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sellos en distribución exclusiva (Febrero 2011)

editorial

200 / febrero 2011

boletín de información discográfica año XX nº 200 febrero 2011

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los sellos señalados con un * poseen un catálogo gratuito a disposición de nuestros lectores

accent aeon agruparte almaviva * alpha * altus ambroisie analekta andromeda anima e corpo arcana archipel ar re se arsis arte verum arts asv audite * avenira bbc legends * biddulph bis bmc bongiovanni bridge brodsky records camerata carus * cdm challenge christophorus coe records col legno columna música cpo cypres dux * dynamic * ecm enchiriadis ensayo etcetera * eufoda fuga libera gaudeamus gebhardt globe glossa golden melodram gramola hänssler idis immortal ina * ivm kairos * klara lindoro london sinfonieta orquesta mdg dabringhaus & grimm * medici arts melodiya mode * musique en wallonie myto * naïve * nar neos * new world records * nmc olive music ondine * opera rara * opera tres orfeo * passacaille pentatone ponto preiser ramée raumklang regis * ricercar royal concertgebouw o. soli deo gloria stradivarius * supraphon * tahra testament timpani tudor trito verso vms wergo * wigmore hall live winter & winter zig zag

16

Entrevista con Céline Frisch y Pablo Valetti
Los creadores de Café Zimmermann analizan para Diverdi su trayectoria artística

índice

20

Bach: matemáticas sonoras
Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El arte de la fuga

26

Mitos y susurros
El nuevo libro de J.M. Sagarmínaga evoca medio siglo de lírica en España

30

Britten reina en Glyndebourne
El sello del festival inglés presenta un extraordinario Peter Grimes grabado en 2000

31

El Bartók de Fricsay
Audite publica las grabaciones bartokianas del director húngaro para la RIAS

35

Chopin impresionante y revelador
Un monumental estuche de 21 CDs ofrece una auténtica integral de la obra del músico polaco

40

Mackerras, un australiano en Praga
Supraphon documenta la relación del director recientemente desaparecido con la música checa

44

Fantasmas del pasado
La pasajera de Weinberg, un escalofriante drama lírico en DVD de Neos

47

La vuelta de Henze
Cybele dedica un triple CD con entrevista al gran compositor alemán

54

Entrevista con Tomás Garrido
“Al ser escuchada, la música se convierte en otra cosa”

62

el chupito: Lo que importa es la pasión

Diverdi, S.L. Eloy Gonzalo 27 (entrada por Santísima Trinidad, 1) 28010 Madrid tel.: 91 447 77 24 fax: 91 447 85 79 www.diverdi.com e–mail: diverdi@diverdi.com La discografía incluida en este Boletín se puede adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac y en las principales tiendas del país. Director: Juan Lucas (juanlucas@diverdi.com) Diseño: Valentín Iglesias Realización: Diverdi Maquetación: Jose Pascual (macprimo@diverdi.com) Publicidad: diverdi@diverdi.com Dep. legal: M-10066-94 Solicitado control de OJD

disponible en el sello Hänssler. con curiosas transcripciones e infrecuentes piezas francesas y chipriotas junto a versiones magistrales de obras fundamentales. incluye un reciente lanzamiento en el sello Anemos (Castor et Pollux de Santiago Lanchares. Su Lucia di Lammermoor grabada en Cagliari ha sido editada por Dynamic. todo bajo la dirección de Carlo Rizzi. como ya demostró en el papel de Sandrina en la reciente versión en concierto de La finta gardiniera de Mozart dirigida por René Jacobs en Oviedo. podremos escuchar refrescantes interpretaciones de música de Domenico Scarlatti. Madrid. Chopin. La extensa discografía de este pianista indonesio. dedicada a nuestra nueva música. Para conmemorar el 300º aniversario del nacimiento de Bárbara de Braganza. Valencia. Lucia di Lammermoor y Maria Stuarda. Estará acompañado por la Orquesta Sinfónica de Galicia. Gounod. con un primer disco titulado Yo soy la locura). Sukarlan actuará también en Madrid. betrübte Schatten). acompañada por el pianista Massimiliano Bullo. Otra recuperación de patrimonio tendrá lugar en el concierto que ofrecerá La Real Cámara bajo la dirección de Emilio Moreno. Sevilla. La soprano nacida en Liguria es bien conocida por sus impetuosas interpretaciones de papeles como las protagonistas de Lucrezia Borgia. Universo Barroco. En Pygmalion. Lanchares y Perón Cano. Teatro de la Maestranza. En el haber de Rilling está la colección completa de Cantatas de Bach. Palacio de la Ópera. el último disco de estos hermanos en Winter & Winter. junto al percusionista Miquel Bernat). Karthäuser grabó un gran Stabat Mater de Boccherini en Ricercar con Les Folies Françoises. Málaga. Amore X Amore. 10 de marzo de 2011 foto © Holge Schneider Bel canto en Sevilla Los aficionados sevillanos a la pirotecnia belcantista tendrán un infrecuente regalo en el Teatro de la Maestranza. acompañados por la soprano Soledad Cardoso. bajo el título Soberano manjar. las transcripciones que realizó Liszt sobre las sinfonías de Beethoven (y una versión de Das Lied von der Erde de Mahler). Bien conocido por sus grabaciones en grandes discográficas. Facco. Pygmalion y Anacréon. La habilidad de los intérpretes en este repertorio puede ser comprobada también en dos recientes discos de Glossa: Il più bel Nome de Antonio Caldara y La Tirana contra Mambrú. La Coruña. ha sido lanzado al mercado recientemente. Sala María Cristina. Jauchzet Gott in allen Landen y nº 202. Madrid. Weicht nur. donde la diva italiana Mariella Devia (cuya última actuación en esta ciudad fue en 2009 con Tancredi de Rossini) dará un recital con piezas de Massenet. Tritó (David del Puerto en ambos). o como Violetta de La traviata . el maestro alemán regresa con un repertorio al que lleva realizando una colosal contribución a lo largo de toda su carrera: la música de Johann Sebastian Bach. llegarán a Valencia de la mano de William Christie y Les Arts Florissants. en una producción de 2010 del Festival de Beaune. con un amplísimo repertorio que abarca obras de Chopin. así como en el papel titular de Susanna de Haendel. 12 de marzo de 2011 El regreso de Rilling a Galicia Helmuth Rilling fue el primer director de la Real Filharmonía de Galicia y. con Raquel Andueza como solista (quien acaba de lanzar su propio sello discográfico. Vallejo. además de discos en Stradivarius. una Suite orquestal y un Concierto para violín. 4 de febrero de 2011 Fundación Juan March. 4 de marzo de 2011 La maestría al piano de Katsaris La Sala María Cristina de Málaga albergará este mes el talento pianístico de Cyprien Katsaris. Concerto Zapico. Además de obras de Illana y Torres. (Forma Antiqva) Auditorio Nacional. Col legno (Jesús Rueda) y Verso (Lanchares). Forma Antiqva ha preparado con minuciosidad la edición de dos cantadas de San Juan y Literes. El programa ofrecerá dos cantatas (nº 51. 4 de mayo de 2011 5 5 Karthäuser nos seduce Dos ballets de Rameau. Nebra y Rodríguez de Hita. será interpretado en La Coruña por uno de los solistas que más están apostando por la música contemporánea española: Ananda Sukarlan. mientras que el álbum previo. Palau de la Música. 24 de febrero de 2011 5 Indonesia en España muchos más conciertos en diverdi. Santiago de Compostela. que interpretará además la Sexta Sinfonía de Sibelius y Don Juan de Richard Strauss. habitualmente magistral en la música dramática del XVIII. Donizetti y Bellini. Amour será la luminosa voz de Sophie Karthäuser. Madrid. Anima e Corpo. Bach. un auténtico cofre del tesoro repleto de grabaciones nuevas y antiguas por descubrir. Katsaris lleva una década editando discos en su propio sello –Piano 21–. y recientemente ha dirigido en Carus el Messiah del compositor sueco Sven-David Sandström. actuación disponible en el sello Bongiovanni en la que estuvo dirigida por Daniele Callegari. dirigida de nuevo por Christie.4 di v e r di conciertos & actualidad conci e rt o s & ac t ua l i da d El “Universo Barroco” Formando parte de la nueva serie del CNDM. ha sido nominado este año en los International Classical Music Awards. los hermanos Zapico como Forma Antiqva ofrecerán un nuevo repertorio de cantadas del siglo XVIII. Además de dos recientes lanzamientos cantando Mozart (con orquesta y con piano). García Abril.com El reciente concierto para piano That Scream Called Silence de Eduardo Soutullo. con ocasión del 15º aniversario del concierto inaugural de esta orquesta compostelana. obra dedicada a Rilling Auditorio de Galicia. 26 de febrero de 2011 . La solista vocal será JuliaSophie Wagner. Schumann. donde dará en mayo un recital con obras de Rueda. Corselli. además de discos de recitales. 19 de febrero de 2011 (La Real Cámara) Auditorio Nacional.

sonarán también en el Euskalduna las más egregias sinfonías y conciertos de Mozart. Hurel. nos permite disfrutar de una claridad de texturas que pocos de sus colegas directores alcanzan. En su próximo disco. Das Neue Orchester. Zimmermann. El festival contará con el concurso de agrupaciones tan prestigiosas como el Cuarteto Arriaga. y Dean Dixon dirige al Coro y Orquesta de la Radio de Hesse. destacar la presencia de artistas consagrados como el bajo Peter Schöne. titulado Tenebrae. se centra en Lamentaciones de Jeremías para una sola voz. Mientras esperamos futuras grabaciones de Enrico Gatti en Glossa. Günter Neuhold.A. Glossa acaba de remasterizar la grabación original del sello Symphonia. La partitura de Igor Stravinsky para el melodrama lírico Perséphone no ha sido grabada muy a menudo desde su estreno en 1934. 5 y 6 de marzo de 2011 tendrá lugar en el Palacio Euskalduna de Bilbao la décima edición del maratoniano festival Musika-Música. que recientemente han actuado en Madrid con el repertorio de su primer disco en Glossa L’Adoratione de Maggi. Cristofaro Caresana. Pennetier. la Orquesta Sinfónica y la Sociedad Coral de Bilbao bajo el rectorado de batutas tan experimentadas como Christoph Spering. que este año centra su programación en la figura de Wolfgang Amadeus Mozart.T E L E T I P O . antiguo obispo de la ciudad de Tours. Junto a él participa la actriz alemana Doris Schade en el papel hablado de Perséphone. quintetos. Transfiguration) y los protagonistas son Johanna Rusanen-Kartano. tríos. y ha dado como fruto inspiradas interpretaciones de un extenso plantel de compositores entre los que figuran B. y más. Scelsi. comenzando por un nuevo disco de Antonio Florio e I Turchini. por supuesto. Festival Musika-Música de Bilbao Los días 4. Zabaleta y los violinistas A. Es un placer saludar el próximo lanzamiento en el sello Passacaille de la segunda grabación de Ponseele al frente de Il Gardellino en la serie dedicada a cantatas de Bach. lleva cincuenta años sin ser programada. El nuevo disco. Un ejemplo en este tiempo previo a la Semana Santa será el del sello independiente e “internacional” Glossa (merecedor de al menos nueve nominaciones a los International Classical Classical Music Awards de este año). Ivaldi. Martinu. tiene el aliciente añadido de estar protagonizado por alguno de los principales cantantes bachianos de la actualidad. desde luego. titulado Manto and Madrigal. Zehetmair toca junto a su esposa. cuna de este grupo. la flautista J. Entre los solistas. que será pronto lanzada al mercado. la intérprete de viola Ruth Killius. en parte por el polémico tema que trata: la revolución húngara de 1956. Marcel Ponseele es uno de los mejores artistas discográficos de las últimas décadas en música barroca. ha escogido revisitar las glorias bachianas de la Pasión según San Juan como parte de la serie The Grand Tour de la Orchestra of the Eighteenth Century del director holandés. Pasquier junto a la de talentos emergentes como los pianistas Judith Jáuregui o Iván Martín. intérpretes (Ensemble Aurora) y. Schumann y Heinz Holliger. es figura notoria en el La colaboración entre el violinista Th om as Zehetmair y el sello ECM dura ya veinticinco años. Mientras aquel disco inaugural se centraba en música de un subestimado compositor del Barroco napolitano. Bartók y Holliger. quien. la Sinfonia Varsovia. así como una amplísima selección de su mejor música instrumental y de cámara (cuartetos. Historia Sancti Martini. Pérez o M. Salieri. y será pronto editada. sello escurialense desde hace años. Steck o R. Esta recuperación de antiguas polifonías y cantos gregorianos nos ofrece una panorámica fascinante del repertorio de aquellos tiempos. Por su parte. Bach. Se trata de una actuación protagonizada por el mítico tenor alemán Fr itz Wunderlich. los pianistas Ranki. sello fiel a las obras de este compositor.T E L E T I P O . cuya música es considerada “excepcional” y “merecedora de ocupar un destacado lugar en la historia de la música” tanto por Florio como por su habitual asesor musicológico Dinko Fabris. Por descontado. que se convierte en nuestros días en un mar de oportunidades discográficas al que todo sello se enorgullece de hacer aportaciones. el Ensemble Vocal de Lausanne. Este nuevo disco incluye las Cantatas BWV 131 y 177. La nueva serie del sello AEON dedicada a la música medieval va creciendo. pero esta obra paradigmática de su periodo central y neoclásico fue interpretada en 1960 en la Sendesaal de la Radio de Hesse en Frankfurt am Main. Zelenka. además de Aus der Tiefen rufen wir de Graupner. Este nuevo lanzamiento. este pasado septiembre se estrenó en Tampere y fue grabada posteriormente en estudio por Ondine. las diferentes salas del Euskalduna acogerán los 66 conciertos programados. que reúne música del siglo XIII de las cuatro principales festividades dedicadas a San Martín. Gaetano Veneziano.F. fantasías. . de su música. como Markus Schäfer. El cuarteto de solistas vocales está encabezado por la soprano Caroline Weynants. la Real Filharmonía de Galicia o. reaparece felizmente en este catálogo su disco de 1992 con las Lamentazione per il Settimana Santa de Alessandro Scarlatti. Mati Turi y Jorma Hynninen. La intensa afinidad de Brüggen con el estilo y la expresividad de Bach. Carolyn Sampson y el incomparable Peter Kooy. Michel Corboz o Antoni Ros Marbá. Rey de Egipto o transcripciones para cuartetos de viento del compositor salzburgués. especialmente del de la Escuela de Notre Dame. Sin embargo. compuesta en 1960 por el finés Einojuhani Rautavaara. y se vuelve a editar por la gran calidad de sus cantantes (Cristina Miatello y Gian Paolo Fagotto). Hartmann. Queffélec. Audite acaba de remasterizar esta grabación radiofónica.conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 5 E T IP O .T E L E T I Preparando la Semana Santa Una de las grandes maravillas de la música clásica de occidente a lo largo de los siglos es el extenso y rico legado compositivo en torno a la historia de la Pasión. aparte de su tener una prestigiosa carrera a sus espaldas. La ópera en tres actos Kaivos (La mina). Süssmayr y Clementi. tan infrecuente en el repertorio stravinskiano. que abordan el repertorio mozartiano desde todos los ángulos posibles: obras tan insignes como la Misa de la Coronación en Do mayor o el Réquiem en re menor se acompañarán de rarezas como el drama escénico Thamos. Da Ponte. Frans Brüggen. grabado en vivo. debido a su exquisita e inteligente interpretación de la música para oboe de Johann Sebastian Bach. Antoine Guerber y Dialogus in Musica han realizado una nueva grabación. el segundo nos presentará a otro. L. divertimentos y sonatas) y un escogido muestrario de fragmentos operísticos. y está protagonizado por el impresionante talento vocal de la soprano Valentina Varriale. obras de Peter Maxwell Davies. ¶ Rebautizadas para la ocasión con los nombres de Haydn. El Bacha. Hanno Lintu dirige a la Tampere Philharmonic (como en el nuevo disco de Camilla Nylund. la Ritirata. Tres nuevos lanzamientos demuestran sobradamente el profundo talento artístico de esta firma.

está convencido de la validez del uso. llevándolos al estudio de grabación e impulsando constantemente el resultado comercial de los discos que producía. declaró: “Nuestro propósito y ambición es elevar la reputación de la orquesta tanto por medio de giras y actuaciones en los más importantes festivales como a través de la grabación de discos. Otro propósito de Kreizberg era traer a Mónaco. Pacheco fue. Heitor Villa-Lobos fue un gran compositor. MIDEM. entre tantas otras. celebrado en Cannes. su fino olfato y un incuestionable encanto personal le hicieron descubrir y reunir artistas. como “artista residente”. junto al astro del violonchelo Daniel Müller-Schott. en el sello Wigmore Hall. OPMC. que acaba de ser presentado en la reciente feria del mundo discográfico clásico. como Hannibal. Valladolid (9 de marzo) y Oviedo (10 de marzo) tendrá oportunidad de comprobar la evolución de la orquesta del Principado desde que el director americano de origen ruso tomase sus riendas en sustitución de Marek Janowski. juntos y en solitario. Sumándose a la serie de grabaciones que CPO está dedicando a la música orquestal de George Antheil. mucho tiempo después de su espectacular éxito como revolucionario musical en los años veinte con su Ballet mécanique. Hilary Summers (Disinganno) y Anna Stephany (Piacere). a la fulgurante estrella del violín Julia Fischer. Los solistas serán Lucy Crowe (Belleza). foto © Paco Manzano . Nacido en 1950. un excelente fotógrafo. Carus editó recientemente un notable disco de Creed dedicado a obras del camaleónico André Jolivet. también con título sugerente: Après un rêve. Pacheco dedicó gran parte de su carrera a su labor de productor musical. La labor de Nuevos Medios como importadora y distribuidora.” La consecución del primer foto © Marco Borggreve Ambiciones de Monte-Carlo propósito queda demostrada por los numerosos conciertos programados en España esta temporada. y que. tanto por cantidad como por calidad. Heinrich Ignaz Franz von Biber escribió las Vesperae longiores ac breviores una cum Litaniis Laurentanis en 1693. Picapau y la Bachiana brasileira nº 9. también en Naïve. El director de The Early Opera Company. Piau ha contribuido recientemente al repertorio de la Segunda Escuela de Viena junto al Quatuor Diotima. En esa fecha el compositor estadounidense ya había regresado a su patria. Marcus Creed. además de tres discos con obras orquestales de Stravinski. y supo compaginar con éxito ambas actividades. Desde los años ochenta se involucró profundamente en la apertura del mundo flamenco a otros campos musicales (Nuevos Medios ha sido calificada como “la Motown del flamenco”). Chausson y Poulenc). fallecido el 26 de noviembre de 2010. Y lo sería porque él ha sido una fuente de inspiración para todos aquellos que pensamos que la ‘industria’ no tiene sentido ni interés sin la pasión. Entremezclando de nuevo los repertorios alemán (Mendelssohn.T E L E T IP O . estrenada en 1954. que logró poblar el triste paisaje discográfico español con sellos de culto en el campo del jazz y otras músicas. en cuyo idioma destaca Piau (su versión “expandida” de Les Illuminations en NMC fue toda una revelación). Rough Trade o ECM. al frente del SWR Vokalensemble Stuttgart ha realizado para el sello Hänssler una selección de piezas de este insigne y prolífico autor brasileño que incluye las inéditas Préces sem palavras entre obras más populares como el Chôro nº3. del ritmo basado en la danza natural. arrancará con un disco dedicado a Ravel (el ballet completo Daphnis et Chloé) y Debussy. han desarrollado gran actividad y protagonismo en el sello Pentatone durante estos últimos años (muy pronto aparecerá un estuche con los Conciertos para violín de Mozart con Fischer y Kreizberg). aún más en aquellos tiempos pioneros en los que estaba todo por hacer. ha sido y es un ejemplo que algunos hemos tratado de emular. llegará la ópera The Brothers (sobre la historia bíblica de Caín y Abel). Precisamente este trío de artistas.T E L E T IP O . ella será uno de los solistas del Doble Concierto de Brahms en los programas españoles. La ópera en un acto refleja tanto su temprano éxito como su adopción del estilo de las películas musicales norteamericanas. El nuevo sello OPMC. más de doscientas. así lo atestiguan. si ya de por sí agotadoras. Christian Curnyn. en la música barroca. Madrid (8 de marzo). ha regresado con un próximo lanzamiento en el sello Naïve. además. que ya nos regalaron el disco Évocation. In memoriam Mario Pacheco Sería un descuido por parte de un Boletín como el nuestro no rendir homenaje a una de las figuras capitales en el desarrollo de la industria discográfica española como fue Mario Pacheco. que sigue al frente del Bach Collegium Japan). tras una intensa gira por Alemania. El público de Murcia (6 de marzo). Liszt y Strauss) y francés (Fauré. La segunda meta obtendrá sus frutos con el inminente lanzamiento del propio sello de la orquesta. Cuando hace ya tres años preguntamos en el Boletín a Yakov Kreizberg acerca de sus intenciones al hacerse cargo de la Orquesta Filarmónica de Monte-Carlo. para cuatro solistas y coro. y en especial un fino y sensible retratista. cantando en el Segundo Cuarteto de cuerdas de Schönberg. Nos demostrará su teoría de evitar los ritmos exageradamente rápidos o lentos en una nueva grabación de Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel. este nuevo programa está aderezado por canciones del inglés Benjamin Britten.T E L E T IP O Además de componer partituras para grandes formaciones vocales e instrumentales con efectismo polifónico. La pareja de recital formada por Sandrine Piau y Susan Manoff. Pacheco fue el creador en 1982 del sello y distribuidora Nuevos Medios. Andrew Staples (Tempo). hablando de música –y parafraseando el ‘chupito’ de este mes– la pasión es lo que importa. de obras para coro. y la visión de Pacheco benefició a artistas como Ketama o Pata Negra.6 di v e r di conciertos & actualidad P O . S te ven S lo ane (alumno de Eugene Ormandy) dirige aquí a la Bochumer Symphoniker. Sus fotografías de Jimi Hendrix o de Camarón. Un nuevo registro de esta obra en el sello Carus mostrará la calidad de la Schola Cantorum de Yale cuando Simon Carrington (miembro fundador de The King’s Singers) era aún su director (sucedido por Masaaki Suzuki.

¶ Por su parte. Un réquiem alemán –emparejado con la temprana Canción del entierro– y el Concierto para violín. Béla Bartók y Alban Berg. Los proyectos en curso o recientes incluyen uno de los más respetados ciclos de cantatas bachianas. o la obra completa de Jean Sibelius. El prestigio de la compañía sueca ha atraído a lo largo de los años a gran cantidad de artistas de primera fila. Mariss Jansons y el Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara encabezarán la oferta musical en cuatro singulares sesiones: un montaje del célebre Eugene Oneguin de Tchaikovski con el barítono danés Bo Skovhus en el rol titular y un taller juvenil en torno a la ópera dirigido por los solistas de la Orquesta (sábado 16) y una velada sinfónica jalonada por el poema de Richard Strauss Vida de héroe y el Primer Concierto para Piano de Beethoven –con Mitsuko Uchida al teclado– precedida por un concierto de obras para coro a cappella dedicado a Rachmaninov. El sábado 16 la pianista Mitsuko Uchida ofrecerá además. concebida para el Domingo de Pascua. ¶ Para ampliar esta información. el Festival de Semana Santa de Lucerna despunta sobre el resto gracias no sólo a una programación irresistible confiada a los mejores directores. solistas y orquestas del mundo. L’incoronazione di Poppea e Il ritorno d’Ulisse in patria) y obras sacras como Selva morale e spirituale o Vespro della Beata Vergine son todas páginas imprescindibles de la historia de la música.conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 7 Pascua en Lucerna Del 9 al 17 de abril de 2011. No pierda la ocasión. nuestra página web incorpora una nueva forma de pago. Fundado en 1973 por Robert von Bahr (que sigue siendo su alma mater). El concertino de la Orquesta del Festival de Lucerna. el sello elegido para nuestro descuento del 20% es BIS. ¶ En el apartado de recitales. El viernes. además. la idílica ciudad medieval de Lucerna se viste con sus mejores galas para recibir a los más de cien mil visitantes que año tras año acuden a esta localidad suiza para disfrutar de las festividades musicales de Semana Santa. en la actualidad cuenta con más de 1400 títulos en su catálogo. en compañía de los solistas de la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. destacamos una que durará todo el mes: un 20% de descuento en todos los CDs y DVDs con obras de Claudio Monteverdi. podrá escucharse en la Jesuitenkirche la Gran Misa de Franz Liszt. Desfilarán por su instrumento. 5 Oferta Monteverdi De entre las numerosas ofertas que irán apareciendo a lo largo del mes en nuestra página. Pensada sobre todo para nuestros clientes residentes en el extranjero. Kolya Blacher. 5 PayPal Ahora. ¶ Tras haber iniciado un estupendo ciclo Brahms el pasado mes de noviembre en el Festival de Piano. Haitink. La mayor parte de sus producciones actuales se edita en formato Super Audio CD híbrido (compatible con todos los lectores). Figura clave de la transición entre Renacimiento y Barroco. Renaud y Gautier Capuçon y Leonidas Kavakos. Tan deslumbrante programa estará protagonizado por solistas del calibre de Sally Matthews. la música sacra centrará la programación del Festival con un cartellone de lujo: el 10 de abril Nikolaus Harnoncourt y su Concentus Musicus ofrecerán La Resurrezione di Nostro Signor Gesù Cristo de Haendel. la pianista francesa Hélène Grimaud rendirá tributo a Franz Liszt incluyendo en su recital del día 10 la famosa Sonata en si menor del músico húngaro.ch Sello del mes: BIS En febrero. pueden consultar la web oficial del Festival: www. la pasarela PayPal permite no sólo pagar cómodamente a los usuarios dados de alta en este sistema. . obras de Mozart. Bernard Haitink y la Orquesta de Cámara de Europa aprovecharán el Festival de Semana Santa para ofrecer tres nuevas entregas del ciclo (los días 9. alternativa a la ya existente pasarela garantizada por La Caixa. concebida en su momento para la consagración de la Gran Catedral del Hungría del Norte y que se programa ahora con motivo del bicentenario del compositor. u obtener información sobre la reserva y adquisición de localidades. un programa camarístico dedicado al romanticismo vienés. Y es que. y en calidad de residente. tanto sus colecciones de madrigales como sus óperas (L’Orfeo. así como por el Coro Arnold Schoenberg. sino que también acepta el pago con las principales tarjetas de crédito. sin necesidad de ser miembro de PayPal. por otro lado. unas sonatas de Eugène Ysaÿe y Bartók y piezas de Luciano Berio y Boris Blacher. ofrecerá el día 9 un programa formado por dos partitas bachianas. el ciclo sinfónico de Beethoven por Osmo Vänskä y la Orquesta de Minnesota. ¶ Por descontado. sino también a un incomparable marco alpino situado al pie del Lago de los Cuatro Cantones. la Primera y Segunda sinfonías. Confiamos con esta medida dar un mejor servicio a nuestra cada vez más numerosa y globalizada comunidad de usuarios. a cargo de Massaki Suzuki y Bach Collegium Japan. padre del violinista. impartirá entre los días 14 y 17 unas clases magistrales que tienen prevista su continuidad en las siguientes ediciones del Festival. Christian Gerhaher. 11 y 13) en las que se han programado el Doble Concierto para violín y chelo.lucernefestival. incluyendo a jóvenes talentos como el pianista Yevgeny Sudbin o el clarinetista Martin Fröst. entre los numerosos destinos musicales y las efervescentes agendas de conciertos que se le proponen al melómano en Pascua. Dupré y Kodály (ambos el domingo 17). para terminar. Jordi Savall dedicará su programa del día 12 a las célebres Vísperas de 1610 de Monteverdi y el jueves 14 Ton Koopman y su Amsterdam Baroque Orchestra and Choir explorarán la versión original de la Pasión según san Juan (fechada en 1724).

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di v e r di

antigua

El códice Chantilly y cinco mujeres
Nueva grabación del ensemble De Caelis para Aeon
Josemi Lorenzo Arribas

Notker, Tartamudo cantor del s. IX
Ordo Virtutum consagra un CD al músico medieval N. Balbulus
Josemi Lorenzo Arribas

Inspiración femenina
El manuscrito de Anna Hachenberch, por Candens Lilium
Urko Sangroniz

Después de la exigente grabación de la Missa Tournai (Ricercar RIC 265), el ensemble De Caelis, dirigido por Laurence Brisset, acomete la interpretación de una antología del códice Chantilly, uno de los más voluntariamente complejos de los bajomedievales, alarde de principio a fin, con músicas sin pausa, que nunca paran de subir, bajar, avanzando entre atrevidos saltos. Tripartito en cuanto a la atribución de las piezas escogidas para este disco, con cuatro piezas de Solage, el autor más representado, otras tantas anónimas y el resto repartidas entre otros, se ha escogido el apoyo de un arpa gótica y un organetto (Angélique Mauillon y Guillermo Pérez, integrantes de Tasto Solo) para acompañar las voces. La plantilla vocal (5 mujeres) reivindica la cultura musical de las mujeres aristócratas, como evidencian las fuentes, muchas encargadas por poderosas comitentes, y defiende con solvencia la práctica musical femenina. Compárese con la versión, también poderosa y bella, de Tetratkys (Etcétera KTC 1900, reseñada en estas páginas, centrada en las piezas a una sola voz). Muy seguras en el continuum de saltos que impone esta música de finales del XIV, empastan muy bien y hacen gala de un sonido encarnado, nada etéreo, muy eficaz, para cantar polifónicamente estos motetes, baladas, virelais y rondós, dieciséis en total que, la tentación es fácil, parecen celebrar la alegría de la vida, pasada poco ha la Peste Negra, en torno a la cismática corte papal de Aviñón. Entre los bellos títulos de las piezas, que han dado nombre a tantos discos, hallamos algunas de las más interpretadas, como el Fumeux fume par fumée, el rondeau a tres voces de Solage, de tesituras gravísimas, en homenaje a un cenáculo de intelectuales a los que les unía su afición a fumar (Europa se daba al arte del humo antes de la llegada a América, quizá con opio). Con la ley actual, sirva como pequeña reivindicación a los fumadores, y también a quienes no gustan de tal práctica, aunque, llegado el caso, tendrán que comentar el disco en el umbral que separa el dentro y fuera de los locales públicos.
CODEX CHANTILLY: En l'amoreux vergier De Caelis. Laurence Brisset, director / AEON / Ref.: AECD 1099 (1 CD) D2

Primer trabajo después de Insula Felix (aplaudido en estas páginas), dedicado a las primitivísimas músicas oficiadas en el monasterio de Reichenau, y le toca el turno al de San Gall (o San Galo), también en Suiza, de la mano del que fuera uno de sus principales músicos, el casi mítico, pero bien real, Notker, apodado el Tartamudo, o el Desdentado, prolífico compositor de secuencias, que se especializó en contrahacer músicas a textos rimados preexistentes. Para grabar este disco se ha realizado una notable labor de restitución musicológica, habida cuenta que la notación en la que se escribe esta música del siglo IX es adiastemática, es decir, que no hay pauta (líneas) bajo los neumas, con lo que es imposible saber las alturas reales de las “notas”. Por ello, se ha recurrido a ¡25 manuscritos! con correspondencias musicales de estos tropos y secuencias, teniendo en cuenta para la versión final las indicaciones semiológicas de las propias fuentes sangalenses. Stefan Johannes Morent sigue con su formación Ordo Virtutum haciendo una interpretación del canto mesurada y emocionante, diciendo el texto y permitiendo, con esta clara dicción, el disfrute de cada recurso que esconden los neumas. Se sucede la monodia adornada de mínimos procedimientos heterofónicos (Sancti Spiritus assis nobis gratia), duplicaciones a la cuarta (organum), propuestas de cantilaciones épicas (como la canción de Ludwig III, Einan kuning weiz ih, relatando una batalla ocurrida en el año 881), versiones instrumentales a partir de melodías célebres (cuatro se insertan en el CD)… en una labor oscura pero impagable para el oyente sensible. Esperamos un registro con las grabaciones de las músicas existentes del cenobio de Fulda, para así completar esta trilogía de melodías altomedievales con las que suelen comenzar los manuales de historia de la música occidental.
NOTKER BALBULUS (c.840-912): Secuencias, tropos y cantos gregorianos de la abadía de St. Gall Ordo virtutum. Stefan Morent, director / CHRISTOPHORUS / Ref.: CHR 77341 (1 CD) D2

Todo lo relacionado con el personaje de Anna Hachenberg permanece envuelto en un halo de misterio e incógnita en el que sólo se discierne su único legado, el antifonario que lleva su nombre. No es la primera vez –ni lo será– que sucede algo semejante, y cuando tras estudiar la obra se quiere trascender su mera autoría para entender las condiciones y el contexto en el que aquélla se produjo, los caminos se difuminan y el rastro finaliza sin esclarecer apenas nada. “Este libro antifonario fue escrito y anotado con gran diligencia por Anna Hachenberch, descanse su alma en eterna paz.”, así reza la anotación al mismo. Conservado en el Museo Schnütgen de Colonia, gracias a sus bellas iluminaciones podemos datar su factura entorno al año 1520. Así, los cantos que incluye –únicos en el mundo– representan la tradición interpretativa de los conventos de la zona desde el s. XIII hasta el s. XVI, conforme se iban sumando nuevas melodías a las iniciales, como por ejemplo las dedicadas a Santa Cecilia. Destacan a su vez otras en honor al Santo Evergislo, patrón de Colonia, y también las que se interpretaban durante la Anunciación, una celebración de suma importancia para toda congregación femenina como parte reforzadora de su identidad. La selección del presente disco, lejos de perseguir la plena rigurosidad litúrgica, nos permite disfrutar de una grata variedad musical y melódica, así como de los más bellos florilegios sonoros fruto de la inspiración femenina, en una interpretación que, como el nombre del conjunto creado ad hoc para el disco, Candens Lilium, resplandece por su exuberante resonancia y en la pureza tímbrica. El programa se completa con la interpretación instrumental de varias obras de Josquin Desprez y Antoine Brumel, como ejemplos de la música contemporánea a la fecha de realización de este manuscrito inédito.
VIRGO SANCTA CAECILIA: Cantos del antifonario de Anna Hachenberch (Colonia, St. Cecilia, ca. 1520) (obras de Josquin Desprez, Antoine Brumel, Buxheimer Orgelbuch y anónimos) Ensemble Candens Lilium. Norbert Rodenkirchen, director / RAUMKLANG / Ref.: MA 20044 (1 CD) D2

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Un tesoro inagotable
Misión: barroco amazónico. El nuevo disco de Sphera AntiQva explora el universo musical de las misiones jesuíticas en el siglo XVII
Andrés Ruiz Tarazona
Sphera AntiQva. foto © Juan Lucas

Por la rareza del medio en que se desarrolló –la Amazonia americana–, la música surgida en las Misiones que los padres jesuitas fundaron en diferentes territorios de América del Sur es un verdadero milagro. En las llamadas reducciones guaraníes del Paraguay, por ejemplo, se llegaron a representar óperas como El rey Orontes de Egipto, Felipe V o Los pastores del Nacimiento del Niño Dios en el siglo XVIII. Sus autores podrían ser europeos, como Zipoli, o algún indio de la reducción, que tal vez era organista, violinista, etc., y además componía. Se sabe que se representaron “al estilo italiano y en su mayor parte al son de la espineta y harpa”. Charlevoix escribió que “los jesuitas, navegando por los ríos, echaron de ver que cuando, para explayarse santamente, entonaban cánticos espirituales, acudían a escucharlos los indios en tropel, y parecían tener en ello especial gusto”. El padre Manuel Nóbrega llegó a decir: “Dadme un coro de aventajados músicos y haré cristianos a cuantos indios existen”. A muchos músicos españoles, hoy bien conocidos, y otros europeos, se los disputaban las Misiones. Del francés Luis Berger se decía que “oyéndole cantar (los indios) permanecían hasta cuatro horas como inmóviles y como estáticos”. En 1631, el general de los jesuitas en Chile escribía al provincial del Paraguay: “Menester es que V.R. use de mucha caridad con el provincial de Chile, prestando por un par de años al hermano Luis Berger para que introduzca la música en Chile”. Era Berger un hábil tañedor de cítara, tocaba el violín y fabricaba violines. El padre Nicolás Durán asegura que “aprendieron los indios con admirable facilidad a cantar y tañer instrumentos, siendo su primer maestro nuestro hermano Luis Bergier, insigne citarista”.

Un famoso cantor tirolés, llamado Antonio Sepp, llevó a cabo una asombrosa labor de enseñanza del canto a muchos indígenas de las Misiones y compuso además muchas canciones en guaraní. En 1692, Sepp había formado a buen número de instrumentistas entre los indios: 6 trompetas, 3 tiorbas, 4 organistas, 30 tañedores de chirimía, 10 de fagote o bajón. Sabemos que Sepp introdujo en las Indias arpas, trombones, zampoñas, clarines, y hasta el órgano “conquistando con esto renombre imperecedero”. Estos datos vienen a cuento por el excepcional CD que el grupo Sphera AntiQva, que dirigen Javier Illán y Pablo Gutiérrez, ha dedicado a la música en las misiones jesuíticas, titulado Misión: Barroco Amazónico. Aquellos misioneros, en su inquietud apostólica no se quedaron en Argentina, Chile y la gran provincia jesuítica del Paraguay. Ampliaron su campo de acción hacia el noroeste boliviano, donde encontramos las reducciones de chiquitos y, más al norte, la de indios moxos. El legado musical de esas comunidades misioneras es verdaderamente un tesoro y la grabación que nos ocupa es buena prueba de ello. Para llegar a realizarla han sido muy importantes los trabajos musicológicos y prácticos de Piotr Nawrot, luthier creador de los que Javier U. Illán ha llamado violines de la selva (Ed. Cuarto Centenario, 2010). Conocí a Piotr Nawrot en el tristemente desaparecido Real Musical de Madrid, donde ejerció un tiempo como maestro guitarrero. Su incansable labor en tierras americanas había ya hecho posible el resurgimiento de esta música evangelizadora, y festivales tan especiales como el de San Ignacio de Moxos y el de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos”. Pensemos que en los Archivos de Chiquitos y de Moxos hay más

de ochenta misas polifónicas y que en este último se han encontrado hasta quince arias da capo a la usanza italiana de la época, fines del XVII y primera mitad del XVIII, pues la música de las reducciones se mantuvo hasta 1767, fecha de la expulsión de los jesuitas de España. Su pervivencia ha sido precaria hasta la eclosión actual, de la que nos da buena cuenta esta grabación. El grupo Sphera AntiQva, con la cuerda completa, tiorba y guitarra, clave y órgano, bajones de hoja de palma y jerures, percusiones indígenas y europeas, flauta travesera... todos instrumentos barrocos, nos ofrece en el cedé hasta veinte cortes con suites barrocas, sonatas, pastorelas en lengua autóctona y hasta curiosidades como arias da capo en toda regla como Quid moror Maria (¿Por qué te detienes, María?) con sus ornamentos muy bien resueltos por la soprano Soledad Cardoso. Todas las obras son anónimas, salvo una Elevación en Fa, del músico toscano Domenico Zipoli, jesuita que, desde Sevilla, cruzó el océano estableciéndose en Córdoba (Argentina). Músico y sacerdote de gran talento y honda espiritualidad (había estudiado con Pasquini y fue organista de la Iglesia de Jesús en Roma), su Elevazione para órgano, arreglada para Sphera AntiQva por A. Martín Saldaña, corona con dulzura mística un disco tan meritorio como sorprendente. ¿Quién no pensaría que estamos ante un Vivaldi moxo al escuchar el Allegro de las Folias (pista núm. 3)?.

“Un disco tan meritorio ” como sorprendente.”

MISIÓN: BARROCO AMAZÓNICO: Música de las misiones jesuíticas de los indios Chiquitos y Moxos Sphera AntiQva / COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0269 (1 CD) D2

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di v e r di

antigua

Bajo el auspicio del Papa caprichoso
Una selección del Codex Medici por la Cappella Pratensis
Urko Sangroniz

Argumentos sacros
Alamire dedica un CD a las Cantiones Sacrae de Tallis y Byrd
Caronte

Salud de hierro
El coro Josquin des Préz dedica un CD al autor que le da nombre
Urko Sangroniz

Durante el papado de León X, Roma se vio abocada a un permanente dispendio económico donde las multitudinarias cacerías y los suculentos banquetes se sucedían, sin reparar en lujos ni en pecados de ningún tipo. Sus extravagancias eran bien conocidas y, por mencionar alguna, escogeremos la ocasión en la que sus súbditos contemplaron su elefante blanco, regalo del Rey de Portugal, pasearse por la ciudad como si tal cosa. Tantos excesos acabaron por menguar las en principio bien surtidas arcas papales, y aun así, la renuncia a tales caprichos resultó infructuosa. Entonces, y para hacer frente a la situación, se decidió establecer otras formas de recaudar dinero. La venta de indulgencias se convertiría en un nuevo recurso y con ello, sin llegar a ser el único motivo, surgiría la Reforma protestante, pero ésa es otra historia. Aun así, no todo fue derroche, que por algo León X era un Medici: el impulso al desarrollo de las artes era algo consustancial a él, y bajo su amparo los más excelsos poetas, pintores y músicos desarrollaron su obra para deleite del papa y sus allegados. También para el nuestro propio, pues gracias a su iniciativa podemos disfrutar hoy de las 53 obras que integran el Codex Medici. El presente disco recoge una selección del mismo con obras de De Silva, Willaert, De la Fage, Desprez, Festa y Jean Mouton, por quien el Papa sentía verdadera admiración. A excepción de la primera y la última, todas las demás pertenecen al mencionado códice. La muestra abarca desde los grandes éxitos de la época hasta otras obras menos conocidas, como es el caso de la laudatoria Gaude felix Florentia que abre el disco, por ejemplo. Bajo la precisa y detallada dirección de Joshua Rifkin, autor de la edición musical, la Cappella Pratensis imparte una lección magistral de estilo, convicción y criterio interpretativo.

Se me ocurre que cuando una reina –y no una cualquiera, sino Isabel I de Inglaterra– le concede a una pareja de músicos –maestro y alumno para más señas– “el monopolio en la impresión y venta de partituras durante 21 años”, qué menos –digo yo– que ponerse como locos a componer, publicar una colección más que notoria y dedicarle la edición a la susodicha reina. Pues bien, así debieron pensar Thomas Tallis y William Byrd cuando se vieron agraciados con tan infrecuente privilegio real, ya que en 1575 dieron a los cajistas del editor Thomas Vautrollier las notas de sus Cantiones, quae ab argumento sacrae vocantur –esto es: canciones cuyo argumento puede llamarse sacro–. Los dos autores tuvieron además la deferencia de escribir 17 motetes cada uno, número que –sin ser muy redondo ni sonar para nada a aniversario– venía a coincidir con los años que Isabel I llevaba sentada en el trono, y además, introdujeron en el prólogo –todo un detalle– unos poemitas en latín. La música contenida en estas Cantiones es –como ya se podrán figurar nuestros lectores– una maravilla. Tanto por su factura técnica como por el elevado efecto espiritual que tanto anglicanos como católicos –sumidos en un cada vez más violento enfrentamiento– pudieron encontrar en estas páginas. Alamire y su director David Skinner plantean su versión desde el reposo y la contemplación. Escuchando este disco uno tiene la sensación de estar sentado junto a un arroyo que no para de fluir, y que –y esto es lo mejor, tratándose de un grupo inglés–, de cuando en cuando se agita, sacude las aguas cristalinas y nos salpica, alentado, sin duda, por los dictámenes del texto, los mismos que Tallis y Byrd acertaron a transformar en nudos gordianos dentro un tejido sonoro asombroso.

Qué envidia –sana, por supuesto– nos da comprobar la buena salud que posee el panorama coral alemán cuando de nuevo escuchamos a otro coro germano que, literalmente, lo borda. En esta ocasión se trata del Kammerchor Josquin des Préz, del que no teníamos ninguna referencia. Ya desde el inicio, el programa monográfico dedicado a Des Préz refleja la ambición artística del proyecto con una selección de motetes de gran exigencia técnica, entre los que destacan sobre todo dos, el O virgo virginum y el Ave nobilissima creatura, a 6 partes y de considerable duración en ambos casos. Dos cánones engrosan la lista, el Ave virgo sanctissima a 5 y el Sit nomen Domini a 10 partes, de dudosa autenticidad. Pero el momento álgido llega con la Missa Pange Lingua, la última aportación al género que Josquin realizara en 1514 utilizando el himno gregoriano cuyo texto se atribuye a Tomás de Aquino. Todos los expertos coinciden en definirla como una obra capital que aúna fantasía e intelecto, pasión y mesura. En ella Desprez despliega todo su conocimiento en el tratamiento del contrapunto y, a pesar de no romper con los límites establecidos, logra sin embargo un desarrollo técnico que otros apenas pudieron imaginar. El conjunto fascina desde el inicio por la impecable afinación y por el empaste compacto, sobre todo de las voces graves. La articulación se ve empañada levemente por la reverberación de la iglesia. Destaca también el buen criterio en el uso de las dinámicas, así como el natural fraseo, más propio de otros conjuntos consagrados. Todo se aclara cuando caemos en la cuenta de que su director, que además interpreta las entonaciones de canto llano, es Ludwig Böhme, miembro fundador del Calmus Ensemble. Deseamos que éste sea el primero de muchos otros discos, los aficionados a la música lo agradeceremos. No se lo pierdan.

VIVAT LEO!: Música para un Papa Médici (obras corales de Andreas de Silva, Adrian Willaert, Johannes de la Fage, Jean Mouton, Josquin Desprez y Costanzo Festa) Cappella Pratensis. Joshua Rifkin, director / CHALLENGE RECORDS / Ref.: CC 72366 (1 SACD) D1

THOMAS TALLIS (1505-1585) & WILLIAM BYRD (15401623): Cantiones Sacrae 1575 Alamire. David Skinner, director / OBSIDIAN / Ref.: OBSCD 706 (1 CD) D2

JOSQUIN DESPREZ (1450/55-1521): Missa Pange Lingua Kammerchor Josquin des Préz. Ludwig Böhme, director / CARUS / Ref.: CARUS 83.345 (1 CD) D2

fabuloso recital barroco de Agnès Mellon y Dominique Visse en Zig-Zag Pablo J. claro está. Strozzi. acompaña con la complicidad y la discreción que precisan las pasiones íntimas desatadas. la tiorba de Eric Bellocq y las teclas de Brice Sailly. en la Florencia de los Medici (y más concretamente.). Su la cetra amorosa de Merula. La música italiana del Seicento sirve como acogedor receptáculo de este intrincado itinerario personal y artístico. los tres tienen tras sí una larga y reconocida carrera. pues. Excelente su lectura de la celebérrima Follia corelliana. siempre bien arropada por el lirone de Marco Horvat. tiranno della tua libertà de Sances. besos ardorosos. Cantai un tempo de Da Gagliano. antes que nada.: CC 72369 (1 CD) D2 PAROLE E QUERELE D'AMORE: Madrigales a dos voces de Monteverdi. una trama inextricable de sentimientos y actos. más obligado por las circunstancias (acababa de escapar de la cárcel en la que cumplía condena por un delito de pederastia) que por su deseo de conocer de cerca la música que se hacía en el país transalpino.. tan dulces son mis regresos. aplicados fundamentalmente al arte. el empleo del “chitarrone”. aquel madrigal de Cipriano de Rore en el que tan admirablemente se funden las paradojas enmarañadas de vida y arte de la que nos habla este disco emocionante: Aunque con mi partida me sienta morir. es decir. cuerpos deseantes. madrigales y cantatas que parieron los grandes maestros de la monodia italiana del siglo XVII. como afirma la soprano en una nota de esclarecedora franqueza incluida en el folleto acompañante. Todo un hallazgo. Dominique Visse Agnès Mellon y Dominique Visse arrastran una larga relación personal y artística. que el subtítulo de este Con chitarrone (“Sonatas italianas desde el renacimiento temprano al barroco”) guarde relación alguna con el término “early renaissance“. Y. Dos son sus virtudes en este registro: el buen gusto a la hora de seleccionar las piezas y el exquisito gusto a la hora de tocarlas. y Mellon L’Eraclito amoroso de Barbara Strozzi. También Rosenmüller la visitó. de encuentros y desencuentros. Descartemos. mil veces al día alejarme de ti quisiera. aunque la viola bastarda de Marianne Muller. que la mayoría de los autores que aportan obras al programa fueron barrocos y que no es la nacionalidad lo que les une. repleta de ascensos y caídas.. Rognoni y otros Agnès Mellon.” Habría que fijar. En solitario. contratenor. Lagrimosa beltà de Sances o Ti lascio anima mia de Valentini. caricias torrenciales. “las palabras se pronuncian con la voz y se cantan con el corazón”. el violonchelista Wouter Mijnders y el tiorbista Sören Leupold) hace aquí su debut discográfico. las querellas y la desesperanza se hacen más agudas: Visse les dedica Usurpator.. soprano. No hay afecto poético vinculado al amor que no quedara sellado en la infinidad de arias. Ensemble Barcarole / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. sino el haber compuesto sonatas al modo italiano. Dominique Visse. desde 1469 hasta 1492). Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos dúos inolvidables. LEUPOLD TRIO: Con Chitarrone (Sonatas italianas del primer renacimiento al barroco) Leupold trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. eternos gozos. celos aterradores. además. de palabras y querellas de amor. pues. Uno podría plantar su hamaca y quedarse allí toda la vida entre labios ardientes.: ZZT 101001 (1 CD) D2 . qué entendemos por “early renaissance“. S’el vostro cor Madonna. cada momento. Habituales integrantes del Combattimento Consort Amsterdam. renacentistas tardíos). Eso y. angustias arrasadoras. que queda bien simbolizada en este CD en el que. como los del Libro VII de Monteverdi (Interrotte speranze. pues sólo John Dowland y Gregory Howet han de ser considerados músicos renacentistas (y. el Leupold Trio (la violinista Eva Stegeman. pero sólo hay constancia de que el primero visitara Italia. Ambos fueron amigos y viajaron juntos. que era como también se conocía allí a la tiorba. Tanto es el placer que siento por la vida que obtengo en mi retorno. Los anglosajones suelen usar el término para referirse a la eclosión de los ideales humanistas. Fundado en 2003. de alegrías y amarguras. así. al periodo en que gobernó Lorenzo el Magnífico.. Vorrei baciarti. partir quisiera cada hora. Vayón “Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos ” dúos inolvidables. creado por Mellon hace unos años. inhumanas desesperaciones. por “renacimiento temprano”. El Ensemble Barcarole.antigua 200 / febrero 2011 11 Prometedor debut El Leupold Trio recorre el universo de la sonata italiana Eduardo Torrico Cuando el arte se trama con la vida Parole e querele d’amore. Sances. Dowland fue inglés y Howet parece que fue flamenco (durante años fue tenido por inglés y aún es hoy el día en que los holandeses lo reclaman como suyo). se atreve con las disminuciones de Rognoni sobre Ancor che col partire. Digamos.

Vayón Topografía de la viola Marianne Muller ofrece un recital con obras de Hume y Fischer Pablo J. condición ésta no demasiado frecuente en el gremio de la cuerda pulsada. que hacen aquí su debut discográfico: la soprano Peggy Bélanger y el tiorbista Michel Angers (siempre me he preguntado de qué se alimentan en Canadá para que haya tantos y tan buenos músicos). destacan tres libros. quien aquel mismo año publicó su primer libro de airs de cour. dedicados a Benedetto Ferrari (c.: STR 33877 (1 CD) D2 . y que explora todo el rango expresivo y las posibilidades tímbricas del instrumento. Uemura. chaconas y otras danzas escritas por Lully en sus Trios pour le coucher du roi. con Topographic Long-Range. violas da gamba. Marianne Muller. reuniendo ya hoy en su torno a un grupo de intérpretes de altísimo nivel y a una cantera floreciente. soprano.1603-1681). a las nuevas maneras de finales del siglo XVII. Lo digo ya sin ambages: desde hoy me convierto en incondicional fan de la señora Bélanger. orientadas por Lully a la creación de un estilo nacional francés que fuera reflejo de la majestuosidad y la exuberancia que se trataba de transmitir desde el Versalles del Rey Sol. tenor y dirección / ACCENT / Ref. convierte en oro todo cuanto toca. lo mejor radica en la formidable interpretación de dos desconocidos canadienses. De las obras de Ferrari que han llegado hasta nosotros. un segundo dúo y un trío final (La clepsydre). gracias a la labor de diferentes centros de formación y de maestros insignes (con Savall y Wieland Kuijken como grandes referencias). la exquisitez y elegancia del fraseo. músico dilettante y virtuoso. por su parte. Benedetto Ferrari (incluye obras de Alessandro Piccinini. que solían participar en los ballets reales. sino transitar musicalmente del tradicional estilo antiguo. La obra se abre con un dúo (¡un rock!). la famosa Amanti. en el que fue instruido por su profesor Etienne Moulinié. formada con Kuijken. quizá a rebufo del que grabara en Ambroisie el contratenor Philippe Jaroussky. que lamentan sobremanera el hecho de que no haya sobrevivido ninguna de sus óperas (paradójicamente. cual nuevo Midas. Viviani y del propio Ferrari. Acompañada cuando la ocasión lo requiere por las violas de Liam Fennelly y de Pau Marcos. es debido a su numen).12 di v e r di antigua El fuego secreto Arias de corte de Lambert y piezas de Lully. Angers. voz celestial Debut discográfico de la soprano canadiense Peggy Bélanger Eduardo Torrico Sus ochenta y seis años de vida permitieron a Michel Lambert (1610-1696) no sólo conocer muy de cerca la actividad de la corte francesa bajo dos reinados diferentes y un largo período de regencia. Liam Fennelly y Pau Marcos. Gevers. intimista y delicadísima. Música circular. Captaine Humes Poeticall Musicke. Pero más allá de eso. Musiche varie a voce sola (Venecia 1633. de Van Dyck una fuente continua de sugestiones y emociones artísticas del más alto rango. pieza en cuatro secciones (la segunda dividida a su vez en cinco partes) compuesta en 2008 por el compositor y saxofonista Éric Fischer (1961). La voz pequeña. sigue con una especie de suite en cinco movimientos para viola sola (Les Géosophiques). Marianne Muller consigue recrear con convincente intensidad y variedad de matices el particular mundo de Fischer y otorga al Capitán Tobias Hume un tono de adusta serenidad que parece el antídoto de su ardor guerrero. Musica Favola. hija de Michel.1569-1645). con recurso a ritmos repetitivos. monsieur Lully convirtiéndose en el Superintendente y Compositor de la Música del Rey y su suegro en Maestro de la Música de la Cámara del Rey. la precisión prosódica. ya no hay la más mínima duda de que el bellísimo dúo final de la monteverdiana L’incoronazione di Poppea. por Musica Favola Pablo J. que forman conocidos intérpretes barrocos (Terakado. tiorba / STRADIVARIUS / Ref. AMANTI. La relación de parentesco incrementaría sin duda las oportunidades de colaboración entre ambos músicos. Perrot). “Pur ti miro”. pero clara y nítida. Vayón Música divina. Lo nuestro ha sido amor a primera vista. io vi sò dire).: ACC 24234 (1 CD) D2 Entre los instrumentos antiguos rescatados por la ola historicista que arrancó a finales del siglo XIX y alcanzó su máximo esplendor en la segunda mitad del XX. Olvidado por completo de la práctica magistral durante más de un siglo. los dos músicos ascendieron en el escalafón. Zylberajch. En 1660. Stephan van Dyck. D'UN FEU SECRET: Arias de corte de Michel Lambert y Jean-Baptiste Lully Musica Favola. Con ser buena la música. que harían su fama futura y de las que dejaría una última edición en 1689. dos años después del fallecimiento de su poderoso yerno. la viola da gamba ha seguido un camino muy singular. 1637 y 1641). Recoge este compacto del sello Stradivarius nueve de esas monodias (entre ellas. TOBIAS HUME (1569-1645): The First Part of Ayres. Acompaña de modo impecable su grupo. Lambert se especializó en cualquier caso en la escritura de arias de corte. trufadas de piezas para tiorba de Piccinini. por supuesto. desde la emersión del recitar cantando hasta el estilo operístico propio de la mitad del siglo XVII (melodía más definida y ritmo más claro). destaca por una digitalización impoluta y por una notable potencia sonora. violas da gamba / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. Michel Angers. Al siguiente. en los cuales se constata el cambio en la monodia acompañada. en uno de los instrumentos más requeridos en las escuelas de música antigua.: ZZT 100501 (1 CD) D2 De un tiempo a esta parte han aparecido en el mercado numerosos discos. monográficos o compilaciones. su lenta recuperación se aceleró en los años 60 desde la cátedra de August Wenzinger en Basilea hasta convertirse. Castaldi. ofrece en este disco una nueva muestra al reunir piezas del reconocido mercenario escocés Tobias Hume (c. el énfasis justo sobre cada marca expresiva hacen de la interpretación. El tenor belga Stephan van Dyck presenta en este disco una selección de estas delicadas y sugerentes piezas vocales entremezclándolas con sinfonías. La voz de Bélenger es un prodigio en el que se funden su natural belleza y una dicción cuasi perfecta. Bellerofonte Castaldi y Girolamo Viviani) Peggy Bélanger. Lully se había casado con Madeleine Lambert. ERIC FISCHER: Topographic LongRange Marianne Muller. quien. la viola da gamba es uno de los pocos instrumentos relacionados con la música antigua que ha generado un repertorio propio en nuestros días. Eso ha contribuido a que Ferrari adquiera una cierta popularidad entre los amantes del Seicento. IO VI SÒ DIRE: Música variada para voz sola del Sig. piezas para voz solista y acompañamientos de cámara diversos.

maderas. pone en escena en sus convocatorias bienales grandes óperas barrocas. dirigidos por los arriba citados. quien hizo grabar en su sarcófago una sentencia de Pablo de Tarso a los Filipenses: “Cristo es mi vida. una delicadeza. el conde Heinrich Posthumus Reuss. las tierras del Imperio no fueron precisamente el paraíso durante los años centrales del siglo XVII. fundado en 1980 y dirigido por Paul O’Dette y Stephen Stubbs. con un equilibrio. ni siquiera a la señera grabación de Philippe Herreweghe en Harmonia Mundi. es bellísima. Hasta 10 solistas. en especial para aquellos que podían permitirse tiempo para la reflexión y dinero para satisfacer sus ansias de conocimiento y consuelo espiritual y artístico. el morir es ganancia” y encargó a Heinrich Schütz una pieza musical que honrara con dignidad sus pompas fúnebres. Michael Praetorius y otros) Amarcord. números puramente instrumentales (obertura. tan característica de mucha música alemana del tiempo. Además. recibieron representaciones privadas cuya fecha exacta y lugar de ejecución no nos consta. con Santiago Salaverri Azotadas fieramente por los cuatro jinetes del Apocalipsis. pero ésta que acaba de publicar Raumklang a cargo del conjunto Amarcord y de la Cappella Sagittariana de Dresde no tiene que envidiar a ninguna. un coro de 14 componentes. la obra se contextualiza en un programa hermosísimo dedicado a la música fúnebre de la Alemania de la época. ” medio de las catástrofes provocadas por la Guerra de los Treinta Años. Un hallazgo. en otro tono. de las que el sello CPO nos ha ofrecido hasta el presente tres importantes primicias: Ariadne de Conradi. Sabemos que la carrera de éste se vio condicionada por el monopolio de la creación de “tragedias en música” detentado por Lully. el ligero y sutil divertissement para la comedia La Pierre Philosophale es una farsa danzable en la que falsos espíritus de los cuatro elementos se confabulan para engañar a un cándido burgués.: RKAP 30107 (1 CD) D2 El Boston Early Music Festival. Orfeo y los cuatro elementos Fascinante recorrido a través de la música fúnebre de la Alemania Tres magníficas versiones bostobarroca a cargo de Amarcord y la Cappella Sagittariana. MARC-ANTOINE CHARPENTIER (1643-1704): Actéon. y arias y dúos bellísimos. en diecisiete secciones y concebida para cuatro solistas. La conmovedora cantata Orphée descendant aux Enfers nos lo describe enterneciendo con su lira. aquí figurada por violín. plainte).antigua 200 / febrero 2011 13 Famosas últimas palabras Acteón. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes. y una orquesta de 13 instrumentos (cuerdas. En honor de la primera escribió un delicadísimo lamento (Mit dem Amphion zwar). a las de Gardiner (Archiv) y Christophers (Coro). Schütz conoció en carne viva los horrores de su época. ahora. con escenas corales de cazadores y de ninfas. Un hallazgo. pues vio morir a su esposa Magdalena aún joven y a sus dos hijas en plena adolescencia. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes. Paralelamente.: Paul O’Dette y Stephen Stubbs / CPO / Ref. es transformado en ciervo y destrozado a dentelladas por sus propios perros. Por último. Orphée descendant aux Enfers. sei mir gnädig nach deiner Güte que fue compuesta en Leipzig seguramente en los primeros años del siglo XVIII y que nunca se había grabado antes. Motetes fúnebres de Stephan Otto. en Raumklang nianas de obras de Charpentier Pablo J. violín. con obras profanas de Marc-Antoine Charpentier. fagot y continuo. estas obras. de las que ahora nos llega el primer fruto discográfico. La “pastoral en música” Acteon recrea el mito del cazador que. o. Dirs. por haber sorprendido a la casta Diana durante el baño. cuatro ripienistas. su música se caracteriza por la perfecta fusión del estilo francés y del italiano que Charpentier aprendió de Carissimi en Roma. y Thésée y Psyché de Lully. pasó a convertirse en la principal obsesión para muchos. Johann Hermann Schein. Vayón tración. Johann Hermann Schein y Michael Praetorius y una obra organística de Heinrich Scheidemann completan un CD interpretado todo él de manera formidable. con un equilibrio. en 2008 comenzó a representar óperas de cámara. percusiones y un nutrido continuo). VON DEN LETZTEN DINGEN: Música fúnebre barroca de Alemania Central (obras de Heinrich Schütz. nos brindan una extraordinaria recreación de estas tres geniales piezas del prolífico y cada vez más conocido y apreciado Charpentier. una desnudez y una intensidad expresiva que llegan a sobrecoger. la morbidez de la línea melódica. míticos moradores infernales. Si la buena disposición para la muerte había sido siempre un asunto trascendental para la grey cristiana. que se incluye también aquí en una interpretación de una ternura subyugante debida a un tenor al que lamentablemente no se identifica. Difícilmente podía imaginar el príncipe que el músico iba a corresponder al encargo con una de las obras maestras absolutas de la música para difuntos de todos los tiempos: las Musikalische Exequien forman en efecto un tríptico en el que se resume lo mejor del arte musical de la Alemania del siglo XVII. con más de un siglo de Humanismo y de reforma luterana detrás y en “Un CD interpretado todo él de manera formidable. La visión es de una concensu toque italianizante. para voz sola y continuo. el fervor de los corales causa auténtica fascinación. Johann Rosenmüller. Johann Rosenmüller. tres violas da gamba. lo que sorprende. a Ixión y Tántalo. La Pierre Philosophale Boston Early Music Festival Vocal & Chamber Ensembles. Son muchos los registros discográficos que existen de esta obra esencial de la historia musical de occidente. pues la obra. pues. una delicadeza. Entre ellos. Suerte de ópera de pequeño formato. conocidos de grabaciones anteriores. Cappella Sagittariana Dresden / RAUMKLANG / Ref. La mezcla tímbrica del violín y las violas. El CD se abre en cualquier caso con una obra anónima escrita sobre el salmo penitencial Gott.: 777613-2 (1 CD) D2 .

De las seis voces convocadas. y Kapsberger. desde la llegada de Marco Uccellini en 1639. pero bebió en las fuentes de su escuela. El tono interpretativo es delicado y elegante. especie de cornamusa que da el tono pastoril a la obra. que conoce muy bien los vericuetos estilísticos barrocos.: ACC 24231 (1 CD) D2 . dialogo posto in musica es una muestra más del poder de los Barberini en la capital pontificia. OMBRA ET LUCE: Música para violín en la Corte de Módena (obras de Marco Uccellini. Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. Archangelo Corelli. una pronunciación más que suficiente. La Módena de la familia D’Este –de 15. Y el milagro se produjo. bastará señalar que los componentes de Ombra e luce son Georg Kallweit (violín) y Björn Colell (tiorba y guitarra barroca): dos nombres mayores en la interpretación historicista. su evolucionado instrumento moderno por aquel que de verdad tocó Pelegrina. sin estridencias ni efectismos. Guiseppe Colombi. la evolución completa de la música para violín solo en los dos últimos tercios del Seiscientos. Jan Willem de Vriend. por ejemplo. Añadan el virtuosismo de Kallweit. buena parte de las obras para oboe del compositor fueron escritas para ella. haya querido rendirle homenaje en una grabación que recoge siete bellísimos –holgaba decirlo– conciertos del compositor veneciano. Giuseppe Colombi. que no informa con detalle de los componentes) utiliza los consabidos instrumentos que antaño denominábamos originales. de Vriend Mariano Acero Ruilópez Más luz que sombra Música para violín en la corte de Módena.: RK 2905 (1 CD) D2 Publicado en Roma en 1630. había devenido en la gran personalidad musical del momento. El conjunto Echo du Danube la ofrece con un continuo variado (sin clave. cuerdas y bajo continuo Pauline Oostenrijk. lo que garantizaba su absoluta comprensión por parte del espectador. vinculado al recitativo y la monodia. pero todas demuestran un perfecto conocimiento del estilo y. jugando con la guitarra en este papel y el del bajo continuo. la Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. Vayón Dice Pauline Oostenrijk en las notas a este disco del sello Challenge que siempre ha sentido una profunda admiración por una joven que vivió en la Venecia del Setecientos y de la que sólo sabemos que era huérfana. Giovanni Battista Vitali. que el timbre del moderno oboe confiere un peculiar brillo a las notas vivaldianas y que –esto también holgaba decirlo– Pauline Oostenrijk es una oboísta sensacional. la fantasía de ambos.: CC 72389 (1 CD) D2 Una pequeña corte perdida en el puzzle políticoterritorial del Norte de Italia. Entre ellos. que se llamaba Pelegrina y que era una consumada oboísta (Pelegrina dall’oboe. mientras el grupo orquestal que la acompaña. con libreto de Giulio Rospigliosi. Unos maestros de capilla que se esforzaron por satisfacer las expectativas de sus patronos. Unos gobernantes que hicieron de la música su seña de identidad. en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Navidades romanas Oratorio de Kapsberger por Echo du Danube. que no trabajó en Módena. que se usan también en los preludios e interludios instrumentales añadidos. 1665. Giovanni Maria Bononcini y Archangelo Corelli) Modena 1665 / RAUMKLANG / Ref. El director es un consumado especialista en el experimento. gran y admirada profesional del oboe. aun admitiendo que es éste un ámbito en el que son más lo puro a lo mezclado. Maffeo Barberini era Papa como Urbano VIII desde 1623 y muchos de sus familiares ocupaban puestos claves en la organización del Estado. La instrumentación está sin anotar. GIOVANNI GIROLAMO KAPSBERGER (1580-1651): I pastori di Bettelemme y otras obras de Kapsberger y Giovanni Lorenzo Baldano Echo du Danube / ACCENT / Ref. en Accent Pablo J. Willem de Vriend. Giesu Christo. Una muy interesante novedad de repertorio. arpa y diversos instrumentos de cuerda pulsada) e incluye violines y flautas dulces. es una pastoral navideña escrita en riguroso estilo recitativo en diálogo. oboe. Maurizio Cazzati. optando por la denominada tercera vía. su amplia gama de matices dinámicos. integrada por miembros de la formación matriz “y especialistas en el repertorio barroco” (cito por el folleto. como su sobrino el cardenal Francesco. Si. I Pastori di Bettelemme nella nascita di N.000 habitantes en la segunda mitad del siglo XVII– se convirtió en uno de los grandes centros musicales de la península que. Ludovico Roncalli. O lo que es lo mismo. pese a no ser italianas. un oratorio en toda regla. Gracias al mecenazgo de los Barberini. Compartimos su admiración. Roma se había convertido en un centro clave del desarrollo musical del nuevo estilo. media docena de compositores: Maurizio Cazzati. Giovanni Battista Vitali. ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos para oboe. S. empero. su señera elegancia –a la Bergamasca de Vitali. casi desde sus primeros pasos hasta su plena madurez. desempeñaría un importante papel en el desarrollo de la música para violín. Entendemos también que Oostenrijk. Ludovico Roncalli y Benedetto Ferrari. llegado desde su Venecia natal en 1605. No ha cambiado. I Pastori di Bettelemme. con coros homofónicos a seis voces. escrito en lengua vulgar. pero con órgano. hubo de conjugar el más extraordinario virtuosismo con una poliédrica expresividad y una capacidad para los matices fuera de lo normal. al que Kapsberger dedica su obra y quien con casi toda seguridad corrió con los gastos de la edición. El efecto logrado es hermoso y lleno de encanto. con la excepción de la sordinella. Benedetto Ferrari. Sobre la interpretación. En cuanto al resultado. Como cuando Uccellini prevé un segundo violín ad libitum. hemos de reconocer que el grupo orquestal suena magníficamente. director / CHALLENGE RECORDS / Ref. me remito– y tendrán un disco con mucha más luz que sombra. como es presumible. Con una instrumentación tan “espartana” –son sus propias palabras– algunas arriesgadas elecciones se imponen. Pero una tercera vía en la que la única que mantiene el instrumento moderno es ella. que son extraídos de algunas de las numerosas ediciones de Kapsberger y de obras de Giovanni Lorenzo Baldano. realizando un ilustrativo recorrido desde el propio Uccellini hasta Arcangelo Corelli.000 a 20.14 di v e r di antigua Antiguos y modernos Conciertos para oboe de Vivaldi por P. Giovanni Maria Bononcini. la denominó Vivaldi en la única partitura en que estampó su nombre). limitándonos sólo a un aspecto concreto. Es lo que pretende ilustrar el dúo Ombra e luce en este magnífico disco que lanza el sello Raumklang. Oostenrijk y W. la más conocida es la de la soprano Constanze Backes.

con algunos gestos interpretativos derivados de la técnica del violín –como retener dominantes. se convierten en la guitarra de Korhonen en una especie de golpes de aliento. al menos. combinando el viejo estilo battente con el pizzicato puro del laúd para alumbrar el estilo mixto que desde entonces primó entre sus continuadores. que firma colectivamente el disco. pero en un puñado de piezas se hace acompañar por Nora Thiele y Daniel Zorzano. Korhonen ocupará un lugar indeleble en la historia del repertorio guitarrístico como dedicatario del Concierto de Helsinki para guitarra y orquesta de Leo Brouwer. Y se sabe que a la muerte del archiduque Alberto de Austria partió de Bruselas en compañía de un violagambista y una percusionista. Hay momentos para la introspección y la poesía. este disco tiene una doble coherencia: por una parte. más aún. XVII) The Foscarini Experience / RAUMKLANG / Ref. Bruselas. la estudiada prolongación de los bajos y un fraseo en el que se separan muy netamente los pasajes ligados. Entre sus grabaciones resulta interesante su atención por ciertos arreglos que han sufrido un notable desprecio por parte de los guitarristas actuales: ha dedicado así un disco a las transcripciones de Tárrega de música de Beethoven y Wagner (ODE 1013) y otro a los arreglos de música de Chopin que se completa con las canciones populares catalanas de Llobet (ODE 903). Y siempre. aunque éste es un camino habitual de la tradición guitarrística culminada por Andrés Segovia. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685–1750): Partitas para violín solo (arregladas para guitarra) Timo Korhonen. Implicado también con la creación contemporánea para guitarra. sobre todo. acompaña bien a su interpretación de una música a la que atribuye unas particulares intenciones retóricas. con esa grandeza excesiva nórdica que. por ejemplo– que contribuyen también a la expresión de la discontinuidad. más que una transcripción a la manera romántica de un Ferruccio Busoni imitada por Segovia. Y un punto de heterodoxia creativa. que está realizando una monumental carrera ” discográfica. es un guitarrista torrencial. el ritmo danzante y hasta la euforia.antigua 200 / febrero 2011 15 El Bach neumático en la guitarra de Timo Korhonen El guitarrista finlandés firma otro referencial registro para Ondine ¿Orden en la casa? Bendito desorden Precioso disco dedicado a Foscarini en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Javier Suárez-Pajares “Un guitarrista torrencial. Bach y. París y Venecia. una excepcional técnica y una expresividad comunicativa. a menudo con un toque de originalidad amparado en sus desbordantes capacidades para engullir repertorios. para el alborozo. guitarra / ONDINE / Ref. repitiendo hasta en el género la composición de aquel trío que hace casi cuatro siglos salió de Bruselas: es The Foscarini Experience. en particular. más viva cuando interviene el grupo.: RK 2904 (1 CD) D2 . residió. a la que ya nos referimos en el comentario de las sonatas. O mejor. ni digo. con la que debutó hace más de una década– está realizando una monumental carrera discográfica planteada en forma de producciones. S. a su música para violín solo: en marzo de 2009 salió su grabación de las sonatas (ODE 1128) y en 2010 las partitas que presentamos aquí en un doble CD que nos demuestra hasta qué punto los finlandeses no reparan en gastos y miman a este buque insignia de la guitarra escandinava.” Timo Korhonen.: ODE 1164-2D (2 CD) D2 BON VOYAGE: Música de Giovanni Paolo Foscarini (s. que reinterpreta los originales según parámetros estéticos de un tiempo distinto. que evoca un mítico disco que Lislevand dedicara a Kapsberger y. como en el disco dedicado a las sonatas. de ahí el uso de afinaciones irregulares (scordature). más descriptivas que expresivas. En la trayectoria de Korhonen. Ese punto de desorden creador –en contraposición a un “orden en la casa” que se deja caer en plena folía– que. en Roma. lo que propone Korhonen es la adaptación de la música original a los recursos idiomáticos de la guitarra. en coalición con el sello Ondine –compañía bandera de la discografía finlandesa. un capricho que se permitirían muy pocas empresas discográficas en la actualidad. Los arcos del violín. Pschicholz es el gran protagonista del disco. de las figuraciones melódicas. Esto se evidencia cuando constatamos que el segundo disco sólo contiene veintiún minutos de música. de neumas. Por lo demás. Korhonen intenta distanciarse de aquellas orientaciones. en definitiva. Sus últimas dos producciones están dedicadas íntegramente a J. sigue la vía de su particular interés por la interpretación en la guitarra de música concebida para otros instrumentos. finlandés hasta la médula. 1629-1647). Cerca de una treintena de sus piezas componen este precioso disco que el laudista y guitarrista Frank Pschichholz le dedica en Raumklang. hace fascinante este disco de principio a fin. Italiano de origen. Korhonen emplea su guitarra Weissgerber de 1928 cuya claridad y neutralidad sonora. por otra. Hay muchas zonas oscuras en la biografía de Giovanni Paolo Foscarini (act. ni creo. en los que deja las cuerdas de la guitarra vibrar libremente. En este sentido. al propio Foscarini experimentando e innovando. autodenominado il Furioso en alguna de sus publicaciones. que no es nada claro que estuvieran en la altísima abstracción de estas obras en la mente de su portentoso creador. Se dejó influir por el estilo dominante en los sitios que visitó –algunas de sus piezas exhalan un tenue aroma francés– y. con esa grandeza excesiva nórdica. Yo. La dimensión arquitectónica de la música para violín solo de Bach la interpreta Korhonen de una manera neumática: con un fraseo hecho de impulsos de aliento. cultivó el instrumento que dominaba y amaba. Pero ninguna historia de la música deja de señalarlo entre los grandes cultivadores de la guitarra en el siglo XVII. la guitarra. innovando. de esto. a borbotones.

aunque tuviésemos diferentes profesores. no sólo por enseñarme música de cámara. y ha volcado todo eso en la enseñanza de cómo debía sonar en la práctica. Jesper Christensen (quien formó parte del Ensemble 415 de Chiara Banchini). un poco de tango y también música clásica). la formación y el estudio del estilo barroco recibidos en la SCB fue crucial. PABLO VALETTI: Antes de decidir mi traslado de Buenos Aires a Europa en 1991. Andreas Staier. llevan desde 1998 deleitando tanto al público de conciertos con sus imaginativos programas. A sus clases no solo acudían clavecinistas. creando su propio conjunto instrumental bajo el nombre de Café Zimmermann. sino también todo lo concerniente al bajo continuo. folclore. como a los compradores de discos con un flujo constante de grabaciones para el sello Alpha (el grupo alcanzó su madurez coincidiendo con el exitoso crecimiento de esta discográfica francesa). hindú. Pero los frutos del entusiasmo musical de Valetti y Frisch. dado que muchos de los intérpretes que han tocado en Café Zimmermann –incluyendo a Pablo.16 di v e r di entrevista Céline Frisch & Pablo Valetti “Nuestras interpretaciones buscan la riqueza de la diferencia” Entrevista exclusiva con los creadores de Café Zimmermann Mark Wiggins fotos © Petr Skalka Pablo Valetti (PV) y Céline Frisch (CF) son dos buenos ejemplos de la actual generación de intérpretes de música barroca. como directores artísticos del proyecto y rodeados de grandes intérpretes. todo en un estilo camerístico vivaz e imaginativo. en una inmensa cantidad de estilos. los dos directores de Café Zimmermann han hecho un alto en el camino para hablar en exclusiva para Diverdi. Valetti y Frisch. con toda seguridad. y al chelista Petr Skalka– tenemos en común la estancia en la Schola. DIVERDI: ¿Qué ha supuesto para vosotros estudiar en la Schola Cantorum Basiliensis? CÉLINE FRISCH: Cuando decidimos fundar el grupo. este violinista argentino y la clavecinista de Marsella se unieron a otros músicos que compartían la misma inquietud por explorar el universo barroco y más allá. los Conciertos de Brandenburgo. como homenaje actual a aquel vanguardista Collegium Musicum creado por Georg Philipp Telemann (y dirigido por Johann Sebastian Bach) que tenía su sede en la cafetería de Gottfried Zimmermann en Leipzig. él es la primera persona que ha estudiado el bajo continuo con tanto detalle. a mí misma. las Suites orquestales y varios conciertos. La selección de obras para cada disco combina a la perfección con las reveladoras obras pictóricas escogidas y comentadas por Denis Grenier en la serie Ut pictura musica de Alpha. entremezclados. y en medio de todo esto fue creciendo en mí . Resulta especialmente destacable la serie de cinco discos dedicados a Bach (cuyo sexto y último volumen tiene prevista su aparición para el próximo otoño) que incluyen. no acaban en esta colección bachiana. Además de mi maestro de clave. Una vez completada la grabación de la serie de Concerts avec plusiers instruments. juntos o por separado. Ha analizado numerosos tratados y todas las fuentes que ha podido encontrar. para mí fue crucial una destacada figura y personalidad de nuestra etapa en la SCB. Poco antes de completar sus estudios. cuyos estudios superiores comenzaron a principios de los años 90 en esa incubadora musical que es la Schola Cantorum de Basilea. escrutando el pasado. me interesaban múltiples estilos de música (rock & roll. Creo que. sino también violinistas y otros estudiantes. presente y futuro de su trayectoria.

ni logré esa familiaridad. René Jacobs y Jordi Savall. el grupo no está constituido en torno a una o dos personas. solemos crear y elaborar sonido durante toda la obra. lo que nos unió fue que nos encantaba tocar juntos. El caso es que.: ¿Cómo nació la serie de grabaciones bachianas Concerts avec plusieurs instruments del sello Alpha? C. con sólo cuatro intérpretes. D. mientras que cuando un clavecinista ha tocado sus notas. Aunque en Basilea tuve la oportunidad de unirme y tocar con músicos con los que compartía un mismo enfoque estilístico. También empecé a interpretar a solo. Pisendel y Biber. P. Nuestro punto de vista parte de la consideración de que. Hemos de considerar de antemano cuestiones como los tempi o el carácter. Jean-Paul soñaba con encontrar un grupo con el que pudiera grabar toda la música instrumental de Bach. Para nosotros existe un modo muy distinto de desarrollar el sonido: los instrumentistas de cuerda probablemente se enfoquen más en la melodía y en el diálogo entre melodías. no sólo para Céline y para mí.entrevista 200 / febrero 2011 17 “El verdadero centro de la actividad de Café Zimmermann es la ” música de cámara. Nuestro enfoque del contrapunto contrasta con el modo de pensar en vertical del clavecinista. aunque gran parte de la interpretación es producto de la propia musicalidad de los intérpretes. foto © Petr Skalka .: Seguramente haya diferentes concepciones del sonido básico entre un violinista y un clavecinista. a causa de las diferencias de enfoque. sin duda.: ¿Qué os impulsó en 1998 a crear Café Zimmermann? P. no solo en la teoría sino también en la práctica. con el fin de crear una imagen más general de la música. C. pero siempre escuchando y tratando de dar libertad a los músicos para tocar y transmitir.: ¿Como instrumentista de cuerda. decidimos emplazar cuatro obras en cada álbum.: El verdadero centro de nuestra actividad es la música de cámara. incluían la importancia del bajo continuo en la música barroca (en aquella época no se le daba la misma importancia en otros países).: Este espíritu surgió ya en los orígenes del grupo. de hecho. Quizás esta música encaja tan bien con nosotros porque nos gusta mostrar la riqueza de cada voz y podemos beneficiarnos de la contribución de cada instrumentista.: Resultó natural formar un conjunto con nuestro grupo de estudiantes. Descubrí que había muchísima fantasía en esta música.: Tras acabar mis estudios en Basilea en 1997. Intentamos tener una visión para cada instrumento. Decidimos no interpretar diferentes versiones de la misma pieza (el Cuarto Concierto de Brandenburgo existe también como Concierto para clave). En aquella época había profesores con quienes resultaba muy fácil tener una clase. interpretar y manejarme con la fabulosa música de Bach. D. nacidos en Basilea. pues. Todo esto me resulta de especial importancia en Bach. fuese donde fuese. Mis maestros más destacados fueron Chiara Banchini y Jesper Christensen. y que resultaba. sobre todo la música alemana de los siglos XVII y XVIII. Cuando haya mucha gente involucrada. para que todo pueda sonar como música de cámara.F. y muy abiertos. estaba completamente dispuesta a encontrar algún proyecto o grupo. cuando me crucé con gente que había estudiado en Francia –en París o Lyon. Otra idea importante era la de trabajar con dos instrumentistas en el bajo. también podría existir otra instrumentación –incluso de tamaño orquestal– u otro modo distinto de ser interpretadas. por supuesto. puede abandonar la sala.: ¿Qué importancia tiene para vosotros el espíritu camerístico de Café Zimmermann a la hora de interpretar Bach? C. D.F.” un interés y afinidad por la música barroca. comencé a tocar con el violagambista argentino Juan Manuel Quintana y con Concerto Köln.F. como las escritas para la viola o el segundo violín. con la salvedad de que en nuestro último disco hemos vuelto a grabar el Concierto para oboe d’amore en La mayor. necesitas muchos más intérpretes. Dimos allí un concierto. ensayar e interpretar (evitando involucrarnos en proyectos en los que no nos encontrásemos cómodos). en lugar de pretender forzarlos a tocar como yo pienso. un chelo y un contrabajo. Considerando la serie de discos de Bach como un todo. Todos eran muy generosos con su tiempo lectivo. No creo que yo tuviese una idea muy precisa de lo que quería hacer. y asistí a clases de artistas de la talla de Christophe Coin. Lo mejor de la SCB fue la amplitud y calidad del profesorado.V. para obras que requieren un reducido número de intérpretes. Pensé entonces en contactar con varios músicos de mi época en Basilea para encontrar un modo de trabajar con gente que compartiese mis objetivos. Esta es una premisa general del grupo. muy moderna y actual. con una densa polifonía y este modo especial de escritura para cada voz. Aunque Céline y yo nos involucremos mucho en la organización y las decisiones generales que conciernen a Café Zimmermann. por esta razón.V. yo me esforzaré aún más en conseguir una clara dirección musical. quien había fundado recientemente el sello Alpha y era director en Normandía del Festival de Música de Arques-la-Bataille. pero en aquella época teníamos un número muy limitado de compromisos. y en aquel momento no disponíamos de medios financieros para ello. especialmente la del siglo XVII. Tales requisitos. donde cada voz tiene algo que decir. Sin embargo. era un perfecto repertorio con el que comenzar –nuestras primeras actuaciones incluían conciertos de Bach– cuando tu grupo cuenta con pocos miembros. Algo que resultó crucial en nuestra plasmación discográfica de todas esas composiciones bachianas fue encontrar a JeanPaul Combet. Podría decirse que mi labor es coordinar las ideas musicales del grupo. contemplas la música de Bach de un modo distinto al de un clavecinista? P. Estas obras de Bach incluyen además partes instrumentales muy interesantes. Esto dependerá del repertorio que estemos tocando. pues a menudo solíamos tocar música de cámara juntos en la Schola y en pequeños conciertos. en cuanto a tomarnos tiempo para investigar. la razón de peso para interpretar y grabar estas obras concretas fue mucho más monetaria: si quieres interpretar algunos de los otros concerti o concerti grossi del Barroco tardío. como puede ser una sonata. de música de Bach. cuantos más intérpretes haya. La idea original de fundar Café Zimmermann fue de Céline. Más que por el hecho de que a todos nos encantaba la música barroca –nos gustaba el mismo repertorio. D. como solistas de cuerda. aparte de obras italianas– . como en el Primer Concierto de Brandenburgo o las dos Suites orquestales en Re mayor. Tocar así otorga más vida e individualidad a cada músico que si se interpreta con una orquesta. En Café Zimmermann intentamos superar esos enfoques privativos de un instrumento. más tendremos que concentrar las decisiones en una sola persona. pues no podemos pasar horas y horas discutiendo.: Seguramente fuese yo quien estaba más entusiasmada por escuchar. el enfoque camerístico es más apropiado aquí que en otras composiciones cuyas voces interiores no son tan interesantes o no están tan desarrolladas.V. por ejemplo– no me sentí tan cómoda. pues los primeros conciertos de Bach que grabamos fueron escritos para conjunto de cámara. con un músico por parte. Cada músico debe estar convencido de estas ideas con el propósito de concebir la música bajo la misma imagen acústica: que quien conduce la música es el bajo continuo.

y teníamos grandes expectativas. lo que hemos hecho con la música de Johann Sebastian Bach nos ayudará mucho cuando afrontemos obras orquestales. Escogiendo los programas para cada CD no nos centramos tanto en cuestiones como si las piezas proceden o no del mismo periodo de composición. pero interpretando música de diversos compositores. nuestras mejores cualidades eran el entusiasmo y . el grupo ha evolucionado técnicamente: nos resulta mucho más natural nuestro modo de tocar. estábamos y seguimos convencidos de que algunos de aquellos tempi tenían que ser veloces. tres de las obras que hemos grabado en esta serie han sido las dos Suites orquestales en Re mayor y el Primer Concierto de Brandenburgo –con un ámbito palpablemente mucho más orquestal que el Concierto para violín en Mi mayor que grabamos hace diez años.E. Puede que los cambios ocurridos no estén tanto en nuestro modo de interpretar a Bach como en otros repertorios que estamos tocando cada vez más (incluyendo las Sinfonías de C. porque quizá al principio nuestro enfoque era más espontáneo. veinte o la energía –lo cual se nota en las primeras grabaciones– con tempi rápidos. En los inicios lo formábamos apenas seis o siete músicos. a ser menos entusiastas y expresivos y a permitir que el texto “cargase” con las emociones. digamos. trabajar y evolucionar juntos. También soy mucho más consciente de lo que quiero y de cómo lograrlo. D.: ¿Cuál era vuestro propósito para esta serie? ¿Lo habéis alcanzado? P. como actor y como persona. quizás como consecuencia de la multitud de nacionalidades diversas de los componentes de nuestro grupo.: Ya hemos grabado un disco con música de Charles Avison (los Concertos in Seven Parts done from the lessons of Domenico Scarlatti) y vamos a continuar en este tipo de repertorio. son música muy bien compuesta. veinticinco instrumentistas. C. en el modo en que interpreto las Variaciones Goldberg. sino que es menos intuitivo y más estructurado. y. para elaborar algo parecido a la serie Bach. que es fantástico como cantante. Mucha de esa música responderá a nuestro enfoque camerístico –como fue el caso de nuestro disco dedicado a C.P. Locatelli sería el primero.E. D.: Ningún miembro de Cafe Zimmermann había trabajado con Gustav Leonhardt antes de este proyecto (cuyo fruto es el disco de cantatas seculares de Bach en Alpha).P.: Estoy de acuerdo. utilizando una paleta de colores más amplia. Por ejemplo. las cuatro Suites orquestales y varios Conciertos para violín. ¿Cómo han influido estos dos artistas en el desarrollo de Café Zimmermann? C.V. él nos instó.” que ya apareció en el primer álbum. Para estas obras vocales de Bach. pero nosotros disfrutamos mucho y también el público. Bach– pero para Haydn y Mozart necesitaremos una pequeña orquesta y. Aunque las obras que interpretamos con él. grabadas hace unos seis años). ¿qué dirección planea tomar Café Zimmermann? P. continuamente descubro cosas nuevas en esta obra. He de dar las gracias a Dominique. en lugar de hacer discos monográficos. Por otro lado. Bach. por tanto. mientras que ahora nuestra actitud al tocar es más estructurada. una perspectiva diferente. con composiciones de Haydn y Mozart. idea que perseguimos con nuestras interpretaciones. pues me siento muy cercana a la música francesa y la he interpretado con más frecuencia que Pablo). desde nuestros tiempos en Basilea. ¿Durante este periodo de tiempo vuestros conceptos musicales se han desarrollado o evolucionado? P.: Supongo que. no nos da la impresión de estar tocando rápido.F. lo cual no implica que mi modo de tocar sea muy diferente.P. Aunque desde el principio supiésemos que estábamos tocando más deprisa que otros grupos. aquellas cantatas y concertos comiques del siglo XVIII.V. alguna de la música que interpretamos tiene un carácter mucho más orquestal. reguló la calidad del sonido que emitíamos y. con la música de sus hijos y el Clasicismo temprano. Teníamos intención de incluir también la Cantata del café. Con total seguridad. después de trabajar con él estamos cuidando más el manejo de ciertos ritmos y procurando conseguir un enfoque más equilibrado en todo.: Ahora que habéis completado la serie de grabaciones bachianas. Lo cierto es que seguimos siendo un grupo bastante constante de gente con ideas similares. Además. oboe y clave. cuando las grabé para Alpha hace diez años. tendríamos que trabajar muy duro y además esperar a ir encontrando el tipo adecuado de gente con la que tocar. Otra área que queremos desarrollar es mostrar lo que ocurrió tras Johann Sebastian Bach. sino en intentar elaborar discos que se pudieran escuchar como conciertos en vivo. integrándolos en el grupo de tal modo que no se perdiese la idea camerística. podemos concentrarnos en buscar qué convierte en especial a una determinada pieza.E.F. esta experiencia no fue crucial en cuanto al desarrollo de nuestra forma de tocar –como nos ocurrió con Gustav Leonhardt–. Lo que no ha cambiado. como instrumentistas. A veces me pregunto qué oirán los melómanos cuando escuchan estos discos. en la actualidad. es que aún estudiamos muchísimo. y esto forma parte de la riqueza en diferentes ideas y actitudes que intentamos reflejar en nuestro modo de hacer música. nuestro trabajo con Dominique Visse fue muy satisfactorio por otra serie de motivos (especialmente para mí. Estamos barajando algunos conciertos italianos. no pueden compararse con las piezas de Bach que hemos grabado.: La grabación de la serie Bach se extiende a lo largo de diez años. Conociendo ahora mucho mejor la música. Siempre hemos preferido la idea de unir diferentes obras a modo de concierto en vivo. Condujo nuestras aptitudes para la articulación y el fraseo. en paralelo al desarrollo del proyecto Bach. cuando comenzamos en esto. De todos modos. la calidad de nuestro modo de tocar como grupo. tenía mucha más espontaneidad que cuando las toco hoy. estábamos completamente receptivos a cualquier cosa que él nos aportase.: A lo largo de los años habéis grabado con artistas tales como Dominique Visse y Gustav Leonhardt. D. en lo relativo a la dirección musical. y si seguimos interpretando con los mismos tempi que antes. en general. Si juntásemos nuestras grabaciones de los seis Conciertos de Brandenburgo ¿se percibiría un sentido de unidad? Creo que la respuesta debería ser “¡sí!”.V.18 di v e r di entrevista “Queremos pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de ” interpretar la música. Bach.: El propósito básico que nos planteamos con esta serie fue el de dar una perspectiva diferente al modo típico de presentar los seis Conciertos de Brandenburgo de Bach. habría que mencionar el desarrollo de Café Zimmermann como grupo de gente. En este sentido. ¡Fue como hacer un puzzle! La serie Bach también refleja el concepto de “la riqueza de la diferencia”. como pequeña broma dado el nombre de nuestro grupo. Además de los detalles económicos que ha mencionado Céline. D. En algunas actuaciones de Café Zimmermann acabamos juntando músicos de diez o doce nacionalidades distintas. pero lamentablemente resultó demasiado caro. y éramos conscientes de que antes de poder crecer hasta ser un grupo de. ni siquiera con las Sinfonías de C. Como clavecinista puedo decir que. que quiere tocar. Ahora que tenemos más experiencia intentamos ser más precisos. Una diferencia concreta entre entonces y ahora es que.

con unos movimientos extremos briosos y cristalinos –es fácil emborronar la partitura– y un emocionante Adagio ma non tanto. y planeamos algún proyecto con el coro Accentus. institución que. pudiendo cristalizar el concepto musical que estamos interpretando y tratarlo como si fuese la creación de una escultura o un cuadro. En definitiva: a falta del último volumen. Tenemos planeado grabar Buxtehude con Nuria Rial y Stefan Vock. sino que son una interpretación que dimos en un momento de nuestra vida. cuyo quinto y penúltimo volumen se presenta aquí. En el concierto para clave en fa menor –segura transcripción de un concierto hoy perdido para violín u oboe–. que también proviene de un concierto desaparecido –para tres violines en este caso–. unas maderas redondas y elegantes y unos metales brillantes y refinados. Todos estos enfoques nos harán aprender y desarrollarnos. BACH: Conciertos para varios instrumentos. Y todo ello con el aliciente de unas cuerdas sedosas y limpias.S. aunque quizá sea el menos conocido de los seis. en el futuro colaboraremos más con cantantes. y además seguiremos trabajando con directores. en su totalidad. cuenta con una llamativa siciliana en estilo galante. Nada más oportuno. al mismo tiempo. I Café Zimmermann / ALPHA / Ref. pero ahora estamos encantados de actuar con ellos. D. BACH: Conciertos con varios instrumentos. en disco o fuera de él. la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar. grupos de solistas y coros.: ALPHA 137 (1 CD) D2 J. BACH: Conciertos con diversos instrumentos II Café Zimmermann / ALPHA / Ref. logrando.: ALPHA 168 (1 CD) D2 . Así. es una pena que. bourrée y giga final de energía y finura desbordantes. se luce sobremanera Céline Frisch. dada su sencillez. en su totalidad.S. III Cafe Zimmermann / ALPHA / Ref. ¿qué tal lleváis el trabajo de grabación? P. que los tres claves se distingan perfectamente. pero creo que sirve para entendernos– bachiana tuvo como destino el Collegium Musicum lipsiense. con una obertura extraordinariamente pomposa y.S. vivaz. y la versión es referencial. Estamos eligiendo cantantes con quienes podamos trabajar flexiblemente. 5 Café Zimmermann / ALPHA / Ref. aunque en los conciertos en vivo las interpretaciones nunca son exactamente iguales.” Buena parte de la producción orquestal –una expresión un tanto anacrónica.: ALPHA 013 (1 CD) D2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Conciertos con varios instrumentos.: ALPHA 048 (1 CD) D2 J. hoy en día. Música para todos. porque la experiencia se parece a un trabajo de laboratorio en el que podemos trabajar cada aspecto concreto de nuestra interpretación. el concierto para tres claves en re menor. la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar. para nosotros. de la obra para conjunto instrumental de Bach. lo que no deja de ser un desperdicio.: Teniendo en cuenta la gran cantidad de discos que habéis realizado para el sello Alpha (entre otros). Frisch. que estén abiertos a auténticas colaboraciones musicales. Finalmente. teniendo la oportunidad de oír y hacer correcciones. “A falta del último volumen. por tanto. y unas gavotas. Quiero pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de interpretar la música. de la obra para conjunto ” instrumental de Bach. con ayuda de los ingenieros de sonido. En nuestros inicios quisimos desarrollar nuestra personalidad como grupo instrumental antes de comenzar a trabajar con cantantes. pero da cabal idea del lujo de la versión. IV Café Zimmermann / ALPHA / Ref. rítmicamente precisa sin merma de la necesaria flexibilidad. El espléndido nivel mostrado en los discos anteriores se mantiene inalterado en éste. la conocidísima tercera suite orquestal obtiene una lectura óptima. en compañía de Dirk Börner y Anna Fontana hacen un gran trabajo. aunque no azucarado. con su precioso adagio. que el sensacional conjunto contemporáneo así bautizado prosiga con su magnífica integral dedicada a esta faceta compositiva de Bach. como es bien sabido.: Además de acercarnos a esos repertorios. J. Dos figuras de la viola da gamba –Friederike Heumann y Guido Balestracci– se ocupan aquí de sus partes. vol. Podemos trabajar con un único cantante al modo camerístico (como en el caso de Dominique Visse) u orquestalmente llevando el cantante el protagonismo (como en nuestro proyecto haendeliano con Roberta Invernizzi).S. cuando se escucha una muy buena grabación. servida a pedir de boca. un Air sensible y conmovedor. las versiones de la música de Bach que hemos grabado durante toda una década no son definitivas. Ya hemos dado algunos conciertos con Roberta Invernizzi cantando arias de Haendel y cantatas seculares de Bach.: Me encanta grabar. uno tiende a pensar que las cosas no se pueden hacer de otro modo.F. BACH: Conciertos para varios instrumentos. El sexto brandemburgués es una pieza magnífica.V. alejada de los tópicos rigores bachianos. interpretaba variada música en el Café de Zimmermann.: ALPHA 071 (1 CD) D2 J.entrevista / antigua 200 / febrero 2011 19 Café para todos Quinto y penúltimo volumen de la aclamada serie que Café Zimmermann dedica en Alpha a la musica orquestal de Bach Javier Sarría Pueyo C. Sin embargo. con las grabaciones exista el peligro de la plasmación inamovible de una interpretación: a menudo.

al adoptar el orden de las piezas dispuesto en el manuscrito P200. a cargo de Mariko Uchimura. Tampoco es cierto que fuese su última composición ni que. no por ello debe renunciarse al placer estético que proporciona su escucha. las 28 misas y los 54 motetes que compuso completan la lista–. y la familia en la que nació gozaba de una posición envidiable en la sociedad boloñesa de la segunda mitad del Seicento. estrenado en Bolonia en 1683 cuando Perti lucía 22 primaveras. Muy bien arropada por el Ensemble Il Continuo. al mismo tiempo. Mariko Uchimura. el milanés favorece la ejecución práctica. quizá como alusión a la dualidad del ser entre el amor terrenal y el celestial. discípulo del gran Carissimi. quien afirma que. Giuseppe Corso Il Celano.v. no sólo por la claridad en la exposición de las voces. Como curiosidad hay que apuntar el hecho de que los personajes de Sara y Agar estén asignados a la misma voz de soprano. sino ‘contrapunctus’ y. Comenzó su formación musical bajo la tutela de su tío para después continuarla con. y por ello antepuso siempre la calidad a la cantidad. además. La interpretación –muy ágil en los tempos– no puede sino calificarse de sobresaliente.: GCD P31510 (1 CD) D2 NB ANTONIO DE CABEZÓN Invenciones de Glosas Ministriles de Marsias nb 024 (2 cd) p. Un verdadero monumento musical en todos los aspectos. sino que debió de ser ocurrencia de Carl Philip Emanuel al darlas a la imprenta (entre otras cosas. la voz de Laura Antonaz en el doble papel destaca entre el resto de cantantes. quedó inacabado–. una de las más enigmáticas. en resaltar los aspectos puramente artísticos y expresivos de la música. director artístico / BONGIOVANNI / Ref. pero sí atestiguan las cualidades por las que Perti fue tenido en alta estima por Corelli. aun cuando la plena apreciación de la obra sólo puede obtenerse tras el estudio y ulterior meditación sobre la compleja escritura bachiana. como dejó escrito su hijo berlinés con claros fines de promoción comercial. Gioele Gusberti. la cuestión que más literatura ha producido ha sido la relativa a la naturaleza de la obra. GIACOMO ANTONIO PERTI (1661-1756): Abramo vincitor de' proprii affetti Laura Antonaz. siguiendo los pasos de Leonhardt y de su maestro. Sus casi 20 aportaciones al género no constituyen lo más generoso de su producción –la treintena de óperas. Bach no utilizó la expresión ‘fuga’. Ton Koopman.- El de Giacomo Antonio Perti es uno de los esos casos infrecuentes en que todos los hados parecen conjurarse en beneficio del individuo.: GB 2451-2 (1 CD) D2 MINISTRILES DE MARSIAS Trazos de los ministriles nb 017 (1 cd) d2 . Elena Biscuola. pudo así dedicarse a la composición sin los apuros de otros. por el contrario. que se siguen perfectamente. en todo caso. su oratorio Abramo vincitor de’propii affetti. muriese al introducir el sujeto BACH en el último contrapunto –que.p. como si su trayectoria personal y creadora se hallara escrita desde antes incluso de que viniese al mundo: su tío. y la sirvienta Agar. De Corso heredó un completo dominio en el arte del contrapunto que admiraría hasta el Padre Martini. Por otro lado. se decanta por su concepción como obra clavecinística y resuelve los problemas de eje- JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga (para uno y dos teclados) Fabio Bonizzoni. Lorenzo Perti. Sin embargo.20 di v e r di antigua Matemáticas sonoras Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El Arte de la Fuga El afortunado boloñés El oratorio Abramo vincitor de’ propii affetti de G. desde la rigurosa observancia del Stylo Francese en el contrapunto séptimo hasta el brillante dramatismo de las fugas en espejo. Caldara y Fux: su elegante inventiva melódica. Gastone Sarti. lo que es fundamental en esta obra.80 € . sino también por el esfuerzo. Perti Urko Sangroniz Javier Sarría Pueyo cución de las fugas en espejo añadiendo un segundo teclado. llena de confusiones y malentendidos. Sara. que no procede de Johann Sebastian. Fabio Bonizzoni El Arte de la Fuga es una de las obras más célebres de Bach y. entre otros. culminado con absoluto éxito. un conjunto que hace honor a su nombre acompañando magistralmente. Fabio Bonizzoni. un tratado de contrapunto? En un término medio se sitúa Malcolm Boyd. también era compositor. Para muestra. pues aquél tiene un carácter más concertístico que el publicado. ¿Se trata de una composición destinada a la ejecución o. ubicado actualmente en la Staatsbibliothek de Berlín. clave. A. pero también. bajo. soprano. contralto. Ensemble "Il Continuo". clave / GLOSSA / Ref. cómo no. situándose entre las punteras en versión para clave.: 19. En él se narra la historia de la elección de Abraham entre su esposa estéril. incluye cánones). empezando por el título. los secretos en la creación del oratorio. la variedad formal empleada y una amplia capacidad expresiva.

Pero él curva y recurva los pliegues. inteligencia para elaborar un discurso y gran variedad de recursos interpretativos: de la pulsación reflexiva del primer contrapunto a la articulación clavecinística del noveno.antigua 200 / febrero 2011 21 Esplendor versallesco Les Escapades du Roi recrea las cortes de Luis XIV y de Luis XV Eduardo Torrico El arte del pliegue Konstantin Lifschitz presenta en Orfeo una seductora y ‘diferente’ visión del Arte de la fuga Ignacio González Pintos “El barroco no remite a una esencia. hacer posibles los pliegues imposibles. pliegue sobre pliegue. LES ESCAPADES DU ROI: Placeres e intrigas en la corte de Versalles (obras de Charpentier. sino de su biznieto y sucesor. una visión celestial en la que disolver. Louis Couperin. Coral BWV 668A Monika Mauch. cantadas por ese prodigio de dicción y buen gusto que es Monika Mauch. Pero su utilización aquí tal vez provoque equívocos. cual punta de iceberg. Lully. de Lalande. no fue amante de Luis XIV. traza analogías entre su proceder filosófico y el resto de manifestaciones artísticas barrocas y apuesta por el carácter neoleibniziano del arte contemporáneo. puesto que la joven O’Murphy. Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. No inventa la cosa: ya había todos los pliegues procedentes de Oriente. Hacia el final de su recorrido Deleuze se detiene para explicar el paralelismo entre la filosofía de Leibniz y la armonía barroca. Luis XIV fue un apasionado de la ópera y del ballet. L'Affilard. Reconstruye ese particular universo a su manera. de la corte de Versalles.. pero no es menos cierto que todos. Queda todavía el contemplativo transcurrir del coral que cierra el disco.. El experimento es lo que es. de la suave delicadeza del golpeo en el cuarto al ornamentado fraseo expuesto en el sexto. un italiano renegado de su pasado. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga. se van alternando con las vocales. A ellos les siguieron Marais. desarrollaron su actividad profesional durante el largo reinado (64 años) del Rey Sol. No cesa de hacer pliegues. Antoine Forqueray. Couperin. pliegues y repliegues. nos conduce por los quiebros y requiebros de la materia musical resaltando unas curvas y escondiendo otras. Primero Lully. pero por otro es una alusión al consort de violas Les Escapades (Franziska Finckh.” “El pliegue”. grave y ágil. Montéclair. Austero primero y brillante después. en un par de diálogos consigo mismo. observando su reverso en un espejo interior. amarras con Italia.: C802102A (2 CD) D2 Pocas veces un retrato ha sido tan bien aprovechado como el que François Boucher hiciera de Louise O’Murphy de Boisfaily. Antoine Forqueray. una mónada que a partir de sí misma. El pliegue es un concepto transversal. que apenas contaba 14 años cuando Boucher la inmortalizó. El Arte de la Fuga se erige como fascinante representación musical de la tesis fundamental de la Monadología: una sustancia simple. volviendo la mirada hacia sus adentros. coloreando las sombras y los reflejos. de quien se incluye aquí su bellísima Chaconne. quiebra y sostiene el discurrir musical hasta llegar a una lenta fuga final que se interrumpe sin afectación.. Konstantin Lifschitz no se limita en su interpretación de esta obra hipnótica a exponer la armonía preestablecida por Bach. pliegue sobre pliegue. no sin grandes esfuerzos. que protagoniza el registro. destaca apariciones y reapariciones. en cada curva y recurva. Barbara Pfeifer y Andina Scheyhing). pero debe valorarse la naturalidad del empalme a pesar de la inevitable sensación de asombro que produce la multiplicación de manos y pliegues. Viol Consort "Les Escapades" / CHRISTOPHORUS / Ref. románicos. el dios relojero. quizá. El pianista pone así de manifiesto una técnica soberbia. François Couperin. sino más bien a una función operatoria. romanos.: CHR 77338 (1 CD) D3 Konstantin Lifschitz. los lleva hasta el infinito. Gilles Deleuze Con estas palabras hace comenzar Gilles Deleuze un libro que girará en torno a Leibniz y el Barroco. lo característico del barroco consiste en que no pretende consumar el pliegue de esto sobre o contra lo otro. Lifschitz juega con la acentuación. De Lalande (todos ellos presentes en el registro) y otros muchos. el pliegue infinito. Las piezas instrumentales. pliegue sobre pliegue. individual pero infinita. Les Escapades du Roi es un título con doble sentido. una completa visión del mundo en modo menor. Deleuze toma el sistema filosófico de Leibniz como paradigma de este rasgo. los pliegues griegos. y después Charpentier sentaron las bases del nuevo estilo. pliegue según pliegue. Antes que ellos había asomado. introduciendo el coral Wenn wir in höchsten Nöten sein BWV 668a como epílogo. De Visée. plegándose y replegándose. la obra de Johan Sebastian Bach ilumina el camino y. particular pero universal. acercando el horizonte y difuminándolo. magistralmente ejecutadas. Por un lado. Pignolet de Montéclair y Robert de Visée) . el monarca sobre el que gira esta grabación. de las sutiles variaciones de tempo del segundo al estático discurrir del undécimo. analogía advertida ya por el propio filósofo alemán. cotejando ediciones. sino que busca continuar el pliegue hasta el infinito. individuo. de los placeres y las intrigas. clásicos. góticos. soprano. Es cierto que algunos de los autores incluidos en el disco coincidieron cronológicamente con Luis XV. Marais. sujeto. salvo Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. a un rasgo. permitiéndose el capricho de mezclar dos pistas grabadas por separado para. Puestos a buscar un paradigma musical de ese incesante plegar. a través de la música. bajo cuyo manto protector floreció una música francesa que acababa de romper definitivamente. del esplendor y de la inmoralidad. va desplegando y proyectando. Sabine Kreutzberger. pliegue según pliegue. Luis XV. puestos a trazar analogías. piano / ORFEO / Ref. Son decenas las carátulas que aparecen con este Desnudo en reposo del pintor francés. nos ofrece una visión. ” pliegue según pliegue. Lifschitz nos guía..

el primogénito de los hijos de Bach debía crear obras para la liturgia. erudito haydniano además de director. La Rastatter Hofkapelle está formada por 8 coristas (2 por voz) y 8 instrumentistas. de Jean-François Regnard. versión alemana de la exitosa comedia Le distrait (El distraído). No se dejen engañar por el magro elenco porque todo está interpretado en su justa medida: lo exultante se aprecia con amplitud y lo íntimo.: BIS SACD 1815 (1 SACD) D3 WILHELM FRIEDEMANN BACH (1710-1784): Cantatas Vol. de obligada lectura para todo estudiante de piano hasta hoy día. Todo se debió sin duda a su conocida holgazanería. cuidada en extremo. Así. Clementi logró imponer en salones y salas de concierto– confiere al programa una estructura dramática (compuesta de pequeños ‘dramas en música’) que contrasta ricamente con lo escueto del medio. 50). Bach Urko Sangroniz Virtuosismo impecable Haydn y la conexión teatral Sonatas en modo menor de Clementi por O. De hecho. 12. F. convirtiéndola en la Sinfonía nº 50. como el Lento e patetico de la Op. 50 nº 3 en sol menor. La interpretación se nos antoja meditada. Muy recomendable grabación. 25 nº5). Filemón y Baucis se representó en 1773 en Eszterháza ante la Emperatriz María Teresa (muy a propósito. director / BIS / Ref. Der Götterrat (El Consejo de los dioses). “Fúnebre”– sería una elegía por la muerte de Acide (Acis). Como de costumbre. Los coristas interpretan a su vez las partes solistas. y siempre cautivadora y sugerente en su conjunto. y constituyen la evolución lógica de los modelos paternos adaptados a los nuevos tiempos por una original y personalísima mente creadora.S. y de las oportunas reediciones de la integral de oberturas (BIS 1818) y una miscelánea de piezas instrumentales (BIS 1796/98). 13. toda una ‘acción dramática’ para piano basada en la Didone abbandonata. Si tuviéramos que destacar una faceta entre las muchas que desarrolló con éxito a lo largo de su vida Muzio Clementi. se encuentra en la contemporánea (1763) Sinfonía nº 12. De ellas apenas se conserva una veintena y todas pertenecen al periodo de Halle. demostrándose una vez más que la historia se repite. Se cree que en la década de los 70 Haydn compuso música incidental para las producciones de la famosa compañía teatral de Carl Wahr. toca ahora el turno a tres sinfonías conectadas con la copiosa producción teatral del maestro de Rohrau. aunque por el carácter y escritura de las obras no deslucen su resultado artístico.22 di v e r di antigua / clasicismo Evolución natural Nuevas cantatas del primogénito de J. particularmente emotiva en los movimientos lentos (fragmentos bañados con melancólicos y taciturnos acentos. pero se han perdido cuatro arias y la mayoría de recitativos. compuesta para Der Zerstreute. así como los entreactos–. JOSEPH HAYDN (1732-1809): Tres sinfonías teatrales (nºs. 36 nº 1 (que le rindió buenos dividendos). No es descartable que el Finale lo fuera también de la ópera. hasta donde llegó para ocupar el puesto de organista de la Liebfrauenkirche. ya que estos hechos se asemejan a las tensiones que su padre mantuvo con las autoridades de Leipzig. El único ejemplo conocido es la Sinfonía nº 60 en seis movimientos (!). en concreto dos entreactos.: AECD 1094 (1 CD) D2 Manfred Huss y su Haydn Sinfonietta prosiguen su infatigable apostolado haydniano. incluido el conocido tratado Gradus ad Parnassum. llenas de nervio. director / CARUS / Ref. el especialista Huss y la Haydn Sinfonietta ofrecen versiones luminosas. contratada por el príncipe Esterházy. estas obras revelan la madurez de un artista en el cénit de su creatividad. dinámicas. A este instrumento le dedicó lo más granado de su catálogo. a la vez que con sereno virtuosismo demuestra una coherencia estilística y formal extraordinaria. las disputas con sus superiores no tardaron en producirse. pero también a su disoluta vida: se desconoce el número de manuscritos que Friedemann malvendió para superar los apuros económicos tras abandonar Halle. Cavé. op. Quizá las perdidas músicas de Hamlet. sino por la excelencia de un pianista impecable que todavía nos puede y nos debe rendir páginas memorables. Scene tragiche (Sonatas op. Bach en el sello Carus con su segundo volumen de cantatas. ésta sería sin duda la de virtuoso del piano (recordemos. y no sólo por la belleza de las obras de un autor ineludible para entender el tránsito entre Mozart y Beethoven. así como un centenar de sonatas entre las que cabe destacar la Op. Según Huss. Con todo. además de un importante número de sonatinas. que se ha perdido. Manfred Huss. pero también vigorosa en los pasajes más dinámicos. que se erige en núcleo central del muy interesante recital que presenta en Aeon el pianista Olivier Cavé. Sin embargo. MUZIO CLEMENTI (1752-1832): Didone abbandonata (Sonata. el conmovedor Adagio en mi menor –tonalidad que Haydn empleó únicamente en la Sinfonía nº 44. tarea no muy atractiva para él si tenemos en cuenta el tiempo transcurrido y su resultado: una veintena de cantatas en 18 largos años. Antes de que eso ocurriera. piano / AEON / Ref. por cierto. en Aeon Francisco de Paula Cañas Gálvez Tres singulares sinfonías por Huss y su Haydn Sinfonietta Miguel Ángel González Barrio Prosigue la edición conmemorativa del 300 aniversario del nacimiento de W. parte de la música perdida de Acide –se conserva el libreto íntegro. la elección de sonatas escritas todas en modo menor –modo que. Después de grabar rarezas como la incompleta ópera Acide (BIS SACD 1812) y la ópera de marionetas Filemón y Baucis (BIS SACD 1813). la ópera terminaba con una apoteosis de la Casa de Habsburgo). Jürgen Ochs. Avalado por sus dotes interpretativas y sus admiradas improvisaciones en la bancada del instrumento. Los efectivos escogidos son más reducidos que en el anterior volumen. Haydn recicló la obertura en dos movimientos. Othello o King Lear subsistan asimismo camufladas en varias sinfonías Sturm und Drang. con ejemplos tan notables como la Op.: CARUS 83. esenciales para comprender en su dimensión más profunda el lenguaje del pensamiento musical prerromántico. fue el contrincante de Mozart en el célebre ‘duelo’ musical ante José II).429 (1 CD) D2 . II Rastatter Hofkapelle. Las obras del programa aparecen grabadas aquí por primera vez. añadiendo un Menuet y un Finale. tras realizar el concurso pertinente y resultar elegido. Estaba precedida de un prólogo. 50 y 60) Haydn Sinfonietta Wien. con especial mimo. Cavé acomete con una solvencia técnica envidiable las exigencias de estas complejas piezas. 25 y 40) Olivier Cavé.

pues iba con mi abuela. deteniendo tanta alegría. el maravilloso Concierto nº 9 en mi bemol mayor K 271. ¿Cómo pueden saber de qué manera sonaría este Concierto. tan transparentes. pero no creo que esté en universo tan lejano. El holandés. Y es posible que la Jeunehomme tocara. Quiero pensarlo. en un sorprendente menor. La orquesta. Y. con sus dos partes seguidas de su correspondiente variación. La verdad es que suena estupendamente. La poesía que emana del Andantino. Michael Alexander Willens. y creo recordar también que así era. He llevado su imagen durante toda mi vida como algo puro. el fraseo. Incluso en su día lo comenté con Papagena. Me tienen muy escamado estos jóvenes de ahora con sus manías de intentar copiar una realidad musical que sólo conocen por los libros y por la contemplación de unas partituras que. de aquí para allá en sus viajes y que sin duda la exhibió en su estancia parisina de 1778. expresivos. todo a la vez”. De las tres obras.” Yo era muy niño. En sus cartas a Leopold mi padre no habló nunca de la chica. que no la superficialidad. que al parecer le da a todo tipo de música. me enternece siempre y no puedo impedir que mi pierna buena se balancee cada vez que escucho el Rondó. cálido y bello. Sus manos vuelan por el teclado de ese fortepiano de Paul McNulty de 1992. Para mí lo importante no es la forma. quizá Mozart quiso homenajear a la Jeunehomme. La verdad es que no volví a saber de la gentil pianista desde que desapareció de Salzburgo. francamente. fortepiano. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante. el minueto en La bemol cantabile y gentil. una especie de recitativo lírico de ópera seria. aunque tengan su importancia. Siempre detrás de su hijo. conciso y. como Wolfgang por aquellos días. Bien. esta joya que es el Concierto nº 9 igual no habría nacido. el tamaño de la orquesta. lo que importa es destacar la fluidez. aunque de manera nada irónica. los ataques son certeros y la batuta de este muchacho. no dicen gran cosa. bautizado así. el talento y. la calidad sonora o tímbrica. son cosas que ahora mismo ni nos van ni nos vienen. Y la de esta composición. Mademoiselle Jeunehomme. Jeunehomme. pero aquella jovencita francesa. es funcional y animada. “serios. En fin. como dice mi carnicero. un instrumento de este estilo.: BIS SACD 1794 (1 SACD) D3 . estimulantes de Casadesus y Szell. el estuche. un poco desmedrada. para mí desconocido. tan fluido y excitante. mantiene esa pulsación milimétrica. ¡Que haría yo. director / BIS / Ref. Mi memoria falla en este punto. en sí. según Einstein. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante.clasicismo 200 / febrero 2011 23 Gentilísimos recuerdos Ronald Brautigam encara para BIS la colección de conciertos para piano de Mozart con una grabación del número 9. Y habría sido una gran pena. sino el acento. Tampoco estaba para muchas aventuras. de estas interpretaciones. que pueden variar de mil maneras. si no hubiera sido por ella. que se divirtió mucho con la historia. que tocaba como los ángeles. copia del Anton Walter construido alrededor de la fecha del estreno del Concierto nº 9 y también del 12 que lo acompaña junto con el Rondó K 386. Brautigam poco tiene que ver en principio con el pianista francés. expresivo. en palabras de aquel estudioso. no me acuerdo si realmente llegó a estrenar la obra que mi padre había escrito para ella. A mí me han gustado siempre mucho interpretaciones que los puristas pueden aborrecer como aquellas. precisa y exacta. que dicen los castizos. estáticos. Michael Alexander Willens. conocido como Jeunehomme Papageno Ronald Brautigam “Brautigam mantiene esa pulsación milimétrica. WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Conciertos nº 9 y nº 12 Ronald Brautigam. que ya me gustó bastante en sus sonatas de Haydn. conciso y. la pobre. Die Kölner Akademie. que padecía ya de Parkinson y era muy pesada y latosa. pues. por ejemplo? Hay que echar- le imaginación. sin embargo. elegantes. sin embargo. Esos compases son. las articulaciones. de pronto. está afinada y unida. claro. He repasado mis apuntes y he comprobado que. la expresión. tan animado y vital. terminada en 1776. ” expresivo. Me lo he pasado chupi. trastocó mi todavía tierno corazón. un punto de inflexión en su producción pianística. Demasié. Aunque no sé si vería a la muchacha. lo que me choca muy mucho. es una de las preferidas. por ejemplo. Estaba un poco mosca cuando he visto que la interpretación obedecía a criterios historicistas. la ligereza. ni siquiera el instrumental. aladas. precisa y exacta. en esos días grises o negros en los que mi gota no me deja moverme y diviso desde mi buhardilla de Lavapiés una nube de tejados abrillantados por la invernal lluvia madrileña! En esos casos me suelo inyectar en vena músicas de mi progenitor. desde luego. Lo que sí recuerdo es que Wolfgang llevaba la composición. y que no me detenga extasiado cuando entra. Hay investigadores que incluso han llegado a decir que nunca lo tocó.

la Banse redondea programa con dos chicas puccinianas que parecen irle bastante a medida: Mimì y Lauretta. muy bien asimilado. Baccio. al no ser correspondido. de 1859) y.P. todo hay que decirlo) con una de los suyos. entre Marinella y Francesco Cappello en el primer acto parece escucharse fugazmente una cita de Traviata. la grabación en vivo fue tomada en la Sala Banfield Tripcovich de la ciudad antaño austrohúngara. a due. ni demasiado brillante. cantante de sólida formación. bajo. Bizet y Gounod) Juliane Banse. mezzo lógicamente. con sus arias y cabalettas. autor de óperas tan interesantes como Una carta de amor de Lord Byron (Ermitage la editó en 1991 con un espléndido mano a mano entre Elena Zilio y Sylvie Valayre) y Alissa (Virginia Zeani la cantó en el Liceo en 1967). su lado más íntimo y elegiaco. Maria de Smetana.: GB 2449/50-2 (2 CD) D3 x 2 Teatro Real • Plaza de Oriente. Micaela ejemplar y Marguerite (de Gounod) encantadoramente ingenua. y en gesto que le honra. Como ésta bebe vientos por el tenor. Puccini.: 93. cuatro damas de orígenes musicales centroeuropeos como son los suyos. En esta línea. Falco. artista cuidadosa. La primera de ellas.: 91 516 06 73 . sus dúos. compuesta cuando apenas contaba 18 primaveras. s/n • 28013 Madrid Tfnos. se enteró de que también era un proyecto del bussetano. otorga a la soñadora heroína una juventud y una ingenuidad que no todas las intérpretes de este espléndido rol son capaces de insuflar. como intérprete de lied engalanó varios ciclos del Teatro de la Zarzuela. barítono. ofrece oportunidades de lucimiento para los principales solistas y no cae en tiempos muertos.V. Verdi. autor también de la edición crítica) fluctúa entre la dignidad. alberga un importante festival de opereta.com Horario: De lunes a viernes de 10 a 20 horas y sábados de 10 a 14 horas. maestro concertador y director / BONGIOVANNI / Ref. siempre directa al grano. Szabo.91 541 25 95 e-mail: latiendadelreal@diverdi. la buena voluntad y el respeto. ni en divagaciones innecesarias yendo. Velenich. director / HÄNSSLER / Ref. ha elegido entidades bien acopladas o no muy alejadas de sus posibilidades de cantante puramente lírica por medios y personalidad: la Condesa y Fiordiligi mozartianas. Iulia Szabo. Sinico no puede sustraerse a ello y hace bien: ¡qué mejor modelo que el de Busseto! Hasta en el encuentro. Pelizon. el de la despedida a la mesita que tantas veces la reunió con su amado Des Grieux al que va a abandonar. allí trabajó en diversos cargos y allí moriría en 1907. y tiene la esperada distribución vocal: Marinella. muy verdianamente por cierto. en Hänssler Fernando Fraga Sinico sale del anonimato Bongiovanni exhuma Marinella. ama a Francesco. soprano. Marianna Prizzon. Massenet. tenor. Giuseppe Sinico estrenó además cuatro de sus cinco óperas en la ciudad adriática. Viva San Giusto!. trasladó sus representaciones a la Sala Tripcovich quien. intérprete de cautivadora sencillez. pues allí nació en 1836.262 (1 CD) P . En resumen. la mata. Smetana. La soprano alemana Juliane Banse basaba hasta el momento su carrera discográfica en solitario en diversos recitales que descubrían su importante faceta como cantante de cámara. aplicada y diligente como es ella.50 €. Marinella. con Zannerini en el foso. contemporánea del Ballo verdiano (o sea. la carencia. como la Manon massenetiana ya cantada en escena y de la cual brinda. primera ópera de un contemporáneo de Verdi Fernando Fraga La música de Sinico. barítono. Con su publicación por parte del incansable y nunca bien ponderado sello Bongiovanni se acaba de poner la figura de este compositor en el candelero lírico. Giuliano Pelizon. GIUSEPPE SINICO (1836-1907): Marinella (1854) Dax Velenich. Todo aparece aquí debidamente expuesto. música preparada. durante las necesarias obras de remodelación de hace pocos años. En la segunda parte del programa se mide con alguna jovencita francesa. Tchaikovski. Raffaello de Banfield. propio del momento. sin ser demasiado personal. y como Marinella tiene un padre. éste es naturalmente un bajo. dulce y acariciante. Para redondear la presencia triestina en esta entrega. La interpretación (Prizzon. cómo no. Agathe de Weber. soprano. tenor.- Triestino hasta la médula. ¡siempre Verdi de fondo!. Sinico renunció a competir. ni demasiado persuasiva. Para este recital operístico. Spiazzi. es un compositor nacido en Trieste. Marzelline de Beethoven. Escribir para el teatro en Italia en la segunda mitad del XIX suponía pagar peaje al modelo operístico más influyente. El asunto de la ópera es. JULIANE BANSE: Per amore (arias románticas de Mozart. Christoph Poppen. Los días de función permanecerá abierta al público asistente hasta el segundo entreacto . Giovanni Alberico Spiazzi. convertido en una especie de himno local). asimismo. cumple con las exigencias dramáticas del texto. Una inmediata grabación de 2010 nos la muestra como cantante de ópera. es una obra cuya acción. si bien un Verdi en general de la época previa a su llamada trilogía romántica. es decir. Por último. Verdi parece en efecto situarse siempre de fondo en la partitura siniquiana. Frau Fluth de Nicolai o la moderna Blancanieves de Holliger. entre otros menesteres.24 di v e r di ópera La Banse canta ópera Recital de la soprano alemana. cuando se disponía a componer un Don Carlos a partir del homónimo texto de Schiller. de reminiscente nombre mozartiano.: 17. como es de clase superior se compromete (algo voluble y despreocupado. Deutsche Radio-Philharmonie. mezzosoprano / Orchestra e Coro dell'Opera Giocosa del Friuli Venezia Giulia. soprano. Voz hermosa. que ella estrenó en 1999 en Zurich. Zerlina) con los añadidos de la Genoveva de Schumann. von Weber. concertantes y coros (uno. Humildemente. ama a Marinella. Se atreve un poco con la Tatiana tchaikovskiana y con su voz liviana. Los mosqueteros. Donna Elvira. Durante años Banfield dirigió el Teatro Verdi de Trieste el cual. Marinella se sigue con agrado y muchas veces con rendida atención. Sinico y Trieste: un tándem inseparable. recordamos. actividad de todos modos ya conocida gracias a grabaciones completas de Mozart (Ilia. transcurre en Trieste. Severino Zannerini. que. Sinico escribió también una obra sobre Dumas. de 1854.

tras el acto I. Margaret Roggero. lo que al final de su cabaletta le cuesta un roce evidente. algo así como La rosa con espinas). Zinka Milanov canta con una emisión muy cubierta. Ulf Schirmer. o cuasi. A la Preziosilla “Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. de trágico destino. y eso hace de él el elemento diferencial de esta Forza. tan encantados como él. de voz clara y espontánea. un hada maléfica que se adueña de la virgen sumiéndola en un letargo nocturno que amenaza con ser permanente. Aunque no veamos las viñetas. Será cuando amanezca y. como sucede en este caso. en una transgresión digna de Calixto Bieito. En esta brillante lectura. Además.ópera 200 / febrero 2011 25 Milanov y Labò más Siepi Bongiovanni rescata una Forza del Destino neoyorkina con un reparto All Stars Joaquín Martín de Sagarmínaga Los cuentos de Humperdinck Dornröschen. muy acorde con la historia. que busca infructuosamente la paz. Münchner Rundfunkorchester. Para Kraus era la voz de bajo por excelencia. hasta formar all stars castings. una suerte de cantata. matizada con un leve aroma de amor lésbico. el de don Carlos. es llamada a la vigilia por el varón enamorado y seguro de su sentimiento. logrando despertar a la hermosa con el beso reglamentario. La solfa del padre Guardiano es reposada y solemne. figura en el corte 5. cada uno de los cuales respira un aire musical propio que responde a sus móviles básicos. efectista. una primicia del autor de Hänsel y Gretel. más generosos comentarios orquestales. ambos son inventos deplorables. Fritz Stiedry es un competente director vinculado al Met. vocalmente es superlativa. La huella de Ricardón se ha borrado y más bien parece que el compositor se remonta a la precedencia onírica y fantasiosa de Mendelssohn en Sueño de una noche de verano. Pero a menudo era un tenorazo. donde regala hermosas frases. Zinka Milanov Tras colaborar con su maestro Wagner en las densidades de su Parsifal. director / CPO / Ref. como cantante estuvo un tanto a la sombra de Corelli. pues murió en un accidente. tan convincente hablando como lo fuera en su impetuosa carrera de contralto. Flaviano Labò. la encarna. Es raro que escatime la entrega. bien avenida a tan gran confortador de almas. Por cierto que la obertura. Louis Sgarro / Fritz Stiedry. Conoce la Forza de pe a pa. pero en esta Forza muestra un alto grado de implicación y. algo ausente como intérprete. En disco. furibundo incluso. Christina Landshamer. que borda su papel de Guardiano con sonidos parejos y plenos. con más contención en el gasto) es experto en exhibir plantillas con varias estrellas. cegado por su afán de venganza. según las reglas del género. vencerá a la maligna y letárgica criatura. desde luego. tal vez sea porque sólo unos minutos antes acabamos de oír el pistoletazo de salida del drama. Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. lo que he acabado por pensar que es deliberado por parte de Verdi. director (grabado en directo en Nueva York en 1958) / BONGIOVANNI / Ref. y agudos plenos. capaz de llegar hasta donde ella está y vencer heroicamente todos los obstáculos del caso. tan gastada por el uso. Kristiane Kaiser. e interpreta con brillantez la famosa obertura. tan dulce como potente. está muy bien delimitada en relación con los personajes. en lugar de al comienzo. con grinta.” de Roggero no cabe juzgarla. Puesto a darle vueltas al tema. Labò es un bien escaso. Tobias Haaks / Chor des Bayerischen Rundfunks. Sí cabe hacerlo con Siepi. Humperdinck ha dotado al cuento de una atmósfera legendaria y ensoñada. Humperdinck se dedicó a las leyendas infantiles y nos dio su delicioso Hänsel y Gretel. Humperdinck ha sido persuadido por el cuento y nosotros. Fernando Corena. como diría un economista.: HOC 052/53 (2 CD) D6 x 2 . cabe la alegoría de un amor en que la mujer. salvo algún pequeño escollo al afinar. Dentro de la dramaturgia verdiana estos modelos traen ecos de El trovador y se proyectan como una anticipación sobre Don Carlos. a poder ser con voces de gran empaque en ” casi todos los casos. también. En efecto. acaso escénica. en CPO Blas Matamoro La forza del destino contiene una música no toda de la misma altura. cómicamente belicosa. Tenía una voz recia y resuelta. Mario Sereni es un notable barítono. ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921): Dornröschen Brigitte Fassbaender. a poder ser con voces de gran empaque en casi todos los casos. Se agradece que no descuide los momentos líricos. el sueño y su despertar juegan un rol decisivo en esta fábula. Zinka Milanov. con la ayuda del mercurio que todo lo penetra y una espada mágica.: 777510-2 (2 CD) D2 x 2 GIUSEPPE VERDI (1813-1901): La Forza del Destino Flaviano Labò. la de Preziosilla algo ratonera. con números hablados y cantados. bien conducida y suavemente orquestada. Mario Sereni. En efecto. tan perfiladas se van dando que podemos ponerla en escena con nuestra imaginación. doliente el de Leonora. El del infortunado Alvaro es patético y anhelante. Tenía fama de ser una hedonista del canto. Cesare Siepi. Brigitte Fassbaender. Llegará. el príncipe de las islas radiosas. recitándola. y el Metropolitan de Nueva York (una especie de Hollywood de la ópera. adormecida en su virginidad. Quien adormece a la bella princesita es Demonia. En 1902 abordó La bella durmiente (en alemán. Suiza ha dado al mundo a Corena –Fra Melitone rastrero– y el reloj de cuco. pues los cortes han aliviado su parte hasta dejarla en apenas un puñado de frases. Bergonzi o Del Monaco. buscando la belleza y redondez de los sonidos. bien movida.

De ahí que sus carreras –poco conocidas hoy. país. el tenor canadiense de carrera europea y americana que sucedió a Gatti-Casazza al frente del Met entre 1935 y 1950. Entre los cantantes españoles. unos sólidos conocimientos de técnica vocal. Y. París y Madrid) de las que el autor fue testigo presencial. en este punto. Ruffo o.P . O con Isabel Macario. Baste decir que. soprano canaria de voz ensalzada por grandes figuras.M. Así se estudian los cilindros grabados por Abruñedo o las actuaciones de Gigli en España. publicado por Editorial Zumaque de Alcalá la Real (Jaén). que debutó en el Real en 1851 y. en las que ha seguido haciendo gala de capacidad de síntesis. en cuantos casos han sido posibles. parafraseando a la Mariscala en El caballero de la rosa.” útil complemento. a quien el autor hace comparecer “por su voz y estilo como cantante”. diecisiete ni siquiera aparecían en las páginas del Diccionario arriba citado. gracias al peculiar estilo narrativo de J. originalidad y variedad de enfoques y un fino sentido del humor. pero queremos insistir en que. Una advertencia final: hasta aquí hemos intentado dar cuenta notarial del contenido del libro. es algo bien distinto de un diccionario o de un capítulo de la historia de la lírica referido a un particular teatro. una obra convertida de inmediato en referencia imprescindible de un siglo de lírica en nuestro país.26 di v e r di ópera Luminarias y olvidados Mitos y susurros: Joaquín Martín de Sagarmínaga realiza un recorrido a través de cincuenta años de lirica en España Santiago Salaverri a auténticos “mitos” de la lírica de dos siglos. así como lo más relevante de sus carreras y los colegas con quienes actuaron (el índice de cantantes roza los setecientos nombres). Lázaro. este libro de bergmaniano título y laboriosa gestación es una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su contenido. oigo voces. que no llegaron a actuar en el Real. Darclée o Vix. cuerda o época. el autor se permite algunas excepciones que no encajan en las pautas hasta aquí explicadas. Hay diversos modos de contar las cosas pero.. con especial habilidad para el juego de palabras y la titulación brillante. y. en el que se aunaban la abundancia y el rigor de la información personal y artística de los biografiados (fruto de una concienzuda investigación). sus juegos de palabras y sus llamativos títulos. Si la generalidad de las semblanzas se ocupan de detallar los orígenes geográficos y familia- JOAQUÍN MARTÍN DE SAGARMÍNAGA: Mitos y susurros. los biografiados son preferentemente cantantes españoles nacidos en los años finales del XIX o las primeras décadas del XX. he aquí un libro que se recomienda por sí solo. además del indudablemente documental y erudito. padre barítono e hija soprano. Fleta. Nuestros lectores recordarán su serie de retratos vocales titulada Doctor. excepciones fruto de su gusto personal. sus perfiles vocales. “Una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su ” contenido. Su lista se abre con el tenor Buenaventura Belart. En la segunda mitad del volumen. al igual que sus nombres– se desarrollaran en buena medida en Italia y Latinoamérica.: 22.: DIV9788493721787 (1 Libro) P . en el apartado femenino. a nombres de menor sustancia o nombradía artística. 1997) de Joaquín Martín de Sagarmínaga. 50 años de lírica en España. Y por otra –los “susurros”–. o con Edward Johnson. De trabajada elaboración y lectura instructiva y amena. o en compañías de zarzuela. por la que desfilaron muchas de las más grandes voces del pasado siglo e incluso de ahora mismo. se analiza la labor pedagógica desarrollada por quienes al término de sus carreras se dedicaron a formar a nuevas generaciones. en unos pocos casos se ciñen a un aspecto parcial de su biografía. que actuaron en el Teatro Real (no sólo.00 €. en cuantos casos resulta pertinente. donde únicamente actuó en ambos extremos de su carrera (no en su etapa central de plenitud). M. muchas han sido las contribuciones de J. Por una parte encontramos res de los biografiados. tras prometedora carrera. con el Liceo de Barcelona a la cabeza) desde su inauguración hasta su cierre en 1925. Y así nos encontramos con el barítono belga Jean Noté y el tenor francés Georges Thill. Barrientos o Supervía –apenas si Cortis o Capsir alcanzan a cubrir la cuota de celebridades españolas que llegaron a aparecer por el Real de los viejos tiempos– y mucho menos a las conocidas figuras internacionales de nuestra posguerra y tiempos más recientes. 50 años de lírica en España Libro de 458 páginas/ EDITORIAL ZUMAQUE / Ref. veía la luz el Diccionario de cantantes líricos españoles (Acento Editorial. un Hace trece años. de los treinta españoles biografiados. del que este libro resulta. en el Liceo o en las esporádicas temporadas operísticas (léase bolos) del resto del país. sus apreciaciones de cinéfilo culto–. falleció a los 31 años en París con sus facultades mentales perturbadas. pero a quienes el espíritu inquisitivo del autor ha buscado rescatar de las sombras del olvido. y en diversos medios. la única gran cantante “moderna”. vista a través de un pequeño número de actuaciones (en Viena. también en muchos otros escenarios españoles. “… en el ‘cómo’ está toda la diferencia”. todos ellos disfrutaron de carreras de nivel internacional. Anselmi. no se espere encontrar aquí a los Gayarre. pero. en España. la familiaridad con una extensa discografía (incluida la de más difícil acceso) y una singular independencia de juicio.V. que renunció a iniciar una carrera que se auguraba notable y se dedicó a labores pedagógicas en Las Palmas. por si acaso. Por ello es de celebrar el nuevo libro que nuestro autor dedica a cincuenta cantantes –treinta españoles y veinte extranjeros– activos desde mediados del XIX a los años sesenta del siglo XX. Desde aquella fecha. y de cuyas características vocales y artísticas nos ofrece un perspicaz análisis que vale por el entero libro. al tenue recuerdo de su voz plasmada en unos pocos cilindros o en un puñado de grabaciones. sus melancólicas reflexiones sobre los estragos del tiempo y el olvido. y simultáneamente a la reapertura del Teatro Real. o Conchita Bordalba. “abuela” artística de María Callas en su calidad de maestra de Elvira de Hidalgo en el Conservatorio del Liceo. de Sagarmínaga al conocimiento de figuras señeras de la lírica. estos Mitos y susurros poseen un valor literario per se. a través de la visión que de ellas ofreció la prensa nacional. de Sagarmínaga –su fina ironía. por decirlo así. españoles y extranjeros. Lo que Sagarmínaga nos brinda en Mitos y susurros. del entero libro. recurriendo. repertorio y discografía. coincidiendo con el cierre del Real. Como muestra del libérrimo criterio con que ha concebido el volumen. o los Mendioroz. o el tenor Ignacio Varela y el bajo Antonio Vidal. para Leonard Slatkin “el mayor cantante del siglo XX”. ilustrada por los testimonios de sus discípulos. Sembrich. mitos –por no ser exhaustivos– de la categoría de Tamberlick. y Frank Sinatra. cuyas carreras se desarrollaron en medio de las dificultades de un país de agitada historia y empobrecida vida lírica. Pero sobre todo son dos las figuras cuya presencia llama más la atención: Christa Ludwig. yo también lo recomiendo.

Habría que añadir al grupo. adelantemos ya.: GB 1217/8-2 (2 CD) D10 RUGGIERO LEONCAVALLO (1857-1919): Pagliacci / Del Monaco. Leoncavallo. movimientos de solistas y comparsería como si se tratara de un ballet de autómatas. claro está) Ford de Luca Salsi. soprano. acaba por resultar. Pues bien. iluminador y decorador. de un sueño a menudo cercano al surrealismo que asombra. la Meg destacada de Liliana Mattei y el Caius prácticamente impecable de Gregory Bonfatti. 2009) / DYNAMIC / Ref. Para conseguir estos fines. Stefano Poda. Pizzi. Tosti.: . ideas que vuelve a reflejar de nuevo en este. adquiere la coherencia y homogeneidad necesarias para que obra tan colectiva.- GEORGES BIZET (18381875): Carmen (en italiano) / Arkhipova.V. los indispensables. Por experiencia en ópera italiana en general y en Verdi y Falstaff en particular. Luca Salsi. no tiene panza) en Zúrich 1986. voces y canto (Sabina Puértolas. de la decidida y pujante Quickly de Cinzia de Mola y de la fina y femenina Alice de Virginia Tola. que frasea con intenciones. Miller) llega al montaje de Poda con un bagaje musical y dramático de envidiable calidad. si empieza sobresaltando. Karnéus.90 .V. fascinante Falstaff belga. Tiberius Simu). se mueve cómodo por la tesitura baritonal del papel. Novaro. Philharmonia Orchestra. Fernando Briones. vestuario entre sofisticado y extravagante. tras haberlo actuado con algunos de los directores escénicos actuales de mayor renombre (del Monaco.- AMILCARE PONCHIELLI (1834-1886): Canciones de cámara / Federica Zanello. trentino bien afecto profesionalmente a nuestro país.: Peter Maag (Directo. figurinista. porque se lo merecen. director musical. Dir. y por tanto de una originalidad tan atractiva como chocante.: GL-100641 (3 CD) P . a sus 68 años. una española y otra argentina. acaba por resultar. si empieza sobresaltando. piano / DYNAMIC / Ref. Banks. excitante. en Lieja. Cinzia de Mola / Orchestra & Chorus de l’Opéra Royal de Wallonie.: 27. si uno consigue entrar en él. Manon Lescaut y otras escenas de ópera (grabado en vivo en 1951) / GALA / Ref. Paolo Arrivabeni cumple las expectativas.: VRS 2103 (1 CD) D10 SAVERIO MERCADANTE (1795-1870): I Normanni a Parigi (selección) / Howarth.50 €. Ivanov. Stefano Poda realizó este montaje del Falstaff verdiano que hoy comentamos. Claro que todo “Un espectáculo que. director / VERSO / Ref. si uno consigue entrar en él. Nada que ver con cualquier idea preconcebida o tradicional de la última partitura verdiana. No tiene secretos Falstaff para Raimondi. llegue cómodamente a su fin. tan coral. Denza y Cardillo) / Varios cantantes. la más francesa de las ciudades belgas. sigue sonando sano y seguro– y actúa este equipo. Giordano.: CDS 33649 (1 DVD) D10 x 2 Novedades ópera GIUSEPPE VENDITTELLI: Arias de ópera (Massenet. Mascagni. con la Frittoli y Ataneli (publicado anteriormente en DVD por Arthaus) es como la esencia de su estética operística. elementos mínimos. otro dato nuevo. Paolo Arrivabeni. al que se suma un tenor rumano y dos sopranos “latinas”. proyecciones que colaboran a ampliar la GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Falstaff Ruggero Raimondi. Aunque la velada gira en torno a su protagonista titular. sobre todo en el registro central –que. en obra donde la orquesta es un personaje más y de enorme importancia. Dir. Su Thaïs de Turín. por sus ideas claras y por dominio de la partitura y de una orquesta particularmente sensible en su preciosa tarea de traducir tan genial muestra del maduro talento verdiano. Alberto Bruni. logran trasmitir sin problemas su contenido. Ronconi. Poda. Broadbent. sin un director de calidad en el foso. el resto del equipo mayoritariamente italiano. Pero a su lado se puede también disfrutar del robusto (en plan lírico. Raimondi. Blanc. soprano. es uno de los registas actuales de más extravagante imaginación. como si se tratara con la disponibilidad que se le admira.: Vassily Nebolsin (1959) // BONUS: Fragmentos de Otello.P €. La narración de la obra.: ORR 249 (1 CD) D2 . desde que debutara el papel del Pancione (aquí. director escénico (grabado en directo en la Opèra Royale de Wallonie. orquestas y directores (grabado entre 19741995) / BONGIOVANNI / Ref. sugestivas. Del Monaco. de una extraña e inquietante belleza. En la Ópera Real de Valonia. el contenido de la acción queda a cargo de los cantantes quienes. nunca podría llegar a buen puerto. Orquesta Gaos.: S 2043 (1 CD) D4 LELA: Canciones gallegas / Cristina Gallardo-Domâs. de una extraña e inquietante belleza. asumiendo la cuádruple función de director escénico. colorido casi exclusiva y monótonamente blanco… En fin. ” excitante. Pobbe / Orquesta y Coro del Teatro San Carlo de Nápoles. Liége.” de un juego de magia. Maslennikova / Orquesta y Coro del Bolshoi.: GL-100676 (4 CD) P . Hall / Geoffrey Mitchell Choir.: Stuart Stratford / OPERA RARA / Ref. Sabina Puértolas. impacta en nuestra retina con imágenes insólitas. Escenario único convenientemente iluminado para las necesarias variaciones de espacios.P 22. inolvidables. se responsabiliza a lo grande. Verdi. conmueve. un espectáculo que. Bellini. Tiberio Simu.ópera 200 / febrero 2011 27 Magia en Lieja Ruggero Raimondi protagoniza un fascinante Falstaff dirigido escénicamente por Stefano Poda Fernando Fraga narración. Virginia Tola. Puccini.1960) / GALA / Ref. solícitos. Dir. Saint-Saëns. de una parejita amorosa ideal por físico. Ruggero Raimondi.

lo que habría contribuido ya de antemano a una mayor familiaridad con la lengua alemana. un mes después de su despedida del Met y uno antes de grabar el mítico Tristán e Isolda con Furtwängler. feliz.: ODE 1168-2 (1 CD) D2 Orchester der Städtischen Oper Berlin. La portentosa Escena del reconocimiento (Flagstad noble. Suecia y Noruega. FLAGSTAD canta WAGNER y STRAUSS Camilla Nylund. la noruega sigue siendo Isolda y Brunilda formidable. Los Wesendonck-Lieder llenan una importante laguna. no son tan limpios e impactantes como antaño. nacida en Vaasa y perteneciente a la minoría sueca en su país. Camilla Nylund ha tenido también destacadas actuaciones en la Staatsoper de Viena. soprano. por cierta veladura en el timbre. Hannu Lintu. Sebastian. galardón que parece haber resultado premonitorio para la joven cantante. de algún modo. con papeles como Arabella o la Condesa de Capriccio. La labor de otra de las jóvenes promesas finlandesas de la dirección. pues en 1952 la voz estaba más fresca que cuando los grabó con “Kna” (1956. Del primer autor se incluyen unas acertadas Elsa y Sieglinde. Después de pertenecer durante algunos años a la Ópera Estatal de Hannover. Los días 9 y 11 de mayo de 1952. olímpica en lo vocal. Jorma Hynninen o Soile Isokoski han alumbrado y alumbran con su propia luz los escenarios operísticos del mundo entero. en inflexiones exageradas. Hannu Lintu. en 2008 recibiría también el título de Kammersängerin por el Estado de Sajonia. Allí obtuvo en el año 2000 un premio asociado a una ilustre predecesora. donde la cantante se desmelena y pierde cierto recato natural que encontramos en el resto de sus interpretaciones. director / ONDINE / Ref. pero sin histrionismo. teatral. A punto de cumplir 57 años. con un conmovedor pudor expresivo) hace añorar una Elektra completa. Tampere Philharmonic Orchestra. y se espera con verdadero interés su presentación en el Festival de Bayreuth de este verano como Elisabeth en la nueva producción de Tannhäuser bajo la batuta del ascendente Thomas Hengelbrock (y de la que aquí se ofrecen. completos (las partes cantadas) y a partir de las cintas originales del archivo de la RIAS. lo que la acercaría a otra señalada cantante nórdica de nuestros días. Hasta ahora se trataba principalmente de voces procedentes de Dinamarca. siguiendo la estela del inolvidable Martti Talvela y de su sucesor. La Scala de Milán. sutil regulación de las dinámicas.” Existe una larguísima tradición de cantantes escandinavos que han contribuido enormemente a enriquecer el repertorio alemán. Kirsten Flagstad ofreció sendos conciertos en el Titania Palast de Berlín con la Orquesta de la Ópera Municipal dirigida por Georges Sebastian y obras de Wagner y Strauss en atriles. Monica Groop. acompaña ahora con solvencia. Por todo ello. con unos agudos firmes y bien asentados. Y las Cuatro últimas canciones son técnicamente superiores a la grabación del ensayo del estreno (1950) con Furtwängler (Testament). legato magistral. Wagner y Richard Strauss (aunque ha reconocido que en los próximos años quiere inclinarse hacia el repertorio italiano. la Deutsche Oper Berlin. Más desinhibida. a Felicity Lott. Precisamente. Para estos papeles tiene Camilla Nylund –además del aspecto físico ideal para las heroínas rubias–. sin desprenderse por ello de su frescura juvenil. A veces son algo tirantes y abiertos (¡Ella. en la actualidad forma parte del elenco de la Ópera Estatal de Sajonia en Dresde. En Strauss nos recuerda un poco. de generosísima duración (casi hora y cuarto) en los dos compositores a los que más se ha consagrado. al frente de la Orquesta Filarmónica de Tampere. Audite los publica. la soprano alemana Christel Goltz. pero desde hace algunos años han irrumpido también con fuerza en el ámbito germánico los artistas procedentes de Finlandia. A éstos se ha añadido recientemente Camilla Nylund. la voz es aún gloriosa. tanto la mundana Arabella como las míticas Daphne y Ariadne. graves imponentes. Expresión que surge de la voz y no se sustenta en aspectos extrínsecos al canto. Sebastian se muestra directo y poco fino). el Festival de Salzburgo (donde protagonizó una aplaudida Rusalka con Franz WelserMöst) o la Lyric Opera de Chicago. Decca). aunque sin llegar propiamente a lo lírico-spinto. Dir. pues la soprano omite Im Frühling por problemas de tesitura (ya en el estreno sustituyó el si natural por un fa#). Matti Salminen. que afianzaron sus posteriores estudios en el Mozarteum de Salzburgo. así como una premonitoria Isolda. hace que la cantante se sienta en un entorno familiar y pueda desplegar cómodamente todas sus virtudes. En realidad son tres. control respiratorio ejemplar. alucinada. volcánico. que siempre los daba cubiertos!) Y le cuesta apianar. Nombres como los de Karita Mattila.: AUD 23416 (2 CD) D1 CAMILLA NYLUND: Transfiguration (escenas y arias de Wagner y Strauss) . ausencia de sonidos feos. esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo. donde adquirió una excelente escuela que se refleja en la propiedad de los acentos y la correcta articulación de las palabras. Fue su debut y su despedida de la capital alemana. claro. culminando su recital con la escena final de Salomé. la soprano sueca Nina Stemme). porque algunos de sus mayores triunfos han estado desde entonces ligados a dos de las grandes creaciones de esta artista. humana (enternecedor Lamento) en la expresión. así como su particular vinculación al repertorio straussiano. como Salomé o Leonora en Fidelio (que cantó en la Ópera de Zurich con Nikolaus Harnoncourt y Jonas Kaufmann. la Ópera Estatal de Baviera. aunque sin llegar propiamente a ” lo lírico-spinto. Flagstad conserva buena parte de sus celebradas virtudes: canto relajado. la soprano finlandesa ha querido centrar su primer recital discográfico.28 di v e r di ópera La nueva estrella del Norte Ondine presenta a la joven soprano finlandesa Camilla Nylund en un recital dedicado a Wagner y Richard Strauss Rafael Banús Irusta Penúltimas lecciones Debut y despedida de Flagstad en el Berlín de 1952 Miguel Ángel González Barrio “Camilla Nylund posee esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo. Los agudos. el aria de entrada y la plegaria del acto III). la famosa Semperoper. con su proverbial calidad de sonido. en los fragmentos operísticos los resultados son extraordinarios. Del segundo. a modo de primicia. como atestigua un magnífico DVD). Si las canciones no terminan de entusiasmar (Flagstad está aún calentando. Una voz de color homogéneo.: Georges Sebastian (1952) / AUDITE / Ref.

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sino un extraño soñador que aspira a imponerse mediante un golpe de suerte a la sociedad que lo margina y acosa. y entre ellas no fue la menor el poco aprecio que el fundador del festival. el mar con toda su plasticidad y su poesía. Tuvas / London Philharmonic Orchestra. la influencia de Wozzeck.: 41. Britten comenzó en enero de 1944 la composición musical. Forster dedicado a George Crabbe (1754-1832).85 €.M. tan maravillosamente plasmadas en los interludios marinos con los que Britten elaborará una de las “marinas” sinfónicas más extraordinarias del siglo XX. Gorton. que Britten había estudiado a fondo. Glyndebourne: si en la inmediata posguerra el Festival albergó como conjunto invitado al English Opera Group fundado en 1946 por Britten. esta cumbre de la ópera de todos los tiempos hoy está plenamente incorporada al repertorio regular y ha sido ya objeto de dos docenas de grabaciones disco/videográficas. Page. sino que marca el momento fundacional de la hasta entonces apenas existente ópera británica. y con un protagonista marginal y tullido. que aún hoy resulta una de las más deliciosas y poéticas puestas en escena de la historia del Festival. donde pronto contactó con Montagu Slater. pero también con su potencia destructora. por su parmaltratador. nostálgico de su paisaje natal y decidido a componer una ópera sobre el tema. no es un simple conjunto coral informe y sin rostro. en la misma son evidentes. la tabernera y sus “sobrinas”–. un buen hombre capaz de llegar al homicidio) y Der Rosenkavalier y su maravilloso trío de voces femeninas. que conserva en muchos momentos. el reencuentro tiene lugar en 1981 con el estreno de El sueño de una noche de verano en la versión de Peter Hall. La historia de la creación de Peter Grimes arranca con la lectura por Britten. Ello no obsta para que esta nueva versión tenga una validez absoluta. donde la tormenta tiene una función dramático-musical. poeta y naturalista inglés nacido en Aldeburgh. hasta el punto de que hoy día Britten.30 di v e r di ópera Britten ya reina en Glyndebourne El sello del festival inglés nos presenta su versión de Peter Grimes grabada en el verano de 2000 Santiago Salaverri clérigo. Sea como fuere. Y éste. con el más prestigioso y singular de los festivales operísticos del Reino Unido. durante más de tres décadas los destinos de autor y festival siguieron caminos independientes: aquél como autor de un corpus operístico de extraordinaria riqueza –y fundador además de su propio festival en Aldeburgh–. lo que tuvo lugar en 1992 con una producción de Trevor Nunn repuesta en 1994 y 2000. en el verano californiano de 1941. La comunidad. “Una de las versiones más vibrantes de la obra maestra britteniana. pero también ecos de obras tan dispares como Porgy and Bess (también situada en una comunidad pesquera. hoy un género prestigiado y abundante en autores y creaciones. El estreno por la compañía del Sadler’s Wells el 7 de junio de 1945 no sólo constituye un dato capital en la biografía de Britten. diversas circunstancias interrumpieron la colaboración entre ambas instituciones. que da por igual el tipo en los momentos de expansión lírica como en los arranques de violencia o en los episodios de demencia final. escenas de taberna). a la que dio término en trece meses. especialmente en las intervenciones corales. el sermoneador metodista puritano y borrachín. de un artículo de E. el viejo lobo de mar– que a la postre le abandonan a su suerte. BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Peter Grimes Griffey. te. John Christie. hoy uno de los intépretes más requeridos en el rol de Grimes. que estrenó allí The Rape of Lucretia y Albert Herring. el párroco más preocupado de rosas que de almas. ante todo por su protagonista. Mozart. Britten ha volcado en él sus propias ansiedades y tensiones íntimas. evocado en el cuarteto del segundo acto. The Glyndebourne Chorus. pero unidos en su rechazo al rebelde y misántropo Grimes. y Mark Wigglesworth consigue de la London Philharmonic y el Glyndebourne Chorus una de las versiones más vibrantes obtenidas hasta la fecha de la obra maestra britteniana. amistad y hasta sus niños aprendices. Sea como sea. a los 31 años. que se coloca en ” primerísima línea de la discografía. y por encima de otros allí tan apreciados como Rossini.” Finalizado el libreto. Verdi o Strauss. Dir. y a este último año corresponde la grabación que aquí se comenta. de la música de Britten. a su juicio.P . con ocho de sus nueve óperas –únicamente falta Gloriana–. Está claro que la elección de Peter Pears lastró la visión que Britten tenía del protagonista. Benjamin Britten.V. es el autor que cuenta con más títulos programados en la historia de Glyndebourne. pero esa indefinición ha permitido la gran variedad de enfoques que sucesivos intérpretes y registas han aportado al personaje y a sus relaciones con su entorno. convertido de la noche a la mañana. sentía por la ópera inglesa y el estilo demasiado “moderno”. que se coloca en primerísima línea de la discografía. En su obra The Borough –que evoca la vida de una comunidad pesquera hacia 1800 con una clara preocupación humanitaria y de crítica social– Crabbe se detenía en un siniestro personaje. el corpulento y entonces jovencísimo Anthony Dean Griffey (High Point. su recurso a danzas populares estilizadas y cierto parentesco temático (dos marginados sociales llevados a la autodestrucción por su entorno) y ambiental (una naturaleza hostil e inquietante. en el más importante compositor inglés. en la misma costa de Suffolk donde Britten había visto la luz. honor que comparte con el autor fetiche del Festival. y Glyndebourne. Todos los restantes intérpretes del largo reparto están perfectos en sus cometidos. por su parte. divulgada en todo el mundo gracias al vídeo. A partir de esa fecha.: GFOCD 00800 (3 CD) P . Carolina del Norte. Tierney. Su lectura determinó a Britten. dramaturgo de convicciones izquierdistas que se ocupó de la dificil tarea de transformar la colección de poemas en una obra de eficaz enjundia dramática. Lógicamente. sino que está conformada por una serie de siluetas minuciosamente caracterizadas en lo dramático y en lo musical. trátense de protectores de Grimes –la maestra (¡qué fantásticas todas sus intervenciones vocales de principio a fin de la ópera!). Fallecidos el viejo Christie en 1962 y Britten en 1976. Recomendabilidad total. por su utilización de formas clásicas. la comunidad humana de la que forma parte (y de la que será chivo expiatorio) y la naturaleza. no ofreciéndole otra salida que el suicidio. Tilling. médico. antes o después Peter Grimes tenía que incorporarse al cartellone de Glyndebourne. maltratador de sus aprendices hospicianos –tres de los cuales morían víctimas (más o menos incidentales) de un trato brutal– y fallecido miserablemente en un manicomio. el boticario juerguista y chaquetero. resulta ser el punto más incierto de la trama.. Tres son los elementos que se singularizan y enfrentan en Peter Grimes: el protagonista. versos de Crabbe que confieren al texto un sabor arcaizante. el legado lírico britteniano fue incorporándose progresivamente a su programación. la viuda cotilla que juega a Miss Marple. y su retrato adquiere enormes dosis de ambigüedad: ya no es un salvaje Resulta sumamente curiosa la historia de las relaciones del más grande operista inglés de todos los tiempos.: Mark Wigglesworth / GLYNDEBOURNE / Ref. a regresar a Inglaterra. 1970). y a ello sacrifica amor. o de representantes de distintos estratos sociales enfrentados entre sí –el alcalde y juez pomposo y golfante. que pronto se consolida como uno de los indispensables must del orbe operístico internacional. de una parte. el pescador Peter Grimes.

tenor. Andor Foldes. En su conjunto. Las grabaciones en estudio no tienen nada que envidiar a las posteriores de Deutsche Grammophon. pero la primera es una versión en vivo: de ello se desprende un grado de tensión algo mayor (Varga es superlativo en la cadencia del Allegro non troppo) y una calidad de sonido inevitablemente inferior. sino porque en dos casos el solista es diferente. En el Concierto nº 2 el solista es Geza Anda. RIAS-Kammerchor (Chor der St. sino también un formidable constructor de orquestas. que conocen todos sus recovecos y han conseguido elevarla al rango de “clásica”. Orquesta y solista (Tibor Varga) son los mismos. percusión y celesta. Unas cualidades especialmente aptas para la música bartókiana. flexibilidad. representan un hito discográfico de obligado conocimiento. mientras que las tres realizadas en vivo son de un nivel inevitablemente inferior. Puede que otros directores las hayan igualado en ocasiones puntuales. La comparación es aquí especialmente interesante no sólo por la distancia cronológica entre las respectivas versiones (entre siete y diez años). La Rapsodia cuenta con la participación de otro bartókiano ilustre. Louis Kentner. se trata del mismo registro que DG editó por primera vez en los noventa dentro de su serie Dokumente. Rudolf Schulz.grabaciones históricas 200 / febrero 2011 31 Olimpo bartokiano Audite edita en un estuche de tres cds las grabaciones para la Radio de Berlín que realizó en los cincuenta Ferenc Fricsay con música del gran autor húngaro Stefano Russomanno Béla Bartók “Una auténtica joya del primero al último minuto. Tibor Varga. una verdadera bendición para los amantes de Bartók y de la música en general. Si tuviera que elegir. transparencia. Karajan / Strauss… Las grabaciones bartókianas que Fricsay realizó para Deutsche Grammophon en la década de los cincuenta no han dejado nunca de representar una referencia absoluta. Si a ello añadimos la habitual excelencia de las remasterizaciones de Audite. pero comunica un mayor grado de exaltación y arrebato: las disonancias son más ásperas. piano. No cabe duda de que con este triple volumen la Fricsay Edition que promueve Audite ha alcanzado su culminación. quien intenta “masculinizar” la pieza con un talante a veces excesivamente agresivo. fluidez… ¿se puede pedir más? Fricsay no fue sólo un extraordinario director. si bien sólo en un caso (el Concierto para piano nº 3) el resultado es poco satisfactorio. Helmut Krebs. mientras que la sucesiva versión de Anda prefiere subrayar las raíces lisztianas. será fácil imaginar que los registros poseen una increíble calidad para los estándares de la época. la Suite de danzas. Tampoco la calidad de la toma en vivo ayuda mucho. violín. En lo que respecta a la Música para cuerdas. penetrantes y muy dúctiles. En el caso de la Cantata profana. RIAS-SymphonieOrchester. la proximidad cronológica entre las dos versiones y la presencia de la misma orquesta hacen que las diferencias interpretativas sean de escasa consideración. un conjunto que moldeó a su imagen y semejanza y que convirtió en pocos años en una de las mejores agrupaciones sinfónicas europeas.” El Bartók de Fricsay pertenece a esta serie de emparejamientos legendarios en los que la estrecha afinidad entre compositor e intérprete trasciende lo musical y alcanza un grado de comunión espiritual: Furtwängler / Beethoven.: AUD 21407 (3 CD) D2 x 2 . Hedwigskathedrale). que preceden –a veces en cuestión de meses– las tomas del sello amarillo. Dietrich Fischer-Dieskau. el binomio Anda/Fricsay (y no olvidemos el dúo Fischer/Fricsay) es sin duda superior. piano. vigor rítmico. resulta irrecuperable una cinta del Castillo de Barba Azul grabada en 1958 y destruida en los años sesenta). Además de los títulos citados. 1 y los Conciertos para piano nº 2 y 3 (desgraciadamente. Fricsay realizó una serie de grabaciones para la radio berlinesa que Audite acaba ahora de reunir en tres discos. una verdadera bendición para los amantes de ” Bartók. piano. puesto que la orquesta queda relegada a un fastidioso segundo plano. Géza Anda. Puede que la presente versión de 1953 no tenga la perfección de aquella otra. donde la fidelidad del concepto (Fricsay había estudiado en su juventud con Bartók) se alía a unas cualidades musicales y técnicas de primer nivel: intensidad.: Ferenc Fricsay (grabado entre 1950 y 1953) / AUDITE / Ref. pero los siete años de distancia entre esta versión y la “oficial” de DG se notan. la Radio de Berlín contaba con una tecnología punta en la grabación del sonido y sus técnicos contaban entre los más cualificados en esas labores. Knappertbusch / Wagner. En 1948 se le encomendó la dirección de la recién creada Orquesta Sinfónica de la RIAS (la radio que los aliados habían creado en Berlín oeste). Junto a sus célebres versiones de Bartók en Deutsche Grammophon. Protagonista del Concierto nº 3 es Louis Kentner. Se trata de registros comprendidos en un período entre 1950 y 1953. FERENC FRICSAY dirige BÉLA BARTÓK: Las grabaciones completas de la RIAS Andor Foldes. Dir. ya con sonido estéreo: todo un pilar de la discografía del compositor húngaro. aquí el entusiasmo físico del descubrimiento y la exploración. La filosofía sonora de la orquesta radicaba en la precisión y la nitidez de una sección de cuerdas contundente pero ligera (lejos de la densidad y suntuosidad propias de los conjuntos alemanes) junto a unos vientos dotados de un insólito relieve. En los años cincuenta. Esta última representa el legado de dos intérpretes que dominan la partitura con una soltura impresionante. los efectos percusivos más contundentes… Ahí prevalece la templanza de la sabiduría. violín. diría que la versión radiofónica gana por puntos a la oficial. barítono. Fricsay grabaría la integral de la música para piano y orquesta de Bartók junto a Geza Anda entre 1959 y 1960. Más equilibrado y clasicista. el Divertimento y los Dos retratos. en una versión que acerca la obra al perfil modernista e iconoclasta del Concierto para piano nº 1. Toscanini / Verdi. Pero no se confundan: esta caja es una auténtica joya del primero al último minuto. la caja de Audite se completa con la Rapsodia para piano y orquesta op. Tres años median entre la grabación radiofónica y discográfica del Concierto para violín nº 2. pero nunca las han superado.

Georg Friedrich Haendel. Hans Schmidt-Isserstedt.1 nos recuerdan qué extraordinario intérprete de Brahms fue Solomon (¿hace falta mencionar los dos Conciertos para piano y orquesta. a tempo constante en cada movimiento. Tchaikovski. sensible por igual a los aspectos clásico y romántico que alternan en estas dos sonatas de juventud. dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS en Berlín. Hans Schmidt-Isserstedt. Schumann. Beethoven. Liszt. El Carnaval de Schumann vuelve a ser memorable. pero hay algunas novedades: los dos Intermezzi opus 118. son una fiesta para cualquier aficionado. Solomon y Walter Legge hubieron de suspender –parecía que temporalmente– el proyecto. captadas con excelente sonido. Schubert. Bach.32 di v e r di grabaciones históricas El pianista que no tenía apellido Formidables reprocesados sonoros de Audite de grabaciones del británico Solomon Roberto Andrade de Kempff. ya muy avanzado. Chopin y Brahms Solomon. hoy lo tomo prestado para encabezar esta reseña. También es novedad el precioso Concierto italiano de Bach. junio de 1958 y en Lugano. Beethoven y Ravel / New York Philharmonic Orchestra. Schubert) / NWDR Sinfonieorchester. Gaspar Sanz. que pasó recluido en su hogar de Londres. Óscar Esplá y Joan Manén / Andrés Segovia. a tener el merecido reconocimiento internacional. La imponente colección de 16 CD dedicados por Testament a este eximio artista. de matizadísima sonoridad. Treinta y dos años de vida le quedaron a Solomon. de grabar las 32 Sonatas de Beethoven para piano. que los especialistas no acertaron a valorar. director (grabado en directo. que hubiera competido con los ciclos Novedades grabaciones históricas LEONARD BERNSTEIN: obras de Tchaikovsky. suena un poco precipitado. Leonard Bernstein. piano (grabado en estudio en 1956) / AUDITE / Ref.1. son una fiesta para ” cualquier aficionado. como lo era el de Testament. más la Primera Rapsodia opus 79. Buena parte de la música recogida en estos dos CD Audite figura en la citada colección de Testament. todos grabados en estudio en los años 40 y 50 para EMI. director (grabado en directo en Turín el 15 de noviembre de 1960) / IDIS / Ref. Pocos meses después. en 1995. 5 para piano y orquesta. de nombre artístico Solomon a secas. VOL. sin “Dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS. en el ya lejano año de 2002.3 y Claro de luna opus 27. 19581959) / IDIS / Ref.: IDIS 6603 (1 CD) D5 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: The Capitol Recordings (obras de Haydn.: IDIS 6598 (1 CD) D5 SIR JOHN BARBIROLLI dirige GUSTAV MAHLER (18601911): Sinfonía no. desgranado con una admirable claridad de líneas. Un muy triste final de una carrera que hubiera podido concluir gloriosamente: méritos artísticos no le faltaban a Solomon. director (grabaciones efectuadas en 1955) / TAHRA / Ref. Robert de Visée. sobre todo la Fantasía en fa menor opus 49 y el hipnótico Primer Nocturno. Las dos Sonatas de Beethoven incluidas. opus 9. opus 2. director (grabado entre 1953 y 1959) / TAHRA / Ref. mayo de 1957) / IDIS / Ref. VOL. Sonata no.: TAH 698-700 (3 CD) D6 x 3 .2. dejó hemipléjico a Solomon y cortó para siempre una carrera que comenzaba. 23 en fa “Appassionata” / Rudolf Serkin. y las molestias en el cuarto y quinto dedo de la mano izquierda de Solomon. Backhaus y el joven Gulda para el nuevo formato del disco microsurco de larga duración. pero sin el menor atisbo de lectura mecánica. guitarra (grabado en estudio entre 1944 y 1956) / IDIS / Ref.: TAH 694-696 (3 CD) D6 x 3 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: Las grabaciones Telefunken (obras de Haydn. el Segundo Scherzo. cuidado por su esposa y apoyado por algunos colegas y amigos. Orchestra “Alessandro Scarlatti” di Napoli della RAI. Franco Caracciolo. revalidan la excelsa calidad de Solomon como intérprete del músico de Bonn. Excelente el trío de obras de Chopin. a fin de 1956. captadas con excelente sonido.: IDIS 6599 (1 CD) D5 EL ARTE DE ANDRÉS SEGOVIA. Christoph Wilibald Gluck . eco de los recitales que ofreció en la capital alemana en febrero de 1956. en el verano de ese año. Sir John Barbirolli. Federico Moreno Torroba. Mozart. Rimski-Korsakov. en particular. por fin. Dvorák. que tanto puede perjudicar a esta bellísima música y a la melodía infinita de su andante. varios CD que Testament dedicó al pianista británico Solomon Cutner (1902-1988). Brahms y Wagner) / NWDR Sinfonieorchester. se enriquece con estos registros de la RIAS alemana fechados en febrero de 1956. piano. 3: Concierto no. resultaron ser las primeras manifestaciones de un gravísimo problema circulatorio que.” duda arrebatador. Pero el destino no lo quiso así. y figura entre las referencias fonográficas de esta obra. SOLOMON: Obras para piano de Beethoven. 9 en Re menor / Orchestra Sinfonica di Torino della RAI.6 y opus 116.: AUD 23422 (2 CD) D1 Comenté en este Boletín.: IDIS 6577 (1 CD) D5 RUDOLF SERKIN INTERPRETA BEETHOVEN. En resumen. director (grabado en directo en Nápoles. Estas dos últimas piezas tampoco figuraban en la antología de Testament. la Tercera Sonata para piano o las Variaciones Haendel?). 6: Obras para guitarra de Luis de Milán.4. Esta singular circunstancia sirvió a José Luis Pérez de Arteaga para titular un sustancioso ensayo sobre el pianista en Scherzo.

Los discos que ha grabado hasta el momento. eso sí. piano. la claridad del fraseo. un pianista que no entendemos cómo no está más arriba “Un Beethoven muy estimulante. Este disco. tan equilibrada y tan bien grabada como las escuchadas anteriormente. la ligereza de la pulsación. vívido y animado. nuevos modos de acercamiento. una sonoridad clara. valga la contradicción. violonchelo. Minnesota Orchestra. con el concurso de la tímbrica del grupo. nos parecen excelentes por la finura de concepto. una excesiva templanza. de un Gulda que de un Backhaus. por lo que escuchamos aquí en estos acompañamientos al solista. el dolor premonitorio que encierran las notas. con una suave belleza que termina por distanciarnos de una obra que puede ofrecer emociones más turbadoras cuando se interpreta con mayor ímpetu y se consigue conectar con la lúgubre sensualidad. El finés Osmo Vänskä ha dado pruebas más de una vez de que es una batuta sólida y eficaz. Al menos suena afinada. en el que el lirismo aflora cuando hace falta. Y Subdin. de la profunda comprensión que ha ido adquiriendo del mismo. Es comprensible. “Emperador”. no le presta a Coppey un trampolín sobre el que hacer volar el discurso. director / BIS / Ref. 384. transcrita para violonchelo. potente y firme. en BIS Schubert templado Marc Coppey ofrece en Aeon una elegante versión de la Arpeggione Ignacio González Pintos Arturo Reverter Dos interpretaciones modernas. única obra del programa que se presenta en su versión original. tocadas de mil maneras y por los más insignes pianistas. Trío Marc Coppey. brillante. Ilya Gringolts. la antigua Sinfónica de Minneapolis que pusiera en órbita Antal Dorati y que ahora se llama Orquesta de Minnesota. en el que el lirismo aflora cuando hace falta pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. Son buenos mimbres. que a lo mejor ofrecen nuevas vías. La centuria posee. por ejemplo. las interpretaciones de este ruso nos gustan y nos divierten. y de toda la literatura para piano y orquesta: el Cuarto y el Quinto. con todo en su sitio. que en el “Emperador” está más cerca. 1 D. un artista elegante. Siempre es grato. fresco. así en los dos lentos. la Sonata Arpeggione transcurre con perfecta delicadeza. violín. Y lo cierto es que poco se le puede reprochar a Coppey. poseedor de un sonido de gran belleza y calidad. Si acaso habría que objetarle. Peter Laul. advertir en su juego las sutilezas o claroscuros de un Arrau. con lo que su discurso. Osmo Vänskä. claro. aún está en ese camino. en todo caso. La presencia de Ilya Gringolts en el Trio N. Sonatina. aporta al conjunto personalidad tímbrica y nuevos acentos expresivos.” en el escalafón. con todo en su ” sitio. Un Beethoven muy estimulante. especialmente los dedicados a Scriabin. todo se lleva a cabo con buen gusto y estilo.: BIS SACD 1758 (1 SACD) D3 Osmo Vänskä En la extensa entrevista que reproduce la carpetilla de este disco el violonchelista Marc Coppey da muestras de su afinidad con el universo schubertiano. por muchos méritos que ya posea. aunque. pero con una dosis mayor de chispa y energía. Son bazas que aprovecha Subdin. El resultado es una interpretación más estimulante y animada. aunque. El pianista se expresa con muy bello timbre pero con una discreción que resta carácter a su evidente musicalidad. sabe establecer los planos adecuados. Así. También es cierto que Peter Laul. sin duda. los tempi lógicos y las texturas idóneas. al piano. LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1825): Conciertos para piano nºs 4 y 5 Yevgeny Sudbin. estamos hablando de algunos de los más grandes pianistas de la posguerra. y su reciente ciclo Beethoven con el conjunto americano ha tenido muy buenas críticas. FRANZ SCHUBERT (1797-1828): Arpeggione. Dos obras grabadas hasta la saciedad. piano / AEON / Ref. que se abre ante él. lleno de vida. prometedor y que no se sabe a dónde lo llevará. aunque la cordialidad de la interpretación encaja mejor con el espíritu de esta obra alegre y juvenil. eso sí. disciplinada y rigurosa. aunque sea difícil. porque. Sin penetrar en los significados como podría hacer un Brendel y sin el refinamiento de un Zimerman. salvando distancias. limpias y eficientes de dos de los conciertos más conocidos de Beethoven.: AECD 1095 (1 CD) D2 . dirigidas por las más grandes batutas y apoyadas en los timbres de las más famosas agrupaciones sinfónicas. es un buen ejemplo.siglo XIX 200 / febrero 2011 33 Limpias articulaciones Conciertos Cuarto y Quinto de Beethoven por Subdin y Vänskä. segura y compacta. capaz de hacer cantar a su instrumento con enorme naturalidad. Algo parecido cabría decir de la Sonatina N. 1 D. siempre dentro del más respetuoso decoro. sin que ello excluya la dimensión poética. de momento. no precisamente aterciopelada pero no exenta de valores. según pone de manifiesto la excelente y transparente grabación. por supuesto. recibir nuevas interpretaciones diríamos que de refresco. de mantener una línea musical cálida y fluida. pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. resulta ameno. la acentuación justa. Pero. Con esta actitud abierta nos hemos aproximado a esta reciente grabación de BIS en la que participan gente joven y bien adiestrada y una formación. Sin embargo no todo lo expuesto allí obtiene exacta traducción en la interpretación musical que uno escucha a continuación. 898.

fechada el 24 de marzo de 1897. que había llegado a ser en la Alemania de los años 20 director del Conservatorio de Mainz. atípica.: 23. Inesperadamente. es dominante el apellido Schumann –Robert.V. licenciado en filología germánica por la Universidad de La Habana. El epistolario arranca en noviembre de 1853.v. Así lo indica en su inteligente prólogo Áurea Domínguez: …” un hábil compilador. cada palabra es un sacrificio para mí. Escenas sinfónicas catalanas. sin aniversario “redondo” que la propicie.50 €. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las ” convencionales. en efecto. el violinista Joseph Joachim y Eusebius Mandiczewski. Nortesur. capaz de presentarse ante el lector como una verdadera autobiografía”. Anton Webern… Un libro muy ameno. nos llega esta edición en español de la antología de la correspondencia brahmsiana que el compositor y musicólogo de origen judío Hans Gál (1890-1987) preparó a la tierna edad de 89 años en Edimburgo. que distrae al creador de su principal tarea– o proporcionan los datos biográficos esenciales del destinatario. 2010. Y aunque el texto y el pretexto de esta reseña es la figura del gran Johannes Brahms– “rudo soñador de la Alemania del Norte”. En esta selección de Gál quedan excluidos. Por el contrario. dentro de la colección Musikeon. casi novelesca.95 € . que han comenzado a editar diversos sellos discográficos. atípica. director td 0078 (1 cd) p. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros.” monios Fellinger y von Herzogenberg. cuando Joachim presenta a su joven amigo Johannes Brahms al matrimonio Schumann. forman una biografía. Breitkopf y Härtel. su intento de suicidio en febrero de 1854 –la locura le dominaba ya– cortó en seco lo que hubiera podido ser un interesantísimo intercambio de correspondencia entre dos autores cumbres del Romanticismo. Gál.p. 304 páginas / ANTONIO MACHADO LIBROS / Ref. toda esa información complementaria. Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña Jaime Martín. Y. que se lee con interés creciente y a cuyo término la compleja y atractiva personalidad del “rudo soñador” nos queda mucho más cerca y acaba resultando entrañable. Suite orquestal de la ópera Pepita Jiménez) Orq. tanto la hablada como la escrita…” Estupenda esta iniciativa de la editorial barcelonesa Nortesur. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros. que iluminan las circunstancias que impulsan a Brahms a escribir tal o cual carta –siempre una obligación penosa. traductor de un impresionante elenco de autores : Hesse.: 17.: DIV9788493735777 (1 Libro) P . hubo de trasladarse a esta ciudad escocesa en los años 30 ”animado” por los nazis y en ella fijó su residencia y desarrolló una fecunda actividad musical. Ingeborg Bachmann. esta antología epistolar. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las convencionales. nueve días antes de su muerte. por ejemplo– que hubieran sido bienvenidos. La traducción a un impecable castellano ha estado a cargo de José Aníbal Campos. que dirigen Luca Chiantore y Silvia Martínez.- Johannes Brahms . no el compositor. de óptima edición. los matri- JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Cartas 1853-1897 Edición de Hans Gál. Pero aquí nos ocupa el Gál biógrafo. en los últimos años. Barcelona. por fuerza. seleccionando adecuadamente los documentos e insertando breves aclaraciones y comentarios. Musikeon. Eduard Hanslick. algunos nombres ilustres –Hans von Bülow. Recomendación entusiasta. Clara y seis de sus hijos– así como los de los grandes amigos de Brahms: el cirujano Theodor Billroth. coautor con Hans Gál de la edición completa de la obra musical de Brahms que la editorial de Leipzig.. conforma una biografía. según lo definía agudamente mi libro de historia del arte en quinto curso de bachillerato– no está de más destacar el interés que. publicó entre 1926 y 1927. ha merecido la música compuesta por Gál. Pero apenas hay dos cartas a Robert.P Tritó ISAAC ALBÉNIZ Música orquestal (Catalonia. Es de esperar que el éxito acompañe a este esfuerzo editorial. puede transformar una sucesión de cartas en una narración fluida. va dirigida a Joachim: “mi estado es cada vez más precario. Zweig.34 di v e r di siglo XIX El rudo soñador de la Alemania del norte La editorial Nortesur publica un volúmen con el epistolario de Johannes Brahms Roberto Andrade “Esta antología epistolar. en unión de las cartas. La última carta de Brahms.

Las Baladas por Nelson Goerner. Una joya.70 €. Frans Brüggen. FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849): La obra completa con instrumentos históricos (Primera Grabación Mundial) Nelson Goerner. Los viejos pianos Pleyel y Erard posibilitan interpretaciones radicalmente diferentes. En un tiempo de motores de explosión. donde figuran algunas piezas repetidas en diferentes versiones. Una colección “En un tiempo de motores de explosión. los preludios por Wojciech Switała. Ewa Pobłocka. sin embargo. escrupulosamente fiel al espíritu y la letra del compositor. pero. toparse con estas visiones tan rotundamente diferentes a lo acostumbrado.P . La colección se completa con un cuaderno de 208 páginas con nutrida información de intérpretes y repertorio. quien en 1980 se alzó con la medalla de oro en la décima edición del Premio Chopin. está protagonizada por solistas de fuste. Chopin. en lecturas a cargo de los más importantes especialistas. protagonistas ambos de una sobresaliente versión de la corta pero sustancial obra vocal de Chopin. escribió el 12 de agosto a su familia en Varsovia las siguientes líneas: “Según la opinión general..: NIFCCD 000-020 (21 CD) P . en la que tanto Demidenko como Dang Thai Son dejan constancia inapelable de enjundia pianística y sintonías con la música de Chopin.. ruidos a gogó. Choca. Nikolai Demidenko. Ivo Pogorelich. así como la soprano Aleksandra Kurzak y el barítono Mariusz Kwiecien.siglo XIX 200 / febrero 2011 35 Chopin impresionante y revelador Un monumental estuche de 21 cds da cuenta. Los armónicos atenuados. y que tan virulentamente le censuraron los críticos vieneses tras los recitales que ofreció en agosto de 1829 en la capital austriaca. Tatiana Shebanova. y prefiero esto a oír decir que toco demasiado fuerte”. Marek Drewnowski. solistas / Orchestra of the 18th Century. estrés. Kevin Kenner. a diferencia de otras ediciones historicistas protagonizadas por músicos que no han logrado triunfar en la interpretación moderna. la riqueza de registros. cantantes y director de orquesta) que cercioran la entidad interpretativa de la colección. Dina Yoffe. Fou Ts'ong. director / CODAEX / Ref. estrés.” que. Stanisław Drzewiecki. Se trata de grabaciones en vivo procedentes de conciertos ofrecidos en Varsovia entre 2005 y 2007.. pianos gran cola con brillantes decibelios capaces de hacerse oír en los espaciosos auditorios actuales y todos los ruidos y escándalos que se quieran. de la obra completa del genio polaco con criterios ‘históricamente informados’ Justo Romero Frédéric Chopin Impresionante y. y gracias al esfuerzo y cuidados del Instituto Chopin de Varsovia. en novedosos acompañamientos de la obra concertante junto a Demidenko y al citado Dang Thai Son. ruidos a gogó. violín. aquella en la que la jurado Martha Argerich se peleó con medio tribunal en apoyo de su candidato. Marek Drewnowski. revelador. el menguado pedal y una sonoridad de carácter más camerístico –pero no por ello menos solista o virtuosa– son claves de esta monumental edición. acostumbrados a escuchar a los artistas destrozando su instrumento […] No importa. fundamentos de esta colección imprescindible. obras diversas por Nikolái Demidenko… un verdadero festín pianístico que también comprende la presencia inesperada de Frans Brüggen y su Orchestra of The 18th Century. todos ellos firmemente instalados en la escena contemporánea. definitivamente fieles a aquel sonido tenue y delicado peculiar del compositor. que recoge nada menos que un total de 175 incursiones. Kevin Kenner. a propósito de estas críticas. Recorrer estos 21 cedés es adentrarse en un modo de tocar radicalmente diferente. e incluso cuesta cierto trabajillo. mi interpretación se ha caracterizado por una sonoridad demasiado débil o. 21 artistas (entre pianistas. Hoy. Ka Ling Colleen Lee. mazurcas en los dedos irrebatibles y ya veteranos de maestros como Fou Ts’ong y Janusz Olejniczak.: 89. sobre todo. Dang Thai Son. las dinámicas mesuradas. la colección se abre con un documento sonoro de enorme valor: un cedé que recoge grabaciones chopinianas del legendario Raul Koczalski fechadas el 21 de febrero de 1948. Jarosław Drzewiecki. se publica esta exhaustiva edición que recupera esa sonoridad que tanto reivindicó el compositor-pianista. Son muestras de este tesoro recién llegado de la Polonia que vio nacer a Chopin hace dos siglos.. “Un modo de tocar más adecuado para un salón que para una sala de conciertos”. Berceuse…) a cargo de la reconocida chopiniana Tatiana Shebanova. Así es el álbum que acaba de publicar el sello polaco NIF con la obra integral –la primera verdadera integral de la música de Chopin– en versiones recreadas en instrumentos originales de la época del compositor. sumergirse en este auténtico Chopin es una aventura ciertamente fascinante. violonchelo. y en detrimento de Son. A ellos se unen el violinista Jakub Jakowicz y el violonchelista Andrzej Bauer para la música de cámara (el trío y las obras para violonchelo y piano). en su mayoría polacos o triunfadores del Premio Chopin de Varsovia. en la que también aparecen pianistazos como Jan Krzysztof Broja. 200 años después de su nacimiento. los estudios y otras importantes obras (Barcarola. Como regalo. los nocturnos y conciertos para piano por el vietnamita Dang Thai Son. Ewa Poblocka. se dijo entonces. demasiado delicada para el gusto de los oyentes vieneses. es imposible que no haya algún pero. sumergirse en este auténtico ” Chopin es una aventura ciertamente fascinante.V. mejor dicho. Janusz Olejniczak.

Hay que tener una tímbrica rica. magníficamente interpretadas por Anne Le Bozec. entre otras. op. de cuya selección se nutre el programa del disco. Por tanto. o hallar efectos de conjunto que resuenen como una orquesta sinfónica. y a pesar de que las obras están tratadas con los procedimientos compositivos más ambiciosos. el arresto de sus largos y apasionados desarrollos melódicos van unidos a un arte del contrapunto entre solista y masa que se borda con el extremo y fastuoso conocimiento de los recursos violinísticos en los que el músico fue un maestro. No ha sido fácil la opción. LOUIS SPOHR (1784-1853): Noneto en Fa mayor. mejor es quedarse en casa. una presencia sonora capaz de medirse con una orquesta nutrida.: RAM 1007 (1 CD) D2 . Añádase que los instrumentos utilizados son de época o construidos en nuestros días conforme a modelos de época. No es el caso de descubrir a Henri Vieuxtemps. en aquellos tiempos. siempre tenido en cuenta respecto a sus partes. ya que entre los fabricantes de Francia y Alemania hubo. mantienen la frescura propia del género.448 (1 CD) D2 GEORGE ONSLOW (1784-1853): Noneto en la menor. apenas audible. ávido lector de poesía de todo tipo. por su intermedio. 77. ligeras diferencias de frecuencias vibratorias. manejó varios registros en sus obras. de modo tal que el registro expresivo se altere sin dañar la estructura general de la obra. Dir. con astucia inexcusable. los une un enfoque común de las obras. El concierto romántico parece hacer un camino que. Tal vez las críticas se deban. meins Herzens Schöne Anne Le Bozec. Lo que estos dos colegas practican es la pequeña capilla de nueve instrumentos que. pero sí de celebrar esta integral de sus conciertos para violín que. un derrotero donde se tutea con Beethoven. Se les añade también algún número de los Drei Quartette op. 31 Osmosis / RAMÉE / Ref. por si hubiese alguna duda. la expansividad melódica no es ya clásica y tampoco la apertura de sus desarrollos. un elegante desplegable provisto de una erudita carpeta como para sumar información al placer de la audiencia. Brahms es otra cosa. Brahms despliega en ellas el conocimiento adquirido a lo largo de su vida como director de coros. En este aspecto. Armenia. La amplitud de su aparato orquestal. ambos pertenecen a ese momento de la música en que se transita –al menos ellos transitaron– desde la poética de los géneros del clasicismo hacia la libertad creadora y subjetivista del romanticismo. por eso procuró hacerse con las colecciones que se publicaron en Alemania cuando el género florecía con vigor. además de su completud. piano. Quién sabe si fueron precisamente esas melodías las que Brahms escuchaba en aquellos establecimientos. de tesituras y colores. Los chicos y chicas han venido de distintos países: Letonia. El tema le apasionó desde bien joven. director / CARUS / Ref. después del proceso formativo. nunca lo sabremos pero escuchando estas versiones podremos imaginarlo. virtuosísimos. la emisión es pura y el balance perfecto. llega a Vieuxtemps a través de Mendelssohn. 64. se incluyen aquí dos intermezzi y una balada para piano. y con muy buen criterio. 31 y op. La diáfana articulación se encarga de que todo sea entendido. Se han juntado seis jóvenes violinistas gracias al auspicio de la Capilla Musical Reina Isabel. Es notoria la dualidad del genio que. Por eso.: CARUS 83. la ordenación de ellas y la duración relativa suficientemente calculada. Este repertorio exige ser hecho con altos vuelos como ellos alcanzan. y a partir de entonces desarrolló un gran interés por la poesía popular. una velocidad de vértigo. Holger Speck. Australia. mantiene intactas en su personalidad creadora las vivencias como pianista de taberna.36 di v e r di siglo XIX Experiencias imborrables Obras corales de Brahms por el Vocalensemble Rastatt. Un disco exquisito.: Patrick Davin / FUGA LIBERA / Ref. op. Podrían haberse entregado de lleno a este último pero prefirieron delinear un discurso comedido y de formas reconocibles. puede cantar en voz baja y ser música de cámara. De lo contrario. ¿Resulta el viejo maestro valón. Esta edición tiene. sería más correcto afirmar que Brahms. no sólo en cuanto a estética sino porque nacieron el mismo año y murieron en la misma década: 1784 y 1853 Onslow y 1859 Spohr. y de las Lieder und Romanzen op. Desde luego. Para qué ingenios escribieron nuestros músicos. se oye y él es corresponsable del brillante resultado. partiendo de Paganini y Lipnizky. en Ramée Blas Matamoro De Brahms se ha afirmado que su criterio para la elección de los textos poéticos no estaba a la altura del de otros autores románticos. Vocalensemble Rastatt. aun cuando haya un doble trío en Spohr y tema con variaciones en Onslow. relacionados íntimamemente. Bélgica. en Carus Urko Sangroniz Todo Vieuxtemps Integral de los Conciertos para violín del compositor belga Blas Matamoro Una buena pareja Nonetos de Spohr y Onslow. sin someterse mecánicamente a la herencia canónica. apetecible para esta muchachada que inaugura el siglo XXI? La respuesta es enfáticamente afirmativa. que otorga homogeneidad ejemplar a la entrega. 93a. bajo la mirada magistral de nuestro bien conocido y admirado Augustin Dumay. aunque no se vea. pero todo discurre sin alterar el pacto que articula el conjunto. Todo se justifica al punto de volverse convencional. un estro lírico intenso. HENRI VIEUXTEMPS (1820-1881): Integral de conciertos para violín y orquesta Orchestre Philharmonique Royal de Liège.: FUG575 (3 CD) D10 x 2 Excelente idea ha sido ésta de reunir dos nonetos de distintos autores. Agréguense la autoridad del director desde el podio y la preciosa edición. Vieuxtemps tiene mucho que decir a tales intérpretes y. El Vocalensemble Rastatt y su director Holger Speck afrontan el programa con convicción. escuchados en conjunto. a todos nosotros. La publicación entre 1838 y 1840 de los Deutsche Volkslieder por Kretzschmer / Zuccalmaglio sirvió de simiente para sus Wo0 34 y Wo0 posthum 35. a la creación de obras como estas canciones populares que el compositor armonizó para cuatro voces. aplicadísimos. todavía. un valor añadido. la mano de Dumay. adquieren cierta dimensión monumental. con la consiguiente diversidad. Son jovencísimos. En efecto. Rusia. algunas obras con textos de Goethe y Schiller. JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Wach auf. Además de estas cualidades.

piano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. y la FE 13 en la catalogación de José Luis Romanillos fechada en 1860– y la SE 113. Llobet y Tárrega más o menos revisados por el guitarrista alemán. violín. director / PIANO 21 / Ref. Rumores de la Caleta y Castilla). Sonata para viola y piano y Sonata para clarinete y piano / Ana Chumachenco. piano / PASSACAILLE / Ref. Eduard Brunner. se nos obsequia con un segundo disco –encartado como Bonus CD– en el que Lieske interpreta a solo otro monográfico Albéniz formado por los más célebres arre- ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909): Evocación (obras para guitarra[s]) Lieske Spindler Guitars / CHALLENGE RECORDS / Ref. pues éste es el título del disco. viola y piano. piano / TUDOR / Ref. La evocación. piano. violín. Destensado y grave en su afinación. además. Horst Neumann. pero lo cierto es que a la Leona le puede favorecer sonar sola con un repertorio como el de la música de Julián Arcas que apenas se había escuchado seriamente con anterioridad tal y como lo interpreta Stefano Grondona (CD Stradivarius 33692) potenciando sus valores históricos.siglo XIX 200 / febrero 2011 37 Albéniz alla moresca o a la alemana Fabian Spindler y Wulfin Lieske dedican un CD a transcripciones para dos guitarras de obras del compositor catalán Javier Suárez-Pajares glos de Andrés Segovia. en los solos del disco de regalo. Es una exageración. como instrumento vinculado al célebre guitarrista almeriense.: ZZT 100802 (1 CD) D2 FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY (1809-1847): Trio para violín. op. 18 entre 1975 y 2001) / PIANO 21 / Ref. ¿A quién querría engañar? Flecos todavía del antepasado año en el que se movilizaron algunos recursos e iniciativas para conmemorar el centenario del fallecimiento de Isaac Albéniz en 1909. Lo de la Leona ya es otro cantar y a mí siempre me gustará escuchar su voz como me puede gustar escuchar cantar un tango a un Torrente Ballester octogenario. 21 (las cuatro versiones) / Cyprien Katsaris.: TUDOR 7154 (1 CD) D2 Isaac Albéniz . Con un criterio interpretativo general de un discreto pintoresquismo orientalista que es la forma común en la que los centroeuropeos entienden estas músicas y a estas gentes del Sur. inseparable de Lieske y con la que tantas veces se le ha visto últimamente en el Festival de la Guitarra de Córdoba. Johan Farjot. violonchelo.: DM 8006 (1 CD) D13 JOHANNES BRAHMS (18331892): Sonatas para violín y piano (op. Aquí comparten cartel arreglos de Llobet (Evocación. tener que sacar de ella los matices que requiere esta música y.: PAS 968 (1 CD) D2 FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Concierto para piano nº 2. es la de una España sonora y orientalizante presentada con un texto en el que Albéniz declara “Soy un moro”. 78.: P21 028-A (1 CD) D10 CESARE NEGRI (1535-1604): Le Gratie d'Amore (1602) / Ensemble La Follia / DYNAMIC / Ref. clarinete. lo que más vale de estas grabaciones es el instrumental que lucen Lieske y Spindler: tres guitarras de Antonio de Torres –para los dúos la célebre Leona de 1856. piano. Queensland Symphony Orchestra. Bajo la palmera. Oriental y Córdoba) y Tarragó (Tango) con tres arreglos del propio Lieske (El Puerto y El Albaicín de la Suite Iberia y Mallorca) y. otra cosa muy distinta quererla lucir en un repertorio altamente exigente en términos tímbricos. director (grabado en directo salvo el corte no. Heidelberg Symphony Orchestra Quintet. Pujol (Tango español. Groses Rundfunkorchester Leipzig. 108) / Geneviève Laurenceau. 100 y op. presentamos a los guitarristas alemanes Fabian Spindler y Wulfin Lieske asociados para la grabación de un programa íntegramente dedicado a transcripciones para dúo de guitarras de música del fenomenal pianista español. sin fecha. confrontarla con otra guitarra de Antonio de Torres en condiciones de conservación muy distintas. al lado de estos dúos.: P21 038-N (1 CD) D2 CYPRIEN KATSARIS interpreta EDVARD GRIEG (18431907): Concertos and Piano Works / Cyprien Katsaris. Sergei Istomin. éste último instrumento consigue sólo por el colorido oscuro de su sonido insuflar algo de vida a estas postales de la música finísima y sofisticada de Albéniz. Hariolf Schlichtig. Adrian Oetiker. op. viola.: CC 72374 (2 CD) D2 Novedades siglo XIX FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Integral de la obra para violonchelo y piano / Viviana Sofronitski. Edvard Tchivzhel.

la discografía está rescatando para nuestra memoria. Sus seis sinfonías. Su folclorismo está destilado por los antecedentes de la escuela nacionalista y sabe llevar al dispositivo reducido del trío tanto el eco de las fuentes populares como la sofocada minucia del lenguaje camarístico. tornándolo confidencial. y tiene una habilidosa escritura para los solistas que le da un sesgo muy distinto a la imponencia orquestal del origen. poseedora de un curioso género propio. No es el lugar ni la ocasión para evaluar lo hecho por Vierne pero sí para acreditar la dificultad de una tarea actualizadora por una parte y receptora de antiguas y sólidas tradiciones por la otra. a la vez. También oportuno es el rescate de las tres piezas juveniles de Fernández Arbós. en el astuto arreglo para trío de Gaspar Cassadó circula poco. pero las han pintado Zuloaga o Pradilla. un compositor que. cabe subrayar la libertad romántica con que Vierne abordó los géneros que la ancha capacidad del órgano le permitía desplegar. Lekeu. 48 piezas de fantasía y 24 piezas de estilo libre configuran lo que podríamos llamar el espacio profano de su catálogo. También figuran en el registros las partituras incompletas que editó Maurice Duruflé en carácter de opus póstumo (Tres improvisaciones) así como obras tempranas y sueltas que constituyen su prehistoria artística. aunque tal vez de modo aún irregular. fue un compositor sólido y cuidadoso. recogió Vierne la herencia del órgano romántico ampliamente servido en Alemania por Mendelssohn y Brahms. Editada de manera dispersa. Sumergirse en el conjunto de sus partituras es cumplir un viaje por un mundo a la vez denso y etéreo. El segundo. Limítemonos a disfrutar de su obra. Ese rasgo limítrofe acaso sea el decisivo en el perfil de Lekeu. como esos rayos de luz multicolor y cambiante que atraviesan el vitral gótico de una catedral. Todo en su medida y con las exigencias ténicas puestas por los maestros compositores. Hay andalucismo exquisito. en Challenge Blas Matamoro Explorando a Lekeu Los cuartetos del autor belga. imponente y cautelosa. su costado litúrgico. Las versiones son aplicadas de lectura. Ninguno de los intérpretes parece español. para colmo de género y sin ningún signo externo. dividida en seis movimientos. explorada con morosidad por los registros eléctricos más allá de la sonata mencionada. Vierne tuvo algo de ambos. de prestancia arquitectónica y rincones de intimismo sugestivo. Enrique Granados y Enrique Fernández Arbós) Devich Trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. la altura alcanzada por el músico sería la misma. Entre las obras del propio Cassadó y Turina se registra una coincidencia estética que permite hablar de influencias. muerto en plena juventud Blas Matamoro La obra organística de Louis Vierne fue llevada a la reproducción electromagnética por Ben van Osten entre 1996 y 2000. dada su habilidad manual. como lo había hecho Franck. la certeza técnica de las tomas para discos compactos. a los dos Estados que separa y une. El pianista.: MDG 1580 (9 CD) D4 x5 Plausible idea ha sido concertar este programa con obras infrecuentes de autores españoles. con un toque afrancesado en lo armónico y una sabiduría fina de escritura que ahuyenta toda posible españolada. recatado en la inspiración y capaz de entregas líricas con amplio melodismo como el andantino de su cuarteto aquí incluido. enésima por si hiciera falta. podríamos hablar de una zona belga dentro del país musical francés. Vinteuil. ahora se reúne en una cajuela de 9 compactos. infalibles de estilo. anecdódico o literario. Saint-Saëns y Widor están a su lado. por ello. Gaspar Cassadó. en MDG Blas Matamoro De España vengo Programa hispano del Devich Trio. por su parte. belga de nacimiento y francés de formación y carrera. salas y colmados. Y aunque sólo fuera por ella. un monógrafo. Lyon y Rouen. y volviendo a Franck y a su indirecta influencia en la formación de la Schola Cantorum parisina. No caigamos en el tópico de preguntarnos qué habría sido de Lekeu si el tiempo le hubiese dado los años de la madurez. no deja de ser fronteriza con la suite y.: 1C1182 (1 CD) D2 . pues su música de cámara es también de primer agua. La frontera goza de un notable privilegio: apenas ocupa superficie y pertenece. Sólo muy escasos especialistas pueden llegar a saber que esta partitura fue considerada la homónima que Proust atribuye a un músico imaginario.38 di v e r di siglo XIX Todo Vierne La integral para órgano del autor francés. No obstante. pues si bien el intermedio de Goyescas de Granados sigue fatigando teatros. Una prueba. la desmesura torera y el arrebato chulesco. Se ve que las vertientes alimenticias fueron generosas y Vierne supo reunirlas y conjuntarlas en una escritura sabia. sensuales de sonoridad. Además. las dos chicas tocan como si estuvieran haciendo figuras de brazos y vibrantes taconeos. fino en el tratamiento de las cuerdas y en las soluciones armónicas escogidas. en su novela. En primer término.: CC 72322 (1 CD) D2 Breve existencia (1870-1894) y fama equívoca connotan a Guillaume Lekeu. Había que latinizar la herencia. DEVICH TRIO: Estilo español (Obras camerísticas de Joaquín Turina. En este sentido. como su maestro César Franck. A través de ellos. Toulouse. Las condiciones del registro son óptimas: un solista acreditado y especialista en la música para órgano de los siglos XIX y XX. de que se puede abundar en coloridos locales sin cargar las tintas y ceder a la fácil etiqueta con la denominación de origen de lo español. El primero. órgano / MDG / Ref. hace de palmero. En efecto. los célebres órganos Cavaillé-Coll de París. que la singularice: su exquisita Sonata para violín y piano. nuestro hombre pertenece a esa categoría de músicos que son conocidos por una sola obra. Suena a café-concert elegante y a casticismo depurado. al que cumple sumar dos misas. GUILLAUME LEKEU (1870-1894): La integral de la obra para cuarteto de cuerda Quatuor Debussy / TIMPANI / Ref. Está situado en el espacio donde la escuela francesa admite las sugestiones de la germánica sin perder su amor a la experimentación estructural y a la finura armónica que le son tradicionales. la estructura. Podemos imaginar a unas majas escuchando en los balcones. pródigo en todos los campos. LOUIS VIERNE (1870-1937): Integral de la obra para órgano Ben van Oosten. Sin duda.

una interpretación absolutamente fiel al texto. La ausencia de personalismos (¡ah. Y es que. y al que contribuyen sin duda la respuesta orquestal. de inefable veracidad. y la fuerte personalidad sónica de la Gewandhaus: perfecto empaste en todas las secciones. La toma de sonido de Matthias Behrend es espléndida (escúchese la entrada de los chelos en primer plano en 6:21 del primer movimiento). Las pausas entre movimientos no están editadas. Una Tercera apareció en 2005 en un álbum conmemorativo de cinco discos e ignoro si volverá a grabarse. El partido que saca la batuta al juego de dinámicas y a la variedad de arcos (largo. sonido homogéneo. sin injerencias ni arbitrariedades. de las más impresionantes que recuerdo.1 surround) a partir de tomas en concierto con la venerable Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. para festejar el 85 cumpleaños del director. Nos llega ahora la formidable Quinta (la Gewandhaus estrenó la obra en 1899) grabada en la Grober Saal de Leipzig en mayo del pasado año. Las frecuentes intervenciones en ppp de cuerda y timbal se escuchan con notable presencia. Salvo excepciones. la comprensión profunda de las obras y la capacidad de organización (la autoridad.siglo XIX 200 / febrero 2011 39 Bruckner honoris causa Querstand publica una formidable Quinta por Blomstedt y la Gewandhaus Miguel Ángel González Barrio foto © Martin Lengemann “Una construcción imponente. sin prisa pero sin pausa. El balance de las distintas secciones es óptimo en todo momento (camerismo a gran escala). al menos. maderas brillantes. sin injerencias ni ” arbitrariedades. desde hace unos años el sello alemán Querstand viene publicando. El sábado 29 de marzo de 2008 dirigió a la Gustav Mahler Jugend Orchester una excepcional Quinta de Bruckner en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. Los largos pasajes en pizzicato. superados los 80 años. Con buen criterio.: VKJK 0931 (1 SACD) D2 . una interpretación absolutamente fiel al texto. se trata de una construcción imponente. 1927). cuerda opulenta y cálida. Séptima y Octava. Afortunadamente. En el enérgico Scherzo Blomstedt materializa los aires populares sin exagerar la rusticidad con timbres calculados. con más de 40 registros publicados. en la que todo fluye con pasmosas naturalidad y nitidez. director / QUERSTAND / Ref. Herbert Blomstedt. Fue uno de esos conciertos a los que da pereza asistir (en horario nocturno y en fin de semana) y que después no se olvidan. cobran así preeminencia sobre la experiencia. denso y transparente a un tiempo. Y. la novedad. Le ha pasado a Herbert Blomstedt (n. en estudio o en vivo. de la propia partitura. Por la sabiduría acumulada y por la oposición menguante (ésta es. pero sin la acostumbrada reverberación que lo emborrona todo. el ego!) no implica falta de carácter. Hay bastante aire entre los instrumentos. Carácter que en todo caso no se impone desde fuera. el efecto. lo que va camino de convertirse en el primer ciclo bruckneriano de Blomstedt. Blomstedt es un bruckneriano ilustre. libertades agógicas o énfasis no escritos. metal poderoso. el hallazgo feliz. en algún caso vitalicio. de inefable veracidad. de los más grandes en activo. tampoco se ha eliminado la gran ovación final. sin embargo.” En el mundo esencialmente visual en que vivimos. Lejos quedaron los tiempos en que Monteux o Stokowski firmaban contratos discográficos con los grandes sellos. spiccato) en la cuerda es admirable. Las peroraciones del metal en las Codas no ensombrecen las esenciales figuraciones de la cuerda alta. lo que preserva el ambiente del concierto. fiable veterano de contrastadas competencia y solidez cuyas actuaciones y ya esporádicas grabaciones nunca defraudan. tantas veces deslavazados o inconexos. Sexta. en suma). es bien sabido que la dirección de orquesta es una actividad en la que los años le engrandecen a uno. La estupenda Octava se grabó en julio de 2005 en los conciertos de despedida. de rara perfección (recuérdese que se trata de una toma en vivo). grabaciones de gran calidad artística y técnica (SACD híbrido. Hasta la fecha han aparecido Quinta. sonido 5. de tintes oscuros. de la que fue titular entre 1998 y 2005 (sucediendo a Kurt Masur y sucedido por Riccardo Chailly) y a la que sigue dirigiendo con frecuencia. sino que surge desde dentro. HERBERT BLOMSTEDT dirige ANTON BRUCKNER (18241896): Sinfonía nº 5 en Si mayor Gewandhausorchester Leipzig. pese a no haber grabado todavía el ciclo completo. Característico del estilo de Blomstedt. Está previsto que Querstand publique el ciclo “completo” (supongo que Primera a Novena) en julio de 2012. la percepción habitual del aficionado de largo recorrido). están aquí integrados en una narración coherente. la dictadura de la imagen y el culto a la juventud han conseguido que melenas y rizos desplacen en el podio del director a calvas y canas. corto. sin altibajos o caídas de tensión.

Mackerras estudió con Talich por espacio de unos meses y tuvo que regresar a Londres en el otoño de 1948. esta ópera sería lo último que dirigió de su admirado compositor. que culminaron en septiembre de 2009 con el registro del poema sinfónico La paloma torcaz (su . en la entrevista grabada en febrero de 2010. Rodríguez Sir Charles Mackerras Como tantas historias. tampoco se incluye ninguno de los dos registros audio y video que realizó en Brno de la ópera La pasión griega. lo deja bien claro: “Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de Janácek”. que acababa de adquirir en una tienda de Kensington. que por cierto se llamaba Alan Charles McLaurin Mackerras. Janácek y Martinu) a lo que habría que añadir quizá el nombre de Suk. Tampoco pode-mos dejar de resaltar los registros en vivo incluidos en el DVD. No volvería a Praga hasta principios de los sesenta. En esos años grabaría para Supraphon varios discos impresionantes aquí incluidos principalmente con obras de Dvorak. y también en uno de los principales embajadores de su cultura. a sus 84 años y en plena actividad. Un joven oboísta de la Sadler’s Wells Opera. el maestro australiano fue uno de los pocos extranjeros que tuvieron el honor de dirigir el tradicional concierto de inauguración de ese festival con el ciclo de poemas sinfónicos Mi Patria de Smetana. y como artista invitado en el Festival Primavera de Praga que había instaurado precisamente el propio Talich allá por 1946. Smetana. Mientras comenzaba a estudiar la partitura de la Segunda sinfonía de Dvorák. terminaría por convertirse en uno de los más grandes intérpretes desde el podio (y el foso) de la música checa de los siglos XIX y XX. que fue publicado en 2009. tan sólo se incluye la suite orquestal de Juliette y no los sensacionales Tres fragmentos de la ópera. se le acercó un hombre: “Oh. Por su parte. se refugió del frío y la lluvia en una cafetería. pero a cambio conoció por medio de él una ópera llamada Katia Kabanová de un tal Leos Janácek que se convirtió en su obra y compositor predilectos. aquí se ofrece. acerca de los cuatro compositores representados en estas dos cajas (Dvorák. de Martinu se incluyen los sensacionales registros de los años ochenta de la Misa en el campo de honor. De hecho. tuve la fortuna de asistir a la última función de esta ópera en el Covent Garden y no creo que olvide nunca esa fantástica inter-pretación). por ejemplo. o de las que realizó más adelante para Supraphon en Praga y Brno que aquí no se incluyen (Katia Kabanová en 1997 o Sárka en 2000 –de está última se ha añadido tan sólo la obertura con un molesto fadeout al final–). Mackerras no sólo aprendió a escribir y a hablar fluidamente la intrincada lengua eslava. en febrero de 1948. le permitieron paradójicamente estudiar con su admirado Talich. Sin embargo. ya convertido en un director importante.40 di v e r di siglos XIX & XX Un australiano en Praga Supraphon documenta en dos estuches el idilio que mantuvo durante toda su carrera el recientemente desaparecido Sir Charles Mackerras con la música checa Pablo-L. que se encargaba de los intercambios entre estudiantes checos y británicos del British Council. en especial. especialmente. Ese joven oboísta. junto a Taras Bulba o la Sinfonietta. cuya música Mackerras también tuvo en gran estima (Supraphon publicará próximamente el registro en vivo de la Sinfonía Asrael que dirigió en 2007 en conmemoración de su centenario). No hay duda de que el compositor más relevante de todos ellos para el director australiano fue Janácek. que proceden de dos conciertos en el Rudolfinum en 1997 y 2003. cuando todavía era la capital del único país eslavo no comunista. ya veo que está usted estudiando música de mi país”. el doble CD publicado en 2004 con la Filarmónica Checa de suites y fragmentos de varias óperas. conocía sus tradiciones o siempre condujo al volante de un Škoda. Supraphon. que había emigrado hacía algo más de un año desde Australia con el firme propósito de convertirse en director y que estaba a punto de casarse con la clarinetista de su orquesta. precisa-mente. Mackerras llegó a Praga en el otoño de 1947. El joven oboísta le explicó que soñaba con llegar a ser director de orquesta y el hombre. sino que adoraba su gastronomía y su cerveza. todo comenzó en un café. al que fuera uno de sus principales hijos adoptivos: dos sensacionales cajas que suman diez CDs y un DVD donde se recopilan sus principales grabaciones de Dvorák. lo dirigió en 1989 ante la incómoda presencia del presidente Gustáv Husák y lo volvió a hacer mucho mejor en todos los sentidos en 1999 (ésa es la versión en vivo aquí incluida). que había sido desprovisto de todas sus funciones al haber sido acusado injustamente de colaborar con los nazis. Janácek y Martinu. Situémonos: Londres. una de las pocas versiones de la Misa glagolítica tal como la pensó el propio Janácek (con la Intrada al principio y al final de la obra). del Doble Concierto y. del último y laureado disco dedicado a este compositor por Mackerras. comienzos de 1947. Sus clases tuvieron lugar en la villa cerca de Praga donde Talich se recluyó y versaron sobre música checa y. e incluida como bonus del segundo disco dedicado al compositor moravo. Durante los meses siguientes pudo constatar que Talich no tenía tiempo para poderle enseñar. está entre lo mejor de la fonografía de Janácek (una mención especial debe hacerse aquí a la impresionante interpre-tación de la suite de La zorrita astuta. Smetana. le animó a pedir una beca para viajar a Praga a estudiar con Václav Talich. Aparte de sus míticas grabaciones para Decca realizadas entre 1977 y 1982 con la Filarmónica de Viena de las cinco óperas principales de Janácek. Su inesperado fallecimiento en julio pasado. La relación de Mackerras con la Filarmónica Checa y con la Sinfónica de Praga se intensificó precisamente a partir de 1999 con visitas casi todos los años tanto al Rudolfinum como a la Sala Smetana de la Casa Municipal de Praga. ha inspirado este sentido homenaje del sello checo por excelencia. Pronto cambió su suerte y el ascenso al poder de los comunistas. de los Frescos de Piero della Francesca.

V. cuyo Les bandar-log nos depara una sorpresa formidable. Dir. Charles Koechlin. especialmente en las obras escogidas para este álbum. que su aproximación al sinfonismo francés de comienzos del s. Prague Symphony Orchestra. Su versión del famoso Cuarteto “Americano” es sensacional. aunque en el Cuarteto op. como violonchelista. Prague Symphony Orchestra. Eva Karová. Czech Radio Symphony Orchestra. página memorable inspirada en la balada Der Zauberlehrling de Goethe. de El libro de la selva de Kipling. Czech Radio Symphony Orchestra. entre todas. director / SUPRAPHON / Ref. aquí dejé buena constancia de ello: “Quizá estemos ante la versión discográfica de referencia de los cuartetos de Prokofiev” (véase Boletín nº 109. Junto a Ravel y Dukas. y el estupendo violista Pavel Nikl que fue discípulo del propio Skampa.V.. en su forma orquestal. cuidando al mismo tiempo la claridad de los planos sonoros y la precisión de las intervenciones solistas. mientras el maestro australiano. por cierto. por tanto.80 €. el Pavel Haas tiene una personalidad mucho más apasionada. es capaz de sorprendernos en esta versión a pesar de la popularidad de la pieza. MAURICE RAVEL (1875-1937): Mi madre la oca y CHARLES KOECHLIN (1867-1950): Les bandar-log (poema sinfónico sobre El libro de la jungla de Rudyjard Kipling) Orchestre Philharmonique de Strasbourg. la joven violinista Veronika Jarušková. Este nuevo lanzamiento supone la consolidación de la formación y también su primera incursión en el repertorio camerístico checo por excelencia. Peter Jarušek. Le sigue otra partitura francesa de evocación literaria. enfatizando el carácter etéreo y soñador de Ma mère l’oye. quien nos introduce en la jungla para revivir su aventura con una pandilla de monos excéntricos que lo secuestran.: SU 4042-2 (4 CD + 1 DVD) P . Con esta formación grabaron su tercer disco en Supraphon dedicado a Prokofiev que a comienzos de este año llevó a medios como Gramophone o The Times preguntarse si estábamos ante el cuarteto más excitante del mundo. No era difícil pronosticar. algunas grabaciones fueron realizadas en vivo y. lo deja bien claro: ‘Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de la obra de ” Janácek’. siempre meticuloso (solía dirigir con sus propias separatas instrumentales) y modesto. 12 y 13 Pavel Haas Quartet / SUPRAPHON / Ref. con la que Albrecht demuestra su gran destreza técnica. el La jaula de oro Fantasía francesa compositor más relevante fue Janácek.: Sir Charles Mackerras / SUPRAPHON / Ref. p. El desconcierto. El aprendiz de brujo de Dukas. ANTONÍN DVORÁK (1841–1904): Cuartetos de cuerda Nos. la agresividad y la desorganización social de estos animales se plasma en la música de Koechlin. incluida como bonus. Ciertamente vivimos un momento dulce en la discografía camerística de Dvorák con la estupenda integral en curso del Wihan Quartet (Nimbus) o el reciente disco del Emerson Quartet (DG). alumno aventajado de Claudio Abbado y de Gerd Albrecht (con el que. no dudó en alterar la formación los años siguientes hasta convertirla en una verdadera jaula de oro: su marido. PAUL DUKAS (1865-1935): El aprendiz de brujo. es tratado por Albrecht con buenas dosis de imaginación y fantasía. preguntó al violista Milan Skampa del Smetana Quartet cómo podría construir un cuarteto y vivir la vida dentro de él.SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Leos Janácek y Bohuslav Martinu) Czech Philharmonic Orchestra. El resultado sonoro.: 74. director / PENTATONE / Ref. con en la entrevista ahora con Dvorák obras de Dukas. Albrecht.: 59. Nuevo CD del Pavel Haas Quartet Disco infantil de M. tras el concierto. Prague Philharmonic Choir. Ravel y Koechlin grabada en febrero de Pablo-L. La cercanía temporal de dichos repertorios. 106 alcanzan un tono sinfónico ideal y desbancan al Panocha Quartet como referencia fonográfica.: SU 4041-2 (6 CD) P . La violinista eslovaca creó ese año un conjunto unido por la común fascinación hacia Pavel Haas (un compositor checo asesinado en Auschwitz en 1944) y. se ha convertido a sus 46 años en un reputado especialista en Richard Strauss. el sello Pentatone ha incluido a otro autor francés de menor proyección. que abandonó para ello el Skampa Quartet. actual líder del Pavel Haas Quartet.P. 41). el habitual soporte literario de las composiciones y la riqueza tímbrica de las plantillas orquestales son parámetros que interrelacionan ambos estilos. Marc Albrecht. una compañera ideal como segundo violín. pese a los premios internacionales. No obstante. XX haya sido todo un acierto. Fue realizada en el concierto que dirigió en septiembre de 2005 a la Sinfónica de Praga al acercarse su ochenta cumpleaños y puede situarse sin ambajes entre las mejores de la inmensa fonografía de la obra. no le une ningún lazo de parentesco). Ravel se fijó en los cuentos de hadas que relataba “Mamá la Oca” y que nos han llegado principalmente a través de Perrault. Aquí es Mowgli. la respuesta que obtuvo no pudo ser más certera: “Es la prisión más bella que existe en el mundo de la música”. destaca una de la mayores joyas de esta colección: la única grabación que realizó Mackerras de la popular Sinfonía “Del nuevo mundo”.P El director alemán Marc Albrecht.: PTC 5186336 (1 SACD) D1 . los músicos de la orquesta checa confesaron haber redescubierto esa famosísima partitura con Mackerras. Sir Charles Mackerras. que se ha consolidado tras dos integrantes anteriores. Rodríguez Eva Sandoval 2010.” última grabación).75 €. Para escribirla. La razón es que Albrecht lleva al límite todo el suspense de los primeros minutos. En 2002.: SU 4038-2 (1 CD) D2 SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Dvorák y Smetana) Czech Philharmonic Orchestra. y la intensidad de sus ataques se combina con el contraste dinámico extremo de influencia historicista o la natural belleza checa de entonación melódica.siglos XIX & XX 200 / febrero 2011 41 “Para Mackerras. afirmaba: “Simplemente me he valido de mi experiencia”.

0:18–).” do natural francés e importado ruso en las Danzas de Rachmaninov. págs. nunca forzado ni violento. a la cual acompaña o sirve de contexto climático. se evita cualquier concesión a la nostalgia. Rodríguez Un Pfitzner infrecuente Canciones orquestales del autor de Palestrina. donde el mimo puesto a cada verso. Este joven maestro de Vladikavkaz ha ido fortaleciendo considerablemente su relación con Berlín durante 2010. el amargo sentimentalismo irónico de Heine. El eclecticismo académico de Pfitzner cobra. Nordwestdeutsche Philharmonie. el maestro de la prosa Conrad Meyer y. violín. barítono. no por casualidad es en la actualidad la concertino de la orquesta tulusana. tanto en la construcción del diabólico clímax a ritmo de vals del movimiento central como en el impresionante duelo con la muerte en el Lento assai-Allegro vivace final. el prudente Geibel. de la excepcional valía de Sokhiev (véase Boletín nº 154. la diversidad expresiva de sus caracteres y climas y la constante oportunidad de la intervención orquestal.: V 5256 (1 CD) D1 HANS PFITZNER (1869-1949): Orchesterlieder (canciones orquestales) Hans Christoph Begemann. En efecto. Tugan Sokhiev Tugan Sokhiev (1977) no ha podido empezar mejor la temporada 2010-11. y lo volvimos a repetir con su segundo lanzamiento centrado en el cuento sinfónico Pedro y el Lobo de Prokofiev (véase Boletín nº 166. ese perfume suave y evocador en la madera gala (ejemplificado en la cita de la canción La musa en el Non Allegro inicial –corte 1. tan sólo dos meses después de su renuncia. SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Danzas sinfónicas Geneviève Laurenceau. coincidiendo con su debut en el Teatro Real y su primer lanzamiento discográfico en Naïve.: 777552-2 (1 CD) D2 . que comenzó debutando al frente de la Filarmónica de la capital alemana. de tal manera. Las apoyaturas literarias son de excelente nivel: el romanticismo sabio de Eichendorff. vida y salta por encima de las fechas. con un sensacional dominio de las texturas y siempre buscando lo camerístico. tras un año marcado por las quejas de los conjuntos estables del teatro ante su presunta falta de preparación y experiencia. al convertir sus tres conciertos anuales con la orquesta de Toulouse en la parisina Sala Pleyel en eventos musicales nacionales del más alto nivel. Esta selección –el total no la excede en mucho: 30 títulos. bautizada acertadamente por el canal Mezzo como un “crescendo subito”. en CPO Blas Matamoro “Sokhiev derrocha precisión y energía. sino también por su ideal entendimiento con la orquesta y el director. director / NAIVE / Ref. Lo primero que llama la atención de este nuevo lanzamiento en Naïve es el híbrido ideal entre el soni- Las canciones para voz y orquesta de Pfitzner ocupan un rincón penumbroso de su catálogo por la escasa atención que se les presta. el cuidado con que el músico aborda la literalidad de sus escogidos poemas. en septiembre pasado no sólo fue designado sucesor de Ingo Metzmacher al frente de la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin sino que también renovó hasta 2016 como director musical de la Orchestre National du Capitole de Toulouse. nada de ello sería perceptible sin una lectura como la del presente compacto. al tiempo que su labor al frente de la orquesta tulusana le ha aportado el prestigio internacional que se merecía. Desde luego. Sokhiev dirigió a la Philharmonia un programa con las Danzas sinfónicas de Rachmaninov que fue calificado por Tom Service en The Guardian como “una orgía de explosión dramática”. La intervención como solista de la joven violinista francesa Geneviève Laurenceau (1977) tampoco se queda atrás y destaca no sólo por su poderosa técnica y magistral cantabile. No obstante. a la vez. Ya dimos cuenta a finales de 2006. Sokhiev se encuentra mucho más cómodo con Prokofiev y también es aquí donde su trabajo resulta más interesante. un inusitado Herder (filósofo de profesión). director / CPO / Ref. Otto Tausk. De hecho. las cruciales referencias del compositor a su Primera sinfonía (que creía perdida) pasan aquí bastante desapercibidas.42 di v e r di siglos XIX & XX Crescendo subito Nuevo CD de Tugan Sokhiev y la Orquesta de Toulouse para Naïve. a cada cláusula orquestal. el melodismo cauteloso y adecuado que extrae de sus medidas y su prosodia. SERGEI PROKOFIEV (1891-1953): Concierto para violín y orquesta nº 2. el acompañamiento del Segundo concierto para violín es uno de los mejores de toda la fonografía: lírico. con Prokofiev y Rachmaninov en atriles Pablo-L. Su renuncia como director musical de la Welsh National Opera en 2004. Goethe. pág. No obstante. lo convirtieron en ejemplo del fracaso de la por entonces incipiente moda de los directores jovencitos. no fue fácil en sus inicios. 36-37). todo ello alza estas producciones hasta la mejor altura de su autor. Especial interés añadido tienen las canciones que provienen de un acompañamiento pianístico porque ponen de manifiesto la expresividad que Pfitzner descubre y emplea en cada instrumento. permite pensar en un canto gregario hecho. perfectamente cohesionado. aparte del equilibrio entre ambos componentes que en todo momento guarda. último y mayor. Sin embargo. 3:21–) junto al tono oscuro típicamente ruso y hasta hueco de la cuerda (que escuchamos ya al principio en esa cita de El gallo de oro de Rimsky-Korsakov –corte 1. siempre alerta a la voz. Hay nombres menores pero eficaces. que los engendró a todos y a todos los comprende. 45). con solistas en puntas de pie. al igual que su prestigio en Francia. a cada talante cancioneril individual. Tugan Sokhiev. Orchestre National du Capitole de Tolouse. Esa “orgía de explosión dramática” de Sokhiev se ha equilibrado en los seis años que separan esta grabación de aquel concierto. Aunque la interpretación derrocha precisión y energía. y evita cualquier concesión a la ” nostalgia. esos problemas no mellaron su prestigio y la crítica británica nunca escatimó elogios hacia su labor en el podio. su ascendente carrera. de los cuales 25 son transcripciones de Lieder con piano– llena un hueco indeseable. sin que su comedimiento estético lo cubra de polvoriento olvido. dramático.

sobre todo.: MODE 221 (1 CD) D4 DAVID PHILIP HEFTI (1975): ROTAS. exenta de todo compromiso. cajas musicales. percusión. Si el primer movimiento es un Allegro en forma de sonata. de incuestionable interés (excepto el Op. pianos de juguete. Marie-Nicole Lemieux. soprano. 7 en la reveladora grabación del LaSalle que completaba el minutaje de la primera integral –en puridad no lo era pues faltaban un par de páginas menores– para cuarteto de cuerda de Zemlinsky (DG.: V 5240 (1 CD) D1 SHE HERSELF ALONE: El arte del piano de juguete. director / NEOS / Ref. El nazismo prohibió la música de Apostel. Toby Twining. como siempre en la serie Künstler im Gespräch. que aparece servido en versiones modélicas del Cuarteto Doelen apoyadas en una toma sonora de suntuosa presencia. muy ligada al expresionismo vienés y que llega al medio centenar de obras numeradas. op. a la vez que el tempo se va acelerando paulatinamente desde el Grave inicial al Vivace conclusivo. su sensibilidad extrema y su encanto. con abundantes notas de Stefan Drees. realizado a partir de un tema de Wozzeck. op. el Op. y la documentación iconográfica resulta difícilmente mejorable. George Crumb. Por último. Brilliant) es todo lo que el discófilo podía encontrar hasta el momento con respecto al olvidado Hans Erich Apostel. 13. por FischerDieskau y Reimann (EMI). 7 (1935). 4ª y 5ª. apoyándose en motivos formados por las iniciales y su correspondiente notación musical de los nombres de Alban Berg (A-B. que llegó a presidir entre 1946 y 1948. Un conjunto de composiciones. Klauspeter Seibel. Apostel estuvo marcado “por los polos opuestos de Schoenberg y Berg. 33 revelan una concentración y densidad temática típicas del autor. Pianista acompañante.: CYBELE SACD KIG002 (3 SACD) D10 x 2 Novedades siglo XX BERG. violín. concierto para oboe y orquesta. Michail Jurowski. las diez piezas breves que integran la suite Kubiana. RundfunkSinfonieorchester Berlin. En palabras de Walter Levin. Quatuor Diotima / NAIVE / Ref. obra –como aquella– aún primeriza.: NEOS 11016 (1 CD) D1 FRANZ LEHÁR (1870-1948): Lo mejor del Léhar sinfónico / Robert Gambill. Su vitalidad rítmica muestra al Apostel más grotesco que años después encontrará inspiración en los grabados expresionistas de Alfred Kubin. 26 se estructura en diversas secciones conectadas temáticamente. voz / MODE / Ref. Si la muy atractiva primera es una partitura apegada aún a la tradición posromántica. Rudolf Piehlmayer. Eric Griswold. en Cybele Records Juan Manuel Viana ciada por Brahms y perfeccionada por su maestro Schoenberg. en suma. Latica Honda-Rosenberg. cuando Schoenberg se trasladó a Berlín.: 777639-2 (4 CD) D14 x 3 . con numerosos documentos grabados en torno al músico. Augsburg Philharmonic Orchestra. op. Si la presentación literaria es sobresaliente. el 2º violín y el 1º ejecutan sus respectivos solos en la secciones 2ª. oboe y trompeta (Capriccio. el Cuarteto en un movimiento. Apostel estudió con el primero desde 1921 hasta 1925. grabada por Schleiermacher (MDG). con referencias temáticas a los movimientos precedentes. a las que se suma un poderoso interés por las texturas y los equilibrios tímbricos: en las secciones 1ª y 6ª los papeles se reparten por igual entre los cuaHans Erich Apostel La canción Nacht. Desde ese año se convierte en alumno de Berg hasta su temprana muerte en 1935. si-mi-la). NDR Radiophilharmonie Hannover. Su estricta honestidad. Ensemble Theater am Gleis Winterthur. la obra de Apostel.siglo XX 200 / febrero 2011 43 Un legado por redescubrir La integral de cuartetos de cuerda de Hans Erich Apostel. tres Sonatinas para clarinete. los Seis Epigramas. Como el Op. retomando el esquema formal ensayado por Schoenberg en su Cuarteto nº 1 y su Primera Sinfonía de Cámara. Tras la guerra. una más en la larga lista de las “degeneradas”. donde fallecería en 1972. la viola. 3. SCHOENBERG Y WEBERN: El cuarteto de cuerda y la voz / Sandrine Piau. contralto. nacido en Karlsruhe en 1901 y residente desde los veinte años en Viena. la variación evolutiva domina el segundo. HANS ERICH APOSTEL (1901-1972): Integral de cuartetos de cuerda (incluye conversaciones y entrevistas) DoelenKwartet / CYBELE / Ref. recuerda a Schoenberg. piano. muestra ya la adhesión del músico al principio de la “variación evolutiva”. la edición de Cybele se complementa. Ross Bolleter y Laura Liben) / Margaret Leng Tan. continúa aún hoy esperando una justa rehabilitación. WunderhornMusik / Thomas Indermühle. Wolf Harden. directores / CPO / Ref. profesor y corrector de pruebas en la editorial Universal. fuera terminada. cuarta de su Op. 7. op. oboe/oboe d’amore. ini- tro instrumentos mientras el violonchelo. todas las obras se graban aquí por vez primera). 3ª. 2 (obras de John Cage. Volker Banfield. la-si bemol) y Hans Erich Apostel (H-E-A. De ahí la extraordinaria importancia que reviste este triple álbum en el que se reúne por vez primera en disco toda su obra para cuarteto de cuerda y que nos permite conocer la evolución de su escritura para esta exigente plantilla. El Cuarteto nº 1. Fechado en 1956. piano. el formidable Cuarteto de cuerda nº 1. MDG) y. vol. Jerome Kitzke. el Cuarteto en re menor de 1926. proyectada inicialmente en cinco movimientos. La obra concluye con un Largo a modo de extensa lamentación. a Berg”. 7 de Apostel está escrito en una libre atonalidad. 3 de su venerado maestro. Un lapso de más de veinte años separa este cuarteto del siguiente. fundador del Cuarteto LaSalle. es una pieza magistral que Apostel quiso dedicar a Berg con motivo de su 50 cumpleaños si bien éste murió poco antes de que la obra. El tercer movimiento aplica la técnica del anagrama musical tan querida de Berg. desde las juveniles 18 Variaciones (1925) hasta los postreros Seis Epigramas (1962). tenor. op. la única de todas estas composiciones conocida hasta ahora. el compositor fortalecería la sección austríaca de la SIMC.

” to. Ante la antigua guardiana desfilan todos aquellos recuerdos de un tiempo olvidado: entre otros. el pasado irrumpe en escena. Praga. desde el dúo de parejas protagonistas –Michelle Breedt y Roberto Saccà (Lisa/Walter). expresa su deseo de no olvidar jamás a todos aquellos inocentes que perdieron su vida. Lady Magnesia (1975) inspirada en Shaw y El retrato (1980) y El idiota (1985). años después de aquel horror y caracterizada como la escritora Zofia Posmysz. Recuerdos éstos que Lisa ya no podrá desterrar jamás de su mente cuando. Shostakovich. la Chacona de Bach. La extraña pasajera no es otra que Martha. No obstante. para sorpresa y disgusto de los oficiales.. La pasajera ha conocido finalmente su verdadero estreno en esta producción escénica a cargo de David Pountney. una historia como la narrada en La pasajera había de remover las fibras más sensibles del judío polaco Weinberg. Cascavelle. Britten o quien fuera su amigo de siempre y protector. su enorme legado camerístico ha pasado a engrosar los catálogos de sellos tan diversos como BIS. la calma intemporal que envuelve el epílogo sostenido por una Martha que. Divox. de La Pasajera (. Estrenada en Moscú en versión semiescenificada en 2006. y un pasado relativamente cercano pero que se antoja remotísimo. que perdió a sus padres y a su hermana durante la ocupación nazi. De repente Lisa cree reconocer en una misteriosa pasajera cubierta con un velo a alguien a quien creía fallecida. tensa y descarnada. situado en 1959. sin la menor duda uno de los mejores compositores del área soviética en la segunda mitad del pasado siglo. NEOS. cuyos terribles fantasmas sacará a la luz un encuentro fortuito. además de CPO. del que ya se han comercializado (aunque no en España) tres volúmenes –a los que se ha añadido otro con obras concertantes– y de la reedición por el sello Alto –que. ponga de nuevo en circulación el descatalogado fondo de Olympia– de varias sinfonías de cámara (algunas grabadas años atrás por Claves). Conmocionada. lo que provoca una crisis entre ambos. el prometido de Martha.44 di v e r di siglo XX Fantasmas del pasado Neos presenta un DVD con una impactante primicia: la ópera La Pasajera. el encuentro entre Martha y Tadeusz en el cuarto. La edición se complementa con un documental de notable interés sobre el compositor y su obra. sin precedentes. operista tardío que cuenta en su haber con títulos tan heterogéneos como La madonna y el soldado (1970) sobre Medvedev. A bordo de un transatlántico con destino a América. Elena Kelessidi y Artur Rucinski (Martha/Tadeusz)– hasta ese coro que. Sin efectismos ni derroches. una prisionera polaca a la que Lisa intentó ayudar pero que “no supo apreciar su bondad”. Ópera en dos actos. tensa y descarnada. mi valle que entona la rusa Katia en el sexto o. basadas respectivamente en Gogol y Dostoyevski. territorio poco explorado en disco. como el registro de NEOS que motiva estas líneas y que recoge en DVD el recentísimo estreno escénico de La pasajera. ofrecido el pasado mes de julio en el festival de Bregenz. como espectadores de otra época. al frente de una excelente Sinfónica de Viena corrobora desde los tensos compases iniciales. antiguo asistente de Temirkanov. 1923). Súmese a todo esto una primera entrega de piezas para piano.) consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como ” despojado. los tenebrosos interiores de Auschwitz) se solapan como un engranaje perfec- En los últimos años la obra del gran músico ruso de ascendencia polaca Mieczyslaw Weinberg (19191996) está gozando de una difusión. los dos lugares de la acción (la luminosa cubierta del buque. la emotiva lección de francés en que la joven Yvette enseña a la vieja campesina Bronka a conjugar el verbo “vivir”. todo hay que decirlo– emprendido por Chandos con Gabriel Chmura como protagonista. Delos. sonará en ocasiones enormemente familiar. en ese mismo cuadro. la delicada aria de Martha sobre versos de Sándor Petöfi y la desagarrada canción Tú. Acte Préalable. Tan sólo la decisión de utilizar un libreto multilingüe en contra del original ruso puede resultar discutible. Evidentemente. es fácil adivinar que ninguna de estas grabaciones tendrá la trascendencia y hará tanto por imponer el nombre de su autor. o la muerte violenta de éste cuando tras ordenársele que tocara al violín el banal vals favorito del comandante entona. al menos a escala discográfica. A partir de entonces. El amplísimo plantel vocal. superviviente de Auschwitz (novela que daría lugar al film de igual título dirigido por Andrzej Munk en 1961. Hänssler o Naxos. que al oyente habituado al tratamiento vocal y a los colores instrumentales de autores como Janácek. vea cómo la desconocida pasajera se dirige a la orquesta para expresar un deseo musical: que suene el “vals del comandante”. a cargo igualmente de CPO y la primera que el sello inglés Toccata dedica a sus desconocidas canciones. La pasajera desarrolla su peripecia argumental en dos planos espacio-temporales muy diferentes que colisionan dramáticamente: el presente. ejecuta un trabajo de equipo sin fisuras que la modélica y reveladora dirección del joven ateniense Teodor Currentzis. los encuentros con las demás prisioneras en los sórdidos barracones del campo de concentración y con Tadeusz. consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como despojado: la lúgubre escena nocturna del tercer cuadro. Su poderosa escritura musical. “La poderosa escritura musical.. El amor de D’Artagnan (1971) sobre Dumas. publicada también recientemente. esperemos. . también la ausencia del menor comentario musical sobre la obra. confiesa a su marido que quince años atrás ejerció como guardiana de las SS en Auschwitz. Walter y su esposa Lisa abandonan Europa camino de Brasil. en donde aquél va a desempeñar un cargo diplomático. con la excepción de unas entusiastas y justas palabras escritas en 1974 por Shostakovich. durante el baile que se celebra en cubierta. escalofriante drama lírico sobre Auschwitz de Mieczyslaw Weinberg Juan Manuel Viana ocho cuadros y un epílogo. La pasajera (196768) es la primera de las siete partituras líricas de Weinberg. Además del ciclo sinfónico en marcha –lenta. observa e interviene ocasionalmente. responsable de una soberbia edición de la integral cuartetística –que llega ahora al cuarto de los seis volúmenes previstos– y del primero de los capítulos de su no menos importante legado para violín y piano. Con libreto de Alexander Medvedev –fallecido cinco días después de este estreno austríaco– basado en la semiautobiográfica novela homónima de la polaca Zofia Posmysz (Cracovia. completado tras su muerte accidental por Witold Lesiewicz en 1963 y no estrenado en España hasta 1979).

de quien brilla en este disco un arreglo de Lucien Garban de ese gran homenaje que es La Valse. LA VALSE À MILLE TEMPS: Valses de Brahms. cinco estilos y cuatro manos. mezzosoprano. Inge Spinette y Jan Michiels. difícil de diferenciar del vals para un profano. ya que su país.: NEOS 51006 (1 DVD) D2 x 2 Rumano y educado en París. mezzosoprano. barítono. Rihm. y aquí tenemos estas diecisiete Danzas alemanas D 366 en transcripción de Johannes Brahms. Creyó en la música como un orden universal y cumplió en su obra con ese doble principio: ordenamiento y universalidad. ópera en dos actos) Michelle Breedt. las de dos viejos conocidos. vocado a la música camarística. Su materia. 9 y 14) Quatuor Danel / CPO / Ref. como tal. intercambiables con los del mejor Shostakovich– y también de lágrimas. Schubert y Richard Strauss GEORGE ENESCU (1881-1955): Cuartetos con piano Tammuz Piano Quartet / CPO / Ref. Svetlana Doneva. cargando sus alforjas para un largo viaje que terminó en 1955. las que parecen derramarse por entre los desolados compases de sus movimientos lentos. su mejor intérprete actual. MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Cuartetos de cuerda. Son esos veinte dedos los que convierten este disco en algo atípico y atractivo. abren con el Ländler.siglo XX 200 / febrero 2011 45 Mieczyslaw Weinberg Cuartetos de Enescu Dos muestras de la música de cámara del compositor rumano Blas Matamoro Valseando a manos llenas Un recorrido a cuatro manos por la historia del vals José Velasco En el lujoso libreto de NEOS se anuncia la puesta en escena de Pountney como una coproducción con el Teatro Wielki de Varsovia (donde se representó el pasado octubre). Agnieszka Rehlis. David Pountney. 5. Felix Breisach. Al referirse a La pasajera. dados sus tres movimientos característicos. como defensa contra el convulso siglo de Stravinski y Schoenberg. Elena Kelessidi. de Stalin y Hitler. Rumania. piano a cuatro manos / FUGA LIBERA / Ref. Lo aprendido le valió. De su generoso catálogo. Por su estructura pueden considerarse más bien como sonatas para piano y trío de cuerdas. Brahms compuso numerosos valses con especial acierto.: 777506-2 (1 CD) D5 Inge Spinette y Jan Michiels. que es el siguiente autor de la lista con sus dieciséis Valses Op. porque con las reducciones presupuestarias cualquiera sabe) su representación para el año 2012. donde aparecen todos los géneros.: FUG577 (1 CD) D2 . Teodor Currentzis. brutales y enfebrecidos scherzos. es el mundo delicuescente del impresionismo francés. que con el uso se depuró y convirtió en el vals. si no un lugar preeminente sí tiene un sitio especial porque Enescu fue un notable violinista –algunos lo consideraron entre los de primera línea de su tiempo– y. Prague Philharmonic Choir. La distancia temporal entre ambas partituras –París 1909 y Estados Unidos 1947– unida a su constancia artística sirven para colorear el retrato de Enescu como una personalidad fiel a lo que consideraba su espacio estético. 39. Shostakovich mencionaba que la música de esta ópera “estaba escrita con la sangre del corazón”. Cualquiera que haya escuchado los anteriores volúmenes de esta serie sabe ya que los cuartetos del músico de Varsovia están hechos de sangre –la que se agita furiosa en esos dislocados. soprano. Con criterio cronológico. Roberto Saccà. alto / Wiener Symphoniker. Elzbieta Wróblewska. danza popular centroeuropea en compás de 3/4. muy apropiada para la música de salón. Schubert aplicó su genial inspiración en esta antigua forma musical. Mientras tanto. con diecinueve piezas encantadoras que ayudan al empeño de perder el miedo a la música de autores aún vivos. fuera del cual sólo cabían algunas incursiones en el folclore rumano. Estos cuartetos atestiguan que conocía cumplidamente la escritura para los arcos y el equilibrio tímbrico y de volumen que exigían conservar al combinarse con el piano. Otro admirador de esta forma musical fue Maurice Ravel. asimismo. está efectuando de la obra para cuarteto de cuerda de Weinberg. director musical. Coincidiendo con este lanzamiento. sobre un fondo de arquitectura formal donde se advierte la doble vertiente de sus aprendizajes: el romanticismo tardío y académico de Massenet y el mundo preimpresionista de Fauré. es Wolfgang Rihm. con brillantes carreras en solitario. la música de cámara. donde está prevista (o estaba. Una cumbre de esta danza ya en el ocaso del romanticismo es el exuberante despliegue de valses que Richard Strauss incluyó en El caballero de la rosa. mezzosoprano. Inge y Jan aprovechan bien la coqueta y sobria sonoridad de un Érard de 1892.: 777394-2 (1 CD) D5 MIECZYSLAW WEINBERG (1919–1996): The Passenger (La pasajera. director de vídeo (formato DVD PAL) / NEOS / Ref. y están especialmente acertados en Brahms y Rihm. Enescu era francés o afrancesado por donde lo miren. En el conservatorio parisino compartió las enseñanzas de Massenet y Fauré. una muestra de los cuales se ofrece aquí en transcripción de Otto Singer. tenor. Angelica Voje. la English Nacional Opera de Londres y el Teatro Real de Madrid. tanto instrumentales como vocales. intercalado a lo largo de todo el disco. ofreciéndonos cincuenta y cuatro piezas infrecuentes tanto en la discografía actual como en las salas de conciertos. Y si hay un compositor que sorprende. CPO edita –ya lo apuntábamos al comienzo– el volumen 4 de la imprescindible edición que el Cuarteto Danel. he aquí una oportunidad única para disfrutar de una obra realmente importante y de alto voltaje emocional por más que su imaginario –no así su música– pudiera sonarnos demasiado. eximido de pintoresquismos y abusos de vestimentas regionales. soprano. fue un invento de la diplomacia francesa y formó a su clase dirigente con una fuerte impregnación gala. Cinco autores. quienes despliegan para nosotros un variado programa pianístico dedicado en exclusiva al vals. coetáneo de Johann Strauss hijo. Spinette y Michiels. No dejen de caer en la tentación. 4 (Nos. según apunté al principio. Artur Rucinski. director escénico. Ravel. vol. disfrutan de la compenetración conseguida en sus más de diez años juntos.

en diferentes grados de cercanía y distanciamiento. la poesía de Apollinaire –satírica y tierna. de personalidad hermética. la douceur de vivre suburbana y. dice Poulenc en carta de 1938. No hay nada en él que cree obstáculos a mi música”. Quizá menos interesante por su tímbrica mate y carácter excesivamente homogéneo. en plena guerra. Monadologie VII . la op. Veinte años atrás. Franz Schindlbeck y Jan Schlichte. cuenta con el emergente barítono alemán Holger Falk. Vers le sud (el Midi en horas felices) y grandes poemas de amor como Sanglots y Voyage. Dans le jardin d’Anna (sutil evocación dieciochesca). la canción popular.. Bleuet (himno al soldado que va a morir). siempre. lúcida. de modo evidente. casi azaroso. una sola voz Elogio de la repetición Mélodies de Poulenc sobre textos de Apollinaire. Allons plus vite (erotismo callejero). Cada sonido. cada eco y cada resonancia están calculados con precisión milimétrica. Montparnasse (canto a la bohemia de 1902). la dureza de la guerra. tan precisa como ésta que hoy nos ocupa.: Sylvain Cambreling / KAIROS / Ref. Le da sólida réplica en la comprometida parte pianística el italiano Alessandro Zuppardo. su país de adopción a cuya literatura contribuiría decisivamente como impulsor del tránsito del simbolismo finisecular al surrealismo de entreguerras. Paranoia. profundamente humana y a ratos surreal y hermética– se empapa de música en perfecta simbiosis de sensibilidades. una claridad. La huella que su obra dejó en el joven Poulenc fue duradera: de 1918 (año de la muerte del poeta) a 1956 salieron de su pluma 38 mélodies. barítono.. genial y un punto lunática. y se diría que es el propio Poulenc quien canta el París de sus amores. De las dos obras contenidas en este registro. personal y reconocible. logró integrar todos los recursos compositivos que adoptó en un estilo único. con nuevas piezas del Bestiario hasta hace poco inéditas. acompañados por Franz Schindlbeck y Jan Schlichte a la percusión. escrita también para dos pianos y percusión. Alessandro Zuppardo. Y es que Bartók. Por su actitud hacia la música. No en vano. servidos por una emisión vocal diferenciada y puestos en relación estructural circular con el conocido rondó de Machaut Ma fin est mon commencement. concluida un año después. tomada no como instrumento o vehículo de expresión sino como sustancia. Al lado de la implacable lógica constructiva de Bartók la obra de Rhim. que a menudo esconden curiosas operaciones aritméticas y fórmulas de alto contenido simbólico. for Arnold (2009) se integra en una nueva propuesta comprensiva del compositor de Linz. por la intelectualización de un legado popular que investigó con verdadera devoción científica. trivial y exquisita. no permaneció ajeno a ninguna propuesta musical. por Holger Falk Santiago Salaverri Nuevo monográfico dedicado a Bernhard Lang en Kairos Germán Gan Quesada Béla Bartók es una figura sin la que no podría entenderse la evolución musical del siglo XX. es en la década de los 30 cuando se produce el definitivo reencuentro.. Col Legno. en que tanto la mezzosoprano Sabine Lutzenberger como la experiencia ubicua de Cambreling saben extraer matices necesarios en música tan exigente como la de Lang. que hace gala de una voz de muy grato timbre y extensión razonable. espaciosa. para la introducción y la pieza final del ciclo y que resuena. FRANCIS POULENC (1899-1963): Integral de canciones sobre poemas de Apollinaire Holger Falk. DW 17: Doubles Schatten. for Arnold Sabine Lutzenberger / Klangforum Wien. La interpretación del GrauSchumacher Piano Duo. percusión / NEOS / Ref. y de la capacidad de caracterización requerida por un repertorio de tanta exigencia expresiva. Monadalogie VII. y todo ello es potenciado por una toma sonora de impacto.. piano / MDG / Ref. Tras su primera colección. que toma como hilo conductor la reflexión sobre músicas preexistentes –en este caso. en Neos Ignacio González Pintos Dos artes. cada relación sonora estudiada y calibrada al detalle. Pese a la complejidad de sus procedimientos formales.: NEOS 11032 (1 SACD) D1 Por tercera ocasión visita Kairos la producción de Bernhard Lang. por la profunda exploración de los elementos que configuran esa sustancia –desarrollo formal. en que Lang muestra su preferencia por la nitidez frente a la expansión expresiva. por encima de todo. informal. ritmo. brillante y contundente. presenta un discurso quebradizo. Dir.46 di v e r di siglos XX & XXI Personalidad de vanguardia Obras para dos pianos y percusión de Bartók y Rihm. Le bestiaire –seis breves y exquisitas cuartetas que evidencian la huella de Satie–. chusca y nostálgica. los cuatro poemas de Lavant escogidos son “desmembrados” y reducidos a fragmentos y campos conceptuales unitarios. piezas corales y la ópera Les mamelles de Tirésias. timbre–. un impulso y una perfección que fascinan al oyente.: 0013092 KAI (1 SACD) D1 . el amor. también por su carácter ecléctico. en que la constatación y deformación de procesos rítmicos iterativos se desencadena mediante procedimientos aleatorios rigurosamente controlados: en este caso. que da buena cuenta del talante explorador que señalamos. “Apollinaire está hecho para mí. que proporciona el material. se trata de una reelaboración de materiales ya existentes que Rhim hace confluir en una obra imprevisible. el lenguaje de Bartók posee una pulcritud. es un prodigio de ingeniería sonora. Neos) y bien conocido por su proyecto operístico I hate Mozart (2006. laberíntica. Y así surgirán esas joyas que son La Grenouillière (una estampa de Renoir). Die Sterne des Hungers (2007) pertenece a las últimas muestras de su serie Differenz/Wiederholung. La obra que aquí encontramos es una pieza clave de su catálogo. había conocido al poeta italo-polaco nacido en Roma y educado en Francia. BERNHARD LANG (1957): Die Sterne des Hungers (The Stars of Hunger). La presente integral MDG de las mélodies Apollinaire-Poulenc. de presencia asidua en el festival de Donaueschingen (2005.: MDG 1658 (1 CD) D2 SCHRIFT-UM-SCHRIFT: Obras para dos pianos y percusión de Béla Bartók y Wolfgang Rihm GrauSchumacher Piano Duo. en el interludio central. 38 schönberguiana sometida a cuatro enfoques diferentes culminados en una coda– apurando la alusión intertextual hacia dimensiones abstractas. también en Col Legno). limpia. Rosamonde (un encuentro en Amsterdam). de quien había ofrecido Das Theater der Wiederholungen en 2006 en versión. se mostró receptivo a cualquier estímulo pero. 2007. de Klangforum Wien. materia sonora.

el libro que acompañó a la “Carta Blanca a Hans Werner Henze” contenía unos cuantos textos de sumo interés firmados por Justo Romero. Aparecen ahora tres discos que tienen un doble interés puesto que dos de ellos recogen una larga entrevista de Mirjam Wiesemann con Henze en su hermosa casa de Marino. HANS WERNER HENZE (1926): Réquiem (incluye entrevistas con el compositor y su asistente) Dimitri Vassilakis. la fascinación por la Italia pre-Berlusconi. Aunque en España no hay mucho escrito sobre el compositor alemán. Lulu Suite. pero vale la pena intentarlo. Antonio Machado Libros y Fundación Scherzo. cuando Henze llegó. y que aquí lo es por la Essener Philarmoniker dirigida por Stefan Soltesz. Apasionadamente Plus. 2004. su evolución intelectual. (1) Hans Werner Henze: Canciones de Viaje con Quintas bohemias. Alban Berg. sí cuando su propósito tenía un doble carácter. Cybele Records. de ideas y de recuerdos.” año en el que a la muerte de Fausto se añadió un diagnóstico médico de carácter fatal para el compositor–. todo ello con el fondo de un vigoroso renacer creativo después de la terrible crisis del 2005 –el un Requiem dedicado a Fausto Moroni y unas cuantas obras más. altura de la del Requiem dedicado a Vynyer. The Bassarids. Auden y de Chester Kellman. Steven Sloane. con el cual se entendió muy bien pero que vivía en la fase final de su presencia en el cargo. acosado por una parte como fue el compositor desde las páginas de un periódico falangista por su claramente definida posición antifascista y a la vez recibido con los brazos abiertos por un Jesús Aguirre. si no la primera vez.H. Una triple grabación (2) que.” en su primera edición. piano. y que aquí está interpretado por la Bochumer Symphoniker dirigida por Steven Sloane. etc. y también su historia familiar. Más atrás quedaba el viaje de 1977. (3) Hans Werner Henze. excelente. fallecido repentinamente. Otro disco también reciente (3) es la primera grabación de una obra bellísima. Apasionadamente plus. Atrás quedaba el estreno en el Teatro Real de una de las óperas más conocidas del compositor. estrenada en 2003 por Gerd Albrecht al frente de la Royal Concertgebouw. No hubo suerte en ninguna de las dos cosas. Aquel fue el primer gran éxito de Henze en España. Reinhold Friedrich.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 47 La vuelta de Henze Cybele dedica un triple CD a la faceta más íntima (con extensa entrevista incluida) del gran compositor alemám Javier Alfaya Hans Werner Henze Ya han pasado cinco años desde que Hans Werner Henze viajó a Madrid para estar presente en unos acontecimientos musicales que se convirtieron de hecho en un homenaje público a uno de los compositores más importantes de nuestro tiempo: el estreno de su ópera L’Upupa y los seis conciertos de la Orquesta Nacional de España dentro del ciclo titulado “Carta Blanca a . Un ejemplo de ello es que entre sus obras recientes se cuentan una nueva ópera. Henze evoca los años pasados con su compañero Fausto Moroni. una sinfonía. ya estrenada. José Luis Téllez. director artístico de la London Sinfonietta. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y personal. que fue estrenado en España por Gloria Isabel Ramos. Que se pueda encontrar actualmente en librerías de viejo es otra cuestión. que inevitablemente nos evocan al autor de su apasionante libro autobiográfico Canciones de viaje con Quintas bohemias (1). que no parecen haber disminuido su capacidad creativa. NOTAS “Una triple grabación indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana. Traducción de José Luis Arántegui. La compañía a esa obra fulgurante y llena de tensión es otra especialmente amada por el compositor: la Suite de Lulu de Alban Berg. a unos cincuenta kilómetros de Roma y cerca de los Montes Albanos y un tercero la grabación del Requiem que el compositor dedicó a la muerte de su gran amigo Michael Vyner. es indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana. Bochumer Symphoniker. Fedra. Ante Mirjam Wiesemann. acompañado por el compositor Eduardo Rincón y por el autor de estas notas. Aquel viaje al menos parcialmente frustrado se cerró para Henze con una larga jornada de charlas y lentos y divertidos paseos por la ciudad. los años ingleses. Jacobo Durán Loriga y Alberto González Lapuente entre otros. en junio de 1999. la guerra de 1939-45. Cybele Records. La entrevista nos devuelve a un Henze lleno de vida. con libreto de W. trompeta. el desarrollo de su vocación musical. director / CYBELE / Ref. por utilizar una palabra de uso corriente. durante la temporada 2005-2006. director general de Música. que en la versión de la ONE tuvo a Arturo Tamayo como director..: CYBELE SACD KIG003 (3 SACD) D10 x 2 . musical y político.Madrid. Como corolario quisiera hacer una observación especial. Dígamos que la interpretación de esta obra está a la misma. (2) Hans Werner Henze und das Requiem. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y ” personal. Henze cumplirá el 1 de julio del año en curso los ochenta y cinco años.

en una conciliación que no puede ser sino provisional. La música de Traversa. en Hänssler Germán Gan Quesada Puentes en la noche Monográfico dedicado a Martino Traversa en Neos Javier Palacio Un laborioso americano BIS dedica un monográfico al estadounidense Steven Stucky Blas Matamoro Nuevo desembarco de la Wolfgang Rihm Edition de Hänssler Classic. MARTINO TRAVERSA (1960): Manhattan Bridge. como indica Rainer Peters. nos permite atisbar un amplitud de lenguajes y de decisiones formales que vale la pena tener en cuenta. Herr Rihm?– la quinta Verwandlung. siempre en un clima de enrarecido extrañamiento musical. clarinete.: 17.. ma non troppo (para tape y flauta.: BIS 1622 (1 CD) D3 . tiene ya una prolífica obra en todos los renglones genéricos de la música como compositor. por su parte. Son soluciones que podríamos definir como de surrealismo musical. clarinete o piccolo. ese Cuarteto nº 2 de naturaleza en muchos pasajes convulsa y exigente del más riguroso control del arco para organizar un agitado diálogo de líneas puntillistas (movimientos 1º y 4º) o alcanzar una fantasmal desnudez armónica (secciones centrales). en todo caso –aunque sea ya el quinto volumen de la colección–. con Mahler y Berg a la cabeza. uno a Ravel y otro a Stravinski. ante músicas de nuestros días. En este caso.V. . De muy distinta índole es el Segundo concierto para orquesta (2005) que se podría calificar de puro en lo sonoro. que anuncian la “llegada” de la orquesta internacional académica. fue durante unos años discípulo de Luigi Nono.. su sfondo bianco. la de Mario Caroli sobrevolando cual onírica ave los precipicios abismales abiertos por los timbres electrónicos) y Manhattan Bridge. familiares a las anteriores.. una “constantemente renovada llamada a la utopía de los conceptos sinfónicos del mundo”. Pese al tempo rápido de todas ellas. que presta su Orquesta de la Radio de Stuttgart. la crítica. a través de esta muestra de su variedad imaginativa. que invocan a los espíritus que aceptan sus distintas religiones y tradiciones populares. la tercera “metamorfosis” (2007) incide en un humor contrastado en que predominan el timbre heroico y el protagonismo solista de saxofón. Spirit Voices. lo cual puede aplicarse también a ese Cuarteto para viola sola. nacido en 1949. fundador del Ensemble Edgar Varèse. el músico norteamericano. que piden (y obtienen) su prosecución natural en la siguiente. interesado por la investigación electroacústica. por momentos exasperado. como una voz más. especialmente. A la vez..- Martino Traversa. Dato que se traduce no tanto en influencias estilísticas como en una especial libertad y sortilegio tímbrico a la hora de enfrentarse al hecho sonoro. STEVEN STUCKY (1949): Pinturas de Tamayo. A ello se suma un dispositivo numeroso de percusiones con instrumentos igualmente folclóricos. aunando en un mismo gesto el gusto por la captación de ámbitos fenoménicos de atractiva carga sensorial con una estudiada arquitectura compositiva. Irvine Arditti y los suyos presentan una de las piezas más destacadas del monográfico.48 di v e r di siglos XX & XXI Appassionatamente El ciclo Transformaciones de Wolfgang Rihm. reminiscencias de las grandes sonoridades orquestales del pasado siglo. Marco Angius. para dar paso en 2008 al cierre del ciclo. de energía tumultuosa no exenta de vienesa nostalgia. Europa. da paso en la segunda. constituye otra seña de identidad de este autor poco conocido por nuestros lares pero que sin duda contribuye al dinamismo y vitalidad del panorama actual italiano. además de sus tareas en la dirección orquestal. Roberta Gottardi. Segundo Concierto pata orquesta Evelyn Glennie. aun teniendo en cuenta la fobia que los surrealistas de escuela (o de iglesia) sentían por la música. Quadrato bianco. En Pinturas de Tamayo (1995) se vale de sugestiones tomadas de cuadros debidos al pintor mexicano y que también poseen un mundo de imágenes fantasmales. Añade un par de homenajes. no faltan elementos privativos: el clima umbrío. flauta bajo. director / NEOS / Ref. con el concurso de la SWR. pues. Christian Arming y Matthias Pintscher. desmentido por una densa instrumentación y por injerencias percusivas que perturban la expansión lírica.263 (1 CD) P. 4:30 am. Singapore Symphony Orchestra. con vocación de continuidad manifestada en el final in media res de alguna de las composiciones. que desmiente cada año cualquier asomo de declive en feracidad y poder expresivo.50 €. Mario Caroli. l'eco. Entre lo más sugestivo del recorrido cabe citar también Bianco. Pronto llegará –¿verdad. sus Voces de los espíritus (2003) fue hecha para este registro y resuelve una curiosa mezcla de voces humanas de distintas tribus indígenas de América. Rimane.: 93. Un discurso singularmente fluido.P. compuesta en 2002. con el Ensemble Algoritmo detallando con exquisita justeza tímbrica la atmósfera nocturnal de la pieza. con lo cual Stucky termina de acreditarse como notorio exponente del eclecticismo posmoderno. pese a la concentración armónica y a la eventual atomización de algunas secciones. Garth Knox. Arditti Quartet. es decir desligado de apoyos literarios o similares. más sí es más: las cuatro obras agrupadas bajo el epígrafe común de Verwandlungen [Transformaciones] esconden bajo su aséptico subtítulo de música para orquesta todo un universo de referencias concretas. que parece apelar en cada obra de este Manhattan Bridge a un poderoso componente emocional del sonido. En la especie. con un Garth Knox desdoblado en varias voces gracias a la cinta magnética. y. directores / HÄNSSLER / Ref. Es hora de que su producción se conozca asimismo por medio de la grabación digital. la enseñanza. se descubre al mismo tiempo de precisa elaboración. Ensemble Algoritmo. vano intento. Estamos. viola. por los cruces entre el arte. Lan Shui. Oceanía y Asia. director / BIS / Ref. la conferencia y el libro. a un carácter más ligero. por Matthias Pintscher. percusión.: NEOS 11023 (1 SACD) D1 El norteamericano Steven Stucky. y el trabajo detallado de densidades a partir de la sutil coloración tímbrica inicial de la primera pieza. tres años posterior. la ciencia y la filosofía. incluso scherzante. encuadradas en la amplitud libérrima de la composición actual. dirigida con claridad e ímpetu. WOLFGANG RIHM (1952): Verwanglungen Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR. de poner puertas al campo del catálogo del compositor de Karlsruhe.

José Luis Temes.p. violín y violonchelo). Gracias a ello puede ver la luz este magnífico CD del sello Verso dedicado íntegramente a obras orquestales del autor de Castro Urdiales. en este caso con una Orquesta Filarmónica de Málaga de gran solidez. como bien dice José Luis Temes en las notas al disco.- . el compositor más importante que ha dado Cantabria. Su importantísima producción sinfónica permanecía discográficamente inédita. haya sido interpretada en los últimos años. Tan sólo en la Suite montañesa recurre Dúo al folklore de Cantabria. quien más de una vez dirigió páginas sinfónicas de su ilustre colega. Hay que aseverar que hoy por hoy no es Dúo “un perfecto desconocido”. sin duda alguna. así como la de Luis Morondo con la Coral de Cámara de Pamplona. vieron la luz grabaciones del Trío para piano. cuyo objetivo es “recuperar. paisano por tanto de Ataulfo Argenta. Molinos isleños. Hasta hoy. Porque las tres obras incluidas en el disco que nos ocupa. sombríos y sobrecogedores de ” la historia de la música española. estudiar y difundir el hecho musical cántabro en cualquiera de sus vertientes”. sombríos y sobrecogedores de la historia de la música española..” cada una despliega un rico tapiz de ideas musicales que mantienen el interés y garantizan el disfrute de cualquier buen profesional o aficionado a la música. en grabación ya inencontrable. donación de los hijos del músico Ariel y Roberto Dúo de la Llosa. 2001) ARTURO DÚO VITAL (1901-1964): Obras orquestales (Molinos isleños. En las otras dos obras encontramos.? José Luis Temes NOTAS Desde 1996 funciona en Santander el Centro de Documentación e Investigación de la Música en Cantabria. creado por la Fundación Botín. gracias a la Coral Salvé de Laredo. uno de los momentos más imponentes. pese a que alguna de sus obras en este campo. piano neos 10946 (1 cd) p. o los trabajos de la musicóloga Julia Lastra Calera (2) nos han acercado la figura de quien fue. son prueba irrefutable de que nos hallamos ante un compositor de primer orden. la mirada de un músico (Fundación Marcelino Botín. la ópera El Campeador sobre el Cantar del Mío Cid? ¿Por qué. con el permiso de autores como Cándido Alegría. tantas veces presente en sus piezas corales. director / VERSO / Ref. Santander. ciertos influjos de Ravel y “el detallismo orfebre del Stravinski neoclásico”.. Sinfonía para un aniversario) Orquesta Filarmónica de Málaga. Suite montañesa (1949) y Sinfonía para un aniversario (1962). Cada una de ellas es cumplida muestra de su oficio de orquestador sobresaliente. así como el libro Arturo Dúo Vital. La labor de José Luis Ocejo al frente de la Coral Salvé. Tenía que ser José Luis Temes. Suite montañesa.: VRS 2098 (1 CD) D10 NEOS FABIÁN PANISELLO / GYÖRGY LIGETI Estudios para piano Dimitri Vassilakis. Dentro de la colección Antología de compositores de Cantabria de la Fundación Marcelino Botín. (2) Entre ellos la catalogación de su obra. quizá resultado de su aprendizaje en el aula parisiense de Paul Dukas en la École Normale de Musique.siglo XX 200 / febrero 2011 49 Los porqués ante la obra sinfónica de Arturo Dúo Vital Temes y la Filarmónica de Málaga graban para Verso la integral sinfónica de quien puede ser considerado como el más destacado compositor cántabro de la historia Andrés Ruiz Tarazona “El extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía se erige como uno de los momentos más imponentes. como es el caso del poema sinfónico Molinos isleños (1932).v.: 18. pero cuando escuchamos el extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía. Todo el contenido del disco da que pensar sobre nuestra vida musical. En la sede de la Fundación se guarda el legado del compositor Arturo Dúo Vital (19011964). quien llevase a cabo una de las más justas y necesarias aportaciones al patrimonio orquestal español.95 € . Miguel Ángel Samperio. Eduardo Rincón y otros que han mantenido en alto la bandera de la gran música en aquella región tan bella. conservar. nos preguntamos con tristeza: ¿por qué no se programa con la asiduidad que merece esta obra formidable? ¿Por qué no se graba o se representa su última obra. tan sólo una serie de obras corales y varias piezas camerísticas de Arturo Dúo Vital habían pasado al disco (1). como afirmaba su esposa Ana de la Llosa Salvarrey. y en (1) En el caso de la música para coro. además del mismo magisterio en la orquestación. el Cuarteto con piano y la Sonatina para quinteto de viento. sobrada preparación y excelente sonido.

. de carácter por momentos espectralista.50 di v e r di siglos XX & XXI Continente y contenido A cage of saxophones. 3 y 4 (Colección John Cage. espectacular y climático final– la obra construye un puente entre la expresividad de Sentiero y el nervio arrollador de Blades. recorre sus diferenciadas secciones analizando su denso color armónico. Johannes Kalitzke & Franck Ollu. piano | 6734-2 WIDMANN / SCHUMANN Fleurs du mal (obras para piano de Widmann y Schumann) Fabio Romano. Zéula (1996). servida por la formación madrileña con definidos planos instrumentales como sensual trasfondo para el vehemente discurso del solista. vol. una con las ventanas abiertas y otra en estudio (atención a los ruidos que se cuelan en la grabación a los que debemos sumar los nuestros propios durante la audición como parte de la interpretación final). pieza de juventud sin la personalidad de las comentadas. Harrison y Thomson. respuesta lanzada en los cincuenta frente a la dictadura del control sonoro y su deshumanización. And at the end.. Terzenseele. compuestas por el propio Cage junto a Cowell. Seven Blades. fusión de ligereza y gravedad. Anklang y Direkt entrückt Ensemble Modern. 42) Ulrich Krieger. finaliza esta panorámica reveladora de un autor al que no conviene ya perder de vista. La pieza. en la que comparece una gestualidad más violenta y discordante. que tuvo su arranque oficial con aquellos 4’33’’ con los que Cage puso patas arriba el fin último de la obra musical logrando una de las obras más trascendentes de la historia de la música.: STR 33845 (1 CD) D2 . Como bisagra entre las dos anteriores puede entenderse And at the end. una elocuencia más urgente sin lugar para lo retórico o accesorio. patente en el enérgico dibujo de conjunto. Y que prosigue con Seven Blades para siete instrumentos (2008). Monströses Lied. nueva entrega de la integral Cage en Mode Juan Francisco de Dios Vulcanologías Encinar y la ORCAM dedican un monográfico a Massimo Botter Javier Palacio PETERIS VASKS Las estaciones Vestard Shimkus. a partir de la idea de los surrealistas Cadáveres exquisitos… y sonoros. Esta jaula de saxofones (“a cage of saxophones”) a la que se refiere el registro nos muestra un abanico interminable de posibilidades tímbricas donde Ulrich Krieger y su equipo despliegan todo tipo de colores y sutilezas al servicio de los continentes de Cage en versiones muy acertadas (hemos de tener en cuenta que estas obras no estaban escritas para ningún instrumento concreto).. Destaca la sorprendente Party Pieces (1944-45) –erróneamente datada en el disco. saxofones. Zéula) Orquesta de la Comunidad de Madrid. Nos ocupa aquí la parte de la producción cageana reunida bajo el paraguas de la indeterminación.. JOHN CAGE (1912-1992): La obra para saxofón. Indeterminación I (Herramientas) y II (Solo estructuras). La grabación abunda en estos terrenos resbaladizos magníficamente ordenados en dos partes. Un disco para sumergirse en los universos del Cage más estético que merece degustarse con materiales explicativos que nos acerquen y aclaren sus continentes para así disfrutar de sus contenidos. José Ramón Encinar. José Ramón Encinar al frente de la ORCAM. ensemble que permite a Botter sonidos frondosos cercanos a los orquestales y a la vez el manejo más sutil propio de los camerísticos. con el clarinetista Salvador Salvador como solista. Conservando un ADN intransferible –multiplicación de eventos sonoros. anuncia así un programa de elevada solidez musical. vols. instrumentos adicionales / MODE / Ref. su naturaleza contrastante donde caben las atmósferas detenidas tanto como las cimas de intensidad y sus desacomplejados apegos melódicos.: MODE 222/23 (2 CD) Dx x 2 Sentiero in un deserto di lava (2006) abre con fuerza descriptiva y expresividad a raudales este monográfico dedicado al milanés Massimo Botter –muy vinculado a la escena musical de nuestro país– por el sello Stradivarius. En el segundo volumen contamos con dos versiones para trío de saxofones de 4’33’’. the scream. MASSIMO BOTTER (1965): Scream (Sentiero in un deserto di lava. director / STRADIVARIUS / Ref. como si el compositor hubiera querido cincelar sus sonoridades a partir de filos cortantes que llevan a la máxima pureza instrumental. the scream (2007) para oboe y catorce instrumentos. piano | 6808-2 ARNULF HERRMANN Fiftive tänze. directores | 6576-2 El ambicioso proyecto del sello neoyorquino Mode de llevar al disco la obra completa de John Cage se acerca a su final (este es el 42) con el tercer y cuarto volumen de la obra escrita o reinterpretada para saxofón y su larga familia. como ocurre con One (1990)–. sin marginar con todo una particular inventiva tímbrica.

como estética de complejidad). Música que se diría desencarnada. por ejemplo) sino como un episodio de textura contrastante entre un catálogo de lo que cabría describir como posibilidades extremas. sinfonías y hasta un un quinteto con piano (Bitácora. por cierto) del propio Jesús Rueda y el registro que aquí se comenta es una convincente demostracción. como muy oportunamente señala Javier Arias Bal en los excelentes comentarios incluidos en el álbum. López López. Nono y Dallapiccola a Ivan Fedele. no ya de semejante aserto. de una hermosura extática y meditativa que muestra a las claras lo mucho que la tradición puede aportar al presente. Luis de Pablo o Antón García Abril. testigo de la etapa en que el compositor emergía de su periodo de estudio con Francisco Guerrero y que muestra a las claras su deuda con Brian Ferneyhough (y lo que se ha designado. sino como materia viva capaz. Desde las sombras. de la evocación de seres o situaciones míticas (los unicornios. sumamente diferentes y contrastadas. Aunque. Por lo demás. cumple destacar que Rueda es. en el segundo. Mauricio Sotelo. Es una música de tan difícil ejecución como brillante. como sugestión interpretativa de los tres días que Jesús pasa en el sepulcro antes de resucitar). Y tres cuartetos. la mayor contribución jamás debida a un autor español) demuestran la sorprendente vitalidad del género. sin embargo. la paradójica variedad de cuyo caudal tímbrico procede casi en exclusiva del modo tradicional de empleo de las correspondientes fuentes instrumentales que en momento alguno se transgreden ni se fuerzan. en opinión del abajo firmante. sobre todo). Jesús Rueda JESÚS RUEDA (1961): Cuartetos de cuerda KNM Berlin / KAIROS / Ref. con una hondura expresiva muy superior. de pronunciar mensajes discernibles y perfectamente actuales. cuyo reciente “Música de tan difícil ejecución como brillante. el menos germanizado y el más próximo a la escuela italiana.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 51 El último romántico Los cuartetos de cuerda de Jesús Rueda por el grupo berlinés KNM. David del Puerto. 2002 y 2004. se atienen a “programas” argumentales o descriptivos que generan músicas de un atractivo verdaderamente singular: en el primer caso. Rueda riza el rizo con verdadera audacia e incuestionable maestría. al extremo de recuperar gestos rítmicos armónicos y formales tradicionales que inserta en una discursividad no convencional que van desde el moto perpetuo en semicorcheas a las repeticiones literales (uno de los grandes interdictos.: 0013122 KAI (1 CD) D1 . tanto las formaciones históricas como los diseños compositivos tradicionales pueden evolucionar. de incuestionable felicidad. una de sus obras más bellas y depuradas. pero también a Odiseo y a Orfeo. en el segundo cuarteto. de una vitalidad que deriva directamente tanto de su excelente factura técnica y su eficaz escritura como de la convicción y la pertinencia de las líneas compositivas empleadas. Rueda concluía la composición con un coral que asciende poco a poco hacia las tesituras agudas a través de una sonoridad que se adelgaza y se transfigura paulatinamente: es uno de los más bellos y conmovedores momentos de la música cercana que muestra a las claras las muchísimas direcciones en que. son palabras (clarividentes. sea de una dificultad más que notable. hasta el presente. se trata de la idea de la suspensión temporal entre la vida y la muerte a través de diferentes y cualificados mitos (desde Gilgamesh a Eneas. La literatura española reciente para cuarteto de cuerda es de especial riqueza y variedad: Guerrero. alejada del un tanto superficial decorativismo de algunos de los autores citados (los más cercanos. los límites). Luca Francesconi o Claudio Ambrosini. las sirenas. 1992).” Cuarteto para el nuevo milenio es una de sus obras más logradas. Alfredo Aracil o Alberto Posadas entre otros (pero también los músicos de la generación de maestros. de modos distintos. sobre todo. no funciona como tracto conclusivo (al modo de una posible sonata da chiesa. sino incuso dentro de cada una de ellas. por cierto de la música posterior a Schönberg): en el extremo. en razón del título de dicho movimiento: Isla de los confines. inmediato y accesible resultado. pese a lo que ciertos episodios puedan aparentar: tal sucede con el arranque del Cuarteto I. sino que. no como pastiche ni como refugio acrítico. Se trata de verdadera música para cuarteto concebida en función de la naturaleza histórica y específica del conjunto. y también uno de los más interesados en la tradición: en su catálogo cabe encontrar sonatas. La música de Jesús Rueda es de una intensa expresividad y la propia forma de escribirla trabaja en tal dirección de un modo deliberado: por lo demás se trata de una obra que cuenta ya con dos décadas de antigüedad. inmediato y accesible resultado. respuesta y desarrollo que. bordeando el límite mismo de lo factible: extremo del que la obra obtiene buena parte de su fuerza y de su energía enunciativa. todavía. Como todo romántico. de los compositores españoles de su generación. eso sí. siempre que esa tradición se invoque. el movimiento final del tercer cuarteto contiene una fuga perfectamente construida con sujeto. que aparecen ahora reunidos en un álbum en la excelente interpretación de los solistas de cuerda del grupo berlinés KNM. y las ha salvado porque funcionan extraordinariamente bien. que se atiene rigurosamente a él. la insólita variedad de resultados posibles alcanzados en su cultivo y la flexibilidad y aptitud de la forma para autorregenerarse: las formaciones históricas perviven porque el tiempo las ha salvado. en Kairos José Luis Téllez Jesús Rueda es uno de los compositores más dotados de la generación que frisa en los cincuenta años. de un modo quizá excesivo. escritos en 1990. Previamente. como Cristóbal Halffter. sino también de la coherencia con que el músico madrileño aborda su trabajo creativo. no ya en cada una de las obras aquí presentes. desde Petrassi (a quien llegó a conocer). de notable imaginación sonora y. de notable imaginación sonora y de una vitalidad que deriva de su excelente factura técnica y su eficaz ” escritura. sin olvidar los doce de Ramón Barce. Jesús Rueda experimenta una especial atracción por las sugestiones de tipo narrativo o poemático como elementos incitadores de su creatividad: los cuartetos segundo (Desde las sombras) y tercero (Islas) no solamente poseen títulos sugerentes. cuyo vertiginoso fluir de glissandi ascendentes superpuestos y yuxtapuestos –casi cercano a la electrónica en algún instante– está cuidadosamente escrito y calculado para hacer posible su ejecución sin violentar ni la afinación de los instrumentos ni el modo de utilizarlos aunque. Ésa es la dirección por la que los cuartetos de Jesús Rueda se aventuran: y el resultado es.

Enterrados los dogmas. Los tres volúmenes que Neos dedica a las Donaueschinger Musiktage 2009 incluyen obras de siete compositores. que no es otro que el de dotar de coherencia a intérpretes. El peruano Jimmy López (1978) es uno de los jóvenes irreverentes que han escogido la vía del exceso. 1: SCIARRINO: Libro notturno delle voci.: NEOS 11051 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. CENDO: Introduction aux Ténèbres. Mediante una continua fluctuación de densidades. y un romance a tres bandas surgido en un chat internáutico. Dirs. dan golpes en el suelo o profieren fragmentos destacados del texto además de hacerse cargo de sus respectivas partes instrumentales. Cierra el segundo volumen de las jornadas Donaueschingen la obra Strange Attractors para oboe. Sciarrino explora la dialéctica de lo concertante. Solistas de musikFabrik. invocan el espíritu de Romitelli. El propio Cendo afirma que esta técnica compositiva evoca el acontecer de una energía oscura que. tratando de diluir la confrontación entre lo social y lo individual inherente a este tipo de forma. orquesta y electrónica. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. FURRER: Apon. VOL. configura un modelo acústico en el que coherencia y diversidad son generadas por el propio sistema. percusión y electrónica del norteamericano Christopher Trebue Moore (1976). MOORE: Strange Attractors ICTUS Ensemble. Su obra supone una traslación a sonoridades instrumentales de un texto del dramaturgo austríaco Händl Kraus y una exploración por el camino intermedio entre el habla y el canto. en algunos casos. Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. Pero quien se lleva la palma del exceso es Raphaël Cendo (1975). El juego de balanceo sugerido por el título queda patente en la fluctuación de la textura y la forma. El italiano escudriña en el paisaje sonoro de la noche para integrar al oyente en su vaivén de murmullos y especulaciones tímbricas. en algunos casos.: Beat Furrer / NEOS / Ref. 2: BEDROSSIAN: Swing para 11 instrumentos. el Apocalipsis de Juan. fagot. oscuro. cantantes. coquetean con otros estilos y se revuelcan con descaro en la desmesura. el discípulo de Kagel plantea un rico juego de concomitancias entre dos trágicos dramas amorosos. Furrer y López. Eat the History! (drama radiofónico sobre una instalación de ópera) SWR Vokalensemble Stuttgart. Muy vinculada en lo vocal al sutil universo sciarriniano se desarrolla . Dir. Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. coro. Concebida para actores. “Emoción y sorpresa aportan vida a cálculos y geometrías” –Sciarrino dixit– y con esa finalidad se alza su Libro notturno delle voci para flauta y orquesta. A la música de López no se le puede negar buena factura y personalidad. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. temas y espacios. VOL. que parece impregnar a parte de los cachorros ” de la vanguardia. La grabación no recoge el despliegue escénico por cinco ubicaciones de la localidad alemana. oscuro. 13 instrumentos y electrónica es la confirmación del camino de la desmesura que ya había apuntado en obras anteriores como Rage in heaven city y Décombres. Sciarrino. en esta ocasión de la Edición 2009 María Santacecilia Apon de Beat Furrer. DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. VOL. Cendo. clarinete. Algo más tibio en sus planteamientos con la saturación se muestra Franck Bedrossian (1971). Tsangaris consigue solventar el principal reto de este trabajo.: Sylvain Cambreling y Denis Comtet / NEOS / Ref.: 11053 (1 SACD) D1 No son precisamente comedidos. “exceso” o “distorsión” y no tienen inconveniente en rayar sonoramente con el jazz más abigarrado y el rock experimental. batería y electrónica en vivo desarrolla un discurso de intensa fragmentariedad expresionista. contrabajo. Su Incubus para clarinete. Los dos instrumentistas asumen también el papel de actores convertidos en sátiros que gritan. Un poema de Paul Williams que evoca el espíritu del demonio como depredador sexual de mujeres dormidas sirve a López como punto de partida para recrear una orgiástica escena sonora que arranca con el grito desgarrado del protagonista al ser expulsado del cielo. el bíblico de David y Betsabé. A partir del concepto homónimo perteneciente a la teoría del caos. Neos publica lo mejor del Festival de Donaueschingen. trufan su discurso con palabras como “saturación”. “Bedrossian. El primer volumen de las veteranas jornadas muestra la singularidad de tres creadores nacidos en distintas décadas. Dir. Bedrossian. que completó su formación francesa con las enseñanzas de Lachenmann. Eat the History! de Manos Tsangaris cierra el tercer volumen de las jornadas Donaueschingen 2009. paradójicamente. cuya Introduction Aux Ténèbres para barítono. Swing abstrae y confronta gestos propios del jazz para conformar una pieza de intensa tensión dramática articulada en doce episodios. EXPERIMENTALSTUDIO des SWR. arroja una nueva luz en el mundo de la música contemporánea. Amparados por los vientos de la comunicatividad.: Georges-Elie Octors / NEOS / Ref. Cendo. El francés vuelve a cargar las tintas sirviéndose de un texto plagado de imágenes brutales y desabridas.: NEOS 11052 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. pero gracias a la versión especial realizada por el propio compositor somos testigos auditivos de la espiral de violencia que se desprende de la superposición de las dos tragedias. 3: TSANGARIS: Batsheba. que parece impregnar a parte de los cachorros de la vanguardia. cuatro de ellos nacidos en la década de los setenta. LÓPEZ: Incubus III Solistas de musikFabrik. y de unos efectivos constituidos fundamentalmente por instrumentos graves que son llevados hasta el extremo de sus posibilidades mediante procedimientos de saturación.52 di v e r di siglo XXI In Tenebris Lucem Fiel a la tradición.” La ópera radiofónica Batsheba. Experimentalstudio des SWR.

Estrenada en la Opéra Bastille el 24 de enero de 2009. dirección escénica de Bondy y musical de Sylvain Cambreling. o más bien exabruptos– como por la exhibición de las miserias humanas a las que la frívola corte se entrega. princesse de Bourgogne. Cosmos–. von Halem. Si todos esos trabajos han pivotado en torno al creativo coliseo bruselense. Yvonne. el nuevo fruto lírico del autor belga ha sido la última de las óperas creadas durante el mandato en París del actual director artístico del Teatro Real. Yvonne. La grabación de Cypres. de los prejuicios de clase y los valores tradicionales carentes de sustento ético.” con espinas acarrearán la asfixia de Yvonne. el mérito principal corresponde a Cambreling. Yvonne ya había sido convertida en ópera por Boris Blacher en 1973 y por el polaco Zygmunt Krauze en 2004. el idioma elegido fue el alemán. perfectamente adecuado al texto de Gombrowicz diseccionado por Bondy. desagradable. con Luc Bondy (y Marie-Louise Bischofberger). Klangforum Wien. czardas zíngaras o can-can. Princesa de Borgoña Delunsch. Y por supuesto. y su antinacionalismo. responsable asimismo de las puestas en escena. princesse de Bourgogne trae sus orígenes de la pieza teatral homónima del escritor polaco Witold Gombrowicz (1904-1969). la primera de ellas.siglo XXI 200 / febrero 2011 53 Boesmans en vuelo libre Cypres publica la grabación del estreno parisino de la nueva ópera de Philippe Boesmans. transparente. el compositor belga Philippe Boesmans (1936). Dir. Entre los protagonistas. abunda en esos temas en su narración del encaprichamiento del príncipe heredero Philippe por la nada agraciada y linfática Yvonne. Yann Beuron realiza una perfecta encarnación del príncipe. esa ausencia de frases amplias ofrece a Boesmans una extraordinaria posibilidad de desplegar todo su virtuosismo de orfebre. se ven dotados de ciertos momentos de expansión lírica. encargos de Bernard Foccroulle para el mismo teatro y frutos de la colaboración. disfrazada. Gay. la gran tragédienne Mireille Delunsch está deslumbrante como reina poeta e intrigante. tanto por las características de su silente personaje titular –dotada de siete únicas frases. publicada en Varsovia en 1938 pero no estrenada hasta dos décadas más tarde. lo que a su vez imponía la vuelta al francés de sus inicios. su sátira –muchas veces en los límites de la literatura del absurdo– de las convenciones. llevaba texto francés de Pierre Mertens. y el hartazgo del versátil príncipe. Yvonne. con los mismos colaboradores literarios. Beuron / "Les Jeunes Solistes" vocal ensemble. en un acto de pretendida emancipación de las convenciones y manifestación suprema de libertad. mediante una orquestación sutil. exquisitez sonora y potente tensión dramática. que descubren en la muchacha el reflejo de sus propios vicios. regresa al idioma de sus orígenes. que concierta todo con seguridad de trazo. obtenida durante la tanda de funciones inaugurales. la reacción de los reyes y toda la corte. llamado “Inocente”. y Paul Gay y Victor von Halem convencen plenamente como rey y chambelán. Al reducir el texto a breves réplicas aceradas. Yvonne. camerística (una treintena de músicos). Autor de novelas hoy consideradas de culto –Ferdydurke.: CYP 4632 (2 CD) D1 x 2 Con su quinta ópera. pero narrado en un tono paródico (Boesmans y sus libretistas rotulan su obra como “comedia trágica”). y una composición fragmentada en la que elementos atonales conviven con frases intensamente melódicas de armonía consonante junto a flashes con parodias de danza antigua. como dramaturgo y libretista. PHILIPPE BOESMANS (1936): Yvonne. sólo los personajes de la reina y un misterioso expretendiente de Yvonne. la presente es pues su tercera reencarnación operística. teatro y textos autobiográficos. Trans-Atlantique. Pornografía. y de relatos. su obra se caracteriza por la profundidad de sus análisis psicológicos. llevará a su condena a muerte. ofrece un sinfín de atractivos: ante todo por el impresionante trabajo instrumental del Klangforum Wien y la impecable prestación del Ensemble vocal Les jeunes solistes en sus intervenciones corales y en los roles secundarios. La libertad de procedimientos habitual en Boesmans alcanza aquí un grado excelso. En efecto. para guardar las apariencias. Bondy plasma una agresividad verbal que refuerza aún más la violencia del discurso. Para sus siguientes creaciones líricas –Reigen (1993). La passion de Gilles (1983) –encargo de Gerard Mortier para el Théâtre de La Monnaie–. Una escucha atenta de la obra revela a cada audición nuevos y fascinantes hallazgos que hacen de Yvonne la quintaesencia del quehacer boesmaniano hasta la fecha. de accidente gastronómico: unas percas a la crema . ante cuyo cadáver todos se arrodillarán en hipócrita señal de duelo. De tema duro. princesse de Bourgogne Santiago Salaverri “Yvonne quintaesencia el quehacer boesmaniano hasta la fecha. mientras que no es posible apreciar en disco el trabajo de Dörte Lyssewski como Yvonne. Wintermärchen (1999) y Julie (2005)–.: Sylvain Cambreling / CYPRES / Ref. defectos y carencias.

: Hay que tener un poco de cuidado. ¿Se trata de otro de nuestros célebres complejos o es una cuestión de puro y simple desdén? T. Yo percibo que en España. se hace camino al andar”. el artista español suele despreciar su propio pasado. Morales o Guerrero sí que se cuentan entre los más grandes). tocado la viola da gamba con deejays y flirteado con el jazz. ya grabando bandas sonoras para Álex de la Iglesia o Pedro Almodóvar. Entré muy tarde en la música clásica. ¿Qué ha sacado en claro desde entonces? TOMÁS GARRIDO: Esencialmente ha sido una reafirmación en el hecho de ser músico. y ahora sucede lo mismo con el XIX. ya sea exhumando partituras inéditas de Tomás de Iriarte o Ángel Martín Pompey. a los diecisiete años. Tras un primer disco dedicado a sus piezas a solo. director orquestal. en este sentido. intérprete y compositor. al igual que Gomis… En la transición del XIX al XX aparecen compositores de la altura de un Facundo de la Viña. no me interesa lo más mínimo la música ligera prefabricada. que no salen del ámbito de la música culta. cuya fantástica Sinfonietta para orquesta de cuerda he tenido el placer de dirigir.G. ya promoviendo el repertorio desde su podio como director titular de la Camerata del Prado –con la que presentará un oratorio de Ramón Garay en el próximo Festival de Arte Sacro de Madrid–. un Mozart o un Haydn (aunque. quien puede ser perfectamente comparado con Haendel… D. el compositor catalán que acompañó a Falla en Argentina. En términos compositivos. Caminus…. Con lo que no estoy de acuerdo es con el totum revolutum que estaba tan de moda en los 90. ¿Pero qué es la mala música? Leopoldo Hontañón solía decir: “me gusta tanto la música que hasta me gusta la música mala”. capaces de obras maravillosas. contesta el Gato. y gracias a este bagaje he obtenido una visión de la música muy distinta de la que tienen la mayoría de mis colegas. De ésta formaron parte multitud de compositores que esperan todavía ser descubiertos. Columna Música o Tritó… Usted. ¡ojo!. que escribe sobre música… No puedo entender el amor a la música de otra manera. sin prejuicios. ha realizado ediciones críticas de obras inéditas de Rodríguez de Ledesma o García Fajer… ¿Será otra la España que nos quede cuando el mapa esté completo? T. A lo que ella replica: “Me da igual el sitio”.: Dice Machado aquello de que “no hay camino.54 di v e r di entrevista Tomás Garrido “Al ser escuchada y vivida por cada oyente. Puede que los compositores españoles de estos últimos siglos no estén entre los grandes ochomiles –como se dice en alpinismo–. Todo depende de la dirección o del objetivo que te propongas. que analiza partituras. D. pensada con fines puramente comerciales. pero no por ello dejan de ser excelentes músicos. que es uno de los grandísimos compositores españoles –cuenta con seis o siete poemas sinfónicos excelentes– o Jaume Pahissa. “Entonces cualquier camino te vale”. la música se convierte en otra cosa” Entrevista con el poliédrico autor y director de la Camerata del Prado David Rodríguez Cerdán Tomás Garrido si para afirmarse en su música tuviese que negar lo anterior. D. Contrariamente a lo que se piensa. El riojano Tomás Garrido se ha convertido por derecho propio en uno de los músicos españoles más versátiles. Esto me ha hecho abrir los oídos. autores anteriores como Victoria. sin ir más lejos. Garrido ha alzado su voz en defensa del patrimonio musical español. la Generación del 27 no es tan importante como la del 98.: Solo la mala música. En todo caso. Yo vengo del mundo del rock.: Usted ha afirmado que el músico español no se siente parte de una tradición porque ha perdido de vista su pasado musical. que todo vale pero no todo vale en sí mismo. Carnicer escribió tres óperas fantásticas. un renacentista del siglo XXI que abraza la música como un hecho vivo y poliédrico. Verso edita ahora un monográfico en torno a su obra de cámara (1991-2005) que viene a dejar constancia del gran poder comunicador de su arte. Y en el XVIII tenemos a Nebra. Hoy en día la gente tiende a especializarse mucho y yo siempre he querido ser músico en el sentido más amplio de la palabra: un músico que compone. DIVERDI: Desde que empezase su carrera formando parte del Grupo Glosa a su posición actual como director titular de la Camerata del Prado han pasado treinta años. como . Hasta hace poco el siglo XVIII español estaba completamente olvidado. la cantidad de autores españoles que están siendo reconocidos en los últimos años gracias a musicólogos o discográficas y editoriales como Verso. El Gato responde: “Depende de adónde quieras ir”. que investiga. quien solía repetir un diálogo que Alicia y el Gato de Cheshire entablan en Alicia en el País de las Maravillas. por ejemplo. conferenciante. Está claro que la música española.: Yo creo que sí.G.: Ambas cosas. Alicia le pregunta: “¿Qué camino debo tomar?”. y creo que usted es de esa opinión. más concretamente la que va del XVIII al XXI. Crítico musical. alguna senda “prohibida”? ¿O todo vale? T. Arturo Reverter ha descrito su carrera como “un camino sin fin” en alusión a sus múltiples intereses y facetas.: Sorprende. que toca un instrumento. En general. la gente no se siente parte de una evolución musical. no puede presumir de tener un Beethoven. D. a diferencia de otros países. A mí me gusta citar a Carroll a través de Borges.G.G. tiene obras magistrales como el Oficio de Difuntos o las Lamentaciones. He colaborado con rockeros en calidad de arreglista. Es decir. Rodríguez de Ledesma. ¿existe alguno que desaconseje tomar. ¿Hay alguna música que no le inspire simpatía? T.: En el último monográfico que le ha dedicado Verso. algunos grandísimos sinfonistas que nuestros jóvenes compositores desconocen por completo. musicólogo.

yo no desprecio otras formas de enfocar la composición. Audición–. y últimamente centra su atención en América. Por otro lado. El compositor no ha de reducir la experiencia musical de sus oyentes a una sola escucha. con encargos del propio grupo en colaboración con diversas instituciones alemanas. hizo una música cerrada en torno a sí misma. resuenan arcanamente en esta obra breve e intensa. Por el contrario. porque me aportan un mundo enteramente diferente al mío. sus goznes girando enmohecidos. Muchas de mis obras beben también del free jazz. Su música es una sabia mezcla de rigor y de comunicación y ofrece la posibilidad de abundar en ella. he tenido esto siempre muy en cuenta a la hora de componer. sino Trina –Composición. sin necesidad de que yo le imponga nada. Georgina Derbez Roque. No obstante. saxofón. y la estilización sonora tejida por Georgina Derbez (1968). El atinado programa de compositores y obras propuesto por el conjunto de Hamburgo augura excelentes perspectivas para el panorama creativo de México. El ensemble Intégrales radicado en Hamburgo es un grupo desprejuiciado y curioso. Varèse. ya que. La vibración de la tierra vieja. Al ser escuchada y vivida por cada oyente. También me interesa mucho la música de Scelsi y Ligeti. por más que algunos de los autores se inspiren en temas netamente mexicanos. Stravinski o Messiaen. En este sentido creo que mi música refleja también mis gustos como melómano. Arturo Fuentes. ¿Cuál. Además de Lawine de Arturo Fuentes. Concierto para violín y orquesta de cuerdas. surgen a partir del recientemente celebrado bicentenario de la independencia mexicana. cuando la música se hace múltiple. Si la sutil.: Alguna vez ha afirmado que la experiencia musical no es Una. Camerata del Prado. de una gran comunicabilidad.: Absolutamente.: NEOS 11047 (1 CD) D1 ARTURO FUENTES (1975): Música de cámara ensemble Intégrales / NEOS / Ref. ¿Se debe esto al contacto que ha tenido con la música popular? T. pero a mí me sucede lo contrario. Me interesan mucho las músicas que nunca sería capaz de hacer.: El oyente decide. Por eso la música de Bach es tan rica: invita al intérprete a que la explore a su manera. plantea un rico universo plagado de referentes e interrogantes. tanto las de los ochenta y noventa como las compuestas hace tres años. Tomás Garrido. a pesar de la heterogeneidad de las propuestas. como el de Mozart. Aleyda Moreno. formalmente nos hallamos ante obras que provienen de la tradición culta europea. D.. que concluyó su formación en París y lleva más de una década instalado en Europa. el recorrido deja paradas en la fulgurante madurez compositiva de Gabriela Ortiz (1964). la exuberante pieza de Bárcenas Un rencor vivo para violín eléctrico. La obra de Arturo Fuentes (1975). violonchelo. Otros conceptos explorados por Fuentes lo conducen por la levedad articulada y precisa de Lightness para violín y electrónica. Entre sus objetivos está el de recorrer la creación sonora de tradición culta en diversos territorios. hace gala de una valiosa vocación pedagógica y un marcado enfoque interdisciplinar.: Todas sus obras. a su país vecino. Me refiero a que no podemos condicionar su experiencia de forma absoluta. Estas son las líneas que he querido seguir. pero su Arcana me cautivó por completo. Concretamente estas dos grabaciones. Julián Elvira. en este sentido. Arturo Fuentes PASAJES-MÉJICO: Obras de cámara de compositores mejicanos contemporáneos (Alejandro Castaños. hemos de permitirle “crear” su propia escucha o su propia obra a partir de lo que le suministramos. director / VERSO / Ref. D. Habrá algunos que se exijan mucho y otros que no se exijan nada. que ya a día de hoy puede calificarse de brillante. la fresca desenvoltura de Alejandro Castaños (1978)... G. Austria. de acuerdo con las palabras del propio compositor. Es entonces cuando la obra se enriquece. pese a su rigor constructivo. Tal es el caso de Juan José Bárcenas (1982) y Aleyda Moreno (1982). PasajesMéxico y Música de cámara de Arturo Fuentes. titilante Night Music de Moreno se recrea en el mundo de la noche. Sugerente y llamativa por su coqueteo con ritmos de jazz resulta la evocación a Franco Donatoni en Antecedente X. por no mencionar la de Bartók. enunciado soberbiamente por los miembros del ensemble Integráles. según la descripción de la obra de Juan Rulfo.G. La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como complejo. Cartas Ínfimas. percusión y electrónica toma como referencia Pedro Páramo. que además de su extraordinaria calidad interpretativa. Hay gente que repudia la música que no se ajusta a sus patrones estéticos. novela que refleja la actual sociedad mexicana. formados ambos en su país.” Dos nuevas entregas de Neos con obras de reciente creación mexicana nos sitúan en el rico panorama del país americano. Vengo de un ambiente musical en el que el aspecto comunicativo y emocional es determinante. y así cuenta con discos dedicados al continente asiático. . que el propio compositor asimila al vuelo de un ave. o por la oposición entre estatismo y movimiento en la hermética Passatempo. flauta.. Es más. Me gustaría que cada oyente entendiese mi música bajo su propio criterio.entrevista / siglo XXI 200 / febrero 2011 55 Oír los goznes de la tierra Neos repasa en dos cedés la pujante fuerza creativa de la joven música mexicana María Santacecilia El eclecticismo. he de decir que Witold Lutoslawski ha sido la gran influencia de mi obra. David Martínez. se convierte en otra cosa. Interpretación. de expandirla. Pero sí creo que el oyente forma parte activa de esa “trinidad” musical. Su cuidadísima escritura resuelve con éxito cuestiones como la búsqueda de una sonoridad aérea en Plexus. TOMÁS GARRIDO (1955): Caminus . con una exquisita parte para electrónica en vivo que se engarza etérea con la adusta línea trazada por el saxofón tenor. no cuando se premedita. sería la responsabilidad del oyente? T. están dotadas.. por el contrario. violín. es bueno cuando surge de haber interiorizado las diferentes influencias que se han recibido. Gabriela Ortiz y Juan José Bárcenas) ensemble Intégrales / NEOS / Ref.: VRS 2092 (1 CD) D10 “La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como ” complejo. cuya música es objeto de un monográfico por parte del conjunto de Hamburgo.: NEOS 10906 (1 SACD) D1 .

violonchelo / WERGO / Ref. facilitadoras de las transiciones graduales dentro de unas estructuras que sirven para traducir sonoramente esa fluidez constante de todos los fenómenos de la que hablan las filosofías orientales.56 di v e r di siglo XX Stockhausen-Chamán Accordion Rising Rebeliones Wergo recupera un legendario registro de Helmut Lachenmann Javier Palacio Harlekin.: STR 33864 (1 CD) D2 ISANG YUN (1917-1955): Concertino. Duo. alejando la música del marco idealista para acercarla a un universo físico de tensiones. lunares. acordeón. Intermezzo para chelo y acordeón y Pezzo fantasioso per due strumenti con basso ad libitum (con violín y chelo). entrega una versión de Accanto de tremenda efectividad y altísima concreción instrumental. impulsando a la viola en una tortuosa y por momentos vertiginosa carrera ascendente. ofreciendo lecturas tan abruptas como emocionantes. asociada por la industria cultural a banalidad. Los solistas y formaciones que se escuchan aquí estaban dotándose de las herramientas para traducir las muy exigentes partituras de Lachenmann y llevar al campo de lo realizable su exploración de las capacidades tímbricas de los instrumentos. clarinete / STRADIVARIUS / Ref. entre el ying y el yang. la dinámica y la duración. Por su parte. En 1985 Wergo editaba uno de los primeros discos consagrados a Helmut Lachenmann. grabación inencontrable desde hace años y convertida en histórica. Y es que el compositor coreano fue un temprano defensor de las orgánicas modulaciones acordeonísticas. a la batuta de la RSO Saarbrücken con el clarinetista Eduard Brunner como solista. Minguet Quartett. situado más bien en un territorio donde confluyen lo chamánico y lo lúdico. ni la reflexión sobre la materialidad de la producción sonora. con esa espiral desde los registros graves a los más agudos que simboliza una nueva búsqueda de luz. La obra presenta diversas facetas o rostros de un Arlequín bastante alejado de sus orígenes en la commedia dell’arte. El bufón farsante. El maestro pedante. Consolation I (1967). Así Hans Zender. En realidad.: 6738-2 (1 CD) D2 . Con varias piezas escritas para el acordeón y otras arregladas para su instrumento el solista Stefan Hussong ha confeccionado un intenso programa dedicado a Isang Yun. debe considerarse al clarinetista como profundo conocedor de uno de los universos musicales más ricos y poéticos del pasado siglo. la quietud y la agitación y. El constructor alegre. Una comprometida versión de esta obra que funciona como introducción ideal a la producción de Stockhausen. Todo se aclara cuando se repara en el título del disco. Y especialmente expresionista. Lo que podría no ser sino rígida estructura deriva así en fraseo orgánico recorrido por el cromatismo y la variedad tímbrica. El lírico enamorado. basadas en el patrón inspiración-respiración. La exploración de las posibilidades acústicas del instrumento llega no obstante más lejos en Dúo. trenzándose los materiales en cascada evocadora del compás de los procesos naturales. sarcásticas. El bailarín apasionado y El espíritu tornado en exaltado). nunca como hoy había sido tan actual esa puesta en cuestión de cierta idea de belleza. HELMUT LACHENMANN (1935): Accanto. relato fantasmático del Concierto para clarinete de Mozart que una cinta hace a veces audible. alientos y flujos interrumpidos. También sorprende la calidad de unas ejecuciones que apenas disponían de esa “tradición” obtenida con posteriores interpretaciones. en definitiva. Julius Berger. directores / WERGO / Ref.. que vuelve a publicarse como homenaje a Lachenmann en su 75 cumpleaños para demostrar la vigencia de una estética tan radical en lo sonoro como coherente en lo conceptual. mientras Kontrakadenz accede en manos de la RSO Stuttgart dirigida por Michael Gielen al reino de lo referencial a golpe de explosiones climáticas. ambas de 1988. Intermezzo. A lo largo de siete secciones (El mensajero del sueño. en este caso el taoísmo. Kontrakadenz KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007): Harlekin Michele Marelli. Clytus Gottwald y Michael Gielen. pasando de los registros más agudos a los más graves y del pianissimo al fortissimo para elaborar a golpe de aliento tonalidades violentas.: 6716-2 (1 CD) D2 Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken. del cual explora con esta grabación la veta más juguetona y mágica de sus sonoridades. dictadas siempre por un rico juego de contrastes rítmicos. proporcionando progresiva forma a la desarticulación inicial por medio de variaciones que afectan a la altura. Pezzo fantasioso Stefan Hussong. miembro del Ensemble Stockhausen entre otras aventuras. destacan la faceta lírica e inventiva –amable incluso– de un Yun fascinado por la sensualidad de las sonoridades y la viveza de las configuraciones contrapuntísticas. Accanto (1976) y Kontrakadenz (1971) eran las piezas contenidas en aquel lejano registro. RadioSinfonieorchester Stuttgart des SWR. articulando los timbres del acordeón con las cuerdas del Cuarteto Minguet para ofrecer en Concertino un viaje pendular entre la luz y la sombra. oscuro y dramáticamente cincelado suena ese himno contra la barbarie que es Consolation I en las voces de Schola Cantorum Stuttgart. Harlekin. En cualquier caso los argumentos meramente musicales de Marelli son contundentes: estrecho colaborador del compositor alemán durante más de una década. donde el acordeón establece colaborador diálogo con la plantilla instrumental proporcionando un fondo de gravedad terrosa o alzándose mediante una sucesión de virtuosísticas figuras motívicas. clarinetista del compositor alemán en Wergo Javier Palacio Antón Piedrahita Tirado Desde la colorista portada nos sorprende el clarinetista Michele Marelli transmutado en ente a medio camino entre el fauno y el trapecista circense. meditativas. pieza de música escénica escrita en 1975 por Karlheinz Stockhausen que requiere de un intérprete capaz de demostrar igualmente sus dotes como mimo y danzarín. Marelli desarrolla de múltiples modos la serie de trece sonidos que constituye la esencia de Harlekin. fricciones y choques. pieza escénica para Obras camerísticas de Isang Yun. Es una música que se agita con alto colorido armónico y a partir de oleadas de fuerza variable. latidos. Consolation I. opulencia y adorno.. Hussong explora a fondo esas arquitecturas en permanente mutación. Hans Zender. Schola Cantorum.

EDITION MUSIKFABRIK. Peter Rundel. Saunders. Mayuzumi. Thallëin (1984) de Iannis Xenakis. Peter Rundel. Magnus Lindberg y Iannis Xenakis) Juditha Haeberlin. principio de lo circular representado por una serpiente que se muerde su propia cola. imágenes metafóricas de un florecimiento. la autora. 3 (COMTEMPORARY SOUND SERIES): Berio. la voz alucinada. y del más adusto volumen consagrado a la “New Music for Piano(s)”. y la emoción subyacente. titulados expresamente “campanólogos”. para conjunto instrumental. por supuesto. y de la versión “interactiva” de Corroboree (1963/64). ejercicio de matiz y claridad de planos. La obra alude a Ouroboros. Lindberg y Xenakis Manuel Luca de Tena Dobla su ecuador con esta tercera entrega la reedición de la “Contemporary Sound Series” promovida por Earle Brown. del año 2005. VOL. o de la experimentación abierta y tecnológica de Cage en Aria with Fontana Mix (1958). con obras de Baltakas. la autora toma el rojo y emborrona. compañero Luciano Berio en Circles (1960). de motivos y combinaciones musicales que tienen al compositor como otro eslabón más de un proceso generado por un motivo inicial que adopta progresivamente la imagen de un mosaico con sus distintas teselas. no guarda ninguna relación con los asuntos de la monarquía ni con la obsoleta imagen del genio y su aura correspondiente disuelta hace ya tiempo. Thallëin habla de ello elocuentemente. que. Reynolds. Stefan Asbury y Etienne Siebens. traza. tan ejemplo de su personal poética como esta iniciativa discográfica lo pudo ser. fluye… El finlandés Magnus Lindberg se interna en los terrenos de la técnica espectral francesa con un gran trabajo de combinaciones armónicas a la vista de las nuevas posibilidades que esa levadura ofrecía en su momento para la composición musical. Y continúa deparándonos felices hallazgos: entre 1962 y 1970 se fechan las publicaciones originales de las grabaciones de esta caja. de su compromiso con la creación de una época. tenía que estar por encima de los modelos teóricos y matemáticos que cimientan sus obras y perseguir la claridad y la transparencia fue siempre un objetivo. culminan un proceso creativo que es trascrito y revelado en forma poética como un acto que corona simbólicamente una nueva criatura. escrita para 14 músicos. florecer. Porque para Xenakis la intuición.: 6855-2 (1 CD) D3 . en su momento. Stefan Asbury y Diego Masson. aquí es el intenso rojo cinabrio. Cage. establece correspondencias con el color. directores / WERGO / Ref. como en otras ocasiones. en versiones fieles al espíritu de la época y a la letra de la toma sonora. A través de extensa Joy (1989-90). obra de la Yoko Ono fluxus. portador de poderosas emociones y misterioso brillo y vibración interna. Música vigorosa. wilhelm schüchter. la tensión entre la racionalidad constructiva de Xenakis (Herma. En Cinnabar (Cinabrio) (1995). 5: Coronation (obras de Vykintas Baltakas. despliega una suerte de paisaje metafórico de la mente que destila cierto lirismo y aires de himno festivo y colorista guardando reminiscencias del violín gitano. en doble labor de compositor e intérprete. en que se resume. De la “cantata budista” Nirvana Symphony (1957/58). las fricciones y los timbres agudos de la trompeta y el violín secundados por el grupo. Rebecca Saunders. atraerá al curioso la portada. director / WERGO / Ref..: 6934-2 (3 CD) D2 x 2 De nuevo. que circula entre la interesante reconstrucción del timbre complejo de las campanas –espectralismo avant la lettre– en los movimientos orquestales. . y el descarado eclecticismo de su lenguaje. un gran grupo instrumental explora un sinfín de combinaciones y tratamientos con sonidos sintetizados integrados y filtros que se abren a una rica dramaturgia derivando hacia un clima de refinada fantasía colorista a modo de coronación. Alude sobre todo a la actitud de los artistas que tras observar activamente y seleccionar acontecimientos que nos pueden implicar a todos. que significa brotar. tiene un no disimulado parentesco con La Consagración de la Primavera en su espíritu y sus patrones rítmicos. sugerente y precisa de la incomparable Cathy Berberian. Marco Blaauw. 1968). violín.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 57 Brown ataca de nuevo Volumen tres de la serie A life in music de Wergo Germán Gan Quesada Floraciones Quinta entrega de la Edición MusikFabrik. buena parte de las inquietudes y aspiraciones de aquella no tan lejana vanguardia de los tiempos de la guerra fría… En primer lugar. A LIFE IN MUSIC. Como la que es utilizada por el lituano Vynkitas Baltakas en su obra (Co)ro(na). 1960) y Takahashi (Metathesis. de Reynolds. al servicio de la obra de su. de la británica Rebecca Saunders. VOL. Saunders construye una narración con la imagen del calor. con nervio y color instrumental que se ramifica dentro de registros agudos para regresar nuevamente a su origen. de la Fantasy for Pianist (1963/64). la expresión. musikFabrik. en la que se desencadena en forma de cascada un campo de posibilidades. Con el sentido plástico que la caracteriza. fechado en 1958/59 en su versión reducida. NHK Symphony Orchestra. Thallëin. pese al riguroso planteamiento formal. Etienne Siebens. de Earle Brown. de la apuesta dramática del Frammento (ahora Berio al piano) de Bussotti. la calidad de las interpretaciones brilla en estas cuatro piezas dirigidas por las sabias batutas de Diego Masson. desdibuja. de Mayuzumi. Tokyo Choraliers. Cuatro composiciones agrupadas bajo un título. por aquel entonces.. de un modo u otro. las llamas del fuego a través de los movimientos ágiles. Krönung (Coronación). Bussoty. trompeta. son. y el recitado ritual de sutras reales o imaginarias. Nippon University Chorus.

que seguramente dejará en ella el mismo rastro que las huellas de neumático sobre la arena.” la adecuación de sus formas de vida tradicionales a la era del capitalismo avanzado. Sus personajes practican una seducción asimétrica –sirviéndose de su superioridad jerárquica en el orden social– y se cimbrean entre el pequeño abuso y la traición descarada. En el caso de Hong Sangsoo asistimos precisamente a una actualización de los recursos de Eric Rohmer en unas narraciones que. Entre otras. Con unos modos cinematográficos caracterizados por una llamativa carencia de estilo.: 59. dando pie a un amplio muestrario de variaciones y combinaciones.: PRP 28 (5 DVD) P . revisitan desde perspectivas originales sus modelos temáticos y universos visuales para hacerles rendir nuevos sentidos en el contexto de nuestros días. esa rara tendencia hacia una narrativa de segundo grado. Los cinco films recogidos en este nuevo cofre de la casa Intermedio suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno españolas. Por otra parte. De este modo. parece funcionar como metáfora del triste affaire sentimental vivido. Finalmente.. La mujer es el futuro del hombre. guionistas y directores de cine. mayormente artistas. Y es que la relación entre iguales no parece posible en el mundo de Sangsoo. HONG SANSOO (1960): 5 películas (La puerta de la vuelta. en La puerta de la vuelta una antigua leyenda sobre el amante despechado que espera ante un umbral cerrado acabará demostrándose profética. Y es que tal parece la mayor y paradójica enseñanza del cine de Sangsoo: en un mundo sin certezas ni directrices morales la vida se dirime en un incesante flujo de pequeños acontecimientos que no sirven como aprendizaje. ni tampoco para impedir repetir una y otra vez los mismos errores.P . y en especial de los creadores orientales. atrapados en espesas y precarias telarañas afectivas.58 di v e r di cine El relato de nuestra época Intermedio reúne en un cofre cinco películas del director coreano Hong Sangsoo Javier Palacio “Los cinco films recogidos en este cofre suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno ” españolas. reivindicando una factura visual descuidada que incluye –¡viva la osadía!– el uso arbitrario e irritante del zoom. y tanto en Noche y día (el film parisino de Sangsoo. mensajes ni profundos análisis psicológicos. películas como La mujer es el futuro del hombre (2004) o Un cuento de cine (2006) resultan no obstante de lo más precisas a la hora de ofrecer inmisericordes retratos de sus protagonistas. el surcoreano Hong Sangsoo. espacio de una sexualidad mecánica y escasamente comunicativa.95 €. Y al mismo tiempo. su trayecto. reflejan la temperatura social de esa Corea volcada en destino de los personajes: por ejemplo. más allá de la fórmula repetida sin ningún éxito por el protagonista de La puerta de la vuelta (2002): “Aunque es difícil ser un ser humano. mientras en Un cuento de cine la existencia de un corto generará extraños ecos y proyecciones en la realidad de los protagonistas. como unas compañeras femeninas no siempre poseedoras del mayor equilibrio interno. que muestra cómo se atasca el vehículo de la chica para proseguir después. exploran el confuso territorio sentimental atravesado con brújula alocada por sus personajes. sin mayores problemas. siendo sus víctimas tanto ellos mismos. sus filmes revelan curiosas complejidades estructurales capaces de permanecer ocultas en una primera visión. Se despliega así un catálogo de figuras masculinas que actúan a partir del esquema “chico encuentra chica-chico deja chica-chico liga con nueva chica-chico se queda solo”.V. Mujer en la playa. Hong Sangsoo alcanza a elevarse a la categoría de uno de los más cómicos pero desesperanzados relatores de nuestra época. los taiwaneses Tsai Ming-liang y Hou Hsiao-Hsien o. haciendo que un relato previo guíe el decurso de la acción y con ello el Lejos de ser un simple movimiento circunscrito a una época. de 2008) como Un cuento de cine los sueños –tampoco señalizados según los códigos habituales– introducen a sus protagonistas en un territorio apenas balizado entre el anhelo. guionista y director / INTERMEDIO / Ref. no nos volvamos monstruos”. marcado por el individualismo y la insolidaridad. Asimismo vale la pena destacar los sutiles deslizamientos entre pasado y presente o entre sueño y vigilia: en La mujer es el futuro del hombre una relación pretérita se recupera mediante flashbacks (perceptibles sólo por los cambios de estación y vestuario) incrustados con perfecta continuidad en el desarrollo actual. quien nos ocupa. Así el japonés Nobuhiro Suwa. quien dirigirá un capítulo dedicado al coreano dentro de la prestigiosa serie Cine de nuestro tiempo. lo ya sucedido o lo aún por suceder. claro está. Y ello siempre en el marco de una dinámica narrativa que privilegia la deambulación en pareja. Un cuento de cine. pues. como en filigrana. la Nouvelle Vague sigue alimentando en forma de cierta sensibilidad y de cierta mirada las maquinarias del mejor cine contemporáneo. las escenas de cama. a pesar de la transparente y nada preciosista puesta en escena de Sangsoo. destacar la elegancia del realizador para trascender el terreno de lo anecdótico: ese plano final de la espléndida La mujer en la playa (2006). despojadas del trasfondo moral del realizador francés y con un humor no por soterrado menos efectivo. los diálogos y enfados –en muchos casos abiertamente cómicos– alrededor de un vaso de alcohol y. Por todo ello este cine de la desilusión no ofrece asideros morales. Noche y día) Hong Sansoo. y vienen acompañados por las peculiares presentaciones del cineasta Albert Serra.

y sobre todo descubrir a la señorita Lezhneva.: Karajan. soprano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. ÓPERA ACTUAL GRÉTRY: Céphale et Procris / Les Agrémens. Wolf. Benjamin Britten y Arnold Bax / Johannes Moser.: C809113R (13 CD) D4 x 5 La ilación del relato está garantizada por la habilidad de Arturo Reverter para enlazar con amenidad los muchos temas tratados. Ozawa. Duparc & Warlock / Julius Drake. piano / HÄNSSLER / Ref. con momentos realmente antológicos. Un disco sorprendente que te coge por el cuello hasta que te descubres disfrutándolo. Dir. Debussy. de atractiva locura. violonchelo. DIAPASON GOERNER interpreta CHOPIN / Nelson Goerner. DIAPASON WAGNER: El Anillo del Nibelungo / Hotter. Cuando los dos cantantes se unen la riqueza se multiplica. Windgassen / Orquesta y Coro del Festival de Bayreuth. Un león honesto.: MDG 1646-6 (1 SACD) D6 x 2 Merece destacarse en esta primicia la espontaneidad del discurso dramático y la inspiración que no decae en ningún momento. Estos motetes inéditos de Rosenmüller son una delicia en labios de Raquel Andueza.257 (1 CD) D14 x 2 Pocos colegas de Pärt gozan de tanta aceptación popular. 6 (nºs 14. El programa no podía ser más exigente. El repertorio ofrece panoramas distintos y complementarios expuestos con excelente técnica e implicación por dos músicos de pies a cabeza. 9 / Ronald Brautigam. Lezhneva.: ECM 1275EE (1 CD + Libro) D10 x 3 . Kleiber / ORFEO / Ref. Julius Drake está francamente deslumbrante. Florio se rodea de sus más destacados colaboradores. SCHERZO MOZART: Conciertos para piano.: ALPHA 171 (1 CD) D2 Zacharias luce. González tiene el honor de ser el primero en grabar esta ópera. SCHERZO ROSENMÜLLER: Beatus Vir?: Motetes y sonatas / Gli Incogniti. Uhde. Paul Rivinius. Pocas voces tan lustrosas. y Tabula rasa. maduras. emocionantes. Y mucho más esta entrega. Marc Minkowski. piano. Raquel Andueza.: GCD 922601 (1 CD) D2 Conozca a los Kopatchinskaja.: OP 30493 (2 CD) D6 x 3 Esta colección es una joya y ningún musicómano puede dejarla pasar.: Antonio Florio / GLOSSA / Ref. (1953) / ORFEO / Ref. Neidlinger. CD COMPACT CARESANA: L’Adoratione de’ Maggi (Cantatas Napolitanas) / I Turchini. su concepción elegante y refinada pero esencialmente vitalista e inquieta. Por algo es uno de los grandes directores händelianos. se lleva la parte del león.Preciosos CDs para comprobar el nivel artístico de una cantante clave en la historia reciente de la ópera. Sobresaliente toma de sonido y recomendación absoluta.: C806102I (2 CD) D4 x2 Disco de lo más recomendable por la bellísima música de Caresana y por la interpretación global. Se ilustra con un CD e incluye algunas fotografías inéditas. Sonido de grabación en general muy bueno. Luis Antonio González. Dirs. Dir. SCHERZO MALTMAN canta Schubert. Todos los intérpretes se entregan y creen en los roles que están interpretando.90 €.: 93. Greindl.: Giovanni Antonini / NAÏVE / Ref. SCHERZO MIRELLA FRENI: Arias de ópera / Domingo. Las arias y dúos son de una extraordinaria belleza y refinamiento. CD COMPACT GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Water Music. Raimondi / Orquesta y Coro de la Ópera de Viena. quien. Vinay. pocas técnicas tan naturales.: RIC 302 (2 CD) D10 x2 Christopher Maltman se incorpora a la lista de liederistas y ejecutoria cumplida de su arte es este recital en vivo. vol. CD COMPACT JOSÉ DE NEBRA (1702-1768): Amor aumenta el valor / Los Músicos de Su Alteza. Rodrigo (suite de la ópera) / Les Musiciens du Louvre-Grenoble. 15 y 21) / Christian Zacharias. Varnay. director / NAÏVE / Ref. CD COMPACT BEETHOVEN: Obras completas para piano. una sala ideal. Una concepción del canto / 303 páginas (incluye CD) / ALIANZA EDITORIAL / Ref. Abbado.: WHLIVE 0020 (1 CD) D4 Una tarde de octubre de 2009. Ligeti.: V 5193 (1 CD) D1 El Anillo dirigido en 1953 por Clemens Krauss encuentra por fin su luz.: BIS SACD 1672 (1 SACD) D3 Nebra es el músico más grande nacido en España (con permiso de Victoria). GRAMOPHONE ARVO PÄRT (1935): Tabula Rasa (Edición Especial Limitada de Coleccionista) / (la edición incluye un libro de 200 páginas con facsímiles y materiales inéditos) / ECM / Ref. I Turchini recupera el magnífico sonido de antaño. Prina. SánchezChiong y temas populares rumanos) / / NAÏVE / Ref. es tan responsable de ese éxito como el resto de su música. Levine. Dinicu. en el rol de Caio. director / ALPHA / Ref.: V 5234 (1 CD) D1 Soberbia demostración de las posibilidades del dúo violonchelo-piano.: DIV9788420682310 (Libro + 1 CD) 24. que forman un formidable conjunto de cámara. 2007) / WIGMORE HALL LIVE / Ref. Un disco imprescindible. Lehtipuu / Il Giardino Armonico. GRAMOPHONE PATRICIA KOPATCHINSKAJA: Rapsodia (Obras de Enescu. ÓPE RA ACTUAL ARTURO REVERTER: Alfredo Kraus.: ZZT 100801 (1 CD) D2 Es puro disfrute escuchar la primera ópera de Vivaldi. vol. SCHERZO SONATAS PARA VIOLONCHELO Y PIANO: Obras de Frank Bridge. director / RICERCAR / Ref. Kurtág. Dir. fortepiano / BIS / Ref.: Clemens Krauss. que incluye Beethoven antes de ser Beethoven.- Lo más original del disco está en la música vocal. piano (Grabación en directo. Guy Van Waas. en este nuevo ejemplar de su ciclo mozartiano. piano / WIGMORE HALL LIVE / Ref. Coro de Cámara de Namur. El paseo crepuscular de la Polonaise-Fantaisie da el tono a un recital donde los doce Etudes Op. Lectura sumamente equilibrada. Orchestre de Chambre de Lausanne / MDG / Ref. 10 se liberaron de toda pretensión virtuosística para no ser más que color. Pruebe el Ligeti interpretado al cimbalom.: WHLIVE 0039 (1 CD) D5 Esta versión de la Water Music de Marc Minkowski está y estará durante mucho tiempo en el Olimpo de las elegidas. reeditado aquí dentro de un hermoso libro en edición de coleccionista. DIAPASON VIVALDI : Ottone in villa / Cangemi. Las juveniles sonatas Kurfürsten son sólidas.

piano / BRILLIANT / Ref.JOSEPH HAYDN (1732-1809): Canciones y cantatas / Emma Kirkby. director / ALTO / Ref.: 3. . vol..: 8802011 (2 CD) P .P. sopranos y mezzospranos interpretando las mejores arias de todos los tiempos. Jesús Romo.: Z-207 (1 CD) P . / Cathy Berberian. / Gran Orquesta Sinfónica. violonchelo.P TON / Ref.95 . Hay más cosas. Marcia Hadjimarkos.GIOACHINO ROSSINI (1792-1868): Sonatas para cuerdas nº 1-6 / I Musici / NEWTON / Ref..: 93977 (2 CD) P ... Francesco MolinariPradelli. guitarra / BRILLIANT / Ref.P €. piano.. Luisita Solá. director / ALTO / Ref.V. Bellini.: 3. . Luciano Berio.95 €.V.: . Rossini.. además de dos hitos en la discografía de Falla dirigidos por el maestro Argenta.: 4.: ALC 1131 (1 CD) D7 SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Música para violonchelo y piano / Marina Tarasova.BÉLA BARTÓK (1881-1945): Integral de los cuartetos de cuerda / Hagen Quartett / NEWTON / Ref. Wiener Philharmoniker.V. director / ALTO / Ref. Margaret Marshall. Color sepia.JESÚS GURIDI (1886-1961): La condesa de la aguja y el dedal y JESÚS ROMO (1906-1995): Un día de primavera / Pilarín Bañuls. director / ALTO / Ref.: MCDV111 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA DIVAS: Karaoke de arias de ópera para soprano y mezzosoprano (incluye Habanera.V.: 8802041 (2 CD) P . Por su parte. PAUL DUKAS (1865-1935): Obras completas para piano / Marco Rapeti. . Julian Thurber. Gennadi Rozhdestvensky.: 4.. Concertgebouw Chamber Orchestra. director / NOVOSON / .: 3. Manuel Ausensi.65 €. / Giorgio Mirto. Blunte Blätter. Alberto Erede.MÁXIMO DIEGO PUJOL (1957): Historias sin palabras.90 €.90 €.V.80 €. Encarnita Máñez. Ataúlfo Argenta.P DOMENICO CIMAROSA (1749-1801): 30 sonatas para guitarra / Claudio Giuliani.70 €. Rafael Frühbeck de Burgos.95 €.P ATAÚLFO ARGENTA Y LA ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA: El sombrero de tres picos y Noches en los jardines de España de Manuel de Falla / Gonzalo Soriano.COLECCIÓN LOEKI STARDUST QUARTET: Música para conjunto de flautas de pico / Amsterdam Loeki Stardust Quartet / NEWTON / Ref.) / ALTO / Ref. John Alldis Choir.V. piano / . pianoforte / BRILLIANT / Ref. Visi d'Arte. soprano. La Donna e Mobile. Orchestra dell Accademia Santa Cecilia. la integral pianística de Dukas y la de dos pianos de Ravel.- La compañía Alto. barítonos.: 7.) / ALTO / Ref.Gregorio Lavirgen. oboe.V. O Sole Mio.60 di v e r di editorial zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco El mes de febrero nos trae una nueva entrega de la colección de zarzuelas.95 €. Fantasiestücke / Sviatoslav Richter. . Funiculi Funicula..) / ALTO / Ref.CANTOS GREGORIANOS PARA EL AÑO LITURGICO / Wiener Hofburgkapellle. como los discos del Amsterdam Loeki Stardust Quartet. Herbert von Karajan.: Z-208 (1 CD) P . director / NEWTON / Ref. Heinz Holliger.90 €.: 9160 (2 CD) P.: MCDV112 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA GILBERT & SULLIVAN: Karaoke de arias de ópera de Gilbert & Sullivan (The Mikado. el Juillard Ensemble y Cathy Berberian interpretando obras de su marido. piano / ALTO / Ref.: 3.V. soprano. Gounod. director / NEWTON / Ref. Orquesta Nacional de España.: ALC 1132 (1 CD) D7 RENATA TEBALDI: Canta arias de Giuseppe Verdi y Giacomo Puccini / Renata Tebaldi.90 €.P. piano / ALTO / Ref.: 9209 (1 CD) P . y todas a un precio imbatible.: 27.P LUIGI BOCCHERINI (1713-1805): Quintetos de cuerda. directores / NOVOSON / Ref..GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854-1923) y AMADEO VIVES (1871-1932): El húsar de la guardia / Pilar Lorengar. op.. Miembros del Julliard Ensemble / NEW. directores / ALTO / Ref.P Ref.: .V. o Holliger. Veronika Dudarova...P 7. 39) / La Magnifica Comunità / BRILLIANT / Ref. que recupera para nosotros grabaciones hace tiempo inencontrables. soprano.: ALC 1133 (1 CD) D7 ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Etudes symphoniques.: 94024 (1 CD) P . violonchelo. Josefina Canales. . Alexander Polezhaev. La economía sigue a salvo con el sello Newton. Due pezzi. un monográfico de Stravinski por nuestro Rafael Frühbeck de Burgos al frente de la LSO. Suite de Petrouchka / London Symphony Orchestra. Francesco MolinariPradelli. con títulos tan infrecuentes como El húsar de la guardia (con Pilar Lorengar). Hubert Dopf.P BRILLIANT / Ref.: . el 8º volumen de la serie dedicada a los quintetos de Boccherini y obras para guitarra de Pujol y Cimarosa. . Mozart. independizada ahora de su antiguo sello madre..: ALC 1103 (1 CD) D7 IGOR STRAVINSKY (1882-1971): La consagración de la Primavera.V. Alto vuelve a sorprendernos con una serie “Karaoke” en DVD que hará las delicias de aquellos aficionados y/o profesionales que quieran hacer sus pinitos como tenores.: 4.Anita Fernández / Coro de Cantores de Madrid.95 €..: 94176 (2 CD) P .90 €. .: 23. Entre las grabaciones maestras que nos trae este mes se cuenta una estupendísima integral de los Conciertos para violonchelo y orquesta de Khachaturian.P 94172 (1 CD) P . Arias de Haendel.: Z-212 (1 CD) P.: ALC 1125 (1 CD) D7 KARAOKE OPERA TENORES: Karaoke de arias de ópera pata tenor y barítono (incluye Nessun Dorma. Pirates of Peanzance. José Perera.MAURICE RAVEL (1875-1937): Obra completa para dos pianos / Ingrid Thorson.P 7..: 8802040 (1 CD) P .: 8802039 (6 CD) P . director del coro. VIII (3 Quintetos de cuerda. Symphony Orchestra of Russia.: 8802045 (4 . . Dolores Cava.: ALC 1136 (1 CD) D7 1 CD / D7 JOAN SUTHERLAND: Art of the Prima Donna. Gran Orquesta Sinfónica. O Mio Babbino Caro. nos trae este mes auténticas joyas de los 60 y 70 cuyas ediciones originales hace tiempo que se encuentran descatalogadas. los cuartetos de Bartók por el Hagen.: 8802044 (4 CD) P . otro sobre el piano schumanniano a cargo de Sviatoslav Richter (ahí es nada) y dos excelentes repasos fonográficos a las voces de Renata Tebaldi y Joan Sutherland.: ALC 1094 (1 CD) D7 PIOTR ILYTCH TCHAIKOVSKY (18401893): Sinfonías nº 2 y 3 / Russian Federation Large Symphony Orchestra.P CD) P . piano. Para terminar. Orquesta del Teatro Calderón de Madrid.95 €.: .. Larrea. P. Royal Opera House Orchestra. de la Fuente. música sacra de Vivaldi en manos del legendario Vittorio Negri. Emilia S.V.P 15. Nicasio Tejada.95 €.. Vittorio Negri. Francisco Palos.: MCDV113 (1 DVD) D4 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.: 7.V. The Gondoliers. guitarra / BRILLIANT / Ref.ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Música sacra / Felicity Lott. Brilliant vuelve a sorprendernos con lanzamientos inesperados: Emma Kirkby cantando Haydn. Tullio Serafin. Regis Records..P LUCIANO BERIO (1925-2003): Sequenzas III Y VII. Pedro Cancela.: 7. director / NOVOSON / Ref.V. I Musici tocando sonatas de Rossini. Gerardo Monreal.V. Antonio Medio. soprano. ¡Una serie que muchos estaban esperando! ARAM KHACHATURIAN (1903-1978): Conciertos para violonchelo y orquesta / Marina Tarasova.V. La condesa de la aguja y el dedal y Un día de primavera. Delibes y Meyerbeer / Joan Sutherland. Différences.José Luis Vicente Gil.

Dir. Dir.: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Jubilate y siete arias / Felicity Lott. Bastianini / Dir. y he aquí la prueba: si en el propio sello Archipel encontramos.: Joseph Keilberth (1960) / ANDROMEDA / Ref. Dir. Wächter / Wiener Philharmoniker.: RRC 1362 (1 CD) D7 EL ARTE DE DENNIS BRAIN: Obras de Haydn. Beethoven. Michael Gielen. piano. tenor. Carlyle. Varnay. Oberturas / Philharmonia Orchestra. dirigida por el gran Leppard. Stewart. soprano / REGIS / Ref. Nilsson / Dir. Fischer.editorial 200 / febrero 2011 61 zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco La triple entente del grupo Archipel cruza la frontera de Diverdi para ofrecernos de nuevo otro insólito catálogo de piedras preciosas.: ANDRCD 9079 (5 CD) D4 x 2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): La Pasión según San Juan.: ARPCD 0517 (2 CD) D13 x 2 UMBERTO GIORDANO (1867-1948): Andrea Chénier / Stella. Dir. Dir.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Wunderlich. Rouleau. Kunz.: Otto Klemperer (1960) / ANDROMEDA / Ref. Dir.: Franco Capuana (1958) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Di Stefano.: RRC 1335 (1 CD) D7 VILLANCICOS DESDE CAMBRIDGE / Choir of Clare College Cambridge.: RRC 1360 (1 CD) D7 LEOS JANÁCEK (1854-1928): Los dos cuartetos de cuerda.: ARPCD 0512 (1 CD) D13 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Misa en Do mayor.: RRC 1359 (1 CD) D7 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido. Adam.: Günter Wand (1951) / ARCHIPEL / Ref.: 4CD 00273 (4 CD) D5 x 2 VINCENZO BELLINI (1801-1835): La Sonnambula / Sutherland. Winter Words. por ejemplo.. op. Grümmer / Dir. Jane Glover. Stolze. tanto vocales (con el primer recital para Decca de la inigualable Joan Sutherland. Di Stefano. London Mozart Players.: 4CD 00274 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Lohengrin / Adam. The Holly & The Ivy / Maddy Prior.: ANDRCD 9082 (3 CD) D3 Los expertos del sello británico Regis siguen indagando en los más variopintos fondos discográficos para recuperar y acercarnos a bajo precio álbumes de recomendable disfrute. Sneak’s Noyse / REGIS / Ref. Dirs. Ward. Meyerbeer. Fehringer / Kölner Rundfunkchor y Orquesta.: Bruno Walter (1960) / ARCHIPEL / Ref. no se queda atrás: a la grabación referencial del Samson haendeliano (Vickers. Stolze. director / REGIS / Ref. director / REGIS / Ref.: RRC 1330 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES INGLESES: Ding Dong Merrily.: Eugen Jochum (1960) / ANDROMEDA / Ref. Yondani Butt.: Rudolf Kempe. ¿A qué están esperando? ¡¡A por ellos!! MARIO LANZA: Arias de ópera famosas (Donizetti. Elms. Dir. soprano.: Günter Wand (1954) // ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Concierto para piano / Walter Gieseking.: ANDRCD 9080 (2 CD) D13 x 2 JOHANN STRAUSS (1825-1899): Die Fledermaus / Wächter. Töpper / Dir. Waechter.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. trompa / REGIS / Ref.: ARPCD 0471 (2 CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Réquiem / Price. Hines. Lewis / New York Philharmonic. Kunz. Rouleau. director / REGIS / Ref. Patzak / Vienna Radio Orchestra. .: RRC 1357 (1 CD) D7 ALEXANDER GLAZUNOV (1865-1936): Sinfonía nº 6 / London Symphony Orchestra. Crespin. Wunderlich.: Herbert von Karajan (1960) / ARCHIPEL / Ref.: ARPCD 0511 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das Lied von der Erde / Forrester. Lovberg / Dir. Dittersdorf..: Ray Heindorf y Ray Sinatra / ARCHIPEL / Ref. Berry. una tetralogía wagneriana de excepcional sonido conducida por Kempe en el Festival de Bayreuth de 1960….: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Uhde. Dukas. Lazzari. Benjamin Britten. En esta ocasión brillan con luz propia los solistas.: 2CD 00261 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Die Meistersinger von Nürnberg / Greindl.: Raymond Leppard (1959) / ANDROMEDA / Ref. Bjoner. Corelli. obras de Britten. Nilsson / Dir.: Kurt Richter (1960) / ARCHIPEL / Ref. Dir. Güden.: 4CD 00279 (4CD) D5 x 2 GEORG FRIEDRICH HAENDEL (16851759): Samson / Vickers. Schumann. JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999): Los tres conciertos para guitarra / Alfonso Romero. Sutherland). BWV 245 / Grümmer.: RRC 1347 (1 CD) D7 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Exsultate. Lovberg.: ARPCD 0514 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das klagende Lied / Janowitz. Enrique Bátiz.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: Dimitri Mitropoulos (1960) / ARCHIPEL / Ref. Windgasssen. director (su última grabación) / ARCHIPEL / Ref.: ARPCD 0513 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Sinfonía nº 9 / Orquesta Filarmónica de Nueva York.: Herbert von Karajan (1960) / ANDROMEDA / Ref.: RRC 1361 (1 CD) D7 FRANZ LISZT (1811-1866): Conciertos para piano nº 1 y 2 / Alfred Brendel. Sinclair / Royal Opera House. Verdi.: 4CD 00272 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Götterdämmerung / Hopf. Köth. director / REGIS / Ref. Pears. el piano de Alfred Brendel en obras de Liszt y la guitarra de Alfonso Romero ofreciéndonos tres conciertos de Rodrigo). Unto us A Boy Is Born. / Dennis Brain. Flotow y otros) / RCA Orchestra. una asombrosa Tercera de Mahler con Lucretia West y Dimitri Mitropoulos (¡¡en su última grabación!!) o una Canción del lamento cantada por (ni más ni menos) Janowitz.: ANDRCD 9070 (2CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Die Zauberflöte / Frick. Berry / Dir. Draksler. Varnay / Dir.: RRC 1365 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES Y MODERNOS / Choir of the New College Oxford.: ANDRCD 9077 (3 CD) D3 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Sinfonías completas. The Carnival Band. ANTONIN DVORÁK (1841-1904): Cypresses / The Lindsays / REGIS / Ref. Orquesta Sinfónica del Estado de México. Stolze. Güden. La temporada navideña ha sido fecunda en exhumaciones y reediciones. Carlyle.: 3CD 00271 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Siegfried / Hopf. Stewart. director (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. guitarra. Dir. piano. Draksler y Patzak bajo la batuta del inefable Kurt Richter. Berry…). Andromeda. Mozart. trompa / REGIS / Ref. Schmitt. Höffgen. Vienna Pro Musica Orchestra. Seven Songs of Michelangelo / Peter Pears. Sutherland / Orquesta y Coro de la Royal Opera House. Windgassen. . recientemente fallecida.: 2CD 00270 (2 CD) D9 x2 RICHARD WAGNER (1813-1883): La valquiria / Windgassen. Berry.: RRC 1364 (1 CD) D7 BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Serenade. Myto Historical Line nos sorprende con una “alfombra roja” de auténtico lujo: un Andrea Chénier parmesano con Stella.: 3CD 00276 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Parsifal / Beirer.: Lorin Maazel (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Timothy Brown. Dennis Brain. con el propio compositor al piano) como instrumentales (con la trompa de Denis Brain.: 2CD 00258 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): El Oro del Rin / Uhde. Walter. Rouleau. directora / REGIS / Ref. Dir. piano.: RRC 1363 (1 CD) D7 JOAN SUTHERLAND: Arias de ópera (Su primer recital de ópera para Decca de 1959) / Joan Sutherland. Sciutti. Greindl / Dir. 86 / Ebers. Edward Higginbottom.: ARPCD 0515 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911: Sinfonía nº 3 / Orquesta de la Radio de Colonia (1960) // Obras de Brahms y Debussy / Dimitri Mitropoulos. Mención especial merecen The Lyndsays interpretando cuartetos de Janacek y Dvorak y tres discos dedicados al extenso mundo del villancico inglés. director / REGIS / Ref. Kraus. la versátil Felicity Lott en un disco mozartiano y el tenor Peter Pears cantando. Hotter / Dir. por su parte. mejor que nadie. Klein / Vienna State Opera Orchestra. Kraus. se suman unos registros antológicos de la integral sinfónica de Beethoven (¡¡Klemperer con la Philharmonia!!) y un Die Fledermaus dirigido por Karajan que es pura ambrosía (Wächter.: Tullio Serafin (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Corelli y Bastianini.

pero en ellas ya firmaban colaboradores tan esenciales en esta aventura como Fernando Fraga. Y redoblamos el entusiasmo y la afectividad con los lectores que nos acompañan mes a mes. El primer boletín se limitaba a cuatro páginas en blanco y negro. 20 entrevistas. Se diseñan sus páginas con pasión. y también por los que no escriben y desempeñan las tareas más inverosímiles para hacer posible que cada mes salga a la calle un nuevo ejemplar. aquellos que se salen del repertorio habitual”. que ha ido creciendo sin desfallecimientos y sin perder en ningún momento sus señas culturales de identidad. Gian Castelli y Miguel Ángel Coll.com.” – nº 1 – – nº 200 – “Decíamos ayer…”. Vio hace 20 años que una empresa de las características de Diverdi tenía futuro y que un boletín como éste era consustancial a su filosofía de reflexión y comunicación. o no se escribe. por encima de todo. de Truffaut. “facilitar el acceso a las novedades más destacadas que el mercado vaya generando. que para algo este boletín tiene también un ramalazo cinéfilo que comienza en Juan Lucas.di v e r di editorial el chupito Lo que importa es la pasión Juan Ángel Vela del Campo “Son fieles a las páginas del Boletín los especialistas más prestigiosos del país. Se escribe de lo que sea con pasión. y hasta recientemente por una extensión en formato digital bautizada como diverdi. un boletín de información discográfica cuyos objetivos fundamentales eran. según el editorial. porque así es la vida. artículos sesudos o llenos de chispa y fantasía. La borrachera está garantizada. En el número 100. pero. Hay que levantar la copa a continuación por todos los que escriben. de enero de 2002. 400 por hacer un homenaje a la película Los cuatrocientos golpes. Recordamos con especial afecto a los que nos han dejado. compañeros. por encima de todo. Son fieles a sus páginas los especialistas más prestigiosos del país. Feliz resaca. 200. El espíritu de los que hacen y colaboran en Diverdi se escapa al análisis exclusivamente profesional. La única foto de la primera portada era de un disco dedicado a Bach con el pianista Sviatoslav Richter. lo que en Diverdi importa es la pasión. tal vez. Blas Matamoro. A estas alturas del número 200 un chupito solo resulta insuficiente. habida cuenta de las dificultades que. 5944 discos comentados. 87 colaboradores. Hay que brindar muchas veces. Los discos y las entrevistas se han visto complementados por secciones de actualidad o libros. pero sus responsables se siguen sintiendo a gusto con la denominación de boletín y hasta no desechan la de hoja parroquial que tanto le gustaba a Ángel-Fernando Mayo. El número 201 está ya a la vuelta de la esquina. mejor. lo que en Diverdi importa es la pasión. Reivindicaba también la declaración de intenciones fundacional “poner a disposición del lector la información más completa sobre los discos ofrecidos.000 ejemplares. a partir del 31 el boletín comenzó a llamarse Diverdi sin más. Se escribe de lo que sea con pasión. en la mayoría de los casos. y no solamente a nivel español. . tiene que salvar el melómano para conseguir los títulos que le interesan y. 157 sellos discográficos y una tirada en ese momento de 8. A partir del número 13 llegó el color con una imagen de Rossini en portada. Desde entonces Diverdi ha crecido en todo. y han pasado casi 20 años desde aquel octubre de 1992 en que salió a la luz el primer número de Diverdi Classics. pero. veteranos y jóvenes. Diverdi recapitulaba su estado numérico: 3. Santiago Martín Bermúdez. O. Con unas y otras cosas hoy el veterano boletín es una revis- ta rigurosa e imaginativa de primer nivel. cuya fotografía en Wahnfried ante la tumba de Wagner en Bayreuth mereció los honores de portada en el número 117. Por él hay que brindar en primer lugar. de manera especial. obras e intérpretes de especial interés”.829 artículos publicados. o no se ” escribe. se vive la elaboración de cada número en todos sus aspectos y a todos los niveles con pasión. su director. justo después de su fallecimiento. Fueron los comienzos humildes de una empresa. sobre todo de aquellos consagrados a autores.