UNIVERSIDAD NACIONAL DE LOJA

ÁREA DE LA EDUCACION, EL ARTE Y LA COMUNICACIÓN NIVEL DE PREGRADO CARRERA DE MÚSICA

MÓDULO III Periodo: Septiembre 2010 – Febrero 2011 MODALIDAD PRESENCIAL
TÍTULO

ELABORADO POR

Dr. José Pió Ruilova P. Lic. Marcos Cañar R.
COORDINADOR

LOJA ECUADOR Septiembre 2010 Febrero 2011 1

“LA MÚSICA EN EL CONTEXTO (DESARROLLO HISTÓRICO-SOCIAL)

MUNDIAL,

LATINOAMERICANO

Y

NACIONAL”

a. PRESENTACIÓN. En el contexto cultural, el desarrollo histórico – social de la música universal, latinoamericana y nacional se constituye en un elemento de fundamental importancia en la formación integral del ser humano, consecuentemente, las instituciones de Educación Superior, en este caso, la Universidad Nacional de Loja, coherente con la misión y visión institucionales, se proyecta al tratamiento de temáticas pertinentes con la formación de los futuros profesionales, para que, con sus haceres y prácticas se inserten con idoneidad e incidan en el desarrollo cultural y social de la ciudad, la provincia de Loja y la Región Sur del país. El sistema político - económico actual, en el marco de la globalización neoliberal, propugna un modelo de sociedad unipolar, que en gran parte coadyuva al enajenamiento de las costumbres y tradiciones de los habitantes de los países menos desarrollados, imponiendo modelos de desarrollo no acordes con los verdaderos intereses de los pueblos y culturas que habitan en nuestro territorio. En este ámbito, la Universidad Nacional de Loja, y específicamente, el Área de la Educación, el Arte y la Comunicación, apoyados en el modelo político académico vigente, como lo es el SISTEMA ACADÉMICO MODULAR POR OBJETOS DE TRANSFORMACIÓN SAMOT, se propone fortalecer la formación profesional de los recursos humanos, en un paradigma humanitario, social y transformador, que coadyuve al fomento cultural en el campo de la artístico – musical y a la valoración de estas manifestaciones a nivel universal, latinoamericano y nacional. El presente módulo, está orientado al tratamiento del desarrollo histórico – social de la música universal, latinoamericana y ecuatoriana, por lo que proporciona una visión contextualizada del desarrollo del arte musical, en el andamiaje histórico – social de la humanidad, por lo que se propone despertar la iniciativa en los estudiantes, brindar el sustento teórico, para que puedan comprender las razones, escenarios y situaciones concretas en las que se construyeron los productos culturales en los diversos periodos, regiones y masas sociales. Sin lugar a dudas despertará en los estudiantes la curiosidad, la creatividad, la apreciación musical, la sensibilidad, el análisis y el planteamiento de propuestas que promuevan un cambio de actitud y predisposición apreciativa - auditiva, fundamentada con pertinentes elementos de juicio. Ponemos, entonces a consideración estos temas, que con el apoyo de la investigación formativa modular, fortalecaréan la comprensión de los mismos, así como también poner en práctica el tratamiento del desarropllo musical mundial, latinoamericano y ecuatoriano desde nuestra práctica, ya sea como docentes de educación musical o instrumentistas, toda vez que, la literatura histórico-musical seleccionada, es de gran pertinencia y trascendencia. El presente módulo será abordado en tres momentos Interrelacionados. El Primero, se refiere a la caracterización y situación actual de la problemática; el Segundo, se orienta a la fundamentación teórica y análisis crítico de la problemática; y el tercero, trata las alternativas que coadyuven a la solución de la problemática investigada. Cada momento posee el sustento teórico necesario y específico, así como las actividades puntuales que debe realizar el estudiante. 2

Sin embargo, de considerar pertinente, están en plena capacidad y libertad de ampliar sus conocimientos y referentes teóricos con bibliografía adicional, para de esta manera propender al logro de aprendizajes significativos.
b.

Considerando los elementos histórico-sociales de la música a nivel mundial, latinoamericano y nacional, se puede evidenciar en los docentes, tanto de Educación Musical, así como en los Instrumentistas que laboran en los centros educativos de la ciudad y provincia de Loja y en las agrupaciones musicales existentes en nuestra ciudad, algunas deficiencias que impiden desarrollar un adecuado tratamiento de estas temáticas en el proceso de enseñanza – aprendizaje, deficiencias que se las resume de la siguiente manera:  DESCONOCIMIENTO DE LOS PROCESOS HISTÓRICO-SOCIALES DEL ARTE MUSICAL A NIVEL MUNDIAL, LATINOAMERICANO Y NACIONAL. La limitación del tratamiento del desarrollo histórico – social del arte musical, sin tomar en consideración el entorno político, social, económico, etc, así como los antecedentes de diversa índole en cada época, desmerece la importancia que la Educación Musical y la Música, que, en la Educación Básica, como parte de la Cultura Estética, y, a nivel superior, tienen el propósito de sensibilizar al ser humano, formar seres humanos con valores éticos, culturales, cívicos y sociales, no se puede admitir que los docentes de Educación Musical y los Músicos Instrumentistas, que laboran en los centros educativos y agrupaciones musicales de la provincia de Loja, respectivamente, presenten vacíos o desconozcan los hechos más importantes que, a través del arte musical han trascendido en las diversas etnias y culturas del mundo, de Latinoamérica y del país, toda vez que constituyen elementos esenciales para comprender el contexto cultural y las razones principales del ser de cada género, época y más detalles específicos que evidencian el rico potencial cultural que encierran. Lo anotado conlleva a un marcado déficit de comprensión y apreciación del arte musical en todos sus ámbitos lo que afecta significativamente al adecuado desarrollo cultural de la sociedad ecuatoriana.  DESCONTEXTUALIZACIÓN EN EL TRATAMIENTO DE LAS ÉPOCAS Y GÉNEROS MUSICALES, MUNDIALES, LATINOAMERICANOS Y NACIONALES. El tratamiento del “contenido por el contenido”, es una antiquísima práctica de un gran número de docentes, no solo del campo específico que estamos tratando, sino, de la mayoría de las asignaturas. Práctica tradicional que parcela el conocimiento, direccionala a un propósito inadecuado, que, lamentablemente, pervive en los momentos actuales. Si consideramos a los contenidos como el QUÉ, en el proceso de enseñanza-aprendizaje, son el resultado de los haceres culturales, producto de teorizaciones que han vivido un proceso de experimentación y de hechos comprobados, mal hacen los docentes en no contextualizar el entorno multidimensional en que se fundamentaron. Todo hecho, acontecimiento, experimento o problema, tiene su contextualización. Mucho más aún cuando tratamos temáticas de orden histórico-social, como es el caso de la Educación Musical y la formación de los instrumentistas, amerita la integración del entorno, la contextualización en la que se dieron los procesos de desarrollo del arte musical.

DESCRIPCIÓN DE LA PROBLEMÁTICA QUE ABORDA EL MÓDULO.

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Esta falencia al no abordar multidimensionalmente los diversos periodos de evolución y desarrollo de las épocas y géneros musicales, origina un criterio empobrecido de la apreciación y aceptación de la cultura musical mundial, latinoamericana y nacional, que debilita el gusto y goce estético.  SIGNIFICATIVA ALIENACIÓN CULTURAL El sistema político-económico-social, producido por el proceso de globalización, ha transgredido toda forma de cultura ancestral-tradicional, y, ha impuesto una unipolarización de la cultura homogenización cultural-, en la que el consumismo, el entretenimiento, la pornografía y la violencia, se han convertido en los “patrones culturales” de actualidad. Preferir lo ajeno y despreciar lo propio se ha convertido en una práctica “muy natural”. Este fenómeno socio-cultural puede evidenciarse, especialmente en niños y jóvenes, así como también en una considerable cantidad de adultos, en algunos países de Latinoamérica, pero muy significativamente en el Ecuador. La música se ha convertido en una mercancía, y la práctica profesional del instrumentista en un servicio de mecenas, todo redunda en el dinero. Los ritmos tradicionales y folklóricos del Ecuador y Latinoamérica, han sido prácticamente olvidados y se prefieren otras músicas que nada tienen que ver con el pasado histórico, rico en elementos culturales ancestrales. El currículo oculto que viene en los textos y los famosos contenidos básicos obligatorios, se constituyen en el medio más adecuado para oficializar las nefastas intenciones de las transnacionales programadas por las potencias mundiales. En este contexto, los educadores musicales y los músicos instrumentistas se convierten en presas fáciles de estas prácticas, desmejorando significativamente el proceso de indentidad cultural nacional y Latinoamericana.  ESCASA CULTURA DE APRECIACIÓN ARTÍSTICO-MUSICAL. “El nivel de alienación cultural negativa se refleja en el nivel cultural de la sociedad”1. Frase muy decidora, que invita a la reflexión. Los docentes de Educación Musical y los Músicos Instrumentistas, en una considerable mayoría, demuestran apatía por asistir a conciertos y programas culturales que se dan en la ciudad y provincia. En nuestra sociedad lojana, fácilmente se puede observar en los diversos entornos culturales, al mismo público que asiste a los eventos, escasa asistencia a los conciertos de música de los grandes maestros que presenta la Orquesta Sinfónica mensualmente, lo que contrasta, lamentablemente, con la significativa cantidad de personas que no pudieron ingresar a la presentación artística de un cantante rockolero, de un grupo de rock, de una agrupación musical conformada por féminas que artísticamente no tienen ninguna trascendencia, pero exhiben su contoneante figura semidesnuda. En síntesis, la depreciación del gusto artístico es notoria.

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HARVE, Joseph. (1995). Diccionario de cultura. Pág. 75. Editorial “Verbo Divino”. Barcelona.

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Como producto de la homogenización cultural. . latinoamericano y nacional. Es más. con sólidos fundamentos. . Si bien es cierto que desde el año 1996. en los procesos de desarrollo histórico-social de la música. artístico. que le permitan coadyuvar a la transformación y desarrollo musical. la consecuente desvalorización de nuestra identidad cultural latinoamericana y nacional. latinoamericano y nacional. sustentada teórico. científicos. el Ministerio de Educación no ha implementado políticas sostenidas de capacitación específica a los docentes de esta disciplina. lo que degrada la actividad docente llevada a conciencia y con ética. Razón por la que. el Arte y la Comunicación de la Universidad Nacional de Loja. latinoamericana y ecuatoriana. la Carrera de Música del Área de la Educación. y poca valoración de la educación musical y del músico instrumentista. escasa cultura de apreciación artístico-musical. c. Se sigue considerando a estas disciplinas como relleno. teóricos-prácticos y axiológicos. a través del desarrollo de este módulo. POCA VALORACIÓN DE LA EDUCACIÓN MUSICAL Y DEL MÚSICO INSTRUMENTISTA. discernimiento y apreciación de las diferentes músicas. entre otras ramas del arte. social y cultural de nuestra ciudad. latinoamericano y ecuatoriano. todavía vienen laborando como docentes de Educación Musical en los centros educativos del país y de algunos países latinoamericanos. a nivel mundial. a la música. lo que no ha permitido abordar con una mejor comprensión el estudio del Arte Musical. en el contexto mundial. 5 . que laboran en los centros educativos e instituciones especializadas de nuestra ciudad y provincia. Objetivos Específicos: . en la que se inserta. Región Sur y el país. OBJETIVOS. significativa alienación cultural.Manejar elementos de la investigación social y educativa en el proceso de ínter aprendizaje del módulo. descontextualización en el tratamiento de las épocas y géneros musicales mundiales.Analizar críticamente los elementos histórico-sociales que se produjeron en el contexto del desarrollo del arte musical. OBJETIVO GENERAL Contribuir a la formación del futuro Educador Musical y Músico Instrumentista de la Carrera de Música. ha tenido un incipiente tratamiento por parte de los docentes de Educación Musical y Músicos instrumentistas. apenas pueden rasgar un instrumento o entonar una canción. la Educación Musical y los haceres del Músico Instrumentista han sido desvalorizados por la sociedad. latinoamericano y ecuatoriano.Proporcionar a los estudiantes una base teórica-conceptual sobre el origen y desarrollo histórico-social del arte musical mundial. latinoamericanos y nacionales. se puso en marcha en el país la Nueva Reforma Curricular Consensuada. El contexto del desarrollo histórico – social de la música universal. personas que por habilidad o intuición. OBJETO DE TRANSFORMACIÓN. lo que evidencia: marcado desconocimiento de los procesos históricosociales del arte musical a nivel mundial. científica y críticamente. d. los currículos impuestos y descontextualizados y la influencia de los medios de comunicación de masas. pretende Lograr una formación integral. y. en el campo del conocimiento de la cultura musical universal. latinoamericana y ecuatoriana.

con un aceptable grado de criticidad y coherente discurso.  Acuerdan el tema y definen el escenario en donde van a desarrollar el proceso de investigación formativa modular.  Se vinculan con la sociedad al sugerir alternativas de solución a los actores sociales que fueron parte del universo investigativo. en los que demuestra respeto y valor apreciativo. de forma individual y en conjunto. con los respectivos talleres de apoyo. PERFIL PROFESIONAL QUE CUBRE EL MÓDULO Los conocimientos. así como a diversos eventos artístico-culturales. En este sentido:  Leen comprensivamente los referentes teóricos del módulo y contrastan los contenidos con las problemáticas del OT. e.  Aceptable destreza para leer las partituras musicales e interpretarlas en el piano u otro instrumento musical. f.  Asisten a conciertos y recitales de música.  Considerable juicio crítico – apreciativo.  Interpreta canciones a través del canto coral. sociales y culturales del entorno de la obra y del compositor. habilita a los estudiantes para que en equipos de trabajo. con la finalidad de fortalecer su capacidad auditiva-apreciativa. latinoamericano y ecuatoriano. culturales y sociales en el proceso de formativo y en el campo ocupacional. 6 .  Realizan acercamientos a la realidad y elaboran instrumentos de investigación. observando las normas de la educación ambiental. destrezas. capacidades y actitudes que se desarrollarán en el presente módulo y permitirán lograr las prácticas profesionales alternativas antes anotadas. COMPETENCIAS O PRÁCTICAS PROFESIONALES ALTERNATIVAS PARA LAS QUE HABILITA EL MÓDULO El presente módulo.  Fundamentan teórica. respecto de los elementos formales. en una relación teóricopráctica objetiva.Fomentar en los estudiantes la práctica axiológica que coadyuve en su formación profesional y pueda desenvolverse en un futuro cercano con responsabilidad ética y la aplicación de valores éticos. con la finalidad de identificar y caracterizar la problemática correspondiente. así como a diversos eventos artístico-culturales. conozcan y analicen los principales acontecimientos que. científica y críticamente los problemas surgidos en el diagnóstico. habilidades..  Leen partituras musicales a través de la interpretación del piano.  Socializan los informes de la investigación formativa modular. con aceptable timbre y afinación. históricos.  Buena afinación para interpretar canciones por medio de la voz. estéticos.  Interpreta los instrumentos musicales con sutileza. con respecto al arte musical se produjeron a nivel mundial.  Redactan informes. son loas siguientes: Para la formación específica  Puntualidad en la asistencia para el desarrollo de conciertos y recitales de música. reportes y comentarios críticos que les permite fortalecer la comprensión y el adecuado proceso formativo. en el contexto del desarrollo histórico-social.

g. CARACTERISTICAS Y ACTIVIDADES PROCESO METODOLÓGICO.  Adecuada capacidad de abstracción para la fundamentación teórica de los elementos del diagnóstico. proponer alternativas de cambio e incidir en la ejecución de las mismas. Fundamentar teórica y críticamente cada uno de los elementos problemáticos y mas eventos que resultaron como consecuencia del diagnostico. DESCRIPCIÓN DEL PROCESO DE INVESTIGACIÓN FORMATIVA. con la intencionalidad de que se constituya en actor fundamental que indague la realidad y contribuya a la solución de la misma. 3. 2.  Considerable manejo del discurso y coherencia en su contexto para una adecuada exposición de los informes investigativos correspondientes. Propósito: Insertar al estudiante en el estudio. reportes y comentarios críticos que les permite evidenciar el nivel de comprensión. profundización y analisis de la problemática contenida en el OT. Socialización y Aplicación de los contenidos del módulo  Aceptable dominio de los contenidos teóricos y la coherente relación con la caracterización de los diversos subproblemas contenidos en el nudo crítico del OT. Objetivos: 1.Para la Internalización. Sugerir.  Desarrollada comunicación interpersonal que permita el diálogo y acercamiento para cumplir con el proceso investigativo.  Considerable capacidad para la redacción de informes. será trabajada a través de un proceso de investigación que contempla tres momentos interrelacionados.  Adecuado posicionamiento institucional para vincularse con la colectividad. socializar y aplicar alternativas que contribuyan a la solución del problema. Para el desarrollo de la investigación formativa  Buena capacidad de liderazgo y comunicación interpersonal para establecer acuerdos y consensos en grupos. Determinar de forma clara y consciente la situación problemática devenida del OT del módulo con la finalidad de elaborar un diagnostico de la realidad objetiva en los escenarios escogidos para tal efecto. La Problemática que aborda el módulo III y que se encuentra ampliada en el Objeto de Transformación. Proceso metodológico El módulo tiene como eje dinamizador el proceso investigativo que será abordado en tres momentos: 7 .

dándole énfasis al Diagnóstico. significativa alienación cultural. de manera sistemática y coherente. Luego de revisar los contenidos teóricos proporcionados por el docente coordinador. con la finalidad de poder desarrollar. lo que permitirá determinar el universo en donde se desarrollará el proceso de investigación formativa modular. Tercera actividad. 2. cada una de las actividades presentes y futuras. el estudiante deberá realizar la lectura y análisis elaborando comentarios. Problematización 3. Cronograma 8. Presupuesto 9. Respecto de la problemática del OT. sean bibliográficas. pueden ampliar los referentes teóricos con la consulta. Justificación 5. denominado Caracterización de la Problemática de los elementos que contienen en el OT. Portada 2. como: desconocimiento de los procesos histórico-sociales del arte musical ecuatoriano. 4. lo que dará mayor consistencia y rigor científico a los contenidos y problemáticas planteadas en el OT. los estudiantes deben cumplir las siguientes actividades: ACTIVIDADES. El perfil del proyecto debe contener los siguientes elementos: 1. Los estudiantes deberán organizar acercamientos con las instituciones involucradas en la problemática y establecer diálogos y conversatorios. Primera actividad. mnemotécnicas y de resumen. 3. Segunda actividad. El documento escrito debe contener los siguientes elementos: 1. descontextualización en el tratamiento de las épocas históricas nacionales. instituciones relacionadas con el accionar artístico-musical de la ciudad y la provincia). Metodología 6. lectura y elaboración de fichas bibliográficas.Anexos 11. fichas de resumen. y poca valoración de la educación musical y del músico instrumentista. Bibliografía 10. escasa cultura de apreciación artístico-musical.El primer momento. 5. Objetivos 4. Introducción Metodología Análisis Cuanti – cualitativo de los resultados de la investigación de campo Conclusiones Diagnóstico 8 . etc.Índice El producto acreditable del primer momento consiste en la entrega y socialización de un documento escrito en donde conste el perfil del proyecto de investigación así como el análisis cuanticualitativo de los resultados que obtuvieron en la investigación de campo. Recursos 7. Los estudiantes deben formular un perfil de proyecto de investigación. Lógicamente. mnemotécnicas. estos pueden ser (los establecimientos educativos.

El producto acreditable del segundo momento. en procura de plantear alternativas de solución. se utilizarán métodos. Estará integrado el momento uno y dos. será la elaboración y socialización de las sugerencias y alternativas ante los directivos y docentes de los centros educativos en donde se llevó a efecto la investigación de campo. La propuesta desarrollada. denominado propuesta alternativa que contribuya a la solución de la problemática. consiste en la entrega y socialización de un documento que contenga la fundamentación teórica y el análisis crítica. 9 . El segundo momento cuyo tema central es la Fundamentación Teórica y Análisis crítico de los elementos que conforman la problemática. es pertinente definir y concretar las causas que originan el desconocimiento y la no valoración de la música ecuatoriana. Conclusiones 5. El tercer momento. técnicas y estrategias metodológicas. Fundamentación teórica de los elementos que conforman la problemática 3. Introducción 2. es decir a una seria y ponderada contrastación de los referentes teóricos y los problemas y más elementos que fueron determinados en el diagnóstico del primer momento. cumpliendo de esta manera con la tercera función de la Universidad. con los datos empíricos obtenidos de la realidad de la práctica profesional de los docentes de Educación Musical. Igual que en el momento anterior. que podrá ser profundizado con otras referencias bibliográficas y los apoyos de la informática. Las actividades que se proponen en este momento estarán orientadas al análisis crítico y la fundamentación teórica de los problemas propuestos en el OT. Análisis crítico en el que se destaca la contrastación de lo ideal con la realidad objetiva. En este especio. Recomendaciones. El documento debe contener lo siguiente: 1. en donde los estudiantes devolverán la información de los resultados obtenidos en la investigación de campo. el estudiante contará con el sustento teórico proporcionado en el primer momento. con la finalidad de dar solución a la problemática propuesta. Presentación. y que en la parte pertinente -el tercer momento – contenga los elementos propositivos que debieron ser socializados en las instituciones y escenarios en donde les proporcionaron la información. En el desarrollo del proceso investigativo. 2. El producto acreditable del tercer momento consiste en la entrega y socialización de un documento que integre los tres momentos. que permitan obtener resultados reales. que es la Vinculación con la Colectividad. 3. El tercer momento debe contener los siguientes elementos: 1. 4. Descripción metodológica del proceso realizado. incluyendo aquellos elementos que devinieron como producto del diagnóstico del primer momento. debidamente contrastados. La actividad central que deben realizar los estudiantes. Este informe final deberá constar por escrito junto a los productos acreditables de las dos normas de redacción científica y técnica.

los conversatorios. que nos sirve para realizar el análisis de los datos estadísticos.  Conversatorios. la guía de entrevista. ubicándolo en un contexto socio-cultural e histórico.Música en la antigüedad . clara que nos servirá para plantear conclusiones y recomendaciones con planteamientos positivos. el sintético. el etnográfico. hechos o acontecimientos de músicos que han hecho historia en nuestro país. utilizaremos las técnicas que en el caso amerite. se utilizarán métodos. ya que se necesita comprende y demostrar e forma simple. REFERENTES TEÓRICOS Y ACTIVIDADES PRÁCTICAS LA MÚSICA EN EL CONTEXTO MUNDIAL . mediante su estudio tempo espacial histórica.Desarrollo de la opera 10 .Música en la comunidad primitiva .Música en el feudalismo . así como también los métodos específicos como: el descriptivo. porque tenemos que comparar géneros y estilos diferentes mediante un nivel de sustentación científica. técnicas y estrategias metodológicas. entre otros. Deductiva. porque permitirá explica el OT. inductivo. Nuestra investigación será además: Descriptiva. Analítica. Es importante destacar que en el proceso investigativo. que permitan obtener resultados reales. ya que también nos proporcionará la información científica a través de documentos e imágenes. ya que debemos indagar los sucesos y acontecimientos desde el mismo origen del cuanto hasta la actualidad. Naturalmente que la busque da de información en bibliotecas. la guía de conversatorio. como:  La entrevista en sus diversos tipos  Las Ficvhas de observación  La encuesta en sus diversos tipos  El cuestionario en sus diversos tipos. porque debemos sistematizar y analizar en forma objetiva. el analítico. La investigación documental también será utilizada. deductivo. la observación. Científica. h. en procura de plantear alternativas de solución.El método científico será el sustento central del proceso investigativo. Inductiva.Música en la época del renacimiento . entre otros. hemerotecas y la información documental bibliográfica nos permitirá aplicar y comprobar recursos que determine que durante los tres momentos de nuestra investigación obtengamos los mejores resultados. En el desarrollo del proceso investigativo. Las técnicas a utilizar serán la encuesta. Los instrumentos que utilizaremos en el proceso investigativo anotamos el cuestionario. la entrevista. los diálogos.

De la Etapa Colonial al Siglo XX Guatemala El salvador Honduras Nicaragua Costa Rica 11 . De la Música Colonial al Siglo XX República Dominicana Puerto Rico La Música Popular y Tradicional Cuba República Dominicana Instrumentos Musicales de las Antillas Puerto Rico La Música en Venezuela. La Música Argentkba durante la época colonial El siglo XIX Siglo XX La música popular Argentina. La música de lasd culturas precolombinas La música preoclombina en Centroamerica Las Culturas Maya y Azteca La cicilización Maya La civilización Azteca La Música Precolombina en Anmérica del Sur: La Cultura Inca Argentina. Música Indígena Música Criolla y Mestiza El Tango. Colombia Siglos XVII y XVIII El Periodo de la República Independiente: Siglos XIX y XX La música Popular Colombiana La Costa Atlántica. Bambuco. La Música Mexicana Durante la Etapa Colonial Siglo XIX Siglo XX La Música Popular Mexicana El Mariachi El Corrido Otros Países de América. El Caribe.- El clasicismo El romanticismo Las escuelas nacionalistas La música en el siglo xx Nuevas tendencias musicales. La Cumbia y el Vallenato La región Andina. Torbellino y Pasillo Los Llanos: Joropo y el Galerón La Región Amazónica México. De la Música Colonial al Siglo XX Música Popular tradicional venezolana La Música en Centroamérica. LA MÚSICA EN EL CONTEXTO LATINOAMERICANO - Los orígenes de la Música Americana.

- Panamá La música Popular y Tradicional Panamá La Música en el Área Andina.Nacionalidad Épera .Población del Ecuador según autodefinición 12 . De la mísoca colonial al Siglo XX Paraguay Uruguay La música Popular y Tradicional.Región Insular o Galápagos . De la mísoca colonial al Siglo XX Paraguay UruguayLamúsica popular y Tradicional en Paraguay.Nacionalidad Chachi .Nacionalidad Awa .Mar territorial. La Música en Paraguay y Uruguay. Bolivia y Chile.Nacionalidad Al Cofán . Órbita Geoestacionaria y Derecho del Ecuador en la Antártida.Nacionalidades Indígenas del Ecuador .Nacionalidad Kichua .Nacionalidad Swiwiar . Perú.Nacionalidad Andoas .Nacionalidad Waorani .Nacionalidad Kichua de la Amazonía . Plataforma Continental. LA MÚSICA EN EL CONTEXTO NACIONAL ECUATORIANO .Pueblos en situación de asentamiento voluntario .Región oriental o Amazónica .Nacionalidades Shuar – Achuar .Visión geopolítica del Ecuador. .Nacionalidad Tsáchila .Perú.En la Amazonía .División Político-Administrativa . De la Música Colonial al iglo XX La Música Popular y Tradicional.Sierra o Región Interandina .Costa o Litoral .En la Sierra .Nacionalidades Siona – Secoya . Boliva y Chile.Nacionalidad Manta .En la Costa: . Perú. Perú Bolivia Chile La música Popular y Tradicional. Bolivia y Chile.Características físicas . La Música en Brasil.Pueblo Negro de la Sierra . .Regiones naturales . La Música en Paraguay y Uruguay.Huancavilca – Puná .Nacionalidad Zápara .

La reducción y el establecimiento de los primeros poblados .La música en el siglo XIX .Mestizaje étnico y cultural .Las comunidades negras .Ópticas en el marco de la investigación científica .Visiones y espíritus .Tradiciones y costumbres .Organización social y subsistencia .Música del pueblo español en América .Cascabeles a cambio de productos .Instituciones musicales . Siglos XVI – XVIII .Las loas .Ritos y creencias .Primeras manifestaciones mestizas.La cultura musical afroecuatoriana .La conformación de la sociedad negra .El poblamiento negro hasta hoy .La cultura popular .La aparición de una cultura popular .Otras manifestaciones de la tradición oral 13 .El proceso de mestizaje cultural .El Inti Raymi o Corpus Christi: Fuentes de la cultura popular .Las coplas .Comentarios y análisis crítico .Los esclavos en el Valle del Chota en el año 1800 .- Comentarios y análisis crítico Visión Histórico-Social de la Música Ecuatoriana La música indígena en la época prehispánica En las entrañas del barro Música religiosa La colonia .Alonso Illescas y la Carta de Libertad .Proyectos viales y fundación de pueblos .Esmeraldas: Negros – Zambos y Mulatos .La comunidad negra del Valle del Chota .Las visiones de las almas .Religiosidad popular en la comunidad afroesmeraldeña .El naufragio de los negros en Esmeraldas .La acomodación a una nueva realidad .Orígenes del poblamiento negro .Compositores musicales nacionalistas .Los esclavos y sus amos .La fiesta de los santos y el arrullo .La cultura Afroecuatoriana .Las décimas .Qué es la cultura popular .La tradición oral .Conservatorio Nacional de Música de Quito .Los amorfinos .Nacionalismo musical ecuatoriano .Música y danza .

El tempo .Aspectos de la técnica musical de difusión popular .Una Identidad Nacional Alternativa en la música .El danzante .El Yaraví .El pasillo y la música rocolera .Música u danza propia de los indígenas y mestizos del Ecuador .Banda de música de la Brigada de Infantería Nº 7 Loja .Análisis musical .Similitudes .El ritmo .El pasillo.Historia de las bandas de música en el Ecuador .Conclusiones . Construyendo una Identidad Nacional Alternativa .El pasacalle .Orígenes del pasillo ecuatoriano y su importancia en el contexto compositivo musical .El yumbo .Orígenes .La tonada .La música y la danza populares .Ritmos afroecuatorianos 14 .Diferencias y similitudes del pasillo académico y popular .El Capishca . Ritmo nacional del Ecuador .El albazo . .Ma materialidad en la creación artística ..La Internacionalización de la música popular ecuatoriana.El aire típico .La melodía .La armonía .Marco histórico .Tradición y renovación .La banda lisa .El Fox incaico . MPE.Diferencias .El alza .Temas de musicología ecuatoriana .Banda de músicos de la Sociedad Obreros de Loja .Consideraciones sobre el compositor popular .El sanjuanito. .Las bandas populares .La Translocalidad de la música ecuatoriana.Sobre el compositor popular .La Banda Mocha y la Música Bomba .Consideraciones finales .Características del pasillo .Antecedentes .Las bandas de armonía .Las bandas de música en la Provincia de Loja .Difusión musical .Ritmos tradicionales y populares del Ecuador .

Comentarios y análisis crítico i. de acuerdo al normativo provisional previsto. para lo cual se proporcionará los contenidos y fundamentos teóricos pertinentes. elaboración de gráficos. la conferencia foro. conversatorios con expertos invitados. Consistirá en la Caracterización de la Problemática de los elementos que contienen en el OT. tareas y actividades que 15 . Formación de Recursos y vinculación con la colectividad que interactúan como apoyos para la obtención de aprendizajes significativos.La bomba .teniendo como prioritarios los centros educativos e instituciones anexas a nuestra institución. Colegio Manuel Cabrera Loza. iniciando el 13 de septiembre hasta el 28 de octubre de 2010. ACTIVIDADES DE VINCULACIÓN CON LA COLECTIVIDAD. que es la Vinculación con la Colectividad. con una duración de treinta y cuatro días laborables. en una conjunción de prácticas y haceres que permitan la aprehensión del conocimiento. PRÁCTICAS PRE . matriz y la extensión de Motupe. vinculando las funciones básicas de la Universidad como son: Investigación – Desarrollo. que podrá ser ampliado y profundizado con otras referencias bibliográficas y los apoyos de la informática. tiene una duración de treinta y seis días laborables. cumpliendo de esta manera con la tercera función de la Universidad. en el en que se desarrollará la Fundamentación problemática. j. El tercer momento. El segundo momento del proceso investigativo. entre otras. audiciones dirigidas. En el desarrollo general del módulo. vídeo foro. se ha permitido que las desarrollen en el Conservatorio de Música Salvador Bustamante Celi. iniciándose el 29 de octubre al 23 de diciembre del 2010. iniciándose el 3 de enero de 2011 hasta febrero 16 de 2011. paneles. como: la conferencia dialogada. se priorizarán las técnicas y estrategias de aprendizaje activo y grupal. con los datos empíricos obtenidos de la realidad de la práctica profesional de los docentes de Educación Musical. exposiciones. tanto de la mención Educación Musical. De acuerdo con la malla curricular constante en el Plan de Estudios de la Carrera de Música. Escuela Pedro Víctor Falconí. a los estudiantes del módulo III. METODOLOGÍA Para el desarrollo de los contenidos del Módulo se priorizarán las técnicas y estrategias del aprendizaje activo y grupal. Jardín de Infantes José Alejo Palacios. cuanto de Instrumento Principal.. Para ello el estudiante contará con el sustento teórico proporcionado en el primer momento. para que realicen sus prácticas pre. mientras que para los estudiantes de la mención Instrumento Principal.profesionales o pasantías y actividades de vinculación con la colectividad como lo son: Centro de Desarrollo Infantil. mesas redondas. esto para el caso de los estudiantes de la mención Educación Musical. con una duración de treinta y tres días laborables. en donde los estudiantes devolverán la información de los resultados obtenidos en la investigación de campo. Se denomina: Construcción y Socialización del enfoque alternativo. así como el Nivel de Capacitación Popular – Artesanal del AEAC. todo esto en una conjunción de prácticas. El módulo tiene como eje dinamizador el proceso investigativo que será abordado en tres momentos: El primer momento.PROFESIONALES O PASANTIAS Y.

se procederá de la siguiente manera:  Tratamiento individual de los contenidos y más referentes teóricos correspondientes.ermitan la aprehensión del conocimiento. k. como son: La Formación de Talentos Humanos. se considerará un día en cada una de ellas. CURSOS Módulo. Para la elaboración de los trabajos. procurando. el trabajo será realizado en interacción.  Conformación de equipos de trabajo para el estudio y análisis de los contenidos y más referentes teóricos.. vinculando las funciones básicas de la Universidad Nacional de Loja. para efectos de que los estudiantes. Lectura musical 5 horas semanales Lectoarmonía Aplicada Nivel 1 Cultura Estética Arreglos musicales 2 horas semanales Recursos técnico-musicales 2 horas semanales Prácticas pedagógicas 2 horas semanales Piano funcional 2 horas semanales Guitarra funcional 2 horas semanales TOTAL l. DETERMINACIÓN DE TIEMPOS Y CRÉDITOS MÓDULO.25 créditos 1. Para cada uno de los momentos anotados.5 créditos 28.5 . con el grupo de investigación respectivo. Durante las tres cuatro primeras semanas de labores. TALLERES. resúmenes. ante todo.25 6. deberán observar estrictamente las normas y recomendaciones de la Redacción científica.5 créditos 2. la adecuada comprensión y rigor científico de las temáticas a desarrollarse. Ese documento contendrá: a) La caracterización de la problemática 16 TIEMPOS 100 horas 100 horas 20 horas 20 horas 40 horas 40 horas 40 horas 40 horas 40 horas 440 HORAS CRÉDITOS 6.5 créditos 2. PRODUCTOS ACREDITABLES  El producto acreditable del primer momento. La Investigación – Desarrollo y la Vinculación con la Colectividad. consiste en la elaboración y sustentación de un reporte escrito individual que contenga el diagnostico de la situación problemática. que interactúan como apoyos para la obtención de aprendizajes significativos. así como el análisis cuanti-cualitativo de los resultados obtenidos en la aplicación de los instrumentos respectivos. reportes. En síntesis. puedan acudir a los centros educativos o instituciones.25 1.5 créditos 2. síntesis y más aportes.5 créditos 2.25 créditos 2. los estudiantes en la redacción de los diversos informes.  Equipos de trabajo para el desarrollo del trabajo investigativo. escenarios o espacios para dialogar con los directivos y puedan determinar el universo de investigación.

es un ejercicio de profunda abstracción y análisis. a través de estrategias metodológicas que permitan el análisis crítico del proceso académico a desarrollarse. es necesaria la participación de los agentes que intervienen en todas las instancias. la heteroevaluación y la coevaluación. retroalimentar el proceso enseñanza – aprendizaje en su contexto. para reorientar las actividades del módulo. Por medio de este momento evaluativo tanto el agente (alumno) de la evaluación como el objeto (temas. en coherencia con el modelo político – académico – pedagógico de la Universidad Nacional de Loja. fundamentados en el sustento teórico consultado y comprendido. permitirá la crítica y la autocrítica.  LA EVALUACIÓN La evaluación se realizará en un proceso permanente y sistemático. módulos. así como instrumentos de evaluación. una tarea por cumplirse.  El producto acreditable del segundo momento consistirá en la presentación y socializaron del informe escrito sobre la investigación realizada. sin lugar a dudas. etc.b) Análisis cuanti-cualitativo de los resultados obtenidos con la aplicación de los instrumentos c) El Diagnóstico de la situación actual de los problemas acuciantes de la institución o sector. como un paso previo a la reflexión de lo actuado por el propio estudiante que. Por lo expuesto y. los estudiantes deben socializar un informe escrito único que integre los productos acreditables parciales anteriores. Portada Índice Introducción Metodología Conclusiones y reomendaciones Integración de los productos Acreditadles Parciales Bibliografía Anexos CRITERIOS PARA LA EVALUACION. Es un tipo de evaluación que toda persona realiza a lo largo de su vida. asesorar el proceso de Investigación Formativa. 17 .  Como producto Acredítale del tercer momento.) de la evaluación se unifican e identifican. sus trabajos realizados. informaciones. contenidos. En otras palabras. un trabajo realizado. ya que continuamente se toman decisiones en función de la valoración positiva o negativa de una actuación específica. y tomará conciencia de lo positivo y negativo para reafirmarlo o corregirlo según corresponda. Este documento debe contener: a) b) c) d) e) f) g) h) m. aprenderá a tomar decisiones sobre sus actos. incluyendo el enfoque alternativo correspondiente al tercer momento del proceso. ACREDITACIÓN Y CALIFICACIÓN DE ACUERDO A LO QUE ESTABLECE EL PRESENTE REGLAMENTO. Es decir. en este sentido se pondrá en práctica la autoevaluación. en el proceso de evaluación de los aprendizajes.  La Autoevaluación. b) Los criterios y juicios de valor que los estudiantes pueden emitir. y. sus deberes presentados. SAMOT. por considerarla imprescindible ya que el estudiante debe desarrollar comportamientos de autoevaluación de sus propias actuaciones. en donde conste: a) La fundamentación teórica y el análisis crítico de los elementos que relacionan el conocimiento de las épocas de la historia de la música con la práctica docente en la problemática.

que puede realizarse en pares para luego hacerlo en grupos pequeños. rendimiento. De esta manera el mismo estudiante es parte activa de la evaluación. y corrección. actuación. con el fin de recibir criterios. El maestro generará trabajos de grupos. con adecuado conocimiento y perspicacia. conjunta de una actividad o un trabajo. constatando el cumplimento de las normas de redacción científico-técnica La sustentación individual Dominio de contenidos Contextualización de las temáticas Expresión oral. entre los alumnos. Así despertará confianza en lo que hace y dentro de un ajuste y equilibrio "aprenderá a valorar" su propia acción y generar criterios de autoestima. 18 . en forma paulatina y con ciertos grados de complejidad. observaciones. que permita eliminar una serie de dificultades y problemas que frecuentemente suelen presentarse y que luego derivan en un antagonismo a la disciplina de estudio. y quizás con algún instrumento (ad-hoc) que pueda elaborar para uso de los estudiantes. Además debe comprender la influencia que su juicio va a tener en una valoración global que se realice posteriormente a su actuación y progreso. Para el caso de los contenidos teórico – prácticos. según el avance y desarrollo del proceso. En el proceso de evaluación se tomarán en cuenta los siguientes parámetrosy equivalencias numéricas. una antipatía al mismo docente y competencia entre estudiantes. El estudiante es perfectamente capaz de valorar su propia labor y el grado de satisfacción que le produce. responsabilidades y actividades en su nivel de realización. reflexiones. en equipos. El maestro debe orientar esta actividad mediante pautas sencillas. La orientación del docente es importante e imprescindible para evitar la excesiva influencia de la subjetividad en la propia evaluación. sobre temas o actividades que deben ser previamente planificadas. consistirá en entregar un cuestionario (anónimo) a los estudiantes. Práctica que será guiada por el docente coordinador. que ayudará a que se realice con seriedad. honradez. La coevaluación consiste en la evaluación mutua. mucho más frecuente cuanto más inmadura es la persona que lo realiza. etc. por lo tanto debe compartir sus deberes.  La Coevaluación: El estudiante no se encuentra aislado y solitario en el ambiente social y escolar. en los cuales cada uno valora lo que le parece más interesante de los otros. Otra forma de practicarla. con el fin de que opinen con absoluta independencia sobre lo realizado y contrastar con lo percibido por el docente. en cada fase del proceso se aplicarán:     Pruebas orales y escritas Exposiciones Reportes Aplicaciones En el desarrollo y sustentación de la investigación Formativa del módulo se tomará en cuenta lo siguiente:      El informe de investigación. Esta práctica será introducida habitualmente en el aula.  La Heteroevaluación: Es necesario que una persona evalúe a la otra sobre su: trabajo. recomendaciones y correcciones.

Rodríguez Lic.5  Proceso investigativo 4  Pruebas orales y escritas 1 TOTAL 10  LA ACREDITACIÓN Para acreditar el módulo. Maria E. E. ñuego de ser conocida por los estudiantes. lo que permitirá cumplir con la normatividad institucional para la aprobación del módulo. Historia de la música Universal. seminario o taller. José Pió Ruilova P.PARÁMETROS A EVALUAR Equivalencia  Valores y actitudes: puntualidad y asistencia. Alex Aguirre T. será consignada en la secretaría de la carrera o programa de formación”  CALIFICACIÓN La calificación será la sumatoria de las ponderaciones efectuadas a los procesos señalados anteriormente (de aprendizaje e investigación) en una escala de 0 a 10 puntos. (1997). El Proceso de la Investigación Científica. Verónica Chauvín o. Luís Morocho Lic. EQUIPO DOCENTE Dr. TAMAYO Y TAMAYO. Mieografado 19 . durante el desarrollo del módulo. En este sentido. Norman Cuesta. Editorial LIMUSA. México. cuirso. Lic. BIBLIOGRAFÍA     Lic. Mario. 0. de ser pertinente con la calificación que. Roque Pineda A. Marítza Hidalgo. Lic. Elsi Alvarado. que textualmente puntualiza: “se evaluarán todos los aspectos inherentes al proceso de enseñanza – aprendizaje. Mieografado. el estudiante debe cumplir con todas las actividades individuales y grupales planteadas en cada uno de los momentos del proceso investigativo. Elvis Tapia. La acreditación se la realizará al final de cada unidad. son de aprobación obligatoria. Historia de la música universal. Lic. Noriega Editores. fase o momento.5 compromiso institucional  Trabajo individual 1  Trabajo grupal 2  Exposiciones – socializaciones 1  Reportes: análisis. en la perspectiva de avanzar fundamentadamente en la construcción de nuevos conocimientos. Felipe Huiracoha G. Lic. Se requiere de la calificación mínima de 7 equivalente a buena para aprobar el módulo. SANCHEZ.síntesis 0. enciclopedia de la música RODICA POP. cada uno de los talleres y cursos de apoyo que conforman el módulo. En este proceso se observará lo estipulado en la segunda disposición transitoria del Reglamento de Régimen Académico de la Universidad Nacional de Loja. HAMMEL Y HURHLIMAN. Lic. n. Lic. Lic.

Ahora Hablamos de lo Nuestro. Banco Central del Ecuador. Carlos. (1987). Historia de la música en el Ecuador. CABRERA. Historia de la Música.EDAF. Segundo Luís. ALDEÁN. Música y Folklore Latinoamericano y Ecuatoriano.  TITUAÑA. (1995).  CLAIRE BELTRANDO. (2002) historia de la Música del Ecuador. VALAREZO. Quito.  GUERREO. editado por la TV. (1961) Florilegio del Pasillo Ecuatoriano. Gobernabilidad y Cultura. Impresión Apligraf. (2009) Ecuador Su Realidad. Impreso en España. Alberto. Editorial Corporación Musicológica Ecuatoriana.  SANCHEZ – PARGA. Wilman. revistas de la Musicoteca del Banco Central del Ecuador Quito. Fundamentos Teórico – Metodológicos Para La Planificación. Globalización. Marcelona – España. Marie. Ángel. Marzo (1987). Historia de la música en el Ecuador. Primera Parte Quito. Editorial Casa de la Cultura Ecuatoriana. Quito. Grandes Autores y Grandes Obras. Napoleón. Quito. 20 . Quito. (2007). CONMUSICA. Carlos. El Mundo de la música. Pablo.  HONOLKA. EDICIONES Y DISTRIBUCIONES. Marzo (1987). ALBA BARREIRO. Impresión Apligraf.  OPUS.  GODOY AGUIRRE. Madrid. Ediciones particulares. (2000). (1995). (2000).  GISPERT. (1987). Josélo (1987). Biblioteca General de Cultura. Rediseño del Plan de Estudios de la Carrera de Música. (1997). Edición Universidad Nacional de Loja. (1987). Coorporación Editora nacional. Colombia. Editorial Jodoco Ricke. Lola. Patier. Quito. Quito. Quito – Ecuador. Banco Central del Ecuador. Manual de Recursos del Maestro. Mario (2005). SALTOS G. Editorial Graó. Música de la Tierra. (2008). Gerardo. (2002) historia de la Música del Ecuador. Francisco. Walter.  VÁSQUEZ S. Diccionario Biográfico. Freddy.  AUTORES VARIOS. Richard. Kurt. Quito –Ecuador. Editorial Casa de la cultura Ecuatoriana. Universidad Nacional de Loja. (1999) Enciclopedia del Ecuador. Editorial VOLUNTAD. GERARDO. (1970) Música y Músicos. Sonia. Origen de la Música y sus manifestaciones en los pueblos aborígenes del mundo actual.  HELERS.  GRUPO EDITORIAL OCÉANO.  MORLÁS GUTIEEREZ. Historia de la Música. Ejecución y Evaluación de Programas de Formación en el Sistema Académico Modular por Objetos de Transformación. CONMÚSICA. España. Ediciones. España.  CARLIB. José.  ALEXANDER. Francisco.  GISPERT.  OPUS. APOLO BERRÚ. (2002). UQUILLAS. (2007). Músicos del Ecuador. Carlos. Quito – Ecuador. Documento Anillado.  GUERRERO GUTIERREZ.  GUEVARA. Pablo. VICUÑA.  GUEVARA. Músicos Del Ecuador.  MORENO. Ediciones. Serie de Estudios Sobre Globalización. Edición: Fundación José Peralta.(2001). Editorial Corporación Musicológica Ecuatoriana. Programa de Desarrollo del SAMOT. El Oro. Quito. Editorial Casa de la cultura Ecuatoriana. segundo Luís. Editorial ESPASA SIGLO XXI. Breve Historia De La Música del Ecuador.Grupo Editorial OCÉANO. Archivo Carrera de Música. Luis. revistas de la Musicoteca del Banco Central del Ecuador Quito.  MORENO. Ediciones Abya – Yala. Webgrafía. Océano Equipo Editorial.

com/danzasboyacenses/pasillo.sobre-todo.Production/Press_releases/pr0508.htm www.usembassy.  www.htm 21 .ec/English/PAS/Press.org.

Delineación del universo de investigación Sondeo de opinión Observación directa Elaboración del Proyecto de investigación.  Presentación escrita del análisis cuanti-cualitativo de los resultados obtenidos en la aplicación de los instrumentos respectivos. ESTRATEGIAS ACADEMICAS  Lectura. Sistematrización del nudo crítico de la problemática. Formulación de los problemas. Aplicación de los instrumentos de investigación Revisión bibliográfica y documental Elaboración del informe escrito con el diagnóstico respectivo. Socialización de la información.  Seguimiento y monitoprero del proceso.MATRIZ DE DESARROLLO DEL MÓDULO III. formas y compostiores más relevantes de cada época. ESTRATEGIAS DE INVESTIGACIÓN Acercamientos a la realidad del objeto. Caracterización de los problemas y la problemática. 22 . PRODUCTOS ACREDITABLES  Elaboración.p. Análisis y sistematización de la información. entrega y sustentación de un informe escrito que contenga el diagnóstico de la problemática. REFERENTES TEÓRICOS  Música en la comunidad primitiva  Música en la antigüedad  Música en la Edada Media  Música en la época del renacimiento  La música en el Barroco  La Música en el Rococó  Desarrollo de la opera  El clasicismo  El romanticismo  Las escuelas nacionalistas  La música en el siglo xx  Nuevas tendencias musicales  Obras. PERÍODO PROCESO DE INVESTIGACIÓN Contextualización y caracterización de la Problemática. PRIMER MOMENTO. Identificación de los problemas. Septiembre 13 a octubre 28 de 2010. analítica del módulo  Conformación de grupos de trabajo  Conferencias – foro  Lectura comentada del material bibliográfico  Elaboración de reportes teóricos  Empleo de técnicas para el manejo de la información  Presentación y sustentación del informe del momento ESTRATEGIAS PRÁCTICAS  Revisión de documentos y sistematización de información.

Octubre 29 de 2010 hasta diciembre 23 de 2010. Contexto Académico. Análisis. 23 . Contratación y fundamentación teórica de los problemas detectados en el diagnóstico. pular y folklórico de cada región.  Sistematización de referentes teóricos la los – los REFERENTES TEÓRICOS La música en la Argentina La música en Colombia La música en Guatemala La música en México La música en el Salvador La música en Venezuela La música en Nicaragua La música en Perú La Música en Boliva La música en Brasil La música en Cuba Las múisica en Chile. recepción y socialización del documento escrito que contenga la fundamentación teórica y el análisis crítico de los elementos que conforman la problemática.  Presentación.  Asistencia a bibliotecas y centros de consulta.  Elaboración de fichas y resúmenes. PRODUCTOS ACREDITABLES  Presentación del documento con el desarrollo individual de las guías de los contenidos.SEGUNDO MOMENTO PERÍODO PROCESO DE INVESTIGACIÓN Fundamentación teórica y análisis crítico de los elementos que conforman la problemática. ESTRATEGIAS ACADÉMICAS  Revisión bibliográfica  Técnicas de trabajo grupal  Reportes escritos  Elaboración de fichas bibliográficas resumen nemotécnicas  Audiciones musicales dirigidas  Conferencias foro  Asistencia a conciertos  Conformación del marco teórico conceptual con las experiencias de los participantes  Informe del avance del proceso investigativo  Exposición  Plenarias  Reflexiones sobre los problemas de la realidad  Presentación y sustentación del informe del momento II ESTRATEGIAS PRÁCTICAS  Revisión de documentos y sistematización de información. comprensión y explicación de la problemática investigada ESTRATEGIAS DE INVESTIGACIÓN  Recopilación de información empírica y referentes teóricos documentales. Música en Paraguay Música en Uruguay.

  ESTRATEGIAS DE INVESTIGACIÓN Aplicación de los lineamientos de la redacción científica – técnica.Siglos xvi y xviii .La música Religiosa. Formulación de lineamientos que transformen el estado actual de la problemática y contribuya a su superación Socialización de los resultados Discusión. . . REFERENTES TEÓRICOS . Propuestas alternativas que coadyuven a la solución de la problemática.Las comunidades y la conformación de la sociedad negra.Nacionalidades Ind´ñigenas del Ecuador. . . .Visión histórico social de la música ecuatoriana. .  24 .Las bandas de música.  Enero 3 de 2011 a febrero 16 de 2011.Características físicas y regiones naturales. . .El nacionalismo musical ecuatoriano. .La cultura popular.División Político administrativa .Visión Geopolítica del Ecuador .Población del Ecuadro según autodefinición.Pueblos en situación de asentamiento voluntario. . ESTRATEGIAS ACADEMICAS  Integración del producto acreditable final  Presentación y socialización del informe final  Taller de trabajo la tutoría el coordinador ESTRATEGIAS PRÁCTICAS  Revisión de documentos y sistematización de información  PRIDUCTOS ACREDITABLES  Documento escrito sobre el avance de la propuesta  Presentación del informe final del módulo integrado por los tres momentos  Sustentación del trabajo con exposición pública de la propuesta.Ritmos y géreros populares y tradicionales del Ecuador. Presentación y sustentación del informe final. .La música en el sighlo XIX . .La música indígena en la época prehispánica.La música y las danzas populares.Tercer Momento PERÍODO PROCESO DE INVESTIGACIÓN Formulación de propuestas y socialización de resultados Consecución de los objetivos de la propuesta.La cultura aafroecuatoriana. ajuste y valoración de la propuesta.

que habla tanto al cerebro como al corazón. ¿Es por esta razón por la que fiilósos. en ciertas estaciones. al son de algunos instrumentos. comedia. impotente para expresar cualquier cosa. mímica. los supermercados emiten melodías dulzonas desde que los especialistas en la venta descubrieron que ello estimula a la clientela. nadie ha podido definir cómo y por qué se siente la emoción musical. La música ha encontrado allí una función insólita: ¡unir en el esfuerzo. ¿Cuáles son sus orígenes? ¿Por medio de qué fenómenos toma posesión de nosotros? SUAVIZAR LAS COSTUMBRES Para los filósofos griegos. pero también arte difícilmente delimitable. la más conmovedora tal vez. donde aprendían a tocar la cítara. la música no era una disciplina particular. poesía lírica. los niños atenienses empezaban a ir a clase del citarista. chapoteando en un agua pardusca. la música de los antiguos griegos no puede ser descifrada enteramente: si bien se pueden identificar las notas." Por la misma época. que la música era esencial para la vida del Estado. se inclinan y se incorporan con un movimiento perfectamente sincronizado. En todas las épocas se ha discutido sobre qué es y cuál es la buena música. la música tiene poderes todavía desconocidos: la "musicoterapia" (tratamiento de ciertos trastornos mentales mediante la música) se está practicando ya en algunos hospitales. danza. sino todo lo que pertenecía a las musas. arte y lenguaje complejo para otros.SUSTENTO TEÓRICO LA MÚSICA EN EL CONTEXTO MUNDIAL La educación musical ocupaba en Grecia un destacado lugar: al cumplir los 11 años. música. la iglesia . un extraño baile: una multitud de mujeres. cuando declara: "Considero que la música es. sin duda la menos "explicable". Durante largo tiempo. era música toda ciencia o arte que inspiraba en el espíritu humano un sentimiento de placer y de equilibrio." El músico francés Paul Dukas (1865-1935) se muestra más exigente: "La música es ante todo un arte de expresión seria y sublime. uno de los más grandes compositores del siglo xx. la música es la más inmaterial de las artes. Soportada o intensamente vivida." La afirmación de Ludwig van Beethoven (1770-1827) según la cual "la música es una revelación más alta que la ciencia y la filosofía" contrasta con la de Igor Stravinski (1882-1971). las nueve diosas que presidían en las artes liberales: historia. cuando ya habían asistido a las clases del gramático. En la actualidad. tragedia. como lo expresó el filósofo griego Pitágoras (siglo -vi): "La música es la ciencia del orden en todas las cosas. por su propia esencia. la música tiene poderes inmensos e interviene en todas las actividades humanas. Confucio. Nada la define mejor que la emoción que cada uno experimenta al escuchar una obra. por lo menos una vez en su vida. astronomía. pues. elocuencia y poesía heroica. que influía en el espíritu de cada ciudadano y que por ello suavizaba las costumbres del país. por su parte." Simple diversión para unos. la extraña fuerza que la música libera? Arte completa. la flauta o ambos instrumentos y se iniciaban en el canto coral. se ignora su duración. SONIDOS Y RUIDOS En los arrozales del Sudeste asiático y de Japón se puede presenciar. estimular el trabajo! ¿Quién no ha experimentado. le asignaba un papel político por excelencia: le asignaba nada menos que el papel de ¡mantener el orden público! Estos pensadores consideraban. un sabio chino. MÚSICA. ¿El arte más inexplicable? Hasta el momento. músicos y teóricos han dado de la música definiciones tan divergentes? La concepción del filósofo y músico Jean-Jacques Rousseau (1712-1 778) es la más conocida: "La música es el arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído.

así como en Alemania: A=la. Las teclas blancas representan la escala natural: do. que tanto gusta a los jóvenes. pasando por una sinfonía escrita según las reglas y normas clásicas. una obra de inspiración italiana hizo palidecer de desagrado a los fervientes de la música "a la francesa". sol a sol. de Stravinski. Igualmente. do) REsonare fibris = re Mira gestorum = mi FAmuli tuorum -. suele ser rechazada por la gente de más edad. los calvinistas quemaron los órganos de las iglesias. según la primera sílaba de los versos del himno a San Juan Bautista: UT queant laxia = ut (luego. se produjo un cambio completo: la música "a la italiana" era aplaudida como la única música verdadera. para muchas personas no es más que un número demasiado elevado de decibelios. aplausos. En la Edad Media. un instrumento de cuerda o de viento). India: 22 grados. En cuanto a la música punk o hard rock. ¡oh. En 1913. La división de la escala en grados no es idéntica en todas las civilizaciones. ha prevalecido en todos los países occidentales. mientras que la gran mayoría de los aficionados a la música se deleita sólo con obras del pasado. mi. La escala ascendente no corresponde a la escala descendente. y así sucesivamente. Las teclas negras y blancas juntas representan la escala cromática. El teclado de un piano permite comprender fácilmente la estructura de esta escala.consideró los instrumentos como diabólicos y la voz humana como la única capaz de alabar a Dios. hasta las obras elaboradas a partir de ruidos electrónicos refinados. Tailandia: 7 grados iguales. Se subdivide en 12 intervalos de medio tono. mi. las notas eran designadas por letras latinas. en la corte de Luís XIV de Francia. pues podían turbar el alma de los fieles. He aquí tres ejemplos: En China y en el Extremo Oriente predomina la escala de 5 grados. el estreno de La consagración de la primavera. B = si. el órgano tomó así de nuevo el papel que había desempeñado hasta el siglo X: servir a la música profana en los circos y anfiteatros. que procede de medio tono en medio tono. El nombre actual de las notas se debe a Guido d'Arezzo (siglo xi). fa. fue acogido con altercados y desvanecimientos. la música de vanguardia no es apreciada más que por una minoría de melómanos. parece relativamente fácil percibir la diferencia entre un sonido elemental más o menos perfeccionado (la voz humana. de ahí la ausencia de tecla negra intermedia. Los intervalos entre las notas son desiguales: do.). amplificados. etc. re. la. Este procedimiento está todavía en vigor en los países anglosajones.) o por el hombre (alarido. filtrados o multiplicados por la cámara de ecos. suplantando a veces la escala "nacional". golpe. La escala occidental ha resultado de adaptaciones sucesivas. la. si. DEL RITMO DE LOS DEDOS A LA ELECTRÓNICA Desde el ritmo más sencillo que todo el mundo puede llevar golpeando una mesa con los dedos de una mano. limpia de todo pecado los labios impuros de tu servidor. susceptible de ser escrito en una partitura para que cada uno pueda reproducirlo de una manera idéntica. El intervalo fundamental de todos los sistemas provistos de una notación es la octava: do a do. San! 26 . sol. re. El empleo de los intervalos está regido por normas muy complejas. ¿dónde trazar el límite entre las sonoridades musicales y los otros "ruidos"? En primer lugar. Por razones controvertidas. que algunos ponen por las nubes. C = do. La escala musical o gama es la sucesión de sonidos dispuestos en orden de frecuencias crecientes o decrecientes. un siglo después. etc. do. de Bach a Chaikovski. hoy. llamada pentatónica. Los intervalos mi-fa y si-do son de medio tono. durante la Reforma.fa SOLve polluti = sol LAbii reatum = la Sáncte Johannes = si Traducción: "Para que puedan resonar en los corazones afligidos las maravillas de tus acciones. La música pop. En el siglo XII. y un ruido producido por la naturaleza (tormenta. sol. etc.

etc. Hz. más aguda es ésta.000. Una orquesta compuesta de buenos instrumentos produce ruido al afinar. la nota más aguda es de unas 4. Nuestro oído percibe sólo aquellos sonidos cuya frecuencia está comprendida aproximadamente entre 20 y 20. La intensidad está determinada por la amplitud de la vibración. de igual altura) pueden ser más o menos intensos: uno puede ser más fuerte que el otro. Depende de la fuerza empleada para producir la vibración: al pulsar la cuerda de guitarra. se obtiene la misma nota pero en una octava superior.Parece. El oído reacciona a las frecuencias (es decir. El artista que organiza los sonidos sabrá ponerlos a su servicio. colores. obtenemos un sonido determinado. que el oído ya no capta. Esta influencia del sonido sobre nuestro cuerpo puede traducirse de dos maneras: bien por la excitación o el sosiego. pensamientos. sino el empleo que el compositor o el intérprete hacen de este sonido. si está bien organizado. hay músicas de forma y ritmo elementales que desencadenan en nosotros la necesidad de marcar el paso o de bailar (excitación física). posible distinguir entre sonidos "puros" y sonidos "impuros". Según el diccionario de Littré.000 vibraciones se encuentran los ultrasonidos. o sonoridades agresivas que pueden engendrar un verdadero malestar e incluso dolor. La siguiente experiencia es muy fácil de efectuar: si hacemos vibrar la primera cuerda de una guitarra. 440. pues. no se percibe más que golpecitos cercanos que corresponden a las diversas vibraciones. si se reduce a la mitad la longitud de la cuerda ("pisando" en el traste duodécimo). la música participa de sonidos "puros": la define como "ciencia o empleo de los sonidos llamados racionales. LA TRANSMISIÓN DE LAS VIBRACIONES SONORAS Todo fenómeno sonoro se traduce en vibraciones muy rápidas. la nota más grave es de 20 vibraciones por segundo aproximadamente. al golpear sobre un timbal. la nota mi. pues. Dos sonidos de igual frecuencia (es decir. Estos son transmitidos a los centros de la audición del cerebro. Por encima de este nivel. Por encima de 20. Así.. de 55. el diapasón se fijó en 440 Hz. la audición es dolorosa y el oído puede sufrir daños. 220. de una cuerda. puede ser considerado como una obra musical. a fin de que expresen lo más aproximadamente posible su propio sentimiento: músicas sosegadoras. cacerolas. que corresponde a la nota la3. de un tubo o de una piel tensa). Una orquesta sinfónica tocando fortísimo llega a sobrepasar los 27 . que los transforma en representaciones mentales: imágenes. recuerdos. dicha o tristeza.000 vibraciones por segundo. estas vibraciones se propagan por medio del aire o de un medio sólido. la organización de estos sonidos o de estos ruidos. CUALIDADES DEL SONIDO Doblando la frecuencia de una nota. GRAVES Y AGUDOS Cuanto más elevada es la frecuencia de una nota. Estos límites pueden variar ligeramente de un individuo a otro. 880. al número de vibraciones por segundo) convirtiéndolas en impulsos nerviosos. Por debajo de 20 vibraciones se sitúan los infrasonidos. y músicas de forma y ritmo complejos que provocan en nosotros reacciones de orden afectivo. al soplar en un instrumento. mientras que un concierto de campanas.. La diferencia entre el simple ruido y lo que se llama música es. que forman parte de una escala llamada gama" Sin embargo. tales como alegría. de naturaleza electroquímica. Emanadas de una fuente cualquiera (por ejemplo. líquido o gaseoso. Las notas la claramente audibles son. Se ha determinado así una de las características del sonido: su altura. Por convenio internacional. bien por el desarrollo coherente de nuestros pensamientos o sentimientos. Para el piano. en el siglo xix. vasos y máquinas de escribir. resulta evidente que no es la naturaleza del sonido (o del ruido) la que crea la música. al pulsar de nuevo la cuerda se obtiene la misma nota pero en una octava superior." Por tanto. el músico Héctor Berlioz escribía en su Tratado de instrumentación: "Todo cuerpo sonoro utilizado por el compositor es un instrumento de música. La intensidad sonora se mide en decibelios (dB). es decir. que depende de la frecuencia de las vibraciones y se expresa en hertzs (Hz). Organización que comprende dos elementos indispensables: el ritmo y la altura de los sonidos. pues. en la misma época. El ser humano percibe los sonidos de 0 a 130 dB. que llegan hasta la hipnosis o el éxtasis. 110.

La música es la más universal de las artes: pertenece a cualquier tiempo o lugar y. Actualmente se admite que la primera manifestación "musical". sin duda. Hasta hace unos 40. lo que el cerebro percibe es diferente de lo que los instrumentos de medida detectan.. Pero en general se ignora el efecto de la duración sobre el timbre... Un acordeonista en las calles de Montmartre. Desde los primeros tiempos de la humanidad hasta nuestro sofisticado siglo xx. desde hace milenios. con sortilegios. Tomemos una trompeta y una flauta para producir la misma nota: un la de 440 Hz. muy primitiva. las marchas revolucionarias del Vietnam. se afirma como una presencia indispensable. en sólo una fracción de segundo... NACE LA MÚSICA Un tocador de flauta en los Andes. El último disco electro-acústico. El primer canto humano Nunca se sabrá cuándo se escuchó música por primera vez.000 años no aparecen las primeras representaciones de instrumentos de música. que hacen que la misma nota suene con un timbre distinto en cada instrumento.. la tradición establece que las plañideras salmodien. un "tablao" flamenco en Granada. Una representación de teatro no japonés. Dos notas de igual altura. En los países mediterráneos. La frecuencia de los armónicos se sitúa por encima de la del sonido fundamental. Para nuestros lejanos antepasados. la música debía de tener. crea música. la suntuosa representación de una ópera de Wagner en Bayreuth. un grupo folk escuchado por miles de jóvenes. el momento en que el desaparecido franquea el umbral de una nueva existencia es anunciado con toques de trompetas. cuando se pulsa la cuerda de un piano. Son el número y la intensidad de los armónicos los que crean el timbre. La Función Religiosa se manifiesta principalmente con motivo de nacimientos. En el África occidental. El mismo que tiene. Este fenómeno es importante para identificar un timbre.100 decibelios de intensidad. El timbre es un fenómeno complejo. bodas o durante las grandes procesiones y alcanza toda su significación en los funerales. una sesión de free-jazz en el Soho londinense. pues el cerebro humano no detecta las relaciones entre los armónicos más que en ese instante. El arte más universal Estos ejemplos nos demuestran que cada grupo humano. Gritos y danzas precederían la expedición de le dores. exámenes de piano en el conservatorio. con pasos cadenciosos. todavía hoy. un papel importante. y Ia palabra apareció hace varios cientos de milenios. profieran lamentos y griten en la hora de la muerte. espirituales negros cantados por la coral de una iglesia americana. El lamento de las plañideras. la plegaria de un almuédano desde un alminar en Bagdad. 28 .. intensidad y timbre pueden ser más o menos duraderas.. Por ejemplo. Desde su origen. La duración es una noción aparentemente sencilla: lapso de tiempo durante el cual se produce un sonido. la música reviste una doble función: religiosa y profana. El canto debió de surgir con de palmas.. ritos de iniciación. ceremonia que señala el paso a otro mundo. una misa de Pascua en Tierra Santa. pero en cada uno está acompañado por otros sonidos menos intensos. debió de producirse tra la aparición de la palabra. esperando que de este modo se propiciarían la caza. La duración de las notas de una composición determina el ritmo de ésta. a su manera y de acuerdo con la tradición de su cultura propia. Así pues. gentes de todas las civilizaciones han acompañado con ritmos y melodías los principales actos de su vida. El sonido fundamental producido por cada instrumento es el mismo. el oído percibe una variedad muy extensa de sonidos armónicos. Por esto es por lo que músicos y físicos tienen a veces tanta dificultad en hablar el mismo lenguaje. el exótico sitar de un virtuoso indio.. los armónicos. entre los pueblos primitivos que aún viven en la Edad de la Piedra.

Ésta dirigió su mirada a la tierra y profirió las tres notas musicales: ¡AO! Entonces el dios que es el señor de todo nació del eco de estos sonidos. La música expresa la esperanza y el placer en los cantos de amor. dieron lugar al nacimiento de siete dioses. fue debida al ruido que producía un cocodrilo al golpearse el vientre con la cola. por tanto. El brujo como músico Existen otros medios de comunicarse con las fuerzas temidas: los sacrificios de animales. expuesto a los ataques de los animales. Nació el destino. según la tradición. Al ver el día. la aparición del universo. con el espíritu. conforme a una tradición de los zulúes.. las bandas de música acompañaban al muerto al cementerio con marchas lúgubres e himnos religiosos. es el dios Toth quien lleva a cabo este acto aplaudiendo con las manos y emitiendo siete carcajadas. Entonces.y el son del tam ." De India a Java. Ciertas leyendas indias dicen que proviene de una orquesta de tambores. con su propio canto. entre el Cielo y la Tierra. o al de una flauta. para obtener una buena caza. Comunicar con los dioses La música alcanzó una nueva significación cuando se convirtió en un instrumento de comunicación con lo invisible. . En los relatos sobre la creación del mundo suele intervenir un elemento acústico. obsesionado por los misterios de las fuerzas hostiles que le rodean.. corresponde al movimiento regular de los mazos que aplastan el mijo.. Emitió vac y cortó el embrión en tres partes: A fue la tierra. KA la atmósfera y HO el cielo. la música interviene igualmente en otros actos de la vida: sus virtudes mágicas. de un aire majestuoso y lento. En el origen del mundo. para favorecer la siembra. por ejemplo. de los zulúes a los chinos Un antiguo texto indio dice: "Prajapati deseaba multiplicarse y procrear. el origen de todo. esta última rió. Cada música adapta su ritmo al trabajo al cual acompaña. lanzó un grito. Toth expresó por otras seis veces su alegría y nacieron seres y fenómenos nuevos: "La tierra. Los hombres aprendieron así el poder de hechizo de los ritmos y sonidos. Para el hombre primitivo. comenta los relatos más apasionantes (cantos narrativos). poniendo ritmo a los trabajos efectuados por el hombre para obtener alimento y satisfacer las necesidades materiales." Si la divinidad pudo crear el mundo con su propia voz. a su vez. después lloró. acompaña danzas o acompaña la acción en una obra de teatro o en una película. se plegó. la orquesta interpretaba piezas de un ritmo cada vez más acelerado. después la justicia y el alma. En las sociedades primitivas. hasta que el movimiento prendía en los pies de los acompañantes y el cortejo fúnebre se transformaba en una bulliciosa comitiva que recorría las calles en medio de una gran expectación de curiosos. por ejemplo.. Meditó en silencio. Y.. pero. religiosas y sociales son necesarias para alabar a los dioses y atraer su favor. comunicarse con ellos. también pudo hacerlo con la ayuda de un instrumento musical: según una creencia javanesa. Estas manifestaciones de gozo. quiero procrearlo a través de vac (la voz). Lo que estaba en su espíritu se convirtió en el saman (el canto) y entonces consideró: yo llevo en mí un embrión.En los comienzos del jazz. Pero la 29 . desamparado frente a la naturaleza. El objetivo primordial es atraer -o. al percibir el sonido. es vital propiciar a los dioses y. las penas y alegrías de la guerra en los cantos épicos. para tejer. para seducir o para narrar. la aparición del universo fue debida al sonido de una campana. al regresar. asustar. a veces. se inclinó hacia la tierra y creó la serpiente pitón que es la presciencia universal. y las aguas se dividieron en tres masas.a los dioses y a los espíritus que rigen el mundo y ordenan el transcurrir del tiempo. según la mitología china. tras lo cual el dios silbó. Se cantan o se tocan ciertas melodías para hacer que llueva. La música empezó a constituir entonces un vínculo entre los hombres y la divinidad. En Egipto.tam La Función profana: acompaña los actos de la vida.. el ritmo del tam-tam. por ejemplo.

preparado durante horas por ritmos incesantes.000 años se utilizaban ya instrumentos tales como el arco musical y la flauta perforada. médico de la tribu. Es el único que conoce la importancia de elegir bien la cadencia. La polifonía a dos o a tres voces existía ya entonces. Podrían constituir alguna especie de música grabada.000 años que representa a un brujo enmascarado tocando un arco musical. a varias voces. de Indonesia (foto superior. así como a las otras divinidades. o megalitos. la danza y el mimo son anteriores a las más antiguas pinturas rupestres. es decir. resuelto. También la gama de timbres disponible era particularmente extensa. cosechas y fiestas campestres. Al parecer. La música es interpretada por sacerdotes y músicos profesionales. El canto. que intrigan a los sabios. ni mucho menos. Se ha conservado el texto de ciertos himnos o plegarias. En nuestros días. algunos expertos han llevado bastante lejos sus investigaciones. Han descubierto que a la fila visible de puntos correspondía una secuencia audible de sonidos y que.000 años existían ya melodías de tres. a la derecha). el timbre de la voz.000 años después En la Edad de la Piedra. la lira. e incluso una música polifónica. y pondrían de manifiesto una particular forma de polifonía cuya tradición se extendería de Europa a Melanesia. cuatro o cinco tonos. Estos bloques. hace unos 40. a la izquierda) y de la selva africana. Pero el enigma no está. ¿Bloques grabados con música? En Gran Bretaña. la música tiene una función mágica. en Escandinavia y en ciertas islas del Pacífico existen extrañas hileras de grandes bloques de piedra. La antigua Mesopotamia. Poseedor de todos los conocimientos. el instrumento adecuado para complacer a los dioses. es responsable de todas las actividades rituales. es posible saber qué acorde emitía el instrumentista en aquel momento. vendimias. En el paleolítico superior. "escrita". El brujo es a la vez el celebrante del rito y el organizador de la música. Pero la quironomía (el lenguaje de los dedos y de las manos) permitía al cantante obtener de quien le acompañaba la secuencia de notas deseada. Una música profana presidía en los banquetes. se labraban no sólo objetos sonoros (tablas o piedras que suenan al hacerlas girar. con lira y con algún otro de los instrumentos entonces conocidos. Sin embargo. Sumer Es ésta una civilización centrada en la religión como ninguna otra. Los primeros tiempos de la música: La prehistoria En su origen. no existía ningún tipo de notación musical. silbatos). Gracias a la posición de la mano sobre el arpa. la mayor parte de los cuales eran cantados y acompañados con arpa (foto superior. la trompeta y el timbal eran conocidos en las orillas del Nilo. muy antiguos. diosa del amor y de la música. como ocurre actualmente en las tribus primitivas del Amazonas. podrían ser. En la gruta francesa de los "Tres Hermanos" hay un fresco de hace 40.forma de comunicación más perfecta es el éxtasis. Un instrumento parecido se encuentra también en una imagen no tan antigua en África del Sur. sino también verdaderos instrumentos de sonido determinado. Grecia 30 . flautas y arcos con cuerda sonora. Egipto No hay duda que el arpa. no obstante. podemos encontrarlo también entre los bosquimanos y otros pueblos primitivos. según ciertas hipótesis. por lo tanto. Sonidos que resuenan 40. de la cual se han encontrado varios ejemplares. hace 40. por ahora se debe tener mucha cautela con tal tipo de conclusiones. Himnos brillantes celebraban a Hathor. ¿Podemos llegar a saber qué clase de melodía salía de los dedos de esos músicos? Parece improbable. símbolos de ritos sagrados y coreográficos. a partir de la flauta perforada. el arpa.

el edicto de Milán autoriza oficialmente la celebración del culto cristiano. el público escucha el órgano hidráulico importado de Egipto e imponentes fanfarrias. escrito especialmente para ciertas solemnidades o ceremonias religiosas. con algunas excepciones (Nerón). La música. en las catacumbas donde se refugian los primeros cristianos durante las persecuciones. ya que los focos de la nueva creencia se encontraban en Oriente (Antioquía. es decir. A partir de este siglo se inicia la polifonía (varias voces). Los instrumentos de arco. el drama. La música religiosa ha desaparecido: renacerá. El texto. La escala diatónica es parecida a nuestra escala natural de siete grados. Los cristianos se inspiraron en las costumbres locales para establecer las primeras formas musicales. él puede ser provisto de varias embocaduras: éstas le permiten producir los sonidos más variados. Hasta el siglo IX. En música. principalmente el de la flauta. no está basado en las Escrituras. por el contrario. Estos salmos eran cantados por un "lector". año 476 de nuestra era: es el final del Imperio Romano de Occidente. la frase. para un nuevo culto. En el siglo x. sin embargo. El nacimiento del canto gregoriano En el año 313. se sabe que los primeros cantos de la Iglesia primitiva estaban inspirados en ritos judíos y en melodías paganas antiguas. la música se convierte en pura diversión. en que la Iglesia consolida su influencia. generalmente el sacerdote o el obispo. que se afirma gracias al impulso de la Iglesia. Sófocles). los neumas -signos colocados encima del texto y subrrayados no sirven más que de ayuda a la memoria. la danza y el canto.Los filósofos se ocuparon frecuentemente de la música. la música es esencialmente monódica (una sola voz). aún no se conocían. Sin 31 . La línea melódica queda mejor definida en el siglo xi. abajo) son. Se trata esencialmente de un canto de alabanza a Dios. La primera notación musical —todavía muy sucinta— se remonta al siglo VI antes de nuestra era: Pitágoras propugna que el universo está regido por leyes numéricas. A lo largo de toda la Edad Media (del siglo Val xv) se desarrolla una nueva música. en el que los versículos del salmo se alternan entre dos coros de fieles. la ruptura no es inmediata: los primeros cristianos mantienen durante varios siglos las tradiciones de las culturas orientales y de la civilización greco-latina. el músico se sitúa por encima del escultor. nada se opone ya al desarrollo y a la reglamentación de la música litúrgica. síntesis perfecta de la poesía. Empieza una nueva época. esclavos. No obstante. el mousikós era considerado como un sabio en la antigua Grecia. Como influencia tardía de la música griega. hablada al comienzo. La Iglesia primitiva tomó del ritual judío la modalidad de la salmodia. fuente de sabiduría y purificación. la cítara (a la derecha. Bailarines y músicos (foto de la derecha. arriba) aparece en las representaciones de Apolo. Esquilo. En el siglo IV aparece el canto antifonal. Poco después. dios de la música. su función ética y religiosa desaparece. La música de los primeros cristianos La ausencia de documentos nos impide tener un conocimiento preciso de la música cristiana en sus orígenes. termina con melodía y subraya ciertas palabras. los fieles responderían periódicamente al solista con una especie de estribillo cantado (Amén. pero su empleo es más complicado: está constituida por 24 intervalos que forman "modos" y "armonías". así como para fijar las normas que regirían el desarrollo del culto. Aleluya): es lo que se conoce con el nombre de canto responsorial. que son también las de la música. El instrumento favorito de los griegos. siempre monódica (una sola voz) a veces era compuesta por grandes poetas (Eurípides. Roma La música y la poesía se separan: por primera vez en la historia. Precursor del oboe y del clarinete. Cantar y tocar en honor a Dios Roma. matemática misteriosa. aparece entre los primeros cristianos una forma de origen popular: el himno. la recitación cantada de los salmos de la Biblia. En la jerarquía social. En el circo. Alejandría). para participar más de lleno en la acción litúrgica.

como un recordatorio para el cantor. ni la tonalidad. sea posible reproducir exactamente una melodía? Este problema preocupó a numerosas generaciones de músicos. las notas completamente negras designaron valores más pequeños. que indicara al mismo tiempo la altura y la duración de los sonidos.embargo. Estos signos indican la línea general de la melodía. ni los ritmos. Más tarde apareció una tercera línea: se había establecido ya el principio de las líneas a intervalo de tercera.. El sistema de los neumas está concebido como una especie de taquigrafía. El gran problema: fijar la altura y la duración de los sonidos El progreso más "revolucionario" se produjo cuando alguien tuvo la idea de disponer los neumas en torno a una línea trazada encima del texto. A partir de entonces. ejecutarlas correctamente. Fue entonces cuando apareció la necesidad de un sistema de notación. Fueron necesarios más de diez siglos de titubeos para establecer un sistema preciso. en color amarillo o verde. la extensión de las melodías hacia el grave y hacia el agudo impuso la necesidad de las dos líneas que faltaban todavía: pero hasta dos siglos más tarde no se generalizó el empleo del pentagrama actual. Es decir. La memoria como único apoyo Al principio. No índica ni la altura de los sonidos. 32 . Las notas. factor indispensable para ejecutar piezas polifónicas que superponen valores diferentes de notas. rojo o azul en toda la figura. más tarde servirán para indicar los intervalos. los músicos occidentales no sentían la necesidad de escribir sus composiciones: durante varios siglos. La línea fijaba la altura de la primera nota de la melodía. no permite descifrar un texto desconocido. Después de múltiples tentativas. las ornamentaciones. para indicar el do.. dando origen a las notas actuales. recordarlas por largo tiempo y. sobre todo. ni las entonaciones. Consiste en una serie de líneas y puntos escritos encima del texto litúrgico. Después se añadió una segunda línea. el elemento principal sigue siendo la memoria del intérprete. Una etapa decisiva en la evolución de la notación musical comenzó cuando las notas dejaron de ser representadas por trazos y empezaron a representarse primero por medio de puntos y después con cuadrados. La notación musical: mil años de ensayos e investigaciones ¿Cómo visualizar la música por medio de signos escritos de manera que. "señal hecha con la cabeza o con la mano"). En el siglo xvi se empezó a dibujar sólo el contorno: era la notación blanca. por lo cual resultaba relativamente fácil aprenderla de memoria y ejecutarla sin partitura alguna. En el siglo xiv. Esta primera línea. de forma cuadrada. Las formas angulosas pasaron a ser redondas en el siglo xvii. Pero en el siglo ix empezó a desarrollarse la polifonía. la música fue monódica (todas las voces sonaban al unísono). Primera visualización de la música Desde el siglo ix al xii se desarrolla el sistema de los "neumas" (del griego neuma. trazada en color rojo. y desde entonces se hizo cada vez más difícil aprender de memoria las melodías. Esta notación se usa aún en la música gregoriana. eran de color negro. leyéndolos. en la época del músico francés Pérotin (principios del siglo xiii) se estableció una correspondencia entre la forma de la nota y su duración. También era necesario fijar la duración de los sonidos. y al principio de la línea se escribía la letra que representaba esa nota: era el nacimiento del pentagrama y de la clave. generalmente indicaba la nota fa.

pero debe ser la expresión de una fe intensa. Este primer intento de polifonía se denomina diafonía u organum paralelo. "palabra"). aunque no la utilizaron. se alarga con vocalismos (melisma. Por el principio del movimiento contrario. se abandona el paralelismo y se busca que cuando una voz sube la otra baje y viceversa. excepto en Inglaterra. puesto que tiene el poder de elevar el alma del fiel hacia Dios. Gracias a la coordinación de estos progresos aparece por primera vez en la historia la notación musical sistematizada. A veces se añade una tercera o una cuarta voz para acompañar al discanto. Ellos son los representantes de una escuela llamada Ars antiqua. quinta o cuarta. o monodia. de esta manera. Se da un nuevo paso hacia delante cuando la voz principal toma un tema distinto al de la melodía gregoriana. la única forma de expresión litúrgica hasta el siglo IX. Estas nuevas formas musicales (organum con vocalismos. El contenido es siempre de carácter serio y moralizador. La música es admitida por la Iglesia. Todo ello dará como resultado la forma del conductus. está concebida como una plegaria cantada que se basta a sí misma. por los egipcios y los sumerios. La música pierde su austera grandeza. Léonin (siglo XII) y Pérotin (finales del siglo XII y principios del siglo Xlll). La voz principal se denomina vox principalis (es la voz superior) y se convertirá con el tiempo en lo que llamamos la voz de tenor. El intervalo de tercera era considerado. Esta había sido practicada. pieza escrita libremente y en la que cada voz dispone de muchas posibilidades: el tenor puede cantar una melodía popular o un estribillo en lengua vulgar y no en latín. Es el comienzo de la polifonía. Ars nova Estas importantes modalidades corresponden a la necesidad creciente de dar al canto litúrgico un poder expresivo más intenso. pero gana en variedad. sin duda. al mismo tiempo que el vehículo de la palabra divina. la voz tenor no cantará obligatoriamente con notas sostenidas durante largo rato. Sólo se tolera la voz humana. conocían sus principios. La melodía. A principios del siglo xii la voz superior desarrolla una "línea" cada vez más compleja. ha tenido una influencia decisiva en la difusión universal de la música occidental. conductus) son desarrolladas principalmente por dos compositores de la escuela de Notre-Dame de París. La música se vuelve compleja A finales del siglo XI se perfecciona la polifonía. melodía que se canta sobre una sílaba) y de este modo obliga a la voz principal a sostener cada una de sus notas: es el organum con vocalismos u organum libre. Sea como fuere. Orígenes de la polifonía Por esta época aparece un nuevo elemento: la superposición de una segunda voz a la melodía. Con el advenimiento de la polifonía se hizo imperiosa la necesidad de una notación musical. Los griegos. sin acompañamiento instrumental (a capel/a). como disonante. siguieron este proceso: la melodía se dobló con una segunda voz. La monodia será.Cuando se sospecha de los instrumentos El canto romano se interpreta al unísono. en contraste con el Ars nova del siglo XIV. Pronto se pondrán palabras a los vocalismos del discanto. Antes de pensar en combinar varias voces. Por otra parte. al igual que la sexta. de tal manera que ambas se perfeccionaron simultáneamente. los músicos intentaron primero enriquecer el canto monódico. 33 . ésta se llamó así por los elementos renovadores que se introdujeron. debido a su pureza. Esto da lugar al nacimiento del motete (del francés mot. Para ese fin. que la seguía paralelamente según intervalos de octava. Ars antiqua. El papado emprende una lucha sin tregua contra los instrumentos: éstos turban el alma del cristiano con la evocación de las diversiones sensuales de la sociedad pagana.

Pero a partir del siglo XIII aparecen nombres de teóricos y compositores (Léonin y Pérotin son los dos primeros compositores conocidos). melodías de estilo cortado y desigual. Esta época se caracteriza igualmente por una rápida evolución artística: las formas simples del arte románico. rondeaux. Medio siglo más tarde. etcétera) en la que se explotan todas las posibilidades rítmicas y sonoras. la música fue anónima: al igual que las melodías populares. al mismo tiempo que florece la polifonía. Por fin. 34 . motetes a tres y a cuatro voces. Inventada por Gutenberg hacia 1440. impreso en Valencia en 1495. no sólo por medio de los sentimientos expresados en ellas. La música se vuelve individual y cada autor imprimirá un sello personal a sus obras. dan paso a los encajes de piedra del arte gótico. la imprenta tardó en ponerse al servicio de la música. Dos figuras notables Dos nombres marcan este período de la historia musical: Philippe de Vitry (1291-hacia 1361). diplomático. por agregación de la contratenor (voz suplementaria inferior. Ritmos nuevos Las innovaciones del Ars nova son ante todo rítmicas: abandonando el ritmo ternario (base de la música gregoriana. la música occidental posee ya dos características que le aseguran una indiscutible supremacía: es la única que dispone de notación musical y la única en crear formas elaboradas. Hasta principios del siglo XVI no se imprimirán verdaderas partituras musicales. de un contenido armónico cada vez más rico. el tratado de composición de Guillem de Puig. contemporáneas a la monodia gregoriana. Su Misa de Notre-Dame. contiene todavía ejemplos musicales escritos a mano. casi siempre instrumental).Afirmación del individualismo Durante largo tiempo. poeta y músico que dejó una obra muy extensa (baladas. a cuatro voces. dominada por la Iglesia y los señores-caballeros. decae ante el empuje de la burguesía. permitirá la edificación de una polifonía de la que serán fruto las grandes composiciones del Renacimiento. En el campo de la melodía se afirman progresivamente los modos mayor y menor. y Guillaume de Machaut (1300-1377). el misal de Johannes Hertzog. los músicos tienden a utilizar valores cada vez más pequeños. Por el contrario. dividiendo todo valor por dos o por tres. utiliza ya notas impresas en caracteres tipográficos. el desarrollo del motete. marca el comienzo de la gran serie de misas polifónicas de los siglos XV y XVI. A finales de la Edad Media. la primera debida a un único autor. Este período musical de desarrollo e innovaciones corresponde a una evolución política y social: la sociedad feudal. los cantos litúrgicos eran fruto de una especie de creación colectiva (de los religiosos o del pueblo). Así contribuyen a hacer surgir una complejidad rítmica extraordinaria. símbolo de la Trinidad). sino también mediante innovaciones de orden técnico. publicado en Venecia en el año 1492. teórico del Ars nova que se interesó sobre todo en los problemas de notación rítmica.

medio cantados. Las melodías populares se infiltran en la liturgia. Ars antigua: la música se individualiza. La Iglesia sale de la oscuridad y afirma su poder. fuente de los folklores actuales. Se afirman los modos mayor y menor. Siglo IV Siglo VI Desde el siglo IX Siglos X y XI Siglos XII y XIII Siglo XIV Juglares Y Trovadores Aprovechando una tregua o un período de paz. poemas líricos o satíricos.Lo esencial sobre La música religiosa de la Edad Media  Siglo I                                Los cristianos son perseguidos y se refugian en las catacumbas Salmos e himnos: inspirados en los ritos judíos e influidos por las melodías paganas greco-romanas. El órgano hace su aparición en las iglesias. "pagano y corruptor". Primeros teóricos de la polifonía. La Schola Cantorum propaga la música griega en la cristiandad. Era hacia el año 1000. La monodia continúa. La Iglesia rechaza el instrumento musical. además de cantar. Seguían también a los peregrinos por los caminos y las posadas. algunos cantores con imaginación ¡danzan en los santuarios al son de melodías gregorianas! Con motivo de las procesiones o de diversas ceremonias. Se canta al unísono. La notación neumática se precisa. tocar y bailar. Edicto de Milán (313): Constantino concede. Dos grandes nombres: Philippe de Vitry (1291-1361). Ars nova: el ritmo se hace complejo. El Papa Gregorio I (540-604). Bailes en la Iglesia y Músicos Ambulantes Desde el siglo XI la música y el baile animan todas las fiestas religiosas. Antífona: dos coros alternándose. Se les exigía mucho talento: en su repertorio figuraban acrobacias. Es obra de los juglares y ministriles. pantomimas. libertad de culto. bodas y bautizos. El organum con vocalismos: verdadera polifonía a tres y cuatro voces. lleva a término la unificación de la liturgia. herederos de los mimos romanos y de los bardos celtas. teórico del Ars nova. ayudado por la orden de San Benito. Esto fue el origen de una música popular. El Inicios de la polifonía: diafonía u organum paralelo. Seguían a éstos en sus desplazamientos y en las campañas guerreras. "a los cristianos y a todos los demás". distraían a los que tomaban baños en los establecimientos termales. El conductus se escribe. a pesar de que las autoridades eclesiásticas condenan esta costumbre pagana. e iba permanecer así cuatro siglos. El Antifonario recopila la música gregoriana. Léonin y Pérotin. fiestas religiosas. los salmos son medio recitados. amenizaban las fiestas de los pueblos y ciudades. 35 . sobre una melodía popular. se hizo vagabunda. A veces se canta a dos voces Los neumas se constituyen en los primeros intentos de notación musical.. prestidigitación. la música. relatos. El vocalismo adorna el canto. poetas y bailarines se lanzaron a los caminos cada vez en un número mayor para divertir a los campesinos en los mercados. El motete desarrolla la polifonía. A veces. a veces. los dos primeros compositores.. impone la llamada música gregoriana Roma se afirma como el centro de la cristiandad. que fue el compositor de la Misa de Notre-Dame. en su mayor parte músicos ambulantes. Esfuerzos de la Iglesia para unificar la liturgia. Músicos callejeros. los aldeanos bailan. un día. Su presencia era también muy apreciada en los castillos: acompañaban con su música las comidas y animaban los torneos entre los caballeros. Estaban presentes en los pueblos en cualquier ocasión: grandes banquetes. a los burgueses en las plazas de las ciudades y a los señores feudales en sus castillos. Cesa el dominio absoluto del arte gregoriano. Guillaume de Machaut (1 300-1377).

poeta zapatero de Nuremberg. la guitarra. futuro rey de Navarra. es uno de los más antiguos. En el siglo XIX. El principal meistersinger es Hans Sachs (1494-1576). desde el siglo xi. la cornamusa. fervor de la fe religiosa. Cantar de Mío Cid. los misterios religiosos y el teatro profano. se reúnen en corporaciones de cantores que. el odrecillo y la gaita. preocupados por mantener sus tradiciones. la rota. Adam de La Halle (1240-1287). repertorios Los juglares que recitaban cantares de gesta eran particularmente estimados por los nobles. que penetró por España. albogón y otros tipos de flautas. Bernart de Ventadour y Jaufré Ru-del. Músicos-poetas Paralelamente a los juglares y ministriles de origen popular. añadieron elementos de música popular. duque de Aquitania. El repertorio musical de los juglares y ministriles era muy amplio. romances. Y los juglares de 36 . aparecen. Guillermo IX. el rabel. Entre ellos destacan Wolfram vor Eschenbach. el añafil morisco y la trompa. generalmente extraños. ya que sólo se transmitía por tradición oral. Y entre los de percusión. es el primero de los grandes trovadores. Podemos también citar a Thibaud Champagne. Le seguirán Marcabrú. en las que se inspiraban al principio. Los juglares de poesía narrativa crearon obras tan importantes en literatura como el Mío Cid. surgen en el norte de Francia trovadores que escriben en langue d'oil Chrétien de Troyes. que les pedían relatos de cruzadas y de grandes hazañas de caballería: Canson de Roland. Estos músicos-poetas son los trovadores. etc. el atabal y el panderete. los que componen (trovar = "encontrar". Los instrumentos de viento constituían una familia aún más importante: axabela. "hallar") el texto y la música. Los Minnesánger y Meistersinger modifican poco a poco el estilo refinado de los franceses. A principios del siglo XIII. el arpa. Sus temas. se inspiran en las costumbres de su tiempo: entusiasmo por las hazañas de los cruzados. que aparecen en el sur de Francia a finales del siglo XI. Estos modos de expresión crearon un arte cuya forma era tan refinada como su inspiración. Sus canciones evolucionan hacia un modo silábico que integra las palabras y las sílabas. Los Meistersinger (o "maestros cantores") aparecen durante el siglo XIV. célebre por haber liberado al rey de Inglaterra Ricardo Corazón de León (prisionero en Austria y también trovador). Los juglares narraban o cantaban estos textos acompañándose con un instrumento. prefiguran la coral. sonidos. el atambor y el tamborete. También España vio toda una floración de juglares. CANTORES DE AMOR Y MAESTROS CANTORES El triunfo de los trovadores franceses influye en los Minnesánger alemanes (literalmente. Richard Wagner extraerá de este rico período musical alemán los temas de varias de sus óperas. albogues. que influirá en toda la historia de la música alemana. autor de un Perceval. que elevarán la canción popular al nivel de arte. y Colín Muset. la bombarda e incluso el órgano portátil. el salterio. el Poema de Fernán González o el Cantar del cerco de Zamora. muy variados. De origen popular y burgués. por su ritmo más acusado. Entre los instrumentos de cuerda estaban la vihuela. Los músicos-poetas más antiguos son los trovadores. Es frecuentemente perceptible la influencia árabe. Dan vida a varios géneros distintos: renacen los poemas épicos y los relatos cortesanos. de origen burgués. el laúd y la bandurria. los fabliaux (escenas de la vida cotidiana de intención satírica). un trovador-ministril de origen modesto. creaban un universo de sonidos a la vez roncos y suaves difícilmente imaginables hoy día. Una relativa paz hace resurgir los juegos del espíritu. "cantores de amor"). es ciertamente el trovador más inspirado: desarrolla el arte de la canción y prefigura la ópera cómica francesa con el Juego de Robín y Marión. y Walter von der Vogel-weide. traductor del Perceval de Chrétien de Troyes.Instrumentos. la cedra y la citóla. los músicos-poetas. amor a una naturaleza omnipresente. Blondel de Nesle. A las melodías litúrgicas. Estos instrumentos. es decir. Todos ellos escriben en langue d'oc (provenzal antiguo). dictan reglas de admisión muy severas. Pero es imposible tener una idea exacta de éste. Estos artistas (la mayor parte de origen noble) dan testimonio de una sociedad de costumbres algo más refinadas.

lavanderas. mito poético que se define como un código de amor complicado: el caballero amante permanece unido a su "dama" por un amor platónico y sumiso. troveros y Minnesánger (en alemán) describen la vida de su época. . un árbol o un bailarín). . exagerada preocupación por la forma. burgueses. remozándolo. por regla general. ministriles.Las canciones de los juglares. Dos interlocutores discuten y expresan su opinión.. Carlos el Temerario. . EL GRAN SIGLO DE LA POLIFONÍA En 1415. que acaecen en el momento de la separación de los amantes. carpinteros. etc.Cantos pastorales: frecuentemente en ellos se habla tanto de las pretensiones amorosas de un caballero hacia una pastora como de los juegos campestres de los pastores. hilanderas.. enfermedades. . Príncipes y burgueses Enriquecidas por un comercio próspero. la evolución polifónica se lleva a cabo bajo la acción de algunos compositores franco-flamencos: de Flandes. es una forma de corro que puede bailarse en cortejo. etc. después. las estrofas son cantadas por un solista y el estribillo por el conjunto de cantores. El sabio arte de los trovadores tuvo una larga vida: hasta el siglo XV. . poetas-músicos cultos como Berceo. Citemos también los cantos de labranza o cantos al aire libre. combinaciones rítmicas y melódicas cada vez más complejas. ponían ritmo a las actividades de los oficios pequeños: sastres. en que la polifonía lo eclipsó.Cantos de narración . los ingleses y los borgoñones (que han apoyado a los ingleses) se enseñorean de la mayor parte de los territorios franceses. Su forma es sensiblemente parecida a la del corro (estrofas y estribillo).Cantos de oficio: cantados durante el trabajo. Bajo su forma vocal.También la música se ve afectada por este cambio de poderes: la escuela de París pierde el papel preponderante que había tenido hasta entonces. . -Cantos populares. a menudo dramáticos.Villancicos populares. ..Cantos de amor: el cantor expresa en ellos sus impulsos y sus pesares. Renovación del Ars nova La escuela franco-flamenca desarrolla el estilo polifónico del Ars nova. Canciones de cuna. Aparte de los numerosos juglares populares.. artesanos y campesinos.Endechas: hablan de las inquietudes o de las esperanzas de los pobres durante los períodos difíciles (guerras.Cantos realistas: ddesarrollan los temas de la actualidad militar y social: cantos que alientan.. un juez acaba diciendo quién tiene razón. trovadores.Cantos de imaginación: evocan el amor cortés. . Del mismo género es el vodevil. hambre.Cantos de tela: Cantados por las damas de la corte que hilan y tejen. tanto en música como en pintura. estas regiones son escenario de un gran desarrollo artístico. Esta expansión de las artes es fomentada por el mecenazgo de la gran burguesía comerciante y de los duques de Borgoña: Felipe el Bueno y. . narran la vida cotidiana. pero renovándolo. . en plena guerra de los Cien Años. a menudo político o jurídico. La carola: Tal vez la precursora de la farándola.Cantos de reflexión: son verdaderos diálogos eruditos sobre un tema concreto. . éstas composiciones son generalmente obras de poetas-músicos. Tal es el tema de Tristán e Isolda y de Romeo y Julieta. los arqueros ingleses derrotan a la caballería francesa en la aldea de Azincourt. del norte de Francia. una mayor 37 . El repertorio de los trovadores . Las danzas . de Borgoña. Los comerciantes mantienen excelentes conjuntos corales y los príncipes consideran un honor atraer hacia su corte a los mejores compositores del siglo. Lo esencial sobre.Cantos de alborada: describen los acontecimientos'. en cadena. Tienen a menudo un carácter muy osado. Hay varias modalidades. la música adquiere una flexibilidad acrecentada por el desarrollo del papel de la melodía. El nuevo estilo abandona los excesos a los que el Ars nova había llegado a finales del siglo XIV. en estrofas alternadas. Se operó así un profundo cambio en el mundo de los sonidos. como en León y Castilla o en Aragón y Cataluña. .lírica cortesana abundaron tanto en Galicia. La batalla de Azincourt tiene consecuencias funestas para los reyes de Francia: su autoridad se debilita. cantos satíricos que ridiculizan a un noble poco generoso.Cantos piadosos: se trata de poemas consagrados a la Virgen María. En adelante.. En el siglo XV.El corro: La más antigua danza colectiva consistía en un círculo cerrado de danzantes alrededor de un punto fijo (en general.Cantos satíricos: género muy popular en el cual los súbditos expresan sus reproches y quejas a la autoridad que les gobierna mal y les explota. Alfonso X el Sabio o el Arcipreste de Hita tienen abundantes elementos propios de juglares.

Las cinco plegarias de la misa La misa es la forma más importante de la música religiosa. el motete y la canción. armonías consonantes fundadas en la tercera (do-mi) o en la sexta (do-la). Canción a tres voces La canción es la forma profana del motete. El inglés John Dunstable (1370?-1453) fue el gran pionero. de la liturgia. como la tercera y la sexta. Esa evolución pronto se beneficiará de dos influencias notables: la de Inglaterra (introducción de la tercera) y la de Italia (clarificación de formas y estilos). pues sus obras llevan impreso el espíritu franco-latino. pero es probable que fuera un gran viajante. Dunstable busca ritmos libres.soltura en el empleo de vocalismos extensos. sanctus y agnus dei. ya sea en una pieza en la que todas las partes. sobre una melodía libre. sin acompañamiento de instrumentos. es decir. etc. gracias a una armonía consonante fundada en intervalos definidos. a manera de un tema coral. Este tema puede ser una melodía gregoriana. se desarrolla una forma muy refinada: la canción polifónica de corte. por el contrario. Generalmente está escrita para tres voces. de tres a cinco. Puede desarrollarse sobre un tema dado o. correspondientes a las cinco plegarias de la misa: kyríe. La misa polifónica adquiere su unidad en el siglo XV adoptando un único tema para las cinco partes. cuya aportación a la historia de la música será muy importante (polifonía del Renacimiento).). son vocales y cantan un texto idéntico. el motete cambia de sentido y se transforma en una pieza de carácter sagrado. no obstante. Pronto van a desarrollarse tres formas musicales que ya cultivó Dunstable: la misa. Su arte no está sujeto a las reglas de composición eruditas. una voz superior vocal y dos voces instrumentales. de la alegría por medio de vocalismos. credo. sin formar parte. El motivo pasa de una voz a otra o se repite en la misma voz. en francés mots. Las misas polifónicas están concebidas para ser cantadas a capella. una canción profana o una creación personal. una línea melódica más limpia. 38 . que a menudo se basa en danzas y toma la forma de éstas. Apenas conocemos la biografía de este verdadero renovador. con valores largos. las voces y los instrumentos se superponían sin gran coherencia. El motete de melodía libre creará un vocabulario musical muy rico (evocación del dolor mediante cromatismos. de donde deriva el término "motete"). Aportación del motete El motete medieval era una forma híbrida en la que los textos sagrados y los profanos. Paralelamente al canto monódico o polifónico basado en temas populares. Prepara el advenimiento de la escuela franco-flamenca. la voz central (la tenor) desempeña un papel esencial y da su estructura particular a la pieza. gloria. como el motete. pero éstos intervienen a veces cuando una parte vocal no es suficientemente rica. En el siglo XV. Se convierte ya sea en una pieza en la que dos partes instrumentales acompañan a una parte vocal solista (texto de la canción o palabras. Es una forma vocal compuesta que comprende cinco partes distintas.

corneta de forma ondulante. emparentada con la familia de los laúdes. GUITARRA: en la Edad Media se utilizaban dos clases de guitarras: la guitarra moruna. fondo que es plano. INSTRUMENTOS DE LENGÜETA: la lengüeta es una fina hoja de madera. inclinándolo contra el pecho.Lo esencial sobre los principales instrumentos musicales de la Edad Media La Edad Media rebosa de instrumentos musicales de sonoridades insólitas para nuestros oídos. Algunos tienen su origen en la antigüedad clásica. SALTERIO: de forma generalmente triangular o trapezoidal. una especie de trompeta o clarín recto. el cornet de boquilla. Posee dos o tres cuerdas. generalmente de madera. TÍMPANO: cítara de mesa. Instrumentos de cuerdas percutidas. Muy extendida en la Edad Media por toda Europa (era el instrumento de los mendicantes). mientras la otra accionaba un instrumento de percusión. correspondiendo cada uno a una única nota. Flauta de Pan (o siringa): instrumento compuesto por la yuxtaposición de varios tubos. accionada por una manivela. castañuelas. Este instrumento es usado todavía por los músicos húngaros. las cuerdas melódicas dan distintos sonidos. TROMPETA MARINA: tan alta como un hombre. A partir del siglo xv será desplazada por el laúd. el órgano es el instrumento especifico de la polifonía de la Edad Media. las formas populares son numerosas: flautín o flageolet (instrumento de pastores). Citemos también el caramillo. La viella era a veces tan grande que se necesitaban dos ejecutantes. RABEL: pequeño instrumento de cuerdas frotadas por un arco. MANDOLA: instrumento con caja abombada y en forma de almendra. 39 . Instrumento de acompañamiento por excelencia. en forma rectangular o de trapecio. campanas. Desempeñará un papel muy importante en el desarrollo de la polifonía. que vibra y da el timbre y sonido del instrumento. pero comparable en cuanto a aspecto con ésta. Para tocarlo. se colocaba el instrumento sobre las rodillas. el serpentón. con la caja esbelta. Antaño muy popular. con una serie de orificios. constituido por el cuerno de un animal. Desde finales del siglo XIII. con la parte posterior de la caja abombada. La trompa. eventualmente hecho de metal. Se le puede considerar como el antepasado del piano. INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN Son muy semejantes a los instrumentos de la antigüedad: tambores. la gaita y la dulzaina. derivada del arco musical prehistórico. B. el cromorn. VIELLA DE RUEDA: instrumento de cuerdas frotadas y teclado. tubo cónico. LAÚD: en la Edad Media. timbales. es el instrumento que acompañará a los miembros de la schola hasta el siglo XVI. inclinado hacia atrás casi en ángulo recto. Citemos también la flauta a dos dedos: se tocaba con una mano. el salterio era pariente del arpa. se la llamó Maríen-trompete (trompeta mariana). Las cuerdas se pulsaban mediante un plectro. El arpa goza en la Edad Media de una gran popularidad (juglares. de fondo plano como la guitarra actual. Como las religiosas se servían de ella en sustitución de la trompeta. al ser accionado un teclado muy primitivo que permite tocar la melodía. la cornamusa. poseía de 10 a 25 cuerdas. en cambio. campanillas. Las cuerdas se golpean con varillas. cascabeles. que se distingue de los demás instrumentos por unas plaquitas de madera (las eclisas) que unen perpendicularmente la tapa y el fondo de la caja de resonancia. C. caramillo. ministriles y Minnesánger). como la flauta de concierto actual. Se toca apoyándola en el hombro. posee cinco cuerdas. Instrumentos de cuerdas frotadas. FLAUTA: Flauta de pico (o flauta dulce). Su clavijero. que suenan al rozarlas con un arco curvo. Sus cuerdas se hacen vibrar con una rueda de madera. que se pone sobre un soporte. etc. la bocina. PRECURSORES DE LOS INSTRUMENTOS DE METAL. Todos estos instrumentos eran generalmente de madera. o contra el pecho. nombre que derivó en "trompeta marina". Algunas cuerdads suenan al aire o como bordones y dan sonidos fijos (cuarta o quinta del sonido fundamental). Instrumentos de cuerda A) Instrumentos de cuerdas pulsadas. es tan característico como su caja abombada. el laúd poseía cuatro cuerdas dobles y una cuerda simple (prima). cuyo tubo está parcialmente tapado en el extremo superior y no deja pasar más que un hilillo de aire. Conocido ya en la Edad Antigua. INSTRUMENTOS DE VIENTO. positivo o regulable). largo tubo cónico encorvado en su extremo (trompa de los ángeles del Juicio Final). El sonido emitido es agudo y estridente. con caja de fondo plano o abombado. el órgano será el único instrumento admitido para participar en el culto. Las cuerdas del laúd se pulsaban con un plectro. ARPA: de origen muy antiguo. será el instrumento rey del Renacimiento. que se parece al laúd y a la guitarra moruna. o verticalmente sobre la rodilla. con caja en forma de óvalo alargado y dotada de fondo plano. A menudo no tiene más que una cuerda. la trompeta marina es pariente del rabel. tamboril. la bombarda. Los instrumentos de lengüeta simple son los antepasados del clarinete. no es aceptado en las iglesias hasta finales del siglo VIII Hacia el año 1000. ya no se ve sino en museos. de caña o de metal. CLAVICORDIO: este instrumento de forma rectangular posee un teclado y un mecanismo de martillos que golpean las cuerdas. Era más pequeña que el arpa moderna. ligeramente abombada. la ciudad de Winchester poseía un órgano de 400 tubos que exigía la labor de 70 personas accionando los fuelles y 2 organistas. con el nombre de címbalo. VIELLA DE ARCO (o viola): este instrumento. EL ÓRGANO: bajo sus diferentes formas (portátil. los instrumentos de lengüeta doble han desembocado en el oboe. se conserva aún en ciertos medios rurales. y la guitarra latina. Flauta travesera: se sostiene "al través". menos difundida que la flauta de pico. el corno (olifante de la Chanson de fíoland).

Contemporáneo y rival de Dufay. en la capilla pontificia de Roma y en la corte de Saboya. 90 motetes y 70 composiciones profanas-. de los reyes.. al igual que a dos artistas a los que tal vez conoció: Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Aparece un nuevo movimiento literario. la mayor parte de ellas en forma de rondó. renunciando a ciertos descubrimientos teóricos y a la sobreabundancia de construcciones abstractas. Josquin hace de ellas lo que quiere. Numerosos compositores lo tomaron como maestro y modelo (Josquin des Prés escribió un Lamento por la muerte de Ockeghem). En ciudades y cortes A lo largo de toda la Edad Media. sobria y equilibrada. por otro." Le animaba un espíritu humanista y "europeo". como la Misa del hombre armado y la misa Se la face ay palé. el compositor flamenco Johannes Ockeghem (1420-1498) fue luego nombrado maestro de capilla de los reyes de Francia (Carlos Vil. el hombre cuenta en lo sucesivo con sus propios valores. Sediento de conocimientos y de acción. este músico de gustos muy refinados es conocido sobre todo como compositor de canciones polifónicas a tres voces. Su inspiración melódica y su prodigiosa habilidad de escritura (llegó a componer un motete a ¡36 voces! le permitieron tratar todos los géneros: desde canciones de carácter melancólico hasta misas que reflejan un fervor místico capaz de emocionar los espíritus del siglo XX. sin embargo. se instala en las ciudades y las cortes. por el contrario. Los músicos. prevalece en Occidente una concepción de la vida que está influida por la religión cristiana: ya sea en las artes plásticas o en el campo de la música. Lo esencial sobre. era llamado por sus contemporáneos el "príncipe de la música". Cantor en la corte de los Sforza de Milán y después en la capilla pontificia. los polifonistas continúan cantando a Dios. Autor de música religiosa. incluye composiciones profanas (canciones). Su música permanece fiel al espíritu del Ars nova. 40 . Su música. en la música. como los demás artistas del Renacimiento. Su obra. la más antigua misa de réquiem que se conserva. se dedicarán a describir la vida en todas sus dimensiones. otra escala de valores.. La balanza está ya equilibrada: por un lado. Citaremos por último al músico flamenco Josquin des Prés (1450-1512). Primeramente chantre en la catedral de Amberes. un medio de afirmar su personalidad. Los señores feudales ceden terreno ante el poder. Italia y Alemania. los humanistas toman conciencia de la existencia autónoma del hombre. el arte profano. Sus viajes a Italia le permitieron forjar un lenguaje musical universal. pero sobre todo motetes y misas. el virtuosismo no ahoga la inspiración: el temperamento vivo y espontáneo de su autor le da una gran frescura. Los instrumentos de la Edad Media ARMONÍAS DEL RENACIMIENTO A finales del siglo XV se desmoronan las estructuras políticas y artísticas de la Edad Media. tanto las actividades de cada día como las grandes aspiraciones poéticas e intelectuales del hombre.Un lenguaje universal Cuatro compositores ilustran las refinadas innovaciones de la escritura franco-flamenca: El compositor flamenco Guillaume Dufay (1400-1474) trabajó en la corte de los Malatesta de Rímini. En el Renacimiento. busca la claridad. le distingue de ésta su preocupación por la claridad de estilo. Amenazados de academicismo a principios del siglo XV. los herederos del Ars nova intentan renovarse: hacen fructificar sus legados con eficacia. Su individualismo ya no es propio de la Edad Media: como maestros conscientes de su fuerza creadora. Encuentra también. En su obra -20 misas. Pronto gozó de gran fama en Francia. el humanismo. y con él. Y Lutero declaró: "Los músicos hacen lo que pueden con las notas. cada vez mayor. El arte renacentista alcanza su plenitud. Luis XI y Carlos VIII). Las más conocidas son la Missa mi-mi y la Missa pro defunctis. sensual y culto. de gran riqueza. Favorecen el espíritu crítico y la imaginación creadora. el francés Gilíes Binchois (1400-1460) fue soldado antes de convertirse en capellán de Felipe el Bueno en la corte de Borgoña. preparan la llegada del Renacimiento. la estructura y la técnica. todas las obras están dedicadas al Creador.

Italia: la música, mensajera del humanismo Italia domina Europa, y no sólo en el campo de las bellas artes. Da al mundo genios como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Rafael, pero sobresale también en la producción musical: enriquecido desde el siglo XV por la concepción franco-flamenca (véase el artículo El gran siglo de la polifonía), el arte musical de la península italiana es en extremo elaborado. Al rigor polifónico (muchas veces abstracto y demasiado matemático) del arte franco-flamenco va a unirse el sentido de la armonía italiano. Las voces superpuestas dejarán de seguir cada una su propio desarrollo. Se perfila poco a poco la armonía moderna, ciencia de los acordes y su sucesión. Así nacerá una música construida sobre melodías cortas y sencillas (en oposición a las extensas frases del arte gótico). Enriqueciendo sus poderes de expresión y emotivos, la música se convertirá en mensajera del humanismo. Intercambio productivo La invención de la imprenta permite la difusión a gran escala de las artes y la ciencia. El humanismo encuentra así un eficaz medio de difusión. Algunos decenios después del invento de Gutenberg (1440) aparece la música impresa por medio de planchas grabadas: la primera obra sale de la imprenta de Ottaviano Petrucci en Venecia en 1501. Las primeras editoriales españolas se establecen en Barcelona (1510) y Burgos (1511). En París, el editor Pierre Attaingnant inicia en 1525 el empleo de caracteres móviles. La imprenta ofrece a los músicos un mejor conocimiento de su arte. Facilita el intercambio de obras entre regiones de todo el continente. Las composiciones de los grandes maestros (sobre todo Josquin des Prés) se difunden por todas partes y son fuente de inspiración de composiciones de gran valor que jalonan todo el siglo XVI. Expresar las aspiraciones humanas La predilección por la fastuosidad y la grandeza proporcionará a la música profana una gran riqueza vocal e instrumental, pero además renovará la música litúrgica. Las formas musicales de la Edad Media, dominadas por rígidos convencionalismos escolásticos, se harán más flexibles. En lo sucesivo, el arte musical apunta hacia objetivos muy ambiciosos: describir el mundo que nos rodea y expresar las múltiples aspiraciones del ser humano. Las obras musicales del siglo XVI, bajo la influencia de las concepciones italianas, se distinguen por su claridad y su sencillez: los artistas no se someten ya a normas convencionales, sino que se preocupan por respetar el sentido y el ritmo de los versos a los que ponen música. Desde entonces, el texto adquiere una importancia primordial. Dará a la línea melódica su articulación: la melodía toma un cariz más natural y espontáneo. Constituida por temas breves, se divide en períodos en función del texto. La canción francesa Esta reacción contra el academicismo medieval se manifiesta en las dos formas principales de la música profana del XVI: la canción francesa y el madrigal italiano. La primera nació antes del Renacimiento, pero el siglo XVI supo simplificar y flexibilizar su melodía. Su diversidad es grande: los temas van desde la libre fantasía a la galantería. La canción expresa los sentimientos más delicados, pero no desdeña la broma desenfadada ni las ideas serias; es una especie de enciclopedia profana. El principal compositor de canciones francesas en el siglo XVI es sin duda Clément Janequin (14807-1560?). Pionero de la música descriptiva (más tarde llamada música programática), supo componer extensas obras vocales con una maravillosa precisión rítmica: La batalla de Marignan representa los enfrentamientos tumultuosos de los ejércitos. Los gritos de París y las Sabidurías de las mujeres relataban con humor la vida cotidiana; y el famoso Canto de los pájaros evoca as sensaciones de un amante de la naturaleza.

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LAS GRANDES CORRIENTES MUSICALES DEL RENACIMIENTO Los artistas del Renacimiento merecen el calificativo de "europeos". Abiertos a las ideas nuevas, influyen unos en otros, hablan un lenguaje universal. Las diferencias entre las escuelas no son tan pronunciadas como lo serán en los siglos XVII al XIX. No obstante: - cada escuela tiene su espíritu propio, a falta de un lenguaje particular; - la música religiosa protestante se aparta definitivamente de la católica. Escuela italiana Giovanni Pierluigi da Palestrina (15257-1594) consagra toda su vida a la música religiosa; providencialmente, su carrera de maestro de capilla, en Roma empieza cuando el papado intenta oponerse al rápido desarrollo de la Reforma El Concilio de Trento (1545-1563) reestructura las formas de la música litúrgica, principalmente con la intención de hacer inteligibles los textos cantados Como católico ferviente y gran músico, Palestrina será el portavoz de esta renovación; su inmensa obra (600 motetes, 105 misas y numerosos madrigales) no es la de un innovador, sino que desarrolla con una constante preocupación por la claridad el estilo de los grandes polifonistas del pasado. Palestrina es ante todo el músico de la Contrarreforma, que lucha por oponer la omnipotencia divina a la "humanidad" del Dios de los protestantes. Su música es grandiosa, sin afectación, y la perfección de forma es su principal cualidad. Paralelamente, en Venecia, Adrián Willaert (1480-1562) enriquece la luminosa música coral italiana con la técnica flamenca y Giovanni Gabrieli (1557-1612 desarrolla la música instrumental. La escuela española La edad de oro de la música española culmina bajo los reinados de Carlos V y de Felipe II. El extraordinario desarrollo de la música polifónica es obra de numerosos compositores. El más célebre de ellos es Tomás Luís de Victoria (15497-1611), que pasó gran parte de su vida en Roma. Su obra, esencialmente religiosa, es más personal que la de su maestro Palestrina: música apasionada, de una intensidad mística digna de la también abulense Santa Teresa de Jesús. Otros músicos importantes son el organista ciego castellano Antonio de Cabezór (1510-1566), el vihuelista valenciano Luis de Milán (14907-1562?) y los compositores andaluces Cristóbal de Morales (1500-1553) y Francisco Guerrero (1527-1599). La escuela franco-flamenca La gran escuela borgoñona alcanza su cima con Orlandus Lassus (1532-1594) Viajero incesante, estuvo en la corte de Francia, en Londres y en Milán, fijando al fin su residencia en Munich, donde fue nombrado maestro de capilla del duqut de Baviera. De una curiosidad insaciable y una imaginación renovada constantemente, une todas las tendencias musicales de su tiempo en un lenguaje muy personal. Su obra es inmensa: autor de innumerables canciones francesas y madrigales, dejó también 50 misas y 700 motetes. La música protestante En Alemania y en otros países, la Reforma crea un nuevo repertorio destinado a ser cantado por los fieles. En contraposición, la música católica permanece reservada a las capillas, a veces prestigiosas, que forman músicos profesionales. Según Lutero, la música vocal e instrumental es indispensable en la educación religiosa de los fieles. El gran reformador introdujo en su Iglesia cantos a una o varias voces llamados corales, que se convirtieron en emblema de los músico: luteranos y pasaron a ser la manifestación del espíritu religioso en los países germánicos. Las corales tendrán una gran influencia en la música alemana desde Bach hasta Bruckner. En Francia, Calvino prohibió el empleo de instrumentos en su Iglesia, pero desarrolló el canto de salmos bíblicos, en colaboración con el poeta Clément Maro y el músico Loys Bourgeois. Grandes músicos calvinistas, como Claude Goudime (15057-1572) y Claude le Jeune (15257-1601) se encargaron de armonizar austeramente estos salmos. En la Inglaterra anglicana de Isabel I, la música británica alcanzó uno de sus momentos más altos, con compositores de la talla de William Byrd (1543-1623) Thomas Morley (1557-1603), John Dowland (1 563-1626) y Orlando Gibbon: (1583-1625). Se desarrolló la música instrumental, sobre todo la de virginal.

Una pieza vocal el madrigal

Esta pieza corta, de forma libre, se desarrolla entre 1530 y 1600. El texto -generalmente de autores importantes, como Boccaccio o Petrarca- es resaltado por la música diestramente: el ritmo de las sílabas es el de la melodía, y el sentido de las palabras es expresado por la música. Al principio, esta pieza a cuatro o cinco voces es esencialmente vocal, pero desembocará en la creación l género llamado Esta pieza corta, de forma libre, se desarrolla entre 1530 y melodía acompañada: una sola voz acompañada por instrumentos. El madrigal es la pieza por excelencia para describir la naturaleza, para expresar los sentimientos y las pasiones por medio de audaces hallazgos armónicos y melódicos. Los grandes autores de madrigales son los flamencos establecidos en Italia Jacques Arca-delt (15047-1557?) y Cipriano de Rore (1516-1565), el compositor francoflamenco Orlandus Lassus (1532-1594) y los italianos Giovanni Pierluigi da Palestrina (15257-1 594), Orazio Vecchi (1550-1605) y, sobre todo, Cario Gesualdo (15607-1613) y Claudio Monteverdi (1567-1643).

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La música instrumental En el siglo XVI, la música instrumental se independiza progresivamente de la vocal. Las primeras obras son meras transcripciones de canciones para danzar, pero los músicos crearán pronto un repertorio concebido exclusivamente para los instrumentos. Así, el veneciano Giovanni Gabrieli escribe las primeras obras para un conjunto instrumental. En Italia, aparecen los primeros métodos de flauta y de viola, y en España surgen los primeros métodos de vihuela y de guitarra. En Francia se destinan orquestas de violas y violines a interpretar las danzas populares o reales. El órgano, el laúd y la espineta Estos tres instrumentos conocerán un florecimiento extraordinario. Libre del limitado repertorio del culto, el órgano se convierte en un instrumento solista y se perfecciona. Desde finales del siglo XV, se escriben piezas especialmente concebidas para este instrumento: del alemán Conrad Paumann (14107-1473) procede el más antiguo método de improvisación al órgano; el español Antonio de Cabezón (1510-1566), organista de Felipe II, compuso fabordones, fugas, versillos, tientos, etc.; y los italianos Claudio Merulo (1533-1604), Andrea Gabrieli (15157-1586) y Giovanni Gabrieli (1557-1612) escribieron toccatas, canciones y ricercarí. El repertorio para laúd -y para su equivalente español, la vihuela- está constituido en su origen por transcripciones de canciones, pero se enriquece rápidamente con obras originales. El italiano Francesco da Milano (1497-1543) escribió siete libros de música para laúd; y el español Luis de Milán (14907-1562?) publicó un importante Libro de música para vihuela, que servía de instrucción para los principiantes en este instrumento y ofrecía un repertorio de música vocal acompañada por la vihuela. La espineta (antepasado del clavecín), conocida en Inglaterra con el nombre de virginal, goza de un renombre creciente. Bajo los reinados de Isabel I y de Jacobo I, numerosos autores dedicaron a este instrumento una música sencilla, basada en el género de la variación: entre ellos, William Byrd (1543-1623) y Orlando Gibbons (1583-1625). A finales del siglo XVI queda constituido el lenguaje musical moderno. La armonía está ya prácticamente fijada. Sin embargo, se preparan nuevas conquistas, que ampliarán la gama de formas y aumentarán la variedad rítmica. EL BARROCO MUSICAL Sociedad y cultura en el Barroco En el Barroco cobró un enorme auge la exaltación de los sentimientos frente a la serenidad y a la mirada puesta en el hombre que habían sido propias del período anterior. El Barroco El término barroco proviene del portugués y, en su origen, significó «perla irregular y deforme». Se empleó para describir de manera peyorativa las formas artísticas demasiado recargadas. Hasta el siglo XIX el término barroco se utilizó como expresión desaprobatoria. Sin embargo, hoy en día ya no es así, aunque se sigue usando cuando se considera que algo es excesivamente complejo o recargado. El Barroco fue una época en la que se produjeron grandes avances científicos y descubrimientos que cambiaron la percepción que las personas tenían del mundo. Durante el Barroco se incrementó la ornamentación en todas las artes hasta llegar, en ocasiones, al exceso. La música, por su parte, experimentó un enorme desarrollo. Aspectos sociopolíticos El siglo XVII, y más concretamente su segunda mitad, está marcado por el triunfo del absolutismo en toda Europa, con la excepción de Holanda e Inglaterra. El poder político de los monarcas se fortaleció hasta eliminar toda representatividad, dando lugar a las monarquías absolutas.

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Los intereses nacionales se exacerbaron y pretendieron imponerse hegemónicamente. Durante el siglo XVI fue España la nación hegemónica, y en el siglo siguiente lo fue Francia. Las hegemonías terminaron en el siglo XVIII, fortaleciéndose la idea de equilibrio. La sociedad estaba organizada en tres grupos, llamados estamentos o estados: nobleza, clero y tercer estado o estado llano. Los dos primeros estamentos eran los privilegiados; el otro estamento poseía escasos recursos económicos y estaba excluido de la participación política. Unido al éxito de la monarquía absoluta, el mercantilismo se fue imponiendo en Europa desde mediados del siglo XVII. El Estado desarrolló una política económica intervencionista prohibiendo la salida de los metales preciosos. Se trataba de un auténtico nacionalismo económico que reforzaba el nacionalismo político. SABÍAS QUE... Un rey bailarín Además de monarca absolutista, el rey de Francia Luis XIV fue una gran aficionado a la danza. Se ganó el sobrenombre de Rey Sol a los catorce años, al aparecer en 1651 en un ballet de corte titulado La noche vestido de sol. Fue precisamente una interpretación suya como bailarín en 1670 la que puso fin a la intervención de los aficionados en las representaciones de ballet. Su pasión por la danza también fue la causa de que Luis XIV entrara en contacto con Jean Baptiste Lully, un gran músico que llegó a alcanzar enorme influencia en la corte francesa. La cultura del barroco El Barroco reaccionó frente a la rigidez de las reglas y se convirtió en un aire abierto, libre, que buscaba lo grandioso y lo dinámico. El Barroco, a la vez que fomentaba el interés por el hombre y la naturaleza, exaltaba el absolutismo real y el sentido victorioso y propagandístico de la Contrarreforma católica. La expresión artística estaba en consonancia con el desarrollo de la sociedad. La cultura tendió a encontrar razones justificativas del poder absoluto de los monarcas y a presentar siempre la monarquía en un contexto de «sublime emergencia» sobre el resto de la sociedad. Las luchas religiosas y el enfrentamiento entre reformados y católicos tuvieron grandes repercusiones en el arte y la cultura. En el campo católico, el arte sirvió para realzar la figura de la Virgen y de los santos, produciendo retablos e imaginería de gran valor. La arquitectura se caracterizó por el movimiento, el claroscuro y la grandiosidad. Grandes arquitectos italianos fueron Bemini, Borrommi y, algo más tarde, Juvara.  En la escultura triunfó el afán de movimiento y se dio preferencia a los gestos exaltados y la teatralidad. Destacaron Bemini, en Italia, y Gregorio Fernández, Martínez Montañés y Alonso Cano, en España.  La pintura se caracterizó por el naturalismo, la fuerte expresividad y el claroscuro. Destacaron Caravaggio, Rembrandt, Murillo y Velázquez.  En la literatura se asiste al desarrollo del tema religioso a través de la mística, en el siglo XVI, con San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús, y de los autos sacramentales, en el siglo XVII, con Calderón de la Barca.  En el pensamiento surgió el racionalismo con Descartes y se inició la ciencia moderna, basada en la experiencia y la inducción. La filosofía empirista fue desarrollada por un grupo de filósofos ingleses a cuya cabeza estuvo Bacon. DESTINATARIOS DEL ARTE BARROCO  Alta nobleza. La grandiosidad decorativa exalta el poder y la riqueza de los reyes y de los nobles.  Iglesia. El Barroco ilustra las verdades de la fe y ofrece un marco suntuoso para las celebraciones litúrgicas.  Pueblo. Las imágenes religiosas y la espectacularidad agradan a la gente sencilla.

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cantantes de sexo masculino que eran castrados antes de llegar a la pubertad para preservar su voz de soprano o contralto. y también surgió el virtuoso. La alternancia de estas relaciones sonoras provocó movimientos espirituales que suscitaron efectos en uno u otro sentido. las óperas. con el uso del estilo concertante. con lo que desapareció el resto de voces del estilo polifónico. La monarquía absoluta impuso el uso de una melodía principal. Su extraordinaria capacidad pulmonar y la limpia ejecución de las más intrincadas coloraturas. con el que rivalizaban en resistencia para admiración del público. de sus voces. con la aparición y perfeccionamiento de nuevos instrumentos. y en muchas ocasiones se enzarzaban en duelos con algún instrumentista de viento. La pintura realista y de fuertes contrastes guió a los compositores en sus obras instrumentales y los impulsó a buscar el colorido tímbrico. un precioso instrumento musical vivo. Esta práctica decayó cuando las mujeres. La aparición de teatros donde se representaban obras dramáticas con música. Podían sostener una nota durante minutos enteros. Los efectos que excitaban los sentimientos en los conjuntos de los grandes escultores barrocos trató de conseguirlos el músico con el uso del acorde consonante y disonante. en cierto modo. Las artes y el estilo musical del Barroco La música acompañó en todo momento los profundos cambios experimentados en la sociedad. sobre todo con la aparición de voces artificiales: los castrati.La música en el Barroco En el Barroco. hizo que se produjera un mayor acercamiento entre los diferentes estamentos sociales de la época. Los castrati recibían una esmeradísima educación musical. femenina. y el contraste sonoro. la música barroca redujo todos los modos musicales eclesiásticos a solo dos: el modo mayor y el modo menor. teorizada por Gioseffo Zarlino (1517-1590). la música tuvo un desarrollo espectacular. con grandes intérpretes y un enorme desarrollo de la orquesta y de las técnicas de construcción de instrumentos. procedentes de los ambientes más pobres. y elegidos por la belleza de su voz infantil. el método científico propició el nacimiento de la ciencia de la armonía (estudio de los acordes). hasta la muerte de Johann Sebastián Bach en 1750. por lo que su destino se consideraba envidiable. se incorporaron a la escena operística. para cuyas voces se componía la ópera italiana en los siglos XVII y XVIII. en el que a un solista o grupo de solistas se opone o contrasta el resto de la orquesta. de una belleza y extensión asombrosas. la cultura y el arte. Características del Barroco musical 45 . Consecuencia del racionalismo científico que dominó el pensamiento de la época. Con estos modos se escribieron la mayoría de las obras musicales que han llegado hasta nosotros. que buscó en la naturaleza la fuente de toda legitimidad. Los castrati eran varones. complejas acrobacias vocales escritas por los compositores para ellos. los enorgullecía más que la tesitura aguda. Por este cruel procedimiento se conseguía que estos cantantes conservaran el timbre de una voz blanca. y el Barroco se convirtió en la época del virtuosismo musical. que. hacia 1 600. Los músicos adoptaron el término barroco para referirse al período de ciento cincuenta años que va desde los inicios de la ópera. acabó ejerciendo un absolutismo instrumental sobre el resto de la orquesta. LOS CASTRATI Los primeros músicos de la historia en alcanzar la categoría de estrellas fueron los castrati. pero unido a la capacidad pulmonar de un varón adulto. a finales del siglo XVIII. Por otro lado. Un castrato era una maravilla vocal. La arquitectura de línea curva y ornamentación exuberante tuvo su reflejo sonoro en las melodías llenas de adornos y acrobacias vocales. y los que triunfaban amasaban grandes fortunas. a los que se castraba antes de que llegaran a la pubertad.

durante el Barroco. Un tercer sector social -el burgués. y la Contrarreforma. completaba el acompañamiento mediante acordes. llamados Luthiers. Los más famosos fueron Stradivarius. Al igual que había sucedido durante el Renacimiento. etc. y los compositores reservaban sus mejores esfuerzos para la música vocal. que solía ser el clave. En esta época destacaron algunos grandes constructores italianos de instrumentos musicales. en el que todas las voces tenían la misma importancia. El bajo continuo o bajo cifrado consistía en la interpretación de la línea del bajo por parte de un instrumento grave. PARA SABER MAS: La música al servicio de la religión y la monarquía El Barroco fue un estilo artístico conformado por las ideas dominantes de la época: el absolutismo en política. siguiendo un sistema de cifras escritas sobre el bajo. La sala de ópera era un modelo de la sociedad del siglo XVII. Amati y Guarnieri. la reacción cultural de los países católicos de! sur de Europa frente a la Reforma protestante del norte. violonchelo y contrabajoque fueron una conquista técnica del siglo XVII y generaron formas musicales propias. y a otra. resultó en buena parte consecuencia del éxito obtenido por los instrumentos de arco -violín. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al organista los acordes que puede ejecutar. Esta aceptación de la música instrumental. separada jerárquicamente en pisos y gradas de acuerdo con su posición social. de cuerda o viento. sin embargo. la música culta o ilustrada. La aceptación plena de la música instrumental Hasta el Barroco. cantata. que llevaba la melodía. la concurrencia solía ser la comunidad entera. que servía de acompañamiento. que permitía el acceso al teatro mediante el pago de una entrada.  Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música.  Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental. • El bajo continuo. viola. cuya técnica no ha sido superada todavía. 46 .Las principales características que definen la música barroca son estas:  Predominio del estilo vertical u homofónico. Este último.  Nacimiento del bajo cifrado o bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. La voz superior es la melodía. Frente al estilo polifónico del Renacimiento. en tanto que los mitos griegos y romanos de donde provenían casi todos los argumentos que se ponían en escena reflejaban los valores aristocráticos de los estamentos sociales dirigentes. en oposición a la popular. Innovaciones musicales del Barroco En el Barroco se produjeron dos grandes innovaciones musicales: el bajo continuo y la tonalidad. que era completa ya en la segunda mitad del siglo XVII. y otro de tecla.  Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera. la música instrumental era considerada un género menor.  Supremacía de la música profana sobre la música religiosa. la voz de bajo.  Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara.  Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado. Pero durante las primeras décadas del siglo XVII empezaron a utilizarse en Italia las palabras sonata y concierto para designar un número cada vez mayor de composiciones puramente instrumentales.  Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia. únicamente se cultivaba en el seno de los dos estamentos rectores de la vida política y espiritual: el aristocrático (las diversas cortes europeas) y el eclesiástico. que presenta como ideal la monarquía absoluta.entró. en el Barroco se desarrolló un estilo en el que la música quedaba reducida a una voz principal. durante esta época en el universo musical gracias a la ópera comercial.  El compositor practica todos los géneros de su época. En los primeros días de la ópera.

que surgió de la evolución del madrigal. los coros (voces). donde alternan recitativos. tampoco se actúa. Se llamaron Stradivarius. transformaciones en escena. sino que variaban en función de la composición. Puede estar escrita sobre textos religiosos o profanos. la familia Stradivarius cuelga su cartel: «Hacemos los mejores violines del edificio». Durante esos siglos. Decorados y escenografías exigen unos marcos especiales. en Roma. cuya iluminación se conseguía con antorchas. Formas vocales  La cantata. Al igual que en el oratorio. Drama litúrgico sobre la pasión y muerte de Cristo. adquiriendo rasgos muy característicos. por los propios personajes del Evangelio y el pueblo. después de años de pacífica coexistencia en el mismo edificio.Los Luthiers Durante los siglos XVII y XVlll la construcción de instrumentos musicales llegó a cotas de calidad difíciles de superar. Los más famosos luthiers vivieron en la ciudad italiana de Cremona. los interludios (instrumental). el ballet. carros voladores. muchas obras musicales se representaron en los teatros y un público cada vez más numeroso pudo contemplarlas y escucharlas. arias e intervenciones orquestales. En los siglos XVII y XVIII. Obra para ser cantada. coro y orquesta. que perfeccionaron la técnica de construcción de violines y otros instrumentos. Sus partes más importantes son: la obertura (instrumental). Poseer un instrumento construido por ellos sigue siendo un sueño para cualquier músico. y en cierta forma es una evolución del motete. 47 .  La pasión. La tienda Guarnieri enseguida reacciona señalando: «Hacemos los mejores violines del mundo». Está formada por anas y recitativos y se diferencia del oratorio en que el coro tiene menor importancia y en que tiene un carácter lírico en lugar de dramático (los personajes no intervienen en la acción). que narra la historia mediante el recitativo. En la cantata intervienen solistas. volcanes en erupción y escenas submarinas. las arias (solos en voces) y. llamados desde entonces luthiers. De ellos se cuenta la siguiente anécdota: en Cremona. a medio camino entre el lenguaje hablado y el canto.  La ópera. acompañada por diversos instrumentos. Está protagonizada por un evangelista. El resto de los instrumentos (viento y percusión) no eran fijos. hicieron de su oficio un arte y una tradición que continúa viva en nuestros días. terremotos y desastres. El elemento unificador son los corales que se repiten. Representación escénica de carácter lírico-dramático. Toda esta espectacularidad barroca exigía tras el escenario montacargas. El recitativo consistía en una única melodía cantada (monodia). FORMAS MUSICALES DEL BARROCO Fue en este período cuando la orquesta comenzó a tener más o menos la forma que tiene hoy día.. cuerdas y mecanismos mecánicos de todo tipo que constituían la tramoya. coros y orquesta. Los maestros artesanos. Amati y Guarnieri. se sentaban hasta ochenta personas. Eran habituales los efectos de nubes que giraban en el escenario. diseñada con asientos y cabinas en las que..  El oratorio. un drama de carácter religioso. Su base estaba constituida por instrumentos de cuerda frotada y el bajo continuo. Durante el Barroco las formas musicales de épocas anteriores evolucionan al adoptar diferentes innovaciones. la tienda Amati decide hacer publicidad poniendo en su ventana el siguiente cartel: «Hacemos los mejores violines de Italia». dragones llameantes. GRANDES ESPECTÁCULOS MUSICALES Los teatros no solo se utilizaron para la representación de las obras de los más famosos escritores. Toma su nombre de los Oratorios de San Felipe Neri. A menudo los efectos de humo y fuego producían incendios en los teatros. sino que solamente cantan una historia. coro y orquesta.La orquesta barroca SABÍAS QUE. en ocasiones. Tenía una orientación dramática. y los personajes dialogar entre sí. Puede usar la lengua latina o la lengua vulgar y se escribe para solistas. ocasionalmente. la tramoya escénica de los teatros de ópera alcanzó complejidades asombrosas al servicio del gusto del público por la espectacularidad escénica. Por último. Se escribe sobre texto bíblico y participan solistas. Los personajes no actúan.

por oposición a una obra cantada o cantata. lo cual permite un más alto grado de virtuosismo. mientras en la segunda los protagonistas eran personajes del pueblo.  La fuga. pero aquí solo hay un instrumento solista. Obra para ser sonada. bourré y zarabanda. Formas instrumentales  El preludio y la tocata. si no se indica lo contrario. no para tres instrumentos. Piezas breves para instrumentos de teclado. Tuvo su origen en las danzas populares que se cantaban en la Edad Media. La ópera tuvo sus comienzos en Florencia. polonesa. para ser tocada. acentuando el contenido de los textos. como mucho. «concierto». se enriqueció en Venecia y Roma y logró el pleno éxito en Nápoles a finales del siglo XVII. en la que uno o dos solistas cantaban acompañados de bajo continuo y.  El concerto grosso. tuvo su origen en el concierto barroco. Sucesión de danzas populares. sino para cuatro: dos líneas melódicas principales (violines. amplió sus capacidades técnicas. de uno o dos violines. Con la Camerata Florentina nació la ópera cuando un grupo de nobles italianos combinaron el arte de la canción con el drama de una historia narrada. Otros tipos de danza son courante. giga. Este fue el caso del violín que. NACIMIENTO Y DESARROLLO DE LA ÓPERA Florencia era a finales del siglo XVI uno de los focos culturales y artísticos más importantes de Italia. Es la forma más compleja que se conoce en la polifonía occidental. No debe ser confundida con la sonata clásica. Una forma típica de música de cámara en el Barroco era la sonata da camera o trío-sonata. alternando rápido-lento.Se distingue entre la ópera seria y la ópera bufa o cómica. Tiene tres partes: exposición temática.. puede ser también vocal. pero no de la música. cuya presencia era casi obligatoria improvisando las armonías. en el Barroco se buscaba el contraste entre los instrumentos. es decir. violas). generalmente violines. que es una de las más importantes manifestaciones de la música culta.) más bajo continuo. Suele constar de cuatro movimientos. dos o tres instrumentos. oboes. El concierto suele constar de tres movimientos. contrasta con el resto de la orquesta (tuti. El nombre de concertó.  La suite. que era interpretado normalmente por la viola da gamba o violonchelo más el clave. alternando un aire tapido y uno lento. El concierto actual. Un grupo de instrumentos solistas (concertino). paspié. cuyas divertidas historias eran reflejo de la vida cotidiana. viene del vocablo latino concetare. etc.. gracias al impulso dado por los luthiers. divertimento o desarrollo y stretto conclusivo o reexposición. En el Barroco se interpretaban con instrumentos y aparecían reunidas en una sola obra. Sus cuatro tiempos basados en aires de danza suelen ser: alemanda.  El concerto solista. combatir). La influencia de la ópera y la tradición del madrigal renacentista dieron lugar en el Barroco a la cantata.  La sonata. Similar al concertó grosso. minueto. que significa «luchar. Además de ser una forma musical instrumental. e implica la presencia de un bajo continuo. 48 . pero tesitura distinta. Se puede escribir para uno. de talante aristocrático. flautas. La primera. Se alternan motivo y respuesta dentro de un estilo contrapuntístico imitativo. o ripieno). PARA SABER MÁS: Los instrumentos musicales en el Barroco El refinamiento virtuosístico de la música del Barroco hizo que los instrumentos tuvieran que estar a la altura de los intérpretes. como sucede en la sonata. de la que quedaban muchos vestigios de otras bellas artes. Mientras que en el Renacimiento la música para conjunto se ejecutaba con instrumentos de timbre similar (flautas dulces. permitiendo mayores posibilidades para la ejecución. alternándose los rápidos con los lentos. La melodía principal se llama motivo y es imitada por la respuesta. disputar. La ópera en Florencia El Renacimiento había pretendido que el hombre se reencontrara consigo mismo volviendo la mirada a la Antigüedad clásica. extraía sus temas de la mitología clásica.

49 . Prefacio a sus Nuevos músicos La ópera en Roma Los experimentos de la Carnet ala florentina se extendieron con rapidez y fuerza por toda Italia. Tres años más tarde. un oratorio o una cantata. debido a la tradición polifónica de la ciudad. a quien puede considerársele creador de la ópera bufa en Italia. Así nació la ópera Dafne. y Luigi Rossi (1598-1653). La escenificación se hizo más lujosa y se introdujo un personaje cómico. de Emilio de Cavaliéri (hacia 1550-1602). soltura melódica e incluso un ligero acompañamiento instrumental. y de carácter lírico. speri. que afirmaron que en la música lo primero es el lenguaje. que compuso L'Aretusa. en los salones de los condes Bardi y Corsi. músicos de la talla de Stefano Landi (hacia 1590-1639). Dos cardenales. se estrenó en el Palacio Pitti la ópera Eurídice. Lo practicó con éxito Vincenzo Galilei (hacia 1520-1591). que reunía en sí todos los elementos del teatro (poesía. Suele ir ubicada en el transcurso de una forma más amplia. si es que se quiere que pueda ser admirada por los oyentes. que compuso e interpretó él mismo una escena dramática sobre el lamento de Ugolino de la Divina Comedia. escribieron nuevas óperas en las que. buscó un nuevo estilo en el que. En Roma. fueron los protectores de la ópera en Roma y los que permitieron la llegada de la ópera bufa. se dio una mayor importancia a los coros y a la orquesta. Estimulado por este éxito. no dejando entender bien las palabras [se refiere a la polifonía]. como una ópera. La ópera decayó durante el pontificado de Inocencio X (1644-1655). Ya que esos gentileshombres siempre me han aconsejado y convencido con clarísimas razones de que no debía apreciar aquella música que. el texto lo escribió Rinuccini y la música fue compuesta por Peri. en la que el intérprete desarrolla sus mejores cualidades expresivas. con Orfeo. un grupo de humanistas que se reunía en Florencia. acompañada por el bajo continuo e interrumpida por el coro. el conde Bardi encargó al dramaturgo Ottavio Rinuccini (1562-1621) y a los músicos Jacopo Peri (1561 -1633) y Giulio Caccini (hacia 1550-1618) que escribieran obras en el nuevo estilo. En el año 1634. escribió el libreto de Chi soffre. alargando unas veces las silabas y otras acortándolas. con algunos coros de Caccini. luego viene el ritmo y por último el sonido. se dio en Roma una especie de ópera con argumento sacro que llevaba por título la Representación del alma y del cuerpo. Filippo Vitali (hacia 1590-1653). y no al revés. y Rospigliosi.» Giulio Caccini. deforma el concepto y el verso. a finales del siglo XVI. con lo que nació la ópera bufa. padre del astrónomo Galileo. que se representó durante el carnaval de 1597 en el Palacio Corsi y cuya música se ha perdido. música y danza). fundidas palabras y música. Artistas y humanistas se agrupaban bajo el nombre de Camerata Florentina. El paso siguiente al recitativo melódico surgió de la necesidad de que las voces solistas interpretaran fragmentos que requerían más aire. LA MÚSICA Y EL LENGUAJE «Aprendí más con los doctos razonamientos de la Camerata florentina del conde Bardi. que en más de treinta años de estudio de contrapunto. composición independiente para voz solista. Domenico Mazzocchi (1592-1665) a quien se debe Caleña á Adone.Tratando de imitar la tragedia griega. generalmente con acompañamiento. durante las fiestas celebradas con motivo de la boda de María de Médicis con Enrique IV de Francia. especie de cantinela siguiendo los acentos del texto. se produjera una mayor expresión dramática. La primera consecuencia fue el nacimiento del recitativo melódico. En el mismo año en que se representaba Eurídice en Florencia. Barberini y Rospigliosi. primera que se conserva íntegra. para acomodarse al contrapunto con detrimento de la poesía. Apareció de esta forma el aria. sino que debía atenerme al estilo de Platón y de otros filósofos. Barberini compuso un libreto con criados graciosos. autor del drama sacro San Alesso. lo cual no se puede lograr con el contrapunto de las músicas modernas.

saludaban a sus amigos del palco desde el escenario y hablaban entre ellos cuando no cantaban. Venecia fue el foco más importante de la ópera en Italia y continuadora de la etapa romana. y un año después compuso una nueva ópera. El año 1613. compuesta con ocasión de la boda del emperador Leopoldo 1 con Margarita de España. puesto que ocupó hasta su muerte. fue ordenado sacerdote. fue estrenada en París. onomásticas). se jugaba a las cartas durante los recitativos. que trató temas de la mitología antigua y de la historia romana y oriental. A los veintitrés años entró al servicio de la corte de los Gonzaga en Mantua. alcanzó gran desarrollo el cantante y el aria. compusieron también obras inspirándose en los escritos de Dante. donde compuso gran parte de su obra operística. Francia. Antonio Cesti (1623-1669) estrenó en Viena La manzana cíe oro. como Verdi. En el verso 75 del canto penúltimo del «Infierno». Se separó de la ópera florentina y concedió mayor importancia a la orquesta buscando un timbre más de acuerdo con la expresión escénica. El gran maestro de la escuela veneciana fue Claudio Monteverdi (1567-1643). Fue él quien dio a la ópera el impulso que necesitaba para alcanzar un verdadero desarrollo. que vivió en Mantua y en Venecia. Murió en Venecia en 1643. con motivo de la boda de Luis XIV. y no la acción teatral. Otros músicos. Monteverdi se instaló en Venecia. Suiza. Las óperas siguieron teniendo como argumento temas griegos y mitológicos. era lo que importaba. Durante la representación. se saludaba a los amigos. pues juzgar las acrobacias vocales del cantante favorito. Su ópera más popular. la cantante Claudia Cattaneo. Dante escribe que la hambruna pudo en Ugolino más que el dolor. Egisto. Trento e Innsbruck. Cuando falleció su esposa. La acción teatral podía ser deslumbrante. Además de óperas compuso unos doscientos madrigales. y nació el empleo de introducciones instrumentales. Francesco Cavalli (1602-1676) fue compositor aristocrático. y la gente acudía no solo con objeto de disfrutar del espectáculo teatral y la música. Orfeo (1607). Sobre el lamento de este Ugolino versa la escena dramática que compuso el músico Vincenzo Galilei. tres misas y diversas colecciones de salmos. poco preocupados por su fama como actores. Se le encargó la composición de la ópera Ercole amante. Otros dos importantes compositores de la ópera veneciana fueron Cavalli y Cesti. Ariadna.. sino también para relacionarse con sus vecinos. hizo que se dieran a conocer sus más importantes óperas: El retomo de Ulises y La coronación de Popea. famosa ópera de gala (composición que los maestros de capilla tenían la obligación de entregar con motivo de las grandes fiestas: bodas. SABÍAS QUE. Cesti es considerado un artista popular.. en los palcos se charlaba. Luego. En 1613 fue nombrado maestro de capilla de San Marcos de Venecia. en muchas ocasiones enzarzado en duelo con sus rivales. toda esta actividad se detenía momentáneamente para juzgar al cantante predilecto y se protestaba ruidosamente si su actuación no gustaba. Dante y la música Dante Alighieri (1265-1321) es el autor de la Divina Comedia. saliéndose continuamente del personaje. En Mantua estrenó la primera ópera de fama duradera. La apertura del primer teatro público de ópera en 1637. Claudio Monteverdi: BIografía Claudio Monteverdi nació en Cremona en 1567. Donizetti y Liszt. La orientación universalista de su obra se debió a los viajes realizados estando en la corte de Mantua. Los cantantes. luego de relatar la muerte de los hijos de Ugolino de Pisa en la «Prisión del Hambre». sus líneas melódicas fueron cada vez más interesantes e incluso recurrió a algún tema popular. 50 . el San Casiano. para lo cual usó armonías más audaces y renovadoras. Su obra se hizo más realista. Bélgica. obra alegórica en la que se hace referencia a la relación que existe entre la poesía y la música. La ópera en Venecia A mediados del siglo XVIII. se merendaba y se discutía. decreció la importancia de los coros.PARA SABER MÁS: Ayer y hoy de la ópera En la Italia de principios del siglo XVIII la ópera era un espectáculo muy diferente al actual. su temática fue más histórica que mitológica. cuando el recitativo cedía su lugar al aria. cumpleaños. era uno de los principales alicientes del espectáculo. con abundancia de coros en sus obras y con recitativos de gran colorido. camareros con enormes bandejas servían bebidas a las personas principales del público. con enormes máquinas capaces de conseguir increíbles efectos escénicos. Hizo sus primeros estudios musicales con Ingegneri. que le llevaron a Hungría. El canto. buscó el equilibrio entre el texto y la música y trató de» evitar el uso de los coros.

eran unos espectáculos de tipo ligero. pero en la ópera bufa los personajes eran pocos (habitualmente solo dos) y estaban tomados. en la que. volumen II ALESSANDRO SCARLATTI: Biografía Nació en Palermo en el año 1660. al mismo tiempo. a pesar del éxito obtenido. Además de 100 óperas. la música religiosa adquiere un notable desarrollo y la música instrumental florece extraordinariamente. aunque. PARA SABER MÁS: La ópera bufa napolitana En el siglo XVIII. También trabajó en Venecia y Florencia. desempeñó un papel de primer orden en el origen y la evolución de la música barroca. oratorios y sinfonías. especialmente en los finales de acto. Se daba mayor importancia a los concertantes. se intercalaron en la representación. speri en adelante. como la trama. Murió en Nápoles en 1725. desde Chi soffre. La ópera bufa se originó en los intermezzi del siglo XVII que. es. El principal representante de la ópera napolitana fue el siciliano Alessandro Scarlatti (1660-1725). Aunque su ópera le debe mucho a la música instrumental. con tres figuras y apenas decorados. no consiguió nunca desplazar a la ópera seria del lugar que esta ocupaba en la estimación popular. A él hay que atribuirle el perfeccionamiento del ana. La música del Barroco en Italia Italia. adornándose con algunas coloraturas. del que se derivó un gran desarrollo de la técnica vocal. que nació y se desarrolló en cuatro grandes ciudades italianas. compuso 600 cantatas de cámara. hasta tal punto que el ana da capo (la forma A-B-A. Encontró su propio estilo con su primera obra Pino y Demetrio. Harman.iban desde las canciones palmeadas hasta las cantinelas sentimentales. menos artificioso que en la ópera seria. obras de cámara y teclado. Fue el principal representante de la ópera napolitana. que. ópera cantada. A los veinticuatro años fue nombrado maestro de capilla del virrey de Nápoles. sobre todo. Compuso más de cien óperas. Todo. aunque nunca se intentara alcanzar los climas de la emoción. se enriqueció en Venecia y Roma y logró el máximo esplendor en Nápoles. Telémaco y Griselda A Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) cabe el mérito de haber desarrollado y dado madurez a la ópera bufa. era más natural. en las que el cantante hace gala de su técnica y de su fantasía) sustituyó a todas las demás. Marchó a Roma siendo niño. el cantante buscaba su lucimiento personal y la música quedaba subordinada a los caprichos de aquel. aunque se parecieran en la estructura de recitativos. en este caso la ópera. Nápoles creó la ópera bufa como reacción ante la falta de comicidad que se dejaba sentir en los libretos de Zeno y Metastasio ópera bufa no viene a ser lo mismo que ópera cómica. Las palabras se expresaban naturales. se repite la primera parle desde el principio. arias y textura homófona. Las formas musicales religiosas adoptaron nombres distintos de las formas profanas. Aparte de la ópera. solo se diferenciaba de la ópera seria en la naturaleza del argumento. después de un trozo intermedio. logró un tipo de ópera que habría de conquistar el mundo. simple y melodiosamente. en una palabra. Tanto o más éxito que la propia ópera tuvieron los entremeses que. intercalados entre los diversos actos de una obra seria. La música religiosa La música religiosa estuvo totalmente identificada con el panorama general de la lírica (música dramática) del siglo XVII.La ópera en Nápoles La ópera nació en Florencia. 200 misas. trabó amistad con Corelli y se convirtió en favorito de la reina Cristina de Suecia. Esta última. como era costumbre. con la única diferencia de que en los templos no se permitía la escenografía. de la vida cotidiana. En Nápoles encontró forma definitiva el llamado bel contó. En su forma eran más libres y más limitadas armónicamente. En 1703 volvió a Roma y ocupó el cargo de maestro de capilla de Santa María la Mayor. pero las diferencias en su espíritu y su estructura 51 . como los intermezzi del Renacimiento. como ya ocurrió en el Renacimiento. da cupo. En su obra La Serva Padrona. En ella solo se utilizaban voces naturales (ningún cástrate) y las arias -algunas veces reminiscentes de las canciones folclóricas. de ahí que se hable de ópera napolitana. A. donde adquirió características propias. con títulos como Matrídates Eupátor. Historia general de la músico.

que escribió una misa a 52 voces. Jonás. Conservatorios y escuelas de música El precedente de los actuales centros de educación musical surgió en Nápoles en 1537 como «escuela de beneficencia». F. respectivamente. tomando como referencia los textos evangélicos. como el oratorio.no fueron notables. Se conservan trece oratorios del maestro. El oratorio se inició prácticamente con la Representación del alma y del cuerpo. intervenía la muchedumbre. en las que usaba grandes coros a los que llegaba a convertir en protagonistas. En el Barroco se introdujeron el aria. entre los que cabe citar Jefté. como la misa y el motete. la orquesta y un narrador o cronista de escena. Destacan sus obras Oratorio de la Asunción y Pasión según San Juan. Se siguieron practicando formas religiosas del pasado. Otro músico que participó en el desarrollo del oratorio fue Alessandro Stradella (1644-1682). Pero la influencia de la época provocó otras nuevas formas. es una forma musical. quien compuso catorce oratorios utilizando todos los recursos formales y expresivos que había empleado en sus óperas y en los que sacrificó el coro al esplendor vocal y a la explotación dramática de los efectos orquestales. Además de los solistas intervienen el coro. posteriormente fueron textos religiosos. PARA SABER MÁS: Los oratorios de Carissimi Giacomo Carissimi fue la gran figura de la primera época del oratorio. De sus alumnos se nutrirán las orquestas y los teatros de ópera italianos de la época. de Emilio de Cavaliéri. Pasión según San Juan y Pasión según San Moteo. que se escuchó por primera vez el año 1600. como ya hemos visto. con partes liricas y dramáticas... Alessandro Scarlatti compuso una Pasión según San Juan. con su oratono San Juan Bautista. ya citada como inicio de la ópera en Roma. Durante el siglo XVII este tipo de centros se extendieron por Italia y se llamaron conservatorios. de carácter educativo y moral y escritos en italiano. al que ya hemos citado como compositor de óperas en Nápoles. La plenitud del oratorio en Italia está representada por Alessandro Scarlatti. El gran maestro de este género fue Giacomo Carissimi (1605-1674). EL ORATORIO El oratorio. muy expresivas. el recitativo y los instrumentos musicales para acompañar el canto de forma dramática. llegándose a las monumentales construcciones vocales de Agostino. que compuso una misa a 48 voces. el polaco Krzysztof Penderecki. donde los personajes no actúan. estrenadas en 1723 y 1729. Los primeros textos de los oratorios fueron bíblicos y escritos en latín. a cuyo desarrollo colaboró aportando la función diferente y contrastada que tiene que existir entre las voces solistas. el compositor de la vanguardia musical. Tanto la historia de £i juicio de Salomón como las otras doce historias sobre textos bíblicos del Antiguo Testamento que relató Carissimi en los oratorios que compuso son episodios dramáticos breves que dan paso a un gran coro. un centro que impartía enseñanza musical a los huérfanos o niños sin recursos de la ciudad. estrenó en 1966 su Pasión según San Lucas. El diluvio universal y El juicio de Salomón. en los pasajes evangélicos. cada una de las voces empezó a ser sustituida por grupos de cuatro o más coros. de gran fuerza dramática y con melodías ricas y coloristas. sino que solamente cantan una histona. 52 . que unas veces actúa de narrador y otras veces participa en la acción. En la Edad Media ya se representaban pasiones con música de canto llano. Sabías que. Durante el siglo XVII se puede hablar de tres formas diferentes de música religiosa: la polifonía vocal (solamente voces). y Orazio Benévoli (1605-1672). que lo construyó sobre bellas melodías. el solo acompañado de algunos instrumentos y el estilo concertante de voces e instrumentos conjuntados. Sobre la severa polifonía religiosa anterior. Ya en tiempos actuales. Pero las pasiones más famosas son las de Johann Sebastián Bach. el coro y la orquesta. LAS PASIONES La «pasión» es una especie de oratorio que describe la pasión de Jesucristo. la cantata y la pasión. En el siglo XV se musicalizó polifónicamente los textos en los que.

y «Bonjour». Parece ser que fue Alessandro Grandi (hacia 1580-1630). En su obra instrumental destacan seis sinfonías. Carissimi y su principal discípulo Alessandro Scarlatti. Surgieron así las primeras agrupaciones de cámara para las que escribieron los siguientes músicos:  Giuseppe Torelli (1658-1 709). cuyo valor ha alcanzado los 927.000 dólares. quien dio nombre a la cantata en el año 1620. hoy perdidas. cuya calidad de sonido aún no ha sido superada. gracias al impulso dado por los luthiers. «Cholmondeley». su forma primitiva constaba de arias y recitativos que se alternaban y a los que acompañaba un instrumento.LA CANTATA La cantata tuvo un origen profano. Hay dos tipos de cantata: cantata de iglesia y cantata de cámara. Similar a la sonata y a la suite en su estructura. 18 sinfonías y Concerti grossi con una pastoral para la Navidad  Tomaso Albinoni (1671-1 750). A comienzos del siglo XVII se desarrollaron las cantatas en Italia y adquirieron mayor variedad al introducir Luigi Rossi. ya mencionado en este volumen por su aportación a la ópera en Roma. LA MÚSICA INSTRUMENTAL La total independencia de los instrumentos con respecto a las voces. Brandeburgo y Bolonia. Desde mediados del siglo XVI hasta el siglo XVIII. En el taller de Antonio Stradivarius. al que ya hemos citado como autor operístico. construido en 1690. sino todos los demás instrumentos de cuerda frotada. todos ellos ya mencionados. que en su época tuvo gran repercusión por sus óperas. la aparición del virtuoso y la búsqueda de nuevos timbres fueron los puntos de arranque de lo que más tarde se convirtió en una floreciente música instrumental. De la sonata para un instrumento se pasó a la sonata para dos y después para tres (dos violines y viola de gamba). El más caro es el violín conocido como «Mendelssohn». y las ornamentaciones y coloraturas (pasajes rápidos y llenos de adornos) compitieron con la brillantez técnica del virtuoso instrumental. amplió sus capacidades técnicas. con sus Canciones y sonatas.100 violines. se llegaron a construir más de 1. no solo el violín.  Arcangelo Corelli (1653-1713). remonta su origen a las Nuevas músicas de Caccini y fue practicada con acierto por Monteverdi. construido en 1720. Los tres instrumentos de cuerda más valiosos del mundo en la actualidad son Stradivarius. Residió en Viena.000.380. permitiendo mayores posibilidades para la ejecución. Un paralelismo entre la música vocal y la instrumental estableció el aria solista en el mismo plano que la sonata a solo.000 dólares. será denominado concierto de iglesia o concierto de cámara. heredera del madrigal. De Albinoni se recuerda e interpreta con asiduidad el famoso Adagio en sol menor. Cesti. el concierto es una obra escrita para un solista o un grupo de solistas que contrasta con el resto de la orquesta. Según el marco donde se interprete. varias familias de artesanos perfeccionaron. cuyo valor en dólares es de 1. Los otros dos instrumentos son violonchelos. construido en 1698. La cantata. con su obra Cántate e aire a voce sole. Este fue el caso del violín que. Dio mayor riqueza instrumental al concertó grosso. vendido en 950. la alternancia de arias y recitativos. EL PERFECCIONAMIENTO DEL VIOLÍN El refinamiento virtuosístico de la música del Barroco hizo que los instrumentos tuvieran que estar a la altura de los intérpretes. cantante y compositor nacido en Venecia. Fue autor de doce conciertos de cámara. compositor y violinista.  Filippo Vitali. Un iniciador de este género fue Giovanni Gabrieli (hacia 1557-1612). de quien merecen citarse el Concierto de Navidad y La Folia. 53 . uno de los creadores de la moderna técnica violinística y del concertó grosso. valorados actualmente en varios cientos de miles de dólares. violinista.

dos claves y tres órganos». sin darle la menor importancia. organista en la corte de Florencia y. Es. escrita el año 1725. que le otorgan una personalidad única. después. que es uno de los primeros ejemplos de música programática. música religiosa. obra esta que contiene Las cuatro estaciones. cuerdas y órgano o clavicémbalo. como consecuencia de las reconstrucciones a que fueron sometidos para aumentar su sonoridad en la sala de conciertos. 60 obras para música de cámara. hasta tal punto que Bach transcribió algunas de sus obras. Antonio Vivaldi (1678-1741) Fue el principal representante de la música instrumental del siglo XVII. Antonio Vívala. dos violines. Murió solo y pobre en Viena. Hizo notables aportaciones a la composición y a la técnica violinística. dos flautas grandes. Vivaldi confía a la orquesta algunos detalles: las violas evocan el ladrido de los perros. Pero también compuso obras para todos los instrumentos.. pero surgen figuras tan potentes como Bach y Telemann. dos oboes. la más célebre es Las cuatro estaciones. maestro de capilla y empresario de ópera. La música del barroco en Alemania En sus inicios el Barroco musical alemán estuvo muy influido por la música italiana. mientras estaba diciendo misa. El órgano y la orquesta El auge del órgano en Italia se debe en gran medida a Girolamo Frescobaldi (1583-1643). Italia. Estos títulos genéncos engloban amplias colecciones de conciertos. se fue a la sacristía. Corresponde al solista evocar los detalles pintorescos. Los conciertos están concebidos para violín principal. De su vastísima producción hay que destacar L'estro armónico. incluido un Concierto para guitarra. PARA SABER MÁS: Las cuatro estaciones de Vivaldi Vivaldi compuso cerca de 450 concerti grossi y conciertos para instrumentos diversos. tanto el concertó grosso como el solista. 23 sinfonías. unas 30 óperas. Vivaldi ejerció como sacerdote apenas un año. sin decir palabra. Las cuatro estaciones representan el modelo concertístico. Cuenta una crónica que «un día. Influyó mucho en la música instrumental. Se ordenó sacerdote. dejó el oficio religioso. Por lo que respecta a la orquesta barroca italiana. En Las cuatro estaciones se narran cuatro historias del paso del tiempo sobre la tierra y entre los hombres. retrato de autor anónimo. dos flautas comunes.. se le ocurrió un tema para una fuga. Nació en Venecia y heredó de su padre la destreza en el manejo del violín. Vivaldi practicó el concierto. 54 . volvió después a decir misa». Conocido por el sobrenombre de «el Bach italiano». cinco trombones. De todas sus obras. anotó en papel de música su tema y. además. generalizó el esquema «rápido-lento-rápido» y aplicó a la música instrumental todos los recursos estilísticos de la música vocal. la Sexta de Beethoven. compositor. los instrumentos de arco tienen la misión de crear la escena.Una gran parte d» los instrumentos de cuerda construidos durante los siglos XVII y XVIII perdieron su sonoridad original en el siglo XIX. aunque afortunadamente para la música se le permitió seguir con su actividad musical. en San Pedro de Roma.. Por esta ocurrencia fue denunciado a la Inquisición. Imprimió al concierto una gran expresividad. Liceo Musical de Bolonia. que sirvió para la creación de otras obras posteriores. referido a la naturaleza. Son cuatro conciertos para violín y orquesta pertenecientes a la colección titulada II cimento dell'armonia e dell'invenzione. los violonchelos simulan el hipo de los borrachos. contribuyó a la evolución de la técnica de la fuga y creó múltiples fugas instrumentales. La stravaganza y II cimento del ll’a armonici y dell’ invenzione. aunque pronto su vida quedó absorbida por sus actividades como profesor de violín. un precursor del poema sinfónico.. que como castigo le privó del derecho a seguir celebrando misa. la plantilla utilizada por Monteverdi para el estreno de su ópera Orfeo en 1607 da una idea bastante exacta de los instrumentos que la integraban: «Quince violas de tres tamaños. dos cornetas de madera. los violines imitan las moscas. un arpa. cuatro trompetas. como la Sinfonía pastoral.

y organizador de los Abendmusiken. Dafne. autor de vanas cantatas. posteriormente. que escribió varias monodias corales al estilo italiano y. Sus composiciones más importantes son Sinfonías sacras. como el gran genio que todos conocemos y que tuvo como continuadores de su quehacer musical a sus hijos Wilhelm Friedmann (1710-1784). auténtico iniciador de la nueva música. notable organista y consumado contrapuntista. estuvo marcado por dos características esenciales: la influencia italiana. Carl Philipp Emanuel (1714-1788) y Johann Christian (1735-1782). en Inglaterra. compositor muy apreciado por Johann Sebastián Bach. Sus obras Ofrenda musical y Arte de la fuga demuestran su dominio de la técnica contrapuntística. La Misa en si menor constituye una maravilla en su género. en Alemania. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) es el genio de toda la cultura musical barroca y uno de los más grandes músicos de la historia. de la Ascensión y de Pascua y las Pasiones según San Juan y según San Mateo. Concierto en forma de réquiem alemán y las Pasiones según San Mateo. Durante este período escribió grandes obras y maduró artísticamente. piezas para órgano y clavicémbalo. Su obra. religiosa. primeramente con Gabrieli y más tarde con Monteverdi. En sus estrofas corales se observa cierta influencia operística y de la música de carácter instrumental. En ese mismo año. los Oratorios de Navidad. La música vocal de Bach es. Su obra conjugó la delicadeza expresiva italiana con la sobriedad casi espartana del pueblo germánico. y las cuatro Suites para orquesta. en principio. Estudió a los músicos italianos. cantatas. El clave fue distinguido con su obra £/ clave bien temperado. de clara influencia italianizante. y el sentir religioso de la Reforma. escritos en la forma de concertó grosso. siendo admitido dos años después como organista en Sangerhausen y. colección de 48 preludios y fugas. Bach dedicó cierta preferencia al órgano. mientras que en la práctica del estilo contrapuntístico buscó parecidos efectos a los logrados en el estilo armónico. Johann Pachelbel (1653-1706). tocatas y motetes. que impregnó al pueblo alemán y que originó los kantorei (coros de iglesia). A los quince años entró a formar parte del coro de Luneburg. 371 corales a cuatro voces. la componen principalmente varios oratorios y pasiones y una ópera. Schütz estudió en Italia. Los principales síntomas barrocos se detectan en Johann Hermann Schein (1586-1630). preparó la llegada de Heinrich Schütz (1585-1672). conciertos de música religiosa. Sus profundas convicciones religiosas le llevaron a escribir «una música lo más exacta posible y dedicada por entero a la gloria de Dios». oriundo de Dinamarca. Sus contemporáneos lo olvidaron totalmente tras su muerte. compuso una extensa obra que comprende corales.Los iniciadores El Barroco alemán. en cierta manera. En el campo instrumental. fugas y más de 150 corales. Sobresale su famoso Canon y giga en Re para tres violines y continuo. obras para clave y para órgano. sobre todo a Vivaldi. 1707. Su repertorio de composiciones era ya bastante amplio: cantatas. 55 . esencialmente. Los conjuntos instrumentales tuvieron la aportación del maestro en los seis Conciertos de Brandemburgo. Escribió más de 300 cantatas. para el que compuso preludios. JOHANN SEBASTIÁN BACH: Biografía Johann Sebastián Bach nació en Eisenach en 1685 y a una edad muy temprana quedó huérfano. y Wesley. Marchó a la corte de Weimar. en las iglesias de Arnstadt y de San Blas de Mülhausen. Diversas sonatas a solo demuestran que Bach no olvidó ninguno de los instrumentos de su tiempo. En 1729 fue redescubierto por Mendelssohn. San Lucas y Son Juan. contrajo matrimonio. donde asumió los cargos de organista y director de la orquesta de cámara. que se produjo hasta 1720. Cabe mencionar también a Dietrich Buxtehude (1637-1707).

Maestro en la instrumentación. Dos años después se trasladó a Leipzig. piezas de carácter no litúrgico que podían cantarse opcionalmente en los oficios religiosos de la Iglesia anglicana. donde se ejecutaban semanalmente conciertos de música de cámara a los que se podía asistir pagando una entrada. entendido como interpretación musical ante un público que paga su entrada para asistir al desarrollo de un programa prefijado. un consejero de la ciudad dejó escrito en un acta. lo que le valió un perfecto conocimiento de los mismos. En su época. fundó en 1678 una especie de club en la parte alta de su carbonería. después de la negativa de otro compositor famoso. Georg Philipp Telemann. Escribió numerosas suites. reclama su derecho a convertirse en público musical. el Barroco inglés no se inició hasta la llegada de Carlos II. Escribió cuarenta óperas. A los dieciocho años formaba parte de la Capilla Real y desde 1682 fue organista de Westminster. la clase social ascendente. Bach fue un compositor mal valorado. Su estilo renovador tendió un puente de enlace entre el contrapunto y el sistema armónico del clasicismo. LA MÚSICA DEL BARROCO EN INGLATERRA En Inglaterra el Barroco musical fue algo tardío. Los primeros conciertos así entendidos surgieron en las ciudades de mayor riqueza comercial. que «puesto que no fue posible conseguir al mejor. donde Thomas Britton. unos cuarenta oratorios.Se trasladó a Kothen e interrumpió temporalmente la producción de música sacra para dedicarse más de lleno a las cantatas profanas. se exigían diez chelines al año. Henry Purcell (1659-1695) fue afinador y restaurador de instrumentos. La primera audición era gratuita. Los inicios La guerra civil y el período republicano (1644-1660) llevaron al pueblo inglés al puritanismo de Cromwell. seiscientas oberturas y doce series de cantatas. pero si se deseaba una asistencia continuada. y un famoso Canon para tres instrumentos. Consecuencia del mismo fue la prohibición de la música religiosa en general y la clausura de los teatros. Aquí pasó la etapa más larga y más interesante de su vida. alegres y muy gratas de escuchar. combinaba en sus obras la expresividad melódica con la riqueza rítmica. Este monarca quiso conocer las corrientes y gustos musicales de su época y para ello envió por Europa a Humfrey y a Purcell. que se observan en sus melodías fluidas. «el carbonero». donde ocupó el puesto de maestro de capilla de la iglesia de Santo Tomás y director musical de la universidad de esta ciudad. refiriéndose a Bach. la música de cámara y la instrumental. hombre de gran cultura. ORÍGENES DEL CONCIERTO PÚBLICO El concierto público. 56 . con derecho también a una taza de café. está unido a la evolución social y económica de Europa a finales del siglo XVII. como Londres. fue necesario aceptar a los mediocres». que declinó la oferta. Pelham Humfrey (1647-1674) fue discípulo de Lully y maestro de Purcell. Puso música a algunos dramas de Shakespeare y compuso canciones de tipo religioso y profano. En 1720 murió su esposa y se casó de nuevo en 1721. pero alcanzó cotas extraordinarias con Purcell y Hándel. cuando la burguesía. Cuando fue contratado por el consejo municipal de Leipzig. Por eso. así como numerosos anthems para grandes coros. Después de varios años de ceguera murió el 28 de julio de 1750. sonatas y fantasías para instrumentos de cuerda. Logró que la ópera en Alemania adquiriera una importancia que no tuvo ni con Bach. Georg Philipp Telemann Otro representante imprescindible del Barroco alemán es Georg Philipp Telemann (1681-1767). Su música está influida por corrientes italianas y francesas. componiendo las Pasiones y la mayor parte de las cantatas. un comerciante de carbones.

sobre todo. se puede afirmar que Hándel. y Thomas Ame (1710-1778). como compositor de oratorios. se estableció definitivamente en Londres. fue compuesto en Irlanda en tan solo tres semanas y fue estrenado en Dublín el año 1742 siendo dirigido por él mismo desde el clavicordio. representa junto a Bach la culminación del Barroco musical. autor de El amor en la aldea y del himno nacional inglés Dios salve a la Reina. el Rey Sol. Los principales representantes de esta comente fueron John Gay (1685-1732). pero el que le dio más fama. La existencia de ciertas normas estéticas impidió la influencia italiana y retrasaron la llegada del Barroco a Francia. que escribió La ópera de los mendigos. No es fácil encasillar a Hándel en un estilo. Hándel compuso muchos oratorios en Inglaterra. conciertos para instrumentos solistas y música de estilo figurativo. de fastuosa representación y de clara influencia napolitana. donde conjugó los grandes coros con una orquesta acompañante de extraordinario efecto. aristocrático y frívolo. es al mismo tiempo su creador y consumador. nacido en Alemania y nacionalizado inglés. Como ser genial que era. Compuso múltiples concerti grossi. El desengaño de una vida vacía llevó a Hándel 1 un reencuentro consigo mismo y le acercó a una sociedad burguesa más real y comprometida con los problemas religiosos. Su primera época es la de un Hándel cortesano. Hándel realizó muchísimos viajes en su vida de frustrado estudiante de Leyes. PARA SABER MÁS: Hándel y el oratorio Las óperas son la parte más voluminosa de las obras compuestas por Hándel y a las que dedicó la mayor parte de su vida. casi programático. de ahí la tradición de mantenerse en pie mientras el coro canta este pasaje. su conocidísimo Mesías. En Italia entabló contactos con los hermanos Scarlatti y con Corelli. el rey Jorge II y todo el público se pusieron en pie al oír !os primeros compases del «Aleluya». Sin embargo. Es una música más íntima y directa que la que hizo Bach para esta forma vocal. Un año después. especialmente en las cortes de los monarcas Luis XIV. El Barroco final El final del Barroco inglés coincidió con el nacimiento de un movimiento nacionalista que quería contrarrestar la influencia italiana. Luis XV y Luis XVI. en Londres. Allí compuso los primeros oratorios. 57 . Surgieron así sus oratorios. La música del Barroco en Francia El ballet y la ópera adquirieron gran desarrollo en Francia. Primera época: Lully Esta época coincidió con el reinado de Luis XIV (1643-1715). Aunque Hándel pasó muchos años en Inglaterra. aunque artificiosas y banales. danzas y recitados sobre temas mitológicos. se adaptó con facilidad a cualquier comente o moda musical. Viajó con frecuencia a Inglaterra y. En el Diario de Valesio se lee: «Esta noche. Las representaciones escénicomusicales eran una amalgama de coros. La obra instrumental de Hándel es amplia y diversa. como las suites Música acuática y Música para los reales fuegos de artificio. El Mesías. Salomón. jefté y.La plenitud: Georg Friedrich Hándel La muerte de Purcell sumergió a Inglaterra en un gran vacío musical hasta la aparición de Hándel. fue en Roma donde conoció a Corelli y a Scarlatti y donde alcanzó sus primeros éxitos musicales. entre los que destaca La resurrección (1708). en la que nacieron sus óperas Alema y julio César. Georg Friedrich Hándel (1685-1759). cuando el elector de la corte de Hannover se proclamó rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I. alegóricos o políticos y constituían el espectáculo apropiado de una nobleza frívola y amante de lo banal. A esta época pertenecen Israel en Egipto. el marqués Ruspoli dio en el palacio Bonelli de los Santos Apóstoles un bellísimo oratorio en música».

sus Piezas para clavecín contienen el germen del futuro impresionismo francés. Durante el siglo XVIII lo usual era que el ejecutante del clave (el instrumento antecesor del piano). Sus obras más importantes son Armida. discípulo de Carissimi en Italia. defendió la ópera italianizante en su Carta sobre la música. Murió al gangrenársele a herida. director de música en Notre Dame de París. compositor alemán de origen bohemio. frente a la orquesta. que escribió ballets y composiciones religiosas. con unos argumentos que intentó llevar a la práctica en su ópera cómica El adivino de la aldea. quien colaboró con los dramaturgos Moliere y Comeille. dio nombre al estilo. de escaso valor musical. después de la corte y de la Ópera. poniendo más énfasis en los recitativos y eliminando el exhibicionismo de los cantantes. logrando auténticas tragedias líricas. influido por la representación en París de La Serva Padrona de Pergolesi. redujo a tres actos la acción dramática de la obra y buscó el apoyo orquestal en todo el desarrollo operístico. coros y acompañamiento orquestal. situado frente a sus compañeros. Directores de orquesta El compositor Jean-Baptiste Lully dirigía a sus músicos bailarines golpeando el suelo del escenario con un bastón con el que marcaba el compás. Otros compositores notables de esta época fueron Marc Antoine Charpentier (hacia 1636-1704). se enfrentaron a quienes abogaban por una ópera nacionalista. y creó la obertura francesa (un tiempo rápido entre dos lentos). Tercera época: Rousseau y Gluck Con la entronización de Luis XVI se produjo la «guerra de los bufones». Escribió vanos motetes. Lully también dio un gran impulso a la orquesta y sus renovaciones fueron de gran alcance. La Europa galante. Perseo. La obra de Campra. que superó las limitaciones de la ópera-ballet y sometió al principio de las tres unidades (tiempo. dirige con una batuta. organista y maestro de la capilla real. Pigmalión y Castor y Pólux. A ello ya habían contribuido las formaciones orquestales de Lully. contraria al estilo italiano. Francia fue el país del clavicordio y de los instrumentos de viento. que se convirtió en la base de la música tonal. para solistas. Parecía como si la música solo pretendiera deleitar a la aristocracia. entre las que sobresalen un Te Deum y el oratorio El juicio de. En ellas introdujo el ballet. Las formas musicales se redujeron. melodías más frescas y menos ornamentadas que las italianas. como demuestran sus obras La Europa galante y Las bodas de Venus. Salomón. En esta línea están sus óperas Las Indias galantes. SABÍAS QUE. La ópera francesa resurgió con Jean-Philippe Rameau (1683-1764). 58 . Otra posibilidad era que se encargase de ello el primer violín. la que completó la tarea. En el Rococó fue la obra de Francois Couperin. las melodías se recargaron de adornos y la armonía se empobreció. Alceste y Orfeo y Eurídice. y Alceste. y André Campra (1660-1744). Segunda época: Couperin y Ramean El llamado «estilo galante» se inició con la regencia de Felipe de Orleans y continuó con el reinado de Luis XV. Sus teorías musicales las expuso en Tratado de armonía reducida a sus principios naturales. A veces se utilizaba un segundo director para los coros. gesticulando con su cuerpo o con el arco del violín. que marcaba el compás con un pliego de papel enrollado.. Hasta el siglo XIX no apareció la figura del director que. Para ello fue trascendental la aparición de Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Michel Richard de Lalande (1657-1726). término que en italiano (battuta) significa «compás». de origen italiano. Entre los segundos está Christoph Willibald von Gluck (1714-1787). que contribuyó a desarrollar en Francia la música religiosa con sus obras. Fue un firme defensor de la tradición musical francesa frente a la italiana.. Cadmo. Entre los primeros se encuentra el filósofo Jean-jacques Rousseau (1712-1778) que.El transcurrir del tiempo propició un acercamiento a los gustos italianos. fuese el encargado de dirigir la interpretación. Los partidarios de la ópera bufa. misas y Te Deum de estilo grandioso. Un día se golpeó accidentalmente el pie con el bastón. Gluck devolvió a la ópera su fuerza dramática supeditando la música al texto. creador de la ópera-ballet. Sus obras más importantes son Ifigenia en Áulide. espacio y acción) la argumentación dramática de la obra. Acabó con la influencia italiana. a quien se puede considerar el creador del nacionalismo operístico francés. con un estilo que supo armonizar el gusto francés y la influencia italiana. Según algunos musicólogos. llamado id Grande» (16681733).

En el año 1648 se estrenó El jardín de Folerina con textos de Calderón de la Barca y música de autor desconocido. cuya partitura íntegra se conserva. a que en el incendio del Alcázar madrileño en 1734 se perdió posiblemente lo mejor de la música española de ese período y. Ello es debido. No obstante.». Nebra. la francesa Marie Camargo (17101770). acortándose el vestido hasta medio muslo. No obstante. el padre Feijoo habla de «una música artificiosa. En música. con texto de Calderón y música de Juan Hidalgo. Una figura muy importante en esta evolución fue Jean-Georges Noverre (1727-1810). superficial y con abuso de florituras. vestidos con trajes lujosos y máscaras. del espectáculo que hoy conocemos como ballet. En el siglo XVIII. como Doménec Terradellas (1713-1751). entre otros. Su nombre le viene de la acción de dar el tono para iniciar el canto. en el Real Sitio de El Pardo. lo mucho que aún queda por investigar sobre esa época. La tonadilla. por una parte. nacieron en este período géneros típicamente españoles como la zarzuela y la tonadilla. Compositores iniciadores de la zarzuela fueron. Antonio de Literes (16731747). Carlos Patino (1600-1675). El origen de este nombre parece provenir del palacio de la Zarzuela. logrando monumentales obras para dos o más coros y hasta quince voces. La música del Barroco en España El inicio del Barroco musical en España coincidió con la muerte de Felipe II (1598). Todos siguieron las directrices renacentistas. espectáculos protagonizados por los cortesanos que. que estrenó obras por toda Europa. La ópera. los profesionales de la danza fueron desplazando del ballet de corte a los aristócratas aficionados hasta el afianzamiento. fecha que suele tomarse como el principio de la decadencia política española y al mismo tiempo de uno de los períodos más fecundos de la literatura y del arte españoles. para mayor comodidad. ligera. Es un intermedio satírico que generalmente concluye con una danza española. gracias a la presencia del famoso cantante castrato Farinelli. pero sin éxito.. Joan Pau Pujol (hacia 1573-1626) y Joan Baptista Comes (hacia 1. El Siglo de Oro musical que vivió España en el Renacimiento extendió su influencia hasta el Barroco e impidió que los nuevos vientos musicales llegaran a España. que eliminó las máscaras y las pesadas pelucas heredadas del ballet de corte. La primera zarzuela propiamente dicha fue £/ golfo de las sirenas (1657). bailaban desarrollando argumentos de tema mitológico. como Mateo Romero (segunda mitad del siglo XVl-1647). puso mayor interés en el argumento y estableció definitivamente las llamadas cinco posiciones en las que todos los movimientos de los bailarines clásicos comienzan y terminan. coreógrafo francés y teórico de la danza. Sebastián Durón (1660-1716) y Juan Hidalgo (hacia 1612-1685). También hubo autores que practicaron la ópera italiana. PARA SABER MÁS: Los estudios del Barroco musical Lo que se conoce del Barroco musical en España está muy por debajo de lo alcanzado en la literatura o en la pintura de esa época. Francisco Valls (16551747) dejó una interesante misa aretiana. ingredientes que constituyen las notas características de la zarzuela. Sus compositores más célebres fueron Pablo Esteve (hacia 1730-hacia 1790). no se produjo la misma fecundidad que en la literatura y el arte. La gran bailarina de esta época. La tonadilla surgió a principios del siglo XVIII y desapareció antes de llegar a la mitad del mismo. Luis Misón (hacia 1 720-1766) y Blas de Laserna (1751 -1 816).. en el siglo XVIII. fue la primera en bailar sin tacones y. Con el tiempo. o Celos que del aire matan. donde se reunían músicos y artistas para entretener a los reyes con obras que tenían texto y música.EL BALLET DE CORTE Durante los siglos XVI y XVII tuvieron aceptación en la corte francesa las máscaras o ballets. 59 . La zarzuela. La música religiosa Contó con buenos maestros. con texto de Lope de Vega. En esta obra se alternaron escenas habladas con otras cantadas sobre temas populares españoles. por otra parte.568-1643). llena de innovaciones armónicas. operista en Ñápoles. y Pérez. Se intentó. una ópera española como La selva sin amor. la ópera italiana se puso de moda en la corte borbónica.

EL CLASICISMO Panorama social cultural del Clasicismo Se conoce con el nombre de clasicismo la época de la segunda mitad Siglo XVIII y comienzos del XIX. se esforzaban en buscar respuestas racionales a las dificultades que í les presentaban en la política. continuador de la escuela de Cabezón. Como autor dramático compuso El defensor de su agravio y Efectos de odio. igualdad y fraternidad». que comenzó en 1804 con la proclamación de Napoleón como emperador de Francia. En España. zarabandas. y proponía como ideales educación (las «luces» de la razón contra las «tinieblas»: la ignorancia). Fue discípulo ¿e Domenico Scariatti y escribió gran número de sonatas a uno o dos tiempos. la vida social el arte. donde ofrece una variada colección de danzas españolas: pasacalles. ya citado. y el alemán Kant. que escribió un tratado de órgano. Fue profesor de un hijo de Felipe IV. chaconas. para quien escribió su célebre Instrucción de música para la guitarra española. Rusia. La Ilustración fue un activo movimiento cultural que creía el papel decisivo de la razón para la consecución una sociedad más justa. la concepción ilustrada fue aceptada como propia por una clase social. autor de múltiples batallas. pero sin el pueblo». La guitarra española tuvo en Gaspar Sanz (1640-1710) al gran maestro. La sociedad europea el siglo XVIII y comienzos XIX Durante el siglo XVlII. Progresivamente. Se conoce como despotismo ilustrado la forma de gobernar que buscaba el bienestar y la cultura «para el pueblo.Destacaron también el organista Cabanilles. Paralelamente se desarrolló una nueva filosofía. que rezuman arácter español. entronizada 700. Los países que derrotaron a Napoleón –Gran Bretaña. este desarrollo se produjo con la llegada de la casa de Borbón. Sus representantes más genuinos fueron Carlos III y otros reyes de esta época. Se formó en Nápoles e introdujo en España la técnica guitarrística italiana. La música instrumental Merece especial mención en este campo el padre Antonio Soler (1729-1783).se reunieron en el Congreso de Viena (1814-1815) para restaurar el absolutismo y reconstruir el mapa de Europa rectificando las fronteras. etc. 60 . y José de Torres (hacia 15681643). que terminaron con el Antiguo Régimen y dieron paso al mundo moderno. A pesar de ello. que se muestra gran teórico y consumado maestro en su Libro de tientos y discursos de música práctica y teórica je órgano. Los filósofos ilustrados. Austria y Prusia. la ilustración. a la que contribuyó de forma decisiva Juan Domingo Cacerols. cuyo imparable ascenso y la pérdida de poder de la nobleza culminaron en la Revolución Francesa (1789) y sus ideales de «libertad. pero las monarquías absolutas europeas se resistieron al cambio. la burguesía. que se intenta resucitar leales de la Antigüedad grecolatina. y una nueva forma de gobernar. composiciones que evocan una batalla entre instrumentos.El monasterio de Montserrat realizó una estimable tarea. Francisco Correa de Arauxo (hacia 1575-hacia 1663). la aristocracia fue perdiendo sus privilegios y acabaron triunfando la libertad y el individualismo. Europa experimentó un gran auge 5mico que estuvo ligado a los avances técnicos expansión colonial. Rousseau y Diderot. el despotismo ilustrado. como los franceses Voltaire. la libertad política y el dominio de las fuerzas de la naturaleza gracias al progreso científico. la religión. El imperio napoleónico. rechazando las propuestas únicamente basadas n la fe religiosa o la tradición histórica. se propuso extender por Europa los ideales de la Revolución Francesa.

EL ARTE NEOCLÁSICO El neoclasicismo fue una corriente cultural y artística que tuvo origen en Francia y pretendió reponer la estética. la claridad. el gusto y las normas de la Antigüedad clásica. En escultura y pintura se idealizó la naturaleza y los temas mitológicos cobraron enorme importancia. En música apenas existían referentes de obras grecolatinas. artificiosidad o exuberancia ornamental tanto en literatura como en las artes plásticas. con una clara inclinación hacia la línea recta y la austeridad.. el ensayo y la fábula. las excavaciones de Pompeya. buen gusto y mesura que caracterizaron al Clasicismo fueron reglamentados por las academias y otras instituciones.  Estilo alegre y brillante..  Frases bitemáticas y cuadradas. El equilibrio. lo cual es impropio. Lo clásico El término «clásico» hace refrenda a las características del arte propio de la Antigüedad grecolatina: sencillez de líneas.. En literatura predominaron la crítica. Características del Clasicismo musical La música del Clasicismo tomó como objetivos la sencillez melódica. o la iglesia de La Magdalena. El arte se popularizó a estar al alcance de un número cada vez más elevado de personas. tanto desde el punto de vista de los temas. Las principales características del Clasicismo musical son las siguientes:  Composiciones objetivas. formadas por dos semifrases melódicas de cuatro compases cada una. muy fáciles de apreciar y recordar. Los artistas de la época tomaron como modelo obras de la Antigüedad clásica. es decir lógica. como pregunta-respuesta musical. por ello los compositores trataron de trasladar a sus partituras los ideales de proporción y equilibrio que se tomaron como canon en las otras artes. con una orientación marcada por el didactismo. se emplea la expresión «música clásica» en muchas ocasiones como contraposición a música popular. hasta el punto de repetirse de forma insistente. Diversos factores propiciaron la iniciación del Neoclasicismo. todo aquello que se califica como clásico es percibido como un valor estable. La música en el clasicismo Durante la segunda mitad del siglo XVIII (1750-1800).  Ritmo regular dentro de una sencillez natural. la proporción y la elegancia. de monumentos conmemorativos y arcos. sobriedad. que buscan el ideal de la belleza mediante el equilibrio formal. que se presentan primero en forma suspensiva y después conclusiva. En arquitectura sirvieron de modelo los edificios clásicos. destacando claramente sobre un acompañamiento armónico de acordes. Se otorgó una gran importancia a los órdenes dórico y jónico en la construcción de templos.  Línea melódica de carácter predominante sobre la armonía. lo cual tuvo un reflejo diferente en cada una de las artes. Perdió la afinidad que hasta entonces había mantenido con la arquitectura y buscó el paralelismo con la poesía y el drama. los ideales de la ilustración influyeron en el mundo musical y se concretaron en una música racional. formando frases simétricas de ocho compases. Por un lado.. y prescindiendo del bajo continuo del Barroco. Herculano y Olimpia hicieron quela sociedad mirase hacia la antigüedad clásica. la culminación del Barroco produjo un rechazo hacia todo exceso. Algunos ejemplos son el Museo Nacional del Prado. de estructura formal clara y comprensible. en Berlín. en París. la Puerta de Brandemburgo. En lenguaje cotidiano.  Armonía poco compleja y eminentemente consonante. Igualmente.  Aparición de nuevos timbres y matices como consecuencia del mayor perfeccionamiento de la orquesta. como de los cánones estéticos que utilizaban en su realización. SABÍAS QUE. equilibrio. 61 . Por otro lado. ya que solo la música del siglo XVIII se podría denominar así. se impusieron los cánones de proporción de los artistas griegos en las figuras humanas y en la composición de las obras. de Madrid. merced a la aparición de la forma sonata y el desarrollo dramático de la misma. En términos generales.

Allegro o Presto. dúo. así por ejemplo. tan del gusto barroco. por último. cual estructura fue adoptada por casi toda la música instrumental del Clasicismo. a la estrecha relación que se estableció entre la música y las formas dramáticas. La sonata clásica Para evitar la monotonía de la repetición de un tema musical propia de la sonata surte. sobre todo. Esto se corresponde con el desenlace de la obra literaria. se designa una forma musical de las características de la sonata clásica. En la línea de progresiva popularización de la música. Andante o Largo. el cuarteto. IV Final. de carácter lineo. porque lo remoto e irreal de sus situaciones las alejaba de los gustos del público. Las composiciones Aunque en el Clasicismo los músicos continuaron escribiendo misas y oratorios. Bartók y Prokofiev. Este esquema es aplicable al concierto. sinfonía y concierto.. El desarrollo de la sonata plantea el nudo dramático de la obra. cuando se aplica a otras agrupaciones instrumentales recibe nombres diferentes.  Mayor «democratización» de la música. Recapitulación: desenlace.  A1. pero a una escala menor y más fácil de interpretar. las composiciones serias. III Minueto o Scherzo. en su concepción actual. diminutivo de sonata. Posteriormente retomaron la sonatina Ravel. sobre todo. en Francia. una sinfonía es una sonata aplicada a la orquesta sinfónica. etc. El primero de estos movimientos recibe el nombre de esquema de sonata. También en esta época se sentaron las bases para el posterior desarrollo ¿e la ópera. también en tono principal. «pelean» y se acercan y alejan sucesivamente. se produjo un notable auge de la música instrumental. Sobre este principio se desarrolla la forma sonata. quedaron reducidas a las grandes celebraciones. Los dos temas melódicos de la exposición se resuelven. Exposición: presentación.  Desarrollo: nudo. Philipp Emanuel Bach añadió a la sonata un segundo tema.La estructura dramática de la sonata Desde el punto de vista del contenido musical de la sonata. donde los dos temas interactúan. la sinfonía.  Coda: melodía con la que concluye. representados por los temas A y B. Los mismos temas presentados en la exposición se desarrollan y se transforman y alcanzan su clímax. Sin embargo.  Nacimiento de las formas sonata. Mediante un puente modulante se introduce el segundo tema. El plan formal de la sonata clásica podía aplicarse a un solo instrumento (por ejemplo: sonata para piano) o a un solista con acompañamiento (sonata para piano y violín). pasa al segundo tema.  A1. El primer tema suele ser-enérgico en el tono principal. al hacerse extensiva a un público más numeroso. que se encuentra en un tono vecino. II Adagio. LA SONATINA Con este término. La sonata clásica consta de tres o cuatro movimientos: I Allegro. que sale «vencedor».. debido. Predominio total de la música instrumental. 62 . hacía escuchar los dos temas. se puede decir que esta responde a una estructura literaria clásica: En la exposición se presentan los personajes antagonistas. Las principales formas musicales que se desarrollaron durante el Clasicismo fueron la sonata. concierto para violín y orquesta. esta parte se corresponde con el planteamiento de cualquier obra literaria. SABÍAS QUE. por ejemplo. sin tener en muchas ocasiones que ver con temas anteriores. tan propias de la música barroca. En la recapitulación se produce la «victoria» del tema B. la sinfonía y el concierto. Cultivaron este género en el Clasicismo compositores como Muzio Clementi (1752-1823) y Jan Ladislav Dussek (1760-1810). Primer tema en el tono principal. pasaba después a desarrollar ambos y. Después. un cuarteto es una sonata escrita para cuatro instrumentos y un concierto clásico es una sonata para un instrumento solista y orquesta.

A finales del siglo XVI. Brahms. En el primer movimiento y. en su Sinfonía sagrada. más tarde no fue así. El esquema del concierto clásico es el mismo que el de la sonata clásica. muy libremente y sin acompañamiento. Aunque en un primer momento se improvisaban las cadencias. quien. que danzas cortesanas aparecidas durante el Barroco. como el minué. la orquesta hace una pausa. pero con tres movimientos: formas sonata. a los tres tiempos clásicos se añadió el minué. La sinfonía clásica Para los griegos. en la escuela de Mannheim (Alemania). Por tanto. toca una cadencia exhibiendo su virtuosismo. A mediados del siglo XVIII. se hicieron imprescindibles para relacionarse socialmente. se denominó sinfonía a los trozos instrumentales situados entre partes de una obra teatral. Uno de ellos fue la participación de las mujeres en los ballets de las óperas. 63 . En la primera mitad del siglo XVIII. la institución del concierto público conoció su expansión general. Con el nacimiento de la ópera. dependientes de las universidades. un programa regular de conciertos para los que se disponía de un local adecuado y una orquesta propia. en particular los instrumentos de viento. A partir de que el eminente coreógrafo Raoul Feuillet publicase en 1700 el sistema de notación para la danza. Entre la aristocracia era tan habitual «estar al día». sinfonía significaba «instrumentos que suenan juntos». casi siempre. El ejemplo cundió pronto en las grandes capitales europeas y. fundó la Académie Royale de Dance en 1661. el estilo francés se internacionalizó. aunque lo pueden ser todos. este puede realizar adornos sobre los temas que la orquesta introduce y repite. y la «francesa» (formato lento-rápido-lento). además. canción y rondó. el concierto clásico reemplazó al concertó grosso. con lo que nació la sinfonía clásica. Posteriormente.EVOLUCIÓN DEL CONCIERTO PÚBLICO En Alemania a principios del siglo XVIII se extendieron entidades llamadas «Collegium musicum». que con Beethoven pasó a ser scherzo. le volvió a dar la acepción de los griegos. la sinfonía clásica se puede considerar como una gran sonata para orquesta. La danza en el Clasicismo La danza de este período es heredera de una difícil técnica que surgió en Francia como resultado de la llegada al trono del monarca Luis XIV. que hacia 1751 contaba ya con 38 instrumentistas. A finales del siglo XVIII se produjeron varios cambios en la danza. tras las campañas napoleónicas. Johann Stamitz (1717-1757) aplicó la forma sonata al formato de la obertura italiana. sino que fueron compuestas por Beethoven. el material temático siempre está condicionado por todo lo que contribuya al lucimiento del instrumento solista. poniéndose de moda por toda Europa. El concierto clásico El concierto clásico es la forma sonata aplicada a un instrumento solista con acompañamiento de orquesta. además de ser bailarín. entre otros. Paganini y Rubinstein. Otro fue su emancipación de la ópera. ya en el siglo XIX. en el que alternaban un grupo de solistas y la orquesta. En la primera mitad del siglo XVIII. Los instrumentos solistas del concierto clásico son principalmente el violín y el piano. los vocablos obertura y sinfonía adquirieron el mismo significado. mientras el solista. Como el motivo más importante del concierto es que el solista virtuoso haga una exhibición de sus cualidades. entre la reexposición y la coda. Más tarde. hasta ese momento eran sustituidas por hombres disfrazados de mujer. Conviene recordar la existencia de dos tipos de obertura: la «italiana» del siglo XVIII (formato rápido-lento-rápido). el alemán Heinrich Schütz. Pero tuvo mucha mayor importancia la fundación en París en 1725 por Anne Danican Philidor de los «Concerts Spirituals». sinfonía fue sinónimo de «consonancia». que daban ocasionales conciertos.

Los músicos estaban colocados en dos grupos opuestos. Stamitz estableció la primera orquesta sinfónica clásica seria. familia de violín. La potencia surge de forma natural de un nutrido número de manos. fagotes. en 1791 y 1794. LA ORQUESTA DE MANNHEIM Desde 1740. entre los que se encontraban compositores como Johann Wenzel Stamitz. oboes. contaba con cuatro trompas. Excepto en los movimientos lentos. Además.Reputados teóricos del momento demostraron que la danza podía contar con la ayuda de la música. Se trataba de una danza originaria de la región francesa de Poitou. (Cuando Haydn fue a Londres. flautas. como innovación sensacional. el minué formó parte del tercer movimiento de la sonata y figuró en la mayor parte de las sinfonías y cuartetos. Ello se debía al mecenazgo ilustrado del duque Cari Theodor. Esta fue la primera orquesta que utilizó los matices piano (suave). hasta que Beethoven lo sustituyó por el Scherzo. dos oboes. Stamitz llegó a dotar a la orquesta de Mannheim de cuatro flautas. pues hasta el siglo siguiente no desapareció por completo. indudablemente. cuatro violonchelos y dos contrabajos. Lo cierto es que intervienen más solistas y compositores en esta orquesta que en ninguna otra de Europa. que ampliaba las posibilidades expresivas. cada uno en un lado de! escenario y uno enfrente del otro. guía musical europeo: «Observé que la orquesta de Mannheim respondía realmente a las esperanzas que su fama hacía concebir. en todo momento. pero sin textos ni cantantes que la comentasen. Aunque la composición de la orquesta variaba mucho. e incluso los vieneses. cuatro violas. viento y percusión. La orquesta estaba compuesta por treinta y cinco o cuarenta instrumentistas que se agrupaban en tres secciones: cuerda. consiguieron formar una orquesta de gran calidad y envergadura y realizaron una de las aportaciones más importantes para la música del Clasicismo: el uso del crescendo y el diminuendo. la corte electoral de Mannheim fue uno de los centros más importantes de la vida cultural alemana. diez violines primeros y diez segundos. Ya no era necesario el clavecín para completar la armonía. de delante a atrás o cruzándose en su trayectoria. Allí. pero el juicioso uso de dicha potencia. De ella decía el inglés Charles Burney. se guiaban prefiriendo el modelo original de tres movimientos. En la segunda mitad del siglo XVIII aumentó el número de componentes de la orquesta. trompetas y timbales. En el Clasicismo musical. empleados por parejas. dirigió sus sinfonías al piano. su mayor influencia radicaba en la forma en que utilizaron la orquesta. era frecuente la siguiente: violas.) El que al director no solamente se le oyera. doce trompetistas y dos tamboriles. En su Historia general de la música. pues en una estructura en cierto modo homofónica determinados instrumentos. sus miembros. El clavecinista dirigía aún la orquesta. no puede ser sino la consecuencia de una buena disciplina. Desde mediados de siglo. podían cumplir esta función armónica de un modo más efectivo». la función del basso continuo resultaba superflua. igualmente dotados para planificar una estrategia que para combatir». incluyó clarinetes. 64 . es un ejército de generales. que adquirió gran difusión en la corte de Luis XIV quien bailaba los minués que componía Lully en su honor. que salían al salón haciéndose reverencias y que se deslizaban de izquierda a derecha. que por lo general se instrumentaban para cuerda y continuo solamente. principalmente oboes y trompas. Ottaway escribe: «Los compositores de Mannheim trabajaron denodadamente para implantar la sinfonía de cuatro movimientos. Pero. hacía más importante su papel. añadiéndose clarinetes y trompas. dos fagotes. crescendo (de suave a fuerte) y forte (amplio). mientras los italianos y los alemanes del norte. Estaba escrita en compás ternario y se bailaba por parejas. sino también se le viera. Especial fama cobró en toda Europa la orquesta de Mannheim. elector palatino. H. clavecín. Para saber más: El minué Hacia mediados del siglo XVIII se introdujo en Francia el minué. La evolución de la orquesta El movimiento musical que se desarrolló a mediados del siglo XVIII en la corte de la ciudad alemana de Mannheim fue fundamental en esta evolución.

y su hijo Wolfgang. a Cari Philipp Emanuel Bach. cerca de Viena. aparte de Viena. entre otros músicos muy conocidos. al cambiar la voz. Su carácter bondadoso se deja entrever en toda su producción. que en algunos casos tienen origen popular. PARA SABER MÁS: La influencia del sistema político en la música El importante desarrollo experimentado por la música sinfónica durante el siglo XVIII debe mucho al sistema constitucional alemán y austríaco. entre los terratenientes nobles. cabe hablan de tres períodos: 65 . así como su conocimiento de los instrumentos de la orquesta. los electores. que poseían una orquesta similar a las de los grandes príncipes alemanes. contemporáneo del rococó que predominaba entre las bellas artes. que fue el dominante en el Clasicismo temprano y se caracterizaba por la armonía sencilla y una melodía muy adornada. y a su servicio estuvo hasta su muerte Franz Joseph Haydn. Otros compositores que contribuyeron a fraguar el Clasicismo fueron los italianos Niccoló Jommelli (1714-1774). Luigi Boccherini (1743-1805) se instaló en España en 1769 y la música española influyó en su extensa obra. Más adelante llegó a ser el compositor del conde Morzin y de! príncipe Esterházy. En su música. gran aficionado a la música. basado en la existencia de numerosas cortes principescas. Cari Philipp Emanuel Bach (1714-1788) fue el principal representante en Alemania del estilo galante francés. orquestas de teatro y varios conjuntos privados. Mozart y Beethoven. los Esterházy eran los únicos. sino dos. Por su parte. y a su servicio estuvieron Leopold Mozart. al que llegó a calificarse como el «Mozart español». Franz Joseph Haydn (1732-1809) Franz Joseph Haydn nació en Rohrau. ampliada considerablemente por Federico el Grande. Haydn perfeccionó el tipo sonata aplicado a la orquesta. de la que goza de gran aceptación el minueto de su Quinteto para cuerda en Mi mayor. Del Barroco al Clasicismo A mediados del siglo XVIII empezó a desarrollarse en la música un estilo clásico temprano. que participó con Johann Stamitz en la creación de la sinfonía. muerto prematuramente. Y en Mannheim. y Muzio Clementi (17521832). sus frases musicales son cortas y de gran claridad. y adaptó la forma sonata al primer movimiento de la sinfonía. que desempeñó un papel determinante en la difusión del pianoforte y en la definición de su lenguaje específico. empleó. Dos de los hijos de Bach tuvieron gran importancia en esta transición. y que sirvió de transición entre el Barroco y el Clasicismo. contaba con los mayores recursos musicales: orquesta de corte. que a partir de entonces no tiene solo un tema. que obtuvo en Italia grandes éxitos con sus óperas. sede del emperador. Y los tres vivieron en la misma ciudad. Johann Christian Bach (1735-1782) combinó una sólida técnica alemana con un elegante estilo melódico. que exploró las posibilidades de la expresión instrumental. Trabajó magistral mente los desarrollos temáticos. siendo alabado por Mozart. el arzobispado de Salzburgo contaba con una prestigiosa tradición musical. En su tiempo fue admirado por Haydn y Mozart. rey de Prusia y elector de Brandemburgo. En el actual territorio austríaco. La orquesta de Berlín. sinfonía. con melodías sencillas y alegres. Viena. y fue niño cantor hasta que. Aunque nacido en Italia. hijo de Johann Sebastián. Una serie de príncipes reinantes y de ciudades independientes rivalizaban en prestigio y magnificencia con los grandes cargos del Imperio. Tres grandes compositores dominaron este período: Haydn. Asimismo merecen mención los españoles Vicente Martín y Soler (1754-1806). la. se vio obligado a abandonar su puesto. Viena. es decir. sede del elector palatino. la corte contaba con la orquesta más prestigiosa a las órdenes de Johann Stamitz. adoptado de la música italiana.Los protagonistas del Clasicismo musical Viena fue la capital del Clasicismo musical. Giovanni Battista Sammartini (1700-1775). como vicemaestro de capilla. y Juan Crisóstomo Arriaga (1806-1826).

 Rococó o estilo galante. Durante su estancia en Italia. escribió una sinfonía en cuyo último movimiento los músicos iban saliendo del salón hasta quedar solo dos violinistas y el director. Después de escuchar el Miserere. Haydn compuso 104 sinfonías. durante el que Haydn se convierte en el primer gran maestro del cuarteto de cuerda clásico. cuya publicación había sido prohibida por el papa para que solo pudiese ser interpretada y escuchada en el Vaticano. Con el tiempo. que no tardó en enterarse de la proeza. Londres. De los adioses. aunque en unas condiciones de trabajo inmejorables para un músico de la época. hasta su muerte ocurrida a los 77 años. amable y sin enemigos. Sus formas son muy claras y la pureza de su música iguala y aun supera la de Haydn. Su vida fue la de un músico perfectamente integrado en un sistema. al llegar a este punto Haydn se volvió hacia su príncipe y le dijo: «Señor. En cierta ocasión en que los músicos a sus órdenes habían solicitado vacaciones. y ya en su lugar de alojamiento. el joven Mozart pidió papel y pluma y. transcribió completa. También compuso varios tríos y sonatas para diferentes instrumentos. En el campo de la música vocal se deben a Haydn misas. Otra famosa broma de Haydn: en la «sinfonía llamada Sorpresa ideó un estallido de instrumentos de percusión y de metal en medio de un pasaje delicado. Su facilidad de asimilación y sus numerosos viajes le hicieron poseedor de un estilo donde la vena melódica italiana se entremezcla con la elegancia francesa y con la rigurosidad del sinfonismo germano. Dentro de la música de cámara perfeccionó y dio forma definitiva al cuarteto de cuerda. Entre los seis y los once años recorrió Europa dando conciertos. recibió la primera educación musical de su padre. naturalidad y espontaneidad. en la que destaca la sinfonía Oxford. Con menos de dos años. de sonidos muy suaves y melodiosos: el forte iba destinado a hacer saltar de su butaca a los que acuden a dormir a los conciertos. Haydn. la obra escuchada horas antes en San Pedro. como Lo creación. y pasó cerca de treinta años a su servicio. compuesta para la catedral de Cádiz. En dos etapas distintas de su vida estuvo al servicio del arzobispo de Salzburgo. Museo Británico. cuando tenía catorce años. cantatas y oratorios. compositor de cámara y violinista de la corte de Salzburgo. Mozart fue el caso más representativo de precocidad en la historia de la música. obligado a componer cualquier música que le fuera solicitada. SABÍAS QUE. MOZART EN ITALIA Durante su primer viaje a Italia. pero al mismo tiempo siguió realizando diversas giras por Europa. Sorpresa. Leopoldo Mozart y su hijo. Haydn entró con 29 años al servicio del príncipe Esterházy. Su muerte le sobrevino escribiendo un Réquiem encargado por un misterioso personaje.  Etapa final. un músico integrado Como ya se ha dicho. que el maestro creyó venido del más allá para anunciarle el fin de su vida. Mozart creó más de 750 obras.  Período intermedio. muchas de ellas conocidas por su sobrenombre: Sinfonía militar. así como conciertos para clavecín y orquesta. Oxford. Esta pieza musical era parte de un grupo de obras muy apreciadas. Del reloj. Las cuatro estacones y Las siete palabras de Cristo en la cruz. De los niños. ante el asombro de toda Roma. jefe de una de las familias más poderosas de la nobleza austríaca. En su música sorprende la ternura. que estaba a punto de desaparecer. A pesar de su corta existencia. en Inglaterra. Las bromas de Haydn. Haydn era un hombre de muy buen carácter. Sus armonías dejan atisbar ciertos cromatismos hasta entonces desconocidos. Sus éxitos le acarrearon intrigas y envidias que fueron amargando su vida. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo (Austria) y a los cuatro años tocaba el piano y componía música. nota por nota. de memoria. el patronazgo. Mozart acudió con su padre al Vaticano para escuchar el Miserere del compositor Giuseppe Allegri. el papa Clemente XIV otorgó al jovencísimo Mozart la distinción de la Orden de la 66 . su fama se extendió por toda Europa y llegó incluso a recibir un Doctorado en Música por la Universidad de Oxford. En 1782 se casó con la cantante Constanza Weber y se estableció en Viena. habéis escuchado la Sinfonía de los adioses». pero él siempre vistió con agrado la librea o uniforme que le acreditaba como servidor de los Esterházy. en el que compone sinfonías como La Chase y L'Ours. para el que escribió 83 obras. Parece ser que el príncipe entendió la broma y dio vacaciones a los músicos. Leopoldo.

un héroe romántico. y no utilizó nunca dicho título. donde se expresan los ideales de igualdad. 13 de junio de 1781 Ludwig van Beethoven: Biografía 67 . En la segunda mitad del siglo XVIII aparecieron numerosos instrumentos de teclado que buscaban perfeccionar el pianoforte de Cristofori. sino un rebelde contra la autoridad y la moralidad vulgar. Linz (1783). Bueno. entregado completamente a su arte. que fueron el lema de la Revolución Francesa. en el momento de su muerte Mozart se encontraba en una difícil situación económica. todas ellas de corte refinado y aristocrático. que asegura que el macillo queda inmóvil cuando la tecla está lista para volverse a pulsar. eso es también lo que yo deseo. No deseo ninguna satisfacción del arzobispo. Su actitud rebelde le valió ser expulsado de su cargo y vivir el resto de su vida en Viena. al que su constructor llamó «clave con piano (es decir. pero con dificultades para desenvolverse en su vida profesional. Pero en lugar de aceptar mi renuncia. Bueno. a diferencia de Haydn. Mozart escribió obras instrumentales y vocales: Dentro de su obra instrumental son de destacar sus sonatas para piano y para violín y piano. como Mitrídates y la Clemencia de Tilo. Como debo tomármela por mí mismo. lo que no era posible con el clave. pero a merced del éxito o fracaso de sus obras en el todavía novedoso mundo del concierto público.Espuela de Oro. pero sus temas mayoritarios son de origen popular Don Giovanni. en alemán eso quiere decir que yo no tengo nada más que hacer en Salzburgo. o convencerme de que dejara estar las cosas y las meditase mejor. 13 conciertos para violín y orquesta y 12 para diferentes instrumentos. Mozart tuvo la valentía de rechazar la seguridad que le proporcionaba Salzburgo y preferir la libertad creativa y el estímulo de las novedades que se le ofrecían en Viena. tal y como él deseaba. los pianos de 1780 eran más semejantes al clave que al piano moderno e incluso que a los pianos de Schubert y Schumann. Sin embargo. las tendencias operísticas italiana. se rebeló muy joven contra un sistema de patronazgo que le habría condenado a vivir toda su vida en Salzburgo. Es como si quisieran que me marchase a la fuerza. que ya no presenta un héroe de farsa. Praga (1786) y Júpiter (1788). A pesar de estas mejoras. me trata por tercera vez de la forma más horrible posible. el conde Arco me echa por la puerta y me da una patada en el trasero. SABÍAS QUE: La rebeldía de Mozart Mozart fue un hombre mucho más complicado que Haydn. y La flauta mágica. Sin embargo. su ciudad natal. En la música vocal dramática consigue unificar. si no me quieren tener. basada en la figura de don Juan. En lugar de reconocer mi celo a su servicio y mi esfuerzo por agradarle. Vivió solo treinta y seis años. francesa y alemana. porque no está en condiciones de dármela. A Johann Andreas Stein (1728-1792) se atribuye el invento del mecanismo de escape. Era un auténtico piano con» macillos controlables y fue el instrumento que usaron Mozart y Beethoven. sus 25 conciertos para piano y orquesta. MÚSICOS Y PATRONOS «El arzobispo me ha dicho en dos ocasiones las mayores impertinencias y yo no he dicho palabra. pero. es decir. Escribió óperas sobre temas tradicionales. creando un nuevo estilo. tras unos años de relativo éxito gracias a la ópera y los conciertos. que había imperado hasta el Barroco. El pianoforte. al servicio del arzobispo local. en los próximos días escribiré al señor conde lo que sin duda espera de mí. De especial aceptación por parte del público siguen gozando piezas como la Pequeña serenata nocturna (1787) y el Concierto para darineto (1791). Compuso 49 sinfonías. suave) y forte (fuerte)». Entre ellas cabe mencionar las sinfonías Haffner (1782). libertad y fraternidad. una condecoración que podía exhibirse en todo momento y que daba derecho al título de caballero. Mozart prescindió de su uso. podía graduar y disminuir la intensidad de los sonidos. PARA SABER MÁS: El piano en tiempos de Mozart El piano o pianoforte fue inventado por el florentino Bartolomeo Cristofori en 1709 y con el tiempo consiguió desbancar al clave. y aun contando con buenas perspectivas. cuartetos y tríos. o de procurarme una audiencia. Para música de cámara escribió innumerables quintetos. he tocado ante él con el mismo celo y diligencia. Fue enterrado en una fosa común. como si nada hubiese pasado.» Carta de Mozart a su padre. Otras óperas importantes son Los bodas de Fígaro y El rapto del serrallo. Más aún.

rompió con el equilibrado Clasicismo anterior e impuso un tipo de expresión más libre y enérgica. En su música se proyecta él mismo y la vida que le rodea. Con su música expresó las más profundas vivencias que anidaban en su alma atormentada por sus amores fracasados y sus desgraciadas experiencias marcadas por el dolor. principalmente en la escultura y la arquitectura. ciudad en la que fijó su residencia habitual. Revolucionó el sentido mismo de la música y la llevó por primera vez a todo el pueblo y no solamente a un auditorio minoritario o selecto. Culminación de las formas musicales existentes. No tuvo un hogar familiar acogedor. Influido por las ideas de la Revolución Francesa. En música. y trabajaba individualmente. fue puente importante hacia el Romanticismo. como Francois Gossec (1734-1829) y Luigí Cherubini (t 760-1842). enfermedad que fue aumentando. Su obra inauguró la música del siglo XIX. se consideró republicano y demócrata. ya compuso sus primeras obras. En literatura. Fue alumno de Haydn y Salieri.  Sobriedad de las líneas melódicas. entre otros. Y es que. entre la que adquirió prestigio. el artista empezó a vivir de lo que le pagaban por las obras que componía. Sus obras funden la más sublime perfección formal con la más honda expresión del sentimiento. sobre todo. Beethoven no es un músico. después de haber pronunciado la famosa frase: “Aplaudid. Siendo muy niño. Schiller. a través del estilo neogótico. pero una enfermedad de su madre le obligó a regresar a su ciudad natal. Goethe.  Estilo armónico. En 1787 fue enviado a Viena para estudiar con Mozart. y ampliación de la percusión. En las artes plásticas siguieron vigentes las ideas neoclásicas. como dijo Wagner. la pobreza y la enfermedad. como el trombón. Su experiencia como pianista le permitió relacionarse con la nobleza vienesa. Hólderlin y.  Inclusión de nuevos instrumentos en la orquesta clásica. el compositor pasó a tener la independencia y libertad necesarias para componer sin depender de las decisiones de un príncipe o de una iglesia. amigos. sino que él mismo es la propia música. La obra de algunos compositores. el flautín y el contrafagot. el grupo alemán Sturm und Drang (Tempestad y empuje) agrupó a los prerrománticos Herder. Beethoven y su obra (1770-1827) Ludwig van Beethoven fue quien transformó las formas musicales del Clasicismo para dar cabida a la expresión y al pensamiento romántico.  Perfeccionamiento de la técnica del piano. Períodos en la producción musical de Beethoven 68 . lo que le llevó en los últimos años de su vida a encerrarse en sí mismo y en su música. A los catorce años fue nombrado organista en la corte del elector de Colonia. En 1792 realizó un segundo viaje a Viena. Así. No hay que olvidar que Beethoven fue un gran virtuoso de este instrumento. Cuando tenía veintiséis años advirtió los primeros síntomas de su dolencia de oído. Las principales características de la música de Beethoven son las siguientes:  Expresión de profundos sentimientos subjetivos.Ludwig van Beethoven nació en el año 1770 en Bonn. siendo raro el uso del contrapunto.  Gran capacidad para el desarrollo temático. finita est comoedia” La transición al Romanticismo El final del siglo XVIII supuso la transición entre las formas y expresiones artísticas neoclásicas y el movimiento romántico que caracterizó al siglo XIX. Falleció en Viena el 26 de marzo de 1827. Se daba en todos ellos una clara conquista de la libertad y de la poesía y también la incidencia en el mundo de las pasiones y los sentimientos del individuo frente a la razón y a toda atadura formal.

3. incluso durante años. en ocasiones fluyen abundantes y mejor cuando viajo en coche. Bajo la influencia de Haydn y Mozart escribió la Primera y Segunda sinfonías. considerados como obra capital de la música para cuerda.Dentro de la producción musical de Beethoven podemos distinguir los siguientes períodos creativos. porque para él cada obra era única e irrepetible. 2. sin seguir los dictados de un patrón que lo tenga a su servicio. que es un canto de amor a la humanidad. Ópera (o similares):  una ópera. Obras religiosas. Beethoven escribió solo nueve en toda su vida. Obras para piano:  32 sonatas. Por eso. o cuando no puedo dormir». es decir. pueden estar años madurándola hasta darse por satisfechos. 4.Dos clases de compositores No todos los compositores crean música con igual facilidad: algunos conciben una idea de golpe y casi pueden escribirla directamente en papel sin modificaciones. y sentía que tenía que madurarla y corregirla el tiempo que fuese necesario. la ópera Fidelio. Primer período: conclusión del Clasicismo (1794-1800). En este período. que anotaba sus ideas en una libreta que llevaba constantemente consigo. para la posteridad. Tercer período: integración en el Romanticismo (1815-1827). el Concierto «Emperador» para piano. hasta el número 11. y los Cuartetos.. 5. OBRA MUSICAL DE BEETHOVEN 1. Compuso su obra cumbre. donde evidencia el triunfo de la naturaleza. introdujo la voz humana cantando la «Oda a la alegría» de Schiller. la Novena sinfonía. SABÍAS QUE. la Sexta («Pastoral»). Al primer grupo pertenece Mozart. que afirmaba «no sé de dónde ni cómo me llegan las ideas. y la Séptima. que compone sus obras para ser oídas una o dos veces como mucho con motivo de alguna ocasión especial. aunque luego rompió la dedicatoria. los grandes compositores dejaron para siempre de ser artesanos al servicio de un patrón noble. Al segundo grupo pertenece Beethoven. en los que rompe la forma clásica de los cuatro tiempos. la Quinta. las Sonatas 28 a 32 y los últimos Cuartetos. Música orquestal:  9 sinfonías  5 conciertos para piano y orquesta. La evolución de muchas de sus obras puede seguirse en las correcciones de sus libretas. los seis primeros Cuartetos y las diez primeras Sonatas para piano.. la Sonata núm. mientras que otros. de hondo sentido dramático. A partir de Beethoven. EL ROMANTICISMO MUSICAL 69 .  música de escena. hasta quedar plenamente satisfecho. También en este período escribió su Missa solemnis. un grito de fraternidad que sublima el dolor y se hace alegría y esperanza. en las que a veces aparecen hasta diez tiras de papel pegadas sobre un pasaje. para convertirse definitivamente en artistas. Asimismo. La libertad del artista. las obras musicales de Beethoven manifiestan ya características románticas. 28. en la que. Compuso la Tercera sinfonía («Heroica»). profesionales cuyas obras se publican y venden en el mercado libre y que escriben para un público universal. a partir de la primera idea. que es un canto a la libertad. entre las que destaca la Patética. Segundo período: la transición (1800-1815). en la que canta a la libertad frente a la tiranía. paseando. dedicada en un principio a Napoleón Bonaparte. frente a las 100 sinfonías de Haydn y las 50 de Mozart.  10 sonatas para violonchelo y piano.  un concierto para violín y orquesta.  17 cuartetos de cuerda. bagatelas y Heder.  ballets. Música de cámara:  10 sonatas para violín y piano. en el cuarto tiempo. Variaciones.

Este último dio paso a la proclamación de la Segunda República. entre otras cosas. que valoraba la música como la más romántica de las artes. En el pensamiento filosófico. con casi un siglo de retraso. en algunos casos hasta el suicidio. oprimidas por el absolutismo que se había reforzado en el Congreso de Viena (1814-15). como la muerte y el mundo de los sueños. como movimiento cultural. los países que habían vencido a Napoleón se propusieron restaurar el absolutismo.  Deseo de libertad... el nacionalismo logró en la segunda mitad del siglo XIX importantes éxitos con la unificación de Italia y de Alemania. y la música «ligera» o «de salón».  Idealismo y. Características del Romanticismo El Romanticismo. como la geografía. especialmente en los campos de la física. la historia y la arqueología. 70 . que acabaron convirtiéndose en ídolos de los salones de la burguesía europea. a la vez. centro de los salones. en 1830 (destronamiento de Carlos X) y en 1848 (destronamiento de Luis Felipe). pesimismo: el artista sufría porque tendía hacia lo inalcanzable. triunfaron en la práctica los postulados burgueses que habían desencadenado la Revolución Francesa. produjo un cambio muy importante en la consideración social de los compositores. lo infinito. sino de ingenieros.Aspectos sociales y culturales de la época romántica El Romanticismo como movimiento cultural y artístico se extiende desde finales del siglo XVIII hasta fines del XIX. surgió en Europa a finales del siglo XVIII. Así fue también como nació la figura del intérprete «virtuoso» (pianista o violinista). que ya no fueron obra de artesanos.. las fuerzas liberales herederas de la Revolución Francesa. que se manifestó en todos los campos de la actividad humana: las ideas. en temas sobrenaturales e irreales. Las ciencias sociales.Los músicos en el siglo XIX La generalización del concierto público y la ópera comercial fueron las circunstancias que permitieron a los compositores prescindir del viejo sistema de mecenazgo y pasar a depender directamente del éxito en la ejecución pública de sus obras y de la venta de música impresa en un mundo nuevo que. Las características principales del Romanticismo fueron las siguientes:  Individualismo y subjetivismo.  Interés por su propio país: la historia. tanto de madera como de metal.  Evasión de la realidad: los artistas se inspiraban en países lejanos. las leyendas antiguas y los temas relacionados con la Edad Media eran fuente de inspiración. las dos grandes comentes fueron el idealismo de Hegel y el positivismo de Comte. y se lograron gracias a la industria y a la fabricación en serie. destinada a la diversión (valses. la burguesía desempeñó un papel fundamental. también experimentaron un gran desarrollo gracias a la amplia labor investigadora que se realizó. Surgió como reacción contra el formalismo neoclásico y en defensa deja libertad. la creación artística. el individualismo y el sentimiento. Tuvo sus orígenes en Alemania y prescindía de las normas y reglas artísticas del Neoclasicismo. que llevaban al artista a la expresión de sus propios sentimientos. provocaron diversos levantamientos. tras la Revolución Francesa. De este modo. pasó a regirse económicamente mediante las leyes del mercado. permitieron el perfeccionamiento técnico de los instrumentos de viento. Entonces. mientras que en la Revolución de 1848 fueron las masas populares las que adquirieron mayor protagonismo. mazurcas. países cuyos territorios pertenecían a diversos Estados. SABÍAS QUE. En la ciencia y en la técnica se produjeron importantes avances.. la política. Los principales movimientos revolucionarios se produjeron en España en 1820 (pronunciamiento de Riego) y en Francia. unido a la nueva mentalidad. Paralelamente al triunfo del liberalismo político en Europa. La música del siglo XIX tampoco puede entenderse al margen de los avances tecnológicos iniciados a mediados del siglo XVIII con la Revolución Industrial que. En los dos primeros. que rechazaba toda manifestación idealista.). la biología y la medicina.. Esto. Aspectos Sociopolíticos Durante la primera mitad del siglo XIX..

 Valoración de los personajes marginales y exóticos, que rompían las convenciones sociales, como bandoleros, piratas, vagabundos...  Culto a la naturaleza, atracción por los paisajes salvajes y agrestes, las tormentas, los escenarios nocturnos, la Luna, etc. Las artes en el siglo XIX Durante el siglo XIX los artistas ya no estaban al servicio de una institución o un mecenas, ya no escribían, componían e interpretaban según el gusto de su señor. En este contexto: La música fue el arte más representativo de los ideales románticos. En literatura surgió el interés por el pasado medieval, las tradiciones, los cantares de gesta y el folclore. Destacaron los escritores ingleses lord Byron y Walter Scott, los franceses el vizconde de Chateaubriand, Víctor Hugo, Alphonse de Lamartine y Alejandro Dumas, y los alemanes Johann Wolfgang von Goethe y Friedrich von Schiller, a quienes ya hemos mencionado entre los prerrománticos. En España, la literatura romántica se impuso en la segunda mitad del siglo XIX con Gustavo Adolfo Bécquer, el duque de Rivas, José de Espronceda, Mariano José de Larra y José Zorrilla. En pintura predominaron el dibujo, el interés por la naturaleza, los paisajes salvajes y tormentosos, los desastres naturales y los grandes acontecimientos políticos. En Francia, sus máximos exponentes fueron Théodore Géricault y Eugéne Delacroix, en Inglaterra, Joseph Tumer, y en Alemania, Caspar D. Friedrich. En arquitectura y escultura apenas hubo nada nuevo. Los arquitectos imitaron los estilos de la Edad Media, aunque a finales del siglo XIX el uso de materiales como el hierro, el cemento y el vidrio abrió nuevas perspectivas para el desarrollo de la arquitectura. La escultura estuvo muy influida por la pintura y se centró en la realización de monumentos cívicos.
SABÍAS QUE...El compositor clásico y el compositor romántico Una de las diferencias esenciales entre un compositor clásico y un compositor romántico reside en la intención de usar o no la música como forma de expresión personal. Para una mentalidad clásica, la música es «forma musical», una sonata es una sonata con independencia de los sentimientos que su compositor experimenta cuando la está creando. Pero para un romántico, la música es «expresión», es decir, algo inseparable de los sentimientos que predominan en el compositor al escribirla. Schumann afirma en una de sus cartas: «Me afecta todo lo que sucede en el mundo -la política, la literatura, la gente- y medito todo eso a mi propio modo, y después anhelo expresar en música mis sentimientos. Por eso a veces es difícil entender mis composiciones, porque están relacionadas con muchos intereses distantes entre sí, porque todo lo que sucede me impresiona y me fuerza a expresar en música esas impresiones».

La música en el Romanticismo El Romanticismo musical se extiende, aproximadamente, entre los años 1 815 y 1880, continuando en algunos lugares hasta avanzado el siglo XX. El músico romántico La sociedad burguesa, que tras la Revolución Francesa se convirtió en la clase privilegiada, influida por la filosofía idealista que dominaba la época, cambió el papel social de la música. La iniciativa privada, como algo propio de esta sociedad, convirtió al músico en un profesional de su arte, con libertad absoluta para poner precio a su trabajo, dentro de la ley de la oferta y la demanda.

Su primer campo de acción fue el concierto público, donde las personas que pagaban pasaron a formar el nuevo auditorio y las orquestas se convirtieron en sociedades anónimas. Su otro campo de acción fue la música de

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salón, donde el piano llegó a ser el instrumento rey. La emoción musical, reprimida por las normas y cánones del Clasicismo, se desbordó. Para el hombre romántico la música fue el medio más importante con que expresar sus sentimientos. El teatro lírico alcanzó un gran desarrollo y la ópera italiana se difundió mundialmente. Características de la música romántica Las principales características de la música romántica son estas:  Composiciones íntimas y humanas.  Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y fuerza expresiva.  Estilo melódico de mayor riqueza, con una melodía apasionada e intensa y una calurosa expresión de los sentimientos.  Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el Clasicismo. Desaparición de la frase cuadrada.  Ritmos complejos y libres, llegando a la polirritmia.  Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un mayor efecto expresivo.  Búsqueda de contrastes musicales capaces de sugerir sentimientos a través de matices dinámicos (fuerte, piano, crescendo...).  Atención especial al folclore y las melodías populares como fuente de inspiración, que llevará a los nacionalismos musicales.  Predominio de la música instrumental sobre la vocal.  Consolidación y ampliación del número de instrumentos de la orquesta sinfónica.  Nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a las innovaciones y mejoras técnicas de los instrumentos de la orquesta. Mayor empleo de instrumentos de madera, metal y percusión.  Preferencia por las formas menores: preludio, estudio, //ed, impromptu...  Creación del poema sinfónico, forma musical que ofrece mayor libertad que la sinfonía clásica.  Aparición del ídolo virtuoso, bien como instrumentista o como intérprete vocal.  Preferencia por el piano y el violín, y recuperación de otros instrumentos como el arpa y la guitarra. Formas musicales del Romanticismo Las principales formas musicales del Romanticismo son las siguientes: Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano. Bagatela. Composición corta para piano y sin ninguna pretensión. Estudio. Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad. Impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación. Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica. Lied. Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas. Sinfonía y concierto. La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos. El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía. Música programática. Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico. Poema sinfónico. Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música.

PARA SABER MAS: La modulación

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Una característica distintiva de la música del Romanticismo fue el uso cada vez más intenso de la modulación. El término modulación significa «cambio de modo dentro de la misma pieza musical». Es el recurso técnico más importante para dar variedad y riqueza a la armonía, evitando la monotonía que resultaría al desarrollar la música en una sola tonalidad. Las modulaciones más sencillas y de efecto más natural, preferidas durante los períodos barroco y clásico, son las que se dirigen a alguna tonalidad vecina a la de partida. Tonalidades vecinas o cercanas son todas aquellas que no difieran en más de un bemol o de un sostenido en su armadura. Por ejemplo, las tonalidades vecinas de Do mayor son, en primer lugar, su tonalidad relativa, La menor (igual armadura), la tonalidad de la dominante (Sol mayor, un sostenido en la armadura) y la de la subdominante (Fa mayor, un bemol en la armadura). Los compositores románticos fueron buscando nuevas y más originales formas de llevarla a cabo y experimentando con modulaciones a tonalidades cada vez más lejanas como recurso expresivo. La música de Wagner fue la que llegó más lejos en este camino.

Los nuevos instrumentos de viento-madera y viento-metal La principal innovación tuvo lugar en 1838, cuando el alemán Theobald Bóhm adaptó para la flauta un nuevo sistema de llaves y anillas que puso al instrumento a la altura del violín en cuanto a precisión y agilidad. Hasta ese momento los intérpretes contaban solo con dos o tres llaves que les ayudaban a conseguir algunas notas imposibles sin su ayuda. El sistema Bóhm fue adoptado por la industria y aplicado a los restantes instrumentos de la familia de madera: clarinetes, oboes y fagotes permitieron tocar cualquier cosa y pasaron a ser fabricados de manera industrial y ya no exclusivamente con madera. Los instrumentos de metal sufrieron una transformación similar gracias al francés Périnet hacia 1839 y al austríaco Riedl en 1832. Hasta entonces solo podía tocarse con ellos un pequeño número de sonidos con facilidad y Habilidad, limitándose su intervención en la orquesta a breves frases de color o a reforzar la sonoridad general. En ocasiones se utilizaban roscas o tubos que permitían cambiar su afinación básica, produciendo nuevos sonidos. Eso obligaba al ejecutante a tener a su lado varios instrumentos de diferentes tamaños en los que debían introducir tubos adicionales, con los consiguientes problemas. Con la introducción de pistones y cilindros en su producción industrial, estos problemas quedaron solucionados. El Romanticismo pianístico El siglo XIX es conocido como el siglo del piano, instrumento para el que se compusieron numerosas formas musicales típicas del Romanticismo. El piano no faltaba en las salas de concierto, en los salones y en los hogares de la burguesía europea. El piano romántico Durante gran parte del Barroco y del Clasicismo, el violín fue el instrumento musical más importante. Después, durante el siglo XIX, los músicos románticos prefirieron el piano por su capacidad para la matización dinámica y por sus posibilidades sonoras. Surgió la figura del «virtuoso instrumental», capaz de interpretar piezas de extremada dificultad técnica. Asimismo se escribieron muchas obras para piano que, en la mayor parte de los casos, eran piezas cortas, libres, de carácter improvisado, denominadas con títulos evocadores: romanza, fantasía o preludio. En muchas ocasiones, esas piezas se reúnen en series bajo un título común, por ejemplo Carnaval, de Schumann, o como colecciones de danzas, como los Valses, Mazurcas y Polonesas de Chopin. Hasta el estudio, originalmente compuesto como pieza didáctica, pasa ahora a ser considerado apto para el concierto. Hacia finales del siglo XIX, el piano, gracias a sus importantes innovaciones técnicas, llegó a ser el instrumento musical por excelencia.

PARA SABER MAS: El piano moderno El piano moderno es un instrumento diferente al pianoforte que usaron Mozart y Beethoven, que a su vez había desbancado al clave.

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El piano moderno buscaba competir con la orquesta en sonoridad, y para ello fue necesario diseñar un mecanismo extraordinariamente complejo al servicio de un sistema de cuerdas metálicas que producen una tensión total que supera las 20 toneladas. Ello obliga a su montaje sobre un macizo marco de hierro fundido en una sola pieza, algo imposible de construir sin los medios de la industria moderna. Su fabricación en serie comenzó en Estados Unidos a partir de 1824.

Franz Schubert. Al compositor austríaco Franz Schubert (1797-1828) lo estudiaremos más detenidamente en las siguientes páginas en el sinfonismo romántico y como autor de heder. Entre la producción pianística de Schubert destacan los Impromptus y los Momentos musicales, en los que la inspiración melódica se impone sobre la forma clásica. Frédéric Chopin. (1810-1849) nació en Polonia, pero desarrolló su vida artística en París. Poseía una gran técnica pianística y un lenguaje lleno de ternura y nostalgia, que le hizo inspirarse en temas polacos para componer una obra llena de innovaciones melódicas, rítmicas y armónicas. Su armonía es de gran colorido y brillantez, con progresiones de acordes y modulaciones sorprendentes. Chopin escribió casi exclusivamente para piano. Su producción musical la realizó en «pequeñas formas», como sus Nocturnos, Polonesas, Valses y Mazurcas. En todas ellas vibra la esencia del músico romántico: sentimentalismo, intimidad, exaltación... Además de estas piezas breves, Chopin escribió dos Conciertos para piano y orquesta y el Concierto del «Krakowiak». Chopin ejerció gran influencia sobre pianistas posteriores y tuvo numerosos discípulos. Franz Liszt. Compositor húngaro (1811 -1886) llegó a ser a la edad de veinticinco años el pianista más famoso del momento, viajando continuamente y deslumbrando con su técnica al público europeo. En el año 1847 se instaló en Weimar como director de la orquesta de la corte. Desde esa fecha su labor se centra más en la composición y en la difusión de la música de otros compositores. Mientras que el romanticismo de Chopin es íntimo y poético, el de Liszt es brillante y espectacular. Liszt fue un pianista con unas facultades tan extraordinarias que sus contemporáneos lo consideraron más virtuoso que compositor. Escribió más de 1.300 obras, entre ellas las obras para piano Estudios de ejecución trascendente, Años de peregrinación, la Sonata en Sí menor y dos Conciertos pata piano y orquesto. Como creador del poema sinfónico, Liszt es tratado en el capítulo dedicado al sinfonismo romántico. Robert Schumann (1810-1856) nació en Sajonia. Fue el impulsor del ideario romántico. Una lesión en la mano le impidió ser un virtuoso del piano. Su obra pianística la realizó para su esposa Clara Wieck. Según él mismo afirmó, su música es un reflejo de su mundo interior. Sus obras más importantes son las pequeñas composiciones que se agrupan en colecciones como Carnaval, Álbum para la juventud, Kreisteriana, Escenas de niños y fantasía, que le valieron la denominación de «poeta del piano». El pianismo de Schumann es denso, pensado. La dificultad en la ejecución de sus obras arranca de la misma naturaleza de su música, desde un punto de vista armónico, melódico y estructural. Otras obras románticas para piano La mayoría de los músicos románticos compusieron obras para este instrumento. Aunque los principales de estos compositores son tratados en otros capítulos de esta enciclopedia, es imprescindible mencionar la música pianística de los alemanes Félix Mendelssohn (1809-1847), en la que destacan las Romanzas sin palabras, y Johannes Brahms (1833-1897), en cuyas composiciones para piano figuran dos Conciertos, las 21 Danzas húngaros, un Quinteto y dos Sonatas. También merecen recordarse las obras románticas para piano de los franceses Georges Bizet (1838-1875) y Camille Saint-Saéns (1835-1921), ambos pianistas. El sinfonismo romántico Se pueden distinguir dos corrientes en la evolución de la música sinfónica del Romanticismo: una orientada hacia

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de gran riqueza rítmica y muy lograda instrumentación y armonía. donde no faltan voces solistas o grandes masas corales. que denotan una clara influencia de su formación religiosa y de Beethoven. la décima inacabada. Compuso para casi todos los géneros. entre ellos dos para piano.formas más puras de tradición clásica y otra de tendencia programática. y la número nueve. Brahms combinaba los esquemas formales del Clasicismo con la riqueza armónica y el colorido románticos. En sus composiciones plasma Mahler el sentimiento poético y pesimista de la sociedad de finales de siglo Del compositor franco-belga César Franck (1822-1890) debe citarse en este apartado la Sinfonía en Re menor. y más tarde a los del compositor alemán Richard Wagner. la cual 75 . Es un maestro en los desarrollos temáticomelódicos. Gustav Mahler (1860-1911) fue autor de diez Sinfonías. Pero su medio preferido es el orquestal. entre las que merecen especial mención las llamadas La primavera y Renana. entre las que sobresalen la Escocesa y la Italiana. Compuso cinco Sinfonías. nueva forma musical menos estricta que la sinfonía. PARA SABER MÁS La orquesta sinfónica en el siglo XIX En el siglo XIX la orquesta sinfónica experimentó un importante desarrollo. Compositores de tradición clásica Los compositores de tradición clásica manifiestan mayor inclinación hacia la música pura en la herencia de Beethoven. música de cámara. Es considerado el más clásico de los románticos. La música de cámara se cuenta entre lo mejor de su obra. por contar solo con dos movimientos. El número de componentes de la orquesta no dejó de aumentar hasta llegar al siglo XX. técnica y expresión románticos. gracias a los hallazgos e ideas del compositor francés Héctor Berlioz. fue autor de nueve Sinfonías de influencia beethoveniana y gran riqueza melódica. además del famoso Concierto para violín y la música escénica para El sueño de uno noche de verano de Shakespeare. A Robert Schumann (1810-1856) se le puede situar en un punto intermedio entre ambas líneas. Compositores de tendencia programática En la tendencia programática. Johannes Brahms (1833-1897) fue dado a conocer por Schumann. Su solidez técnica y constructiva y su uso habitual del contrapunto. Franz Schubert (1797-1828). a excepción de la ópera: escribió obras para piano. El mismo Berlioz llegó a escribir obras destinadas a ser ejecutadas por más de 500 músicos. oberturas y algunos Heder. hicieron de él el símbolo de la música en la tradición de Beethoven. cuya obertura compuso a los diecisiete años. La sonata es la base de su producción instrumental. el compositor austríaco Gustav Mahler escribió una sinfonía llamada de los mil por el gran número de ejecutantes que necesita: gran coro y doble orquesta. Antón Bruckner (1824-1896) se deben nueve Sinfonías. denominada La grande o también La romántica. siendo la variación su forma predilecta. Sinfonía en Do mayor. . entre las que destacan la octava. Escribió cuatro Sinfonías de gran riqueza rítmica. conocida como La incompleto o Inacabada. destacando en la música de cámara y la orquestal. una línea innovadora que se abrió paso hasta el nuevo siglo. excepto la ópera. la gran fantasía romántica dio lugar a la aparición del poema sinfónico. aunque con colorido. unidos a su talento para el desarrollo temático. destacando la Séptima. con importantes innovaciones en la instrumentación. En su producción son de señalar sus cuatro Sinfonías y diversos Conciertos. Schubert y Wagner. Félix Mendelssohn (1809-1847) cultivó todos los géneros. La extensión de estas obras es enorme. también estudiado como compositor de obras para piano y el creador del lied romántico. A comienzos de nuestro siglo. la clásica y la programática. recurriendo con frecuencia el autor a gigantescas plantillas orquestales.

Brahms y Hugo Wolf. que ayudó toda su vida a Félix en la edición de su música. basada en un programa» o guión que puede seguirse casi como un argumento literario. cultura clásica y técnicas artísticas. Sus temas predilectos fueron el amor. y el libre. El Lied romántico El mejor vehículo para expresar los sentimientos románticos fue el Lied. la muerte y la naturaleza. Sin embargo. De esta manera se consigue la íntima unión entre el texto y la música. Franz Schubert (1797-1828) fue el verdadero creador del lied romántico. Otros compositores que también cultivaron el lied fueron Schumann. mientras que Fanny. Fanny tocaba El clave bien temperado de memoria. Fanny se las arregló para producir más de 400 partituras. pero el grueso de su producción fue ignorado hasta 1988. que tuvo su apogeo en el siglo XVI y que en el siglo XIX recibió un nuevo impulso gracias a los poetas Goethe y Schiller. Los grandes maestros del género fueron los siguientes: Franz Liszt (1811-1886) estableció el poema sinfónico. Seis de las canciones de Fanny fueron publicadas con el nombre de su hermano. A los trece años. y su talento musical ha sido aceptado plenamente. Su música denota una orquestación moderna e innovaciones atrevidas en el campo armónico.resultaba insuficiente para que el músico romántico expresara sus sentimientos. Félix se hizo mundialmente famoso. en las que asocia la riqueza orquestal. Fue un gran renovador de la orquesta. que se manifestaron en obras como Mazzepa y lo que se escucha en las montañas. El compositor austriaco Schubert consagró este género. entre otros. aunque vivió ya en el siglo • v la música de su primera época fue romántica. entre sus sinfonías. ligada a ideas extra musicales. permaneció siempre a la sombra de su hermano. Predominan dos tipos formales principales: el lied estrófico. sin embargo. hermana del compositor Félix Mendelssohn. El músico francés Héctor Berlioz (1803-1869) consagró la nueva estética con una obra maestra. Compuso Obras como Don Juan. Fanny nació en Hamburgo. Fanny Mendelssohn: BIOGRAFÍA Entre las mujeres compositoras del siglo XIX destaca Fanny Mendelssohn (1805-1847). ha pasado inadvertido hasta nuestros días. Sin embargo. obra en un solo movimiento. En ninguna de sus sinfonías se sujetó a las normas clásicas. basada en uno o vanos temas que reaparecen garantizando la unidad formal de la obra. Sin embargo. Compuso más de 76 . algo inaceptable para una Mendelssohn. entre otros. el lirismo y la exaltación del folclore alemán. como forma musical tiene una acepción más concreta: es una canción para voz solista con acompañamiento de piano. poseedora de un enorme talento musical que. en su época no era adecuado que la hija de una familia de la alta sociedad alemana se dedicase profesionalmente a la música: eso implicaba subir a los escenarios por dinero. Características del Lied romántico Lied es una palabra alemana cuyo plural es lieder y que significa «canción». sentimiento y al realismo. a pesar de su inclinación musical. Richard Strauss (1864-1949). Desde entonces su música está en proceso de publicación y grabación. de alto contenido descriptivo. Entre los doce poemas sinfónicos que escribió destacan Orfeo y Los Preludios. cuya música se compone basándose en una poesía. Tanto Fanny como Félix recibieron una esmeradísima educación que incluía ciencias. Dante y Fausto. en el que cada estrofa del texto cuenta con la misma música. Puso música a textos de los poetas Schiller y Goethe. y aunque la resistencia fue grande. Muerte y transfiguración y Así hablaba Zaratustra. Cuatro años mayor que su hermano. Su obra estuvo marcada por los movimientos literarios románticos. Este fue el tipo habitual en el siglo XIX. en el que la música se adapta a la expresión y sentimientos presentes en cada estrofa del texto. la Sinfonía fantástica 1830).

Su otro gran ciclo Amor y vida de una mujer lo realizó sobre ocho poemas del poeta alemán Chamisso. con una melodía tierna y lírica a la que el acompañamiento del piano imprime un carácter irónico. con veinticuatro canciones. Bajo la influencia de Wagner. Aunque lo más importante de su obra son sus composiciones para piano. Entre sus lieder merecen especial mención los Lieder aus des Knaben Wunderhom (1888-99). Conservan vigencia una veintena de lieder de Brahms. Heine. Hugo Wolf (1860-1903) fue el más importante autor de lieder del final del Romanticismo. que muestran connotaciones populares y clásicas y una gran fluidez melódica. Se puede considerar a Brahms como el autor más importante del segundo Romanticismo. adaptándose a la poesía de cada estrofa. En ellas cobra gran fuerza el piano y se fundan la melodía y el texto. Sus acompañamientos pianísticos son verdaderos subrayados al texto de los Heder. que se cuentan entre lo mejor del Romanticismo y en los que consigue una compenetración casi completa con el texto. por el que el texto es la parte más importante de la obra. Schiller y. se estableció en Viena. como La bella molinera. Su obra póstuma fue El canto del cisne. donde llegó a ser director de la Sociedad de Amigos de la Música. buenas noches. LAS CANCIONES DE SCHUMANN Robert Schumann fue fundamentalmente pianista y. el drama musical wagneriano se difundió por toda Europa. que consta de veinte canciones. 77 . Las características de este movimiento se ponen de manifiesto en sus Heder. solo se dedicó a componer. tras haberse casado con Clara Wieck. y su gran novedad estriba en el acompañamiento pianístico. al igual que el Lied. Escribió también Cuatro cantos senos. Sobre textos de Heme se construye su ciclo Amor de poeta. escrita en el año de su muerte y que contiene catorce Lieder. y el viaje de invierno. en el acompañamiento y en su preocupación por el sentimiento. que tuvo amplia formación literaria. animado por Mendelssohn. y la principal característica de sus lieder es el aspecto dramático. Sus poetas predilectos fueron Hoffmann. entre los que se incluyen varias adaptaciones de motivos populares y la famosa canción Buenas tardes. en donde el lied tiene una fuerza mayor. por encima de todos. Están agrupados en colecciones. también compuso. Escribió más de 300 lieder. Lieder de los niños muertos (1901 -04) y La canción de la Tierra (1907-09). La forma es libre. se separó de la temática popular y se introdujo en la poesía culta alemana y mundial. Compuso 250 Heder. destacando los Lieder sobre Goethe. que en muchas ocasiones» se erige en protagonista. pudiéndose hablar de verdaderos dúos para voz y piano. PARA SABER MÁS: Brahms y el lied popular Johannes Brahms. En el Romanticismo tardío. se abrió camino en el siglo XIX y. después. a medida que avanzaba el siglo. Johannes Brahms (1833-1897) compuso más de 300 Heder influido por Schumann en su sentimentalismo y por Schubert en su carácter popular. que incluye quince Heder ligados por un argumento común. utilizó el principio de la «declamación continua». Goethe. Gustav Mahler. considerada por muchos su obra maestra. aunque nacido en Hamburgo. Robert Schumann (1810-1856). Su música fue una de las más avanzadas de la época en lo que se refiere a la disgregación de las tonalidades. o comenta psicológicamente el texto. Gustav Mahler (1860-1911) sustituyó el acompañamiento de piano por el de la orquesta sinfónica. La ópera romántica alemana La ópera romántica alemana. El lied de Schumann se diferencia del de Schubert en la manera de entender la melodía. Lieder españoles y Lieder italianos. canciones después de 1840. Byron.600 Heder. Sobre textos de Tieck compuso la obra Romanzas de Magelone.

Uso de armonías cromáticas. Beethoven compuso su ópera Fidelio. Fue director de orquesta de los teatros de Praga y Dresde. donde se Había instalado por razones de salud. Utilización del leitmotiv. construido según los leales del drama wagneriano. contrariamente a la ópera bufa italiana. desde los catorce años. está basada en un argumento fantástico y se estrenó en Londres unas semanas antes de la muerte del compositor. prefería los temas de tipo mágico y fabuloso. Siete años después. escrita en 1821. de tema realista. Con una música más sencilla que la de la ópera seria. Su obra operística se caracteriza por sus melodías populares llenas de sentimientos alegres y a la vez profundos. Con el estreno de su obra El anillo de los nibelungos (1876) se inauguró el teatro de Bayreuth. Las características principales de su obra son las siguientes:  Intento del «arte total». Leipzig.    78 . Vivió en Londres y París hasta que fue nombrado director de orquesta del Teatro Real de Dresde.Antecedentes El primer paso hacia una auténtica ópera alemana lo constituyó el Singspiel. Su ópera Euriante está basada en una vieja leyenda francesa y es considerada una ópera excelente. estudió filosofía. posteriormente. con la incorporación de nuevos instrumentos. con el texto en alemán y con diálogos hablados en vez de un recitado cantado. donde se dedicó a la composición bajo la protección de Luis II de Baviera. Oberón. considerada por Wagner como la primera ópera alemana. Instrumentalmente se le puede considerar precursor de Berlioz. en 1883. AHÍ plasmó sus ideales estético-filosóficos en la obra Arte y revolución. que era una forma musical muy popular en Alemania y Austria. sobre todo en sus coros y escenas. Sin embargo. en modulación constante. En el año 1864 se instaló en Múnich. La fuerza romántica de Weber radica en su maestría para conjugar lo popular y lo fantástico. en cuyos contrastes se consigue el aspecto dramático. -n paro cardiaco puso fin a su vida en Venecia. se basó en La gitanilla de Cervantes y en una colección de melodías españolas. buscando un lenguaje asequible. Más tarde. fue un contemporáneo de Beethoven. Esta última fue. Richard Wagner (1813-1883) nació en Leipzig y. Su primera ópera auténticamente alemana fue El cazador furtivo. de tema histórico-mitológico.  Temas basados en los mitos y leyendas alemanes. Fue maestro de canto en Wurzburg y director de orquesta en Magdeburgo. En ella aparecen todos los ingredientes del Romanticismo alemán. obra en la que la fuerza de la partitura se impone sobre la trama dramática. donde las escenas se encadenan sin distinción entre aria y recitativo. Su ópera Preciosa. Evolución hacia el drama musical. En el año 1810 se estrenó su ópera Silvana que.  Uso y potenciación del alemán en todas sus óperas. es en realidad una ópera cómica. motivo musical que caracteriza a los diferentes personajes de la ópera. concretamente en sus obras El rapto del serrallo y La flauta mágica. Carl María von Weber (1786-1826) fue hijo de un músico ambulante y estudió en Viena con Haydn y Vogler. pero dramático. quien reaccionó contra la influencia de la ópera italiana hasta el punto de ser considerado como el creador de la ópera nacional alemana. En ella consiguió Mozart un equilibrio pleno entre los elementos populares y los cultos. artes plásticas. escrita diez años después. Kónigsberg y Riga. En el campo de la orquestación consiguió efectos y timbres en los que mostró un gran conocimiento de la orquesta dramática. que llevaron la tonalidad a su punto de máxima tensión y que significaron el principio de la ruptura del sistema tonal clásico. o a la ópera seria italiana. El Singspiel alcanzó su máximo desarrollo con Mozart. aunque fue catalogada por el autor como una ópera romántica. música y danza. Weber. Su última ópera. armonía y contrapunto.  Incremento del número de componentes y del protagonismo de la orquesta. Su espíritu revolucionario le llevó a las barricadas en esta ciudad en el año 1848 y tuvo que huir a Zúrich. síntesis de la poesía.

que trata de la vida de un revolucionario en la Roma del siglo XIV. es un drama religioso escrito en 1882. PARA SABER MÁS: Argumentos de dos óperas de Wagner El Buque fantasma o El holandés errante. obra en la que han quedado plasmadas todas las características de la música wagneriana. libertad y patriotismo por las que luchó Italia durante este siglo. 79 . se amoldó a cualquier época musical.  El virtuosismo del cantante se acentúa menos que en otras épocas. Características generales.  En ciertos momentos de la representación (arias y dúos) se busca la brillantez y el lucimiento de los solistas más que la unidad escénica y conceptual de la obra. sobre todo en las oberturas. autor de Hdnsel y Gretel. que son cauce de expresión para el drama argumental. Senta se arroja al mar y redime a Daland. Gioacchino Rossini (1792-1868).La primera ópera importante de Wagner fue Rienzi. adoptando las correspondientes ideas estéticas. ópera infantil con motivos folclóricos. fueron proverbiales. La Walkiria. Su última obra. solo le puede salvar el amor puro de una mujer. Los maestros cantores de Nuremberg es el único ejemplo de ópera cómica en la vasta producción wagneriana. sobre leyendas medievales alemanas. quedando en segundo plano los aspectos orquestales y armónicos. la ópera italiana siguió ocupando un lugar preeminente. obra de inspiración autobiográfica que trata de las tradiciones de los gremios alemanes en la Edad Media. Rossini transmitió a los románticos posteriores atrevidas innovaciones: predilección por temas patrióticos o naturalistas. la ópera. Desde sus inicios en el siglo XVll. perseguido por una maldición y condenado a navegar sin reposo. Después de Wagner. como la apasionada historia de amor Tristón e Isolda y la ópera cómica Los maestros cantores de Nuremberg. Parsifal. En sus instrumentaciones aumentó el número de los instrumentos de viento. joven prometida al ganador del concurso de maestros cantores. con su famoso «Coro de peregrinos». Su riqueza y fluidez melódica. Narra la historia de amor del caballero Walther y Eva. Otras de sus obras más importantes son Lo italiana en Argel. el único músico de la escuela alemana destacable fue Engelbert Humperdinck (1854-1921). La ópera romántica italiana En la Italia del siglo XIX la ópera se impuso como género predilecto. viéndose en la claridad de las olas las almas de los dos enamorados. ópera en tres actos de Wagner. Su obra El buque fantasma (1841) es un drama legendario en donde aparece la idea de la regeneración por el amor. Sigfrido y El ocaso de los dioses. el último tribuno (1838-1840). continuador de la tradición mozartiana. Compuso otras obras importantes. y dio a sus melodías un carácter dinámico y fresco. pero con solo treinta y siete años de edad y habiendo alcanzado la fama dejó casi de componer tras la creación de su obra Guillermo Tell (1829). Rossini se hizo famoso en toda Europa tras el estreno de £/ barbero de Sevilla (1816). La cenicienta y La urraca ladrona.  Existe cierta superficialidad junto con agradables melodías. y su espontaneidad para la escritura. y hasta Richard Strauss. acentuación dramática de la orquesta e impulso de la ópera cómica. al extremo de eclipsar a las demás formas musicales. uso del coro en representación del pueblo. La ópera romántica sirvió para expresar las ideas de unidad. Al navegante Daland. Las características más importantes de la ópera italiana son estas:  Lo vocal prima sobre cualquier otro motivo. fue estrenada en la Ópera de la Corte de Dresde el 2 de enero de 1843. En el siglo XIX. Su ópera romántica Lohengrin (1850) fue el paso definitivo hacia su tetralogía El anillo de los nibelungos: El oro del Rhin. La acción tiene lugar en las costas noruegas. que constituyó uno de los espectáculos de mayor agrado del pueblo italiano. Será Walther el vencedor del concurso y quien recibirá la mano de Eva. Cuatro años después Wagner compuso Tannháuser. fue el músico que encarnó el tránsito entre la ópera del siglo XVIII y la ópera romántica.

Otra ópera en un acto. la música fue más profunda y los coros y la orquesta adquirieron más importancia. Shakespeare y lord Byron. de Pietro Mascagni (1863-1945). Schiller. logró la obra maestra del género bufo italiano. 1. siguiendo su ejemplo. mitológicas o absurdas. Verdi compuso Rigoletto.La carrera de Vincenzo Bellini (1801-1835) fue breve. Después de componer obras como El elixir de amor y La hija del regimiento. escribía con todo detallo la ornamentación vocal para cada una de las partes de sus obras. Pertenecen a este período Simón Bocanegra. es Los payasos (1892) de Ruggiero Leoncavallo (1858-1919). lo natural de sus instrumentaciones. Falstaff. la palabra. Giuseppe Verdi (1813-1901) nació en Roncóle. en la que tuvo que emplear hasta siete libretistas para lograr el texto que él quería. lo espontáneo de sus argumentos -de carácter mitológico o histórico. Gaetano Donizetti (1797-1848) fue director y maestro de ensayos del teatro San Carlos de Ñapóles y compuso hasta los treinta años más de veinte óperas. ya que diariamente practicaba inventando motivos musicales. Don Pasquale (1843). palabra y música. Su primer éxito lo obtuvo con su ópera trágica Ana Bolero (1830) y su éxito mayor fue Lucia de Lammermoor (1835). se hizo amigo suyo en París y. En el segundo período. 2. Sus libretos los escogió entre obras de Víctor Hugo. Puccini dejó sin acabar su última ópera. cuyo libreto está sacado del drama escrito por el novelista Verga. Verdi diluye las diferencias entre recitativo y aria en beneficio de una mayor continuidad musical y dramática. Puccini conocía perfectamente la complejidad de la obra teatral y la profunda interdependencia que existe entre los elementos que la componen: el gesto. Cuando tenía que poner música a un libreto. Entre ellas es de señalar el gran número de óperas cómicas o farsas. Bajo la influencia de Rossini. obra más pulida y refinada. por su compromiso con la libertad del pueblo italiano dominado entonces por Austria. El denominado «patriótico». Tosca (1900) y Madome Butterjly (1904). La sonámbula y Los puritanos (1835). que fue su último triunfo. consiguiendo la integración y el equilibrio entre acción. Sus temas fueron más elaborados y buscó un público más entendido. La fuerza del destino y Don Carlos. Puccini vigiló el trabajo de sus libretistas y los subordinó a su voluntad. A semejanza de Wagner. El período de conclusión. por último. Pero fue Giacomo Puccini (1858-1924) el compositor más importante del verismo. Estudió música en Milán y su primer éxito lo logró con Nabucco (1842). Admiraba a Rossini. principal representante del verismo literario italiano. En la obra de Verdi se distinguen tres períodos. El primer triunfo de Puccini fue su ópera Manon Lescaut (1833). 3. la música trató de plasmar las emociones primarias de los protagonistas de las obras e incorporó a la ópera argumentos reales de la vida en sustitución de las tramas de enredo formal. Verdi se muestra más preocupado por la unidad dramática y la distinción psicológica de los personajes. La música romántica en Francia 80 . considerada también prototipo del verismo. que terminó su discípulo Alfano. El verismo musical A finales del siglo XIX surgió una nueva corriente dramático-musical denominada verismo. en el que escribió Aída y Otelo y. ya que ese mismo año murió. Su música siempre estuvo en continuo progreso técnico. En un período de ocho años compuso La bohéme (1896). aunque alguna vez utilizó elementos fantásticos. Turandot. la música y la situación escénica tenían que estar íntimamente relacionados. El comienzo del verismo musical se hace coincidir con el estreno de Cavalleria rusticana (1890). Entre sus obras destacan Norma (1831). cuando ya tenía 80 años. estrenada en París. pero gloriosa. ópera de gran trascendencia político-social y cuyo coro de lamentación de los hebreos cautivos en Babilonia ¡o cantaba la gente por las calles de París y Londres. En estas obras. La obra de Verdi se ha denominado «realista» por la sencillez de sus melodías. Supo dar un realismo psíquico a sus personajes y se distinguió por su extraordinaria melodía y la originalidad armónica de su orquestación. Por eso. recurría a los temas que iba acumulando. Influida por la literatura realista de Zola. La Traviata y El trovador. pero sin la autenticidad de la ópera de Mascagni. estrenada en el teatro de la Scala de Milán.

efectos de luces y colores y la inserción de caprichosas situaciones de baile. entre otros Carpeaux. de Minkus y Delibes. reclamó un mayor espectáculo. de Meyerbeer. es autor de la ópera Sansón y Dahla. cuyas características fundamentales son argumentos heroicos e históricos. lujo de escenas y de trajes. Camille Saint-Saéns (1835-1921). su música es melódica. con la asistencia del presidente do h República y su esposa. modelo de la gran ópera durante bastantes años. de Halévy. que compuso la ópera romántica Fray Diablo y La muda de Portia.La música francesa en el siglo XIX contó con grandes compositores. 5. con autores como Daniel Francois Esprit Auber (1782-1871). compuso un Réquiem (1837) y leyendas dramáticas como La condenación cíe Fausto (1 828-1846) y Romeo y Julieta (1839). en la que alternaban las partes recitadas y las musicales. como la suite Lo artesiana (1872). Obertura de La muda de Portice. En su exterior hay que destacar los grupos escultóricos de diversos artistas. El profeta. consumado pianista. obtuvo cierto éxito con su ópera Los pescadores de peñas (1863). músico judío alemán. caracterizadas por la calidad de su instrumentación. una nueva tendencia operística derivada de la gran ópera. que fue cultivada por compositores como Gounod. impregnada del espíritu de la Revolución. de Auber. Alcanzó la fama con tas óperas Fausto. «La bendición de los puñales». al que tratamos también en el sinfonismo.. Actos I y II de La judia. El principal autor de la gran ópera fue Giacomo Meyerbeer (1791 -1864). Georges Bizet (1838-1875). Charles-Francois Gounod (1818-1893). 3. mostrando gran interés por la polifonía del siglo XVI. que compuso Roberto el diablo (1831). especialmente por Palestrina. Además de la Sinfonía fantástica (1830). Compuso música religiosa y oratorios. compositor. sobre las guerras de religión. un vestuario más lujoso y una mayor variedad. Pero su triunfo más importante lo alcanzó con Carmen (1874). Héctor Berlioz (1803-1869). que cultivaron las más diversas formas musicales. La primera mitad del siglo Al comienzo del siglo XIX existían en Francia dos tendencias musicales dentro de la ópera: la denominada ópera heroica. Interior y exteriormente está decorado de un modo fastuoso y sobrecargado. París se convirtió en la capital europea de la ópera. de Rossini. y La africana. es uno de los representantes más originales del Romanticismo francés y un gran innovador de la orquestación. El ballet La fuente. Obertura de Guillermo Tell. El programa de la noche del estreno fue el siguiente: 1. gran instrumentista de teclado. Fue también un notable autor de piezas sinfónicas. La burguesía. de la ópera Los hugonotes. considerada como la ópera premonitoria del teatro musical verista.. El teatro de la Ópera de París Charles Garnier fue el arquitecto que durante trece años dirigió la construcción del Teatro de la Ópera de París. Romeo y Julieta y Mireille. La segunda mitad del siglo Hacia mediados del siglo XIX surgió la ópera lírica. pero estuvo sobre todo dominada por el género operístico. sabías que. director de orquesta y organista. y la llamada ópera cómica. El Teatro de la Ópera fue inaugurado el 5 de enero de 1875. Surgió así la grand opera. trama con diversidad de situaciones y de estilos. grandes masas corales. sobre la matanza de la noche de San Bartolomé. nueva clase dominante. Bizet y Massenet. y sus características son las del estilo ecléctico del Segundo Imperio. 2. de extraordinaria riqueza melódica y colorido rítmico-dramático. cromática y delicada. Otras óperas suyas compuestas para divertir a un público menos refinado fueron Los hugonotes. 4. Se trata de una obra realista. con compositores italianos como Spontini y Cherubini. grandiosidad orquestal. pero 81 .

que supuso la aparición de una nueva estética. que incluía cuatro años de estudios en la Academia Francesa en la Villa Medici de Roma. la bailarina desempeñaba un papel principal. labor de escuelas de beneficencia para huérfanos. basada en la guerra de Troya. Su creador fue el compositor francés de origen alemán Jacques Offenbach (1819-1880). ninfas. son El Cid. supo conquistar el gusto del público con un estilo melodioso. El triunfo supremo de un estudiante de composición en París era ganar el Premio de Roma. hechiceros. sílfides. para dar sensación de flotar en el aire. No era fácil estudiar en el Conservatorio: el ingreso se producía a los diez años. la Sinfonía número 3 y El carnaval de los animales. que compuso unas cien operetas y la ópera Los cuentos de Hoffmann (1881). profesor del Conservatorio de París durante treinta y cuatro años. Offenbach influyó de manera notable en los músicos de Viena. Se utilizaban los desplazamientos en vuelo. del abate Prévost. proporcionando enseñanza de calidad y a la vez dictando unas normas de estilo que debían ser seguidas por los compositores. Jules Massenet (1842-1912). Cambios en la danza Mientras que en épocas anteriores se desarrollaban argumentos de temas mitológicos y dioses de la Antigüedad como Apolo. A cambio. un vestido corto de gasa que permitía observar la destreza de los pasos. mientras que los bailarines actuaban como apoyo. tomó carácter público y oficial en este siglo a través de los conservatorios. reduciendo así el contacto con el suelo. Goza también de merecida aceptación su Oratorio de Navidad. de entre las veintiuna que compuso. basada en la novela Manon Lescaut. mediante examen público que era siempre objeto de fuertes protestas. 82 . como en Italia. Además. magos y enamorados. adonde pasaban sus operetas poco después de ser estrenadas en París. satírico y humorístico. de gran elegancia y rigor constructivo. La opereta surgió en Francia como una derivación de la ópera lírica. que creaban un ambiente altamente competitivo. Fue una época caracterizada por su riqueza artística. A principios del siglo XIX. siempre ante un tribunal de autoridades. lo que otorgaba a la bailarina un aire de libertad y ligereza. Es una obra escénica en donde se intercalan fragmentos hablados con otros cantados sobre un argumento frívolo. Venus o Marte. y el baile sobre la punta de los pies (sur les pointes) con zapatillas de punta endurecida. o. los bailarines se esforzaban por transmitir la expresividad necesaria para crear una imagen emotiva. Los títulos de sus operetas más conocidos son Orfeo en los infiernos (1858) y La bella Elena (1864). Otras óperas suyas. fue conocido durante algún tiempo por sus oratorios. EL CONSERVATORIO DE PARÍS La enseñanza musical. como el Concierto en sol menor. Werther y Don Quijote. magia y amores no correspondidos. que hasta comienzos del siglo XIX había sido una cuestión artesanal de maestros y aprendices. ninfas. y la enseñanza incluía un sistema de frecuentes exámenes y premios anuales por especialidades. En la mayoría de los ballets. un premio en el Conservatorio aseguraba una prometedora carrera musical. en el Romanticismo las historias tenían como protagonistas a príncipes.conserva mayor vigencia su música sinfónica. Se introdujo el uso del tutu. El primero fue el de París y su función en el siglo XIX fue importantísima. Se le consideró como el compositor de ópera más famoso de Francia después del estreno nde Manon (1884). Gran maestro de la orquestación. La danza en el Romanticismo Durante el período romántico se produjo un gran cambio en esta disciplina artística. el ballet comenzó a poner en escena historias de príncipes.

Fanny Cerrito y Carlotta Grisi. el ballet se integraba en el argumento de la ópera. el ballet siguió siendo un elemento importante en la ópera. inspirado autor de ballets como Copelio (1870) y Silvia (1876). Pero donde brilló muy en especial el arte de Petipa fue en las coreografías creadas para los ballets de Piotr llich Tchaikovsky (1 840-1 893) La bella durmiente (1890). el encargo le venía muy bien. la protagonista del ballet en dos actos del compositor francés Adolphe Adam (1803-1856). Cascanueces (1892) y El lago de los cisnes (1895). Filippo Tagliori. En algunos casos. Entre sus principales obras figuran el ballet Namouna (1882) y la ópera El rey de Ys (1888). ballet en dos actos de jean Schneitzhoeffer. cuyo estreno tuvo lugar en San Petersburgo en 1877. modelo que sería después seguido por los grandes coreógrafos del siglo XX. Uno de los principales exponentes de estos compositores fue el francés Leo Delibes (18361891). en las capitales de Rusia. la primera bailarina que encarnó a Giselle (1841). quien estrenó en 1832 La sílfide.. El ballet operístico La danza teatral El ballet como forma artística independiente de la ópera se consagra definitivamente en el siglo XIX. que fue revisada para su estreno en París en 1861. Petipa inauguró un modelo de estrecha colaboración entre un coreógrafo de talento y un compositor de talla. Contribuía a la espectacularidad que el público pedía de las representaciones operísticas. estrenada en Moscú en 1869. Dinamarca. Otro músico francés. De la estrecha conexión entre el ballet y la ópera da fe el hecho de que hubo músicos que compusieron ambas formas musicales. Bellini y Donizetti tampoco concedían especial importancia a la danza. y la danesa Lucile Grahn. EL LAGO DE LOS CISNES En mayo de 1875 Tchaikovsky aceptó el encargo de los Teatros Imperiales de Moscú de componer la música del ballet El lago de los cisnes. Por lo demás. Inglaterra y Austria se desarrolló también una intensa actividad en el campo de la danza teatral. y de óperas bufas. Además de París.La ópera y el ballet La afición del público francés al ballet hizo que se incorporaran escenas de danza a las óperas que carecían de ellas. Algunas figuras importantes de este período fueron las En el siglo XIX. Entre las principales se recuerdan sus versiones de los ballets de Léon Minkus (1826-1917) Don Quijote. El punto culminante se alcanzó en Rusia gracias al bailarín y coreógrafo francés Manus Petipa (1819-1910).. como ocurre con la impresionante danza de las monjas espectrales en Roberto el diablo de Meyerbeer. y La bayadera. sobre todo en la gran ópera.SABÍAS QUE. cuyo famoso «Dúo de las flores» no falta en las antologías de música romántica. En una carta a Rimsky Korsakov Tchaikovsky escribe: «Hace mucho que deseaba intentar mi suerte en este tipo de música». Las óperas italianas de Rossini. siendo el Romanticismo francés el que revolucionó la técnica. En numerosos teatros de Italia se representaban ballets independientes en los entreactos de las óperas. Todas ellas consiguieron que un público cada vez más numeroso se interesara por la danza teatral. Édouard Lalo (1823-1892). además de la espléndida Sinfonía españolo (1883) para violín y orquesta. como puede comprobarse en las escenas iniciales de Rigoletto y La Traviata y en la última de Un baile in maschera. con coreografía del padre de la propia Mane. como Jean de Nivelle (1880) y Lokmé (1883). compuso asimismo óperas y ballets. quien desde que fue a bailar a San Petersburgo en 1847 hasta que se retiró como maestro de ballet en 1903 creó danzas para más de 100 obras. bailarinas italianas Marie Taglioni (1804-1884). cuando iban a representarse en París. En las óperas de Verdi la danza ocupa ya un lugar de cierta consideración. su mejor obra. pues por entonces el 83 . Uno de los casos más ilustrativos de esta adaptación de obras al gusto francés fue el de la ópera de Wagner Tannhauser.

Bailes de compás ternario y binario El vals es un baile de salón de origen austríaco que se realiza por parejas con un movimiento giratorio. el compasillo o 4/4 está dividido en cuatro tiempos. compusieron polcas autores nacionalistas como Smetana en La novia vendida y Dvorak. procedentes de Viena. y el denominador. sufriendo una profunda depresión. Brahms. Por si todo ello fuera poco. que se baila por parejas. si constan de dos tiempos. Surgió en el siglo XVlll y se popularizó en el XIX. pero aprender los pasos básicos es bastante sencillo. la primera bailarina. polcas. mazurcas. debido a diversos factores: la dirección coreográfica fue deficiente. de tres tiempos. en las que fueron maestros indiscutibles los miembros de la familia Strauss. y fue cultivada por compositores como Chopin. el compás temario se denomina tres por cuatro. que se ejecuta por parejas. cada uno de los cuales contiene una nota negra. cuyo numerador indica los tiempos en que está dividido. Además de ambos Johann Strauss. 84 . El estreno de la obra en 1877 resultó un rotundo fracaso. Fue adaptada como composición musical de carácter instrumental. Es una danza galante. La mazurca es un baile polaco que se popularizó por toda Europa en la época romántica. se extendieron por Europa. El éxito de El lago de los cisnes llegó años después del fallecimiento de Tchaikovsky. una serie de danzas y composiciones musicales encabezadas por el vals. difundida en el siglo XIX por toda Europa y América. Para bailarlo se pueden seguir estos pasos: • Pulso 1 acentuado: se adelanta el pie izquierdo y se apoya en el suelo. la figura que contiene cada tiempo. no destinada para el baile. Así. temarios. El compás musical se expresa mediante un quebrado. de compás temario. Los compases pueden ser binarios. quienes siempre creyeron en la obra de Tchaikovsky y presentaron una versión completa y revisada por ellos en el Teatro Marinsky de San Petersburgo el 8 de febrero de 1895. A lo largo de! siglo XIX. de cuatro tiempos. Lo propiciaron el gran coreógrafo Marius Petipa. y cuaternarios. gracias sobre todo al vals vienés. en las que la mujer elige a su acompañante. BAILAR EL VALS Bailar bien el vals es difícil. pues se suprimió una parte considerable que fue sustituida por fragmentos de ballets de otros autores. junto con su colaborador Lev Ivanov. Es la danza que ha gozado de mayor aceptación a lo largo del tiempo en los bailes de salón. La polca es una danza y música de origen bohemio. Tchaikovsky se atribuyó la culpa del fiasco.. por ejemplo. Está en compás de 2/4 moderadamente rápido y tiene un carácter alegre y popular.compositor atravesaba una apurada situación económica. el atrezo y los decorados eran muy malos y el director de la orquesta no estuvo a la altura de la música de Tchaikovsky. Liszt y Tchaikovsky. una vez que se entiende y domina el compás de 3/4.. El compás musical En música. agravada por el fracaso de su matrimonio ese mismo año de 1877. el ballet se estrenó incompleto. Cuando los acentos de pulso se producen siguiendo la secuencia fuerte-débil-débil. Chopin compuso 55 mazurcas para piano. se entiende por compás cada uno de los períodos o intervalos de tiempo regulares en que se marca el ritmo de una frase musical. La música de este baile tiene ritmo temario que sigue el compás de 3/4. mediocre. Valses. El éxito fue inmediato.

de notables aptitudes y melodías de gran animación. Las mil y una noches. creando una música de gran riqueza melódica y elegancia formal. la industria y la vida cotidiana. (1801-1843). Entre las más significativas y de éxito más persistente se cuentan La belfa Galatea. Entre los valses que compuso sigue interpretándose con asiduidad £1 vals de los patinadores. En el siguiente compás se inicia la misma serie de pasos. Todo esto contribuyó a que las relaciones políticas. las revoluciones burguesas triunfaron en gran parte del mundo occidental y se impusieron progresivamente sistemas de gobierno más democráticos. aunque según los críticos carente de la vitalidad de Strauss. económicas y culturales entre los Estados se intensificaran. además de 180 farsas. Boccaccio y Doña Juanita. arrojando una zapatilla al rey de los ratones. telégrafo) mejoraron de manera asombrosa. como £1 murciélago y £/ barón gitano. (1825-1899). El cascanueces se convierte entonces en un príncipe que lleva a Clara a Confiterimburgo. compuso también una Misa. el nacionalismo supuso una búsqueda de las raíces y tradiciones culturales propias de cada pueblo. La bella durmiente y Cascanueces. • Pulso 3: se desplaza el peso del cuerpo sobre el pie izquierdo y el ejecutante se eleva de puntillas sobre él. Esa noche. al mando del cascanueces.( vals de las flores Entre las numerosas obras que compuso Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). un coetáneo suyo. Sociedad y cultura del siglo XIX al XX Junto con el liberalismo surgió en Europa en la segunda mitad del siglo XIX otro movimiento ideológico y cultural. un Réquiem.. Johann Strauss (hijo). triunfaba en los teatros vieneses con sus operetas. Joseph Lanner. El cambio de siglo Durante la segunda mitad del siglo XIX. También escribió operetas en tres actos. al tiempo que se produjo un intenso crecimiento demográfico. presentan batalla. los juguetes cobran vida y. los medios de transporte y comunicación (ferrocarril. Y a principios del siglo XX. SABÍAS QUE. Johann Strauss (padre). polcas y marchas. una Sinfonía y numerosas Oberturas. barco de vapor. nacido en la ciudad austríaca de Spalato y avecindado en la capital. una niña que el día de Navidad recibe como regalo un muñeco cascanueces. Compuso y ejecutó con su propia orquesta más de 150 valses. polcas y un gran número de danzas diversas. El desarrollo industrial trasformó la economía.. Caballería ligera. un pequeño ejército de ratones entra en el salón. A su vez. de las que sigue interpretándose con agrado del público la de Poeto y aldeano. Biografía Mientras Johann Strauss (hijo) entusiasmaba a Viena con los brillantes acordes de sus valses. fue director de orquesta y se le ha llamado «el rey del vals». En Cascanueces (1891) se narra la historia de Clara. Por su parte. donde el Hada de Azúcar organiza una fiesta para ella. Músico ecléctico. el nacionalismo. Franz von Suppé. Entre sus valses descuellan £1 bello Danubio azul. las favoritas del público son sus tres espléndidos ballets: El lago de los cisnes. el país de los dulces. A la su/te Cascanueces pertenece el Vals de las flores. El vals del emperador y Cuentos de los bosques de Viena. mientras la niña duerme. uno de los valses más famosos de todos los tiempos.• Pulso 2: se acerca el pie derecho y el ejecutante se eleva de puntillas sobre él. las profundas transformaciones que experimentó el mundo se vieron reflejadas en la cultura y en el arte. inició la moda del vals vienes y rivalizó en popularidad con los Strauss. 85 . de las que compuso 36. (1804-1849) nació en Viena y fue uno de los más reputados compositores de valses vieneses. Fundó una orquesta propia y fue director de los bailes de la corte. Compuso además marchas. concertino y compositor austriaco. Clara ayuda al cascanueces en el preciso momento en que este va a sucumbir. Franz von Suppé (1819-1895). hijo del anterior. pero comenzando con el pie derecho.

que propiciaron formas de expresión muy diferentes a las que se habían planteado hasta ese momento. Pintura y escultura La invención de la fotografía a mediados del siglo XIX cuestionó la función pictórica de representar fielmente la realidad. como el impresionismo y el expresionismo. Entre finales del siglo XIX y principios del XX apareció el modernismo o Art Noveau. sus representantes trataron de ir más allá de lo puramente 86 .1799-1850) en Francia. ya que se empezaron a utilizar nuevos materiales. Se centraba en el análisis de la sociedad y del ser humano mediante la descripción objetiva de la realidad. propia del realismo. Por esta razón. Literatura El realismo surgió como reacción a la literatura romántica. Para los post-impresionistas. Charles Dickens (1812-1870) en Inglaterra. Antonio Gaudí (1852-1926) fue su máximo exponente. sino que conviven al mismo tiempo tendencias y movimientos artísticos muy diferentes. Tolstoi (1828-1910). El realismo derivó después hacia el naturalismo. Auguste Renoir (1841-1919) y Camille Pisarro (1830-1903). como Vicent Van Gogh (1853-1890). Las artes a finales del siglo XIX A finales del siglo XIX. como el impresionismo. Edgar Degas (1834-1917). Dostoievski (1821-1881) en Rusia y Benito Pérez Galdós 18131920) en España son algunos de los escritores más relevantes que cultivaron este estilo. cuyo principal representante fue Edvard Munch (1863-1944). atendiendo más a su impresión personal que a la realidad objetiva. Paul Gaugum (1848-1903) y Paul Cézanne (1839-1906). como el hierro. En esta época convivieron tendencias que procedían de épocas anteriores. Frente a los postulados del impresionismo. El antecedente directo del simbolismo en pintura fue el prerrafaelismo británico. EL SIMBOLISMO En la segunda mitad del siglo XIX surgió en Francia un movimiento que reaccionó contra el positivismo y que produjo una revolución en la pintura y en la poesía: el simbolismo. con otras que abrirían el camino hacia nuevos lenguajes artísticos. el cristal y el acero. los pintores de las nuevas tendencias artísticas. en París. que cuajó con fuerza en Cataluña. ni incorporan a todos los artistas de una misma época. Arquitectura La revolución industrial tuvo grandes consecuencias sobre la arquitectura. se preocuparon por reproducir la naturaleza. que reflejaba la realidad sin evitar sus aspectos más desagradables. El edificio más representativo de la arquitectura de la época fue la torre Eiffel. las obras debían reflejar el sentimiento del artista hacia lo que estaba pintando. En los pnmeros años del siglo XX nació el expresionismo. El simbolismo pretende evocar o sugerir los objetos mediante símbolos o imágenes. Édouard Manet (1832-1883).Cambió de forma radical el concepto estético que había servido de guía durante los siglos precedentes y se abrieron nuevas vías de investigación artística. Vos representantes más significativos de este movimiento fueron los franceses Claude Monet (1840-1926). Honoré de Balzac . en los últimos años del siglo XIX. como el postromanticismo y los nacionalismos. que responden a diversas formas de interpretar la realidad. Los movimientos culturales ya no duran decenios. la historia se acelera y se precipita. España. como el Barroco o el Romanticismo.

como Hungría y Bulgaria. que ayudaron a concretar el «sentimiento nacional». sobre todo. como el turco o el austrohúngaro. de la mano de Arndt. los filósofos van por delante de los políticos: Rhigas en Grecia. ya que se sentían nación. donde se apreció con mayor intensidad el arranque intelectual del nacionalismo fue en Alemania.  La existencia de pueblos. El nacionalismo encontró apoyo ideológico en el liberalismo. El nacionalismo se concretó en un profundo deseo de los pueblos de que sus fronteras coincidieran con los límites de su comunidad histórica nacional en un Estado propio. Los nacionalismos musicales En la segunda mitad del siglo XIX se originaron en Europa movimientos nacionalistas que tuvieron como guía las ideas de libertad e igualdad propagadas por la Revolución Francesa y la afirmación y exaltación de la identidad nacional de cada pueblo o nación. el ritmo y el poder de evocación de las palabras. También se basó en las ideas defendidas por el Romanticismo. mediante la palabra. La lucha nacionalista se vio favorecida por dos circunstancias:  La existencia de pueblos. los escritores. que buscaban la unificación nacional. como ocurrió en España. Schumann y Brahms. sentimientos y emociones. Sin embargo. los simbolistas se sirvieron del símbolo y de la metáfora. que amplió la idea del derecho de la persona y de la colectividad histórica nacional a la libertad. Puvis de Chabannes (1824-1898) y Odilon Redon (1840-1916). como Wagner.visual y expresar ideas. así como la aparición de diferentes escuelas. De las cátedras y los libros. Rchte y Herder. Jahn. Orígenes y significado del nacionalismo. con temas de carácter espiritual y esotérico. culturales y sociales que unen a sus miembros. Los principales pintores simbolistas fueron Gustave Moreau (1826-1898). porque estaban dominados por imperios. Polonia y Bélgica. También la religión estimuló el sentimiento nacionalista. En los pueblos europeos del siglo XIX hay un despertar del concepto nacional. lingüísticos. Para ello. Sin embargo. cada una de ellas con una forma distinta de entender la música. el nacionalismo pasó a la calle y al pueblo. Los profesores universitarios. Sus principales representantes fueron Charles Baudelaire (1821-1867). Irlanda. Mazzini en Italia y Michelet en Francia. Arthur Rimbaud (1854-1891) y. Este movimiento alcanzó su pleno significado en Occidente en el siglo XIX y en muchos casos evolucionó hacia un planteamiento revolucionario. Con ambos recursos persiguieron sobre todo la musicalidad. La burguesía lo defendió en muchas ocasiones. los cambios que surgieron a finales de este siglo provocaron una ruptura con la época anterior. PARA SABER MÁS: El concepto de nación 87 . El nacionalismo como movimiento político es la tendencia que propugna la autonomía o la independencia de un pueblo consciente de los lazos históricos. Stéphane Mallarmé (1842-1898). étnicos. los poetas. El poeta simbolista fue un visionario que. como Alemania e Italia. La música en el cambio de siglo Las principales figuras del Romanticismo musical provenían de Austria y Alemania. estableció nuevas correspondencias entre el mundo sensible y el mundo espiritual. que deseaban su independencia nacional. Mickiewicz en Polonia. y dominaron la música europea durante la mayor parte del siglo XIX.

de Italia y de Francia. La música tuvo características de corte romántico y estuvo más directamente inspirada en el folclore. que es considerado como la esencia expresiva del canto y de la música de un pueblo. Además. surgieron los movimientos musicales nacionalistas en los países de la periferia de Europa. sobre todo en el campo de la percusión. y en particular la música dramática. La ópera facilitaba la puesta en escena de argumentos de carácter nacional y la interpretación de temas musicales populares. Consecuencia de esta actitud fue. Características de la música nacionalista Las principales características de la música nacionalista son estas:          Interés por el propio folclore.Válvulas y pistones 88 . el ballet y la ópera. frente al menor uso de la sonata y la sinfonía. SABÍAS QUE. países que habían estado al margen de la creación o de la evolución musical. EL NACIONALISMO MUSICAL A mediados del siglo XIX. si se aplican. fue el medio más efectivo para reflejar ese sentimiento. La música de este período fue más independiente y creativa. Las formas musicales predominantes eran la canción. su esencia».. por lo que era un buen cauce para una comunicación rápida y masiva de ideas. etc. Se produjo una búsqueda de las raíces y tradiciones populares que definen culturalmente a cada pueblo. Friedrich Ludwig Jahn (1778-1852) afirmó que nación es «lo que hay de común en un pueblo. El segundo período se extendió durante la primera mitad del siglo XX. es para dar un estilo culto a la música folclórica. Redescubrimiento de instrumentos nuevos para la música sinfónica. bien como manifestación política. Gran variedad y riqueza melódica. a partir de 1850. los países escandinavos. la aparición de una corriente musical nacionalista que buscaba una expresión musical propia basándose en el folclore nacional. ritmos y melodías populares. Hungría y España. Huida de las formas clásicas que. la ópera iba ganando progresivamente espectadores. como hicieron Ernst Arndt (1769-1860) y Frédéric Mistral (1830-1914). el poema sinfónico.La idea de nación no siempre se entendió de la misma manera. Nacimiento de nuevos modismos y escalas basados en la peculiar música de cada pueblo.. o histórico-políticas y lingüísticas. Otros justifican la nación desde diversos puntos de vista: por razones de comunidad étnica. Así. bien como manifestación de la cultura autóctona de un pueblo. y dentro de la ideología que el Romanticismo había formulado. Valoración de la riqueza tímbrica de las orquestas. Los principales países en los que arraigó el nacionalismo musical fueron Rusia. Reacción contra el dominio musical de los países del área germánica (Alemania y Austria). Bohemia. Una de las características esenciales del Romanticismo era la veneración por la cultura popular como expresión espontánea del alma nacional. sino que ha habido distintas interpretaciones de la misma. las obras nacionalistas incluían leyendas. como es el caso de Gobineau (1816-1882). historia. instrumentos autóctonos. Expresión del sentimiento nacionalista. Hay quienes consideran que la nación es el asentimiento de una comunidad a su realidad histórica común. La música. Períodos del nacionalismo musical y principales países en los que se desarrolló Se pueden distinguir dos períodos en la evolución del nacionalismo musical: El primer período se inició a mediados del siglo XIX y duró hasta comienzos del siguiente siglo.

que incluye las famosas Danzas polovtsianas. y su obra muestra una fuerte influencia de la música popular rusa. conectan o desconectan prolongaciones del tubo principal modificando su longitud. Las válvulas de la trompa. los instrumentos de metal producían sonidos naturales. Heredero de la tradición iniciada por Glinka. el instrumento suena más suave y con un timbre característico. aplicados desde 1839. La sordina es un efecto usual en estos instrumentos. y de este modo el instrumento puede dar todos los sonidos que se consideren necesarios. Su ópera más importante es El prisionero del Góucoso. Es considerado el fundador del nacionalismo ruso. desarrolló su actividad en San Petersburgo. el instrumentista puede introducir la mano dentro de la campana mientras toca y modificar de ese modo la afinación y sonoridad. El convidado de piedra. En la trompa. sobresalen los compositores siguientes: 89 . Compositores nacionalistas Mijail Glinka (1804-1857) fue el artífice del despertar musical en la Rusia del siglo XIX.Antes de la aparición de llaves y válvulas en el siglo XIX. preparando el terreno al Grupo de los Cinco. Intentó crear una ópera nacional basada en el folclore popular. y la fantasía Kamannskaia. El nacionalismo y otras tendencias musicales en Rusia Rusia fue la primera nación en la que surgió y cobró fuerza un nacionalismo musical. maestro en la instrumentación. Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) fue el más técnico y el mejor preparado del Grupo de los Cinco. el poema sinfónico Una noche en el monte Pelado y la sute para piano Cuadros de uno exposición. introducidas en 1814. que influyeron en el compositor impresionista francés Claude Debussy. Sodko y. Compuso las óperas La vida por el zar y Ruslan y Ludmüa. y los pistones de la trompeta. la más popular de todas. o sea. La trompeta utiliza sordinas diseñadas especialmente. Compositores no nacionalistas Contemporáneos del «Grupo de los Cinco». Capricho español y Scherezade. introducidas en el pabellón. Pero. Es autor de las óperas Esmeralda y Rusaka y una obra sin terminar. Modest Mussorgski (1839-1881) fue el más genial e innovador del grupo. El Grupo de los Cinco. Alexander Dargomijski (1813-1869) siguió la línea marcada por Glinka. Alexander Borodin (1833-1887) compuso obras como la ópera El príncipe Igor. Entre sus principales composiciones figurín la sinfonía para piano Isiarney y el poema sinfónico Tamara. Su obra denota un profundo dramatismo. junto a un buen número de óperas. como puede apreciarse en las óperas Bor/s Godunov y Kovantchina. música coral y de cámara y obras orquestales. hubo compositores de gran talla que se declararon contrarios a los principios nacionalistas. Su exacerbado nacionalismo le acarreó enfrentamientos con círculos musicales académicos tusos. junto a esta comente. Alexeievich Balakirev (1837-1910) practicó la música de manera autodidacta. Incorporó una nueva forma de recitativo melódico. un sonido fundamental y un número limitado de otros sonidos mediante la modificación de la presión de los labios del instrumentista y la fuerza del soplo. El gallo de oro. Su música tiene gran fuerza y es rica en melodías y colorismo. Con sordina. y el poema sinfónico En las estepas del Asia Central. Fomaban este grupo los siguientes compositores: César Cui (1835-1918) fue el ideólogo del grupo y escribió óperas. como Noche de mayo. Sus obras más conocidas son las sinfonías La gran Pascua rusa. pero al margen del nacionalismo musical ruso.

escrita durante su estancia en Nueva York. el nacionalismo musical fue reflejo del nacionalismo político frente al dominio austríaco. mostrarles el camino hacia la tierra prometida y el reino de un arte nuevo e independiente. Además.. en la que se describe la retirada de Rusia de las tropas napoleónicas invasoras. UN MUNDO NUEVO «Los americanos esperan grandes cosas de mí y mi misión es. ante todo. Su obra más conocida es Melodía en fa. Aunque se escribieron durante muchos años con regularidad. Danzas eslavas y Rapsodias eslavas. El nacionalismo musical en Bohemia En Bohemia. representados por su himno nacional La Marsellesa. En las dos únicas ocasiones en que coincidieron en el mismo lugar. donde Debussy pudo estudiar a los grandes compositores rusos. que acompañó a Madame en sus viajes por Italia y la siguió hasta Moscú. Escribió también cantatas. Bedrich Smetana (1824-1884) fue el fundador del nacionalismo musical checo. que ella atribuyó a dificultades económicas. 90 . Gran pianista. y del bellísimo Concierto para violonchelo y orquesta. ambos se separaron después de saludarse con gran embarazo. Claude Debussy. SABIAS QUE. Antonin Dvorak (1841-1904) fue una de las grandes figuras de la música europea de la segunda mitad del siglo XIX. Durante 14 años este no tuvo que preocuparse del dinero. entre 1892 y 1895. donde fue invitado por el conservatorio de esta ciudad. autor de doce óperas. canciones y danzas populares. porque ella se ocupó de pasarle una pensión anual desde la distancia. nueve sinfonías. música de cámara y sinfónica. Dvorak y Janaceck. El nacionalismo musical en otros países La incorporación de los ritmos y estilos musicales del folclore popular a la música sinfónica fue un fenómeno que se extendió a numerosos países de Europa y a los Estados Unidos de América. fue un duro golpe moral para Tchaikovsky. destinada a ser interpretada al aire libre. se pensó en instalar cañones reales que debían hacer fuego desde los cuatro ángulos de la plaza. representados por una de sus melodías populares. Extrajo del canto popular los elementos para la renovación musical.. sinfonías y óperas.Antón Rubinstein (1829-1894) fue el fundador del Conservatorio de San Petersburgo. compuso Recuerdos de Bohemio y la ópera cómica La novia vendida. PARA SABER MÁS. ilustrando la batalla musical entre los franceses. Son de destacar sus óperas Jenufa y Katia Kabanova y la obra sinfónica Toras Bulba. reunidos en el ciclo Mi patria. La retirada de la anualidad. Para dar un carácter más realista a la obra. entre ellas la famosa Sinfonía del Nuevo Mundo. que. una mujer de la aristocracia rusa. Se enfrentó al Grupo de los Cinco y fue profesor de Tchaikovsky. Compuso varios conciertos para piano y orquesta. Una protectora de la música Madame Nadezhda von Meck. y reunió una gran cantidad de cantos populares moravos. nunca se encontraron cara a cara. donde se hace especialmente perceptible el sello romántico de sus composiciones. con un abundante empleo de ritmos. constituye su obra maestra nacionalista. Los principales compositores nacionalistas checos fueron Smetana. como Amarus.Obertura 1812 Tchaikovsky escribió una obertura titulada 1812. El Dvorak eminentemente checo puede escucharse en sus obras nacionalistas Cantos de Moravia. Leos Janaceck (1854-1928) fue un gran renovador de la música europea en el campo sinfónico y dramático. escribió seis poemas sinfónicos sobre Bohemia. Años después. hizo posible una vida mucho más fácil al compositor Tchaikovsky. y los rusos. Nadezhda proporcionó empleo estable como pianista a otro joven compositor.

constituyen bellísimas partituras cuya programación y ejecución sigue siendo aplaudida por les amantes de la música. que fundó la Academia noruega de música. en Inglaterra. como el Concierto número 2 y las sonatas para piano. El impresionismo musical buscó un nuevo lenguaje con predominio del timbre y la belleza del sonido.orno Irmilin. entre romántica e impresionista. siete sinfonías. dejándose seducir por la luz y por el color más que por la forma. cuyas melodías y ritmos. un Réquiem y el poema sinfónico En un jardín de verano. con sus famosas Danzas húngaras para piano a cuatro manos. con razón denominado Americano. y su menos conocido Cuarteto de cuerda en fa mayor. como La muchacha en ¡a torre. 91 . Koanga y Fennimore y Gerda. como pianista. la obertura Cockaigne. desde la que luchó por la valoración del arte de su país. los estudiamos en la música del siglo XX. como Béla Bartók y Zoltan Kodaly. Frederick Delius (1862-1934) vivió en Francia desde 1888. Entre sus poemas sinfónicos descuella el célebre Vals triste. Aunque también británico. A los compositores nacionalistas húngaros de la segunda época. el Concierto en La menor para piano y orquesta. En su obra. En 1892. Edward Alexander MacDowell (1861 1908). En Estados Unidos. la música nacionalista contó también con importantes compositores. como la famosa Pompa y circunstancia. y alrededor de ciento cincuenta canciones. Los compositores finlandeses se inspiraron en las obras populares y en los libros de poesía Kalevala y El Kanieta. insistiendo en los aspectos sensoriales de la música. director de orquesta y compositor. de quien Delius fue amigo. cantatas y música de cámara. Danzas noruegas. en una obra en la que sobresalen seis sinfonías. En Dinamarca. los spirituals y los cantos de las plantaciones. y la Indian Su/te para orquesta.» Así se expresaba a mediados de la última década del siglo XIX Dvorak. Escribió las dos suites orquestales Peer Gynl. Dvorak llegaba a Estados Unidos y quedó deslumbrado por las canciones de los indios y de los negros. entre ellos el titulado El sueño de Gerontius. Así. Aunque ninguna de estas dos obras representan una revolución ni en la estructura ni en las formas musicales de la época. Sus composiciones comprenden las variaciones Enigma. cabe resaltar la obra de Edward Elgar (1857-1934).Brevemente: crear un arte nacional. El nacionalismo musical en Hungría La principal aportación al nacionalismo húngaro de la primera época la realizaron los compositores Franz Liszt. una Misa. como la famosísima Novena sinfonía en mi menor. compositor y pianista. creador junto con Smetana de la música nacional checa. quien influido por Brahms renovó la música británica. el poema sinfónico Falstaff. Compuso óperas v. La figura más importante fue Jean Sibelius (1865-1957). introdujo la impronta popular en su música marcada por resonancias de Wagner y Liszt. Otras escuelas nacionalistas En otras naciones de Europa y en los Estados Unidos de América. numerosos oratorios. se advierte la influencia de Grieg. el alemán Johannes Brahms. el poema sinfónico Pan y Siringa y varios Heder. El impresionismo musical El impresionismo pictórico trató de ver de otro modo la realidad y el paisaje. hermosas suites orquestales y varias óperas. que se distinguieron por sus revolucionarias innovaciones. Esas músicas le inspiraron algunas de sus mejores composiciones. sus alumnos del Conservatorio de Nueva York le ayudaron a comprender. Cari Nielsen (1865-1931) conjugó la expresión de la tradición popular local con el impresionismo europeo. marchas. El nacionalismo musical en Escandinavia El máximo representante del nacionalismo noruego fue Edvard Grieg (1843-1907). llamada Del Nuevo Mundo. que compuso poemas sinfónicos como Finlandia y Karelia.

pues con Liszt habían terminado los años esplendorosas del piano. golpes de pincel. reflejando los cambios que la luz origina en el paisaje a lo largo del día. Búsqueda del placer en el sonido como fin último de la obra musical. Su estilo denota huellas del Clasicismo. Los pintores impresionistas se interesaron por la representación de la naturaleza. escalas orientales y modos medievales. como Preludios. Ravel fue un gran instrumentista y conocedor de la orquesta. Estampas y Estudios. Imágenes. los acordes son sonoridades que valen por sí mismas. El impresionismo pictórico se caracteriza por el uso de pinceladas sueltas. Rimbaud y Mallarmé. Creación en las obras de una atmósfera sonora basada en «impresiones» auditivas. Espejos. Gaspar de noche y Valses nobles y sentimentales. Pavana para una infanta difunta y la clasicista La tumba de Couperín. pero de gran efecto auditivo. Por influencia de su madre. Características del impresionismo musical Las principales características del impresionismo musical son:         Puentes de inspiración objetivas. Ruptura con la armonía tradicional y las reglas clásicas y creación de nuevos acordes relacionados por bloques. El impresionismo musical nació hacia el año 1882 bajo la influencia de los poetas simbolistas. Los grandes músicos impresionistas Claude Debussy (1862-1918) fue el primero y. Maurice Ravel (1875-1937). En la pintura se dio importancia al color y a la luz. el único representante puro del impresionismo musical. y de los pintores impresionistas. la Rapsodia española y la Alborada del gracioso. Debussy dedicó a este instrumento gran parte de su producción. Otras obras suyas importantes son el ballet Dafnis y Cloe. Su primera etapa estuvo caracterizada por obras pianísticas de técnica similar a la de Debussy. Mostró un rechazo hacia la ortodoxia musical del momento y hacia las reglas clásicas compositivas. en cierta medida. vasca. pero que presentan un fondo estructural muy trabajado. Su amistad con el poeta simbolista Mallarmé le llevó a escribir Preludio a la siesta cíe un fauno sobre textos del poeta. Debussy usó. colocadas unas junto a otras. escapando de la tonalidad clásica. compuso obras como la ópera bufa La hora española. como Verlaine. En 1893 compuso Cuarteto de cuerda. en el que ya se apreciaba un cambio estilístico. como MI madre la oca.El movimiento impresionista El impresionismo es un movimiento pictórico-musical que surgió en Francia en el último tercio del siglo XIX. con la mirada puesta en la naturaleza. Su primera obra impresionista fue la ópera Pelléas et Mélisande. Desaparición de la melodía lineal para dar paso a masas sonoras de acordes unas junto a otras sin aparente coherencia. Con Debussy se puede hablar de un «pianismo» auténticamente nuevo. Colorido orquestal brillante y sensible con aplicación de armonías y escalas nuevas. Predilección por los títulos poéticos. En música. Formas en principio vagas e imprecisas. lo que supuso una ruptura con las tendencias artísticas existentes. Para él. se pretendió gozar del sonido por sí mismo. ausencia de formas y la utilización de masas de color sin mezclar. de la música oriental y del jazz. En el célebre Bolero se suceden dos temas vascos repetidos diecinueve veces. que luego la retina del espectador las une y fusiona. tratando de reflejar las impresiones más que la realidad. sin variaciones. pero cada vez con una instrumentación diferente. del Barroco. en la que la música y la palabra evocan imágenes vagas e imprecisas. compuesta en 1902 sobre textos del poeta belga Maeterlmck. influido en un principio por Debussy y Satie. atmósferas indefinidas. 92 . supo imprimir un sello personal de gran elegancia a su obra. ritmos imprecisos e irregulares y un peculiar colorido orquestal. Otras composiciones suyas dignas de mención son el oratorio El martirio de San Sebastián y las obras orquestales El mar y Nocturnos.

Posteriormente. Erik Satie (1866-1925) creó un lenguaje musical propio y de gran simplicidad. El cubismo. y la ópera Peleas y Melisanda. sinfonías como Sinfonía sobre un canto montañés de Francia. El horror por las consecuencias de la guerra no sirvió para evitar. Compuso óperas como El canto de la campana y El extranjero. hubo un período de grandes convulsiones internas en casi toda Europa. 93 . la Musikverein de Viena. las potencias europeas se alinearon en dos bloques. La correlación existente hasta entonces entre la música y el resto de las artes dejó de existir. la Festpielhaus de Salzburgo y el Royal Albert Hall de Londres. expresionismo. corales y música de cámara. En su obra destacan la música de cámara. Dukas. formalismo. La cultura se vio condicionada por los avances científicos y tecnológicos. económicas y sociales. hacia mediados de siglo. debido al dinamismo y a la rápida evolución de las corrientes artísticas. que tuvo su inicio en los primeros años del siglo XX. cubismo. crecieron hasta alcanzar a finales de siglo los cien o más componentes. primitivismo. e incluso durante su desarrollo. la sala del Concertgebouw de Amsterdam. Paul Dukas (1865-1935) es universalmente famoso por su poema sinfónico El aprendiz de brujo. en estrecha relación con el dadaísmo y el surrealismo. En el imperio austrohúngaro y en países como Alemania. dadaísmo y surrealismo. como Tres gimnopedias. El enfrentamiento se produjo en los años 1914 a 1918 en la Primera Guerra Mundial. En España destacan el Palau de la Música de Barcelona y el Auditorio Nacional de Madrid. sociales y culturales Desde los últimos años del siglo XIX. D'lndy y Satie. Aspectos históricos. que tuvo consecuencias mucho más devastadoras que la anterior. el Réquiem para voces solistas. fue un movimiento fundamental en la evolución de la pintura contemporánea. predispuestas a enfrentarse. en salas especialmente concebidas para ellas y bajo mentalidad empresarial. Gabriel Fauré (1845-1924) es considerado como precursor del impresionismo. • En pintura existió una reacción contra el impresionismo. obras para piano. las dictaduras fascistas se adueñaron de Italia y Alemania. Vincent d'lndy (1851-1931) fue discípulo de Cesar Franck y profesor de un buen número de músicos españoles. fauvismo. las salas de conciertos sustituyeron a los salones cortesanos como marco de la música sinfónica. como Cuadros de viaje. que dio origen a corrientes pictóricas como constructivismo. En 1917 triunfó la revolución bolchevique en Rusia y se impuso el régimen comunista. A él se deben el ballet Parade. la Segunda Guerra Mundial (19391945). coro y orquesta. futurismo. Tras la Primera Guerra Mundial. pero al mismo tiempo se mantuvo ligado a la tradición romántica. A comienzos del siglo XX se desarrolla una gran diversidad de movimientos culturales y artísticos.Otros músicos Otros músicos relacionados con el impresionismo musical fueron Fauré. Sociedad y cultura en la primera mitad del siglo XX Las transformaciones que se produjeron durante la primera mitad del siglo XX originaron una aceleración del tiempo histórico. las canciones del ciclo de La bonne chanson. Entre las salas de conciertos más antiguas e importantes de Europa hay que citar la Gewandhaus de Leipzig. Las salas de concierto Durante el siglo XIX. Entre sus restantes obras figuran la ópera Ariana y Barba Azul y el ballet La Pén. Rusia y Turquía. y el drama sinfónico Sócrates. Las orquestas. estallaron revoluciones que derrocaron a sus monarquías. y por las trágicas experiencias de una época de crisis. con graves consecuencias demográficas. numerosas composiciones para piano. PARA SABER MÁS.

• Ciencia: teoría de la relatividad. automóvil. Neoclasicismo. • Nacimiento del cine. que condujo a la Primera Guerra Mundial. Corrientes musicales LOS GRANDES CAMBIOS SOCIALES Y CULTURALES DEL SIGLO XX Entre los cambios sociales y culturales más relevantes del siglo XX hay que señalar la pérdida del optimismo que desde la Ilustración. • • • • Nacionalismo romántico. crisis económica (1929). confiaba en los valores de la razón y el progreso. gramófono. • Segunda Guerra Mundial (1939-1945). abstracción. ACONTECIMIENTOS Hechos históricos e innovaciones científicas y tecnológicas PRINCIPIOS DE SIGLO. • La Primera Guerra Mundial quiebra la preponderancia europea en el mundo y fortalece la posición de Estados Unidos. ragtime. radio. aunque ambos se mantuvieron en grandes sectores intelectuales. • Cine sonoro. • Expansión del jazz como música comercial. Dodecafonismo. • Bomba atómica. que busca la explicación de la realidad atendiendo a factores no racionales. Jazz: dixieland y swing. • • • • Nacionalismo del siglo XX. surrealismo. • Europa: confianza en la idea de progreso basado en la ciencia y la tecnología. 1914 . Adquiere importancia el vitalismo. radio. Se realizaron grandes edificaciones de acero. Al mismo tiempo. gramófono. En el período de entreguerras se asiste a un cambio cultural muy importante: la ciencia experimenta un gran avance. producto de los medios de 94 . • Guerra Civil en España (1936-1939). y se aplicaron nuevas técnicas de construcción.  En arquitectura predominó el funcionalismo racionalista y organicista. Impresionismo. nuevas fuentes de energía. Un tercer factor transformativo es la aparición de la cultura de masas. 1900-1914 • Enfrentamiento económico entre grandes bloques de naciones. • Búsqueda de alternativas al naturalismo. teoría cuántica.1945 • Primera Guerra Mundial (1914-1918). • Fascismo en Italia (1922) y Alemania (1933). automóvil. por el que el hombre occidental ya no se ve a sí mismo como poseedor de una cultura superior. se extiende un relativismo cultural. régimen comunista. • Postimpresionismo. Franco (1939-1975). idealismo. • Estados Unidos: discriminación racial de la población negra. se implantan los movimientos artísticos denominados «vanguardias» y nace el cine. nuevas fuentes de energía. Nacimiento del jazz: blues.  En filosofía se produjo un alejamiento de las dos líneas legadas por el siglo XIX. tras el final de la esclavitud. Aspectos sociales y culturales Las artes • Enfrentamiento económico entre grandes bloques de naciones. teléfono. En escultura se siguieron caminos paralelos a los de la innovación pictórica. • Búsqueda de alternativas a la tonalidad clásica: tonalidad ampliada. • Electricidad y petróleo. Postromanticismo. hormigón armado > cristal. • Realismo socialista en la Unión Soviética. que condujo a la Primera Guerra Mundial. • Revolución en Rusia (1917). atonalismo. el positivismo y o'. teoría cuántica. • Electricidad y petróleo. Aspectos musicales • Expresionismo. • Crac de la bolsa. en el siglo XVIII. teléfono. • Ciencia: teoría de la relatividad. • Máximo desarrollo de la tonalidad. • Estados Unidos: formación del jazz como tradición musical afroamericana. • Cambios en las formas colectivas de pensar y sentir después de la Primera Guerra Mundial: final del Romanticismo.

LA .comunicación social y de la progresiva disponibilidad de tiempo de ocio. por sus posibilidades de construcción técnica e intelectual. Por ejemplo: DO . A finales del siglo XIX. Algunos compositores consideraron que la evolución lógica de la música exigía el final de la tonalidad en favor de un método de composición completamente nuevo: un sistema atonal. la Quinta de Beethoven. un gran crítico musical recibió con entusiasmo la aparición de la «pianola». que llegó a ser muy popular. considerándolo un «juguete de ricos». ya fuera clásica o romántica. más cercana al contrapunto barroco que a la melodía acompañada. Con los discos antiguos tenían que parar cada cuatro minutos. PARA SABER MÁS. ante todo. Originalmente el aparato que escuchaba el perro era el fonógrafo de Edison. con la aparición del disco y los medios de comunicación de masas. A comienzos de los años 20 solo se había grabado en disco una sinfonía. y musicales. rítmicas y melódicas de la música y permitían producir una música radicalmente nueva y moderna. La cultura europea inició la exploración de caminos inéditos.MI . sino de una multiplicidad de estilos que se incrementaba más y más con el paso del tiempo. La nueva actitud estética La música del siglo XX abrazó una actitud estética más preocupada por el lenguaje musical en sí y sus posibilidades. tal y como se venía practicando desde el siglo XVII SABÍAS QUE. Tonalidad ampliada y atonalidad Los compositores de la primera mitad del siglo XX desarrollaron dos alternativas principales a la música del Romanticismo: la ampliación de la tonalidad y la atonalidad. un piano mecánico que tocaba gracias a un rodillo de papel. La ampliación de la tonalidad o tonalidad ampliada era un conjunto de técnicas que aumentaban las posibilidades armónicas. Utilizaba escalas que habían estado fuera de uso durante siglos o usaba otras inventadas por el compositor. la música europea vivió una convulsión solo comparable a la experimentada durante el siglo XIV o los inicios del Barroco en el siglo XVII. Este clima histórico provocó una nueva sensibilidad artística. registrado en 1899 como marca de una casa de grabación llamada His mAster's voice (La voz de su amo). porque 95 . en general.El invento de Edison El fonógrafo de Edison fue vendido al principio como una máquina de dictado para oficinas. Desaparecía la dominancia de una nota sobre las demás. que se había lanzado al mercado en 1913 en ocho discos. buscando formas de expresión más modernas y adecuadas a los tiempos. un movimiento o una tendencia que orientara toda la producción artística. A causa de las profundas crisis que tuvieron lugar en la época. • La atonalidad.(DO).. Escala pentáfona Esta escala consta de cinco sonidos y hay diferentes escalas en función del lugar de origen. pero el pintor lo cambió por un gramófono de disco. Ya no se podía hablar de una época.. La «nueva música» surgió. la música se ha convertido en el arte con más presencia en nuestras vidas. cambiaron las ideas y la sociedad y se desarrollaron infinidad de corrientes artísticas. La mayoría de los grandes directores de orquesta de la primera mitad del siglo XX odiaban grabar. pero ignoró el gramófono. En el proceso de búsqueda de la modernidad los compositores de la tradición clásica tuvieron que enfrentarse con un problema: las escuelas impresionista y postromántica habían llevado al límite las posibilidades de la tonalidad como método de composición. El pintor Francis Barraud fue el autor del famoso Perro y trompeta. Las que utilizaban los compositores de los siglos XIX y XX se caracterizaban por la ausencia de semitonos entre sus notas. Al mismo tiempo. al menos. La música en la primera mitad del siglo XX En torno a la Primera Guerra Mundial.SOL . interpretada por la Orquesta Filarmónica de Berlín. puesto que en la época los discos eran carísimos.RE . • La ampliación de la tonalidad. como reacción frente al Romanticismo. en particular. lo que llevaba a una atonalidad que prescindía de las escalas y los acordes convencionales. inclinándose por una posición que valora la música por lo que tiene de arquitectura sonora. Alrededor de 1890 había fonógrafos en multitud de oficinas en Estados Unidos.

sin pretensiones de expresar o significar nada más allá de sí misma. desvinculada de ideas filosóficas y complejidades excesivas. de acuerdo con los hallazgos técnicos o la intuición del compositor. El compositor ruso Igor Stravinski (1882-1971) fue el principal representante de esta tendencia. El nuevo nacionalismo estudiaba con detalle la música popular de cada país para apropiarse de sus características más esenciales.  Creación musical de carácter objetivo y marcada influencia del entorno urbano. y los usaba en combinación con las nuevas técnicas de composición. Sus principales características fueron: • El antirromanticismo. creciendo en importancia los instrumentos de viento y. como también es conocido. alejada de toda estampa folclorista. donde dicha creación se realiza. Fue la corriente dominante durante este período. lo que desemboca en el dodecafonismo: doce sonidos que tienen igual importancia. Esta corriente musical presentaba características diferentes a las del nacionalismo romántico del siglo XIX.cualquier nota podía ser seguida o sonar simultáneamente con cualquier otra. los de percusión. como escalas. El método de composición dodecafónico era una técnica tan compleja y precisa como la tonalidad clásica. • Las melodías y los acordes se formaban con las notas que ofrecía esa serie.  Uso por igual de consonancias y disonancias. sonidos de la naturaleza y nuevas sonoridades obtenidas por medios técnicos. sobre todo. 96 . etc.  Vuelta a las formas clásicas. El neoclasicismo propuso una vuelta a los ideales estéticos del Barroco y del siglo XVIII: una música más abstracta. el neoclasicismo fue una de las corrientes dominantes de la música europea durante este período. llamada «serie».  Disgregación del concepto tradicional de la melodía. respetando el orden de aparición fijado con un nuevo concepto de la disonancia y consonancia. ritmos.  Nuevo concepto de la orquestación. para conseguir una música radicalmente moderna. Sus principales características eran: • Cada obra dodecafónica partía de una ordenación de las doce notas de la escala cromática. De ahí el término dodecafónico (doce notas) o serial. Nacionalismo. El neoclasicismo del siglo XX Nacido en torno a la Primera Guerra Mundial.  Aparición del ritmo irregular como consecuencia de la polirritmia o superposición de varios ritmos diferentes. Neoclasicismo. El húngaro Béla Bartók (1881 -1945) es considerado como el compositor más representativo del nuevo nacionalismo. • El uso intensivo de la tonalidad ampliada. Otras características musicales Otras características de las nuevas corrientes musicales son estas:  Aparición del elemento tímbrico como parte principal en el planteamiento compositivo de los músicos.. que no se tendrá en cuenta en la música instrumental. en cuyos moldes los compositores encontrarán la solución al principio de la unidad dentro de la variedad que persiguen para sus obras musicales. Principales corrientes musicales En la primera mitad del siglo XX se pueden distinguir tres comentes musicales más importantes: neoclasicismo.  Incorporación de nuevos elementos: ruidos. que fijaba el compositor. dodecafonismo y nacionalismo. Fue el músico austríaco Arnold Schónberg (1874-1951) quien ideó el sistema dodecafónico como alternativa para la composición. Dodecafonismo.

pero manteniendo las conquistas armónicas. tras una primera etapa impresionista. Arthur Honegger (1892-1955) utilizó la escritura tonal y cultivó diversos géneros musicales. en la que existen aspectos del nacionalismo ruso. 97 . el poema coreográfico Lo valse y el Concierto en Sol mayor. y propició la formación. Erik Satie y el Grupo de los Seis Erik Satie (1866-1925). Su primer éxito lo obtuvo con el ballet El pájaro de fuego. componiendo una música cargada de un ácido humor antirromántico. radicados en París. El ideal será una música más abstracta. obras como Polichinela. y sus sonoridades. Destacan entre sus obras orquestales. que adoptaron el lema de «Arte despojado». Erik Satie y los componentes del llamado «Grupo de los Seis». con formas neoclásicas. Aunque ruso de nacimiento y formación. un seguidor de Debussy. a quien ya hemos estudiado dentro de la tendencia impresionista. Compuso también. Sus obras Lo historia del soldado. Influido por el jazz. París fue la capital europea en la que trabajaron los principales compositores del neoclasicismo. en su primera época. El beso del hada y Edipo rey. sobresaliendo oratorios como El rey David. agrupadas por bloques audaces e hirientes. Francis Poulenc (1899-1963) combinó la calidad melódica con la originalidad de la armonía. al menos en algún momento de sus carreras. que no pretende significar nada más allá de sí misma. Honegger y Poulenc. Danus Milhaud (1892-197'!) Se caraterizó por el uso de la politonalidad y compuso óperas. al igual que Bach. revolucionó desde París la música europea tras su encuentro en 1908 con el empresario Sergei Diaghilev y sus ballets rusos. Igor Stravinski (1882-1971) fue discípulo de Rimski-Korsakov y.Características del neoclasicismo La idea principal de esta corriente consistía en reaccionar contra el Romanticismo. de un grupo de jóvenes compositores llamado el Grupo de los Seis. oponiéndose al subjetivismo romántico. La ruptura total con las estéticas de su tiempo la llevó a cabo en su obra Petruska. de tendencias antimpresionistas y muy influidos también por Slravinski. escribió Ragtime para once instrumentos. alrededor de 1920. En su obra Sinfonía de los Salmos llegó al más puro arcaísmo y logró una gran profundidad religiosa utilizando esquemas muy sencillos. Maurice Ravel (1875-1937). además de los títulos ya citados. la mayoría de los compositores de la época. La consagración de la primavera y Las bodas contienen innovaciones métricas y armónicas que en su tiempo fueron consideradas como excesivas. 12 sinfonías y piezas para piano. tendencia en la que estuvieron incluidos. volviendo a los ideales estéticos del siglo XVlll y el Barroco. asimiló diversas tendencias musicales para crear una obra propia en una línea de progreso y con gran proyección futura. fue. canciones y obras de música sinfónica y de cámara. el poema sinfónico Pacific 231. contrastan con las refinadas y voluptuosas armonías impresionistas. que fue representado en París por la compañía de Diaghilev y en el que se aprecian influencias de Rimski-Korsakov. rítmicas y melódicas de la modernidad. Mavra. Los compositores más representativos de la comente neoclásica son Igor Strávinski. oallcts como El buey en el tejado. en óperas como La voz humana. reaccionó también contra la influencia de Debussy. como el francés Maurice Ravel y el ruso Sergei Prokofiev. pero luego tomó un camino personal en el que mezclaba esa influencia con los ideales neoclasicistas. Los principales compositores del grupo. Su música es totalmente objetiva. fueron Milhaud.

desarrolló una música de gran fuerza rítmica bajo la influencia de Stravinski. sus efectos armónicos disonantes y su orquestación. Merecen destacarse sus obras Cardillac. Cari Orff (1895-1982). algunos de ellos eléctricos. de poemas sinfónicos de carácter descriptivo. su obra más conocida es la cantata profana Carmina Burana. Creó composiciones de estilo neoclasicista enraizadas en la tradición del contrapunto libre y relacionado con las formas barrocas. ruedas. sus obras adoptaron un lenguaje menos severo y en línea melódica. que influyó en el proceso de disolución tonal y en el nacimiento del expresionismo. EL FUTURISMO El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia creado en 1909 por el poeta Marinetti. Obtuvo la beca Liszt y consiguió un puesto en el Conservatorio Stern de Berlín. Durante los años que estuvo en Estados Unidos y en París. etc. El caballero de la rosa es su ópera más conocida. la ópera Matías el pintor y Nobilissima visione. le convirtieron en un vanguardista. En 1963 la rehízo y fue representada en Moscú con el título de Katerina Ismaílova.Sergei Prokofiev (1891-1953) utilizó en sus composiciones un lenguaje atrevido. 98 . con un gusto particular por lo irónico y grotesco. Dimitri Shostakovich (1906-1975) estudió en Leningrado con Glazunov y Stemberg. Entre sus obras de mayor interés se cuentan varias sinfonías y la ópera El amor de las tres naranjas. Autor de un método de educación musical infantil. Arnold Schónberg (1874-1951) nació en Viena y estudió contrapunto con el músico Zemlinsky. su música se caracterizó por fuertes disonancias y ritmos violentos. que utilizaba ruidos producidos por motores. que rompía con la cultura del pasado y defendía la nueva sociedad industrial y su símbolo más característico. Rüssolo fue el precedente técnico y estético de lo que más tarde se conocerá como «música concreta». A comienzos del siglo XX. como pueden apreciarse en las óperas Salomé y Electro. Paul Hindemith. la ópera Guerra y paz y la Quinta sinfonía. obra heroica. incorporando los conceptos wagnerianos de música continua. En el ámbito musical. pero sin abandonar la tonalidad. bajo la influencia de Wagner. y uso del leitmotiv. sin distinción entre recitativo y aria. para coro. destacando la Séptima. El compositor alemán Paul Hindemith (1895-1963) subrayó en sus trabajos teóricos el carácter utilitario de la música y la necesidad de que el público adoptara una actitud participativa. y fue un hábil instrumentista. abogaba por incorporar los ruidos a la música tradicional. fuelles. pero a partir de 1905 se inclinó hacia la ópera. la velocidad. hilarante y surrealista. denigrada y prohibida oficialmente por Stalin. A su regreso a la Unión Soviética en 1934. El principal representante del futurismo musical fue Luigi Rüssolo (1885-1947). sustituyendo los instrumentos tradicionales por quince aparatos llamados intona rumori. Fue también un maestro del lied. silbatos. inspirada en la invasión alemana y conocida como Leningrado. Títulos de esta época son el ballet Romeo y Julieta. con una nutrida percusión. pero rechazando el simbolismo filosófico. Compuso un buen número de sinfonías. Un precedente: Richard Strauss Richard Strauss (1864-1949) ya ha sido estudiado en "El sinfonismo romántico" como compositor en su primera época. el cuento sinfónico Pedro y el lobo. Su ópera Lady Macheth de Mzensk fue menospreciada. también alemán. En 1914 dio en Milán un concierto con música de ruido. solistas y orquesta. La Escuela de Viena La influencia del sistema de composición dodecafónico en la música del siglo XX ha sido de tal trascendencia que hace de la Escuela de Viena un punto de referencia obligado para el estudio de la historia musical.

y siguiendo consejos de Mahler. y Un superviviente de Varsovia. De su última época son las obras Variaciones para banda. Posteriormente y en la línea del expresionismo musical. por encima de todas. La ordenación de los mismos constituye una serie que. Todo ello da lugar a formaciones melódicas y armónicas en las que los valores de consonancia o disonancia pierden validez. que a su vez también es leída al revés. la ópera Moisés y Aarón. Por ser judío. Tres piezas para piano. nos da la retrogradación y. Los tres formaron el grupo conocido como Escuela de Viena. ritmos. Serenata y Suite para piano. como escalas. escribió el poema sinfónico Pelleas y Melisande. una colección de veintiuna canciones donde la voz recita en un estilo de sonsonete monótono. La música nacionalista y las nuevas técnicas El nuevo nacionalismo estudia con detalle la música popular para apropiarse de sus características básicas. sobre el holocausto judío en la Segunda Guerra Mundial. se forma la serie por inversión. en el que alcanzó los límites de la tonalidad. y las utiliza en combinación con las nuevas técnicas de composición para conseguir una música radicalmente moderna. Más tarde. Como autor didáctico escribió un Tratado de armonía. un Tratado de contrapunto y una Teoría de la composición. ya estudiados. donde fue profesor en Boston.. Música y arte Para facilitar la comprensión de las grandes corrientes musicales de la primera mitad del siglo XX se puede establecer un paralelismo entre las obras de arte y la música. Esta forma de «melodía hablada» será utilizada por su discípulo Berg y por muchos compositores actuales. «como si cantara». en una primera etapa trabajó dentro de los límites de la tonalidad. incompleta. y bajo la influencia wagneriana compuso obras como Noche transfigurada y la saga monumental de los Gurrelieder. compuso el monodrama Erwariung. Así. al ser leída al revés. sistema en el que hay que componer dando igual importancia a los doce sonidos de la escala cromática. La técnica dodecafónica se muestra ya con madurez en el Quinteto de viento y en su primera aplicación a la gran orquesta. Cinco piezas para orquesta y. Variaciones para orquesta. fue perseguido en la Alemania nazi y emigró a Estados Unidos. Utilizando el sistema serial compuso Pieza para piano. El nuevo nacionalismo del siglo XX El nacionalismo en el siglo XX adquiere características diferentes a las del nacionalismo del último tercio del siglo precedente. A muchos de los compositores que podemos englobar en esta nueva corriente nacionalista cabe también calificarlos de neoclásicos. por ejemplo. Nueva York y Los Ángeles. alejada de todo pintoresquismo folclonsta. PARA SABER MÁS. al invertir los intervalos. llamada de movimiento contrario.Al igual que Richard Strauss. El método de Schónberg fue seguido por sus discípulos Alban Berg y Antón von Webern. como es el caso de los rusos Sergei Prokofiev y Dimitri Shostakovich. en el que el lenguaje utilizado es el atonalismo (sin leyes de tonalidad). se pueden comparar el cubismo de Picasso y la música de Stravinski. Pierrot lunaire. así como escalas primitivas como la pentatónica (de cinco 99 . etc. Oda a Napoleón. Hungría Béla Bartók (1881-1945) arranca del nacionalismo para llegar en sus últimas creaciones a la abstracción musical. Entre 1912 y 1923 no compuso ninguna obra y se dedicó a dar forma al dodecafonismo o música serial. o la pintura abstracta de Kandinsky y la música atonal de Schónberg. Recogió en sus obras ritmos exóticos y desconocidos. en las que reintrodujo elementos tonales junto al dodecafonismo.

Rusia y Armenia Alexander Scriabin (1872-1915). Entre sus obras más importantes cabe mencionar Variaciones del pavo real. muchos cuartetos y una colección pedagógica de 156 piezas. comenzó escribiendo obras de inspiración romántica y nacionalista para abrirse posteriormente a las nuevas corrientes europeas. fue también importante político. Zoltán Kodály (1882-1967) se formó en el conservatorio de Budapest y en París. En su abundante producción se cuentan doce sinfonías. Es autor de seis óperas. de conciertos como Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis. Como compositor se le recuerda por su famoso Minueto. y Oda en memoria de Lenin. puente entre los compositores rusos de los siglos XIX y XX. compuso sus célebres Poema divino y Poema del éxtasis. Georges Enesco (1881 1955). le hizo componer con un lenguaje atrevido que constituye una de las grandes revoluciones de la música en el siglo XX. Así desarrolló un arte muy personal. Combina en sus obras las melodías y ritmos indígenas con elementos propios de la -música europea. En Gran Bretaña. dos Sonatas rumanas. El príncipe de madera. poemas sinfónicos y composiciones para guitarra. utilizó melodías populares de su país natal y ritmos brillantes. Compuso sinfonías. que es una introducción al lenguaje de la música moderna. el ballet Gayaneh. Otros países europeos En Polonia. Se dedicó a la pedagogía. Influido por la metafísica oriental. la ópera Háry János y la obra coral Psalmus hungaricus. Microcosmos. El armenio Aram Khatchaturian (1903-1978) fue un compositor neoclasicista y nacionalista dentro del período contemporáneo. ministro de Asuntos Exteriores y presidente de su país. el poema sinfónico Tierra mojada y Sinfonía india. Junto con Béla Bartók investigó el folclore de Hungría y de otros países limítrofes. Integró los elementos propios de la tradición musical de su país con nuevas tendencias vanguardistas.tonos). ballets. En Rumania. Música para cuerda. recogiendo miles de melodías que permitieron un conocimiento profundo de su verdadera esencia musical. El mexicano Carlos Chávez (1899-1978) fue el principal creador del movimiento musical contemporáneo en México. conciertos. de sinfonías como Sinfonía del mar y Sinfonía de Londres. Sobresalen entre sus composiciones un Poema rumano. Estudioso del folclore armenio y especialista en música oriental. con obras como el ballet Los cuatro soles. considerado el mejor intérprete de piano de principios del siglo XX. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) 'je el fundador de la escuela nacional británica. piezas para música instrumental y diversas bandas sonoras para películas. 14 Choros. Concierto para orquesta. percusión y celesta. Es autor además de tres sinfonías y de numerosas obras para piano. óperas. y de numerosas piezas corales como Misa en Sol menor y Magníficat. junto con una excelente formación técnica. ballets. el Concierto para violonchelo y orquesta. fue el principal representante de la escuela racionalista de su país. Todo ello. Bachianas brasileñas. Ignacy Jan Paderewski (1860-194 I). Entre sus obras son de destacar el Concierto para violín y orquesta. que incluye la famosa «Danza del sable». tres sonatas para violín y piano y la ópera Edipo. alejado de los principios armónicos clásicos. Estados Unidos 100 . Bartók compuso el ballet El mandarín maravilloso. Iberoamérica El brasileño Héitor Villa-Lobos (1887-1959) fundó la Academia Brasileña de Música. escribiendo un interesante sistema para la enseñanza de la música. excelente violinista.

sociales y culturales La música europea llegó a América con los colonos blancos de Europa. Es autor de más de 700 composiciones. Aspectos históricos. El músico de jazz crea en el momento en que actúa. En 1865. de origen francés. la europea y la africana. conciertos y Las mareas de Maraunaun. Entre sus obras destacan Sinfonía inglesa y Tres lugares en Nueva Inglaterra. Henry Cowell (1897-1962). la improvisación es la base de su arte. en especial las estructuras melódicas del jazz. Un americano en París para piano y orquesta y la ópera Porgy and Bess. Nacimiento y consolidación del jazz El jazz nació a comienzos del siglo XX entre la población negra del sur de Estados Unidos y fue el producto de la mezcla de dos culturas musicales diferentes. capital del Estado de Louisiana. Edgar Várese (1885-1965). Salón México y los el Niño. se formó con D'lndy y Roussel. PAULWHITEMAN Y EL JAZZ «BLANCO» 101 . donde el jazz ocupó un lugar preponderante. Estos racimos de notas eran eje sobre el piano con la palma de la mano. Características del jazz El jazz ha marcado más que ninguna otra tendencia el desarrollo de la música del siglo XX Sus características más peculiares son: • El jazz se basa en la improvisación y no en la interpretación fiel de una obra escrita. Composiciones suyas de interés son Hiperprisma. George Gershwin (1898-1937) incorporó a su c sinfónica la música popular de su país y. de modo que dos interpretaciones distintas de un mismo tema son dos obras diferentes. En 1915 se instaló en Estados Unidos. mientras que la música africana entró en el continente gracias a los esclavos negros. como puede apreciarse en sus composiciones Rhapsody in blue. masa sonora que. Desiertos y Nocturnal. Rodeo y Primavera apalache. el antebrazo o los puños. llamada swing. • Entre sus características técnicas destaca el ritmo. Entre sus principales obras se cuentan Música para teatro. obligados a abandona-las costas occidentales de África para asentarse en las Antillas y el sur de los Estados Unidos. compositor y pianista creó el cluster o racimo de notas. da la sensación de un gran ruido. como sucede en la tradición clásica europea. Estas difíciles circunstancias sociales están en el origen del jazz y han marcado su desarrollo a lo largo del siglo XX. cuatro millones de esclavos negros fueron declarados legalmente libre aunque en la práctica se impuso la discriminación racial. al terminar la guerra de Secesión entre los Estados del norte y los del sur de los Estados Unidos. por la proximidad de las notas que la integra y por ser ejecutadas simultáneamente. La aparición del jazz supone la entrada en la historia de la música occidental de una nación cuya preponderancia había quedado demostrada en la Primera Guerra Mundial: los Estados Unidos de América. La ciudad de Nueva Orleans. Charles Ivés (1874-1954) fue un músico revolucionario del ritmo y de la técnica que se anticipó en algunos aspectos a compositores como Bartók y Schónberg y a técnicas de composición que se desarrollaron posteriormente en Europa. entre ellas 21 sinfonías. El jazz es una música sincopada que produce una estimulante sensación rítmica.A comienzos del siglo XX se creó en Estados Unidos una música genuinamente americana. Experimentó con sonidos no temperados y cultivó preferentemente la música atonal. Aaron Copland (1900-1990) compuso música de escritura politonal y con influencias del jazz y del folclore estadounidense y sudamericano. se considera la cuna del jazz. especialmente dura en los Estados del sur.

lo que supuso el derrumbamiento de los grandes imperios coloniales.En demasiadas ocasiones a lo largo de la historia del jazz. Tras la Segunda Guerra Mundial. • 1965-1973: Estados Unidos entra en guerra en Vietnam. se generalizan los nuevos materiales. la sociedad blanca se apropió del mérito y los beneficios comerciales de la música negra. una agrupación de músicos blancos que incluía en su nombre la palabra que hasta hoy sirve para designar el estilo de estos primeros años. que se hizo famosa con ellos. inestabilidad política y defensa de identidad cultural. haciendo honor a su apellido. En 1917. supuestamente. presentó al público un estilo de jazz «blanco» que. que se desarrolló a finales de la década de 1920. Los centros tradicionales de creatividad artística de Europa cedieron lugar a los de Estados Unidos. melódicos y contrapuntistas. y adquiere gran importancia el urbanismo. estableciendo así un precedente que pronto fue habitual. se erigen políticamente dos grandes bloques: el occidental y el comunista. la novela negra. la moda. Fue la época de las vanguardias y del jazz moderno. se centra la atención en el espacio interior y la obra escultórica semeja un simple armazón. Se fue pasando de una situación de guerra fría entre ambos bloques a una actitud de coexistencia pacífica y a una postura de distensión y acercamiento. • 1957: creación del Mercado Común. Y en los años veinte. «Dixieland». En escultura. 102 . el cómic. la publicidad. 1957). En pintura. Aspectos históricos. por ejemplo. esto no impide que la música clásica y las artes tradicionales sigan ocupando un puesto de prestigio. dependientes de Europa. y se incorporan nuevas tecnologías. la OTAN (1949) el Pacto de Varsovia (1955) y la Comunidad Económica Europea (CEE. Inestabilidad económica. alcanzaron la independencia. en esos primeros años del jazz existieron también músicos blancos que sintieron sinceramente la música y se convirtieron en figuras respetadas por los músicos negros. Casi todos estos países se ven desbordados por grandes problemas: subdesarrollo económico. los relatos de aventuras y la ciencia ficción fueron favorecidos por un espectacular desarrollo tecnológico y por la disponibilidad generalizada de ocio. Los años siguientes a 1970 estuvieron marcados por la inestabilidad económica y el derrumbamiento de los regímenes comunistas. como el acero y el hormigón armado. Europa se vio desplazada en el protagonismo mundial por la bipolaridad centrada en los Estados Unidos y la Unión Soviética. como la Organización de las Nacionales Unidas (ONU. había superado el nivel primitivo en que era interpretado por los músicos negros. el primer músico blanco considerado como un gigante del jazz en el estilo Chicago. de defensa y de economía. se subraya el abandono de la figura. en el que predomina el color o la acción. Acontecimientos Hechos históricos e innovaciones científicas y tecnológicas 1945-1970 • Guerra fría entre Estados Unidos y Unión Soviética. Paul Whiteman. * La televisión 1970 hasta la actualidad • 1973: crisis del petróleo. constituyen el denominado «Tercer inundo». se hizo famosa en Nueva York la Original Dixieland Jazz Band. las colonias de Asia y de África. En las últimas décadas se han puesto en marcha procesos de globalización de la economía. y la propia palabra «jazz». Sin embargo. Se crearon organismos internacionales de cooperación. hambre. Sin embargo. • "Gobiernos de facto" en varios países latinoamericanos. Entre ellos destacó Bix Beiderbecke. Posterior apertura de procesos democráticos. En música se rebasan los campos armónicos. Sociedad y cultura en la segunda mitad del siglo XX En la segunda mitad del siglo XX. que duraron más de cuarenta años. tensiones sociales. analfabetismo. la fotografía y el cine. En arquitectura. Así nacieron nuevos Estados que agrupan a más de la mitad de la población mundial y que. son numerosas las tendencias que aparecen insertas en un fuerte abstraccionismo. junto con otros ya emancipados anteriormente.La música pop rock. sociales y culturales. Durante los años centrales del siglo XX. 1945).

• Pop rock: tendencias posteriores al punk.. Principales características Después de 1945. aleatoriedad. • Migraciones en masa: multiculturalidad. • Convivencia de la experimentación sonora con la música comercial.. • Jazz: fusión. computadoras personales. cultura de masas. Desaparición de los regímenes comunistas del Este de Europa. basado en los hallazgos de las décadas anteriores. • Informática. música electroacústica. • Europa pierde su preponderancia. que desarrolló de un modo radical algunas de las posiciones estéticas atonales nacidas en las décadas anteriores. Automatización de la producción. surgió una nueva generación. • El pop rock. Desocupación. • 1969: el hombre llega a la Luna» • Uso pacífico de la energía nuclear. de un lenguaje propio y personal. mayo del 68. • Sociedad de consumo. jazz neoclásico. Aspectos musicales Corrientes musicales • Crisis de las vanguardias. melodía. retroswing.. búsqueda de caminos personales. • Crisis del Estado de bienestar. multiculturalidad. Se entró en el mundo del sonido. mientras compositores de gran talla vinculados con la tradición tonal continuaban desarrollando su obra. La tendencia general fue la búsqueda.. sin excluir la recuperación de la tonalidad como un recurso más a disposición del compositor. La música en la segunda mitad del siglo XX Después de la Segunda Guerra Mundial. • Tradición clásica: minimalismo. citas. A partir de los años 70. a escala internacional. 103 . • Aformalismo. • Búsqueda de lenguajes personales. por parte de cada compositor. produciéndose una ruptura violenta con el pasado que repercutió incluso en la grafía de la música. Estados Unidos se convierte en la primera potencia mundial. • Jazz: dispersión de tendencias. • Jazz moderno: be-bop y derivados. música de masas.cobra auge. forma o armonía. Estos jóvenes vanguardistas se inclinaron por la experimentación sonora y el desarrollo de nuevas ideas musicales y compartieron una serie de características: • Consideraban anacrónicos la tonalidad y sus conceptos asociados. se produjo una reacción contra la excesiva complejidad de las vanguardias y un deseo general de recuperar !a comunicación con el público perdida durante los años anteriores. mediante la utilización de instrumentos novedosos o de nuevas formas de hacer sonar los instrumentos tradicionales. tales como ritmo. • París. dispersión de tendencias. • Rock and roli y música pop. • Globalización. se inició la búsqueda frenética de un nuevo lenguaje musical. • 1989-1991: caída del muro de Berlín. Aspectos sociales y culturales • Prosperidad económica en Occidente. • Vanguardias: serialismo integral. • Utilizaron mayoritariamente en sus composiciones nuevos timbres y sonidos. Las artes • Crisis de las vanguardias. Pop art. Movimientos contraculturales. expresionismo abstracto.

Mención especial merece el británico Benjamín Britten (1913-1976). Por su rigurosidad científica. La música popular urbana de la segunda mitad del siglo XX asimiló las formas y convenciones de la música afroamericana Esta mezcla de tradiciones africanas y europeas. Como precedente de esta tendencia debe ser citado el francés Olivier Messiaen (1908-1992). de los que ya hemos tratado. y el pop y el rock en sus diversas variantes. de carácter eminentemente urbano. elaborada en suelo americano. Entre sus principales composiciones figuran las óperas Peter Grimes y Muerte en Venecia. a esta corriente también se la ha denominado ultrarracionalismo. Shostakovich desarrolló su trabajo bajo las directrices de un régimen soviético que censuró sus obras iniciales como «abstractas» para colmarlo de honores tras la Segunda Guerra Mundial. desarrolló a partir de los años 50 nuevas formas de jazz. cobra en esta época cada vez mayor auge e influencia la música popular. citaremos al estadounidense Aaron Copland (1900-1990) y al ruso Dimitri Shostakovich (1906-1975).La música popular Junto a la música llamada «clásica». entre otras. considerada su obra maestra. Corrientes de vanguardia Por su parte. que continúan produciendo obras de calidad en este período. sino a todos los parámetros de la música. Compositores de tradición tonal Entre los compositores de música clásica vinculados a Id tradición tonal. aunque con un lenguaje indudablemente moderno. Los serialistas. las tendencias de vanguardia se sucedieron a gran velocidad. los timbres y las duraciones de los sonidos fueran también ordenados en series y aparecieran en la obra de un modo prefijado por la técnica compositiva. Alemania. autor de la obra más famosa y representativa de la escuela. al igual que la de Shostakovich. estudioso del canto de los pájaros y de la música hindú. así como de Tercera sonata y Destellos. destacando. Himnos y Jubileo. de cuyas obras sobresalen Cantos de vida y amor y Bajo el sol cargado de amor. las músicas populares latinoamericanas. y el italiano Luigi Nono (1924-1990). en la que no hay lugar para el azar o las preferencias personales. De este modo se consigue una música «totalmente organizada». de modo que las intensidades. El martillo sin dueño. aplicaron el concepto de serie no solo a las alturas. Pero los tres principales compositores de esta tendencia fueron el francés Pierre Boulez (1925). cuya obra incorpora elementos tradicionales y modernos y que. en sus múltiples modalidades. compuso también música electrónica. 104 . vanos cuartetos y piezas sinfónicas como Sinfonía de primavera y Wor réquiem. el alemán Karlheinz Stockhausen (1928). del que cabe resaltar las I I piezas para piano. ha alcanzado a un vasto público internacional en las últimas décadas. Britten es también autor de una Guía de orquesta para jóvenes. que compuso obras como Pájaros exóticos y Sinfonía de Turangalila. estas corrientes: El serialismo integral nació entre 1945 y 1960 en torno a los cursos de verano del Instituto Internacional de Música de Darmstadt. partiendo del dodecafonismo de la Escuela de Viena.

. palabras. autor de Sinfonía para un hombre solo. La música electrónica utilizaba solo sonidos producidos por aparatos que los sintetizaban y se elaboraba en laboratorios. aunque pronto fue más habitual la combinación con instrumentos tradicionales. mezclando ambos estilos. pinzas y otros objetos que cambian notablemente el timbre del instrumento. autor de obras como Variaciones sinfónicas. entre cuyas obras citaremos El canto de los adolescentes. produciendo así obras en las que cada audición es diferente de cualquier otra posible. con obras como Orfeo y La reina verde. surgida de laboratorios de sonido. es decir. buscando la simplicidad. tornillos. 105 . que utiliza como procedimientos la repetición prolongada de frases y la reducción extrema de los recursos musicales.Música y ruido El interés por los nuevos timbres y combinaciones de sonidos es una de las características de la música del siglo XX. y Krzysztof Pendcrecki (1933). ¿Crisis de las vanguardias Las tendencias vanguardistas entraron en crisis en torno a 1970. ruidos.. Witold Lutoslawski (1913-1994). Libro para orquesta y Concierto para violonchelo y orquesta. Los logros principales se produjeron en tomo al Estudio Electrónico de la Radio de Colonia y fueron aportados por Karlheinz Stockhausen. Los principales representantes de esta tendencia son el estadounidense John Cage (1912-1992). pero sus ideas y hallazgos siguen marcando una parte considerable de la evolución musical hasta nuestros días. La música electroacústica utilizaba sonidos concretos y electrónicos.SABÍAS QUE. La música aleatoria supuso la oposición al serialismo integral porque creaba obras abiertas. Trenos por Hiroshima y la ópera Los demonios de Loadun. el húngaro Gyórgy Ligeti (1923). Inicialmente. nacido en los años 60. En 1913 el pintor y músico Luigi Rússolo presentó los intona rumari. y dos excepcionales compositores polacos. y Pierre Henry (1929). El impulsor de esta corriente fue el griego-francés lannis Xenakis (1922-2001). es decir. Stabat Mater. El compositor Edgar Várese (1883-1965) escribió en 1931 Ionisation (Ionización). Una de estas tendencias fue el minimalismo. Segundo sinfbnío. de quien cabe mencionar sus obras Pasión según San Lucas. La música minimalista o repetitiva es un estilo tonal. Practicaron esta música los compositores italianos Luciano Berio (1925) y Bruno Maderna (1920-1973). sin excluir la intervención del azar. La música concreta. Y el compositor estadounidense John Cage (1912-1992) hizo célebre en los años 50 su música para piano preparado. con su obra Imaginary Landscape nº 4. instrumentos para producir ruidos. gomas de borrar.. entre cuyas obras podemos resaltar el Réquiem y San Francisco Polyphony. Fluorescencias. estas tendencias prescindían de la figura del intérprete. El compositor pide al intérprete que improvise o decida entre varias opciones interpretativas. Entre sus principales representantes se cuentan los estadounidenses Steve Reich (1936) y Philip Glass (1937). debe mencionarse también a uno de los compositores más celebrados de nuestro tiempo. partía de grabaciones en cinta magnética de sonidos naturales o «concretos» (risas. Música fúnebre. la primera obra de música clásica que utiliza solamente instrumentos de percusión y sirenas. La tendencia estocástica o matemática crea su música con la ayuda de computadoras y basándose en la probabilidad "matemática. Destacan en esta corriente los compositores franceses Pierre Schaeffer (1910-1995). no producidos por instrumentos musicales. Esta música proporciona una gran gama de frecuencias. con obras como Metástasis.). Esas grabaciones se manipulaban artísticamente para configurar nuevos mundos sonoros. a la vez que innumerables niveles dinámicos. un piano normal entre cuyas cuerdas se introducen tenedores. Ptihoprakto y Eonia Por su uso novedoso del concepto de textura.. con múltiples posibilidades de interpretación.

Los años 50 estuvieron dominados por el cooí. Entre las principales tendencias que se cuentan desde entonces destacan:  La mezcla o fusión con músicas populares. Después de 1945 se crean nuevos estilos que pretenden volver a la espontaneidad inicial y al contenido de protesta racial. Aspectos históricos. Otras grandes figuras que cultivaron este estilo fueron. en la que el intérprete se expresa guiado por una serie de gráficos y símbolos.  El regreso del swing y las big bands bajo el nombre de retroswing. como el swing y las big bands. Electric jazz. se daban a veces casos de segregación. 1960-1970. fue inventado por un grupo de fazzistas de gran talento inspirados en un músico legendario. Especie de jazz polifónico en la que se realizan numerosas imitaciones breves entre los diferentes instrumentos. 106 . el jazz llegó a zonas experimentales muy cercanas a las de la vanguardia de la música de concierto europea. en la que se adoptan algunas de las nuevas tendencias compositivas del siglo XX. dio origen a un nuevo estilo que se denominó be-bop. como el rock y el hip-hop. Los músicos que despuntaron durante estos años fueron el trompetista Miles Davis y el saxofonista John Coltrane. con el consiguiente cambio en los gustos juveniles y la propia evolución interna del jazz. junto a la necesidad musical de un cambio de rumbo sentida por algunos músicos. Uso de la electrónica en el jazz. El be-bop estaba ligado a movimientos artísticos e intelectuales y tenía una gran carga de protesta racial y social. para pasar a convertirse en música para una minoría cultivada. procedentes de las big bands. el trompetista Dizzy Gillespie y el pianista Thelonious Monk. en los años 1970 hasta la actualidad. 1950-1960. En las big bands. se encontraron a su regreso con un panorama de discriminación racial muy parecido al del período anterior a la guerra. Este desequilibrio dio a la población negra una nueva conciencia de su situación. Corrientes musicales 1940-1950. Be-bop. entre otros. un estilo elegante y lírico derivado del be-bop. que habían luchado en el frente con el mismo uniforme que los blancos durante la Segunda guerra Mundial. Durante esta época se llegó a considerar el jazz como la «música clásica negra».Dentro de la música aleatoria se encuadra la música gráfica. propio de los años 40. Un caso particular de esa nueva conciencia se dio entre los músicos de jazz. supuso una ruptura profunda con el sonido del jazz anterior. Jazz para pequeños grupos de músicos. hizo que este perdiese su carácter de música popular. Aspectos musicales Los aspectos sociales resonados anteriormente. El jazz tras la Segunda Guerra Mundial Algunas formas del jazz. el saxofonista Charlie Parker. que ya en las décadas anteriores habían visto cómo la fama y los beneficios generados por su música acababan favoreciendo a las grandes figuras blancas. Cool jazz.  El jazz neoclásico de los años 80. sociales y culturales Los soldados negros. integradas por músicos blancos y negros. Musicalmente. generalmente. A principios de los años 60. los músicos negros no podían comer en los mismos restaurantes ni dormir en los mismos hoteles que sus compañeros blancos. lo habían apartado de sus orígenes. el dixtetand y el bop. y muchas veces contaban con sueldos inferiores. La irrupción del pop rock en los años 60. Free jazz. A partir de los años 70 el jazz dejó de contar con una dirección dominante. que vuelve la mirada hacia las raíces pasadas. El be-bop. Elaboración más refinada del be-bop.

Las ventas de discos en los Estados Unidos subieron de 277 millones de dólares en 1955. a 600 millones en 1959 y a 2. cajas de ritmos. El rock aspiraba a la «autenticidad». el coreógrafo. la sala estalló en un violento enfrentamiento entre defensores y detractores de aquella música.000 millones en 1973. la música de los campesinos blancos. El público no estaba preparado para tanta disonancia y casi desde el comienzo de la música estallaron risas. no se podía oír la música. como base. por último. la música popular urbana protagonizó un proceso de crecimiento que se inició con el rock and roll. el pop rock está estrechamente unido a los avances tecnológicos de cada momento: sintetizadores. a través del micrófono.UN ESTRENO SONADO El estreno del ballet La consagración de la primavera. Corrientes musicales El rock nació a mediados de los años 50 en Estados Unidos como resultado de la mezcla de country. el 29 de mayo de 1913 en París se convirtió en uno de los escándalos más sonados en toda la historia de la música. tanto de los instrumentos como de la voz. Hoy día. Una señora abofeteó a un joven que silbaba. todos los estilos y corrientes englobados en la expresión pop rock presentan características comunes como estas:  La instrumentación.  La electrificación.  El desarrollo de los medios de comunicación. mientras que el pop se orientaba hacia el consumo. Además. del compositor ruso Igor Stravinsky. Características del pop rock Sin embargo. comprometiéndose con el profundo cambio de mentalidad y valores de las décadas de 1950 y 1960. dos guitarras eléctricas (rítmica y solista). una forma de blues negro de las grandes ciudades del norte. el pop rock se basa en el sonido que proporcionan. según los criterios de cada intérprete o grupo. Pronto se oyeron silbidos y gritos y. lo que provocó que el joven y el acompañante de dicha señora se desafiaran a un duelo.  El aumento de la capacidad adquisitiva de los adolescentes y su conversión en un grupo social con características propias. gritaba números a los bailarines que estaban en escena para que pudieran interpretar la coreografía porque. dio lugar a diversos estilos musicales hasta el presente. El empresario ordenó a los electricistas que encendieran y apagaran las luces del teatro en un esfuerzo por restablecer el orden. etc. un bajo eléctrico y una batería. A esta formación básica se añaden otros instrumentos. cuando apareció el rock. 107 . dada la algarabía general. El rock and roll. de pie sobre una silla entre bambalinas. y el rhythm and blues. surgido en Estados Unidos. Con él. Aspectos sociales y culturales El éxito de la música rock está relacionado con los siguientes factores sociales y culturales:  La expansión de la economía de consumo en los países occidentales. Nijinsky. La música pop rock En la década de 1950. en su evolución. que adoptó el rock como cauce de expresión de sus actitudes y valores. A principios de la década de 1970 apareció una distinción importante entre rock y pop. pedaleras para la guitarra eléctrica. Este rock inicial se conoce como rockabilly y tuvo en Elvis Presley a su primera gran estrella. La Consagración de la Primavera está considerada como una de las obras musicales clave de nuestro siglo. el rock se introdujo en Europa.

Durante la década de los años 70 el pop rock se diversificó en una multitud de estilos. De su mezcla con el jazz surgió el jazz-rock o fussion: intérpretes como jimi Hendrix. y tendencias como el sonido discoteca. Madonna y Prince. el mercado más grande del mundo.000. con Mi tierra. el tecno de grupos como Prodigy.000. Es característica de esta época la incorporación de la tecnología electrónica e informática en las creaciones de estilos como la new wave y el tecno. Sintetizadores La música electrónica ocupa desde la década de 1960 un lugar de creciente importancia en el desarrollo de la música pop. Muy pocos artistas han conseguido alcanzar el millón de copias vendidas de un disco. con Raíces. A comienzos de los años 60.PARA SABER MÁS. Algunos de los que lo han logrado son: Gloria Estefan. ritmo e imagen que prendió en la juventud de la mano de The Beatles. es necesario vender 500. la electrónica y la informática han influido de manera creciente en la evolución no solo de la música popular y del cine. con letras de un fuerte contenido de protesta racial. que pretendió superar la formación típica del rock para añadir instrumentos clásicos e incluso orquestas sinfónicas. 108 . Por música electrónica se entiende la que es producida con ayuda de instrumentos electrónicos como el sintetizador o. como Carole King. También en estos años alcanza difusión el rap.000 de copias respectivamente para obtener los mismos premios. representantes del hard rock. cuando parecía que el rock iniciaba su declive. De la combinación de rock y música latina nació la salsa. llegó desde Inglaterra una revitalización de su espíritu de protesta. que podría definirse como un intento de la música negra por recuperar el liderazgo en la música popular. más recientemente. la música étnica o world music.000. Nuevas tecnologías musicales Desde mediados del siglo XX. que introdujeron el vídeo-clip como fórmula habitual de presentación de las canciones. También pertenecen a esta etapa cantautores. En cuanto a las estrellas mimadas de la industria discográfica. la new age. que mezcla el pop con los instrumentos y el clima de la música clásica. sino también de la música clásica de vanguardia. Una tendencia importante fue el rock sinfónico. ya sea diseñando sonidos nuevos y originales o bien imitando el sonido de los instrumentos tradicionales. representados respectivamente por The Pólice y Depeche Mode. que vendió 40. con Más.000 y 1. reggae. en la que se prescinde de la melodía cantada a favor del ritmo puro. nuevas etiquetas como rock alternativo y grunge (Nirvana) parecen dominar la escena de la música popular a comienzos de esta década. Julio Iglesias.000 copias de un disco y un disco de platino cuando se venden 100. actualmente tan en boga. El soul. es ineludible la mención de Michael Jackson. Spice Girls. de Bob Dylan y otros grupos. más propiamente encuadradas en la gran corriente pop rock. con Spice. punk. figuras inclasificables. que intenta la fusión musical de distintas culturas. Frank Zappa y David Bowie. manifestación de la música negra. y Alejandro Sanz. El disco más vendido en la historia de la industria discográfica es Thriller. Un sintetizador es un aparato electrónico en el que se pueden programar por separado los distintos parámetros del sonido para combinarlos como se desee. The Rolling Stones y. como Jim Morrison. En Estados Unidos. y. de Michael Jackson. en Estados Unidos. En la actualidad ha cobrado extraordinario auge y son muchos los artistas que se dedican en exclusiva a este género. Discos de oro La industria discográfica suele otorgar un disco de oro al artista que vende 50. tiene su principal representante en Otis Redding. Bob Dylan es el mejor representante del folk-rock.000 de copias. En los años 90 continúan su trabajo algunos estilos nacidos en la década anterior. Janis Joplin y Eric Clapton mezclaron el rock con el blues. la música cinematografía o la música publicitaria. como Deep Purple y Led Zeppelm. la computadora. al estilo de Pink Floyd. A comienzos de los años 80 el pop pareció perder vitalidad.

La música grabada pista a pista en un secuenciador se puede editar y corregir de múltiples maneras. ron el desarrollo de la música concreta y la electrónica. violines. proceden de uno o varios sintetizadores manejados por una sola persona. Sintetizadores digitales. Terminado el proceso. partiendo de una muestra. por una flauta. exigía estudios de gran coste a disposición del compositor y una considerable especialización. Esto generó una demanda de la que los fabricantes se hicieron pronto eco. 109 . Con el secuenciador es posible grabar dieciséis pistas. presentando la música completa. de gran complejidad técnica. que son en realidad sintetizadores que permiten la inclusión de sonidos y música en los programas informáticos. el secuenciador hace oír los dieciséis canales simultáneamente. En la segunda grabamos un piano. de una flauta o un conjunto de violines simplemente apretando un botón. samplers y tarjetas de sonido A principios de la década de 1980. procesarlo y utilizarlo como un timbre más a disposición del músico. dado que ambos podían comunicarse mediante el lenguaje MIDI. ofreciendo en los años posteriores aparatos cada vez más asequibles y de más sencillo manejo. La importancia del protocolo MIDI para el mundo musical aumentó enormemente en los años siguientes. Los samplers son otro resultado del desarrollo tecnológico de los sintetizadores. nuevos avances técnicos permitieron que I os sintetizadores incluyeran muestras digitales de una vanada gama de sonidos e instrumentos tradicionales. MIDI. naturalmente. comunicarse entre sí.Internet El futuro de la música es imprevisible. pero esta tarea. Con un sampler se puede conseguir. MIDI. en la tercera. SABÍAS QUE. cuando los fabricantes de instrumentos musicales electrónicos comprendieron que las computadoras eran un fantástico complemento para sus aparatos. También podemos encontrar prácticamente cualquier composición musical que se nos ocurra en formato MIDI. los sintetizadores forman parte de nuestra vida cotidiana. o de tarjetas de sonido para computadora. podemos hoy día instalar nuestra música electrónica y someterla al juicio de millones de personas. Pero. Hoy día. Todos estos instrumentos. la música pop y el cine descubrieron que la electrónica y el estudio de grabación permitieron la utilización de sonidos interesantes para sus propósitos. en 1983.. Informática musical Uno de los hechos fundamentales en el desarrollo de la tecnología electrónica al servicio de la música fue la presentación. estos aparatos permiten tomar muestras de cualquier otro tipo de sonido. que significa «muestra». Editores de partituras Un secuenciador es un programa informático que permite a la computadora grabar. En la década de 1960. Vendría a ser una especie de estudio de grabación en miniatura. Esto permite al músico producir. un protocolo o código de comunicación que permitía a los instrumentos musicales electrónicos.. En Internet. con un sintetizador. del Musical Instrument Digital Interface. ya sea en la forma popular de teclados electrónicos de uso doméstico. reproducir y editar información generada vía MIDI por un sintetizados formando una orquesta electrónica.El uso de sintetizadores se inició en la década de 1950 entre los miembros de la vanguardia musical posterior a la Segunda Guerra Mundial. imitaciones muy aceptables del sonido. en la primera pista podemos grabar una melodía interpretada. etc. además. por ejemplo. incluso de compañías diferentes. la red informática mundial a la que puede conectarse cualquier computadora personal. por ejemplo. de modo que en cada una de ellas almacenamos un timbre o instrumento diferente. Los compositores se interesaron seriamente por las posibilidades de manipulación artística que permitía la electrónica. Secuenciadores. Su nombre deriva de la palabra inglesa sample. una imitación casi perfecta del sonido de cualquier instrumento tradicional. Como en un estudio de grabación.

el tiempo estimado como óptimo por las emisoras de radio y. Un solo músico consigue así simulaciones orquestales muy convincentes de sus propias obras sin salir de su propio estudio casero.. así mismo. Ya tenemos dos de los rasgos característicos de la canción pop: la adecuación a los gustos del mercado y la brevedad. A la presión del propio mercado hubo que sumarle la de una industria cinematográfica que veía en el musical un formato de éxito garantizado. A partir de la década de los treinta. Influenciado por el vodevil de Al Johnson y el jazz de Louis Armstrong. sin tener que esperar a que una orquesta humana la intérprete. efectos sonoros. El mercado comenzó a exigir al compositor una gran versatilidad. Jerome Kern y Cole Porter crean en estos años algunos clásicos de la música popular como "Ol' Man River". Con su voz casual y ligeramente ronca acentuada por el micrófono regulable que solía utilizar. Los autores se esforzaban por componer canciones que complacieran al público y ya entonces se empezaban a establecer fórmulas para dar con la canción de éxito. Dick Haymes o el más popular de la época. Si éstos fueron años de excelentes compositores. Bing Crosby. las canciones son diseñadas para reflejar los modos. estilos en los que aparecieron algunos de los mayores estilistas vocales del siglo. se puede afirmar que Crosby inventó el pop moderno. Ninguna canción debía exceder los tres minutos de duración. 110 . y también los de grandes vocalistas de jazz como Ella Fitzgerald y Billie Holiday. LA REVOLUCIÓN MUSICAL DE LOS AÑOS CINCUENTA: EL ROCK & ROLL Y LA MÚSICA POP INTRODUCCIÓN En los años treinta la música popular era considerada tanto una industria como una parte del tejido social.La secuencia o archivo informático final. Durante ese período. logrando una gran penetración en la sociedad norteamericana. La duración de la canción también jugaba un papel importante en su éxito potencial La creciente importancia de la radio como forma de promoción para las canciones hizo que los autores fabricaran sus composiciones "a medida" para ella. la caducidad. El swing también aportó grandes vocalistas como Frank Sinatra. si se disminuían las quintas y los tonos menores. en formato MIDI. quizás por ello los años comprendidos entre el final de la Primera Guerra Mundial y el comienzo de la Segunda estén considerados como la época dorada de los compositores. se producía una sensación de nostalgia en el oyente. vista la creciente aceptación de éstos entre los consumidores. puede ser leída no solo por otros equipos profesionales. sino por prácticamente todas las computadoras que tengan instalada una tarjeta de sonido. Se asumía ya que cierta progresión de acordes podía crear un efecto determinado en el público: por ejemplo. por tanto. probando combinaciones instrumentales. en particular de jazz y gospel. Gracias a la computadora. así como imprimir copias o separar las distintas partes a conveniencia. la industria del entretenimiento sufrió una serie de drásticos cambios en los que jugó un papel fundamental la aparición del cine sonoro. "Anything Goes" o "Love for Sale". con calidad de imprenta. Oscar Hammerstein. Las transformaciones sufridas por la canción popular en esta época determinaran para siempre algunos de los rasgos que han caracterizado a la canción pop. este cantante creó un estilo de vocalista melódico que sería copiado hasta la saciedad. una caducidad inminente. Nombres como Dinah Washington o Mahalia Jackson empiezan a ser conocidos por el gran público. introduciremos un tercero. también lo fueron de soberbios intérpretes. es posible crear música con la ayuda de un secuenciador y usar la secuencia MIDI resultante como punto de partida para completar o corregir informáticamente la partitura con un programa editor. Por último. que no ofrecía calidad de sonido suficiente si la canción tenía mayor duración. Otros programas informáticos ayudan hoy día al músico a escribir e imprimir partituras. La creciente comercialización de la música exigía a los autores ampliar su público potencial y éste fue el motivo de que empezaran a adaptar los estilos genuinamente americanos a su música. etc. tendencias y actitudes contemporáneas determinando. incluso hasta nuestros días. una limitación establecida por el disco de 78 rpm.

y un estilo vocal estridente. causaría el entusiasmo del público.A comienzos de la década de los cincuenta se produjo en Estados Unidos el surgimiento de una nueva modalidad de música popular: el rock & roll. que habrían de cristalizar en el rock. Las primeras grabaciones se realizaron en las pequeñas casas discográficas de Memphis. Sus antecedentes más directos hay que buscarlos en el jazz. expresión que podría traducirse por "contonearse y rodar". prácticamente gritando. iniciaron una etapa de decadencia sin retorno. una forma de blues rítmico. donde el piano. silabeando como en el blues. el término "rock & roll" se aplicó de manera genérica al conjunto de la música popular de finales de los cincuenta y pasó a designar. su estructura básica está constituida por el blues de doce compases. como los Platters. no quería parecerse a sus mayores. canciones de artistas blancos del ámbito urbano (Pat Boone. destaca una base rítmica dominante. un estilo afín pero diferente. Su público estaba compuesto mayoritariamente por adolescentes que reivindicaron sus inquietudes y sus aspiraciones con la ayuda del nuevo género. la música anglosajona derivaba ya hacia otras modalidades. La juventud estadounidense encontró un cauce de expresión adecuado a sus necesidades en un sonido frenético y estridente que. la guitarra eléctrica. El rock & roll es. los Rolling Stones y los Who. en realidad. marginadas del negocio. Junto a las guitarras eléctricas. cuyo nombre está unido al del vocalista de color Chubby Checker. lo que desencadenó la frontal oposición de las grandes compañías. Un tempo enérgico y dinámico. temas sentimentales interpretados por bandas de vocalistas negros. Fue patrimonio de una juventud que. contribuyó decisivamente a la decadencia del rock & roll. constituía una evolución de las raíces de la música popular. El rock & roll nació como música claramente generacional. a la que no fue ajena la extensión de un baile cuya base era el blues ritmicizado: el twist. en los ritmos africanos trasplantados a los Estados Unidos por los esclavos y posteriormente desarrollados en las comunidades negras: el blues y el gospel. Con todo. interesadas en presentar al público una vertiginosa sucesión de nuevas modalidades. La estrategia comercial de las casas discográficas. asimismo. a principios de la nueva década el fenómeno experimentó una breve revitalización. como Elvis Presley. Frankie Avalon) y todo un cúmulo de creaciones enormemente variadas. además de piezas que merecerían estrictamente tal calificativo. tanto negra como blanca. expresamente distorsionado y sobreamplificado.y el bajo marcan con intensidad el comienzo de cada compás de 4/4. breve pero espectacular. Al mismo tiempo. Lejos de la creatividad inicial. que habría de convertirse en emblema de la joven música. al mismo tiempo. por sus referencias demasiado explícitas a la sexualidad -se consideraba que los intérpretes imitaban el acto sexual con sus contoneos en el escenario. Nueva Orleans y Chicago. La voz solista suele interpretar los textos. El rock & roll se convirtió pronto en la síntesis de una forma de vida. representantes del puritanismo y el conformismo de la sociedad estadounidense. exploraban caminos diferentes. cuya difusión por todo el mundo. que incorporan términos del argot juvenil y están frecuentemente relacionados con el tema del sexo y el mundo de los adolescentes. de tono áspero. se caía en formas repetitivas carentes de originalidad. que rechazaron en un principio el rock & roll por amoral y obsceno. constituyen. En 1960 los pioneros habían quemado prácticamente sus carreras. encontró en los medios de comunicación de masas su principal aliado. En Estados Unidos destacaron los Beach Boys y en Gran Bretaña los Beatles. cuyo chirriante sonido. Aún así. Muy pronto. Una percusión obsesiva y secciones de viento de intensidad deslumbrantes acompañaban a un instrumento relativamente nuevo -había sido utilizado por vez primera a finales de los años treinta-. Otros. como una exigencia de ruptura con los géneros musicales anteriores. 111 . surgieron grupos cuyos estilos partieron del rock & roll básico. por primera vez en la historia. características básicas del género. Muchos de los pequeños sellos de grabación que alentaron el surgimiento del género antes de ser absorbidos por las grandes empresas. con sonoridades duras e intensas. la batería -que pasó a desempeñar un papel preponderante. Paul Anka. en torno a la cual se realizan variaciones.

las disonancias y los grados de tensión. Anton Webern explora los intervalos. 112 . Paralelamente a esta transformación en el proceso creativo. Y ese momento viene determinado por la invención del gramófono o fonógrafo. la música popular ha reflejado el devenir de la sociedad occidental a lo largo del siglo XX y. las reivindicaciones sociales o los distintos movimientos políticos surgidos a lo largo del siglo. popular. los nuevos medios técnicos hacen posible que todos los cambios anteriores se sinteticen y tomen forma definitiva. La revolución electrónica es ya una realidad y en 1950 se crea en la Radio de Colonia el primer estudio de música electrónica. el estado de ánimo de varias generaciones marcadas por acontecimientos históricos fundamentales como las dos guerras mundiales. lo más preciso sería emplazarla en el momento en que por primera vez se produjo la popularidad masiva de cualquier tipo de música. con un criterio musical. se desarrollan los instrumentos necesarios para permitir al compositor generar esas nuevas formas de sonido. existe una relación bilateral entre la música de la gente y la propia gente. Pasada la Segunda Guerra Mundial. las diversas crisis económicas. una experiencia limitada por condicionamientos espacio-temporales. la Guerra de Vietnam. por tanto. incluso un poco antes con la aparición del rock & roll. al igual que las canciones populares trasmitidas oralmente de generación en generación por los trovadores de siglos pasados. De esta manera nacieron las canciones de éxito. El proceso de popularización de la música había comenzado ya con la aparición del piano vertical. Aunque imperfecta. sobre todo. Por su parte. grabados y luego tratados. Le siguen Francia e Italia. con las técnicas de edición utilizadas en el proceso de grabación. que una misma pieza fuera escuchada por millones de personas. esta venta masiva de partituras sí fue un punto de partida para la comercialización de la música. se ha intentado definir de distintas formas a lo largo de los años. Siguiendo este planteamiento. Hasta entonces. la comunicación y la dinámica comercial de la cultura occidental y. las canciones populares. el francés Pierre Schaeffer crea la "música concreta". aunque su mejor definición es aquella que deriva de su propio origen: popular. La música pop ha conseguido algo muy importante. con la aparición del gramófono. El pop ha estado siempre dirigido por la tecnología de masas. al menos en teoría. Schönberg independiza los sonidos. un invento que hizo posible. eso sí. al igual que lo fueron las pianolas con sus rollos perforados. que permitió a nuevos estratos sociales disfrutar de sus piezas favoritas en su propia casa. los años de la Depresión en los Estados Unidos. No obstante. el collage de distintos elementos y sonidos e incluso de la música concreta. Charles Ives se revela como un precedente de las tendencias que surgirán luego: la politonalidad. la experiencia musical se reducía a la interpretación en vivo de una pieza ante un público presente. por su parte. podemos fijar cronológicamente la aparición de la música popular en el momento en que la música se hace. podemos afirmar que el nacimiento de la música popular tuvo lugar a finales del siglo XIX. donde se funda el Instituto de Fonología de la Radio de Milán. LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX En las primeras décadas del siglo XX se dan los primeros pasos para la investigación de nuevos campos sonoros y la obra de Debussy y Mahler preludia la desaparición del tradicional sistema tonal. utilizando expresiones como inmediata. con ciertas limitaciones: no todos poseían la formación musical necesaria para leer las partituras. en la que las notas musicales son sustituidas por objetos sonoros tomados del medio ambiente. la atonalidad. aunque parezca reiterativo. que permitían que el oyente reprodujera la música sin tener que interpretarla al piano. Si bien el profano tiende a situar el momento del nacimiento del pop en la explosión beat de los años sesenta asociándolo con grupos como Beatles o. Edgard Varèse explora las posibilidades de la percusión y John Cage introduce elementos antes impensables en la composición.El término "pop". disponible o contemporánea. Basándose en la obra de Cage. estructura la dodecafonía y da forma a esta nueva estructura tonal con el serialismo. El pop se ha convertido en una banda sonora común para nuestras vidas y. reflejar la realidad social en la que se desarrolló de forma mucho más cercana y real de lo que fue capaz nunca la música "culta".

el transmisor de Lilienfield. Uno de los primeros discos que aparecieron en el mercado con los nuevos sonidos fue el single "I Love You Baby" (1975) de Donna Summer. La auténtica revolución del sonido tecno la protagonizaron los sintetizadores y aparatos de percusión electrónica que fueron sustituyendo a los instrumentos convencionales. Kraftwerk o Tangerine Dream. propugna el "sonido único": las modulaciones alrededor de un sonido único y prolongado. precursor del órgano Hammond. trató de crear un ambiente postindustrial que no haría sino presagiar lo que sería una corriente musical predominante en los años ochenta. herederos directos de los principales grupos del rock alemán como Can. empezaron a incorporarlos a sus composiciones. La suya era una música de ritmo interno que utilizaba la repetición escalonada para llegar a un estado final de "encantamiento" que fue copiada por numerosos grupos de rock y pop. El pionero de este sonido es el productor Giorgio Moroder y la artista más popular la cantante norteamericana Donna Summer. se acostumbra a bailar al son de ritmos generados por las cajas de ritmos. el EMS. Davoli. Riley. antiguo componente de Roxy Music. sin ser consciente de ello. el ambient. que invita al oyente a entrar en el sonido y reaccionar ante la aparente y estudiada monotonía de las ondas. el ARP. Los avances tecnológicos se suceden a lo largo de las décadas y comienzan a aparecer los primeros sintetizadores comerciales como el Moog con sus diversas variantes. creó su propio estilo a través de las "reiteraciones evolutivas" de bucles sonoros que se repetían una y otra vez. En la década de los sesenta LaMonte Young. 113 . La revolución electrónica es ya una realidad y se ve impulsada por la obra de Stockhausen. Alpha 77. influido por las obras de Cage. Lo hizo con dos discos fundamentales para finales de la década de los setenta. Otro invento que incide de manera determinante en todo este proceso es la invención de la cinta magnética por la empresa alemana AEG en 1932. sentando las bases para la música disco. Posteriormente se inventa el theremin (1920). que permiten a los jóvenes músicos basar sus grupos enteramente en ellos. Esta nueva generación de sintetizadores viene a sustituir a los complicados instrumentos anteriores. el novachord (1939) y la computadora digital (1946). Esta evolución se desarrolla por diferentes vías: por una parte. grupos de rock sinfónico como Yes o del soul más avanzado como Motown. así que quedaban reservados para los estudios y los ingenieros de sonido. Por otra. seguidor del minimalismo del compositor de vanguardia John Cage y responsable de una de las numerosas direcciones de la música electrónica. EL TECNO El tecno se inició a principios de los años setenta con los grupos de rock progresivo. el Hammond (1935). estos nuevos instrumentos resultaban demasiado complicados de utilizar y demasiado caros como para ser utilizados por cualquier músico. se empiezan a comercializar sintetizadores más asequibles. permitiendo a músicos menos experimentados explorar los nuevos sonidos. Con el tiempo. respectivamente). de una complejidad técnica tan grande que sólo podían ser utilizados por músicos de formación clásica. de quien ya se habló al tratar las NUEVAS PERSPECTIVAS DESDE 1945 HASTA LA ACTUALIDAD. En ellos. ambos de David Bowie. otro gran exponente de la música electrónica. Es la popularización de los sintetizadores la que afecta de sobremanera el curso de la evolución musical de los años ochenta. liderado por Stevie Wonder. Heroes y The Lodger (1977 y 1978. Brian Eno. Este fenómeno no se puede explicar sin hacer una breve referencia al movimiento punk. El hipnótico ritmo de esta canción demostró las posibilidades de los sintetizadores y las cajas de ritmos y abrió un nuevo camino para la música de baile. etc. también había significado una revolución en el terreno musical. la música disco europea bajo la etiqueta sonido Munich acerca los nuevos sonidos al público general que.Nada más comenzar el siglo se crea el telharmonium. tanto económica como técnicamente. fue uno de los primeros productores en aplicar las nuevas tecnologías en el estudio de grabación. En un principio. Si bien el punk tenía un claro trasfondo social y se había gestado entre una juventud desencantada por el paro que terminó gritando a la sociedad "no hay futuro para nosotros".

esa manifestación musical recibía el nombre de bluebeat o ska. etc. entre satírica y contestataria. hicieron una crónica. León Felipe. desde luego. La tradición de poner música a los poetas. que. Sin embargo. En principio. la dance. José Martí o Benedetti. el concepto de cantautor parece derivar del trabajo emprendido por los cantantes franceses desde principios del siglo XX y de los folksingers anglosajones. discográficas. La década de los ochenta se inaugura con grupos de tecno-pop como Depeche Mode. se hicieron versiones de las obras de Machado. el término "reggae" se implantaría más tarde. sobre todo. François Villon y otros muchos poetas vieron sus composiciones reflejadas en canciones de Ferré o Brassens. medios de comunicación y. por lo que está claro que el sentido de la definición es mucho más restringido de lo que parece. LOS CANTAUTORES La palabra "cantautor" empezó a acuñarse en España. con ella. Heaven 17 o Human League ocupando los primeros puestos de las listas de éxito. Orchestral Manouvres in the Dark. a pesar de despreciarlo. En España. este estilo de música jamaicano ejerció un poderoso influjo sobre músicos de otras partes del mundo. alterando los textos de viejas baladas tradicionales. destacan Neruda. el gran público. A pesar de la gran cantidad de adeptos a esta música que hay en todo el mundo. tanto negros como blancos. a lo largo de varias décadas. Baudelaire. 114 . proviene de la chanson francesa. Alberti. de la sociedad de su tiempo. En esa época. y demostró que cualquiera podía subirse a un escenario y tocar. o los de los diversos movimientos de la canción popular política que aparecieron. los primeros cantautores fueron los de la nova cançó catalana. EL REGGAE Con el término "reggae" se da nombre a una corriente musical afrocaribeña que nació en Jamaica. Nicolás Guillén. y que fue anteriormente llamada bluebeat o ska. Y ése es el momento en que la música electrónica o tecno llega al gran público y se convierte en un sonido ampliamente aceptado por todos los actores del mundo de la música: músicos. El punk revitalizó el espíritu inicial del rock & roll. Entre los poetas americanos escogidos. la influencia del reggae no ha sido del todo reconocida. (Véase LA MÚSICA DISCO Y LA MÚSICA HOUSE). No obstante. época de un importante movimiento migratorio de trabajadores jamaicanos a ese país. en los años sesenta. un éxito comercial respetable y que algunos de sus máximos exponentes se han convertido en protagonistas indiscutibles de la historia de la música. Si bien es cierto que algunos músicos reggae han tenido. en los años setenta. la música tecno evoluciona hacia nuevas formas a finales de la década de los ochenta y principios de los noventa. como el legendario Bob Marley. para definir a un tipo de artista que escribía y cantaba sus canciones. esos grupos cultos e intelectuales que habían dominado la escena musical bajo la etiqueta rock sinfónico. y ha sido uno de los cimientos sobre los que se han construido géneros actuales como el rap o el jungle. especialmente norteamericanos. El reggae se escuchó por primera vez en el Reino Unido durante los años cincuenta. y de los españoles. productores. tan característica de los cantautores hispanos. Tangerine Dream y Kraftwerk vuelven a convertirse en referencias indispensables para una generación de músicos que hace música para bailar. pero con un sonido completamente iconoclasta. a finales de los años sesenta y principios de los setenta.Había sido una auténtica reacción contra los grandes grupos de los setenta. sí. lo cierto es que es un género que no ha obtenido el reconocimiento suficiente por parte de la crítica musical como tampoco ha merecido una atención suficiente por parte de los estudiosos de la música. El motivo central de las composiciones es el ritmo y de esta manera nace la música house y. quedaban claramente excluidos de esta categoría determinados músicos cuyas creaciones eran demasiado comerciales o poco comprometidas. Una vez absorbido el fenómeno tecno-pop. los grupos adoptan los nuevos instrumentos electrónicos para hacer también su pequeña revolución: canciones pop. En ese entorno de reivindicación de la música joven. una cultura completamente nueva.

como el mítico carnaval jamaicano del barrio londinense de Notting Hill Gate. La celebración de festivales de música y danza jamaicanas. como demuestra el hecho de que Perry colaborara en un tema de The Clash. 115 . Tras el primer éxito del sello. Lee Perry fundó su propio sello discográfico en 1968. Trojan. de manera consciente. El reggae iba ganando adeptos tanto en el Reino Unido y cantantes como Dennis Brown y Gregory Isaacs empezaron a llamar la atención con grupos como The Wailers y Toots & The Maytals. "Freedom" de Clancy Eccles. El rastafarismo empezó a ampliar su contenido y. se revelan como una de las principales influencias de la nueva música británica. en los noventa. que más tarde crearía el sello discográfico Island. Codd grabó algunos de los primeros temas de Bob Marley & The Wailers. The Specials y The Selecter. Aswad: Su nombre significa 'negro' en el argot jamaicano y ha sido uno de los grupos más importantes de la escena reggae británica desde mediados de los setenta. al que se atribuye la creación de la música dub. una mezcla de reggae y rap. y "The Harder They Come". En tan sólo dos años. y sus letras sobre el regreso a un paraíso africano se apoyaban. Gracias a la exportación de sus discos. el empresario Chris Blackwell. De esa manera. interpretado por Desmond Dekker. además de seguir despertando el interés de muchos músicos de todo el mundo. el rastafarismo. curiosamente con cierta afinidad con el movimiento punk. utilizó para crear un sistema de sonido propio con el que grabó a músicos locales que luego editaría en su propio sello discográfico. pasaron por el estudio de Codd músicos como Lee Perry y Prince Buster. interpretado por el grupo británico Madness. Studio One. El nombre que habían elegido dejaba claro que se inspiraban en la religión jamaicana.Los inmigrantes jamaicanos llevaron consigo sus tradiciones musicales y en aquellos barrios de las grandes ciudades británicas donde se asentaron. De esta manera. UB40. y. alcanzando el éxito comercial en los años ochenta con "Chasing the Breeze". a su vuelta a Jamaica. como la tendencia representada por Madness. The Abyssinians aportaron a su música una nueva espiritualidad. en el Reino Unido empezarían a ser conocidos músicos como Coxsone Codd. El primer sencillo de este grupo fue "Satta Massagana" (1969). el término "ska" fue sustituido por el de "reggae". a su trasfondo religioso. La importancia de Perry en la expansión del reggae es enorme. En este momento. The Abyssinians: Este trío vocal fue el responsable de definir las variaciones de raíces africanas de los grupos vocales de finales de los sesenta. donde entró en contacto con nuevas técnicas de grabación que luego. también introdujo a oyentes profanos al sonido del ska. crearon sus propios locales de reunión en los que se tocaba su música tradicional. este estilo de música pervive en grupos como Dreadzone (antes Big Audio Dynamite). trabajó con Marley y colaboró con U-Roy y Big Youth. "Complete Control". Alejándose de las estructuras de la música soul norteamericana. se le añadió un sentido filosófico y artístico. que ampliaría su catálogo con Jimmy Cliff. empezó a importar discos de Jamaica para venderlos en tiendas especializadas. En los años ochenta aparece el ragga. figura fundamental de la música jamaicana e impulsor de muchos nuevos artistas que serían conocidos a nivel internacional. En la década de los sesenta. representantes del rastafarismo como Burning Spear se convirtieron en símbolos de la juventud. una minoría de la población blanca entró en contacto con una música rítmica y alegre que pronto despertó el interés de un sector del público especializado. A partir de ese momento. Codd trabajó en los Estados Unidos. un auténtico himno rastafari. con su sello publicó casi un centenar de discos desde su fundación hasta 1974. un compositor clave de la música jamaicana y autor de "You Can Get It if You Really Want It". Upsetter. precursores del rap y con King Tubby. sobre unas melodías estructuradas sobre acordes menores que miraban más a Oriente que a Occidente. el ska. que influiría a principios de la década de los ochenta a grupos de gran éxito comercial como Madness o The Specials. A finales de la década de los setenta. y Perry fue uno de los principales impulsores de este cambio. el reggae y su forma anterior. Posteriormente. Studio One pasaría a ser propiedad de una compañía inglesa. The Vikings y Alton Ellis.

ahora conviven junto a sus variantes más comerciales. jungle o drum'n bass) no sólo han alcanzado un gran éxito comercial sino que han variado de forma rotunda los comportamientos de los jóvenes. 116 . tanto el disco como el house o el dance han acercado al público nuevos sonidos y formas interpretativas que han abierto camino para géneros musicales que antes hubiesen sido relegados a los ambientes marginales o etiquetados bajo "alternativos" y que. al final de esta década. En la actualidad. por las influencias rock y ritmos bailables a principios de los ochenta y. que encontró en la música bailable una forma efectiva de hacerse un hueco en la sociedad.Formado en 1975 en un barrio del oeste de Londres. Dicha revolución tiene sus orígenes en el nacimiento de la música disco a mediados de los setenta y en la cultura gay de finales de esa década. sus elaborados ritmos y unas de las voces más bellas del sonido reggae. sin embargo. pasaron a una reivindicación más militante de sus raíces africanas desde finales de los setenta. su núcleo estaba formado por Brinsley "Dan" Forde. impresiona su capacidad como instrumentistas. la música dance y todas sus variantes (house. Musicalmente. Aswad se resistía a encasillarse en un solo estilo y siguieron evolucionando: de unos comienzos claramente influidos por el sonido de los Wailers. Al analizar los discos que grabaron a lo largo de sus catorce años de carrera (el grupo se disolvió en 1990). Tony "Gad" Robinson y Angus "Drummie Zeb" Gaye. George Oban. haciendo de los clubes donde se escucha este tipo de música el centro de la vida social de las nuevas generaciones. La Música Disco y la Música House La música de baile es una de las tendencias más representativas de las últimas décadas del siglo XX. a un planteamiento mucho más pop de su música.

con ocasión de la festividad del Corpus Christi. se produjo en plena época del Romanticismo Europeo. Étnicos. El amo blanco. y sobre todo italianos. un instrumento de explotación. y Culturales. mientras el coro de los españoles lo subrayaba y acompañaba con armonías típicamente europeas. etc. debe ser tenida especialmente en cuenta por nosotros. para los pastores y predicadores de almas. Las dos primeras víctimas de su dominación fueron el Indio y el Negro. era el pobre esclavo. 117 . y porque su influencia política abarcó además de Perú y Bolivia. Los coros alcanzaron un elevado nivel artístico. naturalmente. su ideología y la dominación. y que enseñaron a la población indígena como parte de su misión tanto cultural como evangelizadora. que afloraría en forma inevitable en sus primeras realizaciones. a veces con acompañamiento de órgano. la fuerte individualidad de los hijos de América. y le daban un poder mágico. utilizados en sus ceremonias rituales. y. En 1551. un ser abandonado y sin amparo. Sin embargo. ARGENTINA Para estudiar la música en Argentina debemos considerar dos etapas: LA MÚSICA PRECOLOMBINA O INDIGENA: Esta contaba con instrumentos rudimentarios. flamencos. que contenían textos cristianos adaptados a melodías autóctonas así caro música gregoriana y. y los músicos nativos se multiplicaron. incluyendo el musical. CIVILIZACIONES PRECOLOMBINAS: A su llegada al continente americano.LA MÚSICA EN EL CONTEXTO LATINOAMERICANO La organización política post-revolucionaria de las Colonias de América. dado que las investigaciones posteriores han demostrado que poseían un instrumental importante. los Calchaquíes. que trajeron consigo la música europea. LA MÚSICA DESPÚES DE LA COLONIA: Se refiere a la llegada de los españoles en 1536 y junto con ellos alemanes. frecuentada casi exclusivamente por la nobleza indígena. griegos. a Chile y Ecuador. Luego. que se cantaba en la Iglesia. agradecimiento a los dioses por las buenas cosechas. El Colono Europeo trajo consigo su cultura y religión. los conquistadores hallaron civilizaciones ampliamente desarrolladas en todos los aspectos. Sus canciones eran inocentes formas tristes. La incáica. se empezó a destacar netamente con el uso de elementos propios de cada región: Geográfica. de cuyos sentimientos nadie se preocupaba. Juan de Fuentes instruyó un Coro de ocho muchachos que interpretaron un cántico incaico en la Catedral del Cuzco. sino también como compositores dando origen a una polifonía neohispánica. pues cuando se canta y se baila es porque se está contento y de buen humor. que solían dirigir maestros de nacionalidad alemana o flamenca. Los primeros en difundir la música culta europea en América fueron los misioneros de la Compañía de Jesús. en cambio. y el noroeste argentino a través de las quebradas del Toro y Humahuaca. lo que dió un sello inconfundible a la música de todo el continente. veía en el canto del esclavo negro la expresión inocente de una alegría y despreocupación infantiles. sobre todo. naturalmente. violín y arpa. su música e instrumento. fue la sácra. el segundo era considerado caro una bestia de carga. con el correr de los años. Al primero casi llegan a exterminar. Patagones y Guaraníes entre otros. creadas solamente para conseguir compasión. no sólo caro ejecutantes. pero más a menudo de guitarra. la música que éstos practicaron. En América no tardaron en aparecer libros de música. utilizaban la música de curaciones. La función educadora corría a cargo de la schola cantorum de la catedral. que se instalaron en el continente a raíz de la conquista española. impresos. composiciones polifónicas europeas. que sufre pacientemente y canta con añoranza su perdida libertad. pues sus noveles compositores adquirieron su capacitación técnica dentro de aquel estilo.

actualmente perdida. Iglesias Villoud. aparecieron los primeros músicos profesionales. De ambos centros pedagógicos nacieron jóvenes artistas y compositores que comenzaron a dar personalidad musical a la república. Pero además de la música sacra. creador de la ópera argentina. en América tuvo mucho auge un teatro lírico. la zarzuela hispana siguió desarrollándose brillantemente hasta el advenimiento de los sainetes criollos en el último decenio de 1800. En este sentido. Los compositores Argentinos han abandonado todos los géneros. con libreto de Silvio Stampiglia. 1756. C. hay que destacar tres fechas: 1701. A partir de entonces.A. que debe recordarse muy especialmente porque además de ser la primera representada en México también tiene el inmenso valor de haber sido la primera escrita en tierras americanas. Pascual de Ragatis (1881) y Roberta L. Tres músicos desaparecidos a temprana edad forman el puente hacia la generación contemporánea: Julián Aguirre (1868-1924) cuya pluma trazó los Lider más delicados y sentidos. Otros compositores de fama son: Felipe Boero (1884). que nunca alcanzó un auténtico nivel artístico. En la música de concierto y de ópera J. futuro autor de la canción nacional y la personalidad más descollante de aquella época cato pianista y compositor. ópera de Manuel zumaya. A finales del siglo. Gilardi (1889) autor de la bella canción de cuna india. imitación del europeo cuyo repertorio. Shiuma (1885) que ha dado valioso aportaciones a la lírica musical. y. A Juravscim. En junio de 1870 se fundó la escuela de música y declamación. Carlos Suffern. dirigidos uno por el argentino Williams y el otro por el Belga Edmundo Pallemaerst. P. que es la de la representación de la “púrpura de la rosa”. dos grandes conservatorios de música. sus músicos han figurado en los puestos honoríficos en concursos internacionales y sus obras con incluidas en el repertorio de todo el mundo musical contemporáneo. que lo es de la representación de la “Parténope”. Lafinur. En 1881 nacieron Constantino Gaito. Durante el primer siglo de la Independencia dieron a conocer en el viejo Teatro Colón y en el de la ópera 135 Obras Líricas. poseedores de una rica vena melódica. Floro Ugarte (1884). J. Para 1945. de corta existencia. García tri11o. finalmente. muchos de los cuales alcanzaron prestigio internacional. Picasarri junto con su sobrino Esnaola. una ópera con libreto de Calderón de la Barca. la Argentina cuenta con un nutrido plantel de compositores. COLOMBIA El desarrollo musical que se ha venido dando en éste país. Viacava y Montserrat Campmany entre otros de ésta época. que fue la primera representada en América. solía ser extranjero. LA MÚSICA PRECOLOMBINA: Analizada desde épocas anteriores a la llegada de los Españoles de acuerdo a datos que proporcionan crónicas y relatos de los historiadores caro Juan de 118 . autor de unas escenas argentinas. entre ellas las de los compositores argentinos C. En la actualidad ocupa un papel preponderante en la creación musical Latinoamericana y Europea. F.A fines del siglo XVIII llegaba de ultramar Blas Perera. Giocobbe. Ernesto Drangosch (1882—1924) y Juan Bautista Massa (1885. por ser la fecha en que abrió sus puertas el primer teatro de Buenos Aires. así como los intérpretes. H. Hergreaves. 1711. La misma generación pertenece a Arturo Luzzatti (1875) nacido en Turín pero radicado en Buenos Aires. estilos y tendencias. R. cuyas obras “la Muerte del Inca” y la “Suite Argentina” son las más logradas. Juan José Castro (1895) director compositor de recia personalidad y finalmente entre la joven generación Alberto Ginastera y Carlos Guastavino. Arturo Berutti y Héctor Panizza. compositor dramático de temperamento y brillante técnica y Carlos López Buchardo. se convirtieron en las figuras centrales del naciente movimiento musical. Su Decano es Alberto Williams.1938). Jorge Pickerhayn. lo podemos analizar con mayor facilidad y eficacia dividiéndole en cuatro etapas las mismas que son:  La Música Precolombina  La Conquista y la Colonia  El siglo XIX  La Época Actual.

Rapsodio griego . unida a la danza. para así atraer a los indios. da testimonio del encuentro dramático de la cultura española con el mundo mágico que llenaba el espacio americano. Fabián González y entre los más jóvenes Blas Emilio Atheortúa. y Furatena (drama lírico). Utilizaron instrumentos de percusión y de vientos tales como: sonajas. esta característica estructural y expresiva. placas de metal. ceremonias. José María Ponce de León. o mejor dicho cultural.Varios Corales y Música de Cámara. EL SIGLO XIX: Influenciado por la música Italiana es Henry Price quién dió la idea de fundar la Sociedad Filarmónica (1846—1857) que dió el ambiente propicio para la Música.Castellanos. con más de 140 composiciones se destacan tres Balletes criollos. con rasgos de heterofonía al mezclar estos instrumentos. 119 . Su firme técnica. Les enseñaron el Canto Gregoriano y muy pronto ejecutaron chirimías (clarinete). Se destacan José Joaquín Guarin. Chumacero. los atuendos. conchas. rituales y muy excepcionalmente los cantos de los indios que su amplia mayoría habitan en Guatemala. Santiago Velasco. le ha permitido plasmar una sólida producción que incluye las siguientes obras: . contienen su substrato étnico de esencia pentatónica que puede descubrirse tras su apariencia heptatónica. este hecho en la mayoría de los folkloristas que se han dedicado al estudio de la música de los indios americanos. dirige la orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio. La última figura de la generación es Fabio González Zuleta (1920) el único compositor Colombiano de primera magnitud en la país. En ésta línea citemos también a Jesús Bermudez. . Se cree que su música era monódica. La conjugación racial. Sin embargo. no se han advertido. con escalas defectivas de base pentafónica. y ello es causa de repetidos errores de análisis.Un ensayo electrónico GUATEMALA La música con que actualmente se acompañan las danzas. en 1920 se oficializa el Himno Nacional con Música de Oreste Sindice y letra de Rafael Nuñez.Dos poemas: El niño y el amo . ocarinas y totutos (trompetas en forma de caracol). sino. cuya práctica activa en iglesias destaca a compositores tales como Juan de Herrera. José Rozo. etc.Tres sinfonías . y hallazgos arqueológicos nos dan a conocer la importancia que tenía la Música para los Indios pues la incluían en toda actividad social y de trabajo. Molfo Mejía. De todos ellos se han oído primicias que anuncian un brillante futuro. LA ÉPOCA ACTUAL: Se destaca Guillermo Uribe Holguin (Compositor y Pedagogo). Naturalmente. Luis Espinoza. bajones (fagotes) y construyeron órganos que les enseñará principalmente el Jesuita José Dadey (1564-1660) precursor de la música Colombina. funda el Conservatorio Nacional de Música en 1910. que se encuentra también en la música de los indios sudamericanos. Roberto Pineda. cascabeles. no es exclusivamente de esta región del continente. Antonio María Valencia. LA CONQUISTA Y LA COLONIA: Los “doctrinetos” conquistadores aplicaron sus técnicas del Canto llano y el floreciente Contrapunto de clara tendencia religiosa europea. flautas verticales y transversas. Jesús Pinzón. En 1882 se funda la Academia Nacional de Música por Jorge Price. germen del actual Conservatorio. Luis Figueroa. Diego Fallón.

Nac. son el compositor JESUS CASTILLO que vivió entre los años 1877 y 1946. Ist. es musicólogo y autor de una novísima teoría musical cuyo propósito es la de cancelar el conflicto actualmente existente entre los principios y reglas que todavía se enseñan en los Conservatorios logrados por los compositores contemporáneos. MÉXICO Al igual que los demás pueblos Latinoamericanos. En el siglo XVIII. Añadiendo al tema de sus composiciones podemos decir que no ha sido posible emprender un estudio minucioso de la situación del arte musical en la época colonial. sin dejar de crear obras de carácter litúrgico puede considerarse cato el iniciador del movimiento sinfónico en el aspecto creativo. permite escribir la música de todas las épocas y culturas cato también las siglo pero valió la pena recalcar algunos hechos trascendentes. desarrollo la tendencia nacionalista en sus primeras obras. se acerco a las complejidades de la música electrónica. puede decirse que principio con Jesús castillo. aunque orientado en sus ultimas creaciones a un sentido mas universalista. quienes de una u otra manera han ensayado expresiones nacionalistas en sus primeras obras con contenidos a las últimas tendencias estéticas. únicamente se pueden citar los músicos de la Catedral de Guatemala cato el madrileño Antonio Pérez 1548 y Gaspar Martínez 1560. Joaquín Orellana y otros más. 120 . Pero el compositor Eulalio Samayoa. que ademas de ser compositor de vanguardia. Entre los jóvenes compositores del presente. el profesor Castañeda ha desarrollado una notación que no obstante su extrema sencillez. El nacionalismo musical mismo. Herculano Alvarado y otros más que merecen la misma valía. el mismo que tenía una academia de la ópera creada para formar a los jóvenes cantantes. Posteriormente surgió una pléyade de músicos con técnicos más avanzadas. sufrió con la llegada de los españoles la destrucción de una gran parte de su cultura autóctona. se suman otros compositores como su hermano RICARDO CASTILLO en 1894 hasta llegar al momento del nacionalismo musical guatemalteco. La evolución de la Música en México ha sido muy importante hasta 1 presente material vernáculo de manera intuitiva especialmente en sus operas QUICHE VIRAK Y NIETE. quien abrió la ruta de los trabajos folklóricos con música autóctona de 1927 y la música maya quiche de 1941. a quien se le debe las primeras copilaciones de melodías indígenas quien como compositor autodidacta. Guzmán etc. A la derivación de su teoría. A estos anteriores se pueden añadir otros compositores que cultivaron el genero de la música religiosa como profana. quedando esta actividad únicamente a cargo de INBA. vamos a mencionar también a uno de los personajes de destacado renombre dentro de la vida musical guatemalteca como es José Castañeda. Creó series de audiciones de diversa índoles bajo el título de música para México y la ópera de bellas artes. podemos citar figuras cato Jorge Álvaro Sarmiento. cultivan la música religiosa. lo primero que hizo fue oficializar la orquesta sinfónica nacional. su hermano Ricardo castillo con estudios hechos en París. Para concluir este tema. la ópera Nacional en el Gobierno de don Adolfo Ruiz se ve disminuida en la subvención económica que venía recibiendo. algunos de ellos formados en Europa que introdujeron en el país las nuevas corrientes estéticas predominantes en la época como son: Julián González. Francisco Aragón. Así tenemos: El aporte de Carlos Chávez al asumir la Dirección del Instituto Nacional de Bellas Artes.En este estudio debemos señalar que algunos destacados y a quienes se les puede considerar con justicia como pioneros de la recopilación y estudio de la música de Guatemala. a este. Pero la vida musical guatena1teca no se desarrolla notablemente hasta las últimas décadas del siglo XIX. José T. A partir de 1947 se producen algunos cambios importantes. de Bellas Artes.

Carlos Chávez entre otros. pero al poco tiempo se fueron haciendo audiciones para otro público convirtiéndose en una de las actividades musicales más estimables de la Capital Mexicana. De esta época datan ciertas fiestas como la de moros y cristianos. fundada en 1864 bajo la Dirección de Eubelio Castillo. En 1856 ya se introdujo la imprenta musical en México y la fabricación de órganos fué floreciente. Merece señalarse las audiciones que tienen lugar los sábados en la casa del Lago de Chapultepec en un ambiente más popular que el de la ciudad universitaria. En el último tercio del siglo se inicia el periodo nacionalista. El movimiento musical del país esta enriquecido últimamente por las actividades de la Asociación proarte del Salvador. fuera del servicio litúrgico en iglesias y conventos. parece que no hubo actividad musical alguna. Parte del siglo XIX. dió inicio de un gran progreso en todos los órdenes de la vida musical. Revueltas. es decir la utilización del folklor mexicano en obras de forma culta Europea. el tambo zambumba y modernamente la marimba y la chirimía como aires y motetes. VENEZUELA En realidad. José Rolón. La música de cámara. Melecio Morales fué el primer compositor Mexicano cuya ópera “ILDEGONIA” se estrena en Europa en 1868.En años más recientes la música de Cámara se desarrolló por el mismo INBA y de otras tres instituciones como son: 1. EL SALVADOR En la época precolombina. También aquí. tres pífanos y tres clarinetes. aún cuando tuvieron buenos músicos pero no escribieron obras importantes cazo en el periodo anterior. 2. La llegada al país del músico guatemalteco José Escolástico Andrino en 1845 llamado el padre de la música en el Salvador. tres tambores. que en un presupuesto del año 1832 aparece formada por un tambor mayor. Como maestro y fundador de la primera escuela de música formó toda una generación de músicos salvadoreños. La Dirección general de difusión cultural de la Universidad autónoma de México. En 1930 se estableció finalmente el Conservatorio Nacional de Música. y sostiene también su propia orquesta sinfónica. cuyos miembros. compartían con éstos los mismos instrumentos que eran pitos. silbatos y flautas. 121 . que ha sabido unir la técnica actual con el espíritu de las técnicas Mexicanas. conocidas igualmente en España y otros países americanos. Además se utilizaban entre los indios la caramba. destacándose Manuel Ponce. La historia musical moderna en el Salvador no empieza hasta las primeras décadas del siglo XIX en que se fundó la primera banda marcial. en su mayoría son de origen Israelita. Su Director actual es el maestro Rubén Arauy quién hizo estudios en el Conservatorio de París. el romanticismo en Venezuela no estuvo a la altura de los siglo XVIII. y esa influencia popular dió menos vigor y expresión a esta danza llamada Vals Venezolano. Cabe mencionar además la Escuela de Música de la Academia de Bellas Artes. los primeros pobladores del país los pipiles rama de los aztecas. en el siglo XIX se introduce la ópera Italiana y. organizó y dirigió conjuntos instrumentales y dió un ejemplo como compositor religioso e instrumental y también como teórico. Durante la época colonial cuando el país era una lejana provincia de la Capitanía General de Guatemala. el género del VALS se arraigó en el pueblo. En 1947 se inicia una serie de investigaciones musicales recogiendo la música tradicional llevando a la flotación moderna. su primer Director fue el Maestro Italiano Domingo Santo. iniciándose en 1955 con carácter gratuito para beneficio de los estudiantes universitarios. La asociación de Manuel María Ponce 3.

La obra más importante es la conformación de la Orquesta nacional JUVENIL DE VENEZUELA. y. velancios (villancicos). La religión católica tuvo mucha influencia en los ritmos aborígenes. Se les ha dado el nombre de LOS TRES GRANDES DE LA MÚSICA VENEZOLANA desde 1919 hasta nuestros días. cazo SEBASTIAN PEÑA. pero estos tres compositores formaron la Trilogía de maestros mas respetados en el País. parecido a una trompeta muy rudimentaria y el chilchil. pregones. el azul. ha escrito obras orquestales. Por esto actualmente en Venezuela se desarrolla un vigoroso movimiento musical que se deja fuera de las Fronteras. que es popular en América y España por su Joropo ALMA LLANERA. ANTONIO ESTEVEZ (1916). NICARAGUA Se cree que las fuentes primitivas de la música folklórica nicaragüense. SOJO fue también el reorganizados en 1936 de la Escuela Superior de Música “JOSÉ ÁNGEL LAMAS” y como compositor. el gueguense que se celebra el día de San Jerónimo. motivo por el cual se produjo una curiosa amalgama de culturas cuyo resultado son las formas tradicionales que se conoce con el nombre de amanesqueras. En la actualidad prácticamente sobreviven muy poco de esta música como son algunas melodías y ritmos peculiares. que fué el más sobresaliente con su obra SEGUNDO TRIO EN LA MAYOR. el cacho. Las principales figuras del Romanticismo son: FELIPE LARRAZABAL (1816—1873). que viene a ser como una esquila pequeña. que junto con otros compositores fundo el mas importante grupo coral y la Orquesta Sinfónica de Venezuela. Desde 1952 se halla al frente de la Escuela Nacional de Opera del Instituto de Cultura y Bellas Artes y ha puesto en escena hasta ahora 26 obras. Pero antes de esta generación existieron otros compositores. que ha logrado una revolución latinoamericana en torno a esta creación. Desde 1945 a 1966 se han incorporado al país distinguidos músicos extranjeros como PRIMO CASALE que ha iniciado un sólido movimiento en pro de la ópera nacional. FEDERICO VILLENA (1835—1899) y la figura universal TERESA CARREÑO (1853-1917) que no fué compositora. seis agujeros y una extensa gama de tambores como también la marimba. En la generación 1919 las figuras mas sobresalientes fueron VICENTE EMILIO SOJO. y estos grupos fueron el despertar de una nueva aurora para la música del país. 122 . la música surgió un letargo hasta aparecer un nuevo grupo de músicos en 1919. en especial en las remotas aldeas de la costa. especie de zambomba. especie de monocordio. y ellos formaron una nueva generación de músicos entre los que se destacan GONZALO CASTELLANOS (1926). que es considerada como la composición más importante del siglo XIX. Se ha realizado una recopilación de estas obras por parte de VICENTE EMILIO SOJO. RHAZES HERNANDEZ LOPEZ (1918) ha cultivado la música serial (dodecafónica). En los primeros años de nuestro siglo. La Orquesta Nacional Juvenil se forma el 12 de Febrero de 1985 y hasta esta fecha existen 62 orquestas juveniles. Así mismo se cree que aún existen instrumentos más primitivos como por ejemplo: el quijongo. y ha conformado muchas orquestas juveniles a nivel nacional. el mismo que las ha reelaborado. con la ópera VIRGINIA que fué estrenada en abril de 1873 en el teatro Caracas. el juco.También se cultivó la llamada CANCION ROMANTICA que viene en parte a llenar el vacío que dejará la música orquestal y coral de la época clásica venezolana. la chirimía. ademas se encuentran 15 mil niños en formación musical. son las ramas maya y quiché de los indios centroamericanos. GUSTAVO PLANCHART (1935) compositor dodecafinista y electronista. JOSÉ ANGEL MONTERO (1839-1881) que el primer compositor de ópera que nació en el país. sus obras son de carácter religioso. Podemos decir que el indio contemporáneo sigue usando sus antiguos instrumentos musicales como las maracas. INOCENTE CARREÑO (1919) que escribió música para cine. que consistía en una flauta de cinco. pero sí una gran concertista del piano que recorrió todo el mundo con su alta técnica pianística. PEDRO GUTIÉRREZ. MANUEL RODRÍGUEZ. Otras figuras fueron JOSE CALCAÑO (1900) y JUAN PL4ZA (1896-1965).

estaba totalmente impedida de evolución. algunas de las cuales han sido utilizadas para componer sinfonías como la Sinfonía Incaica. Fácil es comprender. que se extendió después hacia las expresiones de la música dramática que floreció durante los siglos XVII y XVIII pero permaneció ignorado por largo tiempo. hayan borrado todo vestigio costumbrista y que en el gran proceso de transformación nacional hayan desaparecido sus últimas aisladas supervivencias. incluida música. es sin embargo fácil comprender las razones de tal olvido. Delgadillo se le atribuye la recopilación de muchas melodías indígenas y populares como la Yeguecita. como en el caso de las Antaras Cromáticas. trompetas de madera o arcilla. llevará en sí la idea de danza. Entre los instrumentos principales tenemos la ya citada Antara. la Sinfonía Mexicana y la Sinfonía Serrana de Nicaragua. sobria. digamos así a las postrimerías del siglo XIX. Apenas iniciada la conquista empezó el paralelo proceso de aculturización y desde luego incluyó el aspecto musical. vihuelas y bandurrias primero y más tarde guitarra y arpas. Delgadillo. la Cabeza de Rawí. la quena. posteriormente y ya lleno en éste siglo llegamos a la sublemación folklórica en la que se busca una temática no precisamente originaria. A la aparición de la llamada música chola se asomó el importantísimo elemento del aporte Afroide. Por las fuentes informantes sabemos que estaba basada en una escala pentatónica de un orden interválico no mensurable según los tonos occidentales. diversos tipos de tambores etc.  MÚSICA REPUBLICANA. cuartetos. En l nueva generación lo tenemos a Rosales. Los objetos de los más variados tipos que nos brinda la arqueología son innúmeros de muy difícil interpretación. su pueden distinguir tres épocas:  MÚSICA PREHISPANICA. en consecuencia se produce rápido mestizaje instrumental. pero es indudable que han respondido ya a necesidades de exigencia mayor que no excluye la suntuaria. tenemos: Tramoto en la Cumbre. otro término. Sus periodos son los mismos que los del territorio en que tuvo lugar. Durante la colonia se verificó aparte del continuado proceso de mestizaje especialmente en la música popular. ya no evoca. era una música simple propia del pueblo guerrero. yaraví llevará el del canto. Delgadillo también ha dejado músicos muy destacados como: Alejandro Vega Matus y José Cruz Mene. ambos frecuentemente unidos designados para cualquier actividad. No era una música muy desarrollada. elude. un Ballet. y dos óperas: Final de Norma y Mavaltayán.La Música culta en Nicaragua esta poco adelantada. preludios para piano. la ocarina. lo mismo puede decirse de los instrumentos preincásicos y de sus subsecuentes modalismos derivados. los Caballitos y el Zopilote. Entre los poemas sinfónicos de tipo religioso que se debe a Luis. El único compositor que se ha destacado en dar a conocer la música fuera del país es Luis A. como también operetas. El mestizaje se afirmaba y delineaba ya perfiles característicos. A Delgadillo. flauta vertical de caña. último ingrediente que faltaba en la vertiente de la música popular Peruana. van desde los más primitivos de sus épocas más tempranas hasta objetos de fabricación y funcionamiento muy complejo. el mismo que después de estudiar en Italia regresa a su país y crea una Escuela de Música. así como de renombrados concertistas Europeos. La principal danza era el Huayno. tríos. Entre los sucesos que tuvieron influencia sobre la vida musical de entonces se debe consignar la llegada de la Opera Italiana. especie de flauta de pan. PERU La Música Peruana es un reflejo consecuente de los grandes acontecimientos políticos y sociales ocurrido. Independencia y República. al que la Historia le negó el tiempo para madurar su cultura. A. Preincato e incanato. que tan agudos cambios políticos. Conquista y Virreinato. sino esencia. música de un lado exclusivamente cultural que muchas veces respondió sólo a necesidades cortesanas. austera. 123 . Por otra parte se trató siempre de una música que por su naturaleza culta no tuvo mayor arraigo popular. canto y danza. que se han encontrado en la cultura Nazca. melodías para violín y piano.  MÚSICA COLONIAL. Sólo se puede deducir su empleo.

se dan curiosas tendencias de regresión. Carlos Gómez. A los 38 años de edad por encargo del Obispo Pedro Agustín Morell de Santa Cruz. Entre los músicos brasileños que se han destacado desde la creación de la república cano tal y tal vez un poco antes es decir en el periodo colonial. el haber cimentado para su patria y para el mundo entero la conciencia nacional de los compositores brasileños. Glauco Velazquez. Aporte muy importante. Manuel de Macedo. Finalmente llegarnos a la última generación de músicos Peruanos. constituyó el talento específico de los africanos venidos a las tierras brasileñas. exafónicas y modales. Inmediata a la segunda post guerra. CUBA La historia musical cubana empieza realmente con la llegada de Estéban Salas a Santiago de Cuba Nacido el 25 de diciembre de 1925 en la habana donde cursó sus estudios musicales y generales primero en el parroquial Mayor donde aprendería órgano. sus realizaciones afloran casi en su totalidad. el africano y el europeo. Arthur Napoleao. a Pablo Chávez Aguilar (1898—1950) a Ernesto López (1890) a Luis Pacheco (1893) Alfonso de Silva (1903—1937) a Renzo i3ascescio (1888) finalmente a Rodolfo Joismanca (1910) y Andrés Sas (1900). aparece una generación de compositores que entran de lleno a las tendencias y corrientes de la música moderna. con su extraordinario sentido del ritmo y de la improvisación. bastones para marcar el ritmo. da como resultante la canción popular brasileña. desde las más primitivas estructuras de repetición de un sólo sonido. El empleo en las melodías y en la armonía de las antiguas escalas pentafónicas. y además sus tradiciones fetichistas. hasta las de dos y tres. guerreras y sociales de las tribus de la región y las melodías conservadas son de tipo muy diverso. la MACUMBA. así como también las llamadas cadenas melódicas. en la mitad del siglo. y al cual se le debe además. tiene una extraordinaria vitalidad. conchas. y las CONGADAS. podemos destacar a José Mauricio Nuñez. debemos mencionar a Rosa Alarco (1911) a Enrique Iturriada (1918) Celso Garrido. la mayoría escribe dentro de los términos de vanguardia. producto de la fusión de tres elementos étnicos: e1 indio. Esta fusión de tres culturas. uno de los más importantes músicos peruanos de la actualidad. Entre los conspícuos representantes de éste periodo. y aunque en algunos casos. zumbadores. que como principales características son dignas de mencionar las siguientes: La constancia del ritmo binario El predominio de la síncopa Polirritmia muy variada Proceso discursivo que convierte cantos en recitativos Empleo preferente del modo mayor Los saltos melódicos. y toda clase de flautas y de tambores. construye la capilla de música de la catedral de Santiago de Cuba. Los instrumentos empleados son: marcas. Leopoldo Muiguez y el famoso Heitor Villa Lobos. 124 . podemos decir que describen las ceremonias rituales. y la disminución de la séptima. En cuanto a la música indígena brasileña. Y en tercer lugar aporta enormemente el nivel musical del cual estaba impregnada Europa y por ende Portugal en lo que sería para el mundo el Renacimiento y todas sus facetas posteriores.Entre sus principales exponentes debemos citar a: Roberto Capio (1900) y Carlos Sánchez (1904) a Teodoro Valcrcel. quién elevó a un rango representativo el nacionalismo musical brasileño. BRASIL La música brasileña moderna. mezcladas con elementos de culto. canto y composición y más tarde en la Universidad donde curse filosofía. que sobreviven en danzas como el CANDOBLE. teología y derecho económico.

Peyrellade. En la capital. Surge también la academia municipal de música de la Habana que más tarde se convertiría en Conservatorio Municipal. Gracias a la iniciativa de Música de Wagner y Berlioz y al impresionista C. Al mediar el siglo XIX van apareciendo músicos de gran importancia que merecen mencionarlos: Laureano Fuentes. Debussy. XIX como resultado de este auge económico se fundan en la isla varias instituciones musicales. la academia de artes y letras con su sección de música. Fénix y al finalizar el siglo XIX se funda el primer conservatorio. Nicolás Ruíz. Silvano Boudet. especialmente africana de gran trascendencia para la música cubana. Mauri y muchos otros. en Santiago. la música en este país corrió diversa fortuna. el Liceo Artístico y Literario. la Sociedad filarmónica. 125 . Gracias a la iniciativa de Música en este país corrió diversa fortuna. Se diferencian en que el primero está en texto latino y la otra en romance (Castellano). gracias al músico Holandés Hubert de Blanck. La música cubana tiene mucha influencia africana y francesa. L casi absoluta influencia española perdura hasta la mitad del siglo romántico. El anhelo de situar a Cuba en la órbita musical contemporánea hizo que naciera el grupo denominado de Renovación Musical dirigido por Ardevol e integrado por sus discípulos más destacados. Pastor. En el S.La Obra de Salas podremos dividirla en 2 partes: Música Litúrgica y no Litúrgica. la Sociedad Filarmónica y el Liceo. En Cuba el aprovechamiento de algunas conquistas de la revolución industrial hizo posible el aumento vertiginoso en las riquezas de los hacendados criollos. En 1922 Gonzalo Ruíz funda la Orquesta sinfónica y dos años más tarde se crea la Orquesta Filarmónica bajo la dirección de Pedro San Juan. etc. Durante las seis primeras décadas de este siglo. Los Conservatorios privados proliferan: Orbón. El piano fue el instrumento predilecto de los compositores cubanos ochentistas. Cratilio Guerra. y ello es explicable porque este instrumento precisamente fue el que servía de vehículo natural a los compositores románticos Europeos.

La parte más ancha se encuentra en la provincia del Guayas con 180 km y la más angosta en una franja de 20 a 40 km en la provincia de El Oro.LA MÚSICA DEL ECUADOR EN EL CONTEXTO NACIONAL VISIÓN GEOPOLÍTICA DEL ECUADOR Características físicas Ecuador está situado en el noroeste de América del Sur. las islas Galápagos o Archipiélago de Colón y varias islas litorales. y el bosque seco de la franja peninsular occidental y meridional. las playas y acantilados. que en su curso bajo se une a otras comentes de agua de los ríos Vinces y Babahoyo. Corazón. Las principales elevaciones de esta cordillera son: Mirador. Las estaciones climáticas van así: el invierno. Reventador. Su orografía está formada por pequeñas montañas que son la prolongación de la Cordillera Occidental de los Andes que va perdiendo altura conforme avanza hacia la Costa. 126 . Tungurahua. tiene una extensión de 256. Es uno de los países más pequeños de América del Sur. La Cordillera de los Andes marca toda la geografía del país. arrancan dos ramales. Antisana. Entre el borde costero y el piedemonte andino. se puede encontrar importantes zonas donde existe vegetación primaria. Altar y Sangay. pero.370 km2 Mediante el Acuerdo de Paz firmado en Brasilia entre Ecuador y Perú. Regiones Naturales Desde el punto de vista geográfico. compuesta por varios sistemas montañosos pequeños como el cerro de las Cabras. que abarca 40. Sumaco. Cotopaxi. A lo largo del litoral costero se distinguen dos ecosistemas adicionales caracterizados por las entrantes de manglar y otras áreas. Cayambe. Desde el nudo de Pasto al norte. el Ecuador se halla dividido en cuatro regiones naturales: Costa o Litoral La Costa es una región localizada al oeste de la Cordillera de los Andes y está atravesada de norte a sur por una cadena montañosa de poca altura (800 m) y constituida por extensas planicies aluviales. La Cordillera Occidental es más baja que la anterior y de bases más angostas. existe una depresión longitudinal drenada por el río Daule. Atacazo. (1998) se concede a Ecuador el derecho de propiedad privada sobre un kilómetro cuadrado en el sector denominado Tiwinza. los que dan origen a la cuenca del río Guayas. las sabanas tropicales del centro y sudoeste. La Cordillera Oriental es la más alta. Guagua Pichincha. ejerce soberanía sobre una parte del continente Antártico. Las principales elevaciones son: Pax. Illiniza. y el verano. sus bases son anchas y terminan en cumbres altas y puntiagudas. La temperatura promedio que prevalece en la región es de 22º C. Su territorio incluye además. Las principales elevaciones son: Ruco Pichincha. La corriente cálida de El Niño provoca un aumento en las lluvias entre los meses de enero a mayo. La Costa está formada por tres ecosistemas principales: ¡os bosques lluviosos tropicales del noreste.000 km' y está cubierto por bosques en el interior y manglares en el litoral. Chimborazo. Limita al norte con Colombia. entre las que se destaca la isla Puná. Cordillera Occidental y Oriental que cruzan el territorio hasta el nudo de Loja al sur y un tercer ramal más pequeño y fragmentado. Curucú y Cóndor. Santa Ana y El Carmen que continúan hacia el norte con los nombres de Chongón. Muchos bosques han sido destruidos por la actividad agrícola. Colonche y Manglaralto. al sur y este con Perú y al oeste con el Océano Pacífico. aún. la Cordillera Suboriental. La Tercera Cordillera o Suboriental es un pequeño ramal bajo y fragmentado. los cerros de las Peñas. Además. El sistema montañoso de la región está conformado por la Cordillera Costera. de diciembre a mayo. se compone de tres pequeñas cordilleras: Napo-Galeras. de junio a diciembre.

500 y 4. Posee numerosas zonas marítimas pesqueras y excelentes lugares para la práctica de deportes acuáticos. Las condiciones climáticas existentes en la Sierra. en El Oro. Guagua Pichincha. San Vicente. Es la región de mayor asentamiento indígena y por lo tanto. Los Ríos y El Oro. Las principales atracciones turísticas de Esmeraldas son los pueblos de pescadores. En esta provincia se destaca el Bosque Petrificado de Puyango. Cañar. Puerto Bolívar. En la Sierra. caracterizados por cumbres altas con cimas agudas. a lo largo de 4. Muisne. ocupando una franja de 600 km de largo por 100 a 120 km de ancho. se configura por la prolongación de la Cordillera de los Andes meridionales que vienen desde Colombia. la variación diaria puede ser extrema. Las más nombradas son: Salinas y Playas en la provincia de Guayas. playas. En la provincia de Manabí. la máxima altura se encuentra en el Chimborazo. arroz. lo cual significa que la actividad volcánica se desarrolló con anterioridad.de costa y playa. en cuyo interior se encuentran las hoyas. uno de ellos el banano. Sin embargo. manglares y algunos sitios arqueológicos. Santa Elena. Guayas. Los principales puertos de entrada son: Guayaquil. incluyendo las islas de Salango y La Plata. el mismo que caracteriza a los paisajes de páramo. cerca de la superficie se encuentran varios minerales como el mármol. Volcanismo Antiguo. así como la actividad volcánica han provocado un desarrollo peculiar de las especies vegetales. la estación lluviosa o invierno dura de octubre a mayo. Bahía. Cuenca declarada también Patrimonio. la diversidad de recursos naturales. ha desaparecido la capa de ceniza y otros materiales que fertilizaban la región. los manglares. constituyen un gran atractivo turístico. por lo que la actividad pesquera es una fuente importante de recursos. Los manglares y el medio ambiente marino ofrecen a los peces y crustáceos un hábitat ideal. Cotopaxi y Sangay. con una temperatura anual promedio que varía de 12° a 18ºC. entre otros. Loja.000 km2 está cubierta de páramos o de vegetación seca. hasta los bosques nublados y áreas semidesérticas. tiene una superficie de 55. frutas y otros cultivos tropicales destinados a satisfacer la demanda tanto interna como externa. La Costa está dividida en seis provincias: Esmeraldas. Santo Domingo de los Tsachilas. soya. con días muy calientes y noches muy frías. La cordillera está formada por dos cadenas paralelas que se unen mediante cordilleras transversales denominadas nudos. sus cimas son redondeadas y bajas. la del norte. Tiene atractivas playas con un alto potencial turístico. Ubicada entre los 3. Cotopaxi. la mayor parte cubiertas de nieve. Atacames. Manta y Esmeraldas. cacao. en Esmeraldas. algodón. con el influjo de la Comente Fría de Humbolt se produce una vegetación de tipo semidesértico. El Parque Nacional Machalilla.000 metros. Baños de Ambato. La parte sur del Nudo del Azuay o subregión de Volcanismo Antiguo no cuenta con grandes elevaciones. Imbabura.059 ha. La provincia del Guayas tiene uno de los ecosistemas más importantes del país: el Golfo de Guayaquil en donde desembocan 1. Jaramijó. Se produce además: café. la región del páramo es un hábitat ideal para ciertas especies como el cóndor. una de las de mayor diversidad étnica y cultural. La provincia de Santa Elena se caracteriza por su riqueza natural y el turismo. Súa.526 m3 de agua dulce por segundo. Volcanismo Moderno y la del sur. reservas naturales. Se encuentra ubicada entre el nudo de Pasto al norte hasta el de Loja al sur. Bolívar. ubicado en esta provincia. cada una con diferentes lugares de atracción y variada vegetación que va desde los bosques lluviosos. El nudo del Azuay divide a esta región en dos subregiones. Tungurahua. Está conformada por 11 provincias: Carchi.En la Costa se cultiva extensivamente importantes productos de exportación. Muchas de ellas conservan la actividad volcánica como en el caso del Tungurahua. Otavalo. La región de Volcanismo Moderno posee sistemas orográficos más recientes. Cada una de ellas cuenta con innumerables atractivos turísticos. caña de azúcar.500 m sobre el nivel del mar. 127 . Manabí. Crucita. Sierra o Región Interandina Comprende el sector montañoso. islas y sitios arqueológicos.817 km. la altura media es de 4. Azuay. caliza. carbón de piedra. San Jacinto. En la provincia de El Oro. Pichincha. entre otros. en Manabí. algunos que pueden citarse son: Quito reconocida como Patrimonio Cultural de la Humanidad. Chimborazo. La décima parte del Ecuador 27.

Los promedios de lluvia de la región se ubican en los 2. y en particular los árboles.275 750 430 103 50 17 15 NOMBRE DE LA ISLA Santa Cruz San Salvador Floreana Marchena Santa Fe Genovesa Rábida K2 1. Entre los principales están: el Napo (1. El área es muy rica en agua y tiene una floresta intrincada. la Reserva Cuyabeno. El Archipiélago de Galápagos se halla a una distancia de entre los 900 y 1. Las principales islas son: ISLA Isabela Fernandina San Cristóbal Española Pinta Punzón Baltra K2 4. La Amazonia está conformada por seis provincias: Sucumbíos.120 km). mientras que Perú y Colombia forman el límite oriental y meridional. Región Insular o Galápagos Constituye una provincia más del Ecuador. Sumaco-Galeras. La ruta turística más importante es el río Napo. Especies frecuentes en la región son" la canela. uno de los grandes tributarios del Amazonas. el árbol de seda. El clima es ecuatorial. Pastaza. esos promedios llegan a duplicarse.010 km2. El suministro de agua procede en partes iguales del Océano Atlántico y de la evapotranspiración de la vegetación. Está constituido por 17 islas grandes (sólo siete superan los 100 km2). el 76% del área amazónica está cubierta por tierras de baja fertilidad. lo que permite entender la importancia de la cubierta vegetal. puesto que allí vienen a descargar las masas de humedad que circulan en la cuenca amazónica. Orellana. es considerado uno de los hábitats vegetales y animales más ricos y complejos del mundo. el Ecuador ha creado varias reservas: el Parque Nacional Yasuní. La principal atracción es la vegetación en general. Morona (418 km). Las llanuras aluviales se ubican en las terrazas de los ríos principales y tienen grandes concentraciones de palma.400 km. con una gran variedad de flora y fauna. Presenta las características típicas del bosque tropical húmedo. Todos desembocan en el río Amazonas. Los Andes amazónicos están entre los lugares más lluviosos del mundo. entre otras. pero en la confluencia de los Andes. algunos de los cuales sobrepasan los 45 m de altura. la que al ser eliminada afectaría los regímenes de lluvias.Región Oriental o Amazónica La Amazonia ecuatoriana se extiende sobre un área de 131. Para conservar y proteger estas áreas. Morona Santiago y Zamora Chinchipe. El ecosistema amazónico. A pesar de los mitos. Tigre (563 km).200 km del continente. Esto quiere decir que el régimen hídrico de la Amazonía depende del 50% de su propio reciclaje interno. En toda la región se encuentran anchas llanuras y grandes valles aluviales atravesados por extensos ríos. el Jacaranda y varias plantas leguminosas. Todo el archipiélago tiene una extensión total de 8. Pastaza (643 km). La Cordillera de los Andes forma el límite occidental de esta región. La cuenca del Napo tiene una longitud de 1.000 km2 de exuberante vegetación propia de los bosques húmedos tropicales. en especial su bosque lluvioso tropical. riega 130 islas cubiertas de bosques.020 570 130 96 25 17 10 128 . Curaray (805 km). El extenso sistema de parques nacionales del Ecuador junto a las estaciones científicas y las áreas protegidas cubren cerca de 3 millones de hectáreas. Apenas el 24% presenta condiciones favorables para la agricultura. con temperaturas promediales de 25°C y una humedad ambiental del 90%. Napo. 23 islotes y más de cien pequeñas.500 mm anuales. sobre todo en las orillas de los ríos. y su ancho varía de uno a 5 km.

6 en la Costa. las corrientes marinas. Ecuador al tener costas al Océano Pacífico y las Islas Galápagos. 2007). cuenta con 24 gobiernos provinciales. es decir a la zona interceptada por los meridianos 84° 30' y 95o 30' de longitud occidental. Este es un recurso estratégico para las comunicaciones. Plataforma Continental La plataforma continental o Zócalo Submarino es la continuación del relieve continental por debajo de las aguas marinas hasta una profundidad aproximada de 200 metros. DIVISION POLÍTICO . En el interior de las islas no existen cursos de agua dulce importantes. Plataforma Continental. ante la perspectiva de la Segunda Guerra Mundial. Por esta razón. colocan sus satélites en determinadas órbitas que les permiten conocer todas las riquezas y recursos que existen en la región. como mar territorial y plataforma submarina. Los países de alta tecnología espacial. animales y plantas colonizaron los originales lechos de lava que hace millones de años formaban las Galápagos. en 1967 la Asamblea Constituyente aprobó el derecho que el país tiene a 323. 129 . 11 en la Sierra. una extensión de 200 millas náuticas (371 km). casi la totalidad del mundo habitado se podría intercomunicar por radio con sólo tres satélites colocados en esa órbita.000 km2 de territorio antártico. Ecuador comparte con once países en el mundo el privilegio de acceder a la órbita geoestacionaria. en la "Declaración de Panamá". el Ecuador tiene una proyección directa desde las Galápagos hasta Antártida. hicieron de este archipiélago uno de los más raros e importantes lugares de nuestro planeta. A partir de 1939. ejerce soberanía en el mar territorial y en la plataforma submarina. 395 parroquias urbanas. como de su exclusiva soberanía.ADMINISTRATIVA Ecuador a junio del 2008. Las islas emergieron del Océano Pacífico hace cinco millones de años como resultado de erupciones volcánicas submarinas. creadas sobre conos basálticos que descienden a 2. así como información de carácter físico. geográfico y militar. mamíferos que se encuentran exclusivamente en el archipiélago. 221 gobiernos municipales. El proceso de evolución. tanto en las costas continentales como en las del Archipiélago. Los organismos que sobrevivieron a la travesía evolucionaron hasta formar especies únicas en plantas. La organización política administrativa del estado ecuatoriano comprende: el régimen seccional autónomo y el régimen dependiente del Ejecutivo.000 volcanes muchos de ellos activos como el Wolf y el Alcedo. 6 en la Legión Amazónica y una en Galápagos. Mar Territorial. Arthur Clarke sugirió la posibilidad de colocar satélites artificiales en una órbita. solamente se encuentran pequeñas lagunas y manantiales. En noviembre de 1950. Presentan una orografía muy accidentada. el mayor es el Cerro Azul (1. reptiles. El Ecuador declaró también entonces. Administrativa y territorialmente el Ecuador se divide n 24 provincias. 778 parroquias rurales.000 m de profundidad. aves. Siguiendo diferentes "caminos" desde el continente hasta las islas. de esta forma. Órbita Geoestacionaria En 1945. el clima.689 m) en la isla Isabela. Existen más de 2.Las islas son de origen volcánico. el Ecuador adoptó el área de 200 millas como mar territorial y como plataforma continental a las tierras sumergidas contiguas al territorio continental hasta una profundidad de 200 metros. Derechos del Ecuador en la Antártida De acuerdo a tratados internacionales y en particular al sistema de los vectores polares en el Polo Sur propuesta por el brasileño De Castro. mediante decreto legislativo. los estados americanos adoptaron como zona de seguridad las 200 millas. Órbita Geoestacionario y Derechos del Ecuador en la Antártida. Por estas razones las Islas Galápagos son consideradas Patrimonio Natural de la Humanidad. (Instituto Geográfico Militar. con millares de cráteres y conos volcánicos. llena de elevaciones. por estar atravesado por la línea ecuatorial.

Nivel administrativo Provincia Cantón Parroquia Provincia Esmeraldas Manabí Guayas Santa Elena Los Ríos El oro Carchi Imbabura Sto.873 510.085 3.828 755.484 114.449 6.417 630.151 3. en pequeño grado en la costa.895 181.879 SIERRA 3.849 133.316 86. Vaquerizo Moreno.954 437. que domina buena parte de la sierra y la costa.987 1.138 167.702 691.Las provincias se subdividen en cantones y éstos a su vez en parroquias urbanas y rurales. 130 . En la nueva Constitución se realizaron cambios a esta forma de organización territorial. El Ecuador es uno de los países que cambia con relativa facilidad su estructura geopolítica.222 4. 8. principalmente en los centros urbanos.999 3.189 11.947 12.138 228.928 406. aunque nunca se han respetado sus derechos ni manifestaciones culturales que.537 77.262 263.Consejeros Municipio-Cabildo-Alcalde-Concejales Juntas parroquiales. Domingo de los Tsachilas Cotopaxi Tungurahua Bolívar Chimborazo Cañar Azuay Loja Sucumbíos Napo Orellana Pastaza Morona Santiago Zamora Chinchipe RÉGIMEN SECCIONAL AUTÓNOMO Organismo . En el oriente viven en las selvas y muchas comunidades casi no tienen contacto con la civilización de corte occidental.393. Cantones 8 22 25 3 13 14 6 6 1 7 9 7 10 7 15 16 29.669 8.556 REGION INSULAR Galápagos Pto.autoridad Consejo Provincial.575 15.148 5.742 N.068 23.010 Fuente: Instituto Geográfico Militar 2008. han sido asimiladas por los mestizos como parte de su identidad.691 166.755 408.875 10.591 23. en buena medida.790 4.331.928 7 6 4 4 12 9 3 PROVINCIAS DEL ECUADOR Superficie K2 COSTA 16. Capital Esmeraldas Portoviejo Guayaquil Santa Elena Babahoyo Machala Tulcán Ibarra Santo Domingo Latacunga Ambato Guaranda Riobamba Azogues Cuenca Loja ORIENTE Nueva Loja Tena Pto. Los grupos indígenas forman constitucionalmente parte del aparato administrativo y político del estado.696 6. Francisco Orellana Puyo Macas Zamora de 17.254 5.137 270.476 21. Nacionalidades Indígenas del Ecuador Las poblaciones indígenas se distribuyen sobre todo en la sierra y oriente y.721 98.607 620.110 Población 501.Presidente de la Junta.927 3.728 18.611 3.

El Ex-stituto Ecuatoriano de Reforma Agraria y Colonización. y la zona Sur. de oposición y complementariedad. Su población. aproximadamente. de las cuales las 83. El Poste. La Nacionalidad Chachi ocupa un territorio aproximado de 105. con estatutos legales. las demás han sido ocupadas por colonos. Rio Verde y Quinindé. que significa la verdadera gente. A los Tsa'chilas generalmente se les ha conocido como "colorados". en los cantones Esmeraldas. La lengua materna de la Nacionalidad Chachi es el Cha'palaa. uno de los grupos indígenas con mayor población en Colombia. 000 hectáreas. Aproximadamente son 2. al sur occidente de la provincia de Pichincha.000 hectáreas de las cuales actualmente solo cuentan con 9.640 habitantes distribuidos en 8 comunidades muy cercanas a la ciudad de Santo Domingo de los Colorados: Chiguilpe. debido a la atracción provocada en ellos por ¡as similitudes de esta región con el Chocó Ecuatoriano. gente. Las familias de 250 personas. les asignó 19. Su representación del universo se basa en un principio dual. a 128 kilómetros de Quito. En la zona Norte. piedras poseen espíritu. Nacionalidad Tsa ´chila La Nacionalidad Tsa'chila se encuentra ubicada en el Cantón Santo Domingo de los Colorados.194 habitantes que se encuentran distribuidos en 22. ser humano) conocidos también como Coayquer se ubican en el noroccidente del Ecuador. A pesar del intenso contacto con la sociedad mestiza. Inicialmente vivían dispersos al sur de Colombia y en el norte de Ecuador. Nacionalidad Awá Los Awá (hombre. pero en el que todo ocurre al revés.pequeños cultivos especialmente de plátano. Este pueblo ve amenazada su supervivencia por la presencia de la oncocercosis. conservan elementos culturales importantes que les da identidad. Eloy Alfaro y San Lorenzo. Tahuaza o Filomena Aguavil y Otongo Mapal. es de 2. en los cantones. combinada con actividades como la caza y la pesca. debido a la forma particular de peinarse y pintarse el cabello con achote.000 hectáreas corresponden a bosques primarios y secundarios con una gran riqueza forestal apetecida por las grandes industrias madereras. Cóngoma Grande. consideran que todos los seres humanos. en las orillas del río Cayapa. el universo está dividido en tres mundos: uno superior que sólo es conocido por quienes forman parte de la cultura. En el Ecuador son de presencia tardía. creen que irrespetarla puede provocar desgracias. Para los Chachis. Buha. Peripa. producto de un proceso migratorio que se produce en 1964 desde el Chocó Colombiano. un mundo intermedio habitado por los hombres y los espíritus. animales.Costa Nacionalidad Chachi Habitan el centro norte y sur de la provincia de Esmeraldas. La naturaleza es percibida como un sistema vivo y animado con una gran fuerza sagrada. cuentan con 457 familias distribuidas en 46 centros. quebradas. en el cantón Muisne. la zona Centro. Según estudios del PRODEPINE. entre los ríos Mira y San Juan de la provincia del Carchi. los Épera son una ramificación de los Eperara Sia (Embera). bipolar. Hoy viven un proceso de reagrupamiento y están ganando en identidad y sentido de pertenencia en el poblado Santa Rosa de los Epera junto al río Cayapas. consideran que los espíritus pueden ser masculinos o femeninos y tienen la facultad de causar el bien o provocar el mal.060 hectáreas. montes. particularmente en la provincia de Esmeraldas en condiciones de absoluta pobreza. Naranjos. y un mundo inferior que es la réplica del mundo intermedio. Su supervivencia está garantizada por la agricultura. en 1998. ríos. plantas. que es una enfermedad causada por la larva del mosquito "juro"y que produce ceguera. Nacionalidad Épera De acuerdo con su afinidad étnica y lingüística y sus puntos originarios de migración. apelativo rechazado por ellos que reivindican el nombre de Tsa'chilas. La base de su alimentación son los. como por ejemplo el tsa'fiqui (verdadera palabra) como lengua de su comunidad. la caza y la crianza de ganado vacuno. persona. 131 .

Los Manta .500 de posesión ancestral (no legalizadas). los Panzaleos y las comunidades más alejadas de los centros urbanos son las que mejor han mantenido su cultura. Montecristi. por ejemplo los indígenas de Zumbahua. En Cotopaxi. Montecristi. en la provincia del Guayas.Puná se encuentran en un proceso de reconstitución como pueblo y de precisión de su Identidad. una misma cosmovisión basada en la relación armónica entre el universo. Cañari. sufren un fuerte proceso de mestizaje. cada uno de ellos.pamama. con una variedad cultural. cantones Portoviejo. en una extensión de 515. Sierra Nacionalidad Kichua La nacionalidad Kichua es el resultado de un proceso de conquista de varios pueblos con diferentes características culturales. que les provee de alimento y de madera para la construcción de viviendas. Saraguro. La nacionalidad Kichua se halla situada a lo largo de la región interandina y está conformada por diversos grupos étnicos basados en relación de parentesco y una tradición cultural compartida. En Manabí. la tierra y el hombre (Pachacama. En Manabí. 24 de Mayo y Puerto López. Zámbizas.000 hectáreas de tierras legalizadas y 5. Quito. Se encuentran ubicados en la Costa Sur del Ecuador. Salasaca. El chontaduro es una de las especies más importantes para los Awá. cantones Portoviejo. Estos pueblos son: Otavalo. una lengua común. runa) y la división binaria de oposiciones (tierra-cielo. Waranka. cantones Santa Elena. y en San Lorenzo en la provincia de Esmeraldas. pero se hallan mezcladas con fiestas de origen católico. 24 de Mayo y Puerto López. los pueblos y comunidades que se mantienen se hallan localizados en los alrededores de la ciudad de Quito.Centros ubicados en Ecuador y Colombia: entre el rio San Juan y Mira en la provincia del Carchi. Jipijapa.38 has. que comparten un largo proceso histórico. Puruhá. Además de nacionalidades y pueblos existen también las comunidades. el Kichua fue adoptado como lengua materna por todos esos pueblos. En Imbabura se encuentran los pueblos: Otavalos. En 1982 el Estado les entregó los títulos de propiedad de las tierras. Los más importantes son los Kayambi. que se celebra a partir del 21 de junio. Manta. en las provincias de Manabí y Guayas. Natabuela. Cayambi. Playas y Guayaquil. conservan poco de su cultura tradicional. esta constituía por 13 pueblos. Su idioma es el castellano. Natabuelas y Caranquis. Una de las más importantes es la fiesta de San Juan. Kitu-Ka-ras. alto-bajo. y en Guayas. 132 .Huancavilca . Caranqui. 965. y que tiene a la comunidad como su centro de referencia para su sobrevivencia económica. Jipijapa. en la Península de Santa Elena. y en Guayas. Guayama. en la Península de Santa Elena. La base de su subsistencia está en la cacería. Su lengua es el Awapit. Panzaleo. Las principales fiestas indígenas de la provincia de Imbabura tienen orígenes prehispánicos. Moreta. cantones Santa Elena.Puná Se encuentran ubicados en la Costa Sur del Ecuador. la pesca y el cultivo de huertos especialmente de productos como la yuca y el plátano. Viven básicamente de la agricultura complementada con la cría de ovejas. o la fiesta del Inti Raimy o de las cosechas. Nacionalidad Manta – Huancavilca . ail . en las provincias de Manabí y Guayas. en 101. En la provincia de Pichincha. Esta nacionalidad está conformada por varios pueblos. cuyo idioma. La población indígena de la Sierra conforma una unidad que la identifica con la nacionalidad kichua. Manta. Guangaje. Chibuleo. frío-caliente) que organiza la relación entre el hombre y la naturaleza. social y cultural. en la mayor parte de casos toman el nombre del lugar en que habitan. Playas y Guayaquil.

Son alrededor de 80. Los indígenas acosados por esta situación. el producto principal es el maíz que es el cultivo más generalizado. Viven en las provincias de Sucumbíos. son pueblos que viven de la recolección. Colta. Pastaza al sur. han perdido parte de sus territorios y se han visto obligados a internarse en la selva o a convertirse en asalariados en situaciones muy desfavorables. perteneciente a la familia lingüística Kichua. Son migrantes que alimentan la población marginal de las ciudades. hoy los indios constituyen apenas el 30% de la población de la región. la base de su sustento es la agricultura. la explotación petrolera y la agricultura practicada por los colonos y las empresas agroindustriales y madereras contaminan el aire. Sasalaka que sobreviven con la agricultura y la práctica de algunas artesanías. En Cañar y Azuay se encuentran los pueblos Kañari y en Loja los Saraguro. Tradicionalmente han sido pueblos sometidos al abuso y la explotación. los Puruhá. Chibuleo. las estribaciones de la Cordillera y las fronteras de Colombia y Perú al este. los suelos. persona. pero a pesar de ello han logrado preservar su cultura e identidad. En Bolívar se encuentran algunas comunidades que toman el nombre de los lugares en que habitan. los principales pueblos y comunidades son: Salasakas. Cacha. Comunidades más cercanas a la capital de provincia como Pujili. En la actualidad esta situación se ha modificado. Muíalo han sufrido procesos de mestizaje más fuertes. Comparten igual tradición lingüistica y cultural con los Kichuas de la Sierra. Napo y Pastaza. además de colonos. pesca y de una incipiente agricultura itinerante. En Tungurahua. Las principales nacionalidades del Oriente son: Nacionalidad Kichua de la Amazonía La Nacionalidad Kichua de la Amazonia comprende dos pueblos que comparten una misma tradición lingüística y cultural: El Pueblo Napo-Quichua y el Pueblo Quichua del Pastaza o Canelo-Quichua. Simiatug. Los pueblos Kichua han sido sometidos a una fuerte y agresiva penetración ideológica y cultural de parte de la población blanco-mestiza. especialmente en el sur de la provincia de Morona Santiago y posteriormente en la década del 70 atraídos por la bonanza de la explotación petrolera en las provincias noroccidentales. Licto. Muchos de los indígenas igualmente se ven obligados a migrar a las ciudades. En el proceso de Reforma Agraria se entregaron tierras comunales en las zonas altas. formados en su mayor parte por indígenas de la Sierra. los ríos.Una buena parte de los indígenas de esta provincia mi-gran a las ciudades a incorporarse como trabajadores de la construcción. El uso y aprovechamiento del bosque constituye la base de su existencia con el que forman una unidad hombre-naturaleza. El idioma de la Nacionalidad Kichua del Oriente es el Runa Shimi. produciendo deterioro y disminuyendo sus posibilidades de vida. En general. así tenemos los Waranka. pasando a desempeñar una variedad de ocupaciones poco remunerativas.000. Píllaro. Defienden su derecho a autodenominarse como Runas que significa gente. En Chimborazo. son comunidades que estuvieron vinculados a las haciendas en calidad de huasipungueros. Los indígenas que habitan en la selva tienen características especiales. el 70% son colonos que emigraron a la región en la época en que se implementó la Ley de Fomento Agropecuario y Colonización. 133 . Constituyen mano de obra asalariada para trabajos agrícolas y de la construcción. Hasta la década del 50 la Amazonia estaba habitada principalmente por población indígena. Tienen problemas de tierras debido al avance de la colonización y penetración de empresas transnacionales de palma y té. caza. Amazonía En la amazonia ecuatoriana habitan varias nacionalidades indígenas. Saquisili. en la zona comprendida entre los ríos Putumayo y San Miguel al norte. sus tierras comunales en la mayor parte les han sido arrebatadas. Sin embargo.

Para ellos. la pesca y la recolección de frutos silvestres. Su subsistencia se basa en una agricultura itinerante. Su idioma es el Paicoca. la explotación petrolera. En la familia Cofán no existe una división rígida del trabajo. y. La esposa de Amasanga es Nunghuí la madre de la chacra o madre de la arcilla. Nacionalidad Al Cofán Se encuentran localizados a lo largo de los ríos Aguarico en la provincia de Sucumbíos. Se denominan así mismos como Ai que significa gente. el Callan Uras. Aguarico y Cuyabeno.En la actualidad la expansión de la colonización. basadas en la ceremonia de beber el yagé. obligándolos a incorporarse a la economía del país en forma muy desventajosa. complementada con productos obtenidos de la caza. Otra celebración importante tiene que ver con la maduración del chontaduro. como por ejemplo una buena parte de ellos adoptaron como su religión la evangélica. La cosmovisión Kichua reconoce diferentes tiempos: el Unai (tiempo mítico) remoto e indiferencia donde tienen su origen las conductas sociales. pesca y recolección de frutos. La ganadería y la agricultura intensiva les ha obligado a la sedentarización y han creado relaciones de dependencia de las instituciones de crédito. que les ayuda a alcanzar el poder y el conocimiento y es el medio para comunicarse con las fuerzas sobrenaturales. La acción del Instituto Lingüístico de Verano provocó profundos cambios culturales en este pueblo. Nacionalidades Siona . Entre sus prácticas ancestrales se encuentran las shamánicas. costumbres y el quichua como la lengua de la comunidad. ya que muchos de ellos deben emplearse como trabajadores de las empresas petroleras. La penetración de los colonos y la explotación petrolera les ha llevado a perder sus condiciones de vida. Actualmente su subsistencia se encuentra amenazada por la penetración de los colonos y la contaminación. El principal espíritu de la selva es Amasanga. complementada con caza. Su sustento básico es la horticultura. que les da un sentido de identidad cultural muy fuerte. Conservan sus vestidos tradicionales que son símbolos muy importantes de su identidad. prácticas de medicina tradicional. aunque muchos utilizan el vestuario occidental. y Shungui espíritu del agua. que marca la época de los primeros hombres (runas) y por lo tanto de la historia. han limitado el territorio de los quichuas. Los Kuichuas de la Amazonia mantienen en la actualidad su cosmovisión. el Cunan Uras (tiempo actual) que se remonta hasta donde alcanza la memoria. la mujer participa en todas las actividades. la agroindustria. conocido también como Sacha Runa. porque su territorio se redujo considerablemente y además fue fraccionado formando refugios en las zonas más alejadas y a veces inhóspitas de la selva. habitan en las orillas de los ríos Putumayo. La explotación petrolera afectó a todas las comunidades Cofán. Practican el culto al Yagé. 134 . Poseen 40 mil hectáreas legalizadas. Su idioma es el Aingae. aunque han modificado otras manifestaciones como su vestuario.Secoya Son alrededor de 700 personas. Los Secoya trabajaron en la limpieza de los campos y las construcciones para las compañías petroleras. Estos dos seres son los que trasmiten el conocimiento al hombre y la mujer. existe un mundo subterráneo llamado la casa de la tierra en donde viven los mortales y un mundo celestial. Son alrededor de 728 en el Ecuador y 200 en Colombia. prohibieron el uso del yagé que les servía para el mantenimiento de sus valores y comportamientos culturales.

Pastaza y Zamora Chinchipe. Están organizados en la ONAPE (Organización Andoa de Pastaza y el Ecuador) con Acuerdo ministerial N. (El Comercio D4. tienen como promedio cuatro usos distintos para cada planta. son nueve comunidades dispersas. Practican una agricultura itinerante. son 800 indígenas que poseen lengua y vestimenta propia.000. Están ubicados en las provincias de Orellana. Con la firma del Protocolo de Río de Janeiro en 1942 los dividió una parte de ellos quedó en territorio ecuatoriano y otra en Perú. Pastaza y Napo. así por ejemplo. Se encuentran entre los ríos Napo y Curaray. Nacionalidades Shuar . Nacionalidad Zápara Es el grupo de indígenas más pequeño de la Amazonia ecuatoriana. su nombre es Zapara que en su idioma significa "personas de los bosques" La historia de este pueblo es la historia de la devastación producida por el impacto de la cultura occidental. Actualmente se encuentran además en las provincias de Napo.Achuar Su idioma es el shuar chicham. Viven a orillas de los ríos Santiago. alcanzando una población según el Prodepine de 110. de los que se conoce muy poco. El conflicto entre Ecuador y Perú los dividió territorialmente. se conoce de otros grupos que se mantienen alejados o "no contactados" pero que pertenecen al mismo pueblo como son los Tagaeri y los Taromenani. son aproximadamente 3. Los Huaorani se han visto expulsados de su territorio y amenazadas las fuentes de su subsistencia debido a la explotación petrolera.000 hectáreas de selva virgen. ocupan la parte sur de la provincia de Pastaza. 135 . Aremano (Jandiayacu). mientras la mayor parte se quedó dentro de las fronteras del estado ecuatoriano. Ocupan las riberas de los ríos Pastaza y Bobonaza. Cuyacocha. Conocidos como záparos. y el nuevo asentamiento Akamaru. Están ubicados a 45 minutos desde el aeropuerto de Shell (Pastaza) por vía aérea. el este de Morona Santiago y Zamora Chinchipe. Nacionalidad Andoas Ubicados en Pastaza.000 habitantes.Nacionalidad Waorani Su idioma es el huao tiriro. el río cumplía un papel vital. Los Huaorani demuestran un profundo conocimiento de la selva. 269 del 9 de julio del 2003. los Huaorani adoraban al sol. de doscientas mil personas agrupadas en 39 diversos grupos que fueron a la llegada de los españoles. en las comunidades de Kuitza (Llanchamacocha). además de la caza y la pesca. Los aproximadamente 200 habitantes Zapara del Ecuador viven en una parte de la selva Amazónica de alta biodiversidad entre las cabeceras de los Ríos Conambo y Pindoyacu. Mazaraka (Mazara-mu). hoy un pequeño grupo ha quedado al otro lado de la frontera en Perú. La cultura de la nacionalidad Zapara del Ecuador y del Perú han sido reconocidos por parte de la UNESCO como Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad por sus tradiciones orales y otras manifestaciones culturales. En la antigüedad.) Nacionalidad Shiwiar Su idioma es el shiwiar-chicham. reunido en el Puyo. Su idioma es el záparo. cada familia posee varias parcelas que las cultivan en forma cíclica y alternada. el rio premiaba y castigaba. hoy sobreviven 200. Los Huaoranis no constituyen un grupo homogéneo. Se denominan así mismo Untsuri Shuar "gente de la montaña". Morona y Pastaza. en especial por la explotación de los caucheros. se encuentran ubicados al suroeste de la provincia de Pastaza. Ocupan un territorio de 100. otros al agua. Martes 11 de mayo del 2004. Fueron reconocidos como nacionalidad por el Parlamento Indio Amazónico el viernes 8 de mayo del 2004. No hay datos sobre el número de habitantes.

Los pueblos Shuar y Achuar se hallan étnicamente emparentados y conviven en territorios de Ecuador y Perú junto a otras etnias como la de los Aguaruna y los Huambisa del Perú. evangelización. afirman que el viento. Son los Taromenani y Tagaeri (desmembramiento de los Waorani). mientras que otros defienden la autodenominación de "Afroecuatorianos". Hoy se hallan sedentarizados lo que ha modificado en parte su sistema socio-cultural. que se ha traducido en colonización de sus territorios.identifican en relación a su color.Actualmente los Shuar disponen de un territorio de 718. Pueblos en situación de asentamiento voluntario En el territorio ecuatoriano viven al menos dos pueblos indígenas en situación de aislamiento voluntario. Son pueblos que se auto . comercio ilegal de madera y extracción de los recursos naturales no renovables. Su agricultura es itinerante. Son parte de este país muitiétnico y pluricultural y enriquecen la cultura nacional ecuatoriana. tiene como orígenes: el desembarco de un barco negrero en las costas de esta provincia en 1553.000 que están por legalizar. del tráfico de madera. los truenos. Población Negra La población negra se halla distribuida por todo el país aunque en un número reducido. La población negra del país.220 ha ya legalizadas y aproximadamente 150. según Declaración de la UNESCO en 1989. Pueblo negro de la Sierra Se encuentran ubicados en las provincias de Imbabura y Carchi. los Shuar se han visto empujados a ocupar tierras ribereñas y de selva baja en territorios vecinos. todos pertenecen a una misma familia lingüística con una población total de 80. es decir por el conjunto de familias de ascendencia afro-ecuatoriana que posee una cultura propia. que en su condición de pueblos originarios constituyen testimonio vivo de la cultura y patrimonio sociocultural tangible e intangible del Ecuador y de la humanidad. las de la cuenca del Río Mira en la provincia del Carchi y la provincia de Esmeraldas. quichuas y de algunos Wuaorani enemistados en sus territorios. colonos. y de las cuadrillas de esclavos traídos del sur de Colombia a los lavaderos de oro de los ríos Santiago. Las amenazas a su integridad física provienen además de la intervención petrolera. Los negros son un grupo étnico conformado por las Comunidades Negras. por ello se autodenominan "Negros". Es el grupo cultural más grande de la cuenca amazónica. la diosa de la madre tierra.000 personas. Viven en completa libertad en sus territorios de uso tradicional. en los Cantones: Ibarra. 136 . 1998). desprotección frente al avance de la civilización y el desarrollo. que pertenecen a los Achuar. las estrellas. que conserva conciencia de identidad que le distingue de otros grupos étnicos. Cuenca del Río Mira. la pesca ilegal en sus ríos y las incursiones de militares. Urcuquí. y en especial la de Esmeraldas. Como consecuencia de la expansión demográfica y los incontrolables procesos de colonización. Sus zonas de asentamiento tradicional son: el Valle del Chota en la provincia de Imbabura. los animales y las plantas son reencarnaciones de almas que existieron en el pasado. (PRODEPINE. que reinvidican sus orígenes ancestrales. Cotacachi. Salinas e Intag. en el denominado Valle del Chota. Pimampiro. pero en una situación de extrema fragilidad debido a su vulnerabilidad. Su cultura posee muchos mitos. Mira y Bolívar. Estos problemas afectan la interdependencia de los pueblos Tagaeri y Taromenani con su hábitat natural y ponen en riesgo la integridad de la biodíversidad y la conservación de gran parte del Parque Nacional Yasuní. que comparte una misma historia. Uimbí y Cachaví en la segunda mitad del siglo XVIII. Una de las figuras más sobresalientes es Nunkui. usan la técnica de roza y quema. con sus propias tradiciones y costumbres. Practican también la ganadería. reconocido como Reserva Mundial de la Biosfera.

la música y el baile. sus propiedades son traspasadas a los terratenientes locales que mantienen la esclavitud hasta 1852. de Dios.El Pueblo Negro del Chota tiene una población de 27. como Carpuela. Caldera y Chalgua-yaco. el valle del Chota. Durante la colonia.438 en la Cuenca del Río Mira. o Valle Sangriento ya que la población fue diezmada por las epidemias y el trabajo agotador en las grandes haciendas con plantaciones de caña. Es un tema de una gran complejidad.800 viven en el valle del Chota. de la Virgen y los Santos y donde moran el alma de los niños muertos y de las personas que en vida fueron buenas. de una lengua. cuando se decreta la Manumisión de esclavos. Así a inicios del siglo XX y con la Revolución liberal se impone un proyecto de nación ecuatoriana de carácter mestizo.000 habitantes. la católica. las de Santa Lucía. sobre todo en los primeros siglos los mestizos serán marginados y excluidos de la sociedad por ser considerados "no puros" y ocuparán los lugares más bajos de la sociedad. que se demuestra en los contenidos. no solamente es biológica es ante todo cultural. Una de las características originarias de los mestizos va a ser su ambigüedad. Población Mestiza La categoría mestizaje surge con la llegada de los europeos. españoles. Poco a poco se irán constituyendo en la clase media de la sociedad colonial. Pero la mezcla. constituidos por aquellos que desarrollan profesionales liberales o artesanos. Cuantitativamente cobran importancia a partir del siglo XVI. sus lenguas originarías se han extinguido. Los españoles serán aculturizados por los indígenas en el mundo de lo cotidiano. como se señala anteriormente. Chamanal. a una mezcla simbólica. Los indígenas tuvieron un proceso de aculturación desde el mundo español a través de la imposición de una religión. es la relación que tienen con la poesía. de allí que tienen una visión del universo en tres niveles: el cielo que es el espacio de las divinidades. pero también a una mezcla cultural. alude a la mezcla "racial" a uniones interétnicas en particular entre españoles e indígenas. El idioma del Pueblo Negro es el Castellano. La población negra mantiene una fuerte influencia de la iglesia católica en sus prácticas culturales. y en el Valle del Mira. en ocasiones se acercaran a lo blanco y otras a lo indígena. en el Valle del Chota. el castellano.624 en Intag y el Área Urbana. en los sonidos. y en la manera de construir o de tocar sus instrumentos. en la armonía del baile y el canto responsorial. no son blancos. Los denominados "blancos" o europeos mantendrán la superioridad racial. Para el periodo de la independencia los mestizos serán un sector importante de la sociedad. 137 .140 en Salinas. La situación de pobreza y explotación se ha mantenido durante el periodo republicano. de los cuales 7. según datos de PRODEPINE de 1998. 6. cuyos descendientes resultan ser los mestizos de antes y de hoy. de la convivencia. La Concepción y Guajara. pequeños comerciantes. pero tampoco son indígenas. el infierno o mundo subterráneo donde habitan las almas de los muertos y espíritus que no pudieron llegar al cielo. Con la expulsión de los Jesuítas (1767). de allí que esa zona sigue siendo una de las más pobres del país. La zona que habitan. la tierra que es el mundo del ser humano y de la naturaleza de la que depende su vida. algodón y viñeros que tenían los misioneros Jesuítas. La crisis demográfica de la población indígena y la necesidad de mano de obra llevó a que los Jesuitas introdujeran mano de obra de esclavos negros. y 8. que les permitió el control económico y social de la región y la apropiación de grandes haciendas y tierras de alta productividad. que será otro componente en la actual conformación étnica y social del Ecuador. La producción de coca y algodón que se daba en el Valle permitió una época de bonanza de los Señoríos asentados en la Cuenca del Río Chota-Mira en tiempos pre-hispánicos. antiguamente fue conocida como Coangue. al continente Americano. Posteriormente los españoles introdujeron cultivos de olivo y vid. 4. así como en la capacidad para improvisar sus coplas. cultural y espiritual durante varios siglos. y los Jesuítas el cultivo de caña. Un elemento importante de su cosmovisión y que evidencia sus raíces ancestrales africanas.

y será la basa fundamental de los partidos políticos llamados "modernos".un cierto tipo de música en aquella época.necesariamente tenemos que hablar de sonido organizado. cada colectividad ha producido un imaginario propio o compartido sobre lo que constituye el mestizo del siglo XXI. con un orgullo. en tanto constitución de la burocracia profesional que sostiene el Estado. Las Vegas. este está siendo rescatado. En las entrañas del barro. no es igual un mestizo del campo que de la ciudad. se siente y se vive como tal.000 años A. que los datos expuestos a continuación deben ser leídos y analizados tomando en cuenta esta perspectiva.más fuerza a este concepto convirtiéndolo en la festividad más importante del Tahuantinsuyo. 138 . porque a su interior hay una rica y variada diversidad. en donde han estado presentes en forma permanente la revalorización de "lo blanco" identificado primero como lo español. excepto un churo (caracol) junto a un esqueleto humano en las Vegas (Santa Elena). o aquella población del Ecuador que se autodefine étnicamente como mestiza. al interior de la población mestiza sucede lo mismo. tiene una cultura y una identidad propia. Pumas de proyectiles. que de Cuenca o Latacunga.En la actualidad en los procesos de modernización del Ecuador y de desarrollo del capitalismo este sector adquirirá un rol fundamental. son construcciones que la población realiza en base a una serie de condiciones que tienen una raíz histórica y social. pobre. dadas conquista inca le dio. ya que estos procesos de autopercepción. Los vestigios dejados por el antiguo hombre ecuatoriano datan de más de 12. pero propia en el sentido que toma valores. VISIÓN HISTÓRICO – SOCIAL DE LA MÚSICA ECUATORIANA LA MÚSICA INDÍGENA EN LA ÉPOCA PREHISPÁNICA. Población del Ecuador Según Autodefinición En el VI Censo de Población y V de Vivienda realizado por el Instituto Nacional de Estadísticas y Censos -INECen noviembre del 2001 por primera vez se preguntó a la población ecuatoriana sobre la forma en que se definía a sí misma desde el punto de vista étnico. en las ciudades en donde la población mestiza siente que sus orígenes españoles. sobre todo. Cosa similar sucedió con el mestizaje. rasgos culturales de sociedades occidentalizadas y de otras y las hace suyas. de la Casa de la Cultura Ecuatoriana y de otros centros que hacen de Quito y del Ecuador un emporio de arte y de cultura. aspecto que debe ser considerado con mucho cuidado. y que representa más del 75% de la población. simplemente se es mestizo. porque resulta todavía difícil. asumir una identidad que socialmente no es "valorada". para la mayor parte de la población. es revivir el pasado e imaginar a nuestros hombres y mujeres de antaño inmersos en la lucha diaria. Lo que mide el censo en este caso son las percepciones que la población tiene sobre sí. Cabe resalta que así como no se puede usar el genérico indígena para referirse a toda esta población. como atrasado. Carolina. C. de Quito o Guayaquil. en detrimento de "lo indio" y "lo negro" que fue considerado como inferior. por lo que -sin descartar. en sus apacibles labores. subdesarrollado. época del precerámico o paleoindio.. no así instrumentos musicales. luego europeo y hoy lo estadounidense. en su actividad siempre armónica con la naturaleza. que siendo una realidad nacional se identificó primero con su raíz española y solamente hoy con los procesos de revalorización de lo indígena. microlitos e instrumentos de trabajo se han hallado en los sitios del inga. De allí. indígenas o negros ya no es un tema sobre el cual crearse conflicto. Situación que es más visible. En general se puede señalar que los mestizos de hoy. de carácter occidentalizada (a veces identificándose con lo andino). lascas. una identidad y una cultura que puede ser mezcla de todo pero que la siente como propia. Bajo los términos mestizo o blanco se puede estar "escondiendo" una identidad que no se quiere asumir. Ángel Calvache Mora Recorrer los museos arqueológicos del Banco Central. pero representará también buena parte de la población ecuatoriana empobrecida. en sus intereses comunes. creará una ideología y una práctica política "propia".

Es imposible evitar tocar dos notas simultáneas a menos de que uno deliberadamente cubra ambos agujeros de un conducto”. ejecutando polifonías a tres voces (una flauta y dos votes femeninas). habían desarrollado y heredado de sus ancestros una alta cultura. Si todo el desprendimiento de esos hombres que más apreciaban la cosmología del mundo material fue arrojado a los homos. poseían unas rica cultura musical. nos da una visión cronológica de cómo aparecieron los instrumentos además una clasificación según el género. Las culturas precolombinas de Chorrera.. Guangala. con acabados y decoraciones primorosas y de inimaginable complejidad que resulta nada menos que imposible el imitarlos. Ej. desde los 3. sobre la cual los incas no ejercieron mayor influencia. Según datos históricos. la permanencia incaica en territorios del Reino de Quito fuere relativamente corta. las más bellas obras repujadas con el cincel de su constancia y delicadeza. Caraquez. que presenta el Banco Central del Ecuador en su libro “Instrumentos Musicales Prehispánicos del Ecuador” del autor Jaime Hidrovo Uriguen. utensilios y adornos son testimonio de una vida diáfana y de un ímpetu arrebatador para la conquista de anhelados sueños. Sabiduría que hoy podemos rememorar gracias a los tesoros arqueológicos descubiertos y con los cuales nos es fácil comprender que sus estatuillas. así como aquellos de la región costera oriental del Ecuador prehispánico. los más apreciados y recónditos secretos que con el maíz. La arqueología y la tradición oral-auditiva son las dos fuentes para el estudio de la música precolombina. En las entrañas del barro esta la cultura andina. Huancavilcas y otras poblaciones que habían desarrollado varias formas sociales de vida y que.500 años A. silbatos. C. Tolita. cada conducto con dos agujeros para lOS dedos. Uriguen divide la época Prehispánica en cinco periodos de desarrollo. donde se hallaron con varias comunidades indígenas tales corno los Mantas. Con esta cosmovisión descubrieron su mundo y con ella las técnicas de construcción de hermosas piezas de cerámica. También asegura haber escuchado una grabación de los indios Cofanes. Es importante indicar que los pueblos asentados en los Andes. Jama Cuaque.: Proyecto Multinacional de Artes. Valdivia. etc. con entradas a distinto tiempo y aunque no existen referencias tangibles también se ha pronunciado la posibilidad de que los indígenas poseían instrumentos de cuerda en su arsenal órgano lógico. Bahía. qué podía esperarse en relación a sus manifestaciones espirituales y artísticas. “una vos casi siempre imita a la otra formando un corto efecto canónico”. las ceremonias y los cantos de adoración al sol. época en la que algunos estudiosos enmarca a las primeras culturales ecuatorianas del Formativo Temprano (Valdivia). como lo demuestran ciertos vestigios. Para el estudio de la música en la etapa colonial se disponen de fuentes adicionales: la documentación escrita la documentación iconográfica’ de la primera se desprende que para 1526. los conquistadores ibéricos se acercaron y los territorios que hoy constituyen Perú y Ecuador.. Notándose que el material utilizado en las diferentes culturas predomina lo que les ofrecía el medio.De esta comunión del hombre con la tierra surgieron los ritos. que no fue comprendida por los españoles. como hijos que buscan sus raíces en los senos exuberantes de la madre. son claros testimonios de la sabiduría de nuestros antepasados. Medio (Machalilla) y Tardío (Chorrera). 139 . Ahí reposan los más complejos y elementales instrumentos musicales. sin incursionar a ellos sino hasta enero de 1531. Flautas pertenecientes a la cultura Bahía descritas así: “Hay dos conductos que son soplados desde la misma abertura. debido a que los españoles empezaron sus pruebas tangibles. Así mismo se ha comprobado que las mujeres de la parcialidad Shuar cantan a varias voces. En las costas esmeraldeñas dominaron el pueblo indígena de Coaque y posteriormente siguieron la marcha a lo largo de las costas de Manabí y Guayas. a la luna ya la tierra misma. hacen la armonía perfecta donde el hombre danza su realización plena. Los cronistas mencionan ciertos tipos de rabales y guitarrillas.

fitomorfas. pues por el momento es aún imposible conocer toda la dinámica de las culturas aborígenes. no existe posibilidad de sostener una teoría de escalas musicales basada en intervalos equidistantes. en las comarcas americanas se estableció una organización y administración política con características que ofrecía la España católica. El esquema impuesto por los conquistadores. como En la etapa colonial.500 D. uno de ellos fue precisamente la música religiosa. etc. El mestizo ocupa una jerarquía menor al español y al criollo (hijo de europeo nacido en América). En tanto que el mestizaje cultural. por lo que varios científicos han preferido llamar a los sitios estudiados en sus investigaciones con el nombre de fases (fase Chorrera. La de mayor representatividad fue la música religiosa. con el tiempo. qué sonidos se interpretaban?. En un principio.Si bien la arqueología ha podido recoger una pequeña fracción de lo que pudo haber existido. de igual manera a como actualmente los indígenas usan melodías ornamentales. sustentada por las subdivisiones “inferiores” configuradas por las mixturas étnicas. entre ellas la de los mestizos. estableció una posición social para cada grupo resultante. Fase Machalilla. qué función podían tener dentro de una festividad o ritual? De hecho son retos de la arqueología el reconstruir las culturas antiguas. fue sustituido por músicos profesionales. Los siglos XV y XVI marcan el esplendor de la música española. ya que es muy difícil establecer los objetos construidos en materiales perecedores. que sobre la música indígena se habían establecido.C. tal el caso de considerarla exclusivamente monódica. intérprete y compositor. Por los resultados que han arrojado las evidencias arqueológicas. muchos de los cuales eran criollos aún mestizos. que se sentó en los conventos y cuyo exponente fue el maestro de capilla: educador. se fue gestando en un proceso demás largo plazo. resultado de una casi infinita posibilidad de cruces que se dieron en América entre los tres grandes troncos raciales: el indígena. era jerárquico y fue configurado sobre los criterios de raigambre feudal provenientes de Europa. Se cree pues y esto ya fue preparado por Pedro Pablo Travesari en las primeras décadas del siglo presente que los microtonos eran usados a modo de ornamentaciones. soomorfas. Además. uno de los principales centros de difusión del pensamiento colonialista europeo. pero en la pirámide social si el mestizo tenía un rango menor que el criollo y el blanco. el orden social se estructuró en base a una división de castas. a través de diversos medios. Naturalmente el mestizaje étnico. tenía en cambio un rango más alto que el indígena. dan muestra del avance y tecnología que se utiliza en su construcción. itomorfas. catequizó y transmitió su ideología a los habitantes americanos. La iglesia. MÚSICA RELIGIOSA Después de la conquista.). Sin embargo. La cúspide de la pirámide era blanca. con detalles y formas antropomorfas. Sin embargo las investigaciones aún no dilucidan esa hipótesis.C. se pueden obtener sonidos musicales de una distancia de semitono e inclusive distancias más pequeñas. producto de la interacción de culturas. Las investigaciones efectuadas en los últimos diez años han obligado a replantear las conclusiones.. etc. 140 . el rescate de variados instrumentos musicales prehispánicos construidos en barro y cerámica. como aquella de la pentafonía como sistema musical indígena. produciéndose una sincretización de valores y pensamientos de una y otra culturas. sólo podía ser maestro de capilla un religioso ordenado que venía de España. Sin embargo hay que tomar en cuenta que los instrumentos musicales arqueológicos aún no dan respuesta a preguntas como quiénes los tocaban?.). sobre todo del periodo de Desarrollo Regional (500 A. fruto de la combinación racial. lo cual llevó a pensar inicialmente que los indígenas debieron hacer uso de sistemas microtonales en su música. al medir las distancias sonoras reales. según Charles Sigmund se verifica la existencia de instrumentos musicales dobles. De los innumerables instrumentos musicales de viento. el de procedencia europea y el de origen africano.

Bartolomé de las Casas proponía. Las expresiones artísticas logradas en siglos por los pueblos precolombinos no fueron apreciadas por la realeza europea. trabajo. Juan Santa Cruz ejecutaba. es posible observar como las culturas indígenas vinculan la música a cada una de sus actividades diarias. melodías e instrumentos indígenas. No es difícil pensar que. donde relata que uno de sus compañeros. la ritualidad y el pensamiento musical.ca. MESTIZAJE ÉTNICO Y CULTURAL Cascabeles a cambio de productos Posteriormente. el nacimiento y en la hora de la muerte. más tarde en los siguientes viajes españoles. La iglesia propició el ingreso de los instrumentos musicales europeos. costa y región andina (Quijos. 141 . de la modernidad y de las industrias que poco a poco cercenan su territorio y marginan . marcial. para evitar la usurpación por la fuerza. de una u otra forma luchan contra el influjo de patrones extraños. fúnebre. 1628 . el oro de los indios. Aún hoy. siembra y cosecha. guerreras. dolorosamente. pues ya en las crónicas de Indias se puede advertir la importancia de la música entre los indígenas. Femando Santillán. acompañaban a los españoles en sus campañas conquistadoras. Tungurahua. primer antepasado directo de la guitarra. sin piedad. que llegó a ser maestro de capilla. Probablemente Jodoco Ricke trajo consigo algún instrumento musical. o 10 hizo fabricar para la enseñanza de la música a los indígenas en el colegio San Andrés por 1535.sus costumbres culturales. presente en las ceremonias religiosas. Hecho que no es nuevo. en los crisoles desaparecieron las más extraordinarias creaciones del arte indígena. etc. tal el caso de la guitarra y los instrumentos de banda que ahora incluyen en su arsenal instrumental. 1610). De ahí que música y danza indígenas fueran muchas veces prohibidas por las autoridades religiosas católicas. 1620) y Manuel Blasco (ca.). Colorados. lúgubre. ávida de oro. Por eso es como se puede rescatar de los testimonios de los cronistas a oídos de los colonizadores la música indígena sonaba infernal. pero no menos cierto es que los instrumentos. los primeros instrumentos europeos que se escucharían a través de toda América serian la corneta y el tambor de guerra. adoptados desde entonces en las celebraciones y velorios. los rituales incluyen música con especiales características para cada celebración. Así lo testimonia Miguel Cabello Balboa en sus crónicas. De alguna manera la resistencia indígena ha logrado la sobre vivencia.El primer mestizo del que se tiene noticias. e incluso algunos instrumentos de uso ritual fueran destruidos. Otros instrumentos de pequeñas magnitudes corno la vigüela. siguen siendo transmitidos a sus hijos. de muchas celebraciones. LA COLONIA. Otros famosos representantes musicales fueron Gutiérrez Fernández Hidalgo (ca-1553-ca. a través de la tradición oral y auditiva. quienes serán los encargados de guardar el acervo musical indígena. presentes. en fríos lingotes únicamente tenían el lenguaje de la balanza. con ‘buena gracia” la vigüela. heredados de sus antepasados. fue Diego Lobato de Sosa Yarucpalla (ca. que los indígenas asimilaron la organología europea. 1538 . También. Shuaras. que pronto aprendieron a fabricar los artesanos mestizos e indios. impía. Ventajosamente no todo se perdió. en la campaña de la conquista en la provincia de Esmeraldas en 1577. cambiar por cascabeles y otras bagatelas. Indígenas de la región del Chimborazo.ca. etc. Cierto es que las comunicaciones indígenas del oriente. El Presidente de la Audiencia de Quito.1695). distribuía tamboriles y arpas en las comunidades indígenas como. quedando convertidas.

hasta finales del siglo XVIII. Pedro Gosseal de Luovain (flamencos). sacabuches. Ricke y Francisco Morales fundaron el Colegib San Juan de Evangelista. España tuvo su influjo musical a nivel religioso y popular. Sobrevivieron veintinueve inmensos libros de canto llano.Pero. que de acuerdo a testimonio de los cronistas. Muchas coplas. y si se empieza una búsqueda sistemática en los archivos extranjeros. Algunas de ellas fueron recogidas. trompetas. sobre todo ingresaban los hijos de los caciques. tuvo raíces distintas. La misma que. flautas. tecla cuerdas. que permitirían encontrar los libros de coros polifónicos que faltan en los archivos de la catedral de Quito. la contradanza. Los religiosos vieron que era más fácil la catequización si ponían los textos sagrados católicos en la lengua de los indígenas y. la manera de contar cifras de guarismo y castellano a leer y escribir y tañer los instrumentos de música. advierte que es posible encontrar la música religiosa de compositores del Ecuador colonial. entre las cuales estaban los cuatro libros de coro de motetes. creaban nuevos bailes para que los indígenas los ofrecieran a las imágenes católicas. ha llegado a constituirse en una clara manifestación musical con identidad propia. que en 1555 tomaría el nombre del Colegio de San Andrés. que han podido ser identificadas como la raigambre española. MÚSICA DEL PUEBLO ESPAÑOL EN AMÉRICA No solo la música religiosa tuvo su presencia en el nuevo mundo. abren una escuela para la educación de indios y españoles Dieciséis años después. copiados en pergamino. si se revisan los 50 y más pesados libros de coro que vio por 1960 en la Catedral. Sin embargo. canto.Primeras manifestaciones Mestizas (Siglos XVI – XVIII) En la ciudad de Quito. El sincretismo que se produjo entre la música española y la música indígena del Ecuador originó la música mestiza.Además se sabe que los religiosos. hacer yugos. en 1757. a quienes se les enseñaba a tocar órgano. funcionaba una escuela organizada por los franciscanos Fray Jodoco Rickey y Pedro Gosseai.. desde 1535. una serie de formas musicales europeas. habían desaparecido para siempre las colecciones mencionadas en 1734. 142 . fuentes de vidrio y de facistol que incluían cantos de órganos: 35 en el inventario de 1708 y solo 20 en el de 1754. por supuesto. entre otras disciplinas. en el siglo XIX. sobreviven hasta hoy. pues desde ese momento se comienzan a introducir en el continente americano. como textos de las culturas indígenas y mestizas.. flauta. se seleccionaban estudiantes entre varios pueblos de la región. en afán de sepultar la idolatría. por 1545. Stevenson. eran enseñadas a los indígenas de estas regiones. en 133 1. etc. obra en la que se pueden reconocer tanto canciones como textos de seguro origen ibérico. Allí se enseñó a los indígenas “a arar con bueyes. por el escritor Juan León Mera en su libro Cantares del Pueblo Ecuatoriano (1892). otros habían sido dispersados. es que se entregaron a los habitantes de la isla Guanahaní. en la cual se enseñaba. chirimías. En Quito. si a estos textos se los musicalizaba con melodías indígenas. Pedro Rodenas y Antonio Rodríguez (españoles). Lo que sí sabemos gracias a las anotaciones realizadas en el Diario de Navegación por el mismo Cristóbal Colón. el canto llano y órgano. el minuét. arado y carretas. También se introdujo un sinnúmero de canciones populares. ¿Trajeron algún instrumento musical los marineros que se embarcaron en el Puerto de palos de Moguer con Cristóbal Colón en su primer viaje a las “Indias”?. cornetas. ¿Lo hicieron Américo Vespucio u otros audaces navegantes de la época? No lo sabemos con certeza. música. en la actualidad el bien se reconoce. Los jóvenes indígenas fueron educados musicalmente por religiosos. INSTRUMENTOS MUSICALES. tal el caso del vals. sacabuches. las cuales servían antes para venerar a sus dioses. cuatro curas franciscanos: Jodoco Ricke de Molina. en otro de sus estudios. en el Convento de San Francisco. no españolas.

Para el año 1581 el colegio fue traspasado a los Agustinos. 143 . A nuestro tiempo. Los cambios que se fueron dando a través del tiempo se deben sobre todo. en la que se comprometían Diego Gutiérrez. Este tipo de expresiones musicales se vieron modificadas en su extensión y en su estructura general. indio de Latacunga. Manuel. Francisco Fraga. los principales difusores y maestros del dogma católico en los pueblos indígenas. Francisco Saldívar. quizá el músico mestizo más importante. figura como cantollanista y primer tenor de la iglesia de la Catedral de Quito. tuvieron por ayudantes a Juan Oña. Gran parte de la música mestiza tiene sus antecedentes en la música indígena y. etc. fue tomando características propias. para la enseñanza de canto. pero no se conocen los alcances educativos que tuvo en ese Jugar. escritura y tañido de flautas y chirimías. La finalidad principal de este “Colegio de indios” fue el adoctrinamiento a los hijos de los Caciques. arpistas. Pedro Ortia.En un documento manuscrito de 1817. En 1568 la Audiencia de Quito solicitó los nombres de los profesores del plantel para la distribución del presupuesto. Francia. para dirigir pequeñas escuelas de música en la capital. realizada por 1856 (publicada en Madrid en 1883). albazos y otros ritmos. generalmente de música popular eran publicadas en Quito. 1540-16 10). Juan Mitima. y de los mestizos Francisco Moran y Bernardo de Trejo. Antonio Fernández. por falta de pruebas documentales. en ciertos casos. para canto. y funcionó bajo el nombre de San Nicolás de Tolentino. De acuerdo con el musicólogo norteamericano Robert Stevenson. En los libros de cuentas también se pueden encontrar los nombres de los sacerdotes Diego Lobato de Sosa Yarucpalla (ca. interpretación y composición musical en el Colegio San Andrés. Entre sus discípulos se asienta a Juan Bastidas. violinista. Juan Martín Lorellana y Pedro de Zambiza. violinista y organista. Antes de ser fundado el primer conservatorio del país. todos los cuales habían aprendido música y canto en el Colegio San Andrés. Estos maestros de enseñanza ordinaria. probablemente en Cuenca y otras en el exterior Hamburgo. Mideros. Diego Guana. Se presentó una lista. también la música indígena y aquella creada e interpretada por mestizos. Varios libros de teoría musical.No sólo la música religiosa iba sufriendo ciertas modificaciones en América. que fue traído por los españoles en sus excursiones colonizadoras. órgano. que aún cuando no se ha podido hallar sus obras. que tocaban en compañía de los indios Juan Mitima. natural de Pizolí. en la música europea tal el caso de los fandangos. tal es el caso de Cristóbal. cantor. Luis Darmes. y una traducción al castellano de un libro de armonía de Fetis por Mario de la Torre. Históricamente se especula que el sanjuanito. indio natural de Quito. el decaimiento de la música polifónica en la Catedral de Quito “Desde 1708 en adelante. han llegado algunos nombres de indígenas y mestizos que se destacaron por sus habilidades en el canto. Miguel de la Zona. quienes seguirían después con la influencia que les daba el cacicazgo. para canto llano. Las partituras. Guayaquil. Juan de Campos. organista y cantante. Ignacio Miño. lectura. en l8l6y 1838 respectivamente. natural de Cotocollao. escritura y tañido de teclas y flautas. nativo de Guangopoio y Sancho. Hassuarek y otros. Se cuenta además con informaciones musicales del siglo XIX en los escritos viajeros como William Stevenson. Pedro Días. bajo la dirección de Fray de Obeso. En la guitarra se fueron adaptando los Sanjuanitos. se contrataron a los músicos extranjeros José Celles y Alejandro Sejers. Juan Bermejo. lectura y tañido de instrumentos. Checa. el danzante y el yaraví sean los primeros en tomar características mestizas. de quién Fray Reinaldo Lizárraga consideraba podía ser tiple en la capilla del Sumo Pontífice. Lima. es consignado como uno de los primeros compositores de la época. Holinski. nativo de Tanta. yaravíes. a la guitarra instrumento de probables raíces árabes. puede juzgarse por los inventarios de los libros. indio de Conocoto. La primera compilación pautada de música indígena y popular que se conoce es atribuida a Juan Agustín Guerrero.

“en vista de la decadencia de la música religiosa y popular”. la imposibilidad de realizar estudios comparados. etc. lo cual denota la falta de preocupación en las instituciones musicales y culturales por la preservación e investigación del pasado musical. arpa. principalmente. y después las bandas populares. para la subdirección y profesor de teoría y piano. el Conservatorio fue clausurado por falta de recursos económicos y por problemas políticos a los que se veía abocado el país. Tras veintitrés años de clausura. El 28 de febrero de 1870. fue estrenado en 1870 por banda militar. y. que estuvo entre 1861-1865 en estas instancias. el conservatorio fue reabierto por decreto ejecutivo del 26 de abril de 1900. Manuel Checa. cada año celebraban la fiesta en homenaje a la patrona de la música Sta.). son el mecanismo más importante de difusión y. formó una asociación de músicos. En la nómina de maestros constaban: Miguel Pérez y José Manuel Valdivieso. Manuel Jiménez flauta J. a medida que pasa el tiempo más complejo resulta en su totalidad el fenómeno del pensamiento musical y sus referentes históricos. Ópticas en el marco de la investigación científica Es inaplazable la multiplicación de estudios o investigaciones músicológicas. ya ha sido señalado por varios investigadores latinoamericanos. Incluso el Himno Nacional del Ecuador. así como imprescindible su difusión. nominado director del titular del establecimiento. Fueron contratados varios extranjeros para su formación y dirección. Se contrató al pianista y compositor ecuatoriano Juan Agustín Guerrero Toro. LA MÚSICA EN EL SIGLO XIX. actuó como director interino hasta la llegada del italiano Francisco Rosa. que evidentemente posibilitarían transformación y cambio en el desarrollo musical. en 1877. de composición musical. Juan Agustín Guerrero. se ha podido obtener muy pocas referencias de los compositores y su música. la dificultad de desarrollar un lenguaje propio en el campo históricoestético. en el gobierno liberal del General Eloy Alfaro. Se contrató músicos italianos para su dirección: Enrique Marconi. 144 . También determina. revisión de fuentes de una manera apropiada y su sistematización de terminan. recopilan. desconocimiento de los compositores y del repertorio nacional antiguo y moderno. se dictó el decreto correspondiente de fundación y el 3 de marzo empezó a funcionar.musical. casi todos ex-alumnos del conservatorio. El piano y la guitarra serian símbolo de la música de los sectores burgués y popular. organizar un conservatorio con Neumane en la dirección. en los cuales está la raigambre de la música mestiza. calcula que existían unos 120 pianos entre las distinguidas familias de la capital. y esto. La inauguración solemne se efectuó el 5 de Febrero de 1893 y después. Para 1892 el compositor Aparicio Córdova. A la muerte de Neumane (1871). pobreza en guías documentales (bibliográficas. La colonia es la etapa más oscura para la música en el Ecuador. en 1872. Muchos creadores adaptaron sus obras cuando no las creaban para nomenclatura musical bandistica. son entre otras las causas que han frenado la potencialidad de afianzar argumentos y conceptos científicos nuevos. quien dictaba las clases de piano indígenas. respectivamente. En los siglos XIX Y XX. Cecilia. hasta 1897 en que la sociedad se extinguió. pues. por ende. Felipe Vizcaíno y Manuel Jurado que enseñaban teoría musical. se decidió. En el siglo XIX las bandas militares. violinistas. Después de siete años de funcionamiento.CONSERVATORIO NACIONAL DE MÚSICA Al empezar el año 1870. cuando Gabriel García Moreno ocupaba la Presidencia de la República y aprovechando que el músico extranjero Antonio Neumane se hallaba en el país. El diplomático Friedrick Hassaurek. epistolarios. como es sabido. Lagotnarsino piano. La ausencia de trabajos de investigación. igualmente que de los anteriores. Aún no se ha podido localizar una sola obra de creadores ecuatorianos.

en la que se ha escrito las diversas fases. los esfuerzos actuales de investigación musical en el Ecuador.. Musicología: Crítica y estética. creando óperas. y Robert Stevenson: La música en Quito (1962). además se le atribuye la recolección de melodías indígenas y populares. Los creadores académicos presentaron ponencias sobre géneros europeos. pero más que sus edades nos regiremos por la interrelación existente entre maestros y discípulos. Las propuestas europeas de Stravinski y. publicada en 1928. atrajeron a músicos como Luis H. y si bien entendemos que sus aportes son de innegable validez Y reconocimiento. (1957). El estudio más importante de Moreno sin duda es la Historia de la Música en el Ecuador (inéditos dos de los tres tomos). (1951). publicada en dos volúmenes en París en 1925. basándose en la ponencia generacional. Creemos que como una eventual gula se podrían hacer las siguientes consideraciones al respecto: Antes de la llegada del compositor italiano Domingo Brescia (Director del Conservatorio de Quito. ajuste a nuestra realidad y necesidades. entre otros. de Luis Humberto Salgado (1903-1977): Música Vernácula Ecuatoriana. 1904. a una escuela metodológica que se. Salgado y Gustavo Salgado. pues el hecho musical es un proceso que continuamente se renueva y amplia y que necesita ser analizado desde continuas música indígena fue reconocido por algunos músicos desde comienzos de siglo (Pedro Pablo Traversari) y para 1936 las teorías del. historia. cuyo anexo incluye partituras de música popular e indígena. misas. la música ecuatoriana. Sixto Maria Duran Cárdenas (1875. sociología. seguramente se compusieron obras académicas con características nacionalistas. También son valiosos los trabajos históricos de Pedro Pablo Traversari Salazar (1874-1947). y sinfonías. Los compositores Juan Agustín Guerrero Toro (1818-1886) y Segundo Luis Moreno Andrade (1882-1972) son pilares principales en los que se sustenta la Historia escrita sobre la música de nuestro país. principalmente Schomberg. (inédito). De ahí deriva el problema de no contar con estudios analíticos consistentes acerca de la música. Francisco Salgado Ayala (1880-1970) y de Pedro y Pablo Traversari Salazar (1874-1956). filosofía. publicada en 1876. Síntesis Histórica de la Música Nacional Ecuatoriana. Sixto María Duran Cárdenas (1875-19473. Es a raíz de la que podría denominarse: Primera generación de músicos nacionalistas. través de sus Debido a la inexistencia de una tradición. a principios del actual siglo. en el país no se llegaron a establecer juicios conceptuales propios de aquella época. en lo que a formación musicológica se refiere y. Gabriel Cevallos: Intención y Paisaje de La Música Nacional Ecuatoriana (1943). Al Primero se debe la Música Ecuatoriana desde su origen hasta 1875. selección de artículos de periódicos que escribió desde 1912 en los diarios capitalinos sobre música ecuatoriana y universal. (1938). por ende. tienen valor los escritos históricos de Juan Pablo Muñoz Sanz (1898-1964). Gerardo Alzamora:. suites. representó al Ecuador en el Primer Festival de fa Sociedad de Compositores Contemporáneos. La músiques des Incas et ses survivances. su simbología. tenemos necesariamente que superar conceptos y alcances. quien ejerció un notable influjo en los músicos ecuatorianos.l972J. función.NACIONALISMO MUSICAL ECUATORIANO Queremos mencionar al grupo de compositores que activaron en el Nacionalismo. Resulta un tanto anticipado el establecer un cuadro definitivo de las distintas generaciones de músicos nacionalistas.También. El Arte en América o sea Historia del Arte Musical Latinoamericano. mexicano Julián Carrillo y su sonido 13 eran difundidas en nuestro país. sin embargo.1947): La Música Ecuatoriana. que es difundida a. y los aportes de los musicólogos extranjeros Raúl lacourt. etc. quienes comienzan a elaborar canciones y teoría musical nacionalista ecuatoriana. regiones y culturas de nuestro país. También se conoce que Ricardo Romero en 1941. cuyas partituras fueron publicadas por Marcos Jiménez de la Espada de Madrid (1883) con el título de yaravíes Quiteños. rapsodias y poemas sinfónicos ecuatorianos. manuscrito (1902). Francisco Salgado Ayala (1880-1970). tendencia de carácter social y estético que se venía produciendo desde el siglo XIX en otras latitudes del mundo. producto de estas propuestas la música popular de creadores académicos era de elaboración y desarrollo. 145 . historia. conformada por Segundo Liis Moreno Andrade (1882. así como eventualmente. en la gran mayoría de los casos se han realizado gracias a la buena voluntad de aficionados sin formación técnica en este campo.

por ello Segundo Luis Moreno empezó la recopilación de materiales musicales indígenas y seguidamente la elaboración de postulados nacionalistas. la misma que sirvió de paradigma para los nuevos pueblos en cuyo desarrollo existían faltantes de identidad y representatividad universal. por el influjo de los italianos que constituyeron el profesorado del Conservatorio. desde la mitad del siglo. Inés Jijón. cintas magnetofónicas. Aunque las generaciones de la segunda mitad del siglo veinte usaron estos recursos más que como un proyecto de desarrollo estético. El compositor italiano Domingo Brescia influyó notablemente en el sentido nacional de la creación. hasta el serialismo Shombergiano. Juan León Mera y Juan Agustín Guerrero son los primeros en reconocer los valores de la música popular indígena. Las obras de las nuevas generaciones de músicos ecuatorianos no necesariamente nacionalistas incluyeron recursos técnicos y tecnológicos vinculados a la electrónica. en busca de consolidar la tendencia que decidió llamarse “Música Contemporánea’. Algunos de los compositores de la generación que estamos destacando fueron Corsino Duran. de la cual son representantes: Arturo Rodas y Millón Estévez. Lógicamente en el Ecuador. Esta pléyade de compositores es además el pilar fundamental de la historia musical escrita. principalmente. Fruto de ello.1977). etc. Ángel Honorio Jiménez.La tecnología. Belisario Peña Ponce (1902-1959). ultrarnodemismo y las propuestas nacionalista religiosas. Ellos influyeron a su vea en los jóvenes exponentes cuya mayor representación está en la figura de Luis Gerardo Guevara Viteri (1930). incidió en los planteamientos estéticos y sociales. pues eran mecanismos sobradamente probados en otras latitudes. la inglesa. quien dictó unas charlas en 1916. El Romanticismo tuvo mucho que ver para el desarrollo de una teoría nacionalista. En esta generación se distinguen Luis Humberto Salgado Torres (1903. algunos músicos académicos ecuatorianos consideraban estrechos los márgenes que regían a la música tradicional y de avanzada que se producía en el país (recuérdese que Luis Humberto Salgado compuso obras seriales desde 1944). La segunda generación compuesta. Los rusos aportaron con su música nacionalista al mundo entero. austriaca. con acceso a la información cultural mundial. José Ignacio canelos Morales (1989-1957). hasta la primera década de nuestro siglo. técnicas musical de tradición y universal. estos planteamientos debían ser asimilados por los músicos académicos de la cultura mestiza. Gerardo Guevara en París se pone a tono con propuestas de renovación y de vanguardia de la composición. por corrientes nacionalistas que llegaron a conjugar en sus composiciones las propuestas hechas por la primera generación (expresar por una técnica clásico-romántica europea la dualidad indígena hispánica).difusión en nuestro país. De hecho también produce según ciertos criterios la continuidad del colonialismo cultural. Las últimas generaciones proyectaron sus composiciones dentro de un nacionalismo con cierta tendencia política y posiciones estéticas particulares. pero habrá que esperar se consoliden las propuestas de la música académica ecuatoriana. computadores. estos escritos fueron reforzados por el compositor peruano Alomia Robles. en el siglo XIX la italiana. fueron la española como primera fuente. Néstor Cueva. Se debe a ellos los principales trabajos históricos con los que cuenta la musicología ecuatoriana. En las actuales propuestas de la música académica se procuran sintetizar elementos musicales organológicos. tal el caso de Mesías Maiguashca. Es muy temprano para afirmar la existencia de un neonacionalismo. entre otros. También el uso de microtonalismos en la 2006. 146 . (1898-1964). Desde tiempos coloniales las músicas de mayor. ahora que nos acercamos al año escritos y de sus obras musicales. sobre todo como un recurso de experimentación. Juan Pablo Muñoz Sanz. tanto conceptualmente como musicalmente. video animación. tecnología. quien decide su partida al exterior en busca de nuevas y prometedoras fuentes en la composición.

el océano Pacífico. y. al sur quedaría delimitada. la región de Tumaco y los grupos indígenas de Barbacoas. Según el relato de Balboa. en el año 1553. en la zona interior. sus formas de organización. la provincia de Esmeraldas y la cuenca del Chota-Mira. a estos últimos. del misionero Miguel Cabello Balboa. el entorno físico y el medio social. por la región del curso alto del río Daule. Las Comunidades negras En el último lustro del siglo XX la población negra del Ecuador era de aproximadamente 700. En ambos sitios se ha mantenido reproduciendo su cultura. esta embarcación. En ella.COMPOSITORES ECUATORIANOS NACIONALISTAS I GENERACIÓN IV GENERACIÓN Milton Olger Estévez Báez Salvador Bustamante Celi Francisco Salgado Ayala Jacinto Freire Camacho Alberto Moreno Andrade Arturo Rodas Dávila Juan Pablo Muñoz Sanz Diego Fabián Luzuriaga Arias José Ignacio Canelos Morales Julio Femando Bueno Arévalo Segundo Luis Moreno Andrade Sixto María Duran Cárdenas Pedro Pabló Traversari Salaza II GENERACIÓN V GENERACIÓN Segundo Cueva Celi Carlos Efraín Gavela Mora Luis Humberto Salgado Torres Pedro Pablo Freire Camacho José Ricardo Becerra Lara Marcelo Boanerges Ruano Ángel Honorio Jiménez Coloma Guerrón María Inés Jijón Rojas Raúl Guillermo Garzón Guzmán Néstor Luis Cueva Negrete Willams Ernesto Panchi Culqui Corsino Duran Carrión Belisario Peña Ponce Juan Pablo Echeverría Terán III GENERACIÓN VI GENERACIÓN Carlos Galo Raúl Bonilla Chávez David Marcelo Beltrán Flores Enrique Espín Yépez Juan Esteban Cordero Espinoza Claudio Aizaga Yerovi Juan Esteban Valdano López Luis Gerardo Gevara Viteri Leonardo Arturo Cárdenas Mesías Decroly Maiguashca Palacios La cultura afroecuatoriana. La costa de Ataca-mes y la desembocadura del Esmeraldas estaba habitada por los campaces y niguas. con destino al Perú.000 personas. cayapas. permitió la huida de esclavos originarios de Guinea: 17 hombres y 6 mujeres. en respuesta a los retos que le han planteado la historia. valores. El naufragio frente a la costa de Esmeraldas. y al norte. el cronista presenta una reseña detallada del medio geográfico y de las etnias aborígenes de la región. por la cuenca del río Chone hasta la cadena montañosa de la Costa. en la ensenada de Portete. Esmeraldas: Negros. 147 . el cronista da testimonio sobre el naufragio de un barco procedente de Panamá. es decir. los grupos étnicos que ocupaban la región eran los campaces. En el siglo XVI. creencias. actitudes. por el curso del río Mira. propiedad de! sevillano Alonso Illescas. y se concentraba básicamente en dos espacios geográficos de asentamiento tradicional. en el área costera. transportaba mercaderías y negros para ser intercambiados por plata en el Perú. lachas. niguas y yumbos. patrones de conducta. técnicas e instrumentos. Zambos y Mulatos La primera información que se tiene sobre la población negra que se ubicó en la actual provincia de Esmeraldas se encuentra en la valiosa crónica Verdadera descripción y relación larga de la provincia y tierra de las Esmeraldas. matabas. Además de narrar el suceso que modificaría en pocos años la composición étnica de la zona de Esmeraldas. Cabello Balboa los sitúa en la bahía de San Mateo y el cabo Pasado. como límite occidental. En relación al escenario geográfico de la «provincia de las Esmeraldas». comienza definiendo la demarcación espacial: como frontera oriental señala los Andes.

religiosos y económico-comerciales. Durante la primera etapa. Alonso Illescas. ésta era una práctica generalizada dentro del sistema. El éxito alcanzado en las contiendas con los niguas y otros grupos. 148 . plátano y otras frutas) y pesqueros (mariscos y pescado. carácter misional. Alonso Illescas era un negro «ladino» -término que se aplicaba a los indígenas o a los negros que conocían el Evangelio y la lengua y la cultura españolas-. los esteros y la desembocadura de los ríos). en las riberas de los ríos y en las cuencas hidrográficas. como los campaces y cayapas. la definida por el contacto entre negros e indígenas. se le nombró gobernador de la provincia y se legitimó su autoridad. tenía como principal empeño la asimilación de las naciones mediante la política de reducciones. como complemento nutricional consumían carne de aves (pavas. Illescas obtuvo una respuesta oficial de la Audiencia a sus peticiones mediante las «Provisiones Reales». La sociedad negra esmeraldeña se fue conformando como resultado de esta interacción muitétnica. más tarde. En estos espacios existían diversos recursos minerales. movido por intereses militares. como se ha apuntado. recurriendo al elemento sorpresa y al uso de armas de fuego. La crónica señala el carácter belicoso de los aborígenes. permitió a los negros establecer alianzas con los indígenas a través del mestizaje. condición que le sirvió para obtener el reconocimiento de los aborígenes y. permitiéndole alcanzar el liderazgo de la comunidad negra en la región. que se realizó en dos etapas: primero. y más tarde. a quienes denomina «indios bravos» o «indios de guerra». En este documento el líder negro solicitó a las autoridades una ampliación de las mercedes concedidas en las «Provisiones Reales». las de. Panamá y Nueva España. cuando éstos penetraron en Esmeraldas. su condición de náufragos fugitivos con problemas de supervivencia mediatizó su acercamiento a otras etnias. zambos e indígenas bajo su autoridad. los negros usaron estrategias que se revelaron efectivas en el enfrentamiento con los aborígenes. para cuyo fin era necesario iniciar la pacificación y reducción de la nación de Esmeraldas. un negro. puercos monteses. pues además de «comer y beber ocupaban su tiempo en guerrear a sus vecinos. ocupar determinados territorios y afianzar su presencia en la región. pues el carácter agresivo y violento de las frecuentes incursiones militares dificultaba el mantenimiento de la comunidad negra libre. de la sociedad blanca. que se desarrollaron durante todo el período colonial hasta ¡a época de la Independencia. especialmente en lo relativo a la no tributación y al perdón general para negros. desde el siglo XVI hasta el XVIII. Con la llegada del misionero Cabello Balboa. Alonso Illescas y su grupo iniciaron las relaciones con la sociedad blanca. La conformación de la sociedad negra Una vez que el grupo de esclavos negros arribó a la provincia de Esmeraldas. por las cuales se le otorgó el perdón. que se hallaba entonces en vías de formación. Las expediciones de carácter militar tenían un marcado afán de exploración y conquista. que coincidieron con el final del siglo XVI y la década de 1620. dantas). que obtenían en la costa. emprendida por Andrés Contero en el año 1568. Alonso Illescas y la Carta de Libertad En el contexto de una expedición de tipo militar. perdices) y mamíferos (venados. Sus acciones estuvieron dirigidas por uno de los esclavos fugitivos. y pasaron a estar exentos del pago de tributos. La capacidad de Illescas en el manejo de asuntos políticos y negociaciones se evidenció aún más con la denominada «Carta de libertad». el contacto interétnico se dio entre los negros y los blancos. tenían como objetivo la apertura de una vía al mar que generase un comercio activo entre la Sierra y los mercados de Lima. y las de carácter económico-comercial. La intención del líder negro era poder llegar a un acuerdo con los españoles. quien había adoptado el nombre de su amo.Estos pueblos indígenas vivían hacia el interior. alentadas por la orden de la Merced. En la segunda etapa. en 1577. y se prolongaron desde 1560 hasta 1580. las autoridades de la Audiencia habían enviado a Contero a la región ante el interés demostrado por Illescas. Estas nuevas demandas fueron atendidas en 1600. agrícolas (yuca. era caracterizada por el encuentro entre negros y blancos. cuando Illescas y las autoridades de la Audiencia concluyeron un acuerdo por el cual los pobladores negros y zambos se convirtieron en vasallos del rey.

Estos acuerdos entre los negros y las autoridades coloniales supusieron. a su vez. en el ya quebrado barco habían venido. posesión y juramento de firme colaboración en !a reducción de la provincia y a estar al servicio de los proyectos viales propuestos por la sociedad blanca.] para que les ayudaran a buscar algo que comer [.quien.. por parte de la sociedad blanca. Documentos para la historia de la Audiencia de Quito. y cumpliese lo que vuestras reales cedulas contienen de diez años de libertad y a don Alonso de Ilescas ques como dicho tengo la llave de la gobernación que vuestra majestad le haga merced de hazelle governador de vuestros súbditos y naturales de la dicha gobernación y ansimesmo que si agora y en qualquier tiempo paresciere su amo y otra qualquier persona que contra su libertad biniere pidiendo no pueda ser preso ni sus bienes bendidos ni enajenados y hazlendo vuestra magestad estos daran la tierra llana y pacifica a vuestra magestad». los negros se comprometieron.] sacaron consigo a tierra diez y siete negros y seis negras [.Al mismo tiempo. lugar de residencia de Francisco Arobe. gestada por esclavos fugitivos al margen de la normatividad colonial. procuraron dar cobro a sus vidas [.. «Relación de lo sucedido i en la jornada de las Esmeraldas... El establecimiento de pueblos en Esmeraldas dependió del cumplimiento de las obligaciones adquiridas por las autoridades en los acuerdos establecidos con los negros. algo de lo mucho que tenían y visto no poder redimir la ropa. sin propósito ninguno de volver a servidumbre. Hacia el año 1600 ya se había fundado el «pueblo Nuevo de San Matheo o San Matheo de la Bahía». Dos hitos marcaron este proceso. y en ella se advierte que «las ansias y codicias tan desordenadas que han tenido en buscar oro y esmeraldas» fueron causa de la Imposibilidad de reducir estas tierras a favor de la Real Corona. a través de un documento denominado «Asiento. Con éste fin se celebraron ritos de acercamiento.' La reducción y el establecimiento de los primeros poblados El proceso de conversión y reducción de la población negra en Esmeraldas presentó un carácter particular. pudo hallarse doblando el cabo de San Francisco. La segunda parte dice así: «Pedían a vuestra magestad les hiziese merced a los negros y mulatos dalles y concedelles perdón general de todos y cualesquier delitos que contra vuestra corona rreal subditos y basados ubiesen cometido y adjuntamente con esta carta de libertad ansi a ellos como a sus hijos de que agora y en ningún tiempo a nadie tributasen y que los indios que saliesen de paz se las guardasen como la confirmación de les dirigentes de la comunidad negra. Pedro y Domingo. Fray Alonso de Espinoza. acto que se realizó en la iglesia del barrio indígena de San Blas. en una ensenada que se hace en aquella parte que llamamos el Portete. El objetivo del viaje era celebrar un encuentro con las autoridades coloniales. tenía dos hijos. desde 1583 hasta 1585». pusieron su cuidado en escapar si pudiese. pues no se ajustaba a la política general de reducciones establecida por la Corona en otros espacios de la Audiencia de Quito.] dejando el barco sobre un cable. tomado de José Rumazo González..... El primero. tomaron tierra en aquel lugar los marineros i y saltando a ella para descansar [. en 1600. los padrinos fueron autoridades civiles de la Audiencia. se levantó un viento y marea que le hizo venir a dar en los arrecifes de aquellas costas. La «Carta de libertad» consta de dos partes: la primera constituye una síntesis de las incursiones realizadas por la sociedad blanca a Esmeraldas durante cuarenta años. Mientras ellos en tierra. fue la marcha a Quito de los principales líderes de la región: Sebastián de Illescas (hijo de Alonso Illescas) y Francisco robe -hijo de Juan Mangache. El naufragio de los negros en Esmeraldas Pasados treinta días de navegación. El segundo hecho de importancia tiene que ver con la fundación de pueblos negros. El interés de esta ceremonia residía en iniciar relaciones de parentesco espiritual que sirvieran para reforzar la vigencia y funcionalidad de los vínculos existentes.] queriéndolo poner en efecto procuraron juntar a los negros los cuales y las negras se habían metido al monte adentro. el reconocimiento de una sociedad negra libre y autónoma. los que. 149 . a fin de ratificar los compromisos fijados en los acuerdos.

del 91 en Río Verde. Los índices de población negra presente en los cantones son del 96 por ciento en Eloy Alfaro. En función de la apertura de estas vías. uso de armas y actividades económicas. Maldonado (1890) y Concepción. lo que posibilitó reclutar varias parcialidades y forjar la unidad social bajo el liderazgo de los negros. del 71 en Esmeraldas. los negros fueron desarrollando su propia forma de vida bajo la influencia de formas culturales aborígenes. pues se dejó fuera de esta gobernación al asentamiento de los Illescas. Como parte del proceso de adaptación al medio socioeconómico y cultural. las uniones a través del matrimonio promovieron una red de relaciones sociales de parentesco por afinidad. Por otro lado.686 hombres y 149. 150 . A finales del siglo XIX se fundaron.Al segundo pueblo creado. del 70 en San Lorenzo. ubicado a 15 leguas de San Matheo. los ríos y esteros. la primera a través del eje Ibarra-rio Santiago. con cultivos generalizados de plátano. la provincia de Esmeraldas se halla dividida en siete cantones: Atacames. y la segunda por el río Esmeraldas. donde se formaban pueblos y rancherías compuestos por cinco o seis casas. Entre los indígenas y los negros. Cachaví y Huimbi. definido por el compadrazgo entre las autoridades de la Audiencia y los Illescas. hacía evidente el desconocimiento de los derechos adquiridos hasta el momento por los negros esmeraldeños. Según éstos. con el fin de habilitarlo al puerto en la bahía de Caráquez y asegurar su mantenimiento con el trabajo de los habitantes de aquella población.628 habitantes: 156. a conceder permisos para la construcción simultánea de dos vías hacia el mar. en el siglo XVII. se lo denominó San Martín de Campaces. En 1607 este pueblo fue trasladado al cabo Pasado. iniciaron procesos internos de negros libertos provenientes del valle del Chota y de Colombia. Eloy Alfaro. un nuevo proyecto vial propuesto por Pedro Vicente Maldonado y los representantes de los sectores productivos de la Sierra contempló otra vez la construcción de dos caminos por las mismas rutas establecidas un siglo atrás: el primero partía del pueblo de Nono hasta el río Esmeraldas. La permanente actitud de cooperación de los grupos negros. Río Verde y San Lorenzo. cuenta con 306. Obtenían su sustento en las márgenes de ríos y esteros. del 20 en Muisne y del 11 en Atacames.942 mujeres. Para el siglo XVIII. La nueva situación. se realizó la división jurisdiccional de la provincia. tenía como fin garantizar la autonomía y libertad alcanzadas hasta ese momento en la construcción de la comunidad negra. del 36 en Quinindé. ceremonias. caracterizada por las difíciles condiciones de trabajo impuestas por los encargados de abrir los caminos. en el río Santiago. como las relativas a ritos. Esmeraldas. cuya respuesta consistió en el paulatino abandono de los pueblos y el desplazamiento hacia el que era su hábitat tradicional. De acuerdo al censo poblacional de 1990. que tuvo como resultado la conformación de dos gobiernos: el de Esmeraldas y el de Caráquez. el encuentro con los indígenas y los blancos del grupo negro llegado a Esmeraldas en 1553 llevó a éste a poner en práctica estrategias de adaptación como el mestizaje y el parentesco. el del norte y el del sur. La acomodación a una nueva realidad Los primeros datos sobre las formas organizativas adoptadas por la comunidad negra para lograr subsistir constan en los relatos coloniales. de la ciudad de Ibarra hasta el río Santiago. Muisne. con la sociedad blanca se crearon vínculos por medio del parentesco espiritual. Proyectos viales y fundación de pueblos La creciente necesidad de la sociedad blanca por concretar una ruta entre la Sierra y la Costa que permitiera poner en marcha un proyecto comercial exportador llevó a la Corona. Entre las labores productivas propias de este patrón de residencia fluvial figuraba la agricultura. expresada en la reducción de pueblos y en las labores que realizaban como centinelas en la costa y canoeros en los ríos. Este hecho marcó la desarticulación del liderazgo negro en Esmeraldas. además de los negros traídos de Jamaica por el presidente Eloy Alfaro para construir el ferrocarril Quito-Guayaquil. Quinindé. con sus anejos Playa de Oro. el de Sebastián de Illescas. paralelo al proceso de mestizaje. En la actualidad. y tomando en cuenta la ubicación de los pueblos negros. diferenciación definida por el grado de vinculación a la sociedad blanca. Borbón (1886). el segundo. Con esta demarcación los dos asentamientos negros.

714 Rosa Zárate 25. se registra la presencia de los siguientes pueblos negros: La Tola.812 San Mateo 4.144 Pampanal de Bolívar 1. lo que produjo cambios significativos en la región.550 1. ubicados en los dos brazos que forma el río Santiago en su desembocadura.039 13.Para construir estas vías -objetivo que no se cumplió totalmente.976 3.009 Montalvo 4.058 1.761 3.784 Río Verde Camarones 3. Comité de Gestión de los Pueblos Indios y Negros del Ecuador.328 Viche 3.598 San Gregorio 4.583 Fuente.089 San Lorenzo Ancón 1.700 4. En Esmeraldas. el barón de Carondelet.040 2.995 1.280 2.761 Lagarto 4.011 Mataje 657 657 Santa Rita 922 922 Tambillo 1.708 Tachina 3.751 Coronel Carlos Concha 2.724 1.910 Majua 3. para el siglo XVIII. Atacames La unión 2. lo que derivó en el despoblamiento total de Limones. 2007.727 Súa 2.498 1.944 San José de Chamanga 3.632 447 Eloy Alfaro Anchayacu 1.516 Chontaduro 3.546 Esmeraldas (periferia) 2.550 Selva Alegre 752 752 Telembí 2.122 1. Ante la coerción de que fueron objeto en el curso de los trabajos viales.636 Chumunde 4.976 Luis Vargas Torres 237 237 Maldonado 1. con el proyecto vial propuesto por el presidente de la Audiencia.468 Timbiré 646 646 Valdez (Limones) 1. 151 .515 1.011 2. se conformaron dos nuevos poblados: Malbucho y Carondelet.432 Rocafuerte 5.306 346 Tonchigüe 5.227 982 Esmeraldas Chinca 5.186 3.119 3.281 320 Tulubí 942 942 Urbina 1. zambos y mulatos) los abandonaron paulatinamente.515 Atahualpa 672 672 Borbón 4. Nota.861 1.330 1.707 4.922 2.070 San Francisco de Onzole 1.009 4.058 Santo Domingo de Onzole 1.610 2.144 1.349 Tabiazo 3. Últimos datos disponibles.189 1. San Matheo de Esmeraldas (situado en la boca del río Esmeraldas].330 San José de Cayapas 1.296 Vuelta Larga 20. Entre los nuevos asentamientos figuraban La Tola y Limones.050 3. En 1804.653 Colón Eloy del María 813 805 La Tola 3. Mimeo.083 3. POBLACIÓN NEGRA EN LA PROVINCIA DE ESMERALDAS POBLACIÓN CANTONES PARROQUIAS TOTAL NEGRA.707 Río Verde 4.145 2.Maldonado fundó nuevos pueblos.547 15. La Canoa o Cabo Pasado y Atacames. estimuló la colonización de la provincia y movilizó a las etnias a sitios donde podían estar al servicio del plan vial.085 771 Quinindé Malimpia 12.583 1.164 Calderón 276 273 Carondelet 899 899 Concepción 2.025 Muisne San Francisco 3.253 2.468 2.209 1.164 1. los habitantes de estos pueblos (indígenas.

los negros se encontraron unidos a ocupaciones económicas no tradicionales. Estas nuevas actividades hicieron de los ingresos monetarios la base de la reproducción de la unidad familiar. especialmente gracias a la intensa migración procedente de tierras de la Colombia actual. Santiago.y al cultivo del banano. Iscuandé y Tumaco.El Poblamiento negro hasta hoy En el siglo XIX. en las riberas de los ríos y esteros. tagua. La unión de dos personas no necesita ser legitimada a través del matrimonio. Cayapas. Playa de Oro. en donde se conformó un distrito minero. vinculada al tipo de asentamiento ribereño tradicional. desde su constitución. adopta formas diferentes: dos mujeres que residen en una misma casa. las cuales. de dar y recibir facilitan el control del hábitat. En el asentamiento mareño. el papel que la familia desempeña dentro de la organización social es importante. que se inició a partir de 1750 con el traslado de cuadrillas de esclavos al río Santiago. las tías. según el censo de 1825. establecidos por mutuo acuerdo. las formas de compartir. que viven en casas separadas en el mismo pueblo o que viven en pueblos diferentes. junto al mar. desde la familia monógama a la polígama. caseríos y poblados. dentro de los asentamientos ribereños. con sus anejos Playa de Oro. A finales del siglo XIX se fundaron. La unión de los familiares constituye una estrategia de supervivencia. que determinan la convivencia y su reconocimiento. en el río Santiago. sino también en medio del bosque o de! monte. La Tola y Carondelet. resultan funcionales al encontrarse asentadas a lo largo de un río. cacao y madera. Pues la reciprocidad. Concepción. Cachavi y Huimbi. El bosque y los ríos proveen además de varios recursos para la supervivencia: animales. y otro. Cayapas. Río Verde. en la cual todas las actividades vitales giran en torno a la figura femenina: la madre. peces y madera. Entre los ríos importantes de la zona norte -Bogotá. 152 . En el río Santiago se hallan pueblos como Angostura. ahijados) posibilita la multiplicación de lazos de parentesco que engendran solidaridad social. como la recolección de productos de exportación -oro. Selva Alegre y Maldonado. En los asentamientos ribereños actuales. En la actualidad. Cachaví. amigos. Organización social y subsistencia A lo largo de la época colonial. maíz. como Barbacoas. A pesar de ello. caucho. Maldonado (1890) y Concepción. En el caso de San Lorenzo y de otros pueblos esmeraldeños. Esmeraldas contaba con 2. Esta realidad explica que la organización familiar determinante en la población negra sea la matrifocal. yuca o arroz. puede pasar por diversas fases. aunque no habite en ella regularmente.se ubican recintos. compadres. Borbón(1886). aves. las tierras de cultivo no sólo están en el margen del río. El hecho de mantener vínculos permanentes con los parientes (tíos.799 habitantes. pues los poblados se encuentran cerca de los centros urbanos y de abastecimiento de alimentos. Las condiciones de aislamiento entre los diversos poblados dispersos en las riberas de los ríos han llevado a los negros a utilizar el parentesco (uno de los principales componentes de la cultura negra] para establecer contactos con otros grupos en un proceso de socialización continuo. Atacames. plantas. la abuela. A esta migración se sumaron los negros libertos provenientes del Valle del Chota y de Colombia. primos. Una familia. el cual previamente se desmonta para sembrar plátano. Con motivo de la incorporación de Esmeraldas al mercado externo durante los siglos XIX y XX. las distancias entre os caseríos y los principales centros poblados han acuitado la pervivencia de cierta cohesión cultural. Onzole. las dificultades que presenta el hábitat son menores. existen otros códigos. El lavado de oro en las cabeceras de los ríos es una actividad adicional de la población. El aparecimiento de nuevos poblados negros respondía al crecimiento demográfico que experimentó la región. La poligamia serial se refiere a la formación de varias familias. además de los negros traídos de Jamaica por el presidente Eloy Alfaro para construir el ferrocarril Quito – Guayaquil. Si el hombre cumple con el papel de padre y esposo puede ser reconocido como jefe de la casa. No existen problemas de aislamiento y movilidad. distribuidos en los siguientes poblados: Esmeraldas. la organización socioproductiva descrita se mantuvo hasta el punto de que aún hoy se evidencia en Esmeraldas la presencia de dos patrones de asentamiento poblacional: uno.

La pesca es para las familias una fuente primaria de alimentación y, mediante la comercialización del producto de esta actividad, de ingresos económicos. Complementan su subsistencia los cultivos de sus parcelas y los salarios obtenidos como jornaleros en las haciendas de la zona. Religiosidad popular en la comunidad afroesmeraldeña La religiosidad popular afroesmeraldeña, expresada a través de las creencias, valores y complejos sistemas simbólicos, es producto de la experiencia histórica; de allí que sus ritos y formas de celebración sean el resultado de elementos religiosos provenientes de los negros, indígenas y blancos. El universo religioso de los negros, la concepción de la muerte y de lo divino y la importancia de los ritos deben ser entendidos en el contexto de su cosmovisión. Dentro de la cosmovisión actual de los negros, el cosmos es un espacio en donde se distinguen dos niveles: el primero, conformado por el poblado y la casa, y el segundo, por el cielo o el infierno. Entre estos dos niveles se encuentran la selva, los ríos, el manglar, malas Las comunidades negras. En estos espacios confluyen elementos sagrados y religiosos; sin embargo, los hombres pueden tener control del mundo religioso del poblado a través de los rituales. La muerte y la vida forman parte de un mismo universo. La muerte no es un concepto fatalista, pues con ella existe continuidad de la vida en el más allá; es un paso a otra forma de existencia. Quien muere debe encontrar un sitio permanente, con la ayuda de parientes y amigos; mientras esto no sucede, el muerto está en permanente comunicación con los vivos. En cuanto a la divinidad, está presente la concepción cristiana. El cielo es la morada de Dios, la Virgen, ¡os santos y las almas buenas; el infierno alberga al demonio, los espíritus malignos y las almas condenadas. Paralela a esta creencia, discurre otra, de tipo popular, relacionada con la existencia de personajes míticos, como por ejemplo la Tunda, el Duende o el Riviel, cuyas acciones pueden perjudicar a los seres humanos. Los rituales religiosos, en tanto que manifestaciones de lo sagrado y cielos aspectos importantes de la vida de la comunidad, son de gran significado. Entre las ceremonias generalizadas se cuentan los ritos funerarios, la fiesta de los santos, la Navidad, la Semana Santa, y la fiesta de los Reyes. La celebración de las fiestas constituye una oportunidad para estrechar lazos entre los miembros de la comunidad, en función de la cohesión social. Además, son momentos de libertad que rompen la rutina, que ausentan los problemas propios de la cotidianidad, como la pobreza las enfermedades o el desempleo. Ritos funerarios: chigualos y alabados. La comunidad comparte tanto los nacimientos como la muerte. Cuando alguien de la familia muere, los parientes y amigos se reúnen en la casa del difunto para celebrar el velorio. Los ritos mortuorios cambian según el difunto sea niño o adulto. Los actos que tienen relación con la muerte de un niño tienen carácter festivo, pues el alma del pequeño va al cielo. Gracias al encuentro con Dios, la Virgen, los santos y Jesús podrá interceder por sus familiares; los niños se convierten en espíritus que ayudan a los seres que aún permanecen en la tierra. El velorio de un niño se celebra al día siguiente de su muerte. La madre, algunos parientes y la madrina lavan el cuerpo del niño y lo visten; luego lo colocan en el cuarto principal de ¡a vivienda, encima de una mesa adornada con flores e imágenes de la Virgen, Jesús y los santos. Parte fundamental del ritual es la presencia de músicos, como los bomberos y cununeros, además de cantadoras o rezadoras, encargadas de entonar los chigualos o arrullos. Éstos son cantos alegres que se acompañan con instrumentos como el bombo, el cununo, las maracas y el guasa; una mujer hace de solista y las demás, que conforman el coro, repiten un estribillo Estos cantos duran toda la noche, en el transcurso de la cual se sirve aguardiente y café. Los chigualos o arrullos simbolizan la entrada del alma del niño a la gloria, y sus letras hacen referencia al niño, a Dios, a la Virgen o a los santos. A través de las coplas dedicadas a la divinidad o a los personajes sagrados se envían las lamentaciones de los vivos.

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A diferencia de la alegría que acompaña el velorio de un niño, el temor y la tristeza prevalecen en el caso de la muerte de un adulto, puesto que es probable que éste, antes de ir al cielo, pague sus culpas en el purgatorio, e incluso cabe la posibilidad de que vaya al infierno. La realización del velorio de un adulto queda a cargo de sus parientes más cercanos; los hombres elaboran la caja mientras las mujeres preparan el cadáver y lo colocan sobre una mesa. En el transcurso del velorio, las puertas y ventanas deben permanecer abiertas para que el alma del difunto pueda moverse libremente. Los personajes principales del velorio son las rezanderas, mujeres ancianas que conducen la ceremonia y organizan los rezos y cantos denominados alabados, cuyas letras hacen referencia a la muerte o a la preocupación por el alma del difunto, y no cuentan con acompañamiento musical. Se denomina «alabado» tanto a cada canción como al ritual en su conjunto. Al día siguiente del entierro del difunto, sus parientes más cercanos inician la novena, que consiste en reunirse en la casa del fallecido durante nueve noches, a fin de rezar por el alma del un hombre muere en el pecado, por ejemplo en una pelea con otro -en cuyo caso habría muerto con mucho calor- es probable que [su alma] no partirá sin problemas. En este caso, se hace una ceremonia que se llama la tumba. Los hombres construyen peldaños hasta una altura de más de un metro, y colocan cuatro postes con una altura de un metro y medio alrededor de los peldaños. Las mujeres colocan una sábana sobre este arreglo, y también se pone papel negro en la forma de una cruz sobre los peldaños, con la base de la cruz hacia la puerta. Se colocan velas en las cuatro esquinas del arreglo. Todas las otras luces se apagan, y el alma entra en el espacio cubierto por la sábana. Todo el espacio dentro de la sábana se llama la tumba. La gente forma dos filas que van entre la puerta de la casa hasta el frente de la tumba, a ver al muerto y ayudar en su partida. El último día se realiza el novenario: se construye un altar adornado con velas e imágenes de santos, en donde se ubica un ataúd que simboliza la presencia del difunto; luego de la medianoche se cantan alabados y se inicia la despedida final. A partir de este momento el ambiente de la reunión es muy distinto, puesto que el alma del muerto ya se halla ausente, y es posible pasar de la tristeza a la alegría a través del relato de cuentos y chistes, que se prolonga hasta el amanecer. Los hombres se ponen por un lado y las mujeres por otro. El espacio que queda entre las dos filas de personas se llama «el callejón». Se cierran todas las ventanas. La persona que organizó la ceremonia camina al frente de la tumba; apaga las velas soplándolas, deja la sala en completa oscuridad, y después saca la cruz negra de papel de los peldaños, así esforzando que el alma, como espíritu, saiga de la tumba y entre al callejón. Ahora todos cantan juntos: Te vas y me dejas, sólito con Dios /Adiós, primo hermano. El alma sale del callejón con un ruido fantasmagórico, sale por la puerta y llega al Purgatorio o al Infierno. Algunos lloran con el sonido del espíritu que parte; otras gritan, no llore, no llore, tengan valor, él sale bien. Norman E. Whitten, Jr., Pioneros negros. La cultura afrolatinoamericana del Ecuador y de Colombia. La cultura Musical afroecuatoriana En la actualidad, los ritos funerarios con «alabados» y «chigualos» tienen mayor vigencia en los poblados rurales, especialmente en la zona norte. La finalidad de esta celebración es garantizar la vida del alma en el más allá y la de aquellos que quedan en la tierra, pues frente al hecho de la muerte existe la necesidad de reafirmación de la vida. La fiesta de los santos y el arrullo Dentro del calendario religioso de la población negra, la fiesta de los santos es el rito más importante. Los santos y las vírgenes son aliados de los hombres y desempeñan un papel mediador ante Dios, están integrados en la vida cotidiana y se establecen relaciones personalizadas con ellos. A los santos, por ser parte de la comunidad, se les puede hacer peticiones: pueden proteger de las enfermedades y de los malos espíritus, ayudar en lo relativo al trabajo y al amor, y propiciar la buena suerte; por ello son homenajeados con fiestas en donde el arrullo es el rito fundamental. Entre los santos más celebrados en toda la provincia de Esmeraldas destacan san Antonio y san

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José. Otros santos son objeto de especial devoción a nivel local, como san Vicente, en Carondelet; san Martín de Porres, en La Tolita, y san Jacinto de Yaguachi, en Lagarto. Previamente a la iniciación del arrullo de algún santo, en una casa particular o en la casa comunal del poblado se levanta un altar con la imagen de aquél, como símbolo de su presencia material. En un poblado ribereño, por ejemplo, se adorna una balsa para el paseo del santo o de la Virgen. En el desarrollo de la fiesta del santo o de la Virgen están presentes músicos, bomberos y cununeros; las cantadoras, acompañadas por las maracas y el guasa, interpretan los arrullos. La ceremonia comienza con las peticiones al santo, y continúa con cantos o arrullos que son interpretados alternadamente por una solista y el coro de mujeres. Sólo las mujeres son las beneficiadas por los favores del santo; los hombres, que participan del arrullo bebiendo aguardiente y guarapo, también pueden solicitar sus favores, pero por intermedio de las mujeres. Junto a estas fiestas se deben incluir las de las vírgenes, cuya forma de celebración no difiere de las de los santos. Entre ellas se cuentan las de las vírgenes del Carmen, de las Mercedes, de las Lajas y del Rosario. La cercanía y familiaridad que caracterizan la relación del creyente con las vírgenes se expresan en el nombre que se les da, como Carmela o Mercedes. Navidad y el arrullo al Niño Dios La fiesta de la Navidad es la más generalizada en la provincia y se lleva a cabo en las zonas urbanas y rurales. En los barrios de Esmeraldas la fiesta se asemeja a la celebración establecida por la Iglesia católica. En la zona norte se celebra de acuerdo con la forma tradicional: se denomina «arrullo al Niño Dios» y tiene la misma estructura que la fiesta de los santos. Existen fiesteros encargados de la organización del arrullo. Los altares de los santos se reemplazan por pesebres levantados en diversas casas, en parques y en la iglesia; la gente acude a la novena, en donde se reza y arrulla al Niño cada noche, hasta el 24 de diciembre. En la actualidad, en ciertos poblados como La Tola, se acostumbra a arrullar al Niño en la iglesia únicamente la noche del 24 al 25 de diciembre. En este ceremonial, cantadoras y músicos amanecen, animados por el aguardiente que comparten en los momentos de descanso. Semana Santa Las formas específicas de ccelebración de esta festividad dependen de la zona, pero existen elementos comunes en toda la provincia. En los poblados ribereños del norte, como Guimbí, Telembí o Playa de Oro, la ceremonia mantiene la forma tradicional de celebración, que consiste en la representación teatral del hecho histórico: la pasión, muerte y resurrección de Jesucristo. Los habitantes del lugar tienen una participación activa: deben asumir un papel o un cargo dentro del poblado, el cual deben interpretar según las reglas previamente establecidas. En el desarrollo de la festividad es importante la presencia de músicos y «rezanderos», que conducen las oraciones y los cánticos durante la procesión. Para el día de Gloria o Resurrección se tocan bombos, cununos y marimbas en una fiesta general, con la que culmina el ritual. En Malimpia, Muisne y Tachina la Semana Santa se inicia con el domingo de Ramos: Jesús es paseado por el pueblo y la población participa agitando ramas, hojas y entonando cánticos. Entre el lunes y el jueves santo la ceremonia se realiza en la iglesia. El viernes se inicia el Vía Crucis, previo armado en las calles de altares que representan las estaciones en donde la población se detiene a rezar. Por la noche se realiza el velorio, que se extiende hasta la madrugada. El sábado se celebra la resurrección, que generalmente termina con una fiesta popular. En la mayoría de poblados de la provincia, durante la presentación del Vía Crucis se da énfasis al aspecto de la pasión de Jesucristo, entendida como dolor y sufrimiento, pero a la vez, como esperanza y alegría. En aquellos lugares en los que históricamente existieron formas de esclavitud, el ritual incorpora ciertas expresiones de violencia que representan también la marginación de que ha sido objeto la raza negra y el racismo que ha padecido.

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Música y Danza Estas dos formas de expresión cultural son el resultado de la confluencia de prácticas culturales propias de los negros y de otras con las cuáles históricamente entraron en contacto. Los instrumentos característicos de la cultura afroesmeraldeña son básicamente de percusión y sonajeros: el bombo, el cununo, la marimba, el guasá y las maracas. En la elaboración de estos instrumentos se ' utilizan elementos vegetales de la región, como la corteza de demahua y maderas como el pambil, el cedro, la balsa y la caña guadúa. Con estos instrumentos se han producido los ritmos y géneros tradicionales, como la música de marimba de carácter profano, y las canciones propias de las fiestas religiosas, como los arrullos. Las fiestas no religiosas, durante las que se interpreta la música de marimba, tienen un carácter marcadamente social, lejos del ámbito de lo sagrado; su objetivo es reforzar los lazos de la comunidad. La marimba, los cununos, el bombo, el guasa, las maracas y las voces interpretan diversos ritmos bailables como el bambuco, el patacoré, la pangorita, el mar fuera, el fabriciano y la caderona, entre otros. Al conjunto conformado por la música de marimba y la danza se lo denomina «currulao». Este baile es propio de la cultura negra, y permite apreciar la influencia de los ritmos africanos. En la actualidad, las festividades con marimba y ritmos tradicionales se mantienen en los poblados asentados a lo largo de los ríos Santiago, Cayapas y Onzole; en el resto de la provincia, debido a la influencia de los medios de comunicación de masas (radio y televisión), aquéllos han sido reemplazados por ritmos tropicales de origen centroamericano y antillano, con predominio de salsa. Sin embargo, hay grupos organizados que destacan las expresiones culturales ancestrales a través de talleres para el aprendizaje de instrumentos populares; así se promueve en el sector rural la celebración de los rituales tradicionales, como las fiestas de santos o los arrullos. Las visiones de las almas: Todos los habitantes de la región tienen muy claro quién vive en la Gloria: Dios, Jesucristo, las vírgenes, los santos y las almas de los niños muertos. Tal vez [también] están las almas de algunos sacerdotes o monjas muy buenas. [...] Las almas de los adultos salen de la casa donde murieron en algún punto entre el Purgatorio y el Infierno. Si no fuera por el último alabado [...] el alma podría quedar sin salir de la tierra. Tanto Dios, san Pedro y Jesucristo como el Diablo, los demonios poderosos y las almas de los hombres y mujeres que murieron en el pecado, vienen a buscar el espíritu del difunto. Este último grupo, del Diablo, los demonios y las almas malas, vienen del Infierno donde habitan. La gente nunca sabe cuál es la disposición del alma que sale de este mundo. Algún día, tal vez, un alma del Purgatorio alcanzará a llegar a la Gloria, pero se piensa que es poco probable. Norman E. Whitten, Jr. Pioneros negros. La cultura afro-latinoamericana del Ecuador y de Colombia. Visiones y espíritus Las visiones son parte de la cosmovisión del hombre negro, en la que coexisten conciencia mítica y realidad. Las creencias en ciertos personajes -cuya existencia es aceptada aun cuando no han sido vistos- forman parte de la memoria colectiva de la población. Entre tales visiones figuran la Serpiente o Diablo de Siete Cabezas, la Candela, el Hombre sin Cabeza, la Gualgura, la Sirena del Mar o el Barco Fantasma; entre las más comunes figuran la Tunda, el Riviel y el Duende. Estas visiones tienen como escenarios los ríos, el mar o la selva, y la función de varias de ellas es establecer o reforzar ciertas normas dentro del grupo y frente a la naturaleza. Así sucede, por ejemplo, con la Tunda, que evidencia los deberes que debe cumplir la mujer en el interior del hogar. La Tunda es un espíritu con identidad de mujer: no tenía la costumbre de realizar las tareas domésticas, se fue al monte y se convirtió en visión. Posee una pierna de madera y su pie tiene la forma de un molinillo. Con los gases que despide «entunda» o marea a los muchachos, jóvenes y niños, y los lleva al monte. Para el rescate hay que trasladarse al monte con los padrinos de bautizo y un rezandero, y con bombo y escopeta, pues al escuchar el ruido se espanta, huye y abandona a su víctima. En los velorios de niños se aconseja tocar fuerte el bombo

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trapiches. La obtención de esta gran variedad de productos era posible gracias a las condiciones ecológicas de la zona y el eficiente aprovechamiento del agua. a quienes desea para acariciar sus senos de doncellas. añil. como el cultivo del tabaco o de leguminosas. quienes implementaron el cultivo fr la vid. en la parte central articula una cuenca de 80 kilómetros. pequeño de estatura y con un gran sombrero de color negro. En la época prehispánica. y el monte alto o páramo. coca. camote. En 1610 los jesuítas realizaron las primeras compras de pequeñas y medianas propiedades a indígenas y españoles de la zona. muchas de las cuales fueron adquiridas junto con los esclavos que trabajaban en ellas. El monte es el lugar donde vive y cabalga. y que es hábil seduciendo a las muchachas jóvenes. el clima y el paisaje varían desde un clima semiárido. este largo valle transversal. y allí es dueño de las aves y de otros animales. la cual era conveniente por la facilidad con que podía adaptarse a este valle caliente. la orden de Loyola se había convertido en el principal propietario de tierras en la zona. Para 1740. además. Chaiguayaco. los esclavos ocupaban su tiempo en actividades agrícolas. En el caso de haciendas que controlaban 157 . A partir de la segunda mitad del siglo XVI. el abonamiento y el cuidado de acequias. En las haciendas. El Riviel es una visión que pertenece al mundo de los muertos: es un fantasma que camina errante por el río por no haber recibido sepultura. Situado en la sierra norte ecuatoriana. entre 2. recurso de difícil acceso en la región ya desde esa época. Orígenes del poblamiento negro. Carpuela. con 3.100 metros. la roza y quema del suelo. A medida que se asciende desde las playas o vegas hasta el monte alto. Chamanal. lo que motivó la huida de los indígenas hacia las tierras altas de la región.200 y 1. hasta temperaturas de páramo o clima frío en el monte alto. El Chota-Mira nace a unos 3. Pisquer. a usurpar las tierras y el agua de los aborígenes. Esta situación fue causa de una paulatina disminución de la población local. éste fue el caso de la estancia Concepción. Históricamente. Entre sus haciendas de la cuenca del Chota-Mira se registran nueve. la zona de piedemonte o somontano.400 y 3. algodonales y frutales. corre en dirección sudeste-noroeste. propio del valle del Chota. el riego. pues para salir de su estado de alma errante su lugar debe ser ocupado por otra persona.000 metros de altura. Este personaje asusta a los navegantes y los guía hacia remolinos a fin de que pierdan la vida.000 hectáreas cultivadas. en las faldas de la cordillera Oriental. Cuajara.800 metros de altitud. tales como el cultivo de la caña. la producción de este próspero valle interandino decayó debido a la presencia de estancieros españoles. algodón. que obligó a hacendados particulares y religiosos a plantear la necesidad de importar mano de obra esclava. pues aquí el asentamiento negro estuvo vinculado al sistema esclavista que se instauró en la zona. «valle del Coangue» o «valle de los negros andinos»-es radicalmente diferente al que se dio en la región de Esmeraldas. La introducción de negros africanos se dio al finalizar el siglo XVI: en 1582 había varios esclavos ocupados en el cultivo de viñedos. La comunidad negra del Valle del Chota El proceso de poblamiento del valle del Chota -conocido también como «valle Sangriento». ocho cañeras y una de «pan sembrar»: Caldera. Una vez lista la caña para la molienda debían iniciar la extracción de mieles y sus derivados. Pero fue en el siglo XVII cuando su ingreso al valle resultó significativo.para alejarla y evitar el robo del muerto. la cual constaba de tierras. Sobre el Duende se afirma que fue un muy buen músico. seco o de estepa. La función social de esta visión es impedir que los niños se aventuren por el monte. rematada a la orden en 1682.100 metros. cañaverales y esclavos. atravesado por el río Chota-Mira. entre 1. los pisos más aprovechados han sido las playas de los ríos y el piedemente o somontano. En el valle del Chota y la cuenca del río Mira es posible diferenciar tres pisos ecológicos: las playas o vegas de los ríos. y a imponer un sistema de trabajo intensivo. Éstos se dedicaron. Concepción. olivo y la caña de azúcar. a partir de los 3. frutas y yuca. Santa Lucía y Tumbabiro. Este trabajo se complementaba con otras labores agrícolas que exigía la hacienda. este valle se proyectó a los señoríos y cacicazgos indígenas de la Sierra norte de productos propios de la zona como el así.

han sido la base de la economía de las familias negras del Valle del Chota. la vestimenta. Predicadores 35 Caldera Don Nicolás Calisto 100 Chaiguayaco Don Pedro Calisto y Muñoz 65 Santiago de Monjas Monasterio de las Conceptas 23 Santiago Don Mariano Donoso 60 San Buenaventura Don Gregorio Larrea 21 Carpuela Don Domingo Gangotena 50 Cuajara Don Agustín Valdivieso 22 Chamanal Don Francisco Gómez de la Torre 80 Tababuela PP. Con el traspaso de estos fundos a otros dueños y por el afán de aumentar la rentabilidad de las tierras se ejerció una mayor presión sobre los esclavos. Éstos. Jil de Madrigal. los castigos y la estructura familiar. los adquirieron en los mercados de Popayán y Protobelo. ESCLAVOS EN EL VALLE DEL CHOTA. lo que demostraba que el sistema esclavista del Valle del Chota había entrado en fase de descomposición. y finalmente. “La abolición de la esclavitud en la provincia de Imbabura. obligó a las autoridades y a los hacendados a hacer ciertas concesiones. mina y mondongo. Co la salida forzosa de los religiosos. a fin de importar esclavos negros directamente de África. ante la imposibilidad de adquirir las haciendas mediante pagos directos. especialmente de los trabajadores de la hacienda Concepción. procurador de la Compañía de Jesús. Dentro de este activo comercio negrero. Los esclavos y sus amos Al tiempo que se conformaba la gran propiedad hacendataria. más tarde. en 1767. entre 1783 y 1802. con un total de 801 esclavos. En 1690 compraron a varios carabalíes provenientes del golfo de Biafra. fueron rematadas a particulares. Esta situación motivó a los esclavos a emprender acciones de protesta. Los disturbios ocurridos a finales del siglo XVIII y en el primer decenio del siglo XIX respondieron a la no inobservancia de las costumbres establecidas por los Jesuitas en relación al trabajo. a fin de incrementar su rendimiento. tales como carabalí. lo que provocó un deterioro de sus condiciones de vida. congo. La radicalización de las protestas. en la villa se San Miguel de Ibarra. los negros también se ocupaban del pastoreo del ganado. los jesuitas pasaron a formar parte de las redes de comercio de esclavos de las compañías negreras europeas. las haciendas pasaron a ser administradas por la Junta de Temporalidades de la Corona española. como poner en práctica las normas establecidas en el “Reglamento del trabajo y el buen tratamiento de los esclavos”. además de importar directamente esclavos. Agustinos 50 Emmanuelle Bouisson. En 1800 había en el Valle del Chota catorce haciendas propiedad de particulares y órdenes religiosas. En 1637. la agricultura a pequeña escala en los huasipungos y el trabajo en las haciendas. Tradicionalmente. EN EL AÑO 1800 PROPIETARIOS Nº DE ESCLAVOS Tumbabiro Doña Josefa Acosta 76 Puchimbuela Don Carlos Araujo 50 Concepción Don Juan Antonio Chiriboga 134 Pusir PP. Predicadores 35 San Vicente PP. junas por la vía legal y otras a través de la violencia. como las de Concepción y Cuajara. Los religiosos Jeuistas. Memoria nº HACIENDA 158 . el 34% de los esclavos existentes en la provincia de Imbabura aún mantenían los nombres de origen africano. llegaron los primeros congos de África Central.varios pisos ecológicos. 1821 – 1854”. Los negros ya no estaban dispuestos a ser tratados como bienes muebles. Hacia 1850. en 1695. alimentación. promovieron su desmembración. vendió al Capitán Andrés de Sevilla un total de 114 esclavos. los Jesuitas se convirtieron en proveedores de esclavos para el mercado local y regional.

sin que se haya logrado un acuerdo expreso sobre una definición de la misma. presenta un problema: la delimitación de la frontera que separa a ambos grupos. Néstor García Canclini. es muy importante fijar quiénes son estos actores. de los actores que se alinean con su praxis. dentro de la escala económica social. están situados en el extremo opuesto a los miembros de cada cultura dominante. esta tesis es válida cuando existe una clara oposición entre grupos dominantes y subalternos. que dificulta cualquier definición universal de dicha expresión. Así. LA CULTURA POPULAR Tradiciones y costumbres Ritos y creencias Artesanía y arquitectura tradicional Tradiciones y costumbres La conceptualización científica del término «cultura» es una de las tareas más difíciles de lograr a causa de su carácter polisémico -es decir. por consiguiente. Qué es la cultura popular A causa de las peculiaridades señaladas existe una gran variedad de aproximaciones conceptuales en torno al tema de la cultura popular. una de las características que les identifica es que pertenecen a las clases subalternas. por la dificultad de definir a los actores sociales directamente involucrados en la misma y por el hecho de que la cultura popular es una entidad que se halla inmersa en un constante proceso de cambio. herramienta metodológica que en el Ecuador sirvió para señalar las diferencias entre ambos ámbitos hasta. los sectores subalternos. aproximadamente. ya que bajo la denominación de «cultura popular» se puede hacer referencia tanto a una multiplicidad de actividades que trascienden los estrechos límites del arte popular como a los distintos actores sociales vinculados a aquéllas. El problema se torna más complejo cuando se hace referencia al concepto de «cultura popular» ya que éste es un término controvertido por su contenido intrínseco. 159 . En este sentido. el término «cultura popular» ha suplantado a la noción de «arte popular». Sin embargo. Siendo ésta una proposición hasta cierto punto correcta. en varias ocasiones se ha mantenido que los partícipes de la cultura popular son aquellos que. Lo dicho hasta aquí se relaciona con la clásica oposición entre la cultura popular y «lo culto». lo que suponía la desvalorización de sus portadores. La definición de la cultura popular. la década de 1950. la cultura popular es un ente dinámico. pero su operatividad disminuye en aquellos contextos sociales donde dicha oposición no es tan estricta. que generalmente había sido utilizada para expresar más o menos el mismo contenido. Esta noción corrió durante largo tiempo en muy diversos círculos sociales. uno de los investigadores más prestigiosos de este tema. y que por dicho motivo. ya que dicho ejercicio permitiría precisar la noción misma de «cultura popular». En efecto. fundamentalmente de manera oral. que en su proceso de reproducción va incorporando nuevos elementos a un patrimonio tradicional transmitido a lo largo de las generaciones. Esta corrección ha sido muy bien recibida. Con esa arbitraria división se marcaba tradicionalmente una distinción entre una cultura oficial identificada con lo prestigioso y una cultura popular de «mal gusto». Sin embargo. pues. entraña múltiples dificultades. Una característica importante de la cultura popular es su constante proceso de renovación y cambio a nivel de contenidos y. si se parte de la premisa de que no hay expresión cultural sin actores sociales. donde se asumían de lacto estas visiones negativas respecto de la cultura popular. Desde otro punto de vista.6. de sus múltiples significados-. facilita un útil instrumento de análisis al señalar que las culturas populares «son resultado de una apropiación desigual del capital cultural. la elaboración propia de sus condiciones de vida [de los grupos sociales subalternos] y la interacción conflictiva con los sectores hegemónicos».

se expresan en una forma muy integrada. el nacimiento de un híbrido cultural que ya no era prístinamente español ni totalmente nativo. las manifestaciones culturales que se producían tenían relación con los grupos nativos que habitaban el continente. pasa a conformar el calendario católico. en abstracto. desde luego. las diferentes expresiones de la cultura popular se tratarán de forma individualizada. por lo que se las celebra en junio como fiestas de San Juan y San Pedro o También como Corpus Christi. resultaba favorable al Invasor. ¿inti Raymi o Corpus Christi?: Las fuentes de la cultura popular. José Alberto Simbaña C. el contacto entre dos vertientes culturales diametralmente opuestas propició. a través de las mutuas prestaciones de sus contenidos. en el contexto de esa época no se puede hablar con precisión del advenimiento de una cultura popular. Esta dinámica obliga a enmarcar a la cultura popular en el contexto histórico. como agradecimiento al Sol por su generosidad con los hombres. previo a la llegada de los conquistadores. simbiosis que. a fin de dar una mayor precisión a sus contenidos. la música y la danza. agrupadas bajo tres epígrafes: «tradiciones y costumbres» (donde se incluyen la tradición oral. los cuales reivindicaban para sí una línea de contacto directa con España. El proceso de mestizaje cultural Cuando se habla del término «cultura» no sólo se alude a su nivel conceptual. En un primer momento. y a unos actores sociales concretos que a través de su cotidianidad construyen dicha praxis. propia de los pueblos nativos. en las zonas rurales del país. que no entraban 160 . como son los relativos a la cultura popular. como una simbiosis cultural entre la manifestación Indígena antigua y las formas traídas por los españoles. y existe entre ellos una intima relación. existía la cultura vernácula. sus seguidores eran fenotípicamente conocidos como «indios». En efecto.. puesto que en el fondo se sigue rindiendo culto a la naturaleza detrás de las fachadas católicas. En primer lugar. Se celebraba en tiempo de cosechas. con lo que las fiestas se unificaron. que lo hizo suyo. «ritos y creencias» (donde se trata la religiosidad popular. «Comunidades indígenas de Calderón Ñucanchic Ñan». En segundo lugar. sino que se hace referencia a una realidad que está íntimamente ligada a una praxis social. Con el proceso de conquista por parte de los españoles comenzaron a crearse las condiciones para el surgimiento de lo que. preferentemente. esta fiesta permaneció como una expresión de nuestra cultura indígena y de ahí que hayan sido tan populares y festejadas. en las páginas que siguen. en una unidad de acto. La aparición de una cultura popular Con el advenimiento de la época republicana ya se podía hablar con cierta precisión de tres vertientes culturales bastante definidas. muchos años más tarde. Con este fenómeno se inició un verdadero proceso de mestizaje cultural. Si bien es verdad que en la época prehispánica se habían dado una serie de procesos de conquista entre los diversos conglomerados humanos. En lugar de continuar como parte de un ritual natural. vino la Iglesia mezclando y tergiversando. en el solsticio de verano. y que fenotípicamente se autocaracterizaban como «blancos» en oposición a los otros grupos sociales. Pese a estos cambios. y puso delante de las fiestas indígenas la Cruz. que ya había desarrollado una serie de expresiones culturales desde las épocas prehispánicas y que se encontraba. Así. Identidades indias en el Ecuador contemporáneo. el mismo que. el de los criollos. sería conocido como cultura popular. identificó a un estrato popular. Pero ni los actores sociales ni el proyecto cultural llevado adelante por éstos son los mismos en el curso del tiempo. Sin embargo. las fiestas y la medicina popular) y «artesanía y arquitectura popular». existía un movimiento cultural de gran tradición hispánica que identificaba a sectores poblacionales minoritarios. y que ello influyó en las manifestaciones culturales de los pueblos conquistados. la cocina popular y las actividades lúdicas). esta festividad sufre un cambio con la llegada de los españoles. la Virgen y los Santos. en muchos casos es difícil conocer dónde termina uno y comienza otro. ya que las diversas etapas y vicisitudes históricas que ha vivido el Ecuador han influido de forma directa en los contenidos de aquélla. Desde los tiempos ancestrales se ha venido celebrando en las comunidades indígenas de la Sierra la Fiesta del Maíz o Inti Raymi. desde un inicio. sin embargo.Cabe señalar que los hechos culturales. Pero.

En el caso ecuatoriano. sino también por cuanto quienes la crean y recrean y se nutren de ella son sobre todo los sectores denominados «populares». Hoy día. y hubo civilizaciones muy avanzadas. las leyendas. Los amorfinos En el Litoral. Las manifestaciones de la tradición oral en el Ecuador son múltiples. Si en los orígenes la distinción entre los contenidos culturales de los diversos grupos sociales estuvo dada por la diferente membrecía de los actores sociales a cada grupo. no es menos cierto que en las que conocieron la escritura mantuvo una gran trascendencia. Si bien es verdad que. sino que su vigencia en estos conglomerados sociales no adquiere tanta importancia como en los primeros. Precisamente éste es el conglomerado que se comenzó a identificar con una cultura popular. que no la conocieron. es decir. las coplas. se encontraba un grupo social y cultural resultante de un proceso de mestizaje que se había venido dando desde los albores de la conquista y que se consolidó en la época republicana. ateniéndose a los cánones estéticos y culturales dominantes. la misma que se quedaba a medio camino entre las manifestaciones culturales nativas y las de quienes reivindicaban una matriz cultural fundamentalmente hispánica. fundamentalmente culturales. la tradición oral tenía más importancia en las culturas ágrafas. preservando sus contenidos y sirviendo de verdadero boletín informativo para los miembros de un conglomerado social determinado. no sólo por la relación de sus contenidos con lo popular. Era evidente que las críticas formuladas' en este sentido no tomaban en cuenta que detrás de aquella producción cultural había un contingente social muy importante. que expresaba su identidad de una forma propia y específica y que no podía ni debía ser estigmatizado por este motivo. la cultura popular fue identificada como una instancia poco elaborada. En tercer lugar. La tradición oral La necesidad de comunicarse entre sí es una característica de los seres humanos desde los albores de la humanidad. En este momento se inició un proceso de oposiciones radicales en el que. que servían para comentar acontecimientos de 161 . En la cultura popular la tradición oral adquiere una importancia superlativa. Entre ellas se cuentan los amorfinos. por cuanto era el vehículo más directo y apropiado para la transmisión de mensajes de toda índole. las manifestaciones de la cultura popular en el Ecuador son múltiples y se expresan tanto en acciones cotidianas como en actividades que rompen la cotidianidad. como la de los incas. las loas. los piropos. Esta visión estereotipada de la cultura popular pasó a ser la norma a nivel general. su supuesta «pureza» racial y cultural era el argumento que esgrimían para justificar sus actitudes frente a los demás. las décimas. valores o creencias de generación en generación. los cuentos populares. las adivinanzas y la lectura del testamento del Año Viejo. desde principios de la época republicana adquirieron fama y prestigio los amorfinos. fue vista como todo lo opuesto a lo que los códigos culturales europeos demandaban de una manifestación cultural. etcétera. ya que es inherente al proceso de socialización y al mecanismo de 'transmisión cultural encaminado a la reproducción cultural de los conglomerados sociales. pero la escritura no se desarrolló en todos los pueblos al mismo tiempo. El advenimiento de la escritura permitió dejar registro escrito de los acontecimientos sociales y de los principales elementos de una cultura. y muy variados los escenarios en los cuales se presenta. por fuerza de las circunstancias. sin valores estéticos. la tradición oral tiene que inscribirse necesariamente dentro del contexto de la cultura popular. Esto no quiere decir que los sectores no populares prescindan completamente de ella. referido a los contenidos explícitos de las manifestaciones culturales. de modo que la cultura popular fue adquiriendo «carta de ciudadanía» y una aceptación tácita y expresa a nivel nacional a lo largo de un proceso difícil que aún no ha concluido. la tradición oral era la única manera a través de la cual se podían transmitir los mensajes culturales. especie de coplas populares obra generalmente de autores desconocidos. a renglón seguido surgió un nuevo criterio diferenciativo. Puesto que en un inicio la mayoría de las sociedades eran ágrafas. de mal gusto. puesto que hace posible el paso de conocimientos.en esta categoría.

El amorfino tuvo enorme importancia y vigencia entre los pueblos montubios de la costa ecuatoriana. Claro está que los contenidos tienen un carácter regional muy marcado. uno tras otro. y la noción o el conocimiento de quien las había hecho se había perdido en el proceso histórico de su transmisión. 162 . Estas coplas no están exentas de referencias a problemas personales de ciertos personajes muy conocidos en la zona. Por ejemplo. acompañan las celebraciones en donde la participación popular es la norma. en algunas décimas se encuentran reiterativas alusiones de naturaleza sexual. aunque es evidente que existe una influencia andaluza en el lenguaje y en la métrica de los versos. las coplas. al igual que los personajes que en 'los aparecen.carácter político o social y para cortejar a las mujeres. En otras ocasiones sirvieron para reseñar hechos históricos importantes en la vida de esas comunidades. Por otra parte. Las coplas En la región serrana del país. el triunfador era el que dejaba literalmente callado a su contrincante. los temas sobre los que giran las décimas son muy variados. a manera de contrapunto. Quien recitaba las décimas no era necesariamente el autor de las mismas. Las décimas En aquellos lugares de las provincias de Esmeraldas. y se caricaturizan acontecimientos que han tenido trascendencia para la vida de la ciudad. ya que muchas de estas composiciones habían sido transmitidas de manera oral. La ironía de sus textos y las moralejas que de ellos se desprendían eran una de sus notas connotativas. relacionados con los hechos cotidianos de los pueblos montubios. Imbabura y Carchi donde la presencia de población afroecuatoriana es mayoritaria. destacándose las de naturaleza satírica frente a acontecimientos especiales o personajes singulares. en las cuales se hacen alusiones satíricas a los personajes de la política nacional y local. expresadas la mayoría de veces en versos de rima consonante. Parte de esas improvisaciones quedaban registradas y se mantenían vivas a través de la tradición oral. y la tradición oral da cuenta de la existencia de personajes cuya función exclusiva era recorrer las comarcas negras recitando décimas o contando cuentos para el regocijo de quienes los escuchaban. Ejemplo de una décima doble: El vestido cortico Ya también es por demás las del vestido cortico que a medias no más se agachan se les ve el escondidito. en donde había verdaderos especialistas en improvisarlos y recitarlos. composiciones populares anónimas que expresan diversas vivencias de estos pueblos. Hasta las viejas ancianas que ya no pueden soplar usan los vestidos cortos como niñas colegialas para poder agradar. Un número central de las diversas festividades de esas regiones era el concurso de amorfinos. Que parece una deidad la moda de Panamá venida de la galera las de las zancas afuera ya también es por demás. Qué modo tan provocante que parece «pinganilla» aquello del calzón-zapo y el vestido a la rodilla Qué lujosa maravilla. El tono burlón y algunas alusiones de contenido sexual también son notas características de estas composiciones. Como en el caso de los amorfinos. en el muy famoso Carnaval He Guaranda la alegría festiva se expresa a través de las coplas. en el que estos trovadores populares hacían uso de su ingenio para improvisar estrofas alternadamente. son comunes las décimas. cuya actividad agrícola y entorno natural siempre están presentes y son recreados de muy diversas formas. El origen de estas expresiones literarias populares es difícil de precisar. Pero el relator de esas composiciones populares tenía gran prestigio entre su grupo.

si en alguna ocasión se sabe el nombre del autor. Los textos de dichos piropos se aprendían de los mayores. El silencio nocturno y la falta generalizada de luz eléctrica permitían crear el escenario perfecto para dicha actividad. Con el advenimiento del servicio de energía eléctrica a las áreas rurales la magia del cuentero desapareció. se ha producido un hecho curioso: al haber sido registradas varias de ellas en textos escolares ya no corren el peligro de ser olvidadas.Aunque hay especialistas en la creación de estas expresiones de literatura oral tradicional. Otras manifestaciones de la tradición oral El contenido de los piropos y las adivinanzas también forma parte de la tradición oral. o a algún santo particular. el ingenio popular se convertía en un instrumento eficaz para cortejar a las mujeres. como en el caso de las coplas. y ya no cumplen el papel de antaño en el contexto social. Su texto ha pasado de padres a hijos por espacio de varias generaciones. en la cual se da cuenta de los principales acontecimientos acaecidos durante el año que termina. la gradual desaparición de las leyendas en la memoria colectiva de las nuevas generaciones es una triste realidad: la popularización de las estaciones de radio y televisión las ha vuelto obsoletas. Por lo general tampoco se conoce a su autor. En algunos casos han sido incorporados al texto de las loas algunos elementos que nada tienen que ver con el hecho religioso. aunque en algunas abundan más que en otras. Había personajes reconocidos por su calidad de buenos piropeadores. se han incorporado a los textos originales nuevos contenidos acordes a circunstancias actuales. tratando de adaptarlas a situaciones actuales. confinados fundamentalmente a las áreas rurales del país. Sin embargo. El testamento es una composición en verso elaborada por un autor popular. con el proceso de transmisión oral y el paso del tiempo se diluye ese conocimiento y Las coplas terminan por convertirse en anónimas. que las mantienen vigentes y aseguran la existencia de este género. también había un proceso de inventarlos constantemente. Con el cambia en la manera de relacionarse hombres y mujeres. generalmente tales personajes prefieren quedar en el anonimato. esta costumbre popular ha ido en desuso. y una serie de consejos de naturaleza moral. 163 . Otra de las expresiones de la tradición oral que en la actualidad sigue vigente y cuya existencia está. La literatura oral se manifestó también en los cuentos populares. ya que antiguamente ésta era una de las pocas actividades lúdicas que tenían lugar en el campo. en cierto sentido. Se referían a varios tópicos. claro está. garantizada es la lectura del testamento del Año Viejo. Las loas La recitación de las loas constituye uno de los momentos más importantes en la realización de las fiestas populares. Leyendas y cuentos populares Las leyendas se refieren a una infinidad de temas y tienen como elemento particular el hecho de que en varias de ellas se quiere transmitir una moraleja. dentro de los que se destacaban los de naturaleza costumbrista. Quien sabía relatar los cuentos ocupaba un lugar importante dentro de la sociedad. hecho que ocurre en el último día del año. se realizan innovaciones en base a coplas elaboradas en el pasado. y en ellos el ingenio no tenía límites. los cuenteros reunían a la gente durante las noches y les relataban un sinfín de narraciones. así como los relatos en los cuales el «miedo» era el eje central del argumento. y. En el caso de las adivinanzas. si bien muchas otras que se transmitían por vía oral han desaparecido. y junto con esta figura cayeron en el olvido varios textos de autores anónimos que habían sido transmitidos de generación en generación. La presencia de las leyendas se extiende a todas las regiones del país. en algunas circunstancias. de autoría desconocida en la mayoría de casos. pero sí con la cotidianidad del lugar en donde se celebra la fiesta. aunque. La mayoría de las veces estas expresiones de la literatura oral tradicional representan una curiosa mixtura de una alabanza a Dios. En determinadas épocas. Es interesante anotar que en estas expresiones populares hay un proceso de constante creación de nuevas adivinanzas. En el caso los primeros. También se da el caso de que.

Este género musical se ha popularizado en los espacios urbanos y cada día adquiere mayor número de aficionados. Por una parte. a un estrato popular. y son entonadas en todos los escenarios por otros cantantes. cuya obra se ha vuelto más popular después de su muerte. al tiempo que la producción de sus discos ha ido en aumento. a la ternura. generalmente apelan a los sentimientos. Del mismo modo. sino que en ella están involucrados otros conglomerados sociales. El pasillo y la música rocolera Si bien son los estratos populares de la sociedad quienes mayormente se alinean con esta música. lo más importante no es la forma en la que se manifiestan esas expresiones dentro de los códigos musicales y dancísticos. Por otra 'parte. Pero dentro del contenido explícito de la cultura popular. la música y la danza adquieren otras connotaciones: son genuinas expresiones de los actores sociales populares. con prescindencia de cualquier consideración por cómo se realizan estas actividades. y los ritmos y las danzas venidos con el proceso colonial. Esta costumbre popular estaba en vías de desaparecer. a los amores no correspondidos. Este amplio sector poblacional ha sido poco proclive a la incorporación de otros elementos musicales o dancísticos en sus aficiones y más bien sigue creando y recreando los ritmos tradicionales. Es interesante notar que no solamente son los estratos económicos bajos los que participan del gusto por esta música. Este singular fenómeno ha tenido como detonante la producción musical del cantante Julio Jaramillo. 164 . mantenida por los pueblos nativos desde épocas anteriores al contacto con los europeos. sus seguidores pertenecen. a finales del siglo XX el pasillo ha retomado su popularidad como expresión musical. Es decir. Dentro de ese contexto. Es una música que generalmente está ligada a la bohemia. sino el mensaje que está adherido a ellos. que transporta sentimientos de muy variada índole. a todo ello se suman otros elementos que fueron traídos por los esclavos procedentes de! continente africano. así como las referencias a acontecimientos importantes ocurridos en el exterior. se da una especie de sincretismo entre una matriz vernácula. etcétera. De este factor se deriva la amplia afición por esta expresión musical. que las utilizan como vehículos para expresar sobre todo sentimientos. A las primeras se les atribuye todo tipo de deficiencias de forma y fondo. en el caso de las canciones. en forma mayoritaria. sino que existe un constante proceso creativo de compositores y músicos jóvenes que siguen en la misma línea musical. La música y la danza populares Cuando se habla de música y danza populares se cae invariablemente en la tentación de comparar esas expresiones culturales populares con lo que serían una música y danza «cultas». pero permanece vigente a través de concursos anuales organizados por la prensa local. incluso por parte de ciertos sectores sociales que mientras vivió fueron sus detractores. En cuanto a las letras. la parte más importante de la danza no es la perfección y el academicismo de la coreografía. a los sueños y aspiraciones. lo más importante no es la parte musical. tanto de los contextos urbanos como rurales. Otra manifestación importante de la música popular es la conocida como música “rocolera”. Su popularización en el Ecuador tuvo mucho que ver con la carrera artística de un cantante cubano. Tradición y renovación Cabe hacer dos observaciones sobre la música y la danza populares del Ecuador. Las expresiones de la música popular no se concretan exclusivamente en la repetición de viejas composiciones por obra de nuevos intérpretes. es decir. sino lo que culturalmente se desea expresar. no sólo entre algunos sectores sino de un modo generalizado. de tal modo que el resultado final de estas expresiones musicales y dancísticas es una integración de todas esas vertientes culturales. a todas las problemáticas que se presentan en la cotidianidad y que son motivo de sufrimientos y de alegrías. Sus canciones han alcanzado mayor aceptación. a las traiciones. siempre en contraposición a las expresiones musicales y dancísticas académicas.Las alusiones a los personajes políticos y del convivir social son parte integrante del testamento. sino la letra.

Entre la primera. la música bomba y la presencia musical de la banda mocha son los segmentos diagnósticos de una expresión musical popular que sigue vigente. Marcelo Naranjo. quienes crearon este género musical que ha adquirido gran popularidad. surgen nuevos símbolos musicales que reflejan y representan el nuevo orden político y económico en Ecuador. dos guitarras y. tanto nacionales como extranjeros. La música conocida con el nombre genérico de «música nacional» también es entusiastamente bailada y entonada por los asistentes a las fiestas. tanto la de la región de la provincia de Esmeraldas. y en el mismo valle del Chota. la música de marimba y percusión con tambores tradicionales. recortados – o mochos-. etcétera. aunque con un inconfundible predominio rítmico dado por la ejecución de la bomba. Generalmente.los sonidos de metales (clarinete. el pasacalle. Se puede sostener que este tipo de bandas constituye una versión local (afro) de las bandas de pueblo. quien constantemente se presentó en un sinnúmero de escenarios a lo largo y ancho del territorio ecuatoriano. el albazo. es interpretada normalmente por un trío o cuarteto: una bomba. de poca valoración tanto estética como social. la expresión musical más tradicional y característica de los negros del Chota. Desde principios del siglo XX se conoce como “música nacional” a la música que representa la identidad y el sentimiento del pueblo ecuatoriano. Esta música es la invitada obligada de las fiestas. Aunque Ecuador obtuvo su independencia política en 1822. en la provincia de Imbabura. Otras expresiones musicales y la danza popular ha sido mantenida y popularizada por los estratos económicos bajos de las ciudades y las zonas rurales del país. aunque la introducción de otros ritmos de origen caribeño. Ecuador no es la excepción. El estilo de música popularizada por él fue seguido por otros cantantes. conocidos como «cununos». sobre todo cuando la ingesta de alcohol ha sido generosa y se desea «volver a las raíces». afroantillano o colombiano es una realidad. Un lugar muy importante dentro de estas expresiones es el que ocupan la música y danza practicados por la población afroecuatoriana.Daniel Santos. Imbabura. la «música nacional» es cantada y bailada por los asistentes. Es interesante anotar que en algunas ocasiones se produce el mismo fenómeno en estratos sociales no pobres y anclados en las áreas urbanas del país: cuando la fiesta está por culminar y la alegría de los participantes es desbordante. 165 . sus expresiones artísticas y musicales continuaron bajo la influencia cultural de España a lo largo del siglo XIX. trompeta. y con ella hombres y mujeres demuestran sus extraordinarias capacidades dancísticas. barítono. así como a la construcción identitaria de distintos grupos sociales. La Cultura Popular en el Ecuador. es un grupo orquestal compuesto de doce a quince músicos: su nombre obedece al hecho de que los instrumentos de soplo que la integran. y en particular los diversos tipos de puros. son la música que se baila en las reuniones sociales festivas. LA BANDA MOCHA Y LA MUSICA BOMBA La Banda Mocha o Banda Mate. mantiene la popularidad de siempre. las naciones y estados recurren a las fuentes populares y folklóricas para construir los símbolos musicales de la identidad nacional. En los umbrales del siglo XX. independientemente de que en circunstancias normales se mantenga frente a ella una actitud negativa. Composiciones como el sanjuanito. Son canciones relativamente más melódicas que la música instrumental de la banda mocha. maracas.} TEMAS DE MUSICOLOGÍA ECUATORIANA Música popular e identidad ecuatoriana La música popular está estrechamente ligada a la construcción social e imaginaria de la nación. étnicos y generacionales. Tomo IV. En el caso del valle del Chota. en la medida en que los instrumentos típicos –imitan. La música bomba. bajo). en ocasiones. y como consecuencia de las transformaciones políticas y socio-económicas que trajo la Revolución Liberal de 1895.

A través de sus Departamentos Culturales en Quito. el pasacalle y el pasillo. y en los timbres de las voces. su nivel de difusión disminuyó significativamente a partir de la década de 1970 debido a la presencia de corrientes musicales extranjeras – como el rock. la tecnocumbia. España. preservar y difundir el acervo musical ecuatoriano. Las clases dominantes de principios del siglo XX construyeron la identidad nacional ecuatoriana en base a la ideología de la “nación mestiza”. como las que se quedan en el país. la Federación Nacional de Artistas Profesionales del Ecuador (FENARPE). y asociaciones de artistas en las principales provincias el país. 166 . Para defender los derechos de autor y los derechos de los músicos se crearon instituciones como la Sociedad de Autores y Compositores Ecuatorianos (SAYCE). la música tropical y las baladas románticas –. esta ideología se manifiesta en géneros y ritmos mestizos que combinan elementos del sistema musical europeo e indígena. Cuenca y Loja. son identificados como la “música nacional” por excelencia. dolarización y las olas migratorias nacionales e internacionales han traído como consecuencia el desarrollo de estilos musicales asociados con los gustos de las clases populares. Chile y Canadá a fines del siglo XX. Cabe destacar su labor de promoción y difusión musical a través de los conciertos presentados en la plataforma del Museo de Arqueología y Artes Contemporáneo (MAAC) de Guayaquil. alemanes. Actualmente existen políticas de protección que exigen cierto número de horas semanales para la difusión de la música nacional en las estaciones de radio y televisión. y una categoría conocida actualmente como “nacional bailable”. creada en 1979. tanto a nivel documental como sonoro. Gradualmente. Si bien la música nacional tuvo su “época de oro” en la primera mitad del siglo XX. Italia. A pesar de que los inmigrantes internacionales (españoles.) han ejercido una gran influencia en el desarrollo económico y en la vida política del país. la música popular urbana va adquiriendo rasgos musicales indígenas. libaneses. etc. Los procesos de urbanización. como son la música rocolera. Buscando mejores condiciones de vida. como el albazo. en los tempos lentos. que dan un espacio público a los músicos ecuatorianos y gozan de gran poder de convocatoria. el sanjuanito.El ” que represente la “esencia” y el “espíritu” del pueblo ecuatoriano. La contribución de Ecuador al desarrollo de la música popular internacional se ha limitado a sus propias fronteras. que se manifiestan en la base pentafónica de las melodías. donde se escuchan canciones cuyos textos narran las experiencias que viven tanto las personas que emigran. situado en el Malecón 2000. la música indígena y afro-ecuatoriana se consideran expresiones regionales asociadas con grupos étnicos específicos. las primeras generaciones de compositores académicos utilizaron los géneros mestizos para la construcción de un “nacionalismo musical” A principios del siglo XX. un significativo número de inmigrantes de Europa y Asia llegaron a Ecuador. El Banco Central del Ecuador ha contribuido a rescatar. italianos. fundada en 1973. Esta ideología reconoce el mestizaje biológico y cultural de la población ecuatoriana. Mientras géneros de la música mestiza. un gran número de ecuatorianos y ecuatorianas de los estratos populares han emigrado a Estados Unidos. en la instrumentación. tanto dentro como fuera del país. Guayaquil. sus expresiones musicales han tenido escasa influencia en el desarrollo de la música popular ecuatoriana. También se organizan conciertos en las principales ciudades de Ecuador. y por Julio Jaramillo en las décadas de 1960-1970). especialmente desde la década de 1960. Musicalmente. peyorativamente llamada “música chicha”. En la música académica. diversificando de esta manera el componente étnico de la población ecuatoriana. y a la falta de apoyo y protección a la música y al artista nacional por parte del gobierno. La nostalgia por la madre patria ha tenido un fuerte impacto en la comercialización y difusión de la música popular ecuatoriana. chinos. la tonada. Más influyente ha sido la migración de indios y mestizos a los centros urbanos. A pesar de que el “pasillo” ha sido el único género musical ecuatoriano cuyas grabaciones han tenido venta y difusión internacional (principalmente por los sellos discográficos “Columbia” y “Víctor” a principios del siglo XX. mestizaje formado principalmente por la mezcla de españoles e indígenas. Artistas ecuatorianos cantan para las colonias ecuatorianas residentes en el extranjero y las grabaciones de música ecuatoriana tienen una gran demanda por parte de los migrantes. En esta concepción de “nación mestiza” se marginaba la raíz afroecuatoriana. el aire típico.

Antecedentes Como resultado de la crisis bancaria y consecuente dolarización de la economía del país en el año 2000. detractores de esta posición afirman que dicha “internacionalización” es una fantasía. tecnocumbia) y sentimental (música rocolera y música del recuerdo). los cuales han sido adoptados y adaptados para el consumo local de manera innovadora. También examina la construcción de una identidad nacional “alternativa” en la música por parte de las clases populares. 4. La música del recuerdo: baladas de la década de 1970. el albazo y el pasacalle. Italia y Estados Unidos en busca de trabajo y mejores condiciones de vida para sus familiares que se quedan en el país. Sin embargo. 3. CONSTRUYENDO UNA IDENTIDAD NACIONAL ALTERNATIVA. los cuales llegan a ser producidos y consumidos más allá de las fronteras nacionales. ni el status de “world music”? Cómo influye esta supuesta falta de ‘presencia internacional’ en la autoestima e identidad nacional de los ecuatorianos? A través del análisis de una variedad de discursos públicos en torno a la internacionalización de la música popular ecuatoriana en la década de 1990. música tropical). todos los demás tipos de MPE tienen gran demanda en los sectores populares urbanos. especialmente entre los jóvenes. y de los efectos de la crisis bancaria y la migración internacional hacia España y Estados Unidos. tiene presencia y visibilidad nacional. que si bien no es hegemónica. un concierto de MPE combina repertorios de música bailable (música chicha. 167 . Esta circulación de gentes y divisas ha tenido un enorme impacto en la producción. este estudio examina las percepciones cambiantes que tienen los ecuatorianos de su identidad nacional. 5. como el sanjuanito y el cachullapi. cientos de miles de ecuatorianos de las clases populares urbana y campesina han emigrado a España. Qué pasa cuando la música popular de un país. no alcanza difusión internacional. siendo superado solo por la exportación de petróleo. valses y pasillos que surgen en la década de 1970 con los procesos de modernización. LA INTERNACIONALIZACIÓN DE LA MÚSICA POPULAR ECUATORIANA Con la migración de la MPE varios empresarios y artistas nacionales comenzaron a emitir discursos en torno a una supuesta “internacionalización” de la música ecuatoriana por tener ésta una gran demanda y difusión en el extranjero. o al estilo de éstas. como es el caso del pasillo. A excepción de la música nacional. consumo y difusión de la MPE dentro y fuera del país. una hibridación del ritmo de cumbia con géneros folklóricos andinos e instrumentación electrónica. Más que ejercer una influencia. Es una música asociada al ambiente de cantina y estigmatizada como corta-venas. 2. su nombre deriva de la “chicha”. vulgar e inmoral. una bebida fermentada que preparan los indígenas. que para la burguesía ha simbolizado la identidad nacional hegemónica durante la mayor parte del siglo XX. Cinco tipos de MPE asociadas a las clases populares migran continuamente con los cantantes y discos compactos que viajan a otros países llevando recuerdos sonoros de la madre patria: 1. Generalmente. La música chicha: un conjunto de ritmos bailables de raíz indígena. La música nacional: un repertorio de canciones mestizas y urbanas en distintos géneros musicales. LA TRANSLOCALIDAD DE LA MÚSICA ECUATORIANA. migración rural y urbanización. como Ecuador. Ecuador ha sido receptor de tendencias musicales internacionales (rock. Ketty Wong Cruz.Su influencia en la música popular internacional ha sido mínima. como la música de Leo Dan y Los Iracundos. Etnomusicóloga ecuatoriana La globalización en la música implica una deterritorialización de los géneros y estilos musicales. La música rocolera: son los boleros. La tecnocumbia o “cumbia andina”: de origen peruano. Las remesas de dinero enviadas por los migrantes ecuatorianos han llegado a representar el segundo mayor rubro de ingresos del país. boleros.

Una mirada retrospectiva al siglo XX muestra tres momentos cumbres en que la MPE alcanzó cierto grado de difusión internacional. varios entrevistados de clase media-alta han manifestado cierto malestar por el hecho de que Ecuador no tenga una música o un cantante de reconocida fama internacional. era por primera vez escuchada en los discos de pizarra en otros lares del mundo. una música que los identifique en el extranjero como el tango a los argentinos. Era la primera vez que músicos nacionales salían del país para “conquistar al mundo” con sus canciones. El término “translocalidad” explica mejor el fenómeno de un cambio de localidad de las prácticas musicales de una colectividad en un territorio distinto al de su origen. La música ecuatoriana. Alemania y Estados Unidos en la década de 1910.Lo que existe realmente es una “translocalidad” de la audiencia. una música realmente “internacional” debe ser conocida y consumida por gentes de otros países. Es decir que si bien la MPE cruza las fronteras nacionales en términos geográficos. de quien se dice “paseó” al pasillo ecuatoriano por toda América Latina en las décadas de 1960 y 1970. es decir una figura de talla internacional que haga con el pasillo lo que hizo Luis Miguel con los boleros de antaño. el reggae y la salsa. la discusión en torno a la “internacionalización” de la MPE es sintomática de una débil expresión identitaria que se manifiesta en la percepción generalizada entre los ecuatorianos de que el país no tiene “presencia internacional” con su música. su consumo está limitado al mercado y a la población ecuatoriana. En los años noventa. De cierto modo. A pesar de que el pasillo es reconocido como el emblema musical del país y tuvo cierto grado de difusión internacional durante la mayor parte del siglo XX. interpretada por bandas y cantantes extranjeros. reproduciendo en otros países las mismas prácticas y contextos sociales que se presentan en Ecuador. El común denominador de estas tres épocas es que la música ecuatoriana era interpretada y escuchada en otras geografías por una diversidad de público no necesariamente ecuatoriano. un directivo de una institución que defiende los derechos autorales llegó a emitir el criterio de que se necesita un Luis Miguel para el pasillo. existe la percepción generalizada de que solo es conocido dentro del país y que es necesario rescatarlo y modernizarlo para que vuelva a tener vigencia. los cantantes y las canciones puesto que son exclusivamente los migrantes ecuatorianos de las clases populares quienes asisten a los conciertos. Según los detractores. es decir. como es el caso del consumo abundante de cerveza que termina generalmente en episodios de violencia. por citar un ejemplo. El primero coincide con las primeras grabaciones de pasillos ecuatorianos realizadas en España. no tanto “lo que se es” o “lo que se cree ser”. A lo largo de mi investigación. es decir. como el tango. A diferencia de otras músicas latinoamericanas. Esta visión que vincula las nociones de “presencia internacional” con “identidad nacional” concibe a esta última como “la imagen” hacia afuera o la “imagen de exportación”. cuando el Dúo Ecuador viajó a New York en 1930 paran grabar varios discos con música ecuatoriana. Esta posición es reafirmada con otros discursos similares provenientes de las clases dominantes: 168 . ni es una música comercialmente rentable. El segundo momento se relaciona con lo que muchos ecuatorianos recuerdan como una “hazaña musical”. El tercer momento está asociado con la figura del célebre cantante ecuatoriano Julio Jaramillo. la MPE no ha sido objeto de exotización. sino lo que se aparenta ser para los demás (Traverso 1998: 192). Tampoco se ha convertido en “world music” o “world beat” porque no es conocida ni circula a nivel mundial.

con una variedad de canciones y estilos musicales. aquellos que la estigmatizan. Ecuador es “un país sin un ritmo musical que lo identifique y lo aglutine. prefiriendo lo extranjero. el antropólogo ecuatoriano José Almeida afirma que “si se presta demasiada atención al desarrollo económico [y standard de vida] alcanzado por Europa o Estados Unidos como referencia identitaria [y modelo a seguir]. en cambio. que hace que desvaloricemos nuestras expresiones y productos nacionales. transformación y mediación que van a generar otros significados y cambios en las prácticas musicales. para los migrantes ecuatorianos en España. el pasillo de antaño es el símbolo de la identidad nacional ecuatoriana por excelencia. se crean procesos de dislocación. Regresando al tema de la “translocalidad” de la MPE. la MPE es constantemente criticada por su vulgaridad. Por el contrario. En Quito. que se “patalea” monótonamente a nivel popular y de clase media-baja en la serranía. los cantantes y el repertorio de canciones sigan siendo los mismos. la música ecuatoriana de estrato popular llega a convertirse en un referente de identidad nacional y pierde cierto grado de estigmatización al estar ausentes. Según el escritor guayaquileño Miguel Donoso Pareja. un género musical que con sus textos poéticos resalta la raíz hispánica en la ideología de la “nación mestiza”. la música chicha y la tecnocumbia resaltan la raíz indígena con los contextos sociales que recrean. sobre la cual se ha construido el imaginario de la “ecuatorianidad”. se presentan de 10 a 15 cantantes en coliseos populares. mercantilismo y falta de calidad artística. mestizos e indígenas. este fenómeno no constituye un simple cambio de localidad geográfica en el consumo musical puesto que aún cuando la audiencia. donde manifestaba que tuvo que “renunciar” al complejo de inferioridad para ganar la competencia. Estos discursos que niegan la existencia de una música popular legítimamente ecuatoriana revelan profundas diferencias étnicas y de clase social. así como con los ritmos. La baja autoestima crece aún más cuando países subdesarrollados tratan de emular los estilos de vida de las sociedades desarrolladas partiendo de realidades socio-culturales distintas. es inevitable que esta comparación genere una autoapreciación devaluada y un agudo sentido de inferioridad en los latinoamericanos” (Almeida 2003: 84). la música rocolera. Esto ocurre especialmente con los migrantes jóvenes que no están familiarizados con la música nacional de antaño. melodías y estilo de cantar que las caracterizan (Wong 1999). La dislocación y transformación de las prácticas musicales se manifiesta en la logística y en los contextos sociales. Tratando de explicar el origen de este complejo de inferioridad.“Ecuador no tiene una bebida que lo identifique internacionalmente”. como la tienen Brasil y México con la caipiriña y el tequila. (Donoso 2000: 55). Así por ejemplo. combinando géneros bailables y sentimentales para satisfacer la demanda de un público diverso. Destaca además que no hay música ecuatoriana bailable. internalizada por una gran mayoría de ecuatorianos. o en menor cuantía. como la tienen los brasileños y los colombianos con la samba y la cumbia. los conciertos de MPE son “maratónicos”: empiezan al mediodía y duran alrededor de 6 a 8 horas. “Los ecuatorianos no tienen una identidad musical propia”. salvo la indígena. Cabe destacar que las clases dominantes y los intelectuales no se ven identificados con la MPE por estar asociada con los sectores populares. Para ellos. un país que no ha desarrollado la música popular”. respectivamente. 169 . Esta percepción. En Ecuador se escucha decir con frecuencia que los ecuatorianos adolecemos de una falta de autoestima y cierto complejo de inferioridad. En Ecuador. se observa en la declaración que Jefferson Pérez diera a la prensa cuando ganó la medalla olímpica en marcha. lo cual impide cualquier referente identitario nacional desde la óptica de las clases dominantes.

mientras que la “música nacional” de antaño es llamada “música nacional antigua” (Wong 1999). Sin embargo. antes consideradas versiones decadentes de la música folklórica ecuatoriana. Los estudios sobre “nacionalismos” e “identidades nacionales” son generalmente examinados desde la óptica de las clases dominantes. inmoral y alcohólica. el concepto de identidad nacional no puede ser singular o excluyente por la diversidad étnica. Cabe destacar que el término “música nacional” es ambiguo y tiene diferentes significados según la edad. Solo así se explica que los conciertos en Ecuador presenten numerosos cantantes. “música mexicana” o “música peruana”– en Ecuador se utiliza frecuentemente el término “música nacional” para hablar de la MPE. En Madrid y New York. o la música de raíz extranjera que es interpretada por cantantes ecuatorianos. los conciertos se convierten en bailes sociales donde lo apropiado es bailar con una pareja. Por otra parte. música del recuerdo). Actualmente. cambiando presentaciones gratuitas por publicidad. sólo o con la persona que se encuentra a su lado. En Quito. todo tipo de música ecuatoriana producida y consumida por el pueblo tiende a ser considerada como música nacional. social y cultural resultante del mestizaje y otros procesos históricos en Ecuador. gastos de transporte y estadía. el público baila en las graderías. empiezan en la noche. los conciertos tienen lugar en discotecas y restaurantes. es inusual ver niños o familias enteras asistir a un concierto debido a los horarios en que éstos empiezan. existen también diferencias en cuanto a la organización y los costos de producir un concierto en Ecuador y en el extranjero. convirtiéndose en un barómetro que mide las percepciones cambiantes que tienen los ecuatorianos de su identidad nacional. “música cubana”. Cabe destacar que mientras en otros países latinoamericanos se identifica a la música popular por su origen. Las generaciones mayores y las clases dominantes se sienten identificados con la “música nacional” de antaño debido a que sus textos poéticos retratan a los ecuatorianos con los atributos por ellos deseados: gente culta. la “música nacional” es un conjunto de ritmos y canciones que narran sus experiencias de vida. quienes hacen trueques con los artistas que están empezando su carrera. el desarraigo y la separación familiar. la “música nacional” se ha convertido en sinónimo de “música del pueblo”. están desplazando a la música nacional en términos de difusión y comercialización. En Ecuador. con apenas dos o tres artistas a los que hay pagar. como es el caso de la tecnocumbia. entonces los sectores populares también pueden mostrar su nacionalismo de abajo hacia arriba. especialmente desde el inicio de la migración internacional a fines de los noventa. UNA IDENTIDAD NACIONAL ALTERNATIVA EN LA MÚSICA La tecnocumbia.En Madrid y New York. describe a los ecuatorianos como gente vulgar. generalmente tarde en la noche. sensible y valiente. al parecer de las clases dominantes. Las percepciones de la identidad nacional están cambiando al igual que la noción de “música nacional”. En cuanto a la mediación. Si consideramos al nacionalismo como una actitud colectiva que refleja y moldea los sentimientos de pertenencia de un pueblo. en cambio. los jóvenes migrantes y las clases populares que viven en Ecuador conciben la “música nacional” como la MPE que ellos consumen hoy en día (música rocolera. de arriba hacia abajo. Para ellos. Para algunos sectores de las clases dominantes. junto a la música rocolera y la música chicha. música chicha. 170 . –“música popular brasileira”. los empresarios son generalmente dueños de emisoras radiales o productores de programas de televisión. en un lenguaje coloquial que. y al elevado costo de las entradas. ignorando la visión de las clases subalternas que forman también parte de la nación (Mallon 1995). El concepto de “identidad nacional” es aglutinante y busca homogeneizar a una población heterogénea. etnicidad y clase social de los oyentes. a diferencia de los que se realizan en el extranjero. y se presentan solo unos cuantos artistas como atractivo central. en cambio. Ya que los conciertos se realizan en coliseos populares o plazas de toro. familias enteras asisten a los conciertos debido a que éstos se realizan los sábados y domingos al mediodía y los niños no pagan entrada. Sin embargo. fuera de los honorarios. centradas en la relación de pareja. en consecuencia.

171 . a la gente de las urbes. Definirla en este sentido permite superar posiciones idealistas que conceptualizan a la creatividad artística como un fenómeno individual y subjetivo y en el cual el juego de las emociones. al poblador de los suburbios. P. ¿cuál es la temática predominante en nuestra música popular? Diríamos que se canta a la geografía.: en fin. Diríamos se canta la vida de los demás vivida junto a ellos3 2 3 Espinoza. e! trabajo. 20. combinaciones armónicas. Estas “identidades populares” en la música pueden ser consideradas. el segundo en cuanto que su producción. pero lo cierto es que tiene múltiples identidades que coexisten y representan a diferentes grupos sociales. la abnegación. en IADAP. a la mujer. que se impropia y manifiesta en sus contenidos y formas. como una identidad nacional “alternativa”. duración. Habla y Canta. uno de los puntos de partida de esta exposición. situaciones humanas que permiten al campesino. y. CONSIDERACIONES SOBRE EL COMPOSITOR POPULAR INTRODUCCIÓN La Música Popular se denomina como tal en tanto en cuanto es una manifestación de carácter social y colectivo. el músico la comunica y trasmite a una masa de oyentes de la que él es parte y que revierte para sí respuestas y relaciones que escrutan su visión. intensidad y timbre.En su estudio sobre la identidad latinoamericana. la ternura. a los niños y a los valores como el amor. No existe. la alegría. la lucha. al obrero. Se dice que Ecuador es un país que no tiene una identidad musical propia. en su sensibilidad: sino que es la influencia social sobre la mente y la emoción del artista. Revista Nº 1 Quito. las costumbres y tradiciones. “Creación Artística”. con su propia experiencia y cotidianidad. etc. La materialidad en la creación artística El arte de crear y escribir obras musicales supone en quien lo ejerce el conocimiento de la técnica musical y un grado de imaginación y sensibilidad necesario para emplear el lenguaje musical en la expresión de sus pensamientos y sentimientos personales Y si bien alrededor de esta labor. podemos hablar también de una “identidad nacional popular” que pluraliza las voces del pueblo e interpela con su música aquella identidad musical impuesta por las élites con el pasillo. valores y grupos sociales (Larraín 1996: 210). que si bien no es hegemónica tiene presencia y visibilidad nacional. El primero en tanto significa la acción transformadora de la materia prima sonora fijada en combinaciones rítmicas. Constituyen “identidades competitivas” que luchan por legitimidad y hegemonía en el imaginario colectivo del país. 1980. identificarse con sus recuerdos. trabajador. la que hace que aquel se exprese después con su capacidad técnica2 incorporando en sus obras códigos simbólicos y aspectos funcionales que lo identifican con su pueblo. 1978. de los sentimientos y la inspiración corren distantes de la praxis social del hombre. Víctor Jara. el sociólogo Jorge Larraín afirma que es posible construir varias versiones de una identidad nacional. será el considerar que la creación del compositor popular obedece a razones que no están únicamente en el individuo productor. a los sucesos y anécdotas históricas. Estos dos elementos que hemos mencionado son los procesos que nutren de "materialidad" a la obra artística. dinámica y excluyente. 65. Revisemos este segundo aspecto. Por el contrario. en su conjunto. rara los artistas el trabajo y la socialización del mismo tienen en la creación una parte siempre preponderante. relaciones de altura. que representen diferentes intereses.. comúnmente se menciona la inspiración o la intuición. !a convicción. etc. la problemática y el medio en el cual se desarrolla su existencia. desarrollos melódicos. Si hablamos de una “identidad nacional hegemónica” que busca homogeneizar a la población ecuatoriana. una sola identidad nacional porque esta construcción mental es selectiva. Casa de la América. José. P. La Habana. entonces.

El compositor popular es parte fundamental en la música nacional.III-V-I: I(arpegiando). más bien es un lenguaje socializado que habla de un yo colectivo de la comunidad y que expresa patrones establecidos a los que se aviene el creador de las obras musicales. sobre todo. En el desarrollo de las canciones existen modulaciones internas pasajeras al IV.. además de las notas naturales de estas escalas. aunque la más tradicional y característica es la cadencia napolitana. que a través de la tradición se han fijado en nuestra gente. podemos anotar que las introducciones de las canciones generalmente se constituyen en estribillos que se repiten después de cada parte o período. Pero su condición. nos referirnos a simbolismos. VI. respetándolos como normas. 172 . existiendo también los demás intervalos: sextas. pero por lo regular la segunda parte de la canción modula al VI grado para luego volver a la tonalidad original. de allí que en términos generales. la inspiración y realidad del pueblo y que la hace “retornar” cargada de subjetividad en las formas musicales que le permiten sus recursos técnicos. natural y melódica son característicos y predominantes. las segundas a manera de notas de paso y bordadoras o apoyaturas. Sobre el compositor popular Cuando nos referimos al compositor popular. s/f. En nuestras canciones. por lo general. con lo folklórico. creencias. etc. Patricio. nos referimos a una actitud contraria al yo individual. es algo antiguo que funciona. las líneas melódicas tienen carácter reiterativo. podemos decir que detrás de nuestra música popular so halla un compositor que recibe cual sabia nutriente. con los caracteres que definen a un pueblo. El final se realiza con una modulación por el III-V-I. utilizan en gran medida las notas de adorno (apoyaturas superiores e inferiores). 4 Mantilla. Aspectos de la técnica musical de difusión popular Paralela a esta reflexión más centrada en los contenidos del cancionero nacional. Lo tradicional involucra algo más. con un objetivo de ubicación tonal para lo cual se combinan los grados de la escala de diferentes formas: V-III-I. El glisando es parte de la interpretación especialmente cantada. su papel es el de un preservador y trasmisor de técnicas de ejecución de los instrumentos. V o III grado. es un contacto fecundante que permite a las nuevas generaciones tener sentido de unidad y continuidad histórica de la sociedad. V-l. con dinámica adecuada al texto. quintas y primeras. se encuentran también alteraciones cromáticas a manera de notas de adorno. se utilizan dos clases de escalas: la pentafónica y la heptafónica. que trae el pasado al presente y lo hace activo. modulatorias y climáticas. éstas además. Lo tradicional. aspiraciones. III-VI. Sobre las combinaciones armónicas. pensamientos. de recursos expresivos diversos tanto del canto corno de la instrumentación y. metáforas. cuartas. sobre todo tomando en cuenta los antecedentes de oralidad de nuestras etnias aborígenes. En las melodías son frecuentes los intervalos de terceras mayores y menores. El dúo de la melodía principal corre generalmente a distancia de tercera inferior (mayor o menor) aunque algunas veces lo hacen también a distancia de sexta. a decir de los estudiosos. es también importante presentar de una manera sistematizada algunos rasgos técnicos y recursos que se observan en el mismo4. que está vigente. “Anotaciones sobre la Música Ecuatoriana”. sobre todo. parece se sanciona en la medida que sintoniza el sentir del pueblo y lo revierte con formas e imágenes propias de nuestra idiosincrasia. Aparece como un "cuello de botella" en el que se condensa la creatividad del conglomerado social. del color y contenido de nuestra música. Mencionar la tradicionalidad no significa identificarla con lo antiguo. La música popular no es la música de los individuos. cadencias y modulaciones. observándose algunas diferencias entre las partes A y B.Esto supone la presencia de un creador compenetrado con su medio ambiente cultural. reglas y parámetros de su quehacer. En general. Se puede señalar que el modo menor pentáfono y las escalas menor.

tonada y bomba. Este tipo de banda o agrupación musical se usó para convocar. pífanos y trompetas. tríos. HISTORIA DE LAS BANDAS DE MÚSICA EN EL ECUADOR Introducción La historia de las bandas musicales está llena de brillantes páginas.En nuestra música existen ritmos binarios. reglamentada por Carlos III. dar órdenes o señales determinadas. Los instrumentos usados en estas bandas fueron atabales (timbales. se caracterizó por su sencillez. La banda lisa También conocida como banda de guerra. y por estar generalmente vinculada a la milicia. y transmitir que así como nos unen las canciones. Antes de adentrarnos en el estudio de este tema. pasacalles. directores y agrupaciones que han propiciado el desarrollo y difusión de la música. 173 . ternarios y cuaternarios. una en la de granaderos y dos en la plaza mayor de cada batallón. bandolín. intérpretes. clarines. de cuerda. conviene señalar que históricamente hay dos clases de bandas: la "banda lisa" y la "banda de armonía". Finalmente. albazo. bandola. por muchas décadas. o desarrollar los mismos enriqueciéndolos con las contribuciones de la música universal: pero sobre todo la tarea del artista creador. Consideraciones finales Es importante que el uso de estos elementos de la creación musical tiendan cada vez más a contribuir a la preservación de la identidad nacional de nuestro país. en las bandas de pueblo y las estudiantinas observamos el manejo de instrumentos de viento (madera y metales). así: 2/4 3/4 6/8 4/4 (binario simple): (ternario simple): (binario compuesto): (cuaternario simple): sanjuanito. se realiza con cordófonos preferentemente (guitarra. marchas. de percusión e idiófonos. guitarra. La banda. de percusión e idiófonos indistintamente. guitarrón). yumbo. el 22 de octubre de 1768. pasillo. requinto) aunque poco a poco se ve popularizarse conjuntos vocales e instrumentales que ejecutan instrumentos de viento. danzante. señalaba: “Se autorizan tambores. en las que se inscriben los nombres de grandes compositores. en las segundas. Varios son los caminos: investigar y reconocer mejor nuestros antecedentes aborígenes. cajas). buscar su integración y proyectar la necesidad de ser mejores. vals. en las primeras y un repertorio de cordófonos (bandolín. más FRUCTÍFERA. compuestos. afroecuatorianos e hispánicos. fue el conjunto instrumental más extendido en el territorio ecuatoriano. también nos puede unir el anhelo de construir una vida mejor. parece ser la de comprometer su canto para comunicarse con el pueblo. robores. pífanos y clarinetes para los cuerpos de infantería. 37 y38 del título X. graficados en compases simples y El acompañamiento y armonización para el canto de dúos. Una ordenanza del ejército español. coros mixtos al unísono o a manera de "contrapunto". dos plazas para cada una de las compañías de fusileros. en los artículos 36. himnos y marchas cívicas.

quien fue Secretario del Conde Ruiz de Castilla. sacabuches (antecesor del trombón) y flautas. y la música militar estacionada en la emplanada frente al Palacio. las guerras de la independencia. hubo participación de una banda integrada por "trompetas.. se oyó al mismo tiempo una descarga de artillería. LAS BANDAS DE ARMONÍA En Latinoamérica. se cumplía de esta manera: “el año de 1610. Salvador de Rivera. etc. El viajero inglés W. El ingreso de un prelado forastero. y el florecimiento de las "bandas de armonía". En 1846.. patentó el primer "saxofón". En contraste con las "bandas lisas" las "bandas de armonía" se caracterizan por su evolución. el "bugle". al narrar los cruentos acontecimientos del 2 de Agosto de 1810. el clarinete.0 Hechos como la Ilustración. bandas que se acogían al modelo de la escuela militar francesa. Arzobispo de Sta. que vino promovido al Arzobispado de los Reyes (.. una reunión muy numerosa. en París. a manera de ejemplos. 174 . en sus festividades y procesiones religiosas. el pícolo. En 1835 Wihelm Wieprecht y Johann Gottfried Moritz de Berlín patentaron la tuba (bajo en Fa). era nominándoles miembros de la banda de guerra. los instrumentos a usarse son timbales y trompetas. desde inicios de la época colonial. y que habían de recibir 6 pesos por una actuación de 3 horas. 1 arpista. escribió: "Los tambores tocaron a la carga en diferentes lugares de la ciudad. escribió: “A las seis de la mañana se vio a formar en la plaza.) y comenzó a salir la procesión en silencio. Dn. se propició la creación de las llamadas bandas de armonía. y testigo de los acontecimientos del 10 de Agosto de 1809. así como por la presencia y variedad de un mayor número de instrumentos musicales y la consecuente ejecución de un repertorio más complejo. A través de esta nota podemos apreciar que esta banda militar quiteña. a partir de la primera mitad del siglo XIX. el paradigma cultural francés.. Entonces tuvo lugar una reunión. Arzobispo al altar mayor. en tiempo del Sr.El mismo autor. clarines y trompetas. 1 guitarrista y 1 tamborero. al igual que las bandas de las cofradías. y con estruendo de trompetas y chirimías. que intentaba compensar la inflación de sueldos y precios. que fue el que se hizo al Sr. formadas por 2 violinistas. y 12 por una de 6. el 9 de octubre de 1701. en la época colonial. pífanos. La decadencia de la "banda lisa" o "banda de guerra". Antoine Joseph Sax. Bennet Stevenson.que los músicos debían tocar en bandas de a cinco. Por lo tanto cada músico recibía 3 reales por hora de trabajo. apenas lo suficiente para comprar una libra de pan. la invención de nuevos instrumentos propiciaron la organización y difusión de ensambles musicales más grandes y permitieron a los compositores explorar nuevas sonoridades. . y repique de campanas en todas las iglesias. en los festejos organizados para celebrar la fiesta de San Raimundo. desde el 25 de julio hasta el 6 de agosto de 1603. y con multitud de pendones y cruces de las religiones y parroquias. varias referencias sobre este tipo de banda-En Quito. Lobo Guerrero. coincide con el advenimiento de la República. presidente de la Audiencia de Quito. y dio la bendición cantada (.. pistones y émbolos. Sommer de Weimar.El artículo 1 del título XXI dispone: "El tambor mayor será jefe de todos los tambores. la proclamación del Rey Felipe Quinto se realizó al son de "clarines. en las procesiones.3 En las calles de Quito. en los instrumentos musicales aerófonos se perfeccionaron los mecanismos y uso de llaves. En 1843.. En el siglo XIX. (. Obispo de este Obpdo." Las bandas de música de las cofradías quiteñas. al frente del Palacio. el corno francés. pífanos y cajas". En el siglo XVIII se inventaron entre otros instrumentos. se ordenó entre otras cosas: . chirimías y atavales". usaron bajones. ejecutó hasta las nueve tocatas nacionales. Fe.. Cito. patentó el eufonium o "barítono". siempre y cuando tocasen continuamente por el período entero para el que se los había contratado. chirimías (instrumento musical antecesor del oboe). además de los tambores.) subió el Sr. En 1810 Joseph Halliday patentó el bugle de llaves.).. ¿Cómo estaban constituidas las agrupaciones musicales (bandas) en nuestro medio? En una ordenanza del Cabildo de Guayaquil de 1804. En los cuerpos de caballería.1 Una manera de ayudar y asegurar el futuro de los jóvenes huérfanos o vagabundos. la muerte y el pillaje duraron hasta las tres. o saludo real. en su repertorio incluían algunas "tocatas nacionales". y clarinetes de todo el regimiento".

que se han reunido en diferentes partes de la plaza. La presencia de la banda de músicos del Numancia. serpentones. de modo que hasta hoy no se cuenta más que cuatro directores nacionales. en 1818. especialmente en la época del Presidente García Moreno (1860-1875). Desde inicios del siglo XIX el impacto de las bandas militares en la música ecuatoriana fue muy grande. algo la italiana y las contradanzas de origen inglés: de las otras escuelas no se sabía siquiera su existencia. y entran al circo en procesión esto se hace a menudo por las cuatro esquinas de la plaza. De esta época. hasta el año de 1818 en que se oyó sonar por primera vez con la venida del batallón Numancia. fagotes.. lo que despertó el gusto por esta clase de música. quien llegó a Quito en 1808. siendo el primero el joven Concha. fue omnipresente. trompas. a cuya hora comienza generalmente la corrida. Agustín Guerrero escribió al respecto: Si con la aparición de Celes se pudo conocer gran parte de la instrumentación de orquesta. Segundo Luis Moreno. comenzando desde entonces a organizarse en nuestros pueblos las bandas civiles que tanto se han difundido en el altiplano (. posteriormente creadas en el Ecuador. al mismo tiempo. Virrey de Santa Fe. municipios y pequeños poblados. 175 . pasó por el actual territorio ecuatoriano el batallón realista Numancia. triángulos. Con destino a Lima. Bennet Stevenson. agrupación inicialmente conformada por 16 músicos esclavos del terrateniente mendocino Rafael Vargas.La iconografía musical latinoamericana del siglo XIX muestra grupos de músicos con pífanos. bugles. y más de dos mil personas frecuentemente entran acompañadas de bandas de música y fuegos artificiales. además de la difusión musical de nuevos repertorios. fue un acontecimiento trascendental. y dada la carencia de centros de formación musical. como en los que pasaban al Perú. bombos. natural de Guayaquil. fue muy grande. cuyos trabajos han sido respetados de muchos extranjeros. nuestros mayores nos aseguran que los instrumentos de metal jamás fueron oídos hasta la venida de Numancia. clarinetes. La animación con "música militar". oficleides. Con la venida del señor Zapuch y su esposa -cantores de ópera. escribió: Después del triunfo de Pichincha -que selló nuestra independencia en mayo de 1822-. En 1820.. "Bolívar [a este batallón] le cambió su nombre por el de Voltijeros". también es famosa la banda del ejército de los Andes. todas las galerías están repletas. "retretas" y fiestas militares. el impacto de las bandas militares en la música ecuatoriana. porque esta clase de música fue enteramente desconocida en el país. En esa época de transición y de profundo sentimiento "nacionalista" las bandas militares. trompetas.llegó a oírse música francesa y alemana. previamente convenidas. han sido dirigidas por extranjeros. en actos o celebraciones públicas y algunos ritos privados.por los años de 1818 a 1820. escribió: Alrededor de las dos de la tarde. Desde inicios del siglo XIX. que en Quito dieron sus funciones en el teatro del colegio San Fernando -hoy de las monjas de los Sagrados Corazones. flautas. la música militar se oía más continuamente en este país en los ejércitos libertadores de Colombia que guarnecían nuestras plazas. gremios. y de tres a cuatro mil hombres comienzan a reunirse en expectativa de la entrada de las máscaras. etc.. quien obsequió esta banda al General San Martín. enviado por el español Juan de Sámano. por la sonoridad y el uso de instrumentos ignorados en este medio. El mencionado batallón tenía una excelente banda de músicos que brindó varias retretas en algunas de nuestras ciudades. la música militar se reservó para más tarde. al narrar las corridas de toros en Quito.. El Numancia permaneció de Guarnición en Lima. incluso cuando el Santísimo Sacramento era "llevado donde un enfermo".) La música europea más conocida entonces aquí era la española. cumplieron con esa importante tarea y sirvieron de ejemplo para que se organizaran bandas en otras instituciones. y después con la de los ejércitos libertadores de Colombia: razón porque todas las bandas. tambores.

embajador americano quien vivió en el Ecuador en la década de 1860. martilleo de triángulos y soplidos de pitos comenzó a imitar el trino de los pájaros para estimular la devoción de los mirones. no han dejado de contribuir por su parte para la conservación de las bandas militares. DIFUSIÓN Las bandas.17 Has-saurek. procesiones. No obstante. en su libro: Cuatro Años con los Ecuatorianos detalla su ingreso y primeras impresiones de Quito: Aún no hay sonidos de vagones ni de maquinaria que llegue a nuestros oídos. Mientras estaba allí. ex profesor de la Politécnica de Quito. confesemos que todos los gobiernos que han seguido al del General Juan José Flores. Sobre las procesiones de días religiosos narra lo siguiente: Las damas respetables que llevan los cirios se confunden con el populacho que va entonando cantos. Siempre se contrata músicos para estas ocasiones. priostazgos. movimiento de tropas. ni un murmullo emerge de la capital del país. cohetes y torpedos que explotan aquí y allá. "Pases de Niño". En mi primera víspera de Navidad. escuchó una banda y dejó este testimonio: "Una banda de músicos se hallaba tocando para convocar a los residentes a escuchar la lectura de una nueva orden municipal. vestidos con trajes espléndidos y acompañados con bandas musicales". Bolivia y Venezuela. cívicas. vísperas. En las grandes festividades la procesión es animada por bandas militares y algunos oficiales. Se formaban pianistas. estimulada por García Moreno. clarinetistas y violinistas capaces. escribió: . este medio de comunicación debe ser usado para publicar leyes y ordenanzas".Ya que nos hemos ocupado de las bandas militares. Orando y cantando la procesión sigue su marcha. corridas de toros. (se escucha) una banda de instrumentos de viento que lanzan sonidos terribles.. Chile. torneos deportivos. desfiles cívicos. y uno se asombra por el inmenso valor de la joyería que cubre las imágenes de la Virgen. El mismo autor. pero el resultado es que ha adelantado en el ramo. una multitud.. el canto de los gallos. Frederich Hassaurek. En un país sin periódico. en la década de 1870. en 1863. tradicionalmente han estado ligadas a la animación de actividades al aire libre: ceremonias religiosas. ensayaba desde el alba hasta la puesta del sol con tanta dedicación.. Sobre las diversiones populares narra: "También he visto procesiones de disfrazados llevando antorchas. y según nos han asegurado varios profesores extranjeros. que los ejecutantes ni siquiera tenían tiempo para comer. Su canto es deficiente por falta de un método y los niños croan en vez de cantar. mucho mejor que la del Perú. fiestas familiares. El jesuita alemán Joseph Kolberg. al alcance del oído.las banderas flamean en los techos y las ventanas. retretas. "mingas". Banderas y estandartes flamean. (presidencia de García Moreno). o los tambores y las trompetas de los soldados. militares. los quiteños tienen una natural afición por la música. en su visita a Cotacachi (Imbabura). que fundó la República del Ecuador. bien es que no lo han hecho con la sana intención de fomentar el gusto ni las disposiciones del pueblo.. Los únicos sonidos que suben desde la meseta en la que se asienta esta ciudad son el repicar de las campanas de la iglesia. sino más bien por vanidad y lujo de sus ejércitos. 176 . en su obra Natch Ecuador (Hacia el Ecuador) escribió: Toda festividad ya sea dentro o fuera de la iglesia es animada con música y canto aunque de una especie difícilmente calculada para deleitar un oído europeo. y que hoy podemos decir que tenemos música militar. una banda del ejército. animación de veladas artísticas. Logran dominar con eficiencia inclusive algunas obras complicadas y podrían haber hecho buena impresión en Europa siempre que hubiesen dejado atrás el gran tambor al que son tan adictos. con tintineo de campanillas. al describir las corridas de toros.

quena. Música y Danza propia de los indígenas y mestizos del Ecuador Es considerado el Ritmo Nacional del Ecuador. deriva su nombre a que se lo baila en las fiestas en honor a San Juan Bautista. Los historiadores de nuestra música manifiestan que en el año 1818 se escuchó por primera vez una Banda completa en el país con la llegada de los conjuntos pertenecientes a los ejércitos liberadores de Colombia y Venezuela.LAS BANDAS POPULARES Son aquellos conjuntos que ejecutan instrumentos de viento y percusión que con sus presentaciones artísticas en plazas y sitios al aire libre deleitan y educan a nuestros pueblos. tambor y platillos. Bandolín. y. RITMOS TRADICIONALES Y POPULARES DEL ECUADOR. etc. y otros autores no aceptan esta hipótesis por las siguientes razones:  La invasión de los Incas en la zona de origen del San Juanito en lo que hoy es el Cantón Otavalo. dulzainas. luego de este suceso. San Juan de Iluman perteneciente al Cantón Otavalo. todos ellos son regidos rítmicamente por el bombo. se suman a estos instrumentos extranjeros como: la guitarra. Los instrumentos musicales que por lo común tiene una banda se organizan así: La melodía es desarrollada por las trompetas. donde habitaban los indígenas Caranquis e Imbayas. el sometimiento inca en esta región fue por muy poco tiempo. mientras que el acompañamiento lo desarrollan los bombardinos y bajos. Por consiguiente las Bandas de músicos son agrupaciones constituidas por instrumentos de viento (madera y metal) y de percusión. Para los etnomusicólogos franceses Raúl y Margarita D´harcourt quienes realizaron investigaciones de campo en Perú. zampoñas. EL SAN JUANITO RITMO NACIONAL DEL ECUADOR. de origen precolombino con ritmo alegre y melodía melancólica. clarinetes y saxofones. Actualmente se interpreta con la mezcla de instrumentos autóctonos del Ecuador como: el rondador. incluso con instrumentos electrónicos dándole un toque de modernidad y estilización. Por la variedad de timbres. sostienen que el San Juanito es originario de la Cultura Inca. Existen varias versiones hipotéticas sobre el origen del San Juanito. Las Bandas Populares en sus inicios fueron conjuntos de trompetas y tambores que adquirieron mayor capacidad para ejecutar verdaderas obras musicales. Generalmente la identidad musical desarrollada por estas agrupaciones son de carácter popular y sus representaciones las realizan en su mayor parte a] aire libre. Pingullo. lo que no da el margen de tiempo para pensar con seguridad que los incas difundieran o establecieran su música en ese lugar. posiblemente una derivación del Huayno Cuzqueño Segundo Luis Moreno. por la posibilidad de conseguir cualquier agrado y carácter de sonoridad. tiene origen pre-hispánico en la provincia de Imbabura. todos los perfeccionamientos actuales de los instrumentos. más aun son de carácter colectivo porque su participación obedece más en los inicios masivos y comunitarios. bombos. con otros autores comparten la idea de que el San Juanito surgió en lo que hoy es. las Bandas Populares se constituyen en organismos capaces y valiosos para el desarrollo y difusión de nuestra música. los San Juanitos muy alegres y movidos reciben el nombre de Saltashpa. Bolivia y Ecuador. esto gracias el al invento y perfeccionamiento de los instrumentos de viento con boquilla. se produjo la invasión española. 177 . Según los musicólogos es una combinación única que denota el sentimiento del indígena ecuatoriano. según el musicólogo Segundo Luis Moreno.

con plumas de cóndor. Las mejores agrupaciones indígenas de Otavalo. forma parte del repertorio en fiestas populares y reuniones sociales de todo el país. Lago San Pablo al pie del Monte Imbabura. cuando está muy encendida la farra (fiesta). interpretan y difunden el San Juanito a nivel nacional e internacional son: Chari Jayac y Ñanda Mañachi. pertenecían antes al Ecuador. instrumento básico para la interpretación del San Juanito que datan de épocas pre hispánicas. Provincia de Imbabura Ecuador. sentimiento. esta última agrupación ha sido reconocida por el Congreso Nacional del Ecuador por su brillante trayectoria musical.  Como sinónimo existe en la región andina Colombiana. Según Cronistas españoles. existen reliquias muy antiguas de el rondador confeccionadas. evidencias de instrumentos autóctonos del Ecuador como el Rondador o similares. Actualmente el San Juanito tiene vigencia siendo interpretado por muchas agrupaciones juveniles que lo han modernizado y estilizado con fines comerciales. todos los presentes hacen gala de sus mejores pasos bailan formando círculos. es propio de los indígenas y mestizos del Ecuador. Para el indígena bailar el San Juanito expresa un mensaje comunitario de unidad. las dos agrupaciones han dejado muy en alto el nombre del Ecuador y han hecho famoso al San Juanito. Para el mestizo bailar San Juanito tiene un mensaje de algarabía e identidad nacional. identidad y relación con la madre tierra (Pacha mama). en el museo del Banco Central del Ecuador. etc. Según muchos investigadores a sus orillas nació el San Juanito. En la actualidad. 178 . este tipo de música era ya muy difundida en las regiones andinas desde mucho tiempo atrás de la formación del imperio inca. cuyo origen no establece vinculación con la cultura inca. en los departamentos del Huila y Tolima EL SAN JUANERO. trencitos (hilera de personas). Bailar al son del San Juanito. ritmo similar al San Juanito pero con características propias. los mismos que se separaron al desmembrarse la Gran Colombia. el baile del San Juanito. que investigan.  No existe en otras regiones andinas. con el antecedente de que parte del departamento de Nariño y del Valle del Cauca.

Jiménez de la Espada. la voz Albazo. El Albazo. acompaña al baile de tejido de las cintas en Tisaleo (Provincia de Tungurahua).865. quien registro la melodía en la ciudad de Guayaquil. alcanza gran popularidad en el siglo XIX. Según Tobar Donoso. 179 . pertenece al compositor Juan Agustín Guerrero. En Chaupicruz a las 4 de la mañana se ofrece un albazo a la priosta (Prioste es la persona que aporta económicamente para las fiestas) del día de la cruz. El Domingo de Ramos en Licán (Provincia de Chimborazo) comienza con el Albazo durante el cual se beben canelas (bebida caliente de canela con aguardiente o licor) y chicha (bebida fermentada de maíz). Hassaurek dedica unas líneas a un baile "lento y monótono". lo hace mención en 1881.Formulas rítmicas características: El albazo Ritmo musical generalmente interpretada por bandas de músicos. es un peruanismo. Fórmulas rítmicas características El alza Llamado también Alza. alza que te han visto. la primera partitura que se conoce de este ritmo data de 1. en 1865. que recorren las calles durante el Alba de ahí su nombre que deriva de ALBORADA. Segundo Moreno dice. titulando "El Albacito" aclarando que "con ese yaraví despiertan los indígenas a los novios al otro día de casados". fuentes del siglo XVII ya mencionan al albazo en las fiestas de San Pedro. "el albazo es una composición criolla en la que no han tenido la más leve intervención los indígenas" por eso es posiblemente que sea uno de los primeros géneros musicales de los mestizos. Se oyen albazos a partir del 29 de Junio de cada año en ocasión de San Pedro en Alausí (Provincia de Chimborazo) en Cayambe y Pomasqui (Provincia de Pichincha).

Mera afirma en 1982 que el alza era el nombre de una tocata y danza muy alegre y "tan popular como el costillar" Segundo Luis Moreno. en su cabeza luce un adorno que simula un altar gobernado con penachos de vistosas plumas. hacen entradas y atenciones que gustan a los bailarines y espectadores. por cuanto se ve obligado a gastar sus ahorros de todo el año para representar a este personaje tiene similar responsabilidad económica que los priostes en las festividades. de los que cuelgan cantidades de monedas de plata y adornos costosos. el baile de los danzantes deriva probablemente del antiguo baile cápaccitua o baile "de los militares" que los incas solían representar en el mes de Agosto. es un verdadero honor ser danzante ya que se goza de ciertos privilegios dentro de la comunidad. El compromiso y honor de ser danzante empeora el estado económico del indígena hasta el punto de volverse esclavo de sus deudas.El Alza que te han visto. haciendo menciones o alusiones a la condición física. hacia atrás. Piedad Herrera y Alfredo Costales. El Alza. Hay que hacer una diferenciación clara al hablar de este ritmo que también acoge a los personajes que lo bailan. Generalmente las parejas de baile se forman entre hombres o entre varón y mujer. propio de la provincia de Chimborazo. El danzante. según Costales viene del verbo quichua CAPINA que significa exprimir. pues cada cantor usaba los que más le parecían. Ritmo y danza de origen prehispánico característico de la región oriental. moral o social de la pareja que lo interpretaba. El ritmo danzante se interpreta con un tamborcillo y un pingullo. en este baile la pareja con pañuelos o sin ellos. hacia los lados y en circulo ya sea a la izquierda o la derecha. pertenece al género de bailes sueltos y alegres. cada una de las cuales está construida con los clásicos 16 compases. Para Cevallos. El capishca Música y baile mestizo. se interpreta con un tamborcillo y un pito. en la actualidad se lo baila en las fiestas de la Virgen del Cisne (Provincia de Loja). sentarse a la mesa comer los platillos preparados para la fiesta y partir sin dar las gracias. explica su estructura y su baile de esta manera "El baile tiene forma especial típica. algo exótica y suelto como todas las danzas criollas" también indica que esta era una danza cantada que no tenia versos propios. su ritmo es muy similar al albazo. Su interpretación coreográfica es un "semizapateado" con pasos hacia adelante. El yumbo. Es una tonada muy alegre y movida donde se pone a prueba la aptitud física de la pareja que lo interpreta haciendo pases y entradas con muestras de picardía y galanteos. 180 . divididos en dos periodos de 8 con dos frases de 4 cada uno. Por lo general consta de dos partes. manifiestan que el Capishca es una tonada que cantan los vaqueros del Chimborazo con versos quichuas y castellanos. según el Instituto Ecuatoriano del Folklore el danzante es un aire en compases de 6/8 cuya melodía va acompañada de acentos rítmicos por medio de acordes tonales y golpes de percusión en el 1er y 3er tercios de cada tiempo. aparte del respeto ganado este puede ingresar a las casas sin ser invitado. El Danzante es un personaje ataviado con trajes elegantísimos y de mucho valor. se interpreta con arpa y guitarra.

El baile de los yumbos es con brincos. Al parecer este ritmo no es patrimonio del ecuador. Si menor y Do mayor. Andrade Marín cree que los Yumbos personifican a los Yungas. Un ritmo algo difícil de definir sus orígenes. 181 . Otras combinaciones se pueden mencionar al incaico. yaraví. Las primeras melodías que se compusieron. tienen un tiempo lento por lo cual es más para escuchar que para bailar. tiene cierta similitud con jazz. tiene similitud con el paso doble español de el cual tiene su ritmo. El pasacalle. compás y estructura general pero conservando y resaltando la particularidad nacional. data de la primera época de este siglo. Los pasacalles son interpretados por las bandas. que se efectúa con los brazos levantados. generalmente llevan en sus coreografías una lanza de chonta o de cualquier otra madera. El Chulla Quiteño es la melodía más representativa de este género. el mismo que pinta su cara con varios colores. sin tener nada que ver con este. semillas. shimmy incaico. es una especie de "ragtime" norte americano. según el Instituto Ecuatoriano de Folklore dicha composición musical está escrita en La menor y "transita por los tonos de Fa mayor. al parecer su nombre se origina por su movimiento elegante con pasos firmes cuando se lo baila en las calles por eso es utilizado mucho por agrupaciones que hacen coreografías en las calles o desfiles. adorna su cabeza con plumas y guacamayos disecados. saltos y gritos ceremoniales. en su cuerpo lucen pieles de animales salvajes. en este ritmo se conjugan escalas y modalidades pentafónicas. tienen similitud con el fox norte americano. se cree su nombre proviene del FOX TROT (trote del zorro). Género de piezas musicales de carácter popular. ya que también lo encontramos en el Perú. esta canción expresa de una manera melancólica y bella el sentimiento del pueblo indígena. su autoría es atribuida al compositor Rudecindo Inga Vélez. insectos de llamativos colores. Los pasos son hacia delante y atrás y con vueltas hacia la derecha e izquierda. doblados y los puños cerrados.El yumbo es el personaje que interpreta este baile. compuesto por el Sr. Alfredo Carpio. La Bocina es la melodía más representativa de este género. para modular y termina en La menor original" Su danza es una especie de zapateo vivo. Fórmulas características: Fox incaico. cuentas con alas de cochinilla.

Casi todas las ciudades del Ecuador tienen un pasacalle escrito en su nombre los más famosos son: Ambato tierra de flores. Bajo el supuesto que “Reír llorando” contiene suficientes elementos que nos remitan a los orígenes. Cuba. Objetivos Específicos 1. Objetivo General Verificar por medio del análisis musical que el pasillo “Reír llorando” es uno de los precursores del género de pasillos académicos en el Ecuador. 2. Soy del Carchi. Chola Cuencana. desarrollo y vigencia tanto del pasillo “popular” como del llamado pasillo “académico” en el Ecuador. Ambateñita Primorosa. Partiendo de estas premisas. pretende acercar al lector al conocimiento de un género que ha aportado a la cultura musical no sólo en el Ecuador sino también en otros países americanos. se desea abordar la conformación. entre ellos Perú. Mediante el análisis musical se pretende comparar y dilucidar cuales son las diferencia y semejanzas de estas dos variables. se hace hincapié en este pasillo y se toma al mismo como objeto de estudio con el fin de sustentar la hipótesis de que es este uno de los precusores del género de pasillos “académicos” ecuatorianos. Ecuador. Establecer las diferencias y similitudes del pasillo académico con el pasillo popular. se ha escogido al pasillo “El alma en los labios” como un representante de lo que sería el género popular y al pasillo “Reír llorando” como una obra representativa del llamado pasillo “académico”. Fórmula característica El pasillo ORÍGENES DEL PASILLO ACADÉMICO ECUATORIANO Y SU IMPORTANCIA EN EL CONTEXTO COMPOSITIVO MUSICAL. Realizar un análisis musical de los pasillos “Reír llorando” y “El alma en los labios” 3. El Salvador. La presente investigación. etc. El Chulla Quiteño. valorarlas y consolidar la identidad latinoamericana.Antecedentes El ritmo del pasillo se ha cultivado en varios países de Latinoamérica. A través del estudio histórico se desea sentar las bases para dotar de un marco referencial en cuanto a su origen. evolución y consolidación como género. Elaborar un análisis histórico del pasillo ecuatoriano. Venezuela. Marco Histórico . Panamá y Nicaragua donde este ritmo tiene presencia. 182 . Costa Rica. De tal manera que profundizar en su estudio es conocer nuestras raíces. Resumen de una investigación musical INTRODUCCIÓN Basado en estudios históricos y mediante el análisis musical formal.

Se abocan a escribir y su producción intenta dotar a la creación de música ecuatoriana de obras con raigambre nacional y al mismo tiempo de impecable y elaborada construcción. melódico y de texto. rítmico y melódico. Los primeros compositores ecuatorianos de pasillos reconocidos. esto favorece y acrecientan la difusión al mismo tiempo que la oferta va en aumento constante. este género ha aportado al igual que muchos otros la materia prima para compositores de variadas tendencias. los músicos con estudios formales e influenciados por la corriente nacionalista. buscar y experimentar nuevas posibilidades dentro del género del pasillo instrumental. el pasillo instrumental decae a la par del auge que tiene el pasillo cantado. encuentran en este género una fuente de posibilidades expresivas y de acercamiento al sentimiento nacional. En el año 1870. años que corresponden a la época Republicana. contemporánea. el pasillo definitivamente se impone convirtiéndose en la música más representativa y de una gran audiencia en el gusto del público. data del año 1877 por medio de funcionarios diplomáticos colombianos que trajeron este género el cual se cultivaba y gozaba de prestigio en este país. El pasillo como tal debió tomar un tiempo desde su aparición hasta su conformación y consolidación. Escriben pasillos que poseen un mayor desarrollo formal. pasodoble.1930) y Carlos Amable Ortiz (1859 . consolidando no sólo la música “seria” sino y en general la creación de música ecuatoriana. que sus influjos hicieran mella y muchos de estos perduraran y otros desaparecieran. Cultivado en un comienzo como género de baile de salón y ligado a las clases dominantes. es probable que este ritmo no sólo se ejecutara por pequeños grupos instrumentales sino que también se ejecutaba en las bandas militares. etc. Desde la generación de los nacionalistas pasando por los románticos. Es entonces la Gran Colombia (Venezuela. Si bien se podría decir que el género apareció en la Colonia fue más tarde y gracias a la mezcla tanto a nivel rítmico. datan del año 1886 y en el año 1902 aparece la primera noticia histórico-musical sobre el género. Desde entonces y hasta la actualidad. Por otro lado. comienza una proliferación de pasillos de carácter popular escritos y ejecutados por músicos académicos los cuales no sólo tienen una preocupación por la música sino que la letra es encargada a reconocidos poetas. armónico. electrónicos. Colombia. vals. serialistas. favorece y lo consolida no ya como un baile de salón y de factura instrumental. Las primeras crónicas sobre festejos políticos en los que se menciona el baile del pasillo. La introducción de este ritmo al Ecuador. fecha que coincide con la aparición del primer Conservatorio de Música en la ciudad de Quito. en las postrimerías de la Colonia para consolidarse como género a mediados del mismo siglo. será en esta colaboración músico-poeta que el pasillo cantado tome nuevos y novedosos rumbos. dodecafonistas.Varias son las hipótesis sostenidas acerca de cómo y cuando apareció este género. Si bien opaca y relega a segundo plano otros géneros musicales. es desplazado como baile de salón por nuevos ritmos que están de moda como el fox trot. A partir de 1910 la producción de pasillos en el Ecuador. Esto lejos de perjudicar a este ritmo floreciente. Ecuador y Perú) quien ve nacer a este género y será la época Republicana la que acoge definitivamente al pasillo como el ritmo criollo de mayor valía y aprecio en las clases dominantes.1937). Esto es aprovechado por algunos compositores de la generación de principios del siglo XX. que encuentran una oportunidad para desarrollar. sino que se orienta hacia el pasillo con texto que será donde definitivamente se afiance como género. Sin embargo a principios del siglo XX. swing. irá en aumento de forma que su importancia y aceptación llevan a considerarlo tanto al interior como en el exterior la música nacional del país. jazz. el pasillo se ha convertido en una fuente inagotable de inspiración. sin embargo coincidiremos en que sus comienzos data a principios del siglo XIX es decir. 183 . Se graban y publican pasillos de reconocidos autores. Así. new age. hasta las nuevas generaciones incluyendo al rock. fueron Aparicio Córdoba (184? .

los cuales se han visto modificados por el influjo melódico y armónico de la música indígena y popular ecuatoriana. Sin embargo. bolero español. se introdujo la pentafonía como una característica en el movimiento melódico y las relaciones armónicas introdujeron “la repetición de motivos o frases trasladadas que usualmente presentan relaciones plagales. el pasillo al igual que muchos otros ritmos surgen de este sincretismo y apropiación local que le dan un sello y una identidad propia. es decir sus bailes. 184 . el zorstico español. Del vals quedan características comunes. Las siguientes características generales son válidas tanto para el pasillo académico como popular. España y Alemania principalmente. todos con características particulares que coinciden en la métrica _ y unos más que otros en las figuras propias de este ritmo (negras y corcheas). su música. tomaremos como punto de referencia al vals vienés ya que fue este género el que más se difundió no solo en el país sino universalmente y que además fue el baile de salón por excelencia en la época Colonial y Republicana. al cual lo fueron modificando y poco a poco se le impregnó no sólo el sello personal sino características que lo identifican con una región o localidad. su forma de caminar y de comportamiento. Esto se debe a que la influencia colonial y más tarde la copia de las modas y los modelos europeos estaban en auge y calaron profundamente en el quehacer social y cultural de las florecientes ciudades americanas. Estas frases melódicas responden a un movimiento lógico gracias al uso frecuente de secuencias. Quito y Guayaquil no pasaron ausentes a este influjo y se sumaron a las ciudades que miraban hacia Francia. El influjo de la música criolla e indígena no pasó desapercibida. es de suponer que al igual que muchos elementos culturales fueron asimilados en la colonia y sincretizados por nuestros antepasados esto ha sido una constante en el pensamiento y formación de la cultura mestiza americana desde entonces y hasta la actualidad. Esto hace pensar que el vals fue el género que nuestros compositores escucharon y cultivaron con más asiduad. sin embargo. Siendo una característica sobresaliente el hecho de que estas comienzan en anacruza. una vez modificado el ritmo base. La melodía Las ideas y frases melódicas del pasillo son generalmente escritas en negras y corcheas. pasillo vocal.instrumental y pasillo instrumental. Si esto sucedió así. se apropiaron de ellos. Estas generalidades ponen en evidencia las particularidades del pasillo ecuatoriano y su diferencia con los creados en otras regiones de América. todas coinciden que su antecesor está en algún género radicado en la vieja Europa. el uso de negras y corcheas y la métrica. Algunos de los géneros que más afinidad tienen con el pasillo son: el vals alemán. sus comidas. Varios fueron los géneros bailables que en uno u otro momento eran los más apreciados y ejecutados por músicos locales que asimilaron y porque no. que son por lo general usadas en la música ecuatoriana”1 y particularmente en los pasillos. ya que es de este último de donde nace el académico.Orígenes Varias son las teorías sobre el origen de este ritmo. La moda trae consigo no solo sus vestidos sino también una cultura. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL PASILLO El género musical del pasillo se presenta en dos versiones. se organizan en compases pares y los movimientos interválicos son realizados por grado conjunto y los saltos son de carácter tonal. Italia. Por esto. el paspie francés. por ejemplo las frases anacrúzicas. En la música popular y académica este género responde a los moldes europeos en cuanto a la organización de la forma. Estas frases melódicas. Esto de alguna forma intentaba ser copiado por las clases dominantes quienes eran los que tenían acceso a la información a los viajes y al conocimiento de lo que sucedía en el Viejo Continente.

Este pasillo en particular. continúa con un interludio de 6 compases y realiza un Da Capo al tema A donde finaliza. Cuando hay una introducción este se presenta en 4. sin embargo se pueden encontrar pasillos en 3/8 y 6/8. casi siempre están escritos en tonalidad menor para realizar en la segunda parte una modulación a tonalidad mayor. El texto musical tiene una Introducción de 6 compases. La modulación de la segunda parte casi siempre desemboca en el VI grado. pena. quienes con su visión de mundo influenciaron profundamente en el género ya que muchos fueron los que aportaron sus letras a un centenar de pasillos que manejan una temática de desarraigo. la parte B se presenta en su relativa menor La armonía La armonía del pasillo responde al sistema tonal-funcional. 8 o 16 compases) y duplicadas lo cual completa un período. 185 .Estructura Formal El esquema formal en los pasillos vocal-instrumental pueden ser bi o tripartitos. característica en la música ecuatoriana: III – V – I o VI – III – V – I. angustia y dolor. Si la parte A esta en tonalidad menor. Tanto la introducción como los interludios que sirven de enlace entre las partes. coinciden con una de las temáticas más tocadas en el género del pasillo popular. perteneciente a la generación de los “decapitados”. El ritmo La métrica en la cual se escribe el pasillo es en 3/4. Se maneja la forma tradicional bipartita (ABA) y al igual que la armonía y el uso rítmico estos elementos son parte de las características comunes usados en los pasillos ecuatorianos. Cada una de las partes utiliza una cadencia final. tema A de 16 compases un interludio de 6 compases y un tema B de 20 compases. es decir por una aumentación en las figuras utilizadas en la segunda parte: Largo Allegro Lento Allegro Andantino Allegro Análisis Musical Análisis del pasillo “El alma en los labios” Se ha escogido este pasillo como representativo del género popular ya que éste ha tenido una difusión amplia y ha alcanzado a ser uno de los más ejecutados no solo dentro del Ecuador sino que ha sido reconocido internacionalmente. Las variantes sobre la métrica de _ es diversa. Es interesante notar que el texto lleva consigo una enorme carga poética y su profundidad y desgarramiento. ha sido grabado y editado en varios países y por diferentes agrupaciones musicales de reconocida trayectoria nacional e internacional. están escritos en la tonalidad principal. Generalmente se presentan pasillos en dos tempos. En el proceso de estructuración rítmica que llevó a transformar el vals europeo. la primera parte lenta y la segunda más rápida. esto se logra mediante el cambio del Tempo propiamente dicho o por la variación rítmica. Las frases se estructuran en forma cuadrada (4. la negra del segundo tiempo fue reemplazada por dos corcheas y posteriormente la primera corchea fue sustituida por su silencio. Si la parte A está en tonalidad mayor. precedidos y antecedidos por introducciones o interludios instrumentales. La letra de este pasillo es del reconocido poeta Medardo Ángel Silva. la parte B será en su homónima mayor o en el sexto grado. a continuación se registran las más significativas: El tempo Se han registrado pasillos que van desde lento hasta allegro. 8 o 12 compases y generalmente en tonalidad menor.

En tonalidad de Re menor. La Armonía La tonalidad principal está en Do menor y en cada sección modula dentro de la lógica tonal. Por ejemplo cabe destacar que la parte C es el único momento dónde se puede sentir el uso de una escala pentafónica. dadas sus características musicales y de texto. Melódicamente utiliza apoyaturas cromáticas hacia la subdominate (mi natural fa) la subdominante (fa sostenido sol) y la sensible (si natural do) Estructura formal Es una forma cuatripartita (A – B – C – D – A) estructurada en frases binarias que completan periodos de 16 compases. pero el compositor le da a cada una de estas parte un tratamiento armónico y melódico que sugieren ser consideradas como una parte propiamente dicha.V –IC Do menor: V – I – VII° . El resumen armónico es el siguiente: A Do menor: V7 – I – VII° . y las apoyaturas sugieren los sonidos de las flautas utilizadas en la región andina. 186 .I . silencio de corchea. El registro utilizado en esta obra va de un C5 a A7. La rítmica está dada en negras y corcheas. C y D están caracterizadas por la utilización de corcheas como eje principal de su movimiento rítmico con variaciones tanto en aumentación (negras. una corchea y una negra.IV – V .V – I B Eb mayor: I – II – V – III7 V – I – VII° . La melodía La melodía se encuentra estructurada en frases anacrúzicas binarias las cuales generalmente se elaboran dentro de la estructura armónica cuando contienen saltos y por grado conjunto se advierte una clara utilización de la escala menor armónica. La sección D es contrastante con las anteriores por el uso de una melodía realizada en el tiempo. Se da este margen puesto que se tienen noticias que ya se escuchaba y se bailaba este pasillo en los años de 1930. Análisis musical del pasillo “Reír llorando” Al abordar el estudio del pasillo “Reír llorando” se han encontrado una serie de características que llevan a pensar que nos encontramos ante una obra escrita por un compositor con un claro sentido de lo que era la realidad nacional en ese momento y de su compromiso para con el desarrollo de la música en el Ecuador. o se han encontrado datos fidedignos de cuándo el compositor Carlos Amable Ortiz escribió esta obra.ID Ab mayor: VI – ii V – I – VI – I – iii – VII° V–I El ritmo Está escrita en un compás de _ con un bajo que repite la frase rítmica durante todo el transcurso de la pieza (2 corcheas. C y D es 2 + 2 + 2 + 2 Tanto la sección C como D cumplen también una función de puente. pero se puede hablar que esta apareció aproximadamente entre los años de 1875 a 1910. No existe en esta obra un desarrollo armónico ni rítmico significativo. La organización de los compases en las secciones A.funcional.#I° .) Las secciones A. B. Concluyendo. comienza la sección A para ir a la mayor en la sección B. Los interludios se mantienen en Re menor al igual que la introducción. negras con puntillo y blancas) como en disminución (semicorcheas) aunque esta con muy poca presencia. se dirá que el pasillo “El alma en los labios” es un claro ejemplo de lo que se considera un pasillo popular.

contienen elementos comunes que los identifican como tal. la cual no llegó a concretarse a causa del asesinato del magistrado. Corazón que sufre. en los pasillos académicos se desarrolla la ejecución instrumental y son la excepción los cantados. Mi corazón en pedazos. Ilusión Perdida. Fue compositor. Tu imagen está en mi corazón. Las frases rítmicas en todas las secciones están estructuradas en dos compases. Gotas de sangre en el alma (valse Boston). Te vas y me dejas (pasillos). Reír Llorando. Obtuvo el segundo lugar en el concurso musical que se realizó en Quito con motivo de la Expedición Nacional de 1892 con su pieza “estudios de un violinista”. Un recuerdo. La patria en el Ecuador. Plegaria. son los elementos básicos que los identifican. etc. Flor del alma. Por sus aptitudes y aprovechamiento recibió varios premios en los certámenes del plantel y la promesa del Presidente Gabriel García Moreno de una beca para ir a terminar sus estudios musicales en el Conservatorio de Milán. Sin estos elementos generales en común mal se podría decir que nos encontramos ante un pasillo como tal. Por el contrario. Entre sus obras se encuentran: A unos ojos. están íntimamente ligados a sus características primarias. Realizó labores dentro de la docencia dictando clases particulares de piano y violín. a la raíz. 96). Ortiz fundó en 1888 La Estudiantina Ecuatoriana. Los Trece. que también proveían sus composiciones en rollos de pianola en la primera década del siglo XX. se puede notar que tanto el pasillo de corte popular como el académico. Alumno en el primer Conservatorio de Música fundado en 1870 en Quito donde realizó estudios de piano y violín. Ay mi patria (bolero). El Tempo En la partitura con la que se trabajó no existe una alusión a la velocidad exacta en al cual se ejecutaba esta pieza. son generalmente cantados y aunque existen pasillos instrumentales estos son la excepción. Así. sin embargo por referencias tanto orales como basados en la partitura misma se considera que el tempo es más o menos M. tendremos que las similitudes en estos dos tipos de pasillo que se analizan. Biografía del compositor Carlos Amable Ortiz (“el pollo”) Nace en la ciudad de Quito el 12 de marzo de 1859 y muere en esta misma ciudad el 3 de octubre de 1937. Mi dolor. además de la construcción anacrúzica de las frases las cuales además son de construcción binaria. El proscrito. DIFERENCIAS Y SIMILITUDES DEL PASILLO ACADÉMICO Y POPULAR Similitudes Realizadas las comparaciones. Diferencias Los pasillos de corte popular. Los ayes del alma (valse).M. 96 la negra. Reliquias del Mariscal de Ayacucho (pasodoble fúnebre) Yo y ella (valse). El ritmo de base. El baquiano (valse). También trabajo organista de la Iglesia de San Marcos y la Catedral. Compuso un considerable número de obras tanto académicas como populares. Sus partituras eran muy cotizadas en los almacenes de música. 187 .La sección B está caracterizada por su cambio rítmico a semicorcheas lo que genera un movimiento más rápido aunque el tempo se mantiene (M. el schotis “Gratitud”. y entre 1888 y 1893 fue director de bandas del Ejército. Momentos de tristura (yaraví).M. Soñarse muerto. Estos elementos son la particularidad que hacen reconocer en una obra el género al cual pertenece. las inflexiones melódicas y los giros armónicos característicos. Una de sus primeras composiciones datan del año 1875. violinista y pianista. Guayaquil heroico (one step).

notas de paso y escapadas. es notorio el empleo de tonizaciones en la sección B y D del pasillo “Reír llorando” que de alguna manera refrescan y dan un poco de variedad al complejo armónico. ya que el compositor al enfrentarse a una obra con una factura más grande. hace a este pasillo diferenciarse totalmente del popular. en donde podemos notar el uso de la aumentación y tendremos en la sección C un uso más discreto pero notorio del recurso de disminución.  Por otra parte su complejidad y dificultad de ejecución es posible resolverla sólo por instrumentistas dotados de un buen manejo técnico.  Nuevamente nos encontramos aquí ante un claro ejemplo en el cual la longitud de la obra hace necesario recurrir a técnicas de composición que requieren un conocimiento y elaboración. se ha encontrado más de una de estas características. mayor. En cuanto al pasillo que se analiza y conforme la premisa establecida.  Estos elementos de diferenciación a nivel del ritmo. Asimismo el planteamiento formal hace que sea necesario desarrollar más la melodía y por lo tanto plantear el uso de recursos ya no solo de secuencias sino de aumentaciones. espejo. empleo de cromatismo y una búsqueda de tensiones que posibiliten transitar por regiones no comunes con el pasillo popular. retro y cualquier posibilidad al alcance del compositor.  Aunque el esquema tonal está basado en la característica convencional de modulación menor. Como ya se había establecido. a saber:  El uso de cuatro partes en la estructura. pero esta es frecuentemente ampliada introduciéndose más partes y además alargando cada sección. los encontramos más claramente en la sección B. resoluciones irregulares y notas no armónicas. Las melodías utilizadas están más relacionadas con el devenir armónico y por esto se emplean recursos como bordaduras. CONCLUSIONES Realizadas las comparaciones pertinentes tanto del pasillo popular como del pasillo considerado de carácter académico. necesariamente tendrá que recurrir a elaborar tanto la línea melódica. enriquecer. con el fin de lograr variedad e interés en la obra. sin embargo el pasillo “Reír llorando” presenta en su desarrollo formal una particularidad que lo hace diferenciarse del popular. tonizaciones y modulaciones lejanas. rítmica y armónica. Ya no se limita a usar corcheas y negras sino que recurre a las posibilidades de ampliar tanto a figuraciones más rápidas como a romper el esquema de base planteado. ampliación de la cadencia. se considerará a un pasillo como académico. promoverá y buscará una elaboración musical que permita ampliar. 188 . cuando posea una o varias de las características descritas anteriormente. Un pasillo de corte académico. busca desarrollar la figuración y procede al uso de recursos de aumentación y disminución además de promover un proceso paulatino y medido en cuanto al uso cada figura rítmica. El uso de la armonía se basa en la característica del género pero el manejo de recursos armónicos más elaborados son comunes. un pasillo académico tendrá como objetivo no sólo mantener la forma y características generales del género. El aspecto rítmico es más trabajado. Se puede decir entonces. renovar e intentar llevar al pasillo por nuevos y novedosos derroteros. y sexto grado.  La ampliación y disminución rítmica es otro elemento importante que nos hace notar que nos encontramos ante una obra en la cual se trabaja con detalle y en la búsqueda de una variedad y desarrollo a nivel de la rítmica.La estructura formal puede ajustarse al patrón ya descrito. Por otra parte. Esto hace pensar que este pasillo fue escrito para ser ejecutado como una obra de concierto o estudio para músicos de escuela. que el compositor académico trabaja con una materia prima como fuente de creación y a partir de esta moldea y genera nuevas y novedosas posibilidades. contiene en su forma y estructura algunos de los elementos descritos que lo harán diferenciarse claramente de los populares. se puede llegar a concluir que los dos pasillos estudiados poseen las características propias del género.

 Por último, el año en el cual posiblemente se escribe este pasillo (1895 a 1910), los estudios formales del compositor Ortiz y su claro interés por mantener viva la música nacional, hacen suponer que nos encontramos ante uno de los primeros pasillos de tipo académico encontrados en el país. Es entonces en estas particularidades en las cuales se sustenta el presente estudio para confirmar la hipótesis de considerar al pasillo “Reír llorando” como una obra precusora de lo que podría llamarse el pasillo académico ecuatoriano. Fórmula característica

La tonada.
Ritmo musical muy alegre, interpretado con banda, típico en todas las festividades de los pueblos indígenas y mestizos. Gerardo Guevara Viteri, opina que la tonada es una variedad de danzante desarrollado por los mestizos. Su base rítmica se parece mucho a la tonada Chilena escrita en tonalidad mayor, la tonada del Ecuador es escrita en tonalidad menor. Al parecer la guitarra tiene mucho que ver con el aparecimiento de la tonada, su nombre posiblemente deriva de la palabra tono. Fórmula característica

El yaraví.
Melodía propia de la geografía andina, interpretada con pingullo o quena por que emiten sonidos agudos, hermosos y melancólicos. Para M. Cuneo y D'Harcourt yaraví se compone de aya-aru-hui, de donde aya significa difunto y aru significa hablar, por lo tanto yaraví significa el canto que habla de los muertos.

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D'Harcourt dice que el yaraví es una deformación española del vocablo quichua harawi en cual significaba en los tiempos incásicos cualquier aire o recitación cantada. Los yaravíes se interpretan en funerales como despedida al difunto, su letra y música muy melancólica arranca lagrimas a los asistentes.

El aire típico.
Con este nombre se conoce a un sinnúmero de composiciones musicales populares que generalmente tienen un carácter alegre y bailable, suelto y de tonalidad menor. Su origen parece estar en el norte del Ecuador, sus raíces provienen de la música indígena interpretada con arpa. Luis Humberto Salgado Torres, considera que impropiamente a los Aires Típicos se los llama Cachullapis y algunos lo conocen como rondeña. Nicasio Safadi Reyes, Carlos Rubira Infante entre otros son los más grandes exponentes del Aire Típico ecuatoriano, el baile guarda mucha similitud con el Albazo.

Ritmos afroecuatorianos.
La Marimba es un instrumento característico de la provincia de Esmeraldas, Stevenson lo vio allí en 1808 describiéndola así "La marimba se construye amarrando por sus extremos dos piezas anchas de caña (caña guadua - variedad de bambú), cada una de 6 a 10 pies de largo; varios trozos de caña hueca penden de ellos, de 2 pies de longitud y 5 pulgadas de diámetro a 4 pulgadas de longitud y 2 de diámetro, semejando un enorme órgano de tubos; al través de la parte superior de dichas cañas se colocan pedazos de chonta delgada (madera resistente extraída de una variedad de palmera), los mismos que descansan sobre el marco sin tocar los tubos, y están sujetos ligeramente con hilo de algodón; al instrumento se lo cuelga del tejado de una casa y lo tocan por lo común dos hombres que se colocan a los costados opuestos, provistos de palillos con puntas de caucho, que usan para golpear las referidas piezas de chonta, produciendo diversos tonos según el tamaño del tubo colgante sobre el que esta la tablilla de chonta" La marimba no es propia de los negros esmeraldeños sino también de sus vecinos cayapas cada quien la ejecuta a su modo y gusto, el ritmo de la marimba es muy alegre al son de sus notas bailan los negros con saltos y movimientos de caderas que embriagan los sentidos, al mismo tiempo cantan amorfinos (versos burlescos que hace el hombre a la mujer y viceversa). D´Harcourt compara estudios de la marimba en Guatemala, Nicaragua y México, afirmando que este instrumento se aclimato tanto en estos países que algunos autores como A. Morelet la creyeron indígena, pero nadie tiene dudas sobre su origen africano, conocido con su mismo nombre -marimba- se sabe que es un instrumento angolano, importado en el siglo XVI.

La bomba.
Ritmo afro-ecuatoriano típico del Valle del Chota (Provincia de Imbabura), donde se encuentra un asentamiento negro, que tiene sus propias características y costumbres. Este es un baile alegre que se baila al son de un tambor o barril que en uno de sus lados se ha templado una piel, este género musical cantado y bailado ameniza las fiestas de este rincón hermoso de nuestra patria donde sus habitantes bailan sin cansar con una botella de licor sobre su cabeza. Entre las bombas más conocidas tenemos: La Bomba de la Soltería, María Chunchuna, Chalguayacu y la más famosa "La Carpuela". Ulises de la Cruz, Iván Hurtado, Agustín Delgado, Edisson Méndez, Geovanny Ibarra, Raúl Guerrón, etc. famosos futbolistas del Ecuador festejan sus triunfos al son de la bomba, llevan su ritmo en la sangre ya que nacieron en el pintoresco Valle, corazón de la bomba ecuatoriana.

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GALERÍA DE COMPOSITORES Y MÚSICOS ECUATORIANOS
Luis Pauta Rodríguez COMPOSITOR, PIANISTA Nació: Cuenca, 1858. Murió: Cuenca, 1945. Obras: Himno a la Juventud Universitaria, Himno Obrero, Himno triunfal Aurelia, Himno del Ecuador al Sagrado Corazón de Jesús, Himno al Libertador, Himno azuayo (a Cuenca), con letra del Dr. Luis Cordero Crespo; El llanto azuayo y Duelo nacional (marchas fúnebres), Misa en mi menor; Telégrafo (marcha), etcétera. Heredó de su padre Ascencio Pauta, compositor, el gusto por la música, y creció junto con su tío José María Rodríguez, otro laureado músico que le enseñó los primeros conocimientos. Perteneció a coros religiosos y fundó un orfeón en Cuenca; fue director de bandas militares y organizó la del actual colegio Benigno Malo. Publicó artículos sobre apreciación musical y lideró una campaña para reformar la música del Himno Nacional del Ecuador. Compuso numerosas obras de género religioso y popular. Carlos Amable Ortiz COMPOSITOR, VIOLINISTA, PIANISTA Nació: Quito, 1859 Murió: Quito, 1937 Obras: Reír llorando, A unos ojos, Plegaria, Habla corazón, Di que me amas, Piensa en mí, Tormentos del alma e Ilusión perdida (pasillos), Guayaquil heroico (one step), El baquedano y Los ayes del alma (valses), Ay mi patria (bolero), Reliquias del Mariscal de Ayacucho (pasodoble fúnebre) y Momento de tristeza (yaraví), entre otros.En el primer Conservatorio de Música fundado en Quito en 1870 realizó estudios de piano y violín, destacándose y obteniendo premios en certámenes internos. En el campo profesional fue director de bandas del Ejército y logró galardones en concursos nacionales; asimismo, compuso muchas obras musicales académicas y populares. Trabajó como profesor particular de piano y violín y organista litúrgico de iglesias quiteñas; fundó la Estudiantina Ecuatoriana y con cariño se lo llamó el Pollo Ortiz. Sixto María Durán COMPOSITOR, PIANISTA, PEDAGOGO Nació: Quito, 1875 Murió: Quito, 1947 Obras: Cumandá (ópera), Mariana (zarzuela), Brumas, Miosotis (pasillos), Sol de Ayacucho, Patria (marchas), Himno a Juan Montalvo, Mariposas (vals), Indiana (melodía), Ñuca Llacta (fox trot), Andante fúnebre (marcha fúnebre), Ingratitud (yaraví), Invocación (romanza), etcétera. Su madre, que gustaba de la música, lo inició en el arte; el sacerdote alemán Jausen le enseñó. Continuó su autopreparación y lo nombraron profesor de piano del Conservatorio de Quito, plantel que dirigió por tres ocasiones. Escribió textos de teoría y técnica musical y ensayos sobre música indígena; alcanzó galardones en concursos de composición en Colombia, Perú, Argentina, Francia y en nuestro país. En 1918 perdió dedos de la mano derecha, pero aquello no le impidió seguir su carrera de compositor que dejó alrededor de 200 obras. Salvador Bustamante Celi COMPOSITOR, ORGANISTA Nació: Loja, 1875 Murió: Loja, 1935 Obras: Reír llorando, El desterrado, Adiós a Loja, Amar sin esperanza, Los adioses, Onomástico (pasillos), Lojanita (jota), Alondra, Serranita (polcas), Mi último adiós, Arrullos (valses), Bernardo Valdivieso, A Juan Montalvo (himnos), Lindo Niño, Dulce Jesús mío, Ya viene el Niñito, No sé Niño hermoso (villancicos), entre muchas otras composiciones. De familia de músicos, muy joven se trasladó a Quito donde aprendió la profesión de talabartero y siguió cultivando el arte musical con la guía de excelentes maestros. En Lima perfeccionó conocimientos de armonía, melodía, composición, etcétera. Tocaba

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órgano, piano y otros instrumentos. Trabajó como organista en Lima, Guayaquil y Loja, ciudad natal en la que impulsó sobremanera el desarrollo musical formando coros, dirigiendo bandas y escribiendo textos. Triunfador de concursos, el Conservatorio de Música de Loja tiene su nombre. Segundo Luis Moreno COMPOSITOR, MUSICÓLOGO, DIRECTOR DE BANDA Nació: Cotacachi, Imbabura, 1882 Murió: Quito, 1972 Obras: Nueve de Julio (obertura), El eco del bosque (polca), A ti (romanza), A Bolívar (marcha); Quejas, Gotas de ajenjo, A una rosa, Delirando, Ligia (pasillos), Navidad (cantata), Suite ecuatoriano N° 1 y N° 2. La muerte del Sol (marcha fúnebre), entre muchas más. Estudió música con el maestro otavaleño Virgilio Francisco Chaves y después ingresó al Conservatorio de Música de Quito, donde aprendió fagot, teoría musical, estética y composición con Domingo Brescia; allí lo nombraron profesor de teoría, solfeo e instrumentos de madera. Dirigió el Centro Musical Ecuador, varias bandas y en 1937 lo designaron director-fundador del Conservatorio de Cuenca. Fue historiógrafo musical y compositor. Escribió libros de los siguientes temas: La música en la provincia de Imbabura, La música en el Ecuador, Reformas al Himno nacional, entre otros. Colaboró con revistas del país especializadas en cuestiones musicales. Carlos Brito Benavides COMPOSITOR DE MÚSICA POPULAR Nació: Uyumbicho, Pichincha, 1891 Murió: Quito, 1943 Obras: Sombras, Imploración de amor, Rosas, Solo penas, Ojos tentadores, A tus ojos, Tus ojeras, Fatalismo, Alas rotas, Ella (pasillos), Los huachis (danza india), Cuasmal (danzante), Hotel Tesalia (pasodoble), entre otras. Recibió los primeros conocimientos de su padre, también músico, y posteriormente del maestro Sixto María Durán Cárdenas. Dirigió bandas militares como las del Regimiento N° 3 Calderón y del Batallón N° 1 Vencedores, e hizo aplaudidas giras por varias ciudades del país. Compuso canciones religiosas, tangos, himnos, bambucos, yaravíes, etcétera. Su pasillo Sombras, con letra de la poetisa mexicana Rosario Sansores, tiene difusión internacional. Francisco Paredes Herrera COMPOSITOR Nació: Cuenca, 1891 Murió: Guayaquil, 1952 Obras: Tú y yo, Bajo los almendros, El alma en los labios, Un triste despertar, Manabí, Horas de pasión, Como si fuera un niño, Anhelos, Siempre te he de amar, Pesimismo, Idilio, Luz y Sombra, Vamos linda, Rosario de besos, Unamos los corazones (pasillos); La feria, Viva la paz (pasodobles); Savia, Fría nenita (tangos); Mujercita, Flor de granadilla (sanjuanitos); Serpentinas (one step), Raza vencida (shimi); Ni más las mujeres (fox trot), etcétera). Su padre fue el gran músico Francisco Paredes Orellana, quien lo estimuló cuando mostró sus precoces cualidades. Aprendió armonía y música superior con el sacerdote italiano José Basso. Incursionó en el campo profesional como asistente de director de bandas militares y al mismo tiempo como compositor cuya fecundida está testimoniada con un significativo número de temas de diferentes géneros. Llamado el Príncipe del Pasillo, se le atribuyen más de 600 composiciones, incluyendo polcas, danzantes, pasacalles y otros ritmos. Custodio Sánchez Meza COMPOSITOR, DIRECTOR DE BANDAS Nació: Babahoyo, 1896 Murió: Guayaquil, 2000 Obras: Lindo Quito de mi vida (pasacalle), Apamy señora (sanjuanito), Olvídame, Óyeme, Acuérdate de mí, Añoranzas de amor, Cómo es el olvido, Llora mi corazón, Olvido (pasillos). Cuando ingresó en el Batallón N° 2 Quito recibió lecciones de Eduardo Osa Madrid, director de la banda de ese reparto militar, y no descuidó incrementar sus conocimientos de lectura y escritura de música. Luego colaboró con el almacén de José

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Cuba (rumba). Aprendió a tocar guitarra. Ósculos. Nicasio Safadi Reves COMPOSITOR. Lagrimón (fox incaico). Evocación nostálgica. Retorno triste. y dirigió grupos orquestales. Pichincha. Ansío tus labios (valses). Pensamiento. cantor y organista. Pobrecito mi cariño. Invernal. 1898 Murió: Quito. A Eloy Alfaro (himno). pero calla.Domingo Feraud Guzmán y en lo sucesivo -además de dedicarse a la composiciónorientó artísticamente los pasos inciales de varios intérpretes que triunfaron en el ámbito musical ecuatoriano. donde se graduó de pianista y después recibió lecciones de instrumentación y orquestación. 1985 Obras: Rosales mustios o Laura. Evocación. (tango). Los jilgueros. Aromando. Estados Unidos. Junto con Enrique Ibáñez Mora formó el dúo Ecuador. Añoranza. La mapa señora (fantasía). Escena campestre (suite sinfónica). Constantino Mendoza Moreira COMPOSITOR. PIANISTA. La canción de los Andes (fox incaico). dirigió otra perteneciente a la Casa de la Cultura de Manabí y enseñó en el colegio Olmedo de Portoviejo. Cancionero Escolar N° 2 y Melodías de mi vida. Al morir de las tardes. 193 . 1968 Obras: Guayaquil de mis amores. La canción del olvido. en las actividades musicales. Romanza india. Un pedazo de alma. Ojos tristes. La divina canción. Agüita serrana (aires típicos). Sí. Primer amor (vals). Muy joven aprendió a tocar el piano y ofreció años después recitales y conciertos en ciudades ecuatorianas y del exterior. Estudió en el Conservatorio Nacional de Quito. Pétalos marchitos (pasillos). Ay mi madre (valses). PEDAGOGO Nació: Portoviejo. CANTANTE DE MÚSICA POPULAR Nació: Beirut. Lejana. Talento autodidacto que en el transcurso de los años acumuló experiencia como pedagogo musical. Tristeza. bandas militares. Ojos verdes. Quito nocturno (pasacalle). Por tu camino (capricho indio). Qué más te puedo dar (pasillos). Madre mía (canción). Convertido en admirable autodidacto siguió una carrera ascendente sin olvidar los consejos brindados por valores contemporáneos. De corazón a corazón. 1957 Obras: Piedad. Ambato bohemio (chilena). ayudó a noveles artistas y organizó orquesta y conjuntos musicales. Limosna de amor. etcétera. Volver a ser muchacho. Delirio del indio. El montubio. A temprana edad fue adiestrado por su padre. Atardecer. Líbano. Amor que vuelve tarde. como las hermanas Mendoza Sangurima. entre muchísimas otras composiciones. Jilguerito tráeme besos. Sevilla en amor (pasodoble). Fundó una academia de música en su ciudad natal. enseñó en planteles quiteños y de Guaranda. Después de aquella noche. Monserrate (pasillo místico). Portoviejo (pasacalle). 1898 Murió: Cuenca. Y yo no he de volver. Hello Harrison (marcha). Un pétalo final. José Ignacio Canelos COMPOSITOR. De hinojos. Vuelves a fingir. Compuso rondas y cantos escolares y trabajó como organista en templos de la capital de la república. Siendo un niño llegó a Guayaquil y se quedó para siempre. Ojos glaucos. Editó las obras didácticas Cancionero Escolar (60 canciones originales para canto y piano). Fue fecundo como compositor. que en junio de 1930 viajó a Nueva York. Triunfó en certámenes convocados en varias ciudades del país. Romance criollo de la niña guayaquileña. jurisdicción de Cayambe. etcétera. PIANISTA Nació: Hacienda Pesillo. para realizar las primeras grabaciones de música ecuatoriana. 1897 Murió: Guayaquil. Manta. incursionó en el ambiente artístico como cantante y acompañante realizando sus primeras grabaciones. La tarde está de paz. Aterrizaje (pasillos). Así quiero tenerte.

CANTANTE Nació: Guayaquil. 1975 Obras: Lamparilla. Segundo Cueva Celi COMPOSITOR. quien fue sustituido por Rubén Uquillas. Escombros Presentimiento. Dulces tristezas. marchas escolares. este último su familiar. Mendigante. Ay. Enrique Ibáñez Mora COMPOSITOR. Miguel Ángel Casares Enrique Ibáñez Mora 194 . acordeón y guitarra. La pérdida de la visión no le impidió seguir enriqueciendo el arte musical ecuatoriano. Para llamarte mía (pasillos). Corazón que no olvida. El artista integró un trío con Carlos Silva Pareja y José Valdivieso Alvarado. CANTANTE Nació: Quito. Tardes del Zamora (valses). Se inició a temprana edad en la música y fue conocido por las frecuentes presentaciones que realizaba. Laura. pasacalles. Desolación. 1998 Obras: Endechas. El porteñito (pasacalle). entre otras composiciones populares. 1899 Murió: Guayaquil. De igual manera. Pequeña ciudadana. Yo quisiera decirte. Último recuerdo. Cuando tenía 8 años de edad hizo una presentación en público tocando el piano. Soñando. 1903 Murió: Estados Unidos. etcétera. etcétera. Piedad. Con su amigo Nicasio Safadi Reves formó el popular dúo Ecuador. yaravíes. recibió varios homenajes por su fecunda labor en pro de la difusión de la música ecuatoriana. Dos palabras (valses). Una lágrima mía. albazos y otras composiciones. mi viejita. Ven y verás. Tu boca. Miguel Ángel Casares COMPOSITOR. Legó una valiosa lista de composiciones. y muchos otros temas. Recordando tu olvido. Asimismo. Reproche. no solo con pasillos sino con cachullapis. Corazón bohemio. Panamá y Lima.Alberto Guillén Navarro Segundo Cuev a Celi Alberto Guillén Navarro CANTANTE. El músico portugués Claudino G. pero también himnos. Estudió varios años en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. Los indios rojos (composición). Con el conocido cantante Alberto Valdivieso. No te olvidaré. Arias íntimas. 1903 Murió: Quito. Olvida corazón. Recordando tu amor (pasillos). valses y nocturnos. Diablo Ocioso. El bombero (pasillos). Pobre de mi madre querida (yaraví). Para mí tus recuerdos (pasillos). Mi sufrimiento. integró el trío Los Campiranos. que gracias al entusiasmo de José Domingo Feraud Guzmán en 1930 grabó una serie de composiciones para el sello Columbia de Nueva York y además actuó en La Habana. 1901 Murió: Quito. Yo me he visto en tus ojos. Se reveló como precoz músico y tuvo como profesores a Antonio Vega y Salvador Bustamante Celi. La culpa la tuvo un beso. Ausencia. Rosas de amor. con Enrique Luna y Armando Pantza Aráuz. el Pibe. formó un dúo que realizó presentaciones en Perú y Chile. 1969 Obras: Solo por amarte. fue profesor del colegio Bernardo Valdivieso de su urbe natal. cantó en el cuarteto del que formaron parte su esposa e hijos. Sé que me matas. 1990 Obras: Cenizas. COMPOSITOR DE MÚSICA POPULAR Nació: Guayaquil. PIANISTA. Ilusiones del alma. especialmente pasillos. recibió galardones del Gobierno nacional y de otras instituciones lojanas. alternó con artistas como Carlota Jaramillo e Inés Jaramillo y formó dúo con Humberto Dorado. No te puedo olvidar. VIOLINISTA Nació: Loja. Trabajó en la compañía de zarzuelas Ramos Albuja y se destacó en la ejecución del piano. Roza le enseñó a tocar la trompeta y lo invitó a integrar la banda militar que dirigía. Vaso de lágrimas.

Inició sus estudios musicales con su padre. Atahualpa o el ocaso de un imperio (suite para banda sinfónica). Himno a la Asociación Escuela de Derecho de la Universidad de Guayaquil. El amaño (ballet). asimismo. óperas. Iniciado por su padre. Debajo del capulí. A orillas del Tomebamba (sanjuanito). 1980 Obras: Fantasía montubia (suite para orquesta). Sanjuanito futurista (microdanza para piano). Panamá y Perú. Venezuela. 1908 Murió: Guayaquil. Ferviente anhelo (pasillo). 195 . A partir de 1935 hizo periódicas giras artísticas en el país y por ciudades de Colombia. también fundó y dirigió el conjunto sinfónico de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. 1903 Murió: Quito. estudió en el Conservatorio Antonio Neumane hasta graduarse en 1933 y. COMPOSITORA. Ingresó en el Conservatorio Nacional de Música de Quito y fue profesor de dictado y armonía en ese mismo centro. Rafael Carpio Abad COMPOSITOR DE MÚSICA POPULAR Nació: Cuenca. El compositor Claro J. Blacio Potes. PEDAGOGA. Copa de hiel. CONCERTISTA Nació: Guayaquil. Himno de los colegios Veintiocho de Mayo y Amarilis Fuentes y de las escuelas República de Francia y Presidente Alfaro. desarrolló sus cualidades que perfeccionó con dedicación. y recibió reconocimientos de instituciones guayasenses. Por su labor de maestra la designaron Subdirectora de Educación Musical. Himno al Círculo de Periodistas del Guayas.. Chola cuencana. PIANISTA. Zulemma Blacio Galarza PIANISTA. CRÍTICO MUSICAL Nació: Cayambe. Dio especial atención a la música vernacular de nuestra región Litoral. En el Diario El Comercio de la Capital escribió temas de crítica musical. Homenaje a la danza criolla (poema sinfónico). operetas. también publicó el libro de partituras para piano Cantares cuencanos y el Florilegio del villancico tradicional cuencano. música de cámara y melodías populares. El páramo (preludio andino ecuatoriano). Copa vacía. 2004 Obras: Chorritos de luz. Himno a la Asociación Ecuatoriana de Radiodifusión (AER). su padre. ofreció audiciones en emisoras cuencanas y buscó más conocimientos como alumno del Conservatorio José María Rodríguez de la capital azuaya. fue nombrada profesora de piano. Himno a la Mujer Americana. Himno a la Asociación Femenina Universitaria. entre muchas otras composiciones. Vivir agonizando. Fue maestro de escuelas y colegios. donde además ocupó la dirección varias veces y dirigió la orquesta y coro adscrito a la entidad. también músico. Fundó una academia de música con su nombre. orientó sus cualidades musicales. Compuso sinfonías. Aídita (canción de cuna). 1977 Obras: El río Guayas (para coro mixto y piano). obtuvo premios en certámenes locales y nacional. La ñusta (canción incaica).Luis Humberto Salgado Rafael Carpio Abad Zulemma Blacio Galarza Luis Humberto Salgado COMPOSITOR. Editó Texto de armonía (dos tomos) y Música vernácula ecuatoriana (microestudio). 1905 Murió: Cuenca. Hoja seca (pasillos). Perla ecuatoriana (pasacalles).

Juramento. 1984 Obras: Ruego. Playita mía. Bastante joven y acompañado de su guitarra. Despedida (romanza). 1912 Murió: Guayaquil. Quiero verte madre. Rubira Infante formó un dúo que actuó en algunas emisoras de Guayaquil y también realizó presentaciones en varias ciudades del país. entre otras. Penas mías (sanjuanito). 1921 Obras: Esposa. Por qué (pasillos). Él también dirigió los pasos iniciales de valiosos intérpretes compatriotas como Julio y Pepe Jaramillo. 1917 Murió: Guayaquil. Pequeñita (vals). Ambato tierra de flores. Despedida. Te amaré en silencio. pórtico de oro. Tus ojos. más tarde. En 1940 grabó varias de sus creaciones. CANTANTE.Carlos Rubira Infante Cristóbal Ojeda Dávila Carlos Solís Morán Gonzalo Vera Santos Carlos Rubira Infante COMPOSITOR. Cristóbal Ojeda Dávila COMPOSITOR Nació: Quito. entre otras. Carlos Solís Morán COMPOSITOR Nació: Guayaquil. realizó estudios para aprovechar sus dotes de compositor. Yo no sé (valses). 196 . Eterno amor. Estudió en el Conservatorio de Música Antonio Neumane de Guayaquil. Sangre ecuatoriana (pasodobles). CANTANTE DE MÚSICA POPULAR Nació: Guayaquil. Adiós. Para entonces. 1989 Obras: Romance de mi destino. Alondra fugitiva. A la ingrata (danzante). Hacia ti. Atardecer de invierno (habanera). Historia de amor. Ausencia y olvido (pasillos). Yo no sé si te quiero (zamba). La espera. 1910 Murió: Quito. Viviré llorando. pero recién en 1944 lo hizo profesionalmente en la emisora Ondas del Pacífico. de los primeros discos fabricados en el Ecuador. Guayaquil. etcétera. realizó presentaciones en emisoras locales dando a conocer sus composiciones. Cálmate corazón. Por esta triste senda. Señor yo nada tengo. etcétera. En distintas épocas formó dúos muy aplaudidos como Los Porteños (con Olimpo Cárdenas). 1932 Obras: Alma lojana. El bautizo (albazo). Pedazo de bandido (aire típico). además. Desde que te fuiste. Guayaquileño. Manabí. La oración del olvido (pasillos). Lo mejor de mi tierra (sanjuanito). Casamiento de indios (aire típico). entre otros. Gonzalo Vera Santos COMPOSITOR. Murió durante la llamada Guerra de los Cuatro Días. Olimpo Cárdenas. Una de sus grabaciones fue Quedas tranquila. Qué será de mi vida. Quedas tranquila. Desde niño mostró su afición por la música. En las lejanías. Radicado por algún tiempo en Loja enseñó baile (varios ritmos) en el colegio Bernardo Valdivieso. wCrepúsculo. Abandono (sanjuanito). sus primeras grabaciones tuvieron mucho éxito. Mi Guayaquil (pasacalle). Venga conozca El Oro (pasacalles). El cartero. muchas de esas piezas le pertenecen en letra y música. y pese a su corta existencia dejó un buen número de hermosas y sentidas composiciones. Eternos lazos. Esperando. Latidos (pasillos). y otro con Gonzalo Vera Santos. Los cuatro. Alejándose. entregó para la posteridad más de 200 canciones en diferentes ritmos. La tristeza de un adiós. GUITARRISTA Nació: Bahía de Caráquez. Al oído. pues tocaba el piano. Plegaria (himno). Vuelve. Prolífico en su quehacer musical. pero problemas económicos le impidieron que siga su carrera. con Carlos A. Comenzó su carrera artística en 1936 en su ciudad natal. Hojas secas (tango). Chica linda.

Gerardo Guevara Viteri COMPOSITOR. Eco andino. Mil años de música. coro y recitantes). DIRECTOR DE ORQUESTA Y CORO Nació: Quito. 1930 Obras: Yaguar shungo (ballet para orquesta. Ostenta importantes galardones de certámenes de composición y obras corales. especialmente para guitarra y orquesta). 197 . centro del que fue director posteriormente. GUITARRISTA. Nocturno. Despedida. Las quiteñas (zapateado). Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. Raíces. convocados en diversas ciudades del país. PIANISTA. Acuarela indígena. etcétera.Carlos Bonilla Cháv ez Carlos Bonilla Chávez COMPOSITOR. Realizó estudios en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. coro y recitantes). Yumbo. Se va con algo mío (pasillos). Ismos. entre otras. Dirigió el de la Universidad Central. Wawaki (yumbo). con el que efectuó presentaciones en festivales internacionales. 1923 Obras: Subyugante. y en diversas ciudades del país los formó junto con orquestas. Ponchito al hombro (obras sinfónicas. donde luego enseñó contrabajo y guitarra. Idílica. Preludio. Cantares del alma. en Francia obtuvo el título de director de coros. entre otros composiciones del género académico. Solo tú (pasillos). En Colombia perteneció a la Orquesta Filarmónica de Bogotá y en nuestro país a la Sinfónica Nacional. También ha escrito textos y selecciones antológicas de la música popular y tradicional del Ecuador. siendo además su director. Cuarteto de cuerdas. Atahualpa. Sueña mi bien. Cuadernos de la tierra (para orquesta. Suite mínima (para guitarra). Fue director fundador de varios coros institucionales quiteños y dirigió el de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. como primer contrabajo. Grabó discos con grupos corales e intérpretes solistas y editó el texto Método para guitarra. CONTRABAJISTA Nació: Quito. Tambores shyris. Elegía y danza.

El legado de las generaciones pasadas es tan importante como nuestras acciones presentes. incluidos el lenguaje verbal y los gestos. La práctica de los valores identifica a un individuo con la manera de estar en el mundo del grupo al que pertenece.  El emotivo. reflejándolos en las mentalidades colectivas. Afectos e impulsos que nos mueven a actuar y a reaccionar. Valores intermedios: intelectuales y estéticos. la verdad. Dicho entorno determina las motivaciones. Historia cultural e intelectual de las ideas. corresponden a un entorno mental colectivo. la felicidad. Componentes de las mentalidades colectivas Las mentalidades colectivas están formadas por los siguientes componentes:  El racional. éticos y estéticos. 198 . libertad. felicidad o bien común. la religión y la cultura. Valores espirituales: lo bello y lo feo. Valores religiosos: lo santo y lo profano. de la filosofía y de la exploración de la conciencia. la belleza. Valores superiores: morales y espirituales Los valores según Rokeach (1973) Valores instrumentales o relacionados con modos de conducta: valores morales. Para entender las mentalidades colectivas hay que acudir a las fuentes históricas. ¿Qué son los valores? Los valores son aquellos criterios que rigen el comportamiento de los seres humanos.LECTURAS AXIOLÓGICAS Los valores sociales El bien. Valores inferiores: económicos y afectivos. lo justo y lo injusto. las leyes y costumbres. valores del conocimiento puro de la verdad. referidos o de existencia: paz. Valores terminales.. Valores vitales. Ejemplos de clasificación de valores Los valores según Scheler (1941) Valores de lo agradable y lo desagradable. Las mentalidades colectivas Todas las actividades humanas. la virtud. han sido conceptos que desde el principio de la humanidad han guiado el comportamiento y las aspiraciones de las personas y las sociedades. Los seres humanos han definido sus valores a lo largo de la historia. La clasificación más común discrimina valores lógicos. Los valores según Frondizi (1972) Objetivos y subjetivos. afirmando así una determinada concepción de la humanidad. las elecciones y la forma de afrontar las consecuencias de nuestros actos.

Éstos no nacieron de súbito. Los valores en las leyes y costumbres Los valores sociales encuentran su máxima expresión en los códigos de comportamiento que cada sociedad se impone a partir de leyes. Aquellos procesos mentales que escapan a la conciencia. los usos y tradiciones se recogían en los fueros. relacionados con su concepción del mundo. Las religiones y las mentalidades colectivas Las religiones tratan. Cuando las provincias vascas fueron incorporadas a la corona de Castilla mantuvieron sus instituciones. relativamente reciente. de sus valores y leyes. de proporcionar a las comunidades unos valores éticos y morales.  El conductual. A partir de la segunda mitad del siglo XX. los Evangelios resaltan la importancia de los siguientes principios:  El respeto a la dignidad de la persona. estamos hablando de los fueros vascos y su historia. Al hablar de la sociedad vasca. En 1979. usos y costumbres aceptados por la generalidad. Hay que tener en cuenta que hasta finales del siglo XIX la capacidad de lectura era patrimonio de una minoría culta. Toda la actividad humana es observable según lo que se hace o se dice. desarrollar la inteligencia y entretenerse. miembros de un colectivo. En el caso del cristianismo. Este medio. Por ello su normativa se basa en las tradiciones y están formados por un conjunto de leyes que regulan tanto el derecho público como el privado. por un lado. 199 . Las páginas de los libros son también un espejo en el que se reflejan los valores de una época y de una sociedad. en el que se reconoce el derecho foral (uno específico para cada territorio histórico). Representaciones mentales que configuran un mundo interior personal pero compartido por los  El inconsciente. es un soporte de expresión de valores con una amplia influencia. y por otro. y los reyes y señores juraban acatar los fueros. Mención especial hay que hacer del teatro. Las derrotas militares en las guerras carlistas tuvieron como consecuencia la abolición de los fueros en 1876. el teatro se consume colectivamente. frente a la lectura que es un acto individual. sino que se fueron forjando a lo largo de la historia. de responder de una forma concreta a los problemas derivados de la convivencia social. con la democracia. El imaginario. llamadas juntas. Los fueros y el Estatuto de Autonomía En los tres Territorios Históricos vascos y Navarra. debido a su carácter masivo. creando una imagen coherente de los mismos y dando lugar al nacimiento de proyectos colectivos. A lo largo del XIX los vascos fueron perdiendo sus privilegios.  El bien común y la justicia social como referencia para gobernantes. Además. Los valores sociales en la literatura y el cine: La lectura sirve para aprender. que durante siglos tuvo una importancia capital para la constitución del espíritu colectivo de los pueblos.  El amor al prójimo como base de la convivencia. la imagen (cine y televisión) ha superado como generador e indicador de valores sociales a la palabra escrita. se aprobó mediante referéndum el Estatuto de Autonomía. Durante la Edad Moderna. Las doctrinas sociales de la gran mayoría de las religiones se inspiran en los principios que se desprenden de sus libros sagrados. la literatura influyó decisivamente en la formación del sentimiento de identidad de los pueblos europeos. La literatura ha sido una potente creadora de imágenes.

tiene una triple función:  Expresiva: muestra la manera que el autor o la autora tiene de ver el mundo. perfecciona. la ecología. debería intentar integrar sus valores culturales específicos en un marco universal dominado por principios como el humanismo.  La proposición de iniciativas para la creación de formas de vida más justas a nivel personal y colectivo. el pacifismo y la tolerancia. son patrimonio de toda la humanidad. Los edificios de Gaudí y las esculturas de Chillida o de Oteiza entre otros. Los valores sociales en las artes plásticas El arte. que puede sentirse tocada por su belleza. la solidaridad. El valor moral conduce al bien moral. 200 . Gipuzkoa. lograr la imagen estática de la pintura. como actividad humana. En este sentido. La obra de arte expresa y crea valores. INTENTANDO UNA CLASIFICACIÓN DE LOS VALORES. CLASES Se entiende por valor moral todo aquello que lleve al hombre a defender y crecer en su dignidad de persona. los procesos educativos deberían incluir:  La identificación.  La construcción de un marco de convivencia basado en la razón y la tolerancia. establecer el hábitat de la arquitectura y mostrar el diálogo de la novela y el movimiento del teatro. simular las tres dimensiones de la escultura. completa. independientemente de su nivel de desarrollo. de Eduardo Chillida. Recordemos que bien es aquello que mejora. interpretación y crítica de situaciones de injusticia. El peine del viento.  Comprensiva: es un medio de conocimiento y explicación del mundo. El cine puede pretender la profundidad de la poesía. la democracia. San Sebastián. La respuesta a este complejo choque de valores pasa por el diálogo. de sus tradiciones y de sus valores culturales. aunque su calidad y su belleza no tienen necesariamente que depender del juicio que merezca su moralidad. se pretende crear un vínculo social.El cine tiene gran influencia en la transmisión de valores. Valores particulares y valores universales La Conferencia de Viena de 1993 planteó la dificultad de saber si es ético definir y aplicar unos valores y unos derechos universales a un determinado país. El estudio de los problemas de las sociedades.  Comunicativa: al hacer su obra pública.

con los animales. Valores Terminales. más o menos cultura. a través de una estabilidad laboral por ejemplo.. la educación. trabajo. Para lograr comprender plenamente los valores morales debemos analizar la relación que éstos guardan con otro tipo de valores. b. a hacerte más humano. 201 . pero esto no afecta directamente al ser hombre.Son comportamientos alternativos mediante los cuales conseguimos los fines deseados.. Por el contrario las acciones buenas. d. por ejemplo. la vivienda. es la valoración de su vida y establecer jerarquías de importancia. Necesidades de autorrealización. Necesidades primarias.Son las necesidades fisiológicas que todo ser humano tiene que satisfacer..Son aquellos que sí perfeccionan al hombre. Aquí se encuentran valores como el placer. actuar con honestidad. en su razón. el prestigio. la riqueza. le perfeccionan. Depende exclusivamente de la elección libre.Son estados finales o metas en la vida que al individuo le gustaría conseguir a lo largo de su vida. Valores humanos inframorales. Necesidades de seguridad.. la moral y la religión. la agilidad.. vivir la verdad. el hacer uso de la violencia o el cometer un fraude. lo deshumanizan. La inteligencia y el conocimiento. de la universidad. que la finalidad del hombre en el mundo es alcanzar la felicidad. la autoridad. Estas pueden satisfacerse por medio del cultivo de la ciencia.. Así se dará cuenta que algunos valores serán sacrificados por otros de mayor grado.Son aquellos valores que son exclusivos del hombre. el buscar la justicia.El hombre siempre busca su comodidad. Valores Instrumentales. por ejemplo. el arte. todos nosotros en el fondo buscamos aceptación del grupo social. en aspectos que comparte con otros seres. el buen gusto. la justicia hace al hombre más noble. Aquí encontramos valores como los económicos. por lo que tendemos a formar nuevos grupos de pertenencia (proceso de socialización a través del colegio. etc. etc.) e. la prosperidad. ya no los alcanzan los animales. generalmente nos referimos a las cosas materiales. Sin embargo vivir en la mentira. Valores económicos. pero en aspectos más inferiores. Para ello una de las cosas que debe hacer la persona. Entonces se convertirá en la carta de presentación " moral" del individuo.Se refiere al temor de pasar desapercibido.Es cuando un núcleo familiar no es suficiente para el desarrollo de la persona. la salud. se refiere también a las necesidades (satisfacción de las mismas) o aspiraciones humanas y su clasificación se da de la siguiente forma: a. luchar por ideal. ya que se obtienen basándose en mérito. por ejemplo. de mayor calidad como persona. el arte.. Se puede tener buena o mala salud. degradan a la persona. que permiten al hombre realizarse de alguna manera. por ejemplo: el alimento. el sujeto decide alcanzar dichos valores y esto sólo será posible basándose en esfuerzo y perseverancia. Se dice también. Un valor cobrará mayor importancia en cuanto logre perfeccionar al hombre en un aspecto más íntimamente humano: Valores infrahumanos. únicamente el hombre. espirituales.. por ejemplo. cabe ordenarlos de acuerdo con su capacidad para perfeccionar al hombre. el éxito. Cuando hemos referido líneas arriba cuando hablamos de valor. CARACTERÍSTICAS. etc. Necesidades sociales. en su voluntad. el vestido. la fuerza. Estos valores perfeccionan al hombre de tal manera que lo hacen más humano. en su libertad. Siendo el ser humano el punto de referencia para los valores. El valor moral te lleva a construirte como hombre. El hombre actúa como sujeto activo y no pasivo ante los valores morales.Se refiere de encontrar un sentido a la vida. c.. precisamente para cubrir sus necesidades básicas. empeoran al ser humano. relegado por los demás. Y socialmente hablando. instituto. Por otro lado.El valor moral perfecciona al hombre en cuanto a ser hombre.

Subjetivos.). Objetivos. el amor.Son lo que son (originales) y no cambian. Podemos concluir que el conocimiento requerido para alcanzar la virtud moral está al alcance de todos y que el bien del hombre se alcanza en relación con otros hombres. está convencido que el conocimiento es la virtud más grande que puede poseer y practicar el ser humano. más -como todos los hombres.. Para ello propone un ambicioso programa educativo cuyo camino es posible para unos "pocos privilegiados" pues el conocimiento moral involucra un estado de abstracción alto. la bondad. encontramos las siguientes: a. Entonces. Por ello la libertad se encuentra en la conducta autodeterminada que ocurre cuando se ejerce un juicio racional desinteresado.. independientemente de que se las conozca o no. para la sobrevivencia de su propia vida e.Es el desarrollo del carácter la virtud más grande a la que puede aspirar el hombre: Énfasis educativo en la voluntad y creación de hábitos. LA EDUCACIÓN MORAL. THOMAS HOBBES (1588-1679).Los valores se les da tanto a las cosas como a las personas. Al creer en una justicia universal producto de la razón humana.Tiene importancia para la persona en específico de acuerdo a sus intereses. Independientes e inmutables. biológico o individual. 202 .El conocimiento es la virtud más grande que puede poseer y practicar el ser humano.al luchar por su propio interés. ARISTÓTELES (384 -322 AC. el desprejuicio y la razón. d.. se acerca a un estado natural sin ley. la sobriedad y la preocupación por los demás. a través de un entrenamiento práctico prolongado donde el papel de un buen maestro es esencial..En su obra El Leviatán (1651). Podemos concluir que lo correcto y la virtud se construyen a partir de la relación entre razón y pasión.)..). JEAN-JACQUES ROUSSEAU (1712-1778). asocia la idea de virtud a su idea de hombre moral: este debe ser educado en la autodeterminación.los fundamentos teóricos (filosófico. Inagotables. asevera que el hombre no puede vivir libre y ser gobernado al mismo tiempo: Renuncia a su "libertad natural" para acatar un " contrato social". histórico. dicho contrato debe ser apoyado por las leyes y//o por la fuerza. BASES CIENTÍFICAS En esta primera parte del segundo capítulo se ha intentado resumir y –con el riesgo de caer es interpretaciones sesgadas.Son aquellos que no están condicionados a ningún hecho social. el amor. b. la libertad. la sinceridad. Absolutos. psicológico y educacional) de la educación moral. asociando la felicidad con un modo de vida moral donde primen el autocontrol. ANTECEDENTES FILOSÓFICOS: SÓCRATES (470 -399 AC. c. para el hombre.No existe ninguna persona que no agote la nobleza. siendo la sociedad una estructura ajena a su naturaleza.Concibe la naturaleza humana como buena pero sujeta a corrupción. entre otros. Por ejemplo: la verdad o la bondad. Así en su obra El Emilio (1762). Para ello se ha trabajado texto del maestro español Juan Grass Pedrals.Al igual que Sócrates. el hombre alcanza una sociedad mejor a través de la búsqueda de una evolución moral humana.Dentro de las características principales que poseen los valores. Para los hombres es necesario descubrirlos para que vaya formando su personalidad. PLATÓN (428-347 AC. la belleza. Ejemplo: la justicia.

desde el punto de vista metodológicoeducacional fue exitosa pues se lograron los objetivos deseados. Más el temor al adoctrinamiento causó profundo impacto en la educación de la posguerra. La psicología cognitiva se concentra en los procesos mentales internos y el desarrollo cognitivo es el proceso por el que los individuos adquieren complejas formas de pensamiento y de resolución de problemas. Dio origen.Respecto a la educación moral nos asevera que hay ciertos principios universales que son comunes a todas las personas y que dicha educación moral se logra a través de la práctica de tres ideas centrales: Disciplina. ÉMILE DURKHEIM (1858-1917). expresada en una inclinación a la benevolencia (lo entiende como un interés generoso por el bienestar general de la sociedad). mediante técnicas apropiadas se le hace progresar a través de las diferentes etapas de su desarrollo. por el que la moralidad es. ANTECEDENTES DE LA PSICOLOGÍA Y LA EDUCACIÓN: KOHLBERG Y EL DESARROLLO MORAL COGNITIVO. involucramiento y autonomía. Para ser absolutas las leyes morales deben ser "universales" y "necesarios" y sus juicios. que señala lo correcto de lo incorrecto. sin embargo la mayor parte de los adultos llega sólo a la tercera o cuarta etapa (ver Anexo: Tabla 1). el psicomotor y el afectivo. En ellas el educando toma un papel activo en su propio desarrollo moral. pues no es verificable. ante todo.Tiene como su antecedente más antiguo al filósofo griego Protágoras. Los grandes aportes de la teoría cognitiva en la educación moral contemporánea vienen de Jean Piaget y de las modificaciones posteriores hechas por Lawrence Kohlberg: Hay seis etapas o estadios en el desarrollo moral de una persona. ADOCTRINAMIENTO. Dicho enunciado fundamentó el origen de la clarificación de los valores.La psicología educacional reconoce tres dominios: el cognitivo. Estas corrientes se sintetizan en el siguiente enunciado: "Nadie puede afirmar o contradecir lo que otro afirma como cierto".La fuente principal de nuestro conocimiento es la experiencia captada por nuestros sentidos: hablar de Dios o de la Libertad no tiene sentido. Por ello la moralidad es materia del sentimiento. 203 . obediencia al concepto de "ley moral".Definida por T. IMMANUEL KANT (1724-1804). practicada por los pueblos alemán y japonés antes del inicio de la segunda guerra mundial. Moore como la enseñanza de valores definidos sin cuestionamientos.Establece el absoluto moral. Lo que define la etapa en que una persona se encuentra es el razonamiento que justifica la respuesta. CORRIENTES RELATIVISTAS.DAVID HUME (1711-1776). Para saber en qué estadio de desarrollo moral se encuentra una persona se presenta un dilema ético y se clasifican las respuestas posibles dentro de cada etapa de desarrollo moral. W. a las corrientes subjetivistas. no la respuesta en sí. "puros y apriori". sin embargo es el estado contingente de las circunstancias el que define si algo es considerado ético o no. CORRIENTES SUBJETIVISTAS.Para estas corrientes de pensamiento existen criterios objetivos para el reconocimiento del bien. como reacción.

debe producir personas morales. Los valores pueden ser realizados. EDUCACIÓN EN VALORES. Entonces la formación de los sujetos no es única y surgen algunos modelos: A. válidos en cualquier situación. nos ayuda a aceptarnos y estimarnos como somos.. descubrimiento son tres pilares básicos de toda tarea educativa.Sostiene que el enfoque de Piaget y Kohlberg están orientados en la personalidad masculina privilegiando la justicia y la racionalidad.busca consolidar la etapa en que el niño o joven se encuentra. a través de ellos llegan a la convicción de que algo importa o no importa. esta incorporación. 204 . La educación moral -en este enfoque. nacido de una postura feminista. pensar y actuar. tiene por objetivo lograr nuevas formas de entender la vida. descubiertos e incorporados por el ser humano. una transmisión de valores inmodificables. la capacidad crítica para tomar decisiones en un conflicto ético. Su enfoque.Comparten una idea heterónoma de la moral. Modelos de transmisión de valores absolutos. La hipótesis central del enfoque es CUIDAR Y SER CUIDADO SON NECESIDADES FUNDAMENTALES DEL SER HUMANO. NODDINGS Y EL ENFOQUE DE APOYO Y CUIDADO. la escuela debe ayudar a construir criterios para tomar decisiones correctas y orientar nuestra vida. Educar en valores es también educar al alumnado para que se oriente y sepa el valor real de las cosas. B. sin poder de elección de otra posibilidad. los valores absolutos entran en crisis. como impuestos.La educación en valores es sencillamente educar moralmente porque los valores enseñan al individuo a comportarse como hombre.La educación moral -en este enfoque. MODELOS DE EDUCACIÓN MORAL Estos tipos de modelos nacen por las interrogantes que se presentan por ejemplo el tema de la génesis de la moral. El individuo pierde autonomía. para luego hacerlo progresar a la siguiente mediante técnicas de desequilibrios y asimilaciones. como vemos tan solo no es una educación que busque integrarse en la comunidad sino que va mas allá busca la autonomía. son asimilados libremente y nos permiten definir los objetivos de vida que tenemos. éstas se convierten en guías y pautas de conducta. sostiene la creación de un ambiente de apoyo y solidaridad en un colegio para promover valores que trasciendan a la generosidad. Es un trabajo sistemático a través del cual y mediante actuaciones y prácticas en nuestro centro se pueden desarrollar aquellos valores que están explícitos en nuestra constitución como base para cualquier tipo de educación en valores. Una vez que los alumnos interioricen los valores. por ello reside su importancia pedagógica. también se promueve el respeto a todos los valores y opciones. estas tomas de decisiones se da cuando nos enfrentamos a un conflicto de valores. las personas implicadas creen que la vida tiene un sentido. de construir la historia personal y colectiva. reconocen y respetan la dignidad de todos los seres. es decir. políticas y medios. Las fortalezas e intereses de los estudiantes deben ser desarrollados en un ambiente de cooperación. a establecer jerarquías entre las cosas. necesitan la participación de toda la comunidad educativa en forma coherente y efectiva. debe ser moral en sus propósitos. otro de los objetivos de esta educación es ayudar al alumno en el proceso de desarrollo y adquisición de las capacidades para sentir. pero más importante aún.Sucede cuando la educación moral tomada en este sentido se identifica con una concepción relativista de los valores. cada persona posee una escala de valores que le permite tomar decisiones.. realización. Modelos de autoconocimiento y autenticidad moral.

Modelos de socialización.  Entorno adverso y contradictorio. porque como sabemos los valores se encuentran en todas las áreas curriculares y no se considera necesario ocuparse de ella en una disciplina específica. Ésta acción tutorial no se da como lecciones magistrales sino que deben informar toda la vida del aula. es decir. esto puede provocar en la persona un sentimiento de frustración. pero tampoco comparte la creencia de que los conflictos morales únicamente puede solucionarse atendiendo a preferencias subjetivas. Modelos de desarrollo de juicio moral.  Incongruencia entre el decir y el hacer. 205 . La enseñanza no debe quedarse en el papel sino hay que conocerlos para vivirlo y ponerlo en práctica. F. D. los realiza de forma habitual y constante. es decir. esta relación constituye el esquema conceptual para el área de enseñanza de valores. En nuestra sociedad como se puede ver hay una tendencia al vacío moral. Otro de los problemas que es notorio es que a los educadores parece faltarle el discurso para expresar sus ideas sobre valores. la sociedad es concebida como bien supremo del cual emana la moralidad. a las cuales todas las personas deben someterse aceptando las normas y valores que posibilitan y conforman la vida en sociedad.Para este modelo una persona se considerará moral si su conducta la virtuosa. para asimilarlos y vivirlos y es la acción tutorial un elemento importante en la transmisión de valores para ayudarles a saber qué hacer con su vida y optar por el camino correcto. además. quiere decir que se tome como algo pasajero y no para toda la vida. en este mundo es importante reconstruir los valores culturales locales para luego construir los valores globales. si realiza actos virtuosos y. RIESGOS DE LA EDUCACIÓN EN VALORES  Convertirse en moda. como se ve es estructurado..Considera la educación moral como socialización en tanto que pretenden insertar a los individuos en la colectividad a la que pertenecen.Parte de la idea de que la moral no es algo adquirido a priori sino que se entiende como un producto cultural cuya creación depende de cada individuo y del conjunto de todos ellos.. Podemos terminar este apartado puntualizando que educar en valores no es enseñarle a alguien algo que no sabía sino crear condiciones para hacer de esa persona. alguien que no existía..Niegan la existencia de valores absolutos que deban transmitirse de generación a generación. los valores subyacen en los temas transversales propuestos. para ellos el papel de la educación debe centrarse en el desarrollo del juicio moral. cuando un profesor explica correctamente los valores y en la práctica no lo hace patente y realiza lo contrario. Algunas veces lo que propone la escuela no guarda relación con la realidad que se vive en las familias y en los medios de información. Modelos de adquisición de hábitos morales.  Intelectualización de los valores.. REFLEXIÓN NECESARIA La preadolescencia es la etapa clave para la educación en valores. coherente y adecuado a los tiempos (currículo). Modelos de la construcción de la personalidad moral.C. Es inevitable que en esta etapa de globalización se produzcan conflictos de valores por la preponderancia de las máquinas ante los hombres. existe un inadecuado conocimiento teórico del tema. E.

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