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LA INFLUENCIA DEL ARTE MODERNO Las primeras dos décadas del siglo XX fueron una época de efervescencia y cambios

insólitos que alteraron radicalmente todos los aspectos de la condición humana. El carácter de la vida social, política, cultural y económica sufrió un cataclismo. En Europa, la monarquía fue reemplazada por la democracia, el socialismo y el comunismo soviético. Los avances científicos y tecnológicos transformaron el comercio y la industria. Las áreas subdesarrolladas del mundo comenzaron a despertar y a exigir su independencia. La lucha con armas de avanzada tecnología y la matanza durante la Primera Guerra Mundial perturbaron hasta sus cimientos las tradiciones y las instituciones de la civilización occidental. En respuesta a estas turbulencias, las artes visuales experimentaron una serie de revoluciones creativas que cuestionaron sus valores, sistemas de organización y funciones sociales. Los puntos de vista tradicionales acerca del mundo fueron desbaratados. Ideas elementales del color y de la forma, la protesta social, las concepciones de la teoría psicoanalítica y de los estados emocionales más íntimos se apoderaron de muchos artistas. Algunos movimientos como el cubismo, el futurismo, el dadá, el surrealismo, la escuela de De Stijl, el suprematismo y el constructivismo tuvieron un impacto directo sobre el lenguaje gráfico de la forma y la comunicación visual de este siglo. Como fruto de la diversidad de movimientos vanguardistas gestados en el siglo XX, se proyectó sobre el diseño gráfico un amplio y variado abanico especular que contuvo todos los instrumentos lingüísticos posibles para hacer frente, con distintos repertorios icónicos, a las variantes disciplinarias que las demandas industriales o sociales contribuyeron a engendrar en estas primeras décadas. Entre ellos el diseño tipográfico, publicitario, de imagen de empresa, político y social, el de identificación y la pedagogía del diseño. La evolución del diseño tipográfico del siglo XX está íntimamente relacionada con la pintura, la poesía y la arquitectura moderna. En algunos casos, ciertamente insólitos, el diseño gráfico en sus formas más corrientemente aceptadas (el cartel, el libro, el folleto, etc.) será el vehículo difusor de movimientos vanguardistas específicos. Durante la década 1910/20 las vanguardias artísticas que se suceden crean las condiciones conceptuales objetivas para el nuevo repertorio de formas que el diseño gráfico recogerá, con plena conciencia, para elaborar con él su primer habeas teórico. En efecto, para una disciplina que se encuentra a la búsqueda de sus señas de identidad, la adopción de las formas abstractas, el uso psicológico del color, la revolución de la tipografía, del collage y del fotomontaje representará, no sólo la base de nuevos repertorios lingüísticos, sino también sus presupuestos teóricos más sólidos.

En ese núcleo se concentrarán los antecedentes de una ruptura formal y conceptual que incide de pleno en la embrionaria construcción de un nuevo diseño gráfico (más técnico o interdisciplinar), en el cual irán integrándose paulatinamente las distintas especialidades del sector (cartelismo, diseño tipo-gráfico, ilustración comercial, diseño publicitario, imagen de identidad, etc.) clasificadas desde entonces en una misma categoría multidisciplinar.

> FUTURISMO "Proponemos celebrar el amor al peligro, la costumbre de la energía y la intrepidez. Valor, audacia y rebelión serán los elementos esenciales de nuestras poesía... Afirmamos que la magnificencia del mundo ha sido enriquecida con una nueva belleza: la belleza de la velocidad... Un auto de carreras que parece moverse sobre la metralla es más hermoso que la Victoria de Samotracia... Excepto en la lucha, no hay más belleza. Ningún trabajo carente de un carácter agresivo puede ser una obra de arte". Manifiesto del futurismo publicado en Le Figaró, París, 20 de febrero de 1909. "Destruir el culto al pasado... invalidar totalmente toda clase de imitaciones... elevar todos los atentados al rango de originalidad... considerar a los críticos de arte como inútiles y peligrosos... dejar limpio el campo entero del arte de todos los temas y asuntos que han sido utilizados en el pasado... apoyarse en y glorificar nuestro mundo de cada día, un mundo que va a ser transformado continua y espléndidamente por la ciencia victoriosa". Manifiesto de los pintores futuristas Boccioni, Carra, Russolo, Balla y Severini. El futurismo es el primer movimiento en el arte moderno que, aprovechando la libertad ofrecida por la fragmentación de la imagen perceptiva, creó formas de arte determinadas por la imaginación o la fantasía. Ha sido importante el papel que desempeñaron en su formación poetas y propagandistas literarios. El poeta italiano Filippo Tomaso Marinetti (1876-1944) fundó el futurismo como movimiento revolucionario de todas las artes, para poner a prueba sus ideas y formas contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial. Su manifiesto proclamaba la pasión por la guerra, la era de las máquinas, la velocidad y la vida moderna. Impugnaba los museos, las librerías, el moralismo y el feminismo. En valiosas frases

Estilos históricos
DEPERO FUTURISTA, 1913-1927

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pintores y músicos jóvenes independientes). La experiencia de Marinetti en las trincheras de la guerra inspiró este poema. provocativo y el Poema extraído de “ Las palabras hacia la libertad”. El espacio ya no existe. Palabras libres. moléculas y átomos. no lineal. Desarrollaron una nueva sensibilidad para los objetos típicos de nuestros tiempos. “motor” poético del movimiento italiano. En estas propuestas quedará integrado. El que guiaba el movimiento era un joven húngaro. lugar de encuentro para artistas (poetas. realizada por medio de palabras y letras pegadas en lugar de la reproducción fotográfica. sobre todo por la velocidad. Ellos iniciaron la publicación de manifiestos. Berlage. asume en los manifiestos futuristas una entidad pictórica. el diseño gráfico y sus múltiples disciplinas. y es-te dinamismo universal es lo que el artista debe esforzarse por representar. La confusión. La armonía fue rechazada como una cualidad del diseño porque contradecía “los saltos y estallidos de estilo que fluían a lo largo de la página”. cambian rápidamente. El color es iridiscente. Este lugar que fue la cuna del movimiento Dadá. Un indudable carácter iconoclasta. Como ferviente admirador formal de la letra Marinetti. trenes. Luiggi Russolo. Escribió un torrente de manifiestos y contribuyó en todas las publicaciones y eventos dadaístas más importantes. En una cuadrilla. Bifszt + 18. la forma de la tipografía debía enfatizar el contenido escrito. el dadaísmo afirmaba ser el anti-arte que poseía un fuerte elemento destructivo y negativo. estaban expresadas en la poesía futurista. Desde la invención del tipo móvil. 1915. Wagner) y de diseñadores gráficos especialmente preocupados por el tema (Eckman. Para ellos. página 2 de 18 . Behrens. desde entonces. nihilista. Un caballo al galope. Olbrich. El manifiesto es un documento lógico. Ardengo Soffici. En consecuencia pintaron seres vivos (animales y humanos) con múltiples miembros ordenados en serie o radialmente. Con su reacción contra el mundo que se había vuelto loco. Intentaron representar el movimiento. sus pinturas siguen siendo hoy símbolos plásticos de ello. las sombras son luminosas. huyendo de las normas establecidas por la tradición sobre la armonía. el sonido podía ser representado como una sucesión de ondas y el color como un ritmo prismático. El ruido y la velocidad. una vida de acero. el ruido violento y el caos de la batalla explotan sobre la joven que esta leyendo la carta de su amado en el frente. la del absurdo y la fortuita. sería cerrado por las autoridades pocos meses después de su apertura. Carlo Carrá. iniciándose con él una curiosa y positiva “revolución tipográfica". Giacomo Balla y Gino Severini). Todas las cosas se mueven y corren. orgullo y temeraria velocidad. la mayor parte del diseño gráfico había tenido una estructura horizontal y vertical. simultaneita Chimismi irici. animaron sus páginas con una composición dinámica. En este vigoroso poema futurista. la combinación de tres o cuatro colores de tinta y 20 tipos de letra (itálica para impresiones rápidas. Rechazando toda tradición. pero fueron dejados atrás por el cinematógrafo. El diseño tipográfico fue llevado al campo de batalla artístico. aeroplanos. Los poetas futuristas. la experimentación tipográfica y las maniobras publicitarias. librados de la tradición. produjeron una poesía con carga explosiva y emocional que desafiaba la sintaxis y la gramática ortodoxas. los futuristas contribuyeron al movimiento moderno de forma diversa e importante. negritas para ruidos y sonidos violentos ) podrían redoblar el poder expresivo de las palabras. Comienza por declarar que la creciente necesidad de verdad no puede ya ser satisfecha por la forma y el color según eran entendidos en el pasado. La solución futurista era un tanto ingenua. explosivos. > DADAÍSMO El movimiento dadaísta se desarrolló espontáneamente como un movimiento literario después de que el poeta Hugo Ball abriera el Cabaret Voltaire en Suiza. miles de volantes eran arrojados a las multitudes. olas. Bernhad. Se le exige al artista que exprese la vorágine de la vida moderna. Líneas diagonales enlazan las unidades y crean ritmos de un página a otra. dos condiciones dominantes en la vida del siglo XX. llamado “tipografía libre” y “palabras en libertad”. nubes. Hoffmann. Tristán Tzara (1896-1963). podían proporcionar la velocidad de estrellas. titilante. En la página impresa había nacido un diseño tipográfico nuevo e íntimamente relacionado con la pintura. que no se reconstruyó. concede a la tipografía un papel inédito hasta entonces en el juego de las formas plásticas. pero ellos no resolvieron el problema de representar el movimiento en las formas estáticas de la pintura y la escultura. 1919. La guerra que estalló dispersó al grupo. el lema de “la palabra en libertad” justificó un protagonismo inusual del tipo en una disposición espacial inédita. vacilantes. se contrastan versos breves con grupo de letras adaptadas como formas visuales puras. como la presentación de diferentes perspectivas en una misma obra de arte. Quien exploró la poesía fonética. Por otra parte. Tuvo una enorme repercusión a nivel mundial.retóricas enunciaba el fin del arte del pasado (le passéisme) y el nacimiento de un arte del futuro (le futurisme). Weiss). decían. Marinetti y sus seguidores. especialmente para la máquina. y el movimiento de éstas es triangular. que ya había adquirido una cierta paridad jerárquica con la imagen gracias a la labor experimental de algunos arquitectos modernistas (Van de Velde. Moser. poetas y pintores (Humberto Boccioni. La letra. dinámicas como un torpedo. para representar la existencia o los acontecimientos concomitantes. buscó la liberación total. Los pintores futuristas fueron los primeros en emplear la palabra simultaneidad en el contexto del arte visual. Filippo Marinetti. en la cual la letra se libera de la alineación clásica adoptando formas concretas figurativas. no tiene cuatro patas sino veinte. fiebre. o existe únicamente como ambiente dentro del cual los cuerpos se mueven e interpenetran. Más allá de su corta duración. y para las preocupaciones del hombre moderno. Este hincapié en las cualidades dinámicas de la vida comenzó con los impresionistas.

El público se escandalizó cuando Duchamp pintó un bigote sobre una reproducción de la Mona Lisa. y la burguesía deseó vengarse de esta vanguardia silenciando durante muchos años toda información sobre el extenso y variado grupo. la frivolidad de la fe ciega en el progreso tecnológico. Su rechazo del arte y la tradición permitió a los dadaístas enriquecer el vocabulario visual del futurismo. Los actos artísticos se volvieron un asunto de decisión y selección individual. protofascistas en algunos casos. la controversia y el desacuerdo se dejaron ver entre sus miembros y el movimiento se dividió. pero sus actividades destructoras y exhibicionistas se volvieron más absurdas y extremas al terminar el conflicto armado. el dadaísmo fue conscientemente internacional. Los dadaístas. desde sus comienzos. Su síntesis de acciones espontáneas al azar con decisiones planteadas permitió deshacerse de los preceptos tradicionales del diseño tipográfico. los de Schwitters e incluso las maderas de Hans Arp. Aunque consideraban al futurismo como demasiado realista y programático. los célebres collages de Max Ernest. Anarquistas más que socialistas. y todavía en la actualidad. Desde el comienzo. también incitaba a los poetas a liberarse de la servidumbre de la gramática para abrir mundos nuevos de expresión. tanto del diseño como literarios. tomaron de él el concepto de simultaneidad y el “brutísimo” o música de ruido. Asimismo el dadaísmo mantuvo las letras como formas visuales concretas." Arrojaba chillidos y palabras a sus escuchas. como su rueda de bicicleta montada en un banco de madera. la decadencia de la sociedad europea. es posible observar su influencia.Kurt Schwitters. hacia una completa revolución cultural. el dadaísmo llevó sus actividades negativas hasta el límite. la revolución tipográfica debe hoy gran parte de su éxito a Kart Schwitters. Grosz. Entre los años 1921 y 1922.. Si bien Duchamp. Estaban empeñados en escandalizar a la burguesía (a quien consideraban responsable de la guerra) y dispuestos a utilizar cualquier medio al alcance de una imaginación macabra: hacer cuadros con basura o exaltar objetos escandalosos como botelleros u orinales a la dignidad de objetos de arte. IMAGEN TIPOGRAFICA. Los artistas del Cabaret Voltaire no sabían en realidad lo que querían. quien fue creador del fotomontaje político. Los elementos de expresión gráfica de la catarsis dadaísta fueron recogidos por el diseño gráfico. Como resultado obtuvo imágenes que permitían una identificación y comprensión inmediata por parte de la clase trabajadora. . Marinetti escribió . Fueron perseguidos por el nazismo como arte especialmente “depravado”. negándole lo más elemental del aparato de difusión cultural que la clase dirigente administraba. Este acto era un ataque ingenioso contra la tiranía de la tradición y de un público que había perdido el espíritu humanístico del Renacimiento. crearon modelos que el diseño gráfico y el publicitario han perpetuado hasta nuestros días. tanto escritores como artistas. en tal medida que no deja de resultar sorprendente la habilidad con que estos sistemas formales se destilaron del lenguaje virulento anti-burgués. Esta filosofía de absoluta libertad permitió a Duchamp crear una escultura “ya hecha” (ready made). El pintor Marcel Duchamp (1887-1968) se unió al movimiento y se convirtió en su artista visual más prominente. Filippo Marinetti. aparecen como los datos más típicos con los que se define este decisivo movimiento vanguardista. El dadaísmo fue el movimiento liberador más importante de su tiempo. la protesta y el absurdo. Asuman y Höch. sociales y artísticas. la insuficiencia de la religión y los códigos morales convencionales en un continente en pleno cataclismo. al abrir un diccionario francés y apuntar rápidamente una palabra a ciegas."un hombre que haya vivido una explosión no se detendrá a ordenar gramaticalmente sus oraciones. y mostrar como arte “objetos convencionales”. UN ENCUENTRO TUMULTUOSO. Nació como un protesta contra la guerra. el dadaísmo había pretendido ser “activista” y esto significaba un intento de sacudir el peso muerto de todas las antiguas tradiciones. este experimento gráfico de tipografía figurativa ha sido aclamado por sus puntos de vista. Protestaba contra el militarismo alemán y su ejercito. los dadaístas adoptaron el lema de Bakunin: “La destrucción también es creación!”. a quien se le deben casi todas la versiones de collages tipográfico que se han venido haciendo en el diseño. Se rebelaron violentamente contra los horrores de la Guerra Mundial. Lewis Carroll Inspirada y totalmente diferente del resto de "Alicia en el país de las maravillas". Sin embargo. Una historia cuenta que el movimiento fue bautizado por azar. como consecuencia de la crisis histórica que les tocó vivir. página 3 de 18 .John Heartfield (1891-1968). no sólo como símbolos fonéticos. el portavoz más claro del dadaísmo. los jirones del arte moderno que habían quedado en sus mentes fueron llamados “dada”. Había agitación social. Fue decayendo y dejó de existir como un movimiento coherente a finales del año 1922. En un segundo plano.fenómeno de sus multitudes e inmediatas segregaciones en el mundo occidental. A su lado.. la actitud dadá apuntaba mucho más alto. fiebre bélica. utilizó disyunciones rígidas del fotomontaje como una potente arma de preparación del arte mecánico para la impresión en offset. grandes descubridores del fotomontaje. permitiendo su reinserción en la misma sociedad que los había rechazado. 1919. estaban interesados en el escándalo. carecía de un liderazgo unificado y muchos desarrollaron los planeamientos que darían origen al surrealismo. Sobresalen entre los miembros del movimiento dos nombres que hicieron del diseño gráfico su principal actividad profesional: . la guerra misma y luego la revolución rusa. más que un intento positivo de crear un nuevo estilo en el arte. Pero. la huella más profunda fue marcada por el grupo dadá alemán: Heartfield. Finalmente. Picabia y Tzara han influenciado el diseño gráfico. “dada: el balbuceo de un bebé”.

ya sea verbalmente o por escrito. Espacio. el surrealismo profesaba una fe poética en el hombre y su espíritu. Desafortunadamente sus ideas y sus imágenes han sido explotadas y vulgarizadas por los medios de comunicación. mejor dicho. El mundo de la intuición. En los trabajos de Joan Miró y Hans Arp el automatismo visual (dibujo y caligrafía con base en un flujo de conciencia intuitivo) es usado para crear expresiones espontáneas de la vida interior. Giorgio de Chirico (1888-1978) es considerado el primer pintor surrealista. El decalco es el proceso que usó para transferir figuras de un motivo impreso a un dibujo o pintura. que se publicó el mismo año en el primer número del periódico de los constructivistas: LEF (heraldo del frente de izquierda en el mundo del arte). los escritores experimentaron la escritura como un flujo de conciencia (automatismo). cuyo fin consistía en que volvieran a funcionar los engranajes de la actividad económica. CARTEL ATACANDO A LA PRENSA. Aunque los surrealistas a menudo creaban imágenes tan personales que la comunicación se volvía imposible. el gobierno de Lenin lanzó un plan que implicaba un retorno parcial a la libre empresa: Nueva Política Económica (NEP). lo estatal/lo privado. El surrealismo (superrealidad en francés) no era un estilo o un tema estético. particularmente durante los años cincuenta. Tras haber logrado cierto control sobre el territorio. Sus imágenes enigmáticas se combinaban para comunicar sentimientos más allá de la experiencia ordinaria. Fue una época de contrastes por excelencia. el ejército rojo bolchevique desbarató la resistencia de los contrarrevolucionarios blancos. La respuesta del gobierno fue el comunismo de Guerra. un grupo de pintores trabajaron con un vocabulario puramente visual. El dadaísta alemán Max Ernst se unió al surrealismo innovando varias técnicas adoptadas posteriormente por la comunicación gráfica. rojo/blanco. también produjeron imágenes cuyo sentimiento. una política de racionamientos y colectivismo. en 1923. una forma de sentir y un modo de vida. gran poeta revolucionario. El dadaísmo había sido negativo. Los jóvenes poetas rechazaron el racionalismo y las convenciones formales que dominaban las actividades creadoras en el París de posguerra. 1930 Una imagen visual surrealista. Este fue un período RUEDA DE BICICLETA Marcel Duchamp. integrado por escritores y poetas franceses jóvenes. de repente lo vemos con ojos frescos que corresponden a sus propiedades visuales intrínsecas. André Breton. 1951 Cuando un objeto es removido de su contexto usual. símbolos o fantasía suscitaron una respuesta universal. > CONSTRUCTIVISMO En Rusia los acontecimientos de 1917 dividieron el mundo en dos: revolución/contrarrevolución. El impacto de este movimiento en el diseño gráfico ha sido diverso. Buscaron caminos nuevos para dar origen a verdades diferentes que revelaron “el lenguaje del alma”. Para buscar una verdad interna. perspectiva y figuras están representados. fue pionero de las técnicas nuevas y demostró cómo la fantasía y la intuición podían ser expresadas en términos visuales." Con raíces en el dadaísmo y en el grupo Littératuare. Arranquemos esto vendajes que causan estupidez!”. constituía una manera de pensar y de conocer. la verdadera función del pensamiento. Fue por medio de los pintores que el surrealismo afectó a la sociedad y a la comunicación visual. lo individual/lo colectivo. La guerra civil asoló el continente hasta 1921. Pintó obsesivamente vistas vacías de los palacios del Renacimiento italiano y cuadros que poseían una inmensa melancolía.> SURREALISMO Según su definición. su enfoque realista de la simultaneidad fue introducido en los carteles y portadas de libros. Estas formas elementales. El impacto más importante recayó sobre la fotografía y las ilustraciones. John Heartfield. Contribuyó a la liberación del espíritu humano. Los pintores surrealistas figurativos fueron llamados "naturalistas de lo imaginario". el pasado/el futuro. Por último. fundador del surrealismo. entretanto nacía el cine documental de manos de su pionero Dziga Vertov. Salvador Dalí (1904-1989) por su parte. surrealismo es: "Automatismo psíquico puro por medio del cual se pretende expresar. buscando “lo más real que el mundo real tras lo real”. el espíritu de rebelión y los misterios del subconsciente. Muchos surrealistas influyeron significativamente en la comunicación visual. sin la censura de la conciencia. orgánicas y la composición abierta fueron incorporadas al diseño. y le permitió incorporar una variedad de imágenes en su trabajo de manera inesperada. el surrealismo irrumpió en la escena de París en el año 1924. aparece sobre el titular que declara : “cualquiera que lea la prensa burguesa se vuelve sordo y ciego. proletariado/burgesía. influyó de dos formas en el diseño gráfico. en que la actividad económica colapsó enteramente. los sueños y el reino de lo inconsciente explorado por Freud. pero la imagen es un escape de un sueño irreal. destructor y continuamente exhibicionista. la izquierda/la derecha. escribió “Pro esto” (Al Respecto). El pensamiento dictado en ausencia de todo control ejercido por el razón. Vladimir Maiakovsky. Reinventó el huecograbado al emplear procedimientos del collage para crear imágenes extrañas. Los transportes de alta tecnología eran una obsesión pública. color. como en el caso del belga René Magritte (18981967). página 4 de 18 . una cabeza envuelta en periódico. infundió a la palabra toda la magia de los sueños. la estética o por preocupaciones morales. Sus penetrantes perspectivas han inspirado intentos de llevar la profundidad a la página impresa plana.

política y económica para el nuevo país era recogido inmediatamente en la publicidad. la máquina de vapor. Kinofot. Algunas de las palabras con las que los constructivistas intentaban definir sus principios estéticos eran: "Nuestra gravitación hacia el principio de construcción es una manifestación natural de la conciencia contemporánea. página 5 de 18 . los constructivistas. el Estado prestó atención a la publicidad. Muchos artistas desempeñaron papeles activos en la publicidad. juramentados para la innovación artística. en los tranvías. El artista contemporáneo debe crear objetos iguales a estos en fuerza . El primer órgano impreso del arte revolucionario fue el periódico “Iskusstvo kommuny” (Arte de la comuna). Cuando el comercio privado se hizo activísimo a consecuencia de la Nueva Política Económica (NEP)... Un papel muy significativo en las campañas de agitación fue el que desempeñaron los trenes. Para el artista. Dijo Vesnin: “El ingeniero contemporáneo crea obras de genio: el puente. Gan. el aeroplano. desarrollaban programas educativos y tomaban decisiones a nivel operativo sobre el establecimiento y formalización del poder soviético en las regiones. La publicidad estatal estuvo orientada por una nueva raza de diseñadores. estaban convencidos de que el arte debía entregarse al trabajo de crear la vida misma. que unían Moscú y Petrogrado. formas geométricas puras y estructuras claras. en ellos viajaban activistas políticos que distribuían literatura de agitación. Se nutrió de movimientos de vanguardia como el Cubismo. cuando Maiakovsky tenía treinta años y Rodchenko treinta y dos. no un diseño para una elite. sino para la vida de las masas. Sus imágenes se caracterizan por el ascetismo formal. tenían que mantenerse a DESNUDO DESCENDIENDO LA ESCALERA . la participación en la construcción de la nueva sociedad significaba la participación en la construcción de una nueva cultura socialista. se convirtieron en los géneros centrales del arte pre-revolucionario. En una de sus batalla contra el sector privado que seguía existiendo en la economía soviética. El artista escribió que esta pintura era "una organización de elementos cinéticos. que deriva de la industria". Los constructivistas plantearon y resolvieron problemas relativos a la relación entre función. el Suprematismo y el Futurismo. avanzó paralelamente a los acontecimientos y se incorporó a la batalla social y política convirtiéndose en un arte agitado y agitador. Para los teóricos del arte de producción. una expresión del tiempo y de espacio a través de la presentación abstracta del movimiento”. en los talleres y en los hogares”… El arte debía ser reemplazado por el diseño. 1935 La leyenda: “Adolfo. nada debe derivar puramente del gusto o de una tiranía estética. Todo aquello que cobraba especial importancia social. que ha acabado por asociarse particularmente con la Unión Soviética de los años veinte. entre otros) se agruparon alrededor de sus periódicos: LEF. Los carteles de agitación. se convirtió en una cuestión desesperadamente urgente el anunciar los artículos producidos por las empresas estatales. que era la dimensión económica del nuevo sistema. Anunciar equivalía a realizar agitación en favor del poder soviético. la tecnología avanzada representaba el genio humano en su cenit. "Nada debe ser accidental.” Los protagonistas del arte izquierdista (Tatlin. Marcel Duchamp. la grúa. en los nombres de las fábricas y los productos. en las fábricas. El núcleo central en el que las ideas productivistas fueron entendidas de un modo consistente y claro. El "constructor-publicitario" empezó a operar en 1923. tanto de producción como de servicios. en busca de materializar sus ideales productivistas en un arte orientado hacia la industria . fue en el estilo más característico de los años 20: el constructivismo. Crearon en tipografía y en diseño gráfico un estilo totalmente desprovisto de adornos y genuinamente agitador. La publicidad soviética hablaba en nombre del Estado y perseguía sus intereses. Sus conceptos centrales eran los de funcionalidad y coincidencia de la forma con la finalidad (funktsionalnost y tselesoobraznost). y su labor continuó hasta 1925. los tejidos y las poesías de agitación. Muchos de los ideólogos del “Arte de la comuna”. Los constructivistas y los suprematistas creían que la estética para una era de nueva organización social y económica debía ser también nueva. principios de montaje y producción industrial. Las agencias económicas soviéticas. formas geométricas y ángulos rectos. Novyi LEF y Sovremennaia arkhitektura. tensión y potencial. Malevich. el teatro de agitación. y que contrasta fuertemente con los estilos decorativos que lo precedieron. de donde deriva la conclusión fundamental: la construcción es la organización apropiada de los elementos materiales. en ruso) que adoptaron Maiakovsky y Rodchenko para realizar conjuntamente trabajos de publicidad. Ese fue el nombre (REKLAMKONSTRUKTOR. estructura y materia.de yuxtaposiciones demenciales. El contenido y el diseño de cada número eran acontecimientos con derecho propio. traga oro y escupe hojalata” es parte de un fotomontaje donde el Führer es visto con rayos x y muestra un estómago formado por monedas de oro. Como el arte no podía disociarse. forma. Decía Maiakovsky: “el arte no debe concentrarse en altares muertos llamados museos. Utilizaban tipos simples. En esos anuncios se reflejó la vida del país. El argumento fundamental en favor del apoyo a la producción estatal fue que ésta pertenecía a un nuevo mundo. Todo debe estar infundido de significado técnico y funcional". de nuevas asociaciones entre formas e ideas. los trenes de agitación. el superhombre. en los nuevos slogan. Debe difundirse en todas partes: en las calles. especialmente diseñados. Rodchenko. Rodchenko y Gan. 1912. principal teórico del constructivismo y su primer ideólogo. Así cobró forma un nuevo concepto con el nombre de arte de producción. Popova. John Heartfield. El número uno comenzaba con un manifiesto escrito por Maiakovsky. CARTEL DE PROPAGANDA ANTI-NAZI. El Lissitzky.

El ritmo intensivo con que trabajaban era asombroso... en manos de Rodchenko. Rodchenko pasaba a recoger el texto acabado y se lo llevaba a su casa para hacer un esbozo. se los llamó “ventanas ROSTA”. y la aparición de los nuevos objetos se convirtió inmediatamente en un notable acontecimiento ciudadano.. Los posters se dibujaban al modo de una tira de cómic. Era el texto el que engendraba todas las demás cosas de sus anuncios. Los posters revolucionarios. cuerpo y color. adquirían forma visual.. El Estado mismo se convirtió en cliente de publicidad. alrededor de cien rótulos.. con la finalidad de situar posters en todas partes. era "un trabajo altamente cualificado". Cada día se realizaba un nuevo anuncio. esa agitación en favor del comercio. y esos textos en su conjunto formaban una historia unificada. Ese trabajo de diseño gráfico. representaba la participación del artista en el proceso de producción exactamente del modo en que ellos la concebían. apropiadas para su papel dentro del mensaje global. habitualmente. René Magritte. como jefe de la operación publicitaria del Estado. A. como recordó Rodchenko. Maiakovsky recibía un encargo por la mañana. No podemos dejar ese arma. Siempre había grupos de gente agolpada para verlos. por la tarde. La burguesía conoce el poder de la publicidad.. Las frases se cortaban según su significado. Cubierta del primer número de LEF. En 1923. como poeta. Debajo de cada dibujo había un texto que se relacionaba directamente con él. cómo sus ideas se incorporaban al mundo material. 1927. En ellos. Rosta empezó a publicar posters sobre cuestiones políticas que. diseños de envases y de envoltorios. ilustraciones en revistas y diarios". Por la tarde. Con esa técnica podían incorporarse a un póster noticias candentes y difundirse con una velocidad genuinamente telegráfica. en la URSS. su entonación.. Maiakovsky había sido el primero en "anunciar" la política de la NEP. 1923 página 6 de 18 . que realmente estaban viendo cómo se encarnaban sus teorías. El ideó su estructura general: cada uno de ellos consistía en varios dibujos de igual tamaño que se miraban consecutivamente. A las once de la mañana siguiente ya había llevado los posters a Volodia. Como hubieran dicho los productores mismos. Los escaparates estaban absolutamente vacíos. en manos de los burgueses extranjeros que comercian aquí. "podría escribirse todo un libro sobre ello". todo estaba desglosado y valorado según una tasa estandar por pieza: texto. Había hecho tantas cosas. encabezó el trabajo. Por muy pocas que fuesen las palabras o las líneas. revista del Frente de Izquierda de las Artes. incluso en una ciudad de las dimensiones de Moscú. Sabía cómo enfocar los anuncios. ni siquiera el más seguro y fiable. Esos precios fueron confirmados oficialmente. pero fue Maiaovsky quien. Los moscovitas se sabían de memoria los textos de los anuncios de Maiakovsky expuestos en la ciudad. debe funcionar para bien del proletariado. las exhibiciones se estructuraron alrededor de un texto de orientación claramente agitadora. Hizo un álbum de nuestros trabajos para mostrarlo a los clientes potenciales". Las letras cobraban actividad y eran a menudo el único material con que estaba construido el objeto publicitario. la rutina se repetía. Todo. y después se daba a cada parte unas características propias de tipo. Así se desarrolló el principio característico del su trabajo: las manipulaciones tipográficas creaban un texto con énfasis y acento. que dijo más tarde. como los denominaba Maiakovsky. Maiakovsky se tomó el trabajo muy en serio. La publicidad es agitación industrial. anuncios luminosos. el texto de un póster de la editorial estatal Gosizdat destinado a explicar al campesinado el decreto de implantación de la NEP. puede mantenerse sin publicidad. se exhibían en escaparates. que se imprimía para consumo masivo. y sus éxitos no fueron accidentales. ¡Prestemos alguna atención a la publicidad!” El "constructor-publicitario". Desde la primera "ventana" en que participó. comercial. dirigió la batalla contra aquellos sectores que estaban obteniendo provechos un tanto excesivos. Las formas de letra eran utilizadas del modo más apropiado para servir a la idea contenida en el texto. izquierdista. Maiakovsky era siempre muy exigente en cuanto a su calidad y al cuidado con que debían elaborarse. Aquellas ventanas fueron creadas por un grupo de artistas. "La tarea de la creación del póster soviético la creación de nuestra nueva publicidad progresó a grandes pasos. de modo que se necesitaban relativamente pocos posters para que la población entera los viera.la altura de la competición con las empresas privadas.Rodchenko.. La publicidad es el arma surgida de la competencia. La poesía para la publicidad era tan sólo un eslabón en aquella cadena que empezó con su trabajo para la agencia telegráfica rusa Rosta. Dos años más tarde. Todos los textos de anuncios son pequeños poemas vibrantes "para la voz" y resuenan en la memoria. tenía una gran experiencia en la poesía de agitación a la que dedicó toda su vida. Era un trabajo a presión. escribiendo. en manos de los Nepmen (nueva burguesía de negocios) . Ningún negocio. en 1921. Incluso preparó una lista de precios para los diferentes tipos de trabajos publicitarios. Los textos de Maiakovsky. Cada palabra o combinación de palabras era ANUNCIO. posters publicitarios. Aquellos anuncios eran creados por los líderes del arte productivista. en dos o tres días se realizaban hasta trescientas copias que se enviaban a distintas partes del país. Nada tenía de fortuito el modo en que operaba. su ritmo oral. esbozo del diseño. En 1919. se hacían a mano y se reproducían con plantillas. "hizo unos cincuenta posters. publicó un artículo titulado "Agitación y publicidad" en el que formuló la tarea y las características específicas de la publicidad soviética: “Conocemos el maravilloso poder de la agitación. boceto final.

la renovación del diseño gráfico en Europa se producía básicamente en la renovación del diseño tipográfico y en la evolución y aplicación de la fotografía como medio de representación de caracter publicitario. sino que está trazado a mano. toda clase de recursos que pudieran atraer la atención o crear una dinámica visual. La mano se convertía en la tecnología apropiada para el trabajo. No es que no se haga nada en esa línea: se hacen montones de cosas. KHOROSHO ! El Lissitzky. en el proceso de poner énfasis y estructurar la materia prima tipográfica. 1928.como vías elegidas para el desarrollo tipográfico (un importante factor que determinó el rumbo que tomaron los acontecimientos a partir de 1918 en Europa. a finales de 1920 y en 1921. algo así como unos filetes. Las obras producidas por sus profesores y estudiantes. Según dejó registrado en sus recuerdos: “1919. desde hacía tiempo eran un elemento de sus pinturas experimentales. La publicidad de Maiakovsky y Rodchenko es la encarnación más sobresaliente del principio productivista. me criticaron masivamente por esas líneas. No hay nada que ver en cuanto a rótulos luminosos. a la decisión de eliminar toda veleidad decorativa y a la aspiración de transmitir una imagen tecnocrática. > BAUHAUS Los manifiestos que engendraron buena parte de la actividad en el diseño gráfico durante este siglo fueron escritos y concebidos en los años veinte. eso tan sólo son pinceladas sueltas’. mucho más que ningún otro medio. y me asombró lo flojos que son aquí los anuncios. Desde luego. Para aquellos artistas. Aquella década fue una época de florecimiento de los pensamientos extremos -radical y conservador. y su valor como instrumento político y comercial de crucial importancia. principio que surgió como el logro central de la aspiración post-revolucionaria de democratizar y popularizar el arte. la forma de la letra es una cosa simple. Ambos trabajaron día tras día en comisiones de publicidad de un número enorme de organizaciones estatales. pese a que ello contradice el principio constructivista de utilización máxima de la tecnología. Recordemos que por entonces.escuchada y entonada. fundada en abril de 1919 bajo la dirección de Walter Gropius). escribe: “Más. Más adelante. Pero en mi mente había preocupaciones distintas de las suyas”. utilizaba flechas. desde allí escribió a su mujer: “Ayer paseé sin rumbo por París. los valores del trabajo y una creatividad que aspiraba a moldear la vida misma. En el núcleo central de la aparición de una nueva tipografía estaba la Bauhaus (Staatliche Bauhaus. Muchos de los textos de Maiakovsky y Rodchenko se convirtieron en frases hechas y. Rodchenko. los nombres mismos de firmas difuntas desde hace mucho tiempo. Moscú se llenó literalmente con sus slogan publicitarios. si un póster tenía que estar en imprenta al día siguiente. y por otros asociados o influidos . tanto dentro de sí misma como en la disposición global de las palabras de la página. No fue por azar que aparecieron en sus posters formas geométricas simples hechas con instrumentos de dibujo. esa forma ha sido manifiestamente elaborada en base a consideraciones de legibilidad. tan flojos que es inexplicable. el tipo no pertenece al repertorio previamente disponible. en obras gráficas y tipográficas. La sintaxis empleada era organizada. en esos mismos recuerdos. Encarnaba simultáneamente la actitud del artista productivista. al servicio de la sociedad y de sus preocupaciones. su relación con el flujo recíproco de creatividad entre las artes gráficas y la arquitectura. permanecen vivos hoy. las tendencias ya manifestadas en el Constructivismo se reflejaron también. algunos de los posters de Maiakovsky y Rodchenko se expusieron en la Exposición Internacional de Artes Decorativas. en todas las esferas de la vida. también se estaban estableciendo las bases para el nuevo dogma de lo que constituía "lo moderno" y que muy pronto se infiltraría en el campo de la publicidad. entre tanto. gracias a ellas. Por último se entonaba la construcción tipográfica en su conjunto. En general. Rodchenko. enérgica y agitadora. Tapa y contratapa del poema de Maiakovsky. En aquellos tiempos. esas obras empezaron a tener imitadores. diseñador desconocido. filetes. Y el eco de ese trabajo ha llegado hasta nuestros días. fue la situación creada en la industria tras el desastre de la primera guerra mundial). De ese modo. La publicidad difundió ese principio. por la tarde y un poco hacia el anochecer. Concebí la idea de ejecutar diez obras con una sola forma en negro sobre blanco. la mano podía hacer más que la tecnología y. signos de exclamación. Muchos dijeron entonces que la idea de las líneas como esquema constructivo les había abierto los ojos a los problemas de la estructura en general”. las actividades de esos años supusieron la creciente valoración de su oficio. 1926. En 1925. la publicidad no fue tanto un episodio sino un todo estrato de sus vidas. En la obra de Rodchenko. Dijeron: ‘Eso no es pintura. era más rápido hacerlo a mano. como una postulación de la tónica leal de toda la publicidad soviética. la clarificación de lo que los tradicionalistas consideraban la buena práctica tipográfica entrañaba una crítica del statu quo. en París y el "constructor-publicitario" obtuvo una medalla de plata. Concebían su trabajo como ejemplar. y su tecnología está en un nivel elevado”. Con sello de sus propias aspiraciones y las de su tiempo. Al mismo tiempo. más que un respeto por las prácticas al uso. Para los tipógrafos. y titularlas “Líneas”. A la par que se fomentaba la experimentación. página 7 de 18 DEATH RAY poster.

o serie de libros publicada por la Bauhaus que data de 1923. constituían un eslabón en el proceso de relacionar esas ideas con el concepto de la comunicación de masas. están organizados asimétricamente sobre retículas moduladas (en contraposición a la simetría central tradicional sobre retículas lineales). ortogonal/oblicuo). bandas y bloques de texto. realizaba su exposición en Weimar. adoptando como principio de su labor teórica y práctica la "unidad del arte y la artesanía".por ellos. se reducían los componentes del diseño a aquellos que eran puramente tipográficos. la arquitectura y el cine son la expresión de nuestro tiempo exacto. neoplasticista y constructivista. un lenguaje cuya lógica dependa de la adecuada aplicación de los procesos de impresión”. como filetes. y evocan a las composiciones pictóricas de Theo van Doesburg y Piet Mondrian. 1926. la Bauhaus. Los símbolos tipográficos también podían cumplir una función similar. La comunicación no debe plasmarse bajo nociones estéticas preconcebidas. En su ensayo. Moholy-Nagy se lamentaba de la inexistencia de Contra las formas históricas y escrituras de"caracter individual o artístico". componiéndose éstos con un vigor tal que su presencia era una afirmación tan poderosa como el significado de las propias palabras exhibidas.. Herbert Bayer: . hecho que puede señalarse como testigo del alejamiento del arte y de la utopía romántica medieval que hasta el momento pregonaba la escuela. Su intervención en los libros incorpora referencias constructivistas y neoplasticistas: los elementos de la página. variedad y una aproximación fresca hacia los materiales de imprenta. y ello debía conseguirse principalmente mediante la disposición del tipo. Hasta 1922. adquirieron su papel más predominante de toda la historia de la Bauhaus. Moholy-Nagy hacía especial hincapié en la claridad absoluta del diseño sin nociones estéticas preconcebidas. ante todo: claridad absoluta en toda obra tipográfica. como resultado directo de las enseñanzas de Moholy-Nagy. tan caros a la impresión tradicional. los trabajos gráficos se consideraban casi exclusivamente como obras artísticas. El principio de la unidad del arte y la artesanía fue sustituido por el de “arte y técnica. dadaísta. Bayer intentaba. color y espacios en blanco. Su aplicación de la tipografía era muy intencionada en este aspecto. Gracias a esa estudiada intencionalidad y a su relación con las ideas imperantes en otros movimientos afines. Fue él mismo quien introdujo técnicas innovadoras como el fotomontaje. pero hasta la llegada en 1923 de Lászó Moholy-Nagy (1895-1946). esta obra está entre los primeros ejemplos de nueva tipografía comercialmente relevante. lo que resultaba sumamente apropiado para una serie de libros relacionados con el arte y el diseño. como un cuadrado.. Herbert Bayer. que la comunicación tipográfica tiene sus propias formas específicas determinadas psicofísicamente y por su contenido. colaborador clave."debe quedar claro para todo el mundo que la tipografía no es un fin en sí misma. Los caracteres no deben encorsetarse dentro de formas arbitrarias. claro/obscuro. una nueva unidad. La "Primera Exposición de Arte Ruso" organizada por El Lissistzky en Berlín (1922) influyó con sus tesis constructivistas y futuristas en la Bauhaus. el diseño gráfico. también lo ha de ser la escritura".. y las subsiguientes obras procedentes del taller de imprenta y del curso de Publicidad. y nunca debe ser subordinada a estéticas especulativas”. la fotografía y el cine. En las portadas. con su escritura universal. aunque no las orlas ornamentales u otros elementos parecidos. Y concluía que . Moholy-Nagy subrayaba ciertos principios de la nueva práctica tipográfica. en contraste con la antigua tradición pictórica. esta nueva forma de comunicación se fue abriendo paso gradualmente. . Otro tema abordado de pasada era la necesidad de una forma de escritura normalizada. En las composiciones había que introducir el elemento de tensión mediante el contraste de los componentes visuales (vacío/lleno. Johannes Itten. revelaban una síntesis de las nuevas ideas artísticas. sin tener que recurrir a los obligados dos juegos de letras que suponían las de caja baja y las mayúsculas. la tipografía no formaba parte del programa oficial de la Bauhaus.” Entretanto. los libros de la Bauhaus. un manifiesto en el que las nuevas ideas sobre tipografía desempeñaban un papel crucial. el movimiento cinético. estableciendo un cuerpo de nuevas ideas que se extendió por todo el mundo. incluyó técnicas de rotulación y produjo algunas obras tipográficas propias influidas por el dadaísmo. página 8 de 18 DISEÑO PARA UNA ESCRITURA UNIVERSAL. En primera línea de su obra gráfica hay que situar los Bauhausbücher. vertical/horizontal. que funcionaban como "serie" aunque tenían diferentes composiciones. 1924. El primer director del curso preliminar de la Bauhaus. Debe crearse un nuevo lenguaje tipográfico combinando elasticidad. multicolor/ gris. Moholy-Nagy reemplazaba a Itten en la dirección del curso preliminar. Sus cinco años de docencia en la escuela produjeron un notable volumen de obras y publicaciones. También durante este período. Un año más tarde. Sin embargo. como director del curso preliminar. proclamando ni bien llegó al centro. En 1923 declaraba: … “la tipografía debe ser comunicación clara en su forma más viva. Más que puros manifiestos idealistas. y muestra un cierto distanciamiento respecto a los planteamientos artísticos más estridentes de las tipografías futurista. sin ninguna otra información ilustrativa sobre el tema del libro. Como lógica conclusión de la actitud racional de Gropius de aplicar el arte a la producción industrial. Por lo tanto. pues es la esencia de la impresión moderna. los principios estaban inequívocamente expresados como unificadores del efecto visual global. el diseño gráfico comenzó a ocupar un papel importante en el marco disciplinar de la escuela. La claridad debe ser específicamente enfatizada. crear una escritura que fuera comprensible y válida internacionalmente: "Al igual que la maquinaria moderna. no dio el primer paso realmente significativo en el campo del diseño gráfico. BAUHAUS PRINTING postcard. Al principio..

audaces formas abstractas y ausencia de decoración. sin más. estaba basada en el hecho de que la letra de caja alta no se pronuncia oralmente y puede ser considerada como causante de una substancial pérdida de tiempo (en la composición o en el teclado). aplicadas a la causa política y el diseño comercial de los años veinte. tal enfoque generaba un conocimiento de las comunicaciones modernas. una figura seminal de ambos. y Schmidt propició la adopción de algunas de las ideas de Bayer y Moholy-Nagy. En 1928. en el que sólo quedaba la sombra. En la época de Schmidt. bajo cuya dirección el taller de imprenta cambió su nombre por el de taller de publicidad. o en contacto con las ideas que emanaban de la escuela. se trataba de un tipo Didone estrecho. también se suma a la complejidad general del lenguaje escrito y complica aún más la comunicación tipográfica. Como estudiante ya había mostrado una decidida claridad en sus obras y una integración de las ideas neoplasticistas y constructivistas. hubo muchos pioneros de la tipografía asociados o con influencia sobre ella. en otros lugares de Alemania. En la Unión Soviética.. la tipografía pasó a formar una parte aún más importante del programa central de la Bauhaus. y en especial al conservadurismo del mundillo de la imprenta alemana. Asimetría. que la "m" y la "w" son la misma letra invertida. establecido en Dessau en 1925. Holanda. En concordancia con la decidida determinación de Bayer de que el trabajo debía contribuir a una era de la producción en masa. el Bayer Type. Se acrecentó aún más el interés por atraer proyectos del exterior. se produjeron significativas contribuciones al grafismo moderno de la comunicación. hay que citar el alfabeto diseñado por Van Doesburg en 1919. Exactamente un tipo de tales características. Los movimientos neoplasticista y dadaísta siguieron evolucionando durante los años veinte. Bayer fue la cabeza visible del nuevo taller de tipografía de la Bauhaus. muy alejado de las ideas de la Bauhaus. etc. La enseñanza de Bayer no era de tipo formal. todos los encargos se realizaban normalizados según los tamaños DIN (A0. retículas compositivas. Antes de que la Bauhaus adquiriera su plena energía tipográfica. destacan principalmente El Lissitsky (1890-1947) y Alexandr Rodchenko (1891-1956). la mayoría de exclusivo interés para rótulos de exhibición. la "x" es poco más que una "o" cortada en dos y enfrentadas sus mitades por el lado convexo.A4. Además de los profesores de la Bauhaus. arcos y líneas selectas. enfrentado a las centenarias tradiciones de la forma tipográfica. diseñado para Berthold en 1935. Herbert Bayer (1900-1985). Checoslovaquia y Hungría. fueron todos ellos reconocidos como conceptos clave. quien rechazaba como superficial la idea de un grupo de obras vinculadas por su aspecto más que por sus principios. que podía ser impreso en una prensa plana o en una prensa rotatoria de pruebas. y durante su período de actividad principal en este área (19231930). por la cantidad de caracteres que precisa. Desarrolló unos cuantos tipos experimentales en el período de 1925 a 1927. Una noción como la de "estilo" repugnaba a Gropius. El Lissitsky produjo una enorme cantidad de obras durante la década de 1920. Existía un tipo sin remate en diferentes tamaños para impresión manual. Su proyecto de alfabeto sin mayúsculas se distingue por generar sus formas a partir de una reducida gama compuesta por unos pocos ángulos. Todo el material impreso que precisaba la escuela (impresos. entre otros intentos similares. La primacía del blanco y negro en la impresión a dos colores. dando como resultado una tal simplicidad. fueron un primer hito del distintivo aspecto que empezaba a adoptar el grafismo. En tanto que se preocupada más por una forma de pensar que por un estilo. por lo que muchas veces ha sido tildada de innecesaria por los tipógrafos experimentales.un tipo que tuviera proporciones correctas. y más tarde. a Bayer le sucedió Joost Schmidt (1893-1948). influyendo sobre otros artistas como MoholyNagy y Van Doesburg. Theo van Doesburg. ocupando dos períodos académicos del curso preliminar. folletos y carteles) procedía del Departamento de imprenta y estaba producido a partir de diseños de Bayer o de sus estudiantes. y Bayer todavía estaba explorando tal planteamiento cuando diseñó el catálogo de exposición de la Bauhaus del Museo de Arte Moderno. tuvo una interesante relación con la Bauhaus. En este sentido.Al. recientemente establecida por aquel entonces. Entre 1921-23 vivió en Weimar y participó en conferencias dirigidas principalmente a página 9 de 18 . caracterizado por sus cortos descendentes y un carácter bastante minucioso. como un tipo semi abstracto sombreado. experimentando más con la superposición de una pauta sencilla sobre otra. Por otra parte. el uso de tamaños de tipo muy contrastados para expresar los valores relativos de la información y el creciente uso del fotomontaje y del collage. La publicidad era uno de los principales puntos de su interés. abandonó algunos de los aspectos más reductivos (tal vez los constructivistas) de la obra anterior: fomentó la adopción de una gama tipográfica algo más amplia y la evolución de las retículas. en la Unión Soviética. el poder dinámico del espacio en blanco (en lugar de los márgenes estáticos). era casi inevitable ser visto como perteneciente a un estilo. Sin embargo. o la rotulación universal de Tschichold. Las publicaciones de la Bauhaus empezaron a suprimir el uso de las mayúsculas desde esa época.A5. hasta 1928 cuando renunció. que ya había sido un tema recurrente entre los vanguardistas pioneros. con quienes se reunía regularmente a comienzos de la década. Se intentaba evidenciar el valor del bien situar los componentes llamativos y los simbólicos dentro de un formato tipográfico. sobre todo al no existir ningún otro lugar donde adiestrarse en la materia. y dado todo su cúmulo de aspiraciones sobre un planteamiento "maquinista" de la comunicación. había un racimo de artistas dedicado a la exploración de nuevas ideas sobre fotomontaje y tipografía. él inspeccionaba o dirigía el trabajo de los estudiantes a partir de encargos reales que se recibían en el Departamento. Sus ideas de diseño tipográfico tomaron cuerpo en la forma de un tipo comercialmente disponible. el taller de imprenta bajo el mando de Bayer por lo general estuvo restringido a la primitiva tecnología de trabajo manual. la eliminación de las mayúsculas.A2. habiéndose eliminado por innecesario todo el resto de la letra. en el que la preocupación por las motivaciones inconscientes era al menos tan importante como la argumentación racional. eran características de un cierto aspecto Bauhaus. La búsqueda de un alfabeto sin distinción entre mayúsculas y minúsculas. para crear complejidades dinámicas. cuyo trabajo a lo largo de los treinta años siguientes continuó haciendo valiosos aportes a la evolución de la tipografía moderna. fue el que diseñó en 1925 su colega de la Bauhaus y antiguo alumno de esa escuela. prueba reveladora de cuán significativa era la nueva disciplina para la Bauhaus. en 1938. cabe citar la incorporación de la fotografía o de elementos de alto contraste en forma y color. producidos en 1923. reducción del alfabeto a formas claras. simples y construidas racional-mente. y las obras resultantes de los mismos. con su acentuada predilección por los caracteres góticos. investigaba o promovía ideas sobre la psicología de la publicidad y su relación con la consciencia. Polonia. De entre todos ellos. la enseñanza de la Bauhaus era tan distintiva que siempre resultaba reconocible a través de sus características visuales. El minimalista tipo sin remate de Bayer hay que incluirlo en una serie de propuestas para lograr un alfabeto simplificado. que dejaron de ser estrictamente modulares. dado el despiadado radicalismo del pensamiento de la Bauhaus. que careciera de florituras individuales y que estuviera basado en la desnuda composición funcional de cada letra. se caracterizó por la composición dinámica con horizontales y verticales pronunciadas..). junto con Gropius y Moholy-Nagy. independientemente del pensamiento individual volcado en cada obra particular: la búsqueda de la adecuación de formas a la función era un fondo filosófico que inspiraba todos los estudios que se realizaban.A3. de dinero y de otros recursos. El período de Bayer en la Bauhaus. Irónicamente.. Sus diseños de billetes de banco para el estado de Turingia.

las nociones de la "Nueva Tipografía". como El Lissitsky y luego MoholyNagy.) En busca de la uniformidad tipográfica. Univers. Categorizando rigurosamente las unidades de lectura. ya prefiguraban la rigurosa funcionalidad que caracteriza esta corriente.). e innovaron acerca de la aplicación de una única familia tipográfica. quienes enriquecieron la comunicación objetivo-informativa. La legibilidad y la amenidad fueron sus temáticas centrales. página 10 de 18 . el empleo de retículas constructivas como método creativo. referidos a informaciones. Un principio básico expresado por Ballmer y Bill era el uso del Sistema de Retículas construidas a partir de elementos geométricos y organizados matemáticamente. En 1922 publicó el primer número de Mecano. progresiones geométricas y secuencias fueron codificadas y optimizadas a través de la Escuela Suiza. Este sistema introdujo estrictas jerarquías de niveles de lectura tipográfica. un desarrollo del diseño de cada página en bloques de diferente tamaño (por asociación de módulos). . basándose en esos principios para lograr claridad objetiva. aporta movilidad y fragmentación. Carlo Vivarelli. MoholyNagy entre otros). Evidencia de un encuadre fotográfico claro y una funcional articulación de superficies. . se identifica por la síntesis de recursos visuales. Bill. Emil Ruder. Influidos por los precursores de los años 30' (William. que él mismo publicaba. se consiguen las proporciones adecuadas entre todos los espacios de la mancha y se fijan los criterios para la proporción de blancos de los márgenes que contienen al campo visual. Empleó sus conferencias como un elemento subversivo.El grafismo suizo. Sus obras de principios de los 30'. y que puede ser considerada.El uso de la fotografía en blanco y negro de objetos. . A la vez. Carlo Vivarelli. por medio de variables visuales y espaciales de los caracteres. Aunque en esencia las grillas son de presencia invisible. el encolumnado.estudiantes de la Bauhaus. Lohse. Los trabajos de diseño se relacionaron frecuentemente con intereses militares. la obra vanguardista del movimiento De Stijl en Holanda. después de su introducción en 1957). 1945 El fondo neutro realza la imagen fotográfica y la tipografía. y la fotografía objetiva. etc. Como expone Philip Meggs: "Las características visuales de este estilo incluyen: la unidad visual lograda por la organización asimétrica de elementos sobre una retícula. recursos en función de Anuncio para la prensa de muebles WOHNBEDARF. hasta los blancos Cartel POR LA VEJEZ. Un rasgo importante de esta corriente es el compromiso de los diseñadores con el propósito de abordar su labor en función de la utilidad social. los intentos de Rodchenco. publicidad. poseían un factor en común: La creación de un diseño funcional que transforme paulatinamente todo el entorno de la comunicación visual contemporánea. A partir de estas nociones de configuración. La primera tendencia se fundamentaba en el constructivismo vanguardista y en el principio conceptual de la "Escuela Suiza". el fotomontaje y los textos. intentando infiltrarse en las ideas de los estudiantes. Los pioneros diseñadores Theo Ballmer y Max Bill. como maestro de tipografía. fue de los primeros en explorar una nueva plasticidad en la naturaleza de la impresión. las calles entre módulos e interlínea. Enseñó que cuando una tipografía pierde su significado comunicativo. junto con la obra de El Lissitsky. un periódico dadaísta.La ausencia de ornamentación. Se establece la economía de la simpleza y claridad expositiva del mensaje. Las principales características de este estilo son: .." La evolución del diseño suizo se produjo en dos ciudades: Basilea y Zurich. Enfatizaba en el descubrimiento correcto del balance entre forma y función. etc. 1946. Malevich y El Lissizky por fusionar la pintura abstracta suprematista. logrando síntesis a través de las tintas preferentemente planas. tipografía marginada en bandera a la izquierda y la derecha. .. y aplicación puramente funcional. entre otros. Su ecléctica combinación de elementos contrasta con la forma más pura de la revista De Stijl. habían estudiado tipografía en la Bauhaus. ingresó en 1947. para defender la objetividad del mensaje. > RACIONALISMO SUIZO Durante la II Guerra Mundial. Richard P. métodos educativos de la Bauhaus (diseñadores como Bayer. Emil Ruder. Neuburg. Sus proyectos evidencian sensibilidad para relacionar los espacios no impresos. caracterizado por un Lenguaje de Diseño Funcional.El encolumnado de texto central. como la que tuvo mayor influencia sobre las ideas de Moholy-Nagy en la Bauhaus. En la Suiza de postguerra. Van Doesburg. Al aplicar la modulación.. la mayoría de los países europeos tuvieron que suspender o limitar sus actividades educativas y culturales. Formalista y Anónimo. ajustado a la modulación de la retícula. se unieron jóvenes talentos como Josef Müller Brockmann. . Dichas decisiones de diseño ligadas al programa tipográfico determinado. la funcionalidad aplicada por la modulación. los diseñadores pudieron proseguir su labor. pierde su propósito. una respuesta al revuelto amasijo de información y a las nuevas ideas que precisaban ser comunicadas.El empleo de color limitado a rigurosa funcionalidad. (Akzidenz Grotesk. se vieron envueltas en su máxima síntesis. utilizando formas geométricas como módulo básico. Helvética. más que un estilo individual en la comunicación impresa. Karl Gerstner. en una o dos variables sobre la misma pieza. Dichas exploraciones.. en la Escuela de Artes y Oficios de Basilea. el uso de tipos sans serif (en particular la Helvética. Gracias a la situación neutral de Suiza. Por el diseño funcional de los años 20'. imágenes y textos.Prevaleciendo el uso exclusivo de familias Sans Serif..

Julio de 1959. el diseñador suizo Adrian Frutiger comenzó a desarrollar la familia Univers. enero de 1961. funcionales y artísticos desde el punto de vista Suizo. los nombres de directores y solistas. Su mayor legado: La retícula como recurso creativo. editada en 1958 y hasta 1962 por Lohse. buscando el encuadre más rotundamente legible. Los diseñadores pertenecientes a esta corriente son: Richard P. En 1954. Müller Brockmann y Vivarelli. La articulación de las proporciones de blanco le confiere ritmo a la lectura de la información. Lo que tenía en mente con esta categoría de cartel. Su variada obra gráfica lo demuestra y su actividad docente en las escuelas de arte del mundo. La puesta basada en el sistema reticular. y la utilización de una estructura de red compleja para introducir los elementos de la página. pudo dedicarse a profundizar sus estudios en comunicación visual. y sus publicaciones sobre la enseñanza de diseño. la economía de recursos y la ética profesional. Sus creaciones se hallan perfectamente planificadas. a la que se llamó Haas Grotesk. Lohse: Pintor y diseñador visual. ilustraciones y textos complementarios. El color ajustado exclusivamente al tema y una enérgica y segura distribución de los distintos tonos de gris. lugar de la presentación. clásica y experimental. Rudolf Hestettler. lo condujo a reconocer que existe un cierto paralelismo entre la música (la más abstracta de todas las artes) y el arte visual. era hallar una "forma" de hacerlos reconocibles inmediatamente en cualquier cartelera y fácilmente distinguibles de otros carteles de propósitos diferentes. Basados en diseños de los años 30' como la Akzidenz Grotesk. fundamentos intelectuales. El diseño suizo comenzó a incorporarse como un movimiento internacional cuando se lanzó la revista Neue Grafik. Ofreciendo gran cantidad de variables visuales. se desempeño como diseñador gráfico de manera independiente. mantener la fidelidad a la verdad en el acto de comunicación. Un ejemplo clásico de la exactitud Suiza. logrando una clara disposición espacial de todos los elementos. articulando los elementos visuales básicos. realizando encargos de ilustraciones y displays para vidrieras. Josef Müller Brockmann: Nacido en Suiza. ni destacar el mensaje del cartel. que produjo un nuevo tipo sans serif. Experimentó con la fotografía. forma y color en una composición rítmica y dinámica. El diseño objetivo-informativo emprende una labor socio cultural. En armonía unos con otros y teniendo en cuenta variables y estables del proyecto. Su afinidad con la música. Su formato y tipografía eran una expresión del orden y refinamiento alcanzado por los diseñadores suizos. Con un gran sentido lógico y técnico. Sus páginas mostraban puestas en página con alto grado de innovación y comentarios sobre temas de diseño gráfico. la tipografía y el color. A partir de 1935. número 2. Carlo Vivarelli: Se desempeñó principalmente como diseñador de marca. Müller Brockmann y Vivarelli. en 1914 fue diseñador. En su propia obra se hace evidente el diseño racionalista funcional. la fundición suiza Haas. Durante décadas ha expresado su afinidad con el arte constructivista. más allá de Doble página de la publicación TYPOGRAPHISTE MONATSBLATTER. murales y exposiciones de notable caracter de síntesis expresiva. Intenta desarrollar los carteles de concierto de manera que la esfera (abstracta) de sonido fuera visualizada. Concibió al diseño gráfico desde la objetividad. Gracias a esto. La meta de Brockmann.. La articulación de blancos y el encolumnado establece el recorrido textos. Eliminó todo tipo de ornamento. Ha realizado carteles. decidió de la fuente Akzidenz Grotesk debía ser refinada y modernizada. publicaciones y su galería de arte constructivista. En sus creaciones predomina el elemento lúdico. ni ilustrar la música. evidenciando además exigencia estética. categoriza de manera clara y objetiva los niveles de lectura. De este modo se optimizaban las condiciones de legibilidad y por consiguiente la comprensión de la información. Con esta composición visual no pretendía. Su afición por la geometría queda también demostrada por fomentar los conceptos constructivistas en las exposiciones. elevando de este modo un sector descuidado hasta entonces. Adquiriendo influencias de la música contemporánea. siendo uno de los primeros intentos de teorizar y reflexionar sobre la ética profesional. logró su expresión con los tipos diseñados en la década del 50'. mediante su división en múltiples sub espacios. por ciertas constelaciones de forma y color. con una altura x mayor a la de la Univers. informaba a los diseñadores acerca de principios y exploraciones de este movimiento. Para mediados de los años 50'. Dicha publicación. en Alemania recibió el nombre de Helvética. logrando un balance entre Portada de la revista NEUE GRAFIK. sentaban importantes bases para la profesionalización del diseño gráfico. el programa. Lohse. es decir. Ruder promulgaba el diseño total sistemático. Su método de configuración articula elementos y principios rigurosamente constructivos. dotándola de versatilidad de uso.internos de las con la superficie impresa. página 11 de 18 . Las mejoras formales que introdujo constaban de reducir el número de cuerpos tipográficos y de las áreas de texto impreso. Se dirige a un público claramente definido: un auditorio potencial de recitales y conciertos de música de cámara y sinfónica. Aplica fotografía de objetos. Al producirse este tipo en la fundidora Stempel en 1961. Debe comunicar cierta cantidad de datos: Fecha. El estilo tipográfico internacional. cuidando la morfología funcional de las letras. docente y divulgador del estilo suizo de los años 50' y 60'. El éxito de este tipo se debió al logro de sus detalles. de lectura y la secuencia de la información. Con esta publicación. Se aplica una única familia tipográfica ofreciendo uniformidad a la pieza. Basada en el rol del diseñador en la sociedad. Max Huber: Diseñador gráfico. y con el arte constructivista geométrico le permitieron crear una secuencia de carteles para concierto. Su exploración dirigida hacia la música y hacia el arte geométrico constructivista (mayor nivel de abstracción). Diseño que realizó Max Miedinger. una manera de optimizar un único espacio visual.

(Una estructura global inteligible al lector). afirma que "la aplicación de recursos visuales que surjan del 'Gusto Personal' del diseñador gráfico. Como también principios referidos a la "Nueva Tipografía". Criterio de coherencia/correlato entre el perfil editorial y los recursos visuales aplicados en la publicación. comenzó a emplear la grilla editorial. la vanguardia era reforzada por la correcta exposición visual de los contenidos. impondría un clima no pertinente al tema que debe ser comunicado. siendo que eran pre-planeabas. . Lester Beall. una imagen contrastada. Verificando que el resultado del trabajo creativo corresponda al sentido de la tarea propuesta. Se fusionaban las nociones vanguardistas de las corrientes europeas.La preferencia por familias tipográficas sans serif antes que serif. ciencia. Lo que producía buenas condiciones de lectura. La fotografía a color solo era utilizada.… Qué se dice?/ Cómo se dice visualmente?. más un notable refuerzo semántico de los significados. . Reforzando la comprensión del contenido.Enfatiza el valor de la Identidad de Forma y Contenido en el mensaje a comunicar. . y ha influido en toda una generación de diseñadores. Allí donde el elemento fotográfico posee un poder propio de expresión. evocando sensaciones en el lector. en la diagramación de los contenidos. descubrió los principios de las corrientes vanguardistas de diseño en los años 30'. .Debe evitarse todo adorno subjetivo. Paul Rand (pionero del diseño norteamericano). aplicación de una paleta de color bordó). en el cual señala los conceptos de este recurso configurador para el diseño de comunicación visual. orden de la información textual y visual. . para estimular el interés del lector por el contenido de la nota.Prefiere la composición asimétrica a la simetría tradicional. a través de la importación de revistas europeas y como también por la inmigración de diseñadores que huían de la guerra y la opresión. continúa progresando en diversas direcciones. la noción de sistema de identidad visual editorial.En 1982. cumplirá el rol de "un portador anónimo del mensaje".La combinación y adecuación de texto e imagen. el concepto a comunicar era enfatizado por medio de la imagen dotada de un máximo de expresión y fuerza con economía de recursos gráficos. En el uso de fotografías. Partiendo de una base conceptual. sea la proporción blanco. empleó "La Realidad Representada del Fotomontaje" (en Proteja al Niño.La preferencia por la fotografía se debe a que la misma aporta un mayor sentido objetivo de la realidad. como integrador de las diversas disciplinas visuales aplicadas en una publicación. Infundiendo un gran respeto hacia el público receptor de los mensajes. Alexey Bro- dovitch. el rol de la pieza gráfica concebida en estos términos. . El racionalismo de Brockmann se caracteriza por considerar la estructura como un todo configurador. y presupuestos. La comunicación visual. una aproximación al cartelismo fotográfico de El Lizzisky y Herbert Matter. la palabra debe detenerse y adoptar la forma de un slogan tipográficamente eficaz. era contribuir a mejorar estéticamente el entorno corpóreo (esencialmente urbano). Programando la diagramación secuencial de las páginas y la unidad estilística global de toda la publicación. y por lo tanto. el producto editorial logrado era un todo coherente. Desde una cruza inteligente entre expresividad creativa y tecnicismos configurativos. Introduciendo a la lectura de modo espontáneo y enriquecedor estéticamente. se visualiza el poder del motociclista en contraste con la figura de pequeño tamaño de un niño). . En los casos en los cuales era necesario enfatizar el contenido del mensaje. En todo lo que sea transmitir información se debe consientizar la responsabilidad ética y cultural que se asume ante la sociedad que interpreta los mensajes. se enfatizaba en el las relaciones expresivas de los elementos.Los diseñadores de este período se distinguieron principalmente por su positivo compromiso con el diseño informativo en la prensa popular. cultura. debería ser utilizado en dominio de la funcionalidad. (Zumo de uva. y tales configuraciones deberían aparecer de una manera lógica y funcional en términos de impacto visual y de modo racional en referencia a facilitar las condiciones de lectura. los diseñadores y directores de arte expresaban una inventiva adaptada funcionalmente a las necesidades periodísticas de la sociedad norteamericana. . página 12 de 18 . Esta innovación consta de una estructura. fue uno de los divulgadores más prolíficos del grafismo suizo. Estableciendo niveles de lectura. de este modo se intensifica la comunicación. fue promovido por Brodovitch. adoptó esas nociones de configuración. rectora de las decisiones compositivas.En cuanto al concepto rector de objetividad. En tanto la informática ha introducido un nuevo lenguaje visual y nuevos hábitos de lectura.Destaca la relevancia de los elementos básicos de diseño y demuestra su empleo apropiado. En este período se consolida la función del director editorial. El modelo de página preplaneada basado en las imágenes. Este período de posguerra. un tono tipográfico pesado. En el campo de la educación. publicó Sistema de Retículas. En su práctica profesional renunció al dibujo y la pintura como medios para expresar los mensajes. De este modo. manteniendo su clima visual-conceptual desde la tapa y a través de todas sus páginas. > ESCUELA DE NUEVA YORK Las vanguardias de diseño llegaron a Estados Unidos. Cada recurso visual aplicado responde a una función expositiva específica.Coherencia del grafismo en relación con el objetivo específico de comunicación. Sobre las configuraciones nada quedaba librado al azar. En tanto.La selección tipográfica. Recalcando el factor sorpresivo de las páginas. Se implementaban diversos niveles de información visual (tipografía. Subyace entonces. optó por la fotografía preferiblemente en Blanco y Negro. sociedad y publicidad. al mismo tiempo que se hace óptima. Siendo que coexistieron grandes talentos en materia editorial. su labor tanto a nivel profesional como reflexiva. se debe a que aportan mayor neutralidad y una presentación contemporánea evitando las asociaciones irrelevantes con el pasado o conceptos que quiebren el sentido de unidad de la pieza. preferentemente en palo seco y cuerpos minuciosamente proporcionados. Broockmann. . Es notable el intento por lograr unidad entre imagen-texto. como fotogramas de una película. Para el diseñador gráfico este es un desafío. pues este instrumento técnico como tal. que le conferían un valor atractivo.Hacia 1945. Alcanzó un gran desarrollo en la revista McCall's. En tanto. Se concebía al paginado. la importancia de la planificación y concepción creativa en la tarea proyectual total. cuando el aporte del color cumplía una auténtica función. y menos enfocada en la racionalidad estructural y la fina tipografía. se considera la era dorada de las revistas norteamericanas. practicadas con ciertos agregados expresivos. Tanto para Rand. tomaba influencias constructivistas. textos. que elevaron el prestigio tanto visual como de sueldos. La comunicación visual necesita ser objetiva e informativa.Importancia del diseño estructural básico en la ordenación de todos los elementos. . que subdivide el espacio de la página en múltiples módulos que confieren riqueza creativa al paginado. . . elementos artísticos expresivos) integrados en la puesta en página. . diferente de los códigos visuales del público destinatario del mensaje". pasaban las décadas. con un gran sentido de expresividad y originalidad. dejaron fundamentos valiosos acerca de la comunicación visual funcional y objetiva. Consecuentemente. pues le confiere categorización a los distintos elementos. como diversas sub-configuraciones visuales que van aportando diferentes grados de información.la solución formal más convincente.En esencia se percibe este continuo empeño por ofrecer una contribución constructiva al mejoramiento visual del entorno perceptible. Explotando tamaños y pesos opuestos de los caracteres. que convence e informa por la lógica en las decisiones de diseño: .

Wolf sustituyó a su maestro. eran parte de una entidad única. 5. tipografía y tamaños. estaban llenos de ideas ingeniosas y tenían gran habilidad en el uso de tipos. el arte y la tipografía debían ser inseparables en el diseño editorial. Girder o Stymie. Entonces su Dirección Visual era lógica con su Lenguaje Visual. tensiones. ayudado por sólidos conocimientos técnicos. Al mismo tiempo por las inquietudes de la Guerra de Vietnam. el fructífero desarrollo editorial se vio sucumbido por problemas económicos. collages y cambios contrastados de encuadres y escalas. hacia un poco fecundo periodo. cuadrados. algunos aplicaban la familias News Gothic. símbolos manipulados y fotomontajes. Estos diseñadores expresionistas. Bradbury Thompson. Las composiciones asimétricas proponen movimiento y articulación del tránsito de lectura. enriquecen el caracter de las páginas. Cuando Brodovitch abandonó Harper’s Bazaar (en 1958). papeles de fantasía. curvas. a las necesidades de la sociedad y las limitaciones económicas. conservando una abstracta esencia constructivista fusionada con un notable sentido expresivo. técnicas de imprenta. La fusión de lenguajes visuales ilustrativo y fotográfico. de exploración en términos de diseño e impresión. evocando un efecto de perspectiva. 1949. Storch promulgaba la filosofía de que tanto la idea. fue el motivo Doble página de la revista HARPER’S BAZAAR. Como también se combinaban cursivas de tipo inglés con Baskerville o Garamond.Esta nueva disciplina promulgaba la integración de los elementos gráficos. Color. confiriéndole gran sofisticación e inventiva a la fotografía. texto. Sus soluciones combinaban claridad visual con un elevado grado de expresividad. Denomina a esto "disciplina natural" siendo que "las necesidades individuales del trabajo conducen naturalmente a su propia ex-presión gráfica". Los principios de esta corriente fueron establecidos en 1947. que armoniza con la soltura que propone la imagen. Su eje de trabajo era la simplicidad. La fundidora Foundry ofrecía varios tipos sans serif. cromatismo y formas.A. Helvética. aportó un asombroso enfoque visual. definió su método: una disciplina basada en la justa articulación de criterios de legibilidad y funcionalidad. implementaba combinaciones inesperadas. A finales de los años 60'. para atraer la atención de los lectores. páginas. intentaba enfatizar sobre el concepto intrínseco de una nota o un determinado tema a exponer. Creó diagramas de fabricación bidimensionales y tridimensionales. Ajustada al contexto cultural popular al que se dirigía. ilustración. Ofreciendo balance o quebrando el equilibrio. motivos. Basándose en sus propias experiencias del fotomontaje y del fotograma. Akzidenz Grotesk. su interpretación. era máxima comunicación a el menor costo posible. el texto. concentró sus energías en el problema de la comunicación de información científica y económica compleja. El diseñador Otto Storch (alumno del Laboratorio Visual de Alexey Brodovitch. 3. Experimentando con la escala de cuerpos tipográficos sumamente contrastados. El lema ahora. círculos. Sugiere la aplicación de los siguientes recursos visuales: 1. 6. página 13 de 18 . En las cuales la fotografía y la Doble página de la revista WESTVACO INSPIRATIONS. o reposo. colorista y generando un clima visual ágil y entretenido para el lector. 4. incluyendo Bernard Gothic (Lucian Bernard) y Metro Black (W. Por consiguiente las revistas de gran formato. Los diseñadores de este período fueron: Will Burtin: (a mediados de los 40') Formado en Alemania. por Eugene Ettenmerg. Se hace uso de letras capitales como miscelánea de inicio de lectura. Montajes: Generando ilusión visual por proximidad o distancia. Los caracteres tipográficos cobraban un notable nivel semántico en la diagramación. 2. Yuxtaposición: Combinando diversas tipologías de ilustración. acerca de la funcionalidad intrínseca de la tipografía. Revista de promoción para Westvaco Paper & co. Haciendo uso de una notable riqueza tipográfica. como ilusiones ópticas. Investigaron nuevas alternativas vivificantes.Textura: Usada para evocar sensaciones táctiles. sobre entornos de ficción. Efectos visuales: Trucos gráficos. Color: Vinculando áreas específicas a través de la paleta cromática. movimiento. dotándolos de un clima sorpresivo y atrayente. realzó a la revista Fortune. Los diseñadores mantenían preferencias tipográficas. A partir de ello. más el justo criterio expresivo en función de la claridad expositiva de la información. 1958. repetición. En Fortune y en Scope. en su obra "Tipografía para libros y anuncios". Similares técnicas se emplearon en las portadas conceptuales de Fortune. otros utilizaban Beton. La tipografía y la fotografía se unificó de una manera compacta. La puesta tipográfica adopta el tipo de marginación irregular. direccionalidades sofisticadas. los problemas ambientales y los derechos de las minorías sociales. juegos de luces y sombras. Movimiento direccional: Aplicado para crear acción (concepto relativo a "contar historias" sobre las páginas de manera vívida y dinámica). por medio de la imagen. Haciendo uso de la cualidad semántica del color. hacia una fase de experimentación. mapas y exploró diagramas mecánicos. notables por su destacado usos de elementos formales simples.Dwiggins) en diversidad de tonos y cuerpos. A menudo los encabezados se volvían parte de la ilustración. datos técnicos. se vieron obligadas a reducir costos. además de una rica paleta de color. Formas notablemente semantizadas para "contar historias" dentro del campo visual de las páginas. tablas. Con mayor énfasis en el espacio en blanco y grandes fotografías. En la práctica esto se evidencia en la revista Fortune (1949). El vienés Henry Wolf (también alumno de Brodovitch) re diseñó la revista Esqui-re. 1945.Sus hallazgos en tipografía se basaban en una disciplina personal. El público demandaba una información más elevada. El diseño editorial en los años sesenta decayó comparativamente. Los diseñadores se vieron condicionados a adaptar su creatividad. y el costo del papel estaba subiendo. Recortando y pegando elementos. líneas. Se empleaban fotomontajes fusionando foto e ilustración.) Director editorial de la Revista Mc Call’s. fueron empleados para relacionar ideas e imágenes con una visión rotunda de la composición y funcionalidad del diagrama.

Atrayentes. para el público americano. de una forma que evocaba a los futuristas. revistas y libros diseñados. Alexey Brodovitch. susurrar y gritar a través de sus figuras. era sumamente preciso y exigente. introdujo las fotografías de estilo documental de Bill Brandt. siendo que los signos visuales cobraban vida propia en el plano. caja alta y baja. devota de la productividad. caracterizado por su energía. independiente. y postguerra y continúa siendo ejemplo de invención e innovación. permite la clara apreciación de la misma. Man Ray y Richard Avedon entre otros. En sus manos. Se dedicó a enseñar Diseño Gráfico como una disciplina profesional. Ciertamente distaba de la estrecha tradición. era el uso de un bloque o línea (como eje sostenedor de la composición) que servía como punto de apoyo a la composición asimétrica. "Porqué desayunar tocino revuelto todos los días?"… En los años 30'. estrellarse. Lisette Model. generan gran impacto visual. El color frecuentemente era el factor de acentuación en la estructura visual.) Para tomar partido gráfico en la diagramación de la puesta en página. implementando un nuevo y experimental modo de configuración. Potenciada por el uso inteligente de la fotografía.40' y 50' fue el modelo moderno de director de arte. creado con imágenes y procesos de colores. de estornudo o de máscara primitiva. el tipo creaba un movimiento. Burtin y Beall juntos ejercieron una considerable influencia sobre la prensa comercial. rigurosa a nivel técnico pero enfocada hacia la innovación creativa. página 14 de 18 . los valores tonales. Brasaï. Buscando nuevas maneras de representar a la indumentaria. Su influencia en el diseño editorial norteamericano fue el tratamiento de los caracteres tipográficos. Bloques orgánicos de color conferían coherencia a las composiciones. Sorpréndanme!. toma la coloración de Otorgándo balance a la composición. ayudaron a transformar el diseño americano entre guerras. el encuadre audaz. volumen. Impuso el estilo americano de moda. que empleó como herramienta ilustrativa y semántica de la comunicación. avisos. Diana Vreeland (directora de moda de Harper’s Bazaar) en 1940 . con el aditamento de un electrizante sentido del color. Insistiendo sobre la originalidad y descartar la imitación y Tapa de HARPER’S BAZAAR. expresó: "Brodovitch ama el papel en blanco. Un recurso fundamental. 1951. de su trabajo para una comunidad comercial tecnicista. La imagen al corte. chocar entre sí. cimentado sobre un fondo de collage. Tuvo la gran ventaja de ser su propio editor. la marca. dinámicas pero siempre controladas y legibles. inesperado. Su variante personal estriba en la substitución de las formas geométricas por las biomorfas. compuesta en romana mo-derna. Los elementos de página. elegancia y riqueza semántica. la profundidad de campo. estados de ánimo. Sus asistentes y estudiantes caían inmediatamente en su poderoso reto: buscar y encontrar siempre LO NUEVO. implementó la imagen fotográfica como la columna vertebral de su técnica de diseño. pionero de la modernidad. Alexey Brodovitch. La titulación a la base. Fascinado con la potencialidad de este medio para trascender la realidad cotidiana. hizo virtuosa demostración de la dinámica de la tipografía. Abocado incansable al Poder de la Comunicación de la Fotografía. inmaculada su claridad y blancura con diáfanas configuraciones". Este concepto compositivo era tomado de los estudios constructivistas y suprematistas de El Lissizky y Malevich. Bradbury Thompson: Emprendió un experimento de diseño editorial. Alexey Brodovitch: Nacido en Rusia en 1898. posters. con lo que denominaba su propio Laboratorio Gráfico y de gozar de un substancial presupuesto. evidencia de su gran admiración por la pintura de Miró. simpatizantes de su estilo de modernidad. generando armonía visual más un gran refuerzo expresivo. litografías y dibujos. Por su cualidad de transparencia la marca de la publicación. de vías de ferrocarril. Aún así. Doble página de la revista HARPER’S BAZAAR. cambiaba abruptamente las líneas de visión. Ambos estaban en la vanguardia de una serie de audaces diseñadores. composición e impresión. Ha trabajado junto al diseñador Lester Beall. Entrenó a una joven generación de Diseñadores. Fue contratado por Harper’s Bazzaar en 1934. establecen la secuencia gradual del recorrido de lectura. La tipografía actuaba de lago. ambos compartían esa filosofía de Diseño dotado de evidente fluidez naturalista. Fotografía Richard Avedon. para crear una sensación de movimiento. los cuales se destacaban por el abordamiento expresivo y colorista. Henri Cartier Bresson. las posturas. lograba una concreta y ágil expresión del contenido. no utilizaba retículas para sus configuraciones. Él tuvo un rol importantísimo en introducir en Estados Unidos un indiscutido estilo gráfico moderno. enfoques y desenfoques. Pudo expresar claramente su criterio compositivo. "El tipo como juguete" en palabras de Thompson respecto a su propio trabajo. A lo largo de 23 años (1938 hasta 1962).ilustración se complementaban para comunicar una impresión visual del tema más importante del mes. fotografía y grabados extraídos de una enciclopedia. En sus primeras obras empleaba imágenes repetitivas en el proceso de reproducción a cuatro colores. tipografía (familias antiguas y modernas). pues le permite tanto ampliar una fotografía de Cartier Bresson al máximo. No tenía teorías o sistemas para guiarse en componer una página. Forjado en 1920 desde los movimientos vanguardistas europeos de arte y diseño. octubre de 1934. configuradas con tipografía. Sus ilustraciones. escenarios. la claridad visual y la sorpresa. publicación promocional de la fábrica de papel Westvaco Corporation. Buscando expandir los alcances de Harper’s Bazaar y conferirle más seriedad. Su Frase Típica hacia sus alumnos era: "Astonish me!". Se afirma que esta Escuela Norteamericana de Expresionismo Gráfico haría saltar los tipos a través de vallas. lo "no convencional". como conservar si se lo propone. le dio prioridad a las fotos vanguardistas de moda de Martin Munkasci. Configuración a partir de las diagonales que propone la imagen fotográfica. en la revista llamada "Westsvaco Inspirations" for printers (Ideas de Westvaco para impresores). Aprovechando las cualidades que le proponía las misma (la dirección de las miradas. aún superpuesta sobre la imagen. en Fortune y Scope (1944).

siendo que le confiere secuencialidad a la lectura. página 15 de 18 . Aunque estimando su labor como docente "inspiracional". se vivificaban mediante desenfoques de imágenes. este nuevo estilo encontró su lugar en Harper’s Bazaar. creando avisos para clientes del ámbito de la moda. El término fue utilizado por primera vez por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962. complementándose armónicamente. surgido a mediados de los años cincuenta en Inglaterra y caracterizado por el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas y aplicados al arte de la pintura. y durante los años 50' se volvió un dominante estético de la fotografía creativa. publicada desde 1950 a 1951. Sus historietas de cómics son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados reproducidas a mano. La escuela de Nueva York sentó bases acerca de la importancia de la dirección editorial y el estilo propio de las publicaciones. (cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo). barato. no para codificarla. Para el mundo de la moda Brodovitch representó la síntesis. Hamilton reafirmaba su deseo de que el arte fuera efímero. Puede afirmarse que el arte pop es el resultado de un estilo de vida. En los años 50' ese estilo de diseño era imitado por revistas americanas como Vogue y Look. En cuanto a las técnicas. además de ser un inigualable recurso expresivo. Se pone especial énfasis en la claridad expositiva visual mediante el factor sorpresa y el funcional manejo del blanco de página. producido en serie. la democracia. de tipografías o de secuencias de lectura. Evitando el riego del aburrimiento y la rutina. 1963. Fue el editor y director de la pionera revista de artes y diseño gráfico Portfolio. Es irónico. también son tomadas del dadaísmo. > POP ART Movimiento artístico. En América el Pop entra en escena en 1961 y se arraiga con más fuerza que en ningún otro lugar. En 1957 Roy Lichtenstein comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles y a partir de 1961 se dedicó a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. se dedicó a una constante renovación de la estimulación visual. La manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología. un acercamiento a la fotografía. El secreto estaba en el poder de atracción de las páginas. Sin embargo el pop descarga de la obra toda la filosofía anti-arte del dadá y encuentra una vía para construir a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana. con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. el collage titulado "¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes. fotografía Richard Avedon. R. Roy Lichtenstein. Aún mientras trabajaba en la revista. para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo utilizando imágenes populares dentro de las obras. en una exposición que reunía obras de David Hockney. profesaba no ser un profesor. pero si un "can oponer" (abre latas) algo así como quien juega de director de arte. Especialmente en manos de Brodovitch fue más cercana a la expresividad del arte. dada la fuerza Tapa de HARPER’S BAZAAR. como editora. Derek Boshier. En 1961 se presentaba el Arte Pop británico al público. Ni de proporciones. y de acciones congeladas. donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. En la cultura pop también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. Kitaj y Peter Phillips. También el diseño editorial de Harper’s Bazaar es reconocible. Su esencia no verbal e intuitiva acercaba a la práctica del diseño. nunca se preocupó por dejar teorías acerca de las decisiones de las puestas en página. Allen Jones. lo cual es esencial en términos de contenido como en términos comerciales. La publicación comienza a gozar de identidad propia. joven. que se liga con la marca por superposición. Se ganaba en descubrimientos y flexibilidad durante el proceso de diseño. ingenioso. el uso del collage y del fotomontaje. el tono de la temática en la secuencia del paginado y el énfasis fotográfico. DENTRO DEL COCHE. hizo de Harper's Bazaar la publicación más visual e interesante de aquellos días. por su acercamiento variado a través de los materiales utilizados. Nunca necesitó ejercitarse en aprender a diseñar. La marca de Harper’s Bazaar compuesta en tipo romano moderno condensado en caja alta. La concepción de la página preplaneada es de gran importancia en la conservación del perfil editorial. Fue uno de los más insistentes en poner esa idea en práctica. la moda y el consumo. Adoptaba el dictado de "hazlo nuevo!". tan llamativos?". a pesar de las reticencias de algunos críticos como Harold Rosenberg. creaba un clima favorable para la expresión. Richard Hamilton es considerado el artista que creó la primera obra del Arte Pop. para estimular y animar la creatividad. al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. Trabajando con Carmel Snow. Los orígenes del Pop se encuentran en el dadaísmo y en su desprecio por el objeto. Expuesto en la exposición "Esto es el mañana" en la Whitechapel Gallery de Londres en 1956. La puesta de títulos se ajustan al contorno de la imagen. Pues se establece una óptima coherencia entre: contenido/puesta editorial/grupo de lectores/objetivos comerciales.B. y la esencia del buen gusto. simplemente trabajó y experimentó. entonces que su carrera coincidiera exactamente con el desarrollo del diseño gráfico como una disciplina independiente y especializada. En tanto. trabajó como free lance e ilustrador. prevaleciendo el bocetado a mano alzada y collages. Sus cada vez más reservadas páginas pero siempre dinámicas. El fondo neutro realza la figura de la modelo. se ha convertido en paradigma de marca de publicación de moda femenina. lo cual le otorga un clima unificado a la tapa. "Observaciones" con fotografías de Richard Avedon y textos de Truman Capote en 1959. y diseñó varios libros. Quizás esta sea la razón por la cual. Su aporte al diseño editorial se enmarca en el campo de la correspondencia conceptual y expresiva de los recursos tipográficos y fotográficos. Alexey Brodovitch. alhajas y de mobiliarios. popular. 1955.el hábito.

Los precursores del Pop americano son Jasper Johns. Los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas. América es centro de este programa. estaban de un cierto modo en lucha o competición con lo europeo. admitido por todas las capas sociales. Coca es Coca y por ninguna suma de dinero puedes conseguir una Coca mejor a la que bebe el vagabundo en la esquina. "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina". en lo demás todo era opuesto. en el Milwaukee Art Center en 1965. Como era evidente. comer salchichas. Robert Rauschenberg y el grupo que forman Andy Warhol. Lichtenstein toma sus motivos de las tiras de historietas y los amplía a enormes dimensiones dejando visibles los puntos que resultan del proceso de impresión. Roy Lichtenstein. El Pop Art analiza artísticamente esta situación. Esto era importante en el continente. Para aprovechar comercialmente los deseos de los clientes el productor no tenía ninguna estrategia general que pudiera tener éxito. hay que aludir a algunos aspectos generales que mostrarán la multiplicidad de los cambios en el ánimo artístico. reflejaron las realidades de una época y reforzaron el cambio cultural. navajas. pues siempre. James Rosenquist. En esto se basaba esencialmente el acercamiento entre la cultura recreativa y la de alto nivel. La confirmación de esto se produjo con la exposición titulada "El Pop Art y la tradición americana". Tom Weselman y Claes Oldenburg. irónica y crítica. Los temas pictóricos del Pop Art estuvieron motivados por la vida diaria. En la periferia del pop americano se encuadran Alex Katz. en especial la de Europa. salvo una acomodación a las modas y actitudes de la masa. Oldenburg fabrica objetos de la vida cotidiana (hamburguesas. cuya estética condiciona los cuadros y la imagen de la época. Robert Indiana. leer cómic..investigaron lo trivial. la ruptura de los tabús y el final de la mojigatería formaban parte de esta contracultura. Cualquiera podía adorar el mal gusto. Los temas.. Este acercamiento a los consumidores y compradores supuso para la demanda de productos de consumo y los programas de los medios de comunicación una reestructuración trascendental. los límites de una sociedad de masas y medios de comunicación que estalla por los cuatro costados. o los enormes cuadros de Rosenquist en los que amplifica espaguetis como recordando las nervaciones de los drippings de Pollock. Las obras de Lichtenstein en las que amplifica una pincelada esquematizada gráficamente. Es una consigna ingeniosa. sino un término genérico de fenómenos artísticos que tiene que ver de forma muy concreta con el estado de ánimo de una época. tanto artistas como coleccionistas.que el expresionismo abstracto tenía en todas las instancias de la industria del arte. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos. Liz Taylor lo sabe. a continuación se pusieron en tela de juicio los conceptos precedentes de cultura y de arte. Jim Dine. Indiana pinta rótulos gigantescos que nos reclaman la atención. las formas y los medios del Pop Art muestran los rasgos esenciales que asociamos con el ambiente cultural y el estado de ánimo de la gente de los años sesenta. El arte "elitista" del subjetivo expresionismo abstracto de los años cuarenta y cincuenta se vio confrontado con una exigencia general de la cultura. Pop Art no es un término estilístico. que también repercutió en los comportamientos individuales y en las relaciones interpersonales.) a tamaños descomunales que instala en ocasiones en espacios al aire libre. decía Andy Warhol. Toda la Coca es buena. Los científicos -en zapatillas de deporte y cazadoras de cuero. Los artistas en los países comunistas de Europa del Este sólo captan destellos y vestigios. y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista. En sus comienzos. Los hábitos de conducta y de consumo de la sociedad de masas fueron estudiados por los sociólogos y utilizados en un sistema de marketing. etc. visualiza un sismograma de las modernas conquistas industriales y su absurdo. y cuyos clichés "modelo" influyen en las personas. Warhol pretendía eliminar de la obra de arte cualquier traza o signo de manualidad. fueron Nueva York y Londres los nuevos centros artísticos del mundo occidental. Este proceso puso en marcha la inversión de los valores en VICKI. La estabilización política y económica en la época de posguerra condujo a una revalorización de aquello que en general se suele designar como "pueblo" o "popular". coleccionar baratijas. muchas de sus obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. 1964. que Liz Taylor bebe Coca y piensa que tú también puedes beber Coca. La conducta heterodoxa y provocativa." página 16 de 18 . social e individual. John Chamberlain y Larry Rivers. CINCO BOTELLAS DE COCA-COLA. Sin embargo la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente americano. A pesar de esta categorización todos son diferentes entre sí. El Pop Art mantiene el equilibrio entre las eufóricas perspectivas de progreso y las catastróficopesimistas de una época. Aquí se pone de manifiesto el origen de Pop Art. Roy Lichtenstein. pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de una sociedad. Por tanto se produce la americanización de la cultura de todo el mundo occidental. El Pop Art vive de las grandes ciudades. en su desarrollo durante los años sesenta se incorporaron otros centros europeos secundarios. Puedes ver los anuncios de Coca-Cola en la televisión y saber que el presidente bebe Coca. Para entender la importancia de este cambio cultural y el impulso del arte de una nueva era. una réplica de los slogan de los medios de masas cuyas historias hacen historia. la conmoción y la alteración de lo cotidiano. Es una manifestación cultural absolutamente occidental que ha ido creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. 1962 "Lo grandioso de este país es el hecho de que América fuera la primera en introducir la costumbre según la cual los consumidores más ricos en el fondo compran las mismas cosas que los más pobres. que se convirtió en objeto del interés general. beber Coca-Cola. Dine combina objetos reales con fondos pintados. el presidente lo sabe y tú lo sabes. Como adjetivo de arte. Andy Warhol.

gomas de automóvil. los fan-magazine. Se acabó el jugar al escondite con los posters de chicas y las revistas dudosas (Playboy). Edward Kienholz realiza enormes construcciones con personajes de tamaño real.. martillos. como por ejemplo "El arte es vida" y "Todos somos artistas" (Beuys y Warhol). Los dos primeros para los Beatles y Warhol para Vevelt Underground. Sus obra más famosas es "Gran desnudo americano". hasta objetos de uso diario en 3D. radios y televisores pegados a superficies pintadas con grandes bocas y grandes pechos de mujer. objetos de mal gusto y símbolos publicitarios. Rauschemberg. Más tarde también llegaría hasta Europa. representación de un prostíbulo. etc. los carteles. radios. son el preludio del Pop Art. la juventud que se oponía a la sociedad de consumo. La revalorización de lo trivial se efectuó a muchos niveles. Roy Lichtenstein. la fuerza (power). California. los envoltorios y las "estar y stripes" de los medios de masas. los relieves y los objetos reales simulan un espacio pictórico similar a un decorado cinematográfico que refleja la realidad. . críticos. es célebre su foto de Marilyn. consumidores de estupefacientes proclaman el pacifismo.Fase de apogeo del Pop-art: su obra se basa en los años '50 y parte de las experiencias del dibujo publicitario. como cómic. página 17 de 18 . La paleta de colores era variada. con poses tópicas. no la guerra". dice que es "para llenar el foso que separa la vida del arte". Mel Ramos se especializa en pin up. James Rosenquist. etc.. . las imágenes de la industria de consumo. MARILYN. Lichestein realiza composiciones salidas de los "cómic" con colores chillones y leyendas encerradas en globos.. utilizaban muchos colores chillones y remarcados con filetes negros. se separan del Expresionismo Abstracto. las toallas. Lo kitsch y los souvenirs. un nuevo sistema de comunicación surgió a través de los periódicos marginales.. los posters. profesores y catedráticos se rodearan de la cultura trivial. las ansias y las realidades de la juventud. La industria del ocio prosperó con la música pop. principales exponentes.. las novelas baratas y la telemanía. El Pop Art se opone a lo abstracto mediante el realismo. Tom Wesselman y Robert Indiana. la euforia (high). comparable al fondo manipulado de un anuncio publicitario. corbatas con gallinas disecadas.Tercera fase: a mediados de los '60 el pop americano sufre una extensión desde New York hasta la costa Oeste. Nacen los hippies. que jugaran con banalidades y se abandonaran a los cómic. las nuevas estructuras profesionales y la liberación de la sexualidad. y Canadá. cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades. Artistas como Peter Blake. Warhol fue pintor y director de cine. La elevada participación de lo trivial en el arte y el fuerte interés del arte por lo trivial hizo que aumentara el número de aquellos que que-rían producir arte.Última fase: se podría decir que está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos. los rostros maquillados y embellecidos proporcionan los iconos de los años sesenta. Resultaba aparentemente absurdo que artistas. con lema es: "haz el amor.las relaciones humanas y cuestionó el tradicional reparto de papeles: la educación antiautoritaria. Los museos y las galerías se abrieron a lo trivial (exposiciones interdisciplinares y multimediales) y pusieron en duda sus estructuras. actúa en el dormitorio o el baño como una Las partes pintadas. con reliquias. los cigarrillos y otros accesorios.. etc. se desarrollaron con arreglo a esta "revolución cultural". compensan la frustración e insignificancia del consumidor que se asfixia en el anonimato. La lisura de la superficie de los objetos se repite en la superficie inmaterial de la figura que. no sólo se fueron convirtiendo en el contenido del arte y en temas de la investigación. las flores. . Wasselmann mezcla arabescos y colores vivos. sino también en objetos coleccionados por los museos. Los materiales utilizados eran desde fotos e ilustraciones recortadas de revistas. Wesselmann utilizaba un carpintero para lograr un acabado industrial en sus construcciones. El Pop Art en cuatro fases: . Andy Warhol. Este proceso fomentó slogan divulgados de forma equivocada. utilizó luego la serigrafía comercial. Las técnicas utilizadas principalmente fueron el collage y el fotomontaje. botellas de coca. ésta presta gran influencia a la actividad. El culto a las estrellas es otro más de los símbolos del sufrimiento de la época. Richard Hamilton y Andy Warhol diseñaron carátulas de discos para grupos de música pop. La publicidad y el diseño estimulan y satisfacen esperanzas que se convierten en realidad en el mundo burgués. Mezcla neumáticos con cabras disecadas. marioneta entre la bañera. así como la accesibilidad global de todas las marcas y todas las artes. Su obra más relevante es "Roxi". como televisores. teléfonos. La música y los textos de los Beatles y los Rolling Stones tradujeron en los años sesenta el estado de ánimo. incluye teléfonos reales. ganó en 1964 el 1º premio de la Bienal de Venecia. NATURALEZA MUERTA Nº 24. la emancipación de la mujer. el diseño y la pintura de los carteles. a lo emocional mediante el intelectualismo y a la espontaneidad mediante una estrategia compositiva. Claes Oldenburg. llantas de bicicletas. Los medios de masas favorecieron la internacionalización de los estilos y las formas de expresión. Sus principales exponentes son Andy Warhol. la literatura de ciencia ficción. 1962.. Warhol que al principio pintaba.Primera fase o pre-pop: en la cual Robert Rauchemberg y Johns. muchachas de almanaque pintadas con todos los detalles. quiso mostrar la deshumanización de los medios de comunicación. Se reconoce que Robert Rauschemberg y Jaspers Johns en su exposición en New York en la galería Leo Castilli. que atestaran sus casas con arte pseudo-popular y nostálgico. 1962. Tom Wesselmann.

Philip B.El Pop Europeo Inglaterra se reserva el primer lugar en el pop gracias al cuadro de Richar Hamilton "Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes tan agradables ?" de 1956. Edelmann. GG. Utilizando íconos de los medios de comunicación de masas y de la historia de la pintura. Brodovitch. sobre un fondo de collage fotográfico hay dos figuras humanas móviles que el espectador puede vestir y mover.. THE BEATLES College. Buenos Aires. Abrams Publishers. página 18 de 18 . Nº31. Aunque el pop es un fenómeno anglosajón especialmente americano hay en Europa artistas que utilizan temas análogos. Andy Warhol publicó Interview. Elena Chernevich. YELLOW SUBMARINE. Pop Art. Diseño de Revistas. Documents of American Design. GG. Argentina. El Diseño Soviético de los Años 20. El diseño gráfico desde los orígenes nuestros días. El "pop-art". casi siempre con anteojos de sol. era escritor. Revista Tipográfica. Oscar Masotta. una revista mensual con artículos ilustrados sobre las celebridades del momento. William Owen. México. Barcelona. Ed. Trillas. Masters of American Design. Ed. Gustavo Gili. Ediciones del Serbal. y su desprecio manifiesto por cualquier estilo establecido. Valerio Adami. The Beatles. Nuevos esquemas. Eduardo Arroyo podría encuadrarse en esta tendencia por su interés en el entorno y su crítica del medio cultural. Oyvid Fahlstrom realiza las pinturas variables como "Ruleta". También el Equipo Crónica formado en Valencia por Manolo Valdés y Rafael Solbes. representa formas humanas híbridas mezcladas con el mobiliario. representa un erotismo exuberante. 1962 CARTEL DE BOB DYLAN. 1967. Historia del diseño gráfico. que se declararon herederos del Dadá y del Sur-realismo. Andy Warhol. Daniel Spoerri se especializa en movilizar el azar y la representación de los objetos de la vida real. El que se puede considerar como más auténticamente Pop es Alfredo Alcaín. cartel de la película Desde 1969 hasta su muerte en 1987. Rotella inventor del de collage que formó parte de los "Nuevos realistas". por el uso que hace de las imágenes populares y por el vacío que confiere a sus composiciones. Editorial Columba. Bibliografía: Historia de la pintura moderna. En Italia se destacaron Pistoletto. Harry N. Osterworl Tilman. NY. el Pop se estudia asociado a la nueva figuración surgida a raíz de la crisis del informalismo. su tema favorito son las bañistas.. por su utilización de historietas y de imágenes publicitarias. por la simplificación de las imágenes y las composiciones fotográficas. Milton Glaser. 1968. Alianza Forma. Josef Müller Brockmann. La tipografía del siglo XX. Lewis Blackwell. con figuras sobre fondos metálicos que funcionan como espejos. Gustavo Gili. Raysse utiliza la fotografía. 1971. Ed. Ed. 1967. cuya obra deriva de los cómic y la publicidad. Historia de la comunicación visual. El grupo de "Nuevos Realistas" se construyó en París con la participación de Raysse y de Sapoerri. Meggs. mezcla sexualidad y peligro. New York. Eric Satué. etc. luces. Herbert Read. En España. marcas. Peter Phillips con su obra manipula toda la iconografía contemporánea creando rompecabezas con piezas de autor. con objetos y figuras delineadas en negro. THE ROLLING STONE Revista Interviews.