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Adaptacin libre para TV de la produccin teatral del mismo ttulo que DV8 puso en escena en 2003.

Es probablemente la pieza ms conocida y multipremiada de la compaa. The cost of living nos habla, segn Newson (su director, que es el calvito que aparece en Dead dreams...), de cmo la sociedad mira y juzga a los individuos y cmo nos valoramos a nosotros mismos. Estamos atrapados entre lo que creemos que somos y lo que deberamos ser; nos ocultamos ponindonos la mscara de la sonrisa y la conformidad, fingiendo ser perfectos para ser merecedores de ser invitados al baile (de la sociedad). Pero, qu sucede con aquellos a quienes nadie invita al baile, con los que no son perfectos, y los que no saben o no pueden fingir? Esa es la cuestin fundamental que se planteaban con este trabajo, ...el coste de vivir. DV8 Physical Theatre, teatro fsico, que es como les gusta definir lo que hacen, es una compaa britnica de bailarines independientes que naci con el objetivo de romper las barreras entre la danza, el teatro y la conciencia poltica personal; y sobre todo, para poder comunicar ideas y sentimientos de cierta profundidad. Desde que Lloyd Newson fundara la compaa en 1986 han producido 13 obras, muchas aclamadas por la crtica especializada por su gran calidad artstica. 4 de estas obras despus han sido trasladadas al audiovisual. Ya desde su origen (DV son las iniciales de Dance Video) tuvieron la intencin de apoyarse en el soporte vdeo para difundir sus mensajes; no tienen reparos en combinar diferentes lenguajes, y adems dedican un largo perodo al proceso de investigacin para introducir otros nuevos. Y es que su poltica consiste en poner en duda las ideas preconcebidas sobre lo que puede y debe abordar la danza, explorar hasta forzar todos los lmites (...de la danza, del teatro, del cuerpo), y reexaminar constantemente los roles y las relaciones de hombres y mujeres en nuestra sociedad. En 1989 el programa de tve Metrpolis emiti una de sus piezas ms famosas Sueos muertos de hombres monocromos (Dead dreams of Monochrome Men), que nos dej noqueados a los que tuvimos la oportunidad de verlo: es una vdeo-danza basada en la historia real del asesino en serie Dennis Nilson, un hombre tan atormentado por el sentimiento de soledad que asesinaba a sus amantes por temor al abandono. Una radiografa brutal del deseo homosexual, una mirada a la homofobia social y sus consecuencias, el armario, el ambiente, el deseo, la promiscuidad, la bsqueda del amor, la soledad...

Me dijo el dramaturgo belga Tom Lanoye que ser europeo significa pensar que todos somos iguales y sentirse superior por pensarlo. Imagino que se es nuestro pecado, saber que hemos hecho ciertos deberes que otras naciones o continentes an tienen por hacer. ser europeo significa pensar que todos somos iguales y sentirse superior por pensarlo Claro que habra mucho que matizar acerca de si todos y cada uno de los europeos creen y/o defenderan esta "igualdad" o si se pasa del dicho al hecho de forma real y efectiva. Seguramente llegaramos a la conclusin de que se trata ms de una idea o de un ideal de algunos y no de todos . Pero siempre se empieza por una idea. Occidente, el primer mundo, es el lugar en el que muchos quieren vivir no slo por la riqueza econmica, que igual ya no va a ser tanta, sino por las libertades El caso es que de forma ms o menos imperfecta, el mundo libre, Occidente, el primer mundo, es el lugar en el que muchos quieren vivir no slo por la riqueza econmica, que igual ya no va a ser tanta, sino por las libertades que, aunque a medio conseguir, ese medio, para aquellos que tienen que sufrir terribles

desigualdades a causa de su orientacin sexual, religin, sexo, clase social, raza, es la diferencia entre vivir o no poder hacerlo. A pesar de ello, parece que, en Occidente, los que hemos nacido aqu, los que nos hemos encontrado montado ya este sistema por antepasados que se han jugado la vida por conseguirlo, no nos sentimos orgullosos de tener esta civilizacin que unos envidian y otros denuestan. El caso es que cierto sentimiento de culpa generado por nuestra capacidad autocrtica nos ha provocado un temor desmedido a ofender y eso ha hecho que sea mucho ms fcil ofenderse para los que lo estn deseando. Porque hay gente que rentabiliza las ofensas. Me explico. Supongo que no soy la nica que se ha dado cuenta de que muchos de los que se quejan o se burlan de la falta de igualdad "real" y libertad "real" de Occidente defienden sistemas de creencias que no contemplan que sus individuos tengan ningn tipo de libertades, ni reales, ni ficticias ni de pensamiento ni de expresin. Se benefician de vivir aqu porque pueden expresar sus ideas, pero no quieren que los otros, los dems, nosotros, discrepemos pblicamente con su forma de pensar. Quieren ser ellos y slo ellos lo que aprovechen las libertades conquistadas por los nuestros y pretenden callarnos argumentando que les faltamos al respeto. Eso me recuerda a una historia que Michael Moore contaba en Fahrenheit 9/11. Una historia con la que pretenda explicar el miedo exagerado de los estadounidenses a todo lo extrao. Era algo as. A un grupo religioso muy radical (imagino que cristianos de algn tipo) los echaron de Inglaterra no porque fueran perseguidos por sus creencias, sino porque no queran que persiguieran a los que no pensaban como ellos. De ah fueron a Holanda, de donde tambin les echaron por el mismo motivo y acabaron en Estados Unidos. Una defensa de la libertad de expresin a travs de la danza El trabajo que los DV8 han presentado en le festival de Otoo en primavera es esencialmente una defensa de la libertad de expresin. No es tan espectacular como The cost of living (El coste de la vida) e incluso comparado con To Be straight With You (Para ser justo contigo) podramos decir que su puesta en escena es ms sencilla. Los bailarines/actores de Newson hablan y se mueven. A Lloyd Newson no le interesa la danza como tal, como sucesin de movimientos en el espacio y en el tiempo. Newson quiere hablar y quiere hacerlo de cosas que le preocupan Para los que no conozcan al director australiano afincado en Londres, habra que explicarles que a Lloyd Newson no le interesa la danza como tal, como sucesin de movimientos en el espacio y en el tiempo. Newson quiere hablar y quiere hacerlo de cosas que le preocupan. Los movimientos que busca durante los ensayos no son una ilustracin de lo que se dice sino ms bien un contrapunto as lo llama l. Y quiz eso es lo ms interesante de su trabajo. Ese algo inefable que se crea al juntar la palabra con unos gestos que generan un texto que se avanza paralelo a la palabra.

Hay que agradecer que haya gente como l que se tome la libertad que nuestros antepasados conquistaron y hable de tantas maneras, vamos, que no se calle ni estando en silencio. En este programa... Emma Surez, Jos Luis Garca Prez y Ariadna Gil protagonizan Viejos Tiempos de Haold Pinter en el madrileo Teatro Espaol. Pinter pone en escena un tro y juega con los puntos de vista y la fragilidad de la memoria de los personajes Una vez ms, Pinter pone en escena un tro y juega con los puntos de vista y la fragilidad de la memoria de los personajes para darnos a entender que lo que consideramos como cierto puede ser un recuerdo falseado y que nunca tendremos una idea certera de lo que ocurri en nuestra vida. Seguimos ofreciendo reportajes sobre la programacin del pasado Festival de Otoo en Primavera de Madrid. su "polmico" montaje Can We Talk About This? Podemos hablar de esto?, centrado sobre la defensa de la libertad de expresin en Occidente El grupo britnico DV8 trajo su "polmico" montaje Can We Talk About This? Podemos hablar de esto? Centrado sobre la defensa de la libertad de expresin en Occidente, Lloyd Newson, su director, recogi testimonios alrededor de este tema para elaborar un texto que sus bailarines van diciendo mientras bailan. DV8 realiza un tipo de teatro que se ha dado en llamar fsico en el que lenguaje corporal y verbal se sirven de contrapunto. Juan Navarro y Gonzalo Cunill presentaron en el festival madrileo un texto de Thomas Bernhard, Tala. Se trata de un monlogo extrado de una novela del escritor austriaco en el que critica ferozmente la superficialidad y la decadencia de los crculos intelectuales y artsticos de su poca.

Images from Life 'The Cost of Living' by Lyndsey Winship November 12-15, 2003 -- Brighton Dome Theres an amazing scene in DV8s "The Cost of Living" when a tall skinny man walks on stage and sets down his ghetto blaster. Youre thinking: lives alone, not many friends, probably a bit repressed, sadness in his eyes. He presses play and Chers "Believe" pumps out of the speakers. The man begins a routine of expressionless disco hand moves, just marking out the beat. Then slowly you start to see his pursed lips curling at the corner, a slight smile in his eyes, the music catching a grip on his soul. Soon hes throwing his whole body into it, gyrating around the stage with abandon, totally seduced and set free by the music. Its such a simple idea but its so completely joyful and life-affirming that the audience whoop in appreciation.

Dance lets this guy be who he wants to be. But what is it to us? Thats the kind of question DV8 asks in this piece which is all about image and perfection, worth and self-worth, celebrity and conformity and other such contemporary queries. Whats a dance worth? 5 for a pli one performer suggests. With arms thats a tenner, add some emotion you double the fee. Heard you can do some tricks, one man pesters a balletic dancer. Do that thing with your leg. I can pay you, he insists, pegging her as a performing pony, or perhaps a prostitute. DV8 confronts us with some striking images. David Toole is a dancer with no legs, gracefully spinning on his hands. He is bombarded with provocative questions from another dancer, everything we want to know but would be far too polite to ask "Were you born like that?" "Ever had a girlfriend?" We dont get any answers. Another "differently sized" dancer moves his large but nimble frame around the stage. Its tokenistic but thats the point. DV8 hired me for my size, he says, now Im worried if I lose any weight Ill lose my job! No ironies are lost here. A group of beauty pageant babes peel back the pretence to show the scarred pasts behind their smiling faces. Drugs! Sex! Therapy! A series of clever and playful scenes are danced out, all asking pointed questions or painting a picture of mindless conformity. Couples strolling in the park with colourful balloons, someone getting in a tangle with a tape measure, a demented game of follow-the-leader. Plus nudity, cross dressing and suicide. The show completely kept my attention for 90 minutes although it wasnt nearly as contro versial or hard hitting as I expected from Lloyd Newson. Yes, the obsession with image is unhealthy, especially prescribed images of perfection. At the same time watching dance is all about judging images. They know this too, so seeing as weve paid our ticket money, DV8 gives us what we came to see, interspersing the theatrical scenes with sleek contemporary duets. Its all very entertaining and well paced, shifting effortlessly from realism to fantasy with the help of a great set and lighting and an eclectic musical selection. Comic, tragic and technically slick, DV8 is the original "physical theatre" company, and theyre still doing it better than the rest. Imgenes de la Vida "The Cost of Living ' por Lyndsey Winship 12 a 15 noviembre 2003 - Brighton Dome Hay una escena increble en DV8 "The Cost of Living" cuando un hombre flaco alto, camina en el escenario y establece su ghetto blaster. Usted est pensando: vive sola, no muchos amigos, probablemente un poco reprimido, la tristeza en sus ojos. Se aprieta jugar y Cher "Believe" bombas de los altavoces. El hombre comienza una rutina de movimientos inexpresivos discoteca mano, slo marcando el ritmo. Luego, lentamente, empiezas a ver sus labios fruncidos se encrespan en la esquina, con una leve sonrisa en sus ojos, la msica de la captura de un control sobre su alma. Pronto l est lanzando su cuerpo en ella, girando alrededor del escenario con abandono, totalmente seducido y puesto en libertad por la msica. Es una idea simple, pero es tan completamente feliz y afirmacin de la vida-que el grito de la audiencia en la apreciacin. Danza permite este tipo ser quien quiere ser. Pero, qu es para nosotros? Ese es el tipo de pregunta DV8 pregunta en esta pieza que tiene que ver con la imagen y la perfeccin, el valor y la autoestima, la celebridad y de la conformidad y otros contemporneos tales consultas. Qu es un valor de baile? 5 libras por un pli un artista sugiere. Con los brazos eso es un billete de diez libras, aadir un poco de emocin el doble de la tasa. "O que usted puede hacer algunos trucos", un

hombre acosa un bailarn de ballet. "Es esa cosa con su pierna. Te puedo pagar ", insiste, su vinculacin como un pony realizando, o tal vez una prostituta. DV8 nos confronta con algunas imgenes sorprendentes. David Toole es un bailarn sin piernas, girando graciosamente en las manos. l es bombardeado con preguntas provocativas de otro bailarn, todo lo que queremos saber, pero sera demasiado educada para preguntar - "Naciste as" "Alguna vez tuvo una novia?" No recibimos ninguna respuesta. Otro "de tamao diferente" bailarina se mueve su enorme pero gil por el escenario. Es simblica, pero ese es el punto. "DV8 me contrat para mi tamao", dice, "ahora me preocupa si pierdo nada de peso voy a perder mi trabajo!" No hay ironas se pierden aqu. Un grupo de chicas concurso de belleza despegue el pretexto para mostrar las cicatrices de un pasado detrs de sus caras sonrientes. Drogas! Sex! Terapia! Una serie de escenas inteligente y juguetn se bailan fuera, todos haciendo preguntas punzantes o pintar un cuadro de la conformidad sin sentido. Parejas que paseaban por el parque con globos de colores, alguien que consigue en un enredo con una cinta mtrica, un juego demencial de seguir al lder. Desnudez Adems, el travestismo y el suicidio. El espectculo completamente mantuvo mi atencin durante 90 minutos, a pesar de que no era tan polmico o golpear duro como yo esperaba de Lloyd Newson. S, la obsesin por la imagen es imagen no saludables, especialmente prescritos de la perfeccin. Al mismo tiempo observando la danza tiene que ver con juzgar las imgenes. Ellos lo saben tambin, as que ya hemos pagado nuestro dinero billete, DV8 nos da lo que vino a ver, intercalando las escenas teatrales con elegantes dos contemporneos. Todo esto es muy entretenido y bien establecido el paso, pasando sin esfuerzo de realismo a la fantasa con la ayuda de un gran conjunto e iluminacin y una seleccin musical eclctica. Comic, trgica y tcnicamente hbil, DV8 es el original "teatro fsico" empresa, y todava estn haciendo lo mejor que el resto.

The above excerpt (and pic) was taken from The Cost of Living, a film (and performance) by the British physical theatre company DV8. I think art is something that makes us look at our lives and to think about them in a way that is more rich. I think there's a big argument for poetry and for the construction of elements. When somebody writes a great essay, they have taken the words and placed them in a certain way to make you think more deeply about that subject. That is for me the very function of art. You get together, you get a group of people, you place things very carefully in order, and the placement is artificial, but if the integrity and the focus is clear, then hopefully it makes people see their roles more clearly. And think about them. And that's what I would like to do. - Lloyd Newson, DV8 director, in a great interview. Being honest, good and effective is a rare combination in arts. Most contemporary artists avoid at least one of these concepts: honesty is considered by many as a ridiculous idea from art's perspective, others consider art as being beyond moral issues. But the favorite scapegoat has in the recent years been effectiveness. Many associate it with a commercial, product-based approach that an artist should never accept. Effective, for them, is a synonym for McDonald's. Effectiveness is about price/quality ratio and looking for the best buy. It goes against the spirit of experimental research we are encouraged to follow. Work-in-progress, work-in-process, open art forms and new modes of production are all back. In some milieus it seems impolite to speak of a finished work. This is a twist of the modernist idea of the "independent" artist, and a curious travesty of the fin-de-sicle artist enclosed in his universe and refusing to give in to the evil, ignorant and lost society. In this updated version, the artist retains the independent status, while accepting a parallel funding of his work. If no form of effectiveness is allowed, we can only rely on a funding that is based on some other form of quality. But what is this quality? How far from the

spectacular (the show, the product, the work, the to-be-seen) can it go? It is no coincidence that somewhat similarly to the Grotowskis and Allan Kaprows of the 70s, several contemporary artists decided recently to stop showing their work (or creating any sort of showable work, which amounts to the same). The difference seems to be in how one sees one's position in the world. While Grotowski and Kaprow moved away to work in relative seclusion from the art milieu (Kaprow concentrated on academic work, but stopped creating public performances). Today, the very shift from product-to-project-to-research is what the milieu is all about. What is left for the spectator? The spectator can certainly join the ride and follow each artist's struggle. Or wait and see what happens. Or appreciate the DV8s that go on believing art can be good, and honest - and effective. espaol ingls francs La cita anterior (y foto) fue tomada de The Cost of Living, una pelcula (y rendimiento) por la compaa britnica DV8 teatro fsico.

Creo que el arte es algo que nos hace mirar nuestras vidas y pensar en ellos de una manera que es ms rico. Creo que hay una gran discusin por la poesa y por la construccin de elementos. Cuando alguien escribe un gran ensayo, se han tomado las palabras y los coloc en una determinada manera de hacer pensar ms profundamente acerca de ese tema. Eso es para m la funcin misma del arte. Se renen, se obtiene un grupo de personas, de colocar las cosas con mucho cuidado en el orden y la colocacin es artificial, pero si la integridad y el enfoque es claro, entonces esperemos que hace que la gente vea sus funciones con mayor claridad. Y pensar en ellas. Y eso es lo que me gustara hacer. - Lloyd Newson, DV8 director, en una gran entrevista. Ser honesto, bueno y eficaz es una combinacin poco comn en los arts. La mayora de los artistas contemporneos evitar al menos uno de estos conceptos: la honestidad es considerada por muchos como una idea ridcula, desde la perspectiva del arte, otros lo consideran el arte como estando ms all de las cuestiones morales. Pero el chivo expiatorio favorito ha en los ltimos aos ha sido la eficacia. Muchos lo asocian con una actividad comercial, basada en el producto acercamiento que un artista nunca debe aceptar. Eficaz, para ellos, es sinnimo de McDonald. La efectividad se refiere relacin precio / calidad y buscando la mejor compra. Esto va en contra del espritu de la investigacin experimental se nos anima a seguir. Work-in-Progress, trabajo en proceso, las formas de arte abiertos y nuevos modos de produccin son todos de vuelta. En algunos entornos, parece de mala educacin hablar de una obra terminada. Se trata de un giro de la idea modernista de la "independiente" artista, y una parodia curiosidad del artista fin-de-sicle encerrado en su universo y se niega a ceder a la sociedad malvada, ignorante y perdi. En esta versin actualizada, el artista conserva la independencia, mientras se acepta una financiacin paralela de su obra. Si no hay ninguna forma de la efectividad est permitido, slo podemos contar con una financiacin que se base en alguna otra forma de calidad. Pero qu es esta cualidad? A qu distancia de la espectacular (el espectculo, el producto, el trabajo, la a-ser-visto) puede ir? No es casualidad que algo similar a los Grotowskis y Allan Kaprows de los aos 70, varios artistas contemporneos decidido recientemente dejar de mostrar su trabajo (o la creacin de cualquier tipo de trabajo showable, que viene a ser lo mismo). La diferencia parece estar en cmo uno ve su posicin en el mundo. Mientras que Grotowski y Kaprow se alej para trabajar en relativo aislamiento del medio artstico (Kaprow se concentr en el trabajo acadmico, pero se detuvo la creacin de espectculos pblicos). Hoy en da, el cambio de producto muy a proyectos de investigacin-es lo que el medio se trata. Lo que queda para el espectador? El espectador sin duda puede unirse a la marcha y seguir la lucha de cada artista. O esperar a ver qu pasa. O apreciar las DV8s que seguir creyendo arte puede ser bueno y honesto - y eficaz.

La verdad es que tener amigos que te ensean millones de cosas es una bendicin.ste fin de semana estuvieron en casa Yoshua y Anita, y mirad lo que me han enseado!!.

DV8 Physical Theatre es una compaa de teatro realmente especial.Sus representaciones nos llevan a una sin fin de sensaciones y de contorsionismos fsicos (lo que el cuerpo puede llegar a hacer al ritmo de la msica y con una escenografa cuidadosamente trabajada). The Cost of Living fu filmada en Cromer en la costa de Norfolk:un tpico y antiguo balneario ingls. La temporada de verano llega a su fin y un aire de abandono se cierne sobre la ciudad. Eddie y David son artistas callejeros desilusionados.La vida de Eddie es dura,llena de confrontacines y no tiene miedo de defender su creencia en la justicia, el respeto y la honestidad.David es un bailarn que no tiene piernas (como es en la vida real), observndolo te hace reconsiderar las nociones aceptadas de gracia y perfeccin;decidido a no permitir que su discapacidad o los prejuicios de la sociedad lo hagan perderse en su camino. Es sin dudar alguna una estupenda representacin de la destreza, la habilidad, la lucha,la ilusin,los ideales,..., y una muestra representativa del estupendo trabajo de sta compaia, que nos muestra el mimetismo de la danza, la msica y la escenografa teatral. Espero que os guste tanto como a mi. Trabajo DV8 es acerca de tomar riesgos. Se trata de poltica personal, trata de romper las barreras entre la danza y el teatro, y sobre todo, acerca de comunicar ideas y sentimientos con claridad y sin pretensiones. La compaa cuenta historias a travs del movimiento naturalista extendido de una manera radical pero accesible, evitando la narrativa lineal y rechazando las convenciones tradicionales del ballet y la danza moderna. Tambin desafa la nocin de la danza para demostrar como la expansin y el individuo medio puede ser. Este es el trailer de la pelcula de 35 minutos "The Cost of Living".

La creacin de Newson dibuja un mundo de alienados, de freaks, a travs de personajes extrados del circo, que logra una magistral actualizacin del tema "el teatro del mundo" y nos muestra el gozo de vivir, aunque sea en una realidad absurda que elude toda explicacin y que todo el tiempo relega y aplasta a los individuos. El video es sumamente conmovedor e impactante, est esplndidamente realizado, y quien lo ve especula sobre los alcances gigantescos de la representacin en vivo. Lloyd Newson studied Psychology at the University of Melbourne before starting his performance career. After dancing with companies in Australia and New Zealand, he came to Britain and gained a one-year scholarship to study at the London Contemporary Dance School, before joining Extemporary Dance Theatre. In 1986 he co-founded DV8 Physical Theatre. Can you give some insights into the points of departure for your choreography, about the artistic motivation for your work? Newson ... I only create when I have something to say, and the work is generally about issues that concern or affect my life at a given time. I'm interested in provoking myself, questioning my own and the performers' thoughts, motivations and assumptions. Many of the themes I dealt with in the early works as in My Sex, Our Dance (1986), My Body, Your Body (1987) and Dead Dreams of Monochrome Men (1988) have been controversial. At the time I chose to examine these themes through physically challenging movement. However when we made Strange Fish (1992), the risk was not so much about physical danger, but whether dance can deal with complex emotional narrative, and whether tragi-comic theatre can in fact be created through dance alone. You can take risks without always being physical. I have regularly challenged what is traditionally defined as dance, i.e., who can dance in terms of shape, size, age, and what dance can talk about. In order to keep my interest in dance it has to personally resonate with issues I experience directly in my life. I am not interested in making work that does not focus clearly on content. Content, rather than style drives DV8's work, which distinguishes it from a lot of other contemporary dance. Issues, rather than 'prettiness' or aesthetics, are important. Our work delves into how individuals relate to one another, emotionally and intellectually, rather than being about movement or design patterns per se; exploring the individual's actions, and looking at how these in turn reflect political and social issues.

And what methods do you utilise to engage dancers in your choreographic process? My process involves making performers question how they engage in making work. I seek movement with intention and purpose. What are they/we trying to communicate? It is not that I am necessarily against using an arabesque, but you must know why you do it. Why is at the heart of DV8's work. It is closer in terms of intention, focus and subtext to the ways in which a theatre director works with a text. DV8 is known as a company that fights hard for funding to engage in research and development processes in order to gain periods of experimentation. Can you give some insights into your approach? Time for research and experimentation is our chance for rejuvenation. The climate has changed radically since the mid-eighties when we were first making work, when there was much more openness about experimentation. Therefore I have come to a point where I feel I can only really take risks and face possible failure in my research periods. Without this I would be fearful to try new ideas and work with new people. I invite new dancers/performers to participate in research periods to try and alter my approach to making work. For example, when I researched Bound To Please (1997) we explored the performers' psychological experiences as professional 'dancers'. This brought up an unexpected issue. What is their perceived value as people in relation to their value as dancers; were they only as good as the height of their leg? Another research project centred on taking the performers into, and working in, a 'greasy spoon' caf. The performers were asked to observe normal caf users to see what information was conveyed through their body language. When they returned to the studio, I asked them to extrapolate what they had seen so that they could abstract it and use the principles of the movement patterns they had observed to make movement phrases. Most choreography is made in the rehearsal studio, yet this can be a sterile environment. My concern is for dance to connect with and talk about the real world, so it seemed logical to send the performers out of the dance environment, in order to observe and interact with it. The research and development period for Enter Achilles (1995) occurred almost two years prior to the piece being completed. This gap suggests that sometimes there can be quite a significant delay between ideas being initiated and the work that emerges a few years later. During a five-week R&D period in Glasgow in 1994, I found myself struggling creatively while investigating the distinction between subtleties of the spoken word and the equivalent subtleties in movement. The improvisations were quite frustrating and quite tough. Yet suddenly, I found a new direction for the experimentation. One day I went down for a drink with the performers after we had finished rehearsals; we were all sitting around rather tired, and I noticed that everybody was drinking pints of beer. Seeing the potential for both initiating and limiting movement exploration, I suggested bringing pint glasses to the studio the following day. As work progressed the glass became a metaphor for all sorts of things in the piece to do with masculinity and British culture. It is obvious from the examples you have cited that the very different circumstances of the research periods lead to very different types of dance pieces. Is it challenging to make or find an appropriate vocabulary for each work? Yes. Another example from the Glasgow R&D period exemplifies this. A situation was reported in the paper about a policeman who refused to hold the hand of a car accident victim because he feared being perceived as a homosexual. In exploring how I might represent something like that physically, I talked to some of the heterosexual guys from my company, asking them to walk hand in hand down Sauchiehall Street in Glasgow. They said no problem, but only managed to walk three blocks they couldn't bear the tension and reaction from the locals. So I questioned how this tension might be shown in the piece. When is it acceptable for men to hold hands? In searching for a metaphor to explore these notions of acceptability, I started investigating trapeze work and we engaged a specialist to train our dancers. In the piece two men hold on to a suspended rope and dance a duet where they must hold hands in order not to fall. When they get down on the ground, and are still holding hands, it's extremely uncomfortable for them. One performer becomes very nervous and anxious because of the social stigma attached to men holding hands.

Also, with regard to DV8's physical vocabulary, in the company training DV8 bring in different people to develop new skills, if appropriate, for a new piece: in My Body, Your Body we did aerobics and long distance running to build up stamina, and in Strange Fish we brought in yoga teachers. Voice teachers have been employed at times to work on different pieces that use text; specialist trainers are brought in according to the subject matter. When we were looking at football, we questioned why it is considered acceptable for men to do footwork around a football, but not to do footwork around Irish dancing or ballet. So we brought in an Irish dancing teacher because I wanted to explore the difference between those two forms in relation to what is 'acceptable' and 'unacceptable' masculine movement. If I cannot find appropriate movement, I will also use words. I am not a purist, and don't wish to limit my breadth of expression or to trade complex scenarios for purism. The fundamental principle in the work is to make it clear, to be specific and detailed. Throughout, my interest is in conveying stories or ideas through movement. The research and development periods are all videoed, and documented, so that I can go back and refer to them in preparation for the actual piece. Much will be rejected and not used at all. What form does the actual rehearsal process take? The form of the preparation for the rehearsal period rarely follows one set approach. For example, for Enter Achilles (1995), I made five or six particular choices from the five-week workshop and took these ideas into the rehearsal period. Another exploratory idea was that we should start experimenting with the idea of the men using one another as furniture; another, that we should look at fluids, play with the idea of men sharing fluids together and of intoxication, and the connotations of that. Or how a pint glass can represent beauty or danger, community or isolation. We looked at videos of documentary programmes about binge drinking in Wales on Friday and Saturday nights and the ensuing violence that occurs after drinking 8 or 9 pints in one evening. Essentially, we attempted to look out at the world and our experiences of men amongst men, and to reflect this back on our work. It must be added that by the time we came to rehearsals after the workshop, I had written a storyline, and we'd already designed and built a complicated set. Since DV8 is not a permanent company you have the opportunity to choose new cast for each work. What do you look for in a performer? I choose people who are appropriate to the needs of the subject matter being explored, and with whom I can collaborate; people who can bring an openness of attitude and thoughtfulness to the process. They have to be interested in the subject matter. I cast like a film director, according to what the script requires, so for example, in looking at the relationship between an older woman and a younger man the cast choices have to give some authenticity. So we chose Diana Payne-Myers a woman and dancer who has worked on many different projects with us over the years who is in her mid-seventies. When making Enter Achilles, I was concerned to find guys who looked like regular guys in the street. When we made MSM (1993) about cottaging, I asked two things of those auditioning; they had to be prepared to be naked on the stage, and to go to places known for cottaging to observe the situation, to know how tense, or frightening, or funny it can be. It is the principle here that is relevant; without that openness of mind and vulnerability, I knew we would experience blocks in other areas during rehearsal. Some of the most interesting people chosen to work with DV8 have generally done something else in their lives before they came to dance. Through working in computers, tiling ceramics, acting, or something as mundane as working in a supermarket, they brought other significant experience of the real world into dance. I find it frustrating that many dancers train from such an early age and lack exposure to other life experiences. Having Diana Payne-Myers naked on stage in Bound To Please for me was infinitely more beautiful than seeing a gorgeous woman doing a perfect arabesque, because it is the context and meaning that makes something beautiful and touching. Do you have particular methods of structuring your work? Since 1990, after DV8 finished Dead Dreams and made the film, I made a deliberate choice to leave behind that very intense, dark and exhausting physicality of the earlier pieces. I decided to try and create more image driven, humorous theatre, the traces of which can be first seen in "if only ..." (1990). I soon

discovered that it was too frightening to go into a studio without having a pre-written story and structure. I needed some structure though you also need to be free to throw that structure out. So from then on, for all the pieces, Strange Fish, Enter Achilles, Bound To Please, I wrote a scenario prior to starting rehearsals, not that I always ended up sticking to it. Having research and development periods, becoming my own dramaturg and writing a loose structure before the rehearsals provides the company with the opportunity to build sets in advance. The performers can then work with the set and ensure it becomes embedded into the performance. The environment needs to be lived in, and the set explored before the production week(s). A script provides a guide in helping me structure the rehearsal period, both day to day and overall. For example, in Enter Achilles we did a whole range of improvisations based on what is acceptable male physical contact, about what is considered an acceptable way for a man to walk and talk. We played with the simple ideas of straight and bent movements, how these affect how we feel and how they were perceived externally. We looked at the pressures on men to play certain roles, particular sports; we talked about relationships with our fathers, our mothers, our best male friends, what we expect from them, and how that differs from our relationships with our female friends. Then we would get to specifics, because we can generalise and make all these theories, but it's the specific individual stories that are interesting. In the end, the interest lies not so much in how we do it, but in how he or she does it. Specifics can often contradict convenient social theories, and are often very conflicting, which is more human, complex and revealing. In order for really interesting, deep material to come up, like in analysis, the performer has to let go of his subconscious. That sometimes poses a problem for dancers. If somebody truly lets go in improvisation it is impossible for him to remember exactly what he did, as that is a conscious process. That is why we use a video camera. Obviously there are endless means of constructing work task setting, observation and translations, working directly from text, occasionally I even come in with set steps. These methods combined with structured improvisation are my way of discovering new and appropriate dance content and of finding individual voices within the company, thus distinguishing how each performer moves differently, and how interesting and unique their differences are. Generally DV8's works are about seeing particular individuals on stage, therefore it is important to nurture the individual vocabulary, while providing a focus and boundaries for the improvisations and tasks. Do you join in with these tasks and improvisations? In the past when I was performing, yes, but generally I stand out to be the 'eye'. Once we had more than four people in our company I felt it was impossible to be on stage personally, and keep an eye on other people's performances, so I removed myself, and now I sit through almost every performance our company does, give notes and make changes. It continues throughout the tour. Without constant change and development, I feel that a work becomes dead for both performers and audience. This became particularly evident when reworking and touring Enter Achilles. It was the first time that DV8 had remounted a past work, and some dancers had to learn previous roles. This became a particular challenge. Because the work is devised with a particular group of people in the first instance, introducing new cast members can result in quite radical changes to the piece. New performers have not experienced all the intense research, whereas someone who has, and who made movement unique to himself, generated the material. Thus getting somebody else to do exactly the same part does not work I find myself working with the qualities of the new individuals and having to adapt material to suit them in order to sustain some truth. This process made me more aware of just how exactly every movement is built on an individual, consistent with their thoughts, intention, way of moving, etc. There are thirty different ways to pick up a glass, and each one says something different. Basically, I try to impart that realisation to the people that I work with ... and once they start understanding that, we're half way there. The other thing about dance making is that a lot of people I work with are really committed to new work, therefore they are not interested in being part of a repertory company, and the only reason we remounted Enter Achilles was to pay for the next research period. We want to keep making new work that is intricately linked to personal development. It is important now, for me at least, not to get stuck in remounting and touring old works, and the commercialisation that can go with this.

It seems that your role in the company is different to that of a traditional choreographer, in that the work is devised and collectively made. Let me be clear, whatever ends up on stage, the subject matter, each individual step, I decide on. I see my role as stimulator, facilitator, editor and constructor, but equally I want to learn from my performers. I find it dull, boring and reductive bringing in steps for my dancers to learn which is what I did in my early choreographic days. I have a responsibility to keep finding ways to open up and creatively stimulate performers in the company. Most people are capable of producing incredible performances, however some are reluctant to enter new territory. I can open gates, but at a certain point, unless they are prepared to let go of their psychological blocks, I can't do anything. DV8 have produced some exceptional performers who, prior to joining the company, hadn't fulfilled their potential. Of course, this also means that DV8 might then lose their most capable collaborators, but its great when the people I've worked with go off and create something of their own, empowered through their association with DV8. Lloyd Newson estudi Psicologa en la Universidad de Melbourne antes de comenzar su carrera de actuacin. Despus de bailar con empresas de Australia y Nueva Zelanda, que lleg a Gran Bretaa y gan una beca de un ao para estudiar en la London Contemporary Dance School, antes de unirse Teatro Danza extempornea. En 1986 fue cofundador de DV8 Physical Theatre. Puede darnos algunas ideas sobre los puntos de partida para su coreografa, sobre la motivacin artstica por su trabajo? Newson ... Yo slo crean cuando tengo algo que decir, y el trabajo es en general acerca de los problemas que preocupan o afectan a mi vida en un momento dado. Estoy interesado en la provocacin de m mismo, cuestionar mi propio y pensamientos de los artistas intrpretes o ejecutantes, motivaciones y supuestos. Muchos de los temas que se tratan en las primeras obras - como en mi sexo, nuestra danza (1986), Mi cuerpo, su cuerpo (1987) y Dead Dreams of Men Monocromo (1988) - han sido controversiales. En el momento en que decidi examinar estos temas a travs del movimiento fsicamente exigente. Sin embargo, cuando hicimos Strange Fish (1992), el riesgo no se trataba tanto de peligro fsico, pero si puede hacer frente a la danza narrativa emocional compleja, y si tragi-cmico teatro de hecho, puede ser creado a travs del baile solo. Usted puede tomar riesgos sin estar siempre fsica. He desafiado regularmente lo que tradicionalmente se define como la danza, es decir, que se puede bailar en cuanto a la forma, el tamao, la edad, y lo que la danza puede hablar. Con el fin de mantener mi inters por la danza tiene que resonar personalmente con problemas que experimentan directamente en mi vida. No estoy interesado en hacer un trabajo que no se centra claramente en el contenido. El contenido, en lugar de estilo dirige el trabajo de DV8, que lo distingue de muchos otros de la danza contempornea. Los temas, en lugar de "lindeza" o esttica, son importantes. Nuestro trabajo profundiza en cmo las personas se relacionan entre s, emocionalmente e intelectualmente, en lugar de ser sobre patrones de movimiento o el diseo en s, explorando las acciones del individuo, y mirando cmo stos a su vez reflejan los temas polticos y sociales. Y qu mtodos se utilizan para contratar bailarines en su proceso coreogrfico? Mi proceso implica la realizacin de los artistas pregunta cmo se dedican a hacer el trabajo. Busco movimiento con intencin y propsito. Qu son / estamos tratando de comunicar? No es que yo estoy necesariamente en contra de usar un arabesco, pero usted debe saber por qu lo haces. Por qu est en el centro de trabajo de DV8. Est ms cerca en trminos de intencin, el enfoque y subtexto a las formas en que un director de teatro trabaja con un texto. DV8 es conocida como una empresa que lucha arduamente para financiar a participar en los procesos de investigacin y desarrollo con el fin de obtener periodos de experimentacin. Puede darnos algunas ideas sobre su enfoque? Tiempo para la investigacin y la experimentacin es nuestra oportunidad para el rejuvenecimiento. El clima ha cambiado radicalmente desde mediados de los ochenta, cuando estbamos haciendo el trabajo primero, cuando se produjo una apertura mucho ms acerca de la experimentacin. Por lo tanto he llegado a un punto en el que siento que puedo realmente slo tomar riesgos y hacer frente a un posible fracaso en mis perodos de investigacin. Sin esto sera terrible para probar nuevas ideas y trabajar con gente nueva. Invito a nuevos bailarines / intrpretes a participar en los perodos de investigacin para tratar de cambiar mi forma de hacer el trabajo. Por ejemplo, cuando investigu Bound To Please (1997) se exploraron las experiencias psicolgicas como profesionales "de los intrpretes bailarines. Esto trajo un problema inesperado. Cul es su valor percibido como personas en relacin con su valor como bailarines; estaban tan buena como la altura de su pierna? Otro proyecto de investigacin centrado en la consideracin de los artistas intrpretes o ejecutantes en, y trabajando, cafetera 'Pepe'. Los intrpretes se les pidi que observar a los usuarios normales de caf para ver qu informacin se transmite a travs de su lenguaje corporal. Cuando regresaron al estudio, les ped

que extrapolar lo que haban visto hasta que se abstraen y podra utilizar los principios de los patrones de movimiento que haban observado a hacer frases de movimiento. La mayora coreografa se realiza en la sala de ensayos, sin embargo, esto puede ser un ambiente estril. Mi preocupacin es por la danza para conectarse y hablar sobre el mundo real, as que pareca lgico que enve a los artistas fuera del ambiente de la danza, con el fin de observar e interactuar con l. El periodo de investigacin y desarrollo para Enter Aquiles (1995) se produjo casi dos aos antes de la pieza que se ha completado. Esta diferencia sugiere que a veces puede ser un retraso significativo entre las ideas estn iniciando y el trabajo que surge unos aos ms tarde. Durante un perodo de cinco semanas de I + D perodo en Glasgow en 1994, me costaba mucho trabajo creativo mientras investigaba la distincin entre sutilezas de la palabra hablada y las sutilezas equivalentes en movimiento. Las improvisaciones eran bastante frustrante y duro bastante. Sin embargo, de repente, me encontr con una nueva direccin para la experimentacin. Un da fui a tomar una copa con los artistas despus de haber terminado los ensayos, estbamos todos sentados alrededor de un poco cansado, y me di cuenta de que todo el mundo estaba bebiendo pintas de cerveza. Viendo el potencial tanto para la iniciacin y la limitacin de movimiento de exploracin, suger traer vasos de cerveza al estudio al da siguiente. A medida que avanzaba el trabajo del vidrio se convirti en una metfora para todo tipo de cosas en la pieza que ver con la masculinidad y la cultura britnica. Es evidente a partir de los ejemplos que he citado que las circunstancias muy diferentes de los perodos de investigacin conducen a tipos muy diferentes de piezas de danza. Es difcil de hacer o encontrar un vocabulario adecuado para cada trabajo? S. Otro ejemplo de la I + D Glasgow perodo ejemplifica esto. Una situacin se inform en el peridico sobre un polica que se neg a tomar la mano de una vctima de accidente de coche porque tema ser percibido como homosexual. Al explorar cmo podra representar algo as fsicamente, he hablado con algunos de los chicos heterosexuales de mi empresa, pidindoles que caminar de la mano hacia abajo Sauchiehall Street en Glasgow. Dijeron que no hay problema, pero slo logr caminar tres cuadras - no poda soportar la tensin y la reaccin de la gente. As que me preguntaba cmo esta tensin puede ser mostrado en la pieza. Cuando es aceptable que los hombres se dan la mano? En la bsqueda de una metfora para explorar estas nociones de aceptabilidad, comenc a investigar el trabajo trapecio y contratamos a un especialista para capacitar a nuestros bailarines. En la obra dos hombres se aferran a una cuerda suspendida y bailar un dueto donde deben tomarse de la mano para no caer. Cuando llegan al suelo, y todava estn tomados de la mano, es muy incmodo para ellos. Un artista se vuelve muy nervioso y ansioso por el estigma social asociado a los hombres tomados de la mano. Adems, con respecto al vocabulario fsico DV8, en el entrenamiento de la compaa DV8 traer a personas diferentes para desarrollar nuevas habilidades, en su caso, por una nueva pieza: en mi cuerpo, tu cuerpo lo hicimos ejercicios aerbicos y correr largas distancias para construir resistencia y Strange Fish en trajimos maestros de yoga. Profesores de voz se han empleado a veces para trabajar en diferentes piezas que utilizan texto, instructores especializados son trados de acuerdo con el tema. Cuando estbamos buscando en el ftbol, nos preguntamos por qu se considera aceptable para los hombres a hacer trabajo de pies alrededor de una pelota de ftbol, pero no para hacer trabajo de pies alrededor de danza irlandesa o ballet. As que nos trajo un profesor de baile irlands porque quera explorar la diferencia entre estas dos formas en relacin a lo que es "aceptable" y "inaceptable" movimiento masculino. Si no puede encontrar el movimiento adecuado, yo tambin uso las palabras. Yo no soy un purista, y no desea limitar mi amplitud de la expresin o el comercio escenarios complejos para purismo. El principio fundamental en el trabajo es dejar claro, para ser especfico y detallado. En todo momento, mi inters se centra en la transmisin de historias o ideas a travs del movimiento. La investigacin y los perodos de desarrollo estn grabados en vdeo, y documentado, para que yo pueda volver atrs y hacer referencia a ellos en la preparacin de la pieza real. Mucho ser rechazado y no se utiliza en absoluto. Cmo se manifiesta el proceso de ensayo de absorcin real? La forma de la preparacin para el periodo de ensayos rara vez se sigue un enfoque conjunto. Por ejemplo, para Enter Aquiles (1995), que hizo cinco o seis elecciones particulares del taller de cinco semanas y tom estas ideas en el periodo de ensayos. Otra idea exploratorio fue que deberamos empezar a experimentar con la idea de los hombres que usan unos a otros como muebles, y otro, que debemos mirar a los lquidos, jugar con la idea de hombres que comparten juntos y fluidos de intoxicacin, y las connotaciones de eso. O un vaso de cerveza puede representar la belleza o el peligro, la comunidad o el aislamiento. Nos fijamos en los vdeos de los programas documentales sobre las borracheras en Gales el viernes y sbados por la noche y la violencia subsiguiente que se produce despus de beber 8 o 9 litros en una noche. En esencia, hemos intentado mirar el mundo y nuestras experiencias de hombres entre los hombres, y para reflejar esta de vuelta en nuestro trabajo. Hay que aadir que en el momento en que

llegamos a los ensayos despus del taller, haba escrito una historia, y ya haba diseado y construido un conjunto complicado. Desde DV8 no es una empresa permanente usted tiene la oportunidad de elegir nuevo elenco para cada obra. Qu es lo que busca en un actor? Elijo las personas que sean apropiadas a las necesidades de la materia objeto de investigacin, y con el que pueden colaborar; personas que puedan aportar una apertura de la actitud y la reflexin en el proceso. Tienen que estar interesado en el tema. Lanzo como un director de cine, de acuerdo con lo que el guin requiere, as por ejemplo, en el estudio de la relacin entre una mujer mayor y un hombre ms joven las opciones del elenco tienen que dar un poco de autenticidad. As que elegimos Diana Payne-Myers - una mujer y bailarina que ha trabajado en muchos proyectos diferentes con nosotros a lo largo de los aos que est en su mediados de los aos setenta. Al hacer Enter Achilles, yo estaba preocupado de encontrar tipos que parecan gente normal en la calle. Cuando hicimos MSM (1993) sobre cottaging, le ped dos cosas de las que audicionar, tenan que estar preparados para estar desnudo en el escenario, y para ir a lugares conocidos por cottaging para observar la situacin, saber cmo tensa, aterradora o , o divertido que puede ser. Es el principio que aqu es relevante, sin que la apertura de la mente y la vulnerabilidad, yo saba que iba a experimentar bloques en otras reas durante los ensayos. Algunas de las personas ms interesantes elegido trabajar con DV8 en general han hecho otra cosa en su vida antes de venir a bailar. A travs del trabajo en equipos, suelo de baldosas cermicas, la actuacin, o algo tan mundano como el trabajo en un supermercado, trajeron otra experiencia significativa del mundo real en la danza. Me resulta frustrante que muchos bailarines entrenar desde tan temprana edad y la exposicin a experiencias falta otra vida. Tener Diana Payne-Myers desnudo en el escenario en Bound To Please para m era infinitamente ms hermoso que ver a una mujer hermosa haciendo un arabesco perfecto, porque es el contexto y el significado que hace que algo sea bello y conmovedor. Tiene mtodos particulares de la estructuracin de su trabajo? A partir de 1990, despus de DV8 terminado Dead Dreams e hizo la pelcula, me hizo una eleccin deliberada para dejar que muy intenso, oscuro y agotador fsica de las piezas anteriores. Decid probar y crear la imagen ms teatro impulsado, buen humor, las huellas de lo que puede ser visto por primera vez en "si slo ..." (1990). Pronto me di cuenta de que era demasiado aterrador para entrar en un estudio sin tener una historia pre-escrito y estructura. Necesitaba un poco de estructura - aunque tambin hay que tener libertad para lanzar esa estructura fuera. As que a partir de ese momento, para todas las piezas, extrao pez, Enter Achilles, Bound To Please, escrib un escenario previo a los ensayos iniciales, no es que yo siempre terminaba ajustarse a l. Tener perodos de investigacin y desarrollo, convirtindose en mi propio dramaturgo y escribir una estructura suelta antes de los ensayos proporciona a la compaa la oportunidad de construir conjuntos de antelacin. Los intrpretes continuacin, puede trabajar con el equipo y asegurarse de que se incrusta en el rendimiento. El medio ambiente tiene que ser vivido, y el conjunto explorado antes de la semana de produccin (s). Un guin es una gua para ayudarme a estructurar el periodo de ensayos, tanto de da a da y en general. Por ejemplo, en Enter Aquiles hicimos toda una serie de improvisaciones sobre la base de lo que es aceptable el contacto fsico masculino, sobre lo que se considera una forma aceptable para un hombre de caminar y hablar. Jugamos con las ideas simples de movimientos rectos y doblados, cmo estos afectan a cmo nos sentimos y cmo se percibe externamente. Nos fijamos en las presiones sobre los hombres para jugar ciertos roles, deportes particulares, hablamos de las relaciones con nuestros padres, nuestras madres, nuestros mejores amigos masculinos, lo que esperamos de ellos y la forma en que difiere de nuestras relaciones con amigas. Entonces nos volveramos a ir a los detalles, ya que podemos generalizar y hacer todas estas teoras, pero son las historias individuales especficos que son interesantes. Al final, el inters no reside tanto en la forma en que lo hacemos, pero en l o cmo lo hace. Especficos a menudo puede contradecir convenientes teoras sociales, y son a menudo muy contradictorias, que es ms humano, complejo y revelador. Con el fin de realmente interesante, material profundo para llegar, al igual que en el anlisis, el intrprete tiene que dejar de lado su subconsciente. Que a veces supone un problema para los bailarines. Si alguien realmente le permite ir en la improvisacin es imposible para l recordar exactamente lo que hizo, ya que es un proceso consciente. Por eso usamos una cmara de vdeo. Es obvio que hay medios sin fin de construir el trabajo - tarea de configuracin, observacin y traducciones, que trabajan directamente desde el texto, a veces hasta me llegan con pasos establecidos. Estos mtodos combinados con improvisacin estructurada son mi manera de descubrir contenido nuevo baile y apropiado y de encontrar voces individuales dentro de la empresa, distinguiendo as como cada actor se mueve de manera diferente, y lo interesante y nico a sus diferencias. En general las obras de DV8 se trata de ver determinadas personas

en el escenario, por lo que es importante fomentar el vocabulario individual, al tiempo que proporciona un enfoque y lmites para las improvisaciones y las tareas. Te unes con estas tareas e improvisaciones? En el pasado cuando yo estaba haciendo, s, pero por lo general se destaco como el "ojo". Una vez que tuvimos ms de cuatro personas en nuestra empresa Sent que era imposible estar en el escenario personal, y mantener un ojo en las actuaciones de otras personas, as que me quitado, y ahora me siento a travs de casi cada actuacin de nuestra empresa hace, dar notas y hacer cambios. Se contina durante todo el tour. Sin un cambio constante y el desarrollo, creo que una obra se convierte en muerta, tanto para los artistas y el pblico. Esto fue particularmente evidente cuando reelaboracin y giras Introduzca Aquiles. Era la primera vez que haba remontado DV8 un trabajo anterior, y algunos bailarines tuvieron que aprender los roles anteriores. Esto se convirti en un desafo particular. Debido a que el trabajo se dise con un determinado grupo de personas en el primer caso, la introduccin de los nuevos miembros del elenco puede resultar en cambios bastante radicales en la pieza. Nuevos artistas no han experimentado toda la investigacin intensa, mientras que alguien que tiene, y que hizo movimiento nico a s mismo, el material generado. As, cada vez que alguien ms para hacer exactamente la misma parte no funciona me encuentro trabajando con las cualidades de los nuevos individuos y tener que adaptar el material para adaptarse a ellos con el fin de mantener algo de verdad. Este proceso me hizo ms consciente de cun exactamente cada movimiento est construido sobre un individuo, de acuerdo con sus pensamientos, la intencin, la forma de moverse, etc Hay treinta maneras diferentes de coger un vaso, y cada uno dice algo diferente. Bsicamente, trato de transmitir esa comprensin a las personas con las que trabajo ... y una vez que empezar a entender que estamos a mitad de camino. La otra cosa acerca de la toma de la danza es que un montn de gente con la que trabajo estn realmente comprometidos con un nuevo trabajo, por lo que no est interesado en formar parte de una compaa de repertorio, y la nica razn por la que volvi a montar Introduzca Aquiles era para pagar la investigacin siguiente perodo. Queremos seguir haciendo un nuevo trabajo que est estrechamente vinculado con el desarrollo personal. Es importante en este momento, para m al menos, no quedar atrapado en volver a montar y recorrer obras antiguas, y la comercializacin que puede ir con esto. Parece que su papel en la empresa es diferente a la de un coregrafo tradicional, en la que el trabajo est ideado y realizado de forma colectiva. Que quede claro, lo que termina en el escenario, el tema, cada paso individual, decido. Veo mi papel como estimulador, facilitador, editor y constructor, pero tambin quiero aprender de mis artistas. Me parece aburrido, aburrido y reductora trayendo pasos para mis bailarines para aprender - que es lo que hice en mis das primeros coreogrficas. Tengo la responsabilidad de seguir encontrando maneras de abrir y estimular de manera creativa los artistas de la compaa. La mayora de las personas son capaces de producir increbles actuaciones, sin embargo, algunos se resisten a entrar en un nuevo territorio. Puedo abrir puertas, pero en un momento dado, a menos que estn dispuestos a dejar de lado sus bloqueos psicolgicos, no puedo hacer nada. DV8 han producido algunos artistas excepcionales que, antes de incorporarse a la empresa, no han cumplido su potencial. Por supuesto, esto tambin significa que DV8 entonces podran perder sus colaboradores ms capaces, pero es genial cuando la gente que he trabajado con irse y crear algo propio, con el poder a travs de su asociacin con DV8. Lloyd Newson & DV8 Adapted from an interview by Zo Boden Article 19 | 22nd July 2003 | www.article19.co.uk Apparently, most of it is pretty dull, the Europeans do it better, it is snobbish, elitist, and has a very limited notion of beauty. Lloyd Newson, artistic director of DV8 Physical Theatre, talks about the problems of dance, the "Prozac of the artforms" and brings us up to date with his current show, the cost of living. Can you tell us something about 'the cost of living'? Newson ... One of the things about DV8's work is it is about subject matter. For a lot of people who go and see dance, dance is not about anything. DV8 is about something. I think the other thing that is important are the notions of humour and pathos, of tragedy, of multiple emotions and responses to my work I've been so tired over the years of watching so much dance on one level; it may be very pretty, but it just goes on and on. It's pretty nice, pretty much the same and pretty dull really, a lot of it. So my

big concern is to try and present images through movement and to talk about the whole range of social and psychological situations. the cost of living is very much about those people who don't fulfil the market value in the sense of playing on the words 'the cost of living' in terms of the financial issue and looking at what happens through experience as you live: do you lose your naivet? As you live do you lose a lot? Or does experience assist you? What I'm interested in [with] this piece is: do you become cynical and bitter as the cost of living, or do you not? So we've got lots of different characters; among those who play the more embittered ones we have the notion of Stepford [Wives] the idea that it's important for all of us to join the club, whether it be dressing well, being attractive, being successful, and if we can't be really successful financially or in terms of fame or celebrity, at least we can be normal. But what happens to those people who don't fit into any of those categories? So there are lots of different parallels dance is a beautiful parallel. So much of dance is about the youthful, beautiful, slender, able-bodied performers. Dance, I think, is a great form to talk about these issues. It's a bit like a beauty contest, in fact we have a beauty contest [in the show] or a physical contest. Underneath all the smiles and attractive bodies on front covers of magazines we want to know what else is going on; who has had the tucks, who is hiding their faults. Some people can't hide them as much as others: we have a disabled performer in the company, we have a very large, fat dancer, and on a very obvious visual level they look very different to us. So what about the psychological level? What about those people who may be able to hide their physical imperfections but [cannot hide] their psychological imperfections, and why is it so important that we have this 'Prozac face'? I used to refer to dance as being the Prozac of the art forms. That is what the piece is about it's about those who aren't perfect and who can't pretend, those who don't fit in because they don't play the game. There is also the notion, throughout the piece, of rules. We have a big LED board that has displays certain rules. The whole set is made of what appears to be fake grass and the board reads like a sign in a park, or a traffic sign "keep off the grass" also at times it tells the audience and the performers what to do. Do they obey those rules? They're some of the ideas we're playing with, really, who sets the rules who follows the rules. So it's pretty epic in what it's dealing with. You deal a lot with the idea of pretence, and with truth, but theatre is pretence isn't that a difficult contradiction? One of the things in theatre, and with the issue of pretence, is that you hide behind the proscenium arch, like the proscenium arch is an invisible veil or the equivalent of a film screen that no one ever crosses. No one ever speaks from behind the TV set to you directly, or if they do it's a very rare and unusual conceit. The dialogue usually happens between the characters. How do you know [if it's pretence] when my performers come forward in a beauty contest and smile, and often when real contestants come forward, and say, you know "My name's Paul and I want to work for charities that save endangered species"? What happens when one comes forward and smiling really brightly says "Hi, my name's Mike and I really like hurting people"? Another line is "Hi, my name is Kareena and I've had tattoos and was not allowed in the swimming pool of a five star hotel. Two of these tattoos I regret" and she's smiling very broadly, and she has the tattoos over her body you can see them very clearly. How do you know the person who says he likes hurting people doesn't? One of my performers comes forward smiling broadly and says "Hi, my name's Yossi and I've got AIDS" maybe he's telling the truth, maybe he's not. So the audience really questions what to believe?

Totally. The number of people who come up after the show and ask, "Was this true, was this not true?", suggests that if you're just true, and you fight for truth and clarity on stage, then the notion of what is real and what is fake becomes very blurred for an audience. So I think it depends on the style and the way you present something and the integrity of the performers and what I as a director fight for. [Referring to his own press] ... What was amazing was how many of the quotes ... mentioned the word 'truth' in terms of DV8's work. So we talk about pretence, but they are talking about truth. They see works about pretence or pretending or illusion. It's interesting how many people, how many critics, are confusing the two, or maybe not, maybe we truly are. I tend to think the truth is the one which you believe in! Totally. Well I think honesty, and when you're moved, it's an honest reaction isn't it? If someone can make you be moved, or make you gasp, or if they ... can make you angry, for you to have those emotions ...... the trouble is quite often I get the feeling that I don't have those emotions, I sit quite apathetically and I feel very little. I mean how many times do you laugh in a dance show because it was the intention of the maker, not just because you thought it was a load of crap? Is that what you think art is; something that evokes a reaction? No, I think art is something that makes us look at our lives and to think about them in a way that is more rich. I think there's a big argument for poetry and for the construction of elements. When somebody writes a great essay, they have taken the words and placed them in a certain way to make you think more deeply about that subject. That is for me the very function of art. You get together, you get a group of people, you place things very carefully in order, and the placement is artificial, but if the integrity and the focus is clear, then hopefully it makes people see their roles more clearly. And think about them. And that's what I would like to do. I love the idea that people come to see our work and if they laugh I know they've had a gut reaction, they've actually understood something. To get a laugh through movement is a fantastically hard thing to do, because [in] most dance you can be as vague as you want and you just expect the audience to sit there po-faced, there's no expectation that you have to achieve anything. But if I'm setting out to make somebody laugh, I have to be really clear ... or if I want someone to be touched I have to find out how I find movement that will truly touch someone, as opposed to just doing pretty movement. And I'm afraid that's what dance for me often is. Do you not see any value in movement that is just beautiful? I'm not against some abstraction or some beauty, but for me actually often fallibility, vulnerability, is beautiful and unfortunately most dance is often about a very limited notion of beauty, a limited notion of aesthetic. Can't something that comes across the stage twisted and contorted be beautiful? Most dance in this country presents us with a very limited range of what is beautiful, and a very limited range of body it may be very flexible, but it's not very representative of the greater world. So I think my big concern is that dance has an over abundance of beautiful wallpaper, what I often refer to as using wallpaper. But dance like other art forms need some solid foundations we shouldn't be wallpapering, we should be building walls or roofs. I think there's not a lot of very substantial stuff around. There is, but a lot of it is happening in Europe. They're more profound and less obsessed with doing beautiful patterns for the sake of it, and movement that doesn't really relate to anything other than movement construction really. It's like mathematical phrase manipulation I could make hours of movement for you just using mathematical formula. It isn't going to do anything. Do you think that is why contemporary dance isn't so popular in Britain? Do you think the general public see it as just "floating around a bit"? (Newson quoted in an interview with Donald Hutera for Dance Umbrella newsletter)

There was a big study in America where they asked questions about various art forms theatre, films, music and dance and one of the questions was "If a programme had theatre / film / dance, etc., in it, would you consider seeing it?" and dance had the worst rating over 50% of people said they wouldn't even contemplate seeing something if it had the word dance in it. Now that goes to show that people have huge prejudices as to what they see as dance. That's why we don't call ourselves DV8 dance company, we call ourselves DV8 Physical Theatre because we are doing theatre. I have an absolute commitment to the body, I don't want to do 'talking head' pieces, I believe that if you get people to move honestly with their body and if they want to talk, [they can] talk. I can't say everything in movement. It's very hard to say in movement [that] this is this guy's sister. Sometimes if you want to be specific on stage, you have to be specific. There is a quite elitist, purist mentality that I actually find quite snobbish and, if I'm truthful, very negative. Are you and DV8 one and the same? Would you ever leave and let them exist without you? Well, I am DV8. Who knows though, if I decide to stop working I suppose technically the board of directors could go on, but I have been here from the beginning, I founded the company, I've been the constant peg through it all. I've been the absolute conceiver and director of the work. I've had great people work with me, and I don't want to sound overly arrogant as my work can only be as good as the artists who work with me. I've worked with some incredible artists not just their bodies, not just dance steps, but incredible emotionally because they have been frustrated with the status quo in dance and they have wanted to speak about their lives and try to relate that to the lives of the audience. And I think that is ultimately why I keep making this work. Somehow I want to talk about the world around me that I find so maddening at times that if I didn't have theatre I'm sure I would be insane. Lloyd Newson y DV8 Adaptado de una entrevista realizada por Zo Boden Artculo 19 | 22 de julio 2003 | www.article19.co.uk Al parecer, la mayor parte es bastante aburrido, los europeos lo hacen mejor, es snob, elitista, y tiene una nocin muy limitada de la belleza. Lloyd Newson, director artstico de DV8 Physical Theatre, habla de los problemas de la danza, el "Prozac de la formas de arte" y nos pone al da con su programa actual, el costo de vida. Puede decirnos algo sobre "el costo de la vida '? Newson ... Una de las cosas sobre el trabajo de DV8 es que se trata de la materia. Para mucha gente que va a ver danza, la danza no tiene que ver nada. DV8 es por algo. Creo que la cosa ms importante es que son las nociones de humor y patetismo, de la tragedia, de mltiples emociones y las respuestas a mi trabajo - He estado tan cansado durante los aos de observar la danza tanto de una sola planta, ya que puede ser muy bastante, pero simplemente sigue y sigue. Es bastante bonito, ms o menos el mismo y realmente bastante aburrido, mucho de ello. As que mi gran preocupacin es tratar de presentar imgenes a travs del movimiento y para hablar de toda la gama de situaciones sociales y psicolgicas. el costo de la vida tiene mucho que ver a las personas que no cumplan con el valor de mercado - en el sentido de jugar con las palabras "el costo de la vida" en trminos de la cuestin financiera - y mira lo que pasa por la experiencia de tu vida : no pierde su ingenuidad? Por tu vida se pierde mucho? O es que la experiencia te ayude? Lo que me interesa [con] esta pieza es: usted se convierte en cnico y amargo como el costo de la vida, o no? As que tenemos un montn de personajes diferentes, entre los que jueguen los ms amargados tenemos la nocin de Stepford Wives [] - la idea de que es importante para todos nosotros, para unirse al club, ya se trate de vestirse bien, ser atractivo , tener xito, y si no puede ser realmente exitoso financieramente como en trminos de fama o celebridad, por lo menos podemos ser normal. Pero, qu pasa con aquellas personas que no encajan en ninguna de esas categoras? As que hay un montn de paralelos diferentes - la danza es un hermoso paralelo. Gran parte de la danza es sobre los jvenes, bellas y esbeltas, aptos intrpretes. Dance, creo yo, es una gran forma para hablar de estos temas. Es un poco como un concurso de belleza, de hecho tenemos un concurso de belleza [en el programa] o un concurso de fsica. Debajo de todas las sonrisas y los rganos atractivos de portadas de revistas que queremos saber qu ms est pasando, que ha contado con los pliegues, que est ocultando sus defectos. Hay gente que no puede ocultar tanto como los dems: tenemos un artista con discapacidad en la empresa, tenemos una muy grande, bailarn gordo, y en un nivel visual muy obvio que son muy diferentes a nosotros. Entonces, qu pasa con el nivel psicolgico? Qu pasa con aquellas personas que pueden ser capaces de ocultar sus imperfecciones fsicas, pero [no puede ocultar] sus imperfecciones

psicolgicas, y por qu es tan importante que tengamos esta "cara Prozac '? - He utilizado para referirse a bailar como el Prozac de las formas de arte. Eso es lo que trata la pieza - se trata de aquellos que no son perfectos y que no se puede pretender, los que no caben en porque no juegan el juego. Existe tambin la nocin, a lo largo de la pieza, de las normas. Tenemos un gran tablero LED que se muestra ciertas reglas. Todo el conjunto est hecho de lo que parece ser pasto artificial y la placa se lee como un signo en un parque, o una seal de trfico - "no pisar el csped" - tambin a veces se le dice a la audiencia y los artistas lo que hay que hacer. Es que obedecer esas reglas? Son algunas de las ideas que estamos jugando, realmente, que establece las reglas que sigue las reglas. As que es bastante pico en lo que est tratando. Usted trata mucho con la idea de simulacin, y con la verdad, pero el teatro es ficcin - no es eso una contradiccin difcil? Una de las cosas en el teatro, y con el tema de la pretensin, es que se oculta detrs del arco del proscenio, como el arco del proscenio es un velo invisible o el equivalente a una pantalla de cine que nadie cruza. Nadie habla desde detrs del televisor a usted directamente, o si lo hacen es una presuncin muy raro e inusual. El dilogo suele suceder entre los personajes. Cmo sabes que [si es el pretexto] cuando mis artistas presentarse en un concurso de belleza y la sonrisa, y muchas veces cuando los concursantes reales presentarse y decir, usted sabe "Paul mi nombre, y yo quiero trabajar para organizaciones benficas que salvar a las especies en peligro de extincin" ? Qu pasa cuando uno viene hacia adelante y sonre alegremente realmente dice: "Hola, mi nombre es Mike y me gusta mucho dao a la gente"? Otra lnea es "Hola, mi nombre es Kareena y yo he tenido los tatuajes y no se permite la entrada a piscina de un hotel de cinco estrellas. Dos de estos tatuajes me arrepiento", y ella est sonriendo de manera muy amplia, y tiene los tatuajes sobre su cuerpo - se puede ver muy claramente. Cmo sabes que la persona que dice que le gusta lastimar a la gente no lo hace? Uno de mis artistas se adelanta con una amplia sonrisa y dice: "Hola, mi nombre es Yossi y tengo SIDA" - tal vez l est diciendo la verdad, tal vez no lo es. As que el pblico realmente cuestiona qu creer? Por supuesto. El nmero de personas que vienen despus de la feria y preguntar: "Era esto cierto, esto no era cierto?", Sugiere que si eres fiel, y luchar por la verdad y la claridad en el escenario, entonces la nocin de lo que es real y lo falso se vuelve muy confuso para el pblico. As que creo que depende del estilo y la forma de presentar algo y la integridad de los artistas y lo que yo como director de una pelea. [Refirindose a su propia prensa] ... Lo que era sorprendente era cmo muchas de las citas ... menciona la "verdad" de la palabra en trminos de trabajo de DV8. As que hablamos de ficcin, pero que estn hablando la verdad. Ven trabajos sobre pretensin o fingiendo o ilusin. Es interesante cmo muchas personas, como muchos crticos, estn confundiendo los dos, o tal vez no, tal vez somos realmente. Tiendo a pensar que la verdad es la que te crees! Por supuesto. Bueno, creo que la honestidad, y cuando te mueve, es una reaccin honesta no? Si alguien puede hacer que usted se mueve, o te hacen jadear, o si ... puede hacerte enojar, para que usted tenga esas emociones ...... el problema es que muchas veces tengo la sensacin de que no tengo esas emociones, me siento bastante aptica y me siento muy poco. Quiero decir, cuntas veces te res en un espectculo de danza, porque era la intencin del creador, no slo porque se pensaba que era un montn de mierda? Es eso lo que creo que el arte es, algo que evoca una reaccin? No, creo que el arte es algo que nos hace mirar nuestras vidas y pensar en ellos de una manera que es ms rico. Creo que hay una gran discusin por la poesa y por la construccin de elementos. Cuando alguien escribe un gran ensayo, se han tomado las palabras y los coloc en una determinada manera de hacer pensar ms profundamente acerca de ese tema. Eso es para m la funcin misma del arte. Se renen, se obtiene un grupo de personas, de colocar las cosas con mucho cuidado en el orden y la colocacin es artificial, pero si la integridad y el enfoque es claro, entonces esperemos que hace que la gente vea sus funciones con mayor claridad. Y pensar en ellas. Y eso es lo que me gustara hacer. Me encanta la idea de que la gente viene a ver nuestro trabajo y si se ren S que han tenido una reaccin visceral, que en realidad han entendido algo. Para hacer rer a travs del movimiento es una cosa increblemente difcil de hacer, porque [en] baile mximo que puede ser tan vaga como quieras y slo espera que el pblico se sienta all po-faced, no hay expectativa de que tienes que lograr cualquier cosa . Pero si estoy de salir a hacer rer a alguien, tengo que ser muy claro ... o si quiero a alguien que lo toquen tengo que averiguar cmo encontrar movimiento que realmente va a tocar a alguien, en lugar de slo hacer bastante movimiento. Y me temo que eso es lo que la danza para m es a menudo. No ves ningn valor en movimiento que es hermoso? Yo no estoy en contra de una abstraccin o un poco de belleza, pero para m en realidad a menudo falibilidad, la vulnerabilidad, es hermoso y por desgracia la mayora de baile es a menudo sobre una nocin muy limitada de la belleza, una nocin limitada de esttica. Puede algo que no viene a travs de

la etapa de torcido y contorsionado ser bella? La mayora de la danza en este pas nos presenta una gama muy limitada de lo que es bello, y una gama muy limitada de cuerpo - puede ser muy flexible, pero no es muy representativo del mundo mayor. As que creo que mi gran preocupacin es que la danza tiene una abundancia de hermosos fondos de escritorio, lo que a menudo se refieren a como el uso de fondo de pantalla. Pero la danza como otras formas de arte necesita unas bases slidas - no debemos empapelar, deberamos construir paredes o techos. Creo que no hay un montn de cosas muy importantes a su alrededor. La hay, pero mucho de ello est sucediendo en Europa. Son ms profundo y menos obsesionado con hacer hermosos diseos para el bien de ella, y el movimiento que en realidad no se refieren a nada que no sea la construccin de movimiento realmente. Es como manipulacin frase matemtica - Podra hacer horas de movimiento para que usted slo mediante la frmula matemtica. No va a hacer nada. Cree usted que es la razn por la danza contempornea no es tan popular en Gran Bretaa? Crees que el pblico en general lo ven slo como "flotando un poco"? (Newson citado en una entrevista con Donald Hutera boletn de Umbrella Dance) Hubo un estudio grande en los Estados Unidos donde se hicieron preguntas acerca de varias formas de arte - teatro, el cine, la msica y la danza - y una de las preguntas fue "Si un programa tiene teatro / cine / dance, etc, en ella, se tiene en cuenta verlo? " y la danza tuvo la peor calificacin - ms del 50% de las personas dijeron que ni siquiera contemplar viendo algo si tuviera el baile palabra en ella. Ahora que viene a demostrar que la gente tiene prejuicios enormes en cuanto a lo que ven como la danza. Es por eso que no nos llamamos a nosotros mismos DV8 compaa de danza, nos llamamos DV8 Physical Theatre porque estamos haciendo teatro. Tengo un compromiso absoluto con el cuerpo, yo no quiero hacer "cabeza parlante" obras, yo creo que si la gente a moverse honestamente con su cuerpo y si quieren hablar, [que puede] hablar. No puedo decir todo en movimiento. Es muy difcil decir en movimiento [que] esta es la hermana de este tipo. A veces, si quieres ser especfico en el escenario, tienes que ser especfico. Hay una muy elitista, la mentalidad purista que en realidad parece bastante snob y, si soy sincero, muy negativo. Estn usted y un DV8 y lo mismo? Alguna vez salir y dejarlos existir sin ti? Bueno, yo soy DV8. Quin sabe, sin embargo, si decido dejar de trabajar Supongo, tcnicamente, el Consejo de Administracin podra seguir, pero he estado aqu desde el principio, fund la empresa, he sido constante a travs de la clavija de todo. He sido el conceiver absoluta y director de la obra. He tenido grandes personas trabajar conmigo, y yo no quiero parecer demasiado arrogante como mi trabajo slo puede ser tan bueno como los artistas que trabajan conmigo. He trabajado con algunos artistas increbles no slo sus cuerpos, no slo los pasos de baile increbles, pero emocionalmente porque se han sentido frustrados con la situacin actual en la danza y han querido hablar sobre sus vidas y tratar de relacionarlo con la vida de la audiencia. Y creo que es en ltima instancia por la que seguir haciendo este trabajo. De alguna manera yo quiero hablar sobre el mundo que me rodea que me parece tan exasperante a veces que si yo no tena teatro que estoy seguro de que sera una locura.

Lloyd Newson .... Dance About Something Original interview David Tushingham Enter Achilles programme | DV8 Physical Theatre | 1995 Adapted from an interview that first appeared in 'Live' (Methuen) One of the things which distinguishes DV8's work for me is that it's dance about something. Newson ... One of my concerns in forming DV8 was to broaden the perspective of dance and try to make it more relevant to people's lives. I prefer the term 'movement' to 'dance' because I feel that dance is only one type of movement. That's another reason we call ourselves Physical Theatre, not a dance company: because I think the word dance has many limiting associations. Too often I see dance companies who are more interested in the aesthetic and the visual than they are in content. Ironically enough, I think any aesthetic is political, but unfortunately a lot of people don't take that on board. People refer to DV8 dealing with sexual politics: the Royal Ballet deals with sexual politics, it's just conservative rather than radical or questioning. What are the politics of an arabesque, tutu and point shoe? An arabesque does have politics attached to it. It's about perfection, idealism, beauty an acquired notion and in many case uniformity. I would hope that dance is more than acrobatics. Yet to a large extent it ends up being about what you can do with your body alone - that becomes its preoccupation. DV8's preoccupation is: if the leg is thrown up beside the ear, why is it there? There must be a reason for it, not just "Look at what we're able to do: look how high I can kick my leg".

Physical tricks and virtuosity often interfere with the idea or intention being conveyed. To validate the form because it is one that is constantly trampled upon we seem to have to show what we can do and other people can't. This is happening more and more in schools. In order to get funding and bcause of their affiliation with universities, a lot of the dance schools are having to find something they can give marks to it's almost as if the height you can get your leg is equivalent to an academic qualification. What the schools should be doing is placing much greater emphasis on choreography, creativity and individuality. Art is highly subjective, highly personal and it's about opinions, it's about diversity. This, to me has been lost, and what we are actually producing, on the whole, are clones. Dance, more than any other art form is training everyone towards the same visual ideal. Imagine if every actor were the same size, spoke the same lines at the same time, wore the same style costumes, moved in the same manner, didn't analyse what they were saying and retired by the time they were forty! I like to think that the physical language we explore, while coming from the individuals I work with, is something everybody knows about. All the movement that we develop is stylised naturalistic movement. That is, its origins are imbued with meaning as were most dance forms until they were abstracted ad infinitum. If someone walks into a cafe, we have an immediate reaction to the way they look, how they hold their body, what their body's telling us. As a creator you become aware of that information and you find ways to reveal that formally, stylistically. But its source must always be clear. There are some people in the dance world who believe audiences need to be educated about dance. I feel exactly the opposite. Most dance people need to be educated in the ways of normal living and learn what body movements mean to other people, both consciously and unconsciously. When the average person in the street watches a dance performance in which women fling their legs wide open, for the dancer it's just a technical event, but for the person watching it, it can have immense emotional, sexual and psychological implications. We shouldn't deny this nor should we pander to their values alone: art is about challenging. However, we should be aware of the divide and understand what we do and what that difference in perception means. One of the great things about your work for me is the quality of the acting and I think that comes from your attention to movement. Is movement less arbitary than speech? Historically, our first forms of communications were with the body and what we retained were images, long before language was evolved. It is something I think we retain at a profound level. Images and sensations are still the things we remember. How often do you leave a play that you don't know and remember verbal passages? The visceral aspect of dance precedes conscious thought: that's its power. But that's also where many new choreographers end their discoveries. If one can build images, the mind will retain them. Support them with movement and sensation and the body will remember them. Although I'm primarily interested in theatre that deals with images and movement, these have their limitations and more recently I've become interested in combining them with language and human sound. Language has a specificity which is very difficult to match in movement and images alone. On the other hand, sometimes ambiguity is important to maintain and specificity can kill the power of what has been achieved without language. Language feels like just another tool that I want to have access to. I don't want to lose the power of movement so I'm trying to find that balance too often I see direction where the words try to do all the work. There's been a lot of talk about me getting 'into' people with screwdrivers, sort of trying to prise open their lives. I've found a lot of our work ends up being based around people who come along on their first day and say "Here's my life!" These people are prepared to reveal everything about themselves in the rehearsal process. It becomes their existence, it's their life, everything about them becomes apparent. To find such people is very difficult. A lot of performers I know are not prepared to go through the process of improvisation and self-revelation. They want to be told what to do constantly. Our process requires vulnerability, initiative and commitment from the performer. It's as much about self discovery and self confrontation as it is about the arrangement of steps. Sometimes I'm accused of not giving the 'key' to release or reveal a performer's talent. Few people take the responsibility to discover their own talents, and expect someone else to do it. The process must be shared, where all parties become responsible and accountable to one another. It's difficult, and it's no coincidence that I do one piece every 18 months, not two or three a year. What you get on stage with our performers is what they give in life. DV8 have done a lot of pioneering work in making film versions of dance pieces, and Strange Fish has just won a thrid international award, the Prix Italia. Are these films a substitute for not having a repertoire, preserving them in an ultimate performance? I only create when I feel the need to create and it's usually about an issue that's pertinent to my life or those close to me at the time. It's a way of exorcising these concerns and once it's done, it's finished for me. To go back would be like going back over old therapy sessions. They were necessary and important

for me at the time, but I can't see the benefit in regurgitating them now. In fact it could be counterproductive to re-do them. All my work is a personal journey. In the past (and everything could change tomorrow) it was very much based on the individuals who were involved in the production. The pieces were built around them: their improvisations, their personalities, the way they looked, how they spoke ..... For me, an analogy would be having, say, five or six different chemicals and putting them together. You can't push everyone to be, you know, magnesium sulphate. There will never be two of the same element so the fusion is always unique. (Laughs). Sometimes you get explosions! Sometimes it backfires in your face because you haven't quite worked out that some chemicals jar with others or that you're allergic to certain substances but even this is interesting to explore. Our work is about individuals, their lives, interactions and personalities. It's not about: here's the role, the play, the words, the movement learn it. It's devised work. The work is only ever as good as the people in it. As someone who comes from the theatre, I've found it attractive about your work that even when you are dealing with a theme, there's very little telling the audience what to think: you avoid conclusions. In MSM, for example, one of my primary concerns and I only discovered this after doing the fifty interviews was that each man who cottaged had different reasons, and had differnet histories. There was no simple set rule. I try to avoid generalising. However, there is a truth and a lie in every generalisation and sometimes it's valuable to find the individual in the stereotype and the stereotype in the individual. I've come to the conclusion that rather than try and have a little sentence that can be handed round at the end of the piece to say, "This is what it's really about. This is my premise and conclusion", I prefer to represent people's life experiences along with their contradictions and complexities. Obviously I have opinions but sometimes it's more worthwhile to try and understand a situation than to judge it. Lloyd Newson .... Danza sobre algo Entrevista original David Tushingham Entre en el programa Achilles | DV8 Physical Theatre | 1995 Adaptado de una entrevista que apareci por primera vez en 'Live' (Methuen) Una de las cosas que distingue el trabajo de DV8 para m es que es danza sobre algo. Newson ... Una de mis preocupaciones en la formacin de DV8 fue ampliar la perspectiva de la danza y tratar de hacer que sea ms relevante para la vida de las personas. Yo prefiero el trmino "movimiento" a "bailar" porque siento que la danza es slo un tipo de movimiento. Esa es otra razn por la que nos llamamos teatro fsico, no una compaa de danza: porque creo que la danza palabra tiene muchas asociaciones limitantes. Demasiado a menudo veo a compaas de danza que estn ms interesados en lo esttico y lo visual de lo que son en su contenido. Irnicamente, creo que cualquier esttica es poltica, pero lamentablemente una gran cantidad de personas que no tienen a bordo. La gente se refiere a DV8 tratar con la poltica sexual: las ofertas Royal Ballet con la poltica sexual, slo es conservador o radical en lugar de ser interrogado. Cul es la poltica de un tutu arabesco, y de zapato? Un arabesco tiene la poltica que se le atribuye. Se trata de la perfeccin, el idealismo, la belleza - una nocin adquirida - y en muchos casos uniformidad. Espero que la danza es ms que la acrobacia. Sin embargo, en gran medida, que termina siendo lo que puedes hacer con tu cuerpo solo - que se convierte en su preocupacin. DV8 preocupacin es la siguiente: si la pierna se tira al lado de la oreja, por qu est ah? Tiene que haber una razn para ello, no slo "Mira lo que somos capaces de hacer: mirar lo alto que puede patear mi pierna". Trucos fsicos y virtuosismo a menudo interfieren con la idea o intencin que se transmite. Para validar la forma - porque es uno que est constantemente pisoteados - parece que tenemos para mostrar lo que podemos hacer y que los dems no pueden. Esto est sucediendo cada vez ms en las escuelas. Con el fin de obtener financiacin y bcause de su afiliacin con las universidades, muchas de las escuelas de danza se ven obligados a encontrar algo que les puede dar a las marcas - es casi como si la altura que usted puede conseguir su pierna es equivalente a un ttulo acadmico. Lo que las escuelas deberan estar haciendo es poniendo un nfasis mucho mayor en la coreografa, la creatividad y la individualidad. El arte es muy subjetiva y muy personal y se trata de opiniones, sino de la diversidad. Esto, para m se ha perdido, y lo que estamos produciendo en realidad, en su conjunto, son clones. Danza, ms que cualquier otra forma de arte es la formacin de todo el mundo hacia el ideal visual mismo. Imagnese si todos los actores eran del mismo tamao, habl en la misma lnea al mismo tiempo, llevaba los trajes del mismo estilo, se traslad de la misma manera, no analizar lo que decan y se retir en el momento en que eran cuarenta! Me gusta pensar que el lenguaje fsico que explorar, mientras que proviene de las personas con las que trabajo, es algo que todo el mundo conoce. Todo el movimiento que se desarrolla un movimiento naturalista estilizado. Es decir, sus orgenes estn imbuidos de significado - al igual que la mayora de las formas de danza hasta que se resumieron ad infinitum. Si alguien entra en un caf, tenemos una reaccin

inmediata a la forma de mirar, cmo mantener su cuerpo, lo que su cuerpo nos est diciendo. Como creador te das cuenta de que la informacin y encontrar maneras de revelar que, formalmente, estilsticamente. Sin embargo, su fuente debe ser siempre clara. Hay algunas personas en el mundo de la danza que creen que las audiencias necesitan ser educados acerca de la danza. Me siento exactamente lo contrario. La mayora de la gente baile necesitan ser educados en los caminos de la vida normal y aprender lo que significan los movimientos del cuerpo a otras personas, tanto consciente como inconscientemente. Cuando la persona promedio en la calle mira un espectculo de danza en el que las mujeres lanzan sus piernas de par en par, para el bailarn es slo un evento tcnico, pero para la persona de verla, puede tener enormes implicaciones emocionales, sexuales y psicolgicos. No debemos negar esto - ni debemos complacer a sus valores solo: el arte es sobre desafiante. Sin embargo, debemos ser conscientes de la brecha y entender lo que hacemos y lo que la diferencia de medias de percepcin. Una de las grandes cosas acerca de su trabajo para m es la calidad de la actuacin y creo que viene de su atencin al movimiento. Es el movimiento menos arbitrario que el habla? Histricamente, nuestras primeras formas de comunicacin estaban con el cuerpo y lo retuvimos eran imgenes, mucho antes de lenguaje fue desarrollado. Es algo que creo que retener a un nivel profundo. Imgenes y sensaciones siguen siendo las cosas que recordamos. Con qu frecuencia usted deja un juego que no conoce y recuerda pasajes verbales? El aspecto visceral de baile precede al pensamiento consciente: es su poder. Pero eso es tambin donde muchos nuevos coregrafos fin a sus descubrimientos. Si se puede construir imgenes, la mente retenerlos. Apoyo con el movimiento y la sensacin y el cuerpo es capaz de reconocerlos. Aunque estoy interesado principalmente en el teatro que trata de imgenes y movimiento, stas tienen sus limitaciones y, ms recientemente, me he interesado en su combinacin con el lenguaje y sonido humano. El lenguaje tiene una especificidad que es muy difcil de igualar en movimiento y las imgenes solo. Por otra parte, a veces la ambigedad es importante para mantener la especificidad y puede matar el poder de lo que se ha logrado sin lenguaje. Idioma siente como una herramienta ms que yo quiere tener acceso. No quiero perder la capacidad de movimiento, as que estoy tratando de encontrar ese equilibrio - con demasiada frecuencia veo sentido en que las palabras tratan de hacer todo el trabajo. Ha habido un montn de hablar de m cada vez 'a' personas con destornilladores, una especie de palanca tratando de abrir sus vidas. He encontrado una gran parte de nuestro trabajo termina siendo en torno a las personas que vienen a lo largo de su primer da y decir: "Aqu est mi vida!" Estas personas estn dispuestas a revelar todo sobre s mismos en el proceso de ensayo. Se convierte en su existencia, es su vida, todo acerca de ellos se hace evidente. Para estas personas es muy difcil. Una gran cantidad de artistas que conozco no estn dispuestos a pasar por el proceso de la improvisacin y la autorrevelacin. Ellos quieren que se les diga qu hacer constantemente. Nuestro proceso requiere vulnerabilidad, la iniciativa y el compromiso del artista. Es como mucho de auto-descubrimiento y auto confrontacin, ya que se trata de la disposicin de pasos. A veces me acusan de no dar la "clave" para liberar o revelar el talento de un artista. Pocas personas asumir la responsabilidad de descubrir sus propios talentos, y esperar que alguien ms lo haga. El proceso debe ser compartido, donde todas las partes se hacen responsables y rendir cuentas unos a otros. Es difcil, y no es ninguna coincidencia que hago una pieza cada 18 meses, no dos o tres al ao. Lo que se obtiene en el escenario con los artistas es lo que dan en la vida. DV8 han hecho un montn de trabajo pionero en la fabricacin de versiones cinematogrficas de obras de danza, y Strange Fish acaba de ganar un premio thrid internacional, el Gran Premio de Italia. Son estas pelculas un sustituto por no tener un repertorio, conservndolas en un mejor rendimiento? Yo slo crean cuando siento la necesidad de crear y por lo general sobre un tema que es pertinente a mi vida o las personas cercanas a m en ese momento. Es una manera de exorcizar esas preocupaciones y una vez que est hecho, se acab para m. Para volver sera como ir hacia atrs sobre las sesiones de terapia de edad. Eran necesarias e importantes para m en ese momento, pero no puedo ver el beneficio en regurgitando ellos ahora. De hecho, podra ser contraproducente para volver a hacer ellos. Toda mi obra es un viaje personal. En el pasado (y todo podra cambiar maana), se basa en gran medida en las personas que estuvieron involucradas en la produccin. Las piezas fueron construidos alrededor de ellos: sus improvisaciones, sus personalidades, la forma en que miraba, cmo hablaban ..... Para m, una analoga sera tener, digamos, cinco o seis productos qumicos diferentes y ponerlos juntos. Usted no puede empujar a todos a ser, ya sabes, el sulfato de magnesio. Nunca habr dos de un mismo elemento por lo que la fusin es siempre nico. (Risas). A veces uno tiene explosiones! A veces resulta contraproducente en la cara, ya que no hemos calculado que algunos productos qumicos jar con otros o que usted es alrgico a ciertas sustancias -, pero incluso esto es interesante para explorar. Nuestro trabajo es acerca de las personas, sus vidas, sus interacciones y personalidades. No se trata de: aqu est el papel, el juego, las palabras, el movimiento - aprenderlo. Est ideado trabajo. El trabajo es slo tan bueno como siempre la gente en l.

Como alguien que viene del teatro, he encontrado que es atractivo en su trabajo que, incluso cuando se trata de un tema, hay muy poco diciendo a la audiencia qu pensar: a evitar conclusiones. En MSM, por ejemplo, una de mis principales preocupaciones - y slo descubri esto despus de hacer las cincuenta entrevistas - era que cada hombre que cottaged tenan razones diferentes, y tenan antecedentes differnet. No haba ninguna regla fija simple. Trato de evitar la generalizacin. Sin embargo, hay una verdad y una mentira en toda generalizacin ya veces es valioso para encontrar a la persona en el estereotipo y el estereotipo de la persona. He llegado a la conclusin de que en lugar de tratar de tener una pequea frase que puede ser entregado en la ronda final de la pieza a decir: "Esto es lo que es realmente. Este es mi premisa y conclusin", prefiero representar vida de las personas experimenta junto con sus contradicciones y complejidades. Obviamente tengo opiniones, pero a veces es ms til para tratar de entender una situacin que a juzgar.

Lloyd Newson on Dance Dance Now | summer 1993 | pp.11-13 Lloyd Newson of DV8 Physical Theatre charts some of the many considerations that form a background to his work. .... on risk Newson ... For me risk means trying something that is new, and therefore involves the possibility of failure; it does not necessarily imply physical danger. It is about challenging myself to try something different. In Strange Fish (1992), I deliberately avoided physical danger/risk because we had done this before and I felt it had been repeated so often on the European dance circuit that it was now a clich. For many dance companies it seems that risk just means physical risk; nothing is risked in terms of content or approach. In [Strange Fish] the risk became "Can dance deal with complex emotional narrative: can it be funny: can comic-tragic theatre be created through dance alone?" Risk should be viewed as a relative concept: what is risky for me may not be for someone else. I would like to keep DV8's ability to challenge itself continually, to keep pushing in different directions, to resist using the same formula for each new work, never to be the same. .... on artistic motivation I only create when I have something to say. DV8 is not a permanent company but one that comes together when there is a need, a need that is artistically motivated rather than commercially or administratively driven. The work is always about issues: things that concern or affect my life at that given time. For this reason we do not repeat past shows. DV8 is fortunate in that it doesn't have to create regularly, to order. Dancers are chosen according to their appropriateness to the given subject matter of each new project: there is no obligation to keep employing the same dancers. .... on power

When I was a dancer in repertory companies, attempts by myself or other dancers to question the reason behind movements were often brushed aside or deemed unnecessary. The power of the individual dancer and performer was often denied. I have tried to create a company that allows me maximum power while at the same time enabling my own performers to question, to discover their own movement and therefore better understand who they are and what they're doing. Consequently, may of the people who have worked with me have gone off to do their own work, empowered through their association with DV8. To maintain DV8's artistic freedom we've fought to be independent of others' needs: the work isn't dictated by a board of directors, funding bodies or educational programmes. I've declined offers to direct major

companies because I see the restrictions and limitations of such establishments. DV8 must be flexible if it is to grow and survive, it mustn't be trapped by bureaucracies. .... on structure I am constantly assessing the way that I work. Each new project brings a new approach; partly out of the necessity of what the subject matter dictates and partly because of a reaction to the previous show. After "if only ..." (1990) I felt I could no longer go back into a studio with a few sketchy ideas. It was too difficult to go back into what I call the "dark room, the black room" with nothing to hold on to. I needed to prepare a detailed structure before the dancers arrived, but it became apparent once we began rehearsals that you can't stick to structures that have been thought about in your head and written down on paper. The physical truth of movement is much more complicated and cannot often be captured by words or discovered until you are in the studio with dancers. At the same time working on the structure gave us a certain framework and security, but we had to have the courage to throw out ideas that weren't working, no matter how wonderful or logical they appeared on paper. .... on collaboration It has always been important to share the process as honestly and directly as I can with the people I work with. It's counter-productive and often more about insecurity and personal protection to hold back information. By sharing the process the final work becomes collaborative and the performers are credited accordingly. Ultimately I do make the decisions, set exercises and edit material but I need performers who are open to improvising, who are prepared to think about their roles, not those who just want someone to come in and tell them what to do. This process requires the performers to take on responsibility for themselves, to think actively and challenge themselves. Because of their training, it's difficult finding dancers who want to do more than just learn steps, who are able to act and value truth more than tricks. Our work is only ever as good as the people involved, only as deep and profound as they are. .... on organizational flexibility We are also very lucky in that our administrative organisation is highly flexible. Because we work within an agency we are not obliged to keep a full-time administrator working all year round. That allows me to begin and end a project whenever I feel the need. Consequently my artistic freedom has been very dependent on the company's ability to maintain administrative flexibility. .... on audiences Over the last few years, there has been more and more pressure for DV8 to perform to large audiences. The dilemma is that if you are in a large auditorium the subleties of the gesture are often missed and performers feel they have to make actions bigger and in many cases they become less real. Expansion, moving to bigger audiences, isn't always synonymous with development and growth. DV8's film work has provided a solution to this problem in that the camera can also explore intimacy and physical detail to an extraordinary extent while at the same time reaching enormous audiences. Its possibilities give another type of performance, another way of viewing and communicating that we're just beginning to understand. .... on success When people refer to DV8 as a "successful" company, I question what they mean, what they define as successful. Just because a work is popular does not mean for me it is successful. Just because audiences like it doesn't mean it's good. Again success should be seen as a relative term. I believe that providing I keep pushing myself and do not rely on formula, I am successful. I have learnt some of the best lessons and most valuable information about my craft through works that have been public failures. Success and ego reinforcement are regularly confused.

.... on political themes It is never my intention to provoke audiences or upset them per se. I'm interested only in provoking and pushing myself, questioning my own and the performers' motivation, reasons, thoughts, assumptions. Many of the things I deal with are often considered social taboos but unless one examines and questions them, I feel that we, as a society, cannot go any further. Rather than make generalised statements about society as a whole, I find it much truer to question myself. The self as part of society seems to be what dance deals with best: a very personal investigation, rather than trying to deal with social and political themes on a larger theoretical level. Life is not about political correctness. One would like to strive for that, but it is far too complex. Words that adhere to political theories often smell of naivety. .... on vulnerability and failure To show vulnerability and failure on stage has become increasingly important to me. I often set tasks that ask performers to reveal something of their inner selves that they may not want to show in public. In doing this the performer can feel totally exposed and vulnerable. While this can take its toll I believe eventually the benefits outweigh the difficulties. It is important for us to share all of ourselves with the audience, not just our strengths. Traditional dance, for too long, has emphasised 'success': showing how well one can execute a movement. I'm also interested in how hard it is to do a movement and to redefine what achievement means. Traditional notions of dance tend to have narrow definitions of what is considered beautiful and acceptable, with people (dancers) striving towards the same constructed ideal. The rigidity of the "perfect" image gives little room for individuality or reality. This can be very destructive. It gives little room for acceptance of ourselves, of our failures and the value of trying rather than just matching up to what someone else defines as successful or beautiful. It is just those definitions that I am trying to move beyond with DV8. Lloyd Newson en Danza Dance Now | Verano 1993 | pp.11-13 Lloyd Newson de DV8 Physical Theatre cartas algunas de las muchas consideraciones que forman un fondo para su obra. .... sobre el riesgo de Newson ... Para m significa el riesgo tratando de hacer algo que es nuevo, y por lo tanto implica la posibilidad del fracaso, no implica necesariamente un peligro fsico. Se trata de un reto a m mismo a probar algo diferente. En Peces Strange (1992), deliberadamente evit el peligro fsico / riesgo porque habamos hecho esto antes y me pareci que se haba repetido tantas veces en el circuito de la danza europea que ahora es un clich. Para muchas compaas de danza, parece que el riesgo slo significa riesgo fsico, nada se arriesga en cuanto a su contenido o enfoque. En [Fish extrao] el riesgo se convirti en "Puede bailar acuerdo con la narrativa emocional compleja: puede ser divertido: puede cmico-trgico teatro se cre a travs del baile sola" Riesgos debe ser visto como un concepto relativo: lo que es riesgoso para m puede no serlo para otra persona. Me gustara mantener la capacidad de DV8 a s mismo desafiar continuamente, para seguir empujando en direcciones diferentes, para resistirse a usar la misma frmula para cada nuevo trabajo, nunca a ser el mismo. .... en la motivacin artstica Yo slo crean cuando tengo algo que decir. DV8 no es una empresa permanente sino uno que se une cuando hay una necesidad, una necesidad que se artsticamente motivada en lugar de comercialmente o administrativamente impulsado. El trabajo siempre se trata de cuestiones: las cosas que conciernen o afectan a mi vida en ese momento. Por esta razn, no se repiten shows pasados. DV8 tiene la suerte de que no tiene que crear regularmente, a la orden. Los bailarines son elegidos en funcin de su adecuacin a la temtica propuesta de cada nuevo proyecto: no hay obligacin de mantener el empleo de los mismos bailarines. .... en el poder Cuando yo era un bailarn en compaas de repertorio, los intentos de m mismo o otros bailarines para cuestionar la razn detrs de los movimientos a menudo se apart a un lado o se considere innecesario. El poder del individuo bailarn y actor se neg a menudo. He tratado de crear una empresa que me permite la mxima potencia, mientras que al mismo tiempo permite a mis propios artistas a cuestionar, a descubrir

su propio movimiento y por lo tanto, a comprender mejor quines son y lo que estn haciendo. En consecuencia, puede de las personas que han trabajado conmigo han ido a hacer su propio trabajo, con el poder a travs de su asociacin con DV8. Para mantener la libertad artstica DV8 es que hemos luchado por ser independiente de las necesidades de los dems: el trabajo no es dictada por un consejo de administracin, los organismos de financiacin o programas educativos. He rechazado ofertas para dirigir grandes empresas, porque veo las restricciones y limitaciones de dichos establecimientos. DV8 debe ser flexible si se trata de crecer y sobrevivir, no debe ser atrapado por las burocracias. .... en la estructura Estoy evaluando constantemente la forma en que yo trabajo. Cada nuevo proyecto aporta un nuevo enfoque, en parte por la necesidad de lo que dicta la materia y en parte debido a una reaccin a la serie anterior. Despus de que "si slo ..." (1990) sent que ya no poda volver a un estudio con algunas ideas incompletas pocos. Era muy difcil volver atrs en lo que llamo el "cuarto oscuro, el cuarto negro" sin nada a que agarrarse. Tena que preparar una estructura detallada antes de que los bailarines llegaron, pero se hizo evidente una vez que empezamos los ensayos que no pueden adherirse a las estructuras que se han pensado en su cabeza y por escrito en un papel. La verdad fsica del movimiento es mucho ms complicado y no siempre se puede capturar con palabras o descubierto hasta que est en el estudio con los bailarines. Al mismo tiempo trabajando en la estructura nos dio un cierto marco y la seguridad, pero que tenamos que tener el coraje de tirar ideas que no estaban trabajando, no importa lo maravilloso o lgicos que apareci en el papel. .... en colaboracin Siempre ha sido importante para compartir el proceso de la manera ms honesta y directa de lo que puedo con la gente con la que trabajo. Es contraproducente y ms a menudo por la inseguridad y la proteccin del personal de retener informacin. Al compartir el proceso de la obra final se convierte en colaborador y los artistas se les atribuye en consecuencia. En ltima instancia yo tomo las decisiones, ejercicios propuestos y editar el material pero necesito los artistas que estn abiertos a la improvisacin, que estn preparados para pensar en sus funciones, no los que slo quiero que alguien venga y diga lo que tienen que hacer. Este proceso requiere de los artistas a asumir la responsabilidad por s mismos, a pensar de manera activa y desafiarse a s mismos. Debido a su formacin, es difcil encontrar bailarines que quieren hacer algo ms que simplemente aprender los pasos, que son capaces de actuar y la verdad valor ms que trucos. Nuestro trabajo es slo tan bueno como siempre a las personas involucradas, slo como intensa y profunda como son. .... en la flexibilidad organizativa Tambin somos muy afortunados de que nuestra organizacin administrativa es altamente flexible. Debido a que trabajamos dentro de una agencia que no estn obligados a llevar un administrador a tiempo completo trabajando durante todo el ao. Eso me permite comenzar y terminar un proyecto cada vez que sienta la necesidad. Por lo tanto mi libertad artstica ha sido muy dependiente de la capacidad de la empresa para mantener la flexibilidad administrativa. .... en las audiencias Durante los ltimos aos, ha habido cada vez ms presin para DV8 para llevar a cabo a grandes audiencias. El dilema es que si usted est en un gran auditorio las sutilezas del gesto a menudo se pierden y los artistas sienten que tienen que hacer las acciones ms grandes y en muchos casos llegan a ser menos real. Expansin, movindose a grandes audiencias, no siempre es sinnimo de desarrollo y crecimiento. Trabajo de DV8 pelcula ha ofrecido una solucin a este problema en que la cmara tambin puede explorar la intimidad y el detalle fsico en un grado extraordinario mientras que al mismo tiempo llegar a audiencias enormes. Sus posibilidades de dar otro tipo de actuacin, otra forma de ver y comunicar que slo estamos empezando a entender. .... en caso de xito Cuando la gente se refiere a DV8 como un "xito" la compaa, me pregunto lo que significan, lo que definen como un xito. El hecho de que una obra sea popular no quiere decir que para m es un xito. El hecho de que el pblico, como no quiere decir que sea bueno. Una vez ms xito debe ser visto como un trmino relativo. Yo creo que con tal de que seguir empujando a m mismo y no se basan en la frmula, tengo xito. He aprendido algunas de las mejores lecciones y la informacin ms valiosa sobre mi arte a travs de obras que han sido fracasos pblicos. El xito y el refuerzo del ego son regularmente confundido. .... sobre temas polticos Nunca es mi intencin de provocar al pblico o molesto ellos per se. Me interesa slo en la provocacin y empujando a m mismo, cuestionando mi propia y la motivacin de los artistas intrpretes o ejecutantes, los motivos, los pensamientos, suposiciones. Muchas de las cosas que trato a menudo se consideran tabes sociales, pero a menos que se examina y les preguntas, siento que nosotros, como sociedad, no puede ir ms lejos. En lugar de hacer afirmaciones generales sobre la sociedad en su conjunto, me parece

mucho ms fiel a m mismo la pregunta. El yo como parte de la sociedad parece ser lo que la danza ocupa de lo mejor: una investigacin muy personal, en lugar de tratar de lidiar con los temas sociales y polticos en un nivel terico ms amplio. La vida no es acerca de lo polticamente correcto. A uno le gustara luchar por eso, pero es demasiado complejo. Las palabras que se adhieren a las teoras polticas a menudo huelen ingenuidad. .... sobre la vulnerabilidad y el fracaso Para mostrar la vulnerabilidad y el fracaso en el escenario se ha vuelto cada vez ms importante para m. A menudo establecer tareas que piden intrpretes para revelar algo de su ser interior para que no se quieren mostrar en pblico. Al hacer esto, el intrprete puede sentirse totalmente expuesta y vulnerable. Si bien esto puede pasar factura al final creo que los beneficios superan las dificultades. Es importante para nosotros para compartir todo de nosotros mismos con el pblico, no slo nuestros puntos fuertes. Danza tradicional, durante demasiado tiempo, ha hecho hincapi en el "xito": mostrar lo bien que se puede ejecutar un movimiento. Tambin estoy interesado en lo difcil que es hacer un movimiento y redefinir lo que significa logro. Las nociones tradicionales de la danza tienden a tener definiciones limitadas de lo que se considera hermoso y agradable, con personas (bailarines) esfuerzo hacia un mismo ideal construido. La rigidez de la imagen "perfecta" da poco margen para la individualidad o realidad. Esto puede ser muy destructivo. Se da poco margen para la aceptacin de nosotros mismos, de nuestros fracasos y el valor de tratar y no slo en correspondencia a lo que otra persona define el xito o hermoso. Se encuentra a slo aquellas definiciones que estoy tratando de ir ms all con DV8.

Lloyd Newson has been making his distinctive brand of edgy, uncompromising dance theatre for nearly 20 years, but despite countless awards and a major international reputation, Newson is still not a household name nor likely to become one, given his almost pathological aversion to personal publicity. The picture on the right [ a photo of Lloyd facing away from the camera ] is the photographer's ingenious response to the choreographer's outright refusal to pose for a regular snap. Newson would rather we photographed the dancers and besides, if he became too much of a dance "face", he would no longer be able to indulge his hobby of wandering unnoticed through theatre foyers wherever DV8 Physical Theatre is performing, listening in on his audience and observing its habits. Newson has a postgraduate degree in psychology and he's not afraid to use it. The faceless figure is tall, fit, casually-dressed, fashionably bald and, camera shyness notwithstanding, he is a joy to interview. He talks with fluency and wit about the company he founded 19 years ago and the powerful works he has made for it. Newson was born in Melbourne in 1957. He worked briefly with New Zealand Ballet (he was the only man to turn up for the audition) then journeyed to London where he spent a year at London School of Contemporary Dance. After four years dancing and making dance for the (now defunct) Extemporary Dance Theatre, he founded DV8 and began the first in an impressive series of choreographic explorations of human behaviour. The troupe enjoyed (if that's the word) a flurry of notoriety in 1990 when the Sunday Mirror's rabid headline "Gay Sex Orgy on TV" gave an unexpected boost to the South Bank Show's screening of Dead Dreams of Monochrome Men, a piece inspired by the career of the serial killer Dennis Nilsen. Newson's work is regularly adapted for the small screen, but the films are never just a record of the live performance. "It's interesting what translates well into film. Quite often you see pieces that are just dead." He has enormous respect for his collaborators but he has learned to be wary of yielding control in the editing room. The film of The Cost of Living, an unsettling celebration of social and physical inadequacy, which will be shown on Channel 4 later this month, was shot on location in Cromer in Norfolk. Its various stage versions have been distilled down to the relationship between mouthy Glaswegian Eddie Kay and his enigmatic sidekick David Toole, who between them create a miniature buddy movie.

Lloyd Newson ha estado haciendo su marca distintiva del teatro vanguardista, danza intransigente durante casi 20 aos, pero a pesar de innumerables premios y una reputacin internacional importante, Newson todava no es un nombre familiar - ni, probablemente, uno, dada su aversin casi patolgica a personal publicidad. La foto de la derecha [foto de Lloyd de espaldas a la cmara] es la respuesta ingeniosa del fotgrafo en el rotundo rechazo del coregrafo para posar para un complemento regular. Newson preferira que fotografi los bailarines - y adems, si se convirti en demasiado de una danza "cara", que ya no sera capaz de disfrutar de su hobby de vagar inadvertido a travs de vestbulos de teatro donde DV8 Physical Theatre est realizando, escuchando en su audiencia y la observacin de sus hbitos. Newson tiene un ttulo de postgrado en psicologa y no tiene miedo a usarlo. La figura sin rostro es alto, ajuste, vestido de manera informal, calvo y de moda, a pesar de la timidez cmara, es una alegra para la entrevista. Habla con fluidez e inteligencia acerca de la compaa que fund hace 19 aos y las poderosas obras que ha hecho por l. Newson naci en Melbourne en 1957. Trabaj brevemente con Nueva Zelanda Ballet (l era el nico hombre que se present a la audicin) y luego viaj a Londres, donde pas un ao en la London School of Contemporary Dance. Despus de cuatro aos bailando y haciendo bailar para el Teatro de la Danza (ahora difunto) extempornea, fund DV8 y comenz el primero de una impresionante serie de exploraciones coreogrficos de la conducta humana. El grupo disfrut (si esa es la palabra) una rfaga de notoriedad en 1990, cuando titular rabioso el espejo del domingo "Orga gay en la televisin" dio un impulso inesperado a la proyeccin de la South Bank Show de los Sueos muertos de hombres monocromo, una pieza inspirada en el carrera del serial killer Dennis Nilsen. Trabajo Newson se adaptarn peridicamente por la pequea pantalla, pero las pelculas no son slo un registro de la actuacin en directo. "Es interesante lo que se traduce tambin en el cine. Muy a menudo ver piezas que son igual de muerto". l tiene un gran respeto por sus colaboradores, pero ha aprendido a desconfiar de ceder el control en la sala de edicin. La pelcula de The Cost of Living, una celebracin inquietante de inadecuacin social y fsica, que se mostrar en el canal 4 a finales de este mes, fue filmada en Cromer en Norfolk. Sus versiones diferentes etapas han sido destilados a la relacin entre el bocazas de Glasgow Eddie Kay y su enigmtico compaero David Toole, que son los que crean una pelcula de colegas en miniatura.

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