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EL JUGENDSTIL ALEMÁN

La traducción literal de Jugendstil sería “estilo joven o de la juventud” y designa la variante del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.

Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin (18191900) y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.

Al igual que sus contemporáneos de Bruselas y París, los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural que revelaban los avances en investigación científica y tecnológica. Las formas orgánicas y los motivos vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, por ejemplo, estaban directamente influenciados por los estudios fotográficos de estructuras vegetales de Karl Blossfeldt (1865-1932), que reflejaban un patrón de crecimiento helicoidal, y por los dibujos botánicos de Ernst Haeckel (1834-1919). Estos detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte desarrollo orgánico.

En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil. Si este deseo de independencia artística fue un tema recurrente en las nuevas escuelas de Art Nouveau de otras ciudades europeas como Bruselas, Nancy, o incluso Glasgow, quizá fuera más evidente en Alemania.

Los diseñadores del Jugendstil estuvieron más cerca que sus contemporáneos asociados al Art Nouveau de salvar la distancia existente entre la “manufacturación artística” y la producción industrial. Se crearon numerosos talleres para producir sus diseños reformados, entre los que

cabe destacar los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para Artistas Artesanos) en 1897 y los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst (Talleres de Dresde para Artistas Artesanos) en 1898. Estas empresas se crearon con la intención de producir artículos para el hogar usando métodos éticos de fabricación. Los objetos creados en Dresde no estaban tan elaborados y, por lo tanto, eran más baratos que los fabricados en Munich, pero seguían estando fuera del alcance del bolsillo de la familia media.

RICHARD RIEMERSCHMID
Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales en los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst tuvo una gran influencia y perteneció al grupo de Múnich conocida por Deutscher Werkbund. Este movimiento enfatizaba la sencillez de los materiales y de los revestimientos, fue una de las fuentes del modernismo del siglo XX. Entre las características de su trabajo destacan la funcionalidad y la racionalidad, el rechazo de los elementos decorativos y la influencia del diseño tradicional alemán, aunque los adornos típicos del diseño alemán casi desaparecieron de sus obras. CARACTERISTICAS DE SUS DISEÑOS: • Carente de todo adorno, intenta generar un arte artesano-mecanizado, capaz de ser producido por la industria. • Se aparta de los adornos del diseño alemán, escaseando en sus obras. • Se deshace de la línea curva y sigue los postulados de la Deutcher Werbung. • Como todos los diseñadores concibe todo como algo integral, todo genera la idea de crear un mundo más moderno. "La realidad industrial no es estéticamente fiable Obras: Casa en Hellerau

905.900. Francia -1. cuya Casa Lange en Tubinga (1902) estaba concebida como Gesamtkunstwerk (1). como la revista Jugend o Pan. Tubinga. Entre sus proyectos destacan: 1902 Casa Lange. UU. 1904 Sala de música de la Exposición Universal. creada con los fondos privados del gran duque en 1899.904. Despacho de gobierno en Bayreuth. entre otros. . Alemania -1. incluido el estudio Casa del Arte Decorativo de Josef Maria Olbrich (del Secession vienés).BRUNO PAUL Miembro fundador de Vereinigten Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para el Arte y la Artesanía) en Múnich. popularizó la nueva estética. como también lo estaban los interiores del Jugendstil. Comedor de Centro de Exposición en Turín. En Darmstadt. también desempeñaron un papel importante a la hora de promover el Jugendstil. Ésta no sólo fue importante por el nuevo estilo arquitectónico cívico que promovió sino también por su apoyo a la fabricación de obras de arte. La exposición celebraba los logros artísticos de la Darmstädter Künstlerkolonie (Colonia de los Artistas de Darmstadt). Italia -1902. EE. que. la causa del Jugendstil contó con el mecenazgo del gran duque Ernst Ludwig de Darmstadt-Hesse. y siete residencias para artistas construidas para los miembros de la colonia. impulsor de la Exposición de 1901 “Ein Dokument Deutscher Kunst” (Un documento del arte alemán). Este edificio estaba inspirado en el tradicionalismo. Alemania. La Darmstädter Künstlerkolonie comprendía al principio ocho edificios. Saint Louis. junto con Richard Riemerschmid. En su edificación. BERNHARD PANKOK El estilo lineal de Bruno Paul también fue empleado por el diseñador de Munich Bernhard Pankok. obra y aplicación que el arquitecto germano Bruno Paul llevó a realización se destacan: Salón de caza de la Exposición Universal en París. trabajo. Su estilo en el cual basó su interés arquitectónico es el Jugendstil o Modernismo con algunas características en los detalles y la exquisitez. Mobiliario de la Estación Central en Núremberg en Alemania -1. que eran asombrosamente modernos dentro de su simplicidad. Bruno Paul diseñó audaces caricaturas y gráficos para el diario Simplicissimus. y Bernhard Pankok.

Behrens. vajilla. En 1892. el gran duque Karl Alexander de Sajonia-Weimar financió con capital privado la fundación de una Escuela de Arte en Weimar. lámparas. que destacaban por su sencillez formal. muebles. un autodidacta. cubertería. El propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y. durante ese período. y después se dedicó a las artes y oficios (más conocidas como “Arts & Crafts”). En 1980 contrajo matrimonio con Lilly Krämer y se transladó a Munich. decoración. El convencimiento de que una buena educación artística mejoraría la economía local fue la razón por la que Van de Velde recibió el encargo de diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. Al principio trabajó como pintor. algunos de los cuales habían pertenecido al Jugendstil. mientras que su compromiso en las Artes y Oficios le condujo a crear. A partir de sus diseños se crearon desde los jardines hasta los interiores. ilustrador y calígrafo. La tendencia alcanzó su cenit en 1900. En 1899. Richard Dehmel y Otto Erich Hartleben. PETER BEHRENS En primeros del siglo destaca Peter Behrens nació en Hamburgo. fundado en 1907 por un grupo de promotores. cuadros… . Behrens aceptó la invitación del duque Ernst-Ludwig de Hesse a ser el segundo miembro de la colonia de artistas que se acababa de establecer en Darmstadt. cristalería. junto con Hermann Orbist. diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil. el pintor Behrens cofundó la Secesión de Munich. en un lugar conocido como Mathidenhöhe. construyó su propia casa. Bruno Paul y otros el Vereinigten Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos) para la producción en serie de artículos útiles. August Endell. diseñadores. y también contó con un mecenazgo ducal. y todo lo que ellos contenían. en el año 1868. Estudió pintura en Hamburgo. arquitectos y artistas. toallas.En Weimar. en la Universidad Dusseldorf y Karlsruhe. alfombras. Alemania. la diseñó como una obra completa de arte. La arquitectura y el diseño del Jugendstil a menudo aunaban la innovación estructural y las formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual. Allí. pero poco después fue desbancado por el racionalismo industrial del Deutscher Werkbund. desde 1886 hasta 1889. En 1901 lo sustituyó su nieto. Frecuentaba los grupos bohemios de Munich y sentía interés por cuestiones relacionadas con la reforma de los estilos de vida. a quien el conde Harry Kessler persuadió para nombrar al arquitecto y diseñador belga Henry van de Velde consejero artístico de su corte. Entre su círculo de amistades se encontraban Otto Julios Bierbaum. la promoción del Jugendstil estuvo de igual forma impulsada por el orgullo cívico y por la necesidad económica a la vez. En 1860.

lo que le valió el apodo de “Mister Werkbund”. con otros 10 artistas e integrantes del movimiento. desde el membrete hasta su logotipo. Este hecho fue de suma importancia ya que era la primera vez en la historia de la industria en que una compañía importante daba un paso de semejante calibre y a tal escala que todavía hoy nadie ha superado. Max Benirschke. la sociedad y la cultura. se encontraban Josef Bruckmüller. como cambios en las lámparas de arco. Al principio. Colaboró también para otras empresas desde su estudio. Como asesor artístico. ya que supuso su retirada de los círculos artisticos de Munich. Behrens continuó con la transformación de la identidad corporativa de AEG. se centró en pequeños detalles. Behrens no fue ni un empleado ni un director de la AEG. de este hombre surgió la famosa frase “Menos es más”. y simbolizó su abandono del Jugendstil y su evolución hacia un diseño austero y sobrio. Behrens supo reflejar en su propia persona y en su obra para la AEG los ideales de la DWB. Peter Behrens fue nombrado director de la Escuela de Artes y Oficios de Dusseldorf. bajo la recomendación de Paul Jordans. La AEG (Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft o Compañía General de Electricidad). . contrató a Behrens como asesor artístico en 1907. continuó dando clases sobre diseño y arquitectura. Behrens. la transformación de una sociedad clasicista en una sociedad igualitaria de masas y la rehumanización de la economía. En 1907. Las generaciones que le siguieron tomaron a Behrens como ejemplo y modelo a seguir en lo respectivo al diseño y la arquitectura. Rudolf Mosselt y Fritz Hellmuth entre otros. pero más tarde. Entre ellos se encontraba un deseo de dedicarse a la industria como un elemento en creación. que dirigía casi todas las fábricas de AEG. En 1903. sus anuncios. el trabajo de Behrens. e incluso del diseño de muchos edificios de las fábricas. pero desde el principio sus objetivos revestían una mayor modernidad. bajo la orden de reformarla. tarea que resolvió de forma ejemplar. junto con la Vereinigten Werkstätten se asociaron para crear el Deutscher Werkbund (DWB). Entre los nuevos miembros del profesorado que llevó a esta escuela. sino que desempeñó sus funciones como diseñador y arquitecto autónomo. del diseño de sus productos.La casa Behrens marcó un momento decisivo en la vida de su creador. estrategias de exposiciones. Su fundación se vio influida por el Movimiento de Artes y Oficios.

La fábrica de turbinas AEG es uno de los edificios más significativos y un buen comienzo en aquella época por utilizar elementos industrializados en Arquitectura. el mensaje es más importante hoy en día que en su propia época. El invento de Behrens de “identidad Corporativa” influyó directamente en otras empresas como Braun. Se ubica en una esquina y presenta una leve rotación en relación a la Avenida Turmstrasse. El desarrollo de una filosofía global de la forma es actualmente una máxima establecida. la humanización del diseño industrial. La obra se destaca fundamentalmente por su escala y por la cuidadosa utilización de los materiales. se trataba únicamente de una nave industrial para albergar las grúas puente necesarias para el montaje de los grandes generadores. La relación entre cerramiento y estructura es absolutamente cuidada. El ritmo regular de su estructura metálica triarticulada presenta al llegar a la esquina. En principio. un remate. La “Fábrica de Turbinas” de Peter Behrens se ubica al Noroeste del centro de Berlín. ya que sigue la línea de la calle Berlichingenstrasse. en el cual se interrumpe la piel de vidrio y se materializa el muro. estructura y piel. sino que aprovechó la ocasión para dotar a su edificio de un . rotación que acentúa su figura y acrecienta su escala. El lema de Behrens. el cual trabaja la arista en contacto con la esquina con una curva. desde allí caminar por la Avenida Turmstrasse. basta tomar la línea U9 del metro y bajarse en la estación Turmstrasse. aproximadamente 1 kilometro de Este a Oeste.El éxito de este hombre en la primera mitad del siglo XX fue pionero. a unos 3 km del Reichstag. en resumen. fortaleciendo el contraste entre muro. Pero Behrens no se limitó a levantar una construcción utilitaria. Para llegar. Su ideología se difundió por todo el mundo a través de sus alumnos.

. con los grandes entrepaños continuos de vidrio ligeramente retranqueados con respecto a los soportes metálicos. En el desarrollo de esta estructura. y con un perfil poligonal en su remate superior. que visualmente sostienen el peso del frontón. Pero es en su articulación exterior donde el edificio se muestra como una especie de templo sagrado de la producción industrial. contiguo a esta nave principal hay un cuerpo más pequeño. Behrens aplicó al resto de los edificios industriales de la AEG esta misma disposición a base de estructuras metálicas ligeras flanqueadas por esquinas macizas. convirtiendo la fábrica en un símbolo monumental del nuevo poder económico. mientras que las esquinas se configuran como elementos ciegos de hormigón. La fachada principal presenta un gran frontón poligonal (con el logotipo de la empresa y el nombre del edificio inscritos en el tímpano) que parece descansar sobre una amplia vidriera central. Estos elementos angulares. Behrens contó con la colaboración del ingeniero Karl Bernhard. El edificio se compone de dos cuerpos: el más grande es una extensa nave de 207 metros de longitud. totalmente diáfana en su interior gracias a una estructura de pórticos triarticulados con vigas de celosía. aunque nunca superó el nivel de dignidad monumental alcanzado en esta fábrica de turbinas. 26 de anchura y unos 25 de altura. y ligeramente inclinados para que la comisa superior sobresalga creando una zona de sombra. son sin embargo paredes delgadas sin ninguna función de soporte estructural.carácter representativo de la importancia que estaba adquiriendo tanto la propia compañía como la producción industrial en general. en cuyos soportes verticales se apoyan los carriles de las grúas puente. Behrens combinó los elementos constructivos más innovadores con recursos compositivos de inspiración clásica. la fachada lateral tiene el ritmo de un peristilo griego. dividido verticalmente en dos plantas con sus correspondientes grúas puente. Así. articulados con bandas metálicas horizontales.

y la creación del Imperio Austro-Húngaro. Los inmensos salones barrocos de los palacios de Schónbrunn y Hofburg. en todo su lujo y boato. y el asesinato de su esposa Sissi. las luchas contra Pru-sia (Sadowa. con las vicisitudes y contradicciones de esa unión al tiempo feliz y desgraciada. Aquellos hermosos salones palaciegos que tantos días vivieron de grandeza y de gloria acompañados de la bella música de los Strauss. y. 1866). como su monarca. es tan sólo la sombra de sí mismo. y del girar incesante de sus valses. emperador de doble corona del Imperio Austro-Húngaro. las guerras contra el emperador de Francia Napoleón III (Magenta y Solferino).LA SECESSION AUSTRIACA CONTEXTO HISTORICO Después de medio siglo de reinado. pinturas y dorados. del hombre todopoderoso que un día fue. las pérdidas de parte de sus territorios italianos. finalmente. lo más doloroso y triste el trágico suicidio de su hijo y heredero el príncipe Rodolfo. Francisco José I. relieves. Por la mente del emperador discurren los sucesos fundamentales de todos esos años: su coronación en 1848. en Mayerling 1889. en 1854. en la ciudad suiza de Genova. las sublevaciones húngaras. . son solamente un eco de su antiguo esplendor. para terminar. sus grandes lámparas de araña brillando en todo su fulgor. en 1898. van a ir apagándose poco a poco. en 1867. con su recargado y rutilante decorado de estucos. el matrimonio con la emperatriz bávara Sissi. a manos de un anarquista. con el fusilamiento de su hermano el emperador de México. en 1867.

al igual que lo es su vida y la vida de todos sus descendientes. Viena nunca perderá su fontanal creatividad. Y es preludio de otra era que comienza. No en balde otra austríaca antecesora suya. pero ni él ni sus súbditos lo saben con certeza todavía. la reina Ma Antonieta. en la Viena de 1900. marcados trágicamente por el destino. en 1914. El cruce de los siglos supone el canto final del cisne. a los alegres valses y operetas de Franz Lehár y dejohann y josef Strauss. Como si presintiera todo lo que va a ocurrir. para poco a poco ir prevaleciendo los nuevos tiempos que vendrán acompañados de un cambio de decorado en todos los escenarios. acompañado de los melancólicos «Heder» de Schubert. no exento de nostalgia y reminiscencias bizantinas. Antón Weber y Alban Berg. de los románticos rehoyen y Schubert y del postromántico Bruckner. cuando realmente acontece en 1919. trayendo con ella una serie de cambios drásticos que van a afectar todos los ámbitos de la vida. en 1900. como se acaba su imperio. cuya larga vida se prolonga hasta 1980. con otro final de siglo. y sobre todo con otro modo de entender la vida y la política. en Francia. la dodecafónica. tan ligados a Viena.Y así. manteniéndose maestros como Gustav Mahler. el término del imperio y de la monarquía no llevará la violencia revolucionaria que acompañó a la francesa. que compone en un neorromanticismo tardío muy innovador. y de una desmembración del mapa europeo de trágicas consecuencias a lo largo de todo el siglo XX. hija de la emperatriz Ma Teresa. y de la emperatriz María Teresa. y Egon Schiele. con el triunfo de la asonancia sobre la clásica melodía. acaso como expresión nostálgica de un pueblo que presiente la pérdida de su gloria. Osear Kokoschka. la cual será creada por la Escuela de Viena. que destaca por su arte esteticista y decorativista. de los antiguos glaciares con sus nieves perpetuas. Los primeros años del siglo XX embridan todavía a las dos formas culturales. y con otro final de dinastía. de Carlos I de España y V de Alemania. hecho que desencadena la Primera Guerra Mundial. no es ya más que un símbolo de una época que concluye. que puja por aparecer. pero al final. No obstante. ya n serán las sinfonías de los clásicos Haydn y Mozart. el heredero de Maximiliano I. los que dirijan la música austríaca. Francisco José I. En el caso de Francisco José I. En este ambiente finisecular. pintor esencialmente modernista. de los intrincados y tupidos bosques que pueblan las llanuras y montañas austríacas. la del «Antiguo Régimen». serpenteados por las aguas fluviales del Danubio. el XVIII. nunca olvidados. ambos representantes de la pintura expresionista de vanguardia. Es el final de un siglo y el comienzo de otro que. extendida a nivel mundial. Otros pintores expresionistas de la época de . En música. su sobrino Francisco Fernando. de las escarpadas y altísimas cordilleras de los Alpes. Viena será ahora la cuna de una nueva concepción musical. decadentista y sofisticado surge un arte que preanuncia la nueva época que se avecina: la Secession Austríaca. con sus creadores Arnold Schónberg. que elevan sus impresionantes cumbres hacia el celaje. le sitúa. continuando presentes los románticos y melancólicos «Heder». en Sarajevo. en dolorosa paradoja. fue guillotinada por el pueblo en aquellos años postreros del siglo XVIII. Francisco José se acaba. aunque los «Heder» de Schubert. tan ensamblados al alma germánica. Tres pintores austríacos serán asimismo símbolos de la ruptura con el pasado y adalides de la nueva pintura contemporánea: Gustav Klimt. también se bailen presentes. Schumann y Wolf. vendrá de la mano de una de las más cruentas guerras habidas en la Historia. el imperio más grande del mundo comienza su ocaso. siendo ahora sus nuevos creadores Hugo Wolf y el mismo Mahler. Tan sólo le separan diecinueve años del definitivo final del imperio y catorce del asesinato del próximo heredero. la de los Borbones.

que acabará sumándose posteriormente a sus alumnos. fundadores del movimiento en 1897. en cierto modo una arquitectura cubista que recoge las inquietudes del momento histórico.. Entre ellos destaca el mencionado Gustav Klimt. citar una figura fundamental en la Viena de 1900. Albert Gütersloh. solamente comparable con París. escultores. Por último. El Secessionismo tiene como nota primordial.esplendor de Viena son: Max Oppenheimer. e incluso a músicos y literatos. Poetas. El Secessionismo aplica en segundo lugar la línea cura. A cada arte su libertad». etc. como el filósofo Wittgenstein y los literatos Ferdinand Von Saar. La Secession vienesa la forma no sólo un conjunto de arquitectos como Wainter. diseñadores. novelistas y ensayistas. para iniciar un estilo arquitectónico purista. cúbicos. como el «Café Griensteidl». el «Super yo» y el «Ello». miembros también del modernismo pictórico de la Secession. Hermann Bahr. Félix Harta. donde se argumentará sobre lo más innovador y actual del momento. y ello le dota de gran personalidad y le diferencia enormemente de los otros modernismos. uno de sus míticos componentes y más activos colaboradores. que habían sembrado Cezanne y Seurat. Los artistas del grupo se reunirán y harán exposiciones en el edificio de la sede institucional. decoradores. Beer-Hofmann. Sigmun Freud. Koloman Moser y Cari Molí. construida por Olbrich. que tanta fuerza tuvieron en los siglos XVII y XIX. que hará de la construcción secesionista. todo lo cual hará de Viena una ciudad fascinante y única culturalmente. además de Max Kurzweil. Von Hofmannsthal. maestro de los anteriores. su lema inefable. que además fue pintor. Félix Dórmann. Antón Faistauer. «A cada época su arte. se reunirán en cultivadas tertulias intelectuales en los famosos cafés vieneses. La Secession vienesa no tendrá una . pero que irá unido al grupo precisamente por ser su “oponente” destacará con una arquitectura claramente prerracionalista. que no es propiamente modernista. Surge con ello una arquitectura avanzada que será precursora de la arquitectura funcional o racionalista europea. Antón Kolig. Richard Gerstl y el mencionado músico Arnold Shónberg. en el mundo del arte la Secession austríaca se aleja de las antiguas construcciones barrocas y eclécticas. Adolf Loos. Franz Werfel y Ro-bert Musil. adelantándose unos años al Cubismo pictórico. Von Andrian. repercutiendo enormemente en la arquitectura contemporánea. CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA VIENESA De la misma manera que el dodecafonismo abandona la melodía tradicional y se adentra en la música asonante. La literatura austríaca secundará los movimientos artísticos y musicales. Olbrich y Hoffrnann. Arthur Schnitzler. Herbert Boeckl. como elemento añadido. de tanta importancia en el siglo XX. La revista Ver Sacmm (Primavera Sagrada) será su órgano de difusión intelectual. Tres arquitectos formarán principalmente la tríada modernista de la Secession vienesa: Joseph Olbrich. que emplea en sus estructuras principalmente la línea recta y la concepción ortogonal y arquitrabada. Un cuarto constructor. también reúne a pintores. especialmente los representantes de la «Joven Viena». con su clásica estructuración de la misma en tres niveles: el «Yo». y la decoración sinuosa. de trascendencia universal por los importantes descubrimientos realizados en la «psique» humana. y Otto Wagner. austero y depurado. Karl Kraus. ensamblando las formas geométricas en un juego equilibrado de volúmenes. estilizada y ornamental. ricas y abigarradas. Félix Salten. Joseph Hoffnann. formando uno de los centros artísticos y culturales más relevantes del momento. esféricos.

como no podía ser de otra manera. que contrastan con un ambiente idealista. corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el coetáneo Art Nouveau y con otros estilos semejantes al Art Nouveau (el Liberty o floreale italiano o el modernismo español por ejemplos). Viena. monárquico. siendo su capital. Le he llamado modernista.. término inventado por Richard Wagner refiriéndose a un arte que aunara a todas las demás. pero la Secesión creó el estilo Secesion (se llamó así porque “rompieron” con lo establecido). Si que está incluido en el mismo periodo. Viena fue la sede de este movimiento y. Este periodo fue el más deslumbrante que vivió el país. Es el periodo más brillante para Austria. el lugar escogido para las exposiciones de sus artistas se construyó ahí. ya que la era industrial estaba llegando a Europa y temían que el arte se “industrializara”. todo muy geometrizado y equilibrado. en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo. pero no era un movimiento exactamente modernista. El movimiento austríaco se definía por la seriedad formal. teniendo como objetivo el llamado Gesamtkunstwerk o “obra de arte total”. sin embargo. en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del vanguardismo. político. Klimt. apoyo económico y expansión por el resto de Europa. aunque se busca la elegancia.. Los portavoces de este movimiento son: Gustav Andri y Joseph Maria Olbrich (arquitecto) entre otros. En esta época. e incluso cierta severidad. sus semillas habían quedado germinadas hondamente en el arte europeo del siglo XX. con muchísima producción artística. Era un arte estilizado y muy abstracto. Ferdinand Aunque la secesión es incluible en el modernismo.vida muy larga: hacia 1905 prácticamente quedará disuelta. Koloman Moser. El llamado Pabellón de la Secesión de Viena o directamente “Secession” fue construido en 1897 por Joseph Maria Olbrich para albergar las exposiciones del grupo de la Secesión. el cual también daba mucha importancia a la tipografía. La Secesión vienesa es el estilo modernista austríaco buscaban el regreso a las formas y estilos del pasado. . Austria sufre de problemas en todos los sectores: social. la severidad y la elegancia. predomina la sobriedad formal. económico. La Secesión fue fundada dentro de la Vereinigung Bildender Künstler Österreich que es la Asociación de los artistas de las artes visuales en Austria. la cuna del psicoanálisis. sólo lo he hecho por compararlo con España. en la secesión. religioso.

ya había diseñado varios edificios en Jugendstil. Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. Wagner estaba muy interesado en el planeamiento urbanístico en 1890 se hace cargo del diseño de un nuevo plano para la ciudad de Viena. compositivo y comunicativo. . él diseñó y construyó estructuras que reflejaban la función pretendida. Como profesor en la Academia de Artes Plásticas apostó por la creación de nuevos conceptos arquitectónicos. Un arte propio. como el austero bloque de apartamentos Neustiftgasse en Viena. Su objetivo estético final era la "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk. afirmaba que las "nuevas tareas y perspectivas humanas exigían un cambio o reconstitución de formas preexistentes".Los trabajos son muy estructurados. No quieren imitar al arte exterior. el equilibrio y la geometrización (el cuadrado y el cubo son repetidos continuamente). se basaba en el texto de su discurso inaugural de ingreso en la Academia del año 1894. sin servilismos extranjeros. esta tiene un valor formal. idea que trasladó a su publicación en 1896. se traducía en la creación de espacios abiertos y una distribución ordenada en escuadra. su trabajo representa el paso hacia las nuevas tendencias que impone el modernismo. Su concepción del diseño urbano. sus estudios discurren en la Königliche Baukademie de Berlín y la Akademie der bildenden Künste de Viena. OTTO WAGNER (1841-1918) Nacido en el seno de una familia acomodada. En la búsqueda de este ideal. Bajo esta concepción concede gran importancia al edificio en relación con la ciudad y su funcionalidad. Hoffmann y Adolf Loos. dándoles mucha importancia al orden. coincidiendo con la implantación y el despegue de este estilo arquitectónico. término acuñado por Richard Wagner para denominar a un arte que condensara las destrezas de todas las demás. Su estilo incorporó el uso de nuevos materiales y nuevas formas para reflejar el hecho de que la propia sociedad estaba cambiando. concediendo especial importancia a la plaza y las calles A mediados de la década de los noventa. libro titulado Arquitectura Moderna. ni naturalista sino estilizada y abstracta. A pesar de las influencias que recibe durante su formación. Los arquitectos más importantes de la secesión vienesa son Otto Wagner. En su libro de texto. Joseph Maria Olbrich. La tipografía es un elemento determinante. pero sí que les sirva de inspiración y análisis. pero sólo se construyó la red de ferrocarril urbano. le dan gran importancia a la letra. Sus diseños iniciales están directamente relacionados con el historicismo. La decoración es modernista. el Wiener Stadtbahn. ni orgánica. en la que expresaba sus ideas sobre el papel del arquitecto. empapada del estilo barroco y renacentista.

finalmente. cuyo frontón va decorado con placas de cerámicas con motivos florales. inmueble de dos pisos. más conocidas como MajolicaHaus. cuyo interior estaba lujosamente decorado por ser la estación de uso real para acceder al palacio. un cuerpo central de columnas y dos laterales sobresalientes.Fue maestro y amigo de Adolf Loos. 1895-98. Wagner ejecuta también. 1895-98. con cúpula semiesférica sobre base octogonal. Ello se puede contemplar en sus famosas Casas de Linke Wienzeile. con su frágil y bella estructura de colores verdes y blancos. en las que el uso de la línea curva es suave y atenuado. del cual sólo efectúa una parte. Otras estaciones de Metro construidas por Wagner son: Hernals. Josef Hoffmann y de J. gran parte de las bocas de Metro que todavía decoran. Las más conocidas son las dos entradas del Metro de la Karlplatz. hizo la Estación de Schónbrunn. Las primeras edificaciones modernistas de Wagner las realiza en las obras de trazado e infraestructura de la ciudad de Viena. 1890. . como la Esclusa de Nussdorfer Nadelwehr. y Nussdorferstrasse. Olbrich. utilizando la decoración vegetal con profusión y elegancia. la Canalización del Danubio e inmuebles adyacentes. con ventanas verticales alargadas. 1898-99. que llevan en su decoración líneas rectas alargadas y pequeños óculos. Las casas van rematadas con un alero que Wagner habitualmente establecía en sus inmuebles. de 1894-8. 1896. Defendió a los jóvenes artistas de la Sezession. de planta circular. rematados por un cuerpo central abovedado en arco de medio punto. manteniéndose la estructura en la línea sobria y depurada del Modernismo vienes. dejando el hierro visto en los elementos estructurales. En sus inicios es todavía ecléctico e historicista. dentro de ese plan de ordenación promovido por el emperador Francisco José. formando dos edificios de pequeño tamaño y cuerpo rectangular. 1895-98. la hermosa capital austríaca. trabajo que obtuvo mediante concurso público. La sencillez y la simetría son los elementos dominantes en el diseño de estas bocas de Metro de la Karlplatz. empezando posteriormente a construir en un modernismo con estructuras ortogonales y rectas. situadas junto a la iglesia barroca de Karlkirche. Stadpark. el Edificio de Control y el Puente. y se acercó a sus postulados en obras como las estaciones de metro de Viena.

1904-06. revestido de mármol blanco. Cuatro pequeños torreones rematan las esquinas. del que emerge una enorme y gruesa cúpula semiesférica de cobre. En sus cuatro fachadas se abren vanos rematados con arcos de medio punto que aligeran la densidad del edificio. las tres en Viena. 1905-07.Las obras más relevantes de madurez de Otto Wagner son: la Caja Postal de Ahorros de Viena. y la Casa Wagner II. 1905-07. y rodeada de jardines que mantiene. Se trata de un inmueble en el que predomina de nuevo la forma cúbica. en el que se abren numerosas ventanas desornamentadas establecidas con ritmo redundante. El bloque se erige como masa cubica arquitectónica con fachada en placas de cerámicas superpuestas y adornos a base de pernos que dan una impresión general de claveteado. Posiblemente la obra más deslumbrante y prestigiosa de Wagner sea la Iglesia de Am Steinhof. en alto. El interior . La Caja Postal es un importante edificio rectangular de cinco pisos. en Viena. Su interior posee una gran sala central con bóveda acristalada y arca rebajado. 1912-13. la Iglesia de Am Steinhof. El monumento tiene planta de cruz latina y se eleva como cuerpo compacto. aún más resaltada dada la ubicación exenta. Wagner diseñó también todo el mobiliario.

el que le da la fama y le proyecta como uno de los pioneros de la moderna arquitectura. de forma vertical alargada. año en el que la iglesia se acaba. en lo que será el «Sancta sanctorum» del arte modernista vienes. Situado en el entonces extrarradio de Viena. que siente la impresión de hallarse ante una construcción trascendental. en 1897. Este efecto no es aparente y casual. roto por una «loggia» esquinada y los vanos correspondientes a sus tres pisos. los cuales pretendieron dotar a la sede de una significación casi sobrenatural y religiosa. Olbrich. sí en los proyectos ideológicos del mismo. la cual. a través del espacio. Olbrich es uno de los fundadores de la Secession vienesa junto con Hoffmann. Olbrich (1867-1908) El segundo arquitecto vienes.está asimismo decorado por Wagner. con escasos vanos. sino provocado por el arquitecto y los numerosos colaboradores que cooperaron. autor del bello fresco de Beethoven que decora una de las habitaciones principales del edificio. como el resto de la construcción. las decoraciones se realizan con dibujos geométricos siguiendo la configuración de friso. recuerda inmediatamente a los antiguos templos egipcios con su arcano hálito divino. Entre los artistas que participaron activamente en su ejecución se encuentra el pintor Gustav Klirnt. constituyendo un eslabón de enlace entre la arquitectura tradicional y la moderna hacia la que se proyecta. Finalmente. siendo uno de los alumnos más apreciados de Otto Wagner. La iglesia guarda reminiscencias con la Sede de la Secession. rematándose por un gran alero superior. se educa en la Academia de Bellas Artes de Viena. y por ello podría encuadrarse dentro de lo que se ha denominado arquitectura cubista que enlaza. sumergirse en la fascinación del misterio y concentrarse en su interior. cinturón urbano mandado construir en la segunda mitad del siglo XIX por Francisco José I. sin duda el edificio más importante de Olbrich y posiblemente de toda la Secession vienesa. y será el constructor del Edificio de Exposiciones de la Secession. si no en su realización efectiva. el monumento impresiona al espectador. 1897-08. Wagner se define como un gran constructor con estas tres obras. así como uno de sus más directos colaboradores. El aura espiritual que envuelve al inmueble hace según la necesidad de recogerse. guarda similitudes con las naves de . la Casa Wagner II se eleva señorial en forma de volumen rectangular cúbico. Su imponente masa cúbica cerrada. muy cercano a la circunvalación del «Ring». construida por Olbrich en 1898. Joseph M. con el Cubismo pictórico y escultórico a punto de aparecer en 1907.

la Casa Halbich. La fachada delantera posee forma cúbica rectangular cerrada. que se distribuyen en forma de friso. Ejecuta así. la Casa del pintor Stóhr. El trazado de este edificio interiorizado se compone de un cuerpo principal y otro alargado hacia el fondo que parte de él. en Darmstadt. hecho que tuvo gran repercusión en la arquitectura europea. Se establece así en el edificio un juego de masas y volúmenes geométricos. donde trabaja bajo el mecenazgo del duque Ernst Ludwig Von Hessen. La esfera superior. la Casa Olbrich. El friso pictórico lleva el tema del último tiempo de la Novena Sinfonía. para lo cual el escultor Max Klinger esculpió su magnífica y célebre estatua de Beethoven que se situó en la entrada. belleza y elegancia imperecedera del modernismo vienes. de Schiller. cúbicos y esféricos. de gran modernidad. En 1908 edifica la Casa Feinhals del Ma-nenburg en Colonia. a su vez. limitándose a formas lineales vegetales geométricas. En 1905-08 levanta la famosa Torre Nupcial. una gran esfera calada dorada aligera el volumen y la masa cúbica arquitectónica. en Dusseldorf. que queda así prácticamente diseñada dentro del estilo de la Secession. y la Casa Opel. . y efectúa una de sus obras finales en ios Grandes Ahnacenes Tietz. las Casas Glückert. Entre las obras realizadas por Olbrich hacia 1901 cabe citar: la Casa del poeta Hermann Bahr. las Casas para los artistas y algunas dependencias del Palacio del Duque. que se instituirá como sello de la ciudad. En 1899. la Casa Keller y la Casa Deiters. por un basamento cuadrado cúbico con cuatro torreones. estuvo dedicada al gran compositor alemán. por Olbrich. con el «Himno de la Alegría». en la que se abre una pequeña puerta de entrada arquitrabada con escaleras de acceso.los templos clásicos y egipcios: rectangular. con su levedad calada. con el friso pictórico desplegado en todo su perímetro superior. de casi cincuenta metros de altura. en Darmstadt. La XIV Exposición de la Secession. en 1901. en Viena. equilibrio. Ese mismo año morirá de rápida enfermedad cuando se hallaba en plena madurez y creatividad. realizando en dicha ciudad obras de gran importancia. la Colonia de Artistas y su Sala de Exposiciones. a Casa Christiansen. parece suspender en el espacio toda la simetría. en 1902. y es soportada. En la parte superior. Olbrich deja Viena y se traslada a Alemania. La ornamentación es escasa. muy alta.

Hugo Henneberg y Friedrich Sptizer.JOSEPH HOFFMANN (1870-1956) Hoffmann fue también aventajado discípulo de Wagner y su colaborador. como medios hexágonos. 190405. junto con Koloman Moser. trapecios. 1905-11. la armonía y la sensibilidad exquisita que lo envuelve. como la mayoría de estos arquitectos. que difundirá su estilo internacionalmente. La huella de esta última se aprecia en el refinamiento. las decoraciones interiores de sus edificios. el Sanatorio Purkersdorf. adosados a él. de ahí su extremada sencillez y el predominio escueto de las líneas rectas y horizontales. en forma de volúmenes geométricos. En 1899 fue nombrado director de la Escuela Técnica de Arquitectura de Mena. cilindros. telas. en 1897. Hoffmann construye numerosas casas y villas en Viena. edificio de varios cuerpos con uno principal rectangular. fue edificado bajo las influencias inglesas. creando durante muchos años su propia escuela. El interior. desornamentada. que dan al inmueble una simplicidad y austeridad casi monacal. de Koloman Moser. en todo caso muy avanzados de línea. y a Ashbee y sus “Guild of Handieran”. influyó en arquitectos racionalistas como Le Corbusier. careciendo en cambio de la elegancia y sofisticación secessionista. . decorado también por Hoffmann. Una de sus obras más logradas. sin embargo. hecho importante. cubierto a dos aguas. pues las huellas del clasicismo italiano quedarán impresas en su obra. suelos y mobiliario están diseñados con un exceso de dibujos y materiales. ya que las paredes. los cuales fueron invitados por él a exponer en la Secession ese mismo año. De este cuerpo principal parten los otros. es mucho más sofisticado y recargado. los muebles. En 1900 viaja a Inglaterra y conoce a Mackintosh y la Escuela de Arte de Glasgow. así como compañero de estudios de Olbrich en la Academia de Bellas Artes de Viera y cofundador de la Secession vienesa. en Bruselas. Durante un tiempo reside en Italia. al dejar Hoffmann el edificio en su estructura justa. así como una torre que se eleva escalonada en altura. siendo de 1901 sus conocidas casas del pintor Cari Molí. que fueron trascendentales dentro del diseño moderno y las artes menores. La obra quizá más prestigiosa de Hoffmann es el Palacio Stoclet. En 1903 funda los «Wiener Werkstätte». inspirados en las Arts and Crafts. papeles. por lo que el edificio está acaso más cerca de la arquitectura cubista que de la modernista. etc. Hoffmann ejecutaba.

es la Villa Skywa-Primavesi. que le dejó huellas profundas. Aun después de ser conocido como arquitecto siguió escribiendo. y el Pabellón de Austria para la Bienal de Venecia. El frontis central lo hace con pilares trapezoidales acanalados. 1906-07. Después de hacer prácticas como albañil estudió Arquitectura entre 1890 y 1893 en la Universidad Técnica de Dresde. ADOLF LOOS (1870-1956) Adolf Loos es uno de los arquitectos cuya obra escrita alcanza el mismo nivel que su obra construida. y a partir de ahí él toma partido en favor de una de esas dos posturas antagónicas. Sin embargo. la fachada se estructura en tres cuerpos: los dos laterales se subdividen en pilastras acanaladas y ventanas largas verticales. De planta y alzado rectangular. 1934. a modo de contrafuertes. la Villa Ast. Como teórico podríamos decir que prefiere la modestia y la discreción a la originalidad. en el que se aprecia el influjo clásico italiano. Defiende que tanto la arquitectura como las artes aplicadas deben prescindir de cualquier ornamento.Uno de los edificios más bellos de Hoffmann. Las obras de Loos a partir de 1908 son la demostración práctica de esas tesis. funcionales y sin ornamentos ni arte. la Casa Beer-Hoffm 190506. Podríamos decir que Loos da por sentado el enfrentamiento entre dos posturas: la belleza y la utilidad. 1913-15. gran esteticismo. rematándose con frontones clásicos. carrera que no finalizó. que prefiere lo conveniente a lo novedoso. Loos conoció los desarrollos más recientes como la construcción en esqueleto y la arquitectura de rascacielos de la Escuela de Chicago. Loos nació en Brno en 1870 y era hijo de un cantero. ese origen le marcó. 1914. así como los edificios institucionales como el Pabellón de Austria para la «Deutscher Werkbund». los Pabellones austríacos de las Exposiciones Internacionales 1911 y 1925. la Casa Hochstetter. su verdadero descubrimiento fue el estilo . 1909-11. A sus colegas «deformados» oponía el artesano sencillo y natural. prefiere la utilidad al arte y considera a la utilidad como el fin verdadero de la arquitectura. Por citarse. pues tenía un objetivo que consideraba como una misión: una arquitectura y un diseño modernos. entre las pueden numerosas casas particulares edificadas por Hoffmann. La visita a la Exposición Universal de 1893 en Chicago se amplió hasta una estancia de tres años en Estados Unidos. de último. entre los que se establecen los v verticales.

La cubierta es un cuarto de circunferencia. la convirtió en un escándalo. El escandaloso exterior empujó la exquisita decoración y la estructura espacial a un segundo plano. La casa de la Michaelerplatz es un manifiesto en piedra. Loos tuvo que dar una conferencia cuyo título era "Mein Haus am Michaelerplatz" (Mi casa en Michaelerplatz). sino que hay que tener también en cuenta la tercera dimensión. también conocida como Casa Loos. y ventanas fuertemente incisas. Cada espacio necesita la altura adecuada a su función. En el interior del edificio. con terrazas escalonadas. a la que acudieron dos mil asistentes. que Loos desarrolló partiendo de modelos anglosajones. de este modo surge un conjunto complejo e intrincado. Las autoridades municipales pusieron muchos impedimentos a la realización de la fachada Se encuentra en la zona comercial. pero también una postura clasicista. En 1909-1911. (Le Corbusier se interesará por las obras de Loos). Su emplazamiento en la Michaelerplatz. Loos intenta una flexibilidad en el espacio. En sus obras suele utilizar los espejos como forma de ampliar el espacio. Los tres primeros pisos están recubiertos con mármol . pero por detrás hay tres). De dicha zona se distingue claramente el área de vivienda. donde comenzó proyectando interiores de vivienda y de comercios. el contorno y las formas vienen determinados por el espacio (funcionalismo). . Es un buen ejemplo de desornamentación. La desnudez de la fachada se cubre con vegetación. con una fachada de revoco sin ornamentación. tiene desniveles. en la superficie. Adolf Loos construyó una casa para la sastrería Goldman & Salatsch. Asimetría y frecuentes desniveles (en fachada se ven nivel y medio. en su lugar apuesta por los materiales y las proporciones. recubierta de mármol. ya proceda del historicismo o del modernismo. que ilustra el rechazo de todo ornamento. produce un efecto representativo y abstracto a la vez y revela modelos norteamericanos. Completa desornamentación exterior.sastrería. se da un importante juego geométrico (virtuosismo). Otra obra importantísima es la casa Steiner. explicando su obra porque la sociedad del momento no la aceptaba. Fue un edificio muy criticado. Plan espacial significa que no se trata tan solo de proyectar una planta. y en los siguientes se da una fachada completamente lisa. Aquí se aprecian los primeros pasos hacia el denominado plan espacial.de vida vital de Estados Unidos. En 1896. enfrente del Hofburg (Palacio). Loos se estableció en Viena.

con títulos como «Los superfluos». siguiendo la necesidad como consecuencia de la posguerra. pero los obstáculos burocráticos le hicieron abandonar. durante un año. la inferior acabada en piedra. después de 1918 Loos se dedicó a la construcción de viviendas para obreros. sin embargo. y la superior revocada. Para ello. se encuentra una casa doble en la Exposición de la Werkbund austríaca. Entre las últimas obras construidas de Loos. dichos modelos se basaban en el principio del autoabastecimiento. Fue. el director de la Oficina de Urbanismo.Junto a la arquitectura para la burguesía. esta dividida en dos partes simétricas. desarrolló modelos para el urbanismo en los barrios periféricos. Concepto de Raumplan. le dan una presencia casi cultural. Fue diseñada para un escritor francés de origen rumano Tristan Tzara. Se trasladó por un año a París. «Toda población parte del jardín. Henry van de Velde (1863-1957) y Richard Riemerschmid (1868-1957): . Grandes muros con ventanas relativamente pequeñas. amigo suyo. Se limita solo al revestimiento de los pilares con planchas atornilladas de madera contrachapada. aquí no tuvo apenas encargos. El jardín es lo primario. dirigidos a los artistas modernistas Josef Hoffmann (1890-1956). 1920). signo de un acercamiento tardío. Presenta fachada de cinco pisos. con excepción de una casa para el poeta Tristan Tzara. poco antes de su muerte en 1933. así expone Loos en sus Regeinfiir die Siediung (Reglas para el poblamiento. la vivienda lo secundario». pues Loos no participó en la fundación de la Werkbund. a la que dedicó comentarios sarcásticos.

cometían crímenes estéticos. tan bello que no querría vivir en ninguna otra época». no solo en el sentido moral. A la «plebe». pues —decía— no construyen palacios. Una y otra vez intentaba liberar los objetos de la vida corriente de su sobrecarga artística y representativa y devolverles una sencillez adecuada estética. En 1910. Loos se volvió también contra los contemporáneos que se regodeaban en las formas modernistas. Loos propuso al galerista berlinés Herwarth Walden.«Lo que necesitamos es una cultura de ebanistas. Moral implícita de esta historia: el arte es el arte y el objeto de uso diario es un objeto de uso diario. Si los artistas aplicados volvieran a pintar cuadros o a barrer calles. el equivalente del manifiesto en piedra. Loos se confesó entusiasta partidario del progreso: «Sí. no importa». la revista de la Secesión vienesa. . Lo que cueste. la tendríamos». en casas de alquiler que querían ser palacios renacentistas. En la sátira Vom armen reichen Manne (El pobre hombre rico). dará una conferencia. 1908). les reprochaba vivir por encima de sus posibilidades. y trozos de diente son pegotes de cemento». a las que cuelgan ornamentos. a los arribistas. Buscaba la forma moderna. Encontró su ideal en los comienzos del siglo XIX. Sus artículos solían tratar de arquitectura. es como si un Potemkin moderno hubiera querido convencer a alguien de que se había trasladado a una ciudad de puros nobles». en la sencilla arquitectura burguesa y en el neoclasicismo de Karl Friedrich Schinkel. ver en Loos únicamente un antitradicionalista sería injusto. sería Omament und Verbrechen (Ornamento y delito. Cuando Loos escribió Ornamento y delito tenía una experiencia de diez años dedicados a escribir. en la que nada se escapa al diseño. El «pobre hombre rico» se dirige a un famoso arquitecto y le dice: «Consígame arte. un ataque a la arquitectura histórica de la Ringstrasse. que debe estar libre del arte. «Cuando paseo por la circunvalación. Loos ponía en evidencia al tipo del arquitecto artista déspota y ridiculizaba a sus clientes. arquitecto de Viena conocido por sus ideas radicales. cuya primera construcción monumental fue detenida por el ayuntamiento de Viena. Y este hace de la casa una obra de arte integral. por el derroche de mano de obra. El arquitecto Loos es conocido por la conferencia del pasado año: Ornamento y delito. sino también en el económico. El historicismo de la Ringstrasse no era su único enemigo hacia 1900. Se había dado a conocer al gran público en 1898 con una serie en Freie Presse. también expresaba su opinión sobre la confección y el calzado. Sin embargo. con el resultado de que el «pobre hombre rico» ya no es el señor estético en su propia casa. en la casa de Michaelerplatz. como sugirió el propio autor. También atacaba a los arquitectos que accedían a estos deseos. coronas de frutos. Atacaba a los diseñadores que se portaban como si fueran artistas y que. como texto para el anuncio de una conferencia: «Adolf Loos. Los paralelismos con la crítica de su amigo Kari Kraus de la «modernidad de la decadencia de cafetería» y la decadencia del lenguaje son evidentes. consolas. tiempo y dinero que suponía. sino casas banales. que despertó tanta polémica». funcional y social. a sus ojos. sin embargo. En su estancia en Estados Unidos. esa farsa era insoportable. Para un esteta del material como Loos. «Sus detalles ornamentales. un escrito polémico muy difundido. se publicó en 1898 Die Potemkin'sche Stadt (La ciudad de Potemkin). nuestro tiempo es bello. En Ver sacrum. Si se consideran en un contexto su obra construida y la publicada.

Este hecho ha provocado que Liberty sea tenido por un sinónimo. Este estilo alcanza su madurez en la exposición de Turín de la arquitectura en 1890. la selección de fotografías muestra ejemplos de la obra construida de Adolf Loos. el siguiente volumen (1931) se llamó Trotzdem (A pesar de todo). Ornamento y delito se publicó sin ilustraciones. cortado o fundido. su actuación fue una lucha continua. En su prólogo. conocido a través de su introductor. si bien. «La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual». como sucede en el caso del estilo Floreal. y en los Estados Unidos como estilo Tiffany. con una generosa simplificación. pues el género vendido era originario de éste. debido a Louis Comfort Tiffany[2]. Procede esta denominación de los almacenes londinenses "Liberty & Co. que me ha regalado el mundo: la evolución de la cultura es sinónimo de desaparición del ornamento de los objetos de uso diario». de dicha ciudad. «El hombre moderno que se tatúa es un criminal o un degenerado». como prueba de una ornamentación ingenua e inocente presenta los tatuajes de Papua. Loos hizo satisfecho balance. pasando rápidamente por la evolución individual y social incluyendo la aparición del arte como origen erótico. sino también «un crimen contra la economía nacional». gracias al apoyo a los diseñadores de este nuevo estilo por parte de su propietario Arthur (Lasenby) Liberty. no es solo un problema estético. tomado de una cita de Nietzsche: «Lo decisivo se produce a pesar de todo». suministraron a finales del siglo XIX objetos pertenecientes a este movimiento en Italia desde Inglaterra. así se conoce en el Reino Unido como estilo Glasgow. tratados ya en Ornamento y delito. Sin embargo. Es evidente que con todo esto Loos se ganó enemigos. dando a conocer la tendencia. de la que era adalid excéntrico: «De las luchas de 30 años he salido victorioso: he liberado a la humanidad del ornamento superfluo». como el desarrollo de este estilo en Italia. ya sea tallado.Esta moral se repite y un elevado número de artículos se puede reducir a unas pocas tesis y tópicos. La falta de ornamentos es lo adecuado a los tiempos modernos. FLOREALE o LIBERTY ITALIANO El Liberty (en inglés. libertad) es un estilo artístico encuadrado dentro del movimiento conocido en España como modernismo (Art Nouveau). . a causa de Charles Rennie Mackintosh. en el momento culminante de la Nueva Arquitectura. Loos comienza. tiene su propia denominación en esos países. Pero también se ha tomado como un apelativo del modernismo del mundo anglosajón. pues esclaviza a los trabajadores a realizar un trabajo inútil y mal pagado. Por un lado de Floreale (en italiano. Después pasa a tratar sus propias ideas: «Yo he llegado al siguiente convencimiento. El gusto por el ornamento. Los artículos escritos entre 1897 y 1900 los publicó en 1921 con el título resignado Ins Leeré gesprochen (Hablando en el vacío}." que. floreal).

indefensos e insólitos. y siempre haciendo uso de las líneas curvas y las formas elásticas. aquí aprendió a experimentar libremente con la forma y el. la escultura y las artes aplicadas. que tuvo que ser desechada. que le dio experiencia en la construcción de la madera. y también diseño varios edificios para el gobierno y los ciudadanos. Primero le encargaron la restauración de los monumentos dañados en la vieja ciudad. que ganara el primer premio en un concurso. En la academia. Después de que su vuelta a Italia. como insectos y moluscos. A los 14 años. la primera exposición de Turín de la arquitectura en 1890 y la exposición nacional de Palermo en 1891 hecho que le hace ser uno de los arquitectos jóvenes más prometedores de Italia. se vio aún más urgente la necesidad de contratar un arquitecto. D' Aronco ingresará en una escuela de verano del diseño en Gemona. Su diseño ganó la medalla de plata. con motivos animales y vegetales. Ya bien formado después de años de experiencia práctica con su padre. le concedieron el primer premio para la composición arquitectónica La subida de Raimondo d' Aronco a la fama en Italia comenzó con la competición del diseño para un monumento al rey Vittorio Emmanuele II construido en Roma. D' Aronco fue al Johanneum Baukunde. con solo 19 años y llenos de entusiasmo. D' Aronco después se ofreció voluntariamente para el servicio militar y trabajó como ingeniero de fortificaciones en Turín. sus profesores lo impulsaron a estudiar arquitectura. en aquel momento parte del Imperio austríaco) en una familia de los constructores para varias generaciones. Él terminó los artes de Gemona y la escuela de comercios después de la escuela primaria.Es un estilo armonioso inspirado en la naturaleza. en Austria adentro 1871. que fue Raimondo d' Aronco. Pero como consecuencia del terremoto. RAIMONDO D´ARONCO 1857-1932 D' Aronco nació en 1857 en la ciudad provincial de Gemona del Friuli. y a todos los objetos de la vida cotidiana. . se representaban motivos florales. así la pintura. Consiguió logros similares en las competiciones para 1887 Exposición de Venecia. Abarcaba todos los ámbitos del arte. las ideas de Camillo Boito eran dominantes en las clases del diseño. le invitaron a Estambul en donde elaborara los diseños para la exposición de Estambul de la agricultura y de la industria en 1896. En 1893. nervaduras forestales. que todavía existe hoy. una escuela para la construcción famosa por la especialización de albañiles y carpinteros. Udine. zarcillos. Después entró en Venecia en la Academia de Artes finos. Una de sus víctimas era la exposición. Al final del año. En un ambiente primaveral. Italia (ahora cerca de Austríaco frontera. Academia di Belli Arti. El Sultán Abdul Hamid II aprobó los diseños pero el gran terremoto de 10 de julio de 1894 devastó la ciudad. molduras y pequeños animales. que le enseñaron. cómo combinar el ambiente existente con otras fuentes.

el bloque de apartamentos Botter se encuentra en un estado triste y descuidado debido a los procesos legales entre los herederos subsiguientes y el . uno de los jeques principales del orden Şazeli. que le llevó a la fama en la esfera internacional. y caracterizaron por su gran su originalidad.. Raimondo D'Aranco introduce el movimiento Art Nouveau en Estambul. Hábilmente fusiona este movimiento europeo con la arquitectura turca. la presentación de los ejemplos más peculiares de la cantería y el trabajo del hierro. El mausoleo para el jeque religioso africano Zafir del líder (1905-1906). Los edificios. Casa Botter (1900-1901).El período de Estambul en su carrera profesional acabó solamente con la deposición del sultán Abdülhamid II en 1909. Los más conocidos de éstos son: Pavilions del palacio de Yildiz y la fábrica de cerámica de Yildiz (1893-1907). En su época fue el lugar más frecuentado por la alta sociedad de Estambul. ganó la exposición internacional de Turín en la competición decorativa del diseño de las artes. Jean Botter. Casa de Cemil Bey en Kireçburnu (1905). Fue construido por el sultán Abdul Hamid II. - Tumba dentro del cementerio de Mezquita de Fatih(1905). Torre de reloj para el hospital de Hamidiye-i Etfal (1906). en el nombre de Sheikh Hamza Zafir. Janissary Museo y el ministerio de la agricultura (1898). Alrededor en estos años. Este edificio glorioso fue construido para el modisto del sultán. cerca del consulado de Suecia. En la avenida Istiklal. que él diseñó en el palacio de Yıldız. Uno de primeros los edificios de estilo Art Nouveau en Estambul. a través del Túnel del Galatasaray. Mezquita de Karakoy (1903). el bloque de apartamentos Botter es un edificio de siete pisos. Se ve que en sus obras se inspira en el bizantino y otomano en su mayoría adornos. el santuario fue construido inspirado en el estilo austriaco. es un taller y un edificio de residencia que diseñó para el sultán Holandés que representa un momento crucial en la arquitectura de D' Aronco. Estos 16 años con el sultán fueron los años más productivos de su vida. En edificios de Estambul se ve la huella del Art Nouveau. eran con un estilo Europeo . La fuente de Abdulhamit II (1901).

Entre las numerosas casas privadas. las otras plantas fueron dispuestas como residencias. fue construido en el estilo arquitectónico más importante del período. el Art Nouveau. El Sultán Abdulhamid. que Raimondo d' Aronco diseñó. El sastre oficial del sultán. El suelo y el primer piso del edificio. el famoso arquitecto italiano Raimondo D'Aranco fue elegido. construye un edificio grandioso en un jardín estupendo. entre ellos está Raimondo D´Aronco.Estado. Rumeli. Pronto el edificio se convirtió en el edificio más popular de la Pera. para mostrar su estima por él. Para demostrar su gran poder político deciden decorar Estambul. y para ello llaman a los arquitectos más famosos de Europa. al sur de Tarabya Bay. Para esta construcción. era un modisto muy conocido. En este caso la Casa Botter fue considerada el escenario de moda de toda Europa. decidió construirle una casa. Es . Jean Botter. el comienzo del siglo 20. Este edificio se encuentra la mansión que pertenece a Huber Huber Baron. La construcción del bloque de apartamentos Botter corresponde a la época más turbulenta del imperio.En la orilla del Bósforo. se encuentra la Casa de Huber (1906). donde se reunían los ricos de Estambul y organizaban desfiles de moda. que tiene un papel importante en las relaciones otomano-Alemania.

en 1985. tan bien como el pavilion. Fuentes utilizadas El arte moderno. Él presentó también un proyecto para el edificio de la exposición regional de Udine de 1903. fue expropiada y comenzó a ser utilizada como residencia presidencial. En la región de su ciudad natal. el toque de Raimondo D'Aranco es evidente. Akal. donde cada una fuera igual de importante. o De la Rotonda. un edificio de aparcamiento. 2003 . incluyendo el NeoGótico cementerio principal en Cividale (1889). el hombre trataba de buscar respuestas a pasos acelerados que transformaran las perspectivas entre lo que eran y lo que debían ser las cosas. la tumba de la familia en Udine (1898) y la ciudad pasillo en Udine (1911-1930). El d'Arte Decorativa Moderna. se desarrollaba cada vez más y se hacía dueña de la forma de vida de las diversas sociedades. el barón Huber era un nombre importante de la sociedad del Bósforo de alta en el período Abdulhamid. Editorial complutense Tomo I. es la más antigua de efecto invernadero en Turquía . en un estilo de Secessionista. de Ilusinismo a los movimientos contemporáneos. pero que necesita una restauración austera. Ana María Preckeler. fue llevada a cabo en 1902 y ofreció muchos trabajos del art Nouveau incluyendo el edificio principal de la exposición. auténticamente preocupados y comprometidos por conservar y adaptarse a la nuevas condiciones de vida decidieron establecer nuevas relaciones arteciencia. En arte. Más tarde.com/showthread.el representante de la Compañía de Krup. Esta mansión pasa por muchas manos después de la familia Huber que se fue de Estambul antes de la invasión. En la mansión. La tecnología crecía. y un grupo de personas en diversos países. Giulio Carlo Argan. La fecha de construcción se desconoce. Todo el terreno de la mansión está vallado excepto el edificio principal.php?t=1016313 Historia del Arte Universal de los siglos XIX Y XX. así surge el modernismo. por su parte. 1998 Wikipedia para buscar lo de floreale italiano y también esta página http://www. Arte y ciencia se desarrollaron a la par adaptándose una a la otra y muchas veces complementándose. La Mansión Huber se estableció en un terreno de 77 acres. la exposición internacional de Esposizione Internazionale de Turín. El jardín está decorado con los árboles importados del extranjero y la mayoría de los árboles son más de 150 años de edad. hay un establo.skyscrapercity. todavía hay muchos de sus trabajos. accesorios y un asiento de caza. CONCLUSIONES El siglo XIX fue una época de cambios en todos los aspectos de la vida.

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