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Deconstructivismo

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UNIVERSIDAD NACIONAL AUTONOMA DE HONDURAS UNAH

ESCUELA DE ARQUITECTURA

TEORIA SUPERIOR

DECONSTRUCTIVISMO

ARQUITECTA: IRIS ARDOBINI

PRSENTADO POR: CANDY MOLINA MIRELLA CRUZ

28 Noviembre 2008

TEGUCIGALPA, FRANCISCO MORAZAN

INTRODUCCION

Deconstructivismo, estilo arquitectónico contemporáneo atribuido a finales de la década de 1980 a diversos arquitectos estadounidenses y europeos. Se debe su nombre a las referencias teóricas y formales realizadas, por una parte, al constructivismo ruso de entreguerras (citando algunas de las obras de Alexander Rodchenko y Vladímir Tatlin por su carácter formal inestable) y por otra parte, a la filosofía de la desconstrucción ilustrada por los trabajos de Jacques Derrida. La coherencia de este movimiento resulta difícil de valorar si se comparan los trabajos presentados desde 1988 por arquitectos tan dispares como Coop Himmelblau, Peter Eisenman, Frank Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas o incluso Bernard Tschumi. A pesar del importante esfuerzo de legitimación filosófica realizado, el deconstructivismo va abandonando rápidamente sus fundamentos teóricos para irse convirtiendo, al hilo de las numerosas publicaciones y exposiciones internacionales realizadas, solamente en un estilo arquitectónico influenciado principalmente por los trabajos de algunos arquitectos anglosajones. A comienzos de la década de 1990 se convierte para muchos en una fuente de inspiración orientada hacia un manierismo espacial atormentado con un gusto pronunciado por las performances constructivas del tipo post-high-tech. El deconstructivismo “Despedaza” la forma desde adentro de la misma, alterando su esencia. Ejerce una trasgresión respecto a la arquitectura moderna. La percepción es de inseguridad. La obra arquitectónica se deforma en función de los procedimientos deconstruccionistas, para luego asignar la función. Gracias a este modelo, se liberan las emociones y se desprenden de los elementos significantes de la arquitectura moderna.

ORIGEN DEL MOVIMIENTO DECONSTRUCTIVISTA

El deconstructivismo, también llamado deconstrucción, es una escuela arquitectónica que nació en la
exposición en el MOMA llamada “Arquitectura Deconstructivista” en el año 1988 que cristalizó el

movimiento y dio fama y notoriedad a sus integrantes, organizada por los Arquitectos Philip Johnson y Peter Eisenman, en esta exposición participaron los arquitectos: Rem Koolhaas, Zaha Hadid, Frank Gehry ( para esa exposición participó con su propia casa, que era el único proyecto desconstruido que había construido), Coop Himmelblau, Bernard Tschumi, Daniel Libeskind (cuyo proyecto más famoso y su 1ero, es la ampliación en Berlín del museo Judío). -Los proyectos de esta exposición marcan una sensibilidad diferente, una en la que el sueño de la forma pura ha sido perturbada. Es la capacidad de perturbar nuestros pensamientos sobre la forma lo que hace a estos proyectos deconstructivos. La muestra examinaba un episodio, un punto de intersección entre muchos arquitectos donde cada uno construye un inquietante edificio mediante la explotación del potencial oculto del modernismo. Debe su nombre a las referencias teóricas y formales realizadas, por una parte, al constructivismo ruso de entreguerras (citando algunas de las obras de Alexander Rodchenko y Vladímir Tatlin por su carácter formal inestable) y por otra parte, a la filosofía de la desconstrucción ilustrada por los trabajos de Jacques Derrida. Jacques Derrida (1930-2004) Filósofo francés, cuyo trabajo originó la escuela de deconstrucción, una estrategia de análisis que ha sido aplicada a literatura, lingüística, filosofía, jurisprudencia y arquitectura. En 1967, publicó tres libros: Speech and Phenomena (1), Of Grammatology (2), y Writing and Difference (3), que han introducido el punto de vista deconstructivista en la lectura de textos. Derrida ha resistido ser clasificado, y sus últimos trabajos continúan redefiniendo su pensamiento. Nació en El-Biar, Argelia. En 1952 comenzó su estudio de filosofía en la Escuela Normal Superior de París, donde más tarde enseño desde 1965 a 1984. Desde 1960 a 1964, Derrida enseñó en la

Sorbona, en París. Desde los comienzos de 1970 ha dividido mucho de su tiempo entre París y Estados Unidos, donde ha enseñado en universidades tales como Johns Hopkins, Yale, y la Universidad de California, en Irvine. Otros trabajos suyos incluyen Glas (1974) (4) y The Post Card (1980) (5). La obra de Derrida se centra en el lenguaje. Sostiene que el modo metafísico o tradicional de lectura produce un sinnúmero de falsas suposiciones sobre la naturaleza de los textos. Un lector tradicional cree que el lenguaje es capaz de expresar ideas sin cambiarlas, que en la jerarquía del lenguaje escribir es secundario a hablar, y que el autor de un texto es la fuente de su sentido. El estilo deconstructivista de lectura de Derrida subvierte estas presunciones y desafía la idea de que un texto tiene un significado incambiable y unificado. La cultura occidental ha tendido a asumir que el habla es una vía clara y directa para comunicar. Derrida cuestiona esta presunción en psicoanálisis y lingüística. Como resultado, las intenciones de los autores en el discurso no pueden ser incondicionalmente aceptadas. Esto multiplica el número de interpretaciones legítimas de un texto. La deconstrucción muestra los múltiples estratos de sentido en que trabaja el lenguaje. Deconstruyendo las obras de anteriores pensadores, Derrida intenta mostrar que el lenguaje está mudando constantemente. Aunque el pensamiento de Derrida es considerado a veces por los críticos como destructivo de la filosofía, la deconstrucción puede ser mejor entendida como la muestra de ineludibles tensiones entre los ideales de claridad y coherencia que gobiernan la filosofía, y los inevitables defectos que acompañan su producción.

- El Deconstructivismo se caracteriza por la fragmentación, el proceso de diseño no lineal, el interés por la manipulación de las ideas de la superficie de las estructuras y en apariencia, de la geometría no euclídea,1 (por ejemplo, formas no rectilíneas) que se emplean para distorsionar y dislocar algunos de los principios elementales de la arquitectura como la estructura y la envolvente del edificio. La apariencia visual final de los edificios de la escuela deconstructivista se caracteriza por una estimulante impredecibilidad y un caos controlado. Tiene su base en el movimiento teórico-literario también llamado deconstrucción. Originalmente, algunos de los arquitectos conocidos como deconstructivistas estaban influidos por las ideas del filósofo francés Jacques Derrida. Eisenman mantuvo una relación personal con Derrida, pero de todas formas desarrolló su aproximación al diseño arquitectónico mucho antes de hacerse deconstructivista. Según él, el deconstructivismo debe considerarse una extensión de su interés por el

formalismo radical. Algunos seguidores de la corriente deconstructivista estaban también influidos por la experimentación formal y los desequilibrios geométricos de los constructivistas rusos. -Hay referencias adicionales en el deconstructivismo a varios movimientos del siglo XX: la interacción modernismo/postmodernismo, expresionismo, cubismo y el arte contemporáneo. El intento del deconstructivismo es liberar a la arquitectura de las reglas modernistas, que sus seguidores juzgan constrictivas, como «la forma sigue a la función» (“form follows function”), «la pureza de la forma» y la «verdad de los materiales» (“truth on materials”). El deconstructivismo incluye ideas de fragmentación, procesos no lineales, procesos de diseño, geometría no euclídea, negando polaridades como la estructura y el recubrimiento. La apariencia visual de los edificios de este estilo se caracteriza por un caos controlado. Muchos críticos del deconstructivismo ven esto como un mero ejercicio formal con poco significado social.

CARACTERISTICAS

• Súper imposición en diagonal de formas rectangulares o trapezoidales. • • • • Contrastes entre las imágenes retorcidas. Abandono de la vertical y la horizontal. Rotación de los cuerpos geométricos alrededor de ángulos pequeños. La fragmentación.

ARQUITECTOS Y PROYECTOS IMPORTANTES

Philip Johnson: Nació el 7 de agosto de 1906 y muere el 25 de febrero de 2005. Nació en Cleveland, Ohio. Estudió arquitectura e hizo después un máster de historia de la arquitectura en la Universidad Harvard. Una de las obras que ha realizado el Arquitecto Johnson son “Las torres Puerta de Europa”, o Torres KIO (debido a que fueron promovidas por la empresa kuwaití KIO, Kuwait Investments Office) son dos torres de 114 metros de altura repartidos en 26 plantas. El detalle que más llama la atención de estas singulares construcciones es su inclinación de 15º respecto a la vertical, ya que se trata de los primeros rascacielos inclinados que se construyeron en el mundo. El secreto de la construcción se basa en que la mayor parte del peso descansa sobre un eje central de hormigón y acero, mientras que la parte “inclinada” de la torre es mucho más ligera. La torre de la izquierda se conoce como Puerta de Europa I y tiene el logotipo de Caja Madrid y alberga la sede de dicha entidad bancaria.La torre de la derecha, Puerta de Europa II, tiene el logotipo de Realia, una empresa inmobiliaria. La construcción de las torres comenzó en 1989 y no se terminaron hasta el otoño de 1995, debido a un largo parón en la construcción de diciembre de 1989 a septiembre de 1994. La base de las torres es cuadrada, de 35 metros de lado. Cada rascacielos tiene tres sótanos, planta baja, entreplanta para instalaciones y 24 pisos para oficinas, de 1.200 metros cuadrados aproximadamente. En la azotea de las torres se encuentran dos helipuertos de 20 x 20 metros. Como curiosidad, los helipuertos están pintados de distinto color para evitar la confusión de los pilotos: el de la torre de la izquierda está pintado de azul y el de la de la derecha, de rojo. El acceso a la plantas se realiza mediante ocho ascensores. Debido a la inclinación del edificio, cuatro de ellos sólo llegan hasta la planta 13. Asimismo, la inclinación hace que cada una de las plantas sea distinta a las demás, ya que el espacio se redistribuye de forma distinta respecto al núcleo central de ascensores. La fachada de las torres mezcla el vidrio, el aluminio y el acero inoxidable, material del que están hechas las bandas brillantes que las caracterizan.

Puerta de Europa (Torres Kio) (1998)

Peter Eisenman: Nació Newark, Nueva Jersey, 11 de agosto de1932 es un arquitecto estadounidense. Estudió en la Universidad de Cornell y es Doctor por la Universidad de Cambridge (Inglaterra). En 1982 fundó el Institute for Architecture and Urban Studies, de Nueva York.

La Casa Guardiola es uno de los proyectos deconstructivistas del Arquitecto Eisenman, para el desarrollo del proyecto, gira cada uno de los cuerpos no solo horizontalmente, sino también verticalmente. Los movimientos ocurren según ángulos pequeños, típicos del deconstructivismo. En el plano, esto no produce grandes dificultades, pero en la sección se ve que este método tiene sus límites. Se tiene que rellenar los cuerpos oblicuos de forma cuneiforme, para poder crear superficies horizontales útiles. Por otro lado, resultan dos nuevos sistemas (oblicuo y horizontal) que se interseccionan. La idea de lugar siempre ha sido centrar en la relación entre el hombre y su ambiente. Hay dos elementos que cuestionan la forma tradicional de crear un lugar:
 

La tecnología (predominio sobre la naturaleza) El pensamiento moderno (devela la irracionalidad- la lógica contiene en su interior lo ilógico).

Amenazas de orden filosófico y arquitectónico hasta ahora reprimidas por el orden tradicional son inevitables ante las nuevas ideas y pensamientos. Este colapso del tradicionalismo arrastra las categorías tradicionales del tipo-morfología y perímetro- objeto. Sus formas en “L” penetran en tres planos siempre entrelazándose, es como si estuviera compuesto por una sustancia que cambia constantemente de forma mediante las marcas dejadas sobre ellas y la huella del material que ha sido eliminado de su superficie. Al igual que el pie deja su marca en la arena mientras que esta permanece como huella de pie, cada uno de estos residuos y acciones quedan fuera de cualquier orden racional o natural.

Casa Guardiola, Santa María del Mar Cádiz, 1988.

Rem Koolhaas (1944- ), arquitecto holandés. Nacido en Rotterdam, trabajó como periodista y publicista antes de comenzar sus estudios de Arquitectura en la Architectural Association de Londres, donde permaneció entre 1968 y 1972. Es un arquitecto que proyecta edificios de clara consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter predominante. En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón internacional más importante de arquitectura. Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha publicado varios libros. Entre los más importantes se encuentran: "S, M, L, XL", "Mutaciones", "Content" y "Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan". Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea más importante y es su labor como urbanista, entre los que predomina su especial predilección por el uso de la congestión en sus obras, como en los proyectos para Lille o para Melun Senart, y su gusto hoy día por las ciudades asiáticas. Ha impartido clases en varias escuelas y universidades. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard, probablemente sea en estos momentos el arquitecto más influyente y contundente del panorama internacional.

El Nederlands Danstheater, en La Haya

El Nederlands Danstheater, en La Haya, fue concebido para representaciones de Balet. Desde afuera no parece una construcción deconstructivista, sino una acumulación de cuerpos que recuerdan los años cincuenta: tejado ondulado, una cafetería cónica y el teatro pintado de forma abstracta. Sin embargo, en el foyer encontramos algunos elementos deconstructivos: Sky Bar (un balcón oval que, de nuevo, recuerda los años cincuenta), flota en las alturas, asentado sobre tubo y puesto en equilibrio mediante elementos finos de tracción. En la planta baja, el foyer está situado, como una lengua, por debajo del auditorio hasta que en sus extremos ya no es transitable. Esta cueva está iluminada con tal intensidad que tiene un carácter irreal. El insólito cromatismo contribuye a ello cada columna tiene un color distinto, (el interior de la sala está pintado de negro.)

El Nederlands Danstheater, en La Haya

Zaha Hadid: Nació en Bagdad el 31 de octubre de 1950, Es una prominente arquitecta angloiraquí, procedente de la corriente del deconstructivismo. A pesar de ser de nacionalidad iraquí, la mayor parte de su vida la ha pasado en Londres donde se ubica su estudio de arquitectura. La obra arquitectónica de Zaha Hadid ha sido reconocida en diversas ocasiones con premios de rango internacional entre ellos el Premio Pritzker. Se utilizaron los elementos del proyecto para estructurar el lugar, otorgando identidad y ritmo a la calle principal que recorre el complejo. Esta calle fue concebida como una zona ajardinada lineal, como una extensión artificial de los campos y viñedos adyacentes. En lugar de diseñar el edificio como un objeto aislado, se desarrolló como el extremo exterior de un área ajardinada: definiendo el espacio en vez de ocuparlo. En cuanto al espacio, las funciones de definición y protección del edificio fueron el punto de partida del concepto: una serie lineal de capas de paredes. La estación ocupa los espacios entre estas paredes, que se perforan, se inclinan y se rompen según los requerimientos funcionales. El edificio es hermético desde una lectura frontal.

Estación de Bomberos Vitra Alemania. 1990 -1993.

Daniel Libeskind: (1946) es un arquitecto norteamericano de origen polaco. Nació en Lodz, en la Polonia de la post-guerra. Estudió música en Israel y en Nueva York, y llegó a ser un intérprete virtuoso. No obstante, decidió abandonar la música y dedicarse a la arquitectura. Estudió primero en la Cooper Union for the Advancement of Science and Art en Nueva York, y obtuvo posteriormente un título de postgraduado en la Universidad de Essex, en Inglaterra. A los 21 años Libeskind adquirió la nacionalidad norteamericana. Desde su inauguración en el año 2001 el Museo Judío de Berlín se ha convertido en una de las instituciones más destacadas del paisaje cultural europeo. Sus exposiciones, su colección permanente, su trabajo pedagógico y su programa de actividades hacen del Museo un centro vital para la difusión de la historia y la cultura judeoalemanas. El nuevo museo representa los últimos dos mil años del pueblo de Israel, desde sus primeras huellas en tierras alemanas, a través de 3.900 objetos, pasando por antiquísimas Torah hasta los tubos de ensayo de Mendelssohn. Situándose en el concurrido barrio de Kreuzberg, el museo presenta una curiosa planta en forma de estrella de David deformada. Según dice el mismo arquitecto: “Construí una matriz irracional que adoptaba la forma de una sistema de triángulos entrelazados y que hacia referencia al emblema de una estrella comprimida y distorsionada”. Esa estrella amarilla que seria símbolo de muerte entre los judíos de la segunda guerra mundial. El Museo intenta mostrar como en 2.000 años de historia es inevitable que figure un lugar destacado a la destrucción, la ruptura. La destrucción del judaísmo alemán es el doloroso subtexto de las exposiciones allí contenidas. El Museo propone a los visitantes un espejo que no solo ofrece los 3.900 objetos que exhibe sino también una rica enseñanza imposible de encontrar en otro lugar. Para Libeskind el Museo no solo es un símbolo sino también un síntoma: "un síntoma de la nostalgia por lo perdido, o con mayor precisión, por los judíos aniquilados. Es el síntoma de una historia enferma". Organizado en 13 segmentos históricos, con objetos, réplicas, elementos interactivos y de sonido, el Museo Judío de Berlín promete no ser elitista ni caer en la superficialidad.

Extensión del Museo Judío Berlín, 1989-97

Bernard Tschumi: Nacido el 25 de enero de 1944 en Lausana, Suiza, arquitecto franco-estadounidense. Su obra suele considerarse dentro del deconstructivismo, pero su postura teórica se basa principalmente en la práctica de la libertad personal del diseñador frente a sus obras. Situado en el XIXe arrondissement de París (Francia), el Parque de La Villette (en francés Parc de la Villete) es el mayor parque de la capital francesa (55 hectáreas) y el segundo mayor espacio verde de la capital (tras el Cementerio de Père-Lachaise). La realización arquitectural del parque corrió a cargo de Bernard Tschumi, en 1982. Ocupa el lugar del viejo matadero y mercado de ganado de la ciudad. El parque está salpicado por una trama de edificios rojos llamados «Folies», que ponen una nota de color al parque y ofrecen numerosos servicios, como guardería, cafetería, talleres… El canal de l’Ourcq divide al parque en dos, y para conectar ambas partes del parque, existen dos pasarelas peatonales. Numerosos edificios prestigiosos se encuentran en el Parc de la Villette, como por ejemplo el teatro Zénith, la Géode o la Cité de la Musique. Las numerosas atracciones de las que dispone hacen de él un lugar de paseo muy agradable. Tiene una programación cultural muy variada a lo largo del año: exposiciones, teatro, conciertos, circo, cine al aire libre, etc.

Parc de la Villette

El Museo Guggenheim De Bilbao, España, Frank Gehry

Diseñado por el arquitecto norteamericano Frank O. Gehry, el Museo Guggenheim Bilbao está situado en una parcela de 32.500 m2 que se halla a nivel de la ría del Nervión, es decir a 16 m por debajo de la cota de la ciudad de Bilbao y que está atravesada en uno de sus extremos por el colosal Puente de La Salve, una de las principales entradas a la ciudad.

El edificio está compuesto de una serie de volúmenes interconectados, unos de forma ortogonal recubiertos de piedra caliza, y otros curvados y retorcidos, cubiertos por una piel metálica de titanio. Estos volúmenes se combinan con muros cortina de vidrio que dotan de transparencia a todo el edificio. Debido a su complejidad matemática, las sinuosas curvas de piedra, cristal y titanio han sido diseñadas por ordenador.

Los muros cortina de cristal han sido tratados especialmente para que la luz natural no dañe las obras, mientras que los paneles metálicos que recubren a modo de "escamas de pez" gran parte de la estructura son láminas de titanio de medio milímetro de espesor, material que presenta unas magníficas condiciones de mantenimiento y preservación.

En su conjunto, el diseño de Gehry crea una estructura singular, espectacular y enormemente visible, consiguiendo una presencia escultórica como telón de fondo al entorno de la ciudad.

La entrada principal del Museo se encuentra enfilando la calle Iparraguirre, una de las calles neurálgicas que cruza diagonalmente Bilbao, en un intento de extender el centro urbano hasta la puerta misma del museo. Mediante una amplia escalinata descendente -diseño infrecuente en edificios institucionales- se accede al vestíbulo del Museo, resolviendo de esta forma con acierto la diferencia de altura existente entre la cota de la ría y la del Ensanche de la ciudad, y haciendo factible que un edificio de 24.000 m2 de superficie y más de 50 m de alto, no sobrepase la altura de las construcciones circundantes.

Una vez pasado el vestíbulo y penetrando en el espacio expositivo, se accede al atrio, uno de los rasgos más característicos del diseño de Gehry, que está coronado por un lucernario cenital en forma de "flor metálica", del que brota un chorro de luz que ilumina el cálido y acogedor espacio. La terraza, accesible desde el atrio y con vistas a la ría y al jardín de agua, está cubierta por una marquesina apoyada en un único pilar de piedra, con una doble función protectora y estética. Una amplia rampa de escaleras que parte de la fachada posterior, asciende hasta la escultórica torre, concebida para absorber e integrar el Puente de la Salve en el complejo arquitectónico.

Los tres niveles de galerías del edificio se organizan alrededor de este atrio central y se conectan mediante pasarelas curvilíneas, ascensores acristalados y torres de escaleras a modo de ciudad metafórica donde los paneles de cristal que cubren los ascensores evocan las escamas de un pez que salta y se retuerce, las pasarelas que suben por las paredes interiores son como autopistas verticales, y las curvas de escayola que coronan el atrio sugieren los nervios moldeados de un dibujo de Willem de Kooning. En definitiva, todo un artificio de diseño arquitectónico llevado a su límite. El edificio dispone de un total de 11.000 m2 de espacio expositivo distribuido en diecinueve galerías. Diez de ellas tienen forma ortogonal y aspecto más bien clásico, identificables desde el

exterior por su recubrimiento en piedra. En contraste, otras nueve salas son de una irregularidad singular y se identifican desde el exterior por su recubrimiento de titanio. A base de jugar con volúmenes y perspectivas, estas galerías proporcionan espacios interiores descomunales que mantienen el singular perfil exterior y por los que, sin embargo, el visitante no se siente en absoluto desbordado. Las obras de gran formato tienen cabida en una galería excepcional de 30 m de ancho por 130 m de largo, libre de columnas y con un tipo de suelo preparado especialmente para soportar el trasiego frecuente y el peso de las obras que aloja. Esta galería vista desde fuera discurre bajo el Puente de La Salve por debajo y se topa en su extremo con la torre que simula abrazar el puente e incluirlo en el edificio. Existe una estrecha armonía entre las formas arquitectónicas y los contenidos de cada galería. Esto, sin duda, clarifica el recorrido por el interior del museo, que además, gracias al eje central del atrio y a las pasarelas que llevan de una a otra galería permitiendo ver los espacios expositivos desde otras perspectivas, facilitan la ubicación y localización de salas y servicios en todo momento. Al penetrar en el museo, el visitante descubre que bajo la externa complejidad de formas arquitectónicas, se oculta un mundo ordenado y claro donde no pierde su orientación.

Construir el diseño de Gehry era un reto por su complejidad desde barios puntos de vista, complejidad geométrica por que el edificio está construido en gran parte tanto interior como exteriormente por superficies complejas, curvadas en una y dos direcciones. Complejidad técnica que se deriva por una parte de la complejidad geométrica es preciso llegar a las formas finales curvas a partir de una estructura primaria poligonal y por otra de las elevadas exigencias funcionales en cuanto a la climatización, iluminación y seguridad.

A partir de los croquis de Frank Gehry se hicieron las primeras maquetas aún poco definidas y de ellas se paso a configurar cada una de las piezas individuales que forman el museo. Iniciando un proceso de búsqueda de las relaciones espaciales entre ellas.

Todas las secuencias del proceso han sido registradas minuciosamente El trabajo de Gehry es el resultado de la síntesis de dos procesos aparentemente muy alejados: una iluminación muy desbordante con las formas y un extraordinario dominio en el uso de los materiales. En sus edificios, el programa inicia l se explosiona fragmentándose en múltiples volúmenes autónomos que mantienen entre sí relaciones de tensión e incluso de autentica colisión la concepción rotundamente tridimensional de su obra le ha llevado a proyectar casi exclusivamente con maquetas este arquitecto excesivo y minucioso transforma las creativas maquetas en edificios llena de razón constructiva. El carácter abstracto de muchas de sus composiciones no se basa en un mero ejercicio geométrico es consecuencia de una búsqueda inquieta. El acabado interior tiene un único y abstracto tratamiento de cartón-yeso mientras que las caras externas adquieren la calidad que definen cada tipo de volumen: piedra aplacada para los cúbicos y escamas de titanio para las formas. Unos abigarrados muros cortina de vidrio acentúan la tensión compositiva. Las formas ondulantes del titanio constituyen sin lugar a dudas el elemento más emblemático del museo. Para conseguir esta superficie de doble curvatura a partir de la geometría facetada de la estructura primaria se dispuso una doble trama de generatrices la primera está formada por tubos circulares de acero galvanizado que definen a modo de curvas de nivel la forma horizontal a intervalos regulares de 3 m. la fijación con la estructura primaria se realiza mediante perfiles perpendiculares al plano de fachada que permiten absorber las diferencia entre las dos geometrías y garantizan la exacta colocación del tubo horizontal sobre una estructura secundaria un tercer nivel estructural permite definir la curvatura vertical, la estructura terciaria está formada

por perfiles abiertos en c , situados en cada 60 cm. Y sobre ellos se atornilla la chapa galvanizada de 2 mm que cierra el volumen del edificio la forma del perfil permite absorber una ligera torsión (con un ángulo máximo de 4º) necesariamente para mantener la perpendicularidad al plano de fachada. La estructura primaria del edificio configura las formas poliédricas básicas de los diversos cuerpos del museo: está formada por una malla de 3m de lado realizada con perfiles metálicos rectos unidos mediante cartelas y tornillos de alta resistencia como riostras se han usado tubos metálicos de sección circular. la superficie finalmente fue el titanio después de largas búsquedas, ya había sido utilizado por Gehry en el Museo de Diseño de Vitra, que añade a sus valores plásticos unas extraordinarias capacidades mecánicas y resistencia a la corrosión. Su espesor tan solo 0.38 mm y su proceso de plegado le confiere su especial y ondulante textura. Para sujetar la piel exterior dotada de doble curvatura se a recurrido a una estructura secundaria de tubos de acero galvanizado unidos formando curvas de nivel separadas cada 3m la curvatura vertical está definida por una estructura terciaria de perfiles rectos dispuestos a 60 cm.

CONCLUSIONES

Los deconstructivistas adoptaron una postura de confrontación contra la arquitectura establecida y la historia de la arquitectura, mostrando su deseo de desensamblar la arquitectura. Mientras que los postmodernistas volvieron a abrazar—a menudo astuta o irónicamente—las referencias históricas que el modernismo rechazaba, el deconstructivismo rechaza la aceptación postmoderna de estas referencias. También rechaza la idea de ornamento como decoración. Estos principios hacen que el deconstructivista se alinee con las ideas de anti-historicismo modernista.

El concepto Deconstructivismo proviene, igual que el de Postmodernidad, de la literatura y filosofia, significado, dicho de forma simplificada, la descomposición de los conceptos en sus componentes.

El Deconstructivismo incluye aspectos de fragmentación, procesos no lineales, procesos de diseño, negando polaridades como la estructura y el reconocimiento. La apariencia visual de estos edificios en este estilo se caracteriza por un caos descontrolado.

BIBLIOGRAFIA

Sitios Web:
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Libros: Tendencias de la Arquitectura Contemporánea, Jan Cejka, Ediciones G. Gili, S. A. de C. V, México, 1995, 2 Edición 1995.

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