralelo con los ordenadores porttiles y las conexiones hogareas masivas. Los formatos digitales, tanto en msica como en datos visuales o escritos, cobran gran popularidad. La telefona celular se vuelve indispensable, se crean gadgets como el iPod, y las redes sociales en internet se expanden. Las grandes potencias sufren, entre 2007 y 2009, un evidente proceso de recesin o desaceleracin econmica. El mundo contemporneo/posmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes realidades: la realidad histrico-social, y la realidad socio-psicolgica: Caractersticas histrico-sociales 1. En contraposicin con la modernidad, la posmodernidad es la poca del desencanto. Se renuncia a las utopas y a la idea de progreso. 2. Se produce un cambio en el orden econmico capitalista, pasando de una economa de produccin hacia una economa del consumo. 3. Desaparecen las grandes figuras carismticas, y surgen infinidad de pequeos dolos que duran hasta que surge algo ms novedoso y atractivo. 4. La revalorizacin de la naturaleza y la defensa del medio ambiente se mezcla con la compulsin al consumo. 5. Los medios masivos y la industria del consumo masivo se convierten en centros de poder. 6. Deja de importar el contenido del mensaje, para revalorizar la forma en que es transmitido y el grado de conviccin que pueda producir. 7. Desaparece la ideologa como forma de eleccin de los lderes siendo reemplazada por la imagen. 8. Los medios masivos se convierten en transmisores de la verdad, lo que se expresa en el hecho de que lo que no aparece por un medio de comunicacin masiva, simplemente no existe para la sociedad. 9. Aleja al receptor de la informacin recibida quitndole realidad y pertinencia, convirtindola en mero entretenimiento. 10. Se pierde la intimidad y la vida de los dems se convierte en un show. 11. Desacralizacin de la poltica.

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Arte, culturas y estticas 12. Desmitificacin de los lderes. Caractersticas socio-psicolgicas 1. Los individuos slo quieren vivir el presente; el futuro y el pasado pierden importancia. 2. Hay una bsqueda de lo inmediato. 3. Se rinde culto al cuerpo y la liberacin personal. 4. Se vuelve a lo mstico como justificacin de sucesos. 5. Prdidas de fe en la razn y la ciencia, pero en contrapartida se rinde culto a la tecnologa. 6. El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que la subjetividad impregna la mirada de la realidad. 7. Prdida de fe en el poder pblico. 8. Despreocupacin ante la injusticia. 9. Desaparicin de idealismos. 10. Prdida de la ambicin personal de autosuperacin. 11. Desaparicin de la valoracin del esfuerzo. 12. Aparecen grandes cambios, interpretaciones y divulgaciones diversas en torno a las distintas religiones. 13. Desaparece la literatura fantstica. 14. Las personas tienden a comunicarse masivamente va internet.

7.4.1. Sociologas contemporneas: la visin de Lipovetsky


El frances Gilles Lipovetsky (1944-) es uno de los tantos socilogos que abordan el tema de la posmodernidad. En su libro la era del vaco (1983) incluye 6 ensayos escritos entre 1979 y 1982, y analiza varias cuestiones como la relacin entre el arte moderno y contemporneo, el humor a nivel social, y la historia de la violencia. Sin embargo, en la obra de Lipovetsky hay algunos conceptos que se repiten constantemente, como caractersticas que el autor considera centrales en una sociedad occidental posmoderna: el individualismo, el vaco y la indiferencia. Estos tres conceptos se articulan y alimentan mutuamente, por lo cual, a la hora de definirlos de manera aislada, tambien tendrn relacin con los otros dos. Cuando Lipovetsky habla de individualismo, lo coloca como una consecuencia directa de la cada de los valores de la modernidad. El autor dice: el saber, el poder, el trabajo, el ejrcito, la familia, la Iglesia, los partidos polticos, etc, ya han dejado globalmente de funcionar como principios absolutos e intangibles y en distintos grados ya nadie cree en ellos, en ellos ya nadie invierte nada (...). Quin cree aun en las virtudes del esfuerzo, del ahorro, de la conciencia profesional, de la autoridad, de las sanciones?. Ms all de la generalizacin que el autor realiza, cabe destacar que, al no haber principios absolutos, ni instituciones masivas que sean infalibles, el debilitamiento de los grandes relatos modernos lleva a la bsqueda del placer personal. Lipovetsky sostiene la idea de que la medida de la posmodernidad es la medida del yo, donde se hace culto al cuerpo y la belleza esttica, las costumbres y grandes relatos (como la religin y la poltica) caen en la personalizacin, se insta al autoservicio y se teme al paso del tiempo (su cuerpo es usted), y los individuos tienden a aislarse de la realidad voluntariamente, mediante el uso de drogas o la tecnologa. Escrito a finales de la dcada del 70, Lipovetsky ejemplifica este ltimo punto con los en ese momento- novedosos walkmans, pero la aparicin de gadgets como los mp3, los iPod o los telfonos celulares, en la actualidad, operan de la misma forma: son agentes que aislan, que dejan al individuo en su propio mundo o, como el autor lo llama, en su propio desierto. Esta idea se vincula con el concepto de vaco, en un inicio. El autor escribe: despues de la desercin social de los valores e instituciones, la relacin con el Otro es la que sucumbe, segn la misma lgica (...). La libertad, como la guerra, ha propagado el desierto, la extraeza absoluta ante el otro. Djame solo, deseo y dolor de estar solo. As llegamos al final del desierto; previamente atomizado y separado, cada uno se hace agente activo del desierto, lo extiende y lo surca, incapaz de vivir el Otro. No contento 126

Arte, culturas y estticas con producir el aislamiento, el sistema engendra su deseo, deseo imposible que, una vez conseguido, resulta intolerable: cada uno exige estar solo, cada vez ms solo y simultneamente no se soporta a s mismo, cara a cara. Aqu el desierto no tiene ni principio ni fin. El autor as caracteriza quizas generalizando- al vaco que siente el hombre posmoderno. La figura que el hombre individualista toma como referencia es Narciso, quien no puede ver ms all de s mismo, en su propio desierto vital, vaco. Cada individuo acta a medida, en una Expansin del Ego puro. La esfera privada triunfa sobre la esfera pblica, el discurso se hace cool, sin grandes preocupaciones o compromisos, la tecnologa pulveriza las relaciones sociales. Se produce un vaciamiento del sentido de las cosas por sobreinformacin, saturacin y aislamiento. La falta de accin y compromiso del hombre posmoderno en por ejemplo- poltica, ecologa o militancia social se da por la continua insistencia en esos temas, que genera un agotamiento y una falta de interes en la esfera pblica. El vaciamiento de sentido conlleva a la lgica indiferencia en los temas sociales. Lipovetsky menciona que, luego de la angusta metafsica, el nihilismo y la negacin que Nietzsche describi, llega la indiferencia: ni bien ni mal, ser que todo ya es igual. Luego de las guerras, filosofas como la existencialista se basaron en aquello que el yo vive. Las noticias muestran continuos asesinatos, actos de violencia y en concreto- temas sociales que nos son indiferentes... excepto si nos tocan a nivel personal. El posmodernismo no es ms que un grado suplementario en la escalada de la personalizacin del individuo dedicado al self-service narcisista y a combinaciones caleidoscpicas indiferentes. Esta indiferencia, esta apata, se aplica en la esfera colectiva, pero el ms mnimo problema personal, individual, cobra en el hombre posmoderno dimensiones desmesuradas. Los tres conceptos, entonces se relacionan, segn el autor, con el yo como centro posmoderno. En mayor o en menor medida, las palabras de Lipovetsky encuentran eco en la realidad occidental contempornea y actual.

7.4.2. La msica en los 90 y la dcada 00


Al inicio de los 90, surge un nuevo estilo musical, el grunge. Oriundo de la ciudad norteamericana de Seattle, el grunge posee un sonido sucio, agresivo, y es una respuesta al pop ochentoso, tomando elementos del noise rock, el punk y el heavy, en una estructura de rock/pop convencional. Las caractersticas distintivas del sonido grunge eran sus guitarras fuertemente distorsionadas y enrgicas, melodas vocales muchas veces pegadizas y repetitivas as como los cambios de ritmo de las canciones encuadradas dentro del gnero, mientras sus letras se caracterizaban por reflejar apata y desencanto, por lo cual adhiri entre los adolescentes. Bandas como Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Alice in Chains o Soundgarden fueron exponentes de este gnero, principalmente durante la primera mitad de la dcada del 90. Nirvana fue el ms popular de los grupos grunge, en gran parte por el aparato publicitario que los respald. El tro compuesto por el guitarrista y cantante Kurt Cobain, el baterista Dave Grohl y el bajista Krist Novoselic personific al grunge, no solo musical sino estilstica y actitudinalmente: cabellos sucios, frases contestatarias, zapatillas Converse y jeans rotos, arrojarse sobre la batera y destrozar guitarras en el escenario. Luego de un album netamente grunge, bleach (1989), Nirvana sac a la venta, en 1991, su disco ms exitoso: Nevermind. En l Nirvana muestra un sonido potente, con melodas acompaadas de guitarras distorsionadas, y es considerado uno de los albumes ms trascendentes de la dcada. La meterica carrera de la banda se interrumpi luego de dos lbumes (in utero de 1993 y un unplugged organizado por MTV en 1994) cuando falleci Cobain, de un aparente suicidio. Nirvana fue comparada con los Beatles o los Rolling Stones, por la revolucin adolescente que produjo. La otra banda que identifica al grunge es Pearl Jam, agrupacin liderada por el cantante y guitarrista Eddie Vedder. Su primer disco, Ten (1991), es una de las ms importantes obras del gnero, y conjuga un virtuosismo instrumental con lricas sobre la depresin, los homeless y los abusos, entre otros temas. El disco, en un inicio, fueron improvisaciones instrumentales sobre las que luego Vedder agreg letras. Pearl Jam ha sido una banda que sobrevivi al grunge como moda, y en la actualidad lleva ms de 20 aos grabando y girando.

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Arte, culturas y estticas Dentro del rock, otro gnero que surgi fue el nu metal (o new metal), nacido a mediado de los 90 y popularizado a principio de los aos 00. Mezcla de rock, grunge, metal, hip hop y rap, el concepto de nu metal es amplio y tiene tantos matices como bandas: Limp Bizkit y Linkin Park priorizan las lricas rapeadas sobre bases instrumentales rockeras; Slipknot posee bases musicales ms cercanas al thrash o death metal; los armenios de System of a Down incorporan lricas con contenido poltico y sus instrumentaciones poseen contrastes violentos; y las bandas fundadoras del gnero, Korn y Deftones, puntualizan sobre el rap y el metal, con climas oscuros, agresivos y duros. Alejada del nu metal, pero con influencias del hip-hop y el metal, se encuentra Rage Against The Machine, una interesante agrupacin liderada por el afroamericano Zach De la Rocha. La potente base musical de la banda sirve de colchn para las politizadas lricas de De la Rocha, que poseen una clara postura anti-capitalista y anti-globalizacin, en defensa de conos como el Che Guevara y la lucha y la militancia socialista. Sus letras son rotundas, con una clara intencion de generar pensamiento, mentalidad y relacin social. Rage Against The Machine destac, adems, por sus mltiples iniciativas de protesta y solidaridad con distintos movimientos de reivindicacin sociales y musicales. Otra banda que tom elementos del funk, el rap y el rock, y que naci en 1983, son los Red Hot Chili Peppers. Liderada por Anthony Kiedis, la banda tuvo reconocimiento internacional con su disco blood sugar sex magik de 1991, y posteriormente con su album de 1999, californication, llegara al pico de popularidad. La banda posee gran cantidad de influencias estilsticas en su msica, hecho que qued en evidencia con el eclctico disco by the way (2002), con bases musicales solidas cercanas al pop/rock, pero sin dejar de lado la experimentacin. Se produjo tambien una nueva oleada punk, bastante alejada y vaciada- de los fundamentos culturales e histricos que dieron origen al movimiento en la dcada del 70. Los nuevos punks mantuvieron un sonido acelerado y sucio, tomando a The Clash y a los Ramones como referencias, y elaborando nuevas propuestas, generalmente orientadas a un pblico masivo y, por ende, con caractersticas pop. Algunas de esas bandas fueron, a principios y mediados de los 90, Green Day, The Offspring y, sobre el final de los 90 y principios de los 00, Blink 182. La cita al post-punk y al rock de garage surge masivamente a inicios del ao 2000, con The Strokes. Esta banda norteamericana se hizo masiva con su primer disco, is this it (2001), que contena un puado de canciones de rock pop sucio, prolijo pero despreocupado, siendo catalogado como el sonido de Nueva York, ciudad de origen de los integrantes de la banda. Segn ellos, su sonido est atrapado entre el futuro y los setentas, por su combinacin de citas a bandas de esa dcada junto con experimentaciones propias de la actualidad. El trmino rock alternativo se acu en los 80 para describir la msica de los grupos que grababan sus discos en discogrficas independientes y que no se ajustaban a la msica mainstream de la poca. Entre los diversos gneros que han surgido en la escena independiente desde los aos 80, cabe destacar el grunge, el indie o el britpop, entre muchos otros, y encarnado en bandas como, por ejemplo, R.E.M. o The Velvet Underground, y en Inglaterra bandas como The Cure. Estos estilos tienen en comn la herencia del espritu del punk y de los gneros que surgieron a partir de l a finales de los 70. Aunque la denominacin hace referencia al rock, algunos de los subgneros que engloba tambin reciben la influencia de otros estilos como el pop rock, el folk, la msica electrnica o el jazz entre otros. En los 90, las bandas alternativas norteamericanas encontraron difusin en canales televisivos como MTV, y entre las ms importantes se destacan The Smashing Pumpkins (disco clave: mellon collie and the infinite sadness, 1995), Nine Inch Nails (disco clave: the downward spiral, 1994), Weezer (disco clave: the blue album, 1994) y Foo Fighters (disco clave: theres nothing left to lose, 1999). Dentro del rock alternativo ingles, cabe destacar a una banda cuya versatilidad y experimentacin artstica la hace de difcil clasificacin: Radiohead. La agrupacin liderada por el cantante, multiinstrumentista y compositor Thom Yorke en un primer disco (Pablo Honey, 1993) mostr un sonido britpop con influencia del grunge, y luego una posterior experimentacin (The bends, 1995) sin alejarse demasiado del formato britpop-rock. La consagracin artstica le llegara a Radiohead con un disco que fue proclamado como el mejor de la dcada: OK Computer (1997). En l, Radiohead

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Arte, culturas y estticas incursiona en el rock experimental, asimilando elementos de la msica electrnica y estilos muy diversos, dando un sonido nico. Radiohead no considera a OK Computer un lbum conceptual; sin embargo, sus letras y el arte visual hacen hincapi en temas comunes, como el como el consumismo, la desconexin social, el estancamiento poltico, y el malestar moderno. Luego de una intensa gira de promocin del disco, Radiohead se dedic a ingresar al estudio y desmantelar su sonido, dando como resultado dos discos hermanos influenciados por la msica electrnica, el free jazz y el kraut rock: Kid A (2000) y Amnesiac (2001). La siguiente placa, Hail to the thief (2003), mostrara un costado pop electrnico, con letras de alto contenido poltico. En 2007 Radiohead revolucion la forma de distribuir msica cuando colg su disco In rainbows en su pgina de internet, permitiendo que el usuario pueda descargarse de all la placa y el arte visual que le acompaa, y que pueda hacerlo gratuitamente o poniendo un precio decidido por l mismo. A falta de discogrfica y ante un inevitable proceso de trfico y descarga ilegal de msica, Radiohead decidi hacerle frente a la situacin, decidiendo que el oyente pague lo que desee por lo que decide escuchar. Como reaccin a la invasin del grunge norteamericano, a principios de los 90, en Inglaterra, surgieron varios grupos insolentemente britnicos que se propusieron declarar la guerra musical a Estados Unidos con ayuda del pblico y la prensa del Reino Unido. Bautizado como britpop por la prensa musical y con Oasis, Blur, Suede, The Verve, Pulp y ms adelante Placebo como cabezas visibles, el movimiento se convirti en el equivalente britnico a la explosin grunge, e impuls al rock alternativo de este pas a figurar en las listas de ventas de otros muchos, adems de provocar una revitalizacin de la cultura juvenil britnica. En 1995 el fenmeno britpop culmin con la publicitada rivalidad de sus dos grupos de cabecera, Oasis (liderado por los hermanos Gallagher) y Blur (liderado por Damon Albarn), simbolizada cuando lanzaron sus respectivos nuevos singles en el mismo da. Blur gan la batalla del britpop, pero el lbum de Oasis (What's the Story) Morning Glory se convirti en el tercer disco ms vendido en la historia del Reino Unido, xito que tuvo continuacin en muchos otros pases. Dentro de la lnea del britpop, en la dcada del 2000 se destaca la banda Coldplay. La msica orientada a adolescentes se vuelve una constante en las ltimas dos dcadas. Dentro de esta intencin, el pop fue una plataforma estilstica ideal para alcanzar a las masas, y as surge el teen pop. Canales como MTV se encargaron de difundir y en muchos casos poner de moda determinadas msicas, artistas o tendencias. A mediados y fines de los 90, se reivindica el fenmeno de las boy bands que iniciaron 20 aos atrs los Jackson Five, pero con grupos como los Backstreet Boys o NSync. Estas agrupaciones conformadas, en cada caso, por 5 cantantes y bailarines jvenes atractivos, interpretaron canciones de pop suave, en muchas ocasiones no compuestas por ellos, sino por las discogrficas que les contrataban, lookeaban y organizaban giras y presentaciones. As, la msica se vuelve un mero producto orientado a un target especfico. Estas agrupaciones generaron un furor incontenible entre las y los adolescentes que les seguan y admiraban, y fueron tildadas de bandas prefabricadas por sus detractores. El fenmeno de la cita al pasado se da en nuevos solistas, que repiten frmulas artsticas ya avaladas. As, si en las boy bands se cita a los Jackson Five y al mismsimo Michael Jackson, por su forma de cantar y bailar, algunas artistas solistas, como Britney Spears o Christina Aguilera, citan a la figura de Madonna. Estas dos jovenes, cantantes y bailarinas, a principios de los aos 00 fueron motivo de un gran furor meditico y musical, y apuntaron a un pblico adolescente. Otras artistas, como Lady Gaga o la colombiana Shakira tambien se enmarcan en el pop de la ltima dcada, pero con una identidad ms definida, tomando diferentes influencias musicales ajenas al pop, ademas de ser compositoras y ejecutantes de sus propias canciones. Tambien se reformulan propuestas musicales y estilos tales como el folk, en cantautores como Elliott Smith. Este cantante, compositor y guitarrista durante los 90 y hasta su fallecimiento en 2003 vincula elementos del folk, el pop, la msica clsica, la msica meldica y el rock, en una clave sonora cercana a lo acstico. Con una influencia de los Beatles, Bob Dylan y hasta Nirvana, Smith elabora un estilo personal, encontrando un sonido propio, una identidad marcada por sus letras, sus melodas y su suave voz

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Arte, culturas y estticas grabada en una doble pista. Un disco clave de Smith es XO, de 1998. Tambien conjugando elementos del folk con msica experimental, rock y electrnica, hallamos a Beck, un msico muy interesante, generalmente vinculado con el movimiento indie. Si bien encuentra momentos de experimentacin extremos, Beck tiene una veta pop folk muy marcada, como se exhibi en su sea change, de 2002. Otro estilo que vuelve a mediados de los aos 2000 es el soul, de la mano de una cantante y compositora inglesa, Amy Winehouse. La imponente voz de Winehouse lleva adelante a sus canciones, compuestas sobre los cimientos del soul, el jazz y el ryhthm and blues. Su album back to black de 2006 es su obra cumbre, y despliega el talento compositivo e interpretativo de la inglesa. Un estilo que se desarrolla a finales de los 70 en algunos sectores afroamericanos en Estados Unidos, pero se hace masivo en los 80 y mundialmente popular en los 90 es el hip-hop. Encuentra sus origenes el el rap y el funk, musicalmente hablando, pero el hip hop es un movimiento cultural que abarca tambien al baile y a la expresin plstica, como el graffiti. El hip hop se usaba para denunciar actos, normalmente polticos, que conseguan el rechazo o la enemistad de entidades como el gobierno. Durante su crecimiento, los artistas del hip-hop creyeron que popularizar la cultura del hip hop y comercializarla era una manera de canalizarla hacia las masas y as hacer sus bsicas denuncias al sistema. Muchas modalidades del hip-hop legitiman la violencia, el consumismo y muchas acciones ilegales en sus canciones, como apologa al narcotrfico. Si bien inici como una tendencia cultural afroamericana, algunos artistas blancos como los Beastie Boys en los 80 han conseguido gran popularidad. En los aos 00, quien realizara una expansin mundial del hip-hop fue Eminem, un rapero blanco cuyo disco the Marshall Mathers LP (2000) consigui ser el ms vendido de la historia del hip-hop, con 21 millones de copias en todo el mundo. La controvertida figura de Eminem se compara solo con su talento y respeto dentro del mundo del hip-hop. Desarrollado en las dcadas del 80 y 90 en Panam, ms tarde en Puerto Rico desde los 90, y a escala global a mediados de la dcada 00, se destaca el reggaeton, cuyo estilo proviene del reggae en espaol fusionado con varias caractersticas del hip hop. Nace a partir de las fiestas en las que el DJ pinchaba la cara B, de canciones instrumentales, de los vinilos de reggae, ponindolos a 45 rpm (revoluciones por minuto) en lugar de a 33 rpm, hacindolos ms movidos para bailarlos. Las letras del reggaeton se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la cancin sea pegadiza y de fcil identificacin para el pblico. Este estilo de rima est inspirado principalmente en el rap, aunque tiene influencias de la msica jamaiquina. Los temas de las letras en un origen eran de denuncia social, pero con el paso del tiempo han ido derivando en un tipo de letras mucho ms festivas, abundando sobre todo las que aluden al sexo, en ocasiones de forma discreta y en otras explcitamente. Cabe destacar que el reggaeton tiene un lenguaje propio, palabras y cdigos cuyo significado estan emparentados directamente con la cultura de la cual naci. Algunos de los exponentes internacionales de reggaeton son Daddy Yankee, Wisin & Yandel y Calle 13, aunque esta ltima agrupacin puede considerarse dentro del reggaeton alternativo, con lricas anti-imperialistas y que complementan la parte bailada con el componente potico. Una banda difcil de clasificar, emparentada con el rock progresivo, el jazz fusion, la psicodelia y el rock experimental son los norteamericanos The Mars Volta. Esta agrupacin formada en 2001 por el cantante Cedric Bixler-Zavala y el guitarrista Omar Rodrguez-Lopez constituye una de las bandas ms interesantes y extraas de la ltima dcada. Sus discos generalmente son conceptuales, y cuentan una historia o giran en torno a alguna propuesta esttico-sonora especfica. De gran densidad y virtuosismo instrumental, con efectos espaciales y psicodlicos aportados por la guitarra de Rodrguez-Lopez, y con la inconfundible y penetrante voz de Bixler-Zavala, la banda debuta con su primer disco en 2003, Deloused in the comatorium. El disco posterior, Frances the Mute (2005), lo compusieron temticamente en base a un diario ntimo encontrado en la parte posterior de un auto. Para la grabacin, Rodrguez-Lopez recurri a un mtodo que musicos de jazz, como Miles Davis, solan utilizar: cada miembro deba grabar su parte sin escuchar el contexto o las grabaciones de los otros integrantes, obligndolos a interpretar su

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Arte, culturas y estticas partitura como si fuera una cancin por s sola. Para facilitar la grabacin, los msicos recurrieron al uso de un metrnomo. Su cuarto disco, The bedlam in Goliath (2008), constituye una especie de ritual o antdoto para la banda, contra un tablero aparentemente maldito que Rodrguez-Lopez consigui tiempo antes de grabar el disco, y trajo desgracias y accidentes a todos los miembros de la banda. Ademas de su carrera con la banda, Rodrguez-Lopez es dueo de una muy variada y prolfica carrera solista, con varios discos en su haber. En el panorama de la msica contempornea, The Mars Volta constituye un nuevo paso en el cmo escuchar msica. A modo de conclusin, y como dato general, la tendencia actual de la msica, como sucede en la posmodernidad misma, se relaciona con la mezcla de estilos y tendencias, y la cita a anteriores momentos de la msica. As, las impurezas y la reinterpretacin de estilos son algo muy comun: dance punk, post-punk revival, post grunge, indietrnica, ryhthm and blues contemporneo, etc. Bajo esta premisa, podra decirse que estamos en un momento de libertad creativa como nunca antes, con la consecuente variedad y versatilidad de las propuestas musicales.

7.4.3. Sobre el arte ms contemporneo


En contraste con el arte moderno, el arte visual contemporneo no hace un alegato contra el pasado, porque no tiene sentido que el pasado sea algo de lo cual haya que liberarse. Lo que define al arte contemporneo es que dispone del arte del pasado para el uso que los artistas le quieran dar. Lo que no est presente es el espritu en el cual fue creado ese arte, por ende, no se habla de copia, sino de cita, de reformulacin, de reinterpretacin. Esta distincin entre arte moderno y arte contemporneo no se esclareci hasta los aos 70 y 80, aunque el cambio, la bisagra histrica, inici en la dcada del 60 con el pop cuando, como ya se ha mencionado anteriormente, se introduce la filosofa en el arte: para que una obra visual sea arte, es necesario una esttica determinada, o hay otras cosas que le hacen ser arte? Al mismo tiempo, lo mimtico, lo objetual, da paso al concepto como algo de vital importancia en el arte. El objeto o lo perceptivo, entonces, es una excusa para llegar al concepto expresado e n la obra, que es lo ms importante. Arthur Danto, terico y analista del pop y de la actualidad artstica, dice sobre el arte contemporneo: podramos capitalizar la palabra contemporneo para cubrir cualquiera de las divisiones que el posmodernismo intentaba cubrir, pero otra vez nos encontraramos con la sensacin de que no tenemos un estilo identificable, que no hay nada que no se adapte a l (...) y no hay en consecuencia una posible directriz. Por (esa falta de relato que unifique) es que prefiero llamarlo simplemente arte poshistrico (...). As, lo contemporneo es, desde cierta perspectiva, un perodo de informacin desordenada, una condicin perfecta de entropa esttica, equiparable a un perodo de una casi perfecta libertad. Hoy ya no existe ms ese linde de la historia. Todo est permitido (...). Entonces, los artistas se liberaron de la carga de la historia y fueron libres para hacer arte en cualquier sentido que desearan, con cualquier propsito que desearan, o sin ninguno. sta es la marca del arte contemporneo y, en contraste con el arte moderno, no hay nada parecido a un estilo contemporneo. Danto contina, evaluando las ltimas dcadas: la dcada de los 70 fue una poca en la que debi de parecer que la historia haba perdido su rumbo, porque no haba aparecido nada semejante a una direccin discernible. Si pensamos que 1962 marc el final del expresionismo abstracto, tendramos entonces muchos estilos que se suceden a una velocidad vertiginosa: el campo de color en pintura, pop, op, minimalismo, arte povera, y luego el arte conceptual. Despues, diez aos de muy poco ms. Luego, cerca de los 80, surge el neoexpresionismo y parece que se ha encontrado una nueva direccin. Y luego vuelve la sensacin de que no hay nada parecido a una direccin histrica. Ms tarde nace la sensacin de que la caracterstica de este nuevo perodo era esa ausencia de direccin, y que el neoexpresionismo era ms una ilusin que una verdadera direccin (...). Ademas, el arte conceptual demostr que no necesariamente debe haber un objeto visual palpable para que algo sea una obra de arte. Esto significa que ya no se podra ensear el significado del arte a traves de ejemplos. Tambien implica que en la medida en que las apariencias fueran importantes, cualquier cosa podra ser una obra de arte, y que si se 131

Arte, culturas y estticas hiciese una investigacin sobre qu es el arte, sera necesario dar un giro desde la experiencia sensible hacia el pensamiento. Esto significa, en resumen, que se debe dar un giro hacia la filosofa (...). La pregunta filosfica sobre la naturaleza del arte surgi dentro del arte cuando los artistas insistieron, presionaron contra los lmites tcnicos, temticos y disciplinarios- despues de los lmites y descubrieron que stos cedan (...). Solo cuando qued claro que cualquier cosa poda ser una obra de arte se pudo pensar en el arte filosficamente: cuando una obra de arte puede ser cualquier objeto legitimado como arte surge la pregunta por qu soy yo una obra de arte?. Arthur Danto, de esta manera, caracteriza al arte de las ltimas dcadas, incluyendo las mltiples tendencias que surgieron en los 90 y los aos 2000. Esta libertad de los temas y las tcnicas, esta falta de lmites y de relato legitimador provoca una escalada de propuestas artsticas individuales, y no solo eso, sino que se derriba todo etnocentrismo artstico. As, aparecen temas regionales, realzando identidades nacionales o de subculturas que antes no habran podido encontrar su espacio, porque estaban oprimidas por el discurso artstico hegemnico de las potencias. Ademas, con el ya mencionado revival del arte pasado, por citar un ejemplo, la esttica de las culturas primitivas americanas o los pueblos originarios encuentran su lugar, son motivo de cita y reinterpretacin, de autoanlisis y de identificacin con las races americanas. Este caso es uno de tantos, en los cuales es el artista quien realiza la bsqueda y propuesta acorde a sus propios parmetros. No obstante, esta etapa de absoluta libertad tiene sus lgicos lmites, ya sean morales, polticos o econmicos. El caso Habacuc o el caso Ferrari en Argentina son ejemplos en los que la libertad de uno termina donde empieza la del otro. Como ya se ha mencionado en un inicio, quien legitima la obra en la posmodernidad es la institucin-arte, entendida sta como el circuito de museos, galeras, tericos, crticos, marchands, mercado artstico y los mismsimos artistas. En funcin de esta absoluta libertad en el arte, las propuestas se multiplican. Entonces, en ltima instancia, y en funcin de este esquema de oferta-demanda, es la institucin-arte quien decide qu legitimar, ya sea por una cuestin de talento del artista, valor econmico de la obra o intereses extra-artstico. Desde la dcada del 90 se asiste a un proceso de mercantilismo del arte nunca antes visto, ya sea en remates de obras de artistas ya consagrados (U$S 140 millones por un Pollock en 2006, U$S 137.5 millones por un De Kooning en 2006, o U$S 135 millones por un Klimt tambien en 2006, por citar algunos ejemplos) como en intereses econmicos puestos en artistas emergentes. Algunas galeras o coleccionistas privados suelen apadrinar a artistas en los cuales ven un talento o una controversia que atraiga algun dinero, y les exponen, promocionan y ponen en la escena del arte contemporneo. En concreto: suele suceder que, metafricamente hablando, el artista mismo es quien est a la venta. Una de las ltimas tendencias del arte tambien ha sido apuntar a sorprender al espectador. Esta tendencia, en la mayora de los casos, apunta al pblico masivo, y encuentra su basamento en el virtuosismo tcnico o en una ejecucin/realizacin novedosa y compleja de la obra. Internet, por ejemplo, ha sido una plataforma ideal para exhibir este tipo de proezas, que presentan al arte como espectculo: un hombre pintando un retrato al reves en un gran lienzo de 3 metros de lado; la filmacin de alguien haciendo un retrato absolutamente fiel de La Gioconda en el Microsoft Paint; una mujer que pinta paisajes con lpices labiales sobre un vidrio; un artista que pinta retratos en vivo va Skype... con su pene. La barrera entre arte y espectculo, entre los medios acadmicos y los medios tecnolgicos actuales, se hace borrosa. Tal es la posmodernidad: una poca de falta de lmites, sin antinomias duras, en donde la propuesta se adapta al criterio de cada uno, y en definitiva es el receptor quien determina qu es arte y qu no. Hay propuestas como las citadas que no tienen un basamento o un concepto firme o al menos claroque las respalden, y son un esfuerzo tcnico y espectacular, pero nada ms. En otros casos, como el de la artista ucraniana Kseniya Simonova, hay algo ms debajo del aparente espectculo. Ella usa una caja de vidrio con una luz interna, msica dramtica, la imaginacin y ejecuta sobre el vidrio sus pinturas de arena en vivo, mientras la filman. La manera en que Simonova sintetiza y enlaza las imgenes es increble, pero ademas hay una historia que las une y fundamente: interpreta libremente la invasin alemana y la ocupacin de Ucrania durante la Segunda Guerra Mundial. De esta manera, hay un relato sobre el cual la artista se explaya, una historia regional y personal, y un virtuosismo tcnico poco visto.

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Arte, culturas y estticas Simanova gan, con esta obra en vivo y cuyo video fue popularizado mundialmente va internet, la versin ucraniana de Americas Got Talent. A continuacin nombraremos a algunos de los artistas de los ltimos 20 aos. Por la pluralidad de propuestas del arte contemporneo, resulta imposible determinar un eje central, un centro del cual aferrarse, por lo cual solo ejemplificaremos con algunos nombres aislados, y puntualizaremos sobre el caso Americas Most Wanted y el caso Habacuc. Damien Hirst (1965-) es un artista britnico cuyo tema principal en sus obras es la muerte, en trabajos que oscilan entre la pintura, el objeto, la escultura y la instalacin, con un tinte conceptual. Es conocido sobre todo por su serie natural history, en las cuales animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol. Uno de sus trabajos ms icnicos es la imposibilidad fsica de la muerte en la mente de algo vivo (1992): se trata de un tiburn tigre de 14 pies de largo inmerso en una vitrina con formol. Su venta por 10 millones de dlares, en 2004, hizo de l el segundo artista vivo ms caro, despus de Jasper Johns. En 2007, Hirst super su anterior venta con su trabajo por el amor de Dios (2007), una calavera humana autntica, toda ella incrustada de diamantes, 8.601 en total, que alcanz los 74 millones de euros, pagados por un grupo inversionista desconocido (posteriormente, se supo que el propio Hirst, su manager y uno de sus galeristas pertenecan al consorcio). Esta jugada habla del interes de Hirst en el precio de sus propias obras, y en la estrategia diseada para que se eleve el precio de las mismas. Se le calcula una fortuna superior a los mil millones de dolares. Siendo la muerte el tema central en su obra, sta siempre ha estado rodeada de gran polmica, ms o menos premeditada, y por consiguiente de un gran seguimiento meditico. Por ejemplo, las autoridades de Nueva York le negaron el permiso para exponer su pareja muerta follando dos veces: dos cadveres de un toro y una vaca flotando en formol. Esta controversia alimenta su obra y su leyenda como uno de los personajes ms celosos y avaros del mercado artstico. De hecho, lleg a demandar a un joven que venda remeras en la calle con la imagen de su calavera con diamantes, por usurpacin de la propiedad intelectual. Por eso, en un tono jocoso pero sin dejar de ser verdad, algunos crticos dicen que se recomienda siempre observar el arte de Damien Hirst con temor reverencial, pues puede demandarle a uno por diez millones de dlares en caso contrario. Julian Beever (1959-) es un artista britnico que se dedica a dibujar con pastel tiza en espacios urbanos. Se especializa en realizar dibujos de un gran naturalismo en el pavimento, utilizando un mtodo llamado anamorfosis que crea una ilusin ptica. As, Beever compone sus imgenes en suelo, pero observandolos desde un punto de vista especfico, se crea la sensacin de tridimensionalidad o volmen, desafiando as las leyes de la perspectiva. Es un arte ptico y efmero: requiere que el espectador se posicione en un lugar puntual para llegar a apreciar el efecto, y es efmero porque, al ser realizado con pastel tiza a la intemperie, tiene una vida muy breve, sujeta a factores climticos y urbanos. Aparte del arte en tres dimensiones, Beaver pinta murales y rplicas del trabajo de grandes maestros del arte. Usualmente lo contratan para crear murales para compaas, o incorporar sus logos o slganes en sus dibujos pticos. Asimismo, se dedica a la publicidad y el marketing, y sus obras son un claro ejemplo del arte-espectculo. Varias de las fotografas de las obras de Beever circulan hace aos por internet en forma de mail, y el artista ha visitado la ciudad de Buenos Aires hace algunos aos, contratado por la empresa de telefona mvil Movistar, por lo cual incluy su logotipo en el diseo que realiz en el centro porteo. Tony Cragg (1949-) es uno de los escultores contemporneos ms reconocidos. De origen britnico, durante la dcada del 70 trabaj con materiales de desecho y descarte, pero durante la dcada del 90 se destac con materiales como madera, bronce o mrmol, en esculturas monumentales, de formas abstractas pero al mismo tiempo orgnicas. Son esculturas cuyas principales formas son las elpticas y esfricas, y en muchos casos tienen referencias flicas. Tambien incorpor elementos para forrar esas esculturas, como caucho extrado de neumticos, o dados. El color es de gran importancia en sus obras, y complementan y refuerzan los volmenes. Cragg dice: hay una idea de que la escultura es esttica,

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Arte, culturas y estticas incluso muerta, pero me opongo a esa idea. No soy religioso, pero para m el material es algo absolutamente excitante, sublime. Cuando me involucro en la realizacin de una obra, busco que el material tenga una dinmica, que empuje, se mueva y crezca. Cragg ha sido premiado en mltiples ocasiones por sus trabajos, y en septiembre 2008 realiz un conjunto de obras que se emplazaron en una plaza de Wuppertal, Alemania. Reconocido artista ya en los 80, hoy da es un escultor ineludible. Lucian Freud (1922-) es un pintor britnico de origen aleman. Nieto de Sigmund Freud, Lucian declara no conocer la obra del padre del psicoanlisis, y que sus memorias de l se vinculan ms con la imagen que tuvo de l como abuelo. Sin embargo, en la pintura de Lucian Freud hay un estudio de la psicologa de cada personaje all representado. Luego de una etapa cercana al surrealismo y de otra cercana a la nueva figuracin fue gran amigo de Francis Bacon-, la obra de Freud se vuelve naturalista. Sus pinturas exhiben personajes desnudos, que en su mayora son cercanos al pintor: amigos, colegas, modelos pagos, conocidos, su perro galgo, su esposa, su madre o su propia hija. Es decir, Freud pinta lo que conoce, lo que ama. Los gestos y las posiciones de cada ser representado en sus pinturas cobra una identidad, una vida, por lo cual se puede inferir que hay un estudio racional y psicolgico de aquello que observa y lleva a la tela. Sus pinturas poseen un naturalismo y realismo crudo, pero que deja entrever tambien a la materia pictrica. No solo es un excelente anatomista, sino que comunmente realiza estudios de paisajes, ya sea de interiores o exteriores. Freud pasa entre 6 y 18 meses trabajando en sus obras, por el nivel de detalle y la maduracin que le requiere cada tela. En la actualidad, es uno de los pintores ms cotizados e interesantes del panorama artstico contemporneo. Banksy es uno de los artistas ms interesantes de las ltimas dcadas. Se cree que naci en 1974 en Bristol, Inglaterra, pero ningun dato es certero porque nada concreto se sabe de la identidad de Banksy. Generalmente se cree que es un varn blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa tpica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 aos. Solo existe una aparente foto de l, capturada por el objetivo de un telefono mvil, mientras trabajaba en uno de sus stencils en Bristol. Su trabajo, en su gran mayora piezas satricas sobre poltica, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de stencil realizados con varias plantillas y colores. De hecho, a Banksy se lo conoce como uno de los artistas del stencil ms importantes de su historia. Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicacin, con una intencionalidad poltica e ideolgica contraria a la del sistema, pero sin perder el humor y la irona. As, Banksy stencilea en un callejn a un guardia britnico orinando, o toma escenas de la pelcula Pulp Fiction y las esparce por ciudades britnicas, hace un Charles Manson vestido de prisionero haciendo dedo con un cartel que dice anywhere, o multiplica a sus ratas una de sus imgenes ms comunes- por toda Londres, algunas levantando carteles anarquistas. Siempre ejecuta sus obras de noche, cuando nadie pueda descubrirlo, y elige blancos estratgicos: el stencil no se realiza en un lugar al azar, sino que termina fundamentando el mensaje que quiere expresar. Una de sus obras muestra una ventana de la cual, del lado de afuera, cuelga un hombre desnudo, y por la ventana se asoma un hombre de traje enojado, buscando a alguien... y a su lado, una mujer semidesnuda. Evidentemente, una escena de amantes que fueron descubiertos. Tambien pint murales sobre el muro de Cisjordania, en Israel. En ocasiones intervino museos, entrando disfrazado y colgando sus imgenes por encima de las obras exhibidas. Polmico como pocos, muchos consideran su arte como un vandalismo, o una contradiccin, ya que critica al mismo sistema que lo avala, y que en muchas ocasiones vendi sus obras. Existe la teora de que Banksy no sea una sola persona, sino varias, por la complejidad de los stencils y sus tamaos. Aun as, el halo de misterio alrededor de su persona refuerza su obra, como un testimonio urbano y posmoderno. El duo de artistas poshistricos como les llama Danto- Vitaly Komar y Alexander Melamid tienen muchas cosas que decir acerca del arte que gran cantidad de gente, si no la mayora, aun prefiere, mediante una obra que a su propia manera resalta la comedia y la tragedia del arte en nuestra poca. Komar y Melamid son artistas emigrados de lo que fue la Unin Sovitica, y que durante los 80 consiguieron algun renombre en Nueva York mediante sus pinturas satricas, como el rapto del Arte

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Arte, culturas y estticas Moderno por los Neoyorquinos (1985), en la que unos personajes extraidos de cuadros de Rubens raptan a las seoritas de Avignon del cuadro de Picasso. Pero la obra ms clebre de Komar y Melamid es Americas Most Wanted, propuesta de la cual se desprende la Most Wanted Painting (es decir, la pintura ms buscada). Komar y Melamid iniciaron una investigacin, en 1994, de lo que fue denominado un arte del pueblo, entendida esta idea como el tipo de arte que el pueblo realmente quiere. Sabido esto sera posible ajustar al arte a la demanda de una armona preesta blecida descubierta por los economistas clsicos, y la sociedad poda tener el arte que quera, y los artistas que supieran lo que el pueblo quera podan tener una vida decente y vivir del arte. Se realizaron, entonces, diversas encuestas y censos a grupos determinados, y se estudiaron minuciosamente los resultados. La situacin del arte, entonces, se emple como una ciencia social. Los hogares norteamericanos, azarosamente seleccionados, fueron interrogados a fin de que respondieran a un conjunto de preguntas acerca de sus preferencias artsticas. Los resultados son calificados como estadsticamente exactos dentro de un margen de error de 3,2% con un 95% de fiabilidad. Las respuestas constituyen una pieza de sociologa esttica singularmente interesante. El color azul, por ejemplo, es de lejos el color favorito de los Estados Unidos (44%), el ms atrayente para la poblacin masculina blanca entre los 40 y los 49 aos de edad, conservadores, y que no van jamas al museo. La atraccin por el azul decae a medida que aumenta el nivel de instruccin, pero el color negro crece su atraccin a medida que los ingresos anuales descienden, y los que ms ingresos anuales tienen prefieren el color verde. Al mismo tiempo, determinaron que el estilo pictrico ms buscado no es la abstraccin o el retrato, sino el paisaje, en un genrico estilo realista internacional. En base a estos datos, Komar y Melamid pintaron la obra ms buscada (un paisaje realista con un 44% de azul en total, respetando los datos recolectados) y realizaron la exhibicin The Most Wanted Painting, de la cual muy pocos saban el origen y proceso. La muchedumbre llen el saln del museo buscando comprobar, probablemente, si esa imagen era lo que Amrica ms deseaba en la pintura. As, Komar y Melamid llegaron a encontrar qu es lo que desea la gente que no sabe mucho de arte, pero sabe lo que quiere. Distinta tendra que haber sido la investigacin si se hubiese querido saber qu consideraba el mundo del arte como la pintura ms buscada, pero ese es otro tema. Lo que Komar y Melamid comprobaron es que el paisaje con 44% de azul con agua y rboles debe ser un universal esttico a priori: un estereotipo cultural. Es lo que a cualquiera le viene a la mente cuando piensa en arte, como si el arte moderno nunca hubiera ocurrido. Sin embargo, no se trata de lo que la gente prefiera, sino de lo que encuentra ms familiar en las pinturas. Danto dice: como pintura, la Americas Most Wanted no tiene un lugar en el mundo del arte. Lo que hace que tenga un lugar en el mundo del arte es la pieza performativa de Komar y Melamid, que es la encuesta de opinin, la pintura, la publicidad, etc. Esa obra es probablemente una obra maestra. Esa obra es acerca del arte del pueblo sin ser ella misma para nada arte del pueblo. Esa obra es posmoderna, humorstica e icnica. Nos muestra qu grande es la distancia entre el arte de hoy y la gente. Mi impresin es que esas formas de tragedia y comedia artstica definen el fin del arte . Incluso, repitieron la experiencia en otros pases, y asombrosamente los resultados son muy similares. As, Komar y Melamid involucran sociologa y arte, y hacen una reflexin acerca de la posicin que la pintura tiene en la cultura occidental. Guillermo Vargas (1975-), ms conocido por su seudnimo Habacuc, es un artista oriundo de Costa Rica. Salt a la fama cuando en agosto de 2007, en una exhibicin en una galera en Nicaragua, su obra consisti, bsicamente, en un perro atado en la esquina de la galera, al cual dej morir de hambre y de sed. Al menos, eso es lo que masivamente trascendi de lo que Habacuc hizo. La inauguracin de la muestra dur 3 horas, durante las cuales un perro callejero, llamado Natividad, estuvo atado con una cuerda de nylon sujetada a una de las esquinas de la sala. En la pared, Habacuc escribi, con comida para perro, eres lo que lees, y quem unos gramos de cocana y marihuana mientras se escuchaba el himno sandinista (una faccin poltica socialista de Nicaragua) reproducido al reves. Habacuc elabor esta instalacin viva inspirado en Natividad Canda, un indigente nicaraguense, sandinista y adicto a las drogas, quien en 2005 muri indefenso devorado por 2 perros

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Arte, culturas y estticas Rothweilers. Habacuc caz a un perro callejero moribundo, a quien bautiz como Natividad, en homenaje al nicaraguense fallecido. Hay diversas versiones sobre lo que realmente pas en esa exhibicin. La ms conocida de hecho, es la que hizo famoso mundialmente a Habacuc- es la versin que circula en internet, en forma de mails y blogs de protesta. Ellos sostienen que el perro efectivamente muri de hambre y sed, por causa de la mente retorcida de Habacuc y por la negligencia de la galera. La otra versin es la que la galera da, muy probablemente para no mancharse de las acusaciones de grupos humanitarios y de defensa animal. Esta versin sostiene que el nico momento en el cual el perro no fue alimentado y estuvo atado fue durante la inauguracin, que dur 3 horas, y que luego estuvo suelto y alimentado por comida que el mismo Habacuc le llev- en el patio de la galera, durante los das precedentes y posteriores a la inauguracin. Incluso, la galera lleg a declarar que el perro, a los 2 das de la inauguracin, se escap. El comunicado reza: la Galera Cdice se reserva el derecho de velar por la calidad de los trabajos expuestos, respetando en todo momento la creatividad del artista y jams ha pretendido ejercer ningn tipo de censura, siempre y cuando no atenten contra los principios elementales de la tica y mucho menos que impliquen la vida de un ser viviente, sea humano o animal. Yo (la directora de la galera) pensaba quedarme con Natividad, pero l prefiri retornar a su propio habitat. Celebro el que tantas personas en el nivel internacional se hayan mostrado molestas por las declaraciones brindadas por Habacuc, en las que sostena que su intencin era dejar morir al perro de inanicin, lo que es de su absoluta responsabilidad. De hecho, el artista declar eso en un inicio, pero despues, en base al anlisis suprfluo e insuficiente que hicieron de su obra, tuvo que salir a explicarla. Habacuc hizo un paralelismo entre un hecho pasado (el nicaraguense muerto por perros), invirtiendo los roles: la vctima (el perro) fue victimario en el pasado, y a su vez el victimario del presente (el hombre) fue vctima en el pasado. Pero aqu cabe destacar algo importante: el victimario o, si se lo quiere llamar de una forma ms fuerte, el asesino, no es el hombre individual, no es solamente Habacuc, no es solo la galera: somos todos nosotros. Si ese perro muri, no fue solamente por la accin ejecutante de Habacuc y la accin pasiva de una institucin-arte que permiti que all en teora- muriera, sino tambien por la inaccin del pblico presente. Pueden verse fotografas de la inauguracin en la que el debilitado y atado animal est frente a un pblico indiferente, que fue a ver arte, un pblico vaco de accin, que es un reflejo de la sociedad posmoderna, que toma una copa, charla con sus colegas y disfruta de la comodidad de la institucin-arte. La vida y la muerte han sido un tema que traz a toda la historia del arte, pero siempre de manera simblica o metafrica: se represent la muerte en pinturas, objetos, esculturas, pero muy pocas veces sobre un ser vivo en concreto. Habacuc dijo, antes de la muestra, que esperaba que el perro muriera, porque as la obra tendra mucho ms fuerza que si hubiese permanecido vivo o si hubiese dramatizado una muerte. De alguna forma, con la muerte del perro, tambien se cerrara la idea de inversin de roles que Habacuc hizo, con el caso de Natividad Canda devorado por perros. Si el perro efectivamente muri, quin lo mat? Solo Habacuc y la galera? No. Todo aquel que pas por enfrente de l y no intent alimentarlo o desatarlo, tambien es cmplice. Si el perro muri, lo mat la indiferencia y la inaccin posmoderna. Y llevado eso a escala macro, a escala social, vemos la misma reaccin en muchos de nosotros: animales e incluso seres humanos mueren todos los das en las calles, por no tener un techo, por no tener lo bsico para salud y alimentacin... y nosotros hacemos muy poco, o directamente nada. Solo observamos. Como ejemplo, la obra es un reflejo del individualismo posmoderno. Y luego de ella, viene la queja posterior, como, por ejemplo, los petitorios va internet para evitar que Habacuc repita su obra al ao siguiente en la Bienal Internacional de Honduras. Es cmodo y fcil comprometerse firmando o cliqueando un archivo digital, y dejar la conciencia tranquila a nivel personal, creyendo que se hizo algo pero, cuntos Natividad Canda y cuntos Natividad mueren en ese exacto momento, por la falta de compromiso social? Por eso la obra de Habacuc triunfa: es un alegato social, una acusacin que no todos supieron entender, porque la crueldad concreta del acto nubla el mensaje que el artista quiso expresar. Quizas esa sea su debilidad: afect tanto la sensibilidad, por su crudeza, que ms all de lo injustificado de maltratar a un animal, el concepto qued escondido. El medio de expresin qued en primer plano. O quizas el anlisis est dentro nuestro, pero no siempre queremos verlo.

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Arte, culturas y estticas

Parte III: Arte, culturas y estticas en Argentina


8. Introduccin: el carcter perifrico del arte argentino
Si hablamos de la composicin tnica y las races histrico-culturales de los argentinos, la referencia directa es el continente europeo. Y as como con el idioma, algunas costumbres y aspectos culturales, nuestro arte tambien tiene un origen y una cita al arte europeo. Podemos hablar entonces de el arte argentino como un arte perifrico. Si definimos periferia, puede entenderse a este trmino como espacio que rodea un ncleo cualquiera contorno de un crculo, circunferencia o una figura curvilnea. Teniendo en cuenta estas definiciones, y a modo de ejemplo, si analizamos geogrficamente al planeta, nuestro pas se halla en el hemisferio sur, siendo ste la periferia de las grandes potencias y centros culturales occidentales hegemnicos (en otras palabras, Estados Unidos y Europa). Pero cuando hablamos del aspecto artstico, y del arte argentino como perifrico, la idea es ms amplia: implica que en un inicio nuestro arte admiti su carcter de perifrico y puso los ojos en Europa como el modelo a seguir o la cultura madre que sirvi de base para construir una identidad esttica y artstica nacional. A modo de ejemplo, cabe destacar que las vanguardias del siglo XX europeo fueron tradas a nuestro pas por artistas argentinos que fueron a Europa a estudiar esas tendencias, y luego las adaptaron a la bsqueda nacional. En estos casos, las vanguardias europeas, una vez avaladas y aceptadas en Europa, eran aptas para ser importadas aqu, con la consecuente adaptacin a la bsqueda, tcnica e intencin de los artistas locales. Es decir, hay una evidente tensin en nuestro arte: lo esttico la forma- que en ms de una ocasin es tomado del modelo europeo, se opone a lo sociocultural propio de nuestra historia el contenido de las obras, lo netamente contextual. Si ejemplificamos tomando al impresionismo pictrico como modelo, cuyo auge en Europa fue en 1880, en nuestro pas su cima fue en 1910 y fue el arte oficial para representar a la Nacin en el Centenario. La esttica que adoptaron los impresionistas argentinos se basa con algunas modificaciones- en el impresionismo frances, pero los temas a representar son netamente locales: campos y paisajes nacionales pueblan las telas. Podemos afirmar, entonces, que Europa fue el centro cultural que, de un modo u otro, condicion y al mismo tiempo dio herramientas y conocimientos a los protagonistas del arte argentino para que inicien la construccin de una identidad propia. De aqu en adelante, cuando hablemos de arte perifrico y sus particularidades segn cada artista o movimiento nacional, nos referiremos a lo citado en esta pequea introduccin.

8.1. Del perodo hispano a los primeros pintores criollos (s. XVII-XIX)
Siendo Buenos Aires colonia espaola, a mediados del siglo XVII (aos 1600) las primeras pinturas y esculturas se limitaban a temas religiosos: escenas del Nuevo Testamento y de la vida de los santos. Como excepcin tambien haban algunos paisajes, cuadros costumbristas, temas mitolgicos o histricos. Las primeras esculturas que hubo en Buenos Aires, en la fecha citada, fueron tradas desde Espaa o Italia; tambien circularon tallas de origen brasileo y peruano, cuyos temas tambien eran sacros y religiosos. Durante los siglos XVII y XVIII trabajaron escultures y tallistas en Buenos Aires, que realizaron retablos, plpitos, confesionarios e imgenes de Vrgenes y santos. La escultura ms antigua realizada en Buenos Aires que se conserva es el Santo Cristo de Buenos Aires, en la Catedral Metropolitana (altar izquierdo del crucero), realizada hacia 1671 por un escultor portugus. Los artistas

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Arte, culturas y estticas que trabajaron en este perodo en Buenos Aires provenan de diversos orgenes: Filipinas, Dinamarca, Brasil, Portugal, Francia o Espaa, y algunos criollos. Las pinturas e imgenes talladas estaban destinadas en su mayor parte a las iglesias y las capillas, aunque tambien se colocaban en las salas de recibo y en los cuartos interiores de las casas particulares. En las Misiones jesuticas, en los siglos XVII y XVIII, se desarroll una produccin de grabados que sirvieron, en su mayor parte, para ilustrar libros. Las tcnicas de grabado empleadas en su mayora fueron la del grabado sobre cobre, y la xilografa (grabado sobre madera). La posibilidad de la mltiple impresin del grabado le permiti ser la disciplina plstica ideal para comunicar masivamente. Con la creacin del Virreinato del Ro de la Plata en 1776, se desarroll ms la produccin de pinturas, miniaturas y retratos. Del retrato, cabe destacar que surgi entre fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, y se desarroll ms fuertemente despues de la Independencia, al asumir un papel laico y social. Por iniciativa de Manuel Belgrano, en 1799 comienza a funcionar la primera Academia de Dibujo en Buenos Aires. Segn Belgrano, los buenos principios los adquirir el artista en una escuela de dibujo que es sin duda el alma de las artes, algunos creen intil este conocimiento pero es tan necesario, que todo menestral lo necesita para perfeccionarse en su oficio. La Academia inici con 50 alumnos, luego su nmero trep a 64, y la edad mnima para el ingreso era de 12 aos. El mtodo de enseanza se limitaba a la copia de modelos grabados, que el profesor facilitaba a los alumnos de acuerdo a sus conocimientos y aptitudes. Los estudios fueron principalmente de figura humana. La Academia de Dibujo funcion en la actual esquina de Rivadavia y Reconquista hasta 1804. Con la Revolucin de Mayo, aparecieron algunos ejemplos de estilo neoclsico en la arquitectura, que ya haba penetrado en los ltimos aos del dominio hispnico como reaccin contra los excesos formales y la exuberancia del barroco. La arquitectura se orient oficialmente hacia los modelos franceses. De algun modo, adoptando el neoclsico, las instituciones del pas tuvieron una tendencia a borrar los ltimos rastros del vasallaje espaol: los edificios pblicos deban manifestar otro estilo. As, el arte se transforma en una expresin de fe poltica. En 1826 lleg a la ciudad Jean Baptiste Douville, quien trajo la litografa (grabado sobre piedra) a Buenos Aires. En sociedad con un retratista frances, hizo una serie de retratos de prceres y figuras histricas (Brown, Alvear, Soler, Lavalleja, Mansilla, Gonzlez Balcarse) que imprimi en cantidad y distribuy entre los ciudadanos. Ms tarde, Csar Bacle tomara la direccin de la empresa, y la litografa sera el vehculo para mostrar y comunicar las costumbres pintorescas del pas, tales como los trajes y vestidos parisinos que se usaban en Buenos Aires, un gaucho que bolea avestruces, un lechero, un panadero y una mulata que compra pan, trabajos y oficios tpicos de la poca. Las litografas de Bacle muestran el interes por lo popular, la vida urbana cotidiana, las modas y costumbres, siempre en un espritu afin con la perspectiva cultural ilustrada. En 1828 arriba al pas Carlos Enrique Pellegrini (1800-1875), quien puede ser considerado uno de los primeros artistas argentinos del siglo XIX. Si bien es de origen italiano y un ilustrado frances, pas gran parte de su vida en Buenos Aires, y su hijo Carlos fue presidente de la Nacin entre 1890 y 1892. Pellegrini, ademas de ingeniero, fue un retratista y pintor costumbrista. Realiz numerossimos retratos, muchos de ellos por encargo, de personajes de la poltica, hombres del clero, de las armas, de las letras y del mundo social, y tambien pint temas urbanos, como las imgenes de la Catedral de Buenos Aires. Fue quien proyect, promovi, dirigi y en gran parte financi la construccin del primer Teatro Coln, que estaba ubicado en donde actualmente se erige el Banco de la Nacin Argentina, sobre Plaza de Mayo, y que fue inaugurado en 1857. El diseo, de carcter neoclsico, signific un adelanto en la aplicacin de nuevas tcnicas de construccin. Recien en 1821, por impulso del ministro Rivadavia, se cre la Universidad de Buenos Aires, donde la Ctedra de dibujo se integr al departamento de ciencias exactas de dicho organismo. Como innovacin en la enseanza de artes visuales, se inici la copia de figura humana con modelo vivo, y no con lminas. Ademas, los alumnos aventajados podan ser becados o pensionados por el gobierno para estudiar en Europa, con la condicin de que enviaran sus trabajos a Buenos Aires para juzgar el adelanto de su aprendizaje.

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Arte, culturas y estticas Como primeros pintores argentinos cabe destacar la figura emblemtica de Carlos Morel (18131894), quien pint retratos, escenas de costumbre de ciudad y campo, represent al gaucho de las maneras ms diversas, pint al leo y a la acuarela, como as tambien realiz litografas. Se destac en la representacin de batallas, con un carcter romntico. Tambien cabe mencionar al mximo representante de la pintura argentina del siglo XIX antes de la llamada generacin del 80-, Prilidiano Pueyrredn (1823-1870). Pintor academicista, incorpor algunos elementos de la esttica romntica a los modelos. Pint fundamentalmente retratos de personajes histricos y pblicos, como Manuelita Rosas o Bernardino Rivadavia. Tambien pint retratos de muertos, para lo que utiliz fotografas, y algunos retratos colectivos. Realiz pinturas de temas costumbristas como las escenas de pulpera, las estancias, el gaucho, las carretas y los ombes.

9. La Generacin del 80: el compromiso social del arte argentino


Con la presidencia del general Julio A. Roca, entre 1880 y 1886, se consolid la organizacin del Estado, una vez designada Buenos Aires como capital de la Repblica. A partir de esa fecha, el pas entr en un nuevo perodo, caracterizado por el triunfo liberal, el desarrollo econmico y la construccin del Estado Nacional. La inmigracin masiva de italianos y espaoles actuaba como agente de una notable transformacin socioeconmica. Durante estos aos surgieron nuevas ideologas que apoyaban los ideales de las clases trabajadoras (socialismo y anarquismo) y de las clases medias (radicalismo). La inversin de capitales extranjeros, la reactivacin del comercio exterior cada vez ms estrechamente unido a Europa, en particular a Gran Bretaa, y las aspiraciones argentinas de ejercer el liderazgo en Latinoamrica, alentaron la idea del progreso positivista, que en esa poca se consideraba ilimitado. En el Buenos Aires de fines del siglo XIX, dentro de la llamada Generacin del 80, hubo gran cantidad de escritores, msicos y pintores, quienes creyeron e iniciaron un arte puramente argentino. Algunos de los nombres ms destacados de esta generacin fueron Julio Roca, Miguel Jurez Clman, Jos Manuel Estrada y Carlos Pellegrini. El grupo literario estaba integrado por Miguel Can, Lucio Mansilla, Eduardo Wilde, Lucio Lpez, Fray Mocho, Martn Garca Mrou, Eugenio Cambaceres y Paul Groussac. Dentro de las artes plsticas, se destacan Ernesto De la Crcova, Eduardo Svori, ngel Della Valle, Eduardo Schiaffino, Rogelio Yrurtia, Reinaldo Giudici y Po Collivadino, cuya actividad coincide con la fundacin, en 1876, de la Sociedad Estmulo de Bellas Artes. Fueron artistas que estaban en ese momento iniciandose, como Svori, De la Crcova y Schiaffino, quienes crearon las instituciones artsticas que aun perviven. La Sociedad Estmulo de Bellas Artes nace como una necesidad de dotar a Buenos Aires de una escuela de arte y un museo de calcos-esculturas. El grupo fundador, entre los que se encontraba Eduardo Svori, invit a una reunin pblica a todos aquellos que simpatizaran con la idea de fundar una sociedad, que tuviera mandato imperativo de fomentar el cultivo del arte en el erial porteo. Estmulo de Bellas Artes funcion en inicio en Moreno 360, frente a la Plaza Monserrat. All se conform la formacin de una biblioteca especializada, se realizaron exposiciones de los artistas emergentes, y se inaugur la Academia Libre destinada al estudio del dibujo, mediante estudios de modelo vivo. Tambien se realizaron esculturas y copias en yeso, a cargo de Francesco Romero, un profesor italiano. Se inici un nuevo ciclo en el arte argentino, ligado al cambio de gusto de una sociedad que quera pertenecer a la civilizacin e integrarse a un modo de vida europeizado que borrara definitivamente las ltimas seales de la barbarie americana. En directa relacin con este afn de escapar del pasado, los artistas de la nueva generacin, una vez superada la etapa de los primeros estudios en Buenos Aires, optaron por una rigurosa prctica en talleres italianos y franceses. Era la primera vez que un conjunto importante de argentinos, con el beneficio de las becas estatales o con medios propios, concurra a las academias que, en la opinin general, estaban dirigidas por los mejores maestros europeos de la poca. Los pintores argentinos de la llamada Generacin del 80 se enmarcaron en una pintur a inscripta en el marco general del eclecticismo acadmico. En la Academia de Estmulo empezaron a

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Arte, culturas y estticas mostrarse fracturas y disidencias con el mtodo y la intencin artstica, siendo Martn Malharro uno de los principales opositores al academicismo y la copia constante que se realizaba en Estmulo. En 1892 se cre El Ateneo, una asociacin de carcter literario y artstico, que organiz la primera Exposicin anual de dibujo, pintura y escultura, a la que podan concurrir los artistas argentinos y latinoamericanos. Entre los jurados estaban Eduardo Schiaffino, Eduardo Svori y ngel Della Valle, y participaron De la Crcova y Malharro, entre muchos otros. En los salones del Ateneo abundaban las artistas mujeres, como Diana Cid Garca, Eugenia Sarmiento y Sofa Posadas. Alrededor de los artistas del Ateneo y sus reuniones nocturnas en los tpicos cafs, esta asociacin tuvo un carcter pblico, instando al pueblo a participar de sus bohemias nocturnas, mediante conciertos de msica y las primeras exposiciones peridicas de pintura y escultura en Buenos Aires. El carcter vanguardista del grupo los llev a querer fundar el Museo Nacional de Bellas Artes. Haba sido creado por decreto por firma del presidente Uriburu en julio de 1896. Se inaugur y abri al pblico el 25 de diciembre de dicho ao, siendo Eduardo Schiaffino su primer director. La primera sede del Museo fue donde hoy da estan las Galeras Pacfico. En la inauguracin se exhibieron 116 pinturas, 15 dibujos, 5 esculturas, miniaturas y un grabado de autores tanto nacionales como extranjeros. Las obras, que fueron recogidas por donaciones a traves de los aos, eran ya coleccin estable del Museo y tenan un hogar en el que tanto artistas como pblico poda visitarlas asiduamente. Educar el buen gusto del pblico para poder crear un ambiente propicio para el desarrollo del arte fue la consigna. La fundacin del museo fue la de propiciar el desarrollo de una escuela nacional en el arte, con caracteres propios pero moderna, que pudiera ubicarse ventajosamente en el mbito internacional. En 1889 se inicia la construccin de la nueva y actual sede- del Teatro Coln, obra que se finaliz en 1908, cuando se abri al pblico. Pronto se convirti en el centro que reuni a los aficionados a la msica, la pera y otros gneros, como as tambien fue el foco de una sociedad elegante que gustaba lucirse, ver y ser vista.

9.1. Eduardo Svori (1847-1918)


Es una de las ms fuertes de la Generacin del 80. Estudi gran parte en Europa, y tambien en la Academia de Estmulo de Bellas Artes. Expuso en salones de pintura parisinos y nacionales. Su pintura el despertar de la crada (1887, actualmente en el MNBA) tiene guios al realismo de la obra de Gustave Courbet, y no pudo ser exhibida pblicamente porque era considerada como la pedrada de un adolescente en los vidrios de la Academia. En la pintura puede observarse a una criada desnuda, sentada en su cama, que carece del exotismo o del cnon de belleza caracterstico de la poca. La robusta mujer est representada con un modelado realista extremo, y la dureza y sutiles deformaciones de su cuerpo testimonio de su trabajo como criada- era una crtica directa a la burguesa y su estilo de vida pomposo. Tambien abord en sus pinturas temas como el taller del pintor, los paisajes pampeanos y bonaerenses, y las costumbres criollas.

9.2. Ernesto De la Crcova (1866-1927)


Fue uno de los primeros artistas en tocar el tema social. Formado en Italia, pint all su obra sin pan y sin trabajo (1892-93), que relata con amarga significacin el drama de la huelga de los obreros. En la obra puede apreciarse un hombre con expresin desolada observando por una ventana, con el puo cerrado apoyado al lado de sus herramientas de trabajo, sobre la mesa de madera vaca de alimentos. A la izquierda, su mujer vestida humildemente amamantando a un beb. Por la ventana de la oscura y humilde habitacin, a lo lejos, puede verse una fbrica. Si bien los crticos de la poca alabaron la ejecucin tcnica de la pintura de De la Crcova, cuyo fuerte dramatismo est acentuado por la iluminacin y la concepcin pictrica general, no muchos supieron realizar una lectura significativa de la obra, o quisieron aceptar su mensaje: se hace referencia directa no solo a un drama familiar, sino a un tema de candente actualidad en las grandes ciudades, como es la huelga y la represin de los conflictos obreros, tal y como se ve en la ventana. El cuadro dice yo soy la huelga. La pintura fue premiada con Medalla de Oro y Premio de Honor en la Exposicin Universal de Saint Louis, EEUU, en 1894, colocando a De la Crcova como uno

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Arte, culturas y estticas de los ms importantes e influyentes artistas argentinos de la poca y el siglo. As, l y su obra se transforman en un exponente del realismo social argentino. De la Crcova tambien fue fundador y director de la Escuela Superior de Bellas Artes y Museo de Calcos, y co-fundador de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires.

9.3. Eduardo Schiaffino (1858-1935)


Este artista, ademas de su carrera como pintor, cumpli un rol importantsimo en la organizacin de las instituciones. Se form en Italia y Buenos Aires, y su obra es escasa, puesto que invirti su tiempo y esfuerzo mucho ms en tareas relacionadas con el arte, que en la pintura en s misma. Fue crtico, organiz exposiciones, fue director-fundador del Museo Nacional de Bellas Artes desde 1895 hasta 1910. Fue uno de los primeros pintores en alejarse del naturalismo acadmico. Su obra reposo (1889) es una de las ms reconocidas del autor, y gener gran controversia por el tratamiento naturalista que Schiaffino hizo de la mujer desnuda de espaldas, a la cual se la acus de deforme.

9.4. ngel Della Valle (1855-1903)


Se form en Italia, y se inclin hacia los temas campestres, gauchescos y militares. En 1892 pint la vuelta del maln, su obra ms clebre, en donde se observa a un grupo de indios que regresa a su toldera luego de asaltar una iglesia y raptar a una mujer. El escenario del cuadro es la inmensidad pampeana luego de un diluvio. La pintura representa un tema que a la sociedad gust, por su carcter nacional, y fue un xito de convocatoria de pblico. La obra es emblemtica y representa, a los ojos de los sectores ms ilustrados de la sociedad de poca, aquello que haba que erradicar, en el afan expansionista y de europeizacin del territorio argentino.

9.5. Lola Mora (1867-1936)


Controversial como pocos artistas de su poca, a Dolores Mora Vega, ms conocida como Lola Mora, la ubicamos en el plano escultrico. Nacida en Tucumn, estudi becada por el gobierno en Italia, donde profundiz en la escultura. Bocet y realiz la fuente de las nereidas, hoy emplazada en la Costanera Sur de Buenos Aires, que fue inaugurada pblicamente en 1903 ydespert muchos juicios de valor, entre los cuales se cuestion si Mora era la autora real de la obra y se discuti sobre la moralidad de las figuras desnudas representaciones de Venus, dos Nereidas y Tritones. En 1906 realiz monumentos para el Congreso Nacional alegoras de la Libertad, el Comercio, la Paz y la Justicia- que en 1915 fueron quitados por motivos polticos, y actualmente estan en diversos lugares de la ciudad de Jujuy. Suerte similar sufrieron diversos bustos y efigies de prceres que realiz. En la ciudad de Avellaneda se conserva el Monumento a Nicols Avellaneda que Mora realiz en 1913. En el cementerio de la Recoleta tambien hay obras de la escultora, en el mausoleo de Ramn Lpez Lecube. La obra de Lola Mora tiene una influencia de la escultura italiana, y un realismo que se inclina hacia el verismo teatral. Nunca particip de ninguna exposicin, saln o agrupacin artstica, y siempre se mantuvo alejada del medio artstico profesional.

9.6. Cndido Lpez (1840-1902)


Mencin aparte, y sin tener un dominio tcnico propio de los artistas de la generacin del 80, se halla Cndido Lpez, tambien conocido como el pintor de la Guerra del Paraguay. En 1865, en el marco de la guerra de la Triple Alianza (Argentina, Brasil y Uruguay) contra el Paraguay, Lpez se alist como voluntario en el batalln de San Nicols y, provisto de los elementos de dibujo necesarios, document en breves croquis las escenas de batalla que luego pint al leo. Fue herido en batalla, en 1866, y tuvieron que amputarle el brazo derecho. Sin embargo, educ su mano izquierda y continu realizando obra. Sus pinturas son escenas claras y precisas, con detalles nfimos, y constituyen no solo un documento artstico, sino histrico y nacional de las batallas. Sus cuadros poseen un formato de proporciones particulares, siendo mucho ms largo el eje horizontal que el lado vertical, para acentuar el paisajismo de la escena.

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Arte, culturas y estticas Lopez nunca se consider un artista profesional, sino que atribua a su obra un valor netamente documental.

10. El Centenario: las corrientes impresionistas en la Argentina


La idea de civilizacin que cobr fuerza desde 1880, poniendo los ojos en Europa como ejemplo a seguir, coincidi con el momento del centenario de la Revolucin de Mayo. El progreso de la civilizacin pareca algo natural, algo hacia lo que la humanidad se inclinara como seal de su crecimiento en todos los mbitos. La polaridad civilizacin-barbarie fue un eje vertebrador de la sociedad de la poca, en un esfuerzo por diferenciar a la Argentina de su destino latinoamericano y de su posicin dentro de la divisin internacional del trabajo. En el contexto del centenario de Mayo, el gobierno pudo, alegre y confiado, celebrar sus logros recientes, entre los que se destacaban una buena relacin de poltica internacional, buenos augurios de pensadores, intelectuales y crticos extranjeros, y diversas manifestaciones de honra por el cumpleaos de parte de las naciones del mundo. Pero el discurso poltico oficial apenas alcanzaba a disimular la otra cara de la moneda: huelgas generales, una bomba en el Teatro Coln que puso en evidencia las crecientes tensiones y actos violentos, y un creciente pesimismo entre los intelectuales locales. Utilizando los modelos de la sociologa positivista, combinndolos con la historia y la psicologa social, poda diagnosticarse que la sociedad estaba enferma. Aparecieron ensayos y reflexiones al respecto, entre los que se repartieron culpas hacia la elite dirigente, la masiva ola de inmigrantes (cuerpos extraos) que diluan al ser nacional, y que deban homogeneizarse para finalmente apuntar a un ideal de nacin. En ese sentido, la elite dirigente mantuvo dos posturas: en algunos casos fue conciliadora y escuch los reclamos de la sociedad, y en otros casos fue intransigente, reprimi y neg cualquier oposicin al rgimen. Los reclamos de los chacareros en Santa Fe, el naciente y creciente movimiento anarquista y socialista en las urbes (con las consecuentes huelgas y actos de violencia pblica) fueron algunas de las dificultades que el gobierno encontr en el Centenario, y que no siempre pudo tapar. En lo estrictamente artstico, a principios del siglo XX en Buenos Aires aparecieron nuevas propuestas, acordes a las necesidades de la naciente modernidad. La imagen impresionista fue, entonces, la esttica que se desarroll en la bsqueda de una identidad nacional. Hubo dos tendencias principales: el impresionimo simbolista de Martn Malharro y sus discpulos, y el impresionismo perifrico del grupo Nexus.

10.1. Martn Malharro (1865-1911)


Nacido en Azul, su infancia le dio contacto directo con la pampa y la sierra. Se form como pintor en Buenos Aires, y posteriormente se transladara a Tierra del Fuego, donde estudi los paisajes marinos intensamente. Fue grabador, dibujante, ilustrador y caricaturista, antes de dedicarse a la pintura. A sus 30 aos, sin beca ni medios propios para subsistir, se traslad a Pars, donde conoci el impresionismo y las tendencias europeas de ese momento (1895). Las pinturas de Malharro toman caractersticas personales, subjetivas y simblicas, con paleta saturada, un color no-retiniano (distinto al del impresionismo europeo) y en donde prevalece la sensacin lumnica. Si bien su esttica es similar al impresionismo, Malharro es un artista propiamente simbolista. Alejado del academicismo, el color y las formas representadas (rboles, paisajes) cobran autonoma propia, se alejan del modelo natural, cobran un simbolismo propio, empujado por el motivo interior del artista. Sin embargo, su estilo no siempre fue comprendido, por lo que las crticas a sus pinturas oscilaban entre el xito y la adulacin total, a las ms apticas y negativas reacciones. Una de sus obras ms reconocidas es las parvas (1901). Pint un conjunto de obras nocturnas entre 1908 y 1909, tema propio de los simbolistas. En lo estrictamente ideolgico, Malharro era anarquista, lo cual, en palabras de Paul Signac, se reflejaba en su obra: el pintor anarquista, con una posicin prxima a la del arte por el arte, es el que sin preocuparse por el lucro luchar con toda su individualidad y con el esfuerzo personal contra las convenciones burguesas y oficiales. Estas tendencias anarquistas le generaron dificultades con el Grupo Nexus, el cual integr un

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Arte, culturas y estticas breve lapso. Malharro fallece tempranamente, a sus 42 aos, pero dej un legado de alumnos y discpulos cuyas obras son muy interesantes, entre los que se destacan Valentn Thibon de Libian (1889-1931) y Ramn Silva (1890-1919), pintores y dibujantes que se acercan al tratamiento post-impresionista del frances Henri de Toulouse-Lautrec.

10.2. El grupo Nexus


Fundado en 1807, la intencin de este grupo de artistas era renovar la pintura, y apuntar al regionalismo, el costumbrismo folklrico, y a las virtudes tradicionales. Fue integrado por Fernando Fader, Po Collivadino (a quienes abordaremos a continuacin), Cesreo Bernaldo de Quirs (1881-1968), Arturo Dresco, Alberto Rossi, Justo Lynch, Ceferino Carnacini y Carlos Ripamonte, siendo estos dos ltimos oriundos del partido de Gral. San Martn. Nexus abord el tema del nacionalismo en el arte, y sus obras y esttica (que va desde las representaciones urbanas de Collivadino a los temas heroicos de la caballera sanmartiniana de Ripamonte) fueron adoptadas oficialmente como el arte que represent a la nacin en el centenario de la Revolucin de Mayo. De este modo, las tendencias simbolistas de Malharro quedaron en un segundo plano, siendo el arte oficial aquel que difundan los artistas del grupo Nexus, disuelto en 1910.

10.3. Fernando Fader (1882-1935)


El exponente ms difundido del impresionismo en Argentina. Nacido en Francia, se cri en Mendoza, donde l mismo deca que haba nacido. Se consideraba pintor antes de nacer. Hombre sincero, verdadero y directo, estudi un bachillerato en Munich, y 3 aos de dibujo. En 1904 vuelve a Mendoza con el ttulo de pintor, y empieza a desarrollar su amor por el paisaje. Como no halla lugar para exponer sus obras, en 1905 viaja a Buenos Aires, donde es elogiado por sus pinturas. Es quien funda el Grupo Nexus, y se mantiene en l hasta 1908, cuando decide dejar la pintura para ser un empresario, encargndose de la represa que su familia tena en Mendoza. Pero un aluvin la destruye, y, habiendo perdido todo, vuelve a mudarse a Buenos Aires. Retoma la pintura, y gana un Primer Premio en un concurso, pero como consider que el dinero que le daba el premio era menor al valor de su obra, lo rechaz. Le descubren un tumor, que le operan, y para sanar le recomiendan que se mude a Crdoba. En contacto con la naturaleza, vuelve a pintar, y en 1918 compra hectreas de campo. All permanece hasta el final de su vida. Fader siempre tuvo fascinacin por la naturaleza, en particular por los rboles y los animales. Ya al final de su vida, retomara los desnudos que en un principio de su carrera realiz. Posee una pincelada superpuesta, como los impresionistas, y posee una gran carga matrica, es decir, con un gran empaste de pintura, el cual le daba textura a la tela. Utiliza, principalmente, los verdes, amarillentos, rosados, marrones y rojos, y el empleo de contrastes por claroscuro. Fader es considerado el impresionista por excelencia, y sus obras son un testimonio de nuestra identidad cultural y artstica.

10.4. Po Collivadino (1869-1945)


Integrante del Grupo Nexus, y uno de los miembros ms destacados de la llamada Generacin del 80. Las pinturas de Collivadino muestran el valor del trabajo y los humildes, y ms tarde, a diferencia de la de Malharro y Fader, el tema de su obra se centra en la ciudad, y tiene un marcado tinte puntillista. Realiza cuadros de diversas calles de Capital Federal, de la plaza San Martn, la calle Diagonal Norte, la calle Paseo Coln y el Riachuelo, siendo el pintor de las visiones del suburbio y de las calles solitarias y abandonadas. Con sus pinturas, fue testigo del crecimiento industrial y demogrfico de la ciudad en la dcada de 1920. Collivadino fue tambien director de la Academia de Bellas Artes entre 1908 y 1935, donde cre el taller de grabado.

10.5. Rogelio Yrurtia (1879-1950)


En el campo de la escultura, destacamos a este artista que abandona gradualmente el academicismo y el realismo empirista, como hizo Auguste Rodin en Europa. Lo enmarcamos en el impresionismo, ya que

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Arte, culturas y estticas en su escultura pueden apreciarse las huellas, la marca, el gesto del artista el equivalente a la pincelada en la pintura. Sus enormes esculturas en bronce, pieda o yeso patinado tienen temas diversos, entre los que se hallan los retratos de prceres, citas histricas y alegoras a oficios y costumbres, como su canto al trabajo (1922), emplazado en las avenidas Paseo Coln e Independencia. En su obra, el conjunto de figuras no solo remiten a la fuerza del trabajo, sino del amor, y resignifica a la mujer como figura de sostn energa y esperanza de la lucha del hombre. Actualmente en el barrio de Belgrano puede visitarse el Museo Casa de Yrurtia, donde pueden apreciarse gran cantidad de sus obras.

11. Las dcadas 1920-30: modernidad y arte


Mientras en Europa se multiplicaban las propuestas de vanguardia y se suceda la Primera Guerra Mundial, en Argentina se debata sobre la modernidad en el arte. Hay que entender el trmino moderno no como novedoso, sino como una propuesta casi de vanguardia, que buscaba romper estructuras antiguas pero con propuestas ms acordes a las establecidas. En ese sentido, la idea de modernidad est ntimamente ligada a la idea de progreso ilimitado que defenda la filosofa positivista. Como dira Comte, el positivismo defiende lo til frente a lo ocioso, lo real frente a lo fantstico, es organizativo y constructivo, y defiende una concepcin instrumentalista del conocimiento. En lo social, poltico, econmico, ideolgico y, por supuesto, en lo artstico, esta visin de progreso fue vital para el desarrollo de los campos citados. Dentro de este contexto histrico, en la dcada de 1920 en Buenos Aires hay un sistema poltico oligrquico, como consecuencia del voto popular, siendo Hiplito Yrigoyen el presidente. Hay una afirmacin creciente de la Unin Cvica Radical, un aumento del proletariado, y los sectores conservadores fueron delineando una postura ms nacionalista. Con motivo de la Primera Guerra Mundial, se desarroll el sistema agrario exportador, y como contraparte hubo muchas huelgas de trabajadores. Se fund YPF, explotado por los EEUU. La crisis mundial de 1929 alcanza a nuestro pas que, como otras naciones, se hicieron proteccionistas, afectando las exportaciones y generando inflacin y desvalorizacin de sueldos. Ya en 1930 entramos en la llamada dcada infame, con gobiernos de facto, el fraude patritico e intimidaciones polticas. Ral Scalabrini Ortiz, en ese entonces, escribira tambien que el imperialismo, como cmplice de las clases dominantes polticas, es y fue la causa de los males econmicos y sociales. En el campo artstico, durante el 20, se desarrollaron dos grupos: el grupo de Florida y el grupo de Boedo. Dentro del primer grupo, reunido en torno a la revista Martn Fierro, se nuclearon escritores como Jorge Luis Borges, Oliverio Girondo y Leopoldo Marechal, y plsticos como Emilio Pettoruti y Alejandro Xul Solar. En el grupo de Boedo, con la revista Claridad y ms tarde Crtica como estandarte, pueden destacarse plsticos como Guillermo Facio Hebequer, Adolfo Bellocq, Abraham Vigo, y Agustn Riganelli, entre otros. A grandes rasgos, ambos grupos son diametralmente opuestos, desde el nombre que representan. Boedo: barrio de trabajadores e inmigrantes, en la periferia del centro porteo. Florida: calle coqueta de Buenos Aires, marco tradicional de galeras, prxima al museo de Bellas Artes y rodeada de las mansiones de las familias ms ricas. Los artistas del grupo de Boedo, tambien llamado artistas del pueblo, se identifican con el proletariado urbano sumido en la indigencia por la injusticia social, y su arte estar condicionado por esta realidad. Los de Florida, en cambio, se abstraen del compromiso social por lo menos en el sentido en que lo toman los de Boedo- y se abocan a revolucionar el campo artstico. Se oponen as, entre ambos grupos, valores diferentes: revolucin social contra revolucin artstica. En ambos casos hay necesidad de renovacin, hay reclamos e insatisfaccin pero tambien propuestas, solo que ambos difieren en el modo de expresarse. En ese sentido, Boedo mantuvo una esttica ms tradicionalista pero mediante ella busc la revolucin ideolgica, mientras que Florida innov e impuso una vanguardia artstica crtica, que no lleg a tocar la realidad social masiva. Como en algun momento dijo Facio, perteneciente a Boedo, haciendo una separacin entre ambos grupos: ellos son el arte por el arte, nosotros somos el arte para la humanidad.

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Arte, culturas y estticas Ademas de los grupos de Florida y Boedo en la dcada del 20 y parte del 30, hubo otras manifestaciones artsticas. Entre ellas hallamos a los artistas del grupo de Pars, y manifestaciones aisladas de artistas autnomos. Desarrollaremos a algunos de los protagonistas a continuacin.

11.1. Emilio Pettoruti (1892-1971)


Uno de los mximos representante del grupo de Florida es el platense Emilio Pettoruti. Hijo de italianos, desde pequeo demuestra un genuino interes en el arte, e iba a dibujar al Bosque de La Plata o al Museo de Historia Natural. Un autodidacta, fund un Taller Libre de Pintura, y luego de realizar su primera muestra individual es becado por el gobierno provincial, y se instala en Italia para estudiar. All toma contacto con las obras de los clsicos, en particular Fra Angelico y artistas del Renacimiento, y tambien con las nuevas tendencias de vanguardia. En Italia, en ese momento, se aconteca el futurismo fundado por Marinetti, y Pettoruti no tardara en sumar caractersticas de l a su obra. La Primera Guerra Mundial lo obliga a quedarse en su estudio y pintar, elaborando un estilo propio. Al conocer la obra de Picasso, Braque y Juan Gris, toma al cubismo como su principal influencia. As, en Europa, cuando se referan a l lo hacan llamandolo el pintor argentino cubofuturista. Pettoruti toma algunos elementos visuales del futurismo, y la propuesta que este movimiento apoy de la bsqueda de un nuevo lenguaje que rompa con los esquemas del pasado, y la intencin de que la obra de arte genere un profundo sentimiento, y conmocione. Sin embargo, Pettoruti no adhiere a los postulados ideolgicos del grupo italiano, entre los que se celebraba a la guerra como higiene del mundo, a los museos y bibliotecas como cementerios del pasado o se afirmaba que todos los hombres eran imbciles excepto los futuristas. Por ende, podemos afirmar que Pettoruti realiza una lectura personal del movimiento, y lo sintetiza en un arte propio, en donde tambien aparecieron, ademas de las referencias cubistas y futuristas, elementos abstractos, siendo as uno de los primeros artistas latinoamericanos sino el primero- en incorporar la abstraccin a sus obras. Mientras estuvo en Europa estuvo en contacto directo con Marinetti, los futuristas, y Juan Gris, entre otros. Residi con Xul Solar durante gran parte de su estada en el viejo continente. Despues de 11 aos de estudio en el exterior, en 1924 vuelve a la Argentina, y expone sus obras en la galera Witcomb, de la calle Florida. El rechazo hacia su obra es absoluto: le escupen los leos, y en la inauguracin se producen enfrentamientos a trompadas, por considerar a sus pinturas como una obra degenerada, sucia, que vena a destruir al arte nacional y ofender la dignidad de la patria. Teniendo en cuenta que, en esos aos, aqu solo se pintaban paisajes pampeanos con un tratamiento impresionista, los cuadros cubistas de Pettoruti eran un gesto contestatario y revolucionario, que muy pocos llegaron a comprender. Sin embargo, el gobernador de Crdoba le compra una obra para el museo provincial de esa provincia, y Pettoruti es nombrado director del Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata. Tiempo despues, vuelve a Europa, pero no se afinca en Italia sino en Francia, especificamente en Pars. All su estilo se vuelca hacia lo abstracto, siempre cuidando el tratamiento del color y la luz, casi a la manera clsica. De su propia obra, Pettoruti dira: reina como condicin esencial lo geomtrico, la claridad, el anlisis y, sobre todo, el orden; cualidades que hacen suyas los verdaderos artistas, ya que en su obra, cualquiera sea su tendencia , cada lnea, cada forma, cada color, elevado a la potencia plstica, cobra calidad humana. En ese sentido, la obra de Pettoruti es una llamada al orden, que constituy en la Argentina el camino fecundo de la modernidad artstica. El cubismo de Pettoruti tiene caractersticas muy particulares, que en algunos casos difieren del cubismo europeo. Si se lo debe comparar con l, se aproxima al cubismo sinttico, ya que son obras fciles de observar (hay fragmentacin pero no en demasa, lo cual no dificulta la lectura de la imagen), utiliza la geometrizacin y lneas rectas, y utiliza el recurso del collage y la tipografa, en muchas obras. Tambien posee influencia del futurismo de la segunda etapa, en el que el tratamiento de los mdulos de color generan movimiento. Sin embargo, lo que ms resalta en la obra de Pettoruti, ademas de la geometrizacin cubista, es la luz y el color. Por muchos, es considerado el mejor colorista argentino, y su paleta de colores es amplsima: jamas se repite un mismo color. Pettoruti trabaja pintando con colores planos, sin degrads o claroscuros, y tambien con texturas visuales: puntos, pequeas rayitas, lneas verticales-horizontales-diagonales, cuadrills, rombos, etc. Sus temas ms abordados son los retratos, los 145

Arte, culturas y estticas msicos y arlequines, las naturalezas muertas y algunos paisajes. Incorpora, en el caso de los retratos de msicos, elementos argentinos como el bandonen. Tuvo un perodo del espacio metafsico, en donde aparecan elementos como tinteros, plumas o frutas con un nivel de detalle fotogrfico, en un entorno visual cubofuturista. Cuando se vuelca totalmente a la abstraccin, parte desde elementos de la realidad como su serie de los pjaros- pero solo queda la referencia a ellos en el ttulo, y en la sensacin de movimiento que el objeto base tiene. El color empleado tiene la funcin de generar climas especiales, dandole a sus pinturas un carcter y un sello absolutamente personal. La obra de Pettoruti es un ejemplo de ver ms all: fue un adelantado a su poca, gracias al contacto que tuvo con la vanguardista cultura europea. Sin embargo, su estilo no es un rejunte de otros es tilos, sino un trabajo de elaboracin personal, que Pettoruti bien supo expresar, y hoy lo hacen ser uno de los artistas argentinos ms talentosos y reconocidos en el mundo.

11.2. Xul Solar (1887-1963)


Bautizado como Oscar Agustn Alejandro Schulz Solari, nacido en San Fernando, este artista sera otro integrante del grupo de Florida. Hijo de padre aleman y madre italiana, a lo largo de su vida estudi arquitectura, filosofa, y 6 idiomas. Consideraba que una persona no era nadie sin conocer su carta natal, lo cual destaca la importancia que Xul Solar le otorgaba a la astrologa. Y no solo a esa ciencia, sino a la cbala, la alquimia, el tarot y simbologas espirituales en general, caractersticas que se reflejan en su obra. A sus 25 aos, en 1912, decide enbarcarse a Hong Kong, buscando hacerse monje en el tbet. Pero su buque se desva del destino previsto, y desembarca en Londres. Para conseguir algun dinero trabaj como pen en el barco que lo llev, y una de las primeras compras que realiza en el continente europeo es una copia del almanaque del Der Blaue Reiter (el jinete azul expresionista). All empieza a familiarizarse con las nuevas tendencias de vanguardia. Lee los escritos de Kandinsky, y sera su obra y la de Paul Klee las que tempranamente le influenciaran. Inicia su actividad como pintor con doce obras al leo sobre cartn, en 1914. En un inicio, su obra tendra una reminiscencia al art nouveau, con arabescos, ornamentos, figuras geomtricas y una figuracin poco simblica. En 1916 conoce a Pettoruti en Florencia, con quien entabla amistad y reside durante un tiempo. Frecuenta a Picasso y a Modigliani. En 1918 la obra de Xul Solar se inclina al expresionismo espiritualizado, en donde las figuras humanas se sintetizan en figuras geomtricas. Hay una clara influencia del trabajo de Paul Klee, y en sus composiciones agrega palabras, hay ms dinamismo. En la obra de Xul Solar hay una enorme carga de simbologa, tomadas de las ms diversas culturas latinoamericanas y mundiales. En sus imgenes conviven armnicamente la figuracin geometrizada y las abstracciones, contextualizadas en un clima de color y simbolismos propios del artista. En esta etapa de su obra aparecen los senderos, las escaleras smbolo de lo ascendente-, la figura de la serpiente, el sol es representado como hombre y la luna como mujer. Los sexos son la sntesis de la figura humana. La tcnica elegida por Xul para trabajar desde 1918 fue, principalmente, la acuarela. A partir de 1925 en su obra empiezan a aparecer las banderas, como smbolo de una bsqueda de hermandad de culturas a nivel mundial. Tambien pint varios acuarelas con temas americanistas prehispnicos. En Buenos Aires particip en la revista Martn Fierro, que agrupaba a los artistas plsticos y escritores del grupo de Florida, y exhibi algunas de sus acuarelas que, como le sucedi a Pettoruti en 1924, no fueron comprendidas por el pblico argentino de la poca. Es a mediados de la dcada del 20 cuando empieza la mtica amistad entre Xul y Jorge Luis Borges, tambien integrante de Florida. El mutuo interes de ambos por el lenguaje, la magia, el misticismo y las filosofas orientales teji una profunda admiracin e influencia entre ambos. As como Xul le ilustr varios cuentos a Borges, el escritor se inspir en lecturas y obras del plstico para escribir relatos como Tlon, Uqbar, Orbis, Tertius. En la dcada del 30 aparecen aspectos surrealistas simblicos en la pintura de Xul solar, como por ejemplo las ciudades utpicas y las mquinas voladoras. Algunas ciudades, con extraos edificios, flotan en el cielo sostenidas por globos aeroestticos e impulsadas por mltiples hlices accionadas por motores que despiden densas humaredas sobre la costa de una ciudad terrestre. Estas ciudades son urbes 146

Arte, culturas y estticas utpicas, ajenas a la catstrofe y al apocalipsis. Estas visiones msticas pueden rastrearse en algunos textos bblicos, como el del libro del Apocalipsis en que Juan dice v la Ciudad Santa, la nueva Jerusalen, descender del cielo por la mano de Dios, compuesta, como una novia engalanada para su esposo. En lo que refiere a la representacin visual en las pinturas de este perodo, el espacio es semejante al renacentista, en el sentido de que ya no hay superposiciones o transparencias de elementos, sino que hay una cierta perspectiva en la imagen. En el contexto de desarrollo de la Segunda Guerra Mundial, en 1941 la obra de Xul Solar se torna pesimista. Los colores clidos que poblaban su obra dan paso al blanco, negro y grises, mostrando una clara tristeza por el dolor de la humanidad provocado por el conflicto blico. Muestra un aislamiento del ser humano, representando personajes solitarios frente a enormes montaas. El ascenso y el descenso del hombre, as como la lucha entre la luz y la oscuridad son permanentes en este perodo, que se extiende hasta 1946. Posteriormente volvera el color, y la alegrora del progreso de la humanidad en la posguerra: personas ascendiendo escaleras en paisajes, y una multiplicidad de puentes y caminos por tomar. En la dcada del 50 Xul Solar instal un taller en el Delta del Tigre, sobre el ro Lujan. All, elabora imgenes en donde la arquitectura es la principal protagonista. Tambien introduce la tipografa en sus pinturas, en donde, en ocasiones, las letras en maysculas son las que componen o forman parte de las estructuras de las imgenes, armando frases alusivas. Cre estilos de escrituras pictogrficas: geomtricos, silbicos, guardas, cursivas, vegetales, antropomrficas y zoomrficas. Pero el carcter de inventor constante de Xul no solo se manifestaba en la pintura, sino en muchos ms mbitos: en la dcada del 30 desarroll el neocriollo. Su neocriollo es un sabir (lengua franca o lengua de intercambio) con formas modificadas del espaol y del portugues, y algunas palabras del ingles, con una singular abreviatura. Public algunas visiones msticas en neocriollo, lengua cuya finalidad era generar unidad americana. En la misma dcada, en su bsqueda de un idioma universal invent la panlengua, basada en una lengua adnica que fue desarrollada por la teologa, la liturgia y los mitos. Era una lengua de origen divino que, en el principio, permita la comunicacin directa con Dios. Xul la toma y desarrolla para llegar a una lengua universal, comn, hablada y entendida por todos los seres humanos. Tambien invent juegos como el panajedrez, con las reglas (basadas en el zodaco, los planetas y la numeracin duodecimal), figuras y el tablero diseado y realizado por l. En su aproximacin a la msica, modific un piano, reduciendo la longitud del teclado en una medida equivalente a casi dos octavas. Las teclas estan dispuestas en tres hileras y su superficie posee relieves diferentes que permiten la identificacin por los no videntes. Cada tecla est coloreada, porque el color de cada nota pertenece en vibracin, muchas octavas por encima, al nmero de vibraciones de cada cuerda, correspondiendo el fa al infrarrojo o ultravioleta, y as las demas notas con los colores del arco iris. Esta modificacin del piano permitira una escritura musical sin sostenidos ni bemoles, dentro de un sistema anlogo al actual. Xul deca que era campen del mundo de un juego que nadie conoca: el panajedrez; que era maestro de una escritura que nadie lea; creador de una grafa musical para facilitar el estudio del piano; director de un teatro que no funcionaba; creador de un idioma universal que contribuira a que los pueblos se conociesen mejor; creador de doce tcnicas pictricas (grafas plastitiles). Tambien era el hacedor de una lengua que reclamaba con insistencia Latinoamrica. Si afirmaba que nadie conoca sus inventos, que nadie lea sus escrituras, hablaba sus idiomas o jugaba sus juegos, agregaba con talante utpico e irnico: todava. El legado artstico de Xul Solar es enorme, y hoy da puede visitarselo en su propio museo, en el barrio porteo de Palermo.

11.3. El grupo de Boedo: arte y crtica social.


En el barrio porteo de Barracas, en la dcada del 10, se concentr un grupo de artistas plsticos integrado por Guillermo Facio Hebquer, Adolfo Bellocq, Abraham Vigo, Agustn Riganelli, Jos Arato y Santiago Palazzo. Llamados primero la escuela de Barracas, luego llamados los Artistas del Pueblo, son tambien conocidos como el grupo de Boedo. Sobre la denominacin de Artistas del Pueblo, Facio dira: alguien llam al grupo Artistas del Pueblo. La frase nos parece justa y el ttulo honroso. Interpretar la conciencia del pueblo fue siempre nuestra ms alta aspiracin.

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Arte, culturas y estticas Todos se iniciaron hacia 1913-1914 en la Asociacin Estmulo de Bellas Artes, ya separada de la Academia Nacional. La educacin de los integrantes del grupo se haba realizado en las bibliotecas socialistas y anarquistas, o en las sociedades obreras de resistencia. Una de las obras de principal influencia del grupo fue Qu es el arte? de Leon Tolstoi. Los cinco artistas dedicaron la mayor parte de su obra a la crtica social. En sus trabajos, los personajes de las clases bajas estan caracterizados en oposicin a las clases altas, de cuyo poder resultan sus miserias y sufrimientos. Muy lejos estamos de aquella poca en que De la Crcova, Collivadino y Reinaldo Giudice se dieron a la tarea de pintar la vida de los pobres para recoger los aplausos de los ricos. Este tipo de declaraciones de oposicin al sistema artstico, poltico y social vigente eran moneda corriente entre los integrantes del grupo, y as como el grupo de Florida se expres mediante Martn Fierro, los de Boedo se reunieron en torno a la revista Claridad, publicacin cuya ideologa corra paralela a la del grupo plstico. Las actitudes pblicas ms tempranas que revelan la posicin del grupo se produjeron en 1914, cuando expusieron sus trabajos en el Primer Saln de Rechazados, que coincidi con el Saln Nacional de Buenos Aires, que seleccion las obras ms acadmicas y avaladas. La agrupacin de Boedo no tena un carcter de club, sino de fuerza gremial, en palabras de Stagnaro, escultor anarquista que adhera a los postulados del grupo. Eligieron el grabado como tcnica de expresin plstica. La voz del grabado seala Facio- es hoy la voz que llega a todos los rincones del mundo. La facilidad de su reproduccin facilita la multiplicacin fantstica de la estampa, conservando lo mismo su nobleza artstica y espiritual. Fue por esto, quiz, que se volcaron hacia el grabado los artistas revolucionarios que aspiraron a comunicarse con las multitudes. La oposicin con el grupo de Florida era evidente: los de Martn Fierro queran la revolucin para el arte, y los de Claridad el arte para la revolucin. No se conformaron con exponer sus trabajos en salones, sino que, al tener el grabado como medio artstico que puede multiplicarse, acentuaron la comunicacin y no esperaron a que el pblico se acercara al arte, sino que llevaron el arte al pblico: expusieron sus trabajos en los sindicatos, a la salida de los obreros de las fbricas, en la calle o en camiones que oficiaban de galera ambulante y circulaba por los lugares de interes expositivo. En una poca en donde en Buenos Aires solo haba dos posturas (el impresionismo como academicismo avalado y la vanguardia artstica de Florida) los Artistas del Pueblo aportan una tercera posicin: la del arte puesto en funcin de la crtica social. Podemos entonces arriesgarnos a afirmar que estamos en presencia de un grupo que toma algunas caractersticas expresionistas, en los temas que tratan (el drama social y la fuerza del trabajo) y el mtodo de expresin (el grabado como tcnica que multiplica la imagen), ademas de una influencia del realismo social. El ms destacado artista del grupo de Boedo es Guillermo Facio Hebequer (1889-1935), de origen uruguayo pero criado desde pequeo en Buenos Aires. Comenz como pintor pero a partir de 1914 se inclin hacia el grabado y la litografa. Fue alumno de Collivadino en su taller de aguafuerte, donde aprendi el oficio de esa tcnica (grabado sobre chapa) y desarroll la tcnica durante 14 aos, cuando por una afeccin a la vista empez a trabajar la litografa. En 1928 present su primera exhibicin individual, en donde la influencia del arte social es clarsima. Muestra escenas de trabajo, de carboneros y fundidores, obreros en huelga, y escenas de conventillos, prostbulos. Trabaj como ilustrador en varias publicaciones como Claridad, La montaa, Soviet, La Nacin, La prensa y Crtica, entre otras. Lo principal en los grabados de Facio es el dibujo, en donde puede verse una influencia clara de las estampas de Goya y Kathe Kollwitz. Cabe destacar la obra de Abraham Vigo (1893-1957), quien fue un activo militante poltico del anarquismo, socialismo y comunismo. En sus grabados (aguafuertes y, al final de su vida, xilografas) hay un fuerte contenido satrico, ademas de social y poltico y, como Facio, trabaj como ilustrador en diversas publicaciones. Realiz tambien diseos de escenografas para teatros independientes. Tambien mencionar a Adolfo Bellocq (1899-1972), quien toc como tema a los atorrantes, vagos, mendigos, prostitutas, conventillos y, en particular, la miseria. Ilustr el Martn Fierro de Jos Hernndez y El matadero de Esteban Echeverra en xilografas que fueron impresas y editadas, siendo as un conjunto de obras que lleg al alcance de todos.

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Arte, culturas y estticas

11.4. El grupo de Pars


En la Argentina no existi una vanguardia artstica como las que surgieron en los pases europeos, pero hubo un vanguardismo atenuado que en los aos 30 centr su renovacin en una va similar a la llamada al orden o retorno al orden. Esa postura implicaba una actitud de ruptura con expresiones artsticas anteriores, adoprando un tono humanista, cosmopolita, democrtico y progresista, no exento de rasgos de identidad. Las manifestaciones de esas bsqueda, en la dcada del 30, se hallan en un grupo que fue conocido como el grupo de Pars. Cabe aclarar que no eran artistas con conciencia o intencin de grupo, sino que se los denomin as porque los rasgos que tenan en comn eran ser argentinos estudiando arte en los talleres de Montparnasse de la capital francesa. Ademas, la principal preocupacin que a todos les afectaba era el desarrollo y estudio del arte moderno. Con variantes diversas, lo que buscaban era el equilibrio, el orden y una figuracin fcilmente comprensible. En el grupo estaban los siguientes artistas: Aquiles Badi, Horacio Butler, Hctor Basalda, Vctor Pissarro, Alberto Morera, Alfredo Bigatti, Antonio Berni, Raquel Forner y Lino Enea Spilimbergo. Desarrollaremos la obra de estos dos ltimos, y posteriormente retomaremos vida y obra de Antonio Berni.

11.4.1. Lino Enea Spilimbergo (1896-1964)


Principalmente dibujante y grabador, en estas ramas del arte destaca su gran capacidad para el dibujo, su trazo y versatilidad. En un inicio pintor de temas costumbristas y anecdticos, estudi en Europa durante mediados de la dcada del 20 integrando el grupo de Pars- donde dedujo lo que se llama la geometra secreta de la pintura: la arquitectura interna del cuadro, las tensiones compositivas, los pesos de la imagen, la seccin urea, etc. En 1929 present su primera muestra individual en Buenos Aires, en donde mostr su amplio y profundo manejo de las tcnicas visuales: guaches, pasteles, monocopias, temples, leos, acuarelas y grabados al aguafuerte. Una de las caractersticas de los personajes de Spilimbergo son sus enormes ojos con pupilas dilatadas, donde parece reflejarse la angustia. Las manos tambien tienen una gran carga expresiva, y lo que siempre se destaca en su obra es el dibujo. Si bien las obras de Spilimbergo tienen un marcado carcter estructural, tambien tienen una notoria humanidad. Abord el tema social desde una forma directa y descarnada, como demostr en su serie de monocopias breve historia de Emma. Se inspir en la noticia de un diario de Agosto de 1936, en la que se relataba cmo una prostituta de 30 aos se suicid arrojndose desde el noveno piso de un hotel, dejndole antes, en su habitacin, una nota a sus padres en la que deca siempre fui buena... no soy yo la culpable. Tomando la noticia de polica, Spilimbergo construye la vida de Emma, desde sus 13 aos hasta su fatal desenlace. El blanco y negro de las monocopias da refuerza el dramatismo del relato, que narra cmo Emma era una nia servicial, de casa, y de qu forma su vida se tranform. Spilimbergo la muestra, a medida que pasan las escenas, cada vez ms desesperada, despersonalizada, disolvindose su identidad, y negndose a que el espectador (nosotros) veamos su rostro. El artista no expone la escena del suicidio, le interesa mostrar cmo la sociedad degrad la vida de una mujer de clase baja , arrastrndola al suicidio. No condena a Emma, sino que interpela a la sociedad burguesa de la poca, que hizo odos sordos a esta realidad oscura y con serena hipocresa aval las leyes que no la protegieron, no le dieron un futuro y la forzaron a prostituirse. La serie de monocopias recien podra exponerse en su totalidad en 1949 en Tucuman, y cuando esto ocurre, la Iglesia la censura, confirmndose as la intensidad de la denuncia que la obra de Spilimbergo contena. La esttica y la poltica, en este caso, son aspectos inseparables en el arte de Spilimbergo. Uno de los aportes ms grandes de Spilimbergo fue su labor docente. Fue profesor en el Instituto de Artes Grficas entre 1934 y 1939, y en 1935 se incorpor como profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Tambien fue profesor de dibujo, pintura y composicin en el Instituto Superior de Arte de Tucumn, pero renunci a su cargo en 1952 en manifestacin de su disconformidad con el

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Arte, culturas y estticas gobierno peronista. Su papel como formador de futuras generaciones fue vital en el desarrollo del arte nacional, habiendo tenido alumnos como Leopoldo Presas o Carlos Alonso. Desde 1959 residi entre Buenos Aires y Unquillo, provincia de Crdoba, hasta su muerte.

11.4.2. Raquel Forner (1902-1988)


Hija de una espaola y un argentino, Raquel Forner es una de las ms importantes artistas argentinas. A sus 12 aos viaj a Europa y descubri su vocacin por el arte. A los 20 aos se recibe de profesora de Bellas Artes, y a los 22 obtiene un primer premio de pintura en sl Saln Nacional. Su afan por estudiar la lleva nuevamente a Europa, donde adhiere con el grupo de Pars. En la dcada de 1930 y 1940, en el marco de la Segunda Guerra Mundial, Forner relacionara el expresionismo crtico y el surrealismo para tratar los temas de la guerra en una serie que ocupara su nivel ms alto como pintora. Haba conocido la Guerra Civil Espaola (1936) ya que su familia la sufri, y la angustia de la guerra se apodera de su obra. Su imagen fue una sntesis entre expresionismo y surrealismo, siempre colocando a la mujer como principal protagonista. De las figuras femeninas, representadas como tristes e inmviles muecas rotas, emergen resecas plantas o se observan animales y huesos humanos en el paisaje. La muerte, acechando a las madres con sus hijos, constituye la denuncia ms fuerte que hace Forner a las acciones que ocasiona la guerra: la nica vctima es el hombre como especie. Sin embargo, la obra no es trgica, sino dramtica, puesto que de la tragedia no se vuelve y la fe de Forner en el progreso siempre traz su obra. La impotencia, el dolor y el drama se hacen presente en la etapa expresionista-surrealista de Forner. El colorido obedece a una paleta baja o media baja, donde predominan ocres, marrones, terracotas y rojizos, con un expresionista borde negro en las figuras. Su surrealismo, lejos de ser hermtico, resulta fcilmente comprendido por el lector de la obra, y tiene una gran carga de simbolismos y metforas. Finalizada la Segunda Guerra, Forner se dedicar a mostrar lo que qued (el armamento, los juicios de la humanidad), pero con una carga de esperanza. En 1956 incursiona brevemente en la abstraccin, adoptando una esttica informalista. Al ao siguiente, iniciara su serie del espacio, en donde muestra al hombre evolucionado, y los protagonistas seran astronautas y cosmonautas. El tema recurrente de la vida y la muerte sigue como protagonista de sus pinturas, aunque ahora su estilo evoluciona hacia la neofiguracin expresionista y al informalismo abstracto europeo. El cromatismo de los personajes cobra simbologa: el blanco y negro remite al pasado, y el color al futuro y al progreso. En su serie del espacio se relata la conquista del espacio por la que competan EEUU y la Unin Sovitica en plena Guerra Fra, y que costaba millones de dlares de presupuesto mientras que aqu, en la tierra, los nios seguan muriendo de hambre. Esta serie, muy crtica con las potencias protagonistas del conflicto blico, curiosamente resulta convocada para ser expuesta en los salones de exposicin de la NASA en Estados Unidos. Gracias a ese hecho, su obra tambien cobra reconocimiento en Europa. Tambien abord las angustias de una posible catstrofe atmica o ecolgica, y la otra cara de esa moneda: la renovacin histrica y psicolgica del ser humano, que llevara a un progreso. Los protagonistas ya no solo son astronautas y astroseres, sino mutantes, lunas, sattites, hombres nuevos y nuevas dimensiones. En todos los casos, lo femenino y la dualidad vida-muerte impregna la totalidad psquica y biolgica de sus mutantes. Raquel Forner, quien fuera esposa del escultor Alfredo Bigatti, muere en Buenos Aires dejando una fundacin-museo en San Telmo, frente a Plaza Dorrego, llamada Fundacin Forner Bigatti, que resguarda las mejores obras de estos artistas y apoya la obra de los nuevos artistas emergentes.

11.5. La escultura moderna: Alfredo Bigatti y Pablo Curatella Manes


Dentro del campo escultrico, en la dcada del 20 y 30 hubo renovaciones formales y nuevas propuestas, que rompieron con el tradicionalismo de finales del siglo anterior. Una importantsima figura fue Alfredo Bigatti (1898-1964), quien integr el grupo de Pars y fue esposo de Raquel Forner. La obra de Bigatti se inclina hacia el humanismo en la figuracin, y toma rasgos no-naturalistas/veristas, pero con caractersticas y gestos muy humanos. Junto con Jos Fioravanti realiz,

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Arte, culturas y estticas entre 1942 y 1952, las principales esculturas del Monumento Nacional a la Bandera, emplazado en Rosario, provincia de Santa Fe. Entre ambos escultores realizaron 25 esculturas, 5 grandes estatuas de bronces, 2 grandes estatuas y 2 cruces de piedra, 4 bajorrelieves de mrmol, 2 bajorrelieves de bronce y 2 de mrmol de tamao menor, que rodean al monumento citado. Bigatti, ademas, realiz otras esculturas alusivas a prceres de la nacin a lo largo de su carrera. Pablo Curatella Manes (1891-1962) fue uno de los primeros artistas que introdujo la va de la escultura abierta con el ejemplo formal del cubismo sinttico y, en algunos casos, de la simplificacin abstracta. Este platense se relacion amistosamente con el grupo de impresionistas simbolistas (Malharro, de Navazio, Thibn de Libian) y en 1911 fue becado para estudiar en Italia, donde conoci a Pettoruti y Juan Gris. Por momentos trata a una cabeza como un simplificado valo regular, y representa a los movimientos de sus figuras, y a las figuras mismas, con macizos volmenes simplificados y fragmentados, recortados con aristas rectas. Residi en Europa hasta 1951, y estando all ejecut ms de 60 esculturas, en las que prevalecen los volmenes geometrizados, las superficies texturadas y los ritmos extremos de la masa.

11.6. El grabado moderno: tradicin y heterogeneidad


Dentro de las artes visuales, la disciplina del grabado es una de las ms antiguas. Consta, para explicarlo brevemente, de realizar una matriz tambien llamado taco- grabada, para luego, mediante un proceso de entintado y estampado, se impriman imgenes. Hay diversidad de materiales sobre los cuales se realiza el grabado, y de ah surgen las diferentes tcnicas de la disciplina: si la matriz es en madera, la tcnica empleada ser xilografa, si es en linleo, linografa, si es en algun tipo de chapa con intervencin de cido ntrico se llamar aguafuerte, si se realiza sobre piedra ser litografa, y as hay numerosas tcnicas. El grabado ha sido el precursor de la imprenta, y es un motor comunicativo ideal: la multiplicidad de copias de una misma obra permiten abarcar ms de un espectador en diferentes espaciostiempos. El grabado requiere mucha disciplina, siendo una de las ramas de las artes visuales que ms cocina de artista posee, entendido esto como trabajo previo y maas de taller, que no siempre se ve en los resultados finales. Fue Eduardo Svori quien realiz los primeros aguafuertes en el pas, entre 1870 y 1880, y en las dcadas de 1900 y 1910 Po Collivadino instal un taller de grabado, donde aprendiendieron la tcnica muchos artistas, entre ellos Facio Hebequer y los artistas de Boedo. Desde 1915 funcion la Sociedad de Acuarelistas, Pastelistas y Grabadores en Buenos Aires, que organiz salones de las tcnicas a las que se abocaba la agrupacin. Trazado por una tradicin centenaria, el grabado en Argentina cobr diferentes matices y caractersticas segn el artista que lo elabor. En la dcada de 1920 se asisti a un momento de revalorizacin del grabado, a manos del Grupo de Boedo, y a partir de all varios artistas lo rescataron y utilizaron como medio de expresin. Podemos inferir, entonces, que el grabado como lenguaje artstico se desarroll en el arte argentino a partir de la dcada del 20, adquiriendo a cada dcada siguiente caractersticas especficas, acordes al estilo y la intencin de cada artista. Dentro de la vertiente tradicional del grabado argentino, se pueden mencionar a: Sergio Sergi (1896-1973) naci en Austria y estuvo como artillero en la Primera Guerra Mundial. Luego de ser herido en el frente de batalla, se dedic al grabado, teniendo a la guerra y la muerte como tema, pero con un tono irnico, sarcstico, sin perder el humor. Lleg como inmigrante a la Argentina en 1927, y vivi toda su vida en Santa Fe y luego Mendosa. Se dedic de lleno a la xilografa, con gran economa de recursos, una imagen limpia y clara, y se destac representando escenas familiares, los oficios y trabajos, las situaciones sociopolticas internacionales, etc. Pompeyo Audivert (1900-1977) es de origen catalan, pero se asent en Argentina en 1911. Autodidacta en el grabado, se dedic puntualmente a la xilografa y linografa, pero tambien a la tcnica del buril. Sus xilografas muestran una gran oscuridad, contrastada con los sutiles tramados que dan ilusin de volumen y de grisado. Sus personajes cobran caractersticas americanistas, e ilustr temas religiosos, cotidianos, otros ligados con la Guerra Civil Espaola y con sus recuerdos de su pueblo natal. 151

Arte, culturas y estticas Jos Planas Casas (1900-1960) es tambien de origen catalan. Dibujante y grabador, se inici en la tcnica con Pompeyo Audivert. Se destac en litografa, punta seca y xilografa iluminada (coloreada), principalmente. Sus grabados, a partir de fines de la dcada del 30, toman elementos del surrealismo perifrico y son dotados de un gran simbolismo. Victor Rebuffo (1903-1983), italiano, arrib con su familia a Buenos Aires a sus 3 aos de edad. Estudi en la Academia Nacional de Bellas Artes, se instal en La Boca y en muchas xilografas represent las tpicas viviendas de los inmigrantes italianos y las escenas simples de la vida marinera. Ilustr con xilografas varios libros, entre ellos los Santos Evangelios de Nuestro Seor Jesucristo (1944), consistente de 186 xilografas. Es uno de los grabadores argentinos ms importantes del siglo XX. Luis Seoane (1910-1979) era pintor, pero tambien destac como grabador. Realiz obras en metal, xilografas, serigrafas, litografas y estarcidos. Destac como ilustrador de revistas literarias, libros y en particular de poemas, con un estilo verstil. Explot la forma y el color con una figuracin plana, geomtrica, austera. Imgenes nacidas mediante la razn y la emocin conjugadas, Seoane siempre exhibi gran instinto e imaginacin. Amrico Baln (1915-1986), nacido en la ciudad de Kiev, Rusia, estudi en la Academia Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Se destac en la xilografa, impresa en negro y en varios colores. El estilo de Baln es de corte expresionista, y de alguna forma se emparenta con la esttica de algunos grabadores alemanes del Die Brucke, pero con temas sociales, una figuracin irnica y un contenido humanistapoltico. Ada Carballo (1916-1985) fue una grabadora de dibujo expresivo, que mantuvo en su obra cierta relacin con lo fantstico, pero tambien con la locura. Sus trabajos adquieren madurez en las representaciones de ciertas experiencias cotidianas y vulgares, as como algunas experiencias psicolgicas, con despego por las cuestiones tcnicas. El tema del autorretrato y la autorreferencia est muy presente en la obra de Carballo, quien se destac en el aguafuerte-aguatinta y los grabados sobre chapa. Norberto Onofrio (1927-) es un prolfico grabador que se destac en la xilografa y en pertinax, un material aislante de electricidad muy duro. Alejado de una representacin naturalista, en la dcada del 50 Onofrio trat el tema de la guerra y la paz en imgenes crudas, a menudo irnicas, como la que exhibe a los esqueletos y cadveres en procesin, con pancartas y carteles que rezan paz en el mundo y destruccin de las armas nucleares, o nos levantamos por la paz. En la dcada del 60 mostr una esttica cercana a la nueva figuracin argentina y al expresionismo aleman, con una gran carga de crtica social y denuncia. Sus personajes gestuales, casi violentos, pueblan las xilografas. Tambien realiz naturalezas muertas y retratos. La vertiente renovadora del grabado argentino se da principalmente a partir de la dcada del 50, e incluye la mezcla de tcnicas, nuevos usos del papel y el color, combinacin de recursos inditos. Los medios combinados, que a veces se aproximaron a la escultura, el collage, el montaje o el arte-objeto, hicieron del grabado mucho ms rico en posibilidades. Quien ms incursion en este tipo de grabado, en la dcada del 60, fue Antonio Berni, a quien desarrollaremos posteriormente con sus series de xilocollages sobre Juanito Laguna y Ramona Montiel. El otro artista destacado es Fernando Lopez Anaya (19031987). Luego de adherir a una esttica surrealista y de ilustrar poemas de Rafael Alberti y Federico Garca Lorca, desde fines de la dcada del 40 comenz un ciclo orientado hacia la renovacin con ceptual del grabado, al que separa de su dependencia del libro. As, realiz obras de grandes dimensiones, con medios grficos combinados, como el gofrado (grabado en relieve), el troquelado, etc. Desarroll el concepto de la impresin sin tinta, las ausencias, y as la impresin deja ver las formas en relieve: puntos, crculos, cuadrados, rectngulos, elipses. Con respecto al troquelado, se agregaba al diseo para acrecentar la estructura volumtrica de la estampa, durante la dcada del 60.

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Arte, culturas y estticas

11.7. Pintores modernos al margen de agrupaciones


No todos los artistas nacionales de la poca adhirieron a un grupo, esttica o propuesta comn, sino que buscaron su identidad individual. A continuacin, mencionaremos a tres pintores que, en esa bsqueda, acabaron siendo artistas emblemticos en el imaginario social nacional.

11.7.1. Benito Quinquela Martn (1890-1977)


Su fecha de nacimiento es aproximada, ya que fue abandonado en la Casa de los Nios Expsitos. Fue adoptado por un matrimonio, y as su madre posea raices indias, y su padre era italiano y trabajaba en el puerto cargando bolsas de carbon de 60 kg. El negocio de la familia era la carbonera, y vivan en la Boca. A partir de los 14 aos, Benito empieza a pintar, y gracias a un Segundo Premio Nacional de Pintura su obra comienza a hacerse reconocida. Entabla relacin con los presidentes argentinos de turno, y as comienza a viajar a Espaa, Francia, Estados Unidos e Italia, pases que le compran obra. Sin embargo, nunca se alej de la Boca, su barrio natal. Con respecto a los temas de su obra, se dedic a representar escenas portuarias del Riachuelo y la Boca, especialmente con obreros cargando barcos, utilizando una paleta vibrante de color con un borde negro para los barcos o las figuras: un tratamiento visual con un carcter cercano al expresionismo. Para agregarle ese toque, Quinquela no pintaba con pincel, sino con la esptula, dndole una versatilidad y firmeza poco usual, ademas de utilizar una herramienta ms referida al trabajo de los obreros y a la manufactura. As, el leo de sus pinturas est como empastado, con notorios relieves de la pintura en la tela, otorgndole a sus obras un sello personal que muchos intentaron copiar. Desarroll una serie de 50 grabados al aguafuerte, titulados aguafuertes porteos, que incluyen distintas escenas en la vida de la barriada de La Boca. Su obra destac la fuerza del trabajo, del colorido mundo de La Boca, que fue un reflejo de su propia personalidad como artista, pero a diferencia de la propuesta de los Artistas del Pueblo, aqu no se ve el drama del trabajo ni la crtica a la situacin del proletariado, sino que se muestra al hroe positivo del trabajo. De este modo, Quinquela se transform en uno de los artistas de mayor popularidad en el pas y su imagen ms de una vez nos represent en salones oficiales en el mundo, pero en total su obra es estereotipada y cclica. Se integr a las instituciones locales donando obras, terrenos y edificios como el Museo de La Boca, el Teatro de la Rivera o la Escuela de Artes Grficas. Hoy da, en Vuelta de Rocha, est erigido el Museo Quinquela, que alberga gran parte de su obra.

11.7.2. Ral Soldi (1905-1994)


Nacido en Buenos Aires e hijo de inmigrantes italianos, la figura de Ral Soldi es reconocida a nivel mundial, como representante de la pintura argentina. En sus obras hay una desmaterializacin y evasin hacia el mundo del ensueo, al que Soldi someta a sus figuras y paisajes suburbanos. Su intencin era transfigurarlo todo en potico, con personajes jvenes, con dorados y amarillos, casi hierticos pero envueltos en un medio blando y sutil. Pint principalmente personajes del circo, del teatro, de la comedia del arte, bodegones, iconografa cristiana, y casi todos sus personajes siempre estan descalzos, en fondos muy decorativos. La paleta de Soldi, segn l mismo, estaba compuesta principalmente por estos colores: blanco, amarillo de Npoles, violeta de cobalto, azul cerleo, azul ultramarino, verde vejiga y amarillo limn. No utilizaba negro puro porque hace un agujero en el cuadro. Pint numerosos murales con sus personajes etreos y delicados. En 1966 se inaugur la decoracin que Soldi haba pintado para la enorme cpula del Teatro Coln. Realiz una Alegora a la msica, al canto y al baile como una representacin de la vida teatral en sus diferentes aspectos: los instrumentos musicales, los actores que en un entreacto juegan al ajedrez, los msicos que ejecutan sus instrumentos, tres actores ingresando a un escenario. La enorme obra fue pintada al leo sobre lienzo, cubre 118 metros cuadrados con 51 figuras, y fue dividido en 16 paos que se encolaron a la cpula. As como Quinquela, a Soldi puede acusarsele de repetir su propia esttica, acentuando un estereotipo constante, a partir de la dcada del 50. Su popularidad lo llev a exponer obras en diversas

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Arte, culturas y estticas partes del mundo. Hoy da, un conjunto de obras de Soldi que fueron diseadas para la cpula de la Galera Santa Fe pueden apreciarse realizadas en cermica, en ambos andenes de la estacin del subte porteo Jos Hernndez, de la lnea D.

11.7.3. Florencio Molina Campos (1891-1959)


Desde su adolescencia, Molina Campos, el pintor de los gauchos, dibuj paisajes, escenas y personajes campestres que haba observado durante sus vacaciones en la estancia familiar. Expuso sus trabajos en la Sociedad Rural Argentina, y el reconocimiento masivo y popular le lleg en 1931 cuando public las ilustraciones del almanaque de Alpargatas, la industria textil que fabricaba el famoso calzado. Estos almanaques, que contenan 12 imgenes de Molina Campos, se editaron hasta 1936 y luego entre 1940 y 1945. Las lminas rescataron los rasgos, gestos y vestimentas de los paisanos que conoci Molina Campos. Los represent inocentes, caricaturizados, humorsticos, en la cotidianeidad de sus actividades, como una partida de truco, en la puerta del boliche, en el baile de la festividad del 25 de mayo, en la doma, la ria de gallos, montando sus caballos (que se parecen a sus dueos), todo en un fondo de llanura, de pampa argentina. Tambien ilustr el Fausto de Estanislao del Campo, asesor a Walt Disney sobre el campo argentino para que la empresa de animacin filme con esos escenarios, y ya instalado en Estados Unidos pint almanaques para una empresa productora de mquinas agrcolas entre 1944 y 1958.

12. Las dcadas 1940-50: el arte en los mrgenes del peronismo


Luego de la dcada infame y los gobiernos militares, en la dcada del 40 aparece la figura de Juan Domingo Pern. En un inicio, se desempe como secretario privado del Ministro de Ejrcito, a las rdenes del general Edelmiro Farrell, y tambin como su vicepresidente. El poder y la influencia de Pern fueron creciendo por su alianza con un amplio sector del sindicalismo argentino, principalmente socialista y sindicalista revolucionaria. Pern como parte del gobierno militar de Farrell desarroll gran parte del programa sindical histrico: se crearon los tribunales de trabajo; se aprob la indemnizacin por despido a todos los trabajadores; ms de dos millones de personas fueron beneficiadas con la jubilacin; se sancion el Estatuto del Pen de Campo y el Estatuto del Periodista; se cre el Hospital Policlnico para trabajadores ferroviarios; se crearon Escuelas Tcnicas orientadas a obreros, se impuls las vacaciones para los obreros. En ese marco los sindicatos comenzaron un perodo de gran crecimiento, y lo que fue an ms decisivo, comenzaron a afiliar masivamente a los "nuevos" trabajadores, que empezaron a identificarse con la figura de Pern. El avance de su figura dentro del gobierno militar y su estrecha alianza con los sindicatos obreros gener inmediatamente una fuerte oposicin hasta conformar un gran movimiento anti-peronista. Farrell presion y obtuvo de Pern la renuncia a todos sus puestos el 9 de octubre de 1945 y, para mayor seguridad, decidi su encarcelamiento en la Isla Martn Garca. Al conocer la noticia del destino de Pern, los sindicatos comenzaron a movilizarse, temiendo que el alejamiento de su lder derivara en la eliminacin de todos los beneficios sociales obtenidos. Finalmente el 17 de octubre de 1945 la Plaza de Mayo fue colmada por una muchedumbre que reclamaba el regreso de Pern y su restitucin en todos sus puestos pblicos. La indecisin del gobierno precipit el triunfo de los partidarios de Pern, quien hizo su regreso triunfal ese mismo da. Pern gan las elecciones del ao siguiente y gobern durante dos perodos: entre 1946 y 1952, y entre ese ao y 1955. Durante su primer gobierno impuls planes quinquenales, subsidi la industria, aument el salario real de los trabajadores y las exportaciones, se nacionaliz el petrleo y los ferrocarriles, se cancel la deuda externa y se protegi la vivienda y los alquileres. En su segundo gobierno hubo menos exportaciones, se subvencion al campo. Hubo una necesidad de expansin de las industrias, que empezaron a ponerse del lado de las multinacionales. La enseanza laica gratuita y obligatoria en las escuelas pblicas perjudic al sector de la enseanza privada, e incluso la Iglesia lo cuestion. La crisis desemboc en la llamada revolucin libertadora de junio de 1955, en la que los Comandos Civiles, integrados por conservadores, radicales y socialistas, junto con la Marina de Guerra y sectores de la Iglesia Catlica intentaron un golpe de Estado

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Arte, culturas y estticas que incluy el Bombardeo de la Plaza de Mayo y el centro de la ciudad de Buenos Aires con ms de 300 muertos y centenares de heridos. El ataque se produjo con una veintena de aviones de la Aviacin Naval sobre la multitud que se encontraba en una manifestacin. En respuesta al ataque, algunos grupos peronistas quemaron varias iglesias de la ciudad. En septiembre, finalmente, las Fuerzas Armadas derrocaron a Pern, quien se exili en Espaa. Luego de los gobiernos de los generales Lonardi y Aramburu, en 1958 asume el poder Arturo Frondizi, en un gobierno elegido por el pueblo. Los votos peronistas fueron depositados en Frondizi, quien habia hecho un pacto con Pern para que se presente a elecciones a cambio de abolir la proscripcin del peronismo. Frondizi impuls un proyecto desarrollista, con capitales extranjeros que entraban al pas, y como llegaban se iban. Aparecen los primeros rasgos de la sociedad de consumo: jeans, autos, electrodomsticos, son elementos hasta ese momentos no masivos, y que apost a un cambio en la mentalidad del consumo del pueblo. Frondizi fue derrocado por un golpe militar que dej a Jos Mara Guido como presidente en 1962. En este complejo contexto poltico se desarrollaron diversas propuestas en el campo artstico, de las cuales destacaremos tres: - Por un lado, hubo un grupo de artistas plsticos que siguieron trabajando con la figuracin, entre los que se encuentran, principalmente, dos integrantes del grupo de Pars: Raquel Forner (a quien ya hemos desarrollado), Antonio Berni (a quien desarrollaremos en profundidad ms adelante) y a los integrantes del grupo Taller de Arte Mural. - En segundo lugar, el movimiento de Arte Concreto. - Sobre el final de la dcada del 50, el surgimiento del movimiento informalista. A continuacin desarrollaremos estas tres tendencias.

12.1. El mural como nueva expresin artstica en Buenos Aires


En mayo de 1933 el pintor muralista mexicano David Alfaro Siqueiros realiz en Buenos Aires una charla acerca de la importancia y el valor del mural como declaracin social, poltica y esttica. El gobierno de facto que gobernaba en la Argentina de ese momento no le permiti a Siqueiros pintar en espacio pblico, pero consigui pintar en una quinta de Don Torcuato, propiedad del director del diario Crtica. Para esa tarea Siqueiros convoc a Antonio Berni, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino y al escengrafo uruguayo Enrique Lzaro. La composicin que realizaron, llamada ejercicio plstico tiene casi 3 metros de alto y casi 7 de largo. Paralelamente, en el subte de Buenos Aires en 1934 se inauguraron los murales que revisten a las estaciones del nodo combinatorio de Plaza de Mayo, y en 1938 se inauguraron los pertenecientes a la lnea D. En 1944 Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino, Manuel Colmeiro, Lino Enea Spilimbergo y Demetrio Urrucha crearon el Taller de Arte Mural. En l desarrollaron todas las tcnicas del mural fresco, temple, silicato, leo. El primer y nico encargo que le hicieron al Taller fue la realizacin de murales para la cpula del Bon March Argentino, hoy da Galeras Pacfico. Los artistas trabajaron con una unidad temtica y compositiva, con temas mitolgicos pero rescatando la humanidad de los personajes. En la dcada del 50 y el 60, el grupo con el agregado otros artistas- realizaron murales en varios edificios de microcentro, los barrios porteos de Caballito, Flores, y ciudades bonaerenses como Avellaneda. Dentro del grupo podemos destacar la figura de Juan Carlos Castagnino (1908-1972). Pintor, dibujante, muralista y arquitecto marplatense, inici sus estudios en 1928 en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto De la Crcova. Fue alumno de Spilimbergo. En la dcada del 40 desarroll numerosas pinturas de la costa marplatense, con sus mdanos y acantilados, y tambien escenas de los arrabales porteos, paisajes del Paran y el norte argentino. Sus temas predilectos fueron las maternidades, las escenas de tango y los caballos, representado por Castagnino como un animal bravo, analoga de la libertad. Sus obras son cuadros sin grandilocuencia, sencillos, humanistas; sin embargo lo que ms destaca es la fuerza del dibujo, con una precisin y una estructura impecable. La paleta de sus pinturas, en un 155

Arte, culturas y estticas inicio, se inclin hacia los tierras, ocres, azules grisceos y algunos rojos y verdes. Particip en el grupo Taller de Arte Mural, entre cuyas obras se encuentra la mtica cpula pintada de las Galeras Pacfico. En los aos 60 utiliza un color ms saturado: los rojos y los ocres, los azules y los verdes se oponen a las tierras rojizas y los negros del dibujo. De esta poca son las series las masacres, dedicada a la guerra de Vietnam, y en 1962 realiza las ilustraciones para el gaucho Martn Fierro de Jos Hernndez. Este es el trabajo ms difundido de Castagnino, puesto que nunca un libro de edicin argentina haba alcanzado el nmero de ediciones y de ejemplares vendidos que tuvo esa obra.

12.2. Arte Concreto: la vanguardia invencionista


En 1942 varios pintores y poetas hablaban de pintar, construir e inventar una nueva realidad artstica autosuficiente, capaz de expresar el nuevo mundo. Muy pronto tuvieron la certeza de que era inevitable la inclinacin de la pintura y de la escultura hacia la abstraccin geomtrica, poco conocida en Buenos Aires. As se opusieron al surrealismo perifrico y al realismo crtico de la dcada anterior y aun presente en el arte figurativo de artistas como Raquel Forner, Juan Battle Planas o Antonio Berni. En esas charlas y encuentros participaron, entre otros, los plsticos Gyula Kosice, Toms Maldonado, Lidy Prati, el poeta Alberto Hidalgo, el psiquiatra Ramn Melgar y el psicoanalista Enrique Pichn-Riviere. Todos estaban interesados, a pesar de la escasa informacin disponible en Buenos Aires, en el constructivismo ruso y en el neoplasticismo holandes. En el primer y nico nmero de la revista Arturo. Revista de artes abstractas (1944) declararan: en primer lugar el arte concreto va a propugnar un arte no imitativo, no representativo, ni expresivo, sino un arte de pura invencin. De este modo, toman distancia de la idea romntica de creacin y sus connotaciones de subjetividad e intuicin, y anuncian un arte concreto que, a traves de un lenguaje universal (la lnea y el plano) y el rigor del mtodo cientfico, superar el carcter subjetivo de toda pintura representativa. Influidos por la Bauhaus y De Stijl, rechazaran los espiritualismos de Kandinsky, Mondrian o Malevich. Cabe destacar que es la primera vez que se genera un movimiento artstico desde la Argentina hacia el mundo, puesto que si bien los integrantes del grupo estaban al tanto de lo que suceda en Europa, jamas haban estado all, y por ende no trajeron un movimiento o esttica que luego se aplique en nuestro pas. El Concreto, entonces, puede considerarse como un arte netamente perifrico. El grupo propiamente dicho es creado en 1945 por Toms Maldonado, junto a artistas como Raul Lozza, Alfredo Hlito y Enio Iommi, entre otros. Expusieron sus teoras, propsitos, msicas, pinturas, esculturas, y poemas concreto-elementales en 2 exposiciones realizadas en 1945. Al ao siguiente expondran en una galera de la calle Florida, donde explicaron la potica concretista a los espectadores mediante un volante con algunas justificaciones de su obra, entre ellos el Manifiesto Invencionista, uno de los documentos ms importantes de la vanguardia argentina. En 1946 se produjo una divisin del grupo: por un lado quedar el Grupo Arte ConcretoInvencin, liderado por Maldonado, y por el otro el Movimiento Mad, cuyo principal impulsor y exponente es Kosice. La separacin se produce por diferencias artsticas, pero ms que nada con respecto a las posturas ideolgicas de Maldonado y los guios al diseo industrial al que su grupo se estaba acercando, y los Mad quisieron evitar. Dentro del grupo de Arte Concreto-Invencin, encontramos a Tomas Maldonado (1922) como uno de sus principales exponentes y tericos. Si bien Maldonado era un materialista dialctico, su ideologa no llegaba a manchar su obra. Los artistas del movimiento posean una postura afin a la de Maldonado, pero en lo que respecta a las obras que realizaban, no haba huella alguna de ideologa o compromiso poltico, puesto que, privado de representacin y regido por un carcter objetivo de composicin, las obras del Concreto presentan realidades nuevas. No abstraen de lo ya existente, sino que inventan, y su imagen no est contaminada por ideologas o creencias personales de los autores. Para ellos, sus obras eran parte de un compromiso revolucionario que se materializaba en la transformacin de la sensibilidad por medio de una obra revolucionaria en las formas. Y como defendan un modelo internacional de cultura, la revolucin en el arte implicaba tambien una revolucin en el mundo. En 156

Arte, culturas y estticas algunas obras de Maldonado pueden verse la influencia del diseo, y la pureza compositiva. Algunas pinturas solo estan construidas con lneas horizontales y verticales, y con sutiles toques de color ms blanco y negro, totalmente estructuradas en base a la razn y a un estudio cientfico del espacio. Aqu se resalta el valor de la lnea y el espacio compositivo, como una invencin limpia de toda ideologa o carga personal. Tambien se destacan tres artistas dentro del movimiento: Alfredo Hlito, Ral Lozza y Enio Iommi. La imagen de Alfredo Hlito (1923-1993) se reconoce por la pureza compositiva propia del grupo que integr, pero a nivel personal desarroll imgenes abstractas con fondos homogneos, empleando encima de l numerosas curvas, lneas oblicuas, ritmos ondulados y, en una etapa posterior, solo lneas rectas o curvas, o figuras geomtricas como microformas cuadradas o rectangulares y circulares. Ral Lozza (1911-) se desprendi del grupo y fund el perceptismo, movimiento de pintura abstracta en donde formas irregulares recortadas se colocan en relieve sobre el cuadro. Lozza considera que la participacin visual del espectador es fundamental ya que, dependiendo a qu distancia o altura el lector visual mire el cuadro, habr diferentes respuestas de la imagen. Como representante escultrico cabe mencionar a Enio Iommi (1926-), quien se inici en el oficio escultrico en el taller familiar. Iommi trabaja a partir de 1946 con esculturas de alambre grueso, generando estructuras visuales mnimas, en donde se lleva la ln ea al espacio escultrico. Un aspecto importante en estas esculturas es que, a primera vista, solo son alambres retorcidos, pero estan perfectamente equilibradas desde el punto de vista compositivo, y el vaco/aire que penetra entre los alambres est considerado por el artista como volmen. El historiador del arte Giulio Carlo Argan elogiara su obra, diciendo que ms que esculturas son construcciones plsticas, porque Iommi anul los procedimientos habituales de la escultura con un fin netamente visual. A partir de los 50s, Iommi incursion con el plano (chapas de metal recortados circularmente) y con lo geomtrico. En los ltimos aos se ha volcado a realizar escultura collage, ensamblando diferentes y diversos materiales, generando con sus obras un mensaje poltico y social. Durante 1946 el grupo Concreto-Invencin realiz numerosas exposiciones dando a conocer su ideologa y bsqueda artstica, funcionando como grupo estable hasta 1950, ao de la ltima exposicin realizada. Respecto al Movimiento Mad, fundado en 1946, su principal impulsor y exponente es Gyula Kosice. Tambien lo integraron, entre otros, Carmelo Arden Quin, Martn Blaszko, Rhod Rothfuss. Como ha explicado el propio Kosice, el nombre Mad proviene del lema republicano en la Guerr a Civil Espaola, Madr, Madr, no pasarn. El trmino tambin se considera como un acrnimo de cuatro conceptos artsticos bsicos: Movimiento, Abstraccin, Dimensin, Invencin. Tambien se dice que proviene de la abreviatura de materialismo dialctico. A diferencia del invencionismo que se enfoc en pintura, escultura y diseo, el movimiento Mad es una propuesta para todas las ramas del arte (dibujo, pintura, escultura, msica, literatura, teatro, arquitectura, la danza, etc.) basada en la extremacin de los conceptos de creacin e invencin, con el fin de expandir ilimitadamente todas las posibilidades que derivan de la continuidad de la obra de arte. En ese afan, dentro de la pintura mad (tambien abstracta) una de las novedades visuales que aporta el movimiento es el marco recortado del cuadro. Las pinturas no estaban delimitadas de forma rectangular, sino que el permetro de la imagen era irregular, y tenan una directa relacin con la composicin y la intencin visual. En este sentido, Kosice dira que todo cuadro ya no debe existir; no es sostn, y menos terminacin de la pintura. Todo cuadro (cuadrado) conmemora el tradicional concepto de ventana, idea a la cual se oponan. Los principales exponentes en pintura son Arden Quin y Blaszko. Gyula Kosice (1924-) inicia la dcada del 40 realizando sus primeros dibujos, pinturas y esculturas no figurativas. Tambien realiza poemas y escritos sonbre el arte interdisciplinario. En 1944 realiza Royi, una escultura abstracta en madera, cuyas piezas son mviles y articuladas. Constituye una novedad no solo compositiva sino conceptualmente: Kosice no realiza una escultura nica, sino que la obra ofrece mltiples visiones y posibilidades. En este sentido, Kosice vincula a las artes plsticas con lo ldico, y as no solo se circunscribe a lo meramente escultrico, sino que su obra abarca otras reas, tales como la arquitectura y el diseo. Esta invencin tambien involucra al espectador, ya que la obra no es

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Arte, culturas y estticas cerrada: Kosice deja abierta la posibilidad de modificarla, de que no haya una rigidez, sino una fluidez y versatilidad compositiva. En este sentido, Royi no solo constituye un cono de la obra de Kosice, sino tambien un ejemplo claro de la bsqueda y espritu del movimiento Mad. En 1946 fundar el movimiento Mad, ya separado de los invencionistas. Escribir el Manifiesto Mad, y realizar numerosas muestras con el grupo, tanto en Argentina como en Francia. A finales de la dcada del 40, empezara con su propuesta de la ciudad hidroespacial, justificada por su creencia de que el hombre no ha de terminar en la Tierra. Incorpora el gas nen y el hidrocinetismo en la obra de arte: agua, luz y movimiento, siendo Kosice el primer artista a nivel mundial en incorporar estos recursos en el arte. Durante la dcada del 50, realizar esculturas monumentales en hormign armado, polister y marmolina, fuentes de agua con plexigls, recorridos hidroespaciales, etc. El grupo Mad poco a poco fue disolvindose, y en 1960 dej de exponer y de publicar su revista arte Mad.

12.3. Informalismo: el existencialismo y la experiencia vital en el arte


Hacia 1956 algunos artistas argentinos sintonizaron con un clima generalizado en el mundo del arte internacional, que reflejaba la filosofa de la poca principalmente el existencialismo de Jean Paul Sartr-, a traves del compromiso del cuerpo con la accin pictrica. Mientras en Estados Unidos se suceda el expresionismo abstracto y aparecan los primeros ecos del pop, en Europa y gran parte de Sudamerica se inclinaron por el informalismo. Esta tendencia en el arte se caracteriza por su marginacin y rechazo con la historia, y por adoptar una tcnica antiideolgica y antiacadmica, sin plantearse problemas sociales y polticos. Irnicamente, de esa manera realizaron una protesta social, adoptando al arte como plataforma para negar todo pasado. Se reivindicaron los dibujos de los nios y los enfermos mentales, las expresiones personales de aquellos que no haban estudiado arte pero podan pintar, y en lneas generales, a los ojos de los academicistas, podra considerarse al informalismo como un arte feo, por rechazar el ideal de belleza buscado incansablemente en la historia del arte. Utilizaron mucha materia en sus pinturas, mezclando el leo con pigmentos y sustancias diversas: arena, carbn y otros productos minerales. Sobre esta capa espesa de materia, a veces lisa y otras rugosa, los pintores realizaban grafismos libres, trazos, se adheran objetos, siendo algunas obras abstractas y otras apenas figurativas. Para citar un ejemplo de cun lejos los artistas estaban dispuestos a llegar con su nueva potica, para un Saln de pintura en una ocasin Kenneth Kemble envi dos trapos de piso sucios clavados en una madera. Actos como ste mostraban un espritu de rebelda y rechazo total hacia lo impuesto y hasta ese momento desarrollado en el arte nacional y mundial. En palabras de Umberto Eco, el informalismo no es que no tenga forma, sino que es el signo con infinitas formas de interpretacin. Es obra abierta, no es algo fijo. La crisis de la ciencia, que no se mantiene quieta y estable, tambien alcanza a la pintura y al arte, que desemboca en las ya mencionadas infinitas posibilidades de interpretacin. Entonces, la denominacin de informal cobra el sentido de oposicin con la forma clsica, y el espectador tiene una postura activa respecto a la obra, puesto que l determina el significado ltimo del signo plstico. Puede llegarse a la conclusin, entonces, que el tema del informalismo es la experimentacin con los materiales: son stos quienes dan el tema, los que son la excusa para que la obra se d. El informalismo es una expresin plstica propia de la segunda posguerra, y est enmarcado en la ya mencionada e ineludible filosofa existencialista: el hombre, en forma individual, crea el significado y la esencia de su vida. Se destaca su absoluta libertad como ser autnomo y su temporalidad en el mundo, por lo cual debe vivir, debe expresarse. El hombre se hace de alegras, penas y circunstancias, que lo hacen ser quien es; el hombre hace un recorrido, se va modificando, existiendo. El no tener garantas de qu hay despues de la muerte, el no poder comprobar la supuesta esencia profunda del hombre, implica que, en concreto, el ser humano existe hoy, aqu y ahora, y debe hacer algo al respecto, con la consecuente libertad y responsabilidad.

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Arte, culturas y estticas En Buenos Aires, en 1957 se form una suerte de grupo informalista, integrado por jvenes artistas, entre los que se encontraban Kenneth Kemble, Luis y Alberto Wells, Rubn Santantonn y Alberto Greco (a quien estudiaremos en particular ms adelante). Los organismos artsticos oficiales rechazaron la propuesta, por lo cual los informalistas se movieron por galeras y espacios no-oficiales, y el pblico dudaba de la seriedad de las obras y sus autores. La figura de Kenneth Kemble (1923-1998) es emblemtica dentro del movimiento informalista. Su obra ser motivo de cita en artistas posteriores como De la Vega o Berni. Sin embargo, y como hemos destacado, la intencin artstica de Kemble no era transmitir un mensaje social, o recuperar la relacin significante/significado, sino simplemente experimentar. Para ello, como varios artistas se valieron, ademas de la mezcla de pinturas y materiales, del collage: Kemble utiliza chapas, maderas, trapos rejilla, clavos y lonas enmohecidas de las villas miseria. Sin embargo, sus obras no constituyen una denuncia social, sino un alegato plstico puro. Y provocativo, puesto que si se aceptaba esto, poda aceptarse cualquier cosa en el circuito artstico de la ciudad. Y si bien los informalistas argentinos tomaron como cita al informalismo europeo (en especial la obra de Tapies), lleg un punto en el que no supo diferenciarse qu influencia provena de Europa y qu se haba gestado ac. La figura de Kemble, junto con la de Alberto Greco, constituyen los puntos fuertes del grupo informalista, que oper entre 1957 y 1961. En su obra paisaje suburbano (1961), Kemble utiliza chapas oxidadas, lona, leo y enduido sobre hardboard. La obra, que a simple vista es abstracta, rescata el fragmento del relato. Si comparamos a las experimentaciones de Kemble y a las obras con mensaje social de Antonio Berni, el primero aporta un dato visual, mientras que Berni en sus imgenes de Juanito Laguna, por ejemplo- utiliza a la esttica y tema informalistas para componer una narracin y transmitir un mensaje. Kemble fragmenta, y su obra es a simple vista es abstracta, pero en paisaje suburbano no solo hay una relacin directa con la realidad (dada por la eleccin de los materiales con los que trabaj), sino que esa obra constituye una ventana, un recorte de aquella fuente a la que Kemble acudi a la hora de hacer seleccin de materiales. Esas chapas y lonas pueden ser el fragmento de una vivienda de una villa miseria, o un trozo de pared en el medio de la ciudad. Por eso, en el caso puntual de esta obra, si bien la abstraccin se halla presente, es por un recorte, por una visin parcial de la realidad, que termina abstrayendo y ocultando un mensaje social, pero que se encuentra latente, ms all de la experimentacin y la bsqueda plstica. Luego de la euforia informalista, para 1961 su potica se hallaba agotada. Muchos copiaron las experiencias, lo cual llev a un desgaste que desemboc, en noviembre de ese ao, en la exposicin Arte destructivo. El artista cabecilla de este emprendimiento fue, casualmente, Kenneth Kemble, y entre otros se adhirieron a su propuesta Jorge Lpez Anaya, Antonio Segu y Luis Wells. El contexto poltico y social, a nivel mundial, se hallaba agitado por el fantasma de la guerra nuclear que poda desencadenarse entre Estados Unidos y Rusia, en el contexto de la Guerra Fra. Esa realidad, sumada al agotamiento de las expresiones informalistas, llev a un acto-exposicin que mostr simblicamente la violencia en la que artistas y sociedad se hallaban inmersos. La inauguracin de la muestra Arte destructivo se realiz con el esperado escndalo. La tarjeta de invitacin a la inauguracin mostraba la fotografa de un viejo coche de caballo destrudo en un accidente en la va pblica. Al llegar a la sala de exposiciones, era evidente que haba cambiado su aspecto habitual, exhibiendo una cortina de arpillera que obstrua la entrada mientras se escuchaban, provenientes del interior, extraas voces recitando textos sin sentido y sonidos irritantes. En la sala, apenas iluminada, haba un conjunto de objetos encontrados, semidestrudos, que se haban transformado en irnicas obras, mas antiarte que arte. Ninguna de las piezas estaban firmadas, lo cual realz el carcter grupal de la muestra. El hilo conductor de la muestra era el del desastre, y no persegua ninguna ilusin placentera o agradable. Se exhiba un silln tapizado abierto con un profundo tajo que remita a una vagina; tres atades desgastados por el tiempo apoyados en el fondo de la sala; del techo colgaban muchos paraguas destrozados; pinturas informalistas destrozadas (un guio impecable al en ese momento ya casi decadente movimiento que esos mismos artistas haban hecho nacer); cabezas humanas de cera con cabelleras naturales, brutalmente desfiguradas por el fuego; muecas colgadas sobre un fondo negro; una baera

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Arte, culturas y estticas golpeada y manchada con pintura; restos de barcos; piezas mecnicas y botellas rotas; retratos fotogrficos de los expositores, brutalmente deformados; y demases objetos violentados por accidentes o por los mismos artistas, que los juntaron de la calle, del puerto y de las piras de la ciudad. En el texto del catlogo de la muestra, Kemble escribi: se me ocurri que sera interesante canalizar esta tendencia destructiva del hombre, esta agresividad, reprimida en la mayora de los casos pero siempre pronta a explotar nocivamente, en una experiencia artsticamente inofensiva. As, Kemble y el grupo destructivo, mediante su muestra, hablaron de la condicin humana, embebidos en la filosofa existencialista: abordaron algo tan cotidiano, corriente y tab como la muerte, el sexo, la violencia y los simbolismos polticos, y lo expresaron mediante un ensayo, una exposicin de carcter experimental que no permaneci indiferente en la Buenos Aires de 1961. Con esta exhibicin, se produce un quiebre con el concepto de modernidad: los artistas ya no hablan de un progreso ilimitado, de una filosofa positivista, sino que hablan del hoy, de los dramas y los fracasos, de la condicin humana misma. Y al ser imgenes con multiplicidad de significados, el artista no presenta una imagen cerrada, sino abierta a la interpretacin y sentido del espectador, que se vincul ms humanamente con la obra. En este sentido, la relacin arte-vida se hizo ms estrecha. Kemble dira tambien: parecera que vivisemos al borde de una orga destructiva. Una bomba de cincuenta megatones puede eliminar en pocos instantes a toda la ciudad de Buenos Aires y sus habitantes, y las autoridades norteamericanas hablan tranquilamente, en estos momentos, de la posibilidad de que 160 millones de habitantes de sus 175 millones mueran en una prxima guerra atmica. Es que se puede pretender que el artista, que siempre ha actuado como antena receptora de lo porvenir, permanezca insensible ante tal eventualidad?. La muestra, no muy bien recibida en nuestro pas, luego fue realizada de manera similar por otro grupo de artistas norteamericanos, dos aos despues en Nueva York. Ruben Santantonn (1919-1969) tambien puede ubicarse dentro del informalismo, aunque con algunas diferencias. Desarroll el llamado arte-cosa, derivado directo del informalismo y fundamentado por la filosofa existencialista de Sartre y otros autores. Santantonn realizaba objetos, llamados por l como cosas, con materiales pobres y rudimentarios. Parecan enormes envoltorios de madera, cartn y tela pintada que dejaban entrever en su interior elementos dispuestos dentro de ellos. Casi todas las cosas eran semi-esfricas, oscuras y sus pesos livianos permitan colgarlos desde el techo, que era como en su mayora Santantonn los present. Si bien estamos hablando de volmenes pintados, Santantonn aclar que no quiso unir pintura y escultura, sino que se alej de esas disciplinas para, exclusivamente, colocar al hombre frente a la encrucijada existencial con una ms intensa vibracin. Santantonn exhiba sus cosas en espacios pequeos, que eran ambientados por sus obras colgadas del techo a variadas alturas y distancias. El espectador ingresaba al recinto y deba recorrer ese espacio, generando una relacin directa con las cosas. Ah est la experiencia vital: las cosas se interponen en el camino del hombre, y l dialoga con ellas, se relacionan en un mismo tiempo y lugar, generando esa encrucijada existencial que menciona Santantonn. En 1963 empez a proyectar su idea de la Arte cosa rodante, una especie de informe superficie rojiza y seca extendido sobre una tarima (...) arrastrada por un jeep (...) que se paseara por la ciudad (...). Una vez estacionado en una plaza se apelara al pblico (...) invitando a la gente a penetrar en su interior. Una vez adentro el espectador dejara de serlo para participar directamente en este mundo mgico y distinto del cual l mismo creara buena parte (...), entrara en el vientre de una inmensa forma donde se encontrara moviendo y componiendo formas. La propuesta de Santantonn no lleg a realizarse, pero lo que s realiz junto con una participacin de Marta Minujn (quien se adjudic la obra como suya) fue la ambientacin-happening La Menesunda (1965) en el Instituto Di Tella, en el contexto de las experiencias pop de ese ao. Santantonn justifica su obra con una frase de marcado tinte existencialista: intento en lo posible que el hombre no contemple ms las cosas, sino que se sienta inmerso en ellas con todo su placer, con su angustia, con su imaginacin (...). Nombro cosas a estos objetos, porque si los nombrara objetos los

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Arte, culturas y estticas colocara en el campo de la objetividad y en cambio deseo que no salgan del campo de la cosidad, el nico en el que se puede actualmente alcanzar sentido artstico.

13. Msica tradicional argentina


Cuando nos referimos a msica tradicional argentina, hablamos de estilos musicales cultivados en nuestro suelo, en una raz verdaderamente nacional. Al mismo tiempo, nos referimos a aquella msica que nos identifican en el mundo...

13.1. Folclore
La msica folklrica de Argentina tiene una historia centenaria que encuentra sus races en las culturas indgenas originarias. Tres grandes acontecimientos histrico-culturales la fueron moldeando: la colonizacin espaola (siglos XVI-XVIII), la inmigracin europea (1850-1930), la migracin interna (1930-1980). Aunque estrictamente folklore slo es aquella expresin cultural que rene los requisitos de ser annima, popular y tradicional, en Argentina se conoce como folclore o msica folclrica a la msica popular de autor conocido, inspirada en ritmos y estilos caractersticos de las culturas provinciales, mayormente de races indgenas y afro-hispano colonial. En Argentina, la msica de proyeccin folclrica comenz a adquirir popularidad en los aos treinta y cuarenta, en coincidencia con una gran ola de migracin interna del campo a la ciudad y de las provincias a Buenos Aires, para instalarse en los aos cincuenta, con el boom del folclore, como gnero principal de la msica popular nacional junto al tango. Otro hito que expandi su popularidad fue la aparicin de grandes festivales del gnero, en particular del Festival Nacional de Folclore de Cosqun. El folclore argentino es muy variado, y posee estilos caractersticos. La chacarera (danza del Chaco) parece haber nacido a mediados del siglo XIX, en Santiago del Estero, pero su origen histrico se desconoce. Corresponde al rea que se extiende desde el centro de la Argentina al sur de Bolivia, extendindose tambin por el territorio boliviano y paraguayo perteneciente a la regin del Gran Chaco. Para fines de la dcada de 1860 aparece la zamba argentina, estilo nacional argentino por excelencia, diferencindose de la zamacueca afroperuana y la cueca chilena de las que deriva, ingresadas a la Argentina entre 1825 y 1830 por el norte, a travs de Bolivia, y por el oeste, desde Chile, quedando instalada en Cuyo como cueca cuyana y en La Rioja como cueca riojana. Tambin en la segunda mitad del siglo XIX aparece en el Nordeste el chamam (aunque recin adquiri este nombre en los aos treinta), como resultado de la fusin de los ritmos que llevaban consigo los inmigrantes alemanes, alemanes del Volga, polacos, ucranianos y judos, principalmente la polka y el shottis, con los ritmos ancestrales de la regin, provenientes de la cultura indgena guaran y de las tradiciones afro-rioplatenses. El chamam y la polka paraguaya seran el eje alrededor del cual se estructurara la msica litoralea, como una de las grandes ramas de la msica folclrica argentina. Al igual que el tango, las danzas litoraleas adoptaron una coreografa de pareja enlazada con libertad para los bailarines, que se realizaban en bailantas populares. Desde entonces el trmino bailanta se extendera por todo el pas para designar los bailes populares. Otras variaciones del folclore son la baguala, la copla, la cueca, el malambo, el carnavalito, el gato y la milonga. En las ltimas dcadas, el estilo se ha fusionado y ha tomado elementos del rock y el pop local, mostrando su versatilidad y valor artstico. Algunos importantes exponentes del gnero son el Chango Nieto, Ariel Ramrez, Jorge Cafrune, el Chango Faras Gmez, los Fronterizos, los Chalchaleros, Jos Larralde y Mercedes Sosa. Sin embargo, cuando se habla de folclore argentino, es ineludible la figura de Atahualpa Yupanqui (1908-1992), cantautor, guitarrista y escritor argentino cuyo nombre original era Hctor Roberto Chavero Aramburo. Su padre era originario de la provincia de Santiago del Estero, y tena sangre quechua, mientras que su madre provena de Espaa. Estudi guitarra y canto, ampliando su repertorio de temas gauchescos, al punto de estudiar composiciones de msica clsica. Desde que empez a dar a conocer sus poemas firmaba con el

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Arte, culturas y estticas seudnimo de Atahualpa Yupanqui. La etimologa de este nombre la dio l mismo: viene de lejanas tierras para contar algo (Ata: viene; Ku: de lejos; Alpa: tierra; Yupanqui: narrars, has de contar). De las 325 canciones de su autora registradas oficialmente, pueden citarse: La alabanza, El arriero, Camino del indio, Criollita santiaguea, Duerme negrito, Coplas del payador perseguido, Los ejes de mi carreta, Indiecito dormido, Le tengo rabia al silencio, Luna tucumana, Milonga del solitario, Piedra y camino, El poeta, Las preguntitas, Sin caballo y en Montiel, Viene clareando y Zamba del grillo, entre muchas otras, que fueron interpretadas por muchsimos msicos posteriores. Ademas, escribi varios libros de poemas. Yupanqui fue perseguido y marginado en Argentina por comunista y guitarrero, por lo cual se exili en Francia, donde obtuvo un gran reconocimiento. A partir de los aos sesenta, don Ata, como se lo llamaba cariosamente, ser reconocido como mximo exponente de la msica folclrica argentina de todos los tiempos. Una chacarera con letra del poeta Miguel ngel Morelli llamada A don Ata dice en su letra: Ah anda don Atahualpa por los caminos del mundo, con una copla por lanza marcando los cuatro rumbos; que Dios lo bendiga, lo tenga en la gloria por tantos recuerdos lindos y por su memoria. Falleci en Fra ncia, y sus cenizas descansan en la actualidad en los jardines de su casa museo en la localidad de Cerro Colorado, Crdoba.

13.2. Tango
El tango es un gnero musical y una danza, existen controversias respecto de si fue creado solo en Buenos Aires o si tambin naci en Montevideo y Rosario o simplemente se extendi luego a estas ciudades, pero si se sabe que es hijo del candombe al igual que la milonga, musica afro uruguaya argentina introducida por los esclavos africanos. De naturaleza netamente urbana y renombre internacional, musicalmente tiene forma binaria (tema y estribillo) y comps de cuatro cuartos (a pesar de que se le llama el dos por cuatro). Clsicamente se interpreta mediante orquesta tpica o sexteto y reconoce el bandonen como su instrumento esencial. En esencia el tango es una expresin artstica de fusin, de naturaleza netamente urbana y raz suburbana, que responde al proceso histrico concreto del mestizaje biolgico y cultural de la poblacin afrocriolla y la inmigracin masiva, mayoritariamente europea, que reconstituy completamente las sociedades rioplatenses, especialmente las de Buenos Aires y Montevideo, a partir de las ltimas dcadas del siglo XIX. El tango es hijo directo de ese intenso mestizaje. Se sabe que los primeros tangueros eran afroargentinos y afrouruguayos; que el bandonen proviene de Alemania; o que su sensualidad deriva de su origen prostibulario. Se sabe tambin que el lenguaje del tango, el lunfardo, est plagado de expresiones italianas y africanas; que su ritmo y clima nostlgico tiene un cercano parentesco con la habanera cubana; y que tango, milonga, malambo y candombe, son parte de una misma familia musical de races africanas y tambin de las costumbres provenientes de los gauchos que migraron a la ciudad. Sin embargo el tango no se confunde ni deriva de ningn estilo musical en particular. Ernesto Sabato dice que por sobre todas las cosas el tango es un hbrido, una expresin original y nueva que deriva de una movilizacin humana gigantesca y excepcional. La cancin de tango comenz a interpretarse desde 1850, pero no era tal porque el estilo vocal estaba ligado a la habanera y tangos espaoles, sin una personalidad tanguera definida. Los cantantes de entonces no eran profesionales ni tampoco se conoca la voz del tango. El tango se cantaba como tango milongueado y los versos eran picarescos, lo que escandalizaba a la alta sociedad portea. Carlos Gardel (1890-1935), quien se inici como payador alrededor de 1910, es el ms recordado cantante de tango de los aos veinte y treinta. Muchos de los temas que interpretaba los compuso l mismo y encarg sus letras a su inseparable compaero, el poeta Alfredo Le Pera (1900-1935). Gardel, que comenz su carrera en comits polticos de los suburbios fabriles de Buenos Aires, cant en Pars y en Nueva York, film varias pelculas en EE. UU. Se convirti en un mito para los rioplatenses cuando muri en un accidente de aviacin en Medelln (Colombia). Algunos de los tangos famosos de esta primera poca son la cumparsita, caminito, el da que me quieras, por una cabeza, etc. Msicos como Juan DArienzo, Julio De Caro y Osvaldo Fresedo, o cantantes como Agustn Magaldi, integraron lo que se conoci como la nueva guardia del tango en aquella poca. Entre ellos, muchos fueron los descendientes 162

Arte, culturas y estticas de inmigrantes italianos, como Osvaldo Pugliese (1905-1995), pianista,director y compositor, apodado el Santo del Tango. La del cuarenta fue una dcada dorada para el gnero, que se interpretaba ya en locales nocturnos de lujo, cuyos ambientes alimentaron a su vez a los letristas, que en sus versos contraponan el lujurioso cabaret y los desbordes de la vida nocturna a la infancia en el arrabal, paisaje ste que adquiri entonces ribetes mticos de paraso perdido. Los temas que trataban las letras de tango, entonces, eran el arrabal, el desengao, el deseo sexual y la tristeza, el hacer diario y el tiempo. Grandes orquestas, como las de Pugliese o la del bandoneonista, director y compositor Anbal Troilo (1914-1975), actuaban a la vez en los cabars del centro y en salones barriales, y, con ellos, creci enormemente la industria discogrfica en la Argentina. Letristas de gran vuelo Enrique Cadcamo, Enrique Santos Discpolo, Homero Manzidieron al tango composiciones inolvidables, signadas por la amarga crtica de costumbres (Discpolo), el matiz elegaco y las metforas inspiradas en grandes poetas (Manzi, Castillo), la recurrente pintura de ambientes sofisticados con resonancias del poeta modernista Rubn Daro (Cadcamo). Con respecto al baile, la coreografa, diseada a partir del abrazo de la pareja, es sumamente sensual y compleja. Las letras suelen expresar las tristezas, especialmente en las cosas del amor, que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, circunstancia que lo emparenta en cierto modo con el blues, sin que por ello opte para el tratamiento de otras temticas, incluso humorsticas y polticas. Desde fines de los aos cincuenta comenzaran a surgir corrientes tangueras renovadoras. Los primeros fueron msicos como Anbal Troilo o Mariano Mores que empezaron a experimentar con nuevas sonoridades y temticas. Pero el renovador indiscutido fue el marplatense Astor Piazzolla (1921-1992), quien alternaba entre las tardes de msica clsica en el Teatro Coln y su pasin por gor Stravinski y Bela Brtok, con las noches de tango, y su desempeo como bandoneonista y arreglador musical de la orquesta de Troilo. Fusionando creativamente las influencias ms diversas, Piazzolla introdujo en el tango armonas disonantes y bases rtmicas intensas y nerviosas que produjeron una transformacin radical del gnero. La msica de Piazzolla produjo una apasionada controversia entre tradicionalistas y renovadores, sobre si eso era o no tango. El punto culminante de esa controversia fue el Festival de la Cancin de Buenos Aires realizada en el Luna Park en 1969, en el que Astor Piazzolla y el uruguayo Horacio Ferrer presentaron un valsecito tanguero, balada para un loco, interpretado por Amelita Baltar en la seccin correspondiente al tango. La cancin produjo un escndalo descomunal que llev a los organizadores a cambiar las reglas para evitar que balada para un loco ganara el festival. Pese a ello, el nuevo tango-cancin, gan la adhesin popular, especialmente entre los jvenes y se volvi un xito de ventas como haca aos que el tango no tena. El do Piazzola y Ferrer realizaron otras obras de amplia difusin popular como el tango chiquiln de bachn (1968) o la pera-tango Mara de Buenos Aires (1967). Piazzolla aportara composiciones fundamentales como sus cuatro estaciones porteas (verano porteo, otoo porteo, invierno porteo y primavera portea), la serie del ngel (entre ellas milonga del ngel y la muerte del ngel) o la suite troileana, de 1976, dedicada a la memoria del fallecido Troilo. Libertango es uno de los mejores discos de su carrera, editado en 1974, e incluye una versin de Adis Nonino, inspirado en la muerte de su padre, y dedicada a l. Piazzolla tambin aport decisivamente a la renovacin instrumental del tango con su octeto, que inclua instrumentos hasta entonces absolutamente ajenos al tango, como los elctricos (guitarra, bajo, teclados, sintetizador), la batera y el saxo. Piazzolla tambin realiz una audaz fusin tango-jazz con el saxofonista estadounidense Gerry Mulligan en 1974 (registrado en el lbum reunin cumbre). La palabra libertango bien define la msica del genial Piazzolla: un tango vanguardista, que se reinventa para constituir un gnero nuevo y riqusimo. Astor Piazzolla falleci en Buenos Aires de una trombosis cerebral, luego de residir en Europa durante varios aos. En la renovacin de las dcadas del 60 y 70 surgieron tambin otros autores e intrpretes de gran importancia como Eladia Blzquez, Chico Novarro, Cacho Castaa, la voz juvenil y romntica de Susana Rinaldi, la madurez compositiva de Leopoldo Federico, Rodolfo Mederos a quien se consideraba como la cabeza visible de una nueva msica portea en los aos setenta, etc. Tambin debe me ncionarse aqu a Roberto El Polaco Goyeneche (1926-1994), un cantor de prolfica carrera, quien en su ltima etapa, conocida como la de la garganta de arena, desarroll el arte de decir el tango, basada en una

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Arte, culturas y estticas interpretacin expresiva del sentimiento. En estas dos dcadas el tango sufri tambin la confrontacin generacional y contracultural musical, entre tango y rock: el tango era la msica de los viejos, y el rock era la msica de los jvenes. Como consecuencia de la revolucionaria obra de Piazzolla y tambien al fenmeno de aculturacin mundial, a partir de los 80 y los 90 el tango comienza a fusionarse con otros lenguajes musicales, como el jazz, rock, la msica electrnica y msicas tnicas o locales. La electrnica ha sido una fusin muy difundida, y algunas bandas caractersticas de esta tendencia son Bajofondo Tango Club, Gotan Project y Tanghetto. Entre aquellos que fusionan con el jazz, se puede encontrar al pianista Adrin Iaies, el contrabajista Pablo Aslan o al saxofonista Miguel de Caro, entre otros. Tambien a partir de los aos 90, varios msicos provenientes del rock nacional se volcaron al tango, o realizaron versiones libres, dentro del rock, de clsicos del tango. Enrique Santos Discpolo, uno de sus mximos poetas, defini al tango como un pensamiento triste que se baila. Por su innegable legado cultural, en 2009 fue presentado por los presidentes de Argentina y Uruguay para ser incluido, y finalmente aprobado en la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial (PCI) de la humanidad por la UNESCO. Tango y folclore aparecieron como formas diferenciadas y hasta encontradas de la msica popular argentina. El tango se identific con la msica ciudadana, mientras que el folclore qued identificado con la msica rural. En esta confrontacin, durante varias dcadas el tango se instal como la msica popular argentina por excelencia, postergando al folclore, que permaneci aislado en los mbitos locales de cada regin. Hoy da, ambos lenguajes musicales se encuentran vivos, y encuentran voz y lugar en la cultura nacional y mundial.

14. La historieta en Argentina


En el mundo, la historieta naci en forma de tiras cmicas o crticas en los peridicos, y en Argentina sucedi algo similar. La stira y la caricatura grfica apareci en Buenos Aires a mediados del siglo XIX, en publicaciones semanales como el mosquito o PBT. La historieta consigui un lugar exclusivo para s en 1898, cuando se fund la revista Caras y Caretas, dirigida por Fray Mocho, donde ademas de stiras y crticas polticas haba lugar para los temas costumbristas. En este momento de su historia, los ilustradores eran de origen europeo, principalmente espaoles y franceses, y tambien haba argentinos. En 1919 se funda la revista Billiken, la primera en incluir historietas dedicadas al pblico infantil, con historias realizadas por artistas locales y otras publicaciones internacionales. En 1920 el peridico La Nacin es el primer diario en incorporar historietas a sus pginas. Durante esta dcada la historieta se populariz en los diarios y revistas de actualidad. En 1922 aparece pginas de Columba, publicacin dirigida por el dibujante Ramon Columba, y que foment a los artistas nacionales. En 1928 se funda la revista El Tony, primera publicacin integramente dedicada a las historietas. En ese mismo ao, en las pginas del diario Crtica hace su primera aparicin Patoruz, el personaje de Dante Quinterno que se transformara en un cono nacional. Durante la dcada del 30 la historieta seguira creciendo, de la mano de dibujantes como Quinterno, Lino Palacio, Jos Luis Salinas o Eduardo Ferro. Para el terico Oscar Masotta, a mediados de los aos 40 la publicacin de tres revistas inicia una nueva era, una edad de oro de la historieta argentina, que se prolongar hasta aproximadamente la entrada de los aos 60: Rico Tipo (1944), Patoruzito (1945) e Intervalo (Editorial Columba, 1945). Fundamentalmente, el inicio de la poca de oro lo marca la aparicin y consolidacin de la historieta seria, adulta, que le valdr el mote de literatura dibujada, y que se apoya en la fundacin, en 1945, de la revista Intervalo, tambin de Editorial Columba, que viene a llenar el bache y completa el espectro que se da con Billiken, para los chicos; Patoruzito, para los jvenes, e Intervalo, para los adultos. Uno de los puntos de inflexin en la forma de hacer historietas que caracteriz a este periodo fue consecuencia de la urgencia por apurar la produccin editorial, estandarizando las series. Este

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Arte, culturas y estticas hecho fue el surgimiento de un nuevo rol: guionista, tarea que recay en las manos de escritores, periodistas y redactores publicitarios. As, empieza a gestarse una relacin entre escritor-ilustrador, que ira aceitandose con el pasar de los aos. La poca de oro de la historieta argentina, en la que las publicaciones se multiplicaron y la calidad de la produccin nacional estaba en su auge, alcanza su tope cuando, el 4 de septiembre de 1957, sale a la venta en la revista Hora Cero semanal la primera entrega de El Eternauta, la historieta argentina por excelencia, con guin de Hctor German Oesterheld y dibujos de Francisco Solano Lpez. Durante 2 aos, la historia del Eternauta se public en las pginas de Hora Cero semanal, y gener furor en el pblico de poca, transformandola hasta hoy en una historia de culto. Una de las caractersticas ms innovadoras de El Eternauta es que toda la historia, vertebrada en torno a la ciencia ficcin, se desarrolla en Buenos Aires, en escenarios reconocidos, mientras que todas las historietas realizadas hasta ese momento se ambientaban en lugares y tiempos ambiguos, no siempre reconocibles, pero en El Eternauta aparecen referencias puntuales como el colectivo 60, la cancha de River, el subte de Plaza Italia y la Plaza de los dos Congresos, por ejemplo. La historia de El Eternauta inicia cuando a un guionista de historietas (el propio Oesterheld) se le aparece o materializa en una silla de su estudio un personaje, que se hace llamar El Eternauta. Este personaje pasa a contarle su historia, que es la que se relata a partir de all, durante toda la historieta, y que cuenta la historia de Juan Salvo, su familia y amigos, quienes en una muy fra noche se encuentran jugando al truco en la casa de Juan, en Vicente Lopez, cuando notan que haba empezado a nevar, y no se perciba ningun sonido o ruido en el exterior. Al asomarse por la ventana, los Salvo y amigos ven cadveres en las calles, y comprueban que cada copo, al tener contacto con la piel humana, provoca la muerte instantnea. Favalli, uno de los amigos de Juan, construye un traje aislante para l, y as poder salir al exterior a buscar provisiones y explorar el territorio. Los pocos sobrevivientes que Salvo encuentra son hostiles, por lo cual familia y amigos deciden huir de la ciudad lo antes posible. En el trayecto, descubren que la nevada radioactiva es la primera ofensiva de una invasin extraterrestre. Los Salvo y amigos encuentran nuevos aliados en su viaje por la desolada y nevada Buenos Aires, y batallan con los cascarudos gigantes en un combate en la avenida General Paz y despues en la cancha de River, se encuentran con los imponentes gurbos, y confrontan con los inteligentsimos Manos, unos extraterrestres que poseen entre 12 y 20 dedos por brazo, y que dominan a los cascarudos y gurbos. Por los Manos, Salvo se entera que quienes estan detrs de la invasin son los Ellos. Salvo determina que los Ellos se encuentran protegidos bajo una cpula de energa en la Plaza de los dos Congresos, lugar que Salvo y amigos atacan, suspendiendo momentneamente las operaciones de los extraterrestres. Al saber que el foco extraterrestre de Buenos Aires es vulnerable, la ciudad es bombardeada por las potencias mundiales con un ataque nuclear. Al escuchar una transmisin radial que llamaba a los sobrevivientes a un punto de encuentro seguro en Pergamino, Salvo y familia se dirigen ah, para encontrarse con una emboscada. En un intento de escape, Juan Salvo ingresa en una cosmonave, acciona unos aparatos y es transportado por diferentes dimensiones. En estos viajes a traves de diversos continiums y mundos el Eternauta (Salvo) busc encontrar a su mujer e hija, a quienes nunca encontr. Finalmente, apareci en el estudio de Oesterheld, a quien le cont su historia. Fue entonces que se hizo notar un detalle: la historia relatada por el Eternauta habra tenido lugar en 1963, pero en ese momento los personajes estaban en 1959 (el ao real de la finalizacin de la publicacin de la historieta). Esto implicara que la mujer y la hija de Salvo an estaran en su hogar, al cual Juan acude rpidamente. Al llegar, fusionndose consigo mismo aos ms joven, olvida por completo todo lo ocurrido, pero al autor se le confirma la veracidad de la historia al ver llegar a sus amigos, quienes iban a jugar al truco igual que todas las noches, tal como Juan haba sealado. En los cuadros finales, el personaje que personifica al autor se propone a s mismo escribir una historieta sobre lo que Juan Salvo le cont, para prevenir que la invasin tenga lugar en 1963. As, El Eternauta queda como una historia posible de suceder, al ser publicada entre 1957 y 1959. Hubo varias continuaciones o historias paralelas de la primera versin, entre las que se destacan El Eternauta II, continuacin directa de la primera parte y publicada en 1976, con una enorme carga poltica e ideolgica relacionada con la dictadura nacional; y El Eternauta: el regreso, donde se muestra una visin actual (2003, ao de edicin de la historieta), en que la hija de Salvo ya es adulta, los Manos gobiernan como polticos respetados y la mente de todos los sobrevivientes

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Arte, culturas y estticas fue reprogramada para que no recuerden la violenta invasin de finales de la dcada del 50. El Eternauta es una de las obras de arte ms populares y nacionales que la historieta y el arte grfico nos han dado. Hctor German Oesterheld (1919-desaparecido en 1977) es el guionista de, entre otras historias, El Eternauta. En 1957 fund con su hermano la Editorial Frontera, en la cual public varias de sus historias, ilustradas por varios dibujantes. Entre sus creaciones se encuentran Ernie Pike, Sherlock Time, Rolo el marciano adoptivo, Marcianeros, Mort Cinder, y adaptaciones en historieta sobre la vida de Evita y el Che Guevara. Oesterheld se asoci con Montoneros, tomando el lugar de jefe de prensa, en 1976. Ese ao, empez con el guin de El Eternauta II, historia que reflejaba el compromiso poltico de Oesterheld, mostrando al Eternauta como un caudillo que guiaba a un pueblo oprimido para alzarse contra un gobierno opresor y derrotarlo a cualquier precio. Esto gener algunos conflictos con Solano Lpez, quien no estaba del todo de acuerdo, y presiones constantes de parte del gobierno. Oesterheld continu escribiendo desde clandestinidad, hasta que l y sus cuatro hijas, tambien asociadas a Montoneros, fueron capturados y desaparecidos. El legado de Oesterheld sigue vivo, sostenido no solo por su capacidad creativa, sino por su innegable compromiso humano y social. Francisco Solano Lpez (1928-) es el dibujante que acompa a Oesterheld en El Eternauta, y en muchsimas historietas ms. Dueo de un dibujo limpio, claro, herencia de ilustradores norteamericanos de la dcada del 50, Solano particip en numerosas editoriales, y en la actualidad sigue dibujando. Es responsable tambien, junto con Pablo Maiztegui, del guion y dibujo de El Eternauta: el regreso. En la dcada del 60, la historieta nacional comienza a tener un declive, por la competencia extranjera. Editoriales mexicanas como Novaro ofrecen historietas norteamericanas de gran calidad y a bajo costo, y sumado a la masificacin de la televisin y a la partida a Europa de algunos de los dibujantes y guionistas ms talentosos, el gnero experimenta un declive. No obstante, caben destacar a dos autores vitales. Uno de ellos es Alberto Breccia (1919-1993), un dibujante uruguayo pero radicado en Argentina, que en un inicio mantuvo un estilo standard, pero luego mostrara gran experimentacin. El estilo de Breccia se acerca ms a las artes plsticas (de hecho, toma gran cantidad de tcnicas de all) que al comic, por lo cual su estilo no fue muy comprendido. Ademas de Sherlock Time, una de sus obras claves es Mort Cinder, con guin de Oesterheld. Mort Cinder es un inmortal, un personaje que se asocia con un anticuario a quien le ayuda a clasificar sus objetos histricos, basado en sus experiencias anecdticas. As, Mort estuvo en la construccin de la Torre de Babel, en la Batalla de las Termpilas y en numerosas guerras y momentos de la historia de la humanidad, y en historias cortas Oesterheld y Breccia describen sus experiencias. Esta dupla creativa tambien realiz una segunda versin de El Eternauta original, en la cual Breccia comienza a experimentar con una esttica expresionista, agregando collage, tramados y texturas mecnicas. La versin se public en 1969 en las pginas de la revista Gente, pero la esttica experimental de la reversin no gust a los lectores, por lo cual fue abruptamente concluda luego de unas breves entregas. Con Oesterheld tambien trabaj en las adaptaciones de la vida de Evita y el Che. Breccia se dedic a ilustrar cuentos de terror, suspenso y ciencia ficcin de Horacio Quiroga, H. P. Lovecraft o Edgar Allan Poe, como la gallina degollada, los mitos de Chtulhu, Drcula, el corazn delator, la pata de mono y otras historias. En 1974, junto a Carlos Trillo en guin realiz Un tal Daneri, una serie de historias cortas que protagoniza un polica retirado, Daneri, en dramticos relatos ambientados en el Mataderos natal de Breccia. A esta altura, Alberto Breccia experimenta libremente con el campo visual: incorpora dibujo a pluma y lpiz, con collages, transferencias en fotocopias, papeles pegados, monocopias, xilografas, manchas gestuales, tramados mecnicos, tipografas, etc. Su obra ms importante tras Mort Cinder lleg de la mano del guionista Juan Sasturain, y se trata de Perramus (1983). A medio camino entre las aventuras y el humor absurdo, esta obra ridiculiza y a la vez denuncia la dictadura argentina, mezclando personajes ficticios con otros reales (como el escritor Jorge Luis Borges, que, en un ejercicio de la ms pura historia ficcin, es galardonado con el premio Nobel, que en realidad jams recibi). De sus ltimas obras, cabe destacar Informe sobre ciegos (1991), adaptacin de uno de los pasajes ms escalofriantes de la novela de Ernesto Sabato Sobre hroes y tumbas, donde Breccia capta magistralmente la atmsfera inquietante y enfermiza del texto original y logra imgenes

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Arte, culturas y estticas alucinatorias angustiosas. Alberto Breccia es uno de los artistas grficos-plsticos ms importantes del mundo, y su obra representa un paso ms en la concepcin visual de la historieta. El otro autor que entre 1964 y 1973 realiza su tira ms reconocida es Joaqun Lavado, ms conocido como Quino (1932-). La tira y su personaje ms clebre es, por supuesto, Mafalda, quien apareci por primera vez en las pginas de Primera Plana y luego se muda al diario El Mundo y Siete Das. La tira tuvo una tirada a nivel nacional e internacional, consolidando a Quino como uno de los humoristas y grficos ms importantes del pas. Mafalda es una nia de 6 aos y, como el resto de sus amigos de esa edad, realizan agudas observaciones e inquietudes sobre el mundo social y poltico. Quino encierra en personajes infantiles, en su inocencia y cuestionamientos, las preguntas que muchos adultos no se atreveran o incluso se les ocurrira preguntar. Reformula as una forma de ver el mundo, con los ojos puros de un nio, pero sin perder un afilado compromiso con la realidad. Quino,dueo de un humor cnico y cido, realiz tambien innumerable cantidad de ilustraciones y chistes en gran cantidad de publicaciones. Ademas de Quino, otros autores humorsticos de especial importancia son Roberto Fontanarrosa (1944-2007), creador de Inodoro Pereyra y Boogie el Aceitoso; Carlos Loiseau, ms conocido como Caloi (1948-), creador de Clemente; Guillermo Mordillo (1932-), dibujante y humorista grfico que se destac con el chiste mudo; Lino Palacio (1903-1984), ilustrador que particip en numerosos diarios, y cuyos personajes ms conocidos son Ramona y Don Fulgencio; y Carlos Garaycochea (1928-), quien ademas de dibujante y humorista, se destac como actor y profesor de dibujo. Entre 1965 y 1975, en la revista Anteojito se public la historieta del primer superhroe al estilo norteamericano, pero creado en Argentina: Snoman. Creado y dibujado ntegramente por Osvaldo Walter Viola, ms conocido como Oswal (1933-), Snoman es el superhroe del poder msico y mental, que le permite controlar todo el espectro de los sonidos existentes, ademas de otras habilidades como superfuerza, o mutar su cuerpo en ondas sonoras. Durante 10 aos ininterrumpidos, Snoman pobl las pginas de Anteojito, con una vasta galera de personajes surrealistas y tramas ingeniosas. Oswal es reconocido principalmente por este personaje, pero realiz tambien infinidad de historietas, como el espritu de Mascarn, o la tercera parte de El Eternauta, en 1983, con guin de Alberto Ongaro. Public en diarios y revistas locales, como Skorpio, Chaupinela y Satiricn, y public gran cantidad de historietas de su autora en Espaa, Italia y Holanda, entre otros pases europeos. Ademas de su labor como historietista, cabe destacar su trabajo como docente, transmitiendo sus conocimientos a nivel artstico y humano. En 1975 en las pginas de Clarn se publica la primera tira de El Loco Chvez, un periodista pcaro y aventurero, producto del guin del ya mencionado Carlos Trillo (1943-) y del dibujante Horacio Altuna (1941-). La tira tuvo una gran aceptacin y se public hasta 1987 en el peridico que lo vi nacer. El Loco y sus amigos fueron protagonistas de gran cantidad de aventuras, con un marcado tono porteo, en donde se destaca tambien la claridad del dibujo de Altuna. La dupla volvera a trabajar en Las puertitas del seor Lpez, de 1979, una serie de historias cortas que relatan la vida de Lpez, un empleado pelado y regordete, que es avasallado por sus jefes, su esposa y la sociedad misma. Para escapar de ese infierno personal, Lpez escapa a traves de puertas a otras dimensiones, en donde sus sueos se hacan realidad... hasta cierto punto. Cargada de humor e irona, Las puertitas... tambien es un sutil guio a la situacin poltica y social de la poca. En 1978 surge la revista Humor, publicacin que pretenda ser una voz de opinin diferente dentro de un panorama de censura por parte del gobierno del pas. Al frente del emprendimiento se encontraba Andrs Cascioli con Ediciones de la Urraca. La misma editorial public en 1984 la revista Fierro, hogar de gran cantidad de historietistas y que revolucion la manera de presentar al gnero, intercalando historias cortas de diversos autores en un mismo nmero. Luego de 100 nmeros, en 1992 la revista Fierro dej de publicarse, hasta que se reflot en octubre de 2006, en un proyecto impulsado por el diario Pgina/12. Con el librecambio de la dcada del 90, ingresan todo tipo de historietas extranjeras al pas, haciendo difcil la competencia en el mercado. De esta dcada se destaca Cazador, un comic-book de tono irreverente y transgresor, famoso por haber iniciado una nueva era de cmics para adultos en la Argentina. Fue escrito y dibujado por Ariel Olivetti, Jorge Lucas (creador del personaje), Mauro Cascioli y Claudio

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Arte, culturas y estticas Ramrez. Estos cuatro dibujantes tuvieron como una fuerte influencia las ilustraciones de Simon Bisley. El primer nmero de El Cazador de Aventuras sali en octubre de 1992. Se trataba de un personaje que se asemejaba a un superhroe, grotesco y bruto. Los primeros siete nmeros fueron en blanco y negro, pero en 1995 decidieron ponerle color y la revista tuvo su mejor poca hasta 1999. El Cazador vuelve en noviembre de 2000 editada por Mauro Cascioli. El Cazador viaj por todo el mundo y combati en distintas guerras (Primera y Segunda Guerra Mundial, en Corea, en Irak, en las Malvinas). Una vez que comienzan sus aventuras en el cmic se enfrenta a distintos personajes ficticios como El Hombre Lobo, Drcula, Extraterrestres y toda clase de demonios. Entre sus principales enemigos se encuentran los demonios Balrog y Melkor, seores de la oscuridad que juraron destruir al Cazador en los primeros nmeros del comic. Adems se ha podido observar que en algunos episodios han participado personajes famosos de la historieta argentina como Hijitus, Patoruz, Isidoro, Sherlock Time, Nippur de Lagash y Gilgamesh el inmortal. Entre los personajes reales que han aparecido en el cmic pueden destacarse Maradona (el mejor amigo del Cazador), Fidel Castro, el ex presidente Menem, Susana Gimenez y Mike Tyson. Por ltimo hay que mencionar la fuerte presencia de los mitos germnicos y griegos en algunos episodios. El Cazador surgi como una oposicin al cmic norteamericano y al anim japons, caracterizados por sus estereotipados personajes, defensores de la justicia, pulcros y de buen aspecto. De ah que en algunos nmeros se enfrente a personajes del mercado estadounidense como Superman y a personajes del anime como son los de Dragon Ball. Lo que diferencia al Cazador de esta clase de personajes es que a l no le interesa ser heroe, no le importa salvar a nadie, hace lo que quiere, se desquita con quien quiere. Ya sea con el chofer de colectivo que no le da las monedas del vuelto, con los borrachos que le tiran mala onda, con los funcionarios corruptos, con los cobradores de impuestos o todo aquel que venga a molestarle. Al Cazador le gustan la cerveza, las mujeres y es seguidor de Racing Club. Ms que un hroe argentino es un anti-hroe que, a causa de combatir todo aquello que agobia el da a da de los argentinos, se ha convertido en un personaje admirado y seguido por infinidad de lectores. Con cuidado aspecto grfico y mayor formato, las historias mantuvieron ese tono y temticas hasta su ltimo nmero, el 22 de diciembre de 2001. En la actualidad, la historieta argentina encuentra su lugar tanto en las grandes editoriales como en los peridicos y las publicaciones independientes.

15. La dcada del 60: la vanguardia y la diversidad en el arte


Para estudiar esta dcada en el campo poltico de la Argentina hay que separarlo en dos partes: antes y despues del golpe militar de Ongana en 1966. Los contextos polticos de la poca son de vital importancia en el desarrollo artstico. En el mundo, en pleno contexto de Guerra Fra, en 1958 acontece la Revolucin Cubana impulsada por Fidel Castro y el Che Guevara. En 1962, Estados Unidos inicia su alianza para el progreso con Latinoamrica, ayudandole con dinero destinado a fines especficos, para as conocer a los pases sudamericanos y disipar cualquier fantasma comunista que en ellos pudiera haber. En Argentina, la poltica desarrollista del presidente Frondizi se extendi entre 1958 y 1962. La falta de proteccionismo gener un flujo de capitales extranjeros que ingresaron y salieron del pas sin control. En 1963 asume el poder el presidente Arturo Illia, representante de la Unin Cvica Radical. A pesar de su honestidad y de ser una figura poltica ejemplar, en 1966 el gobierno de Illia fue interrumpido por un golpe militar que coloc a Juan Carlos Ongana en el poder hasta 1970. Durante este gobierno de facto, y por las polticas econmicas, quebraron numerosas empresas argentinas, se devalu el peso y se detuvo la inflacin congelando los salarios. Hubo una censura en el campo artstico, incluyendo actos en el Teatro Coln y en el Instituto Di Tella. Cuando el gobierno le quit autonoma a las universidades se lleg a la represin de estudiantes y profesores conocida como la noche de los bastones largos. Se produce la divisin de la CGT en dos partes. Los crecientes paros y conflictos gremiales llegaron a su pico mximo en mayo de 1969, cuando se produce el Cordobazo. Este levantamiento popular se produjo como consecuencia de las malas

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Arte, culturas y estticas polticas econmicas, y desemboc en una masiva protesta en la ciudad de Crdoba, en que los sindicatos, trabajadores y ciudadanos chocaron en conflicto con las fuerzas policiales y posteriormente militares. El Cordobazo fue un punto de inflexin en la historia poltica argentina de las ltimas dcadas. Tuvo un efecto multiplicador de manifestaciones violentas contra el gobierno militar y contra la burocracia sindical en otras ciudades del pas, y fue el punto de partida del resurgimiento de la corriente clasista en las fbricas, e incentiv el crecimiento y accionar de agrupaciones de izquierda y clulas activistas, algunas de las cuales derivaron en organizaciones polticas armadas. De tal manera ese movimiento constituy un factor determinante para el debilitamiento y la posterior destitucin del presidente de facto Ongana, abrindose a partir de all un perodo de transicin, incertidumbres y decadencia del rgimen militar. En mayo de 1970 se crea Montoneros, una organizacin guerrillera argentina que se identificaba con la izquierda peronista y que desarroll la lucha armada entre ese ao y 1976, y en menor medida hasta 1979. En el campo artstico, luego de la explosin informalista, la dcada del 60 se caracteriza por la variedad de instituciones artsticas en Buenos Aires, algunas de ellas surgidas previo al golpe de Ongana. De estas instituciones se destacan el ya clsico Museo Nacional de Bellas Artes (representante del arte oficial a los ojos del Estado), el Museo de Arte Moderno (que en la dcada del 60 funcionaba en el actual Centro Cultural San Martn) y el surgimiento del Instituto Di Tella en 1958. Como caracterstica principal de la dcada podemos decir que se institucionaliza el campo artstico, y las vanguardias se dan dentro de las instituciones en s, en la bsqueda de la construccin de un arte nuevo, de vanguardia, nacional. Se impuls una poltica desarrollista con el arte coincidente con los 150 aos de 1810, y Guido Di Tella compr numerosas obras en Europa, las cuales se sumaron a las colecciones ya existentes en el pas. Tambien hubo numerosas Bienales de arte en el territorio nacional y americano, patrocinadas por asociaciones e industrias, fomentando la produccin esttica. En el arte propiamente dicho, en la dcada del 60 se produce una divisin en dos ten dencias muy claras, de las cuales habla el historiador Arthur Danto a nivel mundial, pero tambien se aplica a la realidad nacional: - Por un lado, la llamada lnea duchampiana o post-estructuralista, que le da importancia a la reflexin sobre la realidad, antes que a la reflexin sobre el lenguaje artstico. Estas tendencias toman a la figura de Marcel Duchamp como padrino, ya que su obra signific uno de los ms tempranos cuestionamientos a la modernidad y un anlisis contextual de la realidad humana. Este conjunto de tendendias comprende en Argentina- al Arte destructivo, Alberto Greco, las experiencias del Di Tella como los happenings, la experiencia de Tucumn arde y a todo arte en el que es de vital importancia que el espectador participe activamente, dando como resultado obras de carcter existencialista. Esta lnea se caracteriza tambien por, en su mayora, esquivar a la pintura, y valerse de otros soportes y medios de expresin (collage, arte vivo, escultura ensamblada, instalacin, happening) para comunicar sus mensajes. - La otra lnea artstica es la lnea neoconservadora o de la realidad y del lenguaje. Es aquella en donde es tan importante el lenguaje artstico como tambien la reflexin sobre la condicin humana y la realidad, y se expresan mediante fenmenos simblicos de comunicacin. El espectador aqu no participa, al menos no activamente (con el cuerpo) como en la lnea duchampiana. En este conjunto de tendencias inclumos a Antonio Berni, el Grupo Espartaco, la Nueva Figuracin, el arte ptico, y el arte y objeto pop. En este caso, los artistas realizan un retorno a la pintura, y eligen ese medio para realizar sus expresiones simblicas. A continuacin destacaremos estas tendencias y artistas, dejando a Antonio Berni para el final, y as desarrollar la totalidad de su obra.

15.1. El grupo Espartaco (1959-1968)


En 1957 Ricardo Carpani, Mario Mollari y Juan Manuel Sanchez exponen juntos por primera vez en la Asociacin Estmulo de Bellas Artes. Al ao siguiente este ncleo de artistas de ampliara con la

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Arte, culturas y estticas llegada de Esperilio Bute, Juana Elena Diz, Ral Lara Torrez, Pascual Di Bianco, Franco Venturi y Carlos Sessano. En 1959, el llamado grupo Espartaco da a conocer su manifiesto. A todos los une una misma comprensin: contribuir a que el sujeto vea a travs del arte lo que el sistema le oculta. Un lenguaje nuevo es la apuesta para impactar tanto en los crculos artsticos como en los entornos fabriles. Su arte es un arte de compromiso, de acento americano en el que, mediante un lenguaje plstico ms contemporneo y que rechazaba el naturalismo, se busca la expresin simblica del trabajo y de las luchas sociales. La historia del grupo est indisolublemente ligada a la poca que le dio entidad, en donde sus trabajos hablan de un tiempo en el que las fbricas humeaban las 24 horas y los obreros peleaban por mejoras. En lo estrictamente plstico poseen una unidad esttica y realizan pinturas de grandes dimensiones, que remiten a los murales de Siqueiros. Plantean abiertamente la no-existencia de un arte nacional, puesto que culturalmente nos hallamos sometidos a un vasallaje colonial. La disolucin del grupo, en palabras de sus integrantes, fue porque paradjicamente, el grupo Espartaco ha sido institucionalizado por el sistema al que se opone por definicin. Ha sido aceptado como un grupo de pintores que es caracterizan por una forma y una temtica, cuyas obras se valoran de acuerdo con la magnitud de su habitual demanda en el mercado. En sntesis, el sistema los absorbi. Realizaron una muestra en 1968 en la Galera Witcomb una de las ms prestigiosas del circuito institucional- en la cual se despidieron como agrupacin. La figura ms representativa del grupo fue Ricardo Carpani (1930-1997). Sus personajes (trabajadores, obreros, desocupados) tienen una concepcin maciza, parecen esculturas, en un intento de reforzar la fuerza y el peso de sus labores. Parecen mirar siempre hacia el futuro de la humanidad, con miradas profundas que cuestionan al espectador. Asimismo, los elementos secundarios de sus composiciones muestran la cultura tecnificada y deshumanizada del mundo contemporneo. Carpani siempre busc los medios lingusticos para conferirle a sus personajes y escenas una mayor densidad simblica y una ptima condicin comunicativa. Estuvo vinculado a la CGT de los Argentinos y dise numerosos afiches de la organizacin, que tuvieron una notable difusin pblica, entre ellos los destinados a la huelga general del 61, el Cordobazo, y realiz ilustraciones de Eva y Juan Domingo Pern o el Che Guevara. Realiz murales en varios edificios sindicales, edit trabajos tericos y realiz ilustraciones para el Martn Fierro de Jos Hernndez. En 1961 dej el grupo Espartaco motivado por la decisin de asumir un compromiso directo con la militancia poltico-sindical. Realiz numerosas exposiciones en el exterior, incluso Europa. En 1975 se instal en Espaa y residi all durante 10 aos para luego regresar a nuestro pas.

15.2. El grupo Nueva Figuracin (1961-1966)


A fines de la dcada de 1950, en el plano artstico a nivel mundial las poticas del informalismo y del expresionismo abstracto estaban de moda. Pero de a poco empezaron a aparecer las primeras reminiscencias al pop art, y otra tendencia fue la nueva figuracin. Esta propuesta bu scaba retomar la iconicidad significado-significante en el campo visual, es decir, regresar a una representacin figurativa en la pintura. Sin embargo, no se busc citar al pasado sino que, como el nombre de la tendencia lo indica, hubo una intencin de renovar al tratamiento figurativo. La nueva figuracin conjuga, mediante la expresin, una mixtura de abstraccin y figuracin. Los elementos abstractos son tomados del en ese momento vigente informalismo: grandes empastes de materia, chorreados de pintura, collage, cdigos de los mass media. Las figuraciones y representaciones icnicas presentan distorsiones y deformaciones, y conviven en el espacio con la abstraccin informalista. La intencin era recuperar a la figura humana desde la propia indeterminacin informalista, y as superar esa tendencia. Hay una cita latente al expresionismo, pero no con una angustia directa, sino con el grotesco y el absurdo; la nueva figuracin no habla de la desesperacin sino del caos, del caos del hombre como ser vivo, y de sus oposiciones: est latente la irona de que exista el hombre rodeado de otros como l, pero al mismo tiempo aislado, solo y abandonado en el medio del vrtigo de su realidad histrica. Un caos existencial. En lo estrictamente esttico, se genera una innovacin en lo semntico de la pintura: por primera vez conviven armnicamente en un mismo 170

Arte, culturas y estticas cuadro la figuracin y la abstraccin, y las obras tienen un mensaje referente a la realidad y a la condicin humana. Como dato curioso hay que mencionar que, como sucedi tambien con el pop, la nueva figuracin se gest casi simultneamente en diversos lugares, mediante distintos autores, que en su mayora no se conocan entre s ni estaban enterados que otro estaba experimentando con una esttica y una propuesta similar. De alguna forma, este dato confirma que el artista es un espejo de su tiempo y lugar, siente y est en contacto con su realidad para representarla apropiadamente. En la Argentina la nueva figuracin cobr caractersticas locales, y el movimiento n o fue importado de afuera, sino que se gest autnomamente ac. Estuvo representada por un grupo de cuatro artistas, que en un inicio se hicieron llamar Otra figuracin: Jorge De la Vega, Luis Felipe No, Ernesto Deira y Rmulo Macci. El grupo funcion entre 1961 y 1966, y en el catlogo de su primera exhibicin (agosto de 1961) proclamaron: no constituimos un movimiento, ni un grupo ni una escuela. Simplemente somos un grupo de pintores que en nuestra libertad expresiva sentimos la necesidad de incorporar la libertad de la figura. Porque creemos justamente en esa libertad no queremos limitarla dogmticamente, esclavizndonos a nosotros mismos. No dira: Otra figuracin no es otra vez figuracin. Los hombres de hoy tienen los mismos rostros que los de ayer y, sin embargo, la imagen del hombre de hoy es distinta de la imagen del hombre de ayer. El hombre de hoy no est guardado detrs de su propia imagen (...). Creo en la revalorizacin de la figura humana, no en el retorno a la figuracin. Pese a no declararse un grupo, los 4 artistas trabajaban juntos y se criticaban continuamente, y mientras expusieron juntos sus pinturas tuvieron una unidad temtica y esttica, haciendo difcil, en algunos casos, determinar de quien era cada obra. El xito del grupo fue inmediato: entre 1962 y 1963 realizaron exposiciones en Buenos Aires (Galera Bonino, Di Tella, MNBA), Ro de Janeiro y Pars, y sus integrantes recibieron numerosos premios y reconocimientos, siendo una tendencia aceptada por la institucin-arte y por el pblico. El grupo se disolvi en 1966, pero cada artista prosigui con su propia obra...

15.2.1. Jorge De la Vega (1930-1971)


Fue el artista ms popular del grupo. Nace en San Telmo de padre pintor paisajista y madre docente, e incursiona en las artes visuales como autodidacta. A los 14 aos gan un premio en Estmulo de Bellas Artes para estudiar dibujo y desnudos. Expone individualmente por primera vez a los 21 aos, y a los 24 realiza exposiciones en Buenos Aires y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. A partir de 1960 incrementa su carrera plstica exponiendo en mltiples salones y en diversos ambientes culturales, mostrando su carcter de artista multidisciplinario. Al ao siguiente integra el grupo de nueva figuracin. En la obra de De la Vega hay unidades temticas o etapas. En un inicio se dedic a la abstraccin geomtrica, aunque solo brevemente. En la etapa con nueva figuracin toma caractersticas del informalismo y lo incorpora a sus figuras humanoides. En 1963 comenz su serie de los monstruos, en una alegora de la condicin humana. Los personajes que De la Vega aborda son seres antropomorfos o zoomorfos, esquizobestias distorsionadas, realizadas con trapos pegados, trozos de vidrio o cermicas, espejos, monedas, botones, fichas de juego e ilustraciones tomadas de revistas, todos estos elementos unidos por la pintura en la tela. De esta manera, incorpora el collage con elementos cotidianos pero que, en el cuadro, conforman una metfora del ser humano. De esta etapa son los conflictos anamrficos: pinturas o dibujos deformados, irregulares, inacabados o de forma confusa, con perspectivas oblicuas y distorsiones. Un tema recurrente en esta etapa de la obra de De la Vega es el conflicto y las oposiciones constantes: hay altos contrastes entre el relieve y el plano del cuadro, el volmen del collage y el chorreado liso, espacios en blanco que ofician como silencios en oposicin a otros cargados de materia. En De la Vega opera un guio al ya mencionado existencialismo. La obra del pintor trata, en esencia, de la situacin del hombre. En palabras del filsofo aleman Martin Heidegger, el hombre como existencia finita es tiempo; el tiempo se impone como lmite de la existencia del hombre. Con la obra de arte, el hombre se perpetua, trasciende, porque queda como testimonio cultural de su poca. De esta manera, el arte es una cuestin integral, propia del hombre, que es un ser con el mundo.

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Arte, culturas y estticas En 1965 De la Vega se instala en Estados Unidos, y all se manifiestan cambios formales y conceptuales en su obra, producidos por el impacto del pop, del hippismo, la psicodelia y del contexto sociohistrico norteamericano. La etapa pop de la obra de De la Vega incluye una nueva iconografa: figuras entrelazadas, distorsionadas como por espejos deformantes, figuras fragmentadas realizadas casi ntegramente en blanco y negro, y planos o fondos de colores saturados o psicodlicos para aclimatar las composiciones. Abandona el collage y los relieves, pero las oposiciones y altos contrastes de valores continuan presentes. Cambia el leo de su anterior perodo para ahora pintar con acrlico. Los temas abordados son tomados del mundo contemporneo amenazado por las aglomeraciones, por las multitudes de hombres y mujeres cuyos cuerpos se mezclan y deforman en una confusin constante. Estos personajes viven la experiencia de la sociedad de masas con alegra y frivolidad, sin interesarse por las amenazas de deshumanizacin y alienacin de una poca volcada hacia el hedonismo y el consumo. La imagen de esta etapa tiene una influencia y reminiscencias a la ilustracin publicitaria, la publicidad, el cine y la televisin, y en ms de una ocasin represent personajes populares. Tambien inventa una tcnica que llam efasages, en la que sobre avisos grficos y re vistas pornogrficas dibujaba con lpices de colores que borran la tinta de impresin. En 1967 De la Vega regres a Buenos Aires, donde continu trabajando con sus imgenes psicodlicas, con espejos cncavos y sus pinturas en blanco y negro. En 1968 grab su primer y nico disco como cantautor, el gusanito en persona, una placa con canciones que a primera escucha parecen infantiles, pero cuyas letras poseen en un entrelineado poltico y social comprometido con la realidad del pas y el mundo. Ese ao expone en la Galera Bonino y presenta en vivo sus canciones. En 1970 realiz una de sus ms clebres pinturas, su rompecabezas (actualmente en el MALBA), una imagen consistente de 30 paneles cuadrados de 1 metro de lado cada uno, pintados con acrlico, en blanco y negro. La propuesta era que los paneles pudieran ser combinados de cualquier manera para formar siempre una imagen con unidad y sentido. Actualmente en la pgina web de De la Vega (www.jorgedelavega.com), en la seccin de obras pop, hay un juego interactivo de su rompecabezas para que los usuarios puedan combinar sus partes y armarlo a gusto. Jorge De la Vega falleci en 1971, a la edad de 41 aos, de una aneurisma. Luis Felipe No, su compaero de frmula en el grupo neofigurativo, dijo alguna vez: Jorge siempre fue un adelantado. A nuestro tiempo, a nosotros... y hasta en la muerte se nos adelant.

15.2.2. Luis Felipe No (1933-)


Es la otra figura fuerte del grupo de nueva figuracin argentina. Casi autodidacta, amigo de Alberto Greco, otro estudioso del existencialismo sartreano. En 1961, paralelo a su presencia como integrante del grupo de nueva figuracin, realiz 13 pinturas, tituladas la serie federal. En ella, No relata la disputa histrica entre unitarios y federales en el siglo XIX argentino, y la compara con la discusin entre azules y colorados acontecida en el seno del Ejrcito Argentino luego del derrocamiento de Pern. Las pinturas de la serie federal de No tienen una lectura visual compleja y densa, los ttulos tienen referencias histricas; la pintura est ejecutada con empaste informalista, figuras tmidas y ocultas entre la pintura que se asoman, y una predominancia de los rojos y los negros, que inundan cada obra. Poco despues, No empieza a incursionar en buscar oposiciones, contrastes y tensiones. Es aqu donde comienza a desarrollar su gusto y teora por el caos. No sostiene que el caos es el nombre de nuestros temores; asumir el caos es renunciar al orden que tenemos en la cabeza. Yo quiero poner caos en el orden, para descubrir un nuevo orden, para saltar a un nuevo mundo. A partir de este momento, el caos ser una constante en el trabajo plstico de No. Caos como lo opuesto a un orden esttico e inmovil, como la fuerza creativa que asume el desafo de trastornar un sistema recibido con la ambicin de gestar uno nuevo. En su obra de 1963, introduccin a la esperanza (conocida tambien como Cristo habla en el Luna Park, expuesta en el MNBA) aparece una caracterstica muy importante del trabajo plstico de No: agrega a la distorsin de la figura el quiebre y la compartimentacin del espacio del cuadro, relacionado a su vez con el quiebre de la sociedad. Tiene otras obras de similares caractersticas (soporte 172

Arte, culturas y estticas quebrado) ya que, segn l, un solo cuadro es insuficiente para decir todo, por lo cual fragmenta en numerosos cuadritos a una sola obra, mostrando numerosas realidades parciales. No retrata en esta obra a la masa, la multitud sin rasgos individualizados, cuya identidad se diluye en lo colectivo. Una masa que levanta consignas, lderes y banderas, formas de identificacin en las que el individuo se desmarca pero no se desactiva. No es diferente a los otros artistas. l hace una narracin de nuestra historia, mostrando las tensiones y contradicciones de la misma, como ya mencionamos en la citada serie federal. Luego toca temas actuales y populares, relacionado con la poca de las movilizaciones del peronismo. Aunque l no era peronista, muestra la fascinacin que tena por la movilizacin social y, nuevamente, por el caos. De alguna forma, en introduccin a la esperanza cita a la manifestacin de Berni, a esa expresin que aparece en los rostros, expresivos y muy distorsionados. Incluso, en una de las partes de introduccin... hay un retrato de Berni con el rtulo honesto. No no solo busca renovar las formas, sino tambien los temas: no narrar la historia argentina, sino sumergir al espectador de la experiencia de sus contradicciones. En 1965 viaja a Estados Unidos y realiza una instalacin enorme que, al no poder traerla de vuelta a nuestro pas, la desarm y arroj al ro Hudson. De estas experiencias con sus pinturas de visin quebrada y algunas instalaciones, No dira: yo quera ambientar al espectador en un entorno que l no dominara, me d cuenta que fallaba al darle como punto de referencia mi yo, mi pintura, mi angustia. En 1966 No deja de pintar, y en 1969 presenta una exposicin de sus ltimas pinturas realizadas al momento, con el irnico ttulo No m pintor: liquidacin por cambio de rubro. Saldos. Sobre la pintura moderna, No reflexion diciendo que con las vanguardias se produjo una especie de striptease de la pintura: el expresionismo le quit la belleza, el cubismo desnud la perspectiva, y as. Actualmente, la pintura est en bolas, haciendo alusin a los cuestionamientos sobre si la pintura puede o no representar la vida y la realidad, y concluir que los lenguajes artsticos llegaron a una sntesis en donde ahora solo hay que volver a vestirlos. En 1975 retoma la pintura, tratando temas sobre la conquista americana y la conquista o colonizacin en la dcada del 70, con una serie llamada la naturaleza y los mitos. En 1978 consigue una Mencin de Honor en la Bienal de Tokio por un autorretrato grabado, en el que el espectador se ve reflejado en la pelada de la cabeza de No. En la ltima dcada se dedic al dibujo, acentuando el caos visual, va la representacin compartimentada, la variedad y riqueza del color utilizado y composiciones muy detallistas, en donde se entremezcla la figuracin y la abstraccin. Ademas de su enorme y vasta obra pictrica y dibujstica, Luis Felipe No ha escrito numerosos ensayos sobre arte, y es uno de los pensadores y artistas plsticos ineludibles de nuestro siglo.

15.2.3. Ernesto Deira (1928-1986)


Nacido en Buenos Aires y fallecido en Pars, abogado graduado en la Universidad de Buenos Aires, se inici en la pintura a los 25 aos. En el grupo neofigurativo, su pintura toma caractersticas expresionistas pero contenidas, y el tpico tinte informalista. Mostr en sus obras personajes desgarradores, sombros, en algunas ocasiones rostros sin ojos. Mezcla los colores dejando que ellos mismos creen las figuras. Deira se expresa a partir de la gestualidad de la pintura y manchas de color que chorrean por el cuadro conforme con su urgencia por exteriorizar la expresin primitiva e inconsciente de la condicin humana. En sntesis, parte de una mancha, y en ella encuentra la figuracin, a la cual luego se encarga de poner en evidencia. Los crticos ven en su obra un arte exasperado, de forma y no forma a la vez, de espontaneidad y vitalismo. A travs de estos conceptos, Deira buscaba transmitir la violencia que se desprenda de sus pinturas como expresin de un mundo en proceso de formacin. Posterior a la disolucin del grupo, incursiona en las exposiciones conceptuales, en las que el espacio estaba ambientado en funcin de las obras colgadas. En 1967 Deira se propuso perturbar al espectador, agobiarlo, y mont una muestra con cuadros colgados uno al lado del otro, para dar la sensacin de que las obras perseguan al visitante y lo abordaban de todas partes, para llegar a descuadricizar el cuadro. Al ao siguiente presenta una exposicin llamada rollos desenrrollados, en los que toda la sala de 173

Arte, culturas y estticas exposicin se encontraba recubierta, desde el cielo raso al piso, por largas tiras de papel en las que haba dibujado infinidad de figuras con diferentes tcnicas y medios plsticos. Posteriormente y si bien fue una constante en su trabajo- la obra de Deira se tornara netamente dibujstica. Abandonara el leo y se dedicara exclusivamente al acrlico. La figura humana sera protagonista constante de esta etapa final.

15.2.4. Rmulo Macci (1931-)


Maccio es el cuarto integrante de nueva figuracin. En l aparece, como en sus compaeros de grupo, la figura humana como centro. La obra de Macci durante la poca neofigurativa tiene como caracterstica los lmites curvos que rodean a sus composiciones. Estos ritmos elpticos y curvos, a diferencia de los otros neofigurativos, recortan la figura contra el fondo, diferenciando y limitando ambas partes claramente. Tambien hay gestualidades violentas, y el cuerpo humano fragmentado: ojos, narices, bocas y miembros salvados de la destruccin. En Macci aparecen los soportes con formas no tradicionales: el cuadro no es rectangular, sino elptico, circular u ortogonal. Luego de su incursin en el grupo, Macci se dedica al tema de los poderes y la libertad del hombre. Muestra figuras alejadas de la violencia informalista, sino que son precisas ntidas, con ojos que se multiplican, espejos que duplican la imagen, rostros que se desdoblan o se superponen como mscaras, e ironas sobre las virtualidades de la percepcin.

15.3. Alberto Greco (1931-1965)


Alberto Greco es un personaje casi mtico, su vida intensa y extremadamente breve, que a primera vista aparece como una mezcla de fe, de candor, de voluntad de poder y de impostura contribuy a crear la leyenda. Cuando se observan las fotos de sus acciones, cuando se contemplan sus dibujos y sus pinturas, cuando se estudian sus escritos, se percibe tanto la actualidad como el aspecto subversivo y radical de su obra, as como la repercusin que tuvo, tanto en el arte argentino como en el espaol. En apenas una dcada, Greco pas rpida e intensamente, casi con desesperacin, por la poesa y la pintura informalista en Buenos Aires, San Pablo y Ro de Janeiro; el vivo-dito en Pars; el teatroperformance en Roma; el Manifiesto del Arte Vivo en Gnova; los cuadros-textos y los objects vivant en Madrid; la accin de la Central Station en Nueva York; las delirantes confesiones de besos brujos en Piedralaves y el suicidio en Barcelona. Y el inventario de la breve pero catica vida, por supuesto, es incompleto. Se han contado muchas historias sobre su vida, sobre sus ocurrencias y sobre su arte. Muchas veces las versiones son hasta casi opuestas, las listas son incompletas y algunos datos estn llenos de espacios en blanco que pueden llenarse de maneras muy diversas. Pero a pesar de ello se puede intentar tratar de escuchar lo que l mismo dijo de su obra. Tambin lo que sus testigos privilegiados recuerdan, aunque muchas veces la memoria puede ser fatdicamente infiel. Nacido en Buenos Aires, la primera aparicin meditica de Greco fue hacia mediados de 1950, cuando present Fiesta, un libro de versos escritos por l, en edicin artesanal de 150 ejemplares, y que hoy pueden verse en la pgina web oficial del artista (www.albertogreco.com). Estudi algo de bellas artes, en la escuela nacional y tambien junto a Tomas Maldonado. Con apenas $3500 y un viejo ejemplar del Ulysses de Joyce, lleg en 1954 a Pars, donde improvis todo tipo de trabajos para sobrevivir: desde pintar un mural en un restaurant a cambio de comida, hasta vender empanadas criollas y hacerle retratos a los turistas. Nunca tuvo taller en Pars, por lo cual se las ingeniaba para pintar en su habitacin de hotel. Entre 1956 y 1958 se movi entre Buenos Aires, Ro de Janeiro y San Pablo. Una muestra de esta poca fue en abril de 1958 en el Museo de Arte Moderno de San Pablo, donde present el resultado de una accin consistente en bombardear con huevos rellenos de tinta china a una hoja canson de 10 metros de largo. Greco cort esa hoja en 20 cuadrados y la present en la muestra, junto a una chatarra de lata oxidada. Al volver de Brasil organiz en Buenos Aires

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Arte, culturas y estticas una muestra con obras de artistas brasileos entre los que se incluy. En 1959 se vincul con el movimiento informalista argentino. Sus pinturas se caracterizaban por las grandes superficies monocromas, texturadas, que remitan a viejos muros descascarados. Luego incursionara en pinturas informalistas oscuras, alquitranadas. Obsesionado por las calidades de la materia, expona las telas de noche, a la intemperie, para que el holln y la lluvia las cargara de fuerza. En ocasiones orin sobre sus propios cuadros, e invit a sus amigos a hacerlo, para que las reacciones de la materia enriquecieran de manera aleatoria la superficie. Greco crea en la pintura grito, la pintura vital, en la pintura como una gran aventura de la que podamos salir muertos o heridos pero jamas intactos. Tambien deca que el pintor pinta de afuera hacia adentro: ve las formas externas, las elabora con su espritu y les da vivencias especiales que escapan a la comprensin general. Greco era improvisado, impulsivo, irreverente. Su estrategia para ingresar en el espacio artstico se bas en una provocacin tan sistemtica que rebas el lmite de iconoclasia que las instituciones, e incluso los mismos artistas, podan admitir. Excludo de todas las consagraciones repartidas en los certmenes que se organizaron en 1960 y 1961, Greco pas varios meses recorriendo el interior del pas a bordo de los camiones que trasladaban las exposiciones rodantes de pintura argentina, organizadas como parte de las actividades culturales del sesquicentenario de 1810. Desde su marginacin, Greco describa con irona y resentimiento el medio artstico porteo. En palabras de Luis Felipe No, lo que Greco significaba era la liberacin del prejuicio. Por esto sus propias vctimas las cargadas de prejuicios, sobre todo sociales- eran quienes coqueteaban con l. Lo vean como un ngel liberador de los prejuicios que en definitiva los ataban a ellos mismos. En estos aos realiz algunas intervenciones urbanas en Buenos Aires (las primeras del pas), en las que empapel la ciudad con carteles que decan Greco: el pintor informalista ms grande se Amrica, o Greco, Qu grande sos!. En 1961 presenta la exposicin las monjas en la Galera Pizarro de Buenos Aires. La muestra fue intensamente publicitada por l y, en sus propias palabras, sera lo ms importante de este siglo. Greco realiz las 5 o 6 pinturas que conformaban la muestra unos pocos das antes de la inauguracin, en la baera de la habitacin del Hotel Lepanto en el que viva. En esos das previos, Greco amenaz con suicidarse, por lo cual Marta Minujn y una amiga, al ver que Greco no apareca, fueron a buscarlo al hotel. Cuando les explicaron la situacin al dueo del hotel, y ste les dej entrar a la habitacin, en el bao haba una camisa clavada contra el inodoro chorreando alquitrn y pintura colorada (...). Todo lleno de engrudo, de brea, una cosa terrible. All estaban, en la baera, los cuadros de la exposicin, todava frescos. No se haba suicidado, pero esa noche algo grave haba pasado en aquel cuarto. Las obras posean pocos elementos figurativos que apenas hacan alusin a religiosas, eran pinturas negras, dramticas, desgarradas. La que ms llamaba la atencin era la monja asesinada, una sucia camisa sujeta con clavos de herradura a un bastidor de madera, chorreada con alquitran y pintura roja, y que aluda al hbito de una religiosa. Entre otras excentricidades, Greco haca joyas, colgantes y collares realizados con clavos para herraduras de caballo, soldados con plata. Tambien confeccionaba botones de solapa con alambre de plata, dispuestos en espirales cerradas. Los haca en cualquier lado, y no era raro verlo por la calle o los cafs con unas pinzas y alambre en el bolsillo. Con esa insignia cre la Orden de Greco, que otorgaba a los elegidos por l, colocandola en la solapa de sus chaquetas. De algun modo parodiaba a la Orden del Tornillo que Benito Quinquela Martn confera, con irnico tono, a quienes les faltaba un tornillo, los locos, bohemios, escritores, poetas y pintores, entre otros. La Orden de Greco era la orden de l mismo, no representaba a nadie ms, ni a ninguna idea, y reparti las insignias entre amigos, para premiar la irracionalidad, el humor crtico y la imaginacin rebelde. En marzo de 1962 se realiz en Pars la muestra Pablo Curatella Manes y treinta argentinos de la Nueva Generacin, de la cual Greco particip. Durante la inauguracin se present como hombre sandwich, llevando un cartel con la leyenda Alberto Greco, obra de arte fuera de catlogo, y firmaba a visitantes de la muestra (una duquesa y un mendigo, por ejemplo) con un bolgrafo, avalandolos como obras de arte, y entregaba tarjetas personales con el texto Alberto Greco. Objet dart. En esa ocasin Greco present la obra treinta ratones de la nueva generacin: un recipiente de cristal, con fondo negro, y treinta ratones blancos dentro. Cada uno de los roedores llevaba el nombre de los artistas

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Arte, culturas y estticas participantes en la muestra, incluyendo a Greco, y la obra puede entenderse como una analoga de cmo los artistas interactuan dentro del sistema artstico. La obra dur un solo da en exposicin, ya que la sacaron por mal olor. No hay documentacin de ella, puesto que Greco la llev a su habitacin de hotel y la mucama, al encontrar la caja con los ratones, los tir a la calle. Es en este momento cuando se genera un quiebre en la carrera de Greco: inicia sus vivo-ditos. La accin de firmar gente se empez a repetir ms sistemticamente: sus acciones consistan en elegir una persona, lugar o cosa, hacerle un crculo con tiza alrededor, y firmarlo con su apellido. Greco, as, empieza a realizar un tipo de accin que se puede tomar como el antecedente del conceptualismo latinoamericano, siendo al mismo tiempo un ejemplo de vanguardia antiinstitucional. En este caso, lo que Greco pone en evidencia es que no es el museo o la institucin-arte quien determina qu es arte y qu no, sino el mismsimo artista... en este caso, l mismo. Cuestionado, lleno de humor, pardico o sarcstico, el vivo-dito (en italiano, dedo vivo) lo empez firmando a un escultor amigo, pero en su paso por Europa y Amrica firm ancianas, negocios de anticuarios, cabezas de cordero, vendedores ambulantes, mendigos, ciegos, campesinos, burros, lustrabotas y otros personajes. La mayora de las acciones eran realizadas en la calle y el espacio pblico, frente a las cmaras fotogrficas que documentaron esta especie de happening conceptual. Unos meses despues escribi el Manifiesto Dito dell Arte Vivo, que entre otras cosas declaraba: El arte vivo es la aventura de lo real. El artista ensear a ver no con el cuadro sino con el dedo. Ensear a ver nuevamente aquello que sucede en la calle. El arte vivo busca el objeto pero al objeto encontrado lo deja en su lugar, no lo transforma, no lo mejora, no lo lleva a la galera de arte. En 1963, con la colaboracin de dos artistas italianos, present en un teatro instalado en un garage una representacin teatral improvisada que parodiaba la crucifixin de Cristo. Tuvo que hur de Italia por blasfemo y porngrafo. Se radic en Espaa, donde hizo y document gran cantidad de vivo -ditos. En Madrid realiz un gran vivo-dito en el metro, en donde se present con un balde plstico en la cabeza, se distribuyeron recipientes con pinturas, y se despleg una tela de sbana para que la gente que por all pasaba pintara, firmara o pisara. En palabras del mismo Greco, el vivo-dito aconteci as: Lo del metro fue alucinante y termin con fuegoy todo aunque muchos no entendieron nada. Los mejores momentos fueorn la gigantesca tela-afiche pintada con el vivo-dito, luego recogida como un rollo con todos los palos y tarros de pintura y corriendo a lo loco, con esto chorreando pintura roja por todas las calles. Luego, la gente corriendo hacia atrs, delirante. Di la vuelta al ruedo, con esa especie de cadver chorreante y lleno de tierra. Los gritos segian cada vez ms. Uno de la calle le dijo a otro: esto es el twist hecho con la pintura. El twist de la pintura, al final quera atarme a m tambien a la quemazn del cadver. Cuando todo el fuego se acab escrib sobre un pedazo de tela sin quemar: el vivo-dito son ustedes; el vivo-dito somos nosotros; el vivo-dito es esto, los firm a todos juntos, trazando un crculo alrededor. Firm la aglomeracin y me fui. Instalado en Madrid, se transform en una especie de celebridad. Adquiri un espacio en las afueras de la ciudad, que oficiaba de estudio y domicilio, al que llam Galera Privada, aunque era abierto a todo el mundo, no concibiendo ni privacidad ni intimidad. All Greco pint un mural con el informalista Antonio Saura, y realiz numerosas exhibiciones y reuniones de intelectuales y gente del ambiente. Sus actos excntricos se tornaban impredecibles: el da que inauguraba una muestra de sus pinturas, public en el diario, annimamente, un anuncio que deca se necesitan nios y nias de 3 a 9 aos, que canten y bailen, para pelcula, con la hora y direccin de la galera en donde ese da inaugurara su exhibicin. Numerosos chicos vestidos de flamencos, con sus padres, se sumaron al multitudinario vernissage, que se convirti en un catico, improvisado y absurdo espectculo, en donde se realizaron numerosos vivo-ditos, coronado con la presencia de Greco disfrazado de almirante. Las pinturas de esta poca se alejaban del informalismo, y mostraban imgenes y escrituras diseminadas, inestables, fragmentarias, con una esttica que remita al graffiti callejero y la publicidad. Con letras manuscritas podan leerse letras de tango y frases que remitan a Argentina, y el siempre presente Greco como centro de la composicin. Luego de un paso por Buenos Aires y Nueva York (donde junto con otros artistas realiz una especie de rifa de llaves para abrir cofres ubicados en el metro, donde en cada uno se escondan obras de arte y objetos sin valor), en mayo de 1965 se instala en Madrid con su pareja, Claudio Badal. La posterior

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Arte, culturas y estticas separacin con su pareja desencadena su besos brujos, un manuscrito de 130 pginas, trazadas con letra de imprenta o con caligrafa ilegible, llenas de manchas de grasa, cerveza o vino, y que relatan las vicisitudes de su amor por Claudio. El libro es un collage ertico y delirante, en el cual se mezclan banales y angustiosas confesiones. All escribi ya lleg el momento de morir. De comprar esas pastillas absurdas. Aunque tengo menos ganas que ayer. Pero quiero que quede bien sentado que lo hago como resultado de mi relacin frustrante con Claudio. Aunque ya no me queda nada para dejarle. Greco puso fin a su vida ingiriendo barbitricos en Barcelona, tres meses despues de cumplir sus 35 aos. Badal, en una carta, record los ltimos momentos del pintor: encontr la puerta entreabierta y en una mesa haba muchos platos con restos de comida y botellas y en el dormitorio estaba Greco, vestido con unas bombachas turcas de color rojo y el torso descubierto, respirando apenas, con los brazos en cruz y en la palma de cada una de las manos escrita la palabra Fin con tinta. La ltima obra de Greco fue un escrito trazado sobre el frasco de los barbitricos que ingiri, en el que relata las sensaciones que senta mientras iba muriendo.

15.4. Arte cintico y ptico


Dentro de la lnea vanguardista neoconservadora tambien llamada de la realidad y del lenguaje - se puede enmarcar al arte cintico y ptico, cuyo exponente argentino ms importante es Julio Le Parc, aunque se haya radicado en Francia. El arte cintico y el arte ptico no son lo mismo. Antes de abordar la obra de Le Parc, haremos la separacin entre ambos y los caracterizaremos. - El arte cintico introduce al movimiento como parte indispensable de la obra. En el cinetismo hay un movimiento espacial, es decir, obras que se mueven en el espacio. Un ejemplo son los mviles de Caulder, que se mueven por accin del viento o el ambiente, y otro ejemplo son las construcciones en las que el movimiento est controlado/programado. - En el arte ptico lo fundamental es la luz, como acompaante de la obra. Estas obras pueden o no actuar en conjunto con movimiento, sea espacial (soporte del sistema en que se acontece la obra), lumnico (elemento material base) o temporal (elemento inmaterial que le dar durabilidad a la obra). En ambos casos, se encuentran como caracterstica comn a la periodicidad (ya sea rtmica, cintica o lumnica) y las transformaciones (como el movimiento producido por el espectador o un mecanismo interno de la obra). El tiempo y el movimiento, entonces, son parte de la obra en s misma y de su relacin con el espectador. Uno de los representantes del arte ptico es Rogelio Polesello (1939-). Orientado hacia el racionalismo herencia directa del arte concreto de la dcada del 40-, Polesello realiza, con sus obras abstractas, juegos pticos mediante composiciones geomtricas, volumtricas, planas y lineales. La geometra es uno de los elementos patrn de sus pinturas, de gran prolijidad y colorido, pero su prctica incluye tcnicas no solo pictricas, sino los lenguajes provenientes del diseo y la publicidad, campos en donde la percepcin es solicitada casi en trminos cientficos, sin que ello implique acotacin de lo creativo o lo sensible. Los rollos o cilindros de sus pinturas son como estructuras que se despliegan en direcciones ambivalentes, y el espacio en el que aparecen est definido por manchas irregulares que parecen flotar sobre superficies acuosas, que las transforma en una suerte de materia viva, algo en formacin, que induce a pensar en una geometra sensible. En sus telas se generan sitios dentro de espacios, relaciones rtmicas de recorridos y estructuras, encastres virtuales y reales, apareamiento de formas segn principios de similitud por lo general formales antes que cromticos-, que buscan entenderse bajo un criterio esttico y perceptivo. Tambien en la dcada del 60 realiz esculturas en acrlico tallado, que generan lentes distorsionantes, de manera que los objetos generan juegos pticos con el espacio que el espectador observa a traves de ellos. El mendocino Julio Le Parc (1928-) se inici en las bellas artes a sus 20 aos en Buenos Aires, previo trabajar en una fbrica de carteras y ser actor. Se dedica al grabado y la monocopia, y en un viaje a 177

Arte, culturas y estticas Pars descubre el cinetismo. En 1960 forma el GRAV (Grupo de Investigacin de Artes Visuales), influenciado por la obra de Lucio Fontana y los artistas del arte concreto-invencin, e introduce la luz artificial en la obra. La relacin luz-objeto se vuelve primordial en Le Parc. Es el nico artista argentino en tener un Primer Premio en la Bienal de Venecia, galardn que le otorgaron en 1963. En un inicio (1958-59) Le Parc se dedica a obras bidimensionales de cinetismo ptico. La modulacin de colores genera un movimiento, una ilusin ptica dada por el acto receptivo/perceptivo del espectador. Durante la dcada del 60 se dedica a realizar obras cinticas tridimensionales y proyecciones. Incorpora la luz razante, espejos deformantes, realiza anteojos con efectos pticos para los espectadores, y mviles con figuras geomtricas simples. Aqu es vital la participacin del espectador, que interviene y as fundamenta la obra. Le Parc en esta poca realiza events (participaciones callejeras), las cuales refuerzan esa relacin arte-vida que Duchamp y algunas vanguardias buscaron, en un intento de acercarse a la praxis vital de los hombres, y est tambin relacionado con la filosofa del existencialismo. Estas intervenciones callejeras como hace Greco- son arte de accin, y se ubicaran en lo que llamamos lnea duchampiana o post-estructuralista, que le da importancia a la reflexin sobre la realidad y a la participacin del espectador. De 1969 en adelante Le Parc retoma las obras bidimensionales de su primera etapa, y resuelve problemas no tratados en ese momento. Sus obras son seriadas: es una crtica a la tpica obra nica que est en el museo, y mediante la seriacin se permite llegar a ms espectadores.

15.5. El Instituto Di Tella: todo es arte


En la dcada del 60, en la bsqueda de la construccin de un arte nuevo, de vanguardia, nacional, surge el Instituto Di Tella. En 1958 Guido Di Tella crea la Fundacin Torcuato Di Tella, con diferentes centros de investigacin cientfica, cultural y artstica, entre los que se encontraban el de Teatro, Msica y Artes Visuales. En el campo del teatro, Roberto Villanueva dirigi el Centro de las Artes de Expresin Audiovisual (CEA) del Instituto. Las experiencias teatrales incluyeron por primera vez imgenes pornogrficas grabadas en video y proyectadas en el teatro. Se realizaron obras con recursos novedosos y, fiel al espritu de relacionar al arte con la vida cotidiana, hubo una indita participacin del pblico. Debutaron artistas y grupos entonces desconocidos como Nacha Guevara y Les Luthiers, entre muchos otros. En el campo de la msica, Alberto Ginastera dirigi el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM), un centro de aprendizaje y de creacin musical de relevancia internacional. Naci en 1962 y fue cerrado en 1970. A pesar de su corta vida, fue muy importante como centro pedaggico, dado que los alumnos podan tener contacto con compositores y msicos internacionales de gran prestigio, y sirvi como plataforma de innovacin tecnolgica y de creatividad. EL CLAEM tena como objetivo promover nuevas expresiones en composicin e investigacin en la msica contempornea. Un ejemplo de ello fue el laboratorio de msica electroacstica,creado en 1964, que fue pionero no solo a nivel latinoamericano, sino mundial por su actividad en los campos creativos e investigadores. En el campo de la vanguardia audivisual relacionada con la msica beat y rock, se present en 1967 el happening Beat Beat Beatles, y en el escenario del Di Tella se presentaron a los grupos de vanguardia del naciente rock argentino que cantaban en espaol, entre los que se encontraban Almendra y Manal. Tambien el conjunto de instrumentos informales Les Luthiers dio su primer recital en el Di Tella en 1969. El CLAEM y el CEA, tuvieron que cerrar sus puertas en 1970 a la reduccin de la financiacin que sufri el Instituto Di Tella durante la dictadura. La mayora de los equipos de su laboratorio fueron reciclados en un nuevo laboratorio, pero su proyeccin internacional nunca volvi a ser la misma, aunque la huella que dej la actividad creativa y pedaggica del CLAEM es profunda en la msica latinoamericana e internacional de vanguardia. En el campo de las artes visuales, el Instituto primero funcion en un piso del Museo Nacional, dirigido por Jorge Romero Brest, hasta 1963. Luego el Di Tella se desprendi del Museo, y se instal en la 178

Arte, culturas y estticas calle Florida, dirigido por el mismo Romero Brest, quien se fue de la direccin del MNBA. Desde 1960 el Instituto mont numerosas exposiciones, entre las cuales estaba la coleccin personal de 102 obras nacionales e internacionales propiedad de Guido Di Tella., y realiz cada ao el Premio Nacional e Internacional Instituto Di Tella, en donde haba prestigiosos jurados (como Giulio Carlo Argan y Clement Greenberg) y se otorgaban becas y premios en efectivo a artistas nacionales y extranjeros. Muestras y exhibiciones enviadas desde el Museo de Arte Moderno de Nueva York y de otras partes del mundo fueron colgadas en las salas del Instituto. La presencia del Di Tella en la calle Florida, con sus consecuentes controversias y conflictos, le vali a la zona geogrfica de la ciudad el apodo de la manzana loca. En 1964 se produce un quiebre: los artistas jvenes buscaron convertir sus obras en una manifestacin de lmites confusos, donde lo esttico se involucraba en lo social. El problema, entonces, era acercar el arte a la vida cotidiana. Para ello, los artistas se inclinaron a producir obras con materiales nuevos (polister, acrlico, fibra de vidrio), alejndose del clasicismo de la pintura y trabajando casi exclusivamente en obras tridimensionales. Pero estas obras no tenan una intencin de ser solo esculturas, sino de relacionarse con otros medios: teatro, cine, ballet, televisin. Se alejaron de la pintura y los medios tradicionales porque se quera innovar en el campo del arte, y stos medios ya estaban mitificados, culturalmente hablando nadie se interrogaba sobre su validez. La innovacin artstica, entonces, no solo pasaba por el contenido de lo que se deca, sino por los medios en s mismos. En muchos casos, se dio la paradoja que dira Marshall McLuhan de que el medio es el mensaje. Un ejemplo de esto fueron las experiencias referidas al arte de los medios, en las que se enviaron noticias falsas sobre supuestos happenings a numerosas revistas y medios masivos de comunicacin, que se complotaron para difundir la noticia falsa. El happening inventado, conocido como happening para un jabal difunto (1966) fue argumentado con datos tericos, detalles y fotografas trucadas, e incluy la participacin del dibujante Divito, el psicoanalista Pichon-Riviere, los escritores Dalmiro Senz y Manuel Mujica Linez, entre muchos otros, y relataba un suceso en el que participaban los mencionados, y la accin colectiva culmin con un asado de jabal, cazado por Senz. Los medios y, consecuentemente, el pblico creyeron que todo haba sido cierto, generando una catarata de comentarios incrdulos acerca del supuesto happening, hasta que finalmente los medios en donde la noticia se public confesaron haber sido todo un juego de los autores. Oscar Masotta tambien realiz el mensaje fantasma (1967), en el que mediante afiches callejeros difundi una noticia que deca: Este afiche aparecer proyectado por Canal 11 de Televisin el da 20 de julio. Ese da, en dos espacios de publicidad paga, de diez segundos, un locutor anunciaba: Este medio anuncia la aparicin de un afiche cuyo texto es el que proyectamos . A continuacin apareca una placa en la que se repetan las palabras del anuncio callejero. Las experiencias de arte de los medios tenan la intencin de producir todos los efectos de la noticia sobre un hecho artstico, difundida por los canales habituales de informacin, pero con un contenido falso. Aqu se aplica de manera acorde la frase y el pensamiento de McLuhan anteriormente citado. La ruptura de los lmites, esta falta de claridad sobre las fronteras de qu es arte y qu no hallan su origen en el ready-made duchampiano, las manifestaciones dad y frases como la de Kurt Schwitters: todo lo que el artista escupe, es arte. As, se empez a hablar de la muerte del arte, producto de esta constante falta de lmites y de la intencin de fundir el hecho artstico a la vida cotidiana. En la Buenos Aires de mediados de los 60 era impensado generar un pop art similar al norteamericano, puesto que en ese pas tom caractersticas autctonas que ac no seran vlidas. Aun as, los pop porteos se identificaron con los mass-media y la iconografa cotidiana, en ese afan de volcarse a un arte que estuviera cercano a la praxis vital del hombre. Los jvenes artistas pop que participaban en el Di Tella se negaban a ser llamados surrealistas, o pop, y cuando les preguntaban sobre el futuro de su arte proclamaban que no tiene porvenir sino presente. En 1967 el Premio Nacional del Instituto Di Tella se convirti en la muestra experiencias visuales, sin premios por pedido de los artistas. Los fondos destinados a las recompensas se dividieron en partes iguales entre los participantes de las Experiencias 1967. Participaron artistas porteos, rosarinos, marplatenses, y bonaerenses, y la intencin era exhibir a los visitantes extranjeros, crticos, marchands y

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Arte, culturas y estticas artistas, una sntesis de las tendencias principales de ese momento. Hubo proyecciones audiovisuales, happenings, performances, arte ptico y cintico, ambientaciones, pinturas y esculturas. Al ao siguiente, en las Experiencias 1968 hubo propuestas de carcter poltico, intencionalmente provocativas, que le ocasionaron problemas al instituto. Una de las obras, baos, de Roberto Plate, fue clausurada por parte del gobierno de facto de Ongana. La obra, que consista en la instalacin en la sala de una simulacin de baos pblicos, invitaba a los asistentes a escribir las paredes tal como es prctica comn en los baos pblicos. Una de las inscripciones result ofensiva a un alto funcionario militar y desencaden la clausura de esa obra, que luego fue acompaada por el retiro voluntario del resto de las obras en protesta por la censura. En 1970 el Di Tella fue cerrado por causas de carcter econmico, pero las verdaderas razones haban partido de aquella censura y clausura dos aos antes. La presin poltica del gobierno y la falta de financiamiento provoc que la manzana loca de Buenos Aires perdiera esa locura vital. Sin embargo, fue plataforma de lanzamiento de numerosos artistas. La artista plstica probablemente ms reconocida del Di Tella fue Marta Minujn (1941-). Todo es arte es una frase que bien puede sintetizar la concepcin que animaba a una creadora que se convirti en el paradigma de su generacin. Nosotros nos autodefinamos como pop. Arte popular, arte que todo el mundo puede entender, arte feliz, arte divertido, arte cmico. No un arte que es necesario entender, es un arte que es necesario gustar; que hace pop y lo entendes. Estudi bellas artes en Buenos Aires, y fue becada para estudiar en Pars. All, en 1963 realiz su primer happening, la destruccin, en la que quem todas sus obras (esculturas realizadas con cartones y colchones que recoga de los desechos de los hospitales parisinos) en un baldo, y para ello invit a diversos artistas a participar. En 1964 realiza la ambientacin revulquese y viva en el Instituto Di Tella, en la cual los espectadores ingresaban a una tienda llena de colchones multicolores, para echarse en ellos y cumplir el propsito explcito del ttulo de la obra, y as unir arte y vida. Otros happenings, sucesos y ambientaciones que Minujn realiz fueron cabalgata, un grupo de caballos con recipientes de pintura atados a sus colas coloreaban colchones, mientras un grupo de atletas reventaba globos y dos msicos de rock eran envueltos en cinta adhesiva; y sucesos, una performance con 500 pollos, mujeres gordas, bailarinas, atletas, motociclistas y otras cosas, que culmin con un helicptero que a escasa altura arroj sobre el pblico una lluvia de harina. Pero quizas la obra ms celebrada y reconocida de Marta Minujn sea la Menesunda, la cual realiz en conjunto con Ruben Santantonn, aunque ms de una vez la autora se le haya (auto)adjudicado solamente a Minujn. En esta ambientacin-happening polisensorial realizada en 1965 en el Instituto Di Tella, el espectador deba recorrer varias zonas y situaciones diferentes. En la Menesunda, a la que se acceda en grupos de 8 personas por vez luego de esperar en largas filas, se ingresaba a traves de la silueta de un hombre recortada en una cortina de plstico transparente. Despues se transitaba por un tnel de luces de nen que llevaba a un espacio con diez televisores encendidos a todo volmen. Luego se ingresaba en un dormitorio con una pareja en la cama. Otro tnel, con luces de nen y sonidos callejeros, conduca a una escalera con pasamanos de esponja y perfume penetrante, que finalizaba en una enorme cabeza de mujer, cuyo interior estaba cubierto de cosmticos. En su interior, una maquilladora atenda al pblico aplicndole sus productos. Un canasto giratorio conduca al espectador maquillado a un tnel de paredes blandas y suelo gomoso. Al traspasar una puerta se entraba en un espacio oscuro con olor a consultorio dental, en el que haba un disco telefnico gigante: para salir de la ambientacin era necesario acertar el nmero a marcar. La salida era a traves de una cmara frigorfica, con una temperatura de algunos grados bajo cero, llena de telas de todo tipo y color que cerraban el paso. Finalmente, se acceda a una cmara octogonal con espejos, que se oscureca al ingresar el visitante. De inmediato se encendan luces negras y unos ventiladores hacan caer una lluvia de papel picado de colores. Como despedida, un aroma a frituras devolva al espectador a su espacio cotidiano. En todo el conjunto se perciba cierto tono popular, en particular en la configuracin visual del contexto, en las alusiones a la publicidad barata, en los carteles de plstico, en la decoracin del gabinete de la maquilladora y en otros pasajes del recorrido.

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Arte, culturas y estticas Otras monumentales y recordadas obras de Minujn fueron el Obelisco acostado (1978) que realiz en la Bienal de San Pablo, el Obelisco de Pan Dulce (1979), la torre de James Joyce de pan (1980) y su Partenn de libros (1983), emplazado en una plazoleta de la avenida 9 de julio en Buenos Aires. Esta obra es una reproduccin del Partenn de la Acrpolis de Atenas, de 15 metros de frente por 30 de profundidad y 12 de altura, pero construido con 20.000 libros, muchos de ellos censurados por la ltima dictadura nacional. Inaugurado el 19 de diciembre de 1983, en la Nochebuena, luego de inclinarse la estructura del edificio con dos gras, los libros se repartieron entre el pblico presente y algunas bibliotecas populares. Desde 1980 Minujn realiza esculturas con apropiaciones de obras clsicas de la estatuaria grecoromana, renacentista y cicldicas. Sus obras son reproducciones en yeso pero fragmentados, desarticulados y desplazados. Algunas de esas esculturas, partidas en mltiples trozos, citan al pasado y al mismo tiempo personifica al zapping contemporneo, que fragmenta de manera frentica la informacin.

15.6. Tucumn arde


A finales de la dcada del 60, precisamente en 1968, se producen profundos quiebres para el arte argentino. Fue el momento en que algunos artistas se enfrentaron a las instituciones artsticas ms importantes de los 60 fundamentalmente, el Instituto Torcuato Di Tella-, y fue tambien en ese momento cuando se replantearon la funcin social del arte: ellos sentan que tenan la responsabilidad de colaborar en la transformacin revolucionaria de la sociedad y, para eso, deban unir sus obras a los reclamos de los trabajadores. Para muchos artistas, el arte dej de ser pintura o escultura para ser, fundamentalmente, accin. Al mismo tiempo, comprendieron que era evidente que si la vanguardia quera seguir siendo un elemento perturbador, si pretenda trastornar el orden de las cosas, no poda ya actuar dentro del marco de las instituciones. El hito artstico del ao 1968, que sirve como ejemplo puntual de esta oposicin de los artistas a la institucin-arte, fue Tucumn arde. Los origenes de Tucumn arde estan dados en su mismo contexto: en el plano internacional, Vietnam y el Mayo Francs poblaban las noticias; en el plano nacional, el Di Tella no representaba el ideal revolucionario social que muchos artistas buscaban. En agosto de ese ao, en Rosario, se realiza el primer encuentro de artistas de vanguardia que rechazan al arte de elite y al circuito propuesto por el Museo Nacional, el Di Tella y las instituciones avaladas. En ese contexto, los artistas entre ellos, cabe mencionar a Juan Pablo Renzi y Len Ferrarirealizan un trabajo logstico, una investigacin de campo de y en la provincia de Tucumn. La intencin de este trabajo de campo era obtener datos concretos para exhibir la realidad, pobreza y situacin marginal de esa provincia, y desenmascarar la falsa publicidad que los medios de comunicacin realizaban acerca de esa realidad social. En este sentido, puede decirse que Tucumn arde fue un acontecimiento esttico-poltico, en donde es practicamente invisible la lnea entre la accin artstica y la accin de denuncia humana, social y poltica. El nombre del acontecimiento surgi de los micros que llevaran a los artistas y sus obras a Rosario, que tenan pintado un gran Tucumn al costado de cada mnibus, y que momentos antes de salir algunos colaboradores del grupo intervinieron espontneamente, pintandoles un arde al costado del Tucumn escrito en cada micro. Tucumn arde se organiz en la CGT de los Argentinos, en la ciudad de Rosario, es decir, en un circuito totalmente ajeno al artstico y que ademas, al ser en la capital santafesina, se alej de las luces y el institucionalismo del circuito bonaerense. Tucumn arde fue una especie de instalacin, que alberg todo tipo de fotos, proyecciones audiovisuales, entrevistas, pinturas y documentaciones basadas en la investigacin de campo que los artistas haban realizado en la provincia de Tucumn. El pblico poda estar en contacto con la informacin y las obras, y por estar montadas en el contexto de la central de trabajadores de Ongaro, atrajo a un pblico mucho ms variado y diferente al de una muestra de arte tradicional. Desde el inicio, en que se investig la realidad escondida por los medios y el poder poltico, hasta el montaje y la presentacin, Tucumn arde es un testimonio del arte como eficacia y perturbacin, que se inicia en el campo conceptual y desemboca en el campo de accin y compromiso social. 181

Arte, culturas y estticas El grupo de artistas que integraron y dieron vida a Tucumn arde luego del evento se disolvi por la postura combativa de cada uno, que los llev a las armas, a la militancia poltica y as abandonar el arte. Es esta violencia del discurso plstico y de las acciones polticas un pequeo eco de la agresin que trazara a toda la dcada del 70.

15.7. La msica argentina a fines de los 60


Los ltimos aos de la dcada de 1960 constituyen la piedra fundacional de la msica popular argentina, con intrpretes que aun hoy perduran en el imaginario social y, en muchos casos, gozan de vigencia y salud artstica. En 1963 Sandro y Los de Fuego grabaron una serie de versiones de temas de rock clsico y beat, tambin cantadas en castellano, convirtindose en uno de los grupos de mayor xito comercial del momento. Luego Roberto Sanchez, ms conocido como Sandro (1945-2010) continuara la carrera como baladista meldico/romntico que lo llevara a la fama en toda Amrica Latina, abandonando para siempre el rock. Su tema Tengo ha sido considerado uno de los mejores de la historia del rock argentino. A partir de los aos 90 el rock nacional revalorizara a Sandro, y varias bandas incluyeron sus temas en el repertorio rockero, algunas de las cuales se volveran importantes xitos. Les Luthiers es el nombre artstico de un grupo de msica de humor compuesto originalmente por cuatro, y en la actualidad cinco miembros, que comenzaron en la segunda mitad de la dcada del 60 en la ciudad de Buenos Aires. Se caracterizan por ser msicos profesionales y por expresar un humor fresco, elegante y sutil. Tienen a gala el hacer rer con la msica pero no de la msica, con instrumentos informales creados por ellos mismos a base de materiales de la vida cotidiana. Se presentaron en el Di Tella en 1967 con el espectculo I Musicisti y las peras Histricas, teniendo un gran xito. Se presentaron asiduamente en cafs concerts, centros culturales y teatros, viniendo luego las giras internacionales. Sus espectculos mantienen un formato desde 1970: cada uno se divide en obras cmicas. Como una pequea introduccin, antes de cada pieza, Marcos Mundstock suele leer una presentacin en donde se describe la obra, y tras esta presentacin el conjunto musical ingresa al escenario e interpretan el tema. Tanto la introduccin como la obra estn llenas de humor y guios que hacen estallar la risa del pblico. Una caracterstica particular de Les Luthiers, como su nombre lo indica, es los instrumentos atpicos que utilizan. Los primeros instrumentos informales fueron relativamente simples, como el gom-horn (hecho con una manguera, un embudo y una boquilla de trompeta) y algunos de ellos nacieron como parodia de los instrumentos estndar. ste es el caso del latn (un violn cuya caja de resonancia es una lata de jamn), la violata (una viola cuya caja de resonancia es una tpica lata de pintura), etc. Con el tiempo, se incorpor como luthier de Les Luthiers el doctor Carlos Iraldi, quien investig la construccin de instrumentos atpicos movindose entre la perfeccin tcnica y la sensibilidad artstica. As nacieron artefactos tan singulares como la mandocleta (una bicicleta cuya rueda trasera mueve las cuerdas de una mandolina), el ferrocalope (un calope que funciona a vapor que pasa por silbatos ferroviarios), el bajo barrltono (un contrabajo cuyo cuerpo es un barril gigante), el rgano de campaa (un rgano que se lleva colgado de la espalda, y cuyo aire es enviado por una botas-fuelles) y varios otros instrumentos de cuerda, viento y percusin. Poseen ms de 30 shows distintos en su haber, y grabaron varios discos. La formacin original del grupo estuvo integrada por Gerardo Masana, Marcos Mundstock, Jorge Maronna y Daniel Rabinovich, y actualmente lo conforman Mundstock, Maronna, Rabinovich, Carlos Lpez Puccio y Carlos Nez Corts. Los Gatos es una de las primeras bandas argentinas de beat y rock. Formada en 1967, se la considera una de las bandas fundacionales del rock argentino, junto con Almendra, Manal y Vox Dei, y una de las precursoras del rock en espaol. Fueron tambin la primera banda argentina en componer ntegramente su 182

Arte, culturas y estticas propio material. La integraron Litto Nebbia (primera voz y armnica), Ciro Fogliatta (rgano), Oscar Moro (batera), Kay Galifi (guitarra) y Alfredo Toth (bajo). Su primer xito, la balsa, est considerado la cancin fundadora del rock argentino. Fue compuesta en la madrugada del 2 de mayo de 1967 por Tanguito y Litto Nebbia en el bao de caballeros de la pizzera La Perla del Once, ubicada en la esquina de las avenidas Rivadavia y Jujuy, en la ciudad de Buenos Aires. La letra habla de un joven que est muy solo y triste y que quiere ir a un lugar deseado (al lugar que yo ms quiera). Como a ese lugar no puede llegar caminando, precisa construir una balsa. Una vez lista la balsa, el joven promete partir hacia la locura e irse a naufragar. Como con muchos otros temas del rock & pop nacional e internacional, ha sido habitual sugerir que la balsa tiene un mensaje encubierto referido al consumo de drogas ilegales. Pero tambin es cierto que para toda una generacin de jvenes que adhirieron al sentido tico y esttico propuesto por la balsa, para quienes la cancin no estaba relacionada con las drogas, sino con la libertad y el deseo de seguir un camino propio, distinto del que haban trazado sus padres para ellos. A diferencia de lo que sucedi en el movimiento rock norteamericano o britnico, las drogas ilegales tuvieron un lugar marginal en el movimiento juvenil argentino de los aos 60 y 70, ms orientado a la revolucin sexual y a las pautas sobre presentacin personal. Como ha contado Litto Nebbia, coautor del tema, inicialmente Tanguito haba propuesto iniciar una cancin con la frase estoy muy solo y triste en este mundo de mierda. Se trataba de una expresin contundente, caracterstica del espritu del movimiento juvenil rockero en su etapa contracultural, iniciada mundialmente con msicos como Los Beatles y Bob Dylan, y con hechos histricos relevantes como el nacimiento del movimiento hippie, que instaban a los jvenes a naufragar, como bien deca la letra de la cancin. Los Gatos se separan en 1968 luego de grabar sus 3 primeros LPs, y vuelven a juntarse a fines de 1969 con Pappo como nuevo guitarrista. Vox Dei nace en la localidad de Quilmes, provincia de Buenos Aires en septiembre de 1967 al unirse Willy Quiroga (bajo y voz), Rubn Basoalto (batera), Ricardo Soul (guitarra y voz) y Juan Carlos Godoy (guitarra y voz). Tras varios shows, la banda consigue un contrato con la editora Mandioca en 1969, y comienzan a grabar lo que sera su primer single. Ese mismo ao graban un segundo simple que inclua el tema Presente, que se convertira en una de las canciones ms importantes del rock argentino, la N 7 segn la encuesta conjunta de la MTV y la revista Rolling Stone. En 1970 y gracias a la favorable respuesta del pblico graban y editan su primer larga duracin llamado "Caliente", adems para esa poca ya comienzan a darle forma a lo que sera su segundo y quizs ms recordado lbum : "La Biblia". La Biblia se termina de grabar en enero de 1971 y rpidamente es editado en forma de LP doble. El proyecto y su realizacin resultan asombrosos para el contexto cultural e histrico de ese momento. En ese momento el llamado rock nacional an se encontraba en su primeros inicios y se trataba de un movimiento incierto, casi sin acceso a los medios masivos de comunicacin. Como agravante Vox Dei era una banda recin surgida, de msicos suburbanos (Quilmes) muy jvenes, ajenos al mundo fundacional del rock argentino. Finalmente la obra se proyectaba durante una dictadura que se haba mostrado muy celosa en censurar obras de arte provocativas y en un pas catlico con gran influencia de la Iglesia Catlica, institucin que sutilmente consigui que el sello Mandioca le entregara las letras del disco para su control antes de su publicacin. Las lricas fueron aprobadas, y el Cardenal responsable del control incluso dijo: a m me hubiera costado tres horas explicar qu es Dios y vos apenas con un silogismo lo conseguiste. La Biblia es una obra conceptual casi nica en el mundo, un clsico local que permanece vigente en fogones de guitarreadas y ventas de versiones, reversiones y reediciones. Actualmente, y con algunas modificaciones en su formacin, Vox Dei contina haciendo msica. Manal fue un tro fundado en 1967, precursor del blues en castellano, integrado por Alejandro Medina (bajo, voz, teclados), Claudio Gabis (guitarra, armnica, piano y rgano) y Javier Martnez (batera y voz), considerado como otro de los grupos fundacionales del rock argentino. El estilo del tro tena sobre todo influencias de la msica afroamericana: blues, rhythm & blues, soul, rock and roll, cool jazz, bebop, y tambin de la msica rioplatense: tango y candombe. El nombre Manal, inventado por Javier Martinez durante un brainstorming, fue asumido de inmediato y en forma definitiva por el grupo.

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Arte, culturas y estticas La mayora de los temas fueron compuestos por Javier Martinez, quien tuvo la notable singularidad de ser al mismo tiempo baterista y vocalista, cumpliendo de manera notable con ambos roles. En 1969 la banda se haba presentado con mucha frecuencia, logrando una justeza instrumental notable. Con "Manal", su primer LP (1970), qued demostrado que se poda hacer blues y rhythm & blues en castellano. El disco inclua los clsicos "jugo de tomate" y "Avellaneda blues". Durante 1970 Manal alcanz su mayor popularidad, siendo seguido en sus conciertos no solo por el pblico rockero, sino tambin por los amantes del jazz, quienes apreciaban las extensas improvisaciones del tro y la sonoridad jazzstica de la guitarra de Claudio Gabis. La banda se disuelve en 1971, y se volvi a juntar 10 aos despues para una serie de presentaciones en el estadio Obras, que fueron un xito absoluto. En 1967 tambien surge Almendra, formado por Luis Alberto Spinetta (voz y guitarra), Edelmiro Molinari (guitarra principal y voz), Emilio Del Guercio (bajo y voz) y Rodolfo Garca (batera, percusin y voz). Almendra compone una poesa sensible, lrica, en un primer disco (Almendra, de finales de 1969) con gran eclecticismo de ritmos y estilos musicales, una dulce melancola propia de la ciudad de Buenos Aires. De ese disco, considerado por muchos como el mejor disco de rock nacional, pueden mencionarse canciones como plegaria para un nio dormido, Laura va y a la clsica muchacha (ojos de papel), inspirada en la relacin de Luis Alberto con su pareja de ese momento. Puede destacarse la innovacin en lo que refiere a la presentacin visual del vinilo: en la contraportada no estaban los nombres de los temas, sino una especie de cdigo que identificaba a las canciones segn su temtica. La tapa del payaso llorando con la sopapa en la cabeza fue un diseo y dibujo del propio Luis Alberto. Realizaron innumerable cantidad de recitales en vivo, entre los que se destacan los efectuados en el Teatro El Globo, el Teatro Coliseo y el Instituto Di Tella. El segundo disco de la banda, tambien llamado Almendra pero conocido como Almendra II o el doble de Almendra, sali a la venta en 1970, y aborda gran variedad de estilos, incluyendo una cancin instrumental semi-improvisada de 14 minutos, llamada Agnus Dei. Esta placa no tuvo el xito comercial del primer disco, pues constituye una coleccin de canciones de carcter ms experimental. Entre las canciones ms recordadas de el doble se encuentran rutas argentinas, los elefantes y para ir. Por diferencias internas, Almendra se separa a finales de 1970, pero de su disolucin sus integrantes daran vida a tres agrupaciones: Pescado Rabioso, Aquelarre y Color Humano. Los integrantes de Almendra volvieron a reunirse una dcada despues, en 1979-80, para hacer una gira nacional que fue editada en un disco doble, y una placa con nuevas canciones (el valle interior), siendo ste el ltimo puado de canciones compuesto por el cuarteto. Almendra puede considerarse una de las primeras bandas pop, en lo que a pblico masivo refiere, y su lirismo y potica musical es ineludible a la hora de hablar de los clsicos de nuestro rock.

16. Antonio Berni (1905-1981)


Nacido en Rosario, Antonio Berni es considerado por muchos el ms importante y completo artista argentino. Durante 60 aos se dedic a la pintura, y tambien fue grabador, dibujante, muralista, ilustrador, realiz objetos e instalaciones. De pequeo siente inclinacin por las artes visuales, y asiste a clases de vitreaux y de dibujo en Rosario, viajando desde Roldan, su pueblo. Ya de grande, Berni dira que no reconoce haber tenido maestros, si bien hubo educadores, guas y gente que le ayudaron y le dieron enseanzas.

Perodo 1920-1924: el impresionismo perifrico


Con un gran sentido de la composicin, Berni se dedica a la pintura, y con tan solo 14 aos, en 1920, realiza su primera exposicin en Rosario. En este momento de su carrera, su obra giraba en torno al impresionismo, con temas y paisajes autctonos, confiriendoles el carcter de impresionismo perifrico. Segn el propio Berni, esto se debe a que no haban llegado a l los ecos de las nuevas expresiones que en Europa se haban impuesto, y se dedica a pintar temas regionales.

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Arte, culturas y estticas Luego de tres exposiciones que la crtica halag, en 1923 Berni, de tan solo 17 aos, expone en Buenos aires en la Galera Witcomb, y en 1924 comienza sus envos de obras al Saln Nacional de Bellas Artes. En 1925, el Jockey Club de Rosario le otorg al joven Berni una beca para estudiar en Europa. All inicia un nuevo perodo en su obra, plagado de experimentacin y contacto con esos ecos que hasta el momento no le haban llegado...

Perodo 1925-1932: las vanguardias histricas en Europa. El surrealismo. La va onrica perifrica


Berni se instal en Paris, y recorri Espaa, Italia, Holanda y Blgica, pases que le permitieron conocer museos, artistas y obras de la historia del arte que fueron influenciando sus trabajos. En Francia, en 1926, se vincula con el grupo de Pars, integrado por artistas argentinos que estaban estudiando en Europa. Cabe destacar que, en este caso, la denominacin de grupo es relativa, puesto que no tenan conciencia ni intencin de integrarse como agrupacin. Lo nico que les una era la pasin por el arte moderno y el estudio de las nuevas tendencias. De los artistas que Berni conoci en el grupo de Pars se destacan Lino Eneas Spilimbergo, Raquel Forner, Alfredo Bigatti y Horacio Butler, entre otros. La caracterstica de estos artistas, y de la obra de Berni en ese momento, era el equilibrio y el orden en la composicin, con figuraciones fcilmente reconocibles. En este perodo, el estilo de Berni pasa por casi todas las vanguardias: fauvismo, cubismo, la metafsica italiana de De Chirico, y el surrealismo. Conoce a Andr Bretn y al grupo surrealista, entre los cuales estaban tambien Dal, Buuel y Marcel Duchamp. As, la obra de Berni se torna surrealista. En 1928, expondra en Buenos Aires con el grupo de Pars, y la crtica sera dursima con l, calificando a sus pinturas como un intento de surrealismo. Cabe aclarar que el recien nacido surrealismo (1924) no tena demasiados adeptos en nuestro pas, y ademas el surrealismo de Berni puede considerrselo como va onrica perifrica. Esto quiere decir que su surrealismo girar en torno a las representaciones de los sueos (como hacan Dali y Magritte, por ejemplo), pero con toques y temas personales y autctonos, dandole una identidad nica a sus pinturas. Despues de 5 aos de vivir en Europa, en 1930 vuelve a Argentina con su mujer, Paule, y su hija Lily. En estos aos, el surrealismo de Berni est en su apogeo. En sus pinturas aparecen puertas fantsticas, llaves, alfileres de ganchos, botones gigantes, tornillos, timbres y elementos descontextualizados, con tamaos enormes, imposibles. Cada una de estas pinturas encarnan un misterioso rompecabezas. En el caso de la muerte acecha en cada esquina (1932), puede verse una enorme pared con una V sobre un fondo rojo, una pesa gigante color amarillo, y la cabeza cortada de un hombre en el piso, con un edificio de departamentos de fondo. Dicha imagen se le deton a Berni luego de una experiencia que tuvo en Europa, en el hotel en que dorma. Segn cont, una noche no poda dormir y escuchaba a una mujer hablando en una habitacin cercana. l se acerc a la puerta desde donde sala la voz, y estaba entreabierta. Al asomarse, vi la habitacin iluminada tenuemente por velas, y a la mujer que hablaba, con un vestido de novia negro, estaba sentada hablandole a la cabeza cortada de un hombre, que reposaba sobre la mesa del centro de la habitacin, en una especie de ritual macabro. Esa experiencia le hizo pintar unos aos despues la obra mencionada, en la cual puede verse el hotel donde aconteci el hecho, y la cabeza del hombre. En 1932, Berni expone estos cuadros en la Fundacin Amigos del Arte, y recibe crticas duras, como su obra est fuera de la pintura y del arte. En estos aos de surrealismo trabaj junto a los artistas Battle Planas y Planas Casas. Pero al empezar la dcada infame, abandona el surrealismo, con nuevos temas en sus obras. En la actualidad, la etapa surrealista de Berni es una de las ms curiosas y cotizadas de su carrera.

Perodo 1933-dcada del 40: el realismo social y los retratos melanclicos


Cuando en 1933 el muralista mexicano Siqueiros visita la Argentina difundiendo las ideas de un arte al servicio del proletariado, Berni tom contacto con el artista mexicano y se adentr en el realismo social: trabajadores urbanos y rurales pasan a ser protagonistas de sus obras, rescatando la

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Arte, culturas y estticas representacin realista que las vanguardias haban abandonado. Los temas giran en torno a el trabajo, el hambre, la miseria, el desempleo, la manifestacin y la situacin obrera. La ideologa de Berni empieza a cobrar fuerza y a manifestarse a partir de 1933, en el contexto de la mencionada dcada infame argentina. En este momento siente la obligacin de mantener los ojos abiertos, y romper los ojos de los demas. No adhiere a ningun partido poltico, pero insista en que el arte deba generar conciencia social. Junto con Castagnino y Spilimbergo escribe un manifiesto que refiere a lo tcnico, lo metodolgico y la funcin social del arte y el mural. As, Berni se muestra solidario con las clases trabajadoras, mostrando y manteniendo un compromiso que estar presente de aqu en adelante, en su vida y su obra. En esta etapa, que tiene contacto con el expresionismo, por sus temas y personajes, y los paisajes tienen una influencia de los escenarios metafsico-surrealistas. Sus pinturas cobran un tamao enorme, casi como murales. En palabras de Siqueiros: la pintura de caballete es el pasado, el presente es el mural. Y como el gobierno nacional no permita realizar murales pblicos, las telas de Berni cobran un tamao monumental. La intencin de Berni con esto es comunicar a la mayor cantidad de personas posible y que sus obras no estuvieran encerradas en un museo, sino que circularan por las fbricas y pudieran estar en contacto con los trabajadores. De esta etapa pueden mencionarse un conjunto de tres pinturas-mural, que forman una unidad temtica: manifestacin (1934), desocupados (1934) y chacareros (1935). En ellas, pueden verse una manifestacin de trabajadores pidiendo pan y trabajo, un grupo de trabajadores y sus fami lias durmiendo en la zona del puerto, y un conjunto de chacareros y trabajadores del campo observando al espectador, respectivamente. Las tres obras miden, cada una, aproximadamente 2 metros por 3 metros, y fueron realizadas con temple sobre arpillera. Este dato tiene un fundamento: el temple es el antecedente del leo, y al no elegir lienzo y utilizar arpillera, Berni destaca indirectamente el valor del trabajo y de lo tradicional. La intencin era que las tres obras estuvieran juntas, y sean expuestas en exteriores, fbricas, plazas y lugares pblicos. Por esas ironas de la vida, con Berni ya fallecido, las pinturas fueron separadas y pertenenecen a colecciones privadas. En el caso de manifestacin, por ejemplo, se encuentra en el Malba, coleccin de Eduardo Constantini, y para poder ver la pintura hay que abonar entrada, contrario al deseo con que la obra fue concebida y obedeciendo al actual capricho del mercado del arte. De esta etapa de Berni pueden destacarse tambien las pinturas del perodo de la melancola, donde aparecen personajes solitarios, con rasgos expresionistas, bastante intimistas y sin tema social. Algunos ejemplos de este perodo son autorretrato con cactus (1934), la mujer del suter rojo (1935) y primeros pasos (1937). En esta obra puede verse la contraposicin desolacin-esperanza: por un lado Paula, su mujer, apoyada sobre su mquina de coser, con un rostro desesperanzado, y por otro lado Lily, su hija, haciendo estudios de danza, muy animada. Entre ambas, un espacio vaco, de incomunicacin, y la habitacin con una puerta que deja ver el contexto de fondo. Como ancdota, cabe mencionar que estos retratos melanclicos son admitidos en el Saln Nacional, mientras que las obras con tema social son rechazadas, demostrando as cul era la tendencia ideolgica del Saln de ese momento. Entre fines de 1941 y comienzos de 1942 viaja por latinoamrica becado por la Comisin Nacional de Cultura, para realizar estudios sobre las culturas precolombinas y coloniales. Durante la dcada del 40 recibe muchos premios por sus retratos, y encargo de diversas pinturas. Es premiado con el Primer Premio en el Saln Nacional por su obra Lily (1943). En 1945 se encarga al Taller de Arte Mural (Berni, Spilimbergo, Castagnino, Urrucha y Colmeiro) la realizacin de los murales de la cpula central de las Galeras Pacfico. Este grupo haba formado el ao anterior el taller de arte mural, y eran los principales artistas argentinos que aun defendan la figuracin. Para elaborar el proyecto de las Galeras Pacfico, los artistas realizaron una maqueta de yeso a escala, en la que se enfocaron en respetar una unidad compositiva y de color. Trabajaban en grupo en el taller de Urrucha. Pintaron las obras en la cpula con pigmentos al agua, es decir, con materiales y herramientas cotidianas. Los temas de las pinturas son mitolgicos, y en el caso de Berni su obra se ubica sobre el fragmento que da a la calle Viamonte. Su obra, titulada el amor germinacin tiene una contraposicin entre lo celestial y lo terrenal, y en l se observa a una pareja de trabajadores descansando, en un ambiente rural, junto con otras parejas y figuras alegricas. Tambien pint en otro sector de la

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Arte, culturas y estticas cpula una obra ms pequea, en la que se ven a un grupo de trabajadores cargando un tronco, y una mano gigante detrs de ellos, remarcando la vida sacrificada con un tinte surrealista. En 1946, cuando los murales son inaugurados, cada uno del grupo explic el sector que pint. Debido al deterioro de las pinturas, en 1978 el mismo Berni restaura su pintura, pero esta vez utilizando una paleta ms viva, distinta a la que utiliz en los 40. Una tercera restauracin del mural se efectu en 1991, con Berni ya fallecido. En 1949 Berni pinta el obrero muerto, una excelente sntesis del compromiso social y artstico del artista. En esta obra monocroma, se representa a un hombre fallecido, con el torso desnudo y vestido de manera humilde, tendido en una camilla, rodeado de diferentes personajes que lo llevan sobre sus hombros. Estos rostros corresponden a trabajadores y gente humilde, que portan expresiones de dolor o de rigidez. La obra tiene unos pequeos golpes de rojo, que representan la sangre del fallecido. La composicin del cuadro remite directamente al Cristo muerto de Mantegna, cuyo escorzo puede ser considerado el primero en la historia del arte. Por ende, con esta cita Berni desacraliza al Cristo, representndolo como un obrero fallecido en una manifestacin. Esto habla del sentido social que tiene el trabajador para Berni, que lo jerarquiza como Mantegna hizo con su Cristo. Al mismo tiempo, dignifica al obrero y, por ende, a lo que representa (el trabajo) dndole una categora sagrada. Berni, con su cita, realiza un puente entre dos pocas.

Dcada del 50: Santiago del Estero


En 1950 se divorcia de Paule, su mujer, y al ao siguiente se cas con Nlida Gerino, una mujer de la alta sociedad, que le da a Berni una cierta estabilidad econmica. Antonio Berni empieza a viajar frecuentemente a Santiago del Estero, a visitar a su amigo Spilimbergo. Como era su costumbre, Berni toma infinidad de fotografas: agricultores, mujeres de rasgos indgenas, hacheros, que le sirven como documento para la realizacin de sus obras. Luego, termina instalndose en dicha provincia, conviviendo con carboneros y leadores. En la etapa de Santiago del Estero, Berni realiza un arte de denuncia: aborda el tema de las migraciones de familias enteras en busca de trabajo, muestra la deforestacin y la crueldad contra la naturaleza, y exhibe la muerte en vida de los personajes. Un ejemplo de esta etapa es migracin (1953), en donde puede verse a una familia triste, demacrada, yendo en una carreta tirada por un caballo raqutico, en el camino de un bosque totalmente quemado por el sol y el fuego. De esta etapa tambien es la comida, obra que tiene un paralelismo con la ltima cena. Esta pintura es una sntesis de esta etapa: exhibir la pobreza y el hambre, con personajes desnutridos y esculidos que reflejan qu qued de la provincia, mostrando cmo viven. Se aleja de lo dibujstico y se acerca a lo pictrico. El color es terroso, con algunos pequeos acentos de color intenso. Sus pinturas son expuestas en la Galera Witcomb y en el Partido Comunista, lejos del circuito oficial, que no toleraban su postura ideolgica de izquierda.

Dcada del 60: Juanito Laguna y Ramona Montiel


A finales de la dcada del 50, Berni se interesa por la pobreza de los barrios marginales de la ciudad de Buenos Aires. Pinta una serie de paisajes con un lenguaje casi abstracto, que son expuestas en 1958. De algun modo, con los relieves, texturas y materiales que empieza a utilizar, puede conectarse con el informalismo, aunque difiere de l en un punto vital: en el informalismo la bsqueda es la experimentacin plstica y de los materiales; en Berni la bsqueda es que esos materiales esten colocados en funcin de un mensaje social en la obra. Comprometido con la realidad social de la Argentina, en la dcada del 60 Berni comenz una serie de collages figurativos que tienen a Juanito Laguna y Ramona Montiel como protagonistas. A traves de estos personajes inventados, Berni narr lo que suceda en las villas miseria. Juanito Laguna es un nio, hijo de un obrero metalrgico, que vive en una villa. A traves de su personaje habla de la pobreza, las ilusiones y fracasos de los habitantes de los barrios marginales, convirtiendo a Juanito en un smbolo. Dijo el artista: lo siento como arquetipo que es; arquetipo de una realidad argentina y latinoamericana. Lo siento como expresin de todos los Juanitos Laguna que existen. Y profundiza: Juanito Laguna no pide limosna, reclama justicia....

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Arte, culturas y estticas En el caso de Ramona Montiel, es una muchacha humilde que se dedica a la prostitucin y trata de triunfar en la ciudad. Berni la defini como un personaje de arrabal, como surgido de una letra de tango. Vive una situacin muy particular, pasa por los momentos ms duros, pero por momentos tiene una vida fcil, pasa a ser de costurera a amante de varios individuos. Berni incorpora a sus collages, cada vez con ms intensidad, objetos y materiales de desecho, en una especie de reciclaje, dndole utilidad a algo aparentemente inservible. Sedas chillonas, puntillas de plstico, encajes y molduras, junto a otros materiales, constituyen el entorno de Ramona y le otorgan relieve a las obras. En Ramona aparece el problema del cuerpo: la culpa y sus pesadillas se manifiestan por ello. En esta poca realiza los monstruos, esculturas hechas con desechos, que poblaban las pesadillas de Ramona Montiel. En sus collages, Berni no pinta el entorno, sino que lo hace corpreo, pegando o clavando elementos que el artista juntaba personalmente en aquellos barrios, donde se arrojaban los desechos de la gran ciudad: latas, botellas, cartones, chapas, maderas, plsticos, hierros, telas, zapatos, juguetes, papeles, seales de trnsito, etc. De esta manera, le otorga un carcter casi testimonial a la obra, que nos acerca la realidad de una manera ms expresiva, y valoriza a los desechos de la sociedad de consumo como obra y testimonio de la realidad social. En este sentido, difiere del pop art norteamericano, que mostraba objetivamente los conos y desechos de la sociedad de consumo. Berni, en cambio, los utiliza como un sutil pero acusador recurso, que respaldan su obra y le dan una fuerza conceptual especial. En este sentido, y a partir de la dcada del 30 y el resto de su carrera, Berni permanecer ajeno a los grupos, vanguardias perifricas y tendencias artsticas que se dieron en nuestro pas, realizando una bsqueda nica y plenamente personal. Juanito y Ramona fueron llevados tambien a la tcnica del grabado, y por ellos Berni recibi el Gran Premio en la Bienal Internacional de Venecia, en 1962. Si bien ya haba comenzado a utilizar esta tcnica en la dcada del 20 en Paris, es a partir de los 60 cuando ms la desarroll. Las primeras xilografas de Juanito eran en color y de gran formato. A los tacos de madera de las xilografas tradicionales incorpor cada vez ms, al igual que en sus collages, telas y objetos que quedan marcados sobre el papel, dandole a los grabados gran juego de tramados y formas, creando una nueva tcnica que el mismo Berni llam xilo-collage relieve. Cada estampa impresa de este tipo de grabados requera, al menos, entre 6 y 8 horas de trabajo, puesto que los enormes relieves perforaban el papel y deba ser reconstitudo en el momento, con pulpa de papel. Dira Berni, sobre su tcnica: un artista que siente que las sustancias clsicas, sus sistemas de empleo y los temas en boga no le alcanzan para dar densidad expresiva, echa mano de otros recursos que por su novedad pueden servirle para dar una fuerte imagen del mundo buscado. As, utilizando el grabado y sus personajes, Berni enfatiza la comunicacin de sus obras, gracias a la multiplicidad de estampas que permite la tcnica. Tanto en Juanito como en Ramona aparecen los excesos y lo grotesco, propio del ambiente en el que los personajes se desenvolvan, y que Berni supo destacar y exhibir con total soltura y cdigo visual. As, los personajes cobran vida y son la cara de miles de realidades annimas.

Dcada del 70: obras alegricas y religiosas. ltima etapa.


En los aos 70, residiendo y trabajando entre Pars y Buenos Aires, Berni se enfoca principalmente en la escultura y en la pintura. Es en esta etapa cuando descubre el acrlico, por lo cual gran parte de sus pinturas son ejecutadas con este material pictrico, en vez de leo. En 1976 realiza la instalacin de la Difunta Correa, el personaje milagroso que es venerado en todo el pas con ofrendas y botellas de agua, recordando su muerte a causa de la sed en el desierto sanjuanino. Segn la leyenda, aun muerta la Difunta Correa mantuvo vivo a su hijo amamantndolo. La obra de Berni, realizada con pintura, collage y elementos a su alrededor, remite a la disposicin de un altar. En la pintura en s, puede observarse a la Difunta Correa fallecida, y el nio amamantndose es un beb de plstico, adherido a la pintura. Completan la obra un conjunto de botellas, una guitarra y fotos alegricas, que estan dispuestas alrededor de la pintura constituyendolo como un verdadero altar. En la actualidad, dicha obra es propiedad de Amalia Lacroze de Fortabat, y puede verse en su museo previo pagar una entrada- en Puerto Madero. Ademas de la Difunta Correa, Berni pinta otras obras de carcter religioso, tales como Apocalipsis o la Crucifixin, murales que fueron donados a la capilla del Instituto San Luis

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Arte, culturas y estticas Gonzaga, de la ciudad de Las Heras. Dice Berni sobre la ltima obra mencionada: es el Cristo que ha bajado a la Tierra en medio de los hombres. Yo he querido darles a las imgenes la idea del dolor humano por el sacrificio, pero los personajes son de todos los tiempos. Es tambien de esta poca el actualmente robado Cristo en el garage, y otros Cristos en habitaciones vacas. De alguna forma, con estos Cristos y los temas religiosos que abord al final de su vida, aparece en sus obras la indignacin moral y la impotencia que abrumaban a Berni. Tambien habla cada vez ms de la muerte, como anticipandose a lo que se avecinaba. Continu trabajando y exponiendo hasta el fin de sus das. La ltima escultura que realiz en su vida, la partida de Fierro, que hace referencia al mtico personaje de Jos Hernndez, est emplazada en la Plaza Kennedy, en San Martn. Completan su vasta y polifactica obra trabajos escenogrficos para teatro e ilustraciones para libros, ademas de los artculos periodsticos y las conferencias sobre arte que hacen de Berni, quiz, el artista ms completo del arte argentino. El 13 de octubre de 1981, a los 76 aos, Berni fallece en Buenos Aires. Aun no est esclarecido el verdadero motivo de su muerte. Hay versiones que dicen que falleci en un accidente domstico en su taller, otras que muri atragantado por un hueso de pollo comiendo en un restaurant. Los ms aventurados apuntan a la mala prxis. El artista sanmartinense Adrian Giacchetti, durante los ltimos aos de su vida, se dedic a estudiar y rearmar los pasos que Berni dio en el ltimo ao de su vida, pero su proyecto, que iba a tener forma de libro, qued trunco. Dijo Berni, seis aos antes de su muerte, en un reportaje: la muerte es un hecho natural. Un da va a entrar por la puerta de mi taller y yo no lo voy a impedir. Seguir pintando. Que me lleve con el pincel y el caballete, si quiere. Alguna vez expres: Siempre he sido movilizado por el amor; sin amor no hay Arte. Sin duda, el amor por el hombre, el amor por la justicia y la libertad, fueron los grandes motores de su obra.

17. La dcada del 70: la violencia del discurso plstico


En el aspecto poltico, social e histrico, la dcada del 70 es de vital importancia en el desarrollo de un arte nacional. En 1970 se funda Montoneros, una organizacin guerrillera de la izquierda peronista, y que en un inicio recibi apoyo del Pern exiliado. En 1972 Pern regresa de su exilio, y luego de las elecciones de 1973, que gan el candidato peronista Hctor Cmpora, ste ltimo renuncia para hacer nuevos llamados a elecciones, que gan Pern, quien en un inicio no pudo presentarse a elecciones ya que el gobierno militar de la Revolucin Libertadora no se lo permiti. Pern muere en ejercicio del poder, en 1974, y su esposa Mara Estela Martnez de Pern, quien era vicepresidente, asume el cargo. El pas vive continuos enfrentamientos entre grupos paramilitares de la extrema izquierda y la extrema derecha (como el grupo terrorista Triple A), y una profunda crisis econmica y partidista, lo cual desemboca en el golpe militar del 24 de marzo de 1976, impulsada por los generales Videla, Massera y Agosti. El Proceso de Reorganizacin Nacional llev adelante una guerra sucia en la lnea del terrorismo de Estado que viol masivamente los derechos humanos y caus la desaparicin de decenas de miles de ciudadanos. Internacionalmente, la dictadura argentina y la violacin de derechos humanos cont con el apoyo activo del gobierno de Estados Unidos y la tolerancia de los pases europeos, la Unin Sovitica y la Iglesia Catlica, sin cuya inaccin difcilmente hubiera podido sostenerse. Asimismo, en ese momento se instalaron con apoyo estadounidense dictaduras militares en todos los pases de Sudamrica (Argentina, Brasil, Bolivia, Chile, Paraguay, Per y Uruguay) que coordinaron entre s y con Estados Unidos la represin, por medio de una organizacin terrorista internacional denominada Plan Cndor. En materia econmica, la dictadura entreg formalmente los ministerios econmicos a las asociaciones empresarias ms conservadoras que impulsaron una poltica econmica abiertamente desindustrializadora y neoliberal, con mxima expansin de una deuda externa contrada de manera fraudulenta y mediante mecanismos de corrupcin, en beneficio del sector privado. La ltima dictadura militar argentina, que se extendi hasta 1983, mantuvo una poltica de exterminio ideolgico sin precedentes, por lo cual muchos de los

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Arte, culturas y estticas portavoces de ideales contrarios a la junta militar tuvieron que exiliarse, trabajar desde la clandestinidad, o bien fueron desaparecidos. Luego de la fiesta de los sesenta, con las experiencias del Instituto Di Tella, el happening, el pop art, cierto clima irreverente y ldico, la dcada del 70 instaura un clima poltico y social complicado para nuestro pas. Esta realidad no permanece ajena a los artistas, quienes deben elaboran una identidad espejo de la poca, acorde a la nueva realidad, oficiando de observadores y comunicadores de su entorno.

17.1. Len Ferrari (1920-)


Uno de los personajes ms interesantes de la escena artstica nacional, desde la dcada del 60, es Len Ferrari. Hijo de un constructor y pintor de Iglesias, en un inicio, durante la dcada del 40, Ferrari se dedic a la pintura al leo. A mediados de la dcada del 50, en un viaje a Italia descubre el valor plstico de la cermica, con la que empieza a experimentar. Asimismo, en 1955 comienza a hacer sus esculturas de alambre: manojos enredados de fino alambre, como si fueran estropajos. Esas impenetrables esculturas, que incorporan al aire y al espacio vaco como parte de ellas, son adaptadas por Ferrari en el plano bidimensional, llegando as a sus manuscritos abstractos, a partir de 1962. Los finos alambres enroscados en las esculturas aparecen aqu como lneas que se entrecruzan, generando tipografas ilegibles. Ferrari, tanto en escultura como en dibujo, destaca el valor de la lnea como elemento plstico. De estos textos ilegibles se destacan las cartas a los generales, de 1963, manuscritos que no pueden leerse y que Ferrari dedica al poder militar. Estas metforas, estas ironas, amparadas en signos plsticos abiertos seran una constante en su obra. En 1965 Ferrari comienza a trabajar con montajes anacrnicos. Lo de montaje refiere a la idea de assemblage: juntar 2 o ms objetos para constituir uno nuevo; lo de anacrnico refiere a que esos objetos que se relacionan provienen de pocas o contextos histricos distintos. Mediante sus anacronas, Ferrari muestra un dilogo, una similitud entre diferentes culturas. Generalmente, y como en gran parte de su obra, el artista involucra a la poltica, la religin y el arte, buscando hacer una crtica al poder absoluto. Una de las obras ms emblemticas de este perodo es la civilizacin occidental y cristiana, de 1965, un assemblage que muestra a un Cristo de santera crucificado en un jet bombardero norteamericano. As, Ferrari realiza una anacrona entre la Iglesia y el poder militar de occidente, puntualmente el de Estados Unidos. El collage, tanto bi como tridimensional, ha sido uno de los recursos ms explotados por Ferrari. En 1967 realiza collages de fotos y palabras, en sus palabras ajenas, tomando pasajes de la Biblia, encclicas y noticias de actualidad. En 1976 realiza una serie de collages llamados nosotros no sabamos, en donde opone los hbeas corpus (garante de la libertad personal del individuo, con el fin de evitar los arrestos y detenciones arbitrarias) de los desaparecidos por la dictadura argentina, con fotos de cuerpos mutilados. As, el arte de Ferrari toma un fuerte compromiso poltico y social de denuncia, hasta que su hijo Ariel es tomado prisionero y asesinado por la dictadura. Hasta 1983, Ferrari no aborda ms el tema poltico en sus obras. En 1985 presenta una reproduccin de El Juicio Final, de Miguel Angel, defecado por palomas. Ferrari coloc la reproduccin en el piso inferior de una jaula llena de palomas, y entre ellas y la imagen de Miguel Angel coloc una placa de metal con una cruz calada. De esa forma, Ferrari expuso el conjunto, y durante un perodo de tiempo las palomas defecaron, dejando pasar sus excrementos a traves del calado, por lo cual, sobre la reproduccin de la pintura, qued una gran cruz pintada con los desechos de los animales. No fue la nica vez que Ferrari hizo participar a animales vivos en sus obras. Una obra en la que coloc una gallina en una balanza, tambien para que la defeque, fue motivo de protesta por parte de la Sociedad Protectora de Animales, quien le envi una carta para que haya justicia para el animal. Ferrari respondi la carta cambiando la palabra justicia por autocensura, y la incorpor al conjunto final de la obra: la balanza defecada, la gallina embalsamada (fallecida por causas naturales) y las cartas entre l y la Sociedad Protectora. Si bien Ferrari es un personaje controvertido, sus obras son metforas que muchas veces fueron denigradas por organismos fundamentalistas con comentarios extremos. En todo caso, 190

Arte, culturas y estticas Ferrari siempre supo poner de manifiesto los mecanismos de poder de las instituciones polticas y sociales, muchas veces autoritarios, con ejemplos que en muchas ocasiones le tocaron de cerca. La mujer es otro tema que Ferrari aborda en su obra. La violencia y los asesinatos realizados sobre el gnero femenino durante los 400 aos de la inquisicin le sirvieron de tema para elaborar otra serie de trabajos. En 1997 realiza su serie braile, Ferrari escribe poemas de amor sobre fotos y esculturas de mujeres, en escritura braile. Durante la dcada del 2000 retorna a sus montajes anacrnicos, pero en este caso trabaja con los mimetismos: el Cristo crucificado aparece camuflado entre un estampado verde militar. En esta etapa, le interesan los elementos kitsch propios de los todo por $2, y el montaje con rejunte de elementos variados, mostrando la variedad y el colorido de la posmodernidad, pero con un tono crtico: soldaditos de plstico, armas, aviones y elementos que entremezclan lo ldico y lo violento. Teniendo en cuenta la descripcin de sus principales obras, entonces, podemos asegurar que en Ferrari hay 2 vertientes principales: la figurativa, dada por sus montajes anacrnicos y series de collages, y la abstracta, dada por sus esculturas de alambre y sus manuscritos ilegibles. Pero en ambos casos, sus obras poseen una naturaleza conceptual, una bsqueda de transmisin de mensaje. Como Ferrari la describe, su obra gira en torno a el arte de los significados, y es tan potica como poltica. Como reconocimiento a su extensa y comprometida trayectoria, Ferrari recibi en 2007 el Len de Oro en la Bienal de Venecia, uno de los mayores galardones que pueden otorgrsele a un artista plstico. A fines de 2004, Len Ferrari realiz su Retrospectiva. Obras 1954-2004 en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, pactada entre el 30 de noviembre de 2004 y el 29 de enero de 2005. Nunca antes una exhibicin haba suscitado debates o expresiones pblicas capaces de afectar esferas tan diversas (artstica, religiosa, poltica, jurdica). El impacto que inicialmente produjo la exposicin fue diferencindose en distintas problemticas relativas a los lmites del arte, la libertad de expresin, la relacin entre la cultura y la Iglesia, entre sta y el Estado, la financiacin de la cultura y la responsabilidad de las instituciones pblicas. Excedi su mbito especfico e intervino en otras agendas que, en ese mismo momento, estaban en debate (la ley de educacin sexual, la legalizacin del matrimonio homosexual, las campaas de prevencin del sida) y que no solo involucraban las polticas pblicas del Estado, sino tambien las posiciones sostenidas por la Iglesia. Asimismo, la muestra habl de las posiciones acerca del lugar del arte y consideraciones sobre las distintas concepciones del hecho artstico. Pero antes de proseguir con el anlisis, cabe mencionar qu se expuso y qu sucedi en la retrospectiva de Ferrari. Las obras expuestas comprendieron el perodo de produccin 1954-2004, descripto anteriormente. De hecho, todas las obras mencionadas en este apartado sobre Len Ferrari fueron expuestas en la retrospectiva en cuestin. Bsicamente, las imgenes que ms impacto causaron fueron las palabras ajenas y sus ideas para infiernos, en las que Ferrari somete a imgenes de la santera catlica a los mismos tormentos que se anuncian para los pecadores e incrdulos. Reproduzco la idea de infierno, pero en lugar de hacerlo con las personas comunes, lo hago con los propios santos que abonaron la idea de infierno, declar Ferrari. As, aparecen imgenes de Cristos de plsticos metidos en tostadoras, o un conjunto de santos en una sartn, o una Virgen en una licuadora. Ferrari presenta estas series como una investigacin sobre la conducta de los dioses bblicos y la violencia contenida en las pginas de las Sagradas Escrituras, y para ello parte de imgenes clebres y consagradas de la historia del arte y la cultura, las cuales utiliza para representar la violencia en sus distintas articulaciones dentro de la cultura de Occidente. A la luz de tan provocativas obras, hubo amenazas de bomba, actos violentos de personas aisladas o grupos que al grito de Cristo Rey rompieron obras y alteraron el orden pblico, lo cual llev a que el Poder Judicial clausurara temporalmente la exhibicin. Lo que la retrospectiva de Ferrari dej en tela de juicio fue el problema de interpretacin. Palabras como libertad, discriminacin, responsabilidad, censura u orden pblico son trminos cuyo significado (y consecuente instrumentacin) no es fijo, sino que vara de acuerdo con el que previamente les atribuye quien los usa. Entonces, el sentido que se concede a cada trmino incide en la definicin de los otros, y tal relacin es de orden ideolgico. Un hecho visible, que se torn particularmente visible durante la exhibicin, es que no hay una forma nica de entender qu es la

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Arte, culturas y estticas cultura en democracia. Tambien destaca el hecho de que conceptos como libertad de expresin u orden pblico, que se pronuncian con el fin de alinear voluntades, deben ser considerados en sus contextos de enunciacin, ya que stos permiten analizar ideolgicamente qu forma de democracia implican y, en consecuencia, demostrar que cada concepcin est vinculada a un sistema de valores y a un punto de vista que representa a un sector de la sociedad. Por ltimo, es importante sealar que el anlisis del uso de cada uno de estos conceptos hace evidente que el valor que se les asigna depende de la competencia intelectual de quien los utiliza. Palabras como discriminacin, responsabilidad, censura u orden pblico, enunciadas como trminos de autoridad, no tienen un sentido definitivo. Se puede argumentar sobre lo que representa la libertad de expresin, pero no demostrar en forma absoluta cules son o deben ser sus lmites. Esto no es diferente de lo que sucede con la calidad artstica de una obra, sobre la que puede argumentarse persuasivamente tanto en un sentido como en otro completamente contrario. El juicio esttico es histrico y, en definitiva, subjetivo. Las instituciones que exhibieron la obra de Len Ferrari conocan sus aspectos polmicos y, en este sentido, tomaron decisiones acordes con la responsabilidad que implicaba exponerla. De algun modo, la confrontacin tambien se dio porque, a metros del Centro Cultural Recoleta, est erigida la Iglesia del Pilar, institucin que de alguna manera vela sobre el contenido moral que puede exhibirse a su alrededor, incluyendo los salones del Cultural Recoleta. Hubo recursos de amparo que se elevaron a la jueza Liberatori, quien en vez de pedir que se retiren las obras que contenan los 51 insultos a Jesucristo, 24 a la Virgen Mara, 27 a los ngeles y santos, 3 directamente a Dios y 7 al Papa , decidi clausurar la muestra. All, se involucr el Poder Judicial, y nuevamente se entra en debate acerca de la libertad de expresin, lo cual lleva a preguntarse qu es ms relevante para quienes sostienen el valor de la democracia: si la libertad de expresin o la armona del orden pblico. No hay acuerdo nico sobre este punto. Sin embargo, la libertad de expresin es un valor que todas las partes sostienen y dicen defender. El cierre dispuesto por la jueza desencaden mayores expresiones pblicas de rechazo hacia su decisin que aquellas en contra de la muestra que se haban realizado. En sntesis, dicho cierre no contribuy a mantener el orden pblico, sino que tuvo el efecto de alterarlo aun ms. Llegados a este punto, es necesario formular una pregunta que recorre distintos discursos sociales y, con particular nfasis, aquellos sobre el arte: Debe gozar el arte de una completa libertad, o estar sujeto a algn lmite? A partir de la modernidad, el arte se independiz de la esfera del Estado y de la Iglesia, y as sus lmites y formas de organizacin dependen de sus actores, de su propio funcionamiento, y no de lo que establezcan otros poderes. Que esta independencia es relativa y no absoluta qued demostrado en este caso, en el que fue la justicia la que cerr y luego reabri la exposicin. Cmo se regulan los lmites del arte en el interior del campo artstico? Son los museos, los crticos, los historiadores, los propios artistas quienes han de determinar qu se debe y qu no se debe exponer? Es inherente a la expresin creativa la posibilidad de romper con los lmites de lo establecido. Desde esta perspectiva, la creatividad artstica desempea un papel central en la transformacin de la sociedad, de las creencias de los principios constitudos. Los temas que Ferrari aborda en sus obras no representan solo su pensamiento. Como l mismo seala, sus opiniones acerca de la religin coinciden con autores como Antonin Artaud, Sigmund Freud, el Marqus de Sade o Jos Saramago, entre otros. En un sentido general, la produccin de Ferrari se encuentra estrechamente ligada a la tradicin del dadasmo y del conceptualismo poltico como estrategia del arte conceptual. Ferrari presupone que su trabajo causa un shock. Ese efecto, podra decirse, es parte de los dispositivos de sus obras. Es una estrategia de provocacin que no est al margen de las tradiciones de las vanguardias histricas. La obra de Ferrari compromete cuestiones morales y frente a ella es imposible permanecer en un estado contemplativo como el que nos propone, por ejemplo, una obra de abstracto. Esta polmica forma de presentar el arte nos interpela, nos lleva a tomar una posicin ideolgica, requiere nuestra opinin. La retrospectiva de Ferrari no solo fue el homenaje a un artista extraordinario y el reconocimiento de su obra, sino tambien un hecho artstico colectivo, en el que gran parte de la sociedad particip de la compleja tarea de establecer y sostener el sentido de la cultura en democracia.

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17.2. Juan Pablo Renzi (1940-1992)


Uno de los pintores ms interesantes y comprometidos polticamente es Juan Pablo Renzi. En una autobiografa manuscrita de 1989, Renzi dice: toda historia tiene un comienzo, generalmente implica fecha y lugar de ese principio. Pero una historia personal, autobiogrfica, no solo es el recuento preciso de datos, sino, tambien, una proyeccin de deseos hacia el futuro y hacia el pasado- (...). La fecha de nacimiento es tan azarosa como el lugar en que uno lo hace. En mi caso, como artista, como intelectual, me ha permitido participar como joven en la dcada del 60, como descredo en la del 70 y como pude en la del 80. Nacido en Casilda pero instalado en Rosario, Renzi inici su carrera estudiando con un pintor anarquista como pintor de influencia expresionista e informalista. Para 1966, ademas de retratos y autorretratos, algunos de sus temas ms comunes en esta poca fueron las nubes y la desmaterializacin del agua: aparecer como slida, lquida y gaseosa. Ese mismo ao pinta un homenaje a la habitacin roja de Matisse, en la que el cuadro est compuesto por una tabla vertical, y otra en diagonal, como una especie de techo de la tabla inferior. As, ya se empieza a perfilar como un artista que no suscribe al tpico cuadro de caballete. De 1967 son sus representaciones de la forma y el volmen del agua y las nubes: estructuras de aluminio que simulan ser charcos, la superficie cbica a escala de un lago, un gran cubo de hielo o nubes slidas. Otras obras hablan de los estados de la materia y sus cantidades: en 1000 litros de agua y 1000 litros de aire intercambiables Renzi dispone 100 baldes de plstico vacos, de 10 litros cada uno, junto a un tanque de agua cerrado de 1000 litros. Supuestamente, dentro del tanque haba 1000 litros de agua, que podan intercambiarse por el aire en los baldes, llenando a estos de agua. Renzi hace una observacin del volmen de la materia, del tiempo y de las posibilidades del agua. Tambien present, en 1968, una instalacin llamada agua de distintos lugares del mundo, donde coloc en la sala de exposicin 52 botellas llenas de agua, con etiquetas adheridas que identificaban las procedencias del agua: de Ro de Janeiro, Salta, Nueva York, Ibiza, etctera. La propuesta era presentar una informacin falsa, con la imposibilidad de comprobar su superchera. Incursion en el minimalismo y el arte conceptual. Su obra materializacin de las ordenadas espaciales de un prisma de aire, de 1967, consta de una estructura cbica de hierro, de 250 cm de altura, ancho y profundidad. En concreto, es un cubo vaco, de marcado tinte minimalista. En la ficha tcnica de la obra, Renzi indica que los materiales que lo componen son hierro y aire, vinculandolo al vaco como parte de la obra. El espectador poda ingresar en el cubo y penetrar su espacio, su aire, incorporando as el dato participativo y conceptual en la obra. Otras acciones de Renzi se fundamentan ms concretamente en el arte conceptual. El 21 de septiembre de 1967, por ejemplo, mediante radio y televisin emiti un mensaje que, en definitiva, era la obra- en la ciudad de Rosario: el pintor Juan Pablo Renzi los invita a participar de una accin conjunta llamada Simultaneidad total. Hoy exactamente a las 13 horas, abra la canilla de la ducha del bao de su casa y observe caer el agua durante diez minutos. En ese momento, el pintor y muchas personas ms, simultneamente, estaran haciendo lo mismo que usted. Una de las caractersticas ms notables de la obra de Renzi es que l dej instrucciones, planos y diagramas, e incluso explicaciones de cmo deban ser montadas sus obras. Es decir: no importa la obra por sus resultados materiales, concretos, sino la obra como una eficaz transmisora de ideas. Su realizacin prctica, entonces, puede estar en manos de cualquiera que siga las instrucciones. Testimonio de ello han sido las retrospectivas de obras de Renzi que se hicieron despues de su muerte, en las cuales se montaron estas instalaciones, siendo la ltima realizada en el espacio de la Fundacin Osde, en la ciudad de Buenos Aires, entre noviembre de 2009 y febrero de 2010. Lo que trasciende es la idea, el concepto del artista, ms all del montaje material en s. Renzi form parte de un grupo de vanguardia de la ciudad de Rosario, que en un inicio fue patrocinado por el Instituto Di Tella, organismo del cual abruptamente se opondran, como as a cualquier tipo de institucionalismo en el arte. En consonancia con esa idea, con su grupo escribi un manifiesto golpeando a la cultura mermelada, que deca: en nuestra ciudad existe un tipo de manifestaciones cuyas caractersticas conforman lo que denominaremos de ahora en adelante cultura mermelada. Esta se expresa cotidianamente como obstculo y freno de la labor creadora (...). Utilizan formas y esquemas convencionales, tratando en lo posible de oficializarse, contando para ello con la complicidad de 193

Arte, culturas y estticas entidades socio-culturales y de cierto pblico que alienta y aplaude todo lo que se produce para su halago y evita encontrarse con obras que conmuevan sus prejuicios o le produzcan emociones profundas. La emocin mermelada es falsa, superficial, almibarada y slo alcanza el escaso nivel del sentimentalismo. La idea de vanguardia est muy presente en el pensamiento de Renzi.Cuando los grupos de vanguardia de Rosario y Buenos Aires nos juntamos a discutir cual era el camino a seguir, detectbamos dos cosas: una, que no podamos seguir trabajando con las instituciones tradicionales, incluso tradicionales a la vanguardia; y tambien visualizbamos la potencia particular de juntar esos dos trminos: la vanguardia esttica y la vanguardia poltica. La ideologa revolucionaria de ese momento (1968), generalmente el marxismo, coincidente con ciertas posiciones como las del Mayo Francs o como la Revolucin cubana, que creaba la idea de revoluciones puntuales en Latinoamrica, esto es, la actitud de vanguardia poltica, y por otra parte, la forma vanguardia esttica, juntas, creamos que un punto muy importante, que no tenan por qu estar separadas. Eso era lo que nos diferenciaba de la primera vanguardia del Di Tella, la ms asociada con el pop, en el sentido de que ellos pensaban que se poda ser de derecha y de vanguardia. Nosotros sostenamos que no se poda pensar de derecha y de vanguardia, y ademas, si se era de izquierda eso se tena que hacer explcito tambien. Las palabras de su manifiesto sobre la cultura mermelada era no solo un golpe a los institucionalismos, sino tambien a los aparatos legitimadores del arte, y a la mismsima modernidad. Dice Renzi, en agosto de 1968: la concepcin vanguardista como una insercin inquietante en los esquemas culturales burgueses choca irremediablemente con un fenmeno, hasta ahora, histricamente irreversible (...), la prdida de virulencia (...) y la indefectible absorcin y consumisin de esos productos por parte de quienes eran los destinatarios del ataque. Renzi entenda que la vanguardia iniciaba como revolucin, pero inevitablemente era avalada, institucionalizada, suavizada y finalmente vaciada de contenido. Por eso esquiv las instituciones artsticas, consideradas por l como esa cultura blanda, mermelada, estticamente bella y cmoda al gusto burgus. Incluso, en 1971, cuando lo nombraron como uno de los impulsores del arte conceptual argentino quizas en un intento de institucionalizar su apellido- Renzi aclar: ahora lo que est de moda es el arte conceptual (renovar el stock peridicamente para incentivar la venta de su mercanca propia de la cultura burguesa), y resulta que soy (al menos para algunos crticos) uno de los responsables de la iniciacin de ese fenmeno, junto con mis compaeros de los ex grupos de artistas revolucionarios de Rosario y Buenos Aires en los aos 67-68. Esta afirmacin es errnea. Como es errnea toda intencin de vincularnos a dicha especulacin esttica. A continuacin enumero las razones que nos diferencian. De nuestros mensajes: 1) No nos interesa que se los considere estticos; 2) Los estructuramos en funcin de su contenido; 3) Son siempre polticos y no siempre se transmiten por canales oficiales como ste; 4) No nos interesan como trabajos en s, sino como medio para denunciar la explotacin. En consonancia con estas ideas, Renzi y su grupo protagonizaron varias acciones artsticas, e intervenciones urbanas. Quizs la ms recordada fue cuando en Rosario interrumpieron una conferencia del en ese entonces director del Di Tella, Jorge Romero Brest, en lo que el grupo denomin una accin comando. Se trat de un asalto a la conferencia en la que hablaba Romero Brest, al cual interrumpieron para proclamar las consignas de un arte que sera revolucionario, y defenestrando la propuesta blanda e institucionalizada del Di Tella. Otra fue la accin de las fuentes rojas, realizada en Buenos Aires, en octubre de 1968, cuando se cumpli un ao de la muerte del Che Guevara. La accin consisti en teir de rojo el agua de las fuentes pblicas de Buenos Aires, en alusin a la sangre del guerrillero asesinado. Estas acciones tienen una clara relacin con las acciones de militancia poltica de izquierda, agrupacio nes a las que los miembros del grupo pertenecan. El panfleto poltico y social, en ese sentido, fue otro soporte explotado por el artista. Renzi tambien dira que si uno quera transformaciones en el arte, era porque quera transformaciones en la sociedad. Luego de Tucuman arde, del cual fue cabeza visible junto a Len Ferrari, en 1968, Renzi deja de pintar y producir obra, por voluntad tica. Se muda a Buenos Aires, y el traslado opera como catalizador cuando llega el momento crtico en que el deseo de pintar se enfrenta a esa empecinada abstinencia. Dej de pintar durante ocho aos y volv a hacerlo para no morirme, o al

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Arte, culturas y estticas menos para no volverme loco. Aunque empec a hacerlo casi a escondidas, pensando que no iba a exponer nunca ms. A partir de 1976, Renzi se sumerge en un realismo visual cuya premisa era borrar toda huella de la artesana de la mano, y al mismo tiempo combatir todo conceptualismo y vanguardismo entre comillas- de la poca. As, represent obsesivamente mesas tendidas e intactas, rincones de la cocina y otros espacios interiores, utensilios domsticos (platos, cacerolas, cafeteras, tazas), retratos familiares (su primera comunin) y su propio autorretrato. La soledad de los objetos y personas es suficientemente elocuente, y provoca una sensacin de opresin angustiante. Lo cotidiano se vuelve un tema recurrente, aunque su tratamiento visual lo coloca en un nuevo lugar: no el cotidiano, sino el de la pintura. Renzi evoca el espacio privado del que no se puede salir, el encierro, la soledad, el aislamiento, los personajes vacos de expresin, o de espaldas al espectador, ausentes, plasmados en pinturas meticulosas y obsesivas que aparentan hablarnos de cosas intrascendentes. En mirando al cielorraso, de 1978, la escena muestra el ngulo superior de una habitacin, como quien mira para arriba, y una bombita elctrica colgando del techo. La lectura descriptiva de esta obra nos dice eso, pero la fecha en la que la pinta puede hacer alusin a los interrogatorios realizados en la poca de la dictadura, en que los interrogados eran atados a una silla e inmovilizados, y quizas solo podan ver ese cielorraso de la pintura de Renzi. Una obra clave es el da de la primera comunin, de 1977. En esta obra los personajes parecen detenidos en el tiempo, todos representados de la misma manera, como sin vida, congelados. Les faltan referencias culturales que puedan identificarlos con un lugar, por lo cual se podra decir que estn desterritorializados. Representados con una frialdad y un naturalismo excesivo, Renzi toma un tema corriente y lo vaca de su contenido, nuevamente acentuando el encierro y la soledad, sensaciones sociales en boga en 1977. A pesar de su naturalismo excesivo, la luz en las escenas de estas pinturas dan un clima extrao, casi artificial. A partir de la dcada del 80, Renzi incursion en el neoexpresionismo, con trazos espontneos y chorreados, oponiendose as a su anterior etapa. En sus pinturas comenzaron a aparecer citas a artistas consagrados del arte moderno, como Malevich, Van Gogh o la serie dedicada al Der Blaue Reiter. A finales de los 80 se dedic a pintar cuadros plagados de signos, como la estrella, el martillo o las letras. Sobre el final de su vida, realiz pinturas en las que los textos, con letras muy coloridas y legibles pero entrecortadas por formas abstractas, abarcan toda la superficie del cuadro. Un mural con esta esttica puede apreciarse en el anden sur de la estacin Medrano de la lnea B del subte porteo. La ltima obra que Renzi pint fue fantasa pompeyana, una cita reelaborada en base a una postal del Mural de Villa de Los Misterios, de Pompeya. Renzi toma el fondo abstracto del mural original, y lo tie de un rojo ms intenso, contraponiendo frutas suspendidas en el espacio, y formas como transparentes, vacas, que dejan leves huellas, como si se tratara de rastros de la memoria, personal y social, que buscan hacerse accesibles en formas, sombras y colores. Juan Pablo Renzi ha sido uno de los ms comprometidos artistas nacionales. Crtico y multifactico como pocos, defendi la libertad creativa y denunci todo acartonamiento o amoldamiento de la actividad artstica, replanteando cul es el rol del artista de vanguardia.

17.3. El arte conceptual argentino


Hacia fines de la dcada de los 60, en particular desde principios de los 70, las prcticas de base conceptual desarrolladas en la Argentina se mantuvieron siempre distantes de las corrientes centrales del arte visual. Hubo varios momentos del arte de concepto temprano. El primero se inici con personajes como Alberto Greco. Luego, con nfasis sociolgico, se desarroll con el arte de los medios. Tambien se pueden mencionar como experiencias conceptuales a muchas de las actividades y propuestas del Di Tella, como as tambien las experiencias de Rosario y Tucumn arde. Otro momento del conceptualismo fue cuando Nicolas Garca Uriburu (1937-) colore con pigmento verde fosforescente los canales de Venecia durante la Bienal de 1968, en un llamado de atencin sobre la contaminacin en el planeta. Y como ya hemos desarrollado, la obra de Len Ferrari tambien tiene un sustento conceptual-ideolgico.

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Arte, culturas y estticas El conceptualismo argentino se expres de maneras muy diversas, y hay tantas propuestas como actores. Algunos artistas conceptuales a destacar son: Luis Fernando Benedit (1937-), arquitecto, quien con su proyecto juguete realiza obras escultricas y pictricas en base a dibujos de su hijo, revalorizando el sentido ldico del arte; y Clorindo Testa (1923-), tambien arquitecto y pintor, se destac por su vasta y variada obra, y trabaj el tema de la peste, la enfermedad y la contaminacin ambiental. Pero ellos son solo ejemplos aislados. A continuacin desarrollaremos a 2 autores de especial importancia. Oscar Bony (1941-2002) fue un precursor del videoarte, del arte de concepto y de la instalacin en la Argentina. En las Experiencias 1968 del Di Tella expuso la familia obrera, un operativo de explcito contenido poltico, social y tico. La obra consista en una presentacin en vivo de una autntica familia, integrada por tres personas (padre, madre e hijo), sentados sobre una tarima. El sentido de la obra se completaba con un pequeo letrero con los datos personales del jefe de la familia: Luis Ricardo Rodrguez, matricero de profesin, percibe el doble de lo que gana en su oficio por permanecer en exhibicin con su mujer y su hijo durante la muestra. Poco despues, convencido de que el arte deba involucrarse en la vida, Bony abandon la prctica artstica. Recien en 1975, despues de un largo viaje por Europa, retorn a la pintura con la serie cielos y nubes, un conjunto de cuadros de extraa objetividad realista, prximos a la fotografa. Luego de alternar entre Europa y Argentina, se instala en Buenos Aires y en 1994 presenta su primer conjunto de obras baleadas, tituladas objetos de amor y violencia. Son cuadros con vidrios astillados y planchas de plomo perforadas con disparos de armas de fuego y en las que, en las referencias tcnicas, Bony especifica, por ejemplo: disparos de revlver Smith & Wesson 32 sobre blindex. Con esta muestra se inici la serie de trabajos dedicados a la violencia y a la muerte. En 1996 expuso fusilamientos y suicidios, un conjunto de fotografas de paisajes y de cielos, enmarcadas y perforadas a balazos, con los vidrios cuidadosamente astillados. Dos aos ms tarde presenta el triunfo de la muerte, en donde se destacan los autorretratos fotogrficos baleados, en donde Bony, indiferente a la muerte en el momento de la toma, rueda por las escaleras, da saltos o grita. La angustia por la muerte y la referencia a los lmites de la vida fueron uno de los temas ms recurrentes de la obra de Bony. Una de las figuras emblemticas del arte conceptual argentino es Vctor Grippo (1936-2002). Trabaj con la pintura, la instalacin y el arte cintico, y desde principios de la dcada del 70 permaneci alejado de toda ortodoxia o convencionalismo, inclinandose por una va conceptual solitaria. Su interes radicaba, ante todo, en los significados. La esttica y la tica estuvieron siempre en el centro mismo de su discurso; jams disoci el arte de la vida. Siempre utiliz elementos pobres y se opuso de manera sistemtica a la frialdad annima del universo industrial. Reivindic los objetos simblicos, haciendo nfasis en los procesos alqumicos de esos objetos, sus cambios y mutaciones, para as hacer alegoras de la conciencia humana. Grippo se preocup por desdibujar los mrgenes de lo poltico, lo artstico, lo mtico, lo individual y lo subjetivo. El universo simblico de Grippo est poblado de alimentos simples, de antiguos oficios, de rosas, de hornillos y energas. Abundan los desequilibrios y las transmutaciones. Tambien las frases, propias y ajenas. Un ejemplo de ello es su obra Analoga I (1971), actualmente montada en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. La obra consiste en una estructura de madera geomtrica, regular, blanca, casi minimalista, con cuarenta compartimentos, cada uno de los cuales contiene una papa ligada por electrodos de cobre y zinc, conectadas entre s, en serie y en paralelo, a un voltmetro. Los espectadores que pulsan el voltmetro pueden comprobar la energa (0,7 voltios por unidad). Desde cierto punto de vista, es una batera de papas. Se trataba de aludir a la energa, el mis mo tema de sus obras cinticas. En el centro de la obra, el artista seala la relacin analgica de los tres estados de la papa: la definicin, el uso cotidiano, el no cotidiano (produccin de energa elctrica) y tres situaciones equivalentes de la conciencia: Analoga I. 1. Papa: (voz quechua). Nombre primitivo de la papa que an se usa en Espaa y en toda Amrica. Tubrculo (...). 2. Funcin cotidiana de la papa: alimentacin bsica. 3. Ampliacin de la conciencia: obtencin de energa elctrica (0,7 volt. por unidad). Y all Grippo hace la analoga entre una papa y la conciencia misma: Conciencia: conocimiento, nocin. Deriva del latn concientia.

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Arte, culturas y estticas Sentimiento interior por el cual aprecia el hombre sus acciones. Nuestra conciencia es nuestro juez. Moralidad-integridad. En el sentido figurado: libertad de conciencia, derecho que reconoce el Estado a cada ciudadano de pensar como quiera en materia de religin. 2. Forma cotidiana de la conciencia: conciencia individual. 3. Ampliacin de la funcin cotidiana: obtencin de conciencia de la energa. As, Grippo toma un elemento de raz cultural latinoamericana, y la vincula con nuestra naturaleza de seres con razn propia, en un mensaje que, ademas, es un llamado de atencin sobre la ignorancia sobre cmo puede usarse una papa o cmo se pueden reformular alternativas sobre algo aparentemente bsico- y adhiere a una postura de preservacin de energa, es decir, una posicin ecolgica. Incluso hay un guio histrico: algunas culturas andinas prehispnicas ensayaban en papas la trepanacin de crneos, haciendo as otra analoga entre el tubrculo y el ser humano. Otra obra de este tipo, en donde la papa es nuevamente el soporte elegido para expresar el concepto, es Analoga IV (1972), compuesta por una mesa comun, sobre la cual se extiende un mantel, mitad de tela de algodn blanca y mitad de terciopelo negro. En cada parcela estan ubicadas tres papas servidas en un plato flanqueado por un cuchillo y un tenedor. En la parcela blanca, las papas son autnticas; el plato es de loza y los cubiertos son de metal; las otras papas, as como los objetos ubicados en el sector negro, son de acrlico macizo transparente. As, Grippo opone dos ideas: de un lado de la mesa est lo visualmente rico, lo tecnolgico y moderno (incomestible), y del otro lado estn los tubrculos extrados de la tierra, que sirven como autntico alimento. Siempre con una postura que pone el acento en la relacin arte-vida, en septiembre de 1972, acompaado por un escultor amigo y un trabajador rural, present el operativo urbano construccin de un horno popular para hacer pan, en la exposicin al aire libre escultura, follaje y ruidos, en la plaza Roberto Arlt de Buenos Aires, en la esquina de Esmeralda y Rivadavia. El horno fue construdo con barro, de acuerdo con las tradiciones del campo argentino, y la accin, segn los actores, tena tres momentos: construccin del horno, fabricacin del pan, particin y reparto entre los transentes. Tambien distribuan una hoja explicativa con las intenciones estticas del hecho. Grippo operaba sacando el objeto del contexto habitual (el campo) para ubicarlo en la transitada plaza portea: introduce lo humilde, domstico y ancentral en la trama urbana moderna. No estaba ausente el sentido de que alimentar al otro es un gesto lleno de amor y de convivencia. La muestra fue clausurada por la polica a las 48 horas de inaugurada. Los oficios artesanales son un tema predilecto de Grippo. En 1978 realiz un trabajo paradigmtico: Tabla. La obra es una humilde mesa de madera, desgastada y manchada, en cuya superficie, un texto escrito por el artista con caligrafa espontnea, describe con tono potico los usos que pudo tener: Sobre esta tabla, hermana de infinitas otras construdas por el hombre, lugar de unin, de reflexin, de trabajo, se parti el pan cuando lo hubo; los nios hicieron sus deberes, se llor, se leyeron libros, se compartieron alegras. Fue mesa de sastre, de planchadora, de carpintero. Aqu se rompieron y arreglaron relojes. Se derram agua y tambien vino. No faltaron manchas de tinta que se limpiaron prolijamente para amasar la harina. Esta mesa fue tal vez testigo de algunos dibujos, de algunos poemas, de algn intento metafsico que acompa a la realidad. Esta tabla, igual que otras, y la transustanciacin de.... En el cajn de la mesa se reitera el mismo texto. As, Grippo invita a reflexionar sobre la historia y los significados de aquellos objetos cotidianos que nos rodean y sostienen como seres culturales. Tambien realiz una serie de valijitas, que describen distintos oficios, y de ellas se destaca su valijita del panadero (1977). Compuesta por un pan quemado, renegrido, colocado dentro de una pequea valija de vidrio que permite verlo, debajo se lee un texto que dice: Valijita de panadero: harina + agua + calor (excesivo), la obra es una metfora de lo que suceda en el pas, con la muerte y cremacin de cadveres durante la dictadura nacional que se desarrollaba al momento de Grippo realizar la obra. Con sta y en la mayora de sus obras, Vctor Grippo exhibe un profundo compromiso con la conciencia y el ser humano.

17.4. Muerte y resurreccin de la pintura


El que expone, se expone, dijo un crtico de arte en una exposicin de Ricardo Carpani en 1973 cuando, en medio de un conflicto de tintes polticos en la inauguracin de la muestra del pintor 197

Arte, culturas y estticas perteneciente al peronismo obrero, un piedrazo en la cara lo dej ensangrentado, como una premonicin de los aires violentos que se avecinaban en el pas. De la violencia verbal ya se estaba pasando a una violencia fsica, e ideolgica. Luego de marzo de 1976, el delito de pensar se pag con la muerte, la tortura, la carcel o el exilio. Dentro del pas se intent dar continuidad a la cultura, como una forma de resistencia frente al autoritarismo. Esta actitud tica fue compartida por artistas de diferentes tendencias estticas. Luego de las experiencias del Di Tella, el todo es arte, la bsqueda de la proximidad arte -vida y el conceptualismo, durante la dcada del 70 en la Argentina y tambien en el mundo- se empez a hablar de la muerte de la pintura. Sin embargo, los artistas que pertenecieron al grupo de Nueva Figuracin seguan vigentes, otras poticas expresionistas se hallaban en etapa de experimentacin plena (como fue el caso de Jorge Demirjin) y surgan nuevas imgenes de tendencia hiperrealista, como las de Ricardo Garabito. Por ende, se hablaba de muerte de la pintura en relacin a su concepcin netamente acadmica pero, en palabras de Danto, lo que haba muerto era un relato homogeneizador en la pintura. En la Argentina de los 70, la pintura fue una plataforma simblica que pudo desarrollar estrategias para hacer llegar mensajes de valor, independientemente de las novedosas tendencias en el campo artstico o las limitaciones y presiones externas que aquejaron a los artistas. En este sentido, pintores y artistas en general tuvieron que generar para sus obras un lenguaje y un cdigo acordes a la realidad poltica y social de la poca. Los artistas, entonces, poblaron sus obras con guios y metforas, reinventando el sentido artstico, y es aqu donde se puede hablar de resurreccin o reformulacin de las disciplinas. Y si bien hablamos de pintura, dentro de la escultura hay un personaje que, en la dcada del 70, incorpor las caractersticas antes citadas: Juan Carlos Distfano (1933-). Las esculturas de Distfano son, en su mayora, realizadas con resina polister coloreada. Segn un crtico de su obra, el centro de sus reflexiones es el cruce entre cuerpo y violencia. En sus obras el cuerpo humano modula torsiones, se extena, se estira, se contrae, se expande, se confunde con los objetos, forzado por distintas clases y grados de violencia. Son cuerpos atravesados (e inscriptos) por el dolor de la violencia social y poltica que caracteriza la historia facciosa y sangrienta de la Argentina. Inscripto dentro de esta intensa trama del campo artstico, la obra el mudo (1973) representa un hombre amarrado sacando su cabeza de un balde con agua; un hombre sometido al mtodo de tortura conocido como submarino. Se trata de una de las ms impactantes obras plsticas argentinas que, lejos de retricas panfletarias, proporciona una imagen-denuncia contundente. La obra permaneci en exhibicin durante los aos de la dictadura, curiosamente. Disloca el cuerpo de la figura, lo retuerce produciendo dolor, casi llegando aproximandose a un tratamiento retorcido similar al de Nueva Figuracin. Resulta sorprendente, cuanto no paradjico, que la potente denuncia que se desprende de la escultura de Distfano lograra eludir censuras y encierros. De este modo, entre 1977 y 1980, mientras que el artista se encontraba exiliado junto a su familia en Barcelona, el mudo formaba parte de la muestra permanente del Museo Nacional de Bellas Artes. En una poca de silencios, exilios y reclusiones, su obra segua diciendo pblicamente. El grueso de las obras escultricas de Distfano muestran al ser humano fragmentado, parcializado y torturado, como si fueran gritos silenciosos. Un artista muy reconocido popularmente, que desarrolla gran parte de su obra en los 70, aunque bastante ajeno a los temas polticos y sociales, es Celis Prez, quien es ms conocido como Prez Celis (1939-2008). De reconocimiento internacional, su obra se expres a travs la pintura, la escultura, el muralismo, y el grabado. Desarroll un estilo abstracto, recurriendo a la fusin de lneas estticas de las culturas amerindias andinas con las vanguardias plsticas internacionales, a la vez de la utilizacin de imgenes de fuerte arraigo en la cultura portea para construir obras de fuerte impacto popular. Una de las particularidades de sus pinturas es que las obras abstractas remiten a los ambientes en los que fueron creadas. As, las obras pintadas en Nueva York adquieren ritmos verticales en relacin a los rascacielos-, o en el Alto Per la paleta cromtica se tie de amarillos, rojos y tierras. Los chorreados de pintura es una de las caractersticas ms reconocibles de las obras de Prez Celis, generando manchas controladas por el artista. Su pasin por el mural lo llev a realizar obras monumentales, como el gran libro, de 5

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Arte, culturas y estticas metros por 8 metros, que se encuentra emplazado en la Biblioteca Nacional. La luz y el color son protagonistas de sus pinturas, que en algunos casos toman elementos figurativos, sin perder fluidez en el tratamiento matrico. Confeso hincha de Boca, Prez Celis don murales a la cancha de la institucin, y realiz pinturas con el club y sus colores como tema. Dueo de una esttica reconocible, Prez Celis permanece al margen de compromisos sociales o polticos, y su obra como otrora la de Quinquela- se insert en el mundo, haciendolo uno de nuestros ms recientes representantes en el mercado artstico internacional. El cordobs Antonio Segu (1935-) plante con agudeza los diferentes arquetipos sociales del pas, incorporando la stira y la caricatura en sus trabajos visuales. Las circunstancias alienantes de la vida urbana, del hombre aislado en su mundo pivado y alejado de la naturaleza, han sido algunos de los principales temas que Segu abord en su pintura. Sus cuadros se poblaron de hombrecitos vestidos a la usanza de los aos veinte, de ciegos que vagan en los parques, de elefantes que transitan por la pampa, de perros amenazantes. En algunos cuadros incluy recursos propios del comic: textos, flechas y seales diversas, yuxtapuestas a las figuras. En todos los casos el sentido se basa en los mecanismos de un humor puesto al servicio de las reflexiones sobre el hombre. En un inicio informalista, cuando luego se volc a la figuracin incursion en la caricatura, con un guio al dibujo infantil y perspectivas quebradas, similares a las que ejecutan los nios. Con el advenimiento de la dictadura, se provoca en Segu una especie de autocensura: no habla de los temas que quisiera hablar. Aparecen inquietantes hombres solitarios de espaldas al espectador, despersonalizados, que miran detrs de un alto muro, acentuando la incomunicacin y la imposibilidad de poder ver ms all. La obra de Guillermo Roux (1929-) se inscribe entre lo bello y lo terrible. Est lo contradictorio: la belleza y el horror, aquello que se ve y lo que no, presencias y ausencias, lo que se puede decir y lo que se debe evitar pronunciar. Hay un gran detalle en las imgenes, una minuciosidad y detallismo para mostrar una realidad, pero lo ms perturbador es aquello que no se ve. En las pinturas de Roux se dan ausencias, distorsiones y fragmentaciones como prdida de una totalidad. As, mediante estas constantes visuales, Roux reflexiona sobre la totalidad del hombre que se perdi en la poca de la dictadura. Como en la obra de Segu, en Roux hay autocensura. A diferencia de por ejemplo Carlos Alonso, quien desde su exilio pudo abordar ms crudamente algunas temticas sociales, Roux acomoda su discurso, y utiliza las ya mencionadas metforas visuales para decir o no decir-, pero el tema concreto de la realidad social argentina post-ao 76 no se debate abiertamente en su obra. En su obra juego interrumpido (1973), como en otras del autor, se comienzan a palpitar estas ausencias. La pintura en cuestin muestra una silla vieja rota, y como amalgamada a ella las piernitas de un nio o nia, del cual no se ve su torso o cualquier otra parte de su cuerpo que no sea de las rodillas para abajo. A su lado, cado en el pasto, una oveja de juguete completa la inquietante escena. En la banda, una acuarela de 1973, los msicos correctamente uniformados estan atrapados por las sillas que se amontonan sobre sus cabezas, y permanecen impasibles, con manos calmas, como ajenos al encierro. Y en el abanico rojo un modelo masculino sin cabeza y sin torso se abanica su inexistente rostro, como si no se enterara de su propia desaparicin. Si bien Roux pinta con leo, temple, pasteles y tmperas, ademas de incursionar en el collage o en el grabado, a partir de la dcada del 90 prefiere la acuarela. Aunque es un material muy difcil para trabajar, porque no permite enmiendas y el agua distribuye muchas veces azarosamente los colores, Roux logra manejarlo con maestra. Los desnudos son pintados del natural, es decir, con una modelo posando para el artista. La transparencia de la acuarela deja ver los trazos del lpiz y nos habla del gran dibujante y colorista, ya que sus figuras integran composiciones con floreros, lienzos o sillones que enmarcan el color de la piel, tan difcil de lograr, ya que en ella se refleja todo lo que tiene a su alrededor. Es tambien un gran retratista, pero el concepto del retrato para Roux no es representar fotogrficamente, sino tan slo reflejar lo que l ve en el personaje. Es muy normal que la gente diga, al ver algun retrato que le hacen: esa no es mi expresin..., como si uno tuviera una sola expresin en la vida. Como los grandes

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Arte, culturas y estticas maestros, Roux considera que no es necesario conocer en profundidad la personalidad de quien retrata, sino que simplemente plasma lo que el modelo le dice o le hace sentir en ese momento en el que est posando. Destacado en acuarela y dibujo, ademas de su labor como docente y escengrafo, Guillermo Roux es uno de los artistas contemporneos argentinos ms premiados y reconocidos, y su obra una de las ms interesantes de observar y desentraar.

17.4.1. Carlos Alonso (1929-)


Carlos Alonso merece un prrafo aparte, cuando se habla de arte visual argentino de la dcada del 70. Es uno de los ms prodigiosos dibujantes y pintores de nuestra historia artstica, y a partir de la dcada del 50 emergi como una figura indiscutible e ineludible de las artes visuales, ntimamente ligada a la identidad nacional argentina. Nacido en Mendoza, y extraordinariamente dotado para el dibujo, desde temprana edad Alonso pasaba muchas horas dibujando, incluso durante las clases escolares de la disciplina, ya que le aburra ese dibujo acadmico. Ingres como alumno en la Academia Nacional de Bellas Artes de Cuyo, donde continu capacitandose en dibujo, grabado y escultura. Con tan solo 20 aos realiz su primera exposicin individual, y recibi tambien premios de pintura y grabado en el Saln de Mendoza. En 1950 viaj a la ciudad de Tucumn, donde estudi con Lino Enea Spilimbergo, una de las figuras ms influyentes en Alonso. Gran maestro, riguroso y exigente, con Spilimbergo se trabajaba dibujando con modelo vivo, siguiendo una forma acadmica, pero anunciando un aire de renovacin en las artes plsticas. Alonso adopta su idea del dibujo como forma autnoma, es decir, no un dibujo puesto en funcin de la pintura, el grabado o la escultura, sino del dibujo y, consecuentemente, la lnea- como un valor con identidad propia. Alonso defiende as el dibujo de memoria, el dibujo roto, libre, con una temtica no acadmica sino ms bien del propio mundo, de las propias cosas hechas imgenes, de la propia mitologa e imaginera. En 1953 se muda a Buenos Aires, donde triunfa con numerosas exposiciones, tanto en Argentina como en el exterior. Dos aos despues, durante su estada en Europa, toma contacto con los museos ms importantes y, consecuentemente, con las obras clsicas de la historia del arte y sus protagonistas: Rembrandt, Renoir, El Greco, Picasso, Van Gogh, Toulouse-Lautrec. La influencia de estos maestros, y las citas a sus obras, sera una constante en Alonso. El acercamiento a la literatura ser una constante en su carrera artstica. Alonso se destac como ilustrador de numerosos clsicos de la literatura universal. En 1957 gan un certmen nacional convocado por la editorial Emec para ilustrar el segundo tomo de El Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes Saavedra, cuyo primer tomo haba sido ilustrado por Salvador Dal. Con un tratamiento en blanco y negro, con algunas sutilezas de color, Alonso ilustra con un dibujo libre y suelto las andanzas del ingenioso Hidalgo. La misma editorial le encarg luego la ilustracin de El gaucho Martn Fierro de Jos Hernndez, poema nacional por excelencia que se ha editado numerosas veces y siempre con ilustraciones. En este caso, Alonso centra sus escenas en la vida social, laboral y familiar del gaucho. En 1959 pas una temporada en Santiago del Estero, donde trabaj con Antonio Berni, Juan Carlos Castagnino y Lino Enea Spilimbergo. A principios de los 60 empieza a incursionar con el acrlico, pigmento que le permiti integrar la pintura con el dibujo, la carbonilla y el pastel. Asimismo, realiza collages en blanco y negro que incorporaban tcnicas de dibujo como el carbn y la tinta. Tambien pinta coloridas escenas cotidianas: maternidades, los primeros pasos de su hija, o flores en un rincn de su estudio. A mediados de los 60 presenta una serie de dibujos y tintas sobre El matadero, de Esteban Echeverra, texto literario a manera de cuento, en el cual el escritor expresa su repudio a Juan Manuel de Rosas y sus acciones de gobierno. En las obras de Alonso, los gauchos de la Mazorca y el propio Rosas son los protagonistas. El rojo punz de los federales se entremezcla con la sangre de las reses del matadero, en una incesante metfora de la violencia en la Argentina, en el pasado y en el presente. Tambien ilustra La guerra al maln de Manuel Prado, publicado en 1965 por Eudeba. Hace reversiones de pinturas clsicas, del arte mundial y nacional, como hizo con las diferentes versiones de sin pan y sin trabajo de Ernesto De la Crcova. 200

Arte, culturas y estticas Tambien inicia una serie de retratos de Spilimbergo tal como se lo vea unos aos antes de morir. En 1968 viaja a Florencia donde realiza ms de 250 dibujos referidos a La Divina Comedia de Dante Alighieri, que serviran para la ilustracin de una edicin en castellano que finalmente no se public. Las imgenes son un conjunto de fotografas intervenidas, collages y dibujos, con un lenguaje grfico contemporneo. Alonso dira, sobre estas obras: no me siento un ilustrador, sino alguien que hace algo a partir de una obra clsica y fundamental para la cultura, y que trata de encontrarle puntos de coincidencia con nuestra poca. El infierno que interpreta Alonso va ms all de lo que cuenta el Dante: est tambien en Vietnam, las villas miseria, el hambre de los nios y la tortura. Ernesto Sbato elogia las obras: no hace ilustraciones sino interpretaciones, obras de valor plstico propio. Y no digo autnomas, porque de una manera u otra deben guardar relacin con la obra literaria. Pero es una relacin a la vez entraable y de vuelo personal. A principios de la dcada del 70 Alonso participa de muestras colectivas como El Che vive o el mural Hambre, basta, y exposiciones en repudio a represiones policiales. Muchas de estas obras son censuradas o retiradas de los salones de exposicin por la ltima dictadura militar argentina, como pas con La leccin de anatoma, en la cual, partiendo de la obra de Rembrandt del mismo ttulo, Alonso cita a esa pintura y coloca al cadver del Che Guevara como motivo del cuadro. En 1974 realiza su primera exposicin en homenaje a Vincent Van Gogh, quien es, segn la opinin de Alonso, la visin del arte despojado de literatura, ya que reflej lo cotidiano, lo sencillo, lo que le rodeaba. La carne y el cuerpo han sido dos temas muy recurrentes en la obra de Carlos Alonso. La carne, como metfora del pas y como metfora desgarrada del cuerpo humano reiteradamente mancillado, horadado, desollado y torturado. Durante la dcada del 70 principalmente, pero en otros momentos de su historia como artista tambien, Alonso explot esta metfora, haciendo un paralelismo entre la vaca y as con la economa y la identidad argentina- y el ser humano. En las ilustraciones de El matadero ya est presente esa metfora, en la que el cuerpo-mercanca es violentado y desgarrado por voluntad de unos pocos poderosos: en algunos casos son los terratenientes del campo, en otros casos los poderes militares y polticos. En su serie hay que comer, realizada entre 1965 y 1978, los temas giran en torno al campo, y los protagonistas son los estancieros y terratenientes del campo, personajes poderosos que posan orgullosos junto a las reses de vacas sangrantes colgadas en los congeladores, entre las cuales a veces aparecen cuerpos humanos colgados, mutilados. All descansa una metfora violenta, que no es una alusin directa, sino un guio a la realidad poltica y social que se avecinaba. Sin ir ms lejos, unos pocos meses antes de marzo del 76, Alonso realiza una instalacin llamada manos annimas, en donde se observa una habitacin allanada, un militar con un arma, un personaje medio de espaldas que con sombrero y piloto inquieta al espectador porque parece mirar sin ser visto, un cadver en el piso, reses vacunas que cuelgan al lado de partes humanas, una camisa con sangre, un ropero registrado. Ac, la imagen es una triste premonicin, escapa a la esfera netamente artstica, e incluso anuncia una tragedia inevitable. Este conjunto escultrico fue realizado en tamao natural, con papel mach, pero nunca fue exhibido, por lo cual fue destrudo y solo se conservan registros fotogrficos. Alonso se exili en Europa durante los aos de la dictadura, donde trab gran amistad con Antonio Berni. Durante este perodo, su mujer y su hijo seran sus modelos predilectos, por lo cual el retrato y la figura humana es uno de sus temas ms explotados. Tambien realiza una serie dedicada al tango, en donde las parejas de baile se relacionan sensualmente. Luego de recibir la noticia de la desaparicin de su hija mayor en Buenos Aires, Alonso se muda a Madrid, en donde hace obras y retratos referidos a grandes pintores como Courbet y Renoir. Ademas pinta paisajes de la ciudad en donde vive, con una paleta clara y luminosa. Frente al paisaje no busca mostrar en detalle las edificaciones, sino reflejar la luz de su modelo. Es el ambiente, el clima del lugar, lo que interesa mostrar en la obra. Regres a Argentina en 1981 y se estableci en Unquillo, un pueblito en las sierras de Crdoba, justo arriba de la casa donde su maestro Spilimbergo vivi sus ltimos aos. Desde ese ao, realiz innumerable cantidad de obras y exposiciones en todo el pas y en el exterior. Carlos Alonso es un excepcional retratista. El hombre y sus circunstancias son el tema central de su obra, que tiene un fuerte contenido testimonial: son los conflictos humanos los que me llevan a encarar la pintura. Los que ponen en marcha mi trabajo. No pienso en cuadros: pienso en encontrar

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Arte, culturas y estticas metforas plsticas que contengan la temperatura de mi circunstancia personal con lo que pinto... . En su vasta produccin artstica estan presentes los desnudos femeninos, la figura humana y el paisaje, y tambien trabaja por series, como la dedicada a su maestro Spilimbergo o a Van Gogh. Dijo Alonso de sus retratos: no soy un pintor de parecidos. Son ms bien cuadros evocativos, dira, porque son hechos de memoria: es ella la que recoge las puntas de lo memorable para m, lo que queda. Eso, mezclado con lo mo, con otros recuerdos. Y sobre todo, con las circunstancias. Ninguna de las tcnicas visuales le es ajena: el grabado, el dibujo y la pintura son acometidas simultneamente por el artista. Que siempre haya considerado al dibujo como algo individual y autnomo puede comprobarse por la gran cantidad de exposiciones que realiz, en la que el lenguaje del dibujo y la lnea han sido los protagonistas. Es uno de los pintores contemporneos ms populares de la Argentina, y considerado uno de los ms grandes dibujantes de todos los tiempos. Dijo Rafael Squirru: si Alonso es un eximio pintor, no exagero al afirmar que es un genio del dibujo. El talento tcnico y el profundo compromiso social, poltico e histrico con las races argentinas, hacen de Carlos Alonso uno de los artistas nacionales ms importantes de toda su historia.

17.5. La msica argentina en los 70


La dcada del 70 fue de enorme riqueza y diversidad para la msica nacional. A brevsimo modo, comentaremos algunas de las principales tendencias y artistas Luego de la disolucin de Almendra en 1970 y de un disco solista, Luis Alberto Spinetta form y lider Pescado Rabioso (1972-1973), banda que en un inicio fue un potente tro con base de blues, luego devenido en cuarteto de blues rock experimental. Dejando un legado de dos discos (uno de ellos el clsico disco doble Pescado 2, de 1973) y algunos simples, uno de sus grandes clsicos es la cancin postcrucifixin. Posterior a la disolucin de Pescado Rabioso, Spinetta integrara Invisible, un tro de jazzfusin progresivo, del cual se desprenden algunos simples y tres discos: Invisible (1974), el conceptual durazno sangrando (1975) y el jardn de los presentes (1976), disco emblemtico que posee una gran carga potica y metafrica, que de algun modo refiere a los horrores que perpetuara la en ese momento recin nacida dictadura militar. A lo largo de la dcada en cuestin, Spinetta se destac como solista, tocando con diversos msicos, componiendo con su ya clsica potica y con climas musicales jazz-rock. Sin embargo, al hablar de su obra en est dcada, es vital nombrar a uno de sus discos solistas, Artaud, de 1973, basado en textos de Heliogbalo y Van Gogh: el suicidado por la sociedad, ambos escritos del poeta Antonin Artaud. Muchos especialistas y msicos coinciden en que Artaud, con su clido clima acstico, es uno de los mejores discos de Spinetta, y por muchos especialistas considerado como el mejor de la historia del llamado rock nacional. Una banda de vital importancia, enmarcada dentro del blues y el heavy, es Pappos Blues, formada en 1971 por Norberto Napolitano, ms conocido como Pappo (1950-2005). La banda tuvo varias formaciones de msicos, siempre siendo la figura de Pappo el eje central de la agrupacin y la propuesta estilstica. Antes de formar Pappos Blues, el guitarrista toc en Los Abuelos de la Nada, en Los Gatos y con mltiples artistas, entre ellos Spinetta. Entre sus canciones ms reconocidas se destacan clsicos como el hombre suburbano, adnde est la libertad, desconfo y sucio y desprolijo. Luego de la disolucin de Pappos Blues en 1977, en los 80 Pappo lider la banda de heavy metal Riff, y a lo largo de su carrera toc con grandes del rock y el blues argentino e internacional, entre ellos el baterista John Bonham de Led Zeppelin, Lemmy de Motrhead y el bluesman norteamericano B. B. King, quien lo invit a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994. Despus de ms 35 aos de trayectoria, a sus 54 aos de edad, Pappo perdi la vida en un accidente de trnsito, al caer de su motocicleta Harley Davidson y ser atropellado por un automvil en una ruta de Lujn. En 1972 se hizo el primer festival B.A Rock, que cont con varios de los artistas y bandas que encabezaron el movimiento acstico del rock: Gustavo Santaolalla formando Arco Iris; Len Gieco que 202

Arte, culturas y estticas combinara el rock y el folk; Ral Porchetto y Pedro y Pablo, entre otras bandas. Estos grupos no solo se inclinaron hacia el folclore argentino en busca de inspiracin, sino tambin hacia otros sonidos latinoamericanos. La proliferacin de estas bandas y su creciente popularidad, sumado al hecho de que a comienzos de la dcada se dio el auge del movimiento hippie en la Argentina, llevaron al acusticazo de 1972. Dentro de esta tendencia, destaca Sui Generis, banda conformada por Charly Garca (1951-) y Nito Mestre (1952-). La banda existi entre 1971 y 1975, y su nombre significa su gnero o nico en su especie en latn. En 1972, Sui Generis saca su primer LP, vida, que se convierte en un xito instantneo entre la juventud argentina con clsicos como cancin para mi muerte. Tambin seria uno de los primeros grupos que inicio el famoso formato fogn, con temas que podan ejecutarse solo con una guitarra acstica. Luego de ese disco editaron confesiones de invierno (1973) el cual signific un mayor xito debido a la publicidad y a un mejor equipo de realizacin aunque conservaba el estilo del primer lbum. Para 1974 se grab el lbum pequeas ancdotas sobre las instituciones donde la banda se presenta en un formato elctrico, con la inclusin de tres integrantes a la banda: Rinaldo Rafanelli (bajo), Juan Rodrguez (batera) y David Lebon (Guitarra, despus dejara el grupo). As tambin, Charly, adems de usar un piano, agrego los nuevos sintetizadores que venan de Europa y Estados Unidos. El disco tuvo una referencia completa a la situacin de represin y censura del momento, tanto que el ttulo original, instituciones, tuvo que ser cambiado; varias canciones fueron modificadas, y dos de ellas (botas locas y Juan Represin) debieron ser sacadas y cambiadas por otras. En 1975, Sui Generis empez a tener problemas internos, Nito Mestre no estaba conforme por los cambios y la nueva direccin que estaba tomando la banda, los nuevos miembros del grupo no fueron bien aceptados por el pblico y Charly Garca estaba cansado de los fans y los productores que buscaban solamente escuchar el viejo estilo de Sui Generis. Finalmente, el 5 de septiembre de 1975, Sui Generis se despidi con un concierto en el estadio Luna Park, con dos recitales en la misma noche y al menos 30 mil personas presente, que sellaron el adis de este grupo argentino. A mediados de los 70 el rock progresivo domina la escena musical portea. Tomando elementos estilsticos del rock progresivo y sinfnico desarrollado en Estados Unidos y Europa, se popularizaron bandas como Crucis y Espritu, entre infinidad de otras agrupaciones, muy ricas y variadas en estilo y contenido musical. Charly Garca impuls La mquina de hacer pjaros, una agrupacin formada por l, Carlos Cutaia, Oscar Moro, Gustavo Bazterrica y Jos Luis Fernndez. Aunque no tuvieron una aceptacin por parte del pblico, la crtica les elogi y, con el tiempo consigui un lugar indiscutido dentro de la historia del rock progresivo nacional e internacional. Con tan solo dos discos (un autotitulado, de 1976, y pelculas, de 1977), La mquina de hacer pjaros despleg un virtuosismo instrumental y compositivo pocas veces visto. Sin embargo, para el ao del debut del segundo disco, la banda se separara, y la llama del rock progresivo nacional se extinguira de a poco. Garca en 1978 form una de las superbandas ms importantes del rock nacional: Ser Giran. Junto a David Lebn, Pedro Aznar y Oscar Moro, Garca ciment a una de las agrupaciones ms slidas musical, conceptual y escenogrficamente hablando, mezcla de rock, jazz fusin y rock progresivo, entre otros estilos. Su primer disco, de 1978, fue grabado junto a una orquesta de 24 msicos, inclinndose as al rock sinfnico, que en un inicio no tuvo aceptacin, pese a que el disco contena clsicos como Seminare o Eiti Leda. Un ao ms tarde, apareci la grasa de las capitales con un cambio en la temtica sonora del disco: las canciones son ms directas, los instrumentos suenan en un primer plano sin el agregado de cuerdas. Viernes 3 am y noche de perros son los picos ms altos de la genialidad que denota el segundo lanzamiento de Ser Girn. Viernes 3 am sera censurada durante un tiempo en las radios porque se la consideraba una cancin que incitaba al suicidio. Este disco fue el que catapult a Ser Girn como uno de los grupos ms populares de la poca en Argentina. En 1980, vio la luz Bicicleta, un disco que relat con delicada y admirable exactitud la realidad argentina de una poca poltica nada fcil bajo la dictadura: cancin de Alicia en el pas y encuentro con el diablo son las canciones que mejor exponen aquella realidad social. En cancin de Alicia en el pas, Garca pinta de cuerpo entero la realidad argentina, mediante metforas que los censores no llegaron a captar. Bicicleta tambin contiene la nostalgia de Charly Garca en composiciones como A los jvenes de ayer y Mientras miro las

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Arte, culturas y estticas nuevas olas. El disco Bicicleta nombre que en un principio Charly haba propuesto para el grupo, pero rechazado por el resto fue presentado oficialmente en el estadio Obras, en junio de 1980. En el escenario haba ruedas de bicicleta, conejos y flores, lo que llam la atencin de pblico y prensa, por ser el primer grupo que tena algn tipo de preocupacin por la puesta en escena. Ser Girn haba delegado la responsabilidad escenogrfica a Renata Schussheim, artista plstica y vieja amiga de Charly. A partir de Bicicleta, Ser Girn comenz con sus grandes shows. En agosto de 1980 se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, de Ro de Janeiro, Brasil. Por lo general, los argentinos que iban a ese festival estaban ms vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que propona Ser. Ese ao el concierto se dividi: En la primera parte, se presentaron Ser Girn, el guitarrista estadounidense Pat Metheny y George Duke. El xito obtenido por los argentinos fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda la principal junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Egberto Gismonti y el grupo Weather Report. La presentacin fue un xito entre el pblico, respuesta favorable que residi en la variedad de matices en los temas, algunos, con una cadencia que invitaba al baile. Cuando Aznar decidi dejar la banda para ir a estudiar jazz al exterior, luego de editar el disco Peperina, se organiz una serie de recitales para despedir al bajista. El futuro de Ser Girn era incierto. Comenzaba 1982, se avecinaba la Guerra de las Malvinas, y el disco grabado en esos recitales, no llores por m, Argentina, sera una de las placas ms vendidas en ese ao. El tema homnimo transformado casi en un himno-, y otras composiciones como en la vereda del sol, cunto tiempo ms llevar y Eiti Leda, lo convirtieron en un disco imprescindible, relato y sello histrico de la poca. Ms avanzado el ao, las diferencias entre Garca, Lebn