sellos en distribución exclusiva (Febrero 2011)

editorial

200 / febrero 2011

boletín de información discográfica año XX nº 200 febrero 2011

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los sellos señalados con un * poseen un catálogo gratuito a disposición de nuestros lectores

accent aeon agruparte almaviva * alpha * altus ambroisie analekta andromeda anima e corpo arcana archipel ar re se arsis arte verum arts asv audite * avenira bbc legends * biddulph bis bmc bongiovanni bridge brodsky records camerata carus * cdm challenge christophorus coe records col legno columna música cpo cypres dux * dynamic * ecm enchiriadis ensayo etcetera * eufoda fuga libera gaudeamus gebhardt globe glossa golden melodram gramola hänssler idis immortal ina * ivm kairos * klara lindoro london sinfonieta orquesta mdg dabringhaus & grimm * medici arts melodiya mode * musique en wallonie myto * naïve * nar neos * new world records * nmc olive music ondine * opera rara * opera tres orfeo * passacaille pentatone ponto preiser ramée raumklang regis * ricercar royal concertgebouw o. soli deo gloria stradivarius * supraphon * tahra testament timpani tudor trito verso vms wergo * wigmore hall live winter & winter zig zag

16

Entrevista con Céline Frisch y Pablo Valetti
Los creadores de Café Zimmermann analizan para Diverdi su trayectoria artística

índice

20

Bach: matemáticas sonoras
Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El arte de la fuga

26

Mitos y susurros
El nuevo libro de J.M. Sagarmínaga evoca medio siglo de lírica en España

30

Britten reina en Glyndebourne
El sello del festival inglés presenta un extraordinario Peter Grimes grabado en 2000

31

El Bartók de Fricsay
Audite publica las grabaciones bartokianas del director húngaro para la RIAS

35

Chopin impresionante y revelador
Un monumental estuche de 21 CDs ofrece una auténtica integral de la obra del músico polaco

40

Mackerras, un australiano en Praga
Supraphon documenta la relación del director recientemente desaparecido con la música checa

44

Fantasmas del pasado
La pasajera de Weinberg, un escalofriante drama lírico en DVD de Neos

47

La vuelta de Henze
Cybele dedica un triple CD con entrevista al gran compositor alemán

54

Entrevista con Tomás Garrido
“Al ser escuchada, la música se convierte en otra cosa”

62

el chupito: Lo que importa es la pasión

Diverdi, S.L. Eloy Gonzalo 27 (entrada por Santísima Trinidad, 1) 28010 Madrid tel.: 91 447 77 24 fax: 91 447 85 79 www.diverdi.com e–mail: diverdi@diverdi.com La discografía incluida en este Boletín se puede adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac y en las principales tiendas del país. Director: Juan Lucas (juanlucas@diverdi.com) Diseño: Valentín Iglesias Realización: Diverdi Maquetación: Jose Pascual (macprimo@diverdi.com) Publicidad: diverdi@diverdi.com Dep. legal: M-10066-94 Solicitado control de OJD

con un primer disco titulado Yo soy la locura). Palacio de la Ópera. Schumann. (Forma Antiqva) Auditorio Nacional. los hermanos Zapico como Forma Antiqva ofrecerán un nuevo repertorio de cantadas del siglo XVIII. acompañados por la soprano Soledad Cardoso. una Suite orquestal y un Concierto para violín. Madrid. las transcripciones que realizó Liszt sobre las sinfonías de Beethoven (y una versión de Das Lied von der Erde de Mahler). 19 de febrero de 2011 (La Real Cámara) Auditorio Nacional. Katsaris lleva una década editando discos en su propio sello –Piano 21–. Sukarlan actuará también en Madrid. 10 de marzo de 2011 foto © Holge Schneider Bel canto en Sevilla Los aficionados sevillanos a la pirotecnia belcantista tendrán un infrecuente regalo en el Teatro de la Maestranza. Universo Barroco. disponible en el sello Hänssler. mientras que el álbum previo. Lanchares y Perón Cano. betrübte Schatten). Gounod.4 di v e r di conciertos & actualidad conci e rt o s & ac t ua l i da d El “Universo Barroco” Formando parte de la nueva serie del CNDM. acompañada por el pianista Massimiliano Bullo. Madrid. En el haber de Rilling está la colección completa de Cantatas de Bach. Corselli. actuación disponible en el sello Bongiovanni en la que estuvo dirigida por Daniele Callegari. el último disco de estos hermanos en Winter & Winter. en una producción de 2010 del Festival de Beaune. con Raquel Andueza como solista (quien acaba de lanzar su propio sello discográfico. donde la diva italiana Mariella Devia (cuya última actuación en esta ciudad fue en 2009 con Tancredi de Rossini) dará un recital con piezas de Massenet. Amore X Amore. junto al percusionista Miquel Bernat). con curiosas transcripciones e infrecuentes piezas francesas y chipriotas junto a versiones magistrales de obras fundamentales. Lucia di Lammermoor y Maria Stuarda. En Pygmalion. Pygmalion y Anacréon. 26 de febrero de 2011 . Para conmemorar el 300º aniversario del nacimiento de Bárbara de Braganza.com El reciente concierto para piano That Scream Called Silence de Eduardo Soutullo. ha sido lanzado al mercado recientemente. 4 de febrero de 2011 Fundación Juan March. así como en el papel titular de Susanna de Haendel. Karthäuser grabó un gran Stabat Mater de Boccherini en Ricercar con Les Folies Françoises. Málaga. 24 de febrero de 2011 5 Indonesia en España muchos más conciertos en diverdi. con un amplísimo repertorio que abarca obras de Chopin. dirigida de nuevo por Christie. 12 de marzo de 2011 El regreso de Rilling a Galicia Helmuth Rilling fue el primer director de la Real Filharmonía de Galicia y. Valencia. ha sido nominado este año en los International Classical Music Awards. Madrid. Su Lucia di Lammermoor grabada en Cagliari ha sido editada por Dynamic. un auténtico cofre del tesoro repleto de grabaciones nuevas y antiguas por descubrir. bajo el título Soberano manjar. La solista vocal será JuliaSophie Wagner. el maestro alemán regresa con un repertorio al que lleva realizando una colosal contribución a lo largo de toda su carrera: la música de Johann Sebastian Bach. obra dedicada a Rilling Auditorio de Galicia. Sevilla. Anima e Corpo. La soprano nacida en Liguria es bien conocida por sus impetuosas interpretaciones de papeles como las protagonistas de Lucrezia Borgia. todo bajo la dirección de Carlo Rizzi. Bach. El programa ofrecerá dos cantatas (nº 51. Jauchzet Gott in allen Landen y nº 202. Nebra y Rodríguez de Hita. donde dará en mayo un recital con obras de Rueda. como ya demostró en el papel de Sandrina en la reciente versión en concierto de La finta gardiniera de Mozart dirigida por René Jacobs en Oviedo. Además de dos recientes lanzamientos cantando Mozart (con orquesta y con piano). y recientemente ha dirigido en Carus el Messiah del compositor sueco Sven-David Sandström. además de discos de recitales. Facco. La extensa discografía de este pianista indonesio. Weicht nur. Otra recuperación de patrimonio tendrá lugar en el concierto que ofrecerá La Real Cámara bajo la dirección de Emilio Moreno. 4 de mayo de 2011 5 5 Karthäuser nos seduce Dos ballets de Rameau. Vallejo. incluye un reciente lanzamiento en el sello Anemos (Castor et Pollux de Santiago Lanchares. Bien conocido por sus grabaciones en grandes discográficas. Teatro de la Maestranza. habitualmente magistral en la música dramática del XVIII. Además de obras de Illana y Torres. La Coruña. Donizetti y Bellini. Chopin. García Abril. podremos escuchar refrescantes interpretaciones de música de Domenico Scarlatti. Estará acompañado por la Orquesta Sinfónica de Galicia. además de discos en Stradivarius. o como Violetta de La traviata . Concerto Zapico. Forma Antiqva ha preparado con minuciosidad la edición de dos cantadas de San Juan y Literes. Sala María Cristina. será interpretado en La Coruña por uno de los solistas que más están apostando por la música contemporánea española: Ananda Sukarlan. dedicada a nuestra nueva música. llegarán a Valencia de la mano de William Christie y Les Arts Florissants. La habilidad de los intérpretes en este repertorio puede ser comprobada también en dos recientes discos de Glossa: Il più bel Nome de Antonio Caldara y La Tirana contra Mambrú. Amour será la luminosa voz de Sophie Karthäuser. Col legno (Jesús Rueda) y Verso (Lanchares). Tritó (David del Puerto en ambos). con ocasión del 15º aniversario del concierto inaugural de esta orquesta compostelana. 4 de marzo de 2011 La maestría al piano de Katsaris La Sala María Cristina de Málaga albergará este mes el talento pianístico de Cyprien Katsaris. Palau de la Música. Santiago de Compostela. que interpretará además la Sexta Sinfonía de Sibelius y Don Juan de Richard Strauss.

Cristofaro Caresana. sonarán también en el Euskalduna las más egregias sinfonías y conciertos de Mozart. Este nuevo disco incluye las Cantatas BWV 131 y 177. Da Ponte. Pérez o M. la intérprete de viola Ruth Killius. cuna de este grupo. que se convierte en nuestros días en un mar de oportunidades discográficas al que todo sello se enorgullece de hacer aportaciones. la Sinfonia Varsovia. Günter Neuhold. tríos. Mientras esperamos futuras grabaciones de Enrico Gatti en Glossa. Mati Turi y Jorma Hynninen. Por su parte. además de Aus der Tiefen rufen wir de Graupner.A. ¶ Rebautizadas para la ocasión con los nombres de Haydn. La partitura de Igor Stravinsky para el melodrama lírico Perséphone no ha sido grabada muy a menudo desde su estreno en 1934. los pianistas Ranki. aparte de su tener una prestigiosa carrera a sus espaldas. Das Neue Orchester. compuesta en 1960 por el finés Einojuhani Rautavaara. el segundo nos presentará a otro. titulado Manto and Madrigal. comenzando por un nuevo disco de Antonio Florio e I Turchini. Festival Musika-Música de Bilbao Los días 4. Es un placer saludar el próximo lanzamiento en el sello Passacaille de la segunda grabación de Ponseele al frente de Il Gardellino en la serie dedicada a cantatas de Bach. Bach. y está protagonizado por el impresionante talento vocal de la soprano Valentina Varriale. El Bacha. el Ensemble Vocal de Lausanne. y se vuelve a editar por la gran calidad de sus cantantes (Cristina Miatello y Gian Paolo Fagotto). Scelsi. Frans Brüggen. destacar la presencia de artistas consagrados como el bajo Peter Schöne. Mientras aquel disco inaugural se centraba en música de un subestimado compositor del Barroco napolitano. El nuevo disco. que será pronto lanzada al mercado. la Real Filharmonía de Galicia o. fantasías.T E L E T I Preparando la Semana Santa Una de las grandes maravillas de la música clásica de occidente a lo largo de los siglos es el extenso y rico legado compositivo en torno a la historia de la Pasión. ha escogido revisitar las glorias bachianas de la Pasión según San Juan como parte de la serie The Grand Tour de la Orchestra of the Eighteenth Century del director holandés. Schumann y Heinz Holliger. es figura notoria en el La colaboración entre el violinista Th om as Zehetmair y el sello ECM dura ya veinticinco años. Por descontado. y Dean Dixon dirige al Coro y Orquesta de la Radio de Hesse. Michel Corboz o Antoni Ros Marbá. especialmente del de la Escuela de Notre Dame. Esta recuperación de antiguas polifonías y cantos gregorianos nos ofrece una panorámica fascinante del repertorio de aquellos tiempos. Gaetano Veneziano. este pasado septiembre se estrenó en Tampere y fue grabada posteriormente en estudio por Ondine. sello fiel a las obras de este compositor. Steck o R. que abordan el repertorio mozartiano desde todos los ángulos posibles: obras tan insignes como la Misa de la Coronación en Do mayor o el Réquiem en re menor se acompañarán de rarezas como el drama escénico Thamos.T E L E T I P O . titulado Tenebrae. reaparece felizmente en este catálogo su disco de 1992 con las Lamentazione per il Settimana Santa de Alessandro Scarlatti. La nueva serie del sello AEON dedicada a la música medieval va creciendo. por supuesto. Antoine Guerber y Dialogus in Musica han realizado una nueva grabación. Pennetier. intérpretes (Ensemble Aurora) y. Se trata de una actuación protagonizada por el mítico tenor alemán Fr itz Wunderlich. Zimmermann. como Markus Schäfer. Rey de Egipto o transcripciones para cuartetos de viento del compositor salzburgués. Transfiguration) y los protagonistas son Johanna Rusanen-Kartano. Tres nuevos lanzamientos demuestran sobradamente el profundo talento artístico de esta firma. Zabaleta y los violinistas A. en parte por el polémico tema que trata: la revolución húngara de 1956.T E L E T I P O . la flautista J.conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 5 E T IP O . la Orquesta Sinfónica y la Sociedad Coral de Bilbao bajo el rectorado de batutas tan experimentadas como Christoph Spering. se centra en Lamentaciones de Jeremías para una sola voz. las diferentes salas del Euskalduna acogerán los 66 conciertos programados. tiene el aliciente añadido de estar protagonizado por alguno de los principales cantantes bachianos de la actualidad. Marcel Ponseele es uno de los mejores artistas discográficos de las últimas décadas en música barroca. divertimentos y sonatas) y un escogido muestrario de fragmentos operísticos. Hanno Lintu dirige a la Tampere Philharmonic (como en el nuevo disco de Camilla Nylund. que reúne música del siglo XIII de las cuatro principales festividades dedicadas a San Martín. lleva cincuenta años sin ser programada. Carolyn Sampson y el incomparable Peter Kooy. la Ritirata. Bartók y Holliger. que este año centra su programación en la figura de Wolfgang Amadeus Mozart. Hurel. Zelenka. Queffélec.F. de su música. así como una amplísima selección de su mejor música instrumental y de cámara (cuartetos. Martinu. L. Historia Sancti Martini. tan infrecuente en el repertorio stravinskiano. y más. El cuarteto de solistas vocales está encabezado por la soprano Caroline Weynants. Zehetmair toca junto a su esposa. quien. y será pronto editada. Salieri. debido a su exquisita e inteligente interpretación de la música para oboe de Johann Sebastian Bach. quintetos. Junto a él participa la actriz alemana Doris Schade en el papel hablado de Perséphone. obras de Peter Maxwell Davies. Audite acaba de remasterizar esta grabación radiofónica. La ópera en tres actos Kaivos (La mina). sello escurialense desde hace años. pero esta obra paradigmática de su periodo central y neoclásico fue interpretada en 1960 en la Sendesaal de la Radio de Hesse en Frankfurt am Main. cuya música es considerada “excepcional” y “merecedora de ocupar un destacado lugar en la historia de la música” tanto por Florio como por su habitual asesor musicológico Dinko Fabris. Entre los solistas. y ha dado como fruto inspiradas interpretaciones de un extenso plantel de compositores entre los que figuran B. Este nuevo lanzamiento. 5 y 6 de marzo de 2011 tendrá lugar en el Palacio Euskalduna de Bilbao la décima edición del maratoniano festival Musika-Música. nos permite disfrutar de una claridad de texturas que pocos de sus colegas directores alcanzan. Sin embargo. desde luego. Ivaldi. Un ejemplo en este tiempo previo a la Semana Santa será el del sello independiente e “internacional” Glossa (merecedor de al menos nueve nominaciones a los International Classical Classical Music Awards de este año). Süssmayr y Clementi. Hartmann. que recientemente han actuado en Madrid con el repertorio de su primer disco en Glossa L’Adoratione de Maggi. En su próximo disco. grabado en vivo. Glossa acaba de remasterizar la grabación original del sello Symphonia. . La intensa afinidad de Brüggen con el estilo y la expresividad de Bach. antiguo obispo de la ciudad de Tours. El festival contará con el concurso de agrupaciones tan prestigiosas como el Cuarteto Arriaga. Pasquier junto a la de talentos emergentes como los pianistas Judith Jáuregui o Iván Martín.

arrancará con un disco dedicado a Ravel (el ballet completo Daphnis et Chloé) y Debussy. La segunda meta obtendrá sus frutos con el inminente lanzamiento del propio sello de la orquesta. han desarrollado gran actividad y protagonismo en el sello Pentatone durante estos últimos años (muy pronto aparecerá un estuche con los Conciertos para violín de Mozart con Fischer y Kreizberg). estrenada en 1954. ha regresado con un próximo lanzamiento en el sello Naïve.6 di v e r di conciertos & actualidad P O . de obras para coro. si ya de por sí agotadoras. Y lo sería porque él ha sido una fuente de inspiración para todos aquellos que pensamos que la ‘industria’ no tiene sentido ni interés sin la pasión. también en Naïve.” La consecución del primer foto © Marco Borggreve Ambiciones de Monte-Carlo propósito queda demostrada por los numerosos conciertos programados en España esta temporada. La ópera en un acto refleja tanto su temprano éxito como su adopción del estilo de las películas musicales norteamericanas. Cuando hace ya tres años preguntamos en el Boletín a Yakov Kreizberg acerca de sus intenciones al hacerse cargo de la Orquesta Filarmónica de Monte-Carlo. foto © Paco Manzano . Heinrich Ignaz Franz von Biber escribió las Vesperae longiores ac breviores una cum Litaniis Laurentanis en 1693.T E L E T IP O Además de componer partituras para grandes formaciones vocales e instrumentales con efectismo polifónico. OPMC. Hilary Summers (Disinganno) y Anna Stephany (Piacere). además. Heitor Villa-Lobos fue un gran compositor. este nuevo programa está aderezado por canciones del inglés Benjamin Britten. Madrid (8 de marzo). que logró poblar el triste paisaje discográfico español con sellos de culto en el campo del jazz y otras músicas. Andrew Staples (Tempo). Un nuevo registro de esta obra en el sello Carus mostrará la calidad de la Schola Cantorum de Yale cuando Simon Carrington (miembro fundador de The King’s Singers) era aún su director (sucedido por Masaaki Suzuki. Los solistas serán Lucy Crowe (Belleza). junto al astro del violonchelo Daniel Müller-Schott. celebrado en Cannes. Marcus Creed. en la música barroca. Piau ha contribuido recientemente al repertorio de la Segunda Escuela de Viena junto al Quatuor Diotima. y que. Pacheco fue. está convencido de la validez del uso. y en especial un fino y sensible retratista. que sigue al frente del Bach Collegium Japan). que ya nos regalaron el disco Évocation. Christian Curnyn. Sumándose a la serie de grabaciones que CPO está dedicando a la música orquestal de George Antheil. como “artista residente”. ha sido y es un ejemplo que algunos hemos tratado de emular. Pacheco dedicó gran parte de su carrera a su labor de productor musical. MIDEM. mucho tiempo después de su espectacular éxito como revolucionario musical en los años veinte con su Ballet mécanique. además de tres discos con obras orquestales de Stravinski. fallecido el 26 de noviembre de 2010. llegará la ópera The Brothers (sobre la historia bíblica de Caín y Abel). Nacido en 1950. declaró: “Nuestro propósito y ambición es elevar la reputación de la orquesta tanto por medio de giras y actuaciones en los más importantes festivales como a través de la grabación de discos. como Hannibal. Desde los años ochenta se involucró profundamente en la apertura del mundo flamenco a otros campos musicales (Nuevos Medios ha sido calificada como “la Motown del flamenco”). así lo atestiguan. Liszt y Strauss) y francés (Fauré. En esa fecha el compositor estadounidense ya había regresado a su patria. ella será uno de los solistas del Doble Concierto de Brahms en los programas españoles. a la fulgurante estrella del violín Julia Fischer. también con título sugerente: Après un rêve. El nuevo sello OPMC. y supo compaginar con éxito ambas actividades. hablando de música –y parafraseando el ‘chupito’ de este mes– la pasión es lo que importa. Pacheco fue el creador en 1982 del sello y distribuidora Nuevos Medios. en cuyo idioma destaca Piau (su versión “expandida” de Les Illuminations en NMC fue toda una revelación). para cuatro solistas y coro. Nos demostrará su teoría de evitar los ritmos exageradamente rápidos o lentos en una nueva grabación de Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel. El director de The Early Opera Company. Precisamente este trío de artistas. llevándolos al estudio de grabación e impulsando constantemente el resultado comercial de los discos que producía. El público de Murcia (6 de marzo).T E L E T IP O . Otro propósito de Kreizberg era traer a Mónaco. Carus editó recientemente un notable disco de Creed dedicado a obras del camaleónico André Jolivet. juntos y en solitario. su fino olfato y un incuestionable encanto personal le hicieron descubrir y reunir artistas. que acaba de ser presentado en la reciente feria del mundo discográfico clásico. en el sello Wigmore Hall. In memoriam Mario Pacheco Sería un descuido por parte de un Boletín como el nuestro no rendir homenaje a una de las figuras capitales en el desarrollo de la industria discográfica española como fue Mario Pacheco. La labor de Nuevos Medios como importadora y distribuidora. S te ven S lo ane (alumno de Eugene Ormandy) dirige aquí a la Bochumer Symphoniker. Chausson y Poulenc). al frente del SWR Vokalensemble Stuttgart ha realizado para el sello Hänssler una selección de piezas de este insigne y prolífico autor brasileño que incluye las inéditas Préces sem palavras entre obras más populares como el Chôro nº3. tanto por cantidad como por calidad. Valladolid (9 de marzo) y Oviedo (10 de marzo) tendrá oportunidad de comprobar la evolución de la orquesta del Principado desde que el director americano de origen ruso tomase sus riendas en sustitución de Marek Janowski.T E L E T IP O . cantando en el Segundo Cuarteto de cuerdas de Schönberg. aún más en aquellos tiempos pioneros en los que estaba todo por hacer. La pareja de recital formada por Sandrine Piau y Susan Manoff. y la visión de Pacheco benefició a artistas como Ketama o Pata Negra. tras una intensa gira por Alemania. del ritmo basado en la danza natural. entre tantas otras. Entremezclando de nuevo los repertorios alemán (Mendelssohn. más de doscientas. Sus fotografías de Jimi Hendrix o de Camarón. Rough Trade o ECM. un excelente fotógrafo. Picapau y la Bachiana brasileira nº 9.

Renaud y Gautier Capuçon y Leonidas Kavakos. tanto sus colecciones de madrigales como sus óperas (L’Orfeo. ¶ Por su parte. Dupré y Kodály (ambos el domingo 17). Y es que. y en calidad de residente. El concertino de la Orquesta del Festival de Lucerna. concebida en su momento para la consagración de la Gran Catedral del Hungría del Norte y que se programa ahora con motivo del bicentenario del compositor. ¶ Tras haber iniciado un estupendo ciclo Brahms el pasado mes de noviembre en el Festival de Piano. ¶ En el apartado de recitales. en compañía de los solistas de la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. sino también a un incomparable marco alpino situado al pie del Lago de los Cuatro Cantones. ofrecerá el día 9 un programa formado por dos partitas bachianas. Tan deslumbrante programa estará protagonizado por solistas del calibre de Sally Matthews. Desfilarán por su instrumento. incluyendo a jóvenes talentos como el pianista Yevgeny Sudbin o el clarinetista Martin Fröst. El sábado 16 la pianista Mitsuko Uchida ofrecerá además. Jordi Savall dedicará su programa del día 12 a las célebres Vísperas de 1610 de Monteverdi y el jueves 14 Ton Koopman y su Amsterdam Baroque Orchestra and Choir explorarán la versión original de la Pasión según san Juan (fechada en 1724). destacamos una que durará todo el mes: un 20% de descuento en todos los CDs y DVDs con obras de Claudio Monteverdi. el Festival de Semana Santa de Lucerna despunta sobre el resto gracias no sólo a una programación irresistible confiada a los mejores directores. Un réquiem alemán –emparejado con la temprana Canción del entierro– y el Concierto para violín. ¶ Por descontado. La mayor parte de sus producciones actuales se edita en formato Super Audio CD híbrido (compatible con todos los lectores).conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 7 Pascua en Lucerna Del 9 al 17 de abril de 2011. la pianista francesa Hélène Grimaud rendirá tributo a Franz Liszt incluyendo en su recital del día 10 la famosa Sonata en si menor del músico húngaro. Christian Gerhaher. No pierda la ocasión.ch Sello del mes: BIS En febrero. pueden consultar la web oficial del Festival: www. Bernard Haitink y la Orquesta de Cámara de Europa aprovecharán el Festival de Semana Santa para ofrecer tres nuevas entregas del ciclo (los días 9. sino que también acepta el pago con las principales tarjetas de crédito. así como por el Coro Arnold Schoenberg. por otro lado. en la actualidad cuenta con más de 1400 títulos en su catálogo. L’incoronazione di Poppea e Il ritorno d’Ulisse in patria) y obras sacras como Selva morale e spirituale o Vespro della Beata Vergine son todas páginas imprescindibles de la historia de la música. El viernes. la música sacra centrará la programación del Festival con un cartellone de lujo: el 10 de abril Nikolaus Harnoncourt y su Concentus Musicus ofrecerán La Resurrezione di Nostro Signor Gesù Cristo de Haendel. la pasarela PayPal permite no sólo pagar cómodamente a los usuarios dados de alta en este sistema. la Primera y Segunda sinfonías. . Figura clave de la transición entre Renacimiento y Barroco. 5 Oferta Monteverdi De entre las numerosas ofertas que irán apareciendo a lo largo del mes en nuestra página. entre los numerosos destinos musicales y las efervescentes agendas de conciertos que se le proponen al melómano en Pascua. para terminar. a cargo de Massaki Suzuki y Bach Collegium Japan. Mariss Jansons y el Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara encabezarán la oferta musical en cuatro singulares sesiones: un montaje del célebre Eugene Oneguin de Tchaikovski con el barítono danés Bo Skovhus en el rol titular y un taller juvenil en torno a la ópera dirigido por los solistas de la Orquesta (sábado 16) y una velada sinfónica jalonada por el poema de Richard Strauss Vida de héroe y el Primer Concierto para Piano de Beethoven –con Mitsuko Uchida al teclado– precedida por un concierto de obras para coro a cappella dedicado a Rachmaninov. el sello elegido para nuestro descuento del 20% es BIS. 11 y 13) en las que se han programado el Doble Concierto para violín y chelo. obras de Mozart. impartirá entre los días 14 y 17 unas clases magistrales que tienen prevista su continuidad en las siguientes ediciones del Festival. la idílica ciudad medieval de Lucerna se viste con sus mejores galas para recibir a los más de cien mil visitantes que año tras año acuden a esta localidad suiza para disfrutar de las festividades musicales de Semana Santa. Confiamos con esta medida dar un mejor servicio a nuestra cada vez más numerosa y globalizada comunidad de usuarios. sin necesidad de ser miembro de PayPal. solistas y orquestas del mundo. concebida para el Domingo de Pascua. Pensada sobre todo para nuestros clientes residentes en el extranjero. Kolya Blacher. Béla Bartók y Alban Berg. alternativa a la ya existente pasarela garantizada por La Caixa. un programa camarístico dedicado al romanticismo vienés. 5 PayPal Ahora. o la obra completa de Jean Sibelius. El prestigio de la compañía sueca ha atraído a lo largo de los años a gran cantidad de artistas de primera fila. padre del violinista. Los proyectos en curso o recientes incluyen uno de los más respetados ciclos de cantatas bachianas. u obtener información sobre la reserva y adquisición de localidades. además. el ciclo sinfónico de Beethoven por Osmo Vänskä y la Orquesta de Minnesota. Fundado en 1973 por Robert von Bahr (que sigue siendo su alma mater).lucernefestival. podrá escucharse en la Jesuitenkirche la Gran Misa de Franz Liszt. ¶ Para ampliar esta información. nuestra página web incorpora una nueva forma de pago. Haitink. unas sonatas de Eugène Ysaÿe y Bartók y piezas de Luciano Berio y Boris Blacher.

8

di v e r di

antigua

El códice Chantilly y cinco mujeres
Nueva grabación del ensemble De Caelis para Aeon
Josemi Lorenzo Arribas

Notker, Tartamudo cantor del s. IX
Ordo Virtutum consagra un CD al músico medieval N. Balbulus
Josemi Lorenzo Arribas

Inspiración femenina
El manuscrito de Anna Hachenberch, por Candens Lilium
Urko Sangroniz

Después de la exigente grabación de la Missa Tournai (Ricercar RIC 265), el ensemble De Caelis, dirigido por Laurence Brisset, acomete la interpretación de una antología del códice Chantilly, uno de los más voluntariamente complejos de los bajomedievales, alarde de principio a fin, con músicas sin pausa, que nunca paran de subir, bajar, avanzando entre atrevidos saltos. Tripartito en cuanto a la atribución de las piezas escogidas para este disco, con cuatro piezas de Solage, el autor más representado, otras tantas anónimas y el resto repartidas entre otros, se ha escogido el apoyo de un arpa gótica y un organetto (Angélique Mauillon y Guillermo Pérez, integrantes de Tasto Solo) para acompañar las voces. La plantilla vocal (5 mujeres) reivindica la cultura musical de las mujeres aristócratas, como evidencian las fuentes, muchas encargadas por poderosas comitentes, y defiende con solvencia la práctica musical femenina. Compárese con la versión, también poderosa y bella, de Tetratkys (Etcétera KTC 1900, reseñada en estas páginas, centrada en las piezas a una sola voz). Muy seguras en el continuum de saltos que impone esta música de finales del XIV, empastan muy bien y hacen gala de un sonido encarnado, nada etéreo, muy eficaz, para cantar polifónicamente estos motetes, baladas, virelais y rondós, dieciséis en total que, la tentación es fácil, parecen celebrar la alegría de la vida, pasada poco ha la Peste Negra, en torno a la cismática corte papal de Aviñón. Entre los bellos títulos de las piezas, que han dado nombre a tantos discos, hallamos algunas de las más interpretadas, como el Fumeux fume par fumée, el rondeau a tres voces de Solage, de tesituras gravísimas, en homenaje a un cenáculo de intelectuales a los que les unía su afición a fumar (Europa se daba al arte del humo antes de la llegada a América, quizá con opio). Con la ley actual, sirva como pequeña reivindicación a los fumadores, y también a quienes no gustan de tal práctica, aunque, llegado el caso, tendrán que comentar el disco en el umbral que separa el dentro y fuera de los locales públicos.
CODEX CHANTILLY: En l'amoreux vergier De Caelis. Laurence Brisset, director / AEON / Ref.: AECD 1099 (1 CD) D2

Primer trabajo después de Insula Felix (aplaudido en estas páginas), dedicado a las primitivísimas músicas oficiadas en el monasterio de Reichenau, y le toca el turno al de San Gall (o San Galo), también en Suiza, de la mano del que fuera uno de sus principales músicos, el casi mítico, pero bien real, Notker, apodado el Tartamudo, o el Desdentado, prolífico compositor de secuencias, que se especializó en contrahacer músicas a textos rimados preexistentes. Para grabar este disco se ha realizado una notable labor de restitución musicológica, habida cuenta que la notación en la que se escribe esta música del siglo IX es adiastemática, es decir, que no hay pauta (líneas) bajo los neumas, con lo que es imposible saber las alturas reales de las “notas”. Por ello, se ha recurrido a ¡25 manuscritos! con correspondencias musicales de estos tropos y secuencias, teniendo en cuenta para la versión final las indicaciones semiológicas de las propias fuentes sangalenses. Stefan Johannes Morent sigue con su formación Ordo Virtutum haciendo una interpretación del canto mesurada y emocionante, diciendo el texto y permitiendo, con esta clara dicción, el disfrute de cada recurso que esconden los neumas. Se sucede la monodia adornada de mínimos procedimientos heterofónicos (Sancti Spiritus assis nobis gratia), duplicaciones a la cuarta (organum), propuestas de cantilaciones épicas (como la canción de Ludwig III, Einan kuning weiz ih, relatando una batalla ocurrida en el año 881), versiones instrumentales a partir de melodías célebres (cuatro se insertan en el CD)… en una labor oscura pero impagable para el oyente sensible. Esperamos un registro con las grabaciones de las músicas existentes del cenobio de Fulda, para así completar esta trilogía de melodías altomedievales con las que suelen comenzar los manuales de historia de la música occidental.
NOTKER BALBULUS (c.840-912): Secuencias, tropos y cantos gregorianos de la abadía de St. Gall Ordo virtutum. Stefan Morent, director / CHRISTOPHORUS / Ref.: CHR 77341 (1 CD) D2

Todo lo relacionado con el personaje de Anna Hachenberg permanece envuelto en un halo de misterio e incógnita en el que sólo se discierne su único legado, el antifonario que lleva su nombre. No es la primera vez –ni lo será– que sucede algo semejante, y cuando tras estudiar la obra se quiere trascender su mera autoría para entender las condiciones y el contexto en el que aquélla se produjo, los caminos se difuminan y el rastro finaliza sin esclarecer apenas nada. “Este libro antifonario fue escrito y anotado con gran diligencia por Anna Hachenberch, descanse su alma en eterna paz.”, así reza la anotación al mismo. Conservado en el Museo Schnütgen de Colonia, gracias a sus bellas iluminaciones podemos datar su factura entorno al año 1520. Así, los cantos que incluye –únicos en el mundo– representan la tradición interpretativa de los conventos de la zona desde el s. XIII hasta el s. XVI, conforme se iban sumando nuevas melodías a las iniciales, como por ejemplo las dedicadas a Santa Cecilia. Destacan a su vez otras en honor al Santo Evergislo, patrón de Colonia, y también las que se interpretaban durante la Anunciación, una celebración de suma importancia para toda congregación femenina como parte reforzadora de su identidad. La selección del presente disco, lejos de perseguir la plena rigurosidad litúrgica, nos permite disfrutar de una grata variedad musical y melódica, así como de los más bellos florilegios sonoros fruto de la inspiración femenina, en una interpretación que, como el nombre del conjunto creado ad hoc para el disco, Candens Lilium, resplandece por su exuberante resonancia y en la pureza tímbrica. El programa se completa con la interpretación instrumental de varias obras de Josquin Desprez y Antoine Brumel, como ejemplos de la música contemporánea a la fecha de realización de este manuscrito inédito.
VIRGO SANCTA CAECILIA: Cantos del antifonario de Anna Hachenberch (Colonia, St. Cecilia, ca. 1520) (obras de Josquin Desprez, Antoine Brumel, Buxheimer Orgelbuch y anónimos) Ensemble Candens Lilium. Norbert Rodenkirchen, director / RAUMKLANG / Ref.: MA 20044 (1 CD) D2

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Un tesoro inagotable
Misión: barroco amazónico. El nuevo disco de Sphera AntiQva explora el universo musical de las misiones jesuíticas en el siglo XVII
Andrés Ruiz Tarazona
Sphera AntiQva. foto © Juan Lucas

Por la rareza del medio en que se desarrolló –la Amazonia americana–, la música surgida en las Misiones que los padres jesuitas fundaron en diferentes territorios de América del Sur es un verdadero milagro. En las llamadas reducciones guaraníes del Paraguay, por ejemplo, se llegaron a representar óperas como El rey Orontes de Egipto, Felipe V o Los pastores del Nacimiento del Niño Dios en el siglo XVIII. Sus autores podrían ser europeos, como Zipoli, o algún indio de la reducción, que tal vez era organista, violinista, etc., y además componía. Se sabe que se representaron “al estilo italiano y en su mayor parte al son de la espineta y harpa”. Charlevoix escribió que “los jesuitas, navegando por los ríos, echaron de ver que cuando, para explayarse santamente, entonaban cánticos espirituales, acudían a escucharlos los indios en tropel, y parecían tener en ello especial gusto”. El padre Manuel Nóbrega llegó a decir: “Dadme un coro de aventajados músicos y haré cristianos a cuantos indios existen”. A muchos músicos españoles, hoy bien conocidos, y otros europeos, se los disputaban las Misiones. Del francés Luis Berger se decía que “oyéndole cantar (los indios) permanecían hasta cuatro horas como inmóviles y como estáticos”. En 1631, el general de los jesuitas en Chile escribía al provincial del Paraguay: “Menester es que V.R. use de mucha caridad con el provincial de Chile, prestando por un par de años al hermano Luis Berger para que introduzca la música en Chile”. Era Berger un hábil tañedor de cítara, tocaba el violín y fabricaba violines. El padre Nicolás Durán asegura que “aprendieron los indios con admirable facilidad a cantar y tañer instrumentos, siendo su primer maestro nuestro hermano Luis Bergier, insigne citarista”.

Un famoso cantor tirolés, llamado Antonio Sepp, llevó a cabo una asombrosa labor de enseñanza del canto a muchos indígenas de las Misiones y compuso además muchas canciones en guaraní. En 1692, Sepp había formado a buen número de instrumentistas entre los indios: 6 trompetas, 3 tiorbas, 4 organistas, 30 tañedores de chirimía, 10 de fagote o bajón. Sabemos que Sepp introdujo en las Indias arpas, trombones, zampoñas, clarines, y hasta el órgano “conquistando con esto renombre imperecedero”. Estos datos vienen a cuento por el excepcional CD que el grupo Sphera AntiQva, que dirigen Javier Illán y Pablo Gutiérrez, ha dedicado a la música en las misiones jesuíticas, titulado Misión: Barroco Amazónico. Aquellos misioneros, en su inquietud apostólica no se quedaron en Argentina, Chile y la gran provincia jesuítica del Paraguay. Ampliaron su campo de acción hacia el noroeste boliviano, donde encontramos las reducciones de chiquitos y, más al norte, la de indios moxos. El legado musical de esas comunidades misioneras es verdaderamente un tesoro y la grabación que nos ocupa es buena prueba de ello. Para llegar a realizarla han sido muy importantes los trabajos musicológicos y prácticos de Piotr Nawrot, luthier creador de los que Javier U. Illán ha llamado violines de la selva (Ed. Cuarto Centenario, 2010). Conocí a Piotr Nawrot en el tristemente desaparecido Real Musical de Madrid, donde ejerció un tiempo como maestro guitarrero. Su incansable labor en tierras americanas había ya hecho posible el resurgimiento de esta música evangelizadora, y festivales tan especiales como el de San Ignacio de Moxos y el de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos”. Pensemos que en los Archivos de Chiquitos y de Moxos hay más

de ochenta misas polifónicas y que en este último se han encontrado hasta quince arias da capo a la usanza italiana de la época, fines del XVII y primera mitad del XVIII, pues la música de las reducciones se mantuvo hasta 1767, fecha de la expulsión de los jesuitas de España. Su pervivencia ha sido precaria hasta la eclosión actual, de la que nos da buena cuenta esta grabación. El grupo Sphera AntiQva, con la cuerda completa, tiorba y guitarra, clave y órgano, bajones de hoja de palma y jerures, percusiones indígenas y europeas, flauta travesera... todos instrumentos barrocos, nos ofrece en el cedé hasta veinte cortes con suites barrocas, sonatas, pastorelas en lengua autóctona y hasta curiosidades como arias da capo en toda regla como Quid moror Maria (¿Por qué te detienes, María?) con sus ornamentos muy bien resueltos por la soprano Soledad Cardoso. Todas las obras son anónimas, salvo una Elevación en Fa, del músico toscano Domenico Zipoli, jesuita que, desde Sevilla, cruzó el océano estableciéndose en Córdoba (Argentina). Músico y sacerdote de gran talento y honda espiritualidad (había estudiado con Pasquini y fue organista de la Iglesia de Jesús en Roma), su Elevazione para órgano, arreglada para Sphera AntiQva por A. Martín Saldaña, corona con dulzura mística un disco tan meritorio como sorprendente. ¿Quién no pensaría que estamos ante un Vivaldi moxo al escuchar el Allegro de las Folias (pista núm. 3)?.

“Un disco tan meritorio ” como sorprendente.”

MISIÓN: BARROCO AMAZÓNICO: Música de las misiones jesuíticas de los indios Chiquitos y Moxos Sphera AntiQva / COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0269 (1 CD) D2

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di v e r di

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Bajo el auspicio del Papa caprichoso
Una selección del Codex Medici por la Cappella Pratensis
Urko Sangroniz

Argumentos sacros
Alamire dedica un CD a las Cantiones Sacrae de Tallis y Byrd
Caronte

Salud de hierro
El coro Josquin des Préz dedica un CD al autor que le da nombre
Urko Sangroniz

Durante el papado de León X, Roma se vio abocada a un permanente dispendio económico donde las multitudinarias cacerías y los suculentos banquetes se sucedían, sin reparar en lujos ni en pecados de ningún tipo. Sus extravagancias eran bien conocidas y, por mencionar alguna, escogeremos la ocasión en la que sus súbditos contemplaron su elefante blanco, regalo del Rey de Portugal, pasearse por la ciudad como si tal cosa. Tantos excesos acabaron por menguar las en principio bien surtidas arcas papales, y aun así, la renuncia a tales caprichos resultó infructuosa. Entonces, y para hacer frente a la situación, se decidió establecer otras formas de recaudar dinero. La venta de indulgencias se convertiría en un nuevo recurso y con ello, sin llegar a ser el único motivo, surgiría la Reforma protestante, pero ésa es otra historia. Aun así, no todo fue derroche, que por algo León X era un Medici: el impulso al desarrollo de las artes era algo consustancial a él, y bajo su amparo los más excelsos poetas, pintores y músicos desarrollaron su obra para deleite del papa y sus allegados. También para el nuestro propio, pues gracias a su iniciativa podemos disfrutar hoy de las 53 obras que integran el Codex Medici. El presente disco recoge una selección del mismo con obras de De Silva, Willaert, De la Fage, Desprez, Festa y Jean Mouton, por quien el Papa sentía verdadera admiración. A excepción de la primera y la última, todas las demás pertenecen al mencionado códice. La muestra abarca desde los grandes éxitos de la época hasta otras obras menos conocidas, como es el caso de la laudatoria Gaude felix Florentia que abre el disco, por ejemplo. Bajo la precisa y detallada dirección de Joshua Rifkin, autor de la edición musical, la Cappella Pratensis imparte una lección magistral de estilo, convicción y criterio interpretativo.

Se me ocurre que cuando una reina –y no una cualquiera, sino Isabel I de Inglaterra– le concede a una pareja de músicos –maestro y alumno para más señas– “el monopolio en la impresión y venta de partituras durante 21 años”, qué menos –digo yo– que ponerse como locos a componer, publicar una colección más que notoria y dedicarle la edición a la susodicha reina. Pues bien, así debieron pensar Thomas Tallis y William Byrd cuando se vieron agraciados con tan infrecuente privilegio real, ya que en 1575 dieron a los cajistas del editor Thomas Vautrollier las notas de sus Cantiones, quae ab argumento sacrae vocantur –esto es: canciones cuyo argumento puede llamarse sacro–. Los dos autores tuvieron además la deferencia de escribir 17 motetes cada uno, número que –sin ser muy redondo ni sonar para nada a aniversario– venía a coincidir con los años que Isabel I llevaba sentada en el trono, y además, introdujeron en el prólogo –todo un detalle– unos poemitas en latín. La música contenida en estas Cantiones es –como ya se podrán figurar nuestros lectores– una maravilla. Tanto por su factura técnica como por el elevado efecto espiritual que tanto anglicanos como católicos –sumidos en un cada vez más violento enfrentamiento– pudieron encontrar en estas páginas. Alamire y su director David Skinner plantean su versión desde el reposo y la contemplación. Escuchando este disco uno tiene la sensación de estar sentado junto a un arroyo que no para de fluir, y que –y esto es lo mejor, tratándose de un grupo inglés–, de cuando en cuando se agita, sacude las aguas cristalinas y nos salpica, alentado, sin duda, por los dictámenes del texto, los mismos que Tallis y Byrd acertaron a transformar en nudos gordianos dentro un tejido sonoro asombroso.

Qué envidia –sana, por supuesto– nos da comprobar la buena salud que posee el panorama coral alemán cuando de nuevo escuchamos a otro coro germano que, literalmente, lo borda. En esta ocasión se trata del Kammerchor Josquin des Préz, del que no teníamos ninguna referencia. Ya desde el inicio, el programa monográfico dedicado a Des Préz refleja la ambición artística del proyecto con una selección de motetes de gran exigencia técnica, entre los que destacan sobre todo dos, el O virgo virginum y el Ave nobilissima creatura, a 6 partes y de considerable duración en ambos casos. Dos cánones engrosan la lista, el Ave virgo sanctissima a 5 y el Sit nomen Domini a 10 partes, de dudosa autenticidad. Pero el momento álgido llega con la Missa Pange Lingua, la última aportación al género que Josquin realizara en 1514 utilizando el himno gregoriano cuyo texto se atribuye a Tomás de Aquino. Todos los expertos coinciden en definirla como una obra capital que aúna fantasía e intelecto, pasión y mesura. En ella Desprez despliega todo su conocimiento en el tratamiento del contrapunto y, a pesar de no romper con los límites establecidos, logra sin embargo un desarrollo técnico que otros apenas pudieron imaginar. El conjunto fascina desde el inicio por la impecable afinación y por el empaste compacto, sobre todo de las voces graves. La articulación se ve empañada levemente por la reverberación de la iglesia. Destaca también el buen criterio en el uso de las dinámicas, así como el natural fraseo, más propio de otros conjuntos consagrados. Todo se aclara cuando caemos en la cuenta de que su director, que además interpreta las entonaciones de canto llano, es Ludwig Böhme, miembro fundador del Calmus Ensemble. Deseamos que éste sea el primero de muchos otros discos, los aficionados a la música lo agradeceremos. No se lo pierdan.

VIVAT LEO!: Música para un Papa Médici (obras corales de Andreas de Silva, Adrian Willaert, Johannes de la Fage, Jean Mouton, Josquin Desprez y Costanzo Festa) Cappella Pratensis. Joshua Rifkin, director / CHALLENGE RECORDS / Ref.: CC 72366 (1 SACD) D1

THOMAS TALLIS (1505-1585) & WILLIAM BYRD (15401623): Cantiones Sacrae 1575 Alamire. David Skinner, director / OBSIDIAN / Ref.: OBSCD 706 (1 CD) D2

JOSQUIN DESPREZ (1450/55-1521): Missa Pange Lingua Kammerchor Josquin des Préz. Ludwig Böhme, director / CARUS / Ref.: CARUS 83.345 (1 CD) D2

que la mayoría de los autores que aportan obras al programa fueron barrocos y que no es la nacionalidad lo que les une. renacentistas tardíos). aunque la viola bastarda de Marianne Muller. los tres tienen tras sí una larga y reconocida carrera. “las palabras se pronuncian con la voz y se cantan con el corazón”. Ambos fueron amigos y viajaron juntos. de encuentros y desencuentros. más obligado por las circunstancias (acababa de escapar de la cárcel en la que cumplía condena por un delito de pederastia) que por su deseo de conocer de cerca la música que se hacía en el país transalpino. Habituales integrantes del Combattimento Consort Amsterdam. Ensemble Barcarole / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. pues. LEUPOLD TRIO: Con Chitarrone (Sonatas italianas del primer renacimiento al barroco) Leupold trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. el violonchelista Wouter Mijnders y el tiorbista Sören Leupold) hace aquí su debut discográfico. se atreve con las disminuciones de Rognoni sobre Ancor che col partire. de palabras y querellas de amor. antes que nada. Digamos. Y. aplicados fundamentalmente al arte. al periodo en que gobernó Lorenzo el Magnífico. caricias torrenciales. celos aterradores. que el subtítulo de este Con chitarrone (“Sonatas italianas desde el renacimiento temprano al barroco”) guarde relación alguna con el término “early renaissance“. Todo un hallazgo. una trama inextricable de sentimientos y actos. Strozzi. además.: CC 72369 (1 CD) D2 PAROLE E QUERELE D'AMORE: Madrigales a dos voces de Monteverdi. Excelente su lectura de la celebérrima Follia corelliana. la tiorba de Eric Bellocq y las teclas de Brice Sailly. soprano. las querellas y la desesperanza se hacen más agudas: Visse les dedica Usurpator.. repleta de ascensos y caídas. Los anglosajones suelen usar el término para referirse a la eclosión de los ideales humanistas. así. en la Florencia de los Medici (y más concretamente. el empleo del “chitarrone”. También Rosenmüller la visitó. pues sólo John Dowland y Gregory Howet han de ser considerados músicos renacentistas (y. acompaña con la complicidad y la discreción que precisan las pasiones íntimas desatadas. mil veces al día alejarme de ti quisiera. siempre bien arropada por el lirone de Marco Horvat. el Leupold Trio (la violinista Eva Stegeman. No hay afecto poético vinculado al amor que no quedara sellado en la infinidad de arias. sino el haber compuesto sonatas al modo italiano. inhumanas desesperaciones. Su la cetra amorosa de Merula. creado por Mellon hace unos años.. angustias arrasadoras. como los del Libro VII de Monteverdi (Interrotte speranze. Dowland fue inglés y Howet parece que fue flamenco (durante años fue tenido por inglés y aún es hoy el día en que los holandeses lo reclaman como suyo). Cantai un tempo de Da Gagliano. por “renacimiento temprano”.). como afirma la soprano en una nota de esclarecedora franqueza incluida en el folleto acompañante. pues. La música italiana del Seicento sirve como acogedor receptáculo de este intrincado itinerario personal y artístico. cuerpos deseantes. aquel madrigal de Cipriano de Rore en el que tan admirablemente se funden las paradojas enmarañadas de vida y arte de la que nos habla este disco emocionante: Aunque con mi partida me sienta morir. Lagrimosa beltà de Sances o Ti lascio anima mia de Valentini. Dos son sus virtudes en este registro: el buen gusto a la hora de seleccionar las piezas y el exquisito gusto a la hora de tocarlas. partir quisiera cada hora. besos ardorosos. tiranno della tua libertà de Sances. fabuloso recital barroco de Agnès Mellon y Dominique Visse en Zig-Zag Pablo J.. Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos dúos inolvidables. Dominique Visse. de alegrías y amarguras. desde 1469 hasta 1492). que era como también se conocía allí a la tiorba. Vayón “Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos ” dúos inolvidables. S’el vostro cor Madonna. Eso y. contratenor. que queda bien simbolizada en este CD en el que. Dominique Visse Agnès Mellon y Dominique Visse arrastran una larga relación personal y artística. Fundado en 2003. Uno podría plantar su hamaca y quedarse allí toda la vida entre labios ardientes. qué entendemos por “early renaissance“. madrigales y cantatas que parieron los grandes maestros de la monodia italiana del siglo XVII.antigua 200 / febrero 2011 11 Prometedor debut El Leupold Trio recorre el universo de la sonata italiana Eduardo Torrico Cuando el arte se trama con la vida Parole e querele d’amore. En solitario. Rognoni y otros Agnès Mellon. claro está. Sances. es decir. pero sólo hay constancia de que el primero visitara Italia.. El Ensemble Barcarole. Vorrei baciarti.” Habría que fijar. cada momento. y Mellon L’Eraclito amoroso de Barbara Strozzi.: ZZT 101001 (1 CD) D2 . Tanto es el placer que siento por la vida que obtengo en mi retorno. eternos gozos. Descartemos. tan dulces son mis regresos.

ERIC FISCHER: Topographic LongRange Marianne Muller. quien aquel mismo año publicó su primer libro de airs de cour. Vayón Música divina. violas da gamba / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. en uno de los instrumentos más requeridos en las escuelas de música antigua. hija de Michel. un segundo dúo y un trío final (La clepsydre). gracias a la labor de diferentes centros de formación y de maestros insignes (con Savall y Wieland Kuijken como grandes referencias). violas da gamba. Lambert se especializó en cualquier caso en la escritura de arias de corte. sigue con una especie de suite en cinco movimientos para viola sola (Les Géosophiques). D'UN FEU SECRET: Arias de corte de Michel Lambert y Jean-Baptiste Lully Musica Favola. la exquisitez y elegancia del fraseo.1603-1681). Al siguiente. Música circular. por su parte. destaca por una digitalización impoluta y por una notable potencia sonora. “Pur ti miro”. ofrece en este disco una nueva muestra al reunir piezas del reconocido mercenario escocés Tobias Hume (c. que hacen aquí su debut discográfico: la soprano Peggy Bélanger y el tiorbista Michel Angers (siempre me he preguntado de qué se alimentan en Canadá para que haya tantos y tan buenos músicos). y que explora todo el rango expresivo y las posibilidades tímbricas del instrumento. Benedetto Ferrari (incluye obras de Alessandro Piccinini. la precisión prosódica. formada con Kuijken. que harían su fama futura y de las que dejaría una última edición en 1689. Vayón Topografía de la viola Marianne Muller ofrece un recital con obras de Hume y Fischer Pablo J. Bellerofonte Castaldi y Girolamo Viviani) Peggy Bélanger. trufadas de piezas para tiorba de Piccinini. De las obras de Ferrari que han llegado hasta nosotros. Gevers. Michel Angers. con Topographic Long-Range. La voz pequeña. tiorba / STRADIVARIUS / Ref. AMANTI. Uemura. lo mejor radica en la formidable interpretación de dos desconocidos canadienses. que lamentan sobremanera el hecho de que no haya sobrevivido ninguna de sus óperas (paradójicamente. Lo nuestro ha sido amor a primera vista.: STR 33877 (1 CD) D2 . io vi sò dire). desde la emersión del recitar cantando hasta el estilo operístico propio de la mitad del siglo XVII (melodía más definida y ritmo más claro). que solían participar en los ballets reales. Marianne Muller consigue recrear con convincente intensidad y variedad de matices el particular mundo de Fischer y otorga al Capitán Tobias Hume un tono de adusta serenidad que parece el antídoto de su ardor guerrero. con recurso a ritmos repetitivos. el énfasis justo sobre cada marca expresiva hacen de la interpretación. voz celestial Debut discográfico de la soprano canadiense Peggy Bélanger Eduardo Torrico Sus ochenta y seis años de vida permitieron a Michel Lambert (1610-1696) no sólo conocer muy de cerca la actividad de la corte francesa bajo dos reinados diferentes y un largo período de regencia.: ACC 24234 (1 CD) D2 Entre los instrumentos antiguos rescatados por la ola historicista que arrancó a finales del siglo XIX y alcanzó su máximo esplendor en la segunda mitad del XX. piezas para voz solista y acompañamientos de cámara diversos. Castaldi. en el que fue instruido por su profesor Etienne Moulinié. destacan tres libros. por supuesto. la viola da gamba ha seguido un camino muy singular. Zylberajch. Stephan van Dyck. Angers. la viola da gamba es uno de los pocos instrumentos relacionados con la música antigua que ha generado un repertorio propio en nuestros días. es debido a su numen). Liam Fennelly y Pau Marcos. Musica Favola. su lenta recuperación se aceleró en los años 60 desde la cátedra de August Wenzinger en Basilea hasta convertirse. pieza en cuatro secciones (la segunda dividida a su vez en cinco partes) compuesta en 2008 por el compositor y saxofonista Éric Fischer (1961). La relación de parentesco incrementaría sin duda las oportunidades de colaboración entre ambos músicos. Acompaña de modo impecable su grupo. chaconas y otras danzas escritas por Lully en sus Trios pour le coucher du roi. en los cuales se constata el cambio en la monodia acompañada. los dos músicos ascendieron en el escalafón. monsieur Lully convirtiéndose en el Superintendente y Compositor de la Música del Rey y su suegro en Maestro de la Música de la Cámara del Rey. Perrot).: ZZT 100501 (1 CD) D2 De un tiempo a esta parte han aparecido en el mercado numerosos discos.1569-1645). quizá a rebufo del que grabara en Ambroisie el contratenor Philippe Jaroussky. TOBIAS HUME (1569-1645): The First Part of Ayres. músico dilettante y virtuoso. por Musica Favola Pablo J. Eso ha contribuido a que Ferrari adquiera una cierta popularidad entre los amantes del Seicento.12 di v e r di antigua El fuego secreto Arias de corte de Lambert y piezas de Lully. Con ser buena la música. tenor y dirección / ACCENT / Ref. reuniendo ya hoy en su torno a un grupo de intérpretes de altísimo nivel y a una cantera floreciente. intimista y delicadísima. sino transitar musicalmente del tradicional estilo antiguo. Recoge este compacto del sello Stradivarius nueve de esas monodias (entre ellas. Musiche varie a voce sola (Venecia 1633. condición ésta no demasiado frecuente en el gremio de la cuerda pulsada. El tenor belga Stephan van Dyck presenta en este disco una selección de estas delicadas y sugerentes piezas vocales entremezclándolas con sinfonías. orientadas por Lully a la creación de un estilo nacional francés que fuera reflejo de la majestuosidad y la exuberancia que se trataba de transmitir desde el Versalles del Rey Sol. Pero más allá de eso. cual nuevo Midas. ya no hay la más mínima duda de que el bellísimo dúo final de la monteverdiana L’incoronazione di Poppea. Lully se había casado con Madeleine Lambert. Marianne Muller. Acompañada cuando la ocasión lo requiere por las violas de Liam Fennelly y de Pau Marcos. que forman conocidos intérpretes barrocos (Terakado. a las nuevas maneras de finales del siglo XVII. convierte en oro todo cuanto toca. monográficos o compilaciones. Olvidado por completo de la práctica magistral durante más de un siglo. quien. soprano. 1637 y 1641). dos años después del fallecimiento de su poderoso yerno. pero clara y nítida. la famosa Amanti. Viviani y del propio Ferrari. de Van Dyck una fuente continua de sugestiones y emociones artísticas del más alto rango. La voz de Bélenger es un prodigio en el que se funden su natural belleza y una dicción cuasi perfecta. En 1660. La obra se abre con un dúo (¡un rock!). IO VI SÒ DIRE: Música variada para voz sola del Sig. dedicados a Benedetto Ferrari (c. Captaine Humes Poeticall Musicke. Lo digo ya sin ambages: desde hoy me convierto en incondicional fan de la señora Bélanger.

antigua 200 / febrero 2011 13 Famosas últimas palabras Acteón. Johann Rosenmüller. conocidos de grabaciones anteriores. es bellísima. pasó a convertirse en la principal obsesión para muchos. de las que ahora nos llega el primer fruto discográfico. MARC-ANTOINE CHARPENTIER (1643-1704): Actéon. En honor de la primera escribió un delicadísimo lamento (Mit dem Amphion zwar). el conde Heinrich Posthumus Reuss. dirigidos por los arriba citados. Motetes fúnebres de Stephan Otto. una delicadeza. en otro tono. y una orquesta de 13 instrumentos (cuerdas. para voz sola y continuo. con escenas corales de cazadores y de ninfas. maderas. un coro de 14 componentes. Paralelamente. Sabemos que la carrera de éste se vio condicionada por el monopolio de la creación de “tragedias en música” detentado por Lully. Si la buena disposición para la muerte había sido siempre un asunto trascendental para la grey cristiana. Entre ellos. Johann Rosenmüller. pues la obra. su música se caracteriza por la perfecta fusión del estilo francés y del italiano que Charpentier aprendió de Carissimi en Roma. Un hallazgo. ni siquiera a la señera grabación de Philippe Herreweghe en Harmonia Mundi. a las de Gardiner (Archiv) y Christophers (Coro). tres violas da gamba. Un hallazgo. ahora. una desnudez y una intensidad expresiva que llegan a sobrecoger. y arias y dúos bellísimos. plainte). tan característica de mucha música alemana del tiempo. una delicadeza. Michael Praetorius y otros) Amarcord. Orfeo y los cuatro elementos Fascinante recorrido a través de la música fúnebre de la Alemania Tres magníficas versiones bostobarroca a cargo de Amarcord y la Cappella Sagittariana. Vayón tración. en diecisiete secciones y concebida para cuatro solistas.: 777613-2 (1 CD) D2 . Schütz conoció en carne viva los horrores de su época. sei mir gnädig nach deiner Güte que fue compuesta en Leipzig seguramente en los primeros años del siglo XVIII y que nunca se había grabado antes. pues vio morir a su esposa Magdalena aún joven y a sus dos hijas en plena adolescencia. La visión es de una concensu toque italianizante. Orphée descendant aux Enfers. a Ixión y Tántalo. con más de un siglo de Humanismo y de reforma luterana detrás y en “Un CD interpretado todo él de manera formidable. con un equilibrio. la morbidez de la línea melódica. en especial para aquellos que podían permitirse tiempo para la reflexión y dinero para satisfacer sus ansias de conocimiento y consuelo espiritual y artístico. el ligero y sutil divertissement para la comedia La Pierre Philosophale es una farsa danzable en la que falsos espíritus de los cuatro elementos se confabulan para engañar a un cándido burgués. el fervor de los corales causa auténtica fascinación. míticos moradores infernales. pues. con Santiago Salaverri Azotadas fieramente por los cuatro jinetes del Apocalipsis.: Paul O’Dette y Stephen Stubbs / CPO / Ref. números puramente instrumentales (obertura. que se incluye también aquí en una interpretación de una ternura subyugante debida a un tenor al que lamentablemente no se identifica. pone en escena en sus convocatorias bienales grandes óperas barrocas. Además. Dirs. percusiones y un nutrido continuo). cuatro ripienistas. lo que sorprende. La Pierre Philosophale Boston Early Music Festival Vocal & Chamber Ensembles. por haber sorprendido a la casta Diana durante el baño. pero ésta que acaba de publicar Raumklang a cargo del conjunto Amarcord y de la Cappella Sagittariana de Dresde no tiene que envidiar a ninguna. Hasta 10 solistas. es transformado en ciervo y destrozado a dentelladas por sus propios perros. estas obras. las tierras del Imperio no fueron precisamente el paraíso durante los años centrales del siglo XVII. recibieron representaciones privadas cuya fecha exacta y lugar de ejecución no nos consta. Por último. El CD se abre en cualquier caso con una obra anónima escrita sobre el salmo penitencial Gott.: RKAP 30107 (1 CD) D2 El Boston Early Music Festival. violín. en 2008 comenzó a representar óperas de cámara. en Raumklang nianas de obras de Charpentier Pablo J. Son muchos los registros discográficos que existen de esta obra esencial de la historia musical de occidente. fundado en 1980 y dirigido por Paul O’Dette y Stephen Stubbs. Suerte de ópera de pequeño formato. el morir es ganancia” y encargó a Heinrich Schütz una pieza musical que honrara con dignidad sus pompas fúnebres. quien hizo grabar en su sarcófago una sentencia de Pablo de Tarso a los Filipenses: “Cristo es mi vida. y Thésée y Psyché de Lully. Johann Hermann Schein y Michael Praetorius y una obra organística de Heinrich Scheidemann completan un CD interpretado todo él de manera formidable. La mezcla tímbrica del violín y las violas. aquí figurada por violín. con obras profanas de Marc-Antoine Charpentier. Johann Hermann Schein. La conmovedora cantata Orphée descendant aux Enfers nos lo describe enterneciendo con su lira. con un equilibrio. Difícilmente podía imaginar el príncipe que el músico iba a corresponder al encargo con una de las obras maestras absolutas de la música para difuntos de todos los tiempos: las Musikalische Exequien forman en efecto un tríptico en el que se resume lo mejor del arte musical de la Alemania del siglo XVII. fagot y continuo. de las que el sello CPO nos ha ofrecido hasta el presente tres importantes primicias: Ariadne de Conradi. la obra se contextualiza en un programa hermosísimo dedicado a la música fúnebre de la Alemania de la época. La “pastoral en música” Acteon recrea el mito del cazador que. o. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes. ” medio de las catástrofes provocadas por la Guerra de los Treinta Años. VON DEN LETZTEN DINGEN: Música fúnebre barroca de Alemania Central (obras de Heinrich Schütz. nos brindan una extraordinaria recreación de estas tres geniales piezas del prolífico y cada vez más conocido y apreciado Charpentier. Cappella Sagittariana Dresden / RAUMKLANG / Ref. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes.

Unos maestros de capilla que se esforzaron por satisfacer las expectativas de sus patronos. que se llamaba Pelegrina y que era una consumada oboísta (Pelegrina dall’oboe. Compartimos su admiración. y Kapsberger. La Módena de la familia D’Este –de 15. Ludovico Roncalli y Benedetto Ferrari.14 di v e r di antigua Antiguos y modernos Conciertos para oboe de Vivaldi por P. Oostenrijk y W. que no informa con detalle de los componentes) utiliza los consabidos instrumentos que antaño denominábamos originales. I Pastori di Bettelemme nella nascita di N. su evolucionado instrumento moderno por aquel que de verdad tocó Pelegrina. jugando con la guitarra en este papel y el del bajo continuo. Jan Willem de Vriend. Guiseppe Colombi. pero con órgano. Maffeo Barberini era Papa como Urbano VIII desde 1623 y muchos de sus familiares ocupaban puestos claves en la organización del Estado. desempeñaría un importante papel en el desarrollo de la música para violín. llegado desde su Venecia natal en 1605. una pronunciación más que suficiente.000 habitantes en la segunda mitad del siglo XVII– se convirtió en uno de los grandes centros musicales de la península que. Y el milagro se produjo. la Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. la evolución completa de la música para violín solo en los dos últimos tercios del Seiscientos. al que Kapsberger dedica su obra y quien con casi toda seguridad corrió con los gastos de la edición. cuerdas y bajo continuo Pauline Oostenrijk. que el timbre del moderno oboe confiere un peculiar brillo a las notas vivaldianas y que –esto también holgaba decirlo– Pauline Oostenrijk es una oboísta sensacional. pese a no ser italianas. Giuseppe Colombi. Roma se había convertido en un centro clave del desarrollo musical del nuevo estilo.: ACC 24231 (1 CD) D2 . Archangelo Corelli. que se usan también en los preludios e interludios instrumentales añadidos.: CC 72389 (1 CD) D2 Una pequeña corte perdida en el puzzle políticoterritorial del Norte de Italia.000 a 20. escrito en lengua vulgar. que no trabajó en Módena. sin estridencias ni efectismos. Giesu Christo. El director es un consumado especialista en el experimento. me remito– y tendrán un disco con mucha más luz que sombra. arpa y diversos instrumentos de cuerda pulsada) e incluye violines y flautas dulces. un oratorio en toda regla. Entre ellos. OMBRA ET LUCE: Música para violín en la Corte de Módena (obras de Marco Uccellini. O lo que es lo mismo. De las seis voces convocadas. hemos de reconocer que el grupo orquestal suena magníficamente. como es presumible. limitándonos sólo a un aspecto concreto. había devenido en la gran personalidad musical del momento. Una muy interesante novedad de repertorio. en Accent Pablo J. Sobre la interpretación. lo que garantizaba su absoluta comprensión por parte del espectador. Gracias al mecenazgo de los Barberini. como su sobrino el cardenal Francesco. es una pastoral navideña escrita en riguroso estilo recitativo en diálogo. la más conocida es la de la soprano Constanze Backes. En cuanto al resultado. Si. Giovanni Maria Bononcini y Archangelo Corelli) Modena 1665 / RAUMKLANG / Ref. El efecto logrado es hermoso y lleno de encanto. Es lo que pretende ilustrar el dúo Ombra e luce en este magnífico disco que lanza el sello Raumklang. optando por la denominada tercera vía. por ejemplo. Ludovico Roncalli. gran y admirada profesional del oboe. Entendemos también que Oostenrijk. Pero una tercera vía en la que la única que mantiene el instrumento moderno es ella. con libreto de Giulio Rospigliosi. Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. que conoce muy bien los vericuetos estilísticos barrocos. Vayón Dice Pauline Oostenrijk en las notas a este disco del sello Challenge que siempre ha sentido una profunda admiración por una joven que vivió en la Venecia del Setecientos y de la que sólo sabemos que era huérfana. integrada por miembros de la formación matriz “y especialistas en el repertorio barroco” (cito por el folleto. hubo de conjugar el más extraordinario virtuosismo con una poliédrica expresividad y una capacidad para los matices fuera de lo normal. con la excepción de la sordinella. con coros homofónicos a seis voces. pero bebió en las fuentes de su escuela. Willem de Vriend. aun admitiendo que es éste un ámbito en el que son más lo puro a lo mezclado. la denominó Vivaldi en la única partitura en que estampó su nombre). oboe. S. GIOVANNI GIROLAMO KAPSBERGER (1580-1651): I pastori di Bettelemme y otras obras de Kapsberger y Giovanni Lorenzo Baldano Echo du Danube / ACCENT / Ref. media docena de compositores: Maurizio Cazzati. especie de cornamusa que da el tono pastoril a la obra. desde la llegada de Marco Uccellini en 1639. en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Navidades romanas Oratorio de Kapsberger por Echo du Danube. la fantasía de ambos. empero. La instrumentación está sin anotar. El conjunto Echo du Danube la ofrece con un continuo variado (sin clave. Añadan el virtuosismo de Kallweit. su amplia gama de matices dinámicos. que son extraídos de algunas de las numerosas ediciones de Kapsberger y de obras de Giovanni Lorenzo Baldano. director / CHALLENGE RECORDS / Ref. mientras el grupo orquestal que la acompaña. Giovanni Battista Vitali. I Pastori di Bettelemme. casi desde sus primeros pasos hasta su plena madurez. 1665. realizando un ilustrativo recorrido desde el propio Uccellini hasta Arcangelo Corelli. vinculado al recitativo y la monodia. bastará señalar que los componentes de Ombra e luce son Georg Kallweit (violín) y Björn Colell (tiorba y guitarra barroca): dos nombres mayores en la interpretación historicista. Giovanni Maria Bononcini. su señera elegancia –a la Bergamasca de Vitali. haya querido rendirle homenaje en una grabación que recoge siete bellísimos –holgaba decirlo– conciertos del compositor veneciano. pero todas demuestran un perfecto conocimiento del estilo y. dialogo posto in musica es una muestra más del poder de los Barberini en la capital pontificia. de Vriend Mariano Acero Ruilópez Más luz que sombra Música para violín en la corte de Módena. Benedetto Ferrari. Como cuando Uccellini prevé un segundo violín ad libitum. No ha cambiado. buena parte de las obras para oboe del compositor fueron escritas para ella. Con una instrumentación tan “espartana” –son sus propias palabras– algunas arriesgadas elecciones se imponen. Unos gobernantes que hicieron de la música su seña de identidad. Maurizio Cazzati. ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos para oboe. Giovanni Battista Vitali.: RK 2905 (1 CD) D2 Publicado en Roma en 1630. El tono interpretativo es delicado y elegante.

a borbotones. residió. con esa grandeza excesiva nórdica. Korhonen ocupará un lugar indeleble en la historia del repertorio guitarrístico como dedicatario del Concierto de Helsinki para guitarra y orquesta de Leo Brouwer. la guitarra. finlandés hasta la médula. aunque éste es un camino habitual de la tradición guitarrística culminada por Andrés Segovia. es un guitarrista torrencial. La dimensión arquitectónica de la música para violín solo de Bach la interpreta Korhonen de una manera neumática: con un fraseo hecho de impulsos de aliento. que reinterpreta los originales según parámetros estéticos de un tiempo distinto. Implicado también con la creación contemporánea para guitarra. de las figuraciones melódicas. Y siempre. combinando el viejo estilo battente con el pizzicato puro del laúd para alumbrar el estilo mixto que desde entonces primó entre sus continuadores. que no es nada claro que estuvieran en la altísima abstracción de estas obras en la mente de su portentoso creador. que evoca un mítico disco que Lislevand dedicara a Kapsberger y. Korhonen emplea su guitarra Weissgerber de 1928 cuya claridad y neutralidad sonora. que está realizando una monumental carrera ” discográfica. repitiendo hasta en el género la composición de aquel trío que hace casi cuatro siglos salió de Bruselas: es The Foscarini Experience.: ODE 1164-2D (2 CD) D2 BON VOYAGE: Música de Giovanni Paolo Foscarini (s. En la trayectoria de Korhonen.antigua 200 / febrero 2011 15 El Bach neumático en la guitarra de Timo Korhonen El guitarrista finlandés firma otro referencial registro para Ondine ¿Orden en la casa? Bendito desorden Precioso disco dedicado a Foscarini en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Javier Suárez-Pajares “Un guitarrista torrencial. en coalición con el sello Ondine –compañía bandera de la discografía finlandesa. Italiano de origen. Yo. París y Venecia. el ritmo danzante y hasta la euforia. 1629-1647). sobre todo. una excepcional técnica y una expresividad comunicativa. XVII) The Foscarini Experience / RAUMKLANG / Ref. más viva cuando interviene el grupo. se convierten en la guitarra de Korhonen en una especie de golpes de aliento. lo que propone Korhonen es la adaptación de la música original a los recursos idiomáticos de la guitarra.” Timo Korhonen. Cerca de una treintena de sus piezas componen este precioso disco que el laudista y guitarrista Frank Pschichholz le dedica en Raumklang. Sus últimas dos producciones están dedicadas íntegramente a J. para el alborozo. en particular. pero en un puñado de piezas se hace acompañar por Nora Thiele y Daniel Zorzano. por otra. guitarra / ONDINE / Ref. Bruselas. cultivó el instrumento que dominaba y amaba. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685–1750): Partitas para violín solo (arregladas para guitarra) Timo Korhonen. Se dejó influir por el estilo dominante en los sitios que visitó –algunas de sus piezas exhalan un tenue aroma francés– y. Hay muchas zonas oscuras en la biografía de Giovanni Paolo Foscarini (act. un capricho que se permitirían muy pocas empresas discográficas en la actualidad. O mejor. Pschicholz es el gran protagonista del disco. de ahí el uso de afinaciones irregulares (scordature). Bach y. más descriptivas que expresivas. que firma colectivamente el disco. este disco tiene una doble coherencia: por una parte. en los que deja las cuerdas de la guitarra vibrar libremente. En este sentido. en Roma. Hay momentos para la introspección y la poesía. Esto se evidencia cuando constatamos que el segundo disco sólo contiene veintiún minutos de música. a la que ya nos referimos en el comentario de las sonatas. en definitiva. innovando. más aún. Korhonen intenta distanciarse de aquellas orientaciones. S. con esa grandeza excesiva nórdica que. Y un punto de heterodoxia creativa. de neumas. Entre sus grabaciones resulta interesante su atención por ciertos arreglos que han sufrido un notable desprecio por parte de los guitarristas actuales: ha dedicado así un disco a las transcripciones de Tárrega de música de Beethoven y Wagner (ODE 1013) y otro a los arreglos de música de Chopin que se completa con las canciones populares catalanas de Llobet (ODE 903). con la que debutó hace más de una década– está realizando una monumental carrera discográfica planteada en forma de producciones. la estudiada prolongación de los bajos y un fraseo en el que se separan muy netamente los pasajes ligados. autodenominado il Furioso en alguna de sus publicaciones. Por lo demás. más que una transcripción a la manera romántica de un Ferruccio Busoni imitada por Segovia. ni creo. como en el disco dedicado a las sonatas. de esto. Pero ninguna historia de la música deja de señalarlo entre los grandes cultivadores de la guitarra en el siglo XVII. a su música para violín solo: en marzo de 2009 salió su grabación de las sonatas (ODE 1128) y en 2010 las partitas que presentamos aquí en un doble CD que nos demuestra hasta qué punto los finlandeses no reparan en gastos y miman a este buque insignia de la guitarra escandinava. hace fascinante este disco de principio a fin. al menos.: RK 2904 (1 CD) D2 . sigue la vía de su particular interés por la interpretación en la guitarra de música concebida para otros instrumentos. Los arcos del violín. con algunos gestos interpretativos derivados de la técnica del violín –como retener dominantes. por ejemplo– que contribuyen también a la expresión de la discontinuidad. acompaña bien a su interpretación de una música a la que atribuye unas particulares intenciones retóricas. Ese punto de desorden creador –en contraposición a un “orden en la casa” que se deja caer en plena folía– que. al propio Foscarini experimentando e innovando. ni digo. a menudo con un toque de originalidad amparado en sus desbordantes capacidades para engullir repertorios. Y se sabe que a la muerte del archiduque Alberto de Austria partió de Bruselas en compañía de un violagambista y una percusionista.

y en medio de todo esto fue creciendo en mí . a mí misma.16 di v e r di entrevista Céline Frisch & Pablo Valetti “Nuestras interpretaciones buscan la riqueza de la diferencia” Entrevista exclusiva con los creadores de Café Zimmermann Mark Wiggins fotos © Petr Skalka Pablo Valetti (PV) y Céline Frisch (CF) son dos buenos ejemplos de la actual generación de intérpretes de música barroca. llevan desde 1998 deleitando tanto al público de conciertos con sus imaginativos programas. creando su propio conjunto instrumental bajo el nombre de Café Zimmermann. escrutando el pasado. Jesper Christensen (quien formó parte del Ensemble 415 de Chiara Banchini). no acaban en esta colección bachiana. dado que muchos de los intérpretes que han tocado en Café Zimmermann –incluyendo a Pablo. La selección de obras para cada disco combina a la perfección con las reveladoras obras pictóricas escogidas y comentadas por Denis Grenier en la serie Ut pictura musica de Alpha. no sólo por enseñarme música de cámara. las Suites orquestales y varios conciertos. juntos o por separado. aunque tuviésemos diferentes profesores. Una vez completada la grabación de la serie de Concerts avec plusiers instruments. Creo que. Valetti y Frisch. este violinista argentino y la clavecinista de Marsella se unieron a otros músicos que compartían la misma inquietud por explorar el universo barroco y más allá. con toda seguridad. él es la primera persona que ha estudiado el bajo continuo con tanto detalle. en una inmensa cantidad de estilos. todo en un estilo camerístico vivaz e imaginativo. me interesaban múltiples estilos de música (rock & roll. como directores artísticos del proyecto y rodeados de grandes intérpretes. como a los compradores de discos con un flujo constante de grabaciones para el sello Alpha (el grupo alcanzó su madurez coincidiendo con el exitoso crecimiento de esta discográfica francesa). entremezclados. cuyos estudios superiores comenzaron a principios de los años 90 en esa incubadora musical que es la Schola Cantorum de Basilea. A sus clases no solo acudían clavecinistas. y ha volcado todo eso en la enseñanza de cómo debía sonar en la práctica. los dos directores de Café Zimmermann han hecho un alto en el camino para hablar en exclusiva para Diverdi. DIVERDI: ¿Qué ha supuesto para vosotros estudiar en la Schola Cantorum Basiliensis? CÉLINE FRISCH: Cuando decidimos fundar el grupo. sino también violinistas y otros estudiantes. como homenaje actual a aquel vanguardista Collegium Musicum creado por Georg Philipp Telemann (y dirigido por Johann Sebastian Bach) que tenía su sede en la cafetería de Gottfried Zimmermann en Leipzig. un poco de tango y también música clásica). para mí fue crucial una destacada figura y personalidad de nuestra etapa en la SCB. Poco antes de completar sus estudios. Andreas Staier. sino también todo lo concerniente al bajo continuo. Pero los frutos del entusiasmo musical de Valetti y Frisch. Ha analizado numerosos tratados y todas las fuentes que ha podido encontrar. hindú. Resulta especialmente destacable la serie de cinco discos dedicados a Bach (cuyo sexto y último volumen tiene prevista su aparición para el próximo otoño) que incluyen. presente y futuro de su trayectoria. los Conciertos de Brandenburgo. y al chelista Petr Skalka– tenemos en común la estancia en la Schola. Además de mi maestro de clave. folclore. PABLO VALETTI: Antes de decidir mi traslado de Buenos Aires a Europa en 1991. la formación y el estudio del estilo barroco recibidos en la SCB fue crucial.

era un perfecto repertorio con el que comenzar –nuestras primeras actuaciones incluían conciertos de Bach– cuando tu grupo cuenta con pocos miembros. un chelo y un contrabajo. y que resultaba. En Café Zimmermann intentamos superar esos enfoques privativos de un instrumento. pues. Aunque Céline y yo nos involucremos mucho en la organización y las decisiones generales que conciernen a Café Zimmermann. como puede ser una sonata. más tendremos que concentrar las decisiones en una sola persona. y asistí a clases de artistas de la talla de Christophe Coin. la razón de peso para interpretar y grabar estas obras concretas fue mucho más monetaria: si quieres interpretar algunos de los otros concerti o concerti grossi del Barroco tardío. Pisendel y Biber. donde cada voz tiene algo que decir.V. para que todo pueda sonar como música de cámara.F. por esta razón.: Resultó natural formar un conjunto con nuestro grupo de estudiantes. Nuestro punto de vista parte de la consideración de que. Otra idea importante era la de trabajar con dos instrumentistas en el bajo. ensayar e interpretar (evitando involucrarnos en proyectos en los que no nos encontrásemos cómodos). Jean-Paul soñaba con encontrar un grupo con el que pudiera grabar toda la música instrumental de Bach. C. Sin embargo. Lo mejor de la SCB fue la amplitud y calidad del profesorado.: Este espíritu surgió ya en los orígenes del grupo. como las escritas para la viola o el segundo violín. especialmente la del siglo XVII. con la salvedad de que en nuestro último disco hemos vuelto a grabar el Concierto para oboe d’amore en La mayor. Tales requisitos. necesitas muchos más intérpretes.F. Esto dependerá del repertorio que estemos tocando. Mis maestros más destacados fueron Chiara Banchini y Jesper Christensen. D. incluían la importancia del bajo continuo en la música barroca (en aquella época no se le daba la misma importancia en otros países). y muy abiertos. no sólo para Céline y para mí.: El verdadero centro de nuestra actividad es la música de cámara. pues a menudo solíamos tocar música de cámara juntos en la Schola y en pequeños conciertos. en cuanto a tomarnos tiempo para investigar. a causa de las diferencias de enfoque. También empecé a interpretar a solo. No creo que yo tuviese una idea muy precisa de lo que quería hacer. lo que nos unió fue que nos encantaba tocar juntos. como en el Primer Concierto de Brandenburgo o las dos Suites orquestales en Re mayor. y en aquel momento no disponíamos de medios financieros para ello.” un interés y afinidad por la música barroca. René Jacobs y Jordi Savall. cuantos más intérpretes haya. también podría existir otra instrumentación –incluso de tamaño orquestal– u otro modo distinto de ser interpretadas.: ¿Qué importancia tiene para vosotros el espíritu camerístico de Café Zimmermann a la hora de interpretar Bach? C. Esta es una premisa general del grupo.: ¿Como instrumentista de cuerda. Todos eran muy generosos con su tiempo lectivo. no solo en la teoría sino también en la práctica.: Tras acabar mis estudios en Basilea en 1997. Pensé entonces en contactar con varios músicos de mi época en Basilea para encontrar un modo de trabajar con gente que compartiese mis objetivos. Estas obras de Bach incluyen además partes instrumentales muy interesantes. interpretar y manejarme con la fabulosa música de Bach. el grupo no está constituido en torno a una o dos personas. foto © Petr Skalka .F. La idea original de fundar Café Zimmermann fue de Céline. pero siempre escuchando y tratando de dar libertad a los músicos para tocar y transmitir. Dimos allí un concierto. pues no podemos pasar horas y horas discutiendo. decidimos emplazar cuatro obras en cada álbum. Intentamos tener una visión para cada instrumento. Más que por el hecho de que a todos nos encantaba la música barroca –nos gustaba el mismo repertorio. muy moderna y actual.entrevista 200 / febrero 2011 17 “El verdadero centro de la actividad de Café Zimmermann es la ” música de cámara. Descubrí que había muchísima fantasía en esta música. puede abandonar la sala. aparte de obras italianas– . comencé a tocar con el violagambista argentino Juan Manuel Quintana y con Concerto Köln.V. Aunque en Basilea tuve la oportunidad de unirme y tocar con músicos con los que compartía un mismo enfoque estilístico. aunque gran parte de la interpretación es producto de la propia musicalidad de los intérpretes. fuese donde fuese. sobre todo la música alemana de los siglos XVII y XVIII. por ejemplo– no me sentí tan cómoda. D. con el fin de crear una imagen más general de la música. Hemos de considerar de antemano cuestiones como los tempi o el carácter.: Seguramente haya diferentes concepciones del sonido básico entre un violinista y un clavecinista. estaba completamente dispuesta a encontrar algún proyecto o grupo. en lugar de pretender forzarlos a tocar como yo pienso. ni logré esa familiaridad.: ¿Qué os impulsó en 1998 a crear Café Zimmermann? P. cuando me crucé con gente que había estudiado en Francia –en París o Lyon. Cuando haya mucha gente involucrada. contemplas la música de Bach de un modo distinto al de un clavecinista? P. P. nacidos en Basilea. D. Todo esto me resulta de especial importancia en Bach.: ¿Cómo nació la serie de grabaciones bachianas Concerts avec plusieurs instruments del sello Alpha? C. quien había fundado recientemente el sello Alpha y era director en Normandía del Festival de Música de Arques-la-Bataille. el enfoque camerístico es más apropiado aquí que en otras composiciones cuyas voces interiores no son tan interesantes o no están tan desarrolladas. yo me esforzaré aún más en conseguir una clara dirección musical. Decidimos no interpretar diferentes versiones de la misma pieza (el Cuarto Concierto de Brandenburgo existe también como Concierto para clave). Cada músico debe estar convencido de estas ideas con el propósito de concebir la música bajo la misma imagen acústica: que quien conduce la música es el bajo continuo. de hecho. pero en aquella época teníamos un número muy limitado de compromisos. como solistas de cuerda. por supuesto. mientras que cuando un clavecinista ha tocado sus notas. D. Tocar así otorga más vida e individualidad a cada músico que si se interpreta con una orquesta. con una densa polifonía y este modo especial de escritura para cada voz. con un músico por parte. Para nosotros existe un modo muy distinto de desarrollar el sonido: los instrumentistas de cuerda probablemente se enfoquen más en la melodía y en el diálogo entre melodías. solemos crear y elaborar sonido durante toda la obra.V.: Seguramente fuese yo quien estaba más entusiasmada por escuchar. En aquella época había profesores con quienes resultaba muy fácil tener una clase. de música de Bach. sin duda. con sólo cuatro intérpretes. El caso es que. pues los primeros conciertos de Bach que grabamos fueron escritos para conjunto de cámara. Podría decirse que mi labor es coordinar las ideas musicales del grupo. Nuestro enfoque del contrapunto contrasta con el modo de pensar en vertical del clavecinista. Quizás esta música encaja tan bien con nosotros porque nos gusta mostrar la riqueza de cada voz y podemos beneficiarnos de la contribución de cada instrumentista. para obras que requieren un reducido número de intérpretes. Algo que resultó crucial en nuestra plasmación discográfica de todas esas composiciones bachianas fue encontrar a JeanPaul Combet. Considerando la serie de discos de Bach como un todo.

pero nosotros disfrutamos mucho y también el público. Además de los detalles económicos que ha mencionado Céline. ni siquiera con las Sinfonías de C. Siempre hemos preferido la idea de unir diferentes obras a modo de concierto en vivo. idea que perseguimos con nuestras interpretaciones. A veces me pregunto qué oirán los melómanos cuando escuchan estos discos. También soy mucho más consciente de lo que quiero y de cómo lograrlo. Conociendo ahora mucho mejor la música. ¿Durante este periodo de tiempo vuestros conceptos musicales se han desarrollado o evolucionado? P. lo cual no implica que mi modo de tocar sea muy diferente. en lo relativo a la dirección musical. sino en intentar elaborar discos que se pudieran escuchar como conciertos en vivo. Mucha de esa música responderá a nuestro enfoque camerístico –como fue el caso de nuestro disco dedicado a C. Ahora que tenemos más experiencia intentamos ser más precisos. tenía mucha más espontaneidad que cuando las toco hoy. Como clavecinista puedo decir que. En algunas actuaciones de Café Zimmermann acabamos juntando músicos de diez o doce nacionalidades distintas. D. pues me siento muy cercana a la música francesa y la he interpretado con más frecuencia que Pablo). D. tres de las obras que hemos grabado en esta serie han sido las dos Suites orquestales en Re mayor y el Primer Concierto de Brandenburgo –con un ámbito palpablemente mucho más orquestal que el Concierto para violín en Mi mayor que grabamos hace diez años. Además. pero interpretando música de diversos compositores. lo que hemos hecho con la música de Johann Sebastian Bach nos ayudará mucho cuando afrontemos obras orquestales. tendríamos que trabajar muy duro y además esperar a ir encontrando el tipo adecuado de gente con la que tocar. Con total seguridad. ¡Fue como hacer un puzzle! La serie Bach también refleja el concepto de “la riqueza de la diferencia”. veinticinco instrumentistas. el grupo ha evolucionado técnicamente: nos resulta mucho más natural nuestro modo de tocar.: El propósito básico que nos planteamos con esta serie fue el de dar una perspectiva diferente al modo típico de presentar los seis Conciertos de Brandenburgo de Bach. una perspectiva diferente. digamos.P. En este sentido.F. Por ejemplo. nuestro trabajo con Dominique Visse fue muy satisfactorio por otra serie de motivos (especialmente para mí. sino que es menos intuitivo y más estructurado. alguna de la música que interpretamos tiene un carácter mucho más orquestal.V. oboe y clave. aquellas cantatas y concertos comiques del siglo XVIII. D.E. desde nuestros tiempos en Basilea. Teníamos intención de incluir también la Cantata del café. veinte o la energía –lo cual se nota en las primeras grabaciones– con tempi rápidos. a ser menos entusiastas y expresivos y a permitir que el texto “cargase” con las emociones.P. cuando comenzamos en esto. estábamos y seguimos convencidos de que algunos de aquellos tempi tenían que ser veloces.: A lo largo de los años habéis grabado con artistas tales como Dominique Visse y Gustav Leonhardt. que quiere tocar.V. Estamos barajando algunos conciertos italianos. nuestras mejores cualidades eran el entusiasmo y . mientras que ahora nuestra actitud al tocar es más estructurada. las cuatro Suites orquestales y varios Conciertos para violín. no nos da la impresión de estar tocando rápido. en general. como pequeña broma dado el nombre de nuestro grupo. en paralelo al desarrollo del proyecto Bach. quizás como consecuencia de la multitud de nacionalidades diversas de los componentes de nuestro grupo. por tanto.: Estoy de acuerdo. pero lamentablemente resultó demasiado caro. C.E.E. trabajar y evolucionar juntos. Aunque desde el principio supiésemos que estábamos tocando más deprisa que otros grupos. ¿Cómo han influido estos dos artistas en el desarrollo de Café Zimmermann? C. Aunque las obras que interpretamos con él. Puede que los cambios ocurridos no estén tanto en nuestro modo de interpretar a Bach como en otros repertorios que estamos tocando cada vez más (incluyendo las Sinfonías de C. con la música de sus hijos y el Clasicismo temprano. y esto forma parte de la riqueza en diferentes ideas y actitudes que intentamos reflejar en nuestro modo de hacer música. porque quizá al principio nuestro enfoque era más espontáneo. después de trabajar con él estamos cuidando más el manejo de ciertos ritmos y procurando conseguir un enfoque más equilibrado en todo.” que ya apareció en el primer álbum. Una diferencia concreta entre entonces y ahora es que. como instrumentistas. y éramos conscientes de que antes de poder crecer hasta ser un grupo de. Para estas obras vocales de Bach. como actor y como persona. habría que mencionar el desarrollo de Café Zimmermann como grupo de gente. grabadas hace unos seis años). con composiciones de Haydn y Mozart. estábamos completamente receptivos a cualquier cosa que él nos aportase. podemos concentrarnos en buscar qué convierte en especial a una determinada pieza.18 di v e r di entrevista “Queremos pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de ” interpretar la música. Escogiendo los programas para cada CD no nos centramos tanto en cuestiones como si las piezas proceden o no del mismo periodo de composición. la calidad de nuestro modo de tocar como grupo. reguló la calidad del sonido que emitíamos y. Locatelli sería el primero. Condujo nuestras aptitudes para la articulación y el fraseo. Bach. y.V. integrándolos en el grupo de tal modo que no se perdiese la idea camerística. son música muy bien compuesta. Bach– pero para Haydn y Mozart necesitaremos una pequeña orquesta y. esta experiencia no fue crucial en cuanto al desarrollo de nuestra forma de tocar –como nos ocurrió con Gustav Leonhardt–.: Ya hemos grabado un disco con música de Charles Avison (los Concertos in Seven Parts done from the lessons of Domenico Scarlatti) y vamos a continuar en este tipo de repertorio. utilizando una paleta de colores más amplia.: ¿Cuál era vuestro propósito para esta serie? ¿Lo habéis alcanzado? P. es que aún estudiamos muchísimo.: Ahora que habéis completado la serie de grabaciones bachianas. En los inicios lo formábamos apenas seis o siete músicos. Por otro lado. ¿qué dirección planea tomar Café Zimmermann? P. que es fantástico como cantante. He de dar las gracias a Dominique. Lo cierto es que seguimos siendo un grupo bastante constante de gente con ideas similares. en lugar de hacer discos monográficos. para elaborar algo parecido a la serie Bach. continuamente descubro cosas nuevas en esta obra. cuando las grabé para Alpha hace diez años. Si juntásemos nuestras grabaciones de los seis Conciertos de Brandenburgo ¿se percibiría un sentido de unidad? Creo que la respuesta debería ser “¡sí!”. en la actualidad. él nos instó. D.F. y teníamos grandes expectativas.P. Lo que no ha cambiado.: Ningún miembro de Cafe Zimmermann había trabajado con Gustav Leonhardt antes de este proyecto (cuyo fruto es el disco de cantatas seculares de Bach en Alpha).: Supongo que.: La grabación de la serie Bach se extiende a lo largo de diez años. y si seguimos interpretando con los mismos tempi que antes. De todos modos. no pueden compararse con las piezas de Bach que hemos grabado. en el modo en que interpreto las Variaciones Goldberg. Otra área que queremos desarrollar es mostrar lo que ocurrió tras Johann Sebastian Bach. Bach.

El sexto brandemburgués es una pieza magnífica. y además seguiremos trabajando con directores. pero creo que sirve para entendernos– bachiana tuvo como destino el Collegium Musicum lipsiense. interpretaba variada música en el Café de Zimmermann. Finalmente. uno tiende a pensar que las cosas no se pueden hacer de otro modo. por tanto.: ALPHA 048 (1 CD) D2 J. las versiones de la música de Bach que hemos grabado durante toda una década no son definitivas. hoy en día. que también proviene de un concierto desaparecido –para tres violines en este caso–. “A falta del último volumen. es una pena que. que estén abiertos a auténticas colaboraciones musicales. la conocidísima tercera suite orquestal obtiene una lectura óptima. bourrée y giga final de energía y finura desbordantes. Frisch. servida a pedir de boca. con una obertura extraordinariamente pomposa y. D. la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar. en su totalidad. pero ahora estamos encantados de actuar con ellos.S. con ayuda de los ingenieros de sonido. pero da cabal idea del lujo de la versión.entrevista / antigua 200 / febrero 2011 19 Café para todos Quinto y penúltimo volumen de la aclamada serie que Café Zimmermann dedica en Alpha a la musica orquestal de Bach Javier Sarría Pueyo C. teniendo la oportunidad de oír y hacer correcciones. dada su sencillez. BACH: Conciertos para varios instrumentos.: Teniendo en cuenta la gran cantidad de discos que habéis realizado para el sello Alpha (entre otros). sino que son una interpretación que dimos en un momento de nuestra vida. de la obra para conjunto ” instrumental de Bach. aunque en los conciertos en vivo las interpretaciones nunca son exactamente iguales. III Cafe Zimmermann / ALPHA / Ref. IV Café Zimmermann / ALPHA / Ref. En nuestros inicios quisimos desarrollar nuestra personalidad como grupo instrumental antes de comenzar a trabajar con cantantes. rítmicamente precisa sin merma de la necesaria flexibilidad. Nada más oportuno. En el concierto para clave en fa menor –segura transcripción de un concierto hoy perdido para violín u oboe–. cuyo quinto y penúltimo volumen se presenta aquí. aunque quizá sea el menos conocido de los seis. con las grabaciones exista el peligro de la plasmación inamovible de una interpretación: a menudo. En definitiva: a falta del último volumen. pudiendo cristalizar el concepto musical que estamos interpretando y tratarlo como si fuese la creación de una escultura o un cuadro.: ALPHA 013 (1 CD) D2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Conciertos con varios instrumentos. BACH: Conciertos con diversos instrumentos II Café Zimmermann / ALPHA / Ref. Así. Todos estos enfoques nos harán aprender y desarrollarnos. cuando se escucha una muy buena grabación. I Café Zimmermann / ALPHA / Ref. vol. que el sensacional conjunto contemporáneo así bautizado prosiga con su magnífica integral dedicada a esta faceta compositiva de Bach.S. logrando.: Me encanta grabar. el concierto para tres claves en re menor. Estamos eligiendo cantantes con quienes podamos trabajar flexiblemente. porque la experiencia se parece a un trabajo de laboratorio en el que podemos trabajar cada aspecto concreto de nuestra interpretación.” Buena parte de la producción orquestal –una expresión un tanto anacrónica. BACH: Conciertos para varios instrumentos. en compañía de Dirk Börner y Anna Fontana hacen un gran trabajo. 5 Café Zimmermann / ALPHA / Ref. vivaz. al mismo tiempo. Música para todos. unas maderas redondas y elegantes y unos metales brillantes y refinados. un Air sensible y conmovedor. con su precioso adagio. Y todo ello con el aliciente de unas cuerdas sedosas y limpias. J. grupos de solistas y coros.: ALPHA 071 (1 CD) D2 J. Ya hemos dado algunos conciertos con Roberta Invernizzi cantando arias de Haendel y cantatas seculares de Bach.V. Podemos trabajar con un único cantante al modo camerístico (como en el caso de Dominique Visse) u orquestalmente llevando el cantante el protagonismo (como en nuestro proyecto haendeliano con Roberta Invernizzi). y unas gavotas. se luce sobremanera Céline Frisch. El espléndido nivel mostrado en los discos anteriores se mantiene inalterado en éste. en disco o fuera de él.S. de la obra para conjunto instrumental de Bach. con unos movimientos extremos briosos y cristalinos –es fácil emborronar la partitura– y un emocionante Adagio ma non tanto. Sin embargo. BACH: Conciertos con varios instrumentos. en su totalidad. alejada de los tópicos rigores bachianos.: Además de acercarnos a esos repertorios. que los tres claves se distingan perfectamente. en el futuro colaboraremos más con cantantes.: ALPHA 168 (1 CD) D2 . institución que. como es bien sabido. para nosotros. aunque no azucarado. Quiero pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de interpretar la música. ¿qué tal lleváis el trabajo de grabación? P. Tenemos planeado grabar Buxtehude con Nuria Rial y Stefan Vock. cuenta con una llamativa siciliana en estilo galante. lo que no deja de ser un desperdicio. Dos figuras de la viola da gamba –Friederike Heumann y Guido Balestracci– se ocupan aquí de sus partes. y planeamos algún proyecto con el coro Accentus.S.: ALPHA 137 (1 CD) D2 J. y la versión es referencial.F. la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar.

Ensemble "Il Continuo". clave. pues aquél tiene un carácter más concertístico que el publicado. empezando por el título. GIACOMO ANTONIO PERTI (1661-1756): Abramo vincitor de' proprii affetti Laura Antonaz. Caldara y Fux: su elegante inventiva melódica. las 28 misas y los 54 motetes que compuso completan la lista–. Muy bien arropada por el Ensemble Il Continuo.: GB 2451-2 (1 CD) D2 MINISTRILES DE MARSIAS Trazos de los ministriles nb 017 (1 cd) d2 . quedó inacabado–. un tratado de contrapunto? En un término medio se sitúa Malcolm Boyd. En él se narra la historia de la elección de Abraham entre su esposa estéril. Para muestra. Gioele Gusberti. en resaltar los aspectos puramente artísticos y expresivos de la música.v. sino ‘contrapunctus’ y. contralto. clave / GLOSSA / Ref. desde la rigurosa observancia del Stylo Francese en el contrapunto séptimo hasta el brillante dramatismo de las fugas en espejo.p. además.- El de Giacomo Antonio Perti es uno de los esos casos infrecuentes en que todos los hados parecen conjurarse en beneficio del individuo. Gastone Sarti. que no procede de Johann Sebastian. lo que es fundamental en esta obra. muriese al introducir el sujeto BACH en el último contrapunto –que. la variedad formal empleada y una amplia capacidad expresiva. la voz de Laura Antonaz en el doble papel destaca entre el resto de cantantes. quien afirma que. el milanés favorece la ejecución práctica. Ton Koopman. siguiendo los pasos de Leonhardt y de su maestro. La interpretación –muy ágil en los tempos– no puede sino calificarse de sobresaliente. quizá como alusión a la dualidad del ser entre el amor terrenal y el celestial. Por otro lado. cómo no. A. Fabio Bonizzoni El Arte de la Fuga es una de las obras más célebres de Bach y. estrenado en Bolonia en 1683 cuando Perti lucía 22 primaveras. y la familia en la que nació gozaba de una posición envidiable en la sociedad boloñesa de la segunda mitad del Seicento. y la sirvienta Agar. Lorenzo Perti. pero sí atestiguan las cualidades por las que Perti fue tenido en alta estima por Corelli. un conjunto que hace honor a su nombre acompañando magistralmente. como si su trayectoria personal y creadora se hallara escrita desde antes incluso de que viniese al mundo: su tío. bajo. ¿Se trata de una composición destinada a la ejecución o. la cuestión que más literatura ha producido ha sido la relativa a la naturaleza de la obra. sino que debió de ser ocurrencia de Carl Philip Emanuel al darlas a la imprenta (entre otras cosas. Sus casi 20 aportaciones al género no constituyen lo más generoso de su producción –la treintena de óperas. Elena Biscuola. Mariko Uchimura. Giuseppe Corso Il Celano. Como curiosidad hay que apuntar el hecho de que los personajes de Sara y Agar estén asignados a la misma voz de soprano. Sin embargo. llena de confusiones y malentendidos.80 € . en todo caso. al mismo tiempo.: 19. aun cuando la plena apreciación de la obra sólo puede obtenerse tras el estudio y ulterior meditación sobre la compleja escritura bachiana. al adoptar el orden de las piezas dispuesto en el manuscrito P200. una de las más enigmáticas. director artístico / BONGIOVANNI / Ref. por el contrario. Un verdadero monumento musical en todos los aspectos. situándose entre las punteras en versión para clave. los secretos en la creación del oratorio. De Corso heredó un completo dominio en el arte del contrapunto que admiraría hasta el Padre Martini. Bach no utilizó la expresión ‘fuga’. pudo así dedicarse a la composición sin los apuros de otros. Fabio Bonizzoni. a cargo de Mariko Uchimura. Tampoco es cierto que fuese su última composición ni que. no sólo por la claridad en la exposición de las voces. como dejó escrito su hijo berlinés con claros fines de promoción comercial. su oratorio Abramo vincitor de’propii affetti. entre otros. discípulo del gran Carissimi.: GCD P31510 (1 CD) D2 NB ANTONIO DE CABEZÓN Invenciones de Glosas Ministriles de Marsias nb 024 (2 cd) p. Perti Urko Sangroniz Javier Sarría Pueyo cución de las fugas en espejo añadiendo un segundo teclado. soprano. ubicado actualmente en la Staatsbibliothek de Berlín. se decanta por su concepción como obra clavecinística y resuelve los problemas de eje- JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga (para uno y dos teclados) Fabio Bonizzoni. culminado con absoluto éxito. que se siguen perfectamente. pero también.20 di v e r di antigua Matemáticas sonoras Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El Arte de la Fuga El afortunado boloñés El oratorio Abramo vincitor de’ propii affetti de G. y por ello antepuso siempre la calidad a la cantidad. Comenzó su formación musical bajo la tutela de su tío para después continuarla con. Sara. no por ello debe renunciarse al placer estético que proporciona su escucha. sino también por el esfuerzo. también era compositor. incluye cánones).

No cesa de hacer pliegues. en un par de diálogos consigo mismo.. pliegue según pliegue. Reconstruye ese particular universo a su manera. Les Escapades du Roi es un título con doble sentido. particular pero universal. quizá. los lleva hasta el infinito. Pero su utilización aquí tal vez provoque equívocos. Luis XV. un italiano renegado de su pasado. Montéclair. magistralmente ejecutadas. plegándose y replegándose. lo característico del barroco consiste en que no pretende consumar el pliegue de esto sobre o contra lo otro. Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. François Couperin. Puestos a buscar un paradigma musical de ese incesante plegar. Sabine Kreutzberger. Deleuze toma el sistema filosófico de Leibniz como paradigma de este rasgo. sino que busca continuar el pliegue hasta el infinito. El pianista pone así de manifiesto una técnica soberbia. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga. inteligencia para elaborar un discurso y gran variedad de recursos interpretativos: de la pulsación reflexiva del primer contrapunto a la articulación clavecinística del noveno. piano / ORFEO / Ref. permitiéndose el capricho de mezclar dos pistas grabadas por separado para. Es cierto que algunos de los autores incluidos en el disco coincidieron cronológicamente con Luis XV. sino de su biznieto y sucesor. no sin grandes esfuerzos. A ellos les siguieron Marais. analogía advertida ya por el propio filósofo alemán. Lifschitz nos guía. los pliegues griegos. Por un lado. hacer posibles los pliegues imposibles. Lifschitz juega con la acentuación. L'Affilard. traza analogías entre su proceder filosófico y el resto de manifestaciones artísticas barrocas y apuesta por el carácter neoleibniziano del arte contemporáneo. grave y ágil. Lully. de los placeres y las intrigas. Barbara Pfeifer y Andina Scheyhing). El pliegue es un concepto transversal. ” pliegue según pliegue. soprano. amarras con Italia. Primero Lully. Antoine Forqueray. románicos. puesto que la joven O’Murphy. El experimento es lo que es. góticos.. individuo. a un rasgo. de Lalande. cotejando ediciones. pero debe valorarse la naturalidad del empalme a pesar de la inevitable sensación de asombro que produce la multiplicación de manos y pliegues. desarrollaron su actividad profesional durante el largo reinado (64 años) del Rey Sol. De Visée. Austero primero y brillante después. la obra de Johan Sebastian Bach ilumina el camino y. una mónada que a partir de sí misma. Marais. romanos. una completa visión del mundo en modo menor. pliegue sobre pliegue. una visión celestial en la que disolver. cual punta de iceberg. Antes que ellos había asomado. de la corte de Versalles. Antoine Forqueray.: CHR 77338 (1 CD) D3 Konstantin Lifschitz. Couperin. destaca apariciones y reapariciones.” “El pliegue”.. Luis XIV fue un apasionado de la ópera y del ballet. nos ofrece una visión. De Lalande (todos ellos presentes en el registro) y otros muchos.antigua 200 / febrero 2011 21 Esplendor versallesco Les Escapades du Roi recrea las cortes de Luis XIV y de Luis XV Eduardo Torrico El arte del pliegue Konstantin Lifschitz presenta en Orfeo una seductora y ‘diferente’ visión del Arte de la fuga Ignacio González Pintos “El barroco no remite a una esencia. observando su reverso en un espejo interior. nos conduce por los quiebros y requiebros de la materia musical resaltando unas curvas y escondiendo otras. Hacia el final de su recorrido Deleuze se detiene para explicar el paralelismo entre la filosofía de Leibniz y la armonía barroca. Pignolet de Montéclair y Robert de Visée) . Pero él curva y recurva los pliegues. acercando el horizonte y difuminándolo. salvo Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. sujeto. se van alternando con las vocales. Queda todavía el contemplativo transcurrir del coral que cierra el disco. a través de la música.: C802102A (2 CD) D2 Pocas veces un retrato ha sido tan bien aprovechado como el que François Boucher hiciera de Louise O’Murphy de Boisfaily. individual pero infinita. de las sutiles variaciones de tempo del segundo al estático discurrir del undécimo. Coral BWV 668A Monika Mauch. Louis Couperin. que protagoniza el registro. puestos a trazar analogías. Konstantin Lifschitz no se limita en su interpretación de esta obra hipnótica a exponer la armonía preestablecida por Bach. cantadas por ese prodigio de dicción y buen gusto que es Monika Mauch. pliegue según pliegue. no fue amante de Luis XIV. No inventa la cosa: ya había todos los pliegues procedentes de Oriente. Viol Consort "Les Escapades" / CHRISTOPHORUS / Ref.. pero no es menos cierto que todos. pliegue sobre pliegue. el dios relojero. va desplegando y proyectando. pliegue sobre pliegue. pero por otro es una alusión al consort de violas Les Escapades (Franziska Finckh. el monarca sobre el que gira esta grabación. y después Charpentier sentaron las bases del nuevo estilo. clásicos. Son decenas las carátulas que aparecen con este Desnudo en reposo del pintor francés. sino más bien a una función operatoria. el pliegue infinito. introduciendo el coral Wenn wir in höchsten Nöten sein BWV 668a como epílogo. coloreando las sombras y los reflejos. de quien se incluye aquí su bellísima Chaconne. pliegues y repliegues. Gilles Deleuze Con estas palabras hace comenzar Gilles Deleuze un libro que girará en torno a Leibniz y el Barroco. que apenas contaba 14 años cuando Boucher la inmortalizó. volviendo la mirada hacia sus adentros. bajo cuyo manto protector floreció una música francesa que acababa de romper definitivamente. El Arte de la Fuga se erige como fascinante representación musical de la tesis fundamental de la Monadología: una sustancia simple. de la suave delicadeza del golpeo en el cuarto al ornamentado fraseo expuesto en el sexto. del esplendor y de la inmoralidad. quiebra y sostiene el discurrir musical hasta llegar a una lenta fuga final que se interrumpe sin afectación. en cada curva y recurva. LES ESCAPADES DU ROI: Placeres e intrigas en la corte de Versalles (obras de Charpentier. Las piezas instrumentales.

A este instrumento le dedicó lo más granado de su catálogo. dinámicas. 12. así como los entreactos–. versión alemana de la exitosa comedia Le distrait (El distraído). y no sólo por la belleza de las obras de un autor ineludible para entender el tránsito entre Mozart y Beethoven. pero también a su disoluta vida: se desconoce el número de manuscritos que Friedemann malvendió para superar los apuros económicos tras abandonar Halle. Muy recomendable grabación. Si tuviéramos que destacar una faceta entre las muchas que desarrolló con éxito a lo largo de su vida Muzio Clementi. El único ejemplo conocido es la Sinfonía nº 60 en seis movimientos (!). Manfred Huss. llenas de nervio. Bach en el sello Carus con su segundo volumen de cantatas. director / CARUS / Ref. y siempre cautivadora y sugerente en su conjunto. Filemón y Baucis se representó en 1773 en Eszterháza ante la Emperatriz María Teresa (muy a propósito. op. el especialista Huss y la Haydn Sinfonietta ofrecen versiones luminosas. que se ha perdido. De hecho. incluido el conocido tratado Gradus ad Parnassum. Según Huss. como el Lento e patetico de la Op. 13. Los efectivos escogidos son más reducidos que en el anterior volumen. Antes de que eso ocurriera. Scene tragiche (Sonatas op. Jürgen Ochs. Clementi logró imponer en salones y salas de concierto– confiere al programa una estructura dramática (compuesta de pequeños ‘dramas en música’) que contrasta ricamente con lo escueto del medio. estas obras revelan la madurez de un artista en el cénit de su creatividad. y de las oportunas reediciones de la integral de oberturas (BIS 1818) y una miscelánea de piezas instrumentales (BIS 1796/98). de obligada lectura para todo estudiante de piano hasta hoy día. tras realizar el concurso pertinente y resultar elegido. Como de costumbre. las disputas con sus superiores no tardaron en producirse. la elección de sonatas escritas todas en modo menor –modo que. se encuentra en la contemporánea (1763) Sinfonía nº 12. hasta donde llegó para ocupar el puesto de organista de la Liebfrauenkirche. de Jean-François Regnard. pero también vigorosa en los pasajes más dinámicos.: CARUS 83. JOSEPH HAYDN (1732-1809): Tres sinfonías teatrales (nºs. aunque por el carácter y escritura de las obras no deslucen su resultado artístico. por cierto.S. con ejemplos tan notables como la Op. II Rastatter Hofkapelle. Los coristas interpretan a su vez las partes solistas. Las obras del programa aparecen grabadas aquí por primera vez. No es descartable que el Finale lo fuera también de la ópera. F. MUZIO CLEMENTI (1752-1832): Didone abbandonata (Sonata. Haydn recicló la obertura en dos movimientos. toca ahora el turno a tres sinfonías conectadas con la copiosa producción teatral del maestro de Rohrau. Cavé. De ellas apenas se conserva una veintena y todas pertenecen al periodo de Halle. contratada por el príncipe Esterházy. ésta sería sin duda la de virtuoso del piano (recordemos. a la vez que con sereno virtuosismo demuestra una coherencia estilística y formal extraordinaria. añadiendo un Menuet y un Finale. y constituyen la evolución lógica de los modelos paternos adaptados a los nuevos tiempos por una original y personalísima mente creadora. sino por la excelencia de un pianista impecable que todavía nos puede y nos debe rendir páginas memorables. Bach Urko Sangroniz Virtuosismo impecable Haydn y la conexión teatral Sonatas en modo menor de Clementi por O. además de un importante número de sonatinas. tarea no muy atractiva para él si tenemos en cuenta el tiempo transcurrido y su resultado: una veintena de cantatas en 18 largos años. compuesta para Der Zerstreute. esenciales para comprender en su dimensión más profunda el lenguaje del pensamiento musical prerromántico. Así. en Aeon Francisco de Paula Cañas Gálvez Tres singulares sinfonías por Huss y su Haydn Sinfonietta Miguel Ángel González Barrio Prosigue la edición conmemorativa del 300 aniversario del nacimiento de W. Avalado por sus dotes interpretativas y sus admiradas improvisaciones en la bancada del instrumento. erudito haydniano además de director. Estaba precedida de un prólogo. No se dejen engañar por el magro elenco porque todo está interpretado en su justa medida: lo exultante se aprecia con amplitud y lo íntimo. ya que estos hechos se asemejan a las tensiones que su padre mantuvo con las autoridades de Leipzig. Quizá las perdidas músicas de Hamlet.22 di v e r di antigua / clasicismo Evolución natural Nuevas cantatas del primogénito de J.429 (1 CD) D2 . pero se han perdido cuatro arias y la mayoría de recitativos. piano / AEON / Ref. Cavé acomete con una solvencia técnica envidiable las exigencias de estas complejas piezas. toda una ‘acción dramática’ para piano basada en la Didone abbandonata. Der Götterrat (El Consejo de los dioses). particularmente emotiva en los movimientos lentos (fragmentos bañados con melancólicos y taciturnos acentos. fue el contrincante de Mozart en el célebre ‘duelo’ musical ante José II). 25 y 40) Olivier Cavé. con especial mimo. Después de grabar rarezas como la incompleta ópera Acide (BIS SACD 1812) y la ópera de marionetas Filemón y Baucis (BIS SACD 1813). demostrándose una vez más que la historia se repite.: BIS SACD 1815 (1 SACD) D3 WILHELM FRIEDEMANN BACH (1710-1784): Cantatas Vol. Sin embargo.: AECD 1094 (1 CD) D2 Manfred Huss y su Haydn Sinfonietta prosiguen su infatigable apostolado haydniano. 50 nº 3 en sol menor. así como un centenar de sonatas entre las que cabe destacar la Op. el primogénito de los hijos de Bach debía crear obras para la liturgia. 25 nº5). Othello o King Lear subsistan asimismo camufladas en varias sinfonías Sturm und Drang. que se erige en núcleo central del muy interesante recital que presenta en Aeon el pianista Olivier Cavé. “Fúnebre”– sería una elegía por la muerte de Acide (Acis). La Rastatter Hofkapelle está formada por 8 coristas (2 por voz) y 8 instrumentistas. 50). la ópera terminaba con una apoteosis de la Casa de Habsburgo). parte de la música perdida de Acide –se conserva el libreto íntegro. cuidada en extremo. convirtiéndola en la Sinfonía nº 50. Se cree que en la década de los 70 Haydn compuso música incidental para las producciones de la famosa compañía teatral de Carl Wahr. director / BIS / Ref. 36 nº 1 (que le rindió buenos dividendos). en concreto dos entreactos. Todo se debió sin duda a su conocida holgazanería. Con todo. La interpretación se nos antoja meditada. 50 y 60) Haydn Sinfonietta Wien. el conmovedor Adagio en mi menor –tonalidad que Haydn empleó únicamente en la Sinfonía nº 44.

Mademoiselle Jeunehomme. un instrumento de este estilo. desde luego. según Einstein. pero no creo que esté en universo tan lejano. en sí. pues iba con mi abuela. de pronto.” Yo era muy niño. Y habría sido una gran pena. aunque de manera nada irónica. la expresión. tan transparentes. Bien. sin embargo. los ataques son certeros y la batuta de este muchacho. el maravilloso Concierto nº 9 en mi bemol mayor K 271. son cosas que ahora mismo ni nos van ni nos vienen. una especie de recitativo lírico de ópera seria. me enternece siempre y no puedo impedir que mi pierna buena se balancee cada vez que escucho el Rondó. precisa y exacta. el minueto en La bemol cantabile y gentil. Quiero pensarlo. si no hubiera sido por ella. estáticos. las articulaciones. tan animado y vital. y que no me detenga extasiado cuando entra. Incluso en su día lo comenté con Papagena. aladas. Siempre detrás de su hijo. esta joya que es el Concierto nº 9 igual no habría nacido. Para mí lo importante no es la forma. “serios. ” expresivo. por ejemplo. aunque tengan su importancia. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante. WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Conciertos nº 9 y nº 12 Ronald Brautigam. el tamaño de la orquesta. la pobre. que al parecer le da a todo tipo de música. elegantes. en palabras de aquel estudioso. Estaba un poco mosca cuando he visto que la interpretación obedecía a criterios historicistas. ¿Cómo pueden saber de qué manera sonaría este Concierto. Y. Michael Alexander Willens. conciso y. lo que importa es destacar la fluidez. En sus cartas a Leopold mi padre no habló nunca de la chica. La verdad es que no volví a saber de la gentil pianista desde que desapareció de Salzburgo. ¡Que haría yo. francamente. mantiene esa pulsación milimétrica. conciso y. He llevado su imagen durante toda mi vida como algo puro. que tocaba como los ángeles. director / BIS / Ref. Tampoco estaba para muchas aventuras. sin embargo. la calidad sonora o tímbrica. en esos días grises o negros en los que mi gota no me deja moverme y diviso desde mi buhardilla de Lavapiés una nube de tejados abrillantados por la invernal lluvia madrileña! En esos casos me suelo inyectar en vena músicas de mi progenitor. lo que me choca muy mucho. ni siquiera el instrumental. el fraseo. que pueden variar de mil maneras. Me tienen muy escamado estos jóvenes de ahora con sus manías de intentar copiar una realidad musical que sólo conocen por los libros y por la contemplación de unas partituras que. Jeunehomme. expresivo. Die Kölner Akademie. que dicen los castizos. Sus manos vuelan por el teclado de ese fortepiano de Paul McNulty de 1992. expresivos. la ligereza.: BIS SACD 1794 (1 SACD) D3 . En fin. no me acuerdo si realmente llegó a estrenar la obra que mi padre había escrito para ella. en un sorprendente menor. copia del Anton Walter construido alrededor de la fecha del estreno del Concierto nº 9 y también del 12 que lo acompaña junto con el Rondó K 386. Esos compases son. de aquí para allá en sus viajes y que sin duda la exhibió en su estancia parisina de 1778. es una de las preferidas. De las tres obras. que ya me gustó bastante en sus sonatas de Haydn. pero aquella jovencita francesa. para mí desconocido. deteniendo tanta alegría. La poesía que emana del Andantino. trastocó mi todavía tierno corazón. Michael Alexander Willens. el talento y. Lo que sí recuerdo es que Wolfgang llevaba la composición. claro. pues. el estuche. He repasado mis apuntes y he comprobado que. terminada en 1776. todo a la vez”. que padecía ya de Parkinson y era muy pesada y latosa. como dice mi carnicero. no dicen gran cosa. Me lo he pasado chupi. La verdad es que suena estupendamente. Aunque no sé si vería a la muchacha. como Wolfgang por aquellos días. Y la de esta composición. bautizado así. Mi memoria falla en este punto. Brautigam poco tiene que ver en principio con el pianista francés. un punto de inflexión en su producción pianística. Demasié. Y es posible que la Jeunehomme tocara. tan fluido y excitante. El holandés. precisa y exacta. sino el acento. A mí me han gustado siempre mucho interpretaciones que los puristas pueden aborrecer como aquellas. y creo recordar también que así era. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante. es funcional y animada. de estas interpretaciones.clasicismo 200 / febrero 2011 23 Gentilísimos recuerdos Ronald Brautigam encara para BIS la colección de conciertos para piano de Mozart con una grabación del número 9. La orquesta. quizá Mozart quiso homenajear a la Jeunehomme. que se divirtió mucho con la historia. fortepiano. con sus dos partes seguidas de su correspondiente variación. cálido y bello. Hay investigadores que incluso han llegado a decir que nunca lo tocó. un poco desmedrada. conocido como Jeunehomme Papageno Ronald Brautigam “Brautigam mantiene esa pulsación milimétrica. está afinada y unida. por ejemplo? Hay que echar- le imaginación. estimulantes de Casadesus y Szell. que no la superficialidad.

entre otros menesteres. director / HÄNSSLER / Ref. Escribir para el teatro en Italia en la segunda mitad del XIX suponía pagar peaje al modelo operístico más influyente. Giuseppe Sinico estrenó además cuatro de sus cinco óperas en la ciudad adriática. soprano. Raffaello de Banfield. Viva San Giusto!.: 17. la mata. artista cuidadosa. cuatro damas de orígenes musicales centroeuropeos como son los suyos. cuando se disponía a componer un Don Carlos a partir del homónimo texto de Schiller. al no ser correspondido. ¡siempre Verdi de fondo!.24 di v e r di ópera La Banse canta ópera Recital de la soprano alemana. la carencia. y en gesto que le honra. Sinico y Trieste: un tándem inseparable.- Triestino hasta la médula. Humildemente. sin ser demasiado personal. autor también de la edición crítica) fluctúa entre la dignidad. s/n • 28013 Madrid Tfnos. y tiene la esperada distribución vocal: Marinella. tenor. Por último. Giuliano Pelizon. propio del momento. contemporánea del Ballo verdiano (o sea. su lado más íntimo y elegiaco. se enteró de que también era un proyecto del bussetano. entre Marinella y Francesco Cappello en el primer acto parece escucharse fugazmente una cita de Traviata. Sinico renunció a competir. concertantes y coros (uno. a due. Spiazzi. maestro concertador y director / BONGIOVANNI / Ref. JULIANE BANSE: Per amore (arias románticas de Mozart. ha elegido entidades bien acopladas o no muy alejadas de sus posibilidades de cantante puramente lírica por medios y personalidad: la Condesa y Fiordiligi mozartianas. trasladó sus representaciones a la Sala Tripcovich quien. Szabo.V. pues allí nació en 1836. en Hänssler Fernando Fraga Sinico sale del anonimato Bongiovanni exhuma Marinella. Deutsche Radio-Philharmonie. convertido en una especie de himno local). La interpretación (Prizzon. Iulia Szabo. Como ésta bebe vientos por el tenor. Massenet. Marzelline de Beethoven. muy bien asimilado. intérprete de cautivadora sencillez. cumple con las exigencias dramáticas del texto.com Horario: De lunes a viernes de 10 a 20 horas y sábados de 10 a 14 horas. la buena voluntad y el respeto. Micaela ejemplar y Marguerite (de Gounod) encantadoramente ingenua. que.: 93. cómo no. aplicada y diligente como es ella. asimismo. muy verdianamente por cierto. siempre directa al grano. Zerlina) con los añadidos de la Genoveva de Schumann. soprano. Puccini. durante las necesarias obras de remodelación de hace pocos años. barítono. bajo. compuesta cuando apenas contaba 18 primaveras. autor de óperas tan interesantes como Una carta de amor de Lord Byron (Ermitage la editó en 1991 con un espléndido mano a mano entre Elena Zilio y Sylvie Valayre) y Alissa (Virginia Zeani la cantó en el Liceo en 1967). Para este recital operístico. tenor. Baccio. el de la despedida a la mesita que tantas veces la reunió con su amado Des Grieux al que va a abandonar. ni demasiado persuasiva. Tchaikovski. la Banse redondea programa con dos chicas puccinianas que parecen irle bastante a medida: Mimì y Lauretta. Con su publicación por parte del incansable y nunca bien ponderado sello Bongiovanni se acaba de poner la figura de este compositor en el candelero lírico. todo hay que decirlo) con una de los suyos. En la segunda parte del programa se mide con alguna jovencita francesa. como la Manon massenetiana ya cantada en escena y de la cual brinda. la grabación en vivo fue tomada en la Sala Banfield Tripcovich de la ciudad antaño austrohúngara. actividad de todos modos ya conocida gracias a grabaciones completas de Mozart (Ilia.: 91 516 06 73 . Marinella se sigue con agrado y muchas veces con rendida atención. si bien un Verdi en general de la época previa a su llamada trilogía romántica. Los días de función permanecerá abierta al público asistente hasta el segundo entreacto . que ella estrenó en 1999 en Zurich. Voz hermosa.: GB 2449/50-2 (2 CD) D3 x 2 Teatro Real • Plaza de Oriente. Sinico escribió también una obra sobre Dumas. barítono. y como Marinella tiene un padre. GIUSEPPE SINICO (1836-1907): Marinella (1854) Dax Velenich. es un compositor nacido en Trieste. Durante años Banfield dirigió el Teatro Verdi de Trieste el cual. Para redondear la presencia triestina en esta entrega. Agathe de Weber. de 1859) y. como intérprete de lied engalanó varios ciclos del Teatro de la Zarzuela. En esta línea. ama a Marinella. Christoph Poppen. von Weber. música preparada. Velenich. ni en divagaciones innecesarias yendo. Pelizon. es una obra cuya acción. La soprano alemana Juliane Banse basaba hasta el momento su carrera discográfica en solitario en diversos recitales que descubrían su importante faceta como cantante de cámara.91 541 25 95 e-mail: latiendadelreal@diverdi. El asunto de la ópera es. como es de clase superior se compromete (algo voluble y despreocupado. de reminiscente nombre mozartiano. En resumen. mezzo lógicamente. Todo aparece aquí debidamente expuesto. Donna Elvira. Verdi. ofrece oportunidades de lucimiento para los principales solistas y no cae en tiempos muertos. es decir. Maria de Smetana. transcurre en Trieste. ni demasiado brillante.262 (1 CD) P . Giovanni Alberico Spiazzi. sus dúos. Severino Zannerini. soprano. La primera de ellas. Se atreve un poco con la Tatiana tchaikovskiana y con su voz liviana. Frau Fluth de Nicolai o la moderna Blancanieves de Holliger. allí trabajó en diversos cargos y allí moriría en 1907. con sus arias y cabalettas. Marianna Prizzon. de 1854. alberga un importante festival de opereta. recordamos. Falco. Una inmediata grabación de 2010 nos la muestra como cantante de ópera.P. primera ópera de un contemporáneo de Verdi Fernando Fraga La música de Sinico.50 €. Verdi parece en efecto situarse siempre de fondo en la partitura siniquiana. éste es naturalmente un bajo. ama a Francesco. Sinico no puede sustraerse a ello y hace bien: ¡qué mejor modelo que el de Busseto! Hasta en el encuentro. mezzosoprano / Orchestra e Coro dell'Opera Giocosa del Friuli Venezia Giulia. Los mosqueteros. Marinella. dulce y acariciante. cantante de sólida formación. Bizet y Gounod) Juliane Banse. otorga a la soñadora heroína una juventud y una ingenuidad que no todas las intérpretes de este espléndido rol son capaces de insuflar. con Zannerini en el foso. Smetana.

un hada maléfica que se adueña de la virgen sumiéndola en un letargo nocturno que amenaza con ser permanente. Kristiane Kaiser. en CPO Blas Matamoro La forza del destino contiene una música no toda de la misma altura. donde regala hermosas frases. Es raro que escatime la entrega. con la ayuda del mercurio que todo lo penetra y una espada mágica. Conoce la Forza de pe a pa. director (grabado en directo en Nueva York en 1958) / BONGIOVANNI / Ref. pues murió en un accidente. La solfa del padre Guardiano es reposada y solemne. tan perfiladas se van dando que podemos ponerla en escena con nuestra imaginación. bien movida. a poder ser con voces de gran empaque en casi todos los casos. bien avenida a tan gran confortador de almas. matizada con un leve aroma de amor lésbico. Zinka Milanov canta con una emisión muy cubierta. Münchner Rundfunkorchester. tan dulce como potente. acaso escénica. Ulf Schirmer. cabe la alegoría de un amor en que la mujer. lo que he acabado por pensar que es deliberado por parte de Verdi. tal vez sea porque sólo unos minutos antes acabamos de oír el pistoletazo de salida del drama. el de don Carlos. En disco. hasta formar all stars castings. está muy bien delimitada en relación con los personajes. pues los cortes han aliviado su parte hasta dejarla en apenas un puñado de frases. vencerá a la maligna y letárgica criatura. Christina Landshamer. que busca infructuosamente la paz. director / CPO / Ref. El del infortunado Alvaro es patético y anhelante. de voz clara y espontánea. Se agradece que no descuide los momentos líricos. con grinta. o cuasi. Labò es un bien escaso. tras el acto I. algo así como La rosa con espinas). algo ausente como intérprete. doliente el de Leonora. figura en el corte 5. de trágico destino. Tenía fama de ser una hedonista del canto. A la Preziosilla “Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. vocalmente es superlativa. y agudos plenos. En esta brillante lectura. Humperdinck ha dotado al cuento de una atmósfera legendaria y ensoñada. buscando la belleza y redondez de los sonidos. Zinka Milanov. Bergonzi o Del Monaco. recitándola. el sueño y su despertar juegan un rol decisivo en esta fábula. como diría un economista. como cantante estuvo un tanto a la sombra de Corelli. Fernando Corena. Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. Será cuando amanezca y. desde luego.: HOC 052/53 (2 CD) D6 x 2 . la de Preziosilla algo ratonera. también. Por cierto que la obertura. más generosos comentarios orquestales. e interpreta con brillantez la famosa obertura.” de Roggero no cabe juzgarla. pero en esta Forza muestra un alto grado de implicación y. Dentro de la dramaturgia verdiana estos modelos traen ecos de El trovador y se proyectan como una anticipación sobre Don Carlos. Tenía una voz recia y resuelta. Puesto a darle vueltas al tema. con números hablados y cantados. Quien adormece a la bella princesita es Demonia. bien conducida y suavemente orquestada. Mario Sereni es un notable barítono. como sucede en este caso. según las reglas del género. muy acorde con la historia.: 777510-2 (2 CD) D2 x 2 GIUSEPPE VERDI (1813-1901): La Forza del Destino Flaviano Labò. efectista. La huella de Ricardón se ha borrado y más bien parece que el compositor se remonta a la precedencia onírica y fantasiosa de Mendelssohn en Sueño de una noche de verano. Llegará.ópera 200 / febrero 2011 25 Milanov y Labò más Siepi Bongiovanni rescata una Forza del Destino neoyorkina con un reparto All Stars Joaquín Martín de Sagarmínaga Los cuentos de Humperdinck Dornröschen. ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921): Dornröschen Brigitte Fassbaender. Margaret Roggero. Sí cabe hacerlo con Siepi. salvo algún pequeño escollo al afinar. que borda su papel de Guardiano con sonidos parejos y plenos. a poder ser con voces de gran empaque en ” casi todos los casos. adormecida en su virginidad. con más contención en el gasto) es experto en exhibir plantillas con varias estrellas. lo que al final de su cabaletta le cuesta un roce evidente. es llamada a la vigilia por el varón enamorado y seguro de su sentimiento. En 1902 abordó La bella durmiente (en alemán. Tobias Haaks / Chor des Bayerischen Rundfunks. Louis Sgarro / Fritz Stiedry. capaz de llegar hasta donde ella está y vencer heroicamente todos los obstáculos del caso. Brigitte Fassbaender. Para Kraus era la voz de bajo por excelencia. Zinka Milanov Tras colaborar con su maestro Wagner en las densidades de su Parsifal. Humperdinck ha sido persuadido por el cuento y nosotros. cómicamente belicosa. la encarna. tan encantados como él. en lugar de al comienzo. una primicia del autor de Hänsel y Gretel. y eso hace de él el elemento diferencial de esta Forza. Suiza ha dado al mundo a Corena –Fra Melitone rastrero– y el reloj de cuco. Aunque no veamos las viñetas. En efecto. logrando despertar a la hermosa con el beso reglamentario. Fritz Stiedry es un competente director vinculado al Met. En efecto. Además. furibundo incluso. Pero a menudo era un tenorazo. Cesare Siepi. ambos son inventos deplorables. Humperdinck se dedicó a las leyendas infantiles y nos dio su delicioso Hänsel y Gretel. una suerte de cantata. el príncipe de las islas radiosas. tan convincente hablando como lo fuera en su impetuosa carrera de contralto. en una transgresión digna de Calixto Bieito. cegado por su afán de venganza. Flaviano Labò. tan gastada por el uso. Mario Sereni. cada uno de los cuales respira un aire musical propio que responde a sus móviles básicos. y el Metropolitan de Nueva York (una especie de Hollywood de la ópera.

en el Liceo o en las esporádicas temporadas operísticas (léase bolos) del resto del país. tras prometedora carrera. o Conchita Bordalba. en las que ha seguido haciendo gala de capacidad de síntesis. y simultáneamente a la reapertura del Teatro Real. o los Mendioroz. para Leonard Slatkin “el mayor cantante del siglo XX”. En la segunda mitad del volumen. el autor se permite algunas excepciones que no encajan en las pautas hasta aquí explicadas. a quien el autor hace comparecer “por su voz y estilo como cantante”. en el que se aunaban la abundancia y el rigor de la información personal y artística de los biografiados (fruto de una concienzuda investigación). sus apreciaciones de cinéfilo culto–. recurriendo. un Hace trece años. a través de la visión que de ellas ofreció la prensa nacional. publicado por Editorial Zumaque de Alcalá la Real (Jaén). sus melancólicas reflexiones sobre los estragos del tiempo y el olvido. unos sólidos conocimientos de técnica vocal.” útil complemento. Pero sobre todo son dos las figuras cuya presencia llama más la atención: Christa Ludwig. por decirlo así. y de cuyas características vocales y artísticas nos ofrece un perspicaz análisis que vale por el entero libro.V. Fleta. o con Edward Johnson. yo también lo recomiendo. con especial habilidad para el juego de palabras y la titulación brillante. soprano canaria de voz ensalzada por grandes figuras. los biografiados son preferentemente cantantes españoles nacidos en los años finales del XIX o las primeras décadas del XX.P .. Anselmi. “abuela” artística de María Callas en su calidad de maestra de Elvira de Hidalgo en el Conservatorio del Liceo. mitos –por no ser exhaustivos– de la categoría de Tamberlick. Una advertencia final: hasta aquí hemos intentado dar cuenta notarial del contenido del libro. vista a través de un pequeño número de actuaciones (en Viena. Sembrich. Lázaro. que actuaron en el Teatro Real (no sólo. del entero libro. la familiaridad con una extensa discografía (incluida la de más difícil acceso) y una singular independencia de juicio. originalidad y variedad de enfoques y un fino sentido del humor. este libro de bergmaniano título y laboriosa gestación es una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su contenido. veía la luz el Diccionario de cantantes líricos españoles (Acento Editorial. Desde aquella fecha. Hay diversos modos de contar las cosas pero. gracias al peculiar estilo narrativo de J. o en compañías de zarzuela. que debutó en el Real en 1851 y. sus perfiles vocales. de los treinta españoles biografiados. de Sagarmínaga –su fina ironía. país. De trabajada elaboración y lectura instructiva y amena. Así se estudian los cilindros grabados por Abruñedo o las actuaciones de Gigli en España. y. Y. excepciones fruto de su gusto personal. Por una parte encontramos res de los biografiados. por si acaso. Entre los cantantes españoles. el tenor canadiense de carrera europea y americana que sucedió a Gatti-Casazza al frente del Met entre 1935 y 1950. se analiza la labor pedagógica desarrollada por quienes al término de sus carreras se dedicaron a formar a nuevas generaciones. parafraseando a la Mariscala en El caballero de la rosa. ilustrada por los testimonios de sus discípulos. París y Madrid) de las que el autor fue testigo presencial. cuyas carreras se desarrollaron en medio de las dificultades de un país de agitada historia y empobrecida vida lírica. Por ello es de celebrar el nuevo libro que nuestro autor dedica a cincuenta cantantes –treinta españoles y veinte extranjeros– activos desde mediados del XIX a los años sesenta del siglo XX. en España. falleció a los 31 años en París con sus facultades mentales perturbadas. de Sagarmínaga al conocimiento de figuras señeras de la lírica.: 22. repertorio y discografía. Como muestra del libérrimo criterio con que ha concebido el volumen. también en muchos otros escenarios españoles. pero a quienes el espíritu inquisitivo del autor ha buscado rescatar de las sombras del olvido. 50 años de lírica en España Libro de 458 páginas/ EDITORIAL ZUMAQUE / Ref. donde únicamente actuó en ambos extremos de su carrera (no en su etapa central de plenitud). Ruffo o.00 €. “… en el ‘cómo’ está toda la diferencia”. estos Mitos y susurros poseen un valor literario per se. en cuantos casos resulta pertinente. O con Isabel Macario. en unos pocos casos se ciñen a un aspecto parcial de su biografía. Barrientos o Supervía –apenas si Cortis o Capsir alcanzan a cubrir la cuota de celebridades españolas que llegaron a aparecer por el Real de los viejos tiempos– y mucho menos a las conocidas figuras internacionales de nuestra posguerra y tiempos más recientes. además del indudablemente documental y erudito. pero queremos insistir en que. pero. y en diversos medios. Baste decir que. en cuantos casos han sido posibles. Y así nos encontramos con el barítono belga Jean Noté y el tenor francés Georges Thill. al igual que sus nombres– se desarrollaran en buena medida en Italia y Latinoamérica. sus juegos de palabras y sus llamativos títulos. diecisiete ni siquiera aparecían en las páginas del Diccionario arriba citado. del que este libro resulta.26 di v e r di ópera Luminarias y olvidados Mitos y susurros: Joaquín Martín de Sagarmínaga realiza un recorrido a través de cincuenta años de lirica en España Santiago Salaverri a auténticos “mitos” de la lírica de dos siglos.: DIV9788493721787 (1 Libro) P . en este punto. Su lista se abre con el tenor Buenaventura Belart. muchas han sido las contribuciones de J. es algo bien distinto de un diccionario o de un capítulo de la historia de la lírica referido a un particular teatro. Darclée o Vix. a nombres de menor sustancia o nombradía artística. o el tenor Ignacio Varela y el bajo Antonio Vidal. he aquí un libro que se recomienda por sí solo. Lo que Sagarmínaga nos brinda en Mitos y susurros. españoles y extranjeros. De ahí que sus carreras –poco conocidas hoy. que no llegaron a actuar en el Real. oigo voces. “Una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su ” contenido. 1997) de Joaquín Martín de Sagarmínaga. y Frank Sinatra. M. no se espere encontrar aquí a los Gayarre. cuerda o época. con el Liceo de Barcelona a la cabeza) desde su inauguración hasta su cierre en 1925. Y por otra –los “susurros”–. coincidiendo con el cierre del Real. que renunció a iniciar una carrera que se auguraba notable y se dedicó a labores pedagógicas en Las Palmas. una obra convertida de inmediato en referencia imprescindible de un siglo de lírica en nuestro país. así como lo más relevante de sus carreras y los colegas con quienes actuaron (el índice de cantantes roza los setecientos nombres). en el apartado femenino. al tenue recuerdo de su voz plasmada en unos pocos cilindros o en un puñado de grabaciones. la única gran cantante “moderna”. 50 años de lírica en España. por la que desfilaron muchas de las más grandes voces del pasado siglo e incluso de ahora mismo.M. Si la generalidad de las semblanzas se ocupan de detallar los orígenes geográficos y familia- JOAQUÍN MARTÍN DE SAGARMÍNAGA: Mitos y susurros. padre barítono e hija soprano. todos ellos disfrutaron de carreras de nivel internacional. Nuestros lectores recordarán su serie de retratos vocales titulada Doctor.

sigue sonando sano y seguro– y actúa este equipo. si empieza sobresaltando.: Stuart Stratford / OPERA RARA / Ref.V. con la Frittoli y Ataneli (publicado anteriormente en DVD por Arthaus) es como la esencia de su estética operística. tan coral. se mueve cómodo por la tesitura baritonal del papel. Dir. Giordano. por sus ideas claras y por dominio de la partitura y de una orquesta particularmente sensible en su preciosa tarea de traducir tan genial muestra del maduro talento verdiano. Orquesta Gaos. director musical.: GL-100641 (3 CD) P . Alberto Bruni. al que se suma un tenor rumano y dos sopranos “latinas”.: GL-100676 (4 CD) P . Manon Lescaut y otras escenas de ópera (grabado en vivo en 1951) / GALA / Ref. Escenario único convenientemente iluminado para las necesarias variaciones de espacios. otro dato nuevo. Para conseguir estos fines. director / VERSO / Ref. no tiene panza) en Zúrich 1986. Luca Salsi. Paolo Arrivabeni. ideas que vuelve a reflejar de nuevo en este.: CDS 33649 (1 DVD) D10 x 2 Novedades ópera GIUSEPPE VENDITTELLI: Arias de ópera (Massenet. Poda. La narración de la obra. acaba por resultar. el resto del equipo mayoritariamente italiano.: VRS 2103 (1 CD) D10 SAVERIO MERCADANTE (1795-1870): I Normanni a Parigi (selección) / Howarth.: S 2043 (1 CD) D4 LELA: Canciones gallegas / Cristina Gallardo-Domâs. como si se tratara con la disponibilidad que se le admira.ópera 200 / febrero 2011 27 Magia en Lieja Ruggero Raimondi protagoniza un fascinante Falstaff dirigido escénicamente por Stefano Poda Fernando Fraga narración.P €. si uno consigue entrar en él.90 . asumiendo la cuádruple función de director escénico. fascinante Falstaff belga. la más francesa de las ciudades belgas. de la decidida y pujante Quickly de Cinzia de Mola y de la fina y femenina Alice de Virginia Tola. a sus 68 años. 2009) / DYNAMIC / Ref. Ronconi. Pero a su lado se puede también disfrutar del robusto (en plan lírico. una española y otra argentina. piano / DYNAMIC / Ref. Saint-Saëns. que frasea con intenciones. excitante. No tiene secretos Falstaff para Raimondi. soprano. de un sueño a menudo cercano al surrealismo que asombra. elementos mínimos. Tiberius Simu).: ORR 249 (1 CD) D2 .: GB 1217/8-2 (2 CD) D10 RUGGIERO LEONCAVALLO (1857-1919): Pagliacci / Del Monaco. colorido casi exclusiva y monótonamente blanco… En fin. Novaro. Fernando Briones. Habría que añadir al grupo. vestuario entre sofisticado y extravagante.1960) / GALA / Ref. movimientos de solistas y comparsería como si se tratara de un ballet de autómatas. trentino bien afecto profesionalmente a nuestro país.P 22. Banks. de una extraña e inquietante belleza. y por tanto de una originalidad tan atractiva como chocante. Miller) llega al montaje de Poda con un bagaje musical y dramático de envidiable calidad. logran trasmitir sin problemas su contenido. es uno de los registas actuales de más extravagante imaginación. voces y canto (Sabina Puértolas. Dir. los indispensables. nunca podría llegar a buen puerto.50 €. Karnéus. Denza y Cardillo) / Varios cantantes. orquestas y directores (grabado entre 19741995) / BONGIOVANNI / Ref. Sabina Puértolas. Pizzi. Cinzia de Mola / Orchestra & Chorus de l’Opéra Royal de Wallonie. Philharmonia Orchestra. Por experiencia en ópera italiana en general y en Verdi y Falstaff en particular. claro está) Ford de Luca Salsi. figurinista. desde que debutara el papel del Pancione (aquí. un espectáculo que.: 27. Ivanov. Hall / Geoffrey Mitchell Choir. Paolo Arrivabeni cumple las expectativas. director escénico (grabado en directo en la Opèra Royale de Wallonie. iluminador y decorador.: Vassily Nebolsin (1959) // BONUS: Fragmentos de Otello. Liége. Stefano Poda realizó este montaje del Falstaff verdiano que hoy comentamos. el contenido de la acción queda a cargo de los cantantes quienes. porque se lo merecen. Puccini. Mascagni. Virginia Tola. Dir. llegue cómodamente a su fin. Blanc. Stefano Poda.- GEORGES BIZET (18381875): Carmen (en italiano) / Arkhipova. Pobbe / Orquesta y Coro del Teatro San Carlo de Nápoles.- AMILCARE PONCHIELLI (1834-1886): Canciones de cámara / Federica Zanello. Nada que ver con cualquier idea preconcebida o tradicional de la última partitura verdiana.V. proyecciones que colaboran a ampliar la GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Falstaff Ruggero Raimondi. adelantemos ya. Ruggero Raimondi. Claro que todo “Un espectáculo que. Bellini. Raimondi. conmueve. la Meg destacada de Liliana Mattei y el Caius prácticamente impecable de Gregory Bonfatti. tras haberlo actuado con algunos de los directores escénicos actuales de mayor renombre (del Monaco.: Peter Maag (Directo. solícitos. adquiere la coherencia y homogeneidad necesarias para que obra tan colectiva. inolvidables. ” excitante. de una extraña e inquietante belleza. si empieza sobresaltando. impacta en nuestra retina con imágenes insólitas. si uno consigue entrar en él. Tosti. sobre todo en el registro central –que. sin un director de calidad en el foso.” de un juego de magia. acaba por resultar. soprano. Maslennikova / Orquesta y Coro del Bolshoi. se responsabiliza a lo grande. Pues bien. sugestivas. Leoncavallo. Del Monaco.: . en obra donde la orquesta es un personaje más y de enorme importancia. de una parejita amorosa ideal por físico. Tiberio Simu. en Lieja. Verdi. Aunque la velada gira en torno a su protagonista titular. Broadbent. Su Thaïs de Turín. En la Ópera Real de Valonia.

Si las canciones no terminan de entusiasmar (Flagstad está aún calentando. con unos agudos firmes y bien asentados. acompaña ahora con solvencia. el aria de entrada y la plegaria del acto III). la soprano sueca Nina Stemme). en inflexiones exageradas. Suecia y Noruega. por cierta veladura en el timbre. A punto de cumplir 57 años. la voz es aún gloriosa. feliz. donde la cantante se desmelena y pierde cierto recato natural que encontramos en el resto de sus interpretaciones. que siempre los daba cubiertos!) Y le cuesta apianar. un mes después de su despedida del Met y uno antes de grabar el mítico Tristán e Isolda con Furtwängler. aunque sin llegar propiamente a ” lo lírico-spinto.: Georges Sebastian (1952) / AUDITE / Ref. a Felicity Lott. Fue su debut y su despedida de la capital alemana. de generosísima duración (casi hora y cuarto) en los dos compositores a los que más se ha consagrado. FLAGSTAD canta WAGNER y STRAUSS Camilla Nylund. Del primer autor se incluyen unas acertadas Elsa y Sieglinde. Kirsten Flagstad ofreció sendos conciertos en el Titania Palast de Berlín con la Orquesta de la Ópera Municipal dirigida por Georges Sebastian y obras de Wagner y Strauss en atriles. Sebastian se muestra directo y poco fino). en los fragmentos operísticos los resultados son extraordinarios. soprano. volcánico. sin desprenderse por ello de su frescura juvenil. así como una premonitoria Isolda.: ODE 1168-2 (1 CD) D2 Orchester der Städtischen Oper Berlin. graves imponentes. Los agudos. donde adquirió una excelente escuela que se refleja en la propiedad de los acentos y la correcta articulación de las palabras. pues en 1952 la voz estaba más fresca que cuando los grabó con “Kna” (1956. Jorma Hynninen o Soile Isokoski han alumbrado y alumbran con su propia luz los escenarios operísticos del mundo entero. Audite los publica. Sebastian. La portentosa Escena del reconocimiento (Flagstad noble. lo que habría contribuido ya de antemano a una mayor familiaridad con la lengua alemana.: AUD 23416 (2 CD) D1 CAMILLA NYLUND: Transfiguration (escenas y arias de Wagner y Strauss) . y se espera con verdadero interés su presentación en el Festival de Bayreuth de este verano como Elisabeth en la nueva producción de Tannhäuser bajo la batuta del ascendente Thomas Hengelbrock (y de la que aquí se ofrecen. hace que la cantante se sienta en un entorno familiar y pueda desplegar cómodamente todas sus virtudes. claro. el Festival de Salzburgo (donde protagonizó una aplaudida Rusalka con Franz WelserMöst) o la Lyric Opera de Chicago. control respiratorio ejemplar. completos (las partes cantadas) y a partir de las cintas originales del archivo de la RIAS. Por todo ello. Expresión que surge de la voz y no se sustenta en aspectos extrínsecos al canto. Más desinhibida. aunque sin llegar propiamente a lo lírico-spinto. la soprano finlandesa ha querido centrar su primer recital discográfico. de algún modo. la Ópera Estatal de Baviera. Los Wesendonck-Lieder llenan una importante laguna. la noruega sigue siendo Isolda y Brunilda formidable. culminando su recital con la escena final de Salomé.28 di v e r di ópera La nueva estrella del Norte Ondine presenta a la joven soprano finlandesa Camilla Nylund en un recital dedicado a Wagner y Richard Strauss Rafael Banús Irusta Penúltimas lecciones Debut y despedida de Flagstad en el Berlín de 1952 Miguel Ángel González Barrio “Camilla Nylund posee esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo. legato magistral. Monica Groop. en la actualidad forma parte del elenco de la Ópera Estatal de Sajonia en Dresde. teatral. al frente de la Orquesta Filarmónica de Tampere. olímpica en lo vocal. Dir. como Salomé o Leonora en Fidelio (que cantó en la Ópera de Zurich con Nikolaus Harnoncourt y Jonas Kaufmann. con su proverbial calidad de sonido. porque algunos de sus mayores triunfos han estado desde entonces ligados a dos de las grandes creaciones de esta artista. pues la soprano omite Im Frühling por problemas de tesitura (ya en el estreno sustituyó el si natural por un fa#). como atestigua un magnífico DVD). con un conmovedor pudor expresivo) hace añorar una Elektra completa. Precisamente. nacida en Vaasa y perteneciente a la minoría sueca en su país. Decca). pero sin histrionismo. Y las Cuatro últimas canciones son técnicamente superiores a la grabación del ensayo del estreno (1950) con Furtwängler (Testament). galardón que parece haber resultado premonitorio para la joven cantante. a modo de primicia. Tampere Philharmonic Orchestra. Hannu Lintu. la famosa Semperoper. ausencia de sonidos feos. Del segundo. Flagstad conserva buena parte de sus celebradas virtudes: canto relajado. en 2008 recibiría también el título de Kammersängerin por el Estado de Sajonia. En realidad son tres. Los días 9 y 11 de mayo de 1952.” Existe una larguísima tradición de cantantes escandinavos que han contribuido enormemente a enriquecer el repertorio alemán. pero desde hace algunos años han irrumpido también con fuerza en el ámbito germánico los artistas procedentes de Finlandia. A éstos se ha añadido recientemente Camilla Nylund. Una voz de color homogéneo. lo que la acercaría a otra señalada cantante nórdica de nuestros días. Camilla Nylund ha tenido también destacadas actuaciones en la Staatsoper de Viena. esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo. así como su particular vinculación al repertorio straussiano. que afianzaron sus posteriores estudios en el Mozarteum de Salzburgo. Nombres como los de Karita Mattila. La labor de otra de las jóvenes promesas finlandesas de la dirección. sutil regulación de las dinámicas. con papeles como Arabella o la Condesa de Capriccio. la Deutsche Oper Berlin. alucinada. Hasta ahora se trataba principalmente de voces procedentes de Dinamarca. siguiendo la estela del inolvidable Martti Talvela y de su sucesor. tanto la mundana Arabella como las míticas Daphne y Ariadne. no son tan limpios e impactantes como antaño. Para estos papeles tiene Camilla Nylund –además del aspecto físico ideal para las heroínas rubias–. humana (enternecedor Lamento) en la expresión. Hannu Lintu. La Scala de Milán. Matti Salminen. Después de pertenecer durante algunos años a la Ópera Estatal de Hannover. la soprano alemana Christel Goltz. A veces son algo tirantes y abiertos (¡Ella. Wagner y Richard Strauss (aunque ha reconocido que en los próximos años quiere inclinarse hacia el repertorio italiano. director / ONDINE / Ref. Allí obtuvo en el año 2000 un premio asociado a una ilustre predecesora. En Strauss nos recuerda un poco.

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te. el sermoneador metodista puritano y borrachín. Benjamin Britten. hasta el punto de que hoy día Britten. Gorton. la viuda cotilla que juega a Miss Marple. sino que está conformada por una serie de siluetas minuciosamente caracterizadas en lo dramático y en lo musical.P . en el verano californiano de 1941. tan maravillosamente plasmadas en los interludios marinos con los que Britten elaborará una de las “marinas” sinfónicas más extraordinarias del siglo XX. Glyndebourne: si en la inmediata posguerra el Festival albergó como conjunto invitado al English Opera Group fundado en 1946 por Britten. de una parte. la influencia de Wozzeck. el reencuentro tiene lugar en 1981 con el estreno de El sueño de una noche de verano en la versión de Peter Hall. pero esa indefinición ha permitido la gran variedad de enfoques que sucesivos intérpretes y registas han aportado al personaje y a sus relaciones con su entorno. en el más importante compositor inglés.. trátense de protectores de Grimes –la maestra (¡qué fantásticas todas sus intervenciones vocales de principio a fin de la ópera!). por su utilización de formas clásicas. que se coloca en ” primerísima línea de la discografía. La historia de la creación de Peter Grimes arranca con la lectura por Britten. un buen hombre capaz de llegar al homicidio) y Der Rosenkavalier y su maravilloso trío de voces femeninas. y a ello sacrifica amor. pero unidos en su rechazo al rebelde y misántropo Grimes.: GFOCD 00800 (3 CD) P . Tierney. a su juicio. Todos los restantes intérpretes del largo reparto están perfectos en sus cometidos. diversas circunstancias interrumpieron la colaboración entre ambas instituciones. John Christie.M. El estreno por la compañía del Sadler’s Wells el 7 de junio de 1945 no sólo constituye un dato capital en la biografía de Britten. con el más prestigioso y singular de los festivales operísticos del Reino Unido. Su lectura determinó a Britten. el boticario juerguista y chaquetero. Fallecidos el viejo Christie en 1962 y Britten en 1976. resulta ser el punto más incierto de la trama. antes o después Peter Grimes tenía que incorporarse al cartellone de Glyndebourne. donde pronto contactó con Montagu Slater. Ello no obsta para que esta nueva versión tenga una validez absoluta. en la misma costa de Suffolk donde Britten había visto la luz.: 41. maltratador de sus aprendices hospicianos –tres de los cuales morían víctimas (más o menos incidentales) de un trato brutal– y fallecido miserablemente en un manicomio. a la que dio término en trece meses. la tabernera y sus “sobrinas”–. Tilling. es el autor que cuenta con más títulos programados en la historia de Glyndebourne. pero también con su potencia destructora. Dir. Sea como fuere. BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Peter Grimes Griffey. esta cumbre de la ópera de todos los tiempos hoy está plenamente incorporada al repertorio regular y ha sido ya objeto de dos docenas de grabaciones disco/videográficas. de un artículo de E. la comunidad humana de la que forma parte (y de la que será chivo expiatorio) y la naturaleza. el pescador Peter Grimes. A partir de esa fecha. dramaturgo de convicciones izquierdistas que se ocupó de la dificil tarea de transformar la colección de poemas en una obra de eficaz enjundia dramática. divulgada en todo el mundo gracias al vídeo. y con un protagonista marginal y tullido. nostálgico de su paisaje natal y decidido a componer una ópera sobre el tema. no ofreciéndole otra salida que el suicidio. a regresar a Inglaterra. o de representantes de distintos estratos sociales enfrentados entre sí –el alcalde y juez pomposo y golfante. y por encima de otros allí tan apreciados como Rossini. su recurso a danzas populares estilizadas y cierto parentesco temático (dos marginados sociales llevados a la autodestrucción por su entorno) y ambiental (una naturaleza hostil e inquietante. que conserva en muchos momentos. poeta y naturalista inglés nacido en Aldeburgh. a los 31 años. ante todo por su protagonista.30 di v e r di ópera Britten ya reina en Glyndebourne El sello del festival inglés nos presenta su versión de Peter Grimes grabada en el verano de 2000 Santiago Salaverri clérigo. “Una de las versiones más vibrantes de la obra maestra britteniana. Mozart. durante más de tres décadas los destinos de autor y festival siguieron caminos independientes: aquél como autor de un corpus operístico de extraordinaria riqueza –y fundador además de su propio festival en Aldeburgh–. hoy uno de los intépretes más requeridos en el rol de Grimes. no es un simple conjunto coral informe y sin rostro. sentía por la ópera inglesa y el estilo demasiado “moderno”. que da por igual el tipo en los momentos de expansión lírica como en los arranques de violencia o en los episodios de demencia final. donde la tormenta tiene una función dramático-musical.” Finalizado el libreto. Está claro que la elección de Peter Pears lastró la visión que Britten tenía del protagonista. convertido de la noche a la mañana. evocado en el cuarteto del segundo acto. versos de Crabbe que confieren al texto un sabor arcaizante. pero también ecos de obras tan dispares como Porgy and Bess (también situada en una comunidad pesquera. en la misma son evidentes. Britten ha volcado en él sus propias ansiedades y tensiones íntimas. Britten comenzó en enero de 1944 la composición musical. especialmente en las intervenciones corales.: Mark Wigglesworth / GLYNDEBOURNE / Ref. honor que comparte con el autor fetiche del Festival. el corpulento y entonces jovencísimo Anthony Dean Griffey (High Point. Lógicamente. lo que tuvo lugar en 1992 con una producción de Trevor Nunn repuesta en 1994 y 2000. que pronto se consolida como uno de los indispensables must del orbe operístico internacional. por su parmaltratador. Carolina del Norte. amistad y hasta sus niños aprendices. La comunidad. y Mark Wigglesworth consigue de la London Philharmonic y el Glyndebourne Chorus una de las versiones más vibrantes obtenidas hasta la fecha de la obra maestra britteniana. Recomendabilidad total. Tuvas / London Philharmonic Orchestra. Sea como sea. con ocho de sus nueve óperas –únicamente falta Gloriana–. y entre ellas no fue la menor el poco aprecio que el fundador del festival. sino que marca el momento fundacional de la hasta entonces apenas existente ópera británica. y a este último año corresponde la grabación que aquí se comenta. hoy un género prestigiado y abundante en autores y creaciones. y su retrato adquiere enormes dosis de ambigüedad: ya no es un salvaje Resulta sumamente curiosa la historia de las relaciones del más grande operista inglés de todos los tiempos. médico. escenas de taberna). que aún hoy resulta una de las más deliciosas y poéticas puestas en escena de la historia del Festival. Forster dedicado a George Crabbe (1754-1832).V. Tres son los elementos que se singularizan y enfrentan en Peter Grimes: el protagonista. que estrenó allí The Rape of Lucretia y Albert Herring.85 €. Verdi o Strauss. y Glyndebourne. por su parte. Page. el párroco más preocupado de rosas que de almas. que se coloca en primerísima línea de la discografía. de la música de Britten. sino un extraño soñador que aspira a imponerse mediante un golpe de suerte a la sociedad que lo margina y acosa. el legado lírico britteniano fue incorporándose progresivamente a su programación. Y éste. 1970). el viejo lobo de mar– que a la postre le abandonan a su suerte. el mar con toda su plasticidad y su poesía. The Glyndebourne Chorus. que Britten había estudiado a fondo. En su obra The Borough –que evoca la vida de una comunidad pesquera hacia 1800 con una clara preocupación humanitaria y de crítica social– Crabbe se detenía en un siniestro personaje.

Puede que otros directores las hayan igualado en ocasiones puntuales. La Rapsodia cuenta con la participación de otro bartókiano ilustre. Toscanini / Verdi. quien intenta “masculinizar” la pieza con un talante a veces excesivamente agresivo. La filosofía sonora de la orquesta radicaba en la precisión y la nitidez de una sección de cuerdas contundente pero ligera (lejos de la densidad y suntuosidad propias de los conjuntos alemanes) junto a unos vientos dotados de un insólito relieve. Protagonista del Concierto nº 3 es Louis Kentner. Knappertbusch / Wagner. que preceden –a veces en cuestión de meses– las tomas del sello amarillo. FERENC FRICSAY dirige BÉLA BARTÓK: Las grabaciones completas de la RIAS Andor Foldes. Se trata de registros comprendidos en un período entre 1950 y 1953. barítono. resulta irrecuperable una cinta del Castillo de Barba Azul grabada en 1958 y destruida en los años sesenta). Dir. Puede que la presente versión de 1953 no tenga la perfección de aquella otra. Tampoco la calidad de la toma en vivo ayuda mucho. Si tuviera que elegir. Hedwigskathedrale). flexibilidad. Más equilibrado y clasicista. la proximidad cronológica entre las dos versiones y la presencia de la misma orquesta hacen que las diferencias interpretativas sean de escasa consideración. RIAS-Kammerchor (Chor der St. violín. puesto que la orquesta queda relegada a un fastidioso segundo plano. la caja de Audite se completa con la Rapsodia para piano y orquesta op. se trata del mismo registro que DG editó por primera vez en los noventa dentro de su serie Dokumente. Tibor Varga. sino también un formidable constructor de orquestas. En el caso de la Cantata profana. En los años cincuenta. el binomio Anda/Fricsay (y no olvidemos el dúo Fischer/Fricsay) es sin duda superior. diría que la versión radiofónica gana por puntos a la oficial. en una versión que acerca la obra al perfil modernista e iconoclasta del Concierto para piano nº 1. Tres años median entre la grabación radiofónica y discográfica del Concierto para violín nº 2. Junto a sus célebres versiones de Bartók en Deutsche Grammophon. penetrantes y muy dúctiles.” El Bartók de Fricsay pertenece a esta serie de emparejamientos legendarios en los que la estrecha afinidad entre compositor e intérprete trasciende lo musical y alcanza un grado de comunión espiritual: Furtwängler / Beethoven. fluidez… ¿se puede pedir más? Fricsay no fue sólo un extraordinario director. En 1948 se le encomendó la dirección de la recién creada Orquesta Sinfónica de la RIAS (la radio que los aliados habían creado en Berlín oeste). una verdadera bendición para los amantes de Bartók y de la música en general. En su conjunto. sino porque en dos casos el solista es diferente. pero nunca las han superado. mientras que las tres realizadas en vivo son de un nivel inevitablemente inferior. transparencia. RIAS-SymphonieOrchester. Fricsay grabaría la integral de la música para piano y orquesta de Bartók junto a Geza Anda entre 1959 y 1960. un conjunto que moldeó a su imagen y semejanza y que convirtió en pocos años en una de las mejores agrupaciones sinfónicas europeas. Las grabaciones en estudio no tienen nada que envidiar a las posteriores de Deutsche Grammophon.grabaciones históricas 200 / febrero 2011 31 Olimpo bartokiano Audite edita en un estuche de tres cds las grabaciones para la Radio de Berlín que realizó en los cincuenta Ferenc Fricsay con música del gran autor húngaro Stefano Russomanno Béla Bartók “Una auténtica joya del primero al último minuto.: Ferenc Fricsay (grabado entre 1950 y 1953) / AUDITE / Ref. aquí el entusiasmo físico del descubrimiento y la exploración. Unas cualidades especialmente aptas para la música bartókiana. ya con sonido estéreo: todo un pilar de la discografía del compositor húngaro. Karajan / Strauss… Las grabaciones bartókianas que Fricsay realizó para Deutsche Grammophon en la década de los cincuenta no han dejado nunca de representar una referencia absoluta. 1 y los Conciertos para piano nº 2 y 3 (desgraciadamente. Andor Foldes. Esta última representa el legado de dos intérpretes que dominan la partitura con una soltura impresionante. Géza Anda. Fricsay realizó una serie de grabaciones para la radio berlinesa que Audite acaba ahora de reunir en tres discos. si bien sólo en un caso (el Concierto para piano nº 3) el resultado es poco satisfactorio. Además de los títulos citados. Orquesta y solista (Tibor Varga) son los mismos. que conocen todos sus recovecos y han conseguido elevarla al rango de “clásica”. Helmut Krebs. será fácil imaginar que los registros poseen una increíble calidad para los estándares de la época. En el Concierto nº 2 el solista es Geza Anda. Dietrich Fischer-Dieskau. En lo que respecta a la Música para cuerdas. mientras que la sucesiva versión de Anda prefiere subrayar las raíces lisztianas. donde la fidelidad del concepto (Fricsay había estudiado en su juventud con Bartók) se alía a unas cualidades musicales y técnicas de primer nivel: intensidad. pero la primera es una versión en vivo: de ello se desprende un grado de tensión algo mayor (Varga es superlativo en la cadencia del Allegro non troppo) y una calidad de sonido inevitablemente inferior. percusión y celesta. pero los siete años de distancia entre esta versión y la “oficial” de DG se notan. violín. Pero no se confundan: esta caja es una auténtica joya del primero al último minuto. No cabe duda de que con este triple volumen la Fricsay Edition que promueve Audite ha alcanzado su culminación. el Divertimento y los Dos retratos. una verdadera bendición para los amantes de ” Bartók. La comparación es aquí especialmente interesante no sólo por la distancia cronológica entre las respectivas versiones (entre siete y diez años). la Suite de danzas. Si a ello añadimos la habitual excelencia de las remasterizaciones de Audite. vigor rítmico. piano. piano. tenor. la Radio de Berlín contaba con una tecnología punta en la grabación del sonido y sus técnicos contaban entre los más cualificados en esas labores. pero comunica un mayor grado de exaltación y arrebato: las disonancias son más ásperas. representan un hito discográfico de obligado conocimiento. piano. Louis Kentner. los efectos percusivos más contundentes… Ahí prevalece la templanza de la sabiduría.: AUD 21407 (3 CD) D2 x 2 . Rudolf Schulz.

opus 9. junio de 1958 y en Lugano. suena un poco precipitado. sensible por igual a los aspectos clásico y romántico que alternan en estas dos sonatas de juventud. Sir John Barbirolli. Franco Caracciolo. 6: Obras para guitarra de Luis de Milán. que tanto puede perjudicar a esta bellísima música y a la melodía infinita de su andante. Pocos meses después. Solomon y Walter Legge hubieron de suspender –parecía que temporalmente– el proyecto. en el ya lejano año de 2002.4. que hubiera competido con los ciclos Novedades grabaciones históricas LEONARD BERNSTEIN: obras de Tchaikovsky. sobre todo la Fantasía en fa menor opus 49 y el hipnótico Primer Nocturno.: IDIS 6603 (1 CD) D5 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: The Capitol Recordings (obras de Haydn. desgranado con una admirable claridad de líneas. director (grabaciones efectuadas en 1955) / TAHRA / Ref.2. Dvorák. por fin. 19581959) / IDIS / Ref. Treinta y dos años de vida le quedaron a Solomon. en 1995. resultaron ser las primeras manifestaciones de un gravísimo problema circulatorio que. Federico Moreno Torroba. captadas con excelente sonido. Gaspar Sanz. Backhaus y el joven Gulda para el nuevo formato del disco microsurco de larga duración. Orchestra “Alessandro Scarlatti” di Napoli della RAI. Estas dos últimas piezas tampoco figuraban en la antología de Testament. captadas con excelente sonido. VOL.6 y opus 116. Mozart. 23 en fa “Appassionata” / Rudolf Serkin.: TAH 694-696 (3 CD) D6 x 3 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: Las grabaciones Telefunken (obras de Haydn. de grabar las 32 Sonatas de Beethoven para piano. guitarra (grabado en estudio entre 1944 y 1956) / IDIS / Ref. Robert de Visée. Pero el destino no lo quiso así. el Segundo Scherzo. En resumen. Rimski-Korsakov. ya muy avanzado. También es novedad el precioso Concierto italiano de Bach. SOLOMON: Obras para piano de Beethoven. pero sin el menor atisbo de lectura mecánica. la Tercera Sonata para piano o las Variaciones Haendel?).1 nos recuerdan qué extraordinario intérprete de Brahms fue Solomon (¿hace falta mencionar los dos Conciertos para piano y orquesta. director (grabado en directo en Nápoles.: IDIS 6599 (1 CD) D5 EL ARTE DE ANDRÉS SEGOVIA. piano (grabado en estudio en 1956) / AUDITE / Ref.” duda arrebatador. Georg Friedrich Haendel. Buena parte de la música recogida en estos dos CD Audite figura en la citada colección de Testament. que pasó recluido en su hogar de Londres.: IDIS 6598 (1 CD) D5 SIR JOHN BARBIROLLI dirige GUSTAV MAHLER (18601911): Sinfonía no. Tchaikovski. Schumann.: TAH 698-700 (3 CD) D6 x 3 . sin “Dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS. Excelente el trío de obras de Chopin. dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS en Berlín. Un muy triste final de una carrera que hubiera podido concluir gloriosamente: méritos artísticos no le faltaban a Solomon. opus 2. Esta singular circunstancia sirvió a José Luis Pérez de Arteaga para titular un sustancioso ensayo sobre el pianista en Scherzo.3 y Claro de luna opus 27. Liszt. Beethoven y Ravel / New York Philharmonic Orchestra.: IDIS 6577 (1 CD) D5 RUDOLF SERKIN INTERPRETA BEETHOVEN. 9 en Re menor / Orchestra Sinfonica di Torino della RAI. eco de los recitales que ofreció en la capital alemana en febrero de 1956. se enriquece con estos registros de la RIAS alemana fechados en febrero de 1956. 3: Concierto no. Hans Schmidt-Isserstedt. todos grabados en estudio en los años 40 y 50 para EMI. cuidado por su esposa y apoyado por algunos colegas y amigos. más la Primera Rapsodia opus 79. de nombre artístico Solomon a secas. piano. Bach. a fin de 1956.: AUD 23422 (2 CD) D1 Comenté en este Boletín. Schubert. Chopin y Brahms Solomon. como lo era el de Testament. que los especialistas no acertaron a valorar. son una fiesta para cualquier aficionado. pero hay algunas novedades: los dos Intermezzi opus 118. Brahms y Wagner) / NWDR Sinfonieorchester.32 di v e r di grabaciones históricas El pianista que no tenía apellido Formidables reprocesados sonoros de Audite de grabaciones del británico Solomon Roberto Andrade de Kempff. hoy lo tomo prestado para encabezar esta reseña. y figura entre las referencias fonográficas de esta obra.1. varios CD que Testament dedicó al pianista británico Solomon Cutner (1902-1988). La imponente colección de 16 CD dedicados por Testament a este eximio artista. Christoph Wilibald Gluck . Óscar Esplá y Joan Manén / Andrés Segovia. a tener el merecido reconocimiento internacional. son una fiesta para ” cualquier aficionado. director (grabado en directo en Turín el 15 de noviembre de 1960) / IDIS / Ref. Schubert) / NWDR Sinfonieorchester. en el verano de ese año. director (grabado entre 1953 y 1959) / TAHRA / Ref. VOL. El Carnaval de Schumann vuelve a ser memorable. mayo de 1957) / IDIS / Ref. y las molestias en el cuarto y quinto dedo de la mano izquierda de Solomon. de matizadísima sonoridad. a tempo constante en cada movimiento. director (grabado en directo. Beethoven. 5 para piano y orquesta. Sonata no. Hans Schmidt-Isserstedt. Las dos Sonatas de Beethoven incluidas. revalidan la excelsa calidad de Solomon como intérprete del músico de Bonn. Leonard Bernstein. en particular. dejó hemipléjico a Solomon y cortó para siempre una carrera que comenzaba.

con lo que su discurso. La centuria posee. prometedor y que no se sabe a dónde lo llevará. las interpretaciones de este ruso nos gustan y nos divierten. una excesiva templanza. La presencia de Ilya Gringolts en el Trio N. Un Beethoven muy estimulante. en el que el lirismo aflora cuando hace falta pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. estamos hablando de algunos de los más grandes pianistas de la posguerra. Y lo cierto es que poco se le puede reprochar a Coppey. También es cierto que Peter Laul. aunque. que en el “Emperador” está más cerca. Sin embargo no todo lo expuesto allí obtiene exacta traducción en la interpretación musical que uno escucha a continuación. todo se lleva a cabo con buen gusto y estilo. aunque sea difícil. claro. única obra del programa que se presenta en su versión original. 898. sabe establecer los planos adecuados. poseedor de un sonido de gran belleza y calidad. Peter Laul. tocadas de mil maneras y por los más insignes pianistas. Siempre es grato. aunque. transcrita para violonchelo. El finés Osmo Vänskä ha dado pruebas más de una vez de que es una batuta sólida y eficaz. 384. Son bazas que aprovecha Subdin. valga la contradicción. que se abre ante él. potente y firme. una sonoridad clara. nuevos modos de acercamiento. al piano. de mantener una línea musical cálida y fluida. Si acaso habría que objetarle. y su reciente ciclo Beethoven con el conjunto americano ha tenido muy buenas críticas. 1 D. no precisamente aterciopelada pero no exenta de valores. limpias y eficientes de dos de los conciertos más conocidos de Beethoven. Algo parecido cabría decir de la Sonatina N. especialmente los dedicados a Scriabin. en todo caso. brillante. salvando distancias. la ligereza de la pulsación. pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. vívido y animado.: AECD 1095 (1 CD) D2 . eso sí. sin que ello excluya la dimensión poética. así en los dos lentos. piano / AEON / Ref. capaz de hacer cantar a su instrumento con enorme naturalidad. con todo en su sitio. piano. la claridad del fraseo. aunque la cordialidad de la interpretación encaja mejor con el espíritu de esta obra alegre y juvenil. por muchos méritos que ya posea. Pero. según pone de manifiesto la excelente y transparente grabación. Dos obras grabadas hasta la saciedad. que a lo mejor ofrecen nuevas vías. tan equilibrada y tan bien grabada como las escuchadas anteriormente. siempre dentro del más respetuoso decoro. pero con una dosis mayor de chispa y energía. El resultado es una interpretación más estimulante y animada. Minnesota Orchestra. aún está en ese camino. porque. Sin penetrar en los significados como podría hacer un Brendel y sin el refinamiento de un Zimerman. Sonatina. fresco. Ilya Gringolts. segura y compacta. director / BIS / Ref. Los discos que ha grabado hasta el momento. Osmo Vänskä.: BIS SACD 1758 (1 SACD) D3 Osmo Vänskä En la extensa entrevista que reproduce la carpetilla de este disco el violonchelista Marc Coppey da muestras de su afinidad con el universo schubertiano. aporta al conjunto personalidad tímbrica y nuevos acentos expresivos. 1 D. un artista elegante. violín. dirigidas por las más grandes batutas y apoyadas en los timbres de las más famosas agrupaciones sinfónicas. de un Gulda que de un Backhaus. en el que el lirismo aflora cuando hace falta. disciplinada y rigurosa. de la profunda comprensión que ha ido adquiriendo del mismo. Así. nos parecen excelentes por la finura de concepto. “Emperador”. en BIS Schubert templado Marc Coppey ofrece en Aeon una elegante versión de la Arpeggione Ignacio González Pintos Arturo Reverter Dos interpretaciones modernas. Trío Marc Coppey. FRANZ SCHUBERT (1797-1828): Arpeggione. sin duda. por supuesto. Al menos suena afinada. y de toda la literatura para piano y orquesta: el Cuarto y el Quinto. Son buenos mimbres. con una suave belleza que termina por distanciarnos de una obra que puede ofrecer emociones más turbadoras cuando se interpreta con mayor ímpetu y se consigue conectar con la lúgubre sensualidad. LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1825): Conciertos para piano nºs 4 y 5 Yevgeny Sudbin. recibir nuevas interpretaciones diríamos que de refresco. la antigua Sinfónica de Minneapolis que pusiera en órbita Antal Dorati y que ahora se llama Orquesta de Minnesota. violonchelo. con el concurso de la tímbrica del grupo. no le presta a Coppey un trampolín sobre el que hacer volar el discurso. de momento. Con esta actitud abierta nos hemos aproximado a esta reciente grabación de BIS en la que participan gente joven y bien adiestrada y una formación. la acentuación justa.siglo XIX 200 / febrero 2011 33 Limpias articulaciones Conciertos Cuarto y Quinto de Beethoven por Subdin y Vänskä. El pianista se expresa con muy bello timbre pero con una discreción que resta carácter a su evidente musicalidad. por lo que escuchamos aquí en estos acompañamientos al solista. con todo en su ” sitio. por ejemplo. lleno de vida. eso sí.” en el escalafón. advertir en su juego las sutilezas o claroscuros de un Arrau. los tempi lógicos y las texturas idóneas. Y Subdin. Este disco. Es comprensible. un pianista que no entendemos cómo no está más arriba “Un Beethoven muy estimulante. resulta ameno. es un buen ejemplo. el dolor premonitorio que encierran las notas. la Sonata Arpeggione transcurre con perfecta delicadeza.

Gál. La última carta de Brahms.95 € . Nortesur. cuando Joachim presenta a su joven amigo Johannes Brahms al matrimonio Schumann. sin aniversario “redondo” que la propicie. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros. licenciado en filología germánica por la Universidad de La Habana. Recomendación entusiasta. que han comenzado a editar diversos sellos discográficos. forman una biografía. Pero aquí nos ocupa el Gál biógrafo. por fuerza.P Tritó ISAAC ALBÉNIZ Música orquestal (Catalonia. En esta selección de Gál quedan excluidos.. en unión de las cartas. seleccionando adecuadamente los documentos e insertando breves aclaraciones y comentarios. Breitkopf y Härtel. el violinista Joseph Joachim y Eusebius Mandiczewski. atípica. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las convencionales. nos llega esta edición en español de la antología de la correspondencia brahmsiana que el compositor y musicólogo de origen judío Hans Gál (1890-1987) preparó a la tierna edad de 89 años en Edimburgo. publicó entre 1926 y 1927. Zweig. no el compositor. Suite orquestal de la ópera Pepita Jiménez) Orq.” monios Fellinger y von Herzogenberg. casi novelesca. nueve días antes de su muerte.34 di v e r di siglo XIX El rudo soñador de la Alemania del norte La editorial Nortesur publica un volúmen con el epistolario de Johannes Brahms Roberto Andrade “Esta antología epistolar.- Johannes Brahms .: 23. que distrae al creador de su principal tarea– o proporcionan los datos biográficos esenciales del destinatario. de óptima edición.: DIV9788493735777 (1 Libro) P . va dirigida a Joachim: “mi estado es cada vez más precario. según lo definía agudamente mi libro de historia del arte en quinto curso de bachillerato– no está de más destacar el interés que. algunos nombres ilustres –Hans von Bülow. Eduard Hanslick. Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña Jaime Martín. Inesperadamente. en los últimos años. toda esa información complementaria. Y aunque el texto y el pretexto de esta reseña es la figura del gran Johannes Brahms– “rudo soñador de la Alemania del Norte”. Musikeon. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros. en efecto. esta antología epistolar. ha merecido la música compuesta por Gál. por ejemplo– que hubieran sido bienvenidos. dentro de la colección Musikeon. director td 0078 (1 cd) p. capaz de presentarse ante el lector como una verdadera autobiografía”. traductor de un impresionante elenco de autores : Hesse. Ingeborg Bachmann. cada palabra es un sacrificio para mí. Escenas sinfónicas catalanas. Clara y seis de sus hijos– así como los de los grandes amigos de Brahms: el cirujano Theodor Billroth. Así lo indica en su inteligente prólogo Áurea Domínguez: …” un hábil compilador.p. que iluminan las circunstancias que impulsan a Brahms a escribir tal o cual carta –siempre una obligación penosa. que había llegado a ser en la Alemania de los años 20 director del Conservatorio de Mainz. conforma una biografía. Pero apenas hay dos cartas a Robert. los matri- JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Cartas 1853-1897 Edición de Hans Gál. 304 páginas / ANTONIO MACHADO LIBROS / Ref. El epistolario arranca en noviembre de 1853.v. fechada el 24 de marzo de 1897. Anton Webern… Un libro muy ameno. que se lee con interés creciente y a cuyo término la compleja y atractiva personalidad del “rudo soñador” nos queda mucho más cerca y acaba resultando entrañable. puede transformar una sucesión de cartas en una narración fluida. tanto la hablada como la escrita…” Estupenda esta iniciativa de la editorial barcelonesa Nortesur. Por el contrario. La traducción a un impecable castellano ha estado a cargo de José Aníbal Campos. atípica. su intento de suicidio en febrero de 1854 –la locura le dominaba ya– cortó en seco lo que hubiera podido ser un interesantísimo intercambio de correspondencia entre dos autores cumbres del Romanticismo.V. coautor con Hans Gál de la edición completa de la obra musical de Brahms que la editorial de Leipzig. Barcelona. que dirigen Luca Chiantore y Silvia Martínez. Y. 2010. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las ” convencionales.50 €. Es de esperar que el éxito acompañe a este esfuerzo editorial.: 17. hubo de trasladarse a esta ciudad escocesa en los años 30 ”animado” por los nazis y en ella fijó su residencia y desarrolló una fecunda actividad musical. es dominante el apellido Schumann –Robert.

Los viejos pianos Pleyel y Erard posibilitan interpretaciones radicalmente diferentes. se dijo entonces. Los armónicos atenuados... Recorrer estos 21 cedés es adentrarse en un modo de tocar radicalmente diferente. Marek Drewnowski. Son muestras de este tesoro recién llegado de la Polonia que vio nacer a Chopin hace dos siglos. ruidos a gogó. solistas / Orchestra of the 18th Century.. pero. Dina Yoffe. y gracias al esfuerzo y cuidados del Instituto Chopin de Varsovia. fundamentos de esta colección imprescindible. Así es el álbum que acaba de publicar el sello polaco NIF con la obra integral –la primera verdadera integral de la música de Chopin– en versiones recreadas en instrumentos originales de la época del compositor. Janusz Olejniczak. en su mayoría polacos o triunfadores del Premio Chopin de Varsovia. mejor dicho. e incluso cuesta cierto trabajillo. las dinámicas mesuradas. en lecturas a cargo de los más importantes especialistas. escribió el 12 de agosto a su familia en Varsovia las siguientes líneas: “Según la opinión general. Ivo Pogorelich. Nikolai Demidenko. protagonistas ambos de una sobresaliente versión de la corta pero sustancial obra vocal de Chopin. sumergirse en este auténtico Chopin es una aventura ciertamente fascinante. toparse con estas visiones tan rotundamente diferentes a lo acostumbrado. director / CODAEX / Ref. quien en 1980 se alzó con la medalla de oro en la décima edición del Premio Chopin. escrupulosamente fiel al espíritu y la letra del compositor. pianos gran cola con brillantes decibelios capaces de hacerse oír en los espaciosos auditorios actuales y todos los ruidos y escándalos que se quieran. revelador. está protagonizada por solistas de fuste. los nocturnos y conciertos para piano por el vietnamita Dang Thai Son. Frans Brüggen. A ellos se unen el violinista Jakub Jakowicz y el violonchelista Andrzej Bauer para la música de cámara (el trío y las obras para violonchelo y piano). mazurcas en los dedos irrebatibles y ya veteranos de maestros como Fou Ts’ong y Janusz Olejniczak. obras diversas por Nikolái Demidenko… un verdadero festín pianístico que también comprende la presencia inesperada de Frans Brüggen y su Orchestra of The 18th Century. acostumbrados a escuchar a los artistas destrozando su instrumento […] No importa. a propósito de estas críticas.: NIFCCD 000-020 (21 CD) P . y en detrimento de Son. Kevin Kenner. violonchelo. que recoge nada menos que un total de 175 incursiones. la colección se abre con un documento sonoro de enorme valor: un cedé que recoge grabaciones chopinianas del legendario Raul Koczalski fechadas el 21 de febrero de 1948. y prefiero esto a oír decir que toco demasiado fuerte”. Fou Ts'ong. Chopin. violín. Las Baladas por Nelson Goerner. los preludios por Wojciech Switała. ruidos a gogó. Hoy. y que tan virulentamente le censuraron los críticos vieneses tras los recitales que ofreció en agosto de 1829 en la capital austriaca. se publica esta exhaustiva edición que recupera esa sonoridad que tanto reivindicó el compositor-pianista.V. los estudios y otras importantes obras (Barcarola. Ewa Pobłocka. “Un modo de tocar más adecuado para un salón que para una sala de conciertos”. Se trata de grabaciones en vivo procedentes de conciertos ofrecidos en Varsovia entre 2005 y 2007. el menguado pedal y una sonoridad de carácter más camerístico –pero no por ello menos solista o virtuosa– son claves de esta monumental edición. es imposible que no haya algún pero. aquella en la que la jurado Martha Argerich se peleó con medio tribunal en apoyo de su candidato.70 €. La colección se completa con un cuaderno de 208 páginas con nutrida información de intérpretes y repertorio. en la que también aparecen pianistazos como Jan Krzysztof Broja. 200 años después de su nacimiento. sumergirse en este auténtico ” Chopin es una aventura ciertamente fascinante. Choca. sin embargo.P .siglo XIX 200 / febrero 2011 35 Chopin impresionante y revelador Un monumental estuche de 21 cds da cuenta. Una joya. cantantes y director de orquesta) que cercioran la entidad interpretativa de la colección.: 89. Jarosław Drzewiecki. Ka Ling Colleen Lee. Stanisław Drzewiecki. en novedosos acompañamientos de la obra concertante junto a Demidenko y al citado Dang Thai Son. de la obra completa del genio polaco con criterios ‘históricamente informados’ Justo Romero Frédéric Chopin Impresionante y. todos ellos firmemente instalados en la escena contemporánea. Una colección “En un tiempo de motores de explosión. estrés. en la que tanto Demidenko como Dang Thai Son dejan constancia inapelable de enjundia pianística y sintonías con la música de Chopin. Como regalo. definitivamente fieles a aquel sonido tenue y delicado peculiar del compositor. Marek Drewnowski. Kevin Kenner.” que. la riqueza de registros. FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849): La obra completa con instrumentos históricos (Primera Grabación Mundial) Nelson Goerner. así como la soprano Aleksandra Kurzak y el barítono Mariusz Kwiecien. 21 artistas (entre pianistas. estrés. a diferencia de otras ediciones historicistas protagonizadas por músicos que no han logrado triunfar en la interpretación moderna.. demasiado delicada para el gusto de los oyentes vieneses. Berceuse…) a cargo de la reconocida chopiniana Tatiana Shebanova. sobre todo. mi interpretación se ha caracterizado por una sonoridad demasiado débil o. Tatiana Shebanova. Ewa Poblocka. donde figuran algunas piezas repetidas en diferentes versiones. Dang Thai Son. En un tiempo de motores de explosión.

no sólo en cuanto a estética sino porque nacieron el mismo año y murieron en la misma década: 1784 y 1853 Onslow y 1859 Spohr. Además de estas cualidades. Vocalensemble Rastatt. Holger Speck. magníficamente interpretadas por Anne Le Bozec. puede cantar en voz baja y ser música de cámara. Un disco exquisito.36 di v e r di siglo XIX Experiencias imborrables Obras corales de Brahms por el Vocalensemble Rastatt. Tal vez las críticas se deban. ávido lector de poesía de todo tipo. mantiene intactas en su personalidad creadora las vivencias como pianista de taberna. Vieuxtemps tiene mucho que decir a tales intérpretes y. 31 Osmosis / RAMÉE / Ref. Armenia. escuchados en conjunto. una velocidad de vértigo. Todo se justifica al punto de volverse convencional. En efecto. op. el arresto de sus largos y apasionados desarrollos melódicos van unidos a un arte del contrapunto entre solista y masa que se borda con el extremo y fastuoso conocimiento de los recursos violinísticos en los que el músico fue un maestro. pero sí de celebrar esta integral de sus conciertos para violín que. la expansividad melódica no es ya clásica y tampoco la apertura de sus desarrollos. un derrotero donde se tutea con Beethoven. por si hubiese alguna duda. director / CARUS / Ref. Lo que estos dos colegas practican es la pequeña capilla de nueve instrumentos que. Podrían haberse entregado de lleno a este último pero prefirieron delinear un discurso comedido y de formas reconocibles. No ha sido fácil la opción. 93a. una presencia sonora capaz de medirse con una orquesta nutrida. De lo contrario. además de su completud. por eso procuró hacerse con las colecciones que se publicaron en Alemania cuando el género florecía con vigor. aun cuando haya un doble trío en Spohr y tema con variaciones en Onslow. Brahms despliega en ellas el conocimiento adquirido a lo largo de su vida como director de coros. meins Herzens Schöne Anne Le Bozec. mantienen la frescura propia del género. y de las Lieder und Romanzen op. Hay que tener una tímbrica rica. relacionados íntimamemente. Australia. manejó varios registros en sus obras. un elegante desplegable provisto de una erudita carpeta como para sumar información al placer de la audiencia. de cuya selección se nutre el programa del disco. mejor es quedarse en casa. JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Wach auf. todavía. y con muy buen criterio. nunca lo sabremos pero escuchando estas versiones podremos imaginarlo. en Carus Urko Sangroniz Todo Vieuxtemps Integral de los Conciertos para violín del compositor belga Blas Matamoro Una buena pareja Nonetos de Spohr y Onslow. la emisión es pura y el balance perfecto. aplicadísimos. bajo la mirada magistral de nuestro bien conocido y admirado Augustin Dumay. por su intermedio. Los chicos y chicas han venido de distintos países: Letonia.448 (1 CD) D2 GEORGE ONSLOW (1784-1853): Noneto en la menor. Quién sabe si fueron precisamente esas melodías las que Brahms escuchaba en aquellos establecimientos. de tesituras y colores. Agréguense la autoridad del director desde el podio y la preciosa edición.: RAM 1007 (1 CD) D2 . la ordenación de ellas y la duración relativa suficientemente calculada. No es el caso de descubrir a Henri Vieuxtemps. un valor añadido. La diáfana articulación se encarga de que todo sea entendido. El concierto romántico parece hacer un camino que. pero todo discurre sin alterar el pacto que articula el conjunto. algunas obras con textos de Goethe y Schiller. Esta edición tiene. 77. La amplitud de su aparato orquestal. Por tanto. a la creación de obras como estas canciones populares que el compositor armonizó para cuatro voces. los une un enfoque común de las obras. Se les añade también algún número de los Drei Quartette op. un estro lírico intenso. y a partir de entonces desarrolló un gran interés por la poesía popular. La publicación entre 1838 y 1840 de los Deutsche Volkslieder por Kretzschmer / Zuccalmaglio sirvió de simiente para sus Wo0 34 y Wo0 posthum 35. en Ramée Blas Matamoro De Brahms se ha afirmado que su criterio para la elección de los textos poéticos no estaba a la altura del de otros autores románticos. que otorga homogeneidad ejemplar a la entrega. 31 y op. Brahms es otra cosa. partiendo de Paganini y Lipnizky. y a pesar de que las obras están tratadas con los procedimientos compositivos más ambiciosos. El Vocalensemble Rastatt y su director Holger Speck afrontan el programa con convicción. a todos nosotros. ligeras diferencias de frecuencias vibratorias. virtuosísimos. apenas audible. ya que entre los fabricantes de Francia y Alemania hubo. entre otras. Bélgica. con astucia inexcusable. LOUIS SPOHR (1784-1853): Noneto en Fa mayor. ¿Resulta el viejo maestro valón. aunque no se vea. op. con la consiguiente diversidad.: CARUS 83. Dir. Añádase que los instrumentos utilizados son de época o construidos en nuestros días conforme a modelos de época. o hallar efectos de conjunto que resuenen como una orquesta sinfónica.: Patrick Davin / FUGA LIBERA / Ref.: FUG575 (3 CD) D10 x 2 Excelente idea ha sido ésta de reunir dos nonetos de distintos autores. Desde luego. la mano de Dumay. ambos pertenecen a ese momento de la música en que se transita –al menos ellos transitaron– desde la poética de los géneros del clasicismo hacia la libertad creadora y subjetivista del romanticismo. en aquellos tiempos. Para qué ingenios escribieron nuestros músicos. Son jovencísimos. adquieren cierta dimensión monumental. Este repertorio exige ser hecho con altos vuelos como ellos alcanzan. Rusia. se oye y él es corresponsable del brillante resultado. Es notoria la dualidad del genio que. sería más correcto afirmar que Brahms. apetecible para esta muchachada que inaugura el siglo XXI? La respuesta es enfáticamente afirmativa. se incluyen aquí dos intermezzi y una balada para piano. piano. 64. después del proceso formativo. llega a Vieuxtemps a través de Mendelssohn. El tema le apasionó desde bien joven. Por eso. sin someterse mecánicamente a la herencia canónica. de modo tal que el registro expresivo se altere sin dañar la estructura general de la obra. En este aspecto. HENRI VIEUXTEMPS (1820-1881): Integral de conciertos para violín y orquesta Orchestre Philharmonique Royal de Liège. Se han juntado seis jóvenes violinistas gracias al auspicio de la Capilla Musical Reina Isabel. siempre tenido en cuenta respecto a sus partes.

: P21 028-A (1 CD) D10 CESARE NEGRI (1535-1604): Le Gratie d'Amore (1602) / Ensemble La Follia / DYNAMIC / Ref.: ZZT 100802 (1 CD) D2 FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY (1809-1847): Trio para violín. director / PIANO 21 / Ref. violonchelo. Hariolf Schlichtig. Edvard Tchivzhel. Destensado y grave en su afinación. y la FE 13 en la catalogación de José Luis Romanillos fechada en 1860– y la SE 113. además.: TUDOR 7154 (1 CD) D2 Isaac Albéniz . en los solos del disco de regalo. Pujol (Tango español.: DM 8006 (1 CD) D13 JOHANNES BRAHMS (18331892): Sonatas para violín y piano (op. op.: PAS 968 (1 CD) D2 FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Concierto para piano nº 2. sin fecha. piano. Rumores de la Caleta y Castilla). Con un criterio interpretativo general de un discreto pintoresquismo orientalista que es la forma común en la que los centroeuropeos entienden estas músicas y a estas gentes del Sur. Es una exageración. La evocación. Johan Farjot. director (grabado en directo salvo el corte no. op. presentamos a los guitarristas alemanes Fabian Spindler y Wulfin Lieske asociados para la grabación de un programa íntegramente dedicado a transcripciones para dúo de guitarras de música del fenomenal pianista español. otra cosa muy distinta quererla lucir en un repertorio altamente exigente en términos tímbricos. se nos obsequia con un segundo disco –encartado como Bonus CD– en el que Lieske interpreta a solo otro monográfico Albéniz formado por los más célebres arre- ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909): Evocación (obras para guitarra[s]) Lieske Spindler Guitars / CHALLENGE RECORDS / Ref. 21 (las cuatro versiones) / Cyprien Katsaris. como instrumento vinculado al célebre guitarrista almeriense. 78. Groses Rundfunkorchester Leipzig. confrontarla con otra guitarra de Antonio de Torres en condiciones de conservación muy distintas. 108) / Geneviève Laurenceau. ¿A quién querría engañar? Flecos todavía del antepasado año en el que se movilizaron algunos recursos e iniciativas para conmemorar el centenario del fallecimiento de Isaac Albéniz en 1909. tener que sacar de ella los matices que requiere esta música y. Sonata para viola y piano y Sonata para clarinete y piano / Ana Chumachenco. Aquí comparten cartel arreglos de Llobet (Evocación. pues éste es el título del disco. Llobet y Tárrega más o menos revisados por el guitarrista alemán. clarinete. Oriental y Córdoba) y Tarragó (Tango) con tres arreglos del propio Lieske (El Puerto y El Albaicín de la Suite Iberia y Mallorca) y. violín. Lo de la Leona ya es otro cantar y a mí siempre me gustará escuchar su voz como me puede gustar escuchar cantar un tango a un Torrente Ballester octogenario.: CC 72374 (2 CD) D2 Novedades siglo XIX FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Integral de la obra para violonchelo y piano / Viviana Sofronitski. pero lo cierto es que a la Leona le puede favorecer sonar sola con un repertorio como el de la música de Julián Arcas que apenas se había escuchado seriamente con anterioridad tal y como lo interpreta Stefano Grondona (CD Stradivarius 33692) potenciando sus valores históricos. piano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. Heidelberg Symphony Orchestra Quintet. viola. éste último instrumento consigue sólo por el colorido oscuro de su sonido insuflar algo de vida a estas postales de la música finísima y sofisticada de Albéniz. viola y piano. Queensland Symphony Orchestra. Adrian Oetiker. Eduard Brunner. violín. 18 entre 1975 y 2001) / PIANO 21 / Ref. Bajo la palmera. al lado de estos dúos. es la de una España sonora y orientalizante presentada con un texto en el que Albéniz declara “Soy un moro”. piano. 100 y op.siglo XIX 200 / febrero 2011 37 Albéniz alla moresca o a la alemana Fabian Spindler y Wulfin Lieske dedican un CD a transcripciones para dos guitarras de obras del compositor catalán Javier Suárez-Pajares glos de Andrés Segovia.: P21 038-N (1 CD) D2 CYPRIEN KATSARIS interpreta EDVARD GRIEG (18431907): Concertos and Piano Works / Cyprien Katsaris. inseparable de Lieske y con la que tantas veces se le ha visto últimamente en el Festival de la Guitarra de Córdoba. Sergei Istomin. piano / TUDOR / Ref. piano / PASSACAILLE / Ref. Horst Neumann. lo que más vale de estas grabaciones es el instrumental que lucen Lieske y Spindler: tres guitarras de Antonio de Torres –para los dúos la célebre Leona de 1856.

tornándolo confidencial. aunque tal vez de modo aún irregular. a los dos Estados que separa y une. Se ve que las vertientes alimenticias fueron generosas y Vierne supo reunirlas y conjuntarlas en una escritura sabia. nuestro hombre pertenece a esa categoría de músicos que son conocidos por una sola obra. fino en el tratamiento de las cuerdas y en las soluciones armónicas escogidas. un compositor que. su costado litúrgico. a la vez. en su novela. No obstante. En efecto. Las versiones son aplicadas de lectura. Podemos imaginar a unas majas escuchando en los balcones. Ninguno de los intérpretes parece español. Entre las obras del propio Cassadó y Turina se registra una coincidencia estética que permite hablar de influencias. recogió Vierne la herencia del órgano romántico ampliamente servido en Alemania por Mendelssohn y Brahms. como esos rayos de luz multicolor y cambiante que atraviesan el vitral gótico de una catedral. Vinteuil. DEVICH TRIO: Estilo español (Obras camerísticas de Joaquín Turina. la desmesura torera y el arrebato chulesco. Lyon y Rouen. sensuales de sonoridad. Está situado en el espacio donde la escuela francesa admite las sugestiones de la germánica sin perder su amor a la experimentación estructural y a la finura armónica que le son tradicionales. la estructura. con un toque afrancesado en lo armónico y una sabiduría fina de escritura que ahuyenta toda posible españolada. por ello. como lo había hecho Franck. como su maestro César Franck. de que se puede abundar en coloridos locales sin cargar las tintas y ceder a la fácil etiqueta con la denominación de origen de lo español.: CC 72322 (1 CD) D2 Breve existencia (1870-1894) y fama equívoca connotan a Guillaume Lekeu. Toulouse. Gaspar Cassadó. Lekeu.: 1C1182 (1 CD) D2 . y tiene una habilidosa escritura para los solistas que le da un sesgo muy distinto a la imponencia orquestal del origen. las dos chicas tocan como si estuvieran haciendo figuras de brazos y vibrantes taconeos.38 di v e r di siglo XIX Todo Vierne La integral para órgano del autor francés. dividida en seis movimientos. la discografía está rescatando para nuestra memoria. En este sentido. Sin duda. Saint-Saëns y Widor están a su lado. A través de ellos.: MDG 1580 (9 CD) D4 x5 Plausible idea ha sido concertar este programa con obras infrecuentes de autores españoles. y volviendo a Franck y a su indirecta influencia en la formación de la Schola Cantorum parisina. fue un compositor sólido y cuidadoso. para colmo de género y sin ningún signo externo. El segundo. Vierne tuvo algo de ambos. También figuran en el registros las partituras incompletas que editó Maurice Duruflé en carácter de opus póstumo (Tres improvisaciones) así como obras tempranas y sueltas que constituyen su prehistoria artística. recatado en la inspiración y capaz de entregas líricas con amplio melodismo como el andantino de su cuarteto aquí incluido. Enrique Granados y Enrique Fernández Arbós) Devich Trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. enésima por si hiciera falta. Editada de manera dispersa. imponente y cautelosa. Ese rasgo limítrofe acaso sea el decisivo en el perfil de Lekeu. infalibles de estilo. en el astuto arreglo para trío de Gaspar Cassadó circula poco. Sumergirse en el conjunto de sus partituras es cumplir un viaje por un mundo a la vez denso y etéreo. pero las han pintado Zuloaga o Pradilla. muerto en plena juventud Blas Matamoro La obra organística de Louis Vierne fue llevada a la reproducción electromagnética por Ben van Osten entre 1996 y 2000. un monógrafo. No es el lugar ni la ocasión para evaluar lo hecho por Vierne pero sí para acreditar la dificultad de una tarea actualizadora por una parte y receptora de antiguas y sólidas tradiciones por la otra. En primer término. que la singularice: su exquisita Sonata para violín y piano. la certeza técnica de las tomas para discos compactos. órgano / MDG / Ref. no deja de ser fronteriza con la suite y. poseedora de un curioso género propio. Todo en su medida y con las exigencias ténicas puestas por los maestros compositores. de prestancia arquitectónica y rincones de intimismo sugestivo. Hay andalucismo exquisito. dada su habilidad manual. Su folclorismo está destilado por los antecedentes de la escuela nacionalista y sabe llevar al dispositivo reducido del trío tanto el eco de las fuentes populares como la sofocada minucia del lenguaje camarístico. hace de palmero. Limítemonos a disfrutar de su obra. los célebres órganos Cavaillé-Coll de París. la altura alcanzada por el músico sería la misma. cabe subrayar la libertad romántica con que Vierne abordó los géneros que la ancha capacidad del órgano le permitía desplegar. podríamos hablar de una zona belga dentro del país musical francés. Las condiciones del registro son óptimas: un solista acreditado y especialista en la música para órgano de los siglos XIX y XX. en MDG Blas Matamoro De España vengo Programa hispano del Devich Trio. Sus seis sinfonías. Había que latinizar la herencia. Además. por su parte. en Challenge Blas Matamoro Explorando a Lekeu Los cuartetos del autor belga. LOUIS VIERNE (1870-1937): Integral de la obra para órgano Ben van Oosten. anecdódico o literario. pródigo en todos los campos. pues si bien el intermedio de Goyescas de Granados sigue fatigando teatros. Y aunque sólo fuera por ella. 48 piezas de fantasía y 24 piezas de estilo libre configuran lo que podríamos llamar el espacio profano de su catálogo. al que cumple sumar dos misas. Sólo muy escasos especialistas pueden llegar a saber que esta partitura fue considerada la homónima que Proust atribuye a un músico imaginario. belga de nacimiento y francés de formación y carrera. El primero. GUILLAUME LEKEU (1870-1894): La integral de la obra para cuarteto de cuerda Quatuor Debussy / TIMPANI / Ref. pues su música de cámara es también de primer agua. También oportuno es el rescate de las tres piezas juveniles de Fernández Arbós. No caigamos en el tópico de preguntarnos qué habría sido de Lekeu si el tiempo le hubiese dado los años de la madurez. ahora se reúne en una cajuela de 9 compactos. salas y colmados. Una prueba. Suena a café-concert elegante y a casticismo depurado. explorada con morosidad por los registros eléctricos más allá de la sonata mencionada. El pianista. La frontera goza de un notable privilegio: apenas ocupa superficie y pertenece.

Una Tercera apareció en 2005 en un álbum conmemorativo de cinco discos e ignoro si volverá a grabarse. una interpretación absolutamente fiel al texto. libertades agógicas o énfasis no escritos. denso y transparente a un tiempo. Afortunadamente. pese a no haber grabado todavía el ciclo completo. Las frecuentes intervenciones en ppp de cuerda y timbal se escuchan con notable presencia. la comprensión profunda de las obras y la capacidad de organización (la autoridad. Lejos quedaron los tiempos en que Monteux o Stokowski firmaban contratos discográficos con los grandes sellos. la percepción habitual del aficionado de largo recorrido). 1927). El balance de las distintas secciones es óptimo en todo momento (camerismo a gran escala). Hasta la fecha han aparecido Quinta. y al que contribuyen sin duda la respuesta orquestal. Los largos pasajes en pizzicato. desde hace unos años el sello alemán Querstand viene publicando. Hay bastante aire entre los instrumentos.siglo XIX 200 / febrero 2011 39 Bruckner honoris causa Querstand publica una formidable Quinta por Blomstedt y la Gewandhaus Miguel Ángel González Barrio foto © Martin Lengemann “Una construcción imponente. de las más impresionantes que recuerdo. cobran así preeminencia sobre la experiencia. Carácter que en todo caso no se impone desde fuera. el efecto. de los más grandes en activo. lo que preserva el ambiente del concierto. Herbert Blomstedt. cuerda opulenta y cálida. fiable veterano de contrastadas competencia y solidez cuyas actuaciones y ya esporádicas grabaciones nunca defraudan. Con buen criterio. de tintes oscuros. tantas veces deslavazados o inconexos. pero sin la acostumbrada reverberación que lo emborrona todo. Y es que. spiccato) en la cuerda es admirable. se trata de una construcción imponente. Nos llega ahora la formidable Quinta (la Gewandhaus estrenó la obra en 1899) grabada en la Grober Saal de Leipzig en mayo del pasado año. sonido 5. Por la sabiduría acumulada y por la oposición menguante (ésta es. metal poderoso. y la fuerte personalidad sónica de la Gewandhaus: perfecto empaste en todas las secciones. tampoco se ha eliminado la gran ovación final. la dictadura de la imagen y el culto a la juventud han conseguido que melenas y rizos desplacen en el podio del director a calvas y canas. con más de 40 registros publicados. en estudio o en vivo. en suma).: VKJK 0931 (1 SACD) D2 . el ego!) no implica falta de carácter. El sábado 29 de marzo de 2008 dirigió a la Gustav Mahler Jugend Orchester una excepcional Quinta de Bruckner en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. sino que surge desde dentro. corto. lo que va camino de convertirse en el primer ciclo bruckneriano de Blomstedt. de rara perfección (recuérdese que se trata de una toma en vivo). sin injerencias ni ” arbitrariedades. Las pausas entre movimientos no están editadas. de inefable veracidad. Característico del estilo de Blomstedt. en la que todo fluye con pasmosas naturalidad y nitidez. grabaciones de gran calidad artística y técnica (SACD híbrido. la novedad. de la propia partitura.” En el mundo esencialmente visual en que vivimos. maderas brillantes. La estupenda Octava se grabó en julio de 2005 en los conciertos de despedida. La toma de sonido de Matthias Behrend es espléndida (escúchese la entrada de los chelos en primer plano en 6:21 del primer movimiento). el hallazgo feliz. Le ha pasado a Herbert Blomstedt (n. superados los 80 años. Salvo excepciones. Sexta. Las peroraciones del metal en las Codas no ensombrecen las esenciales figuraciones de la cuerda alta. sin embargo. El partido que saca la batuta al juego de dinámicas y a la variedad de arcos (largo. están aquí integrados en una narración coherente. HERBERT BLOMSTEDT dirige ANTON BRUCKNER (18241896): Sinfonía nº 5 en Si mayor Gewandhausorchester Leipzig. En el enérgico Scherzo Blomstedt materializa los aires populares sin exagerar la rusticidad con timbres calculados. director / QUERSTAND / Ref. Está previsto que Querstand publique el ciclo “completo” (supongo que Primera a Novena) en julio de 2012. Blomstedt es un bruckneriano ilustre. sin altibajos o caídas de tensión. Fue uno de esos conciertos a los que da pereza asistir (en horario nocturno y en fin de semana) y que después no se olvidan. una interpretación absolutamente fiel al texto. sonido homogéneo. de inefable veracidad. al menos. Y. en algún caso vitalicio. es bien sabido que la dirección de orquesta es una actividad en la que los años le engrandecen a uno. Séptima y Octava. para festejar el 85 cumpleaños del director. La ausencia de personalismos (¡ah. sin injerencias ni arbitrariedades.1 surround) a partir de tomas en concierto con la venerable Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. sin prisa pero sin pausa. de la que fue titular entre 1998 y 2005 (sucediendo a Kurt Masur y sucedido por Riccardo Chailly) y a la que sigue dirigiendo con frecuencia.

Sin embargo. de Martinu se incluyen los sensacionales registros de los años ochenta de la Misa en el campo de honor. Smetana. tan sólo se incluye la suite orquestal de Juliette y no los sensacionales Tres fragmentos de la ópera. ha inspirado este sentido homenaje del sello checo por excelencia. que acababa de adquirir en una tienda de Kensington. acerca de los cuatro compositores representados en estas dos cajas (Dvorák. El joven oboísta le explicó que soñaba con llegar a ser director de orquesta y el hombre. todo comenzó en un café. en especial. Situémonos: Londres. que había sido desprovisto de todas sus funciones al haber sido acusado injustamente de colaborar con los nazis. Mackerras llegó a Praga en el otoño de 1947. No volvería a Praga hasta principios de los sesenta. Mientras comenzaba a estudiar la partitura de la Segunda sinfonía de Dvorák. se le acercó un hombre: “Oh. tampoco se incluye ninguno de los dos registros audio y video que realizó en Brno de la ópera La pasión griega. el maestro australiano fue uno de los pocos extranjeros que tuvieron el honor de dirigir el tradicional concierto de inauguración de ese festival con el ciclo de poemas sinfónicos Mi Patria de Smetana. pero a cambio conoció por medio de él una ópera llamada Katia Kabanová de un tal Leos Janácek que se convirtió en su obra y compositor predilectos. de los Frescos de Piero della Francesca. Por su parte. lo deja bien claro: “Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de Janácek”. Rodríguez Sir Charles Mackerras Como tantas historias. el doble CD publicado en 2004 con la Filarmónica Checa de suites y fragmentos de varias óperas. al que fuera uno de sus principales hijos adoptivos: dos sensacionales cajas que suman diez CDs y un DVD donde se recopilan sus principales grabaciones de Dvorák. Mackerras estudió con Talich por espacio de unos meses y tuvo que regresar a Londres en el otoño de 1948. ya veo que está usted estudiando música de mi país”. Supraphon. le animó a pedir una beca para viajar a Praga a estudiar con Václav Talich. una de las pocas versiones de la Misa glagolítica tal como la pensó el propio Janácek (con la Intrada al principio y al final de la obra). De hecho. Tampoco pode-mos dejar de resaltar los registros en vivo incluidos en el DVD. e incluida como bonus del segundo disco dedicado al compositor moravo.40 di v e r di siglos XIX & XX Un australiano en Praga Supraphon documenta en dos estuches el idilio que mantuvo durante toda su carrera el recientemente desaparecido Sir Charles Mackerras con la música checa Pablo-L. esta ópera sería lo último que dirigió de su admirado compositor. o de las que realizó más adelante para Supraphon en Praga y Brno que aquí no se incluyen (Katia Kabanová en 1997 o Sárka en 2000 –de está última se ha añadido tan sólo la obertura con un molesto fadeout al final–). sino que adoraba su gastronomía y su cerveza. que fue publicado en 2009. en febrero de 1948. Ese joven oboísta. que culminaron en septiembre de 2009 con el registro del poema sinfónico La paloma torcaz (su . Un joven oboísta de la Sadler’s Wells Opera. Pronto cambió su suerte y el ascenso al poder de los comunistas. que había emigrado hacía algo más de un año desde Australia con el firme propósito de convertirse en director y que estaba a punto de casarse con la clarinetista de su orquesta. junto a Taras Bulba o la Sinfonietta. Su inesperado fallecimiento en julio pasado. a sus 84 años y en plena actividad. se refugió del frío y la lluvia en una cafetería. No hay duda de que el compositor más relevante de todos ellos para el director australiano fue Janácek. En esos años grabaría para Supraphon varios discos impresionantes aquí incluidos principalmente con obras de Dvorak. en la entrevista grabada en febrero de 2010. que proceden de dos conciertos en el Rudolfinum en 1997 y 2003. cuya música Mackerras también tuvo en gran estima (Supraphon publicará próximamente el registro en vivo de la Sinfonía Asrael que dirigió en 2007 en conmemoración de su centenario). lo dirigió en 1989 ante la incómoda presencia del presidente Gustáv Husák y lo volvió a hacer mucho mejor en todos los sentidos en 1999 (ésa es la versión en vivo aquí incluida). especialmente. Smetana. cuando todavía era la capital del único país eslavo no comunista. aquí se ofrece. precisa-mente. Aparte de sus míticas grabaciones para Decca realizadas entre 1977 y 1982 con la Filarmónica de Viena de las cinco óperas principales de Janácek. y también en uno de los principales embajadores de su cultura. Janácek y Martinu) a lo que habría que añadir quizá el nombre de Suk. Janácek y Martinu. terminaría por convertirse en uno de los más grandes intérpretes desde el podio (y el foso) de la música checa de los siglos XIX y XX. ya convertido en un director importante. que por cierto se llamaba Alan Charles McLaurin Mackerras. que se encargaba de los intercambios entre estudiantes checos y británicos del British Council. por ejemplo. conocía sus tradiciones o siempre condujo al volante de un Škoda. comienzos de 1947. Sus clases tuvieron lugar en la villa cerca de Praga donde Talich se recluyó y versaron sobre música checa y. Mackerras no sólo aprendió a escribir y a hablar fluidamente la intrincada lengua eslava. y como artista invitado en el Festival Primavera de Praga que había instaurado precisamente el propio Talich allá por 1946. del Doble Concierto y. Durante los meses siguientes pudo constatar que Talich no tenía tiempo para poderle enseñar. le permitieron paradójicamente estudiar con su admirado Talich. tuve la fortuna de asistir a la última función de esta ópera en el Covent Garden y no creo que olvide nunca esa fantástica inter-pretación). La relación de Mackerras con la Filarmónica Checa y con la Sinfónica de Praga se intensificó precisamente a partir de 1999 con visitas casi todos los años tanto al Rudolfinum como a la Sala Smetana de la Casa Municipal de Praga. del último y laureado disco dedicado a este compositor por Mackerras. está entre lo mejor de la fonografía de Janácek (una mención especial debe hacerse aquí a la impresionante interpre-tación de la suite de La zorrita astuta.

aquí dejé buena constancia de ello: “Quizá estemos ante la versión discográfica de referencia de los cuartetos de Prokofiev” (véase Boletín nº 109. alumno aventajado de Claudio Abbado y de Gerd Albrecht (con el que. el Pavel Haas tiene una personalidad mucho más apasionada. Aquí es Mowgli.P. enfatizando el carácter etéreo y soñador de Ma mère l’oye. pese a los premios internacionales. que su aproximación al sinfonismo francés de comienzos del s. La razón es que Albrecht lleva al límite todo el suspense de los primeros minutos. La cercanía temporal de dichos repertorios. preguntó al violista Milan Skampa del Smetana Quartet cómo podría construir un cuarteto y vivir la vida dentro de él. Prague Philharmonic Choir. en su forma orquestal. y la intensidad de sus ataques se combina con el contraste dinámico extremo de influencia historicista o la natural belleza checa de entonación melódica. es tratado por Albrecht con buenas dosis de imaginación y fantasía. Con esta formación grabaron su tercer disco en Supraphon dedicado a Prokofiev que a comienzos de este año llevó a medios como Gramophone o The Times preguntarse si estábamos ante el cuarteto más excitante del mundo. destaca una de la mayores joyas de esta colección: la única grabación que realizó Mackerras de la popular Sinfonía “Del nuevo mundo”. Sir Charles Mackerras. incluida como bonus. La violinista eslovaca creó ese año un conjunto unido por la común fascinación hacia Pavel Haas (un compositor checo asesinado en Auschwitz en 1944) y. lo deja bien claro: ‘Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de la obra de ” Janácek’. El aprendiz de brujo de Dukas. Ravel se fijó en los cuentos de hadas que relataba “Mamá la Oca” y que nos han llegado principalmente a través de Perrault.: PTC 5186336 (1 SACD) D1 .SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Leos Janácek y Bohuslav Martinu) Czech Philharmonic Orchestra.75 €. PAUL DUKAS (1865-1935): El aprendiz de brujo. Fue realizada en el concierto que dirigió en septiembre de 2005 a la Sinfónica de Praga al acercarse su ochenta cumpleaños y puede situarse sin ambajes entre las mejores de la inmensa fonografía de la obra. aunque en el Cuarteto op. Dir. es capaz de sorprendernos en esta versión a pesar de la popularidad de la pieza. entre todas. Czech Radio Symphony Orchestra. Le sigue otra partitura francesa de evocación literaria. ANTONÍN DVORÁK (1841–1904): Cuartetos de cuerda Nos. que se ha consolidado tras dos integrantes anteriores.: 74. no le une ningún lazo de parentesco). página memorable inspirada en la balada Der Zauberlehrling de Goethe. mientras el maestro australiano.P El director alemán Marc Albrecht. de El libro de la selva de Kipling. por tanto. Albrecht. la joven violinista Veronika Jarušková. la agresividad y la desorganización social de estos animales se plasma en la música de Koechlin. No era difícil pronosticar. como violonchelista. Prague Symphony Orchestra.: SU 4041-2 (6 CD) P . XX haya sido todo un acierto. Eva Karová.: SU 4038-2 (1 CD) D2 SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Dvorák y Smetana) Czech Philharmonic Orchestra. Su versión del famoso Cuarteto “Americano” es sensacional. tras el concierto. 41). No obstante. con la que Albrecht demuestra su gran destreza técnica. siempre meticuloso (solía dirigir con sus propias separatas instrumentales) y modesto. se ha convertido a sus 46 años en un reputado especialista en Richard Strauss. Peter Jarušek. el sello Pentatone ha incluido a otro autor francés de menor proyección. el habitual soporte literario de las composiciones y la riqueza tímbrica de las plantillas orquestales son parámetros que interrelacionan ambos estilos. cuyo Les bandar-log nos depara una sorpresa formidable. Rodríguez Eva Sandoval 2010. actual líder del Pavel Haas Quartet. 106 alcanzan un tono sinfónico ideal y desbancan al Panocha Quartet como referencia fonográfica.80 €. 12 y 13 Pavel Haas Quartet / SUPRAPHON / Ref. especialmente en las obras escogidas para este álbum. p. y el estupendo violista Pavel Nikl que fue discípulo del propio Skampa. Junto a Ravel y Dukas.” última grabación). MAURICE RAVEL (1875-1937): Mi madre la oca y CHARLES KOECHLIN (1867-1950): Les bandar-log (poema sinfónico sobre El libro de la jungla de Rudyjard Kipling) Orchestre Philharmonique de Strasbourg. los músicos de la orquesta checa confesaron haber redescubierto esa famosísima partitura con Mackerras. El resultado sonoro. Nuevo CD del Pavel Haas Quartet Disco infantil de M. una compañera ideal como segundo violín. En 2002. Marc Albrecht.. con en la entrevista ahora con Dvorák obras de Dukas. Ravel y Koechlin grabada en febrero de Pablo-L.: SU 4042-2 (4 CD + 1 DVD) P . Prague Symphony Orchestra. quien nos introduce en la jungla para revivir su aventura con una pandilla de monos excéntricos que lo secuestran. por cierto. el La jaula de oro Fantasía francesa compositor más relevante fue Janácek. la respuesta que obtuvo no pudo ser más certera: “Es la prisión más bella que existe en el mundo de la música”. que abandonó para ello el Skampa Quartet. Para escribirla. algunas grabaciones fueron realizadas en vivo y. Ciertamente vivimos un momento dulce en la discografía camerística de Dvorák con la estupenda integral en curso del Wihan Quartet (Nimbus) o el reciente disco del Emerson Quartet (DG). director / SUPRAPHON / Ref.V. afirmaba: “Simplemente me he valido de mi experiencia”. El desconcierto.: 59.siglos XIX & XX 200 / febrero 2011 41 “Para Mackerras.: Sir Charles Mackerras / SUPRAPHON / Ref. Este nuevo lanzamiento supone la consolidación de la formación y también su primera incursión en el repertorio camerístico checo por excelencia. no dudó en alterar la formación los años siguientes hasta convertirla en una verdadera jaula de oro: su marido. cuidando al mismo tiempo la claridad de los planos sonoros y la precisión de las intervenciones solistas.V. Czech Radio Symphony Orchestra. Charles Koechlin. director / PENTATONE / Ref.

3:21–) junto al tono oscuro típicamente ruso y hasta hueco de la cuerda (que escuchamos ya al principio en esa cita de El gallo de oro de Rimsky-Korsakov –corte 1. último y mayor. que los engendró a todos y a todos los comprende. el maestro de la prosa Conrad Meyer y. de la excepcional valía de Sokhiev (véase Boletín nº 154. con Prokofiev y Rachmaninov en atriles Pablo-L. No obstante. Lo primero que llama la atención de este nuevo lanzamiento en Naïve es el híbrido ideal entre el soni- Las canciones para voz y orquesta de Pfitzner ocupan un rincón penumbroso de su catálogo por la escasa atención que se les presta. SERGEI PROKOFIEV (1891-1953): Concierto para violín y orquesta nº 2. a la vez. Especial interés añadido tienen las canciones que provienen de un acompañamiento pianístico porque ponen de manifiesto la expresividad que Pfitzner descubre y emplea en cada instrumento. Otto Tausk. sino también por su ideal entendimiento con la orquesta y el director. no fue fácil en sus inicios. a la cual acompaña o sirve de contexto climático. Goethe. lo convirtieron en ejemplo del fracaso de la por entonces incipiente moda de los directores jovencitos. Nordwestdeutsche Philharmonie. a cada talante cancioneril individual. en septiembre pasado no sólo fue designado sucesor de Ingo Metzmacher al frente de la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin sino que también renovó hasta 2016 como director musical de la Orchestre National du Capitole de Toulouse. con solistas en puntas de pie. el prudente Geibel. El eclecticismo académico de Pfitzner cobra. Sokhiev dirigió a la Philharmonia un programa con las Danzas sinfónicas de Rachmaninov que fue calificado por Tom Service en The Guardian como “una orgía de explosión dramática”. tan sólo dos meses después de su renuncia. tras un año marcado por las quejas de los conjuntos estables del teatro ante su presunta falta de preparación y experiencia. 36-37). bautizada acertadamente por el canal Mezzo como un “crescendo subito”. Su renuncia como director musical de la Welsh National Opera en 2004. el acompañamiento del Segundo concierto para violín es uno de los mejores de toda la fonografía: lírico. ese perfume suave y evocador en la madera gala (ejemplificado en la cita de la canción La musa en el Non Allegro inicial –corte 1. director / NAIVE / Ref. las cruciales referencias del compositor a su Primera sinfonía (que creía perdida) pasan aquí bastante desapercibidas. En efecto. su ascendente carrera. Esta selección –el total no la excede en mucho: 30 títulos. el amargo sentimentalismo irónico de Heine.” do natural francés e importado ruso en las Danzas de Rachmaninov. se evita cualquier concesión a la nostalgia. al igual que su prestigio en Francia. tanto en la construcción del diabólico clímax a ritmo de vals del movimiento central como en el impresionante duelo con la muerte en el Lento assai-Allegro vivace final. de tal manera. y evita cualquier concesión a la ” nostalgia. a cada cláusula orquestal. pág. págs. sin que su comedimiento estético lo cubra de polvoriento olvido. esos problemas no mellaron su prestigio y la crítica británica nunca escatimó elogios hacia su labor en el podio. Sokhiev se encuentra mucho más cómodo con Prokofiev y también es aquí donde su trabajo resulta más interesante. Orchestre National du Capitole de Tolouse.: V 5256 (1 CD) D1 HANS PFITZNER (1869-1949): Orchesterlieder (canciones orquestales) Hans Christoph Begemann. Sin embargo. Esa “orgía de explosión dramática” de Sokhiev se ha equilibrado en los seis años que separan esta grabación de aquel concierto. un inusitado Herder (filósofo de profesión). el cuidado con que el músico aborda la literalidad de sus escogidos poemas. Desde luego. Hay nombres menores pero eficaces. coincidiendo con su debut en el Teatro Real y su primer lanzamiento discográfico en Naïve. 0:18–). todo ello alza estas producciones hasta la mejor altura de su autor. perfectamente cohesionado. no por casualidad es en la actualidad la concertino de la orquesta tulusana. La intervención como solista de la joven violinista francesa Geneviève Laurenceau (1977) tampoco se queda atrás y destaca no sólo por su poderosa técnica y magistral cantabile.: 777552-2 (1 CD) D2 . siempre alerta a la voz. Aunque la interpretación derrocha precisión y energía. Rodríguez Un Pfitzner infrecuente Canciones orquestales del autor de Palestrina. nunca forzado ni violento. 45). al convertir sus tres conciertos anuales con la orquesta de Toulouse en la parisina Sala Pleyel en eventos musicales nacionales del más alto nivel. al tiempo que su labor al frente de la orquesta tulusana le ha aportado el prestigio internacional que se merecía. el melodismo cauteloso y adecuado que extrae de sus medidas y su prosodia. Tugan Sokhiev Tugan Sokhiev (1977) no ha podido empezar mejor la temporada 2010-11. permite pensar en un canto gregario hecho. vida y salta por encima de las fechas.42 di v e r di siglos XIX & XX Crescendo subito Nuevo CD de Tugan Sokhiev y la Orquesta de Toulouse para Naïve. con un sensacional dominio de las texturas y siempre buscando lo camerístico. violín. y lo volvimos a repetir con su segundo lanzamiento centrado en el cuento sinfónico Pedro y el Lobo de Prokofiev (véase Boletín nº 166. Tugan Sokhiev. aparte del equilibrio entre ambos componentes que en todo momento guarda. director / CPO / Ref. Ya dimos cuenta a finales de 2006. No obstante. Las apoyaturas literarias son de excelente nivel: el romanticismo sabio de Eichendorff. de los cuales 25 son transcripciones de Lieder con piano– llena un hueco indeseable. Este joven maestro de Vladikavkaz ha ido fortaleciendo considerablemente su relación con Berlín durante 2010. la diversidad expresiva de sus caracteres y climas y la constante oportunidad de la intervención orquestal. SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Danzas sinfónicas Geneviève Laurenceau. De hecho. dramático. barítono. en CPO Blas Matamoro “Sokhiev derrocha precisión y energía. donde el mimo puesto a cada verso. que comenzó debutando al frente de la Filarmónica de la capital alemana. nada de ello sería perceptible sin una lectura como la del presente compacto.

NDR Radiophilharmonie Hannover. a la vez que el tempo se va acelerando paulatinamente desde el Grave inicial al Vivace conclusivo. RundfunkSinfonieorchester Berlin. fuera terminada. La obra concluye con un Largo a modo de extensa lamentación. la-si bemol) y Hans Erich Apostel (H-E-A. Jerome Kitzke.: 777639-2 (4 CD) D14 x 3 . el Op. Apostel estuvo marcado “por los polos opuestos de Schoenberg y Berg. El nazismo prohibió la música de Apostel. voz / MODE / Ref. El tercer movimiento aplica la técnica del anagrama musical tan querida de Berg. Wolf Harden. como siempre en la serie Künstler im Gespräch. op. tenor. soprano. George Crumb. proyectada inicialmente en cinco movimientos. Como el Op. recuerda a Schoenberg. Brilliant) es todo lo que el discófilo podía encontrar hasta el momento con respecto al olvidado Hans Erich Apostel. MDG) y. continúa aún hoy esperando una justa rehabilitación. contralto. Toby Twining.: MODE 221 (1 CD) D4 DAVID PHILIP HEFTI (1975): ROTAS. piano. por FischerDieskau y Reimann (EMI). Fechado en 1956. el Cuarteto en re menor de 1926. Si la presentación literaria es sobresaliente. concierto para oboe y orquesta. Ensemble Theater am Gleis Winterthur. apoyándose en motivos formados por las iniciales y su correspondiente notación musical de los nombres de Alban Berg (A-B. 13. cuando Schoenberg se trasladó a Berlín. El Cuarteto nº 1. Volker Banfield. que llegó a presidir entre 1946 y 1948. tres Sonatinas para clarinete.: CYBELE SACD KIG002 (3 SACD) D10 x 2 Novedades siglo XX BERG. todas las obras se graban aquí por vez primera). de incuestionable interés (excepto el Op. 7 en la reveladora grabación del LaSalle que completaba el minutaje de la primera integral –en puridad no lo era pues faltaban un par de páginas menores– para cuarteto de cuerda de Zemlinsky (DG. donde fallecería en 1972. directores / CPO / Ref. en Cybele Records Juan Manuel Viana ciada por Brahms y perfeccionada por su maestro Schoenberg. la única de todas estas composiciones conocida hasta ahora. nacido en Karlsruhe en 1901 y residente desde los veinte años en Viena. Pianista acompañante. y la documentación iconográfica resulta difícilmente mejorable. Un conjunto de composiciones. op. 4ª y 5ª. Latica Honda-Rosenberg. Por último. si-mi-la). los Seis Epigramas. op. grabada por Schleiermacher (MDG). cuarta de su Op. Marie-Nicole Lemieux. 2 (obras de John Cage. SCHOENBERG Y WEBERN: El cuarteto de cuerda y la voz / Sandrine Piau. desde las juveniles 18 Variaciones (1925) hasta los postreros Seis Epigramas (1962). pianos de juguete. con numerosos documentos grabados en torno al músico. que aparece servido en versiones modélicas del Cuarteto Doelen apoyadas en una toma sonora de suntuosa presencia. WunderhornMusik / Thomas Indermühle. 33 revelan una concentración y densidad temática típicas del autor. Apostel estudió con el primero desde 1921 hasta 1925. oboe y trompeta (Capriccio. En palabras de Walter Levin. ini- tro instrumentos mientras el violonchelo. vol. el compositor fortalecería la sección austríaca de la SIMC. Desde ese año se convierte en alumno de Berg hasta su temprana muerte en 1935. sobre todo. su sensibilidad extrema y su encanto. retomando el esquema formal ensayado por Schoenberg en su Cuarteto nº 1 y su Primera Sinfonía de Cámara. cajas musicales. Augsburg Philharmonic Orchestra. obra –como aquella– aún primeriza. Rudolf Piehlmayer. la viola. Ross Bolleter y Laura Liben) / Margaret Leng Tan. Eric Griswold. profesor y corrector de pruebas en la editorial Universal. con abundantes notas de Stefan Drees. violín. la obra de Apostel. el formidable Cuarteto de cuerda nº 1. op. 3ª. Klauspeter Seibel. piano. fundador del Cuarteto LaSalle. muestra ya la adhesión del músico al principio de la “variación evolutiva”. exenta de todo compromiso. Su estricta honestidad. Michail Jurowski. realizado a partir de un tema de Wozzeck. oboe/oboe d’amore. Quatuor Diotima / NAIVE / Ref. Tras la guerra. Si el primer movimiento es un Allegro en forma de sonata. 3. la variación evolutiva domina el segundo.: NEOS 11016 (1 CD) D1 FRANZ LEHÁR (1870-1948): Lo mejor del Léhar sinfónico / Robert Gambill. a Berg”. 7. 26 se estructura en diversas secciones conectadas temáticamente. con referencias temáticas a los movimientos precedentes. Su vitalidad rítmica muestra al Apostel más grotesco que años después encontrará inspiración en los grabados expresionistas de Alfred Kubin. 3 de su venerado maestro.: V 5240 (1 CD) D1 SHE HERSELF ALONE: El arte del piano de juguete. muy ligada al expresionismo vienés y que llega al medio centenar de obras numeradas. a las que se suma un poderoso interés por las texturas y los equilibrios tímbricos: en las secciones 1ª y 6ª los papeles se reparten por igual entre los cuaHans Erich Apostel La canción Nacht. Si la muy atractiva primera es una partitura apegada aún a la tradición posromántica. en suma. la edición de Cybele se complementa. las diez piezas breves que integran la suite Kubiana. percusión. De ahí la extraordinaria importancia que reviste este triple álbum en el que se reúne por vez primera en disco toda su obra para cuarteto de cuerda y que nos permite conocer la evolución de su escritura para esta exigente plantilla. 7 de Apostel está escrito en una libre atonalidad. el Cuarteto en un movimiento. Un lapso de más de veinte años separa este cuarteto del siguiente. 7 (1935). op. director / NEOS / Ref. HANS ERICH APOSTEL (1901-1972): Integral de cuartetos de cuerda (incluye conversaciones y entrevistas) DoelenKwartet / CYBELE / Ref.siglo XX 200 / febrero 2011 43 Un legado por redescubrir La integral de cuartetos de cuerda de Hans Erich Apostel. el 2º violín y el 1º ejecutan sus respectivos solos en la secciones 2ª. una más en la larga lista de las “degeneradas”. es una pieza magistral que Apostel quiso dedicar a Berg con motivo de su 50 cumpleaños si bien éste murió poco antes de que la obra.

durante el baile que se celebra en cubierta. todo hay que decirlo– emprendido por Chandos con Gabriel Chmura como protagonista.. observa e interviene ocasionalmente. NEOS. superviviente de Auschwitz (novela que daría lugar al film de igual título dirigido por Andrzej Munk en 1961. o la muerte violenta de éste cuando tras ordenársele que tocara al violín el banal vals favorito del comandante entona. su enorme legado camerístico ha pasado a engrosar los catálogos de sellos tan diversos como BIS. confiesa a su marido que quince años atrás ejerció como guardiana de las SS en Auschwitz. como espectadores de otra época. años después de aquel horror y caracterizada como la escritora Zofia Posmysz. De repente Lisa cree reconocer en una misteriosa pasajera cubierta con un velo a alguien a quien creía fallecida. sonará en ocasiones enormemente familiar. en ese mismo cuadro. Praga. la emotiva lección de francés en que la joven Yvette enseña a la vieja campesina Bronka a conjugar el verbo “vivir”. Elena Kelessidi y Artur Rucinski (Martha/Tadeusz)– hasta ese coro que. que perdió a sus padres y a su hermana durante la ocupación nazi. tensa y descarnada. sin la menor duda uno de los mejores compositores del área soviética en la segunda mitad del pasado siglo. situado en 1959. completado tras su muerte accidental por Witold Lesiewicz en 1963 y no estrenado en España hasta 1979). Súmese a todo esto una primera entrega de piezas para piano. A bordo de un transatlántico con destino a América. escalofriante drama lírico sobre Auschwitz de Mieczyslaw Weinberg Juan Manuel Viana ocho cuadros y un epílogo. el pasado irrumpe en escena. La edición se complementa con un documental de notable interés sobre el compositor y su obra. Acte Préalable.) consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como ” despojado. al menos a escala discográfica. 1923). El amor de D’Artagnan (1971) sobre Dumas. la Chacona de Bach.. ofrecido el pasado mes de julio en el festival de Bregenz. una prisionera polaca a la que Lisa intentó ayudar pero que “no supo apreciar su bondad”. A partir de entonces. la calma intemporal que envuelve el epílogo sostenido por una Martha que. Evidentemente. mi valle que entona la rusa Katia en el sexto o. de La Pasajera (. sin precedentes. al frente de una excelente Sinfónica de Viena corrobora desde los tensos compases iniciales. expresa su deseo de no olvidar jamás a todos aquellos inocentes que perdieron su vida. cuyos terribles fantasmas sacará a la luz un encuentro fortuito. Shostakovich. los dos lugares de la acción (la luminosa cubierta del buque. y un pasado relativamente cercano pero que se antoja remotísimo. Divox. . el encuentro entre Martha y Tadeusz en el cuarto. La pasajera desarrolla su peripecia argumental en dos planos espacio-temporales muy diferentes que colisionan dramáticamente: el presente. ejecuta un trabajo de equipo sin fisuras que la modélica y reveladora dirección del joven ateniense Teodor Currentzis. Ópera en dos actos. con la excepción de unas entusiastas y justas palabras escritas en 1974 por Shostakovich.” to. vea cómo la desconocida pasajera se dirige a la orquesta para expresar un deseo musical: que suene el “vals del comandante”. lo que provoca una crisis entre ambos. Walter y su esposa Lisa abandonan Europa camino de Brasil. una historia como la narrada en La pasajera había de remover las fibras más sensibles del judío polaco Weinberg. territorio poco explorado en disco. La pasajera ha conocido finalmente su verdadero estreno en esta producción escénica a cargo de David Pountney. la delicada aria de Martha sobre versos de Sándor Petöfi y la desagarrada canción Tú. Su poderosa escritura musical. Con libreto de Alexander Medvedev –fallecido cinco días después de este estreno austríaco– basado en la semiautobiográfica novela homónima de la polaca Zofia Posmysz (Cracovia. operista tardío que cuenta en su haber con títulos tan heterogéneos como La madonna y el soldado (1970) sobre Medvedev. No obstante. Delos. ponga de nuevo en circulación el descatalogado fondo de Olympia– de varias sinfonías de cámara (algunas grabadas años atrás por Claves). responsable de una soberbia edición de la integral cuartetística –que llega ahora al cuarto de los seis volúmenes previstos– y del primero de los capítulos de su no menos importante legado para violín y piano. Britten o quien fuera su amigo de siempre y protector. publicada también recientemente. tensa y descarnada. además de CPO. consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como despojado: la lúgubre escena nocturna del tercer cuadro. el prometido de Martha. los tenebrosos interiores de Auschwitz) se solapan como un engranaje perfec- En los últimos años la obra del gran músico ruso de ascendencia polaca Mieczyslaw Weinberg (19191996) está gozando de una difusión. para sorpresa y disgusto de los oficiales. El amplísimo plantel vocal. La extraña pasajera no es otra que Martha. Recuerdos éstos que Lisa ya no podrá desterrar jamás de su mente cuando. desde el dúo de parejas protagonistas –Michelle Breedt y Roberto Saccà (Lisa/Walter). Hänssler o Naxos. del que ya se han comercializado (aunque no en España) tres volúmenes –a los que se ha añadido otro con obras concertantes– y de la reedición por el sello Alto –que. es fácil adivinar que ninguna de estas grabaciones tendrá la trascendencia y hará tanto por imponer el nombre de su autor. que al oyente habituado al tratamiento vocal y a los colores instrumentales de autores como Janácek. Tan sólo la decisión de utilizar un libreto multilingüe en contra del original ruso puede resultar discutible. Además del ciclo sinfónico en marcha –lenta. Sin efectismos ni derroches. “La poderosa escritura musical. los encuentros con las demás prisioneras en los sórdidos barracones del campo de concentración y con Tadeusz. en donde aquél va a desempeñar un cargo diplomático. basadas respectivamente en Gogol y Dostoyevski. Ante la antigua guardiana desfilan todos aquellos recuerdos de un tiempo olvidado: entre otros. Lady Magnesia (1975) inspirada en Shaw y El retrato (1980) y El idiota (1985). Conmocionada. Cascavelle. La pasajera (196768) es la primera de las siete partituras líricas de Weinberg. antiguo asistente de Temirkanov. como el registro de NEOS que motiva estas líneas y que recoge en DVD el recentísimo estreno escénico de La pasajera. esperemos. también la ausencia del menor comentario musical sobre la obra. Estrenada en Moscú en versión semiescenificada en 2006. a cargo igualmente de CPO y la primera que el sello inglés Toccata dedica a sus desconocidas canciones.44 di v e r di siglo XX Fantasmas del pasado Neos presenta un DVD con una impactante primicia: la ópera La Pasajera.

disfrutan de la compenetración conseguida en sus más de diez años juntos. director escénico. intercambiables con los del mejor Shostakovich– y también de lágrimas. quienes despliegan para nosotros un variado programa pianístico dedicado en exclusiva al vals. 39. Felix Breisach. Schubert y Richard Strauss GEORGE ENESCU (1881-1955): Cuartetos con piano Tammuz Piano Quartet / CPO / Ref. Schubert aplicó su genial inspiración en esta antigua forma musical. Coincidiendo con este lanzamiento.siglo XX 200 / febrero 2011 45 Mieczyslaw Weinberg Cuartetos de Enescu Dos muestras de la música de cámara del compositor rumano Blas Matamoro Valseando a manos llenas Un recorrido a cuatro manos por la historia del vals José Velasco En el lujoso libreto de NEOS se anuncia la puesta en escena de Pountney como una coproducción con el Teatro Wielki de Varsovia (donde se representó el pasado octubre). según apunté al principio. fue un invento de la diplomacia francesa y formó a su clase dirigente con una fuerte impregnación gala. vocado a la música camarística. barítono. Teodor Currentzis. Agnieszka Rehlis. La distancia temporal entre ambas partituras –París 1909 y Estados Unidos 1947– unida a su constancia artística sirven para colorear el retrato de Enescu como una personalidad fiel a lo que consideraba su espacio estético. la English Nacional Opera de Londres y el Teatro Real de Madrid. tenor. soprano. donde aparecen todos los géneros. con diecinueve piezas encantadoras que ayudan al empeño de perder el miedo a la música de autores aún vivos. ópera en dos actos) Michelle Breedt. Brahms compuso numerosos valses con especial acierto. MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Cuartetos de cuerda. danza popular centroeuropea en compás de 3/4. es Wolfgang Rihm.: FUG577 (1 CD) D2 . ofreciéndonos cincuenta y cuatro piezas infrecuentes tanto en la discografía actual como en las salas de conciertos. Creyó en la música como un orden universal y cumplió en su obra con ese doble principio: ordenamiento y universalidad. Roberto Saccà. brutales y enfebrecidos scherzos. Estos cuartetos atestiguan que conocía cumplidamente la escritura para los arcos y el equilibrio tímbrico y de volumen que exigían conservar al combinarse con el piano. dados sus tres movimientos característicos. las que parecen derramarse por entre los desolados compases de sus movimientos lentos. si no un lugar preeminente sí tiene un sitio especial porque Enescu fue un notable violinista –algunos lo consideraron entre los de primera línea de su tiempo– y.: 777394-2 (1 CD) D5 MIECZYSLAW WEINBERG (1919–1996): The Passenger (La pasajera. Cualquiera que haya escuchado los anteriores volúmenes de esta serie sabe ya que los cuartetos del músico de Varsovia están hechos de sangre –la que se agita furiosa en esos dislocados. mezzosoprano. piano a cuatro manos / FUGA LIBERA / Ref. Cinco autores. Artur Rucinski. ya que su país. vol. Por su estructura pueden considerarse más bien como sonatas para piano y trío de cuerdas. difícil de diferenciar del vals para un profano.: NEOS 51006 (1 DVD) D2 x 2 Rumano y educado en París. porque con las reducciones presupuestarias cualquiera sabe) su representación para el año 2012. una muestra de los cuales se ofrece aquí en transcripción de Otto Singer. y aquí tenemos estas diecisiete Danzas alemanas D 366 en transcripción de Johannes Brahms. director de vídeo (formato DVD PAL) / NEOS / Ref. No dejen de caer en la tentación. sobre un fondo de arquitectura formal donde se advierte la doble vertiente de sus aprendizajes: el romanticismo tardío y académico de Massenet y el mundo preimpresionista de Fauré. David Pountney. mezzosoprano. las de dos viejos conocidos. muy apropiada para la música de salón. de quien brilla en este disco un arreglo de Lucien Garban de ese gran homenaje que es La Valse. que con el uso se depuró y convirtió en el vals. Son esos veinte dedos los que convierten este disco en algo atípico y atractivo. Spinette y Michiels. donde está prevista (o estaba. alto / Wiener Symphoniker. coetáneo de Johann Strauss hijo. Svetlana Doneva. 5. Elena Kelessidi. fuera del cual sólo cabían algunas incursiones en el folclore rumano. intercalado a lo largo de todo el disco. Enescu era francés o afrancesado por donde lo miren. Rumania. cinco estilos y cuatro manos. Una cumbre de esta danza ya en el ocaso del romanticismo es el exuberante despliegue de valses que Richard Strauss incluyó en El caballero de la rosa. Angelica Voje. y están especialmente acertados en Brahms y Rihm. director musical. En el conservatorio parisino compartió las enseñanzas de Massenet y Fauré. Elzbieta Wróblewska. eximido de pintoresquismos y abusos de vestimentas regionales. CPO edita –ya lo apuntábamos al comienzo– el volumen 4 de la imprescindible edición que el Cuarteto Danel. Inge y Jan aprovechan bien la coqueta y sobria sonoridad de un Érard de 1892. Rihm. Al referirse a La pasajera. Y si hay un compositor que sorprende. su mejor intérprete actual. cargando sus alforjas para un largo viaje que terminó en 1955. Inge Spinette y Jan Michiels. 9 y 14) Quatuor Danel / CPO / Ref. De su generoso catálogo. asimismo. tanto instrumentales como vocales. Ravel. Con criterio cronológico. abren con el Ländler. como defensa contra el convulso siglo de Stravinski y Schoenberg. de Stalin y Hitler. he aquí una oportunidad única para disfrutar de una obra realmente importante y de alto voltaje emocional por más que su imaginario –no así su música– pudiera sonarnos demasiado. Su materia. Mientras tanto. que es el siguiente autor de la lista con sus dieciséis Valses Op. Prague Philharmonic Choir. 4 (Nos. con brillantes carreras en solitario. Otro admirador de esta forma musical fue Maurice Ravel. Shostakovich mencionaba que la música de esta ópera “estaba escrita con la sangre del corazón”. la música de cámara. LA VALSE À MILLE TEMPS: Valses de Brahms. está efectuando de la obra para cuarteto de cuerda de Weinberg. Lo aprendido le valió.: 777506-2 (1 CD) D5 Inge Spinette y Jan Michiels. soprano. como tal. es el mundo delicuescente del impresionismo francés. mezzosoprano.

2007. FRANCIS POULENC (1899-1963): Integral de canciones sobre poemas de Apollinaire Holger Falk. Por su actitud hacia la música. cada eco y cada resonancia están calculados con precisión milimétrica. con nuevas piezas del Bestiario hasta hace poco inéditas. Veinte años atrás. de quien había ofrecido Das Theater der Wiederholungen en 2006 en versión. Le bestiaire –seis breves y exquisitas cuartetas que evidencian la huella de Satie–. en que la constatación y deformación de procesos rítmicos iterativos se desencadena mediante procedimientos aleatorios rigurosamente controlados: en este caso. personal y reconocible. trivial y exquisita. timbre–. por la profunda exploración de los elementos que configuran esa sustancia –desarrollo formal. profundamente humana y a ratos surreal y hermética– se empapa de música en perfecta simbiosis de sensibilidades. “Apollinaire está hecho para mí. siempre. es en la década de los 30 cuando se produce el definitivo reencuentro. se trata de una reelaboración de materiales ya existentes que Rhim hace confluir en una obra imprevisible. los cuatro poemas de Lavant escogidos son “desmembrados” y reducidos a fragmentos y campos conceptuales unitarios. Franz Schindlbeck y Jan Schlichte. cuenta con el emergente barítono alemán Holger Falk. Pese a la complejidad de sus procedimientos formales. por encima de todo. en que Lang muestra su preferencia por la nitidez frente a la expansión expresiva.. Le da sólida réplica en la comprometida parte pianística el italiano Alessandro Zuppardo. que da buena cuenta del talante explorador que señalamos. escrita también para dos pianos y percusión. informal. Al lado de la implacable lógica constructiva de Bartók la obra de Rhim. presenta un discurso quebradizo. 38 schönberguiana sometida a cuatro enfoques diferentes culminados en una coda– apurando la alusión intertextual hacia dimensiones abstractas. limpia.. De las dos obras contenidas en este registro. piezas corales y la ópera Les mamelles de Tirésias.46 di v e r di siglos XX & XXI Personalidad de vanguardia Obras para dos pianos y percusión de Bartók y Rihm. una sola voz Elogio de la repetición Mélodies de Poulenc sobre textos de Apollinaire. laberíntica. No en vano. Col Legno. barítono. también por su carácter ecléctico. cada relación sonora estudiada y calibrada al detalle. for Arnold Sabine Lutzenberger / Klangforum Wien. logró integrar todos los recursos compositivos que adoptó en un estilo único. la poesía de Apollinaire –satírica y tierna. de Klangforum Wien. Monadologie VII . y todo ello es potenciado por una toma sonora de impacto. en el interludio central. chusca y nostálgica. la dureza de la guerra. brillante y contundente. de personalidad hermética. Vers le sud (el Midi en horas felices) y grandes poemas de amor como Sanglots y Voyage. Y así surgirán esas joyas que son La Grenouillière (una estampa de Renoir). se mostró receptivo a cualquier estímulo pero. Montparnasse (canto a la bohemia de 1902). por la intelectualización de un legado popular que investigó con verdadera devoción científica. no permaneció ajeno a ninguna propuesta musical. concluida un año después. la op. por Holger Falk Santiago Salaverri Nuevo monográfico dedicado a Bernhard Lang en Kairos Germán Gan Quesada Béla Bartók es una figura sin la que no podría entenderse la evolución musical del siglo XX. que a menudo esconden curiosas operaciones aritméticas y fórmulas de alto contenido simbólico. en plena guerra. en diferentes grados de cercanía y distanciamiento. La obra que aquí encontramos es una pieza clave de su catálogo. que hace gala de una voz de muy grato timbre y extensión razonable. espaciosa. dice Poulenc en carta de 1938. que toma como hilo conductor la reflexión sobre músicas preexistentes –en este caso. La huella que su obra dejó en el joven Poulenc fue duradera: de 1918 (año de la muerte del poeta) a 1956 salieron de su pluma 38 mélodies. Die Sterne des Hungers (2007) pertenece a las últimas muestras de su serie Differenz/Wiederholung. ritmo. for Arnold (2009) se integra en una nueva propuesta comprensiva del compositor de Linz. y de la capacidad de caracterización requerida por un repertorio de tanta exigencia expresiva. Cada sonido. La presente integral MDG de las mélodies Apollinaire-Poulenc. de modo evidente. Y es que Bartók. acompañados por Franz Schindlbeck y Jan Schlichte a la percusión. la douceur de vivre suburbana y. Allons plus vite (erotismo callejero). también en Col Legno). BERNHARD LANG (1957): Die Sterne des Hungers (The Stars of Hunger). piano / MDG / Ref. lúcida. La interpretación del GrauSchumacher Piano Duo. Alessandro Zuppardo. que proporciona el material. Dans le jardin d’Anna (sutil evocación dieciochesca). Bleuet (himno al soldado que va a morir).: NEOS 11032 (1 SACD) D1 Por tercera ocasión visita Kairos la producción de Bernhard Lang. una claridad.. de presencia asidua en el festival de Donaueschingen (2005. casi azaroso. materia sonora. Rosamonde (un encuentro en Amsterdam). y se diría que es el propio Poulenc quien canta el París de sus amores. un impulso y una perfección que fascinan al oyente. Paranoia. es un prodigio de ingeniería sonora. la canción popular. Monadalogie VII. Tras su primera colección. Quizá menos interesante por su tímbrica mate y carácter excesivamente homogéneo. tan precisa como ésta que hoy nos ocupa.: Sylvain Cambreling / KAIROS / Ref. servidos por una emisión vocal diferenciada y puestos en relación estructural circular con el conocido rondó de Machaut Ma fin est mon commencement. su país de adopción a cuya literatura contribuiría decisivamente como impulsor del tránsito del simbolismo finisecular al surrealismo de entreguerras. el amor. había conocido al poeta italo-polaco nacido en Roma y educado en Francia. Dir. en Neos Ignacio González Pintos Dos artes. No hay nada en él que cree obstáculos a mi música”. para la introducción y la pieza final del ciclo y que resuena.: MDG 1658 (1 CD) D2 SCHRIFT-UM-SCHRIFT: Obras para dos pianos y percusión de Béla Bartók y Wolfgang Rihm GrauSchumacher Piano Duo. Neos) y bien conocido por su proyecto operístico I hate Mozart (2006. percusión / NEOS / Ref. el lenguaje de Bartók posee una pulcritud.. en que tanto la mezzosoprano Sabine Lutzenberger como la experiencia ubicua de Cambreling saben extraer matices necesarios en música tan exigente como la de Lang. DW 17: Doubles Schatten.: 0013092 KAI (1 SACD) D1 . tomada no como instrumento o vehículo de expresión sino como sustancia. genial y un punto lunática.

acompañado por el compositor Eduardo Rincón y por el autor de estas notas. Atrás quedaba el estreno en el Teatro Real de una de las óperas más conocidas del compositor. director / CYBELE / Ref. Reinhold Friedrich.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 47 La vuelta de Henze Cybele dedica un triple CD a la faceta más íntima (con extensa entrevista incluida) del gran compositor alemám Javier Alfaya Hans Werner Henze Ya han pasado cinco años desde que Hans Werner Henze viajó a Madrid para estar presente en unos acontecimientos musicales que se convirtieron de hecho en un homenaje público a uno de los compositores más importantes de nuestro tiempo: el estreno de su ópera L’Upupa y los seis conciertos de la Orquesta Nacional de España dentro del ciclo titulado “Carta Blanca a . No hubo suerte en ninguna de las dos cosas. etc. que fue estrenado en España por Gloria Isabel Ramos. The Bassarids. que en la versión de la ONE tuvo a Arturo Tamayo como director. trompeta. (1) Hans Werner Henze: Canciones de Viaje con Quintas bohemias. NOTAS “Una triple grabación indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana.” en su primera edición. 2004. la guerra de 1939-45.: CYBELE SACD KIG003 (3 SACD) D10 x 2 . Bochumer Symphoniker. Ante Mirjam Wiesemann. Auden y de Chester Kellman. Como corolario quisiera hacer una observación especial. Jacobo Durán Loriga y Alberto González Lapuente entre otros. director general de Música. Una triple grabación (2) que. el libro que acompañó a la “Carta Blanca a Hans Werner Henze” contenía unos cuantos textos de sumo interés firmados por Justo Romero. musical y político. Apasionadamente plus. Henze cumplirá el 1 de julio del año en curso los ochenta y cinco años.” año en el que a la muerte de Fausto se añadió un diagnóstico médico de carácter fatal para el compositor–. sí cuando su propósito tenía un doble carácter.. en junio de 1999. Lulu Suite. y también su historia familiar. (2) Hans Werner Henze und das Requiem.H. cuando Henze llegó. y que aquí lo es por la Essener Philarmoniker dirigida por Stefan Soltesz. de ideas y de recuerdos. si no la primera vez. Dígamos que la interpretación de esta obra está a la misma. Aparecen ahora tres discos que tienen un doble interés puesto que dos de ellos recogen una larga entrevista de Mirjam Wiesemann con Henze en su hermosa casa de Marino. Aquel viaje al menos parcialmente frustrado se cerró para Henze con una larga jornada de charlas y lentos y divertidos paseos por la ciudad. Aunque en España no hay mucho escrito sobre el compositor alemán. por utilizar una palabra de uso corriente. la fascinación por la Italia pre-Berlusconi. Traducción de José Luis Arántegui. Alban Berg. que inevitablemente nos evocan al autor de su apasionante libro autobiográfico Canciones de viaje con Quintas bohemias (1). altura de la del Requiem dedicado a Vynyer. Otro disco también reciente (3) es la primera grabación de una obra bellísima. Apasionadamente Plus. y que aquí está interpretado por la Bochumer Symphoniker dirigida por Steven Sloane. Henze evoca los años pasados con su compañero Fausto Moroni. todo ello con el fondo de un vigoroso renacer creativo después de la terrible crisis del 2005 –el un Requiem dedicado a Fausto Moroni y unas cuantas obras más. los años ingleses. José Luis Téllez. excelente. HANS WERNER HENZE (1926): Réquiem (incluye entrevistas con el compositor y su asistente) Dimitri Vassilakis. Más atrás quedaba el viaje de 1977. durante la temporada 2005-2006. (3) Hans Werner Henze. que no parecen haber disminuido su capacidad creativa. director artístico de la London Sinfonietta. La compañía a esa obra fulgurante y llena de tensión es otra especialmente amada por el compositor: la Suite de Lulu de Alban Berg. una sinfonía. Un ejemplo de ello es que entre sus obras recientes se cuentan una nueva ópera. su evolución intelectual. La entrevista nos devuelve a un Henze lleno de vida. con el cual se entendió muy bien pero que vivía en la fase final de su presencia en el cargo. el desarrollo de su vocación musical. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y ” personal. Fedra. Steven Sloane. Antonio Machado Libros y Fundación Scherzo. con libreto de W. pero vale la pena intentarlo.Madrid. Cybele Records. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y personal. Aquel fue el primer gran éxito de Henze en España. Que se pueda encontrar actualmente en librerías de viejo es otra cuestión. piano. fallecido repentinamente. es indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana. acosado por una parte como fue el compositor desde las páginas de un periódico falangista por su claramente definida posición antifascista y a la vez recibido con los brazos abiertos por un Jesús Aguirre. Cybele Records. estrenada en 2003 por Gerd Albrecht al frente de la Royal Concertgebouw. ya estrenada. a unos cincuenta kilómetros de Roma y cerca de los Montes Albanos y un tercero la grabación del Requiem que el compositor dedicó a la muerte de su gran amigo Michael Vyner.

Un discurso singularmente fluido. Roberta Gottardi. Oceanía y Asia. Europa. A la vez. viola. Mario Caroli.. en todo caso –aunque sea ya el quinto volumen de la colección–. 4:30 am. y el trabajo detallado de densidades a partir de la sutil coloración tímbrica inicial de la primera pieza. una “constantemente renovada llamada a la utopía de los conceptos sinfónicos del mundo”. como una voz más. además de sus tareas en la dirección orquestal.: 93. que presta su Orquesta de la Radio de Stuttgart. incluso scherzante. su sfondo bianco. flauta bajo. la de Mario Caroli sobrevolando cual onírica ave los precipicios abismales abiertos por los timbres electrónicos) y Manhattan Bridge. nos permite atisbar un amplitud de lenguajes y de decisiones formales que vale la pena tener en cuenta.. desmentido por una densa instrumentación y por injerencias percusivas que perturban la expansión lírica.. aun teniendo en cuenta la fobia que los surrealistas de escuela (o de iglesia) sentían por la música. en una conciliación que no puede ser sino provisional. A ello se suma un dispositivo numeroso de percusiones con instrumentos igualmente folclóricos. ese Cuarteto nº 2 de naturaleza en muchos pasajes convulsa y exigente del más riguroso control del arco para organizar un agitado diálogo de líneas puntillistas (movimientos 1º y 4º) o alcanzar una fantasmal desnudez armónica (secciones centrales). Es hora de que su producción se conozca asimismo por medio de la grabación digital. clarinete. uno a Ravel y otro a Stravinski. clarinete o piccolo. y. la ciencia y la filosofía. Irvine Arditti y los suyos presentan una de las piezas más destacadas del monográfico. director / BIS / Ref. Spirit Voices.- Martino Traversa.V. Pronto llegará –¿verdad.48 di v e r di siglos XX & XXI Appassionatamente El ciclo Transformaciones de Wolfgang Rihm. Entre lo más sugestivo del recorrido cabe citar también Bianco. por su parte. Ensemble Algoritmo. es decir desligado de apoyos literarios o similares. interesado por la investigación electroacústica. lo cual puede aplicarse también a ese Cuarteto para viola sola. Garth Knox. la crítica. De muy distinta índole es el Segundo concierto para orquesta (2005) que se podría calificar de puro en lo sonoro. la conferencia y el libro. que parece apelar en cada obra de este Manhattan Bridge a un poderoso componente emocional del sonido. da paso en la segunda. l'eco.: NEOS 11023 (1 SACD) D1 El norteamericano Steven Stucky. la enseñanza. Marco Angius. Christian Arming y Matthias Pintscher. En Pinturas de Tamayo (1995) se vale de sugestiones tomadas de cuadros debidos al pintor mexicano y que también poseen un mundo de imágenes fantasmales. ma non troppo (para tape y flauta. Añade un par de homenajes. MARTINO TRAVERSA (1960): Manhattan Bridge. que anuncian la “llegada” de la orquesta internacional académica. que piden (y obtienen) su prosecución natural en la siguiente. WOLFGANG RIHM (1952): Verwanglungen Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR. por momentos exasperado. con vocación de continuidad manifestada en el final in media res de alguna de las composiciones. para dar paso en 2008 al cierre del ciclo. Pese al tempo rápido de todas ellas. Arditti Quartet. tres años posterior. por los cruces entre el arte. Lan Shui. . nacido en 1949. como indica Rainer Peters. tiene ya una prolífica obra en todos los renglones genéricos de la música como compositor. Singapore Symphony Orchestra. En este caso.: BIS 1622 (1 CD) D3 . con Mahler y Berg a la cabeza. encuadradas en la amplitud libérrima de la composición actual. fue durante unos años discípulo de Luigi Nono. con el Ensemble Algoritmo detallando con exquisita justeza tímbrica la atmósfera nocturnal de la pieza. Segundo Concierto pata orquesta Evelyn Glennie. fundador del Ensemble Edgar Varèse. en Hänssler Germán Gan Quesada Puentes en la noche Monográfico dedicado a Martino Traversa en Neos Javier Palacio Un laborioso americano BIS dedica un monográfico al estadounidense Steven Stucky Blas Matamoro Nuevo desembarco de la Wolfgang Rihm Edition de Hänssler Classic. sus Voces de los espíritus (2003) fue hecha para este registro y resuelve una curiosa mezcla de voces humanas de distintas tribus indígenas de América. Dato que se traduce no tanto en influencias estilísticas como en una especial libertad y sortilegio tímbrico a la hora de enfrentarse al hecho sonoro. no faltan elementos privativos: el clima umbrío. aunando en un mismo gesto el gusto por la captación de ámbitos fenoménicos de atractiva carga sensorial con una estudiada arquitectura compositiva.P. que invocan a los espíritus que aceptan sus distintas religiones y tradiciones populares. En la especie. constituye otra seña de identidad de este autor poco conocido por nuestros lares pero que sin duda contribuye al dinamismo y vitalidad del panorama actual italiano. con un Garth Knox desdoblado en varias voces gracias a la cinta magnética. percusión. ante músicas de nuestros días. reminiscencias de las grandes sonoridades orquestales del pasado siglo.. siempre en un clima de enrarecido extrañamiento musical.50 €. especialmente. Son soluciones que podríamos definir como de surrealismo musical. con el concurso de la SWR.: 17. por Matthias Pintscher. pese a la concentración armónica y a la eventual atomización de algunas secciones. más sí es más: las cuatro obras agrupadas bajo el epígrafe común de Verwandlungen [Transformaciones] esconden bajo su aséptico subtítulo de música para orquesta todo un universo de referencias concretas. STEVEN STUCKY (1949): Pinturas de Tamayo. se descubre al mismo tiempo de precisa elaboración. vano intento. compuesta en 2002. que desmiente cada año cualquier asomo de declive en feracidad y poder expresivo. a un carácter más ligero. el músico norteamericano. a través de esta muestra de su variedad imaginativa.263 (1 CD) P. Herr Rihm?– la quinta Verwandlung. Rimane. de energía tumultuosa no exenta de vienesa nostalgia. la tercera “metamorfosis” (2007) incide en un humor contrastado en que predominan el timbre heroico y el protagonismo solista de saxofón. director / NEOS / Ref. con lo cual Stucky termina de acreditarse como notorio exponente del eclecticismo posmoderno. Quadrato bianco. Estamos. pues. La música de Traversa. directores / HÄNSSLER / Ref. familiares a las anteriores. dirigida con claridad e ímpetu. de poner puertas al campo del catálogo del compositor de Karlsruhe.

95 € . sobrada preparación y excelente sonido.? José Luis Temes NOTAS Desde 1996 funciona en Santander el Centro de Documentación e Investigación de la Música en Cantabria. sombríos y sobrecogedores de ” la historia de la música española. así como la de Luis Morondo con la Coral de Cámara de Pamplona. director / VERSO / Ref. Su importantísima producción sinfónica permanecía discográficamente inédita. ciertos influjos de Ravel y “el detallismo orfebre del Stravinski neoclásico”. gracias a la Coral Salvé de Laredo. En las otras dos obras encontramos.: VRS 2098 (1 CD) D10 NEOS FABIÁN PANISELLO / GYÖRGY LIGETI Estudios para piano Dimitri Vassilakis. Tenía que ser José Luis Temes. 2001) ARTURO DÚO VITAL (1901-1964): Obras orquestales (Molinos isleños. (2) Entre ellos la catalogación de su obra. Dentro de la colección Antología de compositores de Cantabria de la Fundación Marcelino Botín. donación de los hijos del músico Ariel y Roberto Dúo de la Llosa. el compositor más importante que ha dado Cantabria. Suite montañesa. o los trabajos de la musicóloga Julia Lastra Calera (2) nos han acercado la figura de quien fue.” cada una despliega un rico tapiz de ideas musicales que mantienen el interés y garantizan el disfrute de cualquier buen profesional o aficionado a la música. piano neos 10946 (1 cd) p. uno de los momentos más imponentes. vieron la luz grabaciones del Trío para piano. Sinfonía para un aniversario) Orquesta Filarmónica de Málaga. Todo el contenido del disco da que pensar sobre nuestra vida musical.: 18..siglo XX 200 / febrero 2011 49 Los porqués ante la obra sinfónica de Arturo Dúo Vital Temes y la Filarmónica de Málaga graban para Verso la integral sinfónica de quien puede ser considerado como el más destacado compositor cántabro de la historia Andrés Ruiz Tarazona “El extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía se erige como uno de los momentos más imponentes.v. además del mismo magisterio en la orquestación. Cada una de ellas es cumplida muestra de su oficio de orquestador sobresaliente. pero cuando escuchamos el extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía.. Molinos isleños. Hay que aseverar que hoy por hoy no es Dúo “un perfecto desconocido”. sombríos y sobrecogedores de la historia de la música española.p. paisano por tanto de Ataulfo Argenta. Miguel Ángel Samperio. Suite montañesa (1949) y Sinfonía para un aniversario (1962). conservar. la ópera El Campeador sobre el Cantar del Mío Cid? ¿Por qué. el Cuarteto con piano y la Sonatina para quinteto de viento. así como el libro Arturo Dúo Vital. son prueba irrefutable de que nos hallamos ante un compositor de primer orden. tan sólo una serie de obras corales y varias piezas camerísticas de Arturo Dúo Vital habían pasado al disco (1). tantas veces presente en sus piezas corales. José Luis Temes. haya sido interpretada en los últimos años. violín y violonchelo). Santander. con el permiso de autores como Cándido Alegría. pese a que alguna de sus obras en este campo. Tan sólo en la Suite montañesa recurre Dúo al folklore de Cantabria. como afirmaba su esposa Ana de la Llosa Salvarrey. nos preguntamos con tristeza: ¿por qué no se programa con la asiduidad que merece esta obra formidable? ¿Por qué no se graba o se representa su última obra. como es el caso del poema sinfónico Molinos isleños (1932). sin duda alguna. como bien dice José Luis Temes en las notas al disco. estudiar y difundir el hecho musical cántabro en cualquiera de sus vertientes”. quizá resultado de su aprendizaje en el aula parisiense de Paul Dukas en la École Normale de Musique. cuyo objetivo es “recuperar. en grabación ya inencontrable. Porque las tres obras incluidas en el disco que nos ocupa. En la sede de la Fundación se guarda el legado del compositor Arturo Dúo Vital (19011964). La labor de José Luis Ocejo al frente de la Coral Salvé. creado por la Fundación Botín. y en (1) En el caso de la música para coro. Hasta hoy. quien llevase a cabo una de las más justas y necesarias aportaciones al patrimonio orquestal español. Eduardo Rincón y otros que han mantenido en alto la bandera de la gran música en aquella región tan bella. la mirada de un músico (Fundación Marcelino Botín.- . Gracias a ello puede ver la luz este magnífico CD del sello Verso dedicado íntegramente a obras orquestales del autor de Castro Urdiales. quien más de una vez dirigió páginas sinfónicas de su ilustre colega. en este caso con una Orquesta Filarmónica de Málaga de gran solidez.

. MASSIMO BOTTER (1965): Scream (Sentiero in un deserto di lava. Nos ocupa aquí la parte de la producción cageana reunida bajo el paraguas de la indeterminación. Seven Blades. Un disco para sumergirse en los universos del Cage más estético que merece degustarse con materiales explicativos que nos acerquen y aclaren sus continentes para así disfrutar de sus contenidos. director / STRADIVARIUS / Ref. finaliza esta panorámica reveladora de un autor al que no conviene ya perder de vista. Conservando un ADN intransferible –multiplicación de eventos sonoros. Como bisagra entre las dos anteriores puede entenderse And at the end. 3 y 4 (Colección John Cage. ensemble que permite a Botter sonidos frondosos cercanos a los orquestales y a la vez el manejo más sutil propio de los camerísticos. directores | 6576-2 El ambicioso proyecto del sello neoyorquino Mode de llevar al disco la obra completa de John Cage se acerca a su final (este es el 42) con el tercer y cuarto volumen de la obra escrita o reinterpretada para saxofón y su larga familia. que tuvo su arranque oficial con aquellos 4’33’’ con los que Cage puso patas arriba el fin último de la obra musical logrando una de las obras más trascendentes de la historia de la música. compuestas por el propio Cage junto a Cowell. espectacular y climático final– la obra construye un puente entre la expresividad de Sentiero y el nervio arrollador de Blades. respuesta lanzada en los cincuenta frente a la dictadura del control sonoro y su deshumanización. Zéula) Orquesta de la Comunidad de Madrid.50 di v e r di siglos XX & XXI Continente y contenido A cage of saxophones. La pieza. en la que comparece una gestualidad más violenta y discordante. Johannes Kalitzke & Franck Ollu. anuncia así un programa de elevada solidez musical. Zéula (1996). And at the end.. Monströses Lied. piano | 6734-2 WIDMANN / SCHUMANN Fleurs du mal (obras para piano de Widmann y Schumann) Fabio Romano. patente en el enérgico dibujo de conjunto. como si el compositor hubiera querido cincelar sus sonoridades a partir de filos cortantes que llevan a la máxima pureza instrumental. con el clarinetista Salvador Salvador como solista. piano | 6808-2 ARNULF HERRMANN Fiftive tänze. saxofones. José Ramón Encinar. the scream. servida por la formación madrileña con definidos planos instrumentales como sensual trasfondo para el vehemente discurso del solista. pieza de juventud sin la personalidad de las comentadas. de carácter por momentos espectralista. vol. vols.. Esta jaula de saxofones (“a cage of saxophones”) a la que se refiere el registro nos muestra un abanico interminable de posibilidades tímbricas donde Ulrich Krieger y su equipo despliegan todo tipo de colores y sutilezas al servicio de los continentes de Cage en versiones muy acertadas (hemos de tener en cuenta que estas obras no estaban escritas para ningún instrumento concreto). Indeterminación I (Herramientas) y II (Solo estructuras). una elocuencia más urgente sin lugar para lo retórico o accesorio. una con las ventanas abiertas y otra en estudio (atención a los ruidos que se cuelan en la grabación a los que debemos sumar los nuestros propios durante la audición como parte de la interpretación final). instrumentos adicionales / MODE / Ref. 42) Ulrich Krieger. Anklang y Direkt entrückt Ensemble Modern. fusión de ligereza y gravedad.: STR 33845 (1 CD) D2 . Terzenseele.. Destaca la sorprendente Party Pieces (1944-45) –erróneamente datada en el disco. a partir de la idea de los surrealistas Cadáveres exquisitos… y sonoros. su naturaleza contrastante donde caben las atmósferas detenidas tanto como las cimas de intensidad y sus desacomplejados apegos melódicos. La grabación abunda en estos terrenos resbaladizos magníficamente ordenados en dos partes.: MODE 222/23 (2 CD) Dx x 2 Sentiero in un deserto di lava (2006) abre con fuerza descriptiva y expresividad a raudales este monográfico dedicado al milanés Massimo Botter –muy vinculado a la escena musical de nuestro país– por el sello Stradivarius. En el segundo volumen contamos con dos versiones para trío de saxofones de 4’33’’. sin marginar con todo una particular inventiva tímbrica. Y que prosigue con Seven Blades para siete instrumentos (2008). recorre sus diferenciadas secciones analizando su denso color armónico. José Ramón Encinar al frente de la ORCAM. Harrison y Thomson. JOHN CAGE (1912-1992): La obra para saxofón. como ocurre con One (1990)–. the scream (2007) para oboe y catorce instrumentos. nueva entrega de la integral Cage en Mode Juan Francisco de Dios Vulcanologías Encinar y la ORCAM dedican un monográfico a Massimo Botter Javier Palacio PETERIS VASKS Las estaciones Vestard Shimkus.

que se atiene rigurosamente a él. en Kairos José Luis Téllez Jesús Rueda es uno de los compositores más dotados de la generación que frisa en los cincuenta años. al extremo de recuperar gestos rítmicos armónicos y formales tradicionales que inserta en una discursividad no convencional que van desde el moto perpetuo en semicorcheas a las repeticiones literales (uno de los grandes interdictos. por cierto de la música posterior a Schönberg): en el extremo. La literatura española reciente para cuarteto de cuerda es de especial riqueza y variedad: Guerrero. la insólita variedad de resultados posibles alcanzados en su cultivo y la flexibilidad y aptitud de la forma para autorregenerarse: las formaciones históricas perviven porque el tiempo las ha salvado. no funciona como tracto conclusivo (al modo de una posible sonata da chiesa. Se trata de verdadera música para cuarteto concebida en función de la naturaleza histórica y específica del conjunto. cuyo vertiginoso fluir de glissandi ascendentes superpuestos y yuxtapuestos –casi cercano a la electrónica en algún instante– está cuidadosamente escrito y calculado para hacer posible su ejecución sin violentar ni la afinación de los instrumentos ni el modo de utilizarlos aunque. son palabras (clarividentes. se atienen a “programas” argumentales o descriptivos que generan músicas de un atractivo verdaderamente singular: en el primer caso. que aparecen ahora reunidos en un álbum en la excelente interpretación de los solistas de cuerda del grupo berlinés KNM. Alfredo Aracil o Alberto Posadas entre otros (pero también los músicos de la generación de maestros. por cierto) del propio Jesús Rueda y el registro que aquí se comenta es una convincente demostracción. cuyo reciente “Música de tan difícil ejecución como brillante. Rueda riza el rizo con verdadera audacia e incuestionable maestría. Desde las sombras. tanto las formaciones históricas como los diseños compositivos tradicionales pueden evolucionar. como sugestión interpretativa de los tres días que Jesús pasa en el sepulcro antes de resucitar). respuesta y desarrollo que. desde Petrassi (a quien llegó a conocer). sino que. sino como materia viva capaz. escritos en 1990. de modos distintos. no como pastiche ni como refugio acrítico. se trata de la idea de la suspensión temporal entre la vida y la muerte a través de diferentes y cualificados mitos (desde Gilgamesh a Eneas. no ya en cada una de las obras aquí presentes. La música de Jesús Rueda es de una intensa expresividad y la propia forma de escribirla trabaja en tal dirección de un modo deliberado: por lo demás se trata de una obra que cuenta ya con dos décadas de antigüedad. bordeando el límite mismo de lo factible: extremo del que la obra obtiene buena parte de su fuerza y de su energía enunciativa. Por lo demás. alejada del un tanto superficial decorativismo de algunos de los autores citados (los más cercanos. Aunque. de pronunciar mensajes discernibles y perfectamente actuales. Luca Francesconi o Claudio Ambrosini.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 51 El último romántico Los cuartetos de cuerda de Jesús Rueda por el grupo berlinés KNM. Jesús Rueda JESÚS RUEDA (1961): Cuartetos de cuerda KNM Berlin / KAIROS / Ref. el movimiento final del tercer cuarteto contiene una fuga perfectamente construida con sujeto. de notable imaginación sonora y de una vitalidad que deriva de su excelente factura técnica y su eficaz ” escritura. en el segundo cuarteto. en opinión del abajo firmante. sumamente diferentes y contrastadas. sinfonías y hasta un un quinteto con piano (Bitácora. los límites). inmediato y accesible resultado. de un modo quizá excesivo. Como todo romántico. sino incuso dentro de cada una de ellas. de una hermosura extática y meditativa que muestra a las claras lo mucho que la tradición puede aportar al presente. Es una música de tan difícil ejecución como brillante. el menos germanizado y el más próximo a la escuela italiana. sea de una dificultad más que notable. con una hondura expresiva muy superior. una de sus obras más bellas y depuradas. la paradójica variedad de cuyo caudal tímbrico procede casi en exclusiva del modo tradicional de empleo de las correspondientes fuentes instrumentales que en momento alguno se transgreden ni se fuerzan. sobre todo). de la evocación de seres o situaciones míticas (los unicornios. sin embargo. 1992). eso sí. sin olvidar los doce de Ramón Barce. Música que se diría desencarnada. David del Puerto. Ésa es la dirección por la que los cuartetos de Jesús Rueda se aventuran: y el resultado es. 2002 y 2004. las sirenas. como estética de complejidad). y también uno de los más interesados en la tradición: en su catálogo cabe encontrar sonatas. y las ha salvado porque funcionan extraordinariamente bien. como Cristóbal Halffter. cumple destacar que Rueda es. de incuestionable felicidad. Mauricio Sotelo. todavía. la mayor contribución jamás debida a un autor español) demuestran la sorprendente vitalidad del género. pese a lo que ciertos episodios puedan aparentar: tal sucede con el arranque del Cuarteto I. de notable imaginación sonora y. de los compositores españoles de su generación. sobre todo. en razón del título de dicho movimiento: Isla de los confines. Previamente.” Cuarteto para el nuevo milenio es una de sus obras más logradas. siempre que esa tradición se invoque. no ya de semejante aserto. de una vitalidad que deriva directamente tanto de su excelente factura técnica y su eficaz escritura como de la convicción y la pertinencia de las líneas compositivas empleadas. pero también a Odiseo y a Orfeo. como muy oportunamente señala Javier Arias Bal en los excelentes comentarios incluidos en el álbum. testigo de la etapa en que el compositor emergía de su periodo de estudio con Francisco Guerrero y que muestra a las claras su deuda con Brian Ferneyhough (y lo que se ha designado. López López. por ejemplo) sino como un episodio de textura contrastante entre un catálogo de lo que cabría describir como posibilidades extremas. Jesús Rueda experimenta una especial atracción por las sugestiones de tipo narrativo o poemático como elementos incitadores de su creatividad: los cuartetos segundo (Desde las sombras) y tercero (Islas) no solamente poseen títulos sugerentes. Y tres cuartetos. hasta el presente. sino también de la coherencia con que el músico madrileño aborda su trabajo creativo. Nono y Dallapiccola a Ivan Fedele. inmediato y accesible resultado.: 0013122 KAI (1 CD) D1 . Rueda concluía la composición con un coral que asciende poco a poco hacia las tesituras agudas a través de una sonoridad que se adelgaza y se transfigura paulatinamente: es uno de los más bellos y conmovedores momentos de la música cercana que muestra a las claras las muchísimas direcciones en que. en el segundo. Luis de Pablo o Antón García Abril.

contrabajo. VOL. coquetean con otros estilos y se revuelcan con descaro en la desmesura. Los tres volúmenes que Neos dedica a las Donaueschinger Musiktage 2009 incluyen obras de siete compositores. y de unos efectivos constituidos fundamentalmente por instrumentos graves que son llevados hasta el extremo de sus posibilidades mediante procedimientos de saturación. CENDO: Introduction aux Ténèbres. Sciarrino explora la dialéctica de lo concertante. El juego de balanceo sugerido por el título queda patente en la fluctuación de la textura y la forma. “Emoción y sorpresa aportan vida a cálculos y geometrías” –Sciarrino dixit– y con esa finalidad se alza su Libro notturno delle voci para flauta y orquesta. configura un modelo acústico en el que coherencia y diversidad son generadas por el propio sistema.: Sylvain Cambreling y Denis Comtet / NEOS / Ref.52 di v e r di siglo XXI In Tenebris Lucem Fiel a la tradición. cantantes. en algunos casos. LÓPEZ: Incubus III Solistas de musikFabrik. “Bedrossian. Sciarrino. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. 13 instrumentos y electrónica es la confirmación del camino de la desmesura que ya había apuntado en obras anteriores como Rage in heaven city y Décombres. Eat the History! de Manos Tsangaris cierra el tercer volumen de las jornadas Donaueschingen 2009. Mediante una continua fluctuación de densidades. clarinete. que no es otro que el de dotar de coherencia a intérpretes. Dir. El francés vuelve a cargar las tintas sirviéndose de un texto plagado de imágenes brutales y desabridas. VOL. Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. Un poema de Paul Williams que evoca el espíritu del demonio como depredador sexual de mujeres dormidas sirve a López como punto de partida para recrear una orgiástica escena sonora que arranca con el grito desgarrado del protagonista al ser expulsado del cielo. Eat the History! (drama radiofónico sobre una instalación de ópera) SWR Vokalensemble Stuttgart. Algo más tibio en sus planteamientos con la saturación se muestra Franck Bedrossian (1971). Muy vinculada en lo vocal al sutil universo sciarriniano se desarrolla . coro. El italiano escudriña en el paisaje sonoro de la noche para integrar al oyente en su vaivén de murmullos y especulaciones tímbricas. que parece impregnar a parte de los cachorros ” de la vanguardia. EXPERIMENTALSTUDIO des SWR. Cendo. DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. percusión y electrónica del norteamericano Christopher Trebue Moore (1976). orquesta y electrónica. el Apocalipsis de Juan. arroja una nueva luz en el mundo de la música contemporánea. Neos publica lo mejor del Festival de Donaueschingen.: Georges-Elie Octors / NEOS / Ref. “exceso” o “distorsión” y no tienen inconveniente en rayar sonoramente con el jazz más abigarrado y el rock experimental. el bíblico de David y Betsabé. Amparados por los vientos de la comunicatividad.” La ópera radiofónica Batsheba. dan golpes en el suelo o profieren fragmentos destacados del texto además de hacerse cargo de sus respectivas partes instrumentales. en esta ocasión de la Edición 2009 María Santacecilia Apon de Beat Furrer. Cendo. en algunos casos. Solistas de musikFabrik. cuya Introduction Aux Ténèbres para barítono. A la música de López no se le puede negar buena factura y personalidad. El peruano Jimmy López (1978) es uno de los jóvenes irreverentes que han escogido la vía del exceso.: NEOS 11051 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. pero gracias a la versión especial realizada por el propio compositor somos testigos auditivos de la espiral de violencia que se desprende de la superposición de las dos tragedias. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. trufan su discurso con palabras como “saturación”. A partir del concepto homónimo perteneciente a la teoría del caos. El primer volumen de las veteranas jornadas muestra la singularidad de tres creadores nacidos en distintas décadas. Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. y un romance a tres bandas surgido en un chat internáutico. VOL. Su obra supone una traslación a sonoridades instrumentales de un texto del dramaturgo austríaco Händl Kraus y una exploración por el camino intermedio entre el habla y el canto. Su Incubus para clarinete. El propio Cendo afirma que esta técnica compositiva evoca el acontecer de una energía oscura que. Dirs. Furrer y López. Tsangaris consigue solventar el principal reto de este trabajo. el discípulo de Kagel plantea un rico juego de concomitancias entre dos trágicos dramas amorosos. 3: TSANGARIS: Batsheba. MOORE: Strange Attractors ICTUS Ensemble. fagot. Swing abstrae y confronta gestos propios del jazz para conformar una pieza de intensa tensión dramática articulada en doce episodios.: Beat Furrer / NEOS / Ref. Los dos instrumentistas asumen también el papel de actores convertidos en sátiros que gritan. La grabación no recoge el despliegue escénico por cinco ubicaciones de la localidad alemana. Dir.: NEOS 11052 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. batería y electrónica en vivo desarrolla un discurso de intensa fragmentariedad expresionista. Bedrossian. temas y espacios. Pero quien se lleva la palma del exceso es Raphaël Cendo (1975). que parece impregnar a parte de los cachorros de la vanguardia. cuatro de ellos nacidos en la década de los setenta. FURRER: Apon. paradójicamente. oscuro. invocan el espíritu de Romitelli. 2: BEDROSSIAN: Swing para 11 instrumentos. 1: SCIARRINO: Libro notturno delle voci. Enterrados los dogmas. Experimentalstudio des SWR. Concebida para actores. que completó su formación francesa con las enseñanzas de Lachenmann.: 11053 (1 SACD) D1 No son precisamente comedidos. Cierra el segundo volumen de las jornadas Donaueschingen la obra Strange Attractors para oboe. oscuro. tratando de diluir la confrontación entre lo social y lo individual inherente a este tipo de forma.

abunda en esos temas en su narración del encaprichamiento del príncipe heredero Philippe por la nada agraciada y linfática Yvonne. Pornografía. Yvonne ya había sido convertida en ópera por Boris Blacher en 1973 y por el polaco Zygmunt Krauze en 2004. tanto por las características de su silente personaje titular –dotada de siete únicas frases. De tema duro. que descubren en la muchacha el reflejo de sus propios vicios. y Paul Gay y Victor von Halem convencen plenamente como rey y chambelán. princesse de Bourgogne trae sus orígenes de la pieza teatral homónima del escritor polaco Witold Gombrowicz (1904-1969). Dir. de los prejuicios de clase y los valores tradicionales carentes de sustento ético. de accidente gastronómico: unas percas a la crema . mientras que no es posible apreciar en disco el trabajo de Dörte Lyssewski como Yvonne. En efecto. La grabación de Cypres. llevará a su condena a muerte. exquisitez sonora y potente tensión dramática. czardas zíngaras o can-can. Bondy plasma una agresividad verbal que refuerza aún más la violencia del discurso. Al reducir el texto a breves réplicas aceradas. esa ausencia de frases amplias ofrece a Boesmans una extraordinaria posibilidad de desplegar todo su virtuosismo de orfebre. Yvonne.: CYP 4632 (2 CD) D1 x 2 Con su quinta ópera. teatro y textos autobiográficos. ante cuyo cadáver todos se arrodillarán en hipócrita señal de duelo. Klangforum Wien. Yvonne. el nuevo fruto lírico del autor belga ha sido la última de las óperas creadas durante el mandato en París del actual director artístico del Teatro Real. la gran tragédienne Mireille Delunsch está deslumbrante como reina poeta e intrigante. Autor de novelas hoy consideradas de culto –Ferdydurke. se ven dotados de ciertos momentos de expansión lírica. desagradable. Si todos esos trabajos han pivotado en torno al creativo coliseo bruselense. Y por supuesto. que concierta todo con seguridad de trazo. disfrazada. y su antinacionalismo. su sátira –muchas veces en los límites de la literatura del absurdo– de las convenciones. Gay. obtenida durante la tanda de funciones inaugurales. mediante una orquestación sutil. la reacción de los reyes y toda la corte. perfectamente adecuado al texto de Gombrowicz diseccionado por Bondy. dirección escénica de Bondy y musical de Sylvain Cambreling. pero narrado en un tono paródico (Boesmans y sus libretistas rotulan su obra como “comedia trágica”). y el hartazgo del versátil príncipe. princesse de Bourgogne Santiago Salaverri “Yvonne quintaesencia el quehacer boesmaniano hasta la fecha. como dramaturgo y libretista. su obra se caracteriza por la profundidad de sus análisis psicológicos. camerística (una treintena de músicos). sólo los personajes de la reina y un misterioso expretendiente de Yvonne. el mérito principal corresponde a Cambreling. o más bien exabruptos– como por la exhibición de las miserias humanas a las que la frívola corte se entrega. publicada en Varsovia en 1938 pero no estrenada hasta dos décadas más tarde. el idioma elegido fue el alemán. responsable asimismo de las puestas en escena. regresa al idioma de sus orígenes. el compositor belga Philippe Boesmans (1936). la primera de ellas. con Luc Bondy (y Marie-Louise Bischofberger).” con espinas acarrearán la asfixia de Yvonne. Beuron / "Les Jeunes Solistes" vocal ensemble. Estrenada en la Opéra Bastille el 24 de enero de 2009. Para sus siguientes creaciones líricas –Reigen (1993). La libertad de procedimientos habitual en Boesmans alcanza aquí un grado excelso. princesse de Bourgogne. Yvonne. para guardar las apariencias. defectos y carencias. Cosmos–. lo que a su vez imponía la vuelta al francés de sus inicios. y una composición fragmentada en la que elementos atonales conviven con frases intensamente melódicas de armonía consonante junto a flashes con parodias de danza antigua.: Sylvain Cambreling / CYPRES / Ref. La passion de Gilles (1983) –encargo de Gerard Mortier para el Théâtre de La Monnaie–. PHILIPPE BOESMANS (1936): Yvonne. en un acto de pretendida emancipación de las convenciones y manifestación suprema de libertad. von Halem. Yvonne. Wintermärchen (1999) y Julie (2005)–. transparente. ofrece un sinfín de atractivos: ante todo por el impresionante trabajo instrumental del Klangforum Wien y la impecable prestación del Ensemble vocal Les jeunes solistes en sus intervenciones corales y en los roles secundarios. Yann Beuron realiza una perfecta encarnación del príncipe.siglo XXI 200 / febrero 2011 53 Boesmans en vuelo libre Cypres publica la grabación del estreno parisino de la nueva ópera de Philippe Boesmans. Trans-Atlantique. y de relatos. Princesa de Borgoña Delunsch. llevaba texto francés de Pierre Mertens. con los mismos colaboradores literarios. llamado “Inocente”. encargos de Bernard Foccroulle para el mismo teatro y frutos de la colaboración. la presente es pues su tercera reencarnación operística. Una escucha atenta de la obra revela a cada audición nuevos y fascinantes hallazgos que hacen de Yvonne la quintaesencia del quehacer boesmaniano hasta la fecha. Entre los protagonistas.

He colaborado con rockeros en calidad de arreglista. un Mozart o un Haydn (aunque. Yo percibo que en España. ya promoviendo el repertorio desde su podio como director titular de la Camerata del Prado –con la que presentará un oratorio de Ramón Garay en el próximo Festival de Arte Sacro de Madrid–. Entré muy tarde en la música clásica. Morales o Guerrero sí que se cuentan entre los más grandes).G. la gente no se siente parte de una evolución musical. ¿Qué ha sacado en claro desde entonces? TOMÁS GARRIDO: Esencialmente ha sido una reafirmación en el hecho de ser músico. el compositor catalán que acompañó a Falla en Argentina. algunos grandísimos sinfonistas que nuestros jóvenes compositores desconocen por completo.G. sin prejuicios. sin ir más lejos. y creo que usted es de esa opinión. Garrido ha alzado su voz en defensa del patrimonio musical español.G. Es decir. a diferencia de otros países. la música se convierte en otra cosa” Entrevista con el poliédrico autor y director de la Camerata del Prado David Rodríguez Cerdán Tomás Garrido si para afirmarse en su música tuviese que negar lo anterior.54 di v e r di entrevista Tomás Garrido “Al ser escuchada y vivida por cada oyente. Yo vengo del mundo del rock. ¿existe alguno que desaconseje tomar. ha realizado ediciones críticas de obras inéditas de Rodríguez de Ledesma o García Fajer… ¿Será otra la España que nos quede cuando el mapa esté completo? T. A lo que ella replica: “Me da igual el sitio”. Arturo Reverter ha descrito su carrera como “un camino sin fin” en alusión a sus múltiples intereses y facetas. ¿Se trata de otro de nuestros célebres complejos o es una cuestión de puro y simple desdén? T. y gracias a este bagaje he obtenido una visión de la música muy distinta de la que tienen la mayoría de mis colegas. conferenciante. intérprete y compositor. Está claro que la música española. que investiga.: Usted ha afirmado que el músico español no se siente parte de una tradición porque ha perdido de vista su pasado musical. quien puede ser perfectamente comparado con Haendel… D. autores anteriores como Victoria. Alicia le pregunta: “¿Qué camino debo tomar?”. Rodríguez de Ledesma. D. Verso edita ahora un monográfico en torno a su obra de cámara (1991-2005) que viene a dejar constancia del gran poder comunicador de su arte. A mí me gusta citar a Carroll a través de Borges. Caminus…. Y en el XVIII tenemos a Nebra.: Hay que tener un poco de cuidado. director orquestal. a los diecisiete años.: Yo creo que sí.: Sorprende. tocado la viola da gamba con deejays y flirteado con el jazz. Contrariamente a lo que se piensa. ya grabando bandas sonoras para Álex de la Iglesia o Pedro Almodóvar. Crítico musical. en este sentido. tiene obras magistrales como el Oficio de Difuntos o las Lamentaciones. ¿Pero qué es la mala música? Leopoldo Hontañón solía decir: “me gusta tanto la música que hasta me gusta la música mala”. D. Esto me ha hecho abrir los oídos. musicólogo.: Dice Machado aquello de que “no hay camino. no puede presumir de tener un Beethoven. y ahora sucede lo mismo con el XIX. Tras un primer disco dedicado a sus piezas a solo. que es uno de los grandísimos compositores españoles –cuenta con seis o siete poemas sinfónicos excelentes– o Jaume Pahissa.: En el último monográfico que le ha dedicado Verso. En general. pensada con fines puramente comerciales. que escribe sobre música… No puedo entender el amor a la música de otra manera. por ejemplo. la Generación del 27 no es tan importante como la del 98. un renacentista del siglo XXI que abraza la música como un hecho vivo y poliédrico. Todo depende de la dirección o del objetivo que te propongas.: Solo la mala música.: Ambas cosas. al igual que Gomis… En la transición del XIX al XX aparecen compositores de la altura de un Facundo de la Viña. Hasta hace poco el siglo XVIII español estaba completamente olvidado. que analiza partituras. Columna Música o Tritó… Usted. El riojano Tomás Garrido se ha convertido por derecho propio en uno de los músicos españoles más versátiles. el artista español suele despreciar su propio pasado. D. Puede que los compositores españoles de estos últimos siglos no estén entre los grandes ochomiles –como se dice en alpinismo–. Carnicer escribió tres óperas fantásticas. pero no por ello dejan de ser excelentes músicos. la cantidad de autores españoles que están siendo reconocidos en los últimos años gracias a musicólogos o discográficas y editoriales como Verso. El Gato responde: “Depende de adónde quieras ir”. alguna senda “prohibida”? ¿O todo vale? T. capaces de obras maravillosas. contesta el Gato. como . quien solía repetir un diálogo que Alicia y el Gato de Cheshire entablan en Alicia en el País de las Maravillas. “Entonces cualquier camino te vale”. que no salen del ámbito de la música culta. más concretamente la que va del XVIII al XXI. ya sea exhumando partituras inéditas de Tomás de Iriarte o Ángel Martín Pompey. DIVERDI: Desde que empezase su carrera formando parte del Grupo Glosa a su posición actual como director titular de la Camerata del Prado han pasado treinta años. cuya fantástica Sinfonietta para orquesta de cuerda he tenido el placer de dirigir. En todo caso. no me interesa lo más mínimo la música ligera prefabricada. se hace camino al andar”. ¿Hay alguna música que no le inspire simpatía? T. que toca un instrumento. ¡ojo!. Hoy en día la gente tiende a especializarse mucho y yo siempre he querido ser músico en el sentido más amplio de la palabra: un músico que compone. De ésta formaron parte multitud de compositores que esperan todavía ser descubiertos. que todo vale pero no todo vale en sí mismo. Con lo que no estoy de acuerdo es con el totum revolutum que estaba tan de moda en los 90.G. En términos compositivos.

” Dos nuevas entregas de Neos con obras de reciente creación mexicana nos sitúan en el rico panorama del país americano. Varèse. de acuerdo con las palabras del propio compositor. formados ambos en su país. Arturo Fuentes PASAJES-MÉJICO: Obras de cámara de compositores mejicanos contemporáneos (Alejandro Castaños.: NEOS 11047 (1 CD) D1 ARTURO FUENTES (1975): Música de cámara ensemble Intégrales / NEOS / Ref. Stravinski o Messiaen. El compositor no ha de reducir la experiencia musical de sus oyentes a una sola escucha. Su música es una sabia mezcla de rigor y de comunicación y ofrece la posibilidad de abundar en ella. pero su Arcana me cautivó por completo. Audición–. Estas son las líneas que he querido seguir. cuando la música se hace múltiple. Austria. Es entonces cuando la obra se enriquece. Aleyda Moreno. según la descripción de la obra de Juan Rulfo. ¿Se debe esto al contacto que ha tenido con la música popular? T. En este sentido creo que mi música refleja también mis gustos como melómano. sus goznes girando enmohecidos. hemos de permitirle “crear” su propia escucha o su propia obra a partir de lo que le suministramos. Cartas Ínfimas. la exuberante pieza de Bárcenas Un rencor vivo para violín eléctrico. percusión y electrónica toma como referencia Pedro Páramo. Me interesan mucho las músicas que nunca sería capaz de hacer. Vengo de un ambiente musical en el que el aspecto comunicativo y emocional es determinante. tanto las de los ochenta y noventa como las compuestas hace tres años. resuenan arcanamente en esta obra breve e intensa. que ya a día de hoy puede calificarse de brillante. porque me aportan un mundo enteramente diferente al mío. Tal es el caso de Juan José Bárcenas (1982) y Aleyda Moreno (1982). hizo una música cerrada en torno a sí misma. flauta. La obra de Arturo Fuentes (1975). . Pero sí creo que el oyente forma parte activa de esa “trinidad” musical. como el de Mozart. Habrá algunos que se exijan mucho y otros que no se exijan nada. no cuando se premedita. sino Trina –Composición. Camerata del Prado. pero a mí me sucede lo contrario. Por eso la música de Bach es tan rica: invita al intérprete a que la explore a su manera. Entre sus objetivos está el de recorrer la creación sonora de tradición culta en diversos territorios. yo no desprecio otras formas de enfocar la composición. que concluyó su formación en París y lleva más de una década instalado en Europa. Me gustaría que cada oyente entendiese mi música bajo su propio criterio. a pesar de la heterogeneidad de las propuestas. por más que algunos de los autores se inspiren en temas netamente mexicanos. plantea un rico universo plagado de referentes e interrogantes. que el propio compositor asimila al vuelo de un ave. D. violín. También me interesa mucho la música de Scelsi y Ligeti.G. y así cuenta con discos dedicados al continente asiático. G. enunciado soberbiamente por los miembros del ensemble Integráles. El atinado programa de compositores y obras propuesto por el conjunto de Hamburgo augura excelentes perspectivas para el panorama creativo de México. Gabriela Ortiz y Juan José Bárcenas) ensemble Intégrales / NEOS / Ref. es bueno cuando surge de haber interiorizado las diferentes influencias que se han recibido. Por otro lado.: Todas sus obras. pese a su rigor constructivo. Sugerente y llamativa por su coqueteo con ritmos de jazz resulta la evocación a Franco Donatoni en Antecedente X. el recorrido deja paradas en la fulgurante madurez compositiva de Gabriela Ortiz (1964). Al ser escuchada y vivida por cada oyente.entrevista / siglo XXI 200 / febrero 2011 55 Oír los goznes de la tierra Neos repasa en dos cedés la pujante fuerza creativa de la joven música mexicana María Santacecilia El eclecticismo. por no mencionar la de Bartók.: El oyente decide. Interpretación. Julián Elvira. Si la sutil. No obstante.: VRS 2092 (1 CD) D10 “La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como ” complejo..: Alguna vez ha afirmado que la experiencia musical no es Una.. Su cuidadísima escritura resuelve con éxito cuestiones como la búsqueda de una sonoridad aérea en Plexus. violonchelo. surgen a partir del recientemente celebrado bicentenario de la independencia mexicana. director / VERSO / Ref. por el contrario. Hay gente que repudia la música que no se ajusta a sus patrones estéticos. Georgina Derbez Roque. Arturo Fuentes. formalmente nos hallamos ante obras que provienen de la tradición culta europea. Concretamente estas dos grabaciones. TOMÁS GARRIDO (1955): Caminus . de una gran comunicabilidad. El ensemble Intégrales radicado en Hamburgo es un grupo desprejuiciado y curioso. con una exquisita parte para electrónica en vivo que se engarza etérea con la adusta línea trazada por el saxofón tenor. Muchas de mis obras beben también del free jazz. sería la responsabilidad del oyente? T. Tomás Garrido.. Concierto para violín y orquesta de cuerdas. la fresca desenvoltura de Alejandro Castaños (1978). he tenido esto siempre muy en cuenta a la hora de componer. en este sentido. hace gala de una valiosa vocación pedagógica y un marcado enfoque interdisciplinar. La vibración de la tierra vieja. D. Me refiero a que no podemos condicionar su experiencia de forma absoluta. que además de su extraordinaria calidad interpretativa. saxofón.: NEOS 10906 (1 SACD) D1 . titilante Night Music de Moreno se recrea en el mundo de la noche. La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como complejo. cuya música es objeto de un monográfico por parte del conjunto de Hamburgo. Otros conceptos explorados por Fuentes lo conducen por la levedad articulada y precisa de Lightness para violín y electrónica. están dotadas. con encargos del propio grupo en colaboración con diversas instituciones alemanas. he de decir que Witold Lutoslawski ha sido la gran influencia de mi obra. novela que refleja la actual sociedad mexicana. o por la oposición entre estatismo y movimiento en la hermética Passatempo. se convierte en otra cosa. de expandirla. Por el contrario. a su país vecino. PasajesMéxico y Música de cámara de Arturo Fuentes.. sin necesidad de que yo le imponga nada. ¿Cuál. y la estilización sonora tejida por Georgina Derbez (1968). y últimamente centra su atención en América. Es más. David Martínez.: Absolutamente. Además de Lawine de Arturo Fuentes.. ya que.

en este caso el taoísmo. grabación inencontrable desde hace años y convertida en histórica. debe considerarse al clarinetista como profundo conocedor de uno de los universos musicales más ricos y poéticos del pasado siglo. Por su parte. que vuelve a publicarse como homenaje a Lachenmann en su 75 cumpleaños para demostrar la vigencia de una estética tan radical en lo sonoro como coherente en lo conceptual. mientras Kontrakadenz accede en manos de la RSO Stuttgart dirigida por Michael Gielen al reino de lo referencial a golpe de explosiones climáticas. la quietud y la agitación y. Intermezzo para chelo y acordeón y Pezzo fantasioso per due strumenti con basso ad libitum (con violín y chelo). Harlekin. clarinetista del compositor alemán en Wergo Javier Palacio Antón Piedrahita Tirado Desde la colorista portada nos sorprende el clarinetista Michele Marelli transmutado en ente a medio camino entre el fauno y el trapecista circense. articulando los timbres del acordeón con las cuerdas del Cuarteto Minguet para ofrecer en Concertino un viaje pendular entre la luz y la sombra. Los solistas y formaciones que se escuchan aquí estaban dotándose de las herramientas para traducir las muy exigentes partituras de Lachenmann y llevar al campo de lo realizable su exploración de las capacidades tímbricas de los instrumentos. del cual explora con esta grabación la veta más juguetona y mágica de sus sonoridades. destacan la faceta lírica e inventiva –amable incluso– de un Yun fascinado por la sensualidad de las sonoridades y la viveza de las configuraciones contrapuntísticas. El constructor alegre.. El bufón farsante. ambas de 1988. Y especialmente expresionista. trenzándose los materiales en cascada evocadora del compás de los procesos naturales. la dinámica y la duración. La exploración de las posibilidades acústicas del instrumento llega no obstante más lejos en Dúo. Minguet Quartett. fricciones y choques. donde el acordeón establece colaborador diálogo con la plantilla instrumental proporcionando un fondo de gravedad terrosa o alzándose mediante una sucesión de virtuosísticas figuras motívicas. Accanto (1976) y Kontrakadenz (1971) eran las piezas contenidas en aquel lejano registro. El bailarín apasionado y El espíritu tornado en exaltado). Una comprometida versión de esta obra que funciona como introducción ideal a la producción de Stockhausen. oscuro y dramáticamente cincelado suena ese himno contra la barbarie que es Consolation I en las voces de Schola Cantorum Stuttgart. dictadas siempre por un rico juego de contrastes rítmicos. ofreciendo lecturas tan abruptas como emocionantes.: 6716-2 (1 CD) D2 Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken. En 1985 Wergo editaba uno de los primeros discos consagrados a Helmut Lachenmann. Consolation I. miembro del Ensemble Stockhausen entre otras aventuras. HELMUT LACHENMANN (1935): Accanto. ni la reflexión sobre la materialidad de la producción sonora. asociada por la industria cultural a banalidad. Consolation I (1967). acordeón. Marelli desarrolla de múltiples modos la serie de trece sonidos que constituye la esencia de Harlekin. proporcionando progresiva forma a la desarticulación inicial por medio de variaciones que afectan a la altura. entrega una versión de Accanto de tremenda efectividad y altísima concreción instrumental. entre el ying y el yang. meditativas. Hussong explora a fondo esas arquitecturas en permanente mutación. relato fantasmático del Concierto para clarinete de Mozart que una cinta hace a veces audible. a la batuta de la RSO Saarbrücken con el clarinetista Eduard Brunner como solista. Pezzo fantasioso Stefan Hussong. También sorprende la calidad de unas ejecuciones que apenas disponían de esa “tradición” obtenida con posteriores interpretaciones. con esa espiral desde los registros graves a los más agudos que simboliza una nueva búsqueda de luz. situado más bien en un territorio donde confluyen lo chamánico y lo lúdico. Kontrakadenz KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007): Harlekin Michele Marelli. pasando de los registros más agudos a los más graves y del pianissimo al fortissimo para elaborar a golpe de aliento tonalidades violentas.: 6738-2 (1 CD) D2 . Con varias piezas escritas para el acordeón y otras arregladas para su instrumento el solista Stefan Hussong ha confeccionado un intenso programa dedicado a Isang Yun.: STR 33864 (1 CD) D2 ISANG YUN (1917-1955): Concertino. impulsando a la viola en una tortuosa y por momentos vertiginosa carrera ascendente. Hans Zender. Intermezzo. Schola Cantorum. Todo se aclara cuando se repara en el título del disco. Lo que podría no ser sino rígida estructura deriva así en fraseo orgánico recorrido por el cromatismo y la variedad tímbrica. directores / WERGO / Ref. violonchelo / WERGO / Ref. En cualquier caso los argumentos meramente musicales de Marelli son contundentes: estrecho colaborador del compositor alemán durante más de una década. Julius Berger. El maestro pedante. Duo. nunca como hoy había sido tan actual esa puesta en cuestión de cierta idea de belleza. RadioSinfonieorchester Stuttgart des SWR. en definitiva. Clytus Gottwald y Michael Gielen. pieza escénica para Obras camerísticas de Isang Yun. alejando la música del marco idealista para acercarla a un universo físico de tensiones. basadas en el patrón inspiración-respiración. Así Hans Zender.. sarcásticas.56 di v e r di siglo XX Stockhausen-Chamán Accordion Rising Rebeliones Wergo recupera un legendario registro de Helmut Lachenmann Javier Palacio Harlekin. En realidad. A lo largo de siete secciones (El mensajero del sueño. opulencia y adorno. facilitadoras de las transiciones graduales dentro de unas estructuras que sirven para traducir sonoramente esa fluidez constante de todos los fenómenos de la que hablan las filosofías orientales. El lírico enamorado. La obra presenta diversas facetas o rostros de un Arlequín bastante alejado de sus orígenes en la commedia dell’arte. Es una música que se agita con alto colorido armónico y a partir de oleadas de fuerza variable. latidos. lunares. Y es que el compositor coreano fue un temprano defensor de las orgánicas modulaciones acordeonísticas. pieza de música escénica escrita en 1975 por Karlheinz Stockhausen que requiere de un intérprete capaz de demostrar igualmente sus dotes como mimo y danzarín. alientos y flujos interrumpidos. clarinete / STRADIVARIUS / Ref.

despliega una suerte de paisaje metafórico de la mente que destila cierto lirismo y aires de himno festivo y colorista guardando reminiscencias del violín gitano. En Cinnabar (Cinabrio) (1995). Krönung (Coronación). y la emoción subyacente. o de la experimentación abierta y tecnológica de Cage en Aria with Fontana Mix (1958). Stefan Asbury y Diego Masson. Stefan Asbury y Etienne Siebens. Cuatro composiciones agrupadas bajo un título. obra de la Yoko Ono fluxus. Tokyo Choraliers. para conjunto instrumental. y el recitado ritual de sutras reales o imaginarias. florecer. 1960) y Takahashi (Metathesis. compañero Luciano Berio en Circles (1960). la autora. de su compromiso con la creación de una época.: 6934-2 (3 CD) D2 x 2 De nuevo. en versiones fieles al espíritu de la época y a la letra de la toma sonora. 5: Coronation (obras de Vykintas Baltakas. director / WERGO / Ref. de motivos y combinaciones musicales que tienen al compositor como otro eslabón más de un proceso generado por un motivo inicial que adopta progresivamente la imagen de un mosaico con sus distintas teselas.: 6855-2 (1 CD) D3 . no guarda ninguna relación con los asuntos de la monarquía ni con la obsoleta imagen del genio y su aura correspondiente disuelta hace ya tiempo. de Earle Brown. VOL. ejercicio de matiz y claridad de planos. escrita para 14 músicos. que circula entre la interesante reconstrucción del timbre complejo de las campanas –espectralismo avant la lettre– en los movimientos orquestales. al servicio de la obra de su. Bussoty. imágenes metafóricas de un florecimiento. portador de poderosas emociones y misterioso brillo y vibración interna. la tensión entre la racionalidad constructiva de Xenakis (Herma. Peter Rundel. Peter Rundel. por aquel entonces. tan ejemplo de su personal poética como esta iniciativa discográfica lo pudo ser. buena parte de las inquietudes y aspiraciones de aquella no tan lejana vanguardia de los tiempos de la guerra fría… En primer lugar. Con el sentido plástico que la caracteriza. tiene un no disimulado parentesco con La Consagración de la Primavera en su espíritu y sus patrones rítmicos. directores / WERGO / Ref. A LIFE IN MUSIC. en su momento. establece correspondencias con el color. de un modo u otro. Magnus Lindberg y Iannis Xenakis) Juditha Haeberlin. la calidad de las interpretaciones brilla en estas cuatro piezas dirigidas por las sabias batutas de Diego Masson. Saunders. que. de Mayuzumi. fluye… El finlandés Magnus Lindberg se interna en los terrenos de la técnica espectral francesa con un gran trabajo de combinaciones armónicas a la vista de las nuevas posibilidades que esa levadura ofrecía en su momento para la composición musical. NHK Symphony Orchestra. en la que se desencadena en forma de cascada un campo de posibilidades. VOL. tenía que estar por encima de los modelos teóricos y matemáticos que cimientan sus obras y perseguir la claridad y la transparencia fue siempre un objetivo. 1968). la voz alucinada. que significa brotar. Como la que es utilizada por el lituano Vynkitas Baltakas en su obra (Co)ro(na). con obras de Baltakas. de la Fantasy for Pianist (1963/64). Cage. en doble labor de compositor e intérprete. Saunders construye una narración con la imagen del calor. del año 2005. Thallëin. culminan un proceso creativo que es trascrito y revelado en forma poética como un acto que corona simbólicamente una nueva criatura. Marco Blaauw.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 57 Brown ataca de nuevo Volumen tres de la serie A life in music de Wergo Germán Gan Quesada Floraciones Quinta entrega de la Edición MusikFabrik. Alude sobre todo a la actitud de los artistas que tras observar activamente y seleccionar acontecimientos que nos pueden implicar a todos. y de la versión “interactiva” de Corroboree (1963/64). 3 (COMTEMPORARY SOUND SERIES): Berio. en que se resume. La obra alude a Ouroboros. con nervio y color instrumental que se ramifica dentro de registros agudos para regresar nuevamente a su origen. un gran grupo instrumental explora un sinfín de combinaciones y tratamientos con sonidos sintetizados integrados y filtros que se abren a una rica dramaturgia derivando hacia un clima de refinada fantasía colorista a modo de coronación. Etienne Siebens. Y continúa deparándonos felices hallazgos: entre 1962 y 1970 se fechan las publicaciones originales de las grabaciones de esta caja. de la británica Rebecca Saunders. Nippon University Chorus. fechado en 1958/59 en su versión reducida. wilhelm schüchter. son. pese al riguroso planteamiento formal. las fricciones y los timbres agudos de la trompeta y el violín secundados por el grupo. De la “cantata budista” Nirvana Symphony (1957/58). desdibuja. las llamas del fuego a través de los movimientos ágiles. traza. Porque para Xenakis la intuición. como en otras ocasiones. Rebecca Saunders. Mayuzumi. violín. Thallëin habla de ello elocuentemente. trompeta. Reynolds. A través de extensa Joy (1989-90). la expresión. sugerente y precisa de la incomparable Cathy Berberian. . Lindberg y Xenakis Manuel Luca de Tena Dobla su ecuador con esta tercera entrega la reedición de la “Contemporary Sound Series” promovida por Earle Brown. Thallëin (1984) de Iannis Xenakis. atraerá al curioso la portada. por supuesto. de la apuesta dramática del Frammento (ahora Berio al piano) de Bussotti. aquí es el intenso rojo cinabrio. Música vigorosa. principio de lo circular representado por una serpiente que se muerde su propia cola. de Reynolds. y el descarado eclecticismo de su lenguaje. y del más adusto volumen consagrado a la “New Music for Piano(s)”.. titulados expresamente “campanólogos”. musikFabrik. EDITION MUSIKFABRIK. la autora toma el rojo y emborrona..

Y al mismo tiempo. revisitan desde perspectivas originales sus modelos temáticos y universos visuales para hacerles rendir nuevos sentidos en el contexto de nuestros días. como unas compañeras femeninas no siempre poseedoras del mayor equilibrio interno. Así el japonés Nobuhiro Suwa. y vienen acompañados por las peculiares presentaciones del cineasta Albert Serra. parece funcionar como metáfora del triste affaire sentimental vivido. pues. los diálogos y enfados –en muchos casos abiertamente cómicos– alrededor de un vaso de alcohol y.” la adecuación de sus formas de vida tradicionales a la era del capitalismo avanzado. y tanto en Noche y día (el film parisino de Sangsoo. marcado por el individualismo y la insolidaridad. reflejan la temperatura social de esa Corea volcada en destino de los personajes: por ejemplo. quien dirigirá un capítulo dedicado al coreano dentro de la prestigiosa serie Cine de nuestro tiempo. el surcoreano Hong Sangsoo. y en especial de los creadores orientales. Los cinco films recogidos en este nuevo cofre de la casa Intermedio suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno españolas. destacar la elegancia del realizador para trascender el terreno de lo anecdótico: ese plano final de la espléndida La mujer en la playa (2006). Asimismo vale la pena destacar los sutiles deslizamientos entre pasado y presente o entre sueño y vigilia: en La mujer es el futuro del hombre una relación pretérita se recupera mediante flashbacks (perceptibles sólo por los cambios de estación y vestuario) incrustados con perfecta continuidad en el desarrollo actual.: 59. claro está. que muestra cómo se atasca el vehículo de la chica para proseguir después. esa rara tendencia hacia una narrativa de segundo grado. En el caso de Hong Sangsoo asistimos precisamente a una actualización de los recursos de Eric Rohmer en unas narraciones que.P . mayormente artistas. de 2008) como Un cuento de cine los sueños –tampoco señalizados según los códigos habituales– introducen a sus protagonistas en un territorio apenas balizado entre el anhelo. ni tampoco para impedir repetir una y otra vez los mismos errores. la Nouvelle Vague sigue alimentando en forma de cierta sensibilidad y de cierta mirada las maquinarias del mejor cine contemporáneo. sus filmes revelan curiosas complejidades estructurales capaces de permanecer ocultas en una primera visión. las escenas de cama. espacio de una sexualidad mecánica y escasamente comunicativa. Y ello siempre en el marco de una dinámica narrativa que privilegia la deambulación en pareja. su trayecto. reivindicando una factura visual descuidada que incluye –¡viva la osadía!– el uso arbitrario e irritante del zoom. exploran el confuso territorio sentimental atravesado con brújula alocada por sus personajes. como en filigrana. los taiwaneses Tsai Ming-liang y Hou Hsiao-Hsien o. mensajes ni profundos análisis psicológicos. Mujer en la playa. Entre otras. a pesar de la transparente y nada preciosista puesta en escena de Sangsoo. que seguramente dejará en ella el mismo rastro que las huellas de neumático sobre la arena. Hong Sangsoo alcanza a elevarse a la categoría de uno de los más cómicos pero desesperanzados relatores de nuestra época. Noche y día) Hong Sansoo.V. Finalmente. De este modo.58 di v e r di cine El relato de nuestra época Intermedio reúne en un cofre cinco películas del director coreano Hong Sangsoo Javier Palacio “Los cinco films recogidos en este cofre suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno ” españolas. atrapados en espesas y precarias telarañas afectivas.95 €. Se despliega así un catálogo de figuras masculinas que actúan a partir del esquema “chico encuentra chica-chico deja chica-chico liga con nueva chica-chico se queda solo”.. en La puerta de la vuelta una antigua leyenda sobre el amante despechado que espera ante un umbral cerrado acabará demostrándose profética. despojadas del trasfondo moral del realizador francés y con un humor no por soterrado menos efectivo. mientras en Un cuento de cine la existencia de un corto generará extraños ecos y proyecciones en la realidad de los protagonistas. siendo sus víctimas tanto ellos mismos. HONG SANSOO (1960): 5 películas (La puerta de la vuelta. guionistas y directores de cine. Sus personajes practican una seducción asimétrica –sirviéndose de su superioridad jerárquica en el orden social– y se cimbrean entre el pequeño abuso y la traición descarada. haciendo que un relato previo guíe el decurso de la acción y con ello el Lejos de ser un simple movimiento circunscrito a una época. quien nos ocupa. lo ya sucedido o lo aún por suceder. Con unos modos cinematográficos caracterizados por una llamativa carencia de estilo. no nos volvamos monstruos”.: PRP 28 (5 DVD) P . más allá de la fórmula repetida sin ningún éxito por el protagonista de La puerta de la vuelta (2002): “Aunque es difícil ser un ser humano. guionista y director / INTERMEDIO / Ref. sin mayores problemas. La mujer es el futuro del hombre. Por otra parte. Y es que la relación entre iguales no parece posible en el mundo de Sangsoo. películas como La mujer es el futuro del hombre (2004) o Un cuento de cine (2006) resultan no obstante de lo más precisas a la hora de ofrecer inmisericordes retratos de sus protagonistas. dando pie a un amplio muestrario de variaciones y combinaciones. Un cuento de cine. Por todo ello este cine de la desilusión no ofrece asideros morales. Y es que tal parece la mayor y paradójica enseñanza del cine de Sangsoo: en un mundo sin certezas ni directrices morales la vida se dirime en un incesante flujo de pequeños acontecimientos que no sirven como aprendizaje.

CD COMPACT JOSÉ DE NEBRA (1702-1768): Amor aumenta el valor / Los Músicos de Su Alteza. Varnay. Uhde. Un disco sorprendente que te coge por el cuello hasta que te descubres disfrutándolo. y Tabula rasa. Dirs.: Antonio Florio / GLOSSA / Ref. vol. Las juveniles sonatas Kurfürsten son sólidas. El repertorio ofrece panoramas distintos y complementarios expuestos con excelente técnica e implicación por dos músicos de pies a cabeza. soprano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. GRAMOPHONE PATRICIA KOPATCHINSKAJA: Rapsodia (Obras de Enescu. que forman un formidable conjunto de cámara. El programa no podía ser más exigente. que incluye Beethoven antes de ser Beethoven. director / RICERCAR / Ref.: ZZT 100801 (1 CD) D2 Es puro disfrute escuchar la primera ópera de Vivaldi. SCHERZO ROSENMÜLLER: Beatus Vir?: Motetes y sonatas / Gli Incogniti. Luis Antonio González. 2007) / WIGMORE HALL LIVE / Ref.257 (1 CD) D14 x 2 Pocos colegas de Pärt gozan de tanta aceptación popular. SCHERZO MOZART: Conciertos para piano. DIAPASON WAGNER: El Anillo del Nibelungo / Hotter. El paseo crepuscular de la Polonaise-Fantaisie da el tono a un recital donde los doce Etudes Op.: C806102I (2 CD) D4 x2 Disco de lo más recomendable por la bellísima música de Caresana y por la interpretación global. Greindl. Coro de Cámara de Namur. Levine.: V 5193 (1 CD) D1 El Anillo dirigido en 1953 por Clemens Krauss encuentra por fin su luz. maduras.: MDG 1646-6 (1 SACD) D6 x 2 Merece destacarse en esta primicia la espontaneidad del discurso dramático y la inspiración que no decae en ningún momento. Y mucho más esta entrega. Kurtág. reeditado aquí dentro de un hermoso libro en edición de coleccionista. en este nuevo ejemplar de su ciclo mozartiano. González tiene el honor de ser el primero en grabar esta ópera. Todos los intérpretes se entregan y creen en los roles que están interpretando. Dir. (1953) / ORFEO / Ref.90 €. Duparc & Warlock / Julius Drake.: Giovanni Antonini / NAÏVE / Ref. Neidlinger. Las arias y dúos son de una extraordinaria belleza y refinamiento. Dinicu. Por algo es uno de los grandes directores händelianos. Lehtipuu / Il Giardino Armonico. SCHERZO MALTMAN canta Schubert. Sobresaliente toma de sonido y recomendación absoluta. director / NAÏVE / Ref. SánchezChiong y temas populares rumanos) / / NAÏVE / Ref. Un disco imprescindible. piano. SCHERZO SONATAS PARA VIOLONCHELO Y PIANO: Obras de Frank Bridge. DIAPASON GOERNER interpreta CHOPIN / Nelson Goerner.: ECM 1275EE (1 CD + Libro) D10 x 3 . Cuando los dos cantantes se unen la riqueza se multiplica. quien. Pocas voces tan lustrosas.: C809113R (13 CD) D4 x 5 La ilación del relato está garantizada por la habilidad de Arturo Reverter para enlazar con amenidad los muchos temas tratados. Una concepción del canto / 303 páginas (incluye CD) / ALIANZA EDITORIAL / Ref. piano (Grabación en directo. Debussy. ÓPERA ACTUAL GRÉTRY: Céphale et Procris / Les Agrémens. vol. una sala ideal. piano / HÄNSSLER / Ref. se lleva la parte del león. Florio se rodea de sus más destacados colaboradores. y sobre todo descubrir a la señorita Lezhneva. es tan responsable de ese éxito como el resto de su música. CD COMPACT CARESANA: L’Adoratione de’ Maggi (Cantatas Napolitanas) / I Turchini.: V 5234 (1 CD) D1 Soberbia demostración de las posibilidades del dúo violonchelo-piano. en el rol de Caio. Raquel Andueza. fortepiano / BIS / Ref. emocionantes. Marc Minkowski. Lectura sumamente equilibrada. DIAPASON VIVALDI : Ottone in villa / Cangemi. Julius Drake está francamente deslumbrante. SCHERZO MIRELLA FRENI: Arias de ópera / Domingo.: OP 30493 (2 CD) D6 x 3 Esta colección es una joya y ningún musicómano puede dejarla pasar. 9 / Ronald Brautigam. Ozawa. 6 (nºs 14. Abbado. Orchestre de Chambre de Lausanne / MDG / Ref. Sonido de grabación en general muy bueno. Pruebe el Ligeti interpretado al cimbalom. 15 y 21) / Christian Zacharias. Wolf. I Turchini recupera el magnífico sonido de antaño.: Karajan. director / ALPHA / Ref. Raimondi / Orquesta y Coro de la Ópera de Viena. piano / WIGMORE HALL LIVE / Ref.- Lo más original del disco está en la música vocal.: DIV9788420682310 (Libro + 1 CD) 24.: GCD 922601 (1 CD) D2 Conozca a los Kopatchinskaja. Kleiber / ORFEO / Ref. GRAMOPHONE ARVO PÄRT (1935): Tabula Rasa (Edición Especial Limitada de Coleccionista) / (la edición incluye un libro de 200 páginas con facsímiles y materiales inéditos) / ECM / Ref.: 93. Lezhneva. Se ilustra con un CD e incluye algunas fotografías inéditas.: Clemens Krauss. Benjamin Britten y Arnold Bax / Johannes Moser. violonchelo. Guy Van Waas.: RIC 302 (2 CD) D10 x2 Christopher Maltman se incorpora a la lista de liederistas y ejecutoria cumplida de su arte es este recital en vivo. CD COMPACT GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Water Music. Estos motetes inéditos de Rosenmüller son una delicia en labios de Raquel Andueza. Rodrigo (suite de la ópera) / Les Musiciens du Louvre-Grenoble. CD COMPACT BEETHOVEN: Obras completas para piano. Ligeti. con momentos realmente antológicos. Dir.: BIS SACD 1672 (1 SACD) D3 Nebra es el músico más grande nacido en España (con permiso de Victoria).: ALPHA 171 (1 CD) D2 Zacharias luce.Preciosos CDs para comprobar el nivel artístico de una cantante clave en la historia reciente de la ópera.: WHLIVE 0020 (1 CD) D4 Una tarde de octubre de 2009. su concepción elegante y refinada pero esencialmente vitalista e inquieta. Paul Rivinius. Dir. 10 se liberaron de toda pretensión virtuosística para no ser más que color. Windgassen / Orquesta y Coro del Festival de Bayreuth. Un león honesto. de atractiva locura. pocas técnicas tan naturales. ÓPE RA ACTUAL ARTURO REVERTER: Alfredo Kraus.: WHLIVE 0039 (1 CD) D5 Esta versión de la Water Music de Marc Minkowski está y estará durante mucho tiempo en el Olimpo de las elegidas. Prina. Vinay.

. pianoforte / BRILLIANT / Ref. Francesco MolinariPradelli.P 7. Luisita Solá. / Gran Orquesta Sinfónica. .. The Gondoliers. vol.95 €.90 €.: ALC 1133 (1 CD) D7 ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Etudes symphoniques. independizada ahora de su antiguo sello madre.95 .V.: 93977 (2 CD) P . . Francesco MolinariPradelli. Entre las grabaciones maestras que nos trae este mes se cuenta una estupendísima integral de los Conciertos para violonchelo y orquesta de Khachaturian.V..: 8802044 (4 CD) P .80 €.. . Orquesta Nacional de España. sopranos y mezzospranos interpretando las mejores arias de todos los tiempos.95 €.: 27.90 €. piano / ALTO / Ref.GIOACHINO ROSSINI (1792-1868): Sonatas para cuerdas nº 1-6 / I Musici / NEWTON / Ref. soprano.95 €. Alberto Erede.90 €.: ALC 1131 (1 CD) D7 SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Música para violonchelo y piano / Marina Tarasova.: . piano. Arias de Haendel.90 €.- La compañía Alto. director / ALTO / Ref. y todas a un precio imbatible. Différences.P DOMENICO CIMAROSA (1749-1801): 30 sonatas para guitarra / Claudio Giuliani.COLECCIÓN LOEKI STARDUST QUARTET: Música para conjunto de flautas de pico / Amsterdam Loeki Stardust Quartet / NEWTON / Ref.: 9160 (2 CD) P. un monográfico de Stravinski por nuestro Rafael Frühbeck de Burgos al frente de la LSO.Anita Fernández / Coro de Cantores de Madrid. piano / BRILLIANT / Ref. .: 3. VIII (3 Quintetos de cuerda. Emilia S. director / NOVOSON / .65 €. Gran Orquesta Sinfónica.: MCDV112 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA GILBERT & SULLIVAN: Karaoke de arias de ópera de Gilbert & Sullivan (The Mikado.. Francisco Palos. Antonio Medio. los cuartetos de Bartók por el Hagen.70 €. director del coro..90 €. Por su parte. Rafael Frühbeck de Burgos. o Holliger. que recupera para nosotros grabaciones hace tiempo inencontrables. .. Orquesta del Teatro Calderón de Madrid.95 €. José Perera.: ALC 1125 (1 CD) D7 KARAOKE OPERA TENORES: Karaoke de arias de ópera pata tenor y barítono (incluye Nessun Dorma. director / NEWTON / Ref.BÉLA BARTÓK (1881-1945): Integral de los cuartetos de cuerda / Hagen Quartett / NEWTON / Ref.: MCDV111 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA DIVAS: Karaoke de arias de ópera para soprano y mezzosoprano (incluye Habanera. Royal Opera House Orchestra.JESÚS GURIDI (1886-1961): La condesa de la aguja y el dedal y JESÚS ROMO (1906-1995): Un día de primavera / Pilarín Bañuls. Nicasio Tejada. soprano. la integral pianística de Dukas y la de dos pianos de Ravel. el 8º volumen de la serie dedicada a los quintetos de Boccherini y obras para guitarra de Pujol y Cimarosa. Fantasiestücke / Sviatoslav Richter.P CD) P . Pirates of Peanzance. soprano.V. La economía sigue a salvo con el sello Newton. Delibes y Meyerbeer / Joan Sutherland. Alto vuelve a sorprendernos con una serie “Karaoke” en DVD que hará las delicias de aquellos aficionados y/o profesionales que quieran hacer sus pinitos como tenores. John Alldis Choir. La condesa de la aguja y el dedal y Un día de primavera..P 7.: 94024 (1 CD) P . / Cathy Berberian.: 8802039 (6 CD) P .: 94176 (2 CD) P ..V. director / ALTO / Ref. 39) / La Magnifica Comunità / BRILLIANT / Ref. Marcia Hadjimarkos. director / NEWTON / Ref. Josefina Canales. Symphony Orchestra of Russia. ¡Una serie que muchos estaban esperando! ARAM KHACHATURIAN (1903-1978): Conciertos para violonchelo y orquesta / Marina Tarasova.: 9209 (1 CD) P .José Luis Vicente Gil. Tullio Serafin. con títulos tan infrecuentes como El húsar de la guardia (con Pilar Lorengar).: ALC 1132 (1 CD) D7 RENATA TEBALDI: Canta arias de Giuseppe Verdi y Giacomo Puccini / Renata Tebaldi.P €.P Ref. Hay más cosas.V.V. Herbert von Karajan.: 7.) / ALTO / Ref. Alexander Polezhaev. .P 94172 (1 CD) P .: ALC 1136 (1 CD) D7 1 CD / D7 JOAN SUTHERLAND: Art of the Prima Donna..: .: MCDV113 (1 DVD) D4 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.MÁXIMO DIEGO PUJOL (1957): Historias sin palabras. Suite de Petrouchka / London Symphony Orchestra. Margaret Marshall. el Juillard Ensemble y Cathy Berberian interpretando obras de su marido.V. guitarra / BRILLIANT / Ref.. Julian Thurber. soprano. Vittorio Negri. Orchestra dell Accademia Santa Cecilia.) / ALTO / Ref. Regis Records. O Mio Babbino Caro. Heinz Holliger. Gennadi Rozhdestvensky.P BRILLIANT / Ref.: 8802040 (1 CD) P .: 8802011 (2 CD) P . director / ALTO / Ref.P.: 4. como los discos del Amsterdam Loeki Stardust Quartet. Gounod. Wiener Philharmoniker. Due pezzi. Concertgebouw Chamber Orchestra.: 4. op.V. Visi d'Arte.GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854-1923) y AMADEO VIVES (1871-1932): El húsar de la guardia / Pilar Lorengar. otro sobre el piano schumanniano a cargo de Sviatoslav Richter (ahí es nada) y dos excelentes repasos fonográficos a las voces de Renata Tebaldi y Joan Sutherland.60 di v e r di editorial zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco El mes de febrero nos trae una nueva entrega de la colección de zarzuelas.Gregorio Lavirgen. Blunte Blätter.: Z-212 (1 CD) P. Para terminar.: ALC 1094 (1 CD) D7 PIOTR ILYTCH TCHAIKOVSKY (18401893): Sinfonías nº 2 y 3 / Russian Federation Large Symphony Orchestra.: 7.. Miembros del Julliard Ensemble / NEW. piano / .V.JOSEPH HAYDN (1732-1809): Canciones y cantatas / Emma Kirkby. además de dos hitos en la discografía de Falla dirigidos por el maestro Argenta.: 3.95 €.: 23. Color sepia. La Donna e Mobile.: 8802041 (2 CD) P . . Gerardo Monreal. Luciano Berio. directores / NOVOSON / Ref.: ALC 1103 (1 CD) D7 IGOR STRAVINSKY (1882-1971): La consagración de la Primavera.V.: Z-208 (1 CD) P . oboe. Funiculi Funicula. piano / ALTO / Ref.: 3.) / ALTO / Ref... I Musici tocando sonatas de Rossini. Veronika Dudarova.V. Manuel Ausensi.: .ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Música sacra / Felicity Lott. de la Fuente. piano. barítonos.: . director / NOVOSON / Ref.V.V.: 4.P. Mozart.P TON / Ref.P ATAÚLFO ARGENTA Y LA ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA: El sombrero de tres picos y Noches en los jardines de España de Manuel de Falla / Gonzalo Soriano.: 3. Pedro Cancela. Bellini.. . P.P 15.MAURICE RAVEL (1875-1937): Obra completa para dos pianos / Ingrid Thorson. PAUL DUKAS (1865-1935): Obras completas para piano / Marco Rapeti. Ataúlfo Argenta.: 8802045 (4 . Dolores Cava. música sacra de Vivaldi en manos del legendario Vittorio Negri. directores / ALTO / Ref. Hubert Dopf. violonchelo. violonchelo. Larrea..CANTOS GREGORIANOS PARA EL AÑO LITURGICO / Wiener Hofburgkapellle.. O Sole Mio. Jesús Romo. / Giorgio Mirto.: Z-207 (1 CD) P .: 7. director / ALTO / Ref. nos trae este mes auténticas joyas de los 60 y 70 cuyas ediciones originales hace tiempo que se encuentran descatalogadas..V.P LUCIANO BERIO (1925-2003): Sequenzas III Y VII. Rossini.95 €. Encarnita Máñez.V. Brilliant vuelve a sorprendernos con lanzamientos inesperados: Emma Kirkby cantando Haydn. guitarra / BRILLIANT / Ref.P LUIGI BOCCHERINI (1713-1805): Quintetos de cuerda.

Di Stefano. Sutherland).: 2CD 00258 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): El Oro del Rin / Uhde. Güden. director / REGIS / Ref.: 3CD 00276 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Parsifal / Beirer.: RRC 1361 (1 CD) D7 FRANZ LISZT (1811-1866): Conciertos para piano nº 1 y 2 / Alfred Brendel. Walter. Wunderlich.: ANDRCD 9080 (2 CD) D13 x 2 JOHANN STRAUSS (1825-1899): Die Fledermaus / Wächter. Mención especial merecen The Lyndsays interpretando cuartetos de Janacek y Dvorak y tres discos dedicados al extenso mundo del villancico inglés. Sinclair / Royal Opera House. Winter Words. no se queda atrás: a la grabación referencial del Samson haendeliano (Vickers.: Otto Klemperer (1960) / ANDROMEDA / Ref. op. director / REGIS / Ref. Bastianini / Dir.: RRC 1357 (1 CD) D7 ALEXANDER GLAZUNOV (1865-1936): Sinfonía nº 6 / London Symphony Orchestra.: RRC 1363 (1 CD) D7 JOAN SUTHERLAND: Arias de ópera (Su primer recital de ópera para Decca de 1959) / Joan Sutherland. Draksler y Patzak bajo la batuta del inefable Kurt Richter. guitarra. tanto vocales (con el primer recital para Decca de la inigualable Joan Sutherland. ¿A qué están esperando? ¡¡A por ellos!! MARIO LANZA: Arias de ópera famosas (Donizetti. Varnay / Dir.: 4CD 00273 (4 CD) D5 x 2 VINCENZO BELLINI (1801-1835): La Sonnambula / Sutherland.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Höffgen. por ejemplo. Dirs. la versátil Felicity Lott en un disco mozartiano y el tenor Peter Pears cantando. Carlyle. Dir. Edward Higginbottom. ANTONIN DVORÁK (1841-1904): Cypresses / The Lindsays / REGIS / Ref. Mozart. Flotow y otros) / RCA Orchestra. el piano de Alfred Brendel en obras de Liszt y la guitarra de Alfonso Romero ofreciéndonos tres conciertos de Rodrigo).: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Bjoner. Stolze.: 4CD 00272 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Götterdämmerung / Hopf. Kraus. Di Stefano.: Herbert von Karajan (1960) / ANDROMEDA / Ref. Andromeda.: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: ANDRCD 9079 (5 CD) D4 x 2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): La Pasión según San Juan. Rouleau.: ARPCD 0512 (1 CD) D13 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Misa en Do mayor. mejor que nadie.. Fehringer / Kölner Rundfunkchor y Orquesta. Myto Historical Line nos sorprende con una “alfombra roja” de auténtico lujo: un Andrea Chénier parmesano con Stella. Carlyle.: ARPCD 0514 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das klagende Lied / Janowitz.: Franco Capuana (1958) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: Lorin Maazel (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Dir. Wunderlich.: 3CD 00271 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Siegfried / Hopf. . / Dennis Brain.: Joseph Keilberth (1960) / ANDROMEDA / Ref. Dir. Benjamin Britten. se suman unos registros antológicos de la integral sinfónica de Beethoven (¡¡Klemperer con la Philharmonia!!) y un Die Fledermaus dirigido por Karajan que es pura ambrosía (Wächter. Jane Glover. Ward. piano. director / REGIS / Ref. soprano.: RRC 1362 (1 CD) D7 EL ARTE DE DENNIS BRAIN: Obras de Haydn. Sciutti.: Tullio Serafin (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Yondani Butt. Draksler. Güden. trompa / REGIS / Ref.: Eugen Jochum (1960) / ANDROMEDA / Ref. Sutherland / Orquesta y Coro de la Royal Opera House. Adam.: RRC 1365 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES Y MODERNOS / Choir of the New College Oxford. Oberturas / Philharmonia Orchestra. directora / REGIS / Ref. Seven Songs of Michelangelo / Peter Pears.. Uhde. London Mozart Players. Michael Gielen. Fischer. recientemente fallecida.: ARPCD 0511 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das Lied von der Erde / Forrester.: Dimitri Mitropoulos (1960) / ARCHIPEL / Ref. Berry…). Lazzari. Dennis Brain. Hotter / Dir.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999): Los tres conciertos para guitarra / Alfonso Romero. Vienna Pro Musica Orchestra.: Günter Wand (1951) / ARCHIPEL / Ref.: 2CD 00270 (2 CD) D9 x2 RICHARD WAGNER (1813-1883): La valquiria / Windgassen. Köth. Greindl / Dir. Orquesta Sinfónica del Estado de México. The Carnival Band.: RRC 1335 (1 CD) D7 VILLANCICOS DESDE CAMBRIDGE / Choir of Clare College Cambridge.: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: RRC 1330 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES INGLESES: Ding Dong Merrily.: Günter Wand (1954) // ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Concierto para piano / Walter Gieseking. Stewart. Jubilate y siete arias / Felicity Lott. director (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Varnay. The Holly & The Ivy / Maddy Prior. Dir. Nilsson / Dir.: ARPCD 0513 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Sinfonía nº 9 / Orquesta Filarmónica de Nueva York.: 4CD 00274 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Lohengrin / Adam. Dukas. Berry / Dir. Dir. y he aquí la prueba: si en el propio sello Archipel encontramos. Dittersdorf. La temporada navideña ha sido fecunda en exhumaciones y reediciones. Windgasssen. trompa / REGIS / Ref.: Herbert von Karajan (1960) / ARCHIPEL / Ref. Crespin.: ARPCD 0471 (2 CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Réquiem / Price. con el propio compositor al piano) como instrumentales (con la trompa de Denis Brain. Unto us A Boy Is Born. Elms. obras de Britten. Dir. Enrique Bátiz.: Bruno Walter (1960) / ARCHIPEL / Ref. Wächter / Wiener Philharmoniker. por su parte. Dir.: RRC 1364 (1 CD) D7 BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Serenade. Stolze. Kunz. piano. dirigida por el gran Leppard. Meyerbeer. Patzak / Vienna Radio Orchestra.: ARPCD 0515 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911: Sinfonía nº 3 / Orquesta de la Radio de Colonia (1960) // Obras de Brahms y Debussy / Dimitri Mitropoulos. Grümmer / Dir. Lovberg / Dir. soprano / REGIS / Ref. En esta ocasión brillan con luz propia los solistas. Kunz. Stewart.: Ray Heindorf y Ray Sinatra / ARCHIPEL / Ref. 86 / Ebers. . Schmitt. BWV 245 / Grümmer. Nilsson / Dir. Berry. Rouleau.: 2CD 00261 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Die Meistersinger von Nürnberg / Greindl. Sneak’s Noyse / REGIS / Ref. Hines. Timothy Brown. Dir.: ANDRCD 9070 (2CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Die Zauberflöte / Frick.: Raymond Leppard (1959) / ANDROMEDA / Ref.: RRC 1347 (1 CD) D7 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Exsultate.: ANDRCD 9077 (3 CD) D3 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Sinfonías completas.: RRC 1359 (1 CD) D7 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido. tenor. Lovberg. Windgassen. director (su última grabación) / ARCHIPEL / Ref.: ANDRCD 9082 (3 CD) D3 Los expertos del sello británico Regis siguen indagando en los más variopintos fondos discográficos para recuperar y acercarnos a bajo precio álbumes de recomendable disfrute. Waechter. Stolze. Rouleau. Lewis / New York Philharmonic.editorial 200 / febrero 2011 61 zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco La triple entente del grupo Archipel cruza la frontera de Diverdi para ofrecernos de nuevo otro insólito catálogo de piedras preciosas. Dir. director / REGIS / Ref. una asombrosa Tercera de Mahler con Lucretia West y Dimitri Mitropoulos (¡¡en su última grabación!!) o una Canción del lamento cantada por (ni más ni menos) Janowitz.: Kurt Richter (1960) / ARCHIPEL / Ref. una tetralogía wagneriana de excepcional sonido conducida por Kempe en el Festival de Bayreuth de 1960…. Pears.: RRC 1360 (1 CD) D7 LEOS JANÁCEK (1854-1928): Los dos cuartetos de cuerda. director / REGIS / Ref. Verdi. Dir. piano. Corelli. Corelli y Bastianini. Klein / Vienna State Opera Orchestra.: Rudolf Kempe.: 4CD 00279 (4CD) D5 x 2 GEORG FRIEDRICH HAENDEL (16851759): Samson / Vickers. Kraus. Schumann. Beethoven.: ARPCD 0517 (2 CD) D13 x 2 UMBERTO GIORDANO (1867-1948): Andrea Chénier / Stella. Töpper / Dir. Berry.

un boletín de información discográfica cuyos objetivos fundamentales eran. Feliz resaca. Hay que levantar la copa a continuación por todos los que escriben. “facilitar el acceso a las novedades más destacadas que el mercado vaya generando. Gian Castelli y Miguel Ángel Coll. A estas alturas del número 200 un chupito solo resulta insuficiente. Blas Matamoro.” – nº 1 – – nº 200 – “Decíamos ayer…”. lo que en Diverdi importa es la pasión. de Truffaut. tiene que salvar el melómano para conseguir los títulos que le interesan y. o no se ” escribe. por encima de todo. Se escribe de lo que sea con pasión. . Vio hace 20 años que una empresa de las características de Diverdi tenía futuro y que un boletín como éste era consustancial a su filosofía de reflexión y comunicación. 20 entrevistas. Desde entonces Diverdi ha crecido en todo. Hay que brindar muchas veces. de manera especial. porque así es la vida. aquellos que se salen del repertorio habitual”. pero en ellas ya firmaban colaboradores tan esenciales en esta aventura como Fernando Fraga. pero. artículos sesudos o llenos de chispa y fantasía. que para algo este boletín tiene también un ramalazo cinéfilo que comienza en Juan Lucas. y no solamente a nivel español. 5944 discos comentados. El número 201 está ya a la vuelta de la esquina. que ha ido creciendo sin desfallecimientos y sin perder en ningún momento sus señas culturales de identidad. o no se escribe.000 ejemplares. y hasta recientemente por una extensión en formato digital bautizada como diverdi. su director. y también por los que no escriben y desempeñan las tareas más inverosímiles para hacer posible que cada mes salga a la calle un nuevo ejemplar. obras e intérpretes de especial interés”. Reivindicaba también la declaración de intenciones fundacional “poner a disposición del lector la información más completa sobre los discos ofrecidos. pero. Y redoblamos el entusiasmo y la afectividad con los lectores que nos acompañan mes a mes. justo después de su fallecimiento. según el editorial. veteranos y jóvenes.di v e r di editorial el chupito Lo que importa es la pasión Juan Ángel Vela del Campo “Son fieles a las páginas del Boletín los especialistas más prestigiosos del país. se vive la elaboración de cada número en todos sus aspectos y a todos los niveles con pasión. Por él hay que brindar en primer lugar. de enero de 2002. y han pasado casi 20 años desde aquel octubre de 1992 en que salió a la luz el primer número de Diverdi Classics. Con unas y otras cosas hoy el veterano boletín es una revis- ta rigurosa e imaginativa de primer nivel. Son fieles a sus páginas los especialistas más prestigiosos del país. O. cuya fotografía en Wahnfried ante la tumba de Wagner en Bayreuth mereció los honores de portada en el número 117. A partir del número 13 llegó el color con una imagen de Rossini en portada.com. Santiago Martín Bermúdez. Se escribe de lo que sea con pasión.829 artículos publicados. 87 colaboradores. 157 sellos discográficos y una tirada en ese momento de 8. Diverdi recapitulaba su estado numérico: 3. La única foto de la primera portada era de un disco dedicado a Bach con el pianista Sviatoslav Richter. mejor. Los discos y las entrevistas se han visto complementados por secciones de actualidad o libros. 400 por hacer un homenaje a la película Los cuatrocientos golpes. sobre todo de aquellos consagrados a autores. La borrachera está garantizada. Se diseñan sus páginas con pasión. lo que en Diverdi importa es la pasión. tal vez. habida cuenta de las dificultades que. El espíritu de los que hacen y colaboran en Diverdi se escapa al análisis exclusivamente profesional. por encima de todo. 200. compañeros. Recordamos con especial afecto a los que nos han dejado. a partir del 31 el boletín comenzó a llamarse Diverdi sin más. Fueron los comienzos humildes de una empresa. El primer boletín se limitaba a cuatro páginas en blanco y negro. En el número 100. en la mayoría de los casos. pero sus responsables se siguen sintiendo a gusto con la denominación de boletín y hasta no desechan la de hoja parroquial que tanto le gustaba a Ángel-Fernando Mayo.

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