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sellos en distribución exclusiva (Febrero 2011)

editorial

200 / febrero 2011

boletín de información discográfica año XX nº 200 febrero 2011

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los sellos señalados con un * poseen un catálogo gratuito a disposición de nuestros lectores

accent aeon agruparte almaviva * alpha * altus ambroisie analekta andromeda anima e corpo arcana archipel ar re se arsis arte verum arts asv audite * avenira bbc legends * biddulph bis bmc bongiovanni bridge brodsky records camerata carus * cdm challenge christophorus coe records col legno columna música cpo cypres dux * dynamic * ecm enchiriadis ensayo etcetera * eufoda fuga libera gaudeamus gebhardt globe glossa golden melodram gramola hänssler idis immortal ina * ivm kairos * klara lindoro london sinfonieta orquesta mdg dabringhaus & grimm * medici arts melodiya mode * musique en wallonie myto * naïve * nar neos * new world records * nmc olive music ondine * opera rara * opera tres orfeo * passacaille pentatone ponto preiser ramée raumklang regis * ricercar royal concertgebouw o. soli deo gloria stradivarius * supraphon * tahra testament timpani tudor trito verso vms wergo * wigmore hall live winter & winter zig zag

16

Entrevista con Céline Frisch y Pablo Valetti
Los creadores de Café Zimmermann analizan para Diverdi su trayectoria artística

índice

20

Bach: matemáticas sonoras
Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El arte de la fuga

26

Mitos y susurros
El nuevo libro de J.M. Sagarmínaga evoca medio siglo de lírica en España

30

Britten reina en Glyndebourne
El sello del festival inglés presenta un extraordinario Peter Grimes grabado en 2000

31

El Bartók de Fricsay
Audite publica las grabaciones bartokianas del director húngaro para la RIAS

35

Chopin impresionante y revelador
Un monumental estuche de 21 CDs ofrece una auténtica integral de la obra del músico polaco

40

Mackerras, un australiano en Praga
Supraphon documenta la relación del director recientemente desaparecido con la música checa

44

Fantasmas del pasado
La pasajera de Weinberg, un escalofriante drama lírico en DVD de Neos

47

La vuelta de Henze
Cybele dedica un triple CD con entrevista al gran compositor alemán

54

Entrevista con Tomás Garrido
“Al ser escuchada, la música se convierte en otra cosa”

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el chupito: Lo que importa es la pasión

Diverdi, S.L. Eloy Gonzalo 27 (entrada por Santísima Trinidad, 1) 28010 Madrid tel.: 91 447 77 24 fax: 91 447 85 79 www.diverdi.com e–mail: diverdi@diverdi.com La discografía incluida en este Boletín se puede adquirir en los centros de El Corte Inglés, Fnac y en las principales tiendas del país. Director: Juan Lucas (juanlucas@diverdi.com) Diseño: Valentín Iglesias Realización: Diverdi Maquetación: Jose Pascual (macprimo@diverdi.com) Publicidad: diverdi@diverdi.com Dep. legal: M-10066-94 Solicitado control de OJD

Bach. además de discos en Stradivarius. Schumann. Tritó (David del Puerto en ambos). acompañada por el pianista Massimiliano Bullo. en una producción de 2010 del Festival de Beaune. Sevilla. 4 de febrero de 2011 Fundación Juan March. el último disco de estos hermanos en Winter & Winter. La extensa discografía de este pianista indonesio. con Raquel Andueza como solista (quien acaba de lanzar su propio sello discográfico. Nebra y Rodríguez de Hita. mientras que el álbum previo. Madrid. Amore X Amore. habitualmente magistral en la música dramática del XVIII. Amour será la luminosa voz de Sophie Karthäuser. o como Violetta de La traviata . donde la diva italiana Mariella Devia (cuya última actuación en esta ciudad fue en 2009 con Tancredi de Rossini) dará un recital con piezas de Massenet. Corselli. Estará acompañado por la Orquesta Sinfónica de Galicia. Anima e Corpo. con curiosas transcripciones e infrecuentes piezas francesas y chipriotas junto a versiones magistrales de obras fundamentales. Málaga. Además de dos recientes lanzamientos cantando Mozart (con orquesta y con piano). Facco. donde dará en mayo un recital con obras de Rueda. Col legno (Jesús Rueda) y Verso (Lanchares). junto al percusionista Miquel Bernat). Palacio de la Ópera. Santiago de Compostela. obra dedicada a Rilling Auditorio de Galicia. Vallejo. dirigida de nuevo por Christie. con un amplísimo repertorio que abarca obras de Chopin. 12 de marzo de 2011 El regreso de Rilling a Galicia Helmuth Rilling fue el primer director de la Real Filharmonía de Galicia y. así como en el papel titular de Susanna de Haendel. Bien conocido por sus grabaciones en grandes discográficas. ha sido lanzado al mercado recientemente. una Suite orquestal y un Concierto para violín. Forma Antiqva ha preparado con minuciosidad la edición de dos cantadas de San Juan y Literes. Lucia di Lammermoor y Maria Stuarda. incluye un reciente lanzamiento en el sello Anemos (Castor et Pollux de Santiago Lanchares. llegarán a Valencia de la mano de William Christie y Les Arts Florissants. Universo Barroco. Concerto Zapico. Sukarlan actuará también en Madrid. La solista vocal será JuliaSophie Wagner. como ya demostró en el papel de Sandrina en la reciente versión en concierto de La finta gardiniera de Mozart dirigida por René Jacobs en Oviedo. el maestro alemán regresa con un repertorio al que lleva realizando una colosal contribución a lo largo de toda su carrera: la música de Johann Sebastian Bach. 26 de febrero de 2011 . dedicada a nuestra nueva música. 4 de marzo de 2011 La maestría al piano de Katsaris La Sala María Cristina de Málaga albergará este mes el talento pianístico de Cyprien Katsaris. García Abril. ha sido nominado este año en los International Classical Music Awards. los hermanos Zapico como Forma Antiqva ofrecerán un nuevo repertorio de cantadas del siglo XVIII. Weicht nur. Teatro de la Maestranza. además de discos de recitales. Lanchares y Perón Cano. Valencia. Además de obras de Illana y Torres. bajo el título Soberano manjar.com El reciente concierto para piano That Scream Called Silence de Eduardo Soutullo. 24 de febrero de 2011 5 Indonesia en España muchos más conciertos en diverdi. Gounod. Para conmemorar el 300º aniversario del nacimiento de Bárbara de Braganza. Donizetti y Bellini. todo bajo la dirección de Carlo Rizzi. betrübte Schatten). Su Lucia di Lammermoor grabada en Cagliari ha sido editada por Dynamic. Jauchzet Gott in allen Landen y nº 202. En el haber de Rilling está la colección completa de Cantatas de Bach. Chopin. acompañados por la soprano Soledad Cardoso. disponible en el sello Hänssler. Madrid. Sala María Cristina. 4 de mayo de 2011 5 5 Karthäuser nos seduce Dos ballets de Rameau. podremos escuchar refrescantes interpretaciones de música de Domenico Scarlatti. La Coruña. (Forma Antiqva) Auditorio Nacional. actuación disponible en el sello Bongiovanni en la que estuvo dirigida por Daniele Callegari. que interpretará además la Sexta Sinfonía de Sibelius y Don Juan de Richard Strauss. Otra recuperación de patrimonio tendrá lugar en el concierto que ofrecerá La Real Cámara bajo la dirección de Emilio Moreno. y recientemente ha dirigido en Carus el Messiah del compositor sueco Sven-David Sandström. Karthäuser grabó un gran Stabat Mater de Boccherini en Ricercar con Les Folies Françoises. 10 de marzo de 2011 foto © Holge Schneider Bel canto en Sevilla Los aficionados sevillanos a la pirotecnia belcantista tendrán un infrecuente regalo en el Teatro de la Maestranza.4 di v e r di conciertos & actualidad conci e rt o s & ac t ua l i da d El “Universo Barroco” Formando parte de la nueva serie del CNDM. 19 de febrero de 2011 (La Real Cámara) Auditorio Nacional. El programa ofrecerá dos cantatas (nº 51. será interpretado en La Coruña por uno de los solistas que más están apostando por la música contemporánea española: Ananda Sukarlan. Palau de la Música. En Pygmalion. un auténtico cofre del tesoro repleto de grabaciones nuevas y antiguas por descubrir. Pygmalion y Anacréon. Madrid. La habilidad de los intérpretes en este repertorio puede ser comprobada también en dos recientes discos de Glossa: Il più bel Nome de Antonio Caldara y La Tirana contra Mambrú. con ocasión del 15º aniversario del concierto inaugural de esta orquesta compostelana. con un primer disco titulado Yo soy la locura). Katsaris lleva una década editando discos en su propio sello –Piano 21–. las transcripciones que realizó Liszt sobre las sinfonías de Beethoven (y una versión de Das Lied von der Erde de Mahler). La soprano nacida en Liguria es bien conocida por sus impetuosas interpretaciones de papeles como las protagonistas de Lucrezia Borgia.

Zehetmair toca junto a su esposa. obras de Peter Maxwell Davies. fantasías. que este año centra su programación en la figura de Wolfgang Amadeus Mozart. Gaetano Veneziano. Tres nuevos lanzamientos demuestran sobradamente el profundo talento artístico de esta firma. Ivaldi. Marcel Ponseele es uno de los mejores artistas discográficos de las últimas décadas en música barroca. Zimmermann. pero esta obra paradigmática de su periodo central y neoclásico fue interpretada en 1960 en la Sendesaal de la Radio de Hesse en Frankfurt am Main. la Ritirata. titulado Manto and Madrigal. los pianistas Ranki. este pasado septiembre se estrenó en Tampere y fue grabada posteriormente en estudio por Ondine.A. Se trata de una actuación protagonizada por el mítico tenor alemán Fr itz Wunderlich.F. quintetos. Hurel. Es un placer saludar el próximo lanzamiento en el sello Passacaille de la segunda grabación de Ponseele al frente de Il Gardellino en la serie dedicada a cantatas de Bach. ha escogido revisitar las glorias bachianas de la Pasión según San Juan como parte de la serie The Grand Tour de la Orchestra of the Eighteenth Century del director holandés. Frans Brüggen. La ópera en tres actos Kaivos (La mina).T E L E T I Preparando la Semana Santa Una de las grandes maravillas de la música clásica de occidente a lo largo de los siglos es el extenso y rico legado compositivo en torno a la historia de la Pasión. titulado Tenebrae. En su próximo disco. la Orquesta Sinfónica y la Sociedad Coral de Bilbao bajo el rectorado de batutas tan experimentadas como Christoph Spering. que abordan el repertorio mozartiano desde todos los ángulos posibles: obras tan insignes como la Misa de la Coronación en Do mayor o el Réquiem en re menor se acompañarán de rarezas como el drama escénico Thamos. por supuesto. Süssmayr y Clementi. Steck o R. Antoine Guerber y Dialogus in Musica han realizado una nueva grabación. Pérez o M. la flautista J. Cristofaro Caresana. la Real Filharmonía de Galicia o.conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 5 E T IP O . que reúne música del siglo XIII de las cuatro principales festividades dedicadas a San Martín. en parte por el polémico tema que trata: la revolución húngara de 1956. Zabaleta y los violinistas A. Por su parte. y está protagonizado por el impresionante talento vocal de la soprano Valentina Varriale. compuesta en 1960 por el finés Einojuhani Rautavaara. Hartmann. Das Neue Orchester. la intérprete de viola Ruth Killius. sonarán también en el Euskalduna las más egregias sinfonías y conciertos de Mozart. intérpretes (Ensemble Aurora) y. grabado en vivo. Günter Neuhold. reaparece felizmente en este catálogo su disco de 1992 con las Lamentazione per il Settimana Santa de Alessandro Scarlatti. que se convierte en nuestros días en un mar de oportunidades discográficas al que todo sello se enorgullece de hacer aportaciones. Un ejemplo en este tiempo previo a la Semana Santa será el del sello independiente e “internacional” Glossa (merecedor de al menos nueve nominaciones a los International Classical Classical Music Awards de este año). cuna de este grupo. Zelenka. Entre los solistas. El nuevo disco. Scelsi.T E L E T I P O . Salieri. comenzando por un nuevo disco de Antonio Florio e I Turchini. La partitura de Igor Stravinsky para el melodrama lírico Perséphone no ha sido grabada muy a menudo desde su estreno en 1934. sello escurialense desde hace años. Este nuevo disco incluye las Cantatas BWV 131 y 177. y Dean Dixon dirige al Coro y Orquesta de la Radio de Hesse. Bartók y Holliger. Mientras aquel disco inaugural se centraba en música de un subestimado compositor del Barroco napolitano. quien. el segundo nos presentará a otro. Transfiguration) y los protagonistas son Johanna Rusanen-Kartano. que será pronto lanzada al mercado. ¶ Rebautizadas para la ocasión con los nombres de Haydn. aparte de su tener una prestigiosa carrera a sus espaldas. especialmente del de la Escuela de Notre Dame. y más.T E L E T I P O . el Ensemble Vocal de Lausanne. que recientemente han actuado en Madrid con el repertorio de su primer disco en Glossa L’Adoratione de Maggi. y ha dado como fruto inspiradas interpretaciones de un extenso plantel de compositores entre los que figuran B. Queffélec. Michel Corboz o Antoni Ros Marbá. Historia Sancti Martini. destacar la presencia de artistas consagrados como el bajo Peter Schöne. sello fiel a las obras de este compositor. además de Aus der Tiefen rufen wir de Graupner. Bach. La intensa afinidad de Brüggen con el estilo y la expresividad de Bach. y se vuelve a editar por la gran calidad de sus cantantes (Cristina Miatello y Gian Paolo Fagotto). 5 y 6 de marzo de 2011 tendrá lugar en el Palacio Euskalduna de Bilbao la décima edición del maratoniano festival Musika-Música. L. Pennetier. así como una amplísima selección de su mejor música instrumental y de cámara (cuartetos. tan infrecuente en el repertorio stravinskiano. tiene el aliciente añadido de estar protagonizado por alguno de los principales cantantes bachianos de la actualidad. El Bacha. Carolyn Sampson y el incomparable Peter Kooy. El cuarteto de solistas vocales está encabezado por la soprano Caroline Weynants. La nueva serie del sello AEON dedicada a la música medieval va creciendo. Martinu. tríos. y será pronto editada. Rey de Egipto o transcripciones para cuartetos de viento del compositor salzburgués. Audite acaba de remasterizar esta grabación radiofónica. Festival Musika-Música de Bilbao Los días 4. El festival contará con el concurso de agrupaciones tan prestigiosas como el Cuarteto Arriaga. Sin embargo. Esta recuperación de antiguas polifonías y cantos gregorianos nos ofrece una panorámica fascinante del repertorio de aquellos tiempos. se centra en Lamentaciones de Jeremías para una sola voz. Por descontado. es figura notoria en el La colaboración entre el violinista Th om as Zehetmair y el sello ECM dura ya veinticinco años. Glossa acaba de remasterizar la grabación original del sello Symphonia. Mati Turi y Jorma Hynninen. Junto a él participa la actriz alemana Doris Schade en el papel hablado de Perséphone. nos permite disfrutar de una claridad de texturas que pocos de sus colegas directores alcanzan. la Sinfonia Varsovia. Schumann y Heinz Holliger. Mientras esperamos futuras grabaciones de Enrico Gatti en Glossa. Hanno Lintu dirige a la Tampere Philharmonic (como en el nuevo disco de Camilla Nylund. debido a su exquisita e inteligente interpretación de la música para oboe de Johann Sebastian Bach. Este nuevo lanzamiento. de su música. desde luego. divertimentos y sonatas) y un escogido muestrario de fragmentos operísticos. las diferentes salas del Euskalduna acogerán los 66 conciertos programados. lleva cincuenta años sin ser programada. Da Ponte. como Markus Schäfer. cuya música es considerada “excepcional” y “merecedora de ocupar un destacado lugar en la historia de la música” tanto por Florio como por su habitual asesor musicológico Dinko Fabris. . Pasquier junto a la de talentos emergentes como los pianistas Judith Jáuregui o Iván Martín. antiguo obispo de la ciudad de Tours.

así lo atestiguan. Liszt y Strauss) y francés (Fauré. La pareja de recital formada por Sandrine Piau y Susan Manoff. Y lo sería porque él ha sido una fuente de inspiración para todos aquellos que pensamos que la ‘industria’ no tiene sentido ni interés sin la pasión. y la visión de Pacheco benefició a artistas como Ketama o Pata Negra. La labor de Nuevos Medios como importadora y distribuidora.T E L E T IP O . Heinrich Ignaz Franz von Biber escribió las Vesperae longiores ac breviores una cum Litaniis Laurentanis en 1693. Otro propósito de Kreizberg era traer a Mónaco. Entremezclando de nuevo los repertorios alemán (Mendelssohn. que logró poblar el triste paisaje discográfico español con sellos de culto en el campo del jazz y otras músicas. Pacheco fue el creador en 1982 del sello y distribuidora Nuevos Medios. como Hannibal. El director de The Early Opera Company. aún más en aquellos tiempos pioneros en los que estaba todo por hacer. In memoriam Mario Pacheco Sería un descuido por parte de un Boletín como el nuestro no rendir homenaje a una de las figuras capitales en el desarrollo de la industria discográfica española como fue Mario Pacheco. estrenada en 1954. y que. Carus editó recientemente un notable disco de Creed dedicado a obras del camaleónico André Jolivet. y en especial un fino y sensible retratista. han desarrollado gran actividad y protagonismo en el sello Pentatone durante estos últimos años (muy pronto aparecerá un estuche con los Conciertos para violín de Mozart con Fischer y Kreizberg). OPMC. ella será uno de los solistas del Doble Concierto de Brahms en los programas españoles. Piau ha contribuido recientemente al repertorio de la Segunda Escuela de Viena junto al Quatuor Diotima. Nos demostrará su teoría de evitar los ritmos exageradamente rápidos o lentos en una nueva grabación de Il Trionfo del Tempo e del Disinganno de Haendel. foto © Paco Manzano . Desde los años ochenta se involucró profundamente en la apertura del mundo flamenco a otros campos musicales (Nuevos Medios ha sido calificada como “la Motown del flamenco”). su fino olfato y un incuestionable encanto personal le hicieron descubrir y reunir artistas.T E L E T IP O . fallecido el 26 de noviembre de 2010. mucho tiempo después de su espectacular éxito como revolucionario musical en los años veinte con su Ballet mécanique. La ópera en un acto refleja tanto su temprano éxito como su adopción del estilo de las películas musicales norteamericanas. más de doscientas. Cuando hace ya tres años preguntamos en el Boletín a Yakov Kreizberg acerca de sus intenciones al hacerse cargo de la Orquesta Filarmónica de Monte-Carlo. Chausson y Poulenc). este nuevo programa está aderezado por canciones del inglés Benjamin Britten. Andrew Staples (Tempo). en el sello Wigmore Hall.T E L E T IP O Además de componer partituras para grandes formaciones vocales e instrumentales con efectismo polifónico. El público de Murcia (6 de marzo). de obras para coro. En esa fecha el compositor estadounidense ya había regresado a su patria. El nuevo sello OPMC. del ritmo basado en la danza natural. Christian Curnyn. tras una intensa gira por Alemania. entre tantas otras. Hilary Summers (Disinganno) y Anna Stephany (Piacere). llegará la ópera The Brothers (sobre la historia bíblica de Caín y Abel). declaró: “Nuestro propósito y ambición es elevar la reputación de la orquesta tanto por medio de giras y actuaciones en los más importantes festivales como a través de la grabación de discos. celebrado en Cannes. como “artista residente”. arrancará con un disco dedicado a Ravel (el ballet completo Daphnis et Chloé) y Debussy. que ya nos regalaron el disco Évocation. que sigue al frente del Bach Collegium Japan). a la fulgurante estrella del violín Julia Fischer. llevándolos al estudio de grabación e impulsando constantemente el resultado comercial de los discos que producía. además de tres discos con obras orquestales de Stravinski. al frente del SWR Vokalensemble Stuttgart ha realizado para el sello Hänssler una selección de piezas de este insigne y prolífico autor brasileño que incluye las inéditas Préces sem palavras entre obras más populares como el Chôro nº3. Nacido en 1950.” La consecución del primer foto © Marco Borggreve Ambiciones de Monte-Carlo propósito queda demostrada por los numerosos conciertos programados en España esta temporada. Pacheco dedicó gran parte de su carrera a su labor de productor musical. está convencido de la validez del uso. ha sido y es un ejemplo que algunos hemos tratado de emular. cantando en el Segundo Cuarteto de cuerdas de Schönberg. Los solistas serán Lucy Crowe (Belleza). Marcus Creed. Valladolid (9 de marzo) y Oviedo (10 de marzo) tendrá oportunidad de comprobar la evolución de la orquesta del Principado desde que el director americano de origen ruso tomase sus riendas en sustitución de Marek Janowski. Madrid (8 de marzo). en cuyo idioma destaca Piau (su versión “expandida” de Les Illuminations en NMC fue toda una revelación). para cuatro solistas y coro. además. hablando de música –y parafraseando el ‘chupito’ de este mes– la pasión es lo que importa. y supo compaginar con éxito ambas actividades. Rough Trade o ECM. tanto por cantidad como por calidad. Pacheco fue. un excelente fotógrafo. S te ven S lo ane (alumno de Eugene Ormandy) dirige aquí a la Bochumer Symphoniker. juntos y en solitario. si ya de por sí agotadoras. que acaba de ser presentado en la reciente feria del mundo discográfico clásico. La segunda meta obtendrá sus frutos con el inminente lanzamiento del propio sello de la orquesta. junto al astro del violonchelo Daniel Müller-Schott. Picapau y la Bachiana brasileira nº 9. también en Naïve. Sus fotografías de Jimi Hendrix o de Camarón. en la música barroca. Precisamente este trío de artistas. Heitor Villa-Lobos fue un gran compositor. Sumándose a la serie de grabaciones que CPO está dedicando a la música orquestal de George Antheil. MIDEM. ha regresado con un próximo lanzamiento en el sello Naïve. también con título sugerente: Après un rêve. Un nuevo registro de esta obra en el sello Carus mostrará la calidad de la Schola Cantorum de Yale cuando Simon Carrington (miembro fundador de The King’s Singers) era aún su director (sucedido por Masaaki Suzuki.6 di v e r di conciertos & actualidad P O .

concebida en su momento para la consagración de la Gran Catedral del Hungría del Norte y que se programa ahora con motivo del bicentenario del compositor. a cargo de Massaki Suzuki y Bach Collegium Japan. Jordi Savall dedicará su programa del día 12 a las célebres Vísperas de 1610 de Monteverdi y el jueves 14 Ton Koopman y su Amsterdam Baroque Orchestra and Choir explorarán la versión original de la Pasión según san Juan (fechada en 1724). Y es que.lucernefestival. o la obra completa de Jean Sibelius. incluyendo a jóvenes talentos como el pianista Yevgeny Sudbin o el clarinetista Martin Fröst. pueden consultar la web oficial del Festival: www. por otro lado. sino que también acepta el pago con las principales tarjetas de crédito. tanto sus colecciones de madrigales como sus óperas (L’Orfeo. sino también a un incomparable marco alpino situado al pie del Lago de los Cuatro Cantones. Haitink. L’incoronazione di Poppea e Il ritorno d’Ulisse in patria) y obras sacras como Selva morale e spirituale o Vespro della Beata Vergine son todas páginas imprescindibles de la historia de la música. ¶ Por descontado. concebida para el Domingo de Pascua. ¶ En el apartado de recitales.ch Sello del mes: BIS En febrero. la música sacra centrará la programación del Festival con un cartellone de lujo: el 10 de abril Nikolaus Harnoncourt y su Concentus Musicus ofrecerán La Resurrezione di Nostro Signor Gesù Cristo de Haendel. podrá escucharse en la Jesuitenkirche la Gran Misa de Franz Liszt. la idílica ciudad medieval de Lucerna se viste con sus mejores galas para recibir a los más de cien mil visitantes que año tras año acuden a esta localidad suiza para disfrutar de las festividades musicales de Semana Santa. Renaud y Gautier Capuçon y Leonidas Kavakos. obras de Mozart. Bernard Haitink y la Orquesta de Cámara de Europa aprovecharán el Festival de Semana Santa para ofrecer tres nuevas entregas del ciclo (los días 9. El viernes. la pianista francesa Hélène Grimaud rendirá tributo a Franz Liszt incluyendo en su recital del día 10 la famosa Sonata en si menor del músico húngaro. ¶ Por su parte. El concertino de la Orquesta del Festival de Lucerna. u obtener información sobre la reserva y adquisición de localidades. además. ofrecerá el día 9 un programa formado por dos partitas bachianas. y en calidad de residente. ¶ Tras haber iniciado un estupendo ciclo Brahms el pasado mes de noviembre en el Festival de Piano. Desfilarán por su instrumento. . padre del violinista. destacamos una que durará todo el mes: un 20% de descuento en todos los CDs y DVDs con obras de Claudio Monteverdi. la Primera y Segunda sinfonías. El prestigio de la compañía sueca ha atraído a lo largo de los años a gran cantidad de artistas de primera fila. impartirá entre los días 14 y 17 unas clases magistrales que tienen prevista su continuidad en las siguientes ediciones del Festival. el sello elegido para nuestro descuento del 20% es BIS. así como por el Coro Arnold Schoenberg. nuestra página web incorpora una nueva forma de pago.conciertos & actualidad 200 / febrero 2011 7 Pascua en Lucerna Del 9 al 17 de abril de 2011. Fundado en 1973 por Robert von Bahr (que sigue siendo su alma mater). El sábado 16 la pianista Mitsuko Uchida ofrecerá además. 5 PayPal Ahora. Mariss Jansons y el Coro y Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara encabezarán la oferta musical en cuatro singulares sesiones: un montaje del célebre Eugene Oneguin de Tchaikovski con el barítono danés Bo Skovhus en el rol titular y un taller juvenil en torno a la ópera dirigido por los solistas de la Orquesta (sábado 16) y una velada sinfónica jalonada por el poema de Richard Strauss Vida de héroe y el Primer Concierto para Piano de Beethoven –con Mitsuko Uchida al teclado– precedida por un concierto de obras para coro a cappella dedicado a Rachmaninov. No pierda la ocasión. Kolya Blacher. 5 Oferta Monteverdi De entre las numerosas ofertas que irán apareciendo a lo largo del mes en nuestra página. unas sonatas de Eugène Ysaÿe y Bartók y piezas de Luciano Berio y Boris Blacher. en la actualidad cuenta con más de 1400 títulos en su catálogo. Christian Gerhaher. solistas y orquestas del mundo. entre los numerosos destinos musicales y las efervescentes agendas de conciertos que se le proponen al melómano en Pascua. Confiamos con esta medida dar un mejor servicio a nuestra cada vez más numerosa y globalizada comunidad de usuarios. el Festival de Semana Santa de Lucerna despunta sobre el resto gracias no sólo a una programación irresistible confiada a los mejores directores. ¶ Para ampliar esta información. en compañía de los solistas de la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Tan deslumbrante programa estará protagonizado por solistas del calibre de Sally Matthews. Pensada sobre todo para nuestros clientes residentes en el extranjero. alternativa a la ya existente pasarela garantizada por La Caixa. el ciclo sinfónico de Beethoven por Osmo Vänskä y la Orquesta de Minnesota. La mayor parte de sus producciones actuales se edita en formato Super Audio CD híbrido (compatible con todos los lectores). la pasarela PayPal permite no sólo pagar cómodamente a los usuarios dados de alta en este sistema. sin necesidad de ser miembro de PayPal. Béla Bartók y Alban Berg. para terminar. un programa camarístico dedicado al romanticismo vienés. Los proyectos en curso o recientes incluyen uno de los más respetados ciclos de cantatas bachianas. 11 y 13) en las que se han programado el Doble Concierto para violín y chelo. Dupré y Kodály (ambos el domingo 17). Un réquiem alemán –emparejado con la temprana Canción del entierro– y el Concierto para violín. Figura clave de la transición entre Renacimiento y Barroco.

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di v e r di

antigua

El códice Chantilly y cinco mujeres
Nueva grabación del ensemble De Caelis para Aeon
Josemi Lorenzo Arribas

Notker, Tartamudo cantor del s. IX
Ordo Virtutum consagra un CD al músico medieval N. Balbulus
Josemi Lorenzo Arribas

Inspiración femenina
El manuscrito de Anna Hachenberch, por Candens Lilium
Urko Sangroniz

Después de la exigente grabación de la Missa Tournai (Ricercar RIC 265), el ensemble De Caelis, dirigido por Laurence Brisset, acomete la interpretación de una antología del códice Chantilly, uno de los más voluntariamente complejos de los bajomedievales, alarde de principio a fin, con músicas sin pausa, que nunca paran de subir, bajar, avanzando entre atrevidos saltos. Tripartito en cuanto a la atribución de las piezas escogidas para este disco, con cuatro piezas de Solage, el autor más representado, otras tantas anónimas y el resto repartidas entre otros, se ha escogido el apoyo de un arpa gótica y un organetto (Angélique Mauillon y Guillermo Pérez, integrantes de Tasto Solo) para acompañar las voces. La plantilla vocal (5 mujeres) reivindica la cultura musical de las mujeres aristócratas, como evidencian las fuentes, muchas encargadas por poderosas comitentes, y defiende con solvencia la práctica musical femenina. Compárese con la versión, también poderosa y bella, de Tetratkys (Etcétera KTC 1900, reseñada en estas páginas, centrada en las piezas a una sola voz). Muy seguras en el continuum de saltos que impone esta música de finales del XIV, empastan muy bien y hacen gala de un sonido encarnado, nada etéreo, muy eficaz, para cantar polifónicamente estos motetes, baladas, virelais y rondós, dieciséis en total que, la tentación es fácil, parecen celebrar la alegría de la vida, pasada poco ha la Peste Negra, en torno a la cismática corte papal de Aviñón. Entre los bellos títulos de las piezas, que han dado nombre a tantos discos, hallamos algunas de las más interpretadas, como el Fumeux fume par fumée, el rondeau a tres voces de Solage, de tesituras gravísimas, en homenaje a un cenáculo de intelectuales a los que les unía su afición a fumar (Europa se daba al arte del humo antes de la llegada a América, quizá con opio). Con la ley actual, sirva como pequeña reivindicación a los fumadores, y también a quienes no gustan de tal práctica, aunque, llegado el caso, tendrán que comentar el disco en el umbral que separa el dentro y fuera de los locales públicos.
CODEX CHANTILLY: En l'amoreux vergier De Caelis. Laurence Brisset, director / AEON / Ref.: AECD 1099 (1 CD) D2

Primer trabajo después de Insula Felix (aplaudido en estas páginas), dedicado a las primitivísimas músicas oficiadas en el monasterio de Reichenau, y le toca el turno al de San Gall (o San Galo), también en Suiza, de la mano del que fuera uno de sus principales músicos, el casi mítico, pero bien real, Notker, apodado el Tartamudo, o el Desdentado, prolífico compositor de secuencias, que se especializó en contrahacer músicas a textos rimados preexistentes. Para grabar este disco se ha realizado una notable labor de restitución musicológica, habida cuenta que la notación en la que se escribe esta música del siglo IX es adiastemática, es decir, que no hay pauta (líneas) bajo los neumas, con lo que es imposible saber las alturas reales de las “notas”. Por ello, se ha recurrido a ¡25 manuscritos! con correspondencias musicales de estos tropos y secuencias, teniendo en cuenta para la versión final las indicaciones semiológicas de las propias fuentes sangalenses. Stefan Johannes Morent sigue con su formación Ordo Virtutum haciendo una interpretación del canto mesurada y emocionante, diciendo el texto y permitiendo, con esta clara dicción, el disfrute de cada recurso que esconden los neumas. Se sucede la monodia adornada de mínimos procedimientos heterofónicos (Sancti Spiritus assis nobis gratia), duplicaciones a la cuarta (organum), propuestas de cantilaciones épicas (como la canción de Ludwig III, Einan kuning weiz ih, relatando una batalla ocurrida en el año 881), versiones instrumentales a partir de melodías célebres (cuatro se insertan en el CD)… en una labor oscura pero impagable para el oyente sensible. Esperamos un registro con las grabaciones de las músicas existentes del cenobio de Fulda, para así completar esta trilogía de melodías altomedievales con las que suelen comenzar los manuales de historia de la música occidental.
NOTKER BALBULUS (c.840-912): Secuencias, tropos y cantos gregorianos de la abadía de St. Gall Ordo virtutum. Stefan Morent, director / CHRISTOPHORUS / Ref.: CHR 77341 (1 CD) D2

Todo lo relacionado con el personaje de Anna Hachenberg permanece envuelto en un halo de misterio e incógnita en el que sólo se discierne su único legado, el antifonario que lleva su nombre. No es la primera vez –ni lo será– que sucede algo semejante, y cuando tras estudiar la obra se quiere trascender su mera autoría para entender las condiciones y el contexto en el que aquélla se produjo, los caminos se difuminan y el rastro finaliza sin esclarecer apenas nada. “Este libro antifonario fue escrito y anotado con gran diligencia por Anna Hachenberch, descanse su alma en eterna paz.”, así reza la anotación al mismo. Conservado en el Museo Schnütgen de Colonia, gracias a sus bellas iluminaciones podemos datar su factura entorno al año 1520. Así, los cantos que incluye –únicos en el mundo– representan la tradición interpretativa de los conventos de la zona desde el s. XIII hasta el s. XVI, conforme se iban sumando nuevas melodías a las iniciales, como por ejemplo las dedicadas a Santa Cecilia. Destacan a su vez otras en honor al Santo Evergislo, patrón de Colonia, y también las que se interpretaban durante la Anunciación, una celebración de suma importancia para toda congregación femenina como parte reforzadora de su identidad. La selección del presente disco, lejos de perseguir la plena rigurosidad litúrgica, nos permite disfrutar de una grata variedad musical y melódica, así como de los más bellos florilegios sonoros fruto de la inspiración femenina, en una interpretación que, como el nombre del conjunto creado ad hoc para el disco, Candens Lilium, resplandece por su exuberante resonancia y en la pureza tímbrica. El programa se completa con la interpretación instrumental de varias obras de Josquin Desprez y Antoine Brumel, como ejemplos de la música contemporánea a la fecha de realización de este manuscrito inédito.
VIRGO SANCTA CAECILIA: Cantos del antifonario de Anna Hachenberch (Colonia, St. Cecilia, ca. 1520) (obras de Josquin Desprez, Antoine Brumel, Buxheimer Orgelbuch y anónimos) Ensemble Candens Lilium. Norbert Rodenkirchen, director / RAUMKLANG / Ref.: MA 20044 (1 CD) D2

antigua

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Un tesoro inagotable
Misión: barroco amazónico. El nuevo disco de Sphera AntiQva explora el universo musical de las misiones jesuíticas en el siglo XVII
Andrés Ruiz Tarazona
Sphera AntiQva. foto © Juan Lucas

Por la rareza del medio en que se desarrolló –la Amazonia americana–, la música surgida en las Misiones que los padres jesuitas fundaron en diferentes territorios de América del Sur es un verdadero milagro. En las llamadas reducciones guaraníes del Paraguay, por ejemplo, se llegaron a representar óperas como El rey Orontes de Egipto, Felipe V o Los pastores del Nacimiento del Niño Dios en el siglo XVIII. Sus autores podrían ser europeos, como Zipoli, o algún indio de la reducción, que tal vez era organista, violinista, etc., y además componía. Se sabe que se representaron “al estilo italiano y en su mayor parte al son de la espineta y harpa”. Charlevoix escribió que “los jesuitas, navegando por los ríos, echaron de ver que cuando, para explayarse santamente, entonaban cánticos espirituales, acudían a escucharlos los indios en tropel, y parecían tener en ello especial gusto”. El padre Manuel Nóbrega llegó a decir: “Dadme un coro de aventajados músicos y haré cristianos a cuantos indios existen”. A muchos músicos españoles, hoy bien conocidos, y otros europeos, se los disputaban las Misiones. Del francés Luis Berger se decía que “oyéndole cantar (los indios) permanecían hasta cuatro horas como inmóviles y como estáticos”. En 1631, el general de los jesuitas en Chile escribía al provincial del Paraguay: “Menester es que V.R. use de mucha caridad con el provincial de Chile, prestando por un par de años al hermano Luis Berger para que introduzca la música en Chile”. Era Berger un hábil tañedor de cítara, tocaba el violín y fabricaba violines. El padre Nicolás Durán asegura que “aprendieron los indios con admirable facilidad a cantar y tañer instrumentos, siendo su primer maestro nuestro hermano Luis Bergier, insigne citarista”.

Un famoso cantor tirolés, llamado Antonio Sepp, llevó a cabo una asombrosa labor de enseñanza del canto a muchos indígenas de las Misiones y compuso además muchas canciones en guaraní. En 1692, Sepp había formado a buen número de instrumentistas entre los indios: 6 trompetas, 3 tiorbas, 4 organistas, 30 tañedores de chirimía, 10 de fagote o bajón. Sabemos que Sepp introdujo en las Indias arpas, trombones, zampoñas, clarines, y hasta el órgano “conquistando con esto renombre imperecedero”. Estos datos vienen a cuento por el excepcional CD que el grupo Sphera AntiQva, que dirigen Javier Illán y Pablo Gutiérrez, ha dedicado a la música en las misiones jesuíticas, titulado Misión: Barroco Amazónico. Aquellos misioneros, en su inquietud apostólica no se quedaron en Argentina, Chile y la gran provincia jesuítica del Paraguay. Ampliaron su campo de acción hacia el noroeste boliviano, donde encontramos las reducciones de chiquitos y, más al norte, la de indios moxos. El legado musical de esas comunidades misioneras es verdaderamente un tesoro y la grabación que nos ocupa es buena prueba de ello. Para llegar a realizarla han sido muy importantes los trabajos musicológicos y prácticos de Piotr Nawrot, luthier creador de los que Javier U. Illán ha llamado violines de la selva (Ed. Cuarto Centenario, 2010). Conocí a Piotr Nawrot en el tristemente desaparecido Real Musical de Madrid, donde ejerció un tiempo como maestro guitarrero. Su incansable labor en tierras americanas había ya hecho posible el resurgimiento de esta música evangelizadora, y festivales tan especiales como el de San Ignacio de Moxos y el de Música Renacentista y Barroca “Misiones de Chiquitos”. Pensemos que en los Archivos de Chiquitos y de Moxos hay más

de ochenta misas polifónicas y que en este último se han encontrado hasta quince arias da capo a la usanza italiana de la época, fines del XVII y primera mitad del XVIII, pues la música de las reducciones se mantuvo hasta 1767, fecha de la expulsión de los jesuitas de España. Su pervivencia ha sido precaria hasta la eclosión actual, de la que nos da buena cuenta esta grabación. El grupo Sphera AntiQva, con la cuerda completa, tiorba y guitarra, clave y órgano, bajones de hoja de palma y jerures, percusiones indígenas y europeas, flauta travesera... todos instrumentos barrocos, nos ofrece en el cedé hasta veinte cortes con suites barrocas, sonatas, pastorelas en lengua autóctona y hasta curiosidades como arias da capo en toda regla como Quid moror Maria (¿Por qué te detienes, María?) con sus ornamentos muy bien resueltos por la soprano Soledad Cardoso. Todas las obras son anónimas, salvo una Elevación en Fa, del músico toscano Domenico Zipoli, jesuita que, desde Sevilla, cruzó el océano estableciéndose en Córdoba (Argentina). Músico y sacerdote de gran talento y honda espiritualidad (había estudiado con Pasquini y fue organista de la Iglesia de Jesús en Roma), su Elevazione para órgano, arreglada para Sphera AntiQva por A. Martín Saldaña, corona con dulzura mística un disco tan meritorio como sorprendente. ¿Quién no pensaría que estamos ante un Vivaldi moxo al escuchar el Allegro de las Folias (pista núm. 3)?.

“Un disco tan meritorio ” como sorprendente.”

MISIÓN: BARROCO AMAZÓNICO: Música de las misiones jesuíticas de los indios Chiquitos y Moxos Sphera AntiQva / COLUMNA MUSICA / Ref.: 1CM 0269 (1 CD) D2

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di v e r di

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Bajo el auspicio del Papa caprichoso
Una selección del Codex Medici por la Cappella Pratensis
Urko Sangroniz

Argumentos sacros
Alamire dedica un CD a las Cantiones Sacrae de Tallis y Byrd
Caronte

Salud de hierro
El coro Josquin des Préz dedica un CD al autor que le da nombre
Urko Sangroniz

Durante el papado de León X, Roma se vio abocada a un permanente dispendio económico donde las multitudinarias cacerías y los suculentos banquetes se sucedían, sin reparar en lujos ni en pecados de ningún tipo. Sus extravagancias eran bien conocidas y, por mencionar alguna, escogeremos la ocasión en la que sus súbditos contemplaron su elefante blanco, regalo del Rey de Portugal, pasearse por la ciudad como si tal cosa. Tantos excesos acabaron por menguar las en principio bien surtidas arcas papales, y aun así, la renuncia a tales caprichos resultó infructuosa. Entonces, y para hacer frente a la situación, se decidió establecer otras formas de recaudar dinero. La venta de indulgencias se convertiría en un nuevo recurso y con ello, sin llegar a ser el único motivo, surgiría la Reforma protestante, pero ésa es otra historia. Aun así, no todo fue derroche, que por algo León X era un Medici: el impulso al desarrollo de las artes era algo consustancial a él, y bajo su amparo los más excelsos poetas, pintores y músicos desarrollaron su obra para deleite del papa y sus allegados. También para el nuestro propio, pues gracias a su iniciativa podemos disfrutar hoy de las 53 obras que integran el Codex Medici. El presente disco recoge una selección del mismo con obras de De Silva, Willaert, De la Fage, Desprez, Festa y Jean Mouton, por quien el Papa sentía verdadera admiración. A excepción de la primera y la última, todas las demás pertenecen al mencionado códice. La muestra abarca desde los grandes éxitos de la época hasta otras obras menos conocidas, como es el caso de la laudatoria Gaude felix Florentia que abre el disco, por ejemplo. Bajo la precisa y detallada dirección de Joshua Rifkin, autor de la edición musical, la Cappella Pratensis imparte una lección magistral de estilo, convicción y criterio interpretativo.

Se me ocurre que cuando una reina –y no una cualquiera, sino Isabel I de Inglaterra– le concede a una pareja de músicos –maestro y alumno para más señas– “el monopolio en la impresión y venta de partituras durante 21 años”, qué menos –digo yo– que ponerse como locos a componer, publicar una colección más que notoria y dedicarle la edición a la susodicha reina. Pues bien, así debieron pensar Thomas Tallis y William Byrd cuando se vieron agraciados con tan infrecuente privilegio real, ya que en 1575 dieron a los cajistas del editor Thomas Vautrollier las notas de sus Cantiones, quae ab argumento sacrae vocantur –esto es: canciones cuyo argumento puede llamarse sacro–. Los dos autores tuvieron además la deferencia de escribir 17 motetes cada uno, número que –sin ser muy redondo ni sonar para nada a aniversario– venía a coincidir con los años que Isabel I llevaba sentada en el trono, y además, introdujeron en el prólogo –todo un detalle– unos poemitas en latín. La música contenida en estas Cantiones es –como ya se podrán figurar nuestros lectores– una maravilla. Tanto por su factura técnica como por el elevado efecto espiritual que tanto anglicanos como católicos –sumidos en un cada vez más violento enfrentamiento– pudieron encontrar en estas páginas. Alamire y su director David Skinner plantean su versión desde el reposo y la contemplación. Escuchando este disco uno tiene la sensación de estar sentado junto a un arroyo que no para de fluir, y que –y esto es lo mejor, tratándose de un grupo inglés–, de cuando en cuando se agita, sacude las aguas cristalinas y nos salpica, alentado, sin duda, por los dictámenes del texto, los mismos que Tallis y Byrd acertaron a transformar en nudos gordianos dentro un tejido sonoro asombroso.

Qué envidia –sana, por supuesto– nos da comprobar la buena salud que posee el panorama coral alemán cuando de nuevo escuchamos a otro coro germano que, literalmente, lo borda. En esta ocasión se trata del Kammerchor Josquin des Préz, del que no teníamos ninguna referencia. Ya desde el inicio, el programa monográfico dedicado a Des Préz refleja la ambición artística del proyecto con una selección de motetes de gran exigencia técnica, entre los que destacan sobre todo dos, el O virgo virginum y el Ave nobilissima creatura, a 6 partes y de considerable duración en ambos casos. Dos cánones engrosan la lista, el Ave virgo sanctissima a 5 y el Sit nomen Domini a 10 partes, de dudosa autenticidad. Pero el momento álgido llega con la Missa Pange Lingua, la última aportación al género que Josquin realizara en 1514 utilizando el himno gregoriano cuyo texto se atribuye a Tomás de Aquino. Todos los expertos coinciden en definirla como una obra capital que aúna fantasía e intelecto, pasión y mesura. En ella Desprez despliega todo su conocimiento en el tratamiento del contrapunto y, a pesar de no romper con los límites establecidos, logra sin embargo un desarrollo técnico que otros apenas pudieron imaginar. El conjunto fascina desde el inicio por la impecable afinación y por el empaste compacto, sobre todo de las voces graves. La articulación se ve empañada levemente por la reverberación de la iglesia. Destaca también el buen criterio en el uso de las dinámicas, así como el natural fraseo, más propio de otros conjuntos consagrados. Todo se aclara cuando caemos en la cuenta de que su director, que además interpreta las entonaciones de canto llano, es Ludwig Böhme, miembro fundador del Calmus Ensemble. Deseamos que éste sea el primero de muchos otros discos, los aficionados a la música lo agradeceremos. No se lo pierdan.

VIVAT LEO!: Música para un Papa Médici (obras corales de Andreas de Silva, Adrian Willaert, Johannes de la Fage, Jean Mouton, Josquin Desprez y Costanzo Festa) Cappella Pratensis. Joshua Rifkin, director / CHALLENGE RECORDS / Ref.: CC 72366 (1 SACD) D1

THOMAS TALLIS (1505-1585) & WILLIAM BYRD (15401623): Cantiones Sacrae 1575 Alamire. David Skinner, director / OBSIDIAN / Ref.: OBSCD 706 (1 CD) D2

JOSQUIN DESPREZ (1450/55-1521): Missa Pange Lingua Kammerchor Josquin des Préz. Ludwig Böhme, director / CARUS / Ref.: CARUS 83.345 (1 CD) D2

pues sólo John Dowland y Gregory Howet han de ser considerados músicos renacentistas (y. más obligado por las circunstancias (acababa de escapar de la cárcel en la que cumplía condena por un delito de pederastia) que por su deseo de conocer de cerca la música que se hacía en el país transalpino. eternos gozos. Dominique Visse.. se atreve con las disminuciones de Rognoni sobre Ancor che col partire. S’el vostro cor Madonna. como afirma la soprano en una nota de esclarecedora franqueza incluida en el folleto acompañante.antigua 200 / febrero 2011 11 Prometedor debut El Leupold Trio recorre el universo de la sonata italiana Eduardo Torrico Cuando el arte se trama con la vida Parole e querele d’amore. besos ardorosos. mil veces al día alejarme de ti quisiera.). contratenor. una trama inextricable de sentimientos y actos. Digamos. No hay afecto poético vinculado al amor que no quedara sellado en la infinidad de arias. que la mayoría de los autores que aportan obras al programa fueron barrocos y que no es la nacionalidad lo que les une. Eso y. Dowland fue inglés y Howet parece que fue flamenco (durante años fue tenido por inglés y aún es hoy el día en que los holandeses lo reclaman como suyo). Sances.” Habría que fijar. celos aterradores. repleta de ascensos y caídas. como los del Libro VII de Monteverdi (Interrotte speranze. Los anglosajones suelen usar el término para referirse a la eclosión de los ideales humanistas. Habituales integrantes del Combattimento Consort Amsterdam. En solitario. Lagrimosa beltà de Sances o Ti lascio anima mia de Valentini. cada momento. de alegrías y amarguras. por “renacimiento temprano”. el violonchelista Wouter Mijnders y el tiorbista Sören Leupold) hace aquí su debut discográfico. sino el haber compuesto sonatas al modo italiano. Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos dúos inolvidables. en la Florencia de los Medici (y más concretamente. claro está. Cantai un tempo de Da Gagliano. de encuentros y desencuentros. es decir. La música italiana del Seicento sirve como acogedor receptáculo de este intrincado itinerario personal y artístico. qué entendemos por “early renaissance“. desde 1469 hasta 1492). siempre bien arropada por el lirone de Marco Horvat. cuerpos deseantes. acompaña con la complicidad y la discreción que precisan las pasiones íntimas desatadas. madrigales y cantatas que parieron los grandes maestros de la monodia italiana del siglo XVII. tan dulces son mis regresos. las querellas y la desesperanza se hacen más agudas: Visse les dedica Usurpator.: ZZT 101001 (1 CD) D2 . antes que nada. Fundado en 2003. pues. Excelente su lectura de la celebérrima Follia corelliana. Su la cetra amorosa de Merula. Tanto es el placer que siento por la vida que obtengo en mi retorno.: CC 72369 (1 CD) D2 PAROLE E QUERELE D'AMORE: Madrigales a dos voces de Monteverdi. Vorrei baciarti. El Ensemble Barcarole. LEUPOLD TRIO: Con Chitarrone (Sonatas italianas del primer renacimiento al barroco) Leupold trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. Todo un hallazgo. al periodo en que gobernó Lorenzo el Magnífico. que era como también se conocía allí a la tiorba. Ambos fueron amigos y viajaron juntos. caricias torrenciales. También Rosenmüller la visitó. el empleo del “chitarrone”. renacentistas tardíos). aplicados fundamentalmente al arte.. aquel madrigal de Cipriano de Rore en el que tan admirablemente se funden las paradojas enmarañadas de vida y arte de la que nos habla este disco emocionante: Aunque con mi partida me sienta morir. Y. soprano. pero sólo hay constancia de que el primero visitara Italia. la tiorba de Eric Bellocq y las teclas de Brice Sailly. inhumanas desesperaciones.. así. Dominique Visse Agnès Mellon y Dominique Visse arrastran una larga relación personal y artística. Dos son sus virtudes en este registro: el buen gusto a la hora de seleccionar las piezas y el exquisito gusto a la hora de tocarlas. los tres tienen tras sí una larga y reconocida carrera. angustias arrasadoras. Strozzi. además. tiranno della tua libertà de Sances. Ensemble Barcarole / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. aunque la viola bastarda de Marianne Muller. Descartemos. creado por Mellon hace unos años. y Mellon L’Eraclito amoroso de Barbara Strozzi. que queda bien simbolizada en este CD en el que. Uno podría plantar su hamaca y quedarse allí toda la vida entre labios ardientes.. que el subtítulo de este Con chitarrone (“Sonatas italianas desde el renacimiento temprano al barroco”) guarde relación alguna con el término “early renaissance“. fabuloso recital barroco de Agnès Mellon y Dominique Visse en Zig-Zag Pablo J. de palabras y querellas de amor. Rognoni y otros Agnès Mellon. partir quisiera cada hora. pues. el Leupold Trio (la violinista Eva Stegeman. Vayón “Dominique Visse acude al más tierno registro de su camaleónica voz para fundirse con la siempre acariciante Mellon en algunos ” dúos inolvidables. “las palabras se pronuncian con la voz y se cantan con el corazón”.

la viola da gamba es uno de los pocos instrumentos relacionados con la música antigua que ha generado un repertorio propio en nuestros días. Acompaña de modo impecable su grupo. y que explora todo el rango expresivo y las posibilidades tímbricas del instrumento. Lambert se especializó en cualquier caso en la escritura de arias de corte. por su parte. sigue con una especie de suite en cinco movimientos para viola sola (Les Géosophiques). reuniendo ya hoy en su torno a un grupo de intérpretes de altísimo nivel y a una cantera floreciente. io vi sò dire). un segundo dúo y un trío final (La clepsydre). Viviani y del propio Ferrari. La relación de parentesco incrementaría sin duda las oportunidades de colaboración entre ambos músicos. Lo nuestro ha sido amor a primera vista. gracias a la labor de diferentes centros de formación y de maestros insignes (con Savall y Wieland Kuijken como grandes referencias). quien aquel mismo año publicó su primer libro de airs de cour. Liam Fennelly y Pau Marcos. soprano. El tenor belga Stephan van Dyck presenta en este disco una selección de estas delicadas y sugerentes piezas vocales entremezclándolas con sinfonías. con Topographic Long-Range. chaconas y otras danzas escritas por Lully en sus Trios pour le coucher du roi. De las obras de Ferrari que han llegado hasta nosotros. por supuesto. que forman conocidos intérpretes barrocos (Terakado. cual nuevo Midas. de Van Dyck una fuente continua de sugestiones y emociones artísticas del más alto rango. desde la emersión del recitar cantando hasta el estilo operístico propio de la mitad del siglo XVII (melodía más definida y ritmo más claro). La obra se abre con un dúo (¡un rock!). en uno de los instrumentos más requeridos en las escuelas de música antigua. Castaldi. Vayón Música divina. con recurso a ritmos repetitivos. Michel Angers. Uemura. orientadas por Lully a la creación de un estilo nacional francés que fuera reflejo de la majestuosidad y la exuberancia que se trataba de transmitir desde el Versalles del Rey Sol. ofrece en este disco una nueva muestra al reunir piezas del reconocido mercenario escocés Tobias Hume (c. Marianne Muller consigue recrear con convincente intensidad y variedad de matices el particular mundo de Fischer y otorga al Capitán Tobias Hume un tono de adusta serenidad que parece el antídoto de su ardor guerrero. violas da gamba. que solían participar en los ballets reales.: ZZT 100501 (1 CD) D2 De un tiempo a esta parte han aparecido en el mercado numerosos discos. hija de Michel. Eso ha contribuido a que Ferrari adquiera una cierta popularidad entre los amantes del Seicento. 1637 y 1641). quizá a rebufo del que grabara en Ambroisie el contratenor Philippe Jaroussky. Perrot). convierte en oro todo cuanto toca. lo mejor radica en la formidable interpretación de dos desconocidos canadienses. músico dilettante y virtuoso. AMANTI. “Pur ti miro”. TOBIAS HUME (1569-1645): The First Part of Ayres. ERIC FISCHER: Topographic LongRange Marianne Muller. La voz de Bélenger es un prodigio en el que se funden su natural belleza y una dicción cuasi perfecta. piezas para voz solista y acompañamientos de cámara diversos. Olvidado por completo de la práctica magistral durante más de un siglo. en el que fue instruido por su profesor Etienne Moulinié. Stephan van Dyck. Pero más allá de eso. quien.: STR 33877 (1 CD) D2 . tiorba / STRADIVARIUS / Ref. trufadas de piezas para tiorba de Piccinini. IO VI SÒ DIRE: Música variada para voz sola del Sig.1569-1645). la famosa Amanti. Musica Favola. Al siguiente. Gevers. Lo digo ya sin ambages: desde hoy me convierto en incondicional fan de la señora Bélanger. pieza en cuatro secciones (la segunda dividida a su vez en cinco partes) compuesta en 2008 por el compositor y saxofonista Éric Fischer (1961). los dos músicos ascendieron en el escalafón. es debido a su numen). la viola da gamba ha seguido un camino muy singular. sino transitar musicalmente del tradicional estilo antiguo. Recoge este compacto del sello Stradivarius nueve de esas monodias (entre ellas. Captaine Humes Poeticall Musicke. la precisión prosódica. Marianne Muller. destaca por una digitalización impoluta y por una notable potencia sonora. tenor y dirección / ACCENT / Ref. La voz pequeña. Lully se había casado con Madeleine Lambert. por Musica Favola Pablo J. condición ésta no demasiado frecuente en el gremio de la cuerda pulsada. Vayón Topografía de la viola Marianne Muller ofrece un recital con obras de Hume y Fischer Pablo J. Con ser buena la música. monográficos o compilaciones. D'UN FEU SECRET: Arias de corte de Michel Lambert y Jean-Baptiste Lully Musica Favola. que harían su fama futura y de las que dejaría una última edición en 1689. Benedetto Ferrari (incluye obras de Alessandro Piccinini.1603-1681). formada con Kuijken. que lamentan sobremanera el hecho de que no haya sobrevivido ninguna de sus óperas (paradójicamente. su lenta recuperación se aceleró en los años 60 desde la cátedra de August Wenzinger en Basilea hasta convertirse. ya no hay la más mínima duda de que el bellísimo dúo final de la monteverdiana L’incoronazione di Poppea. Música circular.12 di v e r di antigua El fuego secreto Arias de corte de Lambert y piezas de Lully.: ACC 24234 (1 CD) D2 Entre los instrumentos antiguos rescatados por la ola historicista que arrancó a finales del siglo XIX y alcanzó su máximo esplendor en la segunda mitad del XX. que hacen aquí su debut discográfico: la soprano Peggy Bélanger y el tiorbista Michel Angers (siempre me he preguntado de qué se alimentan en Canadá para que haya tantos y tan buenos músicos). a las nuevas maneras de finales del siglo XVII. dos años después del fallecimiento de su poderoso yerno. voz celestial Debut discográfico de la soprano canadiense Peggy Bélanger Eduardo Torrico Sus ochenta y seis años de vida permitieron a Michel Lambert (1610-1696) no sólo conocer muy de cerca la actividad de la corte francesa bajo dos reinados diferentes y un largo período de regencia. intimista y delicadísima. monsieur Lully convirtiéndose en el Superintendente y Compositor de la Música del Rey y su suegro en Maestro de la Música de la Cámara del Rey. destacan tres libros. Bellerofonte Castaldi y Girolamo Viviani) Peggy Bélanger. el énfasis justo sobre cada marca expresiva hacen de la interpretación. pero clara y nítida. Acompañada cuando la ocasión lo requiere por las violas de Liam Fennelly y de Pau Marcos. Zylberajch. Angers. la exquisitez y elegancia del fraseo. Musiche varie a voce sola (Venecia 1633. en los cuales se constata el cambio en la monodia acompañada. violas da gamba / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. dedicados a Benedetto Ferrari (c. En 1660.

números puramente instrumentales (obertura. pero ésta que acaba de publicar Raumklang a cargo del conjunto Amarcord y de la Cappella Sagittariana de Dresde no tiene que envidiar a ninguna. conocidos de grabaciones anteriores.: RKAP 30107 (1 CD) D2 El Boston Early Music Festival. su música se caracteriza por la perfecta fusión del estilo francés y del italiano que Charpentier aprendió de Carissimi en Roma. a las de Gardiner (Archiv) y Christophers (Coro). fundado en 1980 y dirigido por Paul O’Dette y Stephen Stubbs. la obra se contextualiza en un programa hermosísimo dedicado a la música fúnebre de la Alemania de la época. Orphée descendant aux Enfers. en Raumklang nianas de obras de Charpentier Pablo J. La Pierre Philosophale Boston Early Music Festival Vocal & Chamber Ensembles. tan característica de mucha música alemana del tiempo. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes. Johann Hermann Schein. Motetes fúnebres de Stephan Otto. El CD se abre en cualquier caso con una obra anónima escrita sobre el salmo penitencial Gott. o. Johann Rosenmüller. con escenas corales de cazadores y de ninfas. cuatro ripienistas. el conde Heinrich Posthumus Reuss. recibieron representaciones privadas cuya fecha exacta y lugar de ejecución no nos consta. fagot y continuo. con un equilibrio. dirigidos por los arriba citados. nos brindan una extraordinaria recreación de estas tres geniales piezas del prolífico y cada vez más conocido y apreciado Charpentier. ” medio de las catástrofes provocadas por la Guerra de los Treinta Años. en especial para aquellos que podían permitirse tiempo para la reflexión y dinero para satisfacer sus ansias de conocimiento y consuelo espiritual y artístico. Son muchos los registros discográficos que existen de esta obra esencial de la historia musical de occidente.antigua 200 / febrero 2011 13 Famosas últimas palabras Acteón. maderas. percusiones y un nutrido continuo). Cappella Sagittariana Dresden / RAUMKLANG / Ref. una delicadeza. con Santiago Salaverri Azotadas fieramente por los cuatro jinetes del Apocalipsis. Johann Hermann Schein y Michael Praetorius y una obra organística de Heinrich Scheidemann completan un CD interpretado todo él de manera formidable. Entre ellos. Hasta 10 solistas. la morbidez de la línea melódica. las tierras del Imperio no fueron precisamente el paraíso durante los años centrales del siglo XVII. y Thésée y Psyché de Lully. pues la obra. En honor de la primera escribió un delicadísimo lamento (Mit dem Amphion zwar). pues. Michael Praetorius y otros) Amarcord. una desnudez y una intensidad expresiva que llegan a sobrecoger. Suerte de ópera de pequeño formato. a Ixión y Tántalo. ahora.: 777613-2 (1 CD) D2 . aquí figurada por violín. sei mir gnädig nach deiner Güte que fue compuesta en Leipzig seguramente en los primeros años del siglo XVIII y que nunca se había grabado antes. Difícilmente podía imaginar el príncipe que el músico iba a corresponder al encargo con una de las obras maestras absolutas de la música para difuntos de todos los tiempos: las Musikalische Exequien forman en efecto un tríptico en el que se resume lo mejor del arte musical de la Alemania del siglo XVII. el ligero y sutil divertissement para la comedia La Pierre Philosophale es una farsa danzable en la que falsos espíritus de los cuatro elementos se confabulan para engañar a un cándido burgués. que se incluye también aquí en una interpretación de una ternura subyugante debida a un tenor al que lamentablemente no se identifica. pues vio morir a su esposa Magdalena aún joven y a sus dos hijas en plena adolescencia. La visión es de una concensu toque italianizante. pasó a convertirse en la principal obsesión para muchos. La “pastoral en música” Acteon recrea el mito del cazador que. es bellísima. una delicadeza. Schütz conoció en carne viva los horrores de su época. con un equilibrio. Johann Rosenmüller. Orfeo y los cuatro elementos Fascinante recorrido a través de la música fúnebre de la Alemania Tres magníficas versiones bostobarroca a cargo de Amarcord y la Cappella Sagittariana. el fervor de los corales causa auténtica fascinación. Sabemos que la carrera de éste se vio condicionada por el monopolio de la creación de “tragedias en música” detentado por Lully. Paralelamente.: Paul O’Dette y Stephen Stubbs / CPO / Ref. por haber sorprendido a la casta Diana durante el baño. en otro tono. pone en escena en sus convocatorias bienales grandes óperas barrocas. plainte). estas obras. Por último. Un hallazgo. es transformado en ciervo y destrozado a dentelladas por sus propios perros. violín. quien hizo grabar en su sarcófago una sentencia de Pablo de Tarso a los Filipenses: “Cristo es mi vida. un coro de 14 componentes. de las que ahora nos llega el primer fruto discográfico. Vayón tración. La mezcla tímbrica del violín y las violas. Además. para voz sola y continuo. con obras profanas de Marc-Antoine Charpentier. el morir es ganancia” y encargó a Heinrich Schütz una pieza musical que honrara con dignidad sus pompas fúnebres. de las que el sello CPO nos ha ofrecido hasta el presente tres importantes primicias: Ariadne de Conradi. VON DEN LETZTEN DINGEN: Música fúnebre barroca de Alemania Central (obras de Heinrich Schütz. con más de un siglo de Humanismo y de reforma luterana detrás y en “Un CD interpretado todo él de manera formidable. Si la buena disposición para la muerte había sido siempre un asunto trascendental para la grey cristiana. un sentido de la devoción y una fuerza expresiva deslumbrantes. MARC-ANTOINE CHARPENTIER (1643-1704): Actéon. y arias y dúos bellísimos. en 2008 comenzó a representar óperas de cámara. La conmovedora cantata Orphée descendant aux Enfers nos lo describe enterneciendo con su lira. Un hallazgo. míticos moradores infernales. en diecisiete secciones y concebida para cuatro solistas. ni siquiera a la señera grabación de Philippe Herreweghe en Harmonia Mundi. Dirs. lo que sorprende. y una orquesta de 13 instrumentos (cuerdas. tres violas da gamba.

hubo de conjugar el más extraordinario virtuosismo con una poliédrica expresividad y una capacidad para los matices fuera de lo normal. Y el milagro se produjo. Entre ellos. es una pastoral navideña escrita en riguroso estilo recitativo en diálogo. limitándonos sólo a un aspecto concreto.14 di v e r di antigua Antiguos y modernos Conciertos para oboe de Vivaldi por P. Vayón Dice Pauline Oostenrijk en las notas a este disco del sello Challenge que siempre ha sentido una profunda admiración por una joven que vivió en la Venecia del Setecientos y de la que sólo sabemos que era huérfana. sin estridencias ni efectismos.: CC 72389 (1 CD) D2 Una pequeña corte perdida en el puzzle políticoterritorial del Norte de Italia. pero bebió en las fuentes de su escuela. empero. por ejemplo. No ha cambiado. La instrumentación está sin anotar. Como cuando Uccellini prevé un segundo violín ad libitum. su señera elegancia –a la Bergamasca de Vitali. Giovanni Battista Vitali. como su sobrino el cardenal Francesco. media docena de compositores: Maurizio Cazzati. Pero una tercera vía en la que la única que mantiene el instrumento moderno es ella. Compartimos su admiración. Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. jugando con la guitarra en este papel y el del bajo continuo. Gracias al mecenazgo de los Barberini. Willem de Vriend. su amplia gama de matices dinámicos. me remito– y tendrán un disco con mucha más luz que sombra. El conjunto Echo du Danube la ofrece con un continuo variado (sin clave. Giovanni Maria Bononcini y Archangelo Corelli) Modena 1665 / RAUMKLANG / Ref. pero todas demuestran un perfecto conocimiento del estilo y. llegado desde su Venecia natal en 1605. especie de cornamusa que da el tono pastoril a la obra. Es lo que pretende ilustrar el dúo Ombra e luce en este magnífico disco que lanza el sello Raumklang.: RK 2905 (1 CD) D2 Publicado en Roma en 1630. Benedetto Ferrari. cuerdas y bajo continuo Pauline Oostenrijk. su evolucionado instrumento moderno por aquel que de verdad tocó Pelegrina. arpa y diversos instrumentos de cuerda pulsada) e incluye violines y flautas dulces. Maurizio Cazzati. que se usan también en los preludios e interludios instrumentales añadidos.: ACC 24231 (1 CD) D2 . y Kapsberger. ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Conciertos para oboe. desde la llegada de Marco Uccellini en 1639. Unos maestros de capilla que se esforzaron por satisfacer las expectativas de sus patronos. una pronunciación más que suficiente. OMBRA ET LUCE: Música para violín en la Corte de Módena (obras de Marco Uccellini. Con una instrumentación tan “espartana” –son sus propias palabras– algunas arriesgadas elecciones se imponen. Giovanni Maria Bononcini. la fantasía de ambos. en Accent Pablo J. de Vriend Mariano Acero Ruilópez Más luz que sombra Música para violín en la corte de Módena. que son extraídos de algunas de las numerosas ediciones de Kapsberger y de obras de Giovanni Lorenzo Baldano. casi desde sus primeros pasos hasta su plena madurez. como es presumible. integrada por miembros de la formación matriz “y especialistas en el repertorio barroco” (cito por el folleto. Sobre la interpretación. director / CHALLENGE RECORDS / Ref. I Pastori di Bettelemme nella nascita di N. Jan Willem de Vriend. lo que garantizaba su absoluta comprensión por parte del espectador. que no trabajó en Módena. pero con órgano. haya querido rendirle homenaje en una grabación que recoge siete bellísimos –holgaba decirlo– conciertos del compositor veneciano. El tono interpretativo es delicado y elegante. desempeñaría un importante papel en el desarrollo de la música para violín. que no informa con detalle de los componentes) utiliza los consabidos instrumentos que antaño denominábamos originales. que el timbre del moderno oboe confiere un peculiar brillo a las notas vivaldianas y que –esto también holgaba decirlo– Pauline Oostenrijk es una oboísta sensacional. Añadan el virtuosismo de Kallweit. con coros homofónicos a seis voces. en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Navidades romanas Oratorio de Kapsberger por Echo du Danube. Giovanni Battista Vitali. Ludovico Roncalli y Benedetto Ferrari. optando por la denominada tercera vía. pese a no ser italianas. la Baroque Academy of The Netherlands Symphony Orchestra. Entendemos también que Oostenrijk. la denominó Vivaldi en la única partitura en que estampó su nombre). Ludovico Roncalli. gran y admirada profesional del oboe. GIOVANNI GIROLAMO KAPSBERGER (1580-1651): I pastori di Bettelemme y otras obras de Kapsberger y Giovanni Lorenzo Baldano Echo du Danube / ACCENT / Ref.000 a 20. al que Kapsberger dedica su obra y quien con casi toda seguridad corrió con los gastos de la edición. escrito en lengua vulgar. El efecto logrado es hermoso y lleno de encanto. Una muy interesante novedad de repertorio. Archangelo Corelli. La Módena de la familia D’Este –de 15. la más conocida es la de la soprano Constanze Backes. O lo que es lo mismo. Giesu Christo. El director es un consumado especialista en el experimento. hemos de reconocer que el grupo orquestal suena magníficamente. dialogo posto in musica es una muestra más del poder de los Barberini en la capital pontificia. vinculado al recitativo y la monodia. la evolución completa de la música para violín solo en los dos últimos tercios del Seiscientos. con libreto de Giulio Rospigliosi. realizando un ilustrativo recorrido desde el propio Uccellini hasta Arcangelo Corelli. I Pastori di Bettelemme. 1665. aun admitiendo que es éste un ámbito en el que son más lo puro a lo mezclado. Si. S. Roma se había convertido en un centro clave del desarrollo musical del nuevo estilo. mientras el grupo orquestal que la acompaña. un oratorio en toda regla. buena parte de las obras para oboe del compositor fueron escritas para ella. En cuanto al resultado. bastará señalar que los componentes de Ombra e luce son Georg Kallweit (violín) y Björn Colell (tiorba y guitarra barroca): dos nombres mayores en la interpretación historicista. Unos gobernantes que hicieron de la música su seña de identidad.000 habitantes en la segunda mitad del siglo XVII– se convirtió en uno de los grandes centros musicales de la península que. oboe. con la excepción de la sordinella. Guiseppe Colombi. Oostenrijk y W. que conoce muy bien los vericuetos estilísticos barrocos. había devenido en la gran personalidad musical del momento. que se llamaba Pelegrina y que era una consumada oboísta (Pelegrina dall’oboe. Giuseppe Colombi. Maffeo Barberini era Papa como Urbano VIII desde 1623 y muchos de sus familiares ocupaban puestos claves en la organización del Estado. De las seis voces convocadas.

con la que debutó hace más de una década– está realizando una monumental carrera discográfica planteada en forma de producciones. Entre sus grabaciones resulta interesante su atención por ciertos arreglos que han sufrido un notable desprecio por parte de los guitarristas actuales: ha dedicado así un disco a las transcripciones de Tárrega de música de Beethoven y Wagner (ODE 1013) y otro a los arreglos de música de Chopin que se completa con las canciones populares catalanas de Llobet (ODE 903). Bach y. a la que ya nos referimos en el comentario de las sonatas. en Roma. Y un punto de heterodoxia creativa. en definitiva. hace fascinante este disco de principio a fin. que firma colectivamente el disco. de esto.: RK 2904 (1 CD) D2 . sobre todo. Se dejó influir por el estilo dominante en los sitios que visitó –algunas de sus piezas exhalan un tenue aroma francés– y. de neumas. S. un capricho que se permitirían muy pocas empresas discográficas en la actualidad. que no es nada claro que estuvieran en la altísima abstracción de estas obras en la mente de su portentoso creador. este disco tiene una doble coherencia: por una parte. Por lo demás. de las figuraciones melódicas. ni creo. sigue la vía de su particular interés por la interpretación en la guitarra de música concebida para otros instrumentos. finlandés hasta la médula. lo que propone Korhonen es la adaptación de la música original a los recursos idiomáticos de la guitarra. que está realizando una monumental carrera ” discográfica. Korhonen intenta distanciarse de aquellas orientaciones. se convierten en la guitarra de Korhonen en una especie de golpes de aliento. más descriptivas que expresivas. XVII) The Foscarini Experience / RAUMKLANG / Ref. Ese punto de desorden creador –en contraposición a un “orden en la casa” que se deja caer en plena folía– que. París y Venecia. autodenominado il Furioso en alguna de sus publicaciones. cultivó el instrumento que dominaba y amaba. Pero ninguna historia de la música deja de señalarlo entre los grandes cultivadores de la guitarra en el siglo XVII. innovando. con esa grandeza excesiva nórdica que. a menudo con un toque de originalidad amparado en sus desbordantes capacidades para engullir repertorios. Y se sabe que a la muerte del archiduque Alberto de Austria partió de Bruselas en compañía de un violagambista y una percusionista. por ejemplo– que contribuyen también a la expresión de la discontinuidad. En este sentido. por otra. Italiano de origen. Korhonen ocupará un lugar indeleble en la historia del repertorio guitarrístico como dedicatario del Concierto de Helsinki para guitarra y orquesta de Leo Brouwer. el ritmo danzante y hasta la euforia. en particular. aunque éste es un camino habitual de la tradición guitarrística culminada por Andrés Segovia. en coalición con el sello Ondine –compañía bandera de la discografía finlandesa. que evoca un mítico disco que Lislevand dedicara a Kapsberger y. guitarra / ONDINE / Ref. es un guitarrista torrencial. a su música para violín solo: en marzo de 2009 salió su grabación de las sonatas (ODE 1128) y en 2010 las partitas que presentamos aquí en un doble CD que nos demuestra hasta qué punto los finlandeses no reparan en gastos y miman a este buque insignia de la guitarra escandinava. con algunos gestos interpretativos derivados de la técnica del violín –como retener dominantes. de ahí el uso de afinaciones irregulares (scordature). combinando el viejo estilo battente con el pizzicato puro del laúd para alumbrar el estilo mixto que desde entonces primó entre sus continuadores. Hay momentos para la introspección y la poesía. más viva cuando interviene el grupo. al menos. más que una transcripción a la manera romántica de un Ferruccio Busoni imitada por Segovia.: ODE 1164-2D (2 CD) D2 BON VOYAGE: Música de Giovanni Paolo Foscarini (s. 1629-1647). como en el disco dedicado a las sonatas. La dimensión arquitectónica de la música para violín solo de Bach la interpreta Korhonen de una manera neumática: con un fraseo hecho de impulsos de aliento. ni digo.antigua 200 / febrero 2011 15 El Bach neumático en la guitarra de Timo Korhonen El guitarrista finlandés firma otro referencial registro para Ondine ¿Orden en la casa? Bendito desorden Precioso disco dedicado a Foscarini en Raumklang Mariano Acero Ruilópez Javier Suárez-Pajares “Un guitarrista torrencial. pero en un puñado de piezas se hace acompañar por Nora Thiele y Daniel Zorzano. con esa grandeza excesiva nórdica. O mejor. Los arcos del violín. repitiendo hasta en el género la composición de aquel trío que hace casi cuatro siglos salió de Bruselas: es The Foscarini Experience. Cerca de una treintena de sus piezas componen este precioso disco que el laudista y guitarrista Frank Pschichholz le dedica en Raumklang. Korhonen emplea su guitarra Weissgerber de 1928 cuya claridad y neutralidad sonora. Hay muchas zonas oscuras en la biografía de Giovanni Paolo Foscarini (act. a borbotones. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685–1750): Partitas para violín solo (arregladas para guitarra) Timo Korhonen. una excepcional técnica y una expresividad comunicativa. más aún. residió. para el alborozo. la guitarra. la estudiada prolongación de los bajos y un fraseo en el que se separan muy netamente los pasajes ligados. Esto se evidencia cuando constatamos que el segundo disco sólo contiene veintiún minutos de música. acompaña bien a su interpretación de una música a la que atribuye unas particulares intenciones retóricas.” Timo Korhonen. Y siempre. Implicado también con la creación contemporánea para guitarra. que reinterpreta los originales según parámetros estéticos de un tiempo distinto. Yo. al propio Foscarini experimentando e innovando. Bruselas. en los que deja las cuerdas de la guitarra vibrar libremente. En la trayectoria de Korhonen. Pschicholz es el gran protagonista del disco. Sus últimas dos producciones están dedicadas íntegramente a J.

Valetti y Frisch. PABLO VALETTI: Antes de decidir mi traslado de Buenos Aires a Europa en 1991. como directores artísticos del proyecto y rodeados de grandes intérpretes. los Conciertos de Brandenburgo. los dos directores de Café Zimmermann han hecho un alto en el camino para hablar en exclusiva para Diverdi. Andreas Staier. las Suites orquestales y varios conciertos. como homenaje actual a aquel vanguardista Collegium Musicum creado por Georg Philipp Telemann (y dirigido por Johann Sebastian Bach) que tenía su sede en la cafetería de Gottfried Zimmermann en Leipzig. presente y futuro de su trayectoria. aunque tuviésemos diferentes profesores. todo en un estilo camerístico vivaz e imaginativo. como a los compradores de discos con un flujo constante de grabaciones para el sello Alpha (el grupo alcanzó su madurez coincidiendo con el exitoso crecimiento de esta discográfica francesa). para mí fue crucial una destacada figura y personalidad de nuestra etapa en la SCB.16 di v e r di entrevista Céline Frisch & Pablo Valetti “Nuestras interpretaciones buscan la riqueza de la diferencia” Entrevista exclusiva con los creadores de Café Zimmermann Mark Wiggins fotos © Petr Skalka Pablo Valetti (PV) y Céline Frisch (CF) son dos buenos ejemplos de la actual generación de intérpretes de música barroca. él es la primera persona que ha estudiado el bajo continuo con tanto detalle. me interesaban múltiples estilos de música (rock & roll. Creo que. creando su propio conjunto instrumental bajo el nombre de Café Zimmermann. Una vez completada la grabación de la serie de Concerts avec plusiers instruments. cuyos estudios superiores comenzaron a principios de los años 90 en esa incubadora musical que es la Schola Cantorum de Basilea. en una inmensa cantidad de estilos. este violinista argentino y la clavecinista de Marsella se unieron a otros músicos que compartían la misma inquietud por explorar el universo barroco y más allá. Jesper Christensen (quien formó parte del Ensemble 415 de Chiara Banchini). A sus clases no solo acudían clavecinistas. hindú. escrutando el pasado. Poco antes de completar sus estudios. y en medio de todo esto fue creciendo en mí . juntos o por separado. La selección de obras para cada disco combina a la perfección con las reveladoras obras pictóricas escogidas y comentadas por Denis Grenier en la serie Ut pictura musica de Alpha. Resulta especialmente destacable la serie de cinco discos dedicados a Bach (cuyo sexto y último volumen tiene prevista su aparición para el próximo otoño) que incluyen. folclore. sino también violinistas y otros estudiantes. con toda seguridad. Ha analizado numerosos tratados y todas las fuentes que ha podido encontrar. no acaban en esta colección bachiana. la formación y el estudio del estilo barroco recibidos en la SCB fue crucial. a mí misma. dado que muchos de los intérpretes que han tocado en Café Zimmermann –incluyendo a Pablo. no sólo por enseñarme música de cámara. un poco de tango y también música clásica). entremezclados. Además de mi maestro de clave. llevan desde 1998 deleitando tanto al público de conciertos con sus imaginativos programas. Pero los frutos del entusiasmo musical de Valetti y Frisch. y ha volcado todo eso en la enseñanza de cómo debía sonar en la práctica. sino también todo lo concerniente al bajo continuo. DIVERDI: ¿Qué ha supuesto para vosotros estudiar en la Schola Cantorum Basiliensis? CÉLINE FRISCH: Cuando decidimos fundar el grupo. y al chelista Petr Skalka– tenemos en común la estancia en la Schola.

con sólo cuatro intérpretes. La idea original de fundar Café Zimmermann fue de Céline. Nuestro punto de vista parte de la consideración de que.: ¿Qué importancia tiene para vosotros el espíritu camerístico de Café Zimmermann a la hora de interpretar Bach? C. foto © Petr Skalka . D. el enfoque camerístico es más apropiado aquí que en otras composiciones cuyas voces interiores no son tan interesantes o no están tan desarrolladas. Nuestro enfoque del contrapunto contrasta con el modo de pensar en vertical del clavecinista. y que resultaba. más tendremos que concentrar las decisiones en una sola persona. Cuando haya mucha gente involucrada.: ¿Cómo nació la serie de grabaciones bachianas Concerts avec plusieurs instruments del sello Alpha? C. Dimos allí un concierto.V. D.V. Aunque en Basilea tuve la oportunidad de unirme y tocar con músicos con los que compartía un mismo enfoque estilístico. pues no podemos pasar horas y horas discutiendo. Quizás esta música encaja tan bien con nosotros porque nos gusta mostrar la riqueza de cada voz y podemos beneficiarnos de la contribución de cada instrumentista. Mis maestros más destacados fueron Chiara Banchini y Jesper Christensen. Otra idea importante era la de trabajar con dos instrumentistas en el bajo. Estas obras de Bach incluyen además partes instrumentales muy interesantes.” un interés y afinidad por la música barroca. quien había fundado recientemente el sello Alpha y era director en Normandía del Festival de Música de Arques-la-Bataille. solemos crear y elaborar sonido durante toda la obra. decidimos emplazar cuatro obras en cada álbum. Pisendel y Biber. como en el Primer Concierto de Brandenburgo o las dos Suites orquestales en Re mayor. sobre todo la música alemana de los siglos XVII y XVIII. por ejemplo– no me sentí tan cómoda. Tocar así otorga más vida e individualidad a cada músico que si se interpreta con una orquesta. lo que nos unió fue que nos encantaba tocar juntos. Más que por el hecho de que a todos nos encantaba la música barroca –nos gustaba el mismo repertorio. Para nosotros existe un modo muy distinto de desarrollar el sonido: los instrumentistas de cuerda probablemente se enfoquen más en la melodía y en el diálogo entre melodías. pues. cuando me crucé con gente que había estudiado en Francia –en París o Lyon.F. como las escritas para la viola o el segundo violín. Descubrí que había muchísima fantasía en esta música. por supuesto.V. Intentamos tener una visión para cada instrumento. para que todo pueda sonar como música de cámara. Algo que resultó crucial en nuestra plasmación discográfica de todas esas composiciones bachianas fue encontrar a JeanPaul Combet. pues a menudo solíamos tocar música de cámara juntos en la Schola y en pequeños conciertos. cuantos más intérpretes haya. Aunque Céline y yo nos involucremos mucho en la organización y las decisiones generales que conciernen a Café Zimmermann. Lo mejor de la SCB fue la amplitud y calidad del profesorado. donde cada voz tiene algo que decir. a causa de las diferencias de enfoque. comencé a tocar con el violagambista argentino Juan Manuel Quintana y con Concerto Köln. Hemos de considerar de antemano cuestiones como los tempi o el carácter.: ¿Como instrumentista de cuerda. y en aquel momento no disponíamos de medios financieros para ello.: ¿Qué os impulsó en 1998 a crear Café Zimmermann? P. con una densa polifonía y este modo especial de escritura para cada voz. necesitas muchos más intérpretes. la razón de peso para interpretar y grabar estas obras concretas fue mucho más monetaria: si quieres interpretar algunos de los otros concerti o concerti grossi del Barroco tardío. Todos eran muy generosos con su tiempo lectivo. como solistas de cuerda. interpretar y manejarme con la fabulosa música de Bach. sin duda. era un perfecto repertorio con el que comenzar –nuestras primeras actuaciones incluían conciertos de Bach– cuando tu grupo cuenta con pocos miembros. Jean-Paul soñaba con encontrar un grupo con el que pudiera grabar toda la música instrumental de Bach. aparte de obras italianas– .F. estaba completamente dispuesta a encontrar algún proyecto o grupo. Todo esto me resulta de especial importancia en Bach. Esta es una premisa general del grupo. y muy abiertos. nacidos en Basilea. D. con un músico por parte. No creo que yo tuviese una idea muy precisa de lo que quería hacer. ensayar e interpretar (evitando involucrarnos en proyectos en los que no nos encontrásemos cómodos). no solo en la teoría sino también en la práctica. no sólo para Céline y para mí.: Seguramente fuese yo quien estaba más entusiasmada por escuchar.: El verdadero centro de nuestra actividad es la música de cámara. en cuanto a tomarnos tiempo para investigar. para obras que requieren un reducido número de intérpretes. También empecé a interpretar a solo. Podría decirse que mi labor es coordinar las ideas musicales del grupo. René Jacobs y Jordi Savall.F. pues los primeros conciertos de Bach que grabamos fueron escritos para conjunto de cámara. por esta razón.: Resultó natural formar un conjunto con nuestro grupo de estudiantes. con la salvedad de que en nuestro último disco hemos vuelto a grabar el Concierto para oboe d’amore en La mayor. En Café Zimmermann intentamos superar esos enfoques privativos de un instrumento. de música de Bach. y asistí a clases de artistas de la talla de Christophe Coin. Considerando la serie de discos de Bach como un todo.: Este espíritu surgió ya en los orígenes del grupo. Esto dependerá del repertorio que estemos tocando.: Seguramente haya diferentes concepciones del sonido básico entre un violinista y un clavecinista. C. D. Pensé entonces en contactar con varios músicos de mi época en Basilea para encontrar un modo de trabajar con gente que compartiese mis objetivos. fuese donde fuese. de hecho. un chelo y un contrabajo. yo me esforzaré aún más en conseguir una clara dirección musical. ni logré esa familiaridad.: Tras acabar mis estudios en Basilea en 1997. con el fin de crear una imagen más general de la música. muy moderna y actual. Sin embargo. Tales requisitos. Decidimos no interpretar diferentes versiones de la misma pieza (el Cuarto Concierto de Brandenburgo existe también como Concierto para clave). En aquella época había profesores con quienes resultaba muy fácil tener una clase.entrevista 200 / febrero 2011 17 “El verdadero centro de la actividad de Café Zimmermann es la ” música de cámara. El caso es que. en lugar de pretender forzarlos a tocar como yo pienso. P. como puede ser una sonata. contemplas la música de Bach de un modo distinto al de un clavecinista? P. puede abandonar la sala. también podría existir otra instrumentación –incluso de tamaño orquestal– u otro modo distinto de ser interpretadas. especialmente la del siglo XVII. aunque gran parte de la interpretación es producto de la propia musicalidad de los intérpretes. el grupo no está constituido en torno a una o dos personas. pero en aquella época teníamos un número muy limitado de compromisos. mientras que cuando un clavecinista ha tocado sus notas. Cada músico debe estar convencido de estas ideas con el propósito de concebir la música bajo la misma imagen acústica: que quien conduce la música es el bajo continuo. incluían la importancia del bajo continuo en la música barroca (en aquella época no se le daba la misma importancia en otros países). pero siempre escuchando y tratando de dar libertad a los músicos para tocar y transmitir.

en la actualidad. Si juntásemos nuestras grabaciones de los seis Conciertos de Brandenburgo ¿se percibiría un sentido de unidad? Creo que la respuesta debería ser “¡sí!”. desde nuestros tiempos en Basilea.P. Escogiendo los programas para cada CD no nos centramos tanto en cuestiones como si las piezas proceden o no del mismo periodo de composición.: El propósito básico que nos planteamos con esta serie fue el de dar una perspectiva diferente al modo típico de presentar los seis Conciertos de Brandenburgo de Bach.: Ningún miembro de Cafe Zimmermann había trabajado con Gustav Leonhardt antes de este proyecto (cuyo fruto es el disco de cantatas seculares de Bach en Alpha).18 di v e r di entrevista “Queremos pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de ” interpretar la música. ¿Durante este periodo de tiempo vuestros conceptos musicales se han desarrollado o evolucionado? P. D. trabajar y evolucionar juntos.: A lo largo de los años habéis grabado con artistas tales como Dominique Visse y Gustav Leonhardt. Como clavecinista puedo decir que.: Estoy de acuerdo. ¿qué dirección planea tomar Café Zimmermann? P.F. pero lamentablemente resultó demasiado caro.” que ya apareció en el primer álbum. estábamos y seguimos convencidos de que algunos de aquellos tempi tenían que ser veloces. después de trabajar con él estamos cuidando más el manejo de ciertos ritmos y procurando conseguir un enfoque más equilibrado en todo.V. Teníamos intención de incluir también la Cantata del café. Locatelli sería el primero. sino que es menos intuitivo y más estructurado. que es fantástico como cantante. como actor y como persona. es que aún estudiamos muchísimo. D. alguna de la música que interpretamos tiene un carácter mucho más orquestal. nuestras mejores cualidades eran el entusiasmo y . con composiciones de Haydn y Mozart. tres de las obras que hemos grabado en esta serie han sido las dos Suites orquestales en Re mayor y el Primer Concierto de Brandenburgo –con un ámbito palpablemente mucho más orquestal que el Concierto para violín en Mi mayor que grabamos hace diez años.: Ahora que habéis completado la serie de grabaciones bachianas. Condujo nuestras aptitudes para la articulación y el fraseo. veinticinco instrumentistas.P.E. por tanto. Además de los detalles económicos que ha mencionado Céline. a ser menos entusiastas y expresivos y a permitir que el texto “cargase” con las emociones. podemos concentrarnos en buscar qué convierte en especial a una determinada pieza. como pequeña broma dado el nombre de nuestro grupo. Conociendo ahora mucho mejor la música. quizás como consecuencia de la multitud de nacionalidades diversas de los componentes de nuestro grupo. Por ejemplo. y teníamos grandes expectativas. y. aquellas cantatas y concertos comiques del siglo XVIII. con la música de sus hijos y el Clasicismo temprano. Puede que los cambios ocurridos no estén tanto en nuestro modo de interpretar a Bach como en otros repertorios que estamos tocando cada vez más (incluyendo las Sinfonías de C. Estamos barajando algunos conciertos italianos. En algunas actuaciones de Café Zimmermann acabamos juntando músicos de diez o doce nacionalidades distintas. C.P. estábamos completamente receptivos a cualquier cosa que él nos aportase. en paralelo al desarrollo del proyecto Bach. esta experiencia no fue crucial en cuanto al desarrollo de nuestra forma de tocar –como nos ocurrió con Gustav Leonhardt–. En este sentido. reguló la calidad del sonido que emitíamos y. D. Bach. en general. porque quizá al principio nuestro enfoque era más espontáneo. En los inicios lo formábamos apenas seis o siete músicos. Además. Bach– pero para Haydn y Mozart necesitaremos una pequeña orquesta y. nuestro trabajo con Dominique Visse fue muy satisfactorio por otra serie de motivos (especialmente para mí. veinte o la energía –lo cual se nota en las primeras grabaciones– con tempi rápidos. el grupo ha evolucionado técnicamente: nos resulta mucho más natural nuestro modo de tocar. Siempre hemos preferido la idea de unir diferentes obras a modo de concierto en vivo. Con total seguridad. y si seguimos interpretando con los mismos tempi que antes. Aunque las obras que interpretamos con él. habría que mencionar el desarrollo de Café Zimmermann como grupo de gente. Otra área que queremos desarrollar es mostrar lo que ocurrió tras Johann Sebastian Bach. digamos. oboe y clave. idea que perseguimos con nuestras interpretaciones. Una diferencia concreta entre entonces y ahora es que. Mucha de esa música responderá a nuestro enfoque camerístico –como fue el caso de nuestro disco dedicado a C. ¡Fue como hacer un puzzle! La serie Bach también refleja el concepto de “la riqueza de la diferencia”. pero nosotros disfrutamos mucho y también el público.: La grabación de la serie Bach se extiende a lo largo de diez años. lo que hemos hecho con la música de Johann Sebastian Bach nos ayudará mucho cuando afrontemos obras orquestales. para elaborar algo parecido a la serie Bach. De todos modos. mientras que ahora nuestra actitud al tocar es más estructurada. continuamente descubro cosas nuevas en esta obra. pero interpretando música de diversos compositores.: Supongo que. Ahora que tenemos más experiencia intentamos ser más precisos. que quiere tocar.: ¿Cuál era vuestro propósito para esta serie? ¿Lo habéis alcanzado? P. Lo que no ha cambiado. una perspectiva diferente. y esto forma parte de la riqueza en diferentes ideas y actitudes que intentamos reflejar en nuestro modo de hacer música. lo cual no implica que mi modo de tocar sea muy diferente. la calidad de nuestro modo de tocar como grupo. cuando las grabé para Alpha hace diez años. en lo relativo a la dirección musical. He de dar las gracias a Dominique. cuando comenzamos en esto. integrándolos en el grupo de tal modo que no se perdiese la idea camerística. él nos instó.E. no pueden compararse con las piezas de Bach que hemos grabado. ¿Cómo han influido estos dos artistas en el desarrollo de Café Zimmermann? C. y éramos conscientes de que antes de poder crecer hasta ser un grupo de.F.V. en lugar de hacer discos monográficos. no nos da la impresión de estar tocando rápido. Lo cierto es que seguimos siendo un grupo bastante constante de gente con ideas similares. tenía mucha más espontaneidad que cuando las toco hoy. Por otro lado. ni siquiera con las Sinfonías de C. en el modo en que interpreto las Variaciones Goldberg. A veces me pregunto qué oirán los melómanos cuando escuchan estos discos. D.E. grabadas hace unos seis años). sino en intentar elaborar discos que se pudieran escuchar como conciertos en vivo. las cuatro Suites orquestales y varios Conciertos para violín. utilizando una paleta de colores más amplia. son música muy bien compuesta. Aunque desde el principio supiésemos que estábamos tocando más deprisa que otros grupos. Para estas obras vocales de Bach. pues me siento muy cercana a la música francesa y la he interpretado con más frecuencia que Pablo). También soy mucho más consciente de lo que quiero y de cómo lograrlo.: Ya hemos grabado un disco con música de Charles Avison (los Concertos in Seven Parts done from the lessons of Domenico Scarlatti) y vamos a continuar en este tipo de repertorio. como instrumentistas.V. Bach. tendríamos que trabajar muy duro y además esperar a ir encontrando el tipo adecuado de gente con la que tocar.

la conocidísima tercera suite orquestal obtiene una lectura óptima. aunque no azucarado. con las grabaciones exista el peligro de la plasmación inamovible de una interpretación: a menudo. en disco o fuera de él. cuando se escucha una muy buena grabación.S. pero da cabal idea del lujo de la versión. interpretaba variada música en el Café de Zimmermann. I Café Zimmermann / ALPHA / Ref. con unos movimientos extremos briosos y cristalinos –es fácil emborronar la partitura– y un emocionante Adagio ma non tanto. uno tiende a pensar que las cosas no se pueden hacer de otro modo. que los tres claves se distingan perfectamente. teniendo la oportunidad de oír y hacer correcciones. institución que. es una pena que. Así. logrando. BACH: Conciertos para varios instrumentos.S. se luce sobremanera Céline Frisch. y unas gavotas. BACH: Conciertos con varios instrumentos.: ALPHA 168 (1 CD) D2 . alejada de los tópicos rigores bachianos. con su precioso adagio. Finalmente. que el sensacional conjunto contemporáneo así bautizado prosiga con su magnífica integral dedicada a esta faceta compositiva de Bach.: Además de acercarnos a esos repertorios. ¿qué tal lleváis el trabajo de grabación? P. por tanto. pudiendo cristalizar el concepto musical que estamos interpretando y tratarlo como si fuese la creación de una escultura o un cuadro. Música para todos. rítmicamente precisa sin merma de la necesaria flexibilidad.: ALPHA 048 (1 CD) D2 J. un Air sensible y conmovedor. D. vol. porque la experiencia se parece a un trabajo de laboratorio en el que podemos trabajar cada aspecto concreto de nuestra interpretación. vivaz. en compañía de Dirk Börner y Anna Fontana hacen un gran trabajo. de la obra para conjunto instrumental de Bach. bourrée y giga final de energía y finura desbordantes. Todos estos enfoques nos harán aprender y desarrollarnos.S. 5 Café Zimmermann / ALPHA / Ref. “A falta del último volumen. con ayuda de los ingenieros de sonido. Nada más oportuno. cuyo quinto y penúltimo volumen se presenta aquí. hoy en día. las versiones de la música de Bach que hemos grabado durante toda una década no son definitivas. Frisch. en su totalidad. El espléndido nivel mostrado en los discos anteriores se mantiene inalterado en éste. En definitiva: a falta del último volumen. en el futuro colaboraremos más con cantantes.: Teniendo en cuenta la gran cantidad de discos que habéis realizado para el sello Alpha (entre otros). la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar.F. para nosotros. En el concierto para clave en fa menor –segura transcripción de un concierto hoy perdido para violín u oboe–. unas maderas redondas y elegantes y unos metales brillantes y refinados. como es bien sabido. lo que no deja de ser un desperdicio. pero creo que sirve para entendernos– bachiana tuvo como destino el Collegium Musicum lipsiense. En nuestros inicios quisimos desarrollar nuestra personalidad como grupo instrumental antes de comenzar a trabajar con cantantes.: Me encanta grabar. aunque en los conciertos en vivo las interpretaciones nunca son exactamente iguales. J. y planeamos algún proyecto con el coro Accentus. Dos figuras de la viola da gamba –Friederike Heumann y Guido Balestracci– se ocupan aquí de sus partes. aunque quizá sea el menos conocido de los seis. Estamos eligiendo cantantes con quienes podamos trabajar flexiblemente. servida a pedir de boca. Ya hemos dado algunos conciertos con Roberta Invernizzi cantando arias de Haendel y cantatas seculares de Bach. BACH: Conciertos para varios instrumentos. El sexto brandemburgués es una pieza magnífica.: ALPHA 013 (1 CD) D2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): Conciertos con varios instrumentos. al mismo tiempo. sino que son una interpretación que dimos en un momento de nuestra vida. Tenemos planeado grabar Buxtehude con Nuria Rial y Stefan Vock. y además seguiremos trabajando con directores. con una obertura extraordinariamente pomposa y. III Cafe Zimmermann / ALPHA / Ref. grupos de solistas y coros. de la obra para conjunto ” instrumental de Bach. el concierto para tres claves en re menor.: ALPHA 071 (1 CD) D2 J. Sin embargo. cuenta con una llamativa siciliana en estilo galante. dada su sencillez. que estén abiertos a auténticas colaboraciones musicales. BACH: Conciertos con diversos instrumentos II Café Zimmermann / ALPHA / Ref.S. pero ahora estamos encantados de actuar con ellos. en su totalidad. y la versión es referencial. IV Café Zimmermann / ALPHA / Ref.entrevista / antigua 200 / febrero 2011 19 Café para todos Quinto y penúltimo volumen de la aclamada serie que Café Zimmermann dedica en Alpha a la musica orquestal de Bach Javier Sarría Pueyo C. la serie se consagra como la mejor alternativa para disfrutar. Y todo ello con el aliciente de unas cuerdas sedosas y limpias. que también proviene de un concierto desaparecido –para tres violines en este caso–.” Buena parte de la producción orquestal –una expresión un tanto anacrónica.: ALPHA 137 (1 CD) D2 J. Quiero pensar que en nuestras grabaciones se percibe el concepto de no pretender fijar para siempre una manera de interpretar la música.V. Podemos trabajar con un único cantante al modo camerístico (como en el caso de Dominique Visse) u orquestalmente llevando el cantante el protagonismo (como en nuestro proyecto haendeliano con Roberta Invernizzi).

la voz de Laura Antonaz en el doble papel destaca entre el resto de cantantes. Gioele Gusberti. GIACOMO ANTONIO PERTI (1661-1756): Abramo vincitor de' proprii affetti Laura Antonaz. muriese al introducir el sujeto BACH en el último contrapunto –que. los secretos en la creación del oratorio. Tampoco es cierto que fuese su última composición ni que. por el contrario. Comenzó su formación musical bajo la tutela de su tío para después continuarla con. al adoptar el orden de las piezas dispuesto en el manuscrito P200. no por ello debe renunciarse al placer estético que proporciona su escucha. además. como si su trayectoria personal y creadora se hallara escrita desde antes incluso de que viniese al mundo: su tío. Perti Urko Sangroniz Javier Sarría Pueyo cución de las fugas en espejo añadiendo un segundo teclado. la variedad formal empleada y una amplia capacidad expresiva. sino que debió de ser ocurrencia de Carl Philip Emanuel al darlas a la imprenta (entre otras cosas. llena de confusiones y malentendidos. Sin embargo.p. quien afirma que. contralto. Para muestra. un tratado de contrapunto? En un término medio se sitúa Malcolm Boyd. el milanés favorece la ejecución práctica. Por otro lado.: GB 2451-2 (1 CD) D2 MINISTRILES DE MARSIAS Trazos de los ministriles nb 017 (1 cd) d2 .: GCD P31510 (1 CD) D2 NB ANTONIO DE CABEZÓN Invenciones de Glosas Ministriles de Marsias nb 024 (2 cd) p. culminado con absoluto éxito. Fabio Bonizzoni. empezando por el título. que no procede de Johann Sebastian. Como curiosidad hay que apuntar el hecho de que los personajes de Sara y Agar estén asignados a la misma voz de soprano. Ton Koopman. Giuseppe Corso Il Celano. Lorenzo Perti. ¿Se trata de una composición destinada a la ejecución o. una de las más enigmáticas. soprano.80 € . En él se narra la historia de la elección de Abraham entre su esposa estéril. situándose entre las punteras en versión para clave. quedó inacabado–. y la familia en la que nació gozaba de una posición envidiable en la sociedad boloñesa de la segunda mitad del Seicento. en resaltar los aspectos puramente artísticos y expresivos de la música. cómo no. como dejó escrito su hijo berlinés con claros fines de promoción comercial. ubicado actualmente en la Staatsbibliothek de Berlín. Mariko Uchimura. director artístico / BONGIOVANNI / Ref. su oratorio Abramo vincitor de’propii affetti. siguiendo los pasos de Leonhardt y de su maestro. desde la rigurosa observancia del Stylo Francese en el contrapunto séptimo hasta el brillante dramatismo de las fugas en espejo. no sólo por la claridad en la exposición de las voces. Fabio Bonizzoni El Arte de la Fuga es una de las obras más célebres de Bach y. que se siguen perfectamente. bajo. Ensemble "Il Continuo".v. pero sí atestiguan las cualidades por las que Perti fue tenido en alta estima por Corelli. Caldara y Fux: su elegante inventiva melódica.: 19. Un verdadero monumento musical en todos los aspectos. y la sirvienta Agar. las 28 misas y los 54 motetes que compuso completan la lista–. entre otros. la cuestión que más literatura ha producido ha sido la relativa a la naturaleza de la obra. Elena Biscuola.20 di v e r di antigua Matemáticas sonoras Fabio Bonizzoni graba para Glossa su versión de El Arte de la Fuga El afortunado boloñés El oratorio Abramo vincitor de’ propii affetti de G. Sus casi 20 aportaciones al género no constituyen lo más generoso de su producción –la treintena de óperas. al mismo tiempo. pero también. pudo así dedicarse a la composición sin los apuros de otros. discípulo del gran Carissimi.- El de Giacomo Antonio Perti es uno de los esos casos infrecuentes en que todos los hados parecen conjurarse en beneficio del individuo. De Corso heredó un completo dominio en el arte del contrapunto que admiraría hasta el Padre Martini. lo que es fundamental en esta obra. a cargo de Mariko Uchimura. sino también por el esfuerzo. La interpretación –muy ágil en los tempos– no puede sino calificarse de sobresaliente. clave / GLOSSA / Ref. aun cuando la plena apreciación de la obra sólo puede obtenerse tras el estudio y ulterior meditación sobre la compleja escritura bachiana. sino ‘contrapunctus’ y. clave. también era compositor. A. incluye cánones). Sara. Bach no utilizó la expresión ‘fuga’. Gastone Sarti. se decanta por su concepción como obra clavecinística y resuelve los problemas de eje- JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga (para uno y dos teclados) Fabio Bonizzoni. pues aquél tiene un carácter más concertístico que el publicado. Muy bien arropada por el Ensemble Il Continuo. un conjunto que hace honor a su nombre acompañando magistralmente. en todo caso. quizá como alusión a la dualidad del ser entre el amor terrenal y el celestial. estrenado en Bolonia en 1683 cuando Perti lucía 22 primaveras. y por ello antepuso siempre la calidad a la cantidad.

El pliegue es un concepto transversal. individual pero infinita. permitiéndose el capricho de mezclar dos pistas grabadas por separado para. pero debe valorarse la naturalidad del empalme a pesar de la inevitable sensación de asombro que produce la multiplicación de manos y pliegues. Gilles Deleuze Con estas palabras hace comenzar Gilles Deleuze un libro que girará en torno a Leibniz y el Barroco. que apenas contaba 14 años cuando Boucher la inmortalizó. introduciendo el coral Wenn wir in höchsten Nöten sein BWV 668a como epílogo. François Couperin. Montéclair. puestos a trazar analogías. L'Affilard. soprano. cantadas por ese prodigio de dicción y buen gusto que es Monika Mauch.: C802102A (2 CD) D2 Pocas veces un retrato ha sido tan bien aprovechado como el que François Boucher hiciera de Louise O’Murphy de Boisfaily. Austero primero y brillante después. se van alternando con las vocales. el dios relojero. bajo cuyo manto protector floreció una música francesa que acababa de romper definitivamente. pliegue sobre pliegue. Konstantin Lifschitz no se limita en su interpretación de esta obra hipnótica a exponer la armonía preestablecida por Bach. Reconstruye ese particular universo a su manera. quiebra y sostiene el discurrir musical hasta llegar a una lenta fuga final que se interrumpe sin afectación. no fue amante de Luis XIV. particular pero universal. ” pliegue según pliegue. piano / ORFEO / Ref. que protagoniza el registro. sino más bien a una función operatoria. lo característico del barroco consiste en que no pretende consumar el pliegue de esto sobre o contra lo otro. Pero su utilización aquí tal vez provoque equívocos. el pliegue infinito. romanos. Luis XIV fue un apasionado de la ópera y del ballet. Lully.” “El pliegue”. pero no es menos cierto que todos. de la suave delicadeza del golpeo en el cuarto al ornamentado fraseo expuesto en el sexto. Lifschitz nos guía. sujeto. a un rasgo. El Arte de la Fuga se erige como fascinante representación musical de la tesis fundamental de la Monadología: una sustancia simple. de la corte de Versalles. individuo. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): El arte de la fuga. en un par de diálogos consigo mismo.: CHR 77338 (1 CD) D3 Konstantin Lifschitz. cotejando ediciones. va desplegando y proyectando. sino que busca continuar el pliegue hasta el infinito. en cada curva y recurva. observando su reverso en un espejo interior. Louis Couperin. Antoine Forqueray. pliegue según pliegue. clásicos. románicos. sino de su biznieto y sucesor. Antoine Forqueray.. coloreando las sombras y los reflejos. magistralmente ejecutadas. un italiano renegado de su pasado. pliegue sobre pliegue. Lifschitz juega con la acentuación. Barbara Pfeifer y Andina Scheyhing). No inventa la cosa: ya había todos los pliegues procedentes de Oriente. góticos. LES ESCAPADES DU ROI: Placeres e intrigas en la corte de Versalles (obras de Charpentier. Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. de los placeres y las intrigas. una mónada que a partir de sí misma. los pliegues griegos. Por un lado. de las sutiles variaciones de tempo del segundo al estático discurrir del undécimo. Luis XV. y después Charpentier sentaron las bases del nuevo estilo. pliegue según pliegue. destaca apariciones y reapariciones. analogía advertida ya por el propio filósofo alemán. desarrollaron su actividad profesional durante el largo reinado (64 años) del Rey Sol. No cesa de hacer pliegues. Las piezas instrumentales. inteligencia para elaborar un discurso y gran variedad de recursos interpretativos: de la pulsación reflexiva del primer contrapunto a la articulación clavecinística del noveno. Viol Consort "Les Escapades" / CHRISTOPHORUS / Ref.. Puestos a buscar un paradigma musical de ese incesante plegar. el monarca sobre el que gira esta grabación. El pianista pone así de manifiesto una técnica soberbia. Marais. El experimento es lo que es. Deleuze toma el sistema filosófico de Leibniz como paradigma de este rasgo. a través de la música. del esplendor y de la inmoralidad.. De Visée. pliegue sobre pliegue. salvo Jean-Baptiste-Antoine Forqueray. pliegues y repliegues. volviendo la mirada hacia sus adentros. de quien se incluye aquí su bellísima Chaconne. Pero él curva y recurva los pliegues. de Lalande.. pero por otro es una alusión al consort de violas Les Escapades (Franziska Finckh. quizá. la obra de Johan Sebastian Bach ilumina el camino y.antigua 200 / febrero 2011 21 Esplendor versallesco Les Escapades du Roi recrea las cortes de Luis XIV y de Luis XV Eduardo Torrico El arte del pliegue Konstantin Lifschitz presenta en Orfeo una seductora y ‘diferente’ visión del Arte de la fuga Ignacio González Pintos “El barroco no remite a una esencia. Antes que ellos había asomado. Couperin. una visión celestial en la que disolver. De Lalande (todos ellos presentes en el registro) y otros muchos. A ellos les siguieron Marais. grave y ágil. cual punta de iceberg. una completa visión del mundo en modo menor. plegándose y replegándose. Primero Lully. Son decenas las carátulas que aparecen con este Desnudo en reposo del pintor francés. hacer posibles los pliegues imposibles. Es cierto que algunos de los autores incluidos en el disco coincidieron cronológicamente con Luis XV. Queda todavía el contemplativo transcurrir del coral que cierra el disco. Sabine Kreutzberger. los lleva hasta el infinito. traza analogías entre su proceder filosófico y el resto de manifestaciones artísticas barrocas y apuesta por el carácter neoleibniziano del arte contemporáneo. nos ofrece una visión. amarras con Italia. Les Escapades du Roi es un título con doble sentido. Pignolet de Montéclair y Robert de Visée) . acercando el horizonte y difuminándolo. no sin grandes esfuerzos. Hacia el final de su recorrido Deleuze se detiene para explicar el paralelismo entre la filosofía de Leibniz y la armonía barroca. puesto que la joven O’Murphy. Coral BWV 668A Monika Mauch. nos conduce por los quiebros y requiebros de la materia musical resaltando unas curvas y escondiendo otras.

en Aeon Francisco de Paula Cañas Gálvez Tres singulares sinfonías por Huss y su Haydn Sinfonietta Miguel Ángel González Barrio Prosigue la edición conmemorativa del 300 aniversario del nacimiento de W. Después de grabar rarezas como la incompleta ópera Acide (BIS SACD 1812) y la ópera de marionetas Filemón y Baucis (BIS SACD 1813). y de las oportunas reediciones de la integral de oberturas (BIS 1818) y una miscelánea de piezas instrumentales (BIS 1796/98). toca ahora el turno a tres sinfonías conectadas con la copiosa producción teatral del maestro de Rohrau. pero se han perdido cuatro arias y la mayoría de recitativos. Los efectivos escogidos son más reducidos que en el anterior volumen. de Jean-François Regnard. cuidada en extremo. Clementi logró imponer en salones y salas de concierto– confiere al programa una estructura dramática (compuesta de pequeños ‘dramas en música’) que contrasta ricamente con lo escueto del medio. compuesta para Der Zerstreute. Scene tragiche (Sonatas op. erudito haydniano además de director.22 di v e r di antigua / clasicismo Evolución natural Nuevas cantatas del primogénito de J. La interpretación se nos antoja meditada. La Rastatter Hofkapelle está formada por 8 coristas (2 por voz) y 8 instrumentistas. II Rastatter Hofkapelle. De ellas apenas se conserva una veintena y todas pertenecen al periodo de Halle.: CARUS 83. Si tuviéramos que destacar una faceta entre las muchas que desarrolló con éxito a lo largo de su vida Muzio Clementi. Sin embargo. Muy recomendable grabación. Cavé. piano / AEON / Ref. Quizá las perdidas músicas de Hamlet. pero también vigorosa en los pasajes más dinámicos.S. las disputas con sus superiores no tardaron en producirse. particularmente emotiva en los movimientos lentos (fragmentos bañados con melancólicos y taciturnos acentos. Como de costumbre. con especial mimo. 50). llenas de nervio. director / CARUS / Ref. pero también a su disoluta vida: se desconoce el número de manuscritos que Friedemann malvendió para superar los apuros económicos tras abandonar Halle. Se cree que en la década de los 70 Haydn compuso música incidental para las producciones de la famosa compañía teatral de Carl Wahr. JOSEPH HAYDN (1732-1809): Tres sinfonías teatrales (nºs. así como un centenar de sonatas entre las que cabe destacar la Op. Todo se debió sin duda a su conocida holgazanería. No es descartable que el Finale lo fuera también de la ópera. Othello o King Lear subsistan asimismo camufladas en varias sinfonías Sturm und Drang. Según Huss. el primogénito de los hijos de Bach debía crear obras para la liturgia. hasta donde llegó para ocupar el puesto de organista de la Liebfrauenkirche. 25 y 40) Olivier Cavé. tarea no muy atractiva para él si tenemos en cuenta el tiempo transcurrido y su resultado: una veintena de cantatas en 18 largos años. 13. contratada por el príncipe Esterházy. dinámicas. director / BIS / Ref. la ópera terminaba con una apoteosis de la Casa de Habsburgo). “Fúnebre”– sería una elegía por la muerte de Acide (Acis). Haydn recicló la obertura en dos movimientos. además de un importante número de sonatinas. se encuentra en la contemporánea (1763) Sinfonía nº 12. toda una ‘acción dramática’ para piano basada en la Didone abbandonata. demostrándose una vez más que la historia se repite. 50 y 60) Haydn Sinfonietta Wien. convirtiéndola en la Sinfonía nº 50. parte de la música perdida de Acide –se conserva el libreto íntegro. aunque por el carácter y escritura de las obras no deslucen su resultado artístico. estas obras revelan la madurez de un artista en el cénit de su creatividad. tras realizar el concurso pertinente y resultar elegido. añadiendo un Menuet y un Finale. Las obras del programa aparecen grabadas aquí por primera vez.: AECD 1094 (1 CD) D2 Manfred Huss y su Haydn Sinfonietta prosiguen su infatigable apostolado haydniano.429 (1 CD) D2 . Jürgen Ochs. incluido el conocido tratado Gradus ad Parnassum. ya que estos hechos se asemejan a las tensiones que su padre mantuvo con las autoridades de Leipzig. Así.: BIS SACD 1815 (1 SACD) D3 WILHELM FRIEDEMANN BACH (1710-1784): Cantatas Vol. No se dejen engañar por el magro elenco porque todo está interpretado en su justa medida: lo exultante se aprecia con amplitud y lo íntimo. esenciales para comprender en su dimensión más profunda el lenguaje del pensamiento musical prerromántico. Avalado por sus dotes interpretativas y sus admiradas improvisaciones en la bancada del instrumento. ésta sería sin duda la de virtuoso del piano (recordemos. MUZIO CLEMENTI (1752-1832): Didone abbandonata (Sonata. sino por la excelencia de un pianista impecable que todavía nos puede y nos debe rendir páginas memorables. y no sólo por la belleza de las obras de un autor ineludible para entender el tránsito entre Mozart y Beethoven. con ejemplos tan notables como la Op. Los coristas interpretan a su vez las partes solistas. De hecho. Con todo. F. a la vez que con sereno virtuosismo demuestra una coherencia estilística y formal extraordinaria. 36 nº 1 (que le rindió buenos dividendos). que se erige en núcleo central del muy interesante recital que presenta en Aeon el pianista Olivier Cavé. Cavé acomete con una solvencia técnica envidiable las exigencias de estas complejas piezas. Estaba precedida de un prólogo. y siempre cautivadora y sugerente en su conjunto. Der Götterrat (El Consejo de los dioses). Bach Urko Sangroniz Virtuosismo impecable Haydn y la conexión teatral Sonatas en modo menor de Clementi por O. versión alemana de la exitosa comedia Le distrait (El distraído). así como los entreactos–. fue el contrincante de Mozart en el célebre ‘duelo’ musical ante José II). 12. el especialista Huss y la Haydn Sinfonietta ofrecen versiones luminosas. que se ha perdido. y constituyen la evolución lógica de los modelos paternos adaptados a los nuevos tiempos por una original y personalísima mente creadora. el conmovedor Adagio en mi menor –tonalidad que Haydn empleó únicamente en la Sinfonía nº 44. Filemón y Baucis se representó en 1773 en Eszterháza ante la Emperatriz María Teresa (muy a propósito. Antes de que eso ocurriera. como el Lento e patetico de la Op. Bach en el sello Carus con su segundo volumen de cantatas. op. A este instrumento le dedicó lo más granado de su catálogo. 50 nº 3 en sol menor. de obligada lectura para todo estudiante de piano hasta hoy día. Manfred Huss. la elección de sonatas escritas todas en modo menor –modo que. por cierto. El único ejemplo conocido es la Sinfonía nº 60 en seis movimientos (!). 25 nº5). en concreto dos entreactos.

Hay investigadores que incluso han llegado a decir que nunca lo tocó. quizá Mozart quiso homenajear a la Jeunehomme. Michael Alexander Willens. La poesía que emana del Andantino. Siempre detrás de su hijo. pues. He llevado su imagen durante toda mi vida como algo puro. cálido y bello. que padecía ya de Parkinson y era muy pesada y latosa. sino el acento. como dice mi carnicero. lo que me choca muy mucho. mantiene esa pulsación milimétrica. y que no me detenga extasiado cuando entra. claro. la expresión. según Einstein. Para mí lo importante no es la forma. que al parecer le da a todo tipo de música. Jeunehomme. tan transparentes. tan animado y vital. expresivos. de pronto. pero no creo que esté en universo tan lejano. el estuche. Estaba un poco mosca cuando he visto que la interpretación obedecía a criterios historicistas. francamente. Brautigam poco tiene que ver en principio con el pianista francés. el talento y.clasicismo 200 / febrero 2011 23 Gentilísimos recuerdos Ronald Brautigam encara para BIS la colección de conciertos para piano de Mozart con una grabación del número 9. todo a la vez”. de estas interpretaciones. lo que importa es destacar la fluidez. conciso y. aunque de manera nada irónica. un punto de inflexión en su producción pianística. la pobre. A mí me han gustado siempre mucho interpretaciones que los puristas pueden aborrecer como aquellas. precisa y exacta. Mi memoria falla en este punto. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante. es una de las preferidas. director / BIS / Ref. en palabras de aquel estudioso. ¡Que haría yo. “serios. aladas. Mademoiselle Jeunehomme. el fraseo. Y. una especie de recitativo lírico de ópera seria. desde luego. el minueto en La bemol cantabile y gentil. el tamaño de la orquesta. para mí desconocido. Quiero pensarlo. por ejemplo? Hay que echar- le imaginación. por ejemplo. Y es posible que la Jeunehomme tocara. sin embargo. He repasado mis apuntes y he comprobado que. que pueden variar de mil maneras. me enternece siempre y no puedo impedir que mi pierna buena se balancee cada vez que escucho el Rondó. La verdad es que no volví a saber de la gentil pianista desde que desapareció de Salzburgo. deteniendo tanta alegría. está afinada y unida. Aunque no sé si vería a la muchacha. bautizado así.: BIS SACD 1794 (1 SACD) D3 . conciso y. La verdad es que suena estupendamente. estáticos. Incluso en su día lo comenté con Papagena. terminada en 1776. pues iba con mi abuela. el maravilloso Concierto nº 9 en mi bemol mayor K 271. ¿Cómo pueden saber de qué manera sonaría este Concierto. sin embargo. Demasié. De las tres obras. WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Conciertos nº 9 y nº 12 Ronald Brautigam. conocido como Jeunehomme Papageno Ronald Brautigam “Brautigam mantiene esa pulsación milimétrica. Tampoco estaba para muchas aventuras. no dicen gran cosa. de aquí para allá en sus viajes y que sin duda la exhibió en su estancia parisina de 1778. en sí. ni siquiera el instrumental. elegantes. y creo recordar también que así era. trastocó mi todavía tierno corazón. que dicen los castizos. un instrumento de este estilo. que no la superficialidad. tan fluido y excitante. Michael Alexander Willens. precisa y exacta. Me lo he pasado chupi. ” expresivo. Y la de esta composición. la ligereza. estimulantes de Casadesus y Szell. Die Kölner Akademie. en un sorprendente menor. Y habría sido una gran pena. Bien. En fin. copia del Anton Walter construido alrededor de la fecha del estreno del Concierto nº 9 y también del 12 que lo acompaña junto con el Rondó K 386. las articulaciones. pero aquella jovencita francesa. si no hubiera sido por ella. en esos días grises o negros en los que mi gota no me deja moverme y diviso desde mi buhardilla de Lavapiés una nube de tejados abrillantados por la invernal lluvia madrileña! En esos casos me suelo inyectar en vena músicas de mi progenitor. Sus manos vuelan por el teclado de ese fortepiano de Paul McNulty de 1992. un poco desmedrada. La orquesta. que tocaba como los ángeles. esta joya que es el Concierto nº 9 igual no habría nacido. ese sutil juego dinámico y ese fraseo tan elegante. es funcional y animada. son cosas que ahora mismo ni nos van ni nos vienen. que ya me gustó bastante en sus sonatas de Haydn. fortepiano. Esos compases son. Me tienen muy escamado estos jóvenes de ahora con sus manías de intentar copiar una realidad musical que sólo conocen por los libros y por la contemplación de unas partituras que. no me acuerdo si realmente llegó a estrenar la obra que mi padre había escrito para ella. aunque tengan su importancia. El holandés. expresivo. los ataques son certeros y la batuta de este muchacho. como Wolfgang por aquellos días. la calidad sonora o tímbrica.” Yo era muy niño. con sus dos partes seguidas de su correspondiente variación. En sus cartas a Leopold mi padre no habló nunca de la chica. Lo que sí recuerdo es que Wolfgang llevaba la composición. que se divirtió mucho con la historia.

de reminiscente nombre mozartiano. Para este recital operístico. Donna Elvira. maestro concertador y director / BONGIOVANNI / Ref. si bien un Verdi en general de la época previa a su llamada trilogía romántica. y en gesto que le honra. y tiene la esperada distribución vocal: Marinella. concertantes y coros (uno. ¡siempre Verdi de fondo!. con sus arias y cabalettas. Verdi. El asunto de la ópera es. Sinico no puede sustraerse a ello y hace bien: ¡qué mejor modelo que el de Busseto! Hasta en el encuentro. Bizet y Gounod) Juliane Banse. Verdi parece en efecto situarse siempre de fondo en la partitura siniquiana. Los mosqueteros. Una inmediata grabación de 2010 nos la muestra como cantante de ópera. GIUSEPPE SINICO (1836-1907): Marinella (1854) Dax Velenich. Voz hermosa. de 1859) y. En resumen. Escribir para el teatro en Italia en la segunda mitad del XIX suponía pagar peaje al modelo operístico más influyente. Deutsche Radio-Philharmonie. Baccio. cómo no. la mata.: 17. Humildemente. autor también de la edición crítica) fluctúa entre la dignidad. soprano. Sinico y Trieste: un tándem inseparable. director / HÄNSSLER / Ref. Iulia Szabo. Zerlina) con los añadidos de la Genoveva de Schumann. pues allí nació en 1836. Como ésta bebe vientos por el tenor.50 €.- Triestino hasta la médula. sin ser demasiado personal. de 1854. ni en divagaciones innecesarias yendo.91 541 25 95 e-mail: latiendadelreal@diverdi. Todo aparece aquí debidamente expuesto. con Zannerini en el foso. que ella estrenó en 1999 en Zurich. autor de óperas tan interesantes como Una carta de amor de Lord Byron (Ermitage la editó en 1991 con un espléndido mano a mano entre Elena Zilio y Sylvie Valayre) y Alissa (Virginia Zeani la cantó en el Liceo en 1967). recordamos. siempre directa al grano. tenor. Giuliano Pelizon. muy verdianamente por cierto. música preparada. Viva San Giusto!. Sinico renunció a competir. Para redondear la presencia triestina en esta entrega. en Hänssler Fernando Fraga Sinico sale del anonimato Bongiovanni exhuma Marinella.: 93. La soprano alemana Juliane Banse basaba hasta el momento su carrera discográfica en solitario en diversos recitales que descubrían su importante faceta como cantante de cámara. Velenich. convertido en una especie de himno local). ni demasiado brillante. La primera de ellas. aplicada y diligente como es ella.: GB 2449/50-2 (2 CD) D3 x 2 Teatro Real • Plaza de Oriente. su lado más íntimo y elegiaco. Severino Zannerini. von Weber. Pelizon. a due. contemporánea del Ballo verdiano (o sea. Giuseppe Sinico estrenó además cuatro de sus cinco óperas en la ciudad adriática. ni demasiado persuasiva. se enteró de que también era un proyecto del bussetano. durante las necesarias obras de remodelación de hace pocos años. Marinella. que. En la segunda parte del programa se mide con alguna jovencita francesa. En esta línea.24 di v e r di ópera La Banse canta ópera Recital de la soprano alemana. Marianna Prizzon. barítono. primera ópera de un contemporáneo de Verdi Fernando Fraga La música de Sinico. todo hay que decirlo) con una de los suyos. Se atreve un poco con la Tatiana tchaikovskiana y con su voz liviana. Frau Fluth de Nicolai o la moderna Blancanieves de Holliger. Massenet. Micaela ejemplar y Marguerite (de Gounod) encantadoramente ingenua.262 (1 CD) P . y como Marinella tiene un padre. barítono. compuesta cuando apenas contaba 18 primaveras. el de la despedida a la mesita que tantas veces la reunió con su amado Des Grieux al que va a abandonar. soprano. ofrece oportunidades de lucimiento para los principales solistas y no cae en tiempos muertos. la carencia. actividad de todos modos ya conocida gracias a grabaciones completas de Mozart (Ilia. es una obra cuya acción. como intérprete de lied engalanó varios ciclos del Teatro de la Zarzuela. Giovanni Alberico Spiazzi. cuando se disponía a componer un Don Carlos a partir del homónimo texto de Schiller. entre otros menesteres. cantante de sólida formación. éste es naturalmente un bajo. Tchaikovski. entre Marinella y Francesco Cappello en el primer acto parece escucharse fugazmente una cita de Traviata. La interpretación (Prizzon. Durante años Banfield dirigió el Teatro Verdi de Trieste el cual. bajo. Falco. sus dúos. Los días de función permanecerá abierta al público asistente hasta el segundo entreacto . cuatro damas de orígenes musicales centroeuropeos como son los suyos. Sinico escribió también una obra sobre Dumas. Szabo. Marinella se sigue con agrado y muchas veces con rendida atención.com Horario: De lunes a viernes de 10 a 20 horas y sábados de 10 a 14 horas. Smetana. s/n • 28013 Madrid Tfnos. la buena voluntad y el respeto. muy bien asimilado. la grabación en vivo fue tomada en la Sala Banfield Tripcovich de la ciudad antaño austrohúngara. transcurre en Trieste. como es de clase superior se compromete (algo voluble y despreocupado. allí trabajó en diversos cargos y allí moriría en 1907. intérprete de cautivadora sencillez. ha elegido entidades bien acopladas o no muy alejadas de sus posibilidades de cantante puramente lírica por medios y personalidad: la Condesa y Fiordiligi mozartianas.: 91 516 06 73 . ama a Marinella. al no ser correspondido. trasladó sus representaciones a la Sala Tripcovich quien. alberga un importante festival de opereta. ama a Francesco. soprano. dulce y acariciante. otorga a la soñadora heroína una juventud y una ingenuidad que no todas las intérpretes de este espléndido rol son capaces de insuflar. Agathe de Weber. la Banse redondea programa con dos chicas puccinianas que parecen irle bastante a medida: Mimì y Lauretta. propio del momento. Puccini. Marzelline de Beethoven. como la Manon massenetiana ya cantada en escena y de la cual brinda. cumple con las exigencias dramáticas del texto. asimismo. tenor. Spiazzi. Raffaello de Banfield. artista cuidadosa. Con su publicación por parte del incansable y nunca bien ponderado sello Bongiovanni se acaba de poner la figura de este compositor en el candelero lírico.P. Por último. Maria de Smetana. JULIANE BANSE: Per amore (arias románticas de Mozart.V. Christoph Poppen. es decir. es un compositor nacido en Trieste. mezzosoprano / Orchestra e Coro dell'Opera Giocosa del Friuli Venezia Giulia. mezzo lógicamente.

y eso hace de él el elemento diferencial de esta Forza. Cesare Siepi. En disco. La huella de Ricardón se ha borrado y más bien parece que el compositor se remonta a la precedencia onírica y fantasiosa de Mendelssohn en Sueño de una noche de verano. algo así como La rosa con espinas). Fernando Corena. en una transgresión digna de Calixto Bieito. salvo algún pequeño escollo al afinar. tan gastada por el uso. El del infortunado Alvaro es patético y anhelante. el príncipe de las islas radiosas. de voz clara y espontánea.: 777510-2 (2 CD) D2 x 2 GIUSEPPE VERDI (1813-1901): La Forza del Destino Flaviano Labò. Bergonzi o Del Monaco. Zinka Milanov. una suerte de cantata. Pero a menudo era un tenorazo. Labò es un bien escaso. Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. Ulf Schirmer. que borda su papel de Guardiano con sonidos parejos y plenos. Conoce la Forza de pe a pa. adormecida en su virginidad.ópera 200 / febrero 2011 25 Milanov y Labò más Siepi Bongiovanni rescata una Forza del Destino neoyorkina con un reparto All Stars Joaquín Martín de Sagarmínaga Los cuentos de Humperdinck Dornröschen. Sí cabe hacerlo con Siepi. Aunque no veamos las viñetas. Llegará. de trágico destino. un hada maléfica que se adueña de la virgen sumiéndola en un letargo nocturno que amenaza con ser permanente. a poder ser con voces de gran empaque en casi todos los casos. Tobias Haaks / Chor des Bayerischen Rundfunks. la de Preziosilla algo ratonera. pues murió en un accidente. Zinka Milanov canta con una emisión muy cubierta. muy acorde con la historia. Es raro que escatime la entrega. ENGELBERT HUMPERDINCK (1854-1921): Dornröschen Brigitte Fassbaender. Humperdinck ha dotado al cuento de una atmósfera legendaria y ensoñada. tan perfiladas se van dando que podemos ponerla en escena con nuestra imaginación. lo que al final de su cabaletta le cuesta un roce evidente. Puesto a darle vueltas al tema. también. buscando la belleza y redondez de los sonidos. Dentro de la dramaturgia verdiana estos modelos traen ecos de El trovador y se proyectan como una anticipación sobre Don Carlos. según las reglas del género. A la Preziosilla “Para traducir este amasijo de emociones exacerbadas se requiere un elenco de cantantes excepcionales. director (grabado en directo en Nueva York en 1958) / BONGIOVANNI / Ref. recitándola. tan convincente hablando como lo fuera en su impetuosa carrera de contralto. cómicamente belicosa. tras el acto I. Además. Mario Sereni. con la ayuda del mercurio que todo lo penetra y una espada mágica. donde regala hermosas frases. más generosos comentarios orquestales. Zinka Milanov Tras colaborar con su maestro Wagner en las densidades de su Parsifal. como sucede en este caso. como diría un economista. vocalmente es superlativa. y el Metropolitan de Nueva York (una especie de Hollywood de la ópera. en lugar de al comienzo. bien avenida a tan gran confortador de almas. Se agradece que no descuide los momentos líricos. Para Kraus era la voz de bajo por excelencia. Christina Landshamer. con grinta. Kristiane Kaiser. cada uno de los cuales respira un aire musical propio que responde a sus móviles básicos. acaso escénica. e interpreta con brillantez la famosa obertura. con números hablados y cantados. ambos son inventos deplorables. o cuasi. lo que he acabado por pensar que es deliberado por parte de Verdi. bien movida. cabe la alegoría de un amor en que la mujer. está muy bien delimitada en relación con los personajes. Fritz Stiedry es un competente director vinculado al Met. vencerá a la maligna y letárgica criatura. pero en esta Forza muestra un alto grado de implicación y. y agudos plenos. Mario Sereni es un notable barítono. Será cuando amanezca y. la encarna. director / CPO / Ref. Münchner Rundfunkorchester. pues los cortes han aliviado su parte hasta dejarla en apenas un puñado de frases. cegado por su afán de venganza. que busca infructuosamente la paz. En efecto. a poder ser con voces de gran empaque en ” casi todos los casos. En 1902 abordó La bella durmiente (en alemán. doliente el de Leonora.: HOC 052/53 (2 CD) D6 x 2 . Louis Sgarro / Fritz Stiedry. algo ausente como intérprete. capaz de llegar hasta donde ella está y vencer heroicamente todos los obstáculos del caso. furibundo incluso. Suiza ha dado al mundo a Corena –Fra Melitone rastrero– y el reloj de cuco. desde luego. Brigitte Fassbaender. Flaviano Labò. con más contención en el gasto) es experto en exhibir plantillas con varias estrellas. tan dulce como potente. es llamada a la vigilia por el varón enamorado y seguro de su sentimiento. tan encantados como él. bien conducida y suavemente orquestada. figura en el corte 5. En esta brillante lectura. Humperdinck ha sido persuadido por el cuento y nosotros. En efecto. logrando despertar a la hermosa con el beso reglamentario. efectista. como cantante estuvo un tanto a la sombra de Corelli. Por cierto que la obertura. una primicia del autor de Hänsel y Gretel. Humperdinck se dedicó a las leyendas infantiles y nos dio su delicioso Hänsel y Gretel. Tenía fama de ser una hedonista del canto. Margaret Roggero. tal vez sea porque sólo unos minutos antes acabamos de oír el pistoletazo de salida del drama. Tenía una voz recia y resuelta. hasta formar all stars castings. el sueño y su despertar juegan un rol decisivo en esta fábula. La solfa del padre Guardiano es reposada y solemne. Quien adormece a la bella princesita es Demonia. matizada con un leve aroma de amor lésbico. el de don Carlos.” de Roggero no cabe juzgarla. en CPO Blas Matamoro La forza del destino contiene una música no toda de la misma altura.

00 €. para Leonard Slatkin “el mayor cantante del siglo XX”. coincidiendo con el cierre del Real. cuyas carreras se desarrollaron en medio de las dificultades de un país de agitada historia y empobrecida vida lírica. país. la única gran cantante “moderna”.M. todos ellos disfrutaron de carreras de nivel internacional. sus juegos de palabras y sus llamativos títulos. sus perfiles vocales. la familiaridad con una extensa discografía (incluida la de más difícil acceso) y una singular independencia de juicio. Como muestra del libérrimo criterio con que ha concebido el volumen. tras prometedora carrera.P . los biografiados son preferentemente cantantes españoles nacidos en los años finales del XIX o las primeras décadas del XX. Así se estudian los cilindros grabados por Abruñedo o las actuaciones de Gigli en España. De ahí que sus carreras –poco conocidas hoy. donde únicamente actuó en ambos extremos de su carrera (no en su etapa central de plenitud). al igual que sus nombres– se desarrollaran en buena medida en Italia y Latinoamérica.26 di v e r di ópera Luminarias y olvidados Mitos y susurros: Joaquín Martín de Sagarmínaga realiza un recorrido a través de cincuenta años de lirica en España Santiago Salaverri a auténticos “mitos” de la lírica de dos siglos. a nombres de menor sustancia o nombradía artística. pero queremos insistir en que. gracias al peculiar estilo narrativo de J. repertorio y discografía. Y por otra –los “susurros”–. Barrientos o Supervía –apenas si Cortis o Capsir alcanzan a cubrir la cuota de celebridades españolas que llegaron a aparecer por el Real de los viejos tiempos– y mucho menos a las conocidas figuras internacionales de nuestra posguerra y tiempos más recientes. M. parafraseando a la Mariscala en El caballero de la rosa. París y Madrid) de las que el autor fue testigo presencial. Y así nos encontramos con el barítono belga Jean Noté y el tenor francés Georges Thill. Lázaro. veía la luz el Diccionario de cantantes líricos españoles (Acento Editorial. con el Liceo de Barcelona a la cabeza) desde su inauguración hasta su cierre en 1925. por la que desfilaron muchas de las más grandes voces del pasado siglo e incluso de ahora mismo. y Frank Sinatra. y. En la segunda mitad del volumen. pero. excepciones fruto de su gusto personal. o en compañías de zarzuela. así como lo más relevante de sus carreras y los colegas con quienes actuaron (el índice de cantantes roza los setecientos nombres). que no llegaron a actuar en el Real. y de cuyas características vocales y artísticas nos ofrece un perspicaz análisis que vale por el entero libro. Darclée o Vix. Y. por decirlo así. De trabajada elaboración y lectura instructiva y amena. pero a quienes el espíritu inquisitivo del autor ha buscado rescatar de las sombras del olvido. el tenor canadiense de carrera europea y americana que sucedió a Gatti-Casazza al frente del Met entre 1935 y 1950. de Sagarmínaga al conocimiento de figuras señeras de la lírica. por si acaso. en España. originalidad y variedad de enfoques y un fino sentido del humor. Anselmi. en unos pocos casos se ciñen a un aspecto parcial de su biografía. mitos –por no ser exhaustivos– de la categoría de Tamberlick. Pero sobre todo son dos las figuras cuya presencia llama más la atención: Christa Ludwig. en cuantos casos resulta pertinente. 1997) de Joaquín Martín de Sagarmínaga. soprano canaria de voz ensalzada por grandes figuras. sus apreciaciones de cinéfilo culto–. Si la generalidad de las semblanzas se ocupan de detallar los orígenes geográficos y familia- JOAQUÍN MARTÍN DE SAGARMÍNAGA: Mitos y susurros. Baste decir que. es algo bien distinto de un diccionario o de un capítulo de la historia de la lírica referido a un particular teatro. también en muchos otros escenarios españoles. cuerda o época. de Sagarmínaga –su fina ironía. publicado por Editorial Zumaque de Alcalá la Real (Jaén)..V. a través de la visión que de ellas ofreció la prensa nacional. que debutó en el Real en 1851 y. un Hace trece años. en el Liceo o en las esporádicas temporadas operísticas (léase bolos) del resto del país. Nuestros lectores recordarán su serie de retratos vocales titulada Doctor. el autor se permite algunas excepciones que no encajan en las pautas hasta aquí explicadas. que renunció a iniciar una carrera que se auguraba notable y se dedicó a labores pedagógicas en Las Palmas. en este punto. en cuantos casos han sido posibles. padre barítono e hija soprano. O con Isabel Macario. “abuela” artística de María Callas en su calidad de maestra de Elvira de Hidalgo en el Conservatorio del Liceo. estos Mitos y susurros poseen un valor literario per se. muchas han sido las contribuciones de J. o con Edward Johnson. del que este libro resulta. o Conchita Bordalba. recurriendo. Por ello es de celebrar el nuevo libro que nuestro autor dedica a cincuenta cantantes –treinta españoles y veinte extranjeros– activos desde mediados del XIX a los años sesenta del siglo XX. 50 años de lírica en España. ilustrada por los testimonios de sus discípulos. “Una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su ” contenido. además del indudablemente documental y erudito. en el que se aunaban la abundancia y el rigor de la información personal y artística de los biografiados (fruto de una concienzuda investigación). Ruffo o. vista a través de un pequeño número de actuaciones (en Viena. diecisiete ni siquiera aparecían en las páginas del Diccionario arriba citado. de los treinta españoles biografiados. he aquí un libro que se recomienda por sí solo. sus melancólicas reflexiones sobre los estragos del tiempo y el olvido. a quien el autor hace comparecer “por su voz y estilo como cantante”. se analiza la labor pedagógica desarrollada por quienes al término de sus carreras se dedicaron a formar a nuevas generaciones. y en diversos medios. una obra convertida de inmediato en referencia imprescindible de un siglo de lírica en nuestro país. al tenue recuerdo de su voz plasmada en unos pocos cilindros o en un puñado de grabaciones. “… en el ‘cómo’ está toda la diferencia”. que actuaron en el Teatro Real (no sólo. 50 años de lírica en España Libro de 458 páginas/ EDITORIAL ZUMAQUE / Ref. Hay diversos modos de contar las cosas pero. falleció a los 31 años en París con sus facultades mentales perturbadas. oigo voces. o los Mendioroz. con especial habilidad para el juego de palabras y la titulación brillante. unos sólidos conocimientos de técnica vocal. Fleta. Por una parte encontramos res de los biografiados. en el apartado femenino. y simultáneamente a la reapertura del Teatro Real. o el tenor Ignacio Varela y el bajo Antonio Vidal. en las que ha seguido haciendo gala de capacidad de síntesis.: 22. Su lista se abre con el tenor Buenaventura Belart.: DIV9788493721787 (1 Libro) P . Sembrich. Desde aquella fecha. este libro de bergmaniano título y laboriosa gestación es una obra tan original en su planteamiento como apasionante y amena en su contenido. españoles y extranjeros. Entre los cantantes españoles. yo también lo recomiendo.” útil complemento. no se espere encontrar aquí a los Gayarre. del entero libro. Lo que Sagarmínaga nos brinda en Mitos y susurros. Una advertencia final: hasta aquí hemos intentado dar cuenta notarial del contenido del libro.

piano / DYNAMIC / Ref. la más francesa de las ciudades belgas.P 22. Liége. si empieza sobresaltando.: VRS 2103 (1 CD) D10 SAVERIO MERCADANTE (1795-1870): I Normanni a Parigi (selección) / Howarth. Nada que ver con cualquier idea preconcebida o tradicional de la última partitura verdiana. director escénico (grabado en directo en la Opèra Royale de Wallonie. excitante. Philharmonia Orchestra. Puccini. sugestivas. de una extraña e inquietante belleza. como si se tratara con la disponibilidad que se le admira. Ivanov. Orquesta Gaos. Hall / Geoffrey Mitchell Choir. en Lieja. llegue cómodamente a su fin. de un sueño a menudo cercano al surrealismo que asombra. Escenario único convenientemente iluminado para las necesarias variaciones de espacios. Tiberius Simu). Pues bien. porque se lo merecen. Aunque la velada gira en torno a su protagonista titular. Saint-Saëns. ideas que vuelve a reflejar de nuevo en este. adquiere la coherencia y homogeneidad necesarias para que obra tan colectiva. Maslennikova / Orquesta y Coro del Bolshoi. Paolo Arrivabeni cumple las expectativas. el contenido de la acción queda a cargo de los cantantes quienes.” de un juego de magia. Su Thaïs de Turín.: GB 1217/8-2 (2 CD) D10 RUGGIERO LEONCAVALLO (1857-1919): Pagliacci / Del Monaco. Broadbent. asumiendo la cuádruple función de director escénico. sin un director de calidad en el foso. voces y canto (Sabina Puértolas.: CDS 33649 (1 DVD) D10 x 2 Novedades ópera GIUSEPPE VENDITTELLI: Arias de ópera (Massenet. Raimondi. Leoncavallo. elementos mínimos. vestuario entre sofisticado y extravagante.1960) / GALA / Ref. Pero a su lado se puede también disfrutar del robusto (en plan lírico. director / VERSO / Ref.V. Dir. que frasea con intenciones. Para conseguir estos fines. conmueve. tras haberlo actuado con algunos de los directores escénicos actuales de mayor renombre (del Monaco. otro dato nuevo. proyecciones que colaboran a ampliar la GIUSEPPE VERDI (1813-1901): Falstaff Ruggero Raimondi. Del Monaco. Tosti. de una parejita amorosa ideal por físico.: GL-100641 (3 CD) P .ópera 200 / febrero 2011 27 Magia en Lieja Ruggero Raimondi protagoniza un fascinante Falstaff dirigido escénicamente por Stefano Poda Fernando Fraga narración. solícitos. logran trasmitir sin problemas su contenido.: GL-100676 (4 CD) P . acaba por resultar. y por tanto de una originalidad tan atractiva como chocante. Dir. Habría que añadir al grupo. colorido casi exclusiva y monótonamente blanco… En fin.90 . 2009) / DYNAMIC / Ref. Cinzia de Mola / Orchestra & Chorus de l’Opéra Royal de Wallonie.: 27. de la decidida y pujante Quickly de Cinzia de Mola y de la fina y femenina Alice de Virginia Tola. Ruggero Raimondi.: Vassily Nebolsin (1959) // BONUS: Fragmentos de Otello. sigue sonando sano y seguro– y actúa este equipo. Bellini. Poda. En la Ópera Real de Valonia. iluminador y decorador. Giordano. figurinista. desde que debutara el papel del Pancione (aquí.P €. La narración de la obra. Miller) llega al montaje de Poda con un bagaje musical y dramático de envidiable calidad. Manon Lescaut y otras escenas de ópera (grabado en vivo en 1951) / GALA / Ref.: Peter Maag (Directo. Sabina Puértolas. al que se suma un tenor rumano y dos sopranos “latinas”. en obra donde la orquesta es un personaje más y de enorme importancia. Novaro. nunca podría llegar a buen puerto. adelantemos ya. director musical. se responsabiliza a lo grande. acaba por resultar. trentino bien afecto profesionalmente a nuestro país.- AMILCARE PONCHIELLI (1834-1886): Canciones de cámara / Federica Zanello. Banks. claro está) Ford de Luca Salsi. sobre todo en el registro central –que. Karnéus.: . Virginia Tola. es uno de los registas actuales de más extravagante imaginación. Tiberio Simu. soprano. Pizzi.- GEORGES BIZET (18381875): Carmen (en italiano) / Arkhipova. Pobbe / Orquesta y Coro del Teatro San Carlo de Nápoles. Verdi. Por experiencia en ópera italiana en general y en Verdi y Falstaff en particular. Dir. la Meg destacada de Liliana Mattei y el Caius prácticamente impecable de Gregory Bonfatti. por sus ideas claras y por dominio de la partitura y de una orquesta particularmente sensible en su preciosa tarea de traducir tan genial muestra del maduro talento verdiano. se mueve cómodo por la tesitura baritonal del papel. Ronconi.V.: Stuart Stratford / OPERA RARA / Ref. fascinante Falstaff belga. inolvidables. tan coral. los indispensables. orquestas y directores (grabado entre 19741995) / BONGIOVANNI / Ref. si uno consigue entrar en él.50 €. a sus 68 años. si uno consigue entrar en él. Denza y Cardillo) / Varios cantantes. Stefano Poda. Paolo Arrivabeni. movimientos de solistas y comparsería como si se tratara de un ballet de autómatas. si empieza sobresaltando. ” excitante. con la Frittoli y Ataneli (publicado anteriormente en DVD por Arthaus) es como la esencia de su estética operística. Mascagni. Luca Salsi.: ORR 249 (1 CD) D2 . no tiene panza) en Zúrich 1986. Blanc.: S 2043 (1 CD) D4 LELA: Canciones gallegas / Cristina Gallardo-Domâs. impacta en nuestra retina con imágenes insólitas. Claro que todo “Un espectáculo que. Stefano Poda realizó este montaje del Falstaff verdiano que hoy comentamos. Fernando Briones. No tiene secretos Falstaff para Raimondi. soprano. el resto del equipo mayoritariamente italiano. una española y otra argentina. un espectáculo que. de una extraña e inquietante belleza. Alberto Bruni.

a modo de primicia. Más desinhibida. Camilla Nylund ha tenido también destacadas actuaciones en la Staatsoper de Viena.: Georges Sebastian (1952) / AUDITE / Ref. un mes después de su despedida del Met y uno antes de grabar el mítico Tristán e Isolda con Furtwängler. La labor de otra de las jóvenes promesas finlandesas de la dirección. claro. en 2008 recibiría también el título de Kammersängerin por el Estado de Sajonia. feliz. culminando su recital con la escena final de Salomé. En Strauss nos recuerda un poco. Expresión que surge de la voz y no se sustenta en aspectos extrínsecos al canto. como Salomé o Leonora en Fidelio (que cantó en la Ópera de Zurich con Nikolaus Harnoncourt y Jonas Kaufmann. Suecia y Noruega. sutil regulación de las dinámicas. sin desprenderse por ello de su frescura juvenil. director / ONDINE / Ref. pues la soprano omite Im Frühling por problemas de tesitura (ya en el estreno sustituyó el si natural por un fa#). de algún modo. pues en 1952 la voz estaba más fresca que cuando los grabó con “Kna” (1956. con un conmovedor pudor expresivo) hace añorar una Elektra completa. no son tan limpios e impactantes como antaño. Del primer autor se incluyen unas acertadas Elsa y Sieglinde. completos (las partes cantadas) y a partir de las cintas originales del archivo de la RIAS. Los días 9 y 11 de mayo de 1952. Para estos papeles tiene Camilla Nylund –además del aspecto físico ideal para las heroínas rubias–. graves imponentes. y se espera con verdadero interés su presentación en el Festival de Bayreuth de este verano como Elisabeth en la nueva producción de Tannhäuser bajo la batuta del ascendente Thomas Hengelbrock (y de la que aquí se ofrecen. galardón que parece haber resultado premonitorio para la joven cantante. olímpica en lo vocal. FLAGSTAD canta WAGNER y STRAUSS Camilla Nylund. con papeles como Arabella o la Condesa de Capriccio. la voz es aún gloriosa. Flagstad conserva buena parte de sus celebradas virtudes: canto relajado. soprano. tanto la mundana Arabella como las míticas Daphne y Ariadne. hace que la cantante se sienta en un entorno familiar y pueda desplegar cómodamente todas sus virtudes. A éstos se ha añadido recientemente Camilla Nylund. la Ópera Estatal de Baviera. en la actualidad forma parte del elenco de la Ópera Estatal de Sajonia en Dresde. en inflexiones exageradas. lo que la acercaría a otra señalada cantante nórdica de nuestros días. ausencia de sonidos feos. el Festival de Salzburgo (donde protagonizó una aplaudida Rusalka con Franz WelserMöst) o la Lyric Opera de Chicago. esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo. donde la cantante se desmelena y pierde cierto recato natural que encontramos en el resto de sus interpretaciones. Hannu Lintu. que siempre los daba cubiertos!) Y le cuesta apianar. Sebastian se muestra directo y poco fino). Allí obtuvo en el año 2000 un premio asociado a una ilustre predecesora. lo que habría contribuido ya de antemano a una mayor familiaridad con la lengua alemana. Por todo ello. con unos agudos firmes y bien asentados. Sebastian. Nombres como los de Karita Mattila. Los Wesendonck-Lieder llenan una importante laguna. nacida en Vaasa y perteneciente a la minoría sueca en su país. A punto de cumplir 57 años.: AUD 23416 (2 CD) D1 CAMILLA NYLUND: Transfiguration (escenas y arias de Wagner y Strauss) . Los agudos. como atestigua un magnífico DVD). Si las canciones no terminan de entusiasmar (Flagstad está aún calentando. Del segundo. Fue su debut y su despedida de la capital alemana.28 di v e r di ópera La nueva estrella del Norte Ondine presenta a la joven soprano finlandesa Camilla Nylund en un recital dedicado a Wagner y Richard Strauss Rafael Banús Irusta Penúltimas lecciones Debut y despedida de Flagstad en el Berlín de 1952 Miguel Ángel González Barrio “Camilla Nylund posee esa cualidad de jugendlich-dramatisch o lírica con cierto cuerpo. la famosa Semperoper. La portentosa Escena del reconocimiento (Flagstad noble. porque algunos de sus mayores triunfos han estado desde entonces ligados a dos de las grandes creaciones de esta artista. Audite los publica. teatral. en los fragmentos operísticos los resultados son extraordinarios. volcánico. con su proverbial calidad de sonido. Una voz de color homogéneo. Después de pertenecer durante algunos años a la Ópera Estatal de Hannover. la noruega sigue siendo Isolda y Brunilda formidable. donde adquirió una excelente escuela que se refleja en la propiedad de los acentos y la correcta articulación de las palabras. la soprano finlandesa ha querido centrar su primer recital discográfico. humana (enternecedor Lamento) en la expresión. aunque sin llegar propiamente a ” lo lírico-spinto. Y las Cuatro últimas canciones son técnicamente superiores a la grabación del ensayo del estreno (1950) con Furtwängler (Testament). aunque sin llegar propiamente a lo lírico-spinto. Dir. pero desde hace algunos años han irrumpido también con fuerza en el ámbito germánico los artistas procedentes de Finlandia. así como su particular vinculación al repertorio straussiano. Tampere Philharmonic Orchestra.” Existe una larguísima tradición de cantantes escandinavos que han contribuido enormemente a enriquecer el repertorio alemán. a Felicity Lott. Jorma Hynninen o Soile Isokoski han alumbrado y alumbran con su propia luz los escenarios operísticos del mundo entero. pero sin histrionismo. A veces son algo tirantes y abiertos (¡Ella. que afianzaron sus posteriores estudios en el Mozarteum de Salzburgo. así como una premonitoria Isolda. Hasta ahora se trataba principalmente de voces procedentes de Dinamarca. la Deutsche Oper Berlin. acompaña ahora con solvencia. Decca). Monica Groop.: ODE 1168-2 (1 CD) D2 Orchester der Städtischen Oper Berlin. control respiratorio ejemplar. por cierta veladura en el timbre. la soprano sueca Nina Stemme). Matti Salminen. En realidad son tres. alucinada. Wagner y Richard Strauss (aunque ha reconocido que en los próximos años quiere inclinarse hacia el repertorio italiano. de generosísima duración (casi hora y cuarto) en los dos compositores a los que más se ha consagrado. Kirsten Flagstad ofreció sendos conciertos en el Titania Palast de Berlín con la Orquesta de la Ópera Municipal dirigida por Georges Sebastian y obras de Wagner y Strauss en atriles. Precisamente. Hannu Lintu. legato magistral. el aria de entrada y la plegaria del acto III). la soprano alemana Christel Goltz. La Scala de Milán. siguiendo la estela del inolvidable Martti Talvela y de su sucesor. al frente de la Orquesta Filarmónica de Tampere.

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Dir. Fallecidos el viejo Christie en 1962 y Britten en 1976. Tierney. a la que dio término en trece meses. maltratador de sus aprendices hospicianos –tres de los cuales morían víctimas (más o menos incidentales) de un trato brutal– y fallecido miserablemente en un manicomio.: Mark Wigglesworth / GLYNDEBOURNE / Ref. divulgada en todo el mundo gracias al vídeo. el párroco más preocupado de rosas que de almas. no es un simple conjunto coral informe y sin rostro.” Finalizado el libreto. Britten ha volcado en él sus propias ansiedades y tensiones íntimas. esta cumbre de la ópera de todos los tiempos hoy está plenamente incorporada al repertorio regular y ha sido ya objeto de dos docenas de grabaciones disco/videográficas. el viejo lobo de mar– que a la postre le abandonan a su suerte. Carolina del Norte.: GFOCD 00800 (3 CD) P . a los 31 años. el corpulento y entonces jovencísimo Anthony Dean Griffey (High Point. Tilling. The Glyndebourne Chorus. por su parte. que da por igual el tipo en los momentos de expansión lírica como en los arranques de violencia o en los episodios de demencia final. el reencuentro tiene lugar en 1981 con el estreno de El sueño de una noche de verano en la versión de Peter Hall. pero también ecos de obras tan dispares como Porgy and Bess (también situada en una comunidad pesquera. y su retrato adquiere enormes dosis de ambigüedad: ya no es un salvaje Resulta sumamente curiosa la historia de las relaciones del más grande operista inglés de todos los tiempos. La comunidad. y con un protagonista marginal y tullido. Verdi o Strauss. versos de Crabbe que confieren al texto un sabor arcaizante. la tabernera y sus “sobrinas”–. que pronto se consolida como uno de los indispensables must del orbe operístico internacional. sino que marca el momento fundacional de la hasta entonces apenas existente ópera británica. por su parmaltratador. y a ello sacrifica amor. pero también con su potencia destructora. honor que comparte con el autor fetiche del Festival. pero unidos en su rechazo al rebelde y misántropo Grimes. Sea como fuere. en el verano californiano de 1941. trátense de protectores de Grimes –la maestra (¡qué fantásticas todas sus intervenciones vocales de principio a fin de la ópera!). resulta ser el punto más incierto de la trama. A partir de esa fecha. que Britten había estudiado a fondo. de la música de Britten. Forster dedicado a George Crabbe (1754-1832). y por encima de otros allí tan apreciados como Rossini. escenas de taberna). hasta el punto de que hoy día Britten. en la misma costa de Suffolk donde Britten había visto la luz.P . hoy uno de los intépretes más requeridos en el rol de Grimes. BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Peter Grimes Griffey. En su obra The Borough –que evoca la vida de una comunidad pesquera hacia 1800 con una clara preocupación humanitaria y de crítica social– Crabbe se detenía en un siniestro personaje. nostálgico de su paisaje natal y decidido a componer una ópera sobre el tema. y a este último año corresponde la grabación que aquí se comenta. el mar con toda su plasticidad y su poesía. con el más prestigioso y singular de los festivales operísticos del Reino Unido. no ofreciéndole otra salida que el suicidio. médico. Page. el legado lírico britteniano fue incorporándose progresivamente a su programación. que estrenó allí The Rape of Lucretia y Albert Herring. de un artículo de E. Y éste. Gorton. antes o después Peter Grimes tenía que incorporarse al cartellone de Glyndebourne. durante más de tres décadas los destinos de autor y festival siguieron caminos independientes: aquél como autor de un corpus operístico de extraordinaria riqueza –y fundador además de su propio festival en Aldeburgh–. por su utilización de formas clásicas. poeta y naturalista inglés nacido en Aldeburgh. convertido de la noche a la mañana. Tres son los elementos que se singularizan y enfrentan en Peter Grimes: el protagonista. John Christie. la viuda cotilla que juega a Miss Marple. el boticario juerguista y chaquetero. donde pronto contactó con Montagu Slater. Benjamin Britten. que aún hoy resulta una de las más deliciosas y poéticas puestas en escena de la historia del Festival.85 €. La historia de la creación de Peter Grimes arranca con la lectura por Britten.M. Está claro que la elección de Peter Pears lastró la visión que Britten tenía del protagonista. a regresar a Inglaterra. que se coloca en ” primerísima línea de la discografía. sentía por la ópera inglesa y el estilo demasiado “moderno”. Glyndebourne: si en la inmediata posguerra el Festival albergó como conjunto invitado al English Opera Group fundado en 1946 por Britten. amistad y hasta sus niños aprendices. donde la tormenta tiene una función dramático-musical. sino que está conformada por una serie de siluetas minuciosamente caracterizadas en lo dramático y en lo musical. la comunidad humana de la que forma parte (y de la que será chivo expiatorio) y la naturaleza. lo que tuvo lugar en 1992 con una producción de Trevor Nunn repuesta en 1994 y 2000. hoy un género prestigiado y abundante en autores y creaciones. que conserva en muchos momentos. en la misma son evidentes. o de representantes de distintos estratos sociales enfrentados entre sí –el alcalde y juez pomposo y golfante. un buen hombre capaz de llegar al homicidio) y Der Rosenkavalier y su maravilloso trío de voces femeninas. de una parte. el sermoneador metodista puritano y borrachín. y Mark Wigglesworth consigue de la London Philharmonic y el Glyndebourne Chorus una de las versiones más vibrantes obtenidas hasta la fecha de la obra maestra britteniana. con ocho de sus nueve óperas –únicamente falta Gloriana–. que se coloca en primerísima línea de la discografía. en el más importante compositor inglés. Su lectura determinó a Britten. te. a su juicio. Lógicamente.V. tan maravillosamente plasmadas en los interludios marinos con los que Britten elaborará una de las “marinas” sinfónicas más extraordinarias del siglo XX. Britten comenzó en enero de 1944 la composición musical. Mozart. Sea como sea. especialmente en las intervenciones corales.. El estreno por la compañía del Sadler’s Wells el 7 de junio de 1945 no sólo constituye un dato capital en la biografía de Britten. sino un extraño soñador que aspira a imponerse mediante un golpe de suerte a la sociedad que lo margina y acosa. y entre ellas no fue la menor el poco aprecio que el fundador del festival. diversas circunstancias interrumpieron la colaboración entre ambas instituciones. Todos los restantes intérpretes del largo reparto están perfectos en sus cometidos. “Una de las versiones más vibrantes de la obra maestra britteniana. su recurso a danzas populares estilizadas y cierto parentesco temático (dos marginados sociales llevados a la autodestrucción por su entorno) y ambiental (una naturaleza hostil e inquietante.: 41. dramaturgo de convicciones izquierdistas que se ocupó de la dificil tarea de transformar la colección de poemas en una obra de eficaz enjundia dramática. es el autor que cuenta con más títulos programados en la historia de Glyndebourne. y Glyndebourne. la influencia de Wozzeck. 1970). Recomendabilidad total. pero esa indefinición ha permitido la gran variedad de enfoques que sucesivos intérpretes y registas han aportado al personaje y a sus relaciones con su entorno. Tuvas / London Philharmonic Orchestra.30 di v e r di ópera Britten ya reina en Glyndebourne El sello del festival inglés nos presenta su versión de Peter Grimes grabada en el verano de 2000 Santiago Salaverri clérigo. ante todo por su protagonista. Ello no obsta para que esta nueva versión tenga una validez absoluta. el pescador Peter Grimes. evocado en el cuarteto del segundo acto.

Más equilibrado y clasicista. piano. la Radio de Berlín contaba con una tecnología punta en la grabación del sonido y sus técnicos contaban entre los más cualificados en esas labores. RIAS-SymphonieOrchester. resulta irrecuperable una cinta del Castillo de Barba Azul grabada en 1958 y destruida en los años sesenta). En el Concierto nº 2 el solista es Geza Anda. violín. En lo que respecta a la Música para cuerdas. la Suite de danzas. fluidez… ¿se puede pedir más? Fricsay no fue sólo un extraordinario director. Géza Anda. Fricsay grabaría la integral de la música para piano y orquesta de Bartók junto a Geza Anda entre 1959 y 1960. En 1948 se le encomendó la dirección de la recién creada Orquesta Sinfónica de la RIAS (la radio que los aliados habían creado en Berlín oeste). En el caso de la Cantata profana. ya con sonido estéreo: todo un pilar de la discografía del compositor húngaro. se trata del mismo registro que DG editó por primera vez en los noventa dentro de su serie Dokumente. pero los siete años de distancia entre esta versión y la “oficial” de DG se notan. Hedwigskathedrale). Karajan / Strauss… Las grabaciones bartókianas que Fricsay realizó para Deutsche Grammophon en la década de los cincuenta no han dejado nunca de representar una referencia absoluta. flexibilidad. Esta última representa el legado de dos intérpretes que dominan la partitura con una soltura impresionante. los efectos percusivos más contundentes… Ahí prevalece la templanza de la sabiduría. sino también un formidable constructor de orquestas. La filosofía sonora de la orquesta radicaba en la precisión y la nitidez de una sección de cuerdas contundente pero ligera (lejos de la densidad y suntuosidad propias de los conjuntos alemanes) junto a unos vientos dotados de un insólito relieve. tenor. FERENC FRICSAY dirige BÉLA BARTÓK: Las grabaciones completas de la RIAS Andor Foldes. Pero no se confundan: esta caja es una auténtica joya del primero al último minuto. en una versión que acerca la obra al perfil modernista e iconoclasta del Concierto para piano nº 1. RIAS-Kammerchor (Chor der St. Protagonista del Concierto nº 3 es Louis Kentner. pero comunica un mayor grado de exaltación y arrebato: las disonancias son más ásperas. percusión y celesta. Puede que otros directores las hayan igualado en ocasiones puntuales. un conjunto que moldeó a su imagen y semejanza y que convirtió en pocos años en una de las mejores agrupaciones sinfónicas europeas. el Divertimento y los Dos retratos. 1 y los Conciertos para piano nº 2 y 3 (desgraciadamente. Tampoco la calidad de la toma en vivo ayuda mucho. En su conjunto. vigor rítmico. una verdadera bendición para los amantes de Bartók y de la música en general. Rudolf Schulz. barítono. si bien sólo en un caso (el Concierto para piano nº 3) el resultado es poco satisfactorio. En los años cincuenta. Puede que la presente versión de 1953 no tenga la perfección de aquella otra. Las grabaciones en estudio no tienen nada que envidiar a las posteriores de Deutsche Grammophon.grabaciones históricas 200 / febrero 2011 31 Olimpo bartokiano Audite edita en un estuche de tres cds las grabaciones para la Radio de Berlín que realizó en los cincuenta Ferenc Fricsay con música del gran autor húngaro Stefano Russomanno Béla Bartók “Una auténtica joya del primero al último minuto. una verdadera bendición para los amantes de ” Bartók. Junto a sus célebres versiones de Bartók en Deutsche Grammophon. mientras que las tres realizadas en vivo son de un nivel inevitablemente inferior.” El Bartók de Fricsay pertenece a esta serie de emparejamientos legendarios en los que la estrecha afinidad entre compositor e intérprete trasciende lo musical y alcanza un grado de comunión espiritual: Furtwängler / Beethoven. quien intenta “masculinizar” la pieza con un talante a veces excesivamente agresivo. Knappertbusch / Wagner. donde la fidelidad del concepto (Fricsay había estudiado en su juventud con Bartók) se alía a unas cualidades musicales y técnicas de primer nivel: intensidad. Dietrich Fischer-Dieskau. Helmut Krebs. puesto que la orquesta queda relegada a un fastidioso segundo plano. la proximidad cronológica entre las dos versiones y la presencia de la misma orquesta hacen que las diferencias interpretativas sean de escasa consideración. la caja de Audite se completa con la Rapsodia para piano y orquesta op. Se trata de registros comprendidos en un período entre 1950 y 1953. Fricsay realizó una serie de grabaciones para la radio berlinesa que Audite acaba ahora de reunir en tres discos. piano. transparencia. Si tuviera que elegir. que conocen todos sus recovecos y han conseguido elevarla al rango de “clásica”. pero nunca las han superado. el binomio Anda/Fricsay (y no olvidemos el dúo Fischer/Fricsay) es sin duda superior.: AUD 21407 (3 CD) D2 x 2 . representan un hito discográfico de obligado conocimiento. La comparación es aquí especialmente interesante no sólo por la distancia cronológica entre las respectivas versiones (entre siete y diez años). Andor Foldes. penetrantes y muy dúctiles. pero la primera es una versión en vivo: de ello se desprende un grado de tensión algo mayor (Varga es superlativo en la cadencia del Allegro non troppo) y una calidad de sonido inevitablemente inferior. será fácil imaginar que los registros poseen una increíble calidad para los estándares de la época. No cabe duda de que con este triple volumen la Fricsay Edition que promueve Audite ha alcanzado su culminación. que preceden –a veces en cuestión de meses– las tomas del sello amarillo. La Rapsodia cuenta con la participación de otro bartókiano ilustre. mientras que la sucesiva versión de Anda prefiere subrayar las raíces lisztianas. violín. Además de los títulos citados. Toscanini / Verdi. Si a ello añadimos la habitual excelencia de las remasterizaciones de Audite. Unas cualidades especialmente aptas para la música bartókiana.: Ferenc Fricsay (grabado entre 1950 y 1953) / AUDITE / Ref. aquí el entusiasmo físico del descubrimiento y la exploración. sino porque en dos casos el solista es diferente. piano. Tres años median entre la grabación radiofónica y discográfica del Concierto para violín nº 2. diría que la versión radiofónica gana por puntos a la oficial. Orquesta y solista (Tibor Varga) son los mismos. Dir. Tibor Varga. Louis Kentner.

opus 2. captadas con excelente sonido. Un muy triste final de una carrera que hubiera podido concluir gloriosamente: méritos artísticos no le faltaban a Solomon. Federico Moreno Torroba. Solomon y Walter Legge hubieron de suspender –parecía que temporalmente– el proyecto. desgranado con una admirable claridad de líneas. que tanto puede perjudicar a esta bellísima música y a la melodía infinita de su andante. Georg Friedrich Haendel. Sonata no. por fin.: TAH 698-700 (3 CD) D6 x 3 . a tempo constante en cada movimiento. Orchestra “Alessandro Scarlatti” di Napoli della RAI. 23 en fa “Appassionata” / Rudolf Serkin. 19581959) / IDIS / Ref. Buena parte de la música recogida en estos dos CD Audite figura en la citada colección de Testament. Robert de Visée. en el ya lejano año de 2002. resultaron ser las primeras manifestaciones de un gravísimo problema circulatorio que. Bach.6 y opus 116. 6: Obras para guitarra de Luis de Milán.: IDIS 6603 (1 CD) D5 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: The Capitol Recordings (obras de Haydn. 5 para piano y orquesta. dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS en Berlín. Beethoven y Ravel / New York Philharmonic Orchestra. de grabar las 32 Sonatas de Beethoven para piano.4. Rimski-Korsakov.: IDIS 6599 (1 CD) D5 EL ARTE DE ANDRÉS SEGOVIA. director (grabaciones efectuadas en 1955) / TAHRA / Ref.32 di v e r di grabaciones históricas El pianista que no tenía apellido Formidables reprocesados sonoros de Audite de grabaciones del británico Solomon Roberto Andrade de Kempff.: IDIS 6577 (1 CD) D5 RUDOLF SERKIN INTERPRETA BEETHOVEN. Beethoven. En resumen. ya muy avanzado. También es novedad el precioso Concierto italiano de Bach. guitarra (grabado en estudio entre 1944 y 1956) / IDIS / Ref. suena un poco precipitado. Estas dos últimas piezas tampoco figuraban en la antología de Testament. de nombre artístico Solomon a secas. Las dos Sonatas de Beethoven incluidas. pero hay algunas novedades: los dos Intermezzi opus 118. de matizadísima sonoridad. varios CD que Testament dedicó al pianista británico Solomon Cutner (1902-1988). captadas con excelente sonido. Leonard Bernstein. Backhaus y el joven Gulda para el nuevo formato del disco microsurco de larga duración. que pasó recluido en su hogar de Londres. en particular. y las molestias en el cuarto y quinto dedo de la mano izquierda de Solomon.2. más la Primera Rapsodia opus 79.1. sin “Dos horas con Solomon en el estudio de la RIAS. director (grabado en directo.1 nos recuerdan qué extraordinario intérprete de Brahms fue Solomon (¿hace falta mencionar los dos Conciertos para piano y orquesta. Franco Caracciolo. Mozart. Dvorák. cuidado por su esposa y apoyado por algunos colegas y amigos. dejó hemipléjico a Solomon y cortó para siempre una carrera que comenzaba. que los especialistas no acertaron a valorar. hoy lo tomo prestado para encabezar esta reseña. sensible por igual a los aspectos clásico y romántico que alternan en estas dos sonatas de juventud.” duda arrebatador. Gaspar Sanz. en 1995. que hubiera competido con los ciclos Novedades grabaciones históricas LEONARD BERNSTEIN: obras de Tchaikovsky. Tchaikovski. Esta singular circunstancia sirvió a José Luis Pérez de Arteaga para titular un sustancioso ensayo sobre el pianista en Scherzo. Sir John Barbirolli. Christoph Wilibald Gluck . Schubert.: AUD 23422 (2 CD) D1 Comenté en este Boletín. como lo era el de Testament. y figura entre las referencias fonográficas de esta obra. Liszt. el Segundo Scherzo. Brahms y Wagner) / NWDR Sinfonieorchester. VOL.: TAH 694-696 (3 CD) D6 x 3 HANS SCHMIDT-ISSERSTEDT: Las grabaciones Telefunken (obras de Haydn. en el verano de ese año. a tener el merecido reconocimiento internacional.: IDIS 6598 (1 CD) D5 SIR JOHN BARBIROLLI dirige GUSTAV MAHLER (18601911): Sinfonía no. son una fiesta para cualquier aficionado. son una fiesta para ” cualquier aficionado. opus 9. director (grabado entre 1953 y 1959) / TAHRA / Ref. se enriquece con estos registros de la RIAS alemana fechados en febrero de 1956. mayo de 1957) / IDIS / Ref. Pero el destino no lo quiso así. la Tercera Sonata para piano o las Variaciones Haendel?). Chopin y Brahms Solomon. revalidan la excelsa calidad de Solomon como intérprete del músico de Bonn. junio de 1958 y en Lugano. VOL. eco de los recitales que ofreció en la capital alemana en febrero de 1956. El Carnaval de Schumann vuelve a ser memorable. La imponente colección de 16 CD dedicados por Testament a este eximio artista. Hans Schmidt-Isserstedt. 3: Concierto no. director (grabado en directo en Turín el 15 de noviembre de 1960) / IDIS / Ref. sobre todo la Fantasía en fa menor opus 49 y el hipnótico Primer Nocturno. Treinta y dos años de vida le quedaron a Solomon. Schumann. a fin de 1956. piano (grabado en estudio en 1956) / AUDITE / Ref.3 y Claro de luna opus 27. director (grabado en directo en Nápoles. piano. pero sin el menor atisbo de lectura mecánica. Óscar Esplá y Joan Manén / Andrés Segovia. 9 en Re menor / Orchestra Sinfonica di Torino della RAI. SOLOMON: Obras para piano de Beethoven. Pocos meses después. Excelente el trío de obras de Chopin. todos grabados en estudio en los años 40 y 50 para EMI. Hans Schmidt-Isserstedt. Schubert) / NWDR Sinfonieorchester.

todo se lleva a cabo con buen gusto y estilo. Sonatina. un pianista que no entendemos cómo no está más arriba “Un Beethoven muy estimulante. en el que el lirismo aflora cuando hace falta pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. segura y compacta. 898. violín. Sin penetrar en los significados como podría hacer un Brendel y sin el refinamiento de un Zimerman.siglo XIX 200 / febrero 2011 33 Limpias articulaciones Conciertos Cuarto y Quinto de Beethoven por Subdin y Vänskä. “Emperador”. El pianista se expresa con muy bello timbre pero con una discreción que resta carácter a su evidente musicalidad. según pone de manifiesto la excelente y transparente grabación. que a lo mejor ofrecen nuevas vías. claro. aunque. tan equilibrada y tan bien grabada como las escuchadas anteriormente. al piano. siempre dentro del más respetuoso decoro. piano / AEON / Ref. disciplinada y rigurosa. director / BIS / Ref. Así. 1 D. Ilya Gringolts. Sin embargo no todo lo expuesto allí obtiene exacta traducción en la interpretación musical que uno escucha a continuación. la antigua Sinfónica de Minneapolis que pusiera en órbita Antal Dorati y que ahora se llama Orquesta de Minnesota. que se abre ante él. Y lo cierto es que poco se le puede reprochar a Coppey. Dos obras grabadas hasta la saciedad. limpias y eficientes de dos de los conciertos más conocidos de Beethoven.: BIS SACD 1758 (1 SACD) D3 Osmo Vänskä En la extensa entrevista que reproduce la carpetilla de este disco el violonchelista Marc Coppey da muestras de su afinidad con el universo schubertiano. El finés Osmo Vänskä ha dado pruebas más de una vez de que es una batuta sólida y eficaz. Con esta actitud abierta nos hemos aproximado a esta reciente grabación de BIS en la que participan gente joven y bien adiestrada y una formación. porque. Al menos suena afinada. violonchelo. así en los dos lentos. la Sonata Arpeggione transcurre con perfecta delicadeza. con el concurso de la tímbrica del grupo. También es cierto que Peter Laul. nos parecen excelentes por la finura de concepto. y de toda la literatura para piano y orquesta: el Cuarto y el Quinto. resulta ameno. Este disco. tocadas de mil maneras y por los más insignes pianistas. una excesiva templanza. estamos hablando de algunos de los más grandes pianistas de la posguerra. por lo que escuchamos aquí en estos acompañamientos al solista. por ejemplo. pero en el que todo circula con cierta agresiva rapidez. con todo en su sitio. eso sí. no precisamente aterciopelada pero no exenta de valores. Si acaso habría que objetarle. FRANZ SCHUBERT (1797-1828): Arpeggione. advertir en su juego las sutilezas o claroscuros de un Arrau. de la profunda comprensión que ha ido adquiriendo del mismo. especialmente los dedicados a Scriabin. un artista elegante. lleno de vida. Un Beethoven muy estimulante. nuevos modos de acercamiento. y su reciente ciclo Beethoven con el conjunto americano ha tenido muy buenas críticas. aunque la cordialidad de la interpretación encaja mejor con el espíritu de esta obra alegre y juvenil. aunque sea difícil. en todo caso. valga la contradicción. la ligereza de la pulsación. Minnesota Orchestra. Es comprensible.: AECD 1095 (1 CD) D2 . de un Gulda que de un Backhaus. las interpretaciones de este ruso nos gustan y nos divierten. poseedor de un sonido de gran belleza y calidad. Algo parecido cabría decir de la Sonatina N. única obra del programa que se presenta en su versión original. Son bazas que aprovecha Subdin. capaz de hacer cantar a su instrumento con enorme naturalidad. pero con una dosis mayor de chispa y energía. Trío Marc Coppey. sabe establecer los planos adecuados. salvando distancias. fresco. prometedor y que no se sabe a dónde lo llevará. La centuria posee. El resultado es una interpretación más estimulante y animada. recibir nuevas interpretaciones diríamos que de refresco. dirigidas por las más grandes batutas y apoyadas en los timbres de las más famosas agrupaciones sinfónicas. en BIS Schubert templado Marc Coppey ofrece en Aeon una elegante versión de la Arpeggione Ignacio González Pintos Arturo Reverter Dos interpretaciones modernas. de mantener una línea musical cálida y fluida. de momento. vívido y animado. Los discos que ha grabado hasta el momento. una sonoridad clara. los tempi lógicos y las texturas idóneas. Siempre es grato.” en el escalafón. el dolor premonitorio que encierran las notas. con una suave belleza que termina por distanciarnos de una obra que puede ofrecer emociones más turbadoras cuando se interpreta con mayor ímpetu y se consigue conectar con la lúgubre sensualidad. Son buenos mimbres. 384. por muchos méritos que ya posea. por supuesto. brillante. eso sí. es un buen ejemplo. Pero. sin que ello excluya la dimensión poética. en el que el lirismo aflora cuando hace falta. transcrita para violonchelo. que en el “Emperador” está más cerca. Peter Laul. la claridad del fraseo. potente y firme. aún está en ese camino. La presencia de Ilya Gringolts en el Trio N. con lo que su discurso. con todo en su ” sitio. Osmo Vänskä. la acentuación justa. Y Subdin. 1 D. aporta al conjunto personalidad tímbrica y nuevos acentos expresivos. aunque. sin duda. LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1825): Conciertos para piano nºs 4 y 5 Yevgeny Sudbin. piano. no le presta a Coppey un trampolín sobre el que hacer volar el discurso.

Breitkopf y Härtel. 2010. cuando Joachim presenta a su joven amigo Johannes Brahms al matrimonio Schumann. conforma una biografía.P Tritó ISAAC ALBÉNIZ Música orquestal (Catalonia.95 € . Así lo indica en su inteligente prólogo Áurea Domínguez: …” un hábil compilador.v. Y aunque el texto y el pretexto de esta reseña es la figura del gran Johannes Brahms– “rudo soñador de la Alemania del Norte”. capaz de presentarse ante el lector como una verdadera autobiografía”. casi novelesca. el violinista Joseph Joachim y Eusebius Mandiczewski. que iluminan las circunstancias que impulsan a Brahms a escribir tal o cual carta –siempre una obligación penosa. Inesperadamente. La traducción a un impecable castellano ha estado a cargo de José Aníbal Campos. Eduard Hanslick. no el compositor. Recomendación entusiasta.. que distrae al creador de su principal tarea– o proporcionan los datos biográficos esenciales del destinatario. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las ” convencionales. licenciado en filología germánica por la Universidad de La Habana. Es de esperar que el éxito acompañe a este esfuerzo editorial. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros. 304 páginas / ANTONIO MACHADO LIBROS / Ref. forman una biografía. Suite orquestal de la ópera Pepita Jiménez) Orq.” monios Fellinger y von Herzogenberg. Clara y seis de sus hijos– así como los de los grandes amigos de Brahms: el cirujano Theodor Billroth. Zweig. que han comenzado a editar diversos sellos discográficos. de óptima edición. publicó entre 1926 y 1927. Escenas sinfónicas catalanas. Y. por ejemplo– que hubieran sido bienvenidos. que había llegado a ser en la Alemania de los años 20 director del Conservatorio de Mainz. nueve días antes de su muerte. esta antología epistolar. Ingeborg Bachmann. en unión de las cartas. traductor de un impresionante elenco de autores : Hesse. según lo definía agudamente mi libro de historia del arte en quinto curso de bachillerato– no está de más destacar el interés que. En esta selección de Gál quedan excluidos. atípica.: 17. coautor con Hans Gál de la edición completa de la obra musical de Brahms que la editorial de Leipzig.: 23. La última carta de Brahms.: DIV9788493735777 (1 Libro) P . hubo de trasladarse a esta ciudad escocesa en los años 30 ”animado” por los nazis y en ella fijó su residencia y desarrolló una fecunda actividad musical. sin aniversario “redondo” que la propicie. su intento de suicidio en febrero de 1854 –la locura le dominaba ya– cortó en seco lo que hubiera podido ser un interesantísimo intercambio de correspondencia entre dos autores cumbres del Romanticismo. Pero aquí nos ocupa el Gál biógrafo. que dirigen Luca Chiantore y Silvia Martínez. nos llega esta edición en español de la antología de la correspondencia brahmsiana que el compositor y musicólogo de origen judío Hans Gál (1890-1987) preparó a la tierna edad de 89 años en Edimburgo.p. director td 0078 (1 cd) p. toda esa información complementaria. Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña Jaime Martín. que se lee con interés creciente y a cuyo término la compleja y atractiva personalidad del “rudo soñador” nos queda mucho más cerca y acaba resultando entrañable. es dominante el apellido Schumann –Robert. Anton Webern… Un libro muy ameno. Nortesur.- Johannes Brahms .50 €. ha merecido la música compuesta por Gál. cada palabra es un sacrificio para mí. va dirigida a Joachim: “mi estado es cada vez más precario. seleccionando adecuadamente los documentos e insertando breves aclaraciones y comentarios. El epistolario arranca en noviembre de 1853. pero no menos informativa o reveladora de la personalidad de Brahms que las convencionales.34 di v e r di siglo XIX El rudo soñador de la Alemania del norte La editorial Nortesur publica un volúmen con el epistolario de Johannes Brahms Roberto Andrade “Esta antología epistolar. Musikeon. atípica. en los últimos años. por fuerza. tanto la hablada como la escrita…” Estupenda esta iniciativa de la editorial barcelonesa Nortesur. algunos nombres ilustres –Hans von Bülow. los matri- JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Cartas 1853-1897 Edición de Hans Gál. dentro de la colección Musikeon. Pero apenas hay dos cartas a Robert. Barcelona.V. en efecto. cuidadosamente preparada y completada mediante comentarios tan breves como certeros. Gál. fechada el 24 de marzo de 1897. puede transformar una sucesión de cartas en una narración fluida. Por el contrario.

Ewa Pobłocka. la riqueza de registros. y en detrimento de Son. fundamentos de esta colección imprescindible.V. el menguado pedal y una sonoridad de carácter más camerístico –pero no por ello menos solista o virtuosa– son claves de esta monumental edición. Los viejos pianos Pleyel y Erard posibilitan interpretaciones radicalmente diferentes. ruidos a gogó. Chopin. en su mayoría polacos o triunfadores del Premio Chopin de Varsovia. escrupulosamente fiel al espíritu y la letra del compositor. Kevin Kenner. Una joya. Berceuse…) a cargo de la reconocida chopiniana Tatiana Shebanova.siglo XIX 200 / febrero 2011 35 Chopin impresionante y revelador Un monumental estuche de 21 cds da cuenta. Nikolai Demidenko. Janusz Olejniczak.: 89. a propósito de estas críticas. se dijo entonces. Ewa Poblocka.. quien en 1980 se alzó con la medalla de oro en la décima edición del Premio Chopin. Choca. estrés. obras diversas por Nikolái Demidenko… un verdadero festín pianístico que también comprende la presencia inesperada de Frans Brüggen y su Orchestra of The 18th Century. Kevin Kenner. Jarosław Drzewiecki. Marek Drewnowski. cantantes y director de orquesta) que cercioran la entidad interpretativa de la colección. y gracias al esfuerzo y cuidados del Instituto Chopin de Varsovia. las dinámicas mesuradas. Stanisław Drzewiecki. e incluso cuesta cierto trabajillo. mi interpretación se ha caracterizado por una sonoridad demasiado débil o. la colección se abre con un documento sonoro de enorme valor: un cedé que recoge grabaciones chopinianas del legendario Raul Koczalski fechadas el 21 de febrero de 1948. en la que también aparecen pianistazos como Jan Krzysztof Broja. Ka Ling Colleen Lee. Recorrer estos 21 cedés es adentrarse en un modo de tocar radicalmente diferente. Hoy. Las Baladas por Nelson Goerner.P . ruidos a gogó.. de la obra completa del genio polaco con criterios ‘históricamente informados’ Justo Romero Frédéric Chopin Impresionante y. en lecturas a cargo de los más importantes especialistas. mazurcas en los dedos irrebatibles y ya veteranos de maestros como Fou Ts’ong y Janusz Olejniczak. demasiado delicada para el gusto de los oyentes vieneses. protagonistas ambos de una sobresaliente versión de la corta pero sustancial obra vocal de Chopin.. Se trata de grabaciones en vivo procedentes de conciertos ofrecidos en Varsovia entre 2005 y 2007. se publica esta exhaustiva edición que recupera esa sonoridad que tanto reivindicó el compositor-pianista. Marek Drewnowski. que recoge nada menos que un total de 175 incursiones. donde figuran algunas piezas repetidas en diferentes versiones. está protagonizada por solistas de fuste. solistas / Orchestra of the 18th Century. todos ellos firmemente instalados en la escena contemporánea.: NIFCCD 000-020 (21 CD) P . pero. en novedosos acompañamientos de la obra concertante junto a Demidenko y al citado Dang Thai Son. Dang Thai Son. La colección se completa con un cuaderno de 208 páginas con nutrida información de intérpretes y repertorio. FRÉDÉRIC CHOPIN (1810-1849): La obra completa con instrumentos históricos (Primera Grabación Mundial) Nelson Goerner. violonchelo. Dina Yoffe. y que tan virulentamente le censuraron los críticos vieneses tras los recitales que ofreció en agosto de 1829 en la capital austriaca. los preludios por Wojciech Switała. definitivamente fieles a aquel sonido tenue y delicado peculiar del compositor. sumergirse en este auténtico Chopin es una aventura ciertamente fascinante. los estudios y otras importantes obras (Barcarola. sumergirse en este auténtico ” Chopin es una aventura ciertamente fascinante. Tatiana Shebanova. acostumbrados a escuchar a los artistas destrozando su instrumento […] No importa. a diferencia de otras ediciones historicistas protagonizadas por músicos que no han logrado triunfar en la interpretación moderna. En un tiempo de motores de explosión.70 €. “Un modo de tocar más adecuado para un salón que para una sala de conciertos”. en la que tanto Demidenko como Dang Thai Son dejan constancia inapelable de enjundia pianística y sintonías con la música de Chopin. es imposible que no haya algún pero.” que. Fou Ts'ong. Una colección “En un tiempo de motores de explosión. A ellos se unen el violinista Jakub Jakowicz y el violonchelista Andrzej Bauer para la música de cámara (el trío y las obras para violonchelo y piano). Son muestras de este tesoro recién llegado de la Polonia que vio nacer a Chopin hace dos siglos. 21 artistas (entre pianistas. Frans Brüggen. estrés. escribió el 12 de agosto a su familia en Varsovia las siguientes líneas: “Según la opinión general. violín. pianos gran cola con brillantes decibelios capaces de hacerse oír en los espaciosos auditorios actuales y todos los ruidos y escándalos que se quieran. sin embargo. Los armónicos atenuados. mejor dicho. Ivo Pogorelich. los nocturnos y conciertos para piano por el vietnamita Dang Thai Son. y prefiero esto a oír decir que toco demasiado fuerte”. 200 años después de su nacimiento. aquella en la que la jurado Martha Argerich se peleó con medio tribunal en apoyo de su candidato. Así es el álbum que acaba de publicar el sello polaco NIF con la obra integral –la primera verdadera integral de la música de Chopin– en versiones recreadas en instrumentos originales de la época del compositor.. así como la soprano Aleksandra Kurzak y el barítono Mariusz Kwiecien. director / CODAEX / Ref. sobre todo. revelador. Como regalo. toparse con estas visiones tan rotundamente diferentes a lo acostumbrado.

De lo contrario. el arresto de sus largos y apasionados desarrollos melódicos van unidos a un arte del contrapunto entre solista y masa que se borda con el extremo y fastuoso conocimiento de los recursos violinísticos en los que el músico fue un maestro. Lo que estos dos colegas practican es la pequeña capilla de nueve instrumentos que. Brahms es otra cosa. con astucia inexcusable. ligeras diferencias de frecuencias vibratorias.: CARUS 83. El tema le apasionó desde bien joven. Todo se justifica al punto de volverse convencional. Podrían haberse entregado de lleno a este último pero prefirieron delinear un discurso comedido y de formas reconocibles. que otorga homogeneidad ejemplar a la entrega. con la consiguiente diversidad. La publicación entre 1838 y 1840 de los Deutsche Volkslieder por Kretzschmer / Zuccalmaglio sirvió de simiente para sus Wo0 34 y Wo0 posthum 35. o hallar efectos de conjunto que resuenen como una orquesta sinfónica. En este aspecto. en Ramée Blas Matamoro De Brahms se ha afirmado que su criterio para la elección de los textos poéticos no estaba a la altura del de otros autores románticos. virtuosísimos. apetecible para esta muchachada que inaugura el siglo XXI? La respuesta es enfáticamente afirmativa. sin someterse mecánicamente a la herencia canónica. 77. a todos nosotros. Australia. op. aunque no se vea. la mano de Dumay. Se les añade también algún número de los Drei Quartette op. Vieuxtemps tiene mucho que decir a tales intérpretes y. ambos pertenecen a ese momento de la música en que se transita –al menos ellos transitaron– desde la poética de los géneros del clasicismo hacia la libertad creadora y subjetivista del romanticismo. la ordenación de ellas y la duración relativa suficientemente calculada. la expansividad melódica no es ya clásica y tampoco la apertura de sus desarrollos. y a partir de entonces desarrolló un gran interés por la poesía popular. una presencia sonora capaz de medirse con una orquesta nutrida. 31 y op. en Carus Urko Sangroniz Todo Vieuxtemps Integral de los Conciertos para violín del compositor belga Blas Matamoro Una buena pareja Nonetos de Spohr y Onslow. bajo la mirada magistral de nuestro bien conocido y admirado Augustin Dumay. Tal vez las críticas se deban. JOHANNES BRAHMS (1833-1897): Wach auf. Son jovencísimos. los une un enfoque común de las obras. meins Herzens Schöne Anne Le Bozec. una velocidad de vértigo.: FUG575 (3 CD) D10 x 2 Excelente idea ha sido ésta de reunir dos nonetos de distintos autores. Además de estas cualidades. por su intermedio. op. Bélgica. Holger Speck. Agréguense la autoridad del director desde el podio y la preciosa edición. Quién sabe si fueron precisamente esas melodías las que Brahms escuchaba en aquellos establecimientos. Un disco exquisito. entre otras.448 (1 CD) D2 GEORGE ONSLOW (1784-1853): Noneto en la menor. Es notoria la dualidad del genio que. Desde luego. un valor añadido. ya que entre los fabricantes de Francia y Alemania hubo. relacionados íntimamemente. magníficamente interpretadas por Anne Le Bozec. un elegante desplegable provisto de una erudita carpeta como para sumar información al placer de la audiencia. no sólo en cuanto a estética sino porque nacieron el mismo año y murieron en la misma década: 1784 y 1853 Onslow y 1859 Spohr. 93a. 31 Osmosis / RAMÉE / Ref. ¿Resulta el viejo maestro valón. además de su completud. aun cuando haya un doble trío en Spohr y tema con variaciones en Onslow. y a pesar de que las obras están tratadas con los procedimientos compositivos más ambiciosos. sería más correcto afirmar que Brahms. pero todo discurre sin alterar el pacto que articula el conjunto. se oye y él es corresponsable del brillante resultado. Los chicos y chicas han venido de distintos países: Letonia. siempre tenido en cuenta respecto a sus partes. aplicadísimos. La amplitud de su aparato orquestal. Añádase que los instrumentos utilizados son de época o construidos en nuestros días conforme a modelos de época. en aquellos tiempos. por eso procuró hacerse con las colecciones que se publicaron en Alemania cuando el género florecía con vigor. manejó varios registros en sus obras.36 di v e r di siglo XIX Experiencias imborrables Obras corales de Brahms por el Vocalensemble Rastatt. un derrotero donde se tutea con Beethoven. y de las Lieder und Romanzen op. Vocalensemble Rastatt. La diáfana articulación se encarga de que todo sea entendido. un estro lírico intenso. Este repertorio exige ser hecho con altos vuelos como ellos alcanzan. Dir. piano. 64. Esta edición tiene. y con muy buen criterio. nunca lo sabremos pero escuchando estas versiones podremos imaginarlo. No es el caso de descubrir a Henri Vieuxtemps. la emisión es pura y el balance perfecto. de modo tal que el registro expresivo se altere sin dañar la estructura general de la obra. mejor es quedarse en casa. a la creación de obras como estas canciones populares que el compositor armonizó para cuatro voces.: RAM 1007 (1 CD) D2 . partiendo de Paganini y Lipnizky. escuchados en conjunto. El Vocalensemble Rastatt y su director Holger Speck afrontan el programa con convicción. pero sí de celebrar esta integral de sus conciertos para violín que. llega a Vieuxtemps a través de Mendelssohn. director / CARUS / Ref. de tesituras y colores. HENRI VIEUXTEMPS (1820-1881): Integral de conciertos para violín y orquesta Orchestre Philharmonique Royal de Liège. Brahms despliega en ellas el conocimiento adquirido a lo largo de su vida como director de coros. Hay que tener una tímbrica rica. adquieren cierta dimensión monumental. Rusia. por si hubiese alguna duda. No ha sido fácil la opción. En efecto. Para qué ingenios escribieron nuestros músicos.: Patrick Davin / FUGA LIBERA / Ref. ávido lector de poesía de todo tipo. Por eso. Armenia. algunas obras con textos de Goethe y Schiller. mantienen la frescura propia del género. apenas audible. El concierto romántico parece hacer un camino que. Por tanto. de cuya selección se nutre el programa del disco. Se han juntado seis jóvenes violinistas gracias al auspicio de la Capilla Musical Reina Isabel. puede cantar en voz baja y ser música de cámara. LOUIS SPOHR (1784-1853): Noneto en Fa mayor. mantiene intactas en su personalidad creadora las vivencias como pianista de taberna. se incluyen aquí dos intermezzi y una balada para piano. después del proceso formativo. todavía.

Sonata para viola y piano y Sonata para clarinete y piano / Ana Chumachenco. Queensland Symphony Orchestra. se nos obsequia con un segundo disco –encartado como Bonus CD– en el que Lieske interpreta a solo otro monográfico Albéniz formado por los más célebres arre- ISAAC ALBÉNIZ (1860-1909): Evocación (obras para guitarra[s]) Lieske Spindler Guitars / CHALLENGE RECORDS / Ref. Sergei Istomin. Horst Neumann. lo que más vale de estas grabaciones es el instrumental que lucen Lieske y Spindler: tres guitarras de Antonio de Torres –para los dúos la célebre Leona de 1856. presentamos a los guitarristas alemanes Fabian Spindler y Wulfin Lieske asociados para la grabación de un programa íntegramente dedicado a transcripciones para dúo de guitarras de música del fenomenal pianista español. Adrian Oetiker. Heidelberg Symphony Orchestra Quintet. 108) / Geneviève Laurenceau.: TUDOR 7154 (1 CD) D2 Isaac Albéniz . otra cosa muy distinta quererla lucir en un repertorio altamente exigente en términos tímbricos. viola y piano. director / PIANO 21 / Ref. Hariolf Schlichtig. éste último instrumento consigue sólo por el colorido oscuro de su sonido insuflar algo de vida a estas postales de la música finísima y sofisticada de Albéniz. Johan Farjot. Pujol (Tango español.: ZZT 100802 (1 CD) D2 FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY (1809-1847): Trio para violín.: P21 028-A (1 CD) D10 CESARE NEGRI (1535-1604): Le Gratie d'Amore (1602) / Ensemble La Follia / DYNAMIC / Ref. sin fecha. 18 entre 1975 y 2001) / PIANO 21 / Ref. clarinete. 100 y op.: CC 72374 (2 CD) D2 Novedades siglo XIX FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Integral de la obra para violonchelo y piano / Viviana Sofronitski. Llobet y Tárrega más o menos revisados por el guitarrista alemán. tener que sacar de ella los matices que requiere esta música y. director (grabado en directo salvo el corte no. Rumores de la Caleta y Castilla). es la de una España sonora y orientalizante presentada con un texto en el que Albéniz declara “Soy un moro”. Bajo la palmera. piano. 21 (las cuatro versiones) / Cyprien Katsaris.: PAS 968 (1 CD) D2 FRÉDÉRIC CHOPIN (18101849): Concierto para piano nº 2. Aquí comparten cartel arreglos de Llobet (Evocación. viola. en los solos del disco de regalo. violín. Edvard Tchivzhel. Destensado y grave en su afinación.: P21 038-N (1 CD) D2 CYPRIEN KATSARIS interpreta EDVARD GRIEG (18431907): Concertos and Piano Works / Cyprien Katsaris. violonchelo. piano / TUDOR / Ref. además. pero lo cierto es que a la Leona le puede favorecer sonar sola con un repertorio como el de la música de Julián Arcas que apenas se había escuchado seriamente con anterioridad tal y como lo interpreta Stefano Grondona (CD Stradivarius 33692) potenciando sus valores históricos. Con un criterio interpretativo general de un discreto pintoresquismo orientalista que es la forma común en la que los centroeuropeos entienden estas músicas y a estas gentes del Sur. La evocación. piano / PASSACAILLE / Ref. y la FE 13 en la catalogación de José Luis Romanillos fechada en 1860– y la SE 113. al lado de estos dúos. 78.: DM 8006 (1 CD) D13 JOHANNES BRAHMS (18331892): Sonatas para violín y piano (op. Es una exageración. violín.siglo XIX 200 / febrero 2011 37 Albéniz alla moresca o a la alemana Fabian Spindler y Wulfin Lieske dedican un CD a transcripciones para dos guitarras de obras del compositor catalán Javier Suárez-Pajares glos de Andrés Segovia. op. piano. Eduard Brunner. confrontarla con otra guitarra de Antonio de Torres en condiciones de conservación muy distintas. ¿A quién querría engañar? Flecos todavía del antepasado año en el que se movilizaron algunos recursos e iniciativas para conmemorar el centenario del fallecimiento de Isaac Albéniz en 1909. inseparable de Lieske y con la que tantas veces se le ha visto últimamente en el Festival de la Guitarra de Córdoba. como instrumento vinculado al célebre guitarrista almeriense. Oriental y Córdoba) y Tarragó (Tango) con tres arreglos del propio Lieske (El Puerto y El Albaicín de la Suite Iberia y Mallorca) y. Groses Rundfunkorchester Leipzig. pues éste es el título del disco. Lo de la Leona ya es otro cantar y a mí siempre me gustará escuchar su voz como me puede gustar escuchar cantar un tango a un Torrente Ballester octogenario. piano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. op.

Editada de manera dispersa. pero las han pintado Zuloaga o Pradilla. anecdódico o literario. y volviendo a Franck y a su indirecta influencia en la formación de la Schola Cantorum parisina. la altura alcanzada por el músico sería la misma. la estructura. El segundo. las dos chicas tocan como si estuvieran haciendo figuras de brazos y vibrantes taconeos. El pianista. En efecto. pues su música de cámara es también de primer agua. hace de palmero. Lyon y Rouen. la desmesura torera y el arrebato chulesco. Se ve que las vertientes alimenticias fueron generosas y Vierne supo reunirlas y conjuntarlas en una escritura sabia.: 1C1182 (1 CD) D2 . y tiene una habilidosa escritura para los solistas que le da un sesgo muy distinto a la imponencia orquestal del origen. Limítemonos a disfrutar de su obra. LOUIS VIERNE (1870-1937): Integral de la obra para órgano Ben van Oosten. Saint-Saëns y Widor están a su lado. 48 piezas de fantasía y 24 piezas de estilo libre configuran lo que podríamos llamar el espacio profano de su catálogo. con un toque afrancesado en lo armónico y una sabiduría fina de escritura que ahuyenta toda posible españolada. GUILLAUME LEKEU (1870-1894): La integral de la obra para cuarteto de cuerda Quatuor Debussy / TIMPANI / Ref. Sin duda. aunque tal vez de modo aún irregular. en Challenge Blas Matamoro Explorando a Lekeu Los cuartetos del autor belga.: CC 72322 (1 CD) D2 Breve existencia (1870-1894) y fama equívoca connotan a Guillaume Lekeu. enésima por si hiciera falta. como su maestro César Franck. infalibles de estilo. no deja de ser fronteriza con la suite y. recatado en la inspiración y capaz de entregas líricas con amplio melodismo como el andantino de su cuarteto aquí incluido. un compositor que. por ello. de que se puede abundar en coloridos locales sin cargar las tintas y ceder a la fácil etiqueta con la denominación de origen de lo español. belga de nacimiento y francés de formación y carrera. nuestro hombre pertenece a esa categoría de músicos que son conocidos por una sola obra. Ese rasgo limítrofe acaso sea el decisivo en el perfil de Lekeu. para colmo de género y sin ningún signo externo. No obstante. ahora se reúne en una cajuela de 9 compactos. en MDG Blas Matamoro De España vengo Programa hispano del Devich Trio. No caigamos en el tópico de preguntarnos qué habría sido de Lekeu si el tiempo le hubiese dado los años de la madurez. explorada con morosidad por los registros eléctricos más allá de la sonata mencionada. Sumergirse en el conjunto de sus partituras es cumplir un viaje por un mundo a la vez denso y etéreo. en su novela. como esos rayos de luz multicolor y cambiante que atraviesan el vitral gótico de una catedral. Las versiones son aplicadas de lectura. la certeza técnica de las tomas para discos compactos. En primer término. Lekeu. muerto en plena juventud Blas Matamoro La obra organística de Louis Vierne fue llevada a la reproducción electromagnética por Ben van Osten entre 1996 y 2000. en el astuto arreglo para trío de Gaspar Cassadó circula poco. dada su habilidad manual. tornándolo confidencial. recogió Vierne la herencia del órgano romántico ampliamente servido en Alemania por Mendelssohn y Brahms. fue un compositor sólido y cuidadoso. podríamos hablar de una zona belga dentro del país musical francés. Gaspar Cassadó. El primero. Vierne tuvo algo de ambos. Sus seis sinfonías. un monógrafo. Además. Las condiciones del registro son óptimas: un solista acreditado y especialista en la música para órgano de los siglos XIX y XX. como lo había hecho Franck. sensuales de sonoridad. No es el lugar ni la ocasión para evaluar lo hecho por Vierne pero sí para acreditar la dificultad de una tarea actualizadora por una parte y receptora de antiguas y sólidas tradiciones por la otra. Suena a café-concert elegante y a casticismo depurado. En este sentido. Ninguno de los intérpretes parece español. por su parte. La frontera goza de un notable privilegio: apenas ocupa superficie y pertenece. imponente y cautelosa. Todo en su medida y con las exigencias ténicas puestas por los maestros compositores.: MDG 1580 (9 CD) D4 x5 Plausible idea ha sido concertar este programa con obras infrecuentes de autores españoles. pródigo en todos los campos. órgano / MDG / Ref. a los dos Estados que separa y une. Y aunque sólo fuera por ella. Sólo muy escasos especialistas pueden llegar a saber que esta partitura fue considerada la homónima que Proust atribuye a un músico imaginario. cabe subrayar la libertad romántica con que Vierne abordó los géneros que la ancha capacidad del órgano le permitía desplegar. También oportuno es el rescate de las tres piezas juveniles de Fernández Arbós. Podemos imaginar a unas majas escuchando en los balcones. fino en el tratamiento de las cuerdas y en las soluciones armónicas escogidas. la discografía está rescatando para nuestra memoria.38 di v e r di siglo XIX Todo Vierne La integral para órgano del autor francés. dividida en seis movimientos. salas y colmados. Enrique Granados y Enrique Fernández Arbós) Devich Trio / CHALLENGE RECORDS / Ref. Toulouse. Hay andalucismo exquisito. su costado litúrgico. Había que latinizar la herencia. pues si bien el intermedio de Goyescas de Granados sigue fatigando teatros. a la vez. A través de ellos. poseedora de un curioso género propio. de prestancia arquitectónica y rincones de intimismo sugestivo. Una prueba. los célebres órganos Cavaillé-Coll de París. Vinteuil. DEVICH TRIO: Estilo español (Obras camerísticas de Joaquín Turina. Está situado en el espacio donde la escuela francesa admite las sugestiones de la germánica sin perder su amor a la experimentación estructural y a la finura armónica que le son tradicionales. También figuran en el registros las partituras incompletas que editó Maurice Duruflé en carácter de opus póstumo (Tres improvisaciones) así como obras tempranas y sueltas que constituyen su prehistoria artística. al que cumple sumar dos misas. Entre las obras del propio Cassadó y Turina se registra una coincidencia estética que permite hablar de influencias. Su folclorismo está destilado por los antecedentes de la escuela nacionalista y sabe llevar al dispositivo reducido del trío tanto el eco de las fuentes populares como la sofocada minucia del lenguaje camarístico. que la singularice: su exquisita Sonata para violín y piano.

y al que contribuyen sin duda la respuesta orquestal. cuerda opulenta y cálida. se trata de una construcción imponente. en suma). Lejos quedaron los tiempos en que Monteux o Stokowski firmaban contratos discográficos con los grandes sellos. Está previsto que Querstand publique el ciclo “completo” (supongo que Primera a Novena) en julio de 2012. En el enérgico Scherzo Blomstedt materializa los aires populares sin exagerar la rusticidad con timbres calculados. en algún caso vitalicio. Séptima y Octava. Herbert Blomstedt. Las peroraciones del metal en las Codas no ensombrecen las esenciales figuraciones de la cuerda alta. Sexta. de la propia partitura. HERBERT BLOMSTEDT dirige ANTON BRUCKNER (18241896): Sinfonía nº 5 en Si mayor Gewandhausorchester Leipzig. 1927).1 surround) a partir de tomas en concierto con la venerable Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. de tintes oscuros. Por la sabiduría acumulada y por la oposición menguante (ésta es. pero sin la acostumbrada reverberación que lo emborrona todo. la comprensión profunda de las obras y la capacidad de organización (la autoridad. La toma de sonido de Matthias Behrend es espléndida (escúchese la entrada de los chelos en primer plano en 6:21 del primer movimiento). para festejar el 85 cumpleaños del director. Las frecuentes intervenciones en ppp de cuerda y timbal se escuchan con notable presencia. sin altibajos o caídas de tensión. en la que todo fluye con pasmosas naturalidad y nitidez. lo que va camino de convertirse en el primer ciclo bruckneriano de Blomstedt. El sábado 29 de marzo de 2008 dirigió a la Gustav Mahler Jugend Orchester una excepcional Quinta de Bruckner en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.siglo XIX 200 / febrero 2011 39 Bruckner honoris causa Querstand publica una formidable Quinta por Blomstedt y la Gewandhaus Miguel Ángel González Barrio foto © Martin Lengemann “Una construcción imponente. están aquí integrados en una narración coherente. en estudio o en vivo. Las pausas entre movimientos no están editadas. Fue uno de esos conciertos a los que da pereza asistir (en horario nocturno y en fin de semana) y que después no se olvidan. de inefable veracidad. superados los 80 años. libertades agógicas o énfasis no escritos. el ego!) no implica falta de carácter. spiccato) en la cuerda es admirable. Carácter que en todo caso no se impone desde fuera. Nos llega ahora la formidable Quinta (la Gewandhaus estrenó la obra en 1899) grabada en la Grober Saal de Leipzig en mayo del pasado año. sin embargo. Una Tercera apareció en 2005 en un álbum conmemorativo de cinco discos e ignoro si volverá a grabarse. Afortunadamente. el efecto. sonido 5. Le ha pasado a Herbert Blomstedt (n. maderas brillantes. es bien sabido que la dirección de orquesta es una actividad en la que los años le engrandecen a uno. de inefable veracidad. tampoco se ha eliminado la gran ovación final. la novedad. el hallazgo feliz. sin injerencias ni ” arbitrariedades. corto. sino que surge desde dentro. de la que fue titular entre 1998 y 2005 (sucediendo a Kurt Masur y sucedido por Riccardo Chailly) y a la que sigue dirigiendo con frecuencia. Con buen criterio. con más de 40 registros publicados. El partido que saca la batuta al juego de dinámicas y a la variedad de arcos (largo. cobran así preeminencia sobre la experiencia. director / QUERSTAND / Ref. El balance de las distintas secciones es óptimo en todo momento (camerismo a gran escala). y la fuerte personalidad sónica de la Gewandhaus: perfecto empaste en todas las secciones. tantas veces deslavazados o inconexos. de los más grandes en activo. la dictadura de la imagen y el culto a la juventud han conseguido que melenas y rizos desplacen en el podio del director a calvas y canas. sin prisa pero sin pausa. la percepción habitual del aficionado de largo recorrido). Blomstedt es un bruckneriano ilustre. sin injerencias ni arbitrariedades. grabaciones de gran calidad artística y técnica (SACD híbrido. pese a no haber grabado todavía el ciclo completo. Los largos pasajes en pizzicato. Y es que. La ausencia de personalismos (¡ah. una interpretación absolutamente fiel al texto.” En el mundo esencialmente visual en que vivimos. de las más impresionantes que recuerdo. sonido homogéneo. metal poderoso. Hasta la fecha han aparecido Quinta. La estupenda Octava se grabó en julio de 2005 en los conciertos de despedida. una interpretación absolutamente fiel al texto. Hay bastante aire entre los instrumentos.: VKJK 0931 (1 SACD) D2 . Y. desde hace unos años el sello alemán Querstand viene publicando. denso y transparente a un tiempo. Salvo excepciones. de rara perfección (recuérdese que se trata de una toma en vivo). al menos. Característico del estilo de Blomstedt. lo que preserva el ambiente del concierto. fiable veterano de contrastadas competencia y solidez cuyas actuaciones y ya esporádicas grabaciones nunca defraudan.

cuya música Mackerras también tuvo en gran estima (Supraphon publicará próximamente el registro en vivo de la Sinfonía Asrael que dirigió en 2007 en conmemoración de su centenario). El joven oboísta le explicó que soñaba con llegar a ser director de orquesta y el hombre. Ese joven oboísta. pero a cambio conoció por medio de él una ópera llamada Katia Kabanová de un tal Leos Janácek que se convirtió en su obra y compositor predilectos. a sus 84 años y en plena actividad. En esos años grabaría para Supraphon varios discos impresionantes aquí incluidos principalmente con obras de Dvorak. de Martinu se incluyen los sensacionales registros de los años ochenta de la Misa en el campo de honor. Mackerras no sólo aprendió a escribir y a hablar fluidamente la intrincada lengua eslava. Situémonos: Londres. terminaría por convertirse en uno de los más grandes intérpretes desde el podio (y el foso) de la música checa de los siglos XIX y XX. Tampoco pode-mos dejar de resaltar los registros en vivo incluidos en el DVD. del Doble Concierto y. al que fuera uno de sus principales hijos adoptivos: dos sensacionales cajas que suman diez CDs y un DVD donde se recopilan sus principales grabaciones de Dvorák. Su inesperado fallecimiento en julio pasado. todo comenzó en un café. esta ópera sería lo último que dirigió de su admirado compositor. conocía sus tradiciones o siempre condujo al volante de un Škoda. acerca de los cuatro compositores representados en estas dos cajas (Dvorák. aquí se ofrece. que por cierto se llamaba Alan Charles McLaurin Mackerras. Rodríguez Sir Charles Mackerras Como tantas historias. ya veo que está usted estudiando música de mi país”. tan sólo se incluye la suite orquestal de Juliette y no los sensacionales Tres fragmentos de la ópera. cuando todavía era la capital del único país eslavo no comunista. del último y laureado disco dedicado a este compositor por Mackerras. en febrero de 1948. por ejemplo. en la entrevista grabada en febrero de 2010. en especial. especialmente. lo dirigió en 1989 ante la incómoda presencia del presidente Gustáv Husák y lo volvió a hacer mucho mejor en todos los sentidos en 1999 (ésa es la versión en vivo aquí incluida). el doble CD publicado en 2004 con la Filarmónica Checa de suites y fragmentos de varias óperas. Mientras comenzaba a estudiar la partitura de la Segunda sinfonía de Dvorák. Sus clases tuvieron lugar en la villa cerca de Praga donde Talich se recluyó y versaron sobre música checa y. una de las pocas versiones de la Misa glagolítica tal como la pensó el propio Janácek (con la Intrada al principio y al final de la obra). Supraphon. Pronto cambió su suerte y el ascenso al poder de los comunistas. junto a Taras Bulba o la Sinfonietta. De hecho. tampoco se incluye ninguno de los dos registros audio y video que realizó en Brno de la ópera La pasión griega. No volvería a Praga hasta principios de los sesenta. No hay duda de que el compositor más relevante de todos ellos para el director australiano fue Janácek. Smetana. Durante los meses siguientes pudo constatar que Talich no tenía tiempo para poderle enseñar. Por su parte. lo deja bien claro: “Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de Janácek”. Smetana. Janácek y Martinu. que proceden de dos conciertos en el Rudolfinum en 1997 y 2003. se le acercó un hombre: “Oh. el maestro australiano fue uno de los pocos extranjeros que tuvieron el honor de dirigir el tradicional concierto de inauguración de ese festival con el ciclo de poemas sinfónicos Mi Patria de Smetana. que había sido desprovisto de todas sus funciones al haber sido acusado injustamente de colaborar con los nazis. que fue publicado en 2009. Aparte de sus míticas grabaciones para Decca realizadas entre 1977 y 1982 con la Filarmónica de Viena de las cinco óperas principales de Janácek. que había emigrado hacía algo más de un año desde Australia con el firme propósito de convertirse en director y que estaba a punto de casarse con la clarinetista de su orquesta. que acababa de adquirir en una tienda de Kensington. ya convertido en un director importante. tuve la fortuna de asistir a la última función de esta ópera en el Covent Garden y no creo que olvide nunca esa fantástica inter-pretación). le permitieron paradójicamente estudiar con su admirado Talich. o de las que realizó más adelante para Supraphon en Praga y Brno que aquí no se incluyen (Katia Kabanová en 1997 o Sárka en 2000 –de está última se ha añadido tan sólo la obertura con un molesto fadeout al final–). sino que adoraba su gastronomía y su cerveza. Un joven oboísta de la Sadler’s Wells Opera. y también en uno de los principales embajadores de su cultura. Mackerras llegó a Praga en el otoño de 1947. ha inspirado este sentido homenaje del sello checo por excelencia. comienzos de 1947. Mackerras estudió con Talich por espacio de unos meses y tuvo que regresar a Londres en el otoño de 1948. Sin embargo. e incluida como bonus del segundo disco dedicado al compositor moravo. que culminaron en septiembre de 2009 con el registro del poema sinfónico La paloma torcaz (su . precisa-mente. está entre lo mejor de la fonografía de Janácek (una mención especial debe hacerse aquí a la impresionante interpre-tación de la suite de La zorrita astuta. que se encargaba de los intercambios entre estudiantes checos y británicos del British Council.40 di v e r di siglos XIX & XX Un australiano en Praga Supraphon documenta en dos estuches el idilio que mantuvo durante toda su carrera el recientemente desaparecido Sir Charles Mackerras con la música checa Pablo-L. Janácek y Martinu) a lo que habría que añadir quizá el nombre de Suk. se refugió del frío y la lluvia en una cafetería. y como artista invitado en el Festival Primavera de Praga que había instaurado precisamente el propio Talich allá por 1946. de los Frescos de Piero della Francesca. La relación de Mackerras con la Filarmónica Checa y con la Sinfónica de Praga se intensificó precisamente a partir de 1999 con visitas casi todos los años tanto al Rudolfinum como a la Sala Smetana de la Casa Municipal de Praga. le animó a pedir una beca para viajar a Praga a estudiar con Václav Talich.

en su forma orquestal. no dudó en alterar la formación los años siguientes hasta convertirla en una verdadera jaula de oro: su marido. página memorable inspirada en la balada Der Zauberlehrling de Goethe. Le sigue otra partitura francesa de evocación literaria.V. especialmente en las obras escogidas para este álbum. ANTONÍN DVORÁK (1841–1904): Cuartetos de cuerda Nos. que abandonó para ello el Skampa Quartet. afirmaba: “Simplemente me he valido de mi experiencia”.: SU 4038-2 (1 CD) D2 SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Dvorák y Smetana) Czech Philharmonic Orchestra. con la que Albrecht demuestra su gran destreza técnica. entre todas. mientras el maestro australiano.80 €. incluida como bonus. director / PENTATONE / Ref. Prague Symphony Orchestra. el La jaula de oro Fantasía francesa compositor más relevante fue Janácek. por tanto. tras el concierto. cuyo Les bandar-log nos depara una sorpresa formidable. la respuesta que obtuvo no pudo ser más certera: “Es la prisión más bella que existe en el mundo de la música”. cuidando al mismo tiempo la claridad de los planos sonoros y la precisión de las intervenciones solistas. La cercanía temporal de dichos repertorios.P El director alemán Marc Albrecht. el Pavel Haas tiene una personalidad mucho más apasionada. La razón es que Albrecht lleva al límite todo el suspense de los primeros minutos. de El libro de la selva de Kipling. es tratado por Albrecht con buenas dosis de imaginación y fantasía. 41). MAURICE RAVEL (1875-1937): Mi madre la oca y CHARLES KOECHLIN (1867-1950): Les bandar-log (poema sinfónico sobre El libro de la jungla de Rudyjard Kipling) Orchestre Philharmonique de Strasbourg. El aprendiz de brujo de Dukas. Ciertamente vivimos un momento dulce en la discografía camerística de Dvorák con la estupenda integral en curso del Wihan Quartet (Nimbus) o el reciente disco del Emerson Quartet (DG).V.: Sir Charles Mackerras / SUPRAPHON / Ref. es capaz de sorprendernos en esta versión a pesar de la popularidad de la pieza. Charles Koechlin. con en la entrevista ahora con Dvorák obras de Dukas. Albrecht. lo deja bien claro: ‘Si he conseguido algo en mi vida ha sido la difusión de la obra de ” Janácek’. XX haya sido todo un acierto. el sello Pentatone ha incluido a otro autor francés de menor proyección. Este nuevo lanzamiento supone la consolidación de la formación y también su primera incursión en el repertorio camerístico checo por excelencia. El resultado sonoro. No obstante. enfatizando el carácter etéreo y soñador de Ma mère l’oye. Nuevo CD del Pavel Haas Quartet Disco infantil de M.: SU 4041-2 (6 CD) P .SIR CHARLES MACKERRAS: Life with Czech Music (Obras de Leos Janácek y Bohuslav Martinu) Czech Philharmonic Orchestra. y el estupendo violista Pavel Nikl que fue discípulo del propio Skampa. Czech Radio Symphony Orchestra. Eva Karová.: 59. la joven violinista Veronika Jarušková. los músicos de la orquesta checa confesaron haber redescubierto esa famosísima partitura con Mackerras.” última grabación). Para escribirla. En 2002.: 74. Peter Jarušek. y la intensidad de sus ataques se combina con el contraste dinámico extremo de influencia historicista o la natural belleza checa de entonación melódica.P.siglos XIX & XX 200 / febrero 2011 41 “Para Mackerras. El desconcierto. Ravel y Koechlin grabada en febrero de Pablo-L. quien nos introduce en la jungla para revivir su aventura con una pandilla de monos excéntricos que lo secuestran. p. Junto a Ravel y Dukas.: PTC 5186336 (1 SACD) D1 . No era difícil pronosticar. aunque en el Cuarteto op. que su aproximación al sinfonismo francés de comienzos del s. actual líder del Pavel Haas Quartet. Rodríguez Eva Sandoval 2010. destaca una de la mayores joyas de esta colección: la única grabación que realizó Mackerras de la popular Sinfonía “Del nuevo mundo”. una compañera ideal como segundo violín. algunas grabaciones fueron realizadas en vivo y. preguntó al violista Milan Skampa del Smetana Quartet cómo podría construir un cuarteto y vivir la vida dentro de él..75 €. Su versión del famoso Cuarteto “Americano” es sensacional. Prague Symphony Orchestra. La violinista eslovaca creó ese año un conjunto unido por la común fascinación hacia Pavel Haas (un compositor checo asesinado en Auschwitz en 1944) y. que se ha consolidado tras dos integrantes anteriores. 12 y 13 Pavel Haas Quartet / SUPRAPHON / Ref. Sir Charles Mackerras. Czech Radio Symphony Orchestra. alumno aventajado de Claudio Abbado y de Gerd Albrecht (con el que. por cierto. no le une ningún lazo de parentesco). Aquí es Mowgli. la agresividad y la desorganización social de estos animales se plasma en la música de Koechlin. 106 alcanzan un tono sinfónico ideal y desbancan al Panocha Quartet como referencia fonográfica. siempre meticuloso (solía dirigir con sus propias separatas instrumentales) y modesto. el habitual soporte literario de las composiciones y la riqueza tímbrica de las plantillas orquestales son parámetros que interrelacionan ambos estilos. PAUL DUKAS (1865-1935): El aprendiz de brujo. Prague Philharmonic Choir. aquí dejé buena constancia de ello: “Quizá estemos ante la versión discográfica de referencia de los cuartetos de Prokofiev” (véase Boletín nº 109. Dir. pese a los premios internacionales. Fue realizada en el concierto que dirigió en septiembre de 2005 a la Sinfónica de Praga al acercarse su ochenta cumpleaños y puede situarse sin ambajes entre las mejores de la inmensa fonografía de la obra. se ha convertido a sus 46 años en un reputado especialista en Richard Strauss. como violonchelista. Ravel se fijó en los cuentos de hadas que relataba “Mamá la Oca” y que nos han llegado principalmente a través de Perrault.: SU 4042-2 (4 CD + 1 DVD) P . director / SUPRAPHON / Ref. Con esta formación grabaron su tercer disco en Supraphon dedicado a Prokofiev que a comienzos de este año llevó a medios como Gramophone o The Times preguntarse si estábamos ante el cuarteto más excitante del mundo. Marc Albrecht.

de la excepcional valía de Sokhiev (véase Boletín nº 154. todo ello alza estas producciones hasta la mejor altura de su autor. vida y salta por encima de las fechas. donde el mimo puesto a cada verso. con solistas en puntas de pie. y evita cualquier concesión a la ” nostalgia. Aunque la interpretación derrocha precisión y energía. Tugan Sokhiev. Orchestre National du Capitole de Tolouse. Otto Tausk. En efecto. sino también por su ideal entendimiento con la orquesta y el director. Hay nombres menores pero eficaces. no por casualidad es en la actualidad la concertino de la orquesta tulusana. el melodismo cauteloso y adecuado que extrae de sus medidas y su prosodia. director / CPO / Ref. Goethe. 0:18–). pág. su ascendente carrera. págs. SERGEI PROKOFIEV (1891-1953): Concierto para violín y orquesta nº 2. De hecho. las cruciales referencias del compositor a su Primera sinfonía (que creía perdida) pasan aquí bastante desapercibidas. dramático. Esa “orgía de explosión dramática” de Sokhiev se ha equilibrado en los seis años que separan esta grabación de aquel concierto. aparte del equilibrio entre ambos componentes que en todo momento guarda. lo convirtieron en ejemplo del fracaso de la por entonces incipiente moda de los directores jovencitos. sin que su comedimiento estético lo cubra de polvoriento olvido.: V 5256 (1 CD) D1 HANS PFITZNER (1869-1949): Orchesterlieder (canciones orquestales) Hans Christoph Begemann. al igual que su prestigio en Francia. a la vez. Esta selección –el total no la excede en mucho: 30 títulos. 36-37). bautizada acertadamente por el canal Mezzo como un “crescendo subito”. tanto en la construcción del diabólico clímax a ritmo de vals del movimiento central como en el impresionante duelo con la muerte en el Lento assai-Allegro vivace final. con un sensacional dominio de las texturas y siempre buscando lo camerístico. que comenzó debutando al frente de la Filarmónica de la capital alemana. barítono. no fue fácil en sus inicios.: 777552-2 (1 CD) D2 . Ya dimos cuenta a finales de 2006. Tugan Sokhiev Tugan Sokhiev (1977) no ha podido empezar mejor la temporada 2010-11. de los cuales 25 son transcripciones de Lieder con piano– llena un hueco indeseable. el acompañamiento del Segundo concierto para violín es uno de los mejores de toda la fonografía: lírico.” do natural francés e importado ruso en las Danzas de Rachmaninov. el cuidado con que el músico aborda la literalidad de sus escogidos poemas. Las apoyaturas literarias son de excelente nivel: el romanticismo sabio de Eichendorff. coincidiendo con su debut en el Teatro Real y su primer lanzamiento discográfico en Naïve. Este joven maestro de Vladikavkaz ha ido fortaleciendo considerablemente su relación con Berlín durante 2010. siempre alerta a la voz. nada de ello sería perceptible sin una lectura como la del presente compacto. y lo volvimos a repetir con su segundo lanzamiento centrado en el cuento sinfónico Pedro y el Lobo de Prokofiev (véase Boletín nº 166. Sokhiev se encuentra mucho más cómodo con Prokofiev y también es aquí donde su trabajo resulta más interesante. a cada talante cancioneril individual.42 di v e r di siglos XIX & XX Crescendo subito Nuevo CD de Tugan Sokhiev y la Orquesta de Toulouse para Naïve. en CPO Blas Matamoro “Sokhiev derrocha precisión y energía. ese perfume suave y evocador en la madera gala (ejemplificado en la cita de la canción La musa en el Non Allegro inicial –corte 1. 45). con Prokofiev y Rachmaninov en atriles Pablo-L. tras un año marcado por las quejas de los conjuntos estables del teatro ante su presunta falta de preparación y experiencia. SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Danzas sinfónicas Geneviève Laurenceau. un inusitado Herder (filósofo de profesión). que los engendró a todos y a todos los comprende. No obstante. esos problemas no mellaron su prestigio y la crítica británica nunca escatimó elogios hacia su labor en el podio. el amargo sentimentalismo irónico de Heine. a la cual acompaña o sirve de contexto climático. al tiempo que su labor al frente de la orquesta tulusana le ha aportado el prestigio internacional que se merecía. Su renuncia como director musical de la Welsh National Opera en 2004. Lo primero que llama la atención de este nuevo lanzamiento en Naïve es el híbrido ideal entre el soni- Las canciones para voz y orquesta de Pfitzner ocupan un rincón penumbroso de su catálogo por la escasa atención que se les presta. 3:21–) junto al tono oscuro típicamente ruso y hasta hueco de la cuerda (que escuchamos ya al principio en esa cita de El gallo de oro de Rimsky-Korsakov –corte 1. en septiembre pasado no sólo fue designado sucesor de Ingo Metzmacher al frente de la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin sino que también renovó hasta 2016 como director musical de la Orchestre National du Capitole de Toulouse. último y mayor. Especial interés añadido tienen las canciones que provienen de un acompañamiento pianístico porque ponen de manifiesto la expresividad que Pfitzner descubre y emplea en cada instrumento. nunca forzado ni violento. El eclecticismo académico de Pfitzner cobra. perfectamente cohesionado. el maestro de la prosa Conrad Meyer y. Desde luego. de tal manera. al convertir sus tres conciertos anuales con la orquesta de Toulouse en la parisina Sala Pleyel en eventos musicales nacionales del más alto nivel. Sokhiev dirigió a la Philharmonia un programa con las Danzas sinfónicas de Rachmaninov que fue calificado por Tom Service en The Guardian como “una orgía de explosión dramática”. Sin embargo. el prudente Geibel. violín. a cada cláusula orquestal. director / NAIVE / Ref. No obstante. La intervención como solista de la joven violinista francesa Geneviève Laurenceau (1977) tampoco se queda atrás y destaca no sólo por su poderosa técnica y magistral cantabile. la diversidad expresiva de sus caracteres y climas y la constante oportunidad de la intervención orquestal. Nordwestdeutsche Philharmonie. tan sólo dos meses después de su renuncia. se evita cualquier concesión a la nostalgia. Rodríguez Un Pfitzner infrecuente Canciones orquestales del autor de Palestrina. permite pensar en un canto gregario hecho.

Apostel estudió con el primero desde 1921 hasta 1925. SCHOENBERG Y WEBERN: El cuarteto de cuerda y la voz / Sandrine Piau. sobre todo. Eric Griswold. Como el Op. apoyándose en motivos formados por las iniciales y su correspondiente notación musical de los nombres de Alban Berg (A-B. nacido en Karlsruhe en 1901 y residente desde los veinte años en Viena. contralto.: V 5240 (1 CD) D1 SHE HERSELF ALONE: El arte del piano de juguete. pianos de juguete. 3ª. Su estricta honestidad. Apostel estuvo marcado “por los polos opuestos de Schoenberg y Berg. Klauspeter Seibel. oboe y trompeta (Capriccio. Quatuor Diotima / NAIVE / Ref. Rudolf Piehlmayer. 33 revelan una concentración y densidad temática típicas del autor. percusión. Wolf Harden. todas las obras se graban aquí por vez primera). grabada por Schleiermacher (MDG). NDR Radiophilharmonie Hannover. Volker Banfield. el Op. Augsburg Philharmonic Orchestra. tres Sonatinas para clarinete. directores / CPO / Ref. con abundantes notas de Stefan Drees. el formidable Cuarteto de cuerda nº 1. 26 se estructura en diversas secciones conectadas temáticamente. Si el primer movimiento es un Allegro en forma de sonata. Tras la guerra. 4ª y 5ª. con numerosos documentos grabados en torno al músico. op. la única de todas estas composiciones conocida hasta ahora. op. proyectada inicialmente en cinco movimientos. cuarta de su Op. Brilliant) es todo lo que el discófilo podía encontrar hasta el momento con respecto al olvidado Hans Erich Apostel. concierto para oboe y orquesta. Marie-Nicole Lemieux. el compositor fortalecería la sección austríaca de la SIMC. realizado a partir de un tema de Wozzeck. recuerda a Schoenberg. 3 de su venerado maestro. Si la presentación literaria es sobresaliente. soprano. HANS ERICH APOSTEL (1901-1972): Integral de cuartetos de cuerda (incluye conversaciones y entrevistas) DoelenKwartet / CYBELE / Ref. Ross Bolleter y Laura Liben) / Margaret Leng Tan. la variación evolutiva domina el segundo. la edición de Cybele se complementa. fundador del Cuarteto LaSalle. exenta de todo compromiso. Toby Twining. donde fallecería en 1972. vol. op. Fechado en 1956. muestra ya la adhesión del músico al principio de la “variación evolutiva”. fuera terminada. RundfunkSinfonieorchester Berlin.: 777639-2 (4 CD) D14 x 3 . la-si bemol) y Hans Erich Apostel (H-E-A. piano. Un lapso de más de veinte años separa este cuarteto del siguiente. y la documentación iconográfica resulta difícilmente mejorable. La obra concluye con un Largo a modo de extensa lamentación. el 2º violín y el 1º ejecutan sus respectivos solos en la secciones 2ª. El Cuarteto nº 1. cuando Schoenberg se trasladó a Berlín. El nazismo prohibió la música de Apostel. oboe/oboe d’amore. 7. es una pieza magistral que Apostel quiso dedicar a Berg con motivo de su 50 cumpleaños si bien éste murió poco antes de que la obra. la obra de Apostel. de incuestionable interés (excepto el Op. continúa aún hoy esperando una justa rehabilitación. como siempre en la serie Künstler im Gespräch. Jerome Kitzke. por FischerDieskau y Reimann (EMI). retomando el esquema formal ensayado por Schoenberg en su Cuarteto nº 1 y su Primera Sinfonía de Cámara. Un conjunto de composiciones. 2 (obras de John Cage. en suma. Michail Jurowski. 7 de Apostel está escrito en una libre atonalidad. violín. a la vez que el tempo se va acelerando paulatinamente desde el Grave inicial al Vivace conclusivo. su sensibilidad extrema y su encanto. Desde ese año se convierte en alumno de Berg hasta su temprana muerte en 1935. George Crumb. el Cuarteto en re menor de 1926. obra –como aquella– aún primeriza. tenor. Ensemble Theater am Gleis Winterthur.: CYBELE SACD KIG002 (3 SACD) D10 x 2 Novedades siglo XX BERG. Por último. cajas musicales. Latica Honda-Rosenberg. los Seis Epigramas. si-mi-la). op.: MODE 221 (1 CD) D4 DAVID PHILIP HEFTI (1975): ROTAS. piano. a las que se suma un poderoso interés por las texturas y los equilibrios tímbricos: en las secciones 1ª y 6ª los papeles se reparten por igual entre los cuaHans Erich Apostel La canción Nacht.siglo XX 200 / febrero 2011 43 Un legado por redescubrir La integral de cuartetos de cuerda de Hans Erich Apostel. De ahí la extraordinaria importancia que reviste este triple álbum en el que se reúne por vez primera en disco toda su obra para cuarteto de cuerda y que nos permite conocer la evolución de su escritura para esta exigente plantilla. en Cybele Records Juan Manuel Viana ciada por Brahms y perfeccionada por su maestro Schoenberg. 7 (1935). 13. Si la muy atractiva primera es una partitura apegada aún a la tradición posromántica. 3. op. que llegó a presidir entre 1946 y 1948. con referencias temáticas a los movimientos precedentes. profesor y corrector de pruebas en la editorial Universal. MDG) y. el Cuarteto en un movimiento. voz / MODE / Ref. las diez piezas breves que integran la suite Kubiana. ini- tro instrumentos mientras el violonchelo. desde las juveniles 18 Variaciones (1925) hasta los postreros Seis Epigramas (1962). WunderhornMusik / Thomas Indermühle. El tercer movimiento aplica la técnica del anagrama musical tan querida de Berg. una más en la larga lista de las “degeneradas”. Pianista acompañante. Su vitalidad rítmica muestra al Apostel más grotesco que años después encontrará inspiración en los grabados expresionistas de Alfred Kubin. En palabras de Walter Levin. la viola. muy ligada al expresionismo vienés y que llega al medio centenar de obras numeradas. 7 en la reveladora grabación del LaSalle que completaba el minutaje de la primera integral –en puridad no lo era pues faltaban un par de páginas menores– para cuarteto de cuerda de Zemlinsky (DG. director / NEOS / Ref. a Berg”. que aparece servido en versiones modélicas del Cuarteto Doelen apoyadas en una toma sonora de suntuosa presencia.: NEOS 11016 (1 CD) D1 FRANZ LEHÁR (1870-1948): Lo mejor del Léhar sinfónico / Robert Gambill.

Sin efectismos ni derroches. en donde aquél va a desempeñar un cargo diplomático. además de CPO. el encuentro entre Martha y Tadeusz en el cuarto. de La Pasajera (. El amplísimo plantel vocal. situado en 1959. No obstante. El amor de D’Artagnan (1971) sobre Dumas. Además del ciclo sinfónico en marcha –lenta. expresa su deseo de no olvidar jamás a todos aquellos inocentes que perdieron su vida. una prisionera polaca a la que Lisa intentó ayudar pero que “no supo apreciar su bondad”. desde el dúo de parejas protagonistas –Michelle Breedt y Roberto Saccà (Lisa/Walter). consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como despojado: la lúgubre escena nocturna del tercer cuadro. territorio poco explorado en disco. Estrenada en Moscú en versión semiescenificada en 2006. que al oyente habituado al tratamiento vocal y a los colores instrumentales de autores como Janácek. su enorme legado camerístico ha pasado a engrosar los catálogos de sellos tan diversos como BIS. los encuentros con las demás prisioneras en los sórdidos barracones del campo de concentración y con Tadeusz. todo hay que decirlo– emprendido por Chandos con Gabriel Chmura como protagonista. que perdió a sus padres y a su hermana durante la ocupación nazi. antiguo asistente de Temirkanov. confiesa a su marido que quince años atrás ejerció como guardiana de las SS en Auschwitz. ejecuta un trabajo de equipo sin fisuras que la modélica y reveladora dirección del joven ateniense Teodor Currentzis. al frente de una excelente Sinfónica de Viena corrobora desde los tensos compases iniciales. . con la excepción de unas entusiastas y justas palabras escritas en 1974 por Shostakovich. tensa y descarnada. también la ausencia del menor comentario musical sobre la obra. para sorpresa y disgusto de los oficiales. escalofriante drama lírico sobre Auschwitz de Mieczyslaw Weinberg Juan Manuel Viana ocho cuadros y un epílogo. Tan sólo la decisión de utilizar un libreto multilingüe en contra del original ruso puede resultar discutible. “La poderosa escritura musical. tensa y descarnada. Divox. Ante la antigua guardiana desfilan todos aquellos recuerdos de un tiempo olvidado: entre otros. ofrecido el pasado mes de julio en el festival de Bregenz. La pasajera ha conocido finalmente su verdadero estreno en esta producción escénica a cargo de David Pountney. Su poderosa escritura musical. ponga de nuevo en circulación el descatalogado fondo de Olympia– de varias sinfonías de cámara (algunas grabadas años atrás por Claves). y un pasado relativamente cercano pero que se antoja remotísimo. al menos a escala discográfica. La edición se complementa con un documental de notable interés sobre el compositor y su obra. La pasajera desarrolla su peripecia argumental en dos planos espacio-temporales muy diferentes que colisionan dramáticamente: el presente. mi valle que entona la rusa Katia en el sexto o. Súmese a todo esto una primera entrega de piezas para piano. la delicada aria de Martha sobre versos de Sándor Petöfi y la desagarrada canción Tú. NEOS. sin precedentes. 1923). La extraña pasajera no es otra que Martha. publicada también recientemente. Acte Préalable. cuyos terribles fantasmas sacará a la luz un encuentro fortuito. sonará en ocasiones enormemente familiar. Conmocionada. responsable de una soberbia edición de la integral cuartetística –que llega ahora al cuarto de los seis volúmenes previstos– y del primero de los capítulos de su no menos importante legado para violín y piano. superviviente de Auschwitz (novela que daría lugar al film de igual título dirigido por Andrzej Munk en 1961.) consigue secuencias de una extraordinaria eficacia dramática y un lirismo tan intenso como ” despojado. lo que provoca una crisis entre ambos. La pasajera (196768) es la primera de las siete partituras líricas de Weinberg. esperemos. observa e interviene ocasionalmente. es fácil adivinar que ninguna de estas grabaciones tendrá la trascendencia y hará tanto por imponer el nombre de su autor. vea cómo la desconocida pasajera se dirige a la orquesta para expresar un deseo musical: que suene el “vals del comandante”. Elena Kelessidi y Artur Rucinski (Martha/Tadeusz)– hasta ese coro que.. una historia como la narrada en La pasajera había de remover las fibras más sensibles del judío polaco Weinberg.” to. los dos lugares de la acción (la luminosa cubierta del buque. Lady Magnesia (1975) inspirada en Shaw y El retrato (1980) y El idiota (1985).. Praga. Britten o quien fuera su amigo de siempre y protector.44 di v e r di siglo XX Fantasmas del pasado Neos presenta un DVD con una impactante primicia: la ópera La Pasajera. o la muerte violenta de éste cuando tras ordenársele que tocara al violín el banal vals favorito del comandante entona. como el registro de NEOS que motiva estas líneas y que recoge en DVD el recentísimo estreno escénico de La pasajera. años después de aquel horror y caracterizada como la escritora Zofia Posmysz. A bordo de un transatlántico con destino a América. durante el baile que se celebra en cubierta. Recuerdos éstos que Lisa ya no podrá desterrar jamás de su mente cuando. completado tras su muerte accidental por Witold Lesiewicz en 1963 y no estrenado en España hasta 1979). la calma intemporal que envuelve el epílogo sostenido por una Martha que. los tenebrosos interiores de Auschwitz) se solapan como un engranaje perfec- En los últimos años la obra del gran músico ruso de ascendencia polaca Mieczyslaw Weinberg (19191996) está gozando de una difusión. Hänssler o Naxos. la Chacona de Bach. Ópera en dos actos. Evidentemente. en ese mismo cuadro. Con libreto de Alexander Medvedev –fallecido cinco días después de este estreno austríaco– basado en la semiautobiográfica novela homónima de la polaca Zofia Posmysz (Cracovia. A partir de entonces. sin la menor duda uno de los mejores compositores del área soviética en la segunda mitad del pasado siglo. operista tardío que cuenta en su haber con títulos tan heterogéneos como La madonna y el soldado (1970) sobre Medvedev. Delos. el prometido de Martha. Cascavelle. De repente Lisa cree reconocer en una misteriosa pasajera cubierta con un velo a alguien a quien creía fallecida. Shostakovich. la emotiva lección de francés en que la joven Yvette enseña a la vieja campesina Bronka a conjugar el verbo “vivir”. como espectadores de otra época. basadas respectivamente en Gogol y Dostoyevski. el pasado irrumpe en escena. Walter y su esposa Lisa abandonan Europa camino de Brasil. del que ya se han comercializado (aunque no en España) tres volúmenes –a los que se ha añadido otro con obras concertantes– y de la reedición por el sello Alto –que. a cargo igualmente de CPO y la primera que el sello inglés Toccata dedica a sus desconocidas canciones.

No dejen de caer en la tentación. con brillantes carreras en solitario. Brahms compuso numerosos valses con especial acierto. Estos cuartetos atestiguan que conocía cumplidamente la escritura para los arcos y el equilibrio tímbrico y de volumen que exigían conservar al combinarse con el piano. Agnieszka Rehlis. Artur Rucinski. la English Nacional Opera de Londres y el Teatro Real de Madrid. Prague Philharmonic Choir. Shostakovich mencionaba que la música de esta ópera “estaba escrita con la sangre del corazón”. según apunté al principio. su mejor intérprete actual. piano a cuatro manos / FUGA LIBERA / Ref. Teodor Currentzis. cinco estilos y cuatro manos. disfrutan de la compenetración conseguida en sus más de diez años juntos. donde está prevista (o estaba. Felix Breisach. difícil de diferenciar del vals para un profano. como tal. director de vídeo (formato DVD PAL) / NEOS / Ref. director musical. mezzosoprano.siglo XX 200 / febrero 2011 45 Mieczyslaw Weinberg Cuartetos de Enescu Dos muestras de la música de cámara del compositor rumano Blas Matamoro Valseando a manos llenas Un recorrido a cuatro manos por la historia del vals José Velasco En el lujoso libreto de NEOS se anuncia la puesta en escena de Pountney como una coproducción con el Teatro Wielki de Varsovia (donde se representó el pasado octubre). cargando sus alforjas para un largo viaje que terminó en 1955. Svetlana Doneva. Inge y Jan aprovechan bien la coqueta y sobria sonoridad de un Érard de 1892. está efectuando de la obra para cuarteto de cuerda de Weinberg. alto / Wiener Symphoniker. brutales y enfebrecidos scherzos. 39. y aquí tenemos estas diecisiete Danzas alemanas D 366 en transcripción de Johannes Brahms. es el mundo delicuescente del impresionismo francés. como defensa contra el convulso siglo de Stravinski y Schoenberg. intercalado a lo largo de todo el disco. y están especialmente acertados en Brahms y Rihm. De su generoso catálogo. ya que su país. sobre un fondo de arquitectura formal donde se advierte la doble vertiente de sus aprendizajes: el romanticismo tardío y académico de Massenet y el mundo preimpresionista de Fauré. Por su estructura pueden considerarse más bien como sonatas para piano y trío de cuerdas. de quien brilla en este disco un arreglo de Lucien Garban de ese gran homenaje que es La Valse. soprano. 9 y 14) Quatuor Danel / CPO / Ref. fuera del cual sólo cabían algunas incursiones en el folclore rumano. que con el uso se depuró y convirtió en el vals. director escénico. danza popular centroeuropea en compás de 3/4. de Stalin y Hitler. soprano. Mientras tanto. LA VALSE À MILLE TEMPS: Valses de Brahms. Coincidiendo con este lanzamiento. las que parecen derramarse por entre los desolados compases de sus movimientos lentos. fue un invento de la diplomacia francesa y formó a su clase dirigente con una fuerte impregnación gala. 5. MIECZYSLAW WEINBERG (1919-1996): Cuartetos de cuerda. mezzosoprano. Lo aprendido le valió. Su materia. Cinco autores. asimismo. Elzbieta Wróblewska. tenor. ofreciéndonos cincuenta y cuatro piezas infrecuentes tanto en la discografía actual como en las salas de conciertos. Angelica Voje. En el conservatorio parisino compartió las enseñanzas de Massenet y Fauré. la música de cámara. 4 (Nos. con diecinueve piezas encantadoras que ayudan al empeño de perder el miedo a la música de autores aún vivos. es Wolfgang Rihm. que es el siguiente autor de la lista con sus dieciséis Valses Op. vol. Creyó en la música como un orden universal y cumplió en su obra con ese doble principio: ordenamiento y universalidad. vocado a la música camarística. Schubert y Richard Strauss GEORGE ENESCU (1881-1955): Cuartetos con piano Tammuz Piano Quartet / CPO / Ref. Schubert aplicó su genial inspiración en esta antigua forma musical. Inge Spinette y Jan Michiels. donde aparecen todos los géneros.: FUG577 (1 CD) D2 . tanto instrumentales como vocales. abren con el Ländler. coetáneo de Johann Strauss hijo. intercambiables con los del mejor Shostakovich– y también de lágrimas. una muestra de los cuales se ofrece aquí en transcripción de Otto Singer. Son esos veinte dedos los que convierten este disco en algo atípico y atractivo. quienes despliegan para nosotros un variado programa pianístico dedicado en exclusiva al vals. Cualquiera que haya escuchado los anteriores volúmenes de esta serie sabe ya que los cuartetos del músico de Varsovia están hechos de sangre –la que se agita furiosa en esos dislocados. ópera en dos actos) Michelle Breedt. CPO edita –ya lo apuntábamos al comienzo– el volumen 4 de la imprescindible edición que el Cuarteto Danel. Y si hay un compositor que sorprende. Otro admirador de esta forma musical fue Maurice Ravel. Una cumbre de esta danza ya en el ocaso del romanticismo es el exuberante despliegue de valses que Richard Strauss incluyó en El caballero de la rosa. Spinette y Michiels.: 777506-2 (1 CD) D5 Inge Spinette y Jan Michiels. Al referirse a La pasajera.: NEOS 51006 (1 DVD) D2 x 2 Rumano y educado en París. si no un lugar preeminente sí tiene un sitio especial porque Enescu fue un notable violinista –algunos lo consideraron entre los de primera línea de su tiempo– y. Elena Kelessidi. mezzosoprano. La distancia temporal entre ambas partituras –París 1909 y Estados Unidos 1947– unida a su constancia artística sirven para colorear el retrato de Enescu como una personalidad fiel a lo que consideraba su espacio estético. he aquí una oportunidad única para disfrutar de una obra realmente importante y de alto voltaje emocional por más que su imaginario –no así su música– pudiera sonarnos demasiado.: 777394-2 (1 CD) D5 MIECZYSLAW WEINBERG (1919–1996): The Passenger (La pasajera. las de dos viejos conocidos. eximido de pintoresquismos y abusos de vestimentas regionales. barítono. Roberto Saccà. Con criterio cronológico. porque con las reducciones presupuestarias cualquiera sabe) su representación para el año 2012. dados sus tres movimientos característicos. Rihm. Ravel. Rumania. Enescu era francés o afrancesado por donde lo miren. David Pountney. muy apropiada para la música de salón.

había conocido al poeta italo-polaco nacido en Roma y educado en Francia. su país de adopción a cuya literatura contribuiría decisivamente como impulsor del tránsito del simbolismo finisecular al surrealismo de entreguerras.: MDG 1658 (1 CD) D2 SCHRIFT-UM-SCHRIFT: Obras para dos pianos y percusión de Béla Bartók y Wolfgang Rihm GrauSchumacher Piano Duo. y se diría que es el propio Poulenc quien canta el París de sus amores. DW 17: Doubles Schatten. se mostró receptivo a cualquier estímulo pero. de presencia asidua en el festival de Donaueschingen (2005. de quien había ofrecido Das Theater der Wiederholungen en 2006 en versión. dice Poulenc en carta de 1938. una sola voz Elogio de la repetición Mélodies de Poulenc sobre textos de Apollinaire. Pese a la complejidad de sus procedimientos formales.: Sylvain Cambreling / KAIROS / Ref. timbre–. el lenguaje de Bartók posee una pulcritud.: NEOS 11032 (1 SACD) D1 Por tercera ocasión visita Kairos la producción de Bernhard Lang. y todo ello es potenciado por una toma sonora de impacto. Neos) y bien conocido por su proyecto operístico I hate Mozart (2006. de Klangforum Wien. brillante y contundente.46 di v e r di siglos XX & XXI Personalidad de vanguardia Obras para dos pianos y percusión de Bartók y Rihm. con nuevas piezas del Bestiario hasta hace poco inéditas. concluida un año después. y de la capacidad de caracterización requerida por un repertorio de tanta exigencia expresiva. no permaneció ajeno a ninguna propuesta musical. un impulso y una perfección que fascinan al oyente. que hace gala de una voz de muy grato timbre y extensión razonable. la douceur de vivre suburbana y.. chusca y nostálgica.. Monadologie VII . Montparnasse (canto a la bohemia de 1902). que da buena cuenta del talante explorador que señalamos. piano / MDG / Ref. por la intelectualización de un legado popular que investigó con verdadera devoción científica. la dureza de la guerra. Vers le sud (el Midi en horas felices) y grandes poemas de amor como Sanglots y Voyage. en Neos Ignacio González Pintos Dos artes. personal y reconocible. Bleuet (himno al soldado que va a morir). la op. trivial y exquisita.. de personalidad hermética. lúcida. también por su carácter ecléctico. tan precisa como ésta que hoy nos ocupa. Le bestiaire –seis breves y exquisitas cuartetas que evidencian la huella de Satie–. por Holger Falk Santiago Salaverri Nuevo monográfico dedicado a Bernhard Lang en Kairos Germán Gan Quesada Béla Bartók es una figura sin la que no podría entenderse la evolución musical del siglo XX. FRANCIS POULENC (1899-1963): Integral de canciones sobre poemas de Apollinaire Holger Falk. cada relación sonora estudiada y calibrada al detalle. ritmo. genial y un punto lunática. por la profunda exploración de los elementos que configuran esa sustancia –desarrollo formal. for Arnold Sabine Lutzenberger / Klangforum Wien. que proporciona el material. acompañados por Franz Schindlbeck y Jan Schlichte a la percusión. “Apollinaire está hecho para mí.. la canción popular. escrita también para dos pianos y percusión. es en la década de los 30 cuando se produce el definitivo reencuentro. La interpretación del GrauSchumacher Piano Duo. Veinte años atrás. Y es que Bartók. para la introducción y la pieza final del ciclo y que resuena. piezas corales y la ópera Les mamelles de Tirésias. la poesía de Apollinaire –satírica y tierna. en que la constatación y deformación de procesos rítmicos iterativos se desencadena mediante procedimientos aleatorios rigurosamente controlados: en este caso. for Arnold (2009) se integra en una nueva propuesta comprensiva del compositor de Linz. Monadalogie VII. Por su actitud hacia la música.: 0013092 KAI (1 SACD) D1 . 38 schönberguiana sometida a cuatro enfoques diferentes culminados en una coda– apurando la alusión intertextual hacia dimensiones abstractas. cada eco y cada resonancia están calculados con precisión milimétrica. Franz Schindlbeck y Jan Schlichte. Alessandro Zuppardo. profundamente humana y a ratos surreal y hermética– se empapa de música en perfecta simbiosis de sensibilidades. Rosamonde (un encuentro en Amsterdam). informal. en que Lang muestra su preferencia por la nitidez frente a la expansión expresiva. laberíntica. que a menudo esconden curiosas operaciones aritméticas y fórmulas de alto contenido simbólico. una claridad. servidos por una emisión vocal diferenciada y puestos en relación estructural circular con el conocido rondó de Machaut Ma fin est mon commencement. espaciosa. de modo evidente. Cada sonido. limpia. cuenta con el emergente barítono alemán Holger Falk. De las dos obras contenidas en este registro. presenta un discurso quebradizo. en el interludio central. barítono. tomada no como instrumento o vehículo de expresión sino como sustancia. que toma como hilo conductor la reflexión sobre músicas preexistentes –en este caso. en que tanto la mezzosoprano Sabine Lutzenberger como la experiencia ubicua de Cambreling saben extraer matices necesarios en música tan exigente como la de Lang. en plena guerra. Col Legno. se trata de una reelaboración de materiales ya existentes que Rhim hace confluir en una obra imprevisible. casi azaroso. No hay nada en él que cree obstáculos a mi música”. Dir. Le da sólida réplica en la comprometida parte pianística el italiano Alessandro Zuppardo. es un prodigio de ingeniería sonora. también en Col Legno). BERNHARD LANG (1957): Die Sterne des Hungers (The Stars of Hunger). el amor. siempre. Dans le jardin d’Anna (sutil evocación dieciochesca). La huella que su obra dejó en el joven Poulenc fue duradera: de 1918 (año de la muerte del poeta) a 1956 salieron de su pluma 38 mélodies. No en vano. Allons plus vite (erotismo callejero). Y así surgirán esas joyas que son La Grenouillière (una estampa de Renoir). Quizá menos interesante por su tímbrica mate y carácter excesivamente homogéneo. Paranoia. Die Sterne des Hungers (2007) pertenece a las últimas muestras de su serie Differenz/Wiederholung. logró integrar todos los recursos compositivos que adoptó en un estilo único. La obra que aquí encontramos es una pieza clave de su catálogo. materia sonora. 2007. en diferentes grados de cercanía y distanciamiento. Tras su primera colección. por encima de todo. los cuatro poemas de Lavant escogidos son “desmembrados” y reducidos a fragmentos y campos conceptuales unitarios. percusión / NEOS / Ref. La presente integral MDG de las mélodies Apollinaire-Poulenc. Al lado de la implacable lógica constructiva de Bartók la obra de Rhim.

su evolución intelectual. (3) Hans Werner Henze. Aquel fue el primer gran éxito de Henze en España. Traducción de José Luis Arántegui. fallecido repentinamente. Bochumer Symphoniker. NOTAS “Una triple grabación indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y personal. trompeta. The Bassarids. Jacobo Durán Loriga y Alberto González Lapuente entre otros. Un ejemplo de ello es que entre sus obras recientes se cuentan una nueva ópera.Madrid. director / CYBELE / Ref. excelente. los años ingleses. a unos cincuenta kilómetros de Roma y cerca de los Montes Albanos y un tercero la grabación del Requiem que el compositor dedicó a la muerte de su gran amigo Michael Vyner. Aquel viaje al menos parcialmente frustrado se cerró para Henze con una larga jornada de charlas y lentos y divertidos paseos por la ciudad. sí cuando su propósito tenía un doble carácter. altura de la del Requiem dedicado a Vynyer.H. que fue estrenado en España por Gloria Isabel Ramos. el desarrollo de su vocación musical.: CYBELE SACD KIG003 (3 SACD) D10 x 2 .” año en el que a la muerte de Fausto se añadió un diagnóstico médico de carácter fatal para el compositor–. No hubo suerte en ninguna de las dos cosas. ya estrenada. de ideas y de recuerdos. Auden y de Chester Kellman. acosado por una parte como fue el compositor desde las páginas de un periódico falangista por su claramente definida posición antifascista y a la vez recibido con los brazos abiertos por un Jesús Aguirre. Antonio Machado Libros y Fundación Scherzo. (1) Hans Werner Henze: Canciones de Viaje con Quintas bohemias. y que aquí está interpretado por la Bochumer Symphoniker dirigida por Steven Sloane. Henze cumplirá el 1 de julio del año en curso los ochenta y cinco años. Más atrás quedaba el viaje de 1977. estrenada en 2003 por Gerd Albrecht al frente de la Royal Concertgebouw. la guerra de 1939-45. con el cual se entendió muy bien pero que vivía en la fase final de su presencia en el cargo. Reinhold Friedrich. Cybele Records. es indispensable para quien quiera acercarse a la obra henziana. que inevitablemente nos evocan al autor de su apasionante libro autobiográfico Canciones de viaje con Quintas bohemias (1). pero vale la pena intentarlo. que en la versión de la ONE tuvo a Arturo Tamayo como director. Lulu Suite. Atrás quedaba el estreno en el Teatro Real de una de las óperas más conocidas del compositor. Aunque en España no hay mucho escrito sobre el compositor alemán.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 47 La vuelta de Henze Cybele dedica un triple CD a la faceta más íntima (con extensa entrevista incluida) del gran compositor alemám Javier Alfaya Hans Werner Henze Ya han pasado cinco años desde que Hans Werner Henze viajó a Madrid para estar presente en unos acontecimientos musicales que se convirtieron de hecho en un homenaje público a uno de los compositores más importantes de nuestro tiempo: el estreno de su ópera L’Upupa y los seis conciertos de la Orquesta Nacional de España dentro del ciclo titulado “Carta Blanca a . con libreto de W. La entrevista nos devuelve a un Henze lleno de vida. Henze evoca los años pasados con su compañero Fausto Moroni. la fascinación por la Italia pre-Berlusconi. una sinfonía. que no parecen haber disminuido su capacidad creativa. etc. Steven Sloane. durante la temporada 2005-2006. en junio de 1999. todo ello con el fondo de un vigoroso renacer creativo después de la terrible crisis del 2005 –el un Requiem dedicado a Fausto Moroni y unas cuantas obras más. José Luis Téllez.” en su primera edición. acompañado por el compositor Eduardo Rincón y por el autor de estas notas. HANS WERNER HENZE (1926): Réquiem (incluye entrevistas con el compositor y su asistente) Dimitri Vassilakis. Cybele Records. y también su historia familiar. Que se pueda encontrar actualmente en librerías de viejo es otra cuestión. Como corolario quisiera hacer una observación especial. Alban Berg. (2) Hans Werner Henze und das Requiem. Apasionadamente plus. Ante Mirjam Wiesemann. no sólo desde el punto de vista estético/musical sino también desde otro más íntimo y ” personal. si no la primera vez. Dígamos que la interpretación de esta obra está a la misma. director artístico de la London Sinfonietta. director general de Música. Apasionadamente Plus.. Fedra. Una triple grabación (2) que. Otro disco también reciente (3) es la primera grabación de una obra bellísima. La compañía a esa obra fulgurante y llena de tensión es otra especialmente amada por el compositor: la Suite de Lulu de Alban Berg. el libro que acompañó a la “Carta Blanca a Hans Werner Henze” contenía unos cuantos textos de sumo interés firmados por Justo Romero. por utilizar una palabra de uso corriente. cuando Henze llegó. piano. Aparecen ahora tres discos que tienen un doble interés puesto que dos de ellos recogen una larga entrevista de Mirjam Wiesemann con Henze en su hermosa casa de Marino. musical y político. 2004. y que aquí lo es por la Essener Philarmoniker dirigida por Stefan Soltesz.

nos permite atisbar un amplitud de lenguajes y de decisiones formales que vale la pena tener en cuenta. 4:30 am. más sí es más: las cuatro obras agrupadas bajo el epígrafe común de Verwandlungen [Transformaciones] esconden bajo su aséptico subtítulo de música para orquesta todo un universo de referencias concretas. director / NEOS / Ref. que piden (y obtienen) su prosecución natural en la siguiente. la enseñanza. Son soluciones que podríamos definir como de surrealismo musical. de energía tumultuosa no exenta de vienesa nostalgia. La música de Traversa. STEVEN STUCKY (1949): Pinturas de Tamayo. y el trabajo detallado de densidades a partir de la sutil coloración tímbrica inicial de la primera pieza. la crítica. Oceanía y Asia. Estamos. sus Voces de los espíritus (2003) fue hecha para este registro y resuelve una curiosa mezcla de voces humanas de distintas tribus indígenas de América. En Pinturas de Tamayo (1995) se vale de sugestiones tomadas de cuadros debidos al pintor mexicano y que también poseen un mundo de imágenes fantasmales. Garth Knox. además de sus tareas en la dirección orquestal. por los cruces entre el arte.48 di v e r di siglos XX & XXI Appassionatamente El ciclo Transformaciones de Wolfgang Rihm. ante músicas de nuestros días. tres años posterior. aunando en un mismo gesto el gusto por la captación de ámbitos fenoménicos de atractiva carga sensorial con una estudiada arquitectura compositiva. director / BIS / Ref.. su sfondo bianco. directores / HÄNSSLER / Ref. Segundo Concierto pata orquesta Evelyn Glennie. fue durante unos años discípulo de Luigi Nono. la ciencia y la filosofía. en Hänssler Germán Gan Quesada Puentes en la noche Monográfico dedicado a Martino Traversa en Neos Javier Palacio Un laborioso americano BIS dedica un monográfico al estadounidense Steven Stucky Blas Matamoro Nuevo desembarco de la Wolfgang Rihm Edition de Hänssler Classic. por su parte. lo cual puede aplicarse también a ese Cuarteto para viola sola. constituye otra seña de identidad de este autor poco conocido por nuestros lares pero que sin duda contribuye al dinamismo y vitalidad del panorama actual italiano. Quadrato bianco. con vocación de continuidad manifestada en el final in media res de alguna de las composiciones. De muy distinta índole es el Segundo concierto para orquesta (2005) que se podría calificar de puro en lo sonoro. aun teniendo en cuenta la fobia que los surrealistas de escuela (o de iglesia) sentían por la música. percusión. Es hora de que su producción se conozca asimismo por medio de la grabación digital. Dato que se traduce no tanto en influencias estilísticas como en una especial libertad y sortilegio tímbrico a la hora de enfrentarse al hecho sonoro. de poner puertas al campo del catálogo del compositor de Karlsruhe.263 (1 CD) P. Spirit Voices. uno a Ravel y otro a Stravinski. a un carácter más ligero. que invocan a los espíritus que aceptan sus distintas religiones y tradiciones populares. en una conciliación que no puede ser sino provisional. Irvine Arditti y los suyos presentan una de las piezas más destacadas del monográfico. como una voz más. se descubre al mismo tiempo de precisa elaboración. Roberta Gottardi.: 17. Europa. pues.P. Entre lo más sugestivo del recorrido cabe citar también Bianco. clarinete o piccolo. encuadradas en la amplitud libérrima de la composición actual. es decir desligado de apoyos literarios o similares. nacido en 1949. tiene ya una prolífica obra en todos los renglones genéricos de la música como compositor. la de Mario Caroli sobrevolando cual onírica ave los precipicios abismales abiertos por los timbres electrónicos) y Manhattan Bridge. En este caso. Pese al tempo rápido de todas ellas. siempre en un clima de enrarecido extrañamiento musical.: 93. Un discurso singularmente fluido. como indica Rainer Peters. Mario Caroli. la tercera “metamorfosis” (2007) incide en un humor contrastado en que predominan el timbre heroico y el protagonismo solista de saxofón. que anuncian la “llegada” de la orquesta internacional académica. clarinete. dirigida con claridad e ímpetu. Herr Rihm?– la quinta Verwandlung. En la especie. . da paso en la segunda. con un Garth Knox desdoblado en varias voces gracias a la cinta magnética. familiares a las anteriores. Marco Angius. por momentos exasperado. por Matthias Pintscher. desmentido por una densa instrumentación y por injerencias percusivas que perturban la expansión lírica. viola. que parece apelar en cada obra de este Manhattan Bridge a un poderoso componente emocional del sonido. reminiscencias de las grandes sonoridades orquestales del pasado siglo. compuesta en 2002. Añade un par de homenajes. que desmiente cada año cualquier asomo de declive en feracidad y poder expresivo. incluso scherzante..50 €. no faltan elementos privativos: el clima umbrío.. ese Cuarteto nº 2 de naturaleza en muchos pasajes convulsa y exigente del más riguroso control del arco para organizar un agitado diálogo de líneas puntillistas (movimientos 1º y 4º) o alcanzar una fantasmal desnudez armónica (secciones centrales). pese a la concentración armónica y a la eventual atomización de algunas secciones. especialmente. con lo cual Stucky termina de acreditarse como notorio exponente del eclecticismo posmoderno. con Mahler y Berg a la cabeza. flauta bajo. en todo caso –aunque sea ya el quinto volumen de la colección–. vano intento. el músico norteamericano. WOLFGANG RIHM (1952): Verwanglungen Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR. con el concurso de la SWR. Ensemble Algoritmo.: NEOS 11023 (1 SACD) D1 El norteamericano Steven Stucky. A ello se suma un dispositivo numeroso de percusiones con instrumentos igualmente folclóricos. para dar paso en 2008 al cierre del ciclo. Singapore Symphony Orchestra. l'eco.: BIS 1622 (1 CD) D3 .- Martino Traversa. la conferencia y el libro. una “constantemente renovada llamada a la utopía de los conceptos sinfónicos del mundo”. A la vez. ma non troppo (para tape y flauta. Pronto llegará –¿verdad. interesado por la investigación electroacústica. y. con el Ensemble Algoritmo detallando con exquisita justeza tímbrica la atmósfera nocturnal de la pieza. a través de esta muestra de su variedad imaginativa. fundador del Ensemble Edgar Varèse. Arditti Quartet. MARTINO TRAVERSA (1960): Manhattan Bridge.V. que presta su Orquesta de la Radio de Stuttgart. Christian Arming y Matthias Pintscher.. Lan Shui. Rimane.

Gracias a ello puede ver la luz este magnífico CD del sello Verso dedicado íntegramente a obras orquestales del autor de Castro Urdiales. José Luis Temes. uno de los momentos más imponentes. Suite montañesa (1949) y Sinfonía para un aniversario (1962).: 18.? José Luis Temes NOTAS Desde 1996 funciona en Santander el Centro de Documentación e Investigación de la Música en Cantabria. estudiar y difundir el hecho musical cántabro en cualquiera de sus vertientes”. como afirmaba su esposa Ana de la Llosa Salvarrey. Miguel Ángel Samperio. nos preguntamos con tristeza: ¿por qué no se programa con la asiduidad que merece esta obra formidable? ¿Por qué no se graba o se representa su última obra. Santander. En las otras dos obras encontramos. Hay que aseverar que hoy por hoy no es Dúo “un perfecto desconocido”. pero cuando escuchamos el extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía. la ópera El Campeador sobre el Cantar del Mío Cid? ¿Por qué. en este caso con una Orquesta Filarmónica de Málaga de gran solidez. sin duda alguna. Eduardo Rincón y otros que han mantenido en alto la bandera de la gran música en aquella región tan bella. quizá resultado de su aprendizaje en el aula parisiense de Paul Dukas en la École Normale de Musique. Suite montañesa. piano neos 10946 (1 cd) p.. quien llevase a cabo una de las más justas y necesarias aportaciones al patrimonio orquestal español. con el permiso de autores como Cándido Alegría. como es el caso del poema sinfónico Molinos isleños (1932). sobrada preparación y excelente sonido. quien más de una vez dirigió páginas sinfónicas de su ilustre colega. Tenía que ser José Luis Temes. sombríos y sobrecogedores de la historia de la música española. pese a que alguna de sus obras en este campo.v. Dentro de la colección Antología de compositores de Cantabria de la Fundación Marcelino Botín. En la sede de la Fundación se guarda el legado del compositor Arturo Dúo Vital (19011964). conservar. La labor de José Luis Ocejo al frente de la Coral Salvé. director / VERSO / Ref. así como la de Luis Morondo con la Coral de Cámara de Pamplona. además del mismo magisterio en la orquestación. y en (1) En el caso de la música para coro. gracias a la Coral Salvé de Laredo. tantas veces presente en sus piezas corales. son prueba irrefutable de que nos hallamos ante un compositor de primer orden. donación de los hijos del músico Ariel y Roberto Dúo de la Llosa. sombríos y sobrecogedores de ” la historia de la música española. (2) Entre ellos la catalogación de su obra. vieron la luz grabaciones del Trío para piano. como bien dice José Luis Temes en las notas al disco. Molinos isleños. ciertos influjos de Ravel y “el detallismo orfebre del Stravinski neoclásico”. Tan sólo en la Suite montañesa recurre Dúo al folklore de Cantabria. el compositor más importante que ha dado Cantabria. Sinfonía para un aniversario) Orquesta Filarmónica de Málaga. Todo el contenido del disco da que pensar sobre nuestra vida musical. Hasta hoy. cuyo objetivo es “recuperar. el Cuarteto con piano y la Sonatina para quinteto de viento.: VRS 2098 (1 CD) D10 NEOS FABIÁN PANISELLO / GYÖRGY LIGETI Estudios para piano Dimitri Vassilakis. o los trabajos de la musicóloga Julia Lastra Calera (2) nos han acercado la figura de quien fue. creado por la Fundación Botín..siglo XX 200 / febrero 2011 49 Los porqués ante la obra sinfónica de Arturo Dúo Vital Temes y la Filarmónica de Málaga graban para Verso la integral sinfónica de quien puede ser considerado como el más destacado compositor cántabro de la historia Andrés Ruiz Tarazona “El extraordinario segundo movimiento de la Sinfonía se erige como uno de los momentos más imponentes. la mirada de un músico (Fundación Marcelino Botín.95 € . haya sido interpretada en los últimos años. Porque las tres obras incluidas en el disco que nos ocupa. tan sólo una serie de obras corales y varias piezas camerísticas de Arturo Dúo Vital habían pasado al disco (1). en grabación ya inencontrable. 2001) ARTURO DÚO VITAL (1901-1964): Obras orquestales (Molinos isleños. Su importantísima producción sinfónica permanecía discográficamente inédita.- .p. paisano por tanto de Ataulfo Argenta. así como el libro Arturo Dúo Vital. violín y violonchelo). Cada una de ellas es cumplida muestra de su oficio de orquestador sobresaliente.” cada una despliega un rico tapiz de ideas musicales que mantienen el interés y garantizan el disfrute de cualquier buen profesional o aficionado a la música.

Como bisagra entre las dos anteriores puede entenderse And at the end. vols. Indeterminación I (Herramientas) y II (Solo estructuras). La pieza. nueva entrega de la integral Cage en Mode Juan Francisco de Dios Vulcanologías Encinar y la ORCAM dedican un monográfico a Massimo Botter Javier Palacio PETERIS VASKS Las estaciones Vestard Shimkus. Monströses Lied. José Ramón Encinar al frente de la ORCAM. Zéula (1996). La grabación abunda en estos terrenos resbaladizos magníficamente ordenados en dos partes. Esta jaula de saxofones (“a cage of saxophones”) a la que se refiere el registro nos muestra un abanico interminable de posibilidades tímbricas donde Ulrich Krieger y su equipo despliegan todo tipo de colores y sutilezas al servicio de los continentes de Cage en versiones muy acertadas (hemos de tener en cuenta que estas obras no estaban escritas para ningún instrumento concreto). instrumentos adicionales / MODE / Ref. Anklang y Direkt entrückt Ensemble Modern.. de carácter por momentos espectralista.: MODE 222/23 (2 CD) Dx x 2 Sentiero in un deserto di lava (2006) abre con fuerza descriptiva y expresividad a raudales este monográfico dedicado al milanés Massimo Botter –muy vinculado a la escena musical de nuestro país– por el sello Stradivarius. Nos ocupa aquí la parte de la producción cageana reunida bajo el paraguas de la indeterminación. piano | 6808-2 ARNULF HERRMANN Fiftive tänze. MASSIMO BOTTER (1965): Scream (Sentiero in un deserto di lava. ensemble que permite a Botter sonidos frondosos cercanos a los orquestales y a la vez el manejo más sutil propio de los camerísticos.. en la que comparece una gestualidad más violenta y discordante. finaliza esta panorámica reveladora de un autor al que no conviene ya perder de vista. Zéula) Orquesta de la Comunidad de Madrid. como si el compositor hubiera querido cincelar sus sonoridades a partir de filos cortantes que llevan a la máxima pureza instrumental. una con las ventanas abiertas y otra en estudio (atención a los ruidos que se cuelan en la grabación a los que debemos sumar los nuestros propios durante la audición como parte de la interpretación final).. saxofones. 3 y 4 (Colección John Cage. respuesta lanzada en los cincuenta frente a la dictadura del control sonoro y su deshumanización. director / STRADIVARIUS / Ref. Johannes Kalitzke & Franck Ollu. con el clarinetista Salvador Salvador como solista. piano | 6734-2 WIDMANN / SCHUMANN Fleurs du mal (obras para piano de Widmann y Schumann) Fabio Romano. patente en el enérgico dibujo de conjunto. compuestas por el propio Cage junto a Cowell.50 di v e r di siglos XX & XXI Continente y contenido A cage of saxophones. 42) Ulrich Krieger. anuncia así un programa de elevada solidez musical. Terzenseele. espectacular y climático final– la obra construye un puente entre la expresividad de Sentiero y el nervio arrollador de Blades. a partir de la idea de los surrealistas Cadáveres exquisitos… y sonoros. En el segundo volumen contamos con dos versiones para trío de saxofones de 4’33’’. Destaca la sorprendente Party Pieces (1944-45) –erróneamente datada en el disco. sin marginar con todo una particular inventiva tímbrica. directores | 6576-2 El ambicioso proyecto del sello neoyorquino Mode de llevar al disco la obra completa de John Cage se acerca a su final (este es el 42) con el tercer y cuarto volumen de la obra escrita o reinterpretada para saxofón y su larga familia. JOHN CAGE (1912-1992): La obra para saxofón. And at the end. Harrison y Thomson. recorre sus diferenciadas secciones analizando su denso color armónico. su naturaleza contrastante donde caben las atmósferas detenidas tanto como las cimas de intensidad y sus desacomplejados apegos melódicos. Un disco para sumergirse en los universos del Cage más estético que merece degustarse con materiales explicativos que nos acerquen y aclaren sus continentes para así disfrutar de sus contenidos. vol. José Ramón Encinar. que tuvo su arranque oficial con aquellos 4’33’’ con los que Cage puso patas arriba el fin último de la obra musical logrando una de las obras más trascendentes de la historia de la música. Conservando un ADN intransferible –multiplicación de eventos sonoros. fusión de ligereza y gravedad.. una elocuencia más urgente sin lugar para lo retórico o accesorio. the scream. the scream (2007) para oboe y catorce instrumentos.: STR 33845 (1 CD) D2 . como ocurre con One (1990)–. Y que prosigue con Seven Blades para siete instrumentos (2008). Seven Blades. pieza de juventud sin la personalidad de las comentadas. servida por la formación madrileña con definidos planos instrumentales como sensual trasfondo para el vehemente discurso del solista.

siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 51 El último romántico Los cuartetos de cuerda de Jesús Rueda por el grupo berlinés KNM. Música que se diría desencarnada. alejada del un tanto superficial decorativismo de algunos de los autores citados (los más cercanos. el menos germanizado y el más próximo a la escuela italiana. sino incuso dentro de cada una de ellas. sobre todo). pero también a Odiseo y a Orfeo. Rueda concluía la composición con un coral que asciende poco a poco hacia las tesituras agudas a través de una sonoridad que se adelgaza y se transfigura paulatinamente: es uno de los más bellos y conmovedores momentos de la música cercana que muestra a las claras las muchísimas direcciones en que. las sirenas. de una vitalidad que deriva directamente tanto de su excelente factura técnica y su eficaz escritura como de la convicción y la pertinencia de las líneas compositivas empleadas. en razón del título de dicho movimiento: Isla de los confines. como muy oportunamente señala Javier Arias Bal en los excelentes comentarios incluidos en el álbum. pese a lo que ciertos episodios puedan aparentar: tal sucede con el arranque del Cuarteto I. de una hermosura extática y meditativa que muestra a las claras lo mucho que la tradición puede aportar al presente. y también uno de los más interesados en la tradición: en su catálogo cabe encontrar sonatas. siempre que esa tradición se invoque. la paradójica variedad de cuyo caudal tímbrico procede casi en exclusiva del modo tradicional de empleo de las correspondientes fuentes instrumentales que en momento alguno se transgreden ni se fuerzan. el movimiento final del tercer cuarteto contiene una fuga perfectamente construida con sujeto. que aparecen ahora reunidos en un álbum en la excelente interpretación de los solistas de cuerda del grupo berlinés KNM. son palabras (clarividentes. la mayor contribución jamás debida a un autor español) demuestran la sorprendente vitalidad del género. La literatura española reciente para cuarteto de cuerda es de especial riqueza y variedad: Guerrero. La música de Jesús Rueda es de una intensa expresividad y la propia forma de escribirla trabaja en tal dirección de un modo deliberado: por lo demás se trata de una obra que cuenta ya con dos décadas de antigüedad. cuyo vertiginoso fluir de glissandi ascendentes superpuestos y yuxtapuestos –casi cercano a la electrónica en algún instante– está cuidadosamente escrito y calculado para hacer posible su ejecución sin violentar ni la afinación de los instrumentos ni el modo de utilizarlos aunque. que se atiene rigurosamente a él. Luca Francesconi o Claudio Ambrosini. Es una música de tan difícil ejecución como brillante. como Cristóbal Halffter. de los compositores españoles de su generación. por cierto) del propio Jesús Rueda y el registro que aquí se comenta es una convincente demostracción. al extremo de recuperar gestos rítmicos armónicos y formales tradicionales que inserta en una discursividad no convencional que van desde el moto perpetuo en semicorcheas a las repeticiones literales (uno de los grandes interdictos. Jesús Rueda experimenta una especial atracción por las sugestiones de tipo narrativo o poemático como elementos incitadores de su creatividad: los cuartetos segundo (Desde las sombras) y tercero (Islas) no solamente poseen títulos sugerentes. hasta el presente. Nono y Dallapiccola a Ivan Fedele. de pronunciar mensajes discernibles y perfectamente actuales. Por lo demás. Jesús Rueda JESÚS RUEDA (1961): Cuartetos de cuerda KNM Berlin / KAIROS / Ref. Previamente. sino que. López López. sino también de la coherencia con que el músico madrileño aborda su trabajo creativo. los límites).: 0013122 KAI (1 CD) D1 . sin olvidar los doce de Ramón Barce. desde Petrassi (a quien llegó a conocer). de notable imaginación sonora y de una vitalidad que deriva de su excelente factura técnica y su eficaz ” escritura. David del Puerto. sin embargo. con una hondura expresiva muy superior. sea de una dificultad más que notable. respuesta y desarrollo que. de un modo quizá excesivo. Aunque. Alfredo Aracil o Alberto Posadas entre otros (pero también los músicos de la generación de maestros. de la evocación de seres o situaciones míticas (los unicornios. Y tres cuartetos. por ejemplo) sino como un episodio de textura contrastante entre un catálogo de lo que cabría describir como posibilidades extremas. se trata de la idea de la suspensión temporal entre la vida y la muerte a través de diferentes y cualificados mitos (desde Gilgamesh a Eneas. de notable imaginación sonora y. Luis de Pablo o Antón García Abril. Ésa es la dirección por la que los cuartetos de Jesús Rueda se aventuran: y el resultado es. por cierto de la música posterior a Schönberg): en el extremo. Desde las sombras. la insólita variedad de resultados posibles alcanzados en su cultivo y la flexibilidad y aptitud de la forma para autorregenerarse: las formaciones históricas perviven porque el tiempo las ha salvado.” Cuarteto para el nuevo milenio es una de sus obras más logradas. escritos en 1990. inmediato y accesible resultado. no ya en cada una de las obras aquí presentes. 1992). en opinión del abajo firmante. Como todo romántico. de incuestionable felicidad. sumamente diferentes y contrastadas. todavía. tanto las formaciones históricas como los diseños compositivos tradicionales pueden evolucionar. Mauricio Sotelo. en el segundo cuarteto. en el segundo. como sugestión interpretativa de los tres días que Jesús pasa en el sepulcro antes de resucitar). una de sus obras más bellas y depuradas. cumple destacar que Rueda es. testigo de la etapa en que el compositor emergía de su periodo de estudio con Francisco Guerrero y que muestra a las claras su deuda con Brian Ferneyhough (y lo que se ha designado. sinfonías y hasta un un quinteto con piano (Bitácora. cuyo reciente “Música de tan difícil ejecución como brillante. inmediato y accesible resultado. eso sí. se atienen a “programas” argumentales o descriptivos que generan músicas de un atractivo verdaderamente singular: en el primer caso. de modos distintos. no funciona como tracto conclusivo (al modo de una posible sonata da chiesa. sobre todo. como estética de complejidad). no como pastiche ni como refugio acrítico. y las ha salvado porque funcionan extraordinariamente bien. no ya de semejante aserto. en Kairos José Luis Téllez Jesús Rueda es uno de los compositores más dotados de la generación que frisa en los cincuenta años. sino como materia viva capaz. Rueda riza el rizo con verdadera audacia e incuestionable maestría. bordeando el límite mismo de lo factible: extremo del que la obra obtiene buena parte de su fuerza y de su energía enunciativa. 2002 y 2004. Se trata de verdadera música para cuarteto concebida en función de la naturaleza histórica y específica del conjunto.

El francés vuelve a cargar las tintas sirviéndose de un texto plagado de imágenes brutales y desabridas. pero gracias a la versión especial realizada por el propio compositor somos testigos auditivos de la espiral de violencia que se desprende de la superposición de las dos tragedias. Amparados por los vientos de la comunicatividad. “Emoción y sorpresa aportan vida a cálculos y geometrías” –Sciarrino dixit– y con esa finalidad se alza su Libro notturno delle voci para flauta y orquesta.: Beat Furrer / NEOS / Ref. Concebida para actores. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. el discípulo de Kagel plantea un rico juego de concomitancias entre dos trágicos dramas amorosos. coquetean con otros estilos y se revuelcan con descaro en la desmesura. Experimentalstudio des SWR. “Bedrossian. Sciarrino. Dirs. El italiano escudriña en el paisaje sonoro de la noche para integrar al oyente en su vaivén de murmullos y especulaciones tímbricas. DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. 1: SCIARRINO: Libro notturno delle voci. orquesta y electrónica. Solistas de musikFabrik. que parece impregnar a parte de los cachorros de la vanguardia.: NEOS 11051 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009. A la música de López no se le puede negar buena factura y personalidad. Algo más tibio en sus planteamientos con la saturación se muestra Franck Bedrossian (1971). “exceso” o “distorsión” y no tienen inconveniente en rayar sonoramente con el jazz más abigarrado y el rock experimental. El juego de balanceo sugerido por el título queda patente en la fluctuación de la textura y la forma. CENDO: Introduction aux Ténèbres. temas y espacios. VOL. FURRER: Apon. oscuro. el Apocalipsis de Juan.: NEOS 11052 (1 SACD) D1 DONAUESCHINGER MUSIKTAGE 2009.: Sylvain Cambreling y Denis Comtet / NEOS / Ref.: Georges-Elie Octors / NEOS / Ref. arroja una nueva luz en el mundo de la música contemporánea. Bedrossian. cuatro de ellos nacidos en la década de los setenta. Sciarrino explora la dialéctica de lo concertante. percusión y electrónica del norteamericano Christopher Trebue Moore (1976). Su obra supone una traslación a sonoridades instrumentales de un texto del dramaturgo austríaco Händl Kraus y una exploración por el camino intermedio entre el habla y el canto. MOORE: Strange Attractors ICTUS Ensemble. El propio Cendo afirma que esta técnica compositiva evoca el acontecer de una energía oscura que. VOL. y un romance a tres bandas surgido en un chat internáutico.52 di v e r di siglo XXI In Tenebris Lucem Fiel a la tradición. en algunos casos. clarinete.” La ópera radiofónica Batsheba. contrabajo. Furrer y López. coro. Eat the History! de Manos Tsangaris cierra el tercer volumen de las jornadas Donaueschingen 2009. Enterrados los dogmas. Un poema de Paul Williams que evoca el espíritu del demonio como depredador sexual de mujeres dormidas sirve a López como punto de partida para recrear una orgiástica escena sonora que arranca con el grito desgarrado del protagonista al ser expulsado del cielo. VOL. Dir. oscuro. La grabación no recoge el despliegue escénico por cinco ubicaciones de la localidad alemana. Pero quien se lleva la palma del exceso es Raphaël Cendo (1975). Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. dan golpes en el suelo o profieren fragmentos destacados del texto además de hacerse cargo de sus respectivas partes instrumentales. Swing abstrae y confronta gestos propios del jazz para conformar una pieza de intensa tensión dramática articulada en doce episodios. que no es otro que el de dotar de coherencia a intérpretes. Cendo. Muy vinculada en lo vocal al sutil universo sciarriniano se desarrolla . que parece impregnar a parte de los cachorros ” de la vanguardia. Los tres volúmenes que Neos dedica a las Donaueschinger Musiktage 2009 incluyen obras de siete compositores. paradójicamente. Los dos instrumentistas asumen también el papel de actores convertidos en sátiros que gritan. en algunos casos. invocan el espíritu de Romitelli. y de unos efectivos constituidos fundamentalmente por instrumentos graves que son llevados hasta el extremo de sus posibilidades mediante procedimientos de saturación. que completó su formación francesa con las enseñanzas de Lachenmann. SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg. Mediante una continua fluctuación de densidades. EXPERIMENTALSTUDIO des SWR. 13 instrumentos y electrónica es la confirmación del camino de la desmesura que ya había apuntado en obras anteriores como Rage in heaven city y Décombres. Trebue Moore y López encarnan el vigor desatado y. tratando de diluir la confrontación entre lo social y lo individual inherente a este tipo de forma. batería y electrónica en vivo desarrolla un discurso de intensa fragmentariedad expresionista. Eat the History! (drama radiofónico sobre una instalación de ópera) SWR Vokalensemble Stuttgart. configura un modelo acústico en el que coherencia y diversidad son generadas por el propio sistema. 2: BEDROSSIAN: Swing para 11 instrumentos. Dir. Neos publica lo mejor del Festival de Donaueschingen. A partir del concepto homónimo perteneciente a la teoría del caos. Tsangaris consigue solventar el principal reto de este trabajo. cuya Introduction Aux Ténèbres para barítono. trufan su discurso con palabras como “saturación”. LÓPEZ: Incubus III Solistas de musikFabrik.: 11053 (1 SACD) D1 No son precisamente comedidos. Su Incubus para clarinete. El primer volumen de las veteranas jornadas muestra la singularidad de tres creadores nacidos en distintas décadas. 3: TSANGARIS: Batsheba. Cendo. cantantes. el bíblico de David y Betsabé. El peruano Jimmy López (1978) es uno de los jóvenes irreverentes que han escogido la vía del exceso. fagot. Cierra el segundo volumen de las jornadas Donaueschingen la obra Strange Attractors para oboe. en esta ocasión de la Edición 2009 María Santacecilia Apon de Beat Furrer.

responsable asimismo de las puestas en escena. en un acto de pretendida emancipación de las convenciones y manifestación suprema de libertad. esa ausencia de frases amplias ofrece a Boesmans una extraordinaria posibilidad de desplegar todo su virtuosismo de orfebre. mediante una orquestación sutil. con los mismos colaboradores literarios. De tema duro. el compositor belga Philippe Boesmans (1936). Pornografía. o más bien exabruptos– como por la exhibición de las miserias humanas a las que la frívola corte se entrega. Al reducir el texto a breves réplicas aceradas. Yvonne. y el hartazgo del versátil príncipe. la primera de ellas.: Sylvain Cambreling / CYPRES / Ref. En efecto. Princesa de Borgoña Delunsch. Bondy plasma una agresividad verbal que refuerza aún más la violencia del discurso. Trans-Atlantique. Yann Beuron realiza una perfecta encarnación del príncipe. Cosmos–. La libertad de procedimientos habitual en Boesmans alcanza aquí un grado excelso. Si todos esos trabajos han pivotado en torno al creativo coliseo bruselense. Yvonne.: CYP 4632 (2 CD) D1 x 2 Con su quinta ópera. Entre los protagonistas. regresa al idioma de sus orígenes. el mérito principal corresponde a Cambreling. como dramaturgo y libretista. Yvonne. la reacción de los reyes y toda la corte. perfectamente adecuado al texto de Gombrowicz diseccionado por Bondy. Gay. Beuron / "Les Jeunes Solistes" vocal ensemble.siglo XXI 200 / febrero 2011 53 Boesmans en vuelo libre Cypres publica la grabación del estreno parisino de la nueva ópera de Philippe Boesmans. von Halem. abunda en esos temas en su narración del encaprichamiento del príncipe heredero Philippe por la nada agraciada y linfática Yvonne. la gran tragédienne Mireille Delunsch está deslumbrante como reina poeta e intrigante. mientras que no es posible apreciar en disco el trabajo de Dörte Lyssewski como Yvonne. transparente. La grabación de Cypres. Klangforum Wien. Y por supuesto.” con espinas acarrearán la asfixia de Yvonne. Estrenada en la Opéra Bastille el 24 de enero de 2009. para guardar las apariencias. Yvonne. llevaba texto francés de Pierre Mertens. pero narrado en un tono paródico (Boesmans y sus libretistas rotulan su obra como “comedia trágica”). teatro y textos autobiográficos. Para sus siguientes creaciones líricas –Reigen (1993). defectos y carencias. de accidente gastronómico: unas percas a la crema . disfrazada. PHILIPPE BOESMANS (1936): Yvonne. el nuevo fruto lírico del autor belga ha sido la última de las óperas creadas durante el mandato en París del actual director artístico del Teatro Real. encargos de Bernard Foccroulle para el mismo teatro y frutos de la colaboración. camerística (una treintena de músicos). princesse de Bourgogne Santiago Salaverri “Yvonne quintaesencia el quehacer boesmaniano hasta la fecha. dirección escénica de Bondy y musical de Sylvain Cambreling. su obra se caracteriza por la profundidad de sus análisis psicológicos. llamado “Inocente”. y de relatos. su sátira –muchas veces en los límites de la literatura del absurdo– de las convenciones. y su antinacionalismo. exquisitez sonora y potente tensión dramática. publicada en Varsovia en 1938 pero no estrenada hasta dos décadas más tarde. princesse de Bourgogne. que concierta todo con seguridad de trazo. ante cuyo cadáver todos se arrodillarán en hipócrita señal de duelo. Yvonne ya había sido convertida en ópera por Boris Blacher en 1973 y por el polaco Zygmunt Krauze en 2004. que descubren en la muchacha el reflejo de sus propios vicios. desagradable. ofrece un sinfín de atractivos: ante todo por el impresionante trabajo instrumental del Klangforum Wien y la impecable prestación del Ensemble vocal Les jeunes solistes en sus intervenciones corales y en los roles secundarios. de los prejuicios de clase y los valores tradicionales carentes de sustento ético. se ven dotados de ciertos momentos de expansión lírica. el idioma elegido fue el alemán. con Luc Bondy (y Marie-Louise Bischofberger). la presente es pues su tercera reencarnación operística. sólo los personajes de la reina y un misterioso expretendiente de Yvonne. y una composición fragmentada en la que elementos atonales conviven con frases intensamente melódicas de armonía consonante junto a flashes con parodias de danza antigua. La passion de Gilles (1983) –encargo de Gerard Mortier para el Théâtre de La Monnaie–. y Paul Gay y Victor von Halem convencen plenamente como rey y chambelán. Dir. Wintermärchen (1999) y Julie (2005)–. Autor de novelas hoy consideradas de culto –Ferdydurke. lo que a su vez imponía la vuelta al francés de sus inicios. czardas zíngaras o can-can. llevará a su condena a muerte. Una escucha atenta de la obra revela a cada audición nuevos y fascinantes hallazgos que hacen de Yvonne la quintaesencia del quehacer boesmaniano hasta la fecha. obtenida durante la tanda de funciones inaugurales. princesse de Bourgogne trae sus orígenes de la pieza teatral homónima del escritor polaco Witold Gombrowicz (1904-1969). tanto por las características de su silente personaje titular –dotada de siete únicas frases.

Hoy en día la gente tiende a especializarse mucho y yo siempre he querido ser músico en el sentido más amplio de la palabra: un músico que compone. y creo que usted es de esa opinión. Yo percibo que en España. y gracias a este bagaje he obtenido una visión de la música muy distinta de la que tienen la mayoría de mis colegas.G. Rodríguez de Ledesma. “Entonces cualquier camino te vale”. el compositor catalán que acompañó a Falla en Argentina. director orquestal. Columna Música o Tritó… Usted. tocado la viola da gamba con deejays y flirteado con el jazz.G. más concretamente la que va del XVIII al XXI.: Usted ha afirmado que el músico español no se siente parte de una tradición porque ha perdido de vista su pasado musical.G. ya grabando bandas sonoras para Álex de la Iglesia o Pedro Almodóvar. que escribe sobre música… No puedo entender el amor a la música de otra manera.: Hay que tener un poco de cuidado. un Mozart o un Haydn (aunque. ¿existe alguno que desaconseje tomar.G. ¡ojo!. autores anteriores como Victoria. la música se convierte en otra cosa” Entrevista con el poliédrico autor y director de la Camerata del Prado David Rodríguez Cerdán Tomás Garrido si para afirmarse en su música tuviese que negar lo anterior. D. En general. la Generación del 27 no es tan importante como la del 98. no puede presumir de tener un Beethoven. a los diecisiete años. un renacentista del siglo XXI que abraza la música como un hecho vivo y poliédrico. Con lo que no estoy de acuerdo es con el totum revolutum que estaba tan de moda en los 90.54 di v e r di entrevista Tomás Garrido “Al ser escuchada y vivida por cada oyente. A lo que ella replica: “Me da igual el sitio”. alguna senda “prohibida”? ¿O todo vale? T. Entré muy tarde en la música clásica. Caminus…. que toca un instrumento. que es uno de los grandísimos compositores españoles –cuenta con seis o siete poemas sinfónicos excelentes– o Jaume Pahissa. El Gato responde: “Depende de adónde quieras ir”. ¿Qué ha sacado en claro desde entonces? TOMÁS GARRIDO: Esencialmente ha sido una reafirmación en el hecho de ser músico. que investiga. pensada con fines puramente comerciales. conferenciante. En términos compositivos. Carnicer escribió tres óperas fantásticas. sin prejuicios. musicólogo. ya sea exhumando partituras inéditas de Tomás de Iriarte o Ángel Martín Pompey. Tras un primer disco dedicado a sus piezas a solo. DIVERDI: Desde que empezase su carrera formando parte del Grupo Glosa a su posición actual como director titular de la Camerata del Prado han pasado treinta años. Alicia le pregunta: “¿Qué camino debo tomar?”. quien puede ser perfectamente comparado con Haendel… D. Yo vengo del mundo del rock. a diferencia de otros países. intérprete y compositor. contesta el Gato. Esto me ha hecho abrir los oídos. como . que todo vale pero no todo vale en sí mismo. ¿Se trata de otro de nuestros célebres complejos o es una cuestión de puro y simple desdén? T. sin ir más lejos.: Ambas cosas. la gente no se siente parte de una evolución musical. no me interesa lo más mínimo la música ligera prefabricada. capaces de obras maravillosas. Puede que los compositores españoles de estos últimos siglos no estén entre los grandes ochomiles –como se dice en alpinismo–.: Yo creo que sí. que no salen del ámbito de la música culta. ¿Pero qué es la mala música? Leopoldo Hontañón solía decir: “me gusta tanto la música que hasta me gusta la música mala”. Es decir.: En el último monográfico que le ha dedicado Verso. He colaborado con rockeros en calidad de arreglista. Arturo Reverter ha descrito su carrera como “un camino sin fin” en alusión a sus múltiples intereses y facetas.: Solo la mala música. Garrido ha alzado su voz en defensa del patrimonio musical español. Está claro que la música española. Verso edita ahora un monográfico en torno a su obra de cámara (1991-2005) que viene a dejar constancia del gran poder comunicador de su arte. En todo caso. Hasta hace poco el siglo XVIII español estaba completamente olvidado. ¿Hay alguna música que no le inspire simpatía? T. ha realizado ediciones críticas de obras inéditas de Rodríguez de Ledesma o García Fajer… ¿Será otra la España que nos quede cuando el mapa esté completo? T. la cantidad de autores españoles que están siendo reconocidos en los últimos años gracias a musicólogos o discográficas y editoriales como Verso. al igual que Gomis… En la transición del XIX al XX aparecen compositores de la altura de un Facundo de la Viña. Morales o Guerrero sí que se cuentan entre los más grandes).: Dice Machado aquello de que “no hay camino. tiene obras magistrales como el Oficio de Difuntos o las Lamentaciones. se hace camino al andar”. Crítico musical.: Sorprende. por ejemplo. Todo depende de la dirección o del objetivo que te propongas. en este sentido. Contrariamente a lo que se piensa. pero no por ello dejan de ser excelentes músicos. quien solía repetir un diálogo que Alicia y el Gato de Cheshire entablan en Alicia en el País de las Maravillas. D. Y en el XVIII tenemos a Nebra. ya promoviendo el repertorio desde su podio como director titular de la Camerata del Prado –con la que presentará un oratorio de Ramón Garay en el próximo Festival de Arte Sacro de Madrid–. algunos grandísimos sinfonistas que nuestros jóvenes compositores desconocen por completo. D. A mí me gusta citar a Carroll a través de Borges. cuya fantástica Sinfonietta para orquesta de cuerda he tenido el placer de dirigir. De ésta formaron parte multitud de compositores que esperan todavía ser descubiertos. el artista español suele despreciar su propio pasado. que analiza partituras. y ahora sucede lo mismo con el XIX. El riojano Tomás Garrido se ha convertido por derecho propio en uno de los músicos españoles más versátiles.

La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como complejo. Stravinski o Messiaen. La vibración de la tierra vieja. Varèse. he de decir que Witold Lutoslawski ha sido la gran influencia de mi obra. y la estilización sonora tejida por Georgina Derbez (1968). novela que refleja la actual sociedad mexicana. D. hizo una música cerrada en torno a sí misma. están dotadas. cuya música es objeto de un monográfico por parte del conjunto de Hamburgo. Arturo Fuentes. Pero sí creo que el oyente forma parte activa de esa “trinidad” musical. Gabriela Ortiz y Juan José Bárcenas) ensemble Intégrales / NEOS / Ref. Cartas Ínfimas. de expandirla. con encargos del propio grupo en colaboración con diversas instituciones alemanas.: VRS 2092 (1 CD) D10 “La intención explícita de rastrear en esta música las huellas de la historia del país azteca supone un reto tan apasionante como ” complejo. Vengo de un ambiente musical en el que el aspecto comunicativo y emocional es determinante. es bueno cuando surge de haber interiorizado las diferentes influencias que se han recibido. Hay gente que repudia la música que no se ajusta a sus patrones estéticos. pero a mí me sucede lo contrario. G. PasajesMéxico y Música de cámara de Arturo Fuentes.. formados ambos en su país. como el de Mozart. Por eso la música de Bach es tan rica: invita al intérprete a que la explore a su manera. yo no desprecio otras formas de enfocar la composición. según la descripción de la obra de Juan Rulfo. saxofón. el recorrido deja paradas en la fulgurante madurez compositiva de Gabriela Ortiz (1964). Es más. Tomás Garrido. plantea un rico universo plagado de referentes e interrogantes. La obra de Arturo Fuentes (1975). Interpretación. . Georgina Derbez Roque.entrevista / siglo XXI 200 / febrero 2011 55 Oír los goznes de la tierra Neos repasa en dos cedés la pujante fuerza creativa de la joven música mexicana María Santacecilia El eclecticismo. David Martínez. Arturo Fuentes PASAJES-MÉJICO: Obras de cámara de compositores mejicanos contemporáneos (Alejandro Castaños.: El oyente decide. resuenan arcanamente en esta obra breve e intensa. violín. ¿Cuál. con una exquisita parte para electrónica en vivo que se engarza etérea con la adusta línea trazada por el saxofón tenor. Concretamente estas dos grabaciones. y así cuenta con discos dedicados al continente asiático. Su música es una sabia mezcla de rigor y de comunicación y ofrece la posibilidad de abundar en ella. En este sentido creo que mi música refleja también mis gustos como melómano. Tal es el caso de Juan José Bárcenas (1982) y Aleyda Moreno (1982).: Todas sus obras. Austria.. titilante Night Music de Moreno se recrea en el mundo de la noche. y últimamente centra su atención en América.: NEOS 10906 (1 SACD) D1 . Concierto para violín y orquesta de cuerdas. Al ser escuchada y vivida por cada oyente.: NEOS 11047 (1 CD) D1 ARTURO FUENTES (1975): Música de cámara ensemble Intégrales / NEOS / Ref. a pesar de la heterogeneidad de las propuestas.. ya que. en este sentido. que concluyó su formación en París y lleva más de una década instalado en Europa. El atinado programa de compositores y obras propuesto por el conjunto de Hamburgo augura excelentes perspectivas para el panorama creativo de México. a su país vecino. que el propio compositor asimila al vuelo de un ave. flauta. TOMÁS GARRIDO (1955): Caminus . sino Trina –Composición. sus goznes girando enmohecidos. Entre sus objetivos está el de recorrer la creación sonora de tradición culta en diversos territorios. Me interesan mucho las músicas que nunca sería capaz de hacer. o por la oposición entre estatismo y movimiento en la hermética Passatempo. sin necesidad de que yo le imponga nada. Por el contrario. Otros conceptos explorados por Fuentes lo conducen por la levedad articulada y precisa de Lightness para violín y electrónica. Me refiero a que no podemos condicionar su experiencia de forma absoluta.. pese a su rigor constructivo. Su cuidadísima escritura resuelve con éxito cuestiones como la búsqueda de una sonoridad aérea en Plexus. D. por más que algunos de los autores se inspiren en temas netamente mexicanos. Camerata del Prado.. El ensemble Intégrales radicado en Hamburgo es un grupo desprejuiciado y curioso. director / VERSO / Ref. violonchelo. Además de Lawine de Arturo Fuentes. Muchas de mis obras beben también del free jazz. No obstante. Es entonces cuando la obra se enriquece. surgen a partir del recientemente celebrado bicentenario de la independencia mexicana.: Alguna vez ha afirmado que la experiencia musical no es Una. de una gran comunicabilidad. enunciado soberbiamente por los miembros del ensemble Integráles. cuando la música se hace múltiple. por el contrario.” Dos nuevas entregas de Neos con obras de reciente creación mexicana nos sitúan en el rico panorama del país americano. que ya a día de hoy puede calificarse de brillante. que además de su extraordinaria calidad interpretativa. También me interesa mucho la música de Scelsi y Ligeti. ¿Se debe esto al contacto que ha tenido con la música popular? T. se convierte en otra cosa. Sugerente y llamativa por su coqueteo con ritmos de jazz resulta la evocación a Franco Donatoni en Antecedente X. Estas son las líneas que he querido seguir. El compositor no ha de reducir la experiencia musical de sus oyentes a una sola escucha. Me gustaría que cada oyente entendiese mi música bajo su propio criterio. hace gala de una valiosa vocación pedagógica y un marcado enfoque interdisciplinar. la fresca desenvoltura de Alejandro Castaños (1978). formalmente nos hallamos ante obras que provienen de la tradición culta europea.: Absolutamente. percusión y electrónica toma como referencia Pedro Páramo. Julián Elvira. Audición–. Si la sutil.G. no cuando se premedita. hemos de permitirle “crear” su propia escucha o su propia obra a partir de lo que le suministramos. sería la responsabilidad del oyente? T. por no mencionar la de Bartók. porque me aportan un mundo enteramente diferente al mío. de acuerdo con las palabras del propio compositor. pero su Arcana me cautivó por completo. Por otro lado. tanto las de los ochenta y noventa como las compuestas hace tres años. he tenido esto siempre muy en cuenta a la hora de componer. la exuberante pieza de Bárcenas Un rencor vivo para violín eléctrico. Aleyda Moreno. Habrá algunos que se exijan mucho y otros que no se exijan nada.

clarinetista del compositor alemán en Wergo Javier Palacio Antón Piedrahita Tirado Desde la colorista portada nos sorprende el clarinetista Michele Marelli transmutado en ente a medio camino entre el fauno y el trapecista circense. nunca como hoy había sido tan actual esa puesta en cuestión de cierta idea de belleza. A lo largo de siete secciones (El mensajero del sueño. a la batuta de la RSO Saarbrücken con el clarinetista Eduard Brunner como solista. Minguet Quartett. ni la reflexión sobre la materialidad de la producción sonora. basadas en el patrón inspiración-respiración. Intermezzo. que vuelve a publicarse como homenaje a Lachenmann en su 75 cumpleaños para demostrar la vigencia de una estética tan radical en lo sonoro como coherente en lo conceptual. En realidad. del cual explora con esta grabación la veta más juguetona y mágica de sus sonoridades. Todo se aclara cuando se repara en el título del disco. asociada por la industria cultural a banalidad. oscuro y dramáticamente cincelado suena ese himno contra la barbarie que es Consolation I en las voces de Schola Cantorum Stuttgart. Julius Berger. En cualquier caso los argumentos meramente musicales de Marelli son contundentes: estrecho colaborador del compositor alemán durante más de una década. Harlekin. Intermezzo para chelo y acordeón y Pezzo fantasioso per due strumenti con basso ad libitum (con violín y chelo). Y especialmente expresionista. opulencia y adorno. Marelli desarrolla de múltiples modos la serie de trece sonidos que constituye la esencia de Harlekin. El maestro pedante. Los solistas y formaciones que se escuchan aquí estaban dotándose de las herramientas para traducir las muy exigentes partituras de Lachenmann y llevar al campo de lo realizable su exploración de las capacidades tímbricas de los instrumentos. dictadas siempre por un rico juego de contrastes rítmicos.: 6738-2 (1 CD) D2 . la dinámica y la duración. Consolation I. Y es que el compositor coreano fue un temprano defensor de las orgánicas modulaciones acordeonísticas. proporcionando progresiva forma a la desarticulación inicial por medio de variaciones que afectan a la altura. Una comprometida versión de esta obra que funciona como introducción ideal a la producción de Stockhausen.. Es una música que se agita con alto colorido armónico y a partir de oleadas de fuerza variable. El lírico enamorado. Así Hans Zender. pasando de los registros más agudos a los más graves y del pianissimo al fortissimo para elaborar a golpe de aliento tonalidades violentas. El bufón farsante. Kontrakadenz KARLHEINZ STOCKHAUSEN (1928-2007): Harlekin Michele Marelli. facilitadoras de las transiciones graduales dentro de unas estructuras que sirven para traducir sonoramente esa fluidez constante de todos los fenómenos de la que hablan las filosofías orientales. Consolation I (1967). latidos. alejando la música del marco idealista para acercarla a un universo físico de tensiones. lunares. fricciones y choques. alientos y flujos interrumpidos. Hans Zender. Schola Cantorum. acordeón. ambas de 1988. El bailarín apasionado y El espíritu tornado en exaltado). pieza de música escénica escrita en 1975 por Karlheinz Stockhausen que requiere de un intérprete capaz de demostrar igualmente sus dotes como mimo y danzarín. articulando los timbres del acordeón con las cuerdas del Cuarteto Minguet para ofrecer en Concertino un viaje pendular entre la luz y la sombra. entrega una versión de Accanto de tremenda efectividad y altísima concreción instrumental. Con varias piezas escritas para el acordeón y otras arregladas para su instrumento el solista Stefan Hussong ha confeccionado un intenso programa dedicado a Isang Yun.. Accanto (1976) y Kontrakadenz (1971) eran las piezas contenidas en aquel lejano registro. pieza escénica para Obras camerísticas de Isang Yun. La obra presenta diversas facetas o rostros de un Arlequín bastante alejado de sus orígenes en la commedia dell’arte. con esa espiral desde los registros graves a los más agudos que simboliza una nueva búsqueda de luz. Pezzo fantasioso Stefan Hussong. clarinete / STRADIVARIUS / Ref. grabación inencontrable desde hace años y convertida en histórica. entre el ying y el yang. situado más bien en un territorio donde confluyen lo chamánico y lo lúdico. mientras Kontrakadenz accede en manos de la RSO Stuttgart dirigida por Michael Gielen al reino de lo referencial a golpe de explosiones climáticas. En 1985 Wergo editaba uno de los primeros discos consagrados a Helmut Lachenmann. impulsando a la viola en una tortuosa y por momentos vertiginosa carrera ascendente. Hussong explora a fondo esas arquitecturas en permanente mutación. violonchelo / WERGO / Ref. HELMUT LACHENMANN (1935): Accanto. meditativas.: STR 33864 (1 CD) D2 ISANG YUN (1917-1955): Concertino. Duo. debe considerarse al clarinetista como profundo conocedor de uno de los universos musicales más ricos y poéticos del pasado siglo. RadioSinfonieorchester Stuttgart des SWR.: 6716-2 (1 CD) D2 Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken. La exploración de las posibilidades acústicas del instrumento llega no obstante más lejos en Dúo. destacan la faceta lírica e inventiva –amable incluso– de un Yun fascinado por la sensualidad de las sonoridades y la viveza de las configuraciones contrapuntísticas. Clytus Gottwald y Michael Gielen. miembro del Ensemble Stockhausen entre otras aventuras. la quietud y la agitación y. en este caso el taoísmo. donde el acordeón establece colaborador diálogo con la plantilla instrumental proporcionando un fondo de gravedad terrosa o alzándose mediante una sucesión de virtuosísticas figuras motívicas. relato fantasmático del Concierto para clarinete de Mozart que una cinta hace a veces audible.56 di v e r di siglo XX Stockhausen-Chamán Accordion Rising Rebeliones Wergo recupera un legendario registro de Helmut Lachenmann Javier Palacio Harlekin. El constructor alegre. Lo que podría no ser sino rígida estructura deriva así en fraseo orgánico recorrido por el cromatismo y la variedad tímbrica. trenzándose los materiales en cascada evocadora del compás de los procesos naturales. directores / WERGO / Ref. También sorprende la calidad de unas ejecuciones que apenas disponían de esa “tradición” obtenida con posteriores interpretaciones. Por su parte. sarcásticas. en definitiva. ofreciendo lecturas tan abruptas como emocionantes.

que significa brotar. Saunders. sugerente y precisa de la incomparable Cathy Berberian. la expresión. traza. con nervio y color instrumental que se ramifica dentro de registros agudos para regresar nuevamente a su origen. Como la que es utilizada por el lituano Vynkitas Baltakas en su obra (Co)ro(na). fluye… El finlandés Magnus Lindberg se interna en los terrenos de la técnica espectral francesa con un gran trabajo de combinaciones armónicas a la vista de las nuevas posibilidades que esa levadura ofrecía en su momento para la composición musical. la calidad de las interpretaciones brilla en estas cuatro piezas dirigidas por las sabias batutas de Diego Masson. ejercicio de matiz y claridad de planos. Thallëin. Reynolds. en versiones fieles al espíritu de la época y a la letra de la toma sonora. Stefan Asbury y Etienne Siebens. La obra alude a Ouroboros. desdibuja. Bussoty. que. en la que se desencadena en forma de cascada un campo de posibilidades. de Reynolds.siglos XX & XXI 200 / febrero 2011 57 Brown ataca de nuevo Volumen tres de la serie A life in music de Wergo Germán Gan Quesada Floraciones Quinta entrega de la Edición MusikFabrik. A través de extensa Joy (1989-90). de motivos y combinaciones musicales que tienen al compositor como otro eslabón más de un proceso generado por un motivo inicial que adopta progresivamente la imagen de un mosaico con sus distintas teselas. EDITION MUSIKFABRIK. no guarda ninguna relación con los asuntos de la monarquía ni con la obsoleta imagen del genio y su aura correspondiente disuelta hace ya tiempo. al servicio de la obra de su. escrita para 14 músicos. en que se resume. por aquel entonces. Krönung (Coronación). tan ejemplo de su personal poética como esta iniciativa discográfica lo pudo ser. la tensión entre la racionalidad constructiva de Xenakis (Herma. del año 2005. NHK Symphony Orchestra. por supuesto. obra de la Yoko Ono fluxus. de la apuesta dramática del Frammento (ahora Berio al piano) de Bussotti. y la emoción subyacente. Cuatro composiciones agrupadas bajo un título. directores / WERGO / Ref. Magnus Lindberg y Iannis Xenakis) Juditha Haeberlin.: 6934-2 (3 CD) D2 x 2 De nuevo. Marco Blaauw. de Mayuzumi. portador de poderosas emociones y misterioso brillo y vibración interna. Rebecca Saunders. en doble labor de compositor e intérprete. compañero Luciano Berio en Circles (1960). florecer. 1960) y Takahashi (Metathesis. las fricciones y los timbres agudos de la trompeta y el violín secundados por el grupo. Cage.. aquí es el intenso rojo cinabrio. un gran grupo instrumental explora un sinfín de combinaciones y tratamientos con sonidos sintetizados integrados y filtros que se abren a una rica dramaturgia derivando hacia un clima de refinada fantasía colorista a modo de coronación. como en otras ocasiones. VOL. fechado en 1958/59 en su versión reducida. y del más adusto volumen consagrado a la “New Music for Piano(s)”. .: 6855-2 (1 CD) D3 . establece correspondencias con el color. Lindberg y Xenakis Manuel Luca de Tena Dobla su ecuador con esta tercera entrega la reedición de la “Contemporary Sound Series” promovida por Earle Brown. Etienne Siebens. Alude sobre todo a la actitud de los artistas que tras observar activamente y seleccionar acontecimientos que nos pueden implicar a todos. que circula entre la interesante reconstrucción del timbre complejo de las campanas –espectralismo avant la lettre– en los movimientos orquestales. principio de lo circular representado por una serpiente que se muerde su propia cola. y el recitado ritual de sutras reales o imaginarias. musikFabrik. wilhelm schüchter. A LIFE IN MUSIC. las llamas del fuego a través de los movimientos ágiles. Nippon University Chorus. Stefan Asbury y Diego Masson. imágenes metafóricas de un florecimiento. 1968). culminan un proceso creativo que es trascrito y revelado en forma poética como un acto que corona simbólicamente una nueva criatura. Porque para Xenakis la intuición. Con el sentido plástico que la caracteriza. Peter Rundel. De la “cantata budista” Nirvana Symphony (1957/58). en su momento. atraerá al curioso la portada. Mayuzumi. Thallëin (1984) de Iannis Xenakis. titulados expresamente “campanólogos”. director / WERGO / Ref. Y continúa deparándonos felices hallazgos: entre 1962 y 1970 se fechan las publicaciones originales de las grabaciones de esta caja. o de la experimentación abierta y tecnológica de Cage en Aria with Fontana Mix (1958). violín. pese al riguroso planteamiento formal. y el descarado eclecticismo de su lenguaje. de un modo u otro. 3 (COMTEMPORARY SOUND SERIES): Berio. buena parte de las inquietudes y aspiraciones de aquella no tan lejana vanguardia de los tiempos de la guerra fría… En primer lugar. la voz alucinada. son. En Cinnabar (Cinabrio) (1995). 5: Coronation (obras de Vykintas Baltakas. de la Fantasy for Pianist (1963/64). de la británica Rebecca Saunders. de Earle Brown. Música vigorosa.. con obras de Baltakas. VOL. trompeta. despliega una suerte de paisaje metafórico de la mente que destila cierto lirismo y aires de himno festivo y colorista guardando reminiscencias del violín gitano. Peter Rundel. la autora toma el rojo y emborrona. para conjunto instrumental. tenía que estar por encima de los modelos teóricos y matemáticos que cimientan sus obras y perseguir la claridad y la transparencia fue siempre un objetivo. la autora. de su compromiso con la creación de una época. Saunders construye una narración con la imagen del calor. Thallëin habla de ello elocuentemente. y de la versión “interactiva” de Corroboree (1963/64). tiene un no disimulado parentesco con La Consagración de la Primavera en su espíritu y sus patrones rítmicos. Tokyo Choraliers.

ni tampoco para impedir repetir una y otra vez los mismos errores.: PRP 28 (5 DVD) P . parece funcionar como metáfora del triste affaire sentimental vivido. atrapados en espesas y precarias telarañas afectivas. reflejan la temperatura social de esa Corea volcada en destino de los personajes: por ejemplo. Un cuento de cine. Así el japonés Nobuhiro Suwa. películas como La mujer es el futuro del hombre (2004) o Un cuento de cine (2006) resultan no obstante de lo más precisas a la hora de ofrecer inmisericordes retratos de sus protagonistas. lo ya sucedido o lo aún por suceder. y vienen acompañados por las peculiares presentaciones del cineasta Albert Serra. mensajes ni profundos análisis psicológicos. Se despliega así un catálogo de figuras masculinas que actúan a partir del esquema “chico encuentra chica-chico deja chica-chico liga con nueva chica-chico se queda solo”. La mujer es el futuro del hombre. Mujer en la playa. Asimismo vale la pena destacar los sutiles deslizamientos entre pasado y presente o entre sueño y vigilia: en La mujer es el futuro del hombre una relación pretérita se recupera mediante flashbacks (perceptibles sólo por los cambios de estación y vestuario) incrustados con perfecta continuidad en el desarrollo actual.. haciendo que un relato previo guíe el decurso de la acción y con ello el Lejos de ser un simple movimiento circunscrito a una época. Y es que la relación entre iguales no parece posible en el mundo de Sangsoo. el surcoreano Hong Sangsoo. como unas compañeras femeninas no siempre poseedoras del mayor equilibrio interno. quien dirigirá un capítulo dedicado al coreano dentro de la prestigiosa serie Cine de nuestro tiempo.95 €. a pesar de la transparente y nada preciosista puesta en escena de Sangsoo. y tanto en Noche y día (el film parisino de Sangsoo. Con unos modos cinematográficos caracterizados por una llamativa carencia de estilo. siendo sus víctimas tanto ellos mismos. Entre otras.” la adecuación de sus formas de vida tradicionales a la era del capitalismo avanzado. revisitan desde perspectivas originales sus modelos temáticos y universos visuales para hacerles rendir nuevos sentidos en el contexto de nuestros días. Y es que tal parece la mayor y paradójica enseñanza del cine de Sangsoo: en un mundo sin certezas ni directrices morales la vida se dirime en un incesante flujo de pequeños acontecimientos que no sirven como aprendizaje. la Nouvelle Vague sigue alimentando en forma de cierta sensibilidad y de cierta mirada las maquinarias del mejor cine contemporáneo. espacio de una sexualidad mecánica y escasamente comunicativa.: 59. Sus personajes practican una seducción asimétrica –sirviéndose de su superioridad jerárquica en el orden social– y se cimbrean entre el pequeño abuso y la traición descarada. en La puerta de la vuelta una antigua leyenda sobre el amante despechado que espera ante un umbral cerrado acabará demostrándose profética. más allá de la fórmula repetida sin ningún éxito por el protagonista de La puerta de la vuelta (2002): “Aunque es difícil ser un ser humano. esa rara tendencia hacia una narrativa de segundo grado. quien nos ocupa. Y ello siempre en el marco de una dinámica narrativa que privilegia la deambulación en pareja. Noche y día) Hong Sansoo. que muestra cómo se atasca el vehículo de la chica para proseguir después. guionista y director / INTERMEDIO / Ref. sus filmes revelan curiosas complejidades estructurales capaces de permanecer ocultas en una primera visión. HONG SANSOO (1960): 5 películas (La puerta de la vuelta. marcado por el individualismo y la insolidaridad. dando pie a un amplio muestrario de variaciones y combinaciones. De este modo. no nos volvamos monstruos”. guionistas y directores de cine. los diálogos y enfados –en muchos casos abiertamente cómicos– alrededor de un vaso de alcohol y. Finalmente. Los cinco films recogidos en este nuevo cofre de la casa Intermedio suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno españolas. mientras en Un cuento de cine la existencia de un corto generará extraños ecos y proyecciones en la realidad de los protagonistas. sin mayores problemas. destacar la elegancia del realizador para trascender el terreno de lo anecdótico: ese plano final de la espléndida La mujer en la playa (2006). los taiwaneses Tsai Ming-liang y Hou Hsiao-Hsien o. pues. reivindicando una factura visual descuidada que incluye –¡viva la osadía!– el uso arbitrario e irritante del zoom.V. su trayecto. mayormente artistas.P . como en filigrana. exploran el confuso territorio sentimental atravesado con brújula alocada por sus personajes. Hong Sangsoo alcanza a elevarse a la categoría de uno de los más cómicos pero desesperanzados relatores de nuestra época. que seguramente dejará en ella el mismo rastro que las huellas de neumático sobre la arena. Por todo ello este cine de la desilusión no ofrece asideros morales. y en especial de los creadores orientales. Y al mismo tiempo. En el caso de Hong Sangsoo asistimos precisamente a una actualización de los recursos de Eric Rohmer en unas narraciones que. claro está. Por otra parte. las escenas de cama. despojadas del trasfondo moral del realizador francés y con un humor no por soterrado menos efectivo.58 di v e r di cine El relato de nuestra época Intermedio reúne en un cofre cinco películas del director coreano Hong Sangsoo Javier Palacio “Los cinco films recogidos en este cofre suponen una excepcional incursión en la obra de un autor tan importante como descuidado por la edición viodeográfica y las salas de estreno ” españolas. de 2008) como Un cuento de cine los sueños –tampoco señalizados según los códigos habituales– introducen a sus protagonistas en un territorio apenas balizado entre el anhelo.

Kurtág. Lehtipuu / Il Giardino Armonico. CD COMPACT JOSÉ DE NEBRA (1702-1768): Amor aumenta el valor / Los Músicos de Su Alteza. y Tabula rasa. ÓPERA ACTUAL GRÉTRY: Céphale et Procris / Les Agrémens.: Clemens Krauss. quien. Marc Minkowski. Debussy. 6 (nºs 14. Dinicu. CD COMPACT CARESANA: L’Adoratione de’ Maggi (Cantatas Napolitanas) / I Turchini. SCHERZO MOZART: Conciertos para piano. vol. Sonido de grabación en general muy bueno. Sobresaliente toma de sonido y recomendación absoluta.: C806102I (2 CD) D4 x2 Disco de lo más recomendable por la bellísima música de Caresana y por la interpretación global. maduras. vol. DIAPASON WAGNER: El Anillo del Nibelungo / Hotter. Florio se rodea de sus más destacados colaboradores. GRAMOPHONE ARVO PÄRT (1935): Tabula Rasa (Edición Especial Limitada de Coleccionista) / (la edición incluye un libro de 200 páginas con facsímiles y materiales inéditos) / ECM / Ref. se lleva la parte del león. pocas técnicas tan naturales. Julius Drake está francamente deslumbrante. Prina. en este nuevo ejemplar de su ciclo mozartiano. soprano / ZIG-ZAG TERRITOIRES / Ref. Coro de Cámara de Namur.90 €.: RIC 302 (2 CD) D10 x2 Christopher Maltman se incorpora a la lista de liederistas y ejecutoria cumplida de su arte es este recital en vivo. director / RICERCAR / Ref. 10 se liberaron de toda pretensión virtuosística para no ser más que color.: GCD 922601 (1 CD) D2 Conozca a los Kopatchinskaja. Raquel Andueza. SCHERZO SONATAS PARA VIOLONCHELO Y PIANO: Obras de Frank Bridge. Las juveniles sonatas Kurfürsten son sólidas. Estos motetes inéditos de Rosenmüller son una delicia en labios de Raquel Andueza. Dir. una sala ideal. en el rol de Caio. Uhde. GRAMOPHONE PATRICIA KOPATCHINSKAJA: Rapsodia (Obras de Enescu.: V 5193 (1 CD) D1 El Anillo dirigido en 1953 por Clemens Krauss encuentra por fin su luz. Luis Antonio González. Dir.: MDG 1646-6 (1 SACD) D6 x 2 Merece destacarse en esta primicia la espontaneidad del discurso dramático y la inspiración que no decae en ningún momento. reeditado aquí dentro de un hermoso libro en edición de coleccionista.: V 5234 (1 CD) D1 Soberbia demostración de las posibilidades del dúo violonchelo-piano.: ALPHA 171 (1 CD) D2 Zacharias luce. su concepción elegante y refinada pero esencialmente vitalista e inquieta. Una concepción del canto / 303 páginas (incluye CD) / ALIANZA EDITORIAL / Ref. SCHERZO ROSENMÜLLER: Beatus Vir?: Motetes y sonatas / Gli Incogniti. fortepiano / BIS / Ref. Varnay. El repertorio ofrece panoramas distintos y complementarios expuestos con excelente técnica e implicación por dos músicos de pies a cabeza. DIAPASON GOERNER interpreta CHOPIN / Nelson Goerner. con momentos realmente antológicos. 2007) / WIGMORE HALL LIVE / Ref. que forman un formidable conjunto de cámara. que incluye Beethoven antes de ser Beethoven. Un disco sorprendente que te coge por el cuello hasta que te descubres disfrutándolo. Dirs. emocionantes. Se ilustra con un CD e incluye algunas fotografías inéditas.: Karajan. Greindl. director / NAÏVE / Ref. piano (Grabación en directo. I Turchini recupera el magnífico sonido de antaño. CD COMPACT GEORG FRIEDRICH HAENDEL (1685-1759): Water Music. Neidlinger. Orchestre de Chambre de Lausanne / MDG / Ref. Raimondi / Orquesta y Coro de la Ópera de Viena. Las arias y dúos son de una extraordinaria belleza y refinamiento.257 (1 CD) D14 x 2 Pocos colegas de Pärt gozan de tanta aceptación popular.: ECM 1275EE (1 CD + Libro) D10 x 3 . piano / HÄNSSLER / Ref. director / ALPHA / Ref.: OP 30493 (2 CD) D6 x 3 Esta colección es una joya y ningún musicómano puede dejarla pasar. Pocas voces tan lustrosas. Un disco imprescindible. Todos los intérpretes se entregan y creen en los roles que están interpretando. SánchezChiong y temas populares rumanos) / / NAÏVE / Ref. CD COMPACT BEETHOVEN: Obras completas para piano. Benjamin Britten y Arnold Bax / Johannes Moser.: ZZT 100801 (1 CD) D2 Es puro disfrute escuchar la primera ópera de Vivaldi.: WHLIVE 0020 (1 CD) D4 Una tarde de octubre de 2009. González tiene el honor de ser el primero en grabar esta ópera. Paul Rivinius. piano / WIGMORE HALL LIVE / Ref. Wolf.: C809113R (13 CD) D4 x 5 La ilación del relato está garantizada por la habilidad de Arturo Reverter para enlazar con amenidad los muchos temas tratados. Rodrigo (suite de la ópera) / Les Musiciens du Louvre-Grenoble. ÓPE RA ACTUAL ARTURO REVERTER: Alfredo Kraus.: 93.: Giovanni Antonini / NAÏVE / Ref. 9 / Ronald Brautigam. Un león honesto. Guy Van Waas. DIAPASON VIVALDI : Ottone in villa / Cangemi. El programa no podía ser más exigente. Kleiber / ORFEO / Ref.: DIV9788420682310 (Libro + 1 CD) 24. Cuando los dos cantantes se unen la riqueza se multiplica. Lectura sumamente equilibrada. Lezhneva. violonchelo. Windgassen / Orquesta y Coro del Festival de Bayreuth. Y mucho más esta entrega. El paseo crepuscular de la Polonaise-Fantaisie da el tono a un recital donde los doce Etudes Op. Levine.Preciosos CDs para comprobar el nivel artístico de una cantante clave en la historia reciente de la ópera. 15 y 21) / Christian Zacharias. SCHERZO MALTMAN canta Schubert. piano. Duparc & Warlock / Julius Drake. Dir. Por algo es uno de los grandes directores händelianos. Vinay. de atractiva locura.: BIS SACD 1672 (1 SACD) D3 Nebra es el músico más grande nacido en España (con permiso de Victoria).- Lo más original del disco está en la música vocal.: Antonio Florio / GLOSSA / Ref. (1953) / ORFEO / Ref. Ligeti. Ozawa. SCHERZO MIRELLA FRENI: Arias de ópera / Domingo. es tan responsable de ese éxito como el resto de su música. y sobre todo descubrir a la señorita Lezhneva.: WHLIVE 0039 (1 CD) D5 Esta versión de la Water Music de Marc Minkowski está y estará durante mucho tiempo en el Olimpo de las elegidas. Pruebe el Ligeti interpretado al cimbalom. Abbado.

Francesco MolinariPradelli.. Herbert von Karajan..: . Marcia Hadjimarkos. que recupera para nosotros grabaciones hace tiempo inencontrables. directores / ALTO / Ref. Mozart.: ALC 1132 (1 CD) D7 RENATA TEBALDI: Canta arias de Giuseppe Verdi y Giacomo Puccini / Renata Tebaldi. Nicasio Tejada.: ALC 1136 (1 CD) D7 1 CD / D7 JOAN SUTHERLAND: Art of the Prima Donna. Larrea.P 7. director / ALTO / Ref.P TON / Ref.: MCDV113 (1 DVD) D4 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.V.: 7. violonchelo... Color sepia. VIII (3 Quintetos de cuerda.P BRILLIANT / Ref. . director / NEWTON / Ref.) / ALTO / Ref. Différences.: 7. soprano. Manuel Ausensi. Tullio Serafin. / Cathy Berberian.: ALC 1094 (1 CD) D7 PIOTR ILYTCH TCHAIKOVSKY (18401893): Sinfonías nº 2 y 3 / Russian Federation Large Symphony Orchestra. Orchestra dell Accademia Santa Cecilia. Vittorio Negri. Por su parte.65 €. guitarra / BRILLIANT / Ref. . además de dos hitos en la discografía de Falla dirigidos por el maestro Argenta.V.P ATAÚLFO ARGENTA Y LA ORQUESTA NACIONAL DE ESPAÑA: El sombrero de tres picos y Noches en los jardines de España de Manuel de Falla / Gonzalo Soriano.. Francisco Palos. director del coro.: 7.José Luis Vicente Gil.70 €.95 €..V. Josefina Canales. Suite de Petrouchka / London Symphony Orchestra.P Ref. con títulos tan infrecuentes como El húsar de la guardia (con Pilar Lorengar). O Sole Mio. Alto vuelve a sorprendernos con una serie “Karaoke” en DVD que hará las delicias de aquellos aficionados y/o profesionales que quieran hacer sus pinitos como tenores.P LUCIANO BERIO (1925-2003): Sequenzas III Y VII.COLECCIÓN LOEKI STARDUST QUARTET: Música para conjunto de flautas de pico / Amsterdam Loeki Stardust Quartet / NEWTON / Ref.V.V. un monográfico de Stravinski por nuestro Rafael Frühbeck de Burgos al frente de la LSO. Gran Orquesta Sinfónica. Jesús Romo. Gounod. Wiener Philharmoniker.: MCDV111 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA DIVAS: Karaoke de arias de ópera para soprano y mezzosoprano (incluye Habanera.GERÓNIMO GIMÉNEZ (1854-1923) y AMADEO VIVES (1871-1932): El húsar de la guardia / Pilar Lorengar. Symphony Orchestra of Russia.GIOACHINO ROSSINI (1792-1868): Sonatas para cuerdas nº 1-6 / I Musici / NEWTON / Ref.: 4.60 di v e r di editorial zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco El mes de febrero nos trae una nueva entrega de la colección de zarzuelas. vol. soprano.95 €. Entre las grabaciones maestras que nos trae este mes se cuenta una estupendísima integral de los Conciertos para violonchelo y orquesta de Khachaturian.95 €. O Mio Babbino Caro.V. Orquesta del Teatro Calderón de Madrid. . Ataúlfo Argenta.) / ALTO / Ref. ¡Una serie que muchos estaban esperando! ARAM KHACHATURIAN (1903-1978): Conciertos para violonchelo y orquesta / Marina Tarasova.V. Emilia S. Dolores Cava. Francesco MolinariPradelli.: 3. Hay más cosas.: 27. soprano. La economía sigue a salvo con el sello Newton. piano / ALTO / Ref.P 15. op.: Z-212 (1 CD) P.MAURICE RAVEL (1875-1937): Obra completa para dos pianos / Ingrid Thorson.ANTONIO VIVALDI (1678-1741): Música sacra / Felicity Lott.. piano. pianoforte / BRILLIANT / Ref.: 8802040 (1 CD) P . Pirates of Peanzance. 39) / La Magnifica Comunità / BRILLIANT / Ref. / Gran Orquesta Sinfónica.: 9160 (2 CD) P. . Funiculi Funicula. Encarnita Máñez. Delibes y Meyerbeer / Joan Sutherland. .95 €. Orquesta Nacional de España. Antonio Medio. .V.V.90 €.V.: 4.P 7.: 3. violonchelo. Alexander Polezhaev. el Juillard Ensemble y Cathy Berberian interpretando obras de su marido. Alberto Erede. independizada ahora de su antiguo sello madre. Margaret Marshall.P CD) P .P 94172 (1 CD) P .BÉLA BARTÓK (1881-1945): Integral de los cuartetos de cuerda / Hagen Quartett / NEWTON / Ref. Rossini. La condesa de la aguja y el dedal y Un día de primavera. oboe.P DOMENICO CIMAROSA (1749-1801): 30 sonatas para guitarra / Claudio Giuliani.V. PAUL DUKAS (1865-1935): Obras completas para piano / Marco Rapeti.: 93977 (2 CD) P . Luisita Solá. . Julian Thurber.: 8802041 (2 CD) P . el 8º volumen de la serie dedicada a los quintetos de Boccherini y obras para guitarra de Pujol y Cimarosa. director / NOVOSON / . Hubert Dopf.. Miembros del Julliard Ensemble / NEW.: 94176 (2 CD) P . / Giorgio Mirto. otro sobre el piano schumanniano a cargo de Sviatoslav Richter (ahí es nada) y dos excelentes repasos fonográficos a las voces de Renata Tebaldi y Joan Sutherland.: 3. John Alldis Choir.: 94024 (1 CD) P .90 €.MÁXIMO DIEGO PUJOL (1957): Historias sin palabras.80 €.. director / ALTO / Ref.JOSEPH HAYDN (1732-1809): Canciones y cantatas / Emma Kirkby.V.95 €.Gregorio Lavirgen. Arias de Haendel.: 9209 (1 CD) P . Gerardo Monreal. I Musici tocando sonatas de Rossini.P. director / ALTO / Ref.V. Rafael Frühbeck de Burgos. directores / NOVOSON / Ref.: ALC 1125 (1 CD) D7 KARAOKE OPERA TENORES: Karaoke de arias de ópera pata tenor y barítono (incluye Nessun Dorma. soprano..- La compañía Alto.: MCDV112 (1 DVD) D4 KARAOKE OPERA GILBERT & SULLIVAN: Karaoke de arias de ópera de Gilbert & Sullivan (The Mikado. Heinz Holliger.. piano / ALTO / Ref. Blunte Blätter. director / ALTO / Ref. Veronika Dudarova..P. guitarra / BRILLIANT / Ref.: 8802011 (2 CD) P . La Donna e Mobile.: 23. The Gondoliers.) / ALTO / Ref. P.: 3.: 4.: ALC 1131 (1 CD) D7 SERGEI RACHMANINOV (1873-1943): Música para violonchelo y piano / Marina Tarasova.90 €. Regis Records.. director / NEWTON / Ref. Royal Opera House Orchestra. piano / .: . Bellini. o Holliger. la integral pianística de Dukas y la de dos pianos de Ravel.95 €.: Z-207 (1 CD) P . Brilliant vuelve a sorprendernos con lanzamientos inesperados: Emma Kirkby cantando Haydn.: 8802039 (6 CD) P .: 8802044 (4 CD) P .: Z-208 (1 CD) P . piano..: ALC 1103 (1 CD) D7 IGOR STRAVINSKY (1882-1971): La consagración de la Primavera.: ALC 1133 (1 CD) D7 ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Etudes symphoniques.90 €.95 .. .: . como los discos del Amsterdam Loeki Stardust Quartet.JESÚS GURIDI (1886-1961): La condesa de la aguja y el dedal y JESÚS ROMO (1906-1995): Un día de primavera / Pilarín Bañuls. música sacra de Vivaldi en manos del legendario Vittorio Negri.P LUIGI BOCCHERINI (1713-1805): Quintetos de cuerda.V. piano / BRILLIANT / Ref. sopranos y mezzospranos interpretando las mejores arias de todos los tiempos. José Perera. barítonos.P €. Concertgebouw Chamber Orchestra.: . Visi d'Arte. director / NOVOSON / Ref.: 8802045 (4 ... Due pezzi.Anita Fernández / Coro de Cantores de Madrid.90 €.CANTOS GREGORIANOS PARA EL AÑO LITURGICO / Wiener Hofburgkapellle.. de la Fuente. Fantasiestücke / Sviatoslav Richter.V. Para terminar. nos trae este mes auténticas joyas de los 60 y 70 cuyas ediciones originales hace tiempo que se encuentran descatalogadas. Gennadi Rozhdestvensky. y todas a un precio imbatible. Pedro Cancela. Luciano Berio. los cuartetos de Bartók por el Hagen.

Stolze. Greindl / Dir.: RRC 1359 (1 CD) D7 Los discos del zoco no computan para los descuentos señalados en el boletín de pedido.: RRC 1357 (1 CD) D7 ALEXANDER GLAZUNOV (1865-1936): Sinfonía nº 6 / London Symphony Orchestra.. el piano de Alfred Brendel en obras de Liszt y la guitarra de Alfonso Romero ofreciéndonos tres conciertos de Rodrigo). Timothy Brown. Wächter / Wiener Philharmoniker. Windgasssen.: ARPCD 0515 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911: Sinfonía nº 3 / Orquesta de la Radio de Colonia (1960) // Obras de Brahms y Debussy / Dimitri Mitropoulos. Bastianini / Dir. Sutherland). Fehringer / Kölner Rundfunkchor y Orquesta.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Meyerbeer. Höffgen. obras de Britten. En esta ocasión brillan con luz propia los solistas. Hines. Sinclair / Royal Opera House. Myto Historical Line nos sorprende con una “alfombra roja” de auténtico lujo: un Andrea Chénier parmesano con Stella. Dirs.: 3CD 00271 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Siegfried / Hopf.: RRC 1365 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES Y MODERNOS / Choir of the New College Oxford. directora / REGIS / Ref. director / REGIS / Ref. guitarra. Sutherland / Orquesta y Coro de la Royal Opera House.: 2CD 00270 (2 CD) D9 x2 RICHARD WAGNER (1813-1883): La valquiria / Windgassen. Dir. Adam. mejor que nadie. Kraus. Carlyle. con el propio compositor al piano) como instrumentales (con la trompa de Denis Brain. / Dennis Brain. tanto vocales (con el primer recital para Decca de la inigualable Joan Sutherland.: ANDRCD 9082 (3 CD) D3 Los expertos del sello británico Regis siguen indagando en los más variopintos fondos discográficos para recuperar y acercarnos a bajo precio álbumes de recomendable disfrute. Draksler y Patzak bajo la batuta del inefable Kurt Richter.: ARPCD 0513 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Sinfonía nº 9 / Orquesta Filarmónica de Nueva York. Nilsson / Dir. Dir.: 3CD 00276 (3 CD) D9 x 3 RICHARD WAGNER (1813-1883): Parsifal / Beirer. Rouleau. Sciutti. 86 / Ebers. y he aquí la prueba: si en el propio sello Archipel encontramos. Bjoner. Köth. no se queda atrás: a la grabación referencial del Samson haendeliano (Vickers. Mozart. director (su última grabación) / ARCHIPEL / Ref.: Rudolf Kempe. Lazzari. ¿A qué están esperando? ¡¡A por ellos!! MARIO LANZA: Arias de ópera famosas (Donizetti. Yondani Butt. Varnay. Waechter. . Seven Songs of Michelangelo / Peter Pears. tenor. The Holly & The Ivy / Maddy Prior. Dir. Rouleau.: 4CD 00274 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Lohengrin / Adam. Berry. Di Stefano.: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. .: RRC 1363 (1 CD) D7 JOAN SUTHERLAND: Arias de ópera (Su primer recital de ópera para Decca de 1959) / Joan Sutherland. Kunz. Uhde.: Otto Klemperer (1960) / ANDROMEDA / Ref. JOAQUÍN RODRIGO (1901-1999): Los tres conciertos para guitarra / Alfonso Romero. Corelli.: 2CD 00261 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Die Meistersinger von Nürnberg / Greindl. Dir. Dukas. Lovberg.: Kurt Richter (1960) / ARCHIPEL / Ref. Orquesta Sinfónica del Estado de México. Dir. director / REGIS / Ref.: RRC 1362 (1 CD) D7 EL ARTE DE DENNIS BRAIN: Obras de Haydn. Stolze.: Günter Wand (1954) // ROBERT SCHUMANN (1810-1856): Concierto para piano / Walter Gieseking.: ANDRCD 9080 (2 CD) D13 x 2 JOHANN STRAUSS (1825-1899): Die Fledermaus / Wächter.: Ray Heindorf y Ray Sinatra / ARCHIPEL / Ref.: 2CD 00258 (2 CD) D9 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): El Oro del Rin / Uhde. La temporada navideña ha sido fecunda en exhumaciones y reediciones. Enrique Bátiz. BWV 245 / Grümmer. The Carnival Band. Stewart.: Raymond Leppard (1959) / ANDROMEDA / Ref. Carlyle.: Eugen Jochum (1960) / ANDROMEDA / Ref. Lovberg / Dir.: ARPCD 0512 (1 CD) D13 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Misa en Do mayor. Stewart. Andromeda. Jubilate y siete arias / Felicity Lott. Beethoven. Grümmer / Dir. Rouleau. Dir.: ANDRCD 9079 (5 CD) D4 x 2 JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750): La Pasión según San Juan. Ward. Hotter / Dir. Pears.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Di Stefano. Dir. Michael Gielen.: ARPCD 0514 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das klagende Lied / Janowitz. Berry / Dir. Töpper / Dir. Dennis Brain.: Franco Capuana (1958) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Walter. ANTONIN DVORÁK (1841-1904): Cypresses / The Lindsays / REGIS / Ref. soprano / REGIS / Ref. dirigida por el gran Leppard. director (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: RRC 1364 (1 CD) D7 BENJAMIN BRITTEN (1913-1976): Serenade. se suman unos registros antológicos de la integral sinfónica de Beethoven (¡¡Klemperer con la Philharmonia!!) y un Die Fledermaus dirigido por Karajan que es pura ambrosía (Wächter.: RRC 1335 (1 CD) D7 VILLANCICOS DESDE CAMBRIDGE / Choir of Clare College Cambridge. piano. trompa / REGIS / Ref. Winter Words. director / REGIS / Ref. soprano. Berry. Corelli y Bastianini. Mención especial merecen The Lyndsays interpretando cuartetos de Janacek y Dvorak y tres discos dedicados al extenso mundo del villancico inglés.: Dimitri Mitropoulos (1960) / ARCHIPEL / Ref.: ARPCD 0517 (2 CD) D13 x 2 UMBERTO GIORDANO (1867-1948): Andrea Chénier / Stella. por su parte. Schumann. Dittersdorf.: RRC 1330 (1 CD) D7 VILLANCICOS TRADICIONALES INGLESES: Ding Dong Merrily.: Herbert von Karajan (1960) / ARCHIPEL / Ref. Edward Higginbottom.: 4CD 00279 (4CD) D5 x 2 GEORG FRIEDRICH HAENDEL (16851759): Samson / Vickers.: Rudolf Kempe (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: Tullio Serafin (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. Stolze. Dir. director / REGIS / Ref.: Bruno Walter (1960) / ARCHIPEL / Ref. Berry…).: Joseph Keilberth (1960) / ANDROMEDA / Ref. Kraus.editorial 200 / febrero 2011 61 zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco el zoco La triple entente del grupo Archipel cruza la frontera de Diverdi para ofrecernos de nuevo otro insólito catálogo de piedras preciosas.: RRC 1360 (1 CD) D7 LEOS JANÁCEK (1854-1928): Los dos cuartetos de cuerda.: RRC 1361 (1 CD) D7 FRANZ LISZT (1811-1866): Conciertos para piano nº 1 y 2 / Alfred Brendel. Patzak / Vienna Radio Orchestra.: RRC 1347 (1 CD) D7 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Exsultate. piano. Klein / Vienna State Opera Orchestra. Lewis / New York Philharmonic.: 4CD 00272 (4 CD) D5 x 2 RICHARD WAGNER (1813-1883): Götterdämmerung / Hopf.: ANDRCD 9070 (2CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Die Zauberflöte / Frick. por ejemplo. Schmitt. Varnay / Dir. Güden. Wunderlich. Jane Glover.: Herbert von Karajan (1960) / ANDROMEDA / Ref. Verdi. Güden. Sneak’s Noyse / REGIS / Ref. Fischer. la versátil Felicity Lott en un disco mozartiano y el tenor Peter Pears cantando.: ARPCD 0511 (1 CD) D13 GUSTAV MAHLER (1860-1911): Das Lied von der Erde / Forrester. Kunz. Wunderlich. Unto us A Boy Is Born.: Lorin Maazel (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref.: ARPCD 0471 (2 CD) D13 x 2 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Réquiem / Price. director / REGIS / Ref. Windgassen.: ANDRCD 9077 (3 CD) D3 LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827): Sinfonías completas. Benjamin Britten. Vienna Pro Musica Orchestra. Nilsson / Dir. Oberturas / Philharmonia Orchestra. Draksler. Crespin.: 4CD 00273 (4 CD) D5 x 2 VINCENZO BELLINI (1801-1835): La Sonnambula / Sutherland. Dir. London Mozart Players.: Hans Knappertsbusch (1960) / MYTO HISTORICAL LINE / Ref. una tetralogía wagneriana de excepcional sonido conducida por Kempe en el Festival de Bayreuth de 1960…. trompa / REGIS / Ref. una asombrosa Tercera de Mahler con Lucretia West y Dimitri Mitropoulos (¡¡en su última grabación!!) o una Canción del lamento cantada por (ni más ni menos) Janowitz.: Günter Wand (1951) / ARCHIPEL / Ref.. recientemente fallecida. Elms. piano. op. Flotow y otros) / RCA Orchestra. Dir.

. Hay que brindar muchas veces. mejor. Blas Matamoro. que para algo este boletín tiene también un ramalazo cinéfilo que comienza en Juan Lucas. pero en ellas ya firmaban colaboradores tan esenciales en esta aventura como Fernando Fraga. La única foto de la primera portada era de un disco dedicado a Bach con el pianista Sviatoslav Richter. Y redoblamos el entusiasmo y la afectividad con los lectores que nos acompañan mes a mes. tiene que salvar el melómano para conseguir los títulos que le interesan y. A estas alturas del número 200 un chupito solo resulta insuficiente. su director. O. Feliz resaca. artículos sesudos o llenos de chispa y fantasía. La borrachera está garantizada. a partir del 31 el boletín comenzó a llamarse Diverdi sin más. cuya fotografía en Wahnfried ante la tumba de Wagner en Bayreuth mereció los honores de portada en el número 117. se vive la elaboración de cada número en todos sus aspectos y a todos los niveles con pasión. Por él hay que brindar en primer lugar. Se escribe de lo que sea con pasión. Diverdi recapitulaba su estado numérico: 3.” – nº 1 – – nº 200 – “Decíamos ayer…”. El espíritu de los que hacen y colaboran en Diverdi se escapa al análisis exclusivamente profesional. de manera especial. Fueron los comienzos humildes de una empresa. justo después de su fallecimiento. o no se escribe. de Truffaut. Hay que levantar la copa a continuación por todos los que escriben. En el número 100. y no solamente a nivel español. tal vez. lo que en Diverdi importa es la pasión. veteranos y jóvenes. aquellos que se salen del repertorio habitual”. según el editorial.com. Se escribe de lo que sea con pasión. 20 entrevistas. Se diseñan sus páginas con pasión. Vio hace 20 años que una empresa de las características de Diverdi tenía futuro y que un boletín como éste era consustancial a su filosofía de reflexión y comunicación.di v e r di editorial el chupito Lo que importa es la pasión Juan Ángel Vela del Campo “Son fieles a las páginas del Boletín los especialistas más prestigiosos del país.829 artículos publicados. 5944 discos comentados. de enero de 2002. obras e intérpretes de especial interés”. porque así es la vida. por encima de todo. en la mayoría de los casos. Reivindicaba también la declaración de intenciones fundacional “poner a disposición del lector la información más completa sobre los discos ofrecidos. Santiago Martín Bermúdez. Desde entonces Diverdi ha crecido en todo. Los discos y las entrevistas se han visto complementados por secciones de actualidad o libros. y han pasado casi 20 años desde aquel octubre de 1992 en que salió a la luz el primer número de Diverdi Classics. un boletín de información discográfica cuyos objetivos fundamentales eran. 157 sellos discográficos y una tirada en ese momento de 8. pero. compañeros. 400 por hacer un homenaje a la película Los cuatrocientos golpes. Con unas y otras cosas hoy el veterano boletín es una revis- ta rigurosa e imaginativa de primer nivel. Son fieles a sus páginas los especialistas más prestigiosos del país. por encima de todo. A partir del número 13 llegó el color con una imagen de Rossini en portada. 200. sobre todo de aquellos consagrados a autores. “facilitar el acceso a las novedades más destacadas que el mercado vaya generando. habida cuenta de las dificultades que. pero. que ha ido creciendo sin desfallecimientos y sin perder en ningún momento sus señas culturales de identidad. y también por los que no escriben y desempeñan las tareas más inverosímiles para hacer posible que cada mes salga a la calle un nuevo ejemplar. lo que en Diverdi importa es la pasión. Gian Castelli y Miguel Ángel Coll. y hasta recientemente por una extensión en formato digital bautizada como diverdi. El número 201 está ya a la vuelta de la esquina. El primer boletín se limitaba a cuatro páginas en blanco y negro. 87 colaboradores. pero sus responsables se siguen sintiendo a gusto con la denominación de boletín y hasta no desechan la de hoja parroquial que tanto le gustaba a Ángel-Fernando Mayo. o no se ” escribe. Recordamos con especial afecto a los que nos han dejado.000 ejemplares.