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EL JUGENDSTIL ALEMÁN

La traducción literal de Jugendstil sería “estilo joven o de la juventud” y designa la variante del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.

Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin (18191900) y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.

Al igual que sus contemporáneos de Bruselas y París, los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural que revelaban los avances en investigación científica y tecnológica. Las formas orgánicas y los motivos vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, por ejemplo, estaban directamente influenciados por los estudios fotográficos de estructuras vegetales de Karl Blossfeldt (1865-1932), que reflejaban un patrón de crecimiento helicoidal, y por los dibujos botánicos de Ernst Haeckel (1834-1919). Estos detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte desarrollo orgánico.

En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil. Si este deseo de independencia artística fue un tema recurrente en las nuevas escuelas de Art Nouveau de otras ciudades europeas como Bruselas, Nancy, o incluso Glasgow, quizá fuera más evidente en Alemania.

Los diseñadores del Jugendstil estuvieron más cerca que sus contemporáneos asociados al Art Nouveau de salvar la distancia existente entre la “manufacturación artística” y la producción industrial. Se crearon numerosos talleres para producir sus diseños reformados, entre los que

cabe destacar los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para Artistas Artesanos) en 1897 y los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst (Talleres de Dresde para Artistas Artesanos) en 1898. Estas empresas se crearon con la intención de producir artículos para el hogar usando métodos éticos de fabricación. Los objetos creados en Dresde no estaban tan elaborados y, por lo tanto, eran más baratos que los fabricados en Munich, pero seguían estando fuera del alcance del bolsillo de la familia media.

RICHARD RIEMERSCHMID
Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales en los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst tuvo una gran influencia y perteneció al grupo de Múnich conocida por Deutscher Werkbund. Este movimiento enfatizaba la sencillez de los materiales y de los revestimientos, fue una de las fuentes del modernismo del siglo XX. Entre las características de su trabajo destacan la funcionalidad y la racionalidad, el rechazo de los elementos decorativos y la influencia del diseño tradicional alemán, aunque los adornos típicos del diseño alemán casi desaparecieron de sus obras. CARACTERISTICAS DE SUS DISEÑOS: • Carente de todo adorno, intenta generar un arte artesano-mecanizado, capaz de ser producido por la industria. • Se aparta de los adornos del diseño alemán, escaseando en sus obras. • Se deshace de la línea curva y sigue los postulados de la Deutcher Werbung. • Como todos los diseñadores concibe todo como algo integral, todo genera la idea de crear un mundo más moderno. "La realidad industrial no es estéticamente fiable Obras: Casa en Hellerau

incluido el estudio Casa del Arte Decorativo de Josef Maria Olbrich (del Secession vienés). Saint Louis. y Bernhard Pankok. y siete residencias para artistas construidas para los miembros de la colonia. Comedor de Centro de Exposición en Turín. En su edificación. Este edificio estaba inspirado en el tradicionalismo. popularizó la nueva estética. junto con Richard Riemerschmid. la causa del Jugendstil contó con el mecenazgo del gran duque Ernst Ludwig de Darmstadt-Hesse. Mobiliario de la Estación Central en Núremberg en Alemania -1. Entre sus proyectos destacan: 1902 Casa Lange. que eran asombrosamente modernos dentro de su simplicidad. como también lo estaban los interiores del Jugendstil.BRUNO PAUL Miembro fundador de Vereinigten Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para el Arte y la Artesanía) en Múnich. obra y aplicación que el arquitecto germano Bruno Paul llevó a realización se destacan: Salón de caza de la Exposición Universal en París. En Darmstadt. Tubinga.900. Ésta no sólo fue importante por el nuevo estilo arquitectónico cívico que promovió sino también por su apoyo a la fabricación de obras de arte.905. impulsor de la Exposición de 1901 “Ein Dokument Deutscher Kunst” (Un documento del arte alemán). BERNHARD PANKOK El estilo lineal de Bruno Paul también fue empleado por el diseñador de Munich Bernhard Pankok. UU. Su estilo en el cual basó su interés arquitectónico es el Jugendstil o Modernismo con algunas características en los detalles y la exquisitez. como la revista Jugend o Pan. Despacho de gobierno en Bayreuth.904. también desempeñaron un papel importante a la hora de promover el Jugendstil. . trabajo. Bruno Paul diseñó audaces caricaturas y gráficos para el diario Simplicissimus. Alemania. que. Alemania -1. Italia -1902. creada con los fondos privados del gran duque en 1899. Francia -1. EE. 1904 Sala de música de la Exposición Universal. La exposición celebraba los logros artísticos de la Darmstädter Künstlerkolonie (Colonia de los Artistas de Darmstadt). entre otros. cuya Casa Lange en Tubinga (1902) estaba concebida como Gesamtkunstwerk (1). La Darmstädter Künstlerkolonie comprendía al principio ocho edificios.

en la Universidad Dusseldorf y Karlsruhe. cristalería. alfombras. August Endell. En 1892. La tendencia alcanzó su cenit en 1900. la diseñó como una obra completa de arte. cubertería. la promoción del Jugendstil estuvo de igual forma impulsada por el orgullo cívico y por la necesidad económica a la vez. en el año 1868. diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil.En Weimar. Al principio trabajó como pintor. Behrens aceptó la invitación del duque Ernst-Ludwig de Hesse a ser el segundo miembro de la colonia de artistas que se acababa de establecer en Darmstadt. decoración. Alemania. ilustrador y calígrafo. Entre su círculo de amistades se encontraban Otto Julios Bierbaum. Behrens. PETER BEHRENS En primeros del siglo destaca Peter Behrens nació en Hamburgo. el pintor Behrens cofundó la Secesión de Munich. fundado en 1907 por un grupo de promotores. algunos de los cuales habían pertenecido al Jugendstil. diseñadores. junto con Hermann Orbist. Allí. Richard Dehmel y Otto Erich Hartleben. El convencimiento de que una buena educación artística mejoraría la economía local fue la razón por la que Van de Velde recibió el encargo de diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. pero poco después fue desbancado por el racionalismo industrial del Deutscher Werkbund. a quien el conde Harry Kessler persuadió para nombrar al arquitecto y diseñador belga Henry van de Velde consejero artístico de su corte. el gran duque Karl Alexander de Sajonia-Weimar financió con capital privado la fundación de una Escuela de Arte en Weimar. y también contó con un mecenazgo ducal. y todo lo que ellos contenían. La arquitectura y el diseño del Jugendstil a menudo aunaban la innovación estructural y las formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual. lámparas. vajilla. En 1899. Bruno Paul y otros el Vereinigten Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos) para la producción en serie de artículos útiles. En 1980 contrajo matrimonio con Lilly Krämer y se transladó a Munich. un autodidacta. que destacaban por su sencillez formal. A partir de sus diseños se crearon desde los jardines hasta los interiores. y después se dedicó a las artes y oficios (más conocidas como “Arts & Crafts”). El propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y. En 1860. en un lugar conocido como Mathidenhöhe. desde 1886 hasta 1889. Frecuentaba los grupos bohemios de Munich y sentía interés por cuestiones relacionadas con la reforma de los estilos de vida. Estudió pintura en Hamburgo. durante ese período. En 1901 lo sustituyó su nieto. mientras que su compromiso en las Artes y Oficios le condujo a crear. arquitectos y artistas. construyó su propia casa. muebles. cuadros… . toallas.

se centró en pequeños detalles. sus anuncios. ya que supuso su retirada de los círculos artisticos de Munich. Las generaciones que le siguieron tomaron a Behrens como ejemplo y modelo a seguir en lo respectivo al diseño y la arquitectura. que dirigía casi todas las fábricas de AEG. de este hombre surgió la famosa frase “Menos es más”. Behrens supo reflejar en su propia persona y en su obra para la AEG los ideales de la DWB. Este hecho fue de suma importancia ya que era la primera vez en la historia de la industria en que una compañía importante daba un paso de semejante calibre y a tal escala que todavía hoy nadie ha superado. Entre ellos se encontraba un deseo de dedicarse a la industria como un elemento en creación. como cambios en las lámparas de arco. Rudolf Mosselt y Fritz Hellmuth entre otros. Max Benirschke. sino que desempeñó sus funciones como diseñador y arquitecto autónomo. En 1907. continuó dando clases sobre diseño y arquitectura. desde el membrete hasta su logotipo. Behrens. junto con la Vereinigten Werkstätten se asociaron para crear el Deutscher Werkbund (DWB). pero más tarde. Peter Behrens fue nombrado director de la Escuela de Artes y Oficios de Dusseldorf. bajo la orden de reformarla. bajo la recomendación de Paul Jordans. e incluso del diseño de muchos edificios de las fábricas. La AEG (Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft o Compañía General de Electricidad). la transformación de una sociedad clasicista en una sociedad igualitaria de masas y la rehumanización de la economía. Behrens continuó con la transformación de la identidad corporativa de AEG. Colaboró también para otras empresas desde su estudio. Al principio. Entre los nuevos miembros del profesorado que llevó a esta escuela. estrategias de exposiciones. Behrens no fue ni un empleado ni un director de la AEG. pero desde el principio sus objetivos revestían una mayor modernidad.La casa Behrens marcó un momento decisivo en la vida de su creador. tarea que resolvió de forma ejemplar. con otros 10 artistas e integrantes del movimiento. se encontraban Josef Bruckmüller. Su fundación se vio influida por el Movimiento de Artes y Oficios. y simbolizó su abandono del Jugendstil y su evolución hacia un diseño austero y sobrio. . del diseño de sus productos. el trabajo de Behrens. la sociedad y la cultura. Como asesor artístico. lo que le valió el apodo de “Mister Werkbund”. En 1903. contrató a Behrens como asesor artístico en 1907.

La relación entre cerramiento y estructura es absolutamente cuidada.El éxito de este hombre en la primera mitad del siglo XX fue pionero. El ritmo regular de su estructura metálica triarticulada presenta al llegar a la esquina. fortaleciendo el contraste entre muro. En principio. Se ubica en una esquina y presenta una leve rotación en relación a la Avenida Turmstrasse. Pero Behrens no se limitó a levantar una construcción utilitaria. Su ideología se difundió por todo el mundo a través de sus alumnos. El lema de Behrens. El desarrollo de una filosofía global de la forma es actualmente una máxima establecida. La “Fábrica de Turbinas” de Peter Behrens se ubica al Noroeste del centro de Berlín. se trataba únicamente de una nave industrial para albergar las grúas puente necesarias para el montaje de los grandes generadores. un remate. desde allí caminar por la Avenida Turmstrasse. aproximadamente 1 kilometro de Este a Oeste. Para llegar. ya que sigue la línea de la calle Berlichingenstrasse. El invento de Behrens de “identidad Corporativa” influyó directamente en otras empresas como Braun. sino que aprovechó la ocasión para dotar a su edificio de un . basta tomar la línea U9 del metro y bajarse en la estación Turmstrasse. en resumen. el mensaje es más importante hoy en día que en su propia época. el cual trabaja la arista en contacto con la esquina con una curva. en el cual se interrumpe la piel de vidrio y se materializa el muro. La obra se destaca fundamentalmente por su escala y por la cuidadosa utilización de los materiales. La fábrica de turbinas AEG es uno de los edificios más significativos y un buen comienzo en aquella época por utilizar elementos industrializados en Arquitectura. estructura y piel. a unos 3 km del Reichstag. la humanización del diseño industrial. rotación que acentúa su figura y acrecienta su escala.

son sin embargo paredes delgadas sin ninguna función de soporte estructural. mientras que las esquinas se configuran como elementos ciegos de hormigón. la fachada lateral tiene el ritmo de un peristilo griego. aunque nunca superó el nivel de dignidad monumental alcanzado en esta fábrica de turbinas. con los grandes entrepaños continuos de vidrio ligeramente retranqueados con respecto a los soportes metálicos. articulados con bandas metálicas horizontales. y ligeramente inclinados para que la comisa superior sobresalga creando una zona de sombra. y con un perfil poligonal en su remate superior. La fachada principal presenta un gran frontón poligonal (con el logotipo de la empresa y el nombre del edificio inscritos en el tímpano) que parece descansar sobre una amplia vidriera central. En el desarrollo de esta estructura. Behrens contó con la colaboración del ingeniero Karl Bernhard. Así. en cuyos soportes verticales se apoyan los carriles de las grúas puente. . Behrens combinó los elementos constructivos más innovadores con recursos compositivos de inspiración clásica. contiguo a esta nave principal hay un cuerpo más pequeño. El edificio se compone de dos cuerpos: el más grande es una extensa nave de 207 metros de longitud. Behrens aplicó al resto de los edificios industriales de la AEG esta misma disposición a base de estructuras metálicas ligeras flanqueadas por esquinas macizas.carácter representativo de la importancia que estaba adquiriendo tanto la propia compañía como la producción industrial en general. que visualmente sostienen el peso del frontón. Estos elementos angulares. 26 de anchura y unos 25 de altura. convirtiendo la fábrica en un símbolo monumental del nuevo poder económico. totalmente diáfana en su interior gracias a una estructura de pórticos triarticulados con vigas de celosía. dividido verticalmente en dos plantas con sus correspondientes grúas puente. Pero es en su articulación exterior donde el edificio se muestra como una especie de templo sagrado de la producción industrial.

en todo su lujo y boato. emperador de doble corona del Imperio Austro-Húngaro. Francisco José I. del hombre todopoderoso que un día fue. y del girar incesante de sus valses. con el fusilamiento de su hermano el emperador de México. en 1867. en 1854. lo más doloroso y triste el trágico suicidio de su hijo y heredero el príncipe Rodolfo. en 1867. las pérdidas de parte de sus territorios italianos. con su recargado y rutilante decorado de estucos. finalmente. en la ciudad suiza de Genova. en 1898. las sublevaciones húngaras. con las vicisitudes y contradicciones de esa unión al tiempo feliz y desgraciada. las luchas contra Pru-sia (Sadowa. relieves. 1866). como su monarca. es tan sólo la sombra de sí mismo. sus grandes lámparas de araña brillando en todo su fulgor. y. a manos de un anarquista. el matrimonio con la emperatriz bávara Sissi. para terminar. las guerras contra el emperador de Francia Napoleón III (Magenta y Solferino). y el asesinato de su esposa Sissi. . van a ir apagándose poco a poco.LA SECESSION AUSTRIACA CONTEXTO HISTORICO Después de medio siglo de reinado. son solamente un eco de su antiguo esplendor. en Mayerling 1889. y la creación del Imperio Austro-Húngaro. pinturas y dorados. Por la mente del emperador discurren los sucesos fundamentales de todos esos años: su coronación en 1848. Aquellos hermosos salones palaciegos que tantos días vivieron de grandeza y de gloria acompañados de la bella música de los Strauss. Los inmensos salones barrocos de los palacios de Schónbrunn y Hofburg.

pero ni él ni sus súbditos lo saben con certeza todavía. serpenteados por las aguas fluviales del Danubio. Viena será ahora la cuna de una nueva concepción musical. que puja por aparecer. pero al final. para poco a poco ir prevaleciendo los nuevos tiempos que vendrán acompañados de un cambio de decorado en todos los escenarios. de Carlos I de España y V de Alemania. hija de la emperatriz Ma Teresa. y con otro final de dinastía. No obstante. Tan sólo le separan diecinueve años del definitivo final del imperio y catorce del asesinato del próximo heredero. decadentista y sofisticado surge un arte que preanuncia la nueva época que se avecina: la Secession Austríaca. Schumann y Wolf. en dolorosa paradoja. ambos representantes de la pintura expresionista de vanguardia. a los alegres valses y operetas de Franz Lehár y dejohann y josef Strauss. como se acaba su imperio. la reina Ma Antonieta. de las escarpadas y altísimas cordilleras de los Alpes. Viena nunca perderá su fontanal creatividad.Y así. que destaca por su arte esteticista y decorativista. hecho que desencadena la Primera Guerra Mundial. la de los Borbones. de los antiguos glaciares con sus nieves perpetuas. vendrá de la mano de una de las más cruentas guerras habidas en la Historia. acompañado de los melancólicos «Heder» de Schubert. y Egon Schiele. acaso como expresión nostálgica de un pueblo que presiente la pérdida de su gloria. pintor esencialmente modernista. extendida a nivel mundial. y de una desmembración del mapa europeo de trágicas consecuencias a lo largo de todo el siglo XX. En música. en 1914. tan ligados a Viena. al igual que lo es su vida y la vida de todos sus descendientes. fue guillotinada por el pueblo en aquellos años postreros del siglo XVIII. la del «Antiguo Régimen». ya n serán las sinfonías de los clásicos Haydn y Mozart. no es ya más que un símbolo de una época que concluye. con sus creadores Arnold Schónberg. que compone en un neorromanticismo tardío muy innovador. también se bailen presentes. con otro final de siglo. siendo ahora sus nuevos creadores Hugo Wolf y el mismo Mahler. la dodecafónica. marcados trágicamente por el destino. que elevan sus impresionantes cumbres hacia el celaje. nunca olvidados. tan ensamblados al alma germánica. en Francia. con el triunfo de la asonancia sobre la clásica melodía. En el caso de Francisco José I. trayendo con ella una serie de cambios drásticos que van a afectar todos los ámbitos de la vida. de los intrincados y tupidos bosques que pueblan las llanuras y montañas austríacas. Y es preludio de otra era que comienza. Los primeros años del siglo XX embridan todavía a las dos formas culturales. en Sarajevo. cuando realmente acontece en 1919. En este ambiente finisecular. el XVIII. en la Viena de 1900. aunque los «Heder» de Schubert. Como si presintiera todo lo que va a ocurrir. Antón Weber y Alban Berg. No en balde otra austríaca antecesora suya. la cual será creada por la Escuela de Viena. Osear Kokoschka. manteniéndose maestros como Gustav Mahler. Tres pintores austríacos serán asimismo símbolos de la ruptura con el pasado y adalides de la nueva pintura contemporánea: Gustav Klimt. el heredero de Maximiliano I. el término del imperio y de la monarquía no llevará la violencia revolucionaria que acompañó a la francesa. Francisco José I. en 1900. no exento de nostalgia y reminiscencias bizantinas. El cruce de los siglos supone el canto final del cisne. de los románticos rehoyen y Schubert y del postromántico Bruckner. el imperio más grande del mundo comienza su ocaso. y sobre todo con otro modo de entender la vida y la política. su sobrino Francisco Fernando. los que dirijan la música austríaca. le sitúa. cuya larga vida se prolonga hasta 1980. y de la emperatriz María Teresa. Francisco José se acaba. continuando presentes los románticos y melancólicos «Heder». Otros pintores expresionistas de la época de . Es el final de un siglo y el comienzo de otro que.

esféricos. que acabará sumándose posteriormente a sus alumnos.esplendor de Viena son: Max Oppenheimer. Por último. de trascendencia universal por los importantes descubrimientos realizados en la «psique» humana. y la decoración sinuosa. Richard Gerstl y el mencionado músico Arnold Shónberg.. como el «Café Griensteidl». Sigmun Freud. ensamblando las formas geométricas en un juego equilibrado de volúmenes. el «Super yo» y el «Ello». todo lo cual hará de Viena una ciudad fascinante y única culturalmente. citar una figura fundamental en la Viena de 1900. La Secession vienesa no tendrá una . Joseph Hoffnann. miembros también del modernismo pictórico de la Secession. novelistas y ensayistas. como el filósofo Wittgenstein y los literatos Ferdinand Von Saar. Antón Faistauer. Félix Salten. Poetas. e incluso a músicos y literatos. pero que irá unido al grupo precisamente por ser su “oponente” destacará con una arquitectura claramente prerracionalista. Un cuarto constructor. y ello le dota de gran personalidad y le diferencia enormemente de los otros modernismos. adelantándose unos años al Cubismo pictórico. que emplea en sus estructuras principalmente la línea recta y la concepción ortogonal y arquitrabada. maestro de los anteriores. que habían sembrado Cezanne y Seurat. solamente comparable con París. etc. con su clásica estructuración de la misma en tres niveles: el «Yo». que no es propiamente modernista. Karl Kraus. Albert Gütersloh. La revista Ver Sacmm (Primavera Sagrada) será su órgano de difusión intelectual. Arthur Schnitzler. que tanta fuerza tuvieron en los siglos XVII y XIX. decoradores. uno de sus míticos componentes y más activos colaboradores. estilizada y ornamental. La literatura austríaca secundará los movimientos artísticos y musicales. para iniciar un estilo arquitectónico purista. El Secessionismo aplica en segundo lugar la línea cura. Félix Harta. como elemento añadido. Félix Dórmann. A cada arte su libertad». repercutiendo enormemente en la arquitectura contemporánea. Von Andrian. Adolf Loos. La Secession vienesa la forma no sólo un conjunto de arquitectos como Wainter. diseñadores. cúbicos. en cierto modo una arquitectura cubista que recoge las inquietudes del momento histórico. Antón Kolig. que hará de la construcción secesionista. Beer-Hofmann. escultores. formando uno de los centros artísticos y culturales más relevantes del momento. Hermann Bahr. en el mundo del arte la Secession austríaca se aleja de las antiguas construcciones barrocas y eclécticas. se reunirán en cultivadas tertulias intelectuales en los famosos cafés vieneses. que además fue pintor. también reúne a pintores. Los artistas del grupo se reunirán y harán exposiciones en el edificio de la sede institucional. Herbert Boeckl. Von Hofmannsthal. construida por Olbrich. y Otto Wagner. Entre ellos destaca el mencionado Gustav Klimt. donde se argumentará sobre lo más innovador y actual del momento. además de Max Kurzweil. Olbrich y Hoffrnann. Surge con ello una arquitectura avanzada que será precursora de la arquitectura funcional o racionalista europea. «A cada época su arte. Tres arquitectos formarán principalmente la tríada modernista de la Secession vienesa: Joseph Olbrich. fundadores del movimiento en 1897. CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA VIENESA De la misma manera que el dodecafonismo abandona la melodía tradicional y se adentra en la música asonante. especialmente los representantes de la «Joven Viena». de tanta importancia en el siglo XX. su lema inefable. Franz Werfel y Ro-bert Musil. ricas y abigarradas. Koloman Moser y Cari Molí. El Secessionismo tiene como nota primordial. austero y depurado.

Viena. Viena fue la sede de este movimiento y. la cuna del psicoanálisis. político. El llamado Pabellón de la Secesión de Viena o directamente “Secession” fue construido en 1897 por Joseph Maria Olbrich para albergar las exposiciones del grupo de la Secesión. sólo lo he hecho por compararlo con España. en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo. Los portavoces de este movimiento son: Gustav Andri y Joseph Maria Olbrich (arquitecto) entre otros. como no podía ser de otra manera. Si que está incluido en el mismo periodo.vida muy larga: hacia 1905 prácticamente quedará disuelta. el lugar escogido para las exposiciones de sus artistas se construyó ahí. sus semillas habían quedado germinadas hondamente en el arte europeo del siglo XX. la severidad y la elegancia. Es el periodo más brillante para Austria. ya que la era industrial estaba llegando a Europa y temían que el arte se “industrializara”. apoyo económico y expansión por el resto de Europa. monárquico. Este periodo fue el más deslumbrante que vivió el país. La Secesión vienesa es el estilo modernista austríaco buscaban el regreso a las formas y estilos del pasado. en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del vanguardismo. religioso. corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el coetáneo Art Nouveau y con otros estilos semejantes al Art Nouveau (el Liberty o floreale italiano o el modernismo español por ejemplos). pero la Secesión creó el estilo Secesion (se llamó así porque “rompieron” con lo establecido). el cual también daba mucha importancia a la tipografía. económico. con muchísima producción artística. La Secesión fue fundada dentro de la Vereinigung Bildender Künstler Österreich que es la Asociación de los artistas de las artes visuales en Austria. e incluso cierta severidad.. . sin embargo. Austria sufre de problemas en todos los sectores: social. Koloman Moser. predomina la sobriedad formal. Klimt. que contrastan con un ambiente idealista. término inventado por Richard Wagner refiriéndose a un arte que aunara a todas las demás. Le he llamado modernista. teniendo como objetivo el llamado Gesamtkunstwerk o “obra de arte total”. todo muy geometrizado y equilibrado. En esta época. Ferdinand Aunque la secesión es incluible en el modernismo.. siendo su capital. pero no era un movimiento exactamente modernista. Era un arte estilizado y muy abstracto. en la secesión. aunque se busca la elegancia. El movimiento austríaco se definía por la seriedad formal.

Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. sin servilismos extranjeros. Su estilo incorporó el uso de nuevos materiales y nuevas formas para reflejar el hecho de que la propia sociedad estaba cambiando. en la que expresaba sus ideas sobre el papel del arquitecto. ni naturalista sino estilizada y abstracta. Hoffmann y Adolf Loos. La tipografía es un elemento determinante. Joseph Maria Olbrich. En su libro de texto. Como profesor en la Academia de Artes Plásticas apostó por la creación de nuevos conceptos arquitectónicos. esta tiene un valor formal. compositivo y comunicativo. libro titulado Arquitectura Moderna. ya había diseñado varios edificios en Jugendstil. se traducía en la creación de espacios abiertos y una distribución ordenada en escuadra. No quieren imitar al arte exterior. Bajo esta concepción concede gran importancia al edificio en relación con la ciudad y su funcionalidad. dándoles mucha importancia al orden. le dan gran importancia a la letra. él diseñó y construyó estructuras que reflejaban la función pretendida. su trabajo representa el paso hacia las nuevas tendencias que impone el modernismo. Sus diseños iniciales están directamente relacionados con el historicismo. término acuñado por Richard Wagner para denominar a un arte que condensara las destrezas de todas las demás. . pero sólo se construyó la red de ferrocarril urbano. Su concepción del diseño urbano. empapada del estilo barroco y renacentista. ni orgánica. el Wiener Stadtbahn. La decoración es modernista. pero sí que les sirva de inspiración y análisis. afirmaba que las "nuevas tareas y perspectivas humanas exigían un cambio o reconstitución de formas preexistentes". concediendo especial importancia a la plaza y las calles A mediados de la década de los noventa. Los arquitectos más importantes de la secesión vienesa son Otto Wagner.Los trabajos son muy estructurados. A pesar de las influencias que recibe durante su formación. sus estudios discurren en la Königliche Baukademie de Berlín y la Akademie der bildenden Künste de Viena. se basaba en el texto de su discurso inaugural de ingreso en la Academia del año 1894. coincidiendo con la implantación y el despegue de este estilo arquitectónico. Un arte propio. OTTO WAGNER (1841-1918) Nacido en el seno de una familia acomodada. idea que trasladó a su publicación en 1896. Su objetivo estético final era la "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk. como el austero bloque de apartamentos Neustiftgasse en Viena. Wagner estaba muy interesado en el planeamiento urbanístico en 1890 se hace cargo del diseño de un nuevo plano para la ciudad de Viena. el equilibrio y la geometrización (el cuadrado y el cubo son repetidos continuamente). En la búsqueda de este ideal.

rematados por un cuerpo central abovedado en arco de medio punto. trabajo que obtuvo mediante concurso público. dentro de ese plan de ordenación promovido por el emperador Francisco José. utilizando la decoración vegetal con profusión y elegancia. 1896. Las primeras edificaciones modernistas de Wagner las realiza en las obras de trazado e infraestructura de la ciudad de Viena. cuyo interior estaba lujosamente decorado por ser la estación de uso real para acceder al palacio. 1890. que llevan en su decoración líneas rectas alargadas y pequeños óculos. gran parte de las bocas de Metro que todavía decoran. 1895-98. la Canalización del Danubio e inmuebles adyacentes. Olbrich. el Edificio de Control y el Puente. Wagner ejecuta también. . formando dos edificios de pequeño tamaño y cuerpo rectangular. más conocidas como MajolicaHaus. de 1894-8. Josef Hoffmann y de J. empezando posteriormente a construir en un modernismo con estructuras ortogonales y rectas. cuyo frontón va decorado con placas de cerámicas con motivos florales. en las que el uso de la línea curva es suave y atenuado. Ello se puede contemplar en sus famosas Casas de Linke Wienzeile. de planta circular. Otras estaciones de Metro construidas por Wagner son: Hernals. Las más conocidas son las dos entradas del Metro de la Karlplatz. situadas junto a la iglesia barroca de Karlkirche. y se acercó a sus postulados en obras como las estaciones de metro de Viena. un cuerpo central de columnas y dos laterales sobresalientes. finalmente. con ventanas verticales alargadas. Las casas van rematadas con un alero que Wagner habitualmente establecía en sus inmuebles. Defendió a los jóvenes artistas de la Sezession. 1895-98. 1898-99.Fue maestro y amigo de Adolf Loos. y Nussdorferstrasse. con cúpula semiesférica sobre base octogonal. La sencillez y la simetría son los elementos dominantes en el diseño de estas bocas de Metro de la Karlplatz. como la Esclusa de Nussdorfer Nadelwehr. dejando el hierro visto en los elementos estructurales. inmueble de dos pisos. del cual sólo efectúa una parte. En sus inicios es todavía ecléctico e historicista. hizo la Estación de Schónbrunn. la hermosa capital austríaca. manteniéndose la estructura en la línea sobria y depurada del Modernismo vienes. 1895-98. con su frágil y bella estructura de colores verdes y blancos. Stadpark.

El interior . El bloque se erige como masa cubica arquitectónica con fachada en placas de cerámicas superpuestas y adornos a base de pernos que dan una impresión general de claveteado. En sus cuatro fachadas se abren vanos rematados con arcos de medio punto que aligeran la densidad del edificio. la Iglesia de Am Steinhof. del que emerge una enorme y gruesa cúpula semiesférica de cobre. Se trata de un inmueble en el que predomina de nuevo la forma cúbica. en alto. Su interior posee una gran sala central con bóveda acristalada y arca rebajado. Wagner diseñó también todo el mobiliario. 1905-07. 1905-07. en Viena. aún más resaltada dada la ubicación exenta. en el que se abren numerosas ventanas desornamentadas establecidas con ritmo redundante. La Caja Postal es un importante edificio rectangular de cinco pisos. las tres en Viena. y rodeada de jardines que mantiene. y la Casa Wagner II.Las obras más relevantes de madurez de Otto Wagner son: la Caja Postal de Ahorros de Viena. revestido de mármol blanco. Cuatro pequeños torreones rematan las esquinas. El monumento tiene planta de cruz latina y se eleva como cuerpo compacto. Posiblemente la obra más deslumbrante y prestigiosa de Wagner sea la Iglesia de Am Steinhof. 1904-06. 1912-13.

con escasos vanos. a través del espacio. así como uno de sus más directos colaboradores. 1897-08. y será el constructor del Edificio de Exposiciones de la Secession. muy cercano a la circunvalación del «Ring». la Casa Wagner II se eleva señorial en forma de volumen rectangular cúbico. en lo que será el «Sancta sanctorum» del arte modernista vienes. con el Cubismo pictórico y escultórico a punto de aparecer en 1907. cinturón urbano mandado construir en la segunda mitad del siglo XIX por Francisco José I. recuerda inmediatamente a los antiguos templos egipcios con su arcano hálito divino. las decoraciones se realizan con dibujos geométricos siguiendo la configuración de friso. Olbrich (1867-1908) El segundo arquitecto vienes. construida por Olbrich en 1898. como el resto de la construcción. sino provocado por el arquitecto y los numerosos colaboradores que cooperaron. se educa en la Academia de Bellas Artes de Viena. la cual. si no en su realización efectiva. rematándose por un gran alero superior. Olbrich. Olbrich es uno de los fundadores de la Secession vienesa junto con Hoffmann. guarda similitudes con las naves de . Wagner se define como un gran constructor con estas tres obras. Finalmente. el monumento impresiona al espectador.está asimismo decorado por Wagner. constituyendo un eslabón de enlace entre la arquitectura tradicional y la moderna hacia la que se proyecta. el que le da la fama y le proyecta como uno de los pioneros de la moderna arquitectura. Su imponente masa cúbica cerrada. siendo uno de los alumnos más apreciados de Otto Wagner. sumergirse en la fascinación del misterio y concentrarse en su interior. de forma vertical alargada. roto por una «loggia» esquinada y los vanos correspondientes a sus tres pisos. sí en los proyectos ideológicos del mismo. año en el que la iglesia se acaba. Situado en el entonces extrarradio de Viena. Joseph M. y por ello podría encuadrarse dentro de lo que se ha denominado arquitectura cubista que enlaza. autor del bello fresco de Beethoven que decora una de las habitaciones principales del edificio. que siente la impresión de hallarse ante una construcción trascendental. en 1897. Entre los artistas que participaron activamente en su ejecución se encuentra el pintor Gustav Klirnt. sin duda el edificio más importante de Olbrich y posiblemente de toda la Secession vienesa. Este efecto no es aparente y casual. El aura espiritual que envuelve al inmueble hace según la necesidad de recogerse. La iglesia guarda reminiscencias con la Sede de la Secession. los cuales pretendieron dotar a la sede de una significación casi sobrenatural y religiosa.

La XIV Exposición de la Secession. Ejecuta así. parece suspender en el espacio toda la simetría. En 1899. muy alta. hecho que tuvo gran repercusión en la arquitectura europea. las Casas para los artistas y algunas dependencias del Palacio del Duque. por un basamento cuadrado cúbico con cuatro torreones. La fachada delantera posee forma cúbica rectangular cerrada. cúbicos y esféricos. a Casa Christiansen. la Colonia de Artistas y su Sala de Exposiciones. limitándose a formas lineales vegetales geométricas. . por Olbrich. que se distribuyen en forma de friso. de casi cincuenta metros de altura. la Casa del pintor Stóhr. en Darmstadt. que queda así prácticamente diseñada dentro del estilo de la Secession. en 1901. El friso pictórico lleva el tema del último tiempo de la Novena Sinfonía. una gran esfera calada dorada aligera el volumen y la masa cúbica arquitectónica. equilibrio. La esfera superior. en Dusseldorf. la Casa Keller y la Casa Deiters. y es soportada. Olbrich deja Viena y se traslada a Alemania. Ese mismo año morirá de rápida enfermedad cuando se hallaba en plena madurez y creatividad. en Viena. estuvo dedicada al gran compositor alemán. con su levedad calada. En 1905-08 levanta la famosa Torre Nupcial. en Darmstadt. la Casa Olbrich. En la parte superior. las Casas Glückert. belleza y elegancia imperecedera del modernismo vienes. en la que se abre una pequeña puerta de entrada arquitrabada con escaleras de acceso. realizando en dicha ciudad obras de gran importancia. a su vez. En 1908 edifica la Casa Feinhals del Ma-nenburg en Colonia. La ornamentación es escasa. la Casa Halbich. de gran modernidad. Entre las obras realizadas por Olbrich hacia 1901 cabe citar: la Casa del poeta Hermann Bahr. de Schiller.los templos clásicos y egipcios: rectangular. donde trabaja bajo el mecenazgo del duque Ernst Ludwig Von Hessen. con el «Himno de la Alegría». El trazado de este edificio interiorizado se compone de un cuerpo principal y otro alargado hacia el fondo que parte de él. y efectúa una de sus obras finales en ios Grandes Ahnacenes Tietz. y la Casa Opel. en 1902. para lo cual el escultor Max Klinger esculpió su magnífica y célebre estatua de Beethoven que se situó en la entrada. que se instituirá como sello de la ciudad. Se establece así en el edificio un juego de masas y volúmenes geométricos. con el friso pictórico desplegado en todo su perímetro superior.

de ahí su extremada sencillez y el predominio escueto de las líneas rectas y horizontales. los muebles. los cuales fueron invitados por él a exponer en la Secession ese mismo año. Hoffmann ejecutaba. etc. siendo de 1901 sus conocidas casas del pintor Cari Molí. En 1900 viaja a Inglaterra y conoce a Mackintosh y la Escuela de Arte de Glasgow. de Koloman Moser. junto con Koloman Moser. En 1899 fue nombrado director de la Escuela Técnica de Arquitectura de Mena. en forma de volúmenes geométricos. . La huella de esta última se aprecia en el refinamiento. así como compañero de estudios de Olbrich en la Academia de Bellas Artes de Viera y cofundador de la Secession vienesa. 190405. al dejar Hoffmann el edificio en su estructura justa. así como una torre que se eleva escalonada en altura. telas. hecho importante. En 1903 funda los «Wiener Werkstätte». influyó en arquitectos racionalistas como Le Corbusier. trapecios. adosados a él. 1905-11. desornamentada. inspirados en las Arts and Crafts. como la mayoría de estos arquitectos. en 1897. pues las huellas del clasicismo italiano quedarán impresas en su obra. la armonía y la sensibilidad exquisita que lo envuelve. que fueron trascendentales dentro del diseño moderno y las artes menores. por lo que el edificio está acaso más cerca de la arquitectura cubista que de la modernista. sin embargo. creando durante muchos años su propia escuela. Hugo Henneberg y Friedrich Sptizer. suelos y mobiliario están diseñados con un exceso de dibujos y materiales. cilindros. De este cuerpo principal parten los otros. en todo caso muy avanzados de línea.JOSEPH HOFFMANN (1870-1956) Hoffmann fue también aventajado discípulo de Wagner y su colaborador. es mucho más sofisticado y recargado. en Bruselas. decorado también por Hoffmann. las decoraciones interiores de sus edificios. que difundirá su estilo internacionalmente. cubierto a dos aguas. fue edificado bajo las influencias inglesas. que dan al inmueble una simplicidad y austeridad casi monacal. Hoffmann construye numerosas casas y villas en Viena. y a Ashbee y sus “Guild of Handieran”. El interior. el Sanatorio Purkersdorf. La obra quizá más prestigiosa de Hoffmann es el Palacio Stoclet. papeles. ya que las paredes. como medios hexágonos. careciendo en cambio de la elegancia y sofisticación secessionista. Durante un tiempo reside en Italia. edificio de varios cuerpos con uno principal rectangular. Una de sus obras más logradas.

Uno de los edificios más bellos de Hoffmann. El frontis central lo hace con pilares trapezoidales acanalados. Por citarse. así como los edificios institucionales como el Pabellón de Austria para la «Deutscher Werkbund». a modo de contrafuertes. Después de hacer prácticas como albañil estudió Arquitectura entre 1890 y 1893 en la Universidad Técnica de Dresde. entre los que se establecen los v verticales. Aun después de ser conocido como arquitecto siguió escribiendo. la Casa Beer-Hoffm 190506. pues tenía un objetivo que consideraba como una misión: una arquitectura y un diseño modernos. carrera que no finalizó. Las obras de Loos a partir de 1908 son la demostración práctica de esas tesis. en el que se aprecia el influjo clásico italiano. 1913-15. 1914. ADOLF LOOS (1870-1956) Adolf Loos es uno de los arquitectos cuya obra escrita alcanza el mismo nivel que su obra construida. Como teórico podríamos decir que prefiere la modestia y la discreción a la originalidad. la fachada se estructura en tres cuerpos: los dos laterales se subdividen en pilastras acanaladas y ventanas largas verticales. entre las pueden numerosas casas particulares edificadas por Hoffmann. su verdadero descubrimiento fue el estilo . Defiende que tanto la arquitectura como las artes aplicadas deben prescindir de cualquier ornamento. Loos nació en Brno en 1870 y era hijo de un cantero. la Villa Ast. y a partir de ahí él toma partido en favor de una de esas dos posturas antagónicas. La visita a la Exposición Universal de 1893 en Chicago se amplió hasta una estancia de tres años en Estados Unidos. gran esteticismo. que le dejó huellas profundas. Podríamos decir que Loos da por sentado el enfrentamiento entre dos posturas: la belleza y la utilidad. y el Pabellón de Austria para la Bienal de Venecia. 1934. la Casa Hochstetter. los Pabellones austríacos de las Exposiciones Internacionales 1911 y 1925. A sus colegas «deformados» oponía el artesano sencillo y natural. 1909-11. prefiere la utilidad al arte y considera a la utilidad como el fin verdadero de la arquitectura. 1906-07. De planta y alzado rectangular. de último. que prefiere lo conveniente a lo novedoso. funcionales y sin ornamentos ni arte. es la Villa Skywa-Primavesi. ese origen le marcó. Loos conoció los desarrollos más recientes como la construcción en esqueleto y la arquitectura de rascacielos de la Escuela de Chicago. Sin embargo. rematándose con frontones clásicos.

recubierta de mármol. produce un efecto representativo y abstracto a la vez y revela modelos norteamericanos.de vida vital de Estados Unidos. se da un importante juego geométrico (virtuosismo). con una fachada de revoco sin ornamentación. tiene desniveles. (Le Corbusier se interesará por las obras de Loos). explicando su obra porque la sociedad del momento no la aceptaba. Aquí se aprecian los primeros pasos hacia el denominado plan espacial. Los tres primeros pisos están recubiertos con mármol . En el interior del edificio. Es un buen ejemplo de desornamentación. Plan espacial significa que no se trata tan solo de proyectar una planta. también conocida como Casa Loos. que Loos desarrolló partiendo de modelos anglosajones. Otra obra importantísima es la casa Steiner. que ilustra el rechazo de todo ornamento. Adolf Loos construyó una casa para la sastrería Goldman & Salatsch. ya proceda del historicismo o del modernismo. donde comenzó proyectando interiores de vivienda y de comercios. y en los siguientes se da una fachada completamente lisa. enfrente del Hofburg (Palacio). Cada espacio necesita la altura adecuada a su función. La cubierta es un cuarto de circunferencia. En 1909-1911. En sus obras suele utilizar los espejos como forma de ampliar el espacio. pero también una postura clasicista. Su emplazamiento en la Michaelerplatz. el contorno y las formas vienen determinados por el espacio (funcionalismo). Loos intenta una flexibilidad en el espacio. y ventanas fuertemente incisas. De dicha zona se distingue claramente el área de vivienda. Loos tuvo que dar una conferencia cuyo título era "Mein Haus am Michaelerplatz" (Mi casa en Michaelerplatz). pero por detrás hay tres). Loos se estableció en Viena. Completa desornamentación exterior. . Asimetría y frecuentes desniveles (en fachada se ven nivel y medio. La casa de la Michaelerplatz es un manifiesto en piedra. a la que acudieron dos mil asistentes. En 1896. de este modo surge un conjunto complejo e intrincado. sino que hay que tener también en cuenta la tercera dimensión. en su lugar apuesta por los materiales y las proporciones. en la superficie. la convirtió en un escándalo. El escandaloso exterior empujó la exquisita decoración y la estructura espacial a un segundo plano. con terrazas escalonadas.sastrería. Las autoridades municipales pusieron muchos impedimentos a la realización de la fachada Se encuentra en la zona comercial. Fue un edificio muy criticado. La desnudez de la fachada se cubre con vegetación.

la vivienda lo secundario». pues Loos no participó en la fundación de la Werkbund. esta dividida en dos partes simétricas. Entre las últimas obras construidas de Loos. pero los obstáculos burocráticos le hicieron abandonar. Fue. amigo suyo. así expone Loos en sus Regeinfiir die Siediung (Reglas para el poblamiento. 1920). Fue diseñada para un escritor francés de origen rumano Tristan Tzara. después de 1918 Loos se dedicó a la construcción de viviendas para obreros. Henry van de Velde (1863-1957) y Richard Riemerschmid (1868-1957): . dirigidos a los artistas modernistas Josef Hoffmann (1890-1956). Grandes muros con ventanas relativamente pequeñas. aquí no tuvo apenas encargos. desarrolló modelos para el urbanismo en los barrios periféricos. sin embargo. «Toda población parte del jardín. a la que dedicó comentarios sarcásticos. durante un año. y la superior revocada. poco antes de su muerte en 1933. Concepto de Raumplan. El jardín es lo primario.Junto a la arquitectura para la burguesía. signo de un acercamiento tardío. con títulos como «Los superfluos». siguiendo la necesidad como consecuencia de la posguerra. el director de la Oficina de Urbanismo. Para ello. con excepción de una casa para el poeta Tristan Tzara. Se limita solo al revestimiento de los pilares con planchas atornilladas de madera contrachapada. dichos modelos se basaban en el principio del autoabastecimiento. Se trasladó por un año a París. se encuentra una casa doble en la Exposición de la Werkbund austríaca. Presenta fachada de cinco pisos. la inferior acabada en piedra. le dan una presencia casi cultural.

. que debe estar libre del arte. un escrito polémico muy difundido. sino casas banales. la revista de la Secesión vienesa. Si los artistas aplicados volvieran a pintar cuadros o a barrer calles. Atacaba a los diseñadores que se portaban como si fueran artistas y que. como texto para el anuncio de una conferencia: «Adolf Loos. Lo que cueste. El arquitecto Loos es conocido por la conferencia del pasado año: Ornamento y delito. no solo en el sentido moral. Para un esteta del material como Loos. En 1910. En Ver sacrum. tiempo y dinero que suponía. Los paralelismos con la crítica de su amigo Kari Kraus de la «modernidad de la decadencia de cafetería» y la decadencia del lenguaje son evidentes. cuya primera construcción monumental fue detenida por el ayuntamiento de Viena. En la sátira Vom armen reichen Manne (El pobre hombre rico). el equivalente del manifiesto en piedra. y trozos de diente son pegotes de cemento». sin embargo. en la que nada se escapa al diseño. pues —decía— no construyen palacios. Sin embargo. nuestro tiempo es bello. se publicó en 1898 Die Potemkin'sche Stadt (La ciudad de Potemkin). Moral implícita de esta historia: el arte es el arte y el objeto de uso diario es un objeto de uso diario. Sus artículos solían tratar de arquitectura. Encontró su ideal en los comienzos del siglo XIX. «Sus detalles ornamentales. sino también en el económico. como sugirió el propio autor. En su estancia en Estados Unidos. Loos propuso al galerista berlinés Herwarth Walden. Cuando Loos escribió Ornamento y delito tenía una experiencia de diez años dedicados a escribir. Una y otra vez intentaba liberar los objetos de la vida corriente de su sobrecarga artística y representativa y devolverles una sencillez adecuada estética. Loos ponía en evidencia al tipo del arquitecto artista déspota y ridiculizaba a sus clientes. Si se consideran en un contexto su obra construida y la publicada. dará una conferencia. El «pobre hombre rico» se dirige a un famoso arquitecto y le dice: «Consígame arte. que despertó tanta polémica». la tendríamos». Buscaba la forma moderna. a las que cuelgan ornamentos. en casas de alquiler que querían ser palacios renacentistas. les reprochaba vivir por encima de sus posibilidades. con el resultado de que el «pobre hombre rico» ya no es el señor estético en su propia casa. coronas de frutos. también expresaba su opinión sobre la confección y el calzado. a los arribistas. es como si un Potemkin moderno hubiera querido convencer a alguien de que se había trasladado a una ciudad de puros nobles». Loos se volvió también contra los contemporáneos que se regodeaban en las formas modernistas. arquitecto de Viena conocido por sus ideas radicales. tan bello que no querría vivir en ninguna otra época». Se había dado a conocer al gran público en 1898 con una serie en Freie Presse. a sus ojos.«Lo que necesitamos es una cultura de ebanistas. consolas. cometían crímenes estéticos. no importa». un ataque a la arquitectura histórica de la Ringstrasse. esa farsa era insoportable. por el derroche de mano de obra. en la casa de Michaelerplatz. 1908). ver en Loos únicamente un antitradicionalista sería injusto. Y este hace de la casa una obra de arte integral. sería Omament und Verbrechen (Ornamento y delito. Loos se confesó entusiasta partidario del progreso: «Sí. funcional y social. También atacaba a los arquitectos que accedían a estos deseos. A la «plebe». «Cuando paseo por la circunvalación. en la sencilla arquitectura burguesa y en el neoclasicismo de Karl Friedrich Schinkel. El historicismo de la Ringstrasse no era su único enemigo hacia 1900.

tiene su propia denominación en esos países. Ornamento y delito se publicó sin ilustraciones. Los artículos escritos entre 1897 y 1900 los publicó en 1921 con el título resignado Ins Leeré gesprochen (Hablando en el vacío}. pues el género vendido era originario de éste. de la que era adalid excéntrico: «De las luchas de 30 años he salido victorioso: he liberado a la humanidad del ornamento superfluo». En su prólogo. . FLOREALE o LIBERTY ITALIANO El Liberty (en inglés. «El hombre moderno que se tatúa es un criminal o un degenerado». Este hecho ha provocado que Liberty sea tenido por un sinónimo. suministraron a finales del siglo XIX objetos pertenecientes a este movimiento en Italia desde Inglaterra. como prueba de una ornamentación ingenua e inocente presenta los tatuajes de Papua. Loos hizo satisfecho balance.Esta moral se repite y un elevado número de artículos se puede reducir a unas pocas tesis y tópicos. y en los Estados Unidos como estilo Tiffany. su actuación fue una lucha continua. sino también «un crimen contra la economía nacional». conocido a través de su introductor. no es solo un problema estético. ya sea tallado." que. floreal). a causa de Charles Rennie Mackintosh. la selección de fotografías muestra ejemplos de la obra construida de Adolf Loos. gracias al apoyo a los diseñadores de este nuevo estilo por parte de su propietario Arthur (Lasenby) Liberty. Loos comienza. Sin embargo. como el desarrollo de este estilo en Italia. «La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual». libertad) es un estilo artístico encuadrado dentro del movimiento conocido en España como modernismo (Art Nouveau). Pero también se ha tomado como un apelativo del modernismo del mundo anglosajón. cortado o fundido. Después pasa a tratar sus propias ideas: «Yo he llegado al siguiente convencimiento. Es evidente que con todo esto Loos se ganó enemigos. debido a Louis Comfort Tiffany[2]. si bien. el siguiente volumen (1931) se llamó Trotzdem (A pesar de todo). dando a conocer la tendencia. que me ha regalado el mundo: la evolución de la cultura es sinónimo de desaparición del ornamento de los objetos de uso diario». Procede esta denominación de los almacenes londinenses "Liberty & Co. Por un lado de Floreale (en italiano. La falta de ornamentos es lo adecuado a los tiempos modernos. de dicha ciudad. pues esclaviza a los trabajadores a realizar un trabajo inútil y mal pagado. como sucede en el caso del estilo Floreal. tomado de una cita de Nietzsche: «Lo decisivo se produce a pesar de todo». así se conoce en el Reino Unido como estilo Glasgow. tratados ya en Ornamento y delito. El gusto por el ornamento. pasando rápidamente por la evolución individual y social incluyendo la aparición del arte como origen erótico. Este estilo alcanza su madurez en la exposición de Turín de la arquitectura en 1890. con una generosa simplificación. en el momento culminante de la Nueva Arquitectura.

Ya bien formado después de años de experiencia práctica con su padre. D' Aronco ingresará en una escuela de verano del diseño en Gemona. . Después de que su vuelta a Italia. con motivos animales y vegetales. que todavía existe hoy. Udine. molduras y pequeños animales. Él terminó los artes de Gemona y la escuela de comercios después de la escuela primaria. así la pintura. una escuela para la construcción famosa por la especialización de albañiles y carpinteros. sus profesores lo impulsaron a estudiar arquitectura. Abarcaba todos los ámbitos del arte. como insectos y moluscos. Italia (ahora cerca de Austríaco frontera. En 1893. zarcillos. En la academia. que fue Raimondo d' Aronco. nervaduras forestales. Su diseño ganó la medalla de plata. y siempre haciendo uso de las líneas curvas y las formas elásticas. se vio aún más urgente la necesidad de contratar un arquitecto. Al final del año. que le enseñaron. en aquel momento parte del Imperio austríaco) en una familia de los constructores para varias generaciones. A los 14 años. aquí aprendió a experimentar libremente con la forma y el. con solo 19 años y llenos de entusiasmo. D' Aronco fue al Johanneum Baukunde. Después entró en Venecia en la Academia de Artes finos. que ganara el primer premio en un concurso. En un ambiente primaveral. la escultura y las artes aplicadas. El Sultán Abdul Hamid II aprobó los diseños pero el gran terremoto de 10 de julio de 1894 devastó la ciudad. RAIMONDO D´ARONCO 1857-1932 D' Aronco nació en 1857 en la ciudad provincial de Gemona del Friuli. y a todos los objetos de la vida cotidiana. Pero como consecuencia del terremoto. Una de sus víctimas era la exposición. en Austria adentro 1871. cómo combinar el ambiente existente con otras fuentes. las ideas de Camillo Boito eran dominantes en las clases del diseño. D' Aronco después se ofreció voluntariamente para el servicio militar y trabajó como ingeniero de fortificaciones en Turín. se representaban motivos florales. que tuvo que ser desechada. le concedieron el primer premio para la composición arquitectónica La subida de Raimondo d' Aronco a la fama en Italia comenzó con la competición del diseño para un monumento al rey Vittorio Emmanuele II construido en Roma. Academia di Belli Arti. la primera exposición de Turín de la arquitectura en 1890 y la exposición nacional de Palermo en 1891 hecho que le hace ser uno de los arquitectos jóvenes más prometedores de Italia. indefensos e insólitos. le invitaron a Estambul en donde elaborara los diseños para la exposición de Estambul de la agricultura y de la industria en 1896. Consiguió logros similares en las competiciones para 1887 Exposición de Venecia.Es un estilo armonioso inspirado en la naturaleza. y también diseño varios edificios para el gobierno y los ciudadanos. Primero le encargaron la restauración de los monumentos dañados en la vieja ciudad. que le dio experiencia en la construcción de la madera.

a través del Túnel del Galatasaray. La fuente de Abdulhamit II (1901). Fue construido por el sultán Abdul Hamid II. el bloque de apartamentos Botter es un edificio de siete pisos. Los edificios. Uno de primeros los edificios de estilo Art Nouveau en Estambul. es un taller y un edificio de residencia que diseñó para el sultán Holandés que representa un momento crucial en la arquitectura de D' Aronco. El mausoleo para el jeque religioso africano Zafir del líder (1905-1906). que él diseñó en el palacio de Yıldız. Casa de Cemil Bey en Kireçburnu (1905). Hábilmente fusiona este movimiento europeo con la arquitectura turca. el santuario fue construido inspirado en el estilo austriaco. Torre de reloj para el hospital de Hamidiye-i Etfal (1906). Mezquita de Karakoy (1903). cerca del consulado de Suecia. En edificios de Estambul se ve la huella del Art Nouveau. Jean Botter. Casa Botter (1900-1901). en el nombre de Sheikh Hamza Zafir. En su época fue el lugar más frecuentado por la alta sociedad de Estambul. En la avenida Istiklal. Se ve que en sus obras se inspira en el bizantino y otomano en su mayoría adornos. y caracterizaron por su gran su originalidad. que le llevó a la fama en la esfera internacional.. Janissary Museo y el ministerio de la agricultura (1898). - Tumba dentro del cementerio de Mezquita de Fatih(1905). Este edificio glorioso fue construido para el modisto del sultán. Alrededor en estos años. Estos 16 años con el sultán fueron los años más productivos de su vida. la presentación de los ejemplos más peculiares de la cantería y el trabajo del hierro. eran con un estilo Europeo . uno de los jeques principales del orden Şazeli. el bloque de apartamentos Botter se encuentra en un estado triste y descuidado debido a los procesos legales entre los herederos subsiguientes y el . Los más conocidos de éstos son: Pavilions del palacio de Yildiz y la fábrica de cerámica de Yildiz (1893-1907).El período de Estambul en su carrera profesional acabó solamente con la deposición del sultán Abdülhamid II en 1909. Raimondo D'Aranco introduce el movimiento Art Nouveau en Estambul. ganó la exposición internacional de Turín en la competición decorativa del diseño de las artes.

donde se reunían los ricos de Estambul y organizaban desfiles de moda. que tiene un papel importante en las relaciones otomano-Alemania. El sastre oficial del sultán. el Art Nouveau. y para ello llaman a los arquitectos más famosos de Europa. La construcción del bloque de apartamentos Botter corresponde a la época más turbulenta del imperio. el famoso arquitecto italiano Raimondo D'Aranco fue elegido.Estado. era un modisto muy conocido. El Sultán Abdulhamid. el comienzo del siglo 20. Jean Botter. Entre las numerosas casas privadas. entre ellos está Raimondo D´Aronco. Es . construye un edificio grandioso en un jardín estupendo. fue construido en el estilo arquitectónico más importante del período. El suelo y el primer piso del edificio. para mostrar su estima por él. se encuentra la Casa de Huber (1906). Para demostrar su gran poder político deciden decorar Estambul. En este caso la Casa Botter fue considerada el escenario de moda de toda Europa. que Raimondo d' Aronco diseñó. decidió construirle una casa. Rumeli. Para esta construcción.En la orilla del Bósforo. Este edificio se encuentra la mansión que pertenece a Huber Huber Baron. las otras plantas fueron dispuestas como residencias. al sur de Tarabya Bay. Pronto el edificio se convirtió en el edificio más popular de la Pera.

donde cada una fuera igual de importante.php?t=1016313 Historia del Arte Universal de los siglos XIX Y XX.com/showthread. Fuentes utilizadas El arte moderno. todavía hay muchos de sus trabajos. y un grupo de personas en diversos países. La fecha de construcción se desconoce. accesorios y un asiento de caza. en un estilo de Secessionista. Arte y ciencia se desarrollaron a la par adaptándose una a la otra y muchas veces complementándose. un edificio de aparcamiento. La tecnología crecía. 2003 . Ana María Preckeler. la tumba de la familia en Udine (1898) y la ciudad pasillo en Udine (1911-1930). La Mansión Huber se estableció en un terreno de 77 acres. Más tarde. CONCLUSIONES El siglo XIX fue una época de cambios en todos los aspectos de la vida. se desarrollaba cada vez más y se hacía dueña de la forma de vida de las diversas sociedades. Giulio Carlo Argan. es la más antigua de efecto invernadero en Turquía . en 1985. el barón Huber era un nombre importante de la sociedad del Bósforo de alta en el período Abdulhamid.skyscrapercity. En la región de su ciudad natal. el hombre trataba de buscar respuestas a pasos acelerados que transformaran las perspectivas entre lo que eran y lo que debían ser las cosas. la exposición internacional de Esposizione Internazionale de Turín. auténticamente preocupados y comprometidos por conservar y adaptarse a la nuevas condiciones de vida decidieron establecer nuevas relaciones arteciencia. o De la Rotonda.el representante de la Compañía de Krup. Akal. fue expropiada y comenzó a ser utilizada como residencia presidencial. Esta mansión pasa por muchas manos después de la familia Huber que se fue de Estambul antes de la invasión. En la mansión. incluyendo el NeoGótico cementerio principal en Cividale (1889). hay un establo. tan bien como el pavilion. de Ilusinismo a los movimientos contemporáneos. 1998 Wikipedia para buscar lo de floreale italiano y también esta página http://www. El jardín está decorado con los árboles importados del extranjero y la mayoría de los árboles son más de 150 años de edad. el toque de Raimondo D'Aranco es evidente. por su parte. Él presentó también un proyecto para el edificio de la exposición regional de Udine de 1903. Todo el terreno de la mansión está vallado excepto el edificio principal. así surge el modernismo. El d'Arte Decorativa Moderna. Editorial complutense Tomo I. En arte. pero que necesita una restauración austera. fue llevada a cabo en 1902 y ofreció muchos trabajos del art Nouveau incluyendo el edificio principal de la exposición.

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