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PINTURA..............................................................................................................3
Introducción ................................................................................................................................................4
La pintura ....................................................................................................................................................6
Acuarelas .............................................................................................................................................7
Témpera o gouache .............................................................................................................................7
Acrílicos ..............................................................................................................................................7
Pasteles ................................................................................................................................................8
Temple .................................................................................................................................................8
Óleo ......................................................................................................................................................9
Superficies ....................................................................................................................................................9
EJERCICIOS:
INDICES.
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generar por lo menos tres entradas de índice, generando para
ellas los índices y su tabla de contenido. Deberás verificar el
funcionamiento de los índices y de las tablas observando si
funcionan como hipervínculos.
Pintura
Introducción
Pinturas en Yucatán.
Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, la pintura artística, se
diferencia de cualquier otro tipo de pintura, en que su práctica no corresponde
necesariamente a una demanda, sino a la búsqueda personal de un mensaje visual, que
trascienda al material usado en sí, emergiendo detrás de las formas y los colores y sus
tonalidades, un contenido que invite al espectador a explorar un camino que se recorre a
través de las manos del mismo pintor. Siempre basándose en las técnicas elementales de
la pintura como lo es la composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor.
Técnicas de pintura
Artículo principal: Técnicas de pintura
La aplicación de muchas de las técnicas requiere de medios para plasmar la obra; éstos
pueden variar y, generalmente, no ser limitados a una sola herramienta o instrumento.
Otras técnicas, por ejemplo algunas empleadas en el Expresionismo abstracto, no
requieren que la pintura sea aplicada empleando un instrumento.
Los dedos y manos, el mismo cuerpo humano, puede convertirse en un medio para
alcanzar la expresión deseada, el efecto necesario para transmitir el mensaje, el sentido,
la emoción y la armonía. El esfuerzo humano puede ser ejemplificado en algunas
expresiones del arte aborigen australiano.
Los pinceles, son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en su trabajo.
Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad. Los materiales de los
componentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos o sintéticos.
Pinceles diversos.
Las cerdas
Las cerdas de éstos, también llegan a ser hechas de distintos materiales, diversos
grosores, longitudes y propiedades en su acabado. Las cerdas, requieren ser tratadas con
cuidado para así prolongar su vida útil; esto incluye su limpieza continua. Una forma
eficaz de mantener las cerdas de los pinceles en buen estado, es quitar el excedente de
pintura, limpiarlos con disolvente (varsol) y lavarlos con jabón para retirar el disolvente,
secar la humedad con una franela y guardarlos horizontalmente o con las cerdas hacia
arriba.Así tendras una vida más útil para tu pincel.
La pintura
Artículo principal: Pintura (material)
Acuarelas
La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los
colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces
dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone
de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la
pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la
composición que se está realizando. Sin embargo existe la acuarela hiper realista que va
en contra de este postulado y que utiliza barnices para no remover las primeras capas y
dar por sucesivas veladuras un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez
de la acuarela clásica.
Témpera o gouache
La témpera es un medio similar a la acuarela, pero tiene una "carga" de talco industrial o
blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le aporta a la témpera el carácter
opaco y no translúcido que lo diferencia de la acuarela, permitiéndole aplicar
tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento que en la acuarela "clásica" se
considera incorrecto; a ese efecto en la acuarela se le denomina "acuarela opaca" o
"muerta". Es a su vez un medio muy eficaz para complementar dibujos y hacer efectos
de trazo seco o de empaste. La fórmula de la témpera también incorpora goma arábiga,
miel y a veces hiel de buey para aportar más fluidez al recorrido del pincel.
Acrílicos
La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los pigmentos
están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica, generalmente).
Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma. Destaca
especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica ligeramente el
tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del siglo XX, y fue
desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.
Pasteles
Es una técnica cómoda, generalmente rápida y que permite realizar correcciones con
gran facilidad, razón por la cual es escogida por muchos artistas.
Temple
Es una emulsión de agua, clara y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la
mezcla del huevo con el aceite hasta lograr una mezcla homogénea, después
gradualmente agregar el agua hasta crear la emulsión o médium de la técnica al temple.
La proporción es de un huevo entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres
partes de agua, dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También se puede
agregar un poco de barniz dammar que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este
procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin embargo el
acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua se puede
emplear leche desnatada.
El médium se mezcla con el pigmento hasta crear una suerte de pasta similar a la del
óleo y se trabaja de la misma forma en cuanto a la secuencia, con la ventaja de que se
pueden hacer veladuras notables y efectos de cortes. Su belleza radica en su acabado
mate. Su fondo de aplicación puede ser la tabla, el lienzo o el muro (siempre y cuando
el muro este exento de humedad, si el muro filtra humedad produce exfoliaciones).
Óleo
Es la técnica rey por excelencia,[cita requerida] su pastosidad, su carácter versátil de poder ser
empleado en veladuras o en empastes le dan una libertad admirable,[cita requerida] ya que su
secado es gradual se pueden hacer esfumados y mezclas cromáticas sobre el mismo
lienzo o soporte.
Los estilos de acabado varían desde las veladuras de Rafael hasta el trabajo pastoso y
violento de Monet o Canogar. Su gran flexibilidad ha permitido a los artistas combinar
sus bondades con otras técnicas como base, tal es el caso del temple y del acrílico, que
aplicados en la etapa primera cumplen el principio de graso sobre magro a la perfección.
Superficies
La pintura puede ser expresada sobre una gran variedad de superficies. Éstas pueden
tener características distintas, como son la textura y absorción. También la superficie
está íntimamente vinculada al acabado y naturaleza expresiva, por ejemplo: no es igual
pintar una acuarela sobre una superficie de papel liso que sobre un papel rugoso,
tampoco es igual pintar al óleo sobre lienzo que al fresco sobre un muro ya que el
primero es un medio pastoso y de avance oleaginoso y el segundo es seco y translúcido.
Ahora bien, los medios también tienen resultados diferenciables de acuerdo a la
superficie y de acuerdo a los agregados.
La escuela mural francesa con su máximo exponente Eugene Delacroix realizaba sus
murales con óleo y cera con la finalidad de dar el acabado mate propio del fresco, en
cambio Rafael Sanzio en su escuela de Atenas empleó veladuras muy seguras y
progresivas de menos a mas, si bien el claro oscuro es más diáfano que el conseguido
con óleo su color es más luminoso al estar exento de aceite.
Hay otras formas de sacar provecho al medio y a la superficie, por ejemplo, el muro
preparado para el fresco es muy absorbente, para realizar transiciones suaves se debe
tener una pronta y preludio en la ejecución, tener los colores listos y tomar el tiempo
primero (que es cuando hay más humedad) para realizar los difuminados, sin embargo,
esa cualidad absorbente del muro puede emplearse para trabajar con trazos lenticulares
y provocar una vibración óptica muy similar al arte de Van Gogh, un ejemplo claro es la
técnica de Teodoro Núñez Ureta en el Ministerio de Educación de la ciudad de Lima.
De esta forma los limitantes de la superficie se pueden convertir en una ventaja para dar
más expresividad a la composición.
También podemos hablar de las nuevas técnicas, de los soportes conglomerados y los
nuevos médiums como los esmaltes, acrílicos y pinturas a base de resinas que pueden
ser aplicados en empastes que a manera que avanza la ejecución pueden modificar la
naturaleza de la superficie, a esto se le llama fondo texturizado, y en su función, se le
puede considerar como una superficie expresiva nacida en el espacio-tiempo del trabajo
ESCULTURA
El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con
el escultor Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del Baptisterio
de la catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la ruptura con la
severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico, pero su obra queda
aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la
escultura renacentista. En esta época se advierte:
a. Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
b. Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
c. Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
d. Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
PINTURA
modelos reales.
• El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por
medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién
descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista del pintor suele
estar en el centro del cuadro.
• La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados.
Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.
• En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el
vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en
segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados.
• En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder
definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la
materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de
trazo continuo y su separación del fondo es absoluta.
• Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya
anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
• A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo, inventada
por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura de
caballete.
imprenta en 1450.
- BARROCO
Este estilo se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del siglo
XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando características
propias en cada país. En este arte hay una marcada predilección por el
naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de
naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo,
enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de
personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en
los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas,
encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más
caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la
intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos
corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se destacó
la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás
Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se
torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva
y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo.
En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su
apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens,
Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo
estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan
Vermeer o Van der Meer de Delft.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora,
expuestos con sentido de crítica social.
Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.
Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los
contrastes del claroscuro.
Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y la
naturaleza.
Representantes: Courbet, Daumier y Rousseau.
- IMPRESIONISMO
La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en
1874 y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos
que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían captar
la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a través de
las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la apariencia de estos.
La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del
nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este movimiento
pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas
de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color
verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo tomaron en cuenta los
pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores puros
ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del
espectador el que los una para formar así las figuras. Se consideran iniciadores
de este movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también se
destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la
luz es la característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar
que un mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se
pinte. A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores
Materia: Informática para Oficinas. 32
Alumna: Pizaña Quiñónez Nallely.
Grupo: 435.
21/Mayo/2009
Tema: 2.8 Crear índices y tablas de contenido.
que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por
este movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas,
destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri
Toulouse Lautree.
- EXPRESIONISMO
Fue un movimiento artístico plástico emparentado con la literatura; nace en
1890 en Alemania y en los países del norte de Europa, se extiende hasta bien
entrado el siglo XX. Destacan en este movimiento los artistas plásticos Edward
Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka, Emil Nolde y Georges Rouault. La
pintura expresionista busca y logra expresar violentas emociones, va de dentro
hacia fuera, al contrario de la impresionista que va de fuera hacia dentro. Su
objetivo fundamental era crear impetuosas reacciones en el espectador, por
pp.
• PELLICER, A. Cirici. Teoría, Técnicas e Historia del Arte. Enciclopedia
Labor. Vol. 8. Editorial Labor S.A. España. 1961. 552 pp.
• QUILLET, Arístides. Nueva Enciclopedia Autodidáctica. Tomo III. Editorial
Quillet S.A. México. 1968. 526 pp.
• COMBI Visual 2. Grolier International. España. 1972