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Segundo Medio:Género Drámatico

ORÍGENES DEL GÉNERO DRAMÁTICO EN GRECIA. 1.1 LA TRAGEDIA 1.1.1 Origen La tragedia es la creación artística más representativa de la democracia ateniense. En ningún género se expresan tan inmediata y libremente los íntimos antagonismos de su estructura social como en ella. Su forma exterior –su representación en público– es democrática; su contenido –la leyenda heroica y el sentimiento heroico–trágico de la vida– es aristocrático. Desde el principio, la tragedia se dirige a un público más numeroso y de más variada composición que el del canto épico o la epopeya, destinados a los banquetes aristocráticos; mas, por otro lado, está orientada hacia la ética de la grandeza individual, del hombre extraordinario y superior. Existe consenso general en señalar que el teatro nació en la Grecia antigua, en época anterior al siglo V a.C., probablemente entre los siglos VII y VIII. En Atenas había varias fiestas consagradas a Dionisos, dios de la vegetación y de la vendimia. En las grandes Dionisíacas, fiestas de la primavera, se paseaba, anualmente, la imagen del dios seguida de un cortejo de jóvenes disfrazados de sátiros (divinidad campestre con figura de hombre barbado, patas y orejas cabrunas y cola de caballo o de chivo). Ante el altar del dios se entonaba una especie de cántico acompañado de flautas, llamado coro trágico (tragos significaba macho cabrío), porque los cantores estaban disfrazados como tales. Luego, a los sátiros se agregó un hombre con máscara que representaba al dios Dionisos, quien dialogaba con los sátiros. Se representaron escenas de la vida del dios. Pronto se empezaron a representar las aventuras de los demás dioses y las de los héroes. Con Esquilo se creó definitivamente la tragedia: en vez de un actor, hizo aparecer dos, y el diálogo entre los actores vino a ser la parte importante de la representación. Estos actores se caracterizaban como: protagonista (“primer luchador”), el principal, quien iniciaba la trama y hacía las veces del héroe; y antagonista (“luchador opuesto”), que se interponía en el propósito del protagonista. El coro ocupaba un papel destacado, pues era la voz de la mayoría, representación del pueblo, que entraba en relación dialógica con los actores. En estos inicios, el coro debía ser homogéneo: todo integrado por ancianos o por doncellas o por mancebos; incluso, podía estar compuesto sólo de personajes mitológicos 1.1.2 Características de la tragedia griega Ya Aristóteles destacó como fundamental componente emocional de la tragedia la catarsis, o purgación de las pasiones mediante el terror y la piedad. Otro componente trágico es la hamartia o error de juicio e ignorancia de culpabilidad del héroe, que desencadena el proceso que culminará en la catástrofe (abatimiento, destrucción). Asimismo, la hybris, arrogancia irracional del héroe que persevera en su acción, a pesar de las advertencias y que lo hará enfrentarse con su destino, cumplirá un papel fundamental. También el pathos, sufrimiento del héroe, quien vivencia una dolorosa soledad, será clave para el desarrollo de la obra.

Todo ello enmarcado en un destino o fatalidad, o moira, ajena a la libertad de acción del héroe, que terminará aplastándole y anulando su actuación. Del choque entre la libertad o la voluntad del protagonista y ese destino surgirá la esencia de lo trágico: lo verdaderamente trágico en una tragedia no son las muertes o las desgracias que en ella aparecen, sino la incapacidad que tiene el ser humano de derrotar una fuerza sobrenatural como el destino. El conflicto que se plantea al comienzo de una tragedia es desigual y, por eso, se puede prever cuál será su desenlace: siempre vencerá la fuerza sobrehumana. 1.1.3 Primeros dramaturgos: Esquilo, Sófocles, Eurípides. Esquilo. Sus numerosas aportaciones formales al lirismo coral griego, unidas a su genio literario y a la fuerza dramática de su obra, hicieron que Esquilo (525 – 456 a.C.) fuera considerado justamente como el auténtico fundador de la tragedia griega. Se ha atribuido a Esquilo la incorporación de numerosas innovaciones teatrales, entre ellas el empleo de máscaras y decorados. La obra de Esquilo significó la negación del concepto de culpa colectiva, la afirmación del derecho sobre la arbitrariedad, de la dignidad y de la autonomía del hombre frente a los dioses y el destino, y, sin embargo, la afirmación de la tragedia como elemento arquetípico de la condición humana. Obras: Los persas, Orestíada, Prometeo encadenado

b) Sófocles. (496 – 406 a.C.) fue quien mejor supo reflejar en su obra los principios y dilemas espirituales de la Grecia clásica del siglo V a.C., cuando Atenas se hallaba en su máximo esplendor político y cultural. Disfrutó de un gran prestigio entre sus compatriotas. Ya con sólo dieciséis años de edad fue encargado de dirigir un canto de gracias a los dioses por la victoria de Salamina sobre los persas. En el año 468, derrotó por primera vez al ya anciano Esquilo en el festival dramático anual que se celebraba en honor a Dionisos. Estableció diversas modificaciones en la forma tradicional de la tragedia fijada por Esquilo: añadió a un tercer actor en los diálogos frente a los dos utilizados anteriormente y redujo la importancia del coro. Obras: De los 123 dramas escritos por Sófocles para los festivales dionisíacos, sólo se conservan siete: Áyax, Antígona, Edipo Rey, Electra, Las traquinias, Filoctetes y Edipo en Colono. c) Eurípides. Profundo conocedor del alma humana, Eurípides (480 – 406 a.C.) aportó a la tragedia griega una mayor penetración psicológica y un renovado sentido de los valores dramáticos. El carácter innovador de la producción dramática de Eurípides sorprendió a los atenienses de la época. En contraste con sus predecesores, el autor mostró la escasa solidez de su fe en los dioses, que solían actuar en sus obras de una forma cruel y arbitraria. Por lo que respecta a los personajes, destaca la profunda humanidad que demuestran en su comportamiento y la especial importancia que el autor dedica a los caracteres femeninos. El empleo de un tipo de versificación poco usual, el abandono del sistema estrófico y la

Las troyanas. Los primeros comediógrafos: Aristófanes. Obras: Medea.2. Las avispas. El nombre de comedia procede de la palabra griega komos. Al lado de la grandiosidad de la tragedia griega. y tanto los caracteres a que infundió vida. Las bacantes. con disfraces y burlas. Ifigenia en Áulide. Obras: El arbitraje. en situaciones corrientes del diario acontecer. la comedia trataba. Lisístrata. el misántropo y otros. Las aves. las comedias de Aristófanes ofrecen una visión realista y cargada de ironía de la vida cotidiana helénica. pero su ironía y sarcasmo estaban. En la época clásica.C. 1. Obras: Las nubes. crítica a los filósofos y literatos de su época.2. fiesta de aldea u orgía dionisíaca popular. Como parte de las competencias dramáticas de los festivales atenienses se presentaban comedias ya en el siglo IV a. c) Plauto 251 – 182 a. 1. Menandro.C. que significa canto. hacer reír a los espectadores. sobre personajes plebeyos. Por medio de su adaptación libre de modelos. b) Menandro (342 – 292 a. fue Plauto el auténtico creador de la comedia latina. Se revela en sus obras un extraordinario dominio de la trama y singular maestría en la creación de caracteres arquetípicos. El labrador.). Se cree que las más antiguas formas de la comedia se desarrollaron mezclando los coros y las danzas rituales con episodios histriónicos. Tanto la tragedia como la epopeya eran la expresión de lo noble y lo heroico. Hécuba. en cambio.introducción de acompañamientos musicales insólitos fueron algunos de sus recursos dramáticos más destacados. 1.2 LA COMEDIA. oposición a la lucha contra Esparta. ante todo. La máxima pretensión del autor fue. última etapa de la evolución dramática ateniense. y de ode. La comedia se diferenciaba de la tragedia – según Aristóteles– en su actitud ante el hombre y el mundo. Las comedias de Menandro constituyeron el precedente de la comedia occidental.2 Características. vulgares. Plauto y Terencio. La comedia tiene también su origen en Grecia en los cantos entonados como culto a Dionisos. encaminados a apoyar sus convicciones ideológicas: defensa de los valores tradicionales. a) Aristófanes (450 – 388 a. como el avaro. asimismo.1 Origen.).C. en honor a Dionisos en su aspecto de dios de la vida y de la fertilidad. de un modo divertido. como su . que centró su atención en las costumbres y los problemas de la vida cotidiana. Fue Menandro el máximo representante de la comedia nueva.). la comedia se concebía como un espejo que mostraba de forma humorística los vicios y defectos de la sociedad. es decir.C.

Surge de las ceremonias de culto religioso. de Fernando de Rojas. El eunuco. a sus amigos llaman y dicen ser su . Terencio escribió únicamente seis comedias. esta obra se representaba en el atrio de las iglesias y. constituyeron una fuente directa de inspiración para los grandes comediógrafos europeos de los siglos XVI y XVII.1 El alba medieval. 2 EL DRAMA EN LA EDAD MEDIA. 2. Nos referimos al Auto de los Reyes Magos. Obras: En el curso de su corta vida. Terencio no intentó romanizar o vulgarizar sus tramas. La obra más antigua del teatro español pertenece al ciclo de Navidad. La primera escena presenta los parlamentos de cada uno de los tres reyes.2 El ocaso del medioevo. se cierra el período medieval en la dramática de España. Pasión y Resurrección. que. y la quinta viene dada por el dictamen de los rabinos a Herodes. que luego se ampliaron a representaciones bajo las naves de las catedrales románicas. esas representaciones se fueron laicizando con la intervención de personajes populares y el uso cada vez más generalizado de la lengua romance. Todas las comedias de Plauto aludían a obras imitadas directamente de un original griego. ejercieron perdurable influencia en el desarrollo del teatro occidental. la de ir a ver al Niño que va a nacer. Al igual que en el resto de Europa. d) Terencio (190 – 158 a.C. Con el tiempo. La comedia de los asnos. y empleó una forma literaria refinada. posteriormente.estilo ágil y dinámico. de fines del siglo XII. vencidos en su desordenado apetito. El tono realista y los matizados apuntes psicológicos presentes en las comedias del dramaturgo romano Terencio (185 – 159 a. en la segunda. De esta creación se conserva un fragmento de 147 versos distribuidos en cinco escenas. en el exterior de los recintos sagrados. Formión y Los hermanos. Los cautivos. Obras: Anfitrión. El autor expresa que la obra fue “compuesta en reprehensión de los locos enamorados. se reúnen con una misma intención. poco a poco. A diferencia de Plauto. Se cree que está inspirada en un texto francés de la época. la cuarta constituye el soliloquio del rey judío. el espectáculo teatral salió a los atrios.). pero las tradiciones y costumbres a que hacía referencia eran las de la Roma de su tiempo. en la tercera. que llegaría a ser considerada un modelo de la lengua latina. se produce el encuentro con Herodes.). La suegra. que transcurrían por completo en ambientes helenísticos. fueron sencillos diálogos en latín. 2. representadas entre el 166 y el 160: Andria. Los primeros dramas litúrgicos se representaban como una introducción a la liturgia y a propósito de las conmemoraciones de Navidad. El verdugo de sí mismo. Con La Celestina. La obra debe terminar con la ofrenda de presentes al Niño y el canto de un villancico. al exterior del templo y. Inicialmente.C.

Ejemplo lo constituyen Las Crónicas de Holinshed. El mercader de Venecia. Enrique IV. basado en la propia historia nacional. d) Disminuye la tensión en las situaciones de gran violencia dramática. Hamlet. Posteriormente. administrador y coempresario del teatro El Globo. Shilock. el avaro. • Comedias: Sueño de una noche de verano. Christopher Marlowe. entre otros. . Hamlet es sinónimo de la duda. la tragedia con el humor. c) Empleo de variadas formas métricas.1 El teatro isabelino. Obras: • Dramas históricos ingleses: Ricardo II. • William Shakespeare (1564 – 1616). por lo tanto. que sirven de fuente para los dramaturgos isabelinos. toda la riqueza expresiva de la lengua popular y el uso de refranes. farsas populares y obras moralistas que evidencian la crisis religiosa producida por la Reforma. El rey Lear. dramaturgo. Su importancia como dramaturgo se puede sintetizar en lo siguiente: a) Rompe con las normas clásicas del teatro inglés de la época. Julio César. Enrique V. Medieval sería la intención moral que el autor hace notar expresamente y el castigo divino (la muerte) que reciben tanto protagonistas como criados. Shakespeare creó personajes que se constituyeron en prototipos de un carácter o pasión: Otelo representa al celoso. capaz de integrar la reflexión intelectual con la fantasía. a las unidades de lugar. Lo renacentista se expresa en no aceptar la presencia del pecado. Llamado así porque se desarrolló durante el próspero reinado de Isabel I. y ofrecer así una visión profunda de los conflictos y emociones de la naturaleza humana. incluso combina prosa con verso. ya sea como actor. Otelo. a los clérigos rebeldes y al anglicanismo..dios. que son propias de la Poética antigua. en Inglaterra (1558– 1603). la audacia de algunas expresiones y la reivindicación que se hace de la sensualidad. • Dramas trágicos: Romeo y Julieta. Las manifestaciones anteriores corresponden al teatro alegórico. • Dramas históricos romanos: Tito Andrónico. La obra revela en parte las circunstancias de la época con la presencia de elementos que responden a un doble punto de vista medieval–renacentista. al fundir lo trágico con lo cómico. Para Shakespeare. aparece el drama histórico. Ben Jonson y William Shakespeare. Enrique VI. instala a Shakespeare como el mayor autor dramático de la literatura universal. Dedica toda su vida al arte de la escena. A mitad del reinado de Isabel I se produce la mayor presencia de dramaturgos ingleses de que se tenga memoria. No se ciñe. Ricardo III. Este doble contraste se manifiesta también en el uso del lenguaje: por una parte culto y erudito y. b) Mezcla en una misma obra lo trágico y lo cómico en proporciones diversas. entre lo cuales destacaron Thomas Kid. los conceptos de tragedia y comedia no suponen exclusión mutua. tiempo y acción. por otra. Asimismo hecha en aviso de los engaños de las alcahuetas y malos y lisonjeros sirvientes”. Macbeth. La asombrosa variedad de su genio. La dramaturgia se pondrá al servicio de la ideología dominante y denunciará en sus obras al Papado. 3 EL TEATRO EN EL RENACIMIENTO 3. Coriolano. director.

continúa la tradición de la Edad Media aferrada al catolicismo. . La prudencia en la mujer. la rapidez de acción de sus comedias. tiempo y lugar–. por lo común. queremos indicar concretamente que. Obras: • Comedias de capa y espada: La dama boba. • Comedias históricas: El mejor alcalde el rey. El perro del hortelano. Cabe a Lope de Vega la gloria de haber creado un teatro a la vez literario y popular. Según Guillermo Díaz–Plaja. Su aporte particular se refleja en la presencia de personajes fuertemente caracterizados. Obras: El burlador de Sevilla. aunque con predominio del octosílabo. En el Renacimiento español destacan Lope de Vega y Tirso de Molina. enfatizó la acción por sobre el estudio psicológico de los personajes y le dio relevancia a la figura del gracioso. Las concepciones dramáticas de Lope fueron reflejadas en un poema de 1609. El caballero de Olmedo. nuestro teatro cobra. se le considera el principal seguidor de la escuela de Lope de Vega. el empleo de tres actos y la utilización de versos de diversa métrica. tanto en la libertad de su técnica como en el dinamismo escénico. especialmente los femeninos: de los hechos históricos. En el siglo XVI se denominaban genéricamente comedias a las diversas obras dramáticas que constaban. Arte nuevo de hacer comedias. en suma. En él exponía la conveniencia de que la acción pudiera transcurrir en diversas épocas y lugares –lo que rompía con la teoría clásica de las tres unidades: acción. Todo ello tendía. de cinco jornadas. aconsejaba la introducción de una intriga secundaria paralela a la principal. Los actores eran sólo hombres. Reconocido universalmente como uno de los más grandes autores de la Edad de Oro. Tirso extrae la fuerza y universalidad del alma femenina. por fin.2 El teatro español. Los primeros humanistas españoles se caracterizaron por su sentido trascendentalista teocéntrico. Utiliza el humor y se inspira en la realidad social. Al decir esto. Otelo o Romeo y Julieta. a la elaboración de un arte más cercano a los gustos populares. o actos. b) Tirso de Molina (1571 – 1648). a) Lope de Vega (1562 – 1635). El siglo XVI centró la actividad del hombre en su sensibilidad artística y en la unidad de una fe religiosa ardorosamente defendida (Reforma y Contrarreforma). Tirso popularizó a un personaje poderoso y enérgico como el Don Juan. A diferencia de otros países europeos. Es más penetrante que Lope en el análisis psicológico y aprendió de él la movilidad escénica. con la llegada de este escritor insigne. “Lope de Vega es el creador del teatro nacional. El alcalde de Zalamea. Peribáñez y el comendador de Ocaña. uniendo lo tradicional y lo nuevo en una forma genial y definitiva”. sin cerrarse a los influjos del momento. Por lo que respecta al contenido. Además. carácter definitivo. España.3. Las actrices vinieron a aparecer sólo a fines del siglo XVI. tan popular como Hamlet. y la complementariedad de elementos cómicos y trágicos. Fuenteovejuna.

en el vanidoso burgués y en el conde estúpido con la misma agudeza y los representó con idéntico descaro. Se trata de una evolución. el Barroco está estrechamente ligado al espíritu de la Reforma Católica. En España. vida–muerte. Los escritores más representativos de la época de Luis XIV son Moliére. composiciones de tipo alegórico y de un solo acto. la literatura es considerada como un medio para educar y transformar a la sociedad. 5. El gran teatro del mundo. Obras: La dama duende. Se intensifica el uso de las figuras literarias y del contraste: luz–sombra.1 El drama neoclásico francés. Durante el período neoclásico. El siglo XVIII. La vida es sueño. el núcleo de la obra es. es el siglo en el que se origina la tendencia definida como Neoclasicismo. alternando con el francés más correcto o con el latín macarrónico. La filosofía de Calderón alcanzó su máxima expresión en los autos sacramentales. Calderón otorga importancia a lo simbólico. que tenían como propósito instruir al pueblo sobre determinados principios teológicos. como todas las formas de vida y cultura de la época. el siglo XVII no significó una ruptura absoluta con lo anterior. debe revelar la presencia de los vicios y virtudes. del advenimiento de los Reyes Borbones. predestinación–libre albedrío. un concepto filosófico y los personajes llegan a ser simples símbolos de conceptos abstractos. Calderón de la Barca expresó a través de su obra una concepción del mundo y de la vida de raíz profundamente católica. Con el reinado de Luis XIV (1643–1715) llegó al punto culminante el absolutismo monárquico y la hegemonía francesa en Europa. • Moliére (1622 – 1673). a menudo. • Pedro Calderón de la Barca (1600 – 1681). del racionalismo crítico implacable. El médico de su honra. Racine y La Fontaine. El Alcalde de Zalamea. Destacó Jean Baptiste Poquelin (Moliére). 5 EL TEATRO EN EL NEOCLASICISMO. fue un espíritu crítico e irrespetuoso.4 EL TEATRO EN EL BARROCO. En sus obras abundan jergas y lenguajes dialectales. fastuosidad de la corte– pobreza del pueblo. . Sus obras de carácter secular giraban en torno a los dos conceptos fundamentales de la época en España: el honor y la honra. Aunque el estilo barroco sea distinto del renacentista. La teoría artística del Neoclasicismo se rige. Sus obras dramáticas concentran la acción en torno a un tema central. que supo ver lo ridículo y grosero en el comerciante mezquino. por las finalidades del absolutismo. siglo de la Revolución Francesa. Desarrolló la comedia. El neoclasicismo considera que sólo la educación conduce a la felicidad. Durante mucho tiempo de su vida. para que los hombres se alejen de los vicios y practiquen las virtudes. Sucesor de Lope de Vega como principal representante del teatro español del Siglo de Oro. fantástico y poético. Se cuidó de no atacar a la monarquía. Construye artificialmente lenguajes hipercultos que le permiten ejercer la sátira. o de las luces.

En sus obras dramáticas. traspasada. por la noche y por la muerte. la observancia de las normas dadas por preceptistas literarios y la fiel imitación de los modelos.2 El drama neoclásico español. . El espíritu crítico. • José Zorrilla (1817 – 1893). 6. por las tumbas. Sobresalió por su inteligencia. Tradujo comedias de Moliére. El sí de las niñas. Esta posición habría de desarrollarse en el siglo XVIII. Sus obras destacan por sobre la producción teatral de la época. Lo sobrenatural alcanza un gran desarrollo en la literatura de la época. El subjetivismo sentimental imprime las obras dramáticas españolas asociado a un estado de ánimo depresivo. La subordinación de la obra artística a la razón era exigencia ineludible en el neoclasicismo español. hijo del racionalismo y del afán científico. tuvo en España valiosas expresiones literarias. Relacionado con esta actitud depresiva está el interés romántico por las ruinas. el drama romántico exalta el yo individual. Uno de sus argumentos recurrentes fue la sátira contra los matrimonios concertados. Obras: El viejo y la niña.Obras: Tartufo. en gran parte. como por los rasgos de ingenio e ironía. • Leandro Fernández de Moratín (1760–1828). El Romanticismo nace como respuesta al Neoclasicismo. En Don Juan Tenorio mostró su talento para el desarrollo de la intriga y la construcción de diálogos escritos en versos sonoros. Las preciosas ridículas. Durante la década de 1840. aparecen bien delineados. Se une la prosa con el verso y lo trágico con lo cómico. por lo lúgubre y lo sombrío. la idea de libertad conducente a la melancolía y a la fantasía y a la expresión de los sentimientos sin el freno de la razón. la intriga se desarrolla con habilidad. José Zorrilla es el mejor ejemplo. El burgués gentilhombre. tanto por su sencillez y fina observación psicológica. La tendencia neoclásica española se caracteriza por el buen sentido. El teatro romántico representa una absoluta ruptura con la preceptiva del siglo anterior. 5. la acción es siempre viva y los personajes. entre las que destacó Leandro Fernández de Moratín. que nace de la incomprensión que el autor cree vivir. el espíritu crítico. El europeo vuelve la vista a su pasado histórico para reencontrarse con sus raíces y asignarle una identidad a su literatura. aunque de escasa complejidad sicológjca. El barón y la mojigata. El avaro. enfatizando los temas de orden moral que aluden a la decadencia social. basadas en relatos populares y dramas históricos de marcado carácter nacionalista. Fundamentalmente. El médico a palos. de modo especial a su criterio rígido y estricto. como consecuencia del racionalismo imperante. de espíritu cristiano. No se consideran las tres unidades aristotélicas y se observa en las obras una mayor variedad y dinamismo. llegó a la cima de su popularidad gracias a sucesivas colecciones de leyendas en verso. cultura y agudas facultades para la crítica.1 El drama romántico español. 6 EL TEATRO ROMÁNTICO.

es elegida para iniciar las actividades del recién creado Teatro del Arte de Moscú. Las obras dramáticas realistas son expresión crítica de la sociedad. Espectros. y sin intercepción de sentimientos. Entre ellos.1 El teatro épico. Don Juan Tenorio. La dama del mar. el teatro debe ser consecuente con el momento histórico en que uno vive. inconfeso y mártir. en 1892. a) Henrik Ibsen. El jardín de los cerezos. bajo la dirección de Stanislavski. inglés (1858 – 1950). de aguda crítica social contra los prejuicios y corrupciones. Al escritor le interesa describir y examinar en forma objetiva. Por su producción dramática se le considera como un renovador de la escena moderna. Para Brecht. alemán (1898–1956). 8 EL TEATRO CONTEMPORÁNEO. unido al problema económico. Santa Juana. Casa de muñecas. el desarrollo psicológico de los personajes y un adecuado uso del lenguaje. Obras: La gaviota. Durante la segunda mitad del siglo XIX. Escribe comedias realistas de gran agilidad en los diálogos. Se le considera el creador del teatro ruso moderno. b) Antón Chéjov. Casa de Viudos. En la construcción del texto. Sus primeras creaciones están inspiradas en obras románticas. Fue tan célebre como maestro de la novela corta y como autor dramático. noruego (1828–1906). Traidor. Su obra La gaviota. Obras: Un enemigo del pueblo. Tío Vania. se convirtieron en dos importantes factores que incidieron en la nueva concepción de la realidad. La realista imagen del hombre se vio favorecida por un desarrollo de nuevas corrientes ideológicas. el mundo inmediato que lo rodea. En su obra se plantean críticas hacia la injusticia. Peer Gynt. La profesión de la señora Warren. 8. en especial en lo relacionado al “teatro de ideas”. adquiere relevancia la liberación de la mujer. El Chéjov dramaturgo describe la decadencia de la burguesía rusa a fines del siglo XIX. Durante un tiempo. la hipocresía y los tabúes de la burguesía inglesa.Obras: El zapatero y el rey. de modo particular. Obras: Pigmalión. Muestro lo que he visto en los mercados . su obra Casa de Viudos. Participa en la fundación del Teatro Independiente de Londres. Por otra parte. como la ciencia experimental o la teoría evolucionista. tiene a su cargo el Teatro Nacional de Oslo. ruso (1860 – 1904). Plantea obras de gran contenido social y una continua crítica al sistema social vigente. Su máximo representante es Bertolt Brecht. de notable realismo poético. Sus temáticas se refieren a problemas sociales. en Europa se reaccionó contra el idealismo romántico. 7 EL TEATRO EN EL REALISMO. Allí se estrena. la composición dramática. Las tres hermanas. le preocupa. • Bertolt Brecht. el avance cada vez mayor del progreso material. c) George Bernard Shaw. Se define a sí mismo diciendo: “Soy un dramaturgo.

de la Humanidad. Edipo había huido de Corinto para escapar al augurio del oráculo: mataría a su padre y se casaría con su madre. diálogos cortantes y esquemáticos y el uso de la parábola como línea dramática. El dios Apolo pide castigo para el asesino del rey Layo. que se expresa en la soledad del hombre. Entre ellas. la venganza de Orestes. En su camino.2 El teatro del absurdo.C. Crea una nueva manera de hacerlo y verlo.) La presentación del conflicto anticipa la tragedia y expone la superioridad del poder divino sobre la voluntad individual. y está compuesta por Agamenón. El rey se muere. sin saber que Pólibo no era su verdadero padre. He visto cómo se comercializa con la especie humana”. La Orestíada narra la muerte de Agamenón. metafísicas y trascendentes. quien le profetiza su futuro: vagará por tierras extrañas como mendigo por voluntad del dios. • Esquilo: “Orestíada” (458 a. En 1950 encabezó la Escuela Dramática de París. Edipo acude donde el adivino Tiresias. Fue escrita en el 458 a. Egisto (Agamenón). La cantante calva. y a Egisto (Las coéforas).) La única trilogía del autor griego que ha permanecido completa es la Orestíada. su obra maestra. La ópera de tres centavos. Considera fundamentales el uso del humor y de la ironía. Obras: El rinoceronte. tras su regreso victorioso a Troya. encontró a un anciano. PERÍODO CLÁSICO. Brecht establece las bases estéticas y éticas de un nuevo teatro. a manos de su esposa Clitemnestra y del amante de ésta. hijo de Agamenón. • Sófocles: “Edipo Rey” (430 a. con quien discutió y a quien mató sin saber que era su verdadero padre. La . Desarrolla el tema de la incomunicación. Las coéforas y Las euménides. Llegado a Tebas. La lección. se observa una mínima tensión dramática. el tema común es el de la culpa y su expiación. a Clitemnestra. encontró la ciudad desolada: una esfinge exigía víctimas humanas hasta que alguien resolviera el enigma que planteaba. da muerte. por ello. Su interés se centra en mostrar la sociedad con sus defectos y con rasgos de deshumanización. pues su presencia ocasiona las pestes que afectan a Tebas.C. a su vez. desvinculado de la sociedad y transformado en un ser enajenado. Es el principal punto de referencia en el concepto de teatro del absurdo. 1. Estos postulados los publica en 1948. Las sillas. con el propósito de hacer notar la incongruencia del accionar humano. con el nombre de El pequeño organón. En sus obras propone sencillez expositiva. el rey Layo. Obras: Madre coraje. Al dramaturgo no le interesa el desarrollo de conflictos. • Eugene Ionesco. Se educa en Francia. que informado del crimen por su hermana Electra. Presenta una visión deformada y grotesca de la realidad. su madre. rumano (1912 – 1994).C. ALGUNAS OBRAS DRAMÁTICAS REPRESENTATIVAS DE LOS PERÍODOS HISTÓRICOS. y el juicio y exculpación de Orestes (Las euménides). El círculo de tiza caucasiano. 8. Ionesco considera que el hombre cae en el absurdo y en la incomunicación cuando se aleja de sus raíces religiosas. Junto con adaptar textos y ejercer la crítica teatral.

Una noche. que lo destierre. Desesperado. Yocasta. en dolor y muerte. madre de Hamlet. Con la ayuda de unos criados. hija de unos ricos burgueses de la ciudad. había prometido casarse con quien librase a la ciudad del monstruo. • William Shakespeare: “Hamlet” (1604) William Shakespeare. • Fernando de Rojas: “La Celestina” (1499) A fines de la Edad Media. 3. Las acciones culminarán con la tragedia del último acto. al considerar que la maldad y la mentira son la guía de todas las actitudes morales. Yocasta se suicida. intentando cumplir con el mandato de su padre. 2. Calisto consigue relacionarse con Melibea. Escribió Hamlet entre 1600 y 1601. • Lope de Vega: “Fuenteovejuna” (1619) . En esa contraposición de placer y dolor. y de la vieja alcahueta Celestina. ahorcándose. está la esencia del conflicto de la obra. se convierten en placer prohibido y. que en un principio lo rechaza. A comienzos del siglo XVI se comienza a llamarla Celestina en vez de Calisto y Melibea. Calisto muere al caer de la tapia del huerto. que ejercen en él un paulatino proceso de degradación moral. fatalmente. ante lo cual ella se suicida. Sucumbe agobiado por el papel que le obliga a representar la fatalidad de las circunstancias. Estructuralmente. La jovialidad juvenil y pura del amor y el proceso del romance cada vez más apasionado. Las revelaciones del adivino Tiresias hicieron conocer a Edipo y Yocasta la tragedia de que eran protagonistas. que actúa en rebeldía frente a su entorno. con un broche del vestido de ella. tras una visita clandestina al jardín de Melibea. Edipo solicita a Creonte. surge una obra dramática que se anticipa a la dramaturgia moderna. La trama básica se sintetiza así: el joven y rico Calisto se enamora apasionadamente de Melibea. el tema central de esta obra es la venganza que debe cumplir el príncipe de Dinamarca. basándose en un texto dramático sobre las querellas dinásticas en la Dinamarca del período medieval.reina viuda. Se publicó en Burgos. sin embargo. con quien tuvo cuatro hijos. loca de desesperación tras la muerte de su padre. 1499. Polonio. muerto por el príncipe al creer que era su tío Claudio. cuyo espectro le revela que fue su tío Claudio quien lo asesinó para usurpar el trono y casarse con la reina Gertrudis. reflexivo. su cuñado y sucesor en el trono. por mandato expreso de su padre. enamorada de Hamlet. RENACIMIENTO. se ahoga en el río a orillas del cual cogía flores. incapaz de vivir sin su amante. Hamlet es el hombre contemplativo. y Edipo. justo en el tránsito final de la Edad Media al Renacimiento. no se centró tanto en la trama histórica como en la tragedia personal del joven Hamlet. acosado por dudas. Pármeno y Sempronio. Edipo resolvió el enigma y se casó con su madre. inglés. que lleva a la muerte al propio protagonista. PERÍODO MEDIEVAL. quedando ciego. Ofelia. con el título de Tragicomedia de Calisto y Melibea. se hiere los ojos. La obra fue compuesta durante el reinado de Isabel y Fernando (1474–1504). El príncipe se sumerge en un pesimismo existencial. de amor y muerte. desarrolló las ideas y conceptos del Renacimiento sobre el ser humano.

El desenlace es reflejo del sentido popular de la monarquía. frente al sepulcro del comendador. Naufragan y llegan a nado a una playa de Tarragona. Responde al planteamiento de un conflicto entre la nobleza y el pueblo: el comendador Fernán Gómez de Guzmán burla a numerosas mujeres del pueblo de Fuenteovejuna. el rey Basilio. el monarca le da un narcótico y lo lleva a palacio: Segismundo actúa en forma abominable. invitación que es aceptada. el duque Octavio. conquistador incansable. don Juan logra huir en compañía de su criado. el gracioso Catalinón. y éste. El rasgo predominante del Tenorio es su insatisfacción permanente. Nueva huida del burlador y su criado y. los filosóficos. Don Juan la toma para sí y continúa su camino. se burla e invita a la estatua a cenar a su casa. atropella la autoridad de los alcaldes. agitada por un anhelo desbordante de comunión con la divinidad. La idea expresada en el título de la obra de Calderón se desarrolla admirablemente en los monólogos de Segismundo. y la duquesa Isabela. haciéndose pasar por el marqués de la Mota. la bella Aminta. cambiado interiormente por su experiencia anterior. castiga injustamente a los hombres. lamentaciones pronunciadas desde la prisión en que su padre. pero al escapar lucha contra el comendador don Gonzalo. Protegido por su tío. él la ha burlado haciéndose pasar por su prometido. éste intenta engañar en Sevilla. Su principal comedia filosófica es La vida es sueño. proyectan la visión de una humanidad ideal. en el camino. A fin de probarlo. Al fin. donde la pescadora Tisbea se enamora perdidamente del náufrago. Es un pensamiento semejante al de la vida como comedia. En Sevilla. pues los rebeldes valientemente atribuyen el hecho a todo el pueblo. pero el pueblo se subleva a favor del heredero. Muchos sermones religiosos de la época insistían en la consideración de la vida como un sueño del que se despertaba en la muerte. con lo que Basilio cree confirmados los pronósticos y hace regresar al hijo a su prisión. El pueblo se rebela dando muerte al tirano. Pedro Tenorio. Así recibe castigo el burlador. PERÍODO BARROCO. • Tirso de Molina: “El burlador de Sevilla” (1630) La obra aparece por primera vez en una colección de comedias publicadas en Barcelona el año 1630 con el nombre El burlador de Sevilla y convidado de piedra. nuevo encuentro con una muchacha humilde. lo ha confinado para evitar que se cumplan infelices presagios. a doña Ana de Ulloa. . El protagonista es Juan Tenorio. resiste las infames pretensiones del comendador. Sus dramas religiosos y. Comienza la obra con el diálogo entre el Tenorio. padre de Ana. Laurencia. los Reyes Católicos perdonan la rebelión.Un ejemplo típico del carácter popular de la propuesta dramática del español Lope de Vega es Fuenteovejuna. Los jueces no consiguen averiguar quién es el autor del crimen. don Juan da la mano al comendador y se abrasa en su fuego. y le da muerte. a la que Lope de Vega respetaba y amaba con absoluta fidelidad. Cuando la cena termina. seductor y burlador de jóvenes incautas. asimismo. embozado. 4. hija de uno de los alcaldes y prometida a Frondoso. quien la consigue a la fuerza después de apresar al novio el mismo día de la boda. que celebra sus bodas con el labriego Batricio. pues en ambos aquélla es algo meramente transitorio y que se justifica sólo por el más allá. • Pedro Calderón de la Barca: “La vida es sueño” (1636) En las creaciones dramáticas de Calderón se concentra todo el valor creativo del Barroco español.

apuesta contra Dios. el demonio. que logró la prohibición de Tartufo por cinco años. hizo de él no sólo el más célebre escritor alemán de todos los tiempos. que pretende descifrar racionalmente el misterio del ser. Y el estilo cómico es su recurso infalible. Tartufo es un personaje representativo de la sociedad francesa que vive de las apariencias en el siglo XVII. Mefistófeles. Es quien presume de católico. La culpa de esta falsa realidad la tiene la madre de Paquita. don Carlos. Prevalece la búsqueda de lo inmutable y lo infinito. 5. Del mismo modo. entre hombre y naturaleza. Al comienzo del Fausto.asume el poder y actúa con justicia y bondad. EL PERÍODO ROMÁNTICO. bajo la apariencia de un virtuoso asceta. Orgón. generosamente renuncia a la mano de su prometida. a punto del suicidio. Por medio de un diálogo de enorme sutileza y fuerza cómica. después. La primera parte del Fausto se publicó en 1808 y la segunda parte. y sólo es desenmascarado cuando intenta seducir a la dueña de casa. Goethe presentó la lucha de un hombre entre el anhelo de elevación espiritual y el apego a lo meramente terrenal. El argumento muestra a Paquita. Racine y La Fontaine. los bienes de éste. el dramaturgo presentaba la figura de un hombre sensual y lujurioso que. se trata de apartar a Fausto. la confianza de un honesto burgués. La mirada de Moliére devela los vicios que la sociedad francesa de la época debe corregir. puso en contra de Moliére al clero católico. 6. una muchacha joven. formaliza un pacto con Mefistófeles. en el cual éste le ofrece la felicidad a . son Moliére. en 1664. sino una de las más geniales e influyentes figuras de la literatura universal. anhela fervorosamente los bienes materiales y con una pseudodevoción disfraza sus reales intenciones. El desarrollo del conflicto del triángulo amoroso sirve para mostrar vicios sociales y enseñar normas de comportamiento. • Leandro Fernández de Moratín: “El sí de las niñas” (1806) La comedia titulada El sí de las niñas es la más clara exponente de las ideas y la sensibilidad neoclásicas en España. • Moliére: “Tartufo” (1664) En Francia. al desconocer los verdaderos sentimientos de su hija. los escritores más representativos del período neoclásico. enamorada de un apuesto militar. • Johann Wolfgang von Goethe: “Fausto” (1808 y 1832) La inmensa obra de Goethe. en el mismo año de la muerte del escritor. sobrino de don Diego. de su afán y búsqueda sincera de la verdad. logra aprovecharse de la confianza de su protector e incluso volverlo contra su familia. Insatisfecho de las respuestas racionalistas. época de Luis XIV. PERÍODO NEOCLÁSICO. primero. La crítica de la hipocresía religiosa que parecía subyacer en el texto dramático. Cuando don Diego se entera de que ambos jóvenes están enamorados. Segismundo busca ahora la vida superior que no perece. y. que intentó reflejar la armonía entre la razón y sentimiento. ignoran los sentimientos de la joven las religiosas del convento donde se ha educado. prometido oficial de la muchacha. Este último ignora el amor que existe entre ambos jóvenes. desengañado de la fortuna del mundo. investigador infatigable. 1832. Fausto. Su piedad es una farsa que le permite obtener. El mayor éxito de Moliére fue el estreno de Tartufo.

después conyugal. Mefistófeles no logra hacer olvidar a Fausto a su amor. esclavo del código social. Margarita. no obstante. • José Zorrilla: “Don Juan Tenorio” (1844) José Zorrilla. se convirtió en el más duro fustigador de los convencionalismos e hipocresías sociales de su época. quiere ser un esclavo de la hija del comendador. • Henrik Ibsen: “Casa de muñecas” (1880) Henrik Ibsen. Pero la diferencia fundamental entre ambos don Juanes consiste en que el de Zorrilla se enamora definitivamente de doña Inés y aspira a formar con ella un hogar. Don Juan ha sufrido un cambio completo. la protección. • George Bernard Shaw: “La profesión de la señora Warren” (1898) . proclamando que pueden salvar “al que no cesa de esforzarse”. para salvarle de una grave enfermedad. sin embargo. Don Juan simboliza al hombre libre. individualista. PERÍODO REALISTA. Con todo. en su drama fantástico–religioso. La petición de un préstamo con la firma falsificada de su padre ha sido motivado por el amor hacia su esposo. Ibsen logra. De esta unión nace Euforión. 7. por lo mismo. ya no quiere dar prueba de su poder. sin pensar en el castigo divino por su irreverente existencia. donde a él se le representa como depositario de la razón. la capacidad de reflexión y cálculo. encarcelada por infanticidio. Fausto es rejuvenecido y su pasión se desborda. En ésta se mantienen constantemente los caracteres distintivos del protagonista y. ávido de vida y afán de superación. Nora oculta un secreto que irá rompiendo progresivamente ese feliz y artificial reparto de papeles. de muñeca necesitada de protección y tutela. denunciar a través de su personaje la esclavitud de las apariencias y la obsesión de la época con la salvaguarda y protección de la reputación social y el honor. la inmadurez. los ángeles la recogen. la sumisión. a través de Nora. pero ocultándole la petición del préstamo para no herirle en su amor propio. El amor de la hermosa y apasionada doña Inés ha de significarle también la salvación eterna. sino ofrecer cobijo y libertad a la gente humilde. Zorrilla también es consecuente al proponer un desenlace feliz. el papel de niña. ofrece renunciar en favor de ésta a su libertad económica y de cualquier otro tipo. el genial dramaturgo noruego. recoge la figura del Burlador de Sevilla popularizada por Tirso de Molina y la adapta a la sensibilidad romántica. ya anciano. aventurero y rebelde que sólo aspira a gozar temerariamente del amor y del mundo. saltar sobre los convencionalismos burgueses de su época. ya que el amor auténtico alcanza la misericordia de Dios. A ella.condición de obtener su alma. el infantilismo. Goethe nos conduce a través de un laberinto de personajes y situaciones al momento crucial de la obra: la unión de Fausto y Elena. el autor debía castigarlo haciéndolo ir al infierno. Terminala primera parte con la pérdida de la amada. primero paterna. en adalid de la lucha del individuo contra las gruesas imperfecciones del sistema. pero el Fausto romántico recibe el don de las fuerzas cósmicas en la segunda parte. Busca en la mujer la virtud. Bajo esta superficie. La trama inicial de Casa de muñecas presenta un matrimonio convencional. Muere y el infierno reclama su alma. el esfuerzo. desenlace opuesto al de la obra de Tirso. el trabajo. Fausto. Por su parte. en airado defensor de la libertad individual. la seguridad en sí mismo: un personaje decepcionante.

Fue. La comedia termina con el desalojamiento de la casa. Ibsen el autor que más influyó en su vocación como dramaturgo. la creación dramática rompe con la tradición inmediata y entra en un período renovador.Las comedias del escritor británico George Bernard Shaw plantearon por medio de la ironía y la sátira intelectual los problemas y contradicciones morales de la sociedad de su tiempo. finalmente. La cantante calva es la comedia prototipo del período. ahogada en la monotonía y el tedio de su propia vida. ¿y la cantante calva?” Respuesta: “–Sigue peinándose de la misma manera. que han preferido llegar a la ruina antes que destruirlo. • Antón Chéjov: “El jardín de los cerezos” (1904) El ruso Antón Chéjov. verdadero jardín encantado. Su título alude a un personaje desconocido. Anne Fierling. Como una acusación a la moral sexual escribió La profesión de la señora Warren. basándose en la ideología marxista. Expone los diálogos entre dos matrimonios. dramaturgo francés de origen rumano. Bertolt Brecht. En esta obra. la obra de Eugéne Ionesco. el protagonista es el mismo jardín de los cerezos. en el que el público queda fascinado por la intriga e inmerso en ella. Dos de sus hijos van al frente y su hija muda permanece con ella. mediante un realismo poético. • Bertolt Brecht: “Madre Coraje” (1941) En el siglo XX. pero sucumbe ante el poder destructivo de la guerra. abatido por las despiadadas exigencias de la vida de los negocios. 8. estableció un punto de referencia conocido como teatro del absurdo. • Eugéne Ionesco: “La cantante calva” (1950) En la expresión dramática del siglo XX. trató magistralmente la lenta agonía de la burguesía rusa... mientras el ruido del hacha anuncia el corte del primer cerezo. conocida entre los soldados por Madre Coraje. En esta obra. y esta cualidad extraordinaria lo situó en un alto nivel artístico. Ella es un ejemplo de supervivencia y de la necesidad de estar al límite para apreciar lo esencial y lo que realmente importa. En su prólogo expresa: “. que él oponía al “teatro culinario”. se las valora y se las sobrecarga de trabajo de manera tan vergonzosa. desarrolló su teoría del “teatro épico”. sino simplemente el hecho de que a las mujeres se les paga. lo que lo llevó a obtener el Premio Nobel de Literatura en 1925. y de él se considera que adoptó la fórmula del drama de ideas.” La obra carece de argumento.” Shaw fue un creador genial de conversaciones. es una cantinera que sigue a los ejércitos suecos o imperiales por los campos de batalla.fue escrita en 1894 para llamar la atención acerca de que la verdadera causa de la prostitución no es la depravación femenina ni el desenfreno masculino. el jardín cae. diálogos y discusiones llenos de inteligencia y de ingenio. PERÍODO CONTEMPORÁNEO (SIGLO XX). desde la que cada cual se encaminará hacia su nuevo destino. una . pero demasiado tarde para salvar a sus propietarios. que las más pobres recurren obligadamente a la prostitución para sobrevivir. Madre Coraje trata de sobrevivir con su hija y con su carro vendiendo mercancías donde puede. arrastrando su carro en el que vive y duerme y en el que transporta sus bienes y familia. La acción dramática queda supeditada al contenido ideológico. sin duda. que se menciona en un diálogo incoherente: “–A propósito. con sus árboles siempre en flor y en cuya espesura cantan los pájaros. los Smith y los Martin.

Desarrollo histórico. diálogos que. en que se asocian. en la segunda parte del siglo veinte. Egon Wolff. Valores sobresalientes de esta época son: Fernando Cuadra. La Ciudad de Dios. en grotescas marionetas. donde los caracteres y el ambiente provincianos aparecen estudiados prolijamente. costumbrista y simbólico. Además. Prevalece en sus producciones una nota de soledad. Alejandro Sieveking y Marco Antonio de la Parra. Los temas se universalizan y salen del retrato regional. Sergio Vodanovic. expresada en un neorrealismo y en un concepto de antiteatro. Luis Alberto Heiremans. quien demuestra gran habilidad en el manejo de los diálogos. especialmente en Pueblecito (1918). Es considerado el dramaturgo chileno más completo del siglo XX. Las murallas de Jericó. símil de Brecht o Ionesco. tras lo cual se ilumina la escena con la presencia del matrimonio Martin. movido drama de asunto rural. son trágicos monólogos. la creación de compañías teatrales autónomas. incentiva la participación de excelentes dramaturgos. 2. Desde la fundación del Teatro Experimental de la Universidad de Chile (1941) y del Teatro de Ensayo de la Universidad Católica (1942). Obras: Las Medeas.sirvienta y un capitán de bomberos. La creación dramática en Chile amanece con el movimiento intelectual de 1842. En esta etapa se enfatiza el detallismo costumbrista del realismo. Se destacan las características psicológicas del hombre de clase media o de extracción campesina. empiezan a notarse las influencias del comediógrafo y actor español Manuel Díaz de la Haza. A través de frases hechas carentes de significado. en realidad. El final de la obra muestra las simultáneas intervenciones de los personajes con destemplados gritos en la oscuridad. Ionesco convirtió a sus personajes en seres grises que se debaten en una existencia igualmente gris. Jorge Díaz. Pertenece también a este período Germán Luco Cruchaga (1884–1936) con su éxito La viuda de Apablaza (1928). paradojas e incoherencias. La figura sobresaliente del período es Armando Moock (1894–1942). A esta etapa pertenece Daniel Barros Grez (1834–1904). como el teatro ICTUS. lo irónico con lo crítico. Dramaturgos representativos contemporáneos. sabe aunar con tino lo poético y lo prosaico de la vida. Sus diálogos son fluidos. expresando el mismo diálogo que pronunciara el matrimonio Smith al comienzo de la obra. Ha creado obras de tipo histórico. Fue el primero en revelar psicológicamente nuestra sociedad. Surge una visión trascendentalista y una búsqueda de la “chilenidad” en sentido profundo y no meramente costumbrista. especialmente hacia fines del siglo XIX. • Fernando Cuadra (1925). En pocos dramaturgos es tan visible como en Luis Alberto Heiremans la unidad temática mantenida en la producción. hubo un salto cualitativo muy importante en la dramaturgia chilena. Toda ella está encadenada por un sentido de soledad cósmica . Entre sus obras destacan Como en Santiago (1875) y Cada oveja con su pareja (1879). A mediados del segundo decenio del siglo XX. • Luis Alberto Heiremans (1928–1964). cuyos ridículos diálogos sirvieron para denunciar la ausencia de comunicación en las relaciones humanas. La niña en la palomera. sentado junto a una chimenea. EL GÉNERO DRAMÁTICO EN CHILE 1.

el sentenciado. Obras: El senador no es honorable. El velero en la botella. Semejante a la narración de la Pasión de Cristo. dueña de un prostíbulo. Este hombre. Deja que los perros ladren. va inexorablemente al sacrificio. incluyendo el humor y el caos. decidido a recuperar su autoridad moral frente a la familia. José. Un médico funcionario del Servicio Nacional de Salud no cede a las presiones para declarar insalubre un diario de oposición. Ha vivido largos años en España. Obras: Parejas de trapo. un burgués de vida holgada. La obra analiza una situación de tipo generacional. Así. Obras: La jaula en el árbol. Octavio despierta de su egoísmo y apoya a su padre en la lucha por sus principios. el funcionario cede y se clausura el diario. Buenaventura. • Sergio Vodanovic: “Deja que los perros ladren” (1960). con algo de humor. Los invasores. • Sergio Vodanovic (1926). Ceremonia ortopédica. El tony chico. Solo. conflicto entre padre e hijo. pintor y dramaturgo. la ambigüedad y la ruptura de la unidad de acción.en diferentes grados de complejidad. La acción transcurre durante los preparativos y festejos de una fiesta religiosa. no puede entender la actitud de su padre. No obstante. siente compasión por él. de incomunicabilidad. que no se siente comprometido ni llamado a actuar en pro de un ideal social. traído y llevado como un animal. Su estilo recurre al simbolismo. • Egon Wolf: “Los invasores” (1963). Versos de ciego. representada en escenarios de América y Europa. Flores de papel. tendiendo siempre a un “teatro de ideas”. su antítesis. Obras: El cepillo de dientes. Su obra es un testimonio paródico de su época y ha girado en torno al absurdo. escarnecido e injuriado. La niña madre. un carabinero. es traicionado y tomado prisionero. de angustia metafísica. un bandido llamado “El Abanderado”. que cumple con los requisitos de salubridad. quien no quiere reconocer en el condenado a su hijo. herido en su orgullo de hombre. Ha planteado en sus obras dramáticas la situación de conflicto generacional. decide luchar cualesquiera sean las consecuencias. Solo y débil frente a sus opositores. El pueblo lo maldice. Arquitecto. • Jorge Díaz (1930). Tiene un último encuentro con su madre. En la obra de Heiremans aparece como elemento constante una bondad natural del hombre. y al lenguaje poético. Un grupo proletario.del hombre. desnuda los estratos más escondidos y sórdidos del ser humano. Sólo una persona. mostrando problemas de tipo político y social en relación con una clase media temerosa. La trama se sintetiza así: Lucas. • Egon Wolff (1926). 3. Busca desenmascarar y denunciar un mundo falso y corrupto. se inicia su peregrinaje hacia el lugar de su ejecución. El Abanderado. Obras dramáticas representativas. invade su casa. ve durante un sueño el despertar y reivindicación de una clase oprimida. • Luis Alberto Heiremans: “El Abanderado” (1962). Nos tomamos la universidad. Su hijo Octavio. Es autor de una abundante y valiosa producción dramática. arribista. encabezado por “El China”. Espejismos. que en situaciones límites descubre valores que lo redimen. vulgar y llena de egoísmo. El locutorio. Con la lectura de su sentencia. rebate y destruye cada uno de los .

Admira y envidia la vida de las estrellas de cine. aliena todo lo que se filtra en el subconsciente a través de los medios masivos de comunicación. el dramaturgo puede hacer uso de algunos elementos técnicos. • Fernando Cuadra: “La niña en la palomera” (1967). Sueña con vivir un romance “de película”. los que serán explicados más adelante. que se extravía inexplicablemente. . Manuel la trata violentamente y ella lo abandona. pero en ese momento ve una mano que se introduce para abrir la puerta. es una realidad que tendrá que enfrentar. • La obra dramática es sólo literatura. Transcurren quince días y Ana. pero su versión definitiva data sólo de 1965. que creyó inexistente al despertar. explica y justifica su sistema de vida. cuadro. chofer de micros. hija adolescente de una familia modesta. una o más acciones en un espacio y tiempo determinado.argumentos con que Lucas defiende. posee una virtualidad teatral. Inicia un pololeo con Manuel. acotación. en ausencia de su esposa. El objetivo de su creación es su representación. amenaza a Manuel con abandonarlo. El título de la obra obedece a que entre los dos integrantes de la pareja. Manuel lleva a Ana a vivir a su casa. y que ese mundo amenazante. no acepta la realidad de su mundo. es una creación de lenguaje concebida por un autor llamado dramaturgo. Así “conversan”: él comenta algunas absurdas curiosidades de lo que lee. falso y ajeno a su medio social. como: acto. los hace dialogar y comunicarse para expresar sentimientos. La obra está concebida como la premonición de la culpabilidad de una clase que niega el cambio social. él lee el diario y ella escucha radio conectada con el auricular. culpándolo ante todos de haberla raptado. Se fabrica un mundo frívolo. Esta obra sirvió para el debut público de Jorge Díaz. escena. Ana. Rechazada en su casa. aunque muchas de ellas no logran este propósito. es decir. Desesperado por el miedo de perder a Ana. ya que subió a escena en 1961. tema predilecto del “teatro del absurdo”. La obra tiene un marcado acento de crítica social. 1 OBRA DRAMÁTICA Y OBRA TEATRAL Antes de hablar del género dramático es necesario tener clara la diferencia que existe entre obra dramática y obra teatral. decepcionada de estar encerrada. Para la creación de una obra dramática. aparte y mutis. a partir de un conflicto. la posibilidad de ser representada. es decir. En una pareja humana. fomentada por los artefactos electrónicos que alienan. o palomera. ella responde con alusiones a lo que escucha por la radio. por tanto. pensando que la aventura la acercará a sus ilusiones. la incomunicación. Ahora sabe que detrás de esa mano viene un grupo de seres humanos que exige condiciones de vida que les han sido negadas hasta ese momento. quien inventa y desarrolla. sólo el cepillo de dientes de él. Para Jorge Díaz. parapetados en la radio y la lectura. En síntesis. hombre casado. Regresa la esposa. Lucas despierta de su pesadilla. • Jorge Díaz: “El cepillo de dientes” (1965). Ana se marcha sin saber qué rumbo tomará su vida. ocultándola en una buhardilla. recorre su casa. La obra dramática es todo aquel mundo creado por un autor y susceptible de ser representado escénicamente ante un público.

. no más... maquillaje. El mundo se “representa” directamente ante el lector. no quisiera pensar en esto. o el espectador (en el caso de que esté representada). sí. como Hiperión con un sátiro y tan amante de mi madre. ¡Ah. monólogo. vestuario. en un mes. se interesen y se conmuevan. En un mes.! ¿Para qué conservo la memoria? ¡Ella. Capitán: Salió bien gallo entonces. estando solo en el escenario. 2 EL LENGUAJE DRAMÁTICO En el lenguaje dramático predomina la función apelativa. incapaz de razón y discurso.. se casó.. Rememora acontecimientos y descubre el mundo interior del personaje. ¡ah!.... música. En una representación teatral intervienen una serie de elementos que contribuyen a su realización. Ejemplo: “Capitán (A Landa): Parece que fue usted quien le enseñó al chiquillo. enrojecidos aún los ojos con el pérfido llanto. para que los espectadores participen. Es un campo inculto y rudo. pero no más parecido a él que yo lo soy a Hércules. Ella. Landa: Lo ayudé a vestirse. Se presenta a través de los parlamentos de los personajes. Lo demás lo hizo solo. o representación. de la obra dramática (mediante la puesta en escena se muestra de manera directa –audible y visible– el texto). quese le mostraba tan amorosa como si con la posesión hubieran crecido sus deseos! Y no obstante. interpretación... Esa mujer se ha casado con mi tío.! Ni siquiera han pasado dos meses desde la muerte de aquel rey que fue. escenografía. alternando los papeles de emisor y receptor.. tienes nombre de mujer! En el corto espacio de un mes.. nada quiero de él. que ni a los aires celestes permitía llegar atrevidos a su rostro. a través de las diversas formas del discurso de los personajes: diálogo. ella misma se unió a otro hombre. ¡Fragilidad. plantear dudas acerca de las decisiones o compromisos que va a tomar en su debate interno. ¡Cielos! Una fiera. soliloquio y aparte: • EL DIÁLOGO: Intercambio de mensajes entre dos o más personajes. cielo y tierra.. Ejemplo: “ESCENA V Hamlet (solo): “¡Oh! ¡Si esta masa de carne demasiado sólida pudiera ablandarse y liquidarse disuelta en lluvia de lágrimas! ¡Oh Dios! ¡Cuán fatigado ya de todo. juzgo molestos. que sólo abunda en frutos groseros y amargos. o conativa. comparado con éste... hubiera mostrado aflicción durable. dicción. iluminación. semejante a Niobe. y antes de romper los zapatos con que. como actores. delincuente . bañada en lágrimas acompañó el cuerpo de mi triste padre. ¡Que haya llegado a suceder todo lo que veo a los dos meses que él ha muerto.. o voces dramáticas. tiene una estructura dialógica.” (Luis Alberto Heiremans: El Tony Chico) • MÓNOLOGO: Forma discursiva que permite al personaje. ambientación. Landa: Así parece. Es la expresión de pensamientos y sentimientos sin esperar respuesta. es decir. con el hermano de mi padre.! Oh.. insípidos y vanos los placeres del mundo! Nada.• La obra teatral es la concreción.

” (William Shakespeare: Hamlet) • SOLILOQUIO: Forma discursiva en la que el personaje habla en voz alta. Ejemplo: “Hortensio: El bajo está bien. pues mi lengua debe reprimirse. ¡ja.” (José Zorrilla: Don Juan Tenorio) • APARTE: Forma discursiva en donde un personaje habla en voz alta. una cierta complicidad con otro personaje o con el público. estableciendo. a desgraciarse no vaya por poco el paso.. A la cárcel lo llevé y salió. Más allí un bulto negro se aproxima.. estando solo. a mi ver.” (William Shakespeare: La Fierecilla Domada) 3 EL HABLANTE DRAMÁTICO .precipitación.. ocupándolos como sinónimos. ¿Otra aventura? Me alegro. su parte en la grave apuesta defendía cada cual. viven los cielos! Estos son los que dan fama.. suponiendo que los otros personajes presentes en la escena. Pero hazte pedazos. es el bulto una mujer. refiriéndose no a sí mismo. Con él. con presencia de un auditorio no necesariamente identificable. corazón mío.. ya se ve. y por si acaso. llevóme a mí... (Aparte) ¡Qué fogoso y atrevido es nuestro pedante! ¡Por mi vida!. Oh. Muchos autores no advierten diferencias entre monólogo y soliloquio. Su diferencia con el monólogo es muy sutil. y quejarse No puede. mientras le soplo a la dama. parece que el tuno corteja a mi adorada. Ejemplo: Don Juan: ¡Buen lance. Mas con la suerte está mal Mejía. Quien desentona es este bajo bribón. y salí. sino más bien al acontecer... no lo escuchan. además. ¡Pedantuelo! Yo te vigilaré más de cerca todavía.. y también pierde ésta.. hallarnos aquí era fuerza. limpio se juega. y. él se arranca los pelos encerrado en mi bodega. no es de más asegurarse de Lucía.ja!. está en la menor presencia de diálogo y en que supone la presencia de un interlocutor. Sin embargo. ir a ocupar con tal diligencia un lecho incestuoso! Esto no es bueno ni pueda terminar bien.

¿Qué elementos del drama tienen la posibilidad de llegar a ser el eje “hilador” del mundo? Desde luego. A este emisor ficticio se le denomina hablante dramático. el cual se manifiesta mediante: • El lenguaje de las acotaciones: Es la palabra del autor fuera del mundo de los personajes. y otra descendente. para terminar con una nueva situación de equilibrio o desenlace. LA ESTRUCTURA DE LA OBRA DRAMÁTICA. Progresa presentando la pugna de fuerzas en conflicto. 3. lo que permite saber sobre su división externa. estas fuerzas son portadas por agentes y llevan a una crisis. en el texto se reconoce por estar escrita entre paréntesis. aunque a veces está destinada al actor y hasta al lector. los personajes que participan. la acción y el conflicto constituyen los elementos centrales de la ordenación del mundo dramático. • La organización de la multiplicidad de voces dramáticas (parlamentos de los personajes). pero desde una limitada perspectiva de conocimientos.1.1 Estructura interna El mundo dramático se construye a partir de un eje organizador capaz de lograr la virtud específica del género. que son en definitiva las que nos dan a conocer las acciones del mundo dramático. letra cursiva o negrita. El conflicto se configura una vez que el lector–espectador tiene conciencia de cuáles son las fuerzas en pugna y los objetivos que cada una persigue. aquella que se extiende entre el clímax y el fin.1. Se presenta como una línea que se desplaza desde un punto inicial a un término. la situación original del conflicto y su desarrollo sólo puede provenir de los personajes. los ideales. • Toda la información escrita que estructura la obra (información estructurante). el amor. tales como la virtud.El emisor ficticio de la obra dramática cumple una función semejante a la del narrador.1 La acción dramática Es un esquema dinámico que se distiende a partir de una situación inicial conflictiva. La acción comienza con la exposición de una situación de equilibrio precario y de los elementos que atentan contra ese equilibrio. pugna de fuerzas y resultado o desenlace. La acción corresponde a un proceso de desarrollo del conflicto en términos de planteamiento. aquella parte que abarca desde el comienzo hasta el clímax. De tal modo. entregando información y organizando el mundo dramático. para que imagine mejor la acción. El conflicto no puede concebirse como antagonismo de fuerzas abstractas. sino como antagonismo de elementos concretos. Se distingue una acción ascendente.2 El conflicto dramático El conflicto se define como una tensión entre las fuerzas que se oponen. el receptor de ellas suele ser el director que pondrá en escena la obra. después de experimentar diversas tensiones y distensiones. . 3. entre otros. 3.

2 Estructura externa Los elementos internos (acción y conflicto). El término de esta fase de desarrollo del conflicto y de la acción dramática. En lo formal. fracaso. apelación a la venganza y recuperación del honor mediante el matrimonio con el ofensor –Astolfo–. Al pasar de un acto al otro. 3. La eliminación del obstáculo (triunfo del protagonista) o la anulación de su energía (triunfo del antagonista). . (suceso. • Incidente: Unidad mínima de la historia. culminación. su propósito. se articulan u organizan formalmente a través de unidades claramente diferenciadas que constituyen la estructura externa de la obra dramática. liberación y conversión). por expresa voluntad de Segismundo) Como vemos. La división en tres actos proviene de las partes que Aristóteles distingue en la tragedia: principio. la intriga corresponde a los acontecimientos a través de los cuales se realiza la acción total.• La presentación del conflicto consta de cuatro fases: la entrega del protagonista. la mostración del obstáculo (antagonista) y. en “La Vida es Sueño”. serie de conflictos u obstáculos que se producen en el desarrollo de la acción y que los protagonistas han de superar para el logro de sus objetivos. desarrollo y desenlace del conflicto dramático. y consiste básicamente en la eliminación del obstáculo o la desaparición o anulación de la energía del protagonista. el cambio de acto está indicado por la subida y bajada del telón de boca. aumenta la tensión del conflicto. hay dos intrigas paralelas que convergen al final: o Segismundo (puesta a prueba. y corresponden a la disposición de la forma interior en exposición. • Acontecimientos: unidad mínima de la intriga. basada en la distinción de cinco partes inherentes a la acción dramática: exposición.3 Conceptos relacionados con la acción dramática • Intriga: entramado de los incidentes. reclusión. • El desarrollo del conflicto corresponde a la serie de esfuerzos que realizan ambas fuerzas para superar a la antagonista. por último. el encuentro de las dos fuerzas. o Rosaura (deshonra. grueso cortinaje que separa el escenario del espectador. Acto: Se define como cada una de las unidades mayores en que se divide la forma externa de un drama. el momento de mayor tensión en el choque de fuerzas. La división en actos se relaciona con la disposición que se desea dar a la forma interior. medio y fin. Por ejemplo. Suele incluir más de un incidente. declinación y desenlace. está marcada por el clímax o crisis máxima. • El desenlace dramático se manifiesta a partir del clímax hasta el término de la obra. a. búsqueda del ofensor. La otra división tradicional del drama es en cinco actos. intensificación. es un proceso que puede realizarse de un modo abrupto o gradual. El conjunto de sucesos enmarañados y complicados de tal manera que permiten que el lector o espectador se sienta “intrigado” hasta el desenlace.1. 3. hecho).

Escena: Fragmento del drama cuyo principio y fin están determinados por la entrada y salida de personajes.b. es el personaje principal. indican los distintos cuadros. A este conjunto de relaciones tensionantes que mantienen entre sí los personajes y que los impulsa a actuar se le llama situación dramática. Un drama bien logrado requiere tanto de una acción atrayente como de buenos personajes. Debido a lo anterior. es el personaje opositor. más breve que el acto. Su tarea principal consiste en buscar la solución del conflicto para conseguir el objetivo o propósito que persigue con sus acciones. En consecuencia. Cuando la escena coincide con la entrada y salida de personajes agentes en el conflicto. El elemento fundamental de la situación dramática es el conflicto. es el personaje más relevante de la obra dramática. El lector no adhiere a su causa. El lector adhiere a su causa. elementos fundamentales del mundo dramático. sino que se suma con su fuerza a la del protagonista o a la del antagonista. . su participación es importante para el desenlace de la obra. el malo de la historia dramatizada. Es el bueno de la historia dramatizada. Encarna o representa a la otra fuerza en pugna. Cuadro: División de la obra dramática en su forma externa. su accionar está dirigido a respaldar a una de las fuerzas en conflicto. Es el que con mayor frecuencia aparece en la trama y sobre el cual recae el peso de la acción. es decir. Se relaciona con la ambientación física. situación que se origina de las relaciones que cada personaje tiene con los demás. Los cambios de la escenografía en la puesta en escena. simpatiza con ella. coincide también con unidades de la acción interna LOS PERSONAJES DRAMÁTICOS. no simpatiza con ella. que se opone a la fuerza dramática del protagonista. El conflicto es representado de la siguiente forma: uno o más personajes quieren lograr algo y otro u otros personajes se oponen y tratan de impedirlo. Cada situación dramática impulsa a los personajes a la acción. Encarna o representa a una de las fuerzas en conflicto dentro de la obra dramática. Los personajes de una obra dramática viven constantemente una situación que los incita a actuar con urgencia. b) Antagonista: es considerado también un personaje relevante dentro de la obra dramática. Alrededor de él se teje la historia. la desaparición o la derrota de una de las fuerzas en lucha. los personajes son los agentes de la acción. ya que su propósito u objetivo fundamental es impedir que el protagonista llegue a concretar sus anhelos. c. vale decir. c) Secundario: es aquel que no representa una de las fuerzas en conflicto. Es considerado. por ende. esto es. En síntesis. Tipos de Personajes según su rol: a) Protagonista: es el centro de la acción.

sino existencial: su elevación proviene de la vivencia trágica misma y del modo de asumirla. su personalidad es polifacética siendo capaces de sorprender con un cambio o variación significativa. sino que se le considera representante o portador de las características de un determinado grupo. por sobre los caracteres: la situación crea el carácter. experimentan cambios conjuntamente con el desarrollo de la acción. signo de liberación. Se caracteriza por tener como elemento básico a la acción. El espectador debe hacer caso omiso de la piedad. cuyos vicios y extravagancias son elevados al extremo. De allí surge lo cómico: una súbita mutación hacia otra área del ser. Modifican su modo de ser. es decir. Se comportan de una misma manera desde el comienzo al término de la obra. LAS FORMAS DRAMÁTICAS A) Formas dramáticas mayores a. e) Alegórico: es un personaje que encarna un solo defecto o virtud. que hablan y actúan por sí mismos. de ruptura de los límites humanos. portadores de una acción carente de elevación y con desenlace agradable. Por lo tanto. cuya finalidad es producir una catarsis. b. temor y conmiseración en el receptor (lector o espectador). estamos hablando de un personaje simbólico al que se le otorgan las características de las abstracciones que representa. Dinámicos. que provoca el alivio de una tensión. representa a muchas otras. del . Al carácter “elevado” de los personajes se tiende en la actualidad a interpretarlo no ya en un sentido social –carácter “ilustre”–. En relieve: presentan más de un rasgo caracterizador.d) Colectivo: es aquél que no se singulariza. o evolutivos: varían. se logra transponer ideas o entes abstractos en personajes dramáticos que poseen entidad propia. y que termina necesariamente con un acontecimiento nefasto. El mundo de la comedia es de estructura esquemática y sus personajes son “tipos”. del temor. Tragedia Es una obra dramática donde figuran personajes ilustres. no evolucionan. Comedia Género dramático que se caracteriza por presentar personajes “inferiores”. La acción de la tragedia tiene como algo propio de ella el conducir de la dicha a la desdicha. Pese a ser una sola persona. Por el procedimiento de la alegoría. Tipos de Personajes según la complejidad de los rasgos que los constituyen: Planos: presentan un solo rasgo dominante y absorbente. Tipos de Personajes según su modificación durante el desarrollo de la acción: Estáticos: invariables en sus rasgos. Se provoca así la risa.

respeto.) B) Formas dramáticas menores a. ejecutar”. • Drama histórico. Ejemplo: “Ricardo III”. era un drama religioso. Tiende a estructurarse en torno a un conflicto único y con el mínimo de personajes. más que en la historia. sus personajes representan no a individuos. o de tesis: presenta problemas de una época o momento político. para concentrarse en lo inesperado o en lo estúpido de una situación. A partir del siglo XVIII. alegórico y breve. Su función es iluminar diversos aspectos del personaje central y de su evolución. en la leyenda y en la tradición. se utiliza para designar un sub–género teatral en el que se produce la síntesis equilibrada de la comedia y la tragedia. Ejemplo: “La Vida es Sueño”. personificando la conciencia en sus diferentes clases. Ejemplo: “Fuenteovejuna”. de Calderón de la Barca • Drama social. de William Shakespeare • Drama psicológico: el drama psicológico retrata las luchas interiores del alma. cuyo argumento se tomaba de las Sagradas Escrituras. Ejemplo: “La Ópera de Tres Centavos”. Ejemplo: “El Caballero de Olmedo”. Ejemplo: “Otelo”. Auto: en general. Ejemplo: “El Auto de los Reyes Magos”. por eso se ha tomado como un concepto genérico que se aplica a cualquier obra dramática. de Lope de Vega • Drama de personaje: aquel cuyo sustento es el personaje central como individuo. de Bertolt Brecht. de autor anónimo . Su objetivo es iluminar diversos sectores del espacio social. o legendario: se basa. de William Shakespeare (Es necesario considerar que muchas obras pueden ser clasificadas en más de un tipo de drama. sino a la humanidad. Entonces la risa produce un tipo de catarsis. Drama La palabra Drama. proviene del griego que significa “hacer. c. actuar. así como al desarrollo lineal de la acción. o de una clase social. Se pueden clasificar de acuerdo a su contenido en: • Drama de acción: aquel cuyo sustento es la acción misma. de Lope de Vega • Drama de espacio: aquel sustentado por los personajes en cuanto portadores de espacio. Ejemplo: “Hamlet”. de modo que lo importante es la acción. de William Shakespeare • Drama filosófico: pone en escena los grandes problemas del destino humano.

. Son creaciones netamente españolas. de Gil Vicente. h. Auto Sacramental: son representaciones simbólicas de la Sagrada Eucaristía. Antiguamente se utilizaba para la representación. Sainete: es una comedia de asunto popular en un acto. 5) Dramaturgo: escritor de Obras Dramáticas. Es un retrato satírico de costumbres realizado en tono de bufonada carnavalesca. Ejemplo: “Introito de La Celestina”. a fin de que los actores no olviden el parlamento de los personajes. vulgar. de Fernando de Rojas. dando así un avance del tema de la obra que se va a representar. se representaban en día del Corpus en todas las ciudades de España. 6) Escenario: parte del teatro destinado a la representación. Esperpento: farsas en tono grotesco (es propia de España) Ejemplo: “Luces de Bohemia”. Ejemplo: “Farsa de los Dos Físicos”. normalmente de planta oval. mezclado con el lenguaje elevado o culto. Farsa: pieza cómica breve. se refiere a los principios orientadores para la composición de obras. o “Tragicomedia de Calisto y Melibea”. de Fernando de Rojas. f. d. que solía representarse entre una y otra jornada de la comedia. también se le llama así de modo despectivo a las obras chabacanas o grotescas. e. También se puede encontrar en entreactos. g. a fin de preparar al público para el espectáculo. de Ramón de la Cruz. En la tragicomedia hay un quiebre brusco entre lo trágico y lo cómico. Tragicomedia: obra teatral que funde lo trágico con lo cómico y mezcla personajes de distintos estratos sociales de modo que usa un lenguaje cotidiano. c. de Sánchez Badajoz. ALGUNOS CONCEPTOS RELACIONADOS CON LA OBRA TEATRAL. 4) Dramaturgia: composición de un Drama. Ejemplo: “Las Castañeras Picadas”. tanto en los ensayos como en la representación. Ejemplo: “Códice de Autos Viejos”. es una gran edificación descubierta. Ejemplo: “La Celestina”. 2) Apuntador o Consueta: es quien da los “pies” o parte del parlamento. al decorado o la escenografía. lo que no ocurre en el drama.b. 1) Anfiteatro: en arquitectura. En la tragicomedia hay contraste y se cae en lo caricaturesco y grotesco. Ejemplo: “El Viejo Celoso”. 3) Comediógrafo: escritor de comedias. de Valle Inclán. Loa: era una pieza breve que se representaba al principio de la función y que servía como introducción a la obra principal. Entremés: obra dramática jocosa de un solo acto. de Miguel de Cervantes.

12) Maquillaje: sustancias cosméticas que se utilizan para caracterizar a los personajes. 15) Tramoya: conjunto de máquinas e instrumentos. (RAE) 9) Iluminación: dispositivo escénico (luces) que generan la atmósfera adecuada al tipo de representación. 8) Espectador: el que mira con atención un objeto. El encargado de mover todo esto es denominado Tramoyista. preparación de vestuario. aquellas máscaras tenían una boca ancha que permitía aumentar el volumen de la voz. Los antiguos griegos las usaban en las representaciones teatrales para diferenciar al actor del personaje. Inicialmente el libreto era para la musicalización de la obra. 10) Libreto: texto escrito para la representación. Además. decorado. 16) Tragediógrafo: escritor de Tragedias. 17) Utilería: conjunto de objetos necesarios para la puesta en escena de una obra dramática. utilería. 14) Sonido: elementos acústicos que se utilizan en el teatro para ambientar las escenas de los personajes. a partir de una obra.7) Escenografía: arte de adornar el teatro o de ambientar plásticamente el espacio escénico. 13) Montaje: sinónimo de “puesta en escena”. maquillaje y efectos especiales. ensayos. 11) Máscaras: palabra de origen árabe que significa “antifaz”. con los que se efectúan durante la representación teatral los cambios de decorados y los efectos especiales. 18) Vestuario: indumentaria que caracteriza a los personajes. disposición lumínico–técnica. reparto de papeles. que van desde el mobiliario y decorado hasta la indumentaria de los personajes. . Hoy en día se considera como libreto cualquier texto que contenga elementos técnicos que permitan la representación. y el que asiste a un espectáculo público. Conjunto de actividades previas que permiten la elección del proyecto escénico. Posteriormente se denominó así a la planta de movimientos en ballet. Hoy en día se utilizan para caracterizar a los personajes.