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EL JUGENDSTIL ALEMÁN

La traducción literal de Jugendstil sería “estilo joven o de la juventud” y designa la variante del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. El término provenía del título de la revista Jugend, la cual, fundada por Georg Hirth en Munich en 1896, desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.

Influidos por las ideas reformistas de John Ruskin (18191900) y William Morris, los diseñadores del Jugendstil, como Hermann Obrist, Richard Riemerschmid y August Endell, tenían unos objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau. No sólo pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales. Compartían el optimismo de la juventud y un gran respeto por la naturaleza que trasladaron a toda su obra.

Al igual que sus contemporáneos de Bruselas y París, los diseñadores del Jugendstil se inspiraban en el funcionamiento del mundo natural que revelaban los avances en investigación científica y tecnológica. Las formas orgánicas y los motivos vegetales manieristas empleados por August Endell y Hermann Obrist, por ejemplo, estaban directamente influenciados por los estudios fotográficos de estructuras vegetales de Karl Blossfeldt (1865-1932), que reflejaban un patrón de crecimiento helicoidal, y por los dibujos botánicos de Ernst Haeckel (1834-1919). Estos detallados estudios ayudaron a comprender mejor la naturaleza, lo que permitió a los diseñadores del Jugendstil dotar a su obra de un gran sentido del dinamismo y de un fuerte desarrollo orgánico.

En Alemania, este nuevo estilo se oponía a la política artística oficial del Imperio promovida desde Berlín, y muchas regiones con la ambición de expresar su sentimiento de autonomía cultural, como Dresde, Munich, Darmstadt, Weimar y Hagen, adoptaron con entusiasmo el Jugendstil. Si este deseo de independencia artística fue un tema recurrente en las nuevas escuelas de Art Nouveau de otras ciudades europeas como Bruselas, Nancy, o incluso Glasgow, quizá fuera más evidente en Alemania.

Los diseñadores del Jugendstil estuvieron más cerca que sus contemporáneos asociados al Art Nouveau de salvar la distancia existente entre la “manufacturación artística” y la producción industrial. Se crearon numerosos talleres para producir sus diseños reformados, entre los que

cabe destacar los Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para Artistas Artesanos) en 1897 y los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst (Talleres de Dresde para Artistas Artesanos) en 1898. Estas empresas se crearon con la intención de producir artículos para el hogar usando métodos éticos de fabricación. Los objetos creados en Dresde no estaban tan elaborados y, por lo tanto, eran más baratos que los fabricados en Munich, pero seguían estando fuera del alcance del bolsillo de la familia media.

RICHARD RIEMERSCHMID
Richard Riemerschmid, jefe de diseño del taller de Dresde, adoptó un estilo simple y tradicional similar a la obra de los diseñadores del Arts & Crafts británico, como Charles Voysey. El empeño de Riemerschmid por reformar el diseño mediante la estandarización y la adopción de métodos de fabricación racionales en los Dresdener Werkstätten für Handwerkskunst tuvo una gran influencia y perteneció al grupo de Múnich conocida por Deutscher Werkbund. Este movimiento enfatizaba la sencillez de los materiales y de los revestimientos, fue una de las fuentes del modernismo del siglo XX. Entre las características de su trabajo destacan la funcionalidad y la racionalidad, el rechazo de los elementos decorativos y la influencia del diseño tradicional alemán, aunque los adornos típicos del diseño alemán casi desaparecieron de sus obras. CARACTERISTICAS DE SUS DISEÑOS: • Carente de todo adorno, intenta generar un arte artesano-mecanizado, capaz de ser producido por la industria. • Se aparta de los adornos del diseño alemán, escaseando en sus obras. • Se deshace de la línea curva y sigue los postulados de la Deutcher Werbung. • Como todos los diseñadores concibe todo como algo integral, todo genera la idea de crear un mundo más moderno. "La realidad industrial no es estéticamente fiable Obras: Casa en Hellerau

la causa del Jugendstil contó con el mecenazgo del gran duque Ernst Ludwig de Darmstadt-Hesse. Italia -1902. . popularizó la nueva estética. Alemania -1. y Bernhard Pankok. Bruno Paul diseñó audaces caricaturas y gráficos para el diario Simplicissimus. Este edificio estaba inspirado en el tradicionalismo. Francia -1. 1904 Sala de música de la Exposición Universal. trabajo. incluido el estudio Casa del Arte Decorativo de Josef Maria Olbrich (del Secession vienés). Comedor de Centro de Exposición en Turín. Su estilo en el cual basó su interés arquitectónico es el Jugendstil o Modernismo con algunas características en los detalles y la exquisitez. Entre sus proyectos destacan: 1902 Casa Lange. como la revista Jugend o Pan.900. EE.904.BRUNO PAUL Miembro fundador de Vereinigten Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos para el Arte y la Artesanía) en Múnich. Saint Louis. La exposición celebraba los logros artísticos de la Darmstädter Künstlerkolonie (Colonia de los Artistas de Darmstadt). UU. En su edificación. que eran asombrosamente modernos dentro de su simplicidad. creada con los fondos privados del gran duque en 1899. Tubinga. En Darmstadt.905. Ésta no sólo fue importante por el nuevo estilo arquitectónico cívico que promovió sino también por su apoyo a la fabricación de obras de arte. Mobiliario de la Estación Central en Núremberg en Alemania -1. La Darmstädter Künstlerkolonie comprendía al principio ocho edificios. obra y aplicación que el arquitecto germano Bruno Paul llevó a realización se destacan: Salón de caza de la Exposición Universal en París. también desempeñaron un papel importante a la hora de promover el Jugendstil. cuya Casa Lange en Tubinga (1902) estaba concebida como Gesamtkunstwerk (1). BERNHARD PANKOK El estilo lineal de Bruno Paul también fue empleado por el diseñador de Munich Bernhard Pankok. Despacho de gobierno en Bayreuth. que. como también lo estaban los interiores del Jugendstil. Alemania. entre otros. junto con Richard Riemerschmid. y siete residencias para artistas construidas para los miembros de la colonia. impulsor de la Exposición de 1901 “Ein Dokument Deutscher Kunst” (Un documento del arte alemán).

la diseñó como una obra completa de arte. desde 1886 hasta 1889. construyó su propia casa. toallas. En 1980 contrajo matrimonio con Lilly Krämer y se transladó a Munich. El convencimiento de que una buena educación artística mejoraría la economía local fue la razón por la que Van de Velde recibió el encargo de diseñar o proyectar la Weimar Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas de Weimar) en 1904. junto con Hermann Orbist. Estudió pintura en Hamburgo. cristalería. diseñadores. la promoción del Jugendstil estuvo de igual forma impulsada por el orgullo cívico y por la necesidad económica a la vez. Al principio trabajó como pintor. La tendencia alcanzó su cenit en 1900. y después se dedicó a las artes y oficios (más conocidas como “Arts & Crafts”). cubertería.En Weimar. Behrens. August Endell. muebles. Entre su círculo de amistades se encontraban Otto Julios Bierbaum. el pintor Behrens cofundó la Secesión de Munich. PETER BEHRENS En primeros del siglo destaca Peter Behrens nació en Hamburgo. a quien el conde Harry Kessler persuadió para nombrar al arquitecto y diseñador belga Henry van de Velde consejero artístico de su corte. en el año 1868. En 1860. vajilla. A partir de sus diseños se crearon desde los jardines hasta los interiores. fundado en 1907 por un grupo de promotores. Richard Dehmel y Otto Erich Hartleben. El propio Van de Velde dirigió la institución hasta 1914 (también Werkbund Institut) y. algunos de los cuales habían pertenecido al Jugendstil. Behrens aceptó la invitación del duque Ernst-Ludwig de Hesse a ser el segundo miembro de la colonia de artistas que se acababa de establecer en Darmstadt. un autodidacta. decoración. En 1901 lo sustituyó su nieto. Allí. Bruno Paul y otros el Vereinigten Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres Unidos) para la producción en serie de artículos útiles. En 1899. en un lugar conocido como Mathidenhöhe. que destacaban por su sencillez formal. en la Universidad Dusseldorf y Karlsruhe. mientras que su compromiso en las Artes y Oficios le condujo a crear. pero poco después fue desbancado por el racionalismo industrial del Deutscher Werkbund. En 1892. Frecuentaba los grupos bohemios de Munich y sentía interés por cuestiones relacionadas con la reforma de los estilos de vida. durante ese período. Alemania. lámparas. cuadros… . arquitectos y artistas. y todo lo que ellos contenían. ilustrador y calígrafo. alfombras. La arquitectura y el diseño del Jugendstil a menudo aunaban la innovación estructural y las formas naturales abstractas para crear una extraordinaria combinación de monumentalidad y luminosidad visual. el gran duque Karl Alexander de Sajonia-Weimar financió con capital privado la fundación de una Escuela de Arte en Weimar. y también contó con un mecenazgo ducal. diseñó numerosos objetos de plata y cerámicas Jugendstil.

de este hombre surgió la famosa frase “Menos es más”. contrató a Behrens como asesor artístico en 1907. Behrens supo reflejar en su propia persona y en su obra para la AEG los ideales de la DWB. Behrens. Las generaciones que le siguieron tomaron a Behrens como ejemplo y modelo a seguir en lo respectivo al diseño y la arquitectura. pero más tarde. Behrens continuó con la transformación de la identidad corporativa de AEG. e incluso del diseño de muchos edificios de las fábricas. bajo la orden de reformarla. Su fundación se vio influida por el Movimiento de Artes y Oficios. junto con la Vereinigten Werkstätten se asociaron para crear el Deutscher Werkbund (DWB). Al principio. bajo la recomendación de Paul Jordans. con otros 10 artistas e integrantes del movimiento. Como asesor artístico. En 1907. que dirigía casi todas las fábricas de AEG. del diseño de sus productos. sus anuncios. la sociedad y la cultura. Entre los nuevos miembros del profesorado que llevó a esta escuela. Colaboró también para otras empresas desde su estudio. Este hecho fue de suma importancia ya que era la primera vez en la historia de la industria en que una compañía importante daba un paso de semejante calibre y a tal escala que todavía hoy nadie ha superado.La casa Behrens marcó un momento decisivo en la vida de su creador. se encontraban Josef Bruckmüller. . estrategias de exposiciones. En 1903. como cambios en las lámparas de arco. la transformación de una sociedad clasicista en una sociedad igualitaria de masas y la rehumanización de la economía. y simbolizó su abandono del Jugendstil y su evolución hacia un diseño austero y sobrio. Entre ellos se encontraba un deseo de dedicarse a la industria como un elemento en creación. Behrens no fue ni un empleado ni un director de la AEG. desde el membrete hasta su logotipo. Max Benirschke. lo que le valió el apodo de “Mister Werkbund”. ya que supuso su retirada de los círculos artisticos de Munich. el trabajo de Behrens. tarea que resolvió de forma ejemplar. pero desde el principio sus objetivos revestían una mayor modernidad. se centró en pequeños detalles. La AEG (Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft o Compañía General de Electricidad). sino que desempeñó sus funciones como diseñador y arquitecto autónomo. Rudolf Mosselt y Fritz Hellmuth entre otros. continuó dando clases sobre diseño y arquitectura. Peter Behrens fue nombrado director de la Escuela de Artes y Oficios de Dusseldorf.

La obra se destaca fundamentalmente por su escala y por la cuidadosa utilización de los materiales. sino que aprovechó la ocasión para dotar a su edificio de un . La fábrica de turbinas AEG es uno de los edificios más significativos y un buen comienzo en aquella época por utilizar elementos industrializados en Arquitectura. en resumen. basta tomar la línea U9 del metro y bajarse en la estación Turmstrasse. se trataba únicamente de una nave industrial para albergar las grúas puente necesarias para el montaje de los grandes generadores. fortaleciendo el contraste entre muro. rotación que acentúa su figura y acrecienta su escala. Su ideología se difundió por todo el mundo a través de sus alumnos. aproximadamente 1 kilometro de Este a Oeste. el cual trabaja la arista en contacto con la esquina con una curva. El ritmo regular de su estructura metálica triarticulada presenta al llegar a la esquina. en el cual se interrumpe la piel de vidrio y se materializa el muro. Pero Behrens no se limitó a levantar una construcción utilitaria. La relación entre cerramiento y estructura es absolutamente cuidada. a unos 3 km del Reichstag. ya que sigue la línea de la calle Berlichingenstrasse. El desarrollo de una filosofía global de la forma es actualmente una máxima establecida. La “Fábrica de Turbinas” de Peter Behrens se ubica al Noroeste del centro de Berlín. En principio. Se ubica en una esquina y presenta una leve rotación en relación a la Avenida Turmstrasse. la humanización del diseño industrial.El éxito de este hombre en la primera mitad del siglo XX fue pionero. El invento de Behrens de “identidad Corporativa” influyó directamente en otras empresas como Braun. un remate. El lema de Behrens. estructura y piel. el mensaje es más importante hoy en día que en su propia época. desde allí caminar por la Avenida Turmstrasse. Para llegar.

aunque nunca superó el nivel de dignidad monumental alcanzado en esta fábrica de turbinas. Estos elementos angulares. Behrens contó con la colaboración del ingeniero Karl Bernhard. totalmente diáfana en su interior gracias a una estructura de pórticos triarticulados con vigas de celosía. la fachada lateral tiene el ritmo de un peristilo griego. articulados con bandas metálicas horizontales. 26 de anchura y unos 25 de altura. mientras que las esquinas se configuran como elementos ciegos de hormigón. y con un perfil poligonal en su remate superior. convirtiendo la fábrica en un símbolo monumental del nuevo poder económico. Behrens combinó los elementos constructivos más innovadores con recursos compositivos de inspiración clásica. y ligeramente inclinados para que la comisa superior sobresalga creando una zona de sombra. dividido verticalmente en dos plantas con sus correspondientes grúas puente. Pero es en su articulación exterior donde el edificio se muestra como una especie de templo sagrado de la producción industrial. Así. son sin embargo paredes delgadas sin ninguna función de soporte estructural. que visualmente sostienen el peso del frontón. La fachada principal presenta un gran frontón poligonal (con el logotipo de la empresa y el nombre del edificio inscritos en el tímpano) que parece descansar sobre una amplia vidriera central. . contiguo a esta nave principal hay un cuerpo más pequeño.carácter representativo de la importancia que estaba adquiriendo tanto la propia compañía como la producción industrial en general. En el desarrollo de esta estructura. El edificio se compone de dos cuerpos: el más grande es una extensa nave de 207 metros de longitud. Behrens aplicó al resto de los edificios industriales de la AEG esta misma disposición a base de estructuras metálicas ligeras flanqueadas por esquinas macizas. en cuyos soportes verticales se apoyan los carriles de las grúas puente. con los grandes entrepaños continuos de vidrio ligeramente retranqueados con respecto a los soportes metálicos.

con las vicisitudes y contradicciones de esa unión al tiempo feliz y desgraciada. en 1854. . Los inmensos salones barrocos de los palacios de Schónbrunn y Hofburg. como su monarca. y. y el asesinato de su esposa Sissi. y la creación del Imperio Austro-Húngaro. las pérdidas de parte de sus territorios italianos. en la ciudad suiza de Genova. son solamente un eco de su antiguo esplendor. relieves. las luchas contra Pru-sia (Sadowa. con el fusilamiento de su hermano el emperador de México. emperador de doble corona del Imperio Austro-Húngaro. finalmente. van a ir apagándose poco a poco. las guerras contra el emperador de Francia Napoleón III (Magenta y Solferino). con su recargado y rutilante decorado de estucos. pinturas y dorados. en 1867. el matrimonio con la emperatriz bávara Sissi. en todo su lujo y boato. y del girar incesante de sus valses. para terminar. las sublevaciones húngaras. lo más doloroso y triste el trágico suicidio de su hijo y heredero el príncipe Rodolfo. Por la mente del emperador discurren los sucesos fundamentales de todos esos años: su coronación en 1848. sus grandes lámparas de araña brillando en todo su fulgor. Aquellos hermosos salones palaciegos que tantos días vivieron de grandeza y de gloria acompañados de la bella música de los Strauss.LA SECESSION AUSTRIACA CONTEXTO HISTORICO Después de medio siglo de reinado. a manos de un anarquista. Francisco José I. del hombre todopoderoso que un día fue. es tan sólo la sombra de sí mismo. en 1867. en Mayerling 1889. 1866). en 1898.

hecho que desencadena la Primera Guerra Mundial. Y es preludio de otra era que comienza. El cruce de los siglos supone el canto final del cisne. ya n serán las sinfonías de los clásicos Haydn y Mozart. a los alegres valses y operetas de Franz Lehár y dejohann y josef Strauss. Es el final de un siglo y el comienzo de otro que. que puja por aparecer. En el caso de Francisco José I. la cual será creada por la Escuela de Viena. aunque los «Heder» de Schubert. con otro final de siglo. Viena nunca perderá su fontanal creatividad. decadentista y sofisticado surge un arte que preanuncia la nueva época que se avecina: la Secession Austríaca. pero ni él ni sus súbditos lo saben con certeza todavía. su sobrino Francisco Fernando. pintor esencialmente modernista. extendida a nivel mundial. que elevan sus impresionantes cumbres hacia el celaje. En música. en 1914. que compone en un neorromanticismo tardío muy innovador. marcados trágicamente por el destino. Osear Kokoschka. el XVIII. y de la emperatriz María Teresa. de Carlos I de España y V de Alemania. en 1900. Antón Weber y Alban Berg. el término del imperio y de la monarquía no llevará la violencia revolucionaria que acompañó a la francesa. Francisco José se acaba. hija de la emperatriz Ma Teresa. cuya larga vida se prolonga hasta 1980. En este ambiente finisecular. vendrá de la mano de una de las más cruentas guerras habidas en la Historia. acompañado de los melancólicos «Heder» de Schubert. y de una desmembración del mapa europeo de trágicas consecuencias a lo largo de todo el siglo XX. de las escarpadas y altísimas cordilleras de los Alpes. Como si presintiera todo lo que va a ocurrir. la dodecafónica. continuando presentes los románticos y melancólicos «Heder». serpenteados por las aguas fluviales del Danubio. nunca olvidados.Y así. No en balde otra austríaca antecesora suya. fue guillotinada por el pueblo en aquellos años postreros del siglo XVIII. Francisco José I. la reina Ma Antonieta. acaso como expresión nostálgica de un pueblo que presiente la pérdida de su gloria. la del «Antiguo Régimen». no exento de nostalgia y reminiscencias bizantinas. y sobre todo con otro modo de entender la vida y la política. para poco a poco ir prevaleciendo los nuevos tiempos que vendrán acompañados de un cambio de decorado en todos los escenarios. también se bailen presentes. pero al final. ambos representantes de la pintura expresionista de vanguardia. No obstante. de los románticos rehoyen y Schubert y del postromántico Bruckner. le sitúa. Schumann y Wolf. en dolorosa paradoja. el imperio más grande del mundo comienza su ocaso. cuando realmente acontece en 1919. no es ya más que un símbolo de una época que concluye. al igual que lo es su vida y la vida de todos sus descendientes. como se acaba su imperio. Tres pintores austríacos serán asimismo símbolos de la ruptura con el pasado y adalides de la nueva pintura contemporánea: Gustav Klimt. Viena será ahora la cuna de una nueva concepción musical. Los primeros años del siglo XX embridan todavía a las dos formas culturales. y con otro final de dinastía. el heredero de Maximiliano I. manteniéndose maestros como Gustav Mahler. en la Viena de 1900. con el triunfo de la asonancia sobre la clásica melodía. trayendo con ella una serie de cambios drásticos que van a afectar todos los ámbitos de la vida. en Francia. Tan sólo le separan diecinueve años del definitivo final del imperio y catorce del asesinato del próximo heredero. de los antiguos glaciares con sus nieves perpetuas. siendo ahora sus nuevos creadores Hugo Wolf y el mismo Mahler. tan ensamblados al alma germánica. que destaca por su arte esteticista y decorativista. los que dirijan la música austríaca. la de los Borbones. Otros pintores expresionistas de la época de . tan ligados a Viena. y Egon Schiele. en Sarajevo. de los intrincados y tupidos bosques que pueblan las llanuras y montañas austríacas. con sus creadores Arnold Schónberg.

ensamblando las formas geométricas en un juego equilibrado de volúmenes. escultores. Beer-Hofmann. La literatura austríaca secundará los movimientos artísticos y musicales. y ello le dota de gran personalidad y le diferencia enormemente de los otros modernismos. su lema inefable. Olbrich y Hoffrnann. austero y depurado. en cierto modo una arquitectura cubista que recoge las inquietudes del momento histórico. de trascendencia universal por los importantes descubrimientos realizados en la «psique» humana. Arthur Schnitzler. El Secessionismo aplica en segundo lugar la línea cura. formando uno de los centros artísticos y culturales más relevantes del momento. diseñadores. cúbicos. estilizada y ornamental. fundadores del movimiento en 1897. Adolf Loos. y Otto Wagner. Joseph Hoffnann. miembros también del modernismo pictórico de la Secession. Félix Dórmann. uno de sus míticos componentes y más activos colaboradores. Herbert Boeckl. que acabará sumándose posteriormente a sus alumnos. que tanta fuerza tuvieron en los siglos XVII y XIX. CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA VIENESA De la misma manera que el dodecafonismo abandona la melodía tradicional y se adentra en la música asonante. adelantándose unos años al Cubismo pictórico. Por último. que no es propiamente modernista. Un cuarto constructor. se reunirán en cultivadas tertulias intelectuales en los famosos cafés vieneses. que habían sembrado Cezanne y Seurat. Von Hofmannsthal. A cada arte su libertad». Félix Salten. el «Super yo» y el «Ello». Von Andrian. Hermann Bahr. citar una figura fundamental en la Viena de 1900. como el filósofo Wittgenstein y los literatos Ferdinand Von Saar.. solamente comparable con París. El Secessionismo tiene como nota primordial. esféricos.esplendor de Viena son: Max Oppenheimer. pero que irá unido al grupo precisamente por ser su “oponente” destacará con una arquitectura claramente prerracionalista. Antón Kolig. Sigmun Freud. maestro de los anteriores. especialmente los representantes de la «Joven Viena». también reúne a pintores. Entre ellos destaca el mencionado Gustav Klimt. Koloman Moser y Cari Molí. con su clásica estructuración de la misma en tres niveles: el «Yo». ricas y abigarradas. novelistas y ensayistas. para iniciar un estilo arquitectónico purista. Surge con ello una arquitectura avanzada que será precursora de la arquitectura funcional o racionalista europea. Antón Faistauer. que además fue pintor. Karl Kraus. Richard Gerstl y el mencionado músico Arnold Shónberg. de tanta importancia en el siglo XX. repercutiendo enormemente en la arquitectura contemporánea. «A cada época su arte. como el «Café Griensteidl». construida por Olbrich. en el mundo del arte la Secession austríaca se aleja de las antiguas construcciones barrocas y eclécticas. La Secession vienesa la forma no sólo un conjunto de arquitectos como Wainter. e incluso a músicos y literatos. además de Max Kurzweil. Albert Gütersloh. Félix Harta. etc. Los artistas del grupo se reunirán y harán exposiciones en el edificio de la sede institucional. Poetas. La revista Ver Sacmm (Primavera Sagrada) será su órgano de difusión intelectual. todo lo cual hará de Viena una ciudad fascinante y única culturalmente. Tres arquitectos formarán principalmente la tríada modernista de la Secession vienesa: Joseph Olbrich. y la decoración sinuosa. La Secession vienesa no tendrá una . decoradores. que hará de la construcción secesionista. como elemento añadido. Franz Werfel y Ro-bert Musil. donde se argumentará sobre lo más innovador y actual del momento. que emplea en sus estructuras principalmente la línea recta y la concepción ortogonal y arquitrabada.

predomina la sobriedad formal. pero no era un movimiento exactamente modernista. teniendo como objetivo el llamado Gesamtkunstwerk o “obra de arte total”. político. sin embargo. siendo su capital. como no podía ser de otra manera. económico. Si que está incluido en el mismo periodo. Los portavoces de este movimiento son: Gustav Andri y Joseph Maria Olbrich (arquitecto) entre otros. La Secesión vienesa es el estilo modernista austríaco buscaban el regreso a las formas y estilos del pasado. religioso. apoyo económico y expansión por el resto de Europa. En esta época. La Secesión fue fundada dentro de la Vereinigung Bildender Künstler Österreich que es la Asociación de los artistas de las artes visuales en Austria. en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del vanguardismo. Ferdinand Aunque la secesión es incluible en el modernismo. todo muy geometrizado y equilibrado. el cual también daba mucha importancia a la tipografía. monárquico.. en la secesión. El llamado Pabellón de la Secesión de Viena o directamente “Secession” fue construido en 1897 por Joseph Maria Olbrich para albergar las exposiciones del grupo de la Secesión. El movimiento austríaco se definía por la seriedad formal. ya que la era industrial estaba llegando a Europa y temían que el arte se “industrializara”. en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo. Es el periodo más brillante para Austria. e incluso cierta severidad. la cuna del psicoanálisis. término inventado por Richard Wagner refiriéndose a un arte que aunara a todas las demás.. que contrastan con un ambiente idealista. Koloman Moser. el lugar escogido para las exposiciones de sus artistas se construyó ahí. aunque se busca la elegancia. sus semillas habían quedado germinadas hondamente en el arte europeo del siglo XX. la severidad y la elegancia. Viena fue la sede de este movimiento y. sólo lo he hecho por compararlo con España. Le he llamado modernista. Este periodo fue el más deslumbrante que vivió el país. con muchísima producción artística. Klimt. Viena. . corresponde señalar que presenta importantes diferencias con el coetáneo Art Nouveau y con otros estilos semejantes al Art Nouveau (el Liberty o floreale italiano o el modernismo español por ejemplos). Austria sufre de problemas en todos los sectores: social. pero la Secesión creó el estilo Secesion (se llamó así porque “rompieron” con lo establecido).vida muy larga: hacia 1905 prácticamente quedará disuelta. Era un arte estilizado y muy abstracto.

No quieren imitar al arte exterior. pero sí que les sirva de inspiración y análisis. Un arte propio. En su libro de texto. Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. él diseñó y construyó estructuras que reflejaban la función pretendida. afirmaba que las "nuevas tareas y perspectivas humanas exigían un cambio o reconstitución de formas preexistentes". Wagner estaba muy interesado en el planeamiento urbanístico en 1890 se hace cargo del diseño de un nuevo plano para la ciudad de Viena. Sus diseños iniciales están directamente relacionados con el historicismo. La tipografía es un elemento determinante. Su concepción del diseño urbano. el Wiener Stadtbahn. Los arquitectos más importantes de la secesión vienesa son Otto Wagner. sus estudios discurren en la Königliche Baukademie de Berlín y la Akademie der bildenden Künste de Viena. Bajo esta concepción concede gran importancia al edificio en relación con la ciudad y su funcionalidad. dándoles mucha importancia al orden. La decoración es modernista. pero sólo se construyó la red de ferrocarril urbano. concediendo especial importancia a la plaza y las calles A mediados de la década de los noventa. término acuñado por Richard Wagner para denominar a un arte que condensara las destrezas de todas las demás. el equilibrio y la geometrización (el cuadrado y el cubo son repetidos continuamente). en la que expresaba sus ideas sobre el papel del arquitecto. Su objetivo estético final era la "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk. se traducía en la creación de espacios abiertos y una distribución ordenada en escuadra. OTTO WAGNER (1841-1918) Nacido en el seno de una familia acomodada. sin servilismos extranjeros.Los trabajos son muy estructurados. Su estilo incorporó el uso de nuevos materiales y nuevas formas para reflejar el hecho de que la propia sociedad estaba cambiando. . compositivo y comunicativo. A pesar de las influencias que recibe durante su formación. Como profesor en la Academia de Artes Plásticas apostó por la creación de nuevos conceptos arquitectónicos. empapada del estilo barroco y renacentista. coincidiendo con la implantación y el despegue de este estilo arquitectónico. su trabajo representa el paso hacia las nuevas tendencias que impone el modernismo. ya había diseñado varios edificios en Jugendstil. En la búsqueda de este ideal. ni naturalista sino estilizada y abstracta. esta tiene un valor formal. como el austero bloque de apartamentos Neustiftgasse en Viena. le dan gran importancia a la letra. Joseph Maria Olbrich. Hoffmann y Adolf Loos. idea que trasladó a su publicación en 1896. se basaba en el texto de su discurso inaugural de ingreso en la Academia del año 1894. ni orgánica. libro titulado Arquitectura Moderna.

un cuerpo central de columnas y dos laterales sobresalientes. Josef Hoffmann y de J. 1895-98. del cual sólo efectúa una parte. formando dos edificios de pequeño tamaño y cuerpo rectangular. inmueble de dos pisos. finalmente. que llevan en su decoración líneas rectas alargadas y pequeños óculos. 1895-98. Las más conocidas son las dos entradas del Metro de la Karlplatz. Olbrich. la hermosa capital austríaca. Otras estaciones de Metro construidas por Wagner son: Hernals. gran parte de las bocas de Metro que todavía decoran. La sencillez y la simetría son los elementos dominantes en el diseño de estas bocas de Metro de la Karlplatz. trabajo que obtuvo mediante concurso público. Defendió a los jóvenes artistas de la Sezession. En sus inicios es todavía ecléctico e historicista. situadas junto a la iglesia barroca de Karlkirche. en las que el uso de la línea curva es suave y atenuado. cuyo interior estaba lujosamente decorado por ser la estación de uso real para acceder al palacio. Las casas van rematadas con un alero que Wagner habitualmente establecía en sus inmuebles. de planta circular. con su frágil y bella estructura de colores verdes y blancos. Stadpark. Wagner ejecuta también. dejando el hierro visto en los elementos estructurales. el Edificio de Control y el Puente. 1898-99. 1896. manteniéndose la estructura en la línea sobria y depurada del Modernismo vienes. empezando posteriormente a construir en un modernismo con estructuras ortogonales y rectas. . Las primeras edificaciones modernistas de Wagner las realiza en las obras de trazado e infraestructura de la ciudad de Viena. rematados por un cuerpo central abovedado en arco de medio punto. Ello se puede contemplar en sus famosas Casas de Linke Wienzeile. la Canalización del Danubio e inmuebles adyacentes.Fue maestro y amigo de Adolf Loos. dentro de ese plan de ordenación promovido por el emperador Francisco José. de 1894-8. con cúpula semiesférica sobre base octogonal. hizo la Estación de Schónbrunn. con ventanas verticales alargadas. más conocidas como MajolicaHaus. como la Esclusa de Nussdorfer Nadelwehr. 1890. y Nussdorferstrasse. y se acercó a sus postulados en obras como las estaciones de metro de Viena. utilizando la decoración vegetal con profusión y elegancia. 1895-98. cuyo frontón va decorado con placas de cerámicas con motivos florales.

La Caja Postal es un importante edificio rectangular de cinco pisos. en el que se abren numerosas ventanas desornamentadas establecidas con ritmo redundante.Las obras más relevantes de madurez de Otto Wagner son: la Caja Postal de Ahorros de Viena. revestido de mármol blanco. El monumento tiene planta de cruz latina y se eleva como cuerpo compacto. 1912-13. El interior . en Viena. y la Casa Wagner II. Se trata de un inmueble en el que predomina de nuevo la forma cúbica. El bloque se erige como masa cubica arquitectónica con fachada en placas de cerámicas superpuestas y adornos a base de pernos que dan una impresión general de claveteado. 1905-07. En sus cuatro fachadas se abren vanos rematados con arcos de medio punto que aligeran la densidad del edificio. Wagner diseñó también todo el mobiliario. 1905-07. Cuatro pequeños torreones rematan las esquinas. aún más resaltada dada la ubicación exenta. y rodeada de jardines que mantiene. las tres en Viena. la Iglesia de Am Steinhof. en alto. del que emerge una enorme y gruesa cúpula semiesférica de cobre. Su interior posee una gran sala central con bóveda acristalada y arca rebajado. Posiblemente la obra más deslumbrante y prestigiosa de Wagner sea la Iglesia de Am Steinhof. 1904-06.

guarda similitudes con las naves de . cinturón urbano mandado construir en la segunda mitad del siglo XIX por Francisco José I. se educa en la Academia de Bellas Artes de Viena. muy cercano a la circunvalación del «Ring». Entre los artistas que participaron activamente en su ejecución se encuentra el pintor Gustav Klirnt. autor del bello fresco de Beethoven que decora una de las habitaciones principales del edificio. La iglesia guarda reminiscencias con la Sede de la Secession. el que le da la fama y le proyecta como uno de los pioneros de la moderna arquitectura. que siente la impresión de hallarse ante una construcción trascendental. constituyendo un eslabón de enlace entre la arquitectura tradicional y la moderna hacia la que se proyecta. Olbrich (1867-1908) El segundo arquitecto vienes. sumergirse en la fascinación del misterio y concentrarse en su interior. rematándose por un gran alero superior. la Casa Wagner II se eleva señorial en forma de volumen rectangular cúbico. Olbrich. y por ello podría encuadrarse dentro de lo que se ha denominado arquitectura cubista que enlaza. año en el que la iglesia se acaba. roto por una «loggia» esquinada y los vanos correspondientes a sus tres pisos. así como uno de sus más directos colaboradores. de forma vertical alargada.está asimismo decorado por Wagner. construida por Olbrich en 1898. sin duda el edificio más importante de Olbrich y posiblemente de toda la Secession vienesa. en lo que será el «Sancta sanctorum» del arte modernista vienes. Situado en el entonces extrarradio de Viena. Wagner se define como un gran constructor con estas tres obras. como el resto de la construcción. la cual. Olbrich es uno de los fundadores de la Secession vienesa junto con Hoffmann. con el Cubismo pictórico y escultórico a punto de aparecer en 1907. El aura espiritual que envuelve al inmueble hace según la necesidad de recogerse. a través del espacio. recuerda inmediatamente a los antiguos templos egipcios con su arcano hálito divino. Joseph M. siendo uno de los alumnos más apreciados de Otto Wagner. Su imponente masa cúbica cerrada. las decoraciones se realizan con dibujos geométricos siguiendo la configuración de friso. sí en los proyectos ideológicos del mismo. y será el constructor del Edificio de Exposiciones de la Secession. el monumento impresiona al espectador. los cuales pretendieron dotar a la sede de una significación casi sobrenatural y religiosa. 1897-08. con escasos vanos. si no en su realización efectiva. en 1897. sino provocado por el arquitecto y los numerosos colaboradores que cooperaron. Este efecto no es aparente y casual. Finalmente.

Entre las obras realizadas por Olbrich hacia 1901 cabe citar: la Casa del poeta Hermann Bahr. La fachada delantera posee forma cúbica rectangular cerrada. hecho que tuvo gran repercusión en la arquitectura europea. con su levedad calada. en 1902. Olbrich deja Viena y se traslada a Alemania. por Olbrich. la Casa del pintor Stóhr. con el friso pictórico desplegado en todo su perímetro superior. que se distribuyen en forma de friso. estuvo dedicada al gran compositor alemán. una gran esfera calada dorada aligera el volumen y la masa cúbica arquitectónica. En 1905-08 levanta la famosa Torre Nupcial. Se establece así en el edificio un juego de masas y volúmenes geométricos. en Dusseldorf. de gran modernidad. las Casas Glückert. Ejecuta así. La XIV Exposición de la Secession. en la que se abre una pequeña puerta de entrada arquitrabada con escaleras de acceso. En la parte superior. parece suspender en el espacio toda la simetría. donde trabaja bajo el mecenazgo del duque Ernst Ludwig Von Hessen. con el «Himno de la Alegría». en Darmstadt. en Darmstadt. y efectúa una de sus obras finales en ios Grandes Ahnacenes Tietz. La ornamentación es escasa. y es soportada. El trazado de este edificio interiorizado se compone de un cuerpo principal y otro alargado hacia el fondo que parte de él. la Casa Keller y la Casa Deiters.los templos clásicos y egipcios: rectangular. que se instituirá como sello de la ciudad. limitándose a formas lineales vegetales geométricas. en Viena. belleza y elegancia imperecedera del modernismo vienes. y la Casa Opel. a su vez. la Casa Halbich. de casi cincuenta metros de altura. por un basamento cuadrado cúbico con cuatro torreones. que queda así prácticamente diseñada dentro del estilo de la Secession. En 1908 edifica la Casa Feinhals del Ma-nenburg en Colonia. la Casa Olbrich. La esfera superior. la Colonia de Artistas y su Sala de Exposiciones. muy alta. en 1901. para lo cual el escultor Max Klinger esculpió su magnífica y célebre estatua de Beethoven que se situó en la entrada. realizando en dicha ciudad obras de gran importancia. a Casa Christiansen. cúbicos y esféricos. El friso pictórico lleva el tema del último tiempo de la Novena Sinfonía. . de Schiller. Ese mismo año morirá de rápida enfermedad cuando se hallaba en plena madurez y creatividad. En 1899. las Casas para los artistas y algunas dependencias del Palacio del Duque. equilibrio.

en todo caso muy avanzados de línea. Una de sus obras más logradas. por lo que el edificio está acaso más cerca de la arquitectura cubista que de la modernista. Durante un tiempo reside en Italia. hecho importante. cubierto a dos aguas. es mucho más sofisticado y recargado. fue edificado bajo las influencias inglesas. el Sanatorio Purkersdorf. como la mayoría de estos arquitectos. inspirados en las Arts and Crafts. desornamentada. decorado también por Hoffmann. así como compañero de estudios de Olbrich en la Academia de Bellas Artes de Viera y cofundador de la Secession vienesa. telas. Hugo Henneberg y Friedrich Sptizer. pues las huellas del clasicismo italiano quedarán impresas en su obra. las decoraciones interiores de sus edificios. adosados a él. la armonía y la sensibilidad exquisita que lo envuelve. Hoffmann ejecutaba. La obra quizá más prestigiosa de Hoffmann es el Palacio Stoclet. 190405. de ahí su extremada sencillez y el predominio escueto de las líneas rectas y horizontales. suelos y mobiliario están diseñados con un exceso de dibujos y materiales. ya que las paredes. influyó en arquitectos racionalistas como Le Corbusier. papeles. edificio de varios cuerpos con uno principal rectangular. El interior. careciendo en cambio de la elegancia y sofisticación secessionista. en forma de volúmenes geométricos. La huella de esta última se aprecia en el refinamiento. así como una torre que se eleva escalonada en altura. En 1899 fue nombrado director de la Escuela Técnica de Arquitectura de Mena. etc. Hoffmann construye numerosas casas y villas en Viena. trapecios. que dan al inmueble una simplicidad y austeridad casi monacal. En 1900 viaja a Inglaterra y conoce a Mackintosh y la Escuela de Arte de Glasgow. De este cuerpo principal parten los otros. los cuales fueron invitados por él a exponer en la Secession ese mismo año.JOSEPH HOFFMANN (1870-1956) Hoffmann fue también aventajado discípulo de Wagner y su colaborador. en Bruselas. cilindros. y a Ashbee y sus “Guild of Handieran”. creando durante muchos años su propia escuela. de Koloman Moser. al dejar Hoffmann el edificio en su estructura justa. . los muebles. siendo de 1901 sus conocidas casas del pintor Cari Molí. En 1903 funda los «Wiener Werkstätte». que difundirá su estilo internacionalmente. 1905-11. que fueron trascendentales dentro del diseño moderno y las artes menores. en 1897. como medios hexágonos. junto con Koloman Moser. sin embargo.

la Casa Hochstetter. entre las pueden numerosas casas particulares edificadas por Hoffmann. funcionales y sin ornamentos ni arte. Loos nació en Brno en 1870 y era hijo de un cantero. los Pabellones austríacos de las Exposiciones Internacionales 1911 y 1925.Uno de los edificios más bellos de Hoffmann. Loos conoció los desarrollos más recientes como la construcción en esqueleto y la arquitectura de rascacielos de la Escuela de Chicago. 1934. entre los que se establecen los v verticales. su verdadero descubrimiento fue el estilo . en el que se aprecia el influjo clásico italiano. 1914. Por citarse. ese origen le marcó. así como los edificios institucionales como el Pabellón de Austria para la «Deutscher Werkbund». carrera que no finalizó. La visita a la Exposición Universal de 1893 en Chicago se amplió hasta una estancia de tres años en Estados Unidos. y a partir de ahí él toma partido en favor de una de esas dos posturas antagónicas. ADOLF LOOS (1870-1956) Adolf Loos es uno de los arquitectos cuya obra escrita alcanza el mismo nivel que su obra construida. a modo de contrafuertes. El frontis central lo hace con pilares trapezoidales acanalados. Podríamos decir que Loos da por sentado el enfrentamiento entre dos posturas: la belleza y la utilidad. Las obras de Loos a partir de 1908 son la demostración práctica de esas tesis. Defiende que tanto la arquitectura como las artes aplicadas deben prescindir de cualquier ornamento. Sin embargo. Como teórico podríamos decir que prefiere la modestia y la discreción a la originalidad. Después de hacer prácticas como albañil estudió Arquitectura entre 1890 y 1893 en la Universidad Técnica de Dresde. la fachada se estructura en tres cuerpos: los dos laterales se subdividen en pilastras acanaladas y ventanas largas verticales. que prefiere lo conveniente a lo novedoso. la Villa Ast. Aun después de ser conocido como arquitecto siguió escribiendo. rematándose con frontones clásicos. de último. prefiere la utilidad al arte y considera a la utilidad como el fin verdadero de la arquitectura. que le dejó huellas profundas. gran esteticismo. la Casa Beer-Hoffm 190506. 1906-07. y el Pabellón de Austria para la Bienal de Venecia. 1909-11. es la Villa Skywa-Primavesi. 1913-15. A sus colegas «deformados» oponía el artesano sencillo y natural. pues tenía un objetivo que consideraba como una misión: una arquitectura y un diseño modernos. De planta y alzado rectangular.

Loos intenta una flexibilidad en el espacio. el contorno y las formas vienen determinados por el espacio (funcionalismo). con una fachada de revoco sin ornamentación. En sus obras suele utilizar los espejos como forma de ampliar el espacio. Fue un edificio muy criticado. Loos se estableció en Viena. enfrente del Hofburg (Palacio). a la que acudieron dos mil asistentes. también conocida como Casa Loos. Cada espacio necesita la altura adecuada a su función. En 1896. pero también una postura clasicista. Otra obra importantísima es la casa Steiner. produce un efecto representativo y abstracto a la vez y revela modelos norteamericanos. en su lugar apuesta por los materiales y las proporciones. en la superficie. Las autoridades municipales pusieron muchos impedimentos a la realización de la fachada Se encuentra en la zona comercial. Es un buen ejemplo de desornamentación. pero por detrás hay tres). La cubierta es un cuarto de circunferencia.sastrería. con terrazas escalonadas. La desnudez de la fachada se cubre con vegetación. que ilustra el rechazo de todo ornamento. En el interior del edificio.de vida vital de Estados Unidos. tiene desniveles. y en los siguientes se da una fachada completamente lisa. donde comenzó proyectando interiores de vivienda y de comercios. . Completa desornamentación exterior. La casa de la Michaelerplatz es un manifiesto en piedra. la convirtió en un escándalo. Asimetría y frecuentes desniveles (en fachada se ven nivel y medio. Loos tuvo que dar una conferencia cuyo título era "Mein Haus am Michaelerplatz" (Mi casa en Michaelerplatz). de este modo surge un conjunto complejo e intrincado. ya proceda del historicismo o del modernismo. Aquí se aprecian los primeros pasos hacia el denominado plan espacial. De dicha zona se distingue claramente el área de vivienda. explicando su obra porque la sociedad del momento no la aceptaba. Su emplazamiento en la Michaelerplatz. y ventanas fuertemente incisas. se da un importante juego geométrico (virtuosismo). En 1909-1911. Plan espacial significa que no se trata tan solo de proyectar una planta. (Le Corbusier se interesará por las obras de Loos). recubierta de mármol. Adolf Loos construyó una casa para la sastrería Goldman & Salatsch. sino que hay que tener también en cuenta la tercera dimensión. que Loos desarrolló partiendo de modelos anglosajones. El escandaloso exterior empujó la exquisita decoración y la estructura espacial a un segundo plano. Los tres primeros pisos están recubiertos con mármol .

Henry van de Velde (1863-1957) y Richard Riemerschmid (1868-1957): . así expone Loos en sus Regeinfiir die Siediung (Reglas para el poblamiento. amigo suyo. el director de la Oficina de Urbanismo. Se limita solo al revestimiento de los pilares con planchas atornilladas de madera contrachapada. El jardín es lo primario. aquí no tuvo apenas encargos. después de 1918 Loos se dedicó a la construcción de viviendas para obreros. con excepción de una casa para el poeta Tristan Tzara. Fue. pues Loos no participó en la fundación de la Werkbund. se encuentra una casa doble en la Exposición de la Werkbund austríaca. y la superior revocada. Grandes muros con ventanas relativamente pequeñas. Presenta fachada de cinco pisos. dichos modelos se basaban en el principio del autoabastecimiento. 1920). poco antes de su muerte en 1933. Concepto de Raumplan. Para ello. Entre las últimas obras construidas de Loos. la inferior acabada en piedra.Junto a la arquitectura para la burguesía. siguiendo la necesidad como consecuencia de la posguerra. esta dividida en dos partes simétricas. a la que dedicó comentarios sarcásticos. le dan una presencia casi cultural. la vivienda lo secundario». con títulos como «Los superfluos». Se trasladó por un año a París. sin embargo. Fue diseñada para un escritor francés de origen rumano Tristan Tzara. «Toda población parte del jardín. signo de un acercamiento tardío. dirigidos a los artistas modernistas Josef Hoffmann (1890-1956). durante un año. pero los obstáculos burocráticos le hicieron abandonar. desarrolló modelos para el urbanismo en los barrios periféricos.

nuestro tiempo es bello. «Cuando paseo por la circunvalación. la revista de la Secesión vienesa. ver en Loos únicamente un antitradicionalista sería injusto. un ataque a la arquitectura histórica de la Ringstrasse. dará una conferencia. tiempo y dinero que suponía. arquitecto de Viena conocido por sus ideas radicales. Una y otra vez intentaba liberar los objetos de la vida corriente de su sobrecarga artística y representativa y devolverles una sencillez adecuada estética. sin embargo. es como si un Potemkin moderno hubiera querido convencer a alguien de que se había trasladado a una ciudad de puros nobles». la tendríamos». que despertó tanta polémica». a las que cuelgan ornamentos. También atacaba a los arquitectos que accedían a estos deseos. El arquitecto Loos es conocido por la conferencia del pasado año: Ornamento y delito. no solo en el sentido moral. Loos propuso al galerista berlinés Herwarth Walden. El historicismo de la Ringstrasse no era su único enemigo hacia 1900. A la «plebe». en la casa de Michaelerplatz. Para un esteta del material como Loos. . sino también en el económico. con el resultado de que el «pobre hombre rico» ya no es el señor estético en su propia casa. Sin embargo. y trozos de diente son pegotes de cemento». por el derroche de mano de obra. Loos ponía en evidencia al tipo del arquitecto artista déspota y ridiculizaba a sus clientes. En Ver sacrum. Los paralelismos con la crítica de su amigo Kari Kraus de la «modernidad de la decadencia de cafetería» y la decadencia del lenguaje son evidentes. Lo que cueste. a los arribistas. Sus artículos solían tratar de arquitectura. tan bello que no querría vivir en ninguna otra época». «Sus detalles ornamentales. un escrito polémico muy difundido. a sus ojos. En su estancia en Estados Unidos. Moral implícita de esta historia: el arte es el arte y el objeto de uso diario es un objeto de uso diario. El «pobre hombre rico» se dirige a un famoso arquitecto y le dice: «Consígame arte. se publicó en 1898 Die Potemkin'sche Stadt (La ciudad de Potemkin). Buscaba la forma moderna. el equivalente del manifiesto en piedra. como texto para el anuncio de una conferencia: «Adolf Loos. Se había dado a conocer al gran público en 1898 con una serie en Freie Presse.«Lo que necesitamos es una cultura de ebanistas. Cuando Loos escribió Ornamento y delito tenía una experiencia de diez años dedicados a escribir. cometían crímenes estéticos. En 1910. esa farsa era insoportable. Encontró su ideal en los comienzos del siglo XIX. Si los artistas aplicados volvieran a pintar cuadros o a barrer calles. como sugirió el propio autor. funcional y social. consolas. sería Omament und Verbrechen (Ornamento y delito. Loos se volvió también contra los contemporáneos que se regodeaban en las formas modernistas. Si se consideran en un contexto su obra construida y la publicada. que debe estar libre del arte. les reprochaba vivir por encima de sus posibilidades. Y este hace de la casa una obra de arte integral. en la que nada se escapa al diseño. también expresaba su opinión sobre la confección y el calzado. sino casas banales. no importa». 1908). cuya primera construcción monumental fue detenida por el ayuntamiento de Viena. Loos se confesó entusiasta partidario del progreso: «Sí. coronas de frutos. Atacaba a los diseñadores que se portaban como si fueran artistas y que. pues —decía— no construyen palacios. en casas de alquiler que querían ser palacios renacentistas. En la sátira Vom armen reichen Manne (El pobre hombre rico). en la sencilla arquitectura burguesa y en el neoclasicismo de Karl Friedrich Schinkel.

FLOREALE o LIBERTY ITALIANO El Liberty (en inglés. así se conoce en el Reino Unido como estilo Glasgow. En su prólogo. «El hombre moderno que se tatúa es un criminal o un degenerado». que me ha regalado el mundo: la evolución de la cultura es sinónimo de desaparición del ornamento de los objetos de uso diario». como prueba de una ornamentación ingenua e inocente presenta los tatuajes de Papua. pues el género vendido era originario de éste. pues esclaviza a los trabajadores a realizar un trabajo inútil y mal pagado. ya sea tallado. Loos comienza. Procede esta denominación de los almacenes londinenses "Liberty & Co. a causa de Charles Rennie Mackintosh. conocido a través de su introductor. Pero también se ha tomado como un apelativo del modernismo del mundo anglosajón. si bien. . no es solo un problema estético. Sin embargo. La falta de ornamentos es lo adecuado a los tiempos modernos. con una generosa simplificación. suministraron a finales del siglo XIX objetos pertenecientes a este movimiento en Italia desde Inglaterra. tiene su propia denominación en esos países. gracias al apoyo a los diseñadores de este nuevo estilo por parte de su propietario Arthur (Lasenby) Liberty. su actuación fue una lucha continua. dando a conocer la tendencia. «La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual». sino también «un crimen contra la economía nacional». floreal). el siguiente volumen (1931) se llamó Trotzdem (A pesar de todo). y en los Estados Unidos como estilo Tiffany. libertad) es un estilo artístico encuadrado dentro del movimiento conocido en España como modernismo (Art Nouveau). de la que era adalid excéntrico: «De las luchas de 30 años he salido victorioso: he liberado a la humanidad del ornamento superfluo». como sucede en el caso del estilo Floreal." que. como el desarrollo de este estilo en Italia. Ornamento y delito se publicó sin ilustraciones.Esta moral se repite y un elevado número de artículos se puede reducir a unas pocas tesis y tópicos. Es evidente que con todo esto Loos se ganó enemigos. Después pasa a tratar sus propias ideas: «Yo he llegado al siguiente convencimiento. Loos hizo satisfecho balance. Los artículos escritos entre 1897 y 1900 los publicó en 1921 con el título resignado Ins Leeré gesprochen (Hablando en el vacío}. El gusto por el ornamento. pasando rápidamente por la evolución individual y social incluyendo la aparición del arte como origen erótico. Este hecho ha provocado que Liberty sea tenido por un sinónimo. Por un lado de Floreale (en italiano. de dicha ciudad. la selección de fotografías muestra ejemplos de la obra construida de Adolf Loos. debido a Louis Comfort Tiffany[2]. en el momento culminante de la Nueva Arquitectura. tomado de una cita de Nietzsche: «Lo decisivo se produce a pesar de todo». Este estilo alcanza su madurez en la exposición de Turín de la arquitectura en 1890. tratados ya en Ornamento y delito. cortado o fundido.

nervaduras forestales. RAIMONDO D´ARONCO 1857-1932 D' Aronco nació en 1857 en la ciudad provincial de Gemona del Friuli. que tuvo que ser desechada. sus profesores lo impulsaron a estudiar arquitectura. una escuela para la construcción famosa por la especialización de albañiles y carpinteros. Primero le encargaron la restauración de los monumentos dañados en la vieja ciudad. en aquel momento parte del Imperio austríaco) en una familia de los constructores para varias generaciones. Abarcaba todos los ámbitos del arte. como insectos y moluscos. Pero como consecuencia del terremoto. Su diseño ganó la medalla de plata. y a todos los objetos de la vida cotidiana. y siempre haciendo uso de las líneas curvas y las formas elásticas. se representaban motivos florales. aquí aprendió a experimentar libremente con la forma y el. D' Aronco después se ofreció voluntariamente para el servicio militar y trabajó como ingeniero de fortificaciones en Turín. la primera exposición de Turín de la arquitectura en 1890 y la exposición nacional de Palermo en 1891 hecho que le hace ser uno de los arquitectos jóvenes más prometedores de Italia. Udine. En un ambiente primaveral. indefensos e insólitos. que le enseñaron. zarcillos. D' Aronco fue al Johanneum Baukunde. D' Aronco ingresará en una escuela de verano del diseño en Gemona. se vio aún más urgente la necesidad de contratar un arquitecto. A los 14 años. El Sultán Abdul Hamid II aprobó los diseños pero el gran terremoto de 10 de julio de 1894 devastó la ciudad. Después entró en Venecia en la Academia de Artes finos. que todavía existe hoy. En 1893. En la academia. Academia di Belli Arti. le concedieron el primer premio para la composición arquitectónica La subida de Raimondo d' Aronco a la fama en Italia comenzó con la competición del diseño para un monumento al rey Vittorio Emmanuele II construido en Roma. las ideas de Camillo Boito eran dominantes en las clases del diseño. que fue Raimondo d' Aronco. así la pintura. en Austria adentro 1871. .Es un estilo armonioso inspirado en la naturaleza. Italia (ahora cerca de Austríaco frontera. Después de que su vuelta a Italia. Ya bien formado después de años de experiencia práctica con su padre. que ganara el primer premio en un concurso. con motivos animales y vegetales. Él terminó los artes de Gemona y la escuela de comercios después de la escuela primaria. con solo 19 años y llenos de entusiasmo. Una de sus víctimas era la exposición. le invitaron a Estambul en donde elaborara los diseños para la exposición de Estambul de la agricultura y de la industria en 1896. la escultura y las artes aplicadas. Consiguió logros similares en las competiciones para 1887 Exposición de Venecia. Al final del año. que le dio experiencia en la construcción de la madera. y también diseño varios edificios para el gobierno y los ciudadanos. cómo combinar el ambiente existente con otras fuentes. molduras y pequeños animales.

que él diseñó en el palacio de Yıldız. Fue construido por el sultán Abdul Hamid II. Jean Botter. En edificios de Estambul se ve la huella del Art Nouveau. Mezquita de Karakoy (1903). La fuente de Abdulhamit II (1901). - Tumba dentro del cementerio de Mezquita de Fatih(1905). es un taller y un edificio de residencia que diseñó para el sultán Holandés que representa un momento crucial en la arquitectura de D' Aronco. Hábilmente fusiona este movimiento europeo con la arquitectura turca.. Estos 16 años con el sultán fueron los años más productivos de su vida. cerca del consulado de Suecia. En su época fue el lugar más frecuentado por la alta sociedad de Estambul. En la avenida Istiklal. Casa Botter (1900-1901). la presentación de los ejemplos más peculiares de la cantería y el trabajo del hierro. eran con un estilo Europeo . El mausoleo para el jeque religioso africano Zafir del líder (1905-1906). a través del Túnel del Galatasaray. Uno de primeros los edificios de estilo Art Nouveau en Estambul. Los edificios. y caracterizaron por su gran su originalidad. ganó la exposición internacional de Turín en la competición decorativa del diseño de las artes. Torre de reloj para el hospital de Hamidiye-i Etfal (1906). Se ve que en sus obras se inspira en el bizantino y otomano en su mayoría adornos. el bloque de apartamentos Botter se encuentra en un estado triste y descuidado debido a los procesos legales entre los herederos subsiguientes y el . uno de los jeques principales del orden Şazeli. en el nombre de Sheikh Hamza Zafir. el bloque de apartamentos Botter es un edificio de siete pisos. Alrededor en estos años. Janissary Museo y el ministerio de la agricultura (1898). Este edificio glorioso fue construido para el modisto del sultán. el santuario fue construido inspirado en el estilo austriaco. que le llevó a la fama en la esfera internacional.El período de Estambul en su carrera profesional acabó solamente con la deposición del sultán Abdülhamid II en 1909. Casa de Cemil Bey en Kireçburnu (1905). Raimondo D'Aranco introduce el movimiento Art Nouveau en Estambul. Los más conocidos de éstos son: Pavilions del palacio de Yildiz y la fábrica de cerámica de Yildiz (1893-1907).

el comienzo del siglo 20. Es . Pronto el edificio se convirtió en el edificio más popular de la Pera. construye un edificio grandioso en un jardín estupendo. La construcción del bloque de apartamentos Botter corresponde a la época más turbulenta del imperio. se encuentra la Casa de Huber (1906). Rumeli. que Raimondo d' Aronco diseñó. El Sultán Abdulhamid. que tiene un papel importante en las relaciones otomano-Alemania. donde se reunían los ricos de Estambul y organizaban desfiles de moda. Para demostrar su gran poder político deciden decorar Estambul. fue construido en el estilo arquitectónico más importante del período. Entre las numerosas casas privadas. entre ellos está Raimondo D´Aronco. Jean Botter. El suelo y el primer piso del edificio. para mostrar su estima por él. Para esta construcción.En la orilla del Bósforo. era un modisto muy conocido. el Art Nouveau. el famoso arquitecto italiano Raimondo D'Aranco fue elegido. decidió construirle una casa. El sastre oficial del sultán.Estado. al sur de Tarabya Bay. Este edificio se encuentra la mansión que pertenece a Huber Huber Baron. En este caso la Casa Botter fue considerada el escenario de moda de toda Europa. las otras plantas fueron dispuestas como residencias. y para ello llaman a los arquitectos más famosos de Europa.

Esta mansión pasa por muchas manos después de la familia Huber que se fue de Estambul antes de la invasión.el representante de la Compañía de Krup. fue llevada a cabo en 1902 y ofreció muchos trabajos del art Nouveau incluyendo el edificio principal de la exposición. o De la Rotonda. auténticamente preocupados y comprometidos por conservar y adaptarse a la nuevas condiciones de vida decidieron establecer nuevas relaciones arteciencia. Arte y ciencia se desarrollaron a la par adaptándose una a la otra y muchas veces complementándose. se desarrollaba cada vez más y se hacía dueña de la forma de vida de las diversas sociedades. hay un establo. pero que necesita una restauración austera. el hombre trataba de buscar respuestas a pasos acelerados que transformaran las perspectivas entre lo que eran y lo que debían ser las cosas. de Ilusinismo a los movimientos contemporáneos. Más tarde. El jardín está decorado con los árboles importados del extranjero y la mayoría de los árboles son más de 150 años de edad. la tumba de la familia en Udine (1898) y la ciudad pasillo en Udine (1911-1930). fue expropiada y comenzó a ser utilizada como residencia presidencial. El d'Arte Decorativa Moderna. un edificio de aparcamiento. incluyendo el NeoGótico cementerio principal en Cividale (1889). Akal. el toque de Raimondo D'Aranco es evidente. Editorial complutense Tomo I. Él presentó también un proyecto para el edificio de la exposición regional de Udine de 1903. Todo el terreno de la mansión está vallado excepto el edificio principal. Giulio Carlo Argan. accesorios y un asiento de caza. en un estilo de Secessionista. En la mansión. por su parte. el barón Huber era un nombre importante de la sociedad del Bósforo de alta en el período Abdulhamid. tan bien como el pavilion. Fuentes utilizadas El arte moderno. La fecha de construcción se desconoce.skyscrapercity. En la región de su ciudad natal. 1998 Wikipedia para buscar lo de floreale italiano y también esta página http://www. 2003 . La Mansión Huber se estableció en un terreno de 77 acres. y un grupo de personas en diversos países. Ana María Preckeler. En arte. así surge el modernismo. donde cada una fuera igual de importante. es la más antigua de efecto invernadero en Turquía .php?t=1016313 Historia del Arte Universal de los siglos XIX Y XX. CONCLUSIONES El siglo XIX fue una época de cambios en todos los aspectos de la vida. la exposición internacional de Esposizione Internazionale de Turín. La tecnología crecía.com/showthread. todavía hay muchos de sus trabajos. en 1985.

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