sellos en distribución exclusiva (Febrero 2011)

editorial

200 / febrero 2011

boletín de información discográfica año XX nº 200 febrero 2011

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los sellos señalados con un * poseen un catálogo gratuito a disposición de nuestros lectores

accent aeon agruparte almaviva * alpha * altus ambroisie analekta andromeda anima e corpo arcana archipel ar re se arsis arte verum arts asv audite * avenira bbc legends * biddulph bis bmc bongiovanni bridge brodsky records camerata carus * cdm challenge christophorus coe records col legno columna música cpo cypres dux * dynamic * ecm enchiriadis ensayo etcetera * eufoda fuga libera gaudeamus gebhardt globe glossa golden melodram gramola hänssler idis immortal ina * ivm kairos * klara lindoro london sinfonieta orquesta mdg dabringhaus & grimm * medici arts melodiya mode * musique en wallonie myto * naïve * nar neos * new world records * nmc olive music ondine * opera rara * opera tres orfeo * passacaille pentatone ponto preiser ramée raumklang regis * ricercar royal concertgebouw o. soli deo gloria stradivarius * supraphon * tahra testament timpani tudor trito verso vms wergo * wigmore hall live winter & winter zig zag

16

Entrevista con Céline Frisch y Pablo Valetti
Los creadores de Café Zimmermann analizan para Diverdi su trayectoria artística

índice

20

Bach: matemáticas sonoras
Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El arte de la fuga

26

Mitos y susurros
El nuevo libro de J.M. Sagarmínaga evoca medio siglo de lírica en España

30

Britten reina en Glyndebourne
El sello del festival inglés presenta un extraordinario Peter Grimes grabado en 2000

31

El Bartók de Fricsay
Audite publica las grabaciones bartokianas del director húngaro para la RIAS

35

Chopin impresionante y revelador
Un monumental estuche de 21 CDs ofrece una auténtica integral de la obra del músico polaco

40

Mackerras, un australiano en Praga
Supraphon documenta la relación del director recientemente desaparecido con la música checa

44

Fantasmas del pasado
La pasajera de Weinberg, un escalofriante drama lírico en DVD de Neos

47

La vuelta de Henze
Cybele dedica un triple CD con entrevista al gran compositor alemán

54

Entrevista con Tomás Garrido
“Al ser escuchada, la música se convierte en otra cosa”

62

el chupito: Lo que importa es la pasión

Diverdi, S.L. Eloy Gonzalo 27 (entrada por Santísima Trinidad, 1) 28010 Madrid tel.: 91 447 77 24 fax: 91 447 85 79 www.diverdi.com e–mail: diverdi@diverdi.com La discografía incluida en este Boletín se puede adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac y en las principales tiendas del país. Director: Juan Lucas (juanlucas@diverdi.com) Diseño: Valentín Iglesias Realización: Diverdi Maquetación: Jose Pascual (macprimo@diverdi.com) Publicidad: diverdi@diverdi.com Dep. legal: M-10066-94 Solicitado control de OJD

12 de marzo de 2011 El regreso de Rilling a Galicia Helmuth Rilling fue el primer director de la Real Filharmonía de Galicia y. Sukarlan actuará también en Madrid.4 di v e r di conciertos & actualidad conci e rt o s & ac t ua l i da d El “Universo Barroco” Formando parte de la nueva serie del CNDM. 26 de febrero de 2011 . Pygmalion y Anacréon. Concerto Zapico. junto al percusionista Miquel Bernat). Nebra y Rodríguez de Hita. Madrid. será interpretado en La Coruña por uno de los solistas que más están apostando por la música contemporánea española: Ananda Sukarlan. como ya demostró en el papel de Sandrina en la reciente versión en concierto de La finta gardiniera de Mozart dirigida por René Jacobs en Oviedo. acompañados por la soprano Soledad Cardoso. Amour será la luminosa voz de Sophie Karthäuser. Weicht nur. Madrid. el maestro alemán regresa con un repertorio al que lleva realizando una colosal contribución a lo largo de toda su carrera: la música de Johann Sebastian Bach. Valencia. La habilidad de los intérpretes en este repertorio puede ser comprobada también en dos recientes discos de Glossa: Il più bel Nome de Antonio Caldara y La Tirana contra Mambrú. El programa ofrecerá dos cantatas (nº 51. Schumann. o como Violetta de La traviata . con un primer disco titulado Yo soy la locura). 24 de febrero de 2011 5 Indonesia en España muchos más conciertos en diverdi. La extensa discografía de este pianista indonesio. Bach. 4 de febrero de 2011 Fundación Juan March. (Forma Antiqva) Auditorio Nacional. con ocasión del 15º aniversario del concierto inaugural de esta orquesta compostelana. Facco. las transcripciones que realizó Liszt sobre las sinfonías de Beethoven (y una versión de Das Lied von der Erde de Mahler). obra dedicada a Rilling Auditorio de Galicia. una Suite orquestal y un Concierto para violín. Málaga. En el haber de Rilling está la colección completa de Cantatas de Bach. un auténtico cofre del tesoro repleto de grabaciones nuevas y antiguas por descubrir. incluye un reciente lanzamiento en el sello Anemos (Castor et Pollux de Santiago Lanchares. Gounod. Anima e Corpo. La Coruña. disponible en el sello Hänssler. Sala María Cristina. En Pygmalion. La soprano nacida en Liguria es bien conocida por sus impetuosas interpretaciones de papeles como las protagonistas de Lucrezia Borgia. bajo el título Soberano manjar. y recientemente ha dirigido en Carus el Messiah del compositor sueco Sven-David Sandström. dirigida de nuevo por Christie. dedicada a nuestra nueva música. con un amplísimo repertorio que abarca obras de Chopin. Para conmemorar el 300º aniversario del nacimiento de Bárbara de Braganza. Otra recuperación de patrimonio tendrá lugar en el concierto que ofrecerá La Real Cámara bajo la dirección de Emilio Moreno. ha sido nominado este año en los International Classical Music Awards. García Abril. Vallejo. donde dará en mayo un recital con obras de Rueda. 4 de marzo de 2011 La maestría al piano de Katsaris La Sala María Cristina de Málaga albergará este mes el talento pianístico de Cyprien Katsaris. Además de obras de Illana y Torres. Además de dos recientes lanzamientos cantando Mozart (con orquesta y con piano). además de discos de recitales. en una producción de 2010 del Festival de Beaune. habitualmente magistral en la música dramática del XVIII. Universo Barroco. 4 de mayo de 2011 5 5 Karthäuser nos seduce Dos ballets de Rameau. Tritó (David del Puerto en ambos). Palacio de la Ópera. Sevilla. Madrid. Karthäuser grabó un gran Stabat Mater de Boccherini en Ricercar con Les Folies Françoises. podremos escuchar refrescantes interpretaciones de música de Domenico Scarlatti.com El reciente concierto para piano That Scream Called Silence de Eduardo Soutullo. Su Lucia di Lammermoor grabada en Cagliari ha sido editada por Dynamic. además de discos en Stradivarius. así como en el papel titular de Susanna de Haendel. que interpretará además la Sexta Sinfonía de Sibelius y Don Juan de Richard Strauss. donde la diva italiana Mariella Devia (cuya última actuación en esta ciudad fue en 2009 con Tancredi de Rossini) dará un recital con piezas de Massenet. Lucia di Lammermoor y Maria Stuarda. con curiosas transcripciones e infrecuentes piezas francesas y chipriotas junto a versiones magistrales de obras fundamentales. Palau de la Música. Bien conocido por sus grabaciones en grandes discográficas. betrübte Schatten). Donizetti y Bellini. Santiago de Compostela. 19 de febrero de 2011 (La Real Cámara) Auditorio Nacional. Corselli. con Raquel Andueza como solista (quien acaba de lanzar su propio sello discográfico. todo bajo la dirección de Carlo Rizzi. llegarán a Valencia de la mano de William Christie y Les Arts Florissants. los hermanos Zapico como Forma Antiqva ofrecerán un nuevo repertorio de cantadas del siglo XVIII. acompañada por el pianista Massimiliano Bullo. La solista vocal será JuliaSophie Wagner. Amore X Amore. Lanchares y Perón Cano. 10 de marzo de 2011 foto © Holge Schneider Bel canto en Sevilla Los aficionados sevillanos a la pirotecnia belcantista tendrán un infrecuente regalo en el Teatro de la Maestranza. Katsaris lleva una década editando discos en su propio sello –Piano 21–. Estará acompañado por la Orquesta Sinfónica de Galicia. Col legno (Jesús Rueda) y Verso (Lanchares). Jauchzet Gott in allen Landen y nº 202. el último disco de estos hermanos en Winter & Winter. Forma Antiqva ha preparado con minuciosidad la edición de dos cantadas de San Juan y Literes. ha sido lanzado al mercado recientemente. mientras que el álbum previo. actuación disponible en el sello Bongiovanni en la que estuvo dirigida por Daniele Callegari. Teatro de la Maestranza. Chopin.

es figura notoria en el La colaboración entre el violinista Th om as Zehetmair y el sello ECM dura ya veinticinco años. Das Neue Orchester. que recientemente han actuado en Madrid con el repertorio de su primer disco en Glossa L’Adoratione de Maggi. además de Aus der Tiefen rufen wir de Graupner. La ópera en tres actos Kaivos (La mina). la flautista J. Pérez o M. lleva cincuenta años sin ser programada. Mientras aquel disco inaugural se centraba en música de un subestimado compositor del Barroco napolitano. desde luego. Un ejemplo en este tiempo previo a la Semana Santa será el del sello independiente e “internacional” Glossa (merecedor de al menos nueve nominaciones a los International Classical Classical Music Awards de este año). el segundo nos presentará a otro. quintetos. sonarán también en el Euskalduna las más egregias sinfonías y conciertos de Mozart. este pasado septiembre se estrenó en Tampere y fue grabada posteriormente en estudio por Ondine. Steck o R. Es un placer saludar el próximo lanzamiento en el sello Passacaille de la segunda grabación de Ponseele al frente de Il Gardellino en la serie dedicada a cantatas de Bach. .conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 5 E T IP O . Audite acaba de remasterizar esta grabación radiofónica. que este año centra su programación en la figura de Wolfgang Amadeus Mozart. y está protagonizado por el impresionante talento vocal de la soprano Valentina Varriale. El festival contará con el concurso de agrupaciones tan prestigiosas como el Cuarteto Arriaga. L. Zelenka. Por su parte. El Bacha.T E L E T I P O . Ivaldi. la Real Filharmonía de Galicia o. Glossa acaba de remasterizar la grabación original del sello Symphonia. comenzando por un nuevo disco de Antonio Florio e I Turchini. que abordan el repertorio mozartiano desde todos los ángulos posibles: obras tan insignes como la Misa de la Coronación en Do mayor o el Réquiem en re menor se acompañarán de rarezas como el drama escénico Thamos. reaparece felizmente en este catálogo su disco de 1992 con las Lamentazione per il Settimana Santa de Alessandro Scarlatti. cuna de este grupo. Schumann y Heinz Holliger. Zimmermann.T E L E T I Preparando la Semana Santa Una de las grandes maravillas de la música clásica de occidente a lo largo de los siglos es el extenso y rico legado compositivo en torno a la historia de la Pasión. las diferentes salas del Euskalduna acogerán los 66 conciertos programados. así como una amplísima selección de su mejor música instrumental y de cámara (cuartetos. destacar la presencia de artistas consagrados como el bajo Peter Schöne. y Dean Dixon dirige al Coro y Orquesta de la Radio de Hesse. Zabaleta y los violinistas A. compuesta en 1960 por el finés Einojuhani Rautavaara. obras de Peter Maxwell Davies. antiguo obispo de la ciudad de Tours. Zehetmair toca junto a su esposa. La partitura de Igor Stravinsky para el melodrama lírico Perséphone no ha sido grabada muy a menudo desde su estreno en 1934. de su música. quien. Marcel Ponseele es uno de los mejores artistas discográficos de las últimas décadas en música barroca. en parte por el polémico tema que trata: la revolución húngara de 1956.A. la Sinfonia Varsovia. tiene el aliciente añadido de estar protagonizado por alguno de los principales cantantes bachianos de la actualidad. ha escogido revisitar las glorias bachianas de la Pasión según San Juan como parte de la serie The Grand Tour de la Orchestra of the Eighteenth Century del director holandés. Bach.T E L E T I P O . los pianistas Ranki. divertimentos y sonatas) y un escogido muestrario de fragmentos operísticos. Bartók y Holliger. Carolyn Sampson y el incomparable Peter Kooy. Rey de Egipto o transcripciones para cuartetos de viento del compositor salzburgués. Este nuevo disco incluye las Cantatas BWV 131 y 177. aparte de su tener una prestigiosa carrera a sus espaldas. Frans Brüggen. Martinu. grabado en vivo. Da Ponte. fantasías. Mati Turi y Jorma Hynninen. nos permite disfrutar de una claridad de texturas que pocos de sus colegas directores alcanzan. se centra en Lamentaciones de Jeremías para una sola voz. Por descontado. Pasquier junto a la de talentos emergentes como los pianistas Judith Jáuregui o Iván Martín. Entre los solistas. y será pronto editada. y se vuelve a editar por la gran calidad de sus cantantes (Cristina Miatello y Gian Paolo Fagotto). Se trata de una actuación protagonizada por el mítico tenor alemán Fr itz Wunderlich. Günter Neuhold. La nueva serie del sello AEON dedicada a la música medieval va creciendo. Festival Musika-Música de Bilbao Los días 4. el Ensemble Vocal de Lausanne. tan infrecuente en el repertorio stravinskiano. como Markus Schäfer. que será pronto lanzada al mercado. que se convierte en nuestros días en un mar de oportunidades discográficas al que todo sello se enorgullece de hacer aportaciones. pero esta obra paradigmática de su periodo central y neoclásico fue interpretada en 1960 en la Sendesaal de la Radio de Hesse en Frankfurt am Main. tríos. El nuevo disco. Cristofaro Caresana. Mientras esperamos futuras grabaciones de Enrico Gatti en Glossa. Junto a él participa la actriz alemana Doris Schade en el papel hablado de Perséphone. ¶ Rebautizadas para la ocasión con los nombres de Haydn. cuya música es considerada “excepcional” y “merecedora de ocupar un destacado lugar en la historia de la música” tanto por Florio como por su habitual asesor musicológico Dinko Fabris. Hurel. 5 y 6 de marzo de 2011 tendrá lugar en el Palacio Euskalduna de Bilbao la décima edición del maratoniano festival Musika-Música. Esta recuperación de antiguas polifonías y cantos gregorianos nos ofrece una panorámica fascinante del repertorio de aquellos tiempos. sello fiel a las obras de este compositor. titulado Manto and Madrigal. Hartmann. y más. la Orquesta Sinfónica y la Sociedad Coral de Bilbao bajo el rectorado de batutas tan experimentadas como Christoph Spering. Michel Corboz o Antoni Ros Marbá. En su próximo disco. Hanno Lintu dirige a la Tampere Philharmonic (como en el nuevo disco de Camilla Nylund. Sin embargo. sello escurialense desde hace años. por supuesto.F. debido a su exquisita e inteligente interpretación de la música para oboe de Johann Sebastian Bach. Gaetano Veneziano. intérpretes (Ensemble Aurora) y. Pennetier. Süssmayr y Clementi. la Ritirata. La intensa afinidad de Brüggen con el estilo y la expresividad de Bach. Historia Sancti Martini. Queffélec. la intérprete de viola Ruth Killius. Este nuevo lanzamiento. especialmente del de la Escuela de Notre Dame. Tres nuevos lanzamientos demuestran sobradamente el profundo talento artístico de esta firma. que reúne música del siglo XIII de las cuatro principales festividades dedicadas a San Martín. Antoine Guerber y Dialogus in Musica han realizado una nueva grabación. Salieri. Transfiguration) y los protagonistas son Johanna Rusanen-Kartano. y ha dado como fruto inspiradas interpretaciones de un extenso plantel de compositores entre los que figuran B. Scelsi. titulado Tenebrae. El cuarteto de solistas vocales está encabezado por la soprano Caroline Weynants.

El público de Murcia (6 de marzo). La segunda meta obtendrá sus frutos con el inminente lanzamiento del propio sello de la orquesta. y que. Precisamente este trío de artistas. juntos y en solitario. está convencido de la validez del uso. El director de The Early Opera Company. Sus fotografías de Jimi Hendrix o de Camarón. Christian Curnyn. si ya de por sí agotadoras. y supo compaginar con éxito ambas actividades. un excelente fotógrafo. Piau ha contribuido recientemente al repertorio de la Segunda Escuela de Viena junto al Quatuor Diotima. más de doscientas. como “artista residente”. Valladolid (9 de marzo) y Oviedo (10 de marzo) tendrá oportunidad de comprobar la evolución de la orquesta del Principado desde que el director americano de origen ruso tomase sus riendas en sustitución de Marek Janowski. mucho tiempo después de su espectacular éxito como revolucionario musical en los años veinte con su Ballet mécanique. han desarrollado gran actividad y protagonismo en el sello Pentatone durante estos últimos años (muy pronto aparecerá un estuche con los Conciertos para violín de Mozart con Fischer y Kreizberg). ella será uno de los solistas del Doble Concierto de Brahms en los programas españoles.T E L E T IP O Además de componer partituras para grandes formaciones vocales e instrumentales con efectismo polifónico. celebrado en Cannes. Pacheco dedicó gran parte de su carrera a su labor de productor musical. al frente del SWR Vokalensemble Stuttgart ha realizado para el sello Hänssler una selección de piezas de este insigne y prolífico autor brasileño que incluye las inéditas Préces sem palavras entre obras más populares como el Chôro nº3. en cuyo idioma destaca Piau (su versión “expandida” de Les Illuminations en NMC fue toda una revelación). estrenada en 1954. tanto por cantidad como por calidad. Entremezclando de nuevo los repertorios alemán (Mendelssohn. en el sello Wigmore Hall. este nuevo programa está aderezado por canciones del inglés Benjamin Britten. tras una intensa gira por Alemania. Los solistas serán Lucy Crowe (Belleza). cantando en el Segundo Cuarteto de cuerdas de Schönberg. que acaba de ser presentado en la reciente feria del mundo discográfico clásico. entre tantas otras. que logró poblar el triste paisaje discográfico español con sellos de culto en el campo del jazz y otras músicas. su fino olfato y un incuestionable encanto personal le hicieron descubrir y reunir artistas. arrancará con un disco dedicado a Ravel (el ballet completo Daphnis et Chloé) y Debussy. aún más en aquellos tiempos pioneros en los que estaba todo por hacer. que ya nos regalaron el disco Évocation. llegará la ópera The Brothers (sobre la historia bíblica de Caín y Abel). además. Madrid (8 de marzo). Andrew Staples (Tempo). ha regresado con un próximo lanzamiento en el sello Naïve. Chausson y Poulenc). En esa fecha el compositor estadounidense ya había regresado a su patria. Nos demostrará su teoría de evitar los ritmos exageradamente rápidos o lentos en una nueva grabación de Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel. Un nuevo registro de esta obra en el sello Carus mostrará la calidad de la Schola Cantorum de Yale cuando Simon Carrington (miembro fundador de The King’s Singers) era aún su director (sucedido por Masaaki Suzuki. Otro propósito de Kreizberg era traer a Mónaco. junto al astro del violonchelo Daniel Müller-Schott. y la visión de Pacheco benefició a artistas como Ketama o Pata Negra. Cuando hace ya tres años preguntamos en el Boletín a Yakov Kreizberg acerca de sus intenciones al hacerse cargo de la Orquesta Filarmónica de Monte-Carlo. además de tres discos con obras orquestales de Stravinski. hablando de música –y parafraseando el ‘chupito’ de este mes– la pasión es lo que importa. del ritmo basado en la danza natural. foto © Paco Manzano . también con título sugerente: Après un rêve. La pareja de recital formada por Sandrine Piau y Susan Manoff. como Hannibal. Desde los años ochenta se involucró profundamente en la apertura del mundo flamenco a otros campos musicales (Nuevos Medios ha sido calificada como “la Motown del flamenco”). Pacheco fue el creador en 1982 del sello y distribuidora Nuevos Medios.” La consecución del primer foto © Marco Borggreve Ambiciones de Monte-Carlo propósito queda demostrada por los numerosos conciertos programados en España esta temporada. Rough Trade o ECM. Heitor Villa-Lobos fue un gran compositor. en la música barroca. de obras para coro. Y lo sería porque él ha sido una fuente de inspiración para todos aquellos que pensamos que la ‘industria’ no tiene sentido ni interés sin la pasión. también en Naïve. para cuatro solistas y coro. Liszt y Strauss) y francés (Fauré. Marcus Creed. declaró: “Nuestro propósito y ambición es elevar la reputación de la orquesta tanto por medio de giras y actuaciones en los más importantes festivales como a través de la grabación de discos. OPMC. Pacheco fue. a la fulgurante estrella del violín Julia Fischer. llevándolos al estudio de grabación e impulsando constantemente el resultado comercial de los discos que producía. El nuevo sello OPMC. Nacido en 1950. La labor de Nuevos Medios como importadora y distribuidora.6 di v e r di conciertos & actualidad P O . y en especial un fino y sensible retratista. fallecido el 26 de noviembre de 2010. In memoriam Mario Pacheco Sería un descuido por parte de un Boletín como el nuestro no rendir homenaje a una de las figuras capitales en el desarrollo de la industria discográfica española como fue Mario Pacheco. Carus editó recientemente un notable disco de Creed dedicado a obras del camaleónico André Jolivet. que sigue al frente del Bach Collegium Japan).T E L E T IP O . MIDEM. Hilary Summers (Disinganno) y Anna Stephany (Piacere). así lo atestiguan. La ópera en un acto refleja tanto su temprano éxito como su adopción del estilo de las películas musicales norteamericanas. ha sido y es un ejemplo que algunos hemos tratado de emular. Picapau y la Bachiana brasileira nº 9. Sumándose a la serie de grabaciones que CPO está dedicando a la música orquestal de George Antheil.T E L E T IP O . S te ven S lo ane (alumno de Eugene Ormandy) dirige aquí a la Bochumer Symphoniker. Heinrich Ignaz Franz von Biber escribió las Vesperae longiores ac breviores una cum Litaniis Laurentanis en 1693.

El sábado 16 la pianista Mitsuko Uchida ofrecerá además. además. El viernes. Kolya Blacher. alternativa a la ya existente pasarela garantizada por La Caixa. Pensada sobre todo para nuestros clientes residentes en el extranjero. No pierda la ocasión. ¶ Tras haber iniciado un estupendo ciclo Brahms el pasado mes de noviembre en el Festival de Piano. impartirá entre los días 14 y 17 unas clases magistrales que tienen prevista su continuidad en las siguientes ediciones del Festival. Mariss Jansons y el Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara encabezarán la oferta musical en cuatro singulares sesiones: un montaje del célebre Eugene Oneguin de Tchaikovski con el barítono danés Bo Skovhus en el rol titular y un taller juvenil en torno a la ópera dirigido por los solistas de la Orquesta (sábado 16) y una velada sinfónica jalonada por el poema de Richard Strauss Vida de héroe y el Primer Concierto para Piano de Beethoven –con Mitsuko Uchida al teclado– precedida por un concierto de obras para coro a cappella dedicado a Rachmaninov. un programa camarístico dedicado al romanticismo vienés. tanto sus colecciones de madrigales como sus óperas (L’Orfeo. entre los numerosos destinos musicales y las efervescentes agendas de conciertos que se le proponen al melómano en Pascua. en compañía de los solistas de la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Desfilarán por su instrumento. la pianista francesa Hélène Grimaud rendirá tributo a Franz Liszt incluyendo en su recital del día 10 la famosa Sonata en si menor del músico húngaro. sino que también acepta el pago con las principales tarjetas de crédito. padre del violinista. ¶ Para ampliar esta información. el sello elegido para nuestro descuento del 20% es BIS. Haitink. Tan deslumbrante programa estará protagonizado por solistas del calibre de Sally Matthews. Bernard Haitink y la Orquesta de Cámara de Europa aprovecharán el Festival de Semana Santa para ofrecer tres nuevas entregas del ciclo (los días 9. Confiamos con esta medida dar un mejor servicio a nuestra cada vez más numerosa y globalizada comunidad de usuarios. destacamos una que durará todo el mes: un 20% de descuento en todos los CDs y DVDs con obras de Claudio Monteverdi. Fundado en 1973 por Robert von Bahr (que sigue siendo su alma mater). Y es que. o la obra completa de Jean Sibelius. obras de Mozart.ch Sello del mes: BIS En febrero. 11 y 13) en las que se han programado el Doble Concierto para violín y chelo. y en calidad de residente. el Festival de Semana Santa de Lucerna despunta sobre el resto gracias no sólo a una programación irresistible confiada a los mejores directores. Jordi Savall dedicará su programa del día 12 a las célebres Vísperas de 1610 de Monteverdi y el jueves 14 Ton Koopman y su Amsterdam Baroque Orchestra and Choir explorarán la versión original de la Pasión según san Juan (fechada en 1724). así como por el Coro Arnold Schoenberg. Dupré y Kodály (ambos el domingo 17). Béla Bartók y Alban Berg. El concertino de la Orquesta del Festival de Lucerna. Un réquiem alemán –emparejado con la temprana Canción del entierro– y el Concierto para violín. solistas y orquestas del mundo. incluyendo a jóvenes talentos como el pianista Yevgeny Sudbin o el clarinetista Martin Fröst. la música sacra centrará la programación del Festival con un cartellone de lujo: el 10 de abril Nikolaus Harnoncourt y su Concentus Musicus ofrecerán La Resurrezione di Nostro Signor Gesù Cristo de Haendel. concebida para el Domingo de Pascua. La mayor parte de sus producciones actuales se edita en formato Super Audio CD híbrido (compatible con todos los lectores). la Primera y Segunda sinfonías. El prestigio de la compañía sueca ha atraído a lo largo de los años a gran cantidad de artistas de primera fila. Renaud y Gautier Capuçon y Leonidas Kavakos. por otro lado. a cargo de Massaki Suzuki y Bach Collegium Japan. u obtener información sobre la reserva y adquisición de localidades. . ¶ Por descontado. ofrecerá el día 9 un programa formado por dos partitas bachianas. ¶ Por su parte. para terminar. la pasarela PayPal permite no sólo pagar cómodamente a los usuarios dados de alta en este sistema. sin necesidad de ser miembro de PayPal. podrá escucharse en la Jesuitenkirche la Gran Misa de Franz Liszt. la idílica ciudad medieval de Lucerna se viste con sus mejores galas para recibir a los más de cien mil visitantes que año tras año acuden a esta localidad suiza para disfrutar de las festividades musicales de Semana Santa. el ciclo sinfónico de Beethoven por Osmo Vänskä y la Orquesta de Minnesota. concebida en su momento para la consagración de la Gran Catedral del Hungría del Norte y que se programa ahora con motivo del bicentenario del compositor. sino también a un incomparable marco alpino situado al pie del Lago de los Cuatro Cantones.lucernefestival. Los proyectos en curso o recientes incluyen uno de los más respetados ciclos de cantatas bachianas.conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 7 Pascua en Lucerna Del 9 al 17 de abril de 2011. unas sonatas de Eugène Ysaÿe y Bartók y piezas de Luciano Berio y Boris Blacher. Figura clave de la transición entre Renacimiento y Barroco. 5 PayPal Ahora. L’incoronazione di Poppea e Il ritorno d’Ulisse in patria) y obras sacras como Selva morale e spirituale o Vespro della Beata Vergine son todas páginas imprescindibles de la historia de la música. ¶ En el apartado de recitales. 5 Oferta Monteverdi De entre las numerosas ofertas que irán apareciendo a lo largo del mes en nuestra página. nuestra página web incorpora una nueva forma de pago. en la actualidad cuenta con más de 1400 títulos en su catálogo. Christian Gerhaher. pueden consultar la web oficial del Festival: www.

8

di v e r di

antigua

El códice Chantilly y cinco mujeres
Nueva grabación del ensemble De Caelis para Aeon
Josemi Lorenzo Arribas

Notker, Tartamudo cantor del s. IX
Ordo Virtutum consagra un CD al músico medieval N. Balbulus
Josemi Lorenzo Arribas

Inspiración femenina
El manuscrito de Anna Hachenberch, por Candens Lilium
Urko Sangroniz

Después de la exigente grabación de la Missa Tournai (Ricercar RIC 265), el ensemble De Caelis, dirigido por Laurence Brisset, acomete la interpretación de una antología del códice Chantilly, uno de los más voluntariamente complejos de los bajomedievales, alarde de principio a fin, con músicas sin pausa, que nunca paran de subir, bajar, avanzando entre atrevidos saltos. Tripartito en cuanto a la atribución de las piezas escogidas para este disco, con cuatro piezas de Solage, el autor más representado, otras tantas anónimas y el resto repartidas entre otros, se ha escogido el apoyo de un arpa gótica y un organetto (Angélique Mauillon y Guillermo Pérez, integrantes de Tasto Solo) para acompañar las voces. La plantilla vocal (5 mujeres) reivindica la cultura musical de las mujeres aristócratas, como evidencian las fuentes, muchas encargadas por poderosas comitentes, y defiende con solvencia la práctica musical femenina. Compárese con la versión, también poderosa y bella, de Tetratkys (Etcétera KTC 1900, reseñada en estas páginas, centrada en las piezas a una sola voz). Muy seguras en el continuum de saltos que impone esta música de finales del XIV, empastan muy bien y hacen gala de un sonido encarnado, nada etéreo, muy eficaz, para cantar polifónicamente estos motetes, baladas, virelais y rondós, dieciséis en total que, la tentación es fácil, parecen celebrar la alegría de la vida, pasada poco ha la Peste Negra, en torno a la cismática corte papal de Aviñón. Entre los bellos títulos de las piezas, que han dado nombre a tantos discos, hallamos algunas de las más interpretadas, como el Fumeux fume par fumée, el rondeau a tres voces de Solage, de tesituras gravísimas, en homenaje a un cenáculo de intelectuales a los que les unía su afición a fumar (Europa se daba al arte del humo antes de la llegada a América, quizá con opio). Con la ley actual, sirva como pequeña reivindicación a los fumadores, y también a quienes no gustan de tal práctica, aunque, llegado el caso, tendrán que comentar el disco en el umbral que separa el dentro y fuera de los locales públicos.
CODEX CHANTILLY: En l'amoreux vergier De Caelis. Laurence Brisset, director / AEON / Ref.: AECD 1099 (1 CD) D2

Primer trabajo después de Insula Felix (aplaudido en estas páginas), dedicado a las primitivísimas músicas oficiadas en el monasterio de Reichenau, y le toca el turno al de San Gall (o San Galo), también en Suiza, de la mano del que fuera uno de sus principales músicos, el casi mítico, pero bien real, Notker, apodado el Tartamudo, o el Desdentado, prolífico compositor de secuencias, que se especializó en contrahacer músicas a textos rimados preexistentes. Para grabar este disco se ha realizado una notable labor de restitución musicológica, habida cuenta que la notación en la que se escribe esta música del siglo IX es adiastemática, es decir, que no hay pauta (líneas) bajo los neumas, con lo que es imposible saber las alturas reales de las “notas”. Por ello, se ha recurrido a ¡25 manuscritos! con correspondencias musicales de estos tropos y secuencias, teniendo en cuenta para la versión final las indicaciones semiológicas de las propias fuentes sangalenses. Stefan Johannes Morent sigue con su formación Ordo Virtutum haciendo una interpretación del canto mesurada y emocionante, diciendo el texto y permitiendo, con esta clara dicción, el disfrute de cada recurso que esconden los neumas. Se sucede la monodia adornada de mínimos procedimientos heterofónicos (Sancti Spiritus assis nobis gratia), duplicaciones a la cuarta (organum), propuestas de cantilaciones épicas (como la canción de Ludwig III, Einan kuning weiz ih, relatando una batalla ocurrida en el año 881), versiones instrumentales a partir de melodías célebres (cuatro se insertan en el CD)… en una labor oscura pero impagable para el oyente sensible. Esperamos un registro con las grabaciones de las músicas existentes del cenobio de Fulda, para así completar esta trilogía de melodías altomedievales con las que suelen comenzar los manuales de historia de la música occidental.
NOTKER BALBULUS (c.840-912): Secuencias, tropos y cantos gregorianos de la abadía de St. Gall Ordo virtutum. Stefan Morent, director / CHRISTOPHORUS / Ref.: CHR 77341 (1 CD) D2

Todo lo relacionado con el personaje de Anna Hachenberg permanece envuelto en un halo de misterio e incógnita en el que sólo se discierne su único legado, el antifonario que lleva su nombre. No es la primera vez –ni lo será– que sucede algo semejante, y cuando tras estudiar la obra se quiere trascender su mera autoría para entender las condiciones y el contexto en el que aquélla se produjo, los caminos se difuminan y el rastro finaliza sin esclarecer apenas nada. “Este libro antifonario fue escrito y anotado con gran diligencia por Anna Hachenberch, descanse su alma en eterna paz.”, así reza la anotación al mismo. Conservado en el Museo Schnütgen de Colonia, gracias a sus bellas iluminaciones podemos datar su factura entorno al año 1520. Así, los cantos que incluye –únicos en el mundo– representan la tradición interpretativa de los conventos de la zona desde el s. XIII hasta el s. XVI, conforme se iban sumando nuevas melodías a las iniciales, como por ejemplo las dedicadas a Santa Cecilia. Destacan a su vez otras en honor al Santo Evergislo, patrón de Colonia, y también las que se interpretaban durante la Anunciación, una celebración de suma importancia para toda congregación femenina como parte reforzadora de su identidad. La selección del presente disco, lejos de perseguir la plena rigurosidad litúrgica, nos permite disfrutar de una grata variedad musical y melódica, así como de los más bellos florilegios sonoros fruto de la inspiración femenina, en una interpretación que, como el nombre del conjunto creado ad hoc para el disco, Candens Lilium, resplandece por su exuberante resonancia y en la pureza tímbrica. El programa se completa con la interpretación instrumental de varias obras de Josquin Desprez y Antoine Brumel, como ejemplos de la música contemporánea a la fecha de realización de este manuscrito inédito.
VIRGO SANCTA CAECILIA: Cantos del antifonario de Anna Hachenberch (Colonia, St. Cecilia, ca. 1520) (obras de Josquin Desprez, Antoine Brumel, Buxheimer Orgelbuch y anónimos) Ensemble Candens Lilium. Norbert Rodenkirchen, director / RAUMKLANG / Ref.: MA 20044 (1 CD) D2

antigua

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Un tesoro inagotable
Misión: barroco amazónico. El nuevo disco de Sphera AntiQva explora el universo musical de las misiones jesuíticas en el siglo XVII
Andrés Ruiz Tarazona
Sphera AntiQva. foto © Juan Lucas

Por la rareza del medio en que se desarrolló –la Amazonia americana–, la música surgida en las Misiones que los padres jesuitas fundaron en diferentes territorios de América del Sur es un verdadero milagro. En las llamadas reducciones guaraníes del Paraguay, por ejemplo, se llegaron a representar óperas como El rey Orontes de Egipto, Felipe V o Los pastores del Nacimiento del Niño Dios en el siglo XVIII. Sus autores podrían ser europeos, como Zipoli, o algún indio de la reducción, que tal vez era organista, violinista, etc., y además componía. Se sabe que se representaron “al estilo italiano y en su mayor parte al son de la espineta y harpa”. Charlevoix escribió que “los jesuitas, navegando por los ríos, echaron de ver que cuando, para explayarse santamente, entonaban cánticos espirituales, acudían a escucharlos los indios en tropel, y parecían tener en ello especial gusto”. El padre Manuel Nóbrega llegó a decir: “Dadme un coro de aventajados músicos y haré cristianos a cuantos indios existen”. A muchos músicos españoles, hoy bien conocidos, y otros europeos, se los disputaban las Misiones. Del francés Luis Berger se decía que “oyéndole cantar (los indios) permanecían hasta cuatro horas como inmóviles y como estáticos”. En 1631, el general de los jesuitas en Chile escribía al provincial del Paraguay: “Menester es que V.R. use de mucha caridad con el provincial de Chile, prestando por un par de años al hermano Luis Berger para que introduzca la música en Chile”. Era Berger un hábil tañedor de cítara, tocaba el violín y fabricaba violines. El padre Nicolás Durán asegura que “aprendieron los indios con admirable facilidad a cantar y tañer instrumentos, siendo su primer maestro nuestro hermano Luis Bergier, insigne citarista”.

Un famoso cantor tirolés, llamado Antonio Sepp, llevó a cabo una asombrosa labor de enseñanza del canto a muchos indígenas de las Misiones y compuso además muchas canciones en guaraní. En 1692, Sepp había formado a buen número de instrumentistas entre los indios: 6 trompetas, 3 tiorbas, 4 organistas, 30 tañedores de chirimía, 10 de fagote o bajón. Sabemos que Sepp introdujo en las Indias arpas, trombones, zampoñas, clarines, y hasta el órgano “conquistando con esto renombre imperecedero”. Estos datos vienen a cuento por el excepcional CD que el grupo Sphera AntiQva, que dirigen Javier Illán y Pablo Gutiérrez, ha dedicado a la música en las misiones jesuíticas, titulado Misión: Barroco Amazónico. Aquellos misioneros, en su inquietud apostólica no se quedaron en Argentina, Chile y la gran provincia jesuítica del Paraguay. Ampliaron su campo de acción hacia el noroeste boliviano, donde encontramos las reducciones de chiquitos y, más al norte, la de indios moxos. El legado musical de esas comunidades misioneras es verdaderamente un tesoro y la grabación que nos ocupa es buena prueba de ello. Para llegar a realizarla han sido muy importantes los trabajos musicológicos y prácticos de Piotr Nawrot, luthier creador de los que Javier U. Illán ha llamado violines de la selva (Ed. Cuarto Centenario, 2010). Conocí a Piotr Nawrot en el tristemente desaparecido Real Musical de Madrid, donde ejerció un tiempo como maestro guitarrero. Su incansable labor en tierras americanas había ya hecho posible el resurgimiento de esta música evangelizadora, y festivales tan especiales como el de San Ignacio de Moxos y el de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos”. Pensemos que en los Archivos de Chiquitos y de Moxos hay más

de ochenta misas polifónicas y que en este último se han encontrado hasta quince arias da capo a la usanza italiana de la época, fines del XVII y primera mitad del XVIII, pues la música de las reducciones se mantuvo hasta 1767, fecha de la expulsión de los jesuitas de España. Su pervivencia ha sido precaria hasta la eclosión actual, de la que nos da buena cuenta esta grabación. El grupo Sphera AntiQva, con la cuerda completa, tiorba y guitarra, clave y órgano, bajones de hoja de palma y jerures, percusiones indígenas y europeas, flauta travesera... todos instrumentos barrocos, nos ofrece en el cedé hasta veinte cortes con suites barrocas, sonatas, pastorelas en lengua autóctona y hasta curiosidades como arias da capo en toda regla como Quid moror Maria (¿Por qué te detienes, María?) con sus ornamentos muy bien resueltos por la soprano Soledad Cardoso. Todas las obras son anónimas, salvo una Elevación en Fa, del músico toscano Domenico Zipoli, jesuita que, desde Sevilla, cruzó el océano estableciéndose en Córdoba (Argentina). Músico y sacerdote de gran talento y honda espiritualidad (había estudiado con Pasquini y fue organista de la Iglesia de Jesús en Roma), su Elevazione para órgano, arreglada para Sphera AntiQva por A. Martín Saldaña, corona con dulzura mística un disco tan meritorio como sorprendente. ¿Quién no pensaría que estamos ante un Vivaldi moxo al escuchar el Allegro de las Folias (pista núm. 3)?.

“Un disco tan meritorio ” como sorprendente.”

MISIÓN: BARROCO AMAZÓNICO: Música de las misiones jesuíticas de los indios Chiquitos y Moxos Sphera AntiQva / COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0269 (1 CD) D2

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di v e r di

antigua

Bajo el auspicio del Papa caprichoso
Una selección del Codex Medici por la Cappella Pratensis
Urko Sangroniz

Argumentos sacros
Alamire dedica un CD a las Cantiones Sacrae de Tallis y Byrd
Caronte

Salud de hierro
El coro Josquin des Préz dedica un CD al autor que le da nombre
Urko Sangroniz

Durante el papado de León X, Roma se vio abocada a un permanente dispendio económico donde las multitudinarias cacerías y los suculentos banquetes se sucedían, sin reparar en lujos ni en pecados de ningún tipo. Sus extravagancias eran bien conocidas y, por mencionar alguna, escogeremos la ocasión en la que sus súbditos contemplaron su elefante blanco, regalo del Rey de Portugal, pasearse por la ciudad como si tal cosa. Tantos excesos acabaron por menguar las en principio bien surtidas arcas papales, y aun así, la renuncia a tales caprichos resultó infructuosa. Entonces, y para hacer frente a la situación, se decidió establecer otras formas de recaudar dinero. La venta de indulgencias se convertiría en un nuevo recurso y con ello, sin llegar a ser el único motivo, surgiría la Reforma protestante, pero ésa es otra historia. Aun así, no todo fue derroche, que por algo León X era un Medici: el impulso al desarrollo de las artes era algo consustancial a él, y bajo su amparo los más excelsos poetas, pintores y músicos desarrollaron su obra para deleite del papa y sus allegados. También para el nuestro propio, pues gracias a su iniciativa podemos disfrutar hoy de las 53 obras que integran el Codex Medici. El presente disco recoge una selección del mismo con obras de De Silva, Willaert, De la Fage, Desprez, Festa y Jean Mouton, por quien el Papa sentía verdadera admiración. A excepción de la primera y la última, todas las demás pertenecen al mencionado códice. La muestra abarca desde los grandes éxitos de la época hasta otras obras menos conocidas, como es el caso de la laudatoria Gaude felix Florentia que abre el disco, por ejemplo. Bajo la precisa y detallada dirección de Joshua Rifkin, autor de la edición musical, la Cappella Pratensis imparte una lección magistral de estilo, convicción y criterio interpretativo.

Se me ocurre que cuando una reina –y no una cualquiera, sino Isabel I de Inglaterra– le concede a una pareja de músicos –maestro y alumno para más señas– “el monopolio en la impresión y venta de partituras durante 21 años”, qué menos –digo yo– que ponerse como locos a componer, publicar una colección más que notoria y dedicarle la edición a la susodicha reina. Pues bien, así debieron pensar Thomas Tallis y William Byrd cuando se vieron agraciados con tan infrecuente privilegio real, ya que en 1575 dieron a los cajistas del editor Thomas Vautrollier las notas de sus Cantiones, quae ab argumento sacrae vocantur –esto es: canciones cuyo argumento puede llamarse sacro–. Los dos autores tuvieron además la deferencia de escribir 17 motetes cada uno, número que –sin ser muy redondo ni sonar para nada a aniversario– venía a coincidir con los años que Isabel I llevaba sentada en el trono, y además, introdujeron en el prólogo –todo un detalle– unos poemitas en latín. La música contenida en estas Cantiones es –como ya se podrán figurar nuestros lectores– una maravilla. Tanto por su factura técnica como por el elevado efecto espiritual que tanto anglicanos como católicos –sumidos en un cada vez más violento enfrentamiento– pudieron encontrar en estas páginas. Alamire y su director David Skinner plantean su versión desde el reposo y la contemplación. Escuchando este disco uno tiene la sensación de estar sentado junto a un arroyo que no para de fluir, y que –y esto es lo mejor, tratándose de un grupo inglés–, de cuando en cuando se agita, sacude las aguas cristalinas y nos salpica, alentado, sin duda, por los dictámenes del texto, los mismos que Tallis y Byrd acertaron a transformar en nudos gordianos dentro un tejido sonoro asombroso.

Qué envidia –sana, por supuesto– nos da comprobar la buena salud que posee el panorama coral alemán cuando de nuevo escuchamos a otro coro germano que, literalmente, lo borda. En esta ocasión se trata del Kammerchor Josquin des Préz, del que no teníamos ninguna referencia. Ya desde el inicio, el programa monográfico dedicado a Des Préz refleja la ambición artística del proyecto con una selección de motetes de gran exigencia técnica, entre los que destacan sobre todo dos, el O virgo virginum y el Ave nobilissima creatura, a 6 partes y de considerable duración en ambos casos. Dos cánones engrosan la lista, el Ave virgo sanctissima a 5 y el Sit nomen Domini a 10 partes, de dudosa autenticidad. Pero el momento álgido llega con la Missa Pange Lingua, la última aportación al género que Josquin realizara en 1514 utilizando el himno gregoriano cuyo texto se atribuye a Tomás de Aquino. Todos los expertos coinciden en definirla como una obra capital que aúna fantasía e intelecto, pasión y mesura. En ella Desprez despliega todo su conocimiento en el tratamiento del contrapunto y, a pesar de no romper con los límites establecidos, logra sin embargo un desarrollo técnico que otros apenas pudieron imaginar. El conjunto fascina desde el inicio por la impecable afinación y por el empaste compacto, sobre todo de las voces graves. La articulación se ve empañada levemente por la reverberación de la iglesia. Destaca también el buen criterio en el uso de las dinámicas, así como el natural fraseo, más propio de otros conjuntos consagrados. Todo se aclara cuando caemos en la cuenta de que su director, que además interpreta las entonaciones de canto llano, es Ludwig Böhme, miembro fundador del Calmus Ensemble. Deseamos que éste sea el primero de muchos otros discos, los aficionados a la música lo agradeceremos. No se lo pierdan.

VIVAT LEO!: Música para un Papa Médici (obras corales de Andreas de Silva, Adrian Willaert, Johannes de la Fage, Jean Mouton, Josquin Desprez y Costanzo Festa) Cappella Pratensis. Joshua Rifkin, director / CHALLENGE RECORDS / Ref.: CC 72366 (1 SACD) D1

THOMAS TALLIS (1505-1585) & WILLIAM BYRD (15401623): Cantiones Sacrae 1575 Alamire. David Skinner, director / OBSIDIAN / Ref.: OBSCD 706 (1 CD) D2

JOSQUIN DESPREZ (1450/55-1521): Missa Pange Lingua Kammerchor Josquin des Préz. Ludwig Böhme, director / CARUS / Ref.: CARUS 83.345 (1 CD) D2

Eso y. Tanto es el placer que siento por la vida que obtengo en mi retorno. Ensemble Barcarole / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos dúos inolvidables. de encuentros y desencuentros. Habituales integrantes del Combattimento Consort Amsterdam. al periodo en que gobernó Lorenzo el Magnífico.). madrigales y cantatas que parieron los grandes maestros de la monodia italiana del siglo XVII. el violonchelista Wouter Mijnders y el tiorbista Sören Leupold) hace aquí su debut discográfico. pero sólo hay constancia de que el primero visitara Italia. antes que nada. En solitario. como afirma la soprano en una nota de esclarecedora franqueza incluida en el folleto acompañante. qué entendemos por “early renaissance“... Ambos fueron amigos y viajaron juntos. Uno podría plantar su hamaca y quedarse allí toda la vida entre labios ardientes. de alegrías y amarguras. pues. Sances. Y. tiranno della tua libertà de Sances. partir quisiera cada hora. pues sólo John Dowland y Gregory Howet han de ser considerados músicos renacentistas (y. No hay afecto poético vinculado al amor que no quedara sellado en la infinidad de arias. Su la cetra amorosa de Merula. Dominique Visse. Digamos. Dowland fue inglés y Howet parece que fue flamenco (durante años fue tenido por inglés y aún es hoy el día en que los holandeses lo reclaman como suyo). También Rosenmüller la visitó. los tres tienen tras sí una larga y reconocida carrera. sino el haber compuesto sonatas al modo italiano. de palabras y querellas de amor. renacentistas tardíos). angustias arrasadoras. besos ardorosos. inhumanas desesperaciones. aunque la viola bastarda de Marianne Muller. y Mellon L’Eraclito amoroso de Barbara Strozzi. una trama inextricable de sentimientos y actos. la tiorba de Eric Bellocq y las teclas de Brice Sailly. repleta de ascensos y caídas. aquel madrigal de Cipriano de Rore en el que tan admirablemente se funden las paradojas enmarañadas de vida y arte de la que nos habla este disco emocionante: Aunque con mi partida me sienta morir. La música italiana del Seicento sirve como acogedor receptáculo de este intrincado itinerario personal y artístico. S’el vostro cor Madonna. Vorrei baciarti. El Ensemble Barcarole. tan dulces son mis regresos. contratenor. celos aterradores. Todo un hallazgo. más obligado por las circunstancias (acababa de escapar de la cárcel en la que cumplía condena por un delito de pederastia) que por su deseo de conocer de cerca la música que se hacía en el país transalpino. Los anglosajones suelen usar el término para referirse a la eclosión de los ideales humanistas. Cantai un tempo de Da Gagliano. cuerpos deseantes. desde 1469 hasta 1492). que el subtítulo de este Con chitarrone (“Sonatas italianas desde el renacimiento temprano al barroco”) guarde relación alguna con el término “early renaissance“. además. Dominique Visse Agnès Mellon y Dominique Visse arrastran una larga relación personal y artística. las querellas y la desesperanza se hacen más agudas: Visse les dedica Usurpator. “las palabras se pronuncian con la voz y se cantan con el corazón”. cada momento. que era como también se conocía allí a la tiorba. Strozzi.. siempre bien arropada por el lirone de Marco Horvat. el Leupold Trio (la violinista Eva Stegeman.antigua 200 / febrero 2011 11 Prometedor debut El Leupold Trio recorre el universo de la sonata italiana Eduardo Torrico Cuando el arte se trama con la vida Parole e querele d’amore. claro está. que queda bien simbolizada en este CD en el que. creado por Mellon hace unos años. el empleo del “chitarrone”. LEUPOLD TRIO: Con Chitarrone (Sonatas italianas del primer renacimiento al barroco) Leupold trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. por “renacimiento temprano”. Vayón “Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos ” dúos inolvidables.: CC 72369 (1 CD) D2 PAROLE E QUERELE D'AMORE: Madrigales a dos voces de Monteverdi. caricias torrenciales. Descartemos. acompaña con la complicidad y la discreción que precisan las pasiones íntimas desatadas. como los del Libro VII de Monteverdi (Interrotte speranze. se atreve con las disminuciones de Rognoni sobre Ancor che col partire. eternos gozos. en la Florencia de los Medici (y más concretamente. es decir. Fundado en 2003. así. Rognoni y otros Agnès Mellon. Dos son sus virtudes en este registro: el buen gusto a la hora de seleccionar las piezas y el exquisito gusto a la hora de tocarlas. aplicados fundamentalmente al arte.: ZZT 101001 (1 CD) D2 . que la mayoría de los autores que aportan obras al programa fueron barrocos y que no es la nacionalidad lo que les une. soprano. pues. fabuloso recital barroco de Agnès Mellon y Dominique Visse en Zig-Zag Pablo J. Excelente su lectura de la celebérrima Follia corelliana. mil veces al día alejarme de ti quisiera..” Habría que fijar. Lagrimosa beltà de Sances o Ti lascio anima mia de Valentini.

Liam Fennelly y Pau Marcos. orientadas por Lully a la creación de un estilo nacional francés que fuera reflejo de la majestuosidad y la exuberancia que se trataba de transmitir desde el Versalles del Rey Sol. En 1660. convierte en oro todo cuanto toca. los dos músicos ascendieron en el escalafón. en los cuales se constata el cambio en la monodia acompañada. Benedetto Ferrari (incluye obras de Alessandro Piccinini. músico dilettante y virtuoso. en el que fue instruido por su profesor Etienne Moulinié. sino transitar musicalmente del tradicional estilo antiguo. formada con Kuijken. en uno de los instrumentos más requeridos en las escuelas de música antigua. que forman conocidos intérpretes barrocos (Terakado. desde la emersión del recitar cantando hasta el estilo operístico propio de la mitad del siglo XVII (melodía más definida y ritmo más claro). lo mejor radica en la formidable interpretación de dos desconocidos canadienses. Marianne Muller consigue recrear con convincente intensidad y variedad de matices el particular mundo de Fischer y otorga al Capitán Tobias Hume un tono de adusta serenidad que parece el antídoto de su ardor guerrero. Al siguiente. Olvidado por completo de la práctica magistral durante más de un siglo. La voz de Bélenger es un prodigio en el que se funden su natural belleza y una dicción cuasi perfecta. destacan tres libros. la viola da gamba ha seguido un camino muy singular. y que explora todo el rango expresivo y las posibilidades tímbricas del instrumento. que hacen aquí su debut discográfico: la soprano Peggy Bélanger y el tiorbista Michel Angers (siempre me he preguntado de qué se alimentan en Canadá para que haya tantos y tan buenos músicos). tiorba / STRADIVARIUS / Ref. pieza en cuatro secciones (la segunda dividida a su vez en cinco partes) compuesta en 2008 por el compositor y saxofonista Éric Fischer (1961). Musiche varie a voce sola (Venecia 1633. monsieur Lully convirtiéndose en el Superintendente y Compositor de la Música del Rey y su suegro en Maestro de la Música de la Cámara del Rey. es debido a su numen). Captaine Humes Poeticall Musicke. quien aquel mismo año publicó su primer libro de airs de cour. Marianne Muller. Angers. 1637 y 1641). soprano.1569-1645). Recoge este compacto del sello Stradivarius nueve de esas monodias (entre ellas. por supuesto. dedicados a Benedetto Ferrari (c. voz celestial Debut discográfico de la soprano canadiense Peggy Bélanger Eduardo Torrico Sus ochenta y seis años de vida permitieron a Michel Lambert (1610-1696) no sólo conocer muy de cerca la actividad de la corte francesa bajo dos reinados diferentes y un largo período de regencia. Gevers. el énfasis justo sobre cada marca expresiva hacen de la interpretación. IO VI SÒ DIRE: Música variada para voz sola del Sig. destaca por una digitalización impoluta y por una notable potencia sonora. sigue con una especie de suite en cinco movimientos para viola sola (Les Géosophiques). con Topographic Long-Range. Acompañada cuando la ocasión lo requiere por las violas de Liam Fennelly y de Pau Marcos. Perrot). que lamentan sobremanera el hecho de que no haya sobrevivido ninguna de sus óperas (paradójicamente. TOBIAS HUME (1569-1645): The First Part of Ayres. trufadas de piezas para tiorba de Piccinini. La obra se abre con un dúo (¡un rock!). ERIC FISCHER: Topographic LongRange Marianne Muller. Lully se había casado con Madeleine Lambert. “Pur ti miro”. De las obras de Ferrari que han llegado hasta nosotros. La voz pequeña. la famosa Amanti. Lo digo ya sin ambages: desde hoy me convierto en incondicional fan de la señora Bélanger. Castaldi. un segundo dúo y un trío final (La clepsydre). intimista y delicadísima. Pero más allá de eso. tenor y dirección / ACCENT / Ref.: STR 33877 (1 CD) D2 . gracias a la labor de diferentes centros de formación y de maestros insignes (con Savall y Wieland Kuijken como grandes referencias). por su parte. D'UN FEU SECRET: Arias de corte de Michel Lambert y Jean-Baptiste Lully Musica Favola. piezas para voz solista y acompañamientos de cámara diversos.1603-1681). la viola da gamba es uno de los pocos instrumentos relacionados con la música antigua que ha generado un repertorio propio en nuestros días. io vi sò dire). reuniendo ya hoy en su torno a un grupo de intérpretes de altísimo nivel y a una cantera floreciente. violas da gamba.: ZZT 100501 (1 CD) D2 De un tiempo a esta parte han aparecido en el mercado numerosos discos. la exquisitez y elegancia del fraseo. Vayón Topografía de la viola Marianne Muller ofrece un recital con obras de Hume y Fischer Pablo J. Lambert se especializó en cualquier caso en la escritura de arias de corte. quien. su lenta recuperación se aceleró en los años 60 desde la cátedra de August Wenzinger en Basilea hasta convertirse. El tenor belga Stephan van Dyck presenta en este disco una selección de estas delicadas y sugerentes piezas vocales entremezclándolas con sinfonías. Uemura. ya no hay la más mínima duda de que el bellísimo dúo final de la monteverdiana L’incoronazione di Poppea. ofrece en este disco una nueva muestra al reunir piezas del reconocido mercenario escocés Tobias Hume (c. condición ésta no demasiado frecuente en el gremio de la cuerda pulsada. Con ser buena la música. Música circular. hija de Michel. que harían su fama futura y de las que dejaría una última edición en 1689. monográficos o compilaciones. Stephan van Dyck. Bellerofonte Castaldi y Girolamo Viviani) Peggy Bélanger. dos años después del fallecimiento de su poderoso yerno. chaconas y otras danzas escritas por Lully en sus Trios pour le coucher du roi. AMANTI. por Musica Favola Pablo J. que solían participar en los ballets reales. pero clara y nítida. a las nuevas maneras de finales del siglo XVII. Michel Angers. Lo nuestro ha sido amor a primera vista. Vayón Música divina. con recurso a ritmos repetitivos. la precisión prosódica. Musica Favola. violas da gamba / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. Zylberajch. quizá a rebufo del que grabara en Ambroisie el contratenor Philippe Jaroussky.12 di v e r di antigua El fuego secreto Arias de corte de Lambert y piezas de Lully. Eso ha contribuido a que Ferrari adquiera una cierta popularidad entre los amantes del Seicento. La relación de parentesco incrementaría sin duda las oportunidades de colaboración entre ambos músicos. Acompaña de modo impecable su grupo. cual nuevo Midas. Viviani y del propio Ferrari. de Van Dyck una fuente continua de sugestiones y emociones artísticas del más alto rango.: ACC 24234 (1 CD) D2 Entre los instrumentos antiguos rescatados por la ola historicista que arrancó a finales del siglo XIX y alcanzó su máximo esplendor en la segunda mitad del XX.

Además. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes. una delicadeza. recibieron representaciones privadas cuya fecha exacta y lugar de ejecución no nos consta. Suerte de ópera de pequeño formato. nos brindan una extraordinaria recreación de estas tres geniales piezas del prolífico y cada vez más conocido y apreciado Charpentier. con un equilibrio. La conmovedora cantata Orphée descendant aux Enfers nos lo describe enterneciendo con su lira.: RKAP 30107 (1 CD) D2 El Boston Early Music Festival. plainte). una delicadeza. La “pastoral en música” Acteon recrea el mito del cazador que. Dirs. maderas. La visión es de una concensu toque italianizante. Johann Rosenmüller. Johann Hermann Schein. Sabemos que la carrera de éste se vio condicionada por el monopolio de la creación de “tragedias en música” detentado por Lully. En honor de la primera escribió un delicadísimo lamento (Mit dem Amphion zwar). la obra se contextualiza en un programa hermosísimo dedicado a la música fúnebre de la Alemania de la época.: Paul O’Dette y Stephen Stubbs / CPO / Ref. con un equilibrio. pero ésta que acaba de publicar Raumklang a cargo del conjunto Amarcord y de la Cappella Sagittariana de Dresde no tiene que envidiar a ninguna. Son muchos los registros discográficos que existen de esta obra esencial de la historia musical de occidente. en otro tono. y arias y dúos bellísimos. en Raumklang nianas de obras de Charpentier Pablo J. estas obras. Un hallazgo. míticos moradores infernales. que se incluye también aquí en una interpretación de una ternura subyugante debida a un tenor al que lamentablemente no se identifica. de las que el sello CPO nos ha ofrecido hasta el presente tres importantes primicias: Ariadne de Conradi. Orphée descendant aux Enfers. de las que ahora nos llega el primer fruto discográfico. MARC-ANTOINE CHARPENTIER (1643-1704): Actéon. números puramente instrumentales (obertura. con escenas corales de cazadores y de ninfas. Vayón tración. Michael Praetorius y otros) Amarcord. y una orquesta de 13 instrumentos (cuerdas. con Santiago Salaverri Azotadas fieramente por los cuatro jinetes del Apocalipsis. ” medio de las catástrofes provocadas por la Guerra de los Treinta Años. percusiones y un nutrido continuo). Johann Rosenmüller. Entre ellos. cuatro ripienistas. lo que sorprende. Paralelamente. tan característica de mucha música alemana del tiempo. tres violas da gamba. pues. ni siquiera a la señera grabación de Philippe Herreweghe en Harmonia Mundi.antigua 200 / febrero 2011 13 Famosas últimas palabras Acteón. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes. pues vio morir a su esposa Magdalena aún joven y a sus dos hijas en plena adolescencia. fundado en 1980 y dirigido por Paul O’Dette y Stephen Stubbs. el morir es ganancia” y encargó a Heinrich Schütz una pieza musical que honrara con dignidad sus pompas fúnebres. Por último. y Thésée y Psyché de Lully. con obras profanas de Marc-Antoine Charpentier. un coro de 14 componentes. Hasta 10 solistas. conocidos de grabaciones anteriores. en diecisiete secciones y concebida para cuatro solistas. violín. Motetes fúnebres de Stephan Otto. la morbidez de la línea melódica. o. a las de Gardiner (Archiv) y Christophers (Coro). su música se caracteriza por la perfecta fusión del estilo francés y del italiano que Charpentier aprendió de Carissimi en Roma.: 777613-2 (1 CD) D2 . con más de un siglo de Humanismo y de reforma luterana detrás y en “Un CD interpretado todo él de manera formidable. quien hizo grabar en su sarcófago una sentencia de Pablo de Tarso a los Filipenses: “Cristo es mi vida. sei mir gnädig nach deiner Güte que fue compuesta en Leipzig seguramente en los primeros años del siglo XVIII y que nunca se había grabado antes. Cappella Sagittariana Dresden / RAUMKLANG / Ref. fagot y continuo. dirigidos por los arriba citados. pues la obra. La mezcla tímbrica del violín y las violas. en 2008 comenzó a representar óperas de cámara. Orfeo y los cuatro elementos Fascinante recorrido a través de la música fúnebre de la Alemania Tres magníficas versiones bostobarroca a cargo de Amarcord y la Cappella Sagittariana. el conde Heinrich Posthumus Reuss. el fervor de los corales causa auténtica fascinación. Johann Hermann Schein y Michael Praetorius y una obra organística de Heinrich Scheidemann completan un CD interpretado todo él de manera formidable. VON DEN LETZTEN DINGEN: Música fúnebre barroca de Alemania Central (obras de Heinrich Schütz. pone en escena en sus convocatorias bienales grandes óperas barrocas. Un hallazgo. en especial para aquellos que podían permitirse tiempo para la reflexión y dinero para satisfacer sus ansias de conocimiento y consuelo espiritual y artístico. Schütz conoció en carne viva los horrores de su época. Si la buena disposición para la muerte había sido siempre un asunto trascendental para la grey cristiana. La Pierre Philosophale Boston Early Music Festival Vocal & Chamber Ensembles. las tierras del Imperio no fueron precisamente el paraíso durante los años centrales del siglo XVII. aquí figurada por violín. es bellísima. Difícilmente podía imaginar el príncipe que el músico iba a corresponder al encargo con una de las obras maestras absolutas de la música para difuntos de todos los tiempos: las Musikalische Exequien forman en efecto un tríptico en el que se resume lo mejor del arte musical de la Alemania del siglo XVII. una desnudez y una intensidad expresiva que llegan a sobrecoger. es transformado en ciervo y destrozado a dentelladas por sus propios perros. por haber sorprendido a la casta Diana durante el baño. El CD se abre en cualquier caso con una obra anónima escrita sobre el salmo penitencial Gott. pasó a convertirse en la principal obsesión para muchos. para voz sola y continuo. a Ixión y Tántalo. el ligero y sutil divertissement para la comedia La Pierre Philosophale es una farsa danzable en la que falsos espíritus de los cuatro elementos se confabulan para engañar a un cándido burgués. ahora.

Ludovico Roncalli y Benedetto Ferrari. que no trabajó en Módena. Sobre la interpretación. Y el milagro se produjo. aun admitiendo que es éste un ámbito en el que son más lo puro a lo mezclado.000 habitantes en la segunda mitad del siglo XVII– se convirtió en uno de los grandes centros musicales de la península que. y Kapsberger. Giovanni Battista Vitali. Jan Willem de Vriend. Entre ellos. como es presumible. La Módena de la familia D’Este –de 15. la fantasía de ambos. Benedetto Ferrari. hubo de conjugar el más extraordinario virtuosismo con una poliédrica expresividad y una capacidad para los matices fuera de lo normal. la denominó Vivaldi en la única partitura en que estampó su nombre). al que Kapsberger dedica su obra y quien con casi toda seguridad corrió con los gastos de la edición. De las seis voces convocadas. una pronunciación más que suficiente. Como cuando Uccellini prevé un segundo violín ad libitum. optando por la denominada tercera vía. Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. integrada por miembros de la formación matriz “y especialistas en el repertorio barroco” (cito por el folleto. Giesu Christo. que se llamaba Pelegrina y que era una consumada oboísta (Pelegrina dall’oboe. pero todas demuestran un perfecto conocimiento del estilo y. llegado desde su Venecia natal en 1605. había devenido en la gran personalidad musical del momento. Es lo que pretende ilustrar el dúo Ombra e luce en este magnífico disco que lanza el sello Raumklang. El conjunto Echo du Danube la ofrece con un continuo variado (sin clave. OMBRA ET LUCE: Música para violín en la Corte de Módena (obras de Marco Uccellini. Roma se había convertido en un centro clave del desarrollo musical del nuevo estilo. Guiseppe Colombi. Giuseppe Colombi. de Vriend Mariano Acero Ruilópez Más luz que sombra Música para violín en la corte de Módena. Compartimos su admiración. hemos de reconocer que el grupo orquestal suena magníficamente. realizando un ilustrativo recorrido desde el propio Uccellini hasta Arcangelo Corelli. con la excepción de la sordinella. Willem de Vriend. su señera elegancia –a la Bergamasca de Vitali. Una muy interesante novedad de repertorio. El tono interpretativo es delicado y elegante. S. Si. gran y admirada profesional del oboe. media docena de compositores: Maurizio Cazzati. Maffeo Barberini era Papa como Urbano VIII desde 1623 y muchos de sus familiares ocupaban puestos claves en la organización del Estado. Pero una tercera vía en la que la única que mantiene el instrumento moderno es ella. en Accent Pablo J. 1665. I Pastori di Bettelemme nella nascita di N. Entendemos también que Oostenrijk. GIOVANNI GIROLAMO KAPSBERGER (1580-1651): I pastori di Bettelemme y otras obras de Kapsberger y Giovanni Lorenzo Baldano Echo du Danube / ACCENT / Ref. cuerdas y bajo continuo Pauline Oostenrijk. sin estridencias ni efectismos. por ejemplo.14 di v e r di antigua Antiguos y modernos Conciertos para oboe de Vivaldi por P. Oostenrijk y W. arpa y diversos instrumentos de cuerda pulsada) e incluye violines y flautas dulces. Ludovico Roncalli.000 a 20. limitándonos sólo a un aspecto concreto. jugando con la guitarra en este papel y el del bajo continuo. Unos maestros de capilla que se esforzaron por satisfacer las expectativas de sus patronos. que no informa con detalle de los componentes) utiliza los consabidos instrumentos que antaño denominábamos originales. bastará señalar que los componentes de Ombra e luce son Georg Kallweit (violín) y Björn Colell (tiorba y guitarra barroca): dos nombres mayores en la interpretación historicista. buena parte de las obras para oboe del compositor fueron escritas para ella. Gracias al mecenazgo de los Barberini. No ha cambiado. que son extraídos de algunas de las numerosas ediciones de Kapsberger y de obras de Giovanni Lorenzo Baldano. mientras el grupo orquestal que la acompaña. empero. pese a no ser italianas. es una pastoral navideña escrita en riguroso estilo recitativo en diálogo. dialogo posto in musica es una muestra más del poder de los Barberini en la capital pontificia. ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos para oboe. El efecto logrado es hermoso y lleno de encanto. la evolución completa de la música para violín solo en los dos últimos tercios del Seiscientos. que conoce muy bien los vericuetos estilísticos barrocos.: ACC 24231 (1 CD) D2 . lo que garantizaba su absoluta comprensión por parte del espectador. O lo que es lo mismo. Con una instrumentación tan “espartana” –son sus propias palabras– algunas arriesgadas elecciones se imponen. pero bebió en las fuentes de su escuela. vinculado al recitativo y la monodia. Giovanni Battista Vitali. haya querido rendirle homenaje en una grabación que recoge siete bellísimos –holgaba decirlo– conciertos del compositor veneciano. Vayón Dice Pauline Oostenrijk en las notas a este disco del sello Challenge que siempre ha sentido una profunda admiración por una joven que vivió en la Venecia del Setecientos y de la que sólo sabemos que era huérfana. la Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. como su sobrino el cardenal Francesco. con coros homofónicos a seis voces. con libreto de Giulio Rospigliosi. pero con órgano. Unos gobernantes que hicieron de la música su seña de identidad.: RK 2905 (1 CD) D2 Publicado en Roma en 1630. su evolucionado instrumento moderno por aquel que de verdad tocó Pelegrina. que se usan también en los preludios e interludios instrumentales añadidos. director / CHALLENGE RECORDS / Ref. El director es un consumado especialista en el experimento. La instrumentación está sin anotar. oboe. un oratorio en toda regla. Giovanni Maria Bononcini y Archangelo Corelli) Modena 1665 / RAUMKLANG / Ref. Añadan el virtuosismo de Kallweit. I Pastori di Bettelemme. escrito en lengua vulgar. Archangelo Corelli. desempeñaría un importante papel en el desarrollo de la música para violín. su amplia gama de matices dinámicos. la más conocida es la de la soprano Constanze Backes. desde la llegada de Marco Uccellini en 1639. en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Navidades romanas Oratorio de Kapsberger por Echo du Danube. En cuanto al resultado. que el timbre del moderno oboe confiere un peculiar brillo a las notas vivaldianas y que –esto también holgaba decirlo– Pauline Oostenrijk es una oboísta sensacional. casi desde sus primeros pasos hasta su plena madurez. Maurizio Cazzati. Giovanni Maria Bononcini. especie de cornamusa que da el tono pastoril a la obra.: CC 72389 (1 CD) D2 Una pequeña corte perdida en el puzzle políticoterritorial del Norte de Italia. me remito– y tendrán un disco con mucha más luz que sombra.

de neumas. una excepcional técnica y una expresividad comunicativa. que está realizando una monumental carrera ” discográfica. al menos. de esto. en Roma. por otra. O mejor. con esa grandeza excesiva nórdica.” Timo Korhonen. la guitarra.: RK 2904 (1 CD) D2 . pero en un puñado de piezas se hace acompañar por Nora Thiele y Daniel Zorzano. ni digo. que no es nada claro que estuvieran en la altísima abstracción de estas obras en la mente de su portentoso creador. al propio Foscarini experimentando e innovando. por ejemplo– que contribuyen también a la expresión de la discontinuidad. Cerca de una treintena de sus piezas componen este precioso disco que el laudista y guitarrista Frank Pschichholz le dedica en Raumklang. este disco tiene una doble coherencia: por una parte. Y un punto de heterodoxia creativa. Sus últimas dos producciones están dedicadas íntegramente a J. un capricho que se permitirían muy pocas empresas discográficas en la actualidad. Y se sabe que a la muerte del archiduque Alberto de Austria partió de Bruselas en compañía de un violagambista y una percusionista. Pschicholz es el gran protagonista del disco. hace fascinante este disco de principio a fin. innovando. Ese punto de desorden creador –en contraposición a un “orden en la casa” que se deja caer en plena folía– que. Korhonen intenta distanciarse de aquellas orientaciones. cultivó el instrumento que dominaba y amaba. Hay muchas zonas oscuras en la biografía de Giovanni Paolo Foscarini (act. que firma colectivamente el disco. Esto se evidencia cuando constatamos que el segundo disco sólo contiene veintiún minutos de música. ni creo. más que una transcripción a la manera romántica de un Ferruccio Busoni imitada por Segovia. sigue la vía de su particular interés por la interpretación en la guitarra de música concebida para otros instrumentos. Y siempre. a borbotones. Los arcos del violín. En este sentido. en particular. sobre todo. autodenominado il Furioso en alguna de sus publicaciones. que reinterpreta los originales según parámetros estéticos de un tiempo distinto.antigua 200 / febrero 2011 15 El Bach neumático en la guitarra de Timo Korhonen El guitarrista finlandés firma otro referencial registro para Ondine ¿Orden en la casa? Bendito desorden Precioso disco dedicado a Foscarini en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Javier Suárez-Pajares “Un guitarrista torrencial. más aún. Pero ninguna historia de la música deja de señalarlo entre los grandes cultivadores de la guitarra en el siglo XVII. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685–1750): Partitas para violín solo (arregladas para guitarra) Timo Korhonen. a menudo con un toque de originalidad amparado en sus desbordantes capacidades para engullir repertorios. con la que debutó hace más de una década– está realizando una monumental carrera discográfica planteada en forma de producciones. como en el disco dedicado a las sonatas. La dimensión arquitectónica de la música para violín solo de Bach la interpreta Korhonen de una manera neumática: con un fraseo hecho de impulsos de aliento. París y Venecia. de las figuraciones melódicas. para el alborozo. se convierten en la guitarra de Korhonen en una especie de golpes de aliento. Italiano de origen. el ritmo danzante y hasta la euforia. repitiendo hasta en el género la composición de aquel trío que hace casi cuatro siglos salió de Bruselas: es The Foscarini Experience. guitarra / ONDINE / Ref. Por lo demás. en los que deja las cuerdas de la guitarra vibrar libremente. Yo. más descriptivas que expresivas. Se dejó influir por el estilo dominante en los sitios que visitó –algunas de sus piezas exhalan un tenue aroma francés– y. Bruselas. que evoca un mítico disco que Lislevand dedicara a Kapsberger y. residió. En la trayectoria de Korhonen. Entre sus grabaciones resulta interesante su atención por ciertos arreglos que han sufrido un notable desprecio por parte de los guitarristas actuales: ha dedicado así un disco a las transcripciones de Tárrega de música de Beethoven y Wagner (ODE 1013) y otro a los arreglos de música de Chopin que se completa con las canciones populares catalanas de Llobet (ODE 903). más viva cuando interviene el grupo. a la que ya nos referimos en el comentario de las sonatas. a su música para violín solo: en marzo de 2009 salió su grabación de las sonatas (ODE 1128) y en 2010 las partitas que presentamos aquí en un doble CD que nos demuestra hasta qué punto los finlandeses no reparan en gastos y miman a este buque insignia de la guitarra escandinava. Bach y. S. de ahí el uso de afinaciones irregulares (scordature). en coalición con el sello Ondine –compañía bandera de la discografía finlandesa. Korhonen ocupará un lugar indeleble en la historia del repertorio guitarrístico como dedicatario del Concierto de Helsinki para guitarra y orquesta de Leo Brouwer. en definitiva. es un guitarrista torrencial. Korhonen emplea su guitarra Weissgerber de 1928 cuya claridad y neutralidad sonora. XVII) The Foscarini Experience / RAUMKLANG / Ref. lo que propone Korhonen es la adaptación de la música original a los recursos idiomáticos de la guitarra. aunque éste es un camino habitual de la tradición guitarrística culminada por Andrés Segovia. con algunos gestos interpretativos derivados de la técnica del violín –como retener dominantes. con esa grandeza excesiva nórdica que.: ODE 1164-2D (2 CD) D2 BON VOYAGE: Música de Giovanni Paolo Foscarini (s. 1629-1647). la estudiada prolongación de los bajos y un fraseo en el que se separan muy netamente los pasajes ligados. Hay momentos para la introspección y la poesía. finlandés hasta la médula. Implicado también con la creación contemporánea para guitarra. combinando el viejo estilo battente con el pizzicato puro del laúd para alumbrar el estilo mixto que desde entonces primó entre sus continuadores. acompaña bien a su interpretación de una música a la que atribuye unas particulares intenciones retóricas.

con toda seguridad. creando su propio conjunto instrumental bajo el nombre de Café Zimmermann.16 di v e r di entrevista Céline Frisch & Pablo Valetti “Nuestras interpretaciones buscan la riqueza de la diferencia” Entrevista exclusiva con los creadores de Café Zimmermann Mark Wiggins fotos © Petr Skalka Pablo Valetti (PV) y Céline Frisch (CF) son dos buenos ejemplos de la actual generación de intérpretes de música barroca. un poco de tango y también música clásica). Jesper Christensen (quien formó parte del Ensemble 415 de Chiara Banchini). Ha analizado numerosos tratados y todas las fuentes que ha podido encontrar. entremezclados. folclore. cuyos estudios superiores comenzaron a principios de los años 90 en esa incubadora musical que es la Schola Cantorum de Basilea. y en medio de todo esto fue creciendo en mí . llevan desde 1998 deleitando tanto al público de conciertos con sus imaginativos programas. los dos directores de Café Zimmermann han hecho un alto en el camino para hablar en exclusiva para Diverdi. Poco antes de completar sus estudios. hindú. escrutando el pasado. Creo que. como directores artísticos del proyecto y rodeados de grandes intérpretes. él es la primera persona que ha estudiado el bajo continuo con tanto detalle. sino también todo lo concerniente al bajo continuo. presente y futuro de su trayectoria. no acaban en esta colección bachiana. las Suites orquestales y varios conciertos. la formación y el estudio del estilo barroco recibidos en la SCB fue crucial. La selección de obras para cada disco combina a la perfección con las reveladoras obras pictóricas escogidas y comentadas por Denis Grenier en la serie Ut pictura musica de Alpha. en una inmensa cantidad de estilos. A sus clases no solo acudían clavecinistas. Resulta especialmente destacable la serie de cinco discos dedicados a Bach (cuyo sexto y último volumen tiene prevista su aparición para el próximo otoño) que incluyen. Valetti y Frisch. sino también violinistas y otros estudiantes. aunque tuviésemos diferentes profesores. como a los compradores de discos con un flujo constante de grabaciones para el sello Alpha (el grupo alcanzó su madurez coincidiendo con el exitoso crecimiento de esta discográfica francesa). para mí fue crucial una destacada figura y personalidad de nuestra etapa en la SCB. Andreas Staier. Pero los frutos del entusiasmo musical de Valetti y Frisch. los Conciertos de Brandenburgo. como homenaje actual a aquel vanguardista Collegium Musicum creado por Georg Philipp Telemann (y dirigido por Johann Sebastian Bach) que tenía su sede en la cafetería de Gottfried Zimmermann en Leipzig. PABLO VALETTI: Antes de decidir mi traslado de Buenos Aires a Europa en 1991. Además de mi maestro de clave. me interesaban múltiples estilos de música (rock & roll. no sólo por enseñarme música de cámara. y ha volcado todo eso en la enseñanza de cómo debía sonar en la práctica. y al chelista Petr Skalka– tenemos en común la estancia en la Schola. juntos o por separado. Una vez completada la grabación de la serie de Concerts avec plusiers instruments. todo en un estilo camerístico vivaz e imaginativo. este violinista argentino y la clavecinista de Marsella se unieron a otros músicos que compartían la misma inquietud por explorar el universo barroco y más allá. dado que muchos de los intérpretes que han tocado en Café Zimmermann –incluyendo a Pablo. DIVERDI: ¿Qué ha supuesto para vosotros estudiar en la Schola Cantorum Basiliensis? CÉLINE FRISCH: Cuando decidimos fundar el grupo. a mí misma.

con el fin de crear una imagen más general de la música. muy moderna y actual. Decidimos no interpretar diferentes versiones de la misma pieza (el Cuarto Concierto de Brandenburgo existe también como Concierto para clave). Hemos de considerar de antemano cuestiones como los tempi o el carácter. pero en aquella época teníamos un número muy limitado de compromisos. René Jacobs y Jordi Savall. nacidos en Basilea. Aunque en Basilea tuve la oportunidad de unirme y tocar con músicos con los que compartía un mismo enfoque estilístico. puede abandonar la sala.: El verdadero centro de nuestra actividad es la música de cámara. y asistí a clases de artistas de la talla de Christophe Coin. con una densa polifonía y este modo especial de escritura para cada voz. No creo que yo tuviese una idea muy precisa de lo que quería hacer. a causa de las diferencias de enfoque. Tocar así otorga más vida e individualidad a cada músico que si se interpreta con una orquesta.: ¿Cómo nació la serie de grabaciones bachianas Concerts avec plusieurs instruments del sello Alpha? C.: Este espíritu surgió ya en los orígenes del grupo. cuantos más intérpretes haya.: ¿Como instrumentista de cuerda. con la salvedad de que en nuestro último disco hemos vuelto a grabar el Concierto para oboe d’amore en La mayor. Sin embargo. Jean-Paul soñaba con encontrar un grupo con el que pudiera grabar toda la música instrumental de Bach. Lo mejor de la SCB fue la amplitud y calidad del profesorado. para que todo pueda sonar como música de cámara. como las escritas para la viola o el segundo violín. el enfoque camerístico es más apropiado aquí que en otras composiciones cuyas voces interiores no son tan interesantes o no están tan desarrolladas. pues. interpretar y manejarme con la fabulosa música de Bach. para obras que requieren un reducido número de intérpretes. foto © Petr Skalka . un chelo y un contrabajo. el grupo no está constituido en torno a una o dos personas. comencé a tocar con el violagambista argentino Juan Manuel Quintana y con Concerto Köln. Considerando la serie de discos de Bach como un todo.V. ensayar e interpretar (evitando involucrarnos en proyectos en los que no nos encontrásemos cómodos). quien había fundado recientemente el sello Alpha y era director en Normandía del Festival de Música de Arques-la-Bataille. Más que por el hecho de que a todos nos encantaba la música barroca –nos gustaba el mismo repertorio. pues los primeros conciertos de Bach que grabamos fueron escritos para conjunto de cámara. especialmente la del siglo XVII. de hecho. aunque gran parte de la interpretación es producto de la propia musicalidad de los intérpretes. Nuestro punto de vista parte de la consideración de que.V. y en aquel momento no disponíamos de medios financieros para ello. Mis maestros más destacados fueron Chiara Banchini y Jesper Christensen. pues a menudo solíamos tocar música de cámara juntos en la Schola y en pequeños conciertos.entrevista 200 / febrero 2011 17 “El verdadero centro de la actividad de Café Zimmermann es la ” música de cámara. Nuestro enfoque del contrapunto contrasta con el modo de pensar en vertical del clavecinista. D.” un interés y afinidad por la música barroca. como solistas de cuerda. Aunque Céline y yo nos involucremos mucho en la organización y las decisiones generales que conciernen a Café Zimmermann.F. donde cada voz tiene algo que decir. por ejemplo– no me sentí tan cómoda. Todos eran muy generosos con su tiempo lectivo. Esto dependerá del repertorio que estemos tocando. Intentamos tener una visión para cada instrumento. pero siempre escuchando y tratando de dar libertad a los músicos para tocar y transmitir. era un perfecto repertorio con el que comenzar –nuestras primeras actuaciones incluían conciertos de Bach– cuando tu grupo cuenta con pocos miembros. Otra idea importante era la de trabajar con dos instrumentistas en el bajo. pues no podemos pasar horas y horas discutiendo. También empecé a interpretar a solo. Algo que resultó crucial en nuestra plasmación discográfica de todas esas composiciones bachianas fue encontrar a JeanPaul Combet. contemplas la música de Bach de un modo distinto al de un clavecinista? P. aparte de obras italianas– .: Tras acabar mis estudios en Basilea en 1997. en cuanto a tomarnos tiempo para investigar. no solo en la teoría sino también en la práctica. estaba completamente dispuesta a encontrar algún proyecto o grupo. Pensé entonces en contactar con varios músicos de mi época en Basilea para encontrar un modo de trabajar con gente que compartiese mis objetivos. también podría existir otra instrumentación –incluso de tamaño orquestal– u otro modo distinto de ser interpretadas. Para nosotros existe un modo muy distinto de desarrollar el sonido: los instrumentistas de cuerda probablemente se enfoquen más en la melodía y en el diálogo entre melodías. sin duda. En aquella época había profesores con quienes resultaba muy fácil tener una clase. fuese donde fuese. incluían la importancia del bajo continuo en la música barroca (en aquella época no se le daba la misma importancia en otros países). D. P.F. sobre todo la música alemana de los siglos XVII y XVIII. por esta razón. y que resultaba. En Café Zimmermann intentamos superar esos enfoques privativos de un instrumento. yo me esforzaré aún más en conseguir una clara dirección musical. como en el Primer Concierto de Brandenburgo o las dos Suites orquestales en Re mayor. como puede ser una sonata. Cada músico debe estar convencido de estas ideas con el propósito de concebir la música bajo la misma imagen acústica: que quien conduce la música es el bajo continuo. Tales requisitos. en lugar de pretender forzarlos a tocar como yo pienso.V.: ¿Qué importancia tiene para vosotros el espíritu camerístico de Café Zimmermann a la hora de interpretar Bach? C. Cuando haya mucha gente involucrada. El caso es que. decidimos emplazar cuatro obras en cada álbum. lo que nos unió fue que nos encantaba tocar juntos. con sólo cuatro intérpretes. Todo esto me resulta de especial importancia en Bach.: Seguramente haya diferentes concepciones del sonido básico entre un violinista y un clavecinista. más tendremos que concentrar las decisiones en una sola persona.: ¿Qué os impulsó en 1998 a crear Café Zimmermann? P. Esta es una premisa general del grupo. Podría decirse que mi labor es coordinar las ideas musicales del grupo. de música de Bach. Estas obras de Bach incluyen además partes instrumentales muy interesantes. D. Pisendel y Biber. necesitas muchos más intérpretes. por supuesto.F. D. la razón de peso para interpretar y grabar estas obras concretas fue mucho más monetaria: si quieres interpretar algunos de los otros concerti o concerti grossi del Barroco tardío. C.: Seguramente fuese yo quien estaba más entusiasmada por escuchar. Descubrí que había muchísima fantasía en esta música. con un músico por parte. solemos crear y elaborar sonido durante toda la obra.: Resultó natural formar un conjunto con nuestro grupo de estudiantes. cuando me crucé con gente que había estudiado en Francia –en París o Lyon. Quizás esta música encaja tan bien con nosotros porque nos gusta mostrar la riqueza de cada voz y podemos beneficiarnos de la contribución de cada instrumentista. La idea original de fundar Café Zimmermann fue de Céline. Dimos allí un concierto. y muy abiertos. no sólo para Céline y para mí. mientras que cuando un clavecinista ha tocado sus notas. ni logré esa familiaridad.

aquellas cantatas y concertos comiques del siglo XVIII.E.: Estoy de acuerdo. Además.: Ningún miembro de Cafe Zimmermann había trabajado con Gustav Leonhardt antes de este proyecto (cuyo fruto es el disco de cantatas seculares de Bach en Alpha). Bach. En los inicios lo formábamos apenas seis o siete músicos. Como clavecinista puedo decir que. y esto forma parte de la riqueza en diferentes ideas y actitudes que intentamos reflejar en nuestro modo de hacer música. Por otro lado. como pequeña broma dado el nombre de nuestro grupo. nuestras mejores cualidades eran el entusiasmo y .P. quizás como consecuencia de la multitud de nacionalidades diversas de los componentes de nuestro grupo. A veces me pregunto qué oirán los melómanos cuando escuchan estos discos. en lo relativo a la dirección musical.E. es que aún estudiamos muchísimo. idea que perseguimos con nuestras interpretaciones. veinticinco instrumentistas. no pueden compararse con las piezas de Bach que hemos grabado. el grupo ha evolucionado técnicamente: nos resulta mucho más natural nuestro modo de tocar. tenía mucha más espontaneidad que cuando las toco hoy. a ser menos entusiastas y expresivos y a permitir que el texto “cargase” con las emociones.: La grabación de la serie Bach se extiende a lo largo de diez años. Además de los detalles económicos que ha mencionado Céline. una perspectiva diferente. ¿Durante este periodo de tiempo vuestros conceptos musicales se han desarrollado o evolucionado? P. Bach. después de trabajar con él estamos cuidando más el manejo de ciertos ritmos y procurando conseguir un enfoque más equilibrado en todo. ¡Fue como hacer un puzzle! La serie Bach también refleja el concepto de “la riqueza de la diferencia”. en lugar de hacer discos monográficos.F. Lo cierto es que seguimos siendo un grupo bastante constante de gente con ideas similares. oboe y clave. Conociendo ahora mucho mejor la música. ¿qué dirección planea tomar Café Zimmermann? P. En algunas actuaciones de Café Zimmermann acabamos juntando músicos de diez o doce nacionalidades distintas.: Ya hemos grabado un disco con música de Charles Avison (los Concertos in Seven Parts done from the lessons of Domenico Scarlatti) y vamos a continuar en este tipo de repertorio. sino en intentar elaborar discos que se pudieran escuchar como conciertos en vivo. él nos instó. sino que es menos intuitivo y más estructurado. En este sentido. esta experiencia no fue crucial en cuanto al desarrollo de nuestra forma de tocar –como nos ocurrió con Gustav Leonhardt–. en general. Siempre hemos preferido la idea de unir diferentes obras a modo de concierto en vivo. reguló la calidad del sonido que emitíamos y. De todos modos.F. Aunque las obras que interpretamos con él. grabadas hace unos seis años). Mucha de esa música responderá a nuestro enfoque camerístico –como fue el caso de nuestro disco dedicado a C. Puede que los cambios ocurridos no estén tanto en nuestro modo de interpretar a Bach como en otros repertorios que estamos tocando cada vez más (incluyendo las Sinfonías de C. integrándolos en el grupo de tal modo que no se perdiese la idea camerística. nuestro trabajo con Dominique Visse fue muy satisfactorio por otra serie de motivos (especialmente para mí. las cuatro Suites orquestales y varios Conciertos para violín. alguna de la música que interpretamos tiene un carácter mucho más orquestal. en paralelo al desarrollo del proyecto Bach. También soy mucho más consciente de lo que quiero y de cómo lograrlo. Lo que no ha cambiado. D. en la actualidad. habría que mencionar el desarrollo de Café Zimmermann como grupo de gente. en el modo en que interpreto las Variaciones Goldberg. veinte o la energía –lo cual se nota en las primeras grabaciones– con tempi rápidos. C. con composiciones de Haydn y Mozart. y éramos conscientes de que antes de poder crecer hasta ser un grupo de. y teníamos grandes expectativas. estábamos completamente receptivos a cualquier cosa que él nos aportase. pero interpretando música de diversos compositores. Si juntásemos nuestras grabaciones de los seis Conciertos de Brandenburgo ¿se percibiría un sentido de unidad? Creo que la respuesta debería ser “¡sí!”. como instrumentistas.P. tres de las obras que hemos grabado en esta serie han sido las dos Suites orquestales en Re mayor y el Primer Concierto de Brandenburgo –con un ámbito palpablemente mucho más orquestal que el Concierto para violín en Mi mayor que grabamos hace diez años. y si seguimos interpretando con los mismos tempi que antes. pero nosotros disfrutamos mucho y también el público. cuando comenzamos en esto. lo que hemos hecho con la música de Johann Sebastian Bach nos ayudará mucho cuando afrontemos obras orquestales. estábamos y seguimos convencidos de que algunos de aquellos tempi tenían que ser veloces.: Supongo que. podemos concentrarnos en buscar qué convierte en especial a una determinada pieza.: El propósito básico que nos planteamos con esta serie fue el de dar una perspectiva diferente al modo típico de presentar los seis Conciertos de Brandenburgo de Bach. desde nuestros tiempos en Basilea. no nos da la impresión de estar tocando rápido. porque quizá al principio nuestro enfoque era más espontáneo. y.V. Escogiendo los programas para cada CD no nos centramos tanto en cuestiones como si las piezas proceden o no del mismo periodo de composición. son música muy bien compuesta. Condujo nuestras aptitudes para la articulación y el fraseo.P. Estamos barajando algunos conciertos italianos.: ¿Cuál era vuestro propósito para esta serie? ¿Lo habéis alcanzado? P. D. Aunque desde el principio supiésemos que estábamos tocando más deprisa que otros grupos.18 di v e r di entrevista “Queremos pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de ” interpretar la música. Para estas obras vocales de Bach.E. Locatelli sería el primero. digamos. Ahora que tenemos más experiencia intentamos ser más precisos.: Ahora que habéis completado la serie de grabaciones bachianas. ni siquiera con las Sinfonías de C. pero lamentablemente resultó demasiado caro. utilizando una paleta de colores más amplia. D. ¿Cómo han influido estos dos artistas en el desarrollo de Café Zimmermann? C. Bach– pero para Haydn y Mozart necesitaremos una pequeña orquesta y. la calidad de nuestro modo de tocar como grupo. que quiere tocar.V. Otra área que queremos desarrollar es mostrar lo que ocurrió tras Johann Sebastian Bach. Con total seguridad. tendríamos que trabajar muy duro y además esperar a ir encontrando el tipo adecuado de gente con la que tocar. cuando las grabé para Alpha hace diez años. Teníamos intención de incluir también la Cantata del café. pues me siento muy cercana a la música francesa y la he interpretado con más frecuencia que Pablo). mientras que ahora nuestra actitud al tocar es más estructurada. lo cual no implica que mi modo de tocar sea muy diferente. que es fantástico como cantante. Por ejemplo. para elaborar algo parecido a la serie Bach.” que ya apareció en el primer álbum. por tanto. trabajar y evolucionar juntos. Una diferencia concreta entre entonces y ahora es que.V. con la música de sus hijos y el Clasicismo temprano.: A lo largo de los años habéis grabado con artistas tales como Dominique Visse y Gustav Leonhardt. continuamente descubro cosas nuevas en esta obra. como actor y como persona. D. He de dar las gracias a Dominique.

logrando. cuyo quinto y penúltimo volumen se presenta aquí. con las grabaciones exista el peligro de la plasmación inamovible de una interpretación: a menudo. grupos de solistas y coros. porque la experiencia se parece a un trabajo de laboratorio en el que podemos trabajar cada aspecto concreto de nuestra interpretación. I Café Zimmermann / ALPHA / Ref. las versiones de la música de Bach que hemos grabado durante toda una década no son definitivas.: ALPHA 137 (1 CD) D2 J. Y todo ello con el aliciente de unas cuerdas sedosas y limpias. institución que.: ALPHA 048 (1 CD) D2 J. es una pena que. En definitiva: a falta del último volumen.V. un Air sensible y conmovedor. en su totalidad. con ayuda de los ingenieros de sonido. ¿qué tal lleváis el trabajo de grabación? P. en disco o fuera de él. al mismo tiempo. BACH: Conciertos con diversos instrumentos II Café Zimmermann / ALPHA / Ref. Frisch. que el sensacional conjunto contemporáneo así bautizado prosiga con su magnífica integral dedicada a esta faceta compositiva de Bach. unas maderas redondas y elegantes y unos metales brillantes y refinados. la conocidísima tercera suite orquestal obtiene una lectura óptima. de la obra para conjunto instrumental de Bach. con unos movimientos extremos briosos y cristalinos –es fácil emborronar la partitura– y un emocionante Adagio ma non tanto. Estamos eligiendo cantantes con quienes podamos trabajar flexiblemente. Nada más oportuno. pero da cabal idea del lujo de la versión. con su precioso adagio. J. alejada de los tópicos rigores bachianos. El espléndido nivel mostrado en los discos anteriores se mantiene inalterado en éste. cuenta con una llamativa siciliana en estilo galante. como es bien sabido. interpretaba variada música en el Café de Zimmermann. uno tiende a pensar que las cosas no se pueden hacer de otro modo. para nosotros. Podemos trabajar con un único cantante al modo camerístico (como en el caso de Dominique Visse) u orquestalmente llevando el cantante el protagonismo (como en nuestro proyecto haendeliano con Roberta Invernizzi). cuando se escucha una muy buena grabación. D. que también proviene de un concierto desaparecido –para tres violines en este caso–. IV Café Zimmermann / ALPHA / Ref.: ALPHA 071 (1 CD) D2 J. BACH: Conciertos con varios instrumentos.” Buena parte de la producción orquestal –una expresión un tanto anacrónica. pudiendo cristalizar el concepto musical que estamos interpretando y tratarlo como si fuese la creación de una escultura o un cuadro.: Me encanta grabar. Finalmente. servida a pedir de boca. hoy en día. pero creo que sirve para entendernos– bachiana tuvo como destino el Collegium Musicum lipsiense. Música para todos.: ALPHA 013 (1 CD) D2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Conciertos con varios instrumentos.: Teniendo en cuenta la gran cantidad de discos que habéis realizado para el sello Alpha (entre otros). Dos figuras de la viola da gamba –Friederike Heumann y Guido Balestracci– se ocupan aquí de sus partes. “A falta del último volumen. bourrée y giga final de energía y finura desbordantes. se luce sobremanera Céline Frisch. vivaz.: Además de acercarnos a esos repertorios. el concierto para tres claves en re menor. Así. aunque en los conciertos en vivo las interpretaciones nunca son exactamente iguales.entrevista / antigua 200 / febrero 2011 19 Café para todos Quinto y penúltimo volumen de la aclamada serie que Café Zimmermann dedica en Alpha a la musica orquestal de Bach Javier Sarría Pueyo C. de la obra para conjunto ” instrumental de Bach. pero ahora estamos encantados de actuar con ellos. Sin embargo.F. aunque no azucarado. En el concierto para clave en fa menor –segura transcripción de un concierto hoy perdido para violín u oboe–. por tanto. lo que no deja de ser un desperdicio. en compañía de Dirk Börner y Anna Fontana hacen un gran trabajo. y planeamos algún proyecto con el coro Accentus. y además seguiremos trabajando con directores. la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar. y unas gavotas.: ALPHA 168 (1 CD) D2 . que los tres claves se distingan perfectamente. 5 Café Zimmermann / ALPHA / Ref. BACH: Conciertos para varios instrumentos. El sexto brandemburgués es una pieza magnífica.S.S. sino que son una interpretación que dimos en un momento de nuestra vida. Tenemos planeado grabar Buxtehude con Nuria Rial y Stefan Vock. dada su sencillez. que estén abiertos a auténticas colaboraciones musicales. vol.S. en su totalidad. en el futuro colaboraremos más con cantantes. y la versión es referencial. con una obertura extraordinariamente pomposa y. teniendo la oportunidad de oír y hacer correcciones.S. Ya hemos dado algunos conciertos con Roberta Invernizzi cantando arias de Haendel y cantatas seculares de Bach. aunque quizá sea el menos conocido de los seis. la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar. Todos estos enfoques nos harán aprender y desarrollarnos. En nuestros inicios quisimos desarrollar nuestra personalidad como grupo instrumental antes de comenzar a trabajar con cantantes. rítmicamente precisa sin merma de la necesaria flexibilidad. III Cafe Zimmermann / ALPHA / Ref. BACH: Conciertos para varios instrumentos. Quiero pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de interpretar la música.

sino ‘contrapunctus’ y. Un verdadero monumento musical en todos los aspectos.: 19. que se siguen perfectamente. en resaltar los aspectos puramente artísticos y expresivos de la música. pero sí atestiguan las cualidades por las que Perti fue tenido en alta estima por Corelli. incluye cánones). Lorenzo Perti. quizá como alusión a la dualidad del ser entre el amor terrenal y el celestial. también era compositor. como si su trayectoria personal y creadora se hallara escrita desde antes incluso de que viniese al mundo: su tío. Ton Koopman. como dejó escrito su hijo berlinés con claros fines de promoción comercial. Perti Urko Sangroniz Javier Sarría Pueyo cución de las fugas en espejo añadiendo un segundo teclado. Giuseppe Corso Il Celano. la voz de Laura Antonaz en el doble papel destaca entre el resto de cantantes. muriese al introducir el sujeto BACH en el último contrapunto –que. Caldara y Fux: su elegante inventiva melódica. el milanés favorece la ejecución práctica. cómo no. A. una de las más enigmáticas. además. la variedad formal empleada y una amplia capacidad expresiva. lo que es fundamental en esta obra. los secretos en la creación del oratorio. Como curiosidad hay que apuntar el hecho de que los personajes de Sara y Agar estén asignados a la misma voz de soprano. Gioele Gusberti. pues aquél tiene un carácter más concertístico que el publicado. sino también por el esfuerzo. siguiendo los pasos de Leonhardt y de su maestro. ¿Se trata de una composición destinada a la ejecución o.: GCD P31510 (1 CD) D2 NB ANTONIO DE CABEZÓN Invenciones de Glosas Ministriles de Marsias nb 024 (2 cd) p. director artístico / BONGIOVANNI / Ref. Elena Biscuola. soprano. y por ello antepuso siempre la calidad a la cantidad. bajo. quien afirma que. Fabio Bonizzoni. en todo caso. a cargo de Mariko Uchimura. llena de confusiones y malentendidos. las 28 misas y los 54 motetes que compuso completan la lista–. que no procede de Johann Sebastian. La interpretación –muy ágil en los tempos– no puede sino calificarse de sobresaliente. situándose entre las punteras en versión para clave. y la sirvienta Agar.p. aun cuando la plena apreciación de la obra sólo puede obtenerse tras el estudio y ulterior meditación sobre la compleja escritura bachiana. De Corso heredó un completo dominio en el arte del contrapunto que admiraría hasta el Padre Martini. desde la rigurosa observancia del Stylo Francese en el contrapunto séptimo hasta el brillante dramatismo de las fugas en espejo. En él se narra la historia de la elección de Abraham entre su esposa estéril. ubicado actualmente en la Staatsbibliothek de Berlín. pero también. pudo así dedicarse a la composición sin los apuros de otros. empezando por el título.: GB 2451-2 (1 CD) D2 MINISTRILES DE MARSIAS Trazos de los ministriles nb 017 (1 cd) d2 . Por otro lado. se decanta por su concepción como obra clavecinística y resuelve los problemas de eje- JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga (para uno y dos teclados) Fabio Bonizzoni. Ensemble "Il Continuo". entre otros. sino que debió de ser ocurrencia de Carl Philip Emanuel al darlas a la imprenta (entre otras cosas.- El de Giacomo Antonio Perti es uno de los esos casos infrecuentes en que todos los hados parecen conjurarse en beneficio del individuo. Mariko Uchimura. y la familia en la que nació gozaba de una posición envidiable en la sociedad boloñesa de la segunda mitad del Seicento. al mismo tiempo. Comenzó su formación musical bajo la tutela de su tío para después continuarla con. Sara. Muy bien arropada por el Ensemble Il Continuo.20 di v e r di antigua Matemáticas sonoras Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El Arte de la Fuga El afortunado boloñés El oratorio Abramo vincitor de’ propii affetti de G. Para muestra. Sin embargo. Sus casi 20 aportaciones al género no constituyen lo más generoso de su producción –la treintena de óperas. no por ello debe renunciarse al placer estético que proporciona su escucha. Tampoco es cierto que fuese su última composición ni que.v. clave / GLOSSA / Ref. Gastone Sarti. por el contrario.80 € . su oratorio Abramo vincitor de’propii affetti. no sólo por la claridad en la exposición de las voces. la cuestión que más literatura ha producido ha sido la relativa a la naturaleza de la obra. quedó inacabado–. contralto. GIACOMO ANTONIO PERTI (1661-1756): Abramo vincitor de' proprii affetti Laura Antonaz. al adoptar el orden de las piezas dispuesto en el manuscrito P200. clave. un tratado de contrapunto? En un término medio se sitúa Malcolm Boyd. estrenado en Bolonia en 1683 cuando Perti lucía 22 primaveras. Fabio Bonizzoni El Arte de la Fuga es una de las obras más célebres de Bach y. un conjunto que hace honor a su nombre acompañando magistralmente. discípulo del gran Carissimi. culminado con absoluto éxito. Bach no utilizó la expresión ‘fuga’.

puesto que la joven O’Murphy. Les Escapades du Roi es un título con doble sentido. volviendo la mirada hacia sus adentros.. del esplendor y de la inmoralidad. Pignolet de Montéclair y Robert de Visée) . de quien se incluye aquí su bellísima Chaconne. Austero primero y brillante después. pliegue según pliegue. El experimento es lo que es. Las piezas instrumentales. Por un lado.: CHR 77338 (1 CD) D3 Konstantin Lifschitz.antigua 200 / febrero 2011 21 Esplendor versallesco Les Escapades du Roi recrea las cortes de Luis XIV y de Luis XV Eduardo Torrico El arte del pliegue Konstantin Lifschitz presenta en Orfeo una seductora y ‘diferente’ visión del Arte de la fuga Ignacio González Pintos “El barroco no remite a una esencia. de los placeres y las intrigas. individuo. Louis Couperin. una mónada que a partir de sí misma. góticos. los pliegues griegos. pliegues y repliegues. Barbara Pfeifer y Andina Scheyhing). de la suave delicadeza del golpeo en el cuarto al ornamentado fraseo expuesto en el sexto. de la corte de Versalles. Antoine Forqueray. destaca apariciones y reapariciones. quiebra y sostiene el discurrir musical hasta llegar a una lenta fuga final que se interrumpe sin afectación. a un rasgo. el dios relojero. individual pero infinita. Queda todavía el contemplativo transcurrir del coral que cierra el disco. Sabine Kreutzberger. observando su reverso en un espejo interior. acercando el horizonte y difuminándolo. Reconstruye ese particular universo a su manera. Coral BWV 668A Monika Mauch. Lifschitz nos guía. la obra de Johan Sebastian Bach ilumina el camino y.” “El pliegue”. salvo Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. Primero Lully. El pliegue es un concepto transversal. cual punta de iceberg. Hacia el final de su recorrido Deleuze se detiene para explicar el paralelismo entre la filosofía de Leibniz y la armonía barroca. El Arte de la Fuga se erige como fascinante representación musical de la tesis fundamental de la Monadología: una sustancia simple. hacer posibles los pliegues imposibles. no sin grandes esfuerzos. pliegue sobre pliegue. grave y ágil. magistralmente ejecutadas. A ellos les siguieron Marais. Pero él curva y recurva los pliegues. soprano. no fue amante de Luis XIV.. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga. de las sutiles variaciones de tempo del segundo al estático discurrir del undécimo. se van alternando con las vocales. bajo cuyo manto protector floreció una música francesa que acababa de romper definitivamente. pero debe valorarse la naturalidad del empalme a pesar de la inevitable sensación de asombro que produce la multiplicación de manos y pliegues. cantadas por ese prodigio de dicción y buen gusto que es Monika Mauch. cotejando ediciones. introduciendo el coral Wenn wir in höchsten Nöten sein BWV 668a como epílogo. puestos a trazar analogías. Lifschitz juega con la acentuación. de Lalande. sino de su biznieto y sucesor. ” pliegue según pliegue. coloreando las sombras y los reflejos. L'Affilard. románicos. a través de la música. No cesa de hacer pliegues. una completa visión del mundo en modo menor. el monarca sobre el que gira esta grabación. Konstantin Lifschitz no se limita en su interpretación de esta obra hipnótica a exponer la armonía preestablecida por Bach. permitiéndose el capricho de mezclar dos pistas grabadas por separado para. sino más bien a una función operatoria. sino que busca continuar el pliegue hasta el infinito. y después Charpentier sentaron las bases del nuevo estilo. Gilles Deleuze Con estas palabras hace comenzar Gilles Deleuze un libro que girará en torno a Leibniz y el Barroco. una visión celestial en la que disolver. Antoine Forqueray. De Lalande (todos ellos presentes en el registro) y otros muchos. piano / ORFEO / Ref. lo característico del barroco consiste en que no pretende consumar el pliegue de esto sobre o contra lo otro. sujeto. inteligencia para elaborar un discurso y gran variedad de recursos interpretativos: de la pulsación reflexiva del primer contrapunto a la articulación clavecinística del noveno. Puestos a buscar un paradigma musical de ese incesante plegar. quizá. pero por otro es una alusión al consort de violas Les Escapades (Franziska Finckh. pero no es menos cierto que todos. analogía advertida ya por el propio filósofo alemán. un italiano renegado de su pasado. nos conduce por los quiebros y requiebros de la materia musical resaltando unas curvas y escondiendo otras. François Couperin.. Luis XV. traza analogías entre su proceder filosófico y el resto de manifestaciones artísticas barrocas y apuesta por el carácter neoleibniziano del arte contemporáneo. clásicos. Montéclair. en cada curva y recurva. en un par de diálogos consigo mismo. plegándose y replegándose. el pliegue infinito. pliegue sobre pliegue. que apenas contaba 14 años cuando Boucher la inmortalizó. Marais. particular pero universal. desarrollaron su actividad profesional durante el largo reinado (64 años) del Rey Sol. nos ofrece una visión. Pero su utilización aquí tal vez provoque equívocos. Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. Luis XIV fue un apasionado de la ópera y del ballet. No inventa la cosa: ya había todos los pliegues procedentes de Oriente. que protagoniza el registro. Deleuze toma el sistema filosófico de Leibniz como paradigma de este rasgo. amarras con Italia. romanos. De Visée.. Viol Consort "Les Escapades" / CHRISTOPHORUS / Ref. pliegue sobre pliegue. Lully. El pianista pone así de manifiesto una técnica soberbia.: C802102A (2 CD) D2 Pocas veces un retrato ha sido tan bien aprovechado como el que François Boucher hiciera de Louise O’Murphy de Boisfaily. Antes que ellos había asomado. los lleva hasta el infinito. Es cierto que algunos de los autores incluidos en el disco coincidieron cronológicamente con Luis XV. pliegue según pliegue. LES ESCAPADES DU ROI: Placeres e intrigas en la corte de Versalles (obras de Charpentier. Couperin. Son decenas las carátulas que aparecen con este Desnudo en reposo del pintor francés. va desplegando y proyectando.

Así. particularmente emotiva en los movimientos lentos (fragmentos bañados con melancólicos y taciturnos acentos.S. tras realizar el concurso pertinente y resultar elegido. A este instrumento le dedicó lo más granado de su catálogo. Quizá las perdidas músicas de Hamlet. así como un centenar de sonatas entre las que cabe destacar la Op. Othello o King Lear subsistan asimismo camufladas en varias sinfonías Sturm und Drang.: BIS SACD 1815 (1 SACD) D3 WILHELM FRIEDEMANN BACH (1710-1784): Cantatas Vol. esenciales para comprender en su dimensión más profunda el lenguaje del pensamiento musical prerromántico. incluido el conocido tratado Gradus ad Parnassum. Según Huss. Si tuviéramos que destacar una faceta entre las muchas que desarrolló con éxito a lo largo de su vida Muzio Clementi. convirtiéndola en la Sinfonía nº 50. y no sólo por la belleza de las obras de un autor ineludible para entender el tránsito entre Mozart y Beethoven. pero se han perdido cuatro arias y la mayoría de recitativos. Como de costumbre. No se dejen engañar por el magro elenco porque todo está interpretado en su justa medida: lo exultante se aprecia con amplitud y lo íntimo. pero también a su disoluta vida: se desconoce el número de manuscritos que Friedemann malvendió para superar los apuros económicos tras abandonar Halle. ya que estos hechos se asemejan a las tensiones que su padre mantuvo con las autoridades de Leipzig. Avalado por sus dotes interpretativas y sus admiradas improvisaciones en la bancada del instrumento. además de un importante número de sonatinas. Bach Urko Sangroniz Virtuosismo impecable Haydn y la conexión teatral Sonatas en modo menor de Clementi por O. Estaba precedida de un prólogo. ésta sería sin duda la de virtuoso del piano (recordemos. 12. el especialista Huss y la Haydn Sinfonietta ofrecen versiones luminosas. 13.429 (1 CD) D2 . hasta donde llegó para ocupar el puesto de organista de la Liebfrauenkirche. La Rastatter Hofkapelle está formada por 8 coristas (2 por voz) y 8 instrumentistas. y de las oportunas reediciones de la integral de oberturas (BIS 1818) y una miscelánea de piezas instrumentales (BIS 1796/98). No es descartable que el Finale lo fuera también de la ópera. II Rastatter Hofkapelle. aunque por el carácter y escritura de las obras no deslucen su resultado artístico. Manfred Huss. Todo se debió sin duda a su conocida holgazanería. como el Lento e patetico de la Op. y siempre cautivadora y sugerente en su conjunto. estas obras revelan la madurez de un artista en el cénit de su creatividad. el conmovedor Adagio en mi menor –tonalidad que Haydn empleó únicamente en la Sinfonía nº 44. Antes de que eso ocurriera. la elección de sonatas escritas todas en modo menor –modo que. en Aeon Francisco de Paula Cañas Gálvez Tres singulares sinfonías por Huss y su Haydn Sinfonietta Miguel Ángel González Barrio Prosigue la edición conmemorativa del 300 aniversario del nacimiento de W. JOSEPH HAYDN (1732-1809): Tres sinfonías teatrales (nºs. de obligada lectura para todo estudiante de piano hasta hoy día. así como los entreactos–. dinámicas. compuesta para Der Zerstreute. erudito haydniano además de director. de Jean-François Regnard. contratada por el príncipe Esterházy. F. llenas de nervio. Con todo. Los efectivos escogidos son más reducidos que en el anterior volumen. 50 nº 3 en sol menor. 25 nº5). demostrándose una vez más que la historia se repite. se encuentra en la contemporánea (1763) Sinfonía nº 12. director / CARUS / Ref. pero también vigorosa en los pasajes más dinámicos. sino por la excelencia de un pianista impecable que todavía nos puede y nos debe rendir páginas memorables. Bach en el sello Carus con su segundo volumen de cantatas. 50). 36 nº 1 (que le rindió buenos dividendos). que se erige en núcleo central del muy interesante recital que presenta en Aeon el pianista Olivier Cavé. Cavé acomete con una solvencia técnica envidiable las exigencias de estas complejas piezas. Cavé. Der Götterrat (El Consejo de los dioses). De hecho. MUZIO CLEMENTI (1752-1832): Didone abbandonata (Sonata. el primogénito de los hijos de Bach debía crear obras para la liturgia. que se ha perdido. De ellas apenas se conserva una veintena y todas pertenecen al periodo de Halle. añadiendo un Menuet y un Finale.: AECD 1094 (1 CD) D2 Manfred Huss y su Haydn Sinfonietta prosiguen su infatigable apostolado haydniano. Filemón y Baucis se representó en 1773 en Eszterháza ante la Emperatriz María Teresa (muy a propósito. tarea no muy atractiva para él si tenemos en cuenta el tiempo transcurrido y su resultado: una veintena de cantatas en 18 largos años. toca ahora el turno a tres sinfonías conectadas con la copiosa producción teatral del maestro de Rohrau. Después de grabar rarezas como la incompleta ópera Acide (BIS SACD 1812) y la ópera de marionetas Filemón y Baucis (BIS SACD 1813). piano / AEON / Ref. Las obras del programa aparecen grabadas aquí por primera vez. parte de la música perdida de Acide –se conserva el libreto íntegro. Jürgen Ochs. op. con especial mimo. Los coristas interpretan a su vez las partes solistas. versión alemana de la exitosa comedia Le distrait (El distraído). 25 y 40) Olivier Cavé. cuidada en extremo. por cierto.: CARUS 83. con ejemplos tan notables como la Op. La interpretación se nos antoja meditada. a la vez que con sereno virtuosismo demuestra una coherencia estilística y formal extraordinaria. la ópera terminaba con una apoteosis de la Casa de Habsburgo). Clementi logró imponer en salones y salas de concierto– confiere al programa una estructura dramática (compuesta de pequeños ‘dramas en música’) que contrasta ricamente con lo escueto del medio. “Fúnebre”– sería una elegía por la muerte de Acide (Acis). El único ejemplo conocido es la Sinfonía nº 60 en seis movimientos (!). y constituyen la evolución lógica de los modelos paternos adaptados a los nuevos tiempos por una original y personalísima mente creadora. fue el contrincante de Mozart en el célebre ‘duelo’ musical ante José II). Se cree que en la década de los 70 Haydn compuso música incidental para las producciones de la famosa compañía teatral de Carl Wahr. Scene tragiche (Sonatas op. Haydn recicló la obertura en dos movimientos. en concreto dos entreactos. 50 y 60) Haydn Sinfonietta Wien. las disputas con sus superiores no tardaron en producirse. Sin embargo. director / BIS / Ref.22 di v e r di antigua / clasicismo Evolución natural Nuevas cantatas del primogénito de J. Muy recomendable grabación. toda una ‘acción dramática’ para piano basada en la Didone abbandonata.

que pueden variar de mil maneras. Lo que sí recuerdo es que Wolfgang llevaba la composición. no me acuerdo si realmente llegó a estrenar la obra que mi padre había escrito para ella. desde luego. precisa y exacta. conciso y. expresivos. Mademoiselle Jeunehomme. la calidad sonora o tímbrica. con sus dos partes seguidas de su correspondiente variación. expresivo. que dicen los castizos. por ejemplo? Hay que echar- le imaginación. tan animado y vital. que al parecer le da a todo tipo de música. sino el acento. de pronto. La verdad es que no volví a saber de la gentil pianista desde que desapareció de Salzburgo. aladas. son cosas que ahora mismo ni nos van ni nos vienen.: BIS SACD 1794 (1 SACD) D3 . copia del Anton Walter construido alrededor de la fecha del estreno del Concierto nº 9 y también del 12 que lo acompaña junto con el Rondó K 386. conciso y. claro. sin embargo. esta joya que es el Concierto nº 9 igual no habría nacido. de aquí para allá en sus viajes y que sin duda la exhibió en su estancia parisina de 1778. Para mí lo importante no es la forma. WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Conciertos nº 9 y nº 12 Ronald Brautigam. tan transparentes. un poco desmedrada. Jeunehomme. el maravilloso Concierto nº 9 en mi bemol mayor K 271. ” expresivo. la expresión. como Wolfgang por aquellos días. lo que importa es destacar la fluidez. el estuche. y que no me detenga extasiado cuando entra. Y la de esta composición. Y. como dice mi carnicero. es funcional y animada. elegantes. cálido y bello. Estaba un poco mosca cuando he visto que la interpretación obedecía a criterios historicistas. pero aquella jovencita francesa. Me lo he pasado chupi. Mi memoria falla en este punto. las articulaciones. en sí. Brautigam poco tiene que ver en principio con el pianista francés. terminada en 1776. que se divirtió mucho con la historia. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante. Hay investigadores que incluso han llegado a decir que nunca lo tocó. que no la superficialidad. precisa y exacta. Aunque no sé si vería a la muchacha. un punto de inflexión en su producción pianística. Sus manos vuelan por el teclado de ese fortepiano de Paul McNulty de 1992. ni siquiera el instrumental. Incluso en su día lo comenté con Papagena. Michael Alexander Willens. según Einstein. Tampoco estaba para muchas aventuras. mantiene esa pulsación milimétrica. “serios. A mí me han gustado siempre mucho interpretaciones que los puristas pueden aborrecer como aquellas. bautizado así. lo que me choca muy mucho. por ejemplo. aunque de manera nada irónica. francamente. Siempre detrás de su hijo. en un sorprendente menor. Die Kölner Akademie. sin embargo. director / BIS / Ref. He repasado mis apuntes y he comprobado que. estáticos. pues iba con mi abuela. De las tres obras. en palabras de aquel estudioso. Quiero pensarlo. Demasié. pero no creo que esté en universo tan lejano. fortepiano. los ataques son certeros y la batuta de este muchacho. que padecía ya de Parkinson y era muy pesada y latosa. En fin. Esos compases son. en esos días grises o negros en los que mi gota no me deja moverme y diviso desde mi buhardilla de Lavapiés una nube de tejados abrillantados por la invernal lluvia madrileña! En esos casos me suelo inyectar en vena músicas de mi progenitor.clasicismo 200 / febrero 2011 23 Gentilísimos recuerdos Ronald Brautigam encara para BIS la colección de conciertos para piano de Mozart con una grabación del número 9. La orquesta. una especie de recitativo lírico de ópera seria. un instrumento de este estilo. está afinada y unida. que tocaba como los ángeles. quizá Mozart quiso homenajear a la Jeunehomme. si no hubiera sido por ella. el talento y.” Yo era muy niño. El holandés. Bien. Michael Alexander Willens. el fraseo. el minueto en La bemol cantabile y gentil. la ligereza. La verdad es que suena estupendamente. la pobre. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante. ¡Que haría yo. estimulantes de Casadesus y Szell. deteniendo tanta alegría. aunque tengan su importancia. En sus cartas a Leopold mi padre no habló nunca de la chica. pues. La poesía que emana del Andantino. tan fluido y excitante. me enternece siempre y no puedo impedir que mi pierna buena se balancee cada vez que escucho el Rondó. es una de las preferidas. que ya me gustó bastante en sus sonatas de Haydn. no dicen gran cosa. Y es posible que la Jeunehomme tocara. Y habría sido una gran pena. y creo recordar también que así era. ¿Cómo pueden saber de qué manera sonaría este Concierto. trastocó mi todavía tierno corazón. el tamaño de la orquesta. Me tienen muy escamado estos jóvenes de ahora con sus manías de intentar copiar una realidad musical que sólo conocen por los libros y por la contemplación de unas partituras que. todo a la vez”. de estas interpretaciones. He llevado su imagen durante toda mi vida como algo puro. conocido como Jeunehomme Papageno Ronald Brautigam “Brautigam mantiene esa pulsación milimétrica. para mí desconocido.

Una inmediata grabación de 2010 nos la muestra como cantante de ópera. El asunto de la ópera es. como es de clase superior se compromete (algo voluble y despreocupado. todo hay que decirlo) con una de los suyos.- Triestino hasta la médula. ha elegido entidades bien acopladas o no muy alejadas de sus posibilidades de cantante puramente lírica por medios y personalidad: la Condesa y Fiordiligi mozartianas. Christoph Poppen. s/n • 28013 Madrid Tfnos. ni demasiado persuasiva. dulce y acariciante. Velenich. éste es naturalmente un bajo. La soprano alemana Juliane Banse basaba hasta el momento su carrera discográfica en solitario en diversos recitales que descubrían su importante faceta como cantante de cámara. barítono. Deutsche Radio-Philharmonie. Micaela ejemplar y Marguerite (de Gounod) encantadoramente ingenua. director / HÄNSSLER / Ref. y como Marinella tiene un padre. asimismo. muy bien asimilado. como intérprete de lied engalanó varios ciclos del Teatro de la Zarzuela. contemporánea del Ballo verdiano (o sea. actividad de todos modos ya conocida gracias a grabaciones completas de Mozart (Ilia. Sinico no puede sustraerse a ello y hace bien: ¡qué mejor modelo que el de Busseto! Hasta en el encuentro. tenor. maestro concertador y director / BONGIOVANNI / Ref. propio del momento. como la Manon massenetiana ya cantada en escena y de la cual brinda. autor de óperas tan interesantes como Una carta de amor de Lord Byron (Ermitage la editó en 1991 con un espléndido mano a mano entre Elena Zilio y Sylvie Valayre) y Alissa (Virginia Zeani la cantó en el Liceo en 1967). al no ser correspondido. Escribir para el teatro en Italia en la segunda mitad del XIX suponía pagar peaje al modelo operístico más influyente. Por último. concertantes y coros (uno. de reminiscente nombre mozartiano. ofrece oportunidades de lucimiento para los principales solistas y no cae en tiempos muertos. Humildemente. transcurre en Trieste. Falco. la mata. entre Marinella y Francesco Cappello en el primer acto parece escucharse fugazmente una cita de Traviata. Bizet y Gounod) Juliane Banse. y tiene la esperada distribución vocal: Marinella. recordamos. Agathe de Weber. trasladó sus representaciones a la Sala Tripcovich quien. muy verdianamente por cierto. cuatro damas de orígenes musicales centroeuropeos como son los suyos. Marianna Prizzon. sus dúos. Giovanni Alberico Spiazzi. Durante años Banfield dirigió el Teatro Verdi de Trieste el cual. Zerlina) con los añadidos de la Genoveva de Schumann. Marzelline de Beethoven.P. y en gesto que le honra.V.24 di v e r di ópera La Banse canta ópera Recital de la soprano alemana.: GB 2449/50-2 (2 CD) D3 x 2 Teatro Real • Plaza de Oriente. cumple con las exigencias dramáticas del texto. Todo aparece aquí debidamente expuesto. la buena voluntad y el respeto. Maria de Smetana. En la segunda parte del programa se mide con alguna jovencita francesa. Iulia Szabo. Marinella. convertido en una especie de himno local). Viva San Giusto!. Sinico escribió también una obra sobre Dumas. intérprete de cautivadora sencillez. autor también de la edición crítica) fluctúa entre la dignidad. es una obra cuya acción. música preparada. cuando se disponía a componer un Don Carlos a partir del homónimo texto de Schiller. el de la despedida a la mesita que tantas veces la reunió con su amado Des Grieux al que va a abandonar. La primera de ellas. compuesta cuando apenas contaba 18 primaveras. siempre directa al grano. Frau Fluth de Nicolai o la moderna Blancanieves de Holliger. Szabo. aplicada y diligente como es ella.262 (1 CD) P . tenor. barítono. pues allí nació en 1836. es un compositor nacido en Trieste. Sinico renunció a competir. Donna Elvira.: 91 516 06 73 . Como ésta bebe vientos por el tenor.: 17. en Hänssler Fernando Fraga Sinico sale del anonimato Bongiovanni exhuma Marinella. de 1859) y. La interpretación (Prizzon. de 1854. Los mosqueteros. bajo. Puccini. ¡siempre Verdi de fondo!. En resumen. la carencia. Marinella se sigue con agrado y muchas veces con rendida atención. Massenet. Smetana. es decir. Verdi. Giuseppe Sinico estrenó además cuatro de sus cinco óperas en la ciudad adriática. JULIANE BANSE: Per amore (arias románticas de Mozart. con sus arias y cabalettas. Baccio. Severino Zannerini. otorga a la soñadora heroína una juventud y una ingenuidad que no todas las intérpretes de este espléndido rol son capaces de insuflar. Spiazzi. soprano. ni demasiado brillante. cómo no.50 €. que. sin ser demasiado personal. ni en divagaciones innecesarias yendo. la Banse redondea programa con dos chicas puccinianas que parecen irle bastante a medida: Mimì y Lauretta. mezzosoprano / Orchestra e Coro dell'Opera Giocosa del Friuli Venezia Giulia. allí trabajó en diversos cargos y allí moriría en 1907. Voz hermosa. Para este recital operístico. que ella estrenó en 1999 en Zurich. Los días de función permanecerá abierta al público asistente hasta el segundo entreacto . primera ópera de un contemporáneo de Verdi Fernando Fraga La música de Sinico.: 93. si bien un Verdi en general de la época previa a su llamada trilogía romántica. Giuliano Pelizon. Verdi parece en efecto situarse siempre de fondo en la partitura siniquiana. Pelizon. durante las necesarias obras de remodelación de hace pocos años. alberga un importante festival de opereta. Con su publicación por parte del incansable y nunca bien ponderado sello Bongiovanni se acaba de poner la figura de este compositor en el candelero lírico. Sinico y Trieste: un tándem inseparable.91 541 25 95 e-mail: latiendadelreal@diverdi. cantante de sólida formación. entre otros menesteres. a due. su lado más íntimo y elegiaco.com Horario: De lunes a viernes de 10 a 20 horas y sábados de 10 a 14 horas. En esta línea. soprano. GIUSEPPE SINICO (1836-1907): Marinella (1854) Dax Velenich. ama a Francesco. ama a Marinella. Se atreve un poco con la Tatiana tchaikovskiana y con su voz liviana. soprano. Tchaikovski. von Weber. se enteró de que también era un proyecto del bussetano. Raffaello de Banfield. artista cuidadosa. con Zannerini en el foso. Para redondear la presencia triestina en esta entrega. la grabación en vivo fue tomada en la Sala Banfield Tripcovich de la ciudad antaño austrohúngara. mezzo lógicamente.

tan encantados como él. Humperdinck ha dotado al cuento de una atmósfera legendaria y ensoñada. Tobias Haaks / Chor des Bayerischen Rundfunks. tras el acto I. una primicia del autor de Hänsel y Gretel. A la Preziosilla “Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. Llegará. Dentro de la dramaturgia verdiana estos modelos traen ecos de El trovador y se proyectan como una anticipación sobre Don Carlos. de voz clara y espontánea. de trágico destino. Margaret Roggero. Zinka Milanov Tras colaborar con su maestro Wagner en las densidades de su Parsifal.” de Roggero no cabe juzgarla. En esta brillante lectura. tan perfiladas se van dando que podemos ponerla en escena con nuestra imaginación. Conoce la Forza de pe a pa. e interpreta con brillantez la famosa obertura. también. a poder ser con voces de gran empaque en ” casi todos los casos. con grinta. como cantante estuvo un tanto a la sombra de Corelli. la encarna. la de Preziosilla algo ratonera. Es raro que escatime la entrega. Louis Sgarro / Fritz Stiedry. ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921): Dornröschen Brigitte Fassbaender. donde regala hermosas frases. y agudos plenos. un hada maléfica que se adueña de la virgen sumiéndola en un letargo nocturno que amenaza con ser permanente. furibundo incluso. pues los cortes han aliviado su parte hasta dejarla en apenas un puñado de frases. efectista. el príncipe de las islas radiosas. Puesto a darle vueltas al tema. Zinka Milanov. bien movida. Para Kraus era la voz de bajo por excelencia. Zinka Milanov canta con una emisión muy cubierta. recitándola. más generosos comentarios orquestales. Christina Landshamer. o cuasi. ambos son inventos deplorables. desde luego. Será cuando amanezca y. cómicamente belicosa. tal vez sea porque sólo unos minutos antes acabamos de oír el pistoletazo de salida del drama. Aunque no veamos las viñetas. vocalmente es superlativa. bien avenida a tan gran confortador de almas. Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. cada uno de los cuales respira un aire musical propio que responde a sus móviles básicos. Fritz Stiedry es un competente director vinculado al Met. director (grabado en directo en Nueva York en 1958) / BONGIOVANNI / Ref. logrando despertar a la hermosa con el beso reglamentario. Además. Tenía una voz recia y resuelta. Suiza ha dado al mundo a Corena –Fra Melitone rastrero– y el reloj de cuco. está muy bien delimitada en relación con los personajes. Mario Sereni. con más contención en el gasto) es experto en exhibir plantillas con varias estrellas. en lugar de al comienzo. Pero a menudo era un tenorazo. Se agradece que no descuide los momentos líricos. Humperdinck se dedicó a las leyendas infantiles y nos dio su delicioso Hänsel y Gretel. según las reglas del género.: HOC 052/53 (2 CD) D6 x 2 . en una transgresión digna de Calixto Bieito. algo ausente como intérprete. y el Metropolitan de Nueva York (una especie de Hollywood de la ópera. muy acorde con la historia.: 777510-2 (2 CD) D2 x 2 GIUSEPPE VERDI (1813-1901): La Forza del Destino Flaviano Labò. buscando la belleza y redondez de los sonidos. En 1902 abordó La bella durmiente (en alemán. director / CPO / Ref. Münchner Rundfunkorchester. En disco. hasta formar all stars castings. que busca infructuosamente la paz. Humperdinck ha sido persuadido por el cuento y nosotros. el de don Carlos. En efecto. Cesare Siepi. Por cierto que la obertura. La solfa del padre Guardiano es reposada y solemne. algo así como La rosa con espinas). acaso escénica. Brigitte Fassbaender. a poder ser con voces de gran empaque en casi todos los casos. tan convincente hablando como lo fuera en su impetuosa carrera de contralto. una suerte de cantata. es llamada a la vigilia por el varón enamorado y seguro de su sentimiento. con números hablados y cantados. con la ayuda del mercurio que todo lo penetra y una espada mágica. bien conducida y suavemente orquestada. matizada con un leve aroma de amor lésbico. tan dulce como potente. Kristiane Kaiser. figura en el corte 5. salvo algún pequeño escollo al afinar. La huella de Ricardón se ha borrado y más bien parece que el compositor se remonta a la precedencia onírica y fantasiosa de Mendelssohn en Sueño de una noche de verano. capaz de llegar hasta donde ella está y vencer heroicamente todos los obstáculos del caso. pero en esta Forza muestra un alto grado de implicación y. Flaviano Labò. en CPO Blas Matamoro La forza del destino contiene una música no toda de la misma altura. Mario Sereni es un notable barítono. Quien adormece a la bella princesita es Demonia. adormecida en su virginidad. Bergonzi o Del Monaco. cegado por su afán de venganza. Labò es un bien escaso. tan gastada por el uso. En efecto. El del infortunado Alvaro es patético y anhelante. el sueño y su despertar juegan un rol decisivo en esta fábula. lo que he acabado por pensar que es deliberado por parte de Verdi.ópera 200 / febrero 2011 25 Milanov y Labò más Siepi Bongiovanni rescata una Forza del Destino neoyorkina con un reparto All Stars Joaquín Martín de Sagarmínaga Los cuentos de Humperdinck Dornröschen. Tenía fama de ser una hedonista del canto. cabe la alegoría de un amor en que la mujer. que borda su papel de Guardiano con sonidos parejos y plenos. vencerá a la maligna y letárgica criatura. Fernando Corena. como diría un economista. pues murió en un accidente. doliente el de Leonora. Sí cabe hacerlo con Siepi. como sucede en este caso. lo que al final de su cabaletta le cuesta un roce evidente. Ulf Schirmer. y eso hace de él el elemento diferencial de esta Forza.

De ahí que sus carreras –poco conocidas hoy. es algo bien distinto de un diccionario o de un capítulo de la historia de la lírica referido a un particular teatro. veía la luz el Diccionario de cantantes líricos españoles (Acento Editorial. Entre los cantantes españoles. diecisiete ni siquiera aparecían en las páginas del Diccionario arriba citado. la familiaridad con una extensa discografía (incluida la de más difícil acceso) y una singular independencia de juicio. en el que se aunaban la abundancia y el rigor de la información personal y artística de los biografiados (fruto de una concienzuda investigación). de Sagarmínaga –su fina ironía.M. soprano canaria de voz ensalzada por grandes figuras. los biografiados son preferentemente cantantes españoles nacidos en los años finales del XIX o las primeras décadas del XX. Barrientos o Supervía –apenas si Cortis o Capsir alcanzan a cubrir la cuota de celebridades españolas que llegaron a aparecer por el Real de los viejos tiempos– y mucho menos a las conocidas figuras internacionales de nuestra posguerra y tiempos más recientes. Así se estudian los cilindros grabados por Abruñedo o las actuaciones de Gigli en España. repertorio y discografía. cuyas carreras se desarrollaron en medio de las dificultades de un país de agitada historia y empobrecida vida lírica. “Una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su ” contenido. o los Mendioroz.P . De trabajada elaboración y lectura instructiva y amena. sus perfiles vocales. Su lista se abre con el tenor Buenaventura Belart. Lo que Sagarmínaga nos brinda en Mitos y susurros. En la segunda mitad del volumen. el autor se permite algunas excepciones que no encajan en las pautas hasta aquí explicadas. Desde aquella fecha. Darclée o Vix. Hay diversos modos de contar las cosas pero. o el tenor Ignacio Varela y el bajo Antonio Vidal. gracias al peculiar estilo narrativo de J. estos Mitos y susurros poseen un valor literario per se. por si acaso. Pero sobre todo son dos las figuras cuya presencia llama más la atención: Christa Ludwig. por decirlo así. “… en el ‘cómo’ está toda la diferencia”. para Leonard Slatkin “el mayor cantante del siglo XX”. padre barítono e hija soprano. tras prometedora carrera. este libro de bergmaniano título y laboriosa gestación es una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su contenido. del que este libro resulta.26 di v e r di ópera Luminarias y olvidados Mitos y susurros: Joaquín Martín de Sagarmínaga realiza un recorrido a través de cincuenta años de lirica en España Santiago Salaverri a auténticos “mitos” de la lírica de dos siglos. que actuaron en el Teatro Real (no sólo. Una advertencia final: hasta aquí hemos intentado dar cuenta notarial del contenido del libro. Y por otra –los “susurros”–. y en diversos medios. yo también lo recomiendo. publicado por Editorial Zumaque de Alcalá la Real (Jaén). sus melancólicas reflexiones sobre los estragos del tiempo y el olvido. Como muestra del libérrimo criterio con que ha concebido el volumen. país. 50 años de lírica en España. Baste decir que. donde únicamente actuó en ambos extremos de su carrera (no en su etapa central de plenitud). y de cuyas características vocales y artísticas nos ofrece un perspicaz análisis que vale por el entero libro.V. Y así nos encontramos con el barítono belga Jean Noté y el tenor francés Georges Thill. Por una parte encontramos res de los biografiados. O con Isabel Macario. que renunció a iniciar una carrera que se auguraba notable y se dedicó a labores pedagógicas en Las Palmas. una obra convertida de inmediato en referencia imprescindible de un siglo de lírica en nuestro país. o con Edward Johnson. M. coincidiendo con el cierre del Real. “abuela” artística de María Callas en su calidad de maestra de Elvira de Hidalgo en el Conservatorio del Liceo. unos sólidos conocimientos de técnica vocal.: DIV9788493721787 (1 Libro) P . con especial habilidad para el juego de palabras y la titulación brillante. a quien el autor hace comparecer “por su voz y estilo como cantante”. con el Liceo de Barcelona a la cabeza) desde su inauguración hasta su cierre en 1925. Si la generalidad de las semblanzas se ocupan de detallar los orígenes geográficos y familia- JOAQUÍN MARTÍN DE SAGARMÍNAGA: Mitos y susurros. sus juegos de palabras y sus llamativos títulos. en las que ha seguido haciendo gala de capacidad de síntesis. el tenor canadiense de carrera europea y americana que sucedió a Gatti-Casazza al frente del Met entre 1935 y 1950. a través de la visión que de ellas ofreció la prensa nacional. Fleta. en unos pocos casos se ciñen a un aspecto parcial de su biografía. muchas han sido las contribuciones de J.: 22. excepciones fruto de su gusto personal. y Frank Sinatra. que no llegaron a actuar en el Real.00 €. 50 años de lírica en España Libro de 458 páginas/ EDITORIAL ZUMAQUE / Ref. ilustrada por los testimonios de sus discípulos. falleció a los 31 años en París con sus facultades mentales perturbadas. parafraseando a la Mariscala en El caballero de la rosa. en cuantos casos han sido posibles. originalidad y variedad de enfoques y un fino sentido del humor. o en compañías de zarzuela. 1997) de Joaquín Martín de Sagarmínaga. que debutó en el Real en 1851 y. en cuantos casos resulta pertinente. Y. en el Liceo o en las esporádicas temporadas operísticas (léase bolos) del resto del país. Lázaro. al tenue recuerdo de su voz plasmada en unos pocos cilindros o en un puñado de grabaciones. Anselmi. del entero libro. la única gran cantante “moderna”. Sembrich. a nombres de menor sustancia o nombradía artística. por la que desfilaron muchas de las más grandes voces del pasado siglo e incluso de ahora mismo. un Hace trece años. Por ello es de celebrar el nuevo libro que nuestro autor dedica a cincuenta cantantes –treinta españoles y veinte extranjeros– activos desde mediados del XIX a los años sesenta del siglo XX. todos ellos disfrutaron de carreras de nivel internacional. se analiza la labor pedagógica desarrollada por quienes al término de sus carreras se dedicaron a formar a nuevas generaciones. también en muchos otros escenarios españoles. pero. en este punto. de Sagarmínaga al conocimiento de figuras señeras de la lírica. o Conchita Bordalba.” útil complemento. he aquí un libro que se recomienda por sí solo. así como lo más relevante de sus carreras y los colegas con quienes actuaron (el índice de cantantes roza los setecientos nombres). Nuestros lectores recordarán su serie de retratos vocales titulada Doctor. recurriendo. además del indudablemente documental y erudito. de los treinta españoles biografiados. españoles y extranjeros. y. y simultáneamente a la reapertura del Teatro Real. pero queremos insistir en que. cuerda o época. pero a quienes el espíritu inquisitivo del autor ha buscado rescatar de las sombras del olvido. al igual que sus nombres– se desarrollaran en buena medida en Italia y Latinoamérica. sus apreciaciones de cinéfilo culto–. París y Madrid) de las que el autor fue testigo presencial. en España. vista a través de un pequeño número de actuaciones (en Viena. mitos –por no ser exhaustivos– de la categoría de Tamberlick.. Ruffo o. oigo voces. en el apartado femenino. no se espere encontrar aquí a los Gayarre.

en Lieja. Escenario único convenientemente iluminado para las necesarias variaciones de espacios.: Peter Maag (Directo. se responsabiliza a lo grande. si empieza sobresaltando. Cinzia de Mola / Orchestra & Chorus de l’Opéra Royal de Wallonie. Pizzi. iluminador y decorador. a sus 68 años. Broadbent.: CDS 33649 (1 DVD) D10 x 2 Novedades ópera GIUSEPPE VENDITTELLI: Arias de ópera (Massenet.: 27. el contenido de la acción queda a cargo de los cantantes quienes.: Vassily Nebolsin (1959) // BONUS: Fragmentos de Otello. soprano. Saint-Saëns. Dir. de una extraña e inquietante belleza. Pobbe / Orquesta y Coro del Teatro San Carlo de Nápoles. proyecciones que colaboran a ampliar la GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Falstaff Ruggero Raimondi. Pero a su lado se puede también disfrutar del robusto (en plan lírico. Nada que ver con cualquier idea preconcebida o tradicional de la última partitura verdiana. porque se lo merecen.50 €. Puccini. Habría que añadir al grupo. Philharmonia Orchestra.: S 2043 (1 CD) D4 LELA: Canciones gallegas / Cristina Gallardo-Domâs. La narración de la obra.P €. Por experiencia en ópera italiana en general y en Verdi y Falstaff en particular.: . acaba por resultar. Raimondi. sigue sonando sano y seguro– y actúa este equipo. si uno consigue entrar en él. Giordano. trentino bien afecto profesionalmente a nuestro país. la más francesa de las ciudades belgas.: Stuart Stratford / OPERA RARA / Ref. claro está) Ford de Luca Salsi. Orquesta Gaos. director / VERSO / Ref.” de un juego de magia. 2009) / DYNAMIC / Ref. soprano.: GB 1217/8-2 (2 CD) D10 RUGGIERO LEONCAVALLO (1857-1919): Pagliacci / Del Monaco. Denza y Cardillo) / Varios cantantes. Bellini. desde que debutara el papel del Pancione (aquí.: ORR 249 (1 CD) D2 . Leoncavallo. Tiberio Simu. Pues bien.V. inolvidables. sobre todo en el registro central –que. un espectáculo que. solícitos. Liége. Mascagni. director escénico (grabado en directo en la Opèra Royale de Wallonie. orquestas y directores (grabado entre 19741995) / BONGIOVANNI / Ref. Luca Salsi. Ivanov. de una parejita amorosa ideal por físico. Stefano Poda realizó este montaje del Falstaff verdiano que hoy comentamos. en obra donde la orquesta es un personaje más y de enorme importancia. con la Frittoli y Ataneli (publicado anteriormente en DVD por Arthaus) es como la esencia de su estética operística. Hall / Geoffrey Mitchell Choir. al que se suma un tenor rumano y dos sopranos “latinas”. acaba por resultar. Miller) llega al montaje de Poda con un bagaje musical y dramático de envidiable calidad. Novaro. Ronconi.: GL-100641 (3 CD) P . y por tanto de una originalidad tan atractiva como chocante. Dir. si uno consigue entrar en él. Alberto Bruni. figurinista. Fernando Briones. Poda. Paolo Arrivabeni cumple las expectativas. tras haberlo actuado con algunos de los directores escénicos actuales de mayor renombre (del Monaco. otro dato nuevo.V. como si se tratara con la disponibilidad que se le admira. el resto del equipo mayoritariamente italiano. llegue cómodamente a su fin.ópera 200 / febrero 2011 27 Magia en Lieja Ruggero Raimondi protagoniza un fascinante Falstaff dirigido escénicamente por Stefano Poda Fernando Fraga narración. tan coral. Claro que todo “Un espectáculo que. elementos mínimos. Manon Lescaut y otras escenas de ópera (grabado en vivo en 1951) / GALA / Ref. por sus ideas claras y por dominio de la partitura y de una orquesta particularmente sensible en su preciosa tarea de traducir tan genial muestra del maduro talento verdiano. Banks. Stefano Poda. adquiere la coherencia y homogeneidad necesarias para que obra tan colectiva. una española y otra argentina.90 .- AMILCARE PONCHIELLI (1834-1886): Canciones de cámara / Federica Zanello. de la decidida y pujante Quickly de Cinzia de Mola y de la fina y femenina Alice de Virginia Tola. de una extraña e inquietante belleza. adelantemos ya. Sabina Puértolas. la Meg destacada de Liliana Mattei y el Caius prácticamente impecable de Gregory Bonfatti. Maslennikova / Orquesta y Coro del Bolshoi. movimientos de solistas y comparsería como si se tratara de un ballet de autómatas. es uno de los registas actuales de más extravagante imaginación. Paolo Arrivabeni. Verdi. nunca podría llegar a buen puerto. colorido casi exclusiva y monótonamente blanco… En fin. no tiene panza) en Zúrich 1986. Para conseguir estos fines. sin un director de calidad en el foso. los indispensables. Karnéus.- GEORGES BIZET (18381875): Carmen (en italiano) / Arkhipova. Aunque la velada gira en torno a su protagonista titular. No tiene secretos Falstaff para Raimondi. Tosti. Ruggero Raimondi. Dir. Su Thaïs de Turín. voces y canto (Sabina Puértolas. fascinante Falstaff belga. sugestivas.: VRS 2103 (1 CD) D10 SAVERIO MERCADANTE (1795-1870): I Normanni a Parigi (selección) / Howarth.: GL-100676 (4 CD) P . ” excitante. Virginia Tola. asumiendo la cuádruple función de director escénico. impacta en nuestra retina con imágenes insólitas. En la Ópera Real de Valonia. piano / DYNAMIC / Ref. excitante. conmueve. si empieza sobresaltando. director musical.P 22. Tiberius Simu). se mueve cómodo por la tesitura baritonal del papel.1960) / GALA / Ref. Del Monaco. logran trasmitir sin problemas su contenido. de un sueño a menudo cercano al surrealismo que asombra. ideas que vuelve a reflejar de nuevo en este. que frasea con intenciones. vestuario entre sofisticado y extravagante. Blanc.

pues la soprano omite Im Frühling por problemas de tesitura (ya en el estreno sustituyó el si natural por un fa#). A punto de cumplir 57 años. a Felicity Lott. con papeles como Arabella o la Condesa de Capriccio. Monica Groop. Para estos papeles tiene Camilla Nylund –además del aspecto físico ideal para las heroínas rubias–. pero sin histrionismo. Hannu Lintu. de generosísima duración (casi hora y cuarto) en los dos compositores a los que más se ha consagrado. siguiendo la estela del inolvidable Martti Talvela y de su sucesor. ausencia de sonidos feos.” Existe una larguísima tradición de cantantes escandinavos que han contribuido enormemente a enriquecer el repertorio alemán. la Deutsche Oper Berlin. así como una premonitoria Isolda. feliz. la famosa Semperoper. de algún modo. soprano. en la actualidad forma parte del elenco de la Ópera Estatal de Sajonia en Dresde. En Strauss nos recuerda un poco. Suecia y Noruega. humana (enternecedor Lamento) en la expresión. la soprano sueca Nina Stemme). La Scala de Milán. un mes después de su despedida del Met y uno antes de grabar el mítico Tristán e Isolda con Furtwängler. Del primer autor se incluyen unas acertadas Elsa y Sieglinde. Wagner y Richard Strauss (aunque ha reconocido que en los próximos años quiere inclinarse hacia el repertorio italiano. aunque sin llegar propiamente a ” lo lírico-spinto. en 2008 recibiría también el título de Kammersängerin por el Estado de Sajonia. la soprano finlandesa ha querido centrar su primer recital discográfico. con unos agudos firmes y bien asentados. culminando su recital con la escena final de Salomé. sutil regulación de las dinámicas. al frente de la Orquesta Filarmónica de Tampere. hace que la cantante se sienta en un entorno familiar y pueda desplegar cómodamente todas sus virtudes. alucinada. por cierta veladura en el timbre. Del segundo. como Salomé o Leonora en Fidelio (que cantó en la Ópera de Zurich con Nikolaus Harnoncourt y Jonas Kaufmann. pero desde hace algunos años han irrumpido también con fuerza en el ámbito germánico los artistas procedentes de Finlandia. Tampere Philharmonic Orchestra. Hannu Lintu. Camilla Nylund ha tenido también destacadas actuaciones en la Staatsoper de Viena. así como su particular vinculación al repertorio straussiano. con su proverbial calidad de sonido. la voz es aún gloriosa.28 di v e r di ópera La nueva estrella del Norte Ondine presenta a la joven soprano finlandesa Camilla Nylund en un recital dedicado a Wagner y Richard Strauss Rafael Banús Irusta Penúltimas lecciones Debut y despedida de Flagstad en el Berlín de 1952 Miguel Ángel González Barrio “Camilla Nylund posee esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo. FLAGSTAD canta WAGNER y STRAUSS Camilla Nylund. Kirsten Flagstad ofreció sendos conciertos en el Titania Palast de Berlín con la Orquesta de la Ópera Municipal dirigida por Georges Sebastian y obras de Wagner y Strauss en atriles. claro. graves imponentes. Dir. Por todo ello.: Georges Sebastian (1952) / AUDITE / Ref. Allí obtuvo en el año 2000 un premio asociado a una ilustre predecesora. galardón que parece haber resultado premonitorio para la joven cantante. a modo de primicia. completos (las partes cantadas) y a partir de las cintas originales del archivo de la RIAS. en inflexiones exageradas. Precisamente. Flagstad conserva buena parte de sus celebradas virtudes: canto relajado. Matti Salminen. La portentosa Escena del reconocimiento (Flagstad noble. sin desprenderse por ello de su frescura juvenil. acompaña ahora con solvencia. Expresión que surge de la voz y no se sustenta en aspectos extrínsecos al canto. Hasta ahora se trataba principalmente de voces procedentes de Dinamarca. la noruega sigue siendo Isolda y Brunilda formidable. Más desinhibida. el aria de entrada y la plegaria del acto III). olímpica en lo vocal. Una voz de color homogéneo. que afianzaron sus posteriores estudios en el Mozarteum de Salzburgo. teatral. como atestigua un magnífico DVD). porque algunos de sus mayores triunfos han estado desde entonces ligados a dos de las grandes creaciones de esta artista. Los días 9 y 11 de mayo de 1952. Después de pertenecer durante algunos años a la Ópera Estatal de Hannover. y se espera con verdadero interés su presentación en el Festival de Bayreuth de este verano como Elisabeth en la nueva producción de Tannhäuser bajo la batuta del ascendente Thomas Hengelbrock (y de la que aquí se ofrecen. en los fragmentos operísticos los resultados son extraordinarios. Decca). director / ONDINE / Ref. nacida en Vaasa y perteneciente a la minoría sueca en su país. Jorma Hynninen o Soile Isokoski han alumbrado y alumbran con su propia luz los escenarios operísticos del mundo entero. tanto la mundana Arabella como las míticas Daphne y Ariadne.: AUD 23416 (2 CD) D1 CAMILLA NYLUND: Transfiguration (escenas y arias de Wagner y Strauss) . A éstos se ha añadido recientemente Camilla Nylund. no son tan limpios e impactantes como antaño. La labor de otra de las jóvenes promesas finlandesas de la dirección. Audite los publica. aunque sin llegar propiamente a lo lírico-spinto. volcánico. lo que la acercaría a otra señalada cantante nórdica de nuestros días. el Festival de Salzburgo (donde protagonizó una aplaudida Rusalka con Franz WelserMöst) o la Lyric Opera de Chicago. esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo.: ODE 1168-2 (1 CD) D2 Orchester der Städtischen Oper Berlin. Los Wesendonck-Lieder llenan una importante laguna. Y las Cuatro últimas canciones son técnicamente superiores a la grabación del ensayo del estreno (1950) con Furtwängler (Testament). Fue su debut y su despedida de la capital alemana. pues en 1952 la voz estaba más fresca que cuando los grabó con “Kna” (1956. la soprano alemana Christel Goltz. Nombres como los de Karita Mattila. A veces son algo tirantes y abiertos (¡Ella. la Ópera Estatal de Baviera. control respiratorio ejemplar. Si las canciones no terminan de entusiasmar (Flagstad está aún calentando. lo que habría contribuido ya de antemano a una mayor familiaridad con la lengua alemana. donde adquirió una excelente escuela que se refleja en la propiedad de los acentos y la correcta articulación de las palabras. Sebastian. Sebastian se muestra directo y poco fino). que siempre los daba cubiertos!) Y le cuesta apianar. con un conmovedor pudor expresivo) hace añorar una Elektra completa. donde la cantante se desmelena y pierde cierto recato natural que encontramos en el resto de sus interpretaciones. Los agudos. En realidad son tres. legato magistral.

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pero también con su potencia destructora. escenas de taberna). pero también ecos de obras tan dispares como Porgy and Bess (también situada en una comunidad pesquera. Dir. lo que tuvo lugar en 1992 con una producción de Trevor Nunn repuesta en 1994 y 2000. no es un simple conjunto coral informe y sin rostro. el párroco más preocupado de rosas que de almas. Fallecidos el viejo Christie en 1962 y Britten en 1976. “Una de las versiones más vibrantes de la obra maestra britteniana. resulta ser el punto más incierto de la trama. Mozart. y con un protagonista marginal y tullido. especialmente en las intervenciones corales.V. Gorton. Ello no obsta para que esta nueva versión tenga una validez absoluta. la tabernera y sus “sobrinas”–. que pronto se consolida como uno de los indispensables must del orbe operístico internacional. de una parte. amistad y hasta sus niños aprendices. John Christie. un buen hombre capaz de llegar al homicidio) y Der Rosenkavalier y su maravilloso trío de voces femeninas. el reencuentro tiene lugar en 1981 con el estreno de El sueño de una noche de verano en la versión de Peter Hall. Page. donde la tormenta tiene una función dramático-musical. esta cumbre de la ópera de todos los tiempos hoy está plenamente incorporada al repertorio regular y ha sido ya objeto de dos docenas de grabaciones disco/videográficas.: GFOCD 00800 (3 CD) P . divulgada en todo el mundo gracias al vídeo. Britten comenzó en enero de 1944 la composición musical. el boticario juerguista y chaquetero. la viuda cotilla que juega a Miss Marple. The Glyndebourne Chorus. Tilling. Benjamin Britten. honor que comparte con el autor fetiche del Festival. en la misma son evidentes. Sea como fuere. versos de Crabbe que confieren al texto un sabor arcaizante. y entre ellas no fue la menor el poco aprecio que el fundador del festival. a los 31 años. Tres son los elementos que se singularizan y enfrentan en Peter Grimes: el protagonista. que se coloca en primerísima línea de la discografía. y Mark Wigglesworth consigue de la London Philharmonic y el Glyndebourne Chorus una de las versiones más vibrantes obtenidas hasta la fecha de la obra maestra britteniana. Todos los restantes intérpretes del largo reparto están perfectos en sus cometidos. su recurso a danzas populares estilizadas y cierto parentesco temático (dos marginados sociales llevados a la autodestrucción por su entorno) y ambiental (una naturaleza hostil e inquietante. Tuvas / London Philharmonic Orchestra. tan maravillosamente plasmadas en los interludios marinos con los que Britten elaborará una de las “marinas” sinfónicas más extraordinarias del siglo XX. de la música de Britten. que Britten había estudiado a fondo. Está claro que la elección de Peter Pears lastró la visión que Britten tenía del protagonista. maltratador de sus aprendices hospicianos –tres de los cuales morían víctimas (más o menos incidentales) de un trato brutal– y fallecido miserablemente en un manicomio. por su parmaltratador. Sea como sea. El estreno por la compañía del Sadler’s Wells el 7 de junio de 1945 no sólo constituye un dato capital en la biografía de Britten. y por encima de otros allí tan apreciados como Rossini. el corpulento y entonces jovencísimo Anthony Dean Griffey (High Point. 1970). y a ello sacrifica amor. convertido de la noche a la mañana. el mar con toda su plasticidad y su poesía. Tierney. pero unidos en su rechazo al rebelde y misántropo Grimes. que aún hoy resulta una de las más deliciosas y poéticas puestas en escena de la historia del Festival. diversas circunstancias interrumpieron la colaboración entre ambas instituciones. antes o después Peter Grimes tenía que incorporarse al cartellone de Glyndebourne. La historia de la creación de Peter Grimes arranca con la lectura por Britten. en el verano californiano de 1941. poeta y naturalista inglés nacido en Aldeburgh. sino que está conformada por una serie de siluetas minuciosamente caracterizadas en lo dramático y en lo musical. con ocho de sus nueve óperas –únicamente falta Gloriana–. Y éste. sino que marca el momento fundacional de la hasta entonces apenas existente ópera británica. sino un extraño soñador que aspira a imponerse mediante un golpe de suerte a la sociedad que lo margina y acosa. de un artículo de E. y su retrato adquiere enormes dosis de ambigüedad: ya no es un salvaje Resulta sumamente curiosa la historia de las relaciones del más grande operista inglés de todos los tiempos. hasta el punto de que hoy día Britten. en el más importante compositor inglés. que estrenó allí The Rape of Lucretia y Albert Herring. La comunidad. trátense de protectores de Grimes –la maestra (¡qué fantásticas todas sus intervenciones vocales de principio a fin de la ópera!). evocado en el cuarteto del segundo acto. en la misma costa de Suffolk donde Britten había visto la luz. y a este último año corresponde la grabación que aquí se comenta.: 41.. el viejo lobo de mar– que a la postre le abandonan a su suerte. ante todo por su protagonista. no ofreciéndole otra salida que el suicidio. Forster dedicado a George Crabbe (1754-1832). nostálgico de su paisaje natal y decidido a componer una ópera sobre el tema. te. por su utilización de formas clásicas. o de representantes de distintos estratos sociales enfrentados entre sí –el alcalde y juez pomposo y golfante. Glyndebourne: si en la inmediata posguerra el Festival albergó como conjunto invitado al English Opera Group fundado en 1946 por Britten. hoy un género prestigiado y abundante en autores y creaciones.85 €. donde pronto contactó con Montagu Slater.: Mark Wigglesworth / GLYNDEBOURNE / Ref. es el autor que cuenta con más títulos programados en la historia de Glyndebourne. la comunidad humana de la que forma parte (y de la que será chivo expiatorio) y la naturaleza. BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Peter Grimes Griffey. el legado lírico britteniano fue incorporándose progresivamente a su programación. a regresar a Inglaterra.M.” Finalizado el libreto. médico. por su parte. Su lectura determinó a Britten.P . y Glyndebourne. A partir de esa fecha. la influencia de Wozzeck. Recomendabilidad total. hoy uno de los intépretes más requeridos en el rol de Grimes. durante más de tres décadas los destinos de autor y festival siguieron caminos independientes: aquél como autor de un corpus operístico de extraordinaria riqueza –y fundador además de su propio festival en Aldeburgh–. En su obra The Borough –que evoca la vida de una comunidad pesquera hacia 1800 con una clara preocupación humanitaria y de crítica social– Crabbe se detenía en un siniestro personaje. el sermoneador metodista puritano y borrachín. con el más prestigioso y singular de los festivales operísticos del Reino Unido. el pescador Peter Grimes. que se coloca en ” primerísima línea de la discografía. sentía por la ópera inglesa y el estilo demasiado “moderno”. a la que dio término en trece meses. pero esa indefinición ha permitido la gran variedad de enfoques que sucesivos intérpretes y registas han aportado al personaje y a sus relaciones con su entorno. Verdi o Strauss. que da por igual el tipo en los momentos de expansión lírica como en los arranques de violencia o en los episodios de demencia final. que conserva en muchos momentos. a su juicio. Britten ha volcado en él sus propias ansiedades y tensiones íntimas. dramaturgo de convicciones izquierdistas que se ocupó de la dificil tarea de transformar la colección de poemas en una obra de eficaz enjundia dramática. Lógicamente.30 di v e r di ópera Britten ya reina en Glyndebourne El sello del festival inglés nos presenta su versión de Peter Grimes grabada en el verano de 2000 Santiago Salaverri clérigo. Carolina del Norte.

En los años cincuenta.grabaciones históricas 200 / febrero 2011 31 Olimpo bartokiano Audite edita en un estuche de tres cds las grabaciones para la Radio de Berlín que realizó en los cincuenta Ferenc Fricsay con música del gran autor húngaro Stefano Russomanno Béla Bartók “Una auténtica joya del primero al último minuto. una verdadera bendición para los amantes de ” Bartók. En lo que respecta a la Música para cuerdas. piano. Knappertbusch / Wagner. La Rapsodia cuenta con la participación de otro bartókiano ilustre. resulta irrecuperable una cinta del Castillo de Barba Azul grabada en 1958 y destruida en los años sesenta). puesto que la orquesta queda relegada a un fastidioso segundo plano. transparencia. ya con sonido estéreo: todo un pilar de la discografía del compositor húngaro. se trata del mismo registro que DG editó por primera vez en los noventa dentro de su serie Dokumente. fluidez… ¿se puede pedir más? Fricsay no fue sólo un extraordinario director. Más equilibrado y clasicista. Tres años median entre la grabación radiofónica y discográfica del Concierto para violín nº 2.: AUD 21407 (3 CD) D2 x 2 . los efectos percusivos más contundentes… Ahí prevalece la templanza de la sabiduría. penetrantes y muy dúctiles. Hedwigskathedrale). Si a ello añadimos la habitual excelencia de las remasterizaciones de Audite. En el Concierto nº 2 el solista es Geza Anda. Dietrich Fischer-Dieskau. que preceden –a veces en cuestión de meses– las tomas del sello amarillo.” El Bartók de Fricsay pertenece a esta serie de emparejamientos legendarios en los que la estrecha afinidad entre compositor e intérprete trasciende lo musical y alcanza un grado de comunión espiritual: Furtwängler / Beethoven. En el caso de la Cantata profana. Pero no se confundan: esta caja es una auténtica joya del primero al último minuto. el Divertimento y los Dos retratos. Las grabaciones en estudio no tienen nada que envidiar a las posteriores de Deutsche Grammophon. pero comunica un mayor grado de exaltación y arrebato: las disonancias son más ásperas. Tibor Varga. el binomio Anda/Fricsay (y no olvidemos el dúo Fischer/Fricsay) es sin duda superior. violín. Puede que la presente versión de 1953 no tenga la perfección de aquella otra. en una versión que acerca la obra al perfil modernista e iconoclasta del Concierto para piano nº 1.: Ferenc Fricsay (grabado entre 1950 y 1953) / AUDITE / Ref. Karajan / Strauss… Las grabaciones bartókianas que Fricsay realizó para Deutsche Grammophon en la década de los cincuenta no han dejado nunca de representar una referencia absoluta. diría que la versión radiofónica gana por puntos a la oficial. Géza Anda. pero nunca las han superado. mientras que la sucesiva versión de Anda prefiere subrayar las raíces lisztianas. Fricsay realizó una serie de grabaciones para la radio berlinesa que Audite acaba ahora de reunir en tres discos. la proximidad cronológica entre las dos versiones y la presencia de la misma orquesta hacen que las diferencias interpretativas sean de escasa consideración. sino porque en dos casos el solista es diferente. que conocen todos sus recovecos y han conseguido elevarla al rango de “clásica”. RIAS-SymphonieOrchester. 1 y los Conciertos para piano nº 2 y 3 (desgraciadamente. tenor. Esta última representa el legado de dos intérpretes que dominan la partitura con una soltura impresionante. Fricsay grabaría la integral de la música para piano y orquesta de Bartók junto a Geza Anda entre 1959 y 1960. donde la fidelidad del concepto (Fricsay había estudiado en su juventud con Bartók) se alía a unas cualidades musicales y técnicas de primer nivel: intensidad. FERENC FRICSAY dirige BÉLA BARTÓK: Las grabaciones completas de la RIAS Andor Foldes. flexibilidad. RIAS-Kammerchor (Chor der St. será fácil imaginar que los registros poseen una increíble calidad para los estándares de la época. piano. La filosofía sonora de la orquesta radicaba en la precisión y la nitidez de una sección de cuerdas contundente pero ligera (lejos de la densidad y suntuosidad propias de los conjuntos alemanes) junto a unos vientos dotados de un insólito relieve. Andor Foldes. vigor rítmico. representan un hito discográfico de obligado conocimiento. piano. barítono. la Suite de danzas. un conjunto que moldeó a su imagen y semejanza y que convirtió en pocos años en una de las mejores agrupaciones sinfónicas europeas. No cabe duda de que con este triple volumen la Fricsay Edition que promueve Audite ha alcanzado su culminación. la caja de Audite se completa con la Rapsodia para piano y orquesta op. pero la primera es una versión en vivo: de ello se desprende un grado de tensión algo mayor (Varga es superlativo en la cadencia del Allegro non troppo) y una calidad de sonido inevitablemente inferior. Puede que otros directores las hayan igualado en ocasiones puntuales. Toscanini / Verdi. La comparación es aquí especialmente interesante no sólo por la distancia cronológica entre las respectivas versiones (entre siete y diez años). mientras que las tres realizadas en vivo son de un nivel inevitablemente inferior. Orquesta y solista (Tibor Varga) son los mismos. quien intenta “masculinizar” la pieza con un talante a veces excesivamente agresivo. Louis Kentner. Tampoco la calidad de la toma en vivo ayuda mucho. Protagonista del Concierto nº 3 es Louis Kentner. aquí el entusiasmo físico del descubrimiento y la exploración. sino también un formidable constructor de orquestas. Además de los títulos citados. En su conjunto. Dir. si bien sólo en un caso (el Concierto para piano nº 3) el resultado es poco satisfactorio. Si tuviera que elegir. Se trata de registros comprendidos en un período entre 1950 y 1953. En 1948 se le encomendó la dirección de la recién creada Orquesta Sinfónica de la RIAS (la radio que los aliados habían creado en Berlín oeste). violín. percusión y celesta. la Radio de Berlín contaba con una tecnología punta en la grabación del sonido y sus técnicos contaban entre los más cualificados en esas labores. Unas cualidades especialmente aptas para la música bartókiana. Rudolf Schulz. una verdadera bendición para los amantes de Bartók y de la música en general. Helmut Krebs. pero los siete años de distancia entre esta versión y la “oficial” de DG se notan. Junto a sus célebres versiones de Bartók en Deutsche Grammophon.

Mozart. sensible por igual a los aspectos clásico y romántico que alternan en estas dos sonatas de juventud. En resumen. por fin. Leonard Bernstein. mayo de 1957) / IDIS / Ref. son una fiesta para cualquier aficionado.: IDIS 6603 (1 CD) D5 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: The Capitol Recordings (obras de Haydn. Sonata no. Pocos meses después. Sir John Barbirolli. desgranado con una admirable claridad de líneas. de matizadísima sonoridad. son una fiesta para ” cualquier aficionado. y figura entre las referencias fonográficas de esta obra. el Segundo Scherzo. la Tercera Sonata para piano o las Variaciones Haendel?). que hubiera competido con los ciclos Novedades grabaciones históricas LEONARD BERNSTEIN: obras de Tchaikovsky. También es novedad el precioso Concierto italiano de Bach. director (grabado en directo en Nápoles. pero hay algunas novedades: los dos Intermezzi opus 118. que pasó recluido en su hogar de Londres.: IDIS 6598 (1 CD) D5 SIR JOHN BARBIROLLI dirige GUSTAV MAHLER (18601911): Sinfonía no. Federico Moreno Torroba.: IDIS 6577 (1 CD) D5 RUDOLF SERKIN INTERPRETA BEETHOVEN. en 1995. Schumann. que los especialistas no acertaron a valorar. de grabar las 32 Sonatas de Beethoven para piano.: TAH 698-700 (3 CD) D6 x 3 . Gaspar Sanz. Buena parte de la música recogida en estos dos CD Audite figura en la citada colección de Testament. Liszt. piano (grabado en estudio en 1956) / AUDITE / Ref. Excelente el trío de obras de Chopin. sobre todo la Fantasía en fa menor opus 49 y el hipnótico Primer Nocturno. guitarra (grabado en estudio entre 1944 y 1956) / IDIS / Ref. resultaron ser las primeras manifestaciones de un gravísimo problema circulatorio que. Tchaikovski. eco de los recitales que ofreció en la capital alemana en febrero de 1956. 3: Concierto no. en particular. cuidado por su esposa y apoyado por algunos colegas y amigos. que tanto puede perjudicar a esta bellísima música y a la melodía infinita de su andante. Brahms y Wagner) / NWDR Sinfonieorchester. 19581959) / IDIS / Ref. hoy lo tomo prestado para encabezar esta reseña.6 y opus 116. captadas con excelente sonido. Treinta y dos años de vida le quedaron a Solomon. de nombre artístico Solomon a secas. Solomon y Walter Legge hubieron de suspender –parecía que temporalmente– el proyecto. Chopin y Brahms Solomon. Hans Schmidt-Isserstedt. Esta singular circunstancia sirvió a José Luis Pérez de Arteaga para titular un sustancioso ensayo sobre el pianista en Scherzo. VOL. junio de 1958 y en Lugano. a tempo constante en cada movimiento. dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS en Berlín.” duda arrebatador. como lo era el de Testament. suena un poco precipitado. Óscar Esplá y Joan Manén / Andrés Segovia.: AUD 23422 (2 CD) D1 Comenté en este Boletín. y las molestias en el cuarto y quinto dedo de la mano izquierda de Solomon.32 di v e r di grabaciones históricas El pianista que no tenía apellido Formidables reprocesados sonoros de Audite de grabaciones del británico Solomon Roberto Andrade de Kempff. Franco Caracciolo. Schubert. El Carnaval de Schumann vuelve a ser memorable. más la Primera Rapsodia opus 79. revalidan la excelsa calidad de Solomon como intérprete del músico de Bonn. 23 en fa “Appassionata” / Rudolf Serkin. Robert de Visée. director (grabaciones efectuadas en 1955) / TAHRA / Ref.2. director (grabado entre 1953 y 1959) / TAHRA / Ref.1. Hans Schmidt-Isserstedt.4.: IDIS 6599 (1 CD) D5 EL ARTE DE ANDRÉS SEGOVIA. en el ya lejano año de 2002. director (grabado en directo.: TAH 694-696 (3 CD) D6 x 3 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: Las grabaciones Telefunken (obras de Haydn. 5 para piano y orquesta. Pero el destino no lo quiso así. Orchestra “Alessandro Scarlatti” di Napoli della RAI. Beethoven. varios CD que Testament dedicó al pianista británico Solomon Cutner (1902-1988). Backhaus y el joven Gulda para el nuevo formato del disco microsurco de larga duración. 9 en Re menor / Orchestra Sinfonica di Torino della RAI. se enriquece con estos registros de la RIAS alemana fechados en febrero de 1956. Las dos Sonatas de Beethoven incluidas. sin “Dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS. ya muy avanzado. director (grabado en directo en Turín el 15 de noviembre de 1960) / IDIS / Ref.3 y Claro de luna opus 27. Christoph Wilibald Gluck . opus 9. Bach. 6: Obras para guitarra de Luis de Milán. dejó hemipléjico a Solomon y cortó para siempre una carrera que comenzaba. Schubert) / NWDR Sinfonieorchester. a tener el merecido reconocimiento internacional. a fin de 1956. en el verano de ese año. Rimski-Korsakov. Georg Friedrich Haendel. piano. Dvorák. todos grabados en estudio en los años 40 y 50 para EMI. Un muy triste final de una carrera que hubiera podido concluir gloriosamente: méritos artísticos no le faltaban a Solomon.1 nos recuerdan qué extraordinario intérprete de Brahms fue Solomon (¿hace falta mencionar los dos Conciertos para piano y orquesta. captadas con excelente sonido. La imponente colección de 16 CD dedicados por Testament a este eximio artista. Estas dos últimas piezas tampoco figuraban en la antología de Testament. VOL. SOLOMON: Obras para piano de Beethoven. Beethoven y Ravel / New York Philharmonic Orchestra. opus 2. pero sin el menor atisbo de lectura mecánica.

según pone de manifiesto la excelente y transparente grabación. transcrita para violonchelo. Es comprensible. FRANZ SCHUBERT (1797-1828): Arpeggione. de momento.: AECD 1095 (1 CD) D2 . con todo en su ” sitio. por lo que escuchamos aquí en estos acompañamientos al solista. Así. con todo en su sitio. única obra del programa que se presenta en su versión original. al piano. que se abre ante él. y de toda la literatura para piano y orquesta: el Cuarto y el Quinto. Dos obras grabadas hasta la saciedad. sin duda. Pero. en todo caso. es un buen ejemplo. pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. la acentuación justa. de un Gulda que de un Backhaus. no le presta a Coppey un trampolín sobre el que hacer volar el discurso. 384. segura y compacta. piano. claro. LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1825): Conciertos para piano nºs 4 y 5 Yevgeny Sudbin. violín. la ligereza de la pulsación. porque. por ejemplo. y su reciente ciclo Beethoven con el conjunto americano ha tenido muy buenas críticas. sabe establecer los planos adecuados. El finés Osmo Vänskä ha dado pruebas más de una vez de que es una batuta sólida y eficaz. las interpretaciones de este ruso nos gustan y nos divierten. lleno de vida. Sonatina. de mantener una línea musical cálida y fluida. Con esta actitud abierta nos hemos aproximado a esta reciente grabación de BIS en la que participan gente joven y bien adiestrada y una formación. así en los dos lentos. 898. aunque sea difícil. Trío Marc Coppey. Peter Laul. Ilya Gringolts. La centuria posee. Sin embargo no todo lo expuesto allí obtiene exacta traducción en la interpretación musical que uno escucha a continuación. 1 D. nos parecen excelentes por la finura de concepto. sin que ello excluya la dimensión poética. Los discos que ha grabado hasta el momento. limpias y eficientes de dos de los conciertos más conocidos de Beethoven. 1 D. eso sí. vívido y animado. Minnesota Orchestra. director / BIS / Ref. Son bazas que aprovecha Subdin. de la profunda comprensión que ha ido adquiriendo del mismo. prometedor y que no se sabe a dónde lo llevará. no precisamente aterciopelada pero no exenta de valores. en el que el lirismo aflora cuando hace falta pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. También es cierto que Peter Laul. salvando distancias. El resultado es una interpretación más estimulante y animada.” en el escalafón. poseedor de un sonido de gran belleza y calidad. aunque la cordialidad de la interpretación encaja mejor con el espíritu de esta obra alegre y juvenil. tan equilibrada y tan bien grabada como las escuchadas anteriormente.siglo XIX 200 / febrero 2011 33 Limpias articulaciones Conciertos Cuarto y Quinto de Beethoven por Subdin y Vänskä. tocadas de mil maneras y por los más insignes pianistas. disciplinada y rigurosa. violonchelo. resulta ameno.: BIS SACD 1758 (1 SACD) D3 Osmo Vänskä En la extensa entrevista que reproduce la carpetilla de este disco el violonchelista Marc Coppey da muestras de su afinidad con el universo schubertiano. estamos hablando de algunos de los más grandes pianistas de la posguerra. Siempre es grato. aunque. potente y firme. en BIS Schubert templado Marc Coppey ofrece en Aeon una elegante versión de la Arpeggione Ignacio González Pintos Arturo Reverter Dos interpretaciones modernas. que a lo mejor ofrecen nuevas vías. piano / AEON / Ref. la antigua Sinfónica de Minneapolis que pusiera en órbita Antal Dorati y que ahora se llama Orquesta de Minnesota. Y lo cierto es que poco se le puede reprochar a Coppey. una sonoridad clara. La presencia de Ilya Gringolts en el Trio N. una excesiva templanza. el dolor premonitorio que encierran las notas. que en el “Emperador” está más cerca. El pianista se expresa con muy bello timbre pero con una discreción que resta carácter a su evidente musicalidad. Al menos suena afinada. dirigidas por las más grandes batutas y apoyadas en los timbres de las más famosas agrupaciones sinfónicas. aporta al conjunto personalidad tímbrica y nuevos acentos expresivos. con lo que su discurso. en el que el lirismo aflora cuando hace falta. todo se lleva a cabo con buen gusto y estilo. la claridad del fraseo. recibir nuevas interpretaciones diríamos que de refresco. un artista elegante. aunque. siempre dentro del más respetuoso decoro. Un Beethoven muy estimulante. advertir en su juego las sutilezas o claroscuros de un Arrau. los tempi lógicos y las texturas idóneas. Son buenos mimbres. valga la contradicción. fresco. capaz de hacer cantar a su instrumento con enorme naturalidad. Osmo Vänskä. Este disco. por supuesto. con el concurso de la tímbrica del grupo. “Emperador”. aún está en ese camino. Algo parecido cabría decir de la Sonatina N. Si acaso habría que objetarle. brillante. por muchos méritos que ya posea. Sin penetrar en los significados como podría hacer un Brendel y sin el refinamiento de un Zimerman. pero con una dosis mayor de chispa y energía. con una suave belleza que termina por distanciarnos de una obra que puede ofrecer emociones más turbadoras cuando se interpreta con mayor ímpetu y se consigue conectar con la lúgubre sensualidad. Y Subdin. eso sí. especialmente los dedicados a Scriabin. un pianista que no entendemos cómo no está más arriba “Un Beethoven muy estimulante. nuevos modos de acercamiento. la Sonata Arpeggione transcurre con perfecta delicadeza.

304 páginas / ANTONIO MACHADO LIBROS / Ref. coautor con Hans Gál de la edición completa de la obra musical de Brahms que la editorial de Leipzig. no el compositor. Musikeon. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las convencionales. fechada el 24 de marzo de 1897. cuando Joachim presenta a su joven amigo Johannes Brahms al matrimonio Schumann. sin aniversario “redondo” que la propicie. en unión de las cartas. traductor de un impresionante elenco de autores : Hesse. Suite orquestal de la ópera Pepita Jiménez) Orq. puede transformar una sucesión de cartas en una narración fluida. esta antología epistolar.34 di v e r di siglo XIX El rudo soñador de la Alemania del norte La editorial Nortesur publica un volúmen con el epistolario de Johannes Brahms Roberto Andrade “Esta antología epistolar. Y. que se lee con interés creciente y a cuyo término la compleja y atractiva personalidad del “rudo soñador” nos queda mucho más cerca y acaba resultando entrañable. Y aunque el texto y el pretexto de esta reseña es la figura del gran Johannes Brahms– “rudo soñador de la Alemania del Norte”. Por el contrario. publicó entre 1926 y 1927. por fuerza. Nortesur. que iluminan las circunstancias que impulsan a Brahms a escribir tal o cual carta –siempre una obligación penosa. Pero apenas hay dos cartas a Robert. Ingeborg Bachmann.P Tritó ISAAC ALBÉNIZ Música orquestal (Catalonia.V. Breitkopf y Härtel. atípica. La traducción a un impecable castellano ha estado a cargo de José Aníbal Campos. Eduard Hanslick. que había llegado a ser en la Alemania de los años 20 director del Conservatorio de Mainz. capaz de presentarse ante el lector como una verdadera autobiografía”. cada palabra es un sacrificio para mí.p.: 23. Recomendación entusiasta. Clara y seis de sus hijos– así como los de los grandes amigos de Brahms: el cirujano Theodor Billroth. 2010. atípica.- Johannes Brahms . va dirigida a Joachim: “mi estado es cada vez más precario. nos llega esta edición en español de la antología de la correspondencia brahmsiana que el compositor y musicólogo de origen judío Hans Gál (1890-1987) preparó a la tierna edad de 89 años en Edimburgo. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros. toda esa información complementaria.: DIV9788493735777 (1 Libro) P . conforma una biografía. Pero aquí nos ocupa el Gál biógrafo. según lo definía agudamente mi libro de historia del arte en quinto curso de bachillerato– no está de más destacar el interés que. tanto la hablada como la escrita…” Estupenda esta iniciativa de la editorial barcelonesa Nortesur. es dominante el apellido Schumann –Robert.50 €. hubo de trasladarse a esta ciudad escocesa en los años 30 ”animado” por los nazis y en ella fijó su residencia y desarrolló una fecunda actividad musical. Gál. En esta selección de Gál quedan excluidos. que distrae al creador de su principal tarea– o proporcionan los datos biográficos esenciales del destinatario. de óptima edición. por ejemplo– que hubieran sido bienvenidos. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las ” convencionales. Inesperadamente. forman una biografía. en los últimos años. en efecto.. licenciado en filología germánica por la Universidad de La Habana. Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña Jaime Martín. dentro de la colección Musikeon. los matri- JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Cartas 1853-1897 Edición de Hans Gál. Anton Webern… Un libro muy ameno.95 € . seleccionando adecuadamente los documentos e insertando breves aclaraciones y comentarios. casi novelesca. Zweig.v. El epistolario arranca en noviembre de 1853. algunos nombres ilustres –Hans von Bülow. su intento de suicidio en febrero de 1854 –la locura le dominaba ya– cortó en seco lo que hubiera podido ser un interesantísimo intercambio de correspondencia entre dos autores cumbres del Romanticismo. Escenas sinfónicas catalanas.: 17. ha merecido la música compuesta por Gál. La última carta de Brahms. que dirigen Luca Chiantore y Silvia Martínez. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros. director td 0078 (1 cd) p. nueve días antes de su muerte. Es de esperar que el éxito acompañe a este esfuerzo editorial. el violinista Joseph Joachim y Eusebius Mandiczewski. Barcelona.” monios Fellinger y von Herzogenberg. Así lo indica en su inteligente prólogo Áurea Domínguez: …” un hábil compilador. que han comenzado a editar diversos sellos discográficos.

Ka Ling Colleen Lee.. de la obra completa del genio polaco con criterios ‘históricamente informados’ Justo Romero Frédéric Chopin Impresionante y. acostumbrados a escuchar a los artistas destrozando su instrumento […] No importa. Kevin Kenner. Los armónicos atenuados. sumergirse en este auténtico Chopin es una aventura ciertamente fascinante. mazurcas en los dedos irrebatibles y ya veteranos de maestros como Fou Ts’ong y Janusz Olejniczak. violín. Fou Ts'ong.P . e incluso cuesta cierto trabajillo. Los viejos pianos Pleyel y Erard posibilitan interpretaciones radicalmente diferentes. Marek Drewnowski. Frans Brüggen. se dijo entonces. escribió el 12 de agosto a su familia en Varsovia las siguientes líneas: “Según la opinión general. Dina Yoffe. los nocturnos y conciertos para piano por el vietnamita Dang Thai Son. 200 años después de su nacimiento. aquella en la que la jurado Martha Argerich se peleó con medio tribunal en apoyo de su candidato. Chopin. Recorrer estos 21 cedés es adentrarse en un modo de tocar radicalmente diferente. y en detrimento de Son. ruidos a gogó. se publica esta exhaustiva edición que recupera esa sonoridad que tanto reivindicó el compositor-pianista. Dang Thai Son.siglo XIX 200 / febrero 2011 35 Chopin impresionante y revelador Un monumental estuche de 21 cds da cuenta. pianos gran cola con brillantes decibelios capaces de hacerse oír en los espaciosos auditorios actuales y todos los ruidos y escándalos que se quieran. Tatiana Shebanova. Kevin Kenner. y gracias al esfuerzo y cuidados del Instituto Chopin de Varsovia. sin embargo.70 €. y que tan virulentamente le censuraron los críticos vieneses tras los recitales que ofreció en agosto de 1829 en la capital austriaca. estrés.: 89. todos ellos firmemente instalados en la escena contemporánea. en la que tanto Demidenko como Dang Thai Son dejan constancia inapelable de enjundia pianística y sintonías con la música de Chopin. Ivo Pogorelich. cantantes y director de orquesta) que cercioran la entidad interpretativa de la colección. La colección se completa con un cuaderno de 208 páginas con nutrida información de intérpretes y repertorio. Así es el álbum que acaba de publicar el sello polaco NIF con la obra integral –la primera verdadera integral de la música de Chopin– en versiones recreadas en instrumentos originales de la época del compositor. el menguado pedal y una sonoridad de carácter más camerístico –pero no por ello menos solista o virtuosa– son claves de esta monumental edición.. “Un modo de tocar más adecuado para un salón que para una sala de conciertos”. sumergirse en este auténtico ” Chopin es una aventura ciertamente fascinante. Choca. Como regalo. Jarosław Drzewiecki. a propósito de estas críticas. 21 artistas (entre pianistas. director / CODAEX / Ref. está protagonizada por solistas de fuste. Ewa Pobłocka. los estudios y otras importantes obras (Barcarola. Las Baladas por Nelson Goerner. y prefiero esto a oír decir que toco demasiado fuerte”. pero. donde figuran algunas piezas repetidas en diferentes versiones.. así como la soprano Aleksandra Kurzak y el barítono Mariusz Kwiecien. Se trata de grabaciones en vivo procedentes de conciertos ofrecidos en Varsovia entre 2005 y 2007. solistas / Orchestra of the 18th Century. Stanisław Drzewiecki. en lecturas a cargo de los más importantes especialistas. estrés. las dinámicas mesuradas. Ewa Poblocka. violonchelo. Janusz Olejniczak. a diferencia de otras ediciones historicistas protagonizadas por músicos que no han logrado triunfar en la interpretación moderna. la colección se abre con un documento sonoro de enorme valor: un cedé que recoge grabaciones chopinianas del legendario Raul Koczalski fechadas el 21 de febrero de 1948. escrupulosamente fiel al espíritu y la letra del compositor. en su mayoría polacos o triunfadores del Premio Chopin de Varsovia. Nikolai Demidenko. mi interpretación se ha caracterizado por una sonoridad demasiado débil o. los preludios por Wojciech Switała. Son muestras de este tesoro recién llegado de la Polonia que vio nacer a Chopin hace dos siglos. En un tiempo de motores de explosión. ruidos a gogó. sobre todo.: NIFCCD 000-020 (21 CD) P . obras diversas por Nikolái Demidenko… un verdadero festín pianístico que también comprende la presencia inesperada de Frans Brüggen y su Orchestra of The 18th Century.” que.V.. protagonistas ambos de una sobresaliente versión de la corta pero sustancial obra vocal de Chopin. Berceuse…) a cargo de la reconocida chopiniana Tatiana Shebanova. en novedosos acompañamientos de la obra concertante junto a Demidenko y al citado Dang Thai Son. Marek Drewnowski. Una colección “En un tiempo de motores de explosión. en la que también aparecen pianistazos como Jan Krzysztof Broja. que recoge nada menos que un total de 175 incursiones. A ellos se unen el violinista Jakub Jakowicz y el violonchelista Andrzej Bauer para la música de cámara (el trío y las obras para violonchelo y piano). definitivamente fieles a aquel sonido tenue y delicado peculiar del compositor. FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849): La obra completa con instrumentos históricos (Primera Grabación Mundial) Nelson Goerner. Una joya. Hoy. es imposible que no haya algún pero. quien en 1980 se alzó con la medalla de oro en la décima edición del Premio Chopin. toparse con estas visiones tan rotundamente diferentes a lo acostumbrado. demasiado delicada para el gusto de los oyentes vieneses. revelador. mejor dicho. la riqueza de registros. fundamentos de esta colección imprescindible.

64. Vieuxtemps tiene mucho que decir a tales intérpretes y. Añádase que los instrumentos utilizados son de época o construidos en nuestros días conforme a modelos de época. pero sí de celebrar esta integral de sus conciertos para violín que. Bélgica. o hallar efectos de conjunto que resuenen como una orquesta sinfónica. relacionados íntimamemente. Lo que estos dos colegas practican es la pequeña capilla de nueve instrumentos que. piano. El concierto romántico parece hacer un camino que. entre otras. además de su completud. ligeras diferencias de frecuencias vibratorias. que otorga homogeneidad ejemplar a la entrega. 77. por si hubiese alguna duda. por eso procuró hacerse con las colecciones que se publicaron en Alemania cuando el género florecía con vigor. El tema le apasionó desde bien joven. apetecible para esta muchachada que inaugura el siglo XXI? La respuesta es enfáticamente afirmativa. con la consiguiente diversidad. Agréguense la autoridad del director desde el podio y la preciosa edición. La publicación entre 1838 y 1840 de los Deutsche Volkslieder por Kretzschmer / Zuccalmaglio sirvió de simiente para sus Wo0 34 y Wo0 posthum 35. puede cantar en voz baja y ser música de cámara. no sólo en cuanto a estética sino porque nacieron el mismo año y murieron en la misma década: 1784 y 1853 Onslow y 1859 Spohr. Son jovencísimos.: RAM 1007 (1 CD) D2 . los une un enfoque común de las obras. De lo contrario. aunque no se vea. todavía. algunas obras con textos de Goethe y Schiller. virtuosísimos. director / CARUS / Ref. la mano de Dumay. 31 y op. se incluyen aquí dos intermezzi y una balada para piano. sería más correcto afirmar que Brahms. un valor añadido. llega a Vieuxtemps a través de Mendelssohn. Los chicos y chicas han venido de distintos países: Letonia. 31 Osmosis / RAMÉE / Ref. 93a. No es el caso de descubrir a Henri Vieuxtemps. aplicadísimos. y a partir de entonces desarrolló un gran interés por la poesía popular. Australia. ya que entre los fabricantes de Francia y Alemania hubo. de cuya selección se nutre el programa del disco. magníficamente interpretadas por Anne Le Bozec. Quién sabe si fueron precisamente esas melodías las que Brahms escuchaba en aquellos establecimientos. bajo la mirada magistral de nuestro bien conocido y admirado Augustin Dumay. Un disco exquisito. ¿Resulta el viejo maestro valón. escuchados en conjunto. la expansividad melódica no es ya clásica y tampoco la apertura de sus desarrollos. Este repertorio exige ser hecho con altos vuelos como ellos alcanzan. Holger Speck. Rusia. de tesituras y colores. una velocidad de vértigo. en aquellos tiempos. después del proceso formativo. y a pesar de que las obras están tratadas con los procedimientos compositivos más ambiciosos. LOUIS SPOHR (1784-1853): Noneto en Fa mayor.: Patrick Davin / FUGA LIBERA / Ref. Por eso. de modo tal que el registro expresivo se altere sin dañar la estructura general de la obra.: FUG575 (3 CD) D10 x 2 Excelente idea ha sido ésta de reunir dos nonetos de distintos autores.: CARUS 83. un derrotero donde se tutea con Beethoven. op. Para qué ingenios escribieron nuestros músicos. Desde luego. Por tanto.448 (1 CD) D2 GEORGE ONSLOW (1784-1853): Noneto en la menor. siempre tenido en cuenta respecto a sus partes. Podrían haberse entregado de lleno a este último pero prefirieron delinear un discurso comedido y de formas reconocibles. sin someterse mecánicamente a la herencia canónica. JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Wach auf. partiendo de Paganini y Lipnizky. mejor es quedarse en casa. aun cuando haya un doble trío en Spohr y tema con variaciones en Onslow. meins Herzens Schöne Anne Le Bozec. pero todo discurre sin alterar el pacto que articula el conjunto. La amplitud de su aparato orquestal. op. Esta edición tiene. Es notoria la dualidad del genio que. mantienen la frescura propia del género. El Vocalensemble Rastatt y su director Holger Speck afrontan el programa con convicción. Tal vez las críticas se deban. Se han juntado seis jóvenes violinistas gracias al auspicio de la Capilla Musical Reina Isabel. se oye y él es corresponsable del brillante resultado. ambos pertenecen a ese momento de la música en que se transita –al menos ellos transitaron– desde la poética de los géneros del clasicismo hacia la libertad creadora y subjetivista del romanticismo. a la creación de obras como estas canciones populares que el compositor armonizó para cuatro voces. Hay que tener una tímbrica rica. Se les añade también algún número de los Drei Quartette op. mantiene intactas en su personalidad creadora las vivencias como pianista de taberna. un estro lírico intenso. la ordenación de ellas y la duración relativa suficientemente calculada. nunca lo sabremos pero escuchando estas versiones podremos imaginarlo. y con muy buen criterio. Todo se justifica al punto de volverse convencional. una presencia sonora capaz de medirse con una orquesta nutrida. En este aspecto. No ha sido fácil la opción. La diáfana articulación se encarga de que todo sea entendido. y de las Lieder und Romanzen op. Dir. con astucia inexcusable. en Carus Urko Sangroniz Todo Vieuxtemps Integral de los Conciertos para violín del compositor belga Blas Matamoro Una buena pareja Nonetos de Spohr y Onslow. el arresto de sus largos y apasionados desarrollos melódicos van unidos a un arte del contrapunto entre solista y masa que se borda con el extremo y fastuoso conocimiento de los recursos violinísticos en los que el músico fue un maestro. un elegante desplegable provisto de una erudita carpeta como para sumar información al placer de la audiencia. ávido lector de poesía de todo tipo. adquieren cierta dimensión monumental. a todos nosotros. apenas audible. en Ramée Blas Matamoro De Brahms se ha afirmado que su criterio para la elección de los textos poéticos no estaba a la altura del de otros autores románticos. por su intermedio. Brahms es otra cosa. Armenia.36 di v e r di siglo XIX Experiencias imborrables Obras corales de Brahms por el Vocalensemble Rastatt. HENRI VIEUXTEMPS (1820-1881): Integral de conciertos para violín y orquesta Orchestre Philharmonique Royal de Liège. manejó varios registros en sus obras. la emisión es pura y el balance perfecto. En efecto. Además de estas cualidades. Vocalensemble Rastatt. Brahms despliega en ellas el conocimiento adquirido a lo largo de su vida como director de coros.

: TUDOR 7154 (1 CD) D2 Isaac Albéniz . 21 (las cuatro versiones) / Cyprien Katsaris. piano. violonchelo. como instrumento vinculado al célebre guitarrista almeriense. 78. pero lo cierto es que a la Leona le puede favorecer sonar sola con un repertorio como el de la música de Julián Arcas que apenas se había escuchado seriamente con anterioridad tal y como lo interpreta Stefano Grondona (CD Stradivarius 33692) potenciando sus valores históricos. op. Sonata para viola y piano y Sonata para clarinete y piano / Ana Chumachenco. sin fecha. violín.: P21 038-N (1 CD) D2 CYPRIEN KATSARIS interpreta EDVARD GRIEG (18431907): Concertos and Piano Works / Cyprien Katsaris. lo que más vale de estas grabaciones es el instrumental que lucen Lieske y Spindler: tres guitarras de Antonio de Torres –para los dúos la célebre Leona de 1856. Queensland Symphony Orchestra. op. Aquí comparten cartel arreglos de Llobet (Evocación. confrontarla con otra guitarra de Antonio de Torres en condiciones de conservación muy distintas.: PAS 968 (1 CD) D2 FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Concierto para piano nº 2. y la FE 13 en la catalogación de José Luis Romanillos fechada en 1860– y la SE 113. tener que sacar de ella los matices que requiere esta música y. Johan Farjot. éste último instrumento consigue sólo por el colorido oscuro de su sonido insuflar algo de vida a estas postales de la música finísima y sofisticada de Albéniz. Hariolf Schlichtig. Sergei Istomin. director / PIANO 21 / Ref. Horst Neumann. Oriental y Córdoba) y Tarragó (Tango) con tres arreglos del propio Lieske (El Puerto y El Albaicín de la Suite Iberia y Mallorca) y.: ZZT 100802 (1 CD) D2 FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY (1809-1847): Trio para violín. Destensado y grave en su afinación. Eduard Brunner. 108) / Geneviève Laurenceau. Lo de la Leona ya es otro cantar y a mí siempre me gustará escuchar su voz como me puede gustar escuchar cantar un tango a un Torrente Ballester octogenario. presentamos a los guitarristas alemanes Fabian Spindler y Wulfin Lieske asociados para la grabación de un programa íntegramente dedicado a transcripciones para dúo de guitarras de música del fenomenal pianista español. piano / PASSACAILLE / Ref. es la de una España sonora y orientalizante presentada con un texto en el que Albéniz declara “Soy un moro”. ¿A quién querría engañar? Flecos todavía del antepasado año en el que se movilizaron algunos recursos e iniciativas para conmemorar el centenario del fallecimiento de Isaac Albéniz en 1909. 100 y op. al lado de estos dúos. además. Es una exageración. violín. piano. en los solos del disco de regalo. inseparable de Lieske y con la que tantas veces se le ha visto últimamente en el Festival de la Guitarra de Córdoba. se nos obsequia con un segundo disco –encartado como Bonus CD– en el que Lieske interpreta a solo otro monográfico Albéniz formado por los más célebres arre- ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909): Evocación (obras para guitarra[s]) Lieske Spindler Guitars / CHALLENGE RECORDS / Ref. Con un criterio interpretativo general de un discreto pintoresquismo orientalista que es la forma común en la que los centroeuropeos entienden estas músicas y a estas gentes del Sur. Adrian Oetiker. Heidelberg Symphony Orchestra Quintet. viola y piano.siglo XIX 200 / febrero 2011 37 Albéniz alla moresca o a la alemana Fabian Spindler y Wulfin Lieske dedican un CD a transcripciones para dos guitarras de obras del compositor catalán Javier Suárez-Pajares glos de Andrés Segovia. piano / TUDOR / Ref. director (grabado en directo salvo el corte no.: P21 028-A (1 CD) D10 CESARE NEGRI (1535-1604): Le Gratie d'Amore (1602) / Ensemble La Follia / DYNAMIC / Ref. Pujol (Tango español. Groses Rundfunkorchester Leipzig. Llobet y Tárrega más o menos revisados por el guitarrista alemán. Bajo la palmera. piano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. 18 entre 1975 y 2001) / PIANO 21 / Ref. pues éste es el título del disco.: CC 72374 (2 CD) D2 Novedades siglo XIX FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Integral de la obra para violonchelo y piano / Viviana Sofronitski. Rumores de la Caleta y Castilla). La evocación. otra cosa muy distinta quererla lucir en un repertorio altamente exigente en términos tímbricos. viola. Edvard Tchivzhel. clarinete.: DM 8006 (1 CD) D13 JOHANNES BRAHMS (18331892): Sonatas para violín y piano (op.

como lo había hecho Franck. pues si bien el intermedio de Goyescas de Granados sigue fatigando teatros. sensuales de sonoridad. hace de palmero. a los dos Estados que separa y une. Toulouse. Las condiciones del registro son óptimas: un solista acreditado y especialista en la música para órgano de los siglos XIX y XX. la certeza técnica de las tomas para discos compactos. en MDG Blas Matamoro De España vengo Programa hispano del Devich Trio. DEVICH TRIO: Estilo español (Obras camerísticas de Joaquín Turina. Hay andalucismo exquisito. recogió Vierne la herencia del órgano romántico ampliamente servido en Alemania por Mendelssohn y Brahms. con un toque afrancesado en lo armónico y una sabiduría fina de escritura que ahuyenta toda posible españolada. por ello. El primero. dada su habilidad manual. Además. belga de nacimiento y francés de formación y carrera. nuestro hombre pertenece a esa categoría de músicos que son conocidos por una sola obra. No es el lugar ni la ocasión para evaluar lo hecho por Vierne pero sí para acreditar la dificultad de una tarea actualizadora por una parte y receptora de antiguas y sólidas tradiciones por la otra. fino en el tratamiento de las cuerdas y en las soluciones armónicas escogidas. La frontera goza de un notable privilegio: apenas ocupa superficie y pertenece. como su maestro César Franck. enésima por si hiciera falta. poseedora de un curioso género propio.38 di v e r di siglo XIX Todo Vierne La integral para órgano del autor francés. También oportuno es el rescate de las tres piezas juveniles de Fernández Arbós. un compositor que. a la vez. las dos chicas tocan como si estuvieran haciendo figuras de brazos y vibrantes taconeos. explorada con morosidad por los registros eléctricos más allá de la sonata mencionada. pues su música de cámara es también de primer agua. Se ve que las vertientes alimenticias fueron generosas y Vierne supo reunirlas y conjuntarlas en una escritura sabia. no deja de ser fronteriza con la suite y. podríamos hablar de una zona belga dentro del país musical francés.: MDG 1580 (9 CD) D4 x5 Plausible idea ha sido concertar este programa con obras infrecuentes de autores españoles.: 1C1182 (1 CD) D2 . la desmesura torera y el arrebato chulesco. Sólo muy escasos especialistas pueden llegar a saber que esta partitura fue considerada la homónima que Proust atribuye a un músico imaginario. en el astuto arreglo para trío de Gaspar Cassadó circula poco. El segundo. Editada de manera dispersa. pródigo en todos los campos. A través de ellos. y tiene una habilidosa escritura para los solistas que le da un sesgo muy distinto a la imponencia orquestal del origen. Podemos imaginar a unas majas escuchando en los balcones. al que cumple sumar dos misas. en su novela. El pianista. órgano / MDG / Ref. la discografía está rescatando para nuestra memoria. muerto en plena juventud Blas Matamoro La obra organística de Louis Vierne fue llevada a la reproducción electromagnética por Ben van Osten entre 1996 y 2000. Vinteuil. tornándolo confidencial. imponente y cautelosa. ahora se reúne en una cajuela de 9 compactos. En efecto. Lekeu. Su folclorismo está destilado por los antecedentes de la escuela nacionalista y sabe llevar al dispositivo reducido del trío tanto el eco de las fuentes populares como la sofocada minucia del lenguaje camarístico. Está situado en el espacio donde la escuela francesa admite las sugestiones de la germánica sin perder su amor a la experimentación estructural y a la finura armónica que le son tradicionales. como esos rayos de luz multicolor y cambiante que atraviesan el vitral gótico de una catedral. la estructura. pero las han pintado Zuloaga o Pradilla. GUILLAUME LEKEU (1870-1894): La integral de la obra para cuarteto de cuerda Quatuor Debussy / TIMPANI / Ref. Lyon y Rouen. Saint-Saëns y Widor están a su lado. También figuran en el registros las partituras incompletas que editó Maurice Duruflé en carácter de opus póstumo (Tres improvisaciones) así como obras tempranas y sueltas que constituyen su prehistoria artística. Todo en su medida y con las exigencias ténicas puestas por los maestros compositores. cabe subrayar la libertad romántica con que Vierne abordó los géneros que la ancha capacidad del órgano le permitía desplegar. anecdódico o literario. fue un compositor sólido y cuidadoso. recatado en la inspiración y capaz de entregas líricas con amplio melodismo como el andantino de su cuarteto aquí incluido. En este sentido. No obstante. para colmo de género y sin ningún signo externo. Entre las obras del propio Cassadó y Turina se registra una coincidencia estética que permite hablar de influencias. Limítemonos a disfrutar de su obra. Sin duda. En primer término. Sumergirse en el conjunto de sus partituras es cumplir un viaje por un mundo a la vez denso y etéreo. la altura alcanzada por el músico sería la misma. un monógrafo. infalibles de estilo. Gaspar Cassadó. Enrique Granados y Enrique Fernández Arbós) Devich Trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. No caigamos en el tópico de preguntarnos qué habría sido de Lekeu si el tiempo le hubiese dado los años de la madurez. en Challenge Blas Matamoro Explorando a Lekeu Los cuartetos del autor belga. su costado litúrgico. los célebres órganos Cavaillé-Coll de París. LOUIS VIERNE (1870-1937): Integral de la obra para órgano Ben van Oosten. Una prueba. Había que latinizar la herencia. Suena a café-concert elegante y a casticismo depurado. de prestancia arquitectónica y rincones de intimismo sugestivo. Las versiones son aplicadas de lectura. Ese rasgo limítrofe acaso sea el decisivo en el perfil de Lekeu. Ninguno de los intérpretes parece español. de que se puede abundar en coloridos locales sin cargar las tintas y ceder a la fácil etiqueta con la denominación de origen de lo español.: CC 72322 (1 CD) D2 Breve existencia (1870-1894) y fama equívoca connotan a Guillaume Lekeu. Vierne tuvo algo de ambos. dividida en seis movimientos. salas y colmados. por su parte. Y aunque sólo fuera por ella. aunque tal vez de modo aún irregular. Sus seis sinfonías. que la singularice: su exquisita Sonata para violín y piano. y volviendo a Franck y a su indirecta influencia en la formación de la Schola Cantorum parisina. 48 piezas de fantasía y 24 piezas de estilo libre configuran lo que podríamos llamar el espacio profano de su catálogo.

” En el mundo esencialmente visual en que vivimos. Afortunadamente.1 surround) a partir de tomas en concierto con la venerable Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig.siglo XIX 200 / febrero 2011 39 Bruckner honoris causa Querstand publica una formidable Quinta por Blomstedt y la Gewandhaus Miguel Ángel González Barrio foto © Martin Lengemann “Una construcción imponente. el hallazgo feliz. tantas veces deslavazados o inconexos. de los más grandes en activo. La ausencia de personalismos (¡ah. spiccato) en la cuerda es admirable. corto. es bien sabido que la dirección de orquesta es una actividad en la que los años le engrandecen a uno. Las pausas entre movimientos no están editadas. Una Tercera apareció en 2005 en un álbum conmemorativo de cinco discos e ignoro si volverá a grabarse. fiable veterano de contrastadas competencia y solidez cuyas actuaciones y ya esporádicas grabaciones nunca defraudan. Séptima y Octava. Característico del estilo de Blomstedt. 1927). el efecto. Carácter que en todo caso no se impone desde fuera. La toma de sonido de Matthias Behrend es espléndida (escúchese la entrada de los chelos en primer plano en 6:21 del primer movimiento). HERBERT BLOMSTEDT dirige ANTON BRUCKNER (18241896): Sinfonía nº 5 en Si mayor Gewandhausorchester Leipzig. de las más impresionantes que recuerdo. pese a no haber grabado todavía el ciclo completo. metal poderoso. director / QUERSTAND / Ref. Y. en suma). Las peroraciones del metal en las Codas no ensombrecen las esenciales figuraciones de la cuerda alta. para festejar el 85 cumpleaños del director. sin injerencias ni arbitrariedades. cuerda opulenta y cálida. están aquí integrados en una narración coherente. Por la sabiduría acumulada y por la oposición menguante (ésta es. de rara perfección (recuérdese que se trata de una toma en vivo). y al que contribuyen sin duda la respuesta orquestal. En el enérgico Scherzo Blomstedt materializa los aires populares sin exagerar la rusticidad con timbres calculados. Nos llega ahora la formidable Quinta (la Gewandhaus estrenó la obra en 1899) grabada en la Grober Saal de Leipzig en mayo del pasado año. Los largos pasajes en pizzicato. El sábado 29 de marzo de 2008 dirigió a la Gustav Mahler Jugend Orchester una excepcional Quinta de Bruckner en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. de inefable veracidad. sino que surge desde dentro. desde hace unos años el sello alemán Querstand viene publicando. Herbert Blomstedt. y la fuerte personalidad sónica de la Gewandhaus: perfecto empaste en todas las secciones. grabaciones de gran calidad artística y técnica (SACD híbrido. Hay bastante aire entre los instrumentos. Y es que. Con buen criterio. libertades agógicas o énfasis no escritos. pero sin la acostumbrada reverberación que lo emborrona todo. en algún caso vitalicio. Lejos quedaron los tiempos en que Monteux o Stokowski firmaban contratos discográficos con los grandes sellos. Hasta la fecha han aparecido Quinta. una interpretación absolutamente fiel al texto. lo que preserva el ambiente del concierto. la dictadura de la imagen y el culto a la juventud han conseguido que melenas y rizos desplacen en el podio del director a calvas y canas. la novedad. la comprensión profunda de las obras y la capacidad de organización (la autoridad. sin altibajos o caídas de tensión. La estupenda Octava se grabó en julio de 2005 en los conciertos de despedida. sonido 5. Salvo excepciones. tampoco se ha eliminado la gran ovación final. al menos. de la propia partitura. cobran así preeminencia sobre la experiencia. Está previsto que Querstand publique el ciclo “completo” (supongo que Primera a Novena) en julio de 2012. sin injerencias ni ” arbitrariedades. Fue uno de esos conciertos a los que da pereza asistir (en horario nocturno y en fin de semana) y que después no se olvidan. de tintes oscuros. sin prisa pero sin pausa. sonido homogéneo. Le ha pasado a Herbert Blomstedt (n. sin embargo. la percepción habitual del aficionado de largo recorrido). lo que va camino de convertirse en el primer ciclo bruckneriano de Blomstedt. maderas brillantes. en estudio o en vivo. Las frecuentes intervenciones en ppp de cuerda y timbal se escuchan con notable presencia. en la que todo fluye con pasmosas naturalidad y nitidez. se trata de una construcción imponente. de inefable veracidad. denso y transparente a un tiempo. El partido que saca la batuta al juego de dinámicas y a la variedad de arcos (largo. superados los 80 años. Blomstedt es un bruckneriano ilustre. con más de 40 registros publicados. de la que fue titular entre 1998 y 2005 (sucediendo a Kurt Masur y sucedido por Riccardo Chailly) y a la que sigue dirigiendo con frecuencia. el ego!) no implica falta de carácter. una interpretación absolutamente fiel al texto. Sexta.: VKJK 0931 (1 SACD) D2 . El balance de las distintas secciones es óptimo en todo momento (camerismo a gran escala).

cuando todavía era la capital del único país eslavo no comunista. No hay duda de que el compositor más relevante de todos ellos para el director australiano fue Janácek. de Martinu se incluyen los sensacionales registros de los años ochenta de la Misa en el campo de honor. No volvería a Praga hasta principios de los sesenta. lo deja bien claro: “Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de Janácek”. Pronto cambió su suerte y el ascenso al poder de los comunistas. esta ópera sería lo último que dirigió de su admirado compositor. Mientras comenzaba a estudiar la partitura de la Segunda sinfonía de Dvorák. se le acercó un hombre: “Oh. está entre lo mejor de la fonografía de Janácek (una mención especial debe hacerse aquí a la impresionante interpre-tación de la suite de La zorrita astuta. Supraphon. por ejemplo. que se encargaba de los intercambios entre estudiantes checos y británicos del British Council. del Doble Concierto y. que había emigrado hacía algo más de un año desde Australia con el firme propósito de convertirse en director y que estaba a punto de casarse con la clarinetista de su orquesta.40 di v e r di siglos XIX & XX Un australiano en Praga Supraphon documenta en dos estuches el idilio que mantuvo durante toda su carrera el recientemente desaparecido Sir Charles Mackerras con la música checa Pablo-L. Sus clases tuvieron lugar en la villa cerca de Praga donde Talich se recluyó y versaron sobre música checa y. en febrero de 1948. Por su parte. se refugió del frío y la lluvia en una cafetería. lo dirigió en 1989 ante la incómoda presencia del presidente Gustáv Husák y lo volvió a hacer mucho mejor en todos los sentidos en 1999 (ésa es la versión en vivo aquí incluida). todo comenzó en un café. sino que adoraba su gastronomía y su cerveza. especialmente. aquí se ofrece. del último y laureado disco dedicado a este compositor por Mackerras. de los Frescos de Piero della Francesca. Mackerras llegó a Praga en el otoño de 1947. que culminaron en septiembre de 2009 con el registro del poema sinfónico La paloma torcaz (su . en especial. ya veo que está usted estudiando música de mi país”. Smetana. precisa-mente. que por cierto se llamaba Alan Charles McLaurin Mackerras. Mackerras no sólo aprendió a escribir y a hablar fluidamente la intrincada lengua eslava. que había sido desprovisto de todas sus funciones al haber sido acusado injustamente de colaborar con los nazis. Sin embargo. a sus 84 años y en plena actividad. Smetana. que fue publicado en 2009. Aparte de sus míticas grabaciones para Decca realizadas entre 1977 y 1982 con la Filarmónica de Viena de las cinco óperas principales de Janácek. tuve la fortuna de asistir a la última función de esta ópera en el Covent Garden y no creo que olvide nunca esa fantástica inter-pretación). y como artista invitado en el Festival Primavera de Praga que había instaurado precisamente el propio Talich allá por 1946. le animó a pedir una beca para viajar a Praga a estudiar con Václav Talich. o de las que realizó más adelante para Supraphon en Praga y Brno que aquí no se incluyen (Katia Kabanová en 1997 o Sárka en 2000 –de está última se ha añadido tan sólo la obertura con un molesto fadeout al final–). pero a cambio conoció por medio de él una ópera llamada Katia Kabanová de un tal Leos Janácek que se convirtió en su obra y compositor predilectos. junto a Taras Bulba o la Sinfonietta. Rodríguez Sir Charles Mackerras Como tantas historias. tampoco se incluye ninguno de los dos registros audio y video que realizó en Brno de la ópera La pasión griega. cuya música Mackerras también tuvo en gran estima (Supraphon publicará próximamente el registro en vivo de la Sinfonía Asrael que dirigió en 2007 en conmemoración de su centenario). una de las pocas versiones de la Misa glagolítica tal como la pensó el propio Janácek (con la Intrada al principio y al final de la obra). Durante los meses siguientes pudo constatar que Talich no tenía tiempo para poderle enseñar. Un joven oboísta de la Sadler’s Wells Opera. que proceden de dos conciertos en el Rudolfinum en 1997 y 2003. el doble CD publicado en 2004 con la Filarmónica Checa de suites y fragmentos de varias óperas. Mackerras estudió con Talich por espacio de unos meses y tuvo que regresar a Londres en el otoño de 1948. Situémonos: Londres. comienzos de 1947. La relación de Mackerras con la Filarmónica Checa y con la Sinfónica de Praga se intensificó precisamente a partir de 1999 con visitas casi todos los años tanto al Rudolfinum como a la Sala Smetana de la Casa Municipal de Praga. El joven oboísta le explicó que soñaba con llegar a ser director de orquesta y el hombre. Janácek y Martinu) a lo que habría que añadir quizá el nombre de Suk. ha inspirado este sentido homenaje del sello checo por excelencia. al que fuera uno de sus principales hijos adoptivos: dos sensacionales cajas que suman diez CDs y un DVD donde se recopilan sus principales grabaciones de Dvorák. le permitieron paradójicamente estudiar con su admirado Talich. y también en uno de los principales embajadores de su cultura. ya convertido en un director importante. e incluida como bonus del segundo disco dedicado al compositor moravo. acerca de los cuatro compositores representados en estas dos cajas (Dvorák. conocía sus tradiciones o siempre condujo al volante de un Škoda. el maestro australiano fue uno de los pocos extranjeros que tuvieron el honor de dirigir el tradicional concierto de inauguración de ese festival con el ciclo de poemas sinfónicos Mi Patria de Smetana. Tampoco pode-mos dejar de resaltar los registros en vivo incluidos en el DVD. terminaría por convertirse en uno de los más grandes intérpretes desde el podio (y el foso) de la música checa de los siglos XIX y XX. En esos años grabaría para Supraphon varios discos impresionantes aquí incluidos principalmente con obras de Dvorak. De hecho. Janácek y Martinu. Su inesperado fallecimiento en julio pasado. tan sólo se incluye la suite orquestal de Juliette y no los sensacionales Tres fragmentos de la ópera. en la entrevista grabada en febrero de 2010. que acababa de adquirir en una tienda de Kensington. Ese joven oboísta.

director / PENTATONE / Ref. algunas grabaciones fueron realizadas en vivo y.: PTC 5186336 (1 SACD) D1 . mientras el maestro australiano. director / SUPRAPHON / Ref. 106 alcanzan un tono sinfónico ideal y desbancan al Panocha Quartet como referencia fonográfica. Con esta formación grabaron su tercer disco en Supraphon dedicado a Prokofiev que a comienzos de este año llevó a medios como Gramophone o The Times preguntarse si estábamos ante el cuarteto más excitante del mundo. Rodríguez Eva Sandoval 2010. que abandonó para ello el Skampa Quartet. por cierto. tras el concierto. y la intensidad de sus ataques se combina con el contraste dinámico extremo de influencia historicista o la natural belleza checa de entonación melódica. el habitual soporte literario de las composiciones y la riqueza tímbrica de las plantillas orquestales son parámetros que interrelacionan ambos estilos. cuidando al mismo tiempo la claridad de los planos sonoros y la precisión de las intervenciones solistas. una compañera ideal como segundo violín.: 74. Czech Radio Symphony Orchestra. Aquí es Mowgli. No era difícil pronosticar.: Sir Charles Mackerras / SUPRAPHON / Ref. el Pavel Haas tiene una personalidad mucho más apasionada.: SU 4038-2 (1 CD) D2 SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Dvorák y Smetana) Czech Philharmonic Orchestra. 12 y 13 Pavel Haas Quartet / SUPRAPHON / Ref. destaca una de la mayores joyas de esta colección: la única grabación que realizó Mackerras de la popular Sinfonía “Del nuevo mundo”. Prague Philharmonic Choir.. que su aproximación al sinfonismo francés de comienzos del s. por tanto. ANTONÍN DVORÁK (1841–1904): Cuartetos de cuerda Nos. La razón es que Albrecht lleva al límite todo el suspense de los primeros minutos. no le une ningún lazo de parentesco). El aprendiz de brujo de Dukas.P El director alemán Marc Albrecht. No obstante. la agresividad y la desorganización social de estos animales se plasma en la música de Koechlin. Prague Symphony Orchestra. Ciertamente vivimos un momento dulce en la discografía camerística de Dvorák con la estupenda integral en curso del Wihan Quartet (Nimbus) o el reciente disco del Emerson Quartet (DG). es capaz de sorprendernos en esta versión a pesar de la popularidad de la pieza.80 €. Eva Karová.V.V. Charles Koechlin. Peter Jarušek. Su versión del famoso Cuarteto “Americano” es sensacional. quien nos introduce en la jungla para revivir su aventura con una pandilla de monos excéntricos que lo secuestran. cuyo Les bandar-log nos depara una sorpresa formidable. no dudó en alterar la formación los años siguientes hasta convertirla en una verdadera jaula de oro: su marido. el La jaula de oro Fantasía francesa compositor más relevante fue Janácek. los músicos de la orquesta checa confesaron haber redescubierto esa famosísima partitura con Mackerras. Le sigue otra partitura francesa de evocación literaria. PAUL DUKAS (1865-1935): El aprendiz de brujo. Fue realizada en el concierto que dirigió en septiembre de 2005 a la Sinfónica de Praga al acercarse su ochenta cumpleaños y puede situarse sin ambajes entre las mejores de la inmensa fonografía de la obra. en su forma orquestal. Marc Albrecht. es tratado por Albrecht con buenas dosis de imaginación y fantasía. Ravel se fijó en los cuentos de hadas que relataba “Mamá la Oca” y que nos han llegado principalmente a través de Perrault. la joven violinista Veronika Jarušková. MAURICE RAVEL (1875-1937): Mi madre la oca y CHARLES KOECHLIN (1867-1950): Les bandar-log (poema sinfónico sobre El libro de la jungla de Rudyjard Kipling) Orchestre Philharmonique de Strasbourg.” última grabación).: 59. XX haya sido todo un acierto. entre todas. Este nuevo lanzamiento supone la consolidación de la formación y también su primera incursión en el repertorio camerístico checo por excelencia. Sir Charles Mackerras. incluida como bonus. y el estupendo violista Pavel Nikl que fue discípulo del propio Skampa. p. afirmaba: “Simplemente me he valido de mi experiencia”.SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Leos Janácek y Bohuslav Martinu) Czech Philharmonic Orchestra. lo deja bien claro: ‘Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de la obra de ” Janácek’. el sello Pentatone ha incluido a otro autor francés de menor proyección.: SU 4041-2 (6 CD) P .P. El desconcierto. especialmente en las obras escogidas para este álbum. con la que Albrecht demuestra su gran destreza técnica.: SU 4042-2 (4 CD + 1 DVD) P . aquí dejé buena constancia de ello: “Quizá estemos ante la versión discográfica de referencia de los cuartetos de Prokofiev” (véase Boletín nº 109. página memorable inspirada en la balada Der Zauberlehrling de Goethe. Dir. enfatizando el carácter etéreo y soñador de Ma mère l’oye. alumno aventajado de Claudio Abbado y de Gerd Albrecht (con el que. se ha convertido a sus 46 años en un reputado especialista en Richard Strauss. siempre meticuloso (solía dirigir con sus propias separatas instrumentales) y modesto. Prague Symphony Orchestra.75 €. El resultado sonoro. Para escribirla. pese a los premios internacionales. Albrecht. que se ha consolidado tras dos integrantes anteriores. En 2002. 41). La violinista eslovaca creó ese año un conjunto unido por la común fascinación hacia Pavel Haas (un compositor checo asesinado en Auschwitz en 1944) y. La cercanía temporal de dichos repertorios. preguntó al violista Milan Skampa del Smetana Quartet cómo podría construir un cuarteto y vivir la vida dentro de él. Ravel y Koechlin grabada en febrero de Pablo-L. con en la entrevista ahora con Dvorák obras de Dukas. como violonchelista. de El libro de la selva de Kipling. actual líder del Pavel Haas Quartet. Junto a Ravel y Dukas.siglos XIX & XX 200 / febrero 2011 41 “Para Mackerras. aunque en el Cuarteto op. Czech Radio Symphony Orchestra. la respuesta que obtuvo no pudo ser más certera: “Es la prisión más bella que existe en el mundo de la música”. Nuevo CD del Pavel Haas Quartet Disco infantil de M.

con Prokofiev y Rachmaninov en atriles Pablo-L. con un sensacional dominio de las texturas y siempre buscando lo camerístico. Goethe. Rodríguez Un Pfitzner infrecuente Canciones orquestales del autor de Palestrina. Tugan Sokhiev Tugan Sokhiev (1977) no ha podido empezar mejor la temporada 2010-11.42 di v e r di siglos XIX & XX Crescendo subito Nuevo CD de Tugan Sokhiev y la Orquesta de Toulouse para Naïve. SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Danzas sinfónicas Geneviève Laurenceau. tras un año marcado por las quejas de los conjuntos estables del teatro ante su presunta falta de preparación y experiencia. Nordwestdeutsche Philharmonie. Las apoyaturas literarias son de excelente nivel: el romanticismo sabio de Eichendorff. SERGEI PROKOFIEV (1891-1953): Concierto para violín y orquesta nº 2. 0:18–). Tugan Sokhiev. a cada cláusula orquestal. director / NAIVE / Ref. 45). que comenzó debutando al frente de la Filarmónica de la capital alemana. de la excepcional valía de Sokhiev (véase Boletín nº 154. bautizada acertadamente por el canal Mezzo como un “crescendo subito”. el melodismo cauteloso y adecuado que extrae de sus medidas y su prosodia. dramático. último y mayor. al igual que su prestigio en Francia. en septiembre pasado no sólo fue designado sucesor de Ingo Metzmacher al frente de la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin sino que también renovó hasta 2016 como director musical de la Orchestre National du Capitole de Toulouse. a la vez. el maestro de la prosa Conrad Meyer y. a la cual acompaña o sirve de contexto climático. Hay nombres menores pero eficaces. las cruciales referencias del compositor a su Primera sinfonía (que creía perdida) pasan aquí bastante desapercibidas. De hecho. no fue fácil en sus inicios. el acompañamiento del Segundo concierto para violín es uno de los mejores de toda la fonografía: lírico. sin que su comedimiento estético lo cubra de polvoriento olvido. No obstante.: V 5256 (1 CD) D1 HANS PFITZNER (1869-1949): Orchesterlieder (canciones orquestales) Hans Christoph Begemann. que los engendró a todos y a todos los comprende. no por casualidad es en la actualidad la concertino de la orquesta tulusana. con solistas en puntas de pie. Esa “orgía de explosión dramática” de Sokhiev se ha equilibrado en los seis años que separan esta grabación de aquel concierto. la diversidad expresiva de sus caracteres y climas y la constante oportunidad de la intervención orquestal. el prudente Geibel. No obstante. En efecto.: 777552-2 (1 CD) D2 . su ascendente carrera. Esta selección –el total no la excede en mucho: 30 títulos. Especial interés añadido tienen las canciones que provienen de un acompañamiento pianístico porque ponen de manifiesto la expresividad que Pfitzner descubre y emplea en cada instrumento. esos problemas no mellaron su prestigio y la crítica británica nunca escatimó elogios hacia su labor en el podio. Sokhiev dirigió a la Philharmonia un programa con las Danzas sinfónicas de Rachmaninov que fue calificado por Tom Service en The Guardian como “una orgía de explosión dramática”. pág. tan sólo dos meses después de su renuncia. coincidiendo con su debut en el Teatro Real y su primer lanzamiento discográfico en Naïve. Ya dimos cuenta a finales de 2006. al convertir sus tres conciertos anuales con la orquesta de Toulouse en la parisina Sala Pleyel en eventos musicales nacionales del más alto nivel. de tal manera. el cuidado con que el músico aborda la literalidad de sus escogidos poemas. perfectamente cohesionado. todo ello alza estas producciones hasta la mejor altura de su autor. al tiempo que su labor al frente de la orquesta tulusana le ha aportado el prestigio internacional que se merecía. y evita cualquier concesión a la ” nostalgia. 36-37). el amargo sentimentalismo irónico de Heine. de los cuales 25 son transcripciones de Lieder con piano– llena un hueco indeseable. vida y salta por encima de las fechas. violín. La intervención como solista de la joven violinista francesa Geneviève Laurenceau (1977) tampoco se queda atrás y destaca no sólo por su poderosa técnica y magistral cantabile. Orchestre National du Capitole de Tolouse. Aunque la interpretación derrocha precisión y energía. un inusitado Herder (filósofo de profesión). se evita cualquier concesión a la nostalgia. aparte del equilibrio entre ambos componentes que en todo momento guarda. a cada talante cancioneril individual. Sokhiev se encuentra mucho más cómodo con Prokofiev y también es aquí donde su trabajo resulta más interesante. en CPO Blas Matamoro “Sokhiev derrocha precisión y energía. tanto en la construcción del diabólico clímax a ritmo de vals del movimiento central como en el impresionante duelo con la muerte en el Lento assai-Allegro vivace final. Lo primero que llama la atención de este nuevo lanzamiento en Naïve es el híbrido ideal entre el soni- Las canciones para voz y orquesta de Pfitzner ocupan un rincón penumbroso de su catálogo por la escasa atención que se les presta. págs. Sin embargo. Este joven maestro de Vladikavkaz ha ido fortaleciendo considerablemente su relación con Berlín durante 2010. barítono. lo convirtieron en ejemplo del fracaso de la por entonces incipiente moda de los directores jovencitos. nunca forzado ni violento. ese perfume suave y evocador en la madera gala (ejemplificado en la cita de la canción La musa en el Non Allegro inicial –corte 1. siempre alerta a la voz. sino también por su ideal entendimiento con la orquesta y el director. 3:21–) junto al tono oscuro típicamente ruso y hasta hueco de la cuerda (que escuchamos ya al principio en esa cita de El gallo de oro de Rimsky-Korsakov –corte 1. Otto Tausk. Desde luego. donde el mimo puesto a cada verso. nada de ello sería perceptible sin una lectura como la del presente compacto. El eclecticismo académico de Pfitzner cobra. permite pensar en un canto gregario hecho. director / CPO / Ref. Su renuncia como director musical de la Welsh National Opera en 2004.” do natural francés e importado ruso en las Danzas de Rachmaninov. y lo volvimos a repetir con su segundo lanzamiento centrado en el cuento sinfónico Pedro y el Lobo de Prokofiev (véase Boletín nº 166.

Augsburg Philharmonic Orchestra. Si la presentación literaria es sobresaliente. las diez piezas breves que integran la suite Kubiana. Tras la guerra. Su estricta honestidad. concierto para oboe y orquesta. el Cuarteto en un movimiento. La obra concluye con un Largo a modo de extensa lamentación.: MODE 221 (1 CD) D4 DAVID PHILIP HEFTI (1975): ROTAS. piano. En palabras de Walter Levin. op. su sensibilidad extrema y su encanto. percusión. fuera terminada. a Berg”. tres Sonatinas para clarinete. Fechado en 1956. el Op. 7. El nazismo prohibió la música de Apostel. la variación evolutiva domina el segundo. ini- tro instrumentos mientras el violonchelo. si-mi-la). proyectada inicialmente en cinco movimientos. Apostel estudió con el primero desde 1921 hasta 1925. director / NEOS / Ref. que llegó a presidir entre 1946 y 1948. 7 en la reveladora grabación del LaSalle que completaba el minutaje de la primera integral –en puridad no lo era pues faltaban un par de páginas menores– para cuarteto de cuerda de Zemlinsky (DG. Pianista acompañante. donde fallecería en 1972. profesor y corrector de pruebas en la editorial Universal. Volker Banfield. apoyándose en motivos formados por las iniciales y su correspondiente notación musical de los nombres de Alban Berg (A-B. sobre todo. op. Un lapso de más de veinte años separa este cuarteto del siguiente. Klauspeter Seibel. en suma. de incuestionable interés (excepto el Op. con numerosos documentos grabados en torno al músico.: V 5240 (1 CD) D1 SHE HERSELF ALONE: El arte del piano de juguete. Desde ese año se convierte en alumno de Berg hasta su temprana muerte en 1935. exenta de todo compromiso.: CYBELE SACD KIG002 (3 SACD) D10 x 2 Novedades siglo XX BERG. Si el primer movimiento es un Allegro en forma de sonata.siglo XX 200 / febrero 2011 43 Un legado por redescubrir La integral de cuartetos de cuerda de Hans Erich Apostel. cuarta de su Op. la edición de Cybele se complementa. realizado a partir de un tema de Wozzeck. vol. RundfunkSinfonieorchester Berlin. MDG) y. Un conjunto de composiciones. Apostel estuvo marcado “por los polos opuestos de Schoenberg y Berg. retomando el esquema formal ensayado por Schoenberg en su Cuarteto nº 1 y su Primera Sinfonía de Cámara. Como el Op. recuerda a Schoenberg. Rudolf Piehlmayer. directores / CPO / Ref. Latica Honda-Rosenberg. cajas musicales. por FischerDieskau y Reimann (EMI). que aparece servido en versiones modélicas del Cuarteto Doelen apoyadas en una toma sonora de suntuosa presencia. la-si bemol) y Hans Erich Apostel (H-E-A. George Crumb. el compositor fortalecería la sección austríaca de la SIMC. El Cuarteto nº 1. desde las juveniles 18 Variaciones (1925) hasta los postreros Seis Epigramas (1962). oboe/oboe d’amore. Su vitalidad rítmica muestra al Apostel más grotesco que años después encontrará inspiración en los grabados expresionistas de Alfred Kubin. 3ª. 26 se estructura en diversas secciones conectadas temáticamente. 7 (1935). soprano. en Cybele Records Juan Manuel Viana ciada por Brahms y perfeccionada por su maestro Schoenberg.: 777639-2 (4 CD) D14 x 3 . los Seis Epigramas. la obra de Apostel. grabada por Schleiermacher (MDG). la única de todas estas composiciones conocida hasta ahora. una más en la larga lista de las “degeneradas”. Toby Twining. todas las obras se graban aquí por vez primera). op. piano. Si la muy atractiva primera es una partitura apegada aún a la tradición posromántica. Eric Griswold. WunderhornMusik / Thomas Indermühle. como siempre en la serie Künstler im Gespräch. 4ª y 5ª. op. Brilliant) es todo lo que el discófilo podía encontrar hasta el momento con respecto al olvidado Hans Erich Apostel. 7 de Apostel está escrito en una libre atonalidad. Michail Jurowski. 3. el 2º violín y el 1º ejecutan sus respectivos solos en la secciones 2ª. y la documentación iconográfica resulta difícilmente mejorable. 33 revelan una concentración y densidad temática típicas del autor. fundador del Cuarteto LaSalle. Ensemble Theater am Gleis Winterthur. a las que se suma un poderoso interés por las texturas y los equilibrios tímbricos: en las secciones 1ª y 6ª los papeles se reparten por igual entre los cuaHans Erich Apostel La canción Nacht. 2 (obras de John Cage. muestra ya la adhesión del músico al principio de la “variación evolutiva”. Quatuor Diotima / NAIVE / Ref. Jerome Kitzke. HANS ERICH APOSTEL (1901-1972): Integral de cuartetos de cuerda (incluye conversaciones y entrevistas) DoelenKwartet / CYBELE / Ref. el Cuarteto en re menor de 1926. con referencias temáticas a los movimientos precedentes. NDR Radiophilharmonie Hannover. el formidable Cuarteto de cuerda nº 1. oboe y trompeta (Capriccio. SCHOENBERG Y WEBERN: El cuarteto de cuerda y la voz / Sandrine Piau. cuando Schoenberg se trasladó a Berlín. 3 de su venerado maestro.: NEOS 11016 (1 CD) D1 FRANZ LEHÁR (1870-1948): Lo mejor del Léhar sinfónico / Robert Gambill. es una pieza magistral que Apostel quiso dedicar a Berg con motivo de su 50 cumpleaños si bien éste murió poco antes de que la obra. violín. Wolf Harden. voz / MODE / Ref. Marie-Nicole Lemieux. muy ligada al expresionismo vienés y que llega al medio centenar de obras numeradas. op. tenor. a la vez que el tempo se va acelerando paulatinamente desde el Grave inicial al Vivace conclusivo. obra –como aquella– aún primeriza. la viola. 13. nacido en Karlsruhe en 1901 y residente desde los veinte años en Viena. Ross Bolleter y Laura Liben) / Margaret Leng Tan. Por último. De ahí la extraordinaria importancia que reviste este triple álbum en el que se reúne por vez primera en disco toda su obra para cuarteto de cuerda y que nos permite conocer la evolución de su escritura para esta exigente plantilla. pianos de juguete. con abundantes notas de Stefan Drees. continúa aún hoy esperando una justa rehabilitación. contralto. El tercer movimiento aplica la técnica del anagrama musical tan querida de Berg.

a cargo igualmente de CPO y la primera que el sello inglés Toccata dedica a sus desconocidas canciones. Acte Préalable. una prisionera polaca a la que Lisa intentó ayudar pero que “no supo apreciar su bondad”. NEOS.” to. también la ausencia del menor comentario musical sobre la obra. al frente de una excelente Sinfónica de Viena corrobora desde los tensos compases iniciales. El amplísimo plantel vocal. Ópera en dos actos. la emotiva lección de francés en que la joven Yvette enseña a la vieja campesina Bronka a conjugar el verbo “vivir”. todo hay que decirlo– emprendido por Chandos con Gabriel Chmura como protagonista. Recuerdos éstos que Lisa ya no podrá desterrar jamás de su mente cuando. el encuentro entre Martha y Tadeusz en el cuarto. Estrenada en Moscú en versión semiescenificada en 2006. que al oyente habituado al tratamiento vocal y a los colores instrumentales de autores como Janácek. Delos. observa e interviene ocasionalmente.. basadas respectivamente en Gogol y Dostoyevski. Evidentemente. escalofriante drama lírico sobre Auschwitz de Mieczyslaw Weinberg Juan Manuel Viana ocho cuadros y un epílogo. los encuentros con las demás prisioneras en los sórdidos barracones del campo de concentración y con Tadeusz. una historia como la narrada en La pasajera había de remover las fibras más sensibles del judío polaco Weinberg. “La poderosa escritura musical. lo que provoca una crisis entre ambos. 1923). como el registro de NEOS que motiva estas líneas y que recoge en DVD el recentísimo estreno escénico de La pasajera. ejecuta un trabajo de equipo sin fisuras que la modélica y reveladora dirección del joven ateniense Teodor Currentzis. para sorpresa y disgusto de los oficiales. con la excepción de unas entusiastas y justas palabras escritas en 1974 por Shostakovich. La pasajera ha conocido finalmente su verdadero estreno en esta producción escénica a cargo de David Pountney. Su poderosa escritura musical. en donde aquél va a desempeñar un cargo diplomático. la delicada aria de Martha sobre versos de Sándor Petöfi y la desagarrada canción Tú. A partir de entonces. esperemos. tensa y descarnada.44 di v e r di siglo XX Fantasmas del pasado Neos presenta un DVD con una impactante primicia: la ópera La Pasajera. De repente Lisa cree reconocer en una misteriosa pasajera cubierta con un velo a alguien a quien creía fallecida. La edición se complementa con un documental de notable interés sobre el compositor y su obra. como espectadores de otra época. mi valle que entona la rusa Katia en el sexto o. Además del ciclo sinfónico en marcha –lenta. tensa y descarnada. su enorme legado camerístico ha pasado a engrosar los catálogos de sellos tan diversos como BIS. completado tras su muerte accidental por Witold Lesiewicz en 1963 y no estrenado en España hasta 1979). al menos a escala discográfica. ofrecido el pasado mes de julio en el festival de Bregenz. Britten o quien fuera su amigo de siempre y protector. La pasajera desarrolla su peripecia argumental en dos planos espacio-temporales muy diferentes que colisionan dramáticamente: el presente. vea cómo la desconocida pasajera se dirige a la orquesta para expresar un deseo musical: que suene el “vals del comandante”.. años después de aquel horror y caracterizada como la escritora Zofia Posmysz. cuyos terribles fantasmas sacará a la luz un encuentro fortuito. durante el baile que se celebra en cubierta. Ante la antigua guardiana desfilan todos aquellos recuerdos de un tiempo olvidado: entre otros. ponga de nuevo en circulación el descatalogado fondo de Olympia– de varias sinfonías de cámara (algunas grabadas años atrás por Claves). Divox. Lady Magnesia (1975) inspirada en Shaw y El retrato (1980) y El idiota (1985). los dos lugares de la acción (la luminosa cubierta del buque. A bordo de un transatlántico con destino a América. La extraña pasajera no es otra que Martha. Shostakovich. responsable de una soberbia edición de la integral cuartetística –que llega ahora al cuarto de los seis volúmenes previstos– y del primero de los capítulos de su no menos importante legado para violín y piano. situado en 1959. sonará en ocasiones enormemente familiar. los tenebrosos interiores de Auschwitz) se solapan como un engranaje perfec- En los últimos años la obra del gran músico ruso de ascendencia polaca Mieczyslaw Weinberg (19191996) está gozando de una difusión. en ese mismo cuadro. Hänssler o Naxos. la calma intemporal que envuelve el epílogo sostenido por una Martha que.) consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como ” despojado. El amor de D’Artagnan (1971) sobre Dumas. es fácil adivinar que ninguna de estas grabaciones tendrá la trascendencia y hará tanto por imponer el nombre de su autor. Conmocionada. La pasajera (196768) es la primera de las siete partituras líricas de Weinberg. Cascavelle. Walter y su esposa Lisa abandonan Europa camino de Brasil. que perdió a sus padres y a su hermana durante la ocupación nazi. Con libreto de Alexander Medvedev –fallecido cinco días después de este estreno austríaco– basado en la semiautobiográfica novela homónima de la polaca Zofia Posmysz (Cracovia. desde el dúo de parejas protagonistas –Michelle Breedt y Roberto Saccà (Lisa/Walter). antiguo asistente de Temirkanov. Tan sólo la decisión de utilizar un libreto multilingüe en contra del original ruso puede resultar discutible. Sin efectismos ni derroches. superviviente de Auschwitz (novela que daría lugar al film de igual título dirigido por Andrzej Munk en 1961. consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como despojado: la lúgubre escena nocturna del tercer cuadro. de La Pasajera (. Praga. el prometido de Martha. operista tardío que cuenta en su haber con títulos tan heterogéneos como La madonna y el soldado (1970) sobre Medvedev. además de CPO. Elena Kelessidi y Artur Rucinski (Martha/Tadeusz)– hasta ese coro que. confiesa a su marido que quince años atrás ejerció como guardiana de las SS en Auschwitz. Súmese a todo esto una primera entrega de piezas para piano. No obstante. . expresa su deseo de no olvidar jamás a todos aquellos inocentes que perdieron su vida. sin precedentes. la Chacona de Bach. sin la menor duda uno de los mejores compositores del área soviética en la segunda mitad del pasado siglo. publicada también recientemente. y un pasado relativamente cercano pero que se antoja remotísimo. o la muerte violenta de éste cuando tras ordenársele que tocara al violín el banal vals favorito del comandante entona. territorio poco explorado en disco. del que ya se han comercializado (aunque no en España) tres volúmenes –a los que se ha añadido otro con obras concertantes– y de la reedición por el sello Alto –que. el pasado irrumpe en escena.

disfrutan de la compenetración conseguida en sus más de diez años juntos. tanto instrumentales como vocales. Ravel. Felix Breisach. la English Nacional Opera de Londres y el Teatro Real de Madrid. es Wolfgang Rihm. intercambiables con los del mejor Shostakovich– y también de lágrimas. Cualquiera que haya escuchado los anteriores volúmenes de esta serie sabe ya que los cuartetos del músico de Varsovia están hechos de sangre –la que se agita furiosa en esos dislocados. si no un lugar preeminente sí tiene un sitio especial porque Enescu fue un notable violinista –algunos lo consideraron entre los de primera línea de su tiempo– y. eximido de pintoresquismos y abusos de vestimentas regionales. Mientras tanto. es el mundo delicuescente del impresionismo francés. soprano. muy apropiada para la música de salón. Prague Philharmonic Choir.: 777394-2 (1 CD) D5 MIECZYSLAW WEINBERG (1919–1996): The Passenger (La pasajera. fue un invento de la diplomacia francesa y formó a su clase dirigente con una fuerte impregnación gala. he aquí una oportunidad única para disfrutar de una obra realmente importante y de alto voltaje emocional por más que su imaginario –no así su música– pudiera sonarnos demasiado. En el conservatorio parisino compartió las enseñanzas de Massenet y Fauré. barítono. Son esos veinte dedos los que convierten este disco en algo atípico y atractivo. la música de cámara. Por su estructura pueden considerarse más bien como sonatas para piano y trío de cuerdas. Svetlana Doneva. de quien brilla en este disco un arreglo de Lucien Garban de ese gran homenaje que es La Valse. Coincidiendo con este lanzamiento. y están especialmente acertados en Brahms y Rihm. 5. vocado a la música camarística. LA VALSE À MILLE TEMPS: Valses de Brahms. Angelica Voje. Agnieszka Rehlis. con brillantes carreras en solitario. La distancia temporal entre ambas partituras –París 1909 y Estados Unidos 1947– unida a su constancia artística sirven para colorear el retrato de Enescu como una personalidad fiel a lo que consideraba su espacio estético. Otro admirador de esta forma musical fue Maurice Ravel. dados sus tres movimientos característicos. mezzosoprano. vol. Roberto Saccà. Y si hay un compositor que sorprende. Elena Kelessidi. director musical. coetáneo de Johann Strauss hijo. Con criterio cronológico. Artur Rucinski. quienes despliegan para nosotros un variado programa pianístico dedicado en exclusiva al vals. Al referirse a La pasajera. Creyó en la música como un orden universal y cumplió en su obra con ese doble principio: ordenamiento y universalidad. soprano. las de dos viejos conocidos. ofreciéndonos cincuenta y cuatro piezas infrecuentes tanto en la discografía actual como en las salas de conciertos. mezzosoprano. CPO edita –ya lo apuntábamos al comienzo– el volumen 4 de la imprescindible edición que el Cuarteto Danel. como defensa contra el convulso siglo de Stravinski y Schoenberg. Schubert y Richard Strauss GEORGE ENESCU (1881-1955): Cuartetos con piano Tammuz Piano Quartet / CPO / Ref. Enescu era francés o afrancesado por donde lo miren. Elzbieta Wróblewska. según apunté al principio. sobre un fondo de arquitectura formal donde se advierte la doble vertiente de sus aprendizajes: el romanticismo tardío y académico de Massenet y el mundo preimpresionista de Fauré. fuera del cual sólo cabían algunas incursiones en el folclore rumano. 4 (Nos. Teodor Currentzis. porque con las reducciones presupuestarias cualquiera sabe) su representación para el año 2012. Su materia. brutales y enfebrecidos scherzos. que es el siguiente autor de la lista con sus dieciséis Valses Op. director escénico. asimismo. Lo aprendido le valió. director de vídeo (formato DVD PAL) / NEOS / Ref. Estos cuartetos atestiguan que conocía cumplidamente la escritura para los arcos y el equilibrio tímbrico y de volumen que exigían conservar al combinarse con el piano. Rihm. con diecinueve piezas encantadoras que ayudan al empeño de perder el miedo a la música de autores aún vivos. y aquí tenemos estas diecisiete Danzas alemanas D 366 en transcripción de Johannes Brahms. Shostakovich mencionaba que la música de esta ópera “estaba escrita con la sangre del corazón”. tenor. donde aparecen todos los géneros. mezzosoprano. una muestra de los cuales se ofrece aquí en transcripción de Otto Singer. donde está prevista (o estaba. 9 y 14) Quatuor Danel / CPO / Ref. Inge y Jan aprovechan bien la coqueta y sobria sonoridad de un Érard de 1892. Brahms compuso numerosos valses con especial acierto.: FUG577 (1 CD) D2 . No dejen de caer en la tentación. abren con el Ländler. las que parecen derramarse por entre los desolados compases de sus movimientos lentos. cinco estilos y cuatro manos. intercalado a lo largo de todo el disco. piano a cuatro manos / FUGA LIBERA / Ref.siglo XX 200 / febrero 2011 45 Mieczyslaw Weinberg Cuartetos de Enescu Dos muestras de la música de cámara del compositor rumano Blas Matamoro Valseando a manos llenas Un recorrido a cuatro manos por la historia del vals José Velasco En el lujoso libreto de NEOS se anuncia la puesta en escena de Pountney como una coproducción con el Teatro Wielki de Varsovia (donde se representó el pasado octubre). Rumania. 39. ópera en dos actos) Michelle Breedt. difícil de diferenciar del vals para un profano. cargando sus alforjas para un largo viaje que terminó en 1955. Cinco autores. Inge Spinette y Jan Michiels. ya que su país. que con el uso se depuró y convirtió en el vals.: NEOS 51006 (1 DVD) D2 x 2 Rumano y educado en París. su mejor intérprete actual. Spinette y Michiels. está efectuando de la obra para cuarteto de cuerda de Weinberg. Una cumbre de esta danza ya en el ocaso del romanticismo es el exuberante despliegue de valses que Richard Strauss incluyó en El caballero de la rosa. alto / Wiener Symphoniker. David Pountney. De su generoso catálogo. danza popular centroeuropea en compás de 3/4. Schubert aplicó su genial inspiración en esta antigua forma musical. MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Cuartetos de cuerda.: 777506-2 (1 CD) D5 Inge Spinette y Jan Michiels. de Stalin y Hitler. como tal.

. de presencia asidua en el festival de Donaueschingen (2005. personal y reconocible. cada relación sonora estudiada y calibrada al detalle. siempre. que toma como hilo conductor la reflexión sobre músicas preexistentes –en este caso.. cuenta con el emergente barítono alemán Holger Falk. la op. Monadologie VII . concluida un año después. Y así surgirán esas joyas que son La Grenouillière (una estampa de Renoir). chusca y nostálgica. y se diría que es el propio Poulenc quien canta el París de sus amores. Vers le sud (el Midi en horas felices) y grandes poemas de amor como Sanglots y Voyage. espaciosa. limpia. DW 17: Doubles Schatten. no permaneció ajeno a ninguna propuesta musical. trivial y exquisita. Col Legno. La presente integral MDG de las mélodies Apollinaire-Poulenc. Pese a la complejidad de sus procedimientos formales. dice Poulenc en carta de 1938. en Neos Ignacio González Pintos Dos artes. de Klangforum Wien. con nuevas piezas del Bestiario hasta hace poco inéditas. una sola voz Elogio de la repetición Mélodies de Poulenc sobre textos de Apollinaire. laberíntica. la canción popular. materia sonora. en el interludio central.: MDG 1658 (1 CD) D2 SCHRIFT-UM-SCHRIFT: Obras para dos pianos y percusión de Béla Bartók y Wolfgang Rihm GrauSchumacher Piano Duo. su país de adopción a cuya literatura contribuiría decisivamente como impulsor del tránsito del simbolismo finisecular al surrealismo de entreguerras. logró integrar todos los recursos compositivos que adoptó en un estilo único. y de la capacidad de caracterización requerida por un repertorio de tanta exigencia expresiva. la poesía de Apollinaire –satírica y tierna. FRANCIS POULENC (1899-1963): Integral de canciones sobre poemas de Apollinaire Holger Falk. profundamente humana y a ratos surreal y hermética– se empapa de música en perfecta simbiosis de sensibilidades. por la intelectualización de un legado popular que investigó con verdadera devoción científica. piano / MDG / Ref. brillante y contundente. Al lado de la implacable lógica constructiva de Bartók la obra de Rhim. en que tanto la mezzosoprano Sabine Lutzenberger como la experiencia ubicua de Cambreling saben extraer matices necesarios en música tan exigente como la de Lang. un impulso y una perfección que fascinan al oyente. Alessandro Zuppardo. por Holger Falk Santiago Salaverri Nuevo monográfico dedicado a Bernhard Lang en Kairos Germán Gan Quesada Béla Bartók es una figura sin la que no podría entenderse la evolución musical del siglo XX. en que Lang muestra su preferencia por la nitidez frente a la expansión expresiva. No hay nada en él que cree obstáculos a mi música”. for Arnold Sabine Lutzenberger / Klangforum Wien. de personalidad hermética. es un prodigio de ingeniería sonora. tan precisa como ésta que hoy nos ocupa.: Sylvain Cambreling / KAIROS / Ref. No en vano. Bleuet (himno al soldado que va a morir). en que la constatación y deformación de procesos rítmicos iterativos se desencadena mediante procedimientos aleatorios rigurosamente controlados: en este caso. también en Col Legno). tomada no como instrumento o vehículo de expresión sino como sustancia. una claridad.46 di v e r di siglos XX & XXI Personalidad de vanguardia Obras para dos pianos y percusión de Bartók y Rihm. cada eco y cada resonancia están calculados con precisión milimétrica. que da buena cuenta del talante explorador que señalamos. La obra que aquí encontramos es una pieza clave de su catálogo. escrita también para dos pianos y percusión. lúcida. Le da sólida réplica en la comprometida parte pianística el italiano Alessandro Zuppardo. Dans le jardin d’Anna (sutil evocación dieciochesca). también por su carácter ecléctico. el amor. que hace gala de una voz de muy grato timbre y extensión razonable. La huella que su obra dejó en el joven Poulenc fue duradera: de 1918 (año de la muerte del poeta) a 1956 salieron de su pluma 38 mélodies. Y es que Bartók. for Arnold (2009) se integra en una nueva propuesta comprensiva del compositor de Linz. genial y un punto lunática. el lenguaje de Bartók posee una pulcritud. informal. para la introducción y la pieza final del ciclo y que resuena. Montparnasse (canto a la bohemia de 1902). la douceur de vivre suburbana y. y todo ello es potenciado por una toma sonora de impacto. se mostró receptivo a cualquier estímulo pero. Veinte años atrás.: NEOS 11032 (1 SACD) D1 Por tercera ocasión visita Kairos la producción de Bernhard Lang. casi azaroso. de modo evidente. piezas corales y la ópera Les mamelles de Tirésias. La interpretación del GrauSchumacher Piano Duo. por la profunda exploración de los elementos que configuran esa sustancia –desarrollo formal. Monadalogie VII. timbre–. Die Sterne des Hungers (2007) pertenece a las últimas muestras de su serie Differenz/Wiederholung. percusión / NEOS / Ref. Allons plus vite (erotismo callejero). en diferentes grados de cercanía y distanciamiento.: 0013092 KAI (1 SACD) D1 . que a menudo esconden curiosas operaciones aritméticas y fórmulas de alto contenido simbólico. barítono. Quizá menos interesante por su tímbrica mate y carácter excesivamente homogéneo. ritmo. BERNHARD LANG (1957): Die Sterne des Hungers (The Stars of Hunger). en plena guerra. se trata de una reelaboración de materiales ya existentes que Rhim hace confluir en una obra imprevisible. 38 schönberguiana sometida a cuatro enfoques diferentes culminados en una coda– apurando la alusión intertextual hacia dimensiones abstractas. la dureza de la guerra. Neos) y bien conocido por su proyecto operístico I hate Mozart (2006. Paranoia. había conocido al poeta italo-polaco nacido en Roma y educado en Francia. es en la década de los 30 cuando se produce el definitivo reencuentro. de quien había ofrecido Das Theater der Wiederholungen en 2006 en versión.. Le bestiaire –seis breves y exquisitas cuartetas que evidencian la huella de Satie–. Tras su primera colección. Dir. Franz Schindlbeck y Jan Schlichte. De las dos obras contenidas en este registro. Cada sonido. “Apollinaire está hecho para mí. acompañados por Franz Schindlbeck y Jan Schlichte a la percusión. por encima de todo. 2007. Rosamonde (un encuentro en Amsterdam). los cuatro poemas de Lavant escogidos son “desmembrados” y reducidos a fragmentos y campos conceptuales unitarios. servidos por una emisión vocal diferenciada y puestos en relación estructural circular con el conocido rondó de Machaut Ma fin est mon commencement. que proporciona el material.. Por su actitud hacia la música. presenta un discurso quebradizo.

fallecido repentinamente. piano. Lulu Suite.” año en el que a la muerte de Fausto se añadió un diagnóstico médico de carácter fatal para el compositor–. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y personal. y también su historia familiar. de ideas y de recuerdos. cuando Henze llegó. Apasionadamente Plus. su evolución intelectual. Alban Berg. estrenada en 2003 por Gerd Albrecht al frente de la Royal Concertgebouw. a unos cincuenta kilómetros de Roma y cerca de los Montes Albanos y un tercero la grabación del Requiem que el compositor dedicó a la muerte de su gran amigo Michael Vyner. La compañía a esa obra fulgurante y llena de tensión es otra especialmente amada por el compositor: la Suite de Lulu de Alban Berg. Henze evoca los años pasados con su compañero Fausto Moroni. y que aquí está interpretado por la Bochumer Symphoniker dirigida por Steven Sloane. el desarrollo de su vocación musical. por utilizar una palabra de uso corriente. trompeta.. es indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana. Cybele Records. HANS WERNER HENZE (1926): Réquiem (incluye entrevistas con el compositor y su asistente) Dimitri Vassilakis. Que se pueda encontrar actualmente en librerías de viejo es otra cuestión. musical y político. si no la primera vez. Antonio Machado Libros y Fundación Scherzo. NOTAS “Una triple grabación indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana. Reinhold Friedrich. (1) Hans Werner Henze: Canciones de Viaje con Quintas bohemias. la fascinación por la Italia pre-Berlusconi. altura de la del Requiem dedicado a Vynyer. Aparecen ahora tres discos que tienen un doble interés puesto que dos de ellos recogen una larga entrevista de Mirjam Wiesemann con Henze en su hermosa casa de Marino. ya estrenada. director general de Música. La entrevista nos devuelve a un Henze lleno de vida. los años ingleses. Auden y de Chester Kellman. excelente. con libreto de W. Aquel viaje al menos parcialmente frustrado se cerró para Henze con una larga jornada de charlas y lentos y divertidos paseos por la ciudad. en junio de 1999. Apasionadamente plus. (2) Hans Werner Henze und das Requiem. pero vale la pena intentarlo. Aquel fue el primer gran éxito de Henze en España. acosado por una parte como fue el compositor desde las páginas de un periódico falangista por su claramente definida posición antifascista y a la vez recibido con los brazos abiertos por un Jesús Aguirre.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 47 La vuelta de Henze Cybele dedica un triple CD a la faceta más íntima (con extensa entrevista incluida) del gran compositor alemám Javier Alfaya Hans Werner Henze Ya han pasado cinco años desde que Hans Werner Henze viajó a Madrid para estar presente en unos acontecimientos musicales que se convirtieron de hecho en un homenaje público a uno de los compositores más importantes de nuestro tiempo: el estreno de su ópera L’Upupa y los seis conciertos de la Orquesta Nacional de España dentro del ciclo titulado “Carta Blanca a . Steven Sloane. 2004. The Bassarids. Dígamos que la interpretación de esta obra está a la misma. Fedra. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y ” personal. Aunque en España no hay mucho escrito sobre el compositor alemán. sí cuando su propósito tenía un doble carácter. una sinfonía. No hubo suerte en ninguna de las dos cosas. que no parecen haber disminuido su capacidad creativa. Otro disco también reciente (3) es la primera grabación de una obra bellísima. que fue estrenado en España por Gloria Isabel Ramos. (3) Hans Werner Henze. el libro que acompañó a la “Carta Blanca a Hans Werner Henze” contenía unos cuantos textos de sumo interés firmados por Justo Romero. Cybele Records. director artístico de la London Sinfonietta.H. Henze cumplirá el 1 de julio del año en curso los ochenta y cinco años. Más atrás quedaba el viaje de 1977. acompañado por el compositor Eduardo Rincón y por el autor de estas notas.: CYBELE SACD KIG003 (3 SACD) D10 x 2 . que en la versión de la ONE tuvo a Arturo Tamayo como director. director / CYBELE / Ref. la guerra de 1939-45. Como corolario quisiera hacer una observación especial. y que aquí lo es por la Essener Philarmoniker dirigida por Stefan Soltesz. José Luis Téllez. etc. durante la temporada 2005-2006. con el cual se entendió muy bien pero que vivía en la fase final de su presencia en el cargo. Bochumer Symphoniker. Jacobo Durán Loriga y Alberto González Lapuente entre otros. Un ejemplo de ello es que entre sus obras recientes se cuentan una nueva ópera. Una triple grabación (2) que. Atrás quedaba el estreno en el Teatro Real de una de las óperas más conocidas del compositor. Traducción de José Luis Arántegui.” en su primera edición.Madrid. que inevitablemente nos evocan al autor de su apasionante libro autobiográfico Canciones de viaje con Quintas bohemias (1). todo ello con el fondo de un vigoroso renacer creativo después de la terrible crisis del 2005 –el un Requiem dedicado a Fausto Moroni y unas cuantas obras más. Ante Mirjam Wiesemann.

Es hora de que su producción se conozca asimismo por medio de la grabación digital. para dar paso en 2008 al cierre del ciclo. viola. además de sus tareas en la dirección orquestal. Rimane. A ello se suma un dispositivo numeroso de percusiones con instrumentos igualmente folclóricos. Spirit Voices. lo cual puede aplicarse también a ese Cuarteto para viola sola. Irvine Arditti y los suyos presentan una de las piezas más destacadas del monográfico. por su parte.V. Quadrato bianco.- Martino Traversa. Estamos. Garth Knox. la enseñanza.. su sfondo bianco. con el Ensemble Algoritmo detallando con exquisita justeza tímbrica la atmósfera nocturnal de la pieza. flauta bajo. reminiscencias de las grandes sonoridades orquestales del pasado siglo. Mario Caroli. tiene ya una prolífica obra en todos los renglones genéricos de la música como compositor. con lo cual Stucky termina de acreditarse como notorio exponente del eclecticismo posmoderno. compuesta en 2002.. A la vez. que anuncian la “llegada” de la orquesta internacional académica. nacido en 1949. Singapore Symphony Orchestra. y el trabajo detallado de densidades a partir de la sutil coloración tímbrica inicial de la primera pieza. Christian Arming y Matthias Pintscher. y. l'eco. Pese al tempo rápido de todas ellas. se descubre al mismo tiempo de precisa elaboración. por los cruces entre el arte. que presta su Orquesta de la Radio de Stuttgart. aunando en un mismo gesto el gusto por la captación de ámbitos fenoménicos de atractiva carga sensorial con una estudiada arquitectura compositiva. De muy distinta índole es el Segundo concierto para orquesta (2005) que se podría calificar de puro en lo sonoro. encuadradas en la amplitud libérrima de la composición actual. que invocan a los espíritus que aceptan sus distintas religiones y tradiciones populares. a un carácter más ligero.48 di v e r di siglos XX & XXI Appassionatamente El ciclo Transformaciones de Wolfgang Rihm. director / BIS / Ref. de energía tumultuosa no exenta de vienesa nostalgia. En este caso. STEVEN STUCKY (1949): Pinturas de Tamayo. pese a la concentración armónica y a la eventual atomización de algunas secciones.: NEOS 11023 (1 SACD) D1 El norteamericano Steven Stucky. pues. uno a Ravel y otro a Stravinski. Marco Angius. la ciencia y la filosofía.263 (1 CD) P.50 €. fue durante unos años discípulo de Luigi Nono. por momentos exasperado. sus Voces de los espíritus (2003) fue hecha para este registro y resuelve una curiosa mezcla de voces humanas de distintas tribus indígenas de América. Lan Shui. Segundo Concierto pata orquesta Evelyn Glennie. percusión. a través de esta muestra de su variedad imaginativa. Dato que se traduce no tanto en influencias estilísticas como en una especial libertad y sortilegio tímbrico a la hora de enfrentarse al hecho sonoro. director / NEOS / Ref. el músico norteamericano. la de Mario Caroli sobrevolando cual onírica ave los precipicios abismales abiertos por los timbres electrónicos) y Manhattan Bridge. la crítica. Herr Rihm?– la quinta Verwandlung. aun teniendo en cuenta la fobia que los surrealistas de escuela (o de iglesia) sentían por la música. clarinete o piccolo. especialmente. directores / HÄNSSLER / Ref. con un Garth Knox desdoblado en varias voces gracias a la cinta magnética. vano intento. WOLFGANG RIHM (1952): Verwanglungen Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR. MARTINO TRAVERSA (1960): Manhattan Bridge. En la especie. que desmiente cada año cualquier asomo de declive en feracidad y poder expresivo.. siempre en un clima de enrarecido extrañamiento musical. en todo caso –aunque sea ya el quinto volumen de la colección–.. Arditti Quartet. constituye otra seña de identidad de este autor poco conocido por nuestros lares pero que sin duda contribuye al dinamismo y vitalidad del panorama actual italiano. ante músicas de nuestros días. que parece apelar en cada obra de este Manhattan Bridge a un poderoso componente emocional del sonido. interesado por la investigación electroacústica.: BIS 1622 (1 CD) D3 . desmentido por una densa instrumentación y por injerencias percusivas que perturban la expansión lírica. fundador del Ensemble Edgar Varèse. da paso en la segunda. Un discurso singularmente fluido. la conferencia y el libro. en Hänssler Germán Gan Quesada Puentes en la noche Monográfico dedicado a Martino Traversa en Neos Javier Palacio Un laborioso americano BIS dedica un monográfico al estadounidense Steven Stucky Blas Matamoro Nuevo desembarco de la Wolfgang Rihm Edition de Hänssler Classic. como una voz más. Roberta Gottardi. La música de Traversa. Europa. ese Cuarteto nº 2 de naturaleza en muchos pasajes convulsa y exigente del más riguroso control del arco para organizar un agitado diálogo de líneas puntillistas (movimientos 1º y 4º) o alcanzar una fantasmal desnudez armónica (secciones centrales). Pronto llegará –¿verdad. ma non troppo (para tape y flauta. de poner puertas al campo del catálogo del compositor de Karlsruhe. Entre lo más sugestivo del recorrido cabe citar también Bianco. En Pinturas de Tamayo (1995) se vale de sugestiones tomadas de cuadros debidos al pintor mexicano y que también poseen un mundo de imágenes fantasmales. nos permite atisbar un amplitud de lenguajes y de decisiones formales que vale la pena tener en cuenta. clarinete. dirigida con claridad e ímpetu.: 93. con vocación de continuidad manifestada en el final in media res de alguna de las composiciones. incluso scherzante.: 17. Añade un par de homenajes. 4:30 am. una “constantemente renovada llamada a la utopía de los conceptos sinfónicos del mundo”. tres años posterior.P. Oceanía y Asia. Son soluciones que podríamos definir como de surrealismo musical. por Matthias Pintscher. la tercera “metamorfosis” (2007) incide en un humor contrastado en que predominan el timbre heroico y el protagonismo solista de saxofón. no faltan elementos privativos: el clima umbrío. familiares a las anteriores. como indica Rainer Peters. . con Mahler y Berg a la cabeza. que piden (y obtienen) su prosecución natural en la siguiente. más sí es más: las cuatro obras agrupadas bajo el epígrafe común de Verwandlungen [Transformaciones] esconden bajo su aséptico subtítulo de música para orquesta todo un universo de referencias concretas. con el concurso de la SWR. es decir desligado de apoyos literarios o similares. Ensemble Algoritmo. en una conciliación que no puede ser sino provisional.

quien llevase a cabo una de las más justas y necesarias aportaciones al patrimonio orquestal español.95 € . pero cuando escuchamos el extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía. pese a que alguna de sus obras en este campo. director / VERSO / Ref. Porque las tres obras incluidas en el disco que nos ocupa. Gracias a ello puede ver la luz este magnífico CD del sello Verso dedicado íntegramente a obras orquestales del autor de Castro Urdiales. o los trabajos de la musicóloga Julia Lastra Calera (2) nos han acercado la figura de quien fue.v. Dentro de la colección Antología de compositores de Cantabria de la Fundación Marcelino Botín. como afirmaba su esposa Ana de la Llosa Salvarrey. nos preguntamos con tristeza: ¿por qué no se programa con la asiduidad que merece esta obra formidable? ¿Por qué no se graba o se representa su última obra. Su importantísima producción sinfónica permanecía discográficamente inédita. tantas veces presente en sus piezas corales. Sinfonía para un aniversario) Orquesta Filarmónica de Málaga. paisano por tanto de Ataulfo Argenta.? José Luis Temes NOTAS Desde 1996 funciona en Santander el Centro de Documentación e Investigación de la Música en Cantabria. 2001) ARTURO DÚO VITAL (1901-1964): Obras orquestales (Molinos isleños. en este caso con una Orquesta Filarmónica de Málaga de gran solidez. así como la de Luis Morondo con la Coral de Cámara de Pamplona. el compositor más importante que ha dado Cantabria. (2) Entre ellos la catalogación de su obra. como bien dice José Luis Temes en las notas al disco. Tenía que ser José Luis Temes. Hay que aseverar que hoy por hoy no es Dúo “un perfecto desconocido”. sobrada preparación y excelente sonido. quizá resultado de su aprendizaje en el aula parisiense de Paul Dukas en la École Normale de Musique. piano neos 10946 (1 cd) p. en grabación ya inencontrable.p. gracias a la Coral Salvé de Laredo. sombríos y sobrecogedores de ” la historia de la música española.” cada una despliega un rico tapiz de ideas musicales que mantienen el interés y garantizan el disfrute de cualquier buen profesional o aficionado a la música. Todo el contenido del disco da que pensar sobre nuestra vida musical.: VRS 2098 (1 CD) D10 NEOS FABIÁN PANISELLO / GYÖRGY LIGETI Estudios para piano Dimitri Vassilakis. y en (1) En el caso de la música para coro. En las otras dos obras encontramos. la ópera El Campeador sobre el Cantar del Mío Cid? ¿Por qué. En la sede de la Fundación se guarda el legado del compositor Arturo Dúo Vital (19011964). quien más de una vez dirigió páginas sinfónicas de su ilustre colega.. con el permiso de autores como Cándido Alegría. donación de los hijos del músico Ariel y Roberto Dúo de la Llosa. conservar.- . el Cuarteto con piano y la Sonatina para quinteto de viento. uno de los momentos más imponentes. Hasta hoy.: 18. Miguel Ángel Samperio. además del mismo magisterio en la orquestación. haya sido interpretada en los últimos años. José Luis Temes. Tan sólo en la Suite montañesa recurre Dúo al folklore de Cantabria. estudiar y difundir el hecho musical cántabro en cualquiera de sus vertientes”. cuyo objetivo es “recuperar. creado por la Fundación Botín.siglo XX 200 / febrero 2011 49 Los porqués ante la obra sinfónica de Arturo Dúo Vital Temes y la Filarmónica de Málaga graban para Verso la integral sinfónica de quien puede ser considerado como el más destacado compositor cántabro de la historia Andrés Ruiz Tarazona “El extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía se erige como uno de los momentos más imponentes. ciertos influjos de Ravel y “el detallismo orfebre del Stravinski neoclásico”. sin duda alguna. así como el libro Arturo Dúo Vital. sombríos y sobrecogedores de la historia de la música española. vieron la luz grabaciones del Trío para piano. Eduardo Rincón y otros que han mantenido en alto la bandera de la gran música en aquella región tan bella. Santander. Molinos isleños. La labor de José Luis Ocejo al frente de la Coral Salvé. Cada una de ellas es cumplida muestra de su oficio de orquestador sobresaliente. son prueba irrefutable de que nos hallamos ante un compositor de primer orden. tan sólo una serie de obras corales y varias piezas camerísticas de Arturo Dúo Vital habían pasado al disco (1).. violín y violonchelo). como es el caso del poema sinfónico Molinos isleños (1932). Suite montañesa. Suite montañesa (1949) y Sinfonía para un aniversario (1962). la mirada de un músico (Fundación Marcelino Botín.

a partir de la idea de los surrealistas Cadáveres exquisitos… y sonoros. José Ramón Encinar. José Ramón Encinar al frente de la ORCAM. una con las ventanas abiertas y otra en estudio (atención a los ruidos que se cuelan en la grabación a los que debemos sumar los nuestros propios durante la audición como parte de la interpretación final). 42) Ulrich Krieger. Destaca la sorprendente Party Pieces (1944-45) –erróneamente datada en el disco. compuestas por el propio Cage junto a Cowell.: MODE 222/23 (2 CD) Dx x 2 Sentiero in un deserto di lava (2006) abre con fuerza descriptiva y expresividad a raudales este monográfico dedicado al milanés Massimo Botter –muy vinculado a la escena musical de nuestro país– por el sello Stradivarius. ensemble que permite a Botter sonidos frondosos cercanos a los orquestales y a la vez el manejo más sutil propio de los camerísticos. nueva entrega de la integral Cage en Mode Juan Francisco de Dios Vulcanologías Encinar y la ORCAM dedican un monográfico a Massimo Botter Javier Palacio PETERIS VASKS Las estaciones Vestard Shimkus. piano | 6734-2 WIDMANN / SCHUMANN Fleurs du mal (obras para piano de Widmann y Schumann) Fabio Romano. de carácter por momentos espectralista. Como bisagra entre las dos anteriores puede entenderse And at the end.. su naturaleza contrastante donde caben las atmósferas detenidas tanto como las cimas de intensidad y sus desacomplejados apegos melódicos. La grabación abunda en estos terrenos resbaladizos magníficamente ordenados en dos partes. en la que comparece una gestualidad más violenta y discordante.50 di v e r di siglos XX & XXI Continente y contenido A cage of saxophones. director / STRADIVARIUS / Ref. Zéula (1996).: STR 33845 (1 CD) D2 . the scream (2007) para oboe y catorce instrumentos. Conservando un ADN intransferible –multiplicación de eventos sonoros.. Seven Blades. MASSIMO BOTTER (1965): Scream (Sentiero in un deserto di lava. como ocurre con One (1990)–.. Y que prosigue con Seven Blades para siete instrumentos (2008). JOHN CAGE (1912-1992): La obra para saxofón. Anklang y Direkt entrückt Ensemble Modern. Esta jaula de saxofones (“a cage of saxophones”) a la que se refiere el registro nos muestra un abanico interminable de posibilidades tímbricas donde Ulrich Krieger y su equipo despliegan todo tipo de colores y sutilezas al servicio de los continentes de Cage en versiones muy acertadas (hemos de tener en cuenta que estas obras no estaban escritas para ningún instrumento concreto). En el segundo volumen contamos con dos versiones para trío de saxofones de 4’33’’.. anuncia así un programa de elevada solidez musical. the scream. sin marginar con todo una particular inventiva tímbrica. directores | 6576-2 El ambicioso proyecto del sello neoyorquino Mode de llevar al disco la obra completa de John Cage se acerca a su final (este es el 42) con el tercer y cuarto volumen de la obra escrita o reinterpretada para saxofón y su larga familia. con el clarinetista Salvador Salvador como solista. vols. vol. Indeterminación I (Herramientas) y II (Solo estructuras). instrumentos adicionales / MODE / Ref. 3 y 4 (Colección John Cage. servida por la formación madrileña con definidos planos instrumentales como sensual trasfondo para el vehemente discurso del solista. Monströses Lied. que tuvo su arranque oficial con aquellos 4’33’’ con los que Cage puso patas arriba el fin último de la obra musical logrando una de las obras más trascendentes de la historia de la música. La pieza. Zéula) Orquesta de la Comunidad de Madrid. Un disco para sumergirse en los universos del Cage más estético que merece degustarse con materiales explicativos que nos acerquen y aclaren sus continentes para así disfrutar de sus contenidos. Johannes Kalitzke & Franck Ollu. respuesta lanzada en los cincuenta frente a la dictadura del control sonoro y su deshumanización. saxofones. Nos ocupa aquí la parte de la producción cageana reunida bajo el paraguas de la indeterminación. Harrison y Thomson. patente en el enérgico dibujo de conjunto. fusión de ligereza y gravedad. finaliza esta panorámica reveladora de un autor al que no conviene ya perder de vista. espectacular y climático final– la obra construye un puente entre la expresividad de Sentiero y el nervio arrollador de Blades. pieza de juventud sin la personalidad de las comentadas. recorre sus diferenciadas secciones analizando su denso color armónico. una elocuencia más urgente sin lugar para lo retórico o accesorio. como si el compositor hubiera querido cincelar sus sonoridades a partir de filos cortantes que llevan a la máxima pureza instrumental. And at the end. piano | 6808-2 ARNULF HERRMANN Fiftive tänze. Terzenseele.

el movimiento final del tercer cuarteto contiene una fuga perfectamente construida con sujeto. Se trata de verdadera música para cuarteto concebida en función de la naturaleza histórica y específica del conjunto. Jesús Rueda experimenta una especial atracción por las sugestiones de tipo narrativo o poemático como elementos incitadores de su creatividad: los cuartetos segundo (Desde las sombras) y tercero (Islas) no solamente poseen títulos sugerentes. por cierto de la música posterior a Schönberg): en el extremo. en el segundo cuarteto. Luca Francesconi o Claudio Ambrosini. como sugestión interpretativa de los tres días que Jesús pasa en el sepulcro antes de resucitar). La música de Jesús Rueda es de una intensa expresividad y la propia forma de escribirla trabaja en tal dirección de un modo deliberado: por lo demás se trata de una obra que cuenta ya con dos décadas de antigüedad.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 51 El último romántico Los cuartetos de cuerda de Jesús Rueda por el grupo berlinés KNM. Alfredo Aracil o Alberto Posadas entre otros (pero también los músicos de la generación de maestros. la insólita variedad de resultados posibles alcanzados en su cultivo y la flexibilidad y aptitud de la forma para autorregenerarse: las formaciones históricas perviven porque el tiempo las ha salvado. sobre todo. López López. bordeando el límite mismo de lo factible: extremo del que la obra obtiene buena parte de su fuerza y de su energía enunciativa. como muy oportunamente señala Javier Arias Bal en los excelentes comentarios incluidos en el álbum. de los compositores españoles de su generación. se trata de la idea de la suspensión temporal entre la vida y la muerte a través de diferentes y cualificados mitos (desde Gilgamesh a Eneas. sino incuso dentro de cada una de ellas. al extremo de recuperar gestos rítmicos armónicos y formales tradicionales que inserta en una discursividad no convencional que van desde el moto perpetuo en semicorcheas a las repeticiones literales (uno de los grandes interdictos. sino también de la coherencia con que el músico madrileño aborda su trabajo creativo. como Cristóbal Halffter. no funciona como tracto conclusivo (al modo de una posible sonata da chiesa. siempre que esa tradición se invoque. hasta el presente. Rueda riza el rizo con verdadera audacia e incuestionable maestría. el menos germanizado y el más próximo a la escuela italiana. sobre todo). de pronunciar mensajes discernibles y perfectamente actuales. la mayor contribución jamás debida a un autor español) demuestran la sorprendente vitalidad del género. Como todo romántico. como estética de complejidad). David del Puerto. sumamente diferentes y contrastadas. en razón del título de dicho movimiento: Isla de los confines. Luis de Pablo o Antón García Abril. inmediato y accesible resultado. La literatura española reciente para cuarteto de cuerda es de especial riqueza y variedad: Guerrero. Nono y Dallapiccola a Ivan Fedele. Jesús Rueda JESÚS RUEDA (1961): Cuartetos de cuerda KNM Berlin / KAIROS / Ref. en Kairos José Luis Téllez Jesús Rueda es uno de los compositores más dotados de la generación que frisa en los cincuenta años. no ya de semejante aserto. con una hondura expresiva muy superior. de una hermosura extática y meditativa que muestra a las claras lo mucho que la tradición puede aportar al presente. las sirenas. de notable imaginación sonora y. respuesta y desarrollo que. de la evocación de seres o situaciones míticas (los unicornios. una de sus obras más bellas y depuradas. cuyo reciente “Música de tan difícil ejecución como brillante. de modos distintos. no ya en cada una de las obras aquí presentes. tanto las formaciones históricas como los diseños compositivos tradicionales pueden evolucionar. 1992). cuyo vertiginoso fluir de glissandi ascendentes superpuestos y yuxtapuestos –casi cercano a la electrónica en algún instante– está cuidadosamente escrito y calculado para hacer posible su ejecución sin violentar ni la afinación de los instrumentos ni el modo de utilizarlos aunque. escritos en 1990. la paradójica variedad de cuyo caudal tímbrico procede casi en exclusiva del modo tradicional de empleo de las correspondientes fuentes instrumentales que en momento alguno se transgreden ni se fuerzan. pero también a Odiseo y a Orfeo. Música que se diría desencarnada. Y tres cuartetos. Es una música de tan difícil ejecución como brillante. todavía. sea de una dificultad más que notable.” Cuarteto para el nuevo milenio es una de sus obras más logradas. que aparecen ahora reunidos en un álbum en la excelente interpretación de los solistas de cuerda del grupo berlinés KNM. por ejemplo) sino como un episodio de textura contrastante entre un catálogo de lo que cabría describir como posibilidades extremas. Previamente. se atienen a “programas” argumentales o descriptivos que generan músicas de un atractivo verdaderamente singular: en el primer caso. Ésa es la dirección por la que los cuartetos de Jesús Rueda se aventuran: y el resultado es. son palabras (clarividentes. de una vitalidad que deriva directamente tanto de su excelente factura técnica y su eficaz escritura como de la convicción y la pertinencia de las líneas compositivas empleadas. Rueda concluía la composición con un coral que asciende poco a poco hacia las tesituras agudas a través de una sonoridad que se adelgaza y se transfigura paulatinamente: es uno de los más bellos y conmovedores momentos de la música cercana que muestra a las claras las muchísimas direcciones en que. en opinión del abajo firmante. no como pastiche ni como refugio acrítico. testigo de la etapa en que el compositor emergía de su periodo de estudio con Francisco Guerrero y que muestra a las claras su deuda con Brian Ferneyhough (y lo que se ha designado. alejada del un tanto superficial decorativismo de algunos de los autores citados (los más cercanos. sin olvidar los doce de Ramón Barce. Desde las sombras. Mauricio Sotelo. sino como materia viva capaz. por cierto) del propio Jesús Rueda y el registro que aquí se comenta es una convincente demostracción. cumple destacar que Rueda es. y las ha salvado porque funcionan extraordinariamente bien. de un modo quizá excesivo. y también uno de los más interesados en la tradición: en su catálogo cabe encontrar sonatas. en el segundo. Aunque. de incuestionable felicidad. de notable imaginación sonora y de una vitalidad que deriva de su excelente factura técnica y su eficaz ” escritura. pese a lo que ciertos episodios puedan aparentar: tal sucede con el arranque del Cuarteto I. 2002 y 2004. inmediato y accesible resultado. sin embargo. los límites). desde Petrassi (a quien llegó a conocer).: 0013122 KAI (1 CD) D1 . sinfonías y hasta un un quinteto con piano (Bitácora. que se atiene rigurosamente a él. Por lo demás. sino que. eso sí.

tratando de diluir la confrontación entre lo social y lo individual inherente a este tipo de forma. temas y espacios. El propio Cendo afirma que esta técnica compositiva evoca el acontecer de una energía oscura que. oscuro. Eat the History! de Manos Tsangaris cierra el tercer volumen de las jornadas Donaueschingen 2009. Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. 2: BEDROSSIAN: Swing para 11 instrumentos. El francés vuelve a cargar las tintas sirviéndose de un texto plagado de imágenes brutales y desabridas. Cendo. “Emoción y sorpresa aportan vida a cálculos y geometrías” –Sciarrino dixit– y con esa finalidad se alza su Libro notturno delle voci para flauta y orquesta. batería y electrónica en vivo desarrolla un discurso de intensa fragmentariedad expresionista. Cierra el segundo volumen de las jornadas Donaueschingen la obra Strange Attractors para oboe. El primer volumen de las veteranas jornadas muestra la singularidad de tres creadores nacidos en distintas décadas. en algunos casos. paradójicamente. MOORE: Strange Attractors ICTUS Ensemble. Concebida para actores. FURRER: Apon. percusión y electrónica del norteamericano Christopher Trebue Moore (1976). cuya Introduction Aux Ténèbres para barítono. arroja una nueva luz en el mundo de la música contemporánea. Los dos instrumentistas asumen también el papel de actores convertidos en sátiros que gritan. El italiano escudriña en el paisaje sonoro de la noche para integrar al oyente en su vaivén de murmullos y especulaciones tímbricas.: Georges-Elie Octors / NEOS / Ref. La grabación no recoge el despliegue escénico por cinco ubicaciones de la localidad alemana. Enterrados los dogmas. A la música de López no se le puede negar buena factura y personalidad. en esta ocasión de la Edición 2009 María Santacecilia Apon de Beat Furrer. oscuro. el bíblico de David y Betsabé. 3: TSANGARIS: Batsheba. El peruano Jimmy López (1978) es uno de los jóvenes irreverentes que han escogido la vía del exceso. Pero quien se lleva la palma del exceso es Raphaël Cendo (1975). VOL. Neos publica lo mejor del Festival de Donaueschingen. cantantes. coquetean con otros estilos y se revuelcan con descaro en la desmesura. invocan el espíritu de Romitelli. fagot. Dirs.: Beat Furrer / NEOS / Ref.: NEOS 11052 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009.: Sylvain Cambreling y Denis Comtet / NEOS / Ref. que parece impregnar a parte de los cachorros de la vanguardia.52 di v e r di siglo XXI In Tenebris Lucem Fiel a la tradición. Eat the History! (drama radiofónico sobre una instalación de ópera) SWR Vokalensemble Stuttgart. el discípulo de Kagel plantea un rico juego de concomitancias entre dos trágicos dramas amorosos. Sciarrino. coro. Algo más tibio en sus planteamientos con la saturación se muestra Franck Bedrossian (1971). Furrer y López. Dir. “exceso” o “distorsión” y no tienen inconveniente en rayar sonoramente con el jazz más abigarrado y el rock experimental. cuatro de ellos nacidos en la década de los setenta. 1: SCIARRINO: Libro notturno delle voci. Dir. y de unos efectivos constituidos fundamentalmente por instrumentos graves que son llevados hasta el extremo de sus posibilidades mediante procedimientos de saturación. El juego de balanceo sugerido por el título queda patente en la fluctuación de la textura y la forma. EXPERIMENTALSTUDIO des SWR. que no es otro que el de dotar de coherencia a intérpretes. orquesta y electrónica. Los tres volúmenes que Neos dedica a las Donaueschinger Musiktage 2009 incluyen obras de siete compositores.” La ópera radiofónica Batsheba. Sciarrino explora la dialéctica de lo concertante. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. Amparados por los vientos de la comunicatividad. clarinete. Cendo. Bedrossian. pero gracias a la versión especial realizada por el propio compositor somos testigos auditivos de la espiral de violencia que se desprende de la superposición de las dos tragedias. Swing abstrae y confronta gestos propios del jazz para conformar una pieza de intensa tensión dramática articulada en doce episodios. Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. el Apocalipsis de Juan. VOL. Mediante una continua fluctuación de densidades. CENDO: Introduction aux Ténèbres. LÓPEZ: Incubus III Solistas de musikFabrik. Su obra supone una traslación a sonoridades instrumentales de un texto del dramaturgo austríaco Händl Kraus y una exploración por el camino intermedio entre el habla y el canto.: 11053 (1 SACD) D1 No son precisamente comedidos. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. Tsangaris consigue solventar el principal reto de este trabajo. Muy vinculada en lo vocal al sutil universo sciarriniano se desarrolla . 13 instrumentos y electrónica es la confirmación del camino de la desmesura que ya había apuntado en obras anteriores como Rage in heaven city y Décombres.: NEOS 11051 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. Solistas de musikFabrik. trufan su discurso con palabras como “saturación”. en algunos casos. configura un modelo acústico en el que coherencia y diversidad son generadas por el propio sistema. A partir del concepto homónimo perteneciente a la teoría del caos. Su Incubus para clarinete. que completó su formación francesa con las enseñanzas de Lachenmann. contrabajo. dan golpes en el suelo o profieren fragmentos destacados del texto además de hacerse cargo de sus respectivas partes instrumentales. Experimentalstudio des SWR. VOL. “Bedrossian. DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. que parece impregnar a parte de los cachorros ” de la vanguardia. Un poema de Paul Williams que evoca el espíritu del demonio como depredador sexual de mujeres dormidas sirve a López como punto de partida para recrear una orgiástica escena sonora que arranca con el grito desgarrado del protagonista al ser expulsado del cielo. y un romance a tres bandas surgido en un chat internáutico.

regresa al idioma de sus orígenes. llevará a su condena a muerte. Cosmos–. Gay. disfrazada. En efecto. sólo los personajes de la reina y un misterioso expretendiente de Yvonne. la reacción de los reyes y toda la corte. el compositor belga Philippe Boesmans (1936). Wintermärchen (1999) y Julie (2005)–. princesse de Bourgogne. princesse de Bourgogne Santiago Salaverri “Yvonne quintaesencia el quehacer boesmaniano hasta la fecha. esa ausencia de frases amplias ofrece a Boesmans una extraordinaria posibilidad de desplegar todo su virtuosismo de orfebre. con los mismos colaboradores literarios. Yvonne. llamado “Inocente”. La libertad de procedimientos habitual en Boesmans alcanza aquí un grado excelso. Princesa de Borgoña Delunsch. su sátira –muchas veces en los límites de la literatura del absurdo– de las convenciones. y el hartazgo del versátil príncipe. que concierta todo con seguridad de trazo. mientras que no es posible apreciar en disco el trabajo de Dörte Lyssewski como Yvonne. Trans-Atlantique. princesse de Bourgogne trae sus orígenes de la pieza teatral homónima del escritor polaco Witold Gombrowicz (1904-1969). obtenida durante la tanda de funciones inaugurales. abunda en esos temas en su narración del encaprichamiento del príncipe heredero Philippe por la nada agraciada y linfática Yvonne. Bondy plasma una agresividad verbal que refuerza aún más la violencia del discurso. Yann Beuron realiza una perfecta encarnación del príncipe. la presente es pues su tercera reencarnación operística. lo que a su vez imponía la vuelta al francés de sus inicios. La grabación de Cypres. Para sus siguientes creaciones líricas –Reigen (1993). exquisitez sonora y potente tensión dramática.: CYP 4632 (2 CD) D1 x 2 Con su quinta ópera.: Sylvain Cambreling / CYPRES / Ref. perfectamente adecuado al texto de Gombrowicz diseccionado por Bondy. llevaba texto francés de Pierre Mertens. La passion de Gilles (1983) –encargo de Gerard Mortier para el Théâtre de La Monnaie–. pero narrado en un tono paródico (Boesmans y sus libretistas rotulan su obra como “comedia trágica”). con Luc Bondy (y Marie-Louise Bischofberger). mediante una orquestación sutil. dirección escénica de Bondy y musical de Sylvain Cambreling.siglo XXI 200 / febrero 2011 53 Boesmans en vuelo libre Cypres publica la grabación del estreno parisino de la nueva ópera de Philippe Boesmans. como dramaturgo y libretista. ofrece un sinfín de atractivos: ante todo por el impresionante trabajo instrumental del Klangforum Wien y la impecable prestación del Ensemble vocal Les jeunes solistes en sus intervenciones corales y en los roles secundarios. Yvonne ya había sido convertida en ópera por Boris Blacher en 1973 y por el polaco Zygmunt Krauze en 2004. camerística (una treintena de músicos). De tema duro. y su antinacionalismo. la gran tragédienne Mireille Delunsch está deslumbrante como reina poeta e intrigante. en un acto de pretendida emancipación de las convenciones y manifestación suprema de libertad. Al reducir el texto a breves réplicas aceradas. para guardar las apariencias. Beuron / "Les Jeunes Solistes" vocal ensemble. Autor de novelas hoy consideradas de culto –Ferdydurke. teatro y textos autobiográficos. de los prejuicios de clase y los valores tradicionales carentes de sustento ético. Estrenada en la Opéra Bastille el 24 de enero de 2009. y de relatos. o más bien exabruptos– como por la exhibición de las miserias humanas a las que la frívola corte se entrega. Si todos esos trabajos han pivotado en torno al creativo coliseo bruselense. se ven dotados de ciertos momentos de expansión lírica. la primera de ellas. Yvonne. y una composición fragmentada en la que elementos atonales conviven con frases intensamente melódicas de armonía consonante junto a flashes con parodias de danza antigua. tanto por las características de su silente personaje titular –dotada de siete únicas frases. de accidente gastronómico: unas percas a la crema . Yvonne. Y por supuesto. el nuevo fruto lírico del autor belga ha sido la última de las óperas creadas durante el mandato en París del actual director artístico del Teatro Real. desagradable. responsable asimismo de las puestas en escena. su obra se caracteriza por la profundidad de sus análisis psicológicos. Dir. Klangforum Wien. y Paul Gay y Victor von Halem convencen plenamente como rey y chambelán. von Halem. ante cuyo cadáver todos se arrodillarán en hipócrita señal de duelo.” con espinas acarrearán la asfixia de Yvonne. Una escucha atenta de la obra revela a cada audición nuevos y fascinantes hallazgos que hacen de Yvonne la quintaesencia del quehacer boesmaniano hasta la fecha. el mérito principal corresponde a Cambreling. transparente. que descubren en la muchacha el reflejo de sus propios vicios. el idioma elegido fue el alemán. Entre los protagonistas. PHILIPPE BOESMANS (1936): Yvonne. defectos y carencias. encargos de Bernard Foccroulle para el mismo teatro y frutos de la colaboración. Pornografía. czardas zíngaras o can-can. Yvonne. publicada en Varsovia en 1938 pero no estrenada hasta dos décadas más tarde.

que todo vale pero no todo vale en sí mismo. Hoy en día la gente tiende a especializarse mucho y yo siempre he querido ser músico en el sentido más amplio de la palabra: un músico que compone. Arturo Reverter ha descrito su carrera como “un camino sin fin” en alusión a sus múltiples intereses y facetas. De ésta formaron parte multitud de compositores que esperan todavía ser descubiertos. DIVERDI: Desde que empezase su carrera formando parte del Grupo Glosa a su posición actual como director titular de la Camerata del Prado han pasado treinta años. Morales o Guerrero sí que se cuentan entre los más grandes).G. Carnicer escribió tres óperas fantásticas. D. que es uno de los grandísimos compositores españoles –cuenta con seis o siete poemas sinfónicos excelentes– o Jaume Pahissa. ¿existe alguno que desaconseje tomar. ya sea exhumando partituras inéditas de Tomás de Iriarte o Ángel Martín Pompey. un renacentista del siglo XXI que abraza la música como un hecho vivo y poliédrico. Caminus…. algunos grandísimos sinfonistas que nuestros jóvenes compositores desconocen por completo.G. Yo vengo del mundo del rock. que toca un instrumento. Entré muy tarde en la música clásica.: Usted ha afirmado que el músico español no se siente parte de una tradición porque ha perdido de vista su pasado musical. ¡ojo!. al igual que Gomis… En la transición del XIX al XX aparecen compositores de la altura de un Facundo de la Viña. quien puede ser perfectamente comparado con Haendel… D. y gracias a este bagaje he obtenido una visión de la música muy distinta de la que tienen la mayoría de mis colegas. Contrariamente a lo que se piensa. contesta el Gato. Y en el XVIII tenemos a Nebra.: Ambas cosas. A mí me gusta citar a Carroll a través de Borges. pensada con fines puramente comerciales. más concretamente la que va del XVIII al XXI. El Gato responde: “Depende de adónde quieras ir”. la cantidad de autores españoles que están siendo reconocidos en los últimos años gracias a musicólogos o discográficas y editoriales como Verso. Yo percibo que en España. ha realizado ediciones críticas de obras inéditas de Rodríguez de Ledesma o García Fajer… ¿Será otra la España que nos quede cuando el mapa esté completo? T. ya promoviendo el repertorio desde su podio como director titular de la Camerata del Prado –con la que presentará un oratorio de Ramón Garay en el próximo Festival de Arte Sacro de Madrid–. que analiza partituras. El riojano Tomás Garrido se ha convertido por derecho propio en uno de los músicos españoles más versátiles.: Hay que tener un poco de cuidado. y creo que usted es de esa opinión. intérprete y compositor. ¿Pero qué es la mala música? Leopoldo Hontañón solía decir: “me gusta tanto la música que hasta me gusta la música mala”. director orquestal. ya grabando bandas sonoras para Álex de la Iglesia o Pedro Almodóvar. Tras un primer disco dedicado a sus piezas a solo. sin ir más lejos. Está claro que la música española. tiene obras magistrales como el Oficio de Difuntos o las Lamentaciones. Puede que los compositores españoles de estos últimos siglos no estén entre los grandes ochomiles –como se dice en alpinismo–. quien solía repetir un diálogo que Alicia y el Gato de Cheshire entablan en Alicia en el País de las Maravillas.: Dice Machado aquello de que “no hay camino. como . Alicia le pregunta: “¿Qué camino debo tomar?”. ¿Se trata de otro de nuestros célebres complejos o es una cuestión de puro y simple desdén? T. Rodríguez de Ledesma. a diferencia de otros países. alguna senda “prohibida”? ¿O todo vale? T. ¿Qué ha sacado en claro desde entonces? TOMÁS GARRIDO: Esencialmente ha sido una reafirmación en el hecho de ser músico. a los diecisiete años. se hace camino al andar”. que escribe sobre música… No puedo entender el amor a la música de otra manera.G. tocado la viola da gamba con deejays y flirteado con el jazz. la Generación del 27 no es tan importante como la del 98. el artista español suele despreciar su propio pasado. la música se convierte en otra cosa” Entrevista con el poliédrico autor y director de la Camerata del Prado David Rodríguez Cerdán Tomás Garrido si para afirmarse en su música tuviese que negar lo anterior. Verso edita ahora un monográfico en torno a su obra de cámara (1991-2005) que viene a dejar constancia del gran poder comunicador de su arte. la gente no se siente parte de una evolución musical. En todo caso. por ejemplo. Hasta hace poco el siglo XVIII español estaba completamente olvidado.: Sorprende. sin prejuicios. D.: En el último monográfico que le ha dedicado Verso. capaces de obras maravillosas. musicólogo. que investiga. Garrido ha alzado su voz en defensa del patrimonio musical español. pero no por ello dejan de ser excelentes músicos. Todo depende de la dirección o del objetivo que te propongas. no me interesa lo más mínimo la música ligera prefabricada. cuya fantástica Sinfonietta para orquesta de cuerda he tenido el placer de dirigir. autores anteriores como Victoria. Columna Música o Tritó… Usted. “Entonces cualquier camino te vale”.: Yo creo que sí. no puede presumir de tener un Beethoven. el compositor catalán que acompañó a Falla en Argentina. que no salen del ámbito de la música culta.G. He colaborado con rockeros en calidad de arreglista.54 di v e r di entrevista Tomás Garrido “Al ser escuchada y vivida por cada oyente. Esto me ha hecho abrir los oídos. ¿Hay alguna música que no le inspire simpatía? T. En general. Con lo que no estoy de acuerdo es con el totum revolutum que estaba tan de moda en los 90. Es decir. Crítico musical. A lo que ella replica: “Me da igual el sitio”. conferenciante. En términos compositivos. un Mozart o un Haydn (aunque. D. y ahora sucede lo mismo con el XIX. en este sentido.: Solo la mala música.

Su cuidadísima escritura resuelve con éxito cuestiones como la búsqueda de una sonoridad aérea en Plexus.. pero a mí me sucede lo contrario. hizo una música cerrada en torno a sí misma. con encargos del propio grupo en colaboración con diversas instituciones alemanas. que ya a día de hoy puede calificarse de brillante.: Alguna vez ha afirmado que la experiencia musical no es Una.: El oyente decide. Es entonces cuando la obra se enriquece. D.: Todas sus obras.. ya que. sino Trina –Composición. Austria. titilante Night Music de Moreno se recrea en el mundo de la noche. en este sentido.: Absolutamente. el recorrido deja paradas en la fulgurante madurez compositiva de Gabriela Ortiz (1964). Por el contrario. Habrá algunos que se exijan mucho y otros que no se exijan nada. Me gustaría que cada oyente entendiese mi música bajo su propio criterio. Estas son las líneas que he querido seguir. David Martínez.entrevista / siglo XXI 200 / febrero 2011 55 Oír los goznes de la tierra Neos repasa en dos cedés la pujante fuerza creativa de la joven música mexicana María Santacecilia El eclecticismo. Tomás Garrido. he tenido esto siempre muy en cuenta a la hora de componer. con una exquisita parte para electrónica en vivo que se engarza etérea con la adusta línea trazada por el saxofón tenor. Otros conceptos explorados por Fuentes lo conducen por la levedad articulada y precisa de Lightness para violín y electrónica. es bueno cuando surge de haber interiorizado las diferentes influencias que se han recibido. y así cuenta con discos dedicados al continente asiático. No obstante. Concretamente estas dos grabaciones. de expandirla. o por la oposición entre estatismo y movimiento en la hermética Passatempo. que concluyó su formación en París y lleva más de una década instalado en Europa. Cartas Ínfimas.: NEOS 11047 (1 CD) D1 ARTURO FUENTES (1975): Música de cámara ensemble Intégrales / NEOS / Ref. Stravinski o Messiaen. TOMÁS GARRIDO (1955): Caminus . En este sentido creo que mi música refleja también mis gustos como melómano. se convierte en otra cosa. Es más. Arturo Fuentes PASAJES-MÉJICO: Obras de cámara de compositores mejicanos contemporáneos (Alejandro Castaños. La obra de Arturo Fuentes (1975). Me interesan mucho las músicas que nunca sería capaz de hacer. El ensemble Intégrales radicado en Hamburgo es un grupo desprejuiciado y curioso. que además de su extraordinaria calidad interpretativa. de una gran comunicabilidad. a su país vecino. formados ambos en su país. Arturo Fuentes. Varèse. G. ¿Cuál. saxofón. D. PasajesMéxico y Música de cámara de Arturo Fuentes. cuya música es objeto de un monográfico por parte del conjunto de Hamburgo.. Hay gente que repudia la música que no se ajusta a sus patrones estéticos. La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como complejo. y últimamente centra su atención en América. hace gala de una valiosa vocación pedagógica y un marcado enfoque interdisciplinar. por más que algunos de los autores se inspiren en temas netamente mexicanos. El atinado programa de compositores y obras propuesto por el conjunto de Hamburgo augura excelentes perspectivas para el panorama creativo de México. Vengo de un ambiente musical en el que el aspecto comunicativo y emocional es determinante. Interpretación.” Dos nuevas entregas de Neos con obras de reciente creación mexicana nos sitúan en el rico panorama del país americano. pese a su rigor constructivo. la fresca desenvoltura de Alejandro Castaños (1978). sin necesidad de que yo le imponga nada. Su música es una sabia mezcla de rigor y de comunicación y ofrece la posibilidad de abundar en ella. plantea un rico universo plagado de referentes e interrogantes. La vibración de la tierra vieja. tanto las de los ochenta y noventa como las compuestas hace tres años. percusión y electrónica toma como referencia Pedro Páramo.G. por el contrario.: VRS 2092 (1 CD) D10 “La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como ” complejo. Me refiero a que no podemos condicionar su experiencia de forma absoluta. novela que refleja la actual sociedad mexicana. sus goznes girando enmohecidos. hemos de permitirle “crear” su propia escucha o su propia obra a partir de lo que le suministramos. Julián Elvira. . porque me aportan un mundo enteramente diferente al mío. están dotadas. Si la sutil. Audición–. Pero sí creo que el oyente forma parte activa de esa “trinidad” musical. Muchas de mis obras beben también del free jazz. violín.. director / VERSO / Ref. También me interesa mucho la música de Scelsi y Ligeti. Aleyda Moreno. ¿Se debe esto al contacto que ha tenido con la música popular? T. Además de Lawine de Arturo Fuentes. Concierto para violín y orquesta de cuerdas. Georgina Derbez Roque. resuenan arcanamente en esta obra breve e intensa. violonchelo. no cuando se premedita. la exuberante pieza de Bárcenas Un rencor vivo para violín eléctrico. Al ser escuchada y vivida por cada oyente. Entre sus objetivos está el de recorrer la creación sonora de tradición culta en diversos territorios. yo no desprecio otras formas de enfocar la composición. que el propio compositor asimila al vuelo de un ave. como el de Mozart. he de decir que Witold Lutoslawski ha sido la gran influencia de mi obra. flauta. de acuerdo con las palabras del propio compositor. por no mencionar la de Bartók.: NEOS 10906 (1 SACD) D1 . a pesar de la heterogeneidad de las propuestas. surgen a partir del recientemente celebrado bicentenario de la independencia mexicana. según la descripción de la obra de Juan Rulfo. y la estilización sonora tejida por Georgina Derbez (1968).. Por eso la música de Bach es tan rica: invita al intérprete a que la explore a su manera. cuando la música se hace múltiple. sería la responsabilidad del oyente? T. Tal es el caso de Juan José Bárcenas (1982) y Aleyda Moreno (1982). Gabriela Ortiz y Juan José Bárcenas) ensemble Intégrales / NEOS / Ref. El compositor no ha de reducir la experiencia musical de sus oyentes a una sola escucha. Sugerente y llamativa por su coqueteo con ritmos de jazz resulta la evocación a Franco Donatoni en Antecedente X. Camerata del Prado. pero su Arcana me cautivó por completo. Por otro lado. formalmente nos hallamos ante obras que provienen de la tradición culta europea. enunciado soberbiamente por los miembros del ensemble Integráles.

entrega una versión de Accanto de tremenda efectividad y altísima concreción instrumental. pieza escénica para Obras camerísticas de Isang Yun. articulando los timbres del acordeón con las cuerdas del Cuarteto Minguet para ofrecer en Concertino un viaje pendular entre la luz y la sombra. ni la reflexión sobre la materialidad de la producción sonora. en este caso el taoísmo.. Una comprometida versión de esta obra que funciona como introducción ideal a la producción de Stockhausen. clarinete / STRADIVARIUS / Ref. meditativas. que vuelve a publicarse como homenaje a Lachenmann en su 75 cumpleaños para demostrar la vigencia de una estética tan radical en lo sonoro como coherente en lo conceptual. Duo. HELMUT LACHENMANN (1935): Accanto. clarinetista del compositor alemán en Wergo Javier Palacio Antón Piedrahita Tirado Desde la colorista portada nos sorprende el clarinetista Michele Marelli transmutado en ente a medio camino entre el fauno y el trapecista circense. mientras Kontrakadenz accede en manos de la RSO Stuttgart dirigida por Michael Gielen al reino de lo referencial a golpe de explosiones climáticas. A lo largo de siete secciones (El mensajero del sueño. Consolation I. En cualquier caso los argumentos meramente musicales de Marelli son contundentes: estrecho colaborador del compositor alemán durante más de una década. La obra presenta diversas facetas o rostros de un Arlequín bastante alejado de sus orígenes en la commedia dell’arte. El constructor alegre. Los solistas y formaciones que se escuchan aquí estaban dotándose de las herramientas para traducir las muy exigentes partituras de Lachenmann y llevar al campo de lo realizable su exploración de las capacidades tímbricas de los instrumentos. El lírico enamorado. Consolation I (1967). asociada por la industria cultural a banalidad. latidos. En 1985 Wergo editaba uno de los primeros discos consagrados a Helmut Lachenmann. violonchelo / WERGO / Ref. El bailarín apasionado y El espíritu tornado en exaltado). Julius Berger. El maestro pedante. Y es que el compositor coreano fue un temprano defensor de las orgánicas modulaciones acordeonísticas.. relato fantasmático del Concierto para clarinete de Mozart que una cinta hace a veces audible. grabación inencontrable desde hace años y convertida en histórica. pieza de música escénica escrita en 1975 por Karlheinz Stockhausen que requiere de un intérprete capaz de demostrar igualmente sus dotes como mimo y danzarín. dictadas siempre por un rico juego de contrastes rítmicos. Kontrakadenz KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007): Harlekin Michele Marelli. La exploración de las posibilidades acústicas del instrumento llega no obstante más lejos en Dúo. directores / WERGO / Ref. Todo se aclara cuando se repara en el título del disco. También sorprende la calidad de unas ejecuciones que apenas disponían de esa “tradición” obtenida con posteriores interpretaciones. impulsando a la viola en una tortuosa y por momentos vertiginosa carrera ascendente. Minguet Quartett. Por su parte. en definitiva. Schola Cantorum. Con varias piezas escritas para el acordeón y otras arregladas para su instrumento el solista Stefan Hussong ha confeccionado un intenso programa dedicado a Isang Yun. Intermezzo. trenzándose los materiales en cascada evocadora del compás de los procesos naturales. Así Hans Zender. En realidad. Pezzo fantasioso Stefan Hussong. Marelli desarrolla de múltiples modos la serie de trece sonidos que constituye la esencia de Harlekin. acordeón. Es una música que se agita con alto colorido armónico y a partir de oleadas de fuerza variable. la dinámica y la duración.: STR 33864 (1 CD) D2 ISANG YUN (1917-1955): Concertino. del cual explora con esta grabación la veta más juguetona y mágica de sus sonoridades. Harlekin. alientos y flujos interrumpidos. Lo que podría no ser sino rígida estructura deriva así en fraseo orgánico recorrido por el cromatismo y la variedad tímbrica. basadas en el patrón inspiración-respiración. alejando la música del marco idealista para acercarla a un universo físico de tensiones. oscuro y dramáticamente cincelado suena ese himno contra la barbarie que es Consolation I en las voces de Schola Cantorum Stuttgart. la quietud y la agitación y. entre el ying y el yang. con esa espiral desde los registros graves a los más agudos que simboliza una nueva búsqueda de luz. Accanto (1976) y Kontrakadenz (1971) eran las piezas contenidas en aquel lejano registro. Hans Zender. ofreciendo lecturas tan abruptas como emocionantes. RadioSinfonieorchester Stuttgart des SWR. Intermezzo para chelo y acordeón y Pezzo fantasioso per due strumenti con basso ad libitum (con violín y chelo).56 di v e r di siglo XX Stockhausen-Chamán Accordion Rising Rebeliones Wergo recupera un legendario registro de Helmut Lachenmann Javier Palacio Harlekin. sarcásticas. Y especialmente expresionista. lunares. facilitadoras de las transiciones graduales dentro de unas estructuras que sirven para traducir sonoramente esa fluidez constante de todos los fenómenos de la que hablan las filosofías orientales. fricciones y choques.: 6738-2 (1 CD) D2 . Hussong explora a fondo esas arquitecturas en permanente mutación. proporcionando progresiva forma a la desarticulación inicial por medio de variaciones que afectan a la altura. pasando de los registros más agudos a los más graves y del pianissimo al fortissimo para elaborar a golpe de aliento tonalidades violentas. a la batuta de la RSO Saarbrücken con el clarinetista Eduard Brunner como solista. ambas de 1988. situado más bien en un territorio donde confluyen lo chamánico y lo lúdico.: 6716-2 (1 CD) D2 Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken. donde el acordeón establece colaborador diálogo con la plantilla instrumental proporcionando un fondo de gravedad terrosa o alzándose mediante una sucesión de virtuosísticas figuras motívicas. miembro del Ensemble Stockhausen entre otras aventuras. opulencia y adorno. El bufón farsante. Clytus Gottwald y Michael Gielen. destacan la faceta lírica e inventiva –amable incluso– de un Yun fascinado por la sensualidad de las sonoridades y la viveza de las configuraciones contrapuntísticas. nunca como hoy había sido tan actual esa puesta en cuestión de cierta idea de belleza. debe considerarse al clarinetista como profundo conocedor de uno de los universos musicales más ricos y poéticos del pasado siglo.

Stefan Asbury y Etienne Siebens. EDITION MUSIKFABRIK. traza.: 6934-2 (3 CD) D2 x 2 De nuevo. principio de lo circular representado por una serpiente que se muerde su propia cola. En Cinnabar (Cinabrio) (1995). Tokyo Choraliers. por aquel entonces. imágenes metafóricas de un florecimiento. que circula entre la interesante reconstrucción del timbre complejo de las campanas –espectralismo avant la lettre– en los movimientos orquestales. la calidad de las interpretaciones brilla en estas cuatro piezas dirigidas por las sabias batutas de Diego Masson. Thallëin (1984) de Iannis Xenakis. un gran grupo instrumental explora un sinfín de combinaciones y tratamientos con sonidos sintetizados integrados y filtros que se abren a una rica dramaturgia derivando hacia un clima de refinada fantasía colorista a modo de coronación. Música vigorosa. y el descarado eclecticismo de su lenguaje. Thallëin habla de ello elocuentemente. buena parte de las inquietudes y aspiraciones de aquella no tan lejana vanguardia de los tiempos de la guerra fría… En primer lugar. . en la que se desencadena en forma de cascada un campo de posibilidades. no guarda ninguna relación con los asuntos de la monarquía ni con la obsoleta imagen del genio y su aura correspondiente disuelta hace ya tiempo. musikFabrik. que significa brotar. del año 2005. de la británica Rebecca Saunders. Rebecca Saunders...siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 57 Brown ataca de nuevo Volumen tres de la serie A life in music de Wergo Germán Gan Quesada Floraciones Quinta entrega de la Edición MusikFabrik. NHK Symphony Orchestra. de la apuesta dramática del Frammento (ahora Berio al piano) de Bussotti. con nervio y color instrumental que se ramifica dentro de registros agudos para regresar nuevamente a su origen. las fricciones y los timbres agudos de la trompeta y el violín secundados por el grupo. VOL. tiene un no disimulado parentesco con La Consagración de la Primavera en su espíritu y sus patrones rítmicos. A través de extensa Joy (1989-90). A LIFE IN MUSIC. obra de la Yoko Ono fluxus. despliega una suerte de paisaje metafórico de la mente que destila cierto lirismo y aires de himno festivo y colorista guardando reminiscencias del violín gitano. desdibuja. Saunders. como en otras ocasiones. la expresión. De la “cantata budista” Nirvana Symphony (1957/58). Bussoty. portador de poderosas emociones y misterioso brillo y vibración interna. la tensión entre la racionalidad constructiva de Xenakis (Herma. aquí es el intenso rojo cinabrio. director / WERGO / Ref. por supuesto. Nippon University Chorus. en doble labor de compositor e intérprete. Reynolds. Porque para Xenakis la intuición. que. fluye… El finlandés Magnus Lindberg se interna en los terrenos de la técnica espectral francesa con un gran trabajo de combinaciones armónicas a la vista de las nuevas posibilidades que esa levadura ofrecía en su momento para la composición musical. ejercicio de matiz y claridad de planos. de la Fantasy for Pianist (1963/64). Stefan Asbury y Diego Masson. 5: Coronation (obras de Vykintas Baltakas. 1968). Con el sentido plástico que la caracteriza. en su momento. de Reynolds. y el recitado ritual de sutras reales o imaginarias. violín. Cage. la voz alucinada. Marco Blaauw. Etienne Siebens. son. en que se resume. 3 (COMTEMPORARY SOUND SERIES): Berio. de Earle Brown. 1960) y Takahashi (Metathesis. pese al riguroso planteamiento formal. en versiones fieles al espíritu de la época y a la letra de la toma sonora. de Mayuzumi. y la emoción subyacente. Mayuzumi. tan ejemplo de su personal poética como esta iniciativa discográfica lo pudo ser. para conjunto instrumental. Como la que es utilizada por el lituano Vynkitas Baltakas en su obra (Co)ro(na). de su compromiso con la creación de una época. sugerente y precisa de la incomparable Cathy Berberian. compañero Luciano Berio en Circles (1960). wilhelm schüchter. titulados expresamente “campanólogos”. trompeta. Y continúa deparándonos felices hallazgos: entre 1962 y 1970 se fechan las publicaciones originales de las grabaciones de esta caja. fechado en 1958/59 en su versión reducida. Thallëin. al servicio de la obra de su. con obras de Baltakas. tenía que estar por encima de los modelos teóricos y matemáticos que cimientan sus obras y perseguir la claridad y la transparencia fue siempre un objetivo. Alude sobre todo a la actitud de los artistas que tras observar activamente y seleccionar acontecimientos que nos pueden implicar a todos. culminan un proceso creativo que es trascrito y revelado en forma poética como un acto que corona simbólicamente una nueva criatura. o de la experimentación abierta y tecnológica de Cage en Aria with Fontana Mix (1958). VOL. de un modo u otro.: 6855-2 (1 CD) D3 . escrita para 14 músicos. Krönung (Coronación). la autora toma el rojo y emborrona. atraerá al curioso la portada. Saunders construye una narración con la imagen del calor. directores / WERGO / Ref. La obra alude a Ouroboros. de motivos y combinaciones musicales que tienen al compositor como otro eslabón más de un proceso generado por un motivo inicial que adopta progresivamente la imagen de un mosaico con sus distintas teselas. establece correspondencias con el color. Peter Rundel. florecer. y del más adusto volumen consagrado a la “New Music for Piano(s)”. Cuatro composiciones agrupadas bajo un título. Lindberg y Xenakis Manuel Luca de Tena Dobla su ecuador con esta tercera entrega la reedición de la “Contemporary Sound Series” promovida por Earle Brown. Magnus Lindberg y Iannis Xenakis) Juditha Haeberlin. Peter Rundel. y de la versión “interactiva” de Corroboree (1963/64). la autora. las llamas del fuego a través de los movimientos ágiles.

más allá de la fórmula repetida sin ningún éxito por el protagonista de La puerta de la vuelta (2002): “Aunque es difícil ser un ser humano. Finalmente. mayormente artistas. quien dirigirá un capítulo dedicado al coreano dentro de la prestigiosa serie Cine de nuestro tiempo. no nos volvamos monstruos”. esa rara tendencia hacia una narrativa de segundo grado. pues. Entre otras. haciendo que un relato previo guíe el decurso de la acción y con ello el Lejos de ser un simple movimiento circunscrito a una época.95 €. De este modo. atrapados en espesas y precarias telarañas afectivas. sus filmes revelan curiosas complejidades estructurales capaces de permanecer ocultas en una primera visión. HONG SANSOO (1960): 5 películas (La puerta de la vuelta. siendo sus víctimas tanto ellos mismos. de 2008) como Un cuento de cine los sueños –tampoco señalizados según los códigos habituales– introducen a sus protagonistas en un territorio apenas balizado entre el anhelo. mientras en Un cuento de cine la existencia de un corto generará extraños ecos y proyecciones en la realidad de los protagonistas. ni tampoco para impedir repetir una y otra vez los mismos errores. Con unos modos cinematográficos caracterizados por una llamativa carencia de estilo.” la adecuación de sus formas de vida tradicionales a la era del capitalismo avanzado. Y es que tal parece la mayor y paradójica enseñanza del cine de Sangsoo: en un mundo sin certezas ni directrices morales la vida se dirime en un incesante flujo de pequeños acontecimientos que no sirven como aprendizaje. que seguramente dejará en ella el mismo rastro que las huellas de neumático sobre la arena. Por otra parte. parece funcionar como metáfora del triste affaire sentimental vivido. Y es que la relación entre iguales no parece posible en el mundo de Sangsoo.V. que muestra cómo se atasca el vehículo de la chica para proseguir después. Así el japonés Nobuhiro Suwa. Un cuento de cine. mensajes ni profundos análisis psicológicos. como en filigrana. quien nos ocupa. Y al mismo tiempo. Mujer en la playa. a pesar de la transparente y nada preciosista puesta en escena de Sangsoo. espacio de una sexualidad mecánica y escasamente comunicativa. Y ello siempre en el marco de una dinámica narrativa que privilegia la deambulación en pareja. y vienen acompañados por las peculiares presentaciones del cineasta Albert Serra. los taiwaneses Tsai Ming-liang y Hou Hsiao-Hsien o.P . reivindicando una factura visual descuidada que incluye –¡viva la osadía!– el uso arbitrario e irritante del zoom. en La puerta de la vuelta una antigua leyenda sobre el amante despechado que espera ante un umbral cerrado acabará demostrándose profética. Por todo ello este cine de la desilusión no ofrece asideros morales.58 di v e r di cine El relato de nuestra época Intermedio reúne en un cofre cinco películas del director coreano Hong Sangsoo Javier Palacio “Los cinco films recogidos en este cofre suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno ” españolas. Noche y día) Hong Sansoo. despojadas del trasfondo moral del realizador francés y con un humor no por soterrado menos efectivo. destacar la elegancia del realizador para trascender el terreno de lo anecdótico: ese plano final de la espléndida La mujer en la playa (2006). las escenas de cama. el surcoreano Hong Sangsoo. sin mayores problemas. los diálogos y enfados –en muchos casos abiertamente cómicos– alrededor de un vaso de alcohol y. reflejan la temperatura social de esa Corea volcada en destino de los personajes: por ejemplo. revisitan desde perspectivas originales sus modelos temáticos y universos visuales para hacerles rendir nuevos sentidos en el contexto de nuestros días. claro está. En el caso de Hong Sangsoo asistimos precisamente a una actualización de los recursos de Eric Rohmer en unas narraciones que. la Nouvelle Vague sigue alimentando en forma de cierta sensibilidad y de cierta mirada las maquinarias del mejor cine contemporáneo. como unas compañeras femeninas no siempre poseedoras del mayor equilibrio interno. exploran el confuso territorio sentimental atravesado con brújula alocada por sus personajes.. marcado por el individualismo y la insolidaridad. Asimismo vale la pena destacar los sutiles deslizamientos entre pasado y presente o entre sueño y vigilia: en La mujer es el futuro del hombre una relación pretérita se recupera mediante flashbacks (perceptibles sólo por los cambios de estación y vestuario) incrustados con perfecta continuidad en el desarrollo actual.: PRP 28 (5 DVD) P . y en especial de los creadores orientales. y tanto en Noche y día (el film parisino de Sangsoo. Los cinco films recogidos en este nuevo cofre de la casa Intermedio suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno españolas. Hong Sangsoo alcanza a elevarse a la categoría de uno de los más cómicos pero desesperanzados relatores de nuestra época. guionistas y directores de cine. lo ya sucedido o lo aún por suceder. películas como La mujer es el futuro del hombre (2004) o Un cuento de cine (2006) resultan no obstante de lo más precisas a la hora de ofrecer inmisericordes retratos de sus protagonistas. Sus personajes practican una seducción asimétrica –sirviéndose de su superioridad jerárquica en el orden social– y se cimbrean entre el pequeño abuso y la traición descarada. La mujer es el futuro del hombre. guionista y director / INTERMEDIO / Ref.: 59. dando pie a un amplio muestrario de variaciones y combinaciones. Se despliega así un catálogo de figuras masculinas que actúan a partir del esquema “chico encuentra chica-chico deja chica-chico liga con nueva chica-chico se queda solo”. su trayecto.

Windgassen / Orquesta y Coro del Festival de Bayreuth.: Clemens Krauss. Kurtág. SCHERZO MOZART: Conciertos para piano. CD COMPACT JOSÉ DE NEBRA (1702-1768): Amor aumenta el valor / Los Músicos de Su Alteza.: DIV9788420682310 (Libro + 1 CD) 24. Se ilustra con un CD e incluye algunas fotografías inéditas. pocas técnicas tan naturales. que forman un formidable conjunto de cámara.: GCD 922601 (1 CD) D2 Conozca a los Kopatchinskaja. Pocas voces tan lustrosas. maduras. piano / HÄNSSLER / Ref. DIAPASON WAGNER: El Anillo del Nibelungo / Hotter. se lleva la parte del león. su concepción elegante y refinada pero esencialmente vitalista e inquieta. piano / WIGMORE HALL LIVE / Ref.: ALPHA 171 (1 CD) D2 Zacharias luce. Las arias y dúos son de una extraordinaria belleza y refinamiento. DIAPASON VIVALDI : Ottone in villa / Cangemi. ÓPERA ACTUAL GRÉTRY: Céphale et Procris / Les Agrémens. Un disco sorprendente que te coge por el cuello hasta que te descubres disfrutándolo. Sobresaliente toma de sonido y recomendación absoluta.: ECM 1275EE (1 CD + Libro) D10 x 3 . Raquel Andueza.- Lo más original del disco está en la música vocal. Debussy. reeditado aquí dentro de un hermoso libro en edición de coleccionista. Greindl. DIAPASON GOERNER interpreta CHOPIN / Nelson Goerner. SCHERZO MALTMAN canta Schubert. Todos los intérpretes se entregan y creen en los roles que están interpretando. Neidlinger.: MDG 1646-6 (1 SACD) D6 x 2 Merece destacarse en esta primicia la espontaneidad del discurso dramático y la inspiración que no decae en ningún momento. Ligeti. Benjamin Britten y Arnold Bax / Johannes Moser. Rodrigo (suite de la ópera) / Les Musiciens du Louvre-Grenoble. Paul Rivinius. Uhde. Dirs.: BIS SACD 1672 (1 SACD) D3 Nebra es el músico más grande nacido en España (con permiso de Victoria). SCHERZO ROSENMÜLLER: Beatus Vir?: Motetes y sonatas / Gli Incogniti. emocionantes. (1953) / ORFEO / Ref. vol. Pruebe el Ligeti interpretado al cimbalom. 6 (nºs 14.: V 5193 (1 CD) D1 El Anillo dirigido en 1953 por Clemens Krauss encuentra por fin su luz. Coro de Cámara de Namur. CD COMPACT CARESANA: L’Adoratione de’ Maggi (Cantatas Napolitanas) / I Turchini. Abbado. Lezhneva. vol. Julius Drake está francamente deslumbrante. CD COMPACT BEETHOVEN: Obras completas para piano.: V 5234 (1 CD) D1 Soberbia demostración de las posibilidades del dúo violonchelo-piano. CD COMPACT GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Water Music.: Giovanni Antonini / NAÏVE / Ref. Una concepción del canto / 303 páginas (incluye CD) / ALIANZA EDITORIAL / Ref. Sonido de grabación en general muy bueno. piano (Grabación en directo. Vinay. Dir. Varnay. 15 y 21) / Christian Zacharias. Florio se rodea de sus más destacados colaboradores. SCHERZO SONATAS PARA VIOLONCHELO Y PIANO: Obras de Frank Bridge. de atractiva locura.: C809113R (13 CD) D4 x 5 La ilación del relato está garantizada por la habilidad de Arturo Reverter para enlazar con amenidad los muchos temas tratados. 2007) / WIGMORE HALL LIVE / Ref. El programa no podía ser más exigente. GRAMOPHONE ARVO PÄRT (1935): Tabula Rasa (Edición Especial Limitada de Coleccionista) / (la edición incluye un libro de 200 páginas con facsímiles y materiales inéditos) / ECM / Ref. 9 / Ronald Brautigam. Las juveniles sonatas Kurfürsten son sólidas. director / NAÏVE / Ref. es tan responsable de ese éxito como el resto de su música. violonchelo. que incluye Beethoven antes de ser Beethoven. y Tabula rasa.: Karajan. Duparc & Warlock / Julius Drake. Estos motetes inéditos de Rosenmüller son una delicia en labios de Raquel Andueza.Preciosos CDs para comprobar el nivel artístico de una cantante clave en la historia reciente de la ópera. Wolf.: ZZT 100801 (1 CD) D2 Es puro disfrute escuchar la primera ópera de Vivaldi. Marc Minkowski. Cuando los dos cantantes se unen la riqueza se multiplica. director / RICERCAR / Ref. Orchestre de Chambre de Lausanne / MDG / Ref. Lectura sumamente equilibrada. en el rol de Caio. Dir. Un león honesto. director / ALPHA / Ref. Dinicu. Kleiber / ORFEO / Ref. González tiene el honor de ser el primero en grabar esta ópera.90 €. Prina. 10 se liberaron de toda pretensión virtuosística para no ser más que color. Ozawa. Y mucho más esta entrega. Lehtipuu / Il Giardino Armonico. Un disco imprescindible.: 93. quien.: Antonio Florio / GLOSSA / Ref. Luis Antonio González. Levine.: RIC 302 (2 CD) D10 x2 Christopher Maltman se incorpora a la lista de liederistas y ejecutoria cumplida de su arte es este recital en vivo. El paseo crepuscular de la Polonaise-Fantaisie da el tono a un recital donde los doce Etudes Op. ÓPE RA ACTUAL ARTURO REVERTER: Alfredo Kraus. en este nuevo ejemplar de su ciclo mozartiano. Raimondi / Orquesta y Coro de la Ópera de Viena. SCHERZO MIRELLA FRENI: Arias de ópera / Domingo. Guy Van Waas. piano. fortepiano / BIS / Ref. Dir. y sobre todo descubrir a la señorita Lezhneva.: WHLIVE 0039 (1 CD) D5 Esta versión de la Water Music de Marc Minkowski está y estará durante mucho tiempo en el Olimpo de las elegidas. SánchezChiong y temas populares rumanos) / / NAÏVE / Ref. I Turchini recupera el magnífico sonido de antaño.: C806102I (2 CD) D4 x2 Disco de lo más recomendable por la bellísima música de Caresana y por la interpretación global. con momentos realmente antológicos. El repertorio ofrece panoramas distintos y complementarios expuestos con excelente técnica e implicación por dos músicos de pies a cabeza.: OP 30493 (2 CD) D6 x 3 Esta colección es una joya y ningún musicómano puede dejarla pasar. una sala ideal. soprano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref.: WHLIVE 0020 (1 CD) D4 Una tarde de octubre de 2009. GRAMOPHONE PATRICIA KOPATCHINSKAJA: Rapsodia (Obras de Enescu. Por algo es uno de los grandes directores händelianos.257 (1 CD) D14 x 2 Pocos colegas de Pärt gozan de tanta aceptación popular.

Francesco MolinariPradelli. La economía sigue a salvo con el sello Newton.: MCDV111 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA DIVAS: Karaoke de arias de ópera para soprano y mezzosoprano (incluye Habanera. Due pezzi. guitarra / BRILLIANT / Ref. independizada ahora de su antiguo sello madre.V.. además de dos hitos en la discografía de Falla dirigidos por el maestro Argenta. el Juillard Ensemble y Cathy Berberian interpretando obras de su marido.: ALC 1131 (1 CD) D7 SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Música para violonchelo y piano / Marina Tarasova.COLECCIÓN LOEKI STARDUST QUARTET: Música para conjunto de flautas de pico / Amsterdam Loeki Stardust Quartet / NEWTON / Ref... Rossini.V. The Gondoliers.: 8802039 (6 CD) P . .P 15. Hay más cosas. Ataúlfo Argenta. violonchelo. pianoforte / BRILLIANT / Ref. Visi d'Arte. el 8º volumen de la serie dedicada a los quintetos de Boccherini y obras para guitarra de Pujol y Cimarosa. . director / NOVOSON / .) / ALTO / Ref. directores / ALTO / Ref. piano.: . Veronika Dudarova. director / ALTO / Ref. director del coro.95 €.P CD) P . O Sole Mio. Symphony Orchestra of Russia.95 .: 8802041 (2 CD) P .60 di v e r di editorial zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco El mes de febrero nos trae una nueva entrega de la colección de zarzuelas.P 94172 (1 CD) P .. Luciano Berio. Alberto Erede. Alexander Polezhaev. con títulos tan infrecuentes como El húsar de la guardia (con Pilar Lorengar). como los discos del Amsterdam Loeki Stardust Quartet. José Perera. Arias de Haendel. .: Z-212 (1 CD) P.: MCDV113 (1 DVD) D4 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido. violonchelo.95 €.95 €. Brilliant vuelve a sorprendernos con lanzamientos inesperados: Emma Kirkby cantando Haydn. directores / NOVOSON / Ref.V.: 23. I Musici tocando sonatas de Rossini..90 €.CANTOS GREGORIANOS PARA EL AÑO LITURGICO / Wiener Hofburgkapellle.: . PAUL DUKAS (1865-1935): Obras completas para piano / Marco Rapeti. música sacra de Vivaldi en manos del legendario Vittorio Negri. director / NOVOSON / Ref. Entre las grabaciones maestras que nos trae este mes se cuenta una estupendísima integral de los Conciertos para violonchelo y orquesta de Khachaturian.: 93977 (2 CD) P ..: 8802045 (4 . Dolores Cava.P DOMENICO CIMAROSA (1749-1801): 30 sonatas para guitarra / Claudio Giuliani. Gounod. Heinz Holliger. ¡Una serie que muchos estaban esperando! ARAM KHACHATURIAN (1903-1978): Conciertos para violonchelo y orquesta / Marina Tarasova. Francesco MolinariPradelli. Vittorio Negri.: MCDV112 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA GILBERT & SULLIVAN: Karaoke de arias de ópera de Gilbert & Sullivan (The Mikado.: 8802040 (1 CD) P . .: . soprano. soprano. soprano. Alto vuelve a sorprendernos con una serie “Karaoke” en DVD que hará las delicias de aquellos aficionados y/o profesionales que quieran hacer sus pinitos como tenores.: 4. director / NEWTON / Ref. 39) / La Magnifica Comunità / BRILLIANT / Ref. los cuartetos de Bartók por el Hagen. Antonio Medio.. . Manuel Ausensi.P Ref. La Donna e Mobile. Marcia Hadjimarkos.95 €.: 94176 (2 CD) P .JESÚS GURIDI (1886-1961): La condesa de la aguja y el dedal y JESÚS ROMO (1906-1995): Un día de primavera / Pilarín Bañuls.. Suite de Petrouchka / London Symphony Orchestra. y todas a un precio imbatible.: 3. . piano / ALTO / Ref. guitarra / BRILLIANT / Ref. Mozart. / Gran Orquesta Sinfónica. la integral pianística de Dukas y la de dos pianos de Ravel. piano / .P LUCIANO BERIO (1925-2003): Sequenzas III Y VII. Francisco Palos.: ALC 1103 (1 CD) D7 IGOR STRAVINSKY (1882-1971): La consagración de la Primavera. Rafael Frühbeck de Burgos.P. / Cathy Berberian. Bellini.90 €. op. Para terminar. Fantasiestücke / Sviatoslav Richter.V. Funiculi Funicula. Pirates of Peanzance.V. Nicasio Tejada. Encarnita Máñez.P 7. P. La condesa de la aguja y el dedal y Un día de primavera.: 9209 (1 CD) P .V.. piano / ALTO / Ref. sopranos y mezzospranos interpretando las mejores arias de todos los tiempos.: ALC 1132 (1 CD) D7 RENATA TEBALDI: Canta arias de Giuseppe Verdi y Giacomo Puccini / Renata Tebaldi.: 3. Delibes y Meyerbeer / Joan Sutherland.MÁXIMO DIEGO PUJOL (1957): Historias sin palabras. nos trae este mes auténticas joyas de los 60 y 70 cuyas ediciones originales hace tiempo que se encuentran descatalogadas. O Mio Babbino Caro. Larrea.P LUIGI BOCCHERINI (1713-1805): Quintetos de cuerda.GIOACHINO ROSSINI (1792-1868): Sonatas para cuerdas nº 1-6 / I Musici / NEWTON / Ref.P BRILLIANT / Ref. Luisita Solá.P €. Gran Orquesta Sinfónica. Color sepia.- La compañía Alto.Anita Fernández / Coro de Cantores de Madrid.) / ALTO / Ref.: ALC 1125 (1 CD) D7 KARAOKE OPERA TENORES: Karaoke de arias de ópera pata tenor y barítono (incluye Nessun Dorma. Pedro Cancela. Wiener Philharmoniker. Gennadi Rozhdestvensky.JOSEPH HAYDN (1732-1809): Canciones y cantatas / Emma Kirkby. de la Fuente.) / ALTO / Ref.. Julian Thurber.90 €..Gregorio Lavirgen. VIII (3 Quintetos de cuerda.: 8802044 (4 CD) P . vol.. piano. barítonos. Royal Opera House Orchestra..ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Música sacra / Felicity Lott.P. piano / BRILLIANT / Ref.P ATAÚLFO ARGENTA Y LA ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA: El sombrero de tres picos y Noches en los jardines de España de Manuel de Falla / Gonzalo Soriano.: 8802011 (2 CD) P . Josefina Canales. Concertgebouw Chamber Orchestra.: Z-208 (1 CD) P .: 3. . director / NEWTON / Ref.V.: 3.95 €.V.. otro sobre el piano schumanniano a cargo de Sviatoslav Richter (ahí es nada) y dos excelentes repasos fonográficos a las voces de Renata Tebaldi y Joan Sutherland.95 €. John Alldis Choir.: 7.: .80 €.V.V.: ALC 1094 (1 CD) D7 PIOTR ILYTCH TCHAIKOVSKY (18401893): Sinfonías nº 2 y 3 / Russian Federation Large Symphony Orchestra.: ALC 1136 (1 CD) D7 1 CD / D7 JOAN SUTHERLAND: Art of the Prima Donna. Herbert von Karajan.: 27.: Z-207 (1 CD) P .GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854-1923) y AMADEO VIVES (1871-1932): El húsar de la guardia / Pilar Lorengar. Orchestra dell Accademia Santa Cecilia. Gerardo Monreal.P TON / Ref. Orquesta del Teatro Calderón de Madrid.: 7.: 4.: 4. Por su parte.65 €.V.V. soprano.: 94024 (1 CD) P . Orquesta Nacional de España.P 7.90 €. director / ALTO / Ref. Margaret Marshall.: ALC 1133 (1 CD) D7 ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Etudes symphoniques.BÉLA BARTÓK (1881-1945): Integral de los cuartetos de cuerda / Hagen Quartett / NEWTON / Ref. . Emilia S. oboe.. director / ALTO / Ref.90 €. o Holliger. Blunte Blätter.V. / Giorgio Mirto. Tullio Serafin.MAURICE RAVEL (1875-1937): Obra completa para dos pianos / Ingrid Thorson. Hubert Dopf. director / ALTO / Ref.V.. Miembros del Julliard Ensemble / NEW. Différences.José Luis Vicente Gil.70 €. Regis Records. Jesús Romo.V.. que recupera para nosotros grabaciones hace tiempo inencontrables.: 7. un monográfico de Stravinski por nuestro Rafael Frühbeck de Burgos al frente de la LSO..: 9160 (2 CD) P.

Varnay. Hines. Wunderlich. se suman unos registros antológicos de la integral sinfónica de Beethoven (¡¡Klemperer con la Philharmonia!!) y un Die Fledermaus dirigido por Karajan que es pura ambrosía (Wächter. Timothy Brown. Sutherland). Meyerbeer. JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999): Los tres conciertos para guitarra / Alfonso Romero. Dirs. Güden.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Lovberg. Wächter / Wiener Philharmoniker. Dir. obras de Britten. Dir. Bastianini / Dir.: Otto Klemperer (1960) / ANDROMEDA / Ref. director (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. director (su última grabación) / ARCHIPEL / Ref. trompa / REGIS / Ref.: RRC 1360 (1 CD) D7 LEOS JANÁCEK (1854-1928): Los dos cuartetos de cuerda.: 2CD 00270 (2 CD) D9 x2 RICHARD WAGNER (1813-1883): La valquiria / Windgassen. Dir. Güden. Berry…).: RRC 1364 (1 CD) D7 BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Serenade. piano. Ward. Bjoner. Di Stefano. Stewart. Jane Glover. Greindl / Dir. Carlyle.: Tullio Serafin (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: Eugen Jochum (1960) / ANDROMEDA / Ref. . director / REGIS / Ref. Rouleau. el piano de Alfred Brendel en obras de Liszt y la guitarra de Alfonso Romero ofreciéndonos tres conciertos de Rodrigo). En esta ocasión brillan con luz propia los solistas. piano. la versátil Felicity Lott en un disco mozartiano y el tenor Peter Pears cantando. Rouleau. por ejemplo..: ARPCD 0513 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Sinfonía nº 9 / Orquesta Filarmónica de Nueva York. director / REGIS / Ref. Dir. Berry. Lovberg / Dir.: Herbert von Karajan (1960) / ANDROMEDA / Ref.: 4CD 00273 (4 CD) D5 x 2 VINCENZO BELLINI (1801-1835): La Sonnambula / Sutherland. Flotow y otros) / RCA Orchestra. Kraus. una tetralogía wagneriana de excepcional sonido conducida por Kempe en el Festival de Bayreuth de 1960….. con el propio compositor al piano) como instrumentales (con la trompa de Denis Brain. Draksler y Patzak bajo la batuta del inefable Kurt Richter.: Günter Wand (1954) // ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Concierto para piano / Walter Gieseking.: Ray Heindorf y Ray Sinatra / ARCHIPEL / Ref. Windgasssen. The Holly & The Ivy / Maddy Prior. Dir. Dir.: ANDRCD 9080 (2 CD) D13 x 2 JOHANN STRAUSS (1825-1899): Die Fledermaus / Wächter.: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. 86 / Ebers. Dir. Berry / Dir. Mención especial merecen The Lyndsays interpretando cuartetos de Janacek y Dvorak y tres discos dedicados al extenso mundo del villancico inglés.: Rudolf Kempe. Schmitt.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Nilsson / Dir. Berry. Fischer. Uhde.: ARPCD 0514 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das klagende Lied / Janowitz.: Raymond Leppard (1959) / ANDROMEDA / Ref.: Franco Capuana (1958) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Corelli.: ARPCD 0515 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911: Sinfonía nº 3 / Orquesta de la Radio de Colonia (1960) // Obras de Brahms y Debussy / Dimitri Mitropoulos. Beethoven. dirigida por el gran Leppard. Crespin. Grümmer / Dir. una asombrosa Tercera de Mahler con Lucretia West y Dimitri Mitropoulos (¡¡en su última grabación!!) o una Canción del lamento cantada por (ni más ni menos) Janowitz.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Elms. Fehringer / Kölner Rundfunkchor y Orquesta. Stewart. Myto Historical Line nos sorprende con una “alfombra roja” de auténtico lujo: un Andrea Chénier parmesano con Stella. Jubilate y siete arias / Felicity Lott. Sneak’s Noyse / REGIS / Ref. London Mozart Players.: RRC 1365 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES Y MODERNOS / Choir of the New College Oxford.: 2CD 00258 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): El Oro del Rin / Uhde. Kunz. Klein / Vienna State Opera Orchestra.: 3CD 00271 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Siegfried / Hopf. / Dennis Brain. guitarra.: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: RRC 1363 (1 CD) D7 JOAN SUTHERLAND: Arias de ópera (Su primer recital de ópera para Decca de 1959) / Joan Sutherland. Rouleau. Patzak / Vienna Radio Orchestra. Dir.: Günter Wand (1951) / ARCHIPEL / Ref. mejor que nadie. Pears.: 2CD 00261 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Die Meistersinger von Nürnberg / Greindl. Carlyle.: RRC 1347 (1 CD) D7 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Exsultate. soprano / REGIS / Ref.: Bruno Walter (1960) / ARCHIPEL / Ref.: ARPCD 0511 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das Lied von der Erde / Forrester. piano. Dukas. Draksler.editorial 200 / febrero 2011 61 zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco La triple entente del grupo Archipel cruza la frontera de Diverdi para ofrecernos de nuevo otro insólito catálogo de piedras preciosas. Hotter / Dir. Nilsson / Dir.: ARPCD 0512 (1 CD) D13 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Misa en Do mayor.: ANDRCD 9070 (2CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Die Zauberflöte / Frick. no se queda atrás: a la grabación referencial del Samson haendeliano (Vickers. tanto vocales (con el primer recital para Decca de la inigualable Joan Sutherland. Stolze. director / REGIS / Ref. soprano.: ANDRCD 9077 (3 CD) D3 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Sinfonías completas. director / REGIS / Ref. Sinclair / Royal Opera House. Stolze.: Joseph Keilberth (1960) / ANDROMEDA / Ref.: ANDRCD 9082 (3 CD) D3 Los expertos del sello británico Regis siguen indagando en los más variopintos fondos discográficos para recuperar y acercarnos a bajo precio álbumes de recomendable disfrute. Enrique Bátiz. Adam. . Dennis Brain. ¿A qué están esperando? ¡¡A por ellos!! MARIO LANZA: Arias de ópera famosas (Donizetti.: RRC 1359 (1 CD) D7 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido. Michael Gielen. Töpper / Dir. op.: RRC 1330 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES INGLESES: Ding Dong Merrily. Orquesta Sinfónica del Estado de México.: RRC 1357 (1 CD) D7 ALEXANDER GLAZUNOV (1865-1936): Sinfonía nº 6 / London Symphony Orchestra. Benjamin Britten. trompa / REGIS / Ref.: Lorin Maazel (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. La temporada navideña ha sido fecunda en exhumaciones y reediciones. Lewis / New York Philharmonic. Köth. Andromeda. Corelli y Bastianini. Sciutti.: Dimitri Mitropoulos (1960) / ARCHIPEL / Ref. por su parte. Edward Higginbottom. Waechter.: ANDRCD 9079 (5 CD) D4 x 2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): La Pasión según San Juan. Yondani Butt. ANTONIN DVORÁK (1841-1904): Cypresses / The Lindsays / REGIS / Ref.: ARPCD 0517 (2 CD) D13 x 2 UMBERTO GIORDANO (1867-1948): Andrea Chénier / Stella.: Herbert von Karajan (1960) / ARCHIPEL / Ref. Winter Words. Stolze. Lazzari. director / REGIS / Ref. Höffgen. Wunderlich. The Carnival Band. y he aquí la prueba: si en el propio sello Archipel encontramos.: Kurt Richter (1960) / ARCHIPEL / Ref.: 3CD 00276 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Parsifal / Beirer. recientemente fallecida.: ARPCD 0471 (2 CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Réquiem / Price.: 4CD 00272 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Götterdämmerung / Hopf. directora / REGIS / Ref. Verdi. tenor. Walter. Dir.: 4CD 00279 (4CD) D5 x 2 GEORG FRIEDRICH HAENDEL (16851759): Samson / Vickers. Unto us A Boy Is Born. Dittersdorf.: RRC 1362 (1 CD) D7 EL ARTE DE DENNIS BRAIN: Obras de Haydn. Kunz. Dir. Sutherland / Orquesta y Coro de la Royal Opera House. Vienna Pro Musica Orchestra. Mozart. Kraus. Seven Songs of Michelangelo / Peter Pears. Schumann. BWV 245 / Grümmer. Di Stefano. Varnay / Dir. Oberturas / Philharmonia Orchestra.: RRC 1361 (1 CD) D7 FRANZ LISZT (1811-1866): Conciertos para piano nº 1 y 2 / Alfred Brendel.: RRC 1335 (1 CD) D7 VILLANCICOS DESDE CAMBRIDGE / Choir of Clare College Cambridge.: 4CD 00274 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Lohengrin / Adam. Windgassen.

lo que en Diverdi importa es la pasión. habida cuenta de las dificultades que. 400 por hacer un homenaje a la película Los cuatrocientos golpes. Se escribe de lo que sea con pasión. Los discos y las entrevistas se han visto complementados por secciones de actualidad o libros. “facilitar el acceso a las novedades más destacadas que el mercado vaya generando. según el editorial.com. cuya fotografía en Wahnfried ante la tumba de Wagner en Bayreuth mereció los honores de portada en el número 117. de Truffaut. Desde entonces Diverdi ha crecido en todo. a partir del 31 el boletín comenzó a llamarse Diverdi sin más. Feliz resaca. Se diseñan sus páginas con pasión. y han pasado casi 20 años desde aquel octubre de 1992 en que salió a la luz el primer número de Diverdi Classics. y hasta recientemente por una extensión en formato digital bautizada como diverdi. aquellos que se salen del repertorio habitual”.” – nº 1 – – nº 200 – “Decíamos ayer…”. compañeros. lo que en Diverdi importa es la pasión. Diverdi recapitulaba su estado numérico: 3. El número 201 está ya a la vuelta de la esquina. Con unas y otras cosas hoy el veterano boletín es una revis- ta rigurosa e imaginativa de primer nivel. por encima de todo. 5944 discos comentados. El primer boletín se limitaba a cuatro páginas en blanco y negro. Son fieles a sus páginas los especialistas más prestigiosos del país.829 artículos publicados. Blas Matamoro. El espíritu de los que hacen y colaboran en Diverdi se escapa al análisis exclusivamente profesional. veteranos y jóvenes. O. Se escribe de lo que sea con pasión. Vio hace 20 años que una empresa de las características de Diverdi tenía futuro y que un boletín como éste era consustancial a su filosofía de reflexión y comunicación. 87 colaboradores. pero sus responsables se siguen sintiendo a gusto con la denominación de boletín y hasta no desechan la de hoja parroquial que tanto le gustaba a Ángel-Fernando Mayo. Y redoblamos el entusiasmo y la afectividad con los lectores que nos acompañan mes a mes. de manera especial. pero en ellas ya firmaban colaboradores tan esenciales en esta aventura como Fernando Fraga. pero. o no se ” escribe. sobre todo de aquellos consagrados a autores. en la mayoría de los casos. de enero de 2002. Santiago Martín Bermúdez. y también por los que no escriben y desempeñan las tareas más inverosímiles para hacer posible que cada mes salga a la calle un nuevo ejemplar. por encima de todo. obras e intérpretes de especial interés”. un boletín de información discográfica cuyos objetivos fundamentales eran. Por él hay que brindar en primer lugar. 157 sellos discográficos y una tirada en ese momento de 8. 200. Hay que levantar la copa a continuación por todos los que escriben. Reivindicaba también la declaración de intenciones fundacional “poner a disposición del lector la información más completa sobre los discos ofrecidos. Gian Castelli y Miguel Ángel Coll. artículos sesudos o llenos de chispa y fantasía. que ha ido creciendo sin desfallecimientos y sin perder en ningún momento sus señas culturales de identidad. 20 entrevistas. mejor. su director. En el número 100. se vive la elaboración de cada número en todos sus aspectos y a todos los niveles con pasión. pero. A estas alturas del número 200 un chupito solo resulta insuficiente. tal vez. La borrachera está garantizada. A partir del número 13 llegó el color con una imagen de Rossini en portada. Fueron los comienzos humildes de una empresa. tiene que salvar el melómano para conseguir los títulos que le interesan y.di v e r di editorial el chupito Lo que importa es la pasión Juan Ángel Vela del Campo “Son fieles a las páginas del Boletín los especialistas más prestigiosos del país. . que para algo este boletín tiene también un ramalazo cinéfilo que comienza en Juan Lucas.000 ejemplares. justo después de su fallecimiento. y no solamente a nivel español. porque así es la vida. La única foto de la primera portada era de un disco dedicado a Bach con el pianista Sviatoslav Richter. Hay que brindar muchas veces. Recordamos con especial afecto a los que nos han dejado. o no se escribe.